Catálogo de Obras | Fundación Teatro a Mil\nFundación Teatro a Mil es una institución internacional que desarrolla su labor en torno a la circulación, promoción, producción y formación de las compañías escénicas chilenas y latinoamericanas en el extranjero. Con el objetivo de insertar el teatro nacional y latinoamericano en el circuito internacional, articula y genera redes de colaboración y propicia el desarrollo de plataformas para dar viabilidad a esta inversión cultural.\nGiras en el mundo\nLa Fundación Teatro a Mil ha coproducido y colaborado a la producción teatral de artistas chilenos y latinoamericanos, dividiendo su trabajo en tres niveles: Producción, Coproducción y Representación. Tanto las producciones, como las coproducciones y las representaciones, se encuentran disponibles para ser programadas y girar previo contacto con la fundación, la cual se encargará de generar las condiciones óptimas para la mejor ejecución de las giras internacionales.\nVolver a Circulación\nDirección y dramaturgia Guillermo Calderón\nUn grupo de militantes que recibe instrucción paramilitar para resistir y derrocar a la dictadura en Chile durante los años ochenta.\nDurante la década de los ochenta un grupo de militantes recibe instrucción paramilitar para resistir y derrocar a la dictadura. Los contenidos que se enseñan retratan la actividad y aspiraciones de una generación que usó todos los medios para conseguir justicia y libertad.\n“Cualquier acción de resistencia de parte de grupos extremistas, obliga a las fuerzas armadas a adoptar las más drásticas sanciones, no sólo respecto de los agresores sino que también en contra de quienes permanecen detenidos o sometidos a arresto domiciliario y vigilancia. Las fuerzas Armadas y de Carabineros serán enérgicas en el mantenimiento del orden público, en bien de la tranquilidad de todos los chilenos. Por cada inocente que caiga serán ajusticiados 10 elementos marxistas indeseables, de inmediato, y con arreglo a las disposiciones que el Código de Justicia Militar establece en los tiempos de guerra.”\nBando N°30 de la Intendencia de la Provincia de Cautín\nTemuco, 17 de septiembre de 1973\nSu estreno fue uno de los más esperados del Festival Internacional Santiago a Mil 2013, tanto que tuvo todas sus funciones agotadas, por lo que la obra se reprogramó durante el año en el ciclo de Teatro Hoy y en 40 años del Golpe. Su éxito traspaso fronteras, siendo presentada en Sao Paulo, en el Festival Próximo Futuro de la Fundación Gulbenkain de Lisboa y en Theater der Welt en Manheim, Alemania.\nDirección y dramaturgia Guillermo Calderón Asistencia de dirección María Paz González Actores Luis Cerda, Andrea Giadach, Camila González, Francisca Lewin, Carlos Ugarte Diseño Loreto Martínez Arreglos y asesoría musical Felipe Bórquez Producción Fundación Teatro a Mil\nGuillermo Calderón estudió teatro en la Universidad de Chile y en Estados Unidos. Escribió y dirigió Neva, Diciembre, Clase, Villa + Discurso, Escuela, Beben y Kuss. Dirigió una versión de Neva en el Public Theater de Nueva York, y las obras Beben y Kuss en el teatro de la ciudad de Düsseldorf. Co-escribió las películas Violeta se fue a los cielos dirigida por Andrés Wood, y El club, dirigida por Pablo Larraín, ganadora del Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín 2015.\n“Novedad escénica ya que aborda la arista de resistencia que la historia oficial concertacionista ha ignorado”- La Nación.\n“Es una obra que hace reflexionar, moviliza y confunde” – Revista Paula.\n“Despliega enorme talento y agudeza a la hora de provocar al público con feroz, punzante lucidez” – El Mercurio.\n“Una obra incómoda, cuestionadora, crítica y lúcida, y justamente por eso es una mirada necesaria” – Sangría.\nCeremonia-performance MAU Mapuche\nNo despiertes a los niños\nConcepto, diseño, coreografía y dirección Lemi Ponifasio\nCeremonia creada por el coreógrafo samoano Lemi Ponifasio junto a artistas chilenos y mapuche, estrenada en Santiago a Mil 2016.\nCeremonia creada por el coreógrafo samoano Lemi Ponifasio junto a artistas chilenos y mapuche. Esta coproducción de Fundación Teatro a Mil se estrenó en Santiago a Mil 2016, con funciones en la Aldea del Encuentro (La Reina) y en la Terraza Caupolicán del Cerro Santa Lucía.\nConcepto, diseño, coreografía y dirección Lemi Ponifasio Diseño Helen Todd Artistas Agustín Cañulef Parra, Danitza Segura Licanqueo, Gabriela Arancibia Galdames, Margarita Monsalve Cuminao, Matías Cayuqueo Cortés, Paula González Seguel, Rallén Montenegro Aguilera, Ricardo Curaqueo Curiche, Rodolfo Pichunman Melin, Sandra Huenupan, Yasmín Millán Castro, Loreto Millalen Iturriaga, Nathalie Moris Caniulef, Cristián Waman, Valeska Minchel Lisboa Artistas invitados Benjamín, Lopko, Elisa Avendaño, Elsa Asistencia de dirección Roberto Cayuqueo Producción Martín Montaner Diseñadora Cynthia Salgado Intérprete Margit Schmohl Colaborador Archivo Nacional de Chile, Salón Ricardo Donoso\nEl director, coreógrafo, artista y diseñador samoano Lemi Ponifasio fundó MAU en Auckland (Nueva Zelanda) en 1995, una colaboración entre comunidades y artistas de todo el mundo. MAU es una palabra samoana que se utiliza para una declaración a la verdad de las cosas, o para la revolución como un esfuerzo por transformar. Un artista autodidacta, Lemi Ponifasio crea trabajos radicales que desafían las definiciones convencionales. En su universo artístico, Ponifasio orienta al individuo moderno hacia otras dimensiones de la conciencia, por medio del desacelerado ritmo de su estricta estética, utilizando imágenes potentes, movimiento y la interacción dinámica de luces y sombras. Como pionero en la frontera internacional entre danza y teatro, su visión del teatro trasciende las barreras entre géneros y culturas, y transmite el poder universal del arte. Lemi Ponifasio ha presentado sus producciones en el Festival d’Avignon (Francia), BAM (Brooklyn Academy of Music), la Ruhrtriennale (Alemania), el Edinburgh International Festival (Escocia), el Théâtre de la Ville de París (Francia), el Southbank Centre (Reino Unido), el Holland Festival (Países Bajos), el Luminato Festival (Canadá), el Wiener Festwochen (Austria), el Berliner Festspiele (Alemania) y la Bienal de Venecia (Italia). Entre sus trabajos más recientes se incluyen Lagimoana (2015), Apocalypsis (2015), I AM MAPUCHE (2015), I AM (2014), The Crimson House (2014), Stones In Her Mouth (2013), Prometheus (2012), Le Savali: Berlin (2011), Birds with Skymirrors (2010) o Without a body (2008), entre otras.\n3 al 22 de enero\nEn 31 minutos: Romeo y Julieta, los personajes de la popular serie infantil desatarán una versión exageradamente libre del clásico shakesperiano,...\nDramaturgia y dirección Claudio Tolcachir, Lautaro Perottim, Melisa Hermida Producción Teatro Timbre 4, Maxime Seugé, Jonathan Zak\n“La apuesta de la tríada creativa, Tolcachir, Perotti y Hermida, es fuerte, y la obra es una de las más personales e innovadoras de la cartelera porteña” – Página 12.\nUn cuento absurdo de tres mujeres extrañas que conviven sin saberlo hasta que conforman entre ellas un ecosistema delirante y particular. Un espacio realista que contiene una historia absurda. Cada detalle de la escenografía, la particularidad de cada vestuario y de los objetos de estos seres son los encargados del relato de esta historia. La iluminación oscila entre el día y la noche, la lucidez y la locura, lo onírico y lo real. Un músico omnipresente hilvana los silencios y atraviesa los climas desde los alrededores de la casa, como si delatara en sonidos lo que esos cuerpos callan.\nDramaturgia y dirección Claudio Tolcachir, Lautaro Perottim, Melisa Hermida Elenco Daniela Pal, Marta Lubos, Paula Ransenberg Música en vivo Joaquin Segade Diseño de luces e iluminación Ricardo Sica Diseño de escenografía Gonzalo Córdoba Estévez Producción Teatro Timbre 4, Maxime Seugé, Jonathan Zak Dínamo es una coproducción de Timbre 4 con Napoli Teatro Festival (Italia), Fundación Teatro a Mil (Chile), Festival d’Avignon (Francia), Maison des Arts de Créteil (Francia), Teatro La Plaza (Perú), Centro Cultural San Martín (Argentina), SESC – São Paulo (Brasil) con la participación del Teatro Nacional de Burdeos en Aquitaine (Francia)\nClaudio Tolcachir es actor, director, docente y dramaturgo. Como actor participó en más de 30 obras. Con Timbre 4 montó La omisión de la familia Coleman, Tercer cuerpo y El viento en un violín, entre otras. También dirigió Atendiendo al Sr. Sloane, Agosto y Todos eran mis hijos. Recibió los premios ACE, Clarín, María Guerrero, Teatros del Mundo, Teatro XXI y fue nominado al premio Konex como uno de los mejores directores de la década. Sus obras se han representado en más de 20 países y han sido traducidas a seis idiomas.\nLautaro Perotti es actor, director y docente formado con Alejandra Boero, Juan Carlos Gené y Verónica Oddó. Como actor participó en La omisión de la familia Coleman, Lisístrata y Jamón del diablo, entre otras. Le otorgaron el Premio Trinidad Guevara por La omisión de la familia Coleman. Algunos de sus trabajos como director y/o dramaturgo son Siempre me resistí a que terminará el verano, Breve ejercicio para sobrevivir, Algo de ruido hace y Porque todo sucedió en el baño. Ha trabajado en cine y televisión.\nMelisa Hermida es licenciada en Artes combinadas. Se formó como actriz en Andamio 90 y participó en Jamón del diablo, Lisístrata y Tercer cuerpo. Como directora y dramaturga realizó La única manera de contar esta historia es con mandarinas, junto a Ana Lidejover, y Me-Moría de un gesto (nada extraño), Alizia, Escala de blancos, Dínamo y, próximamente, El cielo por asalto.\nTimbre 4 fue creada en Buenos Aires en 1999 por un grupo de teatristas con orígenes y formaciones diversas. En 2001, este grupo tuvo la necesidad de generar un espacio propio donde poder llevar a cabo investigaciones, entrenamientos y exposiciones. Desde sus inicios, la compañía desarrolló con éxito los siguientes proyectos: Tercer cuerpo (la historia de un intento absurdo), Lisístrata, La omisión de la familia Coleman, Jamón del diablo, Cabaret, Orfeo y Eurídice y Chau misterix, entre otras. La compañía se ha presentado con gran éxito en importantes festivales y teatros en Brasil, España, Estados Unidos, Francia, Grecia y otros países.\nCompañía Teatro y su Doble (ex Teatro Milagros) Autor de la obra original Mike Kenny\n“Con gran delicadeza, la propuesta crea un momento poético y mágico, a ratos sensible y conmovedor, sobre la experiencia del duelo y cómo una niña descubre el dolor de perder a un ser querido” – El Mercurio.\nUn hombre que acaba de enviudar espera la visita de su pequeña nieta Esme durante el final de las vacaciones. Esme no sabe de la muerte de su abuela, el hombre no sabe cómo decirlo. Sin encontrar la forma de explicarlo, inventa que la abuela se fue con el circo para ser equilibrista. Pero la niña quiere saber, quiere verla sobre la cuerda floja. Finalmente, Esme comprende, y los dos se despiden sin siquiera mencionar la palabra muerte.\nSobre la cuerda floja transcurre entre el escenario y las animaciones de stop motion que dan vida a la cocina de una casa común y corriente. Los dos personajes salen a la calle, a la playa, al parque de diversiones, al circo. Se bañan, juegan, ríen, preparan un queque, toman el té, hablan de todo y de la abuela. En este cotidiano subyace un aspecto de la vida menos cotidiano, pero no menos común a todo ser humano: la pérdida, el duelo desde la mirada de un niño y la de un adulto mayor, la muerte vista por quien comienza a vivir y por quien se acerca a ella.\nA nivel internacional ha tenido una gran recepción desde su estreno en el Festival Santiago a Mil, con presentaciones en el Ciclo de Teatro Chileno en Buenos Aires, en el Festival FIDAE de Montevideo, un tour por Francia durante enero y febrero, además de haber sido parte del Théatre de la Ville, y otro tour por España durante mayo del 2014, donde formaron parte de la programación del Festival Internacional de Teatro de Títeres Titirimundi.