拍照构图重要还是氛围重要?
 不请自来。 我一直觉得摄影的进阶过程是这样的：熟悉器材及摄影基本原理——构图——用光——拼审美——艺术创造。对于我等普通爱好者，实现前面3步就已不错，能到达第四步“拼审美”那是非常可喜的，至于最终艺术创造，乃可望不可及。天赋奇高的人可能不需要遵循这等路径，可能出手就是大片。但『大片』的定义也是因人而异，因主题和类别而定，因每个人的认知而来，木有标准。 在我说的这个常规路径里，后期是一个潜台词，不说不代表它不重要，相反它不可或缺，但对比起构图和用光这种摄影前期，后期可以不用学得那么深和那么难，毕竟我自己的后期也很简单，都是PS的滤镜和一些动作就解决了大部分的需求。后期真正难的部分跟审美息息相关，那是颇为高阶的问题，技术可以教，但审美只能潜移默化的吸收和成长，是眼界也是阅历决定的。 而题主问的“氛围”二字，我觉得它是一个很宽泛的概念，既跟构图有交集，也自然跟光影、色调等多种因素有关系。当你没法去具体定义氛围感这件事的时候，它就变成很虚的形而上的“感觉”了。 所以从我的感觉出发，题主说自己的片子氛围恰到好处，在我看来都……不算什么氛围。因为从我对一张照片的构图、光影、给人的愉悦感、刺激感等多种判断角度来看，我只能说，你距离去捕捉、创造氛围都还十万八千里呢。（哎呀，想起你说的别骂太凶，那我就此打住）这道题目已经远超过题主当初想讨论的意图和范畴了。 不评价题主的图了，顺便也说说自己理解的“氛围”吧。 我认为绝对不是。 事实上我认为大部分经典的摄影构图形式，甚至包括用光打光的技巧，并不是为摄影而生，那是从古老的绘画时代就开始慢慢出现的一种画面表现形态，内容的架构法，是长期以来艺术家的智慧结晶，适合普罗大众易于接受并且去欣赏的审美习惯。 比如下面两幅西方早期的画来看，我们在很多博物馆美术馆看到的西方绘画很多是中世纪或者文艺复兴早期的宗教画，它们最大的构图特点就是金字塔形的布局，核心人物会放在画面金字塔顶端或中央，画面其他配角的视线也好，动作也好，都会向着这个中心服务，以便引导大家观看时候的视线向主角靠拢。这种构图方式，明显营造的氛围就是宗教里头的那种无上的崇拜性，或者说，神圣的高高在上的氛围。 这种时候开始，构图就已经具备了交代或者烘托“氛围”的作用了。 只是进入摄影时代后，这些历史悠久的“智慧结晶”继续被沿用，并且经过后人分析总结后，得到了摄影教材里的『常见构图法则』，譬如说九宫格、黄金分割、螺旋线、三分法、对称、斜线对角、引导线、重复、留白、三角、垂直……很多很多。这些算是非常狭义和精准的构图法则，其实广义上的构图还跟色彩、明暗和虚实结合的空间位置有关联。 摄影里不同的构图方式，的确会带来不同的“感觉”。 比如说，朋友在看到我照片时，第一反应都会对我说『你的构图很工整和均衡』。对，我的构图不出彩，但一定是经过长期『老法师』般的训练后的效果，那就是工整和均衡，这是我的核心宗旨。在一幅画面里尽可能找到结构、元素上的『平衡』，以期感觉舒服自然。当然，我这构图习惯的最大缺陷，自然就是会缺乏震撼或独特的视角。 好了，为了创造平衡感，不妨可以看看我平常惯用哪些手法：（注：下面所有示范的图片如无特殊说明的都是本人所拍，请勿随意转存使用） 这是大部分人朋友圈照片里最常见的问题，水平线不平。我对于这个问题很敏感，尤其拍的是自然风光、城市景观时，一定在拍摄时以及后期时确认是否需要『拉直画面的水平线』。