大学生怎样拍微电影?
本文码字不易，转载注明出处，支持知乎直接转载。 学了四年电影，自己的同学都已经差不多快忙完自己的毕业作品了。在四年的学习过程中，我参与过三十余部学生剧组的拍摄，由最初的酱油，到如今的dop ad等职位，基本都做过了。自己的几部短片也拿过两个最佳导演奖，一个最佳影片，一个最佳创意奖，入围电影节一些。下文为本人的一些经验之谈，忘有助楼主，共勉。 一、剧本 剧本是什么？ 我看过很多很多同学的剧本，也看过不少专业的剧本。但是剧本是什么？ 我个人觉得剧本就是好比是建筑施工图，应该尽可能的详细，剧本里的每一句话都应该可以被执行，你的摄影指导和场记看到剧本应该有一个很清晰的场景和动作在脑海里。但是很多同学的剧本里充满了无法执行的话，譬如“小明非常忧伤” “小红和小明争执了很久” 这样的话。 不妨在剧本创作的时候写的更细一点，“小明非常忧伤，撅起了嘴巴” “小红说：xxxx 小红话音未落，小明紧接着愤怒的说：“xxx”" 毕竟大学生剧组的剧本是给自己用的，不能像卧虎藏龙那样，一句“他们在竹林里打斗” 解决了一场几分钟的戏。如果做不到详细，那就不算是剧本，应该算小说或者故事大纲。 其次，剧本虽然是执行蓝图，但是也是艺术。 学生电影，常常受限于篇幅。这种情况下，每一场戏的设计都非常重要。 优先做人设，做好人物传记，每一个角色都有灵魂，有自己的故事，这些不一定要表现在你的片子里。但是最好提前做这个工作，人物的性格一旦被刻画，他的一切动作，说话的方式，眼神、爱好都受制于人物传记。 其次，修改剧本的时候，每一场戏必须有情绪转折或者剧情铺垫。微电影的每一场戏都是精心设计的，作为编剧，应该很清晰这一场戏是为谁设计的。每一场戏都应该有情绪转变。如果这一场戏的主角在这一场戏的第一句话的情绪和最后一句话的情绪没有太大改变，那么就可以考虑删掉这场戏了。剧情要有节奏，要有起承转合，很多时候几分钟之内抓住观众的心胜过一切好看的美丽的剪辑和镜头。 再者，学生电影千万考虑执行难度。我个人很害怕一些类型的剧本。车戏、刀战、打斗、小孩子、老人、大场面、群演众多的戏、古装、超过6人以上对话戏、室外夜戏、多人调度等。 这样的戏都很难拍。但是如果你做好充分的准备，这些戏能在前期做足预备，看好场地，演员排练到位，也并不是不可以做。毕竟是学生作品，很多的时候，电影里一个简单的镜头，到自己手上就是怎么都做不到。 然后，注重剧本的叙事清晰度。微电影里，把一件事讲清楚并不容易。几分钟之内，你只能讲清楚一到两件事儿。所以怎么让观众看懂，怎么让别人产生共鸣。并非易事。有时候一句台词的措辞都至关重要。但如果你的片子是实验片，那就大胆制造属于你的风格把。起码王家卫拍片儿都只拿一份剧本大纲。 最后，剧本是源于生活的，我个人并不擅长写自己没经历的事情。我大学期间的剧本都是源于自己生活体验的，尤其是当剧本涉及感情的时候。只有自己经历过的事儿，才能够真实地打动别人或者产生共鸣。 二、分镜头与摄影 如果说剧本是设计蓝图，那么分镜本就是真正的每一步的施工图。分镜头要做的东西太多了，机位图、故事板、shot list都是极为重要的。但是不是所有的导演都会画画，也不是所有的导演都能找到好的摄影指导帮忙。 那学生作品该如何做呢？ 花更多的时间准备前期工作！在开拍前，和你的摄影、摄影指导去熟悉拍摄场地，因地设计镜头。和摄制团队达成共识并不容易，毕竟镜头语言太多种类了，每个摄影指导（下称dop）的风格也不尽相同。所以带着你的团队反复熟悉拍摄场地，有的时候甚至要你们一起去找场地。 在熟悉场地之后，做好机位图，人物如何运动，摄像机如何运动。大致估计好每个镜头的拍摄时间。拍片经验不太充分的同学估计拍每个镜头的时间也许并不那么容易。 简而言之，机子和人物都不移动的对话<机子动人物不动的对话<机子不动人物动的运动戏<机子动人物动的对话<机子动人物动的运动 如果这场戏人物众多，就再加时间。另外打灯的时间也要算进去。