Tóxico dulce – Lmental\nQué es el azúcar refinado y cómo afecta a nuestro cuerpo\nActualmente la mayoría de los alimentos que compramos contienen azúcar, esta puede ser de diferentes tipos y se puede reconocer en las etiquetas ya que sus nombres terminan en “osa”. La glucosa es el azúcar simple y podemos medir la cantidad que tenemos en la sangre. La fructosa se encuentra de forma natural en las frutas. La sacarosa se puede encontrar en la caña de azúcar o en la remolacha. La leche de vaca contiene lactosa en un 5%. Y la maltosa es un azúcar vegetal-animal, compuesta por dos moléculas de glucosa que se encuentra en el almidón.\nLas frutas y verduras si bien contienen azúcar también aportan agua, vitaminas, minerales y fibra, todo esto ayuda a absorber y metabolizar la glucosa en el cuerpo. Por el contrario, los alimentos industrialmente endulzados poseen más cantidad de azúcar y grasas que no tienen valor nutritivo, esto se debe a que cuando se procesa la caña de azúcar se pierden las vitaminas que contenía originalmente. Es decir que el azúcar que se comercializa es únicamente el extracto de carbono llamado sacarosa.\nEn nuestro cuerpo el páncreas junto con el hígado son importantes reguladores de la digestión y el metabolismo. El páncreas que tiene el tamaño de una mano y se aloja en una curva en la parte superior del intestino, entre el duodeno y el estómago que produce enzimas para el sistema digestivo. También produce hormonas que ayudan al funcionamiento del sistema endócrino. Esencialmente el páncreas cumple funciones importantes en el proceso digestivo y la regulación de los nutrientes en el flujo sanguíneo, en especial de la glucosa.\nCuando digerimos los alimentos se activa una cadena de transformaciones químicas que convierten lo que comemos en nutrientes. Al llegar al intestino delgado la glucosa es absorbida y pasa al torrente sanguíneo. Para digerir el azúcar refinado el cuerpo necesita tiamina, riboflavina, niacina, ácido pantoténico y ácido lipoico. Todos estos nutrientes se encuentran en los alimentos que contienen azúcar de forma natural, pero no en el azúcar procesado, por eso se le llama “calorías vacías”.\nLos alimentos sin valor nutritivo pueden causar que los niveles de azúcar en sangre se eleven, esto a su vez aumenta el nivel de insulina, la cual es una hormona que ayuda a regular la glucosa del cuerpo. Si el azúcar no es utilizada rápidamente por el organismo como energía la insulina la elimina de la sangre, convirtiéndola en triglicéridos en el hígado. Finalmente, estos triglicéridos se almacenan como grasa corporal.\nPara que nuestro cuerpo asimile el azúcar refinado son necesarios ciertos niveles de vitaminas del grupo B y calcio. Al tratarse de un alimento acidificante el cuerpo recurre a las bases alcalinas para neutralizar el azúcar, en el caso del calcio lo debe extraer de las reservas que hay en los huesos. Para obtener vitaminas también utiliza las reservas, esto causa una carencia de nutrientes que a largo plazo puede generar fatiga crónica. Las personas que extraen el 18% o más porcentaje de calorías del azúcar sufren deficiencias de ácido fólico, calcio, hierro y vitamina A y C.\nCarole Palmer, docente de medicina dental en la Universidad de Tufts (Estados Unidos) afirma que el azúcar propicia el deterioro de las cavidades dentales. Las bacterias se alimentan de los azúcares simples, y producen el ácido que daña el esmalte dental.\nRobert Lusting, experto en obesidad de la Universidad de California indica que el azúcar refinado es “un veneno que tiene alta propensión a ser almacenado como grasa corporal”. Agrega que no todos los tipos de calorías se procesan de igual manera en el organismo, sin embargo el azúcar puede resultar más perjudicial que la grasa e incluso también genera los mismos efectos que obstruyen las arterias\nLa principal causante de la diabetes es el consumo de refrescos, bebidas energéticas y gaseosas. Las personas que consumen diariamente una o dos latas de estas bebidas corren un riesgo mayor de desarrollar enfermedades como la diabetes de tipo 2.\nEl hígado es el único órgano responsable de metabolizar la fructosa; por eso si se acumula mucha cantidad, debe trabajar más. El exceso de fructosa lleva al hígado a desarrollar esteatosis hepática (hígado graso) incluso en personas que no consumen bebidas alcohólicas en exceso.\nEl sistema de recompensa del cerebro se activa frente a un estímulo externo y envía señales mediante conexiones neuronales, para que se liberen los neurotransmisores responsables de las sensaciones placenteras. El azúcar genera que el cerebro libere dopamina. Cuando una persona consume poca o nula cantidad de azúcar procesada, el efecto en los niveles de dopamina es similar a una comida balanceada. Sin embargo en un organismo que ingiere mucha azúcar la dopamina en el cerebro no se nivela, es decir que se genera una adicción como sucede con ciertas drogas.\nEl Canal de TED en español nos comparte un video animado donde se explica el efecto que genera el azúcar en nuestro cerebro


HISTORIA Y MODELOS DE PORSCHE\nEl Porsche 356 fue la primera empresa de producción de automóviles. Se trata de un deportivo 2 puertas con manejo ágil y ligero y motor trasero disponible en varias versiones como con techo rígido y convertibles.\nLas innovaciones de diseño continuaron durante los años de fabricación que contribuyen a su éxito y popularidad automovilismo.. La producción empezó en 1948 en Gmünd, Austria, donde unos 50 automóviles fueron construidos.\nEn 1950 se trasladó a la fábrica de Zuffenhausen, Alemania y la producción en general de los 356 continuó hasta abril de 1965, mucho después de la sustitución modelo 911 hizo su debut en el otoño de 1963.\nSe estima que aproximadamente la mitad de la producción total de 78000 356s aún sobreviven\nAntes de la invasión alemana de Polonia, Porsche diseñó y construyó tres Tipo 64 coches para una carrera de Berlín a Roma en 1939 que nunca se ejecuta, entonces, en 1948, a mediados de los chasis de motor tubular 356 prototipo denominado «N º 1».\nEsto ha dado lugar a un cierto debate en cuanto fue el primer modelo de automóviles Porsche, pero el 356 es considerado por Porsche ser su primer modelo de producción.\nEl 356 fue creado por Ferdinand «Ferry» Porsche (hijo del Dr. Ferdinand Porsche, fundador de la empresa).\nAl igual que su antecesor, el Volkswagen Beetle (que Ferdinand Porsche ), el 356 es un cuatro cilindros, refrigerado por aire, motor trasero,\nMientras que el 356 era el cuerpo de un original diseño de Porsche empleado Erwin Komenda, sus mecánicos (incluyendo motor, la suspensión y el chasis) se deriva de la Volkswagen. Los primeros 356, se certificaron en Austria el 8 de junio de 1948, y se utilizan muchas partes Volkswagen para la fabricación.\nA fines de los 50 fueron muchos menos partes comparten en común entre Volkswagen y Porsche. Los primeros 356 automóviles producidos en los órganos de Gmünd, Austria, que fueron a mano en aluminio, pero cuando la producción se trasladó a Zuffenhausen, Alemania, en 1950, había elaborado modelos con cuerpo de acero.\nLa primera 356s vendido principalmente en Austria y Alemania. Desde el primer prototipo en 1948, Porsche tomó alrededor de dos años para la fabricación de los primeros 50 automóviles. A principios de 1950 el 356 ha adquirido cierta fama entre los aficionados de ambos lados del Atlántico por su aerodinámica, el manejo y excelente la calidad de construcción.\nEl aumento de su éxito con las carreras de coches y la carretera trajo a Porsche pedidos de más de 10000 unidades en 1964, y 356, cuando terminó la producción en 1965 de aproximadamente 78000 ha sido producido.\nEl diseño básico de los 356 sigue siendo la misma a lo largo de su vida útil, con evolutivo, mejoras funcionales en lugar de anual superficial cambios de estilo.\nSin embargo una gran variedad de modelos tanto en coupe y convertible formas se produce a partir de 1948 a través de 1965.\nConvertibles, se ofrecieron desde el principio, y en los primeros años 1950 a veces más del 50% de la producción total. El más conocido es el modelo convertible 356 «Speedster», creado a finales de 1954 después de Max Hoffman, el único importador de EE.UU. Porsches, a la empresa por obtener un menor, lanzo altercado americano la versión open-top. Con su baja, rastrillado parabrisas (que podría ser eliminado de las carreras de fin de semana), el cubo y asientos plegables mínimo arriba, el Speedster fue un éxito instantáneo, especialmente en el sur de California. La producción del Speedster alcanzó un máximo de 1171 vehículos en 1957 y luego empezó a disminuir. Fue reemplazado a fines de 1958 por el «Convertible D» modelo. Se ofreció una versión mas sencilla, con un parabrisas más práctico, ventanillas laterales de cristal y asientos más cómodos.\nAl año siguiente, el 356B «Roadster» D convertible sustituirá el modelo de coche deportivo, pero el mercado del amor de arriba abajo con motor fue desvaneciendo; soft-modelo top 356 de ventas disminuyó significativamente en los primeros años 60.\nPara distinguir entre las principales revisiones del modelo, 356 son generalmente clasificados en unos pocos grupos importantes. Loa 356 coupes y «cabriolets» (soft-top), construidos a partir de1954 son fácilmente identificables por su escisión (1948 a 1952) o doblada (en el centro aumentó de 1953 a 1954) parabrisas.\n1955, con numerosos pequeños pero importantes cambios, se introdujo.la 356A\nSu designación interna de la fábrica, «Tipo 1», dio origen a su apodo de «T1» entre los aficionados.\n1957 la segunda revisión de la 356A se produjo, conocida como de tipo 2 (o T2).\n1959, de estilo más significativos y perfeccionamientos técnicos dio lugar a la 356B (un tipo de masa de T5)\n1963 356B T6 1600 Super Coupe\nEl modelo 356B mediados de 1962 se cambió por el tipo de masa de T6 (doble tapa de la cubierta rejillas, de llenado de combustible externo en el guardabarros delantero derecho y ventanas más grandes).\nUn singular «Karmann Hardtop» o «Notchback» 356B modelo (1961 a 1962) fue esencialmente un cabriolet con el cuerpo facultativo cabriolet rígido de acero soldadas en el lugar.\n1964 Se introdujo la última revisión de los 356 fue la 356C\nSe destacó por tener frenos a disco, así como una opción para el más poderoso motor con 95 CV (71 kW) «SC».\nLa producción del 356 alcanzó un máximo de 14151 vehículos en 1964, el año en que su sucesor, el nuevo 911, fue presentado al mercado de los EE.UU. (que se presentó poco antes en Europa).\nLa compañía continuó vendiendo el 356C en América del Norte a través de la demanda de 1965 como el modelo sigue siendo muy fuerte en los primeros días de la 911.\nEl 356 de cuatro cilindros del motor más tarde fue vuelto a introducir en el Porsche del «nivel de entrada» modelo 912, que ofrece entre 1965 y 1969 en respuesta a las quejas de los clientes que la nueva 911 (casi el doble en el precio de la 356) es demasiado caro.\nEl Porsche 356 Carrera (con su especial de cuatro carreras de levas del motor), Super 90 y Speedster modelos están hoy entre las más deseables 356 modelos. Pocos se produjeron 356 Carreras y estos suelen llevar más de 250000 dólares en una subasta. Una 356 Carrera Speedster restaurada (de los cuales sólo unos 140 se hizo nunca) se venderá a alrededor de 300000 dólares en una subasta.\nEl precio de venta original de un Porsche fines de 1950 era de alrededor de USD $ 4000, que era también el precio de un nuevo Cadillac; hoy que regularmente estan entre USD $ 20000 y más de $ 100000 USD en subasta.\nMiles de propietarios de los 356 de todo el mundo mantienen la tradición, la preservación de sus coches y los conducen periódicamente. En los EE.UU, se encuentra el Club del 356 más grande de América.\nAutor tipscomprasPublicado el 20 marzo, 2012 Categorías Acc. para Coches, Acc. para Motos y Vehículos, Accesorios para Vehículos, Autos y Camionetas, Autos, Motos y Otros ..., Otros, Otros\nAnterior Entrada anterior: QUÉ PASÓ CON LAS MARCAS ARO, OLCIT Y DACIA?\nSiguiente Entrada siguiente: COMO ES EL NUEVO FORD S-MAX – FICHA TÉCNICA


