Feten 2014 by Artez Artes Escén...\nat Social Sound\nAndamos tan sobrexcitados\nque parecemos niños con\no hace falta nada más que\nmoverse a una feria o a una\nconcentración de ilusiones y\nesperanzas para darse cuenta\nde que existe una sobrexcitación sobre\nlo que es, o puede ser, el programa del\nINAEM denominado Platea. Los que han\nsido premiados, encantados; los que han\nvisto como su propuesta se ha quedado a\nmedio camino, desalentados; las compañías señaladas por la varita, conjugando\nsu docena de actuaciones a confirmar;\nlos teatros elegidos, recomponiendo sus\nprogramaciones para beneficiarse del\nPorque la verdad es que una acción de\nestas características anunciada de manera sorpresiva, a la que se le otorgaron\nun millón cuatrocientos mil euros, posteriormente elevados a un millón ochocientos mil, que ahora mismo\ntrabaje sobre una partida no presupuestada de seis millones, suena\na maná. A capricho de los dioses. A un gesto, una actitud de condescendencia. Los más optimistas hablan de una inyección de dinero en\nla profesión. Los más pesimistas ven en todo esto un pan para hoy,\nhambre para mañana y pasado mañana. Un parche, una manera de\nlavarse la cara ante tanta agresión.\nNo vamos a adelantar acontecimientos, vamos a ver cómo se\ndesarrolla, ya sabemos las conclusiones positivas y entusiastas que\ndesde el INAEM y FAETEDA sacarán, pero después tendremos que\nver la verdad, lo que ha sucedido, no la propaganda, y el precedente que crea. No quiero pensar en el año próximo cuando el\ngestor vaya al político a pedirle dinero para programar su teatro y\nel político le diga, como el año pasado, lo que nos ponga Plantea. Y\neso pasará. Y nadie puede asegurar hoy que el año próximo habrá\nacción similar, aunque se esté ya en pleno celo electoral. Ese es el\npeligro que algunos vemos, pero como me espetó Jesús Cimarro:\n“como siempre te equivocas”. Será eso.\nLa vida teatral sigue, nuestra vida\neditorial se mantiene con las constantes\nvitales sin asistencia mecánica y viendo\nnúmero a número cómo evoluciona la enfermedad crónica. Las iniciativas de información sistematizada sobre las Artes\nEscénicas se mantienen con mucho esfuerzo personal de quienes las realizan.\nParece que tienen más probabilidades de\nsubsistir los proyectos que se sustentan\nen una idea, incluso una idealización, de\nlas Artes Escénicas, de un servicio público a la comunidad teatral y por extensión\na los públicos, que las que se basan simplemente en una relación mercantil. Pero\nno hay nada escrito sobre estos asuntos.\nLos blogs, las experiencias unipersonaCádiz en el corazón ©Oliver Bable\nles crecen, pero no tenemos muy claro si\ninfluyen, si tienen un uso más allá de un círculo cerrado de amigos\ne iniciados. Aquí estamos y no nos da la gana quejarnos. Hemos\ncambiado algunos objetivos y algunas maneras operativas, pero seguimos con el mismo espíritu.\nUno encuentra compañías nuevas, gente más joven que llega\ncon ilusiones al mercado. Hay una renovación nominal, porque artísticamente, no acabamos de dar pasos significativos. Se trabaja\nen unos niveles de estandarización que no auguran una auténtica\ninterrelación con la sociedad, o al menos con los jóvenes. Hay un\nestancamiento en la edad de los públicos que normalmente asisten\na las programaciones y parece evidente que eso tiene que ver con\nlo que se programa en los escenarios. Es una situación delicada,\npero hay que abrirse a lo que viene o debería venir, hay que intentar\nincorporar nuevos públicos, interesar a unas capas de la sociedad\nque no tienen la costumbre de ir al teatro. De no producirse esta\nrenovación, se va a sufrir mucho. Se puede producir una especie de\nNúmero: 196 - año 18 · Marzo / Abril 2014 | Depósito Legal: SS-1154/97\nEdita: Artez Blai | Aretxaga 8 bajo, 48003 Bilbao | Tlf. 944795287 | email: artez@artezblai.com\nPortada | Foto del espectáculo Waiting for Godot de Samuel Beckett ©Joan Marcus\n4 - 5\t6\t7\t44\t45\t46 - 47\t48\t49\t50\t51\t52\t53\tEditorial\n10 - 11\tCádiz en mi corazón de Abel González por Albanta\n12 - 13\tCuarteto del alba de Carlos Gil por Laurentzi Producciones\n14\tPankreas de Patxo Telleria por Tartean Teatroa\n16\tEgun berri bat de Galder Pérez por Eidabe\n17\tDemonios de Marianella Moreno por Las Julietas\n18\tMiscelánea de estrenos\n20 - 22\t24 - 25\t26 - 27\t28\t30\t32\t34\tXXXVII Jornadas de Teatro de Eibar\nXXXI Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería\nXIV Festival de las Artes de Costa Rica\nXIII Festival Alternativo das Artes Escénicas de Vigo\nXXIV Festival de Narración Oral Cuenta con Agüimes\nXVIII Fera de las Artes Escénicas de Castilla-La\nMiscelánea de festivales\nY superando la coyuntura actual, intentando que pase pronto el\nvirus de la internacionalización como cebo al que acudimos los pececitos embobados, se deben aprovechar las circunstancias para\nrevisar todo nuestro sistema general. No sé si llamarle una ley,\nun reglamento, un documento, un acto constituyente de un nuevo\nmarco de relaciones entre instituciones, enseñanza, productores,\nartistas y públicos, pero es necesario tener un documento donde\nquede expresado de manera consensuada, tras análisis auténticos,\nprofundos y con la mirada un poco más allá de la docena de bolitos\nde hoy, sino de la persistencia de unas estructuras que garanticen\nla producción y la exhibición de las Artes Escénicas, pero que se\nhaga con criterios de servicio público, que se involucre al ciudadano\ndesde su nacimiento, que tenga continuidad y no sea un asunto\nesporádico, con saltos, oportunista y fijado todo en un mercado\nque se forma a partir de intereses económicos y de caprichos personales, la mayoría de las veces inocuos.\nSí, pienso en una regulación que determine de quién es la competencia de las salas, de sus contenidos, de las compañías, de sus\nprogramas. Que se sepa las ayudas hacia dónde se deben dirigir.\nApoyar sin aspavientos el teatro de base, las escuelas regladas\ny las que proporcionan los primeros contactos serios de muchos\nciudadanos con AA.EE. Introducir en el curriculum escolar el teatro\ny la danza como algo fundamental. Hacer un estatuto de compañías\nresidentes; de usos de salas y teatros, y de obligatoriedad de existencia de las mismas según la población de cada municipio. Todo\nlo que ahora no se hace. Todo lo que se cree que se arregla con\ndinero. Y no, estamos mal porque no había nada en que apoyarse\nante las tormentas. Los teatros municipales no tiene reglamentación, es una competencia impropia, nada obliga a tener un teatro\ny mucho menso a programarlo.\nHay reglamentación en Europa como para hacerse una docena\nde tesis. Hay que abrir debates sectoriales de verdad, fuera de la\ninmediatez, fuera del liderazgo económico, cortoplacista y megalómano. Con los sindicatos, con las agrupaciones por gremios, como\naquel plan que se hizo no hace tanto, pero un poco más en serio,\ncon una voluntad de toda al comunidad teatral por acudir a los representantes políticos a exigir un compromiso para llevarlo a buen\ntérmino. Pasan los años, las décadas y seguimos con un edifico que\nse construyó con cierta premura en la primera legislatura socialista\nde principios de los ochenta del siglo pasado. Revisarla es obligatorio. No hay más soluciones. No existe otra posibilidad.\nY mientras tanto que no pare la producción, que se reclame la\ncesión de los espacios públicos no utilizados para proyectos “culturales” no solamente mercantiles. Que las escuelas regladas espabilen, se enteren sus claustros de por dónde van las tendencias en\nlos escenarios de Europa y América. Que las unidades de producción dejen de ser un club de amigos. Que se apoyen la salas pequeñas, que a los festivales no se les recorte más y que se busquen\ncircuitos realmente operativos, aprovechando mejor los recursos\neconómicos existentes. Se debe solucionar lo de hoy mientras se\nvan plateando los retos de pasado mañana. El Teatro es un bien\ncultural de toda la sociedad. Decíamos ayer...\nCatálogo dFERIA 2014\n35 - 40\tProgramaciones varias\n42\tAntonio José Da Silva (O Judeu)\n54 - 55\tEscaparate\n56 - 65\tCrónicas de: Nueva York, FETEN, MADferia, Festival\nSantiago a Mil y Festival de Artes Cielos del Infinito\nÚltimas o penúltimas\ngeneraciones: Miró y Miró\nace tiempo que algunos aficionados al teatro, fuera de la\nprofesión, me preguntan a menudo “¿Cómo escriben los\njóvenes?” La respuesta es difícil. Primero porque “joven” es\nun término impreciso y sobre todo porque, afortunadamente existe la\ndiversidad. Hagamos un poco de historia que no suele venir mal. La\ngeneración realista de Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre, vivió y\nescribió durante el franquismo, luego, entre los jóvenes de entonces,\nhubo aquello que en España, Alberto Miralles llamó “la generación\nmás premiada y menos representada”. Y llegó la democracia, y se\nacuñó una primera generación que desde hoy podríamos decir que en\nEspaña lidera Mayorga y en Catalunya, se forjó a partir de Sergi Belbel\ny Lluïsa Cunillé, en los años 90 del pasado siglo. Pero podemos hablar\nya de las dos últimas generaciones, de grupos de autores que van\napareciendo. Hoy, escribir teatro no es más fácil que antes, pero estrenarlo sí lo es. Y ahí Belbel tuvo un papel importante que todos hemos\nseñalado y elogiado repetidamente. Desde el TNC creó el proyecto T-6\nque cada año ofrecía la posibilidad a cuatro o cinco autores de escribir\ny estrenar una obra en el TNC y con la colaboración y participación\ndel equipo del teatro. También la Beckett, que dirigía Toni Casares,\nimplicado también en el T-6, fue criadero de autores, sobre todo en la\nPero los más jóvenes, los que nacieron en los años 70 del pasado\nsiglo, no sólo tuvieron el T-6 como posibilidad. Hace poco parecía producirse una especie de relevo con la aparición de la Sala Flyhard que\nhasta ahora ha sido un vivero de autores. ¿Cómo surgió la Flyhard y\nqué rumbo tomará ahora que Jordi Casanovas ha abandonado el proyecto que él fundó? No debemos hacer hipótesis aunque lo deseable\npara mí fuera que siguiera siendo aliento de autores poco conocidos\nAunque ni Pau Miró ni Josep María Miró –dos autores estrella de\nla última hornada– han estrenado nunca en la minisala del off-offBarcelona. Pau Miró se inició en la desaparecida Sala Malic con “Plou\na Barcelona”, obra que vimos en el Festival de Sitges y que nos mostraba a una prostituta interesada en Dante que buscaba clientes en\nlos museos, a un proxeneta que come hamburguesas y bombones y\nun cliente que cada noche desea que muera su mujer. Era algo así\ncomo la unión de la alta cultura con los signos de la ciudad oculta.\nTuvo gran éxito su trilogía animal “Búfals”(2008), “Lleons” y “Girafes”\n(2009) que aborda desde distintos vínculos familiares, los desequilibrios, la agresividad y la soledad que genera el crecimiento en las\ngrandes ciudades. Su último gran estreno, en el Lliure, en 2012, fue\n“Els jugadors” una obra que acaba de recibir en Italia el importante\nPremio UBU a la mejor novedad extranjera, la historia de un retablo\nde perdedores, de cuatro seres sumidos en la cobardía, una realidad\nfiltrada a través de un humor brillante que muestra el fracaso como\nregla habitual, la imposibilidad del éxito personal, el riesgo de querer\nalcanzarlo. Y Pau Miró es un excelente autor, un gran dramaturgo, que\npasará a esa historia extraña que es la historia de nuestro teatro.