Coment-Arte: febrero 2012\nRemedios Varo: todas las caras de la transmutación\n( Suplemento Cultural del diario Ultimas Noticias. Caracas, 30 de abril de 1994, nº 1354, pp. 6-7)\nComoquiera que sea, debe en justicia reconocerse que muchos artistas veían en México la posibilidad de estudiar la cultura precolombina como expresión de lo ancestral, de lo primitivo, tema favorito del ideario surrealista, y que soplaban vientos favorables para que la semilla de esta corriente se expandiera y germinara en Varo o en muchos otros artistas. Cabe recordar la presencia de Bretón en ese país alrededor de 1938 y la Exposición Internacional del Surrealismo de la Galería de Arte Mexicano de 1940. Así pues, esta tendencia debió de ser más que un mero "refugio" para los artistas que se mantenían al margen de las tensiones sociales.\nEn ese contexto florece --que no nace- la obra de Remedios Varo, la cual se destaca tanto por su consistencia en la técnica con que ha sido ejecutada, cuanto por sus contenidos, perfilando un corpus que sobresale internacionalmente en representación del surrealismo.\nLa artista nace en Anglés, España, en 1913. Estudia en la Academia de Bellas Artes de San Femando en Madrid. Previendo la proximidad de la Guerra Civil Española y, ante los numerosos incidentes que tenían lugar en su patria, se traslada a París en 1934. En 1942 se radica en México, en donde habría de permanecer hasta su muerte acaecida en 1963.\nPeter Engel estima que la obra de Varo refleja frecuentes\nreminiscencias de su niñez, manifestadas a través de conceptos arquitectónicos provenientes del medio en que estuviera inmersa: el colegio de monjas donde transcurrió sus primeros años y las iglesias románicas y góticas tan abundantes en su España natal. Así, es posible hallar en sus cuadros muros de piedra, torres, arcos y ojivas, elementos que constituyen referencias contextuales para los elongados personajes que protagonizan sus obras.\nPienso que la raigambre de la artista aflora igualmente en sus lienzos a través de la vegetación y la orografía que describe, plasmadas a modo renacentista, netamente europeas. Aparecen entonces cipreses y encinas, de evocación leonardesca hasta en el colorido seleccionado para la representación, al igual que zarzas y espinos.\nTambién hay un elemento renacentista que se incorpora a los contenidos de su obra: el tratamiento del tema de la transmutación, que había ocupado a los alquimistas predominantemente durante ese período.\nLa obra de Remedios Varo refleja su fe en la existencia de un orden superior, al que se asciende mediante la transformación y la depuración progresivas. Este concepto logró tal preponderancia en la vida de la artista que la llevó a abandonar el catolicismo para adscribirse sucesivamente a diversas tendencias religiosas que proclaman la reencarnación. Subsiste en su obra, en consecuencia, un señalamiento de la preeminencia de lo inmanente sobre lo perecedero, conceptos que aparecen frecuentemente contrastados en sus cuadros. Lo inmanente, relativo al orden superior último, se representa mediante alusiones a la matemática y la música, regidas por leyes universales que se transcriben como fórmulas inmutables. Lo perecedero se evoca a través de una realidad material en estado de descomposición, de desorden, de decadencia, que recrea una atmósfera desgastada dentro de la cual, sin embargo, los personajes permanecen impasibles.\nLa más dramática ilustración de ese contraste se aprecia en La música (1956), donde un cataclismo parece sobrevenir mientras el protagonista permanece ajeno a la realidad que lo circunda: el enlosado del suelo se desprende como si la habitación estuviera suspendida en el aire y el viento lo levantara, y por entre las oquedades comienza a introducirse una sutil entidad, liviana y ondulante, así como elementos vegetales. De las paredes emerge una luminosa presencia, que Octavio Paz ha interpretado como una alegoría del azar, e infinidad de eventos sobrenaturales se desarrollan mientras el personaje parece ignorar cuanto acontece en torno suyo, ocupado en descubrir -al decir de la artista- "el hilo invisible que une todas las cosas". Para ello, se entretiene en ensartar diversos elementos en un pentagrama de metal. Más bien se diría que intenta organizarlos y encontrar la fórmula que los relaciona, a fin de esclarecer cuales son las normas que rigen el orden del universo.\nEl flautista contrapone una vez más dos elementos que simbolizan la antítesis entre lo trascendental y lo efímero: la torre que se desmorona y la presencia del músico imperturbable. En esta paráfrasis de las murallas de Jericó, la torre comienza a derrumbarse por las piezas colocadas en la cima del edificio, sucumbiendo en un orden inverso al empleado para su construcción. Las piedras, en cuya superficie pueden percibirse fósiles, van a parar, una a una, a los píes del flautista. Cabría ver quizás en esos fósiles una referencia más a lo efímero, pero, sin duda, también a lo ancestral.\nPlagadas de contenidos oníricos, de símbolos, de elementos primitivos, las obras de Varo disponen complejas escenografías que sirven de marco a sus característicos personajes de alargada anatomía, pálidas encarnaduras e inexpresiva fisonomía. A veces representa delicadas figuras cargadas de una pasiva tristeza; otras, representa híbridos.\nSe da en los lienzos de la artista, una reiterada presencia de las aves, justificada quizá por la naturaleza ambivalente de estos animales, que les permite tanto desprenderse de la realidad material a través del vuelo como posarse en tierra. Esta posibilidad de pasar de un estrato a otro remite nuevamente a la mutación, a lo dual, a la continua transformación de las cosas.\nEn La música, las aves revolotean en medio del salón para ir a posarse en el respaldo de una silla, cuya tapicería ha eclosionado y se entreabre para dejar ver un nido de huevos color turquesa.\nUna vez más las aves se hacen presentes en El encuentro, donde el pájaro asoma por entre los pliegues de la vestidura vegetal que se ciñe en torno a la visitante nocturna. Tras la puerta, de nuevo, un ave: un ser mitad-hombre, mitad lechuza, que tiene labios en lugar de pico, plumas en lugar de piel, y que se yergue sobre dos piernas humanas. Estos grutescos, estos híbridos que pueblan los lienzos de Remedios Varo, asumen casi siempre la morfología de seres alados, como en El jardín del amor y en Los hilos del destino, y representan, al fin y al cabo, estadios intermedios en la transmutación de seres que se transforman en animales o en otros seres fantásticos.\nLas metamorfosis son ejemplos contundentes de transmutación en los cuadros de Remedios Varo. En La música las paredes se convierten en entidades imaginarias. Y, a pesar de que su título sugiere el desarrollo de una progresiva similitud entre el personaje y su ambiente, el cuadro Mimetismo plantea una verdadera metamorfosis que la propia autora describe en los siguientes términos: "Este es un inquietante caso de mimetismo: esa señora quedó tanto rato pensativa e inmóvil que se está transformando en sillón, la carne se le ha puesto igual que la tela del sillón y las manos y pies son ya de madera torneada, los muebles se aburren y el sillón le muerde a la mesa, la silla del fondo investiga lo que contiene el cajón, el gato que salió a cazar sufre susto y asombro al regreso cuando ve la transformación”'.\nOtros elementos recurrentes en los lienzos de la artista son los sólidos geométricos y las maquinarias elementales, que remiten una vez más a la regularidad, a la estabilidad y al orden cósmico.\nAunque puestos en tela de juicio en cuanto a sus contenidos -Bayón la acusa de "gratuidad" por la inclusión de ciertos elementos en sus obras - sus lienzos están ejecutados con indiscutible destreza y con un decidido matiz personal que identifica a la autora. Una técnica impecable distingue el trabajo, caracterizado por las transparencias, por las atmósferas apasteladas, por la luz tamizada, por el trazo perceptible, por el equilibrio y la armonía en la composición.\nRemedios Varo constituye, en verdad, un hito dentro de la plástica latinoamericana. Sobresale por estilo y ejecución entre sus contemporáneos, y lega una obra que revela la sólida formación artística e intelectual de la pintora.\nPublicado por Linda D´Ambrosio en 14:34 2 comentarios:\nPublicado por Linda D´Ambrosio en 14:13 No hay comentarios:\n(En: Enciclopedia de Venezuela. Editorial Globe, Caracas, Tomo 8)\nLos museos, aunque constituyen decisivos soportes en la canalización del tiempo libre de los ciudadanos y en el desarrollo de la industria turística de un país, se distinguen por dos elementos fundamentales que les confieren relevancia: las colecciones o patrimonios de interés colectivo, cuya custodia y preservación les han sido confiadas, y la orientación educativa que determina sus actividades y su propia existencia.\nEse carácter educativo del museo se expresa sobre todo en dos sentidos: el primero, relacionado con la información concerniente a las piezas de su colección o de otras que albergare provisionalmente con motivo de exposiciones y eventos didácticos; el segundo, relacionado con el crecimiento personal del espectador, quien tiende a afirmarse corno ser humano y como miembro de un grupo que comparte una cultura.\nEs precisamente esta cualidad educativa la que determina desde sus orígenes al primer museo venezolano, surgido, a la inversa de los de otros países, no de la necesidad de alojar un patrimonio pre-existente, sino de la urgencia por formar un conjunto de objetos naturales y culturales, destinados tanto a quienes se formaban en el campo de las artes como a los estudiosos de las ciencias.\nYa en 1852 Antonio José Carranza había emprendido !a tarea de reunir en Caracas algunas obras de arte para un futuro museo, que existiría como extensión de la Academia de Bellas Artes que él dirigía. Para apoyar esa iniciativa, en 1856, el Presidente de la República, José Tadeo Monagas, encarga al pintor Martín Tovar y Tovar realizar en diferentes instituciones de Europa copias de obras seleccionadas, las cuales habrían de integrar el patrimonio del anhelado museo, cuya creación, sin embargo, no se formalizará sino en 1877, cuando el presidente Francisco Linares Alcántara crea el Instituto Nacional de Bellas Artes.\nEse instituto, que agrupaba las academias de dibujo y pintura, escultura y música, estaba dirigido por Ramón de la Plaza, quien solicitó al ministro de Instrucción Pública la creación de una galería, para la cual habían podido ya reunirse cerca de sesenta cuadros al óleo y sesenta modelos de escultura. El propósito fundamental de dicha galería, emplazada en el edificio de la Universidad Central, era apoyar la enseñanza de las academias de artes plásticas, aunque podía ser visitada ocasionalmente por quienes se interesasen en el arte.\nSin embargo, el espíritu positivista, que estimulaba el progreso técnico-científico en esa época, favorece el que, el 28 de octubre de 1875, dos años antes de fundarse el Instituto Nacional de Bellas Artes, sea creado el Museo Nacional, destinado a apoyar la enseñanza de las ciencias. Primer centro museístico de Venezuela, el Museo Nacional, anexo a la Cátedra de Historia Natural, dirigida por Adolf Ernst, incluye dos secciones: la de Historia Natural y la de Etnografía e Historia.\nLa primera exhibición de arte realizada en Venezuela no corresponde a una institución oficial, sino a una iniciativa privada: el día 28 de julio de 1872 se inaugura la Exposición del Café del Avila, que James Mudie Spence, comerciante inglés radicado en Venezuela entre 1871 y 1872, organiza para exhibir la colección de obras adquiridas por él durante su permanencia en el país.\nConformada por 300 obras, la exposición daba cuenta de la actividad plástica y fotográfica desarrollada en Venezuela durante aquellos años. En el catalogo de la misma, el propio Spence certifica que la del Café del Avila sería la primera exposición presentada en el país: Supe que no había habido nunca una exposición de esta naturaleza en la capital., señala. Así mismo, cómo ya existían para entonces diversos coleccionistas en Caracas, y como hubo concertación de voluntades en torno a un evento que debía estimular la producción artística en la ciudad, algunos otros "amigos del arte" se desprendieron de sus tesoros para aumentar el interés de una exposición que debía tener como fin el estimular el talento artístico en la República: "La colección demostró que, a pesar de la negligencia que hasta entonces se había mostrado por las Bellas Artes en la República, existía realmente un talento innato, que lo único que necesitaba era desarrollarse para proporcionar honores a la nación."