La Toscana Nuova maggio 2020\nLa Toscana nuova - Anno 3 - Numero 5 - Maggio 2020 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 6072 del 12-01-2018 - Iscriz. Roc. 30907. Euro 2. Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/FI/0074\nRoberto Loreto, Please be seated, acrilico su tela, cm 80x80\nGabriel Diana, un etrusco contemporaneo\nIl futuro della città secondo l’architetto Stefano Boeri\nUna monografia per ricordare il maestro Alfio Rapisardi\nDalla storia dell’Isola di Pasqua il probabile futuro del pianeta\nMassimiliano Corsi, artista del “tempo ritrovato”\nIncontro con Anna di Volo, artista delle donne senza volto\nLucien Clergue, fotografo tra luci e ombre\nAndrea Ciapetti: la bellezza nascosta nei dettagli\nLa vitalità della figura umana nell’opera di Mirella Biondi\nIl realismo sperimentale di Salvatore Sardisco\nBenessere della persona: come igienizzare le mani\nPsicologia oggi: aiutare i genitori ad aiutare i figli\nDimensione salute: medici e infermieri, eroi del nostro tempo\nPoint Break, il film cult di Kathryn Bigelow\nRobert Davidsohn, da Danzica a Firenze per amore della storia\nAlain Barbero, la magia dell’incontro in uno scatto\nMaria Grazia Fusi, emozioni tra colore e materia\nLo scoppio del carro, un’antica tradizione fiorentina\nSacro e profano nelle sculture mediterranee di Chris Ebejer\nLa “vita nuova” nel tempo della Quaresima\nFabbrica teatro: quale futuro dopo la pandemia\nUn ricordo di Andrea Stella nell’intervista alla figlia Selena\nVita…vita, la rocambolesca autobiografia di Mauro Mari\nSerenna Mannari, pittrice in cammino sulle orme dei grandi\nIntervista a Cesare Prandelli, indimenticato allenatore viola\nSport e solidarietà da Bisceglie a Pontedera\nFondazione Luigi Tronci, custode dell’arte organaria a Pistoia\nAlma Sheik: la pittura come inno alla vita\nE-commerce: un’opportunità non priva di pericoli\nArte del vino: il gioco degli abbinamenti\n500 artisti nella rassegna in onda su Toscana Tv\nL’arte nel cuore con il Movimento Life Beyond Tourism\nB&B Hotels Italia: #StayFlex, la promozione per ripartire\nArte e Gusto: piatti gourmet da gustare con gli occhi\nL’arte di fumare il sigaro spiegata da Francesco Minetti\nDonatella Milani, musicista in campo contro il Coronavirus\nCristina Falcini, Castiglioncello, olio su tela, cm 70x50\n+ 39 3805323791\nKrzysztof Konopka, Vortice (2019),\nsolo con mascherine\nvia Jacopo da Diacceto 14/Firenze\nUn etrusco contemporaneo\ndi Nadia Gleonec\nLe sculture di Gabriel Diana impongono\nuna riflessione sullo\nstile e sull’emozione che\nsuscitano ma anche sulla scomparsa\ndell’accademismo perfettamente padroneggiato\ndall’artista e sugli effetti\nche questo ha avuto sulla sua anima.\nQuesta metempsicosi, l’artista “demiurgo”\nGabriel Diana l’ha compiuta\nattraverso i suoi bronzi che sono diventati\nsnelli, longilinei, figure umane\nsimili alle sculture votive etrusche\nnelle quali la “sublime” eco dell’anima\nemerge per dare voce all’emozione\ne alla sorpresa. Indubbiamente, egli\nsi è fortemente ispirato all’arte etrusca\ne agli artisti di quel popolo antico.\nL’universo dello scultore, leggero,\nintenso e profondo, nasce dalla fertile\nenergia creativa della cultura greca\nper trasformarsi poi in una fervida ricerca\ndel “sublime”. Diana forgia figure\nin bronzo ridotte all’essenziale che\nmigrano poi sui suoi quadri della serie\nFull Metal Painting oppure crescono\nfino a diventare monumentali. Il suo\npercorso artistico è il risultato di una\ncombinazione tra l’estetica etrusca e\nquella greca antica, da questo dipende\nla particolare espressività dei suoi personaggi.\nCon gli anni, il maestro si è\nallontanato dallo stile degli esordi per\nimmergersi nell’antico universo degli\netruschi, ritrovando così anche le proprie\norigini toscane. Non si può parlare\ndegli artisti del secolo scorso o del\nVentunesimo senza prendere in considerazione\ni lavori di Alberto Giacometti,\nai quali, spesso e volentieri, i critici si\ncompiacciono di attribuire un “sentore\netrusco”. In effetti, un aspetto accomuna\nGiacometti e Diana: entrambi sono\nstati affascinati da quel popolo antico,\ndalla sua arte e, più in particolare, dalle\nIl maestro Gabriel Diana con l'opera monumentale Coppia abbracciata\nL'Ombra della Sera, bronzo, III secolo\na.C., Museo etrusco Guarnacci, Volterra\nL'Ombra di San Gimignano, bronzo, prima\nmetà del III secolo a.C., San Gimignano,\nsculture votive tra cui l’Ombra della sera\n− ex-voto trovato a Volterra nel XVIII\nsecolo e così definito in seguito da Gabriele\nD’Annunzio − è stata una rivelazione.\nMa questo aspetto è l’unico ad\navvicinare i due scultori. Se a prima vista\nil viaggio artistico di Gabriel Diana\nsembra calcare il percorso dello scultore\nsvizzero, una differenza fondamentale\nli separa, e cioè l’arte del movimento.\nLe opere di Giacometti, inconfutabilmente\nrigide, sembrano pietrificate; è\nquesto rigore che dà forza alle sue opere.\nAll’opposto, i bronzi di Diana suggeriscono\nuna sensazione di movimento\ne di vitalità dei gesti. In conclusione, la\nsensibilità artistica di Gabriel Diana rispecchia\nperfettamente la maestria degli\nantichi artisti etruschi così vicini al\nsentire moderno. Fortemente ispirato\nda queste sculture votive e longilinee,\nda queste “ombre” del passato che gli\nsono sorprendentemente apparse come\nse il tempo avesse vinto lo spazio, il\nmaestro Diana mostra senza alcuna riserva\nil suo percorso ispirato da una civiltà\nnella quale il tempo ed il sublime\nhanno lottato contro quel nulla che ci\nvuol sempre dominare.\nL'ermafrodita etrusco, La figurina etrusca e Donna etrusca\nIl futuro della città dopo il Coronavirus secondo\nil celebre architetto del Bosco verticale\nIl celebre architetto Stefano Boeri\n(Milano, 1956) è diventato negli\nultimi anni un archistar mondiale\nsoprattutto per la sua avveniristica progettazione\nurbanistica e residenziale di\ngrossi centri metropolitani. Gli studi\ndi progettazione sono da sempre il suo\nhabitat naturale, essendo figlio della famosa\ndesigner e architetto Cini Boeri,\nstorica collaboratrice dello studio di Gio\nPonti. Dopo la laurea in Architettura al\nPolitecnico di Milano e il dottorato di ricerca\nin Pianificazione territoriale all'Università\ndi Venezia, Boeri intraprende\nuna carriera fulminea e strepitosa.\nProfessore ordinario di Urbanistica al\nPolitecnico di Milano, insegna contemporaneamente\nin diversi atenei internazionali,\ntra i cui Harvard e Cambridge, e\nin città come Mosca, Rotterdam e Losanna.\nHa ricoperto anche la carica\npolitica di assessore alla Cultura del Comune\ndi Milano fino al 2013. Dal 2018\nè presidente della Fondazione La Triennale\ndi Milano. Ai riconoscimenti internazionali\nper le sue idee e la didattica si\naggiungono le importanti partecipazioni\nal comitato scientifico dello Skolkovo\nInnovation Center, polo di alta tecnologia\nnei pressi di Mosca, e l'attuale direzione\ndi Future City Lab della Tongji\nUniversity di Shanghai, un programma\ndi ricerca e specializzazione che anticipa\nla mutazione delle metropoli planetarie.\nParallelamente alla carriera accademica,\ndal 1999 dirige lo studio milanese Stefano\nBoeri Architetti (insieme con Gianandrea\nBarecca e Giovanni La Varra) e\npresiede da anni alcune riviste internazionali\ndel settore come Domus (2004-\n2007) e Abitare (2007-2011). Nel 2013,\ninsieme all’architetto Yibo Xu, fonda lo\nstudio Stefano Boeri Architetti China\ncon sede a Shanghai, espandendo così\nal mondo intero il suo concetto progettuale.\nQuest’ultimo si rispecchia soprattutto\nnelle visioni urbane dove viene\nattribuita molta importanza agli spazi\naperti, con la realizzazione di diversi\nwaterfront - come a Napoli, Trieste,\nGenova, La Maddalena, Doha, Marsiglia\ne Salonicco - il cui intento è valorizzare\nl’elemento vegetale come fattore di\nconnessione urbana e sociale. L’ideazione\ndel Bosco verticale nel 2014 − primo\nprototipo di edificio residenziale\nsostenibile con facciate ricoperte di alberi\ne piante − e del successivo modello\ndi riforestazione metropolitana, che\nconcepisce la vegetazione come ele-\nIn primo piano, il Bosco verticale nel quartiere Isola a Milano (ph. courtesy artribune.com)\nIl progetto di Boeri denominato Un fiume verde per Milano (ph. courtesy Stefano Boeri Architetti)\nmento fondamentale dell’architettura\ncontemporanea, sono state le ultime\nrealizzazioni e proposte di Boeri per le\ncittà del futuro. Realizzato a Milano nel\n2014, il Bosco verticale ha ricevuto numerosi\ncome l’International Highrise Award nel\n2014 e il Best Tall Building Worldwide,\npremio, quest’ultimo, attribuitogli come\npiù bel grattacielo al mondo. Purtroppo,\nla recente pandemia ha interrotto la\nvita sociale e produttiva di intere popolazioni.\nAttualmente, lo studio Boeri ha\nchiuso la sede di Shanghai ed è stato\ncostretto ad interrompere i lavori di forestazione\ndella città di Milano. Siamo\ntutti disorientati e ci chiediamo come\nsarà la nostra vita dopo questa drammatica\nesperienza. A questo proposito,\nBoeri ritiene che, almeno nel breve\ntermine, sarà difficile tornare alla vita di\nprima; cambieremo le nostre abitudini\ne conserveremo le distanze sociali e altre\nprecauzioni per diversi anni. A suo\ngiudizio, la prima cosa da fare in Italia\nsarà ricostruire le infrastrutture come\nponti e strade per ragioni di sicurezza;\nsuccessivamente bisognerà adeguare\nal nuovo stile di vita sia le scuole che\ni trasporti pubblici come metropolitane,\ntreni e autobus, per garantire, attraverso\nla maggiore frequenza di questi\nservizi, la possibilità di mantenere il distanziamento\nsociale. Per far questo\ndovremo definitivamente abbandonare\nl'utilizzo di fonti fossili e passare direttamente\nai mezzi elettrici e fotovoltaici,\nvisto che recenti studi dimostrano che\nil Coronavirus si diffonde con più letalità\nnelle aree maggiormente inquinate.\nQuesta pandemia è una rivolta della natura\ncontro gli abusi dell'uomo sull'ecosistema.\nProgettando con il verde e\nnel rispetto dell’ambiente, Stefano Boeri\nha anticipato i tempi. Egli è convinto\nche i futuri luoghi di aggregazione saranno\ngli spazi aperti; per questo motivo,\nbisognerà riqualificare parchi, viali\ne piazze per permettere la ripresa della\nvita sociale in sicurezza, che potrà essere\ngarantita soprattutto all'aria aperta\ne avendo il verde come elemento di\nconnessione. La ricostruzione delle abitazioni\nabbandonate grazie alla riduzione\ndell’eccessiva burocrazia aiuterà a\nfar ripartire l'economia nazionale, con la\nsuccessiva ripresa di tutti gli altri settori\nproduttivi come arredamento, moda,\neccetera. L'edilizia è un ramo trainante\ndell’economia e da questa inizia il benessere\ndel paese. La visione di Boeri\ncome architetto ed urbanista si estende\nalla previsione di un cambiamento di\nrotta anche nel settore turistico, che secondo\nlui s’indirizzerà sempre più verso\nla scoperta del territorio locale. Per\nquesto motivo, bisogna riprendere la\ncura dei piccoli borghi, riscoprendo l'Italia\nrimasta nascosta fino ad oggi. Le\npersone si sposteranno sempre di più in\nmaniera individuale, evitando il turismo\ndi massa dei grandi centri. Secondo Boeri\nsarà soprattutto Roma la città che\noffrirà in futuro maggiori sorprese, rilanciando,\ncon la sua bellezza intramontabile,\nl'antico ruolo di caput mundi.\nUna monografia per ricordare, a quasi due anni dalla scomparsa,\nla vita di un artista geniale e ribelle\nTra i sostenitori dell’iniziativa, Fabio Fanfani, amico ed estimatore del maestro\ndi Fabio Fanfani (tratto dalla monografia A.Rapisardi / Cavalcando, LoGisma editore, 2020)\nLa figura di Alfio Rapisardi appartiene\nai più chiari ricordi\ndella mia infanzia e della mia\ngiovinezza. La confidenza che aveva\ncon mio padre mi ha permesso di frequentarlo\nper molti anni, durante i quali\ngli scambi di piaceri fra di loro e le\nsue visite all’Istituto Fanfani e a casa\nmia hanno permesso che l’uno e l’altra\nsi arricchisssero di molte opere, alcune\ndelle quali vengono pubblicate in questo\nlibro per la prima volta. A lungo l’artista\nha rappresentato per me l’essenza\nstessa del magister artis, che esercitava\nil suo ruolo sia attraverso l’ingegno\ne le grandi abilità manuali, sia con\nla scanzonata filosofia della vita; nella\n“fiorentinità” più tradizionale e parimenti\nnell’apertura ad ogni forma del\nnuovo. Nella carica di Decano del Corpo\nConsolare di Firenze che attualmente\nmi è dato di ricoprire, mi sento perciò\ndi rendere omaggio qui in particolare,\noltre che a quell’immagine del restauratore\ndel genio italiano di cui Alfio si è\nsempre vantato, e oltre che al Rapisardi\nquasi malapartiano, al toscano “maledetto”\nche tutti continuiamo a portare\ncon simpatia nella mente e nel cuore,\nanche all’osservatore dell’universo\nmondo, al genio errante, sempre\nin fuga e sempre di ritorno, al\nviaggiatore. Alfio Rapisardi avvertì\nsoprattutto il fascino del “nuovo\nmondo”. Viaggiò ancora giovane,\ndopo le prime affermazione e appena,\ndunque, le finanze glielo\npermisero, a New York, dove sarebbe\nritornato almeno un paio di\nvolte, per soggiorni ugualmente\nimportanti, anche in età più matura.\nNell'81 espose alla Galleria\nBarclay Simpson di San Francisco.\nRimase per quasi un anno tra\nLos Angeles e Hollywood, dove il\nsuo nome e la sua personalità sono\nancora ben ricordati e vivi nella\nmemoria dei committenti (tra i\nquali numerose personalità dello\nspettacolo) e tra i proprietari delle\ncase e dei locali decorati allora\ncon i suoi quadri e i suoi dipinti\nmurali. Ma questo speriamo sia materiale\nper un prossimo volume. Alla fine\ndegli anni di maggiore attività, secondo\nun desiderio di scoperta e di conquista\ndi un nuovo mercato artistico, Rapisardi\nsi recò a Santo Domingo dove furono\nallestite varie esposizioni dei suoi lavori\ne dove svolse per diversi mesi anche\nun’attività di insegnamento patrocinata\ndal governo della Repubblica Dominicana.\nPer il governo italiano, invece,\naveva curato l’allestimento del padiglione\ndi Sidney del 1967. E\nsempre con un carattere\ne in un’ottica di\nufficiale scambio fra\ndiverse culture, Rapisardi\npresentò al pubblico\n1978, nella sala principale\ndel Palace Hotel\ndi Tokyo, un’enorme\nopera scultorea in legno\ndando di mazza e\ndi scalpello su una gigantesca\nsezione di tronco d’albero\ntra l’andirivieni di ospiti e\npersonale di servizio stupiti\ne ammirati, come in una sfida\nlanciata dall’estro italiano\ne dall’eredità dei grandi artefici\nal calligrafismo e al naturalismo\ndella più nota tradizione\nartistica del lontano\nOriente. Questi lunghi viaggi\nconservarono tuttavia caratteri\nquasi di mito, nel cuore\ndell’artista e nell’immaginazione\ndi chi gli fu vicino.\nEccetto qualche ritaglio di\ngiornale, qualche foto formale\na cui Alfio, in ogni\ncaso, sapeva spesso trasmettere un\ncalore e una spontaneità imprevisti, la\nmaggior parte dei suoi incontri professionali\ne umani in quelle occasioni continuarono\na pulsare vita solo nei suoi\nracconti e si rianimavano, come anche\noggi accade nel testo di Nicoletta Lepri,\ngrazie a quelli degli amici più vicini.\nNon si sapeva mai dove finisse il resoconto\ne dove incominciasse la fantasia\ndell’artista. Il quale, a un certo punto\ndella sua carriera, all’incirca a metà degli\nanni Ottanta, smise di appuntare in\nelenco le mostre e gli itinerari e si limitò\na ripercorrere anche quelli con il ricordo,\nriferendo aneddoti, confidando\navventure e disavventure, alternativamente\ningigantendo o sdrammatizzando\nnello sberleffo. Più documentati,\nattraverso le testimonianze di colleghi e\nmercanti d’arte, sono invece i viaggi europei,\nin Inghilterra, in Svizzera, in Francia,\ne specialmente nella Francia del sud\ne sulla Costa Azzurra verso la quale Rapisardi,\nchiamato a esporre i suoi lavori,\npartì con l’intenzione e la sicurezza\ndi poter calcare nuovamente – come in\nbuona parte fece – le orme di altri grandi\nartisti dell’Otto-Novecento che lì lo\nCavalcando il Novecento, Alfio\nRapisardi (Firenze, 1929\n- 2018), scultore e pittore, ripercorre\nla strada dei grandi artisti\ndel Rinascimento, da garzone di bottega\na mostre nel mondo, riuscendo\nsempre a trasformare in arte la sofferenza,\nl’amicizia e la vita quotidiana,\ne rinnovando sempre questo legame\ncreativo con Firenze. Sin dalla giovane\netà, Alfio Rapisardi inizia a coltivare\nla passione per la scultura nello\nstudio di Donatello Gabrielli. Incontra\nil proprio stile frequentando gli\nstudi artistici della città, osservando\nle opere dei grandi. Dopo il ricovero\nal nosocomio di San Salvi, dipinge\nmolti quadri ed espone per la prima\nvolta a Firenze, riuscendo così, nonostante\nle tante sofferenze, a spiccare\nil volo. Nel 1960, all’XIª edizione\ndel Premio Firenze - Fiorino d’oro, si\nclassifica terzo con la consegna del\npremio nel Salone dei Cinquecento in\nPalazzo Vecchio al cospetto delle autorità\ncittadine. Dopo una\npersonale alla galleria San\nMarco di Roma nel '61,\nun’altra classificazione al\nFiorino nel 1962. Un periodo\ndi conferme per l’artista\nche tocca talvolta anche\nil tema sacro. Le vendite\ngli consentono di lasciare\nl’alloggio di via Guelfa\ne di andare ad abitare nella\ngrande casa-studio su\ndue piani al numero 1 di\nvia Verdi. Il 1965 segna l’inizio di un\ncambiamento sostanziale dovuto alla\ndisponibilità economica che la collaborazione\nesclusiva con la galleria\nfiorentina Santacroce e poi con la Spinetti\ne l’attività ad ampio raggio di queste,\ngli permettono. Dopo le esperienze\nnegli Stati Uniti e nella Repubblica Domenicana,\ntorna a Firenze e s’impone\ncome artista, collaborando con committenti\nprivati, fuori dagli schemi delle\ngallerie d’arte. Si ritira così presso la\nAlfio Rapisardi in una foto degli ultimi anni\ncasa di Borgo Sant’Apostoli 10, dove\ncontinua a dipingere fino al 2015.\nNella primavera del 2016, è protagonista\ndi una due giorni celebrativa\nintitolata Alfio Rapisardi. Opera – video\n– testimonianze, patrocinata dalla\nCompagnia degli Azzurri del calcio\nin costume e tenuta nel chiostro della\nbasilica fiorentina di Santo Spirito.\nA giugno gli viene tributata la vittoria\ndel bando Città di Firenze per il Palio\ndel calcio storico di quell’anno.