Parque Europa EMV - desagues tendedero - NuevosVecinos.com\nHola, soy una nueva vecina y me gustaría saber si alguien ha puesto la lavadora en el tendedero. Yo queria ponerla ahí, pero me encuentro con el problema de q no se por donde van las tuberias y demas. Es un piso de dos dormitorios, si alguien sabe algo os agradeceria me lo comunicarais. gracias\nRE: desagues tendedero\nHola carmoni, nosotros tambien somos nuevos, te comento.\nNosotros ya hemos empezado una pequeña obra en la casa, porque había cosas q no nos gustaban y una de ella ha sido poner desagüe de la lavadora en el tendedero y asi aprovechar al máximo la cocina.\nLe ha costado bastante a los albañiles porque el suelo es de hormigon, pero me lo han echo al final. La verdad es q yo no entiendo de nada pero ellos han mirado los planos de las instalaciones q nos dieron en la emv y picando lo han encontrado. Han seguido una linea recta pegada a la pared desde la toma q hay en la cocina(mi casa es de 4 no se si será igual q la tuya)hasta la altura de la terraza y luego han seguido la linea recta hasta la terraza, no se si me explico.\nEl agua de la lavadora la han sacado de la caldera.\nCreo q merece la pena.\nOtra cosa les ha costado mucho encontrar el mismo suelo de la cocina.\nHola rebepaula, perdona q no te haya contestado antes. Creo q con lo q me has explicado me servira, era mas o menos lo q imaginaba. Gracias\nPuedes llevar el desague por la pared, en lugar de por el suelo. Es más facil y menos obra. El mayor problema es pasar la puerta pues hace falta hacer un agujero en metal.\nLos azulejos de la pared los encontré en la dirección que viene el el cuaderno que nos dieron al darnos la casa.


Despedida de soltero - Aventura Amazonia Granada\nDespedidas de soltero / soltera en Granada\nSi quieres preparar para tus amig@s una despedida de soltero o soltera original y diferente, o una despedida mixta en Granada, y quieres huir de las actividades clásicas que todos conocemos, y disfrutando de la máxima diversión en plena Naturaleza déjate llevar por tu instinto y celébralo en AVENTURA AMAZONIA GRANADA. Comparte y vive una auténtica aventura en la Naturaleza con tus amigos, disfrutando del mayor parque de aventura de España y lanzandoos por sus impresionantes tirolinas …. todo en un entorno completamente seguro.\nLos parques AVENTURA AMAZONIA son parques para todos por lo que no es necesaria una condición física especial o tener experiencia previa por lo que resultan perfectos para vuestras despedidas de soltero o soltera. Tanto si queréis circuitos en los que quemar adrenalina a raudales, con rápidas y largas tirolinas, juegos a más de 10 metros de altura, saltos de Tarzán,… como si preferís circuitos más tranquilos, vais a encontrar lo que estáis buscando en AVENTURA AMAZONIA GRANADA\nEl parque tiene 6 circuitos en altura, que se ordenan por nivel de dificultad, como las pistas de ski, para que podáis decidir en qué circuitos queréis que transcurra vuestra propia aventura. Vais a encontrar 72 juegos y 16 impresionantes tirolinas!!\nAVENTURA AMAZONIA GRANADA está en Víznar, a tan solo 10 minutos del centro de Granada. Para solicitar información o reservar tan solo tenéis que llamar al 958 071 102\nVen y disfruta de tu despedida de soltero o soltera en Granada, en Aventura Amazonia!!\nOs dejamos el acceso directo a la información de cada parque:


Racing deberá enfrentar al campeón Flamengo - AS Argentina\nRacing deberá enfrentar al campeón Flamengo\nEn el sorteo se vio las consecuencias de haber salido segundo en su grupo: La Academia se verá las caras ante el poderoso Flamengo, campeón defensor.\nActualizado a 23 de octubre de 2020 17:41 ART\nLuego de haber quedado segundo en el grupo F al no haber podido superar en diferencia de gol a Nacional, este viernes Racing conoció a su próximo rival en la Copa Libertadores: será nada mas y nada menos que el campeón defensor, Flamengo.\nEl conjunto carioca, campeón defensor, terminó como líder en el grupo A, superando a Independiente del Valle, Junior y Barcelona SC, con 15 puntos. Además, es puntero junto con Inter de Porto Alegre en el campeonato brasilero.\nSin dudas, el haber terminado segundo en su grupo tras una magra actuación de local, lo perjudicó al equipo de Sebastián Beccacece, que ahora espera a un rival durísimo de la talla del rojinegro.\nLa serie comenzará el martes 24 de noviembre a las 21:30 en el Estadio Presidente Perón en Avellaneda, mientras que la revancha se llevará a cabo el martes 1° de diciembre, también a las 21:30 en el Estadio Maracanã, sede de la final de la Copa. Antes, habrá que pensar para La Academia en la Copa de la Liga Profesional, para preparar lo que será, una serie durísima. El ganador, enfrentará al vencedor de Boca e Inter de Porto Alegre.


Excursión a Iruya | Con Quebrada de Humahuaca | MTB Aventura Salta\nMTB Quebrada del Toro\nSalinas Grandes por Purmamarca\nVuelta a los Valles Calchaquíes en 2 días\nPasando por la Quebrada de Humahuaca\nLa excursión a Iruya, visita un lugar mágico, que no pasa desapercibido al viajero. Llegar hasta Iruya, este pueblo tan alejado se convierte en una verdadera aventura.\nLa iglesia de Iruya se encuentra en el centro del pueblo y se puede ver desde la entrada.\nGran parte del camino para llegar a Iruya, se recorre dentro de territorio de la provincia de Jujuy, pasando por la Quebrada de Humahuaca hasta llegar al pueblo de Humahuaca, donde se encuentra el desvío que lleva a Iruya.\nTomando este desvío, el primer paraje que se pasa es la Estación Iturbe.\nDespués de un sinfín de curvas y siempre trepando, se llega hasta el punto más alto del recorrido, el “Abra del Cóndor”, con sus 4000 msnm. y que sirve de límite natural entre las provincias de Salta y Jujuy.\nDespués de pasar este punto se comienza un descenso de 1220 mts en 19 km. hasta llegar a Iruya.\nLa visión que se tiene antes de llegar al pueblo es impresionante. Por esta razón, muchos han denominado a Iruya como un “pueblo\nLas calles de Iruya de noche.\ncolgado de la montaña”.\nUna vez en Iruya, los pasajeros tendrán tiempo para caminar por sus pequeñas callecitas empinadas.\nSe pasa la noche en algún hotel de Iruya, y se regresa al día siguiente saliendo por la mañana y volviendo a cruzar la Quebrada de Humahuaca.\nCaracterísticas de la excursión a Iruya\nHORARIO DE LLEGADA A IRUYA (DÍA 1) A partir de las 18 hs.\nHORARIO VUELTA A SALTA (DÍA 2) A partir de las 19 hs.\nSeguros Búsqueda por hotel céntrico\nUn poco de la historia de Iruya\nEl Pueblo de Iruya fue fundado en el año 1753. Sin embargo su origen remonta a un siglo anterior a su fecha de fundación.\nMúsica local del norte argentino.\nActas de nacimiento encontrados en la parroquia de Humahuaca en la provincia de Jujuy, testifican que un siglo antes de su fundación ya existían asentamientos en el lugar.\nEste pequeño y antiguo pueblo, cuyo nombre significa “Lugar de altos pastizales”, esta rodeado de dos ríos, El Coranzulí y el Milmahuasi.\nTiene una edificación al estilo colonial, donde predomina el adobe, piedras y paja para su construcción. Sus calles son muy estrechas y empinadas, las cuales están adoquinadas para evitar la erosión del agua.\nLo más curioso del lugar es que sus habitantes aun siguen conservando vestimentas y tradiciones desde hace más de 250 años.\nTrekking Hornocal 3 días\nTrekking a Hornocal de 3 días para\nCircuito de mountain bike en San Lorenzo.\nMountain Bike a Cafayate en 2 días\nViaje de 2 días en mountain bike\n© MTB Aventura Salta 2021. Todos los derechos reservados.\nLa excursión a Iruya se realiza en 2 días, con noche en Iruya.\nTenes alguna consulta?


UGA invita a participar del 2° Concurso “Diseña, Crea, Reutiliza y Recicla” | Campus Sustentable UACh UGA invita a participar del 2° Concurso “Diseña, Crea, Reutiliza y Recicla” – Campus Sustentable UACh\nInicio › APL › UGA invita a participar del 2° Concurso “Diseña, Crea, Reutiliza y Recicla”\nUGA invita a participar del 2° Concurso “Diseña, Crea, Reutiliza y Recicla”\nPosted on abril 15, 2015 by veroruiz\nEl concurso, dirigido a toda la comunidad de la UACh, contempla premios de $100.000 a los ganadores en cada categoría. El plazo para enviar sus diseños vence el 8 de mayo.\nLa Unidad de Gestión Ambiental (UGA) de la Dirección de Servicios, invita a los estudiantes y funcionarios académicos y no académicos a participar en el 2°Concurso “Diseña, Crea, Reutiliza y Recicla” orientado a promover las prácticas sustentables de la reutilización y reciclaje de materiales para la construcción de objetos de arte y de uso cotidiano.\nEste concurso se enmarca en la celebración del 17 de mayo Día Mundial del Reciclaje y la 4ª Feria del Reciclaje UACh 2015, que se celebran con el propósito de incrementar la conciencia y sensibilización de nuestra Comunidad Universitaria en torno al cuidado del medio ambiente, entregando soluciones prácticas a la necesidad de disminuir el volumen de residuos y el uso irracional de recursos naturales.\nEl concurso considera dos categorías: la primera “Arte y Decoración” y la segunda “Reciclaje y Reutilización de Materiales”, contemplándose un premio de $100.000 para el ganador de cada categoría.\nPara ambas categoría la recepción los objetos vence el viernes 8 de mayo hasta las 18:00 hrs. en las oficinas de la Unidad de Gestión Ambiental de la Universidad Austral de Chile (ex Hotel Isla Teja, Avda. Las Encinas N° 220, tercer piso). El acto de premiación se efectuará el jueves 14 de mayo en la inauguración de la 4ª Feria del Reciclaje que organiza la Unidad de Gestión Ambiental.\nPueden participar estudiantes y miembros en general de la comunidad de la Universidad Austral de Chile. La participación es individual o de 2 personas como máximo por proyecto. Los participantes sólo podrán concursar en una categoría.\n– Arte y Decoración\n– Reciclaje y reutilización de materiales\n– Nombre/s participante/s\n– Nombre de la categoría en la que participa\nLa recepción de los objetos se realizará hasta el viernes 8 de mayo de 2015 desde las 8:30 y hasta las 18:00 horas en las oficinas de la Unidad de Gestión Ambiental de la Universidad Austral de Chile.\nLas consultas deberán dirigirse a la Unidad de Gestión Ambiental, paac@uach.cl y se recibirán por correo electrónico. Las respuestas a las consultas serán enviadas por correo electrónico a más tardar tres (3) días después de la fecha de recepción de consultas.\nMiércoles 13 de mayo en página Facebook Dirección de Servicios UACh\nEntrega de premios: 14 de mayo en la 4ª Feria del Reciclaje que organiza la Unidad de Gestión Ambiental\n– Director de Servicios\n– Jefa de la Unidad de Gestión Ambiental.\n– Representante de la Federación de Estudiantes UACh.\n– Director de Relaciones Públicas.\n– Director de la Escuela de Artes Visuales de la UACh.\n‹ En Curso de Sustentabilidad y Producción Limpia: Gran interés por conocer el APL Campus Sustentable manifestaron estudiantes\nColección de afiches itinerantes llama a tomar conciencia sobre responsabilidad de tener perros ›\nPublicado en APL\tEtiquetado con: 4a Feria del Reciclaje UACh, concurso, Extensión en sustentabilidad, reciclaje, sustentabilidad


PDF Online APRENDIZAJE Y TECNOLOGÍAS DE LA INFORMACIÓN Y LA COMUNICACIÓN\nEn este artículo se analiza la importancia de las tecnologías de la información y la comunicación (TIC) en los procesos de enseñanza-aprendizaje llevados a cabo en las comunidades rurales ...\n📙 Els llibres de la frida. Les vocals\n📙 Ciències de la naturalesa 3r epo - projecte duna\n📙 Hierba que se adentra\n📕 La fam al mon\n📕 Progresint integrado\n📕 Cómo vencer tus problemas de ansiedad ante los exámenes\n📕 Amorettio las tribulaciones de john thomas\n📚 Las relaciones entre españa y marruecos: perspectivas para el siglo xxi\n📚 ¿por qué estoy triste? guía para conocer y afrontar la depresión\n📚 Clásicos Dc: Los Titanes # 1\n📙 El diari de la cabra clarke\n📙 Comentarios a la Ley Orgánica 3/2007, de 22 de marzo, para la igualdad efectiva de mujeres y hombres\n📙 Colección Milo Manara 7. Aventuras mitológicas de Giuseppe Bergman\nAprendizaje y tecnologías de la información y la comunicación eBook: Silvia Nazareth Prieto Preboste (coord.), Prieto Preboste, Silvia Nazareth: Amazon.es: Tienda Kindle.\nque brindan las tecnologías de la información y la comunicación (TIC). Ahora bien, al diseñar programas de aprendizaje electrónico a distancia o, simplemente, al introducir los medios de comunicación en una clase presencial, debemos tener presente primero cómo aprenden las personas, considerando su experiencia vital\nLas Tecnologías de Información y Comunicación (TIC’s) son una especie de unión entre tres tecnologías que han sido inventadas en el siglo XX, la Informática, las Telecomunicaciones y los Medios Audiovisuales.\nLa asignatura Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC) corresponde al primer semestre, con tres horas por semana, y forma parte del componente de formación básica, de acuerdo con la estructura del bachillerato tecnológico. El programa de esta asignatura está estructurado para abordar contenidos de manera flexible, buscando la integración de aprendizajes con un eje transversal. Las tecnologías de la información y la comunicación (TIC) -se afirma- pueden contribuir a tener avances significativos en muchos sectores, sin embargo, la evolución y adopción de las mismas planteara diferentes desafíos, ya que su empleo requiere nuevas habilidades y destrezas, por lo que todos los actores de estos espacios tendrán en algún momento que capacitarse en su uso, con todo ...


