La Fundación > Quienes somos\nDesde su sede, junto a la Plaza de Castilla de Madrid, la Fundación Canal se dirige a la sociedad en defensa del agua, como bien cultural, fuente de vida y como recurso escaso y vulnerable, en el fomento de su gestión sostenible.La fundación responde a la identidad de su empresa matriz, el Canal de Isabel II, con ciento sesenta años de historia impulsando -por medio del agua- el desarrollo y la transformación integral de la capital y la región. Logros todos ellos orientados a la calidad de vida de la ciudadanía, como lo hiciera a mediados del siglo XIX cuando dotó a la ciudad de Madrid de distribución domiciliaria de agua.\nEl Canal de Isabel II es responsable del sistema de abastecimiento, tratamiento, distribución y saneamiento del agua -el llamado ciclo integral- en la Comunidad de Madrid. Su experiencia, el esfuerzo inversor y el uso de la más moderna tecnología la convierten en empresa líder en su sector a escala internacional.\nCoherente con el ámbito de actividad del Canal de Isabel II, la Fundación Canal desarrolla su actividad con los siguientes fines y áreas de actuación:\nFomentar la acción divulgativa en relación con el ciclo integral de agua bajo un enfoque de conservación, valoración y protección del recurso, así como de investigación y desarrollo tecnológico, como exigencia básica del desarrollo sostenible.Organizar actividades de interés general a través de todos los instrumentos a su alcance -exposiciones, conferencias, conciertos, foros de debate, publicaciones- y en todos los campos del pensamiento, la cultura, el arte, la historia, y las ciencias naturales y sociales.\nRealizar una labor editorial y de opinión que atienda a los diferentes públicos, tanto al general como a los específicos o expertos; y promover y compartir el conocimiento en una sociedad inmersa en la revolución digital.\nServir de foro de intercambio de conocimientos y de experiencias innovadoras, así como convertirse en punto de referencia en todo lo relacionado con el agua.Impulsar la cooperación con instituciones públicas y privadas, agentes políticos y sociales, para alcanzar un compromiso entre la prosperidad económica, la calidad de vida y la defensa del medio ambiente.\nRecuperar la memoria histórica del Canal de Isabel II y colaborar en la defensa, conservación y divulgación de su patrimonio histórico y cultural.\nCon estas acciones se pretende que los ciudadanos tomen conciencia de la trascendencia social, económica y ambiental de este recurso, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.\nLa Fundación Canal se interesa por todas las manifestaciones artísticas que nacen de la relación del ser humano con su entorno. Este posicionamiento abre un rico abanico de posibilidades, disciplinas y lenguajes, sin perder de vista su fin último: hacer que el visitante reflexione acerca de los diferentes aspectos que inciden sobre la conservación del medio ambiente y, en particular, sobre la importancia y el valor del agua.


Masaru Blogs: Hora de sufrir, comienzan las clases\nPublicado por Masaru G en 12:24\n일하리 3 de agosto de 2016, 19:12\nUy D: espero te de tiempo de descansar un poco! está interesante eso de que tengas clases de japonés solo que los sábados XD usualmente los profesores más estrictos son los mejores uwu mucha suerte con todo :3\nMasaru G 4 de agosto de 2016, 18:18\nsi jajaja se nota luego luego que son muy buenos maestros. Espero que no sea tan pesado como creo. Gracias :)\nNaeun 5 de agosto de 2016, 4:46\nEspero que te vaya bien en las clases, a mi todavía me queda antes de que empiecen las clases.\nMasaru G 9 de agosto de 2016, 13:03\ngracias, que te vaya bien cuando entres :)


Besos que no significan nada | La web de Elisenda Hernández Janés Besos que no significan nada | La web de Elisenda Hernández Janés\nBesos que no significan nada\n«Aquel beso no significó nada en absoluto”, me dijo. “Fue un beso absurdo, regalado por equivocación en la realidad distorsionada y confusa de una noche de alcohol. Fue una mentira más que un beso ya que sirvió para ocultar la verdad que consumía mi corazón embriagado y triste: que me hago mayor, que se me cae el pelo y cada día estoy más gordo mientras que tú sigues espléndida. Fue un ridículo intento de acallar mis complejos, de engañarme a mí mismo. De olvidar el miedo que me da el hecho de que mi felicidad dependa exclusivamente de los sentimientos de una sola persona, los tuyos, que como los de todos, son volubles, impredecibles e injustos. De maquillar una aterradora realidad: que dependo de ti en absolutamente todos los sentidos. Fue por eso que me emborraché y besé a esa desconocida y luego la volví a besar y acabé en su apartamento. Una estupidez, un engaño, la decisión equivocada de un borracho inseguro y enamorado. Aquel beso no significó nada en absoluto”, me dijo.\nParecía sincero, y es muy probable que lo fuera. En ese caso, ojalá nunca hubiera sabido de la existencia de aquel beso. Porque pudo no significar nada, pero despedazó cinco años de feliz relación y me separó del único hombre con el que he querido compartir mi vida. Y desde entonces, los inviernos son más fríos, los veranos menos cálidos y las primaveras carecen de poesía, porque mi corazón se niega a depender en exclusiva de los sentimientos de una sola persona que, como los de todos, son volubles, impredecibles e injustos.\nHola, Elisenda. Llego hasta aquí después de leer tu "Un café de cine" en Culturamás. Menuda carambola, ¿no? Me ha gustado mucho tu relato, lleno de buen cine, y celebrándolo. También me encanta este, triste y desencantado. Le he echado un ojo a tu blog y no dudes que volveré a pasarme a menudo.\nUn saludo. Por la música, por el cine, por los sueños.\nHola Daniel, ¡encantada de conocerte! Gracias por pasarte por aquí, me ha hecho mucha ilusión leer este comentario. Me alegro de que te hayan gustado los relatos, ¡un fuerte abrazo!\nPues me gusta mucho, Elisenda :) Me gusta cómo le das la vuelta a la tortilla, y cómo él le transfiere a ella/él sus propios miedos. Pero a ver si escribes algo más, que me tienes esto abandonadillo!\nIrene - La del máster\nPerdón, es ella, que está estupenda jaja\n¡Muchas gracias Irene! ¡Me alegro mucho de que te haya gustado! Y tienes razón, tengo esto un poco abandonado jeje pero es que ahora con el curro y el master la verdad es que no tengo mucho tiempo... pero ya lo encontraré! nos vemos ahora!\nBARCELONA, JULIO DEL 65\nUn café de cine


1 Códigos descuentos costo movil archer t4u - 10% OFF en Cupones descuentos costo movil archer t4u » Abril 2021 España\nCódigo descuento costo movil archer t4u ✓ Abril 2021\nllll➤ Consigue hasta 10% descuento en costo movil archer t4u ✂ 0 Ofertas y 1 Descuentos costo movil archer t4u ☆ 18 de Abril 2021 ✅ 2047 veces utilizado - Hecho con ❤ en Barcelona, Madrid, Valencia y Sevilla y Málaga.\nSi eres un o una habitual de nuestras secciones de El Periódico, ya sabrás que una de nuestras principales preocupaciones es poder ofrecer a nuestros lectores y lectoras lo mejor de lo mejor. Y nuestra última idea ha sido la de crear una sección especial de cupones promocionales costo movil archer t4u , para que puedas obtener un mayor ahorro en tus compras costo movil archer t4u por internet.\nPara ello, nuestro equipo especializado en Cupones El Periódico ha realizado una super búsqueda online para rastrear todas las tiendas electrónicas que ofrecen productos costo movil archer t4u, y poder seleccionar las mejores ofertas y descuentos, para traértelas todas juntas y que te sea mucho más sencillo conseguir con un gran ahorro en tus compras costo movil archer t4u. Además, como nos importa que para ti sea todo siempre mucho más fácil, hemos diseñado un proceso super sencillo para que puedas disfrutar de los mejores cupones de descuento costo movil archer t4u con tan sólo unos clicks.\nAquí vas a poder encontrar una super selección de promociones y chollos costo movil archer t4u, en miles de tiendas online, para que comprar costo movil archer t4u con los mejores precios sea mucho más sencillo y rápido, con múltiples de opciones: todas las categorías, todos los productos, y siempre con la seguridad de que nuestras promociones siempre han sido revisadas y verificadas por nuestro equipo, y actualizadas el día 18 de Abril de 2021 .\nAhora en El Periódico vas a poder encontrar a selección más amplia y completa de promociones y cupones de descuento costo movil archer t4u y con la tranquilidad que sólo El Periódico puede ofrecerte de que cada uno de nuestros vales de descuento costo movil archer t4u han sido verificados y actualizados por nuestro equipo el día día 18 de Abril de 2021 .\nRotundamente sí, sobretodo si lo haces a través de nuestra sección de Cupones costo movil archer t4u en El Periódico porque además de comprobar que las ofertas y promociones costo movil archer t4u que te ofrecemos son las más interesantes de toda la red, también verificamos diariamente cada uno de nuestros cupones, los cuales han sido actualizados el día 18 de Abril de 2021.\nEsto sí que es sencillo, porque desde El Periódico hemos elaborado un boletín de ofertas costo movil archer t4u al que puedes suscribirte de manera totalmente gratuita para que no se te escape ni una sola ganga en costo movil archer t4u.


Una mujer policía con fractura de cráneo tras los incidentes en San Miguel del Monte - La Voz del Pueblo\nTras la muerte de 4 personas, tres menores\n22|05|19 16:39 hs.\nUna mujer policía está internada en terapia intensiva, con fractura de cráneo, en la clínica Fitz Roy, del barrio porteño de Villa Crespo, tras los incidentes registrados el martes a la noche en San Miguel del Monte.\nSe trata de la oficial Noemí Ester Baigorria (27), quien trabaja en la comisaría 1° de Lobos y recibió un golpe en la cabeza, aparentemente con una piedra, en medio de la protesta de vecinos y familiares de los chicos muertos en medio de una confusa persecución policial.\nFuentes policiales indicaron que Baigorria fue intervenida quirúrgicamente y se encuentra estable. Los médicos le retiraron restos óseos del cráneo fracturado, le limpiaron el hematoma y le suturaron de herida. Esta tarde continuaba sedada para disminuir su actividad cerebral.\nMasacre en Monte: apresan al subcomisario y ya son 13 los detenidos\nSe negaron a declarar siete de los policías detenidos por la masacre de Monte\nBullrich, sobre Monte: "Los policías están para proteger, no para cometer delitos"\nMasacre de Monte: determinan la mecánica e investigan pista narco


IRPF coche | Qué es, tipos, características https://totalrenting.es/\n¿Qué es un autónomo en España?\nEstar registrado como Autónomo en España es reconocer legalmente que eres un trabajador por cuenta propia, que eres autónomo o que diriges una pequeña empresa no constituida. Las autoridades españolas exigen a este tipo de empresarios que se den de alta y paguen impuestos, así como que cobren el IVA a sus clientes.Jul 7, 2021\n¿Qué significa Autónomo en España?\nLa fiscalidad de los autónomos en España La fiscalidad de los autónomos en España tiene un tipo progresivo. Como tal, varía entre el 19-47%, según los ingresos obtenidos. Hay que tener en cuenta que las regiones de España gravan de forma diferente, por lo que los tipos varían en todo el país.\n¿Cómo se consigue la autonomía en España?\n– Obtener un número de entidad de extranjero (NIE) NIE significa Número de Identificación de Extranjero. – Darse de alta como autónomo en la Agencia Tributaria española. – Abrir una cuenta bancaria en España. – Darse de alta en la Seguridad Social.\nUna retención de IRPF es una cantidad de impuesto sobre la renta que su cliente comercial retiene en su nombre. El cliente comercial paga entonces esta cantidad de impuestos al gobierno directamente. Este importe de impuestos se deduce del importe total que el cliente le paga a usted.\nEl impuesto para autónomos en España varía entre el 19 y el 47%, según los ingresos obtenidos. Hay que tener en cuenta que las regiones de España gravan de forma diferente, por lo que los tipos varían en todo el país.


