Boletines Culturales Informativos No. 52: (Viaje a la Belleza) - Italia\nBoletines Culturales Informativos No. 52: (Viaje a la Belleza)\nBOLETÍN CULTURAL INFORMATIVO No. 52\nNo. 52NO 52\nLic. Claudia Hérodier\ninformativo No. 52\nun instante, en el paraíso.\nVIAJE A LA BELLEZA\nArq. Luis SalazarRetana\nArq. Luis Salazar\nDISEÑO GENERAL Y DIAGRAMACIÓN:\nRETRATO DEL PRÍNCIPE ANDREA DORIA\nAGNOLO BRONZINO, 1555.\nPINACOTECA DI BRERA, MILÁN, ITALIA\nEL SENTIMIENTO EN EL ARTE\nBOLETÍN CULTURAL INFORMATIVO\nLic. Enrique Sorto Campbell\nVicerrector Académico y Secretario General\nImpreso y hecho en El Salvador\nTimes New Roman Berlin Sans FB Poor Richard\nBookman Old Style Arial\n© 2015 Boletín Cultural Informativo\nCampus I, Km. 8½ carretera a Santa Tecla.\nAntiguo Cuscatlán, Departamento de la Libertad, El Salvador, C. A.\nTeléfono (503) 22781011 ext. 203, Fax. 22 89 53 14.\nEl contenido de los artículos es exclusiva responsabilidad de los autores.\nEste boletín se imprimió\nen Talleres Gráficos UCA,\nla edición consta de 2200 ejemplares.\nLic. Claudia Hérodier……………………………………………………………. pág.\nArq. Luis Salazar Retana………………………………………………………….pág.\nArq. Luis SalazarRetana………………………………………………………...... 24\nArq. Luis Salazar Retana…………………………………………………………..40\nArq. Luis Salazar Retana ………………………………………………………….50\nNOTAS BIOBIBLIOGRÁFICAS ………………………………………………... 75\nEn el prólogo al tomo I (Italia… ¡para siempre Italia!) se explicaba que esta triple\npublicación 2015 está diseñada como un homenaje que la universidad Dr. José Matías\nDelgado, a través de su Boletín Cultural Informativo, ha querido rendir al arquitecto Luis\nSalazar Retana por su destacada y sostenida labor dentro de la misma.\nAsí entonces, vale decir que este segundo número, nominado Viaje a la Belleza, es\nuna continuación de la temática desarrollada en el anterior y entonces se traza como un veloz recorrido por la piel de esa tierra maravillosa llamada Italia, donde cada paraje natural\npareciera ocasión de un logro estético (tan alta es su belleza), pasando luego a hacer pequeñas paradas en algunos segmentos de la Historia del Arte, conformada por la diversidad de\nobras que constituyen el acervo cultural italiano en sus múltiples vertientes, al tiempo que\nincursiona en sitios y ciudades cuya belleza es palpable al ojo común y corriente y, con mayor razón, al ojo ya entrenado para desentrañar ese tipo de misterios.\nPor supuesto, en este número no podía faltar −de manera general− el abordaje del\nsentimiento humano presente en la obra de arte desde que se inicia hasta que concluye, el\ntratamiento de sus matices y cómo sus distintas gradaciones han ido dando como resultado\n−de acuerdo a los cánones respectivos de la cultura que provienen− un estilo u otro −una\ntibieza, un calor, un frío, una llama−, tanto como el conocimiento del por qué de los diferentes tratamientos de los materiales con los que el artista trabaja, con miras a lograr una\nreacción emocional, estética por supuesto, en el espectador.\nEs decir, que el artista no sólo expresa sus sentimientos y pasiones en las obras que\nrealiza, sino que también los provoca en nosotros a través del sabio manejo de todos los factores que inciden en su creación. Así, según nos hace ver el autor, la luz –puesta su fuente\nde una manera o de otra– nos puede dar como resultado la sensación de lo tenebroso o lo\nromántico, lo sugestivo, lo calmo o lo alegre, lo festivo o lo dramático, tanto como el dibujo, la pincelada y las diversas técnicas aplicadas (en pintura), el cincelado o modelado y el\nuso de diferentes contorsiones de los cuerpos (en la escultura, por ejemplo) pueden darnos\nla percepción de la excelsitud o de lo sublime y eterno (y quedemos extasiados), o bien de\nlo pedestre y perecedero y entonces, seguramente, nos sentiremos decepcionados.\nTodo está en la sintonía del artista con su tiempo, la síntesis de conocimientos que\nposea, −a más de la riqueza de su mundo interior−, con el manejo de las técnicas y la carga\nemocional puesta en la obra para que nosotros captemos una cosa u otra.\nDe ahí, entonces, la invitación para que se adentren en estas páginas que además de\naportar valiosos conocimientos, de enriquecer nuestra humanidad, nos van a regocijar.\n¡Gracias, arquitecto Salazar Retana por su valioso trabajo!\nArquitecto Luis Salazar Retana\nQuisiera, siempre he querido comprender, el misterio que encierra la belleza, las obras, lugares\ny ciudades donde se oculta y se ha ocultado. Aquella belleza invisible que transforma el frío\nde los mármoles en vida aparente llena de fuerza y vigor, de pasión y sentimientos; aquella que\nlos transforma en formas vivientes, de cálida estética y, paradójicamente, de eterna inmovilidad. Aquella que Michelangelo, 1 Bernini, 2 Canova, 3 junto a otros privilegiados, comprendieN.E. Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido\nen español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno\nde los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era\ndonde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.\nN.E. Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un\nescultor, arquitecto y pintor italiano. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado\nescultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco.\nN.E. Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo. / https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Canova\nron a cabalidad y descubrieron escondida en el interior de la piedra sagrada que desde los templos griegos nos deslumbra; ellos y los pintores y poetas que lograron comprender y descubrir\nen los lienzos y en las palabras o extrayendo del duro granito, la belleza de las formas\nfemeninas, el más acendrado misticismo o el más apasionado erotismo, ellos, son mis guías.\nUn país y cientos de ciudades han maravillado mi existencia, han llenado de placer mis\nsentidos, ese país por excelencia en el cual la palabra bello es tan común, se llama Italia. He tenido el privilegio de conocerlo desde los montes nevados de los Alpes hasta las milagrosas escenas de la antigüedad clásica que guarda esa isla privilegiada llamada Sicilia.\nLa he encontrado no sólo en su arte maravilloso, en sus ciudades mágicas como Venecia o Florencia, Palermo o Taormina, Amalfi en la costa Amalfitana o en Manarola en las Cinque Terre, sino también en su música maravillosa, desde Palestrina 4 pasando por Vivaldi, 5\nese cura pelirrojo que escribió tantas melodías maravillosas. Italia es cuna de las óperas más\nimportantes e inmortales, piénsese en Aída, La Traviata, Madame Butterfly, Tosca, Turandot, Elíxir de amor (de Donizetti), siempre escuchadas, siempre solicitadas. 6\nEsta noche, quiero compartir con ustedes parte de esas experiencias extraordinarias que\nsólo en estos sitios prodigiosos puede uno disfrutar, en un viaje a la luz, enmarcado en la bella\nItalia. Esa nación que enfermó a Stendahl 7 por el exceso de belleza.\nItalia es un museo al aire libre. Ciudades como Florencia, Roma, Palermo, Taormina,\nBologna, Milano, Torino y muchas más nos muestran edificaciones que son patrimonio de la\nhumanidad, pero también en los museos e iglesias de pequeñas ciudades (cientos de ellas), encontramos tesoros que hacen vibrar nuestro espíritu y dan regocijo a nuestro intelecto. Los Uffizzi, la Galería di Brera, la academia de Venecia, son las joyas de la corona, pero otras decenas de galerías, en casi todas las ciudades importantes, conforman una historia de la belleza\nque los hombres han producido para nuestro deleite.\nEmpezaré en esta primera charla, por mostrarles en una visión rápida, unas cuantas ciudades y pueblos del noroeste italiano de Lombardía, Piamonte y Liguria. Ciudades, palacios,\nconventos y pueblos de belleza inusitada, singulares en su construcción y desarrollo que demuestran claramente el ingenio humano y su amor por la belleza y el disfrute, pero también\npor la guerra y la muerte.\nN.E. Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, 30 de septiembre de 1525 - Roma, 2 de febrero de\n1594), compositor italiano renacentista de música religiosa católica, reconocido por sus composiciones\npolifónicas. / https://es.wikipedia.org/wiki/Giovanni_Pierluigi_da_Palestrina\nN.E. Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico italiano del barroco. Se trata de una de las figuras más\nrelevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto,\nel más importante de su época. / https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Vivaldi\n6 N.E. Óperas italianas, de Giusseppe Verdi, Giacomo Puccini y Gaetano Donizetti, respectivamente.\n7 N.E. Henri Beyle (Grenoble, 23 de enero de 1783 – París, 23 de marzo de 1842), más conocido por su\nseudónimo Stendhal, fue un escritor francés del siglo XIX.\nMilano no es ni turística ni artísticamente espectacular, ello no significa que carezca\nde sitios muy interesantes. Su Pinacoteca di Brera guarda entre sus paredes obras magníficas del\narte universal como el Cristo muerto (izquierda), de Andrea Mantegna\n(obra singular por el punto de vista\nde la perspectiva utilizada y por el color de muerte del Cristo); el Milagro\nde Santa Marta y Santa Bárbara adorando la Cruz; La deposición de Cristo, o el famoso Beso de Francesco Hayes; El Cristo, cargado por la Madonna, y San Juan, de Giovanni Bellini y\nLa Madonna y el niño, conocida como la Madonna griega, de suave belleza, entre otras obras famosas.\nSitio interesante es la Venerable Biblioteca Ambrosiana 8 con una\nprimorosa pinacoteca donde podemos admirar la Cesta de frutas, de Caravaggio, y manuscritos y códices de gran valor. Ahí se\nencuentra el famoso Códice Atlántico, 9 1119 páginas de diseños y comentarios de Leonardo.\ndel Duomo y la Galería Vittorio Emanuelle es el corazón\nde la ciudad. La galería es uno de los más\nelegantes salones de\nEuropa, comercios y\nrestaurantes llenan de\nvida su interior, decorado con gran belleza,\ndestacando la tecnología de la época.\n(derecha), una de las\nmás grandes del\nmundo, 157 metros\nde largo, pudiendo albergar hasta 50,000 personas, es de una belleza alucinante con sus miles\nN.E. La biblioteca, que debe su nombre a Ambrosio, el santo patrón de Milán, fue fundada\nen 1607 por el cardenal Federico Borromeo, cuyos agentes recorrieron Europa occidental e\nincluso Grecia y Siria en busca de libros y manuscritos. Algunas adquisiciones importantes\nde bibliotecas completas fueron los manuscritos del monasterio benedictino de Bobbio (1606), así como\nlos de la biblioteca del Paduano Vincenzo Pinelli, cuyos más de 800 manuscritos llen aron\n70 cajas cuando fueron enviados a Milán, e incluían la famosa Ilíada iluminada, la Ilia Picta.\nN.E. El Códice Atlántico (Codex Atlanticus) es una colección encuadernada de dibujos y escrituras de\nLeonardo da Vinci que tiene doce volúmenes. Consta de 1.119 hojas que datan de 1478 a 1519, tratando de una gran variedad de temas: vuelo, armamento, instrumentos musicales, matemáticas y botánica.\nEste códice fue reunido por el escultor Pompeo Leoni, hijo de Leone Leoni, a finales del siglo XVI, aunque\nLeoni desencuadernó unos cuadernos de Leonardo durante su formación. Actualmente se encuentra en\nla Biblioteca Ambrosiana en Milán. / https://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%B3dice_Atl%C3%A1ntico\nde agujas y esculturas. El exterior nos anonada con sus dimensiones y complejidad. El interior enorme, con sus grandes columnas de capiteles muy ornamentados. Está coronada por la\nMadonnina, símbolo de la ciudad.\nSegún la tradición, ningún edificio debía ser más alto que la Madonnina. Una ley, hecha oficial en los años treinta, impidió a la Torre Branca de Gio Ponti y a la Torre Velasca superar los 108,5 metros por respeto a la Madonnina. El primer rascacielos de la ciudad que superó\nsu altura fue la Torre Breda, construida en 1954, que tiene 117 metros de alto.El Pirellone (izquierda), donde tenía sede la Región\nde Lombardía, tiene 127 metros\nde altura y por tanto es más alto\nque la Madonnina. Para respetar\nla tradición se realizó una copia\nde ella y se colocó en la cima del\nrascacielos. En 2010, la copia se\ntrasladó a la cima del Palazzo\nLombardia, nueva sede de la Región de Lombardia, de 161 metros de altura.\nTorino es la capital del Piamonte de trascendente tradición cultural e histórica, es una de las ciudades más visitadas de Italia. Posee numerosos museos de arte, palacios y teatros de ópera, iglesias y plazas; es famosa “por su arquitectura barroca, rococó, neoclásica y Art Nouveau. Muchas de las plazas públicas de la ciudad, de los castillos, jardines y elegantes palacios (como el\nPalazzo Madama), [modelo de\nelegancia barroca adosado al\ncastillo medieval], fueron construidos por el arquitecto siciliano\nquien diseñó estos edificios en el\nestilo barroco y\nclásico del Palacio de Versalles,\nen Francia. Ejemplos de estos edificios de inspiración francesa incluyen el Palacio Real de Turín (arriba derecha), [totalmente un Versalles, de\nun lujo alucinante y generosos espacios recargados, en los que no se escatimaban gastos, como podemos apreciar] el Pequeño Palacio de Caza de Stupinigi y la Basílica de Superga”. 10\nEl Pequeño Palacio de Caza de Stupinigi (siguiente página) es un prodigio de arquitec10\ntura e imaginación, diseñado con el lujo extravagante de la época y la grandiosidad francesa.\nEl Pabellón, “erigido a gran escala, fue diseñado por el arquitecto Felipe Juvara para Víctor\nAmadeo II, 11 gran maestre de\nla orden [Orden de los Santos\nMauricio y Lázaro, 12 a quien\n−Duque de Saboya desde\n1553 hasta 1580− otorgó Stupinigi.]. Las obras comenzaron en 1729 y dos años más\ntarde estaba preparado para\nalbergar la primera partida de\ncaza. En 1832 la propiedad\ndel palacete pasó a la familia\nreal, en 1919 devino propiedad estatal y en 1925 se devolvió a la orden, que lo conserva hasta hoy en día.” 13\nLa Basílica de Superga, (abajo) magnífica obra arquitectónica edificada en el siglo\nXVIII, también por Víctor Amadeo\nII de Saboya, está enclavada en la\ncolina de Superga en las afueras de\nTorino. “El arquitecto fue Filippo\nJuvara, que usó una arquitectura\nclasicista con un toque barroco propio del momento”. 14 Un accidente\nque mató a un equipo completo de\nfútbol, señala con esta placa el lugar\nexacto en el muro de la Iglesia donde el avión se estrelló.\n“Turín es frecuentemente llamada la "cuna de Italia" por ser el\nlugar de nacimiento de importantes\npolíticos que contribuyeron con la\nunificación de Italia, como Cavour.\nLa ciudad actualmente alberga alguN.E. Víctor Amadeo II de Saboya (en italiano: Vittorio Amedeo II di Savoia) (Turín,14 de mayo de 1666 Moncalieri (Turín), 31 de octubre de 1732). Duque de Saboya, Príncipe de Piamonte, Conde de Aosta, de\nMoriana y de Niza, Marqués de Saluzzo y del Monferrato (1675 – 1732). Rey de Sicilia (1713 – 1720).\nRey de Cerdeña (1720 – 1732). / https://es.wikipedia.org/wiki/V%C3%ADctor_Amadeo_II_de_Saboya\n12 N.E. Orden de Caballería creada por la Casa de Saboya. / En realidad, la Orden de los Santos Mauricio y Lázaro es la fusión de dos órdenes de caballería más antiguas: la Orden de San Mauricio, fundada\nen 1434, y la Orden de San Lázaro de Jerusalén, fundada en el año 1100. / Tras la caída de la monarquía\nitaliana (en 1946), el Gobierno italiano cambió en 1952 el nombre de la Orden, que pasó a ser la Orden\ndel Mérito de la República Italiana, convirtiéndola en un ente de derecho público, en tanto que entidad sin\nánimo de lucro dedicada a la caridad (orfanatos, hospitales, escuelas, etc.), con el Presidente de la República Italiana como Presidente del Alto Patronato de la Orden. Por su parte, la casa de Saboya, que todavía\ndetenta por razones de tipo dinástico el Gran Maestrazgo de la Orden, sigue otorgándola desde el exilio.\nnas de las mejores universidades de Italia, como la Universidad de Turín, de seis siglos de antigüedad (derecha), y el Politécnico de Turín. También se encuentran en la ciudad museos\nprestigiosos e importantes, como el Museo Egipcio de Turín y la Mole Antonelliana”. 15 [Enorme construcción que inicialmente iba a ser una\nSinagoga. Para mí, una verdadera extravagancia]. La catedral de Turín, Catedral Metropolitana de San Juan Bautista (izquierda), contiene\nla Capilla Real, en ella se guarda la Sábana\nSanta, bajo un extraordinario techo diseñado\npor Guarino Guarini. 16\nFue la primera capital de Italia en\n1861 y la ciudad de residencia de la Casa\nde Saboya, la familia real de Italia. Después\nde la Segunda Guerra Mundial, se convirtió\nen uno de los principales centros industriales y comerciales de Europa, y actualmente forma junto con Milán y Génova el famoso\nGénova en 209 a. C. “es destruida por los cartagineses y reconstruida luego por los romanos”.17 [Lo que le da al menos una edad de 2200 años, que ya es bastante.] “Después de la\ncaída del Imperio romano fue ocupada por los bizantinos, y más tarde, por los lombardos. En\nel año 935 la ciudad es tomada y saqueada por una flota sarracena.” 18\n“Durante la Edad Media fue una de las Repúblicas Marítimas que se formaron en el\nMediterráneo. Aliada con Pisa, Génova logró expulsar de Córcega y Cerdeña a los sarracenos\ny luego ambas ciudades se disputaron el control de estas islas. Junto a otras ciudades-estado\nimportantes, como Venecia, la ya nombrada Pisa y Amalfi se disputó la supremacía naval de\nla región italiana.” 19\nParticipó “en las Cruzadas y sentó las bases de su potencia comercial en el Mediterráneo. […] Muy pronto sus naves contendieron el dominio del mar a Pisa y a Venecia, con frecuentes y sangrientas batallas. También luchas en tierra firme, contra las demás ciudades ligures\nque quisieron librarse de su hegemonía, y luchas internas entre las familias de los Doria, Fieschi, Spinola y Grimaldi Doria”. 20\nN.E. Guarino Guarini, (nombre completo Camillo Guarino Guarini) (Módena, 1624 - Milán, 1683) fue un\nsacerdote teatino, matemático, escritor y arquitecto italiano del siglo XVII. / Fue al mismo tiempo estudioso\nde las matemáticas, profesor de literatura y filosofía en Mesina, y, desde los diecisiete años, arquitecto del\nduque Filiberto de Saboya. Escribió una serie de libros de matemática en latín e italiano, entre los que su\n"Euclides adauctus" es uno de los primeros tratados de geometría descriptiva. Diseñó muchos edificios\npúblicos y privados en Turín —palacios para el duque de Saboya, la Iglesia real de San Lorenzo (16661680), [y] la mayor parte de la capilla de la Santissima Sindone [Sábana Santa] (1688).\n“En los siglos sucesivos, la ciudad (y con ella la región) fue objeto de las miras expansionistas de los franceses, austriacos y Saboya.” 21\n“[E]l 30 de mayo de 1522 las tropas españolas de Carlos I comandadas por Próspero\nColonna y Fernando de Ávalos tomaron Génova. […] Aunque mantuvo una continua alianza\ncon España, tanto para la colaboración en el Mediterráneo, por temas de seguridad […] fue perdiendo sus posesiones de ultramar, aunque mantuvo hasta 1768 la isla de Córcega.” 