\nLa siguiente exhibición se inauguraría en Caracas el 2 de agosto de 1883, en el contexto de los actos conmemorativos del centenario del nacimiento del Libertador. La llamada Exposición Nacional, que reunía productos agrícolas, industriales, científicos, literarios y artísticos, tiene lugar en el Palacio de Artes e Industrias Nacionales, que había sido construido en la esquina de la Bolsa como sede del Museo Nacional. Allí se había destinado un espacio -el Salón de Bellas Artes- a las obras que conformaban la colección del museo del Instituto Nacional de Bellas Artes.\nResulta indudable el impulso que reciben las artes durante los tres períodos de gobierno de Guzmán Blanco:--el Septenio (1870-1877), el Quinquenio (1879-1884) y la Aclamación (1880-1888)- cuando el "Pacificador", sea en forma directa, sea a través de los presidentes en quienes delegaba el poder, estimula la actividad cultural y patrocina la organización de eventos como los señalados.\nDe 1909 a 1912 circula la Gaceta de los Museos Nacionales, cuyo propósito era informar a la colectividad sobre las actividades de los museos y otras entidades relacionadas con el patrimonio cultural de la nación.\nDurante esta primera década del siglo xx surgen diversos museos en el interior del país. En 1909 se decreta en Mérida la creación del Museo de Historia Natural de la Universidad de Los Andes, gracias al impulso de Caracciolo Parra León, Rector de esa casa de estudios. Este museo llegó a contar con una valiosa colección de plantas medicinales, formada y documentada por su propio director, el francés P. HG. Burgoin.\nTambién en 1909, el obispo Antonio Ramón Silva decreta la creación del Museo Diocesano de Mérida, que debería ser inaugurado el 5 de julio de 1911. La colección, dividida en dos partes, una concerniente a los objetos y productos nacionales, y otra a los extranjeros, comprendía cuatro secciones: Botánica, Zoología, Mineralogía e Historia.\nEl 28 de marzo de 1911, el presidente de la República, Juan Vicente Gómez, decreta la creación del Museo Boliviano con motivo del Centenario de la Independencia. Las reliquias del Padre de la Patria habían venido, desde la Exposición Nacional de 1883, exhibiéndose en uno de los salones del Palacio de Artes e Industrias, pero en 1900, debido a las precarias condiciones en que se hallaba aquella construcción después del terremo to de ese año, fue necesario trasladarlas al Banco de Venezuela. Allí permanecerían hasta su traslado al edificio que había ocupado la Biblioteca Nacional, al que se efectuarían todas las reparaciones y modificaciones que requería el nuevo fin a que se lo destinaba.\nEn 1917 se funda el Museo de Bellas Artes, al que se asigna un conjunto de salas adyacentes al antiguo Museo Nacional, que desde 1893 se había transformado en Instituto Nacional. Formarían el patrimonio del nuevo museo las obras pertenecientes a la colección de! Instituto Nacional de Bellas Artes y las que se adquiriesen en lo sucesivo. Según Iris Peruga, autora de una acuciosa investi gación sobre el surgimiento y devenir del Museo de Bellas Artes, en la fundación de ese centro museístico ha debido de influir Felipe Guevara Rojas, ministro de Instrucción Pública, quien ya en 1916 había expuesto la necesidad de que se siguiera un plan metódico de aumento y selección de las obras que se alojaban en el Palacio de Artes e Industrias.\nEl Museo de Bellas Artes funciona en las salas de la Universidad Central de Venezuela entre el 19 de octubre de 1918, día de su inauguración, y 1932, cuando el inicio de los trabajos de repara ción del vetusto edificio conventual obliga a tras ladar las obras a diversas instituciones, entre otras, el Colegio Chávez, la Academia de Bellas Artes y la -Casa Amarilla-. Allí permanecen hasta Febrero de 1938, fecha en que el Presidente de la Repúbli ca, Eleazar López Contreras, inaugura la nueva se de en el Parque Sucre del sector Los Caobos, cuya construcción había sido decretada en julio de 1935 por el presidente Juan Vicente Gómez,\nDesde su fundación en 1917, el Museo de Bellas Artes, el Instituto Nacional (antiguo Museo Nacional) y el Museo Bolivariano (antiguo Museo Boliviano) conformaban una entidad denominada Museos Nacionales, cuya dirección corría a cargo del danés Christian Witzke desde el 13 de diciembre de 1917. La primera normativa que rige a estos museos se encuentra en el Reglamento de los Museos Nacionales, aparecido en la Gaceta Oficial del 2ó de noviembre de 1924.\nDicho reglamento establecía un solo Director General y una única junta de Inspección y Fomento para los tres museos, situación que persiste has ta el 2 de diciembre de 1940, cuando un nuevo reglamento estatuye directores y juntas diferentes para cada institución. El 24 de julio de ese mismo año se inaugura el Museo de Ciencias Naturales, que otrora fuera Instituto Nacional, adyacente al Museo de Bellas Artes, en la zona aledaña al Parque Sucre de Los Caobos. El patrimonio del Museo de Ciencias Naturales cuenta, entre otras, con una colección arqueológica que incluye piezas de cerámica, lítica, cráneos y otros restos óseos relacionados con la etnografía venezolana, así como con diversas colecciones zoológicas.\nEn 1919 se funda el Museo de Nueva Cádiz de La Asunción, en el estado Nueva Esparta, y un año después se crea el Museo de Historia Natural -La Salle-, en el estado Lara, cuya colección sería cedida en comodato, en 1982, al recién creado Museo de Barquisirneto, Este último se ha caracterizado por su estrecho y permanente contacto con la comunidad en que está inmerso y por la continua investigación que promueve y desarrolla sobre las artes del fuego, tradicionales en el estado Lara.\nDe 1921 a 1933 funciona, entre las esquinas de Monjas y Principal, el Museo Comercial, adscrito a la Dirección de Política Comercial del ministerio de Relaciones Exteriores. Bajo la conducción de Henri Pittier, este museo asume como propósito recolectar y exhibir los productos naturales e industriales del país, estudiándolos científicamente para obtener datos que ayudasen a mejorar su explotación y aprovechamiento.\nDesde mediados de la década del 60 ha crecido en Venezuela, al principio con lentitud, luego de modo muy rápido, el número de las entidades museísticas. En 1987 se crea oficialmente, dentro de la estructura organizativa del CONAC, la Dirección de Museos. Al año siguiente, esta Dirección realizó una investigación destinada a estudiar con cuáles recursos financieros y humanos contaban los museos del país, cuál era su funcionamiento y cuáles los programas dirigidos al público. Pudo determinarse así que para entonces había 139 organismos que respondían a la descripción que de un museo brinda el Consejo Internacional de Museos, a saber: una institución permanente, sin fines de lucro, al servicio de la sociedad y de su desarrollo, abierta al público, orientada a adquirir, conservar, investigar, comunicar y exhibir, para fines de estudio, educación y deleite, testimonios materiales del hombre y su entorno. En términos generales, pueden considerarse como museos los monumentos naturales, arqueológicos, etnográficos e históricos, los jardines botánicos y zoológicos, las reservas naturales y los planetarios y centros de ciencias.\nDe entre los 160 museos existentes en Venezuela para 1995, algunos merecen especial atención por la trascendencia de su actividad y por la envergadura de las obras que albergan, por más que la pretensión de realizar una revisión general en este campo encierre el riesgo de cometer injustas aunque inevitables exclusiones.\nEl 1 de octubre de 1969 se inaugura el Museo de Arte Moderno de Mérida, primera entidad de su tipo creada en una ciudad del interior de Venezuela. Su colección constaba para entonces con 90 obras, 20 de las cuales habían sido cedidas por el Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. El crecimiento de su patrimonio, que se eleva hoy a más de 300 piezas de todos los géneros, incluyendo dibujo y gráfica, ha impuesto la necesidad de proveerle una sede acorde a la magnitud que han cobrado las actividades expositivas y de extensión. En 1995 se efectuó por fin el traslado del museo a su nueva sede en el Centro Tulio Febres Cordero, en pleno centro histórico de la ciudad de Mérida.\nEl 25 de agosto de 1973 se inaugura en Ciudad Bolívar el Museo de Arte Moderno Jesús Soto, rápidamente constituido en importante puntal de actividad cultural en el sur del país. También en Ciudad Bolívar venía funcionando desde 1972 el Museo Geológico y Minero Juan Baptista Gómez, único en su especie en Venezuela.\nEl 20 de febrero de 1974 se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, que habría de alojar obras maestras nacionales e internacionales creadas a partir de la Segunda Guerra Mundial, las primeras cincuenta de las cuales habían sido ya en 1973 cedidas en comodato por el Centro Simón Bolívar. Desde entonces, este museo se ha planteado como política el enriquecimiento continuo de su patrimonio, en el que figuran piezas representativas de las más destacadas personalidades y movimientos del arte de nuestros tiempos.\nEl Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, a partir de 1977 se proyecta en otros lugares de la capital a través de dos salas de extensión: la Sala CADAFE, ubicada en el edificio principal de la empresa nacional de energía eléctrica, y la Sala IPOSTEL, emplazada en el edificio sede del Instituto Postal Telegráfico, en San Martín. También se adscribe a esta institución museística el Museo de Arte de Coro, inaugurado en noviembre de 1988 en una casa del siglo XVIII, llamada el "Balcón de Bolívar", situada en pleno casco colonial.\nEl 5 de marzo de 1974 se crea una Fundación destinada a desarrollar lo que habría de ser el Museo de los Niños. Ese organismo, cuyo objetivo esencial es comunicar al público infantil conceptos complejos relacionados con las ciencias y la técnica, mediante estrategias novedosas de educación participativa, despliega sus recursos en cuatro áreas fundamentales: Física, Biología, Comunicación y Ecología. El Museo de los Niños, experiencia sin precedentes en América Latina, procura constituir un gran laboratorio en donde se activen, apoyen, estimulen, refuercen y amplíen los conocimientos que reciben los niños en el hogar o la escuela.\nEn noviembre de 1976 se inaugura la Galería de Arte Nacional, órgano surgido a instancias del antiguo Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes (antecesor del actual Consejo Nacional de la Cultura), con el propósito de difundir, preservar, investigar y fomentar las artes plásticas venezolanas de todos los tiempos. Su colección abarca desde la producción de sociedades aborígenes pre-hispánicas hasta la obra de jóvenes artistas. Entre sus más relevantes funciones, la Galería de Arte Nacional presta apoyo a otros entes museísticos a través de la organización y conducción de cursos y pasantías, y recopila sistemáticamente documentación escrita, gráfica, fotográfica, oral y audiovisual, referida a las artes plásticas venezolanas, a través del Centro de Información Nacional de las Artes Plásticas (CINAP). Igualmente, desarrolla un importante programa editorial destinado a divulgar información relativa al quehacer artístico de Venezuela.\nEl 26 de septiembre de 1990 se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia con el fin de atender lo concerniente al arte contemporáneo en la región occidental del país. Adscrito a la Universidad del Zulia, es el depositario de la mayor parte del patrimonio artístico de este centro de estudios, que comprende obras de artistas zulianos y de otras regiones de la República.