普通人怎么感受国画的艺术价值，怎样表达一幅画的内涵？
19.10.22加，最近临摹《溪山行旅图》收获颇多       分割线以下原答案 ———————————————————— 如何看懂国画，看懂国画真的不简单，国画有很多时候说不上哪来好，感受其气息常常更重要。 下面我结合前段时间临的几张画来浅浅的说一下我的理解。  首先我们要知道国画分为 工笔 和 写意（文人画，山水和花鸟）两大类别。 工笔画相比文人画出现的早，而文人画首先出现在民间，后来被文人接受发展（文人画相比工笔在程序上来说简单太多）。再后来，画写意画的文人没事就批评工笔匠气，我们文人画境界多么高深，而那些宫廷画家当然辩不过文人啦。（不是说谁不好，其实都好）慢慢的，写实性，绘画性强的工笔画在中国就没落了，然后被西方超越。  回过头来再看文人画，文人把哲理，思想境界蕴含到文人画里，什么“山水以形媚道”什么“澄怀味像”什么“寄情山水”等等 然后文人画就完全遁入笔墨变化中不可自拔了，在笔墨变化里畅游了千年，直到近代。   这是宋代的小品青绿山水（青 和 绿 分别指石青和石绿两种颜料）工笔山水很多都是青绿山水的还有不设色的后面介绍。青绿工笔山水非常程序化，用赭石打底，再上花青和藤黄调成的汁绿，最后再上石青或石绿。白色用蛤粉（蛤蜊壳磨成的粉）我们所熟悉的《千里江山图》也是如此，这里我要说一下像古代的卷轴画是一点点打开，一边打开一边收，一般朋友来了一起慢慢欣赏，记得像《国家宝藏》里有一集介绍《千里江山图》一股脑全打开，显宝一般，那是错的。  画工笔画用的绢和熟宣是不吸水的，画的时候颜色要非常淡，一遍遍的染，还要常常用胶矾水来固定，三矾七染。一幅画画完，其颜色少则染几十遍，多则染百多遍。而且颜色要现用现磨，用鹿角胶调试，非常麻烦，成本还很高。这也是文人不想画工笔的原因，只有宫廷专职画家才有大把时间和精力物质条件来从事，而一般文人哪有这些条件呢？  最后不知道大家有没有发现石青和石绿两个颜色非常好看，艳丽而又稳重，这是我最喜欢的两种颜色。后来张大千发展的写意青绿山水也是这来的。  再说一下宋代花鸟工笔。这是我临摹的《鸡稚待饲图》画的很细了，大家注意国画里的用笔非常讲究，每一根线条都得力道到位，不能松懈。我临摹这幅画的缺点是，外轮廓的毛应该画出来体现毛茸茸的感觉，画的时候没注意，后来老师给我指出来的。   荷叶画的很细，但是漂在水面上的感觉没表达好，下面这张放松反而好一些   大家想一下，宋代时候没有相机啊，他们怎么把东西画的这么像这么精细的，太厉害了。我怀疑是不是他们一边画一边手里握一只小鸡哈哈。可他们又这么画树上的鸟儿的呢？太佩服了！  宋代的审美是中国古代的巅峰，大家还可以关注一下宋代的瓷器，素雅，精致，脱俗的。这里几片宋代的瓷片大家可以推断这只瓷器完整的样子，是不是被惊艳到了。    工笔山水不设色的也很厉害，像《早春图》《溪山行旅图》我临摹的《乔松平远图》往后看那些文人画很少有达到尤其像《早春图》这样宏伟气韵流动的。所以文人们口中的匠气我有点不能理解。我临摹的这幅画尤其松针，大家能看出来和原作的差距了吧，看似简单其实一点不简单，每一根松针都笔力到位，且相互穿插变化无穷，老师让我慢慢找了很久，还是没能画好。  下面说文人画。 这是临摹明代沈周的《庐山高图》。这幅画当时是画了送给师傅祝寿的，墨色变化丰富，笔力比较到位，大家看笔力时尤其注意画家画树枝末端的时候有没有松懈，越是细微之处越能体现。  大家看山水画要注意前面几颗树和下面的石头，一般来说这块石头画的要重一点，起稳定作用，下面一张画也是。再说一下这幅画的缺点吧，用笔繁琐，用了这么多笔还没能把山的重量感画的很好。 从构图来看的话会发现画面中间和左下两直线太过于平行了 左下角树枝要是可以破一下石坡就好了，不会现在这样稍微刻板。   这是清代四僧之一渐江的《黄山图》大家看，虽然比上面一张画好像简单了很多，但是山的重量却更重，这是为什么呢，主要原因还是用笔，线条是很有力量的，线条是国画的很关键一部分甚至是最重要的一部分！二维画面是线条重要，三维的雕塑是面重要。 大家看前面几颗树下的石头还是比较重吧，我临摹的缺点是前面松针应该用焦墨（不加一点水）而我用的稍淡了些，导致画面前后拉的不是很开。画面后面的山老师给改了，然后就导致整个画面有点头重脚轻。  最后，大家欣赏国画还要注意落款合不合适，如果觉得这个难看出来的话。嗯，以后看到乾隆盖的章落的款十有八九是错的哈哈，就大概就知道对的是什么样子了。 随便找两幅乾隆盖过印提过款的，大家试着吧款和印去掉，想象整个画面是不是会舒服些呢。  这是我前天晚上画的小扇子，落款就比较马虎了，是有问题的。   最后，感叹一下写东西好麻烦。一些主观认识，有问题的话欢迎朋友指出，谢谢。  