Come eliminare OptiSpeed | Security Fixes\nCome eliminare OptiSpeed\nChe cosa è OptiSpeed\nOptiSpeed è un’applicazione potenzialmente indesiderata inventato da Auslogics, lo stesso gruppo che ha prodotto Tweakerbit Ottimizzatore del Registro di sistema. Auslogics è specializzata nello sviluppo di ottimizzatori PC che sono destinati per funzionare più forte, più veloce e più fluido. La merce, appositamente OptiSpeed, si pensa di essere come fraudolento e controverso da anti-spyware programma di utilità di ricercatori.\nPer questi tipi di che hanno utilizzato almeno vari PC, ottimizzatori di OptiSpeedâ€™s windows devono sembrare familiare. Un cruscotto che subito annuncia una risoluzione sulla salute del tuo computer, da rosso a verde indicatori di colore, la materia dei contatori, la monetizzazione in abbonamento. Per iniziare con guardare, non c’è quasi differenza tra OptiSpeed e PCVARKâ€™s la merce come le Avanzate chiaro Pro â€” popolare fittizia ottimizzatori.\nÈ OptiSpeed efficiente?\nScarica lo strumento di rimozionerimuovere OptiSpeed\nOptiSpeed mostra una ampia categoria di cambiamenti di servizi, che includono: Lavoro titolare, il Disordine e la temporanea record di disinstallazione, Catalogo di recupero, Servizio titolare, Problematico auto correttore, i dati mostrano, Cancellare proprietario, deframmentazione del Disco, Avvio del titolare. Questi tipi di piste, inoltre, a far trasparire in precedenza essere disponibile su tutte le più recenti Windows sistemi per impostazione predefinita. OptiSpeed, a pagamento utilità, suggerimenti per eseguire ciò che Windows precedente in modo automatico: deframmentare il disco, mostra dettagli pc, cancellare i file spazzatura, tutti i precedenti e ecc.. OptiSpeed non suono suggerimento nulla di iniziale o eccezionali tha vorresti acquisire la pena di ottenere.\nApplicazioni come OptiSpeed sono creati per accumulare denaro da parte di persone a qualsiasi prezzo. Fanno uso di psicologico piani per convincere che, quindi, per essere sano, il tuo pc ha bisogno di continue cure e monitoraggio del optimizer. Thatâ€™s non è autentica. Microsoft ha eseguito centinaia di sviluppare i Pc molto facile prendersi cura di, risolvere i problemi e supervisionare le modalità. D’altra parte, l’installazione di software come OptiSpeed è più probabile avere un effetto negativo sul lungo periodo: annunci pop-up, scansioni pianificate, avviso che non complicazioni solo per dare il vostro tempo.\nIl processo di installazione di OptiSpeed\nAnche indesiderati bloatware, OptiSpeedâ€™s la diffusione di metodi erano terribilmente difficile. Mentre alcuni utenti scaricata l’applicazione, come previsto, altri, aveva alla fine costretto su di loro. Alcuni utenti potrebbero trovare OptiSpeed precedenti con le loro macchine, a prescindere di non cercarla e non è mai deliberatamente. Una maggioranza di soggetti, sono stati vittime di imballaggio: la promozione di applicazioni contenenti accanto la procedura di installazione di altri programmi. Sponsorizzato applicazione è installata oltre a di base o nessun avviso nell’installazione. L’imballaggio è facilmente abusato da un’infezione e sembrava giù come qualcosa di puramente dilettantistico, attività commerciali join.\nNon tutti hanno OptiSpeed costretto su di loro. Auslogics è attendibile e utile a molti utenti, un sacco di cercare e impostare lo strumento in proprio. Tuttavia, nel mezzo dell’installazione, viene notato da alcuni anti-malware programma-programmi (se li avete impostati). Quando un’applicazione chiama Anti-virus utilità scopre OptiSpeed probabilmente non voluto, OptiSpeed indica all’utente che ita€™s ingannevole di alcuni e a congelare i suoi modi di scoprire programmi potenzialmente indesiderati. Thatâ€™s paradossale nel momento in cui i Cuccioli sono uno di quei motivi principali che alcune macchine di esecuzione troppo lenta.\nSi dona€™t devono cercare motivi per essere dubbia di OptiSpeed, l’Ibrido di ispezione articolo comodamente le presenta. Attualmente, la maggior parte del programma anti-malware decente applicazioni che indagare OptiSpeedâ€™s documento di installazione di spot come maligno. Alcuni di esso è dovuto OptiSpeed pubblicizza esagerato avvisi di costringere l’utente. Alcuni â€” come il programma consente di impostare se stesso, senza il consenso dell’utente o di abilità. Una grande quantità di utenti riguardo OptiSpeed per essere un trucco. E un gruppo di specialisti consigliamo di rimuoverlo.\nCome eliminare PUP OptiSpeed\nOptiSpeed può rimanere impostato su una macchina, ma ci sono affidabile obiettivi inaffidabile di esso. Se si desidera eliminare esso, potrebbe essere effettuata utilizzando il metodo manuale, ma potrebbe non essere facile. Se alcuni file di continuare a soffermarsi sul vostro sistema operativo, l’applicazione presenta i pop-up che avvisa che si reinstalla. Si può rilevare tali file o fare uso di un sistema automatico di controllo Anti-virus applicazione Anti-virus di applicazione, o di un altro, forte anti-malware programma di utilità di applicazione. Potrebbe anche essere necessario per iniziare la vostra macchina in contesti protetti per fermare OptiSpeedâ€™s procedure formato ingerenza fianco la disinstallazione. Dona€™t scartare per annullare il tuo abbonamento a schivare ciò che alcune persone qualificate, quando essi sono stati accusati di profitto nonostante non si utilizza l’app più. Dona€™t di attesa, sia, dal momento che alcuni hanno avuto difficoltà annullare la sottoscrizione o di contattare l’avvocato. Analizzare le modalità di vostro antivirus e assicurare che mette in guardia circa eventualmente non necessari e pessima reputazione software. Quei segni non sono inutili e sono basati su caratteristiche concrete di questi programmi e dei loro autori. Imparare da othersâ€™ subire e si affacciano controversa utilità.\nAnche se youâ€™re eliminazione OptiSpeed, ita€™s la brillante idea di rivalutare ciò che le applicazioni che si dona€™t utilizzare costantemente. Non apertura indesiderati applicazioni gratuitamente alcune risorse del dispositivo, per gli altri, imperativo funzioni. Il driver diversi aggiornamenti, registro fissatori, utilità di deframmentazione e di ingombrare il registro di togliere improbabili mai essere davvero conveniente, indipendentemente dalla loro presentazione più interessante. L’os è in grado di prendersi cura dei suoi PC piuttosto bene e si deve solo installare nuovo software, che è un fatto di fede.\nPrima di tutto, si consiglia di controllare le estensioni del browser e rimuovere qualsiasi che sono collegati a OptiSpeed. Un sacco di adware e altri programmi indesiderati utilizzare le estensioni del browser per dirottatore applicazioni internet.\nRimuovere OptiSpeed Estensione da Google Chrome\nCercare OptiSpeed o tutto ciò che è collegato ad esso, e, una volta trovato, premere ‘Elimina’.\nDisinstallare OptiSpeed Estensione da Firefox\nEliminare OptiSpeed Estensione di Safari\nCercare OptiSpeed o tutto ciò che è collegato ad esso, e, una volta trovato, premere “Disinstalla”.\nSe OptiSpeed.safariextz viene visualizzato nell’elenco, selezionarlo e premere il tasto ‘Cancella’.\nRimuovere OptiSpeed Add-ons da Internet Explorer\nRiaprire Internet Explorer.Nello scenario improbabile che OptiSpeed è ancora sul vostro browser, seguire le ulteriori istruzioni riportate di seguito.\nIl Programma e le Caratteristiche, si apre la finestra dove si dovrebbe essere in grado di trovare il OptiSpeed programma.\nSelezionare OptiSpeed o qualsiasi altro recentemente installato indesiderati voce e premere ” Disinstalla/Cambia’.\nMetodo alternativo per cancellare il browser da OptiSpeed\nUtilizzare Chrome Pulire Strumento per Eliminare OptiSpeed\nQuesto Google Chrome funzione si suppone di eliminare il computer di software dannoso. Se non rileva OptiSpeed, torna per la Pulizia del computer e ripristinare le impostazioni.\nSe si trovano ancora OptiSpeed nel tuo navigatore Firefox browser, si dovrebbe essere in grado di sbarazzarsi di esso dal ripristino del Firefox impostazioni di default. Mentre estensioni e plug-in verranno cancellati, questo non si tocca cronologia del browser, i preferiti, le password salvate o i cookie di Internet.\n← Come eliminare DllKit PRO\nCome eliminare Yourmonday →


26 luglio 2017, 20:15\nQuesta divertentissima applicazione ha già conquistato migliaia di persone provenienti da tutto il mondo, grazie anche alle schermate grafiche colorate, agli achivement ed alla possibilità di sfidarsi in lingue straniere. Al fine di migliorare le proprie prestazioni durante il gioco, avere più secondi a disposizione si rivela indispensabile. A tal proposito, in questa guida vedremo come aumentare il tempo a Ruzzle, in modo del tutto legale e compatibile con le regole dell'app stessa. Vedremo anche da quali trucchi usati in passato è meglio stare alla larga, così da non incappare nel blocco del proprio account.\nGli espedienti caduti in disuso, inefficaci e potenzialmente pericolosi\nI trucchetti di cui tanto avete sentito parlare sul web non sembrano funzionare? Nulla di strano: Ruzzle ha subito moltissimi cambiamenti dalla sua prima apparizione sugli store e ciò ha inibito efficacemente alcune applicazioni e tecniche che permettevano di "cheattare".\nUna delle scorciatoie più utilizzate consisteva nell'avviare l'applicazione per poi tornare sull'home page e quindi spostarsi nella sezione "impostazioni" al fine di modificare l'ora. Grazie a questa tecnica, si poteva aumentare il tempo di gioco a proprio piacimento, arrivando anche a far durare 60 minuti ogni singola manche.\nAttualmente questo espediente è caduto in disuso e vi sconsigliamo di provare poiché inefficace allo scopo che vi siete prefissi ma validissimo per subire un blocco dell'account.\nLa modalità "Not Now" e la chiamata\nSe state giocando a Ruzzle ed il vostro telefono cellulare inizia a squillare, la partita entra in fase di blocco. In modo del tutto automatico, si attiverà la funzionalità detta "Not Now" che vi lascerà tutto il tempo della telefonata per pensare alla combinazione di parole.\nQuesta tecnica non comporta alcuna penalizzazione e può essere sfruttata ogni volta che lo si ritiene necessario. Dove sta il problema? Beh, avrete bisogno di una memoria di ferro per ricordarvi dell'esatta sequenza delle lettere sullo schermo! Esiste tuttavia uno stratagemma articolato ed ingegnoso per risolvere la faccenda, che vi verrà spiegato nel prossimo paragrafo.\nLa tecnica del "Ruzzle Master"\nPassiamo adesso ad analizzare un piccolo trucchetto, sicuramente meno comodo, ma molto più sicuro ed efficace. Per riuscire nell'impresa vi serviranno due smartphone ed un pc con connessione ad internet. Avviate l'applicazione cliccando sulla specifica icona presente sul vostro cellulare, cercate un avversario (casuale o tra i vostri amici) ed iniziate con lui una nuova partita. Avviate adesso la fotocamera del secondo cellulare e scattate una foto alla griglia di gioco. Spegnete la fotocamera e fate partire una chiamata verso il vostro numero. Accettate la chiamata così che si attivi la modalità "Not Now" e, nel mentre, ricopiate l'esatta sequenza delle lettere su un foglio di carta. Spostatevi adesso sul pc e cercate Ruzzle Master, inserite le lettere nel risolutore di schemi e cliccate su "risolvi". Vedrete aprirsi una pagina con tutte le soluzioni, a partire dalla parola con punteggio più alto. Chiudete la chiamata, tornate su Ruzzle e fate scorrere il dito lungo la griglia badando ad inserire prima i vocaboli con punteggio migliore. Et voilà, il trucco è servito!\nNon utilizzate trucchi non consentiti per non rischiare di ricevere penalizzazioni o blocchi nel gioco.\nConsigli per giocare ad age of empires\nAge of empires, uno dei giochi di strategia più belli in assoluto. Ha radici lontane, il primo era per pc e lo ricordo davvero macchinoso ma fantastico, la sostanza del gioco rimane sempre la stessa ma l'avvento di internet ha aggiunto la modalità online...\nCome giocare a Lapse - A Forgotten Future\nChi ha detto che la vita del politico è una pacchia? Che bisogna solo avere una buona dialettica e una personalità telegenica e poi lasciare che tutto il grosso del lavoro lo facciano i collaboratori? Be’, giocando a Lapse: A Forgotten Future chiunque...\nTrucchi per Criminal Case\nCriminal Case è un gioco online che permette agli appassionati di giochi investigativi di trascorrere ore divertenti nel cercare di risolvere un caso di omicidio. Infatti, l'utente ha la possibilità di immedesimarsi in un detective, provando ad arrestare...


