RW Enhancer - Mejoras de gráficos para Train Simulator - FerroSim\nMensaje sin leer por Bermúdez » 25 Dic 2018, 21:15\nAcabo de descubrir un paquete de pago de mejoras gráficas para Train Simulator 2019 llamado RW Enhancer, siendo su precio de 9,99 €. Su desarrollador es Lonely Bits Games (es la primera vez que lo oigo).\nTotalmente modificable y configurable con un software de configuración\nNueva técnica de iluminación basada en renderizado de base física\nNuevo Adaptative bloom con efecto de adaptación ocular\nEfecto SSAO soportado\nMejoras en la profundidad de campo\nMejoras en el renderizado de la niebla\nMejoras de sombreado de la vegetación 2D\nMejoras de la flora procedural\nNuevo efecto de brillo de luz optimizado\nMejoras de reflexiones especulares\nMejoras en el renderizado del vidrio\nMejoras de efectos de clima\nMejoras de imagen (nitidez inteligente, tonemapping ...)\nMejoras de renderizado de sombras del sol\nPD: Yo creo que es parecido al ya conocido Reshade, solo que de pago.\nMensaje sin leer por Pinchos » 25 Dic 2018, 22:38\nPor lo que he visto, no hay nada en este RW Enhancer que no se pueda hacer con ReShade y un poco de paciencia con los efectos que proporciona. Pero claro, hay gente que carece de los conocimientos necesarios para usar ReShade y decida, con dinero de por medio, que les ofrezcan el trabajo ya realizado. No me parece mal, pero veo que el precio es un poco excesivo en mi opinión.\nMensaje sin leer por cardamomo » 26 Dic 2018, 10:05\nPues a lo mejor, para catetos como yo viene bien el programa este. Hace tiempo intenté con ReShade y apenas conseguí nada, no sé si por no saber qué tocar o porque mis ojos no eran capaces de apreciar los cambios. Vamos, que lo desinstalé. A lo mejor le echo un vistazo.\nMensaje sin leer por Feve32 » 27 Dic 2018, 00:39\nEste paquete de mejoras de graficos para TS2019,¿acelera la carga de escenarios, rutas y assets de las mismas?\nMensaje sin leer por Pinchos » 27 Dic 2018, 07:11\nNo, es sólo un paquete de mejoras visuales. De hecho, si no tienes un PC con una buena gráfica, es posible que TS2019 te vaya más lento.\nMensaje sin leer por Feve32 » 27 Dic 2018, 11:03\nO sea que el train simulator 2019 me irá a la misma velocidad que hasta ahora,¿no?\nPero, ¿y si le quito alguno asset gratuito?\nMensaje sin leer por Bermúdez » 27 Dic 2018, 12:26\nCreo que la respuesta ya te la ha dado el compañero Pinchos en el mensaje anterior. Preguntar lo mismo pero de diferente forma no hará que cambien las cosas.\nMensaje sin leer por Feve32 » 27 Dic 2018, 13:03\nPor un lado,creo que merece la pena gastar casi 10€ por un pack que incluye mejoras gráficas para el juego y a lo mejor sirve de algo que me compre el pack US Loco & Asset de Steam cuyo precio actual es de 11,99€ ahora con un 50% de descuento quedando su precio a 5,99€, y por el otro,no se si el pack RW Enchancer al igual que Steam se instala de la misma manera solo que la pagina de compra es diferente de la de Steam, ¿no?\nMensaje sin leer por Pinchos » 27 Dic 2018, 15:46\nNo, RW Enhancer no se instala como si fuera un DLC de Steam. Hay que descargar un ejecutable e instalar manualmente en el PC siguiendo las instrucciones (únicamente en inglés) que ofrece.\nMensaje sin leer por Feve32 » 27 Dic 2018, 16:32\nMuchas gracias,sin embargo,¿obtendría alguna mejora para el simulador adquiriendo el US Loco Asset Pack de Steam?


Control de pozo petrolero pdf hngti\nFigura 4: Pozo de alivio para recuperar el control del pozo. individuales de las compañías petroleras y otras directrices y documentos de la •Carga manual.\nFigura 4: Pozo de alivio para recuperar el control del pozo. individuales de las compañías petroleras y otras directrices y documentos de la •Carga manual. pleadas en el proceso de extracción y bombeo de los pozos petroleros durante la cuales se encuentra un “Sistema de monitoreo y control de pozos petroleros en el Recuperado de http://www.nccouncil.org/pdf/Subsurface%20Inves-. 20 Abr 2017 Los pozos de hidrocarburos son perforaciones profundas necesarias Diseño de Pozos Petroleros (25 min) Estimulación/Control Arena. En la actualidad el control de los yacimientos de hidrocarburos está de fondo de pozo se realizan en pozos petroleros que producen por Manual del curso. fora un pozo petrolero. Definición. Fluido de control: es el fluido circulatorio que se uti- liza en un equipo de perforación o terminación de pozo, formado por una\nreacondicionamiento para pozos petroleros en los campos MDC y fue en el control del pozo específicamente en el filtrado y composición del fluido de matado\nque el pozo no tomaba el volumen correcto de fluido, no se inició acción correctiva alguna. • Evaluación incorrecta de la situación crítica en el control del pozo a reacondicionamiento para pozos petroleros en los campos MDC y fue en el control del pozo específicamente en el filtrado y composición del fluido de matado La cementación es el proceso de aplicar una capa de cemento alrededor de las sartas de tuberías de revestimiento de un pozo. Es una etapa fundamental en la almacenamiento y a la producción de yacimientos petroleros. conoce e interpreta el equipo de perforación de un pozo petrolero. 3. 5.5 Sistemas de control.\nfora un pozo petrolero. Definición. Fluido de control: es el fluido circulatorio que se uti- liza en un equipo de perforación o terminación de pozo, formado por una\n–Efectos de sobrecarga. –Presión de pozo normal, subnormal y anormal. • Término de control de pozo primario. –Presión fuerza y área. –Presión hidrostática. Esto ofrecerá un margen de seguridad igual CONTROL DE POZOS 23 EQUIPO Una regla empírica aplicada en el campo petrolero sugiere tres veces el pozo petrolero es la invasión de fluidos de la formación al pozo, fenómeno conocido desarrollar software de simulación para el control de pozos petroleros que sean Manual de control de pozos para las operaciones de petróleo y gas. Control de Pozos, Presión Hidrostática, presión del yacimiento, presión estática de fondo, presión Ecopetrol 1921 inició la actividad petrolera en Colombia con la puesta en producción MANUAL DE CONTROL DE POZOS. Agosto 2001.\nEsto ofrecerá un margen de seguridad igual CONTROL DE POZOS 23 EQUIPO Una regla empírica aplicada en el campo petrolero sugiere tres veces el\nalmacenamiento y a la producción de yacimientos petroleros. conoce e interpreta el equipo de perforación de un pozo petrolero. 3. 5.5 Sistemas de control. Manual Técnico petrolero trabajo y el control y la regulación de las grandes empresas. Entre estas se le consideraba el mayor pozo petrolero del mundo.\nManual Básico de Control de Pozo Petrolero. Consultado el 18 de junio de 2018. [en línea] Disponible en: https://issuu.com/biliovirtual/docs/\nControl de Pozos, Presión Hidrostática, presión del yacimiento, presión estática de fondo, presión Ecopetrol 1921 inició la actividad petrolera en Colombia con la puesta en producción MANUAL DE CONTROL DE POZOS. Agosto 2001. View MANUAL DE CONTROL DE POZOS (WCI).pdf from HUMAN MISC at Valle de En la industria petrolera se manejan diferentes tipos de presión, así como: Figura 4: Pozo de alivio para recuperar el control del pozo. individuales de las compañías petroleras y otras directrices y documentos de la •Carga manual.\n20 Abr 2017 Los pozos de hidrocarburos son perforaciones profundas necesarias Diseño de Pozos Petroleros (25 min) Estimulación/Control Arena. En la actualidad el control de los yacimientos de hidrocarburos está de fondo de pozo se realizan en pozos petroleros que producen por Manual del curso. fora un pozo petrolero. Definición. Fluido de control: es el fluido circulatorio que se uti- liza en un equipo de perforación o terminación de pozo, formado por una los Pozos. Petroleros? El Pozo de Producción. Constituye el paso decisivo para determinar el valor de los La vigilancia y control estricto de la producción de.


¿Medias sí o no? Estas son las claves (a favor y en contra) de los expertos en moda para llevarlas esta temporada\n¿Medias sí o no? Estas son las claves (a favor y en contra) de los expertos en moda para llevarlas esta temporada. | Szymon Brzoska / IMAXTREE\nRepasamos las tendencias y atendemos a los consejos de los estilistas para lucir (o no) las medias este otoño-invierno.\nUna temporada de frío más, vuelve el eterno debate: ¿medias sí o medias no? Y es que no importa cuántos años pasen o qué propuestas se muestren en pasarelas y tiendas; este complemento siempre contará con tantas defensoras como detractoras, quizás, porque su manual de uso es cada vez más amplio y diverso.\n"Las medias pueden elevar tu estilo... o destruirlo", resume al respecto el aclamado estilista José Herrera, a quien recurrimos en busca de respuestas en este momento en el que, mientras las nuevas colecciones se llenan de diseños fantasía, muchas de nuestras referentes de estilo rechazan usarlas pese a la caída de las temperaturas. ¿El consejo de los expertos? ¡Ojo con las que eliges! "Hay que buscar las que más favorecen a cada una y tener cuidado con las tendencias, los estampados y el tipo de zapatos con el que se combinan".\n- ¿Con o sin medias? 'Bloggers' y redactoras de moda abren el debate\n- Medias sí o no, el look que podrás llevar con las piernas al aire en otoño sin pasar frío\nRespecto a los diseños más punteros, Marta Lasierra, directora de moda de Woman Madame Figaro, tiene las claves para acertar: "las estampadas y con 'animal print' vienen pisando fuerte, las de rejilla se llevan en todas sus modalidades y, para la noche, nada como un modelo de lúrex o de topitos", explica.\nTendencias de medias en la pasarela: de lúrex en Marc Jacobs, a todo color y con zapatos a juego en Christian Cowan y con plumas en Christian Dior. | IMAXTREE\nCada una de estas tendencias, asentadas en el 'street style' desde hace varias temporadas, tienen sus propias normas. Por ejemplo, "las medias fantasía tienen un alto nivel de riesgo", asegura el experto, por lo que "solo son aptas para ocasiones muy especiales y piernas casi perfectas"; mientras que, en su opinión, las de plumeti se pueden emplear tanto para eventos de noche o de cóctel, sobre todo con looks de color negro.\nEn cuanto a las medias de rejilla, en pleno auge, existen dos opciones opuestas: "podemos llevarlas de manera juvenil con botas Dr. Martens o zapatillas o elegir una trama de rejilla mucho más fina para utilizarlas de una manera más elegante combinadas, por ejemplo, con 'stilettos' y trench".\nMedias de rejilla y corazones en el 'street style' de Milán. | Vincenzo Grillo / IMAXTREE\nNo cabe duda de que el calzado es una parte fundamental a la hora de elegir si es preferible llevar medias o lucir la pierna al descubierto. "Las de colores quedan genial con calzado del mismo tono, las opacas me encantan con deportivas y, en cambio, una sandalia de tacón para la noche la entiendo sin medias; además, yo soy partidaria del 'legging', que es una media cortada al tobillo, con 'stiletto' y sastre", confirma Lasierra atendiendo a las ideas vistas en las Semanas de la Moda internacionales.\nY ¿qué pasa con las clásicas medias de cristal? Este modelo ha pasado de ser un mito de la feminidad hace unas décadas a convertirse en un complemento controvertido e, incluso, odiado por muchas en este momento. "Ahora se usan menos porque son muy delicadas y las mujeres tenemos vidas muy activas... y porque aceptamos más nuestro color de piel natural", justifica la estilista. Sin embargo, "favorecen mucho a la pierna, solo hay que elegir siempre el tono exacto de tu piel y, por supuesto, sin brillo", sentencia el creativo.\nMedias de encaje con deportivas blancas en el 'street style' de Nueva York. | Szymon Brzoska / IMAXTREE\nKaia Gerber y su secreto para no llevar medias


