Vida y muerte. Erotismo en George Bataille – Circulo de Poesía\nPresentamos un ensayo inédito de Marco A. Jiménes y Ana Ma. Valle, ambos profesores investigadores de la UNAM, en torno a las ideas del escritor francés George Bataille (1897-1962). El texto pertenece al volumen de ensayo “Lo radicalmente otro, huellas de erotismo prehispánico” de próxima aparición. El erotismo, lo monstruoso y lo sagrado se ligan en esta singular interpretación.\nSi por erotismo entendemos, como dice Bataille, la aprobación de la vida hasta en la muerte, nada mejor para ilustrarlo que los escasos registros del mundo prehispánico, aunque esto último ya entraña una gran complejidad. Y de igual modo, si por Mesoamérica nos referimos a ciertas coordenadas geográficas, antes que a otra cosa, estaremos de acuerdo en que entre las culturas que en esa vasta región se constituyeron hasta nuestros días era posible encontrar mayor diversidad que aquella que existió entre los indígenas polinesios y los esquimales, por supuesto, antes de la conquista española.\nEn tal sentido, también puede ser útil y funcional el sistema binario para entender las categorías simbólicas de los opuestos complementarios, sin embargo, asalta la duda sobre los resultados que esas parejas de símbolos ofrecen, por ejemplo, dice López Austin “en Mesoamérica estaban los pares calor/frío, fuerza/debilidad, perfume/fetidez, gloria/sexualidad” (2010:29). Digamos que hasta la oposición entre el perfume/fetidez todo quedaba claro, pero cuando se relaciona como opuestos complementarios la gloria y la sexualidad, con honestidad no podemos hacer otra cosa sino extrañarnos. Quizá desde “Occidente” relacionar el placer sexual con cierto tipo de gloria no es nada extraño. Es más común encontrar como antípoda de la gloria al infierno. Aunque también es verdad que la gloria cristiana es asexuada y que en el infierno puede o no haber sexo, desde nuestra tradición cartesiana podríamos atribuir, con razón, a la gloria lo que está ausente de sexo y al infierno lo relativo a los pecados sexuales. Es aquí y precisamente a partir del texto de López Austin, La sexualidad en la tradición mesoamericana, de donde se desprende la búsqueda del erotismo prehispánico. “El erotismo se establece en el placer, en la sensualidad, en la atracción de los sexos, en el cortejo. No es posible apreciarlo plenamente en la antigüedad mesoamericana, a la que nos aproximamos, en buena parte, a través de fuentes duramente condicionadas por la percepción de la cultura conquistadora” (López Austin 2010:35). Acordamos con él cuando plantea las dificultades que desde ciertas concepciones occidentales sobre el erotismo se tienen para abordar el asunto de las culturas mesoamericanas, de manera especial en esta grave confusión que asocia simple y llanamente lo erótico con el placer, con la vida, en una especie de negación, de oppositorumaeternum con el dolor y la muerte, tal y como cierto platonismo lo interpreta.\nDel cuerpo, del corazón y de lo sagrado\nPor supuesto que no eludimos u olvidamos que erotismo no es sinónimo de sexualidad y mucho menos de genitalidad. No es extraño reconocer que de modo alguno el Marqués de Sade ni la pornografía son lo más emblemático del erotismo, basta una lágrima, una imagen santa, un pie, un cadáver, un animal, un alimento, una flor, un pensamiento, una imagen familiar, una fantasía o cualquier cosa, para desatar la experiencia erótica.\nEl erotismo no tiene necesariamente una finalidad reproductiva, no se trata de descargar una fuerza biológica que nos invade ni de producir otras vidas para perpetuar la especie, como en los animales. El erotismo es una exaltación, es la tensión constante entre conciencia e instinto, una exuberancia extrema de la vida que sólo puede ser posible en su correlato mortificante. Vida/Muerte, más que oposiciones simples, son una misma palabra vidamuerte, por eso engendrar a otro ser, un ser agónico por principio, no deja de representar una actividad erótica, lo humano más humano. En otras palabras, pro-crear es dar vida a la muerte. La continuidad vital es para nosotros, como seres discontinuos (individuos que morimos de manera singular) mortales, condición necesaria de nuestra existencia. Precisamente el agotamiento del erotismo reside en la separación de la vida y la muerte como del placer y del dolor.\nEl erotismo se asocia a la cultura en el sentido de que irrumpe contra todas las normas y regularidades socialmente establecidas, en esencia es anómico, lo cual no implica que no imponga leyes transitorias a quienes participan de la relación erótica, o que incluso conduzca hasta la locura y la muerte.\nToda operación del erotismo tiene como fin alcanzar al ser en lo más íntimo, hasta el punto del desfallecimiento. El paso del estado normal al estado del deseo erótico supone en nosotros una disolución relativa del ser, tal como está constituido en el orden de la discontinuidad. Este término de la disolución corresponde a la expresión corriente de la vida disoluta, que se vincula con la actividad erótica. En el movimiento de la disolución de los seres, al participante masculino le corresponde, en principio, un papel activo; la parte femenina es pasiva. Y es esencialmente la parte pasiva, femenina, la que es disuelta como ser constituido. Pero para un participante masculino la disolución de la parte pasiva sólo tiene un sentido el de preparar una fusión en la que se mezclan dos seres que, en la situación extrema, llegan los dos juntos al mismo punto de disolución. Toda la operación erótica tiene como principio una destrucción de la estructura de ser cerrado que es, en su estado normal, cada uno de los participantes del juego. (Bataille 2003:22)\nNo es propósito de este ensayo profundizar en las diferentes formas de erotismo como continuidad vital, en un medio de violación y violencia, pero recurriendo a Bataille, podríamos plantear tres formas de erotismo que sin duda conforman una sola; aquella que refiere a la utilidad, al beneficio que obtenemos de nuestro cuerpo y de otros, ya sea en la autosatisfacción sexual directa, como puede ser la masturbación o en las fantasías singulares, mismas que no excluyen angustia y desdicha, así como el placer/dolor que infringimos a otros cuerpos y que está referido a un goce con y para otros. Sin duda, aquello que anima el erotismo es la violencia y la más radical de todas ellas es la muerte, en tal sentido no hay deseo sin un ánimo de dominación, de subyugación del cuerpo del otro, incluso del imperio, de la sumisión que hacemos del propio cuerpo.\nDel erotismo utilitario de los cuerpos, que no deja de tener algo de siniestro y terrible, pasemos ahora al amoroso, al de los amantes, el de los corazones, como lo llama Bataille. Si bien es cierto que en ocasiones esta forma de erotismo proviene o se vincula a los cuerpos no necesariamente depende de ellos, su materialidad, por así decirlo, se encarna en la fuerza del ethos, de la circunstancia, de la coyuntura, de la costumbre, del gusto, de la belleza, de la afinidad y de lo sublime. En tal sentido la pasión sensual puede ser más fuerte que la de los cuerpos, existe en ella un motivo trascedente que irrumpe como violencia sustancial en el quehacer de los amorosos. Se trata de una causa, un propósito, un fin que está más allá de ellos mismos, a tal grado que la felicidad es fácilmente transmutable por el sufrimiento y el dolor, con frecuencia asociados a una utópica promesa de felicidad, de plenitud, pero también en el previo auto-reconocimiento del fracaso, de la imposibilidad. En ambos casos se parte de un como si. Se cree o se siente que se gana, aunque de modo relativo se pierda, pero aun así se juega, o lo contrario, se experimenta la desilusión o la pérdida aunque se gane relativamente, la apuesta es para perder, lo importante, en un caso o en el otro, es participar del juego erótico.\nEl erotismo es una salida a nuestra mortal y discontinua soledad, un atarse al imposible ser amado para confundirse hasta la locura, formar un sólo corazón, aunque los dos que lo preceden desaparezcan. En el colmo de la unión vital la muerte particular es inevitable. De tal manera que el espanto, el riesgo y el peligro de una separación definitiva se manifiesta como la conciencia que garantiza los márgenes de cada individualidad. Por eso el deseo de matar, aquello que nos ata a lo público y ordinario, o suicidarse, para poner fin al insoportable dolor de la imposibilidad de la intimidad extraordinaria, como señala Bataille, es, en la unión de los amantes, un efecto de la pasión.\nEn la experiencia erótica los cuerpos se desnudan y las almas se transfunden pero en el sacrificio se da muerte a la víctima. Es verdad que la continuidad de la especie como humanidad no es afectada por la muerte, en el sentido que lo es para un individuo, todo lo opuesto. “Insisto en el hecho de que estando la continuidad del ser en el origen de los seres, la muerte no le afecta; la continuidad del ser es independiente de ella. O incluso al contrario: la muerte la manifiesta” (Bataille 2003: 27).\nLa muerte sacrificial no es un simple asesinato, un accidente o la decrepitud que con el tiempo termina con la vida, se trata de la destrucción de alguien para que la vida fluya. La muerte es un don, significa que el sacrificado sale del juego erótico sólo para permitir, para dar a los otros la oportunidad de seguir jugando. El muerto en sacrificio dice algo, señala a algún lugar y tiempo, nos revela con su violenta muerte lo sagrado.\nLo sagrado es justamente la continuidad del ser revelada a quienes prestan atención, en un rito solemne, a la muerte de un ser discontinuo. Hay como consecuencia de la muerte violenta, una ruptura de la discontinuidad de un ser; lo que subsiste y que, en el silencio que cae, experimentan los espíritus ansiosos, es la continuidad del ser, a la cual se devuelve a la víctima. Sólo una muerte espectacular, operada en las condiciones determinadas por la gravedad y la colectividad de la religión, es susceptible de revelar lo que habitualmente se escapa a nuestra atención. […] Todo nos lleva a creer que esencialmente, lo sagrado de los sacrificios primitivos es análogo a lo divino de las religiones actuales (Bataille 2003:27).\nEstas tres formas de erotismo manifiestas en el cuerpo, en el corazón y en lo sagrado están cargadas de tres importantes huellas: la conciencia de la muerte, la fecundidad y lo monstruoso. En la primera se acepta al erotismo como el último instante, el instante sublime de la muerte donde podemos reír y llorar, se afirma lo erótico en la muerte como el único puerto de los tormentos de esta vida. Esta claridad de lo inevitable es conciencia de la muerte. La fecundidad es el fruto de la embriaguez de la vidamuerte porque en el erotismo suena la voz del deseo y el éxtasis de la pequeña muerte que es el orgasmo. Esta exaltación de la vitalidad del órgano es aquello que rompe con la razón dando paso a las entrañas de la voluptuosidad y del delirio por el horror ilimitado. Lo erótico manifiesto en el orgasmo es el deseo incontenible de vida por medio de la muerte, es el acto poético, en tanto creativo y productivo, de la vida desbordada que alcanza la extrema locura. En tal acto poético radica el principio pro-creativo del placer sexual. Y así, lo monstruoso se manifiesta tanto en los cuerpos entrelazados que al quedar suspendidos en el apetito excesivo de vida expresan el intenso dolor de la contienda y el inevitable fallecimiento de las entrañas, como en los horrores del erotismo sagrado y de la muerte sacrificial, donde lo monstruoso es, paradójicamente, la encarnación de lo espantoso en los cuerpos descarnados.\nARQUEOLOGÍA MEXICANA (2010). Editorial Raíces S.A de C.V., México, julio-agosto, Vol. XVIII, número 104.\n_____________LÓPEZ Austin, Alfredo “La sexualidad en la tradición mesoamericana”.\nBATAILLE Georges (2003). El erotismo. Tusquets, México.\n Capítulo extraído del artículo titulado “Lo radicalmente otro, huellas de erotismo prehispánico”. Trabajo inédito.\n Profesor-investigador de la FES-Acatlán/UNAM y del Posgrado en Humanidades y Ciencias Sociales de la UACM.\n Profesora-investigadora de la FFyL/UNAMy del posgrado en Pedagogía en la FES-Acatlán/UNAM.\nOmeteotl es un claro ejemplo del sentido de la divina dualidad. Ometeotl es la pareja divina de la creación. “Dios dos”, “Señor y señora dos”, “Señor y señora de nuestra carne” es la pareja masculina-femenina que reunía todas las oposiciones del universo. Lo masculino es lo alto, ígneo, luminoso, celeste y aéreo; y lo femenino es lo bajo, la materia, la oscuridad, lo terrestre y acuoso.\n No creemos forzar demasiado nuestra lectura de las Leyes de Platón en donde el dolor y el placer están planteados como contrarios, siendo que para que haya dolor se requiere de placer y viceversa son consustanciales, no sólo en términos lógicos sino también corporales. Placer y dolor como vida y muerte están ligados son dos caras de la misma moneda. Podemos, incluso, extrapolar esta interpretación al tema de la homosexualidad que Platón rechaza en las propias Leyes.\n Por supuesto que por goce no entendemos placer sino aquello que Freud denominó como “más allá del principio del placer”, es decir, el vínculo entre Eros y Tánathos.\nTags: Ana Ma. Valle, George Bataille, Marco A. Jiménez