Reflusso gastroesofageo: sintomi e rimedi - Marcello Lucchese\nIl reflusso gastroesofageo è un disturbo causato dalla temporanea risalita del contenuto dello stomaco nell'esofago. Il sintomo tipico è una sensazione di rigurgito acido nell’esofago, associato a bruciore localizzato al petto e nello stomaco; può essere tanto fastidioso da risultare debilitante. Il sintomo diventa acuto durante la notte e quando ci si corica.\nNei casi gravi, il dolore al petto è così intenso da essere confuso con un attacco cardiaco.\nIl reflusso gastroesofageo può essere alleviato grazie a rimedi naturali e a preparati erboristici. È importante che qualsiasi genere di cura sia accompagnata dalla riduzione dell'ansia e dello stress, e attività di rilassamento mirate, oltre che da attività fisica.\nTra i rimedi naturali più conosciuti ci sono:\nLa malva: per le sue proprietà lenitive ed emollienti. La potrete utilizzare per la preparazione di tisane e macerati, utile per alleviare i sintomi del reflusso gastroesofageo\nLe mandorle: un alimento alcalinizzante e possono contribuire a ridurre l'acidità di stomaco e i fastidi provocati dal reflusso.\nL'aloe vera: ha il potere di rigenerare le mucose, ma bisogna stare molto attenti alle controindicazioni, per evitare di assumere prodotti inadatti.\nIl reflusso può provocare lesioni croniche e a volte irreversibili della mucosa dell’esofago. La corrosione può dare perforazioni (ulcere) e sanguinamenti. Si consiglia, dunque, in presenza di sintomi di rivolgersi subito ad uno specialista.


Caporalato nel Nord Italia: la diffusione e le regioni interessate\nHome » Attualità » Quanto è diffuso il caporalato nel Nord Italia?\nGiornate lavorative di più di 15 ore, per sei giorni alla settimana, con una paga mensile compresa tra 500 e 700 euro al mese. Queste le condizioni di sfruttamento in cui versavano 41 “dipendenti” di un’azienda che chiedeva loro di distribuire volantini in bicicletta e controllava tramite GPS i loro spostamenti. Caratteristiche che richiamano il caporalato, per modi e violazioni dei diritti dei lavoratori, rilevate dalla Guardia di Finanza di Bolzano tra Veneto e Trentino Alto Adige. E non si tratta di un caso isolato: esiste, infatti, una forma di caporalato nel Nord Italia. Un fenomeno forse meno mediaticamente evidente rispetto a quanto accade nella baraccopoli di Rosarno, ma non meno pericoloso.\nCaporalato nel Nord Italia: quanto è diffuso?\nCome evidenzia in maniera chiara anche il V Rapporto Agromafie, gli illeciti e la criminalità in ambito alimentare non sono un’esclusiva del Meridione. Al contrario si registra in questi anni una costante espansione nelle regioni del Centro Nord, lontano dai riflettori.\nNell’Italia Centrale, invece, la regione più esposta a infiltrazioni criminose è l’Abruzzo, ma occhi aperti anche sul Lazio e in particolare sulla provincia di Latina, dove decine di braccianti Sikh sono sfruttati nei campi. Una situazione denunciata da associazioni e media, ma anche dal documentario “The Harvest”.\nSono 80, in tutta Italia, i distretti agricoli dove sono state rilevati dalle forze dell’ordine casi di sfruttamento e caporalato, territori equamente distribuiti tra Nord e Sud del Paese. Non sono immuni nemmeno Regioni di frontiera come il Trentino Alto Adige dove, proprio come ha spiegato a Il Giornale del Cibo Antonello Mangano, curatore del progetto “Filiere”, non mancano episodi di sfruttamento.\nPerché anche al Nord?\nLe ragioni, se di ragioni si può parlare, che vengono individuate dai ricercatori che indagano il perché si diffondano fenomeni di sfruttamento dei lavoratori, non sono le stesse in tutto il Paese. Da un lato, soprattutto al Meridione, un ruolo determinante è quello della grande distribuzione che richiede prezzi sempre più bassi, “incentivando” i produttori a rifarsi sul costo del lavoro. In altri casi, in Toscana così come in Piemonte o in Trentino, la causa è da cercare nella disponibilità di un bacino di manodopera a basso costo, pronta a disposizione.\nDa Est a Ovest: i casi\nSono stati rilevati casi di sfruttamento in agricoltura, ma anche in altri ambiti. Come accennavamo, ad esempio, drammatiche erano le condizioni a cui erano costretti a vivere 41 lavoratori, impiegati nel volantinaggio “porta a porta” nelle provincie di Trento e Bolzano. Secondo quanto rilevato dalla Guardia di Finanza di Bolzano, venivano controllati tramite GPS durante l’intero turno di lavoro, minacciati di licenziamento e percosse, e privati di documenti cruciali come carta di identità o permesso di soggiorno affinché non potessero uscire da questa condizione di subordinazione.\nNemmeno il Veneto è immune, come denuncia la Flai Cgil di Padova. Sono molti i lavoratori, infatti, che si rivolgono ai loro sportelli per raccontare le loro storie, meno sono quelli che effettivamente scelgono di sporgere denuncia formale. Secondo Francesca Crivellaro, segretaria generale, ciò accade perché la posta in gioco per i lavoratori, molto spesso stranieri, è troppo alta: avere un’occupazione è condizione imprescindibile per mantenere il permesso di soggiorno, per cui una denuncia potrebbe causare un effetto domino troppo grave.\nNel mese di gennaio, invece, la Guardia di Finanza di Spilimbergo ha individuato e smantellato un complesso sistema di sfruttamento e caporalato che coinvolgeva più di 1000 lavoratori, occupati in 37 aziende dislocate tra le provincie di Venezia, Brescia, Padova, Treviso, Vicenza, Bergamo, Modena, Pavia e Milano. Sono stati sequestrati beni per 4 milioni di euro, ed è stato rilevata l’emissione di fatture per operazioni inesistenti pari ad un valore di circa 21 milioni di euro.\nLo scorso mese di giugno, invece, i Carabinieri del Comando provinciale di Alessandria hanno sgominato una banda di caporali che sfruttava 52 lavoratori, di cui 43 senza contratto alcuno per lavorare nei vigneti. La paga era di 5 euro l’ora, nessuna garanzia, nessun diritto, guanti, stivali e forbici erano a carico dei “dipendenti”.\nIniziative contro il caporalato\nLa situazione non è nuova ad istituzioni e autorità che, a ritmi diversi, si stanno attrezzando contro il fenomeno. L’8 giugno 2016, per esempio, il Consiglio regionale piemontese ha approvato la legge “Disposizioni per la sistemazione temporanea dei salariati agricoli stagionali nelle aziende agricole piemontesi”. L’obiettivo è quello di prevenire la diffusione del caporalato, promuovendo iniziative a sostegno del lavoro stagionale, come finanziamenti per la realizzazione di soluzioni abitative degne.\nDue anni dopo, nel giugno 2018, invece in Trentino si è dato avvio alla costituzione di una cabina di regia a livello di provincia autonoma per monitorare e contrastare la diffusione del caporalato sul territorio. L’ente, che sarà attivo dall’autunno ed è previsto dalla nuova legge contro il caporalato, coinvolgerà anche i sindacati Cgil, Cisl e Uil assieme alla Confederazione Italia Agricoltori, Confagricoltura e Coldiretti. Il fine è quello, da un lato, di favorire il collocamento dei lavoratori e, dall’altro, di monitorare e denunciare illegalità diffuse sul territorio, in collaborazione con le forze dell’ordine.\nNon solo le Regioni del Sud Italia, dunque, ma anche quelle del Nord sono ormai attive nel contrasto di un fenomeno che, talvolta, si credeva lontano.\nVoi sapevate che il caporalato è diffuso anche in queste aree?


Tomobiki Märchenland: febbraio 2019\nThelma & Louise (id.)\ndi Ridley Scott – USA 1991\ncon Susan Sarandon, Geena Davis\nLe amiche Louise Sawyer (Susan Sarandon), cameriera in un diner, e Thelma Dickinson (Geena Davis), casalinga e moglie trascurata, partono da sole in auto per un weekend di vacanza. Ma quella che doveva essere una semplice pausa dalle frustrazioni e dalla routine quotidiana si trasforma in un incubo quando la prima, per difendere la seconda da un tentativo di violenza, spara e uccide un uomo a sangue freddo. In fuga dalla polizia e dirette verso il Messico, in un crescendo inarrestabile, quello delle due amiche diventa un viaggio senza ritorno ("Non ce la farei più a tornare a vivere come prima") all'insegna della libertà e dell'emancipazione dai lacci e dalle costrizioni della società, ma soprattutto dalle prepotenze di uomini approfittatori. Iconico buddy movie "femminista" on the road, un inno all'amicizia e alla solidarietà, che può contare non soltanto su una storia potente e su personaggi ottimamente caratterizzati (e che evolvono nel corso della vicenda: in particolare Thelma, che da ingenua e repressa arriva a scoprire il lato più libero e selvaggio di sé: mitica la scena della rapina, con l'impagabile reazione del marito quando gli viene mostrato il filmato delle camere di sorveglianza), ma anche sui magnifici scenari del southwest americano (le due protagoniste attraversano Arkansas, Oklahoma, Nuovo Messico e Arizona, fino alla Monument Valley e a quel Grand Canyon che ha fatto da sfondo a tante celebri pellicole western), ritratti con grande mestiere dalla regia di Scott e dalla fotografia di Adrian Biddle, completamente a loro agio con le lunghe strade e i deserti polverosi e assolati. Molte le scene da ricordare (cito, per esempio, quella dell'esplosione dell'autocisterna nel deserto). Ma in particolare è rimasto celebre, anche per l'intensità emotiva (che lo rende uno dei più memorabili di sempre), il finale con il fermo immagine e la dissolvenza. La sceneggiatura di Callie Khouri vinse l'Oscar (la pellicola ebbe in tutto sei nomination). Notevole e suggestiva anche la colonna sonora acustica di Hans Zimmer. Buono pure il cast di contorno: Harvey Keitel è il detective comprensivo e simpatetico, Michael Madsen è Jimmy, l'amico di Louise, mentre un giovane Brad Pitt è l'autostoppista ladruncolo. Forse l'unico personaggio sopra le righe è il marito sessista di Thelma, interpretato da Christopher McDonald. Per i ruoli delle protagoniste erano state prese in considerazione prima Meryl Streep e Goldie Hawn, e poi Michelle Pfeiffer e Jodie Foster.\nEtichette: Buddy movie, Capolavori, Deserto, Donne, Fuga, Keitel, On the road, Scott\nGreen book (id.)\ndi Peter Farrelly – USA 2018\ncon Viggo Mortensen, Mahershala Ali\nNew York, 1962: il buttafuori italoamericano Tony "Lip" Vallelonga (Mortensen) viene assunto come autista e guardia del corpo dal "Dottor" Don Shirley (Mahershala Ali), pianista di colore che sta per intraprendere una tournée di due mesi negli stati del profondo sud, dove la segregazione razziale è ancora un dato di fatto. Durante il viaggio non soltanto Tony riuscirà a tirare a più riprese Shirley fuori dai guai: diversissimi per estrazione, abitudini e carattere (buzzurro e impulsivo il primo, dotato di un enorme appetito e di maniere rozze e spontanee, ma pronto ad affrontare con buon senso e praticità ogni situazione pericolosa; raffinato e introverso il secondo, profondamente solo ma anche ostinato e deciso con orgoglio a mantenere la propria dignità di fronte alle umiliazioni), i due uomini sapranno vincere i pregiudizi e le rispettive diffidenze per stringere una forte amicizia, guadagnandosi il rispetto reciproco e affrontando a testa alta le ingiustizie sociali. Da una storia vera, una commedia on the road che affronta di petto il tema del razzismo e dell'integrazione nell'America in trasformazione degli anni sessanta, vincitrice a sorpresa del premio Oscar come miglior film (oltre che delle statuette per la sceneggiatura originale e per l'attore non protagonista ad Ali): un riconoscimento forse esagerato e dovuto in gran parte al tema antirazzista più che ad effettivi meriti cinematografici. In ogni caso, i due protagonisti sono eccellenti (Mortensen in particolare, parecchio ingrassato per la parte), il ritmo non manca e la ricostruzione storica è ottima. Peter Farrelly lavora per la prima volta senza il fratello Bobby, con il quale aveva realizzato per lo più pellicole di genere comico-demenziale. Il finale forse eccede nei buoni sentimenti (d'altronde è ambientato anche a Natale). Il titolo è quello di una "guida di viaggio" che elencava gli alberghi e i locali che accettavano i neri.\nEtichette: Amicizia, Buddy movie, Musicisti, On the road, Oscar, Razzismo, Storia vera\nSodoma e Gomorra (id.)