Aumento del 13% en Naftas - Página 2\nAumento del 13% en Naftas\n30-01-14, 05:36 AM\nMensajes 3,599\tRe: Aumento del 13% en Naftas\nLa idea (entre otras, como sumar número de seguidores aparentes nac. & pop) es crear fakes con "no necesariamente la misma cantidad de neuronas" que el original, para no quemar "prestigio". Es un pseudónimo donde pueden escribir todas las giladas que se le vienen a la cabeza sin hacerse cargo.\n30-01-14, 08:11 AM\nRe: Aumento del 13% en Naftas\nDe $1,90 a mediados del 2007 a $10-$12 en los inicios del 2014.\nMark solo postea para desvirtuar, desinformar y hacer propaganda. No entiendo cómo todavía algunos no notaron que es el único que dedica su tiempo exclusivamente a eso. Después tenés a darklird y a pinchamath, uno peor que otro.\nQue vuelva Od.\nMirala a la doña rosa quejandose porque la nafta dejo de tener un precio ficticio congelado y ahora pagas lo que tiene que valer.\nDespues si hay desabastecimiento a causa de precios ultra congelados y desactualizados como paso con la energia en diciembre debe ser el primero en agarrar la cacerola y agitar desde el balcon\n30-01-14, 09:07 AM\nPor qué no investigás esto:\nAnticipo: Petroleras acuerdan subir las naftas un 20% el fin de semana Como para ir siguiendo que es lo que se dice y que es lo que efectivamente pasa: Las petroleras dicen que no tienen previsto aplicar aumentos en los combustibles\nLas principales compañías petroleras informaron, por separado, que no tienen previsto aumentar los precios de las naftas y el gasoil de manera inmediata. Coincidieron en ese punto, de acuerdo con un cable de la agencia DyN, la estatizada YPF, Shell -cuyo presidente, Juan José Aranguren, fue acusado la semana pasada por el Gobierno de impulsar una corrida cambiaria-, Axion (la empresa que pertenece a los hermanos Bulgheroni y opera bajo la marca Esso) y la brasileña Petrobras.\nSe trata de una importante definición de las empresas, que en la mayoría de los casos tienen costos dolarizados (el barril de petróleo, principal insumo para la producción de combustibles, cotiza en dólares incluso en el mercado local) y venden su producción principalmente en pesos, que perdió un 17% de su valor en comparación con el peso tan sólo la semana pasada.\nSegún DyN, YPF indicó que sus "precios no fueron modificados y no se analiza por el momento ningún tipo de aumento". En cuanto a Shell, voceros de la compañía señalaron respecto de un eventual aumento que "no hay nada previsto por el momento".\nAxion, en tanto, sostuvo que la compañía "no modificó sus precios en las estaciones de servicio propias [alrededor de 70] y tampoco los precios sugeridos a los estacioneros que tienen contratos con esa marca [otras 450 bocas de expendio]". "Estamos haciendo un seguimiento de lo que pasa en el mercado", indicaron.\nDesde Petrobras no formularon precisiones, pero trascendió que algunas estaciones no propias de esa marca habrían aumentado precios para retrotraerlos luego.\nEn tanto, otras estaciones de las denominadas "independientes" modificaron precios, indicaron operadores del sector.\nEl último aumento generalizado en el precio de los combustibles se aplicó el primer día de este año. YPF, que tiene un 55% del mercado, dispuso un incremento promedio del orden del 6,8% en todo el país para todos sus productos. Shell también retocó los valores en una medida similar. En los días siguientes las imitó el resto de las compañías....fuente\n30-01-14, 11:39 AM\n¿Qué pasa pichón, andás con miedo a que te rajen? Si el gobierno informa que la nafta no va a aumentar, no hay inflación y los aumentos en su gestión son del 500%, hay algo que no cierra.\nPor mi parte no tengo auto porque genera gastos que no puedo afrontar. No todos tenemos el trabajito en el Estado por postear pelotudeces en internet.\nÚltima edición por Renguer0 : 30-01-14 el 11:44 AM\n30-01-14, 11:42 AM\nDarklarrid defendiendo a las empresas mixtas que se roban todo y no invierten, como YPF y EDENOR, EDESUR. Mas bajo pueden caer los kishneristas?\n01-02-14, 12:28 PM\nAumentan hasta el 14% las naftas en el interior: prevén más subas\nEn Corrientes y Entre Ríos superan los $13. Llegan a estar hasta 20% más caras que en Buenos Aires. Los dueños de estaciones de servicios reclamaron que el litro de combustible trepe a $20 .......Hasta el momento, los aumentos son puntuales y por localidades. Las naftas premium ("podium", las de mayor valor) oscilaban entre $14,10, $13,74 y 12,50 en estaciones de Corrientes, mientras que la súper $13,50, 12,65, y $12,50. En la misma provincia Petrobrás puso la súper a $14 y $14,60 el combustible mas refinado. En Santa María (Catamarca), los aumentos alcanzaron hasta el 14 por ciento.\nExcepto YPF, que establece precios iguales a toda su red, el resto de las compañías trabaja con el sistema de "reventa". Envían precios "sugeridos", pero los estacioneros tienen libertad para darle al negocio su margen de ganancias.\nTendencia hacia la suba\nLa macroeconomía presiona para que haya un aumento de precios. Con la devaluación del peso de más del 23% en enero, a las compañías se les encareció la importación del petróleo crudo. Los propietarios de estaciones de servicio ya pusieron el grito en el cielo y exigieron un ajuste de precios.\n"Hay que pensar en una nafta a 20 pesos el litro. El fundamento es muy sencillo: hay que mirar el valor del crudo y cuánto tiene de precio en los países limítrofes, que tienen situación de dependencia como el nuestro, como Uruguay, Paraguay y Chile", sostuvo ayer Luis Malchiodi, presidente de la Federación de Entidades de Combustibles de la Provincias de Buenos Aires (Fecoba).\nEl empresario señaló que "los precios actuales fueron fijados con un dólar a 6,80 pesos, y ahora está cerca de los 8 pesos", mientras que los valores de las naftas premium oscilan entre 10 y 11 pesos, según la petrolera. "Parece un despropósito pero existe una diferencia con la cotización del dólar actual", agregó.\nLa situación, según el directivo, produce " desabastecimiento en las fronteras" porque desde el extranjero ingresan a la Argentina a llenar los tanques."Es mucho más barato", indicó, en declaraciones radiales, y agregó que "las petroleras aprovecharon las explotaciones e investigaciones territoriales que había hecho YPF y ahí pusieron las bombas y no hicieron ni un pozo"....fuente\nComo se la ven con una nafta a 20 pesos Me gusta\n01-02-14, 03:21 PM\nUfff y yo que ayer llene el tanque, $9.50 la super de Shell en neuquén, igual solamente demore el pijazo una semana hasta cargar otra vez Me gusta\n01-02-14, 03:46 PM\nMensajes 6,121\tRe: Aumento del 13% en Naftas\nUfff y yo que ayer llene el tanque, $9.50 la super de Shell en neuquén, igual solamente demore el pijazo una semana hasta cargar otra vez ta barata alla\nGoogle Vistas: 951Mensajes: 22


Londres, Manchester y Cambridge tienen los ecosistemas de alta tecnología "perfectos" - Invertirbolsa.net\nLondres, Manchester y Cambridge tienen los ecosistemas de alta tecnología «perfectos»\nLos nuevos análisis suelen revelar que Londres, Manchester y Cambridge tienen un equilibrio perfecto entre el número de empresas de semillas, de crecimiento temprano y de crecimiento de alta tecnología.\nScaleup Network Tech Nation utilizó su relación de escala para encontrar el equilibrio perfecto de empresas en un ecosistema tecnológico.\nSeñaló que la proporción 50:30:20 de empresas de semillas (50 por ciento), crecimiento temprano (30 por ciento), crecimiento tardío (20 por ciento) en un centro tecnológico regional en el Reino Unido es un ecosistema maduro y equilibrado.\nEste ecosistema está bien posicionado para aprovechar el crecimiento acelerado de las empresas tardías en la creación de la próxima ola de escala tecnológica.\nLee mas: Fintechs ocupa un lugar destacado en la lista de las principales empresas emergentes para trabajar\nTech Nation dijo que Londres, Manchester y Cambridge generalmente muestran una proporción de 50:30:20 y atrajeron la mayor inversión en el Reino Unido en 2021, con el 70 por ciento de esta inversión en empresas tardías.\nLa firma destacó a Belfast (54:32:14), Dundee (54:26:20) y Exeter (59:14:27) como los centros de alta tecnología a seguir en 2021, con índices de escala que sugieren que tienen el mayor crecimiento. potencial. Estas ciudades tienen el porcentaje más alto de empresas en etapa semilla en comparación con cualquier otra en el Reino Unido.\nSin embargo, Milton Keynes, Watford, Reading, Peterborough y Slough tienen hasta un 52 por ciento de la escala completa en el crecimiento de la etapa final y las tuberías en etapa de semillas sin desarrollar.\nEl software de tecnología financiera, la tecnología de la salud y la empresa son los sectores de escala más maduros, donde el número de empresas está fuertemente inclinado hacia las empresas tardías.\n«Fundamentalmente, la relación de escala nos informa sobre el potencial de crecimiento del centro tecnológico del Reino Unido y proporciona nueva evidencia para el programa de nivelación para impulsar el desarrollo de ecosistemas regionales», dijo el Dr. George Windsor, director de conocimientos de Tech Nation.\n“Destaca dónde las ampliaciones no reciben el apoyo que necesitan para crecer desde la etapa inicial hacia arriba para garantizar que se cubran estas brechas. A pesar de los desafíos de los últimos 12 meses, el crecimiento y el potencial de los pioneros de la tecnología indígena nos brinda algo para celebrar.\n«La importancia de la competitividad del Reino Unido durante la próxima década radica en la creación de empleo y la inversión».\nLee mas: El sector tecnológico del Reino Unido muestra su resiliencia en 2021\n«Estas nuevas cifras muestran la capacidad de recuperación y el potencial de los centros tecnológicos regionales del Reino Unido que continúan creando nuevas inversiones y empleos», dijo la diputada Caroline Dinenage, ministra de digital y cultura en el departamento de digital, cultura, medios y deporte.\n«Estamos trabajando duro para crear el entorno empresarial adecuado a través de la formación de habilidades y talentos, la inversión en infraestructura digital y la investigación y el desarrollo, para que podamos reconstruir mejor a partir de la pandemia».\nTech Nation presentó la última cohorte del programa Upscale, 33 de las empresas de tecnología doméstica más prometedoras y de más rápido crecimiento en el Reino Unido.\nEste año, el 18% de la cohorte está formado por empresas de tecnología sanitaria y el 48% de las empresas tienen su sede fuera de Londres.