\nPero mi meditación obedecía sobre todo a Josep Maria Miró que\nacaba de estrenar en el TNC. Conocí a Josep Maria Miró en Ciutadella,\ncuando ganaba su primer premio Born con “La dona que perdia tots\nels avions” La protagonista es una mujer que hace informes para empresas turísticas, que lleva dos maletas, una con su equipaje, otra con\nobjetos personales de una casa abandonada. Años más tarde, “Gang\nBang” sería parte del proyecto T6 del TNC. Su acción transcurre en un\nlocal de sexo masculino en Barcelona, desbordado de clientes por la\ncoincidencia con la visita del Papa en la Sagrada Familia. En el local,\nque se llama “La llum” confluyen desde el cliente más antiguo del\nlocal, un político de izquierdas, a un joven que cumple 18 años y que\nofrece su cuerpo a todo el mundo para que lo posea una catequista\ndrogada, un ex franquista octogenario y un padre en busca de su hijo.\nSe estrenó en el TNC dos días antes de la visita del Papa a Barcelona,\npero pese a la osadía y el temor al escándalo, las cosas no salieron\nEl teatro de Josep Maria Miró es más complejo que lo que revela en\nuna primera lectura. Hay una tendencia pinteriana, que se manifiesta\nabiertamente en obras como “Una història explicada del revés o no”\n(1996) que parte de la estructura narrativa de “Traició” de Pinter.\nSon dos mujeres que hacen un viaje sin retorno y que se traicionan a\nsí mismas y a sus creencias, todo con el paralelismo de un transfondo\nhistórico que engloba la entrada de España en la OTAN, la caída del\nmuro de Berlín, el fracaso internacional en el conflicto yugoslavo, la\nBacelona olímpica o el ascenso político de la derecha española. Como\nindica su título es un Pinter “al revés”.\nEn la obra que ahora se representa en el TNC, Fum, dos parejas\n–una joven y otra no tanto– coinciden en el hotel de un país extranjero en el que ha habido un estallido de violencia. Durante tres días\nse verán obligados a estar recluidos allí ya que se han extremado las\nmedidas de seguridad en la zona. Alex y Eva acaban de llegar al país,\nilusionados. Jaime y Laura hace años que viven allí confortablemente\ny ahora se les ha recomendado que se alojen en un lugar seguro\ny que cojan el primer avión hacia su país cuando vuelva a abrirse\nel aeropuerto. Es un encuentro que pone de manifiesto la fragilidad\ndel equilibrio de cuatro existencias abocadas a una espiral de mentiras y traiciones. Al final, el conflicto del exterior parece una simple\nanécdota que pesa sobre cuatro identidades obligadas a redefinirse\ndurante tres días y dos noches, sin que ninguno de ellos sepa hacia\ndonde va la revolución externa ni tampoco la que se produce en su\ninterior. Son once instantáneas, momentos inacabados. Tendremos\nque decidir sobre la realidad o la irrealidad. Todo podría ser un sueño\naunque allí enfrente, delante de sus ojos, un hombre se haya abierto\nLa obra es un viaje emocional que nos induce a pensar en una\npersonalidad de Josep Maria Miró que no permite asimilarlo a otros\nautores de su momento. Sus obras parecen viajes emocionales de intensidad poética pero también ideológica, que aproximan su escritura\nal mundo en que vivimos. Xavier Albertí le ha abierto las puertas del\nTNC. El futuro nos dirá pero parece que los dos Miró son luces que\naunque con muy distinto fulgor, iluminan el firmamento de nuestras\nMontar a Valle en nuestro tiempo\ne voy a aprovechar de estar aquí, tan calentito, en la\ncaverna para atreverme a hacer una trastada que, como\ncrítico, jamás me podría permitir en un espacio de Opinión\n“comme-il-faut” como lo es el de artezblai.com donde suelo escribir\nmis reseñas. Allí, como en cualquier espacio de crítica seria, el primer\nmandamiento viene a decir: “el crítico tiene que criticar lo que ve sobre\nel escenario y nada más”. No cabe inventarse otra interpretación del\ntexto de la obra diferente de la que proporciona el autor ni una puesta\nen escena distinta a la que el director montó sobre las tablas ni otra\nforma de representar los actores: ¡eso es lo que hay! Y eso, te guste o\nno, es sobre lo que tienes que opinar y dar tu parecer final. Otra cosa\nsería engañar al lector contándole una función imaginaria. Sin embargo,\naquí abajo, en la cueva en que vivo refugiado dado lo irrespirable del\nambiente exterior, las cosas van por otro camino totalmente expurgado\nde códigos y reglas; y así como en la superficie los únicos que funcionan por libre son el mercado y la corrupción, aquí se promueve la búsqueda, lo alternativo y la discrepancia. Por ello, a la hora de fantasear\nsobre este Montenegro que el director del CDN, Ernesto Caballero, ha\nversionado y dirigido a partir de las “comedias bárbaras” de ValleInclán, no nos vamos a detener más de lo necesario en lo que fue dicho\ndel montaje para poder entrar más a fondo en lo que podría haber sido\nde no estar limitado por los códigos y las convenciones que aún abruman a nuestro “gran” teatro.\nSegundo montaje de la trilogía completa tras la aclamada puesta en\nescena de José Carlos Plaza en el María Guerrero en mayo de 1991, en\nversión de Vicente Molina Foix y con José Luis Pellicena, Berta Riaza,\nJosé Pedro Carrión, Amparo Pascual y Toni Cantó como principales intérpretes, estas Comedias Bárbaras se presentan de nuevo al público, con\nhonores de estreno y pálpito de acontecimiento, en un teatro nacional.\nNo hay nada que objetar: una nueva generación de espectadores ha\ntenido la oportunidad de contemplarlas y quedar fascinada por el genio\nde don Ramón. Colgado el cartel de “no hay entradas” y en medio de\nuna gran expectación, la función ha terminado convirtiéndose, como en\nla anterior ocasión, en un gran éxito mediático: misión cumplida. En el\nterreno artístico, por contra, hay sus más y sus menos: aún reconociendo el mérito de su director al enfrentarse a tan arduo montaje, la crítica\noficial ha sembrado de piedras su camino: que si el decorado, que si el\nvestuario, que si la música, que si comenzar por el final de la trilogía no\nse entiende muy bien, que si la segunda parte es repetitiva… Todo ello\nexpresado con mucha educación y finura –no vaya a molestarse el CDN,\ndel que tanto depende – pero también con mucha mala baba. Puede que\nlos actores de esta versión no sean tan famosos como lo eran los de la\nprimera en su tiempo, pero Ramón Barea y Janfri Topera dicen bien sus\npapeles, Yolanda Ulloa es una excelente doña María y Mona Martínez encarna con competencia a La Roja. Y luego hay mucha juventud y ganas de\nhacer (Rebeca Matellán, David Boceta, Ester Bellver, Pepa Zaragoza…).\nAsí que me encontré con lo que me esperaba: una “gran producción” del\nteatro institucional fundamentada en lo animoso del elenco, el empeño\ndel director, la imprescindible aportación de los profesionales de las artes escénicas y un elevado presupuesto. Ni nada menos ni nada más.\nPero, ¿es suficiente para montar a Valle hoy en día el seguir puntualmente el texto, que los actores lo digan alto y claro y que entre la tramoya a su debido tiempo hasta llegar sin tropezón alguno hasta el final?\n¿O desarrollar la puesta en escena respetando la estructura original y\nlas acotaciones al pie de la letra de manera que la representación se\nconvierta en una ristra de dioramas que se suceden uno detrás de otro\nsin solución de continuidad? En definitiva, ¿cómo superar la herencia de\nun autor tan justamente venerado?; y si su obra nos parece insuperable, ¿cómo dar un paso más allá sin caer en la herejía o el ridículo?; por\nno plantear una cuestión no nimia, ¿por qué habría que hacerlo y para\nqué: retocaríamos acaso Las Meninas para ponerlas al gusto de hoy? A\nesta última pregunta, que es la más fácil de responder, cabe argumentar\nque no estamos hablando de una pieza de arte inalterable sino de un\nespectáculo teatral y como tal, sujeto a su confrontación permanente\ncon una audiencia que no sólo evoluciona con el paso del tiempo sino\nque, además, forma parte intrínseca de la función. Así, el público de\nla primera década del pasado siglo rechazó las pocas representaciones que se dieron de algunas piezas sueltas de las Comedias Bárbaras\n(incluso, para darle salida, alguna se publicó como novela) mientras\nque el actual se prosterna ante ellas. Los originales son, sin duda, los\nmismos, pero mucha historia de nuestro teatro ha tenido que transcurrir\ndurante estos cien años para que se produjera un cambio tan radical\nen la reacción del respetable. No es la obra de Valle-Inclán la que varía\nsino la percepción que público y artistas tienen de ella. Si permaneciera\ninmutable, sería pura arqueología.\nMás complicado es responder a las preguntas sobre lo que hay que\nhacer para montar las Comedias Bárbaras en nuestro tiempo. Pero si\nnos fijamos bien en su proceso de composición, tal vez sea el mismo don Ramón quien pueda proporcionar algunas pistas. Romántico\ny modernista como fue, el teatro que se hace en su época, esto es el\ndrama realista o burgués, le repugna, de modo que tiene que crear un\nmodelo propio de “comedia” que le permita trasladar a las tablas tales\ncuales las historias que le bullen en la mente. Para ello cuenta con dos\nherramientas: el diálogo, con el que lleva a cabo diabluras en el terreno\netnográfico y dialectal; y las acotaciones, que son las encargadas de\ncrear una atmósfera, hasta entonces ausente en nuestra dramaturgia\nnacional, que termina por impregnar toda la trilogía y darle ese sello arcaico y patriarcal (“bárbaro”) que la caracteriza. Pero la pregunta sigue\nahí: ¿qué hacer hoy con las Comedias Bárbaras? No hay ninguna receta\nmagistral sino acercarse a ellas, estudiarlas a fondo, penetrarlas, abrirlas en canal y destriparlas, y una vez así “deconstruídas”, volverlas a\nmontar y “recrearlas” desde cero sobre la escena. Basta sacar la cabeza al exterior para ver cómo se hacen las cosas en Europa y presenciar\nmontajes como el del Fausto que presentó Nicolas Stemann el año pasado en Aviñón: una función de siete horas y media de duración que no\nsolo resumía las dos partes (la segunda prácticamente desconocida)\nsino que sacaba a la luz lo mejor y lo más actual del texto de Goethe. Y\nes que obras tan importantes no requieren tan solo un buen director de\nescena sino un gran creador que tome el riesgo de demoler lo antiguo\npara que surja lo presente.\nAlbanta estrena Cádiz en mi corazón\nJugar entre los pliegues de una\nvida y los recovecos del alma\nEl autor cubano Abel González Melo presenta con los gaditanos de\nAlbanta una metáfora poética llena de matices y posibilidades escénicas\na compañía Albanta Teatro está a punto de escribir\nun nuevo renglón en su ya\ndilatada trayectoria con el\nestreno de un nuevo montaje que\nverá la luz el 28 y 29 de marzo en\nla Sala Central Lechera de Cádiz. Se\ntrata de Cádiz en mi corazón, una\npropuesta escrita por Abel González\nMelo –dramaturgo cubano residente\nen Madrid-, dirigida por Pepe Bablé\ny protagonizada por Charo Sabio,\nSusana Rosado, Carmen Reiné y Jay\nGarcía. En ella parten de un punto\nconcreto como es su Cádiz para enviarnos, tal y como reza el subtítulo\nde la obra, una serie de postales de\nSe trata nada más y nada menos\nque “jugar para divertirnos entre\nlos pliegues de una vida y en los\nrecovecos del alma y del recuerdo” –son\npalabras del director del montaje– de\nDolores, una mujer que ha cumplido los\ncuarenta años y se encuentra aún viviendo con su madre junto a la confitería que\nha sido por décadas el negocio familiar.\nSoñadora y poco práctica –al menos así\nla ve su amiga Conchi–, pero atrapada en\nuna vida monótona, Dolores se asfixia en\nla isla de su corazón. Hasta que cierto día\ndespierta con el presentimiento de que debe escapar y emprende, al decir\nde González Melo, “un viaje\nimposible hacia lugares que\nnunca conoció y empieza a\nhacerse preguntas, más que\na encontrar respuestas”.