如何评价电影《边境杀手》中摄影师罗杰狄金斯关于夜戏的处理？
提了一个很好的问题。 《边境杀手》无论是从故事叙述，视听体验上，都可以总结为一句话： “一条通往混乱深渊的路。” 我这里重点讲视觉。 导演丹尼和摄影师罗杰都坦白说过关于视觉布置这一点：“是为了最大程度上逼近真实。” 夜幕行动这场戏，罗杰·狄金斯在访问里很坦诚的回答过这一问题，大概意思是这样的： “这场戏做好莱坞传统的那种月光照明没有任何意义，既然是完全黑暗的情况下，如果观众看得见角色，那故事里的角色怎么会看不见彼此呢？那样的话，这些士兵带夜视仪要干嘛？” 不过罗杰自己也笑称觉得很痛苦：“这可能是我职业生涯参与过的大制作里用光单位最少的一次。” 他虽然用了两台不同的机器进行拍摄，一台是Thermal Camera（热成像），另一台是Infrared Camera（红外），但他没有像士兵的那种夜视仪进行机器操作啊，怎么办，只能在地上打一个1千瓦的灯，上面吊一个20*12的反光板，做基础的视觉照明（这是为了操作摄影机，而不是给演员打光），进入隧道以后，他是真的看着士兵的脚印进去拍。 讲完这里，那么我想在此基础上在做一些延伸。 刚才讲到，这部电影的视觉风格是：最大程度上地逼近现实。 导演甚至把团队带到治安不是很理想的墨西哥城区实地拍摄，因为只有在这种情况下才能最大程度上还原剧情需要。 题目有问到：“这种夜戏的做法，不仅仅是迫于预算压力做出的妥协吧？” 是个好问题，但是问的方向不对。这部电影在IMDB上面留的预算是三千万美元，属于中等水平的的制作了，一个剧组就算再没钱，也不会没钱到灯都打不起。三千万已经是相当绰绰有余了，钱不是《边境杀手》的问题，这部片最难的地方，在于如何把这样一个黑色电影形式的犯罪剧情片写实化，这就很考验场景设计（Production Designer)。 最难的一场戏其实不是夜戏。 而是光天白日之下的跨境战争。 出于2001年911事件之后的安全原因，导演丹尼没有办法申请到墨西哥到美国这一段跨境的实拍。 于是整个摄制组耗时几个月的计划，将这一段跨境路程进行现场模拟拍摄，再通过后期和航拍的剪接进行衔接。 跨境戏和航拍的结合，让这段航拍成为了教科书级别的示范。 那么为什么这几段航拍这么好看？ 除去剪辑的功劳，导演自己很明确地阐释过这一点（真是手把手教你看电影的好导演）：“I need  audiences to understand the geography, the power of landscape, the geography of the action.” 而罗杰迪金斯自己也说，它在过去也拍过类似风格的风光摄影，（如《老无所依》和《大地惊雷》）但那里面的风景更像是一个背景衬托，然而《边境杀手》里，风景已然上升成为了主角之一。 还有一点需要提及的是，罗杰·狄金斯在谈及这部片里的摄影灵感时，提及了一个启发他的美国当代摄影师——Alex Webb，他在七十至九十年代拍的关于一部美国&墨西哥边境线的摄影集在2003年出版（ 有兴趣的话可以自己跳转去看） 这个摄影师在这部集里有一个特点，正好是和安塞尔·亚当斯(Ansel Adams)是正好相反的。 安塞尔·亚当斯的很多照片里一个明显特征是，他的拍摄总是将镜头往上抬一点，这样看起来重点在天空而不是地面——《断背山》的摄影风格便是如此。 但是Alex Webb在这部墨西哥集子里的大部分照片却选择将地面重重地压在视平线（地平线）下面。 如果去回看电影里那几段航拍的话，你会发现地平线是将地面重重地压在画面的三分之二以下的，风格形似Alex Webb耗时近三十年完成的影集。 为什么？ 导演自己讲说因为这就是一线之隔（divided by line)。 至于这条线是什么，就不说太多了。 在我们疯狂鼓吹和炫耀特效的今天，冷静写实是一种难得的美。 以上。