如何评价湖南卫视《歌手·当打之年》第五期？你心中的排名是什么样的？
昨天花了十五分钟，把所有歌儿都听了一遍，觉得自己果然又浪费了时间，又何必一遍一遍的印证选秀节目没啥太大必要看这个事实呢？ 但是想想既然看了，就回答一下这个问题，回答的尽量详尽一些。 首先强调一下我的评论角度，我没有看，并且没兴趣看视频。我只是听了这些音乐的音频。在网易云听的，为了这玩意儿开了个网易的Vip，也算是是非常给竞争对手面子了，就怕喷子喷我没听见细节什么的。 @Stephanie 我听完了有点儿后悔，要不你把这Vip给我报销了吧？ 作为一个选秀节目，视觉是一个重要的因素。也就是说当你看这个节目的时候，舞台的给你视觉感觉是一个非常重要的部分。而在我的评价习惯中，我习惯于忽略这部分的存在，把更多的注意力放在音乐本身上。这符合我的客观标准，但是事实上，这并不符合真正的客观，因为这毕竟是一档节目。现场的灯光，物美，包括歌手的表演，理应成为被评价的一部分。音乐在现场的呈现是团队的努力，我只尽我所能的评价耳朵能感受到的那部分。 接下来是正文。我们从这些歌儿出发，尽量带给大家一些更多的信息。先贴出一个顺序，我按照这个顺序来。别说我针对谁家偶像，说针对就说网易云针对了。 华晨宇《我们》 我听了华晨宇对于《荒野魂斗罗》的演绎的时候，我的评价是他对音乐的理解是缺乏细节高度的。因为只有一把吉他和人声的配合里，吉他是非常重要的一部分，就算人声占60%，那另外的40%也非常非常重要。我觉得他在选择吉他的时候完全欠考虑，应该换一把好一点的箱琴。当然，这可能和现场的收音环境有关，但是无论如何，从我听的角度看，我认为从头到尾的吉他的伴奏是有失水准的。具体的我在下面做了一些介绍，你们想看就看，不想看往下翻翻，找到华晨宇的那首歌，看看那段就行了。 今天听华晨宇演绎的《我们》，我们仍然谈华晨宇对音乐理解的高度问题。 首先毋庸置疑，这是一首慢歌。我们把它的歌词贴出来，大家一目了然，这是一首主歌和副歌非常平衡的歌曲。 主歌就是上面这九句，副歌是下面这九句。 这首歌的主歌非常的平。从歌词我们很容易理解这首歌的情感的走向，在主歌里面完成一种情绪的酝酿，在副歌里面达到一种爆发和宣泄。这样的作品，我们在欧美的经典里面还是容易找到例子的。比如这首Cat Stevens的代表作《Father and Son》，就是这样一首歌。 在这首歌里面，Cat Stevens同时模仿父亲的语气和儿子的语气进行演唱。父亲扮演了一个保守的角色，慈祥之下表现的是对儿子状态的不满。而儿子的状态则是一个痛苦的，希望解放自我的状态。在这两种矛盾的状态下，有一个核心的问题，就是父子二人对“爱”的理解是不同的。或者说，这首歌描述的是一场关于“爱的纠缠”。 纠缠是流行音乐的一个主题。一般表现为以下几种情况，大概是你给的爱我以前不明白，现在我明白了。我给你的爱你以前不明白，现在明白了。咱俩都爱着对方，但是我对你的爱你不能理解，你对我的爱我也很难接受。 无论是这三种里面的哪一种，只要走到了唱歌这一步，一般只表达一种结果。 就是，遗憾，晚了，咱俩完蛋了。虽然可惜，虽然我对你有感情，但是完蛋了。我特别难受，可能你也特难受，但是咱俩完蛋了。 其实这是近十年情歌特别正常的一种感情描述，偏向于对纠缠的，扭曲的表情的一种表达，这种表达一般是递进放大的，这种放大要符合一个人的情感状态。随着歌曲的进行，感情逐渐积蓄，然后被释放出来。在感情逐渐放大的过程中，音乐的编配也越来越丰富，跟随，配合着情绪的释放。 我们熟悉的王菲的《矜持》就是一个很好的例子。 这首歌从王菲的清唱开始。到弦乐慢慢进入，再到钢琴，最后再到整个乐队的进入，这种递进的编配，很好的可以把我们带入王菲所营造的臆想的幸福空间里。 说完别人，我们回头听听陈奕迅和华晨宇他们分别怎么处理这种纠缠。 在陈奕迅的版本中，第一段段主歌的演唱中，我们可以听到大量的呼吸，换气声音。