如何评价湖南卫视《歌手·当打之年》第七期？你心中的排名是什么？
谢邀，谢谢一百多位朋友邀请，谢邀只能挂一个。我就挂第一个邀请我的了。 认了，你们也真行，为看热闹真是说盖一百层就盖一百层。 早知道定二百层的标准了。。真难为我把这些歌儿仔细听一遍。按照顺序来吧，还是强调一下：你可以喜欢我不喜欢的，你也可以不喜欢我推荐的。在这里讲音乐不是为了复盘谁应该排第一，而是帮助大家更好的去发掘音乐里面大家没有关注到的部分。 拜大家捐款所赐，我已经有了网易云VIP，但是我仍然决定用出场顺序来评价。（其实我知道你们想看我说华晨宇，所以我看什么顺序华晨宇靠前点儿就用什么顺序），听音还是听的网易云在线的音频，我觉得也应该问题不大，以下开始了。 华晨宇《降临》 德国有个叫康德的老师傅，写过一本书，叫《论优美感与崇高感》。“崇高”是19世纪美学的一个重要议题。讨论优美（Harmonious beauty）和崇高（sublime）是因为我们人类对美的感知不是单一的。如果我们把小桥流水，花开花落当作优美。那么山河大川的壮美，就是崇高美的一部分。“崇高”一直是艺术所关注的一个重要精神，尤其是当代艺术。康德认为，人们对崇高感的感受不一定是愉悦的，也可以是恐惧的，这也为当代的诸多艺术创作提供了美学上的支撑。 当然了，当你在远处观看一场雪崩，在钱塘江边上看潮水，这些都是能够给你带来崇高感的。因为在这个过程中，你可以感受到雪崩巨大的力量，也明白并且目睹潮水是完全可以卷走人的（明白也每年都有人被卷走），这种对自然之力的恐惧兼赞叹之情，就是最直接的崇高感。 回到音乐上，《神树》和《降临》都是涉及到“崇高感”的作品，搞一搞世界毁灭啊，世界重生啊这块儿的。崇高感已经是一般的流行音乐比较少涉及的范畴了。因为首先这个东西比起传统的优美来说离我们的生活更远。想想看如果你天天生活在雪崩啊，地震啊，海啸啊，火山喷发啊，台风啊，这样的场景里，每天的感官体验跟灾难大片儿似的，这些灾害还伤害不到你，那你这是什么运气，过得什么日子？ 我们大多数人的生活的大部分时候，所体会到的美并不是“崇高美”，我们大部分人对地球以及宇宙的力量实际上是无法感同身受的。因为领略这些，你确实需要一些运气（当然，不一定是好运气）。 所以，我们去谈上涉及“崇高”的作品，需要大概对人们感受到“崇高”时候的情境有一个大概的了解。康德表示“崇高是一切与之相比都是小的那个东西。”换句话说，我们在面对那些自然景物时候所产生的惊骇，所激发的赞叹。是因为我们在面对他们的时候感受到了自己的渺小。 英国余秋雨阿兰德波顿在他的《旅行的艺术》中写道： 我之所以要在这里把崇高感说明白，意思就是告诉大家。崇高感和优美感不同，它是一种需要激发的情感。你不会没事儿闲的追着地震火山海啸雪崩跑，因为你怕死。 艺术作品能够表现“崇高”是一件非常难的事情。我们之所以容易在自然界中比较容易感觉到崇高，是因为在自然界中，我们的所有的感觉器官都在起作用。你可以看到大潮的样子，也可以看到大潮的声音。甚至你可以感受到大潮带来的风声，闻到水的腥味儿。在这种条件下，你对宇宙力量的感受是直接的。但大部分的艺术作品很难给我们这种综合的感受，我们需要去靠想象去弥补，从而去感受这种崇高感。那么，一个好的艺术作品的任务，就是可以成功的激发我们的关于巨大力量的想象。 艺术史上有一些成功的例子。比如美术里面，意大利有个著名的画家卡拉瓦乔，是个杀人犯。他有一副著名的画，叫《Mary Magdalen in Ecstasy》你们可以感叹一下，这个人是一种什么样的状态。 同样，好的文学作品也可以让我们获得崇高的体验。 在音乐中感受崇高也不是什么容易的事情。