\ndescosidos del corazón por\namores imposibles, insatisfacciones profesionales y\ntraumas autoinfligidos, por\namistad sin reclamos, por las\nbajezas del amor reprimido, y\ndel filial confiado y bienintencionado... son trazas de esa\nrealidad que van asomando\nentre las líneas de estas pos©Rafael Sabio\ntales que, sin embargo, en\nclave de sonrisa y en un espacio cálido y acogedor, nos enfrentan tal y\ncomo apunta el director, “con los fantasmas\nde la ensoñación compartida, a la desdicha\ndel desánimo y a la última oportunidad que\na todo el mundo le pertenece”.\nHablamos con Pepe Bablé, director de Cádiz en mi corazón:\ncreación de la obra? ¿Existía\nel texto antes de la intención\nde montarlo, o ha sido escrito\nexpresamente para este montaje? En cualquiera de los dos\ncasos, ¿cuáles han sido las\nCon la vuelta de Albanta en\n2004, después de once años\nde ausencia del panorama\nteatral, nos propusimos estre10\nnar textos inéditos de autores\ncontemporáneos con la idea\nde desarrollar espectáculos\nde nueva creación, y apostando por la palabra como eje\nde nuestro discurso escénico. Desde entonces andamos\nconstantemente detrás de\nautores con los que compartamos una visión común sobre\ndeterminados aspectos dramáticos, éticos y estéticos para\nque nos den materiales. Para\nesta obra, partimos de la confianza y amistad que nos une\ncon Abel, del que conocíamos\nsu trayectoria, y con la ayuda\nde Eberto García Abreu, amigo\ncomún, planteamos la posibilidad de que nos escribiera una\nobra casi por encargo. Después de nuestros dos últimos\nespectáculos donde redundó\nel drama, nos apetecía abor-\ndar un texto que, sin obviar\naspectos dramáticos, tuviera\nfrescura y desenfado, y que a\nla vez contuviera profundidad\nen planteamientos de problemas actuales. Con estas premisas le dimos rienda suelta a\nAbel para que su imaginación y\ntalento desarrollara lo que quisiera. Y nos cayó este bendito\nregalo que, tomando a Cádiz\ncomo punto geográfico y como\nmetáfora poética, nos ofrece un texto universal lleno de\nmatices y posibilidades escénicas. Hubo un primer borrador\ndonde se apuntaban las intenciones, y después de un breve pero profundo proceso de\ntrabajo con los actores, Abel\nterminó de escribir el texto que\n¿Cómo describiríais la obra?\n¿Es la peripecia vital de quien\ndecide agarrar su vida por los\ncuernos? También parece que\nhay una reflexión sobre el pasado, de cara a encaminar un\nSí, es todo eso y además tener la oportunidad de poder\nasistir desde un lugar privilegiado al momento íntimo de\nreflexión personal de un ser\ncomplejo; un paseo por la vida\nde una persona que se plantea en un determinado instante, qué ha sido y cómo habría\npodido ser su vida si hubiese\nobrado de manera distinta.\nLa obra describe ese minuto\npor el que hemos pasado todos en algún momento. Por\nsupuesto que este personaje\ntiene una casuística personal\ny determinada, pero lo interesante es lo que plantea en su\nforma y estilo. Es fácil observar como sus planteamientos\nestán contaminados por los\ncondicionantes de su educación y de sus anhelos más\nprofundos insatisfechos, pero\ntambién cómo sus equivocaciones son también producto\nEn ese sentido, ¿planteáis una\nopción vitalista, optimista?\nBueno, eso lo dejamos a la\nlectura que cada espectador\nhaga de nuestra propuesta. El texto está ahí; así que\ncada uno puede interpretarlo\nde la manera que desee. Es\nun espejo que puede reflejar\nlo que realmente somos o lo\nque nos hubiera gustado ser.\nVenís de un montaje que sucedía en un no-lugar para\nafrontar un nuevo reto con una\nubicación determinada y determinante. ¿Qué sensaciones os\nprovoca este hecho?\nCierto que nuestros montajes\nsiempre parten de ese nolugar, o de ese lugar de donde\nes todo o en donde en realidad\ntiene cabida todo lo que queremos proyectar (en definitiva\nno es otra cosa sino pretender que las obras fluyan en\ncircunstancia más allá de que\nexistan condicionantes técnicos –espacio ideal– o no para\nhacerlas). Por eso en nuestras\npropuestas primamos la palabra y la intención sobre todo\nlo demás; esa es la base de\nnuestro trabajo. También este\ntexto nos ha provocado a trabajar desde ese no lugar. Las\ncaracterísticas de su lenguaje,\nel tiempo verbal empleado en\nsus diálogos y el lugar real\ndonde transcurre la obra (en\nla imaginación del personaje)\nnos traslada de nuevo a ese\nno-espacio. Así que las sensaciones son las que nos ofrece\nla oportunidad de poder jugar\nen el mismo lugar del que nunca nos hemos movido.\nTodo ello condiciona el espacio, la iluminación,... ¿Qué\natmósferas y texturas estáis\nLo que queremos conseguir es\nque la atmósfera sea el contrapunto a lo que provoca y\npropone el texto. Son matices\na partir de las texturas propias\nde la poética que nos sugiere.\nComo se trata de una peripecia\nonírica por la geografía humana y sentimental de una persona, todo lo que le acompañe:\nespacio, sonido y luz, tiene que\nestar a la altura poética de los\nmomentos que describe.\nLaurentzi Producciones estrena Cuarteto del alba\nUn canto a la vida y la libertad\nUna nueva productora vasca, Laurentzi Producciones, se aventura con\nla obra de un dramaturgo novel de larga trayectoria teatral\nras una primera muestra en\nde Almagro dFeria acogerá\nel 12 de marzo en el Teatro Principal de Donostia el ansiado estreno\nde la obra teatral escrita por Carlos Gil Zamora Cuarteto del alba\na cargo de la compañía Laurentzi\nLander Iglesias está al frente de\nla dirección de esta obra teatral que\ncuenta con un elenco de artistas de\namplio recorrido profesional elegido con una máxima fundamental:\nla presencia de dos generaciones\nen escena, Maiken Beitia, Alberto\nIglesias, Ricardo Moya y Valery Tellechea son los cuatro entes escénicos del Cuarteto del alba. Personas\ncon las que el director ha trabajado\na lo largo de su andadura profesional y que desea que le acompañen\nen este viaje lleno de ilusión. Todos\nellos han formado parte de múltiples proyectos de teatro, televisión\ny cine, con amplia experiencia en\ntodos los medios, se sumergen de\nnuevo en el teatro en un trabajo\nque Iglesias cree que les servirá en cierto\nmodo para reconciliarse con este oficio.\nNo solamente ellos hacen posible el Cuarteto del alba si no que además completan el\nequipo artístico Mariluz Díaz como ayudante\nde producción y diseñadora de vestuario, la\nartista Sara Panigua a cargo de la coreografía y el espacio audiovisual, Iñigo Ibaibarriaga resolviendo el espacio sonoro y por\núltimo destacar también el diseño de iluminación y audiovisual que han sido ideados\npor Iñaki García y Bruno Ventola.\nEsta producción se ha vislumbrado gracias al nacimiento de una nueva compañía\nvasca con sede en Bilbao que lleva el nombre de Laurentzi Producciones. En estos\ntiempos de crisis la compañía formada por\ncuestiona al espectador y le empuja a la búsqueda de repuestas y la\nposibilidad de superación. El autor\napuesta por una dramaturgia difícil con multitud de posibilidades y\nrelata diferentes situaciones, sensaciones, realidades, vivencias de\nuna generación pasada protagonista de los años 70-80 que habla\ndesde el futuro y recuerda el presente. Abarca el dolor causado por\nla pérdida del amor, del desarraigo,\nlas drogas, la insatisfacción pero\nnunca desde un punto de vista pesimista. En ocasiones aparecen intervenciones de denuncia descritas\nde manera inteligible donde se persigue la superación y la búsqueda\nde la libertad. Es un texto poético\nque propone un viaje cargado de\nimágenes imborrables en la memoria de un país.\nEste es el primer trabajo de Carlos Gil Zamora como dramaturgo,\nconocido por sus múltiples facetas\nen el mundo del teatro. Volcado en\nlas artes escénicas desde sus comienzos en un principio como actor,\nMariluz Díaz y Lander Iglesias llega con la\ndirector y productor de teatro hoy en día\nvoluntad de hacer un teatro contemporáneo\ndesempeña una labor como crítico teatral,\ncomprometido, “un teatro necesario para\ndirector y editor de esta revista y múltiples\nvivir” en palabras de su promotor. Lander\nlibros de la editorial Artezblai, además de\nIglesias, hombre de teatro por naturaleza\nser fundador de la Librería Yorick de las\nes bailarín, actor y director, lleva más de\nartes escénicas. Su dilatada carrera le ha\ntreinta años en este oficio, destacando en\nofrecido la posibilidad de trabajar en musu faceta de dirección con montajes incurchos medios y de formar parte de muchos\nsos en una marcada tendencia moderna de\nproyectos. Carlos Gil reaparece como autor\nautores vivos, al igual que su dedicación a\nen esta obra teatral para reflejar parte de\nlos montajes de ópera y zarzuela.\nlas situaciones vividas por una generación a\nla que él pertenece.\nLander Iglesias director de este trabajo\ndescribe este texto de Gil Zamora como\nEl Cuarteto del alba es un trabajo que\n“un canto a la vida” un texto escrito para\nhabla de desencanto, de la frustración poser dicho, y afirma que “estamos ante un\nteatro de la memoria donde se esconde lo\nlítica, de la utopía de manera atemporal,\ninnombrable desgraciadamente todavía hoy\nno superado”. Asegura que se embarca en\nesta aventura en este nuevo proyecto teatral porque al conocer el texto reconoce un\nmundo que ha vivido, el desarrollo de una\ngeneración a la que ha pertenecido transportable y necesario para ser vista en el\nCon una escenografía sencilla el espectador visionará un teatro por el que irán\npasando multitud de personajes que describirán en cada pasaje una emoción. Diferentes objetos nos trasladaran a visionar\ndiferentes situaciones, así un columpio, una\ncuerda, una mesa, una lámpara, una pistola, entre el atrezzo nos irán dando pistas\nde hasta donde quieren trasladarnos en\ncada minuto. Una tensión, un viaje de emociones para sentirse protagonista de cada\nEste montaje ha sido ideado como un\njuego actoral, un ejercicio de estilo y abstracción teatral donde los cuatro actores\nson vehículos para incitar a la reflexión, se\ninvolucran como actores y en ocasiones se\ndistancian del papel que protagonizan, una\npuesta en escena diseñada para ir más allá\nde lo formal. Actores y entes al mismo tiempo que describen y relatan, una voz coral\nnos muestra la radiografía de un tiempo\nComo resultado multitud de personajes\ncargados de energía definidos por su simbolismo que ofrecen una poética de imágenes muy potentes sobre el escenario. La\nacción pasa por la asunción real del rol por\nparte de un actor a la vista del público.\nEl montaje juega con un lenguaje escénico moderno, multidisciplinar, es un trabajo\nmuy físico y el proceso creativo y de investigación se ha llevado a cabo en diferentes\netapas y lugares. Antes del resultado final\nel equipo ha mostrado una primera exhibición a modo de pre-estreno gracias al taller\nofrecido en Almagro que supuso el embrión\ndel resultado final. Un pre-estreno que ayuda a medir la energía espacial y actoral que\nse va desarrollando de una manera teatral\nabrasiva y que convierte cualquier rasgo de\ndesencanto en una acción optimista por la\nPor último, en referencia a las características de este trabajo Iglesias cree que\nen escena se vislumbran diferentes guiños\nal teatro del absurdo, a un teatro que en\nocasiones nos puede recordar a Kantor, a\nun “teatro en mayúsculas” como él lo define\npero sin tratar de ser pretencioso, a un teatro de verdad.El proceso creativo ha sido un\ntrabajo en equipo donde los actores se han\nimplicado de manera especial.