当然不止于风景，很多其他类型的摄影，也都第一时间注意画面是否水平的问题。 倾斜的画面，带给人第一直观的感受是你的拍摄非常不认真和不严谨，在我看来，就是毫无平衡感。尤其是使用手机拍摄时，多数人更容易犯这个毛病，毕竟觉得那就是随手一拍。但是这样的画面潜意识里就告诉观者你并没有认真去拍摄，所以别人也肯定不会认真去看你要拍摄和表达的内容。这，或者也属于“氛围”的话题。 水平线的缺陷问题可以在前期拍摄时就避免掉，当然后期也是可以调整的，只是摄影要是能在前期解决的，不要拖到后期为好。下面也是一些我拍过的会注意水平线的画面。 没有校正水平线，其实只是初学者常见的一个通病。但并非所有拍摄都要保证水平，当你要用倾斜的构图方式时，请确保你要体现的画面是跟『活力』、『动感』等“氛围”有关，比如不少的人像（尤其是行走中）的拍摄、运动画面拍摄等等。以下面几张图为例： 看，后面这些图没一个是水平的，有的还蛮斜，但我认为是最适合当时画面的构图角度。所以，『校正水平』虽是我构图的一个基础点，所运用的场合多见于风光、城市景观等（当然不止于此），但学会判断是否需要水平构图还是倾斜构图，这要求你对构图和所需要的氛围有更全面的理解和把握。 『对称式构图』算是我们最常见最熟悉的一种形式，因为在生活中处处可见，从中国古代的建筑、字画等开始，都离不开对它的偏爱。主要是因为对称式构图具有四平八稳的气质，具有无与伦比的平衡感。反过来说，你也可以批评它呆板无趣。 对我来说『对称式构图』还有狭义和广义之分，这里所描述的是我认为狭义的『对称式构图』，就是水平或垂直方向上的对应或均分，它在视觉上有十分容易辨识的对称模式，基本类似于镜像或者画面的二等分，结合不同的场景容易产生端庄、大气、肃静的感觉，关键是平衡感跃然纸上。比如下面这些画面： 除了拥有很好的平衡感，对称式构图还有一个好处就是当你习惯寻找对称构图的角度后，会多多少少降低非对称构图有时带来的畸变和不一定好看的透视问题。拍摄这种对称式构图其实算简单，只需要你尽可能找到对称的参考线，然后一分为二，将画面平均分配即可。记住这种构图模式下的水平校正也很重要，千万注意要拉平了。多数情况下，我会在拍摄时第一时间去观察是否可以使用对称构图。 广义上的『对称构图』，它并非使用水平线或者垂直线来对称，也许对称的参考线是曲折的，甚至没有明显很直的对称线，而是讲求画面重心的平衡，这就依赖于画面元素的呼应、对照或反差。我将它称为『互补式或呼应式』构图。 还是用图来举例吧： 你们也能看出来，上面这种『互补式/呼应式』构图，其实就是让画面里的元素有一种呼应和互补关系，它们一起填充了画面的重心，让画面变得平衡。同时，你会发现对角线的呼应对于安排两个元素时非常实用。但因为这些画面经常都无法实现摆拍，需要你在抓拍时心里眼里藏着明晰的『框架』。 『画框』式构图，也是我蛮常用的手法。它是利用外界固有的元素来形成画框或相框的感觉，这些元素可以是窗户、门洞、树洞等等，透过这些『框』看出去，给画面增添了更多的趣味和可能。不用我多废话，看图你就明白了： 如果说要我总结“画框”式构图带来什么样的氛围感，我觉得，它更像是赋予了画面一种空间变化的神奇魔力。从不同造型的“画框”当中看出去的东西，也许往往不是你想象的那样，它总能带来惊喜和意外，画框虽然限制了它，但是却也提供了你更多遐想的余地，让人希望看到画框之外更多的画面故事。 『留白/留黑』的初衷是让画面有呼吸感，其实是宁少勿多，以此营造简洁、干净的画面，同时也便于突出画面的主体。