在后期处理的时候，这些气口完全被保留了下来，这种处理的方法是为了让我们能够感受到离歌手近一些，可以让我们感觉到歌手离我们更近。就在我们身边，耳边去说这件事儿。 在第一段段压抑的主歌后面接着的第一段副歌，也同样是压抑的。这种压抑到了第二段主歌的时候开始逐渐被释放，被宣泄，到了第二遍副歌唱完之后，这种宣泄达到情绪上的高潮。 最后，第三段主歌，是情绪宣泄后的一种无奈和理性，一种经过思考后的无奈和无悔。 这四句，就像王菲在《矜持》里面点睛的“深深去爱你”一样，是这首歌情绪宣泄完的一个结果。对于我们上面写的《Father And Son》一样： 到这里，一种情绪被宣泄了出去，一场感情的释放被完成了，在这种情感的宣泄中，作为听众而言，是很容易感受到音乐的力量的。 说到华晨宇的演绎。 他这首歌比陈奕迅的原版多了一分半，也就意味着他选择了更舒缓的方式去演绎这首歌。有人觉得华晨宇唱歌有习惯性的神经病。其实在这首歌里面，我们可以不加褒贬的去谈一下这种感受是怎么被感觉到的。 在第一段华晨宇主歌中，华晨宇和陈奕迅最大的差别就是去掉了大量的呼吸的气口。但是整体状态比起陈奕迅来说，更悲伤，绝望，而并非压抑。而后的第一段副歌，华晨宇的副歌高音直接到达一个完全释放的状态，这种感情的演进让我感觉到有些突然。我是能理解这种突然释放的，但是我不能理解突然释放之后在第二段主歌中，回到第一段主歌的差不多的情感状态中。然后第二遍的副歌在宣泄上和第一遍副歌的强度是差不多的。 我们可以想像一下，如果你开始很冷静，然后突然开始嚷嚷，嚷嚷完了立刻回到一个非常冷静地状态，然后再突然嚷嚷起来。这不是犯神经病这是干嘛呢？ 然后就是最后这四句，华晨宇运用了大量的停顿，投入到声音颤抖，几乎失声。但是，最关键的是：他释放了么，解脱了么？这四句他唱的由衷么？ 我举一个谁都知道的例子。 比如辛晓琪的这首《领悟》，辛晓琪在录制的时候几乎失声。那第一句“我以为我会哭”，多少次唱不下去。 最后的版本，带着哭腔的“我以为我会哭”成就了经典，在这首歌的行进中，感情得到了释放。一开始的那句“我以为我会哭”成为了这首歌的高光时刻。 那我们试想一下，如果这首歌，只有第一段主歌“我以为我会哭，但是我没有”这首歌会是什么呢？ 我们回到这首歌里面。 在一首歌的末尾，当你没放下，没释放所表达出来的感情，虽然带着哭腔很真挚。但是这种真挚不是词作者的真挚，是属于歌手自己的真挚。这种感情的表达是和文本不符的。就好像一个残酷的现实逼着你要承认你本来不想承认的事情一样。 如果你不觉得“我感觉到的幸福，是看见你的幸福”你又何必在这儿装坚强呢？ 当然，话说到这儿，我会认为，抛去所有音乐层面上技法层面的东西，这是一个涉及到对音乐理解的问题。我不否认这种理解，这种投入，包括这种矛盾可以感动很多人。 但是，感动不了我。 因为我觉得你丫作。  周深《Monster》 这是一首没什么毛病的，也没什么出彩的地方的演唱。 我是第一次听这首歌，没听过原唱，第一耳朵就感到了浓浓的十年前的味道。当然，这事儿不含任何褒贬。于是我去查了一下，果然是一首老歌了。这种好听的，顺耳的情歌，实在打动不了我的耳朵了。 实话实说，周深这首歌比起原唱来说，制作上很容易听出来是花了钱的，唱得很好。尤其是对声音的控制上，情感的表达上，我都觉得要高于原唱。我之所以说这个东西不出彩，原因还是在歌曲本身和编曲上。 我们比较一下这两个版本，相似的Groove，差不多的编配。包括其实在唱上虽然好一点但是很难拉开差距的区别。已经有一首原唱出现了，我们为什么还要听一首这样的翻唱呢？ 我认为，这是一场比赛。你可能需要一首大部分没听过的歌儿，去把他唱的很好听，这个事情就结束了。但是这件事儿本身，于这首歌的意义和价值是不大的。我认为，你去选择一首歌，哪怕是自己的歌儿的时候，你应该去仔细去想，在现场的舞台，你可以给他带来什么新的东西。 这里我举个例子。 