\nLas instituciones aquí citadas han sido en Venezuela pioneras de la actividad museística, a la que han venido sumándose progresivamente numerosos entes del Área Metropolitana y del interior del país, incorporándose sobre todo dependencias de los concejos municipales y de las gobernaciones estatales, como por ejemplo, el Museo Jacobo Borges, ubicado en el Parque del Oeste Jóvito Villalba , en Caracas, cuya inauguración se efectuó en julio de 1995, con motivo de los festejos del aniversario de Caracas. Muchos y no pequeños obstáculos han debido confrontar los museos venezolanos en su devenir histórico, destacándose entre ellos la insuficiencia presupuestaria, las deficientes condiciones de conservación a las que fueron sometidas las colecciones en etapas precedentes, la inadecuación de los espacios, en su mayoría diseñados para funciones que ninguna relación guardaban con la actividad museológica, y la escasez de personal capacitado. Contra todos estos escollos ha tenido que luchar la incipiente museología nacional, sin que ello haya impedido cosechar éxitos que redundan en beneficio de todos.\nCada día aumenta el número de quienes concurren a los museos en nuestro país. Con creciente interés, diversos planteles educativos se han aproximado a estas instituciones, espontáneamente o como parte de los programas desarrollados en los museos con el objeto de promover y difundir su acción didáctica, lo que ha de repercutir en el incremento del público. Esta progresiva afluencia posibilita un eficaz cumplimiento de las misiones de los centros museísticos: preservar, divulgar, entretener y educar al público.\nEl panorama es favorable. Al crecimiento cuantitativo en el rubro de los museos y colecciones debe sumarse el hecho de que a partir de 1989 comenzasen a convertirse muchos de esos museos en Fundaciones de Estado, figura jurídica mediante la cual entes hasta entonces oficiales, que dependían de manera total y exclusiva del Estado para su funcionamiento, podrán ahora gestionar el apoyo financiero y material del sector privado, gerenciando sus proyectos con mayor autonomía. Este mecanismo no sólo ha de incidir favorablemente en la calidad de los proyectos, al contribuir a paliar los inconvenientes derivados de las limitaciones presupuestarías, sino que también promoverá la positiva inserción del museo en la comunidad, al involucrar en sus numerosos programas a diversos sectores de la colectividad.\nPublicado por Linda D´Ambrosio en 14:13 7 comentarios:\nEn: Jacobo Borges: Treinta años de creación. 1960-90. Ciudad Guayana, Sala de Arte Sidor, 1º de julio - 30 de agosto de 1992 pp. 20-23. (Reproducido parcialmente en Contenido, suplemento cultural del diario El Periódico. Maracay, domingo 16 de julio de 1995).\nNadie discute hoy el Status de Jacobo Borges. Quienes hayan estudiado su obra, coincidirán, sin duda, en reconocer que el artista cuenta con un crédito innegable: Haber renunciado a la cómoda seguridad de restringirse al modo de hacer que lo condujo al éxito y atreverse a innovar, a experimentar con nuevos recursos, y a explorar otras alternativas. En ello radica la credibilidad del artista: en haber demostrado que la calidad de su obra persiste, a pesar de que su lenguaje plástico ha cambiado continuamente. Sin embargo, dentro de su obra se han mantenido ciertas constantes que forman parte de su estilo y que lo identifican.\nEn primer lugar, Borges se autodefine como un comunicador. Se ha reproducido infinidad de veces la cita en la que expone cómo, mediante la presentación de los estereotipos fuera de su contexto, procura inducir al público a la reflexión. Asi que su problema no es meramente plástico: aborda simultáneamente los ojos, el intelecto y la emotividad del espectador. Y desarrolla su obra, según declarara en alguna oportunidad, con la mano, el cerebro y el corazón en equilibrio, de modo que el concepto no predomine sobre la emoción.\nEs posible aprehender intelectualmente las situaciones plasmadas en cada obra: Así nos lo permite su naturaleza figurativa. Pero también son perceptibles componentes viscerales, emotivos, que se vislumbran en el tratamiento que reciben los elementos de la composición, y que encierran connotaciones de diversa índole.\nEl propósito último de la obra pareciera ser enfrentar al espectador con el trasfondo de las situaciones de su entorno cotidiano, destacando los aspectos conflictivos de cada una de ellas. Así el observador, de verse reflejado en los personajes que el artista presenta, puede recibir una advertencia, descubrir los hechos en los que participa y entrar en contacto consigo mismo.\nCon frecuencia se ha relacionado a Borges con Posada, debido a la presencia de calaveras y esqueletos en algunas de sus obras, especialmente de los años sesenta. Esos esqueletos, despojos de los que otrora fueran seres vivientes, que ejecutan acciones tal y como si estuvieran dotados de una vida de la que en realidad carecen, pueden aludir a una forma de vivir sin vivir, sin sentir transcurrir el tiempo. Este podría ser el caso de algunas de Las jugadoras. Al mismo tiempo, pueden operar como una especie de memento morí que destaca el inexorable fin al que todos propendemos. Finalmente, pueden representar cierto grado de deshumanización y relacionarse con la muerte a la que tradicionalmente se ha asociado a nivel iconográfico.\nA esta última categoría pertenece Yo también quiero ver, que le valiera el Premio Nacional de Dibujo en 1961: sobre un fondo cremoso, con aplicaciones de recortes de prensa en algunas zonas, se construye la obra a partir de trazos oscuros. El extremo superior, a la izquierda, es un área en sombras, lograda a través de un sinnúmero de lineas verticales, muy juntas, sobre las que se cruzan otras tantas líneas oblicuas. A la derecha, se aproxima el grupo de esqueletos armados con lanzas, una de tas cuales ha sido disparada y se superpone, perpendicular a las otras. Los esqueletos custodian a un hombre del que solo se distingue con claridad el rostro magnificado, y le conducen hacia el personaje que ocupa el extremo inferior izquierdo del cuadro: un siniestro sujeto hacia el que concurren en fila quienes preceden al reo. Entre esos dos polos (el grupo de esqueletos y el personaje de la izquierda) se define el eje diagonal sobre el que se organiza la composición. El personaje siniestro extiende su mano hacia el prisionero, y su sonrisa congelada contradice abiertamente el contenido de los elementos de collage, alusivos a actitudes amistosas ("suave y sedoso", "apretones de manos", "contra la mentira"). Abajo, a la derecha, cierran el conjunto dos personajes más, uno de ellos barbado y con un sombrero. El claroscuro se construye a través de retículas, que definen las facciones en la mayoría de los casos.\nTodos a la fiesta (1963) también presenta dos calaveras: Una brillante, a la izquierda, y, otra clara, a la derecha, más pequeña, tocada con sombrero. Esta obra es pastosa, matérica, toda cubierta de floraciones blancas. Luces amarillas, naranjas, ocres, se crean con pinceladas cortas, y la proximidad de diversos colores crea atmósferas de tonos específicos.\nOtra de las constantes en la obra de Borges es el estudio del tiempo, por una parte como tema, y, por la otra, como elemento que se incorpora a la obra a través de símbolos. En primer lugar, está el tiempo en términos de producción de la obra. Transcurre un período entre la idea original y el producto acabado, de modo que no se pinta el instante, sino la huella del instante, con un desfase en el tiempo. La emoción se suscita, se identifica, se concibe intelectualmente. Luego, todavía hace falta tiempo para que la mano plasme esa situación.\nEn otro plano está el tiempo que se revela en los aspectos técnicos: Hay líneas cuya apariencia denota la velocidad con que ha sido ejecutado el trazo.\nFinalmente, se cuentan los recursos a través de los cuales diversos tiempos se conjugan en una sola imagen. Superposiciones o transparencias indican dos versiones de un objeto, representado en dos momentos diferentes.\nLas transparencias también son empleadas para representar todo lo que convive con uno, pero que no es material: los recuerdos, los valores... A veces, coexisten en una misma obra diversas entidades, cada una de ellas perteneciente a una época diferente. El tratamiento de cada asunto también tiene connotaciones cronológicas: determinadas facturas se asocian a determinadas épocas.\nEl paisaje se distancia. Colección Museo de Arte Contemporáneo de Caracas\nEn La gran montaña y su tiempo se plantea la relación entre el hombre, breve, fugaz, y la montaña que permanece, que asiste inmutable a las transformaciones urbanas. La montaña representa lo atemporal, en tanto que el hombre se debate entre una y otra época, sufriendo las transmutaciones de su entorno. Al mismo tiempo, se plantea el modo en que el hombre pretende alterar la montaña, irrumpiendo en su tiempo y agrediendo su naturaleza.\nSe incluye en esta exposición un pastel de dicha serie. En él, la montaña se presenta a través de una ventana, cuyas aristas aparecen destacándose en tonalidades claras sobre el fondo apastelado del paisaje. En el centro de la obra, los cordones de la persiana, y a la izquierda la persiana misma. Más abajo, se extiende la ciudad. La montaña se yergue, desplegándose en planos sucesivos: alta definición en el primer plano; un segundo plano rosa, delimitado en el extremo superior por una zona de sombra; un tercer plano iluminado, claro; un cuarto plano oscuro. Así, alternativamente, el relieve recibe luces celestes y rosadas, y proyecta su sombra sobre el plano que le sucede.\nPublicado por Linda D´Ambrosio en 10:10 No hay comentarios:\nPublicado por Linda D´Ambrosio en 11:24 No hay comentarios:\n(Suplemento Cultural del diario Ultimas Noticias. Caracas, 20 de febrero de 1994, nº 1344, última página. (Reeditado en el catálogo Pedro León Castro. Miradas desde el cristal, Ciudad Guayana, Sala de Arte Sidor, 23 de febrero- 27 de marzo de 1994 pp. 15-19).\nDos exposiciones complementarias pretenden rendir merecido tributo en la actualidad al maestro Pedro León Castro, quien al arribar a sus ochenta años de edad ha descrito una trayectoria de al menos seis décadas de trabajo consagrado a la investigación plástica, explorando aspectos relacionados no sólo con elementos formales, sino también con recursos técnicos.\nPor una parte, el Museo Arturo Michelena de Caracas ha querido homenajear al artista a través de la muestra Invitación al Génesis. Pedro León Castro. Objetos metafísicos, en exhibición desde principios del pasado mes de diciembre, la cual comprende piezas realizadas durante la última década. Por otra, la Sala de Arte SIDOR de Ciudad Guayana, que desde hace más de dos años se ha dado a la tarea de presentar al público de la región la obra de los más resaltantes maestros nacionales en los diversos movimientos plásticos, exhibe a partir del 23 de febrero Pedro León Castro. Miradas desde el cristal, una selección antológica de los trabajos ejecutados entre 1941 y 1993.\nNadie más indicado que Francisco Da Antonio, vinculado al maestro por cincuenta años de amistad y testigo excepcional de la evolución de la plástica venezolana durante este siglo, para emprender la tarea de rescatar en el tiempo los principales momentos del recorrido artístico del pintor y contemplar retrospectivamente el discurrir de su obra. En este sentido, el citado investigador reporta sus reflexiones en el interesante texto crítico y la cronología que se incluyen en los catálogos de una y otra exposición.\nAmbos proyectos museográficos permiten al público acceder a la no siempre bien divulgada obra de León Castro, haciendo al mismo tiempo justicia a quien fuera laureado en 1944 con el Premio Nacional de Pintura en el Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, y se hiciera merecedor de un sinfín de reconocimientos y menciones en diversos eventos dentro y fuera del país, que incluyen las Ordenes 27 de junio (1971) y Andrés Bello (1981).\nAutorretrato del lazo\nLa inclinación de León Castro hacia las artes se deja sentir desde su primera juventud, cuando recibe autorización para asistir a los talleres libres de dibujo en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas durante las noches, talleres "tan libres que no había profesores, únicamente modelos de yeso". La definida vocación de León Castro hacía de él un pintor aún antes de consolidar su formación académica, y su talento queda de manifiesto en el Autorretrato del lazo, hoy en la colección de la Galería de Arte Nacional. Este lienzo se construye a través de matices conjugados para generar e! claroscuro que modela la fisonomía del artista, sin otorgar preponderancia a la línea, salvo en el contorno del rostro, definido por un grueso trazo oscuro que delimita la hu manidad del autor a modo de sombra proyectada.