Warp Diigtal 29 by Edgardo Dominguez - issuu\nWARP MAGAZINE No.29 / Agosto 2010 $29.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina\nUK ISSUE 2010 Glastonbury 40th Anniversary Featuring:\nGroove Armada • Alan Wilder\nBand Of Skulls • Bombay Bicycle Club BBC Radio 1 • Brit Awards And More\ntonbury 2010 Matt Bellamy de Muse en Glas\nSe conocieron en la universidad y decidieron explorar sus habilidades en la música. En el 2008, Russell, Emma y Matt, no imaginaron que tan sólo un par de años después se convertirían en una de las mejores propuestas inglesas, y mucho menos que con un primer LP tocarían en festivales como Coachella o Glastonbury; pero el hecho es que su música y ellos mismos evolucionan rápidamente, por ello merecen que les sigamos la pista muy de cerca. Para Band Of Skulls esto apenas comienza...\nBAND OF SKULLS (WARP’S NEXT BIG THING) Sandra Valerio\nCortesía Band Of Skulls\nDirector General Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco Editor en Jefe Milton Barboza Arriaga twitter.com/MiltonBarboza Coordinadora Editorial Sandra Valerio Ruiz twitter.com/Vhalgrg Asistente Editorial Diovanny Garfias twitter.com/Androgyn Corrector de estilo Adolfo Vergara Trujillo twitter.com/ToBeFreak Editor de Film Mario Székely twitter.com/Capimalpasz Columnistas Joselo Rangel (Café Tacvba) twitter.com/cafetacvba, Paul Stokes (Editor Noticias, NME) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs). Colaboradores Invitados Russell Marsden (Band Of Skulls), CJ Pierce (Drowning Pool), Denis Ramos (No Te Va Gustar),\nTHE UK ISSUE 2010\nSin dudas la escena más emblemática de todos los tiempos en la música, pero\nquizá la más criticada por sus mismos medios especializados. Presentamos\nuna segunda mirada a lo que ha pasado durante este año en UK además de la\nCobertura Especial del 40 aniversario de Glastonbury 2010.\nCOBERTURA ESPECIAL: LAMC 2010\nLa nueva edición de la Latin Alternative Music Conference tuvo a bien llevarse\nde nueva cuenta en la ciudad de Nueva York; les damos a conocer los porme\nnores de lo ocurrido en este importante evento.\nRey Pila, IMS, The Wookies,\nMinus The Bear, Neon Indian,\nRussell Marsden de\nJapandroids, The xx\nThe Wookies, Stereo Total,\nFeaturing: No Te Va Gustar\nTV, Film, Fashion, Sports, Art\nGoldfrapp, The Dead Weather,\nLatitudes Sonoras: Mexicolas\nBoys Noize, Quiero Club,\n*YA PUEDES VER GRATIS LA REVISTA COMPLETA EN LÍNEA A TRAVÉS DE: www.warp.com.mx/digitalmagazine Foto de Portada: Cortesía Warner Music\nColaboradores Abraham Huitrón, Adolfo Vergara, Aldo Monterrubio, Anna Stephens, Chëla Olea, Elsa Núñez, Eric Coy, Fito Montes, Francisco Camino, Gabriel Guajardo, José Villanueva, Karina Luvián, Luisa Reséndiz, Pada, Reni Baintenmann, Samantha López, Samuel Segura, Susana Betancourt, Wendy Cid, Yasmín Tlatilpa. Colaboración Especial de Fashion Silvia Salvador & Nando Cornejo PotiPoti (Berlín) www.potipoti.com Mail: magazine@warp.com.mx Dirección de Arte y Creativa Oscar Sámano & Edgardo Domínguez Diseño Diana Urbano Editor de Fotografía Julio Muñoz Fotografía Julio Muñoz, Sergio Gálvez\nComercialización y Publicidad Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Publicidad y Espacios WARP Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243 Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE. WARP MAGAZINE está fabricada con material ecológico sustentable certificado, el cual ayuda a la conservación del medio ambiente. © WARP Marca Registrada ®. Año III No.29 Fecha de Publicación 3-08-2010. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.\nEDITORIAL // WARP29\nBAND OF SKULLS DULL GOLD HEART\nRussell Marsden (voz y guitarra)\nomos originarios de Southampton, aunque en realidad no tenemos un hogar. Somos de aquí, de allá y de ningún lado. Pero aun cuando no pasamos mucho tiempo en Southampton, debo decir que es un buen lugar para tener una banda: la escena es entusiasta y\nnos ayudamos mucho entre todos. Esto, entre tantas otras cosas, nos ha llevado a donde estamos ahora. ¿Que dónde es ese lugar? Hace diez años, Emma (bajo) visitó Glastonbury; se emocionó mucho con Cypress Hill y David Bowie. Por mi parte, vi a mis bandas favoritas en los diferentes esce-\nnarios de Glasto. Matt (batería), sin embargo, no asistió; dijo que jamás iría a Glastonbury, excepto, tal vez, cuando su banda estuviera allí para tocar… La espera fue larga, pero lo logramos en 2010. Fue un largo camino… Y sabemos que aún falta.\nSILENCIO POR FAVOR // WARP29\n: Teen Creeps\nCortesía No Age\nEverything In Between llevará por título la segunda producción discográfica de No Age, la dupla californiana que debutara exitosamente en 2008 con su álbum Nouns. Lo nuevo del sonido garage de Randy Randall y Dean Allen Spunt estará disponible el 28 de septiembre, vía Sub Pop, e incluirá los siguientes tracks:\n‘Life Prowler’ ‘Glitter’ ‘Fever Dreaming’ ‘Depletion’ ‘Common Heat’ ‘Skinned’ ‘Katerpillar’ ‘Valley Hump Crash’ ‘Sorts’ ‘Dusted’ ‘Positive Amputation’ ‘Shred and Transcend’ ‘Chem Trails’\nSETLIST // WARP29\n1•‘Hospital Alchemilla’ – Los Punsetes (España) 2•‘Month Of May’ – Arcade Fire (Canadá) 3•‘The Hammer’ - !!! (Estados Unidos) 4•‘Be A Bee’ – Air (Francia) 5•‘Flaws’ – Bombay Bicycle Club (Reino Unido) 6•‘Illuminata’ – Ceo (Suecia) 7•‘Let Go’ – Everest (Estados Unidos) 8•‘Shine’\n– Heavy Young Heathens (Estados Unidos) 9•‘Dead Disco Dancer’ – O. Children (Reino Unido) 10•‘Neckbrace’ – Ratatat (Estados Unidos) 11•‘Ring On’ – The Roots feat. Joanna Newsom (Estados Unidos) 12•‘Sometimes I Don’t Need To Believe In Anything’ – Teenage Fanclub (Reino Unido) 13•‘You Are My Sun’ – Sun Kil Moon (Estados Unidos) 14•‘Shyness’ – Thieves Like Us (Suecia/ Estados Unidos) 15•‘Super Soaker’ – Wavves (Estados Unidos) 16•‘Get Away’ – Candy (México) 17•‘Let Me Drive’ – Winter Gloves (Canadá) 18•‘Marimba’ – El Guincho (España) 19•‘Where I’m Going’ – Cut Copy (Australia) 20•‘The Gaudy Side Of Town’ – Gayngs (Estados Unidos) 21•‘In The Dirt’ – S. Carey (Estados Unidos) 22•‘No Lo Sé’ – Eby (México) 23•‘Barbe A Papa’ – Stereo Total (Alemania) 24•‘Hard To Cry’ – The Bewitched Hands (Francia) 25•‘Dragón’ – Bill (México) Escucha y descarga todos los martes Set List conducido por Milton Barboza, Editor en Jefe de WARP MAGAZINE a través de <www.warp.com.mx/warpcasts>\nFEATURING: Drowning Pool // WARP29\nDROWNING POOL: Reason I’m Alive CJ Pierce (guitarra)\nDespués de varios estragos en nuestra carrera, incluyendo el luto de nuestro vocalista, tenemos la fuerza para resurgir como una entidad más unida y fuerte. Por ello lanzamos nuestro cuarto disco de estudio bajo el nombre tan simple de Drowning Pool, álbum que tan sólo pretende ser entretenido y quien lo escuche debe dejarlo fluir. Podemos decir, honestamente, que es nuestro mejor trabajo. Hemos crecido mucho desde el primer álbum de la banda; y eso se escucha en este nuevo episodio. Queríamos hacer que este fuera un material de rock fuerte y, a decir verdad, creo que hicimos justamente eso: nos metimos al estudio de grabación con mucha emoción y con las más altas expectativas. Fue\nasí que tomamos la música en un nivel totalmente nuevo. En cuanto al sonido, Drowning Pool aplasta y supera cualquier cosa que hayamos hecho antes. Y es diverso también. Hay material que pudo haber surgido de nuestro primer LP, Sinner, y hay otro que va más allá de cualquier expectativa para la banda. Estamos ansiosos porque todos ustedes lo escuchen, para que sepan de lo que hablo. Nuestro vocalista, McCombs, puso su alma al descubierto a través del álbum, pues justo a la mitad de la grabación su padre falleció; pero McCombs fue capaz de escribir algo de su material más poderoso en el periodo posterior. Con la pérdida de su padre —y todo el dolor que conlleva—, el álbum nos\npermitió plasmar un viaje a través de lo malo, para poder entender que al final sólo son etapas, que siempre hay otro capítulo y que las cosas, al final, no son tan malas. Hay mucho en este disco, más que en cualquier otra etapa de la banda. Cada uno de los once tracks representa auténticas vivencias, pues nuestras emociones se plasmaron en las letras y en la música. Tenemos canciones que pueden ser himnos para sacudir la cabeza o ser reflexivas. Lo hemos mencionado muchas veces: “lo que no mata, fortalece”; bajo esta premisa nos dimos cuenta de que Drowning Pool es un concepto muy fuerte, pues superamos las adversidades, canalizándolas para crear música más honesta.\nFEATURING: No Te Va Gustar // WARP29\nNO TE VA GUSTAR EL CAMINO\nTratando de apoyar tanto escena de Uruguay como nuestra propia carrera, venimos a México a mostrar la música que hacemos, llena de ritmos varios, característicos del cono Sur. ¿Que quiénes somos? No Te Va Gustar, originarios de Montevideo; somos una banda con 16 años de carrera y, aunque en un principio éramos tres, con los años hemos completado los nueve elementos que ahora conformamos la alineación. Quizá el nombre de la banda les suene raro, porque a nosotros mismos nos lo parece; pero tiene un motivo. Todo surge a través de una confusión en 1994, en el primer show de la banda: cuando llegó el momento de salir a tocar, había que decidir cómo nos llamábamos; entonces alguien pregunta al respecto y, como el nombre que teníamos en aquel momento era muy feo, contestamos “no te va gustar”; se creyó que esa frase era el nombre y, así, sin\nCortesía Pop Art\nesperarlo, quedamos bautizados. Musicalmente, somos una banda de rock a la que le gusta navegar por distintos sonidos, como el reggae, el ska y el tango. Al creer que la música nace de canciones tradicionales, donde la lírica tiene gran importancia, nos preocupamos mucho por el contenido de las piezas que creamos, tratando de plasmar en ellas cosas que nos pasan, como temas sociales y demás hechos con los que el público pueda identificarse. Podríamos escribir mucho al respecto, pero el juicio quizá cambie al escucharnos. Por ello, ante la necesidad de mostrar lo que hacemos, sacamos un material recopilatorio —con lo más representativo de nuestra música y con un concierto en vivo realizado en el Estadio Charrúa— que, pese a las dificultades del mercado en nuestro país, traemos a México. En este sentido, a no ser\npor dos presentaciones que hicimos en 2009, nuestra experiencia frente al público mexicano es nula; no obstante, recordamos que en aquella ocasión nos sorprendimos al descubrir que hay gente que conoce lo que hacemos, lo que nos hizo muy felices y ahora nos genera incertidumbre, pues por primera vez ofreceremos un acto en solitario, aquí, en Ciudad de México. Hoy estamos en la etapa final de Por Lo Menos Hoy, el sexto disco en nuestra carrera —producido por Juanchi Baleirón (Los Pericos)— y esperamos que salga a la venta en los últimos días de septiembre. La idea es lanzarlo simultáneamente en Uruguay, Argentina, México, Estados Unidos, Brasil y España, cosa que no hemos hecho nunca. Con un material bastante “cancionero”, esperamos volver el año entrante, para seguir acercándonos a ustedes y demostrarles que sí, sí les va a gustar.\nREVIEWS // Mis videos y discos / WARP29\nArcade Fire Merge Records 2010\nLa madurez musical se adquiere con el paso del tiempo, con la creación de discos, con las ideas permeadas en letra, arreglo y melodía; la madurez siempre va acompañada de vivencias absorbidas a lo largo de la vida de cada persona y, en este caso, se redondea en una banda: Arcade Fire es muestra fehaciente de este proceso natural, etéreo y único.\nThe Suburbs es un repaso por las vivencias propias de cada miembro de esta banda canadiense quienes, en el proceso creativo de este material, de alguna manera, tuvieron un regreso a los lugares de su infancia, dando por resultado un trabajo lúdico para los oídos. Win Butler y compañía decidieron descansar, aunque sin dejar de lado su labor: al terminar el tour de su producción de 2007, Neon Bible, y con la oportunidad de experimentar cada quien por su lado, tuvieron la inspiración para armar este álbum. Las 16 canciones son de un proceso concienzudamente elaborado, de sonidos minimalistas, característicos de Arcade Fire, aunque también pueden ser hilarantes como en ‘Month Of May’; o folks como en ‘The Suburbs’ y ‘Deep Blue’; o melancólicos como en ‘Modern Man’ y ‘Half Light\nI’; o épicos y orquestales, con voz femenina, como en ‘Empty Room’… Cada uno de estos tracks tiene vida propia y juntos logran crear un espíritu engrandecido por una de las bandas más perfeccionistas. Y es que no hay que olvidar 2004, cuando se nos dejó caer encima su disco Funeral como balde de agua fría, ante el tibio atasque sonoro de la época; fue como pedir un poco de calma para la música, lo que se refrendó en 2007, con Neon Bible. Hoy, en el inicio de la década digital de la música, The Suburbs debe ser entendido como el disco esperado por miles y ahora, frente al excelso material, lo único que se puede hacer es escuchar una y otra vez esas voces que susurran y ambientan las tardes lluviosas en todo el mundo. ¿Disco del año? Ahora si podría asegurar que este es el candidato a vencer para lo que falta. –Milton Barboza Arriaga\nThe Drums Moshi Moshi 2010\nCon apenas un EP en su historial, esta banda originaria de Brooklyn, Nueva York, ha dejado un buen sabor de boca entre la prensa especializada, e incluso el propio Morrissey los considera una de sus bandas favoritas. Este es el contexto en el que sale a la venta su esperado álbum debut, en el cual The Drums demuestra por qué han generado tanta euforia. Con canciones de ritmos lentos que lindan entre rock y pop, y letras sencillas y directas que hablan de amor y desamor, logran un toque distintivo. Este disco homónimo cuenta con un sonido propio, fresco y diferente, algo muy difícil de encontrar en estos días. -Abraham Huitrón\nJulian Lynch Olde English Spelling Bee 2010 Un disco tranquilo, de bajos decibeles y, en su mayoría, de piezas instrumentales y voces suaves, es lo que Julian Lynch ofrece en su segunda entrega discográfica. Es un trabajo que de principio a fin nos conduce por sonidos electrónicos, de ambientación densa y psicodélica, aderezados de manera exitosa con riffs de guitarra, distorsiones de voz y bits repetitivos que marcan la base de algunas piezas. Considerando la descripción anterior, cabe citar ‘Ears’, track número siete, que sobresale de las demás por ser la más rítmica y movida al incluir percusiones africanas. Pop, folk, lo-fi y rock, todo mezclado de manera inteligente, es lo que esta placa reúne; sin embargo, al final no termina de explotar, cayendo en la redundancia de sonidos en no pocas ocasiones. -Karina Luvián\nTom Petty And The Heartbreakers Reprise Records 2010 Mojo nació tras una serie de conciertos que Petty ofreció hace algunos meses con su primer grupo, Mudcrutch, formado en 1970, integrado por Tom Leadon, Mike Campbell, Benmont Tench y el propio Petty, misma que hoy en día, sin Leadon, componen The Heartbreakers. Los quince tracks de este material están llenos de guitarras que seguramente los dejarán fuera de los charts internacionales, aunque cuenta con un calor humano reservado a las bandas más experimentadas. En algunos momentos Mojo se vuelve demasiado personal; sin embargo, el gran talento de Petty encontró el orden perfecto en el playlist, logrando que el escucha encuentre lo que busca en todo momento. -Aldo Monterrubio\nThe Roots Def Jam 2010\nA 26 meses del Rising Down (2008), su última entrega, sale un nuevo disco de The Roots. La pereza no fue un factor para alejarse del estudio; más bien había otros compromisos profesionales: la televisión. Y es que, desde enero de 2009, los oriundos de Filadelfia se integraron al elenco del programa nocturno The Jimmy Fallon Show, para compartir escenario con cada uno de los invitados del popular comediante (Eminem, Julian Casablancas, entre otros). Cada semana, The Roots da una cátedra con música ajena, pero que hace suya, pues la abrazan públicamente hasta adoptarla. Así nació How I Got Over, como un juego de niños que mutó en un LP. Con una maestría envidiable para cualquier escena, The Roots hace gala de su dominio en las artes del jazz, soul, funk, blues y rap, covereando de gran manera canciones como ‘Dear God’ de Monsters Of Folk, ‘Tunnel Vision’ de Dirty Projectors o ‘Right On’ de Joanna Newsom, que cobijan el resto de su tracklist original. Además de convertirse en el grupo de rap con la plataforma de promoción gratuita más grande en la historia, hoy por hoy es uno de los pilares de la escena musical estadounidense. -Gabriel Guajardo\nREVIEWS // Mis videos y discos / WARP29 Sex Dreams And Denim Jeans\nUffie Ed Banger Records 2010\nNació en Florida, creció en Hong Kong y actualmente vive en París, así que la mezcla se hace evidente en el esperado debut de Uffie, la chica rebelde de Ed Banger Records, quien combina algunos sencillos que ya conocemos, con temas nuevos, aunque desafortunadamente no logran sorprender. ‘Pop The Glock’ es un inicio bastante soso, al tratarse de un álbum lleno de energía; ‘Art Of Uff’ es tan kitsch como el high-energy, dado que lo combina con un incipiente intento de hip-hop que escucharemos constantemente. Temas como ‘First Love’ los podría cantar y bailar cualquier cantante de Miami; ‘A.D.D. S.U.V.’, con Pharell Williams (N.E.R.D), es una fusión atractiva, y de cualquier forma no logra ponernos en sintonía con el concepto disperso que se maneja en el álbum. ‘Hong Kong Garden’, de Siouxsie And The Banshees, es un justo homenaje y, finalmente, ‘MCS Can Kiss’ resulta el momento a destacar, por la fuerza y energía que despliega. -Elsa Núñez\nLuego de sufrir la muerte de su baterista, Jerry Fuchs, apenas el año pasado, justo en medio de las sesiones de grabación, el tercer disco de !!! (Chk Chk Chk) sale a la luz. Strange Weather, Isn’t It? es un álbum en el que los originarios de Sacramento, California, logran un equilibrio en su música, pues combinan las diferentes etapas que su sonido ha ido experimentando a lo largo de su carrera. El dance punk, y títulos de canciones y letras cargadas de humor negro —como ‘Even Judas Gave Jesus A Kiss’—, con duración de más de cinco minutos y largas etapas instrumentales, siguen presentes. En este álbum ya puede oírse una agrupación con experiencia, bien acoplada, que sabe cómo quiere escucharse. -A.H.\nScissor Sisters Downtown 2010\nDesde finales del 2003 y hasta la fecha, Scissor Sisters ha sido el grupo estandarte de la escena musical gay de Nueva York, sobre todo luego de su buen posicionamiento en las listas mundiales de popularidad con su cover a ‘Comfortably Numb’, de Pink Floyd, con el que lograron romper toda clase de barreras y permear en la cultura mainstream. Sin embargo, es un hecho que la frescura e inventiva que en ese entonces blandieron ha desaparecido, dando paso a la monotonía y repetición de fórmulas, pues siguen con las mismas voces a lo Bee Gees, los mismos bajos a lo Rick James y los mismos arreglos de voz a lo Queen; la única diferencia, si existe, es que ahora entra en escena el exitoso productor Stuart Price, quien pese a su evidente influencia —al integrar elementos como las programaciones y sintetizadores new wave y electro de los ochenta, recurrentes en su arsenal—, no logra sacar a flote la creatividad y neutralizar los clichés de la banda. Hay canciones rescatables, debemos decirlo, como ‘Any Wich Way’ e ‘Invisible Light’, pero finalmente este tercer disco confirma lo que ya sospechábamos: Scissor Sisters hace mucho que dio lo mejor de sí. -Fito Montes\nMetric Arts & Crafts México 2010\nEncerrados en una jaula, como animales, los canadienses Metric llevan a cabo el videoclip de ‘Stadium Love’, tema de su último álbum, Fantasies (2009). Un tigre ronda fuera de las celdas, ¿será que se protegen los unos de los otros? Es esa convivencia entre hombres y animales, siempre mediada por los barrotes y el maltrato. Peleas, apareamientos y otros contactos entre diferentes especies (lobos y osos incluidos), así como cambios de cámara rápidos y una constante inversión de colores, son las premisas de este videoclip. La fiereza del mundo animal mezclada con el baile, el vestido ceñido y el abrigo de plumas de algún ave exótica que porta la vocalista, Emily Haines, todo ello expresa, de forma casi literal, la letra de la canción, que por momentos reza: “Every living thing, pushed into the ring”. Rata contra tigre, araña contra murciélago: el estadio del amor donde, al final, un chita caza un Ñu. La verdadera estrella del video es la vida salvaje.\nwarp magazine / www.warp.com.mx\n!!! (Chk Chk Chk) Warp 2010\nDig! Dirigida por Ondi Timoner Palm Pictures 2004\nDig! es un excelente documental, de 2004, y seguramente algunos de ustedes ya lo vieron. Pero, si es de hace tanto, ¿entonces por qué lo reseño? Sólo por el carácter educativo que tiene, y si alguien no lo ha visto, debe correr a conseguirlo: como si fuera un libro de texto, este DVD deberían verlo todos aquellos que, aun sin asistir a una “escuela del rock” propiamente, se están educando para llegar a ser rockstars algún día. Parece broma, pero ahora que me invitaron a ser parte del consejo académico de una escuela de música, estoy proponiendo una materia en donde los alumnos vean documentales. Sería buenísimo que leyeran biografías o libros de historia musical, pero seamos honestos: si quisieran leer, no se meterían a una escuela para ser rockeros. Por ello, los documentales son la herramienta de enseñanza del futuro, ¿o debería decir del presente? Y es que muchos maestros no saben\nque sus alumnos aprenden más en la tele que en sus clases. El asunto es que este documental será obligatorio en la escuela a la que estoy invitado, pues trata varios temas que le incumben a la joven promesa del rock. Habla de integridad y de la forma en que la entienden los grupos de rock; habla de la industria del disco, tan mal parada en estos momentos; habla sobre amistad y rivalidad; habla sobre genios musicales y comerciantes; pero sobre todo nos dice que, si una banda es buena, no se puede quedar mucho tiempo donde está: se debe crecer, evolucionar, o morir. Dig! es la historia de dos grupos que crecieron juntos: los Dandy Warhols y los Brian Jonestown Massacre. El camino de estos dos grupos se dividió radicalmente en algún punto y, mientras uno se hizo mundialmente famoso (los Dandy), el otro se fue desvaneciendo poco a poco (los BJM). Cualquier grupo indie debe preguntarse hasta dónde quiere llegar. El asunto es que la integridad del artista siempre está en juego. Para algunos puristas del indie, los Dandy Warhols se vendieron, mientras que los BJM se mantuvieron fieles a sus principios. Los dos eran indies y tocaban en los mismos lugares;\nse admiraban mutuamente —sobre todo sus líderes, Courtney Taylor y Anton Newcomb, respectivamente—, pero también sentían envidia el uno del otro. Ondi Timoner, la directora del documental, grabó y filmó a estas dos bandas durante siete años: un trabajo obsesivo de documentación, gracias al cual vemos desarrollarse a estos grupos a través del tiempo. Aunque es la historia de dos bandas, también es la historia de muchas: todas las bandas de rock sienten camaradería por otras, pero al mismo tiempo envidia; esa es la condición humana. Lo mejor que puede pasar entre la rivalidad de dos grupos es que cada vez hagan mejores discos. Por ello, disfrutemos de lo que lograron los Brian Jonestown Massacre y los Dandy Warhols, y aprendamos un poquito viendo este documental: hay cosas de las que podemos aprender y otras que, ciertamente, será mejor dejarlas pasar.