ARTE (24) I novant’anni di Francesco NEX, pittore in Valle d’Aosta – Il blog di Gaetano Lo Presti\nArte Musica valdostana\nby Gaetano Lo Presti 13 Luglio 2011 1 Maggio 2016\nLascia un commento in ARTE (24) I novant’anni di Francesco NEX, pittore in Valle d’Aosta\nFoto di Martina Beppa Capone\nIl 6 luglio 2011 è stato un giorno di festa per Francesco Nex, il più grande pittore valdostano vivente. Nel pomeriggio, nella sua casa in località Miseregne di Fenis, ha festeggiato, con parenti e qualche amico, il novantesimo compleanno. Persone che, più che vedere, il pittore ha immaginato. Da 6 anni e mezzo, infatti, a causa di una maculopatia degenerativa ha perso la vista. «Vedo un grande grigio che è più noioso del grande buio della morte.-ha confessato- Le persone mi appaiono come macchie che si perdono nel bianco.»\nUn calvario iniziato nel dicembre 2004, subito dopo l’inaugurazione della grande mostra al museo di Piazza Roncas che suggellava una lunga carriera nel corso della quale l’artista, nato a Mattão, in Brasile, ha saputo ottenere eccellenti risultati con ogni tipo di materiale: dalla ceramica al rame, dal cuoio al ferro. Le maggiori soddisfazioni sono, però, arrivate dai coloratissimi “racconti figurati” su seta, allegoria della commedia umana, ambientati in un’atmosfera quasi stupefatta a metà tra favola e realtà. «Ha perfettamente ragione chi dice che la vera felicità è fare il lavoro che piace.- ha continuato Nex- Indipendentemente dai soldi, se mi alzavo alle cinque di mattina per dipingere era perché mi piaceva raccontare me stesso e i miei “desaforo”, una parola portoghese che esprime un insieme di scontento, delusione e disamoramento per un mondo che non mi piaceva e che, almeno nei miei quadri, cambiavo.» Adesso che non può più dipingere è, invece, stanco. E annoiato. Della sua vita, ma, anche del teatrino che in Valle e nel mondo si ripete immutabile e grigio.\nUn pò come lo è il “Cavaliere stanco per antiche geometrie”, uno dei suoi quadri più belli che dal 5 luglio è esposto nelle sale dell’Hotel Cavour et des Officiers del Forte di Bard per la mostra che riunisce le opere dei 15 artisti valdostani più significativi (sembra che, all’inaugurazione, il critico Vittorio Sgarbi, ammirato, si sia offerto di comprarlo). «E’ il mio autoritratto spirituale, anche se, in realtà, ci sono in quasi tutti i miei dipinti. C’è chi ha detto che è un trattato di filosofia. Può darsi, visto che io amavo la filosofia. Forse troppo, visto che all’esame di maturità l’insegnante mi rimandò ad ottobre dicendomi: Nex, lei è troppo filosofo per essere promosso in filosofia. E’ una delle mie tante contraddizioni, come quella di essere stato un combattente che ha sempre odiato le guerre.»\nNonostante tutto, Nex ha ancora un sogno nel cassetto: far rinascere a nuova vita la manciata di case circostanti la propria abitazione. «Una volta ho letto una frase di Goethe che affermava che la casa era il luogo deputato alla storia: storia intesa come concatenazione delle vite di chi ci abita, perché ognuna lascia nella casa un pezzo della sua esperienza. Anche le case di questo villaggio sono pezzi di storia popolare. Standoci si imparano tante piccole cose che vorrei cercare di comunicare agli altri, in modo che siano belle anche per loro.» La festa è stata anche l’occasione per mostrare i primi risultati di una ristrutturazione che, dopo molti anni, si sta concretizzando in un ristorante e un albergo “d’una poverissima eleganza”, che aprendosi verso la Valle, possano fare da base per farla conoscere ed apprezzare. «Vuole essere un piccolo esempio di come si sarebbe potuto condurre il turismo- ha concluso- uno dei settori nel quale in questi anni la Valle ha avuto delle possibilità enormi senza che ne abbia saputo approfittare. Per me il regalo più bello sarebbe che altri trovino buona l’idea e la riproducano.»\nTag: Cuore ribelle Fenis Forte di Bard Francesco Nex Gaetano Lo Presti i novant'anni di Nex Luis de Jyaryot Vescovo Giuseppe Anfossi Vincent Boniface Vittorio Sgarbi\nVoce precedente Gli INCOGNITO fanno ballare il Forte di Bard\nProssima voce RETURN TO FOREVER IV: il Dream Team del jazz elettrico conquista anche il Forte di Bard


Tortu torna, vince e convince nei 100 a Rovereto: ora i Mondiali a Doha - MBNews\nTortu torna, vince e convince nei 100 a Rovereto: ora i Mondiali a Doha\nLo sprinter brianzolo, reduce da due mesi di stop per infortunio, si aggiudica la gara davanti al forte giapponese Sani Brown. Per Filippo un 10''21 con un metro e mezzo di vento contrario.\n27 August 2019 - 22:41\nNella vita tutto, o quasi, è relativo. E non serve certamente Albert Einstein con la sua teoria per dimostrarcelo. Applichiamo questo concetto ad uno sport come l’atletica. Qualcuno potrebbe dire che il 10’’21 con il quale Filippo Tortu, dopo due mesi di stop per una lesione al bicipite femorale sinistro, ha vinto i 100 metri al Palio Città della Quercia di Rovereto, non è un risultato di grande rilievo.\nMa se, invece, si considera bene come è arrivata questa vittoria in un meeting internazionale, forse il giudizio può cambiare. Sino a dire che il 21enne velocista brianzolo, cresciuto a Costa Lambro, una frazione di Carate Brianza e formatosi sulle piste di Besana Brianza e Giussano, non poteva sognare un ritorno alle gare migliore di quello vissuto in provincia di Trento.\nFilippo, che l’anno scorso a Madrid ha siglato il record italiano nei 100 metri con 9’’99 (clicca qui), infatti, ha corso in maniera autoritaria. Nonostante un vento contrario di 1,5 metri al secondo, è andato via in scioltezza e sul traguardo si è lasciato alle spalle il favorito della serata, il giapponese di origini camerunensi, Abdul Hakim Sani Brown, quest’anno capace di un personale di 9’’97.\nNiente da fare anche per gli americani Cameron Burrell, terzo in 10’’37 e Demek Kemp, quinto in 10’’40. Quest’ultimo ha uno stagionale di 10’’03, decisamente più basso del 10’’10 che fino a questo punto della stagione Tortu è riuscito a correre ad Oslo e a Ostrava.\nLa giovane icona dell’atletica italiana, tesserato per le Fiamme Gialle, ex studente del Collegio Villoresi San Giuseppe di Monza (leggi l’articolo) e iscritto, grazie ad una borsa di studio, alla facoltà di “Economia e commercio” all’Università Luiss di Roma, è riuscito a sfruttare a dovere il nuovo manto color azzurro Regupol della pista di Rovereto. Proprio lo stesso tipo di Berlino, dove Usain Bolt nel 2009 siglò gli straordinari record mondiali di 100 e 200 metri.\n“Sono molto soddisfatto della mia gara, una delle migliori della mia carriera – afferma Tortu al microfono della Rai poco dopo l’arrivo – in questi due mesi ho lavorato come non mai, ma una prestazione così convincente mi ha tolto anche i pochi dubbi che potevano essermi rimasti. Mi è piaciuta soprattutto la mia parte lanciata”.\nLa vittoria dello sprinter brianzolo al 55° Palio della Quercia di Rovereto, meeting Ea Premium è, dunque, una buona notizia per tutta l’atletica italiana. L’attesa, del resto, era tanta. Le prime uscite stagionali non sono state esaltanti. E l’infortunio, giunto il 30 giugno in California, in una delle tappe della Diamond League 2019, quando corse, come a Rovereto, in 10”21, aveva lanciato lunghe ombre. Anche sulla capacità di Filippo di reggere il tam tam mediatico seguente allo straordinario record italiano realizzato l’anno scorso.\nCerto, tirato un sospiro di sollievo, ora si deve cominciare a fare davvero sul serio. Ma il velocista brianzolo, apparso a Rovereto anche più strutturato muscolarmente nella parte alta del corpo, sembra essere nelle migliori condizioni fisiche. Il prossimo test sarà il 9 settembre a Minsk, in Bielorussia, dove Filippo, insieme a Marcell Jacobs, rappresenterà l’Europa nei 100 metri della sfida agli Usa. Poi dal 27 settembre i Mondiali di atletica a Doha. Dove l’obiettivo è chiaro. “Punto ad andare in finale e a correre sotto i 10 secondi” dichiara con sicurezza.\nA Doha spera di esserci, magari come riserva, anche Vladimir Aceti (nella foto in alto), che a Rovereto ha corso i 400 metri con un buon 46’’71. Il 21enne di origini russe, amico di Tortu, con cui per oltre dieci anni si è allenato sulla pista di Giussano prima del passaggio alle Fiamme Gialle, ha un primato di 45’’92 sul giro di pista. Gara in cui nel 2017 ha vinto l’oro agli Europei Under 20 di Grosseto.\nChi, invece, è già sicuro di esserci in Qatar è Lorenzo Perini, specialista dei 110 metri ostacoli. L’atleta, allenato dal monzese Giorgio Ripamonti, ha siglato quest’anno un ottimo 13’’45. A Rovereto si è fermato a 13”66.


Gli italiani sono sempre più connessi – AbruzzoLive\ndi Ermanno Natalini\t Il 7 Dicembre, 2017\nFino ad alcuni anni fa le connessioni internet nel nostro Paese erano in condizioni pessime. La velocità media disponibile per l’utente italiano era molto inferiore a quella minima negli altri Paesi Europei e tantissimi nostri connazionali non potevano, o non volevano, connettersi alla rete. Nel corso degli ultimi tre anni le cose sono cambiate in modo radicale, sia per quanto riguarda la qualità delle connessioni, ossia la loro velocità media, sia per quanto riguarda il numero di italiani che si connette quotidianamente.\nSmartphone, fibra ottica, i cambiamenti in atto\nIl cambiamento per quanto riguarda internet in Italia è in atto su più fronti. Da un lato infatti sia il Governo, sia le aziende che gestiscono le telecomunicazioni nel nostro Paese hanno fatto sforzi enormi per colmare il digital divide, ossia l’elevato numero di cittadini italiani che non poteva essere raggiunto in alcun modo da internet a banda larga. Dall’altro lato, oltre alle connessioni a fibra ottica o le cosiddette ultra broadband, oggi sono tantissimi coloro che si connettono tramite smartphone, con la rete 3G o 4G. Il risultato è abbastanza chiaro: che si voglia giocare a blackjack o acquistare un biglietto aereo, oggi lo si può fare comodamente grazie a internet, praticamente in qualsiasi zona della penisola e con velocità media elevata. Rispetto alla realtà di qualche anno fa le cose sono cambiate in modo incredibile: il 10% in più di linee di rete fissa a banda larga rispetto all’anno scorso; una famiglia su due che fa acquisti online; il 20% in più di italiani che si connette regolarmente alla rete. E i trend sono tutti in positivo, con il settore digitale che propone, ogni anno, più di 20.000 nuovi posti di lavoro e il 9% di crescita del suo valore globale.\nMa cosa fanno gli italiani che si connettono? Sono varie le ricerche effettuate un questo senso e tutte mostrano un aumento regolare di tutte le attività che si possono svolgere online. In media però la maggior parte degli italiani utilizzano internet soprattutto per mettersi in contatto con parenti e amici, tramite le App per lo smartphone di messaggistica istantanea, o navigando sulle pagine dei social media. Sommando due tra le realtà più consolidate in Italia, Whatsapp e Facebook, ogni italiano spende circa 27 ore al giorno in rete inviando messaggi o preparando post che riguardano la sua vita privata o fatti di cronaca. Più di 30 milioni di utenti singoli si connettono a internet quotidianamente, andando a modificare un dato che fino a pochi anni fa ci vedeva come fanalini di coda in Europa. Certo, le ricerche mostrano come tanto sia ancora da fare; se ad esempio si considera la velocità media delle connessioni in alcuni Paesi dell’Unione Europea, molte sono del 50% più rapide rispetto alla media italiana. Allo stesso modo ci sono varie zone europee in cui la rete viene sfruttata in modo molto più ampio e diffuso, non solo per diretto, ma anche per studiare e lavorare. I dati però ci fanno ben sperare sul futuro.\nSanità abruzzese in lutto per la prematura scomparsa del dottor Dante Di Giammartino