Hotel Elblag - Buscador de hoteles Elblag, Polonia\nHoteles baratos > Hoteles por país > Hoteles en Polonia > Hoteles en Elblag > Hotel Elblag\nHotel Elblagul Stary Rynek 54-59, Elblag, Polonia Mostrar mapa\nHotel Elblag, 4 estrellas. Encuentra fotos, opiniones, información, instalaciones y compara precios de hoteles en Elblag, Polonia.\nEste hotel, que da la bienvenida a huéspedes con mascotas, está en Elblag y cuenta con spa/centro de fitness y baño de vapor turco.A sólo unos minutos de Centrum Sztuki Galeria El, este hotel de 4 estrellas tiene sauna. Además, cuenta con un ascensor y un centro de negocios.Las atractivas habitaciones del hotel están provistas de minibar y teléfono. Los baños incluyen secador de pelo y ducha.La excelente ubicación del hotel permite acceder cómodamente paseando hasta innumerables lugares de interés. Nowy Dwor Gdanski y Paslek también están a un breve trayecto en coche desde la propiedad.\nGeneralAnimales domésticos bienvenidos, Mini-bar, TV por cable/satélite, Secador de pelo, TV, Ducha, CafeteríaServiciosCentro de negocios, AscensorActividadesSala de fitness/gimnasio, Sauna, Spa y centro de bienestar, Baño de vapor\nLos usuarios que vieron "Hotel Elblag" también consultaron estos 4 estrellas Elblag hoteles:\n128 mAtrium Hotel Elblag


El hámster y otros cuentos: marzo 2013\n–Lo pone en las instrucciones, mira: “No hablar con ella mientras menstrúa”.\nComo cuando algo te arrastra y te dejas arrastrar arrastrando contigo a los demás, que se dejan arrastrar arrastrando consigo a los demás.\nSi lo acabas de escribir no me interesa. Veamos tus textos más antiguos.\n–No hay que odiar a nadie, cada uno sobrevive como puede.\n–Odiar a los demás es mi manera de sobrevivir.\nMe como una banana, la cago, te la comes, la cagas, te la meto por el culo, la vomitas, me la como, la cago y zas, eyaculo como un marrano.\nLo perdonaba todo, salvo no tener nada que perdonar.\nMi mujer se pasa el día en bolas por la casa. Me estoy matando a pajas.\nTe chuparían más la polla si en vez de esperma extrajeran sangre.\nDía tras día me hice una vida diaria con la que aspirar a la cotidianidad.\nSalir de viaje con tu mujer para desear volver a casa con tu mujer a soñar con salir de viaje con tu mujer.\nAdolescente sensata tiene su primera regla y se vuelve mujer.\n–Nunca te deseé, cariño.\n–Calla y bájate las bragas.\n–Cariño, estoy en mi lecho de muerte, paralizada.\n–Está bien, te las meteré para dentro.\nSi tiene sus ventajas y sus inconvenientes no merece la pena.\n–Cariño, en estos 40 años sólo te deseé una vez.\n–Aquel día que te encontré en la cama con mi hermana.\nSe alegró de mi regreso el hijo de puta.\n–Cariño, ahora que estoy en mi lecho de muerte, te confieso que llevo 30 años sin desearte.\n–Pero te abrías de piernas, que es lo que cuenta.\nComo cuando la primera noche de sexo ella se baja las bragas, tú se la metes y va todo de maravilla y al despertar la besas.\nComo cuando va todo de maravilla y estás como loco deseando volverla a ver y al verla comprendes que ya no quieres verla más.\nMi madre y sus preguntas retóricas. Ahora quiere saber qué es una sinécdoque.\nJacinto introdujo el nardo en el rojo clavel de Violeta. Nueve meses después floreció Acacio, dotado con un tronco singular.\nUn psicólogo sodomiza serenamente a un adolescente problemático mientras le susurra al oído teorías sobre la iniquidad del deseo de poder.\nCuando van a morir, los perros y los gatos buscan la soledad. Eso no lo hará nunca una mujer con la regla. Morirse, digo.\n–He de irme a vivir otras vidas, a conocer otros mundos, a comerme otros chochos. Adiós, mamá –le dijo a su mujer.\nNos pasamos la vida intentando ser esclavos de los demás porque si sólo fuéramos esclavos de nosotros mismos no tendríamos a quién someter.\nEs un alcohólico tremendo. Para que os hagáis una idea, bebe unas diez veces menos que Bukowski.\nImagen: Enter Into Depths of Sleep, de Jillianelf en deviantART\nPublicado por Rafael Blanco Vázquez en 21:42 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada\nEtiquetas: Tuits propios\nEn media hora se despierta, se levanta de la cama, se va a la cocina, se toma un café y dos bollos, se va al baño, se quita el pijama, se ducha, se afeita, se estruja una espinilla, se peina, se echa desodorante, se pone el albornoz, se vuelve a la habitación, se quita el albornoz, se viste y se calza, se dirige a la puerta, se echa un último vistazo en el espejo del recibidor, se ajusta la corbata, se marcha.\nEn la calle, cuando se dé cuenta de que una vez más se ha olvidado las llaves dentro de casa, se maldecirá fuera de sí a sí mismo y se volverá a recriminar el actuar siempre de forma tan irreflexiva.\nUn día de equinoccio en el Gran Bosque, el señor Conejo se topó con el señor Lobo.\n—Podría haberme encontrado —se lamentó el señor Conejo— con el señor Ratón o con el señor Ciervo. Mire que es grande este nuestro Gran Bosque y voy a coincidir con usted, señor Lobo. No he tenido nada de suerte.\n—Sí, sí la ha tenido. Aunque mala —se mofó el señor Lobo.\nPero en ese momento se oyó un disparo y el señor Lobo cayó al suelo víctima de malherimiento.\n—Yo sí que no he tenido suerte —se quejó.\n—No, no la ha tenido. Aunque bueno...\nEl señor Conejo se encogió de hombros y luego de patas para marcharse muy a bote pronto, antes de que el señor Cazador recargara la escopeta y su suerte volviera a mudar de adjetivo. Porque así de antojadiza se muestra la señora Fortuna para con estas cosas que suelen suceder, sobre todo un día de equinoccio, en el Gran Bosque.\nBlog de Sergio Patiño Migoya\nPrimera imagen: Weeping Masquerade Mask, de The-Nanette-O en deviantART\nSegunda imagen: Hex, de matthewcumbo en deviantART\nTercera imagen: skull study, de IkkiDay en deviantART\nPublicado por Rafael Blanco Vázquez en 23:52 1 comentario: Enlaces a esta entrada\nEL BAJISTA* - Rafael Blanco Vázquez


Plantas aéreas – Davinia Moreno\nDescubre un mundo Natural para tu entorno.\nApostamos a que este apartado va a ser todo un descubriendo para ti al igual que lo fue para nosotros cuando nos sumergimos de cabeza en él.\nEl mundo de las plantas aéreas o tillandsias no puede ser más mágico!!\nEstos maravillosos seres son epífitos, que qué quiere decir esto?? Pues resulta que ellos no necesitan tierra o sustrato para sobrevivir sino que disponen de raíces aéreas y pequeños poros por los que captan el oxígeno y la humedad.\nSu único deseo es mantener sus “tentáculos” al aire ya que por ellos es por donde captan las partículas aéreas por las que se nutren para mantenerse así de divinos. Si vives en una ciudad costera no te hará falta ni regarlos, sólo mantenerlos en un sitio donde dispongan de claridad. Recuerda siempre que no le gusta el sol directo! Si tu ciudad es de interior, deberás pulverizarlos una vez en semana y, de vez en cuando, darles un chapuzón con agua rica en nutrientes.\nVes?? Te avisamos de que veníamos con sorpresa…ahora te dejamos conocerlos un poquito más enseñándote los formatos tan preciosos que nos regalan en decoración.\nY ahora…dinos que formato te gusta más, nos encantará conocer tu opinión!!\nMedusas colgantes o posadas??\nEn formato pecera con vida!\nO en increíbles cuadros insertados??\nQuieres saber más sobre estas preciosas decoraciones?? Necesitas información de cómo conseguirlas o qué formato elegir?? O simplemente te has enamorado y necesitas tener una planta aérea contigo cuánto antes?? Rellena nuestro formulario y te ayudaremos en todo!!\nDavinia Moreno, Blog de WordPress.com.


Compartir Alimentos fitness naturales que puedes sumar a tu dieta\nFit food: moda y tendencia\nEncontramos desde hace tiempo un mercado específicamente destinado a aquellos consumidores que desean cuidar su línea y su salud. Se trata de los alimentos fitness o de la "fit food", que se han vuelto toda una moda y una tendencia en la industria alimentaria.\nEntre estos alimentos encontramos cereales de desayuno, yogures especiales, barritas de frutas y cereales con diferentes fines, chips de frutas y verduras u otros productos que la industria ha ido desarrollando para amoldarse a las necesidades del consumidor actual.\nSin embargo, como hemos dicho, se trata de toda una moda y tendencia en la alimentación actual que logra captar nuestra atención sin ofrecer, muchas veces, las características que buscamos en un alimento fitness, es decir, en un alimento saludable que nos ayude a estar en forma.\nAunque muchos productos cumplen con determinados factores como ser reducidos en grasas, ofrecer un extra de fibra o de vitaminas y minerales, muchas veces también son fuente de nutrientes indeseados o tienen un precio muy superior al que podemos encontrar alimentos naturalmente sanos y aptos para cuidar nuestra forma física.\nPor ello, aunque podemos consumir alimentos fitness de origen industrial, siempre debemos analizar su composición y ser muy críticos en su elección, pues además de su etiquetado y su marketing, es importante conocer realmente qué ofrecen estos alimentos.\nPlátano: como otras frutas frescas, es un alimento muy sano y nutritivo, pero el plátano tiene la particularidad de ofrecer una mayor cantidad de hidratos de carbono que pueden ser muy útiles en la dieta del deportista, y además, es una excelente fuente de potasio, mineral clave para el funcionamiento del sistema nervioso y muscular.\nRecetas fitness para emplear en tu dieta\nTeniendo en cuenta los alimentos fitness naturales que mostramos anteriormente, os dejamos algunas ideas y recetas para emplear los mismos en tu dieta y así, lograr una alimentación más sana y nutritiva:\nBizcochitos integrales de plátano y avena


Un 25 de mayo se instaura el nombre de Iglesia Metodista Pentecostal – Iglesia Metodista Pentecostal de Chile\n05:15: AM Jueves Mayo 6, 2021\nUn 25 de mayo se instaura el nombre de Iglesia Metodista Pentecostal\nPublicado el 25 / Mayo / 2017 at 18:57 de Génesis Vallejos\nEs METODISTA porque:\nTuvo su origen en la Iglesia Metodista Episcopal cuando se predicaba con más fervor y se practicaba con más energía que nunca la Palabra de Dios conforme a las enseñanzas de Juan Wesley, el fundador del metodismo.\nNo fue la separación por ningún desacuerdo que tuviera con los principios o doctrinas del metodismo.\nSigue el mismo régimen y disciplina del metodismo, aunque no se siente obligada a ello. Lo hace por encontrarlo útil y conveniente.\nEs PENTECOSTAL porque:\nCree que los acontecimientos del día de Pentecostés eran la inauguración por el Espíritu Santo de la Iglesia que Cristo quería que permaneciera hasta que Él volviera en persona.\nCree que el libro de Los Hechos de los Apóstoles no relata el término de la virtud del Espíritu Santo en la Iglesia, sino que más bien establece la norma propuesta por Cristo, por la cual la Iglesia debe guiarse en el cumplimiento de su grande misión en la tierra: “Id por todo el mundo”; “Predicad el Evangelio a toda criatura”, “He aquí, yo estoy con vosotros todos los días, hasta el fin del mundo”…\nCree que todo lo que la Iglesia de Cristo carece hoy día de alcanzar esta norma, lo carece por causa de su infidelidad y consecuente incredulidad a la Palabra de Dios, y su condescendencia con el mundo”.\nWillis Hoover-Historia del Avivamiento Pentecostal en Chile.\n-El 25 de mayo de 1910 la congregación de Valparaíso junto al pastor Willis Hoover asumen el nombre de Iglesia Metodista Pentecostal.\nHermano Manuel Alveal, Historiador