Puebla rinde homenaje a comida yucateca – InformatYucatán\nEn este contexto, Mérida como Ciudad Creativa de la UNESCO por su gastronomía atrae la atención de otras ciudades del país, como la capital poblana donde se realiza un homenaje a la comida tradicional con menús especiales en 13 restaurantes, 15 cafés y cinco centros comerciales del Grupo Plaza.\nEl director de Desarrollo Económico y Turismo, Eduardo Seijo Solís acudió en días pasados a la inauguración del homenaje gastronómico en la capital poblana.\nEl funcionario municipal explicó que aunque los platillos los preparan chef poblanos, la compra de los insumos a productores locales permite cerrar el proceso del “Círculo 47”, programa que impulsa el alcalde para revalorizar espacios y actividades productivas en las comisarías del municipio, al tiempo que complementa el proceso para el desarrollo de sistemas alimentarios sostenibles que garanticen el acceso a comida saludable en las ciudades.\n—Con “Círculo 47”, el Ayuntamiento impulsa las actividades agropecuarias para garantizar su sostenibilidad mediante la vinculación a mercados justos, agregando valor a sus productos y difundiendo su valor bio-cultural —recordó—, todo lo cual se cumple a la perfección en esta vinculación con el homenaje en Puebla.\nRecodó que Mérida forma parte de la red de Ciudades Creativas de la UNESCO, integrada por 246 capitales que basan su desarrollo en la creatividad a través de la música, artes populares, diseño, cine, literatura, artes digitales o gastronomía. Mérida fue elegida en esta última categoría para integrarse a la red.\nAdemás de Mérida, México tiene en esa red a Ensenada por su gastronomía; San Cristóbal de Las Casas por las artesanías, Puebla y Ciudad de México por su diseño, Morelia por su música y Guadalajara debido a sus artes digitales.\n—Este homenaje que le hacen a la comida tradicional nuestra en Puebla sin duda deja muchos beneficios, ya que serán miles de comensales, tanto poblaciones como visitantes nacionales y extranjeros, quienes conocerán nuestra gastronomía y seguramente no pocos decidirán visitarnos a partir de esa experiencia —señaló.\nPrecisó que en el homenaje gastronómico estarán presentes platillos que han dado fama mundial a Yucatán, como la sopa de lima, cochinita pibil, el relleno negro, empanadas de chaya y de queso de bola, panuchos, pan de cazón, papadzules, pollo en escabeche, dulce de papaya, pastel de queso de bola, entre otros.\nEl homenaje gastronómico a Mérida se realizó en coordinación con la Secretaría de Turismo municipal de Puebla, cuya titular, Mónica Pride Coppe, expresó su beneplácito por este acercamiento a la comida tradicional de Mérida y enfatizó que esta acción busca incentivar los intercambios de promoción turística entre la capital yucateca y la poblana.\nA la inauguración del homenaje asistieron también Gabriela Echeverría Solís, subdirectora de Turismo del Municipio de Mérida; Alejandro José Covarrubias Ramírez, director general de Grupo Plaza, y Rafael Covarrubias Salvatori, presidente del Consejo de Administración de Grupo Plaza.\nEntregan más de 230 mil paquetes alimentarios en Mérida\nAprueban obras para comisarías del poniente y sur de Mérida


Cinefília Sant Miquel: noviembre 2018\nReino Unido/EE.UU., 1987, 116 minutos\nLa chaqueta metálica (1987) de Kubrick\nDos películas en una; un mismo tema presente en toda su trayectoria... Con La chaqueta metálica Kubrick volvía a la carga tras siete años en el dique seco. Y lo hacía con otra lección magistral (la enésima de su carrera y la penúltima de una filmografía irrepetible), una vuelta de tuerca más en su particular universo en torno a la condición humana y la lucha por la supervivencia.\nPorque seguir las andanzas de ese grupo de reclutas que más tarde será carne de cañón en el sudeste asiático no sólo remite a los senderos ya recorridos en Paths of Glory (1957), sino que incluso uno podría ver en ellos determinadas conductas que ya eran reconocibles en los homínidos de 2001 (1968). En ese sentido, ¿los golpes que se lleva el pobre Lawrence en su litera en plena noche no son, acaso, equivalentes a los que un simio del clan rival propina a su semejante para arrebatarle el mísero charco por el que compiten?\nEn el pasado y en el futuro, como si de una maldición se tratase, la especie parece condenada a tropezar eternamente en la piedra de su mezquindad, perpetuando el mal ya sea en forma de robot que reproduce el instinto depredador de sus creadores o de sargento chusquero especializado en humillar a sus subordinados.\nY, sin embargo (y ahí radica parte de su grandeza), el genial Kubrick, pese a ser un maestro consumado en el arte de contar historias mediante imágenes, no tiene el más mínimo inconveniente en apropiarse de algún que otro hallazgo atribuible a cineastas de la talla de John Ford. ¿O es que el francotirador "invisible", que luego resulta ser una adolescente del Viet Cong, no parece aludir clarísimamente a La patrulla perdida (1934)?\nPublicado por Cinefilia en 14:27 No hay comentarios:\nEtiquetas: Adam Baldwin, Arliss Howard, Dorian Harewood, Jan Harlan, Matthew Modine, R. Lee Ermey, Stanley Kubrick, Tim Colceri, Vietnam, Vincent D'Onofrio\nPetit aldarull (2017)\nTítulo en español: Pequeño altercado\nA diferencia del enfoque exclusivamente militante de Diada 2013, el jolgorio desenfrenado de Petit aldarull muestra, además, la cara festiva de la vida cotidiana en Cataluña a través de sus diferentes celebraciones populares: el bullicio, la música, la infancia, la algarabía centelleante de los correfocs... Aunque también, al final, se incluyen apuntes de manifestaciones de signo anticapitalista o, incluso, contra la ley Wert. Un primer plano del vientre orondo y turgente de una embarazada sirve como conclusión, tal vez aludiendo a la esperanza de un mundo mejor para el futuro recién nacido.\nEtiquetas: Manel Muntaner\nLa Diada 2013 (2013)\nEspaña, 2013, 35 minutos\nTal y como recogía Óscar Hernández en la contraportada de El Periódico de Catalunya hace ahora unos meses (edición del jueves 31 de mayo), desde el año 2000, Manel Muntaner está documentando a pie de calle una parte considerable del activismo en Barcelona. El proyecto, la primera experiencia del colectivo BCN XXI, ha consistido en editar, sin voz en off ni explicaciones innecesarias, las once horas de metraje original adoptando un punto de vista alternativo y opuesto a la versión oficial de los acontecimientos.\nAsí pues, las imágenes captadas con su NKTV-mixer 8x8 se han montado de manera analógica y experimental a partir de varias fuentes audiovisuales que las han reproducido simultáneamente a tiempo real mientras una máquina de edición automática las iba mezclando de forma aleatoria. El resultado final son dos horas de materiales de donde se han escogido hasta diecisiete fragmentos como resumen del material filmado.\nVistas con un lustro de distancia y teniendo en cuenta el ritmo vertiginoso con el que se han sucedido (y se suceden) los acontecimientos en la convulsa vida política catalana, La Diada 2013 muestra un panorama que ha quedado prematuramente obsoleto. Y no tanto por las proclamas y cuantiosas referencias independentistas, sino porque las siglas de los partidos y las caras de sus líderes han variado sustancialmente en apenas cinco años.\nQuienes lo deseen pueden acceder al vídeo en https://vimeo.com/108932897\nEtiquetas: Antoni Castellà, Jordi Portabella, Josep Rull, Manel Muntaner\nEspecial 84 (1984)\nEspaña, 1984, 48 minutos\nAl desaparecer la Viejalengua se habría roto el último lazo con el pasado. La historia ya se había reescrito, pero algunos fragmentos de la vieja literatura sobrevivían aquí y allá, imperfectamente censurados, y mientras persistiera el conocimiento de la Viejalengua era posible leerlos. En el futuro tales fragmentos, incluso si sobrevivieran, serían inteligibles e intraducibles.\nHomenaje a la profética novela de Orwell cuyo texto recita en off el propio Manel Muntaner con una cadencia que irá progresivamente in crescendo hasta alcanzar el tono enardecidamente febril que caracteriza una de las distopías más alucinantes que jamás se hayan concebido.\n"Premio especial a la experimentación" en la 27 Semana Internacional de Cine de Barcelona de 1985 y Primer premio en el III Festival de Vídeo dels Països Catalans de Estavar, el estilo de Especial 84 (con recortes de prensa que aparecen en pantalla) denota la influencia del Nunes de Sexperiencias (1968), título mítico y clandestino de la Escuela de Barcelona en el que el propio Muntaner intervino como ayudante de dirección.\nLos interesados pueden ver el filme en https://www.apologiantologia.net/db/?q=es/node/18422\nEtiquetas: George Orwell, Manel Muntaner\nFull blanc (1978)\nTítulo en español: Hoja en blanco\nEspaña, 1978, 40 minutos\nFull blanc (1974-1977) de Manel Muntaner\nSi Nunes fue el proletario de la Escuela de Barcelona, la inconfundible figura de Manel Muntaner va todavía más allá: es ese personaje entrañable y algo pintoresco del paisaje urbano barcelonés, asiduo de la Filmoteca, elemento activo del efervescente asociacionismo local, un tanto yayoflauta (sin ánimo de ofender) por lo jovial de su atuendo, aunque decididamente ácrata en lo que a actitud vital se refiere.\nCon motivo de su octogésimo aniversario (ochenta lozanas primaveras, todo hay que decirlo), la cinemateca catalana le dedicaba esta tarde una sesión de homenaje en la que se han dado cita amigos y curiosos para conocer más de cerca una muestra bastante representativa de su filmografía como cineasta amateur.