Theatre
रंगमंच या रंगमंच प्रदर्शन कला का एक सहयोगी रूप है जो एक वास्तविक या काल्पनिक घटना के अनुभव को एक विशिष्ट स्थान, अक्सर एक मंच पर प्रत्यक्ष दर्शकों के सामने प्रस्तुत करने के लिए प्रत्यक्ष कलाकारों, आमतौर पर अभिनेताओं या अभिनेत्रियों का उपयोग करता है। कलाकार इस अनुभव को दर्शकों को हाव-भाव, भाषण, गीत, संगीत और नृत्य के संयोजन के माध्यम से बता सकते हैं। यह नाटक का सबसे पुराना रूप है, हालांकि लाइव थिएटर अब आधुनिक रिकॉर्ड किए गए रूपों से जुड़ गया है। कला के तत्व, जैसे चित्रित दृश्य और स्टेजक्राफ्ट जैसे प्रकाश का उपयोग अनुभव की भौतिकता, उपस्थिति और तात्कालिकता को बढ़ाने के लिए किया जाता है। स्थान, आम तौर पर इमारतें, जहां प्रदर्शन नियमित रूप से होते हैं, उन्हें "थिएटर" (या "थिएटर") भी कहा जाता है, जैसा कि प्राचीन यूनानी θέατρον (थीट्रॉन, "देखने के लिए एक जगह") से लिया गया है, जो स्वयं θεάομαι (थियोमाई, "देखने के लिए", "देखने के लिए", "देखने के लिए") से लिया गया है। आधुनिक पश्चिमी रंगमंच, बड़े पैमाने पर, प्राचीन यूनान के रंगमंच से आता है, जहाँ से यह तकनीकी शब्दावली, शैलियों में वर्गीकरण और इसके कई विषयों, मुख्य पात्रों और कथानक तत्वों को ग्रहण करता है। रंगमंच कलाकार पैट्रिस पाविस नाटकीयता, नाट्य भाषा, मंच लेखन और रंगमंच की विशिष्टता को पर्यायवाची अभिव्यक्तियों के रूप में परिभाषित करते हैं जो रंगमंच को अन्य प्रदर्शन कलाओं, साहित्य और सामान्य रूप से कलाओं से अलग करते हैं। एक थिएटर कंपनी एक ऐसा संगठन है जो एक थिएटर मंडली (या अभिनय कंपनी) से अलग थिएटर प्रदर्शन करता है, जो एक साथ काम करने वाले थिएटर कलाकारों का एक समूह है। आधुनिक रंगमंच में नाटकों और संगीतमय रंगमंच का प्रदर्शन शामिल है। बैले और ओपेरा के कला रूप भी रंगमंच हैं और अभिनय, वेशभूषा और मंचन जैसे कई सम्मेलनों का उपयोग करते हैं। वे संगीतमय रंगमंच के विकास में प्रभावशाली थे। शास्त्रीय और हेलेनिस्टिक रंगमंच का इतिहास एथेंस का शहर-राज्य वह जगह है जहाँ पश्चिमी रंगमंच की उत्पत्ति हुई थी। यह शास्त्रीय यूनान में नाटकीयता और प्रदर्शन की एक व्यापक संस्कृति का हिस्सा था जिसमें त्योहार, धार्मिक अनुष्ठान, राजनीति, कानून, एथलेटिक्स और जिमनास्टिक, संगीत, कविता, विवाह, अंतिम संस्कार और संगोष्ठी शामिल थे। शहर-राज्य के कई त्योहारों में भागीदारी-और विशेष रूप से एक दर्शक सदस्य (या यहां तक कि नाट्य प्रस्तुतियों में एक प्रतिभागी के रूप में) के रूप में सिटी डायोनिसिया में अनिवार्य उपस्थिति-नागरिकता का एक महत्वपूर्ण हिस्सा था। नागरिक भागीदारी में कानून-अदालत या राजनीतिक सभा में प्रदर्शन में प्रमाणित वक्ताओं की बयानबाजी का मूल्यांकन भी शामिल था, दोनों को रंगमंच के अनुरूप माना जाता था और तेजी से इसकी नाटकीय शब्दावली को अवशोषित करने के लिए आया था। यूनानियों ने नाटकीय आलोचना और रंगमंच वास्तुकला की अवधारणाओं को भी विकसित किया। अभिनेता या तो शौकिया थे या सबसे अच्छा अर्ध-पेशेवर थे। प्राचीन यूनान के रंगमंच में तीन प्रकार के नाटक शामिल थेः त्रासदी, हास्य और व्यंग्य नाटक। रंगमंच के पहले सिद्धांतकार अरस्तू (384-322 BCE) के अनुसार, प्राचीन यूनान में रंगमंच की उत्पत्ति डायोनिसस को सम्मानित करने वाले त्योहारों में पाई जाती है। प्रदर्शन पहाड़ी के किनारों में अर्ध-गोलाकार ऑडिटोरिया में दिए गए थे, जो 10,000-20,000 लोगों के बैठने में सक्षम थे। मंच में एक डांस फ्लोर (ऑर्केस्ट्रा), ड्रेसिंग रूम और दृश्य-निर्माण क्षेत्र (स्कीन) शामिल थे। चूँकि शब्द सबसे महत्वपूर्ण हिस्सा थे, इसलिए अच्छी ध्वनिकी और स्पष्ट प्रस्तुति सर्वोपरि थी। अभिनेता (हमेशा पुरुष) अपने द्वारा दर्शाए गए पात्रों के अनुरूप मास्क पहनते थे, और प्रत्येक कई भूमिकाएँ निभा सकते थे। एथेनियन त्रासदी-त्रासदी का सबसे पुराना जीवित रूप-एक प्रकार का नृत्य-नाटक है जो शहर-राज्य की नाट्य संस्कृति का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है। छठी शताब्दी ईसा पूर्व के दौरान कुछ समय के लिए उभरने के बाद, यह 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व के दौरान फूला (जिसके अंत से यह पूरे यूनानी दुनिया में फैलना शुरू हुआ), और हेलेनिस्टिक काल की शुरुआत तक लोकप्रिय रहा। छठी शताब्दी ईसा पूर्व की कोई त्रासदी नहीं बची है और 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व के दौरान किए गए एक हजार से अधिक में से केवल 32 बची हैं। हमारे पास एस्किलस, सोफोकल्स और यूरिपिड्स द्वारा उपलब्ध पूर्ण ग्रंथ हैं। त्रासदी की उत्पत्ति अस्पष्ट बनी हुई है, हालांकि 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व तक इसे डायोनिसस (शराब और प्रजनन क्षमता के देवता) का जश्न मनाने के उत्सव के हिस्से के रूप में आयोजित प्रतियोगिताओं (एगोन) में संस्थागत किया गया था। सिटी डायोनिसिया की प्रतियोगिता में प्रतियोगियों के रूप में (नाटक का मंचन करने के लिए त्योहारों में सबसे प्रतिष्ठित) नाटककारों को नाटकों की एक चतुष्कोण प्रस्तुत करने की आवश्यकता थी (हालांकि व्यक्तिगत कार्य आवश्यक रूप से कहानी या विषय से जुड़े नहीं थे), जिसमें आमतौर पर तीन त्रासदी और एक व्यंग्य नाटक शामिल होते थे। शहर डायोनिसिया में त्रासदियों का प्रदर्शन 534 ईसा पूर्व में शुरू हो सकता है; आधिकारिक रिकॉर्ड (डिडास्कलियाई) 501 ईसा पूर्व से शुरू होते हैं, जब व्यंग्य नाटक पेश किया गया था। अधिकांश एथेनियाई त्रासदियाँ यूनानी पौराणिक कथाओं की घटनाओं को नाटकीय रूप देती हैं, हालांकि फारसियों-जो 480 ईसा पूर्व में सलामिस की लड़ाई में उनकी सैन्य हार की खबर के लिए फारसी प्रतिक्रिया को चरणबद्ध करते हैं-जीवित नाटक में उल्लेखनीय अपवाद है। जब एस्किलस ने 472 ईसा पूर्व में सिटी डायोनिसिया में इसके लिए पहला पुरस्कार जीता, तो वह 25 से अधिक वर्षों से त्रासदी लिख रहे थे, फिर भी हाल के इतिहास का इसका दुखद उपचार नाटक का सबसे पहला उदाहरण है। 