\nEl resultado final es una apuesta política,\nsocial y teatral, un canto a la emoción que\nllega a Donostia con intención de viajar por\nTartean Teatroa estrena Pankreas\nEl teatro en verso también\npuede ser contemporáneo\nomo una tragicomedia contemporánea en verso presenta\nTar tean Teatroa su nuevo espectáculo, Pankreas que se estrena en\neuskara en el Teatro Arriaga de Bilbao los\ndías 12 y 13 de marzo. Escrita por Patxo Telleria y dirigida por Jokin Oregi, Pankreas es\nel primer texto teatral contemporáneo escrito enteramente en verso y pone sobre las\ntablas a tres conocidos actores de la escena\nvasca, el propio Telleria, Mikel Martinez y\nCon este nuevo trabajo Tartean Teatroa\npropone una insólita renovación del teatro\na partir de una pregunta que le rondaba a\nTelleria desde hace tiempo: “¿por qué no\nse escribe teatro en verso hoy día?” y a la\nque fue dando diversas respuestas hasta\nllegar a una conclusión muy clara: no existe ninguna razón para no hacerlo y de ahí\nsurgió la idea de crear este espectáculo.\nTal y como explica Telleria, entre los motivos por los que no se escribe en verso\nestá la creencia de que “suena a antiguo.\nEs natural que así sea puesto que todo el\nteatro en verso que se pone en escena\npertenece a otro tiempo, es arqueología\nteatral”. Apunta también que otra de las\nafirmaciones que hacen al teatro en verso\npoco atractivo a muchas personas es que\n“es difícil de entender” un argumento razonable si se “leen o escuchan textos teatrales de Tirso, Lope de Vega o Calderón”.\nSegún Telleria ambas razones son fáciles\nde rebatir ya que el “el verso no está en\nabsoluto anticuado. Muchas de las canciones que cantamos y amamos están escritas en verso, un recurso literario que, bien\nusado aporta belleza al lenguaje” a lo que\nañade que “el verso es un valor en alza en\nmuchos entornos culturales” y pone como\nejemplos el bertsolarismo en la cultura euskaldun o el uso del lenguaje rimado en el\nrap, realidades que le llevan a afirmar que\n“lo que está apolillado es el repertorio teatral. Por la sencilla razón de que nadie escribe teatro en verso. Es una pescadilla que\nse muerde la cola”. En lo que a la dificultad\nde comprensión del teatro en verso se refiere Telleria también desmonta esta teoría\ndefendiendo que “no es tanto el verso lo\nque dificulta la comprensión del texto sino el\npropio idioma utilizado en esos versos, de\notra época, con palabras, giros y referencias totalmente en desuso. El acto teatral\nprecisa complicidad con el público, y ésta\nes difícil de conseguir cuando el contexto\nnos resulta desconocido” lo que le lleva a\nvolver a afirmar que es “otra pescadilla que\nse muerde la cola”.\nPero existe una tercera razón esgrimida\ncontra el teatro en verso que se basa en\nque éste “se aleja de la realidad...” Y es\naquí donde el autor de Pankreas titubea...\n“es una verdad irrefutable, nadie va por la\ncalle hablando en verso pero... ¿debe el\nteatro parecerse a la realidad? Indudablemente, debe hablarnos de la realidad, beber de ella, incidir en ella pero ¿parecerse?\nTodo arte es reinterpretación de la vida y\npor lo tanto, es artificio”.\nA partir de esta premisa Telleria explica\nque con el proceso de verosimilitud que ha\nllevado a cabo el hecho teatral durante los\ndos últimos siglos con Chéjov y Stanislavski como punto de inflexión se ha dado ese\nacercamiento a la realidad pero también ha\nsido asumido por el lenguaje audiovisual...\nlo que lleva al teatro a una “difícil papeleta\npor la dificultad de competir en realismo y\nverosimilitud con muchos menos medios”\nafirma el dramaturgo y actor para destacar\nque “lejos de ser un defecto, el distanciamiento formal de la realidad es una virtud\nque fortalece el hecho teatral” y se reafirma defendiendo que “el teatro debe buscar\nsus propios medios expresivos” y lanza la\npregunta siguiente: “¿Por qué no escribir\nen verso, también, teatro contemporáneo,\ncomprensible y estéticamente elaborado?”\nuna pregunta que ya tiene respuesta por\nparte de Tartean Teatroa y no es otra que\nPankreas, una obra que pone sobre el escenario a tres amigos –Telleria, Martinez y\nApaolaza–. Uno de ellos precisa un trasplante de páncreas con urgencia; el otro\nha decidido suicidarse al cumplir los 60\npara evitar una enfermedad hereditaria,\nel Alzheimer y el tercero tiene una idea un\ntanto original, reunir a ambos para buscar\nuna solución práctica: adelantar el suicidio\ndel que ya ha cumplido 59 años para que\ndone su páncreas sano. A partir de aquí los\nacontecimientos se precipitan y “todo lo\nque puede suceder, por extraño que parezaca, acaba tarde o temprano sucediendo,\nes un axioma de la física moderna” afirman\ndesde Tartean Teatroa.\nestreno de los máCbez dirigido Por AndrÉs limA\nl tándem formado por Andrés Lima\ny Juan Cabestany vuelve a los escenarios con Los Mácbez, una\nadaptación de uno de los textos\nmás significativos de William Shakespeare,\n‘Macbeth’. No es casualidad que esta coproducción de Siamesas, Carallada Show,\nMama Floriana y Asuntos Culturales se estrene el 21 de marzo en el Pazo da Cultura\nde Narón para subir al escenario del Teatro\nColon de A Coruña los días 28 y 29 y a del\nTeatro Principal de Ourense el 30 –viajará\ndespués, al Teatro Circo de Murcia el 11\nde abril y desembarcará en Madrid, en el\nTeatro María Guerrero del 30 de abril al 15\nde junio–. Y es que la versión que firma Cabestany traslada la historia a la Galicia de\nhoy aunque “conceptualmente no he pretendido hacer ninguna relectura ni llevarlo\na ningún sitio particular que no estuviera ya\nescrito hace siglos” a lo que el dramaturgo\nañade que “no doy nada por supuesto ni\nme aproximo a este monumento universal\nqueriendo aportarle nada más que hacerlo\nmuy inteligible y tan poderoso como siempre ha sido”. Y es que para esta puesta en\nescena tanto el director, Andrés Lima, como\nel propio Cabestany se han propuesto un\ndoble objetivo “que Los Mácbez suene a\ngente hablando ahora, en prosa pero a la\nvez respetando al máximo la literalidad de\ncada frase original”.\nTraición, tragedia, ambición, muerte...\nrealidades que emana el original de Shakespeare y que absorbe Los Mácbez obra que\ntiene como esencia el poder de la pareja,\nla pareja como elemento fundamental sobre la que se estructura nuestra sociedad,\nla familia. Unas parejas que ambicionan el\npoder, en este caso ser rey, presidente, una\nambición sustentada porque lo han dicho\nunas brujas, unas meigas... la unión del poder y lo sobrenatural. “Es muy interesante\nque la Escocia medieval de Shakespeare encaje tan bien en la Galicia de la actualidad”\nseñala Lima para añadir que han acercado\na Macbeth a la actualidad gallega “para ver\ncon claridad cómo el deseo de poder y la\nsuperstición siguen siendo motores en el\nser humano, cómo la codicia, la violencia y\nla falta de escrúpulos es escocesa, galleta y\nuniversal, cómo hombres y mujeres se corrompen por conseguir el poder y una vez\nen sus manos siguen corrompiéndose para\ntener la seguridad de conservar ese poder,\ny de cómo una vez corrupstos del todo sólo\nque la locura y el miedo”.\nEl señor Mácbez –Javier Gutiérrez– ha\nconseguido un puesto mejor como conselleiro (tal y como adivinaron las meigas) pero la señora Mácbez –Carmen\nMachi– convence a su marido de que no\nes suficiente, él merece llegar más alto. El\ntambién lo desea, sienten que ha llegado\nsu momento, él debe ser presidente de la\nXunta de Galicia, pero tenerlo todo nunca\nserá suficiente... Chema Adeva, Rulo Pardo,\nRebeca Montero, Jesús Barranco y Laura\nGalán completan el elenco.\nPoder y superstición como\nmotores del ser humano\nEidabe estrena Egun berri bat\nCuando alguien falta entre\na compañía vasca Eidabe estrena\nEgun berri bat espectáculo de sala\nen euskara dirigido a niños y niñas\nde 5 años en adelante donde tratan el díficil tema de la muerte. Desde que\nla compañía se creara en 2006 este es\nsu tercer trabajo para sala tras ‘Ipuinez\nipuin’ e ‘Izar eta Zenaida’, propuesta esta\núltima que ya marcó un antes y después\nen la trayectoria de Eidabe, tanto desde el\npunto de vista de contenido como de los\nlenguajes. El estreno se llevará a cabo el\npróximo 16 de marzo en la Casa de Cultura Elexalde de Zaratamo, y en abril se\npodrá ver el día 6 en Sopelana y el 13\nPara la dramaturgia y la dirección de\n‘Egun berri bat’ han contado una vez más\ncon Galder Pérez, quien realmente planteó\nel reto de afrontar este tema a los responsables de Eidabe. En palabras de Pérez el\nproceso de creación ha sido bastante largo\ny todavía continúa documentándose. Señala que la premisa ha sido tratar el tema\nde la muerte como lo que es, sin tabúes ni\neufemismos, aunque sí aportando el toque\nmágico, intentando que la poesía y la imaginación tengan su espacio, teniendo muy\npresente al público al que se dirigen. Por\ntanto, el sentido del relato o cuento está\nmuy presente en la obra. El equipo artístico se completa con Koldo Olabarri, Olatz\nGanboa e Iñaki Maruri, actores con los que\nEidabe trabaja por primera vez y que interpretarán a los dos hermanos y el tío de\nambos. Un modelo de familia muy distinto\na lo que estamos acostumbrados dejando\nlatente esa vertiente de cuento aunque al\nmismo tiempo reivindica otros modelos de\nAdemás de la temática otra de las características a destacar de la propuesta es la importancia de la tecnología dentro de la obra.\nPara ello, tras la experiencia positiva vivida\nen ‘Izar eta Zenaida’, han vuelto a trabajar\nestrechamente con Social Sound. En ‘Egun\nberri bat’ los aportes tecnológicos son más\ncompletos e innovadores. Por un lado hacen\nuso del mapping o proyecciones para adaptar el rayo de luz a cualquier forma tridimensional, y con ésto, el contenido visual. Por\notro lado, hacen uso de la programación generativa, una técnica que cada vez se aplica\nmás en el mundo de las Artes. A través de\nellas los contenidos audiovisuales recobran\nvida y nunca se repiten. En ‘Egun berri bat’\npartirán de esta técnica para crear elementos propios de la naturaleza como el sol, la\nluna, las nubes, las olas etcétera. Asimismo,\ntodo lo que han desarrollado para esta propuesta lo van a incorporar en un programa\ny la ejecución será en tiempo real creando\nentre el actor y el técnico una “particular”\nrelación en cada una de las funciones.\nComo es habitual en la compañía vasca\nla propuesta está concebida para representarse en euskara.\nViolencia, vida y amor\na compañía uruguaya Las Julietas\nestrena el 4 de abril en el Teatro El\nGalpón de Montevideo Demonios un\nespectáculo adaptado y dirigido por\nMarianella Morena a partir del texto de Lars\n“La terapia nos habilitó a hablar, el\nsiglo XX marcó la desinhibición de las\npersonas. El XXl: exponer en todas sus\nfacetas, formas y soportes. Hablemos civilizadamente, pero también como quiero,\ncuando quiero, eso nos dijeron: sacá para\nafuera, que adentro se pudre, lo que pasa\nque al sacarlo pudrimos al otro, el ambiente, el vínculo, por lo tanto el daño nunca\ndesaparece. Ellos aman y no. No es que\namen o no amen, odien o no odien, dicen,\nsacan, se muestran, no se preocupan por\nnada” afirma Morena al explicar las motivaciones que le han llevado a la puesta\nen escena de este montaje. Y es que “uno\npiensa en la violencia y ve invasión al otro.\nLa manipulación y la destrucción son actos\nviolentos. El amor estalla los sentidos y elimina los límites. Dos parejas de vecinos\nintentan relacionarse, no son diferentes,\ndos se exponen más de la cuenta, y nos\nmuestran quienes somos: animales maquillados intentando ser felices. El amor abre,\ndespierta, potencia lo que tenemos y lo\npone en relación con uno y con la vida. No\nhay que apagar nada, hay que convivir con\nel fuego. La iglesia nos ha manipulado, y\nla vida burguesa ha dado el remate final”\npara añadir que “no hay convenciones eróticas después de Freud”.