\nEl primero y más antiguo de los cuatro trabajos que se han proyectado debe su título a una cita extraída del Libro rojo de Mao en la que el líder chino definía una hoja en blanco como la superficie ideal sobre la que construir un mundo nuevo. Pronunciada el 15 de abril de 1958 con motivo de la inauguración de una cooperativa, el texto exacto decía así: «Entre otras características de la población de seiscientos millones de China, se destaca su pobreza y desnudez. Ésta parece una cosa mala, pero en realidad es buena. La pobreza impulsa el anhelo de cambio, de acción, de revolución. En una hoja de papel en blanco, desnuda, se pueden escribir las palabras más nuevas y hermosas y pintar los cuadros más originales y bellos».\nCine combativo en la línea de Bresson, rodado con escasos medios y a lo largo de varios años, en el que el papel principal recae sobre una joven Rosa Raich, a la sazón compañera sentimental de Muntaner y que, lamentablemente, hoy no ha podido asistir por hallarse en el hospital.\nEtiquetas: Filmoteca de Catalunya, Manel Muntaner, Mao, Rosa Raich\nTítulo original: Une flamme dans mon cœur\nFrancia/Suiza, 1987, 107 minutos\nHará cosa de un par de meses, escuchaba atónito en un espacio informativo de la televisión autonómica catalana la relectura que una experta en no sé qué hacía del popular "Every Breath you Take" de The Police. Según esta buena señora, el tema (compuesto por Sting en 1983) no es la balada romántica que hasta la fecha todo el mundo creía, sino la perturbadora amenaza de un acosador que, en el estribillo, le dice a su víctima aquello tan célebre de "I'll be watching you" ('Te estaré vigilando').\nA la luz revisionista de estos replanteamientos tan en boga, me pregunto qué dirán los abanderados del Me Too de una película tan sumamente voluptuosa como Une flamme dans mon cœur. No lo sé y, en cualquier caso, aquí los emplazo para que nos hagan llegar sus opiniones. Lo que sí me consta, y de muy buena tinta, es que para quienes la vieron en el momento de su estreno (hace de esto ya más de tres décadas) la sensualidad desbordada de la protagonista (una despampanante Myriam Mézières que esta tarde presentaba su autobiografía, titulada El sol tiene una cita con la luna, en la Filmoteca de Catalunya) supuso una deleitosa bocanada de aire fresco.\nQue, no obstante, deja entrever un poso de tristeza, subrayado por las no menos melancólicas notas de la Sonata nº 1 y la Partita para violín nº 2 de Bach. En efecto, Mercédès es una mujer en apariencia fuerte, pero que alberga una enorme fragilidad en su interior. La misma que la conduce al borde de la depresión y a alimentarse únicamente de cereales cuando uno de sus amantes (el periodista Pierre, al que ha conocido casualmente en el metro y con el que, más adelante, viajará a Egipto) se ausenta, por motivos profesionales, durante una temporada; la misma que, previamente, la había hecho caer bajo el influjo del posesivo Johnny.\nEl suizo Alain Tanner se sirve de la sobriedad del blanco y negro para confeccionar una estampa tan profunda como impúdica del personaje central, esa hembra de belleza casi animal que, con la única ayuda de un enorme gorila de peluche, es capaz de dejar boquiabiertos, en la impactante escena que tiene lugar en el parisino bulevar Barbès, a los lugareños que se agolpan frente a la sórdida barraca de feria donde actúa.\nPublicado por Cinefilia en 17:08 No hay comentarios:\nEtiquetas: Alain Tanner, André Marcon, Azize Kabouche, Benoît Régent, Egipto, Filmoteca de Catalunya, Jean-Gabriel Nordmann, Jean-Yves Berteloot, Myriam Mézières, Suiza\nTítulo francés: Le martyre de la Catalogne\nEspaña, 1938, 25 minutos\nSe acaba de publicar Laya Films i el cinema a Catalunya durant la Guerra Civil, monografía a cargo de Esteve Riambau en la que el director de la Filmoteca de Catalunya lleva a cabo un pormenorizado análisis de los noticiarios que realizara la productora del Comisariado de Propaganda de la Generalitat republicana durante la contienda. El libro se presentó hace unos días en la sede del Raval y fueron varios los reportajes proyectados a modo ilustrativo, entre ellos el que pasa por ser uno de los documentos más espeluznantes de los efectos devastadores de la barbarie fascista: Catalunya màrtir.\nSon apenas veinticinco minutos, pero de una contundencia tan sumamente explícita que, ochenta años después de los bombardeos a los que la aviación italogermánica sometió a la población civil de ciudades como Barcelona, Granollers o Lleida, sus imágenes siguen apelando a nuestra conciencia con la misma inapelable firmeza. De hecho, la película aspiraba a ser un llamamiento a la ayuda internacional y, a tal efecto, se llevó a cabo un pase de la misma en los Campos Elíseos de la capital francesa al que asistieron numerosas personalidades del mundo de la cultura, entre otros el mismísimo Jean Renoir.\nEscrito y narrado en francés por Jaume Miravitlles, Le martyre de la Catalogne muestra algunos de los destrozos causados sobre la ciudad condal en puntos como las Escuelas Francesas, la cúpula de Santa Eulalia o la confluencia de Gran Vía con la calle Balmes, mientras suenan de fondo las notas compungidas del Adagio lamentoso de la Patética de Chaikovski. En el tramo final vemos los alrededores de un cementerio leridano donde yacen sobre el suelo los cuerpos sin vida de las víctimas de los bombardeos, mayoritariamente niños.\nCiertamente, hoy en día se podría poner en tela de juicio el tremendismo de muchas de esas imágenes por la indisimulada morbosidad con la que se recrean en el sufrimiento ajeno, si bien conviene no perder de vista, al mismo tiempo, el contexto en el que fueron filmadas y, sobre todo, la finalidad abiertamente propagandística con la que serían posteriormente montadas y dadas a conocer.\nPublicado por Cinefilia en 20:41 No hay comentarios:\nEtiquetas: Esteve Riambau, guerra civil española, Jaume Miravitlles, Laya films, Ramon Biadiu\nJapón, 1948, 75 minutos\nMujeres de la noche (1948) de Kenji Mizoguchi\nSin duda, algo debe de tener la literatura folletinesca decimonónica cuando tanto atrajo a los realizadores clásicos de las entonces emergentes cinematografías china y japonesa. Hace año y medio ya tuvimos ocasión de comentar el caso de Nuevas mujeres (Xin nü xing, 1935) de Chusheng Cai (1906–1968) en la que una joven promesa de la literatura se veía forzada a comerciar con su cuerpo en el Shanghái anterior a la revolución comunista para sufragar la costosa curación de su hijita moribunda.\nNo muy distinto es el argumento de Mujeres de la noche, dirigida más de una década después por el hoy venerado Kenji Mizoguchi. Sólo que, en su caso, son los rigores de la posguerra los que obligan a la viuda Fusako (Kinuyo Tanaka) a prostituirse en los suburbios del Barrio Rojo de Osaka. Claro que su hermana Natsuko (Sanae Takasugi) no corre mejor suerte, puesto que ejerce como bailarina en un night-club llamado muy significativamente Hollywood.\nA diferencia de la estilización de sus producciones de época, nos hallamos ante un Mizoguchi absolutamente descarnado que ha sabido asimilar el modelo propuesto por el Rossellini de Roma città aperta (1945). Un cine de circunstancias, hecho a pie de calle, en el que pueden aún apreciarse las recientes heridas de un país en ruinas tras la dura derrota infligida por el bando aliado durante la conflagración mundial. Son las mismas en las que, ya a principios de los cincuenta, se atreverá a profundizar su discípulo Kaneto Shindô (1912–2012) mediante filmes de título tan explícito como Los niños de Hiroshima (1952).\nEn cualquier caso, y a despecho de la sordidez aquí retratada, conviene no perder de vista que buena parte de los elementos que conforman la feroz crítica social de Mujeres de la noche obedecen a motivaciones meridianamente autobiográficas. Tal es el caso de la sífilis que contrae Natsuko, la misma enfermedad que previamente había hecho enloquecer a la esposa de Mizoguchi, o la venta de la hermana mayor del cineasta como geisha, hechos ambos que pesarían sobre su conciencia hasta degenerar en un verdadero complejo de culpabilidad.\nPublicado por Cinefilia en 15:44 No hay comentarios:\nEtiquetas: Japón, Kenji Mizoguchi, Kinuyo Tanaka, Sanae Takasugi, Yoshikata Yoda\nAlemania, 1922, 84 minutos\nLos estigmatizados (1922) de Carl Th. Dreyer\nUno de los títulos menos divulgados de Dreyer sea quizá esta cinta rodada en Alemania, pero que situaba su acción en los pogromos que tuvieron lugar en la Rusia zarista hace ahora exactamente cien años. Tema en apariencia insólito tratándose de la obra de un cineasta danés, si bien muestra bien a las claras cuál era el caldo de cultivo del antisemitismo imperante en buena parte del continente europeo.\nEl guion, basado en la novela homónima de la también danesa Aage Madelung, tomaba como referencia la historia de amor imposible entre la ingenua Hanne-Liebe (Polina Piekowskaja) y su vecino Fedja (interpretado por el futuro director Richard Boleslawski). Su relación, narrada desde la más tierna infancia, cuando son apenas dos mocosos que se dedican a robar las manzanas de algún huerto cercano, deberá superar no pocos obstáculos a lo largo de toda una vida en el contexto de las persecuciones orquestadas desde el poder contra el pueblo hebreo.\nHanne-Liebe (derecha) con su hermano Jakow (Vladimir Gajdarov)\nTal vez por la visión que ofrece de los judíos, sucesivamente, como víctima propiciatoria de la intolerancia zarista, cristiana e incluso soviética, Los estigmatizados se convirtió muy pronto en una película cuyo visionado debía de resultar enormemente incómodo para la mayor parte de sectores de una sociedad dispuesta a culpabilizarlos de todos los males que la aquejaban. Lo cual explicaría, hasta cierto punto, que se hubiese retirado de la circulación durante décadas, hasta que el Danske Filminstitut, en colaboración con la Cinémathèque de Toulouse, decidieron rescatarla para su restauración.\nRodada con el concurso de un elenco de actores internacional, Die Gezeichneten habla sin tapujos tanto de traidores de la causa revolucionaria como de espías infiltrados en uno u otro bando. Así pues, destaca la presencia en el reparto de esos monjes con aire de Rasputín que son, en realidad, confidentes de la policía dispuestos a abortar mediante sus delaciones las actividades de los subversivos.\nPublicado por Cinefilia en 20:47 No hay comentarios:\nEtiquetas: Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, Richard Boleslawski, Rusia, Vladimir Gajdarov\nTítulo alternativo: Crimen en "La Ratonera de Oro"\nEspaña, 1959, 89 minutos\nDe espaldas a la puerta (1959) de J. Mª Forqué\nLo claustrofóbico de su acción, rodada casi exclusivamente (salvo el plano final) en el interior de una sala de fiestas, y la presencia de Alfonso Paso en los títulos de crédito como autor del guion ponen de manifiesto el origen teatral de este filme policíaco de Forqué, tal vez uno de los títulos menores de su extensa filmografía.