Incontro con Allan Schore, Roma, 20 e 21 Ottobre 2012\nSocietà Psicoanalitica Italiana Centro di Psicoanalisi Romano, Centro Psicoanalitico di Roma, Istituto G. Bollea di Neuropsichiatria Infantile\nIl contributo di Allan Schore alla evoluzione teorica della psicoanalisi consiste in un condivisibile tentativo di comparare due scienze, a diverso statuto epistemologico, ma che tuttavia negli anni recenti sono entrate in risonanza (Moccia – Solano, 2009) su molteplici questioni di grande rilevanza teorico per entrambi. Le recenti scoperte delle neuroscienze sul funzionamento del cervello per quanto riguarda la memoria, il processamento degli affetti propri e altrui, la formazione e il rimodellamento delle vie neurali convergono con le analoghe evoluzioni della ricerca concettuale della psicoanalisi contemporanea e delle ricerche sull’infanzia in merito a questioni come la genesi della struttura psichica, della teoria del funzionamento mentale inconscio, della azione terapeutica e della natura dello scambio clinico. Per quanto riguarda quest’ultimo punto Schore si colloca fra quei ricercatori che concepiscono l’enactment come un ulteriore approfondimento concettuale sulla dinamica transfert – controtransfert nella stanza d’analisi. Per entrare nel merito comincerei col dire che egli condivide con alcuni contributi della psiconalisi relazionale contemporanea una duplice versione del costrutto che è in linea con le attuali evoluzioni del concetto di acting e di controtransfert (Eagle, 2011), recentemente passati in rassegna anche nella letteratura italiana (Ponzi, 2012). Una concezione che distingue una versione debole ed una forte dell’enactment (Bass, 2003) . Nella versione forte il concetto starebbe a configurare il processo continuo, pervasivo e irriducibile della dinamica interattiva durante lo scambio clinico e, quindi, non sarebbe solo una esperienza episodica che occasionalmente emerge quando l’analista allenta la propria sorveglianza sul controtransfert. Avrebbe più a che fare con la comunicazione da inconscio ad inconscio (Freud, 1912;), un fenomeno ubiquitario, discreto e continuo, un “passaggio segreto” (Bolognini, 2008 ) attraverso il quale un flusso di comunicazioni inconsce scorre continuamente, su un piano non verbale, in parallelo con il piano simbolico-verbale, attraverso la prosodia del discorso, la postura del corpo, le espressioni facciali che inevitabilmente, al di là della parola rivelano l’inconscio del soggetto. Una comunicazione, la cui base neurobiologica risiede nel cervello dx, attraverso la quale i due partner della coppia analitica si scambiano informazioni emotive silenti sui propri stati interni e i propri schemi di auto e di etero regolazione affettiva che inevitabilmente determinano una reciproca influenza dell’uno sull’altro. E’ una forma di riconoscimento biologico, automatica e preriflessiva, con una sua specifica base neurale che sovraordina i successivi sviluppi del riconoscimento della persona e i processi di elaborazione della informazione sociale. Nell’ambito clinico è alla base dell’empatia, della intuizione o della intelligenza emotiva dell’analista che consente un accesso ad una comprensione più autentica degli stati emotivi del paziente. Questa versione dell’enactment, come dicevo, rivela la convergenza delle ricerche neuro scientifiche di Schore con i costrutti della psicoanalisi relazionale. L’idea che la struttura psichica si formi fin dalla nascita in una matrice relazionale, all’interno di migliaia di interazioni madre-bambino di influenza reciproca, essendo quest’ultimo già alla nascita predisposto ad interagire con i cospecifici umani, è oramai acquisita nella psicoanalisi contemporanea e trova conferma nelle recenti scoperte delle neuroscienze sui circuiti della memoria implicita, mediati a livello neurale dall’amigdala e sulle funzioni del cervello dx come sede della comunicazione emotiva . Nella stessa direzione, infatti, vanno le evidenze sperimentali che il cervello dx , dominante nei primi due anni di vita, è specializzato nel processamento della percezione visiva, delle emozioni e soprattutto delle espressioni facciali della madre (Schore, 2003). Scoperte straordinariamente risonanti con quanto sappiamo da tempo come psicoanalisti: che l’inconscio della madre è la prima realtà del bambino e che l’individuo emerge da una diade intersoggettiva (Winnicott, 1965). La stessa generale rivalutazione del ruolo esercitato dalle esperienze, sia pure in rapporto dialettico con fantasia e le predisposizioni biologiche, così trasversalmente diffusa nei modelli psicoanalitici contemporanei, trova conferma negli studi attuali sul cervello per i quali non solo le esperienze di accudimento infantile contribuiscono a garantire un istintuale bisogno di sicurezza, ma anche lo sviluppo delle capacità di pensiero simbolico, attraverso la maturazione dei circuiti ippocampo- aree orbito frontali del cervello sn. Esiste dunque una dialettica cervello esperienza. E se, come sappiamo l’esperienza lascia una traccia, dobbiamo aggiungere oggi che si tratta di una traccia non solo psichica ma anche sinaptica (Cozolino, 2008).\nLa versione debole dell’enactment, invece, si riferisce ad una esperienza pressocchè inevitabile nella cura del pazienti con un passato di esperienze traumatiche che sono particolarmente inclini ad una patologica dissociazione del sé. In questi casi relazioni oggettuali e regolazioni affettive scaturite da una o più esperienze traumatiche, negli anni formativi della struttura psichica, non possono essere integrate dal soggetto, né divenire oggetto di attenzione riflessiva o, ancora peggio, non possono essere articolate sul piano simbolico. Non c’è narrazione possibile quando l’iscrizione in memoria dell’esperienza traumatica è avvenuta prima dell’avvento delle capacità simboliche e infatti, poiché la mente non rinuncia mai alla ricerca di senso e alla comunicazione affettiva, questi contenuti trovano una prima espressione nell’agito, nelle ripetizioni di transfert, nell’identificazione proiettiva e una prima articolazione iconico-simbolica nel sogno (Bucci, 1997). Sappiamo (Ferenczi, 1933) che durante l’esperienza traumatica, massiva o cumulativa, il soggetto si identifica con l’aggressore e ne assimila la negazione della realtà del trauma. E sappiamo anche come una simile identificazione con l’oggetto traumatico produca effetti totalmente alienanti (Faimberg, 1993 )per come appartiene al sé e tuttavia annulla la verità emotiva del soggetto, delle sue percezioni, dei suoi bisogni, desideri ed intenzioni. Una esperienza di sé dagli effetti estranianti, che il soggetto tenta continuamente di ricollocare nella realtà esterna (Fonagy e Target; 2000), da cui è provenuto. In altri termini l’esperienza traumatica , precocemente iscritta nell’apparato psichico nell’ambito del non rappresentabile e del non rimosso, rimane inaccessibile al ricordo. Può soltanto manifestarsi in una dimensione astorica, “presentarsi” nell’azione, in differenti contesti, nei comportamenti automatici delle difese caratteriali, nei sintomi psicosomatici o al contrario nel distacco dal corpo, nel controllo rigido nel corpo di affetti impensabili. Ma soprattutto, e questo è ancora più rilevante per il dibattito odierno, nelle comunicazioni attraverso le risonanze emotive della identificazione proiettiva . Attraverso una sequenza tipica e di frequente osservazione il paziente, sulla base di un dettaglio isomorfico al trauma, presente nella relazione attuale con l’analista, ripete anziché ricordare il trauma, ciò avvia il tentativo di proiettare all’esterno un aspetto alienante derivato dall’identificazione con l’aggressore. A questo fa seguito una pressione intersoggettiva che passa per vie largamente non verbali che inducono nell’analista sentimenti di autosvalutazione, noia, impotenza e fantasie espulsive. E’ come se il paziente, che ha sperimentato la violazione dei propri confini psichici non fosse in grado di cogliere l’esperienza buona con l’analista anche quando è in atto e ricercasse invece un abbattimento delle differenze, come se potesse sentirsi capito solo se l’altro diventa ”uguale “ e potesse esprimersi solo attraverso l’altro (S. Sands; 2007). E in effetti l’analista arriva ad identificarsi con gli aspetti scissi e proiettati del paziente. Naturalmente da parte dell’analista deve esserci un qualche “gancio” che porta dentro le attribuzioni del paziente (per esempio, le dichiarate svalutazioni del paziente con cui l’analista si identifica), rappresentazioni oggettuali dell’analista che lo portano a sentirsi inutile, invaso, impotente e controllato e che inevitabilmente lo portano a risuonare con la induzione del paziente, a perdere l’empatia nei suoi confronti e a divenirne invece reattivamente (identificazione complementare (Racher, 1960)) il suo oggetto persecutorio. Si tratta di momenti ad alta intensità affettiva nei quali paziente ed analista si trovano inconsciamente congiunti, quasi in un “corpo a corpo”, nella ripetizione in azione delle esperienze traumatiche del paziente, mentre sulla scena analitica dominano l’azione e l’eclissi delle funzioni riflessive, Se, come sa chi si occupa di pazienti gravi, una simile esperienza è quasi inevitabile, e per certi versi quasi auspicabile, rimane aperta la questione di come fuoriuscire da questi impasse una volta che paziente e analisti si ritrovano intersoggettivamente congiunti nella ripetizione traumatica. La questione che spero possa aprire una linea di riflessione nel dibattito odierno, mi pare riguardare la definizione del rapporto esistente, ai fini di una benefica elaborazione dell’enactment, tra due modalità di conoscenza e di comunicazione : una implicita, emotiva, intuitiva e partecipata, un’altra mediata dall’uso delle nostre teorie e delle nostre esperienze per comprendere il senso, le ragioni inconsce del comportamento del paziente e talora, ma non è un peccato, anche usata a fini difensivi da parte dell’analista.\nIo penso che un possibile problema è rappresentato dal fatto che spesso il rapporto fra queste due conoscenze è posto in termini dicotomici. Così avremo ad un estremo chi, assegnando il primato alla comprensione affettiva del paziente e alla funzione di testimonianza del suo stato psichico, ritiene che per la via della parola e del simbolo non si raggiunga alcun risultato e che anzi un atteggiamento interpretativo durante l’enactment intensifica l’enactment e irrigidisce la dissociazione(Andrade, 2005 citato in Schore, 2011). Infatti il paziente che sperimenta una attivazione d’angoscia, derivante da esperienze non formulate riemergenti dalla barriera dissociativa, avverte questi contenuti non pensati come stati fisici, impulsi, angosce senza senso per i quali ha bisogno di un riconoscimento che assicuri funzioni esterne di regolazione dell’angoscia. Rispetto all’estrema urgenza di questo bisogno si attiva un tale attaccamento spasmodico, una bramosa ricerca dell’unisono e della condivisione emotiva per i quali l’interpretazione può essere sentita invece come l’espressione del distacco difensivo dell’analista, un rifiuto di farsi contagiare dai suoi affetti, dalle sue parti dissociate. Per queste ragioni Stern ad esempio rintraccia la base dell’azione terapeutica della psicoanalisi soprattutto nelle dimensione non-verbale tessuta nella struttura del dialogo analista-paziente (Stern et al., 1998). All’estremo opposto avremo invece chi (Ogden, 1994), con altrettante evidenze cliniche, sosterrà l’importanza del simbolo proprio per quei pazienti che soffrono di disturbi delle funzioni riflessive e che tendono a vivere gli affetti come stati disorganizzanti e per questo richiedono la funzione trasformativa delle parole per organizzare pensieri sentimenti ed emozioni. Forse la soluzione sta nel riuscire a mantenere l’ “expressiveness” dell’analista nella cornice di una disciplinata attitudine autoriflessiva (Mitchell, 2000). Dunque se da una parte la consapevolezza della diffusione e dell’ inevitabilità dell’enactment ci incoraggia ad un uso più libero della nostra soggettività fuori dalle autorestrizioni di una tecnica rigida e ci dà la possibilità di contenere nella situazione analitica parti e stati opposti ed incongrui del sé. Dall’altra tuttavia abbiamo bisogno anche delle funzioni di garanzia del setting che ci consentano di trovare l’equilibrio fra benefica influenza e riservatezza dell’analista, partecipazione e sensibilità a non invadere lo spazio privato del paziente (Moccia, 2002). Ad esempio alcune osservazioni sull’enactement (Benjamin e Aron, 1999) hanno messo in luce che durante l’enactment l’analista o è catturato nell’agito di transfert controtransfert e perde le sue funzioni riflessive oppure diventa difensivamente interpretativo e razionalizzante, come espressione del proprio distacco emotivo operante sul piano inter ed intrapsichico, vale a dire, da aspetti inaccettabili del paziente e di sé stesso. Tuttavia non è detto però che in questi casi la parola veicoli soltanto il distacco dell’analista. Forse l’azione terapeutica risiede nella capacità dell’analista di continuare a pensare e ad interpretare, resistendo alla tentazione del “corpo a corpo”, rimanendo in contatto affettivo con il paziente e con le proprie emozioni, ma senza perdere il legame con le proprie teorie, esperienze e narrazioni (Black, 2003). Si tratta cioè di continuare a “porre mente” all’enactment, ad esplorarne le ragioni, per riuscire con il paziente, attraverso la ripetizione della vecchia relazione traumatiche, a produrre le condizioni per un nuovo rapporto con l’oggetto. In queste situazioni è tuttavia essenziale trovare un linguaggio che accanto ai significati semantici possa rappresentare anche una forma di esperienza sensoriale . Loewald ad esempio ritiene in proposito che ciò che è cruciale è la trasformazione attraverso il linguaggio di esperienze ossificate, “staccate dalla densità originaria del processo primario”. Esiste direi un livello artistico della interpretazione, quale mi pare di osservare in certi passaggi di Bromberg, ripresi in questo lavoro anche da Schore, nel quale le parole funzionano come un veicolo creativo, con “potenzialità poietiche, proprio come nel caso della poesia… come base per …fenomeni, contesti, connessioni, esperienze, mai prima conosciute e dette.” (Loewald, 1980, p. 211).\nVai al sito SpiWeb