130 से अधिक वर्षों के बाद, दार्शनिक अरस्तू ने नाटकीय सिद्धांत के सबसे पुराने जीवित काम में 5 वीं शताब्दी की एथेनियन त्रासदी का विश्लेषण किया-उनकी कविताएँ। एथेनियन कॉमेडी को पारंपरिक रूप से तीन अवधियों में विभाजित किया गया है, "ओल्ड कॉमेडी", "मिडिल कॉमेडी" और "न्यू कॉमेडी"। पुरानी कॉमेडी आज काफी हद तक अरिस्टोफेनेस के ग्यारह जीवित नाटकों के रूप में जीवित है, जबकि मध्य कॉमेडी काफी हद तक खो गई है (नॉक्रेटिस के एथेनियस जैसे लेखकों में केवल अपेक्षाकृत छोटे टुकड़ों में संरक्षित)। न्यू कॉमेडी को मुख्य रूप से मेनेंडर के पर्याप्त पपाइरस टुकड़ों से जाना जाता है। अरस्तू ने कॉमेडी को हास्यास्पद लोगों के प्रतिनिधित्व के रूप में परिभाषित किया जिसमें किसी प्रकार की गलती या कुरूपता शामिल होती है जो दर्द या आपदा का कारण नहीं बनती है। सिटी डायोनिसिया में कॉमेडी और त्रासदी की श्रेणियों के अलावा, महोत्सव में सत्यर नाटक भी शामिल था। डायोनिसस को समर्पित ग्रामीण, कृषि अनुष्ठानों में अपनी उत्पत्ति पाते हुए, व्यंग्य नाटक ने अंततः अपने सबसे प्रसिद्ध रूप में एथेंस में अपना रास्ता खोज लिया। सत्यर स्वयं भगवान डायोनिसस से उनके वफादार वन साथी के रूप में बंधे थे, जो अक्सर उनके साथ नशे में मौज-मस्ती और शरारत में शामिल होते थे। व्यंग्य नाटक को स्वयं दुखद कॉमेडी के रूप में वर्गीकृत किया गया था, जो बीसवीं शताब्दी की शुरुआत की अधिक आधुनिक बर्लेस्क परंपराओं के पक्ष में था। नाटकों की कथानक रेखाएं आम तौर पर देवताओं के देवताओं के व्यवहार और मानवीय मामलों में उनकी भागीदारी से संबंधित थीं, जो सत्यर्स के समूह द्वारा समर्थित थीं। हालाँकि, वेबस्टर के अनुसार, व्यंग्य अभिनेता हमेशा विशिष्ट व्यंग्य क्रियाएँ नहीं करते थे और एक पौराणिक वन प्राणी के चरित्र प्रकार को सौंपी गई अभिनय परंपराओं को तोड़ देते थे। रोमन रंगमंच पश्चिमी रंगमंच रोमनों के शासनकाल में काफी विकसित और विस्तारित हुआ। रोमन इतिहासकार लिवी ने लिखा है कि रोमनों ने पहली बार चौथी शताब्दी ईसा पूर्व में एट्रुस्कैन अभिनेताओं के प्रदर्शन के साथ रंगमंच का अनुभव किया। बीचम का तर्क है कि वे उस रिकॉर्ड किए गए संपर्क से पहले कुछ समय के लिए "पूर्व-नाट्य प्रथाओं" से परिचित थे। प्राचीन रोम का रंगमंच एक संपन्न और विविध कला रूप था, जिसमें स्ट्रीट थिएटर के उत्सव प्रदर्शन, नग्न नृत्य और कलाबाजी से लेकर प्लॉटस की व्यापक रूप से आकर्षक स्थिति कॉमेडी के मंचन से लेकर सेनेका की उच्च शैली, मौखिक रूप से विस्तृत त्रासदियों तक शामिल थे। हालाँकि रोम में प्रदर्शन की एक मूल परंपरा थी, तीसरी शताब्दी ईसा पूर्व में रोमन संस्कृति के यूनानीकरण का रोमन रंगमंच पर गहरा और ऊर्जावान प्रभाव पड़ा और मंच के लिए उच्चतम गुणवत्ता के लैटिन साहित्य के विकास को प्रोत्साहित किया। रोमन साम्राज्य के एकमात्र जीवित नाटक दस नाटक हैं जिनका श्रेय लुसियस एनेयस सेनेका (4 ईसा पूर्व-65 ईस्वी) को दिया जाता है, जो कोर्डुबा में जन्मे स्टोइक दार्शनिक और नीरो के शिक्षक थे। भारतीय रंगमंच भारतीय रंगमंच का पहला रूप संस्कृत रंगमंच था, जिसके सबसे पुराने जीवित अंश पहली शताब्दी ईस्वी के हैं। यह यूनानी और रोमन रंगमंच के विकास के बाद और एशिया के अन्य हिस्सों में रंगमंच के विकास से पहले शुरू हुआ। यह दूसरी शताब्दी ईसा पूर्व और पहली शताब्दी ईस्वी के बीच किसी समय उभरा और पहली शताब्दी ईस्वी और 10 वीं शताब्दी ईस्वी के बीच फला-फूला, जो भारत के इतिहास में सापेक्ष शांति की अवधि थी, जिसके दौरान सैकड़ों नाटक लिखे गए थे। प्राचीन काल के पुरातात्विक साक्ष्यों का खजाना रंगमंच की परंपरा के अस्तित्व का कोई संकेत नहीं देता है। प्राचीन वेदों (1500 और 1000 ईसा पूर्व के बीच के भजन जो दुनिया में साहित्य के शुरुआती उदाहरणों में से हैं) में इसका कोई संकेत नहीं है (हालांकि एक छोटी संख्या में संवाद के रूप में रचना की गई है) और वैदिक काल के अनुष्ठान रंगमंच के रूप में विकसित नहीं हुए हैं। पतंजलि के महाभारत में संस्कृत नाटक के बीजों का सबसे पहला संदर्भ है। 140 ईसा पूर्व के व्याकरण पर यह ग्रंथ भारत में रंगमंच की शुरुआत के लिए एक व्यवहार्य तिथि प्रदान करता है। संस्कृत रंगमंच के लिए साक्ष्य का प्रमुख स्रोत रंगमंच पर एक ग्रंथ (नाट्यशास्त्र) है, एक संग्रह जिसकी रचना की तारीख अनिश्चित है (अनुमान 200 ईसा पूर्व से 200 ईस्वी तक) और जिसके लेखक का श्रेय भरत मुनि को दिया जाता है। यह ग्रंथ प्राचीन दुनिया में नाटकीयता का सबसे पूर्ण कार्य है। यह अभिनय, नृत्य, संगीत, नाटकीय निर्माण, वास्तुकला, वेशभूषा, मेकअप, प्रॉप्स, कंपनियों के संगठन, दर्शकों, प्रतियोगिताओं को संबोधित करता है और रंगमंच की उत्पत्ति का एक पौराणिक विवरण प्रदान करता है। ऐसा करने में, यह वास्तविक नाट्य प्रथाओं की प्रकृति के बारे में संकेत प्रदान करता है। संस्कृत रंगमंच का प्रदर्शन पुजारियों द्वारा पवित्र भूमि पर किया जाता था जिन्हें [वंशानुगत प्रक्रिया] में आवश्यक कौशल (नृत्य, संगीत और पाठ) में प्रशिक्षित किया गया था। इसका उद्देश्य शिक्षित करना और मनोरंजन करना