\ndi Robert Aldrich [e Sergio Leone] – Italia/Fra/USA 1962\ncon Stewart Granger, Stanley Baker\nGuidati da Lot (Stewart Granger), gli ebrei si stabiliscono nella valle del Giordano con il benestare della regina (Anouk Aimée) delle corrotte città di Sodoma e Gomorra, dove si pratica lo schiavismo e dove "niente è peccato, e tutto ciò che dà piacere è lecito". Attaccati dalle bellicose tribù nomadi del deserto – sobillate da Astaroth (Stanley Baker), il perfido fratello della regina – gli ebrei sono costretti a rifugiarsi fra le mura, dove entrano in contatto con i vizi e le crudeltà dei sodomiti, lasciandosene tentare. A quel punto Dio interverrà per distruggere le città, dopo aver intimato a Lot e alla sua gente di allontanarsi senza guardare indietro... Il racconto biblico trasformato in un peplum d'avventura, con una miriade di personaggi, intrighi, tradimenti, battaglie. Ma tutto è incredibilmente noioso e poco ispirato, diretto con stile antiquato da un Aldrich coinvolto a soli fini "alimentari", mentre Sergio Leone si fece le ossa occupandosi della seconda unità e delle scene di battaglia. È costato uno sproposito (6 miliardi di lire all'epoca) ma non si direbbe, vista la scarsa qualità di costumi, scenografie ed "effetti speciali" nel ridicolo finale della distruzione delle città (si faceva di meglio all'epoca del muto). Il tema religioso è praticamente assente, tranne che negli ultimi dieci minuti. Anna Maria Pierangeli è Ildith, la schiava sodomita che diventa moglie di Lot (ed è poi tramutata in una statua di sale). Rossana Podestà e Claudia Mori sono le figlie di Lot. Nel cast anche Rik Battaglia, Giacomo Rossi Stuart e Scilla Gabel.\nEtichette: Aldrich, Biblico, Italia, Peplum\ndi Bill Condon – GB/USA 2015\ncon Ian McKellen, Milo Parker\nNel 1947, uno Sherlock Holmes novantatreenne (Ian McKellen), che si è ritirato a vivere in campagna da quasi trent'anni, si diletta di apicoltura e soffre di amnesia senile, cerca di ricordare i dettagli dell'ultimo caso a cui aveva lavorato e che aveva coinvolto l'infelice Ann Kelmot (Hattie Morahan). Ad aiutarlo a rimettere insieme i pezzi del puzzle c'è Roger (Milo Parker), il figlio della sua domestica Mrs. Munro (Laura Linney). Il bravo McKellen torna a recitare per Bill Condon dopo "Demoni e dei", e la sua presenza è il principale pregio di un film delicato che cerca di mostrare uno Sherlock Holmes diverso da tutti quelli che abbiamo visto sullo schermo: non solo anziano (anzi, decrepito: anche gli eroi immortali e più classici invecchiano!) e con problemi di memoria, ma anche idiosincratico rispetto alle sue caratteristiche "mediatiche" (cappello, pipa, ecc.), che afferma essere invenzioni o "licenze poetiche" del dottor Watson per abbellire i suoi racconti. C'è persino una scena in cui si reca al cinema per assistere alla versione filmata del romanzo ispirato al caso cui sta lavorando (l'attore protagonista è Nicholas Rowe, che aveva interpretato il detective in "Piramide di paura"). La trama gialla, invece, è solo un pretesto: i veri temi sono appunto la memoria e la vecchiaia, capace di cancellare anche i sensi di colpa. Suggestivi i bei paesaggi della costa meridionale della Gran Bretagna (con le bianche scogliere di Dover), anche se la fotografia è patinata e convenzionale. La sottotrama dedicata alla trasferta in Giappone (nel cast c'è anche Hiroyuki Sanada), invece, sembra un riempitivo e lascia il tempo che trova.\nEtichette: Gran Bretagna, McKellen, Memoria, Sherlock Holmes, Vecchiaia\nThe longest summer (Hui nin yin fa dak bit doh)\ndi Fruit Chan – Hong Kong 1998\ncon Tony Ho, Sam Lee\nTre mesi prima dell'handover, il passaggio di Hong Kong dalla Gran Bretagna alla Cina (previsto per il primo luglio 1997), un gruppo di soldati cinesi dell'esercito britannico vengono congedati per lo smantellamento della loro guarnigione, e rimangono senza lavoro e senza prospettive. Fra questi c'è Ga Yin (Tony Ho, all'esordio), che viene assunto come autista di un gangster (Chan Sang) grazie all'intercessione del fratello minore Ga Suen (Sam Lee), che già lavora per la malavita. I due fratelli, insieme ad altri amici reduci, progettano di rapinare una banca con armi finte: ma il giorno del colpo, scoprono di essere stati anticipati da un'altra banda di rapinatori, di cui fa parte Jane (Jo Kuk), la figlia ribelle del loro stesso boss... Dopo "Made in Hong Kong", Fruit Chan continua a scegliere il delicato momento del cambiamento di Hong Kong come sfondo delle sue storie, raccontando le esistenze in bilico di personaggi di fronte all'incertezza per il futuro (il proprio e quello della loro città) e al declino dello stile di vita, dell'economia e dei valori. Senza mai prendersi sul serio, nemmeno nei momenti più melodrammatici (memorabile e originale Wing, il boss della triade, low profile e umanissimo nella sua impotenza di fronte alle novità), il film ha alcuni pregi nella descrizione della società e dell'ambiente, una lunga estate piena di dubbi e di incertezze che culmina nelle celebrazioni a base di fuochi d'artificio e di discorsi delle autorità (compreso il principe Carlo) sotto la pioggia, ma risulta troppo confuso e frammentario, perdendo diversi colpi quando cerca di imbastire una vera trama. Attorno a Tony Ho e a Sam Lee recitano – come consuetudine nei film di Chan – una serie di attori non professionisti o alle prime armi.\nEtichette: Fratelli, Fruit Chan, Heist, Hong Kong\nKurz und schmerzlos (aka Short Sharp Shock)\ndi Fatih Akin – Germania 1998\ncon Mehmet Kurtuluş, Aleksandar Jovanović\nIl primo lungometraggio di Akin è una storia di amicizia, amore, tradimento e vendetta, ambientata nel sottobosco della piccola criminalità nella Germania multiculturale degli immigrati di seconda generazione (si svolge nel quartiere Altona di Amburgo, dove lo stesso Akin è nato e cresciuto). Il turco Gabriel (Mehmet Kurtuluş), appena uscito di prigione dopo aver scontato due anni per rissa aggravata, ritrova gli amici di un tempo – lo scalcinato ladruncolo greco Costa (Adam Bousdoukos) e l'ambizioso ricettatore serbo Bobby (Aleksandar Jovanović) – con i quali formava un trio inseparabile. Gabriel vorrebbe mettere la testa a posto, e sogna di tornare prima o poi in Turchia, ma rimane coinvolto insieme a Costa nei maneggi di Bobby, che lavora adesso per un pericoloso gangster albanese (Ralph Herforth). A complicare la vicenda, e a mettere a repentaglio la loro amicizia, ci sono anche le donne: Ceyda (Idil Üner), sorella di Gabriel e fidanzata di Costa, che lo lascia per un nuovo spasimante; e la bella Alice (Regula Grauwiller), la ragazza di Bobby, per la quale Gabriel prova una forte attrazione... Nonostante gli evidenti debiti ai primi film di Martin Scorsese ("Mean streets") e De Palma (Bobby sogna di essere come Al Pacino in "Scarface"), ma anche alle pellicole hongkonghesi di John Woo ("Bullet in the head", "A better tomorrow") e persino con qualche citazione di Sergio Leone ("Il buono, il brutto, il cattivo": vedi l'incipit con la presentazione dei personaggi), il film ha una sua identità precisa, fortemente dipendente dall'ambiente in cui si svolge la vicenda, quel melting pot di culture ed etnie caratteristico di molte metropoli europee al volgere del millennio. Bravi gli attori, che ben caratterizzano i personaggi. Il regista si ritaglia la parte dello spacciatore. Il titolo originale significa "Rapido e indolore". Non mi risulta che esista un'edizione italiana.\nEtichette: Akin, Amicizia, Gangster, Germania, Immigrazione, Opera prima\ndi Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack – USA 1933\nthey got caught in a celluloid jam..."\nCarl Denham (Armstrong), eccentrico produttore cinematografico, guida una spedizione sulla misteriosa Isola del Teschio, lembo di terra non segnato sulle mappe, anche perché popolato da dinosauri e mostri giganti. Il re di tutti questi è Kong, colossale gorilla temuto e idolatrato dai locali indigeni, che gli dedicano sacrifici umani e pensano bene di donargli in sposa Ann Darrow (Wray), la bionda protagonista del film che Denham intendeva girare. La ragazza viene salvata dall'intrepido primo ufficiale Jack Driscoll (Cabot), e lo scimmione è catturato e condotto a New York per essere esibito nei teatri di Broadway come "ottava meraviglia del mondo". Ma riuscirà a liberarsi dalle catene che lo tenevano imprigionato (suscitando il panico fra la folla), a catturare Ann e ad arrampicarsi con lei in cima all'Empire State Building, dove sarà abbattuto dall'aviazione. Il padre di tutti i film di mostri, una pellicola seminale e influente che non solo ha generato innumerevoli imitazioni, sequel e remake (basti citare le versioni del 1976 di John Guillermin e del 2005 di Peter Jackson), ma ha creato una vera e propria icona massmediale (lo scimmione King Kong, appunto) e ha addirittura dato vita a un intero genere cinematografico di successo a livello globale (basti pensare al giapponese "Godzilla"). La sceneggiatura di James Ashmore Creelman e Ruth Rose (oltre che di Horace McCoy e Leon Gordon, non accreditati), da un soggetto del regista Cooper e di Edgar Wallace, insiste a più riprese sul tema de "La bella e la bestia": non solo Kong agisce perché invaghito della bella Ann, ma la frase finale di Denham sugella in questo modo il suo destino: "Oh, no, it wasn't the airplanes. It was Beauty killed the Beast". Il tutto rende Kong un personaggio tragico, quasi un antieroe, e non un semplice cattivo da film horror: e dunque gli spettatori arrivano a provare una certa empatia nei suoi confronti, creatura strappata al proprio mondo selvaggio per essere trasportata nella "civiltà" ed esibita come un fenomeno da baraccone (qui c'è anche una metafora dello schiavismo).\nL'avvincente lungometraggio, che si dipana senza un attimo di tregua, ha tutte le stimmate dei film (o dei fumetti o romanzi) d'avventura ambientati nella giungla o in luoghi esotici, compreso qualche stereotipo coloniale. In particolare è fortemente debitore al classico racconto di Arthur Conan Doyle "Il mondo perduto", da cui provengono i dinosauri, e che pochi anni prima – nel 1925 – era stato portato sullo schermo con gli effetti speciali di Willis O'Brien, responsabile anche di quelli di "King Kong". E proprio l'eccezionale (per l'epoca) resa del gorilla gigante, modellato da Marcel Delgado e animato a passo uno, che interagisce lungamente con gli attori in carne e ossa (per non parlare degli altri mostri e dei dinosauri con i quali si batte: memorabile soprattutto lo scontro con il tirannosauro con cui si contende Ann, ma sullo schermo compaiono anche uno stegosauro, un brontosauro, uno pterodattilo, un'iguana e un serpente gigante), fu uno dei segreti dell'enorme successo del film. C'è poi la trovata di spostare, nel finale, il setting in un ambiente urbano, lasciando che lo scimmione si aggiri per le strade di New York, distruggendo treni e ferrovie e arrampicandosi sui palazzi, fino al catastrofico e celeberrimo finale sulla cima di quello che allora era il grattacielo più alto del mondo (a questo proposito, uno dei tanti lasciti del film nella cultura di massa è anche l'ispirazione per il videogioco "Donkey Kong", dal quale proviene il popolarissimo personaggio di Super Mario). Da notare che nel film non viene data nessuna spiegazione (scientifica o di altro tipo) per l'esistenza di Kong e dei dinosauri. Il fatto che lo scimmione compaia soltanto a film già inoltrato (dopo un'attesa di oltre 40 minuti) non fa altro che accrescere la suspense. Cooper e Schoedsack si divisero equamente i compiti di regia: il primo si occupò delle sequenze d'azione, il secondo di quelle di dialogo. Nel ruolo più celebre della sua carriera, Fay Wray (che aveva già lavorato con Cooper, Schoedsack e Armstrong l'anno prima ne "La pericolosa partita") divenne la prima scream queen del cinema horror. Già nove mesi più tardi, in quello stesso 1933, Schoedsack realizzava un seguito, "Il figlio di King Kong". Il film originale fu ridistribuito più volte nelle sale (fino al 1956), con varie censure, e nel 1989 venne colorizzato per la televisione.\nEtichette: Animali, Avventura, Capolavori, Dinosauri, Isola, Metacinema, Mostri, Stop motion\nDeath Race (id.)