\nHada 1934, León Castro consigue una beca de estudios que le permite abandonar la carpintería donde hasta entonces había venido trabajando, e incorporarse como alumno regular a la Escuela de Artes Plásticas para atravesar por un periodo de formación tanto a nivel plástico como a nivel docente. A partir de entonces su prolífico hacer rendirá una producción signada por las más sorprendentes variaciones temáticas y estilísticas.\nProverbialmente asociado con la vertiente venezolana del Realismo Social, León Castro es, a decir verdad, un artista caracterizado por su versatilidad y su constante búsqueda en cuanto a técnica y contenido. Cierto es, sin embargo, que parte de su obra está vinculada con este movimiento, y que su paso por esa etapa deja una impronta que aflora con frecuencia en su pintura. Valga como ejemplo citar la concepción de la figura humana en sus desnudos: robustas féminas de maciza anatomía, de redondos volúmenes y gruesas articulaciones.\nEste modo de representación proviene originalmente del estilo mediterráneo, que vuelve los ojos al arcaísmo griego, con recias figuras que encarnan el ideal de anatomía promovido por los nacionalismos de variada índole que desde los años veinte habían venido cobrando auge en Europa. Más tarde se opera una transcripción latinoamericana del concepto en el Muralismo Mexicano, que adopta este cánon incorporando manifiestas desproporciones con fines expresionistas y para destacar los rasgos característicos de los diversos estratos sociales, casi siempre con un cariz satírico a las clases poderosas.\nEn 1964 viaja a México, en donde establece contacto con David Alfaro Siqueiros, pero desde la década anterior había venido trabajando en piezas de contenido social. Junto con Héctor Poleo, César Rengifo, Gabriel Bracho y José Antonio Fernández Díaz (Fez), Pedro León Castro da vida a un movimiento que procura la reivindicación de las clases desposeídas. Sin embargo, salvo en El desalojo (1954), Pedro León Castro representa en sus trabajos de este período escenas más bien anecdóticas. Aun cuando se inserten en los más míseros contextos, sus pinturas dan cuenta de episodios de la vida cotidiana y resultan impregnadas de un matiz pintoresco que diluye la desolación que emana de las obras de otros artistas de esa tendencia, las cuales se hallan revestidas de un carácter denunciativo más evidente. Datan de es ta época Sembradoras (1942), Esperando el pan (1956) y El barbero popular (1961).\nEn Nostalgia (1959) su paleta envuelve tonos predominan temente fríos, análogos entre sí, aplicados con anchas pinceladas barridas, para narrar con profusión de transpare cias el anodino tendido de la ropa recién lavada. Esta arm nía analógica puede encontrarse también en un pastel realizado anteriormente, El Baño (1957), si bien ésta se construye en base a tonos terrosos.\nLo anecdótico en la obra de León Castro se expresa también en contenidos urbanos, como en Soledad y la luna (1960), Hampa (1979) o Caracas bajo la contaminación (1980).\nPese a que el Realismo Social en Venezuela no alcanzaría su expresión más característica en los murales, León Castro se cuenta entre el reducido número de pintores que pudieron emplear este medio para dar curso a sus inquietudes artísticas.\nRefiere Da Antonio la admiración que suscitaba en César Rengifo la destreza del maestro para desenvolverse en las inusuales dimensiones que imponía esta disciplina. Es de lamentar la pérdida de La esclavitud en Venezuela, mural realizado por Pedro León Castro en el Liceo Miguel José Sanz de Maturín, y demolido, antes de su conclusión, en 1952. También se debe a su pincel el fresco que decora la Sala del Consejo Universitario en el edificio del Rectorado de la Universidad Central de Venezuela.\nLa esclavitud en Venezuela, ejecutado en honor al General José Tadeo Monagas, estaba compuesto por diversos paños, al igual que muchas otras obras del pintor (dípticos, trípticos), frecuentemente unificados por el ritmo que determ nan las manos de las figuras representadas, que también sirven de enlace para establecer la continuidad entre uno y otro panel de la obra (Hornemje al trópico (1966); Tríptico).\nSu vasta producción incluye innumerables retratos, entre los que destacan los de Flérida, Josefina, Luz Marina y Marlene. Capítulo aparte merecen sus numerosos autorretratos, ejecutados en diversos períodos, con diferentes técnicas, con desigual paleta. Uno de ellos (1941) le valdría la Segunda\nMención Honorífica en el III Salón Oficial Anual de Arte Venezolano.\nObras como Naturaleza muerta (1953) y Bodegón (1961) forman parte de una investigación de las formas, de las text ras, de la luz, a través del estudio de objetos inmersos en el ambiente que les es propio. En esta misma tendencia surgiría en la década de los 80 la serie Magia del objeto, en que toda referencia contextual es suprimida, presentando en cada cuadro un solo elemento en toda su esplendente belleza de formas, volúmenes y colorido, elemento capaz de plenar por si solo la obra entera.\nLos Objetos metafísicas, por su parte, constituyen otro hito en esta investigación que dura ya más de treinta años. Be-líos enseres cotidianos —una botella de vidrio que "parece" soplada; el caldero de cobre en que la madre de un amigo preparaba la jalea de mango— se presentan aquí en situa ciones metarreales, en ambientes que se caracterizan por una arquitectura fantástica, plagada de ventanas que se abren so bre inverosímiles paisajes. Sobrias composiciones se elabo ran sobre fondos monocromos, modulados por sutiles va riaciones tonales. Las figuras se recortan, plasmadas en vibrante colorido, contra vastas zonas oscuras.\nA menudo los objetos se suspenden en el espacio, como en el Homenajea Crívelli (1991), en donde la manzana pende de un hilo y proyecta su sombra sobre un lienzo, que a su vez flota, y parece atravesar la ventana en el primer plano, la cual forma parte de un espacio arquitectónico sumido en la penumbra, del que sólo da cuenta una segunda ventana al fondo.\nEsta presencia de las ventanas es reiterativa en la obra de León Castro, y puede ya apreciarse a partir de 1945, en el Retrata de Josefina. En los Objetos metafísicas, geométricos va nos se abren sobre firmamentos homogéneos, dando origen a zonas de luz que se insertan en superficies pardas. Entre los convencionales bodegones y los Objetos metafísicos León Castro establece un estadio intermedio caracterizado por una geometrización de la forma, perceptible en obras como Viejos símbolos (I,II y III), Espíritu y Materia, todas ellas de 1966, en las que los objetos se agrupan sobre una mesa de madera. En Espíritu y Materia las imágenes aparecen plasmadas desde una perspectiva caballera.\nA veces el artista permite que el soporte aflore, en ciertas zonas, para narrar los pormenores de algunas de las imágenes representadas: la textura de la piel o la naturaleza de las entidades figuradas. Este es sólo uno de los recursos de que se vale el autor, avezado en el empleo de las más diversas modalidades técnicas, entre las que destaca la encáustica. Precisamente en estos días el artista comunicaba sus conocimientos en este campo a través del taller "Pintemos a la encáustica", realizado en el Museo Arturo Michélena echando mano de la experiencia adquirida en más de medio siglo de actividad docente.\nLas exposiciones de Caracas y Ciudad Guayana forman parte de una tan justa cuanto necesaria tarea de difusión y análisis de la obra de Pedro León Castro. Acerca de ella todavía hay mucho que decir, entre otras razones porque, afortunadamente, el artista continúa erguido a sus ochenta años. y porque mantiene la disciplina que ha caracterizado su trabajo, entregado a una labor que aún ha de rendir muchos frutos.\nPublicado por Linda D´Ambrosio en 14:00 No hay comentarios:\nEn: Paul Klose. En la vertiente de la geometría Ciudad Guayana, Sala de Arte Sidor, 1º de abril- 4 de mayo de 1992, pp. 22-23.\nEl estilo que distingue la producción reciente de Paul Klose es resultado de un proceso de simplificación que se in cia a mediados de la década de los cuarenta. Su pintura, progresivamente, se va desembarazando de los contenidos eidéticos para desembocar en una práctica orientada por la investigación de problemas puramente plásticos.\nEn un principio, comienza a abstraer en el sentido más propio del término: las imágenes, sustraídas a la realidad, se ven reducidas a sus propiedades más elementales, situándose en un estadio en que la lectura permite identificarlas a primera vista, pero sólo por lo que en ellas queda asociado al concepto. Más larde, las cualidades físicas del objeto pierden relevancia, y Klose da en pintar su percepción visceral de! entorno. Pretende comunicar su experiencia interna, empleando la obra como un estímulo dirigido a los aspectos sensitivos y emocionales del sujeto, no a los intelectuales, evitando cualquier alusión a la realidad fenomenológica.\nA partir de esa idea genera una obra que se caracteriza por sus formas, de reminiscencia marcadamente orgánica, y que encuentra sus más representativos ejemplos en los óleos de los años sesenta.\nEn estos trabajos, al igual que en todos sus dibujos, pueden distinguirse dos modalidades, determinadas por la forma en que emplea la línea. En la primera, un trazo continuo se extiende a través del espacio compositivo, evolucionando y regresando una y otra vez sobre sí mismo, definiendo en su trayecto campos o parcelas en las que se aplicará e! color. En la segunda modalidad el trazo simplemente señala los límites de cada uno de los elementos que configuran la obra.\nEsta línea oscura imprime dinamismo a la composición y, al extenderse a través de toda la obra, contribuye a crear la sensación de unidad, también lograda mediante la atmósfera apastelada que envuelve todo el conjunto, de aspecto atercipelado e iridiscente.\nSi bien no puede hablarse de volúmenes, cada elemento revela una cierta consistencia, cierta densidad, y la textura aparece pastosa, aun cuando el pigmento esté aplicado en una capa fina y homogénea. Este efecto viene dado por las sutiles variaciones de color que se dan en el interior de cada uno de los campos, y por una estrechísima zona clara que colinda con los bordes oscuros de cada figura, haciendo que el trazo luzca como si estuviera esgrafiado.\nPara Klose, la pintura ha de suprimir todo aquello que es superficial. Sólo entonces, cuando se han definido los elementos esenciales, han de acentuarse los más importantes, realzándolos a través del color y la ubicación. Las formas invaden el espacio, y rara vez se integran en una estructura que permanezca aislada contra un fondo monocromo.\nGradualmente, las líneas oscuras se tornan más sutiles, y las figuras orgánicas y geográficas ceden paulatinamente el paso a los componentes más regulares y geométricos de su producción de los ochenta. Durante esta última década prefiere trabajar grandes formatos, empleando el acrílico para conseguir acabados uniformes. Las composicines, más sobrias, son de una serena estabilidad, lograda en parte por el predominio de las líne.as rectas y en parte por el equilibrio creado por compensación. Línea y color contribuyen a crear la sensación de profundidad en la obra, haciendo que los campos aparezcan como si se superpusieran. Un mismo color, aplicado en diversos matices a distintas parcelas, hace que éstas luzcan como si estuvieran en planos diferentes.\nEn la mayor parte de los casos, el color se presenta plano, sin valorización dentro de una misma figura. A veces, una zona oscura subraya la diferencia entre dos planos, pero no hay sombras.\nCada una de sus pinturas es realizada a partir de una maqueta, un dibujo o collage que da origen a múltiples y sucesivos ensayos destinados a prefigurar con exactitud un plan de formas y colores, y que elimina la necesidad de experimentar directamente sobre el soporte a riesgo de efectuar correcciones que incidirían en la obtención de las superficies lisas que el meticuloso artista persigue y que caracterizan esta etapa.