Es casí imposible enumerar la totalidad de pintores Colombianos, por lo que perdonaran que no todos estén incluidos, muchos por mi desconocimiento de su existencia, en esté listado iré colocando una breve reseña de artistas Colombianos realistas, artistas paisajistas Colombianos, subrealistas, impresionistas, expresionistas, abstractos, etc, lo que si no encontrarán es a aquellos que sobresalen en un mundo opuesto al arte acádemico, aquellos a quienes los curadores y críticos hoy han endiosado, aquellos que pretenden que un montaje de materiales sustituya lo que muchos hemos estudiaado y amado con pasión, aquellos a los que la prestigosa crítica de arte Mexicana Avelina Lésper llama artistas VIP.\nAviso a los visitantes amantes del arte\nEn esta sección quiero rescatar el nombre y obras de pintores Colombianos muy importantes de los cuales casí no hay información e la Web, por favor si tienen o tuvieron familiares artistas y quisieran que se les hiciera un homenaje a su vida y obra por favor me pueden escribir a paisasinqgmail.com y compartirme su biografía y alguna foto de una de sus obras, yo con mucho gusto publicaré la información. Tengo recuerdo de algunos maestros que compartieron conmigo conocimientos al inicio de mi vida artística y lamantablemante no hay en algunos casos nada de información. Agradezco la ayuda para hacerles un homenaje a dichos artistas.\nHijo de José Maria Cano, un diestro artesano que ejerció la platería, la pintura, la escultura, el comercio y hasta los títeres, Francisco Antonio Cano aprendió de su padre las primeras letras, el manejo de los pinceles y colores, el uso del buril y de la cera perdida. Sus primeros años estuvieron marcados por las privaciones propias del origen humilde.\nEn 1883 se vinculó en su pueblo a la asociación "club de los amigos", que perseguía fines culturales, e ilustro el periódico manuscrito que publicaban bajo el titulo Los Ángeles del club.\nEn 1885 decidió viajar a estudiar a Bogotá, pero la guerra civil que se libraba ese año lo detuvo en Medellín. Allí recibió el apoyo de la familia Rodríguez, con quienes trabo fuertes vínculos, especialmente con Horacio Marino y Melitón que se dedicaban a la fotografía. Al parecer tomo lecciones con uno de los miembros de la familia de pintores Palominio y con José Ignacio Luna. Subsistió gracias a los Rodríguez y a su talento, que lo llevo incluso a hacer retratos hablados de personas muertas.\nEn 1892 trabajo activamente en la organización de la primera exposición de arte celebrada en Antioquia.\nEn 1890 mostró diversas pinturas y modelos en yeso, en la célebre Exposición Artística e industrial organizada por el gobierno de Antioquia, recibiendo todos los premios.\nJunto con Horacio Rodríguez y Luis de Greiff público en 1896 El Repertorio, la primera revista ilustrada en Antioquia, donde aparecieron grabados suyos y se inició como comentarista de cuestiones artísticas. Dicto clases particulares en su estudio; su alumno más destacado fue el escultor Marco Tobon Mejía.\nEn 1899 realizo ilustraciones para la revista El montañés. Gracias a gestiones de amigos influyentes, el congreso Nacional le asigno una modesta suma de dinero para estudiar en Europa.\nViajo a Paris en 1899 e ingreso a las academias Julián y Corralosi, y visito museos de distintos países del viejo mundo. Entre tanto participo en exposiciones nacionales, ganando una sólida reputación como pintor de flores y bodegones.\nEn 1903, con Tobon Mejía, emprendió su segunda aventura editorial, la revista Lectura y Arte, uno de los más bellos ejemplos de la hemerografia nacional, de la que salieron 12 números. En 1913 ejecuto la que puede considerarse su última obra maestra: Horizontes, un cuadro que pronto alcanzo reconocimiento público, llegando a convertirse en emblema de la epopeya colonizadora de la "raza antioqueña".\n(Medellín, 1932). Es el pintor, escultor y dibujante colombiano más reconocido en el planeta. En 1948 se inicia como ilustrador en el periódico El Colombiano, y participó en su primera colectiva. En 1951 obtuvo el Primer Premio del salón Nacional de Artistas. En 1952 comenzó sus estudios en la Academia de San Fernando de Madrid y en este aprendizaje copió obras de Velásquez, Goya y Rubens, definitivas para su formación. Posteriormente viajó por Europa y estudió en Florencia las técnicas de la pintura al fresco. Tras su regreso de Italia expuso su trabajo en Bogotá el cual levantó una crítica adversa. En 1956 contrajo matrimonio con Gloria Zea y partió para México donde conoció a Rufino Tamayo y a José Luis Cuevas. Allí encontró el verdadero camino de su arte y empezó a buscar la estética de lo monumental que hoy lo define en el mundo. En 1957 viajó a Estados Unidos donde realizó su exitosa exposición en el Pan-American Union de Washington. En 1958 fue nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá y ganó el segundo premio del Salón Nacional con la obra Alcoba nupcial.\nEl maestro Alfredo Araújo Santoyo es un artista pintor y escultor que realizó la mayoría de sus estudios en Europa, y dedicó principalmente su atención en el estudio de la anatomía y la figura humana, así como a las técnicas artísticas.\nParalelamente a su carrera como artista, Alfredo ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a la docencia. Desde su período formativo dedicó su atención a estudiar la mejor manera de compartir sus aprendizajes y experiencias, y así comenzó a dictar clases desde el año 1993 en talleres particulares y diferentes academias, buscando siempre la forma más eficiente de brindar una formación efectiva y clara, compartiendo siempre todo su conocimiento sin restricciones.\nNació en Neira, Colombia, 1929. Realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá y en el Instituto Pratt de Nueva York. Entre los reconocimientos a su labor artística se destacan: Premio Guggenheim de Nueva York (1961); Beca otorgada por la OEA en el Pratt Graphic Art Center (1964); Premio Segunda Bienal de Coltejer, Medellín (1970); Premio Aplauso, Bogotá, 2001. Su obra ha recorrido importantes galerías de Tokio, Washington, Madrid, Sao Paulo, Chicago, México D.F., Miami y Caracas, y ha sido expuesta en los museos de Arte Moderno de varias capitales latinoamericanas.\nPintores Paisajistas Colombianos- Efrain Zuñiga\nEs un artista plástico colombiano nacido hace 38 años en la ciudad de Santiago de Cali, actualmente radicado en la ciudad de Medellín. Cursó Dibujo Publicitario y comunicación en la Academia de Dibujo Profesional de Cali en el período 1990-1992. Tiempo después logró convencerse de que su verdadera profesión eran las artes y matricularse, a fines de la década de 1990, en el Instituto Popular de Cultura de Cali para estudiar allí Artes plásticas. Desde ese momento empezó, no solo a manejar el óleo sino a entenderlo y a sentirse seriamente influido por él. Azules, verdes y morados han colmado sus telas, en las que el movimiento y las vistas aéreas permiten al espectador descubrir el lirismo de sus trazos casi monocromáticos.\nSantiago de Putumayo, Colombia 1964. Pintor indígena, miembro de la comunidad INGA del Putumayo Cada vez que veo a una persona, veo su interior; casi que escarbo en sus imágenes mentales en búsqueda de algo –aún no sé qué– para tratar de entender sus movimientos, su caminar, sus actitudes. Sé lo que cualquier peatón sabe, observa y “escanea” en las personas a su paso. Leo y evalúo como cualquier otro esas cosas. Pero me parece que a través del arte, o mejor, a través de la pintura, los maestros o las personas dedicadas, adictas, fieles y serviles a esta profesión, dejan entrever qué es lo que ellos ven. Mejor dicho, cómo es que su mente se transforma; cómo es que su cabeza trabaja; cómo es que las imágenes están funcionando en ese litro y medio de materia y energía viva. De Carlos ya era claro que conocía algo. No lo llamemos psicológico –porque de ello no sé mucho–: conocí un ser repleto de experiencias. Hablamos con Carlos de sus amistades, de su trayectoria, de su infancia, de sus hermanos (pues yo había estudiado con su hermano Néstor en la escuela de Artes de la Universidad de Antioquia). Hablamos de su padre, el taita, y su pasado.\n“Solo preciso de mi paleta de colores, pinceles y un lienzo en blanco para encontrar la felicidad"\nDe la Serie Seducción Femenina\nJorge Marín artista plástico Colombiano, nace en la ciudad de Medellín en 1963, y desde temprana edad se inclinó por el arte, realizó estudios en Bellas Artes, y cursos de extensión en la Universidad de Antioquia, además de talleres con grandes maestros en la Galería Taller de los cuales aprendió el manejo de técnica enfocada al realismo. Su obra busca en la infinidad de los detalles de la figura humana y de los paisajes aproximarse al realismo mediante del estudio de la técnica y la observación, su admiración por la naturaleza donde los protagonistas son los inmensos ríos y montañas de nuestra Colombia para generar sensaciones y despertar conciencia hacia el cuidado de la naturaleza al público, o temas de figura humana. Jorge Marín ha trabajado el tema de la seducción, sensualidad y un poco de bohemia como protagonistas. El motivo de su propuesta artística es una reacción a la abstracción que ha llevado al arte contemporáneo a olvidar las formas y el oficio, por ello se aferra a las técnicas realistas y a lo figurativo.\nEn proceso de una pintura de paisaje\nJorge Marín disfruta por igual pintar un bello paisaje, es por ello que actualmente es reconocido como un artista paisajista Colombiano, también disfruta pintando una escena cargada de sensualidad, Marín no pretende ser encasillado en un sólo tema, ya que eso le privaría de la libertad de pintar, hoy está inmerso en estas temáticas llenas de realismo, mañana será otro día, quizás una nueva temática que desafié su trabajo artístico.\nArtistas paisajista Colombiano, nace en Cali en 1958. Estudia Odontología en la Universidad Javeriana, y luego Rehabilitación Oral en el COP de Bogotá. En 1987 hace un cambio de carrera y participa en los Estudios de Grabado en el Taller de Grabado de Medellín. Desde ese año ha hecho estudios autodidactas en artes plásticas. Exposiciones individuales destacadas: 1990, Taller de Grabado, Óleos y Grabados, Medellín; 1991 Museo de la Universidad de Antioquia, Medellín; 1994 Galería Pluma, Bogotá; 2000 Inner Tropical Center of the Arts Gallery, Coral Gables, Florida, EU; 2000 Square Center, Charlotte, North Carolina, EU; 2001 Galería La Cometa, Bogotá; 2002 Galería Nakatami, México DF, México; 2002 Feria de Arte Contemporáneo, Monterrey, México: 2004 “Entre Reflejos”, Galería Liliana Velasco, Cali. Participó en Arborizarte y Animarte de la Fundación Corazón Verde, Bogotá. Ha participado en más de x exhibiciones colectivas entre Colombia, Panamá, EU, República Dominicana, México y Puerto Rico, entre otros.\nHHoracio Longas (1898-1981) reconoció su incapacidad para la caricatura: “En el treinta, después del ferrocarril, me fui para El Colombiano como cuatro años pero como yo no nací para el oficio que tenía Rendón, volví a coger mi pintura. No tengo la chispa política de él, aunque mi dibujo no era inferior”. Longas fue proclamado como “el gran sucesor de Rendón”. Nacido en Medellín, fue pintor al fresco y acuarelista, tallador en madera, caricaturista, ilustrador, retratista, publicista, ceramista, dibujante y diseñador de arquitectura. No estudió en la Escuela de Artes de su ciudad natal, sino con un grupo de amigos que se reunía de noche, hacia 1920, con el profesor Francisco Antonio Cano.\nLongas no se amañó en Bogotá: “[…] Ese trabajo lo pagan muy mal; yo no sé si eso le habría pasado a Rendón. Uno tenía que aguardar ahí sentado y hacer cola hasta que les daba la gana de pagar los trabajitos. […] En el 36 me volví para la Villa… y hasta el día de hoy nada de prensa”. En Medellín demostró sus habilidades de retratista.\nNació en Tadó, Chocó. Ingresó al Instituto de Bellos Artes de Medellín, en 1924, donde tuvo profesores de variadas tendencias artísticas, desde académicos hasta expresionistas. Ejerció la caricatura en algunos periódicos y dirigió su mirada crítica hacia las costumbres del pueblo. Le interesan las expresiones de los borrachos, de los participantes en las riñas, las facciones de los toreros en las corridas, realizadas en impecables acuarelas. En esta faceta del retrato costumbrista se relaciona con algunas propuestas de la juventud de Rendón y con la obra de Fernando Botero.