这是Kelly Clarkson在American Idol现场演唱的一首歌，写给生命中抛弃的她的老爹和爱他的老公的，现场十分感人，听不懂的可以看看我贴的歌词。  而这首歌的发行版本被唱成了这样。 所以在重新演绎的过程中，Kelly Clarkson赋予了这首歌更鲜活的生命。 说到这儿，结合上面的华晨宇，可能有歌迷觉得我双标了。华晨宇赋予了《我们》新的定义了你觉得别扭，周深没有赋予《Monster》新的定义了你也觉得别扭？到底怎么你觉得才是不别扭？ 抱歉，我标准比较高，这两种都别扭。Kelly Clarkson这种我觉得不别扭。因为我在乎的不是比赛，我更关注的是歌曲本身。 Misia《深情包围 (つつみ込むように…)》 对于这首歌，我们拿她自己的演唱和自己的现场比，是这版Soul Jazz的风格更好，还是这版偏R&B风格的更好。 个人的角度来看，我认为这首歌的问题和上一首歌的问题是一样的。 这首歌的原演绎已经是一个很好的演绎版本了。Soul Jazz更好的能够表现这首歌的轻松地状态，而并非一定要去使劲去靠近黑人的那种感觉。亚洲人就是亚洲人，对于灵敏的耳朵，真正让人惊叹的复古的嗓音是类似于Amy Winehouse的那种，而并非Misia这种。 对于爵士乐来说，炫技是一个主题，但是所有的炫技都要建立在整个音乐推进的平衡上。当炫技的接力棒到达歌手的时候，你该如何用嗓音去表达你的技巧和情绪，这是需要去掂量的。在这首歌现场的中段上，配合着DJ的简单的，也没啥特别大技术含量的Scratch，Misia只是嗷嗷了两嗓子。 太弱了。 其实这两嗓子挺讽刺的。我觉得这是完全画蛇添足的东西。我觉得以她对音乐的理解她应该明白这事儿，但是是不是这就是中国听众喜欢的炫技呢？ 我不知道。我只是希望以后国外的歌手来国内参加选秀节目的时候稍微正常点儿，用他们正常的方式来唱歌。对于我这种听众来说，我不希望他们不要迎合中国听众本身的一些固有的听音乐的习惯，带来一些新鲜的东西。不要把道路往“唱的真高”那个道路上指引。  袁娅维《凄美地》 袁娅维这首歌已经改变了郭顶原曲的面貌。 我们在听这首歌的时候很容易想到Billie Eilish的歌儿。 我一直觉得Billie Eilish的制作人是个非常棒的人。在他的制作的时候，Billie的声音离我们的耳朵非常近，而Bass在两边，这种反常规的混音方法带起了一个当下的新的思路。 我考虑对于Billie这种在家里做音乐起家的音乐人，她唱歌的习惯是用一个大振膜的电容Mic轻轻地唱，她的声音非常小。按摩你的耳朵，其实原理有点儿像ASMR，强调的是听觉的生理性。Billie的音乐在欣赏上是受限的。 一般来说，我们欣赏音乐，好的音箱的听感会大于好的耳机。但是对于Billie的音乐则相反。如果你用一副好的耳机去欣赏的话，她的声音离你非常近。但是你用音箱的话，在音乐里面的那种可以营造的距离感反过来就没有了。 这就导致了为什么Billie的现场，每次只能沦为大合唱。因为这种音乐是非常难在现场表现的。因为你所获得的最美妙的听感，是超近的距离。一个姑娘在你边上耳语的距离，是物理的。 所以，我觉得，不仅仅是袁娅维。当下很多人模仿Billie Eilish的风格去进行编排的时候，实际上大部分的时候只是借鉴了其Bass的声场。尤其是是唱法，实际上袁娅维这种唱习惯了Soul的人和这种Billie的风格是巨大的差别。 所以如果让我去考量整首歌的编曲，我认为回到一个相对传统的Acid Jazz的编曲上是安全的。类似于Jamiroquai这种。 但是就这首歌来说，我认为编曲的方向上的尝试可能是为了讨好听众，以及让大家感觉到某种“新鲜”。实际上对于大多数中国听众来说，所有的经典都是新鲜的。我认为Tia的团队完全可以更自信一点这件事儿。  徐佳莹《言不由衷》 这首现场被编曲毁了。 周五晚上我回家路上，听的这首歌。