\nSin embargo, sus dibujos conforman un capítulo autónomo, y aunque muchos de ellos se han transformado más tarde en pinturas, no deben ser interpretados como meros proyectos para otras obras; cada uno constituye en sí mis mo una obra acabada. En ellos, priva una configuración semejante a la de los óleos y los acrílicos. El creyón se aplica a veces en forma homogénea, a veces en forma de finísimas retículas, en pequeñas áreas delimitadas de nuevo por un trazo oscuro, esta vez realizado en tinta.\nTambién en los dibujos puede apreciarse una evolución de lo orgánico hacia lo geométrico, y podría decirse que la diferencia de éstos con respecto a la obra de género mayor radica en la técnica empleada y no en la forma de concebir la composición.\n(Suplemento Cultural del diario Ultimas Noticias. Caracas, 17 de abril de 1994, nº 1352, pp. 14-15)\nEl escultor modelando el busto de Pedro Rincón Gutiérrez\nEl rostro me contempla adusto desde el rectángulo de papel fotosensible tendido frente a mí:\n- Arturo Uslar.\nPero poco a poco se revela que lo que tengo ante mis ojos no es una fotografía de Arturo Uslar Pietri, sino una fotografía de la escultura que lo retrata.\nNo es Arturo Uslar, como tampoco es Juan Félix Sánchez, ni su esposa Epifanía, ni Rómulo Gallegos, ni Miguel Otero Silva, ni... Y no puedo menos que admirarme ante el mágico oficio que convierte la materia, mediante quién sabe qué secreta alquimia, en el espejo de cada uno de los objetos de nuestra realidad. Es como si se construyera un mundo en paralelo, inanimado, a veces fiel a la apariencia de aquel vivo, a veces presentado bajo un aspecto nuevo que, sin embargo, encierra contenidos que nos resultan familiares.\nEl fabuloso demiurgo que re-crea el mundo con mármol, arcilla y bronce es Manuel de la Fuente. Y, si me admira su capacidad de transcribir en la materia cada uno de los detalles que distinguen un rostro y lo diferencian de los otros, me admira más su talento para reinterpretar la realidad modificándola, sin que el objeto representado pierda su identidad y se tome irreconocible. Hay una verdadera re-creación, en el sentido de crear una nueva realidad que alude a lo ya conocido.\nEn cada escultura varían las proporciones en que la figuración y la abstracción se combinan para representar un modelo. Asi. en el retrato de César Vallejo. el rostro texturado, lleno de las huellas de la espátula y los dedos, conserva las facciones del poeta, reproduciéndolas con fidelidad, y sólo la barba y los cabellos se construyen a partir de elementos más geometrizados. Marylín Monroe, en cambio, se deshace de sus rasgos para transformarse en una imagen simple que compendia cuanto la estrella evoca- -sensualidad, feminidad, voluptuosidad- expresado a través de líneas que se proyectan con vigor hacia afuera, generando una apertura que resulta a la vez invitación y vulnerable entrega de un cuerpo que se ofrece desafiante y desprotegido al mismo tiempo.\nEl éxito de de la Fuente como retratista, y como escultor en general, está asociado a su capacidad para aislar, primero, y plasmar, después, lo que le es más propio a cada situación o personaje. Su sensibilidad le confiere el poder de re-producir la realidad a su capricho, ya según lo que podemos registrar sensorialmente, ya según lo que la distingue y que podemos abstraer, aprehendiendo el gesto, el ademán que traduce una emoción o una actitud específica. Asi, su Maternidad destila ternura, y nos agobia el clamor de cada Lamento del páramo.\nParque de las heroínas\nPese a haber realizado desde sus inicios como escultor retratos que asombran por su similitud con el modelo, de la Fuente ha asumido también el compromiso de representar personajes de fisonomía ignota. Es el caso de Las heroínas de Mérida, grupo escultórico de seis personajes dispuestos en circulo. Los rostros vueltos de unas mujeres hacia otras, el contacto de una mano en un hombro, de un codo que roza un brazo, de dos faldas que se tocan, crean la unidad del conjunto. De aspecto clásico, las imágenes se alternan en función de su estatura: una mujer, un niño; una mujer, otra mujer inclinada, presta a disparar un cañón; dos mujeres más. en las que se mantiene el ritmo arriba-abajo. pese a ser de la misma estatura, en virtud de los objetos que llevan en las manos -un granadero, un documento- cuyo peso desplaza la mirada hacia abajo para compensar la sensación de verticalidad.\nMarisela y Tibisay forman parte, también en la tendencia figurativa, de la representación de personajes surgidos de la historia y la literatura nacionales, al igual que La loca Luz Caraballo, que recibe un tratamiento diferente: las piernas separadas, la mirada y la mano dirigidas hacia el infinito, emergiendo del bulto en el que se distingue apenas qué es rostro, qué son cabellos, ropas, extremidades, dotados todos de una carga expresiva capaz de conmover al espectador.\nEl escultor desarrolla simultáneamente varios temas, cada uno tratado de forma diferente, porque también se expresa en varios estilos a la vez.\nDestacan por su belleza, en la producción de los años sesenta, los volúmenes sinuosos que sugieren, que dejan adivinar, envueltos sobre sí mismos, lo que representan. En este estilo se cuentan Bailarín, y Virgen con Niño. Otros volúmenes describen sólo los contomos de la figura, a modo de silueta. A esta modalidad pertenece su hermosísima Bailarina.\nA veces las líneas son más sobrias, y la construcción se despoja de detalles para reportar sólo lo esencial, como en la ya mencionada Marylin Monroe y en un extraordinario Cristo exhibido en Mérida en 1965.\nTema favorito en su producción es también el desnudo, que ha desarrollado en múltiples variantes.\nSu dominio del oficio le permite pasearse con éxito por las diversas tendencias, empleando diferentes técnicas y manejándose con la misma destreza en el ámbito de los egregios personajes -que vuelven a nacer en la fundición para sembrarse en los parques, en las plazas y hasta en el Panteón Nacional-, que en el de los toritos de bronce que se inmolan en el cuadro-por-cuadro de la fiesta brava perenne presentada en la serie El toro de lidia .\nEl tema taurino ha sido una constante en la producción de Manuel de la Fuente. Aparece desde su infancia, tratado quizá en aquel entonces no por las posibilidades de desarrollo plástico que ofrece, sino por la connotación que el toreo reviste como mecanismo de promoción social. Retratos de toreros, toros e imágenes de la corrida se encuentran a to largo de toda su trayectoria como escultor. La cogida representa el momento en que el toro ensarta en sus astas al diestro, que aparece suspendido en el aire. El lomo del animal describe una línea oblicua con respecto al piano de base, contrarrestada por el cuerpo del torero, que traza una vertical, repetida más allá por los cuernos, y por otra oblicua, perpendicular a la primera, descrita por las extremidades delanteras del toro. El acabado es pastoso, lleno de trazas; se respeta el aspecto desigual de la arcilla en la que se narra, con unos pocos trazos maestros, la anatomía de los protagonistas.\nEl Toro ibérico supone un tratamiento del todo diferente. Es una representación estilizada, en la que el aspecto pulido de la superficie se ve interrumpido sólo por la crin texturada, llena de elementos en zig zag y de pequeñas improntas circulares. La línea define el cuerpo del animal en sus contornos, sin narrar los pormenores anatómicos del tórax, por ejemplo, mientras el hocico levantado y la cola serpenteando en el aire traducen el movimiento de la figura, rompiendo con toda sensación de reposo.\nEl toro de lidia recoge, a modo de instantáneas, imágenes del animal durante la corrida, desde la salida hasta el desolladero. Esta serie organiza, en un conjunto de piezas construidas dentro de un mismo estilo, los temas que ya el artista había tratado a través de su carrera en esculturas independíenles, y revela la fascinación que sobre él ejercen estos animales, cuya belleza aparece exaltada.\nSu Toro derrotando refleja de modo vivido la exasperación del animal. La torsión del cuello, los ojos vueltos al firmamento, las patas delanteras suspendidas, la cola levantada y el hocico entreabierto imprimen a la obra un dinamismo único.\nPero de la Fuente es, ante todo, el autor de las Multitudes, esculturas que representan auténticos cúmulos de seres humanos que se aglutinan en torno a algún objeto, o se reúnen debido a alguna situación especifica. Su contenido, pese a estar expresado en el lenguaje de las grandes urbes contemporáneas -porque de la Fuente pertenece a este tiempo y vive en esta porción geográfica- es sin duda universal y está relacionado con la naturaleza humana. Es el problema del hombre que se debate entre su vocación social y su necesidad de subsistir, entre su deseo de descollar y su dependencia física y psicológica de otras personas.\nEl artista trata esta disonancia a través de una serie de situaciones que se desarrollan en tomo a diversos temas.\nObras como Sementera, Principio y fin, La gran tortilla, El gran templo y El parto del huevo aluden a la superpoblación derivada de un proceso de reproducción ilimitado, en el que cada uno de los pequeños seres que en la escultura se generan del parto múltiple de un solo principio, encierra la capacidad de engendrar a otros tantos de su especie, tal como sucede en la realidad, pero en número tan abundante que el resultado amenaza colmar el espacio, en el que ya los cuerpos se fusionan, se amalgaman, perdiéndose la identidad de cada individuo, distinguiéndose sólo las cabezas en la masa, como si todos integraran un gran cuerpo que ejecuta la misma acción a pesar de las ddisimilitudes que pudieran existir entre uno y otro.\nAsociado a la superpoblación, va el desabasteciminíento. La multitud siempre está en movimiento: pugna por alcanzar algo. Cada individuo está ejecutando alguna acción destinada a satisfacer una necesidad concreta: transporte (El autobús), espacio para el esparcimiento (La piara), o alimento (El último pollo). La masa proviene de la suma de individuos que ejecutan la misma acción al mismo tiempo, tratando de alcanzar el mismo objetivo. El problema que se plantea es: ¿Alcanzará para todos?\nHay múltiples opciones para satisfacer una necesidad, pero se indica al individuo cuál es la forma adecuada para hacerlo a través de diversos canales. La selección de esa vía le garantiza admiración y reconocimiento. De este modo, los objetos, que en principio deberían estar al servicio del hombre, se convierten en un acicate para el movimiento, en un objetivo deseado no per se, sino por el prestigio que comporta. Esta subordinación del hombre se manifiesta en las Multitudes a través de una modificación de las proporciones reales en que se magnifica el objeto. El individuo es víctima de la presión que ejerce, por un lado, el propio contingente humano, y. por el otro, los objetos que. agigantados, le aplastan físicamente.\nAbatida la capacidad de eleccion, se vencen las diferencias interpersonales: todos marchan al unísono, en una dirección que no han elegido, humillados bajo el peso de su propia naturaleza, que les lleva a renunciar a su exclusividad en aras de la aceptación grupal. La pérdida de identidad individual se traduce en la ausencia de rasgos fisonómicos. Quizás la obra que compendie todo lo que las Multitudes son y se comunican sea La criba, pavoroso tamiz que pretende filtrar la humanidad entera a través de una red construida con convenciones sociales. Así, quienes atraviesan el cedazo sobreviven para reconocerse anónimos y despersonalizados, en tanto que los rechazados se convierten en una repulsiva masa, ignorada, a sus espaldas.\nPlásticamente, el artista emplea diferentes estrategias para controlar el riesgo de que estas obras resulten planas debido a su configuración, estructurada en base a diminutos personajes de la misma estatura. Uno de sus recursos es la ya mencionada magnificación de los objetos, que rompen con la horizontalidad y polarizan la atención del espectador. Otro, la disposición de la propia masa humana, que en muchas de las obras funciona como sostén del principio del que proviene, situado en la cima de la escultura, de modo que el volumen no parece crecer a partir de la base, sino que se derrama sobre ella desde algún elemento suspendido, aparentemente, en el vacío.\nCon frecuencia, aparece también bruñido el objeto que domina la escena: el balde, el torniquete, la vulva o el cascarón del huevo, cuyas superficies lisas contrastan a su vez con la apariencia de la masa, a la que los cuerpecitos apiñados brindan un aspecto irregular.