Preguntas frecuentes a la hora de cambiar la bañera por un plato de ducha - Banyera Per Dutxa\nMay 10, 2020 | reforma baño\nA pesar de que las reformas de los baños, especialmente el cambio de bañera por plato de ducha, son cada vez más habituales, aún hay muchas dudas de los interesados en dar un nuevo aire a sus estancias. Aunque el tiempo y el presupuesto son dos de las dudas más frecuentes, hoy te traemos las principales inquietudes de este tipo de proyectos y sus sinceras respuestas. ¡Seguro que tú también te ha hecho alguna de estas preguntas en algún momento!\n¿Cuáles son las preguntas más frecuentes en el cambio de una bañera por un plato de ducha?\n¿Es verdad que el cambio de la bañera por un plato de ducha se puede hacer en 24 horas?\nTotalmente. De hecho, nuestra empresa es especialista en ese tipo de reforma. Normalmente, la obra se ejecuta en unas 8 horas. El procedimiento se ejecuta retirando la bañera, quitando los azulejos, volviendo a revestir las paredes y colocando el plato de ducha que el cliente ha elegido previamente.\nSi bien es cierto que el tiempo de emitir un presupuesto suele estar entre los tres y cuatro días, se trata de un proceso que depende directamente del interés y la disponibilidad del cliente. Antes de elaborar una valoración la empresa debe enviar un técnico especializado para tomar medidas «in situ» del baño y el cliente debe escoger el revestimiento y los acabados que se utilizarán en la reforma de su estancia. En nuestro caso, te animamos a pedir un presupuesto sin compromiso.\n¿La empresa utiliza las mismas baldosas que el cliente tiene en el baño?\nSi el revestimiento de su baño se una baldosa reciente, puede hacerse con el mismo tipo. De lo contrario lo mas recomendable es usar un modelo complementario que le dé una estética especial al espacio.\nAplica agua y productos neutros en una esponja o paño para no dañar la superficie de carga mineral. La capa superior del plato de ducha es la encargada de evitar que las bacterias y los hongos se puedan fijar en él, por lo que siempre recomendamos utilizar productos no abrasivos y que no contengan disolventes.\n¿Llevan a cabo reformas de baño integrales?\n¡Por supuesto! a Banyeraperdutxa.com somos expertos en reformar tu baño incluyendo fontanería, albañilería, mobiliario … Pide presupuesto y asesoramiento sin compromiso. ¡Haremos la estancia que tanto deseas!


Teatro musical - Musical theatre - qaz.wiki\nTeatro musical - Musical theatre\nEste artículo trata sobre el teatro musical occidental tradicional. Para conocer otras formas musicales y tradiciones no occidentales, consulte Musical .\nLa "comedia musical" vuelve a dirigir aquí. Para el género cinematográfico, consulte Película musical .\nTrabajo escénico que combina canciones, música, diálogo hablado, actuación y danza.\nThe Black Crook fue un musical de éxito en 1866.\nEl teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogo hablado , actuación y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo , amor, ira) se comunican a través de palabras, música, movimiento y aspectos técnicos del entretenimiento como un todo integrado. Aunque el teatro musical se solapa con otras formas teatrales como la ópera y la danza, se puede distinguir por la igual importancia que se le da a la música en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos. Desde principios del siglo XX, las obras escénicas de teatro musical se han denominado generalmente, simplemente, musicales .\nAunque la música ha sido parte de presentaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical occidental moderno surgió durante el siglo XIX, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las de Harrigan y Hart en América. Estos fueron seguidos por las numerosas comedias musicales eduardianas y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a principios del siglo XX. Los musicales de Princess Theatre (1915-1918) y otros espectáculos inteligentes como Of Thee I Sing (1931) fueron avances artísticos más allá de las revistas y otros entretenimientos espumosos de principios del siglo XX y dieron lugar a obras innovadoras como Show Boat (1927) y Oklahoma. ! (1943). Algunos de los musicales más famosos a lo largo de las décadas siguientes incluyen West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), El fantasma de la ópera (1986). ), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) y Hamilton (2015).\n1.1 Libros musicales\n1.2 Comparaciones con la ópera\n1.3 Tradiciones orientales y otras formas\n2.1 Antecedentes tempranos del teatro musical\n2.2 Década de 1850 a 1880\n2.3 de la década de 1890 al nuevo siglo\n2.5 Show Boat y la Gran Depresión\n2.6 La Edad de Oro (de 1940 a 1960)\n2.6.1 Década de 1940\n2.6.2 Década de 1950\n2.6.3 Década de 1960\n2.7 Temas sociales\n2.8 1970 hasta la actualidad\n2.8.1 Década de 1970\n2.8.2 Década de 1980\n2.8.3 Década de 1990\n2.8.4 Década de 2000 a 2010\n2.8.4.2 Musicales de Jukebox\n2.8.4.3 Musicales de cine y televisión\n3 musicales internacionales\n4 producciones amateur y escolares\nDesde el siglo XX, el "libro musical" se ha definido como una obra de teatro musical en la que canciones y bailes se integran completamente en una historia bien hecha con serios objetivos dramáticos que es capaz de evocar emociones genuinas distintas de la risa. Los tres componentes principales de un libro musical son su música , letra y libro . El libro o guión de un musical se refiere a la historia, el desarrollo del personaje y la estructura dramática, incluido el diálogo hablado y las direcciones escénicas, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, que a veces se denominan libreto (en italiano " Libro pequeño"). La música y la letra juntas forman la partitura de un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son "secuencias teatrales con música, que a menudo combinan canciones con diálogos hablados". La interpretación de un musical es responsabilidad de su equipo creativo, que incluye un director , un director musical , generalmente un coreógrafo y en ocasiones un orquestador . La producción de un musical también se caracteriza creativamente por aspectos técnicos, como escenografía , vestuario , propiedades escénicas (utilería) , iluminación y sonido. El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones generalmente cambian de la producción original a las producciones posteriores. Sin embargo, algunos elementos de producción pueden conservarse de la producción original, por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago .\nNo hay una duración fija para un musical. Si bien puede variar desde un entretenimiento breve de un acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales duran de una hora y media a tres horas. Los musicales suelen presentarse en dos actos, con un breve intermedio , y el primer acto suele ser más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayor parte de la música y, a menudo, termina con la introducción de un conflicto dramático o una complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede presentar algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto. o complicación. Un libro musical generalmente se construye alrededor de cuatro a seis temas principales que se repiten más adelante en el programa, aunque a veces consta de una serie de canciones que no están directamente relacionadas musicalmente. El diálogo hablado generalmente se intercala entre números musicales, aunque se puede usar "diálogo cantado" o recitativo , especialmente en los llamados musicales " cantados " como Jesucristo Superstar , Falsettos , Les Misérables , Evita y Hamilton . Varios musicales más cortos en Broadway y en el West End se han presentado en un acto en las últimas décadas.\nLos momentos de mayor intensidad dramática en un libro musical a menudo se interpretan en forma de canción. Proverbialmente, "cuando la emoción se vuelve demasiado fuerte para hablar, cantas; cuando se vuelve demasiado fuerte para cantar, bailas". En un libro musical, una canción está idealmente diseñada para adaptarse al personaje (o personajes) y su situación dentro de la historia; aunque ha habido momentos en la historia del musical (por ejemplo, desde la década de 1890 hasta la de 1920) en que esta integración entre la música y la historia ha sido tenue. Como describió el crítico de The New York Times , Ben Brantley, el ideal de la canción en el teatro al revisar el resurgimiento de Gypsy en 2008 : "No hay separación en absoluto entre la canción y el personaje, que es lo que sucede en esos momentos poco comunes en los que los musicales se elevan para lograr su razones ideales para estar ". Por lo general, en una canción de cinco minutos se cantan muchas menos palabras que en un bloque de diálogo de cinco minutos. Por tanto, hay menos tiempo para desarrollar el drama en un musical que en una obra de teatro de longitud equivalente, ya que un musical suele dedicar más tiempo a la música que al diálogo. Dentro de la naturaleza comprimida de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.\nEl material presentado en un musical puede ser original, o puede ser adaptado de novelas ( Wicked y Man of La Mancha ), obras de teatro ( Hello, Dolly! Y Carousel ), leyendas clásicas ( Camelot ), hechos históricos ( Evita ) o películas ( Los productores y Billy Elliot ). Por otro lado, muchas obras de teatro musical exitosas se han adaptado para películas musicales , como West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver! y Chicago .\nEl teatro musical está estrechamente relacionado con la forma teatral de la ópera , pero las dos se distinguen generalmente por sopesar una serie de factores. Primero, los musicales generalmente se enfocan más en el diálogo hablado. Algunos musicales, sin embargo, están completamente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como Die Zauberflöte , y la mayoría de las operetas , tienen algunos diálogos sin acompañamiento. En segundo lugar, los musicales también suelen incluir más baile como parte esencial de la narración, en particular por parte de los intérpretes principales y del coro. En tercer lugar, los musicales suelen utilizar varios géneros de música popular o al menos cantos y estilos musicales populares.\nFinalmente, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se realiza en el idioma de su audiencia. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, se cantan invariablemente en inglés, incluso si fueron escritos originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es principalmente cantante y solo secundariamente actor (y rara vez necesita bailar), un intérprete de teatro musical suele ser primero actor, pero también debe ser cantante y bailarín. Alguien que tiene los mismos logros en los tres se conoce como una "triple amenaza". Los compositores de música para musicales a menudo consideran las demandas vocales de los roles con los intérpretes de teatro musical en mente. Hoy en día, los grandes teatros que presentan musicales generalmente usan micrófonos y amplificación de las voces de los actores que cantan de una manera que generalmente sería desaprobada en un contexto operístico.\nAlgunas obras (por ejemplo, de George Gershwin , Leonard Bernstein y Stephen Sondheim ) se han convertido en producciones tanto de "teatro musical" como de "ópera". De manera similar, algunas operetas u óperas ligeras más antiguas (como The Pirates of Penzance de Gilbert y Sullivan ) se han producido en adaptaciones modernas que las tratan como musicales. Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra para definir en qué forma de arte cae la obra. Sondheim dijo: "Realmente creo que cuando algo toca en Broadway es un musical, y cuando toca en un teatro de ópera es ópera. Eso es todo. Es el terreno, el campo, las expectativas del público lo que hace que sea una cosa u otra. " Sigue habiendo una superposición en la forma entre formas operísticas más ligeras y musicales más complejos musicalmente o ambiciosos. En la práctica, a menudo es difícil distinguir entre los diversos tipos de teatro musical, incluidos "teatro musical", "comedia musical", "opereta" y "ópera ligera".