\nUna riflessione di Moravio Martini sulla storia\ndell’Isola di Pasqua, paradigma del possibile\nfuturo catastrofico del pianeta\ndi Moravio Martini\nLa storia dell'Isola di Pasqua è\nun avvenimento. Essa denuncia\nnon solo il crollo di una civiltà\ndi polinesiani estinta mille anni\nfa, ma allude a noi, presentando paralleli\ncon il mondo moderno che, con\nlo sfruttamento delle risorse, produce\neffetti negativi che minacciano la\nnostra esistenza. Da anni abbiamo\nmesso in crisi l'economia, abbiamo\nsterminato specie, minato l'ecosistema\ndistruggendo l'habitat. Gli scienziati\nil destino del mondo sia giunto alla\nfine (2050?). Addirittura Stephen\nHawking, lo scienziato malato di SLA\nsu cui è stato fatto il film La teoria del\ntutto, prevede che “la specie umana\navrà un futuro in altri mondi dell'universo,\nperché il rischio della distruzione\ndella terra è possibile”. L'Isola\ndi Pasqua era un microcosmo: la sua\nestinzione è oggi un esperimento “in\nvitro” di distruzione dei beni ambientali\nsulla nostra terra. Distruggiamo le\nrisorse naturali, le materie prime e le\nfonti energetiche, sottoponendole ad\nuno sfruttamento intensivo. La biodiversità,\ninoltre, espone al rischio di\nestinzione specie animali e vegetali.\nCosa lasciamo alle generazioni future,\na coloro che ancora non ci sono?\nJacques Cousteau ha scritto: «I\ndiritti di coloro che ci succederanno\nsiano iscritti nei doveri\ndei viventi». L'Isola di Pasqua,\nun isolotto vulcanico in lingua\nnativa chiamato Rapa Nui, ossia\n“grande roccia”, è l'isola dell'Oceano\nPacifico vertice del triangolo\nche con la Nuova Zelanda\ne Tahiti delinea la Polinesia. Distante\n3500 chilometri dal Cile\n(al quale appartiene), l'isola\nha una superficie di 163,6 chilometri\nquadrati, ossia grande\ncome l'Isola d'Elba. Per la sua\nposizione geografica è detta anche\n“l’ombelico del mondo” (te-pito-tehenua),\nnome che attesta un passato\nimperiale. L'Isola di Pasqua si chiama\ncosì essendo stata scoperta appunto\nil giorno di Pasqua del 1722 dagli\neuropei. E' famosa per i suoi megaliti,\ngrandi tronchi di pietra di tufo sovrastati\nda cilindri colorati di rosso, di\nnotevoli dimensioni (da 3 a 10 metri\ned uno addirittura di 21 metri) e pesanti\nmolte tonnellate. Nell'anno 1000\ncirca, quando i polinesiani vi posero\npiede navigando da ovest a est (contrariamente\nall'esperimento del Kontiki\nche voleva dimostrare da est a\novest), l'isola era un paradiso naturale:\nterra fertile ricca di foreste, cibo\nabbondante della terra, del cielo,\ndel mare. Tale florida situazione determinò\nuna numerosa popolazione pacifica\ndivisa in 12 clan.\nGrazie alle relazioni del capitano Cook\n(1774-76) siamo a conoscenza del\ncontrasto tra i megaliti (Moai), grandi\nsculture in pietra vestigia di un passato\nglorioso, e la miseria della popolazione\ndell'Isola di Pasqua di allora. Nel\n1862 i bianchi dell'America del sud\n(Cile, Perù, etc.) prelevarono dall'isola\noltre 1000 abitanti per la raccolta del\nguano, oggetto di largo commercio.\nIl guano è costituito dagli escrementi\ndegli uccelli marini e dei pipistrelli,\nutile come concime in quanto ricco di\nazoto, fosforo e potassio. I pipistrelli,\nprivati del loro ambiente, possono\ncausare virus mortali. I sopravvissuti\npasquensi, grazie all'intervento della\ncomunità internazionale, tornarono\nalla loro isola ammalati di tubercolosi\ne vaiolo. Tali mali portarono alla morte\ndi quasi tutta la popolazione. Anche la\nlebbra era diffusissima e questa, con\naltre malattie, provocò un vero etnocidio.\nTale disgraziata situazione creò\nle condizioni per lotte intestine e favorì\nla scomparsa del patrimonio culturale,\nossia il passato splendore di\nquesta civiltà testimoniato dalle grandi\nsculture di pietra poggiate su piattaforme\ncerimoniali e sepolcrali dette\n“AHU”. I Moai avevano un profondo\nsignificato religioso: si pensa rappresentassero\ni capi succedutisi nell'isola\ne i sacerdoti che dopo la morte erano\nadorati a rango di divinità tutelari.\nTali reperti presuppongono l'esistenza,\nin tempi assai remoti (1200 d.C.),\ndi una brillante civiltà con vie trionfali\nverso il mare, templi e statue: il miracolo\ndell’Isola di Pasqua! Agli occhi\ndel capitano Cook l'isola si presentò\nbrulla, senza alberi, desertificata, con\nVeduta aerea dell'isola con in primo piano il cratere del vulcano Rano Kau (ph. courtesy www.isoladipasqua.it)\nI Moai dell'Isola di Pasqua (ph. courtesy www.eventidalmondo.blogspot.com)\ngli abitanti nudi, tatuati, coperti in vita\nda cortecce di albero portate dal mare,\ne con la maggioranza dei megaliti\nabbattuti e stesi con la faccia verso\nterra. Tale situazione disastrata fu la\nconseguenza di lotte intestine tra i dodici\nclan dell'isola, divisi in “orecchie\ncorte” e “orecchie lunghe”: chi vinceva,\nabbatteva le sculture dei perdenti\ne si abbandonava all'antropofagia,\ndopo i topi e i crostacei.\nL'isola è un sasso nell'Oceano Pacifico.\nIl clima è caldo e i venti alisei forti\ne costanti: un ammasso di roccia vulcanica\nsenza alcuna qualità e piena\ndi vulcani spenti. Durante la seconda\nguerra mondiale, lo Stato cileno penso\naddirittura di vendere l'isola alla\nGermania nazista in cambio di navi da\nguerra. Oggi, scienziati, storici, archeologi\ne antropologi hanno dato all'isola\ngrande importanza, perché essa\nriproduce gli stessi parametri ambientali\ne sociali del nostro pianeta\nattualmente. Nel tredicesimo secolo\ncirca, lo sfruttamento senza sosta delle\nsue risorse e un enorme sviluppo\ndemografico distrussero l'ecosistema\ndell'isola e rivelarono l'ascesa, il culmine\ne il crollo della sua civiltà. Esempio\nper comprendere la nostra società\ne la relativa minaccia di scenari catastrofici\nche potrebbero colpire il nostro\npianeta come allora l'isola.\nI resoconti dei generosi missionari ivi\nrecatisi si soffermano a considerare la\npopolazione dell'isola che si presentava\ncon rotoli di foglie ai lobi delle\norecchie e al naso, con folta barba e\nlunghi capelli. L'alimentazione si basava\nsui frutti della terra favorevole\nsolamente alla piantagione di patate\ndolci, taro (tubero polinesiano simile\nalla patata), ignami (tuberi ricchi di\namido e viti erbacee), banane e canna\nda zucchero che i primi polinesiani,\nvenuti dall'ovest in canoa, avevano\nportato con sé oltre a qualche pollo.\nSi calcola che, coltivata integralmente,\nl'isola potesse dare alimentazione\na 5000 abitanti. Non c'erano fiumi\ne l'acqua era quella piovana dei laghi\ncreatisi sul fondo dei crateri. La cottura\ndei cibi veniva fatta con il fuoco ricavato\nsfregando un bastoncino entro\nun solco aperto in un pezzo di legno.\nIl cibo veniva cotto in forni lastrica-\nPrimo piano dei celebri megaliti pasquensi\nti sul fondo e negli stessi forni si cuocevano\nle parti prelevate dai cadaveri\ndei nemici uccisi: prelibate le dita delle\nmani e dei piedi. Le donne partorivano\naccoccolate o inginocchiate e il\ncordone ombelicale veniva annodato.\nSi scrivevano “le tavolette parlanti”,\ncioè tavolette lignee usate in occasioni\ncerimoniali incise con andamento\nbistofridico (da sinistra a destra e da\nGustavo Zagrebelsky, nel suo piccolo\nlibro intitolato Senza adulti, descrive\nin poche righe un efficiente ritratto\ndella nostra attuale situazione e quella\ndell'isola di allora: «Le società della\ncrescita per la crescita, cioè la crescita\nesponenziale, dimostrano che\nla religione della crescita è come una\nmiccia a fuoco lento che, alla fine,\ngiunge al suo compimento. La prima\ncausa del collasso dell'Isola di Pasqua\nsarebbe stata la deforestazione;\nla foresta ospitava uccelli stanziali e\nattirava uccelli di passo, forniva il legname\nalle canoe per la pesca, difendeva\nil territorio coltivato ad orto dalla\ndevastazione dei temporali tropicali.\nLa penuria dei fattori primi della vita\nalimentò la rivalità e la guerra dei clan\n(…), con l'assenza di cibo si arrivò\nall'antropofagia. Le grandi statue erano\nun simbolo della potenza artistica\ne tecnologica ma per scalpellarle,\ntrasportarle e drizzarle occorrevano\ntronchi d'albero e fibre di legname\nper fabbricare le funi. L'isola fu\ndesertificata e parallelamente si eressero\npietre sempre più alte. Poi nella\nguerra di tutti contro tutti, in parte\nfurono abbattute e spezzate. Quando\ntutto fu compiuto, pensarono (gli abitanti)\nad una via di fuga ma il legno\nper costruire le barche era già stato\nusato per le teste di pietra». Concludendo,\nscrive Diamond nel suo libro Il\ncollasso: «Quando gli indigeni, ossia\ni pasquensi, si trovarono in difficoltà\nnon poterono fuggire né cercare aiuto\nfuori dall'isola, come non potremmo\nnoi, abitanti della Terra cercare soccorso\naltrove se i problemi dovessero\naumentare. Il crollo dell'Isola di Pasqua,\nsecondo i pessimisti, potrebbe\nindicarci il destino della nostra umanità\nnel prossimo futuro». Il turismo\nha fagocitato l'Isola di Pasqua immettendola\nnel proprio circuito per soddisfare\nla curiosità dei popoli attratti\ndal mistero della sua storia e dei megaliti.\nLa curiosità e l'afflusso dei turisti\nhanno determinato lo sfruttamento\ndell'isola cambiandone le originali caratteristiche.\nDi conseguenza, oggi lo\nsfruttamento capitalistico ha provveduto\nalla costruzione di un aeroporto\ne alberghi moderni. Inoltre il Cile\nsta progettando un'operazione di rimboschimento\ne la creazione di un acquedotto,\nnecessità occorrenti per\nsoddisfare le esigenze turistiche in aumento.\nLa popolazione attuale, attratta\ndal lavoro, è un coacervo di razze\ne quella indigena una minoranza. Già\noggi e ancor più in futuro sarà difficile\nriconoscere quel mondo fascinoso\nche videro i primi colonizzatori. Per\nlasciare una terra vivibile ai nostri figli\ne a coloro che non sono ancora nati,\nabbiamo il dovere di cambiare il mondo\ne tornare a quello dei nostri nonni.\nOccorre una legge internazionale che\ncondanni chi opera deforestazioni,\ndesertificazioni, inquinamento della\nterra, del cielo e dei mari, e quindi una\nlegge che sia attenta alla biodiversità,\nper lasciare che l'insieme degli esseri\nviventi (animali e vegetali) interagiscano\nfra loro in un ambiente sano.\nCon l'attuale epidemia del Coronavirus\nsi può azzardare l'ipotesi che la\npopolazione dell'Isola di Pasqua possa\nessere stata attaccata anche da tale\nmorbo dovuto ai pipistrelli che, scrive\nDanilo Russo sul Venerdì di Repubblica\n“sono grandi serbatoi di virus” e,\nquando entrano in noi, in alcuni casi\nsi adattano all'uomo e fanno sì che il\nnostro sistema immunitario reagisca\nin modo molto meno flemmatico producendo\nun'infiammazione che causa\ngravi danni. Evitare questi passaggi\nsarebbe semplice, basterebbe lasciare\nin pace i pipistrelli e il loro ambiente.\nProteggerli conviene: impollinano\nle piante e fanno risparmiare miliardi\nin pesticidi. Nel 2019, nel mondo\nintero gli incendi hanno devastato 20\nmilioni di ettari di foreste. Le\nimmagini satellitari hanno accertato\nincendi anche nell'Artico,\nin Groenlandia, Siberia,\nAlaska, Russia e Canada, oltre\nche nell'Europa mediterranea.\nIl riscaldamento globale, con\nl'aumento della temperatura\ne il riscaldamento della terra,\ncreerà maggiore rischio di incendio.\nIn Italia, nel 2019, due\ngrossi incendi nelle province\ndi Varese e di Como hanno distrutto\n800 ettari di bosco. La\nmondiale (tagli e incendi), eliminando\nl'habitat delle specie\nanimali e in particolare quella\ndei pipistrelli, ha costretto questi\nultimi ad un esodo di massa\nverso le città e i loro parchi.\n14 ISOLA DI PASQUA\nFotografia e pittura, linguaggi del “tempo ritrovato”\nAnni fa, in un saggio estetico\n- sociologico sulla contemporaneità,\ncontrapponeva all’horror vacui dell’uomo\nprimitivo, cioè alla necessità dei\nnostri antenati di colmare con i propri\nsegni − si pensi ai graffiti nelle caverne\n− un mondo ancora vuoto di significati,\nl’horror pleni di una società, quella in\ncui viviamo, a tal punto satura di stimoli\nsensoriali da neutralizzare quasi del tutto\nle capacità percettive dell’individuo.\nCapire come l’arte possa sopravvivere\na questa ipertrofia segnica che vede\nprotagonista in special modo la sfera\nvisiva, non è mera speculazione intellettuale.\nAl contrario, diventa essenziale\nridefinire lo statuto dell’immagine in\nun’epoca in cui l’iperreale precede e costituisce\nil reale, azzerando così la dicotomia\ntra autenticità e mistificazione,\nfatto e feticcio. L’arte è chiamata oggi\nal ruolo contraddittorio e ambivalente\ndel Giano bifronte, sospesa com’è tra\nla necessità di accogliere le dinamiche\ncomunicative del presente − pena il rischio\ndi esserne sopraffatta − e il recupero\ndi valori ancorati al passato come\n“garanzie” delle proprie specificità linguistiche.\nLa ricerca di Massimiliano\nCorsi prende l’avvio da questi assunti\nper operare una sintesi − fotografia\ne pittura insieme − capace di riportare\nl’immagine a farsi “evento”, e quindi tramite\ndi un’esperienza che segna un’interruzione\nnei nostri schemi percettivi.\nPotenza e persuasività dell’immagine\ndipendono proprio da questo: dalla capacità\ndi traghettare lo sguardo in una\ndimensione che trascende il mero “fatto\nvisivo” per aprire nuovi percorsi di senso.\nE se, come in questo caso, l’artista\nrinuncia alla nitidezza dello scatto fotografico\n− e dunque anche all’equivoco\ndi una società che cerca nell’immagine\nchiara e ben definita una conferma\ndi veridicità dell’immagine stessa − il risultato\nè un totale spiazzamento di ogni\nnostra aspettativa. Memorie di paesaggi\nnaturali, tracce di contesti urbani, vaghi\nprofili di figure: immagini che “accadono”\nsotto i nostri occhi come fotogrammi\nproiettati in rapida successione su\nuno schermo. All’odierno culto dell’iperrealismo\nfotografico, Corsi preferisce\nla forza evocativa dell’indefinito,\nriconoscendo in questa scelta il valore\npoetico generato da quello che Leopardi\nnello Zibaldone definiva “il piacere\ndell’indeterminato”, il dolce naufragare\ndello sguardo nella vaghezza di scenari\nda vedere e interpretare con il filtro\ndell’immaginazione. Ma non è tutto: ridurre\no cancellare la riconoscibilità del\nsoggetto significa anche risalire alle\nstrutture fondanti del linguaggio visivo,\nossia movimento, colore e forma, tre\nvalori che concorrono alla formazione\ndelle immagini nella mente. Un modo\nper rendere l’osservatore consapevole\ndei meccanismi percettivi, per riportarlo\nal “cuore” della visione, ricordandogli\nche l’immagine è sempre una verità in\nfieri sia per chi mostra − in questo caso\nl’artista − sia per chi guarda. E ancora:\nmovimento, colore e forma appartengono\ntanto alla fotografia quanto alla\npittura, linguaggi che nell’opera di Cor-\nsi non si sovrappongono soltanto, ma\ns’intrecciano come realtà specchianti e\nreversibili. Al ritmo fluido delle forme\ndiluite, sdoppiate e moltiplicate con effetti\ndi mosso e sfocature, la pittura risponde\ncon lo sviluppo frammentato e\nrapsodico di linee, geometrie, accordi e\ncontrappunti coloristici. Mentre la fotografia\nsmaterializza l’oggetto della visione\nmostrandocelo come attraverso uno\nspecchio deformante − lo specchio deformante\ndella memoria, dell’è stato a\ncui la fotografia sempre si riferisce −,\nla pittura interviene a ridargli “concretezza”\nriportandolo al presente, al “qui\ned ora” della percezione. L’invito rivolto\na chi osserva non è tanto individuare un\n“contenuto” − che pure c’è e che spazia\ndalla rilettura di miti classici a quella\ndi grandi capolavori dell’arte − quanto,\ninvece, insinuarsi con lo sguardo nello\nspazio che intercorre tra immagine\ne segno dipinto, tra immaterialità della\nfotografia e corporeità della pittura. In\nquesto spazio mentale, il tempo rallenta,\nsi dilata, torna ad essere un tempo\nvissuto qualitativamente e non più divorato\nnella fruizione compulsiva delle\nimmagini attraverso i media. Potremmo\ndefinirlo, parafrasando Proust, un\n“tempo ritrovato”, una pausa immaginifica\nche restituisce profondità all’esperienza\nestetica. Un’occasione − sembra\ndire Massimiliano Corsi − per riscoprire,\nnell’epoca del “troppo pieno”, l’importanza\ndi un “vuoto” da riempire con\nla ritualità creativa dell’arte.\nL’artista fiorentina si racconta ripercorrendo gli anni della formazione giovanile,\ngli incontri decisivi e i passaggi stilistici di una lunga e importante carriera\nom’è nata la passione per l’arte,\nhai fatto studi accademici\nCnell’ambito della pittura?\nLa mia passione per l’arte è nata dal\nfatto che mio padre, mio nonno, mio\nzio, insomma, tutta la mia famiglia erano\nartisti. Avendo mio nonno fondato\nla prima fabbrica di colori per le belle\narti d’Italia, fin da bambina, ogni tanto,\nmi portavano in fabbrica ed io mi\ndivertivo a giocare con i colori. E allora\nho cominciato a disegnare. Per un\nperiodo ho frequentato l’Accademia di\nBelle Arti, ma poi l’abbandonai, perché\ncapì che non mi serviva il diploma.\nPrima di tutto non avevo nessuna intenzione\ndi andare a insegnare poiché\nl’insegnamento è veramente lontano\nda me. E poi, avrei imparato a dipingere\nin ogni caso. Mi ricordo le parole\ndi mia nonna Anna Maria, che diceva:\n«Non devi fare la pittrice, devi fare la\nsarta. A fare i pittori si muore di fame».\nTutto sommato aveva ragione, salvo i\npochi eletti che riescono sopravvivere\nMenomale che hai seguito la tua\npassione nonostante i consigli della\nSì, esatto. Nella vita è una grande fortuna\nriuscire a seguire quello che ti nasce\nda dentro, dal cuore. Sono molto\nCome ci si sente a crescere in una\nfamiglia dove il padre è un grande\nPer la maggior parte della mia vita ho\navuto fortuna con i miei quadri, che\nsono stati molto apprezzati. Ma ero\nsempre la figlia di qualcuno o la nipote\ndi qualcuno, quindi mi sono sempre\nsentita la seconda. Poi gli eventi hanno\ncambiato la mia vita e con il passare\ndel tempo è aumentata la mia autostima.\nOra sono Anna di Volo.\nCosa ti ha aiutato a sconfiggere queste\nLe ho sconfitte nel momento in cui decisi\ndi dipingere per me stessa, non\ncercando di accontentare gli altri. Mentre\nprima, devo ammetterlo, cercavo di\ndipingere quello che poteva in qualche\nmodo compiacere il pubblico. Mi ricordo\nancora quel giorno: ero appena tornata\nda Londra, dove avevo incontrato\nper una collaborazione Henry Moore, e\nmi sono detta: «Basta, dipingo per me\nstessa e mi devono accettare così come\nInizialmente hai riscontrato difficoltà\nper quanto riguarda la comprensione\ndella tua arte da parte del\nDevo dire di sì. Ho venduto tanti quadri\nalla gente della moda e a tanti stilisti. Infatti,\ngrazie al loro sostegno, la loro fantasia\ne il loro affetto ho trovato la forza\ndi andare avanti e continuare a dipingere.