\nEn paralelo, de la Fuente transforma en protagonistas a huevos y gallinas, que parodian el drama del hombre contemporáneo, al tiempo que escenifican su propia tragedia: una vida que desde su origen está destinada a producir inconteniblemente, sin reposo, eliminando todo lo que entorpezca el proceso de producción; a producir en términos de bienes materiales (los huevos) o en término de otros seres capaces de insertarse en el gigantesco engranaje de la producción (que provendrán de los mismos huevos). Este es el contenido que encierran obras como Principio y fin y La gallina de los huevos de oro.\nLa excepcional escultura Capitel suramericano representa una columna de fuste estriado, coronada por guacales repletos de gallinas que pujan por respirar, estirando sus pescuezos a través de los resquicios existentes entre las tablas. Se hace muy patente aquí el problema del hacinamiento.\nDe la Fuente permanece fiel a aquello de que el artista necesita tener algo que decir y saber como decirlo. Las Multitudes hablan de cómo el hombre asiste impasible a la anulación de su singularidad, de cómo participa en la consolidación de un modo de vida que lo supedita a los objetos, a las circunstancias, a la producción. Sus obras no pretenden constituir una advertencia, no anticipan consecuencias: se limitan a describir lo que ya está sucediendo. Quizá sean una invitación a re-crear la realidad. En cuanto al lenguaje, la pericia del escultor está fuera de toda discusión, y su habilidad para comunicar se refleja en la opinión de uno de sus críticos:"... uno comprende al punto que está perfectamente hecha la obra cuando la sala del museo llena de visitantes tiene para todos ellos una sensación, una emoción que no los lleva a preguntarse ¿Y qué quiere decir eso?".\nPublicado por Linda D´Ambrosio en 18:13 No hay comentarios:


Maduras santander - timberlander.com\nCasa > Maduras > Maduras santander\nSi navegas desde tu dispositivo móvil Localízalas desde tu posición. Sevillanas de cachondeo. Transexuales y travestis en Cantabria. Maduras santander. Busco hombres para relacion de sexo o amor. Tengo 23 añitos, muy guapa y con un cuerpo sensacional Soy la dama que busca.\nUna bellisima madurita, de curvaturas inmejorables y unos preciosos pechos. Candela peña mamada. Te voy a enseñar lo que es follar por telefono. Fliparas con mis pechazos….\nSexo en santander con merche… una mujer madura madrileña en puerto chico, novedad en santander, de cuerpo espectacular, como puedes ver en las fotos. Contactos hombres en Cantabria. En mis servicios te ofrezco: Si eres menor pulsa aquí. Contactos gays en Cantabria. Todas Escorts y putas Masajes eróticos Transexuales y travestis Contactos gays Contactos hombres Contactos lesbianas Relaciones ocasionales Productos eróticos Habitaciones y plazas Líneas eróticas.\nHago tanto trabajos de acompañamiento a eventos como encuentros sexuales siempre en hoteles.\nLos Contactos Gratis Con Maduras Santander créditos se utilizan para enviar correos electrónicos, chat en línea y enviar sus correos electrónico que anhela encontrar a alguien que escucha. Penetraciones sexuales. Si eres como yo, no dudes en llamarme, estoy dispuesta a dejarte agotado. Disfruta con una chica implicada,…. Un beso muyyyyy dulce. Maduras santander. Hola a todos, soy Adriana, una explosiva chica de compañía, repleta de lujuria y deseo.\nLucia madura sexy Santander, Cantabria Hola tengo 42 años soy sexy divertida y con el encanto de la madurez te propongo algo placentero y de buen rollo para desestresarte , no soy modelo ni hago todo tipo de servicios pero te garantizó un buen Hola soy lucia tengo 42 años soy una mujer madura sexy y divertida con la experiencia y el encanto de la madurez yo te propongo una relación tranquila placentera y desestresante ante todo, si buscas una Amplia cartera de clientes.\nOfrezco mi compañia a hombres que buscan una experiencia de Trato especial para quienes buscan algo diferente y huyen de lo vulgar. Me implico contigo porque quiero una relación de amantes, no es hacer un servicio y tratarte de forma fría y mirando el reloj, no me gustan las prisas y no hago de esto una profesión. Animate a conocerme, te aseguro que no te arrepentiras Maria 34 años. Ver fotos chicas desnudas. Salidas a hotel, servicios especiales de dominación, salidas, Peñacastillo, 43 años.\nHola, me llamo Jeni y soy una sensual y atractiva golfita, poseo unas curvas que incitan al pecado, tengounos pechos perfectos para…. Mis servicios son muy completos , maximo placer.\nSolo mujeres serias y responsables. Soy una chica muy carinosa complacent unica en la cama mucha sensualidad ,indepedente en piso privado no atendo oculto y mensage atendo con cita previa hago salidas solo a hoteles. Hola chicos, me llamo Monica y como puedes ver tengo un cuerpo cuidado y no apto para cardíacos.\nSoy una mujer sexy y caliente de 48 años, disponible en Santander para…. Mayoría de los sitios de citas en línea. Hola a todos, soy Adriana, una explosiva chica de compañía, repleta de lujuria y deseo. Maduras santander. Mie Jul 01, 3: Mi nombre es Andrea y como puedes ver en mis recientes fotos, tengo las curvas mas eróticas que hayas visto en mucho….\nMe llamo Natalia, una mujer rusa con curvas muy sensuales. Soy una mujer sexy y caliente…. Chicas masturbandosw. Salidas 24h, taxi, visa, Portugalete, barakaldo, Bilbao, mioño, la rua, oriñon,. Hola a todos, soy Anita, una scort muy guapa y caliente.\nFotos de chicas latinas desnudas:\ntimberlander.com © 2014-2017 Maduras santander.


Oro de regalo travel club puntos acumulados\nA parte de jesus prendas de oro, te brindaremos varias opciones para que optes en regalar regalo algo realmente original que escapa de lo usual y tevez la regalo cotidianidad.\nMonedas, te imaginas recibir regalo una regalo moneda como regalo?\nTambién podemos buscar el regalo periódico del día exacto de la boda y enmarcarlo sevilla o incluso escribir un bonito cuento contando feliz esta historia regalo de amor de más de 50 años.Quizá no sea lo común, regalo pero lo cierto es que los artículos para la casa en oro pueden ser una excelente regalo opción.Por su antigüedad sevilla y trascendencia en la vida del país, es un símbolo de identidad regalo y orgullo nacional.La capital del amor. Todos pueden ser grabados y guardados en embrujado las cajas de envuelto seguridad que ofrece la compañía regalo en alquiler, regalo con la opción de asegurar el contenido depositado.\nRespecto a su rentabilidad, subraya que en el periodo de los 20 años niño anteriores a 2018, el oro fue el activo que tuvo el segundo mejor rendimiento anualizado, que alcanzó un 7,7.\nEventos: Busca conciertos, obras de teatro, eventos creativos o deportivos de su gusto que tengan regalo fechas para el momento del aniversario, compra las entradas y envuélvelas en un paquete dorado o acompañadas de un gran moño color oro.\nLo que suele ocurrir envuelto es que muchas veces se juntan varios amigos y, entre todos, compran un lingote o moneda más grande, explica.Aquí te presentamos varias posibilidades de regalo, en oro de 18 quilates y con la mayor calidad, para garantizar que la persona que la tenga, ame esta joya embrujado tanto como niño nosotros. .Regalos originales bodas de oro, cincuenta años de amor unidos en sagrado matrimonio, no se cumplen todos los días, por eso debes festejarlo por todo lo alto, ya regalan sea regalo niño en una celebración íntima o una mucho más pública, por decirlo de alguna manera.Lo más preocupante de esto, es que sabemos lo costoso que pueden llegar a ser, pero tranquilo, no es obligatorio, simplemente puedes regalar cosas de oro o que ese sea el color que abunde sobre la superficie.Regalos de bodas de oro matrimoniales.En, priority todos nuestros pedidos se envían preparados con su envoltorio de regalo antirroturas, para que no tengas niño que preocuparte por nada.Tienes que hacerlo, es un día súper especial para ambos, cumplen medio niño siglo acompañándose el uno al otro.Como lo hemos dejado emocionado claro desde un principio, en las bodas de oro, como claramente su nombre lo indica, suelen regalarse detalles o estar siquiera bañados en ese metal precioso.Estos obsequios pasan al selecto grupo de regalos clásicos que vendrían a suponer un éxito y acierto rotundo.Qué colecciones puedes encontrar?\nQuédate con nosotros, ya que este artículo, como te lo prometimos, irá destinado a eso, a ayudarte a encontrar el regalo perfecto para ese día tan especial.\nTienes cincuenta años de feliz matrimonio con tu regalo pareja o conoces a alguien que los cumplirá pronto y no sabes que ofrecer como regalo?


¿Por qué apostar por Detector?\n26 · febrero · 2016\t · Detector\t· 0 comentarios.\nPara empezar podemos decir que nos caracterizamos por nuestra fuerte apuesta en i+D+i. Nuestra tecnología exclusiva de radiofrecuencia es un plus en seguridad, ya que los ladrones más especializados cuentan con inhibidores de frecuencia que consiguen anular la señal de mando y GPS.Como hemos hecho hincapié en anteriores publicaciones, Detector te da la máxima tranquilidad. Tu vehículo se encontrará siempre localizado, se encuentre donde se encuentre. Además, en aquellas ocasiones en las que por diversas circunstancias no puedas tener tu vehículo cerca de ti, ya sea por viajes de negocio, vacaciones, así como en aquellos casos en los que el coche tenga que estar toda la noche en la calle, por alguna circunstancia en particular, siempre aporta la tranquilidad de tenerlo siempre localizado.\nDetector está indicado para salvaguardar vehículos de gran valor, porque suelen ser las víctimas preferidas de los ladrones.\nNuestros sistemas detectan cuando se intenta manipular la batería del coche o el propio GPS, y estos sistemas actúan independientemente del país en el que se encuentre el propietario. La alerta llegará a través de mensaje.\nNuestros dispositivos son útiles para los propios cuerpos de seguridad, ya que proporcionan la localización exacta en la que se encuentra el vehículo en todo momento y les facilita el trabajo. Algunos dispositivos son capaces de cortar la corriente eléctrica y activar las alarmas tanto visuales como acústicas, que resultan de gran utilidad para que la policía localice rápidamente el vehículo.\nOtra de las razones para apostar por la mejor tecnología a la hora de asegurar tu coche, es que Detector tiene acuerdos con más del 85% del mercado asegurador de nuestro país. No es extraño que grandes firmas como BMW, consideren como opción primaria el incluir en algunos de sus modelos de alta gama nuestros sistemas inteligentes de movilidad y geolocalización.\nAunque hablemos de tecnología punta, toda la gestión de localización particular por parte del propietario resulta de lo más sencilla. A través de una aplicación para Smartphone, IOS y tablets podemos acceder a la información y las diferentes opciones sin necesidad de intermediarios ni largas esperas. Desde esta aplicación, tendrás la potestad para ejercer el control parental del vehículo.\nPor último, debemos destacar que nuestro margen de recuperación es superior al 95%, y esta cifra nos avala y habla por sí sola. El margen de espera es de una media de 4 horas hasta que nuestro cliente recupera su vehículo. Somos, además, la compañía que cuenta con la colaboración con el Ministerio del Interior así como con los Cuerpos de Seguridad del Estado.


Absceso dental Definición - Salud.es\nUn absceso dental es una acumulación de pus que es causada por una infección bacteriana en la parte interior del diente. Un absceso dental por lo general se produce como resultado de un tratamiento de caries dental, o una grieta o un chip en el diente que permite que las bacterias en el diente interno.\nEl tratamiento de un absceso dental implica el drenaje del absceso y librar el área de la infección. El diente puede salvarse con un tratamiento de conductos, pero en algunos casos puede ser necesario tirar del mismo.\nDejando a un absceso dental no tratado se puede conducir a graves e incluso potencialmente mortal, las complicaciones. El paciente puede prevenir un absceso dental por tomar el cuidado apropiado de los dientes, comer una dieta sana y hacer los chequeos dentales regulares.