在我车里，我车里的音响不错。属于音染比较小的风格。我一耳朵就觉得这编曲非常奇怪，比如一开始钢琴和弦乐背后的Theremin到底为什么出现，因为这个音色非常诡异而且扎耳朵。 包括整首歌现场版的编配，是一个明显的“行活儿配置”，但是我一直很好奇，为什么在“行活儿配置”的状况下，还会有一个特别奇怪的Program，后来我听了原版我才听明白怎么回事儿。 原来，这首原唱里面所用到的所有合成器音色都是很讲究的。这里面最典型的是对于键盘合成器的音色。不是一个典型的音色，起码是一个制作级别的好的合成器音色。声音非常扎实，非常暖，是一个很好的电钢琴，类似于Fender Rhodes的那种质感。原曲在根源上是一个在电声乐器下架构的曲子，而不是一个在原声乐器下架构的曲子。 我觉得这是编曲一个很根本的问题，就是你的根本思路是什么。在现场，如果准备沿用以前的思路，那么就把整个弦乐的比重想好。当然，去大规模放Program可能不好看，并且其实电钢的弹奏咋视觉上也不如一台钢琴。 如果真的是要这样，那不如干脆抛弃原曲里面的那些电音因素，踏踏实实的做一首原声乐器的流行歌。 不要骑墙。骑墙导致的不伦不类，实际上徐佳莹在上一期已经犯过一次这样的错误了。找了个打摇滚的鼓手玩儿Swing，整首歌充满了行活的味道，演唱充满了后海酒吧的廉价味儿。我不知道是不是大家给了她一个第一让她觉得大家可能喜欢这种骑墙的东西。顺便说一下，那风格根本不叫Fusion，叫胡逼。别听 @邹小樱 这样的无良乐评人起哄，丫比谁都清楚什么是Fusion，误导你们拿你们当白痴呢。 虽然我不爱下价值判断，但是从个人的角度上来说，我认为徐佳莹的唱是这期里面最好的。她已经唱的非常好了，就是这编曲后腿拖的太大了。 说句题外话，其实我挺可怜徐佳莹这样的歌手的，每次都很尽力。在翻唱这件事儿上，她的确思考了很多，尽量去让整首歌具有全新的信息量。但是，因为各种原因，有时过力，有时不足。  黄霄云《连名带姓》 一首歌这么长。 以我对普通话的理解能力。 我怎么就听不清楚她唱什么呢？是不是我又听不懂台湾腔了？ 一到网易云，发现专辑还得买。听个MV吧。 我就是想证明一下，是不是张惠妹也唱的时候嘴里也含着一枣儿。后来认定了我的看法，黄小姐，你还是应该把你嘴里的枣儿吐了再唱歌。当然了，或者让制作人把你的话筒的Reverb稍微开小点儿。我真是从主歌到副歌一直在猜你在唱什么，这事儿太费劲了，你不如直接从头哼到尾。 我就在这儿不赘述了，我觉得中国当下很多歌手在听完周杰伦以后会有一些坏毛病。有的歌儿没必要唱清楚，有的歌儿必须唱清楚。周杰伦不是每首歌都唱不清楚。根源在于，你对于音乐的理解在一个什么水平之上。  萧敬腾《好的 晚安》 我第一耳朵一听，这钢琴谁弹的？ 仔细看了一下，果然萧敬腾自己弹的。我不知道大家对好的钢琴伴奏应该干什么是不是有概念。但是就这个版本而言，幸亏有一把不错的大提琴给萧敬腾老师兜着呢，不然这首歌的钢琴真是烂的一塌糊涂。 希望萧敬腾老师明白，如果您一定要选择边弹钢琴边唱歌。一定要好好的，好好的，认真的练琴。弹琴，不是光光的砸。 如果您弹成这样，不如踏踏实实找一个钢琴伴奏。听得我太难了，甚至我都不想评价唱的到底好不好了。作为一个艺人，您的乐器可能已经到达一个合理的水平了。但是，我觉得，起码应该达到一个乐手水平，再自信的这么弹琴。 Elton John，Billy Joel，我就不推荐了，您听听李泉吧，也是现场。钢琴是需要控制的，不是砸的。 您真有劲儿。 我真不是故意阴阳怪气的，我是真心地。  吉克隽逸《Power to Forgive + Looking For Trouble (Live)  》  评价歌手真是个费力气的活儿。以前写乐评的时候经常有个方法叫田忌赛马，就是你收了钱准备夸人家的时候，你就下手分析分析这个歌手的100个方面里面到底有没有那么一两个能值得说一说的，实在都没得说，就看看编曲啊，制作人啊，有没有值得说的。 