22 [Napoleón nació en el año de 1769, por poco y nace italiano.] “La República de Génova fue parte del\nImperio francés hasta 1815, cuando los delegados del Congreso de Viena sancionaron su incorporación al Piamonte (Reino de Cerdeña).\nTras un largo periodo de decadencia, Génova recuperó su relevancia portuaria gracias a\nla construcción de túneles ferroviarios alpinos y el auge de la industrialización, manifestado por\nla presencia de astilleros navales, las industrias petroquímicas y el desarrollo metalúrgico.” 23\nEstá situada en una zona de gran belleza y su ciudad alberga lugares de auténtico regocijo, en su centro histórico encontramos calles estrechas, torres medievales que\nrecuerdan la vieja Génova. Como curiosidad, muestro la\nTorre de Gálata (izquierda), que no está en Génova sino en\nEstambul, pero fue construida por ellos (los genoveses) como Torre de vigilancia.\n“La catedral de San Lorenzo (en italiano: Cattedrale di S. Lorenzo) es la sede espiscopal (católica) de la ciudad de Génova, e iglesia principal de la Diócesis de Génova, en la región italiana de Liguria. Fue consagrada por el\npapa Gelasio II en 1118, y está dedicada a San Lorenzo.” 24\nConstruida en estilo románico gótico, con franjas\ngrises y blancas, su fachada tiene un rosetón, su interior es\nsobrio, menos el altar [que es] de un recargado barroco. El\ntesoro de la catedral posee el Sacro Catino, que según la leyenda es el vaso o copa que Jesucristo usó en la Última Cena.\nMención aparte merece el\nCementerio Monumental de Staglieno, (derecha) en una colina cercana, que es algo digno de verse,\ncon esculturas de artistas de renombre. Posee zonas cubiertas a\nmanera de claustros. El de Milán\nes parecido en la calidad de obras.\nOtros lugares dignos de\nverse son Puerto Antiguo con su\nfaro llamado por ellos Lanterna,\ncon ciertas estruturas modernas y\nla supuesta casa de Cristóbal Colón, con las ruinas de un pequeño\nclaustro, parece que mencionado por él en algún escrito.\nCuando leí sobre la historia de Bergamo y Brescia tuve mis dudas si el oficio más viejo de la historia es aquel que ustedes conocen o el de matarnos los unos a los otros. La historia\nde estas dos ciudades es una de guerras y pleitos que no sé cómo sobrevivieron.\nResumo en veintidós líneas casi mil años de historia.\nocupa el lugar de la\nantigua ciudad de\nBergomum, un municipio romano destruido por Atila en el\nsiglo V. […] En\n1156, Federico Barbarroja concede a la\nciudad el derecho de\nacuñar moneda, pero el 11 de marzo de\nese mismo año estalla, por motivos de\ncontra Brescia. Para\nBérgamo la situación fue catastrófica y solo después de diez días firman un tratado de paz, gracias a la intervención del emperador. […] El 7 de abril de 1167, en el monasterio de Pontida, se funda la Liga Lombarda, la cual derrota en Legnano al ejército imperial. El 7 de julio de 1191 la ciudad\nde Bérgamo es derrotada por Brescia, obligándolos a retirarse del campo de batalla, donde\nperdieron la vida más de tres mil soldados. […] El 14 de febrero de 1230 los habitantes de\nBérgamo, extenuados de tantas matanzas, decidieron celebrar el nacimiento de la Sociedad del\npueblo, creando un estatuto y reclutando aproximadamente doscientos hombres con el fin de\nproveer de seguridad y de igualdad a los ciudadanos. […] La ciudad fue conquistada por los\nMalatesta en 1407. En 1428 la República de Venecia toma el control de la ciudad fortaleciéndola mediante la construcción de las murallas (Muraine) para proteger a los burgueses que se\nhabían establecido fuera de las paredes medievales. […] A principios de siglo XVI la ciudad\nfue atacada dos veces por los franceses y siete por los españoles, alternándose con las reconquistas venecianas. En 1561 se da inicio a la construcción de las murallas en ciudad alta (Bérgamo Alta). […] En 1796 las tropas francesas entran a la ciudad poniendo fin al dominio veneciano y fundan la República Bergamasca, la cual concluye con el Tratado de Campoformio\ny su inclusión en el Reino de Napoleón en Italia (1805). […] El Congreso de Viena (1815),\nconvierte a Bérgamo en una colonia austriaca. El 8 de junio de 1859 Giuseppe Garibaldi entra\nen la ciudad, poniendo fin al dominio austriaco. La puerta San Lorenzo, por la cual pasó, fue\nrenombrada [l]a Puerta Garibaldi. El año siguiente, 174 bergamascos parten con Garibaldi en\nla Spedizione dei Mille (Expedición de los Miles) […]. ” 25\nAparte de estos "incidentes", la historia ha dejado en ambas ciudades destellos de belleza inigualables, sus centros históricos albergan magníficas obras y el recuerdo de su truculento pasado. Bérgamo es una ciudad mediana de unos 120,000 habitantes.\n“[S]e divide en dos sectores muy marcados: la ciudad alta, Bérgamo Alta, y la baja,\nBérgamo Baja, así se les llama comúnmente en Italia.” 26 Hablaré\nde la ciudad alta, la parte más\nantigua y que “conserva mucho\nde la época medieval, con murallas y calles de piedra.” 27 En la\nciudad baja se edifica la moderna\nLa calle empedrada que\nconduce a la ciudad alta es de una\nEn la parte alta encontramos el centro histórico de la ciudad con construcciones medievales con murallas y calles empedradas y su Piazza Vecchia, “una preciosa plaza medieval situada en el centro de la parte antigua,\nen la ciudad alta. Es el corazón de Bérgamo y el símbolo de la ciudad, una de las más bellas\nplazas de Italia sobre la que asoman edificios y monumentos históricos como la Torre Cívica,\nque data del siglo XII-XV, el\nRagione, símbolo de la edad\ncomunal a la\nllaman Il Campanone [desde\nel cual ha sido\ntomada la fotografía] , y que\ntodas las noches a las diez\nda cien repiques de campana para recordar el toque\nde queda y la\nDomus Suardorum, del siglo XIV-XV, que hoy acoge la universidad, el edificio que aloja la biblioteca cívica y la fontana, regalo del Podestá véneto Alvise Contarini 28 en el siglo XVII.” 29\nN. E. https://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%A9rgamo\nN.E. Alvise Contarini (Venezia, 24 octubre 1601 – Venezia, 15 enero 1684) fue el centésimosexto dogo\nde la República de Venecia, del 26 de agosto de 1676 hasta su muerte. / Su dogado fue pacífico y apuntó sobre todo a sanar el abrumador ahorro económico acumulado después de la guerra contra los turcos./\nPocos días después de su muerte, Venecia reanudó la hostilidad con el imperio otomano.\nEl primer diseño de la catedral fue realizado por el famoso Filarete, el arquitecto de confianza de los Visconti, en el año de 1459, pero lo terminó Carlos Fontana en el 1600; más tarde se le añadió una fachada neoclásica y fue un trabajo que duró más de un siglo. Hoy está dedicada a San Alejandro, pero bajo ella se pueden visitar los restos fascinantes de la catedral\ndedicada a San Vicente, de grandes dimensiones, de estilo paleocristiano. Hubo un periodo en\nque Bérgamo tuvo dos catedrales, una en la ciudad baja y otra en la alta; luego, prevaleció ésta\nde San Alejandro. En el lado opuesto de la pequeña plaza se encuentra el baptisterio de San Giovanni, una primorosa obra de Giovanni da Campione. 30\nLa Iglesia de Santa María Mayor es la estrella de la ciudad, una verdadera obra maestra.\nLa fachada de la Iglesia es de estilo arquitectónico románico lombardo original. Le fue eliminado uno de los muchos ábsides para acomodar la Tumba de Colleoni. Aun el baptisterio se trasladó y se llevó fuera de la iglesia en 1850. El interior es completamente barroco y es un espectáculo, una obra maestra, verdadera joya del arte de Bergamo. Todavía puede verse el castillo\nde San Vigilio, guarda de la ciudad.\n“Brescia […] es un municipio de 196.058 habitantes, capital de la provincia de Brescia. (1.193.275 habitantes) en la región de Lombardía. Es la segunda ciudad de la región por\nnúmero de habitantes. Se la conoce también como la Leonessa d'Italia, según el apelativo atribuido a Giosuè Carducci 31”. 32 Se encuentra “en el centro de la tercera área industrial más grande del país, concentrada en ingeniería mecánica, automovilística y maquinaria (accesorios de\nautomóvil, medios de transporte, armas), industria textil y alimentación. El sector financiero\ntambién da mucho empleo a la región, así como el turismo, debido a la proximidad del lago de\nGarda” 33 con ciudades pintorescas, el lago de Iseo y los Alpes en su cercanía, de gran atractivo turístico.\nBrescia posee algunas plazas\nimportantes, pero hablaremos sólo de\ntres, la Plaza de la Logia (izquierda), la\ndel Duomo y la de la Libertad. La plaza de la Logia nace en plena época renacentista y se convierte de inmediato\nen la plaza de la ciudad, lugar que no ha\nperdido hasta ahora, quizás debido a la\npresencia de la Logia, diseño de Filippo\nGrassi, 34 que se convertirá con los años\nen la sede administrativa de la ciudad.\nN.E. Giovanni da Campione (Campione d'Italia, cerca de 1320 – Campione d'Italia, cerca de1375 ) ) fue un\nescultor italiano. / Pertenece a la corriente de Maestros Campioneses que se dieron a conocer ampliamente por sus obras sobre todo en el norte de Italia. / https://it.wikipedia.org/wiki/Giovanni_da_Campione\n32 N.E. Giosuè Carducci (Valdicastello, Toscana, 27 de julio de 1835 – Bolonia, 16 de febrero de 1907)\nfue un poeta y escritor italiano. / Fue hijo de un médico rural. Pasó su infancia en la región de Maremma\nantes de trasladarse a Pisa en 1853, donde estudió Filosofía y Letras en la Universidad. Después de ejercer de profesor en diferentes centros docentes, de 1860 a 1904 fue profesor de literatura italiana en la universidad de Bolonia, cátedra que mantuvo durante 42 años. / Opuesto al papado, a la monarquía y al sentimentalismo que dominaban la literatura italiana de su tiempo, fue el primer poeta que adaptó con éxito\nlos metros clásicos latinos a la poesía italiana moderna. En toda su obra son notorias la afirmación de su\npersonalidad, su rebeldía e inconformismo —sobre todo en su época juvenil— y su anticlericalismo militante. / Le fue concedido el premio Nobel de Literatura en 1906. /\nN.E Filippo Grassi (Milán, mitad del siglo XV – Brescia, después de 1516) fue un escultor y arquitecto\nitaliano. / https://it.wikipedia.org/wiki/Filippo_Grassi\nEn torno a la plaza se encuentran edificios del quinientos en claro estilo veneciano de\nfuerte impacto visual; del lado oriental encontrmos\npórticos de estilo renacentista, coronados por la Torre del Reloj, hermoso reloj astronómico de 1546\n(página anterior, abajo). Sobre él se encuentran dos\nfiguras masculinas que marcan las horas diurnas\ngolpeando con sus martillos sobre una campana.\nEl Duomo viejo (izquierda), oficialmente\nconcatedral invernal de Santa María de la Asunción, es la concatedral de Brescia que comparte\ncon la adyacente catedral nueva. Construido en el\nsiglo XI sobre una basílica anterior, ha sufrido algunos cambios con los siglos pero mantiene\nsu estructura original románica intacta y es el ejemplo más importante de rotonda románica en\nEl Duomo nuevo (abajo, al fondo), o más concretamente la catedral veraniega de Santa\nMaria de la Asunción (izquierda, abajo), es la iglesia principal de Brescia. Está situada en la Plaza\nPaolo VI. Fue erigida en 1604 y por tanto, de estilo barroco, con una elegante fachada y unos interiores impresionantes. Quizás lo más notable sea\nel arca de San Apolonio. La plaza homónima es\nmuy concurrida y rodeada de hermosos edificios.\nLa Plaza de la Victoria fue erigida entre\n1927 y 1932, es por tanto una solución urbanística del fascismo, de hecho el carácter es de la\népoca musoliniana, sobresale Il Torreone. De\nesa plaza se han retirado después de la guerra\nalgunos monumentos fascistas. De ahí parte, en\neste mes de mayo, una carrera de autos antiguos\na Roma un acontecimiento de carácter mundial.\nPodemos admirar el imponente\ncastillo de Brescia (derecha) y sus sólidas\nmuralla y torres y su Capitolium, Patrimonio de la humanidad. La nueva Brescia\nconstruye torres como sus ancestros medievales, pero ahora son de materiales\ndiferentes, como La Torre de Cristal,\nsímbolo de su pujanza económica.\nPavía “tiene una población de\n71.000 habitantes y es una ciudad situada\nen el suroeste de la Lombardía, en el norte de Italia, a 35 km al sur de Milán. El río Ticino\ncruza la ciudad, antes de confluir con el río Po.” 35 [De ahí el nombre romano de Ticinium].\n“Pavía es la capital de una provincia fértil (también llamada Pavía) esencialmente centrada en\nla vinicultura y la producción de arroz, cereales y productos lácteos. Algunas industrias están\nlocalizadas en los suburbios para no estropear la plácida atmósfera que se respira con la conservación del pasado de la ciudad y el clima de estudio y meditación asociado a su antigua universidad.” 36 [Lo cual me parece que debería ser un ejemplo a seguir en el mundo].\n“El monumento más\nfamoso de Pavía es la Certosa,\no monasterio cartujo, fundado\nen 1396 [por decisión de Gian\nGaleazzo Visconti 37], situada\na pocos kilómetros de la ciudad.” 38 La fachada, maravillosa: románica, renacentista y\nbarroca; su pórtico es espectacular, es una obra maestra de\nsu tiempo; su interior es grandioso y bello, elaborado con\nalguna sobriedad. Ahí se encuentra la tumba de Ludovico\nel Moro 39 y su esposa Beatriz\nde Este (izquierda, retrato de\nLeonardo Da Vinci), 40 del escultor Solari.41\nLa sillería del coro es\nun trabajo de ebanistería muy\nhermoso. Posee dos claustros\nuno pequeño muy cuidado y\nLa Iglesia más sobresaliente es la de "San Pietro in\nCiel d'Oro", sobre todo por el\nábside dorado y el arca de San\nAgostino, obra maestra del trescientos de estilo gótico. Todavía la ciudad, como otras italianas, conserva alguna de sus torres medievales, algunas de ellas en muy buen estado. Otro\natractivo de Pavía es el puente cubierto sobre el Ticino, que es un puente que rememora aquel\nque en el medioevo cruzaba el río, hoy remozado y con menos arcos.\nN.E. Gian Galeazzo I Visconti (* Pavía (Italia); 16 de octubre de 1351 – † Melegnano (Id.); 3 de septiembre de 1402) fue un gobernante milanés, primer Duque de Milán y el que llevó a la dinastía de los\nVisconti al apogeo de su poder. / https://es.wikipedia.org/wiki/Gian_Galeazzo_Visconti\nN.E. Ludovico Sforza (Vigevano, 27 de julio de 1452 - Loches, 27 de mayo de 1508), llamado el Moro\n(il Moro), a los 42 años se convirtió en Duque de Milán (1494-1499), y tomó parte en la primera y segunda guerras italianas (1494-1498) y (1499–1501). Se hizo famoso por ser mecenas de Leonardo da Vinci\ny otros artistas. Murió a los 55 años. / https://es.wikipedia.org/wiki/Ludovico_Sforza\n40 N.E. Beatriz de Este, (en italiano: Beatrice d'Este), (Florencia, 29 de junio de 1475 - Milán, 2 de enero\nde 1497), duquesa de Milán, una de las más hermosas y cultivadas princesas del Renacimiento italiano,\nera hija de Hércules I de Este y la hermana menor de Isabel de Este y Alfonso de Este. / Se desposó pro\nverba en 1480 con Ludovico Sforza (conocido como el Moro), duque de Bari, regente y más tarde duque\nde Milán, cuando ella tenía cinco años, y se casó con él en enero de 1491.\nN.E Cristoforo Solari apodado el Gobbo (el jorobado) (Milán, 1468 - mayo 1524) fue un escultor y arquitecto suizo-italiano. / Hijo de Bartolomeo (Bertola), maestro muralista y carpintero, de la prolífica familia de los\nSolari de Carona (a quien pertenece el célebre arquitecto Guiniforte Solari, ingeniero ducal en los años de\nFrancesco Sforza y Galeazzo Maria Sforza), hermano de Andrea Solari y de Pietro, quienes fueron inicialmente instruidos en el arte, por su hermano Alberto, arquitecto. / https://it.wikipedia.org/wiki/Cristoforo_Solari\nLigada a la famosa batalla de Pavía está la historia de la: "Zuppa alla pavese", una\nsimple sopa con pan seco, huevo, mantequilla y queso, cocinada por una campesina al apenas\nhecho prisionero rey francés, Francisco I. Se cuenta que tanto le gustó al rey, que mandó añadirla al menú de la corte como: "soupe à la pavoise". Precisamente al ser hecho prisionero,\nFrancisco I escribió a su madre, la Duquesa de Angulema, desde la fortaleza de Pizzighetone,\nuna carta donde acertadamente declaraba que debía:"informar sobre cómo sigue mi infortunio,\ntodo está perdido para mi, excepto el honor y la vida, que están a salvo", cita que ha pasado a\nser repetida por el apotegma: "Todo se ha perdido, menos el honor".\nTermino con las archifamosas Cinco tierras, Cinque Terre en italiano, que son unos\nburgos históricos y pintorescos en espectaculares enclaves sobre el Mediterráneo. Pueblos que\nse precipitan sobre la costa ligur, terrazas naturales sembradas de renombrados viñedos a nivel\ninternacional, todo esto son las Cinco Tierras: Monterosso, Vernazza, Corniglia, Manarola y\nRiomaggiore, que forman parte del área protegida del Parque Nacional de las Cinco Tierras.\nMonterosso es una famosa localidad turística, espectacular gracias a las elegantes villas\ny a la bellísima playa de Fegina (izquierda). Calles estrechas que ascienden hasta el casco antiguo, donde surge la iglesia parroquial de San\nJuan Bautista, de estilo gótico, y la iglesia de San\nFrancisco, del siglo XVII, anexa al convento de\nlos Capuchinos. En Monterosso, entre otras cosas, se encuentra el parque literario dedicado al\npoeta Eugenio Montale, natural de estas tierras.\nVernazza es un espléndido burgo que se desarrolla en torno al puerto, ya conocido y\nutilizado en época de los romanos. Entre los\nlugares más característicos se\nencuentra la plazuela que se asoma al mar y la\ndedicada a Santa Margarita de\nde dos pisos.\nEl pueblo se encuentra\ndominado por el\nCastillo Doria ,\nerigido como defensa ante los ataques que llegaban del mar y coronado con una atalaya. Otra\ntorre casi gemela a ésta fue realizada a lo largo del primer tramo del sendero hacia Corniglia.\nN.E. Eugenio Montale (Génova, 12 de octubre de 1896 – Milán, 12 de septiembre de 1981) fue un\npoeta, ensayista y crítico de música italiano. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1975.\n(Iglesia de Santa Margarita de Antioquía)\nCorniglia surge a un centenar de metros por encima del mar, en lo alto de un promontorio, unido a una playa por una escalinata\nde 365 escalones.\nEste pueblo se ha dedicado tradicional-\nmente al cultivo de la vid; sus terrazas son testimonio de la habilidad agrícola y de ingeniería\nde los italianos en época medieval.\nManarola se erige sobre un enorme escollo y sus casas de colores parece que surjen\nde la roca. Además de la belleza, Manarola es conocida por la producción de un óptimo aceite\ny del popular vino dulce “Sciachetrá”. De Manarola a Riomaggiore existe el llamado Camino\ndel amor, de gran belleza panorámica.\nRiomaggiore es la más oriental de las Cinco Tierras. El centro histórico, cuyo núcleo\noriginal data del siglo XIII, se sitúa en el valle del Rio Maggiore, el antiguo Rivus Major del\ncual toma su nombre el pueblo. Las casas se distribuyen en distintos niveles paralelos que siguen el abrupto recorrido del río.