Cómo quitar la ventana emergente Cutepup.club - CompuTips\nCómo Quitar el Cutepup.club pop-ups\n¿Qué es el Cutepup.club?\nEl Cutepup.club es un sitio web para descargar videos de Youtube. Si las notificaciones del Cutepup.club (pequeñas ventanas emergentes que aparecen en la esquina superior derecha o inferior derecha de la pantalla) sigue abriendo en tu computadora u otro dispositivo, luego, en un momento, se ha encontrado con el Cutepup.club y le ha permitido mostrar las notificaciones en su PC/smartphone. Podría haber visitado el Cutepup.club de buena gana, o podría haber sido redirigido a él por un sitio sospechoso o por un adware instalado en su máquina. Esta guía paso a paso lo ayudará a desinstalar el adware y eliminar las notificaciones del Cutepup.club de su computadora o dispositivo móvil.\nQuitar Cutepup.club Adware Automáticamente\nEliminar Cutepup.club Permiso de las Notificaciones\nQuitar Cutepup.club De los Programas Instalados\nQuitar Cutepup.club Adware de los Navegadores\nCómo proteger a su PC del Cutepup.club y Otros Adware\nEliminar el Adware Cutepup.club Automáticamente:\nSin embargo, todavía se recomienda que analice su sistema con un buen antivirus o una herramienta anti-malware, para encontrar y eliminar otro posible malware y PUP (programas potencialmente no deseados) que puede haber sido instalado junto con el adware Cutepup.club.\nOtro software anti-malware que pueda eliminar el adware Cutepup.club:\nNota: Después de eliminar el adware, es posible que aún deba desactivar las notificaciones de Cutepup.club manualmente (ver el siguiente paso).\nEliminar el Permiso de las Notificaciones del Cutepup.club:\nEliminar las Notificaciones del Cutepup.club de Google Chrome:\nEncontrar cutepup.club en el Permitir lista.\nElimine las notificaciones de cutepup.club y las notificaciones de otros sitios no deseados haciendo clic en el botón de tres puntos verticales al lado de cada uno y seleccionando Quitar.\nEliminar las Notificaciones del Cutepup.club de Chrome en Android:\nEliminar las Notificaciones del Cutepup.club de Mozilla Firefox:\nEncuentra a los sitios que no quieres ver a las notificaciones (por ejemplo, cutepup.club, un.cutepup.club, b.cutepup.club, etcétera), haga clic en el menú drop-down junto a cada uno y seleccione Bloquear.\nEliminar el Adware Cutepup.club de los Programas Instalados:\nVaya a la lista de programas/aplicaciones instaladas en el ordenador o smartphone (los pasos se especifican a continuación). desinstalar programas sospechosos, a los programas que no recuerda su instalación, o programas que instaló justo antes de que aparecieran las ventanas emergentes de Cutepup.club por primera vez. Cuando no está seguro acerca del programa, pon en google su nombre o algo “Lo que es tal y tan”, “Tal y por lo malware”, etc. No se limite a confiar en una fuente, hecha un vistazo a lo que opinan varios sitios.\nEliminar el Adware Cutepup.club de los Navegadores:\nEliminar el Adware Cutepup.club de Google Chrome:\nEliminar el Adware Cutepup.club de Safari:\nEliminar el Adware Cutepup.club de Mozilla Firefox:\nEliminar el Adware Cutepup.club de Microsoft Edge:\nEliminar el Adware Cutepup.club de Opera:\nEliminar el Adware Cutepup.club de Internet Explorer:\nCómo Proteger Su PC del Cutepup.club y Otros Adwares:\nCómo Quitar el Press-allow-browser2.com


Granada celebra Corpus Christi con procesión en catedral y un aforo limitado - ABC.es - Noticias Agencias\n11-06-2020 / 12:41 h EFE\nGranada ha celebrado este jueves el Corpus Christi con una breve procesión claustral en el interior de su catedral, con un aforo limitado para 600 fieles que han seguido la misa junto a una treintena de sacerdotes y la adoración de la custodia desde las bancadas, todos distanciados y con mascarilla.\n"Ejercemos una función vicaria como representantes de un pueblo que, en otras circunstancias, llenaría la catedral", ha señalado el arzobispo, Javier Martínez, quien ha destacado que en la pandemia de la COVID-19 se ha aprendido que "todos necesitamos de todos" y que el Corpus abre una concepción de la vida "cuyo centro es el amor".\nEl prelado, que ha anunciado que los próximos 29 y 30 de junio la catedral acogerá dos funerales por las víctimas del coronavirus, ha tenido un especial recuerdo ya este jueves tanto a estas como a sus familiares.\nTras la eucaristía, ha tenido lugar una breve procesión claustral por el pasillo central de la catedral, en lugar de en la calle, para garantizar las medidas de seguridad derivadas de la actual situación sanitaria.\nBajo las medidas sanitarias de obligado cumplimiento, se ha permitido el acceso al público pero con un aforo limitado a seiscientos fieles, aunque estos actos religiosos también ha podido ser seguidos en directo a través de internet y de la televisión.\nEl Ayuntamiento de Granada, que en abril suspendió junto a la federación de caseteros la celebración de su fiestas mayores de cada junio, celebra este 2020 un Corpus "diferente", con la exhibición de la tradicional Tarasca junto a los cabezudos que la acompañan a las puestas del consistorio, además de sus tradicionales Carocas.\nTambién decidió cambiar el festivo local de este jueves de Corpus por el día de la Virgen de las Angustias, en septiembre, para que los ciudadanos puedan aprovecharlo entonces "adecuadamente", según explicó el alcalde, Luis Salvador.


Qué significa Namasté - Traducción - Origen - Namasté en Yoga\n/N /Qué significa Namasté\nNamasté es un saludo típico del sur de Asia y significa “Te saludo” en español.\nEste término se usa principalmente en la India y Nepal por hindúes, sijs, jainistas y budistas. En las culturas indias y nepalíes, la palabra se pronuncia al comienzo de una comunicación y un gesto se hace con las manos juntas, sin tener que decir nada.\nLa forma más formal de namaste se conoce como namaskar o namaskaara, aunque todas las formas tienen un significado de respeto extremo.\nEtimológicamente, namaste es una palabra sánscrita que literalmente significa “Me inclino ante ti” y es la forma más digna de saludo de un ser humano a otro.\nEn un sentido más amplio, namaste significa “el Dios que mora en mi corazón, saluda al Dios que mora en tu corazón“.\nEl gesto expresa un gran sentido de respeto, invoca la percepción de que todos los individuos comparten la misma esencia, la misma energía, el mismo universo.\nSe usa ampliamente en el yoga, se dice al instructor, para demostrar que el practicante es un sirviente.\nComo saludo, el namaste se puede decir con las manos juntas frente al tórax y con una ligera inclinación, para indicar un profundo respeto, se pueden colocar las manos frente a la frente, y en el caso de reverencia a un dios o santidad, la mano tiene que estar completamente por encima de la cabeza.\nEn algunas partes de la India (por ejemplo, el área donde se habla el idioma punjabi), namaste se usa no solo para saludar a los hindúes, sino para todos.\nCuando usar Namasté\nEsta es una pregunta que confunde mucho a los extranjeros. Namaste no es un simple hola, es una palabra que muestra respeto, formalidad y especialmente reverencia.\nHoy en día es una palabra muy utilizada en el contexto religioso, en la vida cotidiana de algunas regiones, simplemente no escuchas a las personas que se saludan con Namaste.\nTienes que mirar alrededor, si alguien te saluda con ella, devuelve el gesto y la palabra con respeto.\nCuando se encuentre en otro país con una cultura diferente, intente usarla cuando salude a personas relacionadas con la religión, por ejemplo, un sacerdote, un gurú, un anciano sabio, un maestro, un mentor, etc., seguramente no habrá errores, ni siquiera algunos.


La antigua cúpula del Popular defiende que presentó avales por 40.000 millones | Compañías | Cinco Días\nLa entidad solicitó 9.500 millones al supervisor y éste le otorgó 3.800 millones\nEl Banco de España insinuó previamente que Popular tenía garantía para recibir más liquidez\nMadrid 23 JUN 2017 - 20:43\tCEST\nEl Banco Popular presentó al Banco de España avales por 40.000 millones de euros, según han señalado este viernes fuentes de la antigua dirección del Popular a CincoDías. El subgobernador del Banco de España, Javier Alonso, insinuó este viernes en los cursos de la UIMP en Santander, que la entidad financiera no presentó todas las garantías de las que disponía.\nSegún aseguraron las citadas fuentes de la antigua cúpula del Popular, la entidad solicitó 9.500 millones de euros al supervisor y el Banco de España le otorgó 3.800 millones. Por otro lado, entre abril y mayo, el banco obtuvo 2.800 millones de euros, apelando al mercado. Además, las mismas fuentes indicaron que el Banco Central Europeo (BCE) estuvo realizando controles “continuos” sobre la liquidez de la entidad.\nAlonso aseguró en su intervención en el citado curso que se dio toda la liquidez que se le podía otorgar en base a las garantías presentadas. El directivo del Banco de España recalcó que existía la sospecha de que la entidad contaba con garantías adicionales porque las presentadas eran muy escasas.\nPese a todo, el subgobernador precisó que "el volumen de los activos movilizados no habría cambiado la situación más que de modo transitorio". Según el directivo, una nueva inyección de liquidez solo habría permitido que algunos accionistas, que han visto que su dinero se evaporaba, hubieran procedido a la venta. Alonso añadió que el tiempo de descuento alcanzara unos días.


Chávez vuelve a recurrir al mercado estadounidense para cuadrar las cuentas de Venezuela – America Economica / Noticias de última hora en Latinoamérica\nChávez vuelve a recurrir al mercado estadounidense para cuadrar las cuentas de Venezuela\nHugo Chávez ha vuelto a recurrir al mercado estadounidense como vía de escape para aumentar los ingresos de la petrolera estatal venezolana, Pdvsa, que preside el ministro de Minas y Petróleo bolivariano Rafael Ramírez. De momento, se ha reiniciado el envío de gasolina mejorada a EEUU. Además, la filial estadounidense de la compañía, Citgo, va a emitir deuda por valor de 1.500 millones de dólares, según pública el portal Comdinero. Hugo Chávez ha vuelto a recurrir al mercado estadounidense como vía de escape para aumentar los ingresos de la petrolera estatal venezolana, Pdvsa, que preside el ministro de Minas y Petróleo bolivariano Rafael Ramírez. De momento, se ha reiniciado el envío de gasolina mejorada a EEUU. Además, la filial estadounidense de la compañía, Citgo, va a emitir deuda por valor de 1.500 millones de dólares, según pública el portal Comdinero.\nLos protavoces de Pdvsa han anunciado en un comunicado, que este mes se espera enviar al país norteamericano un total de 960.000 barriles de gasolina.\nJesús Luongo, gerente general del Centro de Refinación Paraguaná, uno de los más grandes del mundo, ha indicado que el pasado 12 de mayo salió hacia “América del Norte” el primer cargamento de “»240.000 barriles de RBOB, una mezcla de gasolina adecuada a las especificaciones ambientales internacionales». Según Luongo, se trata del primero de cuatro cargamentos que la compañía tiene planificado realizar en el mes de mayo.\nPdvsa tiene planeado elevar a siete las entregas mensuales de RBOB a partir del mes de junio a EEUU.\nEn el Centro de Refinación de Paraguaná se han llevado a cabo durante 18 meses trabajos de mantenimiento para optimizar sus operaciones y poder así comenzar a elaborar el RBOB necesario para reiniciar las exportaciones a EEUU.\nVenezuela, que es el quinto exportador mundial de crudo, con una producción de 3,1 millones de barriles diarios, es uno de los principales países que abastece a EEUU\nAntLa Unión Europea y el Mercosur acuerdan reabrir las negociaciones para un TLC