它并没有固定的模式，连我自己可示范案例也不算多。而且逐渐地我会发现『留白』其实更强调关注细节，摒弃周围环境过多的影响，用简单的背景来烘托主体。它能为你的画面增加故事性或神秘感，留下了更多想象空间给观者。这一点跟画框有异曲同工之妙。 上面都是我自己的留白作品，其实不够出彩。我认识一位朋友Doris，她的留白构图一直深得我心，大胆而猖狂，不受规则束缚，那气质和手法我一时都学不来，征求她授权后也放几张她的图在这里给大家做示范，以此来表达我对这种人的钦佩。 对于很多朋友，包括我摄影粉丝群的朋友，我常评价他们的图太多元素太复杂了，那就会显得杂乱。其实所有初学者，都可以先从『留白』或者『简洁构图』来开始自己的摄影之旅，越简单的往往越容易打动人，也容易训练自己的观察力，它简直就是摄影里的『达芬奇式画蛋』练习。也有人问是否留白的话，画面信息量太少了。不然，留白不是没有信息量，而是它精萃出你最想要呈现的一个信息量，这反而让人印象深刻。 反正，我认为留白或者留黑，真的是氛围感拉满的一种构图方式。 我们经常需要拍摄大场景下的人物。简单而言，就是当你面对一个很壮阔或者很广袤的大场景时，如何摆放里头人物或其他被摄主体的位置——这对我来说，就相当于『填空』。 它并非一种单一的构图形式，事实上它是所有构图方式的综合使用，我上面提到的对称、呼应、留白、画框式等等，都可以作为『填空』的参考，甚至它需要考量跟光影明暗的配合，最后产生画龙点睛的效果。 按照字面意思来理解，就是远处是实的、近处反而是虚的画面，我把这种方式叫做景深视线引导法，也是蛮常见的一种构图，它的好处是利用从虚到实的变化，让你从近到远地将注意力放在远处的核心主体上面。来，直接上图看看你就懂了。 这种构图方法并不是画面结构上的布局，而是依赖于镜头的景深变化。因此它的确是需要镜头器材的支持来完成，景深的深浅跟以下几个因素有关系：光圈大小、焦段长短、与被摄物体的距离。光圈越大、焦段越长、与被摄物体越近，景深就会越浅——这个部分以后另开篇章来说说吧。 综上所述，你也应该能发现，很多照片并非只用单一的构图方式，它们基本都是混杂着使用，难分彼此。我的分析只是提炼出单个的方式以便你容易观察和练习而已。 最关键的就是回到我提出的问题——构图跟氛围没有关系吗？ 当然有啊！ 感谢网友们给予的80个赞支持（怎么那么惨 ），我今天继续把第二部分写下去吧，争取能以收到160个赞来收尾（依旧很惨）。 除了构图之外，我觉得氛围感还跟光影、色调、色彩、景深等多种因素都有关系，以上因素并不是独立的，很大程度都是融合在一起相辅相成的，并且后期也有莫大作用，最关键是在于你希望呈现的主题、蕴意是什么，然后籍此支撑的画面内容和画面故事又是什么，等等……这就可以说得很复杂，扯得很远了。 说得简单直白点，你想表达或者捕捉什么，是否表达或捕捉成功了。 此外必须要说的一点是：有的画面，我们是“被动”去捕捉的，不是去摆拍或刻意主动营造的，它稍纵即逝，就存在于那一个瞬间，比如人文、街头拍摄、新闻拍摄、婚礼现场等等；而有的画面，譬如商业类、人像、棚拍等等，都是摄影师和模特共同主动营造的，当然你拍摄家里静物、或户外风光、城市建筑等的时候，也可以有很大的主动性。  这被动和主动的两种拍摄，虽然在实现的途径上有区别，但最终呈现的氛围其实都要看摄影师如何捕捉和营造——这需要你对于画面有一定的感知和预设。 