\nEsto cierra esta primera aproximación a esa múltiple y variada Italia tierra de milagros\nestéticos en grandes y pequeñas ciudades, nos vemos hasta el próximo viaje a la belleza.\nSan Salvador, 17 de mayo de 2015.- Guatemala, 28 de mayo de 2015.\nExisten diversas maneras de contar\nla historia de una ciudad. De Florencia debe existir una contada por cada habitante\nde la misma, es decir, aproximadamente\n400,000 historias en este momento; luego\nuna por cada visitante, o sea unos 14 millones por año, cada una de ellas, de acuerdo\na sus específicas condiciones intelectuales\ny a su personal sensibilidad.\nLa literatura, las artes visuales y la\narquitectura han absorbido mi vida durante\nlos últimos 50 años, y en ese tiempo, el choque emocional, el impacto que Florencia causó en mi espíritu buscador de Dios y de la\nbelleza es todavía único. No me enfermé como Stendahl, 1 a causa de tanta belleza, pero marcó mi vida de una forma singular.\nCreo que potenció mis ansias de saber, mi\npasión por el arte y me convertí en un adorador de las creaciones humanas, como referencia directa de las obras del Creador Supremo, llámese como se le llame.\nPorque Florencia es la experiencia\nfascinante de un período que marcó la historia de la humanidad. Caminando por sus\ncalles, sobre todo a tempranas horas de la\nmañana, uno se sumerge en el tiempo y empieza a vivir aquellos tiempos en los que Dante y\nGiotto 2 (y más tarde Brunelleschi, 3 Miguel Ángel y Leonardo) caminaban por sus ya vetustas\ncalles buscando la eternidad.\nN.E. Henri Beyle (Grenoble, 23 de enero de 1783 – París, 23 de marzo de 1842), más conocido por su\nseudónimo Stendhal, fue un escritor francés del siglo XIX. / https://es.wikipedia.org/wiki/Stendhal\nN.E. Giotto di Bondone (Colle di Vespignano, 1267 - Florencia, 8 de enero de 1337), más conocido solo\npor su nombre de pila, fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el\nprimer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. / https://es.wikipedia.org/wiki/Giotto\nFlorencia es un milagro que nos demuestra palmariamente que lo que importa de la obra\nartística no es lo material, ni la técnica, aunque ésta nos asombre; lo que importa es el efecto que\nproduce en nosotros, de ahí la importancia del conocimiento del artista, de la historia de su\ntiempo, de sus circunstancias, estos elementos enriquecen nuestra visión y amplifican esas satisfacciones. No puedo imaginarme los conocimientos de Stendahl, pero debieron ser muchísimos para que en el interior de la Santa Croce, ante tantas maravillas y rodeado del espíritu de\ntantos genios, su cuerpo no resistiese más y cayese enfermo de belleza, de deleite espiritual.\n¿Quién de ustedes, contemplando el David, piensa en Goliat?, yo no puedo, pero pienso\nen Michelangelo frente a él, esculpiéndolo furiosamente con\nambas manos, devorando el mármol, quitando lo que sobraba de\naquel enorme bloque que contenía el cuerpo poderoso, bello, del\njoven David. Pienso en las pasiones inmensas de aquel titán del\narte y en su íntima tragedia.\nEl arte es así, las ciudades contienen no iglesias, ni esculturas, ni plazas, ni fuentes; para aquellos que conocen su\nhistoria y sus intimidades, están pobladas de fantasmas, que\npasan a nuestro lado. En Florencia, Savonarola discurre todavía sigiloso, embozado en aquella capucha que le daba ese aspecto ominoso, mientras Donatello, 4 abrazado sobre su pecho,\nlleva al primer concurso su relieve para las puertas nortes del\nbaptisterio de San Giovanni, donde años más tarde Ghiberti 5 crearía aquellas otras dos maravillas que Michelangelo llamaría las Puertas del Paraíso; Brunelleschi pensativo, sentado donde hoy se encuentra su escultura a un lado del Duomo, discurre la forma de colocar la enorme cúpula sobre la magnífica iglesia de Santa María del Fiore, mientras los conspiradores de la Capella Pazzi huyen despavoridos por los\nvicoli 6 de la ciudad todavía medieval. Florencia es el eterno presente de la imponente creatividad humana.\nFlorencia fue fundada, según se dice, por los etruscos, y desde entonces forma parte de\nla historia de Italia, con todas las vicisitudes de las invasiones bárbaras y el dominio de príncipes y señores de variada fortuna. Pero una familia en especial dejó en la ciudad una huella que\nlos enaltecerá por los siglos de los siglos y esta familia es la de los Médici, cuya huella se percibe en toda la Toscana de forma precisa y en Florencia es parte inseparable de su patrimonio.\nLos Médici son La Familia del Renacimiento Florentino, los que dieron empuje a que ese miN.E. Filippo di Ser Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril\nde 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle a la invención de\nla perspectiva cónica. / https://es.wikipedia.org/wiki/Filippo_Brunelleschi\nN.E. Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello (Florencia, Italia, 1386-ibídem, 13 de diciembre de 1466), fue un artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, uno de los padres del\nperiodo junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio. Donatello se convirtió en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es\ndecir «relieve aplanado o aplastado». / https://es.wikipedia.org/wiki/Donatello\nN.E. Lorenzo di Bartolo Ghiberti (Florencia, 1378 - Florencia, 1455) era un escultor, arquitecto y teórico del\narte renacentista. Adquirió fama al ganar el concurso para realizar las segundas puertas del Baptisterio de\nla Catedral de Florencia en 1401, en el que derrotó a artistas como Brunelleschi y Jacopo della Quercia. Esto le permitió trabajar durante una larga temporada y el resultado le supuso convertirse en el escultor más\nfamoso de Florencia. La puerta principal del Baptisterio, la puerta sur, había sido realizada por Andrea Pisano en 1330.\nN.E. Las callejuelas.\nlagro se produjera, con su mecenazgo y sus dotes realmente magníficas de gobernantes humanistas, que propiciaron el surgimiento de tantos intelectuales y artistas que crearon uno de los\nperíodos más excelsos de la cultura universal.\nLa ciudad, afortunadamente,\nconserva casi intactos la mayor parte\nde los tesoros que produjo el fenómeno renacentista. El casco viejo de la\nciudad recuerda en gran medida la\nFlorencia de aquella época a través\nde sus edificios paradigmáticos como el Duomo, el Palacio de la Signoria, los Uffizi, el Ponte Vecchio, el Palazzo Pitti y tantas otras edificaciones\nnos contemplan airosas desde la distancia de los siglos y nos recuerdan la\ngrandeza y el genio de quienes las\nLos Uffizi −la más grande colección de pintura renacentista− nos asombra con su belleza y su complejidad simbólica. El Bargello es un museo de la historia de la escultura del período y el Duomo, en cada pieza de mármol, nos cuenta los azares y triunfos de la ciudad y sus\nLa ciudad con sus torres y cúpulas ofrece una visión señorial y los edificios históricos\nconforman su singular perfil dominado por la Cúpula de Brunellescchi que corona airosa Santa María del Fiore.\nPara admirar Florencia en todo su esplendor es necesario subir a la iglesia de San Miniato en la colina sur de la ciudad, además de la iglesia −estupendo ejemplo del románico que\nen alguna medida ha modelado el gusto florentino con sus mármoles coloridos− posee un claustro y a su lado se encuentra el cementerio monumental. El interior es algo oscuro pero decorado\ncon mosaicos de tipo Bizantino, especialmente en el ábside, y posee muchos elementos de incrustaciones de mármol.\nDesde el cementerio y el río Arno, en las tardes, logramos una vista maravillosa.\nLlegué por primera vez a Florencia en tren, a la Estación de Santa María Novella y el\ncircuito de la ciudad que imagino empieza naturalmente ahí. En la iglesia, que lo recibe a uno de\nespalda, pero que posee, además de una fachada admirable diseñada por Alberti, 7 obras de arte como\nLa Trinidad, de Masaccio, 8 (derecha), que es uno\nde los portentos del\ninicio del Renacimiento, pintura en\nla cual la perspectiva científica fue por\nprimera vez aplicada para asombro de\nlos florentinos de la\népoca, que creían\nque Masaccio había\nabierto un hueco en la pared. En el transepto 9 encontramos el extraordinario Crucifijo, de Giotto, (arriba,\nizquierda) de casi seis metros de alto y que es una jo-\nya de la ciudad. En la zona del claustro (son tres claustros) encontramos la Sala Capitular conocida como Capilla de los Españoles 10 con los estupendos frescos de Andrea Buonaiuto. 11\nN.E. Leon Battista Alberti (Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 25 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal (abreviador apostólico) de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es uno de los humanistas más polifacéticos\ne importantes del Renacimiento. / https://es.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti\n8 N.E. Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (San Giovanni in Altura, hoy San\nGiovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la\npintura. Generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva\ncientífica, desarrolladas por Brunelleschi. / https://es.wikipedia.org/wiki/Masaccio\nN.E. La palabra transepto se utiliza comúnmente en la terminología arquitectónica religiosa para designar la nave transversal que en las iglesias cruza a la principal ortogonalmente (perpendicularmente). También designa, más genéricamente, a cualquier nave o corredor que cruce de manera ortogonal a otro mayor. El espacio común entre el transepto y la nave es conocido como crucero.\nN.E. Esta capilla fue destinada por el Gran Duque Cosimo I a las funciones religiosas de los españoles\nque pertenecían al séquito de su esposa Leonor de Toledo.\nCaminando hacia el centro nos encontramos con la pequeña iglesia de Santa María Maggiore, la más antigua de la ciudad, rústica pero genuina, y que existe desde el año 931 casi con su misma estructura. Su interior oscuro no ofrece en cambio mayor interés. En\nFlorencia parece que todas las calles llevan al\nDuomo, que se divisa desde la distancia y\ndesde muchas esquinas. Es el corazón de la\nciudad y se encuentran en la piazza tres elementos absolutamente fascinantes: la catedral\npropiamente dicha, el baptisterio de San Juan\ny el campanario de Giotto.\nSanta María del Fiore, de estilo gótico y clasicista conocido como Florentino, fue iniciada en 1296 por Arnolfo di Cambio 12 y continuada por Giotto, quien diseñó el campanario. Filippo Brunelleschi la coronó\ncon la magnífica cúpula, asombro de la\népoca, y fue terminada hasta el siglo XIX.\nEstá revestida exteriormente con mármoles de diversas tonalidades que forman\nadornos complejos que se perciben en la\nfachada, −especialmente en la fachada de\nla entrada principal−. Posee además puertas muy elaboradas con relieves de intenso\ndramatismo y realismo. Sobre esa entrada\npodemos admirar una galería de santos y\nsobre ella el rosetón de admirable diseño.\nEl colorido del diseño se puede apreciar\nen alguna de las entradas laterales y en\nFrente a la fachada principal del\nDuomo se levanta el estupendo baptisterio\nde San Giovanni, igualmente gótico. Está\nrevestido con mármoles siguiendo la tónica de la catedral, aunque interiormente está\nrevestido de mosaicos del siglo XIII de tradición bizantina y en ellos trabajaron diversos artistas, entre ellos Cimabue. 13\nN.E. Andrea di Bonaiuto da Firenze (activo 1343-1377) fue un pintor italiano. Probablemente nació en\nFlorencia, donde fue activo desde 1343. Andrea di Bonaiuto es conocido por su vidriera de la Coronación\nde María en la Basílica de Santa Maria Novella, y sus decoraciones al fresco en la capilla española (llamada entonces Cappellone degli Spagnoli) de la sala capitular allí. / Él murió en Pisa.\nN.E. Arnolfo di Lapo, también conocido como Arnolfo di Cambio, (1232 ó 1245 – 1310) fue un arquitecto y escultor florentino. Su obra arquitectónica incluye el proyecto de la catedral de Santa María del Fiore,\nen Florencia (1294) y la Basílica de Santa Cruz, en la misma ciudad; y la catedral de Orvieto en Italia.\nN.E. Cenni di Pepo Cimabue (Florencia; 1240 - Pisa; 1302) también conocido como Bencivieni di Pepo\no en italiano moderno, Benvenuto di Giuseppe fue un pintor y creador de mosaicos florentino. Se le considera iniciador de la escuela florentina del Trecento. / https://es.wikipedia.org/wiki/Cimabue\nEn el interior, como dato curioso, está el sepulcro del anti-papa Juan XXIII 14 de Donatello. Aunque su exterior es modesto, destacan sus puertas todas realizadas por grandes artistas,\ncomo la sur, hecha en 1330 por Andrea Pisano, 15\ncon paneles notoriamente góticos, de diseño relativamente sencillo. (izquierda)\nLa norte es obra de Lorenzo Ghiberti que la\nrealizó cuando tenía apenas 20 años, en 1403, que\npara no desentonar,\ndiseño lobulado que\nhabía empleado Pisano, pero\nque al contemplarlas\nhabía sufrido en ese\nLas del este, que dan contra la fachada del\nDuomo, son también de Ghiberti, quien tardó 25 años\nterminarlas y son una verdadera o b r a maestra universal, en las cuales puso todo su saber\nde artista y orfebre. Diez paneles que representan escenas bíblicas con un detalle y maestría\ninsuperables, en donde la especialidad y la perspectiva, artificios geométricos propios del Renacimiento, brillan con luz propia.\nTan bellas le parecieron a Miguel Ángel que las consideró dignas de ser las Puertas del Paraíso. (Detalle de un recuadro de la\nN.E. Juan XXIII (Procida, 1370 - Florencia, 22 de diciembre de 1419), antipapa de la Iglesia Católica durante parte del así llamado Cisma de Occidente entre 1410 y 1415. Acabó sus días como Arzobispo y Cardenal de la Santa Iglesia Romana obedeciendo a Martín V como sucesor de San Pedro.\nN.E. Andrea da Pontedera o Andrea d'Ugolino da Pontedera (Pontedera, h.1295 - ¿Orvieto?, 1348 ó\n1349), llamado Andrea Pisano, fue un orfebre, escultor y arquitecto italiano.\nAl hacerse cargo Giotto de la construcción del Duomo diseñó el campanario,\nuna estructura esbelta que se yergue airosa sobre la parte derecha de la fachada, de hermosas ventanas de finos detalles y profusa decoración.\nDel Renacimiento el elemento más imponente es\nla cúpula de Brunelleschi, genial arquitecto, ingeniero, orfebre, constructor de\nque coronó la iglesia\n−más de dos siglos\ndespués de su inicio−,\ncon una de las cúpulas\nmás imponentes del\nmundo “45.5 metros\nde diámetro exterior y\n41 metros de luz (diámetro interior)” 16, casi un absurdo para la\népoca, coronada por una elegante linterna y una esfera\nde bronce. A un lado de la iglesia podemos ver la escultura\ndel genio contemplando su obra cumbre. En su interior\npodemos admirar el cielo pintado inicialmente por Giorgio Vasari 17 y, a su muerte,\nterminado por Federico Zuccari 18 en 1579.\nEn el Museo della opera del Duomo pueden\nadmirarse obras como la Cantoría, de Luca\ndella Robbia 19, de increíble gracia y movimiento.\nCaminando desde la Piazza del Duomo hacia el sur por la Vía Calzaiulo, llegamos\na un edificio que nadie sospecha fue alguna vez iglesia, excepción hecha por los nichos que albergan algunas esculturas. Es Orsanmichele 20 (arriba izquierda) una iglesia que es un muestrario de\nN.E. Destaca, de forma singular, la grandiosa cúpula, obra de Filippo Brunelleschi, una estructura isostática de 100 metros de altura interior; 114,5 metros de altura exterior; 45,5 metros de diámetro exterior y\n41 metros de luz (diámetro interior) con la particularidad de que esta cúpula, en sí misma, anula los empujes horizontales para no transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más cargas que las verticales correspondientes a su propio peso. / http://es.wikipedia.org/wiki/Santa_Mar%C3%ADa_del_Fiore\nN.E. Giorgio Vasari (Arezzo, 30 de julio de 1511 – Florencia, 27 de junio de 1574) fue un arquitecto, pintor y escritor italiano. / Considerado uno de los primeros historiadores del arte, es célebre por sus biografías de artistas italianos, colección de datos, anécdotas, leyendas y curiosidades recogidas en su libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et\nscultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri 1550; segunda edición ampliada en 1568). Se le atribuye el haber acuñado el término Renacimiento. / https://es.wikipedia.org/wiki/Giorgio_Vasari\nN.E. Federico Zuccari , también conocido como Federico Zuccaro (c 1540/1541 - 06 de agosto, 1609),\nfue un italiano manierista pintor y arquitecto, activo tanto en Italia como en el extranjero.\nN.E. Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482. /\nNo tan avanzado en las tendencias del Renacimiento formuladas por Brunelleschi, Masaccio, Donatello,\netc., Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre presentes en su obra. /\nHoy es conocido sobre todo por haber perfeccionado la técnica del vidriado del barro, dando inicio a una\nproducción que ha tenido grandísimo éxito por la mezcla entre pintura y escultura, y por la extraordinaria\nresistencia en el tiempo a los agentes atmosféricos. / http://es.wikipedia.org/wiki/Luca_della_Robbia\nescultura renacentista. Ahí encontramos a San Marco y San Jorge, de Donatello; más adelante,\ndel mismo escultor: Il Zuccone, el profeta Habacuc. (izquierda)\nEn otro nicho vemos la maravillosa Duda de Santo Tomás (derecha,)\ndel gran Andrea Verrocchio 21, maestro de Leonardo, y también se encuentra una joya del gótico,\nel celebérrimo Tabernáculo,\nde Andrea di Orcagna 22, de\nextraordinaria riqueza en la\nCaminado hacia el\neste llegamos a la Piaza della Signoria en donde encontramos maravillas: el Palazzo Vecchio atribuido también a Arnolfo di Cambio,\ncon su torre llamada de Arnolfo, que corona la\nmasa casi cúbica, almenada, del palacio.\nFrente a él se encuentra una copia del David de Miguel Ángel,\nel original se encuentra en la Galleria\nOtros elementos descollantes en la\npiazza son: la Fontana de Neptuno, de Bartolomeo Ammanati 23, de corte manierista, y la\nLogia dei Lanzi que contiene sobre todo dos esculturas extraordinarias: el Perseo, de Cellini 24, (izquierda) recién restaurado, de una\nperfección formal inusitada, con finos detalles en el pedestal, y el\nN.E. La Iglesia de Orsanmichele (del dialecto toscano que quiere decir "Huerto de San Miguel", ya que\nfue construida sobre el terreno donde se encontraba el huerto del desaparecido monasterio de San Miguel) es una iglesia ubicada en la ciudad de Florencia, Italia. / Localizada en la Via Calzaiuoli de Florencia,\nla iglesia fue construida en 1337 por Francesco Talenti, Neri di Fioravante, y Benci di Cione, originalmente como un mercado de granos. / http://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_de_Orsanmichele\n21 N.E. Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente\ncomo Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.\nN.E. Andrea di Cione di Arcangelo conocido como Andrea Orcagna (¿Florencia?, h. 1315/1320 - Florencia, 1368), o simplemente Orcagna, fue un pintor italiano de estilo italo-gótico del trecento, perteneciente a\nla escuela florentina; también fue escultor, orfebre, mosaísta y arquitecto.