\nPoi ho avuto la fortuna di incontrare\nun grandissimo architetto che era Marzio\nCecchi, fratello di Pola Cecchi. Era\nentusiasta della mia pittura e mi ha commissionato\ntanti quadri, sia per la sua\ncollezione privata che per i suoi clienti.\nGrazie a Marzio le mie opere sono finite\nnelle più belle case del mondo, come per\nesempio a New York e in Francia.\nFin dall’inizio il tuo percorso artistico\nè stato caratterizzato dai volti\nPurtroppo no. Inizialmente cercavo di\ncompiacere gli altri e realizzavo anche\nveri e propri ritratti. Un giorno, stavo\nfacendo un ritratto ad una dottoressa\ndell’ospedale di Santa Maria Nuova, e\nmentre posava ho pensato: «Basta, non\nfaccio più ritratti». Quel giorno ho smesso\ndefinitivamente. A tale decisione mi\nportò la rabbia, perché mi resi conto che\nin fondo ritrarre una persona, se non gli\nleggi l’anima, è un’azione che rimane solo\na livello estetico.\nLe tue opere hanno i volti non definiti.\nE’ il richiamo ad una realtà metafisica\noppure così vuoi renderli universali?\nSono universali. Non vorrei metterci\nun’etichetta. Senza volto io cerco di\ntrasmettere quella che è la mia emozione\ne soprattutto gli altri possono vedere\nquello in cui meglio credono.\nOltre al richiamo alla metafisica nella\ntua arte sono presenti elementi d’oro,\nle figure sono spesso inserite dentro\nnicchie e i soggetti femminili, con\nle loro posizioni statiche, ricordano la\nMadonna. Forse è un richiamo all’arte\nsacra del Quattrocento del fondo\nSì, perché io amo molto la pittura bizantina,\nfino ad arrivare appunto al Quattrocento.\nInvece la pittura dal Cinquecento\nin poi mi affascina molto meno, anche se\ndevo togliermi il cappello. I fondi oro attirano\nla mia attenzione molto, come anche\nle nicchie e i troni. Per me sono il massimo\ndella libidine. Forse sarà perché ho\nNelle chiese fiorentine troviamo molte\npale d’altare dell’epoca del fondo oro.\nForse si sono impresse nella tua memoria\nfin da quando eri piccola e in seguito\nhanno formato le tue preferenze\nAssolutamente. Infatti, mio padre ogni\ndomenica mattina mi portava o nei musei\no nelle chiese. Lì mi spiegava tutti i quadri,\nuno per uno. Questa tradizione nacque\nall’età di cinque anni e proseguì fino\nalle elementari. Mio padre mi dava pochi\nabbracci, ma tanta consapevolezza e\ntante conoscenze. Mi ha aiutato anche a\nritrovare la mia sensibilità artistica, introducendomi\ndiversi concetti filosofici. Aveva\nintorno a lui un gruppo esistenzialista\ndel quale faceva parte tutta l'intellighenzia\nfiorentina. Mio padre non è stato l’unico\nin famiglia ad insegnarmi cose nuove,\nlo faceva anche mio nonno, che mi regalò\nLe vite di Vasari quando avevo solamente\ndodici anni. Perciò, veramente, non sono\nmai stata una bambina. Sto cercando\ndi diventarlo adesso; è difficile, però continuo\nUn'immagine della personale Le forme dello spirito nella Basilica di Santa Croce a Firenze nel 2014\nNonostante tuo padre fin dall’inizio\nsia stato il tuo maestro sia del mondo\nquotidiano che di quello artistico,\nnon lo si percepisce dai vostri dipinti.\nEsatto, i nostri quadri sono molto diversi.\nAbbiamo tante differenze anche a livello\ntecnico, usiamo linguaggi diversi.\nMio padre lavorava solo a spatola, non\nusava mai il pennello che invece è frequente\nnella mia produzione artistica.\nMa soprattutto era una persona con un\nanimo sereno, e ciò si riflette nelle sue\nDopo vari dipinti raffiguranti soggetti\nfemminili, è nata la serie di quadri\ncon le maschere. Cosa ha favorito l’interesse\nper questo tema?\nVengono fuori da una proposta dell'attore\nAlessandro Calonaci che doveva fare\nuna pièce teatrale di Molière. Mi ha proposto\ndi realizzare delle maschere per\nuna mostra da tenersi il giorno dell’inaugurazione\ndella sua rappresentazione teatrale.\nNon avevo mai fatto le maschere,\nperciò questa proposta ha suscitato tanta\ncuriosità in me. Mi sono divertita da\nmorire. Mi piace molto. Queste maschere\nle trovo deliziose e divertenti e continuo\na fare maschere anche serie, non\nsoltanto le colombine in riferimento a\nGoldoni. Dietro queste maschere nascondo\nqualcosa che ancora devo scoprire.\nStai già pensando a come sarà la tua\nproduzione artistica successiva?\nNon lo so perché dipingo per istinto. Ora\ndipingo le maschere perché mi intrigano,\nne ho disegnata una proprio stamani. Ho\nfatto una figura di donna con\ntanti libri davanti e sotto ai libri\nci sono le maschere. Il pensiero\ndello scritto ha schiacciato\nStenterello (2019) Arlecchino (2019)\nAssolutamente. Porterò le maschere\nal Gran Caffè San Marco\ndove ci sarà una saletta che\nsi intitolerà La sala delle maschere\ncon tutte le maschere\nIl percorso di un’anima tra luci ed ombre\ndi Nicola Crisci / foto Lucien Clergue\nNato il 14 agosto del 1934 ad\nArles, in Provenza, alla fine\ndella guerra Lucien Clergue\nscopre con grande sofferenza che un\nterzo della sua città era stato distrutto.\nA differenza di Robert Doisneau,\nche nei suoi scatti lascia intravedere\nun mondo lontano dalla verità con le\nmodelle abbracciate sui balconi parigini,\nClergue trasferisce in fotografia\nil ricordo di un’infanzia difficile\ne dolorosa. Cimiteri, rovine, cadaveri\ndi uccelli sulle rive del Rodano,\nsoggetti che raccontano la sua malinconia,\ngiustificando il bisogno di\ntrovare ispirazione in mezzo alle case\nbombardate e nelle arene, quest’ultime\nmetafora dell’eterna lotta tra vita\ne morte, tra il trionfo del matador e\nla triste sorte del toro. Fondamentale\nl’incontro con Pablo Picasso che\nlo stimola a fotografare circensi,\nacrobati e arlecchini e lo introduce\nnell’ambiente artistico francese\ndell’epoca. Abbandonati i soggetti\ndrammatici dei primi anni, inizia a fotografare\nmodelle nude adagiate sulla\nsabbia e in riva al mare, trasformando\ni loro corpi senza volto in simboli\ndi vita, fertilità e sessualità. Più tardi,\na New York, si cimenta in quello che\nsarebbe poi divenuto uno\ndei suoi lavori più celebri,\nla serie dei “nudi zebrati”,\ncosì definiti per\nl’effetto ottenuto facendo\nfiltrare la luce attraverso\nle veneziane, in modo\nda “disegnare” sulla pelle\nstrisce luminose e in ombra,\nproprio come in un\nmanto zebrato. Dal 1965\nsi dedica ad immortalare\na lui particolarmente\ncaro, tanto che nel 1976\ngli dedica il libro fotografico\naffidando alle immagini\nil compito di restituire la poesia\ndi quei luoghi. Ispirandosi\nall'astrazione di Edward\nWeston, Ansel Adams e Minor\nWhite, semplifica il paesaggio\nin forme ed ombre per\nsuggerire all’osservatore, con\ngrande tensione emotiva, una\nmeditazione sulla vita e sulla\nmorte. Nel 1969, insieme allo\nscrittore Michael Tournier e al\ndirettore del Musée Réattu di\nArles Jean-Maurice Rouquette,\nfonda ad Arles il festival\nde la Photographie, ricoprendo\nartistico per ben 25 anni.\nAncora oggi il festival\nper i cultori della\nnon poco questo settore\nClergue è morto il 15\nnovembre 2014 a Nimens.\nsono conservate in diversi\nDerechaze del cordobes (Nimes, 1965)\nIl violinista (Arles, 1954)\nDalla serie Nudo zebrato\nLa bellezza nascosta nei dettagli\ndi Maria Grazia Dainelli / foto Andrea Ciapetti\nAndrea Ciapetti è il primo italiano\nad aver ricevuto la qualifica europea\ndi Fotografo Industriale\nnel 2014 e il Master nel 2018. Questo tipo\ndi fotografia fatica ad essere considerata\nun'arte, trattandosi di scatti realizzati\nesclusivamente in ambienti industriali. Il\npercorso fotografico di Ciapetti, iniziato\nnegli anni Ottanta, ci introduce nel mondo\ndell'industria pesante e di quella meccanica,\ndescrivendo gli ambienti che caratterizzano\nil sistema tecnologico e raccontando\nuna realtà molto complessa dove l’uomo è\nprotagonista. Il suo spirito di osservazione\nsi fa molto più acuto nelle immagini che\nrappresentano pezzi meccanici, a volte di\ngrandi dimensioni. Sono scatti che stimolano\nla fantasia dell’osservatore, inquadrature\nfatte di linee e di curve che lasciano\nspazio all’immaginazione e alla sorpresa.\nQueste immagini favoriscono il coinvolgimento\nemotivo e sensoriale di chi\nguarda, invitandolo a scoprire la bellezza\nnascosta nei dettagli, la "visione nel particolare".\nUna ricerca espressiva che ruota\nattorno a un sapiente uso della luce e\ndell’inquadratura. La sua fotografia nasce\nprima nei laboratori di Tecnica Moda e poi\nal Nuovo Pignone nel reparto di officina\nmeccanica e nel laboratorio metallografico\ndove è iniziata ufficialmente la sua carriera\ndi fotografo. In questo laboratorio si analizzavano\nle composizioni dei metalli e si\nfotografava con microscopi ottici ed elettronici\nlavorando con pellicole di medio\nformato e lastre per banco ottico. La passione\niniziale si trasforma in professione\nvera e propria, decidendo poi di frequentare\nil corso di fotografia tenuto dall'architetto\nAldo Bacherini, docente di fotografia\ndi Firenze, di cui poi Ciapetti\nè divenuto collaboratore. Con il\npassare del tempo, iniziano ad\narrivare i primi riconoscimenti\ne alcuni suoi scatti diventano\ncopertine di riviste specializzate\n(la prima nel 1983 Metallurgia\nItaliana) e non. Realizza\ncampagne pubblicitarie per enti\npubblici e grandi aziende, tra\ncui General Electric, Eni, Enel\ne Federmanager. Nel 2012, in-\nsieme a Corinna Soldani, specializzata in\npost-produzione e grafica, ed Emanuele\nVergari, esperto di comunicazione e\nfotografia, crea Fucina Fotografica, una realtà\nimpegnata in contesti europei ed internazionali\nche si rivolge costantemente a\nnuovi mercati e nuove sfide.\nSegno e colore per catturare la vitalità della figura umana\nIncontriamo Mirella Biondi, architetto,\ninsegnante e pittrice romana\ndi nascita ma fiorentina da lungo\ntempo, anzi ora scandiccese, considerato\nche da un triennio ha trasferito il\nsuo studio a Scandicci. Mirella Biondi è\nstata insegnante, esercita la professione\ndi architetto dal 1978, anno di laurea\ncon il massimo dei voti, ma da molto\nprima dipinge; si è, infatti, diplomata\na Roma al liceo artistico nel 1963, e nel\n1967 all’Accademia di Belle Arti di via\nRipetta dopo un triennio di studio sotto\nla guida di artisti come Luigi Montanarini\nper la pittura e Mino Maccari per\nla litografia e l’incisione. Prima del trasferimento,\nancora giovanissima, nel\ncapoluogo toscano - dove si è sposata\n-, aveva già avuto modo di farsi notare\nnella città natale, partecipando tra le\naltre, alle celeberrime esposizioni di via\nMargutta e ad estemporanee organizzate\ndall’Accademia di Belle Arti. Un ruolo\nfondamentale l’ha poi avuto nella sua\nNudo, carbonella colorata, cm 48x65\nvita, l’insegnamento. Prima all’attuale\nISIS “Vasari” per geometri di\nFigline Valdarno, poi al Liceo scientifico\n“Russel Newton” di Scandicci\ncome docente di Disegno e Storia\ndell’arte, insegnamento svolto\nin tandem con la libera professione\ndi architetto. Negli anni, in ciascuna\ndelle sue poliedriche attività,\nla Biondi ha fatto riferimento a un\npensiero rigoroso, antidogmatico\ne fecondo, con una produzione artistica\ncreativa e contemporanea.\n«Ai miei allievi, futuri geometri,\nspiegavo i rapporti tra volumi, spazi\ne ombre; agli allievi dello scientifico\nil perché, prima dell’avvento\ndella fotografia e del cinema, certi\nartisti hanno più di altri impersonato\nla propria epoca». In pittura,\ngli impressionisti e gli espressionisti\n- “perché sono i pittori che hanno dipinto\nil sentimento” -, i macchiaioli, Picasso\nspecialmente per le tauromachie,\nGoya per la drammaticità delle opere\nNudo, olio su tela, cm 45x59\nRitratto, inchiostro seppia di china, cm 24x31\nsulla tragedia della guerra; in architettura,\nFrank Lloyd Wright, che per primo\nha posto l’uomo in rapporto con\nlo spazio architettonico, e Le Courbusier,\narchitetti artisti e grandi disegnatori:\nsono questi i maestri amati dalla\nBiondi. Tra i contemporanei\ninvece le sue preferenze\nvanno a “coloro\nche superano la fase fotografica\ned esprimono con\nsegni e vivacità forme e\ncolori, sia nella paesaggistica\nche nella figurativa,\nsenza cadere nella riproduzione\ndi tecniche scolastiche\no fotografiche”. Per\nquanto riguarda la pittura,\nla sua predilezione va\npoi alla figura. Il nudo, i\ndipinti a olio, poi i ritratti\ndelle figlie ma anche di\nex allievi. I suoi soggetti\nsono spesso esteticamente\ni canoni comuni. Ma, come\ndice lei stessa, sono\nugualmente belli, nelle lo-\nro linee morbide, vivide, ricche di vitalità.\nIn alcune di queste opere l’influenza\ndi Maccari appare evidente, in altre si\napprezza prima di tutto la postura dei\nsoggetti e il segno, armonico e deciso\nStudio di nudo, matita, cm 19x25\nallo stesso tempo, che cattura la figura,\nla imprigiona sulla tela, le conferisce\npersonalità. Sono opere realizzate\nin tecnica mista, con gessetto e matite\nad olio macchiati da colori ad acquerello\no a tempera; anche\nl'olio è adoperato con macchie\ne sbavature, ed è un tipo\ndi pittura che richiede\nperché privilegia all’impatto\nimmediato, una rappresentazione\ncolta, ricca di\nrimandi che possiamo definire\nclassici in quanto ideali.\nL’attività espositiva di\nMirella Biondi, dopo gli inizi\nromani, è continuata in\nlocalità prossime a Firenze\ne non solo; c’è stata per\nesempio nella sua carriera\nespositiva una bella esposizione\ndi Assisi nel 1978,\nfino alle esposizioni recenti\nsotto l’egida di Toscana\nCultura, tra cui quelle alla\ne all’Educandato della SS. Annunziata,\ne di recente anche a Simultanea Spazi\nd’Arte. I quadri che la Biondi espone in\nqueste occasioni sono in genere datati,\nin quanto le vicende familiari l'hanno\nportata a ridurre la produzione pittorica;\nsulle opere recenti spiega di essere\nalquanto critica nei confronti di se stessa\ne preferisce aspettare a mostrarle. Di\nMaccari, artista eccentrico e provocatore\ndel quale ha sempre ammirato “la vena\nsatirica che emerge soprattutto nelle\nlitografie colorate”, ci racconta quanto\nle diceva ai tempi dell'Accademia:\n«Per inchiostrare le lastre dovrai sporcati\nle mani, ci vogliono mani da operaio\ne non da signorina». Un’esortazione\napparentemente di senso pratico, ma\nanche un segno dei tempi: perché all’epoca\nprobabilmente non erano molte le\n“signorine” che studiavano incisione, e,\ninfatti, la Biondi aveva dovuto vedersela\ncon qualche, diciamo, perplessità in famiglia\nquando decise di dedicarsi a studi\nartistici. E ci volle uno spirito ribelle\ncome il suo per averla vinta.\nSilenzio, olio su tela, cm 85x60\nIlaria Maltinti (La Bottega Orafa)\nQuando la sperimentazione si fonde con il reale\nSalvatore Sardisco è un artista nato\nche riceve gli spunti per la propria\nproduzione da un percorso di vita\nduro che lo segna nel profondo. Resta\nmolto provato dagli anni trascorsi\nin collegio, ed è proprio in quel periodo\nche inizia ad avvertire la necessità\ndi rifugiarsi nell'arte: dipingere e disegnare\ncome strumento salvifico per\nfuggire da una reclusione forzata, esteriore\ne interiore, attraverso una potenza\nespressiva sino ad allora sconosciuta, i\ncui tratti, nitidi e decisi, si manifestano\nsulla carta e sulla tela. Prende vita\ncosì il suo percorso artistico: agli inizi\nun giovane dotato di un talento innato\nma, tuttavia, ancora acerbo e indefinito,\ncon il quale si affaccia alla prima\nanalisi introspettiva dell’anima umana.\nEgli, nello scorrere del tempo e nell'acquisire\nle capacità che lo contraddistinguono,\nsi rivela interessato ai turbinii\ndel mistero, agli spiraliformi caratteri\ndello spirito, alle energie che si liberano\nintorno a tutte le creature. Salvatore\nentra in contatto con il maestro Pietro\nAnnigoni, il quale sorpreso dalle sue\nprime prove, lo invita presso la propria\nbottega di giovani apprendisti. Ma\nil sogno di proseguire la formazione\nsotto le direttive del noto mentore svanisce\na causa della scomparsa del maestro.\nNonostante ciò, prosegue il suo\ncammino artistico e da autodidatta cresce\nogni giorno contando su se stesso.\nSente esplodere la forza creatrice\nche ricerca provando nuovi percorsi,\nnuovi progetti d’arte e nuove tecniche\ndi esecuzione. Cavalcando l’irrazionale\nnasce il “linearismo continuo”, un gioco\ndi linee definite a biro che aleggiano\ne si muovono sul foglio senza mai\nun'interruzione, dando vita alla forma\nche schiamazza e si perde strutturando\nconcetti, volti e nuvole di pensieri\nmaterializzati. Sperimentazione, questa,\nesibita in più periodi della sua vita,\na volte con l'ausilio di un semplice supporto\nbianco, altre visitata da sprazzi di\ncromatura allegra. In una fase differente\ndella sua vita artistica, incontra volti\nevanescenti consumati nella luce ambrata\ne calda che li circonda e tracciati\na olio su tela. Emergono dall’ombra,\nsvaniscono la nitidezza e i tratti continui\ndei profili ma restano incisi sguardi\nintensi che attraversano lo spettatore,\nabbagliato da occhi fiammanti che non\nsi dimenticano. A un periodo più recente\ncorrispondono i nuovi studi di volti,\nnon più immagini di ricordi imprecisati\nma anime che vibrano di luce reale e\naccesa. Sulla base di fotografie, l'auto-\nre apre al mondo la convulsione dei colori\nfiammanti, dei gialli squillanti, dei\nverdi intensi. Nuove occasioni espressive\ntoccano la figura umana concentrandosi\nsui volti che sovrastimolano\nla sua analisi indagatrice. Sono immagini\nche esprimono la loro bellezza intesa\ncome perfezione della forma, ma\nsono anche prototipi di una condizione\nsociale: emarginati, volti noti o sconosciuti\nche riflettono la sofferenza della\npropria anima. E’ il caso degli ultimi tre\nlavori del pittore, Dama col bassotto,\nGeisha e Adolescenza negata, eseguiti\na olio su tela tra la fine del 2019 e l’inizio\ndel 2020. La prima opera inneggia\nalla bellezza: con i capelli avvolti da un\npanno di velluto verde, la figura femminile\nsovrasta con maestosità lo spettatore,\nmentre la sua cute vibra di tocchi\nleggeri e delicati, gettando volutamente\nuno sguardo al passato che riecheggia\nla Dama con l’ermellino di Leonardo e\nla Ragazza col turbante di Vermeer. Le\naltre due figure sono invece espressione\ndi una condizione sociale che mercifica\nl’immagine femminile: la Geisha\nsi esprime con riserbo; compressa nel\nverde della veste, ha imparato con eleganza\nla seduzione e l’obbedienza. Una\nluce intensa bagna il suo volto candido\nin attesa dell’iniziazione. Adolescenza\nnegata guarda con occhi\nche appare senza intervenire,\ntrasformando il martirio\ndi colore in una violenta\nche trova modo di imprimersi\nuna lacrima che scava la\npelle come una ferita irreversibile.