\nAl igual que la ópera, el canto en el teatro musical generalmente está acompañado por un conjunto instrumental llamado orquesta de foso , ubicado en un área baja frente al escenario. Si bien la ópera generalmente usa una orquesta sinfónica convencional , los musicales generalmente están orquestados para conjuntos que van desde 27 jugadores hasta solo unos pocos . Los musicales de rock generalmente emplean un pequeño grupo de instrumentos principalmente de rock , y algunos musicales pueden requerir solo un piano o dos instrumentos. La música en los musicales utiliza una variedad de "estilos e influencias que incluyen opereta , técnicas clásicas, música folclórica , jazz [y] estilos locales o históricos [que] son apropiados para el entorno". Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que "entrelaza extractos de las famosas melodías de la partitura".\nArtistas de ópera china\nHay varias tradiciones orientales de teatro que incluyen música, como la ópera china , la ópera taiwanesa , el Noh japonés y el teatro musical indio , incluido el teatro en sánscrito , la danza clásica india , el teatro Parsi y Yakshagana . India, desde el siglo XX, ha producido numerosas películas musicales, conocidas como musicales de " Bollywood ", y en Japón se ha desarrollado una serie de musicales 2.5D basados en cómics populares de anime y manga en las últimas décadas.\nPara las escuelas y los grupos de jóvenes se encuentran disponibles versiones "junior" más breves o simplificadas de muchos musicales, y las obras muy breves creadas o adaptadas para que los niños las interpreten a veces se denominan minimusicales .\nArtículo principal: Desarrollo del teatro musical\nLos antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia , donde la música y la danza se incluyeron en las comedias y tragedias teatrales durante el siglo V a. C. Sin embargo, la música de las formas antiguas se pierde y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaron la liturgia . Los grupos de actores usarían vagones de concurso al aire libre (escenarios sobre ruedas) para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas se alternan en ocasiones con los diálogos en prosa y los cantos litúrgicos dan paso a nuevas melodías.\nEl Renacimiento europeo vio las formas más antiguas evolucionar hacia dos antecedentes del teatro musical: la commedia dell'arte , donde payasos estridentes improvisaron historias familiares, y más tarde, la ópera buffa . En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobeas frecuentemente incluían música, y las obras musicales breves comenzaron a incluirse en los entretenimientos dramáticos de las noches. Las máscaras de la corte se desarrollaron durante el período Tudor que incluían música, baile, canto y actuación, a menudo con trajes costosos y un diseño escénico complejo . Estos se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, la primera generalmente se considera El asedio de Rodas (1656). En Francia, mientras tanto, Molière convirtió varias de sus comedias absurdas en entretenimientos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully ) y danza a finales del siglo XVII. Estos influyeron en un breve período de la ópera inglesa de compositores como John Blow y Henry Purcell .\nDesde el siglo 18, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron Balada óperas , como John Gay 's ópera del mendigo , que incluía letras escritas al ritmo de canciones populares del día (a menudo spoofing ópera), y más tarde la pantomima , que se desarrolló a partir de la comedia del arte, y la ópera cómica con líneas de trama sobre todo románticas, como Michael Balfe 's The Bohemian chicas (1845). Mientras tanto, en el continente iban surgiendo singspiel , comédie en vodevil , opéra comique , zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero. The Beggar's Opera fue la primera obra de teatro de larga duración registrada de cualquier tipo, con 62 representaciones sucesivas en 1728. Pasaría casi un siglo antes de que cualquier obra superara las 100 representaciones, pero el récord pronto llegó a 150 a fines de la década de 1820. Otras formas de teatro musical se desarrollaron en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall , el melodrama y la burletta , que se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo como music hall y no se les permitía presentar obras sin música.\nLa América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias dirigidas por su hermano Lewis . En Nueva York, en el verano de 1753, interpretaron óperas de baladas, como The Beggar's Opera , y farsas de baladas. En la década de 1840, PT Barnum operaba un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. Otro teatro musical temprano en Estados Unidos consistía en formas británicas, como burletta y pantomima, pero cómo se llamaba una pieza no necesariamente definía lo que era. La extravagancia de Broadway de 1852, The Magic Deer, se promocionó a sí misma como "Un cuento de encantamiento, extravaganzical, histórico y operativo, Serio Comico Tragico". El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad a Midtown alrededor de 1850 y no llegó al área de Times Square hasta las décadas de 1920 y 1930. Las carreras de Nueva York quedaron muy por detrás de las de Londres, pero la "burletta musical" de Laura Keene Seven Sisters (1860) rompió el récord anterior de teatro musical de Nueva York, con una serie de 253 funciones.\nAlrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llamó opérette . Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach desde la década de 1850 hasta la de 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. Las fértiles melodías de Offenbach, combinadas con la ingeniosa sátira de sus libretistas, formaron un modelo para el teatro musical que siguió. Las adaptaciones de las operetas francesas (interpretadas en su mayoría en malas y atrevidas traducciones), burlescos musicales , music hall, pantomima y burletta dominaron el escenario musical de Londres en la década de 1870.\nEn Estados Unidos, los espectáculos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluían revistas de variedades crudas , que eventualmente se convirtieron en vodevil , espectáculos de juglares , que pronto cruzaron el Atlántico hacia Gran Bretaña, y burlesque victoriano, popularizado por primera vez en los Estados Unidos por compañías británicas. Un musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook , fue una pieza de teatro musical original que se ajustaba a muchas de las definiciones modernas de un musical, incluida la danza y la música original que ayudó a contar la historia. La espectacular producción, famosa por su escaso vestuario, tuvo un récord de 474 presentaciones. El mismo año, The Black Domino / Between You, Me and the Post fue el primer programa en llamarse a sí mismo una "comedia musical". Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) y 1885. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomados de la vida cotidiana de las clases bajas de Nueva York y representaron un importante paso hacia una más forma teatral legítima . Protagonizaron cantantes de alta calidad ( Lillian Russell , Vivienne Segal y Fay Templeton ) en lugar de las damas de reputación cuestionable que habían protagonizado formas musicales anteriores.\nA medida que el transporte mejoró, la pobreza en Londres y Nueva York disminuyó y el alumbrado público hizo que los viajes nocturnos fueran más seguros, el número de clientes del creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras duraron más, lo que generó mejores ganancias y mejores valores de producción, y los hombres comenzaron a llevar a sus familias al teatro. La primera pieza de teatro musical que superó las 500 representaciones consecutivas fue la opereta francesa The Chimes of Normandy en 1878. La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas exitosas de la opereta europea, ninguna con más éxito que la serie de más de una docena de Gilbert y Óperas cómicas de Sullivan , incluidas HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885). Estas fueron sensaciones a ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el estándar de lo que se consideró un espectáculo exitoso. Estos espectáculos fueron diseñados para audiencias familiares, un marcado contraste con los burlescos subidos de tono, los espectáculos de music hall obscenos y las operetas francesas que a veces atraían a una multitud que buscaba un entretenimiento menos saludable. Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la carrera de The Mikado , como Dorothy , que se inauguró en 1886 y estableció un nuevo récord con una serie de 931 actuaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" los musicales para que la letra y el diálogo avanzaran en una historia coherente. Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña y Estados Unidos.\nMás información: comedia musical eduardiana\nA Trip to Chinatown (1891) fue el campeón a largo plazo de Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 funciones, pero las carreras de Nueva York continuaron siendo relativamente cortas, con algunas excepciones, en comparación con las carreras de Londres, hasta la década de 1920. Gilbert y Sullivan fueron tanto pirateadas e imitadas en Nueva York por producciones como Reginald De Koven 's Robin Hood (1891) y John Philip Sousa ' s El Capitán (1896). A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares ), seguida deespectáculos con tintes ragtime . Cientos de comedias musicales se representaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo XX, compuestas por canciones escritas en Tin Pan Alley de Nueva York, incluidas las de George M. Cohan , quien trabajó para crear un estilo estadounidense distinto de las obras de Gilbert y Sullivan. Los espectáculos más exitosos de Nueva York a menudo fueron seguidos por extensas giras nacionales.\nMientras tanto, los musicales se apoderaron del escenario londinense en los años noventa gay , liderados por el productor George Edwardes , quien percibió que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo Savoy y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical familiar y de vestimenta moderna, con canciones populares y desenfadadas, bromas románticas y ágiles y un espectáculo elegante en el Gaiety y sus otros teatros. Estos se basaron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos del burlesque y de las piezas de Harrigan y Hart. Reemplazó a las mujeres obscenas del burlesque con su cuerpo "respetable" de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito del primero de ellos, In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893) marcaron el estilo para las próximas tres décadas. Las tramas eran generalmente programas ligeros y románticos de "la pobre doncella ama al aristócrata y lo gana contra todo pronóstico", con música de Ivan Caryll , Sidney Jones y Lionel Monckton . Estos espectáculos fueron inmediatamente copiados ampliamente en Estados Unidos, y la comedia musical eduardiana barrió con las formas musicales anteriores de la ópera cómica y la opereta. La Geisha (1896) fue una de las más exitosas de la década de 1890, duró más de dos años y logró un gran éxito internacional.\nThe Belle of New York (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense en presentarse durante más de un año en Londres. La comedia musical británica Florodora (1899) fue un éxito popular en ambos lados del Atlántico, al igual que A Chinese Honeymoon (1901), que tuvo un récord de 1.074 actuaciones en Londres y 376 en Nueva York. Después del cambio de siglo XX, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de programas populares. Otros éxitos perdurables de comedia musical eduardiana incluyeron The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910).\nVirtualmente eliminadas del escenario de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con The Merry Widow , y las adaptaciones de operetas continentales se convirtieron en competidores directos de los musicales. Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial. En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de duraderas operetas, entre ellas The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), El molino rojo (1906) y Naughty Marietta (1910).