\nN.E. Bartolomeo Ammanati (Settignano, 18 de junio de 1511 – Florencia, 13 de abril de 1592), arquitecto\ny escultor italiano. / Fue alumno de Baccio Bandinelli y Jacopo Sansovino e imitó el estilo de Miguel Ángel.\n24 N.E. Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500 - 13 de febrero de 1571) fue un escultor, orfebre y escritor florentino. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la\népoca, aunque no carece de ingredientes fantasiosos. / http://es.wikipedia.org/wiki/Benvenuto_Cellini\nRapto de las Sabinas, de Gianbologna, que expresa a cabalidad la escultura serpentinata que\npromoviera Cellini en sus obras teóricas. Obra de gracia y movimiento sin igual.\nEl interior del Palazzo Vecchio, con su patio central, guarda lugares de maravilla como\nel Salón de los Quinientos, (arriba) bellamente decorado, en donde Leonardo y Miguel Ángel pintaron en alguna ocasión las batallas de Anghiari y Cascina, de las que sólo quedan dibujo y copias.\nPero el palazzo posee magníficas decoraciones. Allí se firmó la Constitución Europea.\nAl lado podemos admirar la Galeria degli Uffizi, corazón del arte renacentista.\nBello edificio diseñado por Vasari quien constru yó asimismo el corredor Vasariano que une el Palazzo Vecchio con el Palazzo Pitti, edificio de corte manierista, elegante\ny vistoso. Curioso es el palco que desde el corredor tenían los Médici en la iglesia de Santa\nFelicita. En su interior, una de las más bellas y completas colecciones de arte mundiales, con\nobras como El Nacimiento de Venus (izquierda), La Alegoría de la Primavera, La Madonna del\nMagnificat (tres obras de Sandro Boticelli 25) o el Retrato de Bía, (de Agnolo Bronzino 26) entre\notras obras maestras. (Retrato de Bia, derecha)\nSiguiendo hacia el este llegamos a la Piazza\ndella Santa Croce, con su magnífica iglesia, obra\nN.E. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1 de marzo de 1445\n- Florencia, 17 de mayo de 1510), fue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este\nmovimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como una «edad\nde oro», un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli.\nN.E. Agnolo Tori o Angelo di Cosimo di Mariano o Agnolo Bronzino, más conocido como Bronzino, El\nBronzino o Il Bronzino (Ponticelli de Florencia, 17 de noviembre de 1503 – Florencia, 23 de noviembre de\n1572). Pintor italiano predominantemente áulico y uno de los más destacados representantes del manierismo, que se ha vuelto más refinado, maduro e intelectual. / http://es.wikipedia.org/wiki/Bronzino\nprobablemente de Arnolfo di Cambio, iniciada entre 1294 al 1295. La fachada de estilo neogótico fue creada entre 1853 y 1863. Es considerada como el Templo de la Gloria de Italia, por\nimportantes personajes que en ella han sido sepultados. Además de obras como La Anunciación de Donatello encontramos los sepulcros de Galileo, de Miguel Ángel y los encantadores\nfrescos de Giotto en la Capilla Bardi. (abajo izquierda Muerte de San Francisco)\nAl lado encontramos la Capella Pazzi,\ncapilla moderna del gran Brunelleschi, leve,\nelegante alejada de la rusticidad medieval\ncon un pórtico de bóveda de cañón con casetones y un interior sobrio y elegante con relieves de Lucca della Robbia 27 en cerámica\nvitrificada, especialidad de la familia.\nEntre el Palazzo della Signoria y Santa Croce en la Via del Proconsolo nos encontramos con el Museo Nazionale del Bargello\nuna imponente mole medieval con un patio tipico de la época, que alberga tesoros preciados de la escultura renacentista como el David de\nDonatello: una bella y curiosa escultura que\nmuestra a un David desnudo con sombrero y\nbotas; o el Tondo Pitti (derecha) bello ejemplo\ndel non finito miguelangelesco.\nTrasladándonos al otro lado del Duomo\nllegamos a la Iglesia de San Lorenzo, de Brunelleschi, también de interior elegante y limpio en el diseño y que entre otras cosas contiene: El púlpito de\nDonatello y las Capillas Mediceas que a su vez\ncontienen obras importantes de Miguel Ángel co-\nmo las esculturas de Giuliano y Lorenzo de\nMedici, El día y La noche, El amanecer y El\ncrepúsculo. Al lado de la iglesia se encuentra\nla Biblioteca Laurenciana diseñada por Miguel Ángel y que contiene las famosas escaleras de feliz diseño imitadas en innumerables\nedificaciones. Bajo la cúpula de la iglesia se encuentra la fabulosa Capella dei Principi, (izquierda) mausoleo de los Médici, realizada por Matteo Nigetti, 28 con una decoración en piedras\nduras elaboradas por el Opificio delle Pietre Dure, toda una institución florentina que realiza\ntrabajos extraordinarios en piedras decorativas como estos ejemplos:\nN.E. Nacido en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, y esta palabra\ndesigna a una planta utilizada para teñir), empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua.\n/ Buscó la fórmula para de conservar sus obras de barro cocido, que el sobrino del artista y los hijos de éste continuaron con esta misma técnica. / https://es.wikipedia.org/wiki/Luca_della_Robbia\nN.E. Matteo Nigetti (Florencia, cerca de 1560-1570 - 1648,) fue un arquitecto y escultor italiano. / Alumno\ny ayudante de Bernardo Buontalenti trabajó con el maestro, por ejemplo en la obra inacabada Palazzo Nonfinito en Florencia (1593). / Junto con su maestro permaneció en la órbita de los arquitectos de la corte del\nExisten además otras obras arquitectónicas aisladas en la ciudad como la Fortalezza de\nBasso, masiva construcción que quedaba fuera de la murallas de la ciudad, y otros edificios\nejemplares como el Palacio Rucellai, de Leo Battista Alberti, hombre universal del Renacimiento, teórico y humanista de gran categoría; así también el Palazzo Strozzi, de Benedetto da\nMaiano, 29 uno de los creadores de la arquitectura moderna.\nGran Duque, realizando, lo que es recordado como su obra maestra, la Capilla de los Príncipes, en la Basílica de San Lorenzo de Florencia, o la capilla funeraria de los Médici. Financiado por el gran duque Fernando I de Médici y con el diseño del hermano del Gran Duque Don Giovanni de Médici y de Alessandro y Pieroni, pasó más de cuarenta años de su vida en completar esta obra grandiosa, desde 1604 hasta su muerte en 1648. / https://es.wikipedia.org/wiki/Matteo_Nigetti\nN.E. Benedetto da Maiano, de verdadero nombre Benedetto de Leonardo, natural de Maiano, lugar\npróximo a Florencia (1442 - 24 de mayo de 1497) fue un destacado arquitecto y escultor de la escuela\nflorentina. / Su obra encaja de un modo perfecto en el tono propio de la Florencia del siglo XV y, sin ser el\nmayor de los artistas del momento, cabe ser considerado como arquetipo; su sobriedad y reserva expresiva, su neto y puro concepto de la forma, su depurada elegancia es muy florentina. Su más perfecto y\nequilibrado ejemplo es el Palacio Strozzi que Benedetto hizo en el corazón de la ciudad.\nUno de los edificios históricos más importantes es el Palazzo Medici-Riccardi, de los\ny que alberga en su interior la maravillosa Capilla de los\nobra de Venozzo Gozzoli 30 La cabalgata d e\nde una gracia\ny un encanto\nLas plazas interesantes:\nLa Piazza de la Trinitá, con la\ncolumna de la justicia frente a la\niglesia del mismo nombre, columna salida de las Termas de\nHermosa. Más moderna\npero amplia es la Piazza della Republica, construida sobre el antiguo Ghetto judío de Florencia, alberga el caffe Giubbe Rosse, donde artistas como Papini 31 y Marinetti 32 solían reunirse.\nMuy concurrida y rodeada de magníficos lugares de esparcimiento.\nN.E. Benozzo di Lese di Sandro, llamado Benozzo Gozzoli (Sant'llario a Colombano, c. 1421 - Pistoia,\n1497), fue un pintor cuatrocentista italiano. / En 1427 se trasladó con su familia a Florencia. Las hipótesis\nde los diferentes historiadores sobre su aprendizaje resultan bastante discordantes. La más aceptada es\nla que proporciona Giorgio Vasari según la cual Benozzo habría sido discípulo de Fra Angelico, con el que\nhabría colaborado en la decoración de alguna de las celdas del Convento de San Marcos de Florencia.\nVasari es así mismo responsable del nombre con el que se le conoce en la actualidad, ya que así lo rebautizó en su obra Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori.\nN.E. Giovanni Papini (Florencia, 9 de enero de 1881 - íd. 8 de julio de 1956) fue un escritor italiano. Inicialmente ateo y escéptico, posteriormente pasó a ser un fervoroso católico.\nN.E. Filippo Tommaso Marinetti (Alejandría, Egipto, 22 de diciembre de 1876 – Bellagio, Como, 2 de\ndiciembre de 1944) fue un ideólogo, poeta y editor italiano del siglo XX, y fundador del movimiento vanguardismo. / https://es.wikipedia.org/wiki/Filippo_Tommaso_Marinetti\nLuego, la Plaza de la Anunciación, con el Ospedale degli 'Innocenti, una de las\nobras maestras de Brunelleschi, con terracotas\nvidriadas de Luca della Robbia. (derecha)\nDe nuevo en el centro tenemos varias\natracciones turístico-históricas como el Mercado Nuevo de artesanías en cuero y su famoso\nPorcellino, al que hay que tocarle el hocico para regresar a Florencia. Funciona.\nUno de los monumentos más conocidos y pintorescos de Florencia es el Ponte Vecchio, singular estructura que sostiene una variedad de negocios hoy casi todos joyerías.\nSu exterior es de color amarillento. Hacia 1218 era el único puente que cruzaba el río, y estaba\nocupado por carniceros y pescadores, más tarde se instalaron los curtidores y barberos, herre-\nros y verduleros, hoy lo han monopolizado, como dije, los joyeros. La vista del río Arno desde\nlos puentes es maravillosa y de alguna manera, romántica, pues en las tardes adquiere la quietud de un lago tranquilo.\nDel otro lado del río, el Oltrarno, encontramos otras maravillas, en primer lugar la Iglesia Santa María del Carmine, una rústica iglesia hoy barroca por dentro, pero que contiene la\nel Renacimiento pictórico: La\nAhí Masaccio y\nMasolino da Panicale 34\nlas escenas (de-\na dar inicio al\nmaravillo arte, con frescos como\nLa expulsión del Paraíso, El tributo de la moneda.\nEllos inventaron una nueva forma de pintar, de representar\nadecuadamente la figura humana\nen espacios reales.\nMuy cerca se encuentra\nla Iglesia del Santo Espíritu, una\njoya de la arquitectura, de Brunelleschi, de formas modernas, de fachada limpia y de un interior elegante extremadamente racional y\nN.E. […] fue Felice Brancacci, próspero mercader en sedas que había desempeñados varios cargos políticos importantes en Florencia, quien encomendó la decoración de la capilla a Masaccio y Masolino. Los\ndos pintores trabajaron de forma perfectamente coordinada: ambos trabajaron en las dos paredes de la\ncapilla, y dieron una gran unidad a la composición, gracias al empleo de una misma gama cromática, y\nde un único punto de vista (el de un espectador situado en el centro de la capilla).\nN.E. Masolino da Panicale de nombre real Tommaso di Cristoforo Fini (Panicale, 1383–San Giovanni\nValdano, 1440) fue un pintor cuatrocentista italiano. Tommaso di Cristoforo Fini nació en la localidad de\nPanicale de Valdarno (Umbría) en 1383. Aunque en general poco se sabe de sus orígenes, según Vasari\ninicialmente se dedicó a la escultura siendo discípulo de Starnina y colaborador de Lorenzo Ghiberti. Hacia 1402 se consagró a la pintura estando sus primeros trabajos aún dentro del estilo gótico internacional.\nTambién en las proximidades se encuentra el más grande palacio florentino el Palazzo Pitti, atribuido a Brunelleschi, que cuenta en su interior con la Galeria Palatina que alberga\nobras tan importantes como\nla Venus itálica\no la Virgen de\nla silla, una de\nobras del divino Rafael.\nSus salones deslumbran con su\ndecoración lujosa. Sus salones y sus lámparas.\ndel palazzo es\nel famosísimo jardín de Bóboli un inmenso vergel con estanques, caminos sombreados, esculturas, en un ambiente fantasioso y fantástico.\nPara terminar, quiero mostrarles algo que pocas gentes visitan: la hermosa\nSinagoga, imponente y con un interior que invita\na recogerse y a pensar en todas las maravillas de\nesta ciudad milagrosa, plena de tesoros y preñada\nde bellezas eternas.\nEn la antigüedad, Sicilia fue conocida como Trinacria, la isla de forma triangular bañada por tres mares diversos: el Mediterráneo al sur, el Jónico al oriente y el Tirreno en el norte, lo que crea en la península el famoso estrecho de Messina. Esta situación singular y estratégica en el centro del Mediterráneo, hizo que todos los pueblos conquistadores la codiciasen como un rico trofeo y a la vez importante\npara su hegemonía.\nLa capital de la isla es Palermo,\nque con sus casi 700.000 habitantes es la\nquinta ciudad de Italia después de Roma, Milano, Napoli y Torino. De gran religiosidad, sus templos, sobre todo los\npertenecientes al período barroco, son de\nuna grandeza universal. Las huellas dejadas por los griegos, romanos, bizantinos,\nárabes, normandos, españoles y franceses, le infunden a la isla un aire de museo\ny la proveen de una riqueza artística que\nen muy pocos lugares del mundo se puede encontrar.\nEse crisol de culturas, cuyas huellas se encuentran por todos los rincones\nde la isla, dejó una producción intelectual\nen todos los campos que va, desde la\nMagna Grecia hasta el siglo actual pasando por Arquímedes, 1 Antonello da Massina, 2 Vincenzo Bellini, 3 Giacomo Serpotta, 4 Tomasi di Lampedusa, 5 Luigi Pirandello, 6 Renato Guttuso 7\ny Leonardo Sciascia, 8 entre otros sicilianos especiales de todos los tiempos.\nN.E. Arquímedes de Siracusa (en griego antiguo Ἀρχιμήδης; Siracusa (Sicilia), ca. 287 a. C. – ibídem,\nca. 212 a. C.) fue un físico, ingeniero, inventor, astrónomo y matemático griego.\nN.E. Antonello di Giovanni d'Antonio llamado Antonello da Messina. (ca. 1430 en las inmediaciones de\nMesina - 1479, Mesina) fue un pintor cuatrocentista italiano. Nacido en Sicilia, está considerado como uno\nde los introductores de las técnicas pictóricas con óleo en Italia. Integrante de una familia del gremio de\nartesanos cinceladores (mazoni), muy tempranamente evolucionó hacia las bellas artes, destacándose\ncomo el pintor que reúne la cultura luminística atmosférica de los pintores flamencos con la cultura\nmonumental-perspectivista italiana. / https://es.wikipedia.org/wiki/Antonello_da_Messina\nN.E. Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (Catania, Reino de Sicilia, 3 de noviembre de 1801\n- Puteaux, Reino de Francia, 23 de septiembre de 1835) fue un compositor italiano.\nPalermo creció hermosa y desafiante a la sombra del Monte Pellegrino. La original\nciudad fenicia se llamaba Panormos, puerto, que va creciendo con los romanos hasta alcanzar\nsu máximo esplendor con los árabes cuando se dice que rivalizaba en belleza con Córdoba como el califato español más floreciente y el Cairo. Más tarde, ese esplendor creció con los Normandos que hicieron a Palermo capital de su reino. Luego, los grandes aragoneses le confirieron un nuevo esplendor en el periodo barroco, que juntamente con los otros elementos árabes\ny normandos le dan ese sabor peculiar a la ciudad que cuenta con iglesias de interiores verdaderamente espectaculares.\nRodeada de un mar\nesmeraldino de colores transparentes y brillantes y playas\nde gran belleza, con un mar\ncalmo que invita al deleite y\nLa ciudad vieja está\nen los barrios periféricos de\nviejas callejuelas (vicoli en\nitaliano), que vuelven esas\nzonas sombrías y húmedas.\nLa religiosidad católica se\npercibe en los innumerables altares callejeros, siempre con las flores frescas con que los palermitanos los mantienen, pero el centro es de un carácter señorial, lleno de antiguos palacios e iglesias barrocas que nos impresionan por sus fachadas y cúpulas; algunas edificaciones más antiguas, del período normando, poseen extraordinarias decoraciones musivarias 9 y lo abigarrado\nde sus relieves y ornamentos derivados de lo árabe y lo barroco, como sucede igualmente en\nEspaña, son de una riqueza sin igual. Un solo edificio de la era de Mussolini y es el edifico de\ncorreos de imponente fachada.\nPalermo, la antigua, tiene dos zonas, la norte junto al Tirreno, viendo hacia el Monte\nPellegrino y la sur que ve hacia el continente, hacia el estrecho de Messina (rico en historia)\ncortadas ambas partes por la vía Vittorio Emanuele, que al interceptarse con la Via Maqueda\ncrean los famosos Quattro Canti, una plazuela mínima de un esplendor escultórico encantador,\nsurgida de la readecuación urbanística del siglo XVI. A la vuelta inmediatamente, hacia el sur,\nN.E. Giacomo Serpotta (Palermo, 10 de marzo 1656 - Palermo, 27 de febrero 1732) fue un escultor y\ndecorador italiano. / https://es.wikipedia.org/wiki/Giacomo_Serpotta\nN.E. Giuseppe Tomasi di Lampedusa (Palermo, 23 de diciembre de 18961 - Roma, 23 de julio de 1957)\nfue un escritor italiano, autor de una única novela, El gatopardo, ambientada en la Unificación Italiana. El\ngatopardismo, o mucho más habitualmente, el adjetivo lampedusiano, ha pasado a definir el cinismo con\nel que los partidarios del Antiguo Régimen se amoldaron al triunfo inevitable de la revolución, usándolo en\nsu propio beneficio; posición acuñada en una frase lapidaria: Que todo cambie para que todo siga igual.\nN.E. Luigi Pirandello (Agrigento, Sicilia, Italia, 28 de junio de 1867 - Roma, Italia, 10 de diciembre de\n1936) fue un reconocido dramaturgo, novelista y escritor de relatos cortos italiano, ganador en 1934 del\nPremio Nobel de Literatura. / https://es.wikipedia.org/wiki/Luigi_Pirandello\nN.E. Renato Guttuso (Bagheria, 26 de diciembre de 1911 - Roma, 18 de enero de 1987). Pintor italiano\nrepresentante del expresionismo y exponente de la cultura eurocomunista italiana.\nN.E. Leonardo Sciascia (Racalmuto, Agrigento; 8 de enero de 1921 - Palermo, 20 de noviembre de\n1989) fue un escritor italiano. / https://es.wikipedia.org/wiki/Leonardo_Sciascia\nN.E. […] pues no es otra cosa que la pavimentación en opus musivarium o mosaicos de algunas importantes construcciones romanas.\nse encuentra uno de los núcleos monumentales más interesantes y vistosos de la ciudad compuesto por la Fontana Pretonia, llamada della Vergogna por la impúdica desnudez de sus esculturas. Creada en 1552 por el escultor toscano Francesco Camilliani 10 para el jardín de una\nvilla florentina, de base elíptica, se eleva sobre el nivel\nde la Vía Maqueda y muestra estatuas de índole mitológica: tritones, sirenas y cuatro ríos de Palermo: Oreto,\nPapireto, Gabriele y Maredolce.\nA un lado de la fuente se encuentra la sede del municipio palermitano, al frente\nla Iglesia de San Giuseppe dei Teattini y atrás la Iglesia del Monasterio de Santa Catalina, un fantástico ejemplo de arquitectura barroca, aunque su origen es más antiguo. El interior es una intrincada mezcla de elementos decorativos de mármol, frescos, estucos y otros elementos típicos\nde mucha iglesias y oratorios palermitanos. De la Piazzana Pretoria se pasa a través de un callejón a la Piazzana Bellini, en donde se encuentra la fachada renacentista de la Iglesia Santa Caterine, y esa joya de la arquitectura, normanda, árabe y barroca que es la Iglesia de la Martora-\nna, en recuerdo de Eloisa della Martorana, fundadora del vecino convento de hermanas benedictas. La iglesia es un pequeño espacio lleno de maravillas, en donde uno se siente transportado a otras épocas y otros mundos ya desaparecidos: mosaicos, capiteles, columnas de diversos\nestilos, pisos incrustados y un magnífico tabernáculo de lapislázuli, confiere a su escaso espacio\ninterno una magia indescriptible.