El Cine de Animación ~ La Butaca de Cine\nmiércoles, agosto 20, 2014 Carlos Chaves No comments\nEl presente artículo pertenece y se ha reproducido con la autorización de Enrique Martínez-Salanova Sánchez, Vice-presidente del Grupo Comunicar, director de la revista Aularia y editor adjunto de la revista Comunicar.\nPueden ver éste y más contenidos de su página web, haciendo click AQUÍ\nLa animación es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos, personas, imágenes computarizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar, fotografiando o utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano capte el proceso como un movimiento real. Según el animador norteamericano Gene Deitch, “animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada, superior a la de la persistencia de la visión en la persona.”\nMientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real (24 imágenes por segundo), en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad (desde 24 hasta 8 imágenes por segundo).\nCon la invención del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la animación. Más tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados. McCay dio al dibujo animado la técnica básica con la que se ha mantenido hasta el presente, pues los principios de la animación en papel, en acetato o por computadora, la forma técnicamente más avanzada del género, son exactamente los mismos; sólo cambian las apariencias.\nEn el caso de la computadora, el truco del paso de manivela es llevado al extremo: la unidad elemental manejada, el píxel, es mucho más pequeña que el fotograma, el resultado es que el animador tiene el control total tanto del espacio -el objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las imágenes. En el futuro, el abaratamiento de costes permitirá una aplicación generalizada en investigaciones científicas, en la generación de gráficos y recursos para la educación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en los que, como suele suceder, las aplicaciones aún están por llegar.\nLos dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, la técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.\nCuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop motion, en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación “fotograma a fotograma” o “cuadro a cuadro”, cuyo iniciador fue segundo de Chomón con su llamado “paso de manivela”. Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama Animación de recortes (cutout animation).\nEn la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso, es un proceso muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boda de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, las computadoras facilitan la tarea.\nStop trick (literalmente “truco de parar”)\nTipo de efecto especial cuando se filma un objeto y, mientras la cámara está apagada, el objeto se coloca fuera de la vista de la cámara y entonces se vuelve a encender. Al ver la película al espectador le parece que el objeto desaparece.\nGeorges Méliès descubrió el stop trick accidentalmente cuando estaba rodando el tráfico de una calle de París. El mecanismo de la cámara se atascó; el tráfico siguió moviéndose normalmente pero la cámara dejó de rodar hasta que Méliès pudo arreglar el mecanismo. Más tarde, al proyectar la película, quedó atónito al ver a un ómnibus transformarse de repente en un coche fúnebre. Lo que realmente había sucedido es que el ómnibus se había movido fuera de plano tras atascarse la cámara y había sido reemplazado por el coche fúnebre cuando ésta siguió rodando. Méliès usó esta técnica para filmar trucos de magia. Por ejemplo, podía filmar a un mago y su chica ayudante; el mago hacía un gesto y Méliès paraba la cámara. Luego le decía a la chica que se pusiera fuera de la vista de la cámara y empezaba a rodar de nuevo. Al ver la película completa, parecía que la chica había desaparecido tras el gesto del mago.\nEsta técnica no debe confundirse con la técnica stop motion, en el que se crea la totalidad de lo rodado fotograma a fotograma.\nLa técnica de “recambio de piezas”, “replacement animation” (animación por reemplazamiento, o por sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el personaje. Un ejemplo fácil de comprender es diseñar diferentes cabezas –con una sonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza que corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría requerir una gran cantidad de piezas, en torno a las 20.\nEl término Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los términos puppet –marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.\nSe denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide. Len Lye, neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el caso de Norman Mclaren, dibujaba también la banda sonora.\nSe denomina pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de una filmación con el fin de crear una sensación diferente. Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), empleada en su corto animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dos personas realizan movimientos muy complicados. Norman McLaren también experimentó con el dibujo directamente sobre el celuloide, tanto de las imágenes como la realización de la misma banda sonora.\nDisney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion capture.\nEs un proceso de creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos. En vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados, se usa arte abstracto, simbolismo, repetición de fondos y de movimientos para crear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace más imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo característico son los Picapiedra.\nFlash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.\nHace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones, se realiza mediante un proceso denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo de 3D. Así podría decirse que en el proceso de renderización, la computadora “interpreta” la escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen bidimensional.\nConsiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro.\nAnimación motion capture y performance capture\nLa “Performance Capture” es un avance reciente de las técnicas de captura de imagen por computadora. Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la “Motion Capture”, el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por una computadora. Ver cine siglo XXI.\nEl dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor franco-ruso-finlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de Modigliani, convenció a la compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez influido por el anterior, realizaba cortometrajes experimentales abstractos, como Rhythmus 21 (1921). La animación norteamericana se concentró en Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial.\nLotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923).\nWindsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas.\nEn las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24), de Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.\nEn Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero). También en 1917, Junichi Kouchi realizó un corto titulado Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizó Kujira, La ballena en papel semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodó remake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés\nMickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar la cámara multiplano, desarrollada por Iwerks, que siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujos animados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas de dibujos animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidad del dibujo animado como cine que podía competir con cualquier otra película.\nEn los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's Travels (1939), en el que utilizaron el rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los siete enanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory of Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le dieron forma a The Song Car-Tunes, donde se animaban canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes, creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie de elementos realistas.\nPaul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa: Aesop’s Film Fables, y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925), Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Terrytoons.\nWalter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización.\nEn 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.\nEl neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).\nUb Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde pasó a la Warner (hasta 1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp (1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros.\nLas Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub. Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin.\nEn 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.\nOskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en 1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica.\nEn Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca.\nEn Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como “el Disney de Rusia”. La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó el filme de marionetas La llave dorada.\nEn 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, una de las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría Norman McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistema Kaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión.\nEn 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con el personaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una revisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie (1949).\nEn España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y los de Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos interesantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito.\nEn 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos por computadora.\nGeorge Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg y George Lucas. En 1940 inició la serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, que revolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas (ver arriba).\nEn 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.\nEl cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial\nTras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros.\nWalt Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras con actores reales. En momentos de dificultades Disney decidió economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La primera de ellas, The Reluctant Dragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos de dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941). Con los materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo dos largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban los personajes de carne y hueso con los dibujos animados. La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores. Las restantes están llenas de momentos inolvidables. La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101 dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía abordó la producción de películas de muy diverso contenido. Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se intercalaban y convivían personales reales con los animados y El libro de la selva (1967), con las que el estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas.\nUnited Productions of America (UPA). Walt Disney soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzaron a promover la idea de que la animación debía seguir con mayor libertad en la búsquedas de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por Disney y quienes le siguen siendo fieles. Durante la II Guerra Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero, acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y algunos de sus socios abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y personal su estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald McBoing-Boing, de Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año siguiente es premiado When Magoo Flew. En el mismo año hicieron The Tell-Tale Heart, una adaptación de Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para profundizar en los estados psicológicos de los personajes. La UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry vendió los Terrytoons a la CBS. El primer y último largometraje fue 1001 Arabian Knights, que cerró ese año las puertas.\nChuck Jones y Friz Freleng fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Chuck Jones obtuvo un Oscar por su cortometraje The Dot and the Line, El punto y la línea (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los primeros en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como “estilo UPA”, que abarataba los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus creaciones más populares son Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos (Road Runner). En 1953, utilizó la técnica de las 3-D en Lumber Jack Rabbit, el único cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es considerado por muchos como un maestro en la caracterización y la coordinación de las imágenes. Friz Freleng introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy Gonzales y La pantera rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la película La pantera rosa. El personaje se volvió tan popular que en 1964, con un cortometraje para United Artists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Chuck Jones y Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos en un cartoon que parodia la Fantasía de Disney. En 1963, Fritz Freleng dio vida a La pantera rosa para los créditos de un filme de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años después.\nTex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los años cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy The Dog. Cuando cerró Cierra el departamento de animación de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men (1955) y One Droopy Knight (1957). En 1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound, con la que ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el mundo. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100 películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros, se hicieron famosos en todo el mundo.\nCharles M. Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts, que logró veinte años de éxito mundial para el animador, quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras.\nJames Whitney, en 1955, siguiendo los pasos de su hermano John, realizó Yantra. El término yantra proviene del sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra, otras obras como; Catalog (1961) de John Whitney o Lapis (1963-66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del computadora elaborando las imágenes fotograma a fotograma.\nEn 1961, Jordan Belson, representante de la Visual music, establece la animación vanguardista a partir de la manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984) y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, muy en la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney.\nEl National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips.\nEn 1947, el cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV, sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Jeannot l’intrepide (1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y famosas series como Joë chez les abeilles (1960). El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 Paul Grimault, La pastora y el deshollinador, que transformó y amplió en 1979 en Le roi et l’oiseau. En 1963 el ruso Alexandre Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada en Gogol. En 1964, el polaco Walerian Borowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges.\nEn los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka, (ver recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación con marionetas. Consagró, con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se denominó “estilo checo” de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus films y su gran influencia en una infinidad de animadores posteriores fue denominado el Walt Disney de la Europa del Este. En 1950, Bretislav Pojar hizo La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso del alcohol. Karel Zeman, realizó Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y en 1958, combinando actores reales y animaciones, hizo La invención diabólica, inspirada en Julio Verne. En 1959, Baron Munchausen, imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y Aprendiz de brujo, en 1977. Un animador de marionetas, Jan Svankmajer hizo La última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988).\nIván Ivanov-Vanó, llamado el Walt Disney soviético, hizo en 1946, tras tres años de trabajo, el primer largometraje animado soviético, El caballito jorobadito, una de las obras maestras de la animación. Los negativos del filme se extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Adaptó algunos cuentos rusos: Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos otros. En más de 50 años de dirección de cine animado, realizó interesantes películas como The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), The seasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es The Battle of Kerzhenets (Secha pri Kerzhentse), 1971, basada en la leyenda de la ciudad invisible de Kitezh de Rimsky-Korsakov. La película es una fusión de los antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los aspectos dinámicos. Lev Atamanov realizó La bella y la bestia (1952) y La reina de las nieves (1957), en una línea que pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a Miyasaki.\nLa escuela de Zagreb. “La característica esencial de la Escuela de Zagreb es que no intentamos imitar a los demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad de expresarla dibujando” (Dusan Vukotic). En 1956, con El robot juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de animación reducida. En 1961 realizó Surogat, que logró el Óscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1961, primer no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb donde también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar.\nAntes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas. En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cine de animación en Érase una vez., mediante una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos. Combinan el dibujo y el collage (cut-out stop-motion) con imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva basada en la repartición del guion en escenas. En 1958 realizaron la obra surrealista La casa (1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos, materiales y técnicas, collages, deformación de movimientos y animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes son dos de las películas de Jan Lenica, que trabajó durante tres años para realizar Adán II. Borowczyk aportó el perturbador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del país, uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el otro, Borowczyk, en Francia. Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956); Epigrama de neón (1959); El pequeño oeste (1960); La espera (1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechura es la revelación desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997).\nFrancesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimo sciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda (1984), Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra (1964) y Pulcinella (1973). En 1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini. (Información de Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)\nEn 1947, Kon Ichikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres. En 1959, Osamu Tezuka trabajó en el largometraje Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy (presentado en 1961) fue el creador, en los años sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco, Jungle Taitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009, El pájaro de fuego y muchas otras. En 1963, se impuso la animación surrealista y experimental del japonés Yoji Kuri: Locus, Face, Amor, Discovery of Zero, The Chair, son cortos de este año, seguidos por Samurai (1965), The Eggs (1966), Flower (1967), Imagination (1969) y Midnight Parasite (1977). Información de Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)\nEn 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país. Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para salvar a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay. En la animación española nació La familia Telerín, de Juan Luis Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta, del programa televisivo 1, 2, 3.\nLa animación hasta 1980\nLa vida del cine de animación se mantuvo, a pesar de la influencia de la televisión, trasladándose a otros canales de distribución, y los cortometrajes animados desaparecieron de los cines, salvo los grandes largometrajes de Disney, que hasta la última década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines por otros canales de distribución como el vídeo o más tarde el DVD. Sin embargo, al cine de animación prosperó, se tecnificó y se especializó, fundamentalmente en los festivales de cine y la televisión. En Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine.\nHanna-Barbera. William Hanna y Joseph Barbera, ambos hijos de inmigrantes libaneses, trabajaron juntos por primera vez en el estudio de animación de Metro-Goldwyn-Mayer en 1939, cuando aparecieron Tom y Jerry. La productora Hanna-Barbera introdujo la animación limitada, popularizada por UPA (United Productions of America), como un método para reducir el costo de producción. Esto contrajo una reducción en la calidad de la animación. Se especializaron en la animación para televisión por la que ganaron ocho premios Óscar. Sus series animadas más características son Loopy De Loop, The Huckleberry Hound Show, The Yogi Bear Show, Tiro Loco McGraw, Don Gato, Jonny Quest, Los Supersónicos, y especialmente Los Picapiedra. En 1969, estrenaron uno de sus personajes más populares: Scooby Doo, que se transformaría en uno de los programas de televisión (ABC) más vistos de toda la historia.\nFilmation, una empresa norteamericana, produjo teleseries basadas protagonizadas por personajes famosos del cómic y de la literatura: Flash Gordon, Tarzán, el Zorro, Batman y Robin, entre otros.\nRalph Bakshi. A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi, con sus primeras películas pertenecientes al movimiento underground, abrió el camino a la animación para adultos, en la que fue pionero, en ocasiones con la técnica de la rotoscopia, por la que dio calidad en movimientos y dibujo. Realizó la primera adaptación de El Señor de los Anillos (1978), con técnicas de rotoscopia, y películas como Cool World (1993) que mezcla imagen real con dibujos animados. También creó animaciones para adultos como Fritz el gato (1972) basado en el personaje de Robert Crumb.\nLas industrias de Europa del Este y la URSS, se convirtieron en las más potentes del mundo: la producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. En 1965, el dibujante de historietas Nedeljko Dragic dirigió su primer corto, Elegía, exploración en un mundo absurdo, lleno de humor, dentro de la llamada Escuela de Zagreb. Dragic continuó con los cortos Domador de caballos salvajes (1966), Strip-tease (1969), La puerta (1970) y Tup Tup, de 1972, que obtuvo una nominación al Oscar. De entre los muchos artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Svankmajer, que trabaja con muñecos, utilizando la técnica de stop-motion. No obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla, muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla. Algunos de sus largometrajes son Neco z Alenky (Alice, 1988, basado en “Alicia en el país de las maravillas”, de Lewis Carroll, Faust (Fausto, 1994) y en los últimos tiempos Otesánek (2000, y Sílení (2005). Ha influido mucho en cineastas actuales como Tim Burton o Terry Gilliam.\nEn Japón es de destacar Osamu Tezuka, pionero del cómic actual japonés (manga) y de los dibujos animados nipones (anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y con ella la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom (Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), que rodaría más tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon no Kishi (La princesa caballero).\nEn Europa occidental se hicieron películas los logros fueron más puntuales: películas como Yellow Submarine (El submarino amarillo, 1968), de George Dunning, un largometraje de animación cuyos personajes principales representan a The Beatles. La original estética de los dibujos, con colorido y estética entre naïf y psicodélica, emanó del estilo y el trazo de Heinz Edelmann, un conocido ilustrador y diseñador alemán. Hace una panoplia de homenajes a pintores como los relojes blandos de Dalí, los bombines y las manzanas de Magritte, y a personajes del cine como Frankenstein o Marilyn Monroe. En Francia continuó el ruso Iván Ivanov-Vanó que estrenó Se puede, No se puede, seguido por La leyenda del gigante malvado (1968), Ave María (1972), El lago mágico (1979) y La fábula del zar Saltán (1984), que cierra su filmografía. René Goscinny se inspiró en la famosa historieta francesa de Asterix El Galo para concebir series de televisión, largometrajes para cine y recopilaciones en video y DVD.\nBruno Bozzetto es un famoso animador de nacionalidad italiana creador de muchos cortometrajes, principalmente de naturaleza política o satírica. En 1965 realizó su primer largometraje animado, West and Soda, parodia de los western americanos. En 1968 hizo VIP, mio fratello superuomo, en donde parodiaba el género de superhombres. Su personaje más famoso, es el Signor Rossi, protagonista de siete cortometrajes animados, y del que se llegaron a realizar tres películas: El Sr. Rossi busca la felicidad (1976), Los sueños del Sr. Rossi (1977), y Las vacaciones del Sr. Rossi (1977). Su trabajo más conocido es Allegro non troppo, 1976, un montaje a base de trozos de sus cortos, aplicados a la música clásica a la manera de la Fantasía de Disney. En 2002 hizo Mammuk, un filme animado sobre el cine en épocas prehistóricas. En la actualidad está haciendo cortometrajes satíricos con la técnica del flash.\nRené Laloux ejercitó de manera conjunta la dirección de películas de animación y la pintura, en un desbordante universo en el que cualquier fantasía era posible. En 1960, hizo su primera película de animación, en el estudio de Paul Grimault, Les dents du singe (Los dientes del mono), un cortometraje escrito y dibujado por un grupo de enfermos de la clínica psiquiátrica de Cour Cheverny, de la que era director. Con el grafista Roland Topor hizo tres películas: Les temps morts (Tiempo muerto, 1964), Les escargots (Los caracoles, 1965), y La planète sauvage (Planeta salvaje, 1973), con el que ganó el Grand Prix del Festival de Cannes. Con el dibujante de comics Moebius hizo Les maîtres du temps (Los amos del tiempo, 1982), y con Philippe Caza, el cortometraje Comment Wang Fo fut sauvé (Cómo fue salvado Wan-Fo, 1988) y el largometraje Gandahar (Caza para Gandahar, 1988). En 1979, El rey y el pájaro, Paul Grimault, realizó uno de los mejores animados de todos los tiempos, inspirado en Andersen.\nEn el cine de animación canadiense, además dentro de la continuación de las actividades del National Film Board of Canada y de Norman Mclaren, en 1970, Frederic Back, una de las leyendas del cine de animación canadiense, consiguió su primer gran éxito internacional con Abracadabra (1970), seguido de Inon ou la conquete du feu (1971), La creation des oiseaux (1973), Illusion (1974), Tout Rien (1979, nominado al Oscar y Crac, 1983, que fue seleccionada como una de las seis obras maestras de la animación en la Olimpiada de este disciplina, celebrada en Los Angeles. Caroline Leaf alcanzó fama internacional con The Street, en pintura sobre cristal. Dirigió más tarde The Metamorphosis of Mr. Samsa (1977) y Le tigre et le renard (1986). (Obtenida en Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)\nEn 1975, Garri Bardin, ruso, que fue director del teatro de marionetas, realizó El fin del cielo. En la década de los 80 realizó animación tridimensional de objetos, títeres y marionetas de diversos materiales: El lobo gris y la caperucita roja (1990). En 1980, Yuri Norstein presentó El cuento de los cuentos, considerada una de las mejores películas de animación jamás realizada.