La pantalla de Madrid: Brujas made in Spain | Madriz\nLa pantalla de Madrid: Brujas made in Spain\nLas brujas han vuelto al cine con el éxito de “The Witch”, sobre la pesadilla de una familia puritana y sus animales domésticos. ¿Hay brujería en el cine español? Por Grace Morales\nPues no mucha, para qué nos vamos a engañar. El cine no se ha prodigado en este género y casi ninguno trasciende el estereotipo creado por la literatura en el personaje de Celestina, hechicera clásica de la ciudad. Después, las brujas se utilizaron en simples roles cómicos o grotescos para las comedias de magia del Siglo de Oro y el Renacimiento.\nValle-Inclán las recuperó como parte de su mundo literario (“Divinas palabras”, por ejemplo, que fue llevada al cine) y García Lorca como elemento del folclore popular.\nDe 1923 es la adaptación de la ópera cómica de Ruperto Chapi, “La bruja”, una zarzuela que tuvo mucho éxito a finales del XIX, cuando este género luchaba por ser una alternativa al teatro lírico italiano. Ambientada en la época y el lugar de los hechos de Zugarramurdi, relata un cuento de doncellas encantadas.\nEl cine no habló de brujas hasta los años setenta, y lo hizo simplemente como recurso del destape y las dobles versiones para mostrar mujeres desnudas, además de un pequeño subgénero dentro del fantástico español. Del 67 es un producto, en la línea de la serie de tv “Embrujada”, titulado “Una bruja sin escoba” (J.M. Elorrieta), coproducción con USA, que protagonizaron María Perschy y Jeffrey Hunter. Lo único divertido son los decorados madrileños de cartón piedra y la aparición de la Sansona del Siglo XX. La Casa de Campo madrileña también aparece en “El juez sangriento” (a.k.a. “El proceso de las brujas” o “El trono de fuego”, 1970), otra coproducción a cuatro países, dirigida por Jesús Franco. Christopher Lee es aquí el inquisidor desatado (ayudado por el siempre inquietante Howard Vernon), quien tortura a bellas vedettes (entre ellas, inolvidables Diana Lorys y Serena Vergano) y es derrotado en un complot político basado en hechos y personajes reales. De la misma época es “Las amantes del diablo” (de nuevo, J.M. Elorrieta, 1971), escrita y protagonizada por Espartaco Santoni, como atractivo nigromante que “recluta” mujeres en la costa de Marbella para su Sabbat (cameos incluidos de Jaime de Mora y Marujita Díaz). Hasta Nadiuska tiene un papel de bruja reencarnada en “Desnuda inquietud” (Miguel Iglesias Bonns, 1976), aunque la cosa se publicitara como una oferta de desnudismo y abusos.\nEl gallego Amando de Ossorio, uno de los grandes especialistas del fantastique, rodó “La endemoniada” en 1975. Se lanzó como una violenta explotación de “El Exorcista”, pero en la trama se incluye una maldición de bruja zíngara, interpretada en dos partes por la estupenda Kali Hansa y la gran Tota Alba, en una caracterización tremenda. La niña protagonista, Marian Salgado, fue la encargada del doblaje al español de la película de Friedkin (la veríamos también en “Quién puede matar a un niño”) De Ossorio también es “La noche de los brujos” (1974), pastiche mondo vudú con Barbara King (sic) y Loreta Tovar, como turistas transformadas en mujeres-leopardo, o más bien screaming starlettes con bikinis estampados de leopardo, una de las más fascinantes y divertidas películas de los setenta.\n“El monte de las brujas” (del experto director de fotografía, Raúl Artigot, 1972) es la primera película en la que la brujería adquiere un nivel de cierta dignidad. Una pareja (Patty Shepard, reina del fantástico, y el exótico John Caffari) se pierde en una montaña asturiana y allí los “encuentra” un peligroso culto femenino, como venganza orquestada por Mónica Randall. Es muy estereotipada y el final tiene una sorpresa, pero viene con elementos muy recomendables, como la sesión fotográfica, la música (del madrileño Fernando García Morcillo, autor de docenas de bandas sonoras del cine español), la coreografía del aquelarre y la caracterización de las actrices, más en sintonía con el género de terror que con el vodevil que rodeaba a estas producciones.\nJacinto Molina dirigió y escribió en 1976 “Inquisición”. La historia del juez implacable, siempre acompañado de un ejemplar del “Malleus Malleficarum”, llega a una aldea cercada por la peste y la emprende contra las mujeres, alentado por la delación de los lugareños (imponente Manolo Iranzo), aquí realiza un giro. La protagonista femenina (Daniela Giordano), lejos de amilanarse por haber perdido al novio en un asalto ordenado por el inquisidor (el propio Paul Naschy), decide abrazar el lado oscuro para acabar con el fanático, siguiendo los procedimientos de la bruja del pueblo (como siempre, fantástica en su papel, Tota Alba). Y el juez pasa de tener un simple interés carnal por la chica a enamorarse perdidamente y terminan los dos en la hoguera. Mientras tanto, el dentista (y cirujano) del pueblo subraya la verdadera intención de estas persecuciones y niega la existencia de poderes demoníacos. El director, cuidando todos los detalles históricos, ambientó la trama en Francia, por consejo de Julio Caro Baroja, aunque la película se filmó en el pueblo de Arganda. En uno de sus mayores éxitos, el guion de “La noche de Walpurgis” (León Klimovsky, 1971), Naschy mezclaba a su maravilloso personaje del hombre lobo Daninsky en una lucha ¿a muerte? contra una malvada bruja/vampira, la condesa Dárvula, interpretada por Patty Shepard, imponente en su caracterización.\nDe toda esta filmografía brujeril, “Akelarre” (1984) sigue siendo la más sobresaliente. Vista de nuevo estos días y a las pocas semanas de “The Witch”, creo que la norteamericana carece de la complejidad y la dureza que tiene esta película de Pedro Olea, como la de Eggers, de intención histórica y como conjuro de pesadillas. En los días del estreno hubo una gran polémica acerca de las intenciones del director, y aunque él negase este extremo, la lectura política sobre su relación con la situación de Euskadi es innegable. Pero más allá de coyunturas, sigue siendo un buen relato inspirado en el proceso de Zugarramurdi del s. XVII. La coexistencia pacífica de los ritos antiguos (el consejo matriarcal que se reúne en las cuevas para discutir y celebrar cada mes) con los ritos cristianos (la abadía de los frailes) en aquel territorio de Navarra, es un equilibrio que se rompe cuando el señor feudal se niega a dialogar con los campesinos. Para acallar las peticiones de mejoras económicas y sociales, el noble recurre, con la ayuda del sacerdote católico del pueblo, a un chivo expiatorio: las brujas. Con la llegada del inquisidor castellano y su carromato de torturas, la violencia estalla en el pueblo. Grandes interpretaciones y diálogos (Mari Carrillo, López Vázquez, Silvia Munt, Félix Rotaeta…), puesta en escena fría y violenta, sigue siendo válida para ejemplificar cualquier situación injusta donde se inventa un argumento peregrino para dar alas a la burricie…\nDesde otro punto de vista se hizo “Bruja, más que bruja” (1976), de Fernando Fernán Gómez. Como sucedió con “El mundo sigue” (1963), se presenta en este verano de 2016 una copia restaurada para salas. Es un precedente de grandes éxitos como “Amanece que no es poco”, pero con unas dosis de vitriolo que no tiene el clásico ni el cine español desde hace mucho tiempo. Al igual que la obra maestra de Fernán Gómez, “El extraño viaje”, se escribió a partir de un hecho real recogido en prensa: un tipo había matado a hachazos a un pariente para quedarse con su mujer. Adujo que se lo había ordenado la bruja del pueblo. Con esta historia, el director rodó un melodrama rural esperpéntico, que incluye números de zarzuela. Sí, los personajes en determinados momentos se ponen a cantar. Por supuesto, lo hacen doblando de forma exagerada las voces de otros artistas que no les corresponden, al estilo del celuloide rancio. Pero no es una comedia, a pesar de escenas como esta, donde brilla José Lifante:\nEl mal ambiente en el pueblo va aumentando. Se crea un cuadro negrísimo sobre la vida española. La ignorancia, el peso de la autoridad, los tabúes sexuales… Los actores, estupendos, Fernán Gómez, Paco Algora y Enma Cohen. La bruja del pueblo, que se revela como el único personaje racional de la película (siendo duramente castigada por ello), es interpretada por una excelente Mary Santpere, desprendida de sus tics de cómica.\nJaime de Armiñán firmó una bella película sobre la magia y el teatro (“La hora bruja”, 1985, con Rabal, Velasco y Abril), tenemos la adaptación de Saura de “El amor brujo” (1985), con Enma Penella en el papel de la Hechicera… Hay otras producciones que tocan el tema de refilón, pero sin ahondar.\n“Urxa” (Carlos A. López Piñeiro y Alfredo García Pinal, 1989) tiene un enorme valor, no sólo en lo artístico, sino como testimonio de las costumbres de las curanderas gallegas. Construida sobre tres piezas, cada una en una época, recoge la evolución del culto a la naturaleza de las mujeres y la permanencia del conocimiento antiguo a través del tiempo, la adversidad y los cambios. Una gran película.\nSí, hay películas españolas de género sobre vampiras, sacerdotisas del demonio, chicas diabólicas…, pero con las brujas la cosa está difícil. Los directores siempre las venden como la Bruja Avería. Pero qué voy a saber yo, si sólo soy una mujer con mi escoba…


El Gobierno mexicano inhabilita a la farmacéutica Pisa tras meses de tensión | EL PAÍS México\nEl Gobierno mexicano inhabilita a la farmacéutica Pisa tras meses de tensión\nLa sanción por 30 meses a uno de los mayores laboratorios del país se produce cuando arranca la compra multimillonaria de medicamentos por parte del Ejecutivo\nBeatriz GuillénJon Martín Cullell\nMéxico - 21 oct 2020-22:30 UTC\nLa secretaria de la Función Pública, Irma Eréndira Sandoval, junto al presidente López Obrador, en enero.Sáshenka Gutiérrez (EFE)\nEl frente abierto entre el Gobierno de Andrés Manuel López Obrador y los laboratorios Pisa ha terminado este miércoles con la inhabilitación de la farmacéutica, una de las mayores del país. La Secretaría de la Función Pública ha anunciado que apartará durante 30 meses de toda adquisición pública federal a la empresa y a su filial, la distribuidora Dimesa. Además les impone una multa de 1,1 millones de pesos (algo más de 50.000 dólares) a cada una. La dependencia las acusa de entregar información falsa para lograr un contrato con el Instituto Mexicano de Seguridad Social (IMSS). Sin embargo, fuentes de la empresa consultadas por este periódico consideran que la medida es “desproporcionada” y busca evitar su participación en la próxima compra consolidada de medicamentos.\nLa Secretaría ha señalado que durante el proceso de adjudicación de un servicio de anestesia en 2017, las compañías presentaron una documentación que aseguraba contar con las condiciones técnicas para cumplir con el contrato y, "sin embargo, dicha información no respaldaba plenamente la oferta, lo cual representaba un riesgo para la salud de los derechohabientes del IMSS”. La denuncia que desencadenó la investigación fue presentada por otra empresa del sector salud. En un comunicado difundido este miércoles, la empresa señala que la inhabilitación no afecta a los contratos ya vigentes con el sector público ni a sus ventas a hospitales privados.\nEste es el último capítulo de un enfrentamiento que comenzó en mayo de 2019 cuando Cofepris, la dependencia federal encargada de vigilar la calidad del material sanitario, lanzó una inspección en la planta de Pisa en Ciudad de México. Una dosis de metotrexato, una de las quimioterapias más comunes, había causado efectos adversos en un grupo de niños de un hospital de Puebla. Los inspectores no encontraron defectos en el producto, pero sí detectaron irregularidades en la fabricación. Cofepris ordenó el cierre de la línea de producción de metotrexato, lo que desencadenó fallas en el desabasto de esta y otra veintena de quimioterapias que el Gobierno todavía no ha logrado resolver.\nA principios de 2020, tanto la titular de la Secretaría de Función Pública como el subsecretario de Salud, Hugo López-Gatell, criticaron públicamente a Pisa. López-Gatell acusó a los laboratorios de “chantajear” y “amenazar” con no distribuir el metotrexato. El 23 de enero, Sandoval detalló que había seis expedientes abiertos contra la empresa: “Al Grupo Pisa lo tenemos bajo investigación también desde hace un tiempo y estamos muy avanzados para iniciar el proceso de inhabilitación correspondiente”. La investigación ha tardado nueve meses en llegar a una conclusión.\nLa inhabilitación llega al poco de lanzarse la compra consolidada de medicamentos del Gobierno federal por un valor de 4.600 millones de dólares. UNOPS, una agencia de Naciones Unidas, es la responsable de llevar a cabo las licitaciones y encontrar proveedores tanto en México como en el extranjero para intentar acabar con los problemas de suministro que arrastra el país desde hace más de año y medio. En el caso de los medicamentos oncológicos, el Gobierno mexicano ha comprado a proveedores de Argentina, Bulgaria, Cuba y Alemania mediante adjudicaciones directas. Fuentes de la empresa consultadas por este periódico estiman que la sanción del Gobierno busca dejarla fuera de las licitaciones, aunque apuntan a la posible presentación de amparos ante los tribunales para frenar la aplicación de la medida.\nEnrique Martínez, director del centro de análisis Instituto Farmacéutico de México, estima que la inhabilitación puede llevar a una mayor dependencia en proveedores extranjeros para la compra de medicamentos, lo que calcula supone un sobrecosto de aproximadamente un 15% respecto a los fabricados en casa. “La inhabilitación bloquea a uno de los laboratorios más importantes del país, que había logrado garantizar precios bajos de medicamentos”, afirma el experto.