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Chiuse ben 6 scuole a Taurianova - Taurianova Talk\nChiuse ben 6 scuole a Taurianova\nCerto è che a Taurianova non ci facciamo mancare niente, e non ci servono nemmeno i ricorsi al Tar.\nIn ordine sparso è stata chiusa prima la scuola dell’infanzia e poi quella primaria della frazione di Amato per sospetto focolaio Covid-19. Chiusura che continua come precisato nell’Ordinanza n. 3 per permettere la bonifica della scuola, dopo il caso di positività di una bambina della stessa scuola. E siamo a 2 scuole chiuse.\nPoi (o forse prima) è stato chiuso l’intero plesso della frazione di San Martino: infanzia, primaria e secondaria di primo grado (la classica scuola media). Un grave guasto all’impianto di riscaldamento che però è stato comunicato “a voce” e noi ne siamo venuti a conoscenza solo adesso. E siamo a 5 scuole chiuse.\nInfine è stata sospesa la didattica in presenza e attivata quella a distanza nella scuola primaria dell’Istituto Monteleone – Pascoli e anche questa volta per un guasto all’impianto di riscaldamento. Bruciata la scheda madre della caldaia e siamo a 6 scuole chiuse.\n6 scuole chiuse nei primi quattro giorni della ripartenza\nE siamo anche solo a giovedì sera, il quarto giorno dall’inizio della scuola in presenza dopo mesi di chiusure, e domani siamo in zona arancione con un’allerta gialla, ma rispetto all’anno scorso abbiamo un vaccino e un Sindaco, che ha firmato stasera l’Ordinanza n.4, dove c’è scritto riguardo alla scuola di San Martino che il Dirigente scolastico “ha comunicato la necessità di dover sospendere le attività didattiche nel plesso scolastico della Frazione SanMartino, a causa di un guasto occorso all’impianto di riscaldamento che ne causa l’impossibilità d’uso”, e lo ha fatto con “PEC trasmessa il 09/01/202”, quindi la scuola a San Martino purtroppo non è mai iniziata. Certo, non si può avere tutto!


SEMA 2017 Las Vegas - Il Salone Americano dell'Elaborazione per l'Auto - Carpedia\nSEMA 2017 Las Vegas – Il Salone Americano dell’Elaborazione per l’Auto\n30 ottobre 2017 @ 9:00 - 2 novembre 2017 @ 14:00\nNella più grande città del Nevada, dal 28 ottobre apre i battenti il SEMA (Specialty Equipment Market Association), manifestazione dedicata alle modifiche sugli autoveicoli, dal tuning alla preparazione che richiama ogni anno migliaia di appassionati.\nLa prima edizione fu proposta nel 1963, a Los Angeles e, dal 1977, si svolge a Las Vegas. Il motivo del trasferimento è dovuto allo spazio, perché, anno dopo anno, la mostra si è allargata giungendo, nel 2017, a raccogliere più di 2.400 costruttori, circa 70.000 buyers e con il 25% dei visitatori provenienti da fuori degli States. Sono dati importanti che fanno capire che l’auto non sarà mai concepita solo come mezzo di trasporto per spostarsi da un punto ad un altro.\nQuest’anno sono previsti dodici padiglioni tematici suddivisi in quattro categorie e uno dedicato ai nuovi prodotti dove le varie aziende presentano quasi 3.000 novità tra parti, strumenti e componenti recentemente introdotti. A questo va aggiunto il Padiglione delle Performance, una zona dove di volta in volta le case automobilisti potranno mostrare, tramite esibizioni su strada, i loro bolidi più innovativi.\nVisite totali: 33\n2 novembre 2017 @ 14:00\nLas Vegas, Nevada 89109 Stati Uniti + Google Map:


Gong!: "c'è bisogno di disciplina"\nbeh, siamo tornati, per ora solo io ma siamo tornati. circa 20 giorni fa tutti gli autori di questo blog sono stati convocati d'urgenza alla riunione indetta dal presidente del network A.B. (tranquillo bus, non sei tu) il quale dopo averci accolto e fatti accomodare sulle poltrone il pelle con il nostro logo, ha chiuso la porta dell'aula riunioni a chiave ed ha cambiato espressione. dapprima ha iniziato con la visualizzazione dei grafici inerenti agli accessi al sito... poi è passato ad analizzare le cause di questo "trend" (ha utilizzato questo termine), ed uno ad uno si è messo a schiaffeggiare tutti gli autori con l'aiuto di un negro che (come direbbe piero) c'ha preso a nerchiate sulle tempie. terminata questa tortura già i primi segni di cedimento cominciavano a vedersi negli occhi degli autori, infatti ad un certo punto un nostro collega, che chiameremo in maniera fittizia Domenico Lembo, ha iniziato ad urlare come un pazzo prendendo a testate la serratura della porta nella speranza di aprirla. invano. vedendo questa reazione il magnifico presidente è dunque ritornato sui suoi passi ed ammise:\n"..ragazzi, scusate, ma io sono stato il primo a perdere la testa dopo aver letto questi indici. non possiamo permetterci di avere altre battute di arresto, un'altra defaillance manderebbe in crisi l'intera organizzazione. avete bisogno di recuperare un po' di verve, e serve più disciplina. sinceramente non so neanche cosa significhi, ma so che ne abbiamo bisogno tutti, specialmente voi. miei cari autori, prima di rilasciarvi a pascolare nella rete, voglio che voi tutti affrontiate 2 settimane al CRAB, ovvero Centro di Recupero per Autori di Blog. non sarà facile lo so, ma sono anche convinto che ne uscirete tutti cambiati, in qualche modo più maturi e coscienziosi, e soprattutto quello che più mi preme, uscirete ricchi di idee. avete 10 minuti per radunare le vostre merdosissime cose, lasciate i cellulari negli uffici, si parte alle dopo pranzo esatte."\nin realtà ne eravamo tutti entusiasti, non vedevamo l'ora di partire, già le cose stavano cambiando, si avvertiva nell'aria. poi invece ci rendemmo conto che aveva scoreggiato l'autista del bus (tranquillo bus, non sei tu) che ci stava accompagnando al villaggio CRAB.\nappena arrivati siamo stati accolti dal BUS (tranquillo bus, non sei tu) ovvero dal Badante Umile e Servizievole, che ci ha subito accompagnati nella camerata dove dormivamo tutti insieme. di lì a poco abbiamo conosciuto il nostro capo istruttore S.M.Hartman, che ha curato il nostro recupero. ecco qui un breve filmato ripreso dal Bus (si, tu)\nsiamo tornati, migliori.\nSclero di pulcino da combattimento alle 11:56


Piadena, Corte dei Conti: "Mancata riduzione della spesa per il personale" - OglioPoNews\n14 maggio 2016 Commenta\nPiadena, Corte dei Conti:\ndella spesa per il personale"\nLa delibera accerta le responsabilità della passata amministrazione comunale per "il mancato conseguimento dell’obiettivo di riduzione della spesa per il personale a tempo determinato o assunto con altre forme di contratto flessibile".\nIl municipio di Piadena\nPIADENA – Con la deliberazione numero 99 del 18 marzo, la Corte dei Conti si è pronunciata rispetto alla vicenda dell’incarico all’architetto Floriana Petracco, sollevata dalla Lista Civica Per Piadena Unita nel 2014. La sezione regionale di controllo per la Regione Lombardia ha accertato “il mancato conseguimento dell’obiettivo di riduzione della spesa per il personale a tempo determinato o assunto con altre forme di contratto flessibile” ed “il mancato rispetto dell’obiettivo di riduzione del complessivo tetto di spesa”. Ma cosa accadde nel 2014? Gli allora consiglieri di minoranza Francesco Bazzani e Mara Malinverno avevano fatto venire meno il numero legale in un consiglio comunale che avrebbe dovuto approvare il Pgt in quanto contestavano la presenza quale dipendente del Comune di un architetto che fu scelto dall’ex sindaco Bruno Tosatto per un’assunzione fiduciaria.\nSecondo i due consiglieri il rapporto di lavoro era decaduto con la morte del sindaco, ed il vice Gianfranco Cavenaghi avrebbe dovuto, se avesse voluto continuare ad avvalersi delle sue prestazioni, effettuare un nuovo contratto. Nel 2012, secondo la ricostruzione fatta all’epoca dai due consiglieri di minoranza, Tosatto disse che il Comune aveva necessità, per meglio organizzare l’area tecnica, di una professionalità che si potesse confrontare con il redattore del PGT, così in base all’art. 110 del Testo Unico degli Enti Locali, fece un’assunzione fiduciaria a tempo determinato e scelse un architetto. Per legge un incarico del genere decade con il sindaco per qualsiasi motivo, mentre a Piadena la figura è rimasta alle dipendenze senza adeguamento, decadenza o rinnovo.\nDi fatto, in Comune c’era un dipendente che da tempo lavorava ed era stipendiato senza avere un contratto. La vicenda ottenne un parere espresso dal Ministero dell’Interno, un esposto alla Corte dei Conti (andava fatta una selezione). Quindi un nuovo esposto, in base al quale fu avvisata la Prefettura. Dal 1° gennaio 2014 tutti i dipendenti comunali piadenesi erano passati all’Unione, l’architetto era però rimasto l’unico dipendente del Comune di Piadena. “Se c’è un danno erariale non è giusto che lo paghino i cittadini, ma i responsabili”: avevano attaccato Bazzani e Malinverno. Sabato 14 maggio 2016, in consiglio comunale a Piadena, ultima adunanza prima delle elezioni amministrative del prossimo giugno, come secondo punto all’ordine del giorno vi è proprio la lettura della delibera numero 99 della Corte dei Conti, che ha accertato la mancata riduzione della spesa dell’ente.