\nN.E. Francesco Camilliani, conocido también como Della Camilla (Florencia, 1530 – Florencia, 13 de octubre de 1576), es un escultor y arquitecto italiano. / https://it.wikipedia.org/wiki/Francesco_Camilliani\nFrente a la torre normanda que preside a la Martorana se encuentra la Iglesia de San Cataldo de decididas formas árabes-normandas, coronada por tres cúpulas rojas; hoy pertenece a\nla Orden de los caballeros del Santo Sepulcro, de interior muy sobrio. Puede, en algunos lugares, leerse algunas inscripciones árabes.\nPalermo posee el privilegio de contar en algunas de sus iglesias y oratorios, situados\nen diversos lugares de la ciudad, creo que en doce, con la obra del más grande estuquista de\ntodos los tiempos: Giacomo Serpotta. De él podemos admirar en el Oratorio de Santa Cita\nalgunas obras que reflejan el genio de este casi desconocido del arte italiano. Son también importantes y bellas las del Oratorio de San Domenico.\nEn la zona más norte, junto al mar, encontramos el barrio de Kalsa, palabra procedente de la árabe al-halisah, la elegida. Es realmente la ciudadela fortificada de los árabes construida hacia el siglo X, sede del emirato, que\nluego fue habilitado por los normandos y\npescadores. Los aragoneses dejaron aquí la\nPiazza Marina sede de la corte y del detestable tribunal de la Inquisición. También\ndejaron aquí huella los catalanes, pisanos y\ngenoveses que establecieron sus colinas en\nAquí encontramos la Iglesia de la\nCadena, (izquierda) que debe su nombre a la\ncadena que cerraba el puerto de la ciudad.\nEs una iglesia de estilo gótico catalán como\nentrada sur de la catedral. Es notable por la logia que da acceso al interior, no muy bello.\nEsta zona es interesante por la riqueza del Palazzo Abatellis, del 1490, donde hoy se alberga\nla Galería Regional de Sicilia que posee obras admirables de Francesco Laurana 11 y Antonello\nGagini, 12 así como el sorprendente Triunfo de la Muerte, tema muy\npopular en el medioevo. Ahí también encontramos una obra maestra de Antonello de Messina: 13\nLa Anunciación. (Derecha)\nEn el barrio sur encontramos igualmente estupendas obras\narquitectónicas y escultóricas, entre ellas la catedral, un imponente edificio vecino a la Piazza Vittoria cerca del Palacio de los Normandos, en la zona más antigua de\nLa catedral fue dedicada a\nla Asunción de la Virgen en el lugar que ocupa la antigua mezquita de las Asambleas. Es una paradoja visual, pues su exterior está\ncompletamente divorciado del interior; la iglesia conserva poco de\nsu estructura original. Por fuera es\nevidente su origen árabe-normando y el acceso gótico catalán. En\nla parte superior de la fachada se\naprecia el almenado normando, pero la restauración efectuada en el setecientos, transformó el interior en una iglesia barroca de pobre decoración, su ábside muestra elementos árabes normandos que recuerdan la antigua gloria\nCaminando hacia la Piaza Vittoria llegamos a la Porta Nuova erigida en 1583, para recordar la llegada de Carlos V en 1535, con el techo de mosaicos con el águila imperial. Doblando a la izquierda por el borde de la Plaza Victoria, llegamos al Palazzo dei Normanni, desde\nsiempre la sede del poder palermitano; conserva en su exterior rasgos de la original construcción.\nEn su interior se encuentra otro de los tesoros palermitanos: la Capella Palatina, erigida 1130 por\nel gran rey Ruggero II, y en la cual se encuentra una extraordinaria colección de mosaicos y maravillosos trabajos de incrustación de mármoles en columnas, paredes y pisos.\nN.E. Francesco Laurana (de la Vrana) (croata: Frane Vranjanin; c., 1430 - antes del 12 de marzo de\n1502) fue un escultor dálmata nacido en la República de Venecia, hoy Croacia.\nN.E. Antonello Gagini (1478-1536) fue un escultor siciliano, cuya familia (de origen suizo) llegó a Sicilia\na mediados del siglo XV. Fue el responsable de algunas de las esculturas sacras más decorativas en la\nisla, especialmente en la región de Messina. / https://es.wikipedia.org/wiki/Antonello_Gagini\nN. E. Antonello di Giovanni d'Antonio llamado Antonello da Messina. (ca. 1430 en las inmediaciones de\nde los introductores de las técnicas pictóricas con óleo en Italia. Integrante de una familia del gremio de artesanos cinceladores (mazoni), muy tempranamente evolucionó hacia las bellas artes, destacándose como el pintor que reúne la cultura luminística atmosférica de los pintores flamencos con la cultura monumental-perspectivista italiana. / https://es.wikipedia.org/wiki/Antonello_da_Messina\nSaliendo del palazzo y siguiendo por la Via dei Benedettini, llegamos al encantador conjunto de San Giovanni degli Erimiti (abajo), circundado por un acogedor jardín de naranjos, flores y jazmines. Es uno de\nlos vestigios más importantes de la Palermo normanda, aunque su estructura arquitectónica es de clara procedencia árabe. Su claustro,\ncon su pozo con brocal al\ncentro, es una obra de intimidad etérea y perfumada.\nAl acercarnos a la\nfrontera con el barrio norte\nvecino a los Quattro Canti\n(Cuatro Cantos) nos encontramos con un milagro barroco difícil de imaginar si no se ha visto: la Iglesia de Jesús o Casa Professa. Esta iglesia representa el cenit de la\ndecoración barroca palermitana; su exterior sobrio, renacentista, no hace presentir la increíble\nriqueza de su interior. La decoración interna se\ninició en 1597 y fue interrumpida cuando Sicilia\nexpulsó a los jesuitas en 1860. El grandioso y apabullante interior es de tres naves completamente\ncubiertas de inserciones, de mármoles policromados que cubren paredes, arcos, pisos, columnas…\nen un desplante lujurioso de colores y formas. Todo en su interior es un canto de Dios a la Virgen,\nángeles y santos, pero, sobre todo, a la habilidad extrema de los artesanos que erigieron semejante obra de arte. En el altar mayor, de\nprofusa y bella decoración, podemos\nobservar alguna figura del archifamoso Serpotta. 15\nAsomándose a los Cuatro\nCantos se encuentra la Iglesia de\nSan Giuseppe dei Teatini, con frescos admirables, cerca de la Iglesia\ndel Carmine (sede de los carmelitas\npalermitanos) con una airosa cúpula\nde atlantes y mayólica en cubierta.\nEn esta zona sobre la Via\nMaqueda frente a la Piazza Verdi se\nlevanta el majestuoso Teatro MáxiN.E. Los Quattro Canti es una plaza octogonal situada en el cruce entre los dos principales ejes de Palermo: la via Maqueda y il Cassaro (calle de origen fenicio, que une la acrópolis con el Palacio de los Normandos, hoy conocida como Corso Vittorio Emanuele, y que constituye la calle más antigua de la ciudad).\nN.E. Giuseppe Serpotta (1653-1719) era un escultor italiano de origen Siciliano, el hermano del también\nescultor Giacomo Serpotta (1652-1732), en la parte artística han trabajado juntos e incluso con otros artistas. / http://es.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Serpotta\nmo que fue reinaugurado hace unos pocos años después de permanecer cerrado mucho tiempo. Diseñado en 1864 por Giovan Battista Filippo Basile, 16 fue terminado en 1897 con gran\nescándalo, pues acabó con importantes monumentos del antiguo Palermo.\nEs uno de los teatros más grandes de Europa.\nUn poco fuera del centro histórico se encuentra otro de los más representativos monu-\nmentos arquitectónicos de Palermo. Al frente de la Piazza Castelnuovo, sobre la Via Ruggero\nVII, podemos admirar en todo su esplendor el Teatro Politeama, edificio de formas neoclásicas\nN.E. Giovan Battista Filippo Basile (Palermo , 8 de agosto de 1825 - Palermo , 16 de junio de 1891) fue\nun arquitecto italiano. / https://it.wikipedia.org/wiki/Giovan_Battista_Filippo_Basile\nconstruido entre 1867 y 1874 sobre un diseño de Giuseppe Damiani Almeida, 17 tiene una hermosa fachada de Arco del Triunfo coronado por una cuadriga. Su fachada semicircular está bordeada en sus dos pisos por elegantes columnatas, separada por un friso dórico de metopas y triglifos, 18 es un edificio singular elegante y sobrio en contraste con el furor barroco de la ciudad.\nPalermo, como hemos visto, es una ciudad plena de monumentos de arte, que nos hace\nrecorrer la historia desde tiempos inmemoriales hasta nuestros días, pero también en sus alrededores, en Monreale, que ya es casi un barrio de la ciudad, encontramos uno de los más estupendos edificios de la antigüedad que han llegado intactos hasta nosotros: la magnífica Catedral de\nMonreale, prodigio de belleza e ingenio.\nEs una pequeña colina sobre la Conca d´Oro. El Duomo de Monreale es como Il Jesús al\nbarroco, el punto culminante de la arquitectura árabe-normanda. Dos torres macizas,\npotentes, rústicas, como los hombres que\nlas crearon, unidas por un pórtico barroco\nposterior del siglo XVIII, con un interior que\nquita el aliento, adornos preciosos abundan\nen todas partes como las puertas plateadas\nante el altar y los altares como el de San Juan\nBautista y el de la Crucifixión del período\nbarroco, que asombra por la increíble decoración y el minucioso trabajo.\nEl cielo, de maderas policromadas\nresplandecientes, corona las naves cubiertas\nde oro en mosaicos que representan escenas\ndel antiguo testamento. Las naves se llenan\nde luz a través de ventanas que corren a todo lo largo en la parte superior; el Pantocrátor del ábside es de una belleza sobrecogedora y de una maravillosa perfección formal. Interesante, de perfecta geometría, son\nlos diseños del piso de delicado trazo hechos de incrustaciones de mármol.\nAl lado se levanta íntimo, precioso como una joya durmiente, el\nclaustro de arcadas árabes en donde 228\ncolumnas, todas de diseño diferente, nos\nmuestran capiteles con escenas bíblicas\ne históricas. Espacioso y muy bien proporcionado, infunde calma a los visitantes como debió infundir a los monjes que\nentraban en éxtasis cuando rezaban obstinadamente dando vueltas y vueltas bajo los sombríos claustros.\nN.E. Giuseppe Damiani Almeyda (Capua , 10 de febrero 1834 - Palermo , 31 de enero 1911) fue un ingeniero y arquitecto italiano. / https://it.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Damiani_Almeyda\nN.E. En arquitectura clásica, una metopa (μετόπη) es un panel o pieza rectangular de piedra, mármol o\nterracota que ocupa parte del friso de un entablamento dórico, situada entre dos triglifos./ Cada metopa\nestaba decorada con bajorrelieves. Sus temas eran variados y se caracterizaron por el hecho de relatar sucesos históricos o mitológicos. Su función era, sobre todo, decorativa y estaba policromada.\nDel otro de lado de Palermo encontramos dos pequeñas ciudades: Cefalú y Bagheria, cercanas y distantes en el tiempo.\nEn Bagheria, las villas barrocas fueron de un esplendor sin igual, hoy abandonadas la\nmayoría (subsisten apenas unas cuantas), entre ellas la villa católica, que siendo ciudad natal\nde Renato Guttuso por cierto, alberga la muestra de obras que el autor tomó a la misma.\nEn esta curiosa ciudad podemos visitar uno de los más extraños monumentos de Sicilia: Villa Palagonia, construida en\n1715 por Tommaso Maria Napoli\npara Ferdinando Francesco Gravina, Príncipe de Palagonia.\nLos vecinos la llaman la Villa\nde los Monstruos. Es un palacio que\nen su época de esplendor debió ser\nuna absoluta y maravillosa extravagancia, decorada con innumerables\nestatuas, algunas grotescas y ridículas, otras de personajes mitológicos,\ncaballeros, músicos, soldados, dragones… surgidas de la fantasía del príncipe y que crearon\nuna atmósfera mágica y sugestiva. Se conserva algo del salón de los espejos.\nMás allá hacia el levante se encuentra Cefalú. Un milagro de conservación, citada por\nprimera vez por el historiador Diodoro Sículo 19 en el 396 aDC. Una ciudad que respira y vive\npasado, de calles estrechas, empedradas y una maravillosa catedral construida por mandato de\nRuggero II a la sombra de un enorme peñón.\nN.E. Diodoro Sículo o de Sicilia (en griego Διόδωρος Σικελιώτης) fue un historiador griego del siglo I a.\nC. nacido en Agirio (hoy Agira), en la provincia romana de Sicilia.\nLa ciudad conserva aún aspectos medievales como los baños públicos y la zona de\npescadores, palacios e iglesias que revelan\nla importancia que llegó a tener como sede episcopal.\nPero su punto máximo es la imponente catedral, que como todo en Sicilia,\nse vio afectada por las restauraciones de\nSu fachada, que da a la Piazza del\nDuomo, tiene dos torres-fortaleza que custodian un arca gótica; su interior sobrio y\nmodificado guarda una obra maestra del\narte musivario, el archifamoso Pantocrá20\ntor de Cefalú, de quien Robert Payne, el gran historiador del arte inglés, dijo un día:\n“el Cristo de Cefalú se encuentra entre las mejores representaciones de su imagen\nque realizaron los artistas bizantinos, pero ese Cristo ya no es un rey de la órbita de Bizancio\nes un príncipe normado”.\nUna imagen que revela la grandeza del arte de esta isla maravillosa, crisol de civilizaciones y rica como ninguna otra en arte y milagros.\nSan Salvador, 17 de enero 2007.\nN.E. Mosaico de influencia bizantina de la Catedral de Cefalú, erigida por Roger II de Sicilia en 1131.\nEl arte ha sido de conversaciones, de investigaciones, de brillantes trabajos a través\nde toda la historia, pero, personalmente, creo que lo mejor que la humanidad ha extraído de\nél es el inmenso, casi inagotable disfrute que en ese océano venturoso de la creación artística\nencontramos día a día. En él descubrimos una diversidad de sentimientos, circunstancias, que\nproducen de forma misteriosa pero real en nuestro estado de ánimo: placer, tristeza, ternura,\nesperanza, plenitud, angustia y nos ayuda a encontrar en nuestro interior ese mundo de pura\nsensibilidad, a veces desconocido, que sólo el arte en sus diferentes expresiones puede extraer\nde los recónditos meandros de nuestra mente y colocarlos en la esfera de la íntima reflexión.\nCon ello, accedemos a planos de conciencia y sensibilidad que (sin el arte) estarían fueran de\nnuestro alcance. Esos grados de conciencia, de sensibilidad, a veces exacerbados, nos ayudan\na comprender las más puras esencias de este universo lleno de enigmas y a establecer mejores\nvínculos relacionados con el mismo.\nEl arte, como expresión propia y única del ser humano, existe desde los inicios, desde\nque el hombre en las cavernas oficiaba sus rituales, en donde el arte y la religión, la esperanza\ny la superstición se mezclaban ingenua, armoniosamente; la creación intelectual nos contempla desde esas oscuras profundidades, expresando los anhelos, necesidades y sentimientos del\nalma humana (que los ha tenido desde sus inicios y por las huellas que nos ha dejado podemos\ndecir que es una forma congénita, consustancial de las actividades humanas intelectuales). De\nahí, pues, que parece ser que el arte es lo\nque realmente nos diferencia de las bestias y ciertamente es uno de más sutiles\ny hermosos productos de nuestra íntima\nespiritualidad, uno de los grandes milagros del Universo.\nEn la prehistoria, los bravíos animales que proveían alimento pero también fuerza a través de su ingesta, son\nrepresentados como este de Lascaux 1,\ncon las características de fuerza y orgullo, y establece desde entonces una relación espiritual, profunda entre la obra creada y El Creador, un lazo indisoluble que aún forma parte del misterio de los efectos del arte sobre el espíritu humano. Pero también en aquellas edades de curiosidad cultural, luminosa en su naturalidad, hay espacio para la alegría, el\nN.E. La cueva de Lascaux es un sistema de cuevas en Dordoña (Francia) en donde se han descubierto\ngrandes referencias del arte rupestre y paleolítico.\nsentido por excelencia. El amor también es alegría, la fe en Dios, la solidaridad, y así encontramos en las cuevas y rocas, sólidos libros de historia, la danza, esa expresión que encierra, de alguna manera ‒en una totalidad física y espiritual, por lo menos desde mi muy personal perspectiva‒, el sentimiento armónico humano es su más\nacabada e íntegra forma.\nEn la cultura egipcia, esa oscura y a la vez luminosa\ncivilización en donde la muerte y los placeres de la vida se entrecruzaban en un laberinto infinito e indescifrable, los sentimientos fueron expresados en su arte ‒funerario las más de\nlas veces‒, de una forma ingenua, espontánea, en las que todas las actividades de la existencia se expresan con una rotundidad y frescura que conmueve nuestra espíritu, provocando\nsentimientos de admiración y respeto por esa\ncivilización tan plena en éste y el otro mund o . N o\nla diversión creó\nla muerte y sus Dioses, sus indescifrables circunstancias\ndieron forma a su arte casi de ultratumba. En\nciertas ocasiones, como en el reinado hereje\nde Akhenaton 2 (arriba derecha) aparecieron\nescenas de sentimientos mundanos, hogareños,\ncomo esta íntima escena con la reina Ankhsenamon, 3 (centro izquierda) y escenas de puro arte\ncomo estos pájaros y mariposas en medio de los papiros del Nilo, eterno don de los dioses.\nN.E. Neferjeperura Amenhotep, también conocido como Ajenatón, Akhenatón o Akenatón, Amenhotep\nIV o Amenofis IV, fue el décimo faraón de la dinastía XVIII de Egipto. Su reinado está datado en torno a\n1353-1336 a. C. y pertenece al periodo denominado Imperio Nuevo de Egipto. Hacia el cuarto año de su\nreinado, cambió su nombre a Neferjeperura Ajenatón. / Es célebre por haber impulsado transformaciones\nradicales en la sociedad egipcia, al convertir al dios Atón en la única deidad del culto oficial del Estado, en\nperjuicio del, hasta el momento, predominante: el culto a Amón. Es el primer reformador religioso del que\nse tiene registro histórico. / http://es.wikipedia.org/wiki/Akenat%C3%B3n\nN.E. Anjesenamón (también conocida como Ankesenamón) fue la tercera de las seis hijas de Ajenatón\n(Akenatón) y de la Gran Esposa Real, Nefertiti. Su nombre original, Anjesenpaatón, significa La que vive por\nAtón. Se desconoce la fecha exacta de su nacimiento, pero es probable que fuera la primera de las princesas reales que naciera en la recién fundada capital de Egipto, Ajetatón. Aparece en muchas representaciones, acompañada siempre de sus padres, Ajenatón y Nefertiti, así como de sus dos hermanas mayores. Se cree además que, en un cierto momento de finales del reinado de su padre, se casó con él mismo, e incluso se habla de la existencia de una hija nacida de este incesto real, de nombre Anjesenpaatón-Tasherit. / Sea como fuere, a la muerte de su padre, contrajo matrimonio con el príncipe Tutanjatón,\nhijo y sucesor de Ajenatón, convirtiéndose así en la Gran Esposa Real, en 1327 a. C. Cuando su esposo\nrestableció el culto a Amón y reabrió los templos, tras la revolución religiosa que llevó a cabo su padre, ambos cambiaron sus nombres, siendo respectivamente Tutanjamón (Tutankamón) y Anjesenamón. / El paso\npor la historia de esta reina egipcia fue breve. Al quedar viuda cuando Tutanjamón murió en el año 9 de\nsu reinado, se casó con su abuelo Ay y luego desaparece de los documentos egipcios.