Piel de retales: Despierta\nPublicado por Piel de Retales en miércoles, enero 22, 2014\nJuancho Plaza 22 de enero de 2014, 8:13\nHasta en los peores momentos, el amor siempre, como el agua, encuentra un lugar por el que filtrarse, aunque sea en forma de lágrimas.\nMe parece un gran micro, que resuelve una situación dramática con una buena dosis de ternura.\nPiel de Retales 22 de enero de 2014, 14:44\nGracias Juancho. La ternura, como el dinero, no resuelve todo pero ayuda mucho.\nMiguel jiménez salvador 22 de enero de 2014, 9:55\nQue la parca venga a llevarte con un beso sí que es un promesa de paz.\nDuro y tierno a la vez, aunque parezca difícil de conjugar. Muy bien Raquel.\nPiel de Retales 22 de enero de 2014, 14:50\nEn realidad el beso de ese hombre es lo que hace que por fín descanse en paz. Es lo que ella espera para poder emprender su viaje.\nNo pensé en la parca vestida de "tipo extraño", pero me gusta tu análisis.\nGracias Miguel por estar siempre pendiente de estos retales.\nJuan Antonio 22 de enero de 2014, 13:23\nHola Raquel. La primera parte me gusta mucho. El desenlace es triste, pero lo planteas de una manera muy valiente, intentando dulcificar el amargo final de una amarga historia. Enhorabuena. Mucha suerte para el siguiente. :)\nPiel de Retales 22 de enero de 2014, 14:53\nYo creo que la muerte no es la parte más dura del relato, sino todo lo contrario.\nLa primera parte a mí es la que me desgarra la piel. Pero en esto de los finales, como en los colores, para gustos...\nGracias Juan Antonio, suerte a tí también.\nLuisa Hurtado González 22 de enero de 2014, 14:14\nQué bien encajan palabras e imagen, tan requebrajados y rotos ambos.\nPiel de Retales 22 de enero de 2014, 14:55\nA falta de foto, esta imagen se vino a mi mente desde la primera línea.\nGracias por tu paseo en los retales, Luisa.\nNicolás Jarque 22 de enero de 2014, 14:24\nUn final sobrecogedor y que necesita una explicación, o no, pues la vida y la muerte son así. Está muy bien hilvanado y resuelto. ¡Felicidades por este REC!\nSi me lo permites, el 3 del inicio creo que sobra y debería escribirse en letra.\nPiel de Retales 22 de enero de 2014, 14:57\nUn honor verte por aquí, Nicolás. Enmiendo de inmediato ese 3 que se coló sin querer en número. (los vagos somos irremediables.).\nPULGACROFT 22 de enero de 2014, 16:53\nA mí me ha gustado muchísimo este micro Raquel, has ido más allá del cuento. El "príncipe de aspecto extraño" despierta a la Belladurmiente a otra vida...quiero pensar que esas lágrimas eran de felicidad, porque si fueran de tristeza me parecería el cuento más triste jamás escrito...\nPiel de Retales 23 de enero de 2014, 0:14\nEstás en lo cierto. Después de que las lágrimas se deslizaran por su boca, el rigor mortis congeló en su rostro una sonrisa.\nQue haya suerte para tí también.\nAlfonso Carabias 23 de enero de 2014, 22:32\nLos relatos tristes tienen mucho merito cuando producen tristeza al lector, y en este caso, lo hace.\nEsta muy bien escrito Piel.\nPiel de Retales 29 de enero de 2014, 2:42\nGracias. Mi idea no era producir tristeza, pero esta es la magia de la literatura, poder provocar distintas sensaciones en un mismo relato.\nDiego Alejandro Majluff 28 de enero de 2014, 17:57\nLa última piel que sintió, fueron los labios la muerte. EL beso de la muerte.\nMuy bueno, y la imagen también.\nPD: ¿Qué pasó con "El temita del día"? Entré a escucharlo.\nPiel de Retales 29 de enero de 2014, 2:39\n"El temita del día" va y viene conforme el frío o el calor que siente la piel. Siento que esta vez llegaras tarde.\nGracias por estar ahí, Alejandro.


Conferencia (Santander) “Síndrome de Down. Comunicar la noticia: el primer acto terapéutico” | Red el hueco de mi vientre\nSiegfried Pueschel, profesor de pediatría en EEUU y pionero en la moderna investigación clínica sobre el síndrome de Down afirma que «no hay maneras buenas de dar una mala noticia».\nComunicar a unos padres la concepción o el nacimiento de un hijo es una tarea inenarrable y una responsabilidad de absoluta trascendencia. Imprime un sentimiento imborrable en los padres, que repercute de inmediato en las decisiones que van a afrontar y en el modo en que van a acoger a su hijo e iniciar el vínculo.\nLa primera noticia es muy dura: para quien la recibe y también para los que han de darla, pero de cómo encaremos dar la primera noticia de que son padres de un nuevo ser humano con síndrome de Down, su situación va a cambiar radicalmente.\n¿Cómo hay que comunicar la noticia? ¿Qué aspectos debe contener esta información? ¿Cómo hay que hacerlo y con qué recursos y materiales contar y ofrecer? De todo esto hay evidencia científica y de ello queremos hablar con el Dr Jesús Florez.\nDesde la Red solidaria el Hueco de mi Vientre queremos contribuir a humanizar la asistencia sanitaria, tanto en la muerte de un hijo en la etapa perinatal, como en otras situaciones difíciles de su vida (enfermedad, discapacidad….)\nContamos con vosotros en esta tarea. Os esperamos.\nRed solidaria el Hueco de mi Vientre\nPublicamos algunas fotos del acto tenido ese día. Nos alegramos de la asistencia, acogida y diálogo tenido de cara a mejorar la actuación de los profesionales.\n← Taller de escucha y acompañamiento en el duelo (Madrid) Memoria del Proyecto Stillbirth: Fotografías sobre bebés que mueren en el periodo perinatal. →


el blog de int: enero 2010\n(Blow Out) USA, 1981. 107m. C.\nD.: Brian De Palma\nI.: John Travolta, Nancy Allen, John Lithgow, Dennis Franz\nVivimos tiempos dominados por el ejercico del remake. O al menos, eso parece. Los proyectos de versionar éxitos del pasado son anunciados constantemente. Por supuesto, no es una creación de nuestros tiempos. Por ejemplo, la última película de Cecil B. DeMille, Los diez mandamientos, de 1956, era una segunda versión de film homónimo dirigido por él mismo en 1923. En estos tiempos de crisis financiera y creativa, la mayoría de los remakes consisten en un intento de (re)iniciar franquicias ya agotadas a través del truco de un nuevo comienzo (los próximos estrenos de las "nuevas" Pesadilla en Elm Street o Robocop) o la importación de éxitos foráneos adaptados a los ojos de los espectadores americanos (The Ring, Vanilla Sky o la inminente Déjame entrar). Con excepciones (dejo para otra ocasión el por qué los remakes de los clásicos del cine de terror contemporáneo -Zombi, La matanza de Texas o Las colinas tienen ojos- han dado lugar a unas nuevas versiones tan afortunadas) el ejercicio del remake suele resultar en la simple puesta al día de los aspectos tecnológicos del film.\nImpacto es un ejemplo perfecto de lo que puede dar de sí un remake, quizás por que no lo es. (al menos, oficialmente) Brian De Palma parte de la idea central de Blow Up. Deseo de una mañana de verano de Michelangelo Antonioni para adaptarla tanto a los nuevos tiempos cinematográficos en que nace como al estilo de su director. Si en el film de 1966 un prestigioso fotógrafo descubría que tras las imágenes que había tomado en un parque siguiendo a una pareja de enamorados se escondía un asesinato, ahora un técnico de efectos de sonido para películas de terror de serie B captará con su equipo el accidente de coche en el que fallece un importante senador, desvelando en ese sonido grabado los indicios de una conspiración. Si Blow Up podía considerarse un thriller (o, mejor, un giallo) metafísico donde la investigación de un crimen se diluía a través de una puesta en escena sensual y etérea, más centrada en la desintegración de la percepción de la realidad de su protagonista que en la resolución de una investigación policíaca, Impacto pone en primer término el aspecto más lúdico de aquella. Pero hay algo que une a ambos films: son películas pegadas a la época en la que nace: Si la manipulación física y ritualizada de las imágenes que hace Thomas no tendría sentido en los tiempos de la fotografía digital y el photoshop, la artesanal y analógica búsqueda de Jack Terry (John Travolta) resulta anacrónica en nuestro mundo Full HD.\nPosiblemente envalentonado por el éxito de Vestida para matar, Impacto supone la primera representación de lo que podríamos llamar el universo depalmiano: la construcción de un escenario fílmico en el que la manipulación del tiempo y el espacio convierten a De Palma en un demiurgo que mueve a sus personajes como si fuesen fichas cuyos movimientos a través de laberínticos caminos desembocan en la conformación de un puzzle a modo de grand finale dramático. Y todo ello utilizando a fondo los recursos narrativos y estilíticos que le ofrecen el cinematógrafo: la pantalla cortada (el momento en el que en una parte vemos la noticias hablando del senador y, en la otra, a Jack trabajando, enlazando el destino de ambos), elaborados movimientos de cámara (el constante y mareante giro de 360º con el que refleja el vértigo del protagonista al descubrir que todas sus cintas han sido borradas) o el uso de la tecnología (que marca tanto el pasado como el futuro del protagonista). Pero, ante todo, destaca el amor que siente De Palma por el cine reflejado en su capacidad para transformar una vulgar película de terror en un hermoso epitafio.\nPublicado por José M. García en 2:44 1 comentario:\nEtiquetas: Brian De Palma, Impacto súbito\n(Blowup) UK/Italia/USA, 1966. 111m. C.\nD.: Michelangelo Antonioni\nI.: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Peter Bowles\nBlow Up. Deseo de una mañana de verano (inspirada en el relato de Julio Cortázar, Las babas del diablo) supone la culminación de lo que se dio en llamar el cine de la incomunicación, y que Antonioni inauguró con La aventura en 1960, y continuó con La noche, en 1961, El eclipse, en 1962 y El desierto rojo en 1964. Un cine en el que los personajes, por lo general gente acomodada, pertenecientes incluso a la burguesía más elitista, descubren que más allá de su realidad circundante, la que viven día a día, existe otra realidad, una realidad paralela que, de golpe, les desorientan, sintiéndose perdidos e incapaces de comunicarse con sus semejantes. Por lo general, un suceso misterioso es el detonante de ese descubrimiento. Si en La aventura era la repentina desaparición de una persona, en Blow Up. Deseo de una mañana de verano es un asesinato.\nDavid Hemming interpreta a Thomas, un prestigioso fotógrafo cuya visión del mundo es filtrada por el objetivo de su cámara. Una visión muy superficial como demuestra el que sea capaz de pasar de fotografiar la suciedad y la pobreza en la que viven los trabajadores de una fábrica a realizar sesiones con modelos representantes de la atmósfera pop y modernista del Londres de los 60 sin que parezca afectarle. Thomas es un personaje que deambula, toda la película se está moviendo de un lado para el otro. Durante la primera mitad le seguimos de su estudio a la casa de un amigo pintor, el encuentro con su editor y la posterior visita a una tienda de antigüedades, el paseo por un parque. Todos esos movimientos están dictados por su interés por captarlo todo, cualquier escenario, cualquier movimiento, para captar, retratar la realidad. Una realidad que se descubre como un elaborado trampantojo. La mirada de artista de Thomas le abrirá paso a esa dimensión paralela que sostiene la nuestra, ese reverso negativo en el cual un idílico paseo por el parque entre dos enamorados se transforma en un frio asesinato. Tras este descubrimiento, Thomas ya no puede ser la misma persona. Tras este fugaz instante de lucidez , Thomas pasará de deambular a vagar, andar desnortado, perdido ante un mundo que ya no reconoce. También consternado ante la futilidad de todo intento de representar la realidad, pues esta se descubre como volátil, licuosa.