\nGuitarrista de Café Tacvba, asiduo lector y también columnista del periódico Excélsior.\nThe Gaslight Anthem son originarios de New Jersey, y American Slang es su tercera producción. De entrada, no alcanzan a consolidarse como un grupo de rock alternativo, pues su música es simple y de cierta carga pop, con la que no pueden esperar mucho a nivel internacional. Al escuchar el corte que le da título al disco, no se encuentra mucha diferencia entre el sonido comprimido de su Myspace y el original del disco compacto. ‘The Old White Lincoln’ es una copia de ‘In Between Days’, de The Cure, y en sus demás tracks pretenden sonar a Bon Jovi o Nickelback o… Los temas pudieron empezarlos, pero no supieron cómo finalizarlos. La mezcla es un tanto pobre, quizá con la intención de sonar un tanto vintage o garaje o… La cosa es que el objetivo no se logra y, por el contrario, confunden al escucha con una lamentable calidad sonora. -Francisco Camino\nMala Rodríguez Universal 2010\nCon placas constantes y de calidad, “La Mala” se ha hecho de un reconocido nombre en la escena internacional. Este 2010 la cantante lanza un álbum que, como sus antecesores, muestra un gran nivel de producción. Las rimas inteligentes muestran a la misma Mala de hace algunos años: crítica, dura, satírica pero, al mismo tiempo, sentimental; es sólo que ahora no teme aderezar su ya característico rap con otros géneros. ‘No Pidas Perdón’ incluye una secuencia disco de tintes pop, que se mezcla perfecto con la letra melódica sin perder fuerza; lo mismo sucede con ‘Un Corazón’. Así transcurre el material, entre beats electrónicos y atmósferas dulces que se hacen presentes en ‘Por Eso Mato’ y ‘Prima’, de tal forma que la española logra, nuevamente y sin problema, capturar una gama muy diversa de escuchas. -Sandra Valerio\nMike Patton Ipecac Recordings 2010\nMidnight Juggernauts Siberia Records 2010 Dystopia es el nombre del álbum que los puso en la escena internacional; ahora, el trío australiano Midnight Juggernauts nos muestra un pequeño avance de lo que es The Crystal Axis, su más reciente placa. Distorsión y batería hacen balance al inicio del tema, mientras nos internamos en un ambiente que seguramente estará lleno de psicodelia, ya que el sonido del órgano —propio de la década de los setenta— es la compañía que nos lleva de la mano. Las vocales suenan muy limpias y se posesionan de los coros. Un punto a destacar, es el puente que interrumpe la estructura de la canción, para fusionar ritmos e introducir secuencias, fusionándolas al final. El tema por sí mismo es interesante; esperemos que el álbum completo vaya en la misma dirección.\nSi algo sabe hacer muy bien el señor Mike Patton es adaptarse a la música que le provoca maripositas en el estómago. Lo curioso, en esta ocasión, es que decidió cruzar el charco para cumplir su promesa de amor a un género al que, desde hace algunos años, le había declarado su atracción. Y nunca imaginamos que lo seduciría. Olvidémonos de Faith No More, Mr. Bungle, Fantômas, Peeping Tom, Tomahawk: ahora le toca el turno a la bella Italia y, más en concreto, al pop italiano, pero el de los cincuenta y sesenta. Patton arregló canciones de leyendas italianas, como Ennio Morricone (‘Deep Down’), Gina Paoli o Fred Bongusto, que aún gozan de niveles de popularidad bastante altos, para ofrecernos una cátedra en interpretación y ejecución. Con una voz potente, casi operística, se acompaña de un coro y una orquesta de 40 elementos (todos italianos) para interpretar también, con profundo respeto, temas icónicos del inmortal Spaghetti Western, pero dándoles un toque contemporáneo al jugar con distintos estilos musicales, como el rock, psicodélico y garaje. La máxima musical “el idioma no importa” regresa para abrazar este disco; si no sabes italiano, vale un cacahuate: lo relevante aquí es la música y su profunda carga dramática. -G.G.\nAmerican Slang Side One Dummy Junio 2010\nThe Dead Weather Third Man Records 2010\nMuchos artistas prefieren invertir el tiempo que pasan fuera del estudio en giras, en lugar de dedicar largas y agotadoras jornadas a rodar videos; es por ello que The Dead Weather decidió dejar de lado cualquier enorme producción para grabarse en vivo y hacer uso de un recurso tan simple como saturar el contraste de los colores en las imágenes. Tim Wheeler y Christopher Mills fueron los encargados de jugar un poco con las siluetas y movimientos de los integrantes de la agrupación, quienes aparecen en escena como una especie de bosquejo animado sobre el escenario, mientras interpretan el segundo sencillo del apresurado Sea Of Cowards. Del tema en sí, no hay queja alguna, ya que la esencia de la banda está presente en cada segundo; en cuanto a las imágenes es mejor dejarlos que sigan concentrados en sus presentaciones, pues este video no impondrá paradigma alguno.\nFront Line Assembly Metropolis Records 2010\nBill Leeb trae a la vida a FLA, tras seis años de letargo, aunque esta vez sin la compañía de una de las piezas clave para el proyecto: Rhys Fulber. Lo que hace diferente esta entrega de FLA, sin embargo, es la forma en la que Leeb parte de canciones a un nivel muy básico, para después producirlas y llenarlas de cualquier elemento que las complemente, y no a la inversa, como en álbumes pasados, donde los cortes estaban construidos a partir de algún efecto y, al final, parecían un tanto forzados. Por otro lado, estamos frente a un disco de producción minimalista —al menos para una banda de la complejidad sonora de Front Line Assembly— y eso podría no dejar satisfechos a los amantes de la saturación electrónica. La ausencia de Fulber podrá saltar a los oídos de los fans más acérrimos y detallistas, pero el sonido que ha distinguido a la banda está implícito en cada track, todos tan sólidos como los de su mejor época. -Diovanny Garfias\nSia Red Ink 2009\nSia nos tiene acostumbrados al folk, al jazz, al easy listening, e incluso al trip hop, pero nunca al pop tan clara y evidentemente como lo hace ahora, en su cuarta entrega. Para sorpresa de muchos, logra interpretar, componer y arreglar en este género de forma tan fantástica y desenfada, como lo hace en sus territorios más frecuentes. La producción corre a cargo de Greg Kurstin (The Bird And The Bee), quien es ya un veterano en estos menesteres del trabajo con chicas y que además le aporta al sonido de por sí atinado de Sia elementos lúdicos como voces infantiles, metalófonos, pianos de juguete y demás, logrando un disco alegre y jovial, aunque no por ello poco inteligente. Destacan ‘The Fight’, ‘Stop Trying’, ‘Be Good To Me’ y ‘The Co-Dependent’, en las cuales Sia hace gala de su sublime voz. Para todos los fanáticos del pop bien hecho, aquí tienen un disco serio pero manejado con regodeo, que puede escucharse y disfrutarse de principio a fin. -F.M.\nNortec Panoptica Orchestra Lov/Recs 2010\nRoberto Mendoza, mejor conocido como Panoptica Orchestra, una vez que dejó finiquitada —aparentemente de manera definitiva— la relación con los demás integrantes del colectivo Nortec, lanza su álbum en solitario. Este es un disco que, igual que las propuestas de los demás ex integrantes del colectivo, retoma los sonidos de la frontera para convertirlos, combinarlos y crear otros nuevos con ayuda de beats y sintetizadores. A pesar de que esta pudiera ser una premisa en riesgo de gastarse, R. Mendoza lo hace de excelente manera, pues a lo largo del álbum se aprecia cómo el uso de los géneros musicales y los instrumentos que acompañan a cada uno, quedan a la perfección, creando una atmósfera de su sonido, lo que permite un disfrute máximo. Esta producción cuenta con la colaboración de Javiera Mena, en el track ‘Complejo De Amor’, así como de otros músicos de la escena nacional e internacional. -Eric Coy\nREVIEWS // Mis videos y discos / WARP29 The Optimist\nNew Young Pony Club The Numbers 2010\nThe Chemical Brothers Astralwerks 2010\nEste es el segundo disco de la banda británica, que tardó tres años en materializarse. Aun así, New Young Pony Club cae en la misma música bailable, como lo hizo en Fantastic Playroom, su álbum debut, a pesar de manejar una premisa ambiciosa tanto en el nombre —The Optimist— como en el arte del álbum, pues supuestamente presentaría una música de tintes diferentes, con letras que buscan cierta profundidad, lo que no sucede y, por el contrario, por momentos parece incoherente. Este álbum denota influencias y retoma sonidos que no aparecían en su producción anterior, como los sintetizadores y los coros, al más puro estilo de PJ Harvey en ‘My Bloody Valentine’. Este es un disco que, de principio a fin, mantiene buen equilibrio en la continuidad de la música, pero que se estanca en la exploración sonora. –E.C.\nTal y como la imagen de la portada lo indica, Tom Rowlands y Ed Simons, mejor conocidos como The Chemical Brothers, decidieron darse un chapuzón en el sonido que los ha caracterizado, para refrescarse y crear una serie de buenos temas. ‘Snow’ nos prepara para la escucha, por lo que emana una vibra relajante. A pesar de que temas como ‘Escape Velocity’ están hilados, no pierden personalidad; por el contrario: con una duración de más de once minutos, jamás pierde la capacidad de acrecentar la proporción de las secuencias. ‘Another World’ es notable por sus equilibradas texturas y las voces femeninas, mientras que ‘Horse Power’ invita a bailar sin control. A pesar de tratarse de temas de mucha duración, es importante destacar el talento que la dupla tiene para resolver el final de cada pieza. -E.N.\nMellon Collie And The Infinite Sadness The Smashing Pumpkins Virgin 1995\nAnd So I Watch You From Afar Smalltown America 2010\nA mediados de la última década del siglo XX el mundo conoció Mellon Collie And The Infinite Sadness; entonces la música alternativa nunca fue la misma: una placa doble con 28 tracks que recorrían los puntos más altos del rock hasta ese momento, pasando por instantes orquestales o totalmente experimentales, acústicos o plagados de salvajismo distorsionado, pero siempre con una fina producción, elaborada, pero nunca forzada, cortesía de Flood, Alan Moulder y el propio Corgan. Cada emoción plasmada en la placa se amplifica hasta penetrar la carne y corromperla, embriagando y satisfaciendo esa sustancia que algunos llaman alma. ‘1979’, ‘Zero’ y ‘Tonight, Tonight’ son sólo algunas de las joyas contenidas en este baúl de sosiego, melancolía y genialidad infinita. -D.G.\nEste es el álbum debut del cuarteto irlandés que, con sólo tres EPs, llamó la atención de una super banda como Them Crooked Vultures y los llevó a tocar con ellos en su actual gira europea. Este disco plantea de mejor manera lo que la banda había mostrado en sus producciones anteriores: un rock instrumental con tintes claros de post-rock, lleno de giros que tienen las guitarras como sus protagonistas. Tracks largos, pero de una progresión musical tan magnífica, que hacen olvidar por completo la carencia de letra y coros. ‘Set Guitars To Kill’ es la primer pista de este disco, que indica de manera precisa lo que sucederá durante el resto del álbum: una lluvia de sonidos avasallantes y energía devastadora, como en ‘Clench Fists, Grit Teeth... Go!’, pieza que despierta y vuelve hiperactivo a cualquiera. Un gran disco, a tono para fanáticos de bandas como Sigur Rós, Explosions In The Sky y Mono. -F.C.\nPROFILE // WARP29 Integrantes: Mike Burakoff – Samplers, Voz | Frank Lyon – Batería | Nick Nauman – Guitarra\nKEEPAWAY José Villanueva\nCortesía Lefse Records\nProyecto creado en Brooklyn, Nueva York, que buscaba batallar contra el aburrimiento de sus integrantes. Hoy en día es un proyecto serio en todos los sentidos, aunque su música es divertimento de tonalidades suaves. Keepaway busca la diversidad entre tintes de Escúchalos en: www.myspace.com/keepaway\nDee-Lite, Grateful Dead y uno que otro remanente de guitarras finamente desafinadas, ofreciendo canciones listas para gozar en cualquier ocasión. Cuentan ya con Baby Style, un EP muy recomendable.\nGIGS // Goldfrapp / WARP29\nJosé Cuervo Salón, Ciudad de México - 29 de Junio Con un lleno total y ambiente de fiesta se presentó la dupla inglesa. En punto de las 9:00 pm, sin banda telonera, Alison y Will se apoderaron de un escenario sin gran escenografía: algunas luces y un ventilador que hizo ondear el cabello de Alison, fueron todos los elementos que la banda utilizó para enmarcar su música. Así, sonaron éxitos como ‘Ooh La La’, ‘Ride A White Horse’, ‘A&E’ y, desde luego, temas del Head First, su nuevo álbum: ‘Rocket’ ocasionó euforia y de inmediato puso a bailar a la mayoría, mientras los menos se amontonaban tratando de acercarse un poco más al escenario. A pesar de lo enérgica que es la música de Goldfrapp, la interacción de la banda con el público fue poca: Alison recorrió el escenario como si cantara para sí misma, aunque ello no disminuyó la emoción de los presentes, quienes se conectaron totalmente con la ejecución impecable de los ingleses. Así, con una serie de éxitos, un par de cambios de atuendo por parte de Alison, pocas luces y mucha parafernalia, concluyó el concierto a temprana hora: para las 10:30 pm los asistentes ya buscaban la salida del recinto.\nGIGS // The Dead Weather / WARP29\nAlison Mosshart y Jack White\nThe Dead Weather The Roundhouse, Londres - 28 de Junio Reni Baitenmann\nCon un álbum recién lanzado, Jack White y compañía demostraron una vez más que, en vivo, son una de las bandas más fascinantes. Su emocionante set de luces azules oscuras, paraguas, la imagen de un gran ojo junto a la extraordinaria música llena de blues y rock puro, transportan a un mundo en el que cada nota nos atrapa. Jack White en la batería, con su característico sombrero con plumas, cautivó al público, especialmente cuando se levantó y tocó la guitarra en ‘Will There Be Enough Water’ y ‘You Just Can’t Win’, de sonido sucio pero brillante, ejecutando cada nota como si fuera la última; fue amable y sensible, agradecido con la audiencia: “Hola, Londres, estamos felices de poder tocar aquí, por fin, en el Roundhouse. Somos The Dead Weather y todos somos de Nashville, Tennessee”, fueron sus palabras. La actuación de Alison Mosshart fue salvaje, como de cos-\ntumbre, transformándose en esa líder llamativa, parándose en las bocinas y moviéndose por el escenario, mirando a los asistentes con sus profundos ojos cautivadores. A los lados tuvimos a Dean Fertita y Jack Lawrence, músicos excepcionales, el primero haciendo maravillas con la guitarra y el teclado, el segundo haciendo lo propio con el bajo. El concierto se completó con canciones de su primer álbum, como ‘60 Feet Tall’, ‘Hang You From The Heavens’, ‘New Pony’ (cover a Bob Dylan), ‘Treat Me Like Your Mother’, ‘I Cut Like A Buffalo’ y más. Del Sea Of Cowards, su nuevo álbum, tocaron ‘The Difference Between Us’, ‘Die By The Drop’ y ‘Blue Blood Blues’. El concierto terminó con la conocida ‘Treat Me Like Your Mother’, con los cuatro músicos disparando cada partícula de energía que les quedaba, tan sólo para dejar al público de Londres, otra vez, con ganas de escuchar más.\nGIGS // Boy Noize / Quiero Club, Rey Pila, IMS (Dj set) y The Wookies / WARP29\nBoys Noize Bleu, Ciudad de México - 02 de Julio Wendy Cid y Sergio Gálvez\nBoys Noize visitó la Ciudad de México en un evento que, por mucho, se perfilaba como una gran fiesta. Desafortunadamente el concierto se vio empañado, desde antes de iniciar, por lo complicado que fue el acceso a la sede, detalle que corrió por cortesía de la prepotente actitud de los elementos de seguridad, quienes siempre encontraron alguna justificación a su ineptitud. El ambiente, una vez dentro —con la gran cantidad de gente que acudió, aunada a una desorganización sin solución—, se volvió caótico; y a pesar de todo el ánimo no decayó: el\ndúo Vice Fever fue el encargado de iniciar la fiesta con un buen espectáculo y, con sus inseparables máscaras, el sonido se paseó del funk al house. Alrededor de la 01:30 am, con un público sediento de más, apareció el astro alemán Alex Ridha, mejor conocido como Boys Noize, que con un show poderoso de inicio a fin, provocó la euforia y la locura de los asistentes, llevándolos a través de atmósferas psicodélicas acompañadas de pirotecnia y juegos de luces, lo que convirtió la noche en una ocasión memorable para los amantes del electrónico.\nQuiero Club, Rey Pila, IMS (DJ set) y The Wookies Carpa Neumática, Ciudad de México - 07 de Julio Sergio Gálvez\nmarcaron el inicio del evento y la presentación de Quiero Club. Pronto llegó el turno de unos visitantes provenientes de una galaxia muy-muy lejana, The Wookies, y 16 manos tomaron por asalto las computadoras para controlar totalmente a un público que no opuso resistencia ante los remixes de la banda intergaláctica, que ofreció lo mejor de su repertorio hasta el final de una velada como pocas para los amantes de los ritmos electrónicos. 029\nCon las presentaciones previas de Camilo Lara, Rey Pila y Quiero Club se vivió una lluviosa noche de fiesta. La agrupación más representativa del colectivo Happy-Fi demostró que todavía no nace el que se resista a bailar su ritmo. Temas del Nueva América y clásicos como ‘No Coke’ y ‘Let Da Music’, además de una espontánea que comenzó a bailar con un hula-hula mientras un automóvil flotaba sobre los asistentes, fueron algunos de los momentos que\nMarcela (Quiero Club)\nDiego Solórzano (Rey Pila)\nCamilo Lara (IMS Dj Set)\nGIGS // Minus The Bear / WARP29\nMinus The Bear Webster Hall, Nueva York - 08 de Julio Milton Barboza Arriaga\nLa Gran Manzana ofrece, como es de esperarse, un sinfín de posibilidades de diversión. En la búsqueda por encontrar algunas alternativas a nuestra cobertura de LAMC, tuvimos la oportunidad de llegar al Webster Hall, antiguo recinto que, a principios del siglo pasado, se utilizó como estudio de grabación, así como centro de baile de charleston; es un lugar de vibra tan especial, que incluso se dice que entre sus dueños estuvo el mítico Al Capone. Recuperado en nuestros días como sala de conciertos, el Webster Hall ha recibido bandas del nivel de Sonic Youth, Elbow, Mogwai, Spoon, Lady GaGa, Green Day y Nine Inch Nails, entre otros, y ahora fue el turno para la banda originaria de Seattle: Minus The Bear. Así, desde las 07:00 pm el lugar mostró quórum para ver los actos de Keepaway —directamente desde Brooklyn— y de Everest —desde Los Angeles—,\nambos dejando un buen sabor de boca. Pero puntualmente, como lo marcaba el horario, los integrantes de Minus The Bear (Jake Snider, Dave Knudson, Alex Rose, Cory Murchy y Erin Tate) llegaron al escenario y entregaron un concierto lleno de poder y grandes canciones. Utilizando una interesante iluminación —con tres juegos de neón en el medio, dos columnas de leds y un espectacular muro de miniluces que daban la ilusión de ver un cielo lleno de estrellas—, Minus The Bear cautivó a los mil 400 asistentes con temas como ‘Thanks For The Killer Game Of Crisco Twister’, ‘Pachuca Sunrise’, y ‘Knights’. No cabe duda de que Minus The Bear, poco a poco, logra la aceptación de más gente y, este año, con su álbum Omni —pese a que su trabajo abarca ya varios discos de gran calidad—, seguramente se colocarán entre las bandas de mayor proyección.\nGIGS // Neon Indian / Japandroids / WARP29\nNeon Indian Bleú Club, Ciudad de México - 13 de julio Sergio Gálvez\nCon un acto en vivo de La Royale, arrancó la noche que, a pesar de ser en inicio de semana y no abarrotar el recinto, convocó a los suficientes para vivir un gran ambiente. A pesar de que las filas eran largas, el acceso al Bleú fue ágil, lo que significó una grata sorpresa. En un Live Act, La Royale ofreció lo mejor de sus ritmos electro funk para calentar motores. Así, mientras el recinto se seguía llenando y los asistentes disfrutaban de la barra libre, llegó el turno de Vicente Gayo, propuesta\nmexicana que ha ganado respeto en la escena. Finalmente llegó el turno de Neon Indian quienes, ante una pista abarrotada, derrocharon energía en cada tema de su ya conocido álbum debut Psychic Chasms, por lo que todo el mundo sacó provecho en la pista y no cupo la menor duda de que el noise pop de Alan Palomo y compañía puede ser el mejor acompañante para cualquier noche de fiesta. La velada terminó a la 1:30 am del 14 de julio, en plena celebración de la Revolución Francesa.\n06 Leanne Macomber (Neon Indian)\nEx Templo de Santa Teresa, Ciudad de México - 15 de julio Con un escenario justo debajo de la cúpula que destaca en la arquitectura de Ex Templo de Santa Teresa, tuvo lugar la presentación de Japandroids, en la fiesta del segundo aniversario de la Revista Vice. Para la media noche, con lleno total, The Spits invitó a que todos se dejaran llevar por el frenético ritmo de sus temas, mientras que, literalmente, los platillos de la batería yacían en llamas: portando pelucas, al más puro estilo del cliché punk, la agrupación originaria de Seattle no dio tiempo para digerir la introducción porque, como baldes de agua fría fueron cayendo los éxitos rápidos,\nmordaces, llenos de energía, mientras las cabezas no paraban de hacer headbanging. Luego, directamente desde Vancouver, Japandroids demostraron que no son una dupla sin gracia; por el contrario, hicieron gala del talento que los llevó a formar parte de prácticamente todos los festivales de primavera. ‘Young Hearts Spark Fire’ fue el momento más destacado de la noche, pues con la fuerza de la batería y la energía de Brian King en las vocales, parecía que algo estallaría. Ya muy entrada la madrugada terminó la celebración, que superó por mucho la del año pasado.