Hojas que fueron libros, libros que fueron vidas: julio 2013\nIII. ARTE / 4\nQuería hablar de un maravilloso poemario de José Carlos Llop, Cuando acaba septiembre, Barcelona, Lumen 2011. Tengo al menos otro poemario del autor mallorquín, La dádiva, publicado por Renacimiento. He ido a buscarlo, pero tras de media hora he abandonando la búsqueda, que ha resultado infructuosa. ¿Sería recomendable ordenar alfabéticamente a los autores, al menos en los anaqueles de poesía? Me desespero con frecuencia buscando los libros y sería necesario poner orden; hasta ahora siempre había encomendado todo a mi memoria, mas en ocasiones, como he explicado otras veces, acabo adquiriendo libros que ya tengo, incluso subrayados y anotados. Hay veces en que me he rendido (no así aún con La dávida) y eso me descorazona, me pone un poco gris. Tiempo: decía Nietzsche que la luz de las estrellas necesita tiempo y que los acontecimientos, incluso cuando se ha producido, necesitan tiempo para ser vistos y oídos; pero ¿también las bibliotecas? ¡Con la sencillo que hubiese sido ordenarla alfabéticamente desde el principio! Pero no, Valentín, tenías que hacer secciones: exégesis, teología, filosofía, estética, historia, arte, poesía, literatura, el rinconcito para la ciencia, para los estudios literarios… y todo según lo ibas leyendo. Ruina que arruinas lo que haces. En fin, prometo hablar de Cuando acaba septiembre, que me ha parecido un maravilloso poemario, cuando encuentre La dádiva. Mientras tanto, quien pueda hará bien en leerlos, porque mis palabras no añaden nada, pues, como nos enseñó fray Luis, siempre nos faltan palabras para los sentimientos del alma. Dejo aquí\nel final de un poema bellísimo:\nNo he de olvidar nunca\ntu cuerpo contra aquel vestido\nde flores, como papel pintado\nsobre un blanco africano,\nque te ha ocultado poco a poco\ncon la delicadeza\ncon que se embala una tanagra,\no un fresco tebano de la III Dinastía.\nY he vuelto a comprender,\nya pasados los cincuenta,\nel fin de Marco Antonio,\nel destino de Urías,\no que Troya ardiera\npor los cuatro costados.\nDe El vestido de flores.\nCon permiso, quisiera seguir hablando un poquito de arte. Bueno, ¿no es arte la poesía? ¿No fueron desterrados los poetas de la πόλις platónica? Cierto, los políticos no se han llevado nunca bien con la poesía, porque ésta, aunque a veces sea oscuramente negra, es liviana: pone alas en nuestros pies y nos permite romper las cadenas con las que pretenden sujetarnos a lo dado. El poeta, el creador diré haciendo honor a la etimología, están siempre un paso más allá y cuando son atrapados, como el pobre Ósip, se marchitan como una golondrina enjaulada. No, al poeta se le dieron alas para volar. Quizás el bueno de Platón (admito que el adjetivo es discutible) en realidad quiso proteger el λόγος poético de la ὀμιλία política (debería haber usado el mismo substantivo, lo sé; pero ha sido sólo por marcar las diferencias y nadie dudará que, oído lo que a veces escuchamos en las homilías, la palabra adquiere un matiz de letal aburrimiento).\nImaginemos una esfera sin ventanas, perfectamente cerrada, como las mónadas de Leibniz. Estamos dentro y deberíamos ser capaces de percibir sus límites (πέρας) tocando sus paredes o muros (¡la audioguía del Guggenheim!). Pero se nos dice que el interior de la esfera o es todo y que, por tanto, no existen esos muros: el interior clausurado se convierte así en ἂπειρον, en lo ilimitado. Todo lo que supongo remitir a un “más allá”, a un “afuera” o a un “después” es eliminado como residuo. La conversión de la clausura (κλεῖσις) en ἂπειρον no afecta sólo al espacio, sino también al tiempo: el “ahora” de lo dado se convierte así en lo único, por lo que no es posible esperar nada. Esto, en nuestro caso, quiere decir: no se espera que el arte produzca ninguna esperanza. Así, el arte institucional contribuye a la consagración de lo dado como lo definitivo; por eso, cuando algunas obras hipermodernas pretenden ser una crítica desde ese marco, sólo contribuyen, en cambio, a la angustia del espectador, que acaba viéndolas como puros signos cuyo significado es del todo convencional: abandonamos toda esperanza. No es la angustia que nos puede provocar, por ejemplo, Pubertad de E. Munch, pues nos toca dentro abriendo nuestro corazón; si se me permite el uso de una palabra que amo, aunque esté desprestigiada y los psicólogos y medios de comunicación se hayan empeñado en borrarla de la faz de la Tierra, diré que inspira compasión. Y lo digo literalmente: no es que nos haga sentir compasión (cosa posible también), es que nos la entrega, pues lo decisivo, como digo habitualmente, no es lo que uno siente ante la obra (mi opinión, mi gusto, mi criterio: el sujeto decide sobre la obra), sino cómo ésta lo interpreta a él y qué mundos le abre (es la obra la que decide sobre nosotros dándonos nuevas posibilidades en este mundo). Incluso la sombra de la muchacha, proyectada a la derecha del cuadro, se nos ofrece como una primera ala que elevará la liviandad de su cuerpo sobre la nube blanca de la cama.\nAhora bien, la negación de cualquier transcendencia implica la renuncia a la belleza—ya sea como nostalgia o como promesa. El cambio sería sólo apariencia, pues lo dado ahora es el todo; la diferencia, la variedad, sólo serían espejismos que nos confunden (negación del principium individuationis): el arte al revelar esto real lo único que podría hacer es consagrarlo. Esto implica que el arte debe repetirse idéntico a sí mismo; tal vez sea ésa la razón por la que muchas de las obras de arte que se fabrican hoy (empleo el verbo conscientemente) nos produzcan la impresión de lo ya visto. Sin duda, el abandono de la belleza tiene mucho que ver con la anulación de los transcendentales, pues buena parte de la crítica de la tradición ha querido ser abolición de la tradición; porque la belleza se manifestaba allí donde se nos reveló un sentido (por lo tanto, situada siempre más allá de la apariencia aunque sólo fuera apariencia); pero si no cabe otro sentido que lo dado, se acaban los juegos y danzas de remisiones a los que nos acostumbró el arte, que no remitiría sino a lo dado como el significante de un signo a su significado. Quizás el hecho de que algunos creadores se hayan decantado por el feísmo tenga que ver con esa imposibilidad de acceder a la belleza y esas obras estén señalando el trono vacío. A veces he pensado que una de las condiciones del arte es que renuncie a presentarse como arte, es decir, como un objeto consagrado por la industria del entretenimiento. Así, me parece razonable suponer que el arte es en buena medida una denuncia y la renuncia al mundo clausurado; pero esto lleva la marca de la pregunta, que formula todo arte auténtico, por el sentido. Esto implica cuestionar lo dado; pero si la belleza es en alguna medida la gloria que se nos revela en el arte (incluso como lo ausente), resulta que la belleza pone en cuestión nuestro presente porque es resplandor que anuncia un futuro diferente. Es quizás lo que intentaron las vanguardias con sus apuestas utópicas y es en buena medida lo que tuvieron de grandeza, pues no temieron fracasar.\nEl arte pregunta, cuestiona abriendo mundos y afirmando que no todas las respuestas están-a-la-mano (si sólo se pudiera preguntar por lo que está-ahí, la respuesta no podría no estar-ahí: clausura). Y sin duda esto tiene que ver con el abandono del silencio, con la incapacidad de escuchar lo real (no lo dado). Aquí han jugado su papel los procesos de la razón instrumental, pues los artistas se creyeron obligados a dar respuestas traducibles: el arte dejó de ser gloria (epifanía) y se transformó en discurso que debía ser explicado: los poetas fueron aceptado en la πόλις al precio de dejar fuera de ella el peligro de la verdadera poesía.\nSin silencio no hay creación artística, pero el silencio no es una finalidad en sí mismo, sino que está en función de la escucha. El problema es que muchos modernos no creen que hay algo que escuchar: quizás por eso los montajes se llenan no sólo de luces, sino también de ruidos o, a veces, de algo parecido a la música. el arte, sin embargo, siempre ha sido creador de espacios de silencio (el que sentimos en una iglesia románica o ante una obra de Rothko, por ejemplo) que nos otorgaban una libertad diferente. Recuérdese aquí la importancia que tiene el silencio en la música, pues sin aquel ésta no sería posible: la forma de escribir, como he dicho, a veces es borrar (imaginad una pizarra completamente cubierta de tiza, repleta de letras; la única forma escribir es usando el borrador: la nada de su estela escribe). La saturación de imágenes, que ya denunció Benjamin, ha sido y es una enemiga acérrima del arte. El exceso de imágenes las reduce a la insignificancia. Pero ¿cuándo comenzó ese exceso?\nPublicado por Valentín J. Ansede Alonso en 18:07 2 comentarios:\nIII. ARTE / 3\nDenuncia de una reconciliación falsa de la finitud. Sin duda las vanguardias de principios del siglo XX encaminaron sus pasos a esa denuncia de la sociedad burguesa. Tuvieron su público sin necesidad de caer en la grandilocuencia y sin venderse a las instituciones. Sin embargo, parece que las vanguardias fracasaron, y me refiero a Europa, porque después del cuarenta y cinco se produjo una suerte de retroceso extraño. Quizás el acontecimiento más decisivo (incluso después de que el MoMA impusiera su manera de ver el arte contemporáneo, manera que hizo un gran daño a la pintura europea, que ha sido sistemáticamente menospreciada, algo que tiene mucho que ver con la cotización de la bolsa) ha sido la retira del público. Cierto que en los cincuenta el público en general—no los especialistas, no los críticos, no los marchantes, no los historiadores o estudiantes de Arte—aún intentaba esforzarse por comprender lo que los artistas producían, pero cada vez se hacía más necesaria la explicación y el comentario: hay un buen montón de libros que son puramente el resultado de reunir comentarios a los catálogos. Sólo el pop art recuperó parcialmente el interés del público; pero no considero que las obras de Andy Warhol o de Roy Lichtenstein sean auténtico arte, pues se encuentran a todas luces más cerca de eso que llamamos decoración (a veces incluso de dudoso gusto), un lenguaje pervertido en el que la superficie no muestra ningún fondo. Conservaría sus obras no sólo porque son una buena inversión, sino también como testimonio de una época.\nSin duda, los grandes museos siguen seduciendo al público, pero parece que es gracias a sus técnicas de mercadotecnia, pues cada vez se dedica más espacio para la promoción mercantil de sus productos: lo mismo venden una gorra que un catálogo. El arte ya no cuenta con el público, sino, parece, viene decidido por los marchantes y por la crítica artística, que cuenta con el apoyo de las instituciones perdiendo así su capacidad de crítica. El público se hace presente en el arte como una ausencia, algo que tiene penosas consecuencias, pues lleva a la irrelevancia real del arte, porque le obliga a comprenderse como mercancía. Sin duda, el afán por lo novedoso (no por lo nuevo) y por la promoción mediante el escándalo han contribuido a hacer falso el arte. El público, empero, no se da sin contexto: la sociedad tardocapitalista ha sido el contexto de todo el “nuevo arte” (no me refiero aquí a lo que se dio en llamar en Alemania Neue Kunst, sino al que encuentra su lugar en los museos—piezas hechas específicamente para el espacio de un museo—y patrocinado por las instituciones: Estado, banca, empresas). Recuerdo mi visita al Guggenheim de Bilbao: tras pagar religiosamente la entrada, me endosaron sin comérmelo ni bebérmelo una audioguía, que duró exactamente un minuto en mis impías manos: “Acérquese a las paredes y acarícielas…”, algo así escuché; debería haberlas chupado también, pues hubiese recibido una perspectiva diferente; pero no hice ni lo uno ni lo otro, pues no suelo frotarme contra las paredes (soy un mamífero ligeramente más evolucionado) y para chupar algo siempre son mejores las bombillas. Dudo que el expresionismo hubiese podido nacer en el País Sigla, y cuando uno ve las obras de un gran artista como Edward Hopper percibe que fueron a remolque de la tradición europea, pero ¿acaso eso las priva de su valor? Para nada: son sin duda arte y se mueven en línea con nuestra tradición estética; abren la herida de nuestra finitud denunciando la incomunicación en que la sociedad moderna encierra al ser humano. Mas, vencedores absolutos de la guerra (véase cómo terminó el 9 de noviembre de 1989: recuérdese el ángel de Benjamin), debían imponerse también en lo cultural; pero, como sucedió con los fascismos, a falta de cultura usaron la propaganda.\nEn fin, sabemos que los gringos—los mismos que no han pedido perdón por Hiroshima y lo recuerdo porque se acerca la abominable fecha—quisieron acabar con el prestigio del arte europeo (como ha contado Marc Fumaroli) de la misma manera que quieren acabar (véase el superventas de Alex Ross sobre la música) con la noción de música clásica, porque se quedan justamente fuera. La apabullante propaganda cultural gringa (no muy lejos del fascismo, pues transforma voluntariamente la información en propaganda) lleva empeñada decenios en destronar el arte europeo. Se trata, sin duda, de un complejo de inferioridad plenamente justificado. Sin embargo, pasó algo llamativo, pues los críticos europeos se formaron durante decenios bajo las directrices gringas y así quedó anulada su resistencia cultural. Quizás Francia, una vez más, fue la única en ofrecer resistencia (¡bendita excepción cultural!): conviene repasar los escritos de Roland Barthes quien, con extrema lucidez, analizó el fenómeno de la imposición ideológica de los gringos. Si a alguien le interesa, Mitologías, Madrid, Siglo XXI, 1980 (el original es de 1957) explora parcialmente el tema. No sólo se lee con provecho, sino que muestra entre líneas cómo la publicidad ha ido usurpando las funciones el arte con la única finalidad de clausurar el mundo.\nParece evidente que como no goza del respeto del público, al que pretende escandalizar, el artista debe buscar nuevos apoyos y ha ido a encontrarlos, justamente, en las instituciones. Curiosamente, los nuevos artistas no teniendo público al que escandalizar recurren con frecuencia a los medios de comunicación de masas, ansiosos por conflictos de cualquier tipo que les permitan incrementar las ventas, para arremeter contra un público que se ha retirado. El arte ha pasado a ser, en buena medida, una cuestión de marchantes (precio) y críticos profesionales (medios de comunicación); pero, mirando más al fondo, ¿es esto así o es la convicción equivocada a la que nos lleva la propaganda? Si el arte, como creo firmemente, pertenece a lo irrenunciable que nos hace humanos, entonces encontraremos creadores en estos tiempos de penuria más allá de las políticas de los museos y de las instituciones. Es una de las preguntas decisivas: ¿dónde encontramos hoy a los creadores?\nPublicado por Valentín J. Ansede Alonso en 18:08 No hay comentarios:\nIII. ARTE / 2\nDemos una definición de arte: es el guardián de la herida de la finitud. Sin duda, estamos citando buena parte de nuestra tradición (no sólo a Apolo Febo, también a Dionisos y, junto con ellos, a Jacob cojeando tras luchar con el ángel, al rostro de Moisés cubierto por un velo, el rostro de Jesús transfigurado y al mismo Sol Crucificado: el vino, que es sangre, la sangre, que es vida, la vida como Misterio que nos excede). Sin embargo, si G. Dumézil tenía razón, estaríamos también en la estela de los Vedas, pero no puedo aventurarme por ese camino. El problema es qué pretendemos decir. Parece exacto afirmar que el orden de la Modernidad y sus secuelas (entre las que cabe contar al menos parte de la Posmodernidad) se ha vivido como clausura (κλεῖσις) del mundo cabe sí mismo: podemos contemplar la cerradura, tal vez muy hermosa, pero no se le ha dado ninguna llave para abrirla; es más: se niega con vehemencia que esa llave exista: más allá de la cerradura (κλεῖθρον) no hay nada. Esto significa que el mundo (como κόσμος: orden, pero también armonía) no está abierto a ninguna transcendencia y se convierte en lo absoluto, lo que carece de límites, pues nada podría encontrarse allende este orden clausurado: ἂπειρον, no tiene fronteras (¿qué otra cosa enuncian todas las filosofías del fin de la historia?). La armonía es aquí sólo orden jerárquico ya dado ante el que sólo cabe la sumisión. Esto implica que la finitud se deshace como mala infinitud y que en ella (pues no hay afuera posible) sólo cabe cantar al orden establecido. Aquí el arte se convierte en arte porque sólo puede reproducir lo ya dado. Desde una perspectiva temporal esto implica la negación de un futuro auténtico (por lo tanto, no cabe esperanza) pues todo está dado ahora. Sólo cabe pues la reproducción ad nauseam de lo que ya hay. Los aedos griegos, pero también Eurípides y Aristófanes, coinciden en esto con los profetas bíblicos, pues la voz que cantan no es la suya, sino que les llega desde fuera. En el caso de los profetas, del futuro; en el caso de los aedos, del dios al que dejan resonar en sus voces. Son testigos de algo que los supera. Ahora bien, admitir lo otro implica reconocer que este estado de cosas no es el definitivo (αἰώνιος: eterno) y, así, reconocer la finitud como finitud.\nEn este contexto el arte ha de convertirse en el guardián de la grieta o herida de nuestra finitud, que remite más allá de sí misma. El arte, por decirlo así, rescata a la finitud pues no la anula ni pone en su lugar otra cosa (la idea, el comentario. Resulta curioso que en nuestra sociedad cada vez con más frecuencia el comentario sustituya a la obra, al poema, y se exija al creador que explique qué ha querido decir pues la obra permanece en un silencio mudo que necesita del comentario. Esto es exactamente lo que significan las audio-guías que quieren colocarnos en los museos de medio mundo). De este modo, el arte devuelve el mundo al mundo: expresa la finitud sin abolirla, buceando en ella hacia donde se desfonda (por eso es precisamente finitud). En este sentido y en otros Dostoiesky tenía razón: nos salvará la belleza. Ahora bien, si el arte acontece como rescate de la finitud (pues pone a la finitud como tal), entonces el concepto de belleza no implica una perfección cerrada como lo ya alcanzado, sino como lo por venir (un llegar a ser, el sentido del verbo τελέω: consumar, incluso el tiempo; es decir, el arte como parusía del sentido). La idea de la belleza como reproducción idéntica se sitúa en la línea de absolutización del presente: alcanzada la plenitud, la belleza de despide, ¿es eso? O bien sólo puede acontecer como repetición de lo idéntico con lo cual se termina la creación; pero si el arte consiste en romper la clausura del mundo, entonces la belleza no puede ser nunca la consagración de lo dado, sino el anuncio de lo nuevo. Las alas de la belleza nos impulsan al futuro: ahí acontece la gloria. Es por esta razón por la que toda obra de arte es siempre nuestra contemporánea e incluso más: Altamira, la Niké, Santa Sofía, Notre Dame, la Sixtina, Lección de anatomía, El entierro del Conde Orgaz, Los girasoles, El grito… nada de eso nos llega como pasado, sino que nos alcanza como futuro y adviene como lo que nos envía hacia delante en el tiempo (como pro-mesa). Podemos entender Altamira, por seguir con el ejemplo, porque nos dice: la universalidad del arte es la universalidad de la naturaleza humana; mas entonces quizás cupiera hablar del arte como nostalgia del futuro.\nPero ¿no se siente habitualmente nostalgia de lo que fue? Cito de memoria a Vicente Huidobro:\nSe van las flores y las hierbas.\nEl perfume llega como\nuna campanada de otra provincia .\nVienen otras miradas y otras voces,\nviene otra agua en el río.\n¿Es eso la nostalgia? Al menos ése es el modo habitual de entenderla; pero el ángel que mira hacia atrás y ve todo como una secuencia, como un único desastre, nos dice que la belleza tiene más en común con la melancolía: La melancolía es siempre inseparable respecto al sentimiento de lo bello (Libro de los pasajes, Madrid, Akal, 2005, pág. 297. Por cierto, ¿acabará Abada la edición de las obras completas de Walter Benjamin?). En algún sentido, quizás porque revela la finitud y así nos asocia a la muerte, la belleza puede provocar en nosotros tristeza. Alegría y tristeza, porque en la vida las realidades no se nos dan fragmentadas. La fuerza de la nostalgia (el dolor del hogar perdido) nos alcanza desde el pasado en el presente y tal vez ésa sea una de las razones de la creación (griega, pero también mesopotámica) del tiempo cíclico: ponerse a salvo de la nostalgia. El precio fue abolir el futuro como futuro y, con ello, la finitud pues se buscaba destruir el principium individuationis.\nNosotros vivimos en un mundo (orden) en el que incluso la nostalgia se ha convertido en una mercancía. Abolido el futuro, enterrado el pasado, el presente acaba concebido como lo permanente, lo eterno, y se olvida su fugacidad. El arte tiene aquí la misión de curarnos del olvido, pero no para sumergirnos en el pasado, sino para impulsarnos al futuro. La tradición no es nunca lo que nos ancla, sino lo que nos impulsa. La belleza (τὰ καλά, pero también δόξα en el sentido del hebreo כבוד: kabôd) nos alcanza desde el futuro y por eso se nos escapa siempre: podría decirse que la belleza es el horizonte situado en la herida de la finitud y que, por eso, produce melancolía a la vez que nos da alas para alcanzar el futuro. Así, pues, el arte acontece como anticipo de un futuro humano: no nos abandono a lo que fue, sino que nos lleva a lo que será. Quizás ésta es la raíz de toda crítica a esa institución moderna, aunque el coleccionismo sea más antiguo, a la que nos referimos como museo, pues entierra en el pasado lo que tiene vida y nos empuja al futuro.\nEl arte escandaliza porque rompe la clausura; la búsqueda sistemática de la provocación de muchas obras contemporáneas es falsa en la medida en que consagran lo dado e incluso se fabrican expresamente para los museos. Dejar al descubierto la herida de la finitud, que no tiene su razón (λόγος) en sí, provoca espanto y en una sociedad acostumbrada al orden estable de las mercancías, donde cada cosa tiene un equivalente, da pánico porque muestra que ese orden no es el definitivo. Ésta es la belleza del Patizambo de Ribera, transfigurado en su fealdad; pero también es la belleza de Black on grey o Rust and blue de Rothko, que nos abren un espacio gratuito. Por el lado negativo esto quiere decir que una obra puesta al servicio de la clausura (κλεῖσις) es arte y no arte: una mercancía cuyo valor es su precio y está tasada en función de su capacidad para cerrar (taponar) cualquier griega del orden. Si se quiere hablar de otra manera, es decoración. Por eso, en mi modesta opinión, Damien Hirst es sólo un agrimensor en la misma senda que Andy Warhol (y que buena parte de la obra de Dalí), y por eso también dudo mucho que las obras que las poderosas instituciones financieras encargan para sus museos sean arte: sólo lo imitan.\nAhora bien, ubicado en la herida el arte no puede menos que provocarnos dolor y sufrimiento. Rilke lo expresó maravillosamente en la primera elegía indagando en la belleza:\n¿Quién me escucharía si gritase entre los coros\nde los ángeles? Y aunque uno de ellos me apretase de pronto\ncontra su corazón, su existencia más fuerte me mataría.\nPues la belleza no es sino el inicio\nde lo terrible, de lo que apenas podemos soportar\ny lo admiramos porque serenamente desdeña\nEl creador (al que usualmente se llamaremos artista, aunque esta palabra ha sido desprestigiada por el mundo del espectáculo) experimenta también ese dolor, pues debe sacrificarse en su obra, porque no se ubica delante de ella (no se expone a sí mismo), sino que lucha por mantener abierta la herida. Semejante lucha me recuerda a la de Jacob que vio una escala de ángeles descendiendo desde el cielo y acabó por luchar con uno de ellos, que se retiró al rayar el alba, pues nadie puede contemplar la belleza directamente y seguir con vida. En efecto, ein jeder Engel ist schrecklich.\nQuizás a partir de estos supuestos podamos responder a la pregunta ¿para qué creadores? Y la respuesta nos conduce, como Hölderlin quería, allí donde está el peligro, pues allí crece lo que salva: necesitamos creadores para que mantengan abierta la herida, el abismo que nos asoma a la transcendencia, para que no sean taponadas las grietas de la clausura, sino que sean despejadas (a veces la mejor forma de escribir es borrar) y podamos vislumbrar una transcendencia que no es una prolongación de este mundo. Necesitamos creadores, pues, porque amamos esta vida finita, con su carga de caducidad y sufrimiento y no queremos que nos hagan creer que la finitud ya está reconciliada consigo misma; pero esto implica también que el arte es denuncia de una reconciliación falsa.\nPublicado por Valentín J. Ansede Alonso en 19:01 No hay comentarios:\nIII. ARTE / 1\nPor diferentes motivos llevo meditando sobre arte algunos días. Comprendo que a estas alturas de la historia más de uno se sorprenda al ver juntos en la misma frase un sujeto como yo, el sustantivo arte y el verbo meditar; pero pido un poco de paciencia para ver cómo no llegamos a nada y, así, el camino hecho en vano quizás nos haga algo más libres (empleo aquí el famoso argumento enunciado por el filósofo polaco fallecido en el 2009, especialista en marxismo primero y más tarde en lógica, L. Kolakowski, que me robó el título del único libro que yo me hubiese atrevido a publicar en vida: Por qué tengo razón en todo. Se trata del argumento del cuerno de la abundancia y se enuncia como sigue: hay argumentos disponibles para cualquier cosa que uno quiera demostrar). Bueno, pues me ha dado por meditar sobre arte. En esto tienen mucho que ver algunas lecturas y relecturas que vengo haciendo desde hace unos meses. Como decía magníficamente F. Ibáñez en una de sus tiras cómicas, increíble, pero mentira. Así, hay veces que prefiero con toda claridad el consejo del Coro sobre Sócrates en Las ranas que la seductora voz del propio hijo de la partera:\nμακάριός γ᾽ ἀνὴρ ἔχων\nπάρα δὲ πολλοῖσιν μαθεῖν.