\nPero la humanidad avanzó en complejidad y refinamiento, antes de los griegos (esa\nluz brillante por excelencia del pensamiento humano).\nEn la mítica Creta, aquella isla misteriosa, lugar del\nnacimiento de Zeus y hogar del Minotauro, encontramos la\nfastuosa y refinada cultura micénica que produjo un arte pleno de sensibilidad que expresaba los sentimientos de forma\nelegante, airosa, bella y armoniosa como podemos observar\nen El príncipe de los lirios (izquierda), que dinámico, lleno de\norgullo, pasea su esbelta figura por los vetustos muros del\nantiguo palacio de Cnossos entre plantas y mariposas. Viva\ny pura imagen de la complacencia y el poder. La belleza, la\nalegría, la satisfacción se hacen patentes en sus damas de corte, bellas, alegres, confiadas y elegantemente ataviadas, cuidadosamente\nde perlas. Pero especialmente los vemos en la\ncoqueta Parisiense, (izquierda abajo) que\nnos permite imaginar\nque la belleza femenina ha sido y será uno de los más venturosos milagros\nde la Creación, generadora de los más encendidos anhelos y de\nlas más sublimes pasiones.\nPor otra parte, el deporte, con todo lo que él encierra sobre los sentimientos y pasiones, fue eternizado por algunos artistas en los coloridos frescos (también del palacio Cnossos)\nque representan a gráciles jóvenes saltando sobre poderosos\ntoros, en un peligroso juego conocido como la tauromaquia, 4\nantiquísimo antecesor de las crueles e inhumanas corridas de\ntoros, que consistía en apoyarse en los cuernos del animal y catapultarse hasta su lomo y luego de nuevo detrás de él; una diversión casi suicida.\nPero faltaba sublimar, perfeccionar, la expresividad del\narte. Los griegos pensaban que los dioses eran como nosotros\nlos humanos, pero perfectos en sus formas. Con nuestras contradicciones y virtudes, pero bellos, absolutamente bellos –cohttps://es.wikipedia.org/wiki/Anjesenam%C3%B3n\nN.E. En realidad se trata de taurocatapsia (Ejercicio en que los gimnastas realizaban demostraciones\nde agilidad, a pie o a caballo con la mediación de un toro salvaje. Es un motivo del arte figurativo de la\nEdad del Bronce Media, y en particular del arte minoico, en que aparecen escenas de taurocatapsia (del\ngriego antiguo ταυροκαθάψια) en numerosas ocasiones, tanto en la decoración de paredes como en diversos objetos. / http://es.wikipedia.org/wiki/Taurocatapsia\nLa tauromaquia, como arte de matar al toro, más bien derivaría del rito mitraico: tauroctonía. La escena\nde la tauroctonía es la imagen principal del culto mitraico, en la que se representa a Mitra matando un toro, derivando el nombre del griego ταυροκτόνος (tauroktonos) "matanza de toros", formado por las palabras ταῦρος (tauros) "toro" y κτόνος (ktonos) "matar".\nmo corresponde a un Dios− y crearon imágenes de estudiada proporción y de una gracia tal,\nque el arte griego sigue siendo el arte clásico por excelencia, y su influencia dura más de dos\nTodo ello contribuyó a la perfección formal de sus pinturas, hoy dolorosamente desaparecidas, de sus esculturas −que afortunadamente conservamos en sus originales y en excelentes copias romanas−. A través de ellas nos muestran una gama de sentimientos, anhelos y, por qué no decirlo, de vicios encerrados en la perfecta armonía de su belleza clásica que expresaba, en una mezcla indisoluble, los reflejos del alma humana. El espíritu de los dioses de su esplendoroso panteón, en el que dioses y diosas disfrutaban de su creación,\ny que, de vez en cuando, bajaban del Olimpo a este valle\nde lágrimas para mezclarse y hasta procrear con los seres\nSus Venus −o Afrodita como ellos la llamaban−,\nsus Zeus o Júpiteres, sus Dianas o Artemisas, sus Eros o\nAmores, todos ellos expresan los más íntimos y grandiosos sentimientos a través de las formas exquisitas de su\narte eterno y poderoso. Tan poderoso, que\naún dos mil años después, las curvas suaves de los cuerpos de\nlas diosas, la belleza de\nsus efebos, 5 (derecha)\nlos bien proporcionados rostros, nos conmueven con su\nLa Venus Calipigia o de las Bellas nalgas nos\nalucina con sus formas, da fe de la perfección y belleza\nque buscan los griegos, una belleza ligada a la realidad humana; su perfección era celestial pero podía ser admirada\ny deseada por sus humanas criaturas; sus diosas eran fuentes de contemplación, todas eran capaces de inspirar sentimientos humanos que se conjugaban con los divinos.\nLo mismo sucedía con sus dioses, como sus Apolos, que poseían perfectas proporciones, una belleza sui\ngéneris, con ciertos acentos de feminidad, que generaba\nsentimientos ambiguos en una sociedad muy liberal con\nlas cuestiones sexuales.\nN.E. Efebo (del latín ephēbus, y éste del griego εφηβος) es una palabra griega que significa adolescente, aunque en la Grecia clásica estaba destinado su uso a los varones atenienses de 18 a 20 años, que\neran instruidos en la efebeia, una especie de servicio militar. / En la antigua Grecia, un efebo es también\nun tipo de escultura retratando a un varón joven desnudo. / Más tarde, en las pinturas del Renacimiento\npodemos hallar retratados modelos de varones bastante andróginos, siendo requeridos por los pintores\nde aquella época para inmortalizar sus inusuales dotes físicas en sus obras, en las que resaltan las de\ntema sagrado, como por ejemplo las pinturas representativas de Santos Católicos, entre ellos el apóstol\nJuan, discípulo amado de Jesús, a quien difícilmente se le diferencia de una mujer, e incluso en la obra\nmaestra de Leonardo da Vinci llamada La última cena se le llega a confundir con María Magdalena.\nPero también el sufrimiento, el dolor, era tema de estos artesanos geniales. El grupo\nescultórico de Laoconte y sus hijos,\nademás de su complejidad compositiva es múltiple en la expresión de sentimientos derivados del sufrimiento y la\nPor otro lado, hay que decir que\nen sus mosaicos encontramos asimismo la fuerza de su espíritu, como la\nque contemplamos en el rostro congestionado de Alexandros, aquel domador\nde hombres que conquistó para Grecia\nel mundo de entonces. Gesta gloriosa\nque truncó su prematura muerte en la\nflor de la juventud.\nPero fue Roma, la Gran Roma,\nla que impulsó de forma definitiva la\nexpresión total de los sentimientos,\nsus escultores y pintores, representan\ntoda la gama de los sentimientos humanos, desde la agonía como en Galata\nherido (abajo derecha), hasta el placer en todas sus formas; desde la alegría hasta la decepción.\nEn sus retratos, de maravillosa realidad, nos dejaron constancia de lo que fueron los\nromanos, hombres y mujeres como los seres de todas las épocas, jóvenes y niños, ancianos y\nancianas, mostrándonos en sus actitudes y rostros la compleja gama de las emociones humanas, como Brutus, del Museo Capitolino. Conocemos y comprendemos así su universo a través de\nsus risas, sus actitudes.\nLos romanos, hombres\nprácticos por excelencia, lo fueron\nasimismo en el arte y crearon un\nrealidad se refleja de forma natural, sin dobleces, sin idealismos,\ny así encontramos en sus retratos, relieves, en sus mosaicos\ny esculturas, los más vivos sentimientos y las más variadas\nExpresivo, bello en cambio es el retrato de Antinous\nMondragone, que revela los complejos peinados romanos de la\nDespués de la caída de Roma, Bizancio tomó la estafeta\ndel arte, de la civilización, y creó un mundo en que la presencia de Dios era tangible, cotidiana; los bizantinos discutían sobre Dios y sus cualidades y atributos como se discute sobre\nun problema físico y crearon una imagen\nsingular de Dios: los pantocrátor, 6 que son\nun dechado de divinidad impregnada de una\nnoble humanidad, obra difícil, casi sacrílega,\nque los artistas bizantinos desarrollaron hasta\nsu máxima expresión como puede observarse\nen los archi-famosos pantocrátor, como el de\nesa minúscula ciudad que alberga una iglesia\ndel siglo X en donde encontramos un Pantocrátor de una dignidad insuperable, acentuado por el oro infaltable en el luminoso arte\nmusivario 7 bizantino. Cerca de ahí, a unos cincuenta kilómetros, en la llamada iglesia más\nbella del mundo, la Catedral de Monreale, encontramos otra imagen de Cristo (arriba) que\nsigue la misma tónica de nobleza y dignidad del anterior. Ambos, en esa isla misteriosa,\nmúltiple y enormemente sabia que es Sicilia, que nos muestra por su experiencia a Dios todopoderoso presidiendo desde los ábsides de las iglesias el gran concierto del mundo.\nEn Ravenna, en San Vitale, podemos observar los extraordinarios mosaicos de Justiniano y el de su esposa, aquella brillante mujer que en gran\nmedida fue la salvadora, con su talento y\nastucia, de un imperio que se venía abajo, la gran emperatriz Teodora, acompañada de sus damas\nde la corte y de un\neunuco que abre una\ncortina. En su rostro\nse perciben ya los reflejos de la enfermedad que poco más\ntarde habría de llevarla a la muerte.\nPero también percibimos el sentido del poder y la gloria reflejado en sus elegantes\nactitudes, en sus vestidos bordados con gemas preciosas como contemplamos a Justiniano,\no a sus acompañantes de manos finas y dedos alargados, con anillos de piedras preciosas\nque denotan elegancia y refinamiento. Los detalles de los personajes, sus vestiduras y sus\njoyas destacan su importancia social o su lugar en la realeza.\nAllí, ese ambiente imperial, plasmado para toda la eternidad está fijado el más puro\nsentimiento del poder, la aristocracia en su límite, la opulencia y la gloria paradójicamente\nen su más humana expresión.\nN.E. El atributo pantocrátor («todopoderoso», del griego παντοκράτωρ, compuesto de παντός —en español: «todo»— y de un derivado de κρατός —en español: «fuerza, poder»—) se aplicó a Zeus en la mitología griega. En la cultura cristiana se utiliza para referirse al Dios Padre omnipotente o a Cristo.\nN.E. Arte mosaico.\nCuando los llamados bárbaros acabaron con el poder de Roma, Europa entró en un\nperíodo que se conoce como la oscura Edad Media, los orgullosos e ignorantes señores feudales gobernaban tiránicamente sus minúsculos feudos; el arte descendió del Olimpo griego:\nde las magníficas Acrópolis, a las burlas terrenales. Las iglesias románicas, propias de la época, desarrollaron un arte rústico pero extrañamente expresivo del sufrimiento humano, con martirios y penas infernales, que simbólicamente trataban de explicar los más insondables designios\ndivinos, pero, sobre todo, los horrores y penas\ndel infierno mediante abrumadoras escenas de\ncastigo, de delirante fantasía.\nGislebertus 8 fue uno de los pocos que firmaron estas atormentadas obras que infundían miedo pavoroso a los pobres campesinos, que asustados, corrían a confesar sus pecados para alejar de\nsus sueños las horribles pesadillas que asechaban\nsus oscuras noches. Estas macabras obras expresaban a cabalidad los sentimientos de horror, temor\ny espanto que dominaban el mundo gris oscuro de una edad supersticiosa, religiosa y fanática,\nmanipulada por un credo inescrupuloso que medraba en la ignorancia popular.\nEl tiempo se deslizó lentamente hacia el gótico, el simbólico y grosero románico de la\nAlta Edad Media fue evolucionando hasta formas más suaves, más humanas y expresivas; el\ntemor de los Padres de la Iglesia a la belleza, como incitadora al paganismo, fue desapareciendo y, con el paso de los siglos y los lentos pero inevitables cambios sociales que siempre modifican el mundo, la belleza y la alegría irrumpieron de nuevo en las artes. El tosco machismo\nmedieval vio cómo, suavemente, la Virgen tomaba posición y\nganaba veneración descollante en el corazón del pueblo y, como\ndice Robert Payne en su Mundo del arte, la Baja Edad Media del\nsiglo XI al XV no fue dominada por el Rex Tremendae Majestatis, y sí por la suave sonrisa de la Virgen. Por eso surgen\npor doquier las Nôtre Dame, iglesias que celebran la gloriosa\nfigura de la Virgen María, Madre de Dios, surgida sobre todo en\nla crisis de la misma Edad Media o sea en los siglos XIV y XV,\ncuando ya en la península Itálica despuntaban los primeros rayos\ndel glorioso Renacimiento.\nNo sólo la Virgen, Santos Apósteles, Profetas, entre otros,\nexpresan cierta alegría; pero vamos a encontrar esa alegre sonrisa\nsobre todo en los ángeles, que ríen con cierto desenfado contagioso (en cambio, la Sinagoga vendada de la Catedral de Estrasburgo, equivocada y ciega según el razonamiento de la Iglesia, nos comunica un confuso sentimiento de tristeza en su elegante esbeltez).\nPero la sonrisa de los ángeles de las catedrales son testigos de aquella alegría que empezó a inundar el mundo y esparció su benéfica paz y cierta libertad, sin las\nque no hubiese sido posible evolucionar a estos estados superiores de civilización.\nN.E. Gislebertus o Gislebert fue un escultor francés activo en los primeros decenios del siglo XII y célebre por los trabajos que realizó en la Catedral de Autun (Francia). Al parecer fue uno de los asistentes del\nmaestro de Cluny en la decoración de dicha abadía. / Renovó la iconografía tradicional realizando figuras\ncon proporciones alteradas y características fisonómicas deformes de manera que la composición resultara más dinámica. / http://es.wikipedia.org/wiki/Gislebertus_de_Autun\nUn adelanto de su tiempo fue Giotto, que dio de nuevo rostro humano a la pintura\ndesde la Antigüedad; si el románico y el gótico en alguna medida, uno más que el otro, son\nsimbólicos, Giotto devolvió a la humanidad su rostro real, lleno de sentimientos, como preparándolo para el gran acontecimiento que arribaría un siglo después. El Abrazo en la puerta\ndorada (abajo) es un maravillo ejemplo de lo adelantado de este artista y de los sentimientos\nque animan sus personajes, ya realmente humanos.\nLo mismo puede decirse de un precursor como Duccio di Buoninsegna, 10 cuyas Madonnas son Vírgenes surgidas de modelos reales y ofrecen una frescura y delicadeza encantadora.\nprimer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en romper las limitaciones del arte y los conceptos medievales. Se dedicó fundamentalmente a pintar\ntemas religiosos, siendo capaz de dotarlos de una apariencia terrenal, llena de sangre y fuerza vital.\nN.E. Duccio di Buoninsegna (c. 1255/1260, Siena - c. 1318/1319, Siena) fue probablemente el artista\nmás influyente de Siena, Italia, de su tiempo. Se le considera como uno de los más influyentes en la formación del estilo gótico internacional. Primer pintor destacado de la escuela sienesa, fue también inspirador de otros miembros de la misma, como Simone Martini y los hermanos Ambrogio y Pietro Lorenzetti,\nentre otros. / http://es.wikipedia.org/wiki/Duccio\nEn la Adoración de los Magos (abajo), ese espectacular trabajo de composición mul-\ntitudinaria y hermoso colorido de Gentile da Fabriano,\nencontramos por fin una sonrisa\nfranca. Ahí parece terminar esa tristeza medieval, −esa tácita prohibición de los Padres de la\nIglesia que afirmaba, no sé con base en qué argumentos, que Cristo nunca había reído, y de\nallí su austera y casi inhumana imagen medieval− en esta obra alegre y multitudinaria. La sonrisa franca de los criados ilumina el cuadro con una modernidad desconocida.\nHablar del Renacimiento es hablar de los altos destinos de la humanidad, es hablar\nde lo que las mentes geniales y libres son capaces de crear; los artistas del Renacimiento\nexpresaron de la más perfecta manera, en una ambiente de belleza deslumbrante, los más\npuros sentimientos, en espacios en los que por primera vez en la historia, personas de perfectas proporciones fueron colocadas en escenarios matemáticamente definidos por la perspectiva, produciendo una sensación de realidad jamás vista y quizá, sin quererlo, los artistas\nintrodujeron la ciencia en el arte y en el espíritu humano.\nEmpezamos a percibir estos vientos de cambio en la obra de los pintores protorrenacentistas como Fra Angelico 12 quien en sus sentidas Anunciaciones, nos revela con crudeN.E. Gentile da Fabriano (Gentile di Niccolò di Giovanni Massi; Fabriano, h. 1370 – Roma, 1427) fue un\npintor italiano, uno de los principales exponentes del estilo gótico internacional en Italia. Encarnó en su siglo la típica figura del artista itinerante, que prefería moverse para encontrar las más variadas ocasiones\nde trabajo ofrecidas por las cortes antes que quedarse establecido en un taller. Su pintura poética y fabulosa, el gusto por la línea y un uso incomparable de los elementos decorativos lo llevaron a la cúspide de\nla escuela italiana de la época, recibiendo encargos de grandísimo prestigio. Al visitar Florencia, entró en\ncontacto con el naciente Humanismo en el arte y, aunque sin renunciar al estilo propio, inició una consciente transición entre el decorativismo tardogótico y la esencia renacentista.\nN.E. Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o Fray Juan de Fiésole O.P (Vicchio\ndi Mugello (Florencia) 24 de junio de 1390 c. – Roma 18 de febrero de 1455), pintor cuatrocentista\nitaliano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico\nza la pena, la vergüenza de Adán y Eva al ser expulsados del Paraíso, pero al mismo tiempo\nen el misterio de La Anunciación muestra el sentido de responsabilidad de la Virgen en aceptar humildemente su divina misión, para que se cumpla así la promesa hecha a aquellos, cuando mientras Dios los expulsaba del Jardín del Edén, le prometía a Eva que una de su descendencia heriría en la cabeza a la serpiente causante del desastre, preanuncio de la Virgen, por\nesa contraposición de temas. Mientras tanto, el Creador, para impedir su regreso, ponía querubines a guardar la entrada al oriente del Edén y una espada flamígera se movía en todas las\ndirecciones para guardar el Árbol de la Vida, oscura historia del Génesis que inspiró después\nde miles de años escenas que contemplamos.\nSu colega Filippo Lippi, 13 monje también, mientras tanto, pintaba las más bellas vírgenes de rostros suaves y mirada recatada, contemplando el fruto de su vientre, entre balcones\nnítidos paisajes o perfectas\notras en las que\nel niño abraza\na la madre con\nun gesto que es\nmagistral y sensual danza de\nSalomé (por la\ncual recibirá la\ncabeza del Bautista). La expresión de ella, sus movimientos y el de su vestido, nos permiten casi percibir el\nfru-fru de la tela de sus vaporosos pliegues.\nContinuando ahora con la música ¿qué decir de esas milagrosas criaturas que Luca\nDella Robbia 14 creó para la Cantoría de la catedral de Florencia? Pocas veces en el arte los\npor su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción.\nFue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico". / Giorgio Vasari en su\nlibro Vida de los mejores, pintores, escultores y arquitectos se refiere a él como Fra Giovanni Angelico,\nposeedor de un "raro y perfecto talento" y menciona que "nunca levantó el pincel sin decir una oración ni\npintó el crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus mejillas".\nN.E. Fray Filippo di Tommaso Lippi (1406 – 8 de octubre de 1469), también conocido como Lippo Lippi,\nfue un pintor cuatrocentista italiano. Sobresalió por la originalidad del paisaje y la elegancia nerviosa en el\ndibujo, que influyó decisivamente en Botticelli. / Con la novicia Lucrezia Buti tuvo al también famoso pintor Filippino Lippi. / http://es.wikipedia.org/wiki/Fra_Filippo_Lippi\n14 Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482. / Según\nGiorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la\niglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casas florentinas,\npor sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre\nLeonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.\n/ Nacido en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, y esta palabra designa\na una planta utilizada para teñir), empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua. Luca\nniños fueron captados plenos de sentimientos, de expresividad, casi juguetones, como en estos delicados y geniales relieves de Luca (abajo izquierda) que repitió en esos sublimes momentos en sus famosas cerámicas vidriadas, en las cuales la Virgen, y sobre todo el Niño, brillan\npor su inocencia y gracia. De este mismo autor es notable por su expresión y modernidad el\nRetrato de Señora que comunica un sentimiento puro de nostalgia y tristeza, un tratado\nsobre expresión del rostro humano.\nEste momento maravilloso del Renacimiento ve resurgir los sentimientos,\nla belleza, las complejas expresiones de\nla vida en forma magistral y surgen creadores que plasman en su obra esa perfección y complejidad. Ese es el instante en\nque Lorenzo Ghiberti, 15 el autor de las\nPuertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia, congelaba para la eternidad la inmensa ternura que se desprende del panel\nde esas famosas puertas en las que Isaac,\ncasi ciego, imparte la bendición de Jacob,\nun venerable, sublime silencio se desprende suavemente de la cálida e íntima escena. En otro lugar del mismo tablero un\ngracioso efebo nos da la espalda en una\nactitud de donaire y elegancia mientras\nestilizados rebeldes husmean a su alrededor.\nGhiberti fue, con Donatello, 16 el más destacado escultor de su siglo, sin embargo,\nhubo grandes como Andrea del Verrocchio 17 (maestro de Leonardo), quien en la Duda de\nSanto Tomás 18 plasma con depurada exactitud la duda de éste y un poco el sarcasmo de\nCristo, aunque nunca se habla él, al ofrecerle su llaga. Al observar la obra detenidamente,\nDella Robbia realizó la Tribuna de los Cantores, en la Catedral de Florencia (1431), bajorrelieve muy importante que tenía que emplazarse encima de la puerta de la sacristía. La terminó hacia 1438-1439.\nN.E. Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - id., 1 de diciembre de 1455) fue un escultor, orfebre, arquitecto y\nescritor de arte italiano del Quattrocento. / Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no\nganó fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la catedral de Florencia, resultando ganador, al renunciar al premio ex aequo (con igual mérito) Brunelleschi, el otro finalista. / Su triunfo en el concurso resultó decisivo para su vida, puesto que la magnitud\nde la tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad\ndurante medio siglo. / http://es.wikipedia.org/wiki/Lorenzo_Ghiberti\nperiodo junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio. Donatello se convirtió en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». / http://es.wikipedia.org/wiki/Donatello\nN.E. Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente\ncomo Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da\nVinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo\nserenamente clásico del primer renacimiento florentino. / http://es.wikipedia.org/wiki/Verrocchio\nN.E. Está en la iglesia de Orsanmichele, Florencia.\nuno siente que la mano de Tomás se va a mover y tocar la herida, que Jesús ofrece en un\nacto casi de reto, acentuado por el gesto de la mano derecha del crucificado en alto.\nDonattelo por su lado, nos va a ofrecer la más extraña, bella y acabada obra sobre la autosuficiencia, en un David desnudo, con sombrero y botas, que está\ncasi más orgulloso de su desnudez, de su bella y perfecta anatomía\n(aumentada por la suave curva praxiteliana de sus caderas), que por\nhaber matado al gigante Goliat. Por otra parte, ese erotismo escondido del Renacimiento aparece aquí en forma diáfana y, desde el punto de vista artístico, magistralmente representado. Hay que decir, sin\nembargo, que es una época clásica es decir de belleza serena, pero\nello no es obstáculo para que las pasiones y sentimientos, no se expresen en formas tan sutiles como las de este excepcional David.\nTambién Donatello esculpió relieves para la Cantoria del\nDuomo de Florencia y sus figuras son tan agraciadas o más que las\nde Della Robbia, pero tanto en una como en la otra, la alegría, el movimiento y un sutil aire de inocencia (paradójicamente mezclada con\nuna marcada picardía infantil), flota sobre las ligeras escenas.\nEl Renacimiento buscaba los\ncánones de la belleza griega y el retorno a la sutiliza, agudeza y profundidad\ndel pensamiento griego: filósofos como Chalcondylio o Marsillio Ficino,\npoetas como Poliziano, cantan y propagan las ideas de Platón y un neoplatonismo pujante e inteligente produce una clase intelectualmente liberada, que con su pensamiento vigoroso\nva a crear las bases de las libertades\nmodernas sobre todo intelecto. La tiranía teológica de la Iglesia retrocede y la ciencia, el pensamiento racional toma de nuevo el\nlugar que le corresponde, pero esa liberación trae a las artes el resurgimiento de las interpretaciones de los mitos griegos, del poder secular, de los sentimientos desligados de la religiosidad.\nSandro Botticelli, 19 fue además de un gran artista, un intelectual de méritos, así pudo\ninterpretar genialmente esas ideas y el sentimiento de la antigüedad en dos obras maestras estupendas: la Alegoría del Nacimiento de Venus que en alguna medida, encarna el espíritu renacentista, apasionado, enamorado de la belleza, y del erotismo surgido del desnudo femenino que\nbrilla de nuevo victorioso, para solaz de esa sociedad cultivada, que piensa que es en esta vida\ndonde el disfrute es real, importante y casi necesario, porque el otro es pura especulación; en\nesta obra encontramos el ideal de la belleza renacentista en el rostro de Venus, pretendido\nretrato de Simonetta Cattaneo. 20\nN.E. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia, 1 de marzo de 1451 Florencia, 17 de mayo de 1510), fue un pintor del Quattrocento italiano. Menos de cien años después, esta etapa, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerada por Giorgio Vasari como una «edad\nde oro», un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. La reputación póstuma\ndel artista disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La\nprimavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.\nN.E. Solo está documentado por Botticelli que Venus fue interpretada por Simonetta Cattaneo, llamada\nSimonetta Vespucci o simplemente «la bella Simonetta», una musa florentina elegida por los Medici. Es19\nla Alegoría de la Primavera, esto es alegría pura, danza, amor, escena\nincomparable del arte\npresidia por Venus que\ndesde su lugar predominante, bendice, santifica,\npromueve el amor y la\nalegría, expresada simbólicamente en la hermosísima Primavera, el\ntiempo transparente, luminoso y floreado en el\ncual el Universo renace\na la vida en toda su plenitud, en medio del concierto colorido y armonioso de una naturaleza\nengalanada con todos sus esplendores, que deja Flora esparcidos en el campo después de haber sido poseída por Céfiro, el viento gélido que sopla desde el horizonte. Pero también en el\nplano religioso, Botticelli creó obras bellísimas, una de las más hermosas de este periodo extraordinario es la Virgen del Magnificat (derecha), en donde ella, los ángeles, el color, el magnífico\ndibujo, toda la escena es de\nuna belleza hipnótica, casi\nimposible de aprehender en\nsu totalidad, con unos detalles que relevan el gran virtuosismo del artista. Si la\ndanza es sentimiento hecho\nmovimiento, Botticelli alcanzó la cima de esta relación\nen esta fenomenal Anunciación en la que hay una correspondencia graciosa y musical entre el ángel y la Virgen, que parecen danzar con\nlas melodías celestiales que\ndebieron inundar el universo el día de la Anunciación.\nDe esta fructífera\népoca son los tres grandes\nde la Historia del Arte: Leonardo, Michelangelo y Raffaello. Cada uno de ellos\nprodujo obras de alcance\nuniversal conocidas de toda persona de mediana cultura. Tal es el impacto de su creatividad en la historia humana.\ntos documentos de pictografía indican que para el año 1499 ambos estaban instalados en Castello, entonces propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.\nDe Leonardo tomaría algo quizás no conocido, una que es el puro sentimiento: el retrato de Cecilia Gallerani,\nconocido como la Dama de Armiño, (izquierda) su exquisito estudio de la belleza y la expresividad del rostro humano.\nSu mirada fija en algo, con su resolución,\ncon firmeza, nos dice de la seguridad en\nsí misma, mientras una apretada sonrisa\ncontenida nos muestra el alegre carácter\nde la jovencita. Alegre pero resuelto, como si se sintiera la dueña de la situación.\nTodo un compendio de las emociones del alma humana.\nDe Michelangelo, 21 dos obras han ejercido sobre mí una fascinación inextinguible,\nlas dos absolutamente\ndiferentes, la primera es\nla famosísima Pietá, (derecha) un conjunto asombrosamente armonioso,\nel Cristo muerto con su\nbrazo derecho colgado\ninerte, su pie igualmente lánguido, que parece\nque va a moverse y el\nrostro resignado de la\njovencísima madre, todo ello constituye un\npoema a los más sublimes sentimientos, aquí\nel alma se detiene en su\nencuentra en esta obra\nmilagrosa, un espejo de\nlos más dolorosos sentimientos; es como contemplar la angustia en\nsu máxima expresión pero también la resignación como resultado de la comprensión o admisión de los insondables designios del Creador.\nN.E. Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido\nen español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de\nlos más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.\nDesarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos. / Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de\nla Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.\nLa otra, es la efigie de Lorenzo de Médici, no del magnífico, sino la de un sobrino suyo, un hombre joven que parece estar pensando, mejor dicho, está\npensando, un sentimiento que se amplifica quizás por ese dedo frente a su boca que parece un signo de interrogación. Siempre me he\npreguntado ¿en qué piensa? Una inquietud nerviosa que persiste por\ndías, después que contemplo a este intrigante y gentil caballero…\nRaffaello, el divino, es como la síntesis de Renacimiento, en él\nse conjugan magistralmente los dos anteriores y la dulzura que no era\ncaracterística de aquellos; con otro genio, otra belleza, quizás con otra\nintención, los resultados son igualmente espectaculares. Toda mi vida\nhe admirado, disfrutado, gozado con la Virgen de la Silla. (Abajo) Esta\nobra, una de mis preferidas de siempre, encarna a la perfección esa\ndiferencia: dulzura, color, ajustes al espacio circular, y un sentimiento\ntan diáfano, tan puro, tan suave y tan poderoso, que cuando contemplamos esta obra sin igual, un aura de calma y de sosiego acariciador se\nnosotros. Una obra eterna e infinita\nen sus misterios y sentimientos.\nSi una época en la historia\nexpresó los sentimientos al máximo,\nde forma diríase casi descarada, en\nesta otra época es el Barroco; el Pathos, la pasión, es la que aflora en todas las esquinas y contornos, no sólo\nde la pintura o escultura sino en la\nmisma arquitectura, en donde la complejidad de las formas, las sinuosidades, lo cóncavo y convexo, expresan\nla retorcida pasión que domina una\népoca desarticulada por la grieta\nideológico-teológica de la Reforma\nGian Lorenzo Bernini 22 es el\ngran abanderado de este movimiento.\nSus obras, de lo más inspirado y exacto que jamás se ha producido, reflejan de forma a veces turbadora, las pasiones y sentimientos humanos y divinos.\nescultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco. / Bernini poseía la habilidad de crear en\nsus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también\nde componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza. Su habilidad para tallar el mármol llevó a que fuera considerado un digno sucesor de Miguel Ángel, muy por encima de sus coetáneos\ny especialmente de sus grandes rivales, Alessandro Algardi y Francesco Borromini. Su talento se extendió más allá de la escultura y fue capaz de sintetizar de manera brillante la escultura con la pintura y la arquitectura en un todo conceptual y visual coherente. Hombre profundamente religioso que puso su arte al\nservicio de la Contrarreforma, Bernini empleó la luz como un destacado recurso metafórico que completa sus obras, en ocasiones con puntos de iluminación invisibles que intensifican el foco de la adoración\nreligiosa o amplifican el dramatismo de la narrativa escultórica.\nMuestra de ellos es su Apolo y Dafne, en la que el movimiento, la perfección formal\ny los sentimientos alcanzan un clímax quizá nunca superado hasta ahora. Congela el instante en\nque la ninfa Dafne, perseguida por Apolo, implora ayuda a su madre quien la convierte en un\nlaurel, cuya transformación se percibe ya en\nciertas partes de su anatomía, mientras en su\nrostro se marca con rotundidad el terror y la\nLo mismo puede decirse de su Rapto de\nProserpina (izquierda abajo) en donde la desesperación es prístina en el rostro de la raptada,\nmientras la violencia, el poder, la pasión se traslucen en el\nobra alucinante de\ncasi increíbles como\nque deforman el muslo de la ninfa y convierten, como por arte de magia, el\nmármol en carne viva ante nuestros ojos.\nConsiderada una de sus obras maestras, el Éxtasis de Santa Teresa, es una turbadora\nescena en donde la santa, en un místico arrebato, nos ofrece una actitud que queriendo ser\ndivina roza de forma peligrosa el erotismo, con su sensual rostro dominado por una pasión\nque más parece de este mundo de la carne, que del otro del espíritu; actitud perturbadora que\nrepetirá el genio en la Beata Albertoni (abajo, derecha), en el que destaca la sensualidad mundana en el rostro de la\nque nacen para romper\nlas reglas, pero no sólo, como sucede a menudo hoy día, por el\nhecho de romperlas,\nconocido como Caravaggio, es uno de esos\nafortunados genios que descubren una nueva manera de ver el universo sin perder la maestría,\nla belleza o la pasión por la perfección. Decía que no quería seguir ni copiar a los grandes, a\nlos grandes maestros de la historia, que la realidad era la maestra absoluta, y ella, casi quirúrgi65\ncamente, para usar un término médico, extrajo las mejores esencias, generando ambientes de\nluz y sombras tan contrastantes y asombrosos, que sus cuadros poseen aún hoy en día la propia pasión que logró comunicar a su creación artística. Tomó para ello a la gente corriente como modelo, jóvenes ambiguos, para\nusar una expresión menos fuerte y moderna, y compuso escenas en las que\nla vida vive dentro del cuadro, iluminada por luces que provienen de focos invisibles, creando dramas de luz\ny sombra que dibujan espacios tridimensionales de inusitada realidad.\nEsto es evidente en cuadros\ncomo el Martirio de San Mateo (derecha), en donde el horror de la escena se ve iluminada por la luz que surge del verdugo desnudo dispuesto a\nmartirizar al Santo, que rendido e indefenso, yace en el suelo alargando\nsu mano derecha para alcanzar la palma del martirio que un ángel le ofrece desde una nube. Los demás personajes con sus gestos, como el niño a la derecha, huyen despavoridos para no presenciar la sangre derramada; o el personaje abajo a la izquierda que se aparta a fin de evitar que le manche\nla sangre que surgirá de la herida\nfatal que inflingirá el impasible verdugo, mientras Caravaggio en persona, contempla desde el fondo la\nmacabra escena, envuelta en sombras y luces espectrales y realizada con una impecable maestría.\nAunque sus dramáticas luces impregnaron escenas brutales\ncomo la anterior, también las utilizó en\ncomo en el bellísimo conjunto del Descanso en la huida a Egipto,\n(izquierda, arriba) en donde un viejo y cansado San José sostiene la\npartitura que lee el ángel que toca el violín, mientras la Virgen y\nel Niño duermen plácidamente.\nCabe señalar, como dato curioso y contrastante, que Caravaggio, que era un hombre\nextrañamente violento, que se vio involucrado incluso en algún crimen, varias veces se hizo\nautorretratos como éste en forma de la cabeza sangrienta de Medusa, (derecha. arriba) que nos\nhabla de su oscuro carácter, pero como se puede apreciar, expresan preciosos sentimientos de\nhorror y espanto.\nEn este periodo el arte encuentra su camino hacia libertad. Lo que se puede expresar\ncasi no tiene límites… Ya la Inquisición, con su sombría presencia, cae ante la fuerza y el poder de los príncipes y los reinados absolutistas que desean para sí a los artistas que antes trabajaban sólo para la Iglesia, y entre ellos surge un arte mundano, laico, que expresa las circunstancias totales de la existencia, como se puede apreciar en la obra del artista Bronzino 23 −manierista− que canta a la belleza, al lujo, al poder y la elegancia palaciega en retratos como los de Lucrecia Panciatichi, (izquierda) de refinada prestancia, en donde el lujo de los detalles\nnos da una idea precisa\nde la posición social de la\nretratada, o el magnífico\nretrato de Cósimo de Médici, en donde el poder\nse destaca sobre las formas perfectas, sin olvidarse de que se trata, además, de un hombre de noble alcurnia, así como el de su bella\nhija Bia, cuya condición de ilegítima no impidió que Bronzino la pintara en ese gesto infantil gracioso e inocente.\nEn esta época de teatralidad, aún los cuadros religiosos tienen un cierto encanto mundano y cualquier sentimiento\nparte del vocabulario de pintores tan\ngrandes como Velázquez, 24 que en su\ncuadro Vieja Friendo huevos (derecha),\nnos transporta al mundo de la humilde\ncotidianeidad de una época marcada en\nla historia por el lujo desenfrenado y por\nlos reyes. La maestría de un genio como Velásquez nos hace olvidar lo humilde, lo prosaico de la\nsituación, ante la asombrosa naturalidad de la escena de efectos quasi fotográficos.\nN.E. Agnolo Tori o Angelo di Cosimo di Mariano o Agnolo Bronzino, más conocido como Bronzino, El Bronzino o Il Bronzino (Ponticelli de Florencia, 17 de noviembre de 1503 – Florencia, 23 de noviembre de 1572).