\nDama con bassotto (2019 - 2020), olio su\ntela, cm 100x70\nGeisha (2020), olio su tela, cm 50x70\nAdolescenza negata (2020), olio su tela,\n+ 39 3355394664\nProteggi le tue mani senza risciacquo:\nazione rapida con il 72% vol di alcol\nCome igienizzare le mani anche senza\nL’igiene delle mani è molto importante,\nsono il principale veicolo in\ngrado di trasmettere batteri e germi alle\nmucose di bocca, naso e occhi. Esistono\nin commercio disinfettanti per\nmani, antibatterici profumati e gel igienizzanti\npensati per essere portati con\nsé, da tenere comodamente in auto o\nin borsa. La loro funzione principale è\nquella di eliminare batteri e virus dalle\nmani quando non è possibile lavarle.\nIn questo momento così complesso e\nin cui in misura ancor maggiore l’igienizzazione\ndelle mani risulta essere decisiva,\nIdea Toscana propone un nuovo\ngel idroalcolico per la pulizia e l’igiene\ndelle mani, semplice da usare e sicuro.\nDistribuito sulle mani asciuga rapidamente\nlasciando la pelle pulita, fresca\ned igienizzata. Il prodotto è stato studiato\nper risolvere in ogni momento il\nproblema della pulizia delle mani quando\nacqua e sapone non sono disponibili:\nfuori casa, in treno, in autobus o\ntramvia, in qualsiasi momento sia necessario\nigienizzare le mani. Il Gel Mani\nDetergente Igienizzante Idea Toscana\ncontiene oltre il 65% di alcool denaturato\nin peso, ovvero 65 grammi di alcool\nsu 100 grammi di prodotto percentuale\nche garantisce sicuramente l'eliminazione\ndi germi, batteri e virus dalle\nmani in situazioni dove non è possibile\nutilizzare il sapone.\nMolto semplice e rapido usarlo: basta\nerogare il prodotto direttamente sulle\nmani distribuendolo su tutta la loro superficie\nfino a quando non risulta completamente\nassorbito. Si usa da solo,\nsenz’acqua e senza bisogno di risciacquo.\nQuando siamo a casa, le cose cambiano:\nin ambiente domestico, infatti,\nbasta lavare bene le mani con acqua\ncorrente e saponi liquidi naturali che,\ngrazie alla bilanciata formulazione, possono\nessere tranquillamente usati più\nvolte nell’arco della giornata, garantendo\nla massima affidabilità e sicurezza\nanche su pelli sensibili e irritate.\nPer gli amanti della saponetta solida è\nconsigliato l’uso del Sapone di Marsiglia\ntradizionale che possiede tutte le\nvirtù dei saponi naturali ed è emolliente,\nlenitivo, idratante, delicato e deterge in\nmodo semplice ed efficace. Le straordinarie\nproprietà detergenti di questo sapone\nanche alle pelli più delicate e sensibili.\nInfine per riparare le nostre mani da\nscrepolature e arrossamenti provocati\ndall’uso degli igienizzanti a base alcoolica\ne dai saponi, si consiglia una buona\ncrema nutritiva mani e unghie per proteggerle\ned idratarle a fondo in modo\nSulle dinamiche tra genitori e figli si\npuò affermare: «Dimmi come funziona\nla tua famiglia e ti dirò chi\nsei»; ma vale anche l’inverso: «Dimmi\nchi sei e ti dirò in che famiglia vivi». Non\nsempre è così lineare, ma circolare sì. Anche\nnel sistema famiglia ognuno influenza\ned è influenzato dagli altri. Le relazioni\ndentro le famiglie si evolvono come le\nsocietà e gli individui, influenzandosi reciprocamente.\nassistito ad un grosso interesse per le\ndiscipline psicologiche, sociali e mediche\nnei confronti delle dinamiche della\nfamiglia e del ruolo del parenting, cioè\ndel ruolo dei genitori nello sviluppo sano\ndei figli, sia mentale che comportamentale.\nDa qui ne è derivata una numerosa\nletteratura scientifica, anche se si tratta\nper lo più di testi che non offrono indicazioni\nchiare, concrete ed applicabili dai\ngenitori per aiutare i figli quando questi\nmostrano difficoltà o talvolta vere e proprie\npatologie. Il Centro di Terapia Strategica,\nattraverso la collaborazione dei\nricercatori coordinati dal direttore, ha\npubblicato il libro Aiutare i genitori ad\naiutare i figli, esito di una ricerca durata\ndieci anni con l’obiettivo di offrire una\nmappa che metta in evidenza gli ostacoli,\ni problemi frequenti, le tattiche e le\nstrategie finalizzate a sciogliere nodi relazionali\napparentemente impossibili. E’\nun manuale di pronta consultazione che\ndi chiarire se\nsi tratta di una difficoltà o già di un problema\npsicopatologico. L’esposizione è\nsuddivisa per fasce di età, a partire dal\nperiodo prenatale, durante il quale prende\nl’avvio il ruolo genitoriale e le possibili\ncomplicazioni connesse. Vengono poi\npassate in rassegna tutte le caratteristiche\ndello sviluppo seguendo i manuali di\npsicologia del ciclo di vita. Quindi, non\nsolo le fasi di crescita infantile e dell’adolescenza\nma anche oltre, fino a quando\nil ruolo dei genitori si debilita, le parti\ns’invertono e i figli diventano i loro responsabili.\nUna delle caratteristiche della\nPsicoterapia Breve Strategica è quella di\nprevedere una modalità di intervento del\ntutto originale: intervenire indirettamente\nattraverso i genitori con i bambini sotto\ni dodici anni. Le motivazioni prioritarie\nsono diverse: la giovane età non permette\nal bambino di collaborare consapevolmente\ne di utilizzare efficacemente\nle indicazioni del terapeuta. Primum non\nnuocere, diceva già Ippocrate, e quindi\nevitare l’etichettamento diagnostico e\nanche la frequentazione clinica se non indispensabile.\nI genitori vengono responsabilizzati\n– e non accusati, anche se\nsono parte del problema − a collaborare\nnel ruolo di co-terapeuti; questo permette\nloro di intervenire puntualmente,\ncon prescrizioni mirate, per interrompere\nciò che mantiene il problema. La collaborazione\ndei genitori ci permette, fin\nda subito, di indagare e intervenire le dinamiche\nfamiliari, spesso disfunzionali,\nsia come causa che come esito del problema\ndel bambino. Il loro puntuale intervento\nquotidiano, sia di relazione che\nspecifico sul sintomo, aumenta l'efficacia\ndel trattamento e ne riduce i tempi,\nsia per problemi di poca entità che per\ndisturbi più seri, evitando così che il terapeuta\nincontri il bambino. I problemi\nfrequenti nel bambino sono: paure, disturbi\ndel sonno, enuresi, ansia da prestazione,\nfobia scolare, mutismo elettivo\no selettivo, disturbo ossessivo-compulsivo,\ndisordini alimentari, disturbo oppositivo-provocatorio.\nDopo “amare”, il\nverbo “aiutare” è il più bello del mondo,\ne farlo in maniera efficace serve molto\nanche ai genitori che ritrovano la loro naturale\nMedici e infermieri, eroi del nostro tempo\nNon eravamo pronti ad affrontare\nun periodo così duro di\nisolamento sociale e reclusione\nin casa, uniti dall’incertezza di\nquando tutto finirà. L’impossibilità di\nmantenere il proprio stile di vita e la\npropria libertà suscita nel nostro animo\nemozioni complesse e anche frustrazioni,\nla paura di rimanere senza\ncibo o senza farmaci, di rimanere soli.\nSi comincia a pensare che l’economia\ncrollerà, che perderemo il lavoro,\nche qualche persona a noi cara non ce\nla farà. Una cosa è certa che qualunque\nsiano i nostri dubbi e le nostre incertezze\nnon saremo più gli stessi. I\nsanitari nei Pronti Soccorso\nper soccorrere le\npersone con febbre e difficoltà\nnon ce la farà specie se\nè vecchio e malato. Medici\ne infermieri irriconoscibili\nnelle loro tute non hanno\nalla loro esistenza. Devono\nsalvare la vita degli altri a\nrischio della loro. Oggi sono\ndefiniti “eroi”. Speriamo\nche domani qualcuno\nph. courtesy doppiozero.com\nLa professione medica tra scienza e vocazione\nLo sforzo richiesto ai medici\nnella situazione di emergenza\nlegata al Coronavirus,\nsembra confermare la “vocazione”\nche secondo il pensiero comune è\nrequisito indispensabile per esercitare\nquesta professione. Se alla base\ndella scelta di diventare medico\nnon ci fosse qualcosa in più della sola\npassione scientifica, e quindi doti\ndi umanità e di generosità verso il\nprossimo, sarebbe quasi irragionevole\nandare incontro alle enormi responsabilità\ne al notevole impegno anche\npsicologico che questa professione richiede,\nspesso imponendo condizioni\ndi lavoro non del tutto gratificanti. Tra\ni dati più tragici emersi in seguito alla\ndiffusione del Coronavirus, vi sono\nsenz'altro le gravi carenze della sanità\nitaliana, con ospedali privi della strumentazione\nnecessaria, pochi medici e\naltrettanto pochi infermieri ad affrontare\nun evento di questa portata. Il me-\ndico deve conservare un equilibrio\nmolto difficile tra bisogni del malato,\ndettami della scienza, strumenti a disposizione\ne propensione empatica.\nMa è anche vero che tutto questo lo\nimpara a proprie spese, perché nessuno\ngli insegna a reggere un simile\ncarico. E questo, a lungo andare,\npuò tradursi nella difficoltà a mantenere\nviva nel tempo l’iniziale “vocazione”.\nForse, quando l’emergenza\ndella pandemia sarà finita, occorrerà\nriflettere anche su questo.\nRISERVATO A OPERE INEDITE DI NARRATIVA - POESIA - SAGGISTICA\nPresidente Alessandro Quasimodo Attore teatrale e critico\nGiurati Osvaldo Bevilacqua Giornalista RAI e conduttore di programmi televisivi\nAnna Kanakis Scrittrice e attrice – Antonio Padellaro Giornalista e scrittore\nLuciano Monti Scrittore e docente LUISS “Guido Carli” – Maria Borio Scrittrice e ricercatrice\nClaudio Pacifico Ambasciatore d’Italia – Francesco Petretti Scrittore e autore di documentari\nMarinella Rocca Longo Docente Università “Roma Tre” – Giovanni Zavarella Critico letterario\nInformazioni e bando sul sito www.premioletterariocdc.it\nFacebook Premio letterario ‘Città di Castello’\nL’Associazione Culturale Tracciati Virtuali devolve la quota d’iscrizione\na favore del Presidio Ospedaliero di Città di Castello\ncome contributo per la grave emergenza sanitaria\nIl film di Kathryn Bigelow considerato un cult degli\nSiamo in California, a Los Angeles\ne una banda di malviventi\nspadroneggia nelle rapine\nin banca. Sono in quattro e vengono\nchiamati gli “ex presidenti” perché\nindossano le maschere di Carter,\nReagan, Nixon e Johnson. L'FBI non\nsa più dove sbattere la testa poiché\nla teoria dell'agente Angelo Pappas\n(Gary Busey di nuovo alle prese con\nil surf come in Un mercoledì da leoni)\nper la quale gli “ex presidenti” sarebbero\ndei surfisti, viene considerata\nuna follia. Con l'arrivo a Los Angeles\ndi Johnny Utah (un giovanissimo Keanu\nReeves) l'indagine viene rispolverata.\nUtah crede al collega Pappas\ne dopo aver trovato l'aggancio perfetto,\nla surfista Tyler, si fa allenare\ngiorno e notte entrando piano piano\nnell'ambiente. Qui conosce Bodhi\n(un grande Patrick Swayze), surfista\ne capo della banda. Point Break è un\nfilm d'azione – forse uno dei migliori\ndel genere – ma prima ancora è il\nfilm dei quattro elementi: acqua, fuoco,\nterra, aria. L'acqua è l'elemento\nportante del film, la madre di tutte le\ncose e proprio per questo lo apre e\nlo chiude in modo ciclico e perfetto.\nL'acqua dà la vita, ma la può anche\ntogliere da un momento all'altro.\nIl fuoco ha un aspetto miscellaneo\nin Point Break. E’ un fuoco oscuro e\nromantico che si fonde tra falò sulla\nspiaggia, colpi di pistola e lanciafiamme.\nLa terra è il collante di tutto,\nil suolo calpestato da Bodhi e Utah è\nlo stesso che calpestiamo ogni giorno,\nun terreno accidentato fatto di\ncontinui inseguimenti, che se non\nsono testa a testa con la polizia sono\ntesta a testa con noi stessi, che\nci portano a trasformarci di volta in\nvolta alla ricerca di un barlume di felicità,\ndue protagonisti. Ed infine\nl'aria. Un elemento\nla banda degli “ex presidenti”,\nmotivi delle loro rapine,\nperché lo skydiving\nè un vizio molto costoso,\ne insieme al surf è\nl'unica cosa che li rende\ndavvero vivi. Point Break\nè quindi un film sugli\nelementi, ma anche\nsull'amore. L'amore per\nla vita, per il pericolo,\nper una donna, ma anche\nper un amico. Perché\ndi amore si deve\nparlare se si vuole analizzare\nUtah e Bodhi. I due s’incontrano\nin un nodo indissolubile,\nun nodo che non si\nromperà neanche quando l'uno scoprirà\nil mestiere dell'altro, in quell'inseguimento\ncapolavoro, che è anche\nuna delle scene più belle del film,\nin cui Utah in una corsa disperata\nsi farà male ad una gamba, lasciando\nscappare Bodhi che, girandosi,\nlo guarderà da lontano con un'arma\npuntata contro, una pistola che\nnon potrà mai esplodere quel colpo,\nperché sparando Utah potrebbe recidere\nquel cordone ombelicale che\nlo lega a Bodhi e alla sua nuova vita.\nUn amore platonico, quindi, inteso\ncome moto dell'animo, un po'\ncome il surf in cui “prima ti perdi e\npoi ti ritrovi”. Point Break è un punto\ndi rottura, proprio come quello in cui\nsi rompono le onde. E’ un film che\nrappresenta alla perfezione gli anni\nNovanta, insieme a tutte le insicurezze,\ni turbamenti, i sogni e il malessere\ndi quella generazione. La regista\nKathryn Bigelow si trova a suo agio\ncon le scene d'azione mostrando una\ncapacità narrativa fuori dal comune,\nuna mente pienamente cosciente\nche sviscera il nucleo del film in\npiù sottonuclei, evidenziando un lato\nfilosofico di norma estraneo ai\nfilm d'azione. Point Break, a distanza\ndi quasi trent’anni, insieme a Strange\nDays, rimane il film migliore della\nBigelow. Un film a cui non manca\nniente, è tutto perfetto, basta lasciarsi\ntrasportare dalle onde del mare.\nDa Danzica a Firenze per studiare la storia della\nTarga in ricordo di Robert Davidsohn posta nel 2003 a Firenze, in via dei Della Robbia 68, dove lo storico abitò dal 1903 al 1923\nRobert Davidsohn nasce a Danzica\nnella Prussia orientale\n(l’odierna Polonia) il 26 aprile\ndel 1853 da famiglia di mercanti\nebrei. Da giovane non frequenta\nil ginnasio per motivi di ristrettezze\neconomiche e inizia a lavorare, fino\na quando il fratello George gli dà\nla possibilità di studiare al Königlichen\nRealgymnasium di Berlino, che\nlascia però dopo solo due anni nel\n1866. Qualche anno dopo, nel 1868,\nsuo fratello fonda a Berlino la Berliner\nBörsen-Courier, una rivista finanziaria\ndi orientamento liberale che si\noccupa di titoli quotati in borsa, economia\ne cultura dove il giovane Robert\ncontinua il percorso giornalistico\ngià avviato presso un giornale finanziario\ndi Francoforte. Nel 1880 sposa\nla cantante lirica Philippine Collot con\nla quale condividerà il resto della vita.\nLa carriera giornalistica giunge al\ntermine nel 1884, anno in cui pubblica\nil suo Vom Nordcap bis Tunis. Reisebriefe\naus Norwegen, Italien und\nNord-Afrika, opera nata da una comunicazione\nepistolare in cui racconta i\nsuoi viaggi in Norvegia, Svizzera, Inghilterra,\nRomania, Danimarca, Tunisia\ne Italia, dove soggiorna più a lungo\ndegli altri paesi. E' grazie a questa\npermanenza che Davidsohn matura la\ndecisione di tornare nel nostro paese,\nprecisamente a Firenze, dove resiede\nbrevemente in via della Pace. E’ il\n1886 e, nell’estate dello stesso anno,\na seguito dei suggerimenti dello sto-\nrico Ferdinand Gregorovius, Robert\ns’iscrive all’Università di Heidelberg,\ndove si laurea in Storia due anni dopo.\nL’anno successivo, si trasferisce\ndefinitivamente a Firenze con la moglie\nPhilippine, soggiornando prima\nin viale Regina Vittoria per poi trasferirsi\nin via dei Della Robbia, dove\noggi è posta una placca in marmo in\nsua memoria. Durante la prima guerra\nmondiale è costretto a lasciare il\ncapoluogo toscano per rifugiarsi prima\na Monaco di Baviera e poi a Basilea;\nrientra a Firenze nel 1919 quando\nsi trasferisce al Bobolino in via Michele\ndi Lando. Tra il 1896 e il 1927,\npubblica Geschichte Von Florenz (La\nstoria di Firenze), monumentale saggio\nin sette volumi accompagnato\ndall’opera Forschungen zur\nGeschichte von Florenz (Ricerca\nsulla storia di Firenze)\ngià pubblicata nel 1896.\nNel 1929 pubblica Firenze ai\ntempi di Dante. Dal 1903 al\n1923 è membro dell’Accademia\ndella Crusca, dalla quale\nrischia l’espulsione a causa\ndi un suo scritto nel quale si\nesprime in maniera derisoria\nnei confronti degli italiani.\nViene insignito di titoli onorifici\ntra cui il titolo di Commendatore\nonoraria di Firenze. Si spegne\nil 17 settembre del 1937\ned è sepolto presso il cimitero\nevangelico di Firenze, detto\n“degli inglesi”, insieme\nalla moglie che morirà dieci\nanni più tardi. Tutt’oggi,\nebraica, i visitatori pongono\npietre sulla tomba dello storico\ne studioso tedesco.\nLa magia dell'incontro in uno scatto\ndi Daniela Pronestì / foto Alain Barbero\ne mezzo da\nquando Édouard Manet dipinse\nil celebre Un bar aux Folies\nBergère, la forza di quest'opera\nnon è stata intaccata dal\ntempo. Una scena qualunque\nall’interno di un bar diventa,\nla trasposizione del senso\ndi solitudine connaturato alla\ncondizione umana. Non vi è\ndubbio, infatti, che tra i maggiori\nlasciti della pittura di\nfine Ottocento, e in particolare\nsia quello di averci insegnato\na guardare con occhi nuovi\nluoghi e situazioni all’apparenza\npoco interessanti. E il\ncaso dei caffè parigini − micromondo\npopolato di artisti, intellettuali, gente\ncomune e donne alla moda − è senz’altro\nil più emblematico di questa “rivoluzione”\ndello sguardo. Capire come\nquesto micromondo sia cambiato e\ncosa invece sia sopravvissuto del suo\nparticolare fascino è l’obiettivo di Alain\nBarbero. S’intitola Cafés Europa il progetto\npromosso dal fotografo francese\nper raccontare, attraverso un tour\nin diverse capitali, una particolare categoria\ndi frequentatori dei caffè: gli\nscrittori, sia donne che uomini, giovani\ne non. Un’idea nata nel 2013 insieme\nalla scrittrice austriaca Barbara\nRieger, con la quale Barbero ha fondato\nil blog Café Entropy dove pubblicare\nle foto di scrittori da lui immortalati nei\ncaffè di Vienna. Da questo primo nucleo\nil progetto è proseguito estendendosi\nad altre città come Berlino, San\nPietroburgo e prossimamente anche a\nFirenze in occasione di una personale\ndell’artista. Il lavoro di Barbero si lega\nnon a caso al mondo degli scrittori,\nnon solo per l’evidente complementarietà\ntra immagine e parola, ma so-\nBarbara al Caffè Kafka (Vienna)\nprattutto perché se la fotografia, come\nsi dice, “cattura l’attimo”, quello fissato\nnei suoi scatti non è un attimo qualunque,\nma è il frammento di un tempo\ncreativo, una scintilla dell’ispirazione\nche lo scrittore insegue costantemente.