दोनों था। शाही दरबारों के संरक्षण में, कलाकार पेशेवर कंपनियों से संबंधित थे जिन्हें एक मंच प्रबंधक (सूत्रधार) द्वारा निर्देशित किया गया था, जिन्होंने अभिनय भी किया होगा। इस कार्य को कठपुतली बनाने वाले के समान माना जाता था-"सूत्रधार" का शाब्दिक अर्थ "तार या धागे का धारक" है। कलाकारों को मुखर और शारीरिक तकनीक में सख्ती से प्रशिक्षित किया गया था। महिला कलाकारों के खिलाफ कोई प्रतिबंध नहीं था; कंपनियां सभी पुरुष, सभी महिला और मिश्रित लिंग की थीं। हालाँकि, कुछ भावनाओं को पुरुषों के लिए लागू करना अनुचित माना जाता था और उन्हें महिलाओं के लिए बेहतर माना जाता था। कुछ कलाकारों ने अपनी उम्र के पात्रों को निभाया, जबकि अन्य ने अपनी उम्र से अलग (चाहे वे छोटे हों या बड़े) भूमिकाएँ निभाईं। रंगमंच के सभी तत्वों में से, ग्रंथ अभिनय (अभिनय) पर सबसे अधिक ध्यान देता है, जिसमें दो शैलियाँ शामिल हैंः यथार्थवादी (लोकधर्मिता) और पारंपरिक (नाट्यधर्मिता), हालांकि प्रमुख ध्यान उत्तरार्द्ध पर है। इसके नाटक को संस्कृत साहित्य की सर्वोच्च उपलब्धि माना जाता है। इसमें नायक (नायक), नायिका (नायिका) या जोकर (विदुसक) जैसे पात्रों का उपयोग किया जाता था। अभिनेताओं को एक विशेष प्रकार में विशेषज्ञता प्राप्त हो सकती है। ईसा पूर्व पहली शताब्दी में कालिदास को यकीनन प्राचीन भारत का सबसे महान संस्कृत नाटककार माना जाता है। कालिदास द्वारा लिखे गए तीन प्रसिद्ध रोमांटिक नाटक मालविकाग्निमित्रम (मालविक और अग्निमित्र), विक्रमुरवाशिया (विक्रम और उर्वशी से संबंधित), और अभिज्ञानशाकुंतल (शकुंतला की मान्यता) हैं। अंतिम महाभारत की एक कहानी से प्रेरित था और सबसे प्रसिद्ध है। यह अंग्रेजी और जर्मन में अनुवाद किया जाने वाला पहला था। शकुंतला (अंग्रेजी अनुवाद में) ने गोएथे के फाउस्ट (1808-1832) को प्रभावित किया। अगले महान भारतीय नाटककार भवभूति थे। कहा जाता है कि उन्होंने निम्नलिखित तीन नाटक लिखे हैंः मालती-माधव, महावीरचरित और उत्तर रामचरित। इन तीनों में से अंतिम दो रामायण के पूरे महाकाव्य को शामिल करते हैं। शक्तिशाली भारतीय सम्राट हर्ष (606-648) को तीन नाटक लिखने का श्रेय दिया जाता हैः हास्य रत्नवली, प्रियदर्शिका और बौद्ध नाटक नागानंद। पूर्वी एशियाई रंगमंच तांग राजवंश को कभी-कभी "1000 मनोरंजन के युग" के रूप में जाना जाता है। इस युग के दौरान, मिंग हुआंग ने नाटक के एक रूप का निर्माण करने के लिए एक अभिनय विद्यालय का गठन किया जिसे द पीयर गार्डन के नाम से जाना जाता है जो मुख्य रूप से संगीतमय था। यही कारण है कि अभिनेताओं को आमतौर पर "नाशपाती उद्यान के बच्चे" कहा जाता है। महारानी लिंग के राजवंश के दौरान, छाया कठपुतली कला पहली बार चीन में रंगमंच के एक मान्यता प्राप्त रूप के रूप में उभरी। छाया कठपुतली के दो अलग-अलग रूप थे, पेकिंगिज (उत्तरी) और कैंटोनीज़ (दक्षिणी)। कठपुतलियों द्वारा खेले जाने वाले खेल के प्रकार के विपरीत, दोनों शैलियों को कठपुतलियों को बनाने की विधि और कठपुतलियों पर छड़ की स्थिति से अलग किया गया था। दोनों शैलियों में आम तौर पर महान रोमांच और कल्पना को दर्शाने वाले नाटकों का प्रदर्शन किया जाता था, शायद ही कभी राजनीतिक प्रचार के लिए थिएटर का यह बहुत ही शैलीबद्ध रूप था। काबुकी, नो और क्योगेन के जापानी रूप 17वीं शताब्दी ईस्वी में विकसित हुए। कैंटोनीज़ छाया कठपुतलियाँ दोनों में से बड़ी थीं। इन्हें मोटे चमड़े का उपयोग करके बनाया गया था जिससे अधिक पर्याप्त छायाएँ बनती थीं। प्रतीकात्मक रंग भी बहुत प्रचलित था; एक काला चेहरा ईमानदारी का प्रतिनिधित्व करता था, एक लाल चेहरा बहादुरी का। कैंटोनीज़ कठपुतलियों को नियंत्रित करने के लिए उपयोग की जाने वाली छड़ें कठपुतलियों के सिर के लंबवत जुड़ी होती थीं। इस प्रकार, जब छाया बनाई गई थी तो उन्हें दर्शकों द्वारा नहीं देखा गया था। पेकिंग की कठपुतलियाँ अधिक नाजुक और छोटी होती थीं। उन्हें पतले, पारभासी चमड़े (आमतौर पर गधे के पेट से लिया जाता है) से बनाया गया था। उन्हें जीवंत रंगों से चित्रित किया गया था, इस प्रकार वे एक बहुत ही रंगीन छाया डालते हैं। उनकी गतिविधियों को नियंत्रित करने वाली पतली छड़ें कठपुतली के गले में चमड़े के कॉलर से जुड़ी होती थीं। छड़ें कठपुतली के शरीर के समानांतर चलती थीं और फिर गर्दन से जुड़ने के लिए नब्बे डिग्री के कोण पर मुड़ती थीं। जबकि ये छड़ें छाया डालने पर दिखाई देती थीं, वे कठपुतली की छाया के बाहर रखी जाती थीं; इस प्रकार वे आकृति के रूप में हस्तक्षेप नहीं करते थे। एक शरीर के साथ कई सिरों के उपयोग की सुविधा के लिए गर्दन पर छड़ें जुड़ी होती हैं। जब सिरों का उपयोग नहीं किया जा रहा था, तो उन्हें मलमल की किताब या कपड़े से बने डिब्बे में रखा जाता था। सिर हमेशा रात में हटा दिए जाते थे। यह पुरानी अंधविश्वास को ध्यान में रखते हुए था कि अगर इसे बरकरार रखा जाता है, तो कठपुतलियां रात में जीवित हो जाएंगी। कुछ कठपुतलियों ने कठपुतलियों को फिर से जीवंत करने की संभावना को और कम करने के लिए सिर को एक किताब में और शरीर को दूसरी किताब में संग्रहीत किया। कहा जाता है कि छाया कठपुतली कला सरकार का एक उपकरण बनने से पहले ग्यारहवीं शताब्दी में कलात्मक विकास के अपने उच्चतम बिंदु पर पहुंच गई थी। सोंग राजवंश में, कलाबाजी और संगीत से जुड़े कई लोकप्रिय नाटक थे। ये युआन राजवंश में एक अधिक परिष्कृत रूप में विकसित हुए जिन्हें ज़ाजू के रूप में जाना जाता है, जिसमें चार या पाँच-अधिनियम संरचना होती है। युआन नाटक पूरे चीन