History of theatre
تھیٹر کی تاریخ پچھلے 2500 سالوں میں تھیٹر کی ترقی کا خاکہ پیش کرتی ہے۔ اگرچہ ہر معاشرے میں کارکردگی کے عناصر موجود ہوتے ہیں، لیکن تھیٹر کو ایک آرٹ فارم اور تفریح کے طور پر، اور دیگر سرگرمیوں میں تھیٹر یا کارکردگی کے عناصر کے درمیان فرق کو تسلیم کرنے کا رواج ہے۔ تھیٹر کی تاریخ بنیادی طور پر ایک خود مختار سرگرمی کے طور پر تھیٹر کی ابتدا اور اس کے بعد کی ترقی سے متعلق ہے۔ 5 ویں صدی قبل مسیح میں کلاسیکی ایتھنز کے بعد سے، تھیٹر کی متحرک روایات دنیا بھر کی ثقافتوں میں پروان چڑھی ہیں۔ اس بات کا کوئی حتمی ثبوت نہیں ہے کہ رسمی کارروائیوں اور تھیٹر کی کارکردگی اور اس رشتے کی اہمیت کے درمیان مماثلت کے باوجود تھیٹر رسم سے تیار ہوا۔ ابتدائی تھیٹر کی رسم سے اس مماثلت کی ارسطو نے منفی تصدیق کی ہے، جس نے اپنی شاعری میں تھیٹر کی تعریف مقدس اسرار کی پرفارمنس کے برعکس کی ہے: تھیٹر میں تماشائی کو روزہ رکھنے، کیکون پینے، یا جلوس میں مارچ کرنے کی ضرورت نہیں تھی۔ تاہم تھیٹر مقدس اسرار سے اس معنی میں ملتا جلتا تھا کہ یہ ایک وژن، تھیما کے ذریعے تماشائی کو پاکیزگی اور شفا بخشتا ہے۔ اس طرح کی پرفارمنس کے جسمانی مقام کو اسی کے مطابق تھیٹرون کا نام دیا گیا۔ مورخین آسکر بروکیٹ اور فرینکلن ہلڈی کے مطابق، رسومات میں عام طور پر ایسے عناصر شامل ہوتے ہیں جو تفریح یا خوشی دیتے ہیں، جیسے ملبوسات اور ماسک کے ساتھ ساتھ ہنر مند فنکار بھی۔ جیسے جیسے معاشرے مزید پیچیدہ ہوتے گئے، ان شاندار عناصر کو غیر مذہبی حالات میں عملی جامہ پہنایا جانے لگا۔ جیسے ہی یہ ہوا، ایک خود مختار سرگرمی کے طور پر تھیٹر کی طرف پہلا قدم اٹھایا جا رہا تھا۔ یورپی تھیٹر یونانی تھیٹر، جو ایتھنز میں سب سے زیادہ تیار ہوا، مغربی روایت کی جڑ ہے۔ تھیٹر یونانی نژاد لفظ ہے۔ یہ کلاسیکی یونان میں تھیٹریکلٹی اور پرفارمنس کی ایک وسیع تر ثقافت کا حصہ تھا جس میں تہوار، مذہبی رسومات، سیاست، قانون، ایتھلیٹکس اور جمناسٹکس، موسیقی، شاعری، شادیوں، جنازوں اور سمپوزیم شامل تھے۔ شہری ریاست کے بہت سے تہواروں میں شرکت-اور خاص طور پر سامعین کے رکن (یا یہاں تک کہ تھیٹر پروڈکشن میں شریک کے طور پر) سٹی ڈیونیشیا میں حاضری-شہریت کا ایک اہم حصہ تھا۔ شہری شرکت میں قانون کی عدالت یا سیاسی اسمبلی میں پرفارمنس میں گواہی دینے والے مقررین کی بیان بازی کا جائزہ بھی شامل تھا، ان دونوں کو تھیٹر کے مترادف سمجھا جاتا تھا اور تیزی سے اس کے ڈرامائی الفاظ کو جذب کرنے لگے۔ قدیم یونان کا تھیٹر تین قسم کے ڈراموں پر مشتمل تھا: المیہ، مزاح اور طنزیہ ڈرامہ۔ ایتھنین کا المیہ-المیہ کی سب سے قدیم زندہ بچ جانے والی شکل-ایک قسم کا رقص ڈرامہ ہے جس نے شہری ریاست کی تھیٹر ثقافت کا ایک اہم حصہ تشکیل دیا۔ چھٹی صدی قبل مسیح کے دوران کسی وقت ابھرنے کے بعد، یہ 5 ویں صدی قبل مسیح کے دوران پھولنے لگا (جس کے اختتام سے یہ پوری یونانی دنیا میں پھیلنا شروع ہوا) اور ہیلینسٹک دور کے آغاز تک مقبول رہا۔ چھٹی صدی کا کوئی المیہ اور 5 ویں صدی کے دوران پیش کیے گئے ایک ہزار سے زیادہ میں سے صرف 32 بچ سکے ہیں۔ ہمارے پاس ایسچیلس، سوفوکلس اور یوریپائڈز کی مکمل تحریریں موجود ہیں۔ سانحے کی ابتداء غیر واضح ہے، حالانکہ 5 ویں صدی تک اسے ڈیونیوس (شراب اور زرخیزی کے دیوتا) کو منانے والے تہواروں کے حصے کے طور پر منعقد ہونے والے مقابلوں (ایگون) میں ادارہ جاتی بنا دیا گیا تھا۔ سٹی ڈیونیشیا کے مقابلے میں مدمقابل کے طور پر (اسٹیج ڈرامہ کے تہواروں میں سب سے زیادہ مائشٹھیت)، ڈرامہ نگاروں کو ڈراموں کی ایک ٹیٹرولوجی پیش کرنے کی ضرورت تھی (حالانکہ انفرادی کام لازمی طور پر کہانی یا تھیم سے جڑے نہیں تھے)، جو عام طور پر تین سانحات اور ایک طنزیہ ڈرامے پر مشتمل ہوتے تھے۔ سٹی ڈیونیشیا میں سانحات کی کارکردگی 534 قبل مسیح کے اوائل میں شروع ہو سکتی ہے۔ سرکاری ریکارڈ (دیداسکالی) 501 قبل مسیح سے شروع ہوتے ہیں، جب طنزیہ ڈرامہ متعارف کرایا گیا تھا۔ ایتھنز کے زیادہ تر سانحے یونانی افسانوں کے واقعات کو ڈرامائی انداز میں پیش کرتے ہیں، حالانکہ فارس-جو 480 قبل مسیح میں سلامیس کی جنگ میں اپنی فوجی شکست کی خبروں پر فارسی ردعمل کو پیش کرتا ہے-زندہ بچ جانے والے ڈرامے میں قابل ذکر رعایت ہے۔ جب ایسچیلس نے 472 قبل مسیح میں سٹی ڈیونیشیا میں اس کے لیے پہلا انعام جیتا، تو وہ 25 سال سے زیادہ عرصے سے سانحات لکھ رہا تھا، پھر بھی حالیہ تاریخ کا اس کا المناک علاج زندہ رہنے والے ڈرامے کی ابتدائی مثال ہے۔ 130 سال سے زیادہ عرصے کے بعد، فلسفی ارسطو نے ڈرامائی نظریہ کے سب سے قدیم زندہ بچ جانے والے کام میں 5 ویں صدی کے ایتھن کے سانحے کا تجزیہ کیا-ان کی شاعری (c. 335 قبل مسیح)۔ ایتھنین کامیڈی کو روایتی طور پر تین ادوار میں تقسیم کیا گیا ہے، "اولڈ کامیڈی"، "مڈل کامیڈی"، اور "نیو کامیڈی"۔ اولڈ کامیڈی آج بڑی حد تک ارسطو کے گیارہ زندہ بچ جانے والے ڈراموں کی شکل میں زندہ ہے، جبکہ مڈل کامیڈی بڑی حد تک کھو گئی ہے (صرف مصنفین جیسے ایتھنیوس آف نوکریٹس میں نسبتا مختصر ٹکڑوں میں محفوظ ہے)۔ نیو کامیڈی کو بنیادی طور پر مینینڈر کے ڈراموں کے کافی پیپرس کے ٹکڑوں سے جانا جاتا ہے۔ ارسطو نے مزاح کو مضحکہ خیز لوگوں کی نمائندگی کے طور پر بیان کیا ہے جس میں کسی قسم کی غلطی یا بدصورتی شامل ہوتی ہے جو درد یا تباہی کا سبب نہیں بنتی ہے۔ رومن تھیٹر مغربی تھیٹر نے رومیوں کے دور میں کافی ترقی اور توسیع کی۔ رومن مورخ لیوی نے لکھا ہے کہ رومیوں نے پہلی بار تھیٹر کا تجربہ چوتھی صدی قبل مسیح میں کیا، جس میں ایٹروسکن اداکاروں کی کارکردگی تھی۔ بیچم کا استدلال ہے کہ رومن اس ریکارڈ شدہ رابطے سے پہلے کچھ عرصے سے "پری تھیٹریکل طریقوں" سے واقف تھے۔ قدیم روم کا تھیٹر ایک ترقی پذیر اور متنوع آرٹ کی شکل تھی، جس میں اسٹریٹ تھیٹر کی فیسٹیول پرفارمنس، عریاں رقص، اور ایکروبیٹکس سے لے کر پلاٹس کی وسیع پیمانے پر پرکشش صورتحال کامیڈیز کے اسٹیجنگ تک، سینیکا کے اعلی طرز، زبانی طور پر تفصیلی سانحات تک شامل تھے۔ اگرچہ روم میں کارکردگی کی ایک مقامی روایت تھی، لیکن تیسری صدی قبل مسیح میں رومن ثقافت کی ہیلینائزیشن نے رومن تھیٹر پر گہرا اور پرجوش اثر ڈالا اور اسٹیج کے لیے اعلی ترین معیار کے لاطینی ادب کی ترقی کی حوصلہ افزائی کی۔ 270 اور 240 قبل مسیح کے درمیان کئی یونانی علاقوں میں رومن جمہوریہ (509-27 BC) کی توسیع کے بعد، روم کو یونانی ڈرامے کا سامنا کرنا پڑا۔ جمہوریہ کے بعد کے سالوں سے اور رومن سلطنت (27 قبل مسیح-476 عیسوی) کے ذریعے، تھیٹر پورے یورپ میں، بحیرہ روم کے آس پاس پھیل گیا اور انگلینڈ تک پہنچ گیا۔ رومن تھیٹر اس سے پہلے کی کسی بھی ثقافت کے مقابلے میں زیادہ متنوع، وسیع اور نفیس تھا۔ اگرچہ یونانی ڈرامہ پورے رومن دور میں پیش کیا جاتا رہا، لیکن سال 240 قبل مسیح باقاعدہ رومن ڈرامہ کے آغاز کی نشاندہی کرتا ہے۔ تاہم، سلطنت کے آغاز سے ہی، مکمل طوالت والے ڈرامے میں دلچسپی تھیٹر کی تفریح کی وسیع اقسام کے حق میں کم ہو گئی۔ رومن ادب کے پہلے اہم کام سانحات اور مزاح تھے جو لیوئس اینڈرونکس نے 240 قبل مسیح سے لکھے تھے۔ پانچ سال بعد گنےئس نیویوس نے بھی ڈرامہ لکھنا شروع کیا۔ کسی بھی مصنف کا کوئی ڈرامہ باقی نہیں بچا ہے۔ اگرچہ دونوں ڈرامہ نگاروں نے دونوں صنفوں میں کمپوز کیا، اینڈرونکس کو ان کے سانحات کے لیے اور نیویوس کو ان کی مزاحیہ فلموں کے لیے سب سے زیادہ سراہا گیا۔ ان کے جانشینوں کا رجحان ایک یا دوسرے میں مہارت حاصل کرنے کا تھا، جس کی وجہ سے ہر قسم کے ڈرامے کی بعد کی ترقی الگ ہو گئی۔ دوسری صدی قبل مسیح کے آغاز تک، روم میں ڈرامہ مضبوطی سے قائم ہو گیا تھا اور مصنفین کا ایک گروہ (کولیجیم شاعرم) تشکیل دے دیا گیا تھا۔ جو رومن کامیڈیز بچ گئی ہیں وہ تمام فبولا پیلیاٹا (یونانی مضامین پر مبنی کامیڈیز) ہیں اور دو ڈرامہ نگاروں سے آتی ہیں: ٹائٹس میکسیئس پلاٹس (پلاٹس) اور پبلیوس ٹیرینٹیوس افیر (ٹیرنس)۔ یونانی اصل پر دوبارہ کام کرنے میں، رومن مزاحیہ ڈرامہ نگاروں نے ڈرامے کو اقساط میں تقسیم کرنے میں کورس کے کردار کو ختم کر دیا اور اس کے مکالمے میں موسیقی کا ساتھ متعارف کرایا (پلاٹس کی مزاحیہ فلموں میں ایک تہائی مکالمے اور ٹیرنس کے مکالموں میں دو تہائی کے درمیان)۔ تمام مناظر کا عمل گلی کے بیرونی مقام پر ترتیب دیا جاتا ہے اور اس کی پیچیدگیاں اکثر جاسوسی سے پیدا ہوتی ہیں۔ پلاٹس، جو ان دونوں میں زیادہ مقبول تھے، نے 205 اور 184 قبل مسیح کے درمیان لکھا اور ان کی بیس مزاحیہ فلمیں باقی ہیں، جن میں سے ان کے تماشے سب سے زیادہ مشہور ہیں۔ انہیں ان کے مکالمے کی عقل اور مختلف قسم کے شاعرانہ میٹر کے استعمال کے لیے سراہا گیا۔ ٹیرنس کی 166 اور 160 قبل مسیح کے درمیان لکھی گئی تمام چھ مزاحیہ فلمیں بچ گئی ہیں۔ ان کے پلاٹوں کی پیچیدگی، جس میں وہ اکثر کئی یونانی اصل کو جوڑتے تھے، کی بعض اوقات مذمت کی جاتی تھی، لیکن ان کے دوہرے پلاٹوں نے انسانی رویے کے تضاد کی ایک نفیس پیش کش کو قابل بنایا۔ کوئی ابتدائی رومن المیہ باقی نہیں بچا، حالانکہ اس کے زمانے میں اس کا بہت احترام کیا جاتا تھا۔ مورخین تین ابتدائی المیے کے بارے میں جانتے ہیں-کوئنٹس اینیوس، مارکس پیکویوس اور لوسیئس ایکسیس۔ سلطنت کے زمانے سے، دو سانحات کا کام باقی ہے-ایک نامعلوم مصنف ہے، جبکہ دوسرا سٹوک فلسفی سینیکا ہے۔ سینیکا کے نو سانحے باقی ہیں، یہ سب فبولا کریپیڈاٹا ہیں (سانحے جو یونانی اصل سے اخذ کیے گئے ہیں) ؛ مثال کے طور پر، ان کا فیئڈرا، یوریپائڈز کے ہپولیٹس پر مبنی تھا۔ مورخین نہیں جانتے کہ فبولا پریٹیکسٹا (رومن مضامین پر مبنی سانحات)، آکٹاویا کی واحد موجودہ مثال کس نے لکھی، لیکن سابقہ زمانے میں اس سانحے میں ایک کردار کے طور پر ظاہر ہونے کی وجہ سے اسے غلطی سے سینیکا سے منسوب کیا گیا تھا۔ قدیم یونانی تھیٹر کے برعکس، قدیم روم میں تھیٹر خواتین فنکاروں کو اجازت دیتا تھا۔ اگرچہ اکثریت رقص اور گانے کے لیے ملازم تھی، لیکن اداکاراؤں کی ایک اقلیت بولنے والے کردار ادا کرنے کے لیے جانی جاتی ہے، اور ایسی اداکارائیں بھی تھیں جنہوں نے اپنے فن کے لیے دولت، شہرت اور پہچان حاصل کی، جیسے یوکیرس، ڈیونیشیا، گیلیریا کوپویولا اور فابیا اریٹ: انہوں نے اپنا اداکاری کا گلڈ، سوشیا میمی بھی تشکیل دیا، جو ظاہر ہے کہ کافی امیر تھا۔ منتقلی اور ابتدائی قرون وسطی کا تھیٹر، جیسے ہی مغربی رومن سلطنت چوتھی اور پانچویں صدی کے دوران زوال پذیر ہوئی، رومن طاقت کا مرکز قسطنطنیہ اور مشرقی رومن سلطنت میں منتقل ہو گیا، جسے آج بازنطینی سلطنت کہا جاتا ہے۔ اگرچہ بازنطینی تھیٹر کے بارے میں زندہ بچ جانے والے شواہد معمولی ہیں، موجودہ ریکارڈ سے پتہ چلتا ہے کہ سانحات اور مزاح، رقص اور دیگر تفریحات کی نقل، مناظر یا تلاوت بہت مقبول تھی۔ قسطنطنیہ میں دو تھیٹر تھے جو 5 ویں صدی کے آخر تک استعمال میں تھے۔ تاہم، تھیٹر کی تاریخ میں بازنطینی لوگوں کی حقیقی اہمیت ان کی بہت سی کلاسیکی یونانی تحریروں کا تحفظ اور سوڈا نامی ایک بڑے انسائیکلوپیڈیا کی تالیف ہے، جس سے یونانی تھیٹر کے بارے میں عصری معلومات کی ایک بڑی مقدار حاصل ہوتی ہے۔ 5 ویں صدی سے، مغربی یورپ عام انتشار کے دور میں ڈوبا ہوا تھا جو (9 ویں صدی میں کیرولنگین سلطنت کے تحت استحکام کی ایک مختصر مدت کے ساتھ) 10 ویں صدی تک جاری رہا۔ اس طرح، مغربی یورپ میں زیادہ تر منظم تھیٹر کی سرگرمیاں غائب ہو گئیں۔ اگرچہ ایسا لگتا ہے کہ چھوٹے خانہ بدوش بینڈوں نے پورے عرصے میں یورپ کا سفر کیا، جہاں کہیں بھی انہیں سامعین مل سکتے تھے وہاں پرفارم کیا، اس بات کا کوئی ثبوت نہیں ہے کہ انہوں نے خام مناظر کے علاوہ کچھ بھی پیش کیا۔ ان فنکاروں کی چرچ نے تاریک دور کے دوران مذمت کی تھی کیونکہ انہیں خطرناک اور کافر سمجھا جاتا تھا۔ ابتدائی قرون وسطی تک، یورپ میں گرجا گھروں نے سال کے مخصوص دنوں میں مخصوص بائبل کے واقعات کے ڈرامائی ورژن پیش کرنا شروع کر دیے۔ ان ڈراموں کو سالانہ تقریبات کو زندہ کرنے کے لیے شامل کیا گیا تھا۔ علامتی اشیاء اور اعمال-لباس، قربان گاہیں، سنسر، اور پجاریوں کے ذریعہ پیش کردہ پینٹومیم-ان واقعات کو یاد کرتے ہیں جو عیسائی رسم مناتے ہیں۔ یہ بصری علامات کے وسیع مجموعے تھے جنہیں بڑے پیمانے پر ناخواندہ سامعین کے ساتھ بات چیت کرنے کے لیے استعمال کیا جا سکتا تھا۔ یہ پرفارمنس لیٹرجیکل ڈراموں میں تیار ہوئیں، جن میں سے سب سے قدیم ایسٹر ٹراپ ہے جسے آپ کس کی تلاش کرتے ہیں (کویم-کویرائٹس)، سی اے سے ڈیٹنگ ہے۔ 925۔ لٹرجیکل ڈرامہ کو دو گروہوں نے جواب دہ انداز میں گایا تھا اور اس میں کرداروں کی نقالی کرنے والے اداکار شامل نہیں تھے۔ تاہم، 965 اور 975 کے درمیان، ونچسٹر کے ایتھلولڈ نے ریگولرس کونکورڈیا (موناسٹک ایگریمنٹ) کی تشکیل کی جس میں کارکردگی کے لیے ہدایات کے ساتھ ایک مکمل پلےلیٹ شامل ہے۔ شمالی جرمنی کی ایک کنوانی ہیروسویتا (935-973) نے چھ ڈرامے لکھے جو ٹیرنس کی مزاح پر مبنی تھے لیکن مذہبی موضوعات کا استعمال کرتے ہوئے۔ یہ چھ ڈرامے-ابراہم، کالیماکس، ڈولسیٹیئس، گیلیکینس، پافنٹیوس، اور سیپینٹیا-ایک خاتون ڈرامہ نگار کے لکھے ہوئے پہلے معروف ڈرامے ہیں اور کلاسیکی دور کے بعد کے پہلے قابل شناخت مغربی ڈرامائی کام ہیں۔ وہ پہلی بار 1501 میں شائع ہوئے تھے اور سولہویں صدی کے مذہبی اور تدریسی ڈراموں پر ان کا کافی اثر تھا۔ ہیروسویتا کے بعد بنگن کا ہلڈیگارڈ (وفات 1179)، ایک بینیڈکٹائن ابیس، جس نے 1155 میں اورڈو ورٹوٹم نامی لاطینی میوزیکل ڈرامہ لکھا۔ اعلی اور دیر سے قرون وسطی کا تھیٹر، جیسے ہی 11 ویں صدی کے وسط میں وائکنگ کے حملے ختم ہوئے، مذہبی ڈرامہ روس سے اسکینڈینیویا سے اٹلی تک پھیل گیا تھا۔ صرف مسلم کے زیر قبضہ جزیرہ نما آئبیریا میں مذہبی ڈرامے بالکل پیش نہیں کیے گئے تھے۔ اس عرصے سے بڑی تعداد میں مذہبی ڈراموں کے باقی رہنے کے باوجود، بہت سے گرجا گھروں نے ہر سال صرف ایک یا دو اداکاری کی ہوگی اور ایک بڑی تعداد نے کبھی بھی کوئی اداکاری نہیں کی ہوگی۔ مزاحیہ کی ترقی میں بیوقوفوں کی دعوت خاص طور پر اہم تھی۔ اس تہوار نے کم پادریوں کی حیثیت کو الٹ دیا اور انہیں اپنے اعلی افسران اور چرچ کی زندگی کے معمولات کا مذاق اڑانے کا موقع فراہم کیا۔ بعض اوقات اس موقع کے ایک حصے کے طور پر ڈرامے پیش کیے جاتے تھے اور ان پرفارمنس میں ایک خاص مقدار میں مزاحیہ اور مزاحیہ شامل ہوتا تھا۔ اگرچہ مزاحیہ اقساط کو واقعی اس وقت تک انتظار کرنا پڑا جب تک کہ ڈرامہ عبادت سے الگ نہ ہو جائے، بے شک بیوقوفوں کی دعوت نے مذہبی اور سیکولر دونوں ڈراموں میں مزاح کی نشوونما پر گہرا اثر ڈالا۔ چرچ سے باہر مذہبی ڈراموں کی کارکردگی 12 ویں صدی میں کسی وقت مختصر مذہبی ڈراموں کو طویل ڈراموں میں ضم کرنے کے روایتی طور پر قبول شدہ عمل کے ذریعے شروع ہوئی جس کا بعد میں مقامی زبان میں ترجمہ کیا گیا اور عام لوگوں کے ذریعے پیش کیا گیا۔ دی مسٹری آف ایڈم (1150) اس نظریے کو تقویت دیتی ہے کیونکہ اس کے اسٹیج کی تفصیلی سمت سے پتہ چلتا ہے کہ اسے باہر پیش کیا گیا تھا۔ اس دور کے کئی دوسرے ڈرامے باقی ہیں، جن میں لا سینٹے ریسرکشن (نارمن)، دی پلے آف دی میگی کنگز (ہسپانوی)، اور اسپونس (فرانسیسی) شامل ہیں۔ تھیٹر کی ترقی میں اعلی قرون وسطی کی اہمیت معاشی اور سیاسی تبدیلیاں تھیں جن کی وجہ سے انجمنوں کی تشکیل اور قصبوں کی ترقی ہوئی۔ یہ قرون وسطی کے آخر میں اہم تبدیلیوں کا باعث بنے گا۔ برطانوی جزائر میں قرون وسطی کے دوران تقریبا 127 مختلف قصبوں میں ڈرامے تیار کیے گئے۔ یہ مقامی زبان کے اسرار ڈرامے بڑی تعداد میں ڈراموں کے چکروں میں لکھے گئے تھے: یارک (48 ڈرامے)، چیسٹر (24)، ویک فیلڈ (32) اور نامعلوم (42)۔ اس دور میں فرانس اور جرمنی سے ڈراموں کی ایک بڑی تعداد باقی ہے اور قرون وسطی کے آخر میں تقریبا ہر یورپی ملک میں کسی نہ کسی قسم کے مذہبی ڈرامے پیش کیے جاتے تھے۔ ان میں سے بہت سے ڈراموں میں مزاح، شیطان، ولن اور جوکر شامل تھے۔ ان ڈراموں میں زیادہ تر اداکار مقامی آبادی سے لیے گئے تھے۔ مثال کے طور پر، 1547 میں ویلینسینس میں، 72 اداکاروں کو 100 سے زیادہ کردار تفویض کیے گئے تھے۔ پیجنٹ ویگن کے مراحل پر ڈرامے پیش کیے جاتے تھے، جو کہ مناظر کو منتقل کرنے کے لیے استعمال ہونے والے پہیوں پر نصب پلیٹ فارم ہوتے تھے۔ اکثر اپنے ملبوسات فراہم کرتے ہوئے، انگلینڈ میں شوقیہ فنکار خصوصی طور پر مرد تھے، لیکن دوسرے ممالک میں خواتین فنکار تھیں۔ پلیٹ فارم اسٹیج، جو کہ ایک نامعلوم جگہ تھی اور کوئی مخصوص مقام نہیں تھا، مقام میں اچانک تبدیلیوں کی اجازت دیتا تھا۔ اخلاقی ڈرامے 1400 کے آس پاس ایک الگ ڈرامائی شکل کے طور پر ابھرے اور 1550 تک پروان چڑھے۔ اخلاقیات کا سب سے دلچسپ کھیل دی کیسل آف پرسیئرنس ہے جو انسانیت کی پیدائش سے لے کر موت تک کی ترقی کو ظاہر کرتا ہے۔ تاہم، اخلاقیات کا سب سے مشہور ڈرامہ اور شاید قرون وسطی کا سب سے مشہور ڈرامہ ایوری مین ہے۔ ہر انسان کو موت کے سمن موصول ہوتے ہیں، وہ فرار ہونے کے لیے جدوجہد کرتا ہے اور آخر کار خود کو ضرورت کے مطابق مستعفی کر دیتا ہے۔ راستے میں، وہ کنڈرڈ، گڈز، اور فیلوشپ سے ویران ہو جاتا ہے-صرف اچھے کام اس کے ساتھ قبر تک جاتے ہیں۔ قرون وسطی میں متعدد سیکولر پرفارمنس بھی پیش کی گئیں، جن میں سے سب سے قدیم 1276 میں ایڈم ڈی لا ہیل کا دی پلے آف دی گرین ووڈ ہے۔ اس میں طنزیہ مناظر اور لوک مواد جیسے فیریز اور دیگر مافوق الفطرت واقعات شامل ہیں۔ 13 ویں صدی کے بعد فارس کی مقبولیت میں بھی ڈرامائی طور پر اضافہ ہوا۔ ان میں سے زیادہ تر ڈرامے فرانس اور جرمنی سے آتے ہیں اور آواز اور شکل میں ایک جیسے ہوتے ہیں، جن میں جنسی اور جسمانی اخراج پر زور دیا جاتا ہے۔ تماشوں کا سب سے مشہور ڈرامہ نگار ہنس سیکس (1494-1576) ہے جس نے 198 ڈرامائی کام لکھے۔ انگلینڈ میں، دی سیکنڈ شیفرڈز پلے آف دی ویک فیلڈ سائیکل سب سے مشہور ابتدائی تماشا ہے۔ تاہم، 16 ویں صدی تک جان ہیووڈ (1497-1580) کے کام کے ساتھ انگلینڈ میں طعنہ آزادانہ طور پر ظاہر نہیں ہوا۔ الزبتھ کے ڈرامے کی ترقی کا ایک اہم پیش خیمہ نچلے ممالک میں چیمبر آف ریٹورک تھا۔ ان سوسائٹیوں کا تعلق شاعری، موسیقی اور ڈرامہ سے تھا اور یہ دیکھنے کے لیے مقابلے منعقد کیے جاتے تھے کہ پوچھے گئے سوال کے سلسلے میں کون سا معاشرہ بہترین ڈرامہ تشکیل دے سکتا ہے۔ قرون وسطی کے آخر میں، پیشہ ور اداکار انگلینڈ اور یورپ میں نمودار ہونے لگے۔ رچرڈ سوم اور ہنری VII دونوں نے پیشہ ور اداکاروں کی چھوٹی کمپنیاں برقرار رکھی۔ ان کے ڈرامے ایک رئیس کی رہائش گاہ کے گریٹ ہال میں پیش کیے جاتے تھے، اکثر سامعین کے لیے ایک سرے پر ایک بلند پلیٹ فارم اور اداکاروں کے لیے دوسرے سرے پر "اسکرین" کے ساتھ۔ ممرز کے ڈرامے، جو کرسمس کے موسم میں پیش کیے جاتے تھے، اور دربار کے ماسک بھی اہم تھے۔ یہ ماسک خاص طور پر ہنری ہشتم کے دور حکومت میں مقبول تھے جس نے 1545 میں ہاؤس آف ریولز بنایا تھا اور آفس آف ریولز قائم کیا تھا۔ قرون وسطی کے ڈرامے کا خاتمہ کئی عوامل کی وجہ سے ہوا، جن میں کیتھولک چرچ کی کمزور طاقت، پروٹسٹنٹ اصلاح اور بہت سے ممالک میں مذہبی ڈراموں پر پابندی شامل ہیں۔ الزبتھ اول نے 1558 میں تمام مذہبی ڈراموں پر پابندی لگا دی تھی اور 1580 کی دہائی تک سائیکل کے عظیم ڈراموں کو خاموش کر دیا گیا تھا۔ اسی طرح 1539 میں نیدرلینڈز، 1547 میں پاپل ریاستوں اور 1548 میں پیرس میں مذہبی ڈراموں پر پابندی عائد کر دی گئی۔ ان ڈراموں کے ترک ہونے نے بین الاقوامی تھیٹر کو تباہ کر دیا جو اس وقت موجود تھا اور ہر ملک کو ڈرامہ کی اپنی شکل تیار کرنے پر مجبور کر دیا۔ اس نے ڈرامہ نگاروں کو سیکولر مضامین کی طرف رجوع کرنے کی بھی اجازت دی اور یونانی اور رومن تھیٹر میں نئی دلچسپی نے انہیں بہترین موقع فراہم کیا۔ اطالوی کامیڈیا ڈیل آرٹے اور نشاۃ ثانیہ کامیڈیا ڈیل آرٹے پیشہ ورانہ تھیٹر کی ایک ابتدائی شکل تھی، جس کی ابتدا اطالوی تھیٹر سے ہوئی تھی، جو 16 ویں اور 18 ویں صدی کے درمیان پورے یورپ میں مقبول تھی۔ اسے پہلے انگریزی میں "اطالوی کامیڈی" کہا جاتا تھا اور اسے،، اور کے نام سے بھی جانا جاتا ہے۔ نقاب پوش "اقسام" کی خصوصیت والی، اسابیلا اینڈرینی جیسی اداکاراؤں کے عروج اور خاکے یا منظرناموں پر مبنی بہتر پرفارمنس کے لیے ذمہ دار تھی۔ اے، جیسے کہ دی ٹوتھ پلر، اسکرپٹ شدہ اور بہتر دونوں ہے۔ کرداروں کے داخلی اور خارجی راستے اسکرپٹ کیے جاتے ہیں۔ اس کی ایک خاص خصوصیت مذاق یا "کچھ بے وقوف یا مضحکہ خیز" ہے، جو عام طور پر فنکاروں کو اچھی طرح سے معلوم ہوتا ہے اور کسی حد تک اسکرپٹ شدہ معمول ہوتا ہے۔ اس کی ایک اور خصوصیت پینٹومیم ہے، جسے زیادہ تر کردار آرلیکچینو استعمال کرتا ہے، جسے اب ہارلیکون کے نام سے جانا جاتا ہے۔ کردار عام طور پر مقررہ سماجی اقسام اور اسٹاک کرداروں کی نمائندگی کرتے ہیں، جیسے بے وقوف بوڑھے آدمی، منحرف نوکر، یا جھوٹی بہادری سے بھرے فوجی افسران۔ کردار مبالغہ آمیز "حقیقی کردار" ہیں، جیسے کہ ایل ڈاٹور نامی ایک جاننے والا ڈاکٹر، پینٹالون نامی ایک لالچی بوڑھا آدمی، یا انامورتی جیسا کامل رشتہ۔ پرفارم کرنے کے لیے بہت سے گروپ بنائے گئے، جن میں آئی گیلوسی (جس میں آندرے اور اس کے شوہر فرانسیسکو آندرے جیسے اداکار تھے)، کنفیڈینٹی ٹروپ، ڈیسیوئی ٹروپ، اور فیڈیلی ٹروپ شامل ہیں۔ یہ اکثر پلیٹ فارم پر یا مقبول علاقوں جیسے (ٹاؤن اسکوائر) کے باہر پیش کیا جاتا تھا۔ تھیٹر کی شکل کی ابتدا اٹلی میں ہوئی، لیکن اس نے پورے یورپ کا سفر کیا-بعض اوقات ماسکو تک۔ اس کی ابتداء کا تعلق وینس کے کارنیول سے ہو سکتا ہے، جہاں مصنف اور اداکار آندریا کالمو نے 1570 تک (بوڑھے آدمی) پینٹالون کا پیش خیمہ، ایل میگنفیکو کا کردار تخلیق کیا تھا۔ مثال کے طور پر، فلیمینیو اسکالا کے منظر نامے میں، ایل میگنیفیکو برقرار ہے اور 17 ویں صدی میں پینٹالون کے ساتھ قابل تبادلہ ہے۔ اگرچہ کالمو کے کرداروں (جس میں ہسپانوی کیپٹینو اور ایک قسم بھی شامل تھی) کو نقاب پوش نہیں کیا گیا تھا، لیکن یہ غیر یقینی ہے کہ کرداروں نے کس مقام پر ماسک پہنا تھا۔ تاہم، کارنیول (ایپی فینی اور ایش ویڈنیسڈے کے درمیان کا دور) سے تعلق یہ بتاتا ہے کہ ماسکنگ کارنیول کا ایک رواج تھا اور کسی وقت اس کا اطلاق ہوتا تھا۔ شمالی اٹلی میں روایت فلورنس، منٹوا اور وینس میں مرکوز ہے، جہاں بڑی کمپنیاں مختلف ڈیوکوں کے تحفظ میں آتی تھیں۔ اس کے ساتھ ساتھ، ایک نیپولین روایت جنوب میں ابھری اور اس میں نمایاں اسٹیج شخصیت پلسینیلا کو نمایاں کیا گیا، جو طویل عرصے سے نیپلز سے وابستہ ہے اور دوسری جگہوں پر مختلف اقسام میں اخذ کیا گیا ہے-سب سے مشہور کٹھ پتلی کردار پنچ (اسی نام کے پنچ اور جوڈی شوز کا) انگلینڈ میں۔ کامیڈیا ڈیل آرٹے نے پیشہ ور خواتین کو ابتدائی طور پر پرفارم کرنے کی اجازت دی: لوکریزیا دی سینا، جن کا نام 1564 سے اداکاروں کے معاہدے پر ہے، کو پہلی اطالوی اداکارہ کے نام سے جانا جاتا ہے، ونسنزا ارمانی اور باربرا فلیمینیا کے ساتھ یورپ میں پہلی پرائمڈونا اور اچھی طرح سے دستاویزی اداکارائیں ہیں۔ انگریزی الزبتھ تھیٹر انگریزی نشاۃ ثانیہ تھیٹر قرون وسطی کے تھیٹر کی کئی روایات سے ماخوذ ہے، جیسے، وہ پراسرار ڈرامے جو قرون وسطی کے دوران انگلینڈ اور یورپ کے دیگر حصوں میں مذہبی تہواروں کا حصہ بنے۔ دیگر ذرائع میں "اخلاقیات کے ڈرامے" اور "یونیورسٹی ڈرامہ" شامل ہیں جن میں ایتھن کے سانحے کو دوبارہ تخلیق کرنے کی کوشش کی گئی تھی۔ کامیڈیا ڈیل آرٹے کی اطالوی روایت کے ساتھ ساتھ عدالت میں اکثر پیش کیے جانے والے وسیع ماسک نے بھی عوامی تھیٹر کی تشکیل میں اہم کردار ادا کیا۔ الزبتھ اول کے دور حکومت سے پہلے سے، کھلاڑیوں کی کمپنیاں سرکردہ اشرافیہ کے گھرانوں سے منسلک تھیں اور مختلف مقامات پر موسمی طور پر سیکولر ٹکڑے انجام دیتی تھیں۔ یہ ان پیشہ ور کھلاڑیوں کی بنیاد بن گئے جنہوں نے الزبتھ کے اسٹیج پر پرفارم کیا۔ ان کھلاڑیوں کے دوروں نے آہستہ آہستہ مقامی کھلاڑیوں کے اسرار اور اخلاقیات کی کارکردگی کی جگہ لے لی۔ 1572 کے ایک قانون نے رسمی سرپرستی سے محروم کسی بھی غیر لائسنس یافتہ کمپنی کو خانہ بدوش قرار دے کر اسے ختم کر دیا۔ سٹی آف لندن کے حکام عام طور پر عوامی پرفارمنس کے مخالف تھے، لیکن اس کی دشمنی کو ملکہ کے ڈراموں کے ذائقہ اور پریوی کونسل کی حمایت سے موازنہ کیا گیا۔ تھیٹر مضافات میں ابھرے، خاص طور پر ساؤتھ وارک کی آزادی میں، ٹیمز کے پار شہر کے باشندوں کے لیے قابل رسائی لیکن حکام کے قابو سے باہر۔ کمپنیوں نے یہ دکھاوا برقرار رکھا کہ ان کی عوامی پرفارمنس ملکہ کے سامنے بار بار پرفارمنس کے لیے محض ریہرسل تھی، لیکن جب کہ مؤخر الذکر نے وقار عطا کیا، سابقہ پیشہ ور کھلاڑیوں کے لیے آمدنی کا اصل ذریعہ تھے۔ پیشے کی معاشیات کے ساتھ ساتھ اس دور کے اختتام پر ڈرامے کا کردار بھی بدل گیا۔ الزبتھ کے دور میں، جہاں تک سماجی طبقے کا تعلق ہے، یہ ڈرامہ ایک متحد اظہار تھا: عدالت نے وہی ڈرامے دیکھے جو عام لوگوں نے عوامی پلے ہاؤسز میں دیکھے تھے۔ نجی تھیٹروں کی ترقی کے ساتھ، ڈرامہ اعلی طبقے کے سامعین کے ذوق اور اقدار کی طرف زیادہ مائل ہو گیا۔ چارلس اول کے دور حکومت کے آخری حصے تک، عوامی تھیٹروں کے لیے چند نئے ڈرامے لکھے جا رہے تھے، جنہوں نے پچھلی دہائیوں کے جمع شدہ کاموں پر خود کو برقرار رکھا۔ اسٹیج کی پیوریٹن مخالفت (ابتدائی چرچ فادرز کے دلائل سے آگاہ جنہوں نے رومیوں کی زوال پذیر اور پرتشدد تفریحات کے خلاف اسکرینڈ لکھے تھے) نے نہ صرف یہ دلیل دی کہ اسٹیج عام طور پر کافر تھا، بلکہ یہ کہ کوئی بھی ڈرامہ جو کسی مذہبی شخصیت کی نمائندگی کرتا ہے وہ فطری طور پر بت پرستی تھا۔ 1642 میں، انگریزی خانہ جنگی کے آغاز پر، پیوریٹن حکام نے لندن کے شہر کی حدود میں تمام ڈراموں کی کارکردگی پر پابندی لگا دی۔ تھیٹر کی مبینہ بے ضابطگیوں کے خلاف ایک زبردست حملے نے انگلینڈ میں ڈرامائی روایت کو کچل دیا۔ ہسپانوی سنہری دور تھیٹر اپنے سنہری دور کے دوران، تقریبا 1590 سے 1681 تک، اسپین نے لائیو تھیٹر کی تیاری کے ساتھ ساتھ ہسپانوی معاشرے میں تھیٹر کی اہمیت میں بھی زبردست اضافہ دیکھا۔ یہ نشاۃ ثانیہ اسپین کے تمام شرکاء کے لیے ایک قابل رسائی آرٹ فارم تھا، جس میں اشرافیہ طبقے کی طرف سے انتہائی سرپرستی کی جاتی تھی اور نچلے طبقے کی طرف سے بہت زیادہ شرکت کی جاتی تھی۔ سنہری دور کے دوران ہسپانوی ڈراموں کا حجم اور تنوع عالمی تھیٹر کی تاریخ میں بے مثال تھا، مثال کے طور پر، انگریزی نشاۃ ثانیہ کی ڈرامائی پیداوار کو کم از کم چار کے عنصر سے پیچھے چھوڑ دیا۔ اگرچہ یہ حجم تنقید کا اتنا ہی ذریعہ رہا ہے جتنا کہ ہسپانوی سنہری دور کے تھیٹر کی تعریف، معیار سے پہلے مقدار پر زور دینے کے لیے، اس دور کے 10,000 سے 30,000 ڈراموں کی ایک بڑی تعداد کو اب بھی شاہکار سمجھا جاتا ہے۔ اس دور کے بڑے فنکاروں میں شیکسپیئر کے ہم عصر لوپ ڈی ویگا، اکثر اور ہم عصر، ہسپانوی اسٹیج کے لیے ان کے متوازی کو دیکھتے تھے، اور کالڈرون ڈی لا بارکا، زرزوئلا کے موجد اور لوپ کے جانشین بطور ممتاز ہسپانوی ڈرامہ نگار شامل تھے۔ گل ویسینٹ، لوپ ڈی ریوڈا، اور جوآن ڈیل اینسینا نے سولہویں صدی کے وسط میں ہسپانوی تھیٹر کی بنیادیں قائم کرنے میں مدد کی، جبکہ فرانسسکو ڈی روجاس زورلا اور ترسو ڈی مولینا نے سنہری دور کے آخری نصف میں اہم شراکت کی۔ اہم فنکاروں میں لوپ ڈی ریوڈا (جس کا ذکر پہلے ڈرامہ نگاروں میں کیا گیا تھا) اور بعد میں جوان رانا شامل تھے۔ اسپین کے ابھرتے ہوئے قومی تھیٹر کے لیے اثر و رسوخ کے ذرائع اتنے ہی متنوع تھے جتنا کہ وہ تھیٹر جسے قوم نے تیار کیا۔ اطالوی کامیڈیا ڈیل آرٹے میں شروع ہونے والی کہانی سنانے کی روایات اور مغربی یورپ کے سفر کرنے والے منسٹرل تفریحات کے منفرد ہسپانوی اظہار نے ابتدائی ہسپانوی تھیٹر کے بیانیے اور موسیقی پر بالترتیب مقبول اثر ڈالا۔ دوسری طرف نو ارسطو تنقید اور مذہبی ڈراموں نے ادبی اور اخلاقی نقطہ نظر میں اہم کردار ادا کیا۔ بدلے میں، ہسپانوی سنہری دور کے تھیٹر نے یورپ اور پوری دنیا میں بعد کی نسلوں کے تھیٹر کو ڈرامائی طور پر متاثر کیا ہے۔ ہسپانوی ڈرامے نے انگریزی نشاۃ ثانیہ تھیٹر میں عصری پیشرفت پر فوری اور نمایاں اثر ڈالا۔ ہسپانوی بولنے والی پوری دنیا میں تھیٹر پر بھی اس کا دیرپا اثر پڑا ہے۔ مزید برآں، کاموں کی بڑھتی ہوئی تعداد کا ترجمہ کیا جا رہا ہے، جس سے ہسپانوی سنہری دور کے تھیٹر کی رسائی میں اضافہ ہو رہا ہے اور ناقدین اور تھیٹر کے سرپرستوں میں اس کی ساکھ مضبوط ہو رہی ہے۔ فرانسیسی کلاسیکی تھیٹر قابل ذکر ڈرامہ نگار: پیئر کارنیل (1606-84) مولیئر (1622-73) جین ریسین (1639-99) کریٹن نشاۃ ثانیہ تھیٹر یونانی تھیٹر کریٹ کے جزیرے پر زندہ اور پھل پھول رہا تھا۔ کریٹن نشاۃ ثانیہ کے دوران دو قابل ذکر یونانی ڈرامہ نگار جارجیوس چورٹاٹسس اور وٹسینٹزوس کورناروس 16 ویں صدی کے آخری حصے میں موجود تھے۔ بحالی کامیڈی پیوریٹن حکومت کی طرف سے عوامی اسٹیج کی پرفارمنس پر 18 سال کے لیے پابندی عائد ہونے کے بعد، 1660 میں تھیٹروں کے دوبارہ کھلنے سے انگریزی ڈرامہ کی نشاۃ ثانیہ کا اشارہ ملا۔ 1660 میں بادشاہ کی بحالی کے ساتھ تھیٹر کی بحالی اور دوبارہ کھلنا شروع ہوا۔ 1660 سے 1710 تک بحالی کے دور میں لکھی اور پیش کی گئی انگریزی مزاحیہ فلموں کو اجتماعی طور پر "بحالی کامیڈی" کہا جاتا ہے۔ بحالی کامیڈی اپنی جنسی وضاحت کے لیے بدنام ہے، ایک ایسا معیار جس کی حوصلہ افزائی چارلس دوم (1660-1685) نے ذاتی طور پر اور اس کے دربار کی راکیش اشرافیہ اخلاقیات نے کی ہے۔ پہلی بار خواتین کو اداکاری کرنے کی اجازت دی گئی، جس سے لڑکوں اور کھلاڑیوں کے خواتین کے حصے لینے کے رواج کو ختم کیا گیا۔ سماجی طور پر متنوع سامعین میں اشرافیہ، ان کے نوکر اور ہینگر، اور ایک کافی متوسط طبقے کا طبقہ دونوں شامل تھے۔ بحالی کے سامعین اپنے سانحات میں اچھی فتح اور جائز حکومت کی بحالی دیکھنا پسند کرتے تھے۔ کامیڈی میں وہ نوجوان اور فیشن کی محبت کی زندگیوں کو دیکھنا پسند کرتے تھے، جس میں ایک مرکزی جوڑا اپنی پریم کو کامیاب نتیجے پر پہنچاتا تھا (اکثر ایسا کرنے کے لیے بزرگوں کی مخالفت پر قابو پانا)۔ ہیروئنوں کو پاک ہونا پڑتا تھا، لیکن وہ آزاد ذہن اور کھل کر بات کرنے والی تھیں۔ اب جب کہ ان کا کردار خواتین ادا کر رہی تھیں، ڈرامہ نگار کے لیے انہیں مردوں کے لباس میں بھیس بدلنے یا انہیں عصمت دری سے تنگ کرنے میں زیادہ فائدہ تھا۔ یہ کھلاڑی تازہ ترین ٹپیکل تحریر، ہجوم اور ہلچل مچانے والے پلاٹوں، پہلی پیشہ ور اداکاراؤں کے تعارف اور پہلے مشہور اداکاروں کے عروج سے مزاحیہ فلموں کی طرف راغب ہوئے۔ غیر تھیٹر جانے والوں کے لیے ان مزاحیہ فلموں کو وسیع پیمانے پر غیر قانونی اور اخلاقی طور پر مشکوک کے طور پر دیکھا جاتا تھا، جو ایک چھوٹے، مراعات یافتہ اور زوال پذیر طبقے کی حرکات کو تعریف کے لیے رکھتے تھے۔ اسی طبقے نے بحالی تھیٹر کے سامعین پر غلبہ حاصل کیا۔ اس دور میں پہلی پیشہ ور خاتون ڈرامہ نگار افرا بین دیکھی گئی۔ چارلس دوم کے دور کی پروڈکشنز کے زوال کے رد عمل کے طور پر، جذباتی کامیڈی کی مقبولیت میں اضافہ ہوا۔ اس صنف نے متوسط طبقے کے کرداروں کو اخلاقی آزمائشوں کے سلسلے پر قابو پا کر نیک رویے کی حوصلہ افزائی پر توجہ مرکوز کی۔ کولی سیبر اور رچرڈ اسٹیل جیسے ڈرامہ نگاروں کا خیال تھا کہ انسان فطری طور پر اچھے ہیں لیکن گمراہ ہونے کے قابل ہیں۔ دی کانشیئس لورز اور لوز لاسٹ شفٹ جیسے ڈراموں کے ذریعے انہوں نے سامعین کے عظیم جذبات کو راغب کرنے کی کوشش کی تاکہ ناظرین کو بہتر بنایا جا سکے۔ بحالی شاندار بحالی شاندار، یا تفصیل سے پیش کردہ "مشین پلے"، 17 ویں صدی کے آخر میں بحالی کے دور میں لندن کے عوامی اسٹیج پر پہنچا، جس نے ایکشن، موسیقی، رقص، متحرک مناظر، باروک برملا پینٹنگ، خوبصورت ملبوسات، اور خصوصی اثرات جیسے ٹریپ ڈور ٹرکس، "فلائنگ" اداکار، اور آتش بازی سے سامعین کو مسحور کر دیا۔ ان شوز کی ہمیشہ مزاحیہ، "جائز" بحالی کے ڈرامے کے لیے ایک فحش اور تجارتی خطرے کے طور پر بری ساکھ رہی ہے ؛ تاہم، انہوں نے لندن والوں کو بے مثال تعداد میں اپنی طرف متوجہ کیا اور انہیں چمکدار اور خوش کر دیا۔ بنیادی طور پر گھر میں پیدا ہونے والے اور 17 ویں صدی کے اوائل کے درباری ماسک میں جڑیں رکھنے والے، اگرچہ فرانسیسی اوپیرا سے خیالات اور اسٹیج ٹیکنالوجی لینے پر کبھی شرم نہیں آتی، لیکن ان شاندار کو بعض اوقات "انگلش اوپیرا" کہا جاتا ہے۔ تاہم، ان کی تنوع اتنی بے ترتیب ہے کہ زیادہ تر تھیٹر مورخین انہیں ایک صنف کے طور پر بیان کرنے سے بالکل مایوس ہیں۔ اس دور کے صرف مٹھی بھر کاموں کو عام طور پر "اوپیرا" کی اصطلاح دی جاتی ہے، کیونکہ ان میں سے زیادہ تر کی موسیقی کی جہت بصری کے ماتحت ہوتی ہے۔ یہ تماشا اور مناظر تھے جنہوں نے ہجوم کو اپنی طرف متوجہ کیا، جیسا کہ تھیٹر سے محبت کرنے والے سیموئل پیپس کی ڈائری میں بہت سے تبصروں سے ظاہر ہوتا ہے۔ مزید وسیع و عریض قدرتی پروڈکشنز کو بڑھانے کی لاگت نے دونوں مسابقتی تھیٹر کمپنیوں کو بھاری اخراجات اور اسی کے مطابق بھاری نقصانات یا منافع کے خطرناک سرپل میں دھکیل دیا۔ جان ڈرائیڈن کی البیون اور البینیئس جیسی ناکامی ایک کمپنی کو سنگین قرض میں ڈال دے گی، جبکہ تھامس شیڈویل کی سائیک یا ڈرائیڈن کے کنگ آرتھر جیسی بلاک بسٹر فلمیں اسے طویل عرصے تک آرام سے سیاہ رنگ میں ڈال دیں گی۔ 18 ویں صدی میں نیوکلاسیکل تھیٹر نیوکلاسیسیزم تھیٹر کی غالب شکل تھی۔ اس نے کلاسیکی اتحادوں کی شائستگی اور سخت پابندی کا مطالبہ کیا۔ نو کلاسیکی تھیٹر کے ساتھ ساتھ اس دور کی خصوصیت اس کی عظمت ہے۔ ملبوسات اور مناظر پیچیدہ اور وسیع تھے۔ اداکاری کی خصوصیت بڑے اشاروں اور میلوڈراما سے ہوتی ہے۔ نو کلاسیکی تھیٹر بحالی، آگسٹن اور جانسٹینین دور پر محیط ہے۔ ایک لحاظ سے، نو کلاسیکی دور براہ راست نشاۃ ثانیہ کے وقت کی پیروی کرتا ہے۔ 18 ویں صدی کے اوائل کے تھیٹر-بحالی کے جنسی تماشوں کو سیاسی طنزیہ کامیڈیز نے ختم کر دیا، 1737 میں پارلیمنٹ نے اسٹیج لائسنسنگ ایکٹ 1737 منظور کیا جس نے عوامی پرفارمنس کی ریاستی سنسرشپ متعارف کرائی اور لندن میں تھیٹروں کی تعداد کو دو تک محدود کر دیا۔ 19 ویں صدی میں انیسویں صدی کا تھیٹر تھیٹر دو حصوں میں تقسیم ہے: ابتدائی اور دیر سے۔ ابتدائی دور میں میلوڈراما اور رومانٹک ازم کا غلبہ تھا۔ فرانس میں شروع ہونے والا میلوڈراما سب سے زیادہ مقبول تھیٹر کی شکل بن گیا۔ اگست وان کوٹزیبو کی انسان دوستی اور پچھتاوا (1789) کو اکثر پہلا مدھر ڈرامہ سمجھا جاتا ہے۔ کوٹزیبو اور رینے چارلس گیلبرٹ ڈی پکسر کورٹ کے ڈراموں نے میلوڈراما کو 19 ویں صدی کے اوائل کی غالب ڈرامائی شکل کے طور پر قائم کیا۔ جرمنی میں ملبوسات اور ترتیبات میں تاریخی درستگی، تھیٹر فن تعمیر میں انقلاب، اور جرمن رومانٹک ازم کی تھیٹر کی شکل کا تعارف کا رجحان تھا۔ 19 ویں صدی کے فلسفے اور بصری فنون کے رجحانات سے متاثر ہو کر، جرمن مصنفین اپنے ٹیوٹونک ماضی سے تیزی سے متاثر ہو رہے تھے اور قوم پرستی کا احساس بڑھ رہا تھا۔ گوتھولڈ ایفریم لیسنگ، جوہان وولف گینگ وان گوئٹے، فریڈرک شلر، اور دیگر اسٹرم اینڈ ڈرنگ ڈرامہ نگاروں کے ڈراموں نے اخلاقی رویے کی رہنمائی کے طور پر احساس اور جبلت میں بڑھتے ہوئے عقیدے کو متاثر کیا۔ برطانیہ میں، پرسی بیشی شیلی اور لارڈ بائرن اپنے وقت کے سب سے اہم ڈرامہ نگار تھے حالانکہ شیلی کے ڈرامے صدی کے آخر تک پیش نہیں کیے گئے تھے۔ چھوٹے تھیٹروں میں برلیٹا اور میلوڈراما سب سے زیادہ مقبول تھے۔ کوٹزیبو کے ڈراموں کا انگریزی میں ترجمہ کیا گیا اور تھامس ہولکرافٹ کی اے ٹیل آف مسٹری بہت سے انگریزی میلوڈراموں میں سے پہلا تھا۔ پیئرس ایگن، ڈگلس ولیم جیرولڈ، ایڈورڈ فٹز بال، اور جان بالڈون بکسٹون نے معمول کے تاریخی یا خیالی میلوڈراموں کو ترجیح دیتے ہوئے زیادہ عصری اور دیہی کہانیوں کی طرف رجحان کا آغاز کیا۔ جیمز شیریڈن نولس اور ایڈورڈ بلوور لیٹن نے ایک "شریفانہ" ڈرامہ قائم کیا جس نے اشرافیہ کے ساتھ تھیٹر کے سابقہ وقار کو دوبارہ قائم کرنا شروع کیا۔ 19 ویں صدی کے بعد کے دور میں دو متضاد قسم کے ڈراموں کا عروج دیکھا گیا: حقیقت پسندی اور غیر حقیقت پسندی، جیسے علامت اور اظہار پسندی کے پیش رو۔ حقیقت پسندی 19 ویں صدی کے اوائل میں روس میں یورپ کی دوسری جگہوں کے مقابلے میں شروع ہوئی اور اس نے زیادہ غیر سمجھوتہ کرنے والی شکل اختیار کر لی۔ ایوان ترگینیف (جس نے "اندرونی افراتفری کو ظاہر کرنے کے لیے گھریلو تفصیل" کا استعمال کیا)، الیگزینڈر آسٹرووسکی (جو روس کے پہلے پیشہ ور ڈرامہ نگار تھے)، الیکسی پیسمسکی (جن کی اے بٹر فیٹ (1859) نے نیچرلزم کی توقع کی تھی)، اور لیو ٹالسٹائی (جن کی دی پاور آف ڈارکنیس (1886) "نیچرلسٹک ڈراموں میں سب سے زیادہ موثر میں سے ایک" ہے) کے ڈراموں سے شروع کرتے ہوئے، روس میں نفسیاتی حقیقت پسندی کی روایت کا اختتام کونسٹینٹن اسٹینسلاوسکی اور ولادیمیر نیمیرووچ-ڈینچینکو کے ماسکو آرٹ تھیٹر کے قیام کے ساتھ ہوا۔ 19 ویں صدی کے آخر میں جرمنی میں سب سے اہم تھیٹری طاقت جارج دوم، ڈیوک آف سیکس-مییننگن اور ان کے مییننگ اینسمبل کی تھی، جو لڈوگ کرونیک کی ہدایت کاری میں تھی۔ اینسمبل کی پروڈکشنز کو اکثر 19 ویں صدی کی سب سے زیادہ تاریخی طور پر درست سمجھا جاتا ہے، حالانکہ ان کا بنیادی مقصد ڈرامہ نگار کے مفادات کی تکمیل کرنا تھا۔ میننگن اینسمبل متحد پروڈکشن (یا جسے رچرڈ ویگنر گیسامٹکونسٹورک کہیں گے) کی طرف نئی تحریک کے آغاز اور تھیٹر بنانے میں غالب فنکار کی حیثیت سے ہدایت کار (اداکار کی قیمت پر) کے عروج پر کھڑا ہے۔ فطرت پسندی، چارلس ڈارون کی دی اوریجن آف سپیسز (1859) اور عصری سیاسی اور معاشی حالات سے پیدا ہونے والی ایک تھیٹر تحریک، نے اپنا بنیادی حامی ایمیل زولا میں پایا۔ زولا کے خیالات کے ادراک میں قدرت پر مبنی ڈرامہ لکھنے والے قابل ڈرامہ نگاروں کی کمی کی وجہ سے رکاوٹ پیدا ہوئی۔ آندرے انٹون 1880 کی دہائی میں اپنے تھیٹر لبری کے ساتھ ابھرا جو صرف اراکین کے لیے کھلا تھا اور اس لیے اسے سنسرشپ سے مستثنی قرار دیا گیا تھا۔ اس نے جلد ہی زولا کی منظوری حاصل کر لی اور قدرتی کاموں اور دیگر غیر ملکی حقیقت پسندانہ ٹکڑوں کو پیش کرنا شروع کر دیا۔ برطانیہ میں میلوڈراما، ہلکی مزاحیہ فلمیں، اوپیرا، شیکسپیئر اور کلاسک انگریزی ڈرامہ، وکٹورین برلیسک، پینٹوائمز، فرانسیسی تماشوں کے ترجمے اور 1860 کی دہائی سے فرانسیسی اوپریٹا مقبول ہوتے رہے۔ گلبرٹ اور سلیوان کے مزاحیہ اوپیرا اتنے کامیاب تھے، جیسے ایچ ایم ایس۔ پینافور (1878) اور دی میکاڈو (1885)، کہ انہوں نے میوزیکل تھیٹر کے لیے سامعین کو بہت بڑھایا۔ یہ، لندن اور نیویارک میں بہت بہتر اسٹریٹ لائٹنگ اور نقل و حمل کے ساتھ مل کر ویسٹ اینڈ اور براڈوے پر وکٹورین اور ایڈورڈین تھیٹر کی تعمیر میں تیزی کا باعث بنا۔ بعد میں، ہنری آرتھر جونز اور آرتھر ونگ پینیرو کے کام نے انگریزی اسٹیج پر ایک نئی سمت کا آغاز کیا۔ اگرچہ ان کے کام نے راہ ہموار کی، لیکن زیادہ اہم ڈرامہ کی ترقی خود کو ڈرامہ نگار ہنریک ایبسن کا سب سے زیادہ مقروض ہے۔ ایبسن 1828 میں ناروے میں پیدا ہوئے۔ انہوں نے پچیس ڈرامے لکھے، جن میں سے سب سے مشہور اے ڈولس ہاؤس (1879)، گھوسٹس (1881)، دی وائلڈ ڈک (1884)، اور ہیڈا گیبلر (1890) ہیں۔ اس کے علاوہ، ان کی تصانیف روزمرشولم (1886) اور وین وی ڈیڈ اویکن (1899) انسانی تقدیر میں کام کرنے والی پراسرار قوتوں کا احساس پیدا کرتی ہیں، جو علامت اور نام نہاد "تھیٹر آف دی ابسرڈ" کا ایک اہم موضوع تھا۔ ایبسن کے بعد، برطانوی تھیٹر نے جارج برنارڈ شا، آسکر وائلڈ، جان گالسورتھی، ولیم بٹلر یٹس، اور ہارلے گرین ویل بارکر کے کام سے احیاء کا تجربہ کیا۔ اپنے ہم عصروں کے بیشتر اداس اور انتہائی سنجیدہ کاموں کے برعکس، شا اور وائلڈ نے بنیادی طور پر مزاحیہ شکل میں لکھا۔ ایڈورڈین میوزیکل کامیڈیز انتہائی مقبول تھیں، جو ہم جنس پرست نوے کی دہائی میں متوسط طبقے کے ذوق کو اپیل کرتی تھیں اور پہلی جنگ عظیم کے دوران فرار تفریح کے لیے عوام کی ترجیح کو پورا کرتی تھیں۔ اگرچہ 20 ویں صدی کے تھیٹر نے حقیقت پسندی اور فطرت پسندی کے منصوبوں کو جاری رکھا اور توسیع دی، لیکن تجرباتی تھیٹر کا ایک بہت بڑا سودا بھی تھا جس نے ان کنونشنوں کو مسترد کر دیا۔ یہ تجربات جدیدیت پسند اور مابعد جدیدیت پسند تحریکوں کا حصہ ہیں اور ان میں سیاسی تھیٹر کی شکلیں کے ساتھ ساتھ زیادہ جمالیاتی لحاظ سے مبنی کام بھی شامل ہیں۔ مثالوں میں شامل ہیں: مہاکاوی تھیٹر، ظلم کا تھیٹر، اور نام نہاد "بے وقوف کا تھیٹر"۔ تھیٹر پریکٹیشنر کی اصطلاح کسی ایسے شخص کو بیان کرنے کے لیے استعمال ہونے لگی جو تھیٹر پرفارمنس تخلیق کرتا ہے اور جو ایک نظریاتی گفتگو تیار کرتا ہے جو ان کے عملی کام کو مطلع کرتا ہے۔ ایک تھیٹر پریکٹیشنر ایک ہدایت کار، ڈرامہ نگار، ایک اداکار، یا-خاص طور پر-اکثر ان روایتی طور پر الگ الگ کرداروں کا مجموعہ ہو سکتا ہے۔ "تھیٹر پریکٹس" اس اجتماعی کام کو بیان کرتا ہے جو مختلف تھیٹر پریکٹیشنرز کرتے ہیں۔ یہ کونسٹینٹن سٹینسلاوسکی کے اپنے 'نظام' کی ترقی سے تھیٹر کی مشق کو بیان کرنے کے لیے استعمال کیا جاتا ہے، وسیولوڈ میئر ہولڈ کے بائیو میکینکس، برٹولٹ بریکٹ کے مہاکاوی اور جرزی گروٹووسکی کے ناقص تھیٹر کے ذریعے، آج تک، عصری تھیٹر پریکٹیشنرز بشمول آگسٹو بوال اپنے تھیٹر آف دی اپریسڈ، ڈاریو فو کے مشہور تھیٹر، یوجینیو باربا کے تھیٹر بشریات اور این بوگاٹ کے نقطہ نظر کے ساتھ۔ 20 ویں صدی کے تھیٹر کی دیگر اہم شخصیات میں شامل ہیں: انتونین آرٹاؤڈ، اگست اسٹرینڈبرگ، انٹون چیخوف، فرینک ویڈیکنڈ، مورس میٹرلنک، فیڈریکو گارسیا لورکا، یوجین او نیل، لوئیگی پیرانڈیلو، جارج برنارڈ شا، گیرٹروڈ اسٹین، ارنسٹ ٹولر، ولادیمیر مایاکووسکی، آرتھر ملر، ٹینیسی ولیمز، جین جینٹ، یوجین آئنسکو، سیموئل بیکٹ، ہیرالڈ پنٹر، فریڈرک ڈیرنمیٹ، ہینر مولر، اور کیرل چرچل۔ 20 ویں صدی میں متعدد جمالیاتی حرکتیں جاری رہیں یا ابھری، جن میں شامل ہیں: نیچرلزم ریئلزم دادا ازم ایکسپریشنزم سرریلزم اینڈ دی تھیٹر آف کرویلٹی تھیٹر آف دی ایبسرڈ پوسٹ ماڈرنزم ایگٹپروپ برطانوی ایڈورڈین میوزیکل کامیڈیز کی زبردست مقبولیت کے بعد، امریکی میوزیکل تھیٹر میوزیکل اسٹیج پر حاوی ہوا، جس کا آغاز پرنسس تھیٹر میوزیکلز سے ہوا، اس کے بعد گیرشون برادران، کول پورٹر، جیروم کیرن، راجرز اور ہارٹ، اور بعد میں راجرز اور ہیمرسٹین کے کام ہوئے۔ امریکی تھیٹر 1752 سے 1895 رومانٹک ازم پوری تاریخ میں، انگریزی بیل لیٹرس اور تھیٹر کو الگ کر دیا گیا ہے، لیکن یہ دونوں آرٹ کی شکلیں آپس میں جڑی ہوئی ہیں۔ تاہم، اگر وہ ہاتھ میں ہاتھ ڈال کر کام کرنا نہیں سیکھتے ہیں، تو یہ فن کی شکل کے لیے نقصان دہ ہو سکتا ہے۔ انگریزی ادب کے نصوص اور اس کی کہانیوں کو پیش کرنے کی ضرورت ہے اور تھیٹر میں وہ صلاحیت ہے۔ شروع سے ہی امریکی تھیٹر منفرد اور متنوع رہا ہے، جو معاشرے کی عکاسی کرتا ہے جب امریکہ اپنی قومی شناخت کا تعاقب کر رہا ہے۔ 1752 میں ولیمزبرگ ورجینیا میں پیش کیا جانے والا پہلا ڈرامہ شیکسپیئر کا "دی مرچنٹ آف وینس" تھا۔ ایک مضبوط عیسائی معاشرے کی وجہ سے، تھیٹر پر 1774 سے 1789 تک پابندی عائد تھی۔ یہ سماجی معیار بائبل کے مقدس ہونے کی وجہ سے تھا اور کسی بھی دوسرے موڑ (تفریح) کو نامناسب، فضول (مقصد کے بغیر)، اور جنسی (خوشگوار) کے طور پر دیکھا جاتا تھا۔ پابندی کے دوران، تھیٹر اکثر خود کو اخلاقی لیکچرز کا عنوان دے کر چھپ جاتا تھا۔ انقلابی جنگ کی وجہ سے تھیٹر نے ایک مختصر وقفہ لیا، لیکن 1781 میں جنگ ختم ہونے کے بعد جلد ہی دوبارہ شروع ہو گیا۔ تھیٹر مغرب میں پھیلنا شروع ہوا، اور اکثر شہروں میں فٹ پاتھ یا سیوریج سے پہلے تھیٹر ہوتے تھے۔ ابتدائی دور میں کئی سرکردہ پیشہ ورانہ تھیٹر کمپنیاں تھیں، لیکن سب سے زیادہ بااثر میں سے ایک فلاڈیلفیا (1794-1815) میں تھی ؛ تاہم، تھیٹر پر پابندی کی وجہ سے کمپنی کی جڑیں متزلزل تھیں۔ جیسے جیسے ملک میں توسیع ہوئی تھیٹر بھی ہوا۔ 1812 کی جنگ کے بعد تھیٹر مغرب کی طرف بڑھا۔ بہت سے نئے تھیٹر کمیونٹی کے زیر انتظام تھے، لیکن نیو اورلینز میں فرانسیسیوں نے 1791 میں ایک پیشہ ور تھیٹر شروع کیا تھا۔ کئی ٹولیاں ٹوٹ گئیں اور سنسناٹی، اوہائیو میں ایک تھیٹر قائم کیا۔ پہلا باضابطہ ویسٹ تھیٹر 1815 میں آیا جب سیموئل ڈریک (1769-1854) اپنی پیشہ ورانہ تھیٹر کمپنی کو البانی سے پٹسبرگ تک اوہائیو دریا اور کینٹکی لے گیا۔ اس سرکٹ کے ساتھ وہ کبھی کبھی ٹولپ کو لیکسنگٹن، لوئس ول اور فرینک فورٹ لے جاتے۔ بعض اوقات، وہ اوہائیو، انڈیانا، ٹینیسی اور میسوری میں ٹول کی قیادت کرتے۔ جب کہ سرکٹ رائیڈنگ ٹولز ہوتے تھے، مغرب میں زیادہ مستقل تھیٹر کمیونٹیز اکثر دریاؤں پر بیٹھتی تھیں تاکہ کشتی تک رسائی آسان ہو۔ اس عرصے کے دوران بہت کم تھیٹر دریائے اوہائیو کے اوپر تھے، اور درحقیقت شکاگو میں 1833 تک مستقل تھیٹر نہیں تھا۔ امریکہ میں ہنگامہ خیز وقت اور جنگوں کی وجہ سے پیدا ہونے والے معاشی بحران کی وجہ سے، تھیٹر نے اپنے سب سے وسیع وقت کے دوران دیوالیہ پن اور انتظامیہ کی تبدیلی کا تجربہ کیا۔ اس کے علاوہ بیشتر ابتدائی امریکی تھیٹر کا بہت بڑا یورپی اثر تھا کیونکہ بہت سے اداکار انگریز پیدا ہوئے اور تربیت یافتہ تھے۔ 1800 اور 1850 کے درمیان نو کلاسیکی فلسفہ تقریبا مکمل طور پر رومانٹک ازم کے تحت ختم ہو گیا جو 19 ویں صدی کے امریکی تھیٹر کا ایک بہت بڑا اثر تھا جس نے "عظیم وحشی" کو مجسم بنایا۔ نئی نفسیاتی دریافتوں اور اداکاری کے طریقوں کی وجہ سے، بالآخر رومانٹکیت حقیقت پسندی کو جنم دے گی۔ حقیقت پسندی کی طرف یہ رجحان 1870 اور 1895 کے درمیان ہوا۔ 1895 سے 1945 تک حقیقت پسندی تھیٹر کے اس دور میں اخلاقی ہیرو جدید انسان کی طرف منتقل ہو جاتا ہے جو اس کے ماحول کی پیداوار ہے۔ یہ بڑی تبدیلی جزوی طور پر خانہ جنگی کی وجہ سے ہے کیونکہ امریکہ اب اپنی بے گناہی کھو کر اپنے ہی خون سے رنگا ہوا تھا۔ 1945 سے 1990 تھیٹر کے اس دور میں ہالی ووڈ ابھرا اور اس نے امریکی تھیٹر کو خطرے میں ڈال دیا۔ تاہم اس دوران تھیٹر میں کمی نہیں آئی لیکن حقیقت میں یہ دنیا بھر میں مشہور اور مشہور ہوا۔ ٹینیسی ولیمز اور آرتھر ملر نے اس عرصے کے دوران دنیا بھر میں شہرت حاصل کی۔ افریقی تھیٹر مصری تھیٹر قدیم مصری نیم تھیٹریکل واقعات قدیم ترین ریکارڈ شدہ نیم تھیٹریکل واقعہ قدیم مصر کے "جذبے کے ڈراموں" کے ساتھ 2000 قبل مسیح کا ہے۔ دیوتا اوسیریس کی کہانی ہر سال پوری تہذیب کے تہواروں میں پیش کی جاتی تھی۔ جدید مصری تھیٹر جدید دور میں تھیٹر کا فن انیسویں صدی کے دوسرے نصف میں یورپ کے ساتھ تعامل کے ذریعے تیار ہوا۔ اس کے ساتھ ساتھ مشہور تھیٹر کی شکلوں کی ترقی جسے مصر اس تاریخ سے ہزاروں سال پہلے جانتا تھا۔ ابتدا یعقوب سانو اور ابو خلیل قاببانی نے کی تھی، پھر صورتحال کو مفت تھیٹر گروپوں میں تقسیم کیا گیا، بشمول یوسف وہبی گروپ جیسے فاطمہ رشدی، جو المیہ یا المیہ پیش کرتی ہے، اور ابو ال سیود ال ابیری، اسماعیل یاسین، بدی خیری، علی الکسار اور نجیب الرحانی نے کامیڈی کو دوسرے انداز میں پیش کیا۔ 1930 اور 1940 کی دہائیوں میں نام نہاد ہال تھیٹر میں 350 سے زیادہ ڈرامے پیش کیے گئے، جنہیں بیرم التونیسی، امین سیڈکی، بدی خیری اور ابو ال سیود البیاری نے مشترکہ طور پر پیش کیا اور ان کی ہدایت کاری عزیز عید، بشارا وقیم اور عبد العزیز خلیل نے کی۔ اہم اعداد و شمار کے علاوہ، جس میں یہ بھی شامل ہے کہ نجی شعبے کا سب سے طویل عرصے تک رہنے والا گروپ ریحانی بینڈ ہے۔ اس کی سرگرمی 67 سال تک جاری رہی، جس کا آغاز 1916 سے 1983 تک ہوا، تقریبا ستر سال۔ نجی شعبے کا سب سے شاندار گروپ رامسیس ٹروپ ہے، جس نے 1923 سے 1960 تک 240 سے زیادہ ڈرامے تیار کیے۔ سب سے طویل عرصے تک رہنے والا ریاستی تھیٹر ٹروپ نیشنل تھیٹر ٹروپ ہے، جو 1935 سے لے کر اب تک 80 سال سے زیادہ عرصے تک جاری رہا۔ 1952 کے انقلاب کے بعد، الفریڈ فراگ، اور علی سلیم، نعمان اشور، سعد الدین واہبہ اور دیگر جیسے ڈرامہ نگاروں کا ایک گروپ تھا۔ ذکی، جہاں تک ملکی ٹیموں کا تعلق ہے، پروڈکشن میں سب سے زیادہ کامیاب ہدایت کار فنکار فتح نشاتی اور ذکی تلیمت ہیں۔ مصری ڈرامہ نگاروں میں جن کے فن پارے اسٹیج پر پیش کیے گئے ان میں امین سدکی، بڑی خیری، ابو آل سعودی العبیری، اور تغلق الحکیم شامل ہیں۔ دنیا کے زیادہ تر ڈرامہ نگار جن کے کام اسٹیج پر پیش کیے گئے تھے وہ مولئیر، پیئر کارنیل اور ولیم شیکسپیئر ہیں۔ مصری تھیٹر کی تاریخ میں خواتین کی چھاپ واضح تھی، جس کا آغاز مونیرا ال مہدیہ نے پہلی مصری گلوکارہ اور اداکارہ کے طور پر کیا تھا، اور وہ لیونٹینز اور یہودیوں کے بجائے بیسویں صدی کے آغاز میں اپنے نام سے ایک تھیٹر گروپ کی بانی تھیں۔ اس وقت سے پہلے، خواتین کو کام کرنے سے منع کیا جاتا تھا، جس کی وجہ سے ایک شور مچتا تھا جس کی وجہ سے ان کی شہرت میں اضافہ ہوتا تھا۔ اور مونیرا المہدیہ وہ بھی تھیں جنہوں نے نسلوں کے موسیقار محمد عبد الوہاب کو دریافت کیا اور سید درویش کی اچانک موت کے بعد انہیں کلیوپیٹرا اور مارک انٹونی کے ڈرامے کی دھنیں مکمل کرنے کا موقع فراہم کیا۔ اس نے اسی شو میں مارک انتونیو کے کردار کو مجسم بناتے ہوئے اسے اپنے سامنے کھڑے ہونے کی ترغیب دی۔ 1960 کی دہائی کے اوائل سے، فلمی ستاروں نے توفیق الحکیم کے 1933 کے ناول پر مبنی اے بلٹ ان دی ہارٹ آف 1964 میں صلاح ظفر جیسے تھیٹروں پر حملہ کرنا شروع کر دیا، اور بہت سے دوسرے۔ 1970 کی دہائی میں، کامیڈی غالب تھی جیسے کہ 1979 کی الیاال کبریت۔ 2020 میں، مصری وزیر ثقافت، ڈاکٹر انیس عبدل دیم جدید مصری تھیٹر کے آغاز کی 150 ویں سالگرہ منانے کے لیے مصری تھیٹر کے قومی میلے کے اگلے اجلاس کو وقف کرتے ہیں۔ اس میں تحقیقی ٹیم کے نتائج کا جائزہ لیا جائے گا، جو تھیٹر میموری گارڈ امر داورا پر مشتمل ہے، جس نے 1993 سے مصر کا سب سے بڑا تھیٹر انسائیکلوپیڈیا تیار کرنا شروع کیا تھا جس میں پندرہ دہائیوں کے دوران پیشہ ورانہ تھیٹر پرفارمنس کی تمام تفصیلات شامل ہیں، جو کہ 1870 سے لے کر 2019 تک، جس کے دوران پرفارمنس کی تعداد 6300 پیشہ ورانہ کاموں تک پہنچ گئی تھی، جنہیں باکس آفس پر فیس کے عوض عوام کے سامنے پیش کیا گیا تھا۔ اور انسائیکلوپیڈیا کو پرنٹ کرنے کے لیے کتاب کے جسم سے خطاب کیا۔ اور یہ انسائیکلوپیڈیا قارئین اور محققین کو مصری تھیٹر کے شاہکار اور تخلیقات کو اس کی پوری تاریخ میں جاننے میں مدد کرے گا۔ مغربی افریقی تھیٹر گھانا میں جدید تھیٹر 20 ویں صدی کے اوائل میں ابھرا۔ یہ سب سے پہلے یورپ کی طرف سے افریقہ کی نوآبادیات پر ادبی تبصرے کے طور پر ابھرا۔ ابتدائی کاموں میں جن میں یہ دیکھا جا سکتا ہے وہ 1915 میں کوبینا سیکی کی لکھی ہوئی دی بلنکارڈز ہے۔ بلنکارڈز ان افریقیوں کے بارے میں ایک واضح طنز ہے جنہوں نے یورپی ثقافت کو قبول کیا جو ان کے پاس لائی گئی تھی۔ اس میں سیکی افراد کے تین گروہوں کو بیان کرتا ہے: کوئی بھی یورپی، کوئی بھی جو یورپیوں کی نقل کرتا ہے، اور امیر افریقی کوکو کسان۔ یہ اچانک بغاوت اگرچہ گھانا کے ادبی تھیٹر کی صرف ابتدائی چنگاری تھی۔ انووا ایک ایسا ڈرامہ ہے جس کے طنزیہ نقطہ نظر میں مماثلت ہے۔ گھانا کی مصنف اما عطا ادو کی لکھی ہوئی، اس کا آغاز اس کی اسی نام کی ہیروئن انووا سے ہوتا ہے جس نے اپنے بہت سے طے شدہ سوٹروں کی شادی کی تجاویز کو مسترد کر دیا۔ وہ اپنے فیصلے خود کرنے پر اصرار کرتی ہے کہ وہ کس سے شادی کرنے جا رہی ہے۔ یہ ڈرامہ صنفی مساوات اور خواتین کے احترام کی ضرورت پر زور دیتا ہے۔ آزادی کے ساتھ ساتھ مساوات کا یہ آئیڈیل انووا کو خوشی اور مصیبت دونوں کے سمیٹنے والے راستے پر لے جاتا ہے۔ انووا شادی کرنے کے لیے اپنے ہی آدمی کا انتخاب کرتی ہے۔ انووا اپنے شوہر کوفی کی جسمانی اور جذباتی طور پر مدد کرتی ہے۔ اس کی مدد سے کوفی دولت میں ترقی کرتی ہے، لیکن ایک روحانی وجود کے طور پر غریب ہو جاتی ہے۔ اپنی دولت کے جمع ہونے سے کوفی خود کو اس میں کھو دیتا ہے۔ انووا کے ساتھ اس کی ایک بار کی خوشگوار شادی تب بدل جاتی ہے جب وہ خود کوئی محنت کرنے کے بجائے غلاموں کی خدمات حاصل کرنا شروع کر دیتا ہے۔ انووا کے لیے اس کا کوئی مطلب نہیں ہے کیونکہ اس سے کوفی یورپی نوآبادیات سے بہتر نہیں ہے جن سے وہ نفرت کرتی ہے کیونکہ اسے لگتا ہے کہ انہوں نے افریقہ کے لوگوں کو استعمال کیا ہے۔ ان کی شادی بے اولاد ہے، جس کے بارے میں خیال کیا جاتا ہے کہ یہ ایک رسم کی وجہ سے ہوئی ہے جو کوفی نے دولت کے لیے اپنی مردانگی کی تجارت کی ہے۔ انووا کا کوفی کی غلاموں سے حاصل کردہ دولت کو دیکھنا اور بچہ پیدا کرنے میں ناکامی اس کی خودکشی کا باعث بنتی ہے۔ انووا نام کا مطلب ہے "اعلی اخلاقی قوت" جبکہ کوفی کا مطلب صرف "جمعہ کو پیدا ہونا" ہے۔ ان کے ناموں کی بنیاد میں بھی یہ فرق مرد کے زیر انتظام معاشرے میں خواتین کی اخلاقی برتری کو ظاہر کرتا ہے۔ ایک اور اہم ڈرامہ دی میرج آف اننسیوا ہے، جسے 1975 میں افوا سدھرلینڈ نے لکھا تھا۔ پورا ڈرامہ اکان کی زبانی روایت پر مبنی ہے جسے اننسیم (لوک کہانیاں) کہا جاتا ہے۔ ڈرامے کا مرکزی کردار انانسے (مکڑی) ہے۔ اننسے کی خوبیاں ڈرامے کے سب سے زیادہ مقبول حصوں میں سے ایک ہیں۔ اینانس چالاک، خود غرض ہے، انسانی اور جانوروں کی فطرت کے بارے میں بہت بصیرت رکھتا ہے، مہتواکانکشی، بول چال کرنے والا اور وسائل مند ہے۔ وہ جو کچھ بھی کرتا ہے اس میں اپنے آپ کو بہت زیادہ ڈال کر اننسے اس کی ہر اسکیم کو برباد کر دیتا ہے اور غریب ہو جاتا ہے۔ اننسے کو ڈرامے میں ایک قسم کے ہر انسان کے طور پر استعمال کیا گیا ہے۔ خود جانچ کے عمل کو مجبور کرنے کے لیے اسے مبالغہ آمیز معنوں میں لکھا گیا ہے۔ آنند کو کسی بھی پڑھنے والے کے معاشرے میں تبدیلی کے لیے گفتگو کو تیز کرنے کے طریقے کے طور پر استعمال کیا جاتا ہے۔ اس ڈرامے میں اننسے کے بارے میں بتایا گیا ہے کہ وہ پیسہ اکٹھا کرنے کے لیے اپنی بیٹی اننسیوا کی شادی کسی بھی منتخب امیر سردار، یا کسی اور قسم کے امیر مدعی سے بیک وقت کرنے کی کوشش کرتا ہے۔ آخر کار تمام مدعی ایک ساتھ اس کے گھر آتے ہیں، اور اسے صورت حال کو پرسکون کرنے کے لیے اپنی ساری چالاکی کا استعمال کرنا پڑتا ہے۔ کہانی سنانے والا نہ صرف بیان کرتا ہے بلکہ کہانی کے عمل پر عمل، رد عمل اور تبصرے بھی کرتا ہے۔ اس کے ساتھ، مبوگوئس استعمال کیا جاتا ہے، مبوگوئس گھانا کی تھیٹر تکنیک کے بہت ہی خاص فرقے کو دیا گیا نام ہے جو سامعین کی شرکت کی اجازت دیتا ہے۔ اس کہانی کے مبوگوئس وہ گانے ہیں جو کہانی کو سجاتے ہیں یا اس پر تبصرہ کرتے ہیں۔ جدید تھیٹر کے کسی بھی معیار کو پورا کرنے کے لیے اس تکنیک کے ذریعے خود ساختہ ہونے کے ساتھ ساتھ اصلاح کا کافی استعمال کیا جاتا ہے۔ یوروبا تھیٹر یوروبا تھیٹر کے اپنے ابتدائی مطالعے میں، جوئل اڈیڈیجی نے اس کی ابتدا کا سراغ ایگنگون ("آباؤ اجداد کے فرقے") کے نقاب پوش سے لگایا۔ روایتی تقریب کا اختتام نقاب پوش کے جوہر پر ہوتا ہے جہاں یہ سمجھا جاتا ہے کہ آباؤ اجداد اپنی اولاد سے ملنے کے لیے زندہ لوگوں کی دنیا میں واپس آتے ہیں۔ رسم و رواج میں اس کی ابتدا کے علاوہ، یوروبا تھیٹر کا "یوروبا پینتھیون کے متعدد دیوتاؤں کی 'تھیٹروجینک' نوعیت سے سراغ لگایا جا سکتا ہے، جیسے کہ اوباٹالا آرک دیوتا، اوگن تخلیقیت کی الوہیت کے ساتھ ساتھ لوہا اور ٹیکنالوجی، اور سانگو طوفان کی الوہیت، جس کی تعظیم ڈرامہ اور تھیٹر اور اس کی متعلقہ تشریح کے لحاظ سے علامتی مجموعی مطابقت سے متاثر ہے"۔ الارینجو تھیٹر کی روایت 16 ویں صدی میں ایگنگون ماسکیریڈ سے شروع ہوئی۔ الارینجو سفری فنکاروں کا ایک گروپ تھا جس کی نقاب پوش شکلیں صوفیانہ ہوا رکھتی تھیں۔ انہوں نے مختصر، طنزیہ مناظر تخلیق کیے جو متعدد قائم شدہ دقیانوسی کرداروں پر مبنی تھے۔ ان کی پرفارمنس میں مائیم، میوزک اور ایکروبیٹکس کا استعمال کیا گیا۔ الارینجو روایت نے مقبول ٹریول تھیٹر کو متاثر کیا، جو 1950 سے 1980 کی دہائی تک نائیجیریا میں تھیٹر کی سب سے زیادہ مقبول اور انتہائی ترقی یافتہ شکل تھی۔ 1990 کی دہائی میں، مقبول ٹریول تھیٹر ٹیلی ویژن اور فلم میں منتقل ہو گیا اور اب صرف شاذ و نادر ہی براہ راست پرفارمنس پیش کرتا ہے۔ 1950 کی دہائی میں نائجیریا میں "ٹوٹل تھیٹر" بھی تیار ہوا۔ اس نے غیر فطری تکنیکوں، حقیقت پسندانہ جسمانی منظر کشی کا استعمال کیا، اور زبان کا لچکدار استعمال کیا۔ 1970 کی دہائی کے وسط میں لکھنے والے ڈرامہ نگاروں نے ان میں سے کچھ تکنیکوں کا استعمال کیا، لیکن انہیں "معاشرے کے مسائل کی بنیادی تعریف" کے ساتھ بیان کیا۔ روایتی کارکردگی کے طریقوں نے عصری نائجیریا کے تھیٹر کی اہم شخصیات کو مضبوطی سے متاثر کیا ہے۔ ہیوبرٹ اوگنڈے کے کام (جسے بعض اوقات "معاصر یوروبن تھیٹر کا باپ" کہا جاتا ہے) کو الارینجو روایت اور ایگنگون نقاب پوشوں سے آگاہ کیا گیا تھا۔ وول سوئنکا، جنہیں "عام طور پر افریقہ کے سب سے بڑے زندہ ڈرامہ نگار کے طور پر پہچانا جاتا ہے"، دیوتا اوگن کو اپنے کام میں ایک پیچیدہ مابعد الطبیعاتی اہمیت دیتے ہیں۔ اپنے مضمون "دی فورتھ اسٹیج" (1973) میں، سوئنکا نے یوروبا کے ڈرامے کا کلاسیکی ایتھنین ڈرامے سے موازنہ کیا ہے، دونوں کا تعلق 19 ویں صدی کے جرمن فلسفی فریڈرک نائٹشے کے دی برتھ آف ٹریجڈی (1872) میں مؤخر الذکر کے تجزیے سے ہے۔ اوگن، ان کا استدلال ہے، "ڈیونیشین، اپولونین اور پرومیتھیان خوبیوں کی مجموعی حیثیت ہے"۔ نائجیریا میں ٹریول تھیٹر کے حامیوں میں درو لاڈیپو اور موسی اولییا (ایک مشہور مزاحیہ اداکاری) شامل ہیں۔ مغربی تھیٹر کے ساتھ مقامی لوگوں کے اختلاط اور تجربے کے دور میں ان پریکٹیشنرز نے افریقی تھیٹر کے میدان میں بہت تعاون کیا۔ افریقی-امریکی تھیٹر افریقی-امریکی تھیٹر کی تاریخ کی دوہری ابتدا ہے۔ پہلا مقامی تھیٹر میں جڑا ہوا ہے جہاں افریقی امریکیوں نے کیبن اور پارکوں میں پرفارم کیا۔ ان کی پرفارمنس (لوک کہانیاں، گانے، موسیقی اور رقص) کی جڑیں امریکی ماحول سے متاثر ہونے سے پہلے افریقی ثقافت میں تھیں۔ افریقی گروو تھیٹر پہلا افریقی امریکی تھیٹر تھا جو 1821 میں ولیم ہنری براؤن نے قائم کیا تھا۔ ایشیائی تھیٹر ہندوستانی تھیٹر کا جائزہ ہندوستانی تھیٹر کی ابتدائی شکل سنسکرت تھیٹر تھی۔ یہ 15 ویں صدی قبل مسیح اور پہلی صدی کے درمیان کسی وقت ابھرا اور پہلی صدی اور 10 ویں صدی کے درمیان پروان چڑھا، جو ہندوستان کی تاریخ میں نسبتا امن کا دور تھا جس کے دوران سینکڑوں ڈرامے لکھے گئے تھے۔ رگ وید جیسی ویدک تحریریں یجنا کی تقریبات کے دوران ڈراموں کو انجام دینے کا ثبوت فراہم کرتی ہیں۔ متون میں مذکور مکالمے ایک شخص کے یک زبان سے لے کر تین افراد کے مکالمے تک ہیں، مثال کے طور پر اندرا، اندرانی اور ورشکاپی کے درمیان مکالمے۔ مکالمے نہ صرف اپنے سیاق و سباق میں مذہبی ہیں بلکہ سیکولر بھی ہیں، مثال کے طور پر ایک دقیانوسی یکسوئی ایک جواری کے بارے میں ہے جس کی زندگی اس کی وجہ سے برباد ہو جاتی ہے اور اس نے اپنی بیوی کو الگ کر دیا ہے اور اس کے والدین بھی اس سے نفرت کرتے ہیں۔ پانینی نے 5 ویں صدی قبل مسیح میں دو ہندوستانی ڈرامہ نگار شیلالن اور کرششوا کے لکھے ہوئے ایک ڈرامائی متن نٹاستر کا ذکر کیا ہے۔ پتنجلی نے ان ڈراموں کے ناموں کا بھی ذکر کیا ہے جو گم ہو چکے ہیں جیسے کیمساودھ اور بلی بندھا۔ سیتابنگا غار جو تیسری صدی قبل مسیح کے ہیں اور دوسری صدی قبل مسیح کے کھنڈگیری غار ہندوستان میں تھیٹر فن تعمیر کی قدیم ترین مثالیں ہیں۔ 10 ویں اور 11 ویں صدی میں شروع ہونے والی اسلامی فتوحات کے ساتھ، تھیٹر کی حوصلہ شکنی کی گئی یا اسے مکمل طور پر ممنوع قرار دیا گیا۔ بعد میں، مقامی اقدار اور نظریات کو دوبارہ ثابت کرنے کی کوشش میں، 15 ویں سے 19 ویں صدی تک بڑی تعداد میں علاقائی زبانوں میں ترقی کرتے ہوئے، برصغیر بھر میں ولیج تھیٹر کی حوصلہ افزائی کی گئی۔ جدید ہندوستانی تھیٹر 19 ویں صدی کے وسط سے 20 ویں صدی کے وسط تک برطانوی سلطنت کے تحت نوآبادیاتی حکمرانی کے دور میں تیار ہوا۔ سنسکرت تھیٹر سنسکرت ڈرامہ کے قدیم ترین زندہ بچ جانے والے ٹکڑے پہلی صدی کے ہیں۔ ابتدائی ادوار کے آثار قدیمہ کے شواہد کی دولت تھیٹر کی روایت کے وجود کا کوئی اشارہ نہیں دیتی ہے۔ ویدوں (قدیم ترین ہندوستانی ادب، 1500 اور 600 قبل مسیح کے درمیان) میں اس کا کوئی اشارہ نہیں ہے ؛ اگرچہ بہت کم ترانے مکالمے کی شکل میں بنائے گئے ہیں)، ایسا لگتا ہے کہ ویدک دور کی رسومات تھیٹر میں تیار نہیں ہوئی ہیں۔ پتنجلی کے مہابھشیا میں اس بات کا قدیم ترین حوالہ موجود ہے کہ سنسکرت ڈرامہ کے بیج کیا ہو سکتے ہیں۔ 140 قبل مسیح سے گرائمر پر یہ مقالہ ہندوستان میں تھیٹر کے آغاز کی ایک قابل عمل تاریخ فراہم کرتا ہے۔ تاہم، اگرچہ اس تاریخ سے پہلے کسی بھی ڈرامے کے ٹکڑے باقی نہیں ہیں، لیکن یہ ممکن ہے کہ ابتدائی بدھ ادب ہندوستانی تھیٹر کے وجود کا قدیم ترین ثبوت فراہم کرے۔ پالی سٹہ (5 ویں سے تیسری صدی قبل مسیح تک کی تاریخ) اداکاروں کے گروپوں (ایک چیف اداکار کی قیادت میں) کے وجود کا حوالہ دیتے ہیں، جو ایک اسٹیج پر ڈرامے پیش کرتے تھے۔ یہ اشارہ کیا جاتا ہے کہ ان ڈراموں میں رقص شامل تھا، لیکن رقص، گانا اور کہانی کی تلاوت کے ساتھ ساتھ اسے کارکردگی کی ایک الگ شکل کے طور پر درج کیا گیا تھا۔ (بعد کے بدھ مت کے متن کے مطابق، گوتم بدھ کے ہم عصر بادشاہ بمبیسار نے دوسرے بادشاہ کے لیے ایک ڈرامہ پیش کیا تھا۔ یہ 5 ویں صدی قبل مسیح کے اوائل کا ہوگا، لیکن اس واقعے کو صرف بہت بعد کی تحریروں میں، تیسری-چوتھی صدی عیسوی سے بیان کیا گیا ہے۔) سنسکرت تھیٹر کے لیے شواہد کا بڑا ذریعہ تھیٹر پر ایک مقالہ (ناٹیشستر) ہے، جو ایک مجموعہ ہے جس کی تشکیل کی تاریخ غیر یقینی ہے (تخمینہ 200 قبل مسیح سے 200 عیسوی تک ہے) اور جس کی تصنیف بھرت مونی سے منسوب ہے۔ مقالہ قدیم دنیا میں ڈرامہ نگاری کا سب سے مکمل کام ہے۔ یہ اداکاری، رقص، موسیقی، ڈرامائی تعمیر، فن تعمیر، ملبوسات، میک اپ، پروپس، کمپنیوں کی تنظیم، سامعین، مقابلوں سے خطاب کرتا ہے، اور تھیٹر کی ابتدا کا ایک افسانوی بیان پیش کرتا ہے۔ ایسا کرنے میں، یہ حقیقی تھیٹر کے طریقوں کی نوعیت کے بارے میں اشارے فراہم کرتا ہے۔ سنسکرت تھیٹر مقدس زمین پر پجاریوں کے ذریعہ پیش کیا جاتا تھا جنہیں [موروثی عمل] میں ضروری مہارتوں (رقص، موسیقی اور تلاوت) کی تربیت دی گئی تھی۔ اس کا مقصد تعلیم دینا اور تفریح کرنا دونوں تھا۔ شاہی درباروں کی سرپرستی میں، فنکاروں کا تعلق پیشہ ورانہ کمپنیوں سے تھا جن کی ہدایت کاری اسٹیج مینیجر (سترا دھارا) کرتے تھے، جنہوں نے بھی اداکاری کی ہوگی۔ اس کام کو کٹھ پتلی کے مترادف سمجھا جاتا تھا-"سترا دھارا" کا لفظی معنی "تاروں یا دھاگوں کا حامل" ہے۔ فنکاروں کو آواز اور جسمانی تکنیک کی سخت تربیت دی گئی۔ خواتین فنکاروں کے خلاف کوئی پابندی نہیں تھی۔ کمپنیاں تمام مرد، تمام خواتین اور مخلوط صنف کی تھیں۔ تاہم، بعض جذبات کو مردوں کے لیے نافذ کرنا نامناسب سمجھا جاتا تھا، اور انہیں خواتین کے لیے بہتر سمجھا جاتا تھا۔ کچھ فنکاروں نے اپنی عمر کے کردار ادا کیے، جبکہ دوسروں نے ان سے مختلف کردار ادا کیے (چاہے وہ چھوٹے ہوں یا بڑے)۔ تھیٹر کے تمام عناصر میں سے، مقالہ اداکاری (ابھینیا) پر سب سے زیادہ توجہ دیتا ہے، جو دو انداز پر مشتمل ہے: حقیقت پسندانہ (لوک دھرمی) اور روایتی (ناٹی دھرمی)، حالانکہ زیادہ توجہ مؤخر الذکر پر ہے۔ اس کے ڈرامے کو سنسکرت ادب کی سب سے بڑی کامیابی سمجھا جاتا ہے۔ اس میں اسٹاک کرداروں کا استعمال کیا گیا، جیسے کہ ہیرو ()، ہیروئن ()، یا مسخرا ()۔ اداکاروں کو کسی خاص قسم میں مہارت حاصل ہو سکتی ہے۔ پہلی صدی قبل مسیح میں کالی داس کو غالبا قدیم ہندوستان کا سب سے بڑا سنسکرت ڈرامہ نگار سمجھا جاتا ہے۔ کالی داس کے لکھے ہوئے تین مشہور رومانوی ڈرامے مالویکگنیمترم (مالویکا اور اگنیمتر)، وکرموروشیا (وکرم اور اروشی سے متعلق)، اور ابھیجناناشکنتلا (شکنتلا کی پہچان) ہیں۔ آخری کہانی مہابھارت کی ایک کہانی سے متاثر تھی اور سب سے مشہور ہے۔ یہ انگریزی اور جرمن میں ترجمہ ہونے والی پہلی فلم تھی۔ شکنتلا (انگریزی ترجمہ میں) نے گوئٹے کے فوسٹ (1808-1832) کو متاثر کیا۔ اگلے عظیم ہندوستانی ڈرامہ نگار بھاو بھوتی (تقریبا 7 ویں صدی) تھے۔ کہا جاتا ہے کہ اس نے مندرجہ ذیل تین ڈرامے لکھے ہیں: ملاتی-مادھو، مہاویرچاریتا اور اتر رامچاریتا۔ ان تینوں میں سے آخری دو رامائن کے پورے مہاکاوی کا احاطہ کرتے ہیں۔ طاقتور ہندوستانی شہنشاہ ہرش (606-648) کو تین ڈرامے لکھنے کا سہرا دیا جاتا ہے: مزاحیہ رتناولی، پریادرسیکا، اور بدھسٹ ڈرامہ ناگانند۔ روایتی ہندوستانی تھیٹر کٹیاتم قدیم سنسکرت تھیٹر کا واحد زندہ بچ جانے والا نمونہ ہے، جس کے بارے میں خیال کیا جاتا ہے کہ اس کی ابتدا عام دور کے آغاز کے آس پاس ہوئی تھی، اور اسے یونیسکو نے باضابطہ طور پر انسانیت کے زبانی اور غیر محسوس ورثے کے شاہکار کے طور پر تسلیم کیا ہے۔ اس کے علاوہ، ہندوستانی لوک تھیٹر کی بہت سی شکلیں بہت زیادہ ہیں۔ بھاوئی (ٹہلنے والے کھلاڑی) گجرات کی ایک مشہور لوک تھیٹر کی شکل ہے، جس کے بارے میں کہا جاتا ہے کہ یہ 14 ویں صدی عیسوی میں پیدا ہوئی تھی۔ بھاونا اور انکیا نٹس 16 ویں صدی کے اوائل سے آسام میں مشق کر رہے ہیں جن کی تخلیق اور آغاز مہاپوروشا سریمنتا سنکر دیو نے کیا تھا۔ جاترا بنگال میں مقبول رہا ہے اور اس کی ابتدا 16 ویں صدی میں بھکتی تحریک سے ملتی ہے۔ مدھیہ پردیش کے ہریانہ، اتر پردیش اور مالوا علاقے میں مقبول لوک تھیٹر کی ایک اور شکل سوانگ ہے، جو تحریک پر مبنی ہونے کے بجائے مکالمے پر مبنی ہے اور سمجھا جاتا ہے کہ یہ 18 ویں صدی کے آخر-19 ویں صدی کے اوائل میں اپنی موجودہ شکل میں پیدا ہوا تھا۔ یکشگانا کرناٹک میں ایک بہت مقبول تھیٹر آرٹ ہے اور کم از کم 16 ویں صدی سے مختلف ناموں سے موجود ہے۔ یہ نیم کلاسیکی نوعیت کا ہے اور اس میں کرناٹک موسیقی، بھرپور ملبوسات، مہابھارت اور رامائن پر مبنی کہانیاں شامل ہیں۔ یہ اپنے گانوں کے درمیان بولی جانے والی گفتگو کو بھی استعمال کرتا ہے جو اسے لوک فن کا ذائقہ دیتا ہے۔ کتھکلی رقص-ڈرامے کی ایک شکل ہے، جو کیرالہ کی خصوصیت ہے، جو 17 ویں صدی میں شروع ہوئی، جو مندر کے فن ڈراموں کرشنناٹم اور رامناٹم سے تیار ہوئی۔ کتھکلی ایک انتہائی طرز کا کلاسیکی ہندوستانی رقص ڈرامہ ہے جو کرداروں کے پرکشش میک اپ، وسیع ملبوسات، تفصیلی اشاروں، اور اینکر پلے بیک میوزک اور تکمیلی ٹکرانے کے مطابق پیش کردہ اچھی طرح سے طے شدہ جسمانی حرکات کے لیے مشہور ہے۔ اس کی ابتدا 17 ویں صدی کے دوران ملک کی موجودہ ریاست کیرالہ میں ہوئی اور یہ گذشتہ برسوں کے دوران بہتر شکل، بہتر اشاروں اور اضافی موضوعات کے علاوہ زیادہ آراستہ گانے اور عین مطابق ڈھول بجانے کے ساتھ تیار ہوا ہے۔ جدید ہندوستانی تھیٹر رابندر ناتھ ٹیگور ایک جدید ڈرامہ نگار تھے جنہوں نے ڈرامے لکھے جو قوم پرستی، شناخت، روحانیت اور مادی لالچ کی کھوج اور ان پر سوال اٹھانے کے لیے مشہور تھے۔ ان کے ڈرامے بنگالی میں لکھے گئے ہیں اور ان میں چترا (چترانگدا، 1892)، دی کنگ آف دی ڈارک چیمبر (راجہ، 1910)، دی پوسٹ آفس (ڈاک گھر، 1913)، اور ریڈ اولینڈر (رکتکاربی، 1924) شامل ہیں۔ چینی تھیٹر شانگ تھیٹر شانگ خاندان کے دور میں 1500 قبل مسیح کے اوائل میں چین میں تھیٹر کی تفریح کے حوالے موجود ہیں۔ ان میں اکثر موسیقی، مسخرا اور ایکروبیٹک ڈسپلے شامل ہوتے تھے۔ ہان اور تانگ تھیٹر ہان خاندان کے دوران، شیڈو کٹھ پتلی سب سے پہلے چین میں تھیٹر کی ایک تسلیم شدہ شکل کے طور پر ابھری۔ سایہ دار کٹھ پتلی کی دو الگ الگ شکلیں تھیں، کینٹونیز جنوبی اور پیکنگز شمالی۔ کٹھ پتلی بنانے کے طریقہ کار اور کٹھ پتلی پر سلاخوں کی پوزیشننگ کے ذریعے دونوں طرزوں میں فرق کیا گیا، کٹھ پتلی کے ذریعے کھیلے جانے والے کھیل کی قسم کے برعکس۔ دونوں انداز عام طور پر عظیم مہم جوئی اور فنتاسی کی عکاسی کرنے والے ڈرامے پیش کرتے تھے، شاذ و نادر ہی تھیٹر کی یہ بہت ہی اسٹائلائزڈ شکل سیاسی پروپیگنڈے کے لیے استعمال ہوتی تھی۔ کینٹونیز شیڈو کٹھ پتلی دونوں میں بڑی تھیں۔ وہ موٹے چمڑے کا استعمال کرتے ہوئے بنائے گئے تھے جس سے زیادہ کافی سائے پیدا ہوئے۔ علامتی رنگ بھی بہت مقبول تھا ؛ ایک سیاہ چہرہ ایمانداری کی نمائندگی کرتا تھا، ایک سرخ چہرہ بہادری کی نمائندگی کرتا تھا۔ کینٹونی کٹھ پتلی کو قابو کرنے کے لیے استعمال ہونے والی سلاخیں کٹھ پتلی کے سروں سے عمودی طور پر منسلک ہوتی تھیں۔ اس طرح، جب سایہ پیدا ہوا تو سامعین نے انہیں نہیں دیکھا۔ پیکنگز کی کٹھ پتلی زیادہ نازک اور چھوٹی ہوتی تھیں۔ وہ پتلی، شفاف چمڑے سے بنائے گئے تھے جو عام طور پر گدھے کے پیٹ سے لیے جاتے ہیں۔ انہیں متحرک پینٹ سے پینٹ کیا گیا تھا، اس طرح وہ ایک بہت ہی رنگین سایہ ڈالتے ہیں۔ پتلی سلاخیں جو ان کی نقل و حرکت کو کنٹرول کرتی تھیں کٹھ پتلی کی گردن میں چمڑے کے کالر سے منسلک ہوتی تھیں۔ سلاخیں کٹھ پتلی کی لاشوں کے متوازی چلتی تھیں اور پھر گردن سے جڑنے کے لیے نوے ڈگری کے زاویے پر مڑ جاتی تھیں۔ جب سایہ ڈالا گیا تو یہ سلاخیں نظر آتی تھیں، وہ کٹھ پتلی کے سائے سے باہر پڑی تھیں ؛ اس طرح انہوں نے شکل کی ظاہری شکل میں مداخلت نہیں کی۔ ایک جسم کے ساتھ متعدد سروں کے استعمال کو آسان بنانے کے لیے گردنوں پر جڑی ہوئی سلاخیں۔ جب سروں کا استعمال نہیں کیا جا رہا تھا، تو انہیں ململ کی کتاب یا کپڑے کے ڈبے میں رکھا جاتا تھا۔ سر ہمیشہ رات کو ہٹائے جاتے تھے۔ یہ اس پرانے توہم پرستی کو مدنظر رکھتے ہوئے تھا کہ اگر اسے برقرار رکھا گیا تو کٹھ پتلی رات کو زندہ ہو جائیں گی۔ کچھ کٹھ پتلی بنانے والوں نے کٹھ پتلی کو دوبارہ زندہ کرنے کے امکان کو مزید کم کرنے کے لیے سروں کو ایک کتاب میں اور لاشوں کو دوسری کتاب میں ذخیرہ کرنے تک کا کام کیا۔ کہا جاتا ہے کہ سایہ دار کٹھ پتلی حکومت کا ہتھیار بننے سے پہلے 11 ویں صدی میں فنکارانہ ترقی کے اپنے بلند ترین مقام پر پہنچ گئی تھی۔ تانگ خاندان کو بعض اوقات '1000 تفریحات کا دور' کہا جاتا ہے۔ اس دور کے دوران، شہنشاہ ژوان زونگ نے ایک اداکاری اسکول قائم کیا جسے چلڈرن آف دی پیئر گارڈن کے نام سے جانا جاتا ہے تاکہ ڈرامہ کی ایک شکل تیار کی جا سکے جو بنیادی طور پر میوزیکل تھی۔ سونگ اور یوآن تھیٹر سونگ خاندان میں بہت سے مشہور ڈرامے تھے جن میں اداکاری اور موسیقی شامل تھی۔ یہ یوآن خاندان میں چار یا پانچ ایکٹ ڈھانچے کے ساتھ ایک زیادہ نفیس شکل میں تیار ہوئے۔ یوآن ڈرامہ پورے چین میں پھیل گیا اور متعدد علاقائی شکلوں میں متنوع ہو گیا، جن میں سب سے مشہور بیجنگ اوپیرا ہے، جو آج بھی مقبول ہے۔ انڈونیشیائی تھیٹر مقامی ثقافت کا ایک اہم حصہ بن گیا ہے، انڈونیشیا میں تھیٹر کی پرفارمنس سینکڑوں سالوں سے تیار کی گئی ہے۔ انڈونیشیا کی زیادہ تر پرانی تھیٹر شکلیں براہ راست مقامی ادبی روایات (زبانی اور تحریری) سے جڑی ہوئی ہیں۔ مشہور کٹھ پتلی تھیٹر-سندانیز کا وایانگ گولک (لکڑی کا راڈ-پپیٹ ڈرامہ) اور جاوانی اور بالی کے وایانگ کولٹ (چمڑے کے شیڈو-پپیٹ ڈرامہ)-ان کے ذخیرے کا زیادہ تر حصہ رامائن اور مہابھارت کے مقامی ورژن سے کھینچتے ہیں۔ یہ کہانیاں جاوا اور بالی کے وایانگ وانگ (انسانی تھیٹر) کے لیے ماخذ مواد بھی فراہم کرتی ہیں، جس میں اداکاروں کا استعمال ہوتا ہے۔ وایانگ وانگ کلاسیکی جاوانی رقص تھیٹر پرفارمنس کی ایک قسم ہے جس کے موضوعات رامائن یا مہابھارت کی اقساط سے لیے گئے ہیں۔ پرمبانن مندر کے 9 ویں صدی کے بیس ریلیف پینلز رامائن مہاکاوی کی اقساط کو ظاہر کرتے ہیں۔ مہابھارت کی اقساط کی موافقت کو کہوریپن اور کیدری دور سے جاوانی ادب کی روایت میں ضم کیا گیا ہے، جس کی قابل ذکر مثالیں ارجناواہا ہیں، جسے 11 ویں صدی میں مپو کنوا نے ترتیب دیا تھا۔ مشرقی جاوا میں پیناتران مندر میں رامائن اور مہابھارت کے موضوعات کو اس کے بنیادی نقشوں میں دکھایا گیا ہے۔ وایانگ وونگ وایانگ کولت (وسطی جاوا کا شیڈو تھیٹر) کے انداز میں ایک پرفارمنس تھی جس میں اداکاروں اور اداکاراؤں نے کٹھ پتلی کا کردار ادا کیا۔ اس شکل کا پہلا تحریری حوالہ مشرقی جاوا کے 930 عیسوی کے پتھر کے نوشتہ وملاراما پر ہے۔ یہ صنف فی الحال وسطی جاوا، بالی، اور سائریبون کے ساتھ ساتھ سندانیز (مغربی جاوا) میں نقاب پوش اور بے نقاب تغیرات میں کی جاتی ہے۔ خمیر تھیٹر کمبوڈیا میں، قدیم دارالحکومت انگکور واٹ میں، ہندوستانی مہاکاوی رامائن اور مہابھارت کی کہانیاں مندروں اور محلات کی دیواروں پر کندہ کی گئی ہیں۔ تھائی تھیٹر تھائی لینڈ میں، ہندوستانی مہاکاویوں سے اخذ کردہ پلاٹوں پر مبنی اسٹیج ڈرامے قرون وسطی سے ایک روایت رہی ہے۔ خاص طور پر، تھائی لینڈ کے قومی مہاکاوی رامکین کا تھیٹر ورژن، جو ہندوستانی رامائن کا ایک ورژن ہے، آج بھی تھائی لینڈ میں مقبول ہے۔ ہسپانوی حکومت کے 333 سالہ دور حکومت میں، انہوں نے جزائر میں کیتھولک مذہب اور ہسپانوی طرز زندگی کو متعارف کرایا، جو آہستہ آہستہ مقامی ثقافت کے ساتھ ضم ہو کر "نشیبی لوک ثقافت" کی تشکیل ہوئی جو اب بڑے نسلی لسانی گروہوں میں مشترک ہے۔ آج، اسپین سے متعارف کرائی گئی یا متاثر ہونے والی ڈرامائی شکلیں پورے جزائر کے دیہی علاقوں میں رہتی ہیں۔ ان شکلوں میں کومیڈیا، پلے لیٹس، سناکولو، سرسویلا اور ڈرامہ شامل ہیں۔ حالیہ برسوں میں، ان میں سے کچھ شکلوں کو ایک ترقی پذیر ملک کے حالات اور ضروریات کے لیے زیادہ ذمہ دار بنانے کے لیے زندہ کیا گیا ہے۔ جاپانی تھیٹر نوہ 14 ویں صدی کے دوران، جاپان میں اداکاروں کی چھوٹی کمپنیاں تھیں جنہوں نے مختصر، بعض اوقات فحش مزاحیہ فلمیں پیش کیں۔ ان کمپنیوں میں سے ایک کے ڈائریکٹر کانامی (1333-1384) کا ایک بیٹا تھا، زیمی موٹوکیو (1363-1443) جسے جاپان کے بہترین چائلڈ اداکاروں میں سے ایک سمجھا جاتا تھا۔ جب کانامی کی کمپنی نے جاپان کے شوگن آشیکاگا یوشیمتسو (1358-1408) کے لیے پرفارم کیا تو اس نے زیمی سے التجا کی کہ وہ اپنے فنون کے لیے درباری تعلیم حاصل کرے۔ زیمی کے اپنے والد کے جانشین ہونے کے بعد، اس نے اپنے انداز کو انجام دینا اور اس میں ڈھالنا جاری رکھا جو آج نوح ہے۔ پینٹومیم اور صوتی ایکروبیٹکس کا ایک مرکب، اس انداز نے سینکڑوں سالوں سے جاپانیوں کو مسحور کیا ہے۔ بنراکو جاپان، طویل عرصے تک خانہ جنگی اور سیاسی انتشار کے بعد، بنیادی طور پر شوگن توکوگاوا آئیاسو (1543-1616) کی وجہ سے متحد اور امن میں تھا۔ تاہم، بڑھتی ہوئی عیسائی ترقی سے خوف زدہ ہو کر، اس نے جاپان سے یورپ اور چین سے رابطہ منقطع کر دیا اور عیسائیت کو کالعدم قرار دے دیا۔ جب امن آیا تو ثقافتی اثر و رسوخ اور بڑھتے ہوئے تاجر طبقے نے اپنی تفریح کا مطالبہ کیا۔ تھیٹر کی پھلنے پھولنے والی پہلی شکل ننگیو جروری (جسے عام طور پر بنراکو کہا جاتا ہے) تھی۔ ننگیو جوری کے بانی اور مرکزی معاون، چیکماتسو مونزیمون (1653-1725) نے اپنے تھیٹر کی شکل کو ایک حقیقی آرٹ کی شکل میں تبدیل کر دیا۔ ننگیو جروری کٹھ پتلی کا استعمال کرتے ہوئے تھیٹر کی ایک انتہائی اسٹائلائزڈ شکل ہے، جو آج انسان کے سائز کا تقریبا 1/3 ڈی ہے۔ کٹھ پتلی کو قابو کرنے والے مرد اپنی پوری زندگی ماہر کٹھ پتلی بننے کی تربیت دیتے ہیں، جب وہ کٹھ پتلی کے سر اور دائیں بازو کو چلا سکتے ہیں اور کارکردگی کے دوران اپنے چہرے دکھانے کا انتخاب کرتے ہیں۔ دوسرے کٹھ پتلی، کٹھ پتلی کے کم اہم اعضاء کو کنٹرول کرتے ہوئے، اپنے آپ کو اور اپنے چہروں کو سیاہ سوٹ میں ڈھانپ لیتے ہیں، تاکہ ان کی پوشیدہ ہونے کا اشارہ ہو۔ مکالمے کو ایک واحد شخص سنبھالتا ہے، جو مختلف کرداروں کی تقلید کے لیے آواز اور بولنے کے مختلف انداز استعمال کرتا ہے۔ چکامتسو نے اپنے کیریئر کے دوران ہزاروں ڈرامے لکھے، جن میں سے زیادہ تر آج بھی استعمال ہوتے ہیں۔ انہوں نے وسیع میک اپ کے بجائے ماسک پہنے تھے۔ ماسک ان کی جنس، شخصیت اور موڈ کی وضاحت کرتے ہیں جس میں اداکار ہے۔ کابوکی کابوکی بنراکو کے فورا بعد شروع ہوا، لیجنڈ کے مطابق یہ اوکونی نامی ایک اداکارہ کی طرف سے ہے، جو 16 ویں صدی کے آخر میں رہتی تھی۔ کابوکی کا زیادہ تر مواد نو اور بنراکو سے آیا تھا، اور اس کی غیر منظم رقص کی قسم کی حرکتیں بھی بنراکو کا اثر ہیں۔ تاہم، کابوکی نو سے کم رسمی اور زیادہ دور ہے، پھر بھی جاپانی عوام میں بہت مقبول ہے۔ اداکاروں کو بہت سی مختلف چیزوں کی تربیت دی جاتی ہے جن میں رقص، گانا، پینٹوائم اور یہاں تک کہ ایکروبیٹکس بھی شامل ہیں۔ کابوکی کو سب سے پہلے نوجوان لڑکیوں نے، پھر نوجوان لڑکوں نے پیش کیا، اور 16 ویں صدی کے آخر تک کابوکی کمپنیاں تمام مردوں پر مشتمل تھیں۔ اسٹیج پر خواتین کی تصویر کشی کرنے والے مردوں کو خاص طور پر تربیت دی جاتی تھی کہ وہ اپنی لطیف حرکات اور اشاروں میں عورت کے جوہر کو ظاہر کریں۔ بوتو بوتو تحریک سے متاثر رقص، کارکردگی، یا حرکت کے لیے متنوع سرگرمیوں، تکنیکوں اور محرکات کا اجتماعی نام ہے۔ اس میں عام طور پر چنچل اور عجیب و غریب منظر کشی، ممنوع موضوعات، انتہائی یا مضحکہ خیز ماحول شامل ہوتے ہیں، اور روایتی طور پر سامعین کے ساتھ یا اس کے بغیر، سست ہائیپر کنٹرول حرکت کے ساتھ سفید جسم کے میک اپ میں پیش کیا جاتا ہے۔ کوئی سیٹ اسٹائل نہیں ہے، اور یہ خالصتا تصوراتی ہو سکتا ہے جس میں کوئی حرکت نہ ہو۔ اس کی ابتدا جاپانی ڈانس لیجنڈز تاتسومی ہیجیکاتا اور کازو اوہنو سے منسوب کی گئی ہے۔ بوتوہ سب سے پہلے جاپان میں دوسری جنگ عظیم کے بعد اور خاص طور پر طلباء کے فسادات کے بعد نمودار ہوا۔ اختیار کے کردار اب چیلنج اور تخریب کاری کے تابع تھے۔ یہ جاپان میں عصری رقص کے منظر کے خلاف ردعمل کے طور پر بھی ظاہر ہوا، جسے ہیجیکاتا نے محسوس کیا کہ یہ ایک طرف مغرب کی نقل کرنے پر اور دوسری طرف نوح کی نقل کرنے پر مبنی تھا۔ انہوں نے رقص کی موجودہ حالت کو حد سے زیادہ سطحی قرار دیتے ہوئے تنقید کی۔ ترک تھیٹر سلطنت عثمانیہ میں تھیٹر ڈراموں کا پہلا ذکر پندرہویں-سولہویں صدی کے آخر میں وہاں ہسپانوی یہودیوں کے ظہور سے منسلک ہے۔ بعد میں دیگر اقلیتیں، جیسے روما، یونانی اور آرمینیائی اس میدان میں شامل ہو گئے۔ اس کے بعد ترکی کے مساوی کامیڈیا ڈیل آرٹے-اورتا اویونو پوری سلطنت میں بہت مقبول ہوا۔ فارسی تھیٹر قرون وسطی کے اسلامی دنیا میں تھیٹر کی سب سے مشہور شکلیں کٹھ پتلی تھیٹر (جس میں ہاتھ کی کٹھ پتلی، سایہ دار ڈرامے اور مریونیٹ پروڈکشن شامل تھے) اور زندہ جذبے کے ڈرامے تھے جنہیں تزیہ کے نام سے جانا جاتا ہے، جس میں اداکار مسلم تاریخ کی اقساط کو دوبارہ پیش کرتے ہیں۔ خاص طور پر شیعہ اسلامی ڈرامے علی کے بیٹوں حسن ابن علی اور حسین ابن علی کے شہید (شہادت) کے گرد گھومتے ہیں۔ اخرجا کے نام سے جانے جانے والے سیکولر ڈرامے قرون وسطی کے ادب میں ریکارڈ کیے گئے تھے، حالانکہ وہ کٹھ پتلی اور تزیہ تھیٹر سے کم عام تھے۔ ۔