\nE come lui anche il fotografo è un\ncacciatore di attimi decisivi nel continuo\ndivenire della realtà intorno. Una\n“caccia” che, nel caso di Barbero, avviene\nin un territorio − quello dei caffè\nappunto − dove le prede a portata\nd’occhio sono persone e cose, sguardi\ned oggetti. Ad ogni scrittore ritratto\ncorrisponde una vasta galleria di gesti,\npose, espressioni, ma anche un diverso\ntipo di taccuino, di libro ad accompagnare\nla lettura e ovviamente anche\ndi bibita, sia essa alcolica o soltanto\nun caffè. Insomma: come ogni altra\nattività creativa, la scrittura esige un\nrituale fatto di abitudini, luoghi da frequentare,\noggetti da portare con sé. Ed\nè proprio questo rituale che Alain Barbero\ndocumenta, attribuendo ad ogni\nvolto un carattere, ad ogni oggetto una\nfunzione nel suo racconto per immagini.\nCosì, una giovane donna allonta-\nna lo sguardo in cerca d’ispirazione,\nmentre le sue mani restano lì, ancorate\nalla penna e al foglio, riunendo insieme\nle due dimensioni, materiale ed\nimmateriale, della scrittura. E poi c’è\nchi fuma e scrive insieme, chi rilegge\ngli appunti mentre sorseggia un caffè,\nchi regala un sorriso all’occhio curioso\ndel fotografo e chi, al contrario,\nnon si cura affatto della sua presenza.\nIntorno a loro, altri avventori, uomini\ne donne venuti per incontrare un\namico o concedersi una pausa; e poi\nancora, in altre foto, una successione\ndi sale vuote, come palcoscenici in attesa\ndi nuovi attori a calcarli. In fondo,\nbasterebbe rimanere seduti in un\nbar per vedere il mondo intero scorrere\ndavanti; indovinare la vita dello sconosciuto\nche entra, beve una cosa e va\nvia, e osservando lui cercare di capire\nanche qualcosa in più di noi stessi.\nProprio come fa Alain Barbero, fissando\nin ogni scatto la magia dell’incontro\nB&B Casa Ercoli\nUn caleidoscopio di emozioni tra colore e materia\ndi Lucrezia Arfaioli\nBaciata dal mare, olio, cm 40x60\nNata ad Empoli nel 1943, dopo\ngli esordi come autodidatta,\nMaria Grazia Fusi diventa\nallieva del maestro Gino Terreni. Partecipa\na numerose mostre e concorsi\nottenendo vari riconoscimenti. La\nsua opera spazia tra pittura e scultura.\nSin da piccola si accorge di avere\nun animo di artista, ma il periodo\nnon era certo propizio: il dopoguerra\nimponeva alle famiglie dei sacrifici, e\nstudiare era un onere che non tutti si\npotevano permettere. Quindi, obbediente\nal volere del padre, cresce imparando\nun mestiere e creandosi una\nfamiglia, ma il fuoco dell’arte resta\nsempre sotto la cenere nella speranza\ndi attizzarsi. Quando infine anche i\nfigli hanno preso la loro strada, come\nun vulcano può finalmente dare sfogo\nal suo estro. All’inizio i lavori sono un\npo’ approssimativi, perché manca un\nindirizzo artistico: la prospettiva è carente,\nma con straordinaria volontà si\nmette a studiare diventando una delle\nallieve predilette del maestro Terreni,\nche la incita a proseguire dandole\npreziosi consigli. Le sue opere nascono\ndal bisogno di esprimere e di comunicare\nagli altri le proprie emozioni. Lo\nstile figurativo raffigura angoli di natura\ne storie di vita. Le sue figure hanno\nuna forza e una libertà di espressione\nche sembrano rendere drammaticità,\ngioia, sofferenza e amore così palpabili\nda indurre l’osservatore ad esserne\npartecipe. Maria Grazia Fusi stilizza,\nin maniera gioiosamente naif, luoghi,\npersone, ricordi: si va dai paesaggi\nrappresentati con pennellate morbide\na figure talvolta da sole ma ricche della\npropria presenza. In alcuni casi si scopre\nun aspetto più religioso dell’artista\ncon la rappresentazione di temi cristiani.\nRimane comunque ben presente il\ncontatto dell’uomo con la natura nel\nmomento di massima purezza: non è\nun caso che alcune figure siano colte\nnella loro nudità sotto la luna o adagiate\nsu una spiaggia o in un territorio\nesotico. La chiarezza e la semplicità del\nsorriso di una lettrice, la bellezza del\nvolto di un fanciullo o di una donna alla\nfinestra sono la sicura e intima espressione\ndi episodi della vita dell’artista.\nEmozionarsi, come ben sappiamo,\nvuol dire tirare fuori ciò che abbiamo\ndentro per poterlo trasmettere anche\nagli altri. Questo è quello che si prova\nnell’osservare i dipinti della Fusi. La\npassione di Maria Grazia non si è però\nlimitata alla pittura: grazie alla sua manualità\nha voluto poter creare con l’argilla\nche sentiva come una cosa viva;\ncomposizioni che si sono subito “impregnate”\ndel suo carattere così deciso\ne passionale. Ai colori accesi dei\ndipinti contrappone in scultura il colore\nnaturale dell’argilla, l’oro, il brunito\ne il verde, mentre i temi spaziano dal\nsacro al profano. La semplicità che a\nvolte può trasparire dalle sue composizioni,\nha un effetto emozionante e dimostra\nquanto grandi siano la sua fede\ne l’attenzione al mondo circostante.\n+ 39 3334440464\nTelefonata romantica, terracotta dipinta\nStoria di un'antica tradizione fiorentina riproposta ogni\nanno per le festività pasquali\nEssendo da poco trascorsa la\nPasqua, che quest'anno è stata\nuna domenica qualunque a\ncausa del Coronavirus, vale la pena\nraccontare la storia dello “scoppio del\ncarro “. Questa cerimonia tutta fiorentina\nche si svolge il giorno di Pasqua,\nrisale ai tempi della prima crociata indetta\nper liberare il Santo Sepolcro dagli\ninfedeli. Goffredo di Buglione, duca\ndella Bassa Lorena, era il capo dei Crociati,\ncosì chiamati perché portavano\nuna croce rossa cucita sulla spalla destra\ndella tunica bianca che ricopriva\nl'armatura. Nel 1097 partirono per la\nPalestina e due anni dopo assediarono\nla città di Gerusalemme, riuscendo\nIl carro pasquale detto "brindellone" (ph. courtesy tuscanyplanet.com)\nad espugnarla il 15 luglio del 1099. Si\nracconta che il fiorentino Pazzino de’\nPazzi fu il primo che riuscì a salire sulle\nmura della città santa e ad apporre\nl'insegna bianca e rossa. Per questo\natto di coraggio, Goffredo di Buglione\ngli donò tre schegge del Santo Sepolcro.\nAl suo rientro a Firenze le tre pietre\nfurono inizialmente conservate nel\nPalazzo dei Pazzi per poi essere consegnate\nalla chiesa di Santa Maria Sopra\na Porta nel Mercato nuovo. Da qui passarono\nnella chiesa di San Biagio fino\na quando la chiesa fu soppressa nel\n1785. Le sacre reliquie vennero quindi\ntrasferite nella chiesa dei Santi Apostoli\ndove tuttora sono gelosamente\nconservate in un’apposita\nurna. Gli storici tramandano\nche, dopo la liberazione\ndi Gerusalemme, i crociati\nnel giorno di sabato si radunarono\nResurrezione in devota\npreghiera e consegnarono\na tutti i presenti il fuoco\nbenedetto come simbolo di\npurificazione. Così questo\nfuoco, che veniva acceso\ncon le scintille sprigionate\ndallo sfregamento delle tre\nschegge, era donato a tutti\ni fiorentini in ricordo di\nquesto evento. Col passare\ndel tempo la festa divenne\nsempre più articolata\nma non si sa con esattezza\nquando nacque il vero e\nproprio “scoppio del carro”,\ndel Trecento. Il fuoco\nsanto veniva trasportato\ncon un carro − dove su un\ntripode venivano accesi i\ncarboni − e poi distribuito\nal popolo fiorentino. Quan-\ndo la famiglia dei Pazzi fu cacciata dalla\ncittà a seguito della famosa congiura\nordita contro i Medici nel 1478, la Repubblica\ndecise di passare i festeggiamenti\nai consoli dell'Arte maggiore\ndi Calimala, che erano anche gli amministratori\ndel battistero di San Giovanni.\nQuando nel 1494, scossa dalla\npredicazione del frate domenicano Girolamo\nSavonarola, la città cacciò i\nMedici da Firenze, una provvisione governativa\nrestituì alla famiglia dei Pazzi\ngli antichi privilegi, compreso quello\ndell'organizzazione dello scoppio\ndel carro. Inizialmente questo carro\nera molto semplice, ma a causa delle\ndeflagrazioni e delle fiammate che\nogni anno sopportava, alla fine della\ncerimonia doveva essere ripristinato o\nrifatto nuovo. Così si decise di allestire\nun carro grande di tipo trionfale a tre\nripiani chiamato “brindellone” trainato\nda due coppie di buoi e posizionato fra\nil battistero e la cattedrale. Ancora oggi,\nal canto del “Gloria”, l'arcivescovo\naccende un razzo a forma di colomba\n(la colombina) che tramite una fune di\nferro percorre tutta la navata centrale\ndel duomo e, raggiunto il carro all'esterno,\nlo fa scoppiare accendendo\ntutti i mortaretti e i fuochi d’artificio. La\nsagoma del “brindellone”, così chiamato\nper l’andatura lenta e scomposta,\nscompare per qualche momento alla\nvista in un caleidoscopico gioco di colori\nviola, rosa, rosso, verde, bianco e\nblu, mentre un denso fumo lo avvolge\ne rumorosi scoppi colpiscono le orecchie\ndegli astanti. La colombina deve\npoi tornare indietro all'altare maggiore\nda dove è partita altrimenti si pensa\nche il raccolto dell'anno non avrà buoni\nauspici. Una festa molto sentita dai\nfiorentini e accolta felicemente dai tanti\nturisti che arrivano in città un po’ da\nDai miti classici al mondo cristiano: le due anime di\nuna scultura mediterranea\nMater dolorosa, bronzo\nNon c’è bellezza senza pàthos, né\narmonia senza caos. Questo insegna\nla scultura greca antica:\nnell’equilibrio tra limpidezza della forma\ncompiuta e forza lacerante della pulsione\nvitale, tra apollineo e dionisiaco − avrebbe\ndetto Nietzsche − risiede l’essenza\ndell’arte. Chris Ebejer ha fatto proprio\nquesto concetto, ponendolo all’origine di\nogni sua creazione, sia essa opera fusa\nin bronzo o modellata con l’argilla. Viene\nda credere che sia stato il genius loci ad\nispirarlo, essendo nato in un’isola, Malta,\ncrocevia tra Oriente ed Occidente nel cuore\ndel Mediterraneo. In questa terra dalla\nforte stratificazione culturale, Ebejer ha incontrato\ni miti classici e la civiltà cristiana,\nla grazia divina di Venere e il dramma\numano di Maria Vergine. E li ha fusi insieme\nin un linguaggio che dietro la patina\nd’antico, ribolle d’una sensibilità tutta moderna.\nIn merito alla classicità, egli sembra\ndire che l’unico modo per accostarsi\nall’antico sia cogliendolo come frammento,\nparte di un mondo ormai perduto, dei\ncui valori giunge a noi oggi soltanto un riflesso.\nAll’artista il compito di ricomporre\nquesti pezzi, di ricondurli ad unità, come\naccade per i corpi femminili di ninfe, sibille\ne divinità ottenuti combinando più elementi\ninsieme (Venere). E quando questo\natto d’amore per il passato non sia possibile,\nresta il dettaglio di un volto (Minerva)\na farsi emblema dell’integrità smarrita.\nC’è poi un mondo popolato di figure maschili:\nSaturno, Mercurio, Atlante, non più\ndivinità fiere ed aitanti ma attori che interpretano\nstancamente un ruolo ormai anacronistico.\nNon c’è più spazio per loro in\nun’epoca dedita al culto di nuovi miti; restano\nsoltanto il ricordo di perdute glorie\n(Battle of Gods) e l’immagine nostalgica\n(Mythos) di una divinità dallo sguardo\nperso, la testa china, il corpo aggredito\ndalla morte: è la caduta degli dèi, l’inesorabile\nepilogo del mito. E se gli dèi cadono\nsenza frastuono in un mondo distratto\nda troppo rumore, c’è da chiedersi a quale\ndestino vada incontro il dio dei cristiani. E’\nsoprattutto l’umanità del Nazareno ad interessare\nEbejer, il dio che si è fatto uomo, e\ncome un uomo, e per l’uomo, ha sofferto.\nLo vediamo mentre va incontro al martirio\n(Behold the men) e dietro di lui l’umanità\nintera, lesta a seguirlo ma altrettanto\nlesta a rinnegarlo. Non c’è nessuno a piangerlo\nai piedi della croce (The 9th hour):\ncome ogni altro uomo anche Cristo var-\nca in solitudine l’estrema soglia della morte.\nA tal punto il suo corpo si contrae nello\nspasimo del dolore che la materia stessa\ndel bassorilievo sembra sgretolarsi. Ma è\nil mistero della resurrezione il più difficile\nda “incarnare” nell’opera, che, infatti, incapace\na contenerlo, deflagra oltre il limite\ndella cornice. E’ l’apoteosi di una bellezza\nastratta e tutta spirituale che si fa dolorosa\nnell’immagine di Maria (Mater dolorosa)\ncon il figlio morto: le braccia impietrite\nin un gesto di strazio, l’espressione sgomenta\ndel volto, le tante pieghe del velo a\nrispecchiarne il tormento interiore; il corpo\ndi Cristo giace inerme davanti a lei, e\npare quasi fluttuare sul panneggio increspato\ncome un’onda. In altre opere, Maria\nci appare con le sembianze di una Venere\npudica (Annunciation) o ancora come madre\nlegata da un tale amore al proprio figlio\nda fondersi con lui in un solo corpo (Mater\ndei). La scultura di Ebejer recupera valori\nche attraversano il tempo e ce li consegna\naffinché tornino ad essere “lingua viva” nel\nL’uomo vecchio è tutto ciò che\nindurisce e chiude il nostro\ncuore a Dio e agli altri. Non\ntroveremo la nostra vera realizzazione\ne felicità perseguendo i nostri interessi\negocentrici, ma uscendo da noi\nstessi per andare verso gli altri. Allora\ncome cambiare, cioè mettere in pratica\nl'invito della Quaresima? La risposta\nè che non sempre è facile cambiare.\nLa nostra volontà di cambiare spesso\nsi scontra con la resistenza delle nostre\nabitudini: perché cambiare? L'individualismo,\ncosì imperante, non offre,\ncerto, motivi di cambiamento. Per la logica\nevangelica ciò che conta è seguire\nil Vangelo, non essere se stessi. Cambiare\nè la proposta della Quaresima,\ntempo severo e dolce, esigente e comprensivo.\nMa come farlo? Perché io e\nperché adesso? Il rischio pratico è di\nessere come i farisei, che sanno dire e\nspiegare cosa devono cambiare gli altri;\nper loro la richiesta di Gesù appare uno\nsforzo inutile. Il rischio è anche quello\ndell'uomo ricco che non cambia perchè\nnon si lascia amare. Quindi cambiare\nnon è un problema di perfezionismo e\ntantomeno un cercare qualcosa di più.\nCambiare è aprirsi all'amore. La Quaresima\npone al centro l'incontro personale\ncon Gesù e il suo Vangelo, un\nincontro e un Vangelo che cambia la\nnostra povera vita. Noi sappiamo come\nil fariseo si eserciti piuttosto nello scorgere\nTiziano, Polittico Averoldi (1520-1522), olio su tavola, Brescia, Collegiata dei Santi Nazaro e Celso\nmentre non riesce a vedere la trave nei\npropri occhi. La trave è la malattia che\nimpedisce di vedere e dalla quale dobbiamo\nliberarci. Una delle malattie da\ncui dobbiamo guarire in questa Quaresima\nè quella della “superbia”. Il superbo\ndimentica che tutto è grazia e che il\ntalento è affidato perché sia usato per\ngli altri. Il superbo non sarà mai grato,\nperché crederà che tutto è dovuto e\nmeritato frutto del suo sforzo. A volte\nper superbia preferiamo restare soli, ci\naccontentiamo di avere ragione anche\nse questo significa chiudersi agli altri\ne diventare sterili. Il superbo è egocentrico\ne vuole essere perfetto. Solo\nla via dell'umiltà è via di perfezione nonostante\nil peccato, perché ci fa amare\ndal Signore e ci rende simili a\nlui. Altra malattia da eliminare in\nquesta Quaresima è “il protagonismo”,\nuna malattia sottile che\nfinisce per esaurirsi nel compiacersi.\nIl protagonista pensa che\ntutto dipenda da lui, egli è un disperato,\nperché pensa di essere\namato solo per le sue capacità,\nper quello che fa o conta. Il protagonista\nha la tentazione di misurare\ni frutti, di farlo sempre a\npartire da sé. Gesù rifugge da\nogni protagonismo e il servizio\nè il contrario del protagonismo.\nLa guarigione del protagonismo\nè la fraternità, è il servizio. Il fratello\nsa che solo insieme trova se\nstesso e il suo futuro. Infine altra\nmalattia da cui guarire è "l'invidia",\nuna malattia che corrode\ndal di dentro, che mina poco alla\nvolta tutto l'uomo. La guarigione\ndall'invidia avviene esercitandosi\nnella condivisione, cioè nel vivere\ne cercare in maniera concreta\nquello che ci unisce al fratello. In\nquesto tempo di grazia abbiamo\nbisogno di risvegliare la nostra\nfede, di scoprire che cosa Dio ci\nchiede di cambiare per prepararci\na risorgere con lui a vita nuova.\nRiflessioni sul futuro della “fabbrica teatro”\ndopo la chiusura per l’emergenza sanitaria\nAlcuni amici mi hanno suggerito\ndi non scrivere ma, da seria\nprofessionista come mi ritengo,\nnon posso non esprimere tutta l’amarezza\nche provo in questo momento\ndi fronte alle migliaia di teatri italiani\nchiusi, alle migliaia di operatori dello\nspettacolo con pochissime risorse e\naltrettante pochissime certezze. La crisi\ndei teatri faceva già tanto rumore anche\nprima del Covid-19. Alessia Carovani,\ndirettore amministrativo del Teatrodante\nCarlo Monni di Campi Bisenzio, nelle\npagine di questa rubrica lo scorso febbraio\naffermava:«I biglietti hanno prezzi\ncontenuti, mentre per coprire le spese\ndi gestione e quindi compagnie, personale\ntecnico, maschere, utenze, si ricorre\na varie forme di finanziamento sia\npubblico che privato». E come lei, nella\nstessa rubrica a marzo, Sandro Querci,\ndirettore artistico del Teatro Persio\nFlacco di Volterra, sosteneva: «Qualunque\ndirettore artistico deve fare i conti\ncon un budget ristretto»; nel numero\nprecedente a questo, il direttore artistico\nDimitri Milopulos aggiungeva: «Oggi\nè tutto più difficile, i fondi, che sono\nindispensabili, sono veramente minimi,\nil teatro viene ingiustamente emarginato\ndalla politica e negli ultimi tempi\nla situazione è diventata insostenibile».\nCosì il mio grido giornalistico va a tutti\ncoloro che possono fare molto perché\ni numerosissimi professionisti della\n“fabbrica teatro” possano al più presto\nripartire con aiuti significativi da parte\ndelle istituzioni senza sconti e quindi\nsenza limiti. Auguriamoci che il vuoto\ndi queste settimane abbia messo in evidenza\nil peso dell'assenza e l’importanza\ndel teatro come interprete vivente\ndella parola scritta. Non c’è tempo, non\nc’è più tempo. Auguriamoci soprattutto\nche il teatro resista a questa crisi così\ndirompente e che questi terribili giorni\ncosì silenti possano produrre domani\nAd un anno dalla scomparsa, un ricordo del maestro\nnell'intervista alla figlia Selena\ndi Andrea Petralia / foto courtesy Selena Stella\nMi trovo a di Bagno a Ripoli,\nalle porte di Firenze, nell'atelier\nal maestro Andrea Stella, per intervistare\nSelena, figlia dell’artista, ad un\nanno dalla prematura scomparsa del\npadre. Al caro amico Andrea Stella mi\nlegano molti ricordi e il simpatico nomignolo\n“Petronio” con cui mi aveva\nribattezzato ritenendo che il mio nome\nfosse troppo lungo da scrivere e\nricordare. E quindi, in veste di “Petronio”,\nsono qui per commemorare\nl’uomo e l’artista Stella, con l’aiuto\nParticolare di una delle Muse create\nda Stella per la mostra alla Certosa\nSelena con il padre Andrea\nSiamo tutti curiosi e impazienti di sapere\nse ci sono progetti per il futuro,\neventi, mostre o altre novità per\nricordare l’amico e grande artista Andrea\nStella: cosa puoi anticiparci a riguardo?