Aficionada al Arte: 2019\n¿Se pueden fotografiar todavía las esculturas de Brancusi?\n14 de diciembre de 2019, por Lunettes Rouges\nBrancusi, ed. Xavier Barral, 2019. F de Dan Er. Grigorescu : Torso (el muslo), mármol, museo de arte de Craiova\nDespués de haberse liberado de la influencia de Rodin («nada crece en la sombra de los grandes árboles»), Constantin Brancusi, poco satisfecho de los diferentes fotógrafos que había empleado, decide hacia 1907 ser el único fotógrafo de sus obras; en abril de 1914 se lo anuncia a Stieglitz, que preparaba con Steichen su exposición neoyorquina, y continúa hasta su muerte en 1957. De hecho, la visión fotográfica que tenemos hoy de la obra de Brancusi pasa casi siempre por sus propias fotografías. Existen numerosos libros que plantean el aspecto fotográfico de su obra y la complementariedad entre escultura y fotografía: Pierre Schneider basa su libro en el interrogante «¿Qué vacío cruel sintió Brancusi en su escultura para pedirle a la fotografía que lo colmara?» Citemos también el ensayo de Anne-Françoise Penders, el catálogo de la casa Didier Imbert en 1991 con el texto de Friedrich Teja Bach, y por supuesto la exposición «Images sans fin» (Imágenes infinitas), Pompidou 2011, con su catálogo (y mi crítica).\nDan Er. Grigorescu, Brancusi, Mademoiselle Pogany, 1913, bronce, col. Cecilia Cutescu-Strock; páginas 50-51\nEntonces, frente al dominio de la imagen fotográfica por el artista mismo (creo que es un caso único), ¿cómo podemos fotografiar aún a Brancusi? De hecho, en la mayoría de sus catálogos y monografías (por ejemplo en catálogo de su exposición de 1995), la gran mayoría de las imágenes de las obras son de él; y, en ninguno de los libros de mi biblioteca, he encontrado que mencionen al fotógrafo Dan Er. Grigorescu (1917-1990; no he descubierto qué significa la abreviación Er.). La hija de éste último, galerista en Paris (en donde se pueden comprar impresiones póstumas), convenció a las Ediciones Xavier Barral para que co-editaran un libro que comprende 40 fotografías (de las cuales 35 son de las obras de Brancusi y no cien, como anunciado) hechas por su padre, reedición de una edición rumana en francés de hace 52 años (intitulada entonces «Brancusi ou l’anonymat du génie» -Brancusi o el anonimato del genio-, Meridiane, Bucarest, 1967, más o menos 60 páginas), con dos textos suplementarios. Nada indica que Grigorescu haya conocido a Brancusi (quien, estando basado en Paris, siguió yendo a Rumania regularmente después de la llegada del régimen comunista).\nDan Er. Grigorescu, Brancusi, Columna sin fin, 1937-38, hierro fundido metalizado, Parque de Târgu Jiu; páginas 76-77\nEs un bonito libro de 96 páginas, negro y oscuro, cuyas imágenes (siempre con este editor) van admirablemente impresas; único pequeño reproche, el estuche es difícil de abrir. La mayoría de las fotografías ocupan toda la página con fondo negro, bastante contrastadas. El fotógrafo (que vivía entonces en Rumania) había elegido cinco obras accesibles puesto que estaban en los museos o colecciones rumanas: Sabiduría de la Tierra (piedra, 1909), El Beso (piedra, 1911), Torso (el muslo)(mármol, 1910), Prometeo (yeso; 1911) y Mademoiselle Pogany (bronce, 1913), y de las tres esculturas del conjunto monumental de Târgu Jiu (Mesa del Silencio, Puerta del Beso y Columna Infinita, 1937-38), que en el 75 visité con emoción (en ese entonces se decía Tirgu Jiu). El libro comprende tres textos: uno, que estaba en la edición original, del crítico rumano Dan Haulica ((1932-2014), uno de Julie Jones (comisaria foto del Centro Pompidou) presentan el conjunto de Târgu Jiu, y uno de un curador rumano Calin Dan, del que hablaré después (un cuaderno complementario de 24 páginas da la traducción de los ensayos en rumano y en inglés).\nDan Er. Grigorescu, Brancusi, Puerta del beso 1937-38, piedra, Parque de Tärgu Jiu; páginas 62-63\nDan Haulica fue una personalidad muy importante de la crítica del arte en Rumania; jefe de redacción de la revista cultural «Secolul 20», fue blanco del régimen comunista y tenía que negociar sin cesar con la censura. Tenía bastante libertad para viajar (fue presidente de AICA), venía a menudo a Occidente (se veía entre otros, con Ionesco), y, aunque no se mencione, podemos suponer que conoció a Brancusi en Paris o Bucarest. Su ensayo, escrito en 1967, en un estilo más bien lírico, es apasionante de leer: al tiempo que hace numerosas referencias a la antigüedad (griega y también mesopotámica), su propósito principal es anclar la obra de Brancusi en las raíces arcaicas, demiúrgicas y ctónicas. Viendo que las influencias de otras culturas (árabes, eslavas, orientales o africanas) en las obras de Paul Klee, Matisse, Picasso o Derain son «un gesto indirecto y un aporte de cierta manera exótico», les opone a Brancusi para quien esas influencias tienen «una existencia inmediata», puesto que «no necesitaba alejarse para descubrir tales fuentes; las llevaba en sí mismo».\nDan Er. Grigorescu, Brancusi, Mesa del silencio, 1937-38, piedra, Parque de Târgu Jiu; páginas 52-53\nUn texto original que naturalmente no niega la relaciones de Brancusi con todos los pioneros de la modernidad, en Paris y Estados Unidos en particular, pero que arraiga a Brancusi con mucha más fuerza que otros en una forma de atavismo rumano, de influencia histórica y cultural nacional, que, me parece, correspondía bien con la posición oficial rumana entre «la distensión cultural» de 1965 (con la llegada de Ceaucescu al poder y el nacional comunismo) y el endurecimiento de 1982. La historiadora y crítica de arte Daria Ghiu ha escrito varios textos (como éste) sobre la manera como la ideología oficial, primero socialista y después nacionalista se apropiaron a Brancusi, recordando que en 1951 (ya no produce mucho: 15 esculturas entre 1939 y su muerte en 1957), el artista le regaló todas sus obras a la República popular rumana, pero la Academia rumana no aceptó («demasiado formalista, sin sinceridad, habiéndose alejado de los valores verdaderos, ...»). Revisita las presentaciones de Brancusi en la Bienal de Venecia (en 1924, dos obras; en 1950, no acepta una gran exposición y la promesa del Gran Premio; en 1960 en el pabellón rumano; en 1982 en el mismo pabellón, con las fotografías de Grigorescu y Dan Haulica como curador), y analiza como fue recuperado Brancusi por el discurso nacionalista, identitario, esencialista, «el gran campesino rumano que resistió al asimilismo de la cultura tecnocrática euro americana» (escribe el curador Ion Frunzetti), cómo fue transformado en instrumento político, en escudo nacional, en «country brand» (según el Ministerio rumano de la Cultura en 2012): sus restos deben ser repatriados a Rumania en lugar de que «se pudran en tierra extranjera». En contraste, el ensayo de Calin Dan en este libro, a propósito de la Bienal de 1982, en donde las esculturas de Târgu Jiu estaban representadas en una instalación fotográfica gigantesca de Grigorescu (una pena que no haya en el libro imágenes de la exposición, o por lo menos su reconstitución en Bucarest en 2018, como aquí, ahí y allí), es un ensayo que insiste más bien sobre la transgresión que representaba el re-enactment, «al transportar su creación desafiando las barreras geográficas e ideológicas».\nDan Er. Grigorescu, Brancusi, Sabiduría de la Tierra, 1909, piedra, Museo nacional de Arte de Rumania, Bucarest; pág 35\nFrente a esos discursos, ¿qué nos dicen las fotografías de Grigorescu? Fotógrafo fino y talentoso originario de una familia de generales y armadores, educado en Francia, pero que después de 1945 tuvo que aceptar trabajos humildes y humillantes puesto que el régimen había nacionalizado el patrimonio familiar de esos grandes burgueses y, como «enemigo del pueblo», no podía pretender a un empleo normal. Deseaba escribir pero no lo logró, y encontró un equilibrio como fotógrafo independiente: fotografías de paisajes (el Delta del Danubio), retratos, pero, salvo error, solamente las obras de arte de Brancusi. En 1974, pudo exiliarse en Paris y, entre otros, trabajó para la radio de propaganda norteamericana Free Europe. Entonces, ¿cómo un gran burgués venido a menos pero siempre elegante y sociable, ve la escultura de aquel hijo de pobres, de aquel silencioso disimulado y mal vestido (pero gran seductor)?\nDan Er. Grigorescu, Brancusi, Sabiduría de la Tierra, 1909, piedra, Museo nacional de Arte de Rumania, Bucarest; pág 30\nConstantin Brancusi, La Sabiduría de la Tierra\nfoto de 1909, 28.4×18.8cm (Imbert páginas 62-63)\nQuizás lo mejor sea poner juntas las fotografías de una misma obra hechas por Brancusi y por Grigorescu. Hagamos la experiencia. Pero es difícil con las esculturas individuales pues datan de antes de 1913, cuando Brancusi no fotografiaba sus obras sistemáticamente; más precisamente, fotografió una versión posterior y/o con un material diferente de sus piezas. En lugar del Prometeo de yeso de 1911, fotografió el de mármol de 1911 (catálogo Pompidou n° 87; Schneider n°10) y el de bronce pulido de 1911-1917 (Pompidou n° 108-110), y el efecto de materia, de superficie es evidentemente muy diferente; en lugar de la primera Mademoiselle Pogany (su amante y amiga) en bronce de 1913 (ver arriba), fotografió esta primera versión en mármol de 1912 (Pompidou n° 94 en negativo; Schneider n°50; Imbert n°42), y de nuevo no sabríamos comparar la inquietante singularidad de la foto de Grigorescu con el aspecto diáfano y la luz interior de la de Brancusi. Únicamente la Sabiduría de la Tierra, su primera escultura tallada, fue, salvo error, fotografiada por él (Imbert n°22 y 23, aparentemente dos impresiones de un mismo negativo; aquí al lado) y por Grigorescu: las fotos de Brancusi, con fondo claro, acentúan la geometría, la incorporación del cuerpo en el bloque, y la textura misma de la piedra. La primera foto de Grigorescu (aquí arriba) al contrario, hace emerger del fondo negro una criatura casi alucinada, cuyas formas van subrayadas por un brutal juego de luces y de sombras; la segunda, un primer plano sobre el muslo, muestra el grano de la piedra; la tercera, de espalda (más arriba), muestra la incisión dorsal, larga y profunda, como una rasgadura. Grigorescu parece privilegiar el drama, la expresividad, la sensación háptica; mientras que Brancusi es aquí, singularmente sobrio, Grigorescu es trágico y fascinante.\nConstantin Brancusi, La Columna del Infinito, foto hacia 1938, negativo con gelatina-bromurp de plata sobre vidrio (contratipo d’e un fotograma de película 35mm), 18×13 cm (Schneider pág 72, Penders pág 15)\nEs en Târgu Jiu principalmente que podemos confrontar los dos fotógrafos con la Columna Infinita. Aparentemente Brancusi fotografió poco los otros dos conjuntos, de los que sólo encuentro rastro en Imbert: la maqueta de la Puerta del Beso sobreexpuesta, con relieves aplastados (n°57), mientras que las fotografías de Grigorescu restituyen muy bien el relieve y la profundidad (más arriba), y una Mesa del Silencio fotografiada de manera bastante banal (n°56) comparada con la composición nocturna fantástica de Grigorescu (más arriba). Bueno, miremos las Columnas infinitas, la de Târgu Jiu, no la de Voulangis). Muchas de las fotografías de Brancusi son en realidad fotogramas de sus películas (9 de cada 10 imágenes del catálogo de Pompidou; también Schneider n°30), y por ello son más bien planas, de no muy buena definición, lo que les da un carácter más abstracto, menos realista; en cambio, el montage de tres fotogramas, uno sobre otro (Pompidou 160, 162, 164-170) da naturalmente una impresión de infinito que va al cielo. Mientras dos de sus (verdaderas) fotografías de plano amplio (Schneider 56, Imbert 58) son mucho mejor documentadas, otra (Imbert n°59) delante de un cielo nublado está mucho mejor compuesta. Y la fotografía más impresionante de la serie (Schneider n°34, Penders n°2; aquí arriba) muestra la parte de arriba de la columna con un fondo de cielo tormentoso (como lo hizo para Voulangis, por ejemplo, para la portada del catálogo Pompidou), pero es en realidad el contratipo de un fotograma sacado de su película. Frente a la relativa sobriedad de las fotografías de Brancusi, Grigorescu realizó 14 fotografías que en su mayoría (salvo un primer plano de una de las churingas), muestran, con un fondo nublado, la columna en contrapicado que se eleva hacia el cielo. Ese punto de vista, la puesta en escena dramática, la traducción fotográfica del simbolismo de la columna expresan una preocupación más expresionista, más mística, podríamos decir.\nDan Er. Grigorescu, Brancusi, Columna del Infinito, 1937-38, hierro fundido metalizado, Parque de Târgu Jiu; pág 85\nPodemos concluir entonces que tanto las fotografías de Grigorescu como el texto de Haulica sitúan a Brancusi en un universo marcado no solamente por la pureza y la sencillez modernistas usuales, sino también por un vínculo fuerte con las fuerzas de la naturaleza, por una metafísica de raíces paganas y fetichistas, y por una unión esotérica entre terrestre y celeste. Este libro nos entrega entonces una lectura un poco diferente y apasionante de la obra de Brancusi.\nPublié par PiLi OSPINA MOTTA à 08:35 Aucun commentaire:\nEntrar en la Obra : Arte pobre y performance\n11 de diciembre de 2019, por Lunettes Rouges\nGiovanni Anselmo, Entrare nell’opera, 1971, impresión blanco y negro sobre lienzo, 336 x 491 cm.Col. Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto, Portugal. © Giovanni Anselmo, cortesía Archivio Anselmo.\nEn el arte pobre, se insiste por lo general en el objeto, en la obra de arte tangible, concreta, material, y, precisamente, hecha con materiales pobres, madera, carbón, fieltro. Pero toda la otra cara del Arte pobre, la de las acciones temporales, de las performances, de los procesos que implican al público, se evoca rara vez; probablemente porque es más difícil de exponer, los comisarios no disponen sino de huellas de esas acciones, documentos, fotos, cortos, o vestigios físicos más o menos elocuentes, y no consiguen realizar sino presentaciones museísticas frías y desencarnadas, en el mejor de los casos re- encantadas para un espectáculo o un «re-enactment» lo que es siempre bastante artificial. El gran interés de esta exposición en el Museo de Saint Etienne (hasta el 3 de mayo) es que intenta esquivar esta dificultad con audacia, lo vamos a ver (la exposición viene del Kunstmuseum de Liechtenstein).\nAlighiero e Boetti, Lámpara anual, 1966, 76 x 37 x 37 cm\nNo necesitamos presentar a los 14 artistas de Arte pobre, entre los cuales una única mujer, Mariza Merz; seis de entre ellos viven todavía (Anselmo, Calzolari, Paolini, Penone, Pistoletto y Zorio). Una pared con retratos en la entrada muestra a todos esos simpáticos jóvenes intrépidos. Lo primero que muestra esta exposición, es que todos, de diferentes maneras, no consideraban su arte como una producción de objetos sino como un generador de experiencias, y, que para ellos, cuerpos, tiempo y espacio eran materiales para performar y no entornos pasivos. Las dos primeras secciones de la exposición presentan de forma bastante clásica, obras emblemáticas y rica documentación, fotografías y películas: la primera sobre el teatro y la teatralidad de las obras, con, por ejemplo Pistoletto y el grupo Lo Zoo una sección sobre el Piper Pluriclub de Turin y los vínculos con el Living Theater. Como ejemplo teatral hay una obra de Pier Paolo Calzolari en la cual la humedad del aire se transforma en hielo: lo invisible se vuelve visible. Otra obra emblemática (aquí arriba), la lámpara anual de Alighiero e Boetti, que se enciende únicamente una vez al año durante 11 segundos, nadie sabe cuándo: el evento aleatorio e imprevisto, casi invisible, en realidad se reduce a una idea.\nUgo Mulas, Il tempo fotografico, A J. Kounellis, 1969, copia por contacto (Verifica n°3); no está en la exposición\nLa segunda parte, «Tiempo y lugar», agrupa numerosos archivos, documentos, películas y fotos. Se trata de un conjunto bastante documentado (y el catálogo de 540 páginas completa muy bien la documentación); lo que me sorprendió fue que no encontré casi nada sobre Ugo Mulas. No solamente fotografió las obras de Pisoletto, sino principalmente su trabajo fotográfico de 1969 sobre una performance elaborada por Jannis Kounellis (referenciado en el catálogo p.429 como ST (Nabucco)), que él intitula Il tempo fotografico y que fue el origen de su trabajo sobre las Verifiche. Da pesar dentro de un conjunto tan bien construido.\nVista de la exposición Entrare nell’opera. Prozesse und Aktionen in der Arte Povera en el Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz, 7 juin — 1 de septiembre de 2019. Foto : Stefan Altenburger © Kunstmuseum Liechtenstein\nDe izquierda a derecha : Mariza Merz, Scarpette, 1968. Cobre e hilo de nylon, cada uno\n4 x 22 x 7 cm. Fondazione Merz, Turin.\nGilberto Zorio, Odio, 1969. Cuerda y columpio, dimensiones variables. Colección Kunstmuseum Liechtenstein.\nGiuseppe Penone, Albero di cinque metri, 1973. Madera, 470 x 20 x 15 cm. Colección MAMC+. Michelangelo Pistoletto, Mapamondi, 1966-1968. Hilo metálico papel periódico, dimensiones variables. Cittadellarte – Fondazione Pistoletto, Biella.\nLa tercera sección, «Acciones», entra de lleno en el tema, con obras que son el testimonio de una acción del artista, que vuelven visible el proceso de creación y su entorno. Por ejemplo el Mapamundi de Michelangelo Pistoletto, esfera de papel periódico que hace rodar en la calle y que lleva las marcas de ello. Es allí también que se reinventa ciertos días la obra ST (que se inventa en el lugar) de Kounellis con violinista y bailarina ante un cuadro que toma las partituras de un extracto del ballet Pulcinella de Stravinsky.\nGiovanni Anselmo, Entrare nell’opera, detalle vista de la exposición\nPero la singularidad de esta exposición viene de la cuarta parte, epónima: Giovanni Anselmo, habiendo accionado el temporizador de su cámara fotográfica, entra en el campo, en el paisaje, en la obra (arriba). Aunque se nos prohiba pasar la raya, es una incitación para que participemos en otras obras performances, para que nos sentemos en el comedor de Pistoletto, cantemos en los micrófonos de Zorio, martillemos la placa de metal de Mattiacci o para que levantemos el cubo de Luciano Fabro y penetremos en él (aquí abajo). Podemos imaginar la angustia de los mediadores y de los guardias de sala, pero hay que aplaudir la audacia.\nLuciano Fabro, In cubo [En cubo], per Carla Lonzi, 1966. Foto : Giorgio Colombo, Milan.\nCatálogo en inglés, muy completo, con ensayos, reseñas detalladas de cada uno de los artistas, testimonios e inventario de las acciones emprendidas por los 14 artistas. Una obra de referencia, incluso si usted no puede ver la exposición.\nFotos 1, 4 & 6 cortesía del Museo; foto 5 del autor.\nPublié par PiLi OSPINA MOTTA à 23:11 Aucun commentaire:\nGiulia Andreani, mujer, pintora y libre\n08 de diciembre de 2019, por Lunettes Rouges\nGiulia Andreani, Pensionnaire modèle, 2018, acrílica sobre lienzo, 190x440cm, f. D.Molajoli\nGiulia Andreani es pintora. Punto. Ni pintora de historia, ni pintora feminista, no acepta las categorías dentro de las cuales quisieran encerrarla, dice en una entrevista con Ludovic Delalande en el catálogo, y añade «no tengo deseos de delimitar mi pintura en un espacio definido». Entonces hablemos de su pintura misma, tal y como se despliega en la parte baja del Museo de Bellas Artes de Dole, en una exposición (hasta el 2 de febrero) que, a partir de su residencia en la Villa Médicis, remonta en el tiempo. Y para ello, en lugar de seguir el hilo de las salas, la cronología o una temática restrictiva, miremos metódicamente sus lienzos y acuarelas, todas pintadas con gris de Payne, todas en todos leves y azulados, con infinidad de matices (una excepción, un filo azul en un retrato de Balthus con una samurai japonesa).\nGiulia Andreani, Antifascisti, 2017, acrílica sobre lienzo, 35x27cm cada uno, serie de 10, vista de la exposición, f. M.Domage\nPodemos empezar por sus retratos sencillos, sin aprestos, sin puesta en escena, frontales, y cuyo sentido viene del sujeto mismo. Puede tratarse de dictadores y de sus mujeres, alineados horizontalmente como en una parada y que detallaremos uno por uno (descubiertos en Montrouge hace más de siete años y luego vistos de nuevo aquí), o tratarse al contrario, de antifascistas, cuya disposición vertical impide la individualidad, cuyo cartel no da los nombres, cuya ascensión es colectiva (aquí arriba). La partisana del frente de resistencia (emanación del PCF en 1941) tampoco la nombran, mientras que a su lado, el joven Pasolini luce un uniforme de Balilla, las juventudes fascistas (al final de la reseña).\nGiulia Andreani, Guérillères, 2017, acrílica sobre lienzo, 150x200cm\nPara seguir en ese mundo representativo, pone en escena a heroínas que juegan un papel, performan una función: ferrocarrileras o bomberas que reemplazan a los hombres durante la guerra, guerrilleras con caras de madres jóvenes de un refugio, se muestran en el anonimato del grupo y de la transposición, o la primera mujer que se auto proclama alcaldesa, junto con su adjunta, con blusas de enfermeras y máscaras de gas.\nGiulia Andreani, La Cattiva, 2018, acrílica sobre lienzo, 35x27cm\nUnas máscaras de gas funcionales que nos llevan hacia otras, un aderezo de los que acostumbra Andreani: la cara va disimulada con una reja, y se trata de la Cattiva, la mala, que le da su nombre a la exposición (estará encerrada y cautiva, detrás de una reja, o al contrario, se protege detrás de un misterio a no ser que por mala y amenazadora esté amordazada), con líneas de escritura (una carta inventada de Alexandra Killontaï a Lucienne Heuvelmans, al final de la reseña), con un formulario administrativo (las mismas madres jóvenes vistas en el refugio, la cara individual oculta para preservar el anonimato) o con máscaras teatrales (y se trata de complotistas). Es una marca de desaparición, una señal que oblitera la apariencia, el símbolo que sobrepasa la representación, un tema que atraviesa toda la obra de la artista.\nGiulia Andreani, Résidentes (Alegorías de la Música, de la Escultura y de la Pintura), acrílica sobre lienzo 200x150cm chaque, vista de la exposición\nDespués pasamos a composiciones más complejas, en donde abundan los símbolos, en donde todo se presta para descifrar, a veces difícilmente, o es casi imposible, la artista conserva las claves. Es aquí que están los tres primeros cuadros, homenaje a las tres primeras pensionarias de la Villa Médicis, la música Lili Boulanger (1913), la escultora Lucienne Heuvelmans (1911) y la pintora Odette Pauvert (1925). Aunque a lo largo de la exposición otras obras nos las recuerden (incluyendo los resultados de las exploraciones de Andreani en los archivos de la Villa), estas tres son los más emblemáticas. Algunos camaradas de Giulia Andreani en la Villa prestaron sus rostros; las alegorías de la música y de la pintura son tranquilas y sencillas, la una con piano, niños y partitura ilegible; la otra con un fresco aparentemente franciscano y un lienzo, virgen él también. La única singularidad, dos máscaras de teatro antiguo gesticulantes, en el suelo.\nGiulia Andreani, Résidente (Alegoría de la escultura), 2019, acrílica sobre lienzo , 200x150cm, f. M.Domage\nLa alegoría de la escultura es mucho más compleja; Stéphanie Solinas le prestó su cara a la pionera Lucienne Heuvelmans, y en este cuadro denso y cargado la mirada no sabe en donde detenerse en medio de la acumulación de dibujos, cartas, esculturas, entre un busto Renacentista (con una advertencia «Cave Pictricem», cuidado con la pintura), dos otros más clásicos, una foto o grabado de una Venus gravetiense, un joven modelo lánguido y, en reacción a ese desorden y a la indolencia masculina, la escultora, derecha, firme y estirada con sus herramientas contundentes en la mano. En la parte de arriba, una orden «Orate pro pictora», oren por la pintora. Cada objeto es un símbolo que no podemos descifrar, pero poco importa, el conjunto funciona.\nGiulia Andreani, Damnatio Memoriae 3, 2015, acrílica sobre lienzo , 150x200cm\nOtras composiciones complejas se ven a lo largo de las salas, a veces comprensibles (Balthus maestro de la Villa, con un alter ego en sátiro de perilla dominando a su modelo que levanta los brazos con un gesto de rechazo, y unas mujeres artistas apartadas, en Pensionaria Modelo, arriba), otras veces más herméticas, como por ejemplo Le rempart -La Muralla- en el cual cohabitan unas enfermeras en el frente, Simone de Beauvoir votando, una paracaidista atrapada en un árbol mientras que su avión cae en llamas (a no ser que sea una niña agarrada a una rama), Salomé auto decapitada y cefalófora (quien al igual que La Gifle -La Bofetada- de enfrente evoca recuerdos); Hannah Höch con una muñeca Dada, y una jovencita se tapa la cara con una mano mientras la otra tiene un revolver: mi mente sencilla da vueltas en esta galería feminista («fresco trans histórico, obra manifiesto que reúne a diferentes mujeres, diferentes historias, diferentes luchas» escribe Julie Creen en el catálogo) y se pierde desconcertada. El argumento pertinente sobre el lugar secundario de las mujeres en el arte pierde fuerza cuando se presenta de manera escolar, por ejemplo con la caricatura de la mujer encerrada en las artes decorativas y que se aplica para bordar «Fuck you» en su tambor. Pero rápidamente encontramos la tranquilidad ante la Damnatio Memoriae aquí arriba con la joven de sonrisa forzada que ataca con martillo un extraño busto de Mussolini del futurista Renato Bertelli delante de un cielo expresionista al estilo de Turner (pero en gris Payne) y las piernas de un crucificado, en donde se unen resistencia anti fascista, rebelión contra cierta forma de arte y rechazo de los machismos (musoliniano, futurista y artístico).\nGiulia Andreani, Valentine invocando los infiernos, 2018, acrílica sobre lienzo, 97x130cm, f. Ch.Duprat\nEnfin, Valentine Prax, Madame Zadkine en sociedad, artista ocultada por su marido como tantas otras, invoca soñadora los infiernos delante de un cuadro que reproduce un detalle una obra de Jan Tengnagel (1584-1635) que me había impactado en este museo hace diez años: Junon, que quiere vengarse de su marido que le es infiel, va a los infiernos para solicitar la ayuda de Megera y de dos otras Erinias, mientras que Cerbero gruñe. Escena elocuente (y Megera muy contemporánea).\nGiulia Andreani, Balilla, 2018, acrílica sobre lienzo, 35x27cm\nEn la obra de Giulia Andreani, entonces, la cuestión es siempre, resistencia, rechazo de las reglas bien establecidas, libertad, voluntad de ir en contra de los estereotipos, ya sea resistencia al fascismo o lucha contra el patriarcado en el campo artístico. Pero su talento reside precisamente en que todo no se reduce a su discurso (a diferencia de otros «artistas comprometidos»), que, al contrario de lo que hemos podido leer, no hace una pintura política de militantismo; claro que sus convicciones políticas se reflejan en su trabajo pero este tiene su fuerza propia. Es una obra que se sostiene sola, una pintura como consecuencia de un trabajo de investigación, y, dice ella en la misma entrevista «la moralidad es la peor enemiga del arte».\nGiulia Andreani, A. Kollontaï, 2018, acuarela sobre papel, 51x36cm, f. H.Bertand\nEl catálogo contiene sus tres últimas exposiciones, en Béthune, Paris y aquí. Además de su entrevista, esencial, hay tres ensayos, el uno con una afirmación feminista y militante, otro (de Amékie Lavin, directora del Museo) insiste sobre su íconofagia y su toma de distancia y el tercero afirma su anclaje en la historia (explicita el «Cave Pictricem», ver más arriba). Y si va a Dole, vaya a ver también las colecciones del piso de arriba, temas sobre la muerte, el poder y la guerra, muy bien expuestas.\n[Correcciones hechas hoy mismo según precisiones de la artista: en la Alegoría de la Escultura, «Orate pro pictora» y no «pro pictura», y, en Pensionaria modelo, distinción entre Balthus y Axilette.]\nFotos cortesía del Museo de Dole, excepto la nº5\nPublié par PiLi OSPINA MOTTA à 16:21 Aucun commentaire:\nFenómenos (Marina Gadonneix)\nLa exposición de Marina Gadonneix en la galería Christophe Gaillard (hasta el 11 de enero) toma de nuevo los elementos de su exposición del verano en Arles. Se ven avalanchas, rayos, erupciones volcánicas y huracanes. Con la diferencia que en cada una de las imágenes aparece un detalle incongruente: ¿qué será ese piso embaldosado debajo de la avalancha? ¿Y los torreones en medio del huracán? ¿Que interior ilumina el relámpago? (Aquí abajo) ¿qué será ese lente circular en medio de una aurora boreal? La imagen aquí arriba muestra olas tumultuosas, de naufragio (y hermosas como un barrido de Hartung), y ¿quién las observa detrás de los cristales inmaculados y las cortinas perfectas? ¿Es la naturaleza un espectáculo? ¿Seremos (semi) dioses observando desde nuestro Olimpo los fenómenos naturales (puesto que es título de la exposición)? O, ¿estaremos asistiendo a una creación del mundo?\nEs más bien una re-creación: Marina Gadoneix realizó sus tomas en laboratorios científicos que, para estudiarlos, simula los fenómenos atmosféricos, marinos, volcánicos; construyen dispositivos, programas que permiten recrearlos, los parametrizan y configuran. Los laboratorios llevan nombres maravillosos: National Wind Institute, Wind Simulation and Testing Laboratory, Laboratorio Ampère, Shock Physics Laboratory, Mars Yard, ETNA (Erosión torrencial, nieve, avalancha), y mi preferido, Extreme Events Institute. La artista monta y desmonta ese decorado sin preocuparse nunca por la representación de lo real con el que mantiene las distancias, (al contrario por ejemplo de Berenice Abbott o de Harold Edgerton en el MIT, cuyo trabajo era más bien una glorificación estética de la ciencia sis distancia crítica) y no deja de cuestionar la imagen y su envés. Está en la línea de los fotógrafos científicos del siglo XIX, que observaban los astros, las plantas y los microorganismos, y cuyas fotografías contienen una parte de poesía que no se reduce a la racionalidad pura, hasta el punto que uno se puede preguntar si algunas de ellas no tenían más un objetivo estético que verdaderamente científico.\nEn la vitrina central, cuatro fotografías de libros abiertos, de las cuales tres hacen lo mismo en páginas diferentes: The Beauty of the Heavens, a Pictorial Display of the Astronomical Phenomena of the Universe, de Charles F. Blunt, London, Tilt and Bogue, 1842 (hasta el nombre del editor parece un poema). Aquí arriba, el sol tal como se ve desde seis planetas diferentes: una cuestión de visión, de punto de vista, de distancias. ¿No es esto una descripción perfecta del enfoque de la artista?\nFotos cortesía galería Christophe Gaillard.\nPublié par PiLi OSPINA MOTTA à 07:43 Aucun commentaire:\nJuegos de escena (Farah Atassi)\n06 de diciembre de 2019, por Lunettes Rouges\nMe parece que desde 2013 es una lástima no haber visto una exposición de Farah Atassi (sólo algunos lienzos dispersos), yo había sido el primero en escribir sobre ella en 2010, y cuando pasé al Consortium en Dijon (exposición hasta el 1 de marzo) me impactó su evolución; dos otras reseñas sobre su trabajo en 2011 y 2012. En los lienzos de esta joven que es sin duda una de las pintoras más interesantes en Francia actualmente, intervienen siempre la geometría y el espacio, y se sitúan en la linea histórica que remonta al modernismo y a Picasso, Herbin o Léger. Pero desde mi entrada en la sala con 15 cuadros recientes (2017-2019), percibo una vibración diferente y necesito un momento para volver en mí.\nLos motivos son más clásicos pictóricamente, ya no se ven cuartos de baño embaldosados o vestidores de fábrica, sino unos modelos en el estudio, bodegones con guitarras, conciertos o desnudos. El universo sigue siendo geométrico, construido, pero se vuelve más abstracto, con menos perspectiva, menos vinculado con las baldosas, tubos y piezas cúbicas del pasado; está representado como una escena de teatro, y a menudo un escalón que da acceso a la escena.\nMe parece que lo que ha evolucionado es la relación entre el fondo y los objetos. Mientras que en los lienzos anteriores, los objetos representados, no siempre reconocibles fácilmente, flotaban en un espacio estructurador, aquí, los objetos se vuelven el centro evidente de la atención visual (ya no hay necesidad de leer los títulos) y el fondo no es sino un fondo que se desdibuja. En el lienzo Seated Nude, de 2017, arriba, vemos la transición, todavía hay un equilibrio entre el fondo geométrico hecho de líneas negras y el objeto, el modelo desnudo de formas cubistas picasianas apenas si se desprende del fondo.\nEn cambio, en estos tres lienzos, los modelos, nadador, jugadores de balón o juego solitario, tratados con el mismo estilo, se han vuelto predominantes; el fondo de ha vuelto más entrecortado, menos restrictivo, menos estructurador. También lo vemos en el Modèle au Studio nº4 aquí abajo, en el cual tanto las formas (cara en triángulo, nalgas redondas) como los colores del personaje se imponen ante los muebles, sillas, cuadros, mesas redondas, que la sostienen visualmente y que borran las diagonales del fondo, reducidas al rol secundario de papel de colgadura.\nAdemás aparecen tratamientos menos lineales, como por ejemplo los festones de colores que ritman la Femme en fauteuil à bascule -Mujer en mecedora-, arriba, que corresponden con la redondez del pecho y las curvas del sillón. También, bastante diferente del resto, más arriba, el fondo con unas especies de partituras de tonos que acompañan las figuras luminosas con instrumentos musicales: un juego de evocación formal. Es una evolución que al principio desconcierta pero muy prometedora.\nJean-Marie Appriou, Ophelia, 2019, aluminio\nEn otro lugar del Consortium, no me sedujeron en nada las composiciones de Nick Relph, y las esculturas de Jean-Marie Appriou me parecieron demasiado expresivas, como el rostro emergiendo de las espigas de maíz o las mujeres en escafandra. Sin embargo me gustó su Ophélie en la última sala en donde el cuerpo de la ahogada apenas emerge del bloque que la sostiene; pero no mencionan que a un kilómetro del lugar, en el Museo de Dijon, hay una escultura bastante similar del catalán Apel.les Fenosa, cuya Ophélie también se funde en la onda fija del bronce (existe otro en la Défense). Y, para terminar, como el Consortium también son les presses du réel, paseando por la librería, me reí mucho con un catálogo intitulado le choix des femmes en el que cinco comisarios hombres escogieron cada uno a cinco artistas mujeres: de la ambigüedad de la preposición «des» (en francés designa al masculino y al femenino). Materia para que nuestras queridas feministas se alegren (bueno, las que tengan sentido del humor...).\nPublié par PiLi OSPINA MOTTA à 10:53 Aucun commentaire:\n02 de diciembre de 2019, por Lunettes Rouges\nAlicia Penalba, Selva negra nº2, 1959, bronce\nAl entrar al museo se veía ante todo un esqueleto enorme de elefante. En los otros pisos había armas blancas y sobre todo de fuego, ciclas, cintas (algunas eran del taller de mi abuelo pasamanero, orgullo infantil), cerámicas, y había, especialmente, al lado derecho del museo, la reconstitución de una galería de mina de carbón, que nos encantaba al tiempo que nos aterrorizaba un poco (nos contaban la historia del pariente gobernador -como decimos por aquí- que murió en su fondo, a finales del siglo anterior). Y en ese extraño museo había cuadros, grabados, esculturas (algunas en el parque); y a medida que yo iba saliendo de la infancia, que mi mirada se agudizaba con la adolescencia, veía que los cuadruchos de los pintores locales iban siendo reemplazados progresivamente por otras obras, que yo no entendía fácilmente, por falta de explicaciones, pero en las cuales percibía la intensidad, la innovación, la presencia diferente de todo lo que conocía. Fue allí que vi mi primer Picasso, mi primer Freundlich (abajo), mi primer Calder y tantos otros; fue allí mismo en donde descubrí, cosa poco común entonces, que una mujer podía ser artista, ¡ imagínense ! (arriba una escultura de Alicia Penalba escogida y donada por la artista en 1959 poco antes de la exposición « Cent sculpteurs de Daumier à nos jours » -Cien esculturas de Daumier hasta nuestros días-).\nMaurice Allemand foto Hartung\nMaurice Allemand (1906-1979) fue el director del Museo de Arte y de Industria de Saint-Etienne de 1947 à 1967. Hizo el museo de provincia más contemporáneo de Francia (al igual que el de Grenoble). No lo conocí verdaderamente ( iba con uno de sus hijos compañero de clase a su apartamento laberinto del que guardo un recuerdo maravillado por la profusión de libros y de algunas obras en las paredes, no como en mi casa), era un hombre abierto y firme. En aquella ciudad de provincia un poco apagada (que se encendía pero en otro campo, Jean Dasté), él iba a contra corriente: la burguesía local que, con algunos artistas locales bastante provinciales, componían el comité que decidía sobre las adquisiciones del Museo, era muy reacia a la modernidad, el alcalde, que no se oponía, no era muy entusiasta (según lo que sé), y Allemand tenía que componer con todas esas obligaciones. En 1957 le escribió al crítico Raymond Cogniat: «Me acusaron de corromper la juventud. Me parece un cargo bastante divertido y ello no me impide seguir bien». En cambio podía decidir solo sobre la aceptación de las donaciones (sus cartas a los artistas son elocuentes), y dejaba que el artista escogiera la obra que quería donar pues le parecía que así el proceso era más auténtico. Creaba vínculos y se esforzaba por convencer a los artistas o a sus viudas (hasta hacía invitar a la esposa de Jean Pougny, gran admiradora del fútbol, a los partidos de los Verdes). Su correspondencia con Arp (al final será una donación, pero el Museo pagó la fundición de En Songe -Ensueño-, primera escultura de Arp en una colección pública francesa), con Raoul Hausmann («Madame Höch no prestará mis obras si se lo pido yo; yo le escribo una carta en alemán, usted la firma, así será mejor»), con Calder y tantos otros es apasionante.\nJean Arp, Ensueño, 1937, bronce pulido, 36 x 17,5 x 22 cm. Foto C. Chauvet\nCon poquísimos medios y muchas obligaciones, pero con tenacidad e inteligencia, supo construir una colección extraordinaria y montar exposiciones que hicieron historia. Era una mente abierta y curiosa, apasionado por la abstracción pero sin limitarse, sin atenerse a la Escuela de Paris ni a la pintura francesa y sin el chovinismo anti alemán de muchos de sus colegas; siempre quería explorar, descubrir, mostrar y explicar también (la dimensión pedagógica del Museo era extraordinaria e indispensable en una ciudad obrera que carecía de los códigos culturales de la metrópolis). En 1949 le escribió a Picasso: «los elementos menos «cultos» del público, aquellos que miran con ojos nuevos y sin deformación por la enseñanza de las viejas estéticas, son también los más aptos para probar y disfrutar las nuevas formas de arte»\nOtto Freundlich, Composición, 1930, óleo sobre lienzo, 116x89cm. Foto : C. Cauvet\nEn general las exposiciones sobre la historia de las exposiciones son de verdad instructivas pero casi siempre aburridas. La que organiza Cécile Bargues en el Museo de Arte Moderno de Saint-Étienne es apasionante puesto que cuenta una historia y lo hace muy bien. La historia es una serie de premiers: primera exposición de arte africano en 1956 en un museo generalista (con una conferencia de Tristan Tzara), primer Calder en un museo francés (1955), primer Freundlich en un museo francés (1957, aquí abajo), después de haber sido presentado en su exposición sobre el arte abstracto, primera gran exposición sobre el arte abstracto, precisamente en 1957 (después de Grenoble con la galería Maeght en 1949). Otra primera europea, en 1966, es una exposición sobre los collages, un proyecto enorme con 366 obras, presentado por primera vez en un museo francés, Raoul Hausmann, Kasimir Malevitch, Hannah Höch, Robert Rauschenberg (galardonado entonces en Venecia), y tuvo la audacia de incluir a Gaston Chaissac (aquí abajo); hecho único, esta exposición provincial fue presentada en Paris, en el Museo de Artes Decorativos. Allemand es nombrado por el Ministerio en Paris en 1967 y reemplazado por Bernard Ceysson, un nativo de la ciudad, que continúa y amplifica su trabajo. Su único fracaso fue que no pudo hacer venir a Francia la exposición de Marcel Duchamp que montó Arturo Schwarz, hubo que esperar hasta 1977 y el Centro Pompidou para poder descubrir al fin a Duchamp en Francia.\nGaston Chaissac, totem, 1964, madera policromada\nEsta exposición (hasta el 3 de enero de 2021) presenta 200 obras, cuya mayoría pertenece a las colecciones del Museo y que fueron adquiridas en la época de Allemand, muchos archivos y una entrevista filmada por su hija Claude. Mi entusiasmo es realmente personal, pero todo visitante quedará impresionado por esta exposición (y este hombre). Concluiré listando a varios nativos de la ciudad que Allemand probablemente no conoció pero a quienes su Museo también influenció: Orlan, Philippe Favier, Jean-Michel Othoniel, Valérie Jouve, y también Jean-Luc Monterosso, Maurice Fréchuret, Georges Didi-Huberman (Allemand conocía a su padre, pintor; precisamente, su último libro explora su relación con su ciudad natal, recuerda sus visitas al Museo y cuando descubrió su primera biblioteca de arte, la de Allemand, p.157-158). ¿Será casualidad?\nEn bastardilla y en negrita, correcciones de unos pequeños errores en mi primer escrito; le agradezco a Cécile Bargues que los haya señalado.\nObras de la colección del MAMC+. Fotos 1 & 5 del autor; fotos 2 à 4 cortesía del Museo.\nPublié par PiLi OSPINA MOTTA à 08:09 Aucun commentaire:\n¿Se pueden fotografiar todavía las esculturas de B...\nEl orientalismo no ha muerto en el Museo de Dijon\nResumen octubre y noviembre de 2019