Nadal campeón del Abierto de los Estados Unidos | LBD\nby admin · 12 septiembre, 2017 // Leída 685 veces\nEl español volvió a dar una clase magistral de tenis para vencer al sudafricano Kevin Anderson por 6-3, 6-3 y 6-4 y levantar su tercer US Open y decimosexto Grand Slam. El número 1 del mundo dio muestras claras de que llegó a la cima para quedarse.\nDos de Roger, dos de Rafa. Los viejitos piolas coparon el escenario en los torneos grandes del 2017.\nFederer abrió la cuenta allá por enero en Australia, Nadal hizo lo suyo por décima vez en Roland Garros, el suizo sumó un Wimbledon más a su haber y por último el español conquistó su tercer US Open para quedar empatados en dos la temporada de Grand Slams.\nCuatro años pasaron desde que Rafa se desplomó en el Arthur Ashe para celebrar su segundo título neoyorquino.\nDescensos en el ranking, lesiones que lo alejarían varios meses del circuito, idas y vueltas con el tío Toni, mucho pasó.. Pero el matador de Manacor volvió a demostrar en esta edición del Abierto de los Estados Unidos que está más vigente que nunca.\nEn estos quince días en La Gran Manzana, Rafa logró imponer una superioridad que nunca había logrado demostrar sobre canchas rápidas.\nLa prueba más dura fue frente a Del Potro, en semifinales, esa fue la final anticipada.\nEl partido definitivo oficial ante Kevin Anderson duró lo que tardó el número 1 en desperezarse y sacarse la presión lógica de un partido de esta envergadura.\nDesde el minuto cero, Rafa controló el trámite del encuentro y tuvo las oportunidades más claras de quebrar el saque del sudafricano para adelantarse en el marcador.\nCon el paso de los minutos, Anderson se iba dando cada vez más cuenta que en ningún momento tuvo chances si quiera de pelear un set.\nEl gigante no pudo hacer pesar su potente servicio ya que el ibérico se volvió muy fuerte con su devolución.\nPero el mallorquín no solo vivía de su devolución, su servicio entraba cada vez más peligroso en el rectángulo de saque y con mucha regularidad.\nNo concedió ni siquiera un deuce (40-40) en los primeros juegos y tan solo cedió cuatro puntos en todo el primer set.\nEn el séptimo juego, con el marcador igualado en tres, una doble falta del sudafricano terminó por dilapidar ese parcial. Nadal conservaría esa ventaja para quedarse con el set.\nPoco a poco, Nadal descifró el código del servicio de su rival, plantado siempre tres metros por detrás de la pista, haciéndose fuerte tanto en la devolución como en su saque.\nGolpeando más profundo y lastimando cada vez más a un Anderson resignado. El segundo set fue aún más sencillo que el primero. Un solo break le alcanzó para terminar cerrándolo 6-3.\nEl tercero fue el más difícil para Nadal, no por la oposición del otro lado de la red, sino por la presión de tener que cerrar un partido que no se le podía escapar.\nHaciendo caso omiso a cualquier factor adverso, logró bien temprano el break que le abriría las puertas del olimpo. Todos sus golpes le funcionaron a la perfección.\nSus piernas y su capacidad de reacción le permitían llegar a pelotas imposibles, tal como es su marca registrada. Con el marcador a favor, los games restantes fueron solo un trámite hasta sellar el 6-4 definitivo.\nEste triunfo le permite a Nadal gozar de la cima del ranking por tiempo indefinido y no depender de nadie para conservar el número 1.\nEn Australia cayó ante Federer, en Roland Garros nadie pudo hacerle sombra, Wimbledon volvió a ser el patio trasero del suizo y en Nueva York, Nadal demostró porque ha vuelto a ser el mejor del mundo sin discusión.\nCon este US Open termina una temporada de Grand Slams para recordar por siempre.\nLos dos más grandes de los últimos 20 años han demostrado que ningún jugador en racha puede compararse con ellos, porque buenos tenistas hay muchos, pero las leyendas se cuentan con los dedos de una mano.\nTags: NoticiasTenis InternacionalUS Open\nNext story En el cierre de la temporada los «Pibes» del CAU se quedaron con la «Copa Fueguina»\nPrevious story La octava se jugó en Río Grande


Cuba juzgará al español Ángel Carromero el 5 de octubre - Havana Times en Español\nCuba juzgará al español Ángel Carromero el 5 de octubre\n17 septiembre, 2012 19 septiembre, 2012 Circles Robinson 5 comentarios\nAngel Carromero. foto:cubadebate.cu\nHAVANA TIMES (dpa) — Las autoridades cubanas fijaron hoy para el próximo 5 de octubre el juicio contra el político español Ángel Carromero, acusado de doble homicidio imprudente por el accidente de tráfico en el que murió en julio el disidente Oswaldo Payá.\nLa fiscalía pide para el político del Partido Popular español (PP) siete años de cárcel. El juicio se celebrará en Bayamo, en la provincia de Granma en el este de la isla, informó la web oficialista Cubadebate.\n“La Sala Primera de lo Penal del Tribunal Provincial Popular de Granma señaló para las 9 de la mañana del próximo 5 de octubre en la ciudad de Bayamo, el inicio del juicio oral y público correspondiente a la causa”, detalló el portal.\nCarromero, de 27 años y dirigente de Nuevas Generaciones del PP en Madrid, conducía el vehículo en el que murieron Payá y el joven opositor cubano Harold Cepero cerca a Bayamo el 22 de julio, a más de 700 kilómetros de La Habana. En el coche viajaba también como copiloto el joven político sueco Jens Aron Modig, liberado poco después del accidente tras prestar declaraciones.\nCarromero está detenido desde entonces en la isla. El juicio había sido fechado inicialmente para el 31 de agosto, según informaciones oficiosas no confirmadas nunca de forma oficial.\nLas autoridades cubanas acusan a Carromero de conducir a casi el doble de la velocidad permitida en el lugar del accidente. Según los los peritos cubanos, el vehículo se estrelló contra un árbol después de que el conductor perdiera el control en una curva.\nLa familia de Payá, uno de los principales opositores cubanos de la última década, no reconoce hasta ahora la versión oficial del accidente. La esposa de Payá, Ofelia Acevedo, pide una investigación independiente. En la oposición cubana circularon tras el siniestro versiones sobre un tercer vehículo implicado.\nEl caso causó revuelo internacional en las semanas posteriores. Carromero y Aron Modig estuvieron retenidos varios días tras el accidente. El sueco compareció ante la prensa poco antes de dejar el país y declaró no recordar los pormenores de lo ocurrido, además de admitir que tuvieron contactos con la proscrita oposición cubana.\nDe Carromero sólo se conocieron declaraciones en un video mostrado por las autoridades, en las que hablaba de un accidente de tránsito común. En la cinta, el político español pedía además que no se “politice” su situación.\nEl caso se caracterizó por un marcado silencio oficial en las últimas semanas, no sólo en Cuba sino también en España. Hasta ahora se estimaba que Madrid y La Habana llevaban a cabo negociaciones silenciosas para resolver la crisis.\nUna de las opciones barajadas es que Carromero pueda cumplir su condena en España, si el tribunal lo declara finalmente culpable.\n← Cubano entrenará boxeadores de EE.UU.\nUn video espantoso →\n5 thoughts on “Cuba juzgará al español Ángel Carromero el 5 de octubre”\nhumorio el negro\nel 19 septiembre, 2012 a las 8:58 am\nDicen que postergaron el juicio porque el edificio del tribunal en Bayamo se está cayendo. No vaya a morir Carromero por aplasticidio estatal involuntario!!!\nel 19 septiembre, 2012 a las 8:25 am\n¿¡No crees que esos siete años habrìa que repartirlos entre los agentes cubanos que provocaron el accidente!?\nel 18 septiembre, 2012 a las 3:13 pm\nAl Carromero lo que le deseo es la legalidad vigente, 7 años de carcel por dos homicidios imprudentes, y que los cumpla integramente en Cuba claro.\nel 18 septiembre, 2012 a las 11:26 am\nQue oportuno! Cuando los ojos del mundo estaran mirando en direccion a Venezuela por las elecciones.\nel 17 septiembre, 2012 a las 7:31 pm\nHabrá que esperar que este muchacho esté fuera de Cuba, fuera de los tentáculos de la policía secreta cubana, para saber sobre la muerte del disidente pacifista cubano…mientras esto no ocurra, no creeremos , ni en los “juicios”, ni en las declaraciones que al respecto se hagan desde la Habana Castrista.


Recife 6-14 de noviembre 2014\nDel 6 al 14 de noviembre el Instituto de Medicina Integral Prof. Fernando Figueira (Brasil) acogió el tercer taller internacional del proyecto que contó con la participación de más de 40 investigadores de todos los países participantes.\nDurante el encuentro se discutieron los avances alcanzados hasta el momento y se programaron las siguientes etapas del proyecto. Entre los avances se presentaron los resultados preliminares de los estudios cualitativos de los diferentes países, sobre coordinación desde el punto de vista de los profesionales y continuidad de la atención desde la perspectiva de los usuarios portadores de patologías crónicas, que indican que si bien algunos problemas parecen similares, las causas son diferentes en cada contexto.\nTambién se discutieron las versiones preliminares de los dos cuestionarios que se aplicarán para desarrollar el estudio cuantitativo, constituido por dos encuestas. La primera trata la coordinación asistencial y va dirigida a médicos de atención primaria y especializada. La segunda hace referencia a la continuidad asistencial y es para los usuarios de los servicios de salud. Ésta última constituye una versión adaptada del cuestionario CCAENA desarrollado por el Consorci de Salut i Social de Catalunya (España).\nEl equipo del Prins Leopold Instituut voor Tropische Geneeskunde (Bélgica) presentó posibles métodos para detectar, junto con los profesionales de salud, intervenciones para mejorar la coordinación relacionada con la calidad de la atención.\nEl seminario finalizó con una presentación sobre los aspectos operativos del desarrollo de las encuestas.\nAsí mismo, durante los dos primeros días del encuentro se contó con la participación del comité científico internacional, (Dr. Jacques Girard, Universidad de Laval, Canadá) y el comité nacional brasileño, (Dra. Maria Geisa Campos de Macedo, Presidenta de la Asociación Nacional de Asistencia al Diabético y de la Federación Nacional de Asociaciones y Entidades de Diabetes; María de Fátima Menezes da Silva, representante del Consejo Estadual de Salud de Pernambuco) los cuales dan soporte en la investigación, y el comité conductor local (Sra. Michelly Lima Vieira, Apoyo institucional de la atención básica / Secretaría Municipal de Salud y coordinadora del Núcleo de apoyo al Programa Salud y Familia, Caruaru), que estuvo presente durante todo el encuentro.