\nAlfredo Gómez Sevilla\nArtista plástico e investigador musical. Realizó sus estudios en el instituto superior de artes gráficas en la ciudad de la HABANA, Cuba., cuenta con más de 73 exposiciones entre individuales y colectivas sus obras reposan en algunos lugares del mundo como: Inglaterra, Florencia y Verona en Italia, Bruselas, Estados Unidos, Argentina, México, etc. Además cuenta con obra en la exposición permanente en el museo Emilio Burzi General Roca Córdoba (Argentina).\nFue ganador de la beca de creación artística de la Secretaría de Educación y Cultura de, Medellín, con la propuesta artística hermanados por el Tango. Ha sido invitado por la Biblioteca Carlos Gardel en la Ciudad de la Plata, en Argentina como conferencista, el cual le otorgó el máximo premio y reconocimiento especial a los artistas invitados como Bandoneón Mayor y huésped de honor de esta ciudad.\nPintor realista, también se desempeña en otras áreas de las artes plásticas y visuales; como el dibujo, escultura, fotografía, diseño gráfico e ilustración digital. Su encuentro con el arte radica en el deber humano de crear.\nAsistió por cerca de dos años de manera regular a la academia la Galería Taller, además a talleres de cerámico, sin embargo, ahora se encuentra experimentando de manera autodidacta, ya con bases, en busca de su propio estilo.\nHa participado en eventos y exposiciones de arte, entre las cuales están:\n2014 La Barquereña, Casa de Cultura municipio de Sabaneta.\n2015 Ciudadela educativa El Lago (Fiestas del Maíz), municipio de Sonsón.\n2015 Semana Industrial (Instituto Técnico Industrial Antonio Álvarez Restrepo) municipio de Sonsón.\n2015 Exposición Luz, municipio de Salamina Caldas.\n2016 Ciudadela educativa El Lago (Semana de la Palabra), municipio de Sonsón.\n2016 Viarte (en el marco de la Feria de LAS Flores), Medellín\n2016 Exposición de Norte a Oriente (exposición itinerante que recorre los municipios de Sonsón, Copacabana, Girardota y Bello.\n2016 Hartist Centro Colombo Americano de Medellín.\nAlgunas de sus obras son autobiográficas, y todas pretenden formar una historia significativa, que le es transmitida por medio de la observación y la introspección, siempre enfocándose en el detalle y el realismo en las diferentes técnicas artísticas.\nFue un enigmático pintor colombiano (Antioquia, 1938) que vive temporadas en Italia y otras en Francia, donde realiza su decantada obra. Es reconocido por sus retratos y su arte litúrgico.\nNació en Medellín en 1961; comenzó a exponer en 1978 (a los 17 años). Hizo estudios con Libe de Zulátegui y en la Escuela Internacional Il Bisonte de Florencia, Italia. Su exposición África fue un acontecimiento plástico en el país. En 1996 presentó Vida y sinrazón de los fantasmas en la galería Garcés Velásquez. En el año 2001 expuso Como un río de sangre en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Ha realizado varias muestras individuales en importantes ciudades latinoamericanas.\n(Bogotá 1912-1995). Pintor colombiano reconocido por sus paisajes nebulosos. Entre 1931 y 1935, estudia en la escuela de Bellas Artes. Estudió grabado en Japón, especializándose en aguafuerte y litografía. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes entre 1940 y 1942. En 1945 inaugura una individual en la Biblioteca Nacional de Bogotá y publica su ensayo: Pintura en Colombia. Obtuvo el primer premio en el VII Salón de Artistas Colombianos con su obra cuadro Montañas de tierra templada. En 1946 expuso en la Biblioteca Nacional. En fue nombrado Primer Secretario de la Embajada colombiana en Tokio. En 1985 fue galardonado con la orden Kun Santo Zuimoshio del gobierno japonés. La Galería Alfred Wild expone una amplia muestra de sus cuadros en 1985. Son famosos sus paisajes: Cafetal (1964), Camino de herradura (1973), Frailejones en Chingaza (1974), El monte Fuji y el lago Ashiroko (1975), Cielo de Bogotá (1978).\n(Anorí , Antioquia 1899 - Medellín, 1984). Pintor, escultor y muralista. Se graduó de ingeniero civil en la Universidad Nacional de Colombia (sede Medellín). En 1924 viajó a Francia y Holanda a realizar estudios de pintura. En 1926 se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia. En 1930 lo nombraron director de la Escuela de Bellas Artes de Medellín. En el Museo de Antioquia es posible ver una decena de sus murales más famosos. Su labor como arquitecto fue también de gran importancia, y son obras de su autoría el diseño de la Escuela de Minas de Medellín, el cementerio universal de esta misma ciudad y su casa-museo situada en el barrio Aranjuez.\n(Medellín 1910 - Coveñas, 1970). Prestigioso pintor, dibujante y muralista antioqueño. En 1929 ingresó al Real Círculo Artístico de Barcelona, España. En Madrid estudió un par de meses en la famosa Academia de San Fernando y luego viajó a París en 1932 donde se inscribió a la Académie de la Grande Chaumière. En 1934 de regreso a Colombia, colgó dos exposiciones individuales: Hotel El Prado (Barranquilla) y Teatro Colón (Bogotá), las cuales alertaron a la crítica sobre la presencia vigorosa de su estética. Los escritores Germán Arciniegas y Jorge Zalamea escribieron ensayos sobre su obra. Fascinado por el muralismo mexicano obtuvo una beca para estudiar esta técnica en México en 1936. Al retornar a Bogotá en 1937 pintó en Capitolio Nacional los murales: La liberación de los esclavos y La insurrección comunera, y posteriormente el Teatro Colón La invitación a la danza. Fue un reconocido retratista, pintor de bodegones y artista erótico. Su labor intelectual incluía el ensayo y la aguda polémica sobre las manifestaciones artísticas del momento. Escribía artículos para la revista Pan y el suplemento literario de El Tiempo, haciéndose famosa su querella intelectual con Marta Traba\n(Bogotá 1943- 1995). Dibujante, grabador y pintor. Estudió Bellas Artes en la Universidad de los Andes de Bogotá donde recibió clases de Juan Antonio Roda y Marta Traba. Su primera exposición compuesta por veinte obras fue colgada en la galería Tournesol, donde reconoció los efluvios de Bacon. En 1966 contrajo matrimonio con la artista norteamericana Terry Guita. Trabajó como profesor de pintura en la Universidad Tadeo Lozano y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Los Andes.\nNació en Medellín, Colombia, el 20 de Septiembre de 1949. Adelantó estudios de cerámica, igualmente tomó lecciones de dibujo en el Instituto de Bellas Artes de Medellín. Se graduó como arquitecto de la Universidad Nacional de Colombia. Recibió su primer premio en el II Salón de Arte Joven del Museo de Antioquia, en Medellín (1971).\nRealizó su primera exposición individual en el Banco Grancolombiano, en Medellín (1972). Su primera exposición internacional tuvo lugar en la ciudad de Guayaquil, Ecuador (1974). El mismo año expuso colectivamente en la sala de arte de la Organización de los Estados Americanos, en Washington, DC., y en noviembre del mismo año fue nominado al premio nacional en el Salón de Artistas Colombianos.\nDespués de varios viajes sucesivos a los Estados Unidos, se radicó en Washington en 1977. A lo largo de una carrera de cuarenta años, Félix Ángel ha presentado más de 100 exposiciones individuales en Argentina, Colombia, Costa Rica, República Dominicana, Ecuador, El Salvador, Panamá, Perú, Puerto Rico y los Estados Unidos; participado en más de 400 muestras colectivas, ferias, y bienales internacionales en las Américas y Europa.\nEntre las colecciones públicas que poseen su obra se cuentan el Bass Museum de Miami Beach, Museo Blanton de la Universidad de Texas, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Instituto de Arte de Detroit, el Museo de Arte de San Diego, el Museo de Riverside en California, el Museo de Arte de las Américas, de la OEA en Washington, y la Colección Essex de Arte de América Latina en Inglaterra.\nAunque tiende a pensarse lo contrario, no existen relaciones entre la crítica y el vaticinio del futuro. La primera se basa en realizaciones concretas, e ideas presentadas visualmente y evaluadas e interpretadas por estudiosos y diletantes, mientras que el segundo es producto de ilusiones, sueños y auspicios que son la especialidad de nigromantes y vates. Además, la creatividad es por definición impredecible. Pero hay valores en la producción de algunos artistas jóvenes que permiten cierta seguridad en su permanencia. Trabajos como los de Luis Luna, Consuelo Gómez, María Fernanda Cardoso y Nadín Ospina, los cuales, habiendo dado buena prueba de sensibilidad y talento, incitan al crítico a pensar en un desarrollo de conquistas y sorpresas, y por ende, a penetrar un poco en el resbaladizo terreno de los augurios.\nLa obra de Nadín Ospina, por ejemplo, ha constituido una ruptura, un cambio, una apertura a nuevas áreas tanto para la pintura como para la escultura colombiana. Como pintura no solo ha abandonado el bastidor y los formatos tradicionales, sino que ha acogido un soporte tridimensional, que representa figuras reconocibles. Lejos de limitarse a los objetos manufacturados, Ospina construye sus figuras otorgándoles el tamaño, textura y características precisas para que actúen como fundamento del color y como apreciaciones personales. Algunas de sus obras son monocromas, pero la mayoría están cubiertas con numerosos colores chorreados y salpicados sobre un tono base, evidenciando objetivos gestuales y de espontaneidad.\nEn cuanto a la escultura, Ospina ha retomado la figuración abandonada en el país desde mediados de siglo (si no se cuenta la estatuaria y uno que otro experimento interrumpido) para internarse en lo que se podría denominar "un expresionismo suigeneris". No solo sus colores se alejan rotundamente de la realidad y sus figuras aparecen fragmentadas con el ánimo de acentuar determinadas reflexiones, sino que sus obras tienen cierto aire de piñata, pesebre o carnaval, conduciendo al espectador a un estado anímico entre la conciencia y la inocencia, lo trascendental y lo festivo- en el cual operan mas efectivamente sus ideas.\nNace en Ibagué en 1968. Siempre autodidacta. Ganó dos premios de pintura y dibujo en el Salón de Agosto en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. Su obra ha sido expuesta en varias ciudades del país y también a nivel internacional: Estados Unidos, en República Dominicana, en Eslovaquia, en Italia, en Francia... Su pintura hace parte de colecciones públicas, como la del Museo de Arte contemporáneo de Bogotá.\nMedellín 1955. Goza de reconocimiento internacional, ha ganado varios premios y está viviendo el sueño de muchos artistas que todos los días llegan a la llamada ‘Capital del Mundo con la esperanza de dedicarse al arte. Pero ese no era su plan original.\nSin embargo, la vida, que es tan caprichosa, le tenía su destino en la Gran Manzana. Nueva York se convirtió en su destino. El encanto de Manhattan lo conquistó, lo inspiró, y lo envolvió hasta el punto de no dejarlo ir. Fijó raíces entonces, con su esposa y su hijo de un año, y los ahorros suficientes para mantenerse durante un año. No tuvo que trabajar en algo diferente a su arte y al año de haber llegado ya estaba haciendo su primera exposición en solitario. En ese momento se unió a 45 artistas colombianos que vivían en Nueva York para hacer varias exposiciones itinerantes. Se presentaron en Bogotá y en Caracas. "De esos 45, sigo siendo amigo de 10. Los otros se devolvieron para Colombia o se fueron para Europa", explica.\nDesde entonces la creatividad no ha dejado de fluir y las exposiciones por todo el mundo no han cesado. Y aunque ha tenido épocas de vacas flacas en las que ha tenido que recurrir al diseño gráfico y a los murales por encargo para aumentar sus ingresos, nunca se vio obligado a dejar el arte para dedicarse a otros oficios. "He contado con suerte", cuenta. "No tuve que recurrir a ninguno de esos trabajos, aunque a mis amigos sí les tocó. Tengo un amigo que es al mismo tiempo fotógrafo y taxista".\nSu prolífica carrera lo ha llevado a recibir varios premios y menciones honoríficas, como la mención honorífica en ‘Expresiones Hispanas en el Tour de arte hispánico de Denver en 1988, y la beca del Lower East Side Printshop, en 1993, entre otros.\nSu relación con Colombia sigue siendo íntima, pues su familia vive en Medellín. "Paso un mes al año en Colombia, y todavía tengo galeristas que mueven allá mi obra", afirma.\nSu fama como pintor colombiano en Nueva York lo ha convertido también en una especie de guía para quienes llegan a la ‘capital del mundo con intenciones artísticas. "Hay pintores jóvenes, recién llegados, que me buscan para que les ayude un poco a abrirse camino. El mundo del arte es muy cerrado, entonces yo les digo con quién hablar, les doy información y contactos".