Siguen las acusaciones a Duhalde y al PO de querer volver al caos del 2011 :: www.fmlacalera.com\nVOLVER A PAGINA INICIAL > Siguen las acusaciones a Duhalde y al PO de querer volver al caos del 2011\nSiguen las acusaciones a Duhalde y al PO de querer volver al caos del 2011\nTres ministros del Gobierno nacional responsabilizaron hoy al ex presidente Eduardo Duhalde y al Partido Obrero por los serios incidentes ocurridos el jueves último en la estación Constitución y afirmaron que su objetivo fue "generar una sensación de vacío y debilidad de la presidenta" Cristina Fernández.\nLa ministra de Seguridad, Nilda Garré, sostuvo que con los incidentes "se intentó reproducir las condiciones del 19 y 20 de diciembre" de 2001 que concluyeron con la renuncia del presidente Fernando de la Rúa.\n"Este clima tiene una intencionalidad política que apunta a generar una sensación de vacío y debilidad de la presidenta que sería funcional a un precandidato que se vende como que sabe y puede, acerca del manejo de la conflictividad", afirmó Garré en conferencia de prensa y en clara alusión a Duhalde, durante la cual también vinculó a los gastronómicos que responden al duhaldista Luis Barrionuevo.\nLa funcionaria relató que uno de los detenidos dijo ser gastronómico y que le pagaban 50 pesos por alimentar el clima de enfrentamiento con la policía.\nEn tanto, el juez en lo Correccional Fernando Pigni quedó a cargo hoy de la investigación por los disturbios, quien como primera medida recibió el sumario labrado por la Comisaría 16 de la Policía Federal y averiguará la presunta comisión de los delitos de "atentado y resistencia a la autoridad, daños y lesiones".\nEl jefe de Gabinete, Aníbal Fernández, insistió como en días anteriores en que los destrozos y los saqueos contra la terminal ferroviaria fueron "armados" por "punteros ligados" al ex presidente y la organización de izquierda, al sostener que "pareciera que fuera el Partido Obrero duhaldista"\nFernández fue mas directo y opinó que "pareciera que fuera el Partido Obrero Duhaldista, porque juegan con determinadas acciones que son solamente motivadas por determinados punteros ligados al doctor Duhalde".\nTambién Timerman. En la misma dirección apuntó el canciller Héctor Timerman, quien sumó también al "Grupo Clarín y otras empresas de la economía concentrada".\nAcusó al precandidato presidencial del Peronismo Federal de encabezar la presunta confabulación para presentarse como "la figura salvadora", mientras que le achacó al Partido Obrero haber llevado "a la práctica" la supuesta conspiración.\nEn ese sentido, acusó a ese partido de haberle hecho "el juego" al "capitalismo más concentrado" al convertirse en un "grupo de choque duhaldista", en tanto que definió al dirigente del PO Néstor Pitrola como "un ñoqui de la Legislatura de la ciudad de Buenos Aires".\n"Duhalde quiere crear una figura preanárquica, como dice él, y utiliza grupos de coche como el Partido Sin Obreros para generar este tipo de caos", acusó Timerman.\nEl canciller agregó: "Yo no digo que Duhalde y Pitrola o (el otro dirigente del PO Jorge) Altamira se junten, (sino que) se unen en la intención de acciones".\nEn tanto, el dirigente del PO, Marcelo Ramal, replicó las acusaciones del canciller y sostuvo que "cuando Héctor Timerman dirigía un diario favorable a la dictadura (La Tarde), el Partido Obrero luchaba contra Videla".\nEl ex candidato a legislador porteño tomó distancias de los incidentes en la estación ferroviaria, al manifestar que "lo que se vio en Constitución, como tirar cajones contra vidrieras y saquear, no es accionar del PO, sino de barrabravas". Ramal calificó de "insólita" la denuncia que "primero, se nos hace responsables de haber impulsado la medida de fuerza en Avellaneda y después de haber protestado contra esa medida en Constitución".\nEl dirigente denunció a su vez que el titular de la Unión Ferroviaria "José Pedraza se ha salido con la suya, ya que está tramitando la libertad de sus siete barrabravas detenidos por el asesinato de Mariano Ferreyra en octubre y estamos atentos en caso de que haya excarcelaciones".\nDeclaró detenido. Por su parte, Reinaldo Silvero González, el segundo detenido acusado de ser el ideólogo de la toma del club Albariño en Villa Lugano, declaró hoy ante el juez federal Daniel Rafecas.\nGonzález fue detenido el viernes pasado y hoy fue llevado ante el magisrado, quien dispuso el secreto de sumario sobre el expediente, informaron fuentes judiciales.\nAnte esa determinación de Rafecas no trascendió la declaración de Gónzalez, quien junto a Guillermo Ferreira está detenido en la causa, que tiene un prófugo.