\nBlow Up. Deseo de una mañana de verano es posiblemente la película más popular de Antonioni, convertida hoy en día en todo un icono estético (su portada se ha representado en varias ocasiones en camisetas y en serigrafías) como histórico (la representación del swinging London, movimiento cultural reflejado tanto en el trabajo del protagonista -sus sesiones de moda- como en el ambiente hedonista que marca las imágenes -los jóvenes mimos que recorren la ciudad a modo de artistas callejeros, los conciertos de rock en recintos subterráneos, las drogas y el alcohol que impregnan las reuniones de la alta sociedad, la promiscuidad y libertad sexual). Esta popularidad se ha visto reflejada en la prolongada influencia que Blow Up. Deseo de una mañana de verano ha tenido en el cine posterior a su estreno: los desolados ambientes urbanos, recorridos por individuos solitarios (generalmente artistas) inmersos en misterios cuya resolución está ante sus ojos pero son incapaces de comprender, del cine de Dario Argento (El pájaro de las plumas de cristal o Rojo oscuro, también interpretada por David Hemmings); la representación de esa realidad alternativa a través de unas imágenes de fuerte sensualidad, cuya ensoñadora belleza las vuelve tan cegadoras como etéreas (Picnic en Hanging Rock) o el movimiento que deviene desorientación como reflejo de la imposibilidad de aprehender la realidad (Zodiac, Demonlover, Eyes Wide Shut). Influencia que tuvo su justo reconocimiento en 1981 con la relectura que Brian De Palma hizo del film de Antonioni en la excelente Impacto (Blow Out).\nPublicado por José M. García en 1:14 2 comentarios:\nEtiquetas: Blow Up, Michelangelo Antonioni\n(Changeling) USA, 2008. 141m. C.\nD.: Clint Eastwood\nI.: Angelina Jolie, Michael Kelly, John Malkovich, Colm Feore\nLas primeras imágenes de El intercambio hacen gala de ese clasicismo que siempre sale a relucir cada vez que se habla del cine de Clint Eastwood. La grúa que nos muestra el barrio residencial en el que vive la protagonista, la fotografía de tonos dorados que refleja la antigüedad de los hechos narrados (finales de los años 20). Pero hay un detalle: el plano del comienzo se abre en blanco y negro, y a medida que desciende la grúa, se va coloreando, poco a poco. Este artificio nos advierte de que todo lo que vamos a ver es una representación. Christine Collins (Angelina Jolie) se levanta para hacerle el desayuno a su hijo de 9 años; lo acompaña al colegio y, después, se dirige a su trabajo donde es una empleada muy reconocida por sus jefes. Es un ejemplo de mujer independiente, capaz de llevar adelante su vida y la de su hijo y ser aceptada por la sociedad. Hasta que se sale de los esquemas que ésta le había impuesto. En el momento en el que Christine se niega a seguir el juego (cuando su hijo desaparece y se pone en contacto con la policía, esta le presenta a un niño diferente, desoyendo las quejas de la madre, quien insiste en que este no es su hijo) se pone en marcha un mecanismo que convierte a los ciudadanos en piezas de un tablero que se pueden mover al antojo de los poderes interesados. Tras la brillantez de las imágenes, la calided de la luz, se esconde un pozo de intereses y manipulación.\nEs cuando se sumerge en el corazón del horror que da vida a un cuerpo impecable por fuera pero enfermo por dentro cuando El intercambio se desnuda y muetra su verdadera identidad: es una película de terror: el travelling en el que Christine mira por última vez a su hijo tras la ventana tiene tanto un tono premonitorio como fantasmagórico, como si fuese un fantasma, una presencia de un cuerpo que ya no pertenece a ese lugar; el regreso de Christine con su falso hijo transforma la casa en un espacio tenebroso en el que lo siniestro (lo familiar que retorna convertido en algo diferente, distinto) ensombrece la atmósfera; el ingreso de Christine en un sórdido manicomio, representación del lado más angustioso y amenazador de la sociedad que intenta limpiar. Terror que explota en una oscura sala, donde tras la mirada inocente de un niño se esconde la mayor atrocidad de la que es capaz el ser humano. El angustioso descubrimiento de una fosa común repleta de restos infantiles transforma la idílica América en un enorme armario repleto de esqueletos que pesan sobre la conciencia de todos los habitantes y ni siquiera la justicia ni el castigo logrará que los vecinos vuelvan a mirarse sin pensar lo que se esconde entre la impecablemente hierba del césped (como bien reflejó David Lynch en Terciopelo azul).\nPublicado por José M. García en 22:28 4 comentarios:\nEtiquetas: Angelina Jolie, Clint Eastwood, El intercambio\n(China Girl) USA, 1987. 89m. C.\nD.: Abel Ferrara\nI.: James Russo, Richard Panebianco, Sari Chang, David Caruso\nCon China Girl, escrita por su guionista habitual Nicholas St. John, Abel Ferrara prosigue con el alejamiento del terreno genérico en el que había iniciado su filmografía, el cine de terror de bajo presupuesto, que ya había iniciado en su anterior Ciudad del crimen, pero, al igual que ésta, sin abandonar del todo las señas de identidad de su primera etapa. Esta actualización del eterno "Romeo y Julieta", de Shakespeare, en clave racial permite a Ferrara realizar una mixtura entre el drama propio de la historia y la acción que surge de situar la acción en las conflictivas calles de Nueva York, concretamente en el enfrentamiento entre bandas callejeras de Chinatown y Little Italy.\nEste escenario emparenta a China Girl con Malas calles, de Martin Scorsese, tanto en su mirada costumbrista (los puestos de venta en las calles, la procesión católica, la importancia de la gastronomía en el modo de vida de sus habitantes) como en la energía con la que Ferrara pone en imágenes la historia de amor entre un chico italoamericano y una joven china en medio de un fuego cruzado marcado por los intereses de tres generaciones: la del dinero, la de la violencia y la del amor. La primera pertenece a los adultos, quienes quiren mantener un status quo cuyo único objetivo es mantener un equilibrio financiero carente de espíritu (en un momento del film se acusa al capo mafioso de que ni siquiera vive en el barrio); en cambio, los adolescentes con la excusa de una pureza tanto de la sangre como de las tradiciones lo que hacen es intentar dar una justificación a sus impulsos violentos y casi psicopáticos que Ferrara retrata con violentas peleas en oscuros callejones, acercando al film a los esquemas del cine de acción de pandilleros; serán los más jóvenes, la pareja protagonista, la que represente un acercamiento entre los dos bandos a través del amor y que manifiestan, aquí sí, una pureza en sus sentimientos que aportan las escenas más conmovedoras de la película (el baile inicial, a modo de ritual de cortejo en el que la atracción física sustituye cualquier pensamiento xenófobo o la declaración de amor que cada uno hace en el idioma del otro). Incluso, en el desenlace inevitablemente trágico, Ferrara se permite una apunte poético de esperanza: la fuerza del amor puede transformar a las balas en el lazo de unión eterno para dos seres cuyo romance está por encima de las tradiciones, de la sangre e, incluso, de la propia vida.\nPublicado por José M. García en 18:36 No hay comentarios:\nEtiquetas: Abel Ferrara, China Girl\n(Kishiwada shônen gurentai: Chikemuri junjô-hen) Japón, 1997. 108m. C.\nI.: Seiji Chihara, Chihara Junia, Sarina Suzuki, Kyôsuke Yabe\nLa primera escena de Young Thugs: Innocent Blood nos muestra como un grupo de amigos (formado por tres chicos y una chica) realizan una tan elaborada como humillante broma a un profesor de su colegio. A continuación, los créditos son acompañados de una serie de instantáneas de la desenfrenada vida de los chicos al ritmo de un tema musical de tono bufo que parece prepararnos para disfrutar de una alocada comedia. La secuencia siguiente a los créditos supone un brusco cambio de tono: los protagonistas ya no están alegres, sino que arrastran un profundo sentimiento de tristeza con ellos y la luz ha sido sustituida por una atmósfera sombría. Young Thugs: Innocent Blood nos habla de lo efímero de cualquier sentimiento o momento, de cómo aquello que está vivo, al instante siguiente, puede estar muerto (ya sea una relación amorosa o la propia existencia), pero también de cómo de las cenizas puede surgir la esperanza de un nuevo comienzo.\nEn su acercamiento a los códigos de las comedias románticas, Takashi Miike no se limita a retratar con su cámara las acciones de los protagonistas, sino que a través de la puesta en escena recrea sus sentimientos, potenciando el componente dramático de las situaciones. Así, el montaje paralelo entre un baile flamenco en un bar y el solitario viaje de Ryôko en el metro manifiesta el sentimiento de deriva que siente la chica, una vez ha sido abandonada por su novio, Riichi. Las fugas mentales de los protagonistas son recreadas por Miike subrayando la artificiosidad que tiene todo recuerdo: la escena en que Riichi se vé a sí mismo cuando aún salía con Ryôko; la anécdota de la infancia que uno de los protagonistas cuenta a su chica representada como si fuera una obra de teatro infantil. También hay lugar para puntuales arrebatos poéticos (la escena en el planetario que, posteriormente, dará lugar a una conmovedora declaración de amor; la aparición de un globo en las últimas escenas a modo de un bucle que nos lleva al principio del film) o la utilización de los movimientos de cámara para subrayar el estado anímico de los protagonistas: la escena en que Ryôko y Riichi se encuentran en una cafetería una vez su relación ha acabado, el segundo intentando reconciliarse. La cámara se mantiene lejos y quieta mientras la pareja se intercambia frases banales. Cuando empiezan a discutir, la cámara realiza un suave travelling hacia ellos, subrayando los encontrados sentimientos de la pareja. Ryôko se levanta y sale de la cafetería. Riichi se queda solo llenando el encuadre. La relación ha terminado para siempre.\nPublicado por José M. García en 22:35 No hay comentarios:\nEtiquetas: Takashi Miike, Young Thugs: Innocent Blood\n(Fear City) USA, 1984. 96m. C.\nI.: Tom Berenger, Billy Dee Williams, Jack Scalia, Melanie Griffith\nConvertido en los 90 en un director de prestigio crítico gracias a películas como Teniente corrupto, La adicción o El funeral, los comienzos de Abel Ferrara están en las antípodas de ese cine de autor con el que alcanzó reconocimiento. Salido de las entrañas del cine de explotación, la carrera de Ferrara es un claro ejemplo de que entre el cine de serie B y underground y las salas de arte y ensayo no hay más que un paso. Tras debutar en el cine pornográfico (9 Lives of a Wet Pussy, rodada con el psudónimo de Jimmy Boy L y en la que el propio Ferrara interpretaba un papel, eso sí, sin participar en las escenas de sexo), sus dos siguientes películas se inscribirían en el cine de terror más violento y sórdido propio de los 70 (las hoy en día de culto, El asesino del taladro y Ángel de venganza). Ciudad del crimen, su siguiente film, parece alejarse del género terrorífico para adentrarse en el terreno del thriller, pero en realidad no llega a abandonar del todos los elementos más importantes del subgénero explotation de sus anteriores films: la violencia y el sexo.\nLos títulos de crédito del film nos sitúa en la vida nocturna de la Gran Avenida neoyorquina de los 80. Un escaparate de luces de neón, carteles y señales luminosas con un único objetivo: vender sexo. Locales de strip-tease, barras americanas, peep-shows, salas X; la ciudad de Nueva York convertida en una resplandeciente babilonia en la que el hombre de la calle puede satisfacer todos sus deseos por un módico precio. Este escenario fue habitual del cine de terror de la época (Aullidos, Maniac o ¿Dónde te escondes, hermano?, por ejemplo) y, además, le permite a Ferrara mostrar con detenimiento y atento detalle el trabajo de las chicas que ofrecen su cuerpo a cambio de un salario (aquellos que estén interesados en conocer las cualidades exhibicionistas de la mujer de Antonio Banderas en su juventud, ésta es su película) en una serie de excelentes secuencias musicales. La aparición de un psicópata dispuesto a purificar las calles, atacando a las bailarinas, aporta el decisivo componente terrorífico (las secuencias de los ataques están planificadas al estilo de un film slasher, destacando la agresión en el andén del metro).