\nNace el 16 de Enero de 1974 en Roldanillo (Valle) Colombia. Los conceptos básicos de la perspectiva los aprende en el colegio INEM de la ciudad de Pereira donde se gradúa como Bachiller Industrial.\nEn el año 2001 decide cerrar su galería en Colombia y venir a España para crecer como artista. Pasando por momentos difíciles y al transcurrir de los días es consciente de todo lo que tiene que evolucionar y cambiar para así lograr hacer historia como es su deseo de ser uno de los más grandes pintores de la actualidad.\nLa Estrella Antioquia, .1933 - 2009\nEstudió Arte Comercial y Figura Humana en el Terry Art Institute de Miami.\nFue profesor de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia durante veintiun años y profesor de acuarela de la academia.\nOcupó el primer puesto en el concurso de la Asamblea Departamental para el escudo de Antioquia. El tercer puesto en el concurso de la Organización Mundial de Alimentos de la UNICEF. Y otro tercer puesto para la ejecución del mural de la nueva Fábrica Postobón.\nRafael Sáenz es un pintor antioqueño de mediados del siglo XX. Principalmente paisajista. Se destaca primordialmente en la técnica de la acuarela. Llamado por la crítica como “El Pintor de Antioquia”. Educado en un entorno natural y rural, su tema e inspiración se fundó básicamente en el campo, el campesino, los ríos, los pueblos antioqueños. Su mirada se concentró localmente en la ciudad y el departamento.\nEstos elementos tradicionales de Antioquia, los desarrolló junto al paisaje que inspiró muchas de sus obras. Por este aspecto ha sido comparado con Tomás Carrasquilla, al incluir la historia del pueblo en su obra.\nRealizó sus estudios en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, donde luego sería profesor de artistas reconocidos como Fernando Botero. Allí recibió clases de maestros como Pedro Nel Gómez, Eladio Vélez y Humberto Chaves, referentes artísticos evidentes dentro de su obra pictórica. Todos ellos encontraron en su patria, el contenido creativo para sus pinturas. Sin lugar a dudas evidencian un sentido de pertenencia a la tierra antioqueña.\nSáenz se casó con Amparo Arango, diseñadora y decoradora de interiores nacida en Manizales, quien trabajaba como directora en el Museo de Zea, actualmente el Museo de Antioquia. Fue allí, en septiembre de 1946, donde el artista realizó su primera muestra individual, en la que expuso “12 acuarelas de Rafael Sáenz”.\nEl primer premio otorgado a Sáenz lo ganó en el año 1948 en el concurso Exposición de Pintura organizado por la Sociedad de Amigos del arte con su óleo “Entierro campesino”.\n1897 - 1967. Pintor y escultor comenzó sus estudios en el recién fundado Instituto de Bellas Artes bajo la dirección de Gabriel Montoya, Humberto Chaves y Bernardo Vieco. Allí conoció a Pedro Nel Gómez con quien entabló una amistad. Trabajo como modelador y tallador en el taller de los Carvajal, bajo la dirección de Rómulo Carvajal.\nEn 1924 se fue para Bogotá en compañía de Pedro Nel Gómez, donde ambos se integraron a la bohemia capitalina. Allí expuso sus acuarelas y caricaturas que captaron la atención del público y de artistas ya consagrados como el maestro Cano. También participó en Concursos de Ornamentación escultórica. Regreso a la Ciudad de Medellín dos años después, y junto con el escultor Bernardo Vieco conformo una sociedad que tenía como fin decorar con relieves los edificios de la ciudad. Luego, en 1927, se radicó en la ciudad de Florencia. Allí expuso colectivamente sus obras y estudió en la Academia de Bellas Artes.\nEstuvo también en Roma y en París donde estudio en las mismas escuelas en las que había estado Francisco Antonio Cano (Academias Julián y Colarossi). Durante su estadía en la Ciudad de París participo en el salón de la sociedad de Artistas Franceses con su “Autorretrato” y la escultura en bronce “Cabeza de Niña”.\nLa obra “Autorretrato” fue ejecutada en su taller de París, ciudad en la que aprendió la técnica de los artistas europeos en 1931 regresó al país y organizo diversas exposiciones artísticas en la ciudad. También se vinculó como profesor al Instituto de Bellas Artes. Más tarde fue director de la institución. En 1953, participo en la Primera Bienal Internacional de Madrid. Finalmente, ya maduro, desde 1951 hasta 1961, él que era uno de los fundadores de la escuela de acuarelistas antioqueños, retomó la acuarela con un nuevo criterio y produjo una serie de cuadros llenos de luz y color, obras que cerraron su ciclo creador y le otorgaron un puesto de gran importancia en la historia de la plástica antioqueña además de ser considerado uno de sus paisajistas más relevantes.\nEn 1962 realizó su última exposición en el Museo de Zea.\nA la edad de 10 años entró al Instituto de Bellas Artes de Medellín y fueron maestros suyos Carlos Gomez Castro, Eladio Vélez y Pedro Nel Gómez; recibio orientaciones de León Cano, José Rodríguez Acevedo y Miguel Diaz.\nEn 1944 se fue a España y en el Circulo de Bellas Artes de la Academia de San Fernando en Madrid, fue discipulo de Daniel Vásquez Díaz, Joaquín Valverde y Manuel Benedicto.\nEn 1948 se traslado a Paris e ingreso a la Academia Colarossi, asistió al taller del teorizador Andre Lothe y estudio el surrealismo y otras tendencias presentes en su obra.\nEn 1954 regreso a Medellín y desempeñó cargos docentes en la Universidad de Antioquia, en el Instituto de Bellas Artes y en otras instituciones. Fue ilustrador en la Editorial Bedout y de la empresa Carvajal S.A.\nPinto los presidentes venezolanos por encargo del gobierno de ese país, los próceres colombianos y innumerables personalidades colombianas.\nHa realizado múltiples exposiciones individuales y colectivas en Colombia, Venezuela, Estados Unidos y Europa.\n1922 - Envigado, de origen modesto y corazón benévolo, nació en Envigado, departamento de Antioquia. Heredó de su madre Imelda Quiroz, la sensibilidad y la fuerza.\nEl Concejo de Medellín por sus 50 años de vida artística, 1942 – 1992.\nLa Alcaldía de Medellín, Medalla Porfirio Barba Jacob, categoría oro de la cultura 1997.\nLa Alcaldía de Envigado, orden Ciudad de Envigado, categoría oro 1997.\nLa Alcaldía de Envigado, Homenaje y reconocimiento a un insigne artista 1997.\nEdición del libro, “Vivan los Creadores” volumen 3. Por la secretaria de educación y cultura de Medellín Educarme “Francisco Madrid: El talento y el Azar en el Arte” 1997.\nCondecoraciones, Sociedad de Mejoras Públicas Instituto de Bellas Artes, Mérito Artístico.\nCondecoración “Colima” Personaje del año 2002 en el campo del arte.\nCondecoración, Asamblea de Antioquia Medalla Mariscal Robledo Categoría Oro 2004.\nHotel Portón Medellín Homenaje Distinción, “Sabiduría en el Pincel” Agosto 4 de 2004.\nMiembro de la Asociación Antioqueña de Acuarelistas.\nMiembro de la Asociación del Artista Colombiano en las artes plásticas ACAP.\nNació en ltüango 1922 – Medellín 2015, su obra es conocida en nuestro país y el exterior.\n1964 - Nace en Bello, Antioquia. Realizó sus estudios en el Instituto de Bellas Artes de Medellín. Hizo su primera exposición individual en 1984 en la Galería Blass de Medellín. Expone en 1986 en el instituto de Bellas Artes y en l987 en la Galería Ideamos de la misma ciudad. En 1989 en la Galería La Francia y la Duque Vargas también, de Medellín, y en la Casa de Antioquia en Bogotá. En 1995 realiza una retrospectiva en la Biblioteca Marco Fidel Suárez de Bello, Antioquia; y en 1996 en la Cámara de Comercio y la Alcaldía de Medellín.\nParticipa en eventos y exposiciones colectivas de Medellín en el Instituto de Bellas Artes; en la Galería Benedan; en el Museo de Antioquia; en la Galería Duque Vargas; en la Galería Duque Arango; en la Galería El Estudio; en el Club Medellín; en la Primera Exposición de Arte Vial; en el Salón Nacional de la Acuarela del Museo de Antioquia; en la Galería Museo El Castillo; en la Galería Arte Autopista con El paisaje en Antioquia; en la Galería Isarte y en la Galería Julieta Álvarez.\nEn Bello, Antioquia, en el V Salón de Arte joven y en la Biblioteca Marco Fidel Suárez. En Bogotá, en la Casa de Antioquia y en la Galería Cadavid & Pasos. Participa igualmente en la Feria Internacional de Arte de Bogotá, con la Galería Diners de Bogotá.\n“Willis Vega es meticuloso en su presentación de la realidad, desde un objeto hasta la figura humana, creando una exitosa ilusión, sin comprometer las cualidades estéticas asociadas con la innovación artística.\nSu enfoque particular en la selección de temas como el bodegón, el paisaje, y la figura humana, aporta una extraordinaria capacidad técnica de composición, y una mirada contemporánea. La sutileza de su paleta, domina la composición simple y elegante de su obra.\nCada obra es cuidadosamente concebida, preocupándose por la elección y la ubicación de los objetos, y en la paleta que los une. La elección de un objeto, la tonalidad, y sus relaciones intrínsecas y artísticas se ven reforzadas por los golpes de luz, que proporcionan una iluminación sutil, y sombras suaves, permitiendo al espectador admirar y reconocer que nada es dejado al azar.\nCon su concepto de la belleza y la composición, mezcla de una manera sofisticada las formas, las cuales pueden existir como entidades separadas o como parte de un todo.\nWillis Vega uno de los más destacados artistas colombianos actuales, ha logrado con méritos suficientes llevar a diferentes salas del país y el mundo su visión universal del arte.”\n(Bogotá, Colombia, 1962). Pintor, Dibujante y Escultor. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano. Representó a Colombia en el Salón Comparaisons de París, Francia (2008), y en la VI Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Ecuador (1994).\nEs un pintor de Bucaramanga nacido en 1963, realizó estudios sobre la evolución de los materiales y técnicas de la pintura y sobre Muralismo como Arte monumental. También asistió a talleres con David Manzur, Jorge Riberos y Nicolás de la Hoz. Su obra se define en el dibujo como expresión fundamental que atraviesa todos los tiempos y la pintura como el medio en el que se vuelcan sus texturas, colores y formas en un mundo propio. Ha realizado exposiciones Individuales en la Universidad Industrial de Santander, Bajo Custodia (2011), donde además diseñó el afiche para el vigésimo octavo festival Internacional de Piano; y en el Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, Confesionario (2007). Ha participado en exposiciones colectivas en Bucaramanga: Bolívar de mil maneras (2010 - UIS), Ver para creer (2009 - Galería Ramírez Sánchez), Espejo Retrovisor (2007 – Museo de Arte Moderno), Capítulos ilustrados del Quijote. Treinta artistas nacionales (2005 - MAMB - Banco de la República - Biblioteca Alejandro Galvis Galvis, Barrancabermeja) y en Italia: Jóvenes Artistas (2000 - Lucca).\n(Bogotá, 1849 -Villeta 1903). Fue pintor, cronista y cantante de ópera. Estudió con José Manuel Groot, luego en el Colegio Mayor de Nuestra Señora del Rosario y en la Academia de Música. Vivió en Panamá. Adoptó el apellido Garini en su carrera operística. Ganó una beca en 1882 para estudiar pintura en París donde fue alumno de Boulanger y Bonnat. Fue director de la Escuela Nacional de Bellas Artes que sería clausurada por la guerra de los Mil Días. Garay se consolidó como el retratista académico más importante del arte nacional.\n(Popayán, Colombia, 1920 - 2012). Escultor y pintor. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cali entre 1938 y 1943. En sus inicios conoció al escultor vasco Jorge Oteiza quien le abrió el horizonte artístico de su época. En su etapa de aprendizaje realizó en yeso las cabezas de los poetas Walt Whitman, Guillermo Valencia, Porfirio Barba Jacob y Gabriela Mistral, donde ya era notable el refinamiento de su técnica.