Bob Dylan, cómo hemos cambiado | SER Madrid Norte\nBob Dylan, cómo hemos cambiado\nNo hace mucho que Dylan nos ha vuelto a sorprender con un disco de versiones de Frank Sinatra. Motivo más que suficiente para que repasemos una de las carreras musicales más influyentes, prolíficas y variadas de la historia de la música popular.\nSí, éste es Bob Dylan. Es su último trabajo, en el que versiona clásicos de Frank Sinatra, casi en las antípodas de su estilo, pero que resucita en la templada voz de Dylan con temas como “Full Moon and Empty Arms”.\nLa verdad es que intentar repasar la carrera de Bob Dylan es una tarea hercúlea y, muy probablemente, injusta. Y es que en unos minutos es imposible abarcar la importancia, musical y social, de uno de los bardos más relevantes de los últimos cien años. Y más complejo será mostrar la evolución de uno de los artistas más cambiantes de la historia. Pero allá vamos.\nEn 1962 Robert Zimmerman publica su primer trabajo con un sonido folk que seguía una línea muy marcada en la América más profunda pero que contaba con un sonido fresco. “Man of constant sorrow” era una versión de una balada tradicional de principios de siglo. Al año siguiente publicaba “The Freewheelin" Bob Dylan”, un disco en el que la joya suprema era Blowin’ in the wind.\nLa música de Dylan acaba de ser hondeada cual bandera de la libertad, y su canto inspira a la generación de los 60 pacifista y contra el establishment. Más ejemplos eran “Don’t think twice it’s all right” o “Times They Are a-Changin’”.\nCon los años la canción no estuvo exenta de polémica, ya que supuso la ruptura de uno de los principios de Dylan: que sus temas no se usen en publicidad. Pero en los 90 ocurrió… Pero seguimos en los 60 con “All I really want to do”, casi una parodia de su particular estilo agudo y a veces estridente.\nPoco a poco Dylan se volvía más duro… hasta que llegó 1965 y la hecatombe. Con su disco “Bringing it all back home” descolocó a sus más grandes fans sólo con un detalle: incluir una guitarra eléctrica y virar un poco hacia el rock. “Subterranean Homesick Blues” era lo primero que nos encontrábamos. El criterio eléctrico acabó por imponerse con otro himno, “Like a Rolling Stone”.\nLlevamos sólo cuatro años de carrera pero Dylan ya es el máximo representante de toda una generación. Su creatividad siguió dándonos éxitos. Por ejemplo en 1969, cuando toda la región de Nashville se hizo disco en temas como “Lay lady Lay”, donde está vocalmente irreconocible.\nDylan sobrevivió a la década de los 70, y lo hizo manteniendo su aura de absoluta estrella, incluso entre sus propios colegas. En el 73 nacía un tema prácticamente insuperable, “Knocking on heaven’s door”, incluido en la posteriormente ignorada banda sonora de “Pat Garrett & Billy the Kid”.\nDespués Dylan volvió a regenerarse, especialmente colaborando con The Band, quienes le respaldaron en su paso al rock. Más se identificó con este estilo en los siguientes años, y en el 75 escuchábamos “Tangled up in blue”.\nSeguimos con grandes joyas. Dylan no hacía dos discos iguales, y al año siguiente sorprendía con “Desire” un disco con armonías increíbles y dobles voces con una compañera femenina. Ejemplos: “one more cup of coffee”.\nEn el paso de los 70 a los 80 Dylan sufrió otra de sus grandes transformaciones, esta incluso espiritual, y pasó a componer varios álbumes con mensaje cristiano y con toques góspel eclesiásticos en algunos casos, como “Heart of Mine”.\nTras esta incursión en la biblia y en los mensajes evangélicos, Dylan volvió en el 83 a música más secular. El álbum “Infidels” supuso una alegría para muchos fans, aunque definitivamente había abandonado la guitarra acústica en temas mucho más producidos como “Jokerman”.\nLa verdad es que esta década de los 80 no fue la más exitosa de Dylan. Las críticas no fueron buenas. En los 90 Dylan seguía siendo un referente poético y musical, pero no volvió a los grandes éxitos de antaño. Sacó un par de discos con temas folclóricos tradicionales como “Frankie & Albert”, pero también sorprendió con la ganadora de un Oscar “Things have changed”.\nYa con el nuevo milenio Dylan se ha caracterizado más por multitud de discos recopilatorios y selecciones personales de sus canciones favoritas. Pero también ha habido nueva producción; si obviamos el dudoso disco de villancicos, que ya sonó en esta sección en navidad, nos despediremos con un tema de “Modern Times”, disco de 2006, en concreto “Rollin" and Tumblin”, ejemplo de su última deriva rockabilly.