\n07 Brian King (Japandroids)\nGIGS // The XX / WARP29\nRomy Madley Croft y Oliver Sim\nJamie Smith (atrás) y Romy Madley Croft (guitarra)\nLondon Roundhouse (iTunes Festival), Londres - 12 de Julio Reni Baitenmann\nEste es el cuarto año que el aclamado iTunes Festival regresa a Camden, consolidado ya como uno de los mejores de Europa en foro cerrado. Con 31 noches de música y 62 bandas distintas, los asistentes se encontraron ante buena música y noches memorables en el Roundhouse, recinto que albergó una vez más esta celebración. En esta ocasión tocó el turno a The XX de apoderarse del escenario: la triada del sur de Londres se veía feliz de regresar a su hogar, luego de casi un año de gira con su álbum debut, de gran éxito en todo el mundo. Su sonido es limpio y, a la vez, complejo, lleno de capas agridulces y texturas firmes: se muestran llenos de honestidad. Las voces de Romy\nMadley Croft y Oliver Sim son como un susurro que se complementa con el talento de Jamie Smith, en la caja de ritmos, lo cual deja un sabor de noche simplemente compleja. La banda dejó satisfechos a todos los asistentes, aun cuando el sonido del lugar no haya sido el mejor. Comenzaron con ‘Intro’, pero continuaron su set con versiones renovadas de ‘VCR’, ‘Crystalised’, ‘Islands’, ‘Fantasy’, ‘Shelter’ y más; incluso presentaron un cover de ‘Do You Mind’, original de Kyla. Después de un breve descanso, la banda regresó al escenario para interpretar ‘Stars’, como parte de su encore, lo que resultó ser quizá el momento más eufórico de su gran presentación.\nhotHOThit // WARP29\nCortesía Ground Control Touring\nActiva desde hace algún tiempo con diferentes proyectos solistas y luego dándose a conocer a mayor escala con Dum Dum Girls, Dee Dee ha logrado asentarse en la escena estadounidense gracias a su capacidad creativa y a sus canciones punks bien cimentadas. Escuchar a las Dum Dum Girls es fundamental para comprender hoy las llamadas Riot Grrrls que, en la década de los noventa, fueran comandadas por bandas como L7.\nGNBN // WARP29\nGood News Pese los cambios de fecha que sufrieran los conciertos que U2 ofrecerá como parte de su gira por Norteamérica, el año próximo, “todas las entradas ya adquiridas serán válidas”, confirmó su promotor de conciertos. Como ya habíamos informado, el vocalista de la banda, Bono, tuvo que ser intervenido quirúrgicamente por problemas en la espalda, por lo que dicho tour comenzará el 21 de mayo de 2011, en el Invesco Field, de Denver, y terminará el 23 de julio en Minneapolis. Contrario a esto, cabe señalar que la gira por Europa sigue su curso normal y comenzará el 6 de agosto de 2010, en Turín.\nLa unión ante la desgracia\nComo suele suceder, cada que algún rincón del país sufre el azote de la naturaleza, diversos grupos —tanto de ciudadanos como de instituciones de apoyo— se unen para recolectar toda la ayuda posible y aminorar un poco los estragos que la gente tiene que padecer luego de perder, en diferentes proporciones, su patrimonio. Así pues, se abrieron centros de acopio en todo México, a los que se puede acudir y donar un poco de alivio, en efectivo o en especie. Entre las opciones está la Cruz Roja Mexicana, los Centros DIF a nivel estatal y municipal, así como instituciones bancarias.\nEl Huracán Alex fue el primer ciclón de la temporada de este 2010. A partir de una fuerte onda tropical, logró desarrollarse lentamente y avanzar en su camino por el mar Caribe, afectando seriamente los estados de Quintana Roo, Yucatán, Campeche, Tabasco y Chiapas. Entonces Alex se intensificó justo sobre las costas de Tamaulipas y alcanzó la Categoría 2 en la escala Saffir-Simpson, ingresando a tierra muy cerca de Soto La Marina, Tamaulipas. Los estados arrasados por la fuerza de este huracán resultaron ser, al final del día, Coahuila, Nuevo León y Tamaulipas. Mucha gente lo perdió todo y hasta el día de hoy siguen luchando por recuperarse.\nSí, muchas presentaciones en vivo, pero no deja de deslucir el hecho de que U2 lleva varios años vendiendo “cuentas de vidrio” con superproducciones impresionantes, dejando de lado la creatividad musical que los llevó a tener el reconocimiento del que gozan hoy. Si bien es importante llevar shows de calidad a un público ávido de presenciar a su banda en directo, estos irlandeses han dejado de ofrecer cosas interesantes a la escena musical desde hace varios discos. Por ello es innegable la necesidad de que Bono y compañía re direccionen su carrera; si no los perderemos definitivamente.\nAnte el lanzamientodel primer material solista de Phil Selway, el 30 de agosto, titulado Familial, el músico fue cuestionado respecto a su posición creativa frente a Thom Yorke, a lo que el baterista de Radiohead respondió: “Sí que es desalentador, ¡claro! Creo que él es uno de los mejores compositores que existen”. No obstante, pese a que pareciera existir cierta “rivalidad” entre ambos, el hecho queda descartado, pues Phil no dudó en señalar el apoyo que cada uno de sus compañeros le han otorgado en la realización de su disco. Con esto queda claro que, más allá de una diferencia al interior de la banda, el reconocimiento mutuo trasciende, manteniendo a sus integrantes unidos.\nEstreno de Phil Selway\nLamentablemente, el nivel de humildad demostrado por Selway existe en muy pocos músicos pues, desfasadas en su preocupación por trascender unas por encima de las otras, varias “estrellas” dejan de poner atención en la calidad de sus propuestas. Gente como los oriundos de Oxford son los que trascienden, al estar comprometidos en sus contenidos líricos y musicales. Así, mientras sigamos escuchando canciones malogradas —como tantas que hoy existen en el mercado—, estaremos cooperando para la extinción de los Yorke y los Selway.\nLa falta de músicos de esta naturaleza\nUno de los regresos más esperados de este año es sin duda el de Interpol. Por ello, desde el anuncio de la salida de su nuevo material, no han dejado de darnos sorpresas. Así, hemos podido conocer la portada y el número total y nombres de las canciones. Hemos escuchado ya sus primeros sencillos, ‘Lights’, y poco después ‘Barricade’. Por si fuera poco, los neoyorquinos hacen crecer la expectación y presentan el video de ‘Lights’. Y si se creía que todo terminaba ahí, los seguidores mexicanos de Paul Banks y compañía pueden enloquecer al confirmarse su presencia en el Corona Capital, a celebrarse el 16 de octubre, en la curva cuatro del Autódromo Hermano Rodríguez, en Ciudad de México.\nAsí o más cardiaco\nEl 25 de octubre próximo se espera la llegada de un disco que reunirá a músicos de la talla de David Gilmour (Pink Floyd), Flea (Red Hot Chili Peppers), Jonny Greenwood (Radiohead) y Mani (Primal Scream). Se trata de Olympia, nuevo material solista de Bryan Ferry, quien también pretende reencontrarse con el guitarrista Phil Manzanera, el saxofonista Andy Mackay y Brian Eno, ex-integrantes de Roxy Music, con quienes Ferry no colaboraba desde For Your Pleasure, de 1973. El sucesor de Dylanesque (2007) será editado por Virgin Records y representa el décimo tercer trabajo en solitario de Ferry. Con ocho nuevas canciones y dos covers, el primer sencillo será ‘You Can Dance’, track que verá la luz el 2 de agosto, a la par de su respectivo video.\nGracias al avance de la tecnología, cada vez más personas cuentan con la posibilidad de acceder a la red y descargar piezas, y hasta discos completos, que los músicos regalan con el fin de acercarse a sus seguidores y retribuir de alguna manera el apoyo otorgado a lo largo de sus carreras. Es el caso de Cut Copy, triada australiana que ofrece en línea, de manera gratuita, la pieza ‘Where I’m Going’, que formará parte de su próximo material discográfico. Suuns, una novel banda que ha firmado apenas con la disquera gringa Secretly Canadian, también decidió regalar un excelente EP debut llamado Zeroes. Sin duda, es de agradecer este tipo de acciones, no sólo por el beneficio que resulta para los fans, sino para la música misma, al expandirla hacia nuevos públicos.\nAl margen de si Ferry y compañía realizarán una gira de presentaciones con este material, es claro que el público de Latinoamérica —incluido México, por supuesto— queda limitado a adquirir el disco y disfrutarlo a todo volumen, pues al ser proyectos alternos de los músicos que conforman este tipo de bandas, los recitales que pudieran ofrecer se concentrarán en Estados Unidos y Reino Unido. A excepción de la próxima visita a nuestro país de Hollagallo 2010, agrupación conformada por Michael Rother (Neu!), Steve Shelly (Sonic Youth), Benjamin Curtis (ex The Secret Machines/School Of Seven Bells) y Aaron Mullan (Tall First), nos quedaremos con las ganas de ver a músicos tan talentosos como los que logró reunir Bryan Ferry en un solo acto.\n¿Cuántas veces hemos escuchado sobre la alarmante crisis por la que atraviesa la industria del disco a nivel mundial? ¿Cuántas veces se ha culpado al público por su desinterés para adquirir un producto que va más allá de lo musical, al incluir todo un concepto artístico plasmado en el booklet (“librito” que complementa un disco o vinyl)? Sí, muchas veces. Pero es en este punto, en la posibilidad que las mismas bandas dan para conseguir su música, que pudiese responsabilizarse también a los quejosos. Si bien es obvio que la finalidad de las bandas no es contribuir a un problema que sin duda les afecta, la inmediatez de su obra podría estar influyendo en la desvalorización de los discos sin siquiera darse cuenta.\n¿Sepultando un formato?\nReunión de talentos…\nPara aquellos que son fanáticos del trabajo musical de esta banda, el asunto no puede ser más desesperante, teniendo en cuenta que el cuarto disco de Interpol verá la luz hasta el 14 de septiembre próximo y, como ya se dijo, el concierto que darán en nuestro país es hasta octubre, que además no es una presentación individual, sino parte de un festival masivo. Y aunque realmente el tiempo de espera quizá no es demasiado largo, las expectativas y el interés crecen ante tanto avance. Esperemos que ni la placa ni el concierto que ofrezcan demeriten, y por el contrario, que ambos refuercen el trabajo que han venido desarrollado.\nDescargas gratuitas en ascenso\n… Sólo en CD\nPídanle Un Taxi\nMás de 20 años han pasado desde que el rock en México experimentara el fenómeno que vio nacer a ese puñado de bandas que, además de convertirse en leyendas, le dieron una identidad al rock nacional. El elemento clave de estas agrupaciones fue incorporar sonidos identificados como “parte de nuestra milenaria cultura”; y en su momento fue ingenioso, aplaudido y reconocido, pero hoy da flojera, pues el discurso no se renueva. Es increíble que ciertas bandas sigan navegando con esta bandera, sin darse cuenta de que el rock es un ente que no tiene idioma ni conoce\nfronteras. No se equivoquen: querer hacer la música de finales de los ochenta y principios de los noventa, no es preservar nuestra identidad musical frente a la bestia anglosajona, sino retroceder ante la oportunidad de absorber nuevos elementos, de diversos puntos del mundo, y competirle de tú a tú a cualquiera. Lo peor es que muchas bandas que inician su carrera en nuestro país parecen enviciadas con este recurso, decididas a permanecer en el estancamiento total, y así difícilmente nuestra música será reconocida como algo distinto al “mexican curious”, incluso por los propios mexicanos.\nGNBN // THE PLAYLIST OF OUR LIVES / WARP29 1\nTHE PLAYLIST OF Our Lives ESCUCHAR AL RITMO DE\nFito Montes / twitter.com/fitomontes\nInglaterra en general, Londres en particular, se han hecho famosos por su clima extremoso y cambiante, pero sobre todo por sus días nublados y de lluvia. Este mes WARP MAGAZINE ha llevado a cabo una exhaus-\ntiva cobertura del Festival por excelencia, Glastonbury, reconocido desde hace 40 años por sus inclementes condiciones; es por ello que dedicamos este espacio a las tardes lluviosas, melancólicas…\nA continuación, esta breve lista de… 6\nGNBN // Insert / WARP29\nThe Wookies Chewbacca Is Not Our Friend Elsa Núñez Cebada\nLa saga Star Wars tiene demasiados personajes… ¿Por qué decidieron tomar la imagen de un wookie para subirse al escenario? Tatanka y yo [Calacas] fuimos los que empezamos\nPlatíquenos del concepto que manejarán en su álbum debut… No nos gustaría adelantar nada, porque ni siquiera nosotros lo sabemos. Tenemos cosas de acid house, hip hop y otros géneros que la verdad son muy variados, y queremos llevar todo al estudio. Es un hecho que encontrarán momentos de acid house y, si estamos de buenas, hasta algo de Gloria Estefan. Queremos hacer algo muy divertido y variado. Pensamos invitar a amigos a colaborar con\nnosotros, pero todavía no tenemos nada definido; seguramente será gente con la que hemos hecho cosas, como Mood Fu. ¿En dónde les gustaría promocionar el disco? ¡En Acrópolis! (centro comercial al norte de la ciudad de México en Lomas Verdes) [risas]. La última tocada será en este lugar. Supongamos que sucediera… ¿Cómo sería? Más de 5 mil personas, nosotros vistiendo smoking blanco con un piano de cola… No sé, sería algo que desborde producción. Obviamente no habría banda telonera: entraríamos directo, duraría horas y sería tan solemne como una sinfonía. Tendríamos de invitados a unos ma-\nrimberos de Veracruz. El chiste es divertirse. ¿Qué otros planes hay en la carrera musical de The Wookies? Quisiéramos hacer una gira más larga y así llegar a todos lados, desde Santiago Tianguistenco hasta Machu Pichu [risas]. Nuestra tirada es tocar en lugares cada vez más locos. Afortunadamente, tanto los promotores como la gente que le ha echado el ojo a nuestro proyecto, nos han producido tocadas únicas, como la que tuvimos en Tokio. Otra cosa importante es el apoyo que hemos recibido por parte de los promotores, además de que siempre hemos tocado en lugares llenos. Todo ha sido muy satisfactorio.\ncon este proyecto; somos muy fans de lo que representan los wookies por sí mismos: su vestimenta, el pelo, la actitud, y no tanto por el personaje de Chewbacca.\nSu pasaporte intergaláctico dice que provienen de un extraño planeta llamado Kashyyyk, aunque las malas lenguas aseguran que llegaron a la Tierra para refugiarse luego de haber escapado de la cárcel. Lo único que queda claro es que, en nuestro planeta, son el alma de la fiesta en la que tomen el control de las tornamesas. Tarrful, Chuundar y Madafakar son The Wookies, seres peludos que platicaron con WARP MAGAZINE.\nFighting Man Un breve encuentro con Sir Bob Geldof Alejandro Franco\nEra lunes por la noche y la embajadora británica en México, Judith Macgregor, a través de nuestros buenos amigos del UKTI, nos abrió un espacio en la lista de invitados a una relajada y muy íntima cena con uno de los personajes más políticos y activistas en la historia de la industria musical; un hombre que, digan lo que digan, nadie puede negar que ha tenido buenas intenciones. De regreso a la década de los ochenta, cuando la música realmente convivía con la política, Robert Frederick Zenon —su verdadero nombre— creía que las cosas podían cambiar en África de la mano del rock & roll. Su banda, Boomtown Rats, conocida por “odiar los lunes”, venía gozando de una cómoda fama, lo que no logró retener al ahora internacionalmente reconocido Bob Geldof para arrancar la fundación Band Aid Trust y realizar el famoso evento Live Aid, dos conciertos realizados el 13 de julio de 1985, en forma simultánea, en el estadio Wembley, en Londres, y en el Estadio J.F.K, de Filadelfia, para recaudar fondos que apoyaran el desarrollo de África oriental. La acción, al final del día, recaudó poco más de 280 millones de dólares. Y repitió la fórmula por Etiopía, cuando al lado de Midge Ure formara la Band Aid, grupo de cantantes y músicos británicos e irlandeses recordados por el tema ‘Do They Know It’s Christmas’, con el que recaudaron más de 8 millones de libras en todo\nSir Bob Geldof Foto: Alejandro Franco\nel mundo para combatir la hambruna. No conforme con eso, y con la ayuda de Tony Blair, repitió la hazaña con el Live 8, serie de conciertos que se celebraron simultáneamente el 2 de julio de 2005, en distintos puntos del mundo, para combatir la pobreza global, mediante la organización Make Poverty History, en presión directa al\nGrupo De Los 8 (G8) para que condonaran la deuda de los países en extrema pobreza; y al día de hoy, el G8 ha cumplido sólo con un 61 por ciento de lo prometido, por lo que se supone que viene otro evento en la misma línea. Nada mal para un amante del rock and roll y periodista musical en el inicio de su carrera.\nGNBN // Everything In Its Right Place / WARP29\nLive 8 Londres\narmas y no para ayudar a los necesitados. Geldof argumenta que nunca se ha comprobado nada concreto y que el reporte de la BBC es una verdadera desgracia por la falsa impresión que le da al mundo acerca de lo que, según él y varias organizaciones altruistas, realmente ocurrió. Habían solamente unas cuantas mesas en la estancia principal de la residencia de la embajadora Macgregor, en Ciudad de\nMéxico. Me imagino que los protocolos ese día fueron un poco más relajados para no asfixiar a Geldof, que se ve a lo lejos manoteando intensamente mientras cuenta alguna de sus historias. Todos comentan que está feliz por la visita a Zacatecas, donde tocó en vivo, y especulan que quiere regresar pronto a dar un concierto en grande. En una breve plática, su manager Willo, nos deja ver que en el fondo Bob\nA todo esto, debemos recordar que Bob Geldof es el actor que personifica a “Pinky” en la famosa película The Wall, de Pink Floyd (ya con eso debiera ser un personaje de culto), y desde 1986 es Caballero del Imperio Británico, nombrado por la reina Isabel II ante el reconocimiento de decenas de millones de personas en todo el mundo que hoy viven un mejor presente gracias al sueño y trabajo de Geldof. Pese a todo, su labor también ha sido criticada por “no ser ni tan altruista ni tan auténtica”, según sus detractores, quienes señalan a Geldof como un oportunista que quiere estar siempre en el ojo del huracán. Hace poco Geldof arremetió contra la BBC, luego de un reportaje del editor de la BBC World Service’s Africa, Martin Plaut, que indicó que el 95 por ciento de los fondos destinados a la provincia de Tigray, Etiopía, en1985, fueron usados para comprar\nno siempre quiere ser visto como el hombre altruista que ayuda al mundo, sino como un músico que sigue creando buenas canciones y que, de hecho, sacará un disco nuevo el próximo año. Hablamos de brechas generacionales y de los que nunca lo conocieron con su banda, pero caemos en cuenta de que el legado ya existe. Geldof se levanta súbitamente de la mesa, se despide de todos, nos regala un saludo, un cruce de palabras —vía la embajadora y el manager— acerca de hacer algo en conjunto con WARP MAGAZINE algún día; un par de fotografías, apretón de manos y ya está. Se nota que no es el más feliz en este tipo de eventos, pero sabe que los tiene que atender. Se ve a leguas que está satisfecho con lo que ha hecho, pero que extraña ser un rockstar. Y no es que no lo sea… Después de todo, el historial que acabo de resumir ya lo quisiera su amigo Bono para cualquier fastidioso lunes por la noche, ¿no?\nPink Floyd en Live 8, 2005\nLondon Calling Sr.Flavio\nOlas marítimas, soy el Señor Flavio y vengo del futuro cosmo-nauta new wave hispano-parlante, en sintonía directa con la jefatura libertaria de WARP MAGAZINE-4 ever pop… Pero, ¡atención! Cuando digo “pop”, me refiero a ese que proviene de finales de los setenta, de principios de los ochenta, aquel que fue orgánico, con peso: en Inglaterra germina la nueva ola, que rescata y reflorece los valores extintos de la canción más pequeña, esa de tres minutos, proveniente de los años cincuenta y sesenta, más compacta: frase-estribillo-frase: punto. En los ochenta —cargados de neones fluorescentes— se apagan de a poco los temas largos, con partes interminables, de dos temas por vinilo larga duración, con interminables pasajes instrumentales y solos larguísimos: se termina el eje medular de la producción discográfica de los setenta. Esta es la etapa que me tocó, queridos amigos lectores, cuando apenas era un pibe de Buenos Aires que empezaba a interesarse en el rock: fue la época de la nueva ola de los ochenta la que me marcó definitivamente, pues me llevó a convertirme en músico, dejando una huella y cimientos imborrables en mi arte, en mi ADN, lastre de bagaje creativo que conservo hasta hoy.\nLeí que, en el 77, Johnny Rotten vestía una playera de Pink Floyd en la que agregó con pintura: “I Hate…”. Le copié y entonces andaba yo por todos lados con mi camiseta que decía “ODIO PINK FLOYD”: toda una declaración de principios estéticos de aquella época, que no era una verdad total en mí, pues el Dark Side Of The Moon siempre fue y será uno de mis discos de cabecera. Supongo que será como la canción ‘1977’, de The Clash, cuyo estribillo reza: “No more Elvis, Beatles and The Rollling Stones in 1977…”, afirmación artística, mas no veraz, pues ellos mismos afirmaron después que eran fans de las bandas mencionadas, sólo que en esos momentos había que decir aquello, lo que no equivale precisamente a mentir, o quizá sí, pero en el arte todo se puede: belleza de la contradicción. Fui un pibe new wave, entonces, que rápidamente se decidió por seguir apasionadamente al ska. UK siempre estuvo, de un modo u otro, en mi cancionero espiritual. The Buzzcocks, The Jam, bandas ineludibles para mí, desconocidas e ignoradas por las mayorías en mi país\nhasta hoy en día. Y ni hablar de la banda más grande de rock n’ roll de todos los tiempos —según yo—: The Who, otra banda que prácticamente pasa desapercibida en esa Argentina que dice ser “muy rockera”. Y justamente por vivir en un país “rockero” —rockero de lenguas Stones—, me convertí en popero. Popero de Nick Lowe, de Elvis Costello, de Warhol y su sopa Campbell, de Marta Minujín y su escultura obelisco de panes dulces —porque el arte puede comerse—, y de los cuentos negros y misteriosos de Patricia Highsmith. Culturalmente vivo afectado por el legado británico de la canción y sus matices. A eso le he sumado nuestra identidad latino-americana, a pesar de que soy de los argentinos que descienden de un barco fundiendo elementos de brit pop y punk rock con ritmos caribe-mexicanos, costeños-arrabaleros, funkeros-latinos, joropos, salsas picantes, tangos, chacareras, corridos, cumbias, boogaloo y lo que va… Entonces empezamos a correr con ventajas: procesamos y conocemos bien a Madness, Paul Weller, Oasis, pero al mismo tiempo tenemos a Mercedes Sosa, Chabela Vargas, Piazzolla, Rockdrigo González, Sumo, Sábato y Sabines. Todo esto y mucho más es el cóctel de magia que me ha permitido escribir muchas de mis canciones, por más de 25 años, en Los Fabulosos Cadillacs y en cada uno de mis proyectos alternos. London Calling, Londres se quema, arde y estalla: new wave pop, punk demonio arte pop, nueva ola hispano-parlante-yo soy, nueva ola de rolas, de pensamientos frívolos que ayudan, de perros-lámpara, de discos calabaza, de surf mexicano, de tangos punk, de máscaras hot-rodscumbia, de chicas pin-up pre-hispánikas como Quetzalli Vampirella, de cuentos de misterio, de filmes brujos. Soy el Señor Flavio y vengo del futuro real, real de catorce puñaladas polaroid, el cosmo-nauta: pistola pop que dispara versos y anti-poemas silver-tape, flores para no estar mal… Hoy, que la mentira está de moda, soy un snob.