Fragile Carne, just before his great period. Although it is sometimes hesitantly directed, and marred by longueurs, HOTEL DU NORD is full of the faded charm and beauty typical of French films of the late 1930s, as well as a relative lightness of touch unusual with this director. All of his great virtues are here: the cramped interiors broken up by gliding, complex, delicious camera movements; a melancholy deployment of light and shade; remarkable, wistful sets by Alexander Trauner, which are so evocative that they, as the title suggests, take on a shaping personality of their own; the quietly mournful music of Maurice Jaubert; a seemingly casual plot about romance, tragedy and fatalism that casts a noose over its characters; extraordinary performances by some of the greatest players of all time, in this case Louis Jouvet and Arletty.In fact, the films biggest failing, and I find myself astonished as someone who usually, didactically, minimises its importance to admit it, is its script. It has plenty of wit and poignancy, but without the poetry and irony regular Carne collaborator Jacques Prevert brought to their best films, it cannot avoid slipping into cliche even if it is only cliche in hindsight.Ostensibly set in the boarding house, the film sets up its opening idea of community with two interconnecting tales of doomed love, and emotional, metaphysical and actual isolation The doomed love scenario is the one that works least well. Annabella is very beautiful, but not very good at doing tragic, while Aumonts callowness, brilliantly appropriate though it may be, by its nature obtrudes any real, felt, romance. Maybe its just me, but I find it hard to sympathise with a couple, so young, so attractive, who, after only a few months, are so racked with despair that they have to shoot each other. Their high-flown lines are rather embarrassing too. Of course, this affair is not meant to be plausible - they are symbolic of youth, hope and possibility being crushed in France, or maybe France itself, despairing, resigned, waiting for death. For symbols to be truly powerful, they must convince on a narrative level, which, I feel, they dont quite here.What saves this plot is its connection with the story of M. Edmond, a character linked to the great tradition of French gangsters. Although we only learn it gradually, he is a killer in hiding, living off the prostitute played by Arletty, having dobbed in his accomplices. In his previous role - and the theatricality of his position is crucial - he had one set of traits; in hiding he has assumed their complete opposite. Living a rather aimless life, he is profoundly shaken by the lovers pact, and becomes fatalistic, realising the folly of trying to cheat death.In this way - the admission that one is less a person than a collection of signs, and that death is an unavoidable reality the most powerful masculinity must succumb to - Edmond is like a romantic prototype of Melvilles clinical killers. With one exception - he gives briefly into hope, a delusion which only strenghtens - if thats not too much of an unbearable irony - his fatal resolve.All this could have been trite if it wasnt for the truly amazing performance of Louis Jouvet. I had studied his theatrical work at college, but this was my first taste of his screen talents, and he reveals himself to be worthy of the greats - Grant, Mastroianni, Clift, Mason, Mitchum, Cotten - giving a quiet nobility to a role which is more of a conception he, needless to say, is allegorical too than an actual person. Edmond begins the film a minor supporting character, but emerges as a tragic hero of some force. Like all those major actors, Jouvets brilliance lies in what he conceals.On a formal level, what amazes is Carnes grasping, ten years before its flourishing, of the techniques of the great Hollywood melodramas of Sirk, Ophuls, Ray and Minnelli. Although his theatricality lacks the fluidity and clear-eyed beauty of Siercks contemporary German melodramas check out the masterpieces ZU NEUEN UFERN and LA HABENERA, Carnes style truly fits his theme - that of entrapment, paralysis, resignation.The films principle motif is that of water - the credits float and dissolve, the hotel stands by a waterway - but instead of Renoirs open river of possibility, we have a canal, stagnant and manmade, going nowhere. The film begins as it ends, and the setting never changes, except for one brief interlude from which both escapees are doomed to return. Characters can only escape through death - their entrapment is emphasised by the narrow rooms they occupy, the walls and frames that hold them captive, the windows that look out on an escape they can never achieve. Any hope at the end, therefore, is profoundly, if romantically, compromised.