\nEl 6 y 7 de Marzo se muestra\nen el Instituto Grotowski de\nWrocław, Polonia el trabajo\nFlores en las Cunetas escrito, creado e interpretado\npor la actriz vasco-riojana\nMaite Tarazona y co-dirigido junto a Przemysław\nBłaszczak, actor integrante\ndel Teatr Zar, y asistido por\nCécile da Costa en el trabajo físico y Dittte Berkeley en\nel trabajo vocal. Este trabajo ha sido posible gracias al\napoyo del Instituto Grotowski y a las becas de formación\nactoral de la Diputación Foral de Bizkaia durante 20112014. ‘Flores en las Cunetas’ nace de la historia de una\namapola y de la mirada de un viejo a la puerta de un\ncementerio; de la historia de un hombre asesinado en\nuna cuneta durante la Guerra Civil. Es la historia de una\nmemoria perdida, de las pequeñas historias de las personas que nunca se habla; es una historia de mujeres,\nsiempre luchadoras, y siempre, doblemente olvidadas.\nLa historia de una mujer, de todas las mujeres, de todos\nlos hombres, y de una voz que tejiendo, recupera sus\nmemorias. La obra creada en inglés y español incluye\nun texto en polaco y dos canciones en euskara.\nIgnacio Amestoy es el autor de Dionisio Ridruejo.\nUna pasión española que\nse podrá ver en el Teatro\nValle-Inclán del 14 de marzo al 13 de abril en una\ncoproducción del Centro\nDramático Nacional y Pérez\nde la Fuente Producciones.\nRidruejo fue combatiente\nde la División Azul, encabezó el partido Unión Social\nDemócrata Española dentro del franquismo, fue también un desencantado con el régimen dictatorial y un\nreconocido poeta. Pero la acción de esta obra que dirige\nJuan Carlos Pérez de la Fuente tiene lugar tal y como\napunta Amestoy “los días 28 y 29 de junio de 1975 en\nuna residencia militar en la que un coronel del ejército\nespañol, que compartió ideales con Ridruejo se entera\nde que su adomirado conmilitón de entonces acaba de\nmorir. Él hubiera querido, como Ridruejo, abandonar\nla singladura franquista. No ha sido capaz. Y Ridruejo\nha muerte antes que Franco, sin llegar a la “tierra prometida” de la democracia”. A lo que el autor añade que\nesta pieza “discurre por dos vías: la del ritual y la del\nteatro documento”. La tragedia del coronel y las palabras de Ridruejo como documento de su equivocación.\nBolaño en el Tantarantana\nEste año se cumplen diez\naños de la muerte del escritor Roberto Bolaño y treinta\nde la publicación de Consejos de un discípulo de\nMorrison a un fanático\nde Joyce y del debut literario de Bolaño junto a A.G.\nPorta motivos más que importantes para llevar a escena la adaptación teatral dirigida por Félix Pons que\nse podrá ver del 13 al 30 de marzo en el Tantarantana\nTeatre de Barelona. Esta producción de Arsenic Art\nStudio está interpretada por Nao Albet y Claudia Benito y como en la novela, ofrece un gran fresco de la\nBarcelona de principios de los 80, de la juventud de\naquella época, que emerge de la larga noche del franquismo, fuertemente politizada, rabiosa y violenta. Los\nautores mezclan cultura pop-rock (Jim Morrison) y alta\ncultura (James Joyce) y narran la historia de los delincuentes ficticios, Ángel y Ana, que corre en paralelo a\nla historia de los delincuentes y crímenes reales de la\népoca. Su lectura hoy adquiere nuevas resonancias y\nvuelve a cuestionar conceptos como: juventud, futuro,\npaís, bienestar, violencia, crimen...\nLa Compañía Alicia Soto\n- Hojarasca estrena Cartografía del cuerpo en un\nuna propuesta en la que la\narquitectura se convierte en\ninspiración para la semiótica del cuerpo. El primer ciclo de estas cartografías del\ncuerpo serán experiencias\ncon el público de Valladolid y se divide en dos ciclos\ndiferenciados. El primero denominado ‘Arquitectura escénica: Estudio 1, Nocturno’ tendrá lugar los días 14 y\n15 de marzo en el Teatro Calderón y la segunda, ‘Arquitectura de un paisaje urbano: Estudio 2, Silencio’ se\ndesarrollará en el marco del TAC - Festival de Artes de\nCalle de Valladolid el día 24 de mayo, en la Capilla del\nMuseo Nacional de Escultura. La particularidad de esta\nnueva propuesta de Alicia Soto - Hojarasca es que cada\ncartografía “supondrá la creación de una puesta en escena diferente; cada cartografía será única e irrepetible\nconstruyéndose en cada espacio, in situ, lo que supondrá realizar un trabajo previo a las presentaciones en\nun trabajo de residencia artística, investigando, creando, dando forma, como en un cuadro, a cada elemento”\ntal y como apunta la coreógrafa y bailarina.\nXXXVII Jornadas de teatro de eIBar\nLos colores de un arco iris\nteatral que dura cuarenta días\nn arco iris teatral que surca el cielo dando color a algunos de los\nedificios emblemáticos de la villa\nanuncia que este año las Jornadas de Eibar se visten con la colección\nde primavera, derivada de su aparición\ntardía en el calendario ya que están atadas, como siempre, al periodo lectivo\nque comprende entre la celebración\ndel carnaval y las vacaciones de Semana Santa. Y es que no hay que olvidar el origen y la razón de su fuerte\narraigo: el grupo de teatro del Complejo Educativo de la Universidad y\nla asociación Uni Kultur Elkartea,\nque son las organizadoras, ahora\njunto al Ayuntamiento de la villa,\nde estas jornadas con solera. Así\npues, este año se llevará a cabo del\n7 de marzo al 13 de abril una programación de espectáculos que los responsables\npresentan humildemente como “la mejor de\nlas posibles” pero que –si continúas leyendo– encontrarás que en efecto las piezas\nencajan y la combinación resulta muy atractiva. De hecho, en palabras de los organizadores, “no tendría sentido organizar un\nevento cultural como el que nos ocupa si\nno pensásemos que es interesante y necesario para todos aquellos a los que va\ndirigido, de la misma forma en que sin su\ninterés, ni tendría sentido ni sería posible\nSirva para ir abriendo boca este pequeño sumario por los diversos hitos de esta\nedición: Conferencia-coloquio con Albert\nBoadella, nombres sobre el escenario\ncomo los de Asier Etxeandia, La Zaranda,\nMaría Galiana, Juan Echanove, Magüi Mira,\nAna Wagener, Mireia Gabilondo, Iñaki Rikarte, Juan Tamariz, Joaquín Reyes, Sexpeare,\nJosé Vicente Moirón, Ara Malikian, el triunvirato Dejabu-Artedrama-LPTDP... amén de\nlas secciones instauradas de Teatro en el\ncine y la proyección de cortos, la muestra\nde estatuas y, sin olvidarnos de uno de los\nejes centrales de las Jornadas como son las\nrepresentaciones de formaciones universitarias y amateurs.\nLa tradicional conferencia-coloquio en la\nque organizadores y público de las Jornadas rinden homenaje a una personalidad\ndel teatro al tiempo que se acercan a su\nobra y visión del arte escénico –y por la\nque han pasado nombres como Fernando\nArrabal, Juan Echanove o Lola Herrera–\ncontará este año con la presencia de uno\nde los hombres de teatro más destacados\ndel último medio siglo, Albert Boadella,\nquien compartirá con los asistentes sus reflexiones enmarcadas en un Decálogo para\nun teatro libre. Será el día 10 de marzo,\nlunes como es habitual, aunque dado el\ninterés que puede generar su presencia,\nel acto tendrá lugar en el Coliseo Antzokia\npara aprovechar su mayor aforo.\nAsí arrancan –oficialmente, ya que los\ndías 7 y 8 están previstas la celebración\nde la duodécima Muestra de Estatuas Humanas y la propuesta musical para todos\nlos públicos Kapsulak de Markeliñe– estas\nJornadas de Teatro de Eibar y lo hacen\ncon un espectáculo que está generando\nuna expectación inusitada en las\nplazas en las que se anuncia: El intérprete. Esta propuesta muy personal de Asier\nEtxeandia, abrazada por sus compañeros\nTao Gutiérrez, José Luis Huertas y Ana\nSánchez de la Morena, agrupados bajo el\nnombre de Factoría Madre Constriktor, se\npodrá disfrutar el día 12. El intérprete es\nun show, un espectáculo musicoteatral en\nel que recordando su infancia y su pasión\npor cantar –haciéndolo solo mirando cara a\nla pared– propone un viaje musical a través\nde las canciones de intérpretes dramáticos\ny solitarios que forman ya parte de nuestras vidas, tales como Kurt Weill, Chavela\nVargas, David Bowie...\nMúsica y teatro integran los pilares de la\nobra que presenta el 24 de marzo Tanttaka\nbajo el título de Zazpi aldiz elur, en recuerdo a uno de los máximos y más queridos\nrepresentantes de la cultura vasca, Mikel\nLaboa. Su persona y su obra ya había sido\nvisitada por algunos de los que integran el\nelenco de este montaje, como es el caso\nde Mireia Gabilondo e Iñaki Salvador, pero\nahora lo hacen de forma conjunta, como si\nfuera hubiese caído una nevada espectacu-\nlar y les pillase ahí dentro, en torno a una luz cálida e íntima, de\nesas que invitan a reír y cantar.\nDirectamente de su estreno en dFeria llega a Eibar el 19 de\nmarzo Cuarteto del alba de Laurentzi Producciones, de la que\nse da buena cuenta en la sección de estrenos de esta misma\nrevista, cuyos lectores habituales conocerán también la obra de\nLa Zaranda El régimen del pienso, que el día 7 de abril convertirá\nel escenario del Teatro del Complejo Educativo en las oficinas de\nla empresa porcina en la que se han metido ahora los miembros\nde esta compañía a la que los organizadores de las Jornadas de\nEibar han descrito con elegante acierto “pata negra de nuestras\nDestaca también la posibilidad de presenciar la última obra\nde David Mamet, producida a un mismo tiempo en Broadway y\nen Madrid. Su título es La anarquista y en el montaje que nos\npresentan Mirández Producciones y el Teatro Español, está\nprotagonizada por Ana Wagener y Magüi Mira, con dirección de\nJosé Pascual. Prevista su representación para el 23 de marzo,\nla obra nos plantea el encuentro entre dos mujeres. Cathy, una\nSigno de identidad de las Jornadas de Teatro\nde Eibar, el teatro universitario y amateur tendrá su habitual protagonismo en esta edición\nen la que está prevista la participación de dos\nagrupaciones. De una parte, los durangueses\nKarrika presentan el 16 de marzo InunganeSustraiak airean, una pieza muy poética que\nrecrea un lugar imaginado a partir de preguntas que han surgido desde las entrañas, y\nque hace que sus intérpretes se conviertan\nen emigrantes para viajar tanto hacia fuera\ncomo hacia dentro. De otra, el 30 de marzo\nse contará con la presencia del Grupo Arrojoscénico de la Universidad Rey Juan Carlos\nde Madrid, que presentan la obra Queremos\nser los Seseman, una irónica comedia familiar\ncondenada a cadena perpetua por terrorismo que se juega la libertad condicional\nen una entrevista con Ann, una funcionaria\nde prisiones, responsable de decidir si le\nda permiso a la interna para ir a ver a su\npadre enfermo. La obra enfrenta a un personaje encerrado, pero libre mentalmente,\ncon un personaje que vive en libertad, pero\nprisionero mental de sus prejuicios.\nOtro encuentro a dos, éste entre una\nmadre con su\nhijo, es el que\nnos llega de\nLlave MaestraFocus. Nacida\ny María Galianapor coincidir sobre un escenario,\ncon mamá, que se\nrepresentará el 20\nde marzo, parte de\ny que narra el encuentro entre una mujer\nque vive feliz aferrada a sus rutinas, con\nsu hijo, un padre de familia que ve cómo el\ncastillo de naipes que es su elevado nivel\nde vida se desmorona.