\ndi Paul W. S. Anderson – USA 2008\ncon Jason Statham, Tyrese Gibson\nIn un futuro in cui il sistema carcerario è in mano a corporazioni private che organizzano cruente ed estreme competizioni fra detenuti da trasmettere in diretta televisiva, l'ex pilota automobilistico Jensen Ames (Jason Statham) viene imprigionato ingiustamente con l'accusa di avere ucciso sua moglie, e convinto a partecipare alla Death Race, una corsa che mette in palio la libertà. Gareggiando con la falsa identità del pilota mascherato Frankenstein, dovrà vedersela con agguerriti avversari – fra cui Machine Gun Joe (Tyrese Gibson), Pachenko (Max Ryan) e il cinese 14K (Robin Shou) – in una gara caratterizzata, oltre che dalla velocità, anche da armi e trappole mortali di ogni genere... Ispirato a una pellicola di culto prodotta nel 1975 da Roger Corman ("Anno 2000: La corsa della morte"), da cui però elimina tutti gli elementi di satira e kitsch, un action movie che fonde scenari da B-movie carpenteriano (il setting ricorda "1997: Fuga da New York") e da sport distopico ("Rollerball", "L'implacabile") con il mix di adrenalina, donne e motori tipico di serie come "Fast and furious". Nulla di particolarmente originale o profondo (e il finale è un po' semplicistico e anticlimatico), ma l'azione e lo spettacolo non mancano. Il muscoloso Statham fa il suo come sempre (anche se Corman avrebbe voluto inizialmente Tom Cruise per questo remake). La "cattiva", ovvero la direttrice del carcere, è Joan Allen. Nel cast anche Ian McShane (Coach, il capo meccanico), Natalie Martinez (Case, la navigatrice) e Jason Clarke (il secondino). Sotto la maschera di Frankenstein, nelle sequenze introduttive, c'è David Carradine, protagonista del film originale. Visto il buon successo al botteghino, negli anni seguenti sono usciti (ma solo in home video) vari prequel, sequel e reboot.\nEtichette: Azione, Corse automobilistiche, Distopia, P.W.S. Anderson, Prigione, Remake, Statham\ndi Silvio Soldini – Italia 2000\ncon Licia Maglietta, Bruno Ganz\nRivisto in DVD, per ricordare Bruno Ganz.\nLa casalinga pescarese Rosalba (Licia Maglietta) viene dimenticata dal pullman (e dalla famiglia, il marito e due figli adolescenti) all'Autogrill durante una gita turistica a Paestum. Ne approfitta per seguire per una volta l'impulso del momento, facendo l'autostop fino a Venezia, città dove non è mai stata, intenzionata a trascorrervi qualche giorno da sola. Qui incontrerà una serie di personaggi eccentrici, a cominciare da Fernando (Bruno Ganz), attempato cameriere di origini islandesi, dai modi gentili e dal linguaggio forbito (ha imparato a memoria l'"Orlando Furioso"), e imparerà a essere sé stessa. Il miglior film di Soldini, un gioiellino che quasi non sembra neanche un film italiano (ricorda semmai l'umorismo finlandese alla Kaurismäki o un certo surrealismo giapponese alla Murakami). Sotto l'aspetto di commedia leggera e simpatica, da cui è facile lasciarsi catturare, mette al centro della scena un personaggio di mezza età che trova un'opportunità di "rifiorire" quando ormai non ci pensava più (come i tulipani che infatti perderanno i petali quando lei partirà). La Maglietta è perfetta nel ruolo della casalinga "media" (un po' goffa, insicura, incompresa e non apprezzata da familiari che la trascurano: e infatti la dimenticano in autostrada), in cerca di una pausa e di qualche giorno di indipendenza, che riesce a reinventarsi e a riscoprire il proprio lato bohémienne in un contesto diverso e romantico (la Venezia dei canali e degli scorci non turistici), fra negozietti di fiori, vecchie canzoni e fisarmoniche. Non è da meno Ganz, con la sua recitazione attenuata, nel dare vita a una figura con un passato tragico (all'inizio Rosalba, senza saperlo, lo salva dalle incombenti idee di suicidio) e con un fascino particolare. Ma in generale tutti i personaggi, anche quelli minori – dalla vicina di casa Grazia Reginella (Marina Massironi), "massaggiatrice olistica", al vecchio e burbero anarchico Fermo (Felice Andreasi), proprietario del negozio di fiori dove Rosalba trova lavoro; dal grossolano marito Mimmo (Antonio Catania), all'idraulico (Giuseppe Battiston) che questi assume come investigatore per rintracciare la moglie – pur sfiorando spesso la macchietta, sono originali e vivi, entrano nella storia quasi casualmente (per poi rimanerci) e sono immersi in un'atmosfera romantica e realistica al tempo stesso, fra la favola (con Rosalba nei panni di Cenerentola: a un certo punto perde persino la scarpetta) e la ricostruzione di un Nord-Est d'altri tempi o forse fuori dal tempo, una strana commistione fra un passato ricco di fascino e di cultura e un presente kitsch o in decadenza. Molte i momenti divertenti (il bambino con il cartello "Cercasi nuovi genitori") o surreali (i "sogni lucidi" della protagonista) e le frasi cult ("Mi duole contraddirla, signora, ma i cinesi sono i piu grandi ristoratori del mondo", "Venezia è una città con grossissimi problemi idraulici"). Tatiana Lepore è Adele, la madre del piccolo Eliseo. Il cantante nella balera dove Rosalba e Fernando vanno a ballare è Don Backy (che canta "Frasi d'amore").\nEtichette: Italia, Personal cult, Romantico, Venezia\nLa pattuglia sperduta (The Lost Patrol)\ndi John Ford – USA 1934\ncon Victor McLaglen, Boris Karloff\nDurante la prima guerra mondiale, una pattuglia di soldati inglesi a cavallo, smarriti nel deserto della Mesopotamia, si rifugia presso un'oasi. Qui vengono presi di mira da cecchini arabi che li uccidono uno a uno. Da un romanzo di Philip MacDonald (già adattato in un film muto britannico del 1929: questo è tecnicamente un remake), una pellicola bellica del tutto particolare, visto che – tranne per una breve scena nel finale – i nemici non appaiono praticamente mai: sono delle presenze minacciose ma invisibili, incombenti forze del destino o della natura come gli indiani di "Ombre rosse": ogni tanto uno dei loro colpi di fucile abbatte uno dei soldati della pattuglia, nel frattempo resi progressivamente più ansiosi (se non addirittura pazzi) dall'assedio, dall'attesa, dal caldo e dai propri fantasmi. Nei tempi morti, il cameratismo, le chiacchiere, il confronto fra le diverse filosofie di vita ci aiutano a conoscere meglio i vari componenti del gruppo, fra cui (oltre al sergente interpretato da Victor McLaglen) spicca Sanders (Boris Karloff), ossessionato dalla religione. Fra gli altri interpreti ci sono Wallace Ford, Reginald Denny, J.M. Kerrigan, Billy Bevan e Alan Hale. Curiosità: il protagonista del film del 1929 era Cyril McLaglen, fratello di Victor. La stessa storia ispirerà il film sovietico "Sangue sulla sabbia", il bellico "Sahara" e il western "Nuvola nera". La colonna sonora di Max Steiner fu candidata all'Oscar.\nEtichette: Deserto, Ford, Guerra, Medio oriente, Remake, Totomorti, WW1\nMore - Di più, ancora di più (More)\ndi Barbet Schroeder – Francia 1969\ncon Klaus Grünberg, Mimsy Farmer\nIl giovane autostoppista tedesco Stefan (Grünberg) conosce a Parigi la bella e misteriosa Estelle (Farmer), se ne innamora e la segue fino all'isola di Ibiza. Qui scopre che la ragazza è una tossicomane, finendo per condividerne il destino... Opera prima di Schroeder, celebre per la colonna sonora realizzata appositamente dai Pink Floyd (fu il loro terzo album in studio) ma anche per la descrizione realistica e senza compromessi della dipendenza dalla droga. A quei tempi, Ibiza era un po' "sinonimo di psichedelia ed esperienze di vita al di fuori di qualsiasi controllo", e la permanenza di Stefan sull'isola in compagnia di Estelle lo illustra perfettamente. I due ragazzi dapprima si illudono di poter convivere insieme in totale libertà (quasi sempre nudi, a casa o in spiaggia), per poi dover fare i conti con i propri fantasmi. E come gli "adoratori del sole" che si accecano a furia di guardare l'astro nel cielo, il desiderio di volere sempre di più (e l'incapacità di fermarsi) li porta all'autodistruzione. Emblematica la scena della lotta contro i mulini a vento (come Don Chisciotte). Molto bella l'ambientazione e in generale l'atmosfera, con evidenti influssi della Nouvelle Vague: e gli scenari naturali, con il passaggio delle stagioni (dall'estate all'inverno), sono uno sfondo suggestivo. Il finale è brusco, ma efficace. Heinz Engelmann è l'ambiguo Dottor Wolf, ex nazista, proprietario di alberghi e ristoranti sull'isola, ma soprattutto amante di Estelle e suo spacciatore di eroina. Michel Chanderli è il ladruncolo Charlie, amico di Stefan che cerca inutilmente di allontanarlo dalla ragazza. Nel cast anche Henry Wolf (Henry) e Louise Wink (Cathy). Accolto in maniera controversa alla sua uscita, è poi diventato un film di culto.\nEtichette: Droga, Isola, Opera prima, Romantico, Schroeder\nTerminator Genisys (id.)\ndi Alan Taylor – USA 2015\ncon Arnold Schwarzenegger, Emilia Clarke\nNel 2029, mentre sta per scattare l'ultima offensiva contro le macchine che hanno decimato l'umanità, il capo della resistenza John Connor (Jason Clarke) invia indietro nel tempo fino al 1984 uno dei suoi soldati, il fido Kyle Reese (Jai Courtney), affinché protegga la propria madre Sarah Connor (Emilia Clarke) dalla minaccia del Terminator che la vuole uccidere. Ma rispetto al film originale di James Cameron, qualcosa nella linea temporale è cambiato: Kyle trova ad attenderlo un T-1000 (il robot di metallo liquido visto in "Terminator 2"), mentre Sarah è già stata salvata – e addestrata a combattere sin da quando aveva 9 anni – da un vecchio modello T-800 (Arnold Schwarzenegger), denominato "Guardiano". Insieme, Kyle, Sarah e il Guardiano (che la ragazza chiama "Papà": e le dinamiche fra lui e Kyle sono proprio quelle di un padre e di un fidanzato), cercheranno di impedire il "giorno del giudizio", che in questa nuova realtà temporale non avverrà nel 1997 ma è previsto per il 2017, quando il sistema operativo Genisys, che renderà connessi tutti i dispositivi elettronici del mondo, sarà messo online. Ad ostacolarli, questa volta, c'è nientemeno che lo stesso John Connor, trasformato in un inarrestabile ibrido uomo/macchina (T-3000). Reboot della saga che tenta di ripartire dagli elementi iconici dei primi due film (quelli diretti da Cameron) e di ignorare i due successivi (ma almeno il terzo non era certo inferiore a questo), oltre che di spostare di vent'anni in avanti il setting della vicenda. L'operazione puzza di una certa arroganza, fra continue strizzatine d'occhio alle prime due pellicole, una sceneggiatura contorta e meccanica, scene d'azione più noiose che avvincenti e un astruso rant contro il moderno mondo connesso e l'Internet delle Cose. Ed è dunque ironico che, visto il flop al botteghino in patria, il film (che nelle intenzioni avrebbe dovuto dare origine a una trilogia) sarà a sua volta ignorato dall'ennesimo reboot in programma, prodotto dallo stesso Cameron. Del cast, manco a dirlo, Schwarzy è sempre la punta di diamante, anche con le rughe e i capelli grigi ("Sono vecchio, non obsoleto"). In ogni caso, grazie alla computer grafica, appare anche in versione "giovane" (molte scene del primo film sono state ottimamente ricostruite). A differenza dei loro personaggi, e nonostante il cognome uguale, Jason Clarke ed Emilia Clarke non sono imparentati. J.K. Simmons è il poliziotto veterano O'Brien, che aiuta i nostri eroi perché li aveva già incontrati nel 1984.\nEtichette: 3D, Azione, Fantascienza, Robot, Schwarzenegger, Terminator, Viaggi nel tempo\nA star is born (id.)\ndi Bradley Cooper – USA 2018\nL'affermato cantante country Jackson Maine (Bradley Cooper) incontra in un drag bar di terz'ordine la cameriera e aspirante cantautrice Ally (Lady Gaga). Innamoratosene, e intravedendo il suo potenziale talento, la fa salire sul palco con sé e la trasforma in una celebrità. Ma l'irresistibile ascesa di lei verso il successo come cantante pop andrà di pari passo con la caduta nel baratro di lui, spinto dall'alcolismo e da problemi all'udito: una doppia parabola che prosegue anche dopo che i due si saranno sposati... Terzo remake di "È nata una stella" di William Wellman del 1937 (dopo quello di Cukor del 1954 con Judy Garland e quello di Pierson del 1976 con Barbra Streisand), il quarto se contiamo anche una versione di Bollywood, benché il canovaccio risalga almeno ad "A che prezzo Hollywood?" del 1932. I debiti più evidenti sono quelli alla versione del 1976 (con Kris Kristofferson nel ruolo maschile), che già aveva spostato definitivamente il setting dal mondo del cinema a quello della musica. L'atmosfera è accattivante, la colonna sonora è piacevole e i due protagonisti (un Cooper al debutto come regista e una Lady Gaga sorprendentemente spontanea) rubano la scena, ma tutto è forse un po' troppo perfettino (in particolare nella descrizione dell'ambiente circostante e nella scelta e caratterizzazione dei personaggi di contorno) e il finale (per chi non lo conoscesse) pare già scritto. Nel cast anche Sam Elliott (il fratello di Jackson), Rafi Gavron (il manager) e Andrew Dice Clay (il padre di Ally). Ottimo il riscontro di critica e di pubblico, con ben otto candidature agli Oscar (forse troppe per un remake che non stravolge l'originale), fra cui la miglior canzone originale ("Shallow").