想想看，如果按照康德的理论“崇高是一切与之相比都是小的那个东西。”我们会在什么样的声音中感受到自己的渺小呢？ 坂本龙一在他2017年的唱片《Async》中，有一首《Fullmoon》 这是一首收费曲目，穷逼们可以听下面这个 坂本龙一用鲍尔斯的著作《遮蔽的天空》的最后一段，加上各种语言的朗读，营造了一种氛围。我们大部分人只能听懂里面一种或者两种语言。在这个过程中，我们很容易感受到自己对于这个多元世界的渺小。在我们听到的来自于各种语言，各种年龄的声音的时候，我们也可以感受到时间在每个人身上真实的刻画。我们也很容易意识到，人生短暂，永恒不存。我们经历过一些人生生理上的阶段，也终将会走向灭亡。 在音乐上，坂本龙一的处理也很高级。钢琴表现出冰冷的质感。弦乐营造出宏大的感觉。除此之外，点睛之笔是他对于高频噪音的运用。除了电子音色之外，他用琴弓拉镲片制造了一种直接可以刺激到你耳朵的高频。这种高频的持续会让人在生理上感觉到不安，让你无法躲避。这些东西，一起制造了音乐的崇高感。 而且，通过这一首曲子我们就知道，坂本龙一对于音乐的理解是深刻的。是高于“乐音”本身而上升到声音的生理和心理层面的。是经过仔细考虑的，宏大的安排。 能让人们感到渺小的音乐作品是伟大的。在这方面，很多伟大的古典音乐家都可以做得到，比如说巴赫。今天是3月21日，巴赫过生日，我们先祝巴赫老师生日快乐。如果我后面的话拿您开玩笑，您千万别托梦挤兑我。 大提琴家Janos Starker的六首巴赫无伴奏大提琴曲是我最爱的巴赫大提琴录音，其中我最喜欢的是第三部的第一乐章，我们就此来说一下，巴赫和Staker能够给我们带来的崇高感。 我们可以仔细听一下这首曲子的中后部分，也就是1:50秒开始的这一部分。此后的一分钟，是这首曲子最精彩的部分。你们可以感觉到大提琴的轰鸣声。一把大提琴是如何展现出这样的气势呢？我们知道弦乐器的声音都是靠弓子拉动琴弦，箱体把琴弦的震动反应出来的让我们听到声音的，一把琴是否优秀，很大程度就要看他是否可以把琴弦的所有震动都生动的表现出来。在这段演奏中，Janos Starker在演奏的时候拉的非常的准确，正好触动了琴弦的共振，所以，在他拉其他弦的时候，空弦在自然地震动，这种震动产生了一种自然的泛音，也就是我们听到的轰鸣之声。 这个神来之笔的声音能震撼我们，正是因为他是来源于自然的和谐。但是产生出这样的共振却是一件非常困难的事情。首先，巴赫的曲子要写的好，其次，Starker的琴要拉的又有劲儿又准，再次，这把琴还要非常好，才能让我们完全享受这种体验。当然，如果你要是真想把这个体验更真实的感受，我只能说，网易云的这个录音效果，也就能体现出40%吧，你还是得用2496听听。 能够激发共振是需要精密计算的，经常有人说巴赫的音乐是数学。就是因为他的音乐无比严谨和谐。Bach的作品，多是复调作品。这里面有不少是声乐作品。巴赫的声乐作品分成世俗的和宗教的，我找一首大家都很熟悉的众赞歌。 巴赫的复调音乐不同于我们今天听到的主调音乐。简单理解一下，复调音乐往往没有一个确定的声部作为作品的主旋律。比如上面这首BWV147，管风琴的低音声部和高音声部，包括合唱，他们各自成旋律向前发展，而并非我们现在所比较常见的，一条旋律线，和声配合的乐曲发展方式。复调音乐之所以会被后来的主调音乐所取代，就是因为他过于复杂。作为为宗教服务的音乐，这种音乐从出生之起就是为了让人们感受到自己的脑子在神复杂的智慧面前一无所知。 音乐是歌颂神的，是神的代表。那必然追求的就是崇高的，主调音乐你随便哼哼就哼下来了，神的旨意总是精美而庞大的。你是不能随便哼出来的。在复杂的结构，管风琴的巨大音量，和合唱队发出的集体声响中，人的崇高感，就这么被激发了。 