\nEn España, se realizó en 1965 El mago de los sueños, protagonizada por la familia Telerín, de Francisco Maciá, quien junto a Cruz Delgado y José Luis Moro se convirtieron en los puntales de la animación española, junto a Maite Ruiz de Austri, la autora de El regreso del viento norte (1995) y La leyenda del unicornio (2001).\nEl cine de animación en occidente en las últimas décadas\nEl cine de animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída del telón de acero logró además que muchos animadores de los países del este pasaran por todo el mundo aportando su experiencia.\nDisney continuó en EEUU con sus momentos de esplendor, con películas como La Sirenita, (The little mermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements y La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991) , de Trousdale y Wise, y su decadencia, al mismo tiempo que crecía una pequeña entidad, Pixar, de John Lasseter que de ser una desconocida empresa infográfica experimental en los años 80 pasó a ser la más importante productora de animación del mundo, con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos, Monstruos S.A., etc. En 1991 Pixar y Disney unieron fuerzas e hicieron varios largometrajes en común. En 2004 Pixar y los estudios Disney rompieron sus relaciones, hasta que en enero de 2006 Disney adquirió Pixar Animation Studios y cedió el control de su estudio de animación a los directores creativos de Pixar.\nFrederic Back, canadiense, en 1988, realizó L´Homme qui plantait des arbres, con el que ganó abundantes internacionales y el Oscar al mejor cortometraje de animación del año; después hizo Le Fleuve aux grandes eaux (1993), que recibió el gran premio en el Festival de Annecy y también fue nominado al Oscar.\nBrad Bird, un animador educado en la serie Los Simpson, realizó en 1999 El gigante de hierro (The iron giant), película que está a la altura de las mejores películas de dibujos animados. Está ambientada en plena paranoia de la Guerra Fría, y cuenta la historia de un niño que hace amistad con un robot venido del espacio, un relato lleno de ternura basado en un relato que el poeta Ted Hughes escribió para consolar a sus hijos de la muerte de su madre, es una película independiente hecha con pocos medios para lo que el cine de animación suele utilizar.\nPesadilla antes de Navidad (Tim Burton's The Nightmare Before Christmas, 1993) de Henry Selick, está basada en un poema de Tim Burton, que había trabajado con Disney. Fue producida por él mismo, está realizada con muñecos de látex y tiene todos los elementos característicos del cine de Burton. El guion y los derechos estaban desde hacía años en manos de la Disney, por lo que Burton volvió a la compañía para poder realizarlo. Aunque tuvo mala recaudación y fue muy criticada en su momento, actualmente es una película de culto. Más tarde hizo, en 2005 y con el mismo sistema, La novia cadáver, Tim Burton's Corpse Bride. El estilo de Burton es de influencias góticas, llenas de romance y fantasía. En ocasiones relatan las vivencias de personajes lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no se logran sentir en concordia con su estatus social. Actualmente está trabajando en Alicia en el País de las Maravillas, adaptación de la novela infantil y contará con la técnica “3-D” y “Performance Capture” en su rodaje, y su siguiente proyecto será un remake de su cortometraje, Frankenweenie, el cual habrá de adaptar en un filme “3-D” acompañado de la técnica “stop-motion”.\nBill Plympton realizó varios cortometrajes y dos largometrajes de cierto interés, Me casé con un extraño (I married a strange person!, 1997) y Mutant aliens (2001). Bill Plympton es un frenético humorista, que realiza sus dibujos de forma muy artesanal, de gran expresividad y tintes surrealistas y bastante duros y gamberros, con escenas fuertes de sexo y violencia.\nEn Francia, Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y calidad notables. Tras trabajar con Disney, que no le sedujo, probó diversos estilos. Los tres inventores (1980) es un largometraje realizado con papel blanco recortado y blondas de pasteles. Su infancia en Guinea, Africa, la reflejó en Kirikú la Bruja, 1998, y Kirikou et les bêtes sauvages (2005), que le llevaron a la fama. Realizó también Princes et princesses (1999) y Azur & Asmar (2004), ambientada en Oriente, sobre la inmigración y la integración entre culturas.\nSylvain Chomet es un animador francés influenciado por el surrealismo de Svankmajer y los dibujos de Walt Disney, conoció a Didier Brunner, el productor de Las Trillizas de Belleville, con los que trabajó desde Canadá. En 1995 dirigió La Vieille Dame et les Pigeons con Nicolas de Crécy, con los que recibió varios premios y estuvo nominado al Oscar y al César. En 2002 dirigió Leon La Came y más tarde continuó con la producción de Las trillizas de Belleville. Su estilo tiene mayor influencia de la cámara que de la animación, y está basado sobre el mimo y la interpretación de los personajes.\nPascal Morelli, aunque nació en parís, trabajó muchos años como animador en Los Ángeles y Tokio y trabajó en storyboards para largometrajes. En 1994, dirigió las series de dibujos animados The busy world of Richard Scarry, para Paramount, Arsene Lupin para France Animation, y Calamity Jane para Warner Bros-Kayenta. Admirador de Hugo Pratt, realizó en 2002 Corto Maltesse: La cour secrète des Arcanes.\nEn el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de Wallace y Gromit, de Nick Park). Nick Park, británico, creo los personajes animados en plastilina de Wallace y Gromit, por ejemplo Wallace y Gromit: la maldición de las verduras (2005) y colaboró en varios proyectos ganadores del Óscar de Hollywood. En 2000 dirigió Evasión en la granja, Chicken Run.\nSiguiendo la tradición de la animación con marionetas, el checo Jan Werich, realizó el largometraje titulado Fimfárum, 2002, una moraleja humorística acerca de la vida de los hombres, que reúne cinco cuentos de varios libros conocidos, divertidas parodias sobre el destino del ser humano. Werich influyó en varios animadores checos, Petr Poš y Martin Velíšek.\nComo animador cubano hay que destacar a Juan Padrón, dibujante de historietas, que comenzó a trabajar en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industrias Cinematográficas) en 1974 como director de dibujos animados. Creó las series de animados Filminuto y Quinoscopio, esta última en colaboración con el humorista argentino Quino, creador de Mafalda. Su primer largometraje, en 1979, fue Elpidio Valdés y el segundo, Vampiros en La Habana, en 1985.\nLa animación japonesa en los últimos tiempos\nTras Osamu Tezuka, el anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta, popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables, y siempre van unidos el cine, la televisión y el cómic, en cualquiera de sus dos facetas, el “shojo manga”, o relato romántico para el público femenino, y el “mecha”, o historia de robots, por lo general repleta de escenas de lucha y devastación. Es frecuente que cuando una compañía desarrolla una nueva línea de cómics (los llamados manga), tenga presente su adaptación a dibujos animados (anime), que se emitirán en forma de teleserie, serán vendidos en vídeo o llegarán al cine en forma de largometraje, y siguen siendo la atracción principal para millones de aficionados. La fuerza, tras unos años de inactividad del cine japonés, llegó de la mano de Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animador independiente Koji Yamamura, que combina la escultura en barro con figuras tridimensionales, fotografía, crayola y multimedia, mezclando técnicas y tendencias como el puntillismo y minimalismo, y que ha logrado un gran reconocimiento en Occidente, ni a Akira Toriyama el responsable de la moda del manga y el anime con la producción Dragonball (1986-1989). Para llevar a dibujo animado la historieta de Osamu Tezuka, Metrópolis, se unieron dos directores, Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de ciencia ficción, donde no falta el barroquismo urbanístico high-tech.\nEl anime se caracteriza en general, aunque hay obras de mayor complejidad, por la sencillez de su trazo, la estructura narrativa lineal y una tecnología basada en la economía de imágenes, lo que hace el proceso de elaboración relativamente rápido, que los convierte en productos baratos en los mercados internacionales. Se han dado así coproducciones importantes para televisión con los países occidentales, como Heidi (1974), Vickie el vikingo (1974-1975) y Las aventuras de la abeja Maya (1975-1976), con la empresa alemana Bastei Verlag, Ulises 31 (1988) con el estudio francés de Jean Chalopin y Las aventuras de Sherlock Holmes (1984-1985) con Radiotelevisión Italiana (RAI).\nEl camino del cine digital actual de animación\nDesde la última década del siglo XX, el gran cambio que ha sufrido el cine de animación se debe a la inclusión de computadoras en el proceso técnico y creativo de las películas. La primera secuencia en la que se utilizó el computadora para su crear un diseño y ambiente que diera la idea de que la cámara se movía en todas las direcciones, fue en 1991, en el baile de La bella y la bestia. Desde entonces, la tecnología digital ha entrado de lleno en la realización de películas animadas, facilitando la tarea de diseñadores y creativos y finalizando casi por completo la animación tradicional.\nToy Story, la primera película realizada totalmente por computadora, en 1995, la produjo Disney y la realizó la compañía especializada Pixar, con un rotundo éxito comercial que dio vía libre a todo un mundo de posibilidades creativas.