\nCompañía Teatro y su Doble (ex Teatro Milagros) Autor de la obra original Mike Kenny Dirección Paola Giannini y Aline Kuppenheim Elenco-manipuladores Aline Kuppenheim, Etienne Bobenrieth, Loreto Moya, Santiago Tobar e Ignacio Mancilla Producción Teatro Milagros en co-producción con Fundación Teatro a Mil Productora Loreto Moya Diseño integral de iluminación José Rojas, Rodrigo Barnao y Teatro Milagros Diseño integral de sonido Benjamín Ortíz y Teatro Milagros Fotografías Paula García Voces Nelson Brodt y Almendra Swinburn Realización de muñecos Aline Kuppenheim, Paola Giannini y Paula García Realización de vestuarios Paula Tank Realización de utilería y escenografía Adolfo Birkner y Teatro Milagros Pelucas Felipe Figueroa Animaciones Teatro Milagros y Promocine Animación muñecos Teatro Milagros y Pamela Barrios Dirección de fotografía animaciones Arnaldo Rodríguez Supervisión de animaciones Nicolás Bórquez Posproducción animaciones Guayi Mas Estreno 10 enero 2012, Espacio Matta de La Granja, Festival Internacional Santiago a Mil de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nTeatro y su Doble se forma en 2005 bajo el nombre de Teatro Milagros como un espacio de experimentación y búsqueda de un nuevo lenguaje y diferentes herramientas teatrales. Desde el comienzo, la figura del muñeco fue tomando fuerza y convirtiéndose en su propuesta definitiva. El muñeco en el lugar actor, el manipulador al servicio del objeto teatral, como una presencia invisible, construyendo entre ambos lo que, finalmente, definen como un teatro en miniatura donde el objeto es el encargado de transmitir el texto y despertar emociones a través de la ilusión de vida y la disposición del espectador de entregarse a una mirada subjetiva. La compañía ya ha puesto en escena dos destacadas obras Capote y Sobre la cuerda floja, esta última también coproducción de Fundación Teatro a Mil.\n“Con logradas transiciones y una manipulación sumamente detallista en la recreación de la gestualidad corporal se arriba a un realismo sorprendente para una representación con títeres de rasgos faciales rígidos” – La Nación, Argentina.\n“En general, el traspaso del movimiento de los actores a los muñecos resultan impecables, lleno de sentido y sencilla emotividad” – La Nación.\n“Es una obra de gran calidad artística para disfrutar en familia” – Lectura Viva.\nCompañía Teatro Playa Dirección y dramaturgia Guillermo Calderón\n“Guillermo Calderón nos remece con una fábula dramática que nos interpela y nos instala en el mismo lugar del crimen para vivir una experiencia teatral inolvidable de ciudadanos, que aspiran a que tales hechos no vuelvan a repetirse” – Revista de Teatro.\nEn Chile y Argentina la obra se ha representado en espacios relacionados con el tema de las obras: los ex centros de tortura José Domingo Cañas, Londres 38 y Villa Grimaldi, en el caso de Santiago, y el Parque de la Memoria en Buenos Aires. También han estado en Sao Paulo, Rio Preto, Montevideo, el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, Molina de Segura, San Sebastián, Lisboa, el Festival Les Translatines de Bayonne, y en Düsseldorf, Alemania.\nCompañía Teatro Playa Dirección y dramaturgia Guillermo Calderón Elenco Francisca Lewin, Carla Romero, Macarena Zamudio Asistencia de dirección María Paz González Diseño integral María Fernanda Videla Producción María Paz González Estreno 16 enero 2011, Espacio de Memorias Londres 38, Festival Internacional Santiago a Mil de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nGuillermo Calderón (Santiago de Chile, 1971) estudió teatro en la Universidad de Chile y la Dell’Arte School of Physical Theater de California. Tiene un Master of Arts en Estudios de Cine en la City University of Nueva York. Escribió y dirigió Neva, Diciembre y Clase, obras que han tenido gran acogida entre el público y la crítica. Sus producciones se han presentado en más de 25 países y han obtenido diversos premios. Su último trabajo, Villa+Discurso, ha sido invitado a presentarse en diversos festivales internacionales de teatro a partir de 2011.\nCompañía formada por Francisca Lewin, Carla Romero, Macarena Zamudio, Guillermo Calderón, María Paz González y Fernanda Videla, a raíz del estreno de Villa+Discurso.\n“En la primera parte el trío entrega una discusión que por momentos se vuelve feroz y retrata los lados oscuros de estas tres jóvenes dañadas por la dictadura. Luego encarna a la supuesta presidenta saliente con sus vacilaciones más íntimas, más sentidas y sinceras” – Santi.\n“Villa + Discurso se hace siempre en espacios vinculados a la temática que trata, por lo que el atributo de realidad, de actualidad que agrega la locación, es sobrecogedor” – Clarín.\n“Villa + Discurso es un teatro que no se aviene a metáforas o simbolismos, sino que habla directamente y describe, sin disculpas ni paliativos, el incomprensible horror de la humanidad, cuando le invade la locura del poder y la ambición” – Madrid Teatro.\n“Francisca Lewin, Macarena Zamudio y Carla Romero dan vida a estos dos textos que son un buen ejemplo de una dramaturgia lúcida, abierta ideológicamente pero a la vez urticante y provocadora” – El País de Uruguay.\nCompañía Teatro de Chile Dramaturgia Manuela Infante, Teatro de Chile\n“Se trata de escuchar, más que entender a ciegas. De eso se trata Zoo” – Revista Qué Pasa.\nRecogiendo las observaciones de Darwin en su bitácora de viaje a Tierra del Fuego, Zoo replica la experiencia de los zoológicos humanos. Un grupo de científicos ha encontrado a los últimos exponentes de una etnia que creían extinta. Están obsesionados por conservarlos. Sin embargo, con una raza cuyo método de sobrevivencia no es la lucha -como solemos comprender en un modelo más darwiniano de evolución- sino la desaparición entendida como una forma de adaptación, la idea de conservación se vuelve no sólo una paradoja, sino una pesadilla.\nCon este montaje, la compañía ha viajado hasta Argentina para presentarse en el Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires en el 2013, y para el 2014 tiene programada funciones en Mannheim y Berlín, Alemania.\nCompañía Teatro de Chile Dramaturgia Manuela Infante, Teatro de Chile Dirección Manuela Infante Elenco Cristián Carvajal, Ariel Hermosilla, Héctor Morales, Juan Pablo Peragallo, Valentina Parada Trabajo audiovisual Nicole Senerman Diseño integral Claudia Yolin, Rocío Hernández Diseño sonoro y música original Diego Noguera Entrenamiento actoral María José Parga Producción Katy Cabezas Estreno 3 mayo 2013, Sala Ana González del Centro Cultural Estación Mapocho, ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nManuela Infante es Licenciada en Artes de la Universidad de Chile y Magíster en Análisis Cultural de la Universidad de Ámsterdam. Trabajando como directora y dramaturga ha montando con su compañía Teatro de Chile las obras Prat (2001), Juana (2004), Narciso (2005), Rey Planta (2006), Cristo (2008), Arturo (2009), Ernesto (2010), Multicancha (2010) y Loros Negros (2011). Todas financiadas por el FONDART (Fondo Nacional de las Artes, Consejo de la Cultura y las Artes de Chile). A estas obras se suma el montaje Fin (2008), producido y estrenado en Italia. También la obra What´s he building in There? (2011) como residente del centro de investigación teatral de Bob Wilson, The Watermill Center. El 2012 dirigió las obras On the Beach, curada por Bob Wilson y estrenada en el Barishnikov Arts Center en Nueva York (2012) y Don´t Feed the Humans, estrenada en Hebbel am Uffer en Berlín. Tres de sus obras han sido publicadas por editoriales en Chile y el extranjero. Manuela se desempeña también como docente en distintas escuelas de teatro en Chile.\nTeatro de Chile se inicia en el año 2001 con la obra Prat, con la motivación de generar procesos creativos en los que la experimentación y la investigación fueran el eje central. Con 10 montajes a su haber, Prat (2001), Juana (2004), Narciso (2005), Rey Planta (2006), Cristo (2008),Arturo (2009), Ernesto (2010), Multicancha (2010), Loros Negros (2011) y Zoo (2013). La compañía ha sido invitada a diversos festivales internacionales de teatro , entre ellos Fitam, Festival de Teatro de Cádiz, Teatro Stage Fest New York, Festival de Spoleto, Festival de Artes Escénicas de Lima , Feria Internacional del Libro de Guadalajara, FIBA (2013).\n“La destacada compañía cuestiona la arrogancia conquistadora con un complejo, pero humorístico montaje” – Diario La Hora.\n“La repetición y la desaparición, ejes de la obra, nos exponen a una escena extensa como la historia de occidente” – 60 Watts.\n“Infante se permite indagar en el mundo de Charles Darwin, más puntualmente en las descripciones de su viaje a Tierra del Fuego y a partir de allí ingresar en un delirio metafóricamente poderoso” – La Nación Argentina.\nDramaturgia y dirección Trinidad González Jansana\n“En Pájaro todo es extraordinario, desde el primer momento; la escenografía es simple pero acogedora; la iluminación es sencilla e intensa al mismo tiempo; la historia es potente; los diálogos son muy chistosos y agudos; la forma de ocupar el espacio es precisa; las actuaciones son infalibles”\nEs el día más frío del año. Muy tarde en plena noche, un grupo de amigos, todos relacionados con el mundo humanista y del arte, conversan y toman vino en un clima burlón y snob. La dueña de casa decide salir a botar la basura. Cuando vuelve, trae con ella a un desconocido que encontró durmiendo en la cuneta. El recién llegado dice no ser un hombre, sino un pájaro. El grupo de amigos lo recibe amablemente, pero de a poco comenzarán a sentirse agredidos por la peculiaridad de su presencia. El clima se volverá cada vez más violento, de manera solapada pero determinante. Pájaro es la tercera obra escrita por Trinidad González, después de La reunión –estrenada en 2012 en el marco de Teatro Hoy– y Elías.\nDramaturgia y dirección Trinidad González Jansana Elenco María Fernanda Olivares, Nicolás Pavez, Nicolás Zárate, Trinidad González Música original Tomás González Diseño de iluminación Claudia Yolin Asistente de iluminación Nicole Needham Coproducción Fundación Teatro a Mil Agradecimientos Natalia Aragonese, Espacio Infinito, Alfombras Pirque Estreno 28 mayo 2015, Teatro de la Palabra, ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nTrinidad González Jansana, directora y dramaturga. Se formó como actriz durante los años noventa en Chile, Estados Unidos e Italia. Es una de las fundadoras de la prestigiosa compañía Teatro en el Blanco, con la que ha presentado su trabajo (Neva, Diciembre, La reunión) en aproximadamente 30 países desde 2007. Su primera obra como dramaturga fue La reunión, a la que siguió Elías. Pájaro es la tercera. Trinidad ha trabajado como actriz en cine y series de televisión para Chile y Latinoamérica. En teatro ha trabajado con diferentes directores chilenos. Por su actuación en Neva recibió en 2007 el premio Altazor a Mejor Actriz del año. Ha dirigido varias obras de teatro y ha ejercido como profesora de actuación en diferentes universidades, escuelas y también de forma independiente.\nCompañía Teatro en el Blanco Dramaturgia y dirección Trinidad González Jansana\n“La reunión habla del remordimiento, de la falsa moral, de la violencia política, de las formas de dominación. Pero también de la palabra como herramienta de poder” – Revista Qué Pasa.\nLos Reyes Católicos encarcelan a Cristóbal Colón por considerar que ha abusado de su poder en Las Indias y éste pide audiencia con la Reina Isabel la Católica para dar cuenta de sus actos y buscar la absolución. La reunión, escrita y dirigida por Trinidad González para la compañía Teatro en el Blanco, toma este hecho histórico y desde ahí desarrolla una ficción que reflexiona fundamentalmente sobre el ser humano en situación de poder.\nVarios temas contingentes son tratados en este tercer montaje de la compañía: las reivindicaciones de los pueblos originarios, el poder de la Iglesia y la oligarquía, la lucha de clases. Como en sus trabajos anteriores, han creado un escenario despojado de exagerados elementos escenográficos, para centrar la atención en las actuaciones y en un texto que habla al público del ser humano en su universalidad.\nEste montaje histórico ha sido presentado en el Teatro Solís de Montevideo, Uruguay con 3 funciones exitosas y en el Festival Iberoamericano de Cádiz, España.\nCompañía Teatro en el Blanco Dramaturgia y dirección Trinidad González Jansana Elenco Jorge Becker, Paula Zúñiga y Trinidad González Asistencia de dirección y música Tomás González Coproducción Teatro en el Blanco – Fundación Teatro a Mil – Teatro del Puente Estreno 25 mayo 2012, Teatro del Puente, ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nTeatro en el Blanco es una compañía chilena independiente, creada en 2004 por cuatro actores con más de diez años de trayectoria en el quehacer teatral nacional. Desde sus inicios, ha funcionado de manera autónoma, generando sus propios recursos, lo cual les ha permitido libertad para concentrarse en el trabajo y en la búsqueda de un lenguaje propio. De este proceso de experimentación nacen las directrices de su poética teatral, tales como crear un texto propio que aporte nuevos puntos de vista a la dramaturgia actual; abordar temáticas de contingencia política y social que devuelvan al artista un rol activo en la sociedad; trabajar de manera conjunta en el proceso de ensayo y en las decisiones artísticas que cada montaje requiera; situar el trabajo del actor como pilar fundamental del fenómeno teatral; improvisar en base a una idea que el autor convertirá en texto definitivo durante los ensayos; utilizar recursos mínimos como una decisión de buscar en la simpleza un nuevo y fresco potencial creativo. Este montaje, el más reciente de la compañía, reúne al mismo elenco de sus anteriores obras, Neva y Diciembre, las cuales han realizado exitosas giras por nuestro continente, Europa y Estados Unidos.