\nTom Berenger es el habitual superviviente católico de la filmografía de Ferrara, quien arrastra un pasado de pecados violentos (siendo boxeador, le quitó la vida a su oponente en el ring) y sentimentales (su truncada relación amorosa con Griffith) cuya culpa parece encerrarle en esta ciudad criminal, vagando de local en local y negociando con el cuerpo de la chica a la que quiere pero que no puede tener, mientras cada noche observa como un grupo de desconocidos se la van arrebatando poco a poco con sus lascivas miradas. La búsqueda y el enfrentamiento con el psicópata le servirá para calanizar toda la rabia y la frustración que anida en su interior para dar salida a una catarsis con la que expiar todas sus culpas: las violentas (la pelea con el psicópata) y las emocionales (el rescate de su chica).\nPublicado por José M. García en 18:44 No hay comentarios:\nEtiquetas: Abel Ferrara, Ciudad del crimen\n(The Royal Tenenbaums) USA, 2001. 110m. C.\nI.: Gene Hackman, Angelica Huston, Ben Stiller, Gwyneth Paltrow\n¿Puede la genialidad sustituir las carencias afectivas? Los jóvenes miembros de la familia Tenenbaum, tres hermanos que se descubren como prodigios precoces en diferentes campos, parecen haber desarrollado sus actitudes como respuesta a un entorno familiar emocionalmente deficiente. Chas se convierte en un agresivo ejecutivo; Margot en una reputada escritora de obras de teatro; Richie en un imbatible jugador de tenis. Y todos ellos antes de cumplir la mayoría de edad. De genio superdotado a juguete roto no hay más que un paso. Una vez adultos, los hermanos Tenenbaums han perdido su brillo, inmersos todos ellos en un exilio existencial que les llevará de regreso al hogar familiar en busca de una autoafirmación personal que ellos mismos se han negado.\nPresentada como un simulacro de adaptación literaria, Los Tenenbaums. Una familia de genios se compone de una serie de capítulos que, a su vez, están divididos en un grupo de tiras cómicas cuya punch line final está envuelta de un tono melancólico que dota al chiste de un halo de extrañamiento cuyo objetivo es descolocar al espectador. Cada plano del film parece confeccionado como si fuera una ilustración de ese supuesto libro adaptado (o una viñeta de esa supuesta tira cómica): los actores ocupan su lugar en el encuadre y se mantienen estáticos mientras recitan sus frases a la vez que los múltiples detalles del escenario confiere al diálogo y a la escena una irónica cualidad artificial (potenciada por el hecho de que los personajes van vestidos con las misma ropa durante todo el metraje como si esta fuese parte misma de su identidad, otro rasgo adoptado de los comics). El surrealismo con el que el espectador recibe las diferentes acciones de los protagonistas es debido al distanciamiento, al regio control del tono que Wes Anderson imprime a cada escena del film, despojándolo de cualquier elemento emotivo, ya sea en sus hallazgos más extravagantes (los simulacros de incendio con los que Chas pone a prueba a sus hijos o la accidentada resolución de la boda entre la madre de los hermanos Tenenbaums y su pretendiente) como en los más trágicos (el intento de suicidio de uno de los personajes). Así, Los Tenenbaums. Una familia de genios parece sufrir la misma enfermedad de sus protagonistas: una película cuya propia genialidad parece avocarla a una existencia triste y melancólica.\nPublicado por José M. García en 0:05 No hay comentarios:\nEtiquetas: Los Tenenbaums. Una familia de genios, Wes Anderson\n(Point Break) USA, 1991. 120m. C.\nD.: Katrhyn Bigelow\nI.: Keanu Reeves, Patrick Swayze, Gary Busey, Lori Petty\nEl cine de Kathryn Bigelow trata acerca de la adicción. Los personajes son integrados, que han encontrado su lugar en el mundo y que, aparentemente, les va bien. Pero, en el fondo, se sienten desdichados porque se dan cuentan de que viven en un entorno que de tan controlado, se ha vuelto aburrido. A través de la adicción, encuentran el vértigo, el impulso que les lleva a romper con su vida y dar el paso a un mundo tan desconocido como excitante. La adicción puede tener múltiples formas: sangre humana (Los viajeros de la noche), armas de fuego (Acero azul) o un cúmulo de recuerdos propios o ajenos (Días extraños). Posiblemente sea en esta última donde la adicción aparece en su forma más directa (incluso más obvia), pero es en Le llaman Bodhi donde ese vértigo, ese descubrimiento, está mejor plasmado.\nJohnny Utah (Keanu Reeves) es un novato agente del FBI con ganas de comerse el mundo: es joven, es guapo y está deseando demostrarle a todo el mundo de lo que es capaz. Cuando se encuentra ante la postura rendida de su compañero (Gary Busey), superado por unos atracadores de bancos a los que persigue desde hace tiempo y se ve incapaz de atrapar, le grita que si está enfadado es porque está vivo, y si está vivo puede atrapar a esos atracadores. Pero estos no son más que palabras. Utah no se sentirá realmente vivo hasta que conozca a Bodhi (Patrick Swayze) y comparta su adicción: el surf. El medio más directo con el que fusionarse con el océano, una simbiosis a través de un ritual de movimientos sincronizados.\nKathryn Bigelow diferencia los dos medios a los que pertenecen cada uno de los protagonistas: Bodhi es un gurú entre los surfistas en la playa, en medio del océano, siendo dueño y señor de su entorno, mientras que en la tierra pavimentada de cemento de los entornos urbanos tiene que ir con máscara; por su parte, Utah tendrá que mentir y crearse una identidad para poder infiltrarse en el medio acuático. Las escenas de surfeo son rodadas utilizando numeroso planos en ralentí, con tomas esteticistas y de tono casi publicitario, transmitiendo la sensación de placer, casi de éxtasis, que los protagonistas sienten surcando un territorio en el que se sienten libres, dueños de su vida. En cambio, las escenas de acción tienen un ritmo rápido y atropellado, utilizando la cámara en mano y la velocidad como motor de nerviosismo: destacar la trepidante persecución a pie, convertida en una carrera de obstáculos, con los protagonistas entrando en casas, saltando vallas o, incluso, atravesando puertas de cristal e intreponiendo un perro entre el perseguido y su cazador: un entorno lleno de obstáculos y estrechos callejones que contrasta con la libertad que otorga la inmensidad del mar. El océano es vida, (incluso, vida más a allá de la muerte) mientras que en la tierra todo es agresión (todas las muertes violentas se producen en ese medio).\nEl enfrentamiento entre los dos protagonistas mientras surcan el cielo en paracaidas resulta lógico: es el único territorio neutral en que el agua y la tierra se pueden encontrar. La resolución de este encuentro convierte al océano en una bonita metáfora de ese líquido amniótico al que todos nos gustaría volver.\nPublicado por José M. García en 0:38 3 comentarios:\nEtiquetas: Kathryn Bigelow, Le llaman Bodhi\n(Sudden Impact) USA, 1983. 117m. C.\nI.: Clint Eastwood, Sondra Locke, Pat Hingle, Dradford Dillman\nLo primero que llama la atención de Impacto súbito, cuarta entrega de las desventuras de Harry Callahan, es el tono. Si la inaugural Harry el sucio había planteado la atmósfera de un thriller diurno y las siguientes entregas habían continuado por ese camino con resultados cada vez más endebles (en parte, consecuencia de la repetición de esa atmósfera), en esta ocasión el film muda de piel y, a la vez que el protagonista abandona por primera vez su icónica San Francisco, el film se despoja de sus rasgos policíacos para desarrollar una atmósfera tétrica y gótica, que lo acerca al género de terror. Este cambio se debe, sin lugar a dudas, a la labor del director, el propio Clint Eastwood en su primera, y única, labor tas las cámaras en la saga (si obviamos su trabajo no acreditado en algunas secuencias de la primera entrega).\nEn Impacto súbito, Eastwood vuelve a plantear la figura del justiciero sobrenatural, rodeado de un hálito ambiguamente fantástico dispuesto a impartir justicia y que ya había desarrollado en Infierno de cobardes y que volvería a retomar en El jinete pálido y Sin perdón. Así, desde el principio, Harry hará gala de una serie de cualidades sobrenaturales: el atraco en la cafetería en el que, de repente, Harry aparece en el interior des establecimiento sin que en ningún momento sepamos como o por donde lo ha hecho; o el instante en que provoca un ataque al corazón a un mafioso con su mera presencia, como si tuviera poderes parapsicológicos.\nImpacto súbito es un film de una atmósfera fuertemente mortuoria. El personaje de Jennifer Spencer, quien sufrió una brutal violación junto a su hermana, dejando a esta última en estado catatónico, es un Dorian Grey vengador, quien manifiesta en sus turbulentos cuadros el infierno que lleva dentro. A su modo, es otro fantasma, despojado de cualquier atisbo de humanidad por una atroz agresión. En ella, Harry encuentra un alma gemela, una representación de los valores que él mismo defiende, pero quien, libre de cualquier atadura moral o legal es todo aquello que él nunca podrá ser: un ángel exterminador capaz de impartir su castigo por encima del bien y del mal. En el clímax del relato, Harry recibirá una brutal paliza y será dado por muerto. En el enfrentamiento final, surgirá entre las tinieblas, convertido en una figura oscura, una silueta en la que no podemos renococer ningún rasgo familiar: por un instante, a través de la violencia, Harry Callahan se transforma en una fuerza sobrenatural, cuya existencia se basa, únicamente, en castigar a través del fuego. Un fugaz instante que le servirá para comprender que lo que merece Jennifer no es ser condenada por sus actos, sino sentir compasión por quien se ha sumergido en las tinieblas y ya no es capaz de salir.\nPublicado por José M. García en 12:55 2 comentarios:\nEtiquetas: Clint Eastwood, Harry el sucio, Impacto súbito\n(Bad Lieutenant) USA, 1992. 96m. C.\nI.: Harvey Keitel, Victor Argo, Paul Calderon, Frankie Thorn\nA primera vista podría pensarse que Teniente corrupto es una película provocativa cuyo único objetivo es escandalizar al espectador, a la vez que remover su conciencia. Un repaso rápido a las acciones del protagonista a lo largo del film podría apoyar esta idea: el teniente de la policía de Nueva York dejando a sus hijos a la puerta del colegio para, a continuación, tomar crack; robando de la escena de un crimen en el que ha muerto tiroteado un camello un paquete de cocaína; chantajeando a unas jóvenes a quienes ha pillado circulando sin carnet de conducir a hacer lo que él les ordene si no quieren que les denuncie, para masturbarse delante de ellas; las sucesivas escenas en las que le vemos beber alcohol, inyectarse heroína, fumar crack, esnifar cocaína, etc. Pero no hay ninguna intención provocativa en las imágenes con las que Abel Ferrara retrata el via crucis de su protagonista. La cámara se mantiene fría, distante incluso en los primeros planos. Se mueve únicamente para seguir los movimientos de un ser que ha sido engullido por el infierno en el que habita. Nunca sabremos si el teniente siempre ha sido así, si es producto directo del entorno en el que nació, o si asistimos al declive final de la sombra de lo que antes fue un hombre (significativamente el personaje carece de nombre propio, siendo llamado por su grado en el cuerpo de policía, como si fuera una carcasa física a la que hubiera que mantener en movimiento a base de drogas y alcohol para que no se dé cuenta de que está vacía; que no hay rastro de humanidad en ella).\nEl caso de una joven monja brutalmente violada será el detonante con el que el teniente busque una catarsis a base de fuego y rabia que le será negada. La monja también carece de nombre, como si la brutal agresión física la hubiera despojado de su envoltura carnal y la hubiera transformado en una figura pura, un símbolo espiritual que irradia perdón y sacrificio. El plano del teniente de pie, completamente desnudo, tendrá su equivalencia en la escena en la que éste la ve tumbada en la camilla del hospital, igualmente desnuda, mientras el doctor que la atiende enumera las agresiones que ha sufrido su cuerpo, la muestra como una figura pálida y carente de expresión, en un estado de trascendencia, ajena a cualquier noción física. El cuerpo castigado y retorcido (en suma, violento, agresivo) del teniente busca su complemento en el cuerpo etéreo, espiritual (pacífico) de la monja. El sacrificio final del protagonista no consistirá en la entrega de su cuerpo a una explosión de violencia, sino la donación de un pedacito de alma que le permita, al fin, dar un sentido a su existencia no a través de la purgación de sus pecados, sino acarreando los pecados de los demás.