Soberano y Sansón, ante una gran oportunidad | MedioTiempo\nSoberano y Sansón, ante una gran oportunidad\nLos jóvenes Sansón y Soberano están listos para buscar la Gran Alternativa.\nLos dos jóvenes están ante una gran oportunidad. (Foto: CMLL)\nEste viernes final del Torneo Gran Alternativa\nLa final de la Copa Jr; se repetirá ahora en el Torneo Gran Alternativa 2017, cuando los novatos Sansón y Soberano Jr. se enfrenten por el triunfo total el próximo viernes 16 de junio en la monumental Arena México.\nApadrinado Sansón por Último Guerrero y Soberano Jr. por Carístico esta lucha promete ser de alto nivel por la calidad de los novatos y el añejo pique que mantienen los experimentados.\nPara los jóvenes integrantes del CMLL este es uno de los torneos más importantes en los que pueden participar, pues ha significado el ascenso al estrellato de jóvenes prospecto a ídolos, como Último Guerrero, quien ganó este certamen el 2 de abril de 1999 apadrinado por Blue Panther; y Carístico, quien bajo el personaje de Místico logró el triunfo el 20 de agosto de 2004 guiado por el Hijo del Santo.\nSansón puede sentirse muy bien acompañado pues Último Guerrero cuenta, además de su triunfo como novato, el haber ganado este certamen dos veces más apadrinando, en 2008 a Dragón Rojo Jr; y en 2009 a Rey Escorpión. Mientras que Carístico solo pudo guiar al triunfo a La Sombra en 2007.\nPero independientemente de la experiencia de los padrinos, Sansón y Soberano Jr; deberán mostrar que tienen lo necesario para ser ídolos y salir con el brazo en alto en lo que es uno de los compromisos más importantes en su naciente carrera.\n“Estoy muy emocionado de haber llegado hasta aquí, se repite la final de la Copa Jr; entre Soberano y un servidor, por eso quiero quitarme la espinita este viernes, porque esa copa será para la Nueva Generación Dinamita”, aseguró Sansón, quien como único antecedente en su familia en este certamen está la final del año 2003, cuando su tío, Máscara Año 2000 y Sagrado cayeron ante Villano IV y Alan Stone en una final realizada en la Arena Coliseo de Perú 77.\nPor su parte Soberano Jr; cuenta con una racha impresionante que inició en enero pasado con su primera participación en Fantasticamanía, una gira de luchadores mexicanos por Japón; además del triunfo de la Copa Jr; ante el mismo Sansón, “Creo que Sansón tratará de ganarme a costa de lo que sea, además tiene un gran padrino como lo es Último Guerrero… me encantaría poder llevarme este triunfo, sería algo muy especial para mí porque en su momento mi padre (Euforia), también lo ganó”, aseguró el joven lagunero.\nLa mesa está puesta, lista para que Soberano Jr; y Sansón se sirvan con la cuchara grande en busca del estrellato total en lo que es la final del Torneo Gran Alternativa 2017, este viernes 16 de junio, en punto de las 20:30 horas, en la monumental Arena México.