\nTambién el nombre del local ("La Ratonera de Oro") así como la trama, consistente en averiguar quién es el asesino de entre un grupo de personas encerradas en un mismo espacio, dejan entrever una más que evidente influencia del universo literario creado por Agatha Christie.\nLuis Prendes interpreta al típico inspector veterano con cara de pocos amigos y ya de vuelta de todo, mientras que Arévalo, su ayudante (un José Luis López Vázquez que no acaba de sacarle todo el partido a la vis cómica que explotará en años venideros), se afana en hacer méritos para que lo exoneren del fastidioso servicio nocturno. Mientras tanto, una inocente aspirante a bailarina llamada Patricia (Elisa Loti) sufrirá las iras de algún miembro de la compañía, celoso de su juventud y del interés que despierta entre los clientes en tanto que chica de alterne, por lo que será atacada, tal y como señala el título, "de espaldas a la puerta".\nPuede que el interés de una película como ésta radique no tanto en su supuesto suspense (que, francamente, no llega a tal) ni en esa especie de femme fatale carpetovetónica encarnada por Emma Penella, sino en una inteligente estructura articulada a base de continuos flashback. Por lo demás, no deja de ser la típica producción en blanco y negro, rodada en los madrileños Estudios Chamartín, para mayor lucimiento de los artistas que ocupan el escenario, encabezados por La Chunga, quien protagoniza un número antológico bailando descalza junto a su cuadro flamenco.\nPublicado por Cinefilia en 19:14 No hay comentarios:\nEtiquetas: Alfonso Paso, Amelia Bence, Elisa Loti, Emma Penella, Félix Dafauce, Irene López Heredia, José Luis López Vázquez, José Marco Davó, José María Forqué, Luis Peña, Luis Prendes\nJapón, 2016, 118 minutos\nDespués de la tormenta (2016) de Koreeda\nRyôta es lo que habitualmente suele llamarse un adán: entrañable y, en el fondo, buen tipo, pero un poco patán al fin y al cabo. Novelista cuya estrella hace tiempo que se apagó, se gana la vida como detective privado de pacotilla con el doble objetivo de pasarle a su exmujer la ayuda económica destinada a la manutención del hijo que tienen en común y gastarse el resto en las casas de apuestas.\nPorque el desastrado Ryôta (Hiroshi Abe) heredó de su difunto padre la afición por la lotería, las carreras, las máquinas de pachinko y cualquier otro sistema que permita fantasear con la posibilidad de hacerse rico sin apenas esfuerzo. Como le dice a la que fuera su esposa (Yôko Maki) y de la que, en realidad, sigue enamorado: "La lotería no es un juego, sino un sueño que compras por trescientos yenes".\nComo sucede en la mayor parte de la filmografía del japonés Hirokazu Koreeda, la familia es el tema central sobre el que gira la trama de Después de la tormenta. Unos vínculos, tanto afectivos como personales, que, tal y como reza el título original del filme (Umi yori mo mada fukaku) acostumbran a ser "incluso más profundos que el océano".\nDe hecho, el torpe Ryôta no levanta cabeza desde la publicación de su prometedor primer libro porque está convencido de que su padre no lo valoraba suficientemente. Aunque lo curioso del caso es que, sin él proponérselo, se arriesga a repetir el mismo patrón con su propio hijo, motivo por el que decide retomar el contacto con él. En ese sentido, la escena en que ambos se guarecen del tifón en el enorme tobogán con forma de pulpo del parque del barrio no es sino un intento de revivir uno de los escasos recuerdos amables que Ryôta conserva del padre, puede que incluso un propósito de enmienda como el del profeta Jonás en el vientre de la ballena. Es por ello que el hecho de que Kyôko baje a reunirse con ellos en el interior del monstruo marino abre las puertas a la posibilidad de una reconciliación, tal vez maquinada bajo la sabia y atenta mirada de la abuela (Kirin Kiki).\nEtiquetas: Hirokazu Koreeda, Hiroshi Abe, Japón, Kirin Kiki, Lily Franky, Satomi Kobayashi, Yôko Maki\nEE.UU./Francia, 1986, 133 minutos\nMaxine, la viuda del saxofonista Dexter Gordon (1923-1990), visitaba en la tarde de hoy la sede de la Filmoteca de Catalunya para presentar Sophisticated Giant, el libro que ella misma ha escrito sobre la vida y el legado de quien fuese uno de los tenores abanderados del bebop y estandarte del sello Blue Note. Y, como no podía ser de otra manera, el filme elegido para ilustrar la sesión ha sido la mítica 'Round Midnight (1986), emotivo homenaje que el francés Bertrand Tavernier dedicara al mundo del jazz inspirándose en la figura de los no menos legendarios Bud Powell y Lester Young.\nLa película, ambientada en el París de finales de los cincuenta, le valió a Gordon la nominación al Óscar como mejor actor de aquel año (premio que finalmente iría a parar a Paul Newman por El color del dinero). Aunque fueron las palabras de Marlon Brando, quien elogió las dotes interpretativas de Gordon en su papel del jazzman ficticio —y un poco filósofo— Dale Turner, lo que verdaderamente haría ilusión al músico.\nEl verdadero mérito de la película es su banda sonora, interpretada por Herbie Hancock y virtuosos de la talla de Wayne Shorter, Chet Baker, Bobby McFerrin o el vibrafonista Bobby Hutcherson. De hecho, todos los números musicales que contiene 'Round Midnight fueron interpretados en directo, por lo que otro de los alicientes de la cinta radica en que las versiones que aquí se escuchan no son las mismas que contiene el álbum editado por Columbia.\nNo obstante, hay que admitir que el guion carece de fundamento y que hoy en día, diluida definitivamente la frontera entre cine de ficción y cine documental, es muy probable que la película se rodase de un modo muy distinto, prescindiendo del inverosímil personaje que interpreta François Cluzet y de toda esa subtrama un tanto ñoña del padre que se hace cargo de su hija tras ser abandonado por la esposa. Con todo, ello no es óbice para que la voz cavernosa del colosal Dexter (medía casi dos metros) se mantenga como uno de los atractivos del filme, a la vez que la inesperada presencia de Martin Scorsese en un breve papel ya hacia el final, cuando la acción se traslada momentáneamente a Nueva York.\nPublicado por Cinefilia en 21:12 No hay comentarios:\nEtiquetas: Bertrand Tavernier, Bobby McFerrin, Chet Baker, Dexter Gordon, Esteve Riambau, Filmoteca de Catalunya, François Cluzet, Herbie Hancock, jazz, Joan Anton Cararach, Martin Scorsese, Maxine Gordon, Philippe Noiret\nJapón, 2013, 121 minutos\nEs curioso hasta qué punto la institución familiar supone un tema recurrente que el cine japonés ha abordado en no pocas ocasiones. Probablemente, cabría pensar, porque el desmesurado crecimiento económico del gigante asiático, a lo largo de los últimos cien años, ha sido de tal magnitud que sus estructuras sociales por fuerza han debido verse profundamente transformadas. Así pues, y ya desde Ozu, la filmografía nipona ofrece una amplia gama de familias de toda condición y ralea hasta llegar a esta enésima relectura de dicho concepto que representan las películas del aclamado Hirokazu Koreeda.\nEn De tal padre, tal hijo —y con el "Aria" de las Variaciones Goldberg de Bach sonando como telón de fondo— el director parte de una trama típicamente folletinesca (dos niños, pertenecientes a clases sociales diametralmente antagónicas, son intercambiados al nacer) para, a continuación, atreverse a cuestionar si los lazos de sangre son más fuertes que la mera convivencia. Planteamiento no exento de polémica en el que, por cierto, vuelve a insistir en la reciente Un asunto de familia (2018).\nRyota (Masaharu Fukuyama) es el típico ejecutivo adicto al trabajo, hasta el extremo de invertir todo su tiempo en los diferentes proyectos que supervisa. Los Saiki, en cambio, son mucho más modestos en la forma de vida que llevan, pero juegan con sus hijos a diario. Disparidad de criterios que se pone de manifiesto cuando, en el transcurso de una conversación, el primero se justifica diciendo: "Hay cosas en mi trabajo que sólo puedo hacer yo". A lo que el humilde Yudai (Lily Franky) replica tajante: "Ya: pero tampoco puede nadie hacer de padre por usted...". Sabia reflexión que, por desgracia, podría hacerse extensible a tantísimos hogares del primer mundo.\nLos niños —cuyo tratamiento recuerda, en cierta manera, el enfoque de la infancia que el mencionado Ozu llevaba a cabo en la entrañable Buenos días (1959)— acogerán con recelo la decisión de irse a vivir con sus respectivas familias biológicas. Cautela que no hace más que poner de manifiesto la necedad de los adultos, sobre todo en el caso del vanidoso Ryota, quien, inconscientemente, está repitiendo con el pequeño Keita los mismos errores que su padre (un hombre arrogante y sin amigos) ya había cometido con él.\nEtiquetas: Hirokazu Koreeda, Isao Natsuyagi, Japón, Jun Kunimura, Keita Ninomiya, Kirin Kiki, Lily Franky, Machiko Ono, Masaharu Fukuyama, Shôgen Hwang, Yôko Maki, Yoshida Yoh\nEE.UU./Francia, 1997, 134 minutos\nDe todas las películas de Lynch, Carretera Perdida es la más asombrosa en virtud de la confusión de las pistas narrativas y del modo en que permite acumular las hipótesis de interpretación. En ella, el cineasta demuestra un talento consumado a la hora de distribuir señales ambiguas, para crear un clima de conspiración permanente y modelar las atmósferas.\nTraducción de Antonio Francisco Rodríguez\nAvanzamos a toda velocidad sobre la línea discontinua de una autopista en plena noche. De fondo, la voz angustiada de Bowie entona una canción de ritmo trepidante. Amarillo y negro: todo aquel que haya visto Lost Highway habrá reconocido de inmediato en esta descripción la escena que abre y cierra la película. Sin embargo, lo que ocurre entremedias es un poco más difícil de precisar...\nVamos a ver: hay un saxofonista cachas (Bill Pullman) al que luego encarcelan por haber, supuestamente, asesinado a su mujer (Patricia Arquette), una morenaza que, como sucedía en Vértigo (1958) de Hitchcock, reaparecerá más tarde convertida en femme fatale, con otro nombre y teñida de rubio. También él se transforma, así por las buenas, en un joven mecánico (Balthazar Getty), acosado por un gánster de medio pelo que se parece a Jesús Puente (Robert Loggia) y un hombrecillo repulsivo con la cara pintada de blanco (Robert Blake).\nIntentar analizar el sentido de una película del estilo de Carretera perdida es tarea tan ingente como inútil, básicamente porque lo que vemos en pantalla aparece planteado en términos de viaje mental esquizoide carente de toda lógica o interpretación posible. Se percibe, eso sí, ese aire de pesadilla gótica que David Lynch aprende del Bergman de La hora del lobo (1968) y que está presente a lo largo de toda su filmografía, ya desde la fundacional Cabeza borradora (1976).