\nFue una noche de verano de 1982, en casa de mi papá, en la ciudad de Mar del Plata, capital balnearia de mi país, que vino a visitarme un amigo DJ con un vinilo de los Sex Pistols bajo el brazo: nada menos que el Never Mind The Bollocks… Ese día mi vida hace un click rotundo con la música, divorciándome de toda una herencia hippie musical, para convertirme de lleno a las filas de la militancia del punk rock y la new wave: The Police y los Sex Pistols sonaban todo el día en la bandeja gira-discos de la casa de mi papá, donde solía pasar los veranos, pues yo vivía con mamá, en Buenos Aires. Cuando hablo de new wave, punk rock, no puedo evitar pensar en Inglaterra. Es curioso, porque Pink Floyd, los Stones, etc., son también de UK, pero nada pareciera representar al sonido Inglés como el pop frenético de los ochenta y, antes, por supuesto, la invasión británica de los sixties, con The Beatles a la cabeza. El punk rock me gustaba mucho, y me vestí punk hasta los 18; pero el nihilismo extremo no era para mí; encontré entonces, en un hermano del género —la new wave—, un elemento más up, más liviano, pero a la vez con características muy similares. Me convertí en un “chico new wave” del Buenos Aires de 1983. Escuchaba B-52’s, Devo, The Police, XTC, Blondie y muchos más; todo rock nuevo, en su mayoría británico, poco o nada de Estados Unidos, aunque ya mencioné a Blondie. No tardó en entrar Madness en mi vida, y es este grupo el que me movilizó a armar una banda con amigos. Después vino The Clash y su obra insigne de los ochenta: London Calling. Entonces todo fue mejor: una verdadera Universidad de la calle, de la vida, una verdadera escuela de la expresión y de cómo debían ser las cosas, para mí, desde ese momento. Lo que más me gustaba de la invasión británica pop de los ochenta, de la que me poseyó por completo, era que me sentía un chico moderno. A mis amigos, los que aún insistían con grupos hippies, los veía como anacrónicos y obsoletos, y yo me vestía distinto a ellos para diferenciarme.\nGNBN // Blogageddeon Times / WARP29\nGNBN // BLITZKRIEG BOP / WARP29\nI WannaBe Me\nMorrissey en Coachella 2009\ntrayendo consigo la magia de Peter Murphy —tanto en Bauhaus como en solitario— de The Sisters Of Mercy —a quienes vería en el 99, en su única visita al DF—, de Love And Rockets y algunos otros\netcéteras dark que se proyectaban desde la Isla. Mención especial merecen mis ídolos y confidentes de tristezas durante algunos años: The Smiths, nada inmersos en el dark, aunque con la emotividad\npropia de su líder, Morrissey, quienes hasta la fecha me siguen moviendo fibras muy sensibles (y de eso se trata la música, ¿no?). En la recta final del siglo, milenio y demás cuestiones de la historia colectiva, el electrónico puso un alto en mi alimentación musical, para presentarme a The Chemical Brothers con bombo y platillo: una verdadera utopía ácida creada por computadora que atascaba cualquier oído. ¿Y los Stones, Pink Floyd, Led Zeppelin, The Police? Claro está que ya los oía, los cantaba; eran parte de mis borracheras en la casa, con amigos un tanto mayores que yo y que traían una onda musical más “clásica”. ¿Los Beatles? Curiosamente ellos llegaron a mi vida desde que tengo uso de razón, por mi mamá, que hasta la fecha es fan; pero sinceramente nunca me volvieron loco. Vi a McCartney, en Coachella en uno de los conciertos que resultó de los más emotivos para muchos amigos, pero para mí la presentación anterior, la de Morrissey, fue El momento por muchos factores. Podría seguir hablando de más bandas que desde UK nos han llegado. No cabrían en esta columna, pero creo que lo importante es aceptar que, desde esa isla —cuna del futbol, tierra de la monarquía más famosa del mundo—, vendrá mucho más. Y ahí estaremos, listos para recibir las propuestas que se dejen.\nMi primer contacto, digamos “directo”, con UK, se dio en la secundaria. En aquel entonces, ya con la fijación de la música en mi cerebro, me sumergí más a fondo en el sonido de bandas como The Sex Pistols y The Clash; incluso —y quizá suene algo freaky— usaba una cadena con candado, al más puro estilo de Sid Vicious, en un intento pueril por emular a ese ídolo punk que, más bien, era un anti ídolo de la ideología. Pero bueno, algo había que imitar de las bandas en boga para mí en ese momento, además del slam que bailábamos en las tardeadas. Con mis “valedores” de la secu —entre los que se encontraba Gorri, guitarrista de Panteón Rococó—, vi la película The Great Rock N’ Roll Swindle, con los Pistols de protagónicos: una cosa rara que la verdad ya ni recuerdo, pero que era muy mala; poco me faltó para traer la mohicana y sentirme completamente punk, pero todavía vivía en casa de mis padres. Por aquel entonces tenía otros buenos amigos, fans de Depeche Mode, y eso significaba discutir si eran buenos, malos, fresas, de hueva y cosas por el estilo. La verdad es que el gusto por Depeche me llegó muchos años después —afortunadamente— y hoy disfruto cada uno de sus discos. Ya en la prepa, el rock gótico casi casi tocó a mi puerta, cual vampiro, invitándose solo, já, pero\nMilton Barboza Arriaga\nGNBN // ROCK FICTION / WARP29\nJacks dijo haber escuchado una conversación entre El Panadero Lisle, del grupo de Londres, y Purple Little, de los chicos de Ghana. —Estaban en los baños del Lot 105, el pub de Colchester… Y lo dijeron así, como si nada, mientras orinaban… —¿Qué? —Jubilee en la tercera carrera… — susurró Miré el programa: Jubilee era una hermosa hembra color paja, nacida en los mismísimos criaderos de la Reina; correría con el número 7 y no era favorita: de ganar, pagarían 16 a 1. —¿Qué hiciste, Jacks? —Liquidez a 24 horas: los chechenos no tienen idea de que ganaré con su dinero… Jacks me mostró 15 mil libras en efectivo, justo antes de depositarlas en la taquilla. Hice cuentas y el interés sería de un 60 por ciento, por aquello de la premura; pero el viejo ya tenía su boleta en la mano: —Seré rico. Caminó al bar, imaginando que lo seguiría, pero me fui hacia el otro lado; creí confundirme entre la gente y, cuando llegué a la gradería, una manaza del Cáucaso me agarró.\n—Tú conoces al viejo Jacks, ¿cierto? Dime dónde está: nos debe dinero… Iceberg Groznarov, veterano de la Spetsnaz, preguntaba por Jacks… Y la carrera aún no iniciaba. —No lo conozco… Pronto me soltó: el viejo Jacks ya se sentía rico; apareció en los palcos de sombra, mascando un puro de diez libras, mientras entibiaba en sus manos un whisky 18 años. La carrera comenzó y, en 75 segundos, Jubilee perdió. Un par de horas más tarde encontré a Tracy Jacks en la parte Oeste del estacionamiento; tenía las piernas rotas y vomitaba sangre: parecía que un bulldozer le había pasado por encima. Me pidió ayuda, mientras se arrastraba, pero no lo escuché. Me alejé sin pensarlo. Y nunca lo volví a ver.\nBlur Food Ltd. 1994\nA menudo me hablaba de la misma basura: —No pido mucho, ¿sabes? No me molestaría rentar de por vida un apartamento barato en Abbotts Lane, siempre que tuviera un pub en la esquina… Y una linda esposa me vendría bien; una sin estudios, para penetrarla sin obligación. Y tendría hijos: al chico lo cargaría sobre los hombros en el desfile de primavera y a la pequeña le haría las tareas los domingos por la noche; los vería crecer rápido, marcharse a la universidad. Así esperaría la vejez… —Pero ya tienes 60 años, Jacks —le decía. —Sólo necesito suerte… El viejo Jacks creía que encontraría su suerte en el Galgódromo de Harlow, en alguna carrera arreglada entre lacras londinenses, mafiosos chechenos y ghaneses-británicos de segunda generación. Y así fue: un martes a media tarde, en el lobby del galgódromo, el viejo Jacks se acercó: —Lo tengo… —¿Qué? —El dato…\nFrançoise Cactus y Brezel Göring crearon música emblemática de los noventa, con la particularidad de que con el tiempo evolucionó en algo que dejó de pertenecer a ese tiempo, para convertirse en el sonido que ahora conocemos como Stereo Total. Prueba de ello es Baby Ouh! (2010), el más reciente álbum de la dupla franco-alemana, mismo que promocionarán en nuestro país. Previo a su vista, pudimos platicar con Françoise, la voz detrás del proyecto.\nSu música es muy ecléctica… ¿Cuál es el proceso que siguen en sus canciones para llegar a ese resultado de mezclas? Brezel y yo nos reunimos y empezamos a tirar ideas, retomamos las que nos parecen más interesantes y empezamos a improvisar sobre eso; a veces le damos dirección inmediatamente y otras dejamos que la música fluya.\n¿Cuál es tu percepción del sonido en su nuevo álbum? Me parece un disco más feliz y, hasta cierto punto, más romántico. Creo que es uno de los álbumes que más hemos disfrutado, hablando del proceso de\nNo Controles (2009) es un álbum grabado totalmente es español… ¿De dónde surgió esta idea? Nosotros tocamos mucho en España y conocemos a muchas bandas locales, así que en algún momento\ncomposición y de la grabación, así que siento que esa energía positiva se puede escuchar en Baby Ouh!\nresultó una opción interesante hacer un álbum de covers a canciones en español, con el sello Elefant Records. Sabemos que el español no es un idioma fácil, pero como grabamos en Madrid, teníamos a un montón de gente diciéndonos cómo teníamos que pronunciar las palabras [risas]… Fue muy divertido. Stereo Total tiene un historial muy grande de covers en su discografía… ¿Tienen alguno favorito? Personalmente me gusta ‘Heavens In The Backseat Of My Cadillac’, que es de Hot Chocolate; originalmente es una canción disco y nosotros la transformamos en algo completamente diferente; me parece muy divertida y por eso es que me gusta tanto: por original. Tam-\nbién me gusta nuestra versión de ‘Voy A Ser Mamá’, la canción de Almodóvar. Stereo Total tiene una idea musical muy clara pero… ¿Les gustaría experimentar con otro tipo de sonido? Yo tocaba en una banda de garaje, en los ochenta, que se llamaba Les Lolitas, y sé lo que es tocar rock; por eso también sé que me gusta más lo que hacemos hoy. Sabemos que la gente que presenció su primera actuación en México la pasó bien. ¿Cuál fue su experiencia durante esa visita? Fue hermoso: la gente se portó muy bien, aunque creo que el público se volvió loco [risas]. Todos se portaron muy bien, recibimos muchos regalos y fue una gran experiencia.\nIÓN S I M S A AN RETREMPORAD DE T RTIR DEL A PA AGOSTO 4 DE\nITS F S I M HER WSKY T A E ADW SADANO ELLO E D E YTH PELADO OLBORD RSE! B O M BA TERCIO HO OG V A G C E W A S E T CAFÉ INGTINGSANZUELAM IRLSHELLOLA THET ISCAVALE SVIVIAN G OYGABRIE C FRAN VEONETTE RERODRIG A TU A V I THER CREA S U L K\ny ll Kat ickba\nn - Vivia\nC X E EN POR: oles Miérc 8:00pm\nol 0 am Mex/Ctina 12:00 pm n 0 e Arg uela 08:3 Venez ile 11:00pmm Ch 08:00p Brasil ábadmo S : n ó i p ic Repet/Col: 08:000pm Mex tina: 08:0 pm 0 Argen uela: 08:3 m Venezile: 07:00p m Ch : 08:00p Brasil\nzl de Mex/V después y ) m a m 10 12a SNL ( Chile: / g r A és de despu ) y m 11a 1am SNL (\nLos Punsetes Por el Vicio\nGonzalo (bajo), Chema (batería), Manu (guitarra), Ariadna (voz) y Jorge (guitarra), son Los Punsetes. Como parte de la celebración de LAMC 2010, en Nueva York, tuvieron la oportunidad de salir por primera vez de su país, España, para dar a conocer su música en vivo y a todo color. Bajo un inquietante calor y con la única premisa de demostrar que son parte de la nueva oleada de bandas españolas que prometen ser importantes en esta década, platicaron con diversos medios, entre ellos WARP MAGAZINE, para dar a conocer sus puntos de vista sobre la nueva etapa de la música.\n¿Cómo surgió la idea de crear una banda? Manu: Somos compañeros de facultad, lo que quiere decir que nos conocemos desde hace unos quince años. Cuando terminamos los estudios y estábamos sin nada qué hacer —salvo darnos a la droga, pero no teníamos dinero para comprarla— decidimos armar un grupo un tanto en broma, como retándonos a que no nos atreveríamos a hacerlo. Pero al final nos gustó tanto, que lo terminamos haciendo en serio; y ya llevamos siete años en esto… Hoy tenemos dinero para la droga y nos compramos mucha [risas].\nCortesía Artica Pro\n¿A qué suenan Los Punsetes a grandes rasgos? Gonzalo: Cada uno de nosotros trae un sonido diferente que tampoco sabría describirte, porque cada uno escucha música diferente; entonces llegamos a ensayar, peleamos mucho, chocamos y lo que sale con vida es el producto final. Lo que hacemos puede decirse que es pop, porque es algo que hacemos de toda la vida; pero es un pop más o menos ruidoso, personal, que a cualquiera le puede sonar a algo que también reconoce; aunque posiblemente yerre en todo lo que crea que ha entendido.\nEl apoyo que actualmente se está dando en España a las bandas ibéricas es algo que ciertamente los ayuda… ¿Cómo se está manejando esto? Jorge: No sé cómo se verá desde afuera este tipo de apoyos, pero la verdad yo creo que no existen. De hecho estamos aquí gracias a algunas subvenciones, así es que no sé cómo está funcionando aquello. Suponemos que, a través de las instituciones, se están haciendo muchas cosas, como exportar música a festivales a través del Instituto Cervantes… Sabemos que eso existe, pero no te podríamos decir con precisión…\nCobertura Especial desde Nueva York\nEl día miércoles LAMC recibió a sus primeros asistentes al registro para, acto seguido, dirigirnos al Summer Stage, de Central Park, donde se presentan los mejores actos. En esta ocasión, de nueva cuenta, Anita Tijoux cantó, durante una media hora, algunas de sus canciones más interesantes, cerrando su presentación con ‘1977’, que la tiene bien posicionada en México y gran parte de Latinoamérica. Pudimos notar que, pese a su carisma, Anita todavía tiene un poco de timidez arriba del escenario, por lo que procuró acompañarse continuamente de un MC y de su DJ.\nComo cada año, desde hace una década, la conferencia latina más importante organizada en Estados Unidos —propiamente en Nueva York— se realizó. Poco a poco, la Latin Alternative Music Conference (LAMC) se ha convertido en el lugar ideal para conocer las nuevas propuestas de la música hecha por latinoamericanos y reunir a bandas consagradas con otras que van logrando proyectarse a nivel internacional. Y este año LAMC lo ratificó. Aquí, los mejores momentos que se vivieron en el marco de la conferencia en la Gran Manzana, sucedida del 7 al 10 de julio...\nEntonces, desde España, llegó Pablo Díaz, mejor conocido como El Guincho, quien acompañado de dos músicos (guitarra y bajo), le dieron gran presencia en el escenario, además de mucha potencia para cantar cortes interesantes de su carrera y de su nueva producción, Piratas de Sudamérica. A las 9:00 p.m., con una maquinaria como de película de El Santo, directamente desde Tijuana y por primera vez en LAMC, se presentó el poder del Nortec; y así, con iPads en mano y acompañados de los eternos músicos invitados en el trombón, trompeta y acordeón, Bostich y Fussible descargaron su buen sonido electro-banda sobre la Gran Manzana. ‘Tijuana Sound Machine’, ‘Shake It Up’, ‘Tengo La Voz’, entre otras, se dejaron escuchar para hacer bailar a los miles de asistentes reunidos en el emblemático escenario.\nAl Este de Nueva York, en el Mercury Lounge, mientras tanto, tuvo lugar el showcase indie, que presentó bandas latinas e ibéricas: Los Punsetes, Maleco Collective, Furland, San Pascualito Rey y Chico Mann. Alejandro Franco, Director de WARP.com.mx y WARP MAGAZINE, fue el host de esa noche, donde se pudieron disfrutar buenas propuestas, algunas conocidas —como Furland y San Pascualito Rey, de México— y otras que poco a poco generan expectativa. Esa noche se escucharon grupos que han dejado de lado los sonidos “latinos”, para dar paso a una propuesta con la esencia pura del rock, lo cual ayuda a entender que la escena latina no necesariamente vive sólo de sus raíces sonoras. Así concluyó la primera jornada de LAMC, para arrancar al otro día con las conferencias.\n2010 // WARP29\nModeratto Isa G\nEl jueves 8 de julio, en la segunda jornada de actividades, LAMC tuvo sus primeras mesas redondas, en las que se discutieron temas que proponen abrirse un poco más a la globalización y alejarse un tanto del estigma del “sentimiento latino”, para darle mayor auge a la proyección de la música como tal. En la primera ponencia se tocó el tema del “futuro de la música digital”, donde los presentes coincidieron en que músicos, productores y distribuidores deben buscar los canales adecuados para que los precios sean accesibles en una época en la que el disco físico ya no está siendo tan importante para el consumidor.\ny Los Tres, entre otros. Ya por la noche, el Bowery Ballroom —importante recinto, cercano a la zona de Nolita— abrió sus puertas para escuchar a Los Rakas e Isa GT, que a ritmo de hip hop propusieron, para luego dar paso a una chica de nombre Malena, de Argentina, que no ofreció mayor cosa que unas canciones nada convincentes y mucho menos trabajadas, dejando a los asistentes un tanto desconcertados. La contraparte vino con los mexicanos, IMS y Moderatto, estos últimos, aunque no parecían encajar en el line up de un evento como éste, dejaron en claro que, ante todo, son músicos consagrados con la capacidad de enfrentar cualquier escenario: tocaron ante unas cien personas, cuando regularmente tienen shows de más de 10 mil asistentes.\nPor otra parte, en la conferencia de las 2:30 p.m., el tópico se centró en el “crecimiento de las giras internacionales de los músicos latinoamericanos”, que incluso son promovidas por empresas de management internacionales de renombre; su trascendencia radicó en compartir una visión del negocio que antes no se tenía: creer al cien por ciento en lo que se hace, pero siempre procurando ofrecer un producto —musicalmente hablando— de calidad. Del hotel Roosevelt, LAMC se transportó a dos eventos simultáneos, uno en el Museo del Barrio, con Pacha Massive y King Changó —que ofrecieron su sonido lleno de ska—, y el otro en el Poisson Rouge, donde se celebró el ya tradicional showcase acústico, en el que participaron Jumbo, San Pascualito Rey, Furland, Los Punsetes, Sol Okarina, Alex Cuba, La Bien Querida, The Pinker Tones\nEl día viernes comenzó de nueva cuenta con mucho qué ofrecer en torno a temas a tratar dentro de los paneles que se ofrecen en LAMC. De entrada, en punto de las 11.30 a.m., la ponencia titulada The Music Biz Is Dead! Long Live The Music Industry! reunió a managers, miembros de disqueras y agencias de booking, quienes hablaron de la importancia de apoyar a las bandas emergentes, pero también de hacerles entender que, para llegar lejos, deben saber vender su música, a la par de conseguir tratos y contratos acordes a su trabajo. En esta mesa participaron Camilo Lara, miembro del Instituto Mexicano del Sonido y director de EMI México; Amy Blackman, de Cookman MGMT; y Juan de Dios Balbi, de Entertainmex y manager de Café Tacvba, entre otros directivos, quienes coincidieron en que, para lograr sobrellevar la industria, se debe emprender en conjunto con artistas, respetando su talento.\nCabe resaltar el fenómeno del “encasillamiento” que se da en Estados Unidos, por parte de las agencias de management y booking que trabajan con artistas fuera del país, pues los latinoamericanos terminan por ser encasillados en la división de “Latino”, sin importar si tocan rock, pop, ranchero u otro género, estigma que desgraciadamente no ha sido erradicado. Por otra parte el segundo tópico desarrollado en el día fue dentro de la mesa de discusión titulada Big Love From The Licensing Entourage, en la que se habló del uso recurrente de música hecha en Latinoamérica para TV, películas y videojuegos; aquí, la mayoría de los ponentes eran estadounidenses y, sin darse cuenta, encasillaron la música hecha en otras latitudes, principalmente la de América Latina, como “divertida”. Lo que quedó claro es que esta es otra fuente de negocios que se está abriendo para los grupos, que deben\ndejar de lado el pensamiento de “vender discos” y cambiarlo al de “realizar conciertos para vender boletos y vender canciones para campañas publicitarias”, por ejemplo. Por la tarde noche, el punto de reunión se centró en la zona conocida como Brooklyn, dentro del Prospect Park, lugar ideal para conciertos que albergó la participación de Toy Selectah, desde Monterrey, que mezcló grandes canciones ligadas a la cumbia callera, para dar paso a Fidel Nadal, ex Veo Muertos, quien sigue sonando de gran manera y logró calentar los ánimos para dejar listos a los más de 10 mil asistentes, quienes terminaron de bailar con el sonido de Ozomatli, que entre sus mezclas de rock, ska, reggae, cumbia y hasta merengue, convirtieron el lugar en una fiesta multicultural, donde lo mismo se podía ver a gente latina, afroamericana, anglosajona y oriental divirtiéndose en la misma frecuencia.\nCon un concierto magno en el Summer Stage, de Central Park, se clausuró esta edición de la Latin Alternative Music Conference, que reunió a tres bandas bajo el nublado cielo de Nueva York. De entrada, el grupo originario de Colombia y residente en Austin, Texas, Ocote Soul Sounds, amenizó el comienzo del evento, alrededor de las 3:00 p.m., con un sonido muy tirado al reggae y algunos tintes de folclor de su país, lo que pareció no agradar del todo a los ansiosos fans de la banda estelar. Con arreglos nada espectaculares, Ocote concluyó su participación alrededor de las 3:45 p.m., para que se realizara el cambio de instrumentos, dando paso a The Pinker Tones, de España. Y la banda española, que\nse caracteriza por su sonido más electro rock, batalló por agradar a los más de 5 mil asistentes, quienes en su mayoría eran mexicanos esperando a uno de los grupos más emblemáticos de la Ciudad de México; no obstante, los Pinker cumplieron con su trabajo y, con un público dividido, lograron cerrar decorosamente su show. Así, en punto de las 5:30 p.m., cuando se escuchaban rechiflas de desesperación, comenzó el clásico cumbianchero, utilizado para abrir los conciertos de la Maldita Vecindad, y uno a uno fueron entrando Roco, Sax, Pato, Aldo y los músicos acompañantes, para reventar su actuación con ‘Solín’. De inmediato el slam se hizo presente entre los paisanos que viven por estas tierras, lo que preocupó al personal de seguridad,\nquienes percibieron esta actitud como “violenta”, aunque les fue imposible detenerlo. ‘Poco De Sangre Roja’, ‘Pachuco’, ‘Don Palabras’, ‘Fut Callejero’, ‘Pata De Perro’, y ‘Ya Lo Pasado’ fueron algunas de las canciones emblemáticas de la agrupación, que hicieron patente su discurso de amor y buena convivencia a ritmo de fusiones de rock, ska, punk y demás sonidos que los ha hecho trascender con el pasar de los años. La fiesta terminó pasadas las 6:30 p.m., sin presentarse mayores problemas entre seguridad y público. Muchos tenis, gorras, botellas de plástico volando; y mucho sudor; sobre todo eso: muchas personas sudando de tanto bailar: así concluyó LAMC 2010, evento que otra vez hizo brillar lo mejor de la escena rock de Latinoamérica.