Plisado a medida faltrollo faltstore klemmfix Pearl Riel mooreiche Kamari ► npegqy487-Estores y venecianas - www.tokonomaespacio.com\nPlisado a medida faltrollo faltstore klemmfix Pearl Riel mooreiche Kamari ► npegqy487-Estores y venecianas\nEspañolEnglishAuthentique tapis berbère Taznakht - Fait main - vintageItalian\n3 Lavabo Baño cuenca Tapones De Goma Lavadero Universal Tope De Cocina Lavabo\nSANNCE Sans Fil WiFi 1080P 10.1 Ecran 4CH NVR 720P Système De Caméra Kit 1TB\nCadena de luz comercial 240 Luces 330 ft Interior Al Aire Libre Fiesta Restaurante Bar\nPARADOX ALLARME ANTIFURTO PMD2P RIVELATORE PASSIVO D'INFRAROSSI\nNuevo PENSOFAL 7-Quart Olla Pasta antiadherente con tapa Envío Gratis\nLa periodista Norma Sarabia ha sido asesinada en el municipio de Huimanguillo, 100x fuente de alimentación enchufe la UE 12v 4,2a 50w ac dc transformador adaptador de CA LED SMD RGB Strip, en una ataque llevado a cabo por hombres armados en la puerta de su casa, según ha informado el diario 'El Sol de México'.\nEn su viaje por el sistema solar, atravesó el cinturón de asteroides hasta Jupiter y sus satélites Callisto, Ganimedes y Europa. Llegando a alcanzar una velocidad de 126.000 km/h en su máximo acercamiento al gran planeta. Mezclador bidé Zazzeri Kent 3 vitone cerámico 90 ° tres agujeros apoyo baño, suficiente para escapar del Sistema Solar y entrar en el medio interestelar.\nOriginalmente diseñada para un funcionamiento de 21 meses, Pioneer 10 estuvo mas o menos operativa durante 30 años. Estudiando las partículas del viento solar y los rayos cósmicos procedentes de la Galaxia. La misión finalizó el 31 de marzo de 1997, Honsel lámpara de parojo stiff (OKE). La última señal fue recibida el 23 de enero de 2003 cuando se encontraba a una distancia de 12.23 mil millones de kilómetros de la Tierra. La señal tardó 11 horas y 20minutos en alcanzar la Tierra. Se intentó un último contacto con la Pioneer 10 el 4 de marzo de 2006 sin éxito.