Il (finto) piercing alle labbra è tornato di moda | Bigodino\nIl (finto) piercing alle labbra è tornato di moda\nMa per fortuna è solo finto!\nHome > Fashion > Il (finto) piercing alle labbra è tornato di moda\nGli anni Novanta non sono mai morti. Sì, lo sappiamo che è passato tanto tempo ormai da quando quella decade è finita, eppure siamo ancora qui a parlarne e non solo perché in tv sono tornati i vecchi telefilm e le serie tv che ci hanno appassionati in quegli anni, ma anche perché la moda ciclicamente ci ripropone i trend dell’epoca. Certo, se ci pensiamo adesso non è che le tendenze di allora ci facciano impazzire, ma la moda è imprevedibile: ecco che anche il piercing alle labbra è tornato di moda.\nTranquilli, però, perché il piercing sulle labbra è sì tornato in auge, ma è rigorosamente finto! Sono moltissimi i marchi di moda che ce lo hanno mostrato sulle loro passerelle, così come sono diverse le celebrities che non hanno perso tempo e hanno accolto con gioia questo trend. Però l’importanza è che sia finto, così non ci fa nemmeno male.\nIl piercing alle labbra, che però non è un piercing, ci arriva direttamente dagli anni Novanta: a differenze di quelli originali, però, non dovremo andarci a far bucare un bel niente, perché ci basterà acquistare, anche online (le foto si riferiscono ai modelli in vendita su Etsy) un pratico anellino removibile, da applicare sul labbro inferiore o superiore.\nNon dovremo far altro che applicare l’anellino dove più ci piace e il gioco è fatto, avendo cura di farlo nella massima sicurezza e igiene: meglio dargli una lavatina prima, magari con un disinfettate.\nQuando vi sarete stancate o se vi dà fastidio, potrete toglierlo con estrema facilità, a differenza del vero piercing che, invece, a volte, fa proprio dannare.\nChe dite, accogliamo questo trend degli anni Novanta? Non è male come idea, anche perché se non ci piace, non dovremo pentirci di esserci bucate le labbra!