\nAl asistir en París a la retrospectiva póstuma de Julio González en 1953, Negret comenzó a utilizar el hierro. De 1953 a 1963 se instaló en Nueva York donde inició su serie Aparatos mágicos, de fundamental importancia en su búsqueda estética. En 1963 participó en el XV Salón Nacional de Artistas y ganó el primer premio con su obra titulada Vigilante celeste. Durante los años sesentas trabajó en Los navegantes y Los puentes, conjuntos escultóricos donde su estilo se encuentra completamente definido. El aluminio será en adelante parte fundamental de su obra. En los años siguientes realizó sus exposiciones: Cabo Géminis, Acoplamientos, Templos, Columnas y Escaleras. Posteriormente rindió homenaje a sus raíces realizando la serie de Los Andes donde son visibles las alusiones Incas y donde la abstracción de la topografía suramericana es protagónica. En 1974 expuso en Corcoran Gallery, Washington D.C. En 1979 su obra participó en la FIAC, Paris. El año siguiente inauguró una muestra en la Fundación Joan Miró, Barcelona, España. En 1982 expuso en Contemporary Sculpture Center Tokio, Japón, y posteriormente en la Gobernación de Caracas, Venezuela. En 1991 presentó una retrospectiva de su trabajo en el Museo de Monterrey y en el Rufino Tamayo, de México. En 1995 colgó su obra en el Festival Internacional de Biarritz, Francia. En 1999 expuso en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. En el año 2000 los escritores Gonzalo Márquez Cristo y Amparo Osorio realizaron una entrevista titulada: "El Nosferatu sagrado" para homenajear los 80 años del artista. En 2004 publicó su libro Negret, escultor. En 2009 inauguró su exposición Poética del silencio, en la galería Mundo de Bogotá. Negret, considerado uno de los escultores más renovadores y fecundos de Colombia, fue galardonado en 1965 con la Medalla de Plata de la VIII Bienal de Arte, Sao Paulo, Brasil; en 1967 recibió el Gran Premio en escultura del XIX Salón de Artistas Nacionales; en 1968 le fue otorgado el Gran Premio de Escultura, David Bright, en la Bienal de arte de Venecia, Italia; y en 1975 obtuvo la beca Guggenheim.\n(Roldanillo, Valle, 1928 - 2010). Famoso pintor y caricaturista colombiano. Sus primeras series son el “bejuquismo” y el “maderismo”. En 1981 fundó el Museo Rayo en su ciudad natal, el cual se ha convertido en un tempo artístico en su departamento. Ha participado en dos centenares de exposiciones en: Estados Unidos, Noruega, Perú, España, Brasil, Italia, Chile, México, Puerto Rico, Venezuela, Ecuador, Cuba, Hungría, Polonia, Alemania, Costa Rica, Francia, Japón. Nueva Zelanda… Ha ganado los premios de la Shell Magazine Art Context, el segundo premio en dibujo del XI Salón de Artistas Colombianos, el Premio Especial de Grabado en la Segunda Bienal Interamericana de México, Premio del Museo de Arte de Filadelfia. Obtuvo también la Beca Guggenheim.\n(Pereira, 1920 - 2011). Estudió Pintura y Dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Bogotá y grabado en la Academia San Fernando en Madrid, España.\nEntre sus exposiciones más destacadas están: Homenaje a Adalberto Meindel, Galería Meindel, Bogotá, 1989) y su retrospectiva en la Galería El Taller (Pereira, 1992).\nObtuvo el Premio en el XIV Salón Nacional de Artistas (Bogotá, 1962). El Primer Premio del VI Festival de Artes (Cali 1964). El Premio de Dibujo del X Festival de Arte (Cali, 1970). El Premio de Dibujo de la I Bienal de Grabado y Dibujo, Museo La Tertulia (Cali, 1972) y la Medalla al Mérito Cultural otorgada por el Ministerio de Cultura en 2007.\n(Bogotá, 1860 - Bruselas, Bélgica, 1945). Es reconocido como el más importante artista impresionista colombiano. Estudió en Bruselas primaria y secundaria en París. En esta última ciudad, conoció a varios maestros del impresionismo, como Claude Monet, que determinarían su búsqueda pictórica. Al regresar a Colombia fue nombrado director de la Escuela Nacional de Bellas Artes durante 1904. Ese mismo año realizó su primera exposición de trascendencia, muestra que tuvo excelentes comentarios por parte de Baldomero Sanín Cano, y desde ese momento gozó de gran prestigio. Sus óleos: Lavanderas del río Sena, Los Fusileros y La niña a caballo, fueron algunas de sus obras expuestas, que alcanzarían un amplio reconocimiento posteriormente. En 1936 expuso en Bruselas y posteriormente en Londres. En 1945, mientras vivía en su exilio voluntario en Bélgica, falleció víctima de una infección renal a la edad de ochenta y cinco años. En 1949 en el Museo Nacional, se organizó una retrospectiva en homenaje a su obra, y en 1971 el Museo de Arte Moderno de Bogotá, colgó un centenar de sus obras más representativas, que validaron su lugar fundamental en el desarrollo de la plástica nacional.\nEmiro Garzón Correa es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 7 de mayo de 1950 en Belén de los Andaquíes, Caquetá (Colombia). Estudió en la desaparecida Escuela de Bellas Artes de Neiva y fue pupilo del padre Rafael García Herreros. Sus esculturas se encuentran en plazas y sitios públicos de Neiva, Florencia, Belén de los Andaquíes, Yaguarú, Hubo, Pereira, Bogotá y en la República de Panamá.\nEmiro Garzón es un artista neohumanista que rinde tributo a la cotidianidad del ser humano que va desde el ciudadano normal, hasta los que desempeñan trabajos de la construcción, del campo, de la vaquería y de la selva. También se inspira en la vida, la música, el estudio, el amor, la oración y en especial, en la mujer. Además de la técnica del ferroconcreto, ha incursionado también en la fundición a la cera perdida donde ha obtenido trabajos de excelente factura\n1913. Nació en Manizales. Desde muy joven se trasladó a Bogotá. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. 1939. Obtuvo un primer premio en la exposición de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. Participó en el I Salón Anual de Artistas Colombianos con dos óleos titulados: "La Frutera" y "Estudio". Obtuvo un premio en la exposición de la Escuela de Bellas Artes de ese año. 1941. Recorrió las Repúblicas de: Ecuador, Perú, Argentina, Uruguay y Chile. En esta última fijó su residencia. 1941. Colaboró en la ejecución de un fresco en Chilán (Chile). Este mural, original de David Alfaro Siqueiros, representa la historia de Chile y México. Este trabajo le valió la simpatía y el aprecio del gran muralista mejicano. 1941. Pintó en la Escuela Nacional de Santiago un fresco. Pintó seis frescos en la "Escuela de México" en Chilán, Chile. 1942. Obtuvo el premio "Ex Aquo" José Domingo Gómez Rojas, otorgado por la Alianza de Intelectuales Chilenos. Allí pintó un mural antifascista, en témpera. 1943. Pintó varios murales en la Escuela de Bellas Artes de Santiago, en donde obtuvo también un premio de honor. Pintó tres murales en la Alianza de Intelectuales y 14 muros en el Ministerio de Educación en Santiago de Chile. 1944. Pintó dos murales en témpera en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires, con Alfredo Guido. 1945. Hizo una exposición de varios óleos en Río de Janeiro, Brasil. Entre ellos figuró uno que se titula: "Composición con Caballos". 1946. Hizo los bocetos para los murales en la Ciudad Universitaria de Bogotá. Entre ellos sobresalieron los de la Facultad de Derecho en donde trató varios problemas sociales, razón por la cual fueron quitados de donde estaban en el año de 1955. 1946. Octubre 12. Participó en el VII Salón Anual de Artistas Colombianos con los óleos "Hogar" e "Idilio". 1947. Participó en la exposición colectiva: "Pintores Jóvenes de Colombia" con un cuadro titulado: "El Trapiche". 1948. Participó en el "Salón Departamental de Caldas" en la ciudad de Manizales y en el Salón de los 26 en Bogotá. 1948. Septiembre. Hizo una exposición individual en las Galerías de Arte. 1948. Octubre. Hizo una exposición individual en el Centro Colombo-Americano de Bogotá. 1948. Octubre 12. Participó en el "Salón de los 26" que tuvo lugar en el Museo Nacional de Bogotá y agrupó a los pintores más prominentes del país. 1956 - 1963. Se retiró de los salones oficiales para dedicarse a su labor docente en la Escuela de Bellas Artes de Manizales. Alipio Jaramillo fue uno de los primeros pintores colombianos que ejecutó murales en Bogotá. Estos fueron muy influenciados por la pintura mexicana de Rivera y Siqueiros y en ellos el pintor quiso expresar los problemas sociales por los que atravesaba el pueblo colombiano. Sus figuras son monumentales y su colorido sombrío.\nRicardo Gómez Campuzano. Visiones del nacionalismo en el arte colombiano\nLa obra de Ricardo Gómez Campuzano se caracteriza por la pulcritud del dibujo, el uso correcto de la gama cromática, la paleta luminosa y la armonía de sus composiciones, valores académicos que adquirió tras una rigurosa formación en la Academia de San Fernando en España y que lo posicionaron como uno de los mayores exponentes de la tradición hispana en el país.\n“Su obra refleja la preocupación por lo nacional que prevaleció en las artes plásticas a inicios de siglo. Inmerso en una sociedad conservadora y católica que tuvo a Bogotá como modelo de nación, el artista plasmó en sus pinturas la naturaleza de su entorno. Fue retratista de las clases sociales acomodadas bogotanas y paisajista de la Sabana. Precisamente, su\npreocupación por lo propio se expresa en la idealización romántica del país de principios de siglo”, explica Claudia Cristancho, profesional de la Biblioteca Luis Ángel Arango e investigadora del nuevo guion curatorial de la Colección.\nBajo el título Ricardo Gómez Campuzano. Visiones del nacionalismo en el arte colombiano, esta exposición revisa las preocupaciones artísticas del pintor colombiano y el ánimo nacionalista que permeó la plástica de su tiempo. La muestra está estructurada a partir de cinco ejes temáticos: Identidad nacional e hispanismo, La primera manifestación moderna, La consolidación de una nueva clase, Lo popular y lo cotidiano y la afirmación académica. Es una selección de 83 pinturas en diferentes formatos que hacen parte de las 431 obras que conforman la Colección Ricardo Gómez Campuzano, entregada al Banco de la República en comodato en el año 2000, junto a la casa que fue residencia y taller del artista por más de cuarenta años.\nJorge Montealegre es un caleño, egresado del instituto popular de cultura de la ciudad de Cali, artista plástico figurativo…igualmente pertenecí a esta generación que salió corriendo en los años 80 en busca de sueños para descubrir sitios donde abrirse caminos; como pintor, no para ser uno más, sino para ser uno. Vivo la pintura amo lo bello, exótico lo joven lo viejo. Soy un ser tímido donde prefiero dibujar, pintar para poder expresarme, llevo imágenes que se trasforman haciendo que las cosas, obtengan una belleza que transmiten una vibración única que hace ver los colores por donde quiera… como ser humano soy un ser difícil conmigo mismo al comienzo pretendía amaba la perfección, poco después por experiencia ella; La perfección te castiga, así que decido dejar que el universo o este ser extraordinario arquitecto del mismo me enseña la manera de aceptar siempre una verdad…que por muy dolorosa que sea siempre tiene un objetivo donde nada funciona por azar.\nArtista plástico colombiano afianzado desde muy niño en Barranquilla, capital del departamento del atlántico, cómo dice él ¨Un barranquillero nacido en Codazzi"\nDesde muy pequeño demostró sus dotes artísticas, estudió Publicidad y diseño publicitario en la Universidad del Litoral 1990. Realizó estudios de Escultura, vitral, dibujo y pintura.\nAlex Stevenson, es un artista que reúne la imaginación creativa, precisión en el dibujo, capacidad de observación y agudeza en su destreza técnica.\nJuan Carlos Muñoz Betancur\nNace el 7 de agosto de 1967 en Armenia, Antioquia, Colombia. Artista en artes plásticas con énfasis en pintura Instituto de Bellas artes, Medellín 1996.\nJuan Carlos Muñoz Betancur. Egresado del Instituto de Bellas Artes, de Medellín. En su propuesta plástica Naturaleza y Artificio, realizada en pintura al óleo nos plantean un tema aparentemente simple, las plantas ornamentales, el cual sé complejiza en el tratamiento técnico y yuxtaposición de dos niveles de producción del mensaje visual, la abstracción y la figuración. El autor realiza la estructura básica de su pintura, con una perspectiva fotográfica, naturista, pues se basa en la imagen percibida. Pero, en la construcción de su pintura, niega especialidad concedida al dibujo a través de las perspectivas y la reduce a dos dimensiones: simplifica y geometriza las formas en planos irregulares, resalta tallos, contornos, nervaduras, luces y sombras, utilizando para ellos la línea, el plano, el color y el tono. Generando así una mágica y a la vez ambigua relación entre la forma y el contenido cuya solución presenta un toque fantasioso con el cual enfatiza un coherente juego de contrarios entre lo natural y construido por el hombre, lo artificial.\nSu pintura tiene varias características:\nHace posible el lenguaje plástico a través de la superposición de la representación en perspectiva aérea o frontal de sus objetos naturales, cultivados y un lenguaje abstracto de tanteos intuitivos y geometrías empíricas; soluciona su espacio pictórico con formas y colores renovadores.