Intolerancia, un cáncer que carcome la seguridad y la convivencia en Colombia\nInicio / De tu lado / Intolerancia, un cáncer que carcome la seguridad y la convivencia en Colombia\n¿Qué tan agresivo es usted? ¿Ha sido víctima de un acto de intolerancia? ¿Se sale fácilmente de casillas?\nEstas preguntas no tiene como objetivo importunarle, sino indagar sobre un tema preocupante: según la Policía, el 48% de las muertes violentas este año, se ha dado por intolerancia. Se trata, de nada más y nada menos, que de 5.031 casos en el pa[is.\nEntre la multiplicidad de casos que se registran a diario por parte de los medios, las tragedias pasan y se olvidan fácilmente. Pero, ¿recuerda el caso del taxista que le dio un puñetazo a un pasajero por 2 mil pesos y este se cayó y murió? Pues hoy, el conductor Camilo Romero, tiene casa por cárcel, permiso de trabajo y está arrepentido. Sin embargo, el daño ya está hecho: provocó una tragedia y la familia de la víctima quedó destrozada y pide justicia. La esposa del pasajero, que murió por míseros 2 mil pesos, reconoce que le queda imposible perdonar al victimario de su fallecida pareja.\nY es que la intolerancia es, sin duda, el peor enemigo de cada uno de nosotros. Lo peor es que habita en cada corazón, sin que podamos darnos cuenta, a la espera de un sobresalto o una situación difícil.\nNo se trata de simple percepción, según la encuesta de convivencia y seguridad ciudadana realizada por el DANE, durante el año 2013, alrededor de 370 mil personas estuvieron involucradas en riñas y peleas. Las causas más comunes fueron responder a alguna actitud irrespetuosa o a agresiones verbales con un 50.3%.\nLa antropóloga Miriam Jimeno asegura que las riñas “son producto de las diferencias, de las diferencias de criterios, de intereses, de perspectivas”.\nNo obstante, en el plano real, no parece haber justificación para la intolerancia: el 48% de las muertes violentas en lo corrido de 2014, se han dado por intolerancia, 5031 casos. No obstante, la cifra, aunque alarmante, representa una reducción del 15% en comparación al 2013.\nY aunque pareciera que la amenaza son los extraños, las cifras dicen lo contrario: el 75% de los episodios de intolerancia corresponden a disputas entre amigos, vecinos o familiares, según estadísticas de la Policía Nacional.\nAl respecto de la problemática, el director de seguridad ciudadana de la Policía Nacional, general Jorge Hernando Nieto Rojas, sugirió “mecanismos de solución pacífica de los conflictos. Que seamos mediadores y no arreglemos las cosas con los puños, con las armas de fuego”.


OACNUDH y UNESCO se pronuncian sobre hechos de violencia – ONU\nOACNUDH y UNESCO se pronuncian sobre hechos de violencia\nLa Oficina del Alto Comisionado de la ONU para los Derechos Humanos en Guatemala (OACNUDH) y la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) condenan enérgicamente los hechos violentos ocurridos frente al Hospital San Juan de Dios en la ciudad capital, donde fallecieron dos personas y al menos 19 resultaron heridas. De igual forma repudian el ataque armado que causó la muerte de los periodistas Federico Salazar, de Radio Nuevo Mundo, y Danilo López, de Prensa Libre, y que dejó herido al periodista Marvin Tunches, del Canal Óptimo 23.\nOACNUDH y UNESCO expresan sus profundas condolencias a las familias de las víctimas.\n“Todo acto de violencia que queda impune es una invitación abierta a nuevos actos de violencia”, declararon conjuntamente Alberto Brunori de OACNUDH y Julio Carranza de UNESCO. “Confiamos en que las investigaciones que realizan el Ministerio Público y la Policía Nacional Civil puedan esclarecer prontamente estos hechos”, agregaron.\nOACNUDH y UNESCO han observado con preocupación el incremento de ataques contra periodistas, que según registros de la Fiscalía de Delitos contra Periodistas, de enero a la fecha alcanza la cifra de 21 casos. De acuerdo con la información recabada preliminarmente, los dos periodistas asesinados habían recibido amenazas presuntamente relacionadas con su labor. El periodista herido pertenece al mismo medio de comunicación donde trabajaba Carlos Orellana, periodista asesinado en 2013.\nLos Representantes de OACNUDH y UNESCO reafirman la necesidad de proteger a las y los periodistas, garantizándoles un entorno seguro y favorable para el ejercicio de sus labores. De igual forma, reiteran la importancia de contar con un Mecanismo de Protección a Periodistas conforme al compromiso asumido voluntariamente por el Estado de Guatemala ante el Consejo de Derechos Humanos en 2012. UNESCO y OACNUDH reiteran su plena disposición para seguir brindando asistencia técnica a la Mesa Técnica encargada de la elaboración de dicho Mecanismo.


Modern Talking fue un duo alemán de synthpop consistente del cantante Thomas Anders y el compositor/productor Dieter Bohlen. Han sido clasificados también como Europop. Por ventas, es el grupo pop más exitoso en Alemania, con más de 120 millones de discos vendidos. El estilo musical fue en gran medida influenciado por melodías pegadizas y ritmos con letras en inglés\nEl comienzo de Modern Talking:\nprincipios de la década de 1980, el productor y compositor Dieter Bohlen y el cantante nacido como Bernd Weidung Thomas Anders se reunieron. Ésta fue la primera vez que Bohlen producía para otros, pero no tuvieron mucho éxito. Un segundo intento con la esperanza de tener éxito, se unieron, formando un dúo. BMG no invirtió mucho en el proyecto. Los primeros videos producidos a bajo costo por el grupo fueron exhibidos. En el primer vídeo musical, el dúo apareció sólo en una sala llena de niebla llena de luces de colores. La portada del primer disco también salió sin la producción de una gran fotografía.\nArchivo:Cheri Lady Bohlen & Anders.jpg\nDieter Bohlen y Thomas Anders en el video de "Cheri, Cheri Lady".\nSe volvieron inesperadamente inmensamente populares con su single hit Europop You're My Heart, You're My Soul (véase: Historia de "You're My Heart, You're My Soul") con el que ocuparon la posición del número uno en 35 países incluyendo su país de origen donde estuvo en la cima por seis semanas, el single vendió ocho millones de copias mundialmente. Para su éxito contribuyó el video musical filmado en los estudios del recién lanzado RTL Plus en Luxemburgo.\nThomas Anders llevaba un largo pelo negro y rizado, ropa de colores y a menudo, asistía a un solarium, y llevaba los labios color rosa brillante. Dieter Bohlen iba a menudo a solarium también, tenía un (típico de la época) peinado Mullet y vestía trajes. En éste aspecto, se decía que los miembros de Modern Talking eran gays.\n"You're My Heart, You're My Soul" fue seguida por otro hit número uno You Can Win If You Want en la mitad de 1985 del disco The First Album. El disco fue certificado platino en Alemania.\nPoco después del segundo hit, Modern Talking lanzó el single Cheri Cheri Lady que rápidamente escaló hasta la cima como las otras, y siendo el único single lanzado de su segundo disco Let's Talk About Love, que impulsó al disco a platino en Alemania.\nMelodía y acordes de "You Can Win if You Want".\nEn 1986, el tercer disco "Ready for Romance" fue lanzado, del que "Brother Louie" (no confundir con la canción de Hot Chocolate) y "Atlantis is Calling (S.O.S. for Love)". Como los singles anteriores, ambos llegaron al número 1 en Alemania, siendo estos sus últimos. Sólo el grupo Sweet ha superado a Modern Talking en números uno en Alemania.\nEn 1986 también apareció el disco "In the Middle of Nowhere", del que se lanzó "Geronimo's Cadillac" (alcanzó el #3 en las listas alemanas) y "Give Me Peace on Earth" (que llegó al Top 30).\n"Romantic Warriors" fue publicado en 1987, alcanzando el Top 10 en las listas alemanas de LP, y también así lo hizo el único single extraído del disco "Jet Airliner". Más tarde ése año, se lanzó el disco "In the Garden of Venus", que no alcanzó el Top 30. El único lanzamiento en single, "In 100 Years", sólo alcanzó el #30 en Alemania.\nDurante esta era Modern Talking fueron exitosos en Europa, Asia, América del Sur, Medio Este, particularmente en Iran, donde toda la música pop del oeste fue prohibida después de la revolución Islámica de 1979, y también en varios países africanos. En Inglaterra entraron al top ten sólo con la canción Brother Louie (#4 UK en 1986).\nPocos meses después de la separación del dúo, la etiqueta "Dino" concesionó las licencias para discos "Best of" del grupo, que hasta ahora, han llegado varios a los Top 20.\nComo la mayoría de los grupos pop europeos, eran casi desconocidos en Norteamérica, nunca aparecieron en las listas de Estados Unidos, y se volvieron one-hit wonders en Canadá cuando Brother Louie alcanzó el #34 en 1987. Lanzaron dos discos cada año entre 1985 y 1987 mientras publicitaban sus singles en televisión en toda Europa eventualmente vendiendo 65 millones de grabaciones en tres años, antes de que la banda se separara debido a conflictos internos. Se cree que fue debido a la esposa de Thomas Anders, Nora Balling - como Yoko Ono con The Beatles - que había interferido fuertemente en los asuntos de la banda. Dieter Bohlen prohibió a Anders que cambiara actuaciones específicas y que cambiara su imagen.\nEntre 1987 y 1998 [editar]\nArchivo:Thomas anders viña.jpg\nThomas Anders y su ex-esposa Nora Balling en Viña del Mar, Chile, 1988.\nDespués de que el dúo se separó en 1987, Bohlen formó su propio proyecto Blue System inmediatamente después de separarse y obtuvo muy buenas posiciones en las listas con canciones como Sorry Little Sarah, My Bed is Too Big, Under My Skin, Love Suite y Déjà Vu. Anders se volvió solista y grabó su nuevo material parecido al pop en Los Angeles y Londres, y también en su país nativo. Como artista solista, Anders hizo conciertos en lugares como Moscú, Sun City, Hong Kong y Viña del Mar en los que cantaba canciones de sus discos solistas, y mientras tanto dejaba a sus leales fans con su material de Modern Talking. Anders grabó cinco discos en inglés Different, Whispers, Down on Sunset, When Will I See You Again y Souled y uno en español Barcos De Cristal. Todos con su avanzada entrega vocal en cada disco que grabó; sin embargo, encontró más éxito en países extranjeros que en el suyo. Dejando todos los mal entendidos y riñas que Dieter y Thomas tuvieron entre ellos en el pasado, Anders y Bohlen comenzaron a tenerse en contacto después de que Anders volviera a Koblenz, Alemania en 1994.\nLa Reunión: 1998–2003 [editar]\nThomas Anders y Dieter Bohlen en la carátula trasera de "America", 2001.\nDespués de la salida a la venta de Year of the Dragon Bohlen despidió a los antiguos cantantes de apoyo, Rolf Köhler, Michael Scholz y Detlef Wiedeke, reemplazándolos por Christoph Leis-Bendorff, William B. King y el famosísimo cantante alemán Nino de Angelo.\n"Victory" fué publicado en 2002, que contenía el single "Ready for the Victory", música de fondo para la Fórmula 1. El segundo single "Juliet" fué inspirado por la música disco de la década de 1970.\nEl 23 de junio de 2003 apareció "The Final Album: The Ultimate Best of...". Esta separación fue acompañada de una nueva controversia, por las declaraciones que Dieter Bohlen hizo sobre el cantante Thomas Anders en su autobiografía, Hinter der Kulissen (Detras de escenas), provocó. Entre otras cosas, Thomas Anders fue acusado de haber tomado ilegalmente el dinero del fondo de la banda. Después de un proceso en un tribunal apropiado, desde mediados de 2004 esta afirmación no puede repetirse.\nEn los cinco años de regreso (1998-2003), Modern Talking vendió más de 60 millones de discos. En general, en los 10 años de existencia del grupo, se vendieron cerca de 120 millones de discos, lo que hace de Modern Talking la banda más exitosa comercialmente de Alemania.\nEn la banda sonora de "Dieter - Der Film", lanzada el 3 de marzo de 2006, apareció "Shooting Star", una canción inédita de Modern Talking. En ella se usaron trozos de la voz de Thomas Anders junto a una melodía similar. La mayor parte de la voz de Thomas Anders fue extraída de "Don't Take Away My Heart". Debido a que ya había pasado mucho tiempo de la separación de la banda, sólo aparecieron los típicos coros altos, ya que Thomas Anders no estaba disponible para esta producción.