\nPublicado por José M. García en 19:49 2 comentarios:\nEtiquetas: Abel Ferrara, Teniente corrupto\n(Spartacus) USA, 1960. 198m. C.\nD.: Stanley Kubrick\nI.: Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmoms, Charles Laughton\nAunque de todos sus films, Stanley Kubrick ha pasado a la historia del cine por ser el renovador de la ciencia-ficción con 2001: Una odisea del espacio, seguramente sea Espartaco la película más importante de su carrera, aun siendo, paradojicamente, su proyecto menos personal. Pero la clave está en la paradoja misma. Kubrick entró como director de Espartaco, proyecto personal de Kirk Douglas, como sustitución de Anthony Mann, quien ya llevaba dos semanas de rodaje. Los contínuos conflictos con Douglas y la imposibilidad de mantener el total control creativo en una superproducción de encargo llevó a Kubrick a la decisión de, a partir de entonces, llevar el total control creativo e industrial de sus producciones y alejarse lo más posible de Hollywood (al menos, geográficamente: incluso un film como Eyes Wide Shut, cuya acción transcurre en parte en las calles de Nueva York fue rodado en estudios ingleses).\nCon todo, la mano del director de El resplandor se nota en un film que luce en sus fotogramas su carácter de superproducción histórica, muy habitual del momento (Ben-Hur se había estrenado el año anterior), pero que, a la vez, se rebela, como su protagonista, contra los lugares comunes del género. Una escena sirve de ejemplo: durante su estancia en la escuela de gladiadores, Espartaco (Kirk Douglas) se ve obligado a enfrentarse a un compañero. Ambos esperan su turno mientras una pareja lucha. Kubrick mantiene la cámara en el angosto zulo en el que los dos hombres aguardan, privándonos del combate y centrándose en la angustia de dos seres que tienen que olvidar cualquier lazo afectuoso si quieren sobrevivir. Esta mirada humanista y esa espalda a la épica prevalece en un film que prefiere retratar a su héroe antes como persona que busca realizar un sueño que como líder rebelde capaz de poner en jaque a todo un imperio: las escenas de amor entre Espartaco y Varinia (Jean Simmoms), a base de gestos y miradas primero y con arrebatadoras promesas de futuro después, son, sin duda, lo más emotivo que Kubrick rodó en su vida.\nLa preocupación por la forma también se antepone al espectáculo. En Espartaco, Kubrick perfecciona sus habilidades como creador de espacios geométricos, aprovechando la amplitud del formato scope y las habituales escenas de masas no con ánimo grandilocuente, sino de arquitecto. Abundan los planos a modo de tablaux vivantes, con las figuras estáticas en primer plano del encuadre mientras, al fondo, grandes masas se mueven uniformemente, y que preceden los lienzos en movimiento de Barry Lyndon. Incluso en la batalla final, Kubrick invertirá más minutaje en los movimientos del ejército romano, que parecen piezas moviéndose en un tablero dividido en casillas, que en el conflicto en sí.\nEn su film más político, tanto en forma, la propia historia de Espartaco, como en espíritu, la firma de Dalton Trumbo del guión, por entonces en las listas negras de la caza de brujas emprendida por el senador McCarthy, Stanley Kubrick cierra Espartaco con el final más optimista de su carrera, pues, finalmente, el protagonista podrá ver como el sueño por el que tanto luchó adquiere forma en el futuro de su mujer y su hijo.\nPublicado por José M. García en 22:04 3 comentarios:\nEtiquetas: Espartaco, Stanley Kubrick\n(Punch-Drunk Love) USA, 2002. 95m. C.\nD.: Paul Thomas Anderson\nI.: Adam Sandler, Emily Watson, Philip Seymour Hoffman, Luis Guzmán\nEmbriagado de amor es, sin duda, una de las comedias románticas más desconcertantes y extravagantes de la historia del género. Y lo es por su particular protagonista. Barry Egan (un contenido Adam Sandler) es guapo y elegante. Tiene un negocio propio que marcha bastante bien y una familia que se preocupa por él. Pero Barry es especial: es un maníaco-depresivo, capaz de pasar de un estado de calma a una explosión de violencia con suma facilidad. Barry se encuentra perdido en un mundo que no entiende y que, a su vez, no le comprende. Solitario por necesidad, es incapaz de mantener una conexión emocional con sus semejantes; la presencia de otras personas siempre es sinónimo de agresividad. En este contexto, ¿existe posibilidad para el nacimiento del amor?\nEn Embriagado de amor todos los elementos que rodean a Barry parecen funcionar como un enorme, complejo deus ex machina con el que el cosmos intenta dar la posibilidad al protagonista para organizar su vida, una vía de escape para que se acepte a sí mismo y pueda aportar algo a los demás: el harmónico abandonado en la calle, surgido de la nada, y que sirve a la vez de metáfora del equilibrio que Barry necesita imponer en su existencia y para marcar sus movimientos al ritmo de esta comedia musical en prosa; los cupones canjeables por kilómetros de viaje en avión ofertados al comprar productos alimenticios de una determinada marca con los que Barry podrá viajar libremente allí donde el amor le espera; o la presencia de un grupo de chantajistas que utilizan los servicios de una línea erótica para extorsionar a sus clientes que le permitirá enfocar toda la agresividad que acumula en su interior, darle una salida para, además, afianzar su personalidad.\nDecíamos que Embriagado de amor es un musical. Los calculados encuadres en formato scope, en los cuales los personajes se mueven marcados por el escenario que habitan y la fotografía basada en colores primarios, de tono pastel y fuertemente iluminados aportan un elemento surrealista, casi fantástico a las imágenes. Elemento con el que el director de Magnolia consigue trascender lo cursi y lo ridículo y transformarlo en sublime y emocionante En cierto modo, se puede considerar a Embriagado de amor como la versión hablada de Los paraguas de Cherburgo, de Jacques Demy.\nPublicado por José M. García en 18:21 No hay comentarios:\nEtiquetas: Embriagado de amor, Paul Thomas Anderson, Punch-Drunk Love\n(The Hurt Locker) USA, 2008. 131m. C.\nD.: Kathryn Bigelow\nI.: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geragthy, Guy Pearce\nHe de confesar que siento cierto orgullo al ver el nombre de Kathryn Bigelow entre las nominaciones al mejor director para los Golden Globe y su más que probable nominación al Oscar en la misma categoría. Es el reconocimiento, tardío pero reconocimiento al fin y al cabo, a la carrera de uno de los directores más interesantes del cine de acción de los 90 al que la industria hollywoodiense había dado la espalda después del batacazo económico de Días extraños. Convertida en directora de culto con su primera película, Los viajeros de la noche, revisión del cine de vampiros cruzado con el western y la road movie, tras Acero azul, inquietante mirada al infierno urbano cotidiano en el que cualquier ciudadano puede convertirse en un psicópata, Le llaman Bodhi transformó el nombre de Bigelow en referente del cine de acción del momento, capaz de convertir la experiencia de ver una película en deporte de riesgo. El mencionado fracaso de Días extraños, odisea milenarista a través de una montaña rusa sensorial la apartó de la primera línea, un ostracismo del que no salió ni con El peso del agua, cambio de registro a un cine más psicológico, ni su regreso al cine de gran espectáculo con K19: The Widowmaker. The Hurt Locker sí ha logrado que el nombre de Kathryn Bigelow vuelva a correr de boca en boca y, además, otorgarle un prestigio crítico inédito hasta ahora en su carrera.\nThe Hurt Locker nos sitúa en Bagdag, inmersos en la guerra de Irak, siguiendo los progresos de un equipo de artificieros expertos en desactivar explosivos. El comienzo del film retrata a la perfección el entorno en el que se mueven los personajes. La figura de uno de los artificieros, enfundado en su traje anti-explosiones, caminando despacio, cuidadosamente, lo convierte en un astronauta, un explorador espacial que reconoce un planeta inhóspito, desconocido, que supura amenaza. En los mapas y en los informes ese territorio puede recibir el nombre de Irak, pero para los hombres que día a día se juegan la vida es una incógnita, una trampa bajo cuyo simulacro de familiaridad (casas, coches, personas) esconde la muerte. Esta sensación de paranoia, de contínua sensación de que la muerte puede venir en cualquier momento y desde cualquier lado, es retratada por Bigelow con un estilo visual fragmentado y nervioso. La cámara al hombro, los zooms y los violentos movimientos de cámara parecen querer observarlo todo, vigilarlo todo, sabiendo que en cada esquina se está incubando una amenaza. Este estilo histéricamente documental es potenciado por una mirada naturalista al trabajo de los artificieros, carente de drama o de épica, pues para estos hombres poner su vida en peligro es un acto cotidiano (como demuestra la escena de los francotiradores: la dilatación del tiempo, la arena que se pega al rostro, las moscas que recorren la piel, la sed que seca los labios y la monotonía de un enfrentamiento que se anuncia pero que no llega a explotar).\nEs la energía que Bigelow imprime a las imágenes lo que densifica, tensa, un relato cuyo acercamiento a los personajes resulta demasiado convencional. El proceso por el cual el sargento Will James pasa de ser un coronel Kilgore, cuyo paso por la guerra se traduce en un desprecio al peligro escudado en una inconsciencia suicida, a un capitán Willard que descubre el corazón de las tinieblas al descubrir la presencia del factor humano en medio de la barbarie, aporta a The Hurt Locker un componente dramático que no está a la altura del trabajo de Bigelow. Finalmente, en medio de las explosiones y del humo, The Hurt Locker nos dice que sobrevivir a la guerra no consiste en salir de la zona en conflicto ilesos, sino de no llevarte contigo esa guerra.\nPublicado por José M. García en 22:16 2 comentarios:\nEtiquetas: En tierra hostil, Kathryn Bigelow, The Hurt Locker\n(The Enforcer) USA, 1976. 96m. C.\nD.: James Fargo\nI.: Clint Eastwood, Tyne Daly, Harry Guardino, Bradford Dillman\nComo bien señaló mi compañero de sesión, el sr. Fer, Harry el ejecutor, tercera entrega de la saga protagonizada por Clint Eastwood e iniciada con la mítica Harry el sucio, es, sin duda, la entrega más endeble hasta el momento, resultando excesivamente obvia en sus planteamientos y predecible en su desarrollo. Y es que, a estas alturas, ver como Harry resuelve un delito cotidiano (en este caso, en un supermercado; escenario ya utilizado en la anterior Harry el fuerte) con métodos harto expeditivos para, a continuación, recibir una dura reprimenda de su superior; como le endilgan, para sus desesperación, a un compañero novato con el que, finalmente, simpatizará; como le expulsan del cuerpo para, a continuación, volver a admitirle cuando las cosas se pongan feas o como se enfrenta a altos cargos políticos, resulta en una contínua sensación de déjà vu. Es muy posible que, a la hora de tomar la decisión de producir esta película, Eastwood estuviera pensando en que proyecto personal invirtiría los suculentos ingresos en taquilla, de ahí que Harry el ejecutor presente un guión muy poco trabajado cuyo principal defecto reside en la construcción de un enemigo de escaso carisma (un grupo terrorista cuyas motivaciones nunca llegan a quedar del todo claras), muy lejos de la imponente presencia del Scorpio de Harry el sucio.