Carne frágil, pouco antes de seu grande período. Embora às vezes seja dirigido de forma hesitante, e marcado por longueurs, o HOTEL DU NORD é cheio do charme e da beleza desbotados típicos dos filmes franceses do final da década de 1930, assim como uma relativa leveza de toque incomum com esse diretor. Todas as suas grandes virtudes estão aqui: os interiores apertados quebrados por movimentos de câmera delgados, complexos e deliciosos; um desdobramento melancólico de luz e sombra; conjuntos notáveis ​​e melancólicos de Alexander Trauner, tão evocativos que, como o título sugere, assumem uma personalidade própria; a música silenciosamente triste de Maurice Jaubert; um enredo aparentemente casual sobre romance, tragédia e fatalismo que lança um laço sobre seus personagens; performances extraordinárias de alguns dos maiores jogadores de todos os tempos, neste caso, Louis Jouvet e Arletty. Na verdade, os filmes falham, e eu me surpreendo como alguém que normalmente, didaticamente, minimiza a sua importância para admitir isso, é o seu roteiro . Tem muita inteligência e pungência, mas sem a poesia e a ironia que o colaborador habitual de Carne, Jacques Prevert, trouxe para seus melhores filmes, não pode evitar escorregar para o clichê, mesmo que seja apenas clichê em retrospectiva. sua idéia de comunidade de abertura com duas histórias interconectadas de amor condenado e isolamento emocional, metafísico e real. O cenário do amor condenado é aquele que funciona menos bem. Annabella é muito bonita, mas não muito boa em fazer trágico, enquanto a falta de confiança de Aumont, por mais brilhante que seja, por sua natureza, impede qualquer romance real, sentido. Talvez seja apenas eu, mas acho difícil simpatizar com um casal, tão jovem, tão atraente, que, depois de apenas alguns meses, está tão atormentado pelo desespero que tem que atirar um no outro. Suas linhas extravagantes são bastante embaraçosas também. É claro que esse caso não é plausível - eles simbolizam a juventude, a esperança e a possibilidade de serem esmagados na França, ou talvez a própria França, desesperada, resignada, à espera da morte. Para que os símbolos sejam verdadeiramente poderosos, eles devem convencer em um nível narrativo, o que, eu sinto, eles não chegam aqui. O que salva esse enredo é sua conexão com a história de M. Edmond, um personagem ligado à grande tradição dos gângsteres franceses. . Embora só aprendamos isso gradualmente, ele é um assassino escondido, vivendo da prostituta interpretada por Arletty, tendo adivinhado seus cúmplices. Em seu papel anterior - e a teatralidade de sua posição é crucial - ele tinha um conjunto de traços; Escondido, ele assumiu seu completo oposto. Vivendo uma vida um tanto sem rumo, ele é profundamente abalado pelo pacto de amantes e se torna fatalista, percebendo a loucura de tentar enganar a morte. Desta forma - a admissão de que se é menos uma pessoa do que uma coleção de sinais, e que a morte é uma realidade inevitável a mais poderosa masculinidade deve sucumbir - Edmond é como um protótipo romântico de assassinos clínicos de Melvilles. Com uma exceção - ele dá rapidamente esperança, uma ilusão que só fortalece - se isso não for uma ironia insuportável - sua resolução fatal. Tudo isso poderia ter sido banal se não fosse pelo desempenho verdadeiramente surpreendente de Louis Jouvet. Eu havia estudado seu trabalho teatral na faculdade, mas essa foi a minha primeira experiência com seus talentos na tela, e ele se revela digno dos grandes nomes - Grant, Mastroianni, Clift, Mason, Mitchum, Cotten - dando uma nobreza tranquila a um papel o que é mais uma concepção, é desnecessário dizer que também é alegórico do que uma pessoa real. Edmond começa o filme um personagem secundário de apoio, mas emerge como um herói trágico de alguma força. Como todos os atores principais, o brilho de Jouvets está no que ele esconde. Em um nível formal, o que surpreende é Carnes, dez anos antes de seu florescimento, das técnicas dos grandes melodramas de Sirk, Ophuls, Ray e Minnelli. Embora sua teatralidade não tenha a fluidez e a beleza dos melodramas alemães contemporâneos de Siercks, confira as obras ZU NEUEN UFERN e LA HABENERA, o estilo Carnes realmente se encaixa em seu tema - o de armadilha, paralisia, resignação.O motivo principal do filme é o da água - os créditos flutuam e se dissolvem, o hotel fica ao lado de uma via fluvial - mas em vez do rio aberto de possibilidades de Renoirs, temos um canal, estagnado e artificial, que não leva a lugar algum. O filme começa quando termina, e o cenário nunca muda, exceto por um breve interlúdio do qual ambos os fugitivos estão condenados a retornar. Os personagens só podem escapar através da morte - sua armadilha é enfatizada pelas salas estreitas que ocupam, as paredes e molduras que os mantêm cativos, as janelas que dão uma olhada em uma fuga que eles nunca conseguirão alcançar. Qualquer esperança no final, portanto, é profundamente comprometida, se romanticamente.