Función Arquitectónica Fitness | Apiumhub\nFunción Arquitectónica Fitness: construir una arquitectura evolutiva medible\nQué es la función arquitectónica Fitness?\nFormas de la función Fitness de adecuación arquitectónica\nBeneficios clave de las funciones arquitectónicas Fitness\nLa arquitectura evolutiva es algo en lo que todo arquitecto de software piensa. Apoya el cambio guiado e incremental como el primer principio a través de múltiples dimensiones. Para apoyar esta evolución, las funciones Fitness pueden ayudar a encontrar el grado en que un sistema cumple con los objetivos y restricciones de arquitectura especificados de forma automatizada. Y el post de hoy trata sobre las funciones Fitness.\nLa función Fitness o de adecuación es un tipo de función objetiva que se utiliza para resumir lo cerca que está una determinada solución de arquitectura de software de alcanzar los objetivos establecidos.\nAl definir una arquitectura evolutiva, el arquitecto de software busca un algoritmo «mejor»; la función de adecuación define lo que «mejor» significa en este contexto. Los arquitectos de software pueden comunicar, validar y preservar las características arquitectónicas de forma automatizada y continua, lo cual es la clave para construir arquitecturas evolutivas.\nLa función de adecuación se construye sobre la base del software que se está probando. Con el desarrollo impulsado por la función de fitness, puede escribir pruebas que midan la alineación de un sistema con los objetivos arquitectónicos.\nCuando se empiece a utilizar las funciones de acondicionamiento físico se debe comenzar por reunir las aportaciones de todos los interesados para comprender lo que consideran los atributos arquitectónicos más importantes. Estos deben ser agrupados en temas comunes como la resistencia, la estabilidad, etc.\nTodas las funciones de aptitud física recopiladas deben describir su intención utilizando una métrica objetiva significativa para los equipos y las partes interesadas. Esto ayudará a los equipos en la medición de la deuda técnica, pero también para evitar la deriva arquitectónica. Todas las funciones deben ser redactadas en un marco de pruebas e incluidas en las tuberías de entrega apropiadas. Un ejemplo de una función de adecuación es la calidad del código, en el que se puede medir la modificabilidad, la manejabilidad y la adaptabilidad a fin de evitar que un código de calidad demasiado baja se despliegue en la producción. Además, la implementación de pruebas de rendimiento automatizadas como funciones de aptitud física y añadidas a las tuberías construidas significa que las pruebas se ejecutan con antelación y los resultados son accesibles inmediatamente.\nLa prueba real de las funciones de aptitud arquitectónica viene con medidas derivadas que describen cómo se está utilizando el sistema y si está cumpliendo las expectativas. Por ejemplo, esto puede incluir pruebas más comerciales que reflejen tanto a los profesionales de los negocios como a la ejecución técnica:\n¿Cuánto tiempo se tarda en entregar un informe, desde la concepción hasta el lanzamiento?\n¿Con qué frecuencia se hacen despliegues y cuántos de ellos fallan?\n¿Cuánto tiempo de inactividad no programado está pasando?\n1. Atomica vs Holística\nLas funciones Fitness se ejecutan en un contexto singular y ejercen un aspecto particular de la arquitectura. Un ejemplo excelente es una prueba unitaria que verifica alguna característica arquitectónica, como el acoplamiento modular o la complejidad ciclomática.\nLas funciones Fitness de aptitud holística se ejecutan en un contexto compartido y ejercen una combinación de aspectos arquitectónicos como la seguridad y la escalabilidad.\n2. Desencadenada vs. Continua\nLas funciones Fitness de aptitud desencadenada se ejecutan en base a un evento particular, como un desarrollador que ejecuta una prueba de unidad, una unidad de pruebas de funcionamiento de una tubería de despliegue, o una persona de control de calidad que realiza pruebas exploratorias.\nLas pruebas continuas no se ejecutan según un calendario, sino que ejecutan una verificación constante del aspecto arquitectónico, como la velocidad de la transacción. El desarrollo impulsado por la supervisión (MDD) es una técnica de prueba que está ganando popularidad. En lugar de basarse únicamente en pruebas para verificar los resultados del sistema, MDD utiliza monitores en la producción para evaluar tanto la salud técnica como la empresarial.\n3. Estática vs. Dinámica\nLas funciones Fitness estáticas tienen un resultado fijo, como el aprobado o desaprobado binario de una prueba de unidad.\nLas funciones dinámicas Fitness se basan en una definición cambiante basada en el contexto extra. Por ejemplo, una empresa podría crear un valor móvil para el rendimiento basado en la escalabilidad.\n4. Automatizada vs. Manual\nA los arquitectos de software les gustan las cosas automatizadas. Las funciones de aptitud automatizadas se ejecutan en un contexto automatizado, mientras que las funciones de aptitud manuales, como los requisitos legales, desafían la automatización.\nLas funciones de aptitud manual son casos que requieren la verificación del proceso basado en la persona.\nLas funciones Fitness pueden medir objetivamente la deuda técnica y la calidad del código.\nTambién proporcionan información en tiempo real cuando se realizan cambios en las funciones Fitness debido, por ejemplo, a nuevas normas de seguridad u operacionales.\nPueden informar sobre las opciones de codificación de las interfaces, los eventos y las API relacionadas con los procesos posteriores.\nAl aplicar el patrón strangler pueden ser útiles para verificar que se cumplen los requisitos cuando se desacoplan las lógicas comerciales.\nPueden comunicar estándares arquitectónicos en forma de código, ayudando así a los desarrolladores a entregar características mejor alineadas con la arquitectura.