\nDESTACADO 33 // WARP29\ncrecimiento de la nación, es innegable. Pero los resultados no llegan por sí solos: además de calidad en las propuestas, se necesita una estrategia que las impulse adecuadamente. The xx, por ejemplo, tienen un futuro prometedor, pero antes de que esto se vislumbrara, la mitad de los tracks de su álbum debut formaban parte de comerciales y series de televisión. Más de 130 mil personas trabajan en la industria musical inglesa y 333 millones de libras esterlinas se han invertido en el desarrollo académico de ese arte en los últimos XYZ años, asegurando que los jóvenes tengan la oportunidad de aprender, tocar y crear música. El plan no es tan sencillo, pero sí contundente: así funciona la industria en Reino Unido, a grandes rasgos, y por ello están considerados, cada año, entre lo mejor de la música…\nablemos de hechos: Muse ha vendido más de diez millones de discos alrededor del mundo; West Ryder Pauper Lunatic Asylum, de Kasabian, logró vender 73 mil 21 copias en sólo cuatro días; The Seldom Seen Kid, de Elbow, llegó a disco de platino y Muse que con su último disco, The Resistance, logró vender 128 mil copias a menos de una semana de haber salido a la venta… Y ni qué decir de las bandas emergentes que parecen dar sólo gratas sorpresas: el Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, de los Arctic Monkeys, vendió 363 mil 735 copias en su primera semana de lanzamiento, convirtiéndose en el disco que más rápido se ha vendido en la historia de su país. Así, la industria musical contribuye a la economía de Reino Unido con más de 5 mil millones de libras al año, por lo que la importancia de este rubro, en el\nBBC RADIO 1 ISSUE 2010\nEntrevista: Yasmín Tlatilpa / Texto: Milton Barboza\nn la historia de un país tan emblemático en la música han existido diferentes medios de comunicación encargados de proyectar Huw Stephens los sonidos creados en UK. El proceso evolutivo de las tecnologías ha logrado que los cambios en estos medios hayan generado otros en pro de seguir consolidados en el gusto del público. Sin lugar a dudas, uno de los medios de mayor importancia y trascendencia es la British Broadcasting Corporation, que dentro de sus vertientes se encuentra la relacionada a la radio. BBC Radio 1 es el medio encargado de difundir, desde 1967, la música predilecta de los jóvenes en Reino Unido y su trascendencia es más que importante para darle salida a proyectos consolidados y aquellos en busca de ser conocidos. Desde Londres, en exclusiva para WARP MAGAZINE, tuvimos la oportunidad de platicar con Huw Stephens —quien todos los jueves y viernes presenta la música de las bandas más nuevas de la región— acerca de la forma en que trabajan las estaciones de radio en UK. El catálogo de la BBC Radio 1 es muy extenso. ¿Cómo se han hecho de tanta música? Radio 1 empezó porque la estación anterior apenas podía pagar sus cuentas y al gobierno no le gustaba; así que la cerraron y comenzó Radio 1. Trataron de llegar a diversas audiencias y empezaron a desarrollar sus propios estudios, y de unos 40 años para acá hemos reunido un enorme catálogo musical que se ha tenido que digitalizar; y no podemos olvidarnos de la música en vivo que generamos: las bandas vienen a\nCortesía BBC Radio1\ntocar en vivo a nuestros estudios y cada año cubrimos y grabamos algunos de los festivales más importantes. En tu experiencia, ¿cuáles dirías que son los momentos clave en la historia de la BBC Radio 1? Tengo 29 años y entré a Radio 1 cuando tenía 18. Crecí escuchando a Chris Evans en el Breakfast Show, lo que era muy emocionante en esa época, era caótico; hacía radio diferente a la que la gente está acostumbrada a escuchar. Creo que también iniciar BBC 1Xtra, nuestra estación digital hermana, ha sido muy importante, porque se concentra en R&B, hip hop, drum n’ bass y música de origen negro. La muerte de John Peel, asimismo, fue muy importante, pues desafortunadamente significó el fin de una era; él estuvo desde el principio, fue el DJ que más ha durado en la radio de BBC, tocaba lo que quería, la gente confiaba en él y daba mucha energía a Radio 1. ¿Qué tan importante ha sido para ustedes dar el salto a la era digital? Es importante. Todavía no es parte de la cultura en Reino Unido, pero es algo que se busca y con lo que estamos comprometidos; es caro y difícil, pero tratamos de hacerlo no sólo en la radio, sino también en televisión. La gente espera calidad de la BBC. ¿Cuál es tu percepción de la radio inglesa en estos días? La Radio de la BBC es la única que toma riesgos, lo que es importante, pues cuando tomas riesgos pasan cosas buenas; la mejor música o arte vienen de tomar riesgos. Hablando de la parte comercial, muchas estaciones tienen que quedar bien con sus patrocinadores y es entendible: tienen que hacer negocio y generar dinero;\nBBC: British Broadcasting\nCorporation (Corporación Británica de Transmisión)\n•BBC World News: Señal internacional de noticias las 24 horas. •BBC Sport: Dedicado exclusivamente a emisiones y noticias sobre deportes.\nESTADÍSTICAS BPI Los 10 álbumes más vendidos en UK de 2010 (hasta mayo)\n•BBC Three o BBC3: Orientada a un\n•BBC Radio 1: Servicio radiofónico que llega\na todos los países del Reino Unido. Dedicado\n•BBC Four o BBC4: Presenta programas\na la música actual y juvenil. Está dirigida es-\nde arte, documentales de ciencia, drama y\npecialmente a jóvenes entre 16 y 24 años.\nproducciones extranjeras. Está dirigido a un\n•BBC Radio 2: Presenta contenidos de\npúblico de muy alto nivel cultural.\n•BBC News 24: Noticias las 24 horas en el\n•BBC Radio 3: Frecuencia especializada en\narte, drama, música clásica, jazz.\n•BBC Parliament: Transmite en directo y\n•BBC Radio 4: Trata temas de actualidad,\nrealiza cobertura de todo lo que sucede en\nciencia, historia, comedia y drama.\nla Cámara de los Comunes, la Cámara de los\n•BBC Radio Five Live: Noticias, deportes y\nLores, el Parlamento Escocés y la Asamblea\ndebates las 24hrs.\n•BBC Local Radio: Consiste en 40 emisoras lo-\n•CBBC: Dirigida a niños de 6 a 13 años.\ncales en Inglaterra que proveen entretenimiento,\n•CBeebies: Dirigida a niños menores de 6 años.\nnoticias y música a su área local de emisión.\nLUNGS Florence + The Machine Ventas:537,544 Digital: 19.2%\nSUNNY SIDE UP Paolo Nutini Ventas: 533,356 Digital: 10.6%\nNOW THAT’S WHAT I CALL MUSIC 75 Varios\n¿Cuál es el ritmo de moda en la radio de Reino Unido en general? No podemos ignorar el dubstep que de unos diez años para acá ha sido el fenómeno más importante en la música; comparte elementos del dub, del drum n’ bass y de otros géneros electrónicos; ha sido emocionante, ya que muchos músicos, productores y DJs han desarrollado su propio sonido dubstep. Por ahora hay un pequeño revival folk, y también están el pop, la electrónica de siempre y el naciente hip hop inglés, que ha ido creciendo y que a la gente le gusta cada vez más; programamos también a algunos artistas que nunca han tenido un single en chart de los mejores 40, que son buenos, que son bien recibidos por la crítica y que tienen un público pequeño. Así\nque creo que el hip hop inglés está dando un giro comercial, está llegando a los charts, sus discos se venden y tocan en los principales festivales; Dizzee Rascal es el mejor ejemplo: él viene del underground, tuvo éxito y se hizo de un nombre.\nVentas: 513,356 Digital: 10.6%\nTHE ELEMENT OF FREEDOM Alicia Keys Ventas: 496,205 Digital: 13.0%\n¿Qué necesita un artista para ser programado en Radio 1? Es muy difícil decir qué es bueno y qué no; en lo personal busco algo emocionante, interesante, algo que a mí me gustaría escuchar en la radio, algo que simplemente suene bien sin que suene forzado; eso es lo que busco: algo que no trate de ser lo que no es, algo que después de escuchar durante diez segundos, puedas decir que te gusta o no; a veces pongo música que no me gusta, pero la pongo porque sé que es buena, aunque no esté hecha para mí; a veces esas bandas obtienen éxito masivo, a veces no.\nVentas: 337,811 Digital: 1.1%\nFOREVER VIENNA Andre Rieu Ventas: 324,177 Digital: 1.1%\nCRAZY LOVE Michael Bublé Ventas: 305,430 Digital: 9.5%\nGLEE – THE MUSIC – SEASON ONE – VOL. 1 Elenco de Glee Ventas: 304,089 Digital: 26.5%\nSIGH NO MORE Mumford & Sons Ventas: 302,811 Digital: 24.9%\nDices que Radio 1 está aparte de la radio en UK… ¿Por qué es “única”, según tu perspectiva? La gente joven, aun cuando pueden encontrar música en la web o en su teléfono, siguen escuchando Radio 1 porque es diferente, es única y distintiva. Tenemos cuidado en no competir con el sector privado o comercial, y le damos variedad a la gente, así que Radio 1 es para mí una estación grande, dividida en dos partes: en el día hay entretenimiento y música que la gente quiere oír, mientras que en la noche\nponemos discos que, en nuestro criterio, la gente debiera escuchar.\nquizá esa sea la razón por la que no toman riesgos. Esa es la importancia de la BBC: queremos ir más allá. Muchas estaciones comerciales cierran y luego regresan; creo que la radio comercial se está convirtiendo en algo centralizado y específico para cada área, por la recesión y las limitantes de la industria, lo que es muy triste.\nRECOIL A STRANGE HOUR\nlan Wilder se colocó en el mapa musical por convertirse en una pieza clave de la ingeniería de Depeche Mode durante trece años, aunque su talento e intuición lo llevaron por una vía diferente, una donde la experimentación y la audacia sonora son los principios básicos, donde los convencionalismos no tienen cabida y donde él es el dueño de cada una de sus acciones: un camino fascinante llamado Recoil. Con más de 20 años de carrera, un sinnúmero de colaboraciones y cinco álbumes bajo el brazo, Wilder decidió lanzar Selected (2010), disco recopilatorio con lo mejor de su discografía, pretexto perfecto para llevar a Recoil, por primera vez, a diversos escenarios del mundo a dar cátedra de manipulación electrónica y visual. En Exclusiva, WARP MAGAZINE pudo platicar con el músico durante su paso por la Ciudad de México. ¿Por qué te tomó tanto tiempo salir de gira con Recoil? Hay varias razones. Por ejemplo, ahora es más fácil de lo que hubiera sido en el pasado; antes no hubiéramos podido mostrar el show que traemos, uno que tenía que ser muy visual, pues no hay una “actuación” como tal en nuestras presentaciones. Además, no tenía esta gran colección de música y remixes, la cual reuní a lo largo de 25 años de carrera. Este era el momento correcto para salir de gira.\nEn algún momento Depeche Mode se convirtió en una banda convencional de rock. ¿Esto es algo que le podría pasar a Recoil en el futuro? Eso es lo que todos hacen y no me interesa. Vi a Massive Attack en vivo hace poco; son una gran banda, ponen un gran show y mucha iluminación en el escenario, con varios vocalistas y suenan muy bien; pero eso es lo que uno espera de ellos. Yo quiero hacer algo inesperado. Quizá algunos estén decepcionados porque esperan más actuación de nuestra parte o porque no están los vocalistas. No estoy en contra de invitar a otras personas, pero de momento este es el mejor show que podemos ofrecer. Aunque quién sabe que pueda pasar en el futuro: mientras avance el tour, cambiaremos el set y haremos cosas distintas; pero definitivamente no quiero tener un bajo y una batería; todo eso es “demasiado normal” para mí.\nEstás promocionando Selected pero, ¿piensas lanzar un nuevo material próximamente? ¿O tal vez trabajar en un nuevo proyecto? Nunca estoy seguro de lo que voy a hacer mañana. Ya estoy trabajando en un nuevo material y por ahora no tengo pensado trabajar en otros proyectos, aunque siempre estoy abierto a recibir ideas que me puedan llevar a hacer cosas diferentes. Has colaborado con muchos músicos a lo largo de tu carrera pero, ¿hay algunos con los que te gustaría hacer algo próximamente? Siempre tengo en la cabeza algunos nombres de gente con la que me gustaría colaborar, como Mark Hollis, de Talk Talk; a Elizabeth Fraser, de Cocteau Twins, por ejemplo, siempre he querido tenerla en un disco. Hay algunos vocalistas y músicos que me gustan, pero todo surge cuando estás haciendo música; ésta te sugiere qué tipo de artista necesitas: siempre trato de que la música decida quién es el indicado, así que no lo sabré hasta que llegue el momento. Para algunos especialistas, Unsound Methods (1997) es la obra maestra de Recoil. ¿Cómo ves este álbum a más de una década de distancia? Es un buen disco, aunque hay aspectos de cada uno de mis álbumes que me gustan. Creo que Liquid (2000) y SubHuman (2007) también son muy buenos por diferentes razones; podría decir, incluso, que son mejores porque hay aspectos de Unsound que pude mejorar con los años. Así que no lo llamaría una obra maestra, pero sí: es un buen disco. Hablando de grandes discos, Songs Of Faith And Devotion (1993), de Depeche Mode, es uno de los más reconocidos por la crítica y es quizá el más cercano a ti como productor. ¿Qué era lo que buscabas obtener sonoramente en ese disco? Quería que nos alejáramos de lo hecho en Violator (1990); y aunque fue tentador, por el éxito que había conseguido, no queríamos repetirlo, así que entre Flood (productor), Daniel Miller (quien no participó tanto en la producción, pero estuvo siempre al pendiente) y yo, buscamos deses-\nESTADÍSTICAS BPI Ventas de Singles por Género en 2009 (%) Pop: 33.5 Rock: 24.5 R&B: 18.9 Dance: 12.7 Hip Hop: 8.8 Easy Listening: 0.7 Jazz: 0.3 Country: 0.3 Reggae: 0.2 Otros: 0.1 Total: 100\n“LO QUE ADMIRO DE DEPECHE MODE ES QUE SIEMPRE BUSCAN TRABAJAR CON UN PRODUCTOR FUERTE, QUE LOS LLEVE A HACER COSAS DIFERENTES, QUE LES DIGA ‘ESTO ES MUY FÁCIL, VAMOS PARA ADELANTE’.”\ningeniero y músico elegido por Alan Wilder para llevar a Recoil a diversos escenarios del mundo. El propio Paul nos cuenta su experiencia: “Cuando estoy con Alan no tengo que tomar ninguna decisión importante y eso es perfecto [risas]; en serio, no tengo que concentrarme en la música como tal, sino en los detalles, que es lo que prefiero hacer. He producido a grupos en el pasado, pero prefiero trabajar con artistas que sepan que mi tarea es hacer sonar mejor su música (lo que espero suceda); en ese sentido, trabajar con Alan es muy fácil, porque tiene la claridad de hacia dónde quiere que vaya su música.”\nSabemos que una de las razones principales que te llevaron a dejar Depeche Mode fue que te sentías algo frustrado como músico. ¿En algún momento te has sentido de la misma manera en Recoil? Yo no diría “frustrado”. Es cierto que a veces hay cosas que quieres hacer y no puedes:\nHace poco compartiste escenario con Daniel Miller (productor y músico inglés, fundador de Mute Records, el sello de Depeche Mode) y Martin Gore. ¿Cómo te sentiste en estos reencuentros? Lo de Daniel fue genial, porque no suele ofrecer actuaciones muy seguido; creo que estuvo muy feliz y lo disfrutó: fue chistoso ver cómo se ponía nervioso, como chavito, antes de subir al escenario; no creo que haya tenido mucho tiempo para ensayar, pero fueron muy buenas presentaciones; lo hicimos en Berlín y Roma. Lo de Martin fue fácil, en cierto sentido, porque los dos conocemos la canción (‘Somebody’) muy bien; fue como si nunca la hubiéramos dejado de tocar. En general fue un buen día; me dio mucho gusto verlos y ponerme al día; además, la reacción del público fue fantástica.\nPaul Kendall es el productor,\nno escribes la letra que buscas o no obtienes la voz o la melodía que quisieras, y tienes que buscar la forma de resolverlo. Me sentí frustrado cuando estaba en la banda, porque cada decisión tenía que ser votada y la democracia grupal no funcionaba del todo bien para mí (quizá funcionó por algún tiempo). Lo que buscaba era tener más control de lo que hacía; esa es la razón principal por la que los dejé y también por la cual no hago mucha producción para otras personas: sería volver a la misma rutina. Ser productor no se trata sólo de hacer música; se trata de llegar a un arreglo con las demás personas, ser conciliador y demás situaciones que repelo. Recoil es un proyecto muy abierto, que puede ir en diversas direcciones, lo que no es nada frustrante.\nPaul Kendall: el otro lado de Recoil\nperadamente ir por otro camino. Hicimos cosas que nunca habíamos hecho: nos sentábamos, tocábamos instrumentos e improvisábamos. Por ejemplo, ‘Walking In My Shoes’ fue grabada de esa manera: Flood insistió en que tocáramos los instrumentos todos juntos, estando al pendiente unos de otros, como una banda normal, aunque nunca lo fuimos; pero fue un buen experimento y obtuvimos muy buenos resultados. Fue el disco que más trabajo nos costó hacer, pero gracias a ese proceso es que fortalecimos nuestra música.\nKylie Minogue en los Brit Awards 2009\nAlgunos Ganadores Brit Awards 2010 Solista Femenina Lily Allen Solista Masculino Dizzee Rascal Nuevo Acto JLS Grupo Kasabian Disco Florence & The Machine -\nTHE BRITISH RECORDED MUSIC INDUSTRY CAREER OPPORTUNITIES\nEntrevista: Alejandro Franco / Texto: Susana Betancourt\na BPI es una organización que representa a la mayor parte de la industria musical en Londres. Fundada en 1973, cuenta con miembros del gremio de artistas, de disqueras independientes y de sellos transnacionales, todos unidos con un mismo objetivo: apoyar la escena de su país y respaldar los intereses de todos los involucrados, asegurando un constante crecimiento de la música legalmente registrada. Acerca de la complejidad que la premisa representa, y del arduo trabajo que se realiza para ver materializada la tarea Julian Wall; Director de Servicios Independientes de Miembros y Eventos Internacionales, y Maggie Crowe, Directora de Eventos Altruistas (The Brits), platicaron con WARP MAGAZINE.\nLungs Premio de la Crítica Ellie Goulding Mejor Album en 30 años Oasis - (What’s The Story)\n¿Cuál es el objetivo primordial de la BPI? Maggie: Tratamos de crear una cadena mediante el registro de la música para que, al ser remunerados, todos —artistas, managers y disqueras— continúen con su trabajo… Si todos registran su trabajo y son reconocidos por ello, entonces podrán seguir haciéndolo.\nMorning Glory? Artista Internacional Femenina Lady Gaga Artista Internacional Masculino Jay-Z Contribución Excepcional\nEn una era donde las descargas ilegales parecen superar en números a los álbumes vendidos, ¿es difícil pensar en la tecnología como un aliado? M: No estamos en contra del formato digital; simplemente es nuestro trabajo ver que todo sea legal y que las personas que crearon un álbum reciban ganancias por ello. Es como si yo hiciera una pintura: me gustaría tener el crédito de haberla pintado, y eso es a lo que nos enfrentamos en la industria hoy en día: queremos que las personas tengan el reconocimiento que merecen por su trabajo.\nRobbie Williams Productor Paul Epworth\n¿Cómo logran conciliar el trabajo de la BPI con el formato digital? Julian: Hoy en día la música es concebida de muchas formas, y sí, en su mayoría es digital. Las personas prefieren encontrar a sus bandas favoritas a través de una red social,\n•Álbum más vendido de 2010: The Fame / Lady GaGa •Artistas con más ventas en el Record Store Day: Blur, The Rolling Stones, The Beatles y Lily Allen •El mercado de video cayó un 11.9% en 2010 •Aunque el mercado del Blu Ray continúa en ascenso, el 8% de la población desconoce este formato •Los sitios web de música con más visitas son JLS, Lady GaGa y Muse •Las ventas de discos en formato digital superan las ventas de CDs en un 15.2% mensual\n¿Creen que hoy en día la música ha dejado de ser un producto para volverse un servicio? J: La música continuará siendo un producto. Servicios en línea, como Spotify o iTunes, no existen porque la gente quiera hacer uso de sus tiendas; existen porque la gente quiere música. Lo cierto es que la industria musical se encuentra luchando con la forma de entrega, pero finalmente así debe ser. Es un campo en constante cambio; no es la misma industria de hace diez o quince años, y seguirá evolucionando cada vez más rápido.\nA pesar de las dificultades que atraviesa la industria musical, el mercado inglés es uno de los más firmes y ofrece infinidad de propuestas. ¿A qué creen que se deba esto? J: La escena de Londres es bien conocida alrededor del mundo, pero internamente no es un mercado fácil; es una escena muy competitiva y a eso hay que añadirle la competencia con Estados Unidos y el resto de Europa. La calidad de la música inglesa ha sido difícil de sostener con el paso del tiempo; algunos años han sido mejores que otros, pero su calidad radica en la innovación y energía. Reino Unido impulsa más bandas nuevas que cualquier otro mercado, lo que ayuda casi matemáticamente a que el radar apunte a nuestra escena y tengamos proyección\nglobal. Así, no es de sorprenderse que la escena en nuestro país sea exitosa; finalmente es cuestión de números. También hay que considerar el sofisticado sistema que desarrollamos para apoyar nuevas bandas, las cuales crecen relativamente rápido; no todas, por supuesto, pues ello depende en mucho de su calidad. Finalmente, los hechos históricos continúan favoreciendo nuestra escena; hemos contado con la suerte de tener grandes representantes, como los Beatles, los Stones, Led Zeppelin, monstruos que siguen siendo un referente, incluso para bandas jóvenes que buscan alcanzar la misma calidad musical. ¿Qué oportunidades ofrece la escena londinense a las bandas extranjeras? M: Las bandas de otros países sin duda se desarrollan bien en Londres, pero no llegan a la cima: aunque hay un movimiento sano de bandas extranjeras en nuestro país, con buena exposición y algo de audiencia, es difícil que lleguen a un Top 20 o un Top 10. J: Y no se trata de ser nacionalistas; es simplemente que apoyamos “lo de casa”, por así decirlo, aunado al hecho de que las personas quieren algo que se identifique con lo que viven, con sus experiencias cercanas; por eso, si vives en Londres, es más probable que escuches una banda londinense.\nESTADÍSTICAS BPI Cifras de la industria musical en Londres según la BPI\nJulian Wall y Maggie Crowe\nen lugar de que alguna radiodifusora o el mercado tradicional les diga qué escuchar. Los jóvenes son más críticos, saben lo que les gusta y lo que quieren; entonces, en Reino Unido, nos damos a la tarea de crear campañas de marketing que le den la bienvenida al formato digital, a través de las redes sociales y otras formas de difusión. Hay muchas bandas que no tienen siquiera un disco, pero mucha gente habla de ellos; entonces tratamos de impulsarlos. Así nos aproximamos al mercado y a las bandas emergentes.