\nÉxito y críticas [editar]\nModern Talking fueron exitosos, especialmente en Europa continental, Asia, América del Sur, Australia y algunos países africanos. En Estados Unidos nunca aparecieron en las listas, aunque a veces hacían apariciones para inmigrantes europeos.\nA los críticos de música no les entretenía Modern Talking, y dio a la banda, por su música y su aspecto, casi sólo críticas negativas. Aunque en algunas fue la producción profesional y el catchiness reconocido, fue la falta de originalidad lo más representativo, siguiendo los pasos de bandas británicas como Pet Shop Boys y Erasure. En particular, la crítica fue que muchas de las canciones suenan bastante similar, un hecho que el sello admite también con franqueza: "No discutimos que el sonido de todos los éxitos de Modern Talking es muy, muy similar. Sabemos que muchas canciones de los discos, cada una de ellas, suena como la anterior."\nLa inspiración de Dieter Bohlen para las canciones de Modern Talking fue el synth pop, especialmente del coro de la canción Precious Little Diamond por Fox the Fox, donde vio la fuerte emoción de la música disco, que quería probar de manera similar. Se aferró al sonido eurodisco.\nRecibió también influencias de la música en alemán Schlager, el disco pop (Bee Gees) y canciones románticas en inglés de origen italiano y francés, como I Like Chopin de Gazebo. Después de la reunión de 1998 Bohlen produjo eurodance, y baladas en estilo americano MOR.\nA menudo, se le debe a Dieter Bohlen el usar en canciones de Modern Talking siempre un sonido pop más convencional y también de Punk rock "de tres acordes". La mayoría de las canciones se basan en un mínimo de seis cuerdas, y especialmente en los primeros éxitos de Modern Talking que, en su mayoría, se usaban menos acordes en primer plano. La mayoría de las canciones están compuestas en 4/3 de ciclo, sin embargo, algunas canciones se basan en 3/4 o 6/8, como en "Win the Race", donde ritmos shuffle fueron usados.\nDespués de la segunda reunión, se basaron de acuerdo a la moda pop, típico del sonido eurodance de la década de los años 1990.\nLa interpretación de Dieter Bohlen es motivo de controversia. En 2001, los tres cantantes de estudio de Bohlen, Rolf Köhler, Detlef Wiedeke y Michael Scholz, que habían interpuesto una demanda ante el tribunal de Berlín, resultó en una indemnización de 100.000 marcos alemanes. Los músicos fueron tomados como dementes. Hasta el 2004, el cantante Nino de Angelo fue el responsable de la voz alta característica en los coros de Modern Talking. El dúo parecía ser un sexteto. Hasta 1987, el cantante de estudio Birger Corleis estuvo involucrado con las producciones. Para los tres últimos discos, fueron contratados tres nuevos cantantes.\nLa letra de las canciones de Modern Talking se caracteriza por ser "desordenada" y fácil. Bohlen hablo de cómo creó "You're My Heart, You're My Soul" en su autobiografía: "Admito que no sabía que sería un éxito en todo el mundo, pero sólo me tomó medio minuto escribir la letra. El pop toma más tiempo. Fijar a Thomas como cantante fue similar".\nLos vídeos musicales de Modern Talking en la década de 1980 estuvieron dominados por la niebla, luces de colores y formas geométricas claras, tales como esferas, cuboides, pirámides, etc. Una característica especial del vídeo musical de "Brother Louie" es que fueron tomadas escenas de la película "Érase una vez en América" para rellenar.\nCarreras solistas [editar]\nCarátula de Anything, de Blue System (en el disco "Here I Am", de 1997).\nDieter Bohlen también trabajó con otros artistas mientras Modern Talking existía, algunos de ellos como Chris Norman de Smokie cuya canción Midnight Lady (1986) permanece como la composición más popular de Bohlen. Escribió un gran número de canciones disco para C.C.Catch (House of Mystic Lights) usando un acelerado y menos romántico sonido. Algunas de las canciones en inglés de Bohlen como You're My Heart, You're My Soul fueron también grabadas con letra en alemán por Mary Roos usando las mismas pistas instrumentales. Cuando Modern Talking se separó en 1987, un número de canciones escritas para el último disco fueron movidas al primer disco solista de Dieter Bohlen, el que apareció casi al mismo tiempo, junto a su primer single solista Sorry Little Sarah. El proyecto solista de Bohlen fue llamado Blue System, en el que estaba él, el co-productor de Modern Talking Luis Rodriguez y los cantantes de apoyo, Rolf Köhler, Michael Scholz y Detlef Wiedeke.\nEn 2006, Bohlen incluyó un mensaje secreto en su canción Bizarre Bizarre la que tocada invertida decía: "There will never be an end to Modern Talking" ("Nunca habrá un fin a Modern Talking"). Sin embargo, Bohlen dijo: "Quería decir que la música de Modern Talking vivirá por siempre". Anders dejó las canciones de Modern Talking en su repertorio y produjo canciones en ritmo similar para sus canciones solistas, como Independent Girl. En 2006 produjo el disco Songs Forever con versiones swing y jazz de canciones populares (incluyendo el primer éxito de Modern Talking). Bohlen escribió dos libros autobiográficos, uno de los cuales detallo la historia de Modern Talking desde su perspectiva, y vendió un millón de copias en Alemania. La secuela fue altamente criticada por descalificaciones a las personas que trabajaron con él. Como resultado, se alejó del público por un año hasta 2006, cuando dijo que lanzaría un segundo libro. Anders no fue el único en poner cargos en contra de Bohlen y demandando que secciones del libro deberían ser modificadas. Frank Farian se enojó con la salida literaria de Bohlen y lanzó un libro en el que trató de exponer a Bohlen como un fraude, pero esto no defraudó al público sin embargo. El primer libro de Bohlen fue la base de una película animada de comedia, llamada Dieter - Der Film. La banda sonora de la película contenía una canción no lanzada previamente de Modern Talking llamada Shooting Star, que había sido compuesta para el disco Universe. Anders recientemente tuvo su primer hijo y Bohlen su cuarto.\n1998 – Brother Louie ’98\nPublicado por merida34 en 14:48 No hay comentarios:\nhistoria de italo dance\nEl Italo disco es un término que refiere a varios tipos de música disco, pop, y dance europea que fue desarrollado durante la década de 1980 en Italia, Alemania, España, y otras partes de Europa. Durante los años 80, el término "Italo-disco" se usó en Europa para describir todos las producciones de música dance no basadas en el Reino Unido, incluyendo algunas de Canadá. En el Reino Unido y los EEUU, el Italo-disco fue prácticamente desconocido para los consumidores. En este tiempo, muchos DJ's italianos comenzaron a experimentar con los teclados, con apenas un dedo y después a elevar la velocidad, inspirándose en el sonido disco americano y muy influenciados por la nueva ola británica de grupos como O.M.D. Human League, Yazoo... pero con esa melodía especial que la caracterizó, sobre todo a partir de 1983 cuando los "Summer Hits" invadieron la escena dance con temas de RYAN PARIS, KANO, MY MINE, P.LION, BALTIMORA, MIKO MISSION, KEN LASZLO...\nA partir de 1985 la historia continúa cuando en muchas emisoras de radio FM empezaron a pinchar esas canciones que enganchaban a la primera y comenzaron a ganar terreno a los oídos de los Clubber's de Europa, Florida, Japón... Para intentar definir, ¿qué es la música Italo Disco? lo primero y más obvio sería decir que era la música disco que se hacía en Italia a mediados de la década de los años 80. Pero tratando de definir el estilo en sí, digamos que la base instrumental se caracterizaba por ser muy melódica. En los inicios de este estilo era habitual la inclusión del piano, lo cual ayudaba a crear una atmósfera más melancólica, especialmente en aquellos temas más lentos o de medio tiempo. Por último indicar que la franja de velocidad estaba situada entre los 100 y 150 b.p.m.Haciendo una breve reseña histórica, las primeras producciones de música disco italianas, entre finales de los 70 e inicio de los 80, seguían las directrices de los estilos que entonces estaban de moda, el Disco y Funky, así como los nuevos estilos que surgieron al principio de la década de los 80, como la música electrónica y el Tecno-Pop entre otros. Aunque pueda parecer lo contrario, el Italo-Disco no tuvo una gran repercusión en su país de origen. Sin embargo, ello no significa que algunos temas no estuvieran presentes en las listas italianas. Este fue el caso, entre otros, de "Masterpiece" y "I Like Chopin" de Gazebo, "Happy Children" de P. Lion, "Dolce Vita" de Ryan Paris, "Self Control" de Raf, "People From Ibiza" de Sandy Marton, "Comanchero" de Moon Ray, "Mad Desire" y "Future Brain" de Den Harrow, "The Night" de Valerie Dore, "Looking for Love" de Tom Hooker y "Easy Lady" de Spagna...\nPara conocer un poco más sobre los orígenes del Italo-Disco, te recomiendo encarecidamente que leas el siguiente articulo, muy interesante:\nLa música disco es un estilo infravalorado pero en el que hay mucho que descubrir y disfrutar. En 1974, la música disco era un fenómeno underground, pero sólo 3 años después, todo el mundo la bailaba con John Travolta. Aunque la música disco fue uno de los fenómenos musicales populares más prominentes de la década de los 70, nunca recibió el crédito que merecía. Aún hoy, sigue conservando un halo cutre y kitsch, y pocas personas creen que merezca la pena bucear en este estilo musical para encontrar joyas “avant-garde”. El disco es un estilo "up-tempo" de la música dance de los años 70, especialmente el soul y el funk, y en sus comienzos se hizo popular entre las audiencias afro-americanas y gays de EEUU. La palabra "disco" viene del francés "discothèque", que a su vez es una mezcla entre "disc" y "bibliotèque" Las discotecas nacieron en el París ocupado durante la II Guerra Mundial. Los nazis prohibieron los clubs de jazz y de baile, de modo que la gente iba a locales ilegales a escuchar y bailar música grabada. Uno de esos clubs ilegales, situado en la Rue Hachette, se llamaba “La discothèque”. Más tarde Paul Pacine abrió el club “Whiskey a Go-Go”, donde la gente bailaba discos pinchados por disc-jockeys. Estos clubs fueron evolucionando y extendiéndose por toda Europa en los años siguientes. Pacine abrió en 1960 el club Chez Régine, donde acudía toda la “gente guapa” de la ciudad y la “jet-set” de otros lugares del mundo. Entre ellos también había norteamericanos, quienes, inspirados en el club parisino, abrieron en Nueva York “Le Club”.\nEste club no duró mucho, porque enseguida hubo otro que se puso más de moda: el “Peppermint Lounge”. Antes de que la música disco existiera, el vocablo “discotèque-records” se usaba para hablar de la música que se pinchaba en los clubs privados y fiestas “alter-hours” de Nueva York como “The Loft” y “Better Days”. La música en cuestión era una mezcla de funk, soul e importaciones de Europa, la misma música que por aquella época pinchaba el DJ jamaicano Kool Herc en la primitiva escena Hip-Hop. Esa música recibe el nombre de “proto-disco”. El primer 12” fue en realidad un 10”. A mediados de los 70, el DJ Tom Moulton iba a los estudios de Media Sound Records a solicitar acetatos de las últimas novedades. Estaba como loco por conseguir lo último de Al Downing, un tema titulado “I’ll be holding on”. Al técnico de la discográfica, José Gonzalez, no le quedaban discos de 7”, así que Tom le dijo que le planchara el disco en un 10”. “¿Cómo voy a planchar un tema tan corto en un disco tan grande? ¡Es ridículo”- dijo José. Entonces se les ocurrió subir el nivel del sonido hasta +6. El resultado sorprendió a todos.El primer 12” oficial fue la grabación de First Choice “Ten Percent”, editado por el sello Salsoul en su inconfundible formato de 12”. A partir de este momento, cambiaron muchas cosas en las pistas de baile Los tiempos cambiaron, las drogas cambiaron (la droga “disco” por excelencia era el “Poppers”), y nuevos clubs como el “Paradise Garage” abrieron sus puertas; había nacido el maxi de 12”. Por primera vez en la historia, se componían y producían las canciones con la palabra “discoteca” en mente. Los dorados años del disco terminaron con sus audiencias gays diezmadas por el SIDA.