\nὅδε γὰρ εὖ φρονεῖν δοκήσας\nπάλιν ἄπεισιν οἴκαδ᾽ αὖ,\nἐπ᾽ ἀγαθῶ μὲν τοῖς πολίταις,\nἐπ᾽ ἀγαθῷ δὲ τοῖς ἑαυτοῦ\nξυγγενέσι τε καὶ φίλοισι,\nδιὰ τὸ συνετὸς εἶναι.\nχαρίεν οὖν μὴ Σωκράτει\nτά τε μέγιστα παραλιπόντα\nτῆς τραγῳδικῆς τέχνης.\nτὸ δ᾽ ἐπὶ σεμνοῖσιν λόγοισι\nκαὶ σκαριφησμοῖσι λήρων\nδιατριβὴν ἀργὸν ποιεῖσθαι,\n[Feliz el hombre que posee\nuna inteligencia exacta.\nEs capaz de enseñar con muchos argumentos.\nPues éste, por mostrar que es sensato,\nvolverá de nuevo, además, a su casa,\npara bien de sus conciudadanos,\npara bien de sus parientes y amigos,\npor ser inteligente.\nEs agradable, ciertamente, no parlotear\nsentado junto a Sócrates,\nrechazando el arte de las Musas.\ny descuidando lo más grande.\ndel arte trágico.\nPero, el perder el tiempo\nen discursos pomposos\ny en parloteos de bagatelas,\nes propio de un hombre insensato.\nTrad. de José García López]\nTal vez para hablar de arte hemos de evitar parlotear junto a Sócrates, porque hay que asomarse al abismo del exceso, ése que el Demiurgo rehúye por conservar el orden guardado con mano de hierro por los filósofos. En este sentido, el teólogo está más cerca de Aristófanes que de Platón. Esto a algunos puede parecerle un disparate, pero me resulta curioso que empezase a tachar la palabra arte inmediatamente después de la palabra Dios, pretendiendo expresar una diferencia (alguno diría diferancia) con los conceptos al uso en la sociedad tardocapitalista. Quizás el único matiz es que, con el uso, Dios ha podido ser usado como nombre propio, pero arte aún no.\nEntre los libros que he estado leyendo, además de algunas monografías que publica con acierto la editorial Casimiro (¡qué curioso Alvar Aalto! ¡Mira que negarse a mirar a El Escorial!), he vuelto a leer, en una nueva edición, a Ernst Fischer, La necesidad de arte, Barcelona, Península, 2011. La edición anterior era del año 1967 y debe andar perdida por ahí; a veces me sucede: he buscado en la librerías en las últimas semanas el libro del que fuera alcalde de Venecia, Massimo Cacciari, El dios que baila, Buenos Aires, Paidós, 2000. Está agotado, pero he aquí que, precisamente buscando el Fischer, he ido a dar con el Cacciari en mi biblioteca. Está leído, subrayado, anotado desde el año… ¡2002! ¿Qué le pasa a mi memoria? Se me ha olvidado. También he leído, con placer, el último libro del historiador británico, de origen judío y comunista, Eric Hobsbawm, Un tiempo de rupturas. Sociedad y cultura en el siglo XX, Barcelona, Crítica (es decir, Planeta), 2013. Y me espera sobre la mesa Will Gompertz, ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos, Madrid, Taurus (es decir, Santillana), 2013. Además, he estado con charlando con Rothko, Ribera y otros amigos entre los que también contaré a Chagall, Schiele y, por supuesto, Klee.\nPero comenzaré recordando a José E. Auñón, un tipo de apariencia deslavazada, pero encantador, con cara permanente de despiste, y con quien jugaba al ajedrez cuando los tiempos eran otros. Sostuve con él, en presencia de otros compañeros, una discusión sobre el arte contemporáneo (designábamos con esta palabra al que se hizo tras la Segunda Gran Guerra). Sostuve que el arte era un lenguaje, y un leguaje universal. El accedió a esta definición con el buen talante que lo caracterizaba y, como de costumbre, se llevó la mano a la barba, aún negra, inclinó la cabeza y expresó alguna duda sobre la idea de universalidad. Esto me lleva a recordar otra discusión (hay quien estima que soy un ser polémico, pero se equivoca y estoy dispuesto a discutirlo el tiempo que haga falta) algunos años antes con otro compañero cuyo nombre he olvidado en un instituto de cuyo nombre no quiero acordarme. En este caso yo había sostenido públicamente que los símbolos no eran convencionales, como los signos, y que eso les otorgaba universalidad. Él me replicó que lo único universal era la naturaleza y en consecuencia como evidentemente los símbolos pertenecían al ámbito de la cultura no podían ser universales. Yo (educado en la escuela de Munz, Balthasar, Bachelard, Eliade, Ries, pero también lector voraz de Kerényi y de Blumenberg) estaba ya decidido a nos distinguir, al menos de manera absoluta, cultura y naturaleza y pensaba, más bien, que la naturaleza humana es cultura, pues es un animal no fijado, y que por tanto en la misma cultura accedemos a la universalidad. Mi joven compañero, pero conste que yo era más joven, no había pasado por Hegel. Todo es cultura (conozco el proceso lógico subsiguiente, ¿vale?) y la cultura es el ser humano en la historia: el símbolo nos facilitaba el acceso, creía entonces como ahora, a lo humano en el hombre.\nLógicamente, mi comprensión del arte es simbólica. De hecho, el arte como fenómeno es muy reciente, como lo son la religión y la filosofía… Desde hace unos siglos nos hemos acostumbrados a ver la realidad desde el prisma de nuestra fragmentación que acabamos identificando sin más con la realidad. Esto error ha llevado, a mi modesto juicio, a la fragmentación de lo humano y a toda esa jerga de las dimensiones de la que Adorno se quejaba con tanta razón. Porque el arte es un lenguaje universal—en el espacio y en el tiempo—pueden seguir las obras de arte parietal comunicándonos significados no aprehensibles de otra manera y en razón de esa universalidad un creador puede dirigirse sin miedo a las generaciones futuras. En otras ocasiones he hablado de Miguel P. del Valle, a quien tantísimo debo. En sexto nos daba Historia del Arte y gustaba formular preguntas retorcidas; imaginábamos que algún día nos preguntaría sobre la influencia de Picasso en los creadores de Altamira: no sabíamos que con semejante broma enunciábamos una verdad, pues hoy sé que la influencia es patente. Quizás por eso toda gran obra de arte sea una botella lanzada al océano de los tiempos. Los buenos marxistas ortodoxos (que gozaron de enorme prestigio, no debe olvidarse) siempre han andado preguntándose por la necesidad del arte pues no entendían el, por decirlo así, sobrepotenciamiento (perdón por el palabro) que el arte ofrecía a la realidad. No se daban cuenta de que no hay nada más real que el arte.\nBastantes incoherencias he dicho como para seguir escribiendo hoy. Otro día será.\nPublicado por Valentín J. Ansede Alonso en 19:14 2 comentarios:\nTuve la inmensa fortuna de asistir a If at all, dirigido por Rami Be’eer y puesto en escena por la compañía israelí de danza contemporánea Kibbutz. Se me ocurren muchas cosas, pero me parece que mis palabras serías insuficientes y ni siquiera conseguirían esbozar una pálida sombra del acontecimiento. Pues se trató de eso: un verdadero acontecimiento, pues me sentí personalmente afectado por lo que aparecía ante mis ojos. Y antes de seguir una observación: la danza contemporánea ha conseguido algo que la música está aún lejos de lograr: la atención del público. Personalmente, el ballet clásico me gusta, pero no se cuenta entre mis aficiones; sin embargo, la danza contemporánea es capaz de arrebatarme y no creo que haya nada tan cercano al teatro griego como la danza. Esta cercanía—no es un invento mío—hizo que Nietzsche se interesase por la danza y que en sus obras aparezcan numerosos personajes danzantes: Dionisos, Zaratustra, los espíritus libres, pero también los pensamientos danzan, las estrellas, las alas y hasta las palabras danzan. El cuerpo es capaz de comunicar con tal fuerza que consigue elevarnos en su baile con una alas, grandes, alas de luz y tristeza. Esto me causa asombro y me deslumbra, pues a mí, tan habituado a la palabra, se me da en la danza una palabra otra, casi inefable, pero que está ahí, carnal y viva, hermosa.\nIsrael tiene la fortuna de tener varias prestigiosas compañías de danza contemporánea: Vértigo, Batsheva, Dafi y, por supuesto, la compañía que aquí nos ocupa, Kibbutz.\nTodos sabemos qué es un kibbutz (קיבוץ) y cómo contribuyeron al nacimiento y al asentamiento del Estado de Israel. Originalmente funcionaron como comunas agrícolas de inspiración sionista y socialista, pero hoy, debido a la crisis, se acercan notablemente a los ambientes urbanos. No es necesario explicar todo eso aquí; pero lo que no todo el mundo sabe es que muchos kibbutzim han sido cantera de artistas, porque entre los supuestos de estas comunas está la creación artística: el artista goza de plena libertad para crear en el kibutz, pero esa libertad se ve permanentemente confrontada con los miembros de la comunidad. No es que se ponga la creación en función de algo, pero no se entiende como una realidad independiente de la vida real. El kibbutz no genera artistas que hagan creaciones muertas, para museos por decirlo así, sino en el mundo para dar vida a la comunidad. En este marco nació el grupo de danza Kibbutz. De hecho, la mayoría de sus miembros viven en un kibbutz o cerca de él; pese a todo, la agrupación se ha abierto a bailarines de otros países, que trabajan con ella. Casi podría decirse que está en un proceso de internacionalización. La Compañía de Danza Kibbutz tiene su origen, si me he informado bien, en un kibbutz de Galilea. Allí una superviviente de los campos de exterminio, Yehudit Arnon, fundó la compañía y la hizo crecer hasta convertirla en una de las más prestigiosas de Israel. Yehudit Arnon, que dirigió el grupo hasta 1996, siempre creyó que el de la danza era un lenguaje universal que debía servir para unir a los seres humanos. El actual director, Rami Be’eer, hijo de músicos residentes en el Kibbutz de Ga'aton, estudió violonchelo; estos estudios los compatibilizó con los de danza bajo la dirección de Yehudit Arnon, a la que ha sucedido como director de ballet. Rami Be’eer entiende el ballet, como pudimos ver, como una obra de arte total que debe impactar al espectador para sumergirlo en ella y transformarlo desde su interior, pues el que asiste a una de sus coreografías se ve confrontado con sus propios sentimientos y en el diálogo con la obra, ésta lo sitúa de una manera diferente en el mundo.\n¿Qué vi? Un escenario vacío al principio; quince minutos de retraso (tal vez para que se cerrase el Shabbat) y todo empezó con la furia de una danza que nos introdujo, al principio, en un mundo de soledad, aislamiento y seres alienados, cuyos movimientos, a veces mecánicos, convulsionaban al espectador, que no podía evitar sentirse afectado por lo que sucedía sobre el escenario del Teatro Romano, que fue un marco espléndido. A diferencia de la danza clásica, en If at all no encontramos un argumento lineal cuyo desarrollo podamos seguir; más bien los movimientos nos alcanzan como impactos que nos obligan a pensar. El vestuario y la iluminación marcaron, según creo, las tres partes del evento. En la primera, dominado por el negro y por movimientos que apuntaban claramente a la alienación, al miedo y al sufrimiento con su corolario, la muerte; se nos coloca delante la condición humana finita y sufriente, que busca redención. Sin embargo, el aislamiento y la ruptura—saltos, piruetas, convulsiones acompasados con una música potente—parecen encontrar su última palabra, pues al final de esta primera parte, si puede hablarse así, se me puso delante la brutalidad de la destrucción y la violencia, que una y otra vez se habían insinuado. Lógicamente, cada uno de los que estábamos allí se dejaría llevar por sus asociaciones, pues la danza no se impone con un significado unívoco, sino que es capaz de expresar las contradicciones que se dan en nuestra existencia. Hubo un momento en que mi emoción se desbordó, pero cuyo significado permanece aún oculto a mi corazón: los símbolos, y la danza contemporánea es fuertemente simbólica, tienen la virtud de arraigar y transformarnos lentamente desde dentro.\nEn la segunda parte, cuadros de luz que actuaban como celdas, cambió el vestuario: las bailarinas se buscaban unas a otras sin llegar a alcanzarse nunca. El drama de la incomunicación se hacía patente sobre el escenario y no sólo se expresaba; quizás es ésta una de las cualidades más evidentes de la danza moderna: nos entrega lo que representa y no pone conceptos en su lugar. Lentamente, en la tercera parte, fueron apareciendo parejas; a veces rotas, a veces tan cercanas que acababan por alejarse… era el drama del amor humano, demasiado humano que culminó, de alguna manera, en la boda (con sus referencias judías tan simpáticas). Quizás al final encontramos más lirismo y menos dramatismo, pero sería un error, me parece, entender las tres partes como segmentos independientes: If at all forma un todo que empieza con la soledad y acaba entreabriendo una puerta a la esperanza, pues la violencia cesa poco a poco y los cuerpos de los bailarines florecen abriéndose unos a otros en claro contraste con los inicios. Así, diría que esta obra nos da un rayo de esperanza porque nos enfrenta a realidades hondamente arraigadas en lo humano.\nReconozco alborozado que el acontecimiento superó mis expectativas. No se trata sólo de que disfrutase—y lo hice—ni de que sintiese—y fueron muchos los sentimientos que me embargaron; no, es algo más que podría definirse en el mejor sentido como κάθαρσις, catarsis, en el sentido original del término, como si hubiese asistido a la representación de una tragedia; pero ¿acaso no lo hice? El dios danza no sólo para expresar su alegría, sino también su pesar; al ver los prodigiosos brazos arqueados de los bailarines, como alas, sentí la alegría de saber que podemos alzar el vuelo y salir—éxodo—de todas aquellas realidades que nos angustian; pero también experimenté el peso de nuestra propia gravedad, esa seriedad que rehúye lo lúdico para esconderse, como un gusano, en nuestros corazones y robar la alegría de la existencia a los demás.\nEl dios que baila ama la vida; por eso Dios baila y la creación entera, como intuyeron los primeros hindúes, es una danza de Dios. David bailó delante del arca semidesnudo:\nE iba danzando David ante el Señor con todo entusiasmo, vestido sólo con un efod de lino. Así iban David y los israelitas llevando el arca del Señor entre vítores y al sonido de las trompetas. Cuando el arca del Señor entraba en la Ciudad de David, Mical, hija de Saúl, estaba mirando por la ventana, y al ver al rey David haciendo piruetas y cabriolas delante del Señor lo despreció en su interior (2Sam 6, 14-16).\nMical, la hija de Saúl, lo acusará de lucirse desnudo a la vista de las criadas de sus ministros, como lo haría un bufón cualquiera. No es sólo desprecio, es resentimiento ante la desnudez. Claro que este mismo David había osado decir de su amor hacia Jonatán, también hijo de Saúl, que era más maravilloso que el amor de las mujeres. Lo admito: Nietzsche siempre me ha parecido un cristiano cabal frente a la hipocresía que le rodeaba (y me parece recordar que una afamada bailarina, Isadora Duncan, sostenía una opinión similar). Tendríamos que aprender a ser livianos, a no tomarnos en serio. Quizás por eso vuelan los ángeles: porque se toman a sí mismos tan poco en serio que son livianos. Nuestra existencia tiene con frecuencia suficiente pesadez como para que nosotros le añadamos más con nuestra mediocridad. Sí, leed a los poetas y danzad en presencia de la Belleza: os saldrán grandes alas, como a los hermosos cuerpos que vi sobre el escenario, que os permitirán volar a vuestros sueños.\nPublicado por Valentín J. Ansede Alonso en 18:54 2 comentarios:\nI. LIBROS Y ESPADAS\nVacaciones: ¿no queda así suficientemente explicado? Si hace falta, se pueden añadir las palabras de verano y nadie sensato dudará de que haya dado una explicación buena, aunque tal vez no del todo coherente. Llevo varias semanas meditando sobre el arte; hace unos días, quizás por las fechas, me encontré pensando en los juguetes de mi infancia. La dicha se desbordó al asistir a la acontecimiento de danza If at all del grupo israelí Kibbutz. Después he pensado en una oración que reuniera todas estas ideas y me ha golpeado la frase de Nietzsche sobre el dios que baila:\nSiempre hay algo de demencia en el amor. Pero siempre hay también algo de razón en la demencia.\nY también a mí, que soy bueno con la vida, paréceme que quienes más saben de felicidad son las mariposas y las burbujas de jabón, y todo lo que entre los hombres es de esa misma especie.\nVer revolotear esa almitas ligeras, locas, encantadoras, volubles—eso hace llorar y cantar a Zaratustra.\nYo no creería más que un dios que supiese bailar (Ich würde nur an einen Gott glauben, der zu tanzen verstünde).\nY cuando vi mi demonio lo encontré serio, grave, profundo, solemne: era el espíritu de la pesadez—él hace caer todas las cosas.\nHe aprendido a andar: desde entonces me dedico a correr. He aprendido a volar: desde entonces no quiero ser empujado para moverme de un sitio.\nAhora soy ligero, ahora vuelo, me veo a mí mismo por debajo de mí mismo, ahora un dios baila por medio de mí.\nF. Nietzsche, Así habló Zaratustra. Primera parte: del leer y el escribir (traducción de Andrés Sánchez Pascual), Madrid, Alianza, 1990, págs.. 70s.\nHace muchos años que leí este texto y la primera idea que se me vino a la cabeza no fue la de Dionisos saltando y bailando rodeado de sus bacantes; no, pensé en la danza cósmica de Shiva, el dios que destruye y crea mundos con sus movimientos. El bufón que baila escondido delante de una imagen de María y es observado por el abad con aprobación y benevolencia. Es la alegría la que crea mundos y, por eso, un Dios creador sólo puede ser imaginado rebosante de alegría, como plenitud de vida. Son los niños los que crean mundos con sus juegos y acaso la existencia tenga mucho de juego: ¿no escribió sobre esto un maravilloso libro aquel holandés repleto de hijos, Huizinga, que tenía puesto un cartelito en el pasillo de su casa pidiendo, por favor, silencio? El carácter fundamental de la cultura es el juego; esto es, la gratuidad, la gracia. Así sucede con todas las cosas importantes de nuestra existencia: se nos otorgan por gracia.\nA veces recuerdo con nostalgia los juguetes de mi infancia. No sólo tuve cajas, como se suele decir, pero mi imaginación funcionaba con mucha fuerza. Lo primero que me asalta es la imagen del matraz lleno de un líquido rojo en el que eché sosa cáustica: lo puse al fuego y la explosión tiñó de un color desagradable la pared blanquísima. Después, lo traje desde Santiago, el coche de pedales: el juego consistía en chocar contra las bicicletas; lógicamente, quien se metía en el coche salía mejor paradas pues igual que cuatro ojos ven más que dos, cuatro ruedas tienen más estabilidad que dos. El pequeño osito mecánico que desollaron mis dos hermanos, siempre dispuestos a demostrar que eran mayores y más fuertes. El coche dirigido (por cable, conste) o el avión que mi padre me regaló a los trece años: sólo conseguí hacerlo volar una vez, cerca de Tablada. También estaban los soldaditos de plástico, nada de plomo; sin duda, los mejor hechos eran los rusos, rojos y bien perfilados. Los verdes, bastos y algo más grandes, eran los gringos; pese a toda la publicidad anticomunista, vencía siempre la belleza de los rusos, porque ¿cómo iba a consentir con nueve años que aquella fealdad verde saliese victoriosa? Veo perfectamente un helicóptero que los Reyes dejaron en el salón de casa después de pasar muchos meses en Santiago. Sin embargo, lo que con más nitidez recuerdo son los juegos en los campitos de Los Remedios, un barrio que se estaba haciendo. Llamábamos campitos a los solares aún vacíos, a veces rodeados por muros de ladrillo; pero hacíamos boquetes y penetrábamos en los territorios prohibidos; organizábamos pandillas, bueno, a mí me organizaban porque era muy pequeño, tendría cinco o seis años, y acababa siempre obedeciendo a los mayores. Una tragedia, pues en casa también era el pequeño y no me quedaba otra que agachar la cabeza. Viví aventuras formidables en aquellos campitos: descubríamos animales inexistentes (la mariposa con una calavera en el tórax), adoptábamos perros y gatos… No existían los móviles y, maravillosa libertad, era imposible que nuestros padres nos controlasen. Con mi vecino jugaba a los vaqueros: las sillas eran los caballos y mi stick de hockey (nadie decía entonces “palo de hockey”, aunque sin duda lo correcto sería hoy escribir palo de jóquey) hacía de rifle. A veces pasábamos de una terraza a otra e incluso en una ocasión me descolgué al piso de abajo; estas actividades ocasionaron a mi familia un gran disgusto el día previo a mi primera comunión: yo tenía ocho años y sólo admitiré aquí que mi padre acabó asistiendo a la ceremonia (la única vez que asistió a una ceremonia en la que yo fuese protagonista y fue, sin duda, porque le pilló de vacaciones) apoyándose en un bastón para disimular la cojera. Por aquellos años, como el hueco del ascensor no estaba cerrado, me subía por la reja y saltaba hasta el techo: después de alcanzar el séptimo, pulsaba el mágico botón blanco que hacía descender la cabina, pero debía tomar precauciones y dejar el techo antes de llegar al final no fuese a ser que Manuel, el portero, descubriese el juego. Hoy todas estas actividades infantiles serían considerarían peligrosas, estarían prohibidas y a los padres que permitiesen a sus hijos semejantes locuras los consideraríamos imprudentes: ¿no hay algo de demencia en todo amor? Claro que mis padres, en realidad mi madre, no se enteraba de nada y sólo la recuerdo enfadada el día que con un destornillador logré desmontar la cerradura de la puerta; luego la monté, pero mi hazaña no le complació en absoluto y, sin embargo, creí haber hecho algo meritorio. Tampoco se enteraban mis padres de mis andanzas por los barcos—el Chiqui, el Aline, el Rivadeluna—donde pasaba buena parte de las vacaciones de verano para ver a mi padre, el capitán cuya voz era capaz de amedrentarme. Cierto, mi padre no era con nosotros el colmo de la prudencia y le estoy agradecido: nunca hubiese entrado en la chimenea de un mercante, nunca hubiese bajado a sus prodigiosas bodegas, nunca hubiese nadado junto a su gigantesca hélice si él no hubiese accedido a aquellas locuras infantiles.\nMi experiencia con los niños es decreciente, pero veo que los niños tienen otros juguetes, aunque tengo para mí que las nuevas tecnologías nos adentran en un mundo sin juguetes: un mundo donde la capacidad creativa se verá seriamente mermada. De hecho, lo que hoy se llaman juguetes parecen haberse transformado enteramente en ensayos de la vida adulta. El juego, que debía durar todo el tiempo de nuestras vidas, es arrinconado por los entretenimientos. Esto sin contar con que cada vez con más frecuencia se hace de los niños adolescentes antes de tiempo matando su imaginación con un malsano placer. Sólo se les asigna un papel, pero dejan de crear mundos. En unos años este déficit de la imaginación lo pagará muy caro la literatura.\nLeía tebeos: DDT, Pulgarcito, Mortadelo… y después, allá por segundo de bachillerato, empezaron a llegar las novelas. Primero, si mal no recuerdo, las del detective francés que tenía un Dos Caballos trucado; después apareció Salgari y su fascinante Tigre de Malasia. Fueron los primeros libros sin ninguna ilustración, ni siquiera en la portada. Me llegó la hora, imagino que como a muchos, de Twain con Tom Sawyer, Huckleberry Finn; pero, sobre todo, Julio Verne. Durante muchos años guardé un pequeño volumen adquirido en una librería de viejo, Quo Vadis, por algo menos de dos pesetas: supongo sería una edición abreviada. Escucho decir que los niños hoy siguen leyendo; pero mi experiencia, decreciente como digo, contradice esa opinión: en buena medida los ordenadores y la televisión sustituye a la literatura en el mundo infantil, y eso que a la mayoría de los padres les gusta ver a sus criaturas con libros entre las manos, pues éstos guardan aún parte de su antiguo prestigio, que se irá perdiendo a media que el pseudolibro ése (lo llamaría ibuk para que fuese patente su barbarie) se extienda. A los niños no les hace demasiada ilusión recibir libros de regalo; pese a todo, sigo regalándoles libros y espadas. El verano era para nosotros, con su interminable duración, un tiempo maravilloso para aburrirnos. Precisamente, por eso nuestra imaginación se desbordaba. El niño es un dios que danza: crea mundos prodigiosos una y otra vez en un juego incansable. Y todos hemos sido niños, aunque algunos lo hayan olvidado.\nPublicado por Valentín J. Ansede Alonso en 11:37 3 comentarios:\nEL SILENCIO NO ES NUNCA LO PRIMERO\nA la memoria de LMGU\nOirás antes el silencio sin comprender\nla mano que a tu espalda te acaricia.\nLos pasos en la yerba serán ecos\ndel galope glorioso de tu vida.\nHas cargado como antiguo caballero,\na pecho descubierto te has batido\ncon la triste sonrisa del vencido\nantes del combate. Flechas venenosas,\ncáncer, dolor de fuego y el miedo\natroz de seguir vivo después de la derrota.\n¿Qué sentías sobre el caballo desbocado del vacío?\nEras dulzura y paso lento con la cabeza\ninclinada hacia el futuro. Fragor de la batalla:\nsé valiente, aunque cuelgues de una lámpara\nsin luz en medio de un despacho vespertino.\n¡Ponte en pie, amigo mío!\nAhora está la compasión: las palabras siempre llegan tarde,\npero el silencio no es nunca lo primero.\nPublicado por Valentín J. Ansede Alonso en 18:28 4 comentarios:


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Ana Martínez Labella: "Almería respira cultura todos los días de la semana"\nLa concejala anima a los vecinos de Ciudad Jardín a disfrutar de las numerosas actividades' en una conferencia en su Semana Cultural\nRedacción 12 Junio, 2016 - 05:00h\n"Ya no es necesario ir a Madrid o Barcelona para ver un gran espectáculo, porque la cultura que se programa en Almería tiene tanta calidad como la de las grandes ciudades". Con estas palabras la concejala de Cultura, Educación y Tradiciones, Ana Martínez Labella, quiso explicar, en su conferencia en la Semana Cultural de Ciudad Jardín, que "Almería respira cultura todos los días de la semana".\nUn impulso logrado gracias "al esfuerzo de todos: administraciones, empresas, colectivos sociales y los propios ciudadanos".\nAna Martínez Labella recalca que "la unión de la programación municipal y las iniciativas privadas permiten que de lunes a domingo se pueda experimentar una nueva actividad cultural cada día con la que emocionarse".\nAna Martínez Labella fue invitada a hablar sobre 'la vida cultural y recuperación de las tradiciones en Almería', ponencia que continuó con un concierto de la Banda Municipal de Música. La charla organizada por la asociación de vecinos 'San Antonio' fue introducida por el presidente del colectivo vecinal, Juan Rafael López Navas.\nLa concejala animó a los vecinos de Ciudad Jardín a disfrutar de la cultura en la ciudad, aprovechar la amplia oferta pública y privada, y vivir con intensidad la cultura. "Almería ha logrado que a sus encantos como ciudad costera, sus días de sol y gastronomía de la tapa, se sume una completa programación cultural para el ocio de almerienses y turistas".\nPara visualizar sus palabras dividió su conferencia en dos partes. En la primera realizó un recorrido por la vida cultural de la ciudad, y, en la segunda se adentró en las tradiciones. En el primer caso, considera clave para el impulso cultural la creación de una Red Municipal de Museos: Casa del Cine, Museo de la Guitarra, Centro de Interpretación Patrimonial, la Casa del Poeta, Museo Doña Pakyta, Refugios de la Guerra Civil, Aljibes Árabes y Espacio 2. También incorporó la extensa programación en el Auditorio Maestro Padilla y Teatro Apolo, con más de 200 actividades a lo largo del año.\nA ellos se suman los festivales temáticos, como Festival Flamenco, Alamar, Julián Arcas, o Festival de Cortos, y en los últimos tiempos "la programación en el Teatro Cervantes, la Escuela de Música y Artes EMMA y la Sala Madchester, entre otros muchos espacios". Y para las edades más tempranas, los programas municipales educativos.\nAdemás, Ana Martínez Labella incidió en "el interés del Ayuntamiento de Almería por recuperar y potenciar las tradiciones", como la Romería de Torregarcía, con 4.000 peregrinos anuales; el Carnaval que se ha trasladado al teatro Cervantes y al centro histórico; la Semana Santa, promocionada en la Feria de Turismo Fitur; Las Cruces de Mayo, donde se ha recuperado el Concurso de Mayas; el Corpus Christi, con el II Concurso de Altares Efímeros en el centro histórico; la Noche de San Juan; la Feria de Almería, con una remodelación del Recinto Ferial para darle más vida, ampliar el número de casetas tradicionales y crear en su interior un nuevo Recinto de Conciertos; y la Navidad, con numerosas actividades para engalanar las calles.\nPor último, recordó la relación del barrio de Ciudad Jardín con la cultura. "Quién no recuerda el Balneario, las noches de cine en la Terraza de Verano, o poder tomar un refrigerio en la Plaza homenaje a nuestro cantante Manolo Escobar. Ciudad Jardín es un espacio ideal para celebrar actividades culturales". Tras la ponencia, se celebró un concierto de la Banda Municipal de Música, que hizo disfrutar a los numerosos vecinos.