\nEntrevista: Daisy Heartbreaker / Texto: Milton Barboza\nCortesía Groove Armada\nl boom de la electrónica en los noventa trajo consira vez que lo hicimos y resultó muy bien. Queríamos go una serie de DJs y proyectos británicos que ya hacerlo desde hace mucho”. tenían algunos años trabajando en trincheras unY en efecto: el disco es un condensado de diferentes derground de estilos diversos. Con la ayuda de las máquigéneros que empieza por la parte más rocker de Groove nas y la complicidad de la escena londinense de aquellos Armada, para cerrar con una especie de fiesta, con canaños, la dupla conformada por Tom Finlay y Andy Cato ciones muy electro, como ‘Cards To Your Heart’, ‘Paper tenían un lugar llamado Groove Armada, donde comenRomance’ y una muy ácida, igualmente bailable, ‘Warsaw’. zaron a realizar sus primeros pininos, para dar a conocer, “Decidimos retomar un estilo más rock debido a una en 1997, sus primeras canciones. mezcla de inspiraciones; siempre nos ha gustado ser Más de quince años han pasado desde el momento en una banda en vivo y ahora la escena muestra sonidos que Groove Armada era una idea que se convirtió en algo muy interesantes, electro-rockeros, como Friendly tangible. ‘I See You Baby’, de 1999, puso el proyecto en la Fires, MGMT y muchos más; eso nos impulsó a darle mira, con el electrónico característico de estos británicos un toque fresco a nuestras viejas canciones”, concluye que hoy en día son parte fundamental de esa escena tan Andy, al referirse a esa nueva esencia que ha dejado un experimentada. poco de lado el ‘SupersEl 40 aniversario de tylin’, para experimentar “SIEMPRE HEMOS SIDO UNA Glastonbury recibió a en territorios antes desBANDA EN VIVO: TRATAMOS DE Groove Armada y, desde conocidos. INCORPORAR SONIDOS DE GUIel campo de Pilton, Tom Y tal vez la experimenTARRA, BATERÍA Y TODOS ESOS Finlay y Andy Cato hatación ecléctica sea funELEMENTOS ROCK” blaron en Exclusiva para damental para cualquier –TOM FINLAY WARP MAGAZINE. banda de UK, gracias a la “Es emocionante estar gran cantidad de música en Glasto por dos razones: producida desde la isla y porque hemos preparado un set especial —reacomodaque cada año nos regala propuestas de vanguardia; en do y estrenado en Bulgaria— y ahora veremos qué pasa su momento sucedió con Groove Armada, quienes hoy en UK; por otra parte, es emocionante estar aquí, en un no tienen nada qué demostrar y simplemente buscan escenario diferente; hemos tocado en varios escenarios divertirse sobre un escenario o al realizar algún álbum. del festival y siempre es genial”, afirmaba Andy, antes Los planes continúan con el regreso de Groove Arde presentarse en Glasto, el festival más querido no sólo mada a las giras, luego de haber participado con una por la gente, sino por las bandas locales, quienes siemmarca en diferentes eventos que los llevó a recorrer pre son recibidos como héroes. gran parte del mundo. Ahora la visión es otra: están Black Light, su más reciente producción, es una concentrados en su nuevo álbum y, al respecto, Tom mezcla perfecta entre sonidos diversos que reafirmaplaticó que “en septiembre iniciaremos una gira por ron la versatilidad de Groove Armada, otorgándole Australia, posteriormente en UK y muy probablemente otra perspectiva tanto a los ojos de sus seguidores, visitemos Latinoamérica, donde seguramente les encomo de los nuevos escuchas. Tom lo ve desde esta cantará nuestro nuevo sonido”. óptica: “El nuevo set, nuestro nuevo sonido, tiene más Canciones clásicas de la historia musical de los últoques de rock & roll. Siempre hemos sido una banda timos 20 años, grandes shows y una de las duplas de en vivo: tratamos de incorporar sonidos de guitarra, mayor trascendencia en la electrónica, es lo que Groove batería y todos esos elementos rock, pero nunca lo Armada ha generado en su historia, esa que amenaza habíamos intentado en el estudio. Esta fue la primecon varios años más de trayectoria.\nESTADÍSTICAS BPI Los álbumes más vendidos por género del 2009\nROCK Kings Of Leon Only By The Night Ventas: 1.079 millones\nPOP Lady Gaga The Fame Ventas: 1.389 millones\nR&B JLSJLS Ventas: 0.970 millones\nDANCE The Prodigy Invaders Must Die Ventas: 0.547 millones\nEASY LISTENING Susan Boyle I Dreamed A Dream Ventas: 1.633 millones\nMÚSICA CLÁSICA Katherin Jenkins The Ultimate Collection Ventas: 0.214 millones\nHIP HOP Black Eyed Peas The E.N.D.\nVentas: 1.090 millones\n“LAS MEJORES BANDAS, POR LO GENERAL, SON ESTADOUNIDENSES... PERO EN REINO UNIDO NUESTROS ACTOS PROSPERAN POR LAS IDEAS.”\nMIXED EMOTIONS THERE’S NO OTHER WAY\npero los mismos políticos no moverán un dedo para proteger derechos de propiedad intelectual o para combatir las prácticas criminales de reventa de boletos que perjudican a los fans de la música todos los días. Lo anterior, así, obliga dos preguntas: 1. ¿Por qué demonios WARP MAGAZINE le dedica una edición a la música del Reino Unido? 2. ¿Por qué diablos me dedico a hacer una carrera dentro de ella? El tema de este número ha hecho que me mire en el espejo larga y concienzudamente, y basado en mis experiencias, en mi colección de discos y en la nueva música que llena mis oídos, la escena musical del Reino Unido funciona a pesar de sus imperfecciones. Si de alguna forma puedes superar todas las bondades citadas, anteriormente posadas sobre el talento, con canciones tan fuertes que nadie pueda negar que son grandes, entonces claramente eres un ganador. Esto puede sonar darwinista en el extremo —otra de nuestras exportaciones—, pero es cierto que la adversidad pura de nuestra escena musical fortalece sólo lo mejor. Las mejores bandas, por lo general, son estadounidenses —tienes que estar de gira mucho tiempo, y eso es lo único que te puede ayudar a tocar mejor—, pero en Reino Unido nuestros actos prosperan por las ideas. En serio: si quieres ganarle a un país de cínicos, tienes que pensar rápido. Por eso, durante los últimos diez años, hemos producido el rock de estadio espacial de Muse y el drama inspirado en el funk de fregadero de los Arctic Monkeys; esa es la razón por la que el común denominador entre The Smiths y Simon Cowell —joyas de la Corona— es la genialidad creativa. Todos ellos prosperan por ideas que, sean creaciones originales o no, son extremadamente originales en su ejecución. Todo lo que necesitan saber es que Scouting For Girls (en verdad: una vez más… ¡lo siento!) y en The xx están tocando en un mismo festival, este verano, aquí en Londres, y pueden ver cuánto inspiramos a nuestros idealistas para que siquiera lo noten. Así que, ¡gracias, WARP MAGAZINE!, por el homenaje a la escena musical de Reino Unido. Parafraseando a Winston Churchill, esta es la escena de la música más miserable e imperfecta jamás imaginada por el hombre (con excepción de todas las demás).\nuy bien, esto es realmente difícil. Una vez al mes, durante el último año, he recibido un correo electrónico de WARP MAGAZINE diciéndome cuál será el tema de la edición siguiente, y luego tengo aproximadamente una semana para juntar unas cuantas palabras y resumir una opinión basada en mi experiencia desde Londres. Con este número, dedicado a la música de Reino Unido, siento que si sólo les comparto mi visión británica, sería engañoso. Es más, estoy seguro de que con el beneficio de la distancia, mis colegas de WARP MAGAZINE probablemente podrán identificar las tendencias más populares y momentos clave con más precisión de la que yo —concentrado en un arbusto, sin poder apreciar el bosque— jamás podría lograr. (Me sigue sorprendiendo que, además de nosotros, los británicos, alguien más se preocupe por lo que producimos musicalmente. Después de todo, somos el país que provocó los “fenómenos” Take That, Scouting For Girls y X-Factor en el mundo, algo de lo que me siento muy avergonzado.) Claro que tuvimos suerte en un principio, con los Beatles y los Stones, pero desde entonces hemos tenido la desgracia de evolucionar de manera centralizada, impulsados por el dinero: nada se firma sin una cábala de disqueras con sede en Londres y medios involucrados, mientras que como nación somos un montón de cínicos, felices de dar una buena opinión a cada artista que nos gusta mientras va de subida, para darle salvajemente la espalda durante el descenso, cuando los tabloides cosechan la peor de las venganzas en nombre del interés público. Y económicamente, ¿qué hace la industria de la música por el país? Salvo por algunas almas afortunadas, escogidas en la oscuridad regional de las disqueras, los promotores y medios de comunicación de Londres son los que ven cualquier tipo de pago, todos los días, provenientes de la industria de la música. Y como londinense, a pesar de mis credenciales en la industria musical, les puedo asegurar que beneficia en muy poco a la ciudad —esta ciudad que simplemente atestiguó la demolición del Astoria, pues ni estando en el patio trasero pudimos salvar el mítico local. De hecho, si se gana algún dinero con la música, socialmente se percibe simplemente como una fuente de entretenimiento, en lugar de ser orgullo para nuestros líderes políticos. Mientras países como Canadá e Irlanda ofrecen cancelación de pago de impuestos a los artistas, con la esperanza de replicar las exportaciones culturales británicas, el Ministerio Británico de Cultura, Medios y Deporte sigue siendo un trampolín para políticos deseosos de obtener algunos cargos “más serios”, a pesar de la contribución de las “industrias creativas” a nuestra economía y a nuestra cultura. Claro: Leona Lewis y Robert Plant pueden usarse como propaganda de los próximos Juegos Olímpicos,\nDESTACADO 33 // WARP29 Cobertura Especial Presentada Por:\nGLASTONBURY 2010 Samantha L贸pez & Daisy Heartbraker\nMick Jones con Gorillaz\nel 23 al 28 de junio tuvo lugar la más reciente edición del Glastonbury Festival Of Contemporary Performing Arts que, como cada año, se realizó en Worthy Farm, ubicada en Pilton, al sudoeste de Londres. Este festival —organizado por Michael Eavis—, con el paso del tiempo, se ha convertido en el evento de música y artes al aire libre más importante del mundo. Miles de personas se congregan año tras año para presenciar lo mejor de la música mundial en los más de 29 escenarios que ofrece este gran evento. El 2010 no podía ser la excepción, y menos tratándose del 40 aniversario del Festival. Estos fueron los mejores momentos de Glasto 2010…\nEl viernes 25 de junio amaneció cálido y soleado, siendo uno de los pocos días en los que no cayó ni una sola gota de lluvia sobre Worthy Farm. The Magic Numbers iniciaron actividades en el Other Stage, para ser sucedidos por Joshua Ridan, quien tocó antes que los legendarios The Stranglers. Miike Snow hicieron lo propio en el John Peel Stage, escenario que tomaron los enmascarados para impactar\nrrista de Bloc Party, Kele Okereke, quien presentó temas electro rock de su álbum en solitario. Las actividades del día en The Park fue buena pero, debido a que es un escenario al menos a dos kilómetros de los escenarios principales, fue difícil acercarse constantemente hasta allá. Sin embargo, luego de la presentación de Thom Yorke, The xx fueron los encargados de cerrar las actividades en The Park, demostrando por qué han tenido tanto éxito a pesar de contar con una corta trayectoria. Sus colores en el escenario embriagaron a todos de música y su ejecución fue impecable.\na fotógrafos y audiencia; y no fue sino hasta que se retiraron las cámaras, que los suecos dejaron ver sus rostros y la multitud enloqueció, por lo que la banda se entregó para que al final ‘Animal’ fuese coreada a todo pulmón, lo que sin duda fue uno de los momentos clímax en dicho escenario. Después de recuperar el aliento, la gente se dispersó, aunque muchos permanecieron para la presentación de Tegan & Sara, quienes saludaron a un público joven que ovacionó cada uno de los temas que las canadienses interpretaron con múltiples cambios de guitarras. En el mismo stage siguió el guita-\nThe Edge (U2) y Muse Foto: Cortesía Warner Music\ntró que en Versalles hacen ruido. Empezaron con ‘Lisztomania’ y siguieron con un gran clásico, ‘Long Distance Call’, tocando con el peculiar buen estilo que los caracteriza, mientras eran coreados por la multitud, donde por cierto se apreciaban cinco banderas mexicanas. La acción en ese escenario siguió con Hot Chip, quienes a pesar de un ligero retraso de horario, propiciaron con sus temas que el Other Stage se convirtiera en una gran pista de baile, enmarcada por un hermoso atardecer en el horizonte. Al término de esta gran fiesta, los asistentes —cada vez en mayor cantidad— buscaban el camino hacia el majestuoso Pyramid Stage, escenario principal que el primer día cerró actividades con la banda animada de Damon Albarn, como reemplazos de U2. Así llegó el turno de Gorillaz, quienes con la misma alineación que ocuparon en la pasada emisión de Coachella, interpretaron temas de su reciente Plastic Beach, así como Gorillaz los ya consolidados éxitos ‘Dirty Harry’, ‘D.A.R.E.’ y la sensacional ‘Feel Good Inc.’, en compañía de su invitado especial, Snoop Dogg. Así concluyó el primer día de Glastonbury 2010, y todavía habría más… Snoop Dogg\nEntre tanto, en medio de gente desmayada y fans sin control que querían saltar al escenario, salió Snoop Dogg, que fue recibido Phoenix con una de las grandes ovaciones del día. Con un micrófono que anunciaba su nombre en diamantes, el rapero —que llevaba cuatro años sin poder entrar a Reino Unido por posesión de drogas— conquistó el Pyramid Stage, haciendo que la gente cantara ‘Cuz I’m A Mother Fucker P.I.M.P.’ más fuerte que él. Para cerrar su aparición, Snoop dejó muy en claro las tres cosas que se deben hacer diariamente por la mañana: lavarse los dientes, agradecerle a Dios por estar vivos y fumar marihuana —en este orden. Después de esta declaración, que le valió simpatías y odios por igual, Snoop Dogg cerró con un cover de Bob Marley, haciéndole honor a sus palabras. Phoenix, por su parte, desde el Other Stage, demos-\nEl segundo día en Worthy Farm resultó tan caluroso como el primero. La lluvia brilló por su ausencia en un nada lodoso Glastonbury 2010, que continuó con un excelente line up de artistas. Two Door Cinema Club abrió el Other Stage el 26 de junio, y así inició la nueva jornada. El sonido de esta banda es brit contemporáneo, y podremos disfrutarlo en México el próximo mes de octubre. Por la tarde, en el mismo escenario, la siempre bien recibida Kate Nash tocó todos los éxitos que la han colocado dentro de los charts de la escena mundial. Entre canción y canción, Nash motivó a la audiencia con frases como “No sean tan jodidamente tímidos y aplaudan”, animando también a las chicas para convertirse en compositoras y aumentar los porcentajes que señalan a los hombres como los dominantes, si de cantautores y compositores se trata. En el Pyramid llegó la hora de The Dead Weather, quienes ofrecieron —como ya es costumbre— un set list impresionante, compuesto de temas pertenecientes a sus dos álbumes, Horehound y Sea Of Cowards. Jack White y Alison Mosshart brillaron, como siempre, como la magnética dupla que son, haciendo que cada uno de los presentes no perdiera detalle de sus movimientos y, por supuesto, de las notas que emanaban de cada instrumento. Sin duda, la tercera banda del White Stripe suena cada vez mejor, pues sus integrantes se compenetran haciendo de cada canción un espectáculo diferente, demostrando que la buena música rock aún existe. TDW cerraron después de ‘Die By The Drop’ y ‘Treat Me Like Your Mother’, esta última con un increíble solo de guitarra que recordó ese blues oscuro que creíamos extinto.\nEn el Queen’s Head tuvieron lugar presentaciones comparables a las del mismo Pyramid. Por una parte Band Of Skulls, banda que poco a poco ha captado la atención de medios y público por igual, con su desenfrenado vintage, ofreció lo mejor de su repertorio. Mientras, la dupla Blood Red Shoes, originaria de Brighton, tocó temas potentes de tintes punk rock. En ese mismo stage sonaron Holy Fuck, que con sintetizadores a tope se hicieron notar tanto como cualquiera de los ya consolidados. Ya de regreso en el Pyramid Stage, la colombiana Shakira resultó ser una de las más coreadas, logrando que los asistentes intentaran mostrar sus mejores pasos de baile. En su presentación sonaron varios de sus “clásicos”, incluyendo algún regaetton, así como la mundialmente conocida ‘Esto Es África (Waka Waka)’. Shakira, quien abrió cantando en español, no paró de mover las caderas y apoyar el futbol, haciendo que los ingleses apoyaran a su equipo que jugaría durante el último día del festival. Al igual que sucedió en Madrid, en el Rock In Rio, el músico con el que canta ‘Hips Don’t Lie’ usó el jersey de futbol, pero esta vez del equipo inglés. Al término de Shakira, Scissor Sisters demostraron una increíble genialidad al momento de interpretar sus más recientes composiciones y los éxitos que los han llevado a ser una de las mejores bandas de Estados Unidos. A su divertida intervención se sumó la australiana Kylie Minogue, logrando el clímax de su presentación. Pero esto no fue todo en el Pyramid: para cerrar las actividades en el escenario principal, llegó Muse, que con 1 hora y 45 minutos de música permitieron a más de 40 mil personas disfrutar de un concierto sin duda histórico; y cuando The Edge —guitarrista de U2— apareció en escena para interpretar ‘Where The Streets Have No Name’, ocasionando que el slam y la adrenalina llegaran a su punto máximo en el segundo día de Glastonbury, aquello no hizo más que dejar a todos con ansias de más, luego de ‘Knigths Of Cydonia’, el último tema de Muse.\nDespués de una noche de fiesta, donde cerró Muse espectacularmente, el tercer y último día se presentó a Norah Jones, quien con sus múltiples guitarras y comparando el sol de Texas —de donde es originaria— con la radiante mañana de Glastonbury, complació a sus fans. Pero los no tan fans tenían ganas de algo más, así que mientras Frightened Rabbit y The Bees despertaban los otros escenarios, el Pyramid Stage se preparaba para dar el salto de un country melódico a las calaveras y el buen rock de Slash, quien a pesar de ser juzgado —por seguir creyendo que tiene 20 años y que está en la alineación de Guns N’ Roses—, no esconde el talento que lo caracteriza. Pasando por casi todas las canciones del Slash And Friends, llegaron las esperadísimas ‘Sweet Child O’ Mine’ y ‘Paradise City’, clásicos de la ex banda del guitarrista. Simultáneamente, muchos sufrían con el encuentro de Copa del Mundo Inglaterra-Alemania, que al final dejó tristes a la mayoría en Glasto. Sin em-\nJack Johnson MGMT\nentró el señor Stevie Wonder, en el acto que cerraría el escenario principal y Glastonbury en su 40 Aniversario. El maestro deleitó a la gente con aproximadamente dos horas de éxitos, tocando absolutamente todos los instrumentos y, por supuesto, los espectadores no creían que lo tenían enfrente. Stevie Wonder, conmovido por las ovaciones que por momentos lo hacían dejar de cantar, estuvo a punto del llanto al saberse el rey de 2010 en el Festival. Los demás escenarios cerraban con una gama de opciones impresionante, todas de la mayor calidad musical. Mientras Orbital tocaba en el Other Stage y Ash en el John Peel, Rodrigo y Gabriela pusieron muy en alto el nombre de nuestro país en el West Holts, donde también concluyeron su racha de festivales europeos; y qué mejor que Glastonbury, el festival más grande del mundo, para mostrar que México no tiene fronteras cuando de talento se habla. Pero aquello todavía no terminaba. Si en algo se caracterizan los ingleses, es en tener las mejores fiestas. Así, las carpas electrónicas se encendieron y la mítica Shangri La —la pequeña ciudad decadente que se encuentra dentro de la granja, entre The West Holts y The Park— cobró vida, para seguir con la música; personajes de cuento, celebridades pasadas de sidra y el público que se aferra a que esto no termine, pasan por todos los bares que parecen sacados de un mal sueño de Tim Burton. El sol salió, una vez más, al rededor de las 4:30 a.m. y los DJs no dejaban de tocar. Las enormes filas para regresar a Londres se formaban afuera de la puerta A. La gente, aún borracha de alcohol, de música o de emoción, no sabía si este fin de semana había pasado en realidad. Los estragos llegarán duCobertura Especial rante la semana, mientras Presentada Por: regresamos a la vida real. Sin embargo, Glastonbury deja un sabor de boca único, maravilloso, que dura toda la vida; al menos un año, hasta que llegue su siguiente edición... ¡Y ahí estaremos!