Bellincampi | Stagione 18_19 by Orchestra della Toscana - Issuu\nI. Adagio - Allegro vivace II. Adagio III. Menuetto Allegro vivace - Trio. Un poco meno allegro IV. Allengro ma non troppo\nLangsamer Satz (versione per orchestra d'archi) Concerto n.2 in fa minore per pianoforte e orchestra op.21\nmercoledì 6 febbraio 2019 ore 21.00 FIRENZE, TEATRO VERDI\nConcerto fiorentino trasmesso in differita da Rete Toscana Classica\ngiovedì 7 febbraio 2019 ore 21.00 venerdì 8 febbraio 2019 ore 21.00\nGIORDANO BELLINCAMPI Nato in Italia e trasferito a Copenhagen da giovane, ha iniziato la sua carriera con la Royal Danish Orchestra come trombonista, prima di fare il suo debutto come direttore nel 1994. È direttore musicale della Auckland Philharmonia Orchestra in Nuova Zelanda; ha iniziato ricoprendo il ruolo di direttore principale alla Athelas Sinfonietta Copenhagen (il massimo ensemble danese di oggi), in seguito è stato direttore musicale della Copenhagen Philharmonic Orchestra, della Danish National Opera di Aarhus, della Duisburg Philharmonic e direttore principale de I Pomeriggi Musicali di Milano e della Kristiansand Symphony Orchestra dal 2013 al 2018. È regolarmente ospite di molte orchestre in tutto il mondo, in particolare scandinave ed europee, tra cui la Royal Stockholm Philharmonic Orchestras, la Rotterdams Philharmonisch Orkest, la Royal Flemish Philharmonic Orchestras e la St. Petersburg Symphony, ma anche del Nord America, dell'Asia e dell'Australia. Oltre al vasto repertorio che comprende brani classici, romantici e contemporanei, è celebre per la sua abilità nel dirigere la tradizione sinfonica di autori europei, in particolare italiani e scandinavi, e di composizioni corali e vocali. Nelle ultime stagioni ha diretto in forma di concerto Aida di Verdi e Manon Lescaut\ndi Puccini con la Auckland Philharmonia, la musica operistica e orchestrale di Wagner con la Duisburg Philharmonic in occasione della riapertura della sede dell'orchestra nel Mercatorhall di Duisburg, ed è stato ospite alla Concertgebouw Hall di Amsterdam con le musiche di Nielsen, Sibelius e Beethoven. Nel 2017/18 si è esibito con I Pomeriggi Musicali e la Tasmanian Symphony, ha diretto quattro programmi con la Toledo Symphony, e ha debuttato con la Sofia National Opera nel Requiem di Verdi. La stagione in corso lo vede protagonista sul podio dell'Estonian National Symphony, della Victoria Symphony, dell'Orchestra Sinfonica Siciliana e impegnato nell'esibizione concertistica di Don Giovanni di Mozart con la Auckland Philharmonia. Inoltre continuano i suoi progetti educativi con la conduzione della prestigiosa Michael Hill Violin Competition e del New Zealand Aria singing contest, e lavorando accanto ai giovani musicisti della Australian Youth Orchestra al National Music Camp. Si è distinto in campo operistico fin da quando ha fatto il suo debutto con La Bohème di Puccini nel 2000 alla Royal Opera di Copenhagen. Qui ha diretto gran parte dei più grandi lavori italiani concentrandosi soprattutto su Puccini e Verdi, tra cui l'acclamata nuova produzione di\nAida all'inaugurazione del nuovo teatro nel 2005. È stato più volte ospite apparso della Deutsche Oper am Rhein con cui ha chiuso la stagione 2012/13 con una nuova produzione di Luisa Miller di Verdi e ha diretto nel 2013/14 Norma di Bellini, La Bohème, Cavalleria Rusticana e I Pagliacci di Mascagni. Durante la sua carriera ha diretto inoltre Il cavaliere della rosa di Richard Strauss, L'olandese volante e Tristano e Isotta di Wagner, e Il flauto magico di Mozart. Collabora in gala orchestrali e recitals con molti dei più noti cantanti d'opera, tra cui Angela Gheorghiu, Joseph Calleja e Roberto Alagna, e con musicisti del calibro di Sarah Chang e Angela Hewitt. La sua discografia include numerose registrazioni di compositori danesi classici e contemporanei, tra cui Vagn Holmboe, Hans Christian Lumbye, Oachim Andersen, Per Nørgård, Christoph Ernst Friedrich Weyse (con la prima registrazione dell'opera Sovedrikken). E ancora il cd Arias con le musiche di Puccini, Verdi, Bellini e Donizetti interpretate dalla voce di Liping Zhang e dalla Prague Philharmonia per EMI Classics; nel 2016 è uscita la sua prima incisione con la Duisburg Philharmonic per il Concerto per violino di Nielsens eseguito da Kolja Blacher. Nel rupolo di "professore associato" alla Royal Danish Academy, Bellincampi\ndedica molto del suo tempo alla formazione è delle generazioni di musicisti e direttori d'orchestra; tiene regolarmente lezioni ed è membro delle giurie di competizioni internazionali di direzione d'orchestra. Nel 2010 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine di Dannebrog, un premio donato dalla Danish Royal Family per i servizi alla cultura danese, e a questo si aggiunge la nomina di Cavaliere dal Presidente d'Italia per la sua promozione internazionale della musica italiana.\nPIETRO DE MARIA Dopo aver vinto il Premio della Critica al Concorso Čajkovskij di Mosca nel 1990, ha ricevuto il Primo Premio al Concorso Internazionale Dino Ciani al Teatro alla Scala di Milano (1990) e al Concorso Géza Anda di Zurigo (1994). Nel 1997 gli è stato assegnato il Premio Mendelssohn ad Amburgo. La sua intensa attività concertistica lo vede solista con prestigiose orchestre e con direttori quali Roberto Abbado, Umberto Benedetti Michelangeli, Gary Bertini, Myung-Whun Chung, Vladimir Fedoseyev, Daniele Gatti, Alan Gilbert, Eliahu Inbal, Marek Janowski, Ton Koopman, Michele Mariotti, Ingo Metzmacher, Gianandrea Noseda, Corrado Rovaris, Yutaka Sado, Sándor Végh, Jonathan Webb. Nato a Venezia nel 1967, ha iniziato lo studio del pianoforte con Giorgio Vianello e si è diplomato sotto la guida di Gino Gorini al Conservatorio della sua città, perfezionandosi successivamente con Maria Tipo al Conservatorio di Ginevra, dove ha conseguito nel 1988 il Premier Prix de Virtuosité con distinzione. Il suo repertorio spazia da Bach a Ligeti ed è il primo pianista italiano ad aver eseguito pubblicamente l’integrale delle opere di Chopin in sei concerti. Recentemente ha realizzato un progetto bachiano,\neseguendo i due libri del Clavicembalo ben temperato e le Variazioni Goldberg. Da questi lavori sono nate in seguito delle incisioni (per Decca) che hanno ricevuto importanti riconoscimenti dalla critica specializzata, tra cui Diapason, International Piano, MusicWeb-International e Pianiste. È Accademico di Santa Cecilia e insegna al Mozarteum di Salisburgo; è nel team di docenti del progetto "La Scuola di Maria Tipo" organizzato dall’Accademia di Musica di Pinerolo.\n(Vienna 1883 - Mittersill 1945)\nLangsamer Satz versione per orchestra d'archi\nnota a cura di Michele Manzotti Il suo è un destino curioso nella storia della musica. La figura meno evidente agli occhi del pubblico nell’ambito dei tre compositori che hanno fissato regole e prassi della scuola musicale di Vienna che seppe rompere con il passato ottocentesco per lanciare un ponte verso nuove sonorità. Eppure Anton Webern è un compositore la cui impronta nel cammino del linguaggio musicale è ben definita e tutt’altro che secondaria. Basterebbe ricordare l’anno della sua scomparsa, il 1945. È l’anno anche della conclusione del terribile conflitto mondiale che cambiò per sempre le sorti dell’umanità, bisognosa di cominciare una nuova epoca. In questo dopoguerra si sviluppano musicalmente molte delle idee di Webern, che lascia così un’eredità importante. Un passo indietro va fatto pensando al punto di partenza di Webern, alla già citata scuola di Vienna (anzi alla seconda scuola di Vienna, dato che per prima si intende quella di Haydn, Mozart e Beethoven) la cui triade ha rappresentato una vera e propria rivoluzione teorica e pratica nel mondo della musica. Teorica perché il capostipite di questa scuola, Arnold Schönberg, ha lasciato scritti per illustrare la sua scelta della dodecafonia, ovvero il metodo di composizione con dodici note che supera il concetto della tonalità. Pratica perché anche gli esecutori devono\nentrare (a maggior ragione lo dovettero fare a suo tempo) in un linguaggio diverso da quello della musica tonale che ha caratterizzato tanti secoli. Inoltre non abbiamo ancora nominato Alban Berg, il terzo autore simbolo della scuola. Berg ha rappresentato la vocazione alla spettacolarità del linguaggio dodecafonico per aver lasciato delle opere teatrali importanti come Lulu e Woyzeck. Così tra il maestro e teorico Schönberg e l’operista Berg, definizioni date in estrema sintesi, Webern rimane apparentemente in ombra. Ma invece di provare a spiegare noi la sua figura, lasciamo che sia lui stesso a presentarsi. «Immagino che molti fra voi non siano musicisti di professione, e che dunque bisognerà che mi rivolga a loro come profani. Desidero quindi tener sempre presente questo fatto nelle mie conferenze, anche a rischio di diventare noioso ai più “provveduti”. Non mi è proprio possibile evitarlo, ma forse anch’essi troveranno in tutto questo un certo interesse». Sì, è proprio la voce di Webern e rappresenta l’inizio di una serie di sedici conferenze che l’autore tenne in una casa privata di Vienna tra il 1932 e il 1933 di fronte a un numero ristretto di ascoltatori. Parole che furono stenografate da un amico del musicista e ritrovate molti anni dopo la fine della guerra e il crollo della dittatura nazista che ne aveva impedito la pubbli-\ncazione. Conferenze di tipo colloquiale e non sistematico che parlano della sua ragione di vita a partire alle origini. «Qual è il materiale musicale? Il suono. Quindi, a rigore si dovrebbe cominciare, già da questo punto, a cercare le leggi e le conseguenze di queste leggi. Desidero parlarvi di un argomento che forse non a tutti voi è noto: come si è giunti a quella che chiamiamo musica? In che modo gli uomini hanno usato ciò che era stato loro donato dalla natura? Voi sapete che il suono non è un’entità semplice, ma al contrario qualcosa di composto. Voi sapete che ogni suono contiene degli armonici, in numero praticamente infinito, ed è straordinario come l’uomo abbia saputo utilizzare in senso pratico questo fenomeno, adoperando quello che gli era principalmente necessario per produrre un sistema musicale, come egli abbia saputo servirsi di questo mistero». Questo punto è particolarmente importante. Ogni epoca, anche la più remota, ha avuto a che fare con il suono. Chi ha scritto musica lo ha fatto con il materiale a sua disposizione: teorico con le conoscenze acquisite fino al momento storico in cui ha operato e pratico con gli strumenti che aveva a disposizione (e che talvolta ha contribuito a far evolvere). Questa è la base su cui il lavoro di Webern posa e al di là dei risultati il modo di operare è lo\nstesso dei suoi antenati illustri. Un’opera dove alla creatività si unisce la ricerca. «Esistono anche musiche di altri popoli, oltre a quella occidentale (io non ne capisco molto): ad esempio quella giapponese e quella cinese, sin dove non divengono un’imitazione della nostra. Tali musiche hanno altri generi di serie, non quella dei sette suoni, ma il fatto che alla nostra musica sia tracciato un cammino particolare, sembra dimostrare la logicità e la profonda fondatezza del nostro sistema». Ma i sette suoni principali, insieme ai cinque che completano la notazione del sistema temperato codificato nel XVII secolo, possono essere trattati in un altro modo rispetto al passato con le idee nate grazie al maestro di Webern, Arnold Schönberg. «I grandi maestri hanno teso, nel modo più chiaro possibile, alla coerenza. Un mezzo per raggiungerla fu la tonalità. Come mai nella musica dodecafonica si è realizzata una così grande coerenza? Proprio perché nell’esposizione della serie che sta alla base della composizione non si può ripetere un altro suono prima che siano stati esposti tutti gli altri». Questi alcuni aspetti della teoria di Webern che andrà molto avanti con la sperimentazione fino a superare la dodecafonia per mettere le basi di un nuovo linguaggio, quello del puntilismo (un insieme di eventi sonori isolati). Per la composizione in\nprogramma però torniamo indietro negli anni, all’inizio del XX secolo. Langsamer Satz fu ispirato dalla vacanza compiuta nell'estate del 1905 in compagnia della cugina Wilhelmine Moertl, di cui l'autore era profondamente innamorato e che alcuni anni più tardi divenne sua moglie. Il brano è ancora ispirato al tardo romanticismo ed è comunque caratterizzato da molte sfumature di sentimento e altrettante suggestioni. Un brano dal linguaggio armonico strettamente tonale con l’uso cromatico che annuncia le future evoluzioni della scrittura di Webern. Musicista che grazie alla ricerca sulla tradizione ha saputo leggere il suono del futuro.\n(Zelazowa Wola, Varsavia 1810 - Parigi 1849)\nConcerto n.2 in fa minore per pianoforte e orchestra op.21 durata: 30 minuti circa\nnota a cura di Marco Mangani I concerti per pianoforte di Chopin costituiscono uno dei più clamorosi casi di scissione tra pubblico e critica che la storia della musica ricordi. I frequentatori di concerti e gli acquirenti di dischi hanno una straordinaria familiarità con queste pagine, e molti di loro, probabilmente, trasalirebbero di fronte alla pessima stampa di cui esse hanno goduto fino a tempi recenti (con qualche eccezione degna di rilievo, tra cui, nella prima parte del Novecento, il critico inglese Donald Francis Tovey). Vediamo un po’. Sarebbero orchestrati male (Chopin era un pianista, l’orchestra non era affar suo); sarebbero formalmente pericolanti (vuoi mettere la lucidità degli Studi, dei Preludi?); farebbero un uso eccessivamente disinvolto delle tonalità secondarie (qui era d’accordo anche Tovey, che considerava “suicida” il piano tonale dell’Allegro maestoso dell’op.11). Aggiungiamo infine l’accusa delle accuse, specie in un Novecento dominato dal masochismo adorniano: sarebbero troppo “facili” da ascoltare. A parte il fatto che un’accorta commistione di facilità e artificio è alla base dell’estetica stessa del concerto solistico almeno a partire da Mozart (che se vuol creare problemi all’ascoltatore compone un quartetto, non un concerto), c’è da dire che al pubblico della prima esecuzione il\nConcerto in fa minore non parve affatto così facile: «L’Allegro iniziale del mio concerto è accessibile solo a pochi. Ci furono delle acclamazioni, ma, credo, solo perché la gente si sentiva obbligata a mostrare interesse (“Ah, qualcosa di nuovo!”) fingendo di intendersene». Così, scrivendo a un amico, commentava Chopin quella serata del 17 marzo 1830. Il problema è che la critica, quando prende abbagli, li prende quasi sempre per lo stesso motivo: anziché cercare nelle cose quel che c’è, preferisce sentenziare su ciò che dovrebbe esserci e non c’è. Va detto infatti che i concerti di Chopin non aderiscono semplicemente a un genere (quello del concerto, appunto), ma si conformano a una precisa tipologia, quella del concerto brillante: con questa tipologia doveva cimentarsi un pianista che ambisse a intraprendere la carriera del virtuoso; e il trionfo riscosso a Vienna in occasione della sua prima tournée nel 1829 prometteva al giovane polacco proprio quella carriera. I modelli diretti di Chopin sono dunque da cercare tra nomi che non rimandano ai piani alti del nostro museo virtuale della musica: Friedrich Kalkbrenner; Ignaz Moscheles; Johann Nepomuk Hummel. A Kalkbrenner, per il quale nutriva un’intensa ammirazione, Chopin dedicò la pubblicazione del Concerto in mi minore op.11 (il cosiddetto “primo” concerto); il\nConcerto in sol minore di Moscheles era una pagina addirittura paradigmatica, che Schumann aveva eletto a emblema del romanticismo di contro al Sol minore “classico” (bum!) della celebre sinfonia mozartiana; il Concerto in la minore di Hummel, infine, si presenta fin dalle prime battute come una fonte di ispirazione immediata del Concerto op.21 di Chopin. Anche in questo caso tutto, non solo la scrittura pianistica, parla della tipologia “brillante”: la scansione del primo movimento; il recitativo che costituisce la sezione centrale del Larghetto (un procedimento caro a Weber e allo stesso Moscheles); la presenza di una danza caratteristica nel finale (nello specifico una mazurka, che è dunque anche un omaggio dell’autore alla propria terra). Cercare in un concerto brillante l’elaborazione formale di un quartetto di Beethoven è chiaramente fuor di luogo: sono diversi gli esecutori, i destinatari, gli scopi e gli intendimenti. Quanto all’orchestra, non possiamo che confermare il giudizio di Tovey: è discreta e corretta, con qualche sbandamento. Che poi Chopin sia libero nell’uso delle tonalità è senz’altro vero. Ma qui dobbiamo obiettare, innanzitutto, che su questo aspetto solo piuttosto tardi furono dettate regole rigide, e anche il repertorio cosiddetto classico presenta una casistica molto più varia di quanto\ngeneralmente si pensi (proprio il concerto in fa minore, ad esempio, presenta un caso di “esposizione a tre tonalità” nient’affatto estraneo alla scrittura settecentesca). Inoltre, ed è questa l’obiezione più importante, in un concerto brillante il succedersi delle tonalità deve rispondere assai più a esigenze timbriche (suonare dove lo strumento rende di più, in rapporto alla retorica del pezzo) che non a dettami di natura strutturale: averlo capito ed essersi comportato fino in fondo in maniera conseguente è un merito di Chopin, non un demerito. Il Concerto in fa minore è passato alla storia come “secondo”, ma si tratta in realtà del primo concerto composto da Chopin; il quale, desideroso di replicare a Varsavia il successo che gli era stato tributato a Vienna, pensò di dotarsi di una pagina adatta, che mettesse al tempo stesso in luce anche le sue doti di compositore. Sulla scia del Concerto in fa (che ebbe un successo reale in occasione della replica), nell’agosto del 1830 vide la luce il Concerto in mi minore, oggi noto come primo. Il motivo del ribaltamento del numero d’ordine è legato alle vicende editoriali dei due lavori: il Concerto in mi fu pubblicato nel 1833 come op.11; l’altro fu pubblicato solo tre anni dopo (1836, op.21) per ragioni commerciali, ossia per non turbare il successo delle vendite del\nSinfonia n.4 in si bemolle maggiore op.60 durata: 28 minuti circa\nnota a cura di Elisabetta Torselli “primo”. Tutto ciò ha però anche una motivazione legata a precise scelte artistiche del compositore: appena iniziata la carriera internazionale di virtuoso, Chopin fece del Concerto in mi minore il suo cavallo di battaglia, mentre il Concerto in fa rimase decisamente in ombra. Avrebbe riacquistato importanza, tuttavia, dopo il ritiro di Chopin dalla carriera di virtuoso (già sostanzialmente terminata con il 1835): era una delle pagine alle quali il compositore faceva più frequente ricorso nella sua veste di insegnante. Finché si era potuto ascoltare Chopin suonare e far suonare i propri concerti, nessuno aveva avuto dubbi sul loro valore. Quando l’ascolto non poté più appoggiarsi a questa dimensione concreta, la ricerca di unità strutturale che caratterizzava in misura crescente l’estetica musicale tra Otto e Novecento decretò la condanna di queste pagine. Oggi le cose sono cambiate; e il successo di pubblico ha giocato in tal senso un ruolo fondamentale.\nLa collocazione della Quarta nel percorso delle nove sinfonie beethoveniane è stata fino a pochi decenni fa ferramente stabilita dalla celeberrima definizione di Schumann che la definì “una snella fanciulla greca fra due giganti nordici” (la Terza e la Quinta, naturalmente), e dalla persistenza critica nel discorso su Beethoven dello schema generale “sinfonie pari versus sinfonie dispari”, ossia fedeltà e ritorni all’ordine classico contro innovazione, sperimentazione, slancio titanico. È un schema che può aiutare forse ancora, non certo se letto storicisticamente in nome di un “progresso sinfonico” unidirezionale, ma come coesistenza nella creazione beethoveniana di ipotesi formali diverse, tutte praticate e possedute, in base a dialettiche spirituali tipiche di Beethoven che si collocano su assi che non sono certo solo quelle tradizione/innovazione, ma anche, poniamo, oggettività/soggettività, umorismo/tragicità, concisione/distensione, in base a cui ciascun ascoltatore può costruire le sue ipotesi favorite circa il percorso dalla Prima alla Nona. Da questo punto di vista è bene ricordare che Quarta e Quinta sono scritte quasi insieme, nel senso che i due primi movimenti della Quinta si delineano mentre la Quarta è ancora in lavorazione: basterebbe ciò a confermare che lo schema critico tradizionale non va letto, lo ripetiamo, come una direzione\nunivoca costellata di ritorni, ma come una coesistenza di opzioni e direzioni diverse. È poi indubbio che la Quarta sia costellata di situazioni che proprio sul piano della morfologia sinfonica complessiva rappresentano una riflessione nuova quanto si vuole ma su un modello consolidato, quello haydniano-mozartiano: la partitura ha dimensioni contenute sia nella durata che nell’organico (un flauto, gli altri legni e gli ottoni a due, timpani e archi), il primo tempo ha un’introduzione lenta secondo la regola sancita nella quasi totalità delle Londinesi haydniane e nelle prime sinfonie di Beethoven, ma non nella Terza. Tuttavia anche la Settima l’avrà. Quarta e Settima sono infatti accomunate dalla contemplazione oggettivizzata di pure forme musicali caleidoscopicamente ruotanti e danzanti, e sono ambedue governate da potenti impulsi ritmici. Siamo nel 1806, in particolare, per quanto riguarda la Quarta, nell’estate, durante la quale Beethoven è ospite della residenza estiva dei Brunswik (aristocratica famiglia le cui due rampolle Teresa e Giuseppina fanno parte del manipolo di figure femminili fra cui i biografi hanno tentato di identificare l’Immortale Amata della celeberrima lettera del 1812). Come il Quarto Concerto per pianoforte, anche la Quarta fu eseguita per la prima volta a palazzo Lobkowitz nel marzo del 1807.\nCome si è detto, Beethoven ripristina nella Quarta l’Adagio introduttivo, che tuttavia, al di là della funzione di lever de rideau che aveva nelle Londinesi di Haydn o in alcune mature sinfonie mozartiane, sembra prolungarsi in una studiata ed enigmatica indefinizione che, invece, è funzionale proprio al definirsi graduale della cellula ritmica imperiosa che fa scattare, con una serie ripetuta e sorprendente di roulades di saettanti note ascendenti, l’Allegro Vivace, con il primo tema costruito rimbalzando allegramente per i gradi dell’accordo della tonalità di si bemolle maggiore, mentre il secondo tema della forma-sonata, più lieve e nervoso, è affidato ai legni. Il tratto più geniale e innovativo dell’intera Quarta sul piano della morfologia sinfonica è dato dal raccordo fra sviluppo (comunque imbastito sul pulsare inesauribile del disegno del primo tema) e ripresa, con un pedale prolungato di tonica sostenuto da un rullo del timpano e un sapiente accumulo di tensione che parte dal pianissimo, da cui il ritorno del primo tema risuona come un saluto pieno di gioia e di vitalità. Anche l’Adagio in mi bemolle maggiore è caratterizzato prima di tutto da un impulso ritmico, la pulsazione in levare dell’accompagnamento che accentua costantemente il tema principale, sereno e quasi arcadico, subito esposto dai violini e poi dai legni, dila-\ntato dalle figurazioni progressivamente più fitte degli archi, ma sempre ferramente abbinato al principio ritmico che lo governa, con l’intrusione felice di colori e situazioni particolari (come il bell’episodio dominato dalle sommesse frasi del clarinetto sul pizzicato degli archi), così da produrre nel complesso “un’impressione di calma e divertita divagazione fantastica” (Paolo Gallarati). La giocondità agreste e robusta dello Scherzo, su un vigoroso tema anch’esso sbalzato sui gradi dell’accordo, è insaporita dai tipici giochi ritmici beethoveniani tra scansioni binarie e ternarie e impreziosita dal bellissimo Trio pastorale dominato dai legni. Il Finale è un turbinio non meno incessante, sorprendente e carico di energia vitale del primo tempo della Terza, anche se del tutto diversamente orientato sul piano espressivo. L’umorismo fa da padrone e unifica con sorridente autorevolezza un materiale che sembrerebbe poter proliferare in una miriade di spunti e cellule compositive e di digressioni secondarie, quasi “tempeste in un bicchier d’acqua” scatenate in piccole ridde ma rapidamente rasserenate.\nDaniele Giorgi * Virginia Ceri * Paolo Gaiani ** Gabriella Colombo Marcello D'Angelo Chiara Foletto Alessandro Giani Susanna Pasquariello Marco Pistelli\nChiara Morandi * Angela Asioli ** Patrizia Bettotti Stefano Bianchi Francesco Di Cuonzo Marian Elleman Franziska Schotensack\nStefano Zanobini * Giulia Panchieri * Caterina Cioli ** Alessandro Franconi Pier Paolo Ricci\nLuca Provenzani * Augusto Gasbarri * Andrea Landi ** Ilaria Sarchini Giovanni Simeone\nAmerigo Bernardi * Mattia Riva * Luigi Giannoni ** Fabio Fabbrizzi * Angela Camerini\nMarco Ortolani * Alfredo Vena\nTROMBONE Paolo Masi *\nEDUARDO STRAUSSER Stagione Concertistica 2018_19\nBEETHOVEN Coriolano, ouverture BEETHOVEN Concerto n.3 per pianoforte e orchestra op.37 BEETHOVEN Sinfonia n.7 op.92\ndirettore ERICA PICCOTTI violoncello\nmusiche di Rigel, Haydn, Beethoven\nDANIELE RUSTIONI direttore FRANCESCA DEGO\nmusiche di Mozart, Castelnuovo Tedesco, Respighi, Mendelssohn\nL'Orchestra della Toscana si è formata a Firenze nel 1980 per iniziativa della Regione Toscana, della Provincia e del Comune di Firenze. Nel 1983, durante la direzione artistica di Luciano Berio, è diventata Istituzione Concertistica Orchestrale per riconoscimento del Ministero del Turismo e dello Spettacolo. Composta da 44 musicisti, che si suddividono anche in agili formazioni cameristiche, l'Orchestra realizza le prove e i concerti, distribuiti poi in tutta la Toscana, nello storico Teatro Verdi di sua proprietà. È oggi guidata dalla direzione artistica di Giorgio Battistelli e dalla bacchetta principale di Daniele Rustioni. Le esecuzioni fiorentine sono trasmesse su RadioRai Tre e su Rete Toscana Classica.\n25 APRILE IN CONCERTO Si rinnova anche quest'anno il tradizionale appuntamento con Il "25 aprile in Concerto" che dal 2004 celebra la Festa della Liberazione grazie alla collaborazione e il contributo della Presidenza della Giunta Regionale Toscana. L’alta qualità delle scelte artistiche ha determinato per questo appuntamento un grande e costante successo di pubblico. La manifestazione rappresenta da sempre la fusione e incontro tra diverse forme d'arte musicali: dai suoni di Luciano Berio, Ludovico Einaudi, Stefano Bollani alle vocalità di Noa e Battiato. La sala del Teatro Verdi si è trasformata in officina di mestieri con i suoni degli artigiani di "Experimentum Mundi"; in cinema accompagnando in musica le pellicole di Lang, Keaton, Chaplin e lo scorso anno si è fatta auditorium delle lettere di Pier Paolo Pasolini, Elsa Morante e Robert Kennedy\nper le voci narranti di Gabriele Lavia e Vinicio Marchioni. Per il 2019 il protagonista sarà SIMONE CRISTICCHI con una inedita versione dello spettacolo Mio nonno è morto in guerra. Il cantautore romano, alternando registri vocali e stilistici, darà vita a 14 personaggi, piccoli eroi quotidiani che sono stati attraversati dalla Seconda Guerra Mondiale. Parole narrate, cantate che raccontano l’umanità nascosta tra le macerie. Racconti come schegge di vita, aneddoti fulminanti, parole a volte delicate come cristallo, a volte taglienti come lame affilate. Voci autentiche che raccontano la stupidità, l’assurdità della guerra. Di una guerra che non è mai finita. Lo spettacolo ha debuttato nel 2013 al Teatro Rossetti di Trieste, ma arriva al Verdi con una nuova edizione mai vista prima che prevede per la prima volta la partecipazione dell'orchestra. Come sempre l'ingresso sarà libero ad invito (prossimamente in distribuzione). Rimani aggiornato sul sito www.orchestradellatoscana.it\nLa prima locandina dello spettacolo (2013)\nIL 5 MARZO UN PROGRAMMA ALL'INSEGNA DELLA SPIRITUALITÀ PRIMA DEL CONCERTO UN INCONTRO SUL TEMA Il 5 marzo torna a dirigere al Teatro Verdi il nostro direttore principale Daniele Rustioni. L'occasione è importante anche per il programma scelto, quasi tutto a tema religioso. Il carattere fortemente spirituale dei brani proposti è occasione per far conoscere e promuovere un'iniziativa che i Ricostruttori nella preghiera stanno portando avanti per la creazione di un "hospice di meditazione" ovvero una casa di accompagnamento al fine vita, che ha la cura spirituale come colonna portante, senza comunque nulla togliere alle cure mediche professionali. Il progetto si avvale dell'appoggio di numerose istituzioni pubbliche. Il concerto sarà preceduto alle ore 19.00 nel foyer del teatro, da un incontro con il pubblico dedicato al tema Musica e spiritualità aperto a tutti quelli che vorrano partecipare. Coordinato dal giornalista Armando Torno vedrà la partecipazione dei protagonisti Daniele Rustioni e Francesca Dego, e di Padre Guidalberto Bormolini. I posti sono limitati, ed è vivamente consigliata la prenotazione via mail scrivendo a:\nCome detto l'incontro sarà moderato dal giornalista e saggista Armando Torno che è stato responsabile (e fondatore) del supplemento culturale "Domenica" de "Il Sole\n24 Ore" oltre che editorialista e responsabile delle pagine culturali de "Il Corriere della Sera". Su "Radio 24" collabora e conduce "Musica maestro", trasmissione che nel 2014 ha vinto il Premio Flaiano. Guidalberto Bormolini, già liutaio, attualmente è antropologo, sacerdote e monaco nella comunità di meditazione cristiana i Ricostruttori nella preghiera. È docente al Master "Death Studies" dell’Università di Padova, dove insegna in particolare le attenzioni interreligiose e un approccio "aperto" alla spiritualità. La missione dei "Ricostruttori nella preghiera" è farsi testimoni di una cristianità capace di venire incontro al bisogno di preghiera e ricerca interiore, spesso inconsapevole, dell’uomo contemporaneo. Per saperne di più si può consultare il nostro sito, o meglio ancora andare su quello dell'Hospice: www.tuttovita.it o su quello del protagonista dell'incontro www.guidalbertobormolini.it\nPROGETTO GRAFICO ORT Mallet Studio IMPAGINAZIONE PROGRAMMA DI SALA Ambra Greco FOTO & ILLUSTRAZIONI Andreas Köhring (cop. 5), Charles Brooks (17), Holger Hage (17), Marco Borrelli (19), Raffaella Vismara (20), Angelo Trani (20), Davide Cerati (21) STAMPA Grafiche Martinelli (Firenze)\nTeatri, concerti, mostre, cinema...\nLe migliori offerte culturali della nostra regione, con sconti ed esclusive per i soci UnicoopFirenze. Scopri tutte le iniziative su\nLa cultura a portata di mano.\nBellincampi | Stagione 18_19\nGiordano Bellincampi direttore | Pietro De Maria pianoforte | Firenze, Teatro Verdi | giovedì 7 febbraio 2019 | Repliche a Milano (6 feb), A...