\nEn la década de 1910, el equipo de PG Wodehouse , Guy Bolton y Jerome Kern , siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan , crearon los " espectáculos de Princess Theatre " y allanaron el camino para el trabajo posterior de Kern al demostrar que un musical podía combinar luz, entretenimiento con continuidad entre su historia y canciones. El historiador Gerald Bordman escribió:\nEstos espectáculos construyeron y pulieron el molde del que evolucionaron casi todas las comedias musicales importantes posteriores. ... Los personajes y las situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de la comedia musical, creíbles y el humor provenía de las situaciones o la naturaleza de los personajes. Las melodías exquisitamente fluidas de Kern se emplearon para promover la acción o desarrollar la caracterización. ... La comedia musical [eduardiana] era a menudo culpable de insertar canciones de manera impredecible. Los musicales de Princess Theatre provocaron un cambio de enfoque. PG Wodehouse, el letrista más observador, letrado e ingenioso de su época, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvieron una influencia que se sintió hasta el día de hoy.\nEl público que iba al teatro necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial , y acudieron en masa al teatro. El exitoso musical de 1919 Irene tuvo 670 presentaciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta 1938. El público del teatro británico apoyó presentaciones mucho más largas como la de The Maid of the Mountains (1.352 representaciones) y especialmente Chu Chin Chow . Su racha de 2.238 actuaciones fue más del doble que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años. Revistas como The Bing Boys Are Here en Gran Bretaña y las de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos también fueron extraordinariamente populares.\nLos musicales de los locos años veinte , tomados del vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar las grandes rutinas de baile y las canciones populares a expensas de la trama. Típicas de la década fueron las producciones alegres como Sally , Lady, Be Good , No, No, Nanette , Oh, Kay! y cara divertida . A pesar de historias olvidables, estos musicales contaron con estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares duraderas de Kern, George e Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porter y Rodgers and Hart . La música popular estuvo dominada por los estándares del teatro musical, como " Ritmo fascinante ", " Té para dos " y " Alguien que me vigile ". Muchos programas eran revistas , series de bocetos y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Las más conocidas fueron las Ziegfeld Follies anuales , espectaculares revistas de canciones y bailes en Broadway con decorados extravagantes, trajes elaborados y hermosas coristas. Estos espectáculos también elevaron los valores de producción y montar un musical en general se volvió más caro. Shuffle Along (1921), un espectáculo totalmente afroamericano fue un éxito en Broadway. También surgió una nueva generación de compositores de operetas en la década de 1920, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg , para crear una serie de éxitos populares de Broadway.\nEn Londres, escritores-estrellas como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, como Kern y otros compositores de Tin Pan Alley. comenzó a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz a los teatros, y los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway. El escritor de teatro musical Andrew Lamb señala: "Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más adecuado a la sociedad del siglo XX y su idioma vernáculo. Fue en Estados Unidos donde surgió el estilo más directo, y en Estados Unidos que pudo florecer en una sociedad en desarrollo menos atada a la tradición del siglo XIX ". En Francia, la comédie musicale se escribió en las primeras décadas del siglo para estrellas como Yvonne Printemps .\nA medida que se acercaba la Gran Depresión durante la gira nacional de Show Boat posterior a Broadway , el público volvió al entretenimiento en su mayoría ligero y escapista de canciones y bailes. Las audiencias de ambos lados del Atlántico tenían poco dinero para gastar en entretenimiento, y solo unos pocos espectáculos en cualquier lugar superaron las 500 funciones durante la década. La revista The Band Wagon (1931) estaba protagonizada por los socios de baile Fred Astaire y su hermana Adele , mientras que Anything Goes (1934) de Porter confirmaba la posición de Ethel Merman como Primera Dama del teatro musical, título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron ofreciendo musicales sentimentales pasados de moda, como The Dancing Years , mientras que Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos de Broadway, incluido On Your Toes (1936, con Ray Bolger , el primer musical de Broadway en hacen un uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y The Boys from Syracuse (1938). Porter añadió DuBarry Was a Lady (1939). La obra de teatro musical de más larga duración de la década de 1930 fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que representó 1.404 funciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway.\nSin embargo, algunos equipos creativos comenzaron a aprovechar las innovaciones de Show Boat . Of Thee I Sing (1931), una sátira política de los Gershwin, fue el primer musical que recibió el premio Pulitzer . As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o boceto se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway en el que una afroamericana, Ethel Waters , actuó junto a actores blancos. Los números de Waters incluyeron " Supper Time ", el lamento de una mujer por su esposo que ha sido linchado. Los Gershwin Porgy and Bess (1935) presentaron un elenco afroamericano y mezclan ópera, folk y jazz modismos. The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles , fue una pieza muy política sindical que, a pesar de la controversia que la rodea, tuvo 108 funciones. Rodgers y Hart Sería bastante Derecho (1937) era una sátira política con George M. Cohan como presidente Franklin D. Roosevelt , y Kurt Weill 's Knickerbocker Holiday representa la historia temprana de la ciudad de Nueva York, mientras que con buen humor satirizando intenciones buenas de Roosevelt.\nLa película representó un desafío para el escenario. Las películas mudas habían presentado una competencia limitada, pero a fines de la década de 1920, películas como The Jazz Singer podían presentarse con sonido sincronizado. Las películas "talkie" a bajo precio acabaron con el vodevil a principios de la década de 1930. A pesar de los problemas económicos de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, siguió evolucionando temáticamente más allá de los musicales gags y showgirls de los años noventa gay y veinte locos y el romance sentimental de la opereta, agregando experiencia técnica y el estilo de puesta en escena de ritmo rápido y diálogo naturalista dirigido por el director George Abbott .\n¡ Oklahoma de Rodgers y Hammerstein ! (1943) completó la revolución iniciada por Show Boat , integrando estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con una trama coherente, canciones que fomentaron la acción de la historia, y contó con ballets oníricos y otros bailes que avanzaron la trama y desarrollaron los personajes. , en lugar de usar la danza como excusa para hacer desfilar a mujeres con poca ropa por el escenario. Rodgers y Hammerstein contrataron a la coreógrafa de ballet Agnes de Mille , quien utilizó movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus ideas. Desafió las convenciones musicales levantando el telón de su primer acto no sobre un grupo de coristas, sino sobre una mujer batiendo mantequilla, con una voz fuera del escenario cantando las primeras líneas de Oh, What a Beautiful Mornin ' sin acompañamiento. Recibió críticas muy favorables, desató un frenesí de taquilla y recibió un premio Pulitzer . Brooks Atkinson escribió en The New York Times que el número de apertura del programa cambió la historia del teatro musical: "Después de un verso como ese, cantado con una melodía alegre, las banalidades del antiguo escenario musical se volvieron intolerables". Fue el primer espectáculo de Broadway "superventas", con un total de 2212 funciones, y se convirtió en una película de éxito. Sigue siendo uno de los proyectos del equipo producidos con más frecuencia. William A. Everett y Paul R. Laird escribieron que se trataba de un "espectáculo que, como Show Boat , se convirtió en un hito, de modo que los historiadores posteriores que escribieron sobre momentos importantes del teatro del siglo XX empezarían a identificar épocas de acuerdo con su relación con Oklahoma! "\n"¡Después de Oklahoma ! , Rodgers y Hammerstein fueron los contribuyentes más importantes a la forma de juego musical ... Los ejemplos que dieron al crear obras de teatro vitales, a menudo ricas en pensamiento social, proporcionaron el estímulo necesario para que otros escritores talentosos crearan obras musicales de los suyos ". Los dos colaboradores crearon una colección extraordinaria de algunos de los clásicos más queridos y perdurables del teatro musical, incluidos Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) y The Sound of Music (1959). Algunos de estos musicales tratan temas más serios que la mayoría de los programas anteriores: ¡el villano de Oklahoma! es un presunto asesino y psicópata con afición por las postales lascivas; Carrusel trata sobre el abuso conyugal, el robo, el suicidio y el más allá; South Pacific explora el mestizaje incluso más a fondo que Show Boat ; y el héroe del Rey y yo morimos en el escenario.\nLa creatividad del espectáculo estimuló a los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein y marcó el comienzo de la "Edad de Oro" del teatro musical estadounidense. Americana se exhibió en Broadway durante la "Edad de Oro", cuando comenzó a llegar el ciclo de espectáculos en tiempos de guerra. Un ejemplo de esto es On the Town (1944), escrito por Betty Comden y Adolph Green , compuesto por Leonard Bernstein y coreografiado por Jerome Robbins . La historia se desarrolla durante la guerra y se trata de tres marineros que se encuentran en una licencia de tierra de 24 horas en la ciudad de Nueva York, durante la cual cada uno se enamora. El espectáculo también da la impresión de un país con un futuro incierto, como también lo tienen los marineros y sus mujeres. Irving Berlin utilizó la carrera de la francotiradora Annie Oakley como base para su Annie Get Your Gun (1946, 1.147 actuaciones); Burton Lane , EY Harburg y Fred Saidy combinaron la sátira política con la fantasía irlandesa para su fantasía Finian's Rainbow (1947, 725 representaciones); y Cole Porter se inspiró en William Shakespeare 's La fierecilla domada para Kiss Me, Kate (1948, 1.077 actuaciones). Los musicales estadounidenses abrumaron a los anticuados espectáculos de estilo británico Coward / Novello, uno de cuyos últimos grandes éxitos fue Perchance to Dream de Novello (1945, 1.021 actuaciones). La fórmula de los musicales de la Edad de Oro reflejaba una o más de las cuatro percepciones ampliamente aceptadas del "sueño americano": que la estabilidad y el valor derivan de una relación de amor sancionada y restringida por los ideales protestantes del matrimonio; que una pareja casada debería tener un hogar moral con niños fuera de la ciudad en un suburbio o pueblo pequeño; que la función de la mujer era la de ama de casa y madre; y que los estadounidenses incorporen un espíritu pionero e independiente o que su éxito sea hecho por ellos mismos.