我们讲了这么多，目的是说回华晨宇的这首《降临》。 有朋友跟我说，华晨宇总是喜欢一些宏大的主题，但是总觉得他的表达不够力度。但是说不出为什么。 在上一次讲《神树》的时候，我说华晨宇作。好多歌迷跟我急，说我不好好说话。今天我从美学的角度把崇高感的由来基本讲了一下，也讲了一些音乐史上崇高的作品了。说到这儿，我再讲讲为什么华晨宇不够劲儿。 这种不够劲儿，首先源于音乐上的简单。无论是《神树》还是《降临》，都太简单了。他既没有巴赫那样复杂的结构，也没有坂本龙一那种直接可以从生理上刺激到人的点。在这首歌中，华晨宇用了一个不那么传统的中国传统雅乐的商调式。说他不够传统，是因为一般在商调式里面，句子的尾部不会落在宫上（讲乐理了啊），像第一句收在变徵上，是非常常见的用法。不过这不重要，没人规定华晨宇一定要用传统雅乐的方式写流行音乐。也就是这一点改变，也让我们觉得好像华晨宇用了一个五声调式，但是也没那么传统。 但是无论是否符合雅乐的规范，他的音乐是简单的是不争的事实。中国音乐自古具有强烈的精神性，雅乐之所以称之为“雅”，一定是和“俗”相对应的。在《论语 阳货篇》中，有这么一段： 成语“郑卫之声”讲的就是当时郑国和卫国的音乐是俗的，雅乐具体所涵盖的音乐虽然随着历史的发展一直在变化，但是雅乐本身和“礼”相关，关乎于思想道德等精神层面的价值却从未消失过。这些东西虽然不是西方美学意义下的崇高（康德美学中的崇高，比较像我们现在中文语境中的壮美），但是确实我们中文语境下的崇高。 就比如古琴，作为中国传统的雅乐乐器，有很多表示文人气节的曲目。比如《梅花三弄》。 我们说古琴这个东西需要不停的修炼和学习，不是因为它的技法有多高超。而是因为中国音乐有巨大的自由度。这种自由度，在于节奏。 中国音乐有一个概念叫做“散板”。中国传统谱子里面是没有节拍概念的。因为中国传统记谱方式是基于文字记谱的。比较像乐器的操作指南，稍微停顿的地方标注“少息”，停顿的比较大的地方标注的是“息”。演奏者有巨大可以自由发挥的空间，看似随便，实际上却充满了微妙。 显然，华晨宇也没有真的把这种属于中国音乐的洒脱用在他的《降临》里。在他的选择中，他既没把握住中国音乐自由而高古的那部分。也没有真正运用到绝对复杂的作曲和编配方式。支撑他宏大故事的方式是传统的高音，人声的大混响，再加上一个并不好的编钟音色。这一切都说明他对于这种宏大主题的把握能力是不足的。 比如我们再说说编钟的使用。 1997年的时候，曾侯乙编钟第三次被敲响，谭盾为香港回归写了一部交响曲，在这不交响曲中，大量用到了编钟。虽然谭盾用的是真的编钟，华晨宇用的是编钟音色，但是我们可以听听，谭盾用编钟和华晨宇用编钟有什么样的不同。 我贴出来的是整部曲子的最后一曲，在第三部分《人》的最后，从立意上来说，符合华晨宇自己说的万物重生的状态。这段只有几句歌词： 曾侯乙编钟一共65个，分高音区中音区和低音区。谭盾用编钟有两种方式，一种方式是倾向于东正教教堂的那种乱钟式的使用。另外一种方式是在最后用低音钟烘托整体情绪。在这首曲子五分钟以后，编钟的声音就没有停过，编钟洪亮的泛音让我们一直可以感觉到庄严。相比华晨宇，谭盾的对于编钟的使用明显高级得多。 再扩展阅读一下，还是这段旋律，在整部曲子的最开始，谭盾是怎么用的编钟。 我之所以花了这么多时间去说华晨宇，是希望告诉大家一些道理。 首先，我为什么重视音乐体裁和歌词，为什么重视直观的感受。因为我们欣赏音乐归根结底是一个审美的过程。我们可以从美学和哲学的角度看包括音乐的所有艺术，这个角度可以与音乐本身的技术无关。 其次，不要过度迷信乐理。