SBK, Donington, Gara 1: Rea diventa il leader del mondiale, flop per Bautista - Petrolhead Italia.\nBlog SBK, Donington, Gara 1: Rea diventa il leader del mondiale, flop per Bautista\nIl Campione in carica vince sul bagnato con 11 secondi di vantaggio su Tom Sykes. Leon Haslam sale sul terzo gradino del podio, mentre Alvaro Bautista cade ancora e perde il comando del mondiale, a favore di Rea.\nIl Campione del mondo in carica Jonathan Rea (Kawasaki Racing Team WorldSBK – Kawasaki ZX – 10RR) firma una gara magistrale sull’acqua, ormai protagonista indiscussa della WorldSBK. Grazie a questa gara impeccabile, il Cannibale acquista il comando del mondiale, con 9 punti di vantaggio su Alvaro Bautista (Aruba.it – Ducati Panigale V4 R). Lo spagnolo della Ducati crolla a Donington Park: al decimo giro cade e mette fine alla sua gara, infrangendo tutte le speranze nutrite fino a quel momento. Un highside al decimo giro lo fa finire a terra ed è costretto a tornare ai box, concludendo la gara in anticipo e perdendo il comando della classifica.\nRea si impone con ben 11 secondi sugli inseguitori, dietro di lui un formidabile Tom Sykes (BMW Motorrad WorldSBK team – BMW S1000RR). Il poleman non ha potuto nulla per contrastare lo strapotere dell’ex compagno di squadra, ma conquista un secondo posto che conferma i grandi passi avanti di BMW. A chiudere il podio è Leon Haslam (Kawasaki Racing Team WorldSBK – Kawasaki ZX – 10RR) che dopo una prima fase di gara avvincente, si è dovuto “accontentare” della terza posizione.\nSul bagnato si fa notare Loris Baz (Ten Kate Racing – Yamaha YZF R1) che prova ad insidiare Sykes, salvo poi finire in quarta posizione. Il francese è il primo dei piloti Yamaha e precede, con un gran distacco, l’ufficiale Alex Lowes (Pata Yamaha WorldSBK Team – Yamaha YZF R1). Nelle fasi iniziali di gara, il britannico del Team Pata si avvicina pericolosamente ad Alvaro Bautista, riuscendo ad ottenere la quinta posizione a seguito della caduta dello spagnolo, in grande difficoltà.\nL’argentino Leandro Mercado (Orelac Racing Verdnatura – Kawasaki ZX – 10RR) vola e conquista un ottimo sesto posto, davanti a Peter Hickman, autore di una grande gara. Il britannico, che sostituisce Markus Reiterberger (BMW Motorrad WorldSBK team – BMW S1000RR) per questo fine settimana, agguanta la settima posizione, confermando il grande potenziale di BMW.\nOttavo è Michael van der Mark (Pata Yamaha WorldSBK Team – Yamaha YZF R1) che nonostante non si sia ripreso del tutto dall’infortunio di Misano, riesce a tenere un buon passo.\nOttima prestazione per Alessandro Delbianco (Althea Mie Racing Team – Honda CBR 1000RR) che conquista il suo miglior risultato della stagione. Partito nelle retrovie, recupera posizioni fino a quando non perde il controllo della moto, che però riesce a riprendere tornando in sella mentre la sua Honda è ancora in corsa. È il primo italiano a tagliare il traguardo, davanti ad un Chaz Davies (Aruba.it – Ducati Panigale V4 R) decisamente sottotono.\nFlop Ducati a Donington Park, con il gallese ai margini della top 10 e Michael Ruben Rinaldi (Barni Racing Team – Ducati Panigale V4 R) solo dodicesimo, anche se il vero disastro è autografato Alvaro Bautista.\nGara da dimenticare anche per Marco Melandri (GRT Yamaha WorldSBK – Yamaha YZF R1) 14° ed ultimo, mentre Sandro Cortese (GRT Yamaha WorldSBK – Yamaha YZF R1) finisce a terra al decimo giro, perdendo punti preziosi per la classifica.\nTags:Alvaro Bautista, Ducati, GBRWorldSBK, Jonathan Rea, Kawasaki, motorsport, Racing, WorldSBK