\nEtichette: Musicisti, Opera prima, Remake, Romantico\ndi Federico Fellini – Italia 1960\nPochi film sono entrati nell'immaginario collettivo e nella storia del cinema globale come "La dolce vita", uno dei capolavori di Fellini, il cui titolo stesso (forse una citazione dal Paradiso di Dante) è diventato un'espressione idiomatica usata – anche all'estero – per indicare uno stile di vita mondano e spensierato come quello che caratterizzava via Veneto e la Roma del boom economico, cosmopolita e mediatica, alla fine degli anni cinquanta e agli inizi degli anni sessanta (molti episodi del film sono infatti ispirati ad eventi reali, di costume ma anche di cronaca nera). Per non parlare di termini come "paparazzi" per indicare i fotoreporter scandalistici, invadenti e senza scrupoli, dal nome del fotografo Paparazzo (Walter Santesso), amico del protagonista, modellato sul reporter romano Tazio Secchiaroli, divenuto celebre proprio per aver immortalato alcuni di questi eccessi. Siamo in effetti in un momento di passaggio e di profondi cambiamenti all'interno della società italiana ed europea in generale. Un Mastroianni iconico (con i suoi occhiali scuri) interpreta il suo omonimo Marcello Rubini, giornalista di rotocalchi, dongiovanni e inquieto viveur, sempre a caccia di scandali e di vip nella Roma "bene" del mondo dello spettacolo e dell'aristocrazia, mentre attraversa una crisi esistenziale per via delle sue ambizioni frustrate (il suo sogno era quello di diventare un romanziere) e di un rapporto difficile e insofferente con la compagna Emma (Yvonne Furneaux). La sceneggiatura (scritta da Fellini insieme ai fidi Ennio Flaiano e Tullio Pinelli, con la collaborazione di Brunello Rondi) ce lo mostra al lavoro in un mosaico di situazioni e di episodi, spesso slegati l'uno dall'altro, di cui è sovente soltanto uno spettatore od osservatore passivo. Di questi, il più (giustamente) celebre è quello che lo vede interagire con Sylvia (Anita Ekberg), prorompente ed esuberante attrice hollywoodiana di origine svedese, che accompagnerà in una gita notturna per le strade di Roma, culminante in quel bagno nella fontana di Trevi che è forse la singola scena più celebre di tutto il nostro cinema (omaggiata poi in decine di altre pellicole, a cominciare da "C'eravamo tanto amati" di Ettore Scola). L'intero episodio sembra cominciare a mettere in crisi le certezze e l'esistenza stessa di Marcello, che di fronte alla semplicità e all'esuberanza della ragazza inizia a dubitare del proprio stile di vita ("Ma sì, ha ragione lei, sto sbagliando tutto!"), così imprigionato in schemi e ruoli borghesi.\nIn realtà, Marcello non pare far tesoro di questi insegnamenti, dato che l'intera pellicola alterna momenti di consapevolezza (spesso legati a episodi drammatici o nostalgici: l'inspiegabile suicidio dell'amico Steiner (Alain Cuny), la cui vita apparentemente "perfetta" Marcello aveva affermato di invidiare; oppure la serata trascorsa per locali notturni insieme al padre (Annibale Ninchi), giunto inaspettatamente a Roma dal paese, e con il quale comincia a recuperare un rapporto mai sviluppato) ad altri di assoluto svago, incoscienza e rilassatezza (i ricevimenti, come quello nel castello degli aristocratici fuori Roma, o il party/orgia a Fregene per festeggiare l'annullamento del matrimonio dell'amica Nadia (Nadia Grey: anche lei, come Mastroianni, conserva il proprio nome), all'insegna di spogliarelli e volgarità). Tutto il film, a ben vedere, corre lungo il tema del contrasto: c'è contrasto fra la ricchezza e la povertà, fra l'arretratezza e il benessere, fra la dignità e l'edonismo, fra l'ordine e la libertà, fra la vita e la noia, fra il classico e il moderno (si pensi ai balli e alla musica rock – a cantare è un giovane Adriano Celentano! – in mezzo alle rovine di Caracalla), fra il sacro e il profano, fra momenti di silenzio e di contemplazione e altri di caos tra la folla e il circo mediatico, fra scorci di una Roma arcaica o provinciale e quella invece moderna e cosmopolita (l'ambiente in cui bazzica Marcello è pieno di stranieri), fra un centro città fatto di edifici classici e una periferia di cantieri e palazzi in costruzione, fra emozioni contrastanti (ma spesso coesistenti) come la tristezza e l'allegria. I contrasti sono evidenti sin dall'inizio (si passa da un'immagine della statua di Gesù, portata in volo da moderni elicotteri, a danzatori esotici in un locale notturno orientale) e perdurano per tutta la pellicola. E nonostante ci si muova nel mondo moderno del jet set, in molte sequenze si respira un'atmosfera "circense", tipicamente felliniana (si pensi ai clown che si esibiscono al cabaret dove Marcello si reca con il padre), grazie anche alle musiche di Nino Rota. Fra gli altri episodi da ricordare, quello del presunto "miracolo" dei due bambini che affermano di aver visto la Madonna e che richiama una folla di credenti, curiosi e giornalisti (si tratta di una delle due scene – l'altra è quella del castello dei nobili – non presenti nella sceneggiatura originale e improvvisate sul set). Il finale, con il ritrovamento della mostruosa manta sulla spiaggia (forse un riferimento simbolico al caso di Wilma Montesi), si ricongiunge con l'incipit: in entrambe le scene, le parole di Marcello (con le ragazze che prendono il sole sul tetto, con la ragazzina sul lungomare) sono coperte dai rumori ambientali (le pale dell'elicottero, il suono delle onde), rendendo difficile la comunicazione. Siamo già di fronte al tema dell'incomunicabilità, così caro ad Antonioni...\nPur proveniente da un paese di provincia, Marcello è ben introdotto nell'ambiente romano dei Vip e dei divi, conosce tutto e tutti, o meglio tutte: sono le donne che gli ruotano intorno e che incontra, infatti, uno dei fili conduttori della storia. A partire da Maddalena (Anouk Aimée), ricca e infelice, che gioca a corteggiare a più riprese (vanno persino a fare l'amore nella stamberga allagata di una prostituta), salvo vederla sparire proprio quando lei, ubriaca, gli dichiara il proprio amore. Marcello e Maddalena sono complici e simili, perfetto specchio l'uno dell'altra (nonostante le differenze di classe e di risorse economiche). Del tutto diversa è invece Sylvia, donna perfetta venuta dal nulla che irrompe nella sua vita per donargli alcuni momenti magici e andarsene improvvisamente come era venuta. La più prosaica Emma resta invece per lo più a casa annoiata mentre lui è in giro a lavorare, e il suo rapporto con lei è altalenante: si passa da tentativi di suicidio a litigi furiosi, seguiti da immediate riappacificazioni (che dimostrano, se non altro, l'inconcludenza e l'incapacità di decidere della propria vita da parte del protagonista, perennemente in cerca di sé stesso). Nel ricchissimo cast anche Lex Barker (il fidanzato di Sylvia), Magali Noël (la ballerina francese Fanny), Jacques Sernas, Riccardo Garrone e la cantante Nico. La ragazzina sulla spiaggia è Valeria Ciangottini. Il film avrebbe dovuto essere prodotto da Dino De Laurentiis, che si tirò indietro perché la sceneggiatura era "troppo caotica" (e perché Fellini voleva a tutti i costi Mastroianni come protagonista, anziché un attore straniero come Paul Newman): gli subentrarono Angelo Rizzoli e Giuseppe Amato. Altri attori presi in considerazione per ruoli minori furono Maurice Chevalier (per il padre di Marcello) ed Henry Fonda (per Steiner), mentre Luise Rainer avrebbe dovuto interpretare una scrittrice in una sequenza che fu poi eliminata dalla sceneggiatura. La pellicola, che nonostante alcune iniziali polemiche – o forse anche per la pubblicità da esse scaturita – riscuoterà un enorme successo di pubblico (persino inaspettato, vista la struttura insolita e le tre ore di durata), diventando istantaneamente un fenomeno di critica e di costume, si rivelerà nel corso degli anni una delle più influenti del cinema moderno, lanciando definitivamente la carriera di Fellini (è con questa e il successivo "8 1/2" che nasce il termine "felliniano"), e non cessando mai di ispirare altri registi e artisti (basti pensare a "La grande bellezza" di Paolo Sorrentino, che ne è quasi un aggiornamento a cinquant'anni di distanza). Palma d'Oro al Festival di Cannes. Nominata a quattro Oscar, vinse quello per i migliori costumi.\nEtichette: Alta società, Boom economico, Capolavori, Città, Fellini, Feste, Giornalisti, Italia, Mastroianni, Metacinema, Quattro stelle, Roma\nConstantine "Connie" Nikas (un sorprendente Pattinson), delinquente di mezza tacca, tenta di rapinare una banca insieme al fratello Nickolas (Ben Safdie), ritardato mentale, il quale durante la fuga viene catturato dalla polizia. Connie cerca allora di farlo evadere dall'ospedale dove è stato ricoverato, ma per errore libera l'uomo sbagliato, il malcapitato Ray (Buddy Duress). Dopo essersi rifugiati nella casa di un'ignara famiglia di colore (dove Connie, ormai ricercato, si tinge i capelli), i due decidono di collaborare per recuperare una sacca piena di denaro che un altro rapinatore ha nascosto in un vicino parco dei divertimenti... Un'odissea psicotica e notturna (la pellicola si svolge nell'arco di 24 ore, ma essenzialmente tutta in una notte) in un'America violenta, nevrotica e sospettosa, popolata da piccoli criminali o in generale da persone senza alcuna empatia verso il prossimo (c'è chi l'ha definita un "crime story nell'era di Trump"). Acclamata dalla critica, che ci ha rivisto l'energia di Scorsese e di Friedkin e ha apprezzato la metafora della città che marginalizza e imprigiona i suoi personaggi, ma forse un po' sopravvalutata. Il ritmo è serrato, la fotografia iperrealista e avvolgente, la regia elegante e non priva di idee: quello che manca è una vera sceneggiatura, visto che tutto gira a vuoto, il caso e le coincidenze abbondano (quasi come in "Detour" di Ulmer) e soprattutto il finale giunge random e inconcludente. Jennifer Jason Leigh è la compagna di Connie, Taliah Webster la ragazzina che ingenuamente lo aiuta, Peter Verby il terapista che ha in cura Nick. I due registi (uno anche attore), cineasti underground al quinto film (il primo con ambizioni mainstream, sia pure d'autore), sono a loro volta fratelli.\nEtichette: Fratelli, Fuga, Heist, Notte, Safdie, Thriller\ndi Fritz Lang – USA 1937\ncon Henry Fonda, Sylvia Sidney\nL'ex galeotto Eddie Taylor (Henry Fonda) vorrebbe rifarsi una vita onesta insieme a Joan (Sylvia Sidney), segretaria di un celebre avvocato. Ma viene accusato di una sanguinosa rapina in banca, arrestato e condannato alla sedia elettrica. La sua innocenza verrà a galla troppo tardi, proprio mentre l'uomo, in procinto di essere giustiziato, evade uccidendo il prete della prigione. In fuga insieme alla moglie incinta, i due saranno braccati dalla legge... Il secondo film americano di Lang (dopo "Furia") è un proto-noir ispirato alle vicende (allora recenti) di Bonnie & Clyde, che insiste sul tema dell'uomo perseguitato dal destino, dai pregiudizi e dalla legge, quasi costretto a diventare un bandito (e accusato anche di colpe non sue). Forse è meno efficace del film precedente, ma restano comunque notevoli le scene nella prigione, con l'ombra delle barre della cella proiettate verso l'esterno, e alta la tensione durante tutta la sequenza della fuga. Rispetto al girato originale, la produzione tagliò una quindicina di minuti perché giudicati troppo violenti (in particolare nella scena della rapina alla banca). Forse anche per questo motivo, alcuni punti della trama rimangono irrisolti (chi aiuta Eddie ad evadere, e perché?). La versione italiana edulcora ulteriormente i dialoghi (per esempio dice che il prete è stato solo ferito da Eddie durante la fuga, anziché ucciso). Barton MacLane è l'avvocato, Jean Dixon la sorella di Joan, William Gargan il prete. Durante le riprese, Lang si fece la fama di regista "difficile" da trattare, il che compromise in parte il resto della sua carriera hollywoodiana. La Sidney, che aveva recitato anche in "Furia", tornerà nel terzo film americano del regista tedesco, "You and me".