\nMás información: Película musical\nLa década de 1950 fue crucial para el desarrollo del musical estadounidense. Damon Runyon 's eclécticos personajes estaban en el centro de Frank Loesser 's y Abe Burrows ' Ellos y ellas (1.200 actuaciones en 1950,),; y la fiebre del oro fue el escenario de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe Es La leyenda (1951). La relativamente breve, de siete meses de gestión de ese espectáculo no desanimó a Lerner y Loewe de colaborar de nuevo, esta vez en My Fair Lady (1956), una adaptación de George Bernard Shaw 's Pigmalión protagonizada por Rex Harrison y Julie Andrews , que en 2717 Las actuaciones mantuvieron el récord a largo plazo durante muchos años. Se hicieron películas populares de Hollywood de todos estos musicales. Esto superó la racha de dos éxitos de los creadores británicos: The Boy Friend (1954), que tuvo 2.078 representaciones en Londres y marcó el debut estadounidense de Andrews, fue brevemente el tercer musical de mayor duración en West End o Broadway (después de Chu Chin Chow y Oklahoma! ), Hasta que Salad Days (1954) superó su racha y se convirtió en el nuevo poseedor del récord a largo plazo, con 2.283 actuaciones.\nOtro récord lo estableció The Threepenny Opera , que tuvo 2,707 funciones, convirtiéndose en el musical fuera de Broadway de mayor duración hasta The Fantasticks . La producción también fue pionera al demostrar que los musicales podrían ser rentables fuera de Broadway en un formato de pequeña orquesta a pequeña escala. Esto se confirmó en 1959, cuando un renacimiento de Jerome Kern y PG Wodehouse 's dejo a Jane corrió durante más de dos años. La temporada 1959-1960 Off-Broadway incluyó una docena de musicales y revistas, entre ellos Little Mary Sunshine , The Fantasticks y Ernest in Love , una adaptación musical del éxito de 1895 de Oscar Wilde The Importance of Being Earnest .\nWest Side Story (1957) transportó a Romeo y Julieta a la actual ciudad de Nueva York y convirtió a las familias Montague y Capulet en pugna en bandas étnicas opuestas, los Jets y los Tiburones. El libro fue adaptado por Arthur Laurents , con música de Leonard Bernstein y letra del debutante Stephen Sondheim . Fue bien acogido por la crítica, pero no pudo ser una opción popular para las "señoras de pelo azul matinales", que preferían la pequeña ciudad de River City, Iowa de Meredith Willson 's The Music Man (1957) a los callejones de Manhattan ' s Upper West Side. Aparentemente , los votantes del Premio Tony tenían una opinión similar, ya que favorecían al primero sobre el segundo. West Side Story tuvo una carrera respetable de 732 presentaciones (1.040 en el West End), mientras que The Music Man corrió casi el doble, con 1.375 presentaciones. Sin embargo, la película de 1961 de West Side Story tuvo un gran éxito. Laurents y Sondheim se unieron nuevamente para Gypsy (1959, 702 presentaciones), con Jule Styne proporcionando la música para una historia detrás del escenario sobre la madre de escenario más impulsada de todos los tiempos, Rose , la madre de lastripper Gypsy Rose Lee . La producción original tuvo una duración de 702 funciones, y se le dieron cuatro avivamientos posteriores, con Angela Lansbury , Tyne Daly , Bernadette Peters y Patti LuPone abordando más tarde el papel que hizo famoso Ethel Merman.\nAunque los directores y coreógrafos han tenido una gran influencia en el estilo del teatro musical desde al menos el siglo XIX, George Abbott y sus colaboradores y sucesores asumieron un papel central en la integración total del movimiento y la danza en las producciones de teatro musical en la Edad de Oro. Abbott introdujo el ballet como un dispositivo para contar historias en On Your Toes en 1936, al que siguió el ballet y la coreografía de Agnes de Mille en Oklahoma. . Después de que Abbott colaboró con Jerome Robbins en On the Town y otros programas, Robbins combinó los roles de director y coreógrafo, enfatizando el poder narrativo de la danza en West Side Story , A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962) y El violinista en el tejado (1964). Bob Fosse coreografió para Abbott en The Pyjama Game (1956) y Damn Yankees (1957), inyectando sexualidad lúdica en esos éxitos. Posteriormente fue director-coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) y Chicago (1975). Otros directores-coreógrafos notables han incluido Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne y Susan Stroman . Entre los directores destacados se encuentran Hal Prince , quien también comenzó con Abbott, y Trevor Nunn .\nDurante la Edad de Oro, las compañías automotrices y otras grandes corporaciones comenzaron a contratar talentos de Broadway para escribir musicales corporativos , espectáculos privados que solo veían sus empleados o clientes. La década de 1950 terminó con el último éxito de Rodgers y Hammerstein , The Sound of Music , que también se convirtió en otro éxito para Mary Martin. Tuvo 1,443 presentaciones y compartió el premio Tony al Mejor Musical. Junto con su exitosa versión cinematográfica de 1965 , se ha convertido en uno de los musicales más populares de la historia.\nEn 1960, The Fantasticks se produjo por primera vez fuera de Broadway. Este íntimo espectáculo alegórico se desarrolló silenciosamente durante más de 40 años en el Sullivan Street Theatre en Greenwich Village , convirtiéndose, con mucho, en el musical de mayor duración de la historia. Sus autores produjeron otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! ¡Hago! , el primer musical de Broadway de dos personajes. La década de 1960 vería una serie de éxitos de taquilla, como Fiddler on the Roof (1964; 3242 actuaciones), Hello, Dolly! (1964; 2.844 actuaciones), Funny Girl (1964; 1.348 actuaciones) y El hombre de La Mancha (1965; 2.328 actuaciones), y algunas piezas más atrevidas como Cabaret , antes de terminar con la aparición del musical rock . Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la historia del teatro musical a partir de esta década: Stephen Sondheim y Jerry Herman .\nEl primer proyecto para el que Sondheim escribió tanto música como letras fue A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 representaciones), con un libro basado en las obras de Plautus de Burt Shevelove y Larry Gelbart , protagonizado por Zero Mostel . Sondheim trasladó el musical más allá de su concentración en las tramas románticas típicas de épocas anteriores; su trabajo tendía a ser más oscuro, explorando los lados más duros de la vida tanto en el presente como en el pasado. Otras obras tempranas de Sondheim incluyen Anyone Can Whistle (1964, que tuvo solo nueve actuaciones, a pesar de tener estrellas como Lee Remick y Angela Lansbury ), y la exitosa Compañía (1970), Follies (1971) y A Little Night Music (1973). Más tarde, Sondheim encontró inspiración en fuentes inverosímiles: la apertura de Japón al comercio occidental de Pacific Overtures (1976), un legendario barbero asesino que buscaba venganza en la era industrial de Londres por Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat para el domingo de el parque con George (1984), cuentos de hadas para Into the Woods (1987) y una colección de asesinos presidenciales en Assassins (1990).\nJerry Herman jugó un papel importante en el teatro musical estadounidense, comenzando con su primera producción de Broadway, Milk and Honey (1961, 563 funciones), sobre la fundación del estado de Israel y continuando con los éxitos de taquilla Hello, Dolly! (1964, 2.844 representaciones), Mame (1966, 1.508 representaciones) y La Cage aux Folles (1983, 1.761 representaciones). Incluso sus programas menos exitosos como Dear World (1969) y Mack and Mabel (1974) han tenido partituras memorables ( Mack and Mabel fue posteriormente reelaborado en un éxito de Londres). Al escribir palabras y música, muchas de las melodías de los programas de Herman se han convertido en estándares populares, como " ¡Hola, Dolly! ", "Necesitamos una pequeña Navidad", "Soy lo que soy", "Mame", "Lo mejor de los tiempos". , "Before the Parade Passes By", "Ponte la ropa del domingo", "Solo toma un momento", "Bosom Buddies" y "I Won't Send Roses", grabadas por artistas como Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark y Bernadette Peters. El cancionero de Herman ha sido objeto de dos revistas musicales populares, Jerry's Girls (Broadway, 1985) y Showtune (off-Broadway, 2003).\n"Acuario", coro del elenco original de Broadway de Hair\nEl musical comenzó a divergir de los límites relativamente estrechos de la década de 1950. La música rock se utilizaría en varios musicales de Broadway, comenzando con Hair , que presentaba no solo música rock, sino también desnudos y opiniones controvertidas sobre la guerra de Vietnam , las relaciones raciales y otros problemas sociales.\nDespués de Show Boat y Porgy and Bess , y a medida que avanzaba la lucha en Estados Unidos y en otros lugares por los derechos civiles de las minorías , Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg y otros se animaron a escribir más musicales y óperas que tenían como objetivo normalizar la tolerancia social de las minorías e instaron a armonía racial. Los trabajos de la Edad de Oro temprana que se enfocaban en la tolerancia racial incluían Finian's Rainbow y South Pacific . Hacia el final de la Edad de Oro, varios programas abordaron temas y problemas judíos, como Fiddler on the Roof , Milk and Honey , Blitz! y más tarde Rags . El concepto original que se convirtió en West Side Story se estableció en el Lower East Side durante las celebraciones de Pascua-Pascua; las bandas rivales serían judías e italianas católicas . El equipo creativo decidió más tarde que el conflicto polaco (blanco) contra puertorriqueño era más fresco.\nLa tolerancia como tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A fines de la década de 1960, los musicales se integraron racialmente, con miembros del elenco en blanco y negro incluso cubriendo los roles de los demás, como lo hicieron en Hair . La homosexualidad también se ha explorado en musicales, comenzando con Hair , e incluso más abiertamente en La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch y otros programas en las últimas décadas. Parade es una exploración sensible tanto del antisemitismo como del racismo histórico estadounidense , y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en Estados Unidos.\nDespués del éxito de Hair , los musicales de rock florecieron en la década de 1970, con Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita y Two Gentlemen of Verona . Algunos de ellos comenzaron como " álbumes conceptuales " que luego se adaptaron al escenario, entre los que destacan Jesucristo Superstar y Evita . Otros no tenían diálogo o recordaban a la ópera, con temas dramáticos y emocionales; estos a veces comenzaron como álbumes conceptuales y se denominaron óperas de rock . Programas como Raisin , Dreamgirls , Purlie y The Wiz trajeron una importante influencia afroamericana a Broadway. Se incorporaron géneros y estilos musicales más variados a los musicales tanto dentro como fuera de Broadway. Al mismo tiempo, Stephen Sondheim tuvo éxito con algunos de sus musicales, como se mencionó anteriormente.\nEn 1975, el musical de baile A Chorus Line surgió de sesiones grabadas al estilo de terapia grupal que Michael Bennett dirigió con "gitanos", los que cantan y bailan en apoyo de los principales intérpretes, de la comunidad de Broadway. A partir de cientos de horas de cintas, James Kirkwood Jr. y Nick Dante crearon un libro sobre una audición para un musical, incorporando muchas historias de la vida real de las sesiones; algunos de los que asistieron a las sesiones eventualmente tocaron variaciones de ellos mismos o entre ellos en el programa. Con música de Marvin Hamlisch y letra de Edward Kleban , A Chorus Line abrió por primera vez en el Joseph Papp 's Public Theater en el bajo Manhattan. Lo que inicialmente se había planeado como un compromiso limitado finalmente se trasladó al Teatro Shubert en Broadway para una serie de 6.137 funciones, convirtiéndose en la producción de más larga duración en la historia de Broadway hasta ese momento. El programa arrasó en los premios Tony y ganó el premio Pulitzer , y su exitosa canción, What I Did for Love , se convirtió en un estándar.