La energía solar se hace un hueco en la Feria de Cuéllar – Socialetic\nComunicados de PrensaEmpresas TICTIC\nBy David Guiu abril 25 2013\nEl Ayuntamiento de Cuellar celebró del 20 al 23 de abril la XXVIII edición de la feria, que en esta ocasión fue capaz de reunir a miles de personas\nMadrid, abril de 2013.- Durante cuatro días se ha celebrado en el municipio segoviano de Cuéllar la Feria Multisectorial, una de las más importantes de la provincia y de toda Castilla y León.\nComo viene siendo habitual, en esta XXVIII la feria gozó de una gran variedad comercial con representantes de los sectores de la alimentación, la industria, los servicios, la automoción, la maquinaria y, por supuesto, la energía solar, gracias a la presencia de Amordad Solar y Penaco Representaciones, que estuvieron en uno de los 138 stands que participaron en el evento. “La feria ha sido todo un éxito. La afluencia ha sido espectacular y no hemos dado abasto”, comentan.\nAmordad, como empresa fabricante; y la compañía segoviana Penaco Representaciones, como distribuidor oficial, han sabido hacer un hueco importante a la energía solar dentro de la Feria de Cuéllar.\n“Ha sido fácil porque la energía solar poco a poco va interesando cada vez más a la gente”, explican. Y es que este tipo de energía, además de ser respetuosa con el medio ambiente, supone un importante ahorro. “Instalar uno de nuestros equipos puede suponer un ahorro en el gasto de ACS (agua caliente sanitaria) y calefacción que puede llegar al 60%, por lo que han suscitado gran interés entre los asistentes a la Feria”, comenta Iván Minchán, Director Comercial de Amordad Solar.\nLos productos Amordad causaron gran sensación entre el público ya que para la gran mayoría desconocía las propiedades de los tubos de vacío como colector de energía solar térmica.\n“En cuanto les explicamos las ventajas que tienen frente a la placa plana, el público se interesó de inmediato. No podían creer que nuestros tubos fueran capaces de captar la radiación solar los días nublados”, comenta Minchán. “Además, su estética les pareció mucho más atractiva y menos intrusiva con el pasaje que la de la placa plana tradicional”, añade.\nPor su parte, Pedro Navarro, Gerente de Penaco Representaciones, concluye que la Feria ha supuesto todo un éxito. “Se ha conseguido una base de datos bastante importante de potenciales clientes y creemos que podemos obtener un gran volumen de negocio”, explica. Y es que la Feria de Cuéllar, tras XXVIII ediciones, se ha convertido en uno de los mejores escaparates para los productos y empresas de la comarca, la provincia y de todo Castilla y León.\nContacto: Amordad Solar www.amordad.es


Casi medio millón de centroamericanos acreditan estancia legal en México. Repatriación de guatemalteca - El Cronista Yucatán\nHome Destacadas Casi medio millón de centroamericanos acreditan estancia legal en México. Repatriación de guatemalteca\nDe 2019 a febrero de 2021, México ha dado documentos que acreditan la estancia legal de 437 mil 473 personas originarias de Centroamérica, entre ellos, por razones humanitarias, con solicitudes de refugio o al haber sido retornados de los Estados Unidos.\nEl Instituto Nacional de Migración (INM), dependiente de la Secretaría de Gobernación, informó lo anterior y expresó su beneplácito por la atención que reciben las personas migrantes que se encuentran en la frontera norte de México para procesar sus solicitudes de asilo, en el marco del programa de Protocolos de Protección a Migrantes (MPP, por sus siglas en inglés).\nLos documentos migratorios se han dado en beneficio de personas originarias de Guatemala, Honduras y El Salvador, con lo que han podido regularizar su estancia en suelo mexicano.\nCon esas acciones, el INM da la bienvenida al procedimiento iniciado por el gobierno de Estados Unidos que, desde el 19 de febrero pasado, ha recibido a poco más de 400 personas para continuar con su proceso de asilo, acompañados de las agencias de las Naciones Unidas encargadas de la atención a los refugiados, los migrantes y la niñez, así como del Comité Internacional de la Cruz Roja.\nRepatriación de adolescente guatemalteca\nPor otra parte, las autoridades migratorias llevaron a cabo el retorno asistido de una joven de 17 años de edad, de nacionalidad guatemalteca, que tenía una alerta de búsqueda Alba-Keneth iniciada por sus familiares en enero pasado.\nDesde 2010, el Sistema de Alerta Alba-Keneth del gobierno de Guatemala trabaja en la búsqueda y localización de niños, niñas y adolescentes desaparecidos o sustraídos.\nNadie sabía la ruta de ingreso a México y sólo se limitaban a escuchar, de vez en vez, algunos lugares por donde pasaban y luego de atravesar varias ciudades en vehículos diversos llegó a la ciudad de Dolores, Hidalgo, narró la joven.\nEn coordinación con el gobierno guatemalteco, durante la mañana del pasado jueves 25 de febrero fue trasladada de San Miguel de Allende al Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México (AICM), para abordar -en compañía de una Oficial de Protección a la Infancia y grupos vulnerables (OPI) del INM- un vuelo hacia el Aeropuerto Internacional “La Aurora”, en la ciudad de Guatemala.


Incendio: un carro panchero fue consumido por las llamas\n02 de abril de 2021 - 18:09\nEl siniestro ocurrió en la mañana del domingo en Villa Anita, Caucete. Bomberos evitaron que el fuego se propague hasta la vivienda lindante.\nEl carro fue consumido por las llamas.\nUn carro panchero ardió en llamas en la mañana del sábado y los bomberos llegaron a tiempo para sofocar las llamas y evitaron que el incendio se propague a la vivienda en la que dormía una familia. Ocurrió en el interior de la Villa Anita, Caucete.\nEl personal del Destacamento N°5 de Bomberos de la Zona Este recibió un llamado sobre las 7 del domingo. Allí advertían que un carro de comidas se estaba incendiando y las llamas amenazaban con alcanzar a una casa en calle Zapata al 1200.\nEl fuego pudo ser extinguido rápidamente y salvaguardar la vivienda lindante. Hubo pérdidas totales para Joel Salinas, propietario del carro de comidas. En el interior había un freezer, una plancha de hamburguesas, una panchera, una mesa, dos garrafas de gas y mercadería.\nEl personal policial investiga el hecho para determinar las causas que originaron el fuego en el carro de comidas.


Venezuela piensa en las presidenciales de 2012\nAcción Democrática y Copei han decidido apoyar al gobernador de Zulia, Pablo Pérez, como mejor candidato posible de la oposición frente a Hugo Chávez bajo el enigma de su salud.\nEl presidente venezolano ha optado por profundizar en el denominado “socialismo del siglo XXI” de cara a los próximos comicios y presenta un plan socialista que se llevaría a cabo en el periodo 2013-2019. Mientras tanto, la oposición se organiza para competir por la Presidencia.\nA pesar de que todavía es un borrador, Hugo Chávez parece estar dispuesto a seguir por la senda marcada en los últimos años de gobierno, basada en la promoción de políticas sociales y en el ninguneo político hacia la oposición y los medios de comunicación críticos con su ejecutivo. En esta ocasión, el líder bolivariano ha anunciado la presentación... SEGUIR LEYENDO EN 'EL INDIANO' DE 'HECHOSDEHOY.COM'\nchávez elecciones pablo pérez venezuela


CIRUGíA PLáSTICA STASSI SCHROEDER DE VANDERPUMP RULES - CELEBRITY - DAILYBEAUTY - THE BEAUTY AUTHORITY - CUERPO - 2019\nTutoriales de filtro de Snapchat de este artista de maquillaje son una locura\n¡Participe en el concurso de Pinterest de NewBeauty para ganar nuestro último número firmado por Khloé Kardashian!\nEl actor Hugh Jackman lucha contra el cáncer de piel una vez más\nCometer este error común en Starbucks podría ponerlo en riesgo de cáncer\nReglas de Vanderpump ' Stassi Schroeder tiene un PSA para compartir con todos: Las cicatrices son hermosas. La estrella de reality TV, de 29 años, se acercó ayer a Instagram para compartir una foto de ella de una sesión reciente, que revela la parte inferior de sus senos y las cicatrices que resultaron de una cirugía de reducción de senos y de lifting a la que se sometió en 2015.\nEl procedimiento de cirugía plástica redujo el tamaño de su seno de una DDD a una D regular, y transformó dramáticamente su aspecto. "Mis pezones son siete pulgadas más altos de lo que solían ser y es increíble", dijo Schroeder. Gente. "Me niego a usar un sostén ahora porque estoy tan emocionada de tener pechos más pequeños y de que mis pezones no estén apuntando hacia mis rodillas. Es una de las mejores decisiones que he tomado".\nSchroeder también dijo Gente durante la reciente sesión de fotos (que se ve a continuación), se aseguró de que el fotógrafo supiera no retocar sus cicatrices ni eliminarlas de la foto. "Yo estaba como 'No edites mis cicatrices'. Son increíbles. Me gusta ser yo mismo y siento que todos deben abrazarse. ¡Es una cicatriz! ¡Las cicatrices son bonitas! Es casi como una marca de nacimiento o algo así donde es algo de lo que no hay que avergonzarse ".\nIncluso ha estado abierta sobre sus cicatrices en su vida personal, abrazando su cuerpo de la forma en que es en lugar de ocultarlo. "Especialmente cuando estuve soltero el año pasado y comencé a salir, y luego, obviamente, te intimas con alguien y te dicen '¿Qué es eso?' y por una fracción de segundo recuerdo haber estado avergonzado y luego me gusta decir 'F *** eso' ", dijo Schroeder. "Estoy muy orgulloso de mi cuerpo porque es mío".\nSchroeder espera que al compartir esta imagen y su historia con el mundo, permita a otras mujeres abrazar sus cuerpos y cicatrices también. "Vivimos en el mundo de los Kardashians en este momento, y tenemos que tener entrenadores de cintura y tetas y un trasero, y si no tenemos una cintura pequeña con eso, no somos tan atractivos y todo es silencioso". Y eso no me gusta ", dijo.\nCopyright 2019 \_ es.womanfitness.info \_ 'Vanderpump Rules' Stassi Schroeder se muestra sincera sobre sus cicatrices en el lifting de mamas