所以综合考量下来，如果能比较准确的预估时间，会对整个拍摄过程有很大的帮助。 能设计出怎样的镜头，也很重要。镜头前推、镜头后拉，仰拍、俯拍、斜构图、抖动还是平缓、过肩还是pov、人物对话是遮脸还是不遮脸、长镜头还是切镜头……镜头的设计是艺术，很多镜头不是越绚越好，越长越好。能把情绪用镜头表现出来最好！能用镜头语言代替台词更好！ 包括我自己在内，往往想镜头就想着长镜头、多调度的镜头。可是实际上这样的镜头对摄影和执行导演要求非常非常高。但是实际上，优秀的短片微电影并一定镜头就特别绚。不过设计镜头无外乎是对话戏或者追逐镜头。无论怎么拍，轴线概念非常重要，运动轴线、视线轴线、空间轴线，清晰每一刻轴线的改变，调整适当的机位，才是应该重视的。再者就是出镜入镜的运动方向、视线焦点这些东西。总而言之，摄影不是艺术，是工业。 再来谈谈摄影师的素质。什么是好的摄影师，个人感觉无外乎一下几点： 1，跟焦。一个合格的摄影师能在运动镜头里跟准焦，或者是用长焦大光圈演员纵深运动的时候能把焦跟实了就很优秀了； 2，镜头精度，无论是手持，轨道pan、斯坦尼康镜头，起幅和落幅按照导演或者dop要求做到高精度，准确无偏差； 3，对器材的理解。这里面包括了对镜头焦段的概念，对轨道、摇臂、斯坦尼康、车架、铁头肩托的镜头感觉。这些很多都需要付诸很多时间去慢慢摸索，对科班摄影师来说，并非难事了。不过就我个人做摄影的经验来说，焦段理解并不一定是很好做到的。譬如我从大一到现在，分别用过佳能550d 5d2 5d3 6d fx305 fx300还用过bmcc sony f5 f55 red one等机子，可以说常用数码机型都用过。个人对全画幅系列的机子镜头焦段很有体会。但是用bmcc和sony高端电影机的时候就并不那么准确了。如果你的摄影是第一次使用或者较少时间使用剧组的摄影机，建议摄影和dop可以去购置一个导演取景器，非常好用！淘宝就有。 另外推荐几本很好的书，对设计镜头和打灯很有帮助： 《镜头大师》《电影布光技法》 《镜头大师》是好书，镜头确实讲的很好，不过其中很多镜头并不容易完成，使用的时候切不可以照抄。 三、剪辑 剪辑是技术活儿，也是艺术！好的剪辑师非常细心，也非常有节奏感，更有化腐朽为神奇的作用。不过我个人并不擅长剪辑，很多时候都是交给朋友剪。但是我个人的体会是，摄影最好不要做剪辑，会出现舍不得丢镜头的尴尬情况。 另外剪辑做的好，对摄影技术和导演技能的提升会无比明显。因为在剪辑的过程中，你才会体会到差镜头和镜头接不接。这些概念，前期做的再足，可能也都不够。所以每天拍完，导演和剪辑看看素材是最好的。当然了，我自己真的很不擅长手头剪辑的活儿，以前也都是好哥们儿帮忙做。所以也没啥剪辑上的东西好分享的。 四、美工与灯光 在我拍完自己几个片子之后，深刻体会到美术与灯光在学生作品里的重要性（其实这是句废话＝ ＝）。好的美术应该懂得层的概念。在做美工设计的时候，和摄影师一起合作，完成一个场景的置景。在我自己拍片的过程中，比较注重层次，也就是前景、中景、背景的填充与留白。 其实美工与灯光可以帮助导演推动剧情情绪的。譬如，如何制造封闭空间，如何制造景深，如何制造影调，如何尽可能用道具表现情感。这些很多都是美工的素养和灯光师的素养。和我合作过很多次的美术就很牛，我很佩服。他的很多概念非常好。 譬如我导演课作品中，一场酒吧戏，如何摆酒瓶子，如何用色彩表现一些情感。当时在现场摆的时候，直接酒按他的理解摆了，一边拜，他还一边念叨着“黄色代表快乐，蓝色绿色代表忧伤与痛苦……” 这些都成为他的肌肉反应。而当你的场景做完，定好机位就可以和灯光聊了。 关于灯光，这话题又大了。说实话，我自己也不算会打光，但是跟了很多组之后，也逐渐有了一些灯光的基本概念。 打灯很多时候不单是照明，这个是基本共识。学生剧组常用的等也无外乎是各种大小的led、镝灯、红头等、三基色灯。这些灯各有特点，灯光师应该对这些灯的光有一些的概念，色温、光的穿透性、光的衰减、光的聚散……其实灯光的学问真的太深了。