\n“Aprovecha un hecho histórico para observar el microcosmo humano de una manera aguda e interesante” – La Nación.\n“Su texto presenta gran manejo de los diálogos y las relaciones y, además, en suprimera mitad revela una aguda crítica al abuso de poder, la negociación deshumanizada y el trato hacia los pueblos originarios” – Santi.\nCompañía La Laura Palmer Dirección Ítalo Gallardo\n“Todo parece espontáneo, como si se generara por vez primera frente a nosotros, pero es producto de una elaborada y precisa coreografía” – El Mercurio.\nTres chilenos y tres argentinos funcionan como representantes de sus países (aunque no hayan sido elegidos democráticamente), escarbando en sus maletas los rastros de su identidad para tratar de entender qué es lo que los hace ser lo que son. A través de documentos, fotografías, maquetas y registro audiovisual reconstruyen diferentes momentos de la historia oficial y la historia personal. ¿Qué pasa si llego a conocer tanto a mi enemigo que ya no puedo diferenciarlo de los de mi propio bando? ¿Cuánto es necesario acercarse a algo o alguien para que las líneas que nos separan se vuelvan difusas?\nDirección Ítalo Gallardo Texto Ítalo Gallardo, Pilar Ronderos en colaboración con los performers Elenco Jorge Arecheta, Sebastián Pereira, Daniela Pino, Manuela Piqué, Nadia Serantes, Rodrigo Tagle Asistente de dirección Pilar Ronderos Producción ejecutiva Gonzalo Rodríguez Varas Diseño integral Laurene Lemaitre Diseño gráfico Laurene Lemaitre, Ítalo Gallardo Asistencia de dirección audiovisual Sebastián Pereira Jefe técnico Gonzalo Rodríguez Varas Estreno 19 junio 2015, ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nÍtalo Gallardo. Actor, director, dramaturgo y docente. Forma parte de la obra de teatro documental El año en que nací, de la directora argentina Lola Arias, la cual ha tenido diversas temporadas desde enero de 2012, completando más de 120. Con su compañía La Laura Palmer ha desarrollado cuatro puestas en escena, siendo la última Juan Cristóbal, casi al llegar a Zapadores, seleccionada para el Festival Santiago a Mil 2013 y ganadora del Fondart de ese mismo año para realizar itinerancias por comunas en Santiago, Valdivia y San Antonio, finalizando con presentaciones en el Festival de Teatro Hispanoamericano de Miami.\nLa Laura Palmer es un grupo multidisciplinario dirigido por los actores Jorge Arecheta e Ítalo Gallardo, e integrado por Pilar Ronderos, Sebastián Pereira y Gonzalo Rodríguez Varas. La compañía se origina en 2008 con el fin de buscar nuevas formas de contar historias e “instalar más preguntas que certezas”. Han estrenado Nosotros (2008-2009), La espera (2010),Doblevé cé (2011- 2012) y Juan Cristóbal, casi al llegar a Zapadores (2012-2013).\n“Límites es una obra de teatro documental y biográfico. Es decir que por una parte no pone un filtro de ficción a lo que se pone en escena y por otro lado basa la construcción de la dramaturgia en las biografías de los propios performers quienes presentan en primera persona sus historias. Partimos de la definición más básica de LÍMITE: una línea imaginaria que se establece por convención. Esto presenta varios “problemas”: ¿Qué hace que diferentes líneas que no existen en realidad y que fueron decididas por un grupo de personas, tengan tanta importancia e incluso nos determinen? ¿Cómo se establecen estas líneas? ¿Qué pasa cuando decidimos moverlas o ponerlas en suspensión por un momento? La primera línea que se nos aparece como inevitable es la cordillera de los Andes, que nos separa (y vincula) con Argentina, y nos deja como la tercera línea fronteriza más larga del mundo. A partir de una “casi guerra” en 1978 entre estos dos países, iremos revisando diferentes límites: espaciales, étnicos, sociales, económicos, afectivos y biológicos. Vinculándolos con las biografías de los performers. 3 chilenos y 3 argentinos, funcionarán como representantes de sus países (aunque no hayan sido elegidos democráticamente), escarbando en sus maletas los rastros de su identidad para tratar de entender qué es lo que nos hace ser lo que somos. ¿Qué pasa si llego a conocer tanto a mi enemigo que ya no puedo diferenciarlo de los de mi propio bando? ¿Cuánto es necesario acercarse a algo o alguien para que las líneas que nos separan se vuelvan difusas?” – Ítalo Gallardo.\nDramaturgia y dirección Federico León\n“Llegó Federico con una pieza de sesenta minutos de duración que es un pequeño juguete escénico. Juguete redondo y solvente que sigue ahondando en los tres temas que atraviesan todas sus creaciones: ficción / realidad, meta-teatro / vida, y familia / generaciones” – Un lugar sin límites.\nSobre una mesa de ping-pong desordenada que el artista y su colaborador utilizan como mesa de trabajo, se proyecta el escritorio de una computadora donde se puede ver material de proyectos en diferentes estadios creativos. Sobre la mesa de ping-pong, artista y colaborador tienen un constante intercambio —un ping-pong— de ideas y teorías.\nEl espectador es invitado a seguir este proceso desde adentro y en tiempo real: cómo surgen las ideas, qué mecanismos se activan para ponerlas en práctica, hipótesis y teorías son a su vez analizadas, observadas y confrontadas. El espectador no sabe cuál fue la decisión que artista y colaborador tomaron para llevar a cabo la obra. ¿Cómo hacer, por ejemplo, para que los espectadores asuman que el dinero que aparece en escena es verdadero? ¿Habría que utilizar un detector de billetes falsos? ¿Pero cómo saber si el detector de billetes falsos es real? ¿Con un detector de detectores? Las preguntas se van multiplicando generando nuevas inquietudes. Las ideas trabaja los límites entre realidad y ficción.\nDramaturgia y dirección Federico León Elenco Julián Tello, Federico León Escenografía Ariel Vaccaro Música y diseño de sonido Diego Vainer Diseño de iluminación Alejandro Le Roux Vestuario Paola Delgado Coordinación técnica Matías Iaccarino Casting María Laura Berch Fotografía Ignacio Iasparra Actor en ensayos Ignacio Rogers Asesoramiento técnico Paula Coton, Agustín Genoud Asistencia general Melisa Santoro Aguirre, Antonella Saldicco Cámara y fotografía Guillermo Nieto Gaffer Guillermo Saposnik Dirección de arte Mariela Ripodas Realización de objetos David D’Orazio Sonido Diego Vainer Edición Andrés Pepe Estrada Post producción Alejandro Soler Asistencia Malena Juanatey Actores en video Alejandra Manzo, Maitina De Marco, Pablo Gasloli, Alejandro Ini, Bárbara Irisarri, Ana Maria Monti, Patricia Russo, María Laura Santos, José Maria Seoane, Alfredo Staffolani, Martín Tchira, Emanuel Torres, Antonella Querzoli, Gabriel Zayat Agentes Judith Martin, Carlota Guivernau Prensa María Laura Monti Diseño Alejandro Ros Asistencia de dirección Rodrigo Pérez, Rocío Gómez Cantero Producción Rodrigo Pérez, Rocío Gómez Cantero Coproducción Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Iberescena (España), FIBA Festival Internacional de Buenos Aires, El Cultural San Martín (Buenos Aires), Fundación Teatro a Mil (Santiago de Chile), La Bâtie – Festival de Genève (Suiza), Festival D’Automne à Paris – La Bastille, La Villette – Residence d’artistes 2014 (Francia) Estreno mayo 2015, Bruselas (Bélgica)\nFederico León actor, dramaturgo, director y docente argentino. Para teatro, ha dirigido Cachetazo de campo, Museo Miguel Ángel Boezzio, Mil quinientos metros sobre el nivel de Jack, El adolescente, Yo en el futuro y Las multitudes. Para cine, ha escrito y dirigido Todo juntos (su primera película, en la que también actuó), Estrellas (2007), junto a Marcos Martínez, Entrenamiento elemental para actores (2009), junto a Martín Rejtman, y La última película (2014), una serie de intervenciones en ex cines transformados en estacionamientos de autos. Ha obtenido diversas distinciones, como el Primer Premio de Dramaturgia del Instituto Nacional de Teatro, el Premio Konex 2004 en Letras por la Producción del Quinquenio, el Fondo Nacional de las Artes, el Primer Premio Nacional de dramaturgia 1996-1999, entre otras. Sus obras y películas han sido exhibidas en teatros y festivales de Europa, Brasil, Canadá, Estados Unidos, Australia y Japón. Durante 2010, fue docente en el Programa de Artistas de la Universidad Di Tella junto a Martín Rejtman. Fue premiado por el prestigioso Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative que le dio la oportunidad de colaborar con Robert Wilson entre el 2002 y el 2003. Algunas de sus obras y el guion de Todo juntos, como así también críticas, entrevistas y textos del autor sobre el proceso creativo de sus obras, fueron publicados en el libro Registros-Teatro reunido y otros textos.\n¿Cuáles son las temáticas centrales del texto?\nFederico León: Las ideas trabaja los límites entre realidad y ficción. Pone en escena la intimidad de un proceso de creación. Se trata de un proceso similar al que yo podría atravesar junto a Julián Tello en la creación de una obra. Las ideas podría ser nuestras ideas, pero no son necesariamente nuestras ideas. Nosotros somos nosotros, pero al mismo tiempo hacemos de nosotros mismos. Por eso también elegí actuar yo en la obra.\nDurante la obra, con Julián, nos sometemos a pruebas en las que buscamos determinar qué debería ser lo real en una obra o qué es necesario generar para que la obra parezca real. Casi al inicio de la obra se dice: “No importa saber si es verdad o no es verdad. Lo que importa es que sea verosímil”.\nCreo que otro tema que aparece en la obra es la idea de poder dominar-controlar algo que es inestable. Buscar la estabilidad en algo que no es estable. Lograr repetir algo que parece que está sucediendo por primera vez y que es irrepetible. Lograr un caos híper controlado. Pero, obviamente, siempre hay algo que se escapa, que no se deja atrapar, que cambia permanentemente.\nEn términos de dirección, dramaturgia, puesta y actuación, ¿cuáles son los principales atributos de este trabajo?\nFederico León: Veo al teatro como algo integral. El texto, la actuación, la escenografía, las luces, el vestuario son para mí un mismo texto. Siempre que ensayo una obra me interesa poner el foco en el proceso, en cómo voy construyendo la obra: qué decisiones tomo, por qué elijo ir por un camino y no por otro, etc.\nCreo que las obras siempre terminan mostrando cómo fueron hechas. Es como si quedaran huellas del proceso. Todas las versiones están presentes y condensadas en la versión final de la obra. Las ideas muestra un proceso que nunca podría suceder en ese lapso de tiempo. Es como si la obra mostrara dos años de proceso en una hora.\nGeneralmente, el público solo ve una parte de este largo proceso. Porque la obra terminada es solo una parte de un proceso mayor. Me interesa poder mostrar esta parte que generalmente queda en la intimidad de quienes construyen la obra: actores, directores, técnicos, músicos, iluminadores, asistentes…\nCompañía La Re-sentida Dramaturgia La Re-sentida Dirección Marco Layera\n“El espectáculo más transgresor y políticamente incorrecto del año…” – La Tercera.\nUn grupo de modernos Ministros de Estado intentan asesorar al presidente Salvador Allende en sus últimos días y salvar su gobierno. ¿Podrán torcer la historia? ¿Podrán evitar los 17 años de dictadura que se avecinan y cuyas consecuencias arrastramos hasta hoy? A partir de esta situación ficticia iremos revisando y confrontando diversos hitos que nos revelarán la violencia política que ha caracterizado a nuestro país y su actual clase dirigente. La imaginación del futuro no es un fiel relato histórico ya conocido por todos, sino una ficción libre, desfachatada e insolente, basada en hechos que han marcado la identidad política de nuestro país. El humor, la crueldad y el sarcasmo marcan el camino para reflexionar en torno al pasado, futuro, y presente de Chile.\nEste espectáculo se ha presentado en prestigiosos festivales y teatros Internacionales: Festival de Avignon, Festival d’Automne à Paris, Théâtre La Vignette, Théâtre L’Hippodrome, Théâtre Jean-Vilar (Francia), Festival de Santarcangelo (Italia), Festival de Singel, Festival de Liege, Théâtre Le Manège (Bélgica), Festival Mirada, Teatro Sesc Consolação, Teatro Sesc Ginástico (Brasil) y es parte de la programación de: Schaubühne am Lehniner Platz (Berlìn), Holland Festival (Holanda), Festival Sibiu (Rumania), Festival Panam (Canadá) y Wiener Festwochen (Austria).