\nHormigaz, Antz, (1998), la segunda película por computadora, se realizó en los estudios Dreamworks, fundados por Steven Spielberg y el antiguo jefe de animación de Disney Jeffrey Katzenberg. Esta película compitió con el predominio de Disney y creó las bases para unos nuevos contenidos en el cine de animación.\nLos dibujos animados, compiten en las últimas décadas entre esos grandes estudios, por una parte Disney-Pixar (que se unen y se desunen), con películas como Toy Story 2, Bichos, Monstruos S.A. o Buscando a Nemo, que ganó el Oscar a la mejor película de animación en marzo de este año y Dreamworks, con grandes éxitos de taquilla como Shrek y Shrek 2, que se ha convertido en la cinta animada más taquillera de la historia.\nMientras tanto otros estudio han iniciado su carrera por los dibujos animados: Fox, La edad del hielo y sus secuelas, Columbia, con Final Fantasy, Paramount, Jimmy Neutron y Warner, The Polar Express, de Robert Zemeckis.\nEn España, la empresa gallega Dygra Films, hizo su primera película El bosque animado, largometraje basado en la novela de Wenceslao Fernández Flores.\nDreamworks. DreamWorks Pictures (SKG)\nSKG, por las iniciales de sus promotores, Dreamworks. DreamWorks Pictures, traducido al español como “La Fábrica de los Sueños”, es un estudio cinematográfico fundado en 1994 por Steven Spielberg, David Geffen y Jeffrey Katzenberg. El sueño de Spielberg fracasó y vendió su empresa a Paramount, que ha realizado numerosas películas de ficción, algunas de ellas de un gran éxito, como Gladiator, Salvar al soldado Ryan y American Beauty.\nEn octubre de 2008 DreamWorks acordó el fin de su vinculación con Paramount Pictures y volvió a establecerse como empresa independiente con el apoyo financiero de un grupo indio, RBE, continuando con sus películas de animación.\nAntz (1998), El príncipe de Egipto, Chicken Run: Evasion en la Granja, Joseph: King of Dreams y La ruta hacia El Dorado (The Road to El Dorado) en el 2000. Shrek (2001), Spirit: Stallion of the Cimarron (2002), Simbad: Legend of the Seven Seas (2003), Shrek 2, Ghost in the Shell 2: Innocence, El espanta tiburones en 2004, Madagascar y Wallace y Gromit: La maldición de las verduras en 2005, Vecinos invasores, Ratonpolis en 2006, Shrek III y Bee Movie en 2007, Madagascar 2: Escape de África y Kung Fu Panda en 2008, Monstruos vs. Aliens y Crood Awakening en 2009 y están en proyecto para estrenar en 2010 How to Train Your Dragon, Shrek Goes Fourth, y para 2011 Kung Fu Panda 2: Pandamonium, Puss in Boots: The Story of an Ogre Killer, Madagascar 3 y para 2013, Shrek 5\nPixar Animation Studios es una compañía de animación por computadora especializada en 3D, ubicada en California. Ha ganado 7 premios Óscar de la Academia por sus cortometrajes, largometrajes y logros técnicos.\nTras Toy Story, 1995, la primera película comercial totalmente realizada por computadora en 3D, ha alcanzado por su propio sistema de renderización (RenderMan), una alta calidad. Fue dirigida por John Lasseter antiguo trabajador de Walt Disney, y recibió, además de otros Óscar, un Oscar honorífico especial por ser la primera película animada por computadora de la historia.\nCon Monsters, Inc.(considerada por muchos el mejor film de Pixar hasta la fecha) transformó en imágenes la perfección. En 2004 Pixar y los estudios Disney rompieron relaciones que restituyeron en 2006 cuando la Disney compró Pixar, haciendo a Pixar un subsidiaria completamente de Disney.\nLos largometrajes que ha realizado: 1995, Toy Story, 1998, Bichos (A Bug's Life), 1999, Toy Story 2, 2001, Monsters, Inc., 2003, Buscando a Nemo (Finding Nemo), 2004, Los Increíbles (The Incredibles), 2006, Cars, 2007, Ratatouille, 2008, WALL·E, 2009, Up. Es de destacar For The Birds (2000), Óscar al mejor corto de animación.\nAunque la animación para televisión la ocupa prácticamente la japonesa, anime, hay que desatacar dos productos occidentales que han ocupado una gran parte del mercado.\nLos Simpson, realizados por Gracie Films para Twentieth Century Fox y Fox Network, cuyo creador es Matt Groening, que comenzaron como un breve espacio de 2' en el programa televisivo "The Tracey Ullman Show" en 1987. Se consolidó como serie autónoma en diciembre de 1989 aunque las transmisiones regulares no empezaron hasta enero de 1990. Es una imagen irreverente da la familia norteamericana, muy peculiar. A partir de ella se hace una crítica de toda la cultura occidental y sus valores.\nSouth Park es una serie distribuida por Warner Bros, y transmitida por Comedy Central desde el año 1997 en Estados Unidos. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que viven en el pequeño pueblo llamado South Park, Colorado. Es una crítica de muchos aspectos de la cultura estadounidense y de sus firmes creencias, con un lenguaje desenfadado.\nSheila M. Sofian define el documental de animación como “toda película animada que parte de materiales de no ficción”.\nLos historiadores sitúan el origen del documental animado en 1918, año en que el pionero Winsor McCay realizó El hundimiento del Lusitania, The sinking of Lusitania, recreación del episodio ocurrido en 1915, que recrea el ataque de un submarino alemán a un lujoso crucero Británico con 2000 pasajeros, que marcó la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y del que no se habían registrado imágenes documentales.\nSiguiendo esta tradición en la animación y coincidiendo con el éxito de Nanook el esquimal, Nanook of the North, de Flaherty, considerado el primer documental de la historia, los hermanos Fleischers (Max, Dave, Joe, y Lou), inventores, animadores y hábiles comerciantes que rivalizaban con el poderoso Disney, produjeron el primer largometraje de animación, el cual fue precisamente de no ficción: Einstein´s Theory of Relativity, en 1923.\nEn el terreno de la animación experimental, John y Faith Hubley realizaron diversos cortos entre 1959 y 1973 que partían de la grabación de las voces de sus hijos. Wallace y Gromit, ha dedicado buena parte de su filmografía a encontrar una expresión animada para esas derivas del habla cotidiana que no suelen encontrarse en los estudios de doblaje: en sus series de cortos Animated conversations (BBC, 1978) y Conversation pieces (Channel 4, 1982), las voces grabadas de taquilleras de cine, pensionistas y presos inspiraban una sucesión de registros animados.\nAlgunos ejemplos cercanos en el tiempo son Late Edition (Peter Lord y David Sproxton, 1983) sobre un hombre que trabaja en la última edición de una revista y que utiliza grabaciones de gente y locaciones reales como bases. Grave of the fireflies (Isao Takahata, 1988) basada en la novela del japonés Akiyuki Nosaka y que narra, su experiencia infantil en los bombardeos de la segunda guerra, basado en hechos reales y personales. El corto Abductees (1995), de Paul Vester, que recreaba testimonios de supuestos abducidos por extraterrestres.\nOtros documentales animados son Waking life (2001), de Richard Linklater, con sus diálogos filosóficos, o la autobiográfica Persépolis (2007), de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.\nVals con Bashir, 2008, de Goldman, recupera en clave autobiográfica, la matanza sucedida en los campos de refugiados palestinos de Sabra y Chatila durante la guerra del Líbano. Chicago 10, de Brett Morgen, sobre el juicio a los Siete de Chicago, es un punto de inflexión en la historia de la contracultura americana.\nEn Truth has fallen (Sheila Sofian, 2009), se combina animación e imagen real, para denunciar los casos de personas que han sido erróneamente encarcelados, mediante los recuerdos de esos falsos culpables, en clave de pesadilla.\nNuevas técnicas mixtas en el cine de animación\nDisney, Pixar y DreamWorks, se encargaron de hacer realidad las mismas fantasías de siempre para las nuevas generaciones, aunque con distintas técnicas; todavía se precisaba de la mano del animador, aunque los computadoras desplazaron muchas veces a los lápices. Hubo intentos de recuperar el viejo encanto como Tiana y el sapo (2009), que no dieron los resultados de taquilla deseados. Los dibujos parecía que terminaban para dar paso al computadora.\nSin embargo, llega a finales de 2012 Rompe Ralph, última película de los estudios Disney, que puede ser el comienzo de una nueva era para la animación. El filme es tan digital como sus predecesoras (está producido en CGI o animación por computadora e inspirado en un mundo tan sintético como el de los videojuegos), pero representa la simbiosis más perfecta que haya conocido la industria entre las dos y las tres dimensiones. Una comunión que no solo se da en el largometraje, sino también en el cortometraje Paperman, que acompaña al estreno. Ambos mundos, aparentemente antagónicos, se dan al fin la mano en un nuevo estilo en el que el personaje creado por computadora se beneficia de esa sutileza que solo la línea creada a mano es capaz de dar a la animación.\nLos creadores de Rompe Ralphanto provienen del campo de la animación informática, pero se han unido a otros, como Mark Henn y Eric Goldberg, enamorados del trazo del lápiz, que han creado un híbrido con lo mejor de los dos mundos, en una película que mantiene vivo ese trazo, esa armonía y agilidad, pero dándole el volumen de la animación por computadora. Con ello, puede ser que se esté creando una nueva técnica.\nEn 2014, DreamWorks, eterno rival de Pixar, proyecta su propio producto híbrido, Me and my shadow, en donde se mezclará animación tradicional y por computadora. La idea es animar de forma tradicional las sombras de unos personajes creados por computadora en una historia donde el mundo de las sombras se rebela contra el de los humanos.\nPosted in: cine animado,disney,dreamworks,hanna-barbera,manga,pixar,puppertoons,UPA