\nEl lenguaje contemporáneo y la puesta\nen escena de obras de nuestros coetáneos\npresentadas hasta el momento tendrá su\ncontrapunto con la amplia presencia de\nobras, bien del teatro clásico universal, bien\ninspiradas en personajes históricos. Hablamos, por ejemplo, de Giulio Cesare, la obra\ncon la que la compañía italiana 369 Gradi\nclausurará la actual edición de las Jornadas\nel 13 de abril. Basada en la tragedia escrita\npor Shakespere, pero llevada a escena con\nriesgo y originalidad, ‘Giulio Cesare’ pretende llevar un poco de luz a la sombra de una\nhistoria que recoge los momentos cruciales\nde una crisis social, política y humana. En la\noscuridad donde la razón se equivoca con\nel sueño, la imaginación con la realidad, el\npresente con el futuro y el espacio de la\nRoma antigua con la Roma de hoy. Una descripción ésta que, traída a Euskal Herria,\nbien podría servir para presentar el último\ntrabajo de Artedrama-Dejabu-LPTDP (10\nde abril), tras el cual se encuentra también\nla firma del bardo de Stratford-Upon-Avon.\nPorque se han atrevido a hacer un Hamlet,\ny en euskera. Un Hamlet de hoy, un Hamlet\nUn Hamlet propio, aunque en otra línea\nmuy distinta, es el punto de partida de\nSexpearemente, de la compañía madrileña\nSexpeare. Bregados en el humor absurdo,\namigos del disparate, Santiago Molero y\nRulo Pardo llevan dieciocho años haciendo\nteatro juntos, y han querido compartir con\npresentación en torno a los actos del Día\nInternacional de la Mujer, el 17 de marzo\nrecrearán en escena la tragedia escrita por\nJesús Carazo sobre esta mujer que pasó\ncasi medio siglo recluida en Tordesillas.\nTodavía habrá otras oportunidades para\ndisfrutar con trabajos de otros géneros\nque aportan el colorido al que se aludía\nanteriormente como el que presenta el\n14 de marzo Cirque de Légume, formación irlandesa en la que participa el actor\nalavés Pablo Ibarluzea, nos hará reír con\nsu espectáculo homónimo, una explosión\nclownesca donde las verduras son materia prima para la diversión. Destaca\ntambién el regreso a Eibar del músico\nAra Malikian, que ya la pasada edición\nde las Jornadas hizo disfrutar al público\nfamiliar con ‘Mis primeras cuatro estaciones’ y ahora, el 9 de abril, hará lo\npropio acompañado por la Orquesta\nen el tejado, una quincena de músicos,\nentre violines, violas, violonchelos y\ncontrabajos, nos trae un repertorio\ncompuesto tanto de obras clásicas\ncomo de adaptaciones para orquesta\nprovenientes del amplio repertorio de la\nmúsica popular del siglo XX. Y para todos\nlos públicos es también el espectáculo El\nsótano encantado de Teatro Mutis, compañía segoviana y titiritera, que nos ofrecen\nla historia de una niña, Rosaura, a la que le\nfascinan los libros de misterio y fantásticos\ny que al enterarse de un tesoro escondido\nen el sótano se lanza en su búsqueda.\nnosotros –el 1 de abril en Eibar– su propia\nhistoria, desde sus comienzos cabareteros\npasando por su etapa en los grandes teatros hasta llegar al cataclismo actual, realizando una crítica a una sociedad cada día\nmás apartada de su identidad cultural.\nY pese a ser un buen conocedor de la\nobra Shakespeareana y de Hamlet en particular, a la que ha dedicado largas horas de\nestudio y hasta el libro ‘Hamlet y el actor-En\nbusca del personaje’ (Ed. Artezblai, 2011),\nel irlandés Denis Rafter llega a\nEibar el 3 de abril con la compañía Teatro del Noctámbulo\npara la que en su vigésimo\naniversario ha dirigido Áyax\nEn su afán de abrirse a todos los géneros, esta\nde Sófocles. Un Áyax que, sin\nedición contará con la presencia de dos arembargo, comparte mucho\ntistas de calado entre los diferentes públicos,\ncon el príncipe de Dinamarque nos traen magia y monólogos. El primeca, ya que se mueve entre\nro es Juan Tamariz (25 de marzo), quien poca\nlos mundos de la política, la\npresentación precisa: uno de los grandes,\ntraición, la locura, la ira, la\nleyenda viva, que sigue disfrutando y dejánvenganza y sobre todo, la\ndonos boquiabiertos con su Magia Potagia. El\nsegundo, Joaquín Reyes (29 de marzo), tiene\nCierra este prisma de\nseguidores incondicionales desde que se dio\ntextos y personajes históa conocer con serie televisiva La hora Charicos Juana la loca-La reina\nnante, inspirada en el mismo humor absurdo\nque no quiso reinar, obra\nal que se abraza ahora en ¡Que me aspen!, y\nque supone el regreso\nfiel reflejo de su verborrea incontenible.\nde la compañía granadina\nHistrión a las Jornadas de\nEibar. Enmarcada la re-\nXXI Jornadas de teatro del sIglo de oro de almerÍa\nLas Jornadas recuperan el\nDon Juan, el burlador ©José Juan Rico Barceló\nUn año después de cumplir su treintena las\nJornadas de Teatro del Siglo de Oro continúan sin perder ápice de su esencia con una\nprogramación que se hará extensiva entre el\n13 de marzo y el 12 de abril en diferentes espacios de Almería capital además de los municipios de Roquetas de Mar, El Ejido, Huércal-Overa, Vícar, Olula del Río, Vélez Rubio,\nCuevas del Almanzora, Fiñana y La Mojonera.\nEl programa de este año contempla trece espectáculos teatrales, dos exposiciones, un ciclo de conferencias universitarias, actividades\npara niños y niñas, un curso de interpretación\ny otro de teatro de calle, un recital poético,\ncharlas pedagógicas y un ciclo de cine.\na inauguración de las 31 Jornadas\nde Teatro del Siglo de Oro –reconocidas con el Premio Max de la\nCrítica 2013 y el Gran Premio de\nTeatro Clásico 2013 de la Federación Española de Teatro Amateur–, tendrá lugar\nel 13 de marzo con la apertura al público en el Patio de Luces de la Diputación\nProvincial de Almería de la exposición\n‘Góngora. La estrella inextinguible’ organizada por Acción Cultural Española con\nmotivo del 450 aniversario del nacimiento\nde poeta cordobés, una muestra en la que\nse analiza la influencia del universo gongorino en la literatura universal. Pero ésta\nno es la única muestra ya que en el Centro\nde Arte Museo de Almería se podrán conocer los trabajos para teatro realizados\npor dos artistas universales en la exposición titulada ‘Picasso y Dalí en el teatro’\ndel Museo Nacional del Teatro del 27 de\nmarzo al 18 de mayo.\nEl Circuito Provincial de Diputación dará\ncomienzo a las representaciones de esta\nedición con la presentación de Don Juan,\nel burlador –obra inspirada en textos de\nGoldoni, Lope de Vega y Molière– de Teatro di Commedia en los municipios de Olula\ndel Río, Vélez Rubio, Cuevas de Almanzora,\nFiñana y La Mojonera. Dentro del circuito\ntambién está prevista la puesta en escena\nen El Ejido de Las rameras de Shakespeare de Arden Producciones una propuesta\ndirigida por Chema Cardeña que viaja a la\népoca post-isabelina en la que las mujeres\nno podían actuar para narrar una historia\nen la que un lord decide sorprender a sus\namigos interpretando a los personajes femeninos del bardo inglés con la ayuda de\ntres prostitutas y La dama boba de Lope de\nVega a cargo de la compañía EspacioImaginado en Vícar, todas ellas entre el 17 y el\nGran parte de las representaciones de\nlas Jornadas tendrán lugar en Almería capital que comenzarán el 3 de abril con La\ndama duende de Calderón de la Barca, una\nproducción de Producciones Faraute con\ndirección del recientemente fallecido Miguel Narros, una obra que es ”la historia\nde un engaño de consecuencias amorosas\ny es también una indagación a propósito\ndel azar” tal y como afirma Pedro Víllora,\nencargado de esta versión. La Compañía\nTeatro Clásico de Sevilla hará lo propio con\nLa Estrella de Sevilla de Lope de Vega con\nversión y dirección de Alfonso Zurro de una\npieza contundente que narra unos supuestos sucesos históricos acaecidos\nen Sevilla en el siglo XIII.\nClásico estará presente en estas\nJornadas con dos coproducciones,\nEl coloquio de los perros de Cervantes y Otro gran teatro del mundo de\nCalderón de la Barca. La primera es\nuna coproducción con Els Joglars que\nse representará en el Auditorio de\nRoquetas de Mar y que dirigida por\nRamón Fontserè pone a los dos célebres perros Cipión y Berganza – bendecidos por el don del habla durante\nuna noche–, en este siglo para que\npuedan narrar la auténtica realidad de\nla condición humana. La segunda de\nlas coproducciones llega de la mano\nde Uroc Teatro que pondrá en escena en\nAlmería el universal clásico de Calderón a\nmodo de comedia musical dirigida al público familiar dirigida por Olga Margallo. Otro\ngran teatro del mundo es una versión muy\nparticular protagonizada por una niña que\nrevolucionará los planes de Calderón y descubrirán la causa de la misteriosa enfermedad del Mundo. Las bodas del capitán, una\npropuesta con sobretítulos en inglés que la\ncompañía canaria Reymala lleva a HuércalOvera dará paso a un Shakespeare, Julio\nCésar en una producción de Pentación con\nMario Gas, Sergio Peris-Mencheta o Tristán\nUlloa como principales actores bajo la dirección de Paco Azorín que completa las\nrepresentaciones teatrales de esta edición\nEsta edición de las Jornadas destaca\nOtro gran teatro del mundo ©CF López\ntambién por el gran número de actividades\ndirigidas al público infantil. Espectáculos\ncomo Un cuento español, obra de títeres\nbasada en El Quijote de ABBA Teatro, Cuando William era Will de Enclavados Teatro y El\ncastillo de Shakespeare de La Paca Teatro\nserán las propuestas para los más pequeños en Almería, El Ejido y Roquetas de Mar\nrespectivamente. Además podrán aprender\ncon “Jugando con los Clásicos del Siglo de\nOro’ un taller infantil impartido por Nagumomo Teatro.\nLa organización de las Jornadas no olvida\nque la dimensión didáctica de las mismas\nfue el punto de partida de las mismas por lo\nque celebrará la cuarta edición de ‘Clásicos\n¡A escena!’, la muestra de teatro de los\ncentros de secundaria y que ha dado\ncomo fruto el ciclo ‘Clásicos interculturales’ que comienza este año con la\npuesta en escena de la obra Layla y El\nManjnún de el grupo El Masrah en Vícar además de dos charlas didácticas,\nla primera sobre ‘La dama duende’ de\nCalderón de la Barca impartida por\nFrancisco Martínez y Basilio Romero\ny ‘El actor ante el texto’ a cargo del\nintérprete Jesús Herrera.\nPero lo más destacable de esta edición es que tras dos años de ausencia\nvuelve el ciclo de conferencias universitarias que se desarrollarán los días\n3, 4 y 5 de abril con la presencia de\ninvestigadores de las letras españolas\nde los siglos XVI y XVII como Germán\nVega, Felipe Pedraza, María Luisa Lobato,\nJavier Huerta o Mercedes de los Reyes\nque impartirán conferencias y debates. En\nel marco del ciclo tendrá lugar también\nel Homenaje anual a alguna personalidad\nrelacionada con el Teatro que este año ha\nrecaído en la figura de Miguel Narros y la\nMaster Class titulada ‘Le maschere della\ncommedia dell´Arte’ a cargo del actor y director Pablo Torregiani.\nEsta no es la única propuesta formativa\nya que las Jornadas ofrecen dos cursos,\nun taller interpretativo a cargo del actor y\ndirector Alberto Iglesias titulado ‘Domesticando a los Clásicos’ en el que se trabajarán herramientas y reglas para trabajar los\ntextos clásicos con uno mismo y con el otro\nasí como el verso y un taller de teatro de\ncalle impartido por Paco Cañizares.\nCatorce veces uno en catorce\nmundos y espacios creativos\nEl FIA es la fiesta cultural de Costa Rica y ofrece decenas de\npropuestas de artes escénicas y musicales con Rusia de país invitado\nde la ciudad y joya arquitectónica del país,\nalbergará no sólo algunos de los principales\ncomo Départ, del grupo\nfinlandés WHS, y FAT, de\nlos ucranianos Beautiful\nFlowers; sino además\ndanza desde Beijing y\nla música del cantautor\ngaditano Javier Ruibal.\nUna de las novedades de esta edición es\nel FIA Tren, que ofrecerá atracciones artísticas tanto en las estaciones del Tren Urbano\ncomo dentro de sus vagones. Completa el\nnúmero mágico el festival FIA Cádiz, como\ndevolución a la participación de Costa Rica\nen el Festival Iberoamericano de la capital\ngaditana con 10 desmayos, dos pistolas y\nuna anillo de EME Teatro.