\nEtichette: Fonda, Fuga, Gangster, Lang, Noir, Prigione\nSteve Jobs (id.)\ndi Danny Boyle – USA 2015\nLa vita di Steve Jobs, co-fondatore di Apple e figura chiave nel campo dell'innovazione tecnologica, raccontata attraverso i frenetici istanti che precedono tre celebri presentazioni di prodotto: quella del primo personal computer Macintosh nel 1984, quella del NeXT Computer nel 1988 (nel breve periodo in cui Jobs era uscito dall'azienda), e quella dell'iMac nel 1999 (che segnò il suo ritorno alla Apple). Prima di tutti e tre gli eventi, Jobs (Michael Fassbender, bravo come sempre, anche se non è particolarmente somigliante), coadiuvato dalla sua assistente e addetta al marketing Joanna Hoffman (Kate Winslet), incontra alcune persone, sempre le stesse (le tre sezioni del film portano avanti tante piccole sottotrame che si completano solo alla fine): l'ex amico e co-fondatore della Apple, Steve Wozniak (Seth Rogen), che cerca inutilmente di convincerlo a citare e ringraziare i colleghi che hanno lavorato allo sviluppo dell'Apple II, cosa che Jobs rifiuta perché non vuole agganciare il lancio di un nuovo prodotto a quelli del passato; l'amministratore delegato dell'azienda, John Sculley (Jeff Daniels), che farà licenziare Jobs dopo il flop del Macintosh, spingendolo a fondare una nuova società, la NeXT appunto, salvo poi tornare alla Apple come "salvatore" e riportarla in auge proprio con l'iMac (seguiranno successi planetari come l'iPod, preannunciato dalla scena finale, l'iPhone e l'iPad, nemmeno menzionati visto che il film termina nel 1999); Andy Hertzfeld (Michael Stuhlbarg), un membro del team del Macintosh originale; il giornalista Joel Pforzheimer (John Ortiz); Andrea "Andy" Cunningham (Sarah Snook), che gestisce gli eventi di lancio, e che viene continuamente confusa con Hertzfeld, visto che sono entrambi chiamati Andy; e infine Chrisann Brennan (Katherine Waterston), ex compagna di Jobs, e sua figlia Lisa (Perla Haney-Jardine), inizialmente non riconosciuta ma poi, lentamente, punto di riferimento per l'uomo (almeno nel film). Era difficile mettere in piedi una pellicola su un personaggio del genere, e tutto sommato la sceneggiatura di Aaron Sorkin fa un buon lavoro nel ritrarre le sue diverse facce: ambizioso, arrogante, testardo (e tirannico), più attento al design e al marketing dei suoi prodotti che non agli aspetti tecnici e creativi (le presentazioni devono essere degli spettacoli, anche a costo di "barare"), propugnatore dei "sistemi chiusi" ma comunque preveggente e visionario (come l'Arthur C. Clarke del quale è riportato uno spezzone di intervista nell'incipit). Peccato che il film, in questo modo, manchi di un vero focus: barcamenandosi fra il lato umano, quello imprenditoriale e quello pubblico di Jobs, non si sofferma fino in fondo su nessuno di essi, tanto che il personaggio viene mostrato soprattutto attraverso il modo in cui lo vedono gli altri (amici e collaboratori, più o meno traditi): e la sua vera natura, qual è?\nEtichette: Biografia, Boyle, Computer, Fassbender, Winslet\ndi Jason Reitman – USA 2013\ncon Kate Winslet, Josh Brolin\nFine degli anni ottanta: il tredicenne Harry (Gattlin Griffith) abita da solo con la madre Adele (Kate Winslet), fragile e depressa, che dopo la separazione dal marito si è rinchiusa ancora di più in sé stessa. Quando l'evaso Frank (Josh Brolin), accusato di omicidio, si rifugia nella loro casa isolata e chiede di ospitarlo fin quando le acque non si saranno calmate, la loro vita sembra improvvisamente cambiare. Frank è affascinante e sensibile, e nel giro di pochi giorni (il "weekend lungo" del Labor Day) dimostra di poter essere un buon padre per Harry e un buon compagno per Adele, tanto che i due meditano di fuggire insieme a lui dalla città... Il quinto film di Reitman junior è il primo che non può essere definito una commedia (anche se i precedenti correvano tutti lungo un labile confine fra comico, satira e dramma), oltre che il suo primo insuccesso di critica: la storia pare uscita da un melenso romanzo rosa (Frank è troppo perfetto per essere vero: aitante, premuroso, cucina bene e pulisce pure... esistono realmente uomini così?), ma la scelta di mostrare quasi tutto dal punto di vista del bambino anziché da quello della madre si rivela indovinata, donando alla vicenda quell'aura avventurosa e da coming-of-age (siamo nel periodo in cui anche il ragazzino comincia ad avere le prime pulsioni sessuali) che la rende molto più accattivante. Ambientato in una cittadina di provincia americana dove tutti sono un po' impiccioni (i vicini, i poliziotti, i negozianti), il film si dipana come un thriller senza veri cattivi, con alcuni passaggi scontati o scelte improbabili, ma il (relativo) lieto fine commuove e soddisfa. E la metafora dell'evaso che a sua volta libera la donna e la famiglia dalla propria prigione è efficace. Ottimi gli attori. Clark Gregg è il padre, Brooke Smith la vicina di casa. Piccole parti per J.K. Simmons (il vicino), James Van Der Beek (il poliziotto) e Tobey Maguire (Harry da adulto).\nEtichette: Casa, Crescita, Famiglia, Jason Reitman, Romantico, Winslet\ndi Lars von Trier – Danimarca 1988\ncon Kirsten Olesen, Udo Kier\nRipudiata da Giasone (Udo Kier), che intende sposare Glauce (Ludmilla Glinska), figlia del re di Corinto, Medea (Kirsten Olesen) si vendica donando alla giovane sposa una corona avvelenata e poi uccidendo i propri figli. Da una sceneggiatura di Carl Theodor Dreyer (e Preben Thomsen) per una pellicola che non fu mai realizzata, Lars von Trier firma un film per la tv danese ispirato alla tragedia di Euripide. La messinscena è lenta e austera, con scenografie naturali e minimaliste (spiagge, grotte, paludi, torbiere: il film venne girato nello Jutland, sulle coste del Mare del Nord, scenario ben diverso dalla Grecia ma adatto alle tempestose emozioni e ai sentimenti che muovono i personaggi) che donano alla storia un'aura assai arcaica, favorita dalle immagini antiche, sgranate, come se viste attraverso un telo. Pur nella sua brevità (poco più di un'ora), la pellicola è molto intensa: LVT sfronda la sceneggiatura dalla parte del coro (che Dreyer aveva previsto, volendo recuperare la struttura originale della tragedia greca) e dà invece grande risalto alla scena finale, quella in cui Medea uccide i due figli, impiccandoli ai rami di un albero secco e isolato su una collina erbosa (immagine presente anche nel logo del film, che comprende anche il nome del regista). Nel testo di Euripide i bambini venivano uccisi con un pugnale, mentre Dreyer aveva pensato al veleno. La lunga sequenza dell'impiccagione, con l'esitazione straziante di Medea e la collaborazione del figlio più grande (che afferma di "sapere quello che deve accadere"), culmina con Giasone che va alla ricerca dei figli e li trova morti: ma già prima non mancano scene memorabili, come la folle corsa del cavallo (avvelenato anch'esso, come Glauce) sulla spiaggia. In un certo senso il film è il primo lavoro di von Trier ad avere una protagonista femminile, al tempo stesso forte e vittima, come saranno quasi tutti i successivi lavori del regista (se si eccettua la trilogia "europea" degli esordi). Kirsten Olesen aveva già interpretato Medea a teatro. Udo Kier sostituì all'ultimo momento Niels Arestrup nel ruolo di Giasone. Henning Jensen è Creonte, il re di Corinto.\nEtichette: Danimarca, Mitologia, von Trier\ndi Dino Risi – Italia 1964\ncon Vittorio Gassman, Amedeo Nazzari\nMarco Ravicchio (Vittorio Gassman), squattrinato addetto alle pubbliche relazioni di una piccola casa cinematografica, vola in Argentina per promuovere una pellicola neorealista ("La città morta") in occasione di un festival a Buenos Aires. Nella delegazione che lo accompagna ci sono l'attempata diva Luciana (Silvana Pampanini), due attricette oche (Maria Grazia Buccella e Annie Gorassini) e uno sceneggiatore comunista (Guido Gorgati). Troveranno una città popolata da esuli ed emigranti italiani, divisi fra chi ha fatto fortuna – come l'impetuoso Ingegner Maruchelli (Amedeo Nazzari), ricco esportatore di carne, che vive nel mito e nella nostalgia della patria abbandonata e che accoglie con il proprio entusiasmo i nuovi arrivati, ospitandoli per l'intera permanenza – e chi è rimasto uno spiantato – come Stefano (Nino Manfredi), amico ed ex commilitone di Marco, restato un pezzente nonostante le molte opportunità. Pellicola "turistica" ("Il Gaucho era un po' un pretesto per andare a fare una vacanza in Argentina", dirà lo stesso Risi), caciarona, improvvisata e senza una vera direzione, che dà il suo meglio soprattutto nel ritratto dei personaggi di Nazzari e di Manfredi (la scena migliore è proprio il malinconico incontro fra i due amici che fanno i conti con i propri fallimenti). Apprezzabile anche la demistificazione del "boom" economico (in Italia c'è ancora chi sta male e pensa di emigrare). Dal lato comico, invece, le gag sono ingenue e stereotipate, e il personaggio estroverso e un po' volgare di Gassman era già stato visto troppe volte (da notare la citazione da "Il sorpasso", quando Marco viene superato da un'auto, guidata da un romano, con lo stesso clacson della sua). Norberto Sanchez Calleja è Cecilio, lo spasimante di Luciana; Nora Carpena è la moglie di Maruchelli, che Marco prova a sedurre. Musiche di Armando Trovajoli. La sceneggiatura è firmata da Ruggero Maccari, Tullio Pinelli, Dino Risi ed Ettore Scola.\nEtichette: Argentina, Commedia all'italiana, Gassman, Immigrazione, Italia, Manfredi, Metacinema, Risi, Viaggio\nLa ballata di Buster Scruggs (J. ed E. Coen, 2018)\ndi Joel ed Ethan Coen – USA 2018\ncon Tim Blake Nelson, Zoe Kazan\nSei episodi ambientati "al tempo della frontiera americana" (ma di storia del west non c'è nulla, siamo ai limiti della leggenda) per il secondo western dei fratelli Coen dopo "Il grinta", un'antologia altamente diseguale, con continui cambi di registro: si passa dalla parodia (o dalla farsa) al dramma, dall'apologo morale all'avventura, con strizzatine d'occhio un po' a tutti i generi (e ai periodi cinematografici) del western, dagli irrealistici cowboy canterini dei primordi ai più sporchi film revisionisti degli anni settanta. A prevalere però è il solito post-modernismo dei Coen, quel guazzabuglio "tarantiniano" e indistinto di cliché rimasticati e di scenari stereotipati, con personaggi dalla caratterizzazione debolissima (a volte assente, vedi il secondo segmento) e con il succedersi di eventi quasi random, che porta a conclusioni anticlimatiche. Ne risultano così episodi scarni, inconcludenti, stiracchiati, quando non decisamente noiosi (perché i tempi lunghi non riescono a costruire la necessaria tensione: non tutti nascono Sergio Leone!), che lasciano lo spettatore a domandarsi che cosa volessero dire gli autori (se mai volevano davvero dire qualcosa: diffido da sempre di quei critici che si sforzano in ogni modo di trovare per forza dei significati nelle opere dei due fratelli). Molto deludente la fotografia digitale. In ogni caso, l'unico episodio che si può dire valido è il quinto, gli altri lasciano più o meno tutti il tempo che trovano.\n"La ballata di Buster Scruggs", con Tim Blake Nelson e Willie Watson (*)\nUn pistolero canterino e damerino, che parla con gli spettatori e con il suo cavallo, giunge in una cittadina per giocare a poker, ma sarà ucciso da un rivale molto simile a lui (vestito di nero anziché di bianco) e volerà in cielo come un angioletto. Una scemenza assoluta.\n"Vicino Algodones" (Near Algodones), con James Franco e Stephen Root (*)\nUn rapinatore di banche viene condannato all'impiccagione, salvato dagli indiani, ricatturato e ri-condannato. L'episodio più esile e insignificante dei sei.