\nEl crítico de Cahiers Thierry Jousse, en la monografía dedicada a Lynch que citamos al frente de estas líneas, concluye que "el director es una especie de chamán, de médium que busca el trance del espectador a fin de despertar las zonas anestesiadas de su cerebro". Con sumo éxito, añadimos nosotros, habida cuenta del lleno total que se producía esta tarde en la sala grande de la Filmoteca de Catalunya, poniendo de manifiesto una vez más (por si no estuviese ya suficientemente claro) el enorme poder de convocatoria de uno de los cineastas clave en la historia del cine.\nPublicado por Cinefilia en 21:30 2 comentarios:\nEtiquetas: Angelo Badalamenti, Balthazar Getty, Barry Gifford, Bill Pullman, David Bowie, David Lynch, Marilyn Manson, Patricia Arquette, Richard Pryor, Robert Blake, Robert Loggia\nTítulo original: Mikaël\nAlemania, 1924, 86 minutos\nMichael (1924) de Carl Theodor Dreyer\nEl genio de Dreyer tuvo ocasión de demostrar su valía en los míticos estudios UFA de Berlín durante el período de máximo esplendor del movimiento expresionista. Sin embargo, la película en cuestión, inspirada en la novela Mikaël (1904) de Herman Bang, ha pasado a la historia por la osadía de mostrar abiertamente la atracción amorosa de un pintor hacia su joven modelo y, sobre todo, por reunir un elenco de actores y técnicos en el que sobresalían los nombres de Karl Freund, Rudolph Maté, Thea von Harbou, Benjamin Christensen o Walter Slezak en el papel principal.\nDe hecho, no deja de resultar sumamente fascinante que los dos cineastas daneses más importantes de todos los tiempos (Dreyer y Christensen) coincidiesen en un mismo filme, uno a las órdenes del otro, un poco a la manera de lo que, décadas más tarde, harían Bergman y Sjöström en Fresas salvajes (1957).\nZoret (B. Christensen) y, a la derecha, Michael (Walter Slezak)\nEn cualquier caso, la compleja trama de Michael, plagada de tortuosos triángulos amorosos entre sus atormentados personajes, ejerce sobre el espectador una fuerza subyugadora únicamente comparable a la opresiva atmósfera de esos oscuros salones recargados de obras de arte en los que transcurre la acción.\nTanto es así que no resulta difícil encontrar referencias pictóricas de lo más evidente en la estática puesta de escena ideada por Dreyer, como el plano final (Michael en brazos de la pérfida Princesa Zamikoff), que remite directamente a la Pietà de Miguel Ángel en una audaz pirueta no exenta de cierta irreverencia religiosa, toda vez que la relación que se establece entre el muchacho y la aristócrata (después de haber traicionado y aun expoliado al pobre Zoret) es de todo menos casta.\nEtiquetas: Benjamin Christensen, Carl Theodor Dreyer, Karl Freund, Nora Gregor, Rudolph Maté, Thea Von Harbou, Walter Slezak\nDinamarca, 1949, 10 minutos\nThorvaldsen (1949) de Carl Theodor Dreyer\nEn apenas diez minutos escasos, Dreyer acierta a condensar los rasgos esenciales que hicieron de su compatriota Bertel Thorvaldsen (1770-1844) uno de los máximos exponentes del neoclasicismo escultórico. Dotada de alas, la cámara parece volar en derredor del mármol de unas figuras a las que el artista supo insuflar vida inspirándose en la mitología clásica grecorromana.\nEtiquetas: Bertel Thorvaldsen, Carl Theodor Dreyer, Dinamarca, escultura\nEspaña, 1967, 91 minutos\nYo he visto a la muerte (1967) de Forqué\nUn subgénero fílmico hoy de capa caída, pero que la cinematografía patria cultivó con extrema asiduidad fue el de las películas dedicadas a abordar el tema de la tauromaquia. En este blog ya hemos tenido ocasión de comentar algunas de ellas, si bien aún seguimos descubriendo nuevas muestras de tan peculiar variedad. Como la cinta que nos disponemos a analizar, Yo he visto a la muerte, dirigida en 1967 por José María Forqué y escrita por el también realizador Jaime de Armiñán.\nLos cuatro episodios de que consta comparten el denominador común de estar interpretados por antiguas glorias del toreo: Luis Miguel Dominguín como presentador de todos ellos y protagonista, además, del último ("La muerte homenajea a Manuel Rodríguez, 'Manolete'"), toda vez que formaba parte del mismo cartel que el diestro aquella fatídica tarde en la plaza de Linares; Antonio Bienvenida en "De blanco y oro", relato de un torero obsesionado con reponerse y reaparecer tras una grave cornada; Álvaro Domecq hijo en "Espléndida en el campo, en la plaza y en el recuerdo", dedicado a la vieja yegua que hizo honor a su nombre durante toda su vida y que ahora, enferma y desahuciada, afronta sus últimas horas de vida; Andrés Vázquez, por último, narra en "La capea" las peripecias a las que él y otros dos maletillas debieron hacer frente en una improvisada plaza de pueblo cuando apenas eran unos pícaros muertos de hambre.\nAntonio Bienvenida desde la barrera\nComo se echa de ver enseguida, el guion es de una originalidad inusual. Algo insólito tratándose de un tipo de producción en la que bastaría con el nombre de sus intérpretes para atraer al público a las salas comerciales. Se conoce que el tándem Forqué-de Armiñán, con la ayuda inestimable de Cecilio Paniagua en su siempre excelente labor como director de fotografía, quisieron ir más allá de la típica película de toreros dándole a la suya un enfoque más personal, que va desde la hábil recreación histórica en el cuarto y último episodio (planteado como atracción de feria con figuras de cera que representan a Manolete e insertos de imágenes de archivo) hasta el costumbrismo realista de "La capea" o la introspección psicológica en "De blanco y oro", pasando por la emotividad de "Espléndida...".\nDe un extraño y trágico patetismo (pese a que el chirriante doblaje de los actores le reste algo de fuerza), Yo he visto a la muerte entronca, por lo insólito de su planteamiento, con un filme diez años anterior: Los clarines del miedo (1958) de Antonio Román. Ambos se parecen porque, huyendo del retrato heroico del matador aclamado por la concurrencia, no dudan en mostrar abiertamente los temores de unos hombres dispuestos a jugarse la vida en el ruedo. A Bienvenida lo increpan desde la grada; Domecq llora como un niño ante el agónico ocaso de la que fuese heroína de su infancia; Vázquez y los suyos emulan a Lázaro de Tormes para robar un queso y saciar su apetito; Dominguín, finalmente, rememora el episodio más doloroso de su carrera, del que se siente superviviente desconsolado e incluso culpable, para honrar la memoria de su amigo y maestro.\nLuis Miguel Dominguín rememorando a Manolete\nEtiquetas: Álvaro Domecq, Andrés Vázquez, Antonio Bienvenida, Cecilio Paniagua, Jaime de Armiñán, José María Forqué, Luis Miguel Dominguín, Manolete, toros\nEspaña, 2007, 125 minutos\nLos tres premios Goya que recibió La soledad (Mejor película, Mejor director, Mejor actor revelación para José Luis Torrijo) darían el espaldarazo definitivo a la carrera de un Jaime Rosales que, a la sazón, apenas había dirigido dos largometrajes. Lo cual no deja de ser sorprendente tratándose de un realizador cuyo cine es a menudo tildado de frío, lento, documental y otros calificativos por el estilo.\nAunque si hay una palabra que inmediatamente se asocia con esta película es el neologismo polivisión: técnica consistente en dividir la pantalla de cinemascope en dos mitades simétricas para mostrar dos puntos de vista simultáneos y distintos de una misma escena. En realidad, ya Richard Fleischer había recurrido a dicha solución en El estrangulador de Boston (1968), si bien Rosales acertó a darle un enfoque mucho más profundo por lo que tiene de mecanismo que permite ahondar en la psicología de los personajes y el valor simbólico de los espacios.\nPorque mostrar una habitación vacía mientras que Adela (Sonia Almarcha) o Antonia (Petra Martínez) se ocupan de cualquier tarea doméstica en otra parte de la casa contribuye enormemente a reforzar esa idea de soledad a la que alude el título y que no es tanto ausencia de compañía, sino más bien un concepto metafísico que lo mismo afecta a la madre separada que se traslada a vivir a Madrid con su bebé que a la mujer ya entrada en años que ve cómo sus tres hijas se discuten por la herencia familiar.\nLa verdad es que no hay un solo momento durante todo el filme en el que no deje de respirarse un cierto e incómodo sentimiento de abulia, de vida cotidiana filmada en tiempo real y como quien no quiere la cosa, de pequeñas miserias del alma humana divididas en cuatro capítulos y un epílogo: Adela reclamándole la pensión a Pedro (José Luis Torrijo) y éste, a su vez, pidiéndole tres mil euros; Helena (María Bazán) intentando convencer a la madre para que les ayude económicamente a ella y a su marido en la compra de una nueva vivienda; el cáncer de colon de Nieves (Nuria Mencía); Carlos (Lluís Villanueva) insistiéndole a Adela para que lo acompañe a Canarias... Y así hasta desembocar en el atentado y posterior duelo emocional que genera en algunos de ellos o el repentino infarto que pone fin a la vida de Antonia. La cámara no juzga ni evita los silencios: tan sólo capta la realidad tal cual es sin música de fondo ni aditamentos innecesarios. Quizá porque, como dice Conrad en El corazón de las tinieblas: "Vivimos igual que soñamos: solos".\nPublicado por Cinefilia en 22:26 No hay comentarios:\nEtiquetas: Elvira Cuadrupani, Ion Arretxe, Jaime Rosales, José Luis Torrijo, Lluís Villanueva, Luis Bermejo, María Bazán, Míriam Correa, Nuria Mencía, Pep Sais, Petra Martínez, Sonia Almarcha\nEE.UU., 1980, 129 minutos\nCuenta la leyenda (o, en su defecto, IMDb) que Scorsese se hallaba convaleciente de una sobredosis de cocaína cuando Robert De Niro lo convenció para que dirigiese Toro salvaje. Tanto si la anécdota es verdadera o espuria —que en esto, como en todo lo relacionado con el séptimo arte, suele haber más mito que fiabilidad histórica— lo cierto es que De Niro había leído con avidez la biografía de Jake LaMotta durante el rodaje de El padrino, por lo que no es de extrañar que hiciera lo imposible por meterse en la piel de un personaje que acabaría reportándole, al fin y a la postre, el que hasta la fecha sigue siendo su segundo Óscar. Y a fe que el galardón fue merecidísimo, habida cuenta de la espectacular transformación a que sometió su físico, incrementando en muchos kilos su ya de por sí imponente personalidad.\nEn cualquier caso, y en lo que respecta a la destreza del director, valerse de la obertura de Cavalleria rusticana como acompañamiento de las imágenes de un boxeador a cámara lenta en pleno combate es un recurso expresivo de los que marcan época. Para ganar en intensidad dramática —y así, de paso, diferenciarse de los clichés que habían establecido las dos primeras entregas de Rocky (estrenadas, respectivamente, en 1976 y 1979— el cineasta se decantó por el uso del blanco y negro. Ardid al que, por cierto, también había recurrido Hitchcock en Psicosis (1960) con la finalidad de que la enorme cantidad de sangre vertida no resultase tan escandalosa y que, en el caso de un ring, podía ser igualmente beneficioso.