\nLos sellos de mayor calidad de ésos años son Salsoul, Prelude y West End. No se puede decir que la música disco fuera un fenómeno estrictamente gay (y por tanto vedado a las mujeres, que tenían prohibida la entrada en muchos clubs), pero hay muchos gays famosos en esta escena musical, como Silvester, Giorgio Moroder y Patrick Cowley. La música disco supone también el surgimiento de las “disco divas”, grandes cantantes de soul, funk o R&B, que trabajaban codo a codo con los productores grabando impresionantes partes vocales. Algunas de las más grandes son Loleatta Holloway, Taana Gardner, Gwen Guthrie, Aretha Franklin, o Gloria Gaynor. Podemos encontrar sus partes vocales en grabaciones bajo títulos como Double Exposure, Inner Life, Musique, etc. Estas vocalistas sobrevivieron a la era disco y algunas de ellas siguen trabajando con productores de house, acid jazz, etc. Sin embargo, una vez más, encontramos a pocas mujeres en el terreno de la producción musical, que sería el ámbito de mayor poder. Los 70 también vieron florecer el fenómeno del “gay clubbing”, que se convirtió casi en una religión, en un estilo de vida para muchos gays de grandes ciudades norteamericanas. La imagen “camp” y “glam” que el “gay-clubbing” imprimió a la música disco, hizo que a mediados de los años 70 se percibiera como la música de negros, gays y mujeres de clase obrera. Precisamente esos sectores no estaban representados entre la elitista clase de críticos de rock, que rechazaron de entrada este estilo tachándolo de poco serio. También hubo una reacción de intolerancia machista y racista en Gran Bretaña y EEUU llamada “Disco sucks” (el disco apesta). Era una campaña en contra de la liberación gay y el orgullo negro. Los pro-hombres del rock reclamaban su blanca hegemonía, que, por primera vez, veían en peligro. En la publicación inglesa “The Young Nationalists”, se advertía a sus lectores de la necesidad de luchar contra este estilo de música y su “pseudo-filosofía”, a no ser que se quisiera que las calles de Gran Bretaña se llenaran de “negros y maricones”.\nEn 1979 (un año antes del cierre de Studio 54), se celebró en Chicago la “Disco demolition night”, en el que cientos de fans del rock quemaron vinilos al grito de “disco sucks!” En 1974 el productor Meco Monardo contrató a la entonces desconocida Gloria Gaynor para grabar un par de temas, “Honey Bee!” y “Never can say goodbye”. Hasta aquí nada de particular: no era más que una de las muchas sesiones que se sucedieron en los Media Sound Studios de Nueva York. Pero cuando llegó el momento de hacer la mezcla, Monardo tomó una decisión revolucionaria: en lugar de dejar la sección rítmica como acompañamiento –la práctica entonces más habitual-, subió los canales del bajo y la batería y los colocó en primer plano, para así dejar atrás la orquesta y la voz de la cantante. El resultado fue sorprendente: había nacido el primer hit de la era disco. El advenimiento de la música disco marcó la caída de los conjuntos de baile. La música de los 70 ya venía marcada por el “groove”, pero el disco enfatizó por encima de todo el “beat”, incluso por encima de la voz y de la canción. Los DJs de los mencionados clubs gays de Nueva York pinchaban discos de soul y funk con una fuerte base rítmica y groove (proto-disco). Esos discos se convertían en éxitos y después se pasaban por la radio y vendían muchas copias. De este modo, las casas discográficas empezaron a producir discos específicamente para la pista de baile. Esos discos también tenían una fuerte componente pop, de forma que llegaran a un gran público. Los albums no tenían muchas canciones, y los “singles” aparecían en formato de 12”, con versiones extendidas para facilitar la remezcla. Con esa intención de la mezcla, los discos marcaba también las cantidades de “bpm” (beats per minute). Así, los beats de la música disco llenaron las listas de éxitos y todos los artistas, incluídos los de rock, grabaron canciones “disco”. Sin embargo, la música disco era un medio de productores, ya que ellos escribían las canciones y creaban los temas. “Sólo cuando la ocasión lo requería es decir, cuando el tema era ya un éxito, se podían reclutar unas caras bonitas o unos cuerpos atractivos, esbeltos y/o musculazos para que prestaran su imagen al producto. Tal fue el caso de Boney M: Liz, Marcia, Maite y Bobby no eran más que el rostro público de las creaciones del alemán Frank Farian. Símbolo del éxito (ciento cincuenta millones de copias vendidas en todo el mundo de hits como “Rasputin” o “Daddy Cool”), Farian se convirtió en el ejemplo a imitar. El francés Jacques Morali contraataco con Village People, un sexteto histriónico (se disfrazaban de camioneros, policías, sioux y demás iconografía kitsch), que pretendió ejemplificar el joie de vivre del colectivo gay.\nLarry Levan fue el primer “DJ-estrella”. Se movía entre los géneros disco, house y garage. Durante 10 años reinó en la corte del club “Paradise Garage”, uno de los más importantes de la historia del disco. Muchos DJs de éxito confiesan que la exposición a la música pinchada por Larry Levan en el Paradise Garage cambió sus vidas y les inspiró en sus respectivas carreras. Levan también está considerado el primer DJ en introducir la estética del dub en la pista de baile y el primero en mezclar un amplio y ecléctico abanico musical: “Levan tenía un control absoluto sobre la pista de baile y un estilo único en las transiciones. Combinando diversos estilos y tempos conducía al público a un frenesí total a través de sus eternas mezclas, y usando varias copias del mismo disco podía crear verdaderas remezclas en directo, sobre las que iba alternando efectos de sonido. Como decía en Internet un habitual del club, “la mejor noche de mi vida fue en junio de 1984, cuando Larry pinchó “Music is the answer”, de Colonel Abrams durante toda una hora Con la llegada de los 80, más que morir, la música disco mutó en otros géneros como el “dance-pop”, el hip-hop, el house y el tecno. Se evolucionó hacia sonidos más electrónicos, dando origen a la actual música “house”. Es en estos momentos de transición o “crossover” donde encontramos algunas de las piezas más interesantes. Sin embargo, el house en sus inicios no bebió sólo de la música norteamericana.\nEn los clubs de Nueva York y Chicago eran muy populares artistas electrónicos británicos como Depeche Mode o Soft Cell y otros de corte más disco como Giorgio Moroder o Klein & MFO; también alemanes como Kraftwerk, belgas como Telex, y miles de producciones de baile italianas (italo disco). El Paradise Garage, en NY, y el Warehouse en Chicago (presidido por Frankie Knuckles), rompieron con las barreras de la raza y la opción sexual (hasta entonces, negros y blancos, gay-les y heteros se divertían segregados), y pusieron el acento en la música. La música que se pinchaba en estos clubs era tan variada como su clientela: música negra basada en el r’n’b, y música disco aderezada con cosas tan diversas como el “Magnificent Seven” de The Clash. Otra mutación de la música disco fue el “no wave”, mezcla de disco y punk. En el verano del mismo año en que se abrieron el Warehouse y el Paradise Garage, 1977, las revistas norteamericanas hablaban de un nuevo fenómeno musical llamado “punk”. A caballo entre el ruido punk-rock y el disco, la escena “no wave” vivió una corta etapa en NY, en estrecho contacto con la escena artística de vanguardia. En esta escena destacan las pioneras ESG, y también The Contortions, Konk, Yoko Ono, Lydia Lunch, Cristina, etc. Básicamente era una actitud musical que rechazaba el formato tradicional del rock ‘n roll (cuerdas, coros), e incorporaba también otras influencias como el Free Jazz y la música negra.\nPublicado por merida34 en 7:52 No hay comentarios:\nJordi Sánchez y Miguel Arjona se conocieron en el club de atletismo de Sant Feliu de Llobregat a principios de los años ochenta, y su admiración por grupos como Depeche Mode, Yazoo u OMD les llevó a componer algunas canciones que al principio no fueron bien recibidas por las discográficas de la época. El 23 de Octubre de 1991 consiguen publicar su primer álbum con Blanco y Negro Music, Llámalo Sueño.\nA lo largo de su carrera han logrado diversos éxitos, manteniéndose en este género no muy común en España. Junto a las canciones más electrónicas han mezclado baladas de corte más clásico, como La princesa de mis sueños o Falsa moral. En 1996 con el lanzamiento de su álbum Donde el corazón nos lleve la popularidad de OBK empezó a desvanecerse. Tras una larga crisis de dos años lanzan un disco recopilatorio Singles 91-98, pensado inicialmente como despedida oficial del grupo, en el que junto a los clásicos de siempre se incluía alguna novedad: 2 temas nuevos ("En medio de nada" y "Juicio interior"), una version de De qué me sirve llorar y una remezcla de ASAP del tema Historias de amor.\nSingles 91-98, en contra de lo esperado, les hizo recuperar la popularidad perdida, lo que les dio una nueva oportunidad de grabar un álbum. Es asi como en el año 2000 graban Antropop con Carlos Jean como productor, famoso por su habilidad para adaptarse a artistas de diversos estilos. Este trabajo supuso un punto y aparte en su carrera, a partir de entonces con un sonido más duro y con mayor presencia de guitarras, tal y como se expone en el tema Tú Sigue Así. Los vídeos, realizados en su mayoría por J.A. Bayona, recibieron en general críticas positivas, y destacan por su impacto visual y crítica social. Tanto fue así que en el año 2000 por este video, OBK y J.A. Bayona fueron galardonados con el Premio Ondas al mejor Videoclip. El segundo sencillo, El cielo no entiende, fue elegido como la canción oficial de la Vuelta ciclista a España 2000, y fue entonces cuando el grupo alcanzó las 300.000 copias vendidas de Antropop, su quinto disco de estudio.\nUn año después, tras este disco llegaría una reedición muy especial del mismo, a la que titularían Extrapop 2001, y donde incluyeron remixes, maquetas y otros extras.\nSu sexto álbum de estudio, Babylon, publicado en 2003, siguió contando con la colaboración de Juan Antonio Bayona para sus videoclips. Los singles extraídos fueron Lucifer, Quiéreme otra vez, La herida y Mírame bien, y es considerado por sus seguidore como uno de los mejores discos de su discografia.\nTras su otro recopilatorio, Sonorama, (2004), llegó su séptimo disco de estudio, Feeling, a finales de 2005. Su primer single, Sin rencor, con un videoclip que otorga una crítica a los que tanto se habían manifestado contra los matrimonios homosexuales (otra idea de J. Bayona), fue secundado por A ras de suelo, sencillo que fue elegido por sus fans desde su página web, y Yo no soy cool.\nLa poca promoción que la compañia discografica EMI dio al disco, unido a la crisis general del mundo de la música, supuso que las ventas quedaran lejos de lo que se esperaba. OBK, cansados de que su propia compañia no apostara a fondo por ellos, decide llegar a un acuerdo para rescindir el contrato entre ambos.\nEl 13 de Septiembre de 2008 salió a la venta su nuevo disco titulado Ultimatum, bajo el sello de Warner Music. Su primer single de este álbum "Yo no me escondo" fue presentado el pasado 12 de Julio de 2008, y cuyo impactante viedoclip parece suponer por el momento el ultimo trabajo entre J.A. Bayona y OBK, cuya relacion personal sigue siendo excelente. El segundo single de Ultimatum es "Siempre tu", cuyo videoclip incluye preciosos parajes del valle de Arán.\nJordi Sánchez - Composición y voz\nMiguel Arjona - Letras y teclados\nPlatino y Oro (150.000)\nEMI / Hispavox\nPlatino y Oro (165.000)\nOculta realidad (version '98)\nI feel you (2001)\nEl nombre de OBK es la abreviatura de Oberkorn, un tema instrumental de Depeche Mode.\nEl tema I Feel Jesus incluido en el álbum Extrapop es una versión que hizo OBK de dos canciones de Depeche Mode mezclando la parte instrumental de I Feel You con la vocal de Personal Jesus\nA Ciegas, incluido también en Extrapop, es una versión en castellano de Strange Affection, de De/Vision\nExiste una versión reggaeton de Historias De Amor incluida en el recopilatorio Caribe Mix 2007\nDebido a un error en la masterización, algunos ejemplares del álbum Sonorama fueron grabados con unos pequeños chasquidos en el tema Ni te das cuenta. Nunca fueron retirados de la venta.