Desconfinamiento sí, pero ¿cómo? - Efecto Guayaba\nNumerosos países comienzan gradualmente a salir de dos meses de cuarentena por el covid-19 y muchos ciudadanos tendrán que enfrentar la transición del limbo del encierro a una “nueva” normalidad y las realidades que la acompañan. Necesidad política, presión pública y sobrevivencia económica exigen el inicio del proceso de reapertura y, donde sea razonablemente posible, a un ritmo progresivamente acelerado.\nSin embargo, la realidad brutal es que sin una vacuna o tratamientos efectivos, el coronavirus seguirá siendo una amenaza mortal. En particular, para los segmentos vulnerables de la sociedad, incluyendo los ancianos y quienes sufren precondiciones médicas. El objetivo debe ser salvar vidas y medios de sustento, que no son mutuamente excluyentes, pero requerirán de responsabilidad cívica y acción concertada.\nMuchos países occidentales entran a territorio inexplorado conforme salen del confinamiento. Por un lado, actividades como un testeo masivo y distanciamiento social serán la norma común para el futuro previsible, con el objetivo primordial de evitar una segunda oleada de infecciones. Sin embargo, con frecuencia los estándares uniformes no aplican a todos los países o incluso en cada país, no a todo el territorio, porque el impacto del covid-19 varía en las diferentes localidades. No todos somos iguales. Cada Estado debe buscar políticas flexibles y pragmáticas que produzcan resultados —ya sea a niveles nacionales, regionales o locales— y que estén inmersos en el marco constitucional de la respectiva sociedad democrática.\nAlgunas sociedades asiáticas están claramente mejor preparadas y equipadas para combatir la enfermedad debido a la experiencia con otros brotes virales en los últimos 20 años, particularmente con el Síndrome Respiratorio Agudo y Severo (SARS). Corea del Sur y Taiwán destacan como ejemplos sólidos. A través de medidas prácticas y responsabilidad civil, demuestran cómo una sociedad puede seguir funcionando mientras combate la pandemia. Aun así, se requiere constante vigilancia: no hay que subestimar la capacidad del covid-19 para resurgir y propagarse rápidamente.\nSingapur estaba en el top ten de los países con mejor desempeño en el combate al covid-19. Sin embargo, un brote desafortunado entre trabajadores migrantes que laboraban en un espacio reducido provocó una nueva oleada de infecciones y el país tuvo que reimponer medidas más estrictas. Con sólo 438 contagios de covid-19 y 6 decesos —de acuerdo con cifras de la Universidad Johns Hopkins—, ha dado una de las lecciones más valiosas en esta pandemia. Considerado una provincia renegada por parte del Partido Comunista de China (PCCh), funcionarios taiwaneses son muy conscientes del guión que sigue el PCCh y la experiencia para ocultar y reprimir. Taiwán entendió desde el principio que un brote viral mortal se estaba registrando en la ciudad china de Wuhan, donde se originó el covid-19. Desde principios de enero, Taiwán comenzó a someter a revisión a viajeros provenientes de China continental y a tomar las medidas necesarias para combatir el brote. Más aún, las primeras advertencias de Taiwán a la Organización Mundial de la Salud no fueron escuchadas.\nDado que el liderazgo de la OMS se apega al lineamiento del Partido Comunista de China de no reconocer a Taiwán, debe asumir su parte de responsabilidad por ignorar los llamados que hizo. Inicialmente politizó la lucha contra el covid-19, lo que derivó inevitablemente en la pérdida de un tiempo, y casi con seguridad de vidas. Pese al disfraz de diplomacia de la China comunista y de la agresiva campaña de desinformación, su narrativa de un sistema superior de un solo partido derrotando al covid-19 ha sido desmentida en gran medida.\nLa opinión pública internacional está pidiendo, cada vez más y de forma correcta, cuentas a China por tratar de encubrir la existencia del covid-19 y después por minimizar su severidad. Esto derivó en su rápida propagación en casa y a nivel global, resultando en las pérdidas de cientos de miles de vidas, millones de medios de sustento y el colapso, en términos prácticos, de la economía global.\nLa capacidad del covid-19 de cambiar incluso ha impactado a Rusia. Después de haber cerrado inmediatamente su extensa frontera con China en enero, Rusia decidió tener un gesto de buena voluntad, y adoptó la “diplomacia del ventilador” con países como Italia y Estados Unidos. Sin embargo, pronto revirtió el curso, al incrementarse la cantidad de contagios en el país. Irónicamente, en abril China cerró su frontera con Rusia, en un esfuerzo por combatir los contagios de covid-19 de sus ciudadanos que regresan de Rusia.\nA pesar de numerosas advertencias, muchos líderes occidentales subestimaron la velocidad con que se propaga el virus y el impacto los tomó fuera de lugar. En particular, la capacidad del virus para saturar el sistema médico. Sin embargo, otros que sí escucharon las llamadas de alerta tempranas y actuaron en consecuencia están hoy mejor preparados para flexibilizar las cuarentenas. Mientras que Italia, Francia, España y Reino Unido sufren por cifras de decesos superiores a los 20.000, una historia diferente prevalece en otras partes de Europa.\nHasta ahora, Alemania ha resistido la tendencia de importantes países europeos occidentales. Convertirse en una excepción fue resultado de una serie de factores, incluyendo una organización eficiente —como el testeo masivo de 100.000 ciudadanos al día—. Mejor aún, había un liderazgo político responsable a nivel federal, regional, y local, sumado a la responsabilidad cívica de los ciudadanos.\nGrecia desafió los pronósticos al imponer medidas draconianas y hasta ahora ha salido relativamente ileso. Comienza su salida de la cuarentena en una posición ventajosa, pero su economía frágil no escapará al impacto económico de la pandemia, particularmente su industria turística, que es clave, cuando comience el verano.\nLos Estados de Europa Central y Oriental (ECO) también se merecen buena parte del crédito. Aunque empezaron a registrar casos a principios de marzo, los Estados ECO ya estaban viendo la tragedia que estaba ocurriendo en Italia. Astutamente, usaron la ventana de oportunidad breve, pero preciosa para imponer de inmediato medidas de reacción. Fueron los primeros en sellar fronteras en Europa, cerrando prácticamente todos los negocios, excepto los esenciales, limitando las reuniones públicas e imponiendo leyes para el uso obligatorio de tapabocas. Al comparar las cifras de decesos de ciudadanos por cada millón de habitantes, los países europeos occidentales más grandes las ubican en cientos, mientras que los Estados de ECO se quedan en decenas, con Austria con 65 por cada millón de habitantes y Eslovaquia con apenas 4 por cada millón.\nLos Estados nórdicos de Dinamarca, Noruega y Finlandia impusieron inicialmente medidas estrictas que resultaron en tasas de decesos extremadamente bajas. Considerada caso nórdico aparte, la estrategia experimental de Suecia aún es objeto de debate. Alabada por la OMS, las críticas se acumulan, igual que el conteo de cuerpos.\nLatinoamérica está actualmente en el límite, al registrar, aparentemente, las tasas de crecimiento de coronavirus más aceleradas a nivel global. Conforme la presión económica se acumula en Brasil y México, sus presidentes son renuentes a sofocar a los negocios.\nDado que se prevé que México llegue al pico de casos de covid-19 para mediados de este mes, las cadenas clave de suministro al mercado estadounidense siguen en riesgo. Por otra parte, la práctica de testeo masivo se ha ganado aplausos para el gobierno de centroderecha de Chile, paralizado hace apenas unos meses por protestas a nivel nacional.\nAunque hasta ahora el impacto del coronavirus en África parece leve, los pesimistas temen que lo peor está por venir. Dado que Suráfrica y Nigeria, las principales potencias económicas del continente aún deben comenzar a flexibilizar sus medidas de aislamiento, la amenaza del covid-19 persiste.\nLa pandemia no ha escapado al ambiente político altamente polarizado en Estados Unidos, particularmente en un año electoral clave. Con un enorme territorio, una población de más de 320 millones y una Constitución federal que rige en 50 estados, el éxito en la lucha contra el coronavirus se determinará en gran medida a nivel estatal. La autoridad de un gobernador para abrir o cerrar un estado, incluyendo flexibilizar los cierres, combinado con los esfuerzos responsables de funcionarios locales y ciudadanos definirán al final de cuentas el resultado.\nHasta ahora, las cifras son dramáticas en el país. Los Estados nororientales de Nueva York y Nueva Jersey, combinados, representan casi una tercera parte de los contagios y muertes por covid-19 de toda la nación. Del otro lado, los tres estados con más población —California, Texas y Florida—, combinados, representan casi 10% de los contagios y aproximadamente 6% de decesos en Estados Unidos.\nAunque mayo es el mes de la transición global entre la cuarentena y la reapertura, en junio probablemente será el primer duro despertar de Estados Unidos a una nueva normalidad. Que habrá un profundo daño económico está más allá de toda duda; ciertamente, será peor que la Gran Recesión de 2008. La pregunta clave es cuán profundo: ¿una situación cercana a 2008 o a la Gran Depresión de 1929, o quizá un escenario a la mitad de estos dos?\nProbablemente se inclinará más hacia lo ocurrido en 1929 si una segunda oleada de contagios se materializa y las cuarentenas se extienden al tercer trimestre del año. En el peor escenario, el impacto a nivel global será inevitable, aunque en diferentes grados. Aquellos que tengan la bendición de contar con una amplia liquidez podrían lograr un “aterrizaje” más suave, mientras que la mayoría de los demás tendrán que asumir la carga de largo plazo de la carnicería que está por venir. La pérdida de 30 millones de empleos en solo 6 semanas podría ser la punta del iceberg en Estados Unidos, pero probablemente para gran parte del resto del mundo la situación será mucho peor.\nCoronavirus: Pablo Iglesias atribuye a Podemos las medidas sociales impulsadas por el Gobierno en esta crisis\nLuis Garicano: "Lo de Francia y Alemania acaparando material mdico ha sido uno de los ataques ms graves a la UE"