\nCompañía La Re-sentida Dramaturgia La Re-sentida Dirección Marco Layera Producción Nicolás Herrera Elenco Rodolfo Pulgar, Benjamín Westfall, Carolina de la Maza, Diego Acuña, Marcela Salinas, Pedro Muñoz, Benjamín Cortés, Sebastián Squella, Ignacio Fuica Diseño integral Pablo de la Fuente Jefe técnico Karl Heinz Sateler Técnico sonido Alonso Orrego Coproducción Fundación Teatro a Mil, Festival Internacional de la Creación Contemporánea de Terni (Italia), Consejo Nacional de la Cultura y las Artes – Gobierno de Chile, Centro Cultural Matucana 100\nMarco Layera nace el año 1978 en Santiago (Chile). Estudió Derecho en la Universidad de Chile en donde se especializó en Criminología. Su formación teatral la realizó en El Teatro Escuela La Matriz y en la Escuela Teatro Imagen. En el año 2008 funda la compañía La Re-sentida de la cual es director y con la que ha llevado a escena los espectáculos Simulacro, Tratando de hacer una obra que cambie el mundo y La imaginación del futuro participando con estos en prestigiosos escenarios y festivales internacionales. Ha dirigido procesos de investigación escénica con personas de diferentes edades y condiciones sociales, enmarcados en los proyectos “Elencos ciudadanos” y “Laboratorios de montaje”. También se ha desempeñado como docente en diversas escuelas de teatro. Ha sido director invitado en la R.A.A.A.M (Estonia), artista en residencia en el Centro Arti Opificio Siri (Italia) y en el Théâtre Paul Eluard (Francia). Ha obtenido la distinción “Eugenio Guzmán” otorgado por Festival para Directores Teatrales organizado por la Universidad de Chile, el reconocimiento al “Mejor montaje” en el “Festival de Teatro Joven” organizado por el Teatro Municipal de las Condes y ha sido nominado tres veces al premio “Altazor” en la categoría dirección.\nLa Resentida nace en el año 2008 y está integrada por jóvenes artistas de la escena nacional chilena, quienes se abocan a la búsqueda y consolidación de una poética capaz de encarnar los pulsos, visiones e ideas de su generación con el objetivo de concretar puestas en escena autorales, desmarcándose así de las formas y discursos artísticos hegemonizantes. Desde esta perspectiva la compañía asume como un deber la desfachatez, la desacralización de tabúes y la reflexión desde la provocación, otorgándole a la creación teatral una gran responsabilidad política, entendiéndola como un instrumento de crítica, reflexión y construcción. Sus espectáculos han sido presentado en más de 14 países y en algunos de los festivales y escenarios más prestigiosos del mundo, entre los que destacan: Festival de Avignon (Francia), Schaubühne am Lehniner Platz (Alemania), Festival d’Automne à Paris (Francia), Holland Festival (Holanda), Dialog Festival (Polonia), Théâtre National de Bruxelles (Bélgica) o Théâtre de la Ville (Francia).\nLa Resentida: El triunfo de los punks del teatro chileno\nTexto basado en un escrito autobiográfico de August Strindberg Puesta en escena Cristián Plana\n“La escena final es apoteósica, una desmesura escénica y un desmadre que quiebra el realismo imperante” – La Tercera.\nCastigo es la puesta en escena de un episodio de infancia relatado por el sueco August Strindberg en su novela autobiográfica El hijo de la sierva, escrita a finales del siglo XIX. La escena gira en torno al castigo recibido por el niño Strindberg a manos de su padre, en complicidad cruel con su madre y presenciada compasivamente por su niñera. Se trata de un retrato arquetípico que pretende dar cuenta de los vicios y abusos enquistados en esta intangible institución moral llamada familia. En Castigo se exponen conflictos humanos que trascienden la biografía del autor, permitiendo al espectador mirarse en la escena y verse reflejado como en un recuerdo de infancia donde se mezclan siniestramente la memoria y la imaginación, reconstruyendo, y a la vez ensoñando, un pasado inmemorial.\nTexto basado en un escrito autobiográfico de August Strindberg Puesta en escena Cristián Plana Asistente de dirección Carla Casali Elenco Rodrigo Soto, Alexandra Von Hummel , Daniela Ropert, Diego Salvo, Natalia Ríos Diseño integral Belén Abarza Sonido Diego Noguera Realización de escenografía Fernando Quiroga, Sandro Compayante, Cristián Canales Coproducción Teatro La Memoria – Fundación Teatro a Mil Estreno 21 marzo 2013, Teatro La Memoria, ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nCristián Plana es actor de formación, que se volcó a la dirección teatral con Werther, en 2003. Dos temporadas más tarde estrenó Mi madre y luego ingresó al Seminario de Dirección Teatral del Centro de Investigación La Memoria. En 2008 montó Partido, adaptación de una pieza de Thomas Bernhard que participó en el Festival Santiago a Mil del año siguiente en la categoría Teatro Emergente. Le siguió otra adaptación sobre Bernhard, Comida alemana, que estuvo en el mismo festival en 2010. El trabajo de Plana en estas adaptaciones se ha caracterizado por reubicar las historias originales en el Chile reciente y por crear asfixiantes atmósferas.\n“Se trata de un espectáculo brillante casi sin notarse, tan profundo como gracioso, un espectáculo que bien puede pasar inadvertido, simplemente como una buena historia, pero que tiene doble y triple fondo, es una trampa en la que es muy fácil caer” – Sangría.\n“Es un ejercicio teatral de alta exigencia, que tiene, como es lo propio del arte, diversos niveles de expresión. Lleva a cada espectador a abrirse a las resonancias internas que esas acciones silenciosas le puedan provocar” – El Mercurio.\n“El resultado es un montaje de enorme fuerza plástica, con actuaciones deslumbrantes, que confirma el talento de Cristián Plana en la dirección escénica. Y su indudable empatía con el universo del dramaturgo sueco” – Revista Qué Pasa.\n“Cristián Plana conserva casi íntegramente el texto, no altera las palabras, las respeta, las hace pausadas y nos lleva a adentrarnos en esos hombres callados, productos de la aridez del paisaje, vaciados de esperanzas…” – El Mercurio.\nPaso del norte es una puesta en escena basada en el cuento homónimo del escritor mexicano Juan Rulfo, reconocido como uno de los autores latinoamericanos más importantes del siglo XX. Paso del norte relata la historia de un hijo que comunica a su padre la decisión de abandonar su tierra y su familia para cruzar ilegalmente la frontera que separa a México de Estados Unidos. En su despedida, le recrimina al padre el haberlo expuesto a la vida sin educación, ni oficio heredado. Por esta razón y empujado por el hambre, se ve obligado a emigrar de su país, en busca de oportunidades que le permitan salir de su miserable condición. El título de esta puesta en escena da cuenta de un lugar geográfico, nombra una frontera entre dos países pero, a la vez, retrata una especie de espejismo, un territorio mental fundado con trozos de relatos orales (como en un cuento popular) en cuyas imágenes y voces se mezclan la realidad y la ficción, lo didáctico y lo siniestro. Los que hablan son cuerpos cansados y pobres, borroneados por el alcohol y la soledad, abandonados en una escena dominada por el silencio.\nPuesta en escena Cristián Plana Con Rodrigo Pérez, Moisés Angulo, Felipe Vásquez y Soledad Bórquez Asistente de dirección Angela Gaviraghi Espacio y sonido Angela Gaviraghi y Cristián Plana Vestuario Angela Gaviraghi Cantos Daniela Ropert Realizador Rogelio Rodríguez Diseño de iluminación Erasmo Cubillos Producción Maritza Estrada Coproducción Fundación Teatro a Mil\nCristián Plana se formó como actor en el Club de teatro y luego como director en el Centro de Investigación Teatro la Memoria. Ha participado como asistente de dirección con los directores Marcelo Alonso, Alfredo Castro y Raúl Ruiz. Sus principales montajes son Comida alemana (2008), La señorita Julia (2011) y Castigo (2013).\nJuan Rulfo fue uno de los grandes escritores latinoamericanos del siglo XX, en sus obras se presenta una combinación de realidad y fantasía, cuya acción se desarrolla en escenarios mexicanos, y sus personajes representan y reflejan el tipismo del lugar, con sus grandes problemáticas socio-culturales entretejidas con el mundo fantástico.\nCrítica en El Mercurio, 13/07/2014\nCrítica en bíobíochile.cl, 24/07/2014\nCrítica en Pluma y Pincel, 22/06/2014\nDramaturgia Constanza Manríquez Puesta en escena Cristián Plana\n“No despiertes a los niños es una obra que envuelve, sorprende e impacta. Donde un simple juego de niños se trasforma y desenmascara la cruda realidad que enfrenta esta pareja”– El Mostrador.\nNo despiertes a los niños es una puesta en escena que expone la intimidad de una pareja joven en la actualidad. En ella, se retratan los conflictos propios de una relación desgastada, en la que la crisis de la paternidad y la obsesión por un ideal de familia, tiñen la realidad de fantasía, abriendo un espacio en el que se develan extrañas perversiones y un temerario viaje hacia las pulsiones de la infancia. Lo que se nos da a ver durante la obra es íntimo, erótico e inminentemente violento, con un agudo sentido del humor que se ensambla con la crudeza de la escena y en diálogo explícito con un conflicto social contemporáneo. Se trata de una puesta políticamente peligrosa, que instala al espectador en una zona de claroscuros y lo obliga a mirarse en un reflejo abrumador.\nDramaturgia Constanza Manríquez Puesta en escena Cristián Plana Actuación Angela Gaviraghi, Gabriel Urzúa Escenografía y vestuario Angela Gaviraghi Sonido Gabriel Urzúa, Cristián Plana Asistentes de dirección Constanza Manríquez, Christian Nawrath Realización del teaser y registro de la obra Christian Nawrath Realizador Rogelio Rodríguez Tramoya Valentina Narváez Coproducción Fundación Teatro a Mil Estreno 10 abril 2015, ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nConstanza Manríquez es una joven escritora chilena. Es autora de la novela La salvación de los volátiles (2012) y de las obras Los insiliados (2012) y A deo (2013).\nCristián Plana es un director teatral que ha puesto en escena textos de Thomas Bernhard, August Strindberg, Juan Rulfo, Sergio Vodanovic, Emilia Noguera y Alejandro Moreno.\nDe August Strindberg Dirección Cristián Plana\n“La versión que propone Plana es una lectura fiel a la tragedia strindberghiana, restituida desde el punto de vista estético y dramatúrgico de parte de una dirección audaz y contemporánea, de ritmo intenso y de tonos distintos, donde lo que emerge es la naturaleza irreducible, bélica y repetitiva del deseo y de su ley” – Radio Antenna Uno\nLa señorita Giulia baila compulsivamente al ritmo de una música ensordecedora bajo los ojos indiscretos e imperantes de los campesinos, simbólicamente vestidos con pelucas de largos cabellos rubios. La sala de baile de la fiesta de San Juan, en la cual ha formado parte la voluble aristócrata Giulia, mezclándose con sus sirvientes, se parece a una suerte de bunker de metal. Cuando para la música, la jóvenes se queda sola en compañía de Jean, el lacayo de su padre, y tiene relaciones sexuales con él. Sin embargo, el encuentro entre Giulia y Jean, o tras una noble y un pobre y, a su vez, entre una mujer y un hombre, es inevitable. El arrogante y cínico trepador social se muestra rápidamente por lo que es, y revela sus intenciones. Por otro lado, la frágil naturaleza e inestabilidad de la joven se hará más prepotente y encuentra una explicación en la historia que le da a su familia, una confesión íntima que revela las causas de su infelicidad. Al final, la elección de la mujer, movida por el dolor y de la conciencia de su soledad, es inevitable.\nDe August Strindberg Dirección Cristián Plana Elenco Giovanna Di Rauso, Massimiliano Gallo, Autilia Ranieri Traducción Enrico Groppali Adaptación Cristián Plana, Alessandra Guerzoni Escenografía, vestuario y asistente de dirección Angela Gaviraghi Asistente de escena Marco Di Napoli Asistente de vestuario Assandra Gaudioso Director de escena Marco Di Napoli Fotografía Marco Ghidelli Coproducción de Teatro Stabile di Napoli y Fundacion Teatro a Mil Estreno junio 2015, Nápoles (Italia)\nTeatro Stabile di Napoli es una asociación italiana que tiene el propósito de promover manifestaciones teatrales y culturales, en particular, en el ámbito de la ciudad y provincia de Nápoles. Además produce y difunde, desde una iniciativa pública, teatro europeo y en especial napolitano con un énfasis especial en la, investigación y formación a través de su archivo y escuela de teatro.