\n"La pagnotta" (Meal ticket), con Liam Neeson e Harry Melling (*1/2)\nUn anziano saltimbanco vaga con il suo carro di paese in paese facendo esibire un giovane attore tetraplegico (che recita Shelley, Shakespeare, Lincoln e la Bibbia). Quando gli incassi cominciano a diminuire, lo sostituisce con una gallina intelligente. Mah.\n"Il canyon tutto d'oro" (All gold canyon), con Tom Waits e Sam Dillon (*1/2)\nUn vecchio cercatore d'oro trova un ricco filone in una valle disabitata e paradisiaca, ma deve vedersela con un giovane fuorilegge che vorrebbe sottrarglielo a tradimento. Da un racconto di Jack London. Trascinatissimo, ma bella l'ambientazione.\n"La giovane che si spaventò" (The gal who got rattled), con Zoe Kazan e Bill Heck (**)\nUna timida ragazza parte con una carovana di coloni diretta in Oregon. Durante il percorso riceve una proposta di matrimonio da una delle guide, ma un attacco degli indiani cambierà tutto. Pur con i suoi difetti, l'episodio migliore del lotto (nonché il più lungo).\n"Le spoglie mortali" (The mortal remains), con Tyne Daly e Brendan Gleeson (**)\nUna carrozza trasporta cinque passeggeri (fra cui due becchini) che durante il tragitto confrontano le proprie filosofie sulla vita, la morte, l'amore e gli esseri umani. Scarno, ma con un certo fascino per via delle vibrazioni soprannaturali.\nEtichette: Coen, Film a episodi, Western\ndi George Stevens – USA 1943\ncon Charles Coburn, Jean Arthur, Joel McCrea\nA causa della penuria di alloggi durante la guerra, Benjamin Dingle (Coburn), anziano ed eccentrico milionario in visita a Washington, convince la ritrosa contabile Connie Milligan (Arthur) ad affittargli una stanza del suo appartamento, di cui poi subaffitterà la metà – all'insaputa di lei – al giovane soldato Joe Carter (McCrea). E nonostante la difficile convivenza a tre, grazie ai maneggi di Dingle, fra i due ragazzi scatterà l'amore. Garbata e movimentata commedia "condominiale", in cui Stevens sfrutta a più riprese l'ambientazione in tempo di guerra, a fini comici (la ricerca della stanza, il soldato scambiato per una spia giapponese), romantici (si dice che a Washington, di quei tempi, ci fossero otto donne per ogni uomo) e drammatici (l'imminente partenza di Joe in missione, da cui potrebbe non tornare, aleggia come uno spettro sulla sua relazione con Connie). E la caratterizzazione dei tre personaggi, così diversi l'uno dall'altro (Dingle è intraprendente, senza freni, esuberante e pieno di idee; Connie è precisa, metodica, ma in fondo frustrata e in cerca d'amore; Joe è chiuso e riservato, ma anche sensibile e appassionato), porta avanti la trama quasi da sola. Richard Gaines è Charles J. Pendergast, il noioso e burocratico "fidanzato ufficiale" di Connie. Il motto pluricitato da Dingle è una frase dell'ammiraglio Farragut: "Al diavolo le torpedini [ossia le mine navali, ndr], e avanti tutta!". Da notare l'inquadratura in cui Connie e Joe sono nei propri letti, separati da un muro sottile (che Dingle farà poi demolire nel finale). In Italia il film è noto anche con il titolo originale. Sei nomination agli Oscar, fra cui miglior film, regia, attrice e sceneggiatura: Coburn vinse la statuetta per il miglior attore non protagonista. Rifatto nel 1966 ("Cammina, non correre") con Cary Grant.\nEtichette: Casa, Romantico, Stevens\nBoy meets girl (id.)\ndi Leos Carax – Francia 1984\ncon Denis Lavant, Mireille Perrier\nIl giovane Alex (Lavant), artista indeciso sul proprio futuro, viene tradito dalla compagna Florence, che lo lascia per il suo miglior amico. Una sera conosce per caso Mireille (Perrier), modella con tendenze suicide che a sua volta sta attraversando una crisi con il fidanzato Bernard. Durante una festa, i due si parlano a lungo, seduti in una cucina, e si innamorano... Ma finirà in tragedia. Il lungometraggio d'esordio di Carax, soltanto ventiquattrenne, è una pellicola esistenzialista – e un po' pretenziosa – che omaggia a più riprese (per esempio attraverso l'uso delle sovrimpressioni) le atmosfere di un certo cinema muto sperimentale francese (penso a Jean Epstein, ma anche a Gance e Vigo). C'è persino un personaggio (un vecchio sordomuto!) che afferma che "i film muti erano migliori". Dall'incedere lento e notturno e dai dialoghi sofisticati, poetici e filosofici (non mancano monologhi "godardiani"), il lungometraggio ci mostra protagonisti che conducono esistenze depresse e tormentate, entrambi soli e disperati, impossibilitati a trovare la vera felicità. Disseminate nella pellicola, fra un'inquadratura e l'altra, spuntano talvolta interessanti trovate, come Alex che disegna una personale mappa di Parigi con tutte le sue "prime volte". La fotografia in bianco e nero è di Jean-Yves Escoffier. Denis Lavant (destinato a diventare l'attore feticcio del regista) interpreterà un personaggio chiamato Alex (forse sempre lo stesso) anche nei due successivi film di Carax: "Rosso sangue" e "Gli amanti del Pont-Neuf".\nEtichette: Carax, Francia, Opera prima, Parigi, Romantico


Recensione Metallica Some Kind Of Monster - truemetal.it\nRecensione: Some Kind Of Monster\nDi Stefano Burini - 21 Febbraio 2013 - 0:00\nI Metallica sono da sempre, oltre che un gruppo di fama mondiale e in generale una delle realtà in assoluto più celebrate dell’Heavy Metal, una band in grado di tracciare la via. E non ci riferiamo (o quantomeno non solo) alla questione puramente musicale, sul cui versante molti detrattori potrebbero certamente obiettare che ci siano stati altri n-mila artisti più o meno (s)conosciuti giunti magari un anno o due prima di loro a fare ciò che i ‘Tallica avrebbero reso semplicemente più appetibile e anche commerciabile.\nCi riferiamo, in questo particolare caso, alla capacità dei Quattro Cavalieri di San Francisco di creare dei veri e propri trend, sia artistici che commerciali, destinati a diventare dei nuovi standard il più delle volte celebrati e iper-imitati. Basti pensare alla sterzata melodica imposta al loro heavy/thrash nei primi anni ’90, poi clamorosamente seguita da molti altri illustri colleghi (Testament, Annihilator, Megadeth) o alla scelta, altrettanto imitata, di proporre più d’un album di cover di artisti cardine dell’heavy metal music. Nello stesso modo, dopo essere stati sommersi nel corso degli anni da una valanga di DVD Live, anche la scelta di proporre un opera “alternativa” come “Some Kind Of Monster”, può essere vista ed interpretata in quest’ottica.\nSi tratta, a grandi linee, di un documentario girato quale testimonianza del momento difficile passato dai Metallica nei primi anni duemila, dopo la lunga pausa a seguito del controverso “Reload” e dopo l’abbandono di Jason Newsted. Una sorta di lungo resoconto di oltre un anno e mezzo di psicoterapia di gruppo sotto la guida del dr. Phil Towle, durante il quale la band ha dovuto fronteggiare la decisione da parte di James Hetfield di intraprendere un impegnativo percorso di disintossicazione dall’alcol e la conseguente sospensione dell’attività di scrittura, con prospettive per il futuro tutt’altro che rosee e definite.\nIl racconto è molto lungo ed esteso, a tratti anche noioso, soprattutto nella riproposizione di alcune schermaglie da reality show tra James e Lars sulla cui genuinità ci sarebbe molto su cui discutere. D’altro canto il quadro complessivo che ne deriva presenta, nel contempo, non pochi spunti di interesse. Da un lato i Metallica al lavoro sotto la direzione di Bob Rock, produttore e per l’occasione anche “vice Fourth Forseman aggiunto”, nonché figura dai tratti, in più d’un occasione, addirittura paterni; dall’altro lato le star nella loro finta normalità in cui coesistono famiglie felici, ville extra-lusso, collezioni d’arte milionarie e improbabili (e censurabili) cacce all’orso in Siberia.\nI momenti più interessanti, più che sul pathos di alcune sequenze di confronto tra i tre Cavalieri superstiti, convergono sulle fasi legate alla lavorazione dei vari brani, sulle jam session da cui le idee prendono vita o vengono scartate e sulla creazione dei titoli e dei testi, dimostrando come talvolta (come nell’ottima “Some Kind Of Monster”) certe cose nascano davvero per caso per poi trovare uno sviluppo inaspettato e finire su disco. Chi vi scrive non fa mistero di non aver mai amato particolarmente “St. Anger”, le sue canzoni lunghe e un po’ ripetitive, prive del mordente degli anni d’oro (ma anche di certe buone cose sentite sul discreto “Death Magnetic”) né i suoni utilizzati all’epoca per una registrazione che riuscisse nell’intento di tagliare i ponti con il passato. Tuttavia, gli aneddoti relativi alla nascita di alcuni riff e testi (e la costante presenza dei sottotitoli) aiutano ad apprezzare maggiormente alcune piccole finezze, anche a livello di liriche, che ascoltando semplicemente l’album rimangono in secondo piano rispetto a sonorità così anomale. Interessanti anche alcuni concetti espressi in varie occasioni da questi giganti dell’Heavy Metal riguardo all’”ansia da prestazione”, spauracchio da cui nemmeno star del loro calibro, dopo cinque album di livello elevatissimo e senza più nulla da dimostrare a nessuno, riescono ad essere immuni.\nDegni di menzione anche il contributo degli ex Jason Newsted e Dave Mustaine, quest’ultimo a brutale colloquio con Lars dopo quasi vent’anni dalla sua cacciata e, altrettanto, il processo di selezione del nuovo bassista con cui i Metallica andarono a scegliere proprio Robert Trujillo in mezzo ad una schiera di bass player di grande caratura, tra i quali si intravedono Pepper Keenan, Scott Reeder ed Eric Avery. «Era l’unico che dava l’idea di non fare fatica a suonare i nostri pezzi; gli altri sembravano al 110% delle loro possibilità, mentre lui era a suo agio» disse all’epoca Lars, mentre James constatava con grande approvazione come l’apporto di Rob rendesse il loro sound «migliore».\nDal ritratto generale emerge, inoltre, il sostanziale bifrontismo della creatura Metallica, sempre e comunque dominata dalle due differenti personalità dei leader indiscussi, da un lato Hetfield con la sua smania di controllo totale e dall’altro Ulrich con il suo carattere da bad boy talora un po’arrogante. Inevitabilmente, da un tale scontro/confronto tra i due, la figura di Kirk Hammett esce indubbiamente ridimensionata, relegando il chitarrista a elemento più debole del trio, solo in rare occasioni in grado di alzare la voce e far valere le proprie ragioni.\nIl secondo DVD è, come di consueto, riservato agli extra, dunque ad un buon numero di sequenze tagliate, talune gustose (come quella che riprende le fasi di creazione e registrazione di “We Did it Again”, buon pezzo di rap metal creato con la collaborazione di artisti della scena hip hop come Swizz Beatz e Ja Rule), altre piuttosto inutili (come quella che ritrae Kirk all’ufficio della motorizzazione civile) ma complessivamente divertenti. Tra di esse la più interessante è probabilmente quella in cui prende la parola uno dei manager storici dei Metallica, Cliff Burnstein, con la sua attenta analisi relativa alle motivazioni per cui un gruppo “arrivato”, sia dal punto di vista artistico che dal punto di vista economico, come i Metallica, voglia o meno continuare a mettersi in gioco, quando gli avvenimenti che hanno davvero cambiato le loro vite (come il successo planetario del “Black Album” e di “Master Of Puppets”) sono ormai alle spalle.\nUn prodotto senza dubbio particolare, quindi, non scevro da difetti nè da qualche forzatura a livello narrativo ma, in ogni caso, interessante per i vari motivi eviscerati finora. La visione non è delle più semplici e in alcuni punti manca di scorrevolezza ma, come anticipato, sono per fortuna molti i momenti rilevanti e vi è anche il valore aggiunto dato dalla presenza di un gran numero di ospiti speciali e da alcune sequenze live estratte da concerti datati tra il 1988 e i primi duemila, fino allo show ICON, del quale i Metallica approfittarono per presentare il nuovo bassista. Dedicato ai fanatici dei Four Horsemen.\n«These are the eyes that can’t see me\nThis monster lives!»\nDiscutine sul forum nel topic dedicato ai Metallica!\nBob Rock, Cliff Burnstein, Rob Trujillo, Jason Newsted (Echobrain, Voivod), Dave Mustaine (Megadeth)\nDanny Lohner (Nine Inch Nails), Twiggy Ramirez (Marilyn Manson), Pepper Keenan (Corrosion of Conformity), Scott Reeder (Kyuss), Chris Wyse (The Cult), Eric Avery (Jane’s Addiction), Swizz Beatz, Ja Rule\nJoe Berlinger, Bruce Sinofski