\nSu fuente de inspiración es la naturaleza, específicamente las plantas ornamentales y su principal preocupación es la reinvención del color.\nLas formas sinuosas con tendencia a la deformación del color imprimen fuerza y energía a sus composiciones de primeros planos y diagonales insinuadas, donde la perspectiva desempeña un papel estructural.\nSu técnica rompe la concepción perspectiva del dibujo que realiza, construye la pintura con elementos geométricos y color, sin embargo, dicha ruptura genera también la articulación y coherencia en la propuesta.\nSu propósito es rediseñar, y sintetizar formas, fondos, texturas, luces y sombras transformándolas en geometrías irregulares y colores planos fuertemente contrastados, creando así sus propias intuiciones espaciales para trascender sus emociones y manifestar un simbolismo personal, burlón e inconsciente.\nLa expresión de su pintura ofrece interpretaciones de conceptos opuestos.\nPinto desde hace 12 años, cuando estaba en la universidad (School of Visual Arts, Nueva York). Lo hago porque, aunque algunos dicen que la pintura ya llegó a su fin, yo sigo creyendo que es un lenguaje importante y lo uso para contar mis historias, dice Uribe.\nEsa manera de pensar, casi un sacrilegio en el arte contemporáneo, empeora. Soy formal. Por eso, para mí, está primero el dibujo. Es la base de todo en el arte. Yo, realmente, no pienso mucho porque dibujar es la manera en que el artista piensa la obra, comenta.\nNo en vano es profesor de pintura y dibujo en la Universidad Javeriana. En la exposición, las referencias a El Greco también se notan, pero él dice que son una disculpa. No le hago fuerza al tema en sí mismo. Eso es una disculpa para pintar, un pretexto. Todo tiene una razón, claro, pero al final es la pintura lo que me gusta y uno se hace un proyecto para pintar, explica.\nCon todo y que retoma a maestros de la pintura española, en sus obras hay palabras en inglés y algunas representaciones algo fuertes, como la de un cristo desnudo no muy apropiado para una iglesia y muchas obras igual de vestidas.\nPara algunos que han visto la exposición, estos cuadros no están exentos de cierta morbidez. Uribe no niega que la muerte lo apasiona.\nSí, soy obsesionado por la muerte. Es fascinante entender qué pasará cuando uno muera. No se trata de ser eterno, pero hay una parte romántica en esa fascinación que tengo por ella.\nPintor, abogado. Estudió en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, en el Instituto de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de los Andes (Bogotá). Hizo estudios de Derecho en la Universidad la Gran Colombia y en la Universidad Autónoma Latinoamericana de Medellín.\nAníbal Vallejo fue uno de los jóvenes pintores de tendencia modernista que se destacaron en Medellín a finales de la década de 1960. En 1967 participó en la organización de la exposición “Arte Nuevo para Medellín”, en la cual presentó algunas de sus pinturas. En 1971 Vallejo se vinculó como docente al Instituto de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia. Participó en las muestra colectivas denominadas “Cuatro Veces Diez” (1970) y “Campos Visuales” (1971), y en la III Bienal de Coltejer de 1972. En 1974 fundó y dirigió la Galería El Parque. Fue decano de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia y más tarde director del Museo Universitario de la misma universidad.\nArtista Plástico Colombiano, es una de las figuras jóvenes más talentosas y disciplinadas del Arte Paisajístico Colombiano actual; su obra es una larga indagación de estudios y comportamientos del color atmosférico en el ambiente que se vive en la Cordillera Central a más de 1.800 msnm, sus brumas y desvanecidos grisáceos, hacen que la Palma de Cera y árboles nativos se desenfoquen, creando una sensación al espectador de frescura y tranquilidad. Experimentó en diferentes campos como la caricatura, ilustración, etc.; siendo el paisaje, por iniciativa propia, lo que lo inspiró y motivó más aún; se dedicó arduamente, día y noche, a recrear escenas naturales andinas, integrando en estas creaciones aves majestuosas Colombianas de gran colorido y detalle milimétrico de sus plumajes.\nYa son innumerables obras realizadas por este artista del paisajismo clásico, que aunque para algunos no rige las normas del arte contemporáneo actual, muchos aún valoran y disfrutan esta técnica maravillosa.\nEstá plenamente convencido que "el paisaje para plasmarlo, hay que sentirlo primero", por lo cual disfruta a plenitud los diferentes entornos del Paisaje Cultural Cafetero en el que vive.\nJuan Gonzáles Uribe\nNace el 13 de abril de 1968 en la ciudad de Medellín.\nDesde temprana edad se interesó por el dibujo. En el año 2001 viajó a España para vivir en Barcelona, donde hizo estudios de pintura, grabado y joyería. En Barcelona recibió el apoyo institucional del Consulado de Colombia, comenzando así su proyección artística con la exposición de sus obras en diferentes lugares. En el mismo año participó en el Salón Marginal de Artistas, convocado por la revista Semana.\nAlfredo Laverde Calderón\nNació el 7 de Noviembre de 1970 en Virginias, Antioquia. Colombia "Desde niño mostró inclinación hacia la pintura y es en esa época donde queda marcado para escalar en el arte mediante el permanente apoyo de profesores, amigos y familiares.\nEn su período de formación universitaria es tocado definitivamente por la inaplazable necesidad de comunicarse, a través de la pintura.\nY comienza su ardua investigación en el complejo mundo de las técnicas y estilos del arte pictórico.\nExperimentó un largo contacto con la figura humana dentro del hiperrealismo, la cual perfeccionó durante más de diez años de continuo ejercicio.\nDescubrió el color en el taller del Maestro LUIS EDUARDO ARAQUE, a quien considera como el más destacado colorista de Colombia. De él recibe una gran influencia en el manejo de una paleta rica y vigorosa. Pero decide simplificar la amplitud de las gamas de color y prefiere reducir los grados de separación entre sombra y luz; sintetizando el color de su obra en cortas pero, muy vigorosas escalas cromáticas.\nNació en Medellín, en 1951.\nEstudios profesionales de dibujo, pintura y cerámica en la Universidad de Antioquia.\nGrabado con Augusto Rendón.\nViajes de estudio a Roma, Pompeya, Venecia, Milán, Bolognia, Florencia, Roma, Madrid, Paris, Berlín, Praga, Viena, Valencia, Corfú, Santorini, Mikonos, Caracas, New York, Hong Kong, Beijing, Xian y Taipei.\nEjerce la enseñanza artística desde 1973 Actualmente dirige su propio taller para adultos. Ha recibido diferentes distinciones y premios.\nDesde 1972 ha realizado 46 exposiciones individuales en Medellín, Manizales, Barranquilla, Bogotá, Cali, Pereira, Barbosa , Rionegro, Itagüi y Fredonia.\nPrincipales Bienales y Salones:\nHa participado en más de 100 Salones y Bienales Nacionales e internacionales desde 1972 en ciudades como: Medellín, Bogotá, Cali, Barranquilla, Bucaramanga, Armenia, Itagüí y La Ceja en Colombia, Washington, Hollywood y Miami en USA, , Madrid, Barcelona y Pamplona en España, Quito en Ecuador, Maracaibo en Venezuela, ciudad de México en Mexico, Buenos Aires en Argentina, Florencia en Italia y Emiratos Arabes Unidos.\nPintor Profesional, Surrealista Visionario, nacido el 24 de julio de 1940 en la ciudad de Medellín.\nEn los años 90 y con la aerografía incursiona en temas líricos - románticos que denominó madrigales, marcados por un profundo manejo del color que posteriormente le inspiraron a plasmar en el óleo sobre lienzo, todos esos temas oníricos y de ensoñación que ratificaron su tendencia surrealista, motivo por el cual, en dicha época, fue catalogado por muchos como el Dalí Colombiano.\nEscultor y Pintor, Nació en Jericó Antioquia. Su amplio recorrido no sólo habla de su talento, sino de su experiencia en lo pictórico y en el desarrollo de la técnica cartón piedra aplicada a la escultura, producto de una lucha constante de experimentación en el tiempo\nEstudió Mercadotecnia, Artes Plásticas en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, Investigación Artística en EE.UU., Escultura en Bruselas con el Maestro Español Emilio Barrero y Grabado con Doriée Acosta.\nEn 1983 creó el término Bimorfismo para identificar su obra escultórica y pictórica. Que se desprende del latín Bi que significa dos y Morfhe que significa obra escultórica que se puede ver de dos formas: en el plano horizontal y en el plano vertical.\nMención por el tercer puesto en el concurso Ciudad Malinas ( Bélgica)1981.\nMedalla por la Obra Conjunta de Pintura y Escultura en la Ciudad de Charleroi (Bélgica) 1982.\nMedalla de participación en la Bienal Ciudad de Charleroi Bélgica 1984.\nDiploma de Participación en la inauguración en el Museo del Cristal en la Ciudad de Charleroi.1984.\nSegundo Premio de Escultura en el Regional de Oriente. ( San Vicente – Antioquia) 1993.\nSeleccionado Salón Departamental de Artes Plásticas en Guatapé 1994.\nPrimer Premio en el Programa “UNI” Pintura. Rionegro - Antioquia. 1996.\nSeleccionado Salón Departamental de Artes Plásticas – Palacio de la Cultura Rafael Uribe – Medellín\nDurante esta exposición Oscar López nos ofrece pintura y escultura.\nNació el 19 de abril de 1968 en remedios Antioquia\nEntrar en la obra de Rocard Mo es entrar en un mundo fantástico en el que el pintor antioqueño rinde homenaje a la niñez, la adolescencia, la ciencia y el contexto social. "Todo lo que hago está motivado en pro de lo social", señala.\nUn realismo fantástico con tendencia surrealista que se sale de lo normal, de lo obvio, como sus vaquirafas; los pistilos -que son llamas de vida-, o los senos celestes.\n"Hablar de su obra es abrir las puertas de lo mágico, sus mundos son sacados del trasfondo de la cotidianidad con el toque de lo fantástico", manifiesta el crítico Orvit . Y destaca, además, el manejo de la luz y la perspectiva, el contraste de luces y sombras, "y un sinfín de detalles que este genio del color nos recrea".\nLa opinión corresponde a Mundos Paralelos, la actual exposición que se exhibe en La Casa Solariega, en Santa Fe de Antioquia, y que puede disfrutarse hasta el próximo 21 de mayo.\nNacido en Remedios, Antioquia y bautizado como Robinson Cárdenas Mora, llegó a este mundo con el arte como escudo.\nFue esa pasión por los trazos y el color la que lo ayudó a negarse a varias invitaciones a tomar las armas. "El entorno de mi niñez fue violento y hostil", recuerda con dejo nostálgico. Fue esa violencia la que le arrebató a su madre y lo llevó desde niño a trabajar para sacar a su hermana adelante.\nPintó desde siempre, en sus ratos libres, en trozos de papel y cuadernos, y lo sigue haciendo. Ni entonces ni ahora, la violencia o la sangre se traslucen en su obra. Al contrario, priman la luz y el color, la exaltación a la vida y la permanente invitación a soñar.\nPintor paisajista Colombiano. Nació en Angostura (Antioquia), 5 de marzo de 1948. Su formación profesional como artista la ha realizado en las siguientes instituciones: Instituto de Artes Plásticas de Medellín, con los maestros Francisco Morales, teresita de la Cruz Tobón y Rafael Sáenz (1965). Estudios de Publicidad y mercadeo en la Universidad Tadeo Lozano de Bogotá (1968). Diseño y decoración de Interiores en la School Dinallo Desing, Miami U.S.A. (1972). Talla sobre Madera en el Sena de Medellín con el Maestro René Bolívar (1972). Taller de Pintura Nueva Expresión con el maestro Pascual Ruiz (1997/98). Taller de Acuarela con el maestro Luis Ángel Hernández (1998/99). Taller de Dibujo y Figura Humana con el maestro Hernando Orozco (1999). Y además varios Seminarios y Talleres sobre Galenismo, Museología y Gestión Cultural. Las técnicas más utilizadas por el maestro Echavarría son el Óleo, la Acuarela, el Pastel y el Acrílico. Ha participado entre otras en las siguientes exposiciones: Individuales: Galería “Lola Vélez de Bello (1999). Universidad “Antonio Nariño” de Medellín (1999). Museo Porfirio Barba Jacob Casa de la Cultura Angostura, Antioquia. Palacio de la Cultura “Rafael Uribe Uribe”, Medellín (2002). Colectivas: Salón “Nuevas propuestas” - banco de la República, Bogotá (1972). “Salón Octubre”, Museo de Zea (hoy Museo de Antioquia), Medellín (1978). “Bolonia Room” Cartagena (1979). “Colombia Civic Center” New York (1979). “Torres Carriles Gallerey” Caracas (1980). “Tour Gallery 86” Puerto Rico (1986). “Tour Gallery 86” Rio de Janeiro (1986). “Cien Pintores Antioqueños” Casa de la Cultura El retiro (1998). Salón Municipal de Artistas bellanitas Biblioteca Marco Fidel Suárez Bello (1999). Galería “Eladio Vélez” Palacio de bellas Artes, Medellín (2000). Salón departamental Artes Plásticas Palacio de la Cultura “Rafael Uribe Uribe, Medellín (2001). 