\n“Esta puesta en escena de La señorita Julia es una lectura etimológica del texto del sueco August Strindberg. Su tragedia naturalista, escrita a fines del siglo XIX, será instalada en un espacio físico y sonoro que trasciende la época del original y sus acciones escénicas serán llevadas al extremo de la literalidad, intentando configurar una versión vigente de este clásico, cuyo relato se vuelva súbito y contemporáneo. Anteriormente dirigí este texto en otro contexto geográfico y cultural, esa vez defendí la idea de que el espíritu de la obra estaba en su carácter verborreico por lo cual decidí no cortar ningún parlamento del original. Esta vez se vuelve necesario revisitar el material desde un lugar distinto, más explícito e inquietante, he decidido suplir algunos parlamentos para traducirlos escénicamente y realizar una per-versión del original; todas las acciones e imágenes nuevas están contenidas en la profundidad del texto, como erupciones de algo que no puede ser puesto en palabras y que obliga a los personajes a hablar desde sus cuerpos enfiestados, violentados, exhaustos y sus mentes a ratos enajenadas y excesivas. Todos los deseos que pulsan durante esta diabólica fiesta de San Juan retratada por Strindberg, deben ser, a mi juicio, explicitados actoralmente y materializarse en el cuerpo escenográfico que los contiene, cuya verticalidad, además de producir un vértigo en quien lo habita, da cuenta, simbólicamente, de la caída, la subversión y el sentido trágico. ‘La señorita Julia soy yo’, dijo Strindberg por ahí. Esta versión toma como referente parte del relato autobiográfico del autor, su particular relación con el habla, su lúcido retrato del mundo femenino, fascinante pero irreductible, el impulso improvisado e intempestuoso de su escritura dramática, alejada de la matemática y el diálogo bien construido y, sobre todo, sus crisis paranoides y delirios persecutorios que se vuelven espejo del estado de la heroína trágica, Julia, a quien su autor sumerge, a modo de experimento científico, en un mundo que no le pertenece y que, sin embargo, intenta habitar como si fuese propio y familiar pero que, inevitablemente, se irá tornando, a sus ojos, cada vez más extraño y siniestro, al punto de no poder salir de ahí, como si un estado catatónico la poseyera, come se fosse intrappolato in un incubo como si quedara atrapada en una pesadilla a la cual entró por voluntad propia. La creación del espacio, luz y vestuarios están a cargo de Angela Gaviraghi, quien ha mantenido un diálogo constante con las propuestas de dirección, visualizando su concreción en la puesta en escena final.” – Cristián Plana.\nCompañía Tryo Teatro Banda Director compañía Francisco Sánchez Director obra Andrés del Bosque\n“Todo un referente en la juglaría contemporánea” – Festival Iberoamericano de Teatro Contemporáneo de Almagro.\nEn el Parlamento de Quilín, celebrado el 6 de enero de 1641, miles de mapuches y españoles lograron reunirse pacíficamente y firmar un tratado fronterizo que fue ratificado por el Rey Felipe IV de España, con el cual se quiso poner fin a la sangrienta Guerra de Arauco. Este espectáculo de teatro musical histórico reconoce ese primer parlamento como el modelo que se repitió por 250 años en un desesperado intento por convivir en el mismo territorio, hasta que el Estado de Chile invadió el territorio mapuche por la fuerza e implantó su proyecto “civilizatorio”, origen del conflicto que hasta hoy nos pena. En ¡Parlamento!, un solo actor, un juglar –interpretado por Francisco Sánchez (La expulsión de los jesuitas)– utiliza todos los recursos cómicos, musicales y plásticos posibles para establecer un parlamento con los espectadores. La reconocida compañía Tryo Teatro Banda está detrás de esta obra que recorre la historia y se asoma a un presente en que se desconocen sin pudor los más elementales acuerdos sociales y se sigue negando la conversación ante las demandas sociales.\nDirector compañía Francisco Sánchez Director obra Andrés del Bosque Asistencia de dirección José Araya Actuación Francisco Sánchez Dramaturgia Francisco Sánchez Música original en vivo Francisco Sánchez Diseño integral Gabriela González Producción Carolina González Coproducción Fundación Teatro a Mil Estreno 15 de mayo 2015, ciclo Teatro Hoy de Fundación Teatro a Mil (Chile)\nFrancisco Sánchez es actor, compositor, músico, director, dramaturgo, investigador y docente teatral. En 2000 funda la compañía Tryo Teatro Banda junto a la actriz y productora Carolina González, desde la cual desarrollan una mirada contemporánea sobre la juglaría.\nTryo Teatro Banda se dedica a trabajar temas chilenos, combinando las artes de la actuación, la literatura y la música en vivo. En 2005, con el estreno de Cautiverio felis (sic), abren una línea orientada a rescatar el arte de los antiguos juglares para contar la historia mestiza de Chile. Así crearon Pedro de Valdivia: la gesta inconclusa, Jemmy Button, Kay Kay y Xeng Xeng Vilu, La Araucana, La Tirana, Afrochileno, La expulsión de los Jesuitas y ¡Parlamento!, con las cuales recorren Chile, Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Cuba, Ecuador, Estados Unidos, España, Reino Unido, México y Perú.\nLa conversación como herramienta esencial del ser humano para conocerse, solucionar diferencias y compartir el mundo es el hilo que conductor del espectáculo, y el buen o mal uso de la conversación es la que va permitiendo que la acción avance. A su vez, se va contando una historia real y muy antigua, la historia de Chile, y entregando una visón razonable y alternativa del origen del actual conflicto que protagonizan el Estado de Chile y el pueblo mapuche, alejada de versiones oficiales y versiones interesadas de la prensa.\n¿Cómo hace posible el juglar, protagonista de la obra, que el público dialogue con la historia?\nLa bufonería, como punto de vista crítico del actor, le permite reírse de todo, poniendo en riesgo su cabeza, pero apoyado en el desafío de divertir al espectador y ponerse él mismo como el primer ejemplo de lo feo, grotesco y decadente. Lo performático como estrategia mediante la cual el juglar está siempre involucrado en el “hacer”, en ejecutar una acción concreta (tocar y cantar, manipular objetos, pintar un cuadro en vivo, etc.) y no intentando “actuar” o “representar” algo, y, de este modo, bombardea al espectador con variados frentes a la vez, estimulando su radio de atención al máximo. La dramaturgia nace del actor en la creación, el juglar sabe qué es lo que quiere contar y, desde ese entendimiento va, ensayo a ensayo, función a función, descubriendo las mejores palabras, la mejor redacción, la mejor gramática para contar, no es un texto escrito afuera de la sala de teatro. La música conduce el espectáculo, el juglar toca, canta, sonoriza, se trata de un gran concierto parlamentario.\nCompañía Teatrocinema Adaptación de la novela de Régis Jauffret Dirección general Juan Carlos Zagal\n“Se vuelve imprescindible de ver ya que es una experiencia inédita, única en nuestro medio y en el mundo” – Santi.\nEl cierre de la trilogía de TeatroCinema está inspirada en una estética basada en el cómic, los matices de una macabra obsesión generada por una joven y un profesor de inglés.\nHistoria de amor habla de la difícilmente distinguible frontera entre la razón y la locura, el amor y la dominación, al acto responsable y la sumisión a las pulsiones más denigrantes de la especie humana, logrando corromper el sentido mismo del concepto amor.\nUn profesor de inglés secuestra a la joven Sofía, y la convierte en su víctima, mujer y madre. Para lograrlo, se apodera de su vida, de sus espacios íntimos, de sus espacios públicos, de sus espacios genitales, de sus espacios mentales, hasta que para ella no queda otro refugio que el del autismo y la aceptación. El torcido amor de este profesor se convierte así en el único espacio posible de humanidad en una sociedad en que se diluye la frontera entre la justicia y la siquiatría; un mundo donde la culpa y la responsabilidad sucumben bajo la impunidad y el silencio cómplice.\nLuego de su estreno en mayo de 2013, la compañía viajó en agosto a Escocia para presentarse en el Festival Internacional de Edimburgo, considerado una de las plataformas más importantes de las artes escénicas a nivel global. En marzo de 2014 realizaron una gira por Francia con 7 fechas, luego en abril se presentaron en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, Colombia. Para el mes de agosto preparan su desembarco en Brasil, en el marco del Festival de Rio Preto y Sao Paulo, y en septiembre en el Festival Mirada Santos. En octubre pisarán suelo mexicano en el Festival Cervantino. Un año casi completamente agendado a nivel internacional.\nAdaptación de la novela de Régis Jauffret Dirección general Juan Carlos Zagal Adaptación teatral Juan Carlos Zagal y Montserrat Quezada Elenco Bernardita Montero, Julián Marras Director de escena y utilerías Simón Salzmann Dirección de arte Laura Pizarro, Vittorio Meschi Diseño integral Luis Alcaide, Cristián Mayorga, Laura Pizarro Música original Juan Carlos Zagal Story Board Vittorio Meschi, Abel Elizondo Dirección multimedia Montserrat Quezada Diseño y programación multimedia Mirko Petrovich Operador de iluminación Luis Alcaide Operador de video Lucio González Sonidista Matías Del Pozo Producción general Teatrocinema Technology partner Valook\nMedia partner Litoralpress Coproducción Teatrocinema – Fitam – Teatro UC – Scène Nationale De Sète Con el apoyo del Festival de Edimburgo Auspician Institut Français au Chili – Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Línea Bicentenario, Gobierno de Chile Estreno 27 junio 2013, Teatro Universidad Católica (Chile)\nJuan Carlos Zagal es un destacado director de teatro y actor, formado en la Escuela de teatro de la Universidad Católica, que entre 1987 y 2005 fue parte fundamental de La Troppa, recordada compañía que renovó antiguos recursos teatrales. Entre estos elementos cabe destacar el importante apoyo visual de las acciones dramáticas, el gran colorido escenográfico, la inclusión de elementos del cómic, la superposición de distintos lenguajes escénicos, el privilegio de la imagen por sobre la discursividad, el despliegue acrobático de los actores, la independencia de las diversas instancias musicales, así mismo como el carácter lúdico de la propuesta, conformando un lenguaje teatral nuevo, creativo, dinámico e imaginativo. En varias oportunidades estas piezas contaron con música compuesta por el mismo Juan Carlos Zagal, especialmente para cada obra.\nAntes de Teatrocinema, Laura Pizarro, Juan Carlos Zagal y Jaime Lorca fueron los fundadores de la Compañía La Troppa. Buscaron desde el comienzo un lenguaje teatral propio, y lo encontraron. Fue con esa mirada que construyeron momentos teatrales de excelencia, piezas únicas como lo fueron El Santo Patrono, Rap del Quijote, Lobo, Salmón Vudú, Viaje al Centro de la Tierra, Pinocchio, Jesús Betz y Gemelos, montadas con enorme éxito y reconocidas por cientos de miles de espectadores de América, Europa y Asia. En el 2005 la compañía La Troppa se disuelve y Laura y Zagal fundaron Teatrocinema, un colectivo amplio de artistas y creadores de varias disciplinas unidos, desde el lenguaje teatral y el cinematográfico, la búsqueda de la belleza y la poesía, de la narración, de la imagen y la musicalidad.\nLa versión popular que nos presenta Héctor Noguera parte del folclor chileno en la que también figuran hadas, brujos y príncipes, contextualizando la fantasía de Shakespeare en nuestra...\nDirección Héctor Noguera\n«Juan Radrigán se lo dijo: “No es una idea fácil. ¡Quién te va a aceptar un encarguito como ese!”. Pero Noguera ya tenía todo planeado» – La Tercera\nDe W. Shakespeare Versión de los poetas populares Luis Guillermo Villalobos y Manuel Sánchez Idea original y dirección Héctor Noguera Asistente Dirección Mauricio Moro Dramaturgia Daniel Muñoz y Héctor Noguera Reparto por orden de aparición Ricardo Fernández, Catalina Stuardo, Héctor Noguera, Paloma Moreno, Juan Pablo Larenas, Diego Noguera, Carolina Arredondo, Luis (Tato) Dubo, Juan Pablo Miranda, Marco Rebolledo, Yerko Farías, Marcela Millie, Juan Pablo Peragallo, Patricia Moreno, Carla Casali, Alejandra Araya, Jaime Mc Manus Música Luis Guillermo Villalobos, Manuel Sánchez Diseño de vestuario Carolina Sandoval Iluminación y escenografía Raul Donoso Sonido José Ignacio Soto Producción general Piedad Noguera Productor ejecutivo Alexis García Coproducción Fundación Teatro a Mil y Teatro Camino\nHéctor Noguera es director artístico del Teatro Camino. Decano de la Facultad de Artes de la Universidad Mayor. Miembro de Número de la Academia de Bellas Artes del Instituto de Chile y profesor titular de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Actor, director, profesor y dramaturgo. Ha realizado más de 130 estrenos teatrales y ha recorrido con ellos países de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos. Ha ejercido la docencia desde los primeros años de su carrera y ha recibido diversos premios nacionales e internacionales, como el Premio Nacional de Artes de la Representación 2015. Su labor actoral implica el teatro, el cine y la televisión. Su nombre es ampliamente conocido en el país y en el ámbito teatral de países como Francia, España, Bolivia, Perú y otros países latinoamericanos. Su actividad artística se ha desarrollado a lo largo de 50 años en forma ininterrumpida.