में फैल गया और कई क्षेत्रीय रूपों में विविध हो गया, जिनमें से एक सबसे प्रसिद्ध पेकिंग ओपेरा है जो आज भी लोकप्रिय है। जियांगशेंग एकालाप या संवाद के रूप में एक निश्चित पारंपरिक चीनी हास्य प्रदर्शन है। इंडोनेशिया में, रंगमंच प्रदर्शन स्थानीय संस्कृति का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बन गए हैं, इंडोनेशिया में रंगमंच प्रदर्शन हजारों वर्षों से विकसित किए गए हैं। इंडोनेशिया के अधिकांश सबसे पुराने रंगमंच रूप सीधे स्थानीय साहित्यिक परंपराओं (मौखिक और लिखित) से जुड़े हुए हैं। प्रमुख कठपुतली थिएटर-सुंदानीज़ का वायांग गोलेक (लकड़ी का छड़-कठपुतली नाटक) और जावानीज़ और बालीज़ का वायांग कुलित (चमड़े की छाया-कठपुतली नाटक)-रामायण और महाभारत के स्वदेशी संस्करणों से अपने प्रदर्शनों की सूची को आकर्षित करते हैं। ये कहानियाँ जावा और बाली के वायांग वोंग (मानव रंगमंच) के लिए स्रोत सामग्री भी प्रदान करती हैं, जिसमें अभिनेताओं का उपयोग किया जाता है। हालांकि, कुछ वायांग गोलेक प्रदर्शन मुस्लिम कहानियों को भी प्रस्तुत करते हैं, जिन्हें मेनक कहा जाता है। वायांग कहानी कहने का एक प्राचीन रूप है जो अपनी विस्तृत कठपुतली/मानव और जटिल संगीत शैलियों के लिए प्रसिद्ध है। मध्यकालीन युग के ग्रंथों और पुरातात्विक स्थलों में सबसे पहला सबूत पहली सहस्राब्दी ईस्वी के अंत से है। वायांग से संबंधित सबसे पुराना ज्ञात अभिलेख 9वीं शताब्दी का है। लगभग 840 ईस्वी में मध्य जावा में मातरम साम्राज्य से महाराजा श्री लोकपाल द्वारा जारी किए गए एक पुराने जावानी (कावी) शिलालेखों में तीन प्रकार के कलाकारों का उल्लेख हैः अटापुकन, अरिंगिट और अबानोल। अरिंगित का अर्थ है वायांग कठपुतली शो, अटापुकन का अर्थ है मुखौटा नृत्य शो, और अबनवाल का अर्थ है मजाक कला। 11वीं शताब्दी की जावानी कविता में रिंगित को चमड़े की छाया आकृति के रूप में वर्णित किया गया है। मध्यकालीन इस्लामी परंपराएँ मध्ययुगीन इस्लामी दुनिया में रंगमंच में कठपुतली रंगमंच (जिसमें हाथ की कठपुतलियाँ, छाया नाटक और मारियोनेट प्रस्तुतियाँ शामिल थीं) और जीवंत जुनून नाटक जिन्हें ताजिया के रूप में जाना जाता था, जहां अभिनेता मुस्लिम इतिहास के प्रसंगों को फिर से प्रस्तुत करते थे। विशेष रूप से, शिया इस्लामी नाटक अली के बेटों हसन इब्न अली और हुसैन इब्न अली की शहादत के इर्द-गिर्द घूमते थे। धर्मनिरपेक्ष नाटकों को अखराज के रूप में जाना जाता था, जो मध्ययुगीन अदाब साहित्य में दर्ज किए गए थे, हालांकि वे कठपुतली और ताजिया रंगमंच की तुलना में कम आम थे। पश्चिमी रंगमंच में प्रारंभिक आधुनिक और आधुनिक रंगमंच ने 15वीं और 19वीं शताब्दी के बीच पश्चिम में कई वैकल्पिक रूपों को अपनाया, जिसमें इतालवी रंगमंच से कॉमेडिया डेल 'आर्ट और मेलोड्रामा शामिल थे। सामान्य प्रवृत्ति यूनानियों के काव्य नाटक और पुनर्जागरण से दूर और संवाद की एक अधिक प्राकृतिक गद्य शैली की ओर थी, विशेष रूप से औद्योगिक क्रांति के बाद। 1642 और 1660 के दौरान इंग्लैंड में थिएटर ने प्यूरिटन इंटरग्रेनम के कारण एक बड़ा विराम लिया। प्यूरिटन्स के बीच बढ़ती नाट्य-विरोधी भावना ने विलियम प्राइने को हिस्ट्रियोमास्टिक्स (1633) लिखते देखा, जो प्रतिबंध से पहले रंगमंच पर सबसे कुख्यात हमला था। थिएटर को पापपूर्ण मानते हुए, प्यूरिटन्स ने 1642 में लंदन के थिएटरों को बंद करने का आदेश दिया। 24 जनवरी 1643 को, अभिनेताओं ने अपने पेशे को बंद करने और अपने कई नाटकों से निर्वासित होने के लिए द एक्टर्स रिमॉन्स्ट्रेंस या कंप्लेंट शीर्षक से एक पर्चा लिखकर प्रतिबंध का विरोध किया। 1660 में पुनर्स्थापना में चार्ल्स द्वितीय के सिंहासन पर वापस आने के बाद यह स्थिर अवधि समाप्त हो गई। रंगमंच (अन्य कलाओं के बीच) में फ्रांसीसी संस्कृति के प्रभाव के साथ विस्फोट हुआ, क्योंकि चार्ल्स को उनके शासनकाल से पहले के वर्षों में फ्रांस में निर्वासित किया गया था। 1660 में, दो कंपनियों को प्रदर्शन करने के लिए लाइसेंस दिया गया था, ड्यूक की कंपनी और किंग्स कंपनी। प्रदर्शन परिवर्तित इमारतों में आयोजित किए गए थे, जैसे कि लिस्ले का टेनिस कोर्ट। पहला वेस्ट एंड थिएटर, जिसे लंदन के कोवेंट गार्डन में थिएटर रॉयल के रूप में जाना जाता है, थॉमस किलिग्रू द्वारा डिजाइन किया गया था और वर्तमान थिएटर रॉयल, ड्रूरी लेन के स्थान पर बनाया गया था। बड़े बदलावों में से एक नया थिएटर हाउस था। एलिज़ाबेथन युग के प्रकार के बजाय, जैसे कि ग्लोब थिएटर, जिसमें अभिनेताओं के लिए अगले अभिनय की तैयारी करने के लिए कोई जगह नहीं थी और बिना "थिएटर शिष्टाचार" के, थिएटर हाउस परिष्करण के स्थान में बदल गया, जिसके सामने एक मंच और स्टेडियम में बैठने की जगह थी। चूँकि बैठने की जगह अब मंच के चारों ओर नहीं थी, इसलिए इसे प्राथमिकता दी गई-कुछ सीटें स्पष्ट रूप से दूसरों की तुलना में बेहतर थीं। राजा के पास घर में सबसे अच्छी सीट होगीः थिएटर के बीच में, जो मंच का सबसे व्यापक दृश्य था और साथ ही साथ उस दृष्टिकोण और लुप्त होने वाले बिंदु को देखने का सबसे अच्छा तरीका था कि मंच का निर्माण चारों ओर किया गया था। फिलिप जैक्स डी साउदर्नबर्ग उस समय के सबसे प्रभावशाली सेट डिजाइनरों में से एक थे क्योंकि उन्होंने फर्श की जगह और दृश्यों का उपयोग किया था। इस समय से पहले की उथल-पुथल के कारण, मंच पर क्या रखा जाना चाहिए और क्या नहीं, इस बारे में अभी भी कुछ विवाद था। जेरेमी कोलियर, एक उपदेशक, अपने लेख ए शॉर्ट व्यू ऑफ द इम्मॉरलिटी एंड प्रोफेननेस ऑफ द इंग्लिश