\nEl público de Broadway dio la bienvenida a musicales que variaban del estilo y sustancia de la época dorada. John Kander y Fred Ebb exploraron el surgimiento del nazismo en Alemania en Cabaret , y el asesinato y los medios de comunicación en Prohibition -era Chicago , que se basó en viejas técnicas de vodevil . Pippin , de Stephen Schwartz , se desarrolla en los días de Carlomagno . Federico Fellini 's película autobiográfica 8½ se convirtió en Maury Yeston ' s Nueve . Al final de la década, Evita y Sweeney Todd fueron los precursores de los musicales más oscuros y de gran presupuesto de la década de 1980 que dependían de historias dramáticas, bandas sonoras y efectos espectaculares. Al mismo tiempo, los valores pasados de moda todavía se abrazaron en éxitos como Annie , 42nd Street , My One and Only , y las resurgimientos populares de No, No, Nanette e Irene . Aunque muchas versiones cinematográficas de musicales se hicieron en la década de 1970, pocas fueron éxitos de crítica o de taquilla, con las notables excepciones de Fiddler on the Roof , Cabaret y Grease .\nLa década de 1980 vio la influencia de los " megamusicales " europeos en Broadway, en el West End y en otros lugares. Por lo general, cuentan con una partitura de influencia pop, grandes repartos y decorados espectaculares y efectos especiales: una lámpara de araña que cae (en El fantasma de la ópera ); un helicóptero aterrizando en el escenario (en Miss Saigon ) - y grandes presupuestos. Algunos se basaron en novelas u otras obras literarias. El equipo británico del compositor Andrew Lloyd Webber y el productor Cameron Mackintosh iniciaron el fenómeno megamusical con su musical Cats de 1981 , basado en los poemas de TS Eliot , que superó a A Chorus Line para convertirse en el espectáculo de Broadway de mayor duración. Lloyd Webber siguió con Starlight Express (1984), realizado sobre patines; El fantasma de la ópera (1986; también con Mackintosh), derivado de la novela del mismo nombre ; y Sunset Boulevard (1993), de la película de 1950 del mismo nombre . Phantom superaría a Cats para convertirse en el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway, un récord que aún mantiene. El equipo francés de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil escribió Les Misérables , basada en la novela del mismo nombre , cuya producción londinense de 1985 fue producida por Mackintosh y se convirtió, y sigue siendo, el musical de mayor duración en la historia de West End y Broadway. . El equipo produjo otro éxito con Miss Saigon (1989), que se inspiró en la ópera Madama Butterfly de Puccini .\nLos enormes presupuestos de los megamusicales redefinieron las expectativas de éxito financiero en Broadway y en el West End. En años anteriores, era posible que un programa se considerara un éxito después de una serie de cientos de representaciones, pero con costos de producción multimillonarios, un programa debe durar años simplemente para obtener ganancias. Los megamusicales también se reprodujeron en producciones en todo el mundo, multiplicando su potencial de ganancias y expandiendo la audiencia global para el teatro musical.\nEn la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales, incluidos Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa , que comenzaron con producciones Off-Broadway. El éxito más notorio de estos artistas fue el espectáculo Rent (1996) de Jonathan Larson , un musical de rock (basado en la ópera La bohème ) sobre una comunidad de artistas en apuros en Manhattan. Si bien el costo de las entradas para los musicales de Broadway y West End aumentaba más allá del presupuesto de muchos espectadores, Rent se comercializó para aumentar la popularidad de los musicales entre un público más joven. Contó con un elenco joven y una banda sonora fuertemente influenciada por el rock; el musical se convirtió en un éxito. Sus jóvenes fanáticos, muchos de ellos estudiantes, que se hacen llamar RENTheads], acamparon en el Nederlander Theatre con la esperanza de ganar la lotería por boletos de $ 20 en primera fila, y algunos vieron el espectáculo docenas de veces. Otros espectáculos en Broadway siguieron el ejemplo de Rent al ofrecer entradas con grandes descuentos para el día de la actuación o para estar de pie, aunque a menudo los descuentos se ofrecen sólo a estudiantes.\nLa década de 1990 también vio la influencia de las grandes corporaciones en la producción de musicales. La más importante ha sido Disney Theatrical Productions , que comenzó a adaptar algunos de los musicales de animación de Disney para el escenario, comenzando con La bella y la bestia (1994), El rey león (1997) y Aida (2000), estos dos últimos con música de Elton John . El Rey León es el musical más taquillero en la historia de Broadway. The Who's Tommy (1993), una adaptación teatral de la ópera rock Tommy , logró una buena racha de 899 representaciones, pero fue criticada por sanear la historia y "hacer teatro musical" la música rock.\nA pesar del creciente número de musicales a gran escala en las décadas de 1980 y 1990, varios musicales de menor presupuesto y menor escala lograron encontrar éxito crítico y financiero, como Falsettoland y Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical y Blood. Hermanos . Los temas de estas piezas varían mucho y la música va desde el rock hasta el pop, pero a menudo se producen fuera de Broadway o para teatros más pequeños de Londres, y algunas de estas representaciones se han considerado imaginativas e innovadoras.\nEn el nuevo siglo, la familiaridad ha sido adoptada por productores e inversores ansiosos por garantizar que recuperen sus considerables inversiones. Algunos se arriesgaron (por lo general con un presupuesto modesto) en material nuevo y creativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2007), Junto a Normal (2009), American Idiot (2010) y El Libro de Mormón (2011). Hamilton (2015), transformó la "historia estadounidense poco dramatizada" en un inusual éxito con inflexión de hip-hop. En 2011, Sondheim argumentó que de todas las formas de "música pop contemporánea", el rap era "el más cercano al teatro musical tradicional" y era "un camino hacia el futuro".\nSin embargo, la mayoría de las producciones del siglo XXI de los principales mercados han tomado una ruta segura, con resurgimientos de platos familiares, como Fiddler on the Roof , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story y Grease , o con adaptaciones de otro material probado, como la literatura ( The Scarlet Pimpernel , Wicked y Fun Home ), con la esperanza de que los programas tengan una audiencia incorporada como resultado. Esta tendencia es especialmente persistente con las adaptaciones cinematográficas, que incluyen ( The Producers , Spamalot , Hairspray , Legally Blonde , The Color Purple , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Waitress y Groundhog Day ). Algunos críticos han argumentado que la reutilización de tramas cinematográficas, especialmente las de Disney (como Mary Poppins y La Sirenita ), equipara el musical de Broadway y West End con una atracción turística, en lugar de una salida creativa.\nHoy en día, es menos probable que un solo productor, como David Merrick o Cameron Mackintosh , respalde una producción. Los patrocinadores corporativos dominan Broadway y, a menudo, se forman alianzas para presentar musicales, que requieren una inversión de $ 10 millones o más. En 2002, los créditos de Thoroughly Modern Millie enumeraban diez productores, y entre esos nombres había entidades compuestas por varias personas. Por lo general, los teatros regionales y fuera de Broadway tienden a producir musicales más pequeños y, por lo tanto, menos costosos, y el desarrollo de nuevos musicales ha tenido lugar cada vez más fuera de Nueva York y Londres o en lugares más pequeños. Por ejemplo, Spring Awakening , Fun Home y Hamilton se desarrollaron fuera de Broadway antes de lanzarse en Broadway.\nVarios musicales volvieron al formato de espectáculo que tuvo tanto éxito en la década de 1980, recordando extravagancias que se han presentado en ocasiones, a lo largo de la historia del teatro, desde que los antiguos romanos protagonizaron simulacros de batallas navales. Los ejemplos incluyen las adaptaciones musicales de El señor de los anillos (2007), Lo que el viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). Estos musicales involucraban a compositores con poca experiencia teatral, y las costosas producciones generalmente perdían dinero. Por el contrario, The Drowsy Chaperone , Avenue Q , The 25th Annual Putnam County Spelling Bee , Xanadu y Fun Home , entre otros, se han presentado en producciones a menor escala, en su mayoría sin interrupciones por un intermedio, con tiempos de ejecución cortos, y gozaron de éxito financiero. En 2013, la revista Time informó que una tendencia fuera de Broadway ha sido el teatro "inmersivo", citando espectáculos como Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) y Here Lies Love (2013) en los que la puesta en escena se desarrolla alrededor y dentro de la audiencia. Los espectáculos establecieron un récord conjunto, cada uno recibió 11 nominaciones para los premios Lucille Lortel y cuentan con partituras contemporáneas.\nEn 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el premio Tony a la mejor banda sonora sin un colaborador masculino" por escribir la música y la letra de Kinky Boots . En 2015, por primera vez, un equipo de escritoras compuesto exclusivamente por mujeres , Lisa Kron y Jeanine Tesori , ganó el premio Tony a la mejor banda sonora original (y al mejor libro para Kron) por Fun Home , aunque el trabajo de los compositores masculinos sigue produciéndose más. a menudo.\nOtra tendencia ha sido crear una trama mínima para adaptarse a una colección de canciones que ya han sido éxitos. Tras el éxito anterior de Buddy - The Buddy Holly Story , estos han incluido Movin 'Out (2002, basado en las melodías de Billy Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, con rock clásico de la década de 1980) y muchos otros. Este estilo a menudo se conoce como el " musical jukebox ". ¡Se han construido musicales similares pero más basados en la trama en torno al canon de un grupo pop en particular, incluido Mamma Mia! (1999, basado en las canciones de ABBA ), Our House (2002, basado en las canciones de Madness ) y We Will Rock You (2002, basado en las canciones de Queen ).\nLos musicales de películas de acción en vivo estaban casi muertos en la década de 1980 y principios de la de 1990, con excepciones de Victor / Victoria , Little Shop of Horrors y la película de 1996 de Evita . ¡En el nuevo siglo, Baz Luhrmann comenzó un renacimiento del musical cinematográfico con Moulin Rouge! (2001). Esto fue seguido por Chicago (2002); Fantasma de la ópera (2004); Alquiler (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray , Enchanted y Sweeney Todd (todos en 2007); ¡Madre mía! (2008); Nueve (2009); Les Misérables y Pitch Perfect (ambos en 2012), Into The Woods y The Last Five Years (2014) y La La Land (2016), entre otros. ¡ Cómo el Grinch se robó la Navidad del Dr. Seuss ! (2000) y El gato en el sombrero (2003), convirtieron los libros para niños en películas musicales de acción real. Después del inmenso éxito de Disney y otras casas con películas musicales animadas que comenzaron con La Sirenita en 1989 y se extendieron a lo largo de la década de 1990 (incluidas algunas películas más de temática para adultos, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), menos animaciones Los musicales cinematográficos se estrenaron en la primera década del siglo XXI. El género regresó a partir de 2010 con Tangled (2010), Rio (2011) y Frozen (2013). En Asia, la India sigue produciendo numerosos musicales cinematográficos de "Bollywood", y Japón produce musicales cinematográficos "Anime" y "Manga".\nMade for TV Las películas musicales fueron populares en la década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderella (1997) y Annie (1999). Varios realizados para musicales de televisión en la primera década del siglo XXI fueron adaptaciones de la versión teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) y Once Upon a Mattress (2005), y una versión televisada del escenario. musical Legally Blonde en 2007. Además, se filmaron varios musicales en el escenario y se transmitieron en la televisión pública, por ejemplo Contact en 2002 y Kiss Me, Kate and Oklahoma! en 2003. El musical High School Musical (2006), y sus varias secuelas, gozaron de un éxito particular y fueron adaptados para musicales de teatro y otros medios.