Kataweb.it - Blog - Cenacolo della Casa del Miele – Venezia » tango\nIL MIO TANGO – ritorno alle origini\ndel tango argentino delle origini?\nse li vedi ballare\nnon è che un insieme di tecnicismo\ne passi preordinati\ncome se la musica non ci fosse\ncome se il partner non esistesse\nNon si balla più per il piacere del ballo\no per il piacere del contatto\nma per apparire\npiù bravi e più belli\ne si va a scuola per questo!\nquando in Argentina\ninventarono il tango\nma quali scuole…?!\nnon c’erano i soldi neppure per le scarpe!!\ne le milonghe\nerano le uniche piazze\ndove si poteva approcciare\nsenza paura di venire fraintesi…\nci si beava di “sentirsi”\nl’odore, il tepore\nla musica inebriante della festa\nche ti faceva dimenticare le cose brutte\ne per pochi attimi\npotevi assaporare un lembo di Paradiso\nDove è finito oggi tutto ciò?\nNei locali del tango\nse non sei un ballerino provetto!\nalla faccia di mirada e cabezeo…\nQuesto il motivo per cui ho smesso!\nche non si possa trovare una scuola\ndove realmente apprezzare\nil vero gusto originario del tango\ninvece di insegnarti i passi\ncome meglio volete\nsu queste armonie passionali\ne struggenti del tango\ninventate la vostra personale interpretazione\nassaporate la vicinanza del partner\nscoprendo l’anelito dell’essere\nproprio come una volta facevano\ni poveri che il tango lo inventarono\ne che solo la rincorsa del business\nha portato all’esasperazione di oggi


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Posted on 09.04.2020 09.04.2020 Author Zulkikinos Posted in Musica\nDa qui potete scaricare le guide per le adorazioni mensili. scarica il file .. Libretto per l'Adorazione Eucaristica del mese di Giugno, si può utilizzare anche . - Schemi di adorazione. Download. SACRO CUORE GESU' IO CONFIDO E SPERO IN TE. _06 ADORAZIONE kurdistanonline.net Documento. Dio è viva ed efficacescarica. Ora di Adorazione Eucaristica Comunitaria - 29ma Domenica del T.o. - Anno C . tenetevi lontani da ogni cupidigia scarica. ORE DI ADORAZIONE EUCARISTICA. Le Quarantore tra storia e preghiera · Adoriamo Gesu per conoscerlo ed amarlo-1 scarica Dio esiste veramente.\nAffermi la tua potenza per far tacere i tuoi nemici. Ecco il cielo La luna e le stelle che ha fissate. Hai dato a lui il potere sulle opere tue, tutto hai posto ai suoi piedi. Tutti i greggi e gli armenti hai posto ai suoi piedi e tutte le bestie dei campi, gli uccelli tutti del cielo ed ogni pesce del mare che corre per le vie del mare.\nIn questa commozione Dio non punisce, ma perdona, e passa dalla collera alla misericordia, non comportandosi come un uomo, dando sfogo alla cieca rabbia, ma da Padre amorevole. In questo momento si manifesta la logica di Dio che è lontana e quasi opposta a quella umana.\nAlla fine il Papa ha impartito la benedizione eucaristica sui presenti.\nL'adorazione eucaristica del 2 giugno [ modifica modifica wikitesto ] Il 2 giugno Papa Francesco ha indetto per la prima volta nella storia, alle ore Tutti i cattolici del mondo, pertanto, sono stati invitati nello stesso istante a pregare. Il presidente del Pontificio consiglio per la nuova evangelizzazione, Mons.\nRino Fisichella , ha definito tale iniziativa di portata storica.\nNon so ascoltare la natura, il prossimo e nemmeno me stesso. Che io possa riconoscere anche nelle più piccole cose la tua immensa capacità di donare, affinché ti possa contraccambiare.\nDonami la capacità di ascoltare per amarti e lodarti in eterno! Chi non sa ascoltare il proprio fratello presto non saprà neppure ascoltare Dio, sarà sempre lui a parlare, anche con il Signore.\nGuariremo tutti dalla povertà delle parole solo quando ci sarà donato un cuore che ascolta. Torna alla webcam Adorazione eucaristica mondiale Il 2 giugno Papa Francesco ha indetto per la prima volta nella storia, alle In occasione di quell'evento di portata storica, è stato diffuso un breve schema-guida per l'adorazione eucaristica, scaricabile nella Biblioteca.\nTorna alla webcam Adorazione eucaristica via internet: è possibile? Per quanto l'adorazione eucaristica tramite internet webcam non possa dirsi paragonabile all'adorazione compiuta fisicamente di fronte al Corpo di Cristo, rimane un'adorazione valida, lode e visita a Cristo, offerta del proprio tempo a Dio, valida anche per ottere l'indulgenza, ove prevista e stanti particolari condizioni.\nA questo proposito, il Decreto della Penitenzieria Apostolica circa il dono dell'Indulgenza durante l'Anno dell'Eucaristia 25 dicembre , al paragrafo n. Adorazione eucaristica: altre webcam online Le chiese che trasmettono l'adorazione eucaristica online oggi non sono molte.