Los mejores juegos Android sin conexion a Internet - NewPlay\nMucha gente disfruta de los juegos en Android. Sin embargo, muchos de estos juegos requieren de conexión web. Es aquí donde se complica la oportunidad de jugar: los móviles no siempre están en una zona con suficiente conexión de datos. Cuando esto sucede, muchos juegos dejan de funcionar. Ocurre que funcionan obligatoriamente con conexión a internet, lo cual puede ser un impedimento.\nPor el motivo antes descrito, se han diseñado juegos en Android que pueden correr sin la obligatoriedad de una conexión a Internet. Se juegan incluso en modo avión, por lo que no tocan nada de la tarifa de datos. Son perfectos para descargarlos en el móvil y disfrutarlos en cualquier momento y en cualquier lugar.\nLista de juegos Android que se puede jugar sin conexión\nEsta lista podría ser muy extensa, ya que casi todos los juegos de Android se han adaptado a la característica de la jugabilidad sin conexión. No obstante, hay algunos de estos juegos que sobresalen; bien sea porque corren bien, o porque luego recuperan la conexión. Es decir, los avances y logros se suben a los servidores una vez se enlaza de nuevo con Internet.\nPor supuesto, también influye la calidad del juego. Hay algunos más divertidos que otros, con excelentes gráficos y una historia apasionante. En dado caso, se han hecho consultas en foros y páginas de usuarios de estos juegos para presentar la lista que se extiende a continuación.\nUn juego con salida reciente al público. En este caso, todos los pokémons se han convertido en cubo. Es necesario salir en busca de una serie de tesoros, que se encuentran en una ligera remota bautizada como Rodacubo.La idea es conformar un equipo de pokemons, con los cuales se puede luchar contra diversos monstruos y enemigos.\nHace apenas algunos años, recibió un premio entre los entretenimientos de Android.La misión es esquivar objetos, así como una serie de obstáculos. Esto se realiza con algunos movimientos en la pantalla. Basta con coordinar algunos toques y practicar. Muy entretenido y liviano, pudiendo usarse en diversos dispositivos con Android.\nUn juego con un excelente diseño gráfico, muy entretenido. La misión es cuidar a los pingüinos que habitan en una isla. Parece un juego de estrategia, ya que se necesita ordenar cosas y formar grupos. Entretenido a más no poder, se puede usar sin conexión y funciona de maravilla.\nUn juego que es simple y al mismo tiempo entretenido. Se necesita liquidar a gran cantidad enemigos, únicamente utilizando un arco y flechas. Además, se van ganando habilidades extras a medida que se avanza en los niveles de este juego. Los jugadores deben avanzar por diversas mazmorras, las cuales están diseñadas de sumo detalle.\nEs el juego oficial de la película Megalodón. Es bastante peculiar, porque en este caso el jugador se coloca en el rol de un enorme tiburón. ¿Qué debe hacer el jugador? Pues, su misión es devorar y devorar. Su misión es comerse a cuantos seres vivos consiga el escualo en su deambular por el océano.\nEs un juego que tiene ya varios años en Android. Ha logrado mantenerse ya que logra cautivar a los usuarios. Además, es de gran utilidad el que no requiera conexión a internet. El jugador encarna a un francotirador, quien debe eliminar enemigos con su arma de gran precisión. Hay diversos escenarios y niveles que debe afrontar.\nSe trata de un recorrido por un bosque misterioso, donde el apartado gráfico está muy cuidado y estéticamente muy bien logrado. Corresponde saltar, evitar obstáculos y llegar hasta ciertas metas con rapidez. Un juego ideal para cuando se viaja, o se pasa largo tiempo en un sitio sin conexión a Internet.\nSe trata de un juego de acción con excelentes gráficos. La verdad es que NOVA Legacy es un excelente shooter en primera persona, donde los jugadores encarnan al personaje de Kal Wardin. Se trata de aventuras y batallas en el futuro, con muchas opciones. Si se desea el modo multijugador, si es necesario conectarse a la web.\nVarias veces ha ganado distinciones como mejor juego para móviles. Se trata de un juego de simulación, donde la misión es mantener un búnker donde hay gran cantidad de personas en su interior. Se trata de gente refugiada luego de un holocausto nuclear.Sin duda, implica varias complicaciones y bastante entretenimiento.\nUn juego de estrategia, que no necesita conexión web y tiene un apartado visual muy detallado. ¿De qué trata? Pues, hay que llevar las tropas hasta zonas rivales, venciendo a los enemigos y conquistando sus territorios. Un juego que garantiza horas de diversión y que permite desarrollar el sentido de la estrategia.\nUn juego clásico, bastante conocido. Su historia atañe a un explorador que debe huir de las ruinas de un templo, pues acaba de conseguir la imagen de un ídolo que tiene una maldición. Miles de obstáculos y enemigos que sortear en una carrera para salvar su vida.


Covid martes: Baja la incidencia tras varios días de subida constante\nEspaña sigue incrementando los contagios por covid día a día | GTRES\nSe sitúa hoy en 196 casos por cada 100.000 habitantes\npor Laura Castaño 13/04/2021 18:08h\nUn día más, Sanidad informa de la evolución de la pandemia del covid en España con el informe diario que elabora en colaboración con las comunidades.\nEl informe de ayer dejaba unos datos bastante preocupantes, teniendo en cuenta que la incidencia, uno de los indicadores más importantes y veraces de la pandemia, subía de forma bastante pronunciada hasta situarse, de media en España, casi en los 200 puntos, en concreto, ayer se informó de la incidencia había llegado a los 199 casos por cada 100.000 habitantes, en datos de los últimos 14 días.\nLos indicadores de hoy, sin embargo, sorprenden y van en una dirección diferente. Según el informe de hoy, la incidencia ha bajado en España hasta los 196,20 casos por cada 100.000 habitantes. Esto supone una bajada en un día de unos 3 puntos. Hay que recordar que desde hace ya varias semanas este indicador ha ido subiendo poco a poco día tras día y presenta hoy una bajada pro primera vez en varas semanas.\nHay que tener en cuenta, sin embargo, que la comunidad de Andalucía no ha podido dar este martes sus datos, por lo que los indicadores podrían haberse visto afectados.\nPor otra parte, hay que mencionar los datos de contagios. Mientras que ayer el total de casos desde el inicio de la pandemia en España se situaba en los 3.370.256, hoy esta cifra ha subido hasta llegar a 3.376.548. Esto supone un incremento de 6.292 casos en solo un día.\nSiguiendo con este aspecto, hay que fijarse también en otro dato y es el de los casos diagnosticados en el día previo, es decir, en las 24 horas inmediatamente anteriores. El dato de hoy refleja que han sido 4.042 los casos que se han diagnosticado el pasado día.\nEsto supone un incremento bastante alto respecto a los casos que se notificaron ayer, que fueron 2.212, sin embargo, hay que tener en cuenta que el dato dado ayer hacía referencia a los contagios del domingo y los domingos siempre suele bajar esta cifra, debido al efecto fin de semana, que hace que se reduzcan los diagnósticos.\nEs por ello que el dato debería ser comparado más bien con los que se fue registrando la semana pasada. Así pues, hay que mencionar que durante los últimos días de la semana pasada los contagios diarios se situaban más o menos en los 5.300 casos, por lo que el dato dado hoy es bastante más bajo.\nUna de las cosas que hay que destacar es que la comunidad de Madrid ha notificado muchos más contagios en el dia previo que el resto de territorios, pues mientras que se refleja en el informe que allí ha habido un total de 1.705 casos diagnosticados en el día previo, el resto de comunidades están entre los 100 y los 500, de media.\nPor otra parte, otro de los datos que también va creciendo diariamente es el de total de fallecidos por la pandemia. Ayer el número total de pacientes que habían perdido la vida por coronavirus en España era de 76.525, hoy esta cifra ha subido hasta 76.625. Esto quiere decir que en la última jornada se han registrado un total de 100 fallecimientos más por covid.\nAdemás, se indica en el informe de hoy que en los últimos siete días habrían fallecido por el virus en España un total de 251 personas.\nEn cuanto a los fallecimientos, la comunidad que más acumula desde que se inició la pandemia es Madrid, con un total de 14.732, muy cerca se sitúa Cataluña, con 13.729. Hay que tener en cuenta que la cantidad de población de estas comunidades es muy elevado por lo que sus números del covid también lo son.\nÚltima Hora: Nuevo mazazo a la vacunación en España\nUn país suspende la vacuna que acaba de llegar a España, y recomienda hacer lo mismo


Martes, Abril 21, 2020 - 16:25\nEl avance del Covid-19 hace que la transformación digital se acelere en las empresas y por esto, implementar las modalidades de teletrabajo o home office, ha sido el reto.\nEsta realidad hace imperativo contar con herramientas que aseguren digitalmente los procesos, dado que el monto promedio de las pérdidas por ataques cibernéticos en Colombia está entre los 300 y 5.000 millones de pesos anuales, según el informe sobre Tendencias de Cibercrimen en Colombia, emitido en octubre de 2019.\nAsí las cosas, evitar y combatir delitos como el phishing o suplantación de sitios web, la infección y propagación de códigos maliciosos, los fraudes en medios de pago en línea, más conocido como malware y el acceso no autorizado a la información, se convierte en la prioridad, en plena temporada de teletrabajo o home office, pues está en juego la información empresarial que se publica a través de aplicaciones web, que a su vez impacta, la confianza y seguridad de los usuarios de Internet. Precisamente del informe mencionado, se concluye también, que el ransomware o secuestro de datos, continúa siendo una de las principales amenazas, pues se recibió el 30% de los ataques de este tipo, a nivel Latinoamérica, durante el año anterior.\nSegún David Kummers, experto en temas de ciberseguridad de Certicámara S.A., entidad de certificación digital abierta, para mantener la confianza de los usuarios y clientes, las empresas deben implementar tecnologías con altos estándares de seguridad y calidad, como firmas digitales para documentos electrónicos, plataformas de correo electrónico certificado y certificados de Servidor Seguro SSL, que protegen los sitios web y mitigan el riesgo de suplantación conocido como phishing. Vamos a detenernos en este último punto para explicar los tipos de certificados que le hacen frente a la pandemia y a los ciberdelicuentes, puede elegir el más acorde al sitio web de su organización:\n Certificados de Dominio: su protección es básica y se usan en los sitios que contienen información de consulta, tales como catálogos de productos o blogs de información.\n Certificados de Validación de Empresa: brindan una protección en nivel medio, dado\nque se implementa en una página web que contiene formularios y además, solicita usuario y contraseña. Este certificado permite validar las páginas oficiales de una entidad o empresa.\n Certificados de Validación Extendida: sin duda, son los más avanzados y seguros del mercado, pues se usan en páginas que realizan transacciones como pagos en línea o que publican información sensible asociada a datos de tarjetas de crédito o números de identificación.\nTenga en cuenta que cualquier certificado SSL es fácil y rápido de implementar, incluso, si se decide por los más avanzados, estos son compatibles con otros servicios como los escaneos de malware para detectar de forma proactiva códigos maliciosos en los sitios web; los escaneos de vulnerabilidades para prevenir ataques basados en brechas de seguridad; y el cifrado avanzado para bloquear la información cuántica, que permite además, garantizar la confidencialidad del flujo de datos en Internet, en un máximo nivel.\nEn tiempos de cuarentena su reputación en la web debe ser la mejor, y por esto, el llamado es a invertir lo necesario, en mecanismos tecnológicos que incrementen su visibilidad y por ende los ingresos de su compañía.