\nOBK afirma que su tema El cielo no entiende no fue escrito para convertirles en iconos del movimiento gay.\nEn el vídeo de Ni Te Das Cuenta se muestra una curiosa alegoría de las Torres Gemelas reconstruidas en medio del Paraíso.\nPara la edición del segundo sencillo de Feeling (A Ras De Suelo) se organizó un concurso de remixes en el que los ganadores vieron su obra plasmada en el CD-Maxi que se puso a la venta. La banda afortunada fue Silica Gel (David Orensanz y Alberto Palazón).\nRecibieron el Premio al Mejor Tema Electrónico en los X Premios de la Música, por su tema Yo no soy cool, una crítica a la "altísima" sociedad.\nPublicado por merida34 en 11:59 No hay comentarios:\nZanetti as a singer (Savage):In late 1983 he recorded under the stage name, Savage. His smash SLEAZY-ENERGY hit Don't Cry Tonight was a hit in Europe and was often remixed. The same year he recorded Only You, a low beat Italo Disco classic. His first album Tonight was successful and preceded singles like Radio, Time, A Love Again, Celebrate, Love Is Death. In 1989 he recorded I Just Died In Your Arms Tonight (a Hi-Nrg remake of a song by Cutting Crew). Also in 1989 he released a greatest hits album. In 1994 he released the album Strangelove, containing a number of remixes of his older songs and four mixes of Strangelove (originally composed by Depeche Mode). The last single released by Savage was Don't You Want Me that appeared on his own label Dance World Attack Records (DWA) in 1994. This track is not in the "Strangelove" album.\nZanetti as a music composer and producer:In the early to mid 90's, Robyx was a Classic Eurodance pioneer. Hits such as "Think About the Way" by Ice MC, "The Rhythm of the Night" by Corona. feat Ice MC, "Me and You" by Alexia, and "Run to Me" by Double You made Robyx an international success. In the early 90's, when Classic Eurodance started to get global recognition on radio stations with hits such as "Rhythm Is a Dancer (Snap!)," and "More and More" (Captain Hollywood Project), Robyx came out with the songs "Take Away the Colour" (1993) and "The Rhythm of the Night" (1992). In the mid 90's, when Classic Eurodance was in its golden age, Robyx came out with several singles, the biggest was "Baby Baby" by Corona. "Baby baby", like "The Rhythm of the Night," was played on American radio stations even though European dance music usually wasn't. Around 1997, Robyx re-invented his style and came out with a hit sung by Alexia, "The Summer Is Crazy."\nAfter 1997, Robyx released a few albums by Alexia and was less involved with Eurodance music. The latest info suggested that he began working solely with Italian artists to make Italian pop songs.\nTo this date, in websites such as Eurodancehits.com, Robyx is still praised. Some of his fans would like him to return to his eurodance roots. Some of his greatest contributions to the Eurodance genre are bringing it to an international audience and helping it break out of the discothèques and onto the radio.\nPublicado por merida34 en 8:26 No hay comentarios:\n[editar] Significado del nombre\nDepeche Mode es una expresión donde Dépêche tiene la acepción de boletín o noticiario, y Mode se refiere al mundo textil. Dépêche Mode fue el nombre de una publicación francesa editada hasta 2001 por el grupo Guaso in Your Lifes,  la cual inspiró a Gahan en 1980 para bautizar a la banda. La revista "80-89" ha dado una explicación a otras interpretaciones erróneas sobre el significado del nombre.\nDavid Gahan (vocalista y actualmente también compositor) desde 1980.\nMartin Lee Gore (compositor, segundo vocalista, teclista y guitarrista) desde 1980.\nAndrew John Fletcher (teclista) desde 1980.\nVincent Clarke (compositor y teclista) entre 1980 y 1981.\nAlan Charles Wilder (teclista, arreglista, ocasionalmente compositor y batería; apoyo vocal en conciertos) entre 1982 y 1995.\nPrincipales miembros de apoyo en conciertos.\nChristian Eigner (batería; ha coescrito con Gahan y con Andrew Phillpott canciones para el grupo) de 1997 hasta la actualidad.\nPeter Gordeno (teclista y apoyo vocal) de 1998 hasta la actualidad.\n[editar] Los ochenta, primer periodo\nLos más cercano al surgimiento de Depeche Mode se encuentra en un primer intento de dueto colegial en 1975 llamado No Romance in China formado por Vince Clarke como vocalista, compositor y guitarrista, y Andrew Fletcher al bajo. Después Clarke formó con Martin L. Gore y con Rob Marlow un nuevo grupo llamado French Look al cual se integraría nuevamente Andy Fletcher en lugar de Marlow en 1979, dando origen al trío Composition of Sound en donde Martin Gore y Andrew Fletcher eran guitarrista y bajista respectivamente, y Vince Clarke era vocalista y teclista.\nDespués de estar tocando puertas consiguieron grabar en 1981 una canción de Vince en un pequeño sello independiente de música electrónica llamado Some Bizzare. La canción era "Photographic" y apareció en un recopilatorio de nuevas promesas de ese sello, convirtiéndose así en su primera grabación para un disco. Semanas después el productor Daniel Miller, fundador del sello Mute Records y quien era uno de los que antes les había cerrado la puerta, los escuchó tocar en directo y reconsideró su decisión, por lo cual les dio la oportunidad de grabar su primer sencillo y su primer álbum produciéndoselos él mismo a través de Mute, todo en un trato sólo verbal.\n[editar] Speak & Spell\n"Dreaming of Me" fue el primer sencillo del grupo, editado en 1981 antes del lanzamiento ese mismo año de su primer disco de larga duración: Speak & Spell.\nEl álbum Speak & Spell se compone casi en su totalidad por nueve canciones de Vince Clarke, incluida "Photographic", además de una canción y un tema electrónico-instrumental de Martin Gore, y obtuvo buenas críticas sobre todo por el talento de Clarke para la música electrónica y para manejar el teclado, por lo cual fue considerado el "Mago de los Teclados".[cita requerida]\nEl álbum logró entrar en listas de éxitos especialmente por el sencillo bailable "Just Can't Get Enough", que alcanzaría el puesto octavo en la Gran Bretaña. Además de "Just Can’t Get Enough" el otro sencillo fue "New Life".\nEn los Estados Unidos, el grupo fue signado por la compañía Sire Records, filial del emporio Warner Music Group. La canción "I Sometimes Wish I Was Dead" en la versión americana del álbum fue cambiada precisamente por la canción "Dreaming of Me", y allá sólo "Just Can't Get Enough" se publicaría como sencillo. Tras el relativo éxito de su álbum debut y de su primer gira en forma, 1981 Tour, Vince Clarke abandonó el grupo alegando que esa no era la forma en que él quería trabajar.\nPor último, en la revista Depeche Mode no se ejercieron medidas legales en contra del grupo por haberles tomado el título aparentemente porque se consideró inofensivo, o como una manera fácil de obtener publicidad gratuita.\n[editar] See You y el A Broken Frame\nAl no tener compositor principal, Martin L. Gore tomó el control creativo del proyecto. Gore recurrió a temas compuestos en la adolescencia como "See You" que, editado como sencillo, se convertiría en el mayor éxito que habían tenido hasta ese momento, alcanzando la sexta posición en las listas británicas.\nDurante la breve gira, prepararon el segundo álbum y aunque Alan Wilder insistía en hacer sugerencias para los conciertos y las nuevas canciones, los otros tres integrantes rechazaban sus propuestas de aportar algo más que su colaboración en conciertos.\nEn poco tiempo completaron su segundo disco, A Broken Frame de 1982, que fue nuevamente producido por Daniel Miller. El álbum fue grabado como trío y contiene un sonido que trataba de acercarse al pop del primer disco y las letras de Vince Clarke, lo cual es evidente sobre todo en el tema "The Meaning of Love", aunque muchos observaron que las letras de Gore resultaban más introspectivas y tristonas que las de Clarke, mientras el sonido de la banda se había vuelto en general más oscuro y menos complaciente.\nEllos mismos declararían abiertamente que A Broken Frame es su peor disco, porque se encontraban sin identidad musical y arrastraban el estilo aportado por Clarke. No obstante, de él se destacaron los primeros clásicos del grupo, "Leave in Silence" y la misma "See You"; "The Meaning of Love" fue el segundo sencillo, pero su sonido Clarke iría en detrimento de su aceptación. Sólo "See You" se publicaría en Estados Unidos, aunque como sencillo doble.\nCon el disco realizaron la gira Broken Frame Tour y durante todo ese tiempo Alan Wilder siguió siendo sólo músico de apoyo, sin embargo al concluir la promoción del álbum fue integrado formalmente y apareció por primera vez como miembro en el video de la canción "Leave in Silence". La primera canción que Alan Wilder grabó como miembro con Depeche Mode fue "Get the Balance Right".\n[editar] Construction Time Again\nFue un intento de álbum conceptual, y hay quienes lo consideran como el primer trabajo en verdad importante de Depeche Mode por su sonido más depurado y porque comenzaron a experimentar con los samplers (recurso poco frecuente en aquella época), creando melodías de sonidos percusivos. Ellos mismos han llegado a decir que aún era un trabajo pretencioso pues no se logró como disco conceptual, de cualquier modo el tema "Everything Counts" de ése álbum es considerado por algunos como una de las mejores canciones de la banda. Se lanzó también la canción "Love, In Itself" como sencillo, aunque otra vez sólo "Eveything Counts" se publicaría en ambos lados del mundo.\nEl álbum supuso el comienzo del ahondamiento de Depeche Mode en un techno más industrial que los distinguiría musicalmente. Lo trascendente fue que Construction Time Again cambiaba radicalmente la orientación musical de Depeche Mode, de pronto se habían volcado a la música industrial surgida en Alemania, en donde fue grabado, y aunque dispersas las letras de Martin Gore se alteraron para hablar de temas más actuales y menos tradicionalistas para esa época. La crítica consideró que el disco tenía una mejor forma que los primeros materiales y el grupo perdió momentáneamente la etiqueta de pop para ser más duro en su discurso lírico y musical, mientras otros elogiaron la incorporación de Alan Wilder y la colaboración de Gareth Jones como determinantes en la evolución musical que demostraban.\n[editar] Some Great Reward\nEn 1984, como adelanto a su siguiente álbum, editaron el sencillo "People Are People". Esta canción fue el primer éxito de la banda en las listas de E.U. alcanzando el puesto número 13 y el 6 en Gran Bretaña. Aprovechando el reciente éxito del sencillo, la banda editó la compilación People Are People, un EP que en su momento haría de primer disco en el mercado norteamericano y que además de contener el tema que le da nombre, llevaba canciones de los trabajos anteriores.\nPoco después apareció su cuarto álbum, Some Great Reward, producido por Daniel Miller y Gareth Jones, con siete nuevas canciones de Martin Gore, además del tema "People Are People" (que formalmente se desprende como sencillo de ese disco) y una nueva de Alan Wilder, y que fue grabado en Berlín en los estudios Hansa by the Wall donde gente como David Bowie o Iggy Pop habían grabado algunos de sus discos a fines de los 70. El disco fue escandaloso por sus letras sensuales y provocativas, e incluso debido a ello fueron censurados del concierto benefico Live Aid de 1985.[cita requerida]\nAunque ese álbum musicalmente es parecido a Construction Time Again, hay quienes piensan que fue el primer disco verdaderamente bien logrado de Depeche Mode por lo atrevido de sus letras y por seguir arriesgándose al experimentar con nuevos sonidos y recursos técnicos, y lo consideran dentro los mejores trabajos que han hecho. Además de "People Are People", los otros sencillos fueron "Master and Servant" y el doble "Blasphemous Rumours/Somebody", éste publicado sólo en Europa.