El lunes arrancan las clases presenciales en 56 escuelas rur\nEl lunes arrancan las clases presenciales en 56 escuelas rurales de Santa Fe\nLa ministra de Educación de Santa Fe, Adriana Cantero, anunció que el próximo lunes comenzarán las clases presenciales en 56 escuelas situadas en 33 localidades.\n2020-10-17 07:59:42 2020-10-17 07:59:42 Redacción La Rioja POST\nClases presenciales en 56 escuelas rurales\n"El lunes unos 275 agentes de la educación, entre docentes y no docentes, deberán concurrir a sus respectivas escuelas y el martes lo harán unos 800 alumnos", anunció hoy la titular de la cartera educativa provincial.\nDe acuerdo con lo previsto, en las localidades más pequeñas, el retorno a las aulas en las escuelas rurales será para los cinco días de la semana, en tanto en aquellos lugares con mayor número de matrícula, la presencialidad se dará dos veces por semana.\nLa decisión comunicada en rueda de prensa por la funcionaria, llegó tras una reunión virtual que mantuvo esta mañana con el ministro de Educación Nacional, Nicolás Trotta, y con el gobernador santafesino, Omar Perotti.\nTrotta sobre el regreso a las clases presenciales: âNo es la misma escuela que en marzoâ https://t.co/Mn941ZdESU\n— infobae (@infobae) October 11, 2020\nSobre la modalidad de reapertura de clases, Cantero indicó "que la presencialidad será de dos veces por semana, y para aquellas con matrícula pequeña la misma será plena, es decir los cinco días de la semana".\nLa decisión del gobierno de Santa Fe recayó en el ámbito educativo rural, marco en el cual fueron seleccionadas escuelas de comunidades pequeñas, donde no hay circulación viral y donde los maestros y maestras, y el personal no docente residen en el lugar.\n381 nuevas muertes y 16.546 nuevos casos de COVID-19 hoy\n2020-10-16 21:40:23 2020-10-16 21:40:23 Redacción La Rioja POST\n2020-10-16 19:18:11 2020-10-16 19:18:11 Redacción La Rioja POST\nNació un tapir en el Ecoparque porteño\n2020-10-16 18:32:50 2020-10-16 18:32:50 Redacción La Rioja POST\nAdolescentes: el sector que más sufre en la Argentina según Unicef\n2020-10-16 08:31:50 2020-10-16 08:31:50 Redacción La Rioja POST\nHoy: 17.096 nuevos casos de Coronavirus\n2020-10-15 20:51:52 2020-10-15 20:51:52 Redacción La Rioja POST\nPresos homenajearon a Quino con ilustraciones y escritos\n2020-10-15 19:40:56 2020-10-15 19:40:56 Redacción La Rioja POST\nSe reinició un incendio en Córdoba que había sido apagado por la lluvia\n2020-10-15 19:00:34 2020-10-15 19:00:34 Redacción La Rioja POST\nLlovió en Córdoba después de cinco meses y se extinguieron los focos de incendios serranos\n2020-10-15 08:38:06 2020-10-15 08:38:06 Redacción La Rioja POST\nIndependiente, Atlético Tucumán y Unión vieron acción en la Copa Sudamericana\n2020-10-30 08:23:32 2020-10-30 08:23:32 Redacción La Rioja POST\nLa chocotorta ha sido seleccionada como el mejor postre del mundo\n2020-10-30 08:59:43 2020-10-30 08:59:43 Redacción La Rioja POST


VintOS nos permitirá instalar el CromeOs en cualquier PC – InsurgentePress\nHome Principal VintOS nos permitirá instalar el CromeOs en cualquier PC\nVintOS nos permitirá instalar el CromeOs en cualquier PC\nAJEM septiembre 6, 2016\n238 5 min read\nTeraGames / InsurgentePress, Ciudad de México.- Chrome OS es el sistema operativo de sobremesa de Google, que diseñado para ordenadores portátiles nos permite unificar la experiencia del navegador Chrome con las aplicaciones de Android. Ha sido bendecido por el propio Linus Torvalds, pero sigue teniendo un defecto que lastra su crecimiento: no puede ser instalado en cualquier ordenador, y hace falta comprarse un Chromebook.\nDiferentes alternativas basadas en Chromium OS, el proyecto de código abierto desde el que Google desarrolla Chrome OS, han intentado hacer versiones del sistema operativo más fáciles de instalar, pero con un éxito que no ha terminado de ser total. Ahora, de las cenizas de uno de estos proyectos ha nacido VintOS, que será compatible y fácilmente instalable en casi todos los ordenadores.\nPero no nos emocionemos todavía, porque aunque las pretensiones de este nuevo proyecto nos hacen soñar con un Chrome OS para todos, de momento únicamente se le ha anunciado su desarrollo a Softpedia. Aún no tienen web, ninguna ISO para probar, y pueden pasar algunas semanas hasta que veamos una primera versión beta, por lo que todas sus promesas quedan de momento en el aire.\nVintOS está siendo desarrollado por Dylan Callahan, responsable deChromium OS for SBC, un fork destinado para los ordenadores de una única placa que ha sido discontinuado por falta de interés por parte de la comunidad. Le debe su nombre a Vinton Cerf, uno de los fundadores de Internet, y su propuesta es la de llevar Chromium OS a todos los ordenadores.\nEn la actualidad, la mayoría de proyectos nacidos de este sistema de código abierto suelen ser difíciles de instalar. Para solucionarlo en VintOS están diseñando un revolucionario instalador a la altura del de cualquier otro sistema operativo convencional, y que permitirá poder instalarlo sin necesidad de tutoriales ni de conocimientos avanzados.\nTambién prometen acabar con los problemas de compatibilidad con el hardware, ya que será compatible con procesadores Intel y AMD, gráficas Nvidia y arquitecturas de 32 o 64 bits. Además, como Chrome OS, nos permitirá identificarnos con nuestras cuentas Google, incluso si lo hacemos en un país en el que Google no de soporte.\nPor último, VintOS tiene intención de ser un sistema operativo totalmente gratuito y dirigido al ámbito educacional, ya que será mantenido y patrocinado por varios estudiantes de universidades estadounidenses. En cuanto a las primeras ISOs, el equipo de desarrolladores espera tenerlas listas en las próximas semanas.\nComo podemos ver, este nuevo fork de Chromium OS ha nacido con la promesa de llevar una experiencia similar a la de Chrome OS a cualquier ordenador que lo quiera instalar.Pero las promesas no siempre se cumplen, por lo que sólo nos queda esperar a que lancen sus primeras betas para probarlo y ver si de verdad puede ser un nuevo sistema Linux a tener en cuenta.\nPrevious article Facebook quiere imitar a Twitter\nNext article Reportan daños menores de infraestructura tras paso de Newton en BCS\nComentarios desactivados en VintOS nos permitirá instalar el CromeOs en cualquier PC


Deberán transparentar elección de Perla Gómez en CDHDF – Tlalpan.info\nDeberán transparentar elección de Perla Gómez en CDHDF\nEl proceso que llevó a Perla Gómez Gallardo a la presidencia de la Comisión de Derechos Humanos del Distrito Federal (CDHDF) deberá ser transparentado en 10 días.\nEl Juez Décimo del Distrito en Materia Administrativa del Distrito Federal requirió a la Asamblea Legislativa del Distrito Federal (ALDF) y a la Comisión de Derechos Humanos de la misma, que preside la diputada Dinorah Pizano, a entregar el expediente del proceso de elección que se llevó a cabo en octubre pasado.\n10 días tiene la ALDF para entregar el expediente del proceso\nEsto como parte del recurso de amparo que interpuso el doctor Manuel Fuentes Muñiz, consejero actual de la CDHDF y ex aspirante a Ombudsman en el mismo periodo que Gómez Gallardo.\nEl proceso de elección que estuvo marcado por inconsistencias y fue reservado por tres años, deberá ser investigado, así lo ordenó el Sexto Tribunal Colegiado en Materia Administrativa.\nEl principal argumento del amparo fue la opacidad en la elección por parte de la ALDF, debido a que se ocultó “intencionalmente” a la opinión pública los criterios de evaluación, la opinión de organizaciones sociales y de los mismos aspirantes.\nPerla Gómez Gallardo tomó protesta como nueva titular de la CDHDF el 6 de noviembre del año pasado y durante sus primeros tres meses al frente se pagaron más de 10 millones de pesos.\nMás info: http://www.excelsior.com.mx/comunidad/2014/07/15/970997\nJuzgado pide a la ALDF expediente sobre ombudsman:\nArchivo de Autor\tjulio 15, 2014\t#Tlalpan\nCDHDF, elección de Perla Gómez


Jornada especial de actualización para graduados - Entérate - Portal UNIMINUTO\nCon el objetivo de brindar herramientas que permitan a los graduados mejorar sus competencias para el ejercicio profesional, el área de Graduados de Centro Progresa, organizó realizó 3 Jornadas de Actualización simultáneas, en las que, adicionalmente, los asistentes pudieron participar de los procesos de autoevaluación con miras a la Acreditación en Alta Calidad de cada uno de los programas.\nLos temas abordados por expertos en cada uno de los campos fueron “Estándares mínimos de SGSST: resolución 0312 de 2019”, con una charla dictada por Edgar Humberto Ríos Rave, consultor en Seguridad y Salud en el trabajo. “Finanzas Corporativas”, en la voz de Maria Isabel Sierra González, ingeniera financiera de la Universidad de Medellín, especialista en Educación Superior de la Universidad De Pinar Del Río – Cuba, magister en Dirección y Administración de Empresas de la Universidad Internacional De La Rioja. Y finalmente “Gestión del conocimiento de la innovación empresarial”, con una conferencia brindada por José Eucario Parra Castrillo, ingeniero de sistemas de la Universidad de Antioquia, licenciado en Matemáticas, y magister en Software Libre de la Universidad Oberta de Catalunya.\nDe acuerdo con Natalia Arboleda Martínez, coordinadora de Graduados de Centro Progresa, el beneficio de este tipo de actividades “es lograr el acercamiento con los graduados en los diferentes espacios de la institución y a la vez ofrecer actualización académica corta y de forma gratuita”.