\nbargo, los malos tragos pasan rápido con tanta buena música al mismo tiempo: mientras tocaba Keane en el Avalon, los curiosos Grizzly Bear demostraban por qué su disco fue catalogado como el mejor del año por la revista NME. Y como este día estaba preparado para los clásicos, el maestro Ray Davies, de los Kinks, dio clases de voz y guitarra, conmoviendo casi hasta las lágrimas al dedicar uno de sus temas a Pete Quafie, bajista de los Kinks, quien falleciera apenas el 23 de junio. Cerca de las 6:00 p.m., también sobre el escenario principal, la melancolía se convertía en una sensación de confort y playa, mientras el hawaiiano favorito de muchos repasaba su nuevo disco y, por supuesto, todos sus éxitos. Con pancartas de “Lets Make Banana Pancakes”, Jack Johnson salió al escenario con sus descalzos Bubbly Toes para contagiar de buena vibra a todos los presentes. Los ánimos fueron creciendo, y más las ganas de fiesta; así llegó el turno, en el Other Stage, de MGMT, quienes aunque empezaron un poco flojos, poco a poco prendieron al público. Sonaron ‘Electric Feel’, ‘Time To Pretend’ y ‘Kids’, las cuales ocasionaron una fiesta gigante donde el vocalista, incluso, bajó a bailar a la primera fila. Atardecía en la granja y cada vez era más difícil decidir a qué escenario ir: Faithless en Pyramid, LCD Soundsystem en el Other, y Julian Casablancas en el John Peel. Corrió el rumor de que Casablancas tocaría con The Strokes, quienes están a punto de lanzar nuevo disco; pero sólo fueron cuchicheos y el chico, al final, no dejó muy satisfechos a los presentes: aunque tiene una gran voz, su actitud fue muy pesada, haciendo el momento cumbre de su actuación cuando se subió a uno de los postes de luz, provocando que los fans trataran de imitarlo y que la policía llegara por ellos. Por el contrario, LCD Soundsystem, en el Other Stage, no decepcionó a nadie y puso a todos a bailar. Entonces sucedió: parecía que los casi 200 mil habitantes de la pequeña ciudad creada sólo por un fin de semana al año se habían reunido como una gigantesca familia para ver al rey de la noche; no cabía ni un alfiler en el campo del Pyramid Stage y la ovación hizo que el Reino Unido retumbara. Con su característica sonrisa,\nBOMBAY BICYCLE CLUB MANY WAYS\netamorfosis musical” es como se podría definir el trabajo realizado por Bombay Bicycle Club, grupo londinense que ha logrado amalgamar a la perfección rock y folk, este último más presente en su más reciente producción, Flaws, que acaban de presentar a nivel mundial apenas el pasado 12 de julio. Jack Steadman, vocalista de la banda, desde un extrañamente caluroso Reino Unido, habló sobre los proyectos que se han ido sucediendo en poco tiempo y que los han colocado como una de las bandas a seguir en aquel país; y más ahora que ganaron el premio a la Mejor Nueva Banda en la más reciente entrega de los NME Awards. Platícanos un poco sobre Flaws…\nNuestro nuevo disco es muy diferente al anterior; hemos lanzado ya tres materiales en dos años; y nos hemos mantenido muy ocupados. Trabajan mucho, según entendemos… Y tienen planeado sacar un disco muy pronto, ¿es correcto? Así es. Lanzaremos un álbum acústico. Incluirá un track de nuestro primer disco, con algo de nuevos arreglos; pero fuera de ello serán casi sólo temas nuevos; incluiremos muchos B sides, rarezas, etc. Esperemos que a los fans les interese conocer esta parte de nosotros. Glastonbury resulta la tierra prometida para muchos grupos, y Bombay Bicycle Club no es la excepción. Y ya han tenido sus aventuras en el festival más importante del mun-\nCortesía Bombay Bicycle Club\ndo, según cuenta Tom: “Es la segunda vez que tocamos en Glastonbury, lo que significa mucho para nosotros; pero creemos que esta edición es más emotiva: hay mucha gente, ya algo grande, que han tenido la posibilidad de asistir a varias ediciones y ahora, también, al 40 Aniversario, imaginando que será especial. Por eso nos sentimos especiales”. Para Bombay Bicycle Club sigue siendo fundamental utilizar las redes sociales y por este medio se enteran sobre lo que pasa con su música fuera de su tierra. Tom afirma que “hay mucha gente que nos pide, a través de MySpace, que vayamos a México; y ojalá podamos visitarlos pronto. Hemos escuchado que los fans mexicanos, y en general los latinoamericanos, son apasionados. Sería genial que pudiéramos ir”.\nESTADÍSTICAS BPI Ventas por Subgénero en 2009\nROCK (%) Contemporáneo: 18.5 Metal/Punk: 6.6 Álbum Orientado al Rock: 5.3 Progresivo: 0.7 Total 31.1\nPOP (%) Pop: 27.7 Rock N’ Roll: 1.2 Karaoke: 0.1 Total: 29.0\nUna buena propuesta, sin duda, la de BBC, que ha logrado ser ecléctica pura al momento de plasmar en música unos sentimientos que les siguen abriendo puertas. A esta novel banda no hay que perderla de vista.\nTHE BEAUS TRUE BELIEVERS\nSu primer sencillo fue lanzado bajo el sello Circuit Records y desde entonces han sonado en una de las emisoras más importantes, BBC Radio 1. ¿Consideran que esto se debe a su sonido peculiar? Tal vez tiene que ver más con el trabajo constante. No podríamos decir que nuestro sonido es único, y tampoco sabríamos qué etiqueta ponerle. Simplemente disfrutamos combinar, experimentar y hacer lo que nos gusta Sin duda, una de las escenas musicales más prolíficas es la de Reino Unido. ¿A qué creen que se deba esto? Podría no ser algo propio de Reino Unido. Hay muchas bandas en todos lados y, gracias a la tecnología, es posible difundir la música. Las escenas de cualquier lugar se desarrollan rápidamente, eso ayuda a que la\nUna vez el propio Doyà comentó que The Beaus serían la mejor banda del mundo. ¿Creen estar en el camino correcto para lograrlo? Ya lo somos… Ser la mejor banda se trata de creer en tu música, no de niveles de ventas o de popularidad. Es tan simple como amar lo que haces y estar seguro de lo que tocas; por eso sabemos que somos la mejor banda del mundo y que el camino que hemos seguido es el correcto.\n¿Se consideran parte de un movimiento o creen aportar algo nuevo a la escena actual? Sin duda somos parte de una escena, pero ello no implica que tengamos que sonar igual a las otras bandas. Nuestra música es honesta; no nos gusta imitar el estilo de los demás, ni seguir cierta corriente o sonido, simplemente porque está de moda; ello implica que cuando ellos mueran tú morirás. Siempre será mejor hacer algo que tenga un sello propio.\n¿Cómo surgen The Beaus? Somos un grupo de amigos que se conocen desde hace tiempo. Comenzamos a tocar en 2007, hemos lanzado varios sencillos y un par de videos; también tenemos algo de material que aún está por escucharse.\nmúsica crezca en número y en calidad.\non escasos tres años de trayectoria, esta banda originaria de Yorkshire comienza a crecer en la escena musical inglesa, gracias a su sonido peculiar que incorpora diferentes estilos, por momentos con tintes de Arctic Monkeys, pero con aires renovados. Sin miedo a la fusión de ritmos, Mitch Fenn, Doyà Beardmore y Danny Nicklin, nos platican más acerca de su original propuesta.\nCortesía The Beaus\nQ MAGAZINE LOST IN THE SUPERMARKET Anna Stephens\nn 24 Hour Party People, el personaje de Tony Wilson explicaba cómo sucedían los ciclos de los movimientos musicales de moda. Según el dueño y gerente de Factory Records, los géneros musicales se entrelazan para crear un nuevo movimiento, o subgénero, que naturalmente tiene que morir, dejando así un legado para la ola de artistas que están por llegar y que generarán algo totalmente nuevo. Sin embargo, previo a su muerte, el proceso sufre un estancamiento lógico. Es cuando todos nos cuestionamos respecto a la ausencia de bandas o sonidos nuevos que realmente estremezcan la escena. Reino Unido siempre se ha caracterizado por ser una nación clave para el desarrollo de nuevas fórmulas musicales. El generar estas fórmulas y posteriormente apoyarse en los medios de comunicación para el desarrollo y exposición del mismo, es responsabilidad de las bandas. Para entender el funcionamiento mediático y el actual estatus de la música de Reino Unido, WARP MAGAZINE platicó con Paul Reese, Editor de la revista Q Magazine. Paul fue, durante mucho tiempo, Editor de la edición británica de la revista heavymetalera Kerrang! y\nCortesía Paul Reese\nnos da una explicación clara sobre el manejo de Q, los medios amarillistas y lo que a su parecer es la inexistente escena musical de Reino Unido. A lo largo de los 24 años de Q Magazine, la publicación se ha caracterizado por apostar a las bandas establecidas, de trayectoria mediana, pero populares. ¿Cómo es que deciden a qué banda incluir en la revista? Llevamos un calendario de lanzamientos, giras y cosas que van sucediendo en la escena. También nos basamos en una lista que hacemos el año previo, donde se agendan los nuevos lanzamientos, pero también aquello a lo que hay que poner atención. Además tenemos diferentes eventos que también nos mantienen al tanto de qué incluir en la revista, como los Q Awards, festivales y cosas de la escena popular, de la escena grande y establecida, esto porque hay bandas que han estado con Q a lo largo de sus 24 años de historia, como Radiohead, Coldplay, U2, etc., y nos gusta darles seguimiento. Para el caso de las nuevas propuestas musicales, se requiere de mucho trabajo; pensamos mucho en nuestros lectores y hacemos\n¿Qué opinas de la prensa musical amarillista, que le da mayor importancia a la celebridad que a la obra artística? Creo que esa clase de “periodismo” le hace un gran daño a la música. Sugiere que existe una tremenda necesidad de hacer dinero a costa de lo que sea, no sólo por parte del medio, sino también del artista. Degrada el trabajo del artista y acorta el tiempo de vida de su carrera. Esa clase de medios los explota tanto como se les hace interesante y luego lo dejan en el olvido para hacerse de una nueva víctima. Tenemos que darnos cuenta de que esto empobrece la calidad no sólo del artista en cuestión, sino de la escena musical en general. En los últimos tres años, los medios de Reino Unido han gastado más dinero y espacio en escribir sobre bandas que no sobreviven más de un año, que en grupos de trayectoria que pudieran costarles menos dinero y trabajo. Esto al final hace de la música una forma de arte menos indispensable.\nESTADÍSTICAS BPI Los Singles más Vendidos de 2009\nROCK Rage Against The Machine Killing In The Name Ventas: 0.608 millones\nPOP Lady Gaga Poker Face Ventas: 0.882 millones\nURBANO Black Eyed Peas I Gotta Feeling Ventas: 0.849 millones\nDANCE ¿Qué te parece la actual David Guetta/Akon escena musical británica? Sexy Chick Creo que cada año teneVentas: 0.517 millones mos en mente que será un año muy bueno para la música de nuestro país, que causará impacto y trascenderá a otros territorios. A pesar de los lanzamientos de artistas conocidos, en los últimos ocho meses, a mi parecer, no hemos tenido uno bueno y propositivo, que realmente impacte al mercado. Es un fenómeno que sucede a la inversa, en comparación con lo que se hace actualmente en Estados Unidos. En Reino Unido comienza a gestarse poco a poco un nuevo movimiento folk pero, más allá de éste, no creo que tengamos una escena o una banda que lleve el estandarte de movimiento musical alguno. Necesitamos de una banda que unifique al resto de los grupos o de alguna que comience algo nuevo, lo que no lo hemos tenido en los últimos tres ó cuatro años.\nActualmente, para un medio de comunicación, es básico tener un reflejo en los medios digitales. ¿Cómo se ha integrado Q Magazine a éstos y qué ventajas o desventajas les ha traído? Creo que ha sido una gran ventaja poder ofrecer a los lectores ambos medios, el tradicional y el digital. Así tenemos más formas de poder ofrecer a nuestros lectores toda nuestra perspectiva musical. Lo digital lo dejamos como plataforma de apoyo de la edición impresa. En la revista mantenemos los contenidos exclusivos o editoriales propias de Q, aunque debemos admitir que resulta mucho más difícil vender la revista en comparación a hace cinco ó diez años. Sin embargo, estas plataformas nos permiten realizar diferentes eventos, ya sea a través de nuestra estación de radio por Internet o el canal de televisión. Todavía nos falta mucho para explotar debidamente estos medios y entender que responden a un público diferente, uno que busca más la inmediatez de lo nuevo, a diferencia de nuestros lectores tradicionales.\n¿Cómo explicarías el fenómeno de éxito y fama de bandas estadounidenses como Kings Of Leon o The Killers en Reino Unido, pero que en su país pasan casi desapercibidos? Creo que se debe a que Reino Unido es un país más pequeño y a que los medios públicos, como Radio 1, son más especializados y abiertos a las propuestas que llegan al país. Otro factor importante es que en Estados Unidos existe más competencia y cada vez surgen más grupos en menor tiempo. Es por eso que para las bandas norteamericanas es más fácil entrar al mercado británico. Hay que considerar que, en general, los medios de Reino Unido responden con mayor rapidez, más críticamente y con juicios más inmediatos, y es mucho más fácil causar una impresión, buena o mala, aquí, que penetrar el mercado norteamericano.\nuna labor editorial de equipo, donde le apostamos a las bandas que, por lo menos, tendrán una carrera. Nos enfocamos en grupos que tienen una propuesta que durará algo más que un buen sencillo, en aquellos que reten lo establecido y que es seguro que tendrán una trayectoria de al menos cinco años.\nBAND OF SKULLS I KNOW WHAT I AM Sandra Valerio\nINTEGRANTES Russell Marsden – Guitarra / Voz Emma Richardson – Bajo / Voz Matt Hayward – Batería\n“SÓLO SOMOS TRES INDIVIDUOS TRATANDO DE CREAR ESTRUCTURAS RÍTMICAS, MELÓDICAS, QUE TRABAJAN MUCHO; NO HAY MÁS QUE ESO” –RUSSELL MARSDEN\na escena británica es bien conocida por gestar proyectos innovadores y músicos sui generis que, con el paso del tiempo, pueden llegar a convertirse en todo un fenómeno. Si quisiéramos disipar cualquier duda, bastaría con evocar los nombres de The Beatles, Led Zeppelin, The Rolling Stones y, más cercanos a nuestra generación, Radiohead, Muse, The xx y la lista continúa. Cada cierto tiempo, la cuna de creatividad del viejo continente deslumbra con ese algo que suelen llamar “The Next Big Thing”, apelativo que, sin duda, este 2010, define a Band Of Skulls. Originarios de Southampton, ciudad ubicada en\nla costa sur de Inglaterra, Russell Marsden, Emma Richardson y Matt Hayward han creado un sonido que tal vez no represente el clásico brit impecable, pero es esto mismo lo que envuelve a todo aquél que los escucha: armonías, distorsionadores, voces melódicas y reminiscencias vintage se apoderan de cada canción, de tal forma que, como el propio Russell lo explica, “el sonido de Band Of Skulls es como un animal enjaulado, tal vez no encaja en la escena londinense, pero teníamos que dejarlo salir; y aún lo hacemos cada vez que tocamos en vivo. Luego, volvemos a la jaula por algún tiempo”.\ninevitable que las oportunidades le llegaran a Band Of Skulls, quienes ven su éxito como una consecuencia de la honestidad inequívoca al hacer lo que les gusta… ¿Qué han hecho para convertirse en la banda que son hoy en día? Russell: Nuestra tarea no va más allá de crear música que, de alguna forma, emocione a las personas. Sólo somos tres individuos tratando de crear estructuras rítmicas, melódicas, que trabajan mucho; no hay más que eso. Simplemente nos gusta crear canciones emocionantes que no pretendan imitar a alguna otra banda o sonido.\nESTADÍSTICAS BPI Los 10 singles más vendidos en UK en 2010 (hasta mayo) ‘Everybody Hurts’ Helping Haiti Ventas: 619,335 Digital: 44.9% ‘Fireflies’ Own City Ventas: 601,029 Digital: 100% ‘Replay’ Iyaz Ventas: 486,796 Digital: 100% ‘Rude Boy’ Rihanna Ventas: 468,902 Digital: 100% ‘Empire State Of Mind (Part II)’ Alicia Keys 455,455,223 Digital: 100% ‘Pass Out’ Tinie Tempah Ventas: 448,323 Digital: 100% ‘Telephone’ Lady Gaga ft. Beyoncé Ventas: 424,639 Digital: 96.4% ‘OMG’ Usher ft. Will.I.Am Digital: 100%\nLa bestia, entonces, se desató en 2009, cuando el Baby Darling Doll Face Honey, su álbum debut, vio la luz, y el sencillo ‘I Know What I Am’ hizo un gran trabajo como carta de presentación. Pero el resto del trabajo vino cuando la canción ‘Friends’ se incorporó al soundtrack de la cinta New Moon, segunda entrega de Twilight, la exitosa historia de vampiros. En fin, con un sonido potente, al más puro estilo de la vieja escuela, era\nSouth By Southwest y Coachella fueron tan sólo algunos de los festivales en los que se presentaron con éxito, pero la prueba de fuego vino en el marco de esta misma entrevista: Glastonbury 2010. En backstage, al término de su presentación en el Queen’s Head durante el 40 Aniversario de este gran festival, Emma, confiada y relajada, afirma: “Hemos estado en Glasto anteriormente, como público, así que estar del otro lado y poder tocar en el festival es muy especial para todos nosotros. Es un evento con una vibra que no se siente en ningún otro lugar”. Lejos de la vibra que ofrece el evento de Worthy Farm, en Pilton, la experiencia de Band Of Skulls aumenta con el paso del tiempo, ya que sin ser una banda que llena estadios o que lidera los charts alrededor del mundo —al menos no por ahora—, su búsqueda de algo más que los beneplácitos de una escena local es lo que los impulsa a viajar, tocar, y llevar su música hasta donde su espíritu nómada se los permita. Y es que las grandes bandas no nacen, se hacen… ¿Cómo? Tocando. Quien asista a un concierto de Band Of Skulls será partícipe de esta aseveración, ya que la tercia está lejos de sonar como en su álbum debut: las cosas han cambiado notablemente, y para bien.\n3OH3 ft. Katy Perry Ventas: 389,045 Digital: 100% ‘Don’t Stop Believin’’ Elenco de Glee Ventas: 365,232 Digital 100%\nESTADÍSTICAS BPI Los 5 videos musicales más vendidos en UK en 2010 (hasta mayo) This Is It Michael Jackson Ventas: 450,579 Live In Viena Andre Rieu Ventas: 37,807 Moonwalker Michael Jackson Ventas: 37,587\n“TODOS EN LA BANDA EXTRAÑAMOS LOS VINILES; DEFINITIVAMENTE CREEMOS QUE EL VINIL ES LA FORMA CORRECTA DE ESCUCHAR UNA CANCIÓN” –EMMA RICHARDSON\n¿Es importante para ustedes estar de gira constantemente? R: Hemos estado tocando durante casi un año sin descanso y creemos que ha sido gracias a esto que nos hemos vuelto más ruidosos, por así decirlo. Adquirimos más dinamismo en las presentaciones, sonamos un poco diferente al disco, pero nos gusta. Es algo que disfrutamos y esperamos que la gente lo haga también. Además de las giras, la tecnología de nuestros días es una de las herramientas más eficientes para dar a conocer nuevas propuestas. ¿Cuál es su punto de vista\nThe Circua – Live Take That Ventas: 32,503 It Might Get Loud Varios Ventas: 19,113\nacerca de las descargas digitales? E: Son herramientas en cierta forma sanas y necesarias. Como banda, te dan la ventaja de poder difundir tu música; de esta forma, quienes la escuchen y la disfruten, también la compartirán. Obviamente, como músico, debes tener alguna ganancia por ello, así que estamos a favor de crear un balance entre difundir la música y encontrar la forma de costearla para poder seguir haciéndola. A decir verdad, todos en la banda extrañamos los viniles, y sí, descargamos MP3 porque es más cómodo para las giras; pero definitivamente creemos que el vinil es la forma correcta de escuchar una canción.\n•En un principio la banda se llamó Fleeing New York. •Su álbum debut tardó tres meses en estar completamente listo, incluyendo grabación, producción y mezcla. •Russell sobrevivió a un accidente automovilístico ocasionado por tratar de manejar el coche al ritmo de ‘Ace Of Spades’, de Motörhead. •La portada del disco Baby Darling Doll Face Honey está inspirada en pinturas creadas por Emma. •Una exposición de pintura de Emma Richardson se llamó “Meat Me At The Butchers”. •Gracias a la descarga digital de su primer sencillo, ‘I Know What I Am’, en iTunes, la banda fue escuchada por primera vez en Estados Unidos, Francia, Japón, Australia, Nueva Zelanda y Canadá. •El padre de Matt, baterista, tocó en una banda que alguna vez fue telonera de The Rolling Stones.\nque un segundo álbum comienza a gestarse. Seguramente, al igual que su predecesor, el nuevo disco tomará por sorpresa a muchos, incrementará los fans y, probablemente, sea el pretexto ideal para una visita a nuestro país… ¿Tienen planes de visitar Latinoamérica? Esperamos visitar México muy pronto. Delays son amigos muy cercanos, de Southampton, al igual que nosotros, y nos han contado cosas maravillosas de México. Hemos tocado mucho en California, así que nuestra visita a Latinoamérica no parece tan lejana. Esperemos presentar allá el segundo disco.\nAsí justamente, en medio de la añoranza por las viejas tornamesas y todas las ventajas mercadológicas de una nueva era, nace Band Of Skulls, tan simples y complicados como la propia escena de su natal Southampton, tan feroces como sus guitarras distorsionadas y tan honestos como Emma al frente de los sonidos graves en las cuatro cuerdas del bajo: “Se siente bien simplemente tocar en la banda; y no tendría por qué ser diferente si soy chica o no; simplemente tuve la fortuna de conocer a estos tipos y aquí estoy. Se siente bien estar aquí”. La trayectoria de esta gran propuesta apenas comienza. Band Of Skulls avanza con paso firme, por lo\nPresentación de Band Of Skulls en Coachella 2010\nWARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP29\ncarado The Stig y que se sorprende cada vez que se topa con alguien más que no se la pierde. Y es que Top Gear es más que un programa que reseña coches: en principio es un formato sencillo, pero cuenta con tanta producción y tantas ideas maravillosas, que impresiona. Es conducido por tres entrañables personajes: Jeremy, Richard y James, británicos de cepa, con personalidades y edades tan diferentes que la combinación es completamente ganadora. Ese trío, cuando no está fastidiándose entre ellos en el estudio, está compitiendo en la pista; y sí, sí nos darán las especificaciones técnicas de las máquinas a reseñar, pero insisto: eso es lo de menos. Al elenco se le suma el mencionado corredor enigmático, The Stig, vestido completamente de blanco, cuya cara nunca conoceremos, quien además tiene parientes bien chafas (norteamericanos, pues).\nEl atractivo son las pruebas y las condiciones en las cuales se realizan: lo mismo carros pequeños y urbanos, que aviones contra coches; lo mismo cruzar un país en lancha, compitiendo contra el tráfico de los vehículos que tienen el volante a la derecha; incluso pueden visitar una ciudad en la que tienen que comprar, con presupuesto limitado, un auto, y con ese, terminar la competencia, pase lo que pase.\nNo podemos tener suficiente de las actuales series de televisión, en cualquiera de sus géneros, aunque quizá sí, de un año para acá, en lo que se refiere al drama. Así, vemos todas las series de las que la gente habla, todas las que se anuncian en cualquier medio; sin embargo, cuando nos asomamos a la televisión británica nos damos cuenta de que nos perdemos mucho, pero mucho más... Todo un mundo por descubrir y con tan poco tiempo para dedicarle. Top Gear es una serie con la que, en lo personal, experimento algo que hacía mucho tiempo no me pasaba: como era de esperarse —con muy poca publicidad además de la que se realiza de boca en boca—, me la recomendaron, sabiendo de antemano que los automóviles me interesan lo mismo que la fontanería. Pero poco a poco he encontrado gente que la ve, que hace referencia en su Twitter al enmas-\nTop Gear es más que un programa que es reseña coch\nPor si fuera poco, sacan de su entorno a verdaderas estrellas inglesas y las ponen a competir en la ya legendaria pista de prueba de Top Gear (no por nada este territorio será agregado, ahora sí en su totalidad, en el Gran Turismo 5 para PlayStation 3, que saldrá el próximo mes de noviembre). En ésta, cada famoso corre en el mismo auto —uno de costo mediano— y van midiendo sus tiempos. De esta manera hemos visto gente muy reconocida, desde el geniudo juez de American\nIdol, Simon Cowell, hasta el líder de Jamiroquai, Jay Kay; cuando todavía estaba consciente, vimos a Justin Hawkins, de The Darkness, y a otros que no precisamente nacieron en Inglaterra, pero cuya fama es internacional, como Christian Slater manejando un Suzuki Liana; la mismísima ex-Spice Girl, Geri Halliwell, ha participado en la prueba de las estrellas y la aparición del actor Hugh Grant es memorable. Podría seguir enumerando a gente de la talla de Ewan McGregor, el atleta Usain\nBolt, James Blunt o “Ron”, de Harry Potter (Rupert Grint), pero cuando en un programa de televisión logras, en primera, invitar a un Rolling Stone —el caso de Ronnie Wood— y, por si fuera poco, lo pones detrás de un volante, el programa se convierte en una producción de platino. A Top Gear lo podemos ver vía BBC América, en los sistemas de televisión de paga, convirtiéndose en una ventana perfecta para revisar la televisión de calidad que se está produciendo en Inglaterra.