\nEn 1985 concluyeron la gira Some Great Tour, la primera que tuvo numerosas fechas en el continente americano, y el resto del año se tomaron su primer descanso después de cuatro años seguidos trabajando, pero en Norteamérica apareció la compilación Catching Up With Depeche Mode que recoge temas de los cuatro discos que llevaban hasta ese momento y cuatro nuevas canciones de las cuales "Shake the Disease" e "It's Called a Heart" fueron los sencillos promocionales. Paralelamente apareció en Europa la compilación The Singles 81→85 (con el mismo arte de portada y los mismos sencillos promocionales que formalmente se desprenden de este disco) así como la colección de videos Some Great Videos. También en ese año se publicó el videocasete The World We Live In and Live in Hamburg que como su nombre dice recoge un concierto en esa ciudad alemana.\n[editar] Black Celebration\nArtículo principal: A Black Celebration Tour\nEn 1986 apareció su siguiente disco, Black Celebration, producido otra vez por Miller y Gareth Jones, el cual resultó un trabajo aún más introspectivo, aunque debido a la falta de temas puramente comerciales no repetiría el éxito económico del anterior material. El álbum se distinguió por un concepto de trabajo global y conceptual, por la diversidad de estilos musicales que manejaba y por tener un sonido más oscuro. Los sencillos fueron "Stripped", "A Question of Time" y "A Question of Lust", ninguno de los cuales entraría en las listas de los Estados Unidos.\nParte de la falta de impacto económico de Black Celebration se debió a la manera en que se comercializó.[cita requerida] En Estados Unidos por primera vez se publicaron los tres sencillos del álbum, pero "Stripped", que resultó ser el tema más comercial, apareció como lado B, mientras la canción "But Not Tonight", su lado B original, allá se lanzó como lado A pues se incluyó en la banda sonora de una película llamada Modern Girls, restándole importancia a "Stripped". Aun así, Black Celebration se cólocó en ese momento como el álbum mejor logrado de Depeche Mode y en referente imprescindible de la música electrónica de esa época.\nOtro aspecto muy importante para el grupo fue que con el material, más concretamente a partir del video de "A Question of Time", comenzaron a trabajar con el fotógrafo holandés Anton Corbijn, quien se convertiría en su diseñador de producción de cabecera y el que reinventaría su imagen en aquélla época fotografiándolos y filmándolos principalmente en blanco y negro, tras haber pasado años divagando entre la imagen sadomasoquista y lo andrógino encontrando así una nueva manera de promocionarse ante los medios y el público, una manera más visual.\n[editar] Music for the Masses y 101\nPara el siguiente año trabajaron por primera vez con un productor distinto a Daniel Miller o a Gareth Jones. El álbum Music for the Masses de 1987 producido por David Bascombe convirtió a Depeche Mode en un grupo de enorme éxito comercial, mientras los temas "Strangelove", "Behind the Wheel" y "Never Let Me Down Again" se convirtieron en nuevos clásicos; además de aquellas, la canción "Little 15" fue sencillo para Europa. Para 1988 se lanzó el VHS Strange con tan sólo 5 videos de Depeche Mode.\nCon el disco Music for the Masses entraron de lleno al mercado de los Estados Unidos y realizaron la gira Tour for the Masses constituida de 101 presentaciones, la última de ellas publicada en 1989 en un álbum doble precisamente titulado 101 (one-oh-one en inglés) que recoge la presentación del 18 de junio de 1988 en el estadio Rose Bowl de Pasadena, California, ante 75.000 de sus seguidores y que es su primer álbum en vivo; la interpretación de "Everything Counts" en vivo fue lanzada como sencillo de ése álbum. Asimismo existe de 1989 la edición en VHS de 101, aunque sólo con la mitad de las canciones, el resto es un documental realizado por el director D.A. Pannebaker sobre el paso del grupo por los Estados Unidos.\nPor otro lado, aunque las letras de Martin Gore ya no resultaban tan atrevidas, ese aspecto discretamente se trasladó a su imagen como grupo que ya no era solamente oscura sino también, igual que el propio álbum, sensual, provocativa, sugerente, después de todo en ese momento ya no eran un cuarteto de adolescentes, abundando eso también en el impacto monetario del disco. De un modo muy cínico, el video de "Everything Counts" en concierto, dirigido por el propio Pannebaker, comienza haciendo referencias a ese aspecto con frases como I Love Money (Adoro el dinero) porque de eso trata su letra, pero irónica y paradójicamente el mayor éxito como banda también traía consigo algunos problemas internos con Dave Gahan fascinado por Norteamérica y su ambiente más hedonista en oposición al tradicional conservadurismo inglés del que provenían; Martin Gore bebiendo en exceso y lo que se rumoró un pleitazo entre Alan Wilder y Andrew Fletcher durante el transcurso de la gira por los Estados Unidos.\n[editar] Los noventa, segundo período\nArtículo principal: The World Violation Tour\nFue en 1989 cuando se comenzó a escuchar el tema "Personal Jesus" (que se dio a conocer en una promoción telefónica antes incluso de escucharse por primera vez en la radio). La canción se convertiría en una pieza representativa de Depeche Mode y del género de música electrónica mismo y fue el primer sencillo del álbum Violator, que no se editó hasta 1990, esta vez producido por Mark Ellis, quien es más conocido en el mundo de la música como Flood, y que cambió por completo el sonido del grupo hacia algo más oscuro, sofisticado y elegante. El segundo sencillo, "Enjoy the Silence", se volvería fundamental dentro de la carrera de Depeche Mode y sería también uno de los más vendidos en su carrera y de sus mayores éxitos en los Estados Unidos.\nLa canción "Personal Jesus" es comúnmente el tema más conocido de Depeche Mode hasta la fecha, y la canción "Enjoy the Silence" ha llegado a ser una de las más gustadas entre sus seguidores. Aparte de esas dos canciones se lanzaron otros dos sencillos, "World in My Eyes" y "Policy of Truth", además de que se realizaron seis videos en total: los de ésos cuatro sencillos y los de los temas "Halo" y "Clean"; los seis videos se pueden encontrar en el VHS Strange Too.\nLa principal característica del disco fue el uso más abierto de instrumentos no electrónicos, la guitarra, que ya utilizaban de forma algo difuminada en los anteriores discos, tomó un papel más principal en este trabajo, mientras para su promoción se vistieron como un cuarteto de oscuros y sensuales vaqueros, haciendo nuevamente hincapié en la penetración lograda por el material en los Estados Unidos, embarcándose en la gira The World Violation Tour con exactamente 88 destinos entre Estados Unidos y Europa.\n[editar] Songs of Faith and Devotion\nEl álbum no apareció hasta 1993, Songs of Faith and Devotion, nuevamente producido por Flood y en el cual se dio un cambio total en el sonido del grupo, notablemente influido por el movimiento grunge (lo cual fue promovido por los gustos de Gahan y su estancia en EU) que en aquella época estaba en su apogeo, lo cual consta en los sencillos "I Feel You", "Walking in My Shoes" e "In Your Room", mientras "Condemnation" mostró la segunda gran influencia en el álbum, el gospel.\nLa influencia grunge de Songs of Faith and Devotion se manifestó sobre todo en la imagen del grupo, musicalmente si bien se orientaron hacia el rock también tenía parte de lo que habían estado haciendo desde el inicio de su carrera, el cambio se encontró en haber incorporado instrumentos acústicos en lugar de sólo los sintetizadores y los sampleos.\nEn aquel momento muchas revistas especializadas consideraron que el grupo se alejaría cada vez más de la música con la que se habían dado a conocer, mientras DM se embarcaba en una de las giras mas extensas de su carrera, el Devotional Tour.\nEl material apareció también como álbum en vivo simplemente titulado Songs of Faith and Devotion Live convirtiéndose en su segundo disco en directo, consecuentemente también apareció un VHS en vivo con el título Devotional, como la gira.\nDurante el Devotional Tour y el Exotic Tour los miembros de Depeche Mode vivieron excesos de los que en la actualidad se niegan a hablar públicamente, Martin Gore y David Gahan llegaron a desvanecerse y hasta a sufrir ataques cardiacos en el escenario, sin embargo el grupo concluyó la extenuante gira a mediados de 1994 dejando los incidentes de Gahan y Gore así como la ausencia de Fletcher en el Exotic Tour tan sólo como aparentes episodios aislados.[cita requerida] Aun así, el álbum sería uno de los mejor vendidos en la carrera de Depeche Mode y lograría posicionarse en el nº1 tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos; el uso de guitarras eléctricas y batería acústica había logrado captar un mayor número de seguidores que anteriormente no estaban muy interesados en el sonido meramente techno de la banda.\nEn 1995 comenzarían a trabajar en lo que sería su siguiente disco, sin embargo David Gahan tuvo una hospitalización de emergencia por un intento de suicidio debido a una sobredosis, poco tiempo después Alan Wilder dejó la banda. Oficialmente el abandono de Wilder se debió a diferencias laborales, aunque en realidad salió por la condición de Gahan, por la aceptación de Martin Gore de que estaba “peleando con sus demonios internos” y por la mala relación que llevaba con Andrew Fletcher. Después de la salida de Wilder la prensa vaticinó que era el principio del fin de Depeche Mode.[cita requerida]\n[editar] El álbum Ultra y The Singles 86>98\nEl disco Ultra se distingue porque las canciones son particularmente largas (casi todas rebasan los cinco minutos), además de contener tres cortos temas “instrumentales” (menores a tres minutos cada uno) notoriamente producto de la novedad del Trip Hop, así como también por haber tenido varias participaciones de músicos de apoyo para llenar el vacío dejado por Wilder. Los cuatro sencillos fueron "Barrel of a Gun", "It's No Good", "Home" y "Useless", y el título Ultra a decir de los integrantes se debió a que sonaba bien no porque reflejara algún cambio en la banda. También con motivo del álbum Ultra, en 1997 apareció el sitio oficial de la banda en Internet.\nPara el siguiente año se publicó una compilación de sencillos de los seis últimos álbumes (o sea, los cinco de estudio y 101), en un álbum doble simplemente titulado The Singles 86>98 con el sencillo promocional "Only When I Lose Myself". Esa compilación también apareció en VHS igualmente titulado The Videos 86>98 que como su nombre indica contiene los videos de todos aquéllos temas.\nCon la compilación realizaron una pequeña gira, The Singles Tour, para la cual reclutaron a dos músicos de apoyo en sustitución de Alan Wilder, el baterista austriaco Christian Eigner que ya había participado con ellos en las Ultra Parties, y el teclista Peter Gordeno.\nLa promoción del material continuó siendo discrecional y muy reservada, a David Gahan se le impidió cualquier tipo de acercamiento con la prensa mientras Martin Gore hizo sólo esporádicas declaraciones aisladas y Andrew Fletcher asumió las funciones de vocero del grupo ante los medios, concediendo entrevistas y hablando sobre todo lo referente al álbum, la compilación de sencillos y la gira, pero evadiendo todo lo tocante a los problemas sufridos por el cantante o al futuro mismo de la banda. Como en los anteriores años, Depeche Mode no afirmaba ni negaba las filtraciones habidas en las revistas y las estaciones de radio ni tampoco daba certezas acerca de si continuaría o no existiendo, sin embargo el resultado obtenido con la gira fue tan bueno que poco después publicaron una compilación paralela de los faltantes discos llamada The Singles 81>85, que es en realidad una nueva edición del previo The Singles 81→85 pero con la curiosidad de contener la versión original de "Photographic" del disco de Some Bizzare.