\nPintor italiano predominantemente áulico y uno de los más destacados representantes del manierismo,\nque se ha vuelto más refinado, maduro e intelectual. / http://es.wikipedia.org/wiki/Bronzino\nN.E. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, bautizado el 6 de junio de 15991 – Madrid, 6 de\nagosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.\nLo mundano siguió su camino imparable y en el Rococó los sentimientos amorosos alcanzaron una expresión suave, ligera, con su marcado erotismo lírico, que resumía la vida de las\ncortes de Luis XIV y XV, en las cuales, las fiestas en jardines y parques de los palacios de los\npríncipes y de la burguesía rica europea, cobraban una importancia social desmesurada.\nJean Antoine Watteau 25 fue el creador de este arte rosado, casi femenino, que cantaba al amor y su diosa en escenas como\nPeregrinaje a Citeres (izquierda), en donde los personajes se\nembarcan simbólicamente a la isla donde reina el amor: la\nisla de Venus. Lo mismo encontramos en\nel Festival del amor,\nen el cual las parejas\npasean por jardines\narreglados, llenos de\nesculturas e insinuaciones misteriosamente bucólicas. La Toilette (derecha) es otra obra, otro canto a las delicias de\nla pasión por excelencia; una escena de cierta lujuria en la que una mujer, preparándose para el\nbaño o saliendo de él, exhibe orgullosa su cuerpo juvenil\nante la mirada de alguien que la observa en su intimidad.\nCansada la sociedad de este arte ligero, sin profundidad, y a raíz de los descubrimientos arqueológicos\nde la época, liderados por los estudios de Winckelmann,\nel mundo volvió de nuevo sus ojos al clasicismo griego y romano, y en ese instante aparecieron providencialmente dos consumados artistas de la belleza en su más\npura forma: Antonio Canova 26 y Bertel Thorvaldsen,\nantípodas europeos: uno danés y el otro italiano, que\nse juntaron en el luminoso peregrinaje de la belleza\nExpresan los sentimientos no sólo de la más intensa manera, sino que lo hicieron de la manera más\nbella, no exenta de un refinado, real erotismo.\nN.E. Jean-Antoine Watteau (Valenciennes; 10 de octubre de 1684 - Nogent-sur-Marne; 18 de julio de\n1721), pintor francés. Es uno de los grandes genios del último barroco francés y del primer rococó. Se le\natribuye la creación del género de las fêtes galantes: escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y bucólico, bañadas en un aire de teatralidad. Algunos de sus temas más conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet. / http://es.wikipedia.org/wiki/Antoine_Watteau\nN.E. Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un\nescultor y pintor italiano del Neoclasicismo. / Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la\nAntigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la\nantigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.\nN.E. (Albert) Bertel Thorvaldsen (19 de noviembre de 1770 - 24 de marzo de 1844) fue un escultor\ndanés/islandés. / http://es.wikipedia.org/wiki/Bertel_Thorvaldsen\nVeamos primero la obra de Canova,\nartista prolífico que esculpió delicados conjuntos en los cuales el sentimiento se expresa de una forma suave, elegante, casi espiritual, como es el caso de Eros y Psique (izquierda), una de sus famosas creencias, plena de\ngracia, armonía formal, perfección técnica, en\nfin, un milagro del arte, que nos deslumbra\npor su delicadeza y su inusitada suavidad\nmarmórea que nos hace olvidar la frialdad\ndel material y nos hace sentir en un hermoso engaño que estamos ante una escena real\nAl observar los detalles apreciamos\naún más la insuperable perfección formal\nmaravillosa de Canova es su Hebe (derecha), en la que la transparencia\ndel vestido impresiona así como las líneas de su hermoso cuerpo, que avanza hacia nosotros…\nque l as do s\nlos más encontrados sentimientos y\nGracias ( i z quierda), figuras suaves, casi vivas, d e\ntextura aterciopelada, que imitan hasta el engaño la tersura\nde la piel; que con sus actitudes nos incitan a la\ncontemplación sostenida. En ellas el sentimiento mantiene una pureza que paraliza el espíritu, un magistral conjunto de perfección anatómica, de gracia, de armonía.\nEl sentimiento erótico alcanza su clímax en la increíble Ninfa durmiente, un cuerpo\njuvenil, vibrante, vivo, con unas formas voluptuosas que impiden cualquier platonismo; aquí\nla pasión, el sentimiento es real, hay deseo, casi acuciante de poseerla, una necesidad de co-\nnocer esa maravilla de la creación que descansa insolente, enseñando sus nalgas perfectas en\nuna actitud impúdica pero hermosísima, que hasta los cielos pueden contemplar. No sé qué\nsentimientos despierta en ustedes.\nY ahí está la diferencia, Bertel Thorvaldesen es danés, frío, nórdico, que esculpe maravillosamente, pero que carece del fuego mediterráneo y sus obras, de una perfección escultórica extraordinaria, no comunican el sentimiento del italiano; su\nGanímedes (derecha) es un portento de\noculta los sentimientos y los vela a nuestro espíritu, lo mismo sucede con su Jason (izquierda), cuerpo perfecto de belleza serena,\nclásica, pero carente de ese sentimiento que emana a borbotones\nen la Ninfa durmiente de Canova.\nLos pintores, quizás ayudados o potenciados por la revolución francesa, las gestas napoleónicas, el enciclopedismo, especialmente los franceses, exaltaron en sus obras la liberación,\nel sentimiento patriótico como podemos percibir claramente en la Libertad guiando al pue70\nblo de Delacroix, obra magistral para insuflar en el corazón el sentido del deber y la\nPero surge igualmente el arte de erotismo sombrío, casi perverso, en donde el desnudo\nfemenino empieza a usarse y mostrarse como\nun objeto sexual, lo que sucede en obras del\nmismo autor como en Luis de Orleans mostrando a su amante (izquierda), mientras ella\navergonzada vuelve el rostro, tratando de ocultarse del voyeur, y quizás avergonzada de su\namante que la muestra como un simple objeto\nde deleite; lo mismo sucede con Jovencita\njugando con su perro, de Jean Honoré Fragonard 29 en donde el cuerpo de la mujer,\nsu desnudez en sí, es una provocación, una imagen de gran erotismo explícito, casi prohibido hasta entonces.\nLos impresionistas no inventaron nuevos sentimientos, pero sí una nueva manera de\nexpresarlos: a través de la luz. Y ello les permitió construir un mundo de colores y brillos\ncomo no se había visto hasta entonces.\nLos impresionistas y neo-impresionistas\ncrearon mundos de luces extraños, que expresan\nocultos sentimientos, recónditas visiones como\nla Noche estrellada de Van Gohg 30 que en sus\nlaberínticos brillos, alucinantes, retorcidos y mágicos a la vez, nos habla de su locura, de su geN.E. Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 26 de abril de 1798 París, 13 de agosto de 1863) fue un pintor francés. / http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Del\nN.E. Jean-Honoré Fragonard (Grasse, 5 de abril de 1732 – París, 22 de agosto de 1806) fue un pintor\ny grabador francés de estilo rococó cuyo estilo fue distinguido por la exuberancia, y el hedonismo. Uno de\nlos artistas más prolíficos activos en las décadas del Antiguo Régimen, Fragonard produjo más de 550 pinturas (además de dibujos y las aguafuertes), de las cuales solamente cinco están fechadas. Entre sus obras\nmás populares están las pinturas de género que reflejan una atmósfera de intimidad y velado erotismo.\n30 N.E. Vincent Willem van Gogh (en neerlandés Acerca de este sonido Vincent van Gogh (?·i) [ˈvɪnsɛnt\nfɑn'xɔx]) (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue\nun pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.\nnial locura, sentimientos que quizás para aquellos que vivimos en el mundo de la suave normalidad, producen efectos de inquietud y turbación.\nPero de ese arte colorido, luminoso, también surgen sentimientos de complacencia y calma, de intimidad y tranquilidad como sucede al contemplar a Jeanne\nMarguerite Lecadre en el Jardín.\nUn sentimiento de paz inunda\nnuestra alma al surgimiento de esta escena llena de sosiego, de silenciosa intimidad, suavemente bañada por la luz del sol.\nPero ¿Y el siglo XX? También en él encontramos sentimientos. Es cierto que la belleza durante algunos años desapareció de la\nescena del arte, pero aún en obras\nde Picasso, en su extraño y deformado arte, podemos encontrar potenciados, precisamente por estas\nmismas horrorosas deformaciones, sentimientos como\nel sufrimiento, la angustia tal y cual sucede en su Mujer llorando 32 (derecha), que con sus horribles deformaciones, muy intencionadas, nos asusta con un es-\npantoso gesto; pero también en su época azul encontramos la tristeza, la soledad, en cuadros como el Desayuno de\nun hombre ciego (izquierda), magistral y\nturbadora interpretación de la soledad y\ndesamparo de los no videntes.\nN.E. Mujer en el jardín (en francés, Femme en blanc au jardin) es un cuadro del pintor impresionista\nClaude Monet, que data de 1867. Es un óleo sobre lienzo, actualmente ubicado en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia. / http://es.wikipedia.org/wiki/Mujer_en_el_jard%C3%ADn\nN.E. La mujer que llora es uno de los cuadros pintados por Picasso tras la Guerra Civil Española. El\ndolor y el sufrimiento se hace patente. No hay lugar para la serenidad y el equilibrio. Las líneas se quiebran y los colores se contraponen. Los colores nos evocan los tonos de la bandera republicana.\nOtro artista que expresa magistralmente los sentimientos en el pasado siglo es Amedeo Modigliani,33 creador de gran colorido y profundos\nsentimientos injustamente relegado durante muchos años.\nSegún mi saber y gusto personal, uno de los más\noriginales del siglo.\nSus retratos son dechados de elegancia y sentimientos, como podemos apreciar en el Retrato de Victoria (izquierda), un estudio sicológico que nos muestra, en el rostro\nde la joven mujer, una gama de sentimientos exteriorizados\nque indican una vida complicada llena de tristezas, tribulaciones, desengaños y quién sabe qué otras complejidades en\nAquí en nuestro país, Carlos Cañas, 34 el gran maestro, expresa con hondura, con horror, la oscura verdad de\nnuestro pasado conflicto en una obra espeluznante, tenebrosa, que relata en colores terrosos, grises y azules mortuorios,\nel agobiante y acusador silencio de la muerte en su magistral Sumpul.\nN.E. Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un\npintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París. / Arquetipo del artista bohemio,\nen su vida hubo estupefacientes, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad, y sólo alcanzó la fama después\nde muerto. / http://es.wikipedia.org/wiki/Amedeo_Modigliani\nN.E. Carlos Cañas también conocido como Gonzalo Rodríguez Cañas, Carlos Gonzalo Cañas o Carlos\nAugusto Cañas (San Salvador, 3 de septiembre de 1924 - ibídem, 14 de abril de 2013) fue uno de los mayores exponentes en la historia de la pintura de El Salvador. Se considera el precursor del arte abstracto en\nsu país, aunque su prolífica obra se expresó en diferentes corrientes artísticas a través de los años. El\naño 2012 fue reconocido con el Premio Nacional de Cultura.\nTambién la alegría surge potente en nuestro joven arte, en la obra colorida de ese injustamente olvidado Pedro Ángel Espinoza, 35 cuyo Gallero, además de ser imagen del orgullo, con su sonrisa bonachona, expresa exactamente la alegría ingenua de nuestro pueblo\nComo hemos podido observar a través de este viaje por algunos de los estilos artísticos, el arte, desde el inicio del tiempo, comunica los sentimientos más variados. Son ellos\nla más clara expresión del espíritu; la forma que adopta el alma para comunicarse con el\nexterior: el amor, el odio, la ternura, la compasión, son las formas sutiles con que interactuamos con nuestro prójimo y con el universo circundante; son la sustancia vital del arte y\nHoy hemos visto su variación en el devenir de los siglos y hemos rendido homenaje\na los genios que han dejado para nosotros, en la distancia del pasado, su eterna presencia en\nel caleidoscópico mosaico de la creación artística.\nSan Salvador, 16 de mayo de 2008.\nN.E. Pedro Ángel Espinoza (1891-1939), salvadoreño, De orígenes muy humildes, su pintura tiene como tema central al pueblo campesino, pobre y marginado. "Primera reforma agraria de El Salvador" es su\nobra más conocida y curiosa ya que el tema es una reforma agraria inexistente. En 1935, al ser pintado\nel óleo, esto no había sucedido. Es posible que Espinoza haga una alusión al frustrado levantamiento de\nlos oprimidos campesinos e indígenas en 1932 y a una meta injustamente no alcanzada.\nNació en agosto de 1950, en San Salvador, El Salvador. Estudió la carrera\nde Filosofía en la Universidad Centroamericana José Simeón Cañas, UCA,\n(más cuatro años completos de Letras). Su tesis versó sobre Lo Ético y lo Estético en Salarrué (1980), a la que se aunó, en 2002, el trabajo monográfico\n"La Idea de Sujeto en Michel Foucault".\nEn su juventud fue miembro fundadora de la Juventud Musical Salvadoreña\ny del conjunto folklórico MAHUCUTAH, que fundara y dirigiera su hermano,\nel compositor Luis Díaz Hérodier.\nEn 1972 ganó el segundo lugar en la rama poesía, en el LVII Certamen Centroamericano de los Juegos Florales de Quezaltenango, Guatemala, con su\nlibro Volcán de Mimbre, editado en 1978 por la Dirección General de Publicaciones del Ministerio de Educación de El Salvador, prologado por el Dr.\nDavid Escobar Galindo, quien dice:\n“Claudia Hérodier tiene un sitio de primera línea: por la riqueza\nde su mundo interior, por la vitalidad de su mundo existencial,\npor su completa independencia de ánimo y de criterio”…\nEn l982 marchó a Nicaragua, de donde partiría en l988 rumbo a Guatemala.\nAhí cursó algunos años de Artes Plásticas y formó parte del grupo pictórico\nARTE NUEVE. Retornó a El Salvador en septiembre de 1994.\nEn 1996-1997 creó, desarrolló y coordinó para la Fundación María Escalón\nde Núñez el Primer Certamen Nacional de Poesía Femenina “Matilde Elena\nLópez”, (el cual fue apoyado por una inusual jornada cultural que duró siete meses) y la celebración del Primer Centenario de Nacimiento del Maestro\nEdmundo Barbero que igualmente estuvo apoyada por varias actividades\nFue miembro activo y co-fundadora (1996) del primer grupo literario de mujeres de El Salvador, POESIA Y MÁS, que se caracterizó por haber instaurado\nen el país lo que dieron en denominar Espectáculos Poéticos y ConferenciasRecitales.\nAunque la mayoría de su obra permanece inédita, tiene varios libros publicados. Su nombre ha sido incluido en varias antologías.\nEntre 2005 y 2008 escribió el libreto de la ópera “El Mozote”, del compositor\nLuis Díaz Hérodier, estrenada mundialmente en Bogotá, Colombia, en 2008,\ny representada en El Salvador por Ópera de El Salvador, OPES (2013), teniendo como invitados especiales a la soprano colombiana Beatriz Mora y al\ntenor norteamericano-salvadoreño Oswaldo Iraheta.\nDesde 2001 a la fecha se desempeña como Coordinadora de Publicaciones\nPeriódicas de la Universidad “Dr. Matías Delgado”.\nCasado con la arquitecto Sonia Perdomo, con la que tiene tres hijos: Carolina, Rodrigo y Diego, Luis Salazar Retana nació el 18 de agosto de 1943.\nEstudió arquitectura, artes, sociología y computación, lo que le permitió,\nhace unos años, ser director de la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad Dr. José Matías Delgado (UJMD), así como ser profesor de Estética,\nHistoria del Arte, Cultura y Pensamiento Nacionales, Historia Analítica de\nla Arquitectura, Apreciación Artística e Historia de la Cultura en la misma\nEn la actualidad, en la misma institución, es Secretario General, Decano de\nla Facultad de Ciencia y Artes Francisco Gavidia (que comprende las Escuelas de: Artes Aplicadas, Comunicaciones, Arquitectura y Psicología), y es\nmiembro del Consejo Directivo, de la Sala Legal, y también del Consejo\nPor otra parte, en su calidad de Conferencista e Historiador de Arte, Escritor\nde Narraciones, Comentarista e Historiador del Arte Salvadoreño, Especialista en Arte Renacentista y Barroco y Especialista en Arte Italiano, ha dado innumerables charlas, tanto a nivel nacional como internacional, destacándose el ciclo de conferencias sobre Arte Italiano en la Assitenza Italiana de San\nSalvador, desde el año 2000; el ciclo de conferencias para el Instituto Italiano\nde Cultura, Ciudad de Guatemala; conferencista anual −durante los últimos\nseis años− en el Colegio de Altos Estudios Estratégicos de las FFAA de El Salvador; el curso permanente de arte en el Museo MARTE, así como el curso\ngeneral de arte para capacitación de las Guías de dicho museo.\nCreador del programa televisivo Debate Cultural, en Canal 10, fue también\nsu conductor durante muchos años.\nActualmente es Miembro de Número de la Academia Salvadoreña de la Lengua, correspondiente de la Real Academia de la Lengua Española y Presidente de la Societá Dante Alighieri.\nColección de pintura contemporánea, El Salvador. Tabacalera de El Salvador, 1ª. ed.1995.\nBosquejos de un mundo perdido: memorias. Editorial Delgado, Universidad Dr. José Matías Delgado, 2014.\nCuentos fantásticos y poéticos. Edic. restringida. Imprenta y Ofset Ricaldone, 2014, El Salvador.\nEl relojero y otras fantasías,(s.e.) Artes Gráficas Germinal, 2001.\n(Libro de narraciones, con portada de Salvador Choussy, e ilustraciones interiores\nde: Mauricio Mejía, Salvador Choussy, Walterio y Mauricio Linares. Las veintiocho\nnarraciones que integran el corpus, aparecen fechadas entre 1990 y 1995).\nMagia y simbolismo en la Pintura Centroamericana.\nPublicaciones varias en las revistas Gente, On Board, Tendencias, etc.\nArtículos de crítica artística de pintores nacionales y extranjeros.\nArtículos monográficos en revistas sobre Salarrué, José Mejía Vides, entre\nBreve Guía del Museo Forma.\nComentarios en los libros sobre Roberto Galicia y Negra Álvarez.\nArtículo sobre Walter Iraheta en la revista de la Universidad Autónoma de\nMás de trescientas narraciones publicadas en el "Suplemento" Dominical\nMás de Doscientas en el Diario El Mundo.\nUna novela aún inédita: Los sueños en el espejo.\nArtículos de opinión en la prensa Nacional.\nDesde hace cuatro años, publica todos los sábados en el Diario de Hoy:\nLos relatos de Luis Salazar Retana.\nHa sido Jurado de eventos nacionales y centroamericanos de pintura, cuento y escultura.\nEntre ellos, cinco veces Jurado del Premio Nacional de Cultura.\nEn 2012 recibió la Condecoración: Commendatore dell ́Ordine Della Stella\ndella Solidarietá Italiana, concedida por la República de Italia.\nEn la actualidad prepara y revisa materiales para nuevas publicaciones.\nBoletines Culturales Informativos No. 53\nSalazarRetana Y Luis SU GASTRONOMÍA Pág. Retana Arq. Luis Salazar\nrevista: julio 2012\nla revolución industrial camila abiad maria paula aldana daniela del\nFiesta de San Nicolás - Círculo Hispano