स्टेज के माध्यम से इस आंदोलन के प्रमुखों में से एक थे। इस पत्र में विश्वास मुख्य रूप से गैर-थिएटर जाने वालों और शेष प्यूरिटन्स द्वारा किए गए थे और उस समय के बहुत धार्मिक थे। मुख्य सवाल यह था कि क्या मंच पर कुछ अनैतिक देखना इसे देखने वालों के जीवन में व्यवहार को प्रभावित करता है, एक विवाद जो आज भी चल रहा है। सत्रहवीं शताब्दी ने महिलाओं को मंच से भी परिचित कराया था, जिसे पहले अनुचित माना जाता था। इन महिलाओं को मशहूर हस्तियों के रूप में माना जाता था (एक नई अवधारणा भी, पुनर्जागरण मानवतावाद के मद्देनजर उत्पन्न व्यक्तिवाद पर विचारों के लिए धन्यवाद), लेकिन दूसरी ओर, यह अभी भी बहुत नया और क्रांतिकारी था कि वे मंच पर थीं, और कुछ ने कहा कि वे अविवाहित थीं, और उन्हें नीचा दिखाती थीं। चार्ल्स द्वितीय को युवा पुरुषों द्वारा युवा महिलाओं की भूमिका निभाना पसंद नहीं था, इसलिए उन्होंने महिलाओं को अपनी भूमिका निभाने के लिए कहा। क्योंकि महिलाओं को मंच पर अनुमति दी गई थी, नाटककारों को कथानक के मोड़ के साथ अधिक छूट थी, जैसे कि महिलाएं पुरुषों के रूप में कपड़े पहनती थीं, और कॉमेडी के रूप में नैतिक रूप से चिपचिपी स्थितियों से संकीर्ण पलायन करती थीं। हास्य फिल्में युवाओं से भरी हुई थीं और उनके प्रेम जीवन के बाद की कहानी के साथ बहुत प्रचलन में थींः आम तौर पर एक युवा बदमाश नायक नाटक के अंत में शुद्ध और स्वतंत्र दिमाग वाली नायिका के प्रति अपने प्यार का इजहार करता है, बहुत कुछ शेरिडन के द स्कूल फॉर स्कैंडल की तरह। कई हास्य फिल्मों को फ्रांसीसी परंपरा के बाद बनाया गया था, मुख्य रूप से मोलियर, जो फिर से राजा और राजघरानों द्वारा उनके निर्वासन के बाद वापस लाए गए फ्रांसीसी प्रभाव की ओर इशारा करते हैं। मोलियर उस समय के शीर्ष हास्य नाटककारों में से एक थे, जिन्होंने इतालवी कॉमेडिया डेल 'आर्टे और नियोक्लासिकल फ्रांसीसी कॉमेडी को मिलाकर कुछ सबसे लंबे समय तक चलने वाले और सबसे प्रभावशाली व्यंग्य कॉमेडी बनाने के लिए कॉमेडी लिखने और प्रदर्शन करने के तरीके में क्रांति ला दी। राजनीतिक शक्ति को सही करने के अपने अर्थ में त्रासदी समान रूप से विजयी थीं, विशेष रूप से हाल ही में ताज की बहाली के कारण मार्मिक। वे फ्रांसीसी त्रासदी की नकल भी थे, हालांकि फ्रांसीसी में कॉमेडी और त्रासदी के बीच एक बड़ा अंतर था, जबकि अंग्रेज कभी-कभी पंक्तियों में हेरफेर करते थे और अपनी त्रासदियों में कुछ हास्य भाग डालते थे। गैर-हास्य नाटकों के सामान्य रूप भावनात्मक हास्य के साथ-साथ कुछ ऐसा था जिसे बाद में ट्रेजेडी बुर्जुआ या घरेलू त्रासदी कहा गया-यानी आम जीवन की त्रासदी-इंग्लैंड में अधिक लोकप्रिय थे क्योंकि वे अंग्रेजी संवेदनाओं को अधिक आकर्षित करते थे। जबकि रंगमंच मंडलियाँ पहले अक्सर यात्रा करती थीं, राष्ट्रीय रंगमंच के विचार को 18वीं शताब्दी में समर्थन मिला, जो लुडविग होलबर्ग से प्रेरित था। जर्मनी में राष्ट्रीय रंगमंच के विचार के प्रमुख प्रवर्तक, और स्टर्म उंड ड्रांग कवियों के भी, हैम्बर्गीश एंटरप्राइज और सेयलर थिएटर कंपनी के मालिक एबेल सेयलर थे। 19वीं शताब्दी के दौरान, रोमांटिकवाद, मेलोड्रामा, विक्टोरियन बर्लेस्क के लोकप्रिय नाट्य रूपों और स्क्राइब और सारदो के अच्छी तरह से बनाए गए नाटकों ने प्रकृतिवाद और यथार्थवाद के समस्या नाटकों को रास्ता दिया; फेड्यू का प्रहसन; वैगनर का ओपेरेटिक गेसमट्कुन्स्टवर्क; संगीत थिएटर (गिल्बर्ट और सुलिवन के ओपेरा सहित); एफ. सी. बर्नैंड, डब्ल्यू. एस. गिल्बर्ट और ऑस्कर वाइल्ड की ड्राइंग-रूम कॉमेडी; प्रतीकवाद; अगस्त स्ट्रिंडबर्ग और हेनरिक इबसेन के अंतिम कार्यों में प्रोटो-एक्सप्रेशनवाद; और एडवर्डियन संगीत कॉमेडी। ये प्रवृत्तियाँ 20वीं शताब्दी में स्टानिस्लावस्की और ली स्ट्रासबर्ग के यथार्थवाद, इरविन पिस्केटर और बर्टोल्ट ब्रेख्त के राजनीतिक रंगमंच, सैमुअल बेकेट और यूजीन आयोनेस्को के तथाकथित थिएटर, अमेरिकी और ब्रिटिश संगीत, अभिनेताओं और निर्देशकों की कंपनियों की सामूहिक रचनाएँ जैसे कि जोन लिटिलवुड की थिएटर कार्यशाला, रॉबर्ट विल्सन और रॉबर्ट लेपेज का प्रयोगात्मक और उत्तर आधुनिक थिएटर, अगस्त विल्सन या टॉमसन हाईवे का उत्तर औपनिवेशिक थिएटर, और ऑगस्टो बोल का थिएटर ऑफ द ऑप्रेस्ड में जारी रहीं। प्रकार नाटक नाटक प्रदर्शन में दर्शाए जाने वाले कल्पना का विशिष्ट तरीका है। यह शब्द एक यूनानी शब्द से आया है जिसका अर्थ है "क्रिया", जो क्रिया δράω, dráō, "करना" या "कार्य करना" से लिया गया है। रंगमंच में नाटक का अभिनय, दर्शकों के सामने एक मंच पर अभिनेताओं द्वारा प्रस्तुत किया जाता है, उत्पादन के सहयोगी तरीकों और स्वागत के सामूहिक रूप को पूर्वनिर्धारित करता है। नाटकीय ग्रंथों की संरचना, साहित्य के अन्य रूपों के विपरीत, इस सहयोगी उत्पादन और सामूहिक स्वागत से सीधे प्रभावित होती है। शेक्सपियर की प्रारंभिक आधुनिक त्रासदी हैमलेट (1601) और सोफोकल्स की शास्त्रीय एथेनियन त्रासदी ओडिपस रेक्स (1601) नाटक की कला की उत्कृष्ट कृतियों में से हैं। एक आधुनिक उदाहरण यूजीन ओ 'नील (1956) द्वारा लिखित लॉन्ग डे की जर्नी इनटू नाइट है। सामान्य रूप से कविता की एक शैली के रूप में माना जाता है, नाटकीय मोड को अरस्तू के पोएटिक्स () के बाद से महाकाव्य और गीतात्मक मोड के साथ विपरीत किया गया है; नाटकीय सिद्धांत का सबसे पहला काम। एक विशिष्ट प्रकार के नाटक को निर्दिष्ट करने के लिए संकीर्ण अर्थों में "नाटक" का उपयोग 19वीं शताब्दी से होता है। इस अर्थ में नाटक एक ऐसे नाटक