为什么会这样呢？比如我们面对这么一首歌的时候，它太普通了。普通到这样的歌儿，在我的听音历程中，完全算不上新鲜，即使他完全符合当下的音乐标准。但是达到一个值得一听的标准我觉得还是有距离的。 我听了一下原曲，这是一个两首歌的拼凑，而且拼的挺直接的。比较类似于自己演唱会连着唱了两首歌。这种炫技的编排方法其实和我批评Misia有点像。我觉得这是一个完全没有必要的拼凑。一首歌唱好就可以了。 在此我就不在这儿赘述了。 除此之外，觉得这《Looking For Trouble》的Riff有点儿不够劲儿。于是让 @龚钊Asa 帮我找了个这个路子的有劲儿的，你们对比一下吉克隽逸，就知道这歌儿为什么不上不下了。  秦凡淇《不透气的房间》 我在听到这版编曲的时候特别奇怪，为什么要把这首歌编成这样？因为我根本没听过这首歌，也没听过这个人，所以我去寻找了一下关于这个歌手的一些信息。 我不知道改这首歌的人是不是不会说中国话。我也不知道为什么要把这首歌改成这种样子。编曲的人完全没有考量这首歌在唱什么以及歌手要表达什么。完全从自己为了要做一首电子舞曲的角度去出发。最后把这首歌夹在了R&B和各种Bass的骑墙位置，非常尴尬。 因为这首歌本身写的就非常密，对于这种非常密的歌儿，再加上一个非常密的编曲，我认为不是一个很好的处理。 这是一个很典型的R&B偏说的创作，对于这种创作，编曲上不是没有好的例子。 可以把他变成一个纯粹的R&B，虽然这是一首小黄歌，但是思路上不是没有参考的地方，至少Craig David的整个编排的方向是干净的。 对于这首歌，我认为最大的问题还是在创作上，大概是因为音乐人出道不久，很难在制作上有和各位老师们探讨一下的话语权，所以导致了这种尴尬。 这种尴尬背后所映射的，其实就是当下流行音乐，或者说是选秀，乃至音乐产业背后的问题。 艺人不懂，艺人不敢。音乐制作人混活儿。电视制作人不懂，但是最后拍板。  总结： 这东西写了几个小时，肩膀都疼了。 我已经很多很多年没去评价选秀节目了。上一次有据可考还是张含韵那届的超级女声。今天花时间谈谈这些事儿，其实是想跟大家谈谈我听音乐的习惯。 生命对于听那些普普通通的音乐来说，太短了。 包括给他们排名这件事儿，其实都没有什么太大的意义。我们有非常多优秀的音乐作品可以去欣赏，给这些明显有缺陷的东西去排个名次，我并不觉得是一个良性的事情。因为在这个层面上所关注的得失，根本没有触及优秀，乃至顶尖音乐的皮毛。 这个节目办了这么多年，里面一些参加的歌手，乐手，我都认识，也有很不错的关系。我在谈这件事儿的时候也没给他们什么面子。因为他们也知道他们为什么要参加这个节目，这个节目到底意味着什么。 所谓“当打之年”，是一个非常没有力量的概念。一个好的歌者，对音乐的理解，是可以从8岁到80岁的。一个歌手，没有什么绝对的当打之年，电视节目给我们营造我们去评价音乐人的机会并且进行排名的时候，我们应该评价什么呢？ 我认为，应该看到音乐人们对音乐的理解。 很显然，在这个节目里，我看到了很多音乐人，对观众的妥协，讨好。当然，还有很多人把这事儿当个活儿干，也没走心。这些东西，不是我们应该去花时间感受的东西。我认为离一个真正精彩的，有高度的理解，还有相当的距离。 仔细想想看，一个歌手的当打之年应该是什么时候？ 这是Henri Salvador 83岁时候的唱片。法语版的叫《Chambre avec vue》，中文就是看得风景的房间的意思。 一个歌手，如果他对音乐的理解一直在深刻，一直在进步，一直对自己的嗓音状况有一个清醒的认知，他就一直能越唱越好。一直到死，一直到他停止歌唱，都是他的当打之年。 2016年，Leonard Cohen去世，享年82岁。这是他去世前发行的最后一张正式专辑。一个看尽人生变化的老头，对你唱这些的时候：  你总不会想，他早就过了当打之年了吧？