\nEn 2013, NBC comenzó una serie de transmisiones televisivas en vivo de musicales con The Sound of Music Live! Aunque la producción recibió críticas mixtas, fue un éxito de audiencia. ¡Otras transmisiones han incluido Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), una transmisión del Reino Unido, The Sound of Music Live ( ITV 2015) Grease: Live ( Fox 2016), Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017) y Rent: Live (Fox 2019).\nAlgunos programas de televisión han establecido episodios como musicales. Los ejemplos incluyen episodios de Ally McBeal , Xena: Warrior Princess ("The Bitter Suite" y "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych (" Psych: The Musical "), Buffy the Vampire Slayer (" Once More, with Feeling "), Eso es tan Raven , Daria , El laboratorio de Dexter , Las chicas superpoderosas , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs (un episodio fue escrito por los creadores de Avenue Q ), Batman: The Brave and the Bold ( " Mayhem of the Music Meister " ) y That '70s Show (el episodio 100," That' 70s Musical "). Otros han incluido escenas en las que los personajes de repente comienzan a cantar y bailar en un estilo de teatro musical durante un episodio, como en varios episodios de Los Simpson , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob's Burgers y Family Guy . La serie de televisión Cop Rock utilizó ampliamente el formato musical, al igual que las series Flight of the Conchords , Glee , Smash y Crazy Ex-Girlfriend .\nTambién se han realizado musicales para Internet, incluido el Blog Sing-Along del Dr. Horrible , sobre un supervillano de bajo costo interpretado por Neil Patrick Harris . Fue escrito durante la huelga de escritores de la WGA . Desde 2006, los programas de televisión de realidad se han utilizado para ayudar a comercializar los avivamientos musicales mediante la celebración de una competencia de talentos para elegir protagonistas (generalmente mujeres). Ejemplos de estos son ¿Cómo resuelves un problema como María? , Grease: ¡Eres el que quiero! , Cualquier sueño servirá , Legalmente rubia: El musical - La búsqueda de Elle Woods , Haría cualquier cosa y sobre el arco iris .\nLos musicales exitosos de Europa continental incluyen espectáculos de (entre otros países) Alemania ( Elixier y Ludwig II ), Austria ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart! Y Rebecca ), República Checa ( Drácula ), Francia ( Notre-Dame de Paris , Les Misérables , Roméo et Juliette y Mozart, l'opéra rock ) y España ( Hoy no me puedo levantar y El Musical Sancho Panza ).\nJapón ha visto recientemente el crecimiento de una forma indígena de teatro musical, tanto de animación como de acción en vivo, principalmente basada en Anime y Manga , como Kiki's Delivery Service y Tenimyu . La popular metaserie de Sailor Moon ha tenido veintinueve musicales de Sailor Moon , que abarcan trece años. A partir de 1914, la Takarazuka Revue , compuesta exclusivamente por mujeres , ha realizado una serie de revistas populares , que actualmente cuenta con cinco compañías. En otras partes de Asia, el musical indio de Bollywood , principalmente en forma de películas, tiene un gran éxito.\nComenzando con una gira de 2002 por Les Misérables , varios musicales occidentales se han importado a China continental y se han representado en inglés. Los intentos de localizar las producciones occidentales en China comenzaron en 2008 cuando Fame se produjo en mandarín con un elenco chino completo en la Academia Central de Drama de Beijing. Desde entonces, otras producciones occidentales se han presentado en China en mandarín con un elenco chino. La primera producción china al estilo del teatro musical occidental fue The Gold Sand en 2005. Además, Li Dun, un conocido productor chino, produjo Butterflies , basada en una clásica tragedia de amor china, en 2007, así como Love U Teresa. en 2011.\nLos musicales suelen ser presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. Aunque el teatro amateur ha existido durante siglos, incluso en el Nuevo Mundo, François Cellier y Cunningham Bridgeman escribieron, en 1914, que antes de finales del siglo XIX, los profesionales trataban con desprecio a los actores aficionados. Después de la formación de las compañías de aficionados Gilbert y Sullivan con licencia para interpretar las óperas de Saboya , los profesionales reconocieron que las sociedades de aficionados "apoyan la cultura de la música y el teatro. Ahora son aceptadas como escuelas de formación útiles para el escenario legítimo y de las filas de voluntarios. han surgido muchos favoritos de la actualidad ". La National Operatic and Dramatic Association se fundó en el Reino Unido en 1899. En 1914, informó que cerca de 200 sociedades dramáticas de aficionados estaban produciendo obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña ese año. Del mismo modo, se fundaron más de 100 teatros comunitarios en los Estados Unidos a principios del siglo XX. Este número ha aumentado a un estimado de 18.000 en los EE. UU. La Asociación de Teatro Educativo de los Estados Unidos tiene casi 5,000 escuelas miembros.\nLa Liga de Broadway anunció que en la temporada 2007-08, se compraron 12.27 millones de boletos para espectáculos de Broadway por un monto de venta bruta de casi mil millones de dólares. La Liga informó además que durante la temporada 2006–07, aproximadamente el 65% de las entradas para Broadway fueron compradas por turistas, y que los turistas extranjeros fueron el 16% de los asistentes. La Society of London Theatre informó que 2007 estableció un récord de asistencia en Londres. El total de asistentes en los principales teatros comerciales y subvencionados del centro de Londres fue de 13,6 millones, y los ingresos totales por entradas fueron de £ 469,7 millones. Además, la escena musical internacional ha sido particularmente activa en los últimos años. Stephen Sondheim comentó en el año 2000:\nTienes dos tipos de espectáculos en Broadway: reavivamientos y el mismo tipo de musicales una y otra vez, todos espectáculos. Obtienes tus boletos para El Rey León con un año de anticipación, y esencialmente una familia ... transmites a sus hijos la idea de que eso es lo que es el teatro: un musical espectacular que ves una vez al año, una versión teatral de una película. No tiene nada que ver con el teatro. Tiene que ver con ver lo familiar. ... No creo que el teatro muera per se, pero nunca volverá a ser lo que era ... Es una atracción turística ".\nAllain, Paul; Harvie, Jen (2014). El compañero de Routledge para el teatro y la interpretación . Routledge . 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6 asistencias en 6 partidos: Lewandowski, el nuevo asistente del Bayern\nMás que un simple goleador\nLa temporada pasada, Robert Lewandowski demostró de manera impresionante que tiene más que ofrecer que la mayoría de los máximos goleadores del mundo. Ningún otro atacante de las principales ligas europeas se acercaron a sus 55 goles en partidos oficiales en la última temporada. Pero que el jugador polaco de 32 años es más que un simple goleador, tal y como ha demostrado recientemente. ¡Y de qué manera!\nPunto de inflexión gracias a la asistencia de Lewy\nGracias a la asistencia de Lewandowski, el Bayern pudo alzar el trofeo al cielo nocturno de Budapest.\nDespués de que Lewandowski repartiese dos asistencias para el Bayern en el primer partido de la Bundesliga ante el FC Schalke, el número 9 pudo cambiar de rumbo en la final de la Supercopa de la UEFA ante el Sevilla con una nueva e inteligente asistencia. Se habían jugado 34 minutos en Budapest, cuando el excepcional delantero sirvió un pase sensible y técnicamente perfecto, que Leon Goretzka aprovechó para anotar el importante empate a uno. "Este gol nos devolvió al partido", dijo el entrenador Hansi Flick.\nSeis asistencias en seis partidos\nNo hay problema en dejar que sus colegas sean los finalizadores. Lewandowksi no solo brilla como goleador sino también como asistente.\nDe este modo, Lewandowski demostró estar más que pendiente a los movimientos de sus compañeros de equipo por sexta vez en los últimos seis partidos oficiales, marcó en el primer partido de la Bundesliga, e incluso asombró a todo el mundo con su sorprendente "rabona". Con un total de tres disparos a puerta, también sirvió a sus compañeros en la final de Budapest tantas veces como tiros a puerta completó.\nLewandowski, un jugador de clase mundial\nAl máximo goleador de la temporada pasada se le negó el gol en esta ocasión, pero su participación en la victoria por el título fue una vez más enorme. Porque Lewandowski puede hacer más que ser el que anota. Por cierto, Flick lo llamó un jugador de "clase mundial" antes de dar el pase del empate. Un atributo que en la actualidad está más que justificado por los increíbles logros del delantero centro.\nHerbert Hainer no puede dejar de emocionarse con las actuaciones de Lewandowski y compañía:\nHainer: "Es increíble y grandioso"\nEl FCB estableció un nuevo récord con su 23ª victoria consecutiva\nNoticiasSupercopaSevilla FCRobert Lewandowski


Bamba Política: Para pelearse se necesitan dos y con el PRI no cuenten para eso: Erick Lagos\nPara pelearse se necesitan dos y con el PRI no cuenten para eso: Erick Lagos\nXalapa, Veracruz.- Durante conferencia de prensa y en presencia de la secretaria general del Comité Ejecutivo Nacional del Partido Revolucionario Institucional, Ivonne Ortega Pacheco, el presidente del Comité Directivo Estatal del PRI, Erick Lagos Hernández, aseguró que con las acusaciones sin sustento que está realizando Acción Nacional se está viendo la desesperación, angustia y falta de argumentos por lo que están recurriendo a prácticas viejas y obsoletas.\nAcompañado por la secretaria general del CDE, Erika Ayala Ríos; Américo Zúñiga Martínez, candidato a la presidencia municipal de Xalapa; Ricardo Ahued Bardahuil, candidato a la diputación local por el distrito 11 con cabecera en esta ciudad capital; así como Corintia Cruz Oregón, candidata suplente a la diputación local por el distrito 12; Erick Lagos retomó el caso de Tlalixcoyan, como también Tierra Blanca, donde dijo las administraciones son panistas y crean cortinas de humo debido a que sus candidatos no levantan en las preferencias del electorado.\n“Cuando fui a Tierra Blanca lo que vi y escuche en la prensa y en la radio, que son los mejores informados, es que fue un autoincendio, para generar una cortina de humo y ocultar un escándalo de índole sexual en donde está involucrado su candidato a la diputación local; y es también lo que pasa Tlalixcoyan, gobierno municipal de Acción Nacional, donde supuestamente balacearon la casa del candidato panista y el que presenta la denuncia no es el agraviado sino el comandante de la policía”, añadió Lagos Hernández.\nReiteró que la violencia no genera nada bueno para la ciudadanía por ello el Revolucionario Institucional y sus candidatos están haciendo una campaña alejada de esta situación “para pelearse se necesitan dos y con el PRI no cuentan para eso”, subrayó.


Jardines de Villandry by Robin Hood 1169 views\nRecordatoria a series y cosas que ahora la gente de 1991 universitaria no sabe....\n2. La gente que entró a las universidades el año pasado nació en 1991. Para ellos ha existido siempre la democracia. Nunca cantaron “Viva la gente, la hay donde quiera que vas…”, y cuando García Márquez ganó el Nóbel ni siquiera sabían leer.\n3. Tenían 3 años cuando la Unión Soviética se desintegró. No se acuerdan de la Guerra Fría, no saben lo que es la cortina de hierro y solo conocen una Alemania, aunque en el colegio les hayan contado que hubo dos. Son demasiado jóvenes para acordarse de la explosión del transbordador espacial “Challenger“.\n6. Nacieron nueve años después que Sony puso a la venta el Walkman. Para ellos los patines siempre han tenido las ruedas en línea y ni hablemos de la normalidad con la que ven un teléfono móvil o un ordenador personal… Las “Gondolas” son venecianas.