Cocineros de la reina Isabel revelan truco para evitar que la envenenen\nLady Colin Campbell, que ha escrito varias biografías de miembros de la realeza, indicó que, en su día a día, Isabel II elige su menú de lujosos comedores\nEl personal de servicio de la Casa Real británica tiene un ingenioso truco para evitar que envenenen a la reina Isabel II durante los banquetes, así lo reveló la corresponsal real Emily Andrews durante el programa televisivo llamado “Secrets of the Royal Kitchens”, reportaron medios locales.\nEl “truco” consiste en que “después de que todo está emplatado, un paje elige al azar uno de los platos para servirlo a Su Majestad”, explicó Andrews.\n“De esa forma, si alguien quisiera envenenar a la monarca tendría que envenenarlos a todos”, añadió en referencia al resto de comensales que acompañen a la reina.\nEse hecho significa que la reina no tiene un plato asignado de antemano, sino que se le entrega uno elegido al azar, una vez que la comida está preparada para ese tipo de eventos, celebrados en el Palacio de Buckingham, a los que asisten algunas de las personas más poderosas del mundo.\nPor su parte, Lady Colin Campbell, que ha escrito varias biografías de miembros de la realeza británica, indicó que, en su día a día, Isabel II elige su menú de lujosos comedores, aunque suele cenar en su sala de estar mirando la televisión. “A ella le gusta. Es hogareño, acogedor y cómodo”, indica.\nEl exchef real Darren McGrady agregó que la reina se encarga personalmente de elegir qué va a comer. “El chef hace menús de tres días y eso nos da tiempo suficiente para llevar todos los productos y prepararlos”, detalló.\nEl pasado 21 de abril, la monarca cumplió 95 años y expresó en una carta lo “profundamente conmovida” que se sentía la familia real por todas las condolencias y expresiones de afecto que han recibido tras el fallecimiento, ocurrido días antes, de su cónyuge, el príncipe Felipe, duque de Edimburgo, a la edad de 99 años.\nTe puede interesar: Vacuna Covid-19: Tlalpan e Iztapalapa iniciarán el lunes con segunda dosis\nVehículo cae en socavón en Guadalupe, Nuevo León