Animaletti esotici in via di estinzione – Acid Valley Magazine\nPubblicato da Acid Valley Press il 2 febbraio 2018\nNovità nella Formula 1! Alonso nuovamente campione del mondo? Nooo! Si tratta di un lutto, piuttosto. La decisione della nuova amministrazione travolge come uno tsunami le veline del circuito lasciando vedovi segaioli di ogni dove i quali, afflitti, dovranno rassegnarsi ad andare al Gran Premio per guardare le gare e nulla più. Che tristezza! D’ora in avanti, se vorranno le bandierine, dovranno portarsele da soli. Niente più manine che fanno ciao ciao, niente più bacini lanciati come bolle di sapone in direzione delle telecamere, niente più silhouette minigonnate e sculettanti. Si mormora che dal dispiacere il Grande Vecchio abbia perso la bianca chioma che lo contraddistingue e che attualmente circoli con una parrucca (tenendo per mano la morosa di turno, a cui arriva più o meno all’altezza delle tette).\nLa teoria delle vergini che finge di applaudire il campione mentre si avvia al podio serve a iterare la vittoria; accende la fantasia dello spettatore maschio che, identificandosi col campione, immagina sé stesso in pieno imbarazzo della scelta tra una bionda e una mora. Perché chiaramente, nella mente del macho man del divano, quelle bamboline tutte uguali solo a una cosa servono. Il bello era che a ogni tappa del campionato, cambiavano le etnie e le mode, con stimoli sempre rinnovati. L’harem immaginario incendiava la mente maschile e gettava nello sconforto la mente adolescente femminile, sotto la pressione di un confronto impossibile (anche se devo dire che la varietà morfologica in un certo senso induceva a considerare che qualsiasi corpo e volto, se ben valorizzati, possono divenire sfolgoranti, ovvero che c’è speranza per tutte, a patto che si pesino 40 kg al massimo).\nCi furono degli esperimenti. Rimase storica l’espressione tosca con cui Fernando Alonso squadrò un Grid Boy che, tutto sorridente, lo attendeva presso il bolide con la sua bella bandierina. Caso più unico che raro e destinato a non ripetersi perché dallo choc il campione nella gara di quel giorno (e anche in molte altre, per la verità) perse la concentrazione. Il tenore dei commenti alla notizia sui giornali italiani e quelli spagnoli in questi giorni è praticamente unanime: già si rimpiangono i bei tempi delle “donne e motori“, dove le donne sono intese come soprammobile del bolide. In Spagna va di moda la parola “feminazi” -connubio tra femministe e naziste- e a questo ipotetico gruppo ideologico si attribuisce la colpa della sconfortante novità. Nello sconcerto generale, si teme il ritorno a un nuovo, terribile puritanesimo.\nCome si potranno celebrare i saloni dell’automobile senza che le fiere della strada vengano ingentilite dalle morbide forme di animaletti esotici d’ogni razza e religione? Che senso avranno i cataloghi e i poster di automobili se almeno uno scorcio di tetta non albeggerà dietro lo sterzo? Senza un paio di gambe chilometriche strategicamente incrociate sul cofano, non ci sarà fuoristrada che tenga. Per non parlare di tutti i posti di lavoro che andranno perduti! Quante giovani speranze non avranno più l’opportunità di dimostrare i propri talenti carnali, quante sartine cesseranno di confezionare minigonne inguinali, quanti sponsor volteranno le spalle all’ormai triste paddock? Una piccola consolazione rimane… le famose Wags, specie invasiva che già da anni si è fatta insidiosamente strada tra meccanici, copertoni, tute termiche e relativo sudore. Con la scusa di accompagnare morosi o mariti sul circuito, diverranno le regine incontrastate di un mondo in cui le curve resteranno inevitabilmente di strategica importanza e dove, senza l’appeal delle bamboline, bisognerà rassegnarsi ai tempi morti delle macchinine che girano e rigirano senza approdare mai a un posto differente! (n.z.b.)\nautomobilebambolinebandierinecampionecircuitodonne e motoriFormula 1grid girlshostessmacchinineminigonnemodellepaddockpodioposterPuritanesimosalone dell'automobilesporttalentiwags\nArticolo precedente Acqua, sapone e nobiltà\nArticolo successivo Il peggior padrone


Sì – Toscana a Sinistra | Cambiamenti climatici e sprechi energetici. Fattori (Sì): “Stop a porte negozi spalancate in estate e inverno”. Mozione in Consiglio regionale.\nCambiamenti climatici e sprechi energetici. Fattori (Sì): “Stop a porte negozi spalancate in estate e inverno”. Mozione in Consiglio regionale.\nSì Toscana a Sinistra porta in Consiglio regionale una mozione che impegna la Giunta a coinvolgere i comuni della regione perché emettano “delibere ed ordinanze che impongano di mantenere chiuse le porte d’ingresso degli esercizi commerciali verso l’esterno, ad eccezione del tempo necessario all’entrata e all’uscita dei clienti e del personale, o del tempo necessario alle varie operazioni funzionali all’esercizio stesso”, come il carico e scarico merci.\nIl testo ricorda anche la dichiarazione di emergenza climatica approvata dal Consiglio regionale a giugno su proposta di Sì Toscana a Sinistra che, fra le varie cose, impegna la Regione Toscana a porsi obiettivi più ambiziosi per contrastare il cambiamento climatico, favorendo il risparmio energetico e sollecitando la partecipazione degli enti locali alla definizione del nuovo quadro energetico e ambientale.\n“Questa estate sarà certamente capitato a tutti di camminare per le strade torride delle nostre città ed essere travolti da ondate di aria gelida, come in inverno di essere investiti da improvvise ondate di calore, sempre in corrispondenza di grandi negozi le cui porte sono lasciate costantemente aperte. L’Amazzonia brucia, i ghiacci si sciolgono ma la civiltà dello spreco va avanti come se nulla fosse. Non vengono messe in discussione neppure le abitudini più stupide, come quella di tenere spalancate le porte dei negozi in estate e in inverno, con il condizionamento d’aria o il riscaldamento accesi”, commenta Tommaso Fattori, capogruppo di Sì Toscana a Sinistra. “Questa pratica determina un enorme spreco di risorse ed energie, aumentando i consumi energetici e le emissioni di anidride carbonica e di polveri sottili”.\n“La motivazione sottesa a questa abitudine commerciale lascia esterrefatti: la porta lasciata sempre aperta inviterebbe il cliente ad entrare nel negozio. Si tratta insomma di una mera strategia di marketing. E questo è il segno più evidente di un mondo ormai impazzito, dove l’economia è concepita come un sistema del tutto sconnesso dall’ambiente”, continua Fattori.\n“Un sistema produttivo e commerciale che mette nel conto lo sperpero di risorse e lo spreco di energia è un sistema stupido, nemico del pianeta e delle future generazioni. Occorre abbandonare le fonti fossili a favore delle rinnovabili e migliorare l’efficienza energetica, ma prima di tutto è necessario vietare e fermare immediatamente inutili sprechi. In Toscana, fino ad oggi, nessun comune ha emesso ordinanze per impedire che le porte dei negozi siano lasciate spalancate mentre gli impianti di raffrescamento o di riscaldamento sono in funzione, per questo la Regione deve prendere l’iniziativa coinvolgendo tutti i comuni e adoperandosi più in generale a veicolare alla cittadinanza messaggi corretti rispetto alle buone pratiche da adottare e da condividere”, termina Fattori.\n29 Agosto 2019 - 10:58\nSono pienamente d’accordo con la chiusura delle porte dei locali, non solo per il risparmio energetico ma anche per limitare i rumori provenienti dall’interno che causano grande disturbo alla cittadinanza proprio nelle ore notturne.


Su di noi... - Gatti & Co - Dove i gatti sono di casa\nGatti & Co - Dove i gatti sono di casa > Su di noi…\nChi siamo e com’è nato Gatti & Co.\nPer prima cosa ci presentiamo: siamo Marco Crespin, classe ’75, e Luna Federica Bonomi, classe ’83, e Gatti & Co. è un progetto nato nel 2007 grazie alla nostra grande passione per i gatti.\nCi siamo conosciuti nell’ormai lontano 2000 e fin da subito una delle nostre passioni in comune sono state proprio i gatti. All’epoca della nostra conoscenza Marco viveva con 2 bellissimi gatti, Max e Leo, a Milano. Luna invece, nonostante lo desiderasse tanto, non poteva tenere gatti in casa. Così, quando nel 2004 siamo andati a vivere insieme, abbiamo subito pensato di allargare la famiglia con dei mici.\nNel 2005 entra così a far parte delle nostre vite Jade e verso la fine dello stesso anno si unisce a noi Delight. Entrambi sono due Maine Coon, dei gatti stupendi e massicci con un’anima dolcissima.\nDa diverso tempo ormai navigavamo in rete per cercare consigli e per approfondire la nostra conoscenza sui gatti. Luna era iscritta ad alcuni siti sui gatti ed era anche diventata Moderatore di un Forum che trattava anche l’argomento. Nonostante questo, però, desideravamo uno spazio nostro ed autonomo da poter personalizzare ed a cui dedicarci.\nCon non poca fatica, nel 2005, venne alla luce il nostro primo sito sui gatti con Forum annesso: NonSoloMici.\nEravamo poco pratici, non siamo webmaster, ma la nostra passione ci spingeva comunque a superare i problemi che si presentavano durante e dopo la realizzazione di NonSoloMici.\nFinalmente nel maggio 2007 la svolta! Decidiamo di compiere un vero e proprio restyling del sito e del Forum e cambiamo persino nome al progetto. A giugno, dopo solo un mese di lavoro, Gatti & Co. inizia a muovere i suoi primi passi sul web.\nIl sito è più intuitivo e moderno, il Forum è in continua crescita e molti sono i nuovi visitatori che passano a trovarci. Da allora Gatti & Co. ha subito continue trasformazioni, è cresciuto con noi, con i nostri gatti e con l’amore verso queste stupende creature. Ha cambiato aspetto diverse volte, ma è rimasto sempre fedele al motivo per cui è nato: condividere il mondo gatto con più persone possibili.\nCome è cambiato nel tempo…


WeCroak, l'applicazione che rende felici pensando alla morte | SCREPmagazine\nHome Psicologica Mente WeCroak, l’applicazione che rende felici pensando alla morte\nWeCroak, l’applicazione che rende felici pensando alla morte\nTutti noi sappiamo che per essere felici è importante pensare e agire positivamente.\nMa avete mai sentito dire che leggere 5 messaggi al giorno sulla morte può rendere felici?\nStrano ma vero, e quì di seguito scoprirete perché.\nGli abitanti del Bhutan, un regno buddista tra Cina e India, in cima alle classifiche dei paesi più felici del mondo, conoscono il vero segreto che cancella ansie e preoccupazioni:\n“Per essere felici bisogna contemplare la morte cinque volte al giorno”.\nÈ questo un mantra che gli abitanti si ripetono tutti i giorni per riuscire a prendere del tutto coscienza di cosa sia la morte e averne così la giusta consapevolezza per accettarla e azzerare di colpo tutte le paure.\nSulla base di quest’idea, è nata WeCroak, un’app da istallare sullo smartphone al prezzo di 0.99 €, pensata per inviarti una notifica cinque volte al giorno per ricordarti che potresti morire in qualsiasi momento.\nWeCroak invita a contemplare la morte attraverso alcune frasi celebri che trattano quell’argomento.\nSecondo due studiosi dell’università del che Kentucky “la morte è un avvenimento psicologicamente devastante e minaccioso ma, quando le persone la contemplano, la reazione immediata è quella di andare alla ricerca di pensieri felici”.\nIn effetti, leggendo un aforisma sulla morte, la prima cosa che passa in testa è: che bello non sono ancora morto. La seconda è: che figata, quando si muore non ci si preoccupa più. La terza è: sì, ma facciamo il più tardi possibile che ho un paio o tre cose da finire.\nNella ricerca spasmodica della felicità, è quindi interessante provare quest’applicazione.\nE se il “Ricordati che devi morire” proprio non vi piace, potete sempre rispondere come Massimo Troisi in “Non ci resta che piangere”:\nSì sì mò me lo segno proprio …\nArticolo precedente“Riverberi Pittorici”… mostra sui pittori del ‘700 calabrese\nArticolo successivoI miei giorni proibiti (Parte 21a)\nMaria Grazia Del Franco - 02/04/2020 0\nMaria Grazia Del Franco - 27/09/2019 0


coazione a ripetere - Lady Macbeth (2016)\nHome » film » 2016 » Lady Macbeth » pubblico » 765568 »\nVicenda truce, opprimente, narrata in stile prettamente teatrale. Fin dall'inizio la narrazione, lenta, si connota per una ripetitività di scene che prospettano chiaramente allo spettatore il supplizio cui sarà sottoposto in seguito. Sarebbe il momento opportuno per andarsene. Quando un film inizia così, lo spettatore, che non vuol farsi avvelenare l'animo ed il fegato, deve avere il coraggio di alzarsi e abbandonare la sala. Ciò che verrà dopo sarà chiaramente peggio. In effetti il film avanza implacabilmente attraverso una narrazione opprimente, sadica, costrittiva e violenta. Di quella violenza cerebrale, che é ben peggiore di quella rappresentata nei film sui massacri compiuti dalle SS. La regia é talmente impegnata nel martellare lo spirito delllo spettatore da mettere in scena persino un gatto dall'aspetto sgradevole e l'accompagnamento musicale o non c'é o se c'é, é volutamente tale da impedire un qualsiasi barlume di sollievo dell'abbattuto spettatore. Alla fine della proiezione un agghiacciante silenzio in sala ha espresso la condivisa disapprovazione del pubblico.. Pollice verso. E tenere bene a mente chi é il regista..................