\nScorsese sitúa la cámara en el interior del cuadrilátero con la finalidad de hacer más cercano el ascenso y posterior caída de quien, en tiempos, fue campeón mundial en la categoría de los pesos medios para terminar regentando, ya en plena decadencia, garitos de mala muerte en los que lo mismo te explicaba un chiste malo que recitaba a Shakespeare, Tennessee Williams o los monólogos de La ley del silencio (1954).\nPero Raging Bull es mucho más que eso: se trata, ante todo, de un duelo interpretativo entre actores de raza como el ya mencionado De Niro o el no menos dúctil Joe Pesci, capaz de encarnar con tanta credibilidad al hermano del púgil que hasta salió de la filmación con alguna costilla rota, por no mencionar el hieratismo de Cathy Moriarty a la hora de soportar el difícil carácter de un esposo enfermizamente celoso. Tanto es así que cuando el verdadero Jake LaMotta vio la película llegó a darse cuenta, por primera vez en su vida, de lo terrible que había sido con los suyos. Y dicen que, en un arrebato de contrición, preguntó angustiado a la verdadera Vicki LaMotta: "¿Era yo realmente así?". Ella, con la parsimonia que la caracterizaba, se limitó a responder simplemente: "No. Eras mucho peor...".\nPublicado por Cinefilia en 5:18 2 comentarios:\nEtiquetas: boxeo, Cathy Moriarty, Frank Vincent, Jake LaMotta, Joe Pesci, Lori Anne Flax, Mario Gallo, Martin Scorsese, Nicholas Colasanto, Paul Schrader, Robert De Niro, Theresa Saldana\nJapón, 1954, 102 minutos\nLos amantes crucificados (1954) de Mizoguchi\nMizoguchi, que no dejó de acusar al hombre de una debilidad de origen, en esta ocasión encuentra el absoluto del amor como último revelador de la naturaleza humana. Ninguna revolución radical en su trayectoria. La evidencia de que existe la belleza de los sentimientos.\nMás estilizada que en ocasiones anteriores, la puesta en escena que Mizoguchi ideó para llevar a la pantalla Los amantes crucificados (1954) destaca por la minuciosidad con la que los acontecimientos fluyen ante nuestros ojos, siempre en aras de que el romance entre Osan y Mohei no sea percibido como una transgresión, sino más bien como el idilio frustrado de dos seres puros.\nCon todo y con eso, la visión del suplicio de otra pareja de adúlteros al inicio del filme nos anuncia cuál va a ser el destino inexorable de los protagonistas, por lo que su huida, como los granos de un reloj de arena, no es más que una forma de dilatar la agonía que los atenaza. O como afirma Simsolo en otro momento del texto que antecede estas líneas: "Cada segundo es un aplazamiento sensual respecto a la muerte".\nEl título original de la cinta —Chikamatsu monogatari, es decir, "Una historia de Chikamatsu" (dramaturgo nipón que vivió a caballo entre los siglos XVII y XVIII)— pone de manifiesto hasta qué punto bastaba con mencionar el apellido del denominado Shakespeare japonés para que ello sirviese de reclamo publicitario.\nSea como fuere, y a la luz de la magnificencia de los filmes del tramo final de su carrera, es la maestría de Mizoguchi la que se acaba imponiendo, sobre todo cuando se sirve de dicha pericia para denunciar la intolerancia de una sociedad corrupta (representada en la película por el acaudalado y obtuso Ishun, aunque su terquedad sería igualmente extensible a otras épocas y lugares) incapaz de percibir la belleza de una pasión sincera ni de respetar la voluntad de los enamorados.\nPublicado por Cinefilia en 2:36 No hay comentarios:\nEtiquetas: Chieko Naniwa, Eitarô Ozawa, Eitarô Shindô, Haruo Tanaka, Japón, Kazuo Hasegawa, Kenji Mizoguchi, Kyôko Kagawa, Monzaemon Chikamatsu, Tatsuya Ishiguro, Yôko Minamida, Yoshikata Yoda\nEspaña/Francia, 2018, 125 minutos\n¿Quién te cantará? (2018) de Carlos Vermut\nComencemos por el final, que es también el principio: las olas del mar rompiendo con furia contra una playa cualquiera. Unos zapatos de tacón reposan sobre la arena... Quién te cantará toma su título de una canción de Mocedades originalmente incluida en el álbum Mocedades 10 de 1978. Su letra, que escribiera el mítico Juan Carlos Calderón, viene a decir, en un momento determinado, algo así como: "Qué fácil es decir adiós, qué fácil olvidar / Qué difícil será para los dos..." Apuntes levemente esbozados de lo que van a ser los temas principales de la película.\nEn el que es ya su tercer largometraje, Carlos Vermut (nacido Carlos López del Rey en Madrid, en 1980) apuesta por la misma fórmula que le dio el éxito con su anterior trabajo (Magical Girl, 2014): una desazón que nace del interior de los personajes femeninos, en claro contraste con el aparente sosiego que los rodea en el marco de su aislamiento. Y de nuevo un toque retro a través de temas como "Procuro olvidarte", de Manuel Alejandro.\nEl guion de Quién te cantará se articula en torno a tres mujeres con nombre de flor/color: Violeta (Eva Llorach), Lila (Najwa Nimri) y Blanca (Carme Elías), a las que se opone Marta (Natalia de Molina) de forma antitética, como lo demuestra la estridente música discotequera que ésta suele escuchar. Vermut juega, pues, con la dicotomía que se establece, alternativamente, entre madre e hija (Violeta-Marta, pero también Lila y el recuerdo de la suya, que fue cantante como ella) o ídolo y fan (Lila Cassen-Violeta), en este último caso con el añadido de que la una parece fagocitar a la otra, lo cual nos llevaría, por último, al mito de Pigmalión, latente en el vínculo que se establece entre Blanca, Lila y Violeta.\nSon muchos, por lo tanto, los ecos y las aristas que parecen intuirse (más que reconocerse) en el trasfondo de esta historia, filmada —como es habitual en el estilo de su director— poniendo sumo énfasis en el tratamiento estético de las imágenes. Hay quien ha hablado del Almodóvar de Tacones lejanos (1991) o del Bergman de Persona (1966), por citar tan sólo dos realizadores expertos en abordar el universo femenino. Pero, en todo caso, Vermut es Vermut y su particular modo de narrar, rebosante de tragedia y tensiones dramáticas, logra que una trama inspirada en elementos a priori tan poco poéticos como el karaoke o una diva de la música pop en horas bajas se conviertan en el motor de un filme cuya belleza, delicada y rotunda a la vez, quedará como referente para futuros cineastas.\nPublicado por Cinefilia en 20:01 No hay comentarios:\nEtiquetas: Alberto Iglesias, Carlos Vermut, Carme Elías, Eva Llorach, Najwa Nimri, Natalia de Molina, Vicenta N'Dongo\nEl amor de la actriz Sumako (1947)\nTimm Thaler o la risa vendida (2017)\nRumba para Bebo (2013)


Cómics y libros digitales. ¿A qué precio publicarlos? - Via-News.es\nCómics y libros digitales. ¿A qué precio publicarlos?\nEscrito por Vic | Dic 7, 2011 | Nuevas tecnologías | 0\nDesde hace un tiempo las editoriales de cómics y las de libros se encuentran con un peligroso enemigo/aliado: tablets y ebooks readers. No saben cómo reaccionar ante estos cambios y es posible que acaben perdiendo el tren… y a los viajeros.\nHace menos de una semana desde que tengo, ya por fin, un Kindle que se suma al Ipad 2 que ya tenía. Es decir, soy un potencial cliente de editoriales de cómics y libros. Tengo las dos mejores herramientas que existen para disfrutar de los libros digitales (el Kindle, no el Ipad) y de los cómics digitales (el iPad 2). Pero apenas compro cómics o libros digitales. ¿Por qué? Pues por varios motivos; para empezar el gasto que supone adquirir el Kindle y el iPad no es moco de pavo, así que me pienso qué compro porque el presupuesto va algo ajustado, pero es que además me encuentro con que las editoriales españolas están siguiendo, en la mayoría de los casos, políticas cobardes de precios hinchados, retraso en la salida de la edición digital o, directamente, la no publicación de sus obras en este formato. Ante esa tesitura, como es natural, acabo decantándome por comprar el cómic o libro en papel y por descargar las versiones “libres” que existen en multitud de páginas web.\nEs decir, las editoriales españolas están perdiendo un cliente potencial por su desidia, dejadez, indecisión, avaricia… y, lamentablemente, no soy el único. Pero lo peor es que para esto no ha vuelta atrás, si los lectores nos acostumbramos a descargar el contenido y no pagar por él… en fin, mirad a la industria de la música. Y no es que, poco a poco, las editoriales no estén publicando en formato digital (aunque algunas no lo están haciendo y están dejando que se les escape el tren aún más), el problema principal es que los precios son absolutamente disparatados. Nadie en su sano juicio está dispuesto a pagar 2 ó 3 euros menos por un libro digital que por su versión en papel. Casi parece como si el coste de impresión, que antes era tan elevado, haya pasado a ser ahora un coste menor que tan sólo repercute en 2/3 euros del precio final.\nAsí que, ¿cuántos cómics he comprado? Tres ¿Cuántos libros? Cinco. ¿Por qué? Porque no me gusta que me tomen por tonto (otro motivo, por cierto, por el que no compro en Media Markt) y porque un cómic, o un libro digital no puede, ni debe, costar tanto dinero como algunas editoriales parecen pensar. Su coste debe ser sensiblemente inferior, por mucho IVA del 18% que tenga.\nHace años, antes de Internet, si querías un libro, o un cómic, o lo comprabas o te quedabas sin él. Ahora, con internet y los tablets y ebooks reader, si quieres un libro puedes comprarlo en papel, comprarlo en formato digital (a un precio ligeramente inferior) o descargarlo gratis, sin costes… Vale que todos queramos ser legales, vale que queremos que se publiquen más títulos de nuestros autores o personajes favoritos, pero la gente no es tonta y si le pones un precio prohibitivo o hinchado a algo que puede conseguir GRATIS sabéis lo que va a pasar, ¿verdad? Y que nadie se engañe, hay cómics y libros que deseas tener en papel, pero en cuanto empiezas a usar el tablet y el ebook reader descubres que muchos, muchísimos de ellos te conformas con leerlos.\nPor suerte hay algunas editoriales, como Grupo AJEC o Ediciones B, que han entendido que esto puede ser un buen negocio, si no se toma por tontos a los lectores. De ellos he comprado los cinco libros que he adquirido hasta ahora, pero les compraré más, porque ni soy tonto ni ellos me toman por tonto. Espero que el resto de editoriales escojan el mismo camino.\nAnterior«Thor 2» se queda sin directora\nSiguiente«En un mundo mejor» (Susanne Bier, 2010)