को संदर्भित करता है जो न तो एक कॉमेडी है और न ही एक त्रासदी है-उदाहरण के लिए, ज़ोला की थ्रेस रैकिन (1873) या चेखव की इवानोव (1887)। हालाँकि, प्राचीन यूनान में, नाटक शब्द में सभी नाटकीय नाटक, दुखद, हास्य या बीच में कुछ भी शामिल था। नाटक को अक्सर संगीत और नृत्य के साथ जोड़ा जाता हैः ओपेरा में नाटक को आम तौर पर पूरे समय गाया जाता है; संगीत में आम तौर पर बोले गए संवाद और गीत दोनों शामिल होते हैं; और नाटक के कुछ रूपों में संवाद को रेखांकित करने वाला आकस्मिक संगीत या संगीत संगत होता है (उदाहरण के लिए मेलोड्रामा और जापानी नो)। इतिहास की कुछ अवधियों (प्राचीन रोमन और आधुनिक रोमांटिक) में कुछ नाटकों को प्रदर्शन के बजाय पढ़ने के लिए लिखा गया है। आशुरचना में, नाटक प्रदर्शन के क्षण से पहले मौजूद नहीं होता है; कलाकार दर्शकों के सामने अनायास एक नाटकीय पटकथा तैयार करते हैं। म्यूजिकल थिएटर संगीत और थिएटर का प्राचीन काल से घनिष्ठ संबंध रहा है-उदाहरण के लिए, एथेनियन त्रासदी नृत्य-नाटक का एक रूप था जिसमें एक कोरस का उपयोग किया गया था जिसके भागों को गाया गया था (एक औलोस की संगत में-एक उपकरण जो आधुनिक ओबो के साथ तुलनीय था), जैसा कि कुछ अभिनेताओं की प्रतिक्रियाएं और उनके 'एकल गीत' (मोनोडिस) थे। आधुनिक संगीतमय रंगमंच रंगमंच का एक रूप है जो संगीत, बोली जाने वाली बातचीत और नृत्य को भी जोड़ता है। यह 19वीं शताब्दी के अंत और 20वीं शताब्दी की शुरुआत में कॉमिक ओपेरा (विशेष रूप से गिल्बर्ट और सुलिवन), विविधता, वाडेविल और संगीत हॉल शैलियों से उभरा। 1890 के दशक में शुरू हुई एडवर्डियन म्यूजिकल कॉमेडी के बाद, 20वीं शताब्दी की शुरुआत में प्रिंसेस थिएटर म्यूजिकल और 1920 और 1930 के दशक में ओक्लाहोमा के साथ कॉमेडी (जैसे रॉजर्स और हैमरस्टीन के काम)! (1943), संगीत अधिक नाटकीय दिशा में आगे बढ़े। बाद के दशकों में प्रसिद्ध संगीत में माई फेयर लेडी (1956), वेस्ट साइड स्टोरी (1957), द फैंटास्टिक्स (1960), हेयर (1967), ए कोरस लाइन (1975), लेस मिसरेबल्स (1980), कैट्स (1981), इनटू द वुड्स (1986), और द फैंटम ऑफ द ओपेरा (1986) के साथ-साथ रेंट (1994), द लायन किंग (1997), विकेड (2003), हैमिल्टन (2015) और फ्रोजन (2018) सहित अधिक समकालीन हिट शामिल हैं। म्यूजिकल थिएटर का निर्माण ऑफ-ब्रॉडवे, क्षेत्रीय थिएटरों और अन्य जगहों पर अंतरंग पैमाने पर किया जा सकता है, लेकिन इसमें अक्सर तमाशा शामिल होता है। उदाहरण के लिए, ब्रॉडवे और वेस्ट एंड संगीत में अक्सर लाखों डॉलर के बजट द्वारा समर्थित भव्य वेशभूषा और सेट शामिल होते हैं। कॉमेडी थिएटर प्रस्तुतियाँ जो एक कहानी बताने के लिए एक वाहन के रूप में हास्य का उपयोग करती हैं, वे कॉमेडी के रूप में योग्य होती हैं। इसमें बोइंग बोइंग जैसे आधुनिक प्रहसन या एज़ यू लाइक इट जैसे शास्त्रीय नाटक शामिल हो सकते हैं। जानबूझकर हास्यपूर्ण तरीके से निराशाजनक, विवादास्पद या वर्जित विषय वस्तु को व्यक्त करने वाले रंगमंच को ब्लैक कॉमेडी के रूप में जाना जाता है। ब्लैक कॉमेडी में स्लैपस्टिक ह्यूमर, डार्क और व्यंग्यात्मक कॉमेडी जैसी कई शैलियाँ हो सकती हैं। त्रासदी अरस्तू का वाक्यांश "नाटक के अलग-अलग हिस्सों में कई प्रकार पाए जा रहे हैं" नाटक की संरचनात्मक उत्पत्ति का एक संदर्भ है। इसमें बोले जाने वाले भाग एटिक बोली में लिखे गए थे जबकि कोरल (पढ़ा या गाया) डोरिक बोली में लिखे गए थे, ये विसंगतियां अलग-अलग धार्मिक उत्पत्ति और भागों के काव्यात्मक मीटर को दर्शाती हैं जो एक नई इकाई, नाट्य नाटक में जुड़े हुए थे। त्रासदी नाटक की एक विशिष्ट परंपरा को संदर्भित करती है जिसने पश्चिमी सभ्यता की आत्म-परिभाषा में ऐतिहासिक रूप से एक अनूठी और महत्वपूर्ण भूमिका निभाई है। यह परंपरा कई और असंगत रही है, फिर भी इस शब्द का उपयोग अक्सर सांस्कृतिक पहचान और ऐतिहासिक निरंतरता के एक शक्तिशाली प्रभाव का आह्वान करने के लिए किया गया है-"यूनानी और एलिजाबेथ, एक सांस्कृतिक रूप में; हेलेन और ईसाई, एक सामान्य गतिविधि में", जैसा कि रेमंड विलियम्स कहते हैं। 2, 500 साल पहले एथेंस के थिएटरों में इसकी अस्पष्ट उत्पत्ति से, जिसमें से एस्किलस, सोफोकल्स और यूरिपिड्स के काम का केवल एक अंश बचा है, शेक्सपियर, लोप डी वेगा, रेसिन और शिलर के कार्यों में अपनी विलक्षण अभिव्यक्तियों के माध्यम से, स्ट्रिंडबर्ग की हाल की प्राकृतिक त्रासदी, मृत्यु, हानि और पीड़ा पर बेकेट के आधुनिकतावादी ध्यान, और दुखद कैनन के मुलर के उत्तर-आधुनिकतावादी पुनर्निर्माण तक, त्रासदी सांस्कृतिक प्रयोग, बातचीत, संघर्ष और परिवर्तन का एक महत्वपूर्ण स्थल बनी हुई है। अरस्तू की कविताओं (335 ईसा पूर्व) के संदर्भ में, त्रासदी का उपयोग शैली में अंतर करने के लिए किया गया है, चाहे वह सामान्य रूप से कविता के पैमाने पर हो (जहां दुखद महाकाव्य और गीत के खिलाफ विभाजित होता है) या नाटक के पैमाने पर (जहां त्रासदी कॉमेडी के विपरीत है)। आधुनिक युग में, त्रासदी को नाटक, मेलोड्रामा, दुखद और महाकाव्य रंगमंच के खिलाफ भी परिभाषित किया गया है। सुधार सुधार रंगमंच की एक सुसंगत विशेषता रही है, जिसमें सोलहवीं शताब्दी में कमेडिया डेल 'आर्ट को पहले आशुरचना रूप के रूप में मान्यता दी गई है। नोबेल पुरस्कार विजेता डारियो फो और अपराइट सिटिजन्स ब्रिगेड इम्प्रोविज़ेशनल थिएटर जैसे दलों द्वारा लोकप्रिय कई अलग-अलग धाराओं और दर्शन के साथ विकसित होना जारी है। कीथ जॉनस्टोन और वियोला स्पोलिन को आधुनिक समय में आशुरचना के पहले शिक्षकों के रूप में पहचाना जाता है, जिसमें जॉनस्टोन ने स्क्रिप्टेड थिएटर के विकल्प के रूप में आशुरचना की खोज की और स्पोलिन और उनके उत्तराधिकारियों ने मुख्य रूप से नाटकीय काम या कौशल विकसित करने के लिए एक उपकरण के रूप में या स्थितिजन्य कॉमेडी के रूप में आशुरचना की खोज की। स्पोलिन को इस बात में भी दिलचस्पी हो गई कि कैसे सीखने की प्रक्रिया मानव क्षमता के विकास पर लागू होती है। स्पोलिन के बेटे, पॉल सिल्स ने सुधारात्मक रंगमंच को एक नाट्य कला के रूप में लोकप्रिय बनाया, जब उन्होंने शिकागो में इसके पहले निर्देशक, द सेकंड सिटी की स्थापना की। 