\n«Juan Radrigán se lo dijo: “No es una idea fácil. ¡Quién te va a aceptar un encarguito como ese!”. Pero Noguera ya tenía todo planeado»\nLa principal dificultad para presentar esta obra al público de habla española está en las traducciones. Estas no logran traspasar el humor picaresco, basado principalmente en el juego de palabras, a nuestro idioma. Lo que hace que la obra pierda su liviandad de comedia y adquiera un peso que no está en el espíritu del autor. Es por esta razón que Héctor Noguera ha propuesto una versión en verso popular chileno que sí logra su espíritu juguetón.\nPara esto ha convocado a tres grandes de la creación folclórica nacional. Dos destacadísimos payadores conocidos popularmente como Bigote (Luis Guillermo Villalobos) y Manuel (Manuel Gonzalo Sánchez) quienes han sido capaces, a través de la paya y las métricas populares, de emular el juego de lenguaje del gran autor inglés. Daniel Muñoz, destacadísimo actor y con el reconocido mérito de popularizar la cueca brava en amplios ámbitos de la cultura nacional, es quien se haría cargo de la dirección musical como también de la totalidad del proyecto junto con Héctor Noguera.\nRancagua - Teatro Regional. Retiro de invitaciones en el frontis del municipio en la Plaza de Los Héroes, el miércoles 11 de enero desde 11:00 a 14:00 horas, y desde 16:00 a 19:00 horas, hasta agotar stock.\nHuechuraba - Plaza Cívica (Premio Nobel 560).\nEstación Central - Frontis de la Municipalidad\nSan Antonio - Gimnasio Montemar. Entrega de invitaciones en el mismo recinto desde las 9.30 horas\nLas Condes - Parque Padre Hurtado (Av. Francisco Bilbao 8651). Retiro de invitaciones para vecinos de Las Condes, con su tarjeta vecino al día en Centros Comunitarios, Estadio Municipal de Las Condes y Oficina de Atención al Vecino (Av. Apoquindo 9071). Público general: $2.500 (valor entrada al parque)\nDirección Marco Layera Dramaturgia Teatro La Re-sentida\n“Un espacio de ficción para reflexionar en torno a las utopías, la revolución, la cultura y la política” – Sevilla Fest.\nTratando de hacer una obra que cambie el mundo (el delirio final de los últimos románticos) cuenta la situación en que se encuentra un grupo de actores que, guiados por su idealismo, llevan cuatro años encerrados en un sótano sin tener contacto con la realidad. En este espacio intentan crear una magna obra teatral capaz de modificar el mundo, mientras llegan del exterior noticias informando que un nuevo gobierno ha asumido el poder, el que ha erradicado la pobreza e injusticias sociales de nuestro país, tanto así que el modelo ha sido exportado a los países más pobres de África. Será a través del delirio de estos personajes y del absurdo de su situación que se creará un espacio de ficción privilegiado para reflexionar en torno al arte, las utopías, la revolución, la cultura y la política.\nDespués de su estreno, tuvo varias temporadas en cartelera nacional para luego salir al extranjero durante el 2011. Su primera parada fue en España en el Festival de Teatro y Artes Escénicas en Sevilla y el Festival Iberoamericano de teatro de Cádiz, luego Sao Paulo y Buenos Aires. En el 2012 participaron en el Festival Internacional Santiago a Mil, en la gira nacional Teatro a Mil y visitaron los países de Italia, Ecuador y Estonia. En el 2013 realizaron una gira por Bélgica, presentándose en 4 ciudades y en festivales como el de Liége y Paroles, también en el Théatre de la Ville en Paris y en Holland Festival en Amsterdam. Finalizaron ese excelente año en Latinoamérica en el Festival de Artes Escénicas de Lima. Y en el 2014 montaron su obra por primera vez en Berlín con dos fechas a tablero vuelto.\nDirección Marco Layera Dramaturgia Teatro La Re-sentida Elenco Carolina Palacios, Benjamín Westfall, Nicolás Herrera, Guilherme Sepúlveda, Pedro Muñoz\nDiseño Integral Pablo de la Fuente Diseño de Vestuario Carolina Sandoval Técnico Karl Heinz Sateler y Matías González Asistente de Escena Carolina de la Maza Fecha y lugar de estreno 5 de noviembre de 2010, Centro GAM\nMarco Layera nace el año 1978 en Santiago (Chile). Estudió Derecho en la Universidad de Chile en donde se especializó en Criminología. Su formación teatral la realizó en El Teatro Escuela La Matriz y en la Escuela Teatro Imagen. En el año 2008 funda la compañía La Re-sentida de la cual es director y con la que ha llevado a escena los espectáculos Simulacro,Tratando de hacer una obra que cambie el mundo y La imaginación del futuro participando con estos en prestigiosos escenarios y festivales internacionales. Ha dirigido procesos de investigación escénica con personas de diferentes edades y condiciones sociales, enmarcados en los proyectos “Elencos ciudadanos” y “Laboratorios de montaje”. También se ha desempeñado como docente en diversas escuelas de teatro. Ha sido director invitado en la R.A.A.A.M (Estonia), artista en residencia en el Centro Arti Opificio Siri (Italia) y en el Théâtre Paul Eluard (Francia). Ha obtenido la distinción “Eugenio Guzmán” otorgado por Festival para Directores Teatrales organizado por la Universidad de Chile, el reconocimiento al “Mejor montaje” en el “Festival de Teatro Joven” organizado por el Teatro Municipal de las Condes y ha sido nominado tres veces al premio “Altazor” en la categoría dirección.\n“Un divertido montaje con ritmo hábil y delirante de principio a fin” – Estamos Críticos.\n“La compañía La Re-sentida afirma con esta obra su vocación por el teatro social y de reflexión política” – Santi.\n“No tenemos que sacrificarnos por los que vendrán”\nUna producción de Performer Persona Project Dirección Claudio Santana Bórquez\n“Perdiendo la batalla del Ebr(i)o es una bien lograda pieza que acerca al público la poesía de un autor chileno contemporáneo, recupera al actor como mágica fuente de todos los recursos escénicos e instala la experiencia teatral como una fiesta comunitaria” – Santi.\nA partir de la poesía y textos dramáticos de Thomas Harris, Perdiendo la batalla del Ebr(i)o presenta una performance que se adentra en la experiencia personal del autor, con y contra el alcohol. En su relación de amor/odio en las refriegas con Baco. La acción nos presenta una serie de fragmentos que nos sumergen en el tifón delirante de la fiesta trágica del alcohólico heroico, que transcurre entre la lucidez y la muerte. La puesta en escena está realizada a través de los medios esenciales del arte del actor: cuerpo, canto/palabra, acciones y ritmo, junto a un espacio convivial que invita al encuentro de presencias entre actores y público.\nUna producción de Performer Persona Project Dirección Claudio Santana Bórquez Elenco Freddy Araya, Felix Venegas, Juan Pablo Vásquez, Sebastián Zeballos, Braulio Verdejo, Claudio Santana Espacio e iluminación Matías Ulibarry Productora Francesca Bono Patrocinado por Departamento de Arte Escénico – Universidad de Playa Ancha, Valparaíso Estreno noviembre 2014 (Chile)\nThomas Harris, considerado como uno de los autores más destacados de la generación de poetas de los años 80, vinculó su primera obra a Concepción, donde en 1981, junto a los poetas Carlos Decap, Alexis Figueroa, Jeremy Jacobson y Roberto Henríquez fundó la revista literaria universitaria Postdata. En 1982, publicó La vida a veces toma la forma de los muros y tres años más tarde Zonas de peligro. La positiva recepción de la crítica para la obra de Tomás Harris se consolidó en 1992, cuando recibió el Premio Municipal de Poesía de Santiago por su trabajo Cipango. En 1995 obtuvo el Premio del Consejo Nacional del Libro y la Lectura, en 1996 recibió el Premio Pablo Neruda y en 1997, el Premio Casa de las Américas. Desde 1995, Harris se desempeña como Investigador del Archivo del Escritor de la Biblioteca Nacional y como secretario de redacción de la revista Mapocho. Otras obras de Harris, en que se entremezclan referencias a la literatura clásica, a la ciencia ficción y al cine son Encuentros con hombres oscuros, Tridente, Lobo, Las dunas del deseo y Perdiendo la batalla del Ebr(i)o.\nClaudio Santana Bórquez es actor, director del Performer Persona Project, magister en Dirección Teatral, académico del Dpto. de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha, Valparaíso. Ha realizado espectáculos, performances y seminarios en Chile, Italia, Inglaterra y Polonia. Entre 2008 y 2010 fue actor del Laboratorio Permanente di Ricerca sull’Arte dell’Attore, Italia. Se perfeccionó en The Grotowski Institute de Wroclaw en el Atelier’08 y en el Work Encounter’08 guiado por el Workcenter de J. Grotowski y T. Richards. Entre 2002 y 2006 fue director del Teatro de la Peste en Santiago, presentando Mina de narco, Pincho Disney, Orwell 1984, entre otras. Entre 1998 y 2001 fue actor fundador del Teatro de la Dramaturgia Corporal de Amilcar Borges, obras: La Estructura y Eduardo II.\nPerformer Persona Project es una práctica sobre los procedimientos primarios del actuante: cuerpo, canto/palabra, ritmo y acción. Elaboran a través de la experiencia del proceso en vivo. Buscan lo simple a través de lo esencial en cada uno de sus integrantes: el anhelo interior que se mueve hacia el exterior por medio del “hacer”. Su visión radica en percibir al actuante como un ser humano en acción. PPProject nace el 2010 y está patrocinado por el Laboratorio Permanente di Ricerca sull’Arte dell’Attore (Italia), Teatr Rosa y The Grotowski Institute, ambos de Polonia, y ha presentado trabajos en Italia, Inglaterra y Polonia.\nCompañía Colectivo Zoológico Dirección Nicolás Espinoza, Laurène Lemaitre\n“La compañía asumió el desafío de tomar un documento que, a pesar de estar escrito en diálogo, es absolutamente no teatral (un acta de más de 300 páginas); y convertirlo en un espectáculo reflexivo y sarcástico” – Sangría.\nCuatro generales mayores, una secretaria y un joven ministro del trabajo, se encierran durante cinco días en una oficina del Edificio Diego Portales para aprobar en tiempo récord un nuevo marco legal que regulará la relación entre empresarios y trabajadores, entre jefes y empleados. Usando su poder lograrán construir un “edificio incombustible” que proyectará su legado hacia el futuro. Al interior de esta ceremonia macabra, los espectadores se transformarán en testigos y cómplices de esta “revolución”, tal vez la única revolución que ha vivido el país. El Plan Laboral fue la primera de «Las siete modernizaciones» planificadas por los Chicago Boys como puerta de entrada al neoliberalismo durante la dictadura de Pinochet en un intento calculado por penetrar en cada ámbito de la vida social.\nDirección Nicolás Espinoza, Laurène Lemaitre Dramaturgia Juan Pablo Troncoso Diseño integral Laurène Lemaitre Vestuario Valentina Iturrieta Elenco José Manuel Aguirre, Juan Pablo Troncoso, Germán Pinilla, Raúl Ampuero, Sebastián Pinto, Viviana Nass Productora Paula Pavez Jefe técnico y audiovisual Pablo Mois Prensa Alejandra Ibarra Estreno julio 2015 (Chile)\nObra financiada por el Consejo Nacional de Cultura y las Artes a través de Fondart Nacional 2015.\nNicolás Espinoza, director chileno, magister en Puesta en Escena y Escenografía. Se ha desempeñado como asistente de dirección de Adel Hakim, Paulina García y Alfredo Castro. Junto al colectivo Los amigos de Chile, dirige UNABOMBER y Atentado. En 2013, participa en el “Encuentro internacional de jóvenes creadores de las artes escénicas” en el Festival TransAmerique en Montreal (Canadá).\nLaurene Lemaitre es escenógrafa, directora y artista plástica francesa. Realizó estudios de diseño y Artes Aplicadas en Francia para especializarse en el ámbito de la escenografía y la dirección. Realizó su práctica profesional junto a Yves Collet (escenógrafo del Théâtre de la Ville de París). Sus investigaciones se centran en unir arquitectura, imagen y poesía, interrogando la escenografía desde una dimensión visual y sensorial. En 2011 dirigió y diseñó la escenografía de la obra J’ai un projet, devenir fou. En 2012, llegó a Chile y fundó Colectivo Zoológico junto a Nicolás Espinoza. Ha codirigido Conversaciones sobre el futuro, Un enemigo del pueblo y No tenemos que sacrificarnos por los que vendrán.\nEl Colectivo Zoológico nace en el año 2012 del encuentro de jóvenes artistas multidisciplinarios (Chile-Francia) comprometidos con el desarrollo y la investigación de nuevos lenguajes en el teatro contemporáneo. Esta agrupación se consagra a la creación de experiencias escénicas que interroguen a los espectadores y a los artistas sobre temas como el lugar del Hombre en la sociedad, confrontado a la política, al poder y al dinero. Su objetivo es construir nexos con los habitantes de una ciudad, explorar nuevos territorios del arte, compartir un teatro abierto y presente para crear espacios de reflexión común. El colectivo defiende con humor y audacia una visión generosa, crítica y política del teatro.