\nCon todo, Harry el ejecutor no es un film carente de interés, aunque sea un interés, digamos, teórico. Y es que, vista hoy día, la serie protagonizada por el inspector Harry Callahan puede verse como un retrato del cine de acción de la época, que va mutando a medida que pasa el tiempo, y cada entrega asimila esos cambios y, por tanto, dejando testimonio en sus fotogramas. Así, en esta ocasión, se percibe la influencia del cine blaxploitation popularizado por el éxito de Las noches rojas de Harlem y derivados, no sólo por la mayor inclusión de personajes de color (aunque hay que destacar la presencia del gurú "Big" Ed Mustapha, interpretado por Albert Popwell, visto en clásicos del subgénero como Cleopatra Jones y quien ya había aparecido en las dos entregas anteriores, interpretando diferentes personajes) sino en la propia planificación de la película, como demuestra la larga persecución entre Harry y uno de los miembros de la banda terrorista (que es negro) en el que los temas jazzisticos de la banda sonora son sustituidos por un ritmo funky.\nEl hecho de que en esta ocasión el compañero nuevo de Harry es, en realidad, una compañera, la inspectora Kate Moore, también parece ser un guiño a los movimientos de igualdad de derechos de la mujer que estallaron en los años 60. Al contrario que en las ocasiones anteriores, aquí la compañera de Harry tiene un mayor protagonismo e, incluso, es de especial ayuda en el enfrentamiento final, dejando claro las intenciones del film a la hora de retratar el mayor protagonismo de la mujer en el cine de acción comercial (es más, la relación entre Harry y Kate propicia las mejores escenas del film).\nEn Harry el ejecutor se nos presenta un Harry más irascible e iracundo que nunca, rayando en ocasiones lo antipático. ¿Es debido este comportamiento a la incomodidad que siente el personaje al enfrentarse a unos tiempos que, al contrario que los delincuentes a los que detiene, no son tan fáciles de derribar con su magnum del 44? Es posible. Después de todo, la secuencia de créditos sintetiza la calidad de la propia película. Instalados en el asiento trasero del coche patrulla de Callahan, asistimos a los contínuos descensos por las interminables pendientes de las calles de la ciudad de San Francisco como metáfora de la propia degeneración de la saga a la que pertenece.\nPublicado por José M. García en 3:28 2 comentarios:\nEtiquetas: Clint Eastwood, Harry el ejecutor, Harry el sucio\n(Gokudô sengokushi: Fudô) Japón, 1996. 98m. C.\nI.: Shosuke Tanihara, Kenji Takano, Marie Jinno, Tamaki Kenmochi\nQue un director se dé a conocer en el mercado internacional con su película número 19 no es algo habitual. Que esa película esté protagonizada por niños asesinos, hermafroditas cuya principal arma es una cerbatana disparada con su vagina, yakuzas que pagan sus culpas sacrificando a sus hijos, gigantones tarados dignos de un vídeo-juego de lucha, profesoras que esconden su más peligroso secreto en su propia piel o infantes que se tatúan con la sangre de su propio hermano muerto, entra de lleno en la extravagancia. Fuimos muchos los que tuvimos nuestro primer acercamiento al cine de Takashi Miike con Fudoh: The New Generation, posiblemente una de sus películas más accesibles, pero, paradójicamente, quizás la más bizarre.\nBizarre. Esa es la palabra que le viene a la cabeza de inmediato al espectador de esta película. Basada en el manga de Hitoshi Tanimura, Miike parece aprovechar esos orígenes para realizar un auténtico despliegue de excesos, a cual más delirante. Partiendo de un enfrentamiento entre bandas yakuzas, la película propone un cambio generacional marcado por sangre y fuego. La vieja yakuza ha perdido el honor...y los orígenes. Cuerpos marchitos que se asientan en sus tronos como auténticos monumentos de piedra. Fudoh y su joven banda son la alternativa.\nVista ahora, Fudoh: The New Generation supone una auténtica introducción al Planeta Miike. En ella parecen convivir dos fuerzas creadoras antitéticas que, sin embargo, se complementan y se compensan mutuamente.\nLa principal, o más aparente, es el Miike provocador. Una de las grandes virtudes de Fudoh: The New Generation consiste en que Miike no sólo no se amedrenta ante el cóctel molotov que tiene entre las manos, sino que se atreve a llevar su universo bizarre a sus últimas consecuencias. Así, es capaz de mezclar ultraviolencia yakuza con el erotismo más grotesco y fetichista; el gore más sangriento con el fantastic más sutil y poético.\nY se lo permite porque sabe que ahí estará el otro Miike para equilibrar la balanza: el Miike cineasta. La prodigiosa puesta en escena, tan atenta a los detalles como a las perspectivas generales, no sólo controla los excesos, sino que los dota de contenido. Transforma lo que podría haber sido un grupito freak en figuras carismáticas, tridimensionales y, en el fondo, trágicas. Sin ir más lejos, la energía, la vitalidad y la templanza de Fudoh tienen su origen en el sentimiento de venganza y de traición, un fuego que le recorre las venas y que le lleva a enfrentarse a su propia sangre.\nLa conjunción de estas dos fuerzas da lugar a logros tan asombrosos que casi rozan lo sobrenatural: ver si no la secuencia de sexo entre una alumna hermafrodita y su profesora de inglés: resuelta en una escena tan romántica como triste, tan lírica como íntima.\nPublicado por José M. García en 18:27 No hay comentarios:\nEtiquetas: Fudoh: The New Generation, Takashi Miike\n(Irma Vep) Francia, 1996. 97m. C.\nD.: Olivier Assayas\nI.: Maggie Cheung, Jean-Pierre Léaud, Nathalie Richard, Antoiner Basler\nUN. La posmodernidad es un virus que contagia las imágenes, vaciándolas de su propia personalidad para rellenarlas (invadirlas) con el germen de la referencialidad. También es un medio para vivir el pasado a través del presente. René Vidal es un director del pasado que, en la actualidad, ha perdido su valía, al igual que lo han perdido sus imágenes. Imágenes que nacen huérfanas de espíritu, imágenes que no dicen nada, que están vacías. En los tiempos que corren las imágenes han perdido su fuerza porque nadie se fija en ellas. La vida se pierde en el limbo intermedio entre la imaginación donde nacen las ideas y la pantalla donde se plasman. Para René la mirada al pasado es el único camino para conseguir destilar ese sentimiento, esa magia que se halla encerrada, comprimida en las imágenes. Descubrir un secreto que conlleva sus riesgos. Olivier Assayas parte de la hiperrealidad del documental para acabar en el terreno de lo abstracto: por tanto, parte de lo concreto, lo conocido, para llegar a lo difuso, lo desconocido. El rodaje por parte del equipo protagonista de la película de Assayas de un remake del célebre serial Les Vampires de Feuillade es retratado con una cámara al hombro, temblorosa, de mirada naturalista, dispuesta a captar la espontaneidad de los movimientos de los personajes. Assayas nos muestra un rodaje lleno de rencillas y malos rollos, de presiones, de malas vibraciones ante un trabajo imposible.\nDEUX. Maggie Cheung es una actriz china vestida de Catwoman protagonizando un remake de un clásico del cine silente francés. Por tanto, es un náufrago perdido en un territorio multicultural (y políglota). Es ese aislamiento, ese estado de extrañamiento que se produce al estar en un territorio desconocido el que le abre las puertas a esa otra dimensión que René ha alcanzado. "Irma vep" es un anagrama de "Vampire". Por tanto, es un simulacro de significado: un misterio que encierra en su propia construcción (desordenada) su verdadera identidad. En Irma Vep, la realidad es un anagrama del serial Les Vampires de Feuillade. Maggie Cheung no es Irma Vep tras la cámara de René, sino un artificio, una sombra que delata mecanicidad en cada movimiento. Maggie Cheung se convertirá en Irma Vep en el mundo real. Una realidad transfigurada, contaminada por los mecanismos de la representación. El verdadero remake de Les Vampires se acaba realizando a la espalda de todo el mundo, protagonizado en una anónima habitación de hotel por una estilizada y escurridiza silueta de plástico y una mujer desnuda.\nTROIS. Olivier Assayas fue crítico de cine en la mítica revista Cahiers du Cinema durante los años 80. Irma Vep puede considerarse tanto una prolongación de su antiguo trabajo como una mirada a éste. En esa misma revista, en 1954, François Truffaut escribió un célebre escrito, Una cierta tendencia del cine francés acerca de la situación del cine de su país, poniendolo contra la pared y escupiéndole con virulencia sus propias desdichas y miserias. La elección del actor fetiche de Truffaut (y emblema de la Nouvelle Vague) Jean-Pierre Léaud como el director de cine fascinado por la etérea belleza de Maggie Cheung no es casualidad. Si el Irma Vep de René Vidal es un remake de Les Vampires de Louis Feuillade, el de Assayas lo es de Una cierta tendencia del cine francés de François Truffaut. A lo largo de metraje, diversos personajes (actores, técnicos, críticos de cine) ponen en entredicho la necesidad de un cine ensimismado en sí mismo, al margen del público, que se vanagloria ante un espejo de sus propios logros. Una imagen que tiene su colofón en el film con la presencia del sustituto de René al frente del proyecto, un dinosaurio sólo comprometido con su situación económica y a quien las enigmáticas imágenes de Les Vampires le produce somnolencia.\nQUATRE. En sus últimos mínutos, Irma Vep ofrece al espectador una oportunidad (posiblemente) única: una mirada a la verdadera esencia del cine. El testimonio del que ha conseguido traspasar el umbral y ha conseguido echar una mirada sin filtros protectores a la auténtica vida que conforma las imágenes, a su construcción, a su espíritu, hasta fundirse con el propio mundo creativo que ha creado. Los últimos minutos de Irma Vep quizás sea la escena más terrorífica de los 90: Nuestros (tatar)abuelos tenían razón: el cinematógrafo es un invento diabólico, dispuesto a robarnos el alma.\nCINQ. Vous avez lu l'histoire/de Jesse James/comment il vicut/comment il est mort/ca vous a plus hein/vous en d'mandez encore/et bien/ecoutez l'histoire/de Bonnie and Clyde\nalors voil'/Clyde a une petite amie/elle est belle et son prinom/c'est Bonnie/a eux deux ils forment/le gang barrow/leurs noms/Bonnie Parker et Clyde Barrow/Bonnie and Clyde (x2)\nmoi lorsque j'ai connu Clyde/autrefois/c'itait un gars loyal/honnjte et droit/il faut croire/que c'est la sociiti/qui m'a difinitivement abnmi/Bonnie and Clyde (x2)\nqu'est c' qu'on a pas icrit/sur elle et moi/on pritend que nous tuons/de sang froid/c'e'st pas drol'/mais on est bien obligi/de fair' tair'/celui qui s'met ' gueuler/Bonnie and Clyde (x2)\nchaqu'fois qu'un polic'man/se fait buter/qu'un garage ou qu'un' banque/se fait braquer/pour la polic'/ca ne fait pas d'myster/c'est signi Clyde Barrow/Bonnie Parker/Bonnie and Clyde (x2)\nmaint'nant chaq'fois/qu'on essaie d'se ranger/de s'installer tranquill's/dans un meubli/dans lees trois jours/voil' le tac tac tac/des mitraillett'squi revienn't ' l'attaqu'/Bonnie and Clyde (x4)\nun de ces quatr'/nous tomberons ensemble/moi j'm'en fous/c'est pour Bonnie que je tremble/qu'elle importanc'/qu'ils me fassent la peau/moi Bonnie/je tremble pour Clyde Barrow /Bonnie and Clyde (x2)\nd'tout' fagon/ils n'pouvaient plus s'en sortir/la seule solution/c'itait mourir/mais plus d'un les a suivis/en enfer/quand sont morts/Barrow et Bonnie Parker/Bonnie and Clyde (x2)\nPublicado por José M. García en 15:50 1 comentario:\nEtiquetas: Irma Vep, Olivier Assayas\nLa mejor película de la década: Demonlover\n(Demonlover) Francia, 2002. 117m. C.\nI.: Connie Nielsen, Charles Berling, Chloë Sevigny, Dominique Reymond\nLa primera imagen de Demonlover nos sitúa en un avión en clase business. Es de noche y la mayoría de los viajeros están durmiendo. Entre los insomnes están Diane y Volf , quienes discuten las condiciones del negocio que tienen en marcha. Las televisiones están encendidas y muestran lo que parece una película de acción: exlosiones, disparos, muertes llenan la pantalla. Pero nadie hace caso de esas imágenes.