Theatre
تھیٹر یا تھیٹر پرفارمنگ آرٹ کی ایک باہمی تعاون کی شکل ہے جو براہ راست اداکاروں، عام طور پر اداکاروں یا اداکاراؤں کا استعمال کرتا ہے، تاکہ کسی حقیقی یا خیالی واقعہ کے تجربے کو کسی مخصوص جگہ، اکثر ایک اسٹیج پر براہ راست سامعین کے سامنے پیش کیا جا سکے۔ فنکار اس تجربے کو اشارے، تقریر، گانا، موسیقی اور رقص کے امتزاج کے ذریعے سامعین تک پہنچا سکتے ہیں۔ یہ ڈرامہ کی قدیم ترین شکل ہے، حالانکہ لائیو تھیٹر اب جدید ریکارڈ شدہ شکلوں سے مل گیا ہے۔ آرٹ کے عناصر، جیسے پینٹ شدہ مناظر اور اسٹیج کرافٹ جیسے روشنی کا استعمال تجربے کی فزیکلٹی، موجودگی اور فوری طور پر بڑھانے کے لیے کیا جاتا ہے۔ جگہیں، عام طور پر عمارتیں، جہاں باقاعدگی سے پرفارمنس ہوتی ہیں، انہیں "تھیٹر" (یا "تھیٹر") بھی کہا جاتا ہے، جیسا کہ قدیم یونانی θέατρον (تھیٹرون، "دیکھنے کی جگہ") سے ماخوذ ہے، خود θεάομαι (تھیومائی، "دیکھنے کے لیے"، "دیکھنے کے لیے"، "مشاہدہ کرنے کے لیے") سے ماخوذ ہے۔ جدید مغربی تھیٹر، بڑی حد تک، قدیم یونان کے تھیٹر سے آتا ہے، جہاں سے یہ تکنیکی اصطلاحات، انواع میں درجہ بندی، اور اس کے بہت سے موضوعات، اسٹاک کرداروں اور پلاٹ عناصر کو ادھار لیتا ہے۔ تھیٹر آرٹسٹ پیٹریس پاوس تھیٹر کی خاصیت، تھیٹر کی زبان، اسٹیج رائٹنگ اور تھیٹر کی خاصیت کو مترادف تاثرات کے طور پر بیان کرتے ہیں جو تھیٹر کو دوسرے پرفارمنگ آرٹس، ادب اور عام طور پر فنون سے الگ کرتے ہیں۔ تھیٹر کمپنی ایک ایسی تنظیم ہے جو تھیٹر کی پرفارمنس پیش کرتی ہے، جو تھیٹر ٹولپ (یا اداکاری کمپنی) سے الگ ہے، جو تھیٹر کے فنکاروں کا ایک گروپ ہے جو مل کر کام کرتا ہے۔ جدید تھیٹر میں ڈراموں اور میوزیکل تھیٹر کی پرفارمنس شامل ہے۔ بیلے اور اوپیرا کی آرٹ شکلیں بھی تھیٹر ہیں اور اداکاری، ملبوسات اور اسٹیجنگ جیسے بہت سے کنونشن استعمال کرتی ہیں۔ وہ میوزیکل تھیٹر کی ترقی میں بااثر تھے۔ تھیٹر کی تاریخ کلاسیکی اور ہیلینیائی یونان شہر ریاست ایتھنز وہ جگہ ہے جہاں مغربی تھیٹر کی ابتدا ہوئی۔ یہ کلاسیکی یونان میں تھیٹریکلٹی اور پرفارمنس کی ایک وسیع تر ثقافت کا حصہ تھا جس میں تہوار، مذہبی رسومات، سیاست، قانون، ایتھلیٹکس اور جمناسٹکس، موسیقی، شاعری، شادیوں، جنازوں اور سمپوزیم شامل تھے۔ شہری ریاست کے بہت سے تہواروں میں شرکت-اور خاص طور پر سامعین کے رکن (یا یہاں تک کہ تھیٹر پروڈکشن میں شریک کے طور پر) سٹی ڈیونیشیا میں لازمی حاضری-شہریت کا ایک اہم حصہ تھا۔ شہری شرکت میں قانون کی عدالت یا سیاسی اسمبلی میں پرفارمنس میں گواہی دینے والے مقررین کی بیان بازی کا جائزہ بھی شامل تھا، ان دونوں کو تھیٹر کے مترادف سمجھا جاتا تھا اور تیزی سے اس کے ڈرامائی الفاظ کو جذب کرنے لگے۔ یونانیوں نے ڈرامائی تنقید اور تھیٹر فن تعمیر کے تصورات بھی تیار کیے۔ اداکار یا تو شوقیہ یا بہترین طور پر نیم پیشہ ور تھے۔ قدیم یونان کا تھیٹر تین قسم کے ڈراموں پر مشتمل تھا: المیہ، مزاح اور طنزیہ ڈرامہ۔ تھیٹر کے پہلے نظریہ ساز ارسطو (384-322 BCE) کے مطابق، قدیم یونان میں تھیٹر کی ابتدا ان تہواروں میں پائی جاتی ہے جنہوں نے ڈیونیسس کو اعزاز سے نوازا تھا۔ پرفارمنس نیم سرکلر آڈیٹوریا میں دی گئی جو پہاڑیوں میں کٹی گئی تھی، جو 10,000-20,000 لوگوں کے بیٹھنے کی صلاحیت رکھتی تھی۔ اسٹیج ایک ڈانسنگ فلور (آرکسٹرا)، ڈریسنگ روم اور سین بلڈنگ ایریا (سکن) پر مشتمل تھا۔ چونکہ الفاظ سب سے اہم حصہ تھے، اس لیے اچھی صوتیات اور واضح ترسیل سب سے اہم تھی۔ اداکار (ہمیشہ مرد) اپنے کرداروں کے مطابق موزوں ماسک پہنتے تھے، اور ہر ایک کئی کردار ادا کر سکتا ہے۔ ایتھنین کا المیہ-المیہ کی سب سے قدیم زندہ بچ جانے والی شکل-ایک قسم کا رقص ڈرامہ ہے جس نے شہری ریاست کی تھیٹر ثقافت کا ایک اہم حصہ تشکیل دیا۔ چھٹی صدی قبل مسیح کے دوران کسی وقت ابھرنے کے بعد، یہ 5 ویں صدی قبل مسیح کے دوران پھولنے لگا (جس کے اختتام سے یہ پوری یونانی دنیا میں پھیلنا شروع ہوا)، اور ہیلینسٹک دور کے آغاز تک مقبول رہا۔ چھٹی صدی قبل مسیح کا کوئی المیہ اور 5 ویں صدی قبل مسیح کے دوران پیش کیے گئے ایک ہزار سے زیادہ میں سے صرف 32 بچ سکے ہیں۔ ہمارے پاس ایسچیلس، سوفوکلس اور یوریپائڈز کی مکمل تحریریں موجود ہیں۔ سانحے کی ابتداء غیر واضح ہے، حالانکہ 5 ویں صدی قبل مسیح تک اسے ڈیونیسس (شراب اور زرخیزی کے دیوتا) کو منانے والے تہواروں کے حصے کے طور پر منعقد ہونے والے مقابلوں (ایگون) میں ادارہ جاتی بنایا گیا تھا۔ سٹی ڈیونیشیا کے مقابلے میں مدمقابل کے طور پر (اسٹیج ڈرامہ کے لیے تہواروں میں سب سے زیادہ مائشٹھیت) ڈرامہ نگاروں کو ڈراموں کی ایک ٹیٹرولوجی پیش کرنے کی ضرورت تھی (حالانکہ انفرادی کام لازمی طور پر کہانی یا تھیم سے جڑے نہیں تھے)، جو عام طور پر تین سانحات اور ایک طنزیہ ڈرامے پر مشتمل ہوتے تھے۔ سٹی ڈیونیشیا میں سانحات کی کارکردگی 534 قبل مسیح کے اوائل میں شروع ہو سکتی ہے۔ سرکاری ریکارڈ (دیداسکالی) 501 قبل مسیح سے شروع ہوتے ہیں، جب طنزیہ ڈرامہ متعارف کرایا گیا تھا۔ ایتھنز کے زیادہ تر سانحے یونانی افسانوں کے واقعات کو ڈرامائی انداز میں پیش کرتے ہیں، حالانکہ فارس-جو 480 قبل مسیح میں سلامیس کی جنگ میں اپنی فوجی شکست کی خبروں پر فارسی ردعمل کو پیش کرتا ہے-زندہ بچ جانے والے ڈرامے میں قابل ذکر رعایت ہے۔ جب ایسچیلس نے 472 قبل مسیح میں سٹی ڈیونیشیا میں اس کے لیے پہلا انعام جیتا، تو وہ 25 سال سے زیادہ عرصے سے سانحات لکھ رہا تھا، پھر بھی حالیہ تاریخ کا اس کا المناک علاج ڈرامے کی زندہ رہنے کی ابتدائی مثال ہے۔ 130 سال سے زیادہ عرصے کے بعد، فلسفی ارسطو نے ڈرامائی نظریہ کے سب سے قدیم زندہ بچ جانے والے کام میں 5 ویں صدی کے ایتھن کے سانحے کا تجزیہ کیا۔ ایتھنین کامیڈی کو روایتی طور پر تین ادوار میں تقسیم کیا گیا ہے، "اولڈ کامیڈی"، "مڈل کامیڈی"، اور "نیو کامیڈی"۔ اولڈ کامیڈی آج بڑی حد تک ارسطو کے گیارہ زندہ بچ جانے والے ڈراموں کی شکل میں زندہ ہے، جبکہ مڈل کامیڈی بڑی حد تک کھو گئی ہے (صرف مصنفین جیسے ایتھنیوس آف نوکریٹس میں نسبتا مختصر ٹکڑوں میں محفوظ ہے)۔ نیو کامیڈی کو بنیادی طور پر مینینڈر کے کافی پیپرس کے ٹکڑوں سے جانا جاتا ہے۔ ارسطو نے کامیڈی کی تعریف ہنسیدار لوگوں کی نمائندگی کے طور پر کی ہے جس میں کسی قسم کی غلطی یا بدتمیزی شامل ہوتی ہے جو درد یا تباہی کا سبب نہیں بنتی ہے۔ سٹی ڈیونیشیا میں مزاح اور سانحے کے زمروں کے علاوہ، اس میلے میں ستیر پلے بھی شامل تھا۔ ڈیونیسس کے لیے وقف دیہی، زرعی رسومات میں اپنی ابتدا تلاش کرتے ہوئے، طنزیہ ڈرامے نے بالآخر اپنی سب سے مشہور شکل میں ایتھنز تک اپنا راستہ تلاش کیا۔ ستیر خود دیوتا ڈیونیسس کے ساتھ اس کے وفادار جنگل کے ساتھیوں کی حیثیت سے بندھے ہوئے تھے، جو اکثر اس کے ساتھ نشے میں تفریح اور شرارت میں مشغول رہتے تھے۔ طنزیہ ڈرامے کو خود ٹریجکومیڈی کے طور پر درجہ بند کیا گیا تھا، جو بیسویں صدی کے اوائل کی زیادہ جدید برلیسک روایات کی طرف سے غلطی کرتا تھا۔ ڈراموں کی پلاٹ لائنز عام طور پر دیوتاؤں کے دیوتاؤں کے معاملات اور انسانی معاملات میں ان کی شمولیت سے متعلق تھیں، جس کی حمایت ستیرس کے کورس سے ہوتی تھی۔ تاہم، ویبسٹر کے مطابق، طنزیہ اداکار ہمیشہ عام طنزیہ حربے انجام نہیں دیتے تھے اور ایک افسانوی جنگلی مخلوق کے کردار کی قسم کو تفویض کردہ اداکاری کی روایات کو توڑ دیتے تھے۔ رومن تھیٹر مغربی تھیٹر نے رومیوں کے دور میں کافی ترقی اور توسیع کی۔ رومن مورخ لیوی نے لکھا ہے کہ رومیوں نے پہلی بار تھیٹر کا تجربہ چوتھی صدی قبل مسیح میں کیا، جس میں ایٹروسکن اداکاروں کی کارکردگی تھی۔ بیچم کا استدلال ہے کہ وہ اس ریکارڈ شدہ رابطے سے پہلے کچھ عرصے سے "پری تھیٹریکل پریکٹس" سے واقف تھے۔ قدیم روم کا تھیٹر ایک ترقی پذیر اور متنوع آرٹ کی شکل تھی، جس میں اسٹریٹ تھیٹر کی فیسٹیول پرفارمنس، عریاں رقص، اور ایکروبیٹکس سے لے کر پلاٹس کی وسیع پیمانے پر پرکشش صورتحال کامیڈیز کے اسٹیجنگ تک، سینیکا کے اعلی طرز، زبانی طور پر تفصیلی سانحات تک شامل تھے۔ اگرچہ روم میں کارکردگی کی مقامی روایت تھی، لیکن تیسری صدی قبل مسیح میں رومن ثقافت کی ہیلینائزیشن نے رومن تھیٹر پر گہرا اور پرجوش اثر ڈالا اور اسٹیج کے لیے اعلی ترین معیار کے لاطینی ادب کی ترقی کی حوصلہ افزائی کی۔ رومی سلطنت کے واحد زندہ بچ جانے والے ڈرامے دس ڈرامے ہیں جو قرطبہ میں پیدا ہونے والے سٹوک فلسفی اور نیرو کے استاد لوسیئس اینیوس سینیکا (4 قبل مسیح-65 عیسوی) سے منسوب ہیں۔ ہندوستانی تھیٹر ہندوستانی تھیٹر کی پہلی شکل سنسکرت تھیٹر تھی، جس کے قدیم ترین زندہ بچ جانے والے ٹکڑے پہلی صدی عیسوی کے ہیں۔ اس کا آغاز یونانی اور رومن تھیٹر کی ترقی کے بعد اور ایشیا کے دیگر حصوں میں تھیٹر کی ترقی سے پہلے ہوا۔ یہ دوسری صدی قبل مسیح اور پہلی صدی عیسوی کے درمیان کسی وقت ابھرا اور پہلی صدی عیسوی اور دسویں صدی عیسوی کے درمیان پروان چڑھا، جو ہندوستان کی تاریخ میں نسبتا امن کا دور تھا جس کے دوران سینکڑوں ڈرامے لکھے گئے تھے۔ ابتدائی ادوار کے آثار قدیمہ کے شواہد کی دولت تھیٹر کی روایت کے وجود کا کوئی اشارہ نہیں دیتی ہے۔ قدیم ویدوں (1500 اور 1000 قبل مسیح کے درمیان کے تمثیل جو دنیا میں ادب کی ابتدائی مثالوں میں سے ہیں) میں اس کا کوئی اشارہ نہیں ہے (حالانکہ ایک چھوٹی سی تعداد مکالمے کی شکل میں تشکیل دی گئی ہے) اور ایسا لگتا ہے کہ ویدک دور کی رسومات تھیٹر میں تیار نہیں ہوئی ہیں۔ پتنجلی کے مہابھشیا میں سنسکرت ڈرامہ کے بیج کیا ہو سکتے ہیں اس کا قدیم ترین حوالہ موجود ہے۔ 140 قبل مسیح سے گرائمر پر یہ مقالہ ہندوستان میں تھیٹر کے آغاز کی ایک قابل عمل تاریخ فراہم کرتا ہے۔ سنسکرت تھیٹر کے لیے شواہد کا بڑا ذریعہ تھیٹر پر ایک مقالہ (ناٹیشستر) ہے، جو ایک مجموعہ ہے جس کی تشکیل کی تاریخ غیر یقینی ہے (تخمینے 200 قبل مسیح سے 200 عیسوی تک ہیں) اور جس کی تصنیف بھرت مونی سے منسوب ہے۔ مقالہ قدیم دنیا میں ڈرامہ نگاری کا سب سے مکمل کام ہے۔ یہ اداکاری، رقص، موسیقی، ڈرامائی تعمیر، فن تعمیر، ملبوسات، میک اپ، پروپس، کمپنیوں کی تنظیم، سامعین، مقابلوں سے خطاب کرتا ہے، اور تھیٹر کی ابتدا کا ایک افسانوی بیان پیش کرتا ہے۔ ایسا کرنے میں، یہ حقیقی تھیٹر کے طریقوں کی نوعیت کے بارے میں اشارے فراہم کرتا ہے۔ سنسکرت تھیٹر مقدس زمین پر پجاریوں کے ذریعہ پیش کیا جاتا تھا جنہیں [موروثی عمل] میں ضروری مہارتوں (رقص، موسیقی اور تلاوت) کی تربیت دی گئی تھی۔ اس کا مقصد تعلیم دینا اور تفریح کرنا دونوں تھا۔ شاہی درباروں کی سرپرستی میں، فنکاروں کا تعلق پیشہ ورانہ کمپنیوں سے تھا جن کی ہدایت کاری اسٹیج مینیجر (سترا دھارا) کرتے تھے، جنہوں نے بھی اداکاری کی ہوگی۔ اس کام کو کٹھ پتلی کے مترادف سمجھا جاتا تھا-"سترا دھارا" کا لفظی معنی "تاروں یا دھاگوں کا حامل" ہے۔ فنکاروں کو آواز اور جسمانی تکنیک کی سخت تربیت دی گئی۔ خواتین فنکاروں کے خلاف کوئی پابندی نہیں تھی۔ کمپنیاں تمام مرد، تمام خواتین اور مخلوط صنف کی تھیں۔ تاہم، بعض جذبات کو مردوں کے لیے نافذ کرنا نامناسب سمجھا جاتا تھا، اور انہیں خواتین کے لیے بہتر سمجھا جاتا تھا۔ کچھ فنکاروں نے اپنی عمر کے کردار ادا کیے، جبکہ دیگر نے اپنی عمر سے مختلف عمر کے کردار ادا کیے (چاہے وہ چھوٹے ہوں یا بڑے)۔ تھیٹر کے تمام عناصر میں سے، مقالہ اداکاری (ابھینیا) پر سب سے زیادہ توجہ دیتا ہے، جو دو انداز پر مشتمل ہے: حقیقت پسندانہ (لوک دھرمی) اور روایتی (ناٹی دھرمی)، حالانکہ زیادہ توجہ مؤخر الذکر پر ہے۔ اس کے ڈرامے کو سنسکرت ادب کی سب سے بڑی کامیابی سمجھا جاتا ہے۔ اس میں اسٹاک کرداروں کا استعمال کیا گیا، جیسے کہ ہیرو (نائکا)، ہیروئن (نائکا)، یا مسخرا (ودوسکا)۔ اداکاروں کو کسی خاص قسم میں مہارت حاصل ہو سکتی ہے۔ پہلی صدی قبل مسیح میں کالی داس کو غالبا قدیم ہندوستان کا سب سے بڑا سنسکرت ڈرامہ نگار سمجھا جاتا ہے۔ کالی داس کے لکھے ہوئے تین مشہور رومانوی ڈرامے مالویکگنیمترم (مالویکا اور اگنیمتر)، وکرموروشیا (وکرم اور اروشی سے متعلق)، اور ابھیجناناشکنتلا (شکنتلا کی پہچان) ہیں۔ آخری کہانی مہابھارت کی ایک کہانی سے متاثر تھی اور سب سے مشہور ہے۔ انگریزی اور جرمن میں ترجمہ ہونے والی یہ پہلی فلم تھی۔ شکنتلا (انگریزی ترجمہ میں) نے گوئٹے کے فوسٹ (1808-1832) کو متاثر کیا۔ اگلے عظیم ہندوستانی ڈرامہ نگار بھاو بھوتی تھے۔ کہا جاتا ہے کہ اس نے مندرجہ ذیل تین ڈرامے لکھے ہیں: ملاتی-مادھو، مہاویرچاریتا اور اتر رامچاریتا۔ ان تینوں میں سے آخری دو رامائن کے پورے مہاکاوی کا احاطہ کرتے ہیں۔ طاقتور ہندوستانی شہنشاہ ہرش (606-648) کو تین ڈرامے لکھنے کا سہرا دیا جاتا ہے: مزاحیہ رتناولی، پریادرسیکا، اور بدھسٹ ڈرامہ ناگانند۔ مشرقی ایشیائی تھیٹر تانگ خاندان کو بعض اوقات "1000 تفریحات کا دور" کہا جاتا ہے۔ اس دور میں، منگ ہوانگ نے ایک اداکاری اسکول قائم کیا جسے دی پیئر گارڈن کے نام سے جانا جاتا ہے تاکہ ڈرامہ کی ایک شکل تیار کی جا سکے جو بنیادی طور پر میوزیکل تھی۔ یہی وجہ ہے کہ اداکاروں کو عام طور پر "ناشپاتی باغ کے بچے" کہا جاتا ہے۔ مہارانی لنگ کے خاندان کے دوران، سایہ دار کٹھ پتلی سب سے پہلے چین میں تھیٹر کی ایک تسلیم شدہ شکل کے طور پر ابھری۔ سایہ دار کٹھ پتلی کی دو الگ الگ شکلیں تھیں، پیکنگز (شمالی) اور کینٹونیز (جنوبی)۔ کٹھ پتلی بنانے کے طریقہ کار اور کٹھ پتلی پر سلاخوں کی پوزیشننگ کے ذریعے دونوں طرزوں میں فرق کیا گیا، کٹھ پتلی کے ذریعے کھیلے جانے والے کھیل کی قسم کے برعکس۔ دونوں انداز عام طور پر عظیم مہم جوئی اور فنتاسی کی عکاسی کرنے والے ڈرامے پیش کرتے تھے، شاذ و نادر ہی تھیٹر کی یہ بہت ہی اسٹائلائزڈ شکل سیاسی پروپیگنڈے کے لیے استعمال ہوتی تھی۔ کابوکی، نو اور کیوگن کی جاپانی شکلیں 17 ویں صدی عیسوی میں تیار ہوئیں۔ کینٹونیز شیڈو کٹھ پتلی دونوں میں بڑی تھیں۔ وہ موٹے چمڑے کا استعمال کرتے ہوئے بنائے گئے تھے جس سے زیادہ کافی سائے پیدا ہوئے۔ علامتی رنگ بھی بہت مقبول تھا ؛ ایک سیاہ چہرہ ایمانداری کی نمائندگی کرتا تھا، ایک سرخ چہرہ بہادری کی نمائندگی کرتا تھا۔ کینٹونی کٹھ پتلی کو قابو کرنے کے لیے استعمال ہونے والی سلاخیں کٹھ پتلی کے سروں سے عمودی طور پر منسلک ہوتی تھیں۔ اس طرح، جب سایہ پیدا ہوا تو سامعین نے انہیں نہیں دیکھا۔ پیکنگز کی کٹھ پتلی زیادہ نازک اور چھوٹی ہوتی تھیں۔ وہ پتلی، شفاف چمڑے سے بنائے گئے تھے (عام طور پر گدھے کے پیٹ سے لیے جاتے ہیں)۔ انہیں متحرک پینٹ سے پینٹ کیا گیا تھا، اس طرح وہ ایک بہت ہی رنگین سایہ ڈالتے ہیں۔ پتلی سلاخیں جو ان کی نقل و حرکت کو کنٹرول کرتی تھیں کٹھ پتلی کی گردن میں چمڑے کے کالر سے منسلک ہوتی تھیں۔ سلاخیں کٹھ پتلی کی لاشوں کے متوازی چلتی تھیں اور پھر گردن سے جڑنے کے لیے نوے ڈگری کے زاویے پر مڑ جاتی تھیں۔ جب سایہ ڈالا گیا تو یہ سلاخیں نظر آتی تھیں، وہ کٹھ پتلی کے سائے سے باہر پڑی تھیں ؛ اس طرح انہوں نے شکل کی ظاہری شکل میں مداخلت نہیں کی۔ ایک جسم کے ساتھ متعدد سروں کے استعمال کو آسان بنانے کے لیے سلاخوں کو گردنوں پر منسلک کیا جاتا ہے۔ جب سروں کا استعمال نہیں کیا جا رہا تھا، تو انہیں ململ کی کتاب یا کپڑے سے بنے ڈبے میں رکھا جاتا تھا۔ سر ہمیشہ رات کو ہٹائے جاتے تھے۔ یہ اس پرانے توہم پرستی کو مدنظر رکھتے ہوئے تھا کہ اگر اسے برقرار رکھا گیا تو کٹھ پتلی رات کو زندہ ہو جائیں گی۔ کچھ کٹھ پتلی بنانے والوں نے کٹھ پتلی کو دوبارہ زندہ کرنے کے امکان کو مزید کم کرنے کے لیے سروں کو ایک کتاب میں اور لاشوں کو دوسری کتاب میں ذخیرہ کرنے تک کا کام کیا۔ کہا جاتا ہے کہ سایہ دار کٹھ پتلی حکومت کا ہتھیار بننے سے پہلے گیارہویں صدی میں فنکارانہ ترقی کے اپنے بلند ترین مقام پر پہنچ گئی تھی۔ سونگ خاندان میں، بہت سے مشہور ڈرامے تھے جن میں اداکاری اور موسیقی شامل تھی۔ یہ یوآن خاندان میں ایک زیادہ نفیس شکل میں تیار ہوئے جسے زجو کے نام سے جانا جاتا ہے، جس میں چار یا پانچ ایکٹ ڈھانچہ ہوتا ہے۔ یوآن ڈرامہ پورے چین میں پھیل گیا اور متعدد علاقائی شکلوں میں متنوع ہو گیا، جن میں سے ایک مشہور پیکنگ اوپیرا ہے جو آج بھی مقبول ہے۔ ژیانگشینگ یک زبان یا مکالمے کی شکلوں میں ایک مخصوص روایتی چینی مزاحیہ کارکردگی ہے۔ انڈونیشیا میں تھیٹر کی پرفارمنس مقامی ثقافت کا ایک اہم حصہ بن چکی ہے، انڈونیشیا میں تھیٹر کی پرفارمنس ہزاروں سالوں سے تیار کی جا رہی ہے۔ انڈونیشیا کی زیادہ تر قدیم ترین تھیٹر کی شکلیں براہ راست مقامی ادبی روایات (زبانی اور تحریری) سے جڑی ہوئی ہیں۔ مشہور کٹھ پتلی تھیٹر-سندانیز کا وایانگ گولک (لکڑی کا راڈ-پپیٹ ڈرامہ) اور جاوانی اور بالی کے وایانگ کولٹ (چمڑے کے شیڈو-پپیٹ ڈرامہ)-ان کے ذخیرے کا زیادہ تر حصہ رامائن اور مہابھارت کے مقامی ورژن سے کھینچتے ہیں۔ یہ کہانیاں جاوا اور بالی کے وایانگ وانگ (انسانی تھیٹر) کے لیے ماخذ مواد بھی فراہم کرتی ہیں، جس میں اداکاروں کا استعمال ہوتا ہے۔ تاہم، کچھ وایانگ گولک پرفارمنس مسلم کہانیاں بھی پیش کرتی ہیں، جنہیں مینک کہا جاتا ہے۔ وایانگ کہانی سنانے کی ایک قدیم شکل ہے جو اپنے وسیع کٹھ پتلی/انسانی اور پیچیدہ موسیقی کے انداز کے لیے مشہور ہے۔ سب سے قدیم ثبوت قرون وسطی کے دور کی تحریروں اور آثار قدیمہ کے مقامات میں پہلی صدی عیسوی کے آخر سے ہے۔ وایانگ سے متعلق سب سے قدیم معلوم ریکارڈ 9 ویں صدی کا ہے۔ تقریبا 840 عیسوی میں وسطی جاوا میں ماترم سلطنت سے مہاراجہ سری لوکاپال کی طرف سے جاری کیے گئے ایک پرانے جاوا کے (کاوی) نوشتہ جات جہاں نوشتہ جات میں تین قسم کے فنکاروں کا ذکر ہے: اٹاپوکن، ارینگٹ اور ابانول۔ ارنگگٹ کا مطلب ہے وایانگ کٹھ پتلی شو، اٹاپوکن کا مطلب ہے ماسک ڈانس شو، اور ابانوال کا مطلب ہے مذاق کا فن۔ رنگگٹ کو 11 ویں صدی کی جاوا کی نظم میں چمڑے کے سائے کی شکل کے طور پر بیان کیا گیا ہے۔ قرون وسطی کی اسلامی دنیا میں تھیٹر میں کٹھ پتلی تھیٹر (جس میں ہاتھ کی کٹھ پتلی، شیڈو ڈرامے اور ماریونیٹ پروڈکشن شامل تھے) اور زندہ جذبے کے ڈرامے شامل تھے جنہیں تزیہ کے نام سے جانا جاتا ہے، جہاں اداکار مسلم تاریخ کی اقساط کو دوبارہ پیش کرتے ہیں۔ خاص طور پر شیعہ اسلامی ڈرامے علی کے بیٹوں حسن ابن علی اور حسین ابن علی کے شہید (شہادت) کے گرد گھومتے ہیں۔ سیکولر ڈراموں کو اکھراج کے نام سے جانا جاتا تھا، جو قرون وسطی کے ادب میں ریکارڈ کیے گئے تھے، حالانکہ وہ کٹھ پتلی اور تزیہ تھیٹر سے کم عام تھے۔ مغربی تھیٹر میں ابتدائی جدید اور جدید تھیٹر نے 15 ویں اور 19 ویں صدی کے درمیان مغرب میں بہت سی متبادل شکلیں اختیار کیں، جن میں اطالوی تھیٹر سے کامیڈیا ڈیل آرٹے اور میلوڈراما شامل ہیں۔ عام رجحان یونانیوں کے شاعرانہ ڈرامے اور نشاۃ ثانیہ سے دور تھا اور مکالمے کے زیادہ فطری نصوص انداز کی طرف تھا، خاص طور پر صنعتی انقلاب کے بعد۔ تھیٹر نے 1642 اور 1660 کے دوران انگلینڈ میں پیوریٹن انٹرگنیم کی وجہ سے ایک بڑا وقفہ لیا۔ پیوریٹنوں میں بڑھتے ہوئے تھیٹری مخالف جذبات نے ولیم پرن کو ہسٹریوماسٹکس (1633) لکھتے دیکھا، جو پابندی سے پہلے تھیٹر پر سب سے بدنام حملہ تھا۔ تھیٹر کو گنہگار سمجھتے ہوئے، پیوریٹنوں نے 1642 میں لندن کے تھیٹروں کو بند کرنے کا حکم دیا۔ 24 جنوری 1643 کو، اداکاروں نے پابندی کے خلاف احتجاج کرتے ہوئے ایک پمفلٹ لکھا جس کا عنوان تھا اداکاروں کا احتجاج یا اپنے پیشے کو خاموش کرنے کی شکایت، اور اپنے مختلف پلے ہاؤسز سے جلاوطنی۔ یہ جمود کا دور اس وقت ختم ہوا جب چارلس دوم 1660 میں بحالی میں تخت پر واپس آئے۔ تھیٹر (دیگر فنون کے درمیان) فرانسیسی ثقافت کے اثر و رسوخ کے ساتھ پھٹ پڑا، کیونکہ چارلس کو اس کے دور حکومت سے پہلے کے سالوں میں فرانس میں جلاوطن کر دیا گیا تھا۔ 1660 میں، دو کمپنیوں کو کام کرنے کا لائسنس دیا گیا، ڈیوکس کمپنی اور کنگز کمپنی۔ پرفارمنس تبدیل شدہ عمارتوں میں منعقد کی گئیں، جیسے کہ لیسلی کا ٹینس کورٹ۔ پہلا ویسٹ اینڈ تھیٹر، جسے لندن کے کوونٹ گارڈن میں تھیٹر رائل کے نام سے جانا جاتا ہے، تھامس کلیگرو نے ڈیزائن کیا تھا اور موجودہ تھیٹر رائل، ڈوری لین کی جگہ پر بنایا گیا تھا۔ بڑی تبدیلیوں میں سے ایک نیا تھیٹر ہاؤس تھا۔ الزبتھ کے دور کی قسم کے بجائے، جیسے کہ گلوب تھیٹر، جس میں اداکاروں کے لیے اگلے ایکٹ کی تیاری کے لیے کوئی جگہ نہیں تھی اور "تھیٹر کے آداب" کے بغیر، تھیٹر ہاؤس تزئین و آرائش کی جگہ میں تبدیل ہو گیا، جس کے سامنے ایک اسٹیج تھا اور اسٹیڈیم اس کے سامنے بیٹھا تھا۔ چونکہ اسٹیج کے ارد گرد بیٹھنا اب ہر طرح سے نہیں تھا، اس لیے اسے ترجیح دی گئی-کچھ نشستیں واضح طور پر دوسروں سے بہتر تھیں۔ بادشاہ کے پاس گھر میں بہترین نشست ہوتی: تھیٹر کے بالکل بیچ میں، جس سے اسٹیج کا وسیع تر نظارہ ہوتا اور ساتھ ہی اس نقطہ نظر اور معدوم ہونے والے مقام کو دیکھنے کا بہترین طریقہ کہ اسٹیج کے ارد گرد تعمیر کیا گیا تھا۔ فلپ جیکس ڈی لوتھربرگ فرش کی جگہ اور مناظر کے استعمال کی وجہ سے اس وقت کے سب سے بااثر سیٹ ڈیزائنرز میں سے ایک تھے۔ اس وقت سے پہلے کی ہنگامہ آرائی کی وجہ سے، اسٹیج پر کیا رکھنا چاہیے اور کیا نہیں رکھنا چاہیے اس بارے میں ابھی بھی کچھ تنازعہ تھا۔ جیریمی کولیئر، ایک مبلغ، اپنے ٹکڑے اے شارٹ ویو آف دی امورالیٹی اینڈ پروفیسرنیس آف دی انگلش اسٹیج کے ذریعے اس تحریک کے سربراہوں میں سے ایک تھے۔ اس مقالے کے عقائد بنیادی طور پر غیر تھیٹر جانے والوں اور باقی پیوریٹنوں کے پاس تھے اور اس وقت کے بہت مذہبی تھے۔ اہم سوال یہ تھا کہ کیا اسٹیج پر کسی غیر اخلاقی چیز کو دیکھنے سے اسے دیکھنے والوں کی زندگیوں میں رویے پر اثر پڑتا ہے، یہ ایک ایسا تنازعہ ہے جو آج بھی چل رہا ہے۔ سترہویں صدی میں خواتین کو بھی اسٹیج سے متعارف کرایا گیا تھا، جسے پہلے نامناسب سمجھا جاتا تھا۔ ان خواتین کو مشہور شخصیات کے طور پر مانا جاتا تھا (ایک نیا تصور بھی، انفرادیت پر خیالات کی بدولت جو نشاۃ ثانیہ ہیومنزم کے تناظر میں پیدا ہوئے)، لیکن دوسری طرف، یہ ابھی بھی بہت نیا اور انقلابی تھا کہ وہ اسٹیج پر تھیں، اور کچھ نے کہا کہ وہ غیر معمولی تھیں، اور ان کی طرف حقارت سے دیکھا۔ چارلس دوم کو نوجوان مرد نوجوان خواتین کے کردار ادا کرنا پسند نہیں تھا، اس لیے اس نے کہا کہ خواتین اپنے کردار ادا کریں۔ چونکہ خواتین کو اسٹیج پر جانے کی اجازت تھی، اس لیے ڈرامہ نگاروں کو پلاٹ موڑ کے ساتھ زیادہ آزادی حاصل تھی، جیسے خواتین مردوں کے لباس پہنتی ہیں، اور مزاحیہ کی شکلوں کے طور پر اخلاقی طور پر چپچپا حالات سے تنگ فرار ہوتی ہیں۔ مزاحیہ فلمیں نوجوانوں سے بھری ہوئی تھیں اور بہت زیادہ رائج تھیں، ان کی محبت کی زندگی کے بعد کی کہانی کے ساتھ: عام طور پر ایک نوجوان بدمعاش ہیرو ڈرامے کے اختتام کے قریب پاک اور آزاد ذہن والی ہیروئن سے اپنی محبت کا اظہار کرتا ہے، بالکل شیریڈن کے دی اسکول فار اسکینڈل کی طرح۔ بہت سی مزاحیہ فلمیں فرانسیسی روایت کے مطابق بنائی گئی تھیں، خاص طور پر مولیئر، جو ایک بار پھر بادشاہ اور شاہی خاندان کی طرف سے ان کی جلاوطنی کے بعد واپس لائے گئے فرانسیسی اثر و رسوخ کی طرف اشارہ کرتی ہیں۔ مولیئر اس وقت کے اعلی مزاحیہ ڈرامہ نگاروں میں سے ایک تھے، جنہوں نے اطالوی کامیڈیا ڈیل آرٹے اور نیو کلاسیکل فرانسیسی کامیڈی کو ملا کر کامیڈی لکھنے اور پیش کرنے کے انداز میں انقلاب برپا کیا تاکہ کچھ طویل ترین دیرپا اور بااثر طنزیہ کامیڈیز تخلیق کی جا سکیں۔ سانحے اسی طرح سیاسی طاقت کو درست کرنے کے لحاظ سے فاتح رہے، خاص طور پر تاج کی حالیہ بحالی کی وجہ سے دل دہلا دینے والے۔ وہ فرانسیسی سانحے کی نقل بھی تھے، حالانکہ فرانسیسیوں میں مزاح اور سانحے کے درمیان بڑا فرق تھا، جبکہ انگریز کبھی کبھار لائنوں میں گڑبڑ کرتے تھے اور اپنے سانحوں میں کچھ مزاحیہ حصے ڈالتے تھے۔ غیر مزاحیہ ڈراموں کی عام شکلیں جذباتی کامیڈیز کے ساتھ ساتھ ایسی چیز بھی تھیں جنہیں بعد میں ٹریجڈی بورژوائز، یا گھریلو المیہ کہا گیا-یعنی عام زندگی کا المیہ-انگلینڈ میں زیادہ مقبول تھے کیونکہ انہوں نے انگریزی حساسیت کو زیادہ پسند کیا۔ اگرچہ تھیٹر کے گروپ پہلے اکثر سفر کرتے تھے، لیکن نیشنل تھیٹر کے خیال کو 18 ویں صدی میں حمایت حاصل ہوئی، جو لڈویگ ہولبرگ سے متاثر تھا۔ جرمنی میں قومی تھیٹر کے خیال کا سب سے بڑا فروغ دینے والا، اور اسٹرم اینڈ ڈرنگ شاعروں کا بھی، ہیمبرگشی انٹرپرائز اور سیلیر تھیٹر کمپنی کا مالک ایبل سیلیر تھا۔ 19 ویں صدی کے دوران، رومانٹک ازم، میلوڈراما، وکٹورین برلیسک کی مقبول تھیٹر کی شکلوں اور سکریب اور ساردو کے اچھی طرح سے بنائے گئے ڈراموں نے نیچرلزم اور حقیقت پسندی کے دشواری کے ڈراموں کو راستہ دیا۔ فیڈیو کے تماشے ؛ ویگنر کا آپریٹک گیسامٹکنسٹورک ؛ میوزیکل تھیٹر (بشمول گلبرٹ اور سلیوان کے اوپیرا) ؛ ایف سی برنینڈ، ڈبلیو ایس گلبرٹ اور آسکر وائلڈ کی ڈرائنگ روم کامیڈیز ؛ علامتیت ؛ اگست اسٹرینڈبرگ اور ہنریک ایبسن کے آخری کاموں میں ابتدائی اظہار پسندی ؛ اور ایڈورڈین میوزیکل کامیڈی۔ یہ رجحانات 20 ویں صدی میں اسٹینسلاوسکی اور لی اسٹراسبرگ کی حقیقت پسندی، ایرون پیسکیٹر اور برٹولٹ بریکٹ کا سیاسی تھیٹر، نام نہاد تھیٹر آف دی ابسرڈ آف سیموئل بیکٹ اور یوجین آئنسکو، امریکی اور برطانوی میوزیکلز، اداکاروں اور ہدایت کاروں کی کمپنیوں کی اجتماعی تخلیقات جیسے کہ جان لٹل ووڈ کی تھیٹر ورکشاپ، رابرٹ ولسن اور رابرٹ لیپیج کا تجرباتی اور مابعد جدید تھیٹر، اگست ولسن یا ٹامسن ہائی وے کا مابعد نوآبادیاتی تھیٹر، اور آگسٹو بول کا تھیٹر آف دی اپریسڈ میں جاری رہے۔ ڈراما ڈرامہ فکشن کا مخصوص انداز ہے جس کی نمائندگی کارکردگی میں کی جاتی ہے۔ یہ اصطلاح ایک یونانی لفظ سے آئی ہے جس کا مطلب ہے "عمل"، جو فعل δράω، dráō، "کرنا" یا "عمل کرنا" سے ماخوذ ہے۔ تھیٹر میں ڈرامہ کا نفاذ، جو اداکاروں کے ذریعہ سامعین کے سامنے اسٹیج پر پیش کیا جاتا ہے، پروڈکشن کے باہمی تعاون کے طریقوں اور استقبال کی اجتماعی شکل کو پیش کرتا ہے۔ ڈرامائی تحریروں کا ڈھانچہ، ادب کی دیگر شکلوں کے برعکس، اس باہمی تعاون کی پیداوار اور اجتماعی استقبال سے براہ راست متاثر ہوتا ہے۔ شیکسپیئر کا ابتدائی جدید المیہ ہیملٹ (1601) اور سوفوکلز کا کلاسیکی ایتھنین المیہ اوڈیپس ریکس () ڈرامہ کے فن کے شاہکاروں میں شامل ہیں۔ ایک جدید مثال لانگ ڈے کا رات میں سفر ہے جو یوجین او نیل (1956) نے لکھا ہے۔ عام طور پر شاعری کی ایک صنف کے طور پر سمجھے جانے والے ڈرامائی انداز کو ارسطو کے شاعرانہ (پوئیٹکس) کے بعد سے ہی مہاکاوی اور گیتوں کے طریقوں سے متصادم کیا گیا ہے۔ ایک مخصوص قسم کے ڈرامے کو نامزد کرنے کے لیے تنگ معنوں میں "ڈرامہ" کا استعمال 19 ویں صدی سے ہوتا ہے۔ اس لحاظ سے ڈرامہ ایک ایسے ڈرامے سے مراد ہے جو نہ تو مزاحیہ ہے اور نہ ہی المیہ-مثال کے طور پر، زولا کی تھیریس راکن (1873) یا چیخوف کی ایوانوف (1887)۔ تاہم قدیم یونان میں، لفظ ڈرامہ تمام تھیٹر ڈراموں، المناک، مزاحیہ، یا درمیان میں کسی بھی چیز کا احاطہ کرتا تھا۔ ڈرامے کو اکثر موسیقی اور رقص کے ساتھ ملایا جاتا ہے: اوپیرا میں ڈرامہ عام طور پر بھر میں گایا جاتا ہے۔ میوزیکل میں عام طور پر بولی جانے والی گفتگو اور گانے دونوں شامل ہوتے ہیں۔ اور ڈرامے کی کچھ شکلوں میں اتفاقی موسیقی یا موسیقی کا ساتھ ہوتا ہے جو مکالمے کی نشاندہی کرتا ہے (مثال کے طور پر میلوڈراما اور جاپانی نو)۔ تاریخ کے بعض ادوار (قدیم رومن اور جدید رومانوی) میں کچھ ڈرامے پیش کرنے کے بجائے پڑھنے کے لیے لکھے گئے ہیں۔ اصلاح میں، ڈرامہ کارکردگی کے لمحے سے پہلے موجود نہیں ہوتا ہے ؛ اداکار سامعین کے سامنے بے ساختہ ایک ڈرامائی اسکرپٹ وضع کرتے ہیں۔ میوزیکل تھیٹر موسیقی اور تھیٹر کا قدیم زمانے سے ہی گہرا تعلق رہا ہے-مثال کے طور پر ایتھنین کا المیہ رقص ڈرامہ کی ایک شکل تھی جس میں ایک کورس کا استعمال کیا گیا تھا جس کے حصے گائے گئے تھے (آولوس کے ساتھ-ایک ایسا آلہ جس کا موازنہ جدید اوبو سے کیا جا سکتا ہے)، جیسا کہ کچھ اداکاروں کے ردعمل اور ان کے 'سولو گانے' (مونوڈیز) تھے۔ جدید میوزیکل تھیٹر تھیٹر کی ایک شکل ہے جو موسیقی، بولی جانے والی گفتگو اور رقص کو بھی یکجا کرتی ہے۔ یہ 19 ویں صدی کے آخر اور 20 ویں صدی کے اوائل میں مزاحیہ اوپیرا (خاص طور پر گلبرٹ اور سلیوان)، مختلف قسم، واڈویل، اور میوزک ہال کی انواع سے ابھرا۔ 1890 کی دہائی میں شروع ہونے والی ایڈورڈین میوزیکل کامیڈی کے بعد، 20 ویں صدی کے اوائل میں پرنسس تھیٹر میوزیکلز، اور 1920 اور 1930 کی دہائی میں کامیڈیز (جیسے راجرز اور ہیمرسٹین کے کام)، اوکلاہوما کے ساتھ! (1943)، موسیقی زیادہ ڈرامائی سمت میں آگے بڑھی۔ بعد کی دہائیوں میں مشہور میوزیکلز میں مائی فیئر لیڈی (1956)، ویسٹ سائیڈ اسٹوری (1957)، دی فینٹاسٹکس (1960)، ہیئر (1967)، اے کورس لائن (1975)، لیس مسریبلز (1980)، کیٹس (1981)، انٹو دی ووڈس (1986)، اور دی فینٹم آف دی اوپیرا (1986) کے ساتھ ساتھ مزید عصری ہٹ بشمول رینٹ (1994)، دی لائن کنگ (1997)، ویکیڈ (2003)، ہیملٹن (2015) اور فروزن (2018) شامل ہیں۔ میوزیکل تھیٹر آف براڈ وے، علاقائی تھیٹروں اور دوسری جگہوں پر بڑے پیمانے پر تیار کیا جا سکتا ہے، لیکن اس میں اکثر تماشا شامل ہوتا ہے۔ مثال کے طور پر، براڈوے اور ویسٹ اینڈ میوزیکل میں اکثر شاہانہ ملبوسات اور سیٹ شامل ہوتے ہیں جنہیں ملٹی ملین ڈالر کے بجٹ کی حمایت حاصل ہوتی ہے۔ کامیڈی تھیٹر پروڈکشنز جو مزاح کو کہانی سنانے کے لیے ایک گاڑی کے طور پر استعمال کرتی ہیں وہ مزاحیہ فلموں کے طور پر اہل ہیں۔ اس میں بوئنگ بوئنگ جیسے جدید تماشے یا ایز یو لائک اٹ جیسے کلاسیکی کھیل شامل ہو سکتے ہیں۔ جان بوجھ کر مزاحیہ انداز میں تاریک، متنازعہ یا ممنوع موضوع کا اظہار کرنے والے تھیٹر کو بلیک کامیڈی کہا جاتا ہے۔ بلیک کامیڈی میں سلیپ اسٹک مزاح، تاریک اور طنزیہ کامیڈی جیسی کئی انواع ہو سکتی ہیں۔ ٹریجڈی ارسطو کا جملہ "ڈرامے کے الگ الگ حصوں میں کئی اقسام پائی جاتی ہیں" ڈرامہ کی ساختی ابتداء کا حوالہ ہے۔ اس میں بولی جانے والی زبانیں آٹک بولی میں لکھی گئی تھیں جبکہ کورل (تلاوت یا گایا ہوا) ڈورک بولی میں، یہ تضادات مختلف مذہبی ابتداء اور ان حصوں کے شاعرانہ میٹر کی عکاسی کرتے ہیں جو ایک نئے وجود، تھیٹر ڈرامہ میں ضم ہو گئے تھے۔ المیہ سے مراد ڈرامہ کی ایک مخصوص روایت ہے جس نے مغربی تہذیب کی خود تعریف میں تاریخی طور پر ایک منفرد اور اہم کردار ادا کیا ہے۔ یہ روایت متعدد اور متضاد رہی ہے، پھر بھی یہ اصطلاح اکثر ثقافتی شناخت اور تاریخی تسلسل کے ایک طاقتور اثر کو بھڑکانے کے لیے استعمال کی جاتی رہی ہے-"یونانی اور الزبتھین، ایک ثقافتی شکل میں ؛ ہیلینز اور عیسائی، ایک مشترکہ سرگرمی میں"، جیسا کہ ریمنڈ ولیمز کہتے ہیں۔ 2, 500 سال پہلے ایتھنز کے تھیٹروں میں اس کی غیر واضح ابتداء سے، جہاں سے شیکسپیئر، لوپ ڈی ویگا، ریسین اور شلر کے کاموں میں اس کے واحد اظہار کے ذریعے ایسچیلس، سوفوکلس اور یوریپائڈز کے کام کا صرف ایک حصہ باقی رہ گیا ہے، اس سے لے کر اسٹرینڈبرگ کے حالیہ قدرتی المیہ، موت، نقصان اور مصائب پر بیکٹ کے جدیدیت پسند مراقبہ، اور مولر کے مابعد جدیدیت پسند المناک کینن کی دوبارہ تخلیق، المیہ ثقافتی تجربے، گفت و شنید، جدوجہد اور تبدیلی کا ایک اہم مقام رہا ہے۔ ارسطو کی شاعری (335 قبل مسیح) کے تناظر میں، المیہ کو صنف میں فرق کرنے کے لیے استعمال کیا گیا ہے، چاہے وہ عام طور پر شاعری کے پیمانے پر ہو (جہاں المیہ مہاکاوی اور گیت کے خلاف تقسیم ہوتا ہے) یا ڈرامہ کے پیمانے پر (جہاں المیہ مزاح کے مخالف ہے)۔ جدید دور میں، المیہ کو ڈرامہ، میلوڈراما، المیہ اور مہاکاوی تھیٹر کے خلاف بھی بیان کیا گیا ہے۔ اصلاح تھیٹر کی ایک مستقل خصوصیت رہی ہے، جس میں سولہویں صدی میں کامیڈیا ڈیل آرٹے کو اصلاح کی پہلی شکل کے طور پر تسلیم کیا گیا ہے۔ نوبل انعام یافتہ ڈاریو فو اور گروپس جیسے کہ اپرائٹ سٹیزنز بریگیڈ امپروویزیشنل تھیٹر کے ذریعے مقبول ہونے والا بہت سے مختلف دھاروں اور فلسفوں کے ساتھ ترقی پذیر ہے۔ کیتھ جانسٹون اور وائیولا اسپولن کو جدید دور میں اصلاح کے پہلے اساتذہ کے طور پر پہچانا جاتا ہے، جانسٹون نے اسکرپٹڈ تھیٹر کے متبادل کے طور پر اصلاح کی تلاش کی اور اسپولن اور اس کے جانشینوں نے اصلاح کو بنیادی طور پر ڈرامائی کام یا مہارتوں کو فروغ دینے کے آلے کے طور پر یا حالات پر مبنی مزاح کی شکل کے طور پر تلاش کیا۔ سپولن کو اس بات میں بھی دلچسپی پیدا ہوئی کہ سیکھنے کی اصلاح کا عمل انسانی صلاحیت کی نشوونما پر کس طرح لاگو ہوتا ہے۔ سپولن کے بیٹے، پال سلز نے امپروویزیشنل تھیٹر کو تھیٹر آرٹ کی شکل کے طور پر مقبول کیا جب انہوں نے اس کے پہلے ڈائریکٹر، دی سیکنڈ سٹی ان شکاگو کی بنیاد رکھی۔ نظریات 2,500 سال سے زیادہ عرصے سے انسانی ثقافت کا ایک اہم حصہ رہے ہیں، تھیٹر نے مختلف نظریات اور طریقوں کی ایک وسیع رینج تیار کی ہے۔ کچھ کا تعلق سیاسی یا روحانی نظریات سے ہے، جبکہ دیگر خالصتا "فنکارانہ" خدشات پر مبنی ہیں۔ کچھ عمل ایک کہانی پر توجہ مرکوز کرتے ہیں، کچھ تھیٹر کو ایک واقعہ کے طور پر، اور کچھ تھیٹر کو سماجی تبدیلی کے لیے اتپریرک کے طور پر۔ کلاسیکی یونانی فلسفی ارسطو، اپنے بنیادی مقالے، پوئیٹکس () میں سب سے قدیم زندہ رہنے والی مثال ہے اور اس کے دلائل نے تب سے تھیٹر کے نظریات کو متاثر کیا ہے۔ اس میں، وہ ایک بیان پیش کرتا ہے جسے وہ "شاعری" کہتے ہیں (ایک اصطلاح جس کا یونانی میں لفظی معنی "بنانا" ہے اور اس تناظر میں ڈرامہ-مزاح، المیہ، اور طنزیہ ڈرامہ کے ساتھ ساتھ گیت کی شاعری، مہاکاوی شاعری، اور دتھیرامب شامل ہیں)۔ وہ اس کے "پہلے اصولوں" کا جائزہ لیتے ہیں اور اس کی انواع اور بنیادی عناصر کی نشاندہی کرتے ہیں ؛ المیہ کا ان کا تجزیہ بحث کا بنیادی حصہ ہے۔ ارسطو کا استدلال ہے کہ المیہ چھ معیاری حصوں پر مشتمل ہے، جو (اہمیت کے لحاظ سے) افسانے یا "پلاٹ"، اخلاقیات یا "کردار"، ڈیانویا یا "خیال"، لیکسس یا "ڈکشن"، میلوس یا "گانا"، اور اوپسس یا "تماشا" ہیں۔ "اگرچہ ارسطو کی شاعری کو مغربی تنقیدی روایت میں عالمی سطح پر تسلیم کیا جاتا ہے،" مارون کارلسن بتاتے ہیں، "ان کے بنیادی کام کے بارے میں تقریبا ہر تفصیل نے مختلف آراء کو جنم دیا ہے۔" 20 ویں صدی کے اہم تھیٹر پریکٹیشنرز میں کونسٹینٹن اسٹینسلاوسکی، ویسولوڈ میئر ہولڈ، جیکس کوپو، ایڈورڈ گورڈن کریگ، برٹولٹ بریکٹ، انتونین آرٹاؤڈ، جان لٹل ووڈ، پیٹر بروک، جرزی گروٹووسکی، آگسٹو بوال، یوجینیو باربا، ڈاریو فو، وائیولا اسپولن، کیتھ جانسٹون اور رابرٹ ولسن (ڈائریکٹر) شامل ہیں۔ سٹینسلاوسکی نے تھیٹر کو ایک فن کی شکل کے طور پر دیکھا جو ادب سے خود مختار ہے اور جس میں ڈرامہ نگار کی شراکت کا احترام کیا جانا چاہیے کیونکہ یہ تخلیقی فنکاروں کے مجموعے میں سے صرف ایک ہے۔ جدید اداکاری کے نظریہ میں ان کی اختراعی شراکت پچھلی صدی کے بیشتر حصے میں مرکزی دھارے میں شامل مغربی کارکردگی کی تربیت کے مرکز میں رہی ہے۔ یہ کہ ان کے اداکار کی تربیت کے نظام کے بہت سے اصول عقل عامہ کے لگتے ہیں اور خود واضح طور پر اس کی بالادستی کی کامیابی کی گواہی دیتے ہیں۔ اداکار اکثر ان کے بنیادی تصورات کو یہ جانے بغیر استعمال کرتے ہیں کہ وہ ایسا کرتے ہیں۔ سابق طالب علموں کے اداکاری کرنے والے اساتذہ کی طرف سے اس کی ترقی اور وضاحت اور ان کی نظریاتی تحریروں کے بہت سے ترجمے کی بدولت، ستانیسلاوسکی کے 'نظام' نے ثقافتی حدود کو عبور کرنے کی بے مثال صلاحیت حاصل کی اور یورپ اور امریکہ میں اداکاری کے بارے میں مباحثوں پر غلبہ حاصل کرتے ہوئے ایک بین الاقوامی رسائی حاصل کی۔ بہت سے اداکار معمول کے مطابق اس کے 'نظام' کو شمالی امریکی طریقہ کار سے تشبیہ دیتے ہیں، حالانکہ مؤخر الذکر کی خصوصی طور پر نفسیاتی تکنیکیں سٹینسلاوسکی کے کثیر متغیر، جامع اور نفسیاتی نقطہ نظر سے بالکل متصادم ہیں، جو کردار اور عمل کو 'اندر سے باہر' اور 'باہر سے اندر' دونوں سے تلاش کرتی ہیں اور اداکار کے دماغ اور جسم کو تسلسل کے حصوں کے طور پر پیش کرتی ہیں۔ تکنیکی پہلو تھیٹر پیداوار کے باہمی تعاون کے طریقوں اور استقبال کی اجتماعی شکل کو پیش کرتا ہے۔ ڈرامائی نصوص کا ڈھانچہ، ادب کی دیگر شکلوں کے برعکس، اس باہمی تعاون کی پیداوار اور اجتماعی استقبال سے براہ راست متاثر ہوتا ہے۔ ڈراموں کی تیاری میں عام طور پر ڈرامہ نگار، ہدایت کار، اداکاروں کی ایک کاسٹ، اور ایک تکنیکی پروڈکشن ٹیم کی شراکت شامل ہوتی ہے جس میں ایک خوبصورت یا سیٹ ڈیزائنر، لائٹنگ ڈیزائنر، کاسٹیوم ڈیزائنر، ساؤنڈ ڈیزائنر، اسٹیج منیجر، پروڈکشن منیجر اور تکنیکی ڈائریکٹر شامل ہوتے ہیں۔ پروڈکشن کے لحاظ سے، اس ٹیم میں ایک کمپوزر، ڈرامہ نگار، ویڈیو ڈیزائنر یا فائٹ ڈائریکٹر بھی شامل ہو سکتے ہیں۔ اسٹیج کرافٹ ایک عام اصطلاح ہے جو تھیٹر، فلم اور ویڈیو پروڈکشن کے تکنیکی پہلوؤں کا حوالہ دیتی ہے۔ اس میں شامل ہیں، لیکن ان تک محدود نہیں ہے، مناظر کی تعمیر اور دھاندلی، روشنی کو لٹکانا اور توجہ مرکوز کرنا، ملبوسات کا ڈیزائن اور خریداری، میک اپ، پروپس کی خریداری، اسٹیج مینجمنٹ، اور آواز کی ریکارڈنگ اور اختلاط۔ اسٹیج کرافٹ منظر کشی کی وسیع تر چھتری اصطلاح سے الگ ہے۔ ایک فنکارانہ میدان کے بجائے تکنیکی سمجھا جاتا ہے، یہ بنیادی طور پر ایک ڈیزائنر کے فنکارانہ وژن کے عملی نفاذ سے متعلق ہے۔ اس کی سب سے بنیادی شکل میں، اسٹیج کرافٹ کا انتظام ایک واحد شخص (اکثر چھوٹے پروڈکشن کا اسٹیج مینیجر) کرتا ہے جو تمام مناظر، ملبوسات، روشنی اور آواز کا اہتمام کرتا ہے، اور کاسٹ کو منظم کرتا ہے۔ زیادہ پیشہ ورانہ سطح پر، مثال کے طور پر جدید براڈوے ہاؤسز میں، اسٹیج کرافٹ کا انتظام سینکڑوں ہنر مند بڑھئی، مصور، الیکٹریشن، اسٹیج ہینڈز، سلائی کرنے والے، وگ میکرز اور اسی طرح کے لوگ کرتے ہیں۔ اسٹیج کرافٹ کی یہ جدید شکل انتہائی تکنیکی اور خصوصی ہے: اس میں بہت سے ذیلی مضامین اور تاریخ اور روایت کا ایک وسیع ذخیرہ شامل ہے۔ اسٹیج کرافٹ کی اکثریت ان دو انتہاؤں کے درمیان ہوتی ہے۔ علاقائی تھیٹروں اور بڑے کمیونٹی تھیٹروں میں عام طور پر ایک تکنیکی ڈائریکٹر اور ڈیزائنرز کی تکمیل ہوتی ہے، جن میں سے ہر ایک کا اپنے اپنے ڈیزائن میں براہ راست ہاتھ ہوتا ہے۔ ذیلی زمرہ جات اور تنظیم بہت سی جدید تھیٹر تحریکیں ہیں جو تھیٹر کو مختلف طریقوں سے تیار کرتی ہیں۔ تھیٹریکل انٹرپرائزز نفاست اور مقصد میں بہت مختلف ہیں۔ جو لوگ اس میں شامل ہوتے ہیں وہ نوآموز اور شوق رکھنے والوں (کمیونٹی تھیٹر میں) سے لے کر پیشہ ور افراد (براڈوے اور اسی طرح کی پروڈکشن میں) تک مختلف ہوتے ہیں۔ تھیٹر کو کم بجٹ کے ساتھ یا ملٹی ملین ڈالر کے بجٹ کے ساتھ بڑے پیمانے پر پیش کیا جا سکتا ہے۔ یہ تنوع تھیٹر کے ذیلی زمروں کی کثرت میں ظاہر ہوتا ہے، جس میں شامل ہیں: براڈوے تھیٹر اور ویسٹ اینڈ تھیٹر کمیونٹی تھیٹر ڈنر تھیٹر فرنج تھیٹر امرسیو تھیٹر آف براڈوے اور آف ویسٹ اینڈ آف براڈوے پلے بیک تھیٹر علاقائی تھیٹر ریاستہائے متحدہ میں ٹورنگ تھیٹر سائٹ مخصوص تھیٹر اسٹریٹ تھیٹر سمر اسٹاک تھیٹر ریپرٹری کمپنیاں جبکہ زیادہ تر جدید تھیٹر کمپنیاں ایک وقت میں تھیٹر کے ایک ٹکڑے کی ریہرسل کرتی ہیں، ایک سیٹ "رن" کے لیے اس ٹکڑے کو انجام دیتی ہیں، ٹکڑے کو ریٹائر کرتی ہیں، اور ایک نئے شو کی ریہرسل شروع کرتی ہیں، ریپرٹری کمپنیاں ایک وقت میں متعدد شوز کی ریہرسل کرتی ہیں۔ یہ کمپنیاں درخواست پر ان مختلف کاموں کو انجام دینے کے قابل ہوتی ہیں اور اکثر انہیں ریٹائر کرنے سے پہلے برسوں تک کام انجام دیتی ہیں۔ زیادہ تر ڈانس کمپنیاں اس ریپرٹری سسٹم پر کام کرتی ہیں۔ لندن میں رائل نیشنل تھیٹر ریپرٹری سسٹم پر پرفارم کرتا ہے۔ ریپرٹری تھیٹر میں عام طور پر اسی طرح کے ماہر اداکاروں کا ایک گروپ شامل ہوتا ہے، اور یہ انفرادی اسٹار اداکار کے بجائے گروپ کی ساکھ پر زیادہ انحصار کرتا ہے۔ یہ عام طور پر ہدایت کار کے سخت کنٹرول پر بھی کم انحصار کرتا ہے اور تھیٹر کنونشنوں کی پابندی پر بھی کم انحصار کرتا ہے، کیونکہ جن اداکاروں نے متعدد پروڈکشنز میں مل کر کام کیا ہے وہ کنونشن یا بیرونی سمت پر زیادہ انحصار کیے بغیر ایک دوسرے کو جواب دے سکتے ہیں۔ تھیٹر کمپنی ایک ایسی تنظیم ہے جو تھیٹر کی پرفارمنس پیش کرتی ہے، جو تھیٹر گروپ (یا اداکاری کمپنی) سے الگ ہے، جو تھیٹر کے فنکاروں کا ایک گروپ ہے جو مل کر کام کرتا ہے۔ ٹورنگ کمپنی ایک آزاد تھیٹر یا ڈانس کمپنی ہے جو سفر کرتی ہے، اکثر بین الاقوامی سطح پر، ہر شہر کے مختلف تھیٹر میں پیش کی جاتی ہے۔ تھیٹر کے ایک حصے کو پہننے کے لیے تھیٹر کمپنی اور تھیٹر کے مقام دونوں کی ضرورت ہوتی ہے۔ جب تھیٹر کمپنی تھیٹر کے مقام پر رہائش پذیر واحد کمپنی ہوتی ہے، تو اس تھیٹر (اور اس سے متعلقہ تھیٹر کمپنی) کو رہائشی تھیٹر یا پروڈکشن تھیٹر کہا جاتا ہے، کیونکہ مقام اپنا کام خود تیار کرتا ہے۔ دیگر تھیٹر کمپنیاں، نیز ڈانس کمپنیاں، جن کا اپنا تھیٹر کا مقام نہیں ہے، کرایے کے تھیٹروں یا پیش کرنے والے تھیٹروں میں پرفارم کرتی ہیں۔ کرایہ پر لینے اور پیش کرنے والے دونوں تھیٹروں میں کوئی کل وقتی رہائشی کمپنیاں نہیں ہیں۔ تاہم، ان کے پاس بعض اوقات ایک یا زیادہ جز وقتی رہائشی کمپنیاں ہوتی ہیں، دیگر آزاد شراکت دار کمپنیوں کے علاوہ جو دستیاب ہونے پر اس جگہ کو استعمال کرنے کا انتظام کرتی ہیں۔ ایک رینٹل تھیٹر آزاد کمپنیوں کو جگہ تلاش کرنے کی اجازت دیتا ہے، جبکہ ایک پیش کرنے والا تھیٹر آزاد کمپنیوں کو اپنے اسٹیج پر پیش کرکے ان کے کام کی حمایت کرنے کی کوشش کرتا ہے۔ کچھ پرفارمنس گروپ غیر تھیٹریکل جگہوں پر پرفارم کرتے ہیں۔ اس طرح کی پرفارمنس باہر یا اندر، غیر روایتی پرفارمنس کی جگہ میں ہو سکتی ہے، اور اس میں اسٹریٹ تھیٹر، اور سائٹ سے متعلق تھیٹر شامل ہیں۔ غیر روایتی مقامات کو سامعین کے لیے زیادہ عمیق یا بامعنی ماحول پیدا کرنے کے لیے استعمال کیا جا سکتا ہے۔ ان میں بعض اوقات روایتی تھیٹر کے مقامات سے زیادہ ترمیم کی جا سکتی ہے، یا مختلف قسم کے آلات، روشنی اور سیٹ کو ایڈجسٹ کیا جا سکتا ہے۔ یونینز بہت سی تھیٹر یونینز ہیں، جن میں شامل ہیں: امریکہ میں اداکاروں اور اسٹیج مینیجرز کے لیے ایکٹرز ایکویٹی ایسوسی ایشن (اے ای اے) کینیڈا ایکویٹی میں اداکاروں کے لیے کینیڈین ایکٹرز ایکویٹی ایسوسی ایشن، ڈیزائنرز اور تکنیکی ماہرین کے لیے یوکے انٹرنیشنل الائنس آف تھیٹریکل اسٹیج ایمپلائز (آئی اے ٹی ایس ای) میں کئی قسم کے پرفارمنگ فنکاروں کے ساتھ ساتھ ڈیزائنرز، ڈائریکٹرز، اور اسٹیج مینیجرز کے لیے)۔ میڈیا، انٹرٹینمنٹ اینڈ آرٹس الائنس، ایک آسٹریلوی یونین ہے جو 1992 میں اداکاروں، صحافیوں اور تفریحی صنعت کے ملازمین اسٹیج ڈائریکٹرز اور کوریوگرافرس سوسائٹی (ایس ڈی سی) کا احاطہ کرنے والی یونینوں کے انضمام کے طور پر تشکیل دی گئی تھی۔