5° Conferencia Mundial de la No Violencia, Palacio de Exposiciones, Medellín (2002). Crismario Gallery “19 latinoamericanos” New York (2002). Biblioteca Diego Echavarría Misas , Itaguí (2003). Recinto Quirama “Cumbre de Presidentes de la Comunidad Andina de Naciones”, Cármen del Viboral, Ant. (2003). Universidad de Antioquia “200 Años”, Medellín (2003).Pinacoteca Neural “11 Artsitas Colombianos invitados a la 4° Bienal de Arte Contemporáneo Florencia-Italia”, Medellín (2003). Desde hace nueve años tiene el pintor bellanita el taller “Rayón y Mancha” en la Urbanización Los Búcaros II, en donde con niños y adultos clases de pintura. Bernardo Echavarría trabaja además en la Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe con la Red Departamental de Artes Plásticas.\nArtista paisajista Colombiano, nacido en Ciudad Bolívar, Antioquia en 1945\nHa realizado estudios con varios maestros antioqueños entre ellos Horacio Ochoa, Julio Carlos Angulo y Ricardo Escobar. Alternando estos con estudios realizados en EE.UU. teniendo como orientadores a:\nCarl Schmaltz, autor de Water Color Lessons From Eliot O”Hara”, Charles Velek en el estado de la Florida, Zoltan Szabo, autor de varios libros sobre acuarela, Tom Nichollas, en el Estado de Maine, miembro de la AWS (American Watercolor Society), Joice Pike Autora de varios libros de pintura, Don Andrews, autor de “Interpretando la figura en acuarela”, George Delaney, miembro de la AWS Art Students League de New York, en 1995, National Academy of Design, en 1997\nEl maestro Vargas, magistral acuarelista y pintor de óleo, con la mancha de color logra transmitir sensaciones de temperatura casi hasta olfativas, en unos paisajes contemporáneos que llegan a ser conmovedores.\nFormado en el país por los antioqueños Horacio Ochoa. |ulio Carlos Angulo y Ricardo Escobar; y en los Estados Unidos por orientadores como Cari Schmaitz. Charles Veleck. Zoltán Szabo. Torn Nichollas, Joice Pike. Don Andrews, George Delaney, y también en la National Academy School of Design y en el Art Students League de New York.\nHa recibido las siguientes distinciones: Premio Carlos Correa, en el V Salón nacional de la Acuarela en 1986 y segundo premio en Exposición organizada por ART GUIL DE BROV\_ARD en el Museo de Arte de Coral Springs en el estado de la Florida. 2000\nEl museo ha seleccionado obras de su más reciente producción, todas ellas pintadas a su regreso a Colombia después de mucho tiempo de vivir en los Estados Unidos, paisajes en su mayoría: el variado suroeste, el frió oriente antioqueño. la ardiente costa Atlántica y alguna escena urbana de su pueblo natal. Ciudad Bolívar.\nEl Playón, Santander, 1962\nEstudios de formacion artística\n1989: Dirección de Cultura Artística de Santander “DICAS”\n1993: “Técnicas Pictóricas” Museo de Arte Moderno Bucaramanga.\n1995: Taller del Maestro Hernando González Floridablanca Santander\n1997 – 1998: Área de Bellas Artes EAFIS, Bucaramanga\n1999: Academia de Bellas Artes, Frosinone Italia.\nDesde el año de 1984 más de medio centenar de exposiciones nacionales e internacionales, desde Bucaramanga y Bogotá Colombia, a Buenos Aires Argentina, Caracas Venezuela y Palestrina provincia de Roma Italia.\nRangel Gutiérrez llegó de Urabá en un bus que descendió serpenteando del alto de Boquerón, mientras él, un quinceañero de tez oscura, camisa floreada y cabello ondulado, miraba por la ventanilla las luces titilantes de la ciudad.\nEsa es la primera imagen que este hombre guarda de Medellín. Luego vino el choque con el asfalto, los edificios, las vitrinas, las luces de neón. De pura chepa no empaqué agua de colores de la fuente luminosa del parque Bolívar , dice ahora, 26 años después de torear la ciudad, de enfrentarla y de esquivar sus lances, sus trampas que seducen, que envuelven y que aplastan.\nRangel vivió en los barrios pobres de Medellín, recorrió sus callejones, trabajó en lo que le salió, y estudió arquitectura y diseño. Pero, en realidad, su profesión se la dio la calle, la esquina, el barrio.\nDe allí sacó sus personajes. Y todavía los saca. Por eso se la pasa horas enteras parado en alguna esquina de Medellín, casi siempre del centro, para detallar las pintas de moda: el man de las Ray Ban, el de la chaqueta de cuero, el de los bluyines con parches, el de los tenis de luces.\nY también le sigue la pista a los hombres de la mirada rasgada y la pinta maleva, iguales a los personajes de Aire de Tango de Mejía Vallejo. Agúzate que te están tirando! Universo de camajanes de caminado lento y ganas de billete fácil.\nEse es el mundo que pinta Rangel en su estudio del barrio Boston, un populoso sector del oriente de Medellín y que cuelga en su apartamento de Villa Hermosa, casi tan populoso como el anterior. Se considera un habitante del lado oriente del río Medellín.\nRangel nunca va a El Poblado, ni a los sitios light. Le gusta su gente, la que se arma de corazas para salir a enfrentar la ciudad, la que batalla a diario, la de la penumbra, la mirada profunda y gestos a la defensiva.\n* Fe de erratas. Estimados artistas, si encuentran algún error por favor me lo pueden comunicar a mi email, igualmente si no quieren que su biografía aparezca en este blog, o quieren anexar o actualizar la información. paisasin@gmail.com


CxC carga contra el Gobierno de Navalmoral: "La están convirtiendo en una ciudad paralizada" | Extremadura7dias.com - Diario digital de Extremadura\nCxC carga contra el Gobierno de Navalmoral: "La están convirtiendo en una ciudad paralizada"\nDesde Cacereños por Cáceres (CxC) piden al Gobierno municipal de Navalmoral de la Mata que haga un esfuerzo en atraer inversores y proyectos para la ciudad.\nAfirman que las fórmulas de gestión del Gobierno municipal no están funcionando, y están convirtiendo a Navalmoral en una ciudad paralizada y sin respuesta a las necesidades de empleo y reactivación del comercio.\n"La evidencia del fracaso de sus políticas es la pérdida masiva de población que venimos sufriendo durante su legislatura".\nCxC Navalmoral considera que los presupuestos municipales aprobados recientemente son ficticios, incoherentes y no se cumplen, perjudicando gravemente a los moralos.\nAsí mismo, lamentan la falta de interés en el desarrollo de proyectos industriales, básico para el crecimiento económico del municipio: "Hemos podido comprobar cómo han dejado marchar proyectos industriales sin hacer rebajas del suelo industrial del polígono que tenemos vacío".\n"Planteamos al gobierno municipal un plan de saneamiento para revertir la situación de la ciudad, y le pedimos mayor implicación para dar soluciones a los problemas que afectan a los vecinos de Navalmoral de la Mata mediante una buena gestión de forma transparente", expresan.\nDesde CxC demandan la creación de una oficina para la gestión de los fondos europeos Next Generation. "Con esta oficina los empresarios de Navalmoral podrán acceder a la presentación de proyectos y conocer el paquete de ayudas de estos fondos. Pero nos tememos que las iniciativas del gobierno municipal son nulas", apostillan.\nCEADE: “Las medidas de Sánchez son insuficientes, llegan tarde y sin diálogo”\nEl PP advierte a la Junta: o aceleran las inversiones con fondos europeos o se perderán los recursos


Trading Topic 11/04/2018\nEl discurso del presidente chino Xi Jinping durante la sesión asiática devolvió la calma a los principales mercados en la sesión de ayer. Además de un tono más conciliador con respecto a la guerra de aranceles, ofreció una mayor apertura del mercado chino a inversiones extrajeras en sectores clave como la banca. En este entorno más optimista el mercado europeo se anotó subidas, con un ascenso del 0,70% para el Eurostoxx-50. El DAX alemán fue el índice que mejor se comportó, con un ascenso del 1,11%, rozando los 12.400 puntos gracias al impulso de Volkswagen (+4,46%) y de Bayer (+4,73%). La compañía química ha llegado a un acuerdo con las autoridades estadounidenses de competencia en la fusión con Monsanto.\nWall Street dejó atrás las dudas del lunes y los principales índices se anotaron subidas en torno al 2%. El Nasdaq-100 fue el mejor, con una subida del 2,22% gracias al ascenso de Facebook, que rebotó más de un 4% y empujó al alza a otros valores como Twitter (+5,43%). Los inversores recibieron con optimismo para el sector la comparecencia de Zuckerberg en el Congreso tras el escándalo de Cambridge Analytica. En el mercado de materias primas destacó el ascenso del petróleo tras el discurso de Xi Jinping. El Brent subió más de un 3% y marcó nuevos máximo anuales por encima de 71 dólares por barril.\nEl Ibex-35 registró una subida del 0,21% y cerró en 9.763 puntos. ACS (+3,2%) lideró los ascensos tras una mejora de recomendación por parte de Berenberg, que elevó su precio objetivo hasta los 39€ por acción. Le siguió Arcelor, con una subida del 2,99%, animada por las subidas en el sector tras el discurso del presidente chino. Repsol (2,13%) y Técnicas Reunidas (+2,52%) también estuvieron entre los mejores valores gracias al tirón del petróleo. Inditex (-1,68%) y el sector eléctrico fueron el lastre del selectivo español, que se quedó rezagado con respecto al resto de índices europeos.


O'Connor's, Upsala - Fotos, Número de Teléfono y Restaurante Opiniones - TripAdvisor\nRestaurantes cerca de O'Connor's\nCosas que hacer cerca de O'Connor's\nN.º 48 de 294 Restaurantes en Upsala\nStora torget 1, Upsala, Suecia\nIrlandesa, Bar, Pub, Cervecería, Británica\nFuimos en dos ocasiones. La primera a tomar unas cervezas. Gran variedad de cervezas y ambiente irlandés. Por las noches música en directo. La segunda vez fuimos a comer. Comida muy rica y precio normal. Los camareros muy atentos.\nLa peor actitud y servicio de chica que trabaja en el armario.\nTramposos sin una sonrisa.\nA caliente y lleno\nDirección: Stora torget 1, Upsala, Suecia\nTeléfono: +46 18 14 40 10


▷ Los 5 campeones con el win rate más alto en el parche 11.22 de League of Legends ◁\nLeague of Legends tiene un total de 157 campeones, y cada uno de ellos tiene su propio rol y una combinación única de habilidades. Sin embargo, aunque cada campeón es viable de una forma u otra en la Grieta del Invocador, algunos, dependiendo del parche y del meta, destacan mucho más que otros.\nDesde el rol de top lane al rol de support, hemos investigado los campeones con los win rates más altos para cada rol en el parche 11.22 de League of Legends. Los datos proporcionados se pueden encontrar en la página de estadísticas de League of Legends, u.gg, que ofrece un análisis completo de cada campeón, de su win rate y de su rol.\nPara este artículo, hemos mirado más específicamente el rango Platino y más alto en clasificatorias en Grieta del Invocador, que representa a la proporción más top de jugadores de cada región.\nTop lane: Ziggs\nZiggs, lo creas o no, tiene el win rate más alto en la top lane en el parche 11.22. Con un win rate de 53.56 por ciento, el yordle le gana por poco a campeones como Katarina, con 53 por ciento, Akshan, con 52,81 por ciento, y Tahm Kench, con 52.67 por ciento.\nRek’Sai tiene el win rate más alto en la jungla, por una diferencia mínima. Con 52,96 por ciento y un ban rate de tres por ciento en el parche 11.22 según u.gg, el campeón ha sobrepasado a Nunu, que tiene un 52,40 por ciento y Rammus, con 52,37 por ciento.\nMid lane: Singed\nSinged, que a menudo es considerado un campeón de la top lane, de alguna forma ha conseguido desviarse de su camino hacia la mid lane, con un impresionante 55,36 por ciento en el parche 11.22. Sin embargo, sorprendentemente, tiene un pick rate de solo 0,5 por ciento.\nBot lane: Swain\nSwain tiene el win rate más alto en el rol de AD carry, con un increíble 53,63 por ciento de win rate. Su habilidad de zonear y outfarmear a campeones lo convierten en una opción muy poderosa para la bot lane. En cuanto a ADCs más tradicionales, Kog’Maw se lleva el primer puesto con un 52,58 por ciento de win rate.\nSona ha encontrado su camino de vuelta al la cima en este parche 11.22. Con un 53,02 por ciento de win rate, la campeona es la reina del rol de support. Soraka, con muy poca diferencia, es la segunda con un win rate de 52,92 por ciento.\nEste artículo fue publicado originalmente en inglés por Jerome Heath el 10 de noviembre de 2021.