\n[editar] Depeche Mode en el nuevo siglo\nCon el mismo ritmo de trabajo más espaciado de los últimos años, hasta el 2001 lanzaron su siguiente álbum, Exciter, producido por Mark Bell y que fue comparado con Black Celebration debido a la diversidad musical de los temas que lo componen y en donde otra vez tuvieron distintas colaboraciones. El disco provocó nuevamente opiniones encontradas aunque en general obtuvo buena recepción, los cuatro sencillos demuestran su diversidad musical, el tecnopop de "Dream on", el house de "I Feel Loved", la balada "Freelove" y hasta la canción de cuna "Goodnight Lovers" (sencillo sólo en Europa). Con ese disco bajo el brazo se embarcaron en una nueva gira, el Exciter Tour, nuevamente con el apoyo de Eigner y de Gordeno.\nEl 10 de mayo de 2002, Mute Records fue adquirido por EMI, pasando DM a formar parte del catalogo de la multinacional.\nEn 2002 apareció también una nueva edición de Videos 86>98, en dos discos. En 2003 Dave Gahan realizó su primer álbum solista, Paper Monsters, en donde él compuso buena parte de sus propias canciones y con el que incluso salió de gira. De la misma manera apareció también en ese año el segundo disco en solitario de Martin Gore, Counterfeit². Asimismo Andrew Fletcher fundó su propio sello especializado en promover música electrónica de donde resultó el dueto Client.\nEn 2003 y 2004 respectivamente se lanzaron para DVD los ya existentes 101 y Devotional. Para el 2004 se lanzó también la colección de tres discos titulada Remixes 81-04 que como su nombre indica contienen algunas de las más populares remezclas de la trayectoria de Depeche Mode, la cual fue promocionada vía el sencillo "Enjoy the Silence 04", y es de hecho su única compilación de mezclas hasta el momento.\n[editar] Playing the Angel\nUna versión preliminar del disco fue objeto de piratería por Internet un mes antes de su lanzamiento. Fuera de ello, "Precious" fue el primer sencillo, un tema escrito por Martin Gore sobre los sentimientos tras la separación de un ser querido, inspirado en su divorcio dado a conocer poco antes. La función industrial "A Pain That I'm Used to" fue el segundo; "Suffer Well" de Dave Gahan fue el tercero, lo cual la convirtió en la primer canción no compuesta por Martin Gore que Depeche Mode lanzó como sencillo en 25 años; el doble "John the Revelator/Lilian" fue el cuarto sencillo, aunque sólo "Precious" fue para ambos lados del mundo.\nEl álbum provocó la misma reacción que los dos anteriores discos, mientras que algunos medios norteamericanos lo calificaron de malísimo, las revistas musicales inglesas lo consideraron uno de los mejores álbumes en la trayectoria del grupo, de cualquier modo el disco logró importantes posiciones de popularidad que no habían alcanzado los dos anteriores álbumes y aceptación entre buena parte de su público. Adicionalmente, Playing the Angel se publicó en edicion de lujo con DVD, y fue también el primer álbum de DM disponible como descarga digital.\nLive in Milan, lanzado en 2006, fue el siguiente directo de Depeche Mode en DVD, adicionalmente se lanzaron en ediciones limitadas otros cuarenta y tres conciertos de la gira en formato de doble CD o como descargas digitales de la red génericamente titulados Recording the Angel.\nApareció también en 2006 una nueva compilación con el título The Best of - Volume 1, presentando el sencillo promocional "Martyr" (que otra vez se publicó sólo en Europa). Ésta es otra nueva colección de sencillos, aunque la primera en recoger algunos de los más grandes éxitos comerciales de Depeche Mode, por ello su nombre "Lo mejor de". También se presentó en ediciones especiales acompañadas de un DVD igualmente con algunos de los mejores videos de la trayectoria de DM, aunque en ese caso el DVD contiene incluso videos de algunos temas que no aparecen en el disco.\nEn agosto de 2008 se anunció el fin de la relación de Depeche Mode con el Warner Music Group en América tras más de veinte años de asociación; EMI reasignó su comercialización en ese lado del mundo a través de Capitol Records en sociedad con el sello Virgin Records.\n[editar] Sounds of the Universe\nEl álbum resultó el ejercicio más sintético de Depeche Mode prácticamente desde Violator, haciéndolo una colección retrospectiva y revisionista contrastada con temas alternativos, logrando de nueva cuenta críticas en general favorables de la prensa, mientras algunos medios lo calificaron negativamente apuntando, igual que con Exciter, que pareciera más una colección de lados B. El primer sencillo de esta producción fue la canción "Wrong", un estridente tema presentado en febrero en su versión audiovisual a través de la red; la función sideral "Peace" fue el segundo.\nNuevamente los conciertos están siendo grabados y puestos a la venta en formato de doble CD o como descargas digitales con el nombre genérico Recording the Universe.\nDe acuerdo a su actual disquera, EMI, Depeche Mode ha vendido más de 100 millones de discos.\n[editar] Tours de Depeche Mode\nDepeche Mode ha realizado hasta la fecha un total de quince giras.\n1982: See You Tour.\n1982-83: Broken Frame Tour.\n1983-84: Construction Tour.\n1984-85: Some Great Tour.\n1986: A Black Celebration Tour.\n1987-88: Tour for the Masses.\n1990: The World Violation Tour.\n1993: The Devotional Tour.\n1994: The Exotic Tour.\n1998: The Singles Tour.\n2001: The Exciter Tour.\n2005-06: Touring the Angel.\n2009-10: Tour of the Universe (llevándose a cabo actualmente).\nLa gira de 1981, que promocionaba el álbum Speak & Spell, no tuvo nombre. El nombre del Broken Frame Tour es correcto, no se llamó A Broken Frame como el disco. Los nombres del Construction Tour, A Black Celebration Tour y Tour for the Masses, también son correctos.\n[editar] Proyectos solistas\nEn el caso de Vince Clarke, tras abandonar DM formó un dueto con la cantante Alison Moyet llamado Yazoo (Yaz en Norteamérica), pero en 1983 se hizo pública su disolución. Para 1985 Clarke inició el proyecto Erasure, en el cual pensaba grabar canciones siempre con diferentes vocalistas, o sea que originalmente planeaba manejarlo como un proyecto esencialmente solista, sin embargo desde un principio se sintió muy cómodo con el primer cantante que acudió, Andy Bell, y hasta la fecha continúan asociados habiendo logrado mucha popularidad en el período 80s-90s. Su único trabajo propiamente solista fue el álbum Lucky Bastard de 1993, el cual pasó bastante desapercibido y desde entonces no ha mostrado interés alguno en un nuevo disco tan sólo con su nombre.\nMartin Gore lanzó en 1989 el Counterfeit e.p., un álbum solista en el cual abandonó totalmente la idea de escribir canciones para en lugar de ello homenajear a sus propios héroes musicales. En 2003 publicó el Counterfeit² con la misma tónica de realizar sólo versiones pero, igual que su antiguo socio Clarke, ha mostrado el más completo desinterés en hacer una verdadera carrera solista, únicamente alimentando la leyenda de que todos los que son y han sido miembros de DM son un montón de excéntricos.\nLos únicos covers que Depeche Mode ha grabado son "Route 66", original de Bobby Troup (cantado por primera vez por Nat King Cole), así como "Dirt", original del cantante Iggy Pop. Ambas canciones aparecen como lados B pues los álbumes de Depeche Mode siempre han incluido sólo material original, mientras en conciertos del Tour for the Masses intepretaron "Never Turn Your Back on Mother Earth" del dueto Sparks, pero no la grabaron para ningún disco.\nPor otro lado, numerosas bandas y músicos han grabado covers a Depeche Mode e incluso álbumes tributo, de los cuales el más conocido es el disco For the Masses, otro es A Techno Tribute to Depeche Mode. De los mas populares álbumes tributo fue la serie Trancemode Express, comenzada en 1996 con el álbum Trancemode Express 1.01, su continuación de 1997 Trancemode Express 2.01, y en 1999 Trancemode Express 3.01.\nDe hecho en 1993 Depeche Mode entró al Libro Guinness de Récords por ser el grupo con más versiones distintas de sus canciones, e incluso hay un buscador en Interner especializado en recoger todos los covers que de sus temas existen, depechemodecovers.com.\n[editar] Libros en español sobre Depeche Mode\nMalins, Steve (febrero de 2007). Depeche Mode: la biografía cruda y apasionada de una banda mítica. Ma Non Troppo, pp. 304 p.. ISBN 978-84-96222-76-2.\nGore, Martín (septiembre de 1998). Depeche Mode: canciones desde la oscuridad. Alberto Santos, Editor, pp. 128 p.. ISBN 978-84-95070-77-7.\nGrijalba, Silvia (marzo de 1993). Depeche Mode. Editorial La Máscara, pp. 64 p.. ISBN 978-84-7974-037-5.\nCabrera Montero, Elena (julio de 1999). Depeche Mode. Editorial La Máscara, pp. 64 p.. ISBN 978-84-7974-337-6.\nWikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Depeche Mode.\nToastHawaii.com sitio oficial de la compañía discográfica de Andrew Fletcher (en construcción)\nRecoil.co.uk sitio oficial de Alan Wilder en su grupo en solitario Recoil (en inglés)\nDmlust(Sitio argentino sobre Depeche Mode)\nModeglory(Sitio en español sobre Depeche Mode)\nDepeche Mode España (Sitio en español sobre Depeche Mode)\n Sitio de fan dedicado a Martin Gore y a Depeche Mode, con noticias (en español).\nObtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Depeche_Mode"\nCategorías: Depeche Mode Grupos de techno-pop Grupos de música de Inglaterra Grupos de la década de 1980 Grupos de la década de 1990 Artistas de synth pop\nPublicado por merida34 en 4:55 No hay comentarios:


Cerca de 500 personas protestan por la política antiterrorista ante la sede del PSOE | Diariocrítico.com\nEl secretario general de AES, Rafael López-Diéguez, leyó un manifiesto en el que afirmó que Zapatero "tiene la obligación política y moral de dimitir" por "haber engañado reiteradamente al pueblo español". El discurso fue interrumpido en varias ocasiones por los asistentes con aplausos y gritos de "Zapatero dimisión", "Zapatero embustero", "Zapatero responsable", "asesino, asesino" y "libertad, libertad".\nA la protesta se adhirió un grupo de unos cincuenta manifestantes que ondearon enseñas de La Falange y banderas españolas preconstitucionales, que profirieron insultos contra el dirigente de Batasuna Arnaldo Otegi y proclamas contra los responsables del PSOE como "socialistas terroristas".\nAlternativa Española, que comenzó su andadura política en julio de 2003, propugna en su ideario la "indisoluble unidad de España", los "valores inspirados en la doctrina moral y social cristiana", así como "la defensa de la familia" y el "derecho a la vida desde el mismo instante de la concepción". Se definen a sí mismos como un partido católico, "transversal, no de ultraderecha, que aunque en lo moral sí están más a la derecha del PP, en lo social están más a la izquierda del PSOE".


Chico Sant'Anna e a InfoCom: Uruguai: rádios são fechadas por fazer proselitismo religioso\nUruguai: rádios são fechadas por fazer proselitismo religioso\nEl gobierno de Uruguay ha anunciado mediante una resolución del Poder Ejecutivo la clausura de 74 radios comunitarias en todo el país. En total se dispuso el cierre de 74 emisoras; 20 de ellas hacían "proselitismo religioso", una de las tantas causales para ordenar la clausura de una radio comunitaria. Tal fue el caso de las emisoras "Iglesia Lámpara y Lumbrera", "Jesucristo es la única respuesta del Uruguay", "Alianza de Cristo", "Misión Cristiana Maratana", "Tabernáculo el Señor es mi pastor".\nTambién fueron clausuradas más de 50 radios con programación diversa o vinculadas a instituciones deportivas o sociales. Según informó el presidente del directorio de la Unidad Reguladora de Servicios de Comunicaciones, Gabriel Lombide, la decisión se tomó en base al informe del Consejo Honorario Asesor de Radiodifusión Comunitaria (Charc) tras conocerse los resultados del Censo Nacional de Radios Comunitarias.\nEl informe concluyó que estas 74 emisoras no cumplieron con los requisitos previstos en la ley 18.232, que establece que los servicios de radiodifusión comunitaria "no podrán realizar proselitismo político-partidario o religioso, ni promover la discriminación de raza, etnia, género, orientación sexual, religión, edad o de cualquier otro tipo". La resolución de la Ursec también contiene un llamado para la adjudicación de 21 frecuencias, en los departamentos de Soriano, Paysandú, Tacuarembó, Rivera, Salto y Canelones.\nInformación publicada en el periódico uruguayo El País. Para más detalles haga click aquí.\nMarcadores: Mídia e Religião, Rádio Comunitária, Uruguai


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