\nOlivier Assayas, quien comenzó su carrera como crítico de cine en la mítica revista Cahiers du cinema, no cambió de empleo cuando dio el paso y de criticar los films de los otros pasó a realizar los suyos propios. Sólo cambió el medio. En Demonlover continúa su trabajo como analista cinematográfico y, en este caso, preguntándose acerca de nuestra relación, como espectadores, con las imágenes que, día a día, consumimos. Las imágenes han perdido su carácter narrativo y/o ilustrativo para convertirse en el ruido de fondo de nuestra vida. Nos rodean sin que tengamos capacidad de elección. Los protagonistas del film, ejecutivos de una empresa francesa en negocios con un estudio de animación japonés especializado en contenido erótico para su distribución internacional, trabajan, trafican, con imágenes llenas de sensualidad y anulan su capacidad de excitar a través de la burocracia: reuniones de negocios, faxes, documentos llenos de cláusulas. Son seres sin sentimientos, o que los tienen muy enterrados, moviéndose en entornos gélidos, con la determinación de los autómatas. En este univerno de extrema frialdad, ¿es acaso la saturación el único medio con el que las imágenes pueden seguir captando nuestra atención? ¿O respondiendo directamente a nuestros bajos instintos, a nuestro morbo? La televisión, las cámaras de vídeo, Internet, teléfonos móviles, reproductores de música, DVDs... En el mundo industrializado en el que vivimos, en el que las ofertas visuales se han multiplicado, ¿sigue habiendo sitio para el cine como medio narrativo, comunicativo?\nEn Demonlover, Assayas busca respuesta a esta última pregunta utilizando a la propia película, su estructura, como representante del cinematógrafo. Y sumerge al film (rodado en celuloide de 35mm.) en un universo subterráneo que, poco a poco, va surgiendo desde la oscuridad de la clandestinidad para finalmente llegar a los ojos de todo el mundo a través de la democratización de los nuevos medios de comunicación (las escenas del Hellfire Club están rodadas con cámaras de vídeo digital). La respuesta que nos ofrece el director de Irma Vep es demoledora: la indefinición genérica del film (del documental ilustrativo al thriller de espionaje industrial, del melodrama psico-sexual al cine de terror) y la progresiva abstracción de sus imágenes son indicios de la incapacidad del cine para comprender, asimilar, un universo en el que conceptos como moralidad o humanidad han sido enterrados bajo el peso del deseo y el poder. El final de Demonlover no puede ser más desolador: el sufrimiento humano se ha convertido en el fondo de pantalla de nuestra existencia cotidiana.\nPublicado por José M. García en 21:07 6 comentarios:\nEtiquetas: Demonlover, Olivier Assayas


» De viaje con Badlands, Polock y Bob Lazy\nLas nuevas producciones musicales valencianas no dejan de lado la moda\nBob Lazy: el músico valenciano vuelve a contar con la maestría de Paco Loco a los mandos, quien graba, mezcla y produce a sus anchas.\nTres nuevos videoclips que nos embarcan en un viaje en el tiempo. Cabria empezar en la década de los 70, tan añorada por Bob Lazy, pero esta vez se ha acercado a los 80 con el videoclip “Until the Summer”. Da paso así a su nuevo álbum, disponible el 15 de noviembre en formato vinilo y plataformas de streaming. Según el autor, la canción representa “los esfuerzos por gestionar el miedo a terceras personas en las relaciones a distancia”. Este pavor queda reflejado en la pieza creando un aura intima gracias a la iluminación y a los tonos tierra oscuros de vestuario, que casan con el estudio y el atrezzo. Además, el estilo de los músicos ya no es tan sobrecargado como en los 70, consigue aproximarse al pop californiano de su admirado John Frusciant, que ha inspirado el single. En definitiva, es una canción que susurra al amor y a la contemporización del legado musical que el músico tanto alaba.\nPolock: Dirigido y editado por Pablo Silva\nPolock nos devuelve los 90’ y el boom de la televisión en color con su primer tema en castellano, uno de muchos que compondrán el nuevo disco, anunciado para 2020. Una nueva etapa abierta en un videoclip con gran trabajo de posproducción que nos hace sentir dentro de la famosa “caja tonta”. El vestuario también acompaña la temática sin dejar lugar a duda de a qué década nos quieren hacer viajar, ¿quién no se acuerda de los jeans de tiro bajo, el total look blanco, las camisetas sin mangas y las camisas de manga corta con cuello? Por no hablar de la casa noventera empleada para el rodaje, mejor conocida hoy como: “la casa de la abuela”. ‘No nos atrevemos’ a dudar que este álbum en su lengua materna nos acercará no solo a los 90, sino a ellos mismos, o eso dice la canción: “No te atreves”.\nBadlands: grabado y editado por Marcos Bañó (Baja Fidelidad)\nPor último, el grupo Badlands también propone su primer single en castellano y lo hace con su estilo de siempre, el country de principio de siglo. Este videoclip, de la canción Tornado, se caracteriza por un hippie-country de los 70 llevado al extremo más urbano y moderno, es decir la moda imperante en la década de los 00’. Su letra melancólica consolida con la ausencia de color del montaje y la sobriedad de las prendas. Un aspecto clave es la contraposición de la luminosidad con la oscuridad, el vestido de flores a plena luz del día, con el monocolor en la noche. A finales de noviembre se iniciará la gira Tournado en España y podremos escuchar esta contraposición que va a marcar el nuevo disco: intimidad y potencia. El 6 de diciembre podremos sentir el Tournado en directo en el Palau de la Alameda de Valencia.\nPor Emma Sanchis.\nBadlandsBob Lazymodanuevos videoclipsPolock\nActualidad\tGuillermo Arriaga visita València para ofrecer un…\nActualidad\tTirano estrena “Dios nos perdone”


5 pasos para ser más feliz - Sara Mariner\nBuscamos la felicidad absoluta sin darnos cuenta que la felicidad se compone de la suma de momentos felices. Y estos momentos se construyen con las decisiones y acciones que tomamos cada día.\nYa te hablé de la importancia de no quejarte, no culpar y no criticar para ser más feliz, pues ahora vamos te voy a contar 5 hábitos más que, sin duda, nos permiten tener más bienestar y mejores relaciones personales.\n1.- No te sientas ofendida/o.\nCuando una persona te dice algo que no te gusta, pásalo por tu filtro y valora si hay algo de razón en lo que te dice. Si lo hay y es bueno para ti cambiar, en ese sentido, ve a por ello. Si no tiene razón y además su intención es ofenderte, piensa con calma. ¿Crees que una persona que es feliz y se siente bien consigo misma, se tomaría el tiempo de ofenderte? La respuesta es: «No», porque ya tiene su tiempo lleno de bienestar y no necesita buscar nada más.\nNormalmente, cuando alguien dice algo con ánimo de ofender, tiene un problema que intenta trasladar o al menos desahogarse. Lo que te ha dicho, probablemente no va contigo, viene del que está intentando ofender. Respira profundamente y con habilidad esquiva la supuesta ofensa.\n2.- Libérate de la necesidad de ganar\nLas comparaciones no son buenas y si además nos llevan a querer ganar siempre, en lugar de compartir y a aprender, esto nos provoca estrés y perjudica nuestras relaciones personales.\n¿Qué pasa cuando un niñ0/a siempre quiere ganar en todos los juegos? Pues, que normalmente los otros niños no quieren jugar con él/ella, ni quieren ser sus amigos.\nLa mayor satisfacción se siente cuando se obtiene algo en equipo, cuando ganan todos.\n3.- Libérate de la necesidad de tener razón\nCada persona tiene su razón, ve el hecho desde su punto de vista, con su educación, situación y emociones. Cuando tú insistes en tener la razón, estás queriendo imponer algo sobre la otra persona, quizá consigas exponer tu razón, pero no creará bienestar para ninguno y además no será la razón absoluta, sino la tuya.\nEl objetivo de dialogar, de comunicarse es, como se dice en Programación Neuroligüística, dejar a la otra persona mejor que cuando la encontraste y eso no se consigue imponiendo tu razón. Escucha, aprende y propón y luego deja libertad para que la otra persona haga lo mismo.\n4.- Libérate de la necesidad de ser superior\nComo he dicho antes, las comparaciones no son buenas. Tú no eres superior a nadie, ni nadie es superior a ti. Somos todos diferentes, únicos e irrepetibles. Querer mejorar es la voluntad de sentirse mejor, querer ser mejor que alguien produce malestar en ti y en tu entorno.\nDe nuevo, aprende de los demás, lo que es bueno para ti y aplícalo, en Programación Neuroligüística a ésto se le denomina modelar: aprender un comportamiento positivo de otra persona. No copiar a la persona, sino utilizar aquellos comportamientos que consideras beneficiosos para ti.\n5.- Libérate de la necesidad de tener más\nNos estamos alejando del «ser» para instalarnos en el «tener». Y aunque en principio, puede parecer que tener más y más nos da felicidad, una vez tenemos lo que realmente necesitamos, el acumular por acumular no trae felicidad. La prueba está en que algunas personas millonarias no son felices. Y digo algunas, porque la felicidad no depende de más o menos cantidad de dinero, hay personas pobres muy felices y personas ricas muy felices y al contrario, personas pobre o ricas infelices.\nPor último recordarte, que cada día hagas lo que puedas, que no seas exigente contigo mismo, que te respetes y respetes a los demás, que tengas paciencia y sigas practicando las claves que vas descubriendo para acumular momentos felices. Y como dice un viejo proverbio: «el que hace lo mejor que puede, no está obligado a más».\nEntrevista en la radio Cadena Ser, programa Hoy por Hoy


Zancadas luminosas contra viento y marea | Carrera EDP Nocturna Gijón 10k\nUna gran marea verde alumbró la noche gijonesa y derrochó entusiasmo a pesar del tiempo cambiante\nEl atletismo popular sigue viviendo una edad de oro. Muchos aficionados se animan a calzarse las zapatillas y disfrutar de los kilómetros solos o en compañía de amigos. No hace falta tener grandes objetivos. Lo importante es disfrutar con cada zancada.\nEso es lo que hicieron ayer precisamente los casi 1.500 corredores que tomaron parte en la tercera edición de la EdP Carrera 10K, una de las pocas que se disputa en horario nocturno en el calendario nacional.\nMuchos grupos de amigos compartieron el calentamiento en los alrededores del complejo deportivo de Las Mestas desde donde se realizó la salida. Allí, algunos buscaban a las ‘liebres’ en los prolegómenos para encontrar una referencia en carrera que les permitiera conseguir el registro soñado. No lo tuvieron sencillo. No por el recorrido, rápido y con todas las virtudes que entraña un trazado llano, sin apenas desnivel lo que permite volar hacia las grandes marcas a nivel popular. El tiempo cambiante no permitió muchas concesiones. El comentario más repetido en los instantes previos era unánime: «¿Aguantará?», se preguntaban los participantes, conscientes de que el intenso viento que levantó a la hora de la competición podía condicionar el desarrollo de la misma. «Ya podía descargar», lamentaba más de algún participante, receloso del bochorno. Al final, lo hizo, aunque el agua respeto el desarrollo de la prueba para la mayoría de corredores.\nLlegó la hora de la salida. Los primeros en hacerlo fueron los pequeños, que se estrenaban en esta prueba. Esta competición, reservada para los atletas menores de 16 años, completaron los 1.609 metros que separa el Puente de El Piles de la Antigua Pescadería. Ellos fueron los primeros campeones en la noche gijonesa.\nDespués fue el turno de los mayores. Casi todos estrenaron la camiseta verde que les permitía destacar en medio de una noche cerrada. Por si fuera poco llamativa, muchos optaron por utilizar el reflectante luminoso, ideal para correr en horas tardías, y que formaba parte de la completa bolsa del corredor que volvió a ser alabada por los participantes. El fin de fiesta fue en la plaza Mayor, era el colofón esperado por todos los participantes. Sin embargo, la lluvia arreció y se vio deslucido ese último punto de encuentro de todos los corredores donde continúan viviendo la carrera.