2, 500 से अधिक वर्षों से मानव संस्कृति का एक महत्वपूर्ण हिस्सा होने के कारण, रंगमंच ने विभिन्न सिद्धांतों और प्रथाओं की एक विस्तृत श्रृंखला विकसित की है। कुछ राजनीतिक या आध्यात्मिक विचारधाराओं से संबंधित हैं, जबकि अन्य विशुद्ध रूप से "कलात्मक" चिंताओं पर आधारित हैं। कुछ प्रक्रियाएँ एक कहानी पर ध्यान केंद्रित करती हैं, कुछ घटना के रूप में रंगमंच पर, और कुछ सामाजिक परिवर्तन के लिए उत्प्रेरक के रूप में रंगमंच पर। शास्त्रीय यूनानी दार्शनिक अरस्तू, अपने मौलिक ग्रंथ, पोएटिक्स में सबसे पहला जीवित उदाहरण है और इसके तर्कों ने तब से रंगमंच के सिद्धांतों को प्रभावित किया है। इसमें, वह एक विवरण प्रस्तुत करते हैं जिसे वे "कविता" कहते हैं (एक शब्द जिसका ग्रीक में शाब्दिक अर्थ है "बनाना" और इस संदर्भ में नाटक-कॉमेडी, त्रासदी और व्यंग्य नाटक-साथ ही गीत कविता, महाकाव्य कविता और दिथिरंब शामिल हैं)। वह इसके "पहले सिद्धांतों" की जांच करते हैं और इसकी शैलियों और बुनियादी तत्वों की पहचान करते हैं; त्रासदी का उनका विश्लेषण चर्चा का मूल है। अरस्तू का तर्क है कि त्रासदी में छह गुणात्मक भाग होते हैं, जो (महत्व के क्रम में) मिथक या "कथानक", लोकाचार या "चरित्र", डियानोया या "विचार", लेक्सिस या "बोलचाल", मेलो या "गीत" और ऑप्सिस या "तमाशा" हैं। "हालांकि अरस्तू की कविताओं को पश्चिमी आलोचनात्मक परंपरा में सार्वभौमिक रूप से स्वीकार किया गया है", मार्विन कार्लसन बताते हैं, "उनके मौलिक काम के बारे में लगभग हर विवरण ने अलग-अलग राय पैदा की है। 20वीं शताब्दी के महत्वपूर्ण रंगमंच व्यवसायियों में कॉन्स्टेंटिन स्टैनिस्लावस्की, व्सेवोलोड मेयरहोल्ड, जैक्स कोपाउ, एडवर्ड गॉर्डन क्रेग, बर्टोल्ट ब्रेक्ट, एंटोनिन आर्टाउड, जोन लिटिलवुड, पीटर ब्रुक, जर्ज़ी ग्रोटोव्स्की, ऑगस्टो बोल, यूजीनियो बारबा, डारिओ फो, वियोला स्पोलिन, कीथ जॉनस्टोन और रॉबर्ट विल्सन (निर्देशक) शामिल हैं। स्टेनिस्लावस्की ने रंगमंच को एक कला-रूप के रूप में माना जो साहित्य से स्वायत्त है और जिसमें नाटककार के योगदान का सम्मान रचनात्मक कलाकारों के समूह में से केवल एक के रूप में किया जाना चाहिए। आधुनिक अभिनय सिद्धांत में उनका अभिनव योगदान पिछली शताब्दी के अधिकांश समय के लिए मुख्यधारा के पश्चिमी प्रदर्शन प्रशिक्षण के मूल में बना हुआ है। अभिनेता प्रशिक्षण की उनकी प्रणाली के कई उपदेश सामान्य ज्ञान और आत्म-स्पष्ट प्रतीत होते हैं जो इसकी वर्चस्ववादी सफलता की गवाही देते हैं। अभिनेता अक्सर यह जाने बिना कि वे ऐसा करते हैं, उनकी बुनियादी अवधारणाओं का उपयोग करते हैं। अभिनय शिक्षकों द्वारा इसके प्रचार और विस्तार के लिए धन्यवाद, जो पूर्व छात्र थे और उनके सैद्धांतिक लेखन के कई अनुवादों के कारण, स्टानिस्लावस्की की 'प्रणाली' ने सांस्कृतिक सीमाओं को पार करने की एक अभूतपूर्व क्षमता हासिल की और एक अंतरराष्ट्रीय पहुंच विकसित की, जो यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में अभिनय के बारे में बहसों पर हावी थी। कई अभिनेता नियमित रूप से उनकी 'प्रणाली' को उत्तरी अमेरिकी पद्धति के साथ जोड़ते हैं, हालांकि बाद की विशेष रूप से मनोवैज्ञानिक तकनीकें स्टैनिस्लावस्की के बहुभिन्न, समग्र और मनोभौतिकीय दृष्टिकोण के साथ तेजी से विपरीत हैं, जो 'अंदर से बाहर' और 'बाहर से अंदर' दोनों से चरित्र और कार्रवाई की खोज करती है और अभिनेता के मन और शरीर को एक निरंतरता के हिस्से के रूप में मानती है। तकनीकी पहलू रंगमंच में उत्पादन के सहयोगी तरीकों और स्वागत के सामूहिक रूप को शामिल किया गया है। नाटकीय ग्रंथों की संरचना, साहित्य के अन्य रूपों के विपरीत, इस सहयोगी उत्पादन और सामूहिक स्वागत से सीधे प्रभावित होती है। नाटकों के निर्माण में आमतौर पर एक नाटककार, निर्देशक, अभिनेताओं के कलाकारों और एक तकनीकी उत्पादन दल का योगदान शामिल होता है जिसमें एक सुंदर या सेट डिजाइनर, प्रकाश डिजाइनर, पोशाक डिजाइनर, ध्वनि डिजाइनर, मंच प्रबंधक, उत्पादन प्रबंधक और तकनीकी निर्देशक शामिल होते हैं। निर्माण के आधार पर, इस टीम में एक संगीतकार, नाटककार, वीडियो डिजाइनर या लड़ाई निर्देशक भी शामिल हो सकते हैं। स्टेजक्राफ्ट एक सामान्य शब्द है जो नाटकीय, फिल्म और वीडियो निर्माण के तकनीकी पहलुओं को संदर्भित करता है। इसमें शामिल हैं, लेकिन इन्हीं तक सीमित नहीं है, दृश्यों का निर्माण और हेरफेर, प्रकाश का लटकाना और ध्यान केंद्रित करना, वेशभूषा की डिजाइन और खरीद, मेकअप, प्रॉप्स की खरीद, मंच प्रबंधन, और ध्वनि की रिकॉर्डिंग और मिश्रण। स्टेजक्राफ्ट दृश्यावली के व्यापक छत्र शब्द से अलग है। एक कलात्मक क्षेत्र के बजाय एक तकनीकी क्षेत्र माना जाता है, यह मुख्य रूप से एक डिजाइनर की कलात्मक दृष्टि के व्यावहारिक कार्यान्वयन से संबंधित है। अपने सबसे बुनियादी रूप में, स्टेजक्राफ्ट का प्रबंधन एक एकल व्यक्ति (अक्सर एक छोटे उत्पादन के