学生剧组里，个人建议，在打亮主体之后，稍微考虑一下背景的影调，就挺好了。至于不同的灯光情绪那就慢慢摸索。但是打灯简而言之，无外乎是几种灯，主光、辅光、轮廓光、环境光。每一个都能顾及到，就很好了。 当然了，也并不是说所有的学生剧组都会涉及到专业灯光，我自己在拍摄过程中，也经常用一些实用光源，譬如手机闪光灯、反光源，电脑屏幕的光等。 五、剧组分工及现场调度 学生剧组常常出现的问题就是分工不明确。经历过不少中型学生剧组，真的觉得片子拍的好不好是一方面，团队合作好不好也是很重要的。接下来简单分享一下我自己在剧组待过的不同位置的体会。如何调度好自己的一帮哥们儿，也不是一件容易的事儿，尤其是在12人以上的剧组的时候。 导演： 导演是剧组的灵魂，这不假。但是这个灵魂并不是说导演需要对所有的事儿负责，我个人认为导演需要对整个片子的风格负责。导演是摄制组和导演组的总牵头人。导演也是对整个片子最清晰的人，在绝大多数时候，以导演的要求为准则进行拍摄。 而导演需要做什么呢，一般来说，学生作品里，导演基本都是编剧或者是联合编剧。然后一般来说，分镜头应该由导演主导。其次就是对每一场戏的把控，调度是否按照设计进行，演员情绪是否到位。在拍片前，导演也应该对自己的摄影、摄影指导、场记等非常的了解。 监制： 美国好莱坞大片里，为何导演并不一定知名，但是片子依旧非常“成功”？这都是监制的功劳，一个好的监制就像工地上的监工。他在前期需要告诉导演可能遇到的问题有哪些，在前期要辅助导演做非常多导演意识不到的事情。譬如一些镜头根本很难实现，一些剧情可能对观众造成疑惑，一些特效是否可以准确完成，完成难度有多高。在片场的时候，要协助导演细抠每一个画面，然后帮助导演把素材整理好，准备后期剪辑。 场记： 这是一个经常容易被忽略的职位，其实好的场记就是导演组的笔记本。优秀的场记会在前期熟知剧本、导演的分镜本，也应该清晰的知道导演的拍摄顺序。在片场的时候，要不断提醒导演接下来拍什么。不仅如此，优秀的场记还需要在现场记录非常多的事儿，譬如抽烟的戏，场记应该记录这一镜起幅时，演员烟的长度；喝水的时候应该记住水的高度；演员表演的时候，演员迈的哪条腿、伸的哪只手也应该记下来。总而言之，场记时一个活笔记本。他和导演对戏的了解程度不相上下！而绝非是打个场记板，报个编号那么简单。 制片人： 制片一般分生活制片和现场制片。我非常感谢和我合作过的制片，都很尽职尽责，一般我做导演都会把一切片场意外的事交给制片。给予制片最大的操作权利，其实导演在很多时候可以卸担子给制片。而现场制片要协助导演监制控制拍摄进度，在关键时候提醒转场时间。并且现场制片需要安排好工作人员的休息和精神状态，这一点弥足重要。让一个剧组动起来，充满活力，并不是一件容易的事儿。 而生活制片做的事儿则相对繁琐很多，订盒饭，交通运输，备一些常用药物，有时候还要担任道具制片的事儿。总而言之，制片组是一个庞大而繁琐的部门，需要无限制的细心和耐心。 摄影和摄影指导 摄影师就是抗机器的那位了，前面已经详细说明了，这里就不赘述了。而摄影指导则是控制画面的灵魂。很多时候，摄影指导需要做分镜，一个合格的摄影指导是帮助导演在讲清楚故事的前提下，将镜头语言玩到极致的那个人。他和摄影的沟通一样非常重要，对镜头完成度需要有一个宏观的把控。 录音组 收音组也很重要，好的收音能够在纷繁复杂的环境里，剥离出各种该录的声音，在不耽误剧组进度的情况下，尽可能的把声音做到干净而漂亮。很多时候没法做同期声的时候，录音组应该配合场记提醒导演补录或者后期做adr。 说了这么多，大多数也是我个人的经验之谈，因为现在拍东西的门槛越来越低，电影理论也越来越好学习。但是无论如何，电影都是一门实践科学，一切的东西都是亲手操作出来的。想的天花乱坠，终点也是在片场也达到预期的效果。电影是工业，很多活儿都不是一个人能完成的，很多活儿我也没有机会接触的更深。所以此文仅仅是我对学生团体拍微电影的一点点体会。我会不断完善下去，欢迎拍砖，欢迎指正。