\nInnanzitutto, ti ringrazio, caro Petronio,\nper l’opportunità che mi concedi di parlare\ndel “mi’ babbo”, come si dice a Firenze,\ne di questo mio progetto molto\narticolato con cui vorrei che il prezioso\ncontributo dato all’arte da Andrea Stella\nfosse ricordato non solo dagli amici\npiù cari ma da tutti quelli che a vario titolo\n− collezionisti, galleristi e intenditori\n− hanno creduto in lui e investito\nsul suo talento. Un primo grande passo\nè stato dare maggiore visibilità alle sue\nopere con un’esposizione permanente\na Bagno a Ripoli; e ti confesso che\npensare e realizzare tutto questo non è\nstato facile, perché volendo ricreare fedelmente\nil suo studio, dalla moquette\nai frammenti di foglia d'oro spesso\npresenti nelle sue opere, ci siamo dolorosamente\ne nuovamente confrontati\ncon un'assenza ancora viva nella nostra\nmente e nel nostro cuore. E mai stanca\ndi ripeterlo, ringrazio ancora\nchi mi ha sostenuto\nin questo progetto non\nprivo di criticità.\nAndrea mi raccontava\nspesso di averti reso\npartecipe del suo lavoro\nChi lo conosceva bene,\nsa quanto fosse geloso\ndegli appunti del suo\n“viaggio” artistico. Tuttavia,\nmolto spesso, mi\nchiamava nello studio e\nmi faceva partecipe delle\nsue scoperte ed emozioni.\nSì, credo davvero\ndi essere stata l’unica testimone\ndei suoi “segreti”\nd’artista oltre che sua\nHai mai pensato di proseguire\nSento ancora la sua voce\nrisuonare nelle mie orec-\nIn questa e nelle altre foto alcuni angoli dell'atelier a Bagno a Ripoli\nchie, mentre mi ripete: «Selena vieni a\nvedere cosa fò, un giorno potresti essere\ntu a doverlo fare». Ma io, come tutte\nle ragazze della mia età, dicevo sì e\nspesso lo aiutavo, ma come figlia non\npensavo che quel momento sarebbe\narrivato così presto e inatteso. Mi piaceva\ncondividere questi momenti. Oggi\nli rivivo con una stretta al cuore e\nli custodisco gelosamente nel cassetto\ndei ricordi. Chissà, potrei provarci\ne ti confesso che ci sto pensando\nseriamente. Il pensiero si è insinuato\ncome un tarlo e spesso vivo la riuscita\ndi questo proposito come una sfida\ncon me stessa. Petronio, ti farò sapere\n(e mentre lo dice, accenna un sorriso\nche sa di impresa già\nrivelazione, ci piacerebbe\ninformati. Hai qualche altra novità\nda darci, oltre a quella che già conosciamo\ndella mostra evento a San\nSì, come ti dicevo, il progetto è molto\nambizioso ed esteso e mi piacerebbe\nraccontarlo e farvi partecipi. Ma al\nmomento siamo in fase ideativa, con\nalcune difficoltà oggettive, come tu\nben sai operando da anni nel settore.\nPosso solo accennarvi che stiamo\ncollaborando per la realizzazione\ndi un evento piuttosto importante in\nMessico. La complessità burocratica\ndel trasferimento delle opere pur non\nscoraggiandoci, richiede di procedere\na passi lenti e mirati. Ad ogni modo,\nstiamo lavorando affinché questa\nnuova opportunità possa diventare un\ngrandioso evento a livello internazionale.\nNon ci resta, quindi, che seguire i futuri\nsviluppi di questo progetto che\npromette di celebrare e perpetuare nel\ntempo la memoria del grande artista\n“venuto dalle stelle”.\nIl racconto di un’esistenza avventurosa al limite del rocambolesco\nOggi ho deciso di iniziare\na scrivere la mia storia”.\nArrivati a un certo punto “della vita, l’esigenza di reddere rationem\ndi ciò che si è stati, di come si è\nvissuto pare attività largamente condivisa.\nMa quello che da subito stupisce\nnella autobiografia di Mauro Mari,\nin arte Maris, è il fatto che egli abbia\nvolutamente circoscritto il tempo di\nun’esistenza – ricca, avventurosa al limite\ndel rocambolesco, drammatica,\ntradita, inseguita, piena – nello spazio\nbrevissimo di nemmeno trenta pagine.\nPerché, viene da chiederci? E ancora,\nperché privilegiare quella parte\nintima, di frattura domestica, calcando\nla mano sui fallimenti e la tenace\nvoglia di riscatto piuttosto che affidare\nquesto suo “testamento” alla possibilità\ndi una autocelebrazione indiscutibile\ne attestabile, indugiando un po’\ndi più sull’amicizia e la collaborazione\nfertile con Mario Schifano o ricordando\nin dettaglio i momenti esaltanti\ndella sua galleria d’arte in San Frediano,\ne poi quelli delle trasmissioni televisive\ne degli incontri? Leggo che\nproprio Schifano soleva dire a Mari:\n«La materia deve uscire dall’interiorità».\nEcco, questo credo abbia voluto\nfare l’autore in queste pagine, grazie\nanche alla sensibile opera di ricucitura\ndi Gabriella Gentilini. Mettere a nudo\nla propria interiorità, facendolo con\ncoraggio, attraverso centrate illuminazioni,\ngraffi di parole, concreti esempi,\nsilenzi sospesi, linee temporali che\nsi fanno onde circolari, emozioni che\nsi rinnovano, cuori che si intravedono\ndietro azioni e volti accennati, luoghi\n– un’infinità –, come rifugi precari\ntanto quanto quelli verso i quali la mano\nsicura della madre lo dirigeva sotto\ni bombardamenti durante la guerra.\nIl padre distante allora, come lo sarà\nsempre, del resto. Da\nRuffolo, piccola frazione\nalle porte di Siena,\nad Ambra, in provincia\ndi Arezzo, e poi Montevarchi,\nsanfredianina e quella\ndei palazzi moderni di\nNovoli, con una parentesi\nin Romania. La vita di\nMari è un viaggio per\ntappe, dove ci si sbuccia\nle ginocchia ma non\nsi perde mai la forza di\nandare avanti, di rimettersi\nin piedi, di giocare\nuna nuova partita. Ed\nè, questo, un ricordare\na se stesso, un tenere\nin mano i fili di una tela\nintessuta di fatica e\nsoddisfazioni, ma è anche\ndono partorito per\nquel grumo di assenza\nche dà ancora oggi\nalla sua vita un retrogusto\nPerché alle spalle del\nporto sicuro di Maria,\nsua seconda sposa, e\ndei suoi amati figli, il\nmare ruggisce sempre di tempesta.\nEd eccolo, allora, il senso più doloroso\ne tenero di questo scritto. La materia\nstrappata dall’intimo, come cuore\npulsante, ha un destinatario prediletto,\nviene regalata a chi non ha potuto\n(voluto?) condividerlo con lui: le sue\ndue figlie, perdute a causa della separazione\ndalla prima moglie; insieme\na quel rapporto interrotto, a quell’essere\npadre distante e sconosciuto. A\nquesta paternità mutila si rivolge Mari,\nchiede riconciliazione e abbraccio,\nnella speranza che anche questo suo\nultimo cerchio – figura cara e ripetuta\nin molti suoi dipinti – possa riuscire\na chiudersi: “Vita… Vita”, appunto.\nUna vita appassionata e appassionante,\nnella quale ciascun lettore, apprezzandone\nla straordinaria particolarità,\npotrà certamente trovare anche tanti\ntratti in comune, di condivisione.\nMauro Mari, Vita…Vita\nScandicci (Fi), Tipografia Turri, 2018\n(5,00 euro + spese di spedizione)\nUna pittrice in cammino sulle orme dei grandi maestri\nUna pittrice in cammino: è questa\nla prima indicazione che si\nricava leggendo la biografia di\nSerena Mannari, artista fiorentina, la\nquale racconta di sé che la passione\nper la pittura è nata attorno ai trent’anni,\nquando, dopo aver frequentato il\nliceo classico ed essersi laureata in Filosofia,\naveva già intrapreso la carriera\ndi insegnante. A fare di quello che,\nprecedentemente, era limitato all’amore\nper la grande pittura un impegno artistico\nimportante fu l’incontro con la\npittrice Nicla Cesari, di cui la Mannari\nseguì i corsi; l’insegnamento di allora le\npermise di fare un bel pezzo di strada,\nfino al secondo incontro significativo,\npiuttosto recente, con un’altra pittrice,\nElena Prosperi, che, tra le altre cose,\nle ha fatto conoscere l’associazione\nToscana Cultura e insieme a questa la\npossibilità di promuovere la propria arte\nper crescere tramite il rapporto con\naltri pittori. Nelle sue note biografiche,\nla Mannari scrive la parola “migliorarsi”,\ne la sensazione, studiando la storia\nParticolare del David di Michelangelo, olio su tela, cm 40x30\nRose in un vaso, olio su tela, cm 40x30\ndi quest’artista, è appunto, come\ndicevamo, quella di essere spettatori\ndi una vicenda che ancora\ndeve raggiungere il proprio zenit,\nsebbene osservando le opere\nrisulti evidente che le basi su\ncui costruirla siano ormai solidamente\nacquisite. Parte della sua\nformazione, Serena Mannari l’ha\nfatta copiando opere dei grandi\nmaestri: i suoi amati impressionisti,\nma anche La dama con\nl’ermellino di Leonardo, un particolare\n(la mano destra come si\npresenta osservando la scultura\ndal retro) del David di Michelangelo,\nle tahitiane di Paul Gaugain\ned altri. Ma la sua personalità\nsi esprime al meglio nella pittura\ndi fiori, questa esclusivamente\nsua. E’ in queste opere che\nla Mannari riesce a raggiungere\npiena espressività, coniugando\nla sapienza pittorica alla rappresentazione\nindagato. Troviamo sulla\nelementi, e da questa\ndi forte impatto, armoniche\nove la profondità è risolta\nfogliame, su piani sovrapposti;\ncontrollati, realistici, introspettivi,\ne in un’opera in\ncui è evidente il rimando\nai Girasoli di Van\nGogh, i fiori non sono i\nsoli accecanti e inquieti\ndel grande artista olandese,\npreludio come è\nstato detto delle ossessioni\nprofonde che lo\npossedevano, ma appaiono\ncome una presenza meno ruvida\nseppure energica. Ovunque è presente,\nben rintracciabile in queste composizioni\nfloreali tanto care all’artista,\nla metafora della femminilità di freudiana\nmemoria, che esplode in tutta la\nsua sensualità nelle foglie che si aprono\ncome conchiglie e nel proporsi altero\ndei fiori. Parlando di progetti futuri,\nla Mannari racconta che ora affronterà\n“sua maestà” il ritratto. La prima opera\ndi questo genere che ha realizzato\nè un ritratto della figlia. Il segno è sicuro,\nle proporzioni con cui è costruito\nil volto denotano una mano esperta,\nma più di tutto colpisce la rappresentazione\npsicologica del soggetto, la cui\nespressione e lo sguardo raccontano\nIntervista all’ex allenatore viola, il più longevo sulla panchina gigliata\nCesare Prandelli, fiorentino d’adozione\ned ex allenatore viola,\nil più longevo sulla panchina gigliata,\narriva a Firenze nell’era dei Della\nValle come sostituto di Zoff. Con lui\nla squadra arriva in alto, toccando con\nmano la Champions League. Vince la\nPanchina d’oro a Coverciano come miglior\ntecnico nella stagione 2006-2007\nper gli importanti risultati ottenuti, e\nraggiunge Bernardini in testa alla classifica\ndegli allenatori più vincenti della\nstoria viola. Lascia la Fiorentina nel\n2010 e diventa Ct della Nazionale italiana.\nIl legame con la città non si è mai\nesaurito, tanto che il tecnico vive tuttora\na Firenze. In questa intervista parliamo\ndella situazione attuale, della futura\nripresa del calcio, della Fiorentina, di\nCommisso e dei suoi “gioielli”.\nInnanzitutto parliamo di lei mister:\ncome sta vivendo la situazione legata\nHo molto dolore, apprensione e preoccupazione\nin questo momento, ho parenti\ne amici nelle zone più critiche.\nCrede che questa emergenza avrebbe\npotuto essere gestita meglio sia a livello\ngenerale che sportivo oppure le\nistituzioni di entrambi i settori si sono\nmosse nel modo migliore?\nconsono, forse si sarebbe potuto chiudere\nprima la zona di Bergamo, al netto\ndi quello che stiamo vedendo.\nCrede il campionato ormai sia finito?\nQuesto oggi è l'ultimo dei miei pensieri.\nCapisco che si debba pensare al futu-\nro, perché una ripresa ci sarà, ma non si\npuò passare dalle immagini di morti, ambulanze\ne ospedali a quelle degli stadi.\nNon credo la gente sia psicologicamente\npronta. Sicuramente la ripresa avverrà\ncon partite giocate a porte chiuse. Ad oggi\nnon saprei immaginare una data.\nCosa pensa della polemica sul taglio\ndegli stipendi dei giocatori?\nOggi bisognerebbe sorvolare su questo.\nSi trattava di un atto dovuto senza\nnessun tipo di trattativa.\nph. courtesy 1000cuorirossoblu.it\nIl calciomercato avrà dei cambiamenti.\nI cartellini dei giocatori subiranno\nIl mercato non mi è mai interessato,\ntanto meno il valore di un giocatore; è il\nmercato che dà il valore, dipenderà tutto\nda quando si ricomincia e come si ricomincia,\nche tenore di vita avremo in base\nalle nuove norme sociali. Ci saranno\ndei cali di mercato sicuramente, saranno\nsvalutati anche i giocatori. Tutto sarà\nLei conosce molti giovani viola che\nsi stanno mettendo in luce, su tutti\nChiesa: rimarrà alla Fiorentina secondo\nBisognerebbe riavvolgere il nastro di\nqualche anno. Io avevo chiesto di rinnovare\nil contratto a Chiesa e Bernardeschi\ndi 5-6 anni, farli sentire protagonisti, indispensabili\nper un rilancio, per un futuro.\nQuesto era il mio pensiero. Oggi\nChiesa è più maturo, ha molta più sicurezza\ne consapevolezza dei propri mezzi.\nDipenderà tutto da lui. La società farà\ndi tutto per tenerlo.\nQuindi su Castrovilli, per esempio,\nil suo pensiero è quello di blindarlo\ne non cedere alle sirene dei grandi\nIl mio pensiero lo conoscete: se ci sono\ngiovani interessanti vanno blindati subito.\nDopo 1-2 mesi capisci la qualità e la\ncapacità del giocatore di restare in campo\nper migliorarsi; da subito devi fargli\nun contratto lungo, nel tempo capirai\nl'evoluzione e nel caso se cedere ad una\nsquadra big o meno.\nCome giudica la nuova proprietà viola\nprotagonista della raccolta fondi\n“Forza e Cuore”?\nIniziativa straordinaria, lodevole. La proprietà\nha la sensibilità giusta, sa coinvolgere\ntante persone. La Fiorentina è\nun simbolo, un marchio straordinario\nper Firenze. Faccio i miei complimenti.\nLa Fiorentina può tornare ad ambire a\nPenso di sì. La proprietà è ambiziosa. Il\nloro obiettivo è riportare\nla viola in alto nella classifica\ne soprattutto risentire\nper l'Europa nei contesti\nche contano. I presupposti\nci sono, Firenze è capace\nOrmai fiorentino doc, le\npiacerebbe un giorno\ntornare ad allenare la\nIl mio carattere non è fatto\nper proporsi, non l'ho\nmai fatto. Firenze e la Fiorentina\nsono nel mio cuore,\nvivo a Firenze da tanti\nanni, vivo la città, respiro\nl'umore dei tifosi, faccio\ncome sempre il mio abbonamento e la\nseguo in tribuna. Se sarà sarà.\nNella sua carriera la partita che reputa\nIndimenticabile la serata organizzata per\nBorgonovo. Non c'entrava niente il calcio,\nera un segnale per tante persone\nche soffrono e un modo per essere vicini\nad un grande campione che ci stava\nlasciando. E’ stato un grande abbraccio.\nLa partita da dimenticare o ricordare per\nsempre allo stesso tempo è stata quella\ndi Champions contro il Bayern.\nNon ho mai fatto classifiche, ho avuto la\nfortuna di allenare sempre giocatori importanti.\nNon voglio fare nomi per non\nfare torto a qualcuno, ricordo tutti con\no si andrà per il restyling del Franchi?\nCon la maglia di allenatore della viola (ph. courtesy tuttomercato.web)\nIo amo il Franchi e vorrei vederlo in versione\nmoderna, con tutti i limiti del caso\ncerto, ma hanno rifatto tanti stadi d'epoca.\nLa burocrazia in Italia dovrebbe cercare\ndi capire anche gli sviluppi sociali\ndi un impianto. Tutto dipende dalla capacità\ndi una città importante come Firenze\nnel potenziare i mezzi pubblici che\n2-3 ore prima ti possono portare al nuovo\nstadio riducendo il problema del parcheggio.\nBasti pensare a Londra dove\nnessuno stadio è fuori città; è questione\nDa anni ormai ha deciso di vivere a Firenze,\nsegno di un legame importante\ncon la città. Dove le piace andare nel\nFirenze è talmente bella che non si può\nnon averla nel cuore; è bella soprattutto\ndi notte quando c'è poca gente e si possono\nmeglio apprezzare le sue meraviglie.\nE’ qualcosa di unico che i fiorentini\nhanno ereditato, e io con loro.\nUna bella bistecca alla fiorentina non si\nrifiuta mai, anche se negli anni ho imparato\nad apprezzare tutta la cucina toscana.\nProgetti futuri? Pensa di rimanere nel\nprovare una nuova esperienza all’estero?\nNon ho progetti in questo momento, il\nlavoro è l'ultimo dei miei pensieri. Ho a\ncuore l'evoluzione di questo virus, con\ntante persone a me care alle quali penso.\nDobbiamo rispettare le indicazioni\ndate, essere responsabili, solo il distanziamento\nsociale può aiutarci a distruggere\nGli appunti persi e ritrovati hanno fatto nascere passioni fuori moda al tempo\ndell’iPhone. Perché non unire quella “poesia interrotta” all’immagine? E’ nata così\nl’altra passione, ma non chiamatela fotografia, chiamiamola ricerca con l’obbiettivo\ndella prospettiva più giusta per regalare un briciolo di arte ai più attenti; un\ndono per vedere, non solo guardare, ai distratti.\nUn cosmo di luce\nDa Bisceglie a Pontedera, la solidarietà\naccorcia le distanze con i gesti di piccoli\n“eroi” del quotidiano\nCi sono lettere che non scordi.\nAnche se sono scritte con\nil lapis, diventano indelebili nel\ntempo. In questi giorni ti fermi a pensare\ne capisci che ogni gesto, se fatto\ncon amore, è un buon gesto. Una busta\ncolorata, contenente una lettera e\nil disegno di un pallone con un cuore\nal centro e circondato da giocatori con\ntante maglie, è stata indirizzata alla sede\nfiorentina della Lega Pro. La lettera\nè firmata da Domenico, un bambino di\n11 anni di Bisceglie, piccolo tifoso del\ncalcio che ha accompagnato il suo pensiero\ncon il disegno del fratello minore\nAlessio. Il pallone visto con gli occhi\ndei bambini in giorni e mesi che fanno\nda cornice ad un tempo sospeso. «Mi\nmanca molto tirare un calcio al pallone\n− scrive Domenico −, giocare con\ni miei amici e tifare per la mia squadra.\nQuesto momento passerà e allora\npotrò tornare a fare tutto questo. Ora,\nin particolare, capisci che la vita è importante\npiù di ogni altra cosa e allora\ndevi restare a casa e rispettare le regole,\nproprio come in una partita di pallone».\nCi sono anche gesti che non si\ndimenticano. Colpiscono e mirano dritti\nal cuore. Edoardo, Emanuele, Lorenzo\ne Paolo sono quattro ragazzi che\nhanno deciso di “scendere in campo”\nper la solidarietà. Sono giocatori del\nPontedera, squadra toscana che milita\nnel campionato di serie C, che in un\npomeriggio di fine marzo hanno distribuito\nin più aree le mascherine. Alcuni\ndi loro non sono originari di Pontedera\n− spiega una nota del club − ma\nhanno voluto ugualmente dare un contributo\nin un momento difficile alla città\nche li ha “adottati”. «Avete un cuore\ngrandissimo, ragazzi, e noi siamo orgogliosi\ndi voi», ha commentato la loro\nsocietà. Immagini, istantanee di straordinaria\nnormalità, di gesti e parole che\nhanno una comune fonte d’ispirazione:\nil cuore. I sorrisi di Domenico ed Alessio\nsono gli stessi di quelli di Edoardo,\nEmanuele, Lorenzo e Paolo, impegnati\nnella consegna del kit di mascherine,\ne annulla le distanze. Bisceglie e Pontedera\nnon sono così lontane. Quelli\nche viviamo sono giorni che prendono\nuna direzione diversa, repentina e senza\npreavviso e s’incagliano fra tristezza\ne incertezza. Il silenzio delle strade parla.