\nUn arquitecto puede solicitar cambios en algún aspecto de la arquitectura que serán verificados durante el proceso de construcción.\nComunicar, validar y preservar las características arquitectónicas de forma automatizada y continua.\nA veces los arquitectos de software no conocen todas las partes importantes de una arquitectura al principio y así pueden identificar las funciones de adecuación a medida que el sistema evoluciona. Éstas surgen durante el desarrollo real del sistema.\nMantiene las normas de codificación.\nMientras que la mayoría de las funciones Fitness se activan con el cambio, los arquitectos de software pueden querer construir un componente de tiempo en la evaluación de la adecuación. Por ejemplo, si un proyecto utiliza una biblioteca de cifrado, el arquitecto puede querer crear una función de Fitness temporal como recordatorio para comprobar si se han realizado actualizaciones importantes.\nSi quieres saber más sobre las funciones Fitness, te recomendamos encarecidamente:\nVer éste Video de Mark Richards\nLeer Building Evolutionary Architectures book de Neal Ford, Rebecca Parsons, Patrick Kua\nVivimos en un mundo en el que las tecnologías y sistemas de software están en constante cambio. Y queremos construir una arquitectura que sea capaz de evolucionar con ellos. Queremos que nuestras arquitecturas evolucionen de forma guiada. Las funciones Fitness son una buena manera de poner restricciones a diferentes aspectos de la arquitectura para guiarlos en ciertas direcciones evolutivas.\nEspero que te haya sido útil, si tienes alguna pregunta, contáctanos! ¡Somos especialistas en arquitectura de software!\nPrevAnteriorAtributos de calidad de Arquitectura de Software\nSiguienteEl futuro de los Chatbots en e-commerceNext


Puigdemont se embolsa sus primeros 130.000€ con sus 'DNI de la República'\nEl Consell per la República hace caja con su ID Republicana, sin validez legal, para sostener el chiringuito de Puigdemont en Waterloo\nPuigdemont y su tarjeta republicana con la que promociona su Consell per la República\nPor Sergi Ill\t 16 abril 2021\nEl llamado ‘DNI catalán’ que impulsa el Consell per la República, el chiringuito privado de Carles Puigdemont, ya le ha dado algunos réditos, como mínimo, económicos. Según ha dado a conocer la propia institución privada del expresidente huido, el ente ha tramitado un total 12.000 carnets, lo que se traduce en una recaudación de 135.720€.\nDel total de 12.000 carnets concedidos por Puigdemont, un 88,5% son físicos, y tienen un coste de 12 euros. El monto total conseguido gracias a los voluntarios que han pagado por esta tarjeta que pretende emular a un DNI, aunque sin validez legal, asciende a los 127.440€.\nLa cifra se complementa con aquellos que han optado por la modalidad digital del carnet, la mitad de cara que la versión plastificada. Un total de 1.380 personas han optado por esta modalidad, lo que ha supuesto una recaudación de 8.280 euros. La recaudación total de los dos tipos de carnets asciende hasta los 135.720€.\nMofas al carnet: “No sirve para ningún trámite, pero cuesta 9€”\nPese al coste de este supuesto ‘DNI catalán’, su utilidad es escasa. El documento no tiene ninguna validez para hacer gestiones con la Generalitat, ni tampoco sirve como método de identificación real. El objetivo de este carnet es el de animar a los independentistas a apuntarse al ente, que sigue por debajo de los 100.000 socios tras tres años de funcionamiento.\nLas mofas por la falta de utilidad de esta tarjeta, que solo puede usarse en una decena de empresas y en unos pocos medios de comunicación como identificación, han llegado hasta el Congreso. Pedro Sánchez ha aprovechado para atacar a Junts y su política “simbólica”: “No sirve para ningún trámite, pero eso sí, cuesta 9 euros”.\nLeer más: Junts teme que ERC le arrebate la “estratégica” conselleria de Políticas Digitales\nAunque el carnet es puramente simbólico, la idea tiene su base en el documento digital que las tres asociaciones de Estonia lanzaron al mercado en 1989. El documento, que se conocía como ‘pasaporte Ramussen’ fue legalizado por el gobierno del país una vez independizado, y poco a poco sustituido por actualizaciones del mismo.\nUn órgano sin control democrático para someter a la Generalitat\nEl carnet forma parte de una estrategia mucho mayor: crear una institucionalidad paralela sin control democrático ni judicial alguno desde el que los independentistas puedan someter a las instituciones de Cataluña. El papel del Consell fue uno de los escollos en las negociaciones, puesto que pretendía usarse para descafeinar la presidencia de Aragonès.\nLa institución ha sido hasta la fecha un auténtico fracaso, al estar por debajo de los 100.000 socios. Este ente creado por Puigdemont hace casi tres años para erigirse como una especie de gobierno en el exilio contaba con llegar al millón de usuarios para movilizar a masa crítica a favor de la secesión, e incluso como herramienta para votar una Constitución solo para socios.\nEl Consell de Puigdemont quiere crear una red “diplomática”\nAunque solo dispone de poco más de 95.000 afiliados y no tiene ningún reconocimiento internacional, esta institución quiere impulsar una red de “Cónsules honorarios”. Toni Comín explicó a Europa Press que el objetivo pasa por “disponer de una red” que nos permita hacer este trabajo de internacionalización que todos esperan de nosotros, con razón”.\nEn la misma entrevista, Toni Comín justificó con elementos simbólicos la utilidad de la ID Republicana: “Esta tarjeta física es como si la papeleta que pusimos dentro de la urna muchas personas el 1-O se hubiera transfigurado. Como el papel se degrada muy rápido, es biodegradable y se estropea, la manera de mantener esta papeleta, es este carnet”.