Bolonia homenajea a Raffaella Carrà en sus luces navideñas\nHace seis meses que murió Raffaella Carrà. En estas fechas tan especiales la ciudad de Bolonia se ha llenado las calles con sus letras iluminadas\nMarina García Diéguez|\nPublicado: 22/12/2021 • 04:45\nHace seis meses que Raffaella Carrà murió a causa de un cáncer de pulmón en Roma, su ciudad, en la que había pasado los últimos meses, especialmente recluida a causa de la pandemia. Dejó un proyecto a medias, la versión italiana para la RAI de Mi casa esta tuya de Bertín Osborne, aún tenía mecha, declaró en sus últimas comparecencias públicas, pero su condición de riesgo por el covid la tenían especialmente atenta a los encuentros públicos. En aquellos meses redujo sus contactos al máximo. La mujer que tantas fotos y tanto cariño había transmitido a sus seguidores. Sus letras, eternos himnos de libertad y baile siguieron sonando todos estos meses como si aún estuviese y ahora son los protagonistas de la iluminación especial que cada año abre la Via d’Azeglio de Bologna, dedicada siempre a letras de artistas como Lucio Dalla o Cesare Cremonini. Ahora le toca a ella, en un homenaje al que no se resiste nadie. Es un paseo por su legado: en sus letras está su lectura de un mundo libre y feliz.\nFoto: Marina García Diéguez\nEncabeza el camino de luces una representación de la Carrà, no será la única, entre estrofa y estrofa se representan algunos momentos de su vida, y justo después las cuatro palabras con la que, tantas veces en sus 60 años de carrera, había firmado autógrafos: «Con Tanti Auguri RaffCarrà» -en color amarillo, decían su favorito-. A partir de aquí, como si fuesen escritas a mano por alguien, aparecen los neones de «Ballo Ballo», «Rumore», «A far l’amore comincia tu» y ‘Tanti Auguri’ que marcan los momentos más destacados de la carrera de la artista de artistas. Así, a las cinco y poco de estos últimos días de diciembre se hace de noche, corre un aire helador en la ciudad italiana y llega el momento en el que varios grupos de gente, edades diversas, se acerca a las luces recién encendidas y hace una foto, luego posan, ahora un vídeo. Bajo la etiqueta de #RaffaelalCarrà las redes sociales se llenan de publicaciones que inmortalizan este pedazo de ciudad que es un recuerdo vivo de la cultura italiana. Muchos no lo saben, fue luego ciudadana del mundo y vivió casi toda su vida entre Roma y Madrid, pero la cantante y bailarina, show girl y actriz nació en Bolonia.\nLa historia de la cultura pop y de la televisión italiana no se entiende sin Maria Roberta Pelloni, el nombre real de la artista. Fue construyendo, poco a poco, un imaginario a través de las homenajeadas letras y de sus looks, de sus comentarios y de sus apariciones públicas en las que nunca faltaba una reivindicación de los derechos de las minorías. Es de esta forma cómo su figura se ha hecho incombustible y su icono universal, con esa corta melena rubia lisa e intacta y esos vestidos dignos de ser recordados: colores, transparencias y brillos. Raffaella Carrà, como definen algunos viandantes que admiran la iluminación de Bolonia, «fue una ventana abierta para este país». El recién estrenado alcalde, Matteo Lepore, celebra el homenaje: «Es nuestro modo para decirle gracias, por todo lo que ha presentado. Estas luces harán… ¡Rumore!».\nEn televisión, cine o con sus canciones consiguió romper barreras mucho antes que nadie, fue innovadora y luchó por los derechos de colectivos como el LGTBI cuando era muy complicado hacerlo. En la Italia de aquel momento, cuando ella estaba en lo alto de su carrera, aún existía el delito de honor, fue abolido en 1980, a través del cual el asesino podía alegar que la asesinada había manchado su honor de macho para reducir la pena. En un país con una cultura patriarcal aún tan potente llevó la palabra «libertad» como bandera: desde su vestir, a su hacer y decir. ¿Un ejemplo? Fue la primera cantante que interpretó una canción gay en el prestigioso, pero conservador, festival de la canción de Sanremo. Se llamaba ‘Lucas’ y seguramente no se había visto una cosa igual en Italia nunca. Con su desparpajo y sus nulos complejos consiguió enfadar también al Vaticano que criticó uno de sus atrevidos y rompedores looks en una de sus canciones.\nUn icono que unió a dos países\nSu icono atravesaba y unía a los dos países, a España la llamó siempre su segunda casa. Su eco se alargó a nuestro país de la misma forma o más. En los años 90 se convirtió en un fenómeno en RTVE con su versión en español del formato que la había encumbrado ya en su país: «Hola Raffaella». Eso mientras sus éxitos, con el pelotón de la música disco, ya se pinchaban siempre en todas las fiestas. La mujer que lo hacía todo puso a la gente a bailar despreocupada, como en la escena de ‘La gran belleza’ de Paolo Sorrentino donde la fiesta se vuelve delirante cuando suena ‘A far l’amore comincia tu’.\n«Basta de Lucio Dalla, menos mal que este año se lo han dedicado a ella, es lo que se merece. En Italia parece que vamos siempre por detrás, a los pocos días de morir en España ya le habían dedicado una plaza», dice una mujer a su amiga mientras fotografían las luces. Responden entusiastas para este reportaje: «Es un honor hablar de la Carrà, es fundamental para entendedor la cultura popular de Italia de las últimas décadas. Fue una visionaria, luchó por los derechos de todo el mundo y sus canciones son nuestras», añade. Otro grupo que atraviesa la calle lee y canta al mismo tiempo el «Ballo Ballo» según lo ve aparecer iluminado e imita los pasos de la Carrà. La viandante se refiere a la Plaza de la Calle Fuencarral que ahora llevará el nombre de Raffaella Carrà en el barrio de Chueca de la capital madrileña. Cuando España, cómplice y segunda casa para la artista italiana, lloraba su pérdida se decidió hacer ese homenaje. La ciudad de Bologna acostumbra en su moderno alumbrado navideño representar las letras de los artista, pero la elección de este año tiene un especial significado, lo reconocen todos los que han venido a verlo. En el 2021 Italia lo ganó todo: Eurovisión, el mundial e hizo historia en el atletismo de los JJ.OO, entre otros. Pero también perdió a dos de sus grandes como fue Carrà o Franco Batiatto. De todas, dice otra italiana para este reportaje, la más tierna es la que representa a Raffaella al teléfono. Otro de sus grandes logros fue convertir aquel ‘Pronto Raffaella’ en una respuesta que ha formado y formará parte siempre de la cultura popular. De ella esperamos siempre que vuelva a llamar con ese acento y esa risa que hacía que le brillasen los ojos como a nadie.\nEurovisión 2022: favoritos y anécdotas de los primeros días en Turín\nLos presupuestos de Eurovisión son cada vez más pequeños\nCómo votar en Eurovisión 2022\nSe cumplen cinco años del secreto mejor guardado de la música italiana: Liberato\nEurovisión 2022: otros 18 países se juegan un pase a la final del sábado en Turín


6 beneficios de practicar sexo a menudo – Burberry Outlet Shop Online\nBurberry Outlet Shop Online\nUn blog donde hablar de sexo\nPublicado en 19 junio, 2018 por admin\n6 beneficios de practicar sexo a menudo\nEl sexo no solamente es una práctica estupenda para hacernos pasar un buen rato sino que además estudios científicos respaldan que es bueno para la salud. Su práctica regular nos puede beneficiar en muchos sentidos. ¿Quieres saber cuáles? Te los contamos a continuación.\nA más sexo, mayor deseo\nSe trata de una relación de causa efecto, pues practicar sexo regularmente provoca que cada vez lo hagamos mejor, lubriquemos más a menudo, ganemos en elasticidad y, finalmente, todo ello motive un aumento de la libido o apetencia sexual.\n¿Has probado alguna vez de destensionar a tu pareja dándole sexo después de una larga jornada laboral? Mantener relaciones sexuales es una fórmula perfecta para reducir los niveles de estrés y ansiedad, ya que en las prácticas sexuales liberamos endorfinas que actúan como recompensa al cansancio y estrés que hayamos acumulado durante el día.\nEn el acto sexual también se libera la hormona prolactina, responsable de la somnolencia y relajación. Por eso, tras el encuentro sexual solemos dormirnos rápidamente.\nAunque el sexo no es equiparable a una actividad física tan completa como correr o nadar, quemamos unas 5 calorías por minuto porque en las relaciones íntimas usamos varios músculos del cuerpo y aceleramos el ritmo cardíaco. De hecho, ser sexualmente activo es algo bueno para el corazón, tal y como indican varios estudios que aseguran que mantener relaciones al menos dos veces a la semana reduce a la mitad las posibilidades de morir por una enfermedad cardíaca.\nEl sistema inmune se ve reforzado en personas sexualmente activas porque son personas que generan más anticuerpos que alguien que no practica sexo regularmente. También en esta ocasión se vio en un estudio de la Universidad de Wilkes en Pennsilvania (EUA) que manteniendo relaciones un par de veces a la semana se elevaban los niveles de algunos anticuerpos con respecto a esas personas que su práctica sexual es más baja, estando así más protegidos que los demás ante virus y bacterias.\nControla mejor tu vejiga\nLa incontinencia urinaria es síntoma del envejecimiento del suelo pélvico. Del mismo modo que si no reforzamos los músculos perdemos fuerza con el paso de los años, la musculatura de la zona íntima de la mujer pierde tono y provoca incontinencia urinaria en un 30% de las mujeres en algún momento de su vida. Practicar sexo de forma regular ayuda a mantener la musculatura pélvica en forma.\nSi todavía no te hemos convencido con todos estos beneficios para la salud que el sexo debe practicarse regularmente, déjate llevar por los puros placeres de su práctica. ¿A cuántos orgasmos has llegado en una relación íntima?\nEntrada anterior:Anterior Los mejores tangas sexys de Lovesexing\nLos mejores tangas sexys de Lovesexing\nLas mejores bebidas afrodisíacas de Lovesexing\nForm 2, un vibrador unisex y estéreo


Tienda de encajes antiguos "Europa Europa" - Confeti en los bolsillos\nFeb 28, 2014 Ana 5 Bodas, Tiendas\nComo ya os comenté, estoy sumergida en todo el mundo “boda” y en todo lo que le rodea, y la verdad es que en esta ocasión tenia que encontrar una tienda que tuviera un encaje bonito y de buena calidad.\nComo son las cosas, mi madre me ayudo, y nos recomendó que fuéramos a la tienda “Europa Europa” una tienda especializada en tejidos y encajes antiguos, situada en la calle Don Ramón de la Cruz, 48 (Madrid) (Horario de lunes a viernes de 10’30 a 13’30 y de 16’30 a 20h y los Sábados de 10’30 a 14h) Tlf.: 91.309.15.11\nLo cierto es que fue un gustazo, recorrer una tienda llena de mantelerías de hilo, colchas bordadas, sombreros antiguos, encajes, broches, bolsos vintage…\nSi necesitáis encontrar algo antiguo, con clase y único, no dudéis en pasaros por esta tienda. O si simplemente queréis cotillear de una tienda llena de historia, pasaros por allí.\nAunque un pequeño consejo, la propietaria es una mujer mayor que no os dejará solos ni a sol ni a sombra ni os dejará ver nada tranquilamente, pero si le caes en gracia será agradable con vosotros.\nHola me gustaría comprar las puntillas antiguas ya que me dedico a la confecciin e lencería me llamo Leticia espero respuesta gracis\nLeticia, soy Ana y sólo hablo de las tiendas que me han llamado la atención. Deberías acercarte a la tienda pues dudo mucho que tenga email o telefonear y preguntar\nLeticia: yo tengo unas cuantas puntillas y encajes antiguos que me vienen de herencia de mis abuelas con los que no sé qué hacer. No tengo ni idea de si te podrían valer, pero a lo mejor puedes verlos y si te interesan…\na mi si me interesan, puedes mandarme un email a rebe_mad91@hotmail.com Gracias!\nRebeca, no sé exactamente de qué estás interesada.\nSi es por la tienda, en el mismo post tienes todos los datos que yo obtuve, aunque no sé si a día de hoy aún sigue abierta.


Eventos de empresa Archives - Página 2 de 5 - Evento Empresa BCN\nLos eventos “Veg-friendly” llegan a Barcelona\nEvento empresa BCN, Eventos de empresa\nEstamos de enhorabuena, ya que la semana pasada el ayuntamiento de Barcelona aprobó una moción por la que la ciudad condal adquiría el estatus de Veg-friendly, convirtiéndose así en la primera ciudad del mundo en fomentar medidas de este tipo. ...\nEl mundo de los eventos cada vez está más ligado al de las nuevas tecnologías y las experiencias marcan cada vez más la perspectiva que tenga el público a cerca de lo vivido en un evento. Interactuar con la realidad ...\nHace unos años que la gamificación está en auge, es un concepto del marketing y tiene relación con el juego. Como decimos, su idea viene de los videojuegos pero empleada en conceptos que no son lúdicos. El objetivo es conseguir que ...