El blog de LA MATA DE CURUEÑO (León): enero 2011\nMucho antes de que el hombre existiese, durante millones de años la geología fue configurando estas tierras. Si nos fijamos en el desmonte que hay junto al restaurante Las Colineras, a la entrada de La Mata, observamos materiales rojizos; en cambio, si miramos hacia el norte, las montañas por encima de La Vecilla presentan otros colores. ¿Te gustaría saber por qué?\nDesmonte junto al restaurante Las Colineras, en La Mata de Curueño\nDesde el punto de vista geológico, La Mata de Curueño está situada en el dominio Alpino, en el borde norte de la cuenca del Duero, colmatada por materiales terciarios y cuaternarios continentales que se apoyan discordantes sobre el paleozoico del borde sur de la cordillera Cantábrica.\nEs decir, en la Península Ibérica se distinguen dos grandes unidades geológicas, el macizo Ibérico y el dominio Alpino y La Mata está casi a caballo entre ellas.\nEl macizo Ibérico o dominio Hercínico está formado, en su mayor parte, por rocas precámbricas y paleozoicas, de edades superiores a los 290 millones de años. Son las rocas que vemos por encima de La Vecilla.\nEl dominio Alpino está constituido por rocas y sedimentos poco compactados, generados durante el Mesozoico y Terciario (aproximadamente entre 250 y 2 millones de años). Son los materiales de La Mata.\nEl limite entre la zona Cantábrica y la cuenca del Duero es una línea que va por La Magdalena, La Robla, Matallana, La Vecilla, Boñar, Cistierna… y que coincide, más o menos, con el trazado del tren FEVE y de la carretera CL-626.\nPor eso las rocas son muy diferentes. En las proximidades de La Mata, pero en la zona Cantábrica, que corresponde a la montaña leonesa, por encima del trazado del tren, se encuentran las cuencas carboníferas de Ciñera-Matallana y de Sabero; rocas calizas como las cuevas de Valporquero, la piedra de Boñar que sirvió para realizar, entre otros edificios, la catedral de León o Peña Valdorria (1927 metros) que es el pico más alto que se ve desde La Mata; explotación de silicatos en Valdecastillo, que se utilizan en la vidriera de León; las minas de talco de Lillo; así como fósiles marinos en Matallana, La Losilla o Colle, que demuestra que dicha zona estuvo sumergida en el océano hace millones de años.\nEn cambio, en La Mata y en la ribera del Curueño, en la iberia arcillosa, dentro de la cuenca del Duero, existen materiales terciarios recubiertos por mantos de conglomerados silíceos denominados rañas (depósito de cantos cuarcíticos mezclados con arcillas o arenas, que se extiende al pie de una cordillera o en el borde de una cuenca de sedimentación), que son los montes que tenemos al este y oeste de La Mata y escalonados por materiales fluviales en llanura de inundación, mediante la erosión y los depósitos fluviales originados por el río Curueño, que corta perpendicularmente en dirección N-S.\nImagen tomada de La Crónica de León\nLos sedimentos terrígenos del Terciario más profundos se denominan formación Vegaquemada, representada por ambientes sedimentarios fluviales. Por encima se depositó la formación Candanedo, constituida por una coalescencia de abanicos aluviales, conglomerados poligénicos con capas de fangos, que son visibles en el escarpe del río Curueño entre La Mata y Santa Colomba, y que están recubiertos discordante y erosivamente por la formación Barrillos, que se caracteriza por un conjunto de abanicos aluviales coalescentes, de alta eficacia de transporte, con conglomerados silíceos en tránsito a capas de arenas y fangos, que ocupan la mayor parte de los montes de La Mata y alrededores y que representa el final de la sedimentación del Terciario.\nA finales del Terciario tuvo lugar un cambio climático importante en todo el planeta, que pasó de ser árido a ser húmedo y las fuertes lluvias actuaron como principales agentes erosivos, modelando así el paisaje actual de esta zona.\nEl pueblo de La Mata y su vega se sitúan sobre suelos que pertenecen al cuaternario y han sido desarrollados por depósitos aluviales de limos y arcillas de inundaciones asentados sobre el cauce del río, lo que ha constituido la zona agrícola productiva.\nPor último, si nos fijamos, vemos que el río Curueño presenta márgenes disimétricas, siendo la del oeste la de carácter más tendido, que hace que el río se encaje contra la margen este del monte, así el pozo de la Olla o el pozo de los Asturianos se encuentran junto al escarpe del monte.\nYa se ha repartido por tres continentes el número 120, correspondiente a Navidad 2010, de nuestra revista trimestral "La Mata de Curueño, un pueblo que nos une" que ya lleva publicándose 32 años.\nOpen publication - Free publishing - More leon. spain\nEn las veinte páginas de la publicación se incluye un amplio relato de Mª Jesús Álvarez sobre el discurrir de octubre, noviembre y diciembre de 2010 en el pueblo; se da cuenta de que se han cumplido los diez años que señala la normativa para el posible inicio, por parte del ayuntamiento, del expediente de clausura oficial del cementerio y viejo y se citan los enterrados en el mismo ente 19215 y 2000. También encontramos unos apuntes geológicos sobre La Mata, asi como una entrevista con Maite que estuvo como voluntaria en un orfanato de Etiopía o en Historias prestadas, nos hablan del Rabogato, ...\nConocemos los nacimientos, bodas, comuniones, defunciones y otros acontecimientos del trimestre. Asimismo encontramos el editorial sobre Miradas y la última página sobre Historias. Y más, mucho más.\nEn Internet se puede encontrar la edición electrónica del número 120 del boletín trimestral "La Mata de Curueño. Un pueblo que nos une" cliqueando en el enlace, así como las revistas publicadas en los últimos ocho años.\nPor el mismo precio, ninguno, también incluimos la versión en pdf del boletín 120, que se pueda ver ampliada al cliquear sobre ella..\nFeliz 2011 con este montaje audiovisual de paulitaa10 sobre el verano pasado.


Susurros de Buenos Aires: De La Torre puso en marcha un importante plan de reciclado de basura\nDe La Torre puso en marcha un importante plan de reciclado de basura\nEl Jueves 7 de Febrero el Intendente de San Miguel Dr. Joaquin De La Torre presento un programa de reciclado de basura, con el objetivo de reducir en una primera etapa el 34% de los residuos que genera San Miguel, y de esta manera avanzar en el cierra del relleno sanitario del Ceamse en Campo de Mayo, para el año 2014.\nCon un fuerte respaldo de la provincia, ya que estuvo presente el encargado del organismo provincial que tiene este tema Hugo Bilbao, la presencia también del Intendente de San Martin Gabriel Katopodis, De La Torre puso en funcionamiento este importante programa creado por un equipo de técnicos encabezado por el Jefe de Gabinete Prof. Alfonso Coll Areco, encargado de llevar adelante el ambicioso proyecto.\nColl Areco hace años que se encuentra trabajando fuertemente en la búsqueda de soluciones para un tema en el que De La Torre viene colocando mucha énfasis ya que solucionando el tema de la basura se generan las condiciones para mejorar la calidad de vida. Por esto es que el Jefe de Gabinete ha recorrido diferentes puntos del continente, como Brasil y California entre otros, en donde se aplican programas de reciclados, para poder traer a San Miguel el mejor programa. Asi es que hoy se dio el primer paso en un programa que no solo busca la reducción de los residuos que van al ceamse, sino que se busca generar empleo e inclusión social, ya que el reciclaje y la reutilizacion de plasticos, cartones y aluminios, son una importante fuente de ingresos para diferentes sectores de la sociedad.\nEste importante plan, segun De La Torre, es una union de fuerzas y esfuerzos del Estado Municipal, los vecinos de San Miguel y el sector privado, este ultima ha dado un fuerte respaldo a este programa, ya que se han firmado convenios con casi todos los bancos que tienen sucursales en San Miguel, con Tetra Pax (que dono la cinta en donde se transporta los residuos a reciclar), con Coca - Cola y Burger King. Cabe destacar que tambien se firmo un acuerdo con Mac Donalds, siendo este el primero que la franquicia mundial lleva adelante con un estado.\nEsta es una clara muestra del camino recorrido por De La Torre, en donde avanza sobre problemas que antes no se tocaban, como la nocturnidad, el transporte publica, la basura etc, y hoy San Miguel tiene un Intendente que recorre soluciones definitivas a problemas importantes.\nPublicadas por Susurros de Buenos Aires a la/s 12:09


Las visitas guiadas recorrerán la Alcazaba y el Cerro de San Cristóbal este próximo fin de semana - 2022\nLas visitas guiadas recorrerán la Alcazaba y el Cerro de San Cristóbal este próximo fin de semana\nLas visitas guiadas recorrerán la Alcazaba y el Cerro de San Cristóbal este próximo fin de semana El Área de […]\nEl Área de Promoción de la Ciudad oferta dos rutas municipales para que almerienses y turistas conozcan la historia de los monumentos de la ciudad\nAlmerienses y visitantes tienen una nueva oportunidad para descubrir de primera mano los lugares más emblemáticos de la capital, gracias a las visitas guiadas que cada fin de semana se organizan desde el Área de Promoción de la Ciudad. En esta línea, los itinerarios por los monumentos de la Alcazaba y el Cerro de San Cristóbal son las opciones propuestas para el próximo fin de semana.\nSábado 16 ‘La Alcazaba’\nEn este itinerario municipal los participantes realizarán un recorrido por el monumento más importante de la ciudad de Almería, la Alcazaba, que coincide con su fundación por Abderramán III en el año 955 (siglo X).\nEn el primer recinto cabe destacar la zona restaurada ajardinada y los aljibes que se conservan así como el baluarte del Saliente, uno de los muchos miradores que el monumento posee. Este recinto se encuentra separado el segundo por el muro de la Torre de la Vela, otro gran mirador de la fortaleza. El segundo recinto está dedicado a la zona tanto pública como privada del Rey Almutasim, quien dio un gran esplendor cultural a la ciudad a finales del siglo XI. En la zona privada se conservan restos del Palacio Privado del Rey Almutasin, como el mirador de la Odalisca que encierra una leyenda: la historia de amor entre la esclava favorita de Almutasim, Galiana, y un cautivo cristiano.\nEl recorrido al monumento finaliza en el castillo de los Reyes Católicos, un castillo dentro de la fortaleza musulmana con torres singulares y con un mirador inigualable de la ciudad y su puerto.\nEsta visita se realizará el sábado 16, a partir de las 11.00 horas, y tendrá un coste de dos euros.\nDomingo 17 ‘Cerro de San Cristóbal’\nEn esta visita los asistentes conocerán exhaustivamente la Almería del siglo XI, la perteneciente al antiguo arrabal de la Musalla, centrándose principalmente en los Aljibes de Jayrán del siglo XI, los más importantes de la ciudad que abastecieron de agua a la población hasta el siglo XIX. Además, también subirán al Cerro de San Cristóbal, antiguo Monte Laham, el mirador más espectacular de la ciudad, con unas vistas inigualables, que hacen que la cámara de fotos sea imprescindible para plasmar las vistas de postal, donde se observará una Alcazaba grandiosa y la bella imagen urbanística que ofrece la ciudad desde el cerro.\nEste itinerario se realizará el domingo 17, a partir de las 11.00 horas, y tendrá un coste de dos euros.