Maison Ruisseau - Alquileres de vacaciones en Maggie Valley - TripAdvisor\n1 de 22Backyard rushing creek\njamesgU1014HW, VR Owner en Maison Ruisseau, respondió a esta opiniónRespondida el 13 de septiembre de 2017\nGran cabaña para mantener a los niños entretenidos fácil.\nCabaña de cocina bien equipada, lavandería, cama, baño, Jim ha pensado en todas las necesidades. Grande en edificio completo de entretenimiento con mesa de billar, futbolín, ping pong un montón de juegos. La cabaña estaba limpia y era muy confortable y lo recomendaría para cualquier...familia.Más\nSe admiten mascotas bajo ciertas condiciones. Por favor, consulte con el propietario antes de reservar. Esta propiedad está en un torrente y puede no ser adecuado para los niños...\nSe admiten mascotas bajo ciertas condiciones. Por favor, consulte con el propietario antes de reservar. Esta propiedad está en un torrente y puede no ser adecuado para los niños pequeños.\nLimpieza: $ 3.177/estadía - Tarifa\nMascota: $ 1.869/estadía - Tarifa\nVer todos los 128 alquileres en Maggie Valley


Miguel Munárriz El alma de tu cuerpo - Miguel Munárriz\nEl alma de tu cuerpo\nÁngel González, Luis Eduardo Aute\nDice Alberto Savinio en su Nueva Enciclopedia, a propósito de la entrada “Cultura”, lo siguiente: “La cultura tiene por objeto principal dar a conocer muchas cosas. Y cuantas más se conocen, tanta menos importancia se da a cada cosa: a más fe, menos fe absoluta. Conocer muchas cosas significa juzgarlas más libremente y, en consecuencia, mejor”.\nEste extracto me ha hecho recordar a Luis Eduardo Aute, a lo que Aute representa en el arte, a lo que siempre ha hecho con la música que ha compuesto, con los cuadros que ha pintado y con las películas que ha dirigido. Es decir, que Aute ha practicado esta parte de la cultura a que se refiere Savinio en su excéntrico libro que, dicho sea de paso, es una atractiva manera de acercarse a las cosas cuando las cosas empiezan a no servir tal y como las conocemos. “Tan descontento estoy de las enciclopedias”, dice Savinio, “que me he hecho la mía propia para mi uso personal”. Esto también me recuerda a Eduardo en cuanto que todo lo que ha hecho ha sido construirse un mundo propio, a su medida, porque el que habitaba estaba incompleto, y así, 47 años después de que grabara su primer disco (antes sólo escribía para otros), los autistas hemos tenido la suerte de poder elegir una vida instalada en esas coordenadas lunáticas que Aute ha ido creando en cada canción, porque Aute, como Baudelaire, ya no escucha a la musa, sino solamente a la voz de su propio corazón.\n“El amor en un país de ateos, es capaz de conseguir que adoren hasta la divinidad”, escribió el conde de Rochester. En ese mismo país de ateos, para Ángel González, si Dios está en alguna parte, es en la música.\nAute habla del amor como de un milagro, como una unión común, o sea, una comunión, un acto amoroso en el que dos alcanzan el orgasmo y se transforman en dioses. Entre la música y esa unión de dos cuerpos en armonía “El verbo se hizo carne / tuya/ y carne / mía/ y conjugó entre nosotros”. Y en el tándem Amor-Dios estos versos finales de “El universo” nos llevan al apoteosis de la carne en su más alta espiritualidad: “Disuelto en tus entrañas / de líquidos secretos / desentrañaba el nudo / de Dios y su Misterio”, y encabeza este poema con una cita de Cioran que dice: “En pleno delirio sexual, cualquiera tiene el derecho a compararse con Dios”. La canción “Sin tu latido” contiene un verso en el estribillo, con el que titulo este escrito, que va más allá, a la unión del cuerpo y el alma: “Ay, amor mío, / qué terriblemente absurdo / es estar vivo / sin el alma de tu cuerpo / sin tu latido”.\nLuis Eduardo Aute es un poeta que ha cantado al amor, las más de las veces a ese amor que se ha perdido y por el que se llora, como mandan los cánones; pero también lo ha desdramatizado, y ha fundido el amor y el humor. Así, desmitifica, ironiza y humaniza el tema amoroso con canciones como “Una de dos”, “Ay de ti, ay de mí” o “Pumpum, Pumpum” en la que tras contar que el corazón es insensible, que ni siente ni padece y que no es otra cosa que una víscera, que padece soplos, taquicardias, etc., termina diciendo que siente que se asfixia, que tiene un dolor que le golpea, que le traspasa ”… pumpum, pumpum, pumpum, / que me crucifica, pumpum, pumpum, pumpum, / cuando tú me dejas, corazón”.\nHace ya muchos años, una noche en que Luis Eduardo Aute actuaba en un cine de Oviedo –allí se juntó el cine, la música, la poesía (¿Eduardo preguntaría: ¿no es lo mismo?) –Aute supo que Ángel González estaba entre el público y le invitó a subir al escenario, conocedor del gusto del poeta por los boleros. Ángel González subió, carraspeó mientras le tomaba el pulso a la guitarra, y se despachó a gusto con un par de boleros que contribuyeron a aumentar el clima de amor del que Eduardo se había encargado hacía rato de crear.\nHemos visto, pues, que Aute es un autor que maneja todos los registros poéticos y no sólo cuando se trata del amor y sus misterios sino también al adentrarse en el tema político, denunciando situaciones concretas –la guerra, la corrupción–, (hace tiempo que Aute vaticinaba que “La guerra que vendrá / será / la más hortera de todas las guerras / que ha habido y habrá”), u otras denuncias tan necesarias como la falta de ética, y me estoy refiriendo a La belleza: “…Y me hablaron de futuros / fraternales, solidarios, / donde todo lo falsario / acabaría en el pilón. / Y ahora que se cae el muro / ya no somos tan iguales, / tanto vendes, tanto vales, / ¡viva la revolución! / Reivindico el espejismo / de intentar ser uno mismo, / ese viaje hacia la nada / que consiste en la certeza / de encontrar en tu mirada / la Belleza”. Estas dos canciones están incluidas en el disco Segundos fuera que debe de ser uno de los más combativos que se han escrito, con títulos tan expresivos como “Todo es mentira”, “Va como va”, “Cómo te atreves” o el que da título al álbum.\nLa obra poética de Luis Eduardo Aute es de una coherencia máxima. Desde sus alegatos contra los burgueses o sus versos a favor de la libertad desde Rosas en el mar, pasando por los Aleluyas como una marca de la casa inconfundible, hasta ese destello poético que es “Alas y balas” que, por cierto, apuntaba ya en uno de los versos de Aire: “…algo más que los vuelos y revuelos / de tus alas y balas”, o como en “Alevosía” que avanzaba lo que vendría después en su disco Animal (“Más que amor, lo que siento por ti / es el mal del animal”), un disco en el que me gustaría detenerme porque me parece una de las aventuras más interesantes en las que se metió el artista; más tarde vendría una nueva aventura en forma de película dibujada llamada Un perro llamado dolor, que es otra forma sublime que tiene Aute de atraparnos en la Belleza. O en su última película dibujada, la más reciente a la que acompaña las canciones de El niño y el basilisco.\nCon Animal, Aute escribe lo que él llama Poemigas y experimenta con todo: con la música, la letra, la voz y hasta con los tiempos de cada canción. La más larga, Ánimo, animal dura 4 minutos, 43 segundos, y la que menos 0,30; entre ambas, y hasta un total de 25 poemigas, los hay de 1,40, de 0,58 o de 1,03 minutos. Un experimento por el que planean las vanguardias, Duchamp, Buñuel, Eluard, y también el cine, la literatura y el caligrama en un original juego de hacer versos. El final es una invitación a comprarse “la próxima vez un libro de reclamaciones”, y concluye: “Como si no hubiera otra cosa que hacer, / tú, / ¡hala…! / leyendo estas incontenidas incontinencias / sin-con, sin-con, sin-con- / tenido”.\nLuis Eduardo Aute escribió “Siglo XXI”, una canción-homenaje al poeta argentino Santos Discépolo, autor del tango Cambalache, cuya letra sigue teniendo idéntica vigencia que cuando la escribió (“…el que no llora no mama / y el que no afana es un gil”). La primera estrofa de la canción de Aute dice así: “Siglo XX, cambalache, problemático y febril /anunció Santos Discépolo, un poeta del 2000 / y profeta en aquel tango que cantó a la corrupción / que gobierna las cloacas de la humana condición”. El tango está en algunas de las canciones de Luis Eduardo Aute y aparece de una forma u otra: en el bandoneón que suena de fondo en “Aire, aire”; en el homenaje a Carlos Arjona en forma de elegía en “Che, qué mal” o en su particular versión del cambalache de nuestro tiempo a que hacíamos referencia, en “Imán de mujer”, en donde vuelve a recordar: “Que el mundo fue y será una porquería / ya lo dijo Enrique Santos / y hoy tengo un día de esos en que sufro / toda esa poesía cruel, / aunque me temo que yo mismo soy quien / me produzco más espanto / al verme comprendiendo las razones de Caín / matando a Abel”.\nCon esta declaración decididamente Autista he intentado acercarme a la obra poética de uno de los autores vivos más importantes del siglo XX. Un autor por el que respiran Aleixandre, Carlos Edmundo de Ory, Lorca, Monterroso, Sábato, Scott Fritgerald, Goya, Quevedo, Jacques Brel, Stevenson…, y que nos ha dado canciones como “Al alba”, “Las cuatro y diez”, “Mira que eres canalla”, “Albanta” “No te desnudes todavía”, o todas las que componen uno de sus últimos y mejores discos: Intemperie.\nEste año la efeméride es importante: Aute (Manila, 1943) ha cumplido 70 años. Una buena ocasión para unirse a su compromiso y leer otra vez su poesía, la poesía que está en todo lo que Eduardo hace, y en todas sus canciones, porque Aute escribe poemas a los que le pone música, lo que los convierte en nuevos poemas. Felicidades, maestro. De colofón, copio aquí tu auterretrato:\nANIMAL de MANILA\nAurora 19 diciembre, 2013 en 3:07 pm Responder\nMe gustan mucho los Jueves. Deliciosa lectura la de hoy.\nTxema 19 diciembre, 2013 en 4:31 pm Responder\nLeyendo esta entrada en el blog uno se da cuenta del cariño que profesa quien lo escribe hacia un grande como Aute.