IN-EDIT BEEFEATER - Tomajazz\nFecha: 29 de octubre a 7 de noviembre de 2010\nLugar: Cines Aribau Club y Multisalas Aribau (Barcelona)\nPelículas comentadas:Johnny Mercer: The Dream’s on Me (Bruce Ricker y Anthony Wall; Reino Unido, 2010; 100’)\nWho is Harry Nilsson (and why is everybody talkin’ about him?) (John Scheinfeld; EE.UU., 2010, 116’)\nSounds and silence (Peter Guyer y Norbert Wiedmer; Suiza, 2009, 88’)\nTHE LAST POETS: Made in Amerikkka (Claude Santiago; Francia/EE.UU., 2008, 52’)\nWhen You’re Strange: A film about The Doors (Tom DiCillo; EE.UU., 2009, 86’).\nBarcelona era una festa (Underground 1970-1980) (Morrosko Vila-San-Juan; España, 2010, 56’)\nMonterey Pop (D.A. Pennebaker; EE.UU., 1968, 91’)\nZiggy Stradust and the Spiders from Mars (D.A. Pennebaker; EE.UU., 1973, 87’)\nJohnny Mercer: The Dream’s on Me fue mi estreno en el In-Edit 2010. Un documental televisivo de factura un tanto convencional pero que lograba embaucarte gracias a la figura de Johnny Mercer, un auténtico mago de las palabras y de las canciones. A Mercer se le suele poner, con toda justicia, dentro del grupo de los grandes creadores del “Great American Songbook”, es decir, Irving Berlin, los Gershwin, Cole Porter, Rodgers & Hart, Oscar Hammerstein, Harold Arlen, Hoagy Carmichael, etc. Y si nos atenemos puramente al legado y al trabajo hecho, a la trayectoria (de Broadway a Hollywood), lo cierto es que es así. No obstante, esta película nos permite ver brevemente una serie de aspectos de Mercer que, aún sin sacarlo de ese grupo, matizan su figura y le dan otras explicaciones. Por ejemplo, su relación con las palabras y sus timbres. Como jugaba con los sentidos, dobles y múltiples que a veces encierran las palabras. Buscando su eufonía. Desatando juegos irónicos, perversos o inocentes. O bien cultivando iconologías dentro de los temas, desde las más tópicas (“One for My Baby (and One More for the Road)”) a las más tradicionales, o logrando crear con una letra un ambiente aún más misterioso que el de la música ya escrita (caso de “Laura”, el tema de la película de Preminger); hablando abiertamente de sus problemas personales con el alcohol (“These orchids”); recuperando imágenes de su amado Sur para transportarlas, debidamente recreadas, a la radio (“Jeepers, Creepers!”); pero también fabricando temas que devendrían standards integrales de jazz, tanto en letra como en música (“Satin Doll”, “Trav’lin Light”, “Skylark”, “Come Rain or Come Shine”). Es decir, siempre puso algo de sí en sus letras o músicas, y para ello se fijó no sólo en el resto de sus colegas autores, a los que admiraba sin reservas, sino en el mundo de las palabras, de literatos como Twain, de las peculiaridades del lenguaje, de la tradición oral y las voces de su sur natal (era de Savannah, Georgia), de la lengua criolla, etc. Vemos también su trayectoria, desde la importancia inicial del blues (que siempre será importante para él), su paso por el teatro en Nueva York, la época en Hollywood, con el swing, las películas, su breve y fructífera alianza con Harold Arlen o la fundación del sello Capitol; hasta esa etapa final (pos swing) en la que, como ocurre con John Ford y Alfred Hitchcock, se siente que si no es cuando hace su mejor trabajo sí es cuando éste se vuelve más esencial y condensado (“Moon River”, “Days of Wine and Roses”, “Emily”). Buena parte de toda esta información procede de dos viejos programas de la BBC en los que Humphrey Lyttelton entrevistaba en profundidad a Mercer. Son las joyas del documental, sin duda, que en otros momentos te entierra con tal cantidad de material de archivo que no tienes tiempo de digerirlo debidamente. Por otra parte, la realización es correcta, con una producción de qualité made by Clint Eastwood, pero con algunas objeciones importantes a hacer. Por ejemplo, todas esas intervenciones de Eastwood y amigos varios (que si Jamie Cullum, que si John Williams) contándose cosas que son irrelevantes en el contexto del documental; o bien cantando y tocando piezas de Mercer, como Dr. John (bien, pero accesorio) o una hija adolescente y cantante del cineasta (que amenaza con ser el siguiente lanzamiento de la familia). Todo ello, especialmente durante los primeros 20 minutos del film, frena el relato sobre Mercer, que es lo que realmente importa. Parecería como si además de producir (lo que ya es meritorio de por sí) el señor Eastwood tuviera que figurar. Anyway, un film interesante para todos aquellos interesados en Mercer o en el cancionero norteamericano clásico.