\nL’albero che si veste di fiori e nuovi\ncolori annuncia che è arrivata la primavera.\nNonostante tutto. Il vento accarezza\ni pezzi di stoffa alle finestre con\nla scritta: andrà tutto bene. I pensieri\ncorrono al futuro e si lasciano indietro\ni passi insicuri del presente. Come vorremmo\npoter utilizzare il passato e scrivere:\nIl disegno di Alessio, piccolo tifoso di Bisceglie\nDA BISCEGLIE A PONTEDERA\nCostituita nel 2008, perpetua la tradizione della famiglia\nTronci, dal XVIII secolo maestri organari a Pistoia\nLa Fondazione Luigi Tronci è stata\ncostituita nel 2008 per volere\ndel presidente Luigi Tronci.\nSi tratta di una collezione composta\nda oltre 800 strumenti musicali, per lo\npiù idiofoni a percussione, provenienti\nda ogni parte del mondo. Vi sono anche\nsculture sonore, macchine rumoristiche\nda teatro e organi. La Fondazione\nsi pone l’obiettivo di trasmettere la cultura\nmusicale alle giovani generazioni,\ncompito che le si addice pienamente\nin quanto Luigi Tronci discende dalla\nfamiglia Tronci che per 7 generazioni,\na partire dalla metà del secolo XVIII,\nha reso famosa Pistoia in tutto il mondo\ndi organi e conseguentemente per la\nscuola organaria pistoiese che ha avuto\ned ha tuttora risonanza internazionale.\nLa ditta Tronci, nella sua lunga vita,\nha avuto importanti contatti con famosi\nmusicisti come Giuseppe Verdi, Giacomo\nPuccini e Pietro Mascagni. Nella\nricca documentazione che fa parte della\ncollezione, possiamo trovare, infatti,\nuna foto di Giuseppe Verdi che nella dedica\nesprime gratitudine a Filippo Tronci\nper aver restaurato l’organo della chiesa\ndi Roncole che Verdi aveva suonato\nda bambino. Già nel 1931, la ditta Tronci\nsi è saputa adeguare ai gusti musicali\nche andavano mutando, trasformandosi\nnella Unione Fabbricanti Italiani Piatti\n(UFIP) e indirizzando la produzione verso\ni piatti da percussione.\nLa grande svolta e il boom\nstrumenti è avvenuta negli\nanni Settanta, dopo Woodstock,\nevento che ha segnato\nOggi la UFIP è conosciuta\ndi piatti musicali, per\nla cui realizzazione si attinge\nalle antiche esperienze\ndi fusione acquisite in secoli\ndi produzione di canne\nda organo e aggiornate con tecnologie\ndi avanguardia, mentre, per la parte che\nriguarda la sonorità, ci si avvale della\nmanualità di abili artigiani capaci di produrre\nvere e proprie opere d’arte uniche\ne irripetibili. Sarebbe lungo l’elenco\ndegli artisti che sono venuti personalmente\na Pistoia e hanno collaborato alla\nproduzione dei piatti per le loro band\nnella ricerca di sonorità a loro congeniali.\nNe citiamo solo alcuni: Zucchero, Elisa,\nLaura Pausini, Gigi d’Alessio, Fabio\nConcato, Cocciante, Branduardi, Matia\nBazar, Ricchi e Poveri, Tullio de Piscopo,\nLigabue, Bertè, Simple Mind, Gino\nPaoli, Negramaro, Red, Paolo Conte,\nCaparezza, Rolling Stones, Afterhours\ne potremmo proseguire. La collezione\nLuigi Tronci è un patrimonio per la città\nIn questa e nelle altre foto, alcuni degli strumenti della collezione\n(ph. courtesy lamelapistoia.altervista.org)\ndi Pistoia che deve essere tutelato, conservato,\nvalorizzato nella sua integrità e\nreso fruibile nella sua completezza. Attualmente,\nla collezione è esposta solo\nin parte presso i locali della Fondazione\nConservatorio di San Giovanni Battista\na Pistoia, ma molti degli strumenti sono\nstipati in magazzini per mancanza di\nspazi sufficienti all’esposizione. Sarebbe\nbello poter realizzare un vero e proprio\nmuseo in cui la collezione venga\nesposta nella sua completezza e valorizzata\nin modo da far emergere tutti i valori\nCorso Gramsci 37, 51100 Pistoia (PT)\nL'inno alla vita nelle opere dell'artista originaria del Suriname\nPrimavera (2020), olio su tela, cm 60x50\nCanestro con melograni, olio su tela (2013), cm 60x50\nAlma Sheik, nata in Suriname\ne cresciuta in\nOlanda, ha iniziato a dipingere\nfin dalla prima infanzia,\nseguendo la sua vocazione\ncon costanza ed impegno. La sua\npittura sincera ed appassionata\nrappresenta un vero canto di gioia\nalla vita. Possiamo verificarlo\nosservando le opere dell'artista,\ndove le nature morte, i paesaggi\ne le figure umane rispecchiano,\ncon le loro cromie sgargianti,\nla sua anima sudamericana, confermando\nla teoria di un grande\nprofessore del Bauhaus, Johannes\nItten, secondo cui ogni artista\ninconsciamente riporta sulle\nproprie tele i colori della terra di\norigine. I quadri di Sheik, realizzati\ntutti ad olio, sono colmi di\nenergia positiva per la scelta di\ntonalità luminose e brillanti stese\nsulla tela con pennellate spontanee\ne materiche. Le composizioni\ndi frutta e fiori, le figure umane\ne i paesaggi sono un inno alla vita\ne al creato. I contrasti generati\ndall'alternanza di colori primari,\ncome rosso, giallo e blu, ricordano\nla pittura di Paul Cézanne,\nche agli artisti raccomandava di\nsviluppare il proprio talento osservando\ndirettamente la natura\ne dimenticando tutto ciò che\nc’è stato prima. Essendo spesso\nin viaggio, Alma Sheik ha avuto\nmodo di esporre le proprie opere\nin giro per il mondo, soprattutto\ntra New York (Agora Gallery),\nFrancia ed Olanda, ricevendo numerosi\nriconoscimenti e vedendo\npubblicati i suoi lavori. Dal 1994,\nrisiede e lavora a Lucca dove,\nnella sua fattoria circondata dalla\ntoscana, trova l’ispirazione e\nla luce perfetta per le sue opere.\nTime Lapse nasce a seguito\nper "accelerare" il tempo e\nsuperare velocemente il\nmomento critico, dando\nl'opportunità agli artisti e agli\nartigiani, soprattutto quelli\nautonomi maggiormente penalizzati dalla situazione, di trovare\nuno spazio di valorizzazione delle loro opere d'arte. Un'occasione\nper aziende e professionisti di rafforzare il tessuto economico\nitaliano e di portare a casa “pezzi” d’arte, bene di rifugio per\neccellenza, il cui valore rimarrà nel tempo.\nTime Lapse, ovvero il racconto per immagine dell’evoluzione di\nun progetto, è un concept innovativo che consentirà agli artisti\ne agli artigiani di dare forma a idee e pensieri realizzando il\nprogetto frutto della loro creatività. Durante la realizzazione di\nquesto progetto verranno seguiti per creare un racconto per\nimmagini che verrà condiviso con istituzioni, aziende e privati. A\nquest’ultimi sarà anche offerta l'opportunità di inserire una\nprecisa richiesta per la realizzazione di un oggetto o\nun'opera d'arte che rientri nella fascia prezzo da loro\nstessi scelta. Successivamente Time Lapse ne stabilirà\nl'importo preciso necessario alla\nrealizzazione e pubblicherà la\nrichiesta. Per ogni categoria di\nprodotto, gli artisti troveranno\nonline le richieste di\ncommissione alle quali\nTime Lapse, dopo aver valutato\nle candidature pervenute,\nassegnerà i lavori e da quel\navrà tempo una settimana\nper realizzare l'oggetto.\nInoltre, durante la lavorazione,\ndovrà inviare 5 foto relative al\nprocesso di sviluppo includendo\nobbligatoriamente la fase\niniziale e quella finale.\nTime Lapse si occuperà del ritiro\nTime Lapse: una piattaforma\nper unire artisti e aziende\ne della spedizione dell'oggetto pagando l'artista per il lavoro\nsvolto. Il 20% del ricavato dall'acquisto delle opere sarà\ntrattenuto dall'associazione culturale Costellazione e\ndestinato alla ricerca.\nSe sei un artista, ecco i vantaggi:\nLavoro, visibilità e libertà di creare.\n- occasioni di promozione personale grazie al materiale video e\nfotografico realizzato durante la produzione (il Time Lapse)\ndell’oggetto pensato per la diffusione sui social network e sui\ncanali d’informazione e marketing tradizionali\n- libertà di creare\n- aumento dei committenti\n- nuovi contatti sul territorio nazionale\n- contribuire alla ricerca scientifica: il 20% del ricavato\ndall'acquisto delle opere realizzate sarà trattenuto\ndall'associazione culturale Costellazione e destinato alla ricerca\nAccanto alle motivazioni etiche e solidali, le aziende e i\nfotografico realizzato durante la produzione\n(il Time Lapse) dell’oggetto pensato per la\ndiffusione sui social network e sui canali\nd’informazione e marketing tradizionali\n- attivazione di un progetto di corporate\nsocial responsability (Csr): il 20% del\nricavato dall'acquisto delle opere realizzate\nsarà trattenuto dall'associazione culturale\nCostellazione e destinato alla ricerca\n- opportunità di diversificazione: l’arte è un\nbene di rifugio e un’occasione d’investimento\nAssociazione culturale Costellazione\nc.f. 94285740489 - p.iva 06947590482\n+39 055 0206510\nNato a Firenze il 24 dicembre del 1978, Maeo\nPierozzi ha frequentato il rinomato Liceo arsco\n"Leon Basta Alber" e l'Accademia di Belle Ar\ndi Firenze specializzandosi in Scultura.\nArscamente è cresciuto in un ambiente che gli\nha insegnato a concepire l'arte come forma di\nespressione libera e vivace.\nHa affinato la tecnica nella boega del padre,\nesperto cesellatore a San Casciano. Firenze, con\nla sua atmosfera, le sue forme e le sue bellezze\nstoriche, è la sua principale fonte d'ispirazione\nche rielabora con uno sle decisamente\npersonale. Maeo sceglie "la toreuca", ovvero\nl'anca arte dello sbalzo e del cesello già pracata\nda Egizi, Cretesi, Greci e Romani, e la rende\npersonale. Non usa il cesello in senso decoravo\nma crea sculture con metalli quali oone, rame e\nargento. In altre parole, un lavoro a dir poco unico\nVia Falgnano 27, San Casciano\nGrande opportunità per le imprese, ma attenzione ai contraffattori\nLa diffusione del fenomeno internet\n– la cui portata esponenziale\ntutti – ha attirato ormai da molto tempo\nl’attenzione delle imprese, che in\nesso hanno intravisto una formidabile\nopportunità di business. Il web, infatti,\nconsente all’imprenditore di disporre\n– con costi certamente contenuti e\ncomunque sempre remunerativi – di\nuna vera e propria “vetrina sul mondo”\nsul mercato. Al tempo stesso il web\n– anche grazie alla dematerializzazione\ndegli acquisti che avvengono nel\nrelativo contesto – ha consentito il diffondersi\ndi pratiche scorrette, sempre\npiù frequenti e sofisticate. La rete internet,\noltre ad offrire alle aziende un\nnuovo canale per la pubblicizzazione\ne promozione del brand, ha agevolato\nlo sviluppo di un mercato telematico\nche favorisce gli scambi commerciali,\ntant’è che la quantità di compravendite\neffettuate direttamente in internet è\nin costante aumento: si pensi a quelli\nche sono divenuti in tempi rapidissimi\nveri e propri colossi dell’e-commerce,\ni vari Amazon, Ebay, Alibaba. Basti\npensare al fatto che, negli ultimi 10\nanni, l’e-commerce è stato l’unico settore\na livello globale che ha registrato\nuna crescita costante a doppia cifra,\ntendenza che è confermata anche per\nil futuro prossimo con previsioni ancor\npiù eclatanti. E nel futuro – e mi\nriferisco alla recente emergenza Coronavirus\nche ha rivoluzionato repentinamente\ne profondamente le modalità di\nacquisto di beni e di fruizione di servizi\n– non è azzardato dire che il commercio\non-line sarà di vitale importanza per le\nnostre imprese, imprimendo alla relativa\norganizzazione e funzionamento un\ncambiamento che per molti versi non\npotrà che essere irreversibile. L’altro\nlato della medaglia offerta dalle inimmaginabili\npotenzialità espansive del\nweb è la crescente diffusione della contraffazione\non-line, fenomeno dilagante\ne particolarmente sofisticato. Da una\ncontraffazione che nel nostro immaginario\nalla vendita di articoli di lusso di pessima\nfattura per strada o in spiaggia, si\nè passati ad una contraffazione perpetrata\nattraverso siti web realizzati con\ntutti i crismi del lusso ed un’apparenza\nmolto accattivante per i consumatori.\nE-store del falso che offrono, ormai\nsempre più spesso, l’opportunità di effettuare\npagamenti on-line attraverso\ncanali ufficiali, la possibilità di avvalersi\ndi veri e propri customer service, se\nnon addirittura di effettuare resi e cambi\ndi merce contraffatta. Insomma, ve-\nre e proprie boutique virtuali del falso,\nben lontane dagli “scantinati” nei quali\nsiamo abituati ad immaginare la contraffazione\ne i contraffattori. Il web e la\ndematerializzazione degli acquisti che\ninternet porta con sé agevolano molto,\nd’altra parte, il malaffare dei contraffattori,\ngarantendo agli stessi l’anonimato\ne consentendo loro di fruire di strutture\nillegali del tutto evanescenti, da aprire\ne chiudere con estrema facilità e sopportando\ncosti molto contenuti. Ciò\nche è più grave, è che – a ben guardare\n– la contraffazione nuoce davvero\na tutti noi. Non solo danneggia le imprese\nche vedono i propri prodotti falsificati\ne che perdono direttamente e\nimmediatamente opportunità di mercato,\nma anche l’erario che perde il gettito\ndei tributi che deriverebbero dalla\nrelativa vendita se la stessa fosse realizzata\nnella piena legalità. Non solo\nnuoce ai consumatori, non sempre\nconsapevoli dei rischi connessi ai beni\ncontraffatti (si pensi al rischio indotto\ndalla contraffazione nei settori dei\nmedicinali o dei cosmetici anch’essa\nmolto diffusa), ma anche all’immagine\ndel Made in Italy nel mondo che ne\nresta irrimediabilmente offesa. Non solo\ncomporta un grave danno per l’occupazione,\ncon un dilagante lavoro\nnero ed una perdita massiccia di po-\nsti di lavoro regolari, ma anche gli investimenti,\ncon una notevole riduzione\ndella propensione delle nostre imprese\nad investire in innovazione e creatività.\nL’impresa è certamente chiamata\nad affrontare nuove sfide, avvalendosi\ndi una consulenza specialistica in\nun settore strategico caratterizzato da\ngrandi opportunità di business ma anche\ndall’esigenza di attivare forme di\ntutela del tutto peculiari e da ponderare\ncon estrema attenzione. Punto di\npartenza per un’adeguata risposta alla\ncontraffazione on-line – così come\navviene del resto anche nel mondo reale\n– è certamente la proprietà industriale.\nL’attivazione e l’ottenimento di\ndiritti di privativa industriale quali marchi,\ndisegni e modelli, brevetti per invenzione\ne domain names costituisce il\nprimo presupposto necessario per reagire\nin maniera rapida e decisa contro\ncomportamenti contraffattivi che\nnella rete sono ormai sempre più frequenti\ne sofisticati. Adattandosi inoltre\nalle specificità della contraffazione nel\nweb, per un’efficace lotta alla contraffazione\non-line è imprescindibile anche\nun ripensamento della prospettiva\ndi intervento: internet e le relative dinamiche\nespansive possono cioè offrire\nnuove opportunità di repressione del\nfalso. L’imprenditore deve azionare le\nproprie privative non solo nei confronti\ndei singoli contraffattori, ma rivolgendo\nle proprie istanze anche alle strutture\ntelematiche delle multinazionali che\nrendono possibili le attività di commercio\nelettronico di beni contraffatti e che\nveicolano – pur inconsapevolmente –\ngran parte del falso commercializzato\nnel web. L’obiettivo è quello di ottenere\n– a seguito di formali notifiche dei\ndiritti violati agli Internet Service Providers\n– l’immediato “oscuramento”\ndell’offerta nel web di prodotti falsi e,\nnell’ipotesi di recidiva, la chiusura definitiva\ndell’account del contraffattore.\nTale ulteriore prospettiva di lotta alla\ncontraffazione – una lotta al falso 2.0\npotremmo ben dire – è del resto supportata\ndal mutato quadro giuridico nazionale\ned internazionale. Dall’esonero\ntotale ed incondizionato da responsabilità\ndegli Internet Service Providers,\nla normativa si è infatti evoluta configurando\nuna forma di corresponsabilità\ndelle multinazionali che gestiscono\nle piattaforme del commercio on-line\nnel caso in cui – pur avendo ricevuto\nformale denuncia da parte dei titolari di\ndiritti di privativa industriale della contraffazione\nin atto – abbiano omesso di\nattivarsi tempestivamente rimuovendo\ni contenuti illeciti da essi ospitati nelle\nIl gioco degli abbinamenti: antipasti di terra\nVisto il periodo forzato di clausura\ne il sorprendente interesse\nmostrato dagli italiani nella\ncucina casalinga prêt-à-poster sui social,\niniziamo a darvi qualche minimo\nsuggerimento sugli abbinamenti per\nrendere più appetitosa la vostra tavola\nevitando di incappare in storture sgradevoli\nanche alla nostra vista. Quella\ndell’abbinamento è un’arte tutt’altro\nche semplice e parte innanzitutto dalla\npercezione e interpretazione delle caratteristiche\nsensoriali di un piatto. Sapori\ncome l’acido, il salato, l’amaro, il dolce\n(anche l’umami e il grasso direbbero\ni modernisti) debbono essere quantificati\nassieme alle sensazioni tattili di un\npreparato per poi scegliere il miglior vino\nin accordo garbato. Apriamo questo\nmese una parentesi sull’enorme mondo\ndegli antipasti concentrandoci, per\ncircoscrivere l’ampio raggio, su quelli\ndi terra. Manterremo un inevitabile occhio\ndi riguardo per la nostra Toscana\nma i concetti che esprimeremo sappiate\nche sono validi universalmente. Crostini,\nverdure grigliate, rustici, affettati\nmisti, formaggi: comprendete bene che\nintensità e qualità dei sapori variano\nin base al preparato e di conseguenza\nmodificano le peculiarità del vino con\ncui abbinarle. Tutto l’insieme e la per-\nph. Frank Georg\nsistenza delle percezioni\nva idealmente a costituire\ncibo, è essenziale che\npossegga una struttura\nconcordante! Ecco perché\nriserva si abbina molto\nmeglio ad una bistecca\nalla fiorentina piuttosto\nche a crostini misti\ntoscani, così come un\nriesce decisamente meglio\nsu un cinghiale fatto\nin umido che su un\nsuo insaccato. Ma allora\ncome fare? Quali sono\ni concetti cardine da\nseguire? Restiamo ovviamente\nma sappiate che un vino\nbianco di buona acidità\nsi rivela spesso più\nefficace sugli stuzzichini\ndi entrata rispetto ai\nrossi. Importante con-\ntrapporsi all’estrema grassezza anche\ncon l’effervescenza degli spumanti secchi.\nCosi, mentre rimaniamo in attesa\ndelle vostre curiosità e domande da in-\nrosé Colle B, Colle Bereto\nviare alla nostra redazione, vi suggeriamo\ndi provare un Vernaccia di San\nGimignano giovane da abbinare a rustici,\nfrittini, prosciutto crudo e crostini\ndi fegatini. Clamys di Cesani è ad\nesempio un vernaccia profumato\ndi cedro, ginestra, mentuccia con\nnote minerali che in bocca riserva\nun idoneo finale sapido e succoso.