\nEl Festival cuenta tradicionalmente con\nun país invitado de honor (España lo fue\nen la edición 2010 y Corea en el 2012).\nEste año el elegido es Rusia, en palabras\nde Anselmo Navarro: “como un reconocimiento al aporte de la cultura rusa a la\nhumanidad y especialmente a la cultura occidental. La literatura, la música, el teatro,\nla arquitectura, la danza y el ballet, el teatro\nde muñecos, las artes plásticas etc, Todas\nestas manifestaciones del hacer artístico\ny cultural han sido influidas por grandes\ncreadores rusos a través de los tiempos”.\nEntre otros espectáculos, estará el prestigioso Coro Piátnitski, referente a nivel mundial de la canción popular rusa, así como la\nOrquesta Sinfónica de Heredia dirigida por\nun prestigioso director ruso.\nl Festival Internacional de las\nArtes de Costa\na su capital San José,\ndel 25 de marzo al 13\nde abril, en un festival\nde festivales, ya que\nse ha dividido la programación en catorce\nsecciones o zonas temáticas, con el propósito de, además de\nlos espacios de la ciudad, dar un espacio de\nprivilegio a cada una de\nlas áreas temáticas que\nconvergen en este gran evento y siguiendo una premisa fundacional que mantiene\nAnselmo Navarro su actual director: “es un\nfestival único en la región, un festival abierto, democrático, inclusivo y muy diverso en\nsu oferta cultural, con una inversión económica realmente sorprendente”.\nEn este sentido, la relación costo-beneficio es muy positiva, ya que participan\nartistas y espectáculos de muy alto nivel,\nprovenientes de todas partes del globo, sin\nque esto signifique un costo excesivo en el\nbolsillo de los espectadores. Incluso, la mayoría de espectáculos suelen ser gratuitos,\ncosa que no sucede en muchos festivales\nAunque desde el 25 de marzo arranca la\nRuta de Exhibiciones, un viaje por las artes\nvisuales e intervenciones urbanas a lo largo\nde museos, galerías y otros espacios de la\nciudad, es a partir del 3 de abril cuando\nse concentran la mayoría de las actividades, entre ellas el total de las escénicas.\nLa producción del Festival espera al menos\n1.5 millones de visitas en los diez días del\nSe han organizado unas rutas que invitan a los públicos a utilizar la bicicleta como\nmedio de transporte con la idea de ofrecer\nun festival CIUDAD, en una ciudad congestionada y de difícil tránsito, creando polos o\nzonas de actividad que movilicen al público\npor áreas de interés, siendo consecuentes con el proceso de re-arborización en\nla Sabana, y con el esfuerzo nacional por\nminimizar la huella de carbono, también\npotenciando y celebrando en el esfuerzo\npor recuperar el servicio de trenes urbanos, para dotar a la ciudad de una solución\ncada vez mas efectiva.\nLa oferta escénica es rica, diversa y para\ntodos los gustos y públicos, con espectáculos que ya han recorrido, o estarán este\naño, en prestigiosos festivales escénicos\ninternacionales y constará de 42 espectáculos que se presentarán en distintas\nsalas teatrales de San José. El centenario\nTeatro Nacional, ubicado en el corazón\nSua Incelnça, Ricardo III ©Pablo Pinheiro\nEn la amplia oferta teatral nos encontramos que podrá ver los\ntíteres de los alaveses Panta Rhei con Aztokillo, los italianos del\nTeatro Tascabile de Bergamo con su espectáculo de calle Sobre\nel lomo de una tortuga, o la excelente compañía brasileña de\nTeatro Clowns de Shakespeare con su espectáculo Sua Incelnça,\nRicardo III, los mexicanos de Circo Dragón con Xempa o el grupo\nchino LDTX con su espectáculo Beijing Dance.\nEn la programación internacional destacan también los polacos\nde Teatro Osmego y su espectáculo de calle El arca, el grupo\nargentino Teatro de Ilusiones Animadas ofrece CasaCORTAZAR,\nuna microanimación de relatos literarios; la danza aérea de los\nirlandeses de Fidget Feet con su Firebirds; las marionetas checas\nde Pavel Vangeli y su Swingning Marionettes: los chilenos de La\nBandita Alegre y su espectáculo de clown, El gran show de la\nbandita alegre; los mexicanos de Sin Sonrisa Teatro con Voces\nde un asesino de cara larga y sin sonrisa; el payaso danés Paolo\nNani y su Jekyll & Hyde o la danza de los franceses Dos á Deiux y\nsu 2éme Acte, entre otros.\nNo obstante la representación más amplia es la del teatro\nproveniente del Estado español, con actuaciones de la Compañía\nRocamora Teatre con Solista; La Gotera de Lazotea con El viento\npequeño; Producciones Cachivache con dos obras, Sonrisas y El\ndesván de las ilusiones mágicas; Errabundo Pelle, Cía de Títeres\nErrantes y su Paseando a Errabundo Pelele; Zanguango Teatro\ncon Aquí va a pasar algo; Ganso & Cia con Babia; Titzina Teatro\ncon su última producción Distancia Siete Minutos; Kulunka Teatro\ncon su André y Dorine; La Baldufa con El príncipe feliz; La Zaranda con Nadie lo quiere creer y Lidya Cabello con su espectáculo\nde flamenco Esencia entre otras actuaciones musicales e intervenciones.\nLa presencia de grupos y compañías costaricenses es también\nelevada, en todos los rubros y categorías, de las que podemos\nseñalar el espectáculo de Randall Sánchez Gutiérrez titulado Las\nmarionetas de Praga, Los pasacalles de Cofradía Real, titulado\nUn desfile galáctico o Mascarada Hermanos Fuentes, y su Pasacalle y cimarrona; varios trabajos de circo en la Carpa FIA; los\nespectáculos de Juan Madrigal, Cuentos de reyes y de Ex-Ánima,\nSonrisas de tiburón dentro del campo del teatro familiar; El Colectivo Escénico Brecha con su obra Pero papá era comunista;\nen el campo de la danza La Santa Cochera con su Dono artefarita, Adrián Figueroa y su Hometextual, Espasmo Rosa arte Escénico con Indistendio Corchete; la danza urbana de DanceHeredia\ny su Irrepresibles o Laura González con DisGrace o Los Innato\nUn programa que se completa con muchas actividades paralelas.\nAlternativa escénica para\nalterar una oscura realidad\nEn su empeño de apoyo y difusión de la creación escénica contemporánea y en especial la gallega, la entidad no\nlucrativa Noescafé-teatro con la estrecha colaboración\nde diversas instituciones organiza el Festival Alternativo\ndas Artes Escénicas de Vigo que tendrá lugar del 13 al\n16 de marzo. A lo largo de cuatro jornadas se podrá disfrutar de una programación repleta de estrenos absolutos en las que la propia organización ha contribuido en\nnce propuestas de\nteatro, danza, performance, hip-hop\ncirco y hasta un\nworking progress se darán\ncita en Vigo siendo Ana Vallés con el estreno absoluto\nde la performance Teatro\ninvisible la encargada de\niniciar la programación el\n13 de marzo. Por su parte,\nMatarile Teatro, compañía\nque también lidera Vallés,\npresentará el sábado 15\nStaying Alive. Este proyecto\nsurge tres años después del\nirónico ‘Cerrado por aburrimiento’ de la compañía, reconociendo que\ntanto el hecho de volver como el propio\nespectáculo es una declaración de intenciones “por placer, por necesidad vital, de\nno resignarse precisamente a la situación\nque solo conduce al miedo, al inmovilismo y\na la mediocridad”.\nEl día 13 está previsto el estreno absoluto de Silencia por favor de Licenciada Sotelo & Cía. pieza que se enmarca dentro de\nla sección ‘ALT procrea en femenino’ que\ncomo hemos avanzado es un programa\nde apoyo, en diferente grado, del proceso\ncreativo, productivo y distributivo de espectáculos de creadoras gallegas o creadoras\nque residen en Galicia.\nAsimismo, la organización del ALT con\nobjeto de apoyar y difundir cara al exterior\nlo que está pasando en Galicia ha invitado\na programadores internacionales, además\ndiferente grado. Parte de la programación se enmarca\ndentro de un apartado denominado ‘ALT. procrea en femenino’ que en realidad es un programa de acompañamiento en el proceso creativo, productivo y distributivo\nde espectáculos de creadoras gallegas o afincadas en\nGalicia. El programa de actuaciones se completará con\nla participación de varias compañías de otros países, así\ncomo de artistas gallegos.\nexpresa como se siente uno\nante una situación de depresión a todos los niveles.\nFélix Fernández acudirá a\nVigo el 15 marzo con el estreno absoluto coproducido\npor el Festival ALT de Yo vivo\nde mi cuerpo, pieza que al\nigual que sus anteriores\ntrabajos se centran en la\nrelación del individuo contemporáneo con el entorno\nque le ha tocado vivir. Este\nmismo día también actuará\nla compañía brasileiro-porStaying alive ©Rubén Vilanova\ntuguesa Lander Patrick con\nPara la jornada de clausura, el 16 de\ncontarán con la colaboración del MOV-s,\nmarzo, han previsto un total de tres funcioque días antes de que comience el festines. La primera se completa con la puesta\nval mantendrá un encuentro en la Illa de\nen escena de dos piezas, que además amSan Simón, en la misma ría de Vigo, y harán\nbas forma parte de ‘ALT procrea en femeextensiva la invitación a quedarse en el ALT\nnino’. Hablamos de Amor de Helen Bertels\npara los participantes en el encuentro.\ny Das Tebase e rebo adas de Mercé de\nEl viernes 14 de marzo se dará paso a\nDiego Anido & Co. que escenificará Symon\nPédícrí, propuesta coproducida el año paLa segunda de las funciones la protasado por el ALT junto con otras estructura\ngonizará la artista belga Samine Molennar\ncon That´s it, un solo en el que la coreóscomo el Festival TNT o el Festival FIOT de\ngrafa y bailarina se mueve entre las capas\nCarballo. Ese mismo día se llevará a cabo\nde la realidad. Por último, el espectáculo\nel montaje El peso del alma de la compañía\nfranco-española Co. de Danza, perfecta conde clausura vendrá de la mano de Javier\nMartín que presenta Antioedipus proyecto\njugación entre lenguaje corporal, iluminación\nperformático de improvisación a nivel de\ny música que invita al espectador a vivir la\nmovimiento, en el que la pieza va creciendanza en su máxima expresión creativa. La\ndo y cambiando al enfrentarse sucesivajornada del 14 finalizará con varios pases\nmente con el público hasta el día de su\nde Momento blooming de Cristina Montero &\nRut Albís, una pieza de pequeño formato que\nestreno y muerte.\nLa práctica liberadora de la\nmejor narración oral\na localidad Gran Canaria de Agüimes acogerá del 21 al 30 de marzo el Festival Internacional de Narración Oral que este año cumple\nsu vigésimo cuarta edición y cuenta con\nla participación de narradores venidos\ndesde Colombia, Burkina Faso, Cuba y\ndiversos lugares del Estado español así\ncomo un taller de narración oral sobre\n‘La verdad y el personaje’ impartido por\nEl Teatro Auditorio de Agüimes y el Teatro\nCruce de Culturas además de otros espacios\nalternativos serán los escenarios principales\nde las actuaciones programadas dentro del\nfestival. Cada una de las jornadas se podrá\ndisfrutar de un narrador a excepción del lunes 24 que no habrá función y el domingo\n23, viernes 28 y el sábado 29 de marzo\nque habrá doble función al tiempo que el\n30, día de la clausura, se dará paso a una\nactuación colectiva con la participación de\nvarios de los narradores seleccionados.