Fotos del actor chileno Cristián de la Fuente y su parecido con Henry Cavill - VIX\nHenry Cavill tiene un clon chileno del que (también) te enamorarás\n¿Te imaginas a un doble del protagonista de The Witcher, Henry Cavill? Igual de musculoso, talentoso y carismático... bueno, pues no tienes que imaginarlo porque ¡existe! Su nombre es Cristián de la Fuente, un actor chileno de 45 años de edad que, sin duda alguna, ocupa uno de los puestos de los latinos más guapos de la farándula.\nCristián Andres de la Fuente Sabarots es un conductor, modelo y productor radicado en Estados Unidos que ha participado en películas como Lusers, Enamorándome de Abril, Siete años de matrimonio, Dawson Isla 10 y Once upon a wedding.\nTambién ha sido actor de doblaje interpretando a personajes como el unicornio Buttercup en Toy Story 3 y a Pepe Cortisona de Condorito.\nAdemás de ser una reconocida celebridad en Latinoamérica y Estados Unidos, el actor guarda un gran parecido al guapísimo Henry Cavill. Si no nos crees, te dejamos estas fotografías para que lo compruebes tu misma:\nAquí, sonrientes, felices y con unos dientes de impacto. A pesar de que Henry no acostumbra a deleitar a sus seguidores con sonrisas en donde muestre los dientes, encontramos esta imagen en donde se nota que hasta en su dentadura tienen similitudes.\nSon fieles seguidores de cuidar su cuerpo y su alimentación, no por nada forman parte de las figuras más envidiadas en el mundo del espectáculo. La disciplina y la constancia son dos de las características de estos actores y esos músculos no nos dejarán mentir.\n¡Ambos aman a los perritos!\nAquí vemos a Cristian de la Fuente con su adorable pug, Buda.\nY a Henry Cavill con Kal, su inseparable akita americano con el que viaja a todos lados.\nCuando se trata de glamour y elegancia, saben muy bien cómo sobresalir del resto.\nMientras que Cavill disfruta de pasear con Héctor, su caballo…\nDe la Fuente disfruta hacerlo sobre dos ruedas, con una bicicleta.\n¿¡Por qué se ven también en blanco y negro!?\nSer tan guapo (y robarse nuestro corazón), debería ser un delito.\nLa única diferencia notable es que Cristián tiene una hija llamada Laura y está casado con la conductora Angélica Castro.\nMientras que Henry está soltero y feliz con sus próximas producciones con Netflix.\nSin duda, ambos actores, ademas de ser sumamente parecidos, son la prueba de que el talento y la belleza no solo reside en su físico, si no también en la imagen que le dan a sus fans (que por cierto, nos encanta). Esperaremos ver a ambos en más proyectos que nos permitan ver sus capacidades actorales.\nSi te quedaste con ganas de ver más de Henry Cavill, mira este video con el que conocerás una parte más íntima del actor:\nY tu ¿que opinas del gran parecido entre estas dos celebridades? Cuéntanos en los comentarios\nHenry Cavill anuncia la nueva temporada de The Witcher y no podemos con lo mucho que se nos antoja… la serie


El mejor veterinario 24 horas en Valdegovía para atender a tu mascota cuando tenga una urgencia veterinaria .\n¿Por qué necesito tener localizado un veterinario 24 horas en Valdegovía?\nEl mejor veterinario 24 horas para su perro, gato, etc. en Valdegovía\n¿Cuándo debo acudir a un veterinario 24 horas en Valdegovía?\nTe hemos seleccionado las mejores clínicas de urgencias veterinarias en Valdegovía para cubrir cualquier enfermedad que necesite una urgencia veterinaria.\nLas clínicas veterinarias de urgencias están disponibles las 24 horas del día los 365 días del año en Valdegovía, bien sea presencialmente o con un teléfono de urgencias veterinarias donde poder llamar.\nNuestras mascotas al igual que cualquier persona puede que necesiten atención veterinaria por muchos motivos a cualquier hora, por este motivo necesitamos saber a qué clínicas de urgencias veterinarias debemos acudir en Valdegovía.\nLo más frecuente es que tengas un veterinario de confianza en Valdegovía que haga un seguimiento continuo de tu mascota llevando el calendario de vacunas al día y las revisiones periódicas necesarias.\nLo más adecuado es que esta clínica veterinaria o centro veterinario tenga el servicio de atención veterinaria de urgencia en Valdegovía ya que si por algún motivo o accidente inesperado de tu mascota tienes que recurrir a un veterinario 24 horas es mucho más ágil y práctico que te atienda tu profesional veterinario de confianza en Valdegovía que ya conoce la historia clínica de tu perro o gato y con seguridad la podrá atender con los mejores resultados y garantías.\nEs muy difícil predecir cuándo se va a necesitar un veterinario de guardia, por eso lo ideal es tener localizado un veterinario 24 horas disponible en Valdegovía para ser previsor.\nCuando veas comportamientos no habituales en tu mascota, que no hace en su día a día y lo veas triste, agresivo,debes acariciarlo presionando ligeramente sobre todas sus extremidades y cuerpo para ver si siente dolor en alguna parte de su cuerpo, y si detectas alguna anomalía es el momento de llamar a tu veterinario 24 horas que tienes localizado y están disponibles 24h/365d en Valdegovía y ellos te aconsejaran cuando le cuentes los síntomas que has detectado sí debes de llevarlo a la clínica de urgencias o bien puede esperar al día siguiente.\nPara ser previsor hay que tener localizado un veterinario 24 horas en Valdegovía y la forma de contactar con el veterinario de urgencias en Valdegovía para que te pueda asesorar y rápidamente tomar la decisión más adecuada para curar a tu perro, gato, etc .


El Senado mexicano aprueba la nueva Ley de Seguridad Interior - Noticias Infodefensa América\n15 horas de sesión\nMéxico aprueba Ley de Seguridad Interior. Foto: Sedena\nEl Senado mexicano ha dado luz verde a la nueva Ley de Seguridad Interior tras una sesión de 15 horas de duración. El dictamen, con diversos cambios, fue avalado el pasado viernes por 71 votos a favor, 34 en contra y tres abstenciones, turnándose a la Cámara de Diputados para su promulgación ante el Ejecutivo y su entrada en vigor.\nEl nuevo ordenamiento señala que el Consejo de Seguridad Nacional determinará la procedencia de la intervención de la Federación en estados o municipios y expedirá dentro de las 72 horas siguientes la Declaratoria de Protección a la Seguridad Interior.\nDurante un largo y duro debate, los senadores expusieron sus motivos; el senador Javier Lozano (PAN) defendió en tribuna "que los mismos que hoy fustigan y advierten amenazas a los derechos humanos por parte de las Fuerzas Armadas, sean los mismos que aplauden la monumental estupidez de otorgarle...\nEl Senado de Uruguay aprueba la nueva Ley marco de Defensa


USCIS Proporciona Mayor Flexibilidad en el Procesamiento de Peticiones de Autorización de Empleo para Solicitantes de Asilo | USCIS\nUSCIS Proporciona Mayor Flexibilidad en el Procesamiento de Peticiones de Autorización de Empleo para Solicitantes de Asilo\nWASHINGTON — El Servicio de Ciudadanía e Inmigración de Estados Unidos anunció hoy un cambio en la regulación para proporcionar mayor flexibilidad en el procesamiento de documentos iniciales de autorización de empleo (comúnmente conocidos como EAD) para solicitantes de asilo mediante la eliminación del oneroso plazo de 30 días impuesto por la agencia. La regla final entrará en efecto el 21 de agosto.\nEste cambio proporciona tiempo suficiente a USCIS para recibir, verificar y procesar las solicitudes y atender los asuntos de seguridad nacional y fraude, mantener los avances tecnológicos en la verificación de identidad, y disuadir aún más a quienes intentan estafar al sistema de inmigración legal. También le brinda a la agencia flexibilidad para transferir los limitados recursos de adjudicadores según sea necesario. En el pasado, la agencia estaba obligada a desviar recursos de otros tipos de peticiones de beneficios para cumplir con el plazo de 30 días.\nEl plazo de 30 días fue implementado por regulación hace más de 20 años. Desde entonces, las solicitudes de asilo han aumentado significativamente y USCIS ha desarrollado procedimientos críticos de verificación de antecedentes y de investigación adicionales para reducir el fraude e identificar amenazas a la seguridad nacional y la seguridad pública.\n“Eliminar este plazo autoimpuesto de procesamiento interno le brinda a USCIS la flexibilidad operacional para llevar a cabo el tipo de procesos de investigación sistemática y verificación de identidad que el público espera de una agencia encargada de proteger la seguridad nacional”, dijo el subdirector de políticas de USCIS, Joseph Edlow. “Una prioridad principal de USCIS es salvaguardar la integridad del sistema de inmigración legal de la nación de aquellos que buscan explotarlo o abusar de él. Este cambio reducirá las oportunidades de fraude y protegerá los procesos relacionados con la seguridad que tomamos para cada solicitud de autorización de empleo, lo que aumenta la integridad de los beneficios de inmigración”.Para más información, lea la regla final publicada en el Registro Federal en 22 de junio.\nLa regla también elimina el requisito de que los solicitantes de asilo presenten sus peticiones de renovación de autorización de empleo con USCIS 90 días antes de que caduque su autorización de empleo actual. Este cambio reduce la confusión y clarifica que los solicitantes de asilo pueden presentar sus solicitudes de renovación de autorización de empleo con hasta 180 días de anticipación a la fecha de vencimiento, lo que minimiza las posibles interrupciones en la autorización de empleo.\nPara más información, lea la regla final publicada en el Registro Federal en 22 de junio.


Miniaturizaciones - significado de miniaturizaciones diccionario\nDiccionario de español / Spanish Dictionary 12.530.240.211 visitantes atendidos\n(redireccionado de miniaturizaciones)\ns. f. Arte y técnica de hacer piezas y mecanismos de tamaño muy pequeño.\nSF → miniaturization\nDebido al tamaño de Haplocheirus y su primitiva posición filogenética, se ha sugerido que ocurrió un patrón de miniaturización en los Alvarezsauroidea. Dichas miniaturizaciones son raras entre los dinosaurios, pero evolucionaron convergentemente en las Paraves.\nPara impresionar a enviados chinos durante la Dinastía Tang, se construyeron miniaturizaciones de los doce picos famosos de China "Wu-shan" (montañas, en chino) que eran terrazas alrededor del estanque.