下面，我结合自己拍摄的画面来做一些简单的解释：（说明：所有对氛围的描述都是基于我个人的能力水平、理解水平、审美水平，包括源自当时我拍摄的原始冲动。如有不同的意见，欢迎交流沟通）。 这是最容易感受到“影像氛围”的方式了，所以大家一定要对明暗和色彩保持敏感度。尤其是可以拍出剪影的时候，一定要抓住机会，而且值得一提是部分剪影或者明暗强烈的画面，可以考虑用黑白的色调来强化那种感觉。 ▲上两图：广州大剧院。这条斜走道的两侧建筑的形状刚好跟天空形成了一个很独特的“通道”，于是我把人物放在最下面的缝隙中，这是我上面曾提到的填空式和明暗对比式构图的方式，而我保留了人物的红裙子的颜色，让其他部分变黑白，希望可以强化一种孤独的美感。24mm F9 ▲上图：这个楼梯和建筑的缺口非常独特，特地让对方跳着上楼梯，希望可以在这种强烈的水泥森林里增加一份活力。颜色的对比，动和静的对比，反差强，也就有点乐趣了。 ▲上图：这是我见过的最美的夕阳和日落，没有其他。新西兰西边的一个海滩边上邂逅的。后期的时候甚至都没有进行过任何色彩和对比的强化。也不想提亮。这样就很好。92mm F4.5 ▲上图：这张图我也是超激动超喜欢。在耶路撒冷圣墓大教堂，也就是耶稣下葬之处建的教堂里所拍。蜡烛照亮了前来祷告的女人的脸，专注点蜡烛的样子，或许也象征了她对于宗教的虔诚。35mm F2 ▲上图：同样是在圣墓大教堂，忽然发现头顶的金色穹顶有一束阳光正好照进来，射在耶稣的脸上，神了，激动地赶紧捏快门。这才是天使光好伐。如果在我们这里，可能应该叫“佛光”。 ▲上图：图中的人是我，朋友拍的这张。当时在冰岛徒步，天将黑，我坐在途中的石头上在查看地图路线。我喜欢这种宁静却孤独的氛围，远处的雪山和扑面而来的暮色突出了人在旅途的孤独和渺小。70-200的镜头用到了180mm端，F3.2，ISO也蛮高的。后期的时候色温稍微偏冷一点。 ▲上图：以色列特拉维夫的海边，男人和狗，坐看夕阳西下晚霞快散去的海滩和海面。男人轻抚狗狗脖子的动作，和他头部的夕阳轮廓光，凸显了此刻的惬意。后期时候也特地通过色温调整强化了黄色的氛围，平静而又幸福。50mm定焦，F1.6 ▲上图：摄于一个很昏暗的酒吧，但是帘子外侧墙柱上的灯光正好可以照在沙发的某个局部，于是我让对方坐在那个方向拍了一张。这种相对暗的环境下的光线，永远都会带来特别的光影，所以一般情况都会忍不住捏一张。抛开那“呆滞”的表情不说（哈哈哈），关键是我喜欢这种氛围。如果模特会表现的话，可以拍出一个孤独的人的感觉。35mm F1.4. ▲上图：耶路撒冷西墙，对着西墙祈祷的犹太人。沧桑的墙壁和晦暗不明的光线，营造的宗教氛围很强烈。 这种交代，可能跟构图有关，也可能跟色调色彩明暗有关，你可以理解为它整体看起来就挺有调调的。缺了画面中的某个元素，可能都会差点意思。 ▲上图：这张图我当时拍到的时候超激动。在斯德哥尔摩老城的小巷里，我举着相机在扫街，当时天色阴沉，街上人也很少。忽然就看到一位举着气球的少女转进了前方的巷子，赶紧捏一张。狭窄的街道凸显了街道两侧房屋的高耸，配合天气，感觉阴沉，而女孩和气球则打破了这份阴沉和不安，让人感觉到一份燃烧的希望和阳光。如果她不拿气球，恐怕感觉也千差万别。70mm焦段，F2.8。 啊，写累了，明显后面很多图都懒得解释拍摄或修图的想法了。大家大概看看就好了。如果能get到我想表达的，那恭喜你，也感谢你，你懂我！ 日后若有想到别的，再补充更新。求点赞求关注。 