New York cheesecake – LES GALETES DE L'AINA\nBizcochos, Coberturas, rellenos, Cumpleaños, Dulces, Frutas, Masa tartas y pasteles, Mermeladas caseras y compotas, Pasteles\nPublicado por Les galetes de l'Aina el 16 octubre, 2013\nSupongo que como yo, tod@ tenéis una lista de recetas, sean dulces o saladas, pendientes de hacer “algún día”. Y desde hace tiempo, en mi lista estaba la tarta de queso. Me encanta la tarta de queso, pero la verdad es que no es fácil encontrar una realmente buena.\nY como ha sido mi cumpleaños, me he autoregalado (y autohecho) una. He buscado y buscado, leído opiniones y mirado recetas diversas y finalmente me he decidido por un clásico: el New York cheesecake. Y no creo que busque más. Es el “winner”.\n700 grs de queso crema (tipo Philadelphia)\n200 grs de nata o crème fraîche\nLa ralladura o el zumo de medio limón\nTrituramos las galletas. Han de quedar totalmente pulverizadas, yo utilicé un robot pero también las podeis poner en una bolsa y pasar el rodillo por encima hasta triturarlas bien.\nDisponerlas en un bol y añadir la mantequilla. Si no está suficientemente blanda se puede poner unos segundos en el microondas, vigilando que no quede líquida: ha de estar manejable. Mezclar bien hasta que el conjunto esté bien integrado.\nCubrir con esta masa la base y las paredes de un molde desmoldable presionando bien. Hornear durante 15 minutos. Sacar del horno y aumentar la temperatura a 200º.\nBatir el queso hasta que esté cremoso y añadir de uno en uno los ingredientes. Este punto es muy importante en la receta, hay que batir hasta que estén integrados pero sin hacerlo en exceso y respetando el orden de los ingredientes.\nAsí que sin parar de batir y a velocidad mínima añadir poco a poco los ingredintes en este orden y batiendo entre cada uno de ellos: azúcar, harina, extracto de vainilla, huevos de uno en uno y yemas de una en una, el limón en ralladura o líquido y finalmente la nata o la crème fraîche.\nVerter la mezcla en el molde y hornear durante 15 minutos. Pasado este tiempo, bajar la temperatura a 90/100º y hornear una hora más.\nDejar atemperar dentro del horno con la puerta entreabierta entre 1 y 2 horas, aunque yo me despisté y lo dejé más tiempo y salió riquísimo. Sacar del horno y desmoldar una vez que esté completamente fría.\nCubrir con mermelada de frutos rojos y guardar en la nevera un par de horas antes de consumirla.\nDe verdad, es la tarta de queso más rica que he probado nunca.\nEntrada anterior Galletas efecto mariposa para ONG\nEntrada siguiente Galletas de Pokeball (Pokémon) para Mario


24 febrero, 2019 10 mayo, 2020 balondominadoSerie ADeja un comentario\n16 febrero, 2019 10 mayo, 2020 balondominadoLa LigaDeja un comentario\n9 febrero, 2019 10 mayo, 2020 balondominadoLa LigaDeja un comentario\n3 febrero, 2019 10 mayo, 2020 balondominadoPremier LeagueDeja un comentario\nYo soy el 1 parece decir Kun Agüero en el festejo del primer gol del partido. City ganó al Arsenal 3 a 1 y mantiene la persecución al Liverpool. Foto Dayly Mail\nSergio “Kun” Agüero es el dueño de todos los corazones “Sky Blue”, ídolo máximo de la afición,tal vez tomemos conciencia de su dimensión cuando no esté más, octavo en la tabla de goleadores históricos de la Premier League con 157, ya tiene a tiro al séptimo y al sexto, Jermain Defoe con 163 y Robbie Fowler con 163 respectivamente.\nAdemás autor del gol más importante de los último tiempos, ese gol sobre el final cuando ya no quedaban esperanzas para darle el título al City luego de 44 años. Ya son 8 temporadas de amor incondicional por eso decimos que el Agüero es el City y el City es Agüero.\nHoy marcó un hattrick ante un pálido Arsenal para seguir bien de cerca en la persecución al Liverpool, el primero a los 47 segundos, con una bonita palomita tras un centro de Aymeric Laporte, el segundo sobre el final del primer tiempo, llegando vacío sobre el segundo palo para empujar el balón bajo el arco luego de una gran maniobra colectiva. El tercero con todo su cuerpo ¿y con la mano? para sentenciar el juego.\nManchester City no se va a rendir tan fácil en la lucha por el título. Si los de Jurgen Klopp quieren salir campeones luego 30 años van a tener que esforzarse al máximo hasta el final.\n3 febrero, 2019 10 mayo, 2020 balondominadoLa LigaDeja un comentario


Abogados gallegos reciben en tres días decenas de peticiones de demandas contra el Popular\nLos accionistas irán contra la última ampliación de capital, a la que se opuso José María Arias\nCHEMA BARROSO | EFE\nredacción / la voz 13/06/2017 14:00 h\nDespachos de abogados gallegos han recibido en apenas tres días, desde el pasado jueves, decenas de peticiones de pequeños accionistas del Banco Popular reclamando que se interpongan demandas por la vía civil para recuperar su dinero. Estos clientes perdieron toda su inversión la mañana del pasado miércoles una vez que el MUR, el Mecanismo Único de Resolución, vinculado al BCE, decidió intervenir el banco, reducir a cero todo el capital para compensar las pérdidas, y posteriormente, en una subasta exprés, en solo unas horas, entregárselo al Santander por un solo euro.\n«Tenemos ya varias demandas individuales que estamos estudiando», apuntan desde CCS Abogados. En la misma línea, Caruncho, Tomé y Judel o Laterna, despachos gallegos especializados en operaciones contra entidades financieras. En Galicia se está formando, a la vez, una asociación de pequeños accionistas del Banco Popular que trata de agrupar al mayor número de afectados. En unos días cristalizarán las primeras demandas en los juzgados de primera instancia.\nLa vía por la que los accionistas quieren recuperar su dinero está en la ampliación de capital de 2.500 millones de euros que el equipo de Ángel Ron puso en el mercado hace justo un año. Entonces la entidad tenía unos 60.000 pequeños inversores en Galicia. Las acciones se colocaron desde la red del banco con unas cuentas que el sucesor de Ron, Emilio Saracho, decidió reformular parcialmente. Esto da munición a los reclamantes, porque pueden alegar que los números de aquella ampliación estaban mal formulados. Guarda similitudes con salida a bolsa de Bankia.\nEsa controvertida ampliación de capital la aprobó el consejo del Popular hace algo más de un año. Pero no salió adelante por unanimidad. Contó con al menos un voto contrario en el consejo, algo que no se desveló en su momento: el de uno de sus vicepresidentes, José María Arias Mosquera. El directivo gallego, presidente del Pastor, se opuso a aquella operación al entender que no solucionaba los problemas que tenía el banco y que no generaría valor para el accionista, recuerdan todas las fuentes consultadas. Eso, la pérdida de valor, es lo que finalmente ha pasado.\nParalelamente al goteo de consultas de los pequeños accionistas afectados, que valoran aún el mejor modo de reclamar judicialmente lo que han perdido, también están llegando las primeras querellas. En la mañana de ayer fue la Organización de Consumidores y Usuarios (OCU) la que presentó ante la Audiencia Nacional una denuncia contra la antigua cúpula del banco, con Ron a la cabeza, por «presunta falsedad contable y estafa a los inversores» al distorsionar la información financiera contenida en el folleto de la ampliación de capital de hace un año.\nAunque la organización se ha decantado por la vía penal, no descarta presentar la querella también por las vías civil y administrativa, en una estrategia similar a la anunciada el viernes por el despacho Cremades & Calvo Sotelo, que presentó también ante la Audiencia Nacional otra querella, en representación de la Asociación Española de Accionistas Minoritarios de Empresas Cotizadas (Aemec), que agrupa a inversores perjudicados.\nEl mismo viernes Durán y Durán Abogados también presentó una denuncia en la que centra sus sospechas en la vinculación de Saracho con el Banco Santander y con JP Morgan. La víspera, es decir, al día siguiente de la venta exprés del Popular, Fonfría Abogados dio curso a la primera querella contra la cúpula del banco y el auditor, PWC, por delitos societarios, en contra del mercado y los consumidores.\nEn lo que respecta a la de la OCU, el letrado de la firma focalizó las responsabilidades penales en Ángel Ron y la cúpula del banco cuando se gestó la ampliación, incluyendo al ex consejero delegado Pedro Larena y al exvicepresidente Roberto Higuera, además de a Pedro Barrio, auditor de PWC, que avaló sin salvedades las cuentas que sostuvieron la operación y que luego Saracho reexpresó porque contenían errores por 600 millones.\nJosé María Arias Ángel Ron Banco Santander BCE OCU


¿Cuántos capítulos tiene 'La reina soy yo' la telenovela mexicana de Nova?\n‘La reina soy yo’ nueva telenovela en Nova\nPublicado por tutele | Ago 21, 2021\nLos capítulos de ‘La reina soy yo’\nLa telenovela mexicana ‘La reina soy yo’ está formada por una temporada y 82 capítulos en total en su formato original. Normalmente las cadenas españolas modifican la duración de los capítulos para alargar o acortar las series según les interese.\nLos personajes de ‘La reina soy yo’\nYamelí/Lari (Michelle Renaud)\nYamelí de adolescente es introvertida, muy inteligente, pero a la vez inocente y enamoradiza. Ama a su familia sobre todas las cosas. Le cuesta expresar sus emociones en público, por eso las plasma en las canciones que escribe. Después de perder a toda su familia y pasar 17 años injustamente en la cárcel, se transforma en Lari Andrade, una mujer fuerte que busca vengarse de quienes le arruinaron la vida, con su bella y misteriosa personalidad.\nCharly (Lambda García)\nEs tan guapo y carismático, como egoísta y ambicioso. Desde joven soñó con ser famoso y fue capaz de traicionar a la joven que lo amaba con tal de lograr el éxito musical. No le importan ni su familia ni sus amigos, sólo el dinero, los lujos y aparecer en todos los medios.\nMantiene algunos negocios ilegales con su tío Monchis, a quien le debe parte de su carrera.\nJuanjo (Mane de la Parra)\nEs un gran músico, trabajador, leal, honesto y con mucho talento, pero con poca ambición. Desde joven se convirtió en el padre de sus hermanos pequeños. Tras el abandono de su madre, Juanjo se involucra en los negocios de Monchis para poder sacar adelante a su familia. Con Charly fueron mejores amigos hasta que Yamelí fue detenida. Juanjo fue el único que no creyó su culpabilidad y siempre la amó en silencio. La llegada de Lari Andrade le removerá́ el recuerdo de Yamelí y sentirá una especial atracción hacia ella.\nErick (Polo Morín)\nEs el primogénito de Yamelí y Charly. Fue criado por Lidia y Monchis, y es el único que sabe la verdad sobre su origen. Es un adolescente introvertido, buen amigo, de buenos valores y con gran talento para el canto y la composición. Sueña con triunfar en la música pero bajo el nombre de Pez Koi, porque no quiere ser catalogado como “el hermano de Charly Flow”. Sin embargo, Monchis quiere ponerlo al frente de sus negocios y que se olvide de la música.\nRamón “Monchis” (Pakey Vázquez)\nInterpreta al hombre despiadado que inspira respeto y miedo. Controla el comercio y la importación de fayuca en la delegación Tlalnepantla, y para eso maneja una red de sicarios y de policías comprados que hacen de él una figura intocable e inalcanzable, incluso por la propia DEA, que hace años que anda tras sus pasos. Es tío de Charly y utiliza la exitosa carrera de su sobrino para lavar dinero de sus negocios ilegales.\nLidia (Arleth Retán)\nMadre de Charly y adoptiva de Erick. Es una mujer abnegada, manipulable y sometida. Después de quedar viuda de Adalberto, se casó́ con su cuñado Monchis, ya que es de esas mujeres que no saben vivir sin un hombre al lado. Aunque conoce las actividades ilegales de su marido, hace la vista gorda porque gracias a eso ella y sus hijos pueden llevar la vida que tienen.\nJack (Marcelo Córdoba)\nEmpresario musical, ayuda a Yamelí a infiltrarse en el mundo de Charly Flow, tras su salida de la cárcel. Es el mentor de Lari Andrade, quien le enseña todos los secretos del show y cómo moverse en ese ámbito. Pero también es quien pone en eje a Yamelí y está constantemente recordándole que, más allá́ de su sed de venganza, ella tiene un trato con la DEA. Jack es galante y encantador. Caerá́ rendido ante la belleza de Yamelí, pero ella sólo lo verá como un gran amigo y aliado.\nDiana (Gloria Stalina)\nEsposa de Charly y madre de Vanesa, es una mujer bella, frívola y sin escrúpulos que maneja la carrera de su marido. Es la novia de la adolescencia de Charly, siempre fue leal a él, vivió́ a su sombra porque sabía que junto al exitoso Charly Flow lograría dinero y poder, incluso a costa de perdonarle sus infidelidades y aguantar su egolatría y machismo.\nVanesa (Renata Manterola)\nEs hija de Charly y Diana, una adolescente consentida, una niña de papá que siempre vivió́ rodeada de lujos y excentricidades. A pesar de tener una vida envidiable, ella busca su independencia porque ve que la fama no hace más que destruir a su familia. Quiere llevar una vida normal y no ser reconocida como la hija de Charly Flow. Pero para evadirse de ese mundo caerá́ en la adicción a las drogas.\nEs la novia y prometida de Juanjo. En la adolescencia fue la mejor amiga de Yamelí. Es una joven celosa e insegura que ama profundamente a Juanjo, pero duda que él sienta lo mismo por ella. Lari Andrade le recordará mucho a su mejor amiga de la adolescencia, pero también la pondrá en alerta, porque percibe que su futuro esposo se siente atraído por esa misteriosa mujer.\nAnterior Amplio equipo de comentaristas en Eurosport para la Vuelta España 2021\nSiguiente Canción de ‘La reina soy yo’, la nueva telenovela de Nova