PACO - ENCUENTROS: BREAKING BAD\nBreaking Bad es una gran serie de televisión, posiblemente la mejor de la historia de las series que se han hecho hasta ahora. Desde el primer capítulo de la primera temporada hasta el último de la quinta y última temporada, no hay respiro. A cual episodio más emocionante. No me extraña que tenga tantos seguidores y que haya sido tan premiada. Se lo merece.\nLa serie nos describe la vida de un profesor universitario de química, con una vida feliz, junto a su familia, y que de pronto, en uno de esos chequeos médicos rutinarios, le descubren un cáncer de pulmón en fase terminal.\nWhite, para sacar a su familia adelante tiene que hace pluriempleo, trabajando en una estación de limpieza de coches después de su horario como profesor.\nEl profesor Walter White (interpretado por Bryan Cranston) no acaba de asimilarlo y lo primero que piensa es en como hacer dinero de forma rápida para poder dejar a su familia con el futuro asegurado cuando él deje este mundo. Con la ayuda de un ex-alumno, un joven drogadicto llamado Jesse Pickman (papel magníficamente interpretado por Aaron Paul) empiezan a trabajar en lo que ellos conocen como "cocinar" metanfetamina, una droga que se está poniendo de moda. White, al ser químico, logra obtener una pureza que raya el 100 %, lo cual hace que su producto rápidamente se haga popular.\nEl carácter de White irá cambiando poco a poco, a causa el continuo contacto con el mundo del tráfico y distribución de drogas. De ahí el título de la serie Breaking Bad que se podría traducir al castellano como algo así: "Volviéndose malo".\nSu cuñado Hank (Dean Norris), un agente de la DEA, está obsesionado con atrapar al enigmático "cocinero" que cada vez se hace más popular. No se imagina que lo tiene en casa.\nA lo largo de las cinco temporadas, la serie va creciendo en interés, obteniendo cada vez más audiencia y acaparando muchísimos premios. La crítica unánimemente la ha aclamado como una de las mejores series de la historia de la televisión.\nVale la pena verla. Engancha de lo lindo.\nCreador y productor: Vince Gilligan\nProtagonistas: Bryan Cranston, Anna Gunn, Aaron Paul, Dean Norris, Betsy Brandt, RJ Mite, Bob Odenkirk, Giancarlo Esposito, Jonathan Banks\nFechas emisión: 20 Enero 2008 a 29 Setiembre 2013\nCada episodio dura 45 min aproximadamente\nVeb oficial: http://www.amctv.com/shows/breaking-bad