\nYa se dieron a conocer los nominados a la entrega del Emmy 2010, el premio más importante de la televisión. Como viene siendo una costumbre desde hace un par de años, parecería que el drama estará dominado por Mad Men, mientras que 30 Rock haría lo propio en la comedia; sin embargo, en tanto que hay series que ya comienzan a levantar la mano en la entrega —pues ya cuentan con la aceptación del público—, podríamos estar en una transición. Tal es el caso de The Big Bang Theory, con la nominación de quien sin duda es la estrella del show, Jim Parsons (Sheldon), en la categoría de Mejor Actor, y es muy probable que ahora sí se lo lleve. Lo mismo ocurre con Glee, que sigue llamando la atención no sólo de bandas como Coldplay —que ya aceptó prestar su música—, sino del jurado, dándole un total de 19 nominaciones, incluyendo Mejor Serie, Mejor Actor y Mejor Actriz De Comedia. Esta será, además, la última oportunidad de Lost para llevarse otro Emmy a la vitrina y reconocer, con trofeo, el fenómeno que fue a lo largo de tantas temporadas. Será también, quizás, la penúltima oportunidad que tengan Steve Carell (The Office) y Alec Baldwin (30 Rock) para llevarse un Emmy por Mejor Actor De Comedia (en el caso de Steve, sería la primera vez, mientras que sería el tercer Emmy para Alec). En el área de drama, veremos si True Blood comienza a llevarse Emmy’s más importantes, capitalizando la atención que está causando. La entrega número 62 del Emmy se realizará el 29 de agosto y será conducida por el comediante y conductor Jimmy Fallon.\nOne Dollar Comic\nBuscando aprovechar la atención que causaría el estreno de la película Watchmen, DC Comics decidió, el año pasado, re-editar, a precio original, el número 1 de esta miniserie —acompañada de otros números 1—, que se convertiría en novela gráfica, buscando que la audiencia comprara la recopilación completa en un solo tomo. El movimiento fue seguido por Marvel Comics, y después se incorporaron Dark Horse Comics e Image Comics, con la re-edición de series de 1 dólar: unos 13 pesos para nosotros. Si esto nos lleva a comprar o no la novela gráfica, que nos viene costando entre 200 y 400 pesos, dependiendo el caso, es otra cosa: las ediciones que siguen saliendo mes con mes son una de las estrategias corporativas que con mayor gusto hemos recibido en últimos años.\nOne Step Beyond 10 momentos del cine-brit para recordar Mario P. Székely\n10. El Tercer Hombre\n(The Third Man, 1949, Dir. Carol Reed)\n9. La Noche De Un Día Difícil (A Hard Day’s Night, 1964, Dir. Richard Lester)\nEn este filme, que se considera el justo antecesor de los videoclips, Ringo, George, Paul y John son vistos tras la lente de Lester como cuatro amigos que lo único que desean es divertirse, contagiando a los demás con su música. La pura secuencia inicial —los cuatro corriendo por Liverpool, saltando por enrejados y burlando señales de tráfico— es suficiente para saborear toda la magia de The Beatles.\n8. Oliver Twist (Oliver!, 1968), de Carol Reed\nRon Moody, como “Fagin”, le da la bienvenida a Mark Lester (“Oliver”), cantando ‘Consider Your Self’; ambos bailan en las calles londinenses, entre cientos de extras que representan todo tipo de oficios, desde policías hasta carteristas. Charles Dickens nunca había sido tan alegre y emotivo como en este momento del cine de color, en pleno ocaso de los musicales.\n7. Lo Que Queda Del Día (The\nRemains Of The Day, 1993), de James Ivory\nPocos adioses —claro, ¡en una estación de tranvía!— como el de este filme, donde Anthony Hopkins, mayordomo de un estadounidense acaudalado, descubre muy tarde al amor de su vida, Emma Thompson, que se va de sus manos y él nunca tiene el coraje para decirle que se quede.\nCual acorazado de guerra, el cine británico siempre ha estado estacionado en las aguas de la cartelera internacional. No hay país que haya desplegado sus colores en cintas de todo género y, además, acostumbrar a los grandes públicos a verlo, como Inglaterra. Después de todo, ellos inventaron el inglés y —gracias al armamento hollywoodense— ese es el idioma que predomina en el celuloide. La mala noticia es que aun los brits han tenido sus guerras sin cuartel contra los yanquis. Sólo James Bond y, recientemente, Harry Potter, han sido productos “hechos en casa”, aunque también cuenten con dólares. Así, cada año, en los Oscar, los británicos se siguen sirviendo con cuchara grande en los renglones de actuación y es que, sin duda, Mr. Shakespeare les dejó un importante legado. En este número de WARP MAGAZINE recordamos una decena de momentos del cine que se hizo en la Isla, amparados bajo la sombra de Buckingham y con el sabor del fish and chips.\ns Bond y, Sólo Jame Harry recientemente, Potter, han sido productos “hechos en casa”\nBasada en la novela de Graham Greene y protagonizada por Orson Welles, esta película lanza la pregunta: “Qué traicionarías primero: ¿A tu país o a tu mejor amigo?” La escena filmada al mejor estilo del cine negro, apunta a los zapatos perfectamente lustrados del personaje del espía interpretado por Welles, sólo para revelar el rostro de la postguerra alrededor suyo, oculto en las sombras; un gato negro lo cruza, como anunciando lo que está por venir en el siglo XX.\n4. Naranja Mecánica (A Clockwork Orange, 1972), de Stanley\n6. La Vida En El Abismo\n(Trainspotting, 1996), de Danny Boyle\nLa “Naranja Mecánica de los noventa”: Ewan McGregor, en plena abstinencia de droga, observa a un bebé gateando en el techo, mientras gira su cuello y lo observa maniáticamente, cual Exorcista. Filme que, apoyado en su soundtrack, marcó a toda una generación, otorgando el reconocimiento mundial a Danny Boyle.\n5. Carros De Fuego (Chariots\nOf Fire, 1981), de Hugh Hudson\nCorriendo en la playa de St. Andrews, descalzos, como llevando alas en sus tobillos, los aspirantes británicos a llevarse una medalla en los Juegos Olímpicos de 1924 avanzan al compás del tema musical memorable de Vangelis.\n3. Los 39 Escalones (The 39 2. Lawrence de Arabia\nSteps, 1935), de Alfred Hitchcock\nEn sus inicios, el “Maestro del Suspenso” obliga a Robert Donant a esposar a Madeleine Carroll para resolver un crimen y atrapar a unos espías, en una secuencia de escenas de alarido entre un tren y un teatro londinense, atados por las muñecas en franca tensión sexual.\nPeter O’Toole, como el personaje histórico T. E. Lawrence, pierde la vida en su motocicleta andando en su vecindario británico, irónicamente, tras haber librado una de las guerras más memorables del mundo árabe, dando ejemplo de conciliación y valentía en el gran desierto.\nLa predicción setentera a nuestro presente mediático no pudo ser más contundente: en la era de la imagen, Malcolm McDowell (Alex), amarrado a una silla, con trinches que impiden que sus ojos se cierren, es condenado a observar un millón de escenas violentas (¿violentas o tranquilas?) para apaciguarlo, mientras su cerebro se apaga, y todo detona en un final triunfante.\n(Hamlet, 1948), de Lawrence Olivier\nY al final, ¿o al principio?, todo se reduce a “Ser o no ser”. La cinta dirigida y actuada por el mismo Olivier, mostró al mundo que un actor puede ser drama, comedia y tragedia a la vez, y que sólo faltaba fotografiarlo para tener un momento inmortal.\nBufanda yuxtapose/ UNISEX / Yuxtapose: 135€\nAutumn Of The Seraphs Coordinación de Moda: Silvia Salvador & Nando Cornejo Fotógrafías: Frank Kalero Styling: Ss Kopp Modelos: Vicente y Milo (Viva Models) Dirección de Arte: Potipoti Graphic Division Locación: Berlín, Alemania\nWARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP29 Vestido gris de punto/\nBerge/ Grey, Black/\nUNISEX/ Berge: 135€\nSiempre puntual al estilo británico, llegan los abrigos pesados marcando las nuevas tendencias que nos comparten los barrios londinenses. Desde que Europa estableció posición social y a fines del siglo XIX se vuelve del dominio popular, ha perdurado caracterizando el retro style de mujeres como las integrantes de Camera Obscura. Las modificaciones han surgido de éste con los distintos largos y las muchas texturas que se acomodan perfecto a las bajas temperaturas. Abotonado o no, es una de las prendas que en invierno otorga a la figura femenina autoridad y estilo. Grandes creaciones de mentes como la de Christopher Bailey son las encargadas que llegue con tal fuerza a las nuevas generaciones que pisan importantes escenarios. En la actualidad el que esta prenda nos cubra no sólo del frío, sino de sofisticación, le ha dado también un aire de protocolo. Marina Lambrini con Marina And The Diamonds, no olvida que gorros y medias son sus fieles acompañantes.\nTexto: Andrea Paz\nJersey gris, mostaza, negro/ Knit Pullover/ Juxtapose/ Black, grey: 165€ Jersey gris/ Knit Pullover / Grey: 155€\nSummertime In Wintertime Texto: Andrea Paz\nLa capital Inglesa se ha vuelto ya la meca del boho chic, del estilo de rockeros como los integrantes de The XX o de Pete Doherty, que tal pareciera tienen todo un look desenfadado pero que en realidad está cuidado hasta el último detalle. Accesorios como las bufandas y guantes que en el Siglo IV fuera artículo de lujo y señal de confiar importantes misiones a caballeros, ahora, además de cubrirlos de las inclemencias del tiempo, son un elemento importante del trendy men londinense. Sacos o sweaters de los cuales han hecho uso innumerables músicos como los ya legendarios The Beatles hasta los chicos de Muse por ser ya de costumbre arraigada en Europa, y de uso versátil por su mezcla de seriedad y formalidad según la combinación, se han convertido en un símbolo que habla de estilo e innovación. Sin importar si es para la hora del té o para asistir a importantes festivales, el empleo de este outfit de sofisticada modernidad siempre será un acierto para seguir muy al estilo londinense.\nWARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP29 Chaqueta mostaza / Dorf / Mohair : 165â‚Ź\nStaff WARP MAGAZINE\nEl equipo Toyota-TempoGoodyear, de Nascar en México, continúa con sus actividades y la ciudad de Puebla recibió a Pepe Montaño, representante de WARP Racing Team. Luego de sufrir un fuerte accidente, que dañó gran parte del auto, el equipo de Pepe Montaño, con sede en Tula, Hidalgo, tuvo que reconstruir el automóvil; en la capital poblana, Pepe impartió algunas pláticas acerca de la gran preocupación que existe en nuestro país por la combinación alcohol/volante y los accidentes que esto ocasiona. El sábado, muy temprano, el equipo llegó a la pista. La organización de Nascar contempla dos prácticas libres, de una hora, más la calificación. En las prácticas se puede ver el trabajo realizado por el equipo de mecánicos, ingeniero y jefe de equipo. Después de la primera práctica fue hora de la calificación: sale entonces cada vehículo a realizar su mejor vuelta, misma que los ubicará en la posición de salida para el día domingo; sin embargo,\ncuando faltaban solo tres de los 36 autos inscritos, la lluvia obligó a cancelar la calificación y, por disposición oficial, el auto de Pepe tuvo que partir desde la posición 29. Llegó así el domingo, en ambiente tenso, pues el día de la carrera es cuando los equipos ponen a prueba su trabajo. Todos los pilotos, desde temprano, tienen que asistir a la junta con el\ndirector de la Serie, quien ofrece los pormenores de la competencia. El piloto de WARP Racing Team necesita estar solo para concentrarse y, minutos antes de la bandera verde, los pilotos deben asistir a la presentación frente al público; así inician los honores a la bandera y la oración. Finalmente, en los altavoces se escucha: “Pilotos: a sus autos”; es\nhora de que los mecánicos ajusten los cinturones del piloto y revisen detalles antes del arranque. Durante la carrera, el jefe de equipo y spotter se comunican por radio con el piloto, y se encargan de prevenirlo sobre posibles accidentes. Pepe Montaño, al frente de WARP Racing Team, reportaba el comportamiento del auto y esto le permitió al jefe de equipo hacer un cálculo de parada en pits, para carga de combustible y cambio de llantas, lo cual permitió al auto escalar posiciones, llegando hasta el puesto 6; sin embargo, por algunas fallas en el motor, cerró en el lugar 10, lo que dejó satisfecho al equipo. “Estoy muy orgulloso de representar a WARP en Nascar. Es un honor que una publicación como esta se haya fijado en nosotros y qué mejor bienvenida que cerrar con un Top 10 en una carrera tan complicada. Esto nos da ánimos para seguir adelante y mejorar en la siguiente fecha”, comentó Pepe Montaño, al término de la competencia.\nSigue y Apoya a\nPILOTO OFICIAL DE...\nPRESENTE en LA Nascar Corona Series 2010 PRÓXIMAS FECHAS Agosto 8 / Guadalajara Agosto 22 / Monterrey Septiembre 5 / San Luis Potosí Septiembre 19 / Ciudad de México Octubre 3 / Querétaro Octubre 17 / Puebla Octubre 31 / Tuxtla Gutiérrez Noviembre 21 / Aguascalientes\nCamouflage Chëla Olea\nCortesía London Fieldwork\nLondon Fieldwork es un proyecto formado por Bruce Gilchrist y Jo Joelson, comisionado por Stour Valley Arts. Es una referencia a la jerarquía taxonómica utópica de la biología, y consiste en una instalación escultórica para animales, en un entorno de bosques, basados en la arquitectura de los palacios de personajes déspotas de la historia. Es una reflexión sobre la naturalización en especies animales —incluyendo la humana—, y acerca de cómo se relacionan con el paisaje, cuál es el desplazamiento ante la expansión del desarrollo social, además de una crítica contundente a la porosidad de las fronteras.\ncreciente La obra refleja la , además brecha entre ricos y pobres dad climática... de la inestabili apelando al deseo de una zona rural con cómodas alternativas de transporte a Londres). También aborda el interés de la expansión urbana, poniendo de relieve los problemas del desplazamiento y la reubicación derivados de la competencia entre lo urbano y lo natural, que ocurre dentro y alrededor de la expansión de las áreas; por ejemplo, Ashford. “Hemos desarrollado las características fundamentales de tres palacios: ‘Mussolini’, ‘Palazzo della\nCiviltà’, Italia, conocido como el ‘Colosseo Quadrato’, en Roma; ‘Stalin’, ‘Palacio de la Ciencia y la Cultura’, en Varsovia; y ‘Ceausescu’, ‘La Casa del Pueblo’ (Casa Poporului), en Bucarest, ahora el Palacio del Parlamento. Para la adaptación del diseño ‘Mussolini’ hemos adoptado la estrategia de creación de un constructor animal de cerebro pequeño, que tiene un repertorio limitado de conductas y es estereotipada y relativamente\ninvariante; a través de esta forma interactiva de la construcción, los animales con cerebros pequeños pueden crear estructuras increíblemente complejas. La pragmática que rodea el dictado de montaje del ‘Palacio de la Ciencia y la Cultura’, es un árbol de haya que se trabajó con formas cilíndricas en lugar de elementos de cuadro y, por esta razón, nuestra referencia cambió al ‘Palacio de los Sóviets’: diseño para un edificio en homenaje a ‘Lenin’, en Moscú, que nunca llegó a construirse.” La percepción sobre el espacio condicional al modus-vivendi de los habitantes de distintas partes de la Tierra es fascinante. Bruce comenta que el secreto para mantenerse vivo en el mundo del arte, es no dejarse seducir por el “alter” del arte. Próximamente, las obras de esta dupla se presentarán en el Ars Electronica Festival, en Linz, Austria, y en el Artist Air Show — bajo la curaduría de Arts Catalyst—, en septiembre próximo, en Escocia.\nTendencias para los proyectos culturales y ecológicos convergen en micro-arquitectura, en una de las más aplaudidas obras de Bruce y Joe en Londres: Super Kingdom (2008). Esta instalación, ubicada específicamente en el bosque antiguo de King’s Wood, en Kent, es una trilogía de casasespectáculo diseñada para los animales nativos llamadas “Ceausescu”, “Mussolini” y “Stalin”. El proyecto es una crítica creativa de la arquitectura histórica y contemporánea, pero también al diseño urbano y a la sociedad, que se plantea como respuesta práctica a la reciente campaña por la comisión forestal para aumentar la biodiversidad. Este proyecto ha dado particular resonancia a actuales preocupaciones económicas y ambientales, magnificadas por los debates en torno de los límites y los peligros del crecimiento económico, la crisis energética, la crisis alimentaria y otros temas relacionados que se destacan en The Copenhagen Climate Conference. La obra refleja la creciente brecha entre ricos y pobres, además de la inestabilidad climática, pero al mismo tiempo subraya la tendencia a reducir la migración a centros urbanos, visto en la publicidad local (cuyo objetivo es atraer a los habitantes de la ciudad para trasladarse a Kent,\nLED ZEPPELIN Rock And Roll Francisco Camino\n“Led Zeppelin”, dos palabras que contienen una enorme carga histórica en la música, resultando difícil escribir de ellos, pues todo lo que hicieron es por demás sabido. Es el revolucionario 1968, año de una evolucionada década. Ese es el momento cuando Led Zeppelin surge en Londres, Inglaterra. Su antecedente inmediato, The Yardbids —cuya alineación estuvo integrada, en distintos momentos, por Jeff Beck, Erick Clapton y Jimmy Page, entre otros—, interpretaba magistralmente el blues mezclado con rock,\nlo que a la postre resultaría esencial en las obras musicales de Zeppelin. Muestra de ello es el tema ‘Rock And Roll’, de su álbum Led Zeppelin IV, en el que el patrón repetitivo característico del blues se nota con esa estructura melódica de guitarra, en combinación con una batería y un bajo estilo rockabilly. Es en 1969 cuando se publica el álbum homónimo de la banda Led Zeppelin, cuya evidente semejanza a The Yardbirds ocasionó severas críticas por parte de la crítica británica, derivando en la negativa —durante toda la\ncarrera de Zeppelin— de publicar sus sencillos en el Reino Unido. Sin embargo, el disco tuvo un gran éxito en Estados Unidos, lo que se complementó con una extensa gira, altas ventas y gran posición en los charts. Así, desde su primer disco, en 1969, y hasta el último, de 1977, grabaron un material por año, con sus respectivas giras y promociones, lo cual no daba descanso alguno. Títulos tan sencillos como Led Zeppelin I, II, III y IV marcaron un hito en la industria, pues las portadas no mostraban título alguno; se daba el pro-\nducto y, de forma natural, la gente hacía los singles y los hits. Con Houses Of The Holy dieron de nuevo un giro a sus sonidos y grabaciones, pero nunca dejaron esa base de rock que los mantiene vigentes luego de 40 años. Su trabajo posterior, Physical Graffiti, de 1973, rompió records de asistencia en un concierto, en Florida, con más de 53 mil asistentes. Con este disco vinieron a modificar el acelerado ritmo de trabajo que traían por cuatro años consecutivos y, sin duda, sirvió para darse un respiro creativo.\nVINTAGE // WARP29 DISCOGRAFÍA • Led Zeppelin (1969)\nLed Zeppelin representa quizá a la última década de innovación y vanguardia de la música en el siglo XX.\nThe Holy (1973)\nLos conciertos de Zeppelin son mucho de lo que vemos ahora. Grandes sistemas de sonido en recintos enormes, solos extensos/intensos de guitarra, bajo y batería. En los conciertos, John Bonham se tomaba una “cuba” por canción y sus solos no duraban menos de quince minutos; John Paul Jones explotaba siempre con nuevos sonidos en el bajo; y Page transpiraba todo su potencial en su guitarra, tanto que, incluso, llegó a tocarla con un arco de violín. Precense, de 1976, fue el último disco de Led Zeppelin. En éste, por vez primera, se les escucha relajados, pausados; la intensidad decae, en parte, por el accidente automovilístico de Robert Plant, que lo llevó a gra-\njuntos; fue un show emotivo pero desastroso, porque no ensayaron y, la verdad, Phill no estuvo a la altura. En 1987, en el 20 Aniversario de Atlantic Records, se reunieron para un concierto; esa vez los acompañó el hijo de Bonham, Jason, quien mostró tablas, aunque su juventud le hizo tener ademanes de soberbia en el escenario, lo que causó la rechifla del público. Dos décadas después, en diciembre de 2007, se reunieron por última vez, para un aniversario más de Atlantic, y de nuevo los asistió Jason Bonham en la batería: las 1000 entradas se agotaron en 13 minutos, y la presentación fue tan grandiosa y significativa que se vieron correr lágrimas en los asistentes. Después de eso, se les ofreció a los sobrevivientes de Led Zeppelin más de 100 millones de dólares para hacer una gira mundial, pero simplemente no quisieron. Led Zeppelin representa quizá a la última década de innovación y vanguardia de la música en el siglo XX, pues siguen siendo una gran influencia de muchos nuevos grupos y artistas.\n• Houses Of\nbar en silla de ruedas. Fue hasta 1979, luego de la recuperación de Plant, cuando salen una vez más de gira, aunque las actuaciones no fueron tan afortunadas, pues con tan pocos ensayos estaban fuera de ritmo. Ya en 1980, Led Zeppelin tenía grandes planes para hacer una gira mundial, empezando en Estados Unidos; sin embargo, el 25 de septiembre, Henry “Bonzo” Bonham muere ahogado en su propio vómito, ocasionado por una excesiva ingesta de alcohol. Los miembros sobrevivientes de la banda nunca pensaron en un sustituto para Bonham, por lo que el 18 de noviembre de ese año anunciaron el fin de Led Zeppelin, aunque estaban obligados a sacar un disco más, por contrato, con Atlantic Records; por ello, utilizando temas que no ocuparon en sus grabaciones anteriores, en 1982 publican Coda, del cual destaca ‘Ozone Baby’. Sólo tres reuniones de Led Zeppelin se han dado después de su separación: en 1985, con motivo del Live Aid —evento en el que el baterista fue Phil Collins—, tocaron cuatro temas\nENCORE: Latitudes Sonoras // WARP29\nMexicolas Birmingham, Midlands, Reino Unido Sandra Valerio\nJamie Evans es el fundador de esta agrupación originaria de Birmingham que con un exitoso álbum llamado X, comenzaron a llamar la atención de la crítica en su país, logrando así compartir escenario con The Cult y formar parte de un festival tan importante como lo es Download. En el 2008 la banda firmó contrato con Sony Music después de una serie de conciertos sold out en Japón al lado de The Offspring; es así como nace una nueva producción titulada The Minerva Suite (2010), álbum que fuera creado en su totalidad por Evans. Bajo la producción de Dan Sprigg (Lost Prophets) y con una nueva alineación, Mexicolas se preparan para promocionar su más reciente disco en Europa, Norteamárica y otros países. Propuesta de dimensiones importantes.\nWarp Diigtal 29\nRevista Digital Warp 29 Warp 29