我之所以在音乐评论中很少提及乐理，主要原因是因为过多提及乐理是没有意义的。从乐理本身而言，我们所谈到的乐理是西方音乐体系下的理论。中国音乐有中国音乐自己的乐理，和西方音乐有很大的不同。这种不同建立在中国的律制和西方的就不同，在这里我就不赘述了。这周我接了个活儿，花了很长时间写了一篇关于中国古代音乐的介绍，里面会提到相关的内容，下周会在知乎发布出来，大家感兴趣可以看看。乐理是为了服务于音乐的创作者和演奏者的，是为了更好的记录音乐，传承音乐本身以及创作演奏技艺。他不是为了音乐的欣赏者而确立的，如果有一个乐评人玩儿了命的的跟你讲你根本看不懂的乐理你就觉得他专业，那是因为你太业余了。 最后，对歌曲的共情是建立在经验之上的。华晨宇的《神树》和《降临》难以触发我的崇高之感，因为我吃过见过，这种东西在我来看就是简单地，缺乏力度的。我可以把这这种音乐看的很透彻，但是对于那些真正能触动我的，让我感觉到崇高的音乐，你不一定能够产生共情。因为对于崇高的理解的脑补的那部分，也同样需要门槛支撑。也许你的感觉是麻木迟钝的，也许你的感觉是模糊的，这都非常正常。也许《降临》和《神树》的确能让你觉得崇高，这也没问题。因为毕竟如康德所说“崇高是一切与之相比都是小的那个东西。”可能华晨宇的音乐因为涉及到了崇高主题，在你的有限的见识中，那已经是最庞大的东西了。 你至少需要明白，在音乐这个领域，有更大的东西。在那些东西面前，华晨宇的音乐只是个简单的壳儿。 有一个回答我点了赞同，马上有华晨宇歌迷问我我到底是不是真的这么想的。 大家开玩笑把华晨宇的音乐风格叫做Regressive Rock，说他是对于Progressive Rock的一种退化，我今天讲的很具体，他为什么不前卫，为什么让人感觉到退化。我也给他另外一个定义，我们都知道巴赫做的音乐叫“复调”（Polyphonic），那我不如把华晨宇这种简单的音乐叫做： 单调——（Dull Tone）你也可以把他翻译成肚痛音乐，表示某种我们偶尔会感觉到一下，但是也无关紧要，只要注意第二天饮食就可以避免的痛苦感。从某个角度看，华晨宇的风格也是有唐朝古风的。 比如，下面这个，是张旭的《肚痛贴》 最后，作为有唐朝风格的华老师，虽然你的英语Crash and Cold挺牛逼的。但是我还是应该提醒你一下，发V这个音的时候，要咬嘴唇。 既然你都这么写了，那最好把这个不难的发音发准。 最后，关于华晨宇讲乐理。我觉得有一说一，人家讲的没毛病。抬这杠，就是TM有病。  太一《玉》 我觉得把这首歌贴在这篇里面，都属于祸害人。太他妈难听了，有多难听呢？ 我以为都2020年了，古云龙老师这样的早就可以进入音乐考古界，证明中国黑泡到过这么高的高度呢。没想到，古云龙老师的影响真的可能挺深的。在这首歌发行了快十年以后，他的后辈向这样的音乐致敬，还把这首歌推到了歌手上。  袁娅维《 存·不存在》 我发想法说，这期歌手可以多听听原唱。这是一首完全被比赛毁了的歌儿。Tia唱的一点儿问题都没有。问题在哪儿呢？ 我得把歌词贴出来，大家可以有一个很直观的概念，这首歌在讲什么。 我就问编曲的同志一个问题。你把这首歌的现场版的后面改成舞曲。加入了大量的高音炫技段落。把这首歌变成一首大歌儿，和这首歌本来的意思搭么？ 为什么要这样呢？要比赛么？ 这事儿我已经在前面点评的时候反复说过了，不在这儿重复了。瞎改，胡来。我知道Tia唱得上去，唱得好。但是我听Tia唱歌不是为了听她能唱Mariah Carey的，我更喜欢上一个期她唱《月牙湾》的那种松弛。  徐佳莹《Last Dance》 这首歌也是徐佳莹唱的非常非常好，把这首歌唱出了令人愉悦的忧伤。在这些所有歌手里面，我一直觉得徐佳莹是最会翻唱的一个。