Masaje Descontracturante y Terapéutico Barcelona - Manos Mágicas Masajes\nmasaje descontracturante terapéutico barcelona\nLa manipulación de tejidos blandos es una técnica universal de fácil aplicación y disponibilidad que tiene finalidad terapéutica, higiénica o deportiva. El masaje es indispensable en la fisioterapia ya sea para preparar o finalizar una terapia, eliminar o atenuar el dolor y por ende, mejorar la calidad de vida del paciente. Además de sus grandiosos beneficios, el masaje permite que el paciente establezca un clima de confianza hacia su fisioterapeuta, ayudando a realizar un tratamiento eficiente en un ambiente relajado. Existen muchos tipos de masajes que utilizan diversas maniobras, cada una posee características que las distinguen en cuanto a su técnica, indicaciones, contraindicaciones y efectos fisiológicos.\n¿en qué consiste el masaje descontracturante terapéutico?\nEl masaje descontracturante terapéutico consiste en una serie de movimientos ejecutados por las manos de la terapeuta sobre la superficie corporal del paciente. En otras palabras, es la manipulación de tejidos blandos que tiene como finalidad principal aliviar molestias en distintas partes del cuerpo, provocadas por diversos factores como traumatismos, malas posturas, estrés, entre otros. La palabra masaje puede derivarse de cualquier vocablo: del árabe MASS que significa tocar con suavidad, frotar suavemente; del griego MASSEIN que significa amasar, frotar o friccionar; del hebreo MASHECH su significado es palpar, tantear; y del francés MASSER cuyo significado es amasar, sobar, masar, dar masaje. Se darán cuenta que en todos los vocablos no difieren mucho sus significados, ya que desde tiempos remotos, se asoció a propiedades curativas “mágicas” por medio de maniobras manuales aplicadas por una persona (terapeuta) sobre el afectado (paciente). Es de fácil aplicación pero hay que tener conocimiento profundo de los tipos, objetivos de cada uno y formas de aplicación.\nbeneficios del MASAJE DESCONTRACTURANTE TERAPÉUTICO


El arquero balcarceño Nahuel Manganelli firmó contrato con Gimnasia La Plata – MinutoBalcarce.com.ar\nEl deportista estampó su firma y se convirtió en jugador profesional del elenco tripero. El contrato lo vinculará al club hasta diciembre de 2024.\n7 abril, 2021, 08:10\nNahuel Manganelli, arquero balcarceño, firmó este último lunes contrato con Gimnasia y Esgrima La Plata, equipo que milita en la primera división del fútbol argentino.\nEl deportista estampó su firma y se convirtió así en jugador profesional del elenco tripero por al menos tres años y medio, ya que la fecha de finalización del contrato está pautada para diciembre de 2024.\nCabe destacar que para principios de 2020, el cuerpo técnico encabezado por Diego Armando Maradona decidió que subiera a Primera para realizar su primera pretemporada con el plantel superior y dejó una buena impresión.\nEn Reserva ya debutó y fue el 2 de agosto del 2019, cuando fue titular en Abasto en la caída por 2-0 ante San Lorenzo. En total jugó 6 encuentros, y recibió 10 goles. Además, fue suplente 8 veces.\nConfirman 29 nuevos contagios y 20 altas médicas


Chloë Sevigny combina un llamativo gorro de Chanel con la cazadora vintage perfecta (y sabemos dónde la ha comprado) | Vanity Fair\nChloë Sevigny combina un llamativo gorro de Chanel con la cazadora vintage perfecta (y sabemos dónde la ha comprado)\nLa actriz es experta en encontrar auténticos tesoros en tiendas de segunda mano. Su estilo es único e intransferible.\nChloë Sevigny es una de las celebridades con más estilo del mundo. Parte de culpa lo tiene su particularísima estética que pasa por combinar prendas de alta moda con otras rescatadas de cualquier tienda o mercadillo vintage. Por eso, por este mix no apto para todos los públicos, puede presumir de tener un estilo único, personal e intransferible. Cualquiera que haya visitado alguna tienda vintage sabe que no es nada fácil dar con esa prenda o accesorio especial, que de verdad merece la pena y que, además, sienta bien. Por eso, el mérito de Sevigny es doble. Un usuario de Twitter ha compartido el último look de la actriz y nos ha dejado boquiabiertos.\nSe trata de un look de diario que no tendría mayor historia de no ser por el original gorro que lleva y por la silueta oversize de la chaqueta de cuero. El gorro es uno de estilo aviador con la doble C mítica de Chanel en ambas orejas. Un diseño inspirado en los gorros clásicos de los pilotos de avión en color beige.\nLa actriz lo combina con unos pantalones rectos de talle alto en azulón y con una cazadora de cuero que hará las delicias de las apasionadas de la década de los 80 y sus excesos. Se trata de una pieza vintage de Vivienne Westwood que Sevigny adquirió en una tienda vintage de París llamada Moji Farhat Roxarman.\nEl nombre de la tienda responde al de su fundador, que únicamente atiende en su local de París bajo cita previa. Para las que no tengan pensando viajar a París, Roxarman también vende sus productos vía online a través de la plataforma Vestiaire Collective.\nEsta sería una de las tantas tiendas vintage que Chloë Sevigny visitaría alrededor del mundo y que conforman una de las colecciones de ropa antigua más envidiada del mundo.


Analía Wolf soberana de la Semana de la Cerveza – Ciudad\nmarzo 14, 2016 /0 Comentarios/en Semana de la Cerveza /por admin\nCon un espectacular marco de público y un excepcional colorido, se llevó a cabo la elección de la Reina de la quincuagésima primera edición de la Semana de la Cerveza, que en esta oportunidad será reconocida como la Embajadora de Paysandú, durante la más importante celebración de nuestro Departamento.\nLa plaza Constitución se vistió de gala y fue el escenario del primer gran evento de la Semana de la Cerveza del presente año, recibiendo a cientos de sanduceros que desde varias horas antes se dieron cita en el centro de nuestra ciudad, reservando su lugar para una espectacular velada. Analía Furtado y Jorge Armentano presentaron a las postulantes, que desfilaron con vestimenta casual y luego con elegantes vestidos de noche para deleitar al público presente y permitir al jurado tomar la que sin dudas fue una difícil decisión.\nAntes de que se diera a conocer el fallo, “La Imbailable Orquesta”, divirtió a todos los presentes con su pegadizo y alegre ritmo.\nFinalmente, luego de la deliberación del jurado, Analía Wolf fue electa Embajadora de la Semana de la Cerveza, Valeria De Benedetti como Vice Embajadora y Flor María Soria fue elegida por las demás postulantes como Miss Compañera.\nLos siguientes son los vídeos realizados por cada una de las ganadoras, en los que presentan alguno de los muchos atractivos turísticos de Paysandú:\nValeria De Benedetti\nFlor María Soria\nEtiquetas: Belleza, Elección, Paysandú, Postulantes, Reinas, Semana de la Cerveza\nadmin http://ciudad.com.uy/wp-content/uploads/2018/03/logo-ciudad-300x88.png admin2016-03-14 01:49:252016-03-14 01:49:25Analía Wolf soberana de la Semana de la Cerveza