\n“No tenemos que sacrificarnos por los que vendrán” es la frase pronunciada por Augusto Pinochet el 25 de junio de 1979, durante una de las reuniones secretas que sostuvo la Junta Militar con José Pinera y los ministros civiles de la dictadura, para debatir el conjunto de reformas que posteriormente se conocerían como el Plan Laboral (leyes que determinan y norman, hasta el día de hoy, la organización sindical y negociación colectiva de los trabajadores en Chile).\nEn el año 2012 y luego de haberse mantenido en secreto por más de 30 años, la biblioteca del Congreso Nacional desclasificó «Las Actas N° 372-A», una transcripción detallada de todo lo que dijeron, argumentaron, gritaron y murmuraron las 29 personas que participaron de estos cinco días de reunión. La obra rescata este documento de carácter histórico, desconocido para la mayoría de la población e intenta a partir de esas páginas romper la inercia del tiempo, confrontando un pasado conflictivo aún no resuelto en el Chile del siglo XXI, el país de la libertad.\nCuatro generales mayores, una secretaria y un joven ministro del trabajo, se encierran durante cinco días en una oficina del Edificio Diego Portales, para aprobar en tiempo record un nuevo marco legal que regulará la relación entre empresarios y trabajadores, entre jefes y empleados. Usando su poder lograrán construir un “edificio incombustible” que proyectará su legado hacia el futuro. Al interior de esta ceremonia macabra, los espectadores se transformarán en testigos y cómplices de esta “revolución”, tal vez la única revolución que ha vivido el país.\nEl Colectivo Zoológico presenta su tercera creación (Conversaciones sobre el futuro ), Un enemigo del pueblo ) y la segunda realizada con el apoyo del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, a través de Fondart. Sus trabajos, caracterizados por representar un mundo donde los conflictos se multiplican, reflexionan sobre temas como el lugar del Hombre en la sociedad, confrontado a la política, al poder y al dinero, los grandes cuestionamientos de nuestra época. Con esta nueva propuesta, el colectivo, profundiza en la creación de un teatro crítico, vivo y generoso.\nEl Plan Laboral fue la primera de «Las siete modernizaciones» planificadas por los Chicago Boys como puerta de entrada al neoliberalismo a nuestro país, un intento calculado por penetrar en cada ámbito de la vida social (salud, educación, previsión, trabajo, economía).\nHoy, en plena discusión de la Reforma Laboral, la obra reflexiona sobre cómo y dónde se piensa un país. Adentrándose en el espacio íntimo del poder, visita una de esas oficinas donde “los poderosos” a puertas cerradas deciden sobre el destino de millones. Ese espacio privado, en que un grupo de jóvenes economistas PUC, herederos de Milton Friedman, y con el respaldo de un aparato militar de tortura y exterminio, asumieron la misión de transformar a Chile en un país en pos de un único deseo. Libertad, libertad amigos míos.\nCompañía Cía. Pe Mellado Danza\n“Paulina Mellado definitivamente trabaja en la búsqueda de nuevas resoluciones, nuevos conflictos al que se encuentran enfrentados sus intérpretes, entregándoles desafíos como tarimas, espacios reducidos, cambios de altura, vestuario que imposibilitan el libre movimiento” – Santi Teatro & Danza\nLa bailarina se crea con la inquietud de relacionar la metodología de investigación corporal de Cía. Pe Mellado Danza con el verso de la poeta chilena Gabriela Mistral, quien cumple 70 años de haber recibido el Nobel de Literatura. Basándose en poemas como “Una mujer”, “La humillada”, “La fugitiva”, pero sobre todo “La bailarina” (Lagar II), la obra descubre a la poeta-mujer en busca de refugio en su estado creativo. El montaje vincula la danza con la escritura y el movimiento con la palabra, ambos terminan desplegándose hacia el gesto poético en cuánto gesto de creación y logra deconstruir a la poeta develando su esencia, su espíritu libre, su ímpetu de lucha y sueños.\nCompañía Cía. Pe Mellado Danza Dirección Paulina Mellado Elenco Macarena Pastor, Marcela Retamales, Camila Jiménez, Gonzalo Venegas, Esteban Cerda, Jorge Carreño, Vannia Villagrán, Paulina Mellado Asistente de dirección Andrea Torrejón Composición musical José Miguel Miranda Artista visual Richard Solís Escenografía e iluminación José Antonio Palma Fotografía Marcela Moncada Producción general y comunicaciones Mariángela Ortiz Patrocinan Sala Santa Elena y Ciec (Centro de Investigación y Estudios Coreográficos) Estreno abril 2015 (Chile)\nPaulina Mellado es coreógrafa, bailarina y docente. Desde 1991 ha mantenido un ejercicio creativo constante, convirtiéndose en un referente para la danza nacional. Recibe el reconocimiento a la Mejor Obra en 2010 por el Círculo de Críticos y en 2011 es nominada a los premios Altazor. En cinco oportunidades es beneficiada con los Fondos para el Fomento de las Artes (FONDART) y con la Beca Fundación Andes. Desde 2000 conforma la compañía Cía. Pe Mellado Danza y dirige la Sala Santa Elena y el Centro de Investigación y Estudios Coreográficos (CIEC). Ha desempeñado la docencia desde 1989 en distintos centros formativos y actualmente es Directora de Creación de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Entre sus obras se encuentran Lugar del deseo, Ser tocado, Lo que acontece, Pequeño hombrecito, Itinerancia nacional, Mejor obra por el Círculo de Críticos, Cuerpo pre-texto y Diana.\nCía. Pe Mellado se forma en 2000 con el deseo de establecer un espacio donde los intérpretes pudieran investigar y experimentar libremente a partir del entrecruzamiento de técnicas y dar una respuesta a sus inquietudes creativas. Desde entonces, su trabajo está centrado en desarrollar un lenguaje corporal hablando del propio cuerpo, sus dolencias o sus virtudes; esa búsqueda les permite generar modos, combinaciones, cualidades y formas kinéticas desarrolladas por las temáticas de sus trabajos investigativos, orientados siempre al encuentro entre los cuerpos y el Otro. La compañía cuenta con una sala propia de trabajo, donde imparten talleres y seminarios para artistas y la comunidad. Ha creado más de 13 coreografías que le han valido para ganarse un lugar en la escena nacional a partir de premios y reconocimientos otorgados por el público y la crítica especializada. Entre sus obras: Lugar del deseo, Ser tocado, Lo que acontece, Pequeño hombrecito, Cuerpo pre-texto, Diana.\nDirección general, coreográfica y lumínica Joel Inzunza Leal\n“Insomniac es una obra que no debe pasar inadvertida. Crea un mundo del que todos hemos sido parte. Sin embargo, Inzunza logra dar una mirada lúcida, fresca y armoniosa de aquel momento. Es el director quien nos permite hacer este viaje, sin fatigarnos y con ganas de ver más” – Santi Teatro & Danza.\nLa línea de exploración en torno al cuerpo y la escena que caracteriza el trabajo artístico de Joel Inzunza & Compañía propone una dimensión sobre el insomnio. Es así como se inicia una búsqueda poética de situaciones obsesivas sobre el movimiento y desde un lenguaje corporal que arriesga un trazado íntimo con el espacio. En medio de la noche, donde no sabemos si nuestro estado de vigilia es parte de un sueño o de la realidad, aparecen destellos como parte de estas alteraciones de la percepción. Insomniac propone una dimensión somnolienta, casi real. Y al igual como creemos ver imágenes dos veces o cierto déjà vu, el espectador será seducido a ver la obra dos veces (en distintas funciones), ya que dos elencos interpretan la obra.\nREPARTO 1 Investigación, material de movimiento e interpretación José Luis Urrea (Adrián Otárola), Daniella Santibañez, Felipe Soto, Francisca Lillo, Nicolás González, Javiera González Música Loscil, Timber Timbre, Fraunhöfer Fotografía Fabián Cambero y Josefina Pérez Producción Víctor Eduardo Silva Dirección general, coreográfica y lumínica Joel Inzunza Leal / REPARTO 2 Investigación, material de movimiento e interpretación David Correa, Cynthia Ocampos, Fabián Leguizamón, Marine García, César Cisternas, Ignacia Peralta Música Loscil, Timber Timbre, Fraunhöfer Fotografía Fabián Cambero y Josefina Pérez Producción Víctor Eduardo Silva Dirección general, coreográfica y lumínica Joel Inzunza Leal / Estreno mayo 2015 (Chile)\nJoel Inzunza Leal es licenciado en Danza y Gestor Cultural, realizó estudios en el Centro de Danza Calaucán, L’Ecole Supèrieure Centre National de la Danse Contemporaine d’Angers CNDC, Instituto Universitario Nacional del Arte IUNA, Universidad Católica de Córdoba y Universidad de las Américas. Fue director artístico del Festival Internacional Danza & Tendencias y colaborador del Festival Internacional de Arte FRONTERAS. Trabajó como intérprete-coreógrafo desde el 2004 hasta el 2011 con Ana Garat y Pilar Beamonte. Perteneció al International Performers Lab de Khosro Adibi del 2009 al 2011 y participó como bailarín invitado de WEE Dance Company de Francesco Scavetta para Surprised Body Project, entre otros. Trabajó como Maestro de Ensayo del Ballet Nacional Chileno BANCH. Su carrera como coreógrafo, docente e intérprete le ha permitido articular un trabajo entre Chile, Argentina, México, Brasil y Suiza, en coproducciones con Compañía Andante (Argentina), Compañía OtroOjo Danza Teatro (Argentina), Cie. TropChertoShare (Suiza), Compañía Cuerpo en Vuelo (Chile) y Ballet Municipal de Cámara de Valdivia (Chile). En 2008 inició el proyecto de Joel Inzunza & Compañía como un espacio de creación y exploración itinerante.\nDe TeatroPan Basado en la novela homónima de Jonas Jonasson\n“Ágil, entretenida, llena de ingeniosas soluciones y aciertos visuales” – El Mercurio.\nUn anciano de 100 años se escapa del asilo el día de su cumpleaños en medio de los preparativos para su gran celebración. Dejando a autoridades y a la prensa local literalmente plantados, sale a disfrutar de la libertad y de la vida, convencido de que a los 100 años aún queda mucho por vivir. Gracias a su espíritu libertario y travieso, desata una serie de eventos en que la mafia y la policía lo persiguen y en el camino va formando una verdadera familia con los personajes que va conociendo y que son tan libres de materialismo y ataduras como lo es él. A través del sarcasmo y de la fina ironía a partir del encuentro del abuelo Allan Karlsson con icónicos líderes políticos, se establece una mirada crítica al abuso de poder y se revisa el siglo XX.\nDe TeatroPan, basado en la novela homónima de Jonas Jonasson Dramaturgia Paulina Casas, Jaime Reyes, Érico Vera Dirección Jaime Reyes Elenco Paulina Casas, Víctor Díaz, Jaime Reyes, Andrés Rillón, Renato Vásquez, Érico Vera Asistentes de dirección Paulina Casas, Érico Vera Diseño escenográfico Jaime Reyes, Diego Vergara Diseño de vestuario Mónica Cortés, TeatroPan Diseño y realización audiovisual Érico Vera Diseño de iluminación Jaime Reyes Materialización y objetos Paulina Casas, Mónica Cortés, Víctor Díaz, Rodrigo Escobar, Jaime Reyes, Andrés Rillón, Renato Vásquez, Érico Vera Música original Jaime Reyes, Érico Vera Sonido y remezclas Rodrigo Escobar Realización de vestuario Gloria Sepúlveda Técnico de iluminación Mireya Aguirre Sonido directo Sebastián Ortiz Técnico multimedia Nicolás Navarro Asistente técnico Javier Abadie Gráficas Diego Vergara, Érico Vera Fotografías Franco Vera Producción ejecutiva Raúl Casas B. Producción general Mireya Aguirre Bravo Auspiciadores Óptica Bahía, La Percanta Patrocinadores Embajada de Suecia Partners Forma3, Phos Proyecto financiado por Fondart Convocatoria 2014 Estreno octubre 2013 (Chile)\nLa compañía TeatroPan es residente de la Aldea del Encuentro de la comuna de La Reina.\nTeatroPan ha establecido un convenio con Jonas Jonasson, autor de la exitosa y premiada novela, para tener los derechos exclusivos para hacer la obra en español. Esta adaptación es original de la compañía y fue aprobada y elogiada por el autor.\nTeatroPan es una compañía chilena fundada en 2001. Su trabajo está definido por un teatro que habla de la libertad, de la búsqueda de la autorrealización y de aventuras tangibles que implican viajes de conquista interior. Su investigación se ha orientado a realizar un teatro de carácter metafórico para hablar del sentido de la vida en su dimensión pública y privada. Rito y juego son los ejes que sustentan las búsquedas escénicas de la compañía, la que opera como un colectivo convencido de que el teatro es una realidad que es necesario develar creativamente para ir hacia el carácter sagrado y originario de esta disciplina artística.