她特别清楚翻唱的目的是什么，意义是什么。如果我们得到的是一个和原版一样或者近似的感觉，那么我们为什么要听翻唱呢？ 徐佳莹的这一版翻唱，和她翻唱五月天的《突然好想你》一样，都把原唱完全提高了一个档次，或者说完全唱出了不一样的面貌。尤其是A段的一些的一些拖拍的处理，转音处理，包括咬字的轻重的改变，都十分动人。 但是，这首歌的编曲太套路了。从铺底的合成器到后来的吉他，开始，我就预感要完蛋。果然2:10秒军鼓一起，完全破坏了一开始徐佳莹营造的那种安静，凄美的意境。编曲的各位老师，我真是觉得，多好的歌手都经不住你们这么折腾。 这首歌我就给徐佳莹一个建议。不插电，箱琴，录一版出在下一章专辑里。或者你看看有没有Vocal Solo轨，倒出来让大家听听。  萧敬腾《我只想要一个人的感觉 》 萧老师怎么了？ 是吃脏东西了还是激素水平有问题？ 我知道萧老师这歌儿是给女孩儿写的。但是你可以不这么唱。真的别把自己唱Demo的方式放在自己唱的这首歌里。需要表扬的是，在这首歌里面，萧老的钢琴水平还是有明显进步的。 当然，不是说萧老师这么唱难听，世界上所有人这么唱都难听，没有对比就没有伤害。 世界上只有一个Barry Gibb，他的声音是经过锻炼的。他的真假声的切换，以及Bee Gees其他两位帮助他的和声，让他的作品可听性变得非常强。任何有强度的高频都需要调节，即使是《Stayin' Alive》这样的歌里，假声也不是从头到尾的使用。 这两首歌萧老师不是没听过吧？  声入人心男团 Super Vocal《Qui Con Me》 唱的挺好的。 这种合唱团自古至今，都有粉丝。都不太多。因为他们的音乐，自古至今，也都差不多。比起这样的音乐，我更倾向于去听Gregorian，这种用更古老的概念包装的合唱团翻唱流行歌儿。好歹还听个新鲜。 在合唱这件事儿上，我有那么多选择。我可以选择古典点儿的Swingle Singers 可以选择流行点儿的Human Nature 还可以选择我自己写的封面的彩虹合唱团 还可以选择更严肃一点儿的，三角铁十级 @圭多达莱佐 老师的 我听你干嘛呢？  周深《有可能的夜晚》 我认为，曾轶可所有的歌儿都应该被翻唱一遍，这是一个偏向于音乐文献学的工作。高晓松当年做了一张专辑： 这张唱片都是高晓松写的歌儿。其中还有他唱的一首： 我觉得高晓松特别知道进退。知道自己的歌儿唱的不好，所以明白尽量扬长避短少唱多写。这样偶尔唱一嗓子，大家不会觉得他有什么。但是曾轶可老师就不是了，她真的不适合唱歌，没有什么任何贬损的意思。就像我不适合创作音乐一样，我认为没有必要强弩。 顺便说一下，在这首歌里面加上一小段《La Vie En Rose》是非常好的。这里面最关键的就是，加了一小段，很好的渲染了这首歌的气氛。  吉克隽逸《直来直往》 这首歌的原唱太妙了。尤其是前奏。采样，完全是一个Hip Hop思路。 吉克隽逸把这首歌变成了一个Synth Pop的编曲。对于她来说，她可能习惯Synth Pop。这是这首歌的编曲思路问题。在Hip Hop思路下，孙燕姿中间的说唱显得顺理成章，这也是为什么吉克隽逸没有在中间说唱的原因。因为在Synth Pop下，说唱变得不合理。 结合第五期吉克隽逸的表演，我觉得她的问题是非常典型的中国大多数流行歌手的问题，当拿到一首舞曲风格的作品的时候，一般会才用相对比较猛，比较狠的唱法。这可能是吉克隽逸擅长的，但是也是让我觉得单调的地方。 在Synth Pop这种风格下，实际上唱的好的女声并不多。吉克隽逸的嗓子并不是那种很沉的迷幻范儿的嗓音，而是仍然用了她比较擅长的发力很猛的唱法。在这里我还是找了一个合成器打底的女声。