Confesiones de Baco: Feliz Dia de los Santos Inocentes\nPublicado por Baco en 12/27/2005 11:59:00 p. m.\nMe gusto el destape, muacks, susurros de complicidad\njeje, ¡y yo soy un hombre!\n¿De todos modos, no tenemos lo dos lados, el yin y el yang?\nTe quiero, querido Baco.\nSoy Nannkko. (Nannkko@hotmail.com)\n(No quería registrarme como blogger)\nDecir "lo sabía" no dice nada útil.\nQuizás sí que lo sea decirte, que me encanta leerte.\nAlgunos (todos) necesitamos creer en el calor. En el calor que emanan personas como tú. Que nos hace creer en los sueños y en la belleza de las historias que nos cuentas.\nY que me encanta la ternura y el cariño con el q nos tratas a tus visitas.\nPor ser una buena anfitriona, por tu confesión y por darnos a cada uno lo que parecemos necesitar sin pedírtelo,\nes hermoso lo que escribís...\ny es un montón un año para un secreto. te felicito...\nHasta no ver no creer, pon foto, por que por este medio ya no se sabe, asi que si te vas a destapar, tirar la toalla y desnudarte todita dejate ver tal y como eres que tus fans lo agradeceran\nOhhhh! qué alegría!\nAprovecho y me destapo yo también: soy lesbianísima.\nEnhorabuena por su breve escrito. Gracias por la sonrisa de la mañana.\nBesos, miles de besos...entre amigas. Jajaja!\n¡¡¡ FELIZ DÍA DE LOS INOCENTES A TODOS!!!!\nOs cuento la mejor inocentada que conozco: tal día como hoy, hace 40 años, se conocieron mis padres.\nvaya dia llevamos... pero hombre Baco, digo mujer, digo... emmm. me da igual lo que seas te seguiré mandando besitos humedos.\nBueno, siempre puedes hacer como Elena Francis, que a pesar de ser un tío de pelo en pecho hizo creer a media España que era una maruja sensual... Esto de jugar con la ambigüedad sexual no está nada mal, de hecho. Apuesto a que si te hicieras pasar por una rubia de metro ochenta tu índice de visitas diarias se resentiría positivamente. Qué le vamos a hacer, somos así...\nQue malvado..pero sí ha surgido cierta sonrisa en la comisura del labio..Tenía morbo la idea de habernos ocultado algo que todos teníamos preestablecido...\nUn besito muy grande y travieso..\nVuelvo pues a la tradicional heterosexualidad...por si acaso.\nBesos para todos, y por favor, ELLOS que sigan haciéndose ver...esto parece un harén y empieza a molestarme compartir...qué tal "repartir", qué tal algún día gritar aquello de "ORGANIZACIÓN"??\nBesos, siempre besos. Y más escritos, escriba, escriba, señor Baco, que nos gusta, nos gusta, nos gusta....\nsiempre digo que me encanta leerte, entonces... bueno sos hombre entonces. acá en argentina ayer también fue el día de los inocentes... y hoy mientras comía, pensaba "no hice ninguna broma"...\nla hiciste vos...\nte felicito igual...\nbesos de noticias\nLo dije antes y lo vuelvo a decir, me gusto... y ojo vivo en Canada, el dia de los inocentes aqui es el primero de abril.\nBaco, siguen mis susurros de complicidad, ha sido rico ver el proceso de la broma\n¡Excelente! No me había enterada del Dia de los Santos Inocentes. En Francia, las bromas se hacen el primero de abril.\nUn french kiss, querido ;)\nOjos verdes no sabia que estabas en Canada. Un placer contar una lectora alli.\nY me alegra que te gustará la broma.\nCristal a ti te descubro en Francia, y yo pensando que eras sudamericana, no sé porque motivo.\nPero bueno, lo importante, a ti no pude engañarte eh? Me gusto eso de "y yo soy un hombre"\nnannkko lo dicho, no hace falta que sea mujer para que comentes en el blog. Si en otro momento te apetece, sera todo un placer leerte.\nGracias por lo que dices sobre el blog.\nLuisina a ti te ubico por primera vez en argentina, un placer que lo seas.\nY si que hubiera sido un montón de tiempo para esconder mi sexo de haber sido verdad. Tu caiste de lleno pero me encanta la sonrisa que has mostrado al descubrirlo.\nCalibre Mexicano un hombre desconfiado, eso esta bien, te valio para esta broma, pero dejame darte un consejo. Confia más!!!\nVale mucho más la pena ser engañado a veces que desconfiar de todo.\nIgual que a nannkko, espero verte más por aqui.\nSolo Ana asi que lesbiana? o hetero? decidase que quiero saber si lo nuestro tiene futuro...\nPor si acaso besos lesbicos\nGlauka a ti se te escapo la verdad!!!! pero bueno, a alguno pillamos con la broma no?\nBridgetmanson eso, que tus besitos humedos nunca falten, que hacen mucho bien.\nBesos humedos de vuelta.\nJordi cuantos habrá asi, verdad? pero bueno, esto de internet es asi. Y creo, por como ha ido este post, que tienes razón en cuanto a lo de las visitas. Bueno, tambien esto lo tiene internet.\nUn abrazo y espero encontrarte por aqui más veces.\nInma si se te dibujo una sonrisa en la comisura de los labios, valio la pena, mucho.\njajaja,menos mal que lo he leído ahora y no el día en cuestión,pero no creo que hubiese "picado",jeje...Besitos!\nElisabeta tampoco yo creo que hubieses caido.\nMe conoces demasiado bien... o no :P\nY si lo descubro hasta ahora, el 4 de enero?????, jejejjejeje\naca en mexico tambien es día de los inocentes el 28, es día de pedir prestado y no pagar, de hacer bromitas, no muy feas...cosas leves.\nen fín, aqui sigo, leyendote, amigo, con mis loqueras, como siempre y como nunca, como hombre y como mujer, como la misma gota que es una gata, ni ams ni menos...\nGota de tinta una lástima que lo leyeras tarde, no pude engañarte...


Inicio Local Nacional Internacional Economía Ciencia y Tecnología Cultura Deportes Opiniones Está aquí: Inicio\tInternacional\tMuere en París el pensador Tzvetan Todorov a los 77 años\nEl pensador Tzvetan Todorov ha fallecido este martes en París a los 77 años, "víctima de complicaciones derivadas de una enfermedad neurodegenerativa", según un comunicado difundido por su familia. Filósofo, lingüista, semiólogo y teórico de la literatura, Todorov habrá sido uno de los observadores más lúcidos del desorden de las sociedades contemporáneas. Humanista de aliento crítico, dedicó su obra a estudiar la alteridad, la barbarie, los límites de la libertad individual y el espíritu de insumisión ante circunstancias adversas. Nacido en 1939 en Sofía, pero formado en la ebullición intelectual del París de los sesenta, el filósofo obtuvo la nacionalidad francesa en 1973, tras escapar de la Bulgaria comunista, de la que guardó un recuerdo traumático.\nPublicado: 03-02-2017\tJoaquín Flores\tCochabamba, 3 de febrero (EL DIA).-La vice primera ministra de Suecia, Isabella Lövin, ha respondido al presidente de Estados Unidos. Y lo ha hecho con una fotografía donde aparece rodeada de siete mujeres del gabinete del país nórdico. Esta imagen imita a una de las primeras difundidas por la Casa Blanca sobre Donald Trump, en la que se le veía firmando una orden acompañado solo por hombres.\nLas protestas contra políticas de inmigración siguen a Trump hasta su mansión\nPublicado: 06-02-2017\tJoaquín Flores\tLa Paz, 6 de febrero (ANF).- Las protestas por las políticas del presidente Donald Trump contra la inmigración no bajan el pistón y este sábado miles de ciudadanos (3.000 según la policía local) salieron a la calle en West Palm Beach (Florida) para recorrer la ciudad hasta las puertas de Mar-a-Lago, la mansión del mandatario. Trump pasa su primer fin de semana fuera de Washigton desde que ocupa la Casa Blanca.\nEsposa de Lula está con muerte cerebral, familia autoriza donación de sus órganos\nPublicado: 02-02-2017\tJoaquín Flores\tLa Paz, 2 de febrero (ANF).- Los médicos de Marisa Letícia Rocco, esposa del expresidente de Brasil Lula da Silva, la declararon en estado de muerte cerebral. Tras confirmar que su situación es irreversible, la familia autorizó la donación de sus órganos.\nUn juez estadounidense bloquea el veto migratorio de Trump a países musulmanes\nPublicado: 04-02-2017\tJoaquín Flores\tLa Paz, 4 de enero (ANF).-El juez federal de Seattle, en el estado de Washington, James Robart, bloqueó este viernes la orden del presidente Donald Trump que impide el ingreso de ciudadanos de siete países musulmanes.\nPublicado: 01-02-2017\tJoaquín Flores\tCochabamba, 1 de febrero (Los Tiempos).-Alrededor de 2.300 religiosos y religiosas cuelgan los hábitos cada año, fenómeno calificado por el papa como "lenta hemorragia" y cuyos últimos datos se conocen en vísperas de la vigilia de la Jornada de la Vida Consagrada que celebra la Iglesia católica.\nPágina 5 de 11\tInicioAnterior12345678910SiguienteFinal\tLo más leído Internacional