Cartoline Stenopeiche #02 | Esplorazioni\nEST – Esplorazioni Sensoriali Territoriali\nI Magici cinque sensi\nCi sono più posti che strade\nPasseggiare e Mangiare\nCartoline Stenopeiche #02\nIl primo incontro del nostro corso di fotografia stenopeica (che significa piccolo foro) si è svolto in Piazza Savoia nel quartiere La Marina. Durante quel pomeriggio abbiamo visto e costruito delle particolari macchine fotografiche tra gli sguardi incuriositi delle persone e ci siamo divisi in due gruppi: alcuni di noi dipingevano di nero i barattoli e altri costruivano i tappi per le macchine fotografiche in modo tale che le foto che a breve avremmo fatto non si bruciassero!\nNegli incontri successivi abbiamo esplorato con le nostre magiche macchinette via Roma, la via porticata che si affaccia sul porto (per chi fosse curioso i portici sono decorati in stile liberty) e abbiamo imparato le tecniche di sviluppo. Abbiamo fotografato degli edifici e delle barche nel porto. Sotto i portici abbiamo fotografato i negozi ambulanti, chiamati simpaticamente da noi “negozi-mobili” e i luccicanti negozi fissi per dimostrare che la città di Cagliari ha proprio tutto! Un altro tema che abbiamo affrontato è stato “I luoghi d’incontro”: é stato davvero divertente osservare le persone felici e sorridenti che si rilassavano sedute nelle panchine o passeggiavano. Dal punto di vista tecnico abbiamo imparato che quando il tempo non è dei migliori, si deve aspettare tanto prima di chiudere il buco dei nostri barattoli.\nPoi tornati alla “base”, ognuno di noi ha sviluppato la propria foto in camera oscura, che è una stanza buia con le luci rosse. Volete sapere perché le luci sono rosse e non bianche? Abbiamo scoperto che la carta fotografica è sensibile a tutti i tipi di luce tranne a quella rossa. Per sviluppare le foto bisogna immergere con delle pinzette la carta fotografica dentro delle bacinelle riempite con dell’acido (non corrosivo ma irritante e puzzolente) e lavarle nell’ acqua.\nL’ultimo pomeriggio ci siamo ritrovati per creare la pagina del sito dedicata al nostro laboratorio; come in una redazione di un giornale, seduti attorno a un tavolo abbiamo scritto questo testo e caricato le nostre fotografie: eccole qui per voi!\nps: nella galleria su Flickr potete vedere le foto che raccontano le nostre giornate!\nVia Roma, la via porticata che si affaccia sul porto.\n« Laboratorio precedente\nAssociazione EFYS Onlus\nSede Operativa Piazza Dettori 9 Cagliari\n334 960 817 0 - assoc.efys@gmail.com


Piemonte, teoria e pratica della “merenda sinoira"\nAstenersi perditempo. Qui si parla di “merenda sinoira”, singolarissima forma di situazionismo cibereccio tipica del Piemonte, con tutte le fisse e gli inchiodi alimentari della regione, dalle acciughe sotto sale ai carpioni, dall’aglio al sabba degli antipasti e dei contorni, che da comprimari diventano protagonisti.\nUn’appetitosa tappa di fine gita primaverile o autunnale? Una pausa dal duro lavoro in campagna? Uno slittamento dal dovere di nutrirsi al nitido piacere della gola? Intanto, cosa “non è” la merenda sinoira? Non è il brunch urbano fichetto da weekend a cavallo di prima e seconda colazione (breakfast + lunch), perché la merenda sinoira entra in scena a pomeriggio inoltrato e non prevede pancakes, bagels al salmone, uova, spremute, caffè sbrodato all’americana ma bocconi fieri di sapore, non meno sazianti che allettanti, come vedremo a breve, procurandoci robusta salivazione. Non è una merenda tout court perché non se la cava con una fettina di pane e qualcosa o un frullato. E non è una cena per motivi di orario anticipato rispetto al convivio serale.\n(Acciughe al verde)\nLa magica “merenda sinoira” da antica, ristorante abitudine contadina si è trasformata in appendice della giornata festiva e prospera nella provincia piemontese, dove alligna in trattorie-bar attrezzati alla bisogna, osterie di passo, empori con banco alimentari e qualche tavolino, di quelli che dalla primavera in poi come porta hanno strisce di plastica multicolori datate 1959. Se poi tali locali indefinibili e persi su strade provinciali che tagliano paesi in due hanno pure un bersò esterno e avventori âgées con cappello adesivo alla testa e intenti alla briscola davanti al mezzo litro, potete essere sicuri di aver trovato il posto giusto.\nMerenda sinoira. Un casse-croûte, direbbero i francesi, un piccolo, vigoroso pasto, nella fattispecie per rompere il digiuno a sole calante, quando non si distinguono più i languori melanconici del buio incipiente da quelli di stomaco. “Sinoira”, cenereccia, tendente alla cena, a lei assomigliante. Da non confondere - se si ha un minimo di onestà intellettuale - con l’apericena, il dominante rito del dopo-ufficio e dopo-università, dove imperano mangiarini e stuzzichini, corroborati da prosecco o spritz. Aperitivo e cena insieme, perché sostitutivo, se abbondante, dell’appuntamento con la tavola delle otto/nove. Quasi un bisogno inderogabile, dovuto alla penuria di altre occasioni socializzanti e alla speranza - nel caso “dei” e “delle” single metropolitane - di agganci forieri di storielle amorose.\nL’apericena arriva fino a noi per li rami dall’happy hour d’origine britannica importato nella trendissima Milano qualche decennio fa, con la differenza che l’happy hour ha sempre designato consumazioni scontate, se non a metà prezzo; l’apericena, sull’onda di una domanda crescente, si paga abbondantemente intero. Una sottolineatura: mentre l’apericena è frutto di una coazione a ripetere feriale, la merenda sinoira va ormai in scena solo di domenica e nelle festività. Un tocco di “differenza”, di peculiarità da difendere culturalmente in questa epoca di bulimia psico-gastrica nemica del desiderio autentico e che sta riuscendo a trasformarci in apparati consumanti h24 sette giorni su sette.\nIn origine la merenda sinoira “accadeva” all’aperto, sotto una frasca, tra le 17 e le 18, quindi nei mesi caldi. Contrastava la caduta degli zuccheri nei lavoranti di campi, vigneti, frutteti e tutto era meno che ricca. Vi figurava al posto d’onore la soma d’aj, una fetta di pane rustico strofinata con uno spicchio d’aglio (meglio due, va). Se andava bene, aggiuntina d’olio di noci, più reperibile di quello d’oliva nel Piemonte dell’altro ieri. Un pomodoro, magari, un tocchetto di qualsiasi formaggio locale (un Bra morbidino, un Raschera nei territori più vicini ai monti, una toma delle Langhe o affine) e per chiudere una golata di rosso tenuto fresco nel torrente. Stop. C’è chi si abbandona alla fantasia e dipinge rustiche pause con formaggio Castelmagno sposato alla cugnà, la “marmellata” contadina che è uno stracotto di mosto di vino, pere, nocciole, noci, fichi, mele, parente stretto della mostarda bolognese e del savor romagnolo. Ve lo vedete un bracciante di fine Ottocento che si porta dietro in vigna il barattolo della cugnà e il cucchiaino? E già che ci siamo, perché non un termos, la tazza per il tè e qualche butter cookie?\nNegli anni delle prime gite pre e post belliche - per un torinese diciamo valli di Lanzo, val di Susa, laghi di Avigliana, cose così - la merenda sinoira si specializza come bouquet finale delle gite fuoriporta e dei viaggetti mini-turistici, diventa ghiotto appuntamento sulla via del rientro a casa, nasce talvolta da un’occasione fortuita di sosta. Prendiamo a esempio una narcisata domenicale di primavera o una passeggiata prealpina tra foglie caduche. A mezzogiorno, complice l’aria fina sui sei-settecento metri, il panino di sussistenza è stato già sterminato. Altri giri e a una cert’ora si sbaracca, si sale in macchina, le sei sono vicine e un pensiero si insinua, corre alla cena. Ci sarà qualcosa da imbandire? Cosa avranno mai da offrire frigo e dispensa, provati dal weekend? Ti ricordi quel bar-gastronomia sulla strada? La merenda sinoira si materializza così, tra incipiente appetito e voglia di uscire dal seminato. Si giustifica quasi fosse una normale necessità, mentre sotto la cenere dell’ordinario covano braci di meravigliosa trasgressione. “Buonasera, Si può mangiare qualcosa?”\n“Troppa teoria”, griderà ora qualcuno dal fondo della platea, voglioso di passare alla pratica. Ha ragione, passiamo al sodo. L’uovo. Tagliato a metà per il lungo, il tuorlo estratto e ridotto a crema dopo aver incontrato un filo d’olio, due gocce di aceto rosso e un filettino sminuzzato d’acciuga, quindi ricollocato nel concavo naturale. Una frustata alle papille. La merenda sinoira comincia così: non è previsto il petting. Segue un cicinìn di insalata russa maison (almeno due belle cucchiaiate in realtà), idem con la capricciosa. Può mancare un assaggino di vitello tonnato, orgoglio subalpino? Di salame non troppo stagionato? Due acciughe al verde (il verde è prezzemolo, con aglio, olio e aceto di vino bianco) e si passa ai peperoni, domati al forno, privati della pelle, messi in quiescenza tra olio, aglio a fettine e - guarda un po’ - acciughe. “Vado a vedere se son rimaste delle zucchine in carpione”. E avanti così, non tralasciando la giardiniera (“la facciamo noi”) e il classico “antipasto piemontese”, rara sineddoche inversa, con il tutto che indica una parte: è una sorta di composta appetitosa con verdure (carote, cavolfiore, fagiolini, piselli, cipolline, sedano) erbe, salsa di pomodoro e, naturalmente, aceto. In tema di delirio all’agro, non è da escludere una cotoletta di manzo in carpione tagliata a tocchetti: una preparazione non comunissima.\nAd accompagnare questa singolare cena fredda, i grissini, se si ha fortuna dei rubatà alla moda di Chieri, che in piemontese vuol dire "caduti", dal movimento necessario per lavorarli a mano. Ma la merenda sinoira non può dirsi conclusa senza i "tomini elettrici", piccoli formaggi freschi tondi, conservati sott’olio o preparati giorni prima, guarniti con una salsa di pomodoro resa pimpante da pepe, peperoncino e - indovinate un po' - aceto. Tra una chiacchiera e un occhio all’orologio che domani i bambini hanno scuola e si torna a ruscare (in dialetto, lavorare duro), i gotti si colmano più volte di vino, un barbera rosso-nero schietto, di quelli che lasciano nel bicchiere, appena versati, una coroncina passeggera di schiuma color ciclamino. E se capita del grignolino freschetto mica si dice di no. L’ideale è vedersi portare al tavolo una bella buta stupa , una bottiglia a consumo, aperta e quindi ritappata. Ma non si può aver tutto dalla vita.\nLa merenda sinoira è finita, insieme alla giornata festiva. Si torna a casa, si salutano gli amici e si ciondola a letto. Senza passare dalla cucina, se non per la tisana della notte.\nPS. Abbiamo trattato alcuni dei punti di forza della merenda sinoira, trascurando i dolci, dal classico bunet (sontuoso budino con cioccolato, amaretti e liquore) al flan (crème caramel) alle pesche ripiene (cotte al forno e impreziosite - e ridagli - da amaretti e cioccolato), in quanto non facenti filosoficamente parte di questo bizzarro “spuntino” in bilico tra luce e ombra, nel tempo tra cane e lupo, quando il cane non è ancora rientrato a casa, il lupo non è ancora uscito dalla tana e si gioca a prolungare la festività, la lieta parola in compagnia. La favola bella raccontata a tavola, che ci illudeva una volta e ci illude anche adesso.\nPPSS. Il carpione - una tipica marinatura piemontese in aceto bianco dopo frittura - eredita il nome dalla carpa, un pesce d’acqua dolce dal sapore vagamente fangoso che dopo frittura e quiescenza per una notte almeno in aceto, cipolla e salvia, si trasforma in boccone celestiale. Come del resto la tinca, sua parente di primo grado, visto che entrambe appartengono alla famiglia Cyprinidae. La preparazione, nata in passato per conservare i cibi, ha un corrispettivo nell’escabeche spagnolo derivante dall’arabo sikbâg, in Italia declinato scapece (Napoli e Sud), scabeccio (Liguria), su scabecciu (Sardegna). Senza dimenticare le veneziane sarde in saor, perché sempre di frittura e marinatura si tratta.