\nEl 21 de marzo la narradora cubana Coralia Rodríguez será la encargada de iniciar\nel festival con Si te contara de Cuba... y el\ndomingo 23 ofrecerá también una sesión\npara niños y niñas con el cuento De boca a\noreja viajaban los cuentos. El día siguiente\nserá el turno del maestro de la palabra\nafricano Hassane Kouyaté, natural de Burkina Faso, que presentará a la audiencia\nPor qué las parejas son lo que son?. El\ndomingo 23 además de Coralia Rodríguez\nFelix Albo, acompañado en escena del\nmúsico Carlos Orama, relatará Con cierto\nsexo un espectáculo lleno de humor, sensibilidad y erotismo. Albo va sumergiendo\nal público en la parte más divertida de la\npasión al tiempo que la guitarra clásica de\nOramas seduce para poner al espectador\nDel martes 25 al jueves 27 las sesiones se llevarán a cabo en los Patios\ncon actuaciones de Kiko Cadaval, Coralia\nRodríguez y Maísa Marbán. Esta última\nel viernes 28 representará Palabras de\nArrabal y justo después Cadaval dará\npaso a La sombra de las palabras.\nPedro Pérez y Gustavo Déniz protagonizarán la primera función del sábado 29\ncon Cuéntame un cuento; la segunda vendrá\nde la mano de la colombiana Hanna Cuenca\nque llevará a cabo la pieza Vocación princesa, espectáculo que habla de las características de las princesas que nos rodean disfrazadas de plebeyas, de las plebeyas que\nsueñan con ser princesas, de las Princesas\nque inventan formas para ser mujeres. Con\ncuentos de hadas con alas, hados con pluma y papel y una narradora dulce y ácida a\nla vez, descubriremos como se puede ser\nPrincesa de Vocación. Esta misma narradora, el día 30, antes de la función colectiva de\nclausura del festival, representará Cuentos\nXVIII Feria de las Artes Escénicas de Castilla-La Mancha\nMayoría de edad de la Feria de\nel 8 al 10 de abril\nAlbacete acogerá la\ndieciocho edición de la\nFeria de las Arte Escénicas de Castilla-La Mancha. Al\ncierre de esta edición, sin que\nel programa definitivo esté totalmente completo, la previsión\ncontempla la participación de\ncerca de veinticinco compañías,\nla mayoría de ellas de la propia\ncomunidad y también venidas de Madrid,\nAndalucía, Castilla y León, País Vasco, Murcia y la Comunidad Valenciana.\nPropuestas de teatro, danza, circo, la\nmayor parte de sala pero también de calle,\npara público adulto e infantil se concentrarán a lo largo de las tres jornadas escénicas.\nDirigido a los más pequeños de casa se ha\nprevisto el montaje musical Aladino de Tragaleguas el día 8, donde los personajes de\nlas mil y una noches actúan, bailan y cantan,\nEstrellados pieza que mezcla danza contemporánea, circo y teatro de la compañía\nandaluza Fernando Hurtado el día 9 y Alas\nEl miércoles 9 de abril actuará\nPez Limbo con ¿Espinazo o callos? montaje de humor, acidez,\nternura y poesía, ES.Arte con\nGoldberg, Gloria López Producciones con Cena con amigos,\ncomedia rosa sin final romántico,\nAlbacity con La maleta de Enrique\nJardiel Poncela obra unipersonal\ncargada de ironía y Producciones\nLa Folía con ¿El Greco decís?\nde cartón de La chicacharcos el día 10.\nPor lo demás en la jornada de clauEl día 8 actuarán Pérez y Goldstein con\nsura actuarán Producciones 099 con el\nuna adaptación contemporánea del clásico\nmontaje de teatro y circo Pepa y Repita,\nEsemble Dider con Carcajadas años 20\nde Lope de Vega bajo el título de Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas\nuna experiencia que recupera la magia\ndomésticas, Claqueta blanca presentará\ndel cine mudo, Producciones Tamashi con\nVersus historia que relata como, muchas\nTuyo Chopín, Las Grotesques con Mucho\nruido y pocas nueces, La cantera con El\nveces, los seres humanos somos capaces\nrayo colgado y peste de loco amor, Maria\nde hacer grandes cosas por los demás,\nPablo Albo escenificará Humedades moncon Indignada Perez Cabaret Show y Chirigóticas con Copla negra. Dentro de las\ntaje de cuentacuentos para público adulto\npropuestas de calle se encuentran Typical\ny Ron Lalá escenificará En un lugar del Quijote una particular adaptación de la novela\nde Nacho Vilar Producciones y De paso de\nFIA de Panamá\nde Artes Escénicas de Panamá se celebrará del 27 de\nmarzo al 2 de abril. Veinte\ncompañías de diez países\nconforman su programación. Destacan la argentina\nPiernas entrelazadas de\nOmar Aita; Rinoceronte\nuna coproducción entre Suiza y Costa Rica o el unipersonal Simplemente José del\ncolombiano Giovanny Largo. De Ecuador el grupo Teatro del Cielo con Luna de Miel, L’otra de sal, dirigida\npor Martín Peña; Nicaragua ofrecerá el montaje del\nTeatro Justo Rufino Garay, Ay amor ya no quieras\ntanto. De España, Histrión Teatro con Teatro para\npájaros, escrita y dirigida por Daniel Veronese, y el\nmalabarista Antolío, con Circuuns...tancias; Francia\npresentará Dos a dos; segundo acto, versión en clave de teatro físico de ‘Esperando a Godot’, de Samuel\nBeckett, y de Finlandia, Partir de la compañía WHS,\ndirigida por Kalle Nio. Además de la programación de\ndanza hay propuestas actividades paralelas.\nFIT de Bogotá\nde Bogotá, se celebrará del\n3 al 20 de abril y participarán cerca de 2.400 artistas\nprocedentes de los 5 continentes, que darán 700 funciones. Entre los espectáculos programados cuenta con\nuna amplísima selección de\ncomo Matando el tiempo, la última producción de La\nmaldita vanidad, una versión de La Oestiada a cargo\ndel Teatro Libre dirigida por Ricardo Camacho, Los\notros cien años, danza contemporánea de Sanfoka y\nuna experiencia mutidisciplinar de Mapa Teatro, Los\nincontados: un tríptico. Se podrán ver dos versiones\ndel Ubú, una a cargo de los italianos de Fortebraccio Taetro y una versión surafricana en marionetas a\ncargo de Handsprong Puppet Company. Del país invitado Brasil, se podrá ver Amores sordos de la compañía Spanca!, El jardín de la Cia Hiato y un montaje\nde Antunes Filho, Toda desnudez será castigada de\nNelson Rodrigues, entre otras.\nt eatro Barakaldo\nAquí va a pasar algo ©Marta Vidanes\nPropuestas de teatro, danza, circo y diferentes géneros\nmusicales se irán intercalando a lo largo de los meses de\nmarzo y abril en el Teatro Barakaldo. En marzo la programación será más diversificada tanto en los contenidos\ncomo al público al que se dirige. El Ballet de Carmen\nRoche será quien inicie las funciones con la adaptación\nde la obra original El sueño de una noche de verano dirigido al público infantil el día 1, el público familiar\ntambién podrá disfrutar de Frágil de Onírica mecánica\nel 23 donde reflexionan sobre el avance del progreso con\nsu particular puesta en escena. Chirigóticas presentarán\nel día 15 su Copla negra una comedia cantada y una\ntragedia hablada, donde hay humor sin recato, que va directo a las preocupaciones elementales. Las propuestas de\nteatro se completan con La dama duende producida por\nel Teatro Español el 22 y La estrella de Sevilla de la\ncompañía Teatro Clásico de Sevilla los días 28 y 29.\nUn total de seis propuestas de teatro y danza completan la\nprogramación prevista para los meses de marzo y abril. La\ndanza tendrá una mayor presencia en marzo comenzando\ncon la actuación de Samuel Mathie que interpretará dos\npiezas, La performante y +La performance # 2 (Ou\nle declin). El 22 y 23 de marzo Provisional DanzaCarmen Werner llevará a escena Algún día donde la\ndanza, la música y los silencios son los principales ingredientes y el 29 y 30 Pablo Esbert llevará a cabo Edit,\nuna reflexión acerca del mundo del cine y el mundo de la\nescena. Entre tanto, Voadora representará los días 14 y\n15 la propuesta teatral Waltz, un cuento que habla de\namor y desamor, de enamoramientos y rupturas. En abril\nse acercarán a La Fundición varias compañías, los días 5\ny 6 Pere Faura mostrará Striptease y Bomberos con\ngrandes mangueras y del 11 al 13 Zanguango presentará Aquí va a pasar algo.\nEl Regimen del pienso ©Víctor Iglesias\nEl concierto de Marlango que presentan su quinto álbum Un día extraordinario el día 8 dará comienzo a la programación de marzo que contará\ntambién con la función el día 14 de Juana, la reina que no quería reinar\nde Histrión Teatro, el imaginado y emocionante testimonio de Juana I de\nCastilla, más conocida como Juana la loca. Hija de los Reyes Católicos fue\ncasada de adolescente en contra de su voluntad y luego encerrada durante\n46 años por la única locura de ser mujer antes que reina, y defender el amor\npor encima del poder. Cierra el mes, el día 28, la pieza de danza Fácil en la\nque dos personajes parecen despertarse ante algo inminente, pero que no se\nmaterializa de manos de la Compañía Cielo Raso y el 30 el montaje para\npúblico infantil de Teatro de la luna Elmer elefantea en el que se habla a\ntravés de unos simpáticos animales de sentirse diferente. En abril la prestigiosa compañía galardonado con el Premio Nacional de Teatro en el 2010, La Zaranda abrirá la programación con su último\nmontaje El régimen del pienso, un montaje en el que se entrecruzan las vidas del cerdo y el hombre para ofrecer una\ncreación que se define como “la necropsia de una sociedad”, y el 11 Kalakan regalará a la audiencia un concierto donde\nlos cantos y la percusión son la base principal. La compañía Gorakada el día 13 representará Aladino un montaje para\npúblico familiar protagonizado por un niño muy egoísta llamado Aladino, que tiene que hacerse adulto y madurar para\npoder hacerse digno de las maravillas que la vida puede o no ofrecerle, posibilidades mágicamente encarnadas en el\ngenio de la lámpara. Finalmente el 25 Doos colectivo cerrará el programa con el estreno de la pieza de danza Después\nde todo, propuesta que habla de ese momento justo posterior a la casi destrucción. Mezcla historias pasadas con el\npresente mediante flashbacks: muestra imágenes de lo que ha pasado, de los antecedentes de esta situación, hasta el\nmomento actual. Muestra la resistencia que tenemos frente a lo que nos ocurre, ya sean cosas externas o miedos internos. Habla de lucha pero también de supervivencia. Habla de restos después de una batalla.\nLa diversidad programática\na diversidad será una vez más\nla tónica dominante de la programación del Teatro Arriaga a\nlo largo de los meses de marzo\ny abril. Los primeros días de mes continúan las funciones de la adaptación\nque Ignacio García May ha realizado de\nla comedia de enredo de Juan Ruiz de\nAlarcón La verdad sospechosa dirigida\npor Helena Pimenta para la Compañía\nNacional de Teatro Clásico. Le sigue el\nestreno de Pankreas de Tartean Teatroa, obra de la que damos cuenta en la\npágina 14 de esta edición y la adaptación libre realizada por Miguel del Arco\n–también encargado de su dirección–\nde la obra de Molière, Misántropo, que\nconservando los personajes originales,\ncon sus sentimientos e ideales, traslada\nla historia al siglo XXI. Otro clásico, en\neste caso de Shakespeare, Julio César, una\nobra masculina y castrense protagonizada\npor actores de la talla de Mario Gas, Tristán Ulloa o Sergio Peris-Mencheta bajo la\nMisántropo ©Eduardo Moreno\ndirección de Paco Azorín; los hombres y la\nguerra como tema central de esta corpoducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Teatro Circo Murcia\nLas propuestas de danza en marzo\nvendrán de la mano de la asociación de\nfolklore vasco Ortzadar y de Romeo et\nJuliette de Malandain Ballet de Biarritz\ncon el que la compañía ha obtenido los\nelogios de la crítica. Este espectáculo\nque en vez de contar con la música de\nSergei Prokofiev se acompaña de la de\nHéctor Berlioz menos habitual y que\ncon el título ‘Sinfonía Dramática con Coros, Solos de Canto y Prólogo Recitativo\nCoral, compuesta según la Tragedia de\nShakespeare’ y que fue estrenada por el\npropio autor en 1839.\nLa ópera, tanto para público adulto\ncomo para los niños y niñas, los conciertos y las diversas opciones del ciclo de\n‘Cuartitos’ completarán la programación.\nJosé Carreras será la figura de la ópera\nEl juez (los niños perdidos) de Christian Kolonovits con funciones y los más pequeños\ndisfrutarán de la adaptación en formato\nde ópera de la obra Bremengo Musikariak\n–Los músicos de Bremen–.