\nCompañía Silencio Blanco Dirección artística Santiago Tobar\n“Esta obra es un homenaje a la población de Lota y a todo pueblo minero, a todas las familias de esa ciudad marcadas por la soledad de los piques, la angustiante espera de las mujeres por sus padres, hermanos y esposos, así como el olvido hacia esas personas que extrajeron con su esfuerzo el combustible que industrializó un largo periodo de nuestra historia” – El Mostrador.\nUn minero joven es expulsado del pique de carbón en el que trabaja. Su única opción de seguir en la compañía es irse a la galería del Chiflón del Diablo, conocida por su siniestra fama.\nSituaciones del día a día nos invitan a conocer la intimidad y fragilidad de los personajes, el heroísmo diario de un minero del carbón, y la incondicional espera e incertidumbre de la mujer, al no saber si su minero volverá o no.\nSe trata de una historia olvidada por la historia o enterrada en lo más profundo de las minas del carbón, inmersa en un verdadero silencio negro.”\nDirección artística Santiago Tobar Elenco Felipe Concha, Dominga Gutiérrez, Emiliano Rojas, Consuelo Miranda, Claudio Espinosa Universo sonoro Ricardo Pacheco\nIlustraciones Carolina Díaz Producción y comunicaciones Dominga Gutiérrez y Camila Andrade\nSantiago Tobar. Actor egresado de DUOC UC (2008) y Máster en Artes con Mención en Dirección Teatral, Universidad de Chile. Actualmente es miembro de la Compañía Teatro Milagros, desempeñándose como realizador y manipulador de marionetas. En 2010 funda, junto a Dominga Gutiérrez, la Compañía Silencio Blanco, haciéndose cargo de la realización y dirección artística de las obras De Papel (Mención Honrosa Festival de Dirección Teatral de la U. de Chile, 2010), El Pescador, y la más reciente Chiflón, el silencio del carbón.\nLa compañía Silencio Blanco trabaja en la creación e investigación escénica entorno a marionetas blancas, de papel, que no utilizan vestuario, ni hablan. Trabajan desde el silencio, convencidos de que el movimiento de estas tiene la suficiente capacidad expresiva para comunicar y emocionar sin necesidad de emitir palabra. La compañía, que nace el año 2010 con la obra De papel, continuando con El Pescador, hoy se concentra en su tercer montajeChiflón, el silencio del carbón (2013), cuyo proceso creativo se extendió por más de dos años, considerando un viaje de investigación al pueblo de Lota y la construcción de las marionetas.\n“Algunas de estas historias íntimas, frágiles, llenas de heroísmo cotidiano e incertidumbres, además de olvidadas –un factor que la compañía Silencio Blanco tienen muy en cuenta–, retratan la vida de los mineros del carbón en Lota, las vivencias que quiere rescatar Chiflón, el silencio del carbón, dicen Santiago Tobar y Dominga Gutiérrez” – Punto Final.\nPuesta en escena Pablo Larraín Dramaturgia Pablo Larraín y Roberto Farías\n“Acceso tiene una de las más contundentes interpretaciones de los últimos años. El histrionismo de Roberto Farías fascina y sorprende”\n– Voces, La Tercera\nEn esta puesta en escena, Larraín y Farías se proponen detonar y levantar un cuestionamiento sobre la eficacia de la ley, que a través de las diversas instituciones que dependen del Estado de Chile, implementan programas de reinserción social y protección de menores sean ellos los vulnerados o sean ellos los infractores de la ley. Acceso pretende someter al espectador a una experiencia de duda ética acerca del castigo, la reclusión y ¿reinserción?, de menores vulnerados o infractores. ¿Es a través de la reclusión que se pueden modificar deseos, conductas, proyectos y lograr la reinserción en lo social establecido? o ¿estos comportamientos son el fruto endémico de los hiatos sociales históricos y económicos de nuestro país? ¿Es ser un proyectil callejero y maldiciente algo de lo cual también se extrae goce contante y sonante? Las interrogantes que el director hace y nos hace reposan en una pregunta y una duda ética que conciernen a la posibilidad de recuperación y de reinserción como fruto posible y óptimo de nuestras políticas sociales y jurídicas.\nEn estas preguntas que son previas y acompañan a la obra, el actor Roberto Farías durante las giras teatrales o filmaciones suele improvisar frente a los actores, y equipos de trabajo, estos episodios pueden suceder también en lugares nocturnos o restaurantes frente a un público espontáneo. Se trata de monólogos donde Farías despliega toda su creatividad, inventiva y humor para criticar o levantar preguntas o simplemente por entretención. De aquí emerge la idea de Pablo Larraín de instalar a esta figura parlante, a este gladiador urbano que nos da señas profundas de un lugar de vida, dolor y goce acompañado de un lenguaje lumpen, coa, delictual, atroz y poético a la vez.\nPuesta en escena Pablo Larraín Actuación Roberto Farías Dramaturgia Pablo Larraín y Roberto Farías Asistencia de dirección Josefina Dagorret Iluminación Sergio Armstrong Diseño gráfico Carola Sánchez Coproducción Teatro La Memoria\nEn 1997, Roberto Farías egresó de la Escuela de Teatro Imagen, de Gustavo Meza. Ha estado bajo la dirección de importantes directores chilenos, tales como el mismo Gustavo Meza, Raúl Osorio, Luis Ureta, Alexis Moreno y Guillermo Calderón. En televisión ha trabajado en diversos programas. En 2008 participó en las series Camera Café, Búscate la Vida y Mandiola y Compañía, transmitidas por el canal Mega. Durante 2009, Farías formó parte del elenco de la teleserie Los Exitosos Pells de TVN y obtuvo dos nominaciones (como Mejor Actor) al Premio Altazor, por su trabajo en la obra de teatro Clase, de Guillermo Calderón y por su participación en la cinta La Buena Vida de Andrés Wood. Por esta última actuación, en 2008, ganó el Premio al Mejor Actor en el Festival de cine de Biarritz, en París. En 2014, se destacó en teatro con la obra Acceso dirigida por el cineasta Pablo Larraín y en televisión con su personaje de asesino en Secretos en el jardín y en el papel de represor (inspirado en Álvaro Corbalán) para la segunda temporada de Los Archivos del Cardenal.\nPablo Larraín nació en Santiago de Chile en 1976 y es socio fundador de Fabula Producciones, una empresa dedicada a la producción de cine, televisión y publicidad, así como a la prestación de servicios de producción. En 2005 dirigió su primer largometraje, Fuga. En 2007 dirigió su segunda película, Tony Manero, cuyo guion fue escrito en colaboración con Mateo Iribarren y Alfredo Castro. La película se estrenó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2008. Post Mortem fue su tercer largometraje, protagonizado por Alfredo Castro y Antonia Zegris. Se estrenó en la Competencia Oficial del Festival de Cine de Venecia en septiembre de 2010. En 2010, Pablo Larraín dirigió Prófugos, la primera serie de televisión de HBO producida en Chile. No, su cuarta película, protagonizada por Gael García Bernal, se estrenó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2012 y fue nominada como mejor película extranjera en los Oscar 2013. En 2014 dirigió su primera ópera para el Teatro Municipal de Santiago, Katia Kabanova de Leos Janacek, y debutó en la dramaturgia y dirección teatral con Acceso, en el Teatro La Memoria.\n“Roberto Farías brillante como un puñal en la calle más oscura” – Fisura.cl.\n“vale la pena verla, absolutamente, dejarse remecer, ya sea por el exotismo del personaje o por el reflejo de nuestra propia historia y realidad” – El Mostrador.\nCompañía La Niña Horrible Dramaturgia Carla Zúñiga Dirección Javier Casanga\n“Un montaje interesante, que vale la pena ver, una obra que retorna a cosas tan necesarias en el teatro de hoy como dejar de lado el hermetismo, construir personajes y permitir la reflexión” – El Mostrador.\nLaura, una mujer de 80 años, deberá enfrentarse a la enfermedad de su única nieta, Laurita, a quien ha criado desde que era una niña. El único deseo de la joven es conocer a su padre antes de morir. Así comienza la travesía por encontrar al papá de Laurita, quien al no aparecer, deberá ser inventado bajo una serie de ridículas circunstancias. Una sucesión de personajes llegarán a la casa para ayudar a la abuela a sostener la insostenible situación.\nVestuarios seleccionados para ser expuestos en la Cuadrienal de Praga, 2015, en República Checa.\nDramaturgia y asistente de dirección Carla Zúñiga Dirección Javier Casanga Elenco Felipe Zepeda, Sebastián Ibacache Montt, Juan Pablo Fuentes, Daniel Alarcón Prieto, David Gaete, Gopal Ibarra Roa, Vicente Cabrera, Italo Spotorno, Francisco Celhay Asistente de montaje Diego Cubillos Producción Daniel Alarcón Prieto, Bárbara Donoso Diseño de escenografía Sebastián Escalona Realización escenografía Marco López Diseño de vestuarios Elizabeth Pérez Asistente de vestuario Paola Ávila Diseño de iluminación José Miguel Carrera Diseño gráfico María Paz Alvarado Música y arreglos Alejandro Miranda Raposo Asesoría vocal (canciones) Loreto Araya Prensa y difusión Santi Teatro & Danza Técnicos Diego Cubillos, Alejandro Ortiz Patrocinadores CEAT Estreno junio 2014 (Chile)\nCarla Zúñiga es actriz titulada de la Universidad ARCIS y diplomada en Fundamentos de Crítica Escénica Contemporánea en la Universidad de Chile. Ha guiado su trabajo hacia la dramaturgia, estrenando hasta ahora 12 obras, como Historia de la plaga (1994) (Fondart 2011), El hombre del cartel (Fondart 2012), El deseo (Fondart regional 2013), entre otras. Ha realizado talleres y ayudantías con Juan Radrigán. Ha formado parte del área de logística en la Fundación Teatro a Mil y trabaja como docente en el Instituto AIEP. Fundó junto a Javier Casanga la compañía La Niña Horrible, donde se ha desempeñado como dramaturga en Sentimientos, Historias de amputación a la hora del té y En el jardín de rosas: sangriento vía crucis del fin de los tiempos.\nCarla Zúñiga: La mujer, el cáncer, la belleza/fealdad.\nCarla Zúñiga: Es una obra con personajes femeninos interpretados por hombres. Esto se pensó así desde la concepción del proyecto. No se trata de travestismo, sino de una historia de mujeres feas. En cuanto a la dirección y actuación se trabaja el atletismo afectivo y se trabaja el grotesco en las emociones. Actuaciones exacerbadas, ritmo ágil, lúdico, comedia negra. Respecto a la escenografía se trabaja sobre un dispositivo que simula la pared de la habitación de la protagonista. Un espacio reducido donde se encuentran todos los personajes. El espacio personal de la protagonista (su habitación) se transforma en un espacio público, lleno de gente y situaciones.\nDramaturgia Isidora Stevenson Dirección Aliocha de la Sotta\n“Stevenson, con su diestro dominio de la palabra como acción dramática, hace que la aparente simplicidad de este segundo texto suyo se multiplique en hondas resonancias y sugerencias” – El Mercurio.\nNavidad. Años 90. Un gran asalto al Banco O’Higgins del Faro de Apoquindo termina con ocho muertos. Uno de ellos es el hijo de Hilda Peña. De ahí en adelante todo es pena. Hilda Peña, relato no épico de la transición a la democracia. Testimonio de un pedazo de la historia nacional femenina que sucede lejos de los relatos oficiales. El texto fue ganador en la categoría emergente para ser estrenado en la XVI Muestra Nacional de Dramaturgia.\nDramaturgia Isidora Stevenson Dirección Aliocha de la Sotta Elenco Paula Zúñiga Diseño integral Rocío Hernández Música Fernando Milagros Traducción Constanza Brieba – Royal Court Theatre Estreno octubre 2014 (Chile)\nIsidora Stevenson funda en 2005 Teatro La Nacional donde dirige Little Medea (2006), H.P. (Hans Pozo) (2007), Safe (2009), Fábula del niño y los animales que se mueren (2012). En 2012 dirigió para la XV Muestra de Dramaturgia Nacional la obra Chicago-New York y Una plaza para la UPLA, Valparaíso. Como actriz ha trabajado en obras como La chancha, Santiago flayte, Niñas araña, entre otras. Actualmente se desempeña como docente en diversas escuelas de teatro de Santiago. Su primera obra, Campo, fue premiada por el Fondo del Libro 2013 para su escritura y publicación. Luego con Fondart 2014 se financia su puesta en escena. Su segunda obra, Hilda Peña, fue ganadora del concurso de Dramaturgia Nacional.\nAliocha de la Sotta estudió actuación en la Academia de Fernando González entre 1991 y 1993. Luego, se radicó en Liège, Bélgica, donde profundizó lo aprendido en el Conservatoire Royal D`Art Dramatique. De vuelta a Chile obtiene el grado académico de Licenciada en Artes de la Universidad ARCIS. Entre sus principales trabajos de dirección teatral se cuentan: La mala clase, Trovarsi, Fumar por deporte, La chancha y Leftraru, entre otros.\nAliocha de la Sotta: El dolor de la pérdida, la muerte, la transición democrática.\nAliocha de la Sotta: La desgarradora actuación de Paula Zúñiga. La simpleza y belleza de la puesta en escena.