李贺的《李凭箜篌引》怎么感觉少了几句呢？
李贺是一个被严重低估的诗人。目前所有对李贺的评价都只是浮于表面，什么“诗鬼”，什么晦涩瑰丽，全都只停留在文字层面上，出于惯性的叠加，一般人在讲解李贺的诗时，也只会简单的说他的想象的神奇。没有比较全面深入的展开，导致很多人对李贺的诗有疑惑——美是美，但逻辑在哪里，意义在哪里？ 今天这篇文章，我想来谈谈我对李贺的诗的理解。 李贺的诗，是唐诗里很独特的一个存在。要懂他的诗，首先要突破一个桎梏，这个桎梏是自我的桎梏。李贺是全唐诗里唯不多见的在诗中“无我”的人，他的诗，有很多上帝视角。 李贺之外的所有诗人，喜欢写自己的感受，自己的认识，自己接触世界的方方面面以后的描述。你看李白写《将进酒》《蜀道难》《静夜思》《望庐山瀑布》，杜甫的“三吏三别”，白居易的《长恨歌》《卖炭翁》《琵琶行》。这些诗人，不管文字技巧，情感如何，千变万化的诗句，都有一个共同点，那就是“有我”，都是带有强烈的主观色彩写诗。所以大家在读这些诗人的诗时，带入的主角是自己，好像自己跟诗人并行着。 但李贺的诗不一样，你在读诗的时候，常常感觉不到“李贺”的存在，你读李贺的诗想象不出他的人，不像李白杜甫王维苏轼，读诗的时候你就大概想象他们。读李贺的诗就像看周星驰的电影《功夫》，所有东西演完，人们都不知道周星驰在剧中叫什么名字。 现在有一个提法，叫宏大叙事，可以说，李贺是第一个在写诗的过程中尝试“宏大叙事”的人，他最喜欢用上帝视角，铺排宏达的诗景诗事，从而给大家呈现完全不一样的世界。而《李凭箜篌引》正是他的这种上帝视角宏大叙事的代表作。欣赏他的诗，要做好观看张艺谋的开幕式，或者《魔戒》那种宏大电影的准备： 大幕徐徐拉开，那是清冷的秋天，丝弦“吱吱”一响，尾音拖得越来越远，人的注意力跟着尾音追过去，跃过高天，白云悠闲。短暂的试弦结束，开始真正的演奏了，只见李凭闭上眼睛，全情投入，如泣如诉的箜篌声绵绵地传出来，仿佛有无数的悲愁。但那声音一缕缕的传开，悲绝之中，却渐渐出现一抹生意。仿佛玉碎了，凤凰从中涅槃出来，清唳云端。似乎芙蓉花也被这新生的力量打动，迎着朝露开始绽放，兰花也是如此，一霎而开。弦音似凤凰这样高飞出去，直上九天，伴随它去得越来越高，长安城越来越小，融入在清冷的夜光中。这情绪越来越高亢，充满了希望和力量，宛如把女娲补天的五彩石都冲碎了！所有人被这高昂的情绪振奋着，久久难忘。乐声从高昂的余韵中慢慢回落，似是淅淅沥沥的秋雨落下来一般。弦声越来越柔和，带领听众进入如梦如幻的境界，那种轻盈灵动的声音，让神仙老太太都想学，让没有什么生气的老鱼和瘦蛟都有欢快游动的欢欣。李凭的演奏在这种如梦如幻中慢慢终止，也不知道过了多久，人神都还在久久沉醉，月宫上的吴刚和月兔都忘记了自己本来的事情，一个停止了伐桂，呆呆不眠；一个浸了一身的露水，一动不动…… 这就是大体上这首诗勾勒出来的场景，从一个地方，到一座城，再到整个天界，再聚焦到天界的一个地方，李贺用一首诗贯通天地人的感受。没有一个地方有他自己。 有很多人会觉得这首诗，每一句都很美，但是合在一起似乎就凌乱。但你用上帝视角去看他，你就不会觉得凌乱的了，因为每一句都独立地表达一首乐曲各个节奏时期的声音的情绪，它们连在一起才是完整的演出： 起兴，铺垫： 吴丝蜀桐张高秋，空山凝云颓不流。 低婉的声音： 江娥啼竹素女愁，李凭中国弹箜篌 高昂的声音： 昆山玉碎凤凰叫，芙蓉泣露香兰笑。 上天时转场的声音： 十二门前融冷光，二十三丝动紫皇。 高潮的声音： 女娲炼石补天处，石破天惊逗秋雨。 退场时渐消的声音： 梦入神山教神妪，老鱼跳波瘦蛟舞。 结束后余韵的味道： 吴质不眠倚桂树，露脚斜飞湿寒兔。 李贺号称诗鬼，最擅长用“怪词”，“怪象”描写诗景，他其实是一个千古难见的大诗才，深厚的文学功底还在其次，最了不得的是他写诗时候的“投入度”——只写诗，不写自己。这种忘我精神，让他的诗别具一格。就像这首《李凭箜篌引》虽然是“吹”李凭的，却没有一句话一个字直接说李凭多厉害，全用第三方世界，用其他人、物的所听所见所感来烘托乐声的深入心灵。对乐声的评价明明是主观的，可是他竟然全部用“客观”来评价了。 综上，《李凭箜篌引》何止是好，简直好到极致！ 其他问题欢迎讨论！若有异议理性回到皆可。