# JUDITH OBAYA # LUGARES EN MOTO: #BenelliOnTour 2017\nNo se que día fue cuando Raul me llamó, necesitaban una piloto. Necesitaban una piloto capaz de probar en las peores condiciones la nueva Benelli TRK 502.\nUn nuevo modelo de la conocida marca Benelli. Marca adquirida recientemente por la industria china, pero que mantiene cualidades y esencia totalmente italianas.\nYo no se que hago, no se decir NO a a nada, y menos cuando esto tiene que ver con pilotar una moto, mas aún si las cosas no van a ser fáciles.\nSeríamos cinco TRK, 6 pilotos y una furgoneta de apoyo rodando desde Logroño hasta Marruecos.\nEl objetivo... probar las motos y grabar para el programa Motosx1000. Sería la presentación y puesta en escena de una motocicleta con aspecto trail, pero que sus llantas de aleación de 17 la hacen más aparente para carretera que para off-road.\nLa forma... exponer sin contemplaciones la nueva máquina a la dureza de las largas distancias por todo tipo de terreno, con cambios climáticos radicales y adversos, en el menor tiempo posible.\nHabía conocido a Raul en uno de sus pasos por Asturias por razones laborales. Conocía al equipo de grabación de Motosx1000 de otras colaboraciones, al resto de la gente, Jose, Pedro, Ferram y Xavi, les conocería en Logroño, desde donde partiría la expedición.\nDías antes de partir Jose María Peña, el loco organizador de la ruta, nos pasó lo que sería el itinerario de #BenelliOnTour2017. Y digo loco porque pienso que todos los dakarianos lo están; Ya me gustaría esa locura para mi, y eso que no creo que yo me quede muy atrás en ninguna carrera buscando límites (risas)\nEl itinerario me pareció una locura, a mi, la reina de las cosas difíciles, me pareció una barbaridad de km por las horas que se requerían y por las condiciones del tráfico en esas carreteras.\nConozco bastante bien Marruecos, y la ruta prevista no era precisamente la que mejores condiciones ofrecía. Mucho tráfico pesado, carreteras secundarias sin señalizar y con pavimento en regular estado debido a las lluvias, mucha población, obras... Ingredientes más que suficientes para hacer del On Tour una expedición muy interesante.\nLogroño-Erg Cheví y vuelta hasta Málaga... 4 días!! Una LOCURA con mayúsculas; no imposible para el equipo adecuado, y nosotros, me dí cuenta más tarde, eramos ese equipo capaz de todo.\nNos reunimos en Logroño. Presentaciones, ultima revisión y asignación de las máquinas.\nCada uno de nosotros vivimos la moto de una forma diferente y cada uno la pilotaría a su manera pero en el mismo terreno y bajo las mismas condiciones; sin duda la mejor manera de recavar información y sacar conclusiones sobre el rendimiento y capacidad de la TRK502.\nComo buen dakariano Jose María nos metió en vereda desde el primer momento. A las 5 en pié y las 6 rodando. Es en ese momento en el que suena el despertador cuando te das cuenta de que los vinos y tapas de la noche anterior, por la calle Laurel, tal vez se alargaron en exceso... (risas)\nAmenazaba lluvia y sin tardar calló todo lo que no había llovido en los meses anteriores.\nPrimera prueba, rodar de noche con lluvia. Así comenzaban los algo más de 1000 km donde solo tocamos autopista en las inmediaciones de Madrid para llegar a Algeciras a media tarde. Ferry a Ceuta, cenar y a la cama.\nSi las motos aguantaban el tirón, los pilotos tendrían que responder también.\nAlguno intentó hacer alguna sugerencia, pero LocoChema (Jose María Peña) no tenía intención de dar el brazo a torcer. Por suerte esta disciplina militar que me corre por las venas, cuando el ambiente se pone exigente, me mantuvo firme desde el primer día.\nA la mañana siguiente fui la primera en llegar a la puerta del garaje donde teníamos las motos, y para cuando se presentaron todos ya había desayunado, recargado la mochila de hidratación y demás menesteres... (risas)\nNo puedo dejar de reír recordando las caras de todos ellos en el segundo día de madrugón, y era el segundo, como estaríamos el 4?...\nTocaba pasar la frontera. No me gusta mucho la entrada por Ceuta, de hecho procuro pasar por Tanger Med siempre que puedo, las colas suelen ser interminables y los oportunistas muy agobiantes. Como era muy temprano el papeleo se hizo rápido y no tardamos en rodar por Marruecos.\nNos quedaban por delante más de 400 km, muchos de ellos por una de las más transitadas y peligrosas carreteras del norte marroquí.\nPor suerte, en este caso, el Ramadán despejó la ruta de la mayor parte de tráfico pesado y no tan pesado y pudimos avanzar rápidamente.\nA media mañana serpenteábamos los pequeños puertos y una tras otra las Benelli cruzaban los pueblos desiertos de sus gentes, que esperaban recogidas en sus casas la llegada de la tarde, para abarrotar los pequeños comercios y las terrazas de los cafés hasta ese momento cerrados por la festividad musulmana.\nNo hicimos muchas paradas, más que para grabar, alguna foto y un rápido pic nic a base de buen embutido y queso riojano.\nLas motos respondían, se dejan llevar con tanta facilidad que ya me había hecho a ella por completo y en alguna curva, hasta me tentó para que me descolgase un poco. Las dos hicimos un buen partido y los 10 un buen equipo.\nLlegamos muy pronto a Jenifra, tanto que LocoChema quería continuar unos km más. Esta vez el desacato fue unánime y los que no quedaron en la piscina nos fuimos a pasear por la pequeña ciudad.\nSe veía a toda la gente afanada preparando todo para la cena. Sólo quedaba una hora para la caída del sol.\nMenos madrugón en el tercer día de ruta, pero no con menos ojeras y estirones delante del te del desayuno (risas)\nOtra vez me pudo la puntualidad y les esperé pacientemente a todos en la recepción con la maleta cerrada dispuesta a subirme a la moto sin desayunar si fuese necesario.\nFue sin duda el mejor día de ruta. Salimos con la firme intención de cruzar el Atlas y disfrutar del fresco y verde de las montañas antes de entrar en la zona desértica del Kaar Es Soukpara para llegar a Erg Chebbi, a la Gran Duna.\nPor fin pasa algo, un pinchazo. Ya se está convirtiendo en una costumbre que cuando Josep yo coincidimos en una grabación su moto pinche. Pero esta vez no me tocó repararlo, estos dakarianos valen para todo, es lo que tienen (risas)\nLas lluvias habían causado serios daños en la carretera y era el momento de poner a prueba las TRK 502.\nDespués de varios vadeos me tocó probar las defensas de la moto. Alguien tenía que hacerlo, y Xavi y Cristalito (yo) nos fuimos al suelo.\nNo por suerte, si no porque las defensas son robustas y están perfectamente diseñadas, no hubo consecuencia ni para nosotros ni para nuestras motos.\nLas cosas se pusieron más difíciles aún hasta el punto de tener que empujar la furgoneta para poder pasar en un tramo de obras empinado donde el pavimento estaba totalmente destrozado y lo estaban rellenando con piedra.\nTras cruzar el Atlas la temperatura fue ascendiendo y nosotros quitando capas y abriendo ventilaciones a los trajes de cordura.\nLas gargantas del Todra fueron, como el Negrón es para Asturias y León, el paso que marcaría la diferencia del verde del Atlas al árido terreno desértico.\nLos más de 500 km se hicieron entretenidos y por más que alguno de nosotros le dio vueltas a las motos en busca de algún fallo, grillo, pérdida o rotura, no lo encontró.\nHasta nos dio tiempo a divertirnos... como niños.\nNo es el lugar que más frecuento de Marruecos, de hecho si puedo lo evito, demasiado turístico para mi gusto. Pero reconozco que cuando te plantas delante de las dunas del Erg Chebbi solo dan ganas de un cosa... abrir gas y perderte en la arena.\nYo fui sensata y ni lo intenté, con ruedas de carretera y el peso que tiene la TRK no habría avanzado ni 10 metros. Pero los hubo que empujaron, sudaron, cayeron, se revolcaron, patearon, escarbaron... con éxito, las motos entraron en la arena (risas)\nAlí el Cojo nos preparó una cena espectacular, lo que el equipo Benelli se merecía. Después empezaron a aparecer petacas y la cosa se fue animando. Puedo asegurar que, por no decepcionar, no hablamos de otra cosa que no fuese motos y rallys.\nCreo recordar que solo dormí una hora ese día. Pero volvía a ser la primera en la pista de salida. Alguno ya perdonó hasta el desayuno por unos minutos mas en la cama.\nLas conclusiones sobre las motos ya estaban más que claras a una jornada del final del #BenelliOnTour. Eran perfectas en su cilindrada y categoría.\nLocoChema las volvió a revisar rápidamente antes de salir, y casi con decepción esgrimió -No les hace falta nada, están perfectas.\nY a la carretera sin rechistar, había que llegar a Melilla y pasar la frontera. Si el paso por Ceuta es cansino, en Melilla se llevan la palma, es mucho peor.\nVolver nunca se me dio demasiado bien, y los km se me hicieron eternos, tal vez con el deseo de no llegar nunca al destino, seguir siempre de viaje, seguir siempre sin un rumbo fijo.\nEl cansancio ya se dejaba notar en todos nosotros. En los tramos pesados alguno no podía estarse quieto sobre la moto, estos endureros parece que tienen pulgas en el asiento (risas). Estirar las piernas, ponerlas sobre las defensas, ponerse de pie, sentarse en el asiento trasero, poner los pies en las estriberas traseras... y yo mas quieta que una estatua, mi trasero debe de ser insensible (risas). A Pedro, que iba siempre el último, le parecía imposible que no me moviese, y a veces se ponía a mi lado para preguntarme si estaba bien (risas)\nHacía mucho calor. Una gran tormenta nos hizo desistir de cruzar el Parque Nacional del Jbel Tazzeka, que era el tramo más atractivo de ese día y viendo como la íbamos evitando, por una carretera algo más aburrida, llegamos a Melilla.\nTodo había llegado a su fin, o casi, pero nuestra expresión ya no era la misma, al menos para LocoChema, PeteStone y Cristalito, que me parece que somos los que mas añoramos perdernos por aquellas tierras.\nDe las Menelli TK 502 resumo en una palabra... maquinón. No hace falta decir mas, échale un vistazo a los vídeos, merece la pena.\nPara la gente que empieza, para los que no quieren mucha cilindrada o no la necesitan, para los que les cuesta llegar al suelo, para los mas urbanitas... y por que no? para los que no quieren gastarse mucho.\nDel grupo... para volver. Si no hay que dormir, no se duerme, comer... sobre valorado totalmente y hacer un pis? ya se verá.\npor Judith Obaya lugaresenmoto es en 1:05


Suman 590 restos sin identificar en Ciencias Forenses - Partidero\nMéxico, entre los cinco países con más casos de Covid-1...\nRedacción | May 23, 2019\nPartidero > Región > Jalisco > Suman 590 restos sin identificar en Ciencias Forenses\nGuadalajara, Jalisco.-Aunque en principio el gobernador Enrique Alfaro Ramírez contempló la cifra de 450 cadáveres almacenados en el Instituto Jalisciense de Ciencias Forenses, Gustavo Quezada, director del organismo, informó esta mañana que son ya 590 restos humanos los que se resguardan en la morgue local.\nEn rueda de prensa matutina, Quezada explicó que de la anterior administración recibió 260 cadáveres no identificados, mientras que de noviembre a la fecha se han sumado otros 392. No obstante, hubo discrepancias con las cifras ofrecidas, ya que la suma de cadáveres es de 652, menos 53 que ya fueron inhumados o reconocidos, arrojando un saldo de 599 cuerpos.\nPese a esto, Macedonio Tamez, jefe del gabinete de seguridad estatal, reiteró que el IJCF sólo almacena 590 restos humanos.\nTal como Alfaro Ramírez, ambos funcionarios negaron que exista una crisis de almacenamiento, ya que en las instalaciones de Lázaro Cárdenas y Batalla de Zacatecas existe la capacidad para almacenar 474 cadáveres, mientras que el edificio ubicado sobre la calle Belén puede almacenar 90 más.\nDe esta manera, Macedonio Tamez negó que pueda suceder nuevamente lo ocurrido en septiembre del año pasado, cuando se develó la existencia de dos tráileres refrigerados que transportaban alrededor de 444 cuerpos no identificados.\nEl pasado martes la Comisión Estatal de Derechos Humanos de Jalisco lanzó una recomendación a la Fiscalía del Estado y a Ciencias Forenses para evitar que se repita la crisis de acumulación de cuerpos sin identificar.\nPrevioJalisco y sus calamidades\nSiguienteEl IMSS “puede representar una situación grave”: Robledo\nCasi 3 mil infracciones y 638 motocicletas retiradas por operativo vial en Jalisco


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