我和 @DuckMan电板鸭 聊了一下，实际上确实没有什么纯粹的Synth Pop女声。所以我就找了一个相对接近一点儿的，Marianne Faithfull在1979年专辑《Broken English》里面的一首歌，大概说明一下，一个好的Synth Pop，除了狠，还能出什么效果。 包括板鸭推荐了Eurythmics和Sandra 也是非常好的Synth Pop女声。尤其是Eurythmics，和吉克隽逸玩儿的风格比较相像，可以作为她学习的对象。 在吉克隽逸这首歌的结尾的突然安静下来的箱琴处理，是非常不好的处理。如果我的情绪能够被带动起来，为什么我要在你决定的那一刻突然静止，完全进入一种对立的情绪？如果我能够突然进入的话，那是不是说明一开始的情绪调动有问题呢？ MISIA 《请别走 (行かないで)》 这首歌，玉置浩二唱的太好了。 一首好歌儿，真正的技巧，不是难在你的气息有多稳，你可以你用什么样的声音，而在于，感情的真切，那种绝望的感觉，就好像面对面跟你诉说一样。所以，虽然是日文歌，我也建议大家去看看歌词，看过后，你自然就知道，MISIA的唱和玉置浩二差在哪儿了。 实际上，在日本流行乐坛有很多这种深情的歌手。比如井上阳水，比起玉置浩二和安全地带，他的音乐甚至更简单，但是说到深情，都是一样的。 之所以在这里提到井上阳水，我一直认为从上一期的《What a Wonderful World》到这期的选曲，MISIA团队在选曲和编曲上一直都有问题。像《请别走》这样的体裁，横笛，弦乐，是可以渲染出悲凉的色彩，MISIA的技巧是十分出色。但是，这首歌，在玉置浩二演绎下的动人，不就是那一点点技术之外的亲切感么？  结语 从第一次写《歌手》开始，和粉丝们的撕逼就一直没停过。这周我是真不想写了，于是随便立了个Flag，发现还是立低了。 我上一次评论选秀节目，还是张含韵那一届的超女。自那以后，我就不去评论这些综艺了。我觉得有那么多好听的音乐可以听，为什么要听这些玩意儿呢？ 上周和 @SherryLi禅玉 闲聊，她让我一定要写下去。我们探讨了一下评论的意义。 我说，对于大众来说，他们收到的更多的信息是属于收钱写稿的乐评人的。现在的乐评人整体素质太差，我实话实说，知乎的诸位号称乐评人的，能来我手底下当个普通编辑的都不到五个。我认可的真正的有能力做音乐评论的人，也未必愿意干这吃力不讨好的活儿。所以，在这种状态下，大众对于他们所感知到的音乐之外的信息，实际上是非常受限的。他们听到的全部都是为了流量而倾斜的言语，充满了话术，在这种情况下，久而久之，他们自然会陷入粉丝圈儿。我觉得我可以也应该花些时间去帮助那些在音乐中还带有迷惑的人，帮他们厘清他们感受中模糊的东西。顺便推荐真正的经典，这便是乐评的意义。 对于Sherry而言，她会在看我的评论的过程中反思自己的作品。我所提到的这些细节她是否注意到了。我说阐述的创作上的问题是否存在。她说对于经典，因为我们都知道她是经典，所以研究的未必透彻，可能只停留在，它是伟大的，好的，仅此而已。在阅读评论的过程中，她可以去体会我提到的这些歌手和经典的差距，去分析这些差距造成的原因。把她们的经验吸收，避免他们的问题。 我提这件事儿是为了大众而写的。因为我要确认我用的是最平实的语言，尽量保证没有接受过音乐训练的人能看懂。但是不代表我的评论不专业，当然，自己说自己专业挺没意思的。如果你感受不到我专业，比较好的方式是你把你认为专业上有问题的地方指出来，我们就事儿论事，说明白。 不要用那种什么通篇充满主观情绪啊，不讲乐理啊，之类的不动脑子的话来评价我。 讲乐理，我能从音乐的根儿上给你讲。过阵子我会发一篇回答，等着瞧吧。