Reina Letizia: Bye, bye, bisutería: la reina Letizia desayuna con diamantes\nBye, bye, bisutería: la reina Letizia desayuna con diamantes\nTras su regreso de las vacaciones de verano, en cada una de sus apariciones públicas se ha decantado por grandes joyas, sobre todo pendientes, dejando a un lado las baratijas\n21/11/2018 - 05:00 Actualizado: 22/11/2018 - 13:48\nDurante años, hemos hablado de la pasión de doña Letizia por la bisutería. Bueno, concretamente desde la proclamación de Felipe VI en junio de 2014, momento en el que desterró a sus por entonces inseparables estrellas de diamantes de Chanel para dejar paso a una gran variedad de pendientes, muchos de ellos de firmas low cost, como Zara, Mango, Etsy o My Collect. Eso nos llevó a catalogar a la esposa de Felipe VI como la reina de la bisutería, un título que a día de hoy ya no se adapta a sus gustos.\n[LEER MÁS: La nueva (y económica) pasión de la reina Letizia, la bisutería]\nTras su regreso de las vacaciones de verano, en cada una de sus apariciones públicas, la Reina se ha decantado por grandes joyas, sobre todo pendientes, dejando a un lado las baratijas (y perdón por llamarlas así, es tan solo un modo de referirnos a las alhajas que no son de calidad y que tienen un precio bajo). Ahora los diamantes, las piedras preciosas y el oro se han convertido en los mejores amigos de la Reina, que ya solo quiere llevar joyones y no se despega de ellos.\nDoña Letizia ha cambiado Parfois por Bulgari, De Grisogono y otras grandes firmas internacionales, bien con piezas nuevas o rescatando otras que tenía en su joyero desde hacía tiempo, pero que no lucía por diversos motivos. Uno de ellos, quizás el más importante, es que durante la época de la crisis se le pidió moderación con la ostentación.\nA continuación te mostramos los pendientes que ha lucido la Reina desde septiembre para que compruebas que sí, que se trata en gran parte de ellos de joyones.\nLas joyas 'buenas' de Letizia\n1. Pendientes de perlas de oro blanco y diamantes firmados por Tous. Precio: 284 euros.\n2. Pendientes del lote de pasar de las reinas de España. Los lució por primera vez durante la visita de Estado de Argentina en febrero de 2017. Su valor es incalculable.\n3. Pendientes de Chanel, modelo Plume, representando una pluma y elaborados con diamantes y oro blanco de 18 quilates. Precio: 6.800 euros.\n4. Pendientes de Chanel, modelo Comète, representando una estrella y elaborados con diamantes y oro blanco de 18 quilates. Precio 4.950 euros. Fueron un regalo de la firma con motivo del nacimiento de Leonor.\n5. Pendientes de Gold & Roses, modelo Crawler Skyline, elaborados en oro blanco de 18 quilates y diamantes. Precio: 1.565 euros.\n6. Pendientes de Gold & Roses de oro amarillo combinados. Por un lado, el modelo Sun Balance, con una bolita y una cadena, cuyo precio es de 99 euros; y en la izquierda el Milky Way, con una estrella y un precio de 120 euros.\n7. Pendientes de Gold & Roses, modelo Doble Daga, elaborados en oro blanco y diamantes. Precio: 1.985 euros.\n8. Pendientes de diamantes de forma floral. Fueron un regalo de sus suegros, don Juan Carlos y doña Sofía, con motivo de su enlace con Felipe.\n9. Pendientes de diamantes, oro blanco y perlas australianas. Los ha llevado en el bautizo de sus dos hijas. Un modelo parecido puede alcanzar los 1.500 euros.\n10. Pendientes de oro blanco y aguamarinas de Bulgari. Fueron un regalo de la maison con motivo del nacimiento de Leonor. Precio aproximado de 4.000 euros\n11. Pendientes de brillantes blancos y negros de la firma De Grisogono. Tiene el collar a juego, aunque nunca lo luce. Las joyas de esta casa no bajan de los 2.000 euros.\n12. Pendientes en forma de mariposa de Elena C. de oro blanco de 18 quilates y diamantes. Precio: 595 euros.\n13. Pendientes de oro amarillo compuestos por una cadena de conchas doradas. Firmados por Tous. 600 euros.\n14. Pendientes en forma de aro con brillantes. Los lució en la entrega del Premio Cerecedo. Firma desconocida, precio aproximado de 500 euros.\n15. Pendientes de oro amarillo en forma de cubo con un diamante en el interior. Los tiene desde 2005 y se desconoce de qué casa son. Pueden rondar los 300 euros.\n16. Pendientes de oro blanco y rubíes en forma de lágrima. No se conoce su procedencia. Precio aproximado de 700 euros.\nJoyas Reina Letizia Reina Letizia Vestidor de Letizia\nLetizia, una reina detallista: se viste de 'chica de la Cruz Roja' Núria Tiburcio\n¿Quién es Teodora de Grecia, la princesa actriz que ha puesto en un 'brete' a Letizia? N.Tiburcio


Ultiman los detalles en la construcción civil de la Academia de Boxeo en Cienfuegos |Perlavision\nHome / Deportes / Ultiman los detalles en la construcción civil de la Academia de Boxeo en Cienfuegos\nEn la Academia de Boxeo de Cienfuegos se dan los toques finales de la construcción civil a inaugurar el próximo 5 de septiembre.\nLuego de un año y 8 meses trabajadores por cuenta propia de la provincia ultiman los detalles para concluir la edificación del inmueble, dotado de un espacio socio-administrativo, gimnasio para el desarrollo de las habilidades deportivas, restaurante y cinco dormitorios con capacidad para cerca de 50 púgiles.\nEl Máster en Cultura Física Comunitaria, Adaelsio Ferrer Molina, director de la Escuela de Boxeo, planteó que ya el 4 de septiembre se realizará la inauguración oficial, y durante el mes de septiembre los atletas tendrán una base de entrenamiento en la arena, para después incorporarse al centro que contará con toda la fuerza técnica capacitada y la mayoría de los trabajadores de servicio de antaño, con el reto de que el pugilismo en la provincia tenga un resultado sobresaliente acorde a las condiciones creadas.\nLos atletas se incorporarán a la escuela cuando el centro esté dotado de todo el mobiliario, y quedaría pendiente la ejecución de un gimnasio de fuerza. No obstante, la inversión de cerca de 3 millones de pesos, debe ser recompensada con mejores resultados deportivos del boxeo sureño.\nModesto Morales Contreras, jefe técnico de la Academia de Boxeo, considera que ahora lo que resta es de ellos, pues después de tanto pedir una escuela de para la práctica de esta disciplina, toca a entrenadores y atletas dar su aporte.\nHistóricamente el pugilismo cienfueguero ha tenido atletas con destaque en eventos multideportivos del área y de otro nivel, lo cual se pretende y debe preservarse a partir de tener mejores condiciones para el boxeo.\n« Nota anterior Ganan Elefantes primer juego de la subserie ante los yumurinos\nNota siguiente » Conservan colección de artes decorativas en Museo Provincial de Cienfuegos\nEtiquetas: Academia Boxeo Cienfuegos Cuba púgil Septiembre


Pregunta rara apcs FF // Global site tag (gtag.js) - Google Analytics\nPregunta rara apcs FF\nAutor Tema: Pregunta rara apcs FF (Leído 468 veces)\n« en: Septiembre 18, 2018, 02:48:23 pm »\nHe adquirido una Sony A7II hace poco , es para mi mujer más que otra cosa.\nAl mirar teleobjetivos, veo que todas las opciones incluso las malas, son carísimas.\nSe me habia ocurrido aprovecharme de la opción apsc de la A7II solo para teleobjetivos.\nLas dudas son en la calidad que conseguiré y si os parece razonable.\nRe:Pregunta rara apcs FF\n« Respuesta #1 en: Septiembre 18, 2018, 04:13:07 pm »\nLo de utilizar objetivos APS-C puede ser temporalmente una opción. No vas a perder calidad, solo perderás el exterior del encuadre que tendrías con objetivos FF.\nCon respecto a los precios, una ventaja de las cámaras sin espejo es que puedes utilizar objetivos antiguos con un acoplamiento económico. Puedes conseguir buenos precios en objetivos fijos de segunda mano que te permitirán sacar partido a la cámara aprovechando todo el sensor. En la web tienes páginas que tienen información al respecto que deberías de consultar.\n« Respuesta #2 en: Septiembre 18, 2018, 04:23:30 pm »\nGracias por la respuesta , yo tengo un equipo completo de Nikon FF,\ncompré un adaptador y me funcionan todos satisfactoriamente pero en tele,\nTengo un Tamron 70-200 pero para mi mujer sería extremadamente pesado.\nNo es una prioridad al tener Nikon , un tele de calidad pero en Sony , solo se acerca\na la idea un 70-300 pero aun así son 1000€.\nMi mujer saca solo fotos de día y solo con zoom, por eso se me había ocurrido lo del objetivo Apsc.\n« Respuesta #3 en: Septiembre 18, 2018, 04:29:16 pm »\nCita de: carlito77 en Septiembre 18, 2018, 04:23:30 pm\nUna opción económica podría ser el Minolta AF 70-210 f/4.5-5.6 II, con un adaptador, claro. Es un buen objetivo con un peso muy ligero.\n« Respuesta #4 en: Septiembre 18, 2018, 05:06:06 pm »\ngracias , lo miro.\n« Respuesta #5 en: Septiembre 19, 2018, 01:04:36 pm »\nYo he utilizado mucho tiempo el Minolta f/4 70-210 con el adaptador LAEA4. El conjunto me salío por unos 300/350 euros, comprando nuevo el adaptador, así que si lo buscas de segunda mano sería incluso más barato\n« Respuesta #6 en: Septiembre 21, 2018, 03:01:31 pm »\nCita de: larry en Septiembre 18, 2018, 04:13:07 pm\nJustamente tenía una pregunta muy parecida que acabo de realizar en otro tema, y que me acabas de aclarar indirectamente\nYa que estoy por aquí, ¿sabéis si en una situación así, en la que utilizas un objetivo APS-C en una cámara FF, en los datos EXIF de la foto, aparece los mm de la APS-C o de la FF? Por ejemplo, un objetivo 12mm de FF, si configuro la cámara en APS-C, ¿aparecería 12mm o 18mm?\n« Respuesta #7 en: Septiembre 21, 2018, 10:04:27 pm »\nda igual la marca, el formato(hay mas formatos mas alla de apsc y full) y demas cosas, todos los objetivos vienen expresados en lo que haora se llama full frame, que antes de siempre lo llamabamos 35mm los aps-c vienen en 35mm los sub 16 tambien, el formato medio y el grande tambien, es la manera de expresarse universal en fotografia, encuantro a los exif...doy por hecho que tambien se expresan en full , sea o no full o aps


La iniciativa financiada por el Gobierno Regional de O’Higgins y ejecutada por la Facultad de Agronomía de la Universidad de Chile, permitirá a 50 hortaliceros de O’Higgins, integrantes de la cooperativa Coopeumo, mejorar sus producciones a través del uso eficiente del agua y de la tierra. Al respecto, el Gobernador Regional manifestó que el proyecto “está enseñando una nueva forma de producción que permite a los pequeños agricultores usar sus propiedades y que sea rentable la actividad agrícola que realizan. Es una experiencia, donde se le ha enseñado a los agricultores cómo hacer los cultivos, el tiempo que se puede cosechar y cómo aplicar esta tecnología”. La máxima autoridad regional resaltó que “esperamos que esta iniciativa se multiplique en muchos sectores de la región, para que se vaya aprendiendo y exista una alternativa que permita mejorar la producción agrícola a un bajo costo. Desde el Gobierno Regional queremos promover la agricultura sustentable, con un uso eficiente del agua y la incorporación de tecnología a sus procesos”.\nEl académico Víctor Escalona, profesor de la Facultad de Ciencias Agronómicas de la Universidad de Chile, explicó que “este proyecto busca utilizar invernaderos, incorporando luces led para producir en poco tiempo gran cantidad de alimentos con la mínima cantidad de recursos”.“Estas micro hortalizas son plantas pequeñas que tienen entre 7 a 15 días (…) dan la facilidad al agricultor de producir mucho en muy poca superficie de terreno y tiene un alto compuesto de bioactivos, son bien interesantes desde el punto de vista de la alimentación. La idea es ofrecer nuevas alternativas y oportunidades de negocios, y nuevos sistemas de producción a los agricultores hortícolas”, precisó el profesor Víctor Escalona.


El tiempo en Abuta ⛅ (Hokkaidō), Japón - Pronóstico Del Tiempo - es.ViewWeather.com\n42.55°N / 140.7°E ~1m asl 04:18\nLa temperatura máxima será de 7 grados Celsius, y la temperatura mínima de -1 grados Celsius. El viento será brisa moderada, y la presión atmosférica media será 1010 mb. La humedad relativa será muy alta.\nLa temperatura máxima será de 5 grados Celsius, y la temperatura mínima de -1 grados Celsius. El viento será brisa fresca, se formará niebla, y la presión atmosférica media será 1007 mb. La humedad relativa será muy alta.\nLa temperatura máxima será de 1 grados Celsius, y la temperatura mínima de -2 grados Celsius. El viento será brisa fresca, y la presión atmosférica media será 1009 mb. La humedad relativa será alta.\nLa temperatura máxima será de 0 grados Celsius, y la temperatura mínima de -4 grados Celsius. El viento será brisa fresca, y la presión atmosférica media será 1006 mb. La humedad relativa será alta.\nLa temperatura máxima será de 0 grados Celsius, y la temperatura mínima de -4 grados Celsius. El viento será brisa moderada, y la presión atmosférica media será 1009 mb. La humedad relativa será alta.\nExiste 24% probabilidad de nevadas escasas.\nLa temperatura máxima será de 1 grados Celsius, y la temperatura mínima de -3 grados Celsius. El viento será brisa moderada, y la presión atmosférica media será 1009 mb. La humedad relativa será alta.\nLa temperatura máxima será de 3 grados Celsius, y la temperatura mínima de -3 grados Celsius. El viento será brisa moderada, y la presión atmosférica media será 1015 mb. La humedad relativa será alta.\nLa temperatura máxima será de 0 grados Celsius, y la temperatura mínima de -1 grados Celsius. El viento será brisa ligera, y la presión atmosférica media será 3046 mb. La humedad relativa será .\nAbuta (~1 m asl)\nLatitud: 42.55388 y Longitud: 140.7572\nHora local (Asia/Tokyo | GMT +9): 04:18\nCerca de Abuta\nEl tiempo en Toya-eki - 0 km - Estación de tren\nEl tiempo en Toyako-choyakuba - 0 km - instalaciones administrativas\nEl tiempo en Toyoura-eki - 4 km - Estación de tren\nEl tiempo en Toyoura - 4 km - lugar poblado\nEl tiempo en Usu-wan - 4 km - bahía\nEl tiempo en Usu - 4 km - lugar poblado\nEl tiempo en Poroshireto-saki - 4 km - capa\nEl tiempo en Toyoura-choyakuba - 4 km - instalaciones administrativas\nEl tiempo en Toyako-onsemmachi - 5 km - lugar poblado\nEl tiempo en Usu-eki - 5 km - Estación de tren\nEl tiempo en Sakura - 5 km - lugar poblado\nEl tiempo en Kohanai-yama - 5 km - montaña\nEl tiempo en Naka-jima - 9 km - isla\nEl tiempo en Nagawa-eki - 9 km - Estación de tren\nEl tiempo en Toyako-cho - 10 km - de tercer orden división administrativa