मंच प्रबंधक) द्वारा किया जाता है जो सभी दृश्यों, वेशभूषा, प्रकाश और ध्वनि की व्यवस्था करता है, और कलाकारों को व्यवस्थित करता है। अधिक पेशेवर स्तर पर, उदाहरण के लिए आधुनिक ब्रॉडवे घरों में, स्टेजक्राफ्ट का प्रबंधन सैकड़ों कुशल बढ़ई, चित्रकार, बिजली मिस्त्री, स्टेज हैंड, सिलाई करने वाले, विगमेकर और इसी तरह के लोगों द्वारा किया जाता है। स्टेजक्राफ्ट का यह आधुनिक रूप अत्यधिक तकनीकी और विशिष्ट हैः इसमें कई उप-विषय और इतिहास और परंपरा का एक विशाल भंडार शामिल है। स्टेजक्राफ्ट का अधिकांश भाग इन दो चरम सीमाओं के बीच स्थित है। क्षेत्रीय थिएटरों और बड़े सामुदायिक थिएटरों में आम तौर पर एक तकनीकी निदेशक और डिजाइनरों का एक पूरक होता है, जिनमें से प्रत्येक का अपने-अपने डिजाइनों में सीधा हाथ होता है। उप-श्रेणियाँ और संगठन कई आधुनिक रंगमंच आंदोलन हैं जो विभिन्न तरीकों से रंगमंच का निर्माण करते हैं। नाट्य उद्यम परिष्कार और उद्देश्य में बहुत भिन्न होते हैं। इसमें शामिल होने वाले लोग नौसिखियों और शौकीनों (सामुदायिक रंगमंच में) से लेकर पेशेवरों (ब्रॉडवे और इसी तरह की प्रस्तुतियों में) तक भिन्न होते हैं। रंगमंच का प्रदर्शन कम बजट के साथ या लाखों डॉलर के बजट के साथ बड़े पैमाने पर किया जा सकता है। यह विविधता थिएटर उप-श्रेणियों की प्रचुरता में प्रकट होती है, जिसमें शामिल हैंः ब्रॉडवे थिएटर और वेस्ट एंड थिएटर कम्युनिटी थिएटर डिनर थिएटर फ्रिंज थिएटर इमर्सिव थिएटर इंटरएक्टिव थिएटर ऑफ-ब्रॉडवे और ऑफ वेस्ट एंड ऑफ-ब्रॉडवे प्लेबैक थिएटर क्षेत्रीय थिएटर संयुक्त राज्य अमेरिका में टूरिंग थिएटर साइट-विशिष्ट थिएटर स्ट्रीट थिएटर समर स्टॉक थिएटर रिपर्टरी कंपनियां जबकि अधिकांश आधुनिक थिएटर कंपनियां एक समय में थिएटर के एक टुकड़े का पूर्वाभ्यास करती हैं, एक सेट "रन" के लिए उस टुकड़े का प्रदर्शन करती हैं, टुकड़े को सेवानिवृत्त करती हैं, और एक नए शो का पूर्वाभ्यास शुरू करती हैं, रिपर्टरी कंपनियां एक समय में कई शो का पूर्वाभ्यास करती हैं। ये कंपनियाँ अनुरोध पर इन विभिन्न कार्यों को करने में सक्षम होती हैं और अक्सर उन्हें सेवानिवृत्त करने से पहले वर्षों तक काम करती हैं। अधिकांश नृत्य कंपनियाँ इस रेपर्टरी प्रणाली पर काम करती हैं। लंदन में रॉयल नेशनल थिएटर एक रिपेरटरी प्रणाली पर प्रदर्शन करता है। रेपर्टरी थिएटर में आम तौर पर समान रूप से निपुण अभिनेताओं का एक समूह शामिल होता है, और एक व्यक्तिगत स्टार अभिनेता की तुलना में समूह की प्रतिष्ठा पर अधिक निर्भर करता है। यह आम तौर पर एक निर्देशक द्वारा सख्त नियंत्रण पर कम और नाटकीय परंपराओं के पालन पर कम निर्भर करता है, क्योंकि जिन अभिनेताओं ने कई प्रस्तुतियों में एक साथ काम किया है, वे परंपरा या बाहरी दिशा पर अधिक भरोसा किए बिना एक-दूसरे को जवाब दे सकते हैं। एक थिएटर कंपनी एक ऐसा संगठन है जो एक थिएटर मंडली (या अभिनय कंपनी) से अलग नाटकीय प्रदर्शन करता है, जो एक साथ काम करने वाले नाट्य कलाकारों का एक समूह है। टूरिंग कंपनी एक स्वतंत्र थिएटर या नृत्य कंपनी है जो यात्रा करती है, अक्सर अंतरराष्ट्रीय स्तर पर, प्रत्येक शहर में एक अलग थिएटर में प्रस्तुत की जाती है। थिएटर के एक हिस्से को पहनने के लिए, एक थिएटर कंपनी और एक थिएटर स्थल दोनों की आवश्यकता होती है। जब एक थिएटर कंपनी एक थिएटर स्थल पर रहने वाली एकमात्र कंपनी होती है, तो इस थिएटर (और इसकी संबंधित थिएटर कंपनी) को रेजिडेंट थिएटर या प्रोडक्शन थिएटर कहा जाता है, क्योंकि वेन्यू अपना काम खुद करता है। अन्य थिएटर कंपनियों के साथ-साथ नृत्य कंपनियां, जिनके पास अपना थिएटर स्थल नहीं है, किराए के थिएटरों या प्रस्तुत करने वाले थिएटरों में प्रदर्शन करती हैं। किराया देने और प्रस्तुत करने वाले दोनों थिएटरों में कोई पूर्णकालिक निवासी कंपनी नहीं है। हालाँकि, उनके पास कभी-कभी एक या अधिक अंशकालिक निवासी कंपनियाँ होती हैं, अन्य स्वतंत्र भागीदार कंपनियों के अलावा जो उपलब्ध होने पर स्थान का उपयोग करने की व्यवस्था करती हैं। एक किराये का थिएटर स्वतंत्र कंपनियों को जगह खोजने की अनुमति देता है, जबकि एक प्रस्तुत करने वाला थिएटर स्वतंत्र कंपनियों को अपने मंच पर प्रस्तुत करके उनके काम का समर्थन करने की अनुमति देता है। कुछ प्रदर्शन समूह गैर-नाट्य स्थलों में प्रदर्शन करते हैं। इस तरह के प्रदर्शन बाहर या अंदर, एक गैर-पारंपरिक प्रदर्शन स्थान में हो सकते हैं, और इसमें स्ट्रीट थिएटर और साइट-विशिष्ट थिएटर शामिल हैं। गैर-पारंपरिक स्थानों का उपयोग दर्शकों के लिए अधिक तल्लीन या सार्थक वातावरण बनाने के लिए किया जा सकता है। इन्हें कभी-कभी पारंपरिक रंगमंच स्थलों की तुलना में अधिक भारी रूप से संशोधित किया जा सकता है, या विभिन्न प्रकार के उपकरणों, प्रकाश व्यवस्था और सेटों को समायोजित किया जा सकता है। यूनियन कई थिएटर यूनियन हैं, जिनमें शामिल हैंः अमेरिका में अभिनेताओं और मंच प्रबंधकों के लिए एक्टर्स इक्विटी एसोसिएशन (ए. ई. ए.) कनाडा इक्विटी में अभिनेताओं के लिए कनाडाई एक्टर्स इक्विटी एसोसिएशन, डिजाइनरों और तकनीशियनों के लिए यूके इंटरनेशनल एलायंस ऑफ थिएट्रिकल स्टेज एम्प्लॉइज (आई. ए. टी. एस. ई.) में कई प्रकार के प्रदर्शन करने वाले कलाकारों के साथ-साथ डिजाइनरों, निर्देशकों और मंच प्रबंधकों के लिए)। मीडिया, एंटरटेनमेंट एंड आर्ट्स एलायंस, एक ऑस्ट्रेलियाई संघ है जिसे 1992 में अभिनेताओं, पत्रकारों और मनोरंजन उद्योग के कर्मचारियों को शामिल करने वाले संघों के विलय के रूप में बनाया गया था।