\nPer un tagliere di salumi\nmisti e formaggi dove non manchino\nsalsicce e pecorino fresco\nimmaginiamo bene anche la delicatezza\ncremosa e sgrassante\ndelle bollicine rosa di Colle B,\npinot nero chiantigiano spumantizzato\ndi Colle Bereto: aromi di\nribes, rosa canina, crosta di pane\ne melagrana che sono ravvivati\nnel calice da un gusto brioso\ned elegante. Il gioco degli abbinamenti,\nsu La Toscana nuova, è\nSu Toscana Tv una grande rassegna d'arte contemporanea\npromossa in collaborazione con Toscana Cultura e il sostegno\ndel Movimento Life Beyond Tourism Travel to Dialogue\n500 opere di altrettanti artisti proposte gratuitamente ogni sera alle 20.15 nella\nrubrica Incontri con l'arte\ndi Fabrizio Borghini / foto Franco Giomini\nNei giorni tristi del Coronavirus\nè nata una nuova iniziativa\npromossa della trasmissione\nIncontri con l'arte di Toscana Tv in\ncollaborazione con l'associazione Toscana\nCultura e il sostegno del Movimento\nDialogue. Alla redazione della rubrica\ntelevisiva, che va in onda tutte le\nsere dalle 20 alle 20.30 sul canale 18\nda venticinque anni con una media di\n50 mila telespettatori a puntata, sono\npervenute, da parte di pittori, scultori,\ngrafici, fotografi, maestri orafi, numerose\nrichieste di poter dare spazio\nalle opere prodotte dal loro ingegno,\nsoprattutto sull'onda emotiva di questa\nepocale sciagura, la cui visibilità è\ntemporaneamente preclusa dall'oscuramento\ntotale dell'attività espositiva\nprovocato dalla chiusura di gallerie\npubbliche e private. Così ha preso consistenza\nl'idea di dar vita a un nuovo\nformat, una pinacoteca virtuale aperta\ndemocraticamente e gratuitamente\na tutti gli artisti che ne facciano richiesta\nsenza alcuna selezione inviando le\nfoto delle opere con nome e cognome\ndell'autore alle mail incontriconartetv@gmail.com\ngmail.com oppure contattando telefonicamente\nla presidente di Toscana\nCultura Lucia Raveggi al 333 9704402.\nDa martedì 14 aprile fino al 31 maggio\nverranno trasmesse, tutte le sere\nalle 20.15, ben 50 puntate della nuova\nrubrica ciascuna delle quali contenente\nla riproduzione di 10 opere di altrettanti\nautori; alla conclusione del ciclo\nsaranno 500 le opere che andranno\na comporre quella che può essere\nconsiderata senz'altro la più grande\nvetrina di arte contemporanea toscana\ndi questi tempi. Sarà possibile rivederle\ntutte in maniera permanente\nsul canale Youtube Fabrizio Borghini,\nche conta 6500 iscritti, e nel sito\nPer far fronte a un così imponente impegno\nproduttivo, è stata determinante\nla partecipazione del Movimento\nche con l'appoggio a questa iniziativa\nha ribadito la già dimostrata\nsensibilità verso gli artisti inserendoli\ngratuitamente nella sezione Art in\nour heart, per tutto il 2020 e il 2021,\nall'interno del portale delle espressioni\nculturali del Movimento, una rete che\nconta oltre 14 mila utenti distribuiti in\n111 paesi del mondo offrendo così la\npossibilità, senza alcuna spesa accessoria,\ndi dare visibilità alle loro opere\nfavorendone anche la commercializzazione\nin tutto il mondo. Per approfondire\nle informazioni e per eventuali\ninserimenti è possibile contattare Stefania\nMacrì al 393 8491433 o scrivere\nalla mail info@lifebeyondtourism.\norg. L'iniziativa è promossa dalla Fondazione\nRomualdo Del Bianco, da\nsempre impegnata nella valorizzazione\ndel dialogo fra i popoli attraverso\nl'arte e la cultura. Una bella opportunità\nper aiutare la rinascita della nostra\neconomia e la diffusione dell'arte contemporanea\nAl centro della foto, la presidente di\nToscana Cultura Lucia Raveggi con\nil giornalista Fabrizio Borghini (alla\nsua destra) della rubrica Incontri\ncon l'arte e Paolo Del Bianco, presidente\ndella Fondazione Romualdo\nDel Bianco, durante una delle tante\nrassegne promosse da Toscana Cultura\nall’Iclab di Firenze in collaborazione\ncon la Fondazione Romualdo\nDel Bianco; in foto anche l’assessore\nai Lavori pubblici del Comune\ndi Firenze Stefano Giorgetti (il primo\na partire destra), la stilista Regina\nSchrecker e Giancarlo Antognoni\nL’Arte nel nostro cuore con il Movimento Life\nLa rete Life Beyond Tourism di oltre 14.000 utenti a disposizione\ndegli artisti affiliati\nL’Arte nel nostro cuore è l’iniziativa\ndel Movimento Life\nBeyond Tourism Travel to\nDialogue pensata per gli artisti, per\nsupportarli in questo momento di difficoltà\ncausato dall’emergenza sanitaria\nche ha fermato le varie attività.\nInfatti, se da un lato il Movimento Life\ndeciso di mettersi accanto alle aziende\nproduttive del nostro paese per dar\nloro un sostegno per la ripartenza, pur\nstando a casa, dall’altro lato ha pensato\nal vasto mondo artistico che, assieme\na quello degli artigiani, rappresenta\nil fiore all’occhiello della nostra Italia,\nfavorendone un’importante e qualificata\nvisibilità internazionale. Com’è\nnoto, Life Beyond Tourism sin dalla\nsua nascita ha sempre cercato di valorizzare\nle espressioni culturali dei territori\ne grazie al lavoro del Movimento\ntale valorizzazione è messa in pratica\nCosa è stato pensato per gli artisti?\nAll’interno del portale delle espressioni\nculturali del Movimento Life\nBeyond Tourism (www.lifebeyondtourism.org)\nè stata creata una sezione\ndal titolo Art in our Heart dedicato al\nmondo dell’arte con la possibilità di\naderire al Movimento gratuitamente\nentro il 30/06/2020 e avere comunque\nla gratuità fino al 31/12/2021.\nIn tal modo sarà possibile usufruire\ndi una serie di servizi che consentiranno\nuna grande visibilità, sia a\nlivello nazionale, sia internazionale\ngrazie a una rete che conta oltre\n14.000 utenti distribuiti in 111 pae-\nsi del mondo.\nOgni artista che aderisce ha la possibilità\n- Creare una pagina personale che\ndiventa la propria vetrina, dove inserire\ncontenuti testuali, immagini, link,\ni propri contatti e tutto ciò che ritiene\nimportante far sapere agli utenti della\n- Essere inseriti nelle comunicazioni\ndel Movimento attraverso le newsletter\nmensili che evidenzieranno la sezione\n- Partecipare alle mostre virtuali\ncalendarizzate in estate e autunno\n2020 sulla piattaforma del Movi-\nmento: si tratta di una grande novità\npensata esclusivamente per gli artisti\naffiliati che potranno parteciparvi\nesponendo fino a quattro opere a\n- La possibilità di attivare gratuitamente\nun negozio online per l’anno\n2020 grazie all’accordo con il partner\ntecnologico italiano Donkey Commerce\nnell’ambito dell’iniziativa Vo per\nBotteghe WEB (questa opportunità è\nchiaramente soggetta alla normativa\nvigente per il commercio online).\ndei servizi basta collegarsi al sito\nwww.lifebeyondtourism.org, nella sezione\nRegistrati adesso, scegliere il\nprofilo Artista, seguire le istruzioni\nautomatiche e inserire il codice sconto\nartinourheart. La segreteria del Movimento\nDialogue è disponibile a fornire assistenza\nto Dialogue mette in pratica i princìpi\nche la Fondazione Romualdo Del Bianco,\nattraverso Life Beyond Tourism, ha definito\nper la valorizzazione delle espressioni\nculturali dei territori, per il dialogo tra\nculture e la salvaguardia del patrimonio,\nculturale e naturale, materiale e immateriale.\nTutelare le particolarità dei territori\nsignifica avere a cuore lo sviluppo e la\nprotezione del territorio stesso, soprattutto\nquello di appartenenza, e dare un\nvalore aggiunto a tutto ciò che dal territorio\nviene creato. In quest’ottica il mondo\ndell’arte e quello della produzione\nartigianale hanno la grande opportunità\ndi farsi conoscere a livello territoriale,\nnazionale e internazionale grazie al\nto Dialogue e creare una rete di collegamenti\nche vada oltre qualsiasi confine fisico.\n«Il Movimento Life Beyond Tourism Travel\nto Dialogue è a fianco degli artisti e\npensiamo che le iniziative rivolte al mondo\ndell’arte possano tendere una mano\nin questo momento di difficoltà - afferma\nCarlotta Del Bianco, presidente del\nto Dialogue -; crediamo fortemente che\nil mondo dell’arte debba essere sostenuto\ne incentivato, come tutte le attività\nproduttive del nostro territorio e ancor\npiù perché la creatività e l’ingegno italiano\nsono da sempre stimolo di rinascita\nin periodi di difficoltà».\nPer gli artigiani e PMI\nL’iniziativa dedicata agli artisti si va\nad affiancare a quella già in corso e\ndedicata alle aziende piccole e medie\nche prende il nome di Vo per\nBotteghe WEB e che consente, tra le\naltre cose, di creare un negozio online\ne vendere i propri prodotti. Molte\naziende hanno già aderito al progetto\ne, grazie al codice sconto voperbottegheweb2020,\nTravel to Dialogue è gratuito per\ntutto il 2020. Per approfondire l’argomento\nbasta andare sul sito del\nMovimento, alla sezione Vo per Botteghe\nVoglia di ripartire? #StayFlexi con B&B Hotels\nB&B Hotels, la catena di smart hotel\ncon più di 500 hotel in 12 paesi\nnel mondo e 41 strutture in\nItalia, è pronta a ripartire più flexi che\nmai. Solo su hotelbb.come, infatti, è possibile\nprenotare al miglior prezzo senza\ntemere eventuali ripensamenti, grazie alla\nproposta che B&B Hotels ha scelto di\nadottare per i suoi clienti e per rendere\nil viaggio di lavoro o di piacere flessibile\nin base alle esigenze del momento attuale.\nB&B Hotels Italia ha lanciato, infatti,\nla speciale promozione #StayFlexi che\npermette ai propri ospiti di organizzare\nin tranquillità i prossimi viaggi, un weekend\ndi svago o un piccolo break dopo\ntanto tempo passato in casa. Per tutte\nle prenotazioni effettuate esclusivamente\nsu hotelbb.com, B&B Hotels Italia offre\nla possibilità di cancellare la prenotazione,\nricevere un voucher del valore corrispondente\ncon validità 12 mesi, da poter\nutilizzare nella medesima struttura con\neventuale adeguamento tariffario, in una\nnuova data. «B&B Hotels Italia – afferma\ndelegato di B&B Hotels Italia\n– si pone anche in questa circostanza a\ntotale disposizione della propria clientela,\nal fine di rendere il soggiorno dei propri\nospiti nelle 41 strutture B&B Hotels\nItalia una esperienza positiva e sicura.\nSono fiducioso che grazie a questo forte\nche ci contraddistingue, affronteremo il\nfuturo con positività e ottimismo».\nestinazioni, design, prezzo. B&B\nHotels unisce il calore e l’attenzione\ndi una gestione di tipo familiare\nai servizi. 41 hotel in Italia. Camere dal\ndesign moderno e funzionale con bagno\nspazioso e soffione XL, Wi-Fi in fibra fino\na 200Mega, Smart TV 43” con canali\nSky e satellitari di sport, cinema e informazione\ngratuiti e Chromecast integrata\nper condividere in streaming contenuti\naudio e video proprio come a casa.\nPrenota da casa il tuo prossimo viaggio\nsenza preoccupazioni, solo con\nPiatti gourmet da gustare con gli occhi\ndi Elena Maria Petrini / Foto Elena Maria Petrini e Maurizio Mattei\nLa relazione tra cibo e immagine\nrisale all’antica Grecia passando\npoi al mondo etrusco e\nquindi all’epoca romana dove venivano\nraffigurati deliziosi banchetti. In epoca\naltomedievale il cibo era considerato\nun dono di Dio e si raffiguravano maggiormente\nscene agresti e di trasformazione\ndelle materie prime: cibo come\nnutrimento, quindi, e non fonte di piacere.\nIn epoca rinascimentale e barocca\ngli alimenti tornano ad essere protagonisti\ndi opere artistiche e raffigurazioni\nmolto dettagliate e policrome, diventando\nquindi un modello estetico. Ad\nesempio, nella Pala di Brera di Piero\ndella Francesca, l’uovo sospeso al centro\ndel catino absidale e proiettato sulla\nverticale della figura della Vergine è ricco\ndi significati filosofici e cosmologici.\nTra gli altri illustri artisti che si sono\ncimentati nella raffigurazione del cibo,\ntroviamo Giuseppe Arcimboldo con le\nsue figure antropomorfe, Giambattista\nTiepolo con il celebre Banchetto di Antonio\ne Cleopatra, Giulio Romano con\nil fastoso Banchetto nuziale di Amore\ne Psiche e Caravaggio con le due versioni\ndella Cena in Emmaus. Per quanto\nriguarda l’arte dell’Ottocento, vanno\nricordate le nature morte di Paul Cézanne,\nHenri Matisse e Vincent Van Gogh.\nOggi, invece, il cibo viene raccontato\ndalla fotografia in maniera quasi idealizzata,\narte e scienza dell’immagine\nnel genere definito\nall’interno di set opportunamente\ni piatti gourmet vengono\nresi appetitosi e\nl’uso sapiente di luci,\nombre ed effetti cromatici, il tutto in alta\ndefinizione. Insomma, un cibo da assaporare\nL'arte di fumare il sigaro spiegata da un intenditore\ndi Elena Maria Petrini / foto courtesy Francesco Minetti - CCA e Cigar Club Matelica\nPer Francesco Minetti, presidente\ndel Cigar Club Matelica Don\nAlejandro Robaina e della Cigar\nClub Association, pluripremiato “Hombre\nHabano” nella categoria Comunicazione,\nil sigaro è un’esperienza che\ncoinvolge tutti i cinque sensi e conoscerne\nla storia permette di ottenere i massimi\nrisultati nella degustazione. La grande\npassione di Minetti converge nella Cigar\nClub Association, nata nel 1999 con slogan:\nun’associazione di club, fatta dai\nclub, per i club. Si tratta, infatti, dell’unico\nesempio mondiale di una sovrastruttura\nche riunisce tutti i club di tre continenti,\nNord America, Europa ed Oceania,\ncon ben 120 club, di cui 30 stranieri. Nel\n2000, Minetti conosce a Cuba Massimo\nDe Giovanni, molto noto nel mondo dei\nsigari, e con lui entra a far parte dell’organizzazione\ndell’Encuentro Amigos de\nPartagas di Cuba, evento internazionale\ndedicato ai sigari. Nel 2005 i cubani chiesero\nad entrambi di organizzare anche in\nItalia un evento analogo. E così l’Encuentro\nAmigos de Partagas en Italia di Matelica\ndiventa ben presto il secondo evento\nal mondo più importante sui sigari, dietro\nsolo al Festival Habano che si svolge\na Cuba. Come presidente del Cigar club\nMatelica Don Alejandro Robaina, Minetti\nafferma: «Siamo il club più importante\nd’Italia, dove da dieci anni promuoviamo\nil concetto di associazionismo nella giusta\nmaniera, eliminando interessi e conflitti\ne riportando il fumo lento del sigaro\ne della pipa nella sua giusta collocazione;\ninfatti, abbiamo creato una “condivisione”\ncol primo club d’Italia di fumo lento\ncon la pipa, facendo crescere così il\nnumero dei club, da 15 a 120, all’interno\ndel Cigar Club Association (CCA). Quindi,\nappartenere ad un qualsiasi club del\ncircuito CCA equivale ad esser associato\na tutti i club di sigaro della rete che vanta\nquasi 9000 associati». Lo strumento\nprincipe per la divulgazione delle attività\ndella CCA è la rivista Sigari!, di cui Minetti\nè anche redattore, insieme a Nicola di\nFrancesco Minetti, presidente del Cigar Club Matelica Don Alejandro Robaina e della Cigar Club Association\nNunzio e Matteo Tornielli, con la direzione\ndi Franca Severini. «Quando si parla\ndi sigari in Italia − prosegue il presidente\n− bisogna precisare che non si può\nparlare di “Toscano” ma di “Kentucky\nItalia”, perché oggi ci sono anche altre\nmanifatture nazionali ed altri esperimenti\nche esulano dai canoni predefiniti, come\ni modi Cuba, Caraibi e Kentucky, alcuni\ndei quali si collocano proprio tra il modo\nCaraibi e quello Kentucky. Ricordo, infine,\nche il nostro club di Matelica propone\nattività didattiche e serate formative\nsul sigaro per spiegare che la degustazione\ndel tabacco va considerata come\nun piacere dei sensi. Il 10% degli iscritti\nnon fuma ma partecipa comunque alle\nattività sociali a tema enogastronomico, i\ncui proventi vanno in beneficenza ad associazioni\ncome la Croce Rossa Italiana,\nProMatelica, agli asili nido comunali\ne a sostegno di emergenze come quelle\nUn nuovo brano musicale e un corso di canto sui social\nper sostenere la lotta al Coronavirus\ndi Serena Gelli / foto courtesy Donatella Milani\nNell’articolo pubblicato sullo\nscorso numero, abbiamo visto\nall’emergenza Coronavirus. Adesso\nparliamo, invece, dell’iniziativa di solidarietà\ndi un’artista in particolare, la\ncantante Donatella Milani, famosa per\nil brano sanremese Volevo dirti, ma\nanche compositrice di canzoni celebri\ncome Su di noi, interpretata da Pupo,\nMa non ho più la mia città e Piccoli già\ngrandi per Gerardina Trovato. Questa\nvolta, però, non ha scritto una canzone,\nma un sottofondo musicale ricco\ndi suspense per il racconto della scrittrice\ncolligiana Daniela Lotti intitolato\nIl Coronavirus e l’Umanità. «L'idea\nè nata − racconta Donatella − quando\nmi sono avvicinata al pianoforte ed\nho iniziato a comporre, nota dopo nota,\nuna melodia che rispecchiava pienamente\ntutte le sensazioni che stavo\nprovando in quel momento. Successivamente,\nho fatto ascoltare questa\nmusica a Daniela». Quest’ultima, rapita\nda quegli accordi coinvolgenti, ha\niniziato a mettere, nero su bianco, le\nemozioni ispiratele dalla melodia. E\ncosì, parola dopo parola, il sodalizio\nartistico ha preso forma, trasformandosi\nin un breve racconto intenso e vibrante,\npiena di pàthos. E' nato così il racconto\nIl Coronavirus e l’Umanità, un testo\nche ha particolarmente colpito Donatella\nMilani convincendola a divulgarlo\nattraverso un video diffuso prima\nsu Facebook e poi su tutti gli altri canali\nsocial. L’intento è far riflettere chi\nascolta non solo sulle problematiche\nlegate al Covid-19, ma anche sulla situazione\nclimatica e ambientale globale.\nI progetti della cantante non\nsono finiti qui. Infatti, vista l'esperienza\ncollaudata sia sul palcoscenico\nche come docente, ha organizzato\nun corso di canto su Facebook per insegna\nai partecipanti le tecniche del\nPage 5 and 6: POSSIAMO RIPARTIRE?solo con mascher\nPage 7 and 8: Donna inginocchiatasculture votive\nPage 9 and 10: Il progetto di Boeri denominato Un\nPage 11 and 12: di scalpello su una gigantescasezio\nPage 13 and 14: I Moai dell'Isola di Pasqua (ph. co\nPage 15 and 16: A cura diDaniela PronestìOcchiocri\nPage 17 and 18: le loro posizioni statiche, ricorda\nPage 19 and 20: A cura diMaria Grazia DainelliObbie\nPage 21 and 22: ro linee morbide, vivide, ricche di\nPage 23 and 24: Ritrattid’artistaSalvatore Sardis\nPage 25 and 26: A cura diAntonio PieriBenessere e c\nPage 27 and 28: A cura diStefano GrifoniDimensioneS\nPage 29 and 30: A cura diLorenzo BorghiniIl cinemaa\nPage 31 and 32: A cura diDaniela PronestìOcchiocri\nPage 33 and 34: Ritrattid’artistaMaria Grazia Fus\nPage 35 and 36: A cura diDaniela PronestìOcchiocri\nPage 37 and 38: A cura diDoretta BorettiDal teatro\nPage 39 and 40: chie, mentre mi ripete: «Selena vi\nPage 41 and 42: Ritrattid’artistaSerena MannariUn\nPage 43 and 44: Il calciomercato avrà dei cambiame\nPage 45 and 46: Sport esolidarietàDa Bisceglie a P\nPage 47 and 48: A cura diLaura BelliSpecialePistoia\nPage 49 and 50: Time Lapse nasce a seguitodella pan\nArte delVinoA cura diPaolo BiniIl g\nB&B HotelsItaliaVoglia di ripartire\nMusica &solidarietàDonatella Milan