Cinemas greatest period started in post-War Europe with Italys Neo-Realist movement. During the next 2 or 3 decades that followed, Frances New Wavers caught everyones attention, and there was always Bergman up there on his desolate Scandinavian island somewhere, making bitter masterpieces. But in 1971, Luchino Visconti brought the art-form to full circle, geographically speaking, with his miraculous work Death in Venice, which might as well be called The Death of Europoean Cinema. After the Sixties wound down, so did the great European filmmakers, who, with some exceptions, generally grew exhausted and passed the torch to a new American generation of Movie Brats Coppola, Scorsese, & Co.. This movie absolutely feels like a grand summing-up, not just of Viscontis particular obsessions, but of the general attempt of European filmmakers to achieve the aesthetic ideal in movies. And rest assured, you will find no sterner task-master than the Visconti revealed here. Hes not playing to the crowd, folks: either you get behind him and follow along, or you get left behind. The pacing is a challenge: slow, but never without emotional weight. "Incidents" are few and far between, but each seems loaded with symbolic significance in a sturm-und-drang cosmos.We will probably never be in such rarefied company again, in terms of the movies: one of the centurys great writers who inspired the tale Thomas Mann, one of the greatest filmmakers directing it Visconti, one of the greatest actors in the lead role Dirk Bogarde, and swelling almost ceaselessly in the background, Gustav Mahlers 5th Symphony. Taking full advantage of Mahlers ability to inspire Romanticism in even the most cynical breast, Visconti changes the main character, Aschenbach, into a decrepit composer from his original persona as a writer, even making Bogarde up to LOOK like Mahler geeky mustache, specs, shaggy hair, duck-like walk. Bogarde, by the way, delivers what is probably greatest performance of an actor in the history of movies: its a largely silent performance, and the actor has to deliver reams of meaning in a gesture or a glance -- a difficult trick without mugging like Chaplin or merely acting like an animated corpse.Cinema just doesnt get better than this. Ill ignore the complaints from the Ritalin-addicts out there who say that its too slow, but even the more legitimate gripe concerning some of Aschenbachs flashbacks with that antagonistic friend of his is misplaced. The flashbacks fit neatly within the movies thematic concerns i.e., which is the better path to aesthetic perfection: passion or discipline?, and the suddenness and shrillness of these interruptions serve to prevent sleepiness among the viewers. Of course, some viewers will sleep through this movie, anyway. A nonstop stream of Mahler and beautiful, dying Venice would be nothing more than a pretty picture; but this movie is actually about something. And what its mostly about is suffering: Romantic capital R suffering, in particular. As a suffering Romantic himself, Visconti knew whereof he spoke.[SPOILER . . . I guess] If for nothing else, see Death in Venice for its portentous opening credits . . . and for its unforgettable ending, with Bogardes jet-black hair-dye dripping off of his sweaty, dying head and onto his chalk-white face. Meanwhile, off in the distance, young Tadzio, the object of Bogardes dying desire, stands in the ocean and points toward the horizon like a Michelangelo sculpture. The climatic sequence sums up with agonizing economy everything that the movie is about: love, lust, beauty, loss, the ending of a life set against the beginning of another life, and cold death in the midst of warm, sunny beauty. Death in Venice is a miraculous work of art. [DVD tip: as with the simultaneously released Visconti masterpiece The Damned, I recommend that you turn the English subtitles ON while watching this movie. Its ostensibly in English, but the DVDs sound seems muddy and theres a lot of Italian spoken during the film, anyway.]
O maior período cinematográfico começou na Europa do pós-guerra com o movimento neo-realista Italys. Durante as próximas 2 ou 3 décadas que se seguiram, Frances New Wavers chamou a atenção de todos, e sempre havia Bergman lá em cima em sua desolada ilha escandinava em algum lugar, fazendo obras-primas amargas. Mas, em 1971, Luchino Visconti aproximou geograficamente a forma de arte com sua obra milagrosa Morte em Veneza, que também poderia ser chamada de A morte do cinema europeu. Depois dos anos 60, os grandes cineastas europeus, que com algumas exceções, geralmente ficaram exaustos e passaram a tocha para uma nova geração americana de filmes como Brats Coppola, Scorsese, & Co .. Este filme parece um grande resumo Não apenas as obsessões particulares de Viscontis, mas também a tentativa geral dos cineastas europeus de alcançar o ideal estético dos filmes. E fique tranquilo, você não encontrará um mestre-tarefa mais severo do que o Visconti revelou aqui. Ele não está tocando para a multidão, pessoal: ou você fica atrás dele e acompanha, ou fica para trás. O ritmo é um desafio: lento, mas nunca sem peso emocional. "Incidentes" são poucos e distantes entre si, mas cada um parece carregado de significado simbólico em um cosmos sturm-und-drang. Provavelmente nunca mais estaremos em uma companhia tão refinada, em termos de filmes: um dos grandes escritores do século que inspirou o conto Thomas Mann, um dos maiores cineastas que o dirigiu Visconti, um dos maiores atores do papel principal Dirk Bogarde, e inchando quase incessantemente ao fundo, Gustav Mahlers 5th Symphony. Aproveitando ao máximo a capacidade de Mahlers de inspirar o romantismo até mesmo no seio mais cínico, Visconti transforma o personagem principal, Aschenbach, em um compositor decrépito de sua persona original como escritor, até fazendo Bogarde com aparência de Mahler bigode geeky, óculos, desgrenhado cabelo, andar de pato. Bogarde, a propósito, oferece o que é provavelmente o melhor desempenho de um ator na história dos filmes: é um desempenho amplamente silencioso, e o ator tem que entregar resmas de significado em um gesto ou um olhar - um truque difícil sem assaltar como Chaplin ou simplesmente agindo como um cadáver animado. O cinema simplesmente não fica melhor do que isso. Eu vou ignorar as reclamações dos viciados em Ritalina que dizem que é muito lento, mas até mesmo a queixa mais legítima sobre alguns dos flashbacks de Aschenbach com aquele amigo antagônico dele é equivocada. Os flashbacks se encaixam perfeitamente nas temáticas dos filmes, ou seja, qual é o melhor caminho para a perfeição estética: paixão ou disciplina ?, e a repentina e estridente dessas interrupções servem para evitar a sonolência entre os espectadores. Claro, alguns espectadores vão dormir com este filme, de qualquer maneira. Um fluxo ininterrupto de Mahler e a bela e moribunda Veneza não seriam mais do que uma bela imagem; mas esse filme é sobre algo. E o que é principalmente sobre isso está sofrendo: o sofrimento romântico do capital R, em particular. Como um sofrimento romântico, Visconti sabia do que ele falava [SPOILER. . . Eu acho que] Se por nada mais, ver Death in Venice por seus créditos de abertura portentosos. . . e por seu inesquecível final, com o cabelo negro cor de Bogardes pingando de sua cabeça suada e moribunda e seu rosto branco como giz. Enquanto isso, ao longe, o jovem Tadzio, objeto do desejo mortal de Bogardes, fica no oceano e aponta para o horizonte como uma escultura de Michelangelo. A sequência climática resume-se com economia agonizante, tudo o que o filme trata: amor, luxúria, beleza, perda, o fim de uma vida contra o começo de outra vida e a morte fria em meio à beleza quente e ensolarada. A morte em Veneza é uma obra de arte milagrosa. [Dica do DVD: como na obra-prima de Visconti lançada simultaneamente, The Damned, eu recomendo que você ative as legendas em inglês enquanto assiste a este filme. É ostensivamente em inglês, mas o som dos DVDs parece enlameado e há muito italiano falado durante o filme, de qualquer forma.]