\nY, de songwriter a songwriter, esa misma tarde caía otro biodoc de un nombre igual de básico en la música popular norteamericana. La figura del cada vez más venerado Nilsson se nos presenta en Who is Harry Nilsson (and why is everybody talkin’ about him?). Lo de Nilsson es, como dirían los americanos, bigger than life. Por su aportación musical, por su voz, por su vida, por sus excesos y por sus éxitos, todo ello en cantidades no precisamente homeopáticas. Nilsson hizo muchas cosas antes que nadie y las que hizo después las hizo, normalmente, mejor. Entre las primeras, grabar aún en los 60 todas las voces de un disco, incluyendo todos los registros de un coro (voces masculinas y femeninas). Es reconocido por todo el mundo que su voz fue un instrumento musical inigualable, instrumento que se quebró definitivamente a mediados de los 70 por culpa de los excesos varios que a si mismo se infligía (luego comentaremos su personalidad). Por otro lado, como arreglista, y en cierto sentido como compositor, demostró hacer las cosas como nadie. Ahí está el disco Nilsson sings Newman (1969), en el que consigue superar incluso los originales de Randy Newman. Y, no sólo eso, como alumno aventajado de tantos talentos (desde The Beatles hasta los clásicos del cancionero norteamericano) demostró hacer las cosas sino mejor igual de bien –aunque con frecuencia, mejor–. Por otro lado, es sólo en parte incomprensible que su obra hubiera quedado tanto tiempo arrinconada en el desván de la música pop ya que él nunca hizo giras y sus actuaciones en directo fueron muy contadas. Asimismo, tampoco se avino a los típicos programas promocionales de las discográficas. De joven, como autor de canciones para otros, ya había tenido algún contacto en Los Angeles con el tinglado del show business, y es algo que dejó de interesarle rápido. Pero, aún y sin contar con todo el aparato promocional, entre finales de los 60 y principios de los 70, y los más mayores probablemente lo recuerden, logró encadenar una serie de éxitos no sólo en EE.UU. sino en todo el mundo. Lo que nos lleva a una de las cuestiones clave de Nilsson, y es que fue de esa clase de artistas que logró conciliar una voluntad de ser popular con el deseo de experimentar y probar cosas nuevas.\nEl documental de John Scheinfeld hace un recorrido por toda la trayectoria vital y artística de Nilsson, sacando a flote una ingente cantidad de material visual y sonoro, desde grabaciones de TV, entrevistas, filmaciones caseras o de las sesiones de grabación de los discos y, naturalmente, todo ello pespunteado con las tomas de las entrevistas de rigor con amigos, familiares y artistas (Newman, Van Dyke Parks, Al Kooper, Brian Wilson, el productor Richard Perry, el cineasta Terry Gilliam o los actores Eric Idle y Robin Williams), que lo conocieron. El documental incide bastante en la vida personal de Nilsson, desde su nacimiento en Brooklyn, cuando queda huérfano aún adolescente y decide cruzar el país para dedicarse a la música en California, sus primeros éxitos (su versión de “Everybody’s Talkin’”, que el film Cowboy de medianoche hará mundialmente famosa), su primer matrimonio y su primer hijo, la incapacidad de ser padre, sus amistades con personajes célebres y excesos de todo tipo, que terminarán por pasarle una inaplazable factura, el impacto de la muerte de su amigo Lennon, que le llevará a meterse en una larga campaña personal por la reducción de armas de fuego, la bancarrota, su última familia y la muerte con 52 años. Una vez más, se tiene la sensación como espectador de ser aplastados por la cantidad de material de archivo que despliega el documental, pero tratándose del primero dedicado a Nilsson, tal vez no había otra manera de hacerlo. Para acabar, un detalle que ilustra la vida y la imagen que dio, y que nos cuenta Eric Idle del día del entierro de Nilsson: mientras estaban en el cementerio en Los Angeles, hubo uno de los temblores de tierra del famoso terremoto de enero de 1994, aquel que, como recordarán, hizo caer autopistas enteras como si fueran piezas de un scalextric. Como ironiza Idle, debió ser “porque Harry había llegado al cielo y los bares estaban cerrados”.\nCambio de tercio. “De viaje con Manfred Eicher” es el subtítulo de Sounds and silence, y algo de eso hay, pues en buena parte del metraje de esta cinta suiza seguimos al productor alemán por un montón de lugares y rincones en los que su sello ECM tiene a músicos de la escudería, desde Estonia a Salta, en Argentina, de Cartago a Copenhague, y por supuesto en Munich. Lo que ya de entrada nos lleva a corregir una idea que siempre se asocia al sello germano, y es la de tener una estética fría y que tiende hacia lo noreuropeo. Esto derivaría de un conocimiento incompleto del trabajo que ha desarrollado el sello, pues si una influencia era palpable en sus inicios en los 70 era, además de un cierto tipo de jazz norteamericano que entonces se encontraba “exiliado” en Europa, la confluencia entre lo oriental y lo occidental; y sólo algo más tarde se tomaría, sólo como una vía abierta más, esa pretendida “estética” –que no es tal– nórdica. Y este tipo de visión esclarecedora y hasta desmitificadora es uno de los puntos más destacables de Sounds and silence. Nos ayuda a entender cuál es la naturaleza real del trabajo que lleva a cabo Eicher, apartando lo superfluo y lo erróneo. Se nos muestra la dedicación y entrega que Eicher pone en cada proyecto, en cada momento. Ya sea en una capilla de Tallín, preparando la grabación de una pieza con orquesta y coro de Arvo Pärt; forzando a los técnicos del estudio muniqués a capturar una cualidad del sonido del piano de Nik Bärtsch antes de que escape por entre los controles de mesa y las excesivas monitorizaciones; ayudando a sonorizar personalmente un concierto de Anouar Brahem en Munich; o bien solucionando una compleja toma sonora de la banda municipal de Bergamo que acompañó a Gianluigi Trovesi en su proyecto sobre la ópera. Todos estos viajes son escalas en las que el apasionamiento del productor va reportando sus frutos. En contrapartida, a los músicos visitados siempre se les ve confiados con la figura y solvencia de Eicher. O en la misma cuestión gráfica, tan marcada e indisociable del sello. Ahí también lo vemos trabajando con sus diseñadores en su enorme banco de imágenes y fotografías, asignándolas a cada disco con una vocación más artesanal que estética (otro tópico que hay que replantear, pues). Llegados a un punto, Eicher deja claro que para él lo importante es la música, y que las técnicas de grabación y el trabajo con el sonido (“buscar los rastros de un cometa”) tienen como única finalidad el registrarla de la manera más fiable y verista (“acercarse a la realidad”). Así pues, el sonido como fenómeno acústico puro no es lo primordial para él. La grabación es tan solo la manera en la que obtener otra cosa, la manera de restaurar (o potenciar) su esencia comunicadora. La historia lo dirá, pero una de las grandes aportaciones de Eicher tal vez sea la de haber recuperado esta noción para el ámbito de la nuevas músicas.\nHay que señalar la impecable factura del film, que presenta unas dificultades técnicas a la hora de grabar a ciertos músicos que son derivadas de la meritoria actitud de los realizadores, en pos siempre de no intervenir y de ser todo lo invisible que se puede ser en un rodaje. Y, por entre medio, algunas perlas recogidas por sus cámaras, como el ensayo entre Dino Saluzzi y Anja Lechner, en el que el primero le dice a la cellista que no hay por que ir tan al tiempo; una preciosa versión de “The Lover’s Appeal” del trío de Trovesi, Umberto Petrin y Fulvio Maras; o una preciosa improvisación en el comedor de un hotel entre el mismo Trovesi y el acordeonista Gianni Coscia (entre los que hay una entrañable discusión sobre si el clarinete es mejor que el acordeón o al revés, que parece extraída de la Prova d’orchestra de Fellini… como buenos italianos).\nVuelta a EE.UU. con THE LAST POETS: Made in Amerikkka, una producción francesa que documenta la reunión que los poets originales (faltaba uno, aunque no se dice por qué) llevaron a cabo con motivo de un único concierto que ofrecieron en el festival de Banlieues Bleues de 2008, en París. La cinta, de apenas una hora, no es retrospectiva sino que aprovecha los ensayos previos al concierto y el mismo concierto (en el que estuvieron muy bien acompañados por Robert Irving III, Jamaladeen Tacuma, Ronald Shannon Jackson y Kenyatte Abdur-Rahman) para recrearse en los mismos o para charlar con cada uno de los poets. No tiene nada de nostálgico pues y lo que pone de manifiesto es la coherencia e integridad de estos tipos. Al final resulta que aquellos locos han resultado ser la gente más sensata, y que buena parte de lo que denunciaban o de lo que advertían iba a ocurrir, sigue pasando y ha ocurrido. La crítica antiimperialista que esgrimían en los 60/70, iba también dirigida a su propio pueblo, los niggers que seguían el cuento estando más pendientes de pelearse entre ellos o de follar que de ver lo que estaba pasando, resignándose al destino que les venía dado. Esto lo hacen extensible al día de hoy, y mientras aceptan que ellos son los padres del hip hop, no transigen con la actitud de muchos raperos actuales, especialmente los del gangsta rap, siempre engalanados en oro, ebrios de champagne y al mando de veloces coches… y al resto ¡que le den! Al mismo tiempo, recapacitan sobre lo ocurrido en estas últimas décadas y sobre la irrupción de una clase media de color, para poner en entredicho la obtención de dicho status. Musicalmente, hay que destacar el brío que siguen mostrando, la energía de su groove, que comprende elementos musicales del sur, de las ciudades del norte y caribeños, y ese juego rítmico con las palabras, haciendo percutir sus sonidos pero también sus significados. Efectivamente, los padres del hip hop y de la poesía callejera. Me quedo con una frase, creo que de Babatunde, que deja entrever, a pesar de todo lo dicho, su optimismo: “hay que repensar América”. OK, y después vengan a Europa.\nRespecto al film sobre The Doors, When You’re Strange, del cineasta y viejo colaborador de Jim Jarmusch, Tom DiCillo, se presentaba como la “visión” definitiva y una especie de desagravio respecto de la biopic que en 1991 perpetró Oliver Stone sobre el grupo angelino (idea que en realidad había difundido Ray Manzarek, el viejo teclista de la banda). Es cierto que el film de Stone era infecto, superficial y que nos presentaba a un Jim Morrison idiota; pero, cabe preguntarse, ¿es que alguien se esperaba otra cosa de dicho proyecto y dicho director? Dejando a un lado esto, el film-documento de DiCillo no logra tampoco, al menos a mi juicio, penetrar en la esencia del grupo que, más allá de su música y del contexto en que vivieron, no es otra que la fértil imaginación poética de Morrison. Sin embargo, el planteamiento de este documental sigue insistiendo en marcar la historia de The Doors con las muescas de esa otra Historia (Vietnam, disturbios raciales, represión policial, estudiantes muertos en Kent State) sin penetrar en el por qué de esa relación y en cómo la estaban exponiendo Morrison y la banda con sus letras y música. Y aunque no se recurre a las consabidas entrevistas con amigos y colaboradores, lo que es de agradecer, la locución pierde la oportunidad de hacernos entrar en el agitado mundo de The Doors para seguir alimentando los componentes más escandalosos y folklóricos, que si arrestos, melopeas, salidas de tono… En cuanto a material de archivo, empleado con profusión, hay que decir que el mejor de todos, que es usado para vertebrar visualmente el documental, es el que nos muestra a Jim Morrison protagonizando varias escenas como una especie de autostopista-asesino; pero, al mismo tiempo hay que decir que no es un material ni tan nuevo ni inédito, ya que procede de dos mediometrajes que en 1969 realizó Jim Morrison con la ayuda de Frank Lisciandro, Paul Ferrara y Babe Hill. Se trata de Feast of Friends y HWY: An American Pastoral. Es cierto que dichas filmaciones apenas fueron vistas en su momento, pero otros documentales sobre el grupo ya las habían empleado parcialmente, caso del estadounidense No One Here Gets Out Alive (Gordon Forbes, 1981) o del francés Le monde tout de suite (Pascal Mercier, 1991). En fin, tuve la sensación, como en estos dos documentales mencionados, que se volvía a desperdiciar la posibilidad de hacer un viaje al interior de la obra de The Doors, y especialmente de su piedra de toque, la poesía de Morrison.\nAl documental catalán Barcelona era un festa (Underground 1970-1980), que trata de reflejar la efervescencia contracultural y libertaria que en esa década se dio en la capital catalana, le pasa un poco lo que al film anterior, que no consigue zafarse de ciertos tópicos y generalizaciones que rondan por ahí. En primer lugar, esa idea de “fiesta”, así, sin ningún matiz, es más que discutible, sobre todo si pensamos en los que se quedaron por el camino. Pero, también, porque no es lo mismo la Barcelona en la que se dan las Jornadas Libertarias, en 1977, que la de la ejecución de Puig Antich, en 1974. Entre otras cosas, porque en ésta hay miedo, en aquélla no (o no tanto). En todo caso, en una Barcelona y en otra siempre hubo esperanza, es verdad, pero eso ya no es fiesta. Por otro lado, entre los que aparecen entrevistados en el documental, las aportaciones son muy irregulares. Tenemos desde gente que dice cosas juiciosas (Montesol, Onliyú, Pau Riba), hasta los que no sueltan más que chorradas (Mariscal). También hay intervenciones que desconciertan, como alguna de Quim Monzó (“sólo han quedado los buenos”, que según él eran los que trabajaban), que podríamos situar entre el chascarrillo y un espasmo que aunque él no quiera lo mueve al absurdo (ab: hacia; surdo: persona que se maneja mejor con la mano izquierda para lo que sea que haga con ella. Fuente: Accidents Polipoètics). Y entre todo ello, demasiado anecdotario personal. Pero, el principal problema, insisto, es lo dispar de esos años, ese corte entre épocas. Esta dificultad la ponía de manifiesto recientemente el filósofo Miguel Morey en un artículo en el suplemento “Cultura/s” de “La Vanguardia”: “Cuando llegue el momento de analizar en profundidad lo que fue aquella Barcelona de la transición, los analistas se encontrarán con no pocas sorpresas, tanto por la complejidad y riqueza de lo que tuvo lugar como por la disparidad entre el modo nostálgico con el que perduran aquellos años prodigiosos (…) y la evidencia de la durísima represión que acompañó los últimos coletazos del régimen franquista”. Pues bien, esta “fiesta” no acaba de captar esa “complejidad y riqueza” a la que se refiere Morey, así de sencillo. Creo que, como ocurriría con un macro festival que hubiera tenido lugar hace años, sería más interesante conocer la opinión y vivencias de la audiencia que las de los que se encontraban sobre el escenario pues, para retratar una época con ciertas garantías hay que contar con una buena legión de “sin nombre”. Nos queda, eso sí, el buen contingente de material gráfico que el documental no deja de sacar en pantalla, desde cómics, arte, revistas y fotografías, hasta material videográfico de la época procedente de los archivos de Video- Nou y de otros colectivos similares. Aunque también hay alguna trampa, como poner imágenes del film del festival inglés de Isle of Wight, aunque se mencione la procedencia: si no se tiene acceso al material de Canet, por ejemplo, no se pone nada y punto.\nRetrospectiva de D.A. Pennebaker y Chris Hegedus\nDentro de la restrospectiva dedicada al documentalista D.A. Pennebaker, que a partir de mediados de los 70 formaría binomio con Chris Hegedus, elegimos como muestra el largometraje Monterey Pop (1968) en detrimento de su gran obra de esos primeros años que es Don’t Look Back (1965), el mítico film sobre la gira británica de Bob Dylan que, además de ser probablemente el primer documental de rock de la historia (al menos tal y como entendemos hoy el género), en muchos aspectos –técnicos, cinematográficos, documentales– sigue hoy insuperado. La razón para ello es que hace un par de años se editó una estupenda caja de dos DVD que contenía el film en sí y un montón de secuencias inéditas y material complementario, y que por tanto el aficionado ya conocerá. Por otra parte, Monterey Pop fue también un hito, ya que inauguró el subgénero del “film-festival”, del que la obra más emblemática sigue siendo Woodstock (Michael Wadleigh, 1970). Sin embargo, el film de Pennebaker, filmado en el festival californiano de Monterey en 1967, además de adelantarse en un par de años, sería también un gran éxito en las pantallas estadounidenses y británicas; y mostraría una forma de realizar por parte de Pennebaker harto distinta de la de los realizadores de Woodstock, debido sin duda a que él, junto a sus amigos Richard Leacock y los hermanos Maysles (algunos de ellos también operadores de cámara en este film), fueron los impulsores del movimiento del “cine directo” en los EE.UU. a principios de los 60, una forma documental que supuso una renovación tanto técnica como ética respecto de sus precedentes.\nOriginariamente el proyecto sobre el festival de Monterey debía ser para la televisión. Cuando Pennebaker y sus colaboradores visionaron los rushes de material, se dieron cuenta de que merecía la pena hacerse un largometraje cinematográfico con todo ello. Y no se equivocaron. Ya desde los créditos de inicio, realizados de un modo casero y a contracorriente, nos damos cuenta de que vamos a ver un trabajo hecho con espíritu amateur pero con rigor y un gran sentido del cine. Sin contar con apenas infraestructura técnica, Pennebaker y su equipo registraron el acontecimiento poniendo el énfasis en lo realmente significativo para ellos. Por un lado, captando breves impresiones del recinto, de las actividades dentro de él (los chiringuitos, el camping) y de los asistentes (reacciones, en los sacos de dormir), y creando una escuela que seguirán todos los film-festivals posteriores, desde Woodstock hasta nuestro Canet Rock (1976). Del otro, filmando a los músicos de un modo muy preciso, con un gran surtido de primeros planos y planos medios, con leves variaciones, que les permiten resaltar más la persona que el personaje. Las filmaciones de las actuaciones están desprovistas de cualquier teatralización, lo que es otro punto a su favor. Hay, por encima de todo, un interés informativo loable, pero por la “información” tal y como entonces se entendía.\nRespecto a las actuaciones en sí, empezar diciendo que me resulta inexplicable que no se incluyera en el montaje final el tema de Quicksilver Messenger Service “Dino’s Song”, que existe pues corre por la red. Y respecto a lo que sí hay, hablar del concierto de Hendrix, que ha quedado como un icono no sólo de esta película sino del rock en general, y concretamente en la célebre versión que hizo con su Experience de “Wild Thing”, en la que el guitarrista acaba arrodillado quemando su Stratocaster. En ese momento, Hendrix destrozó el tema, la guitarra y me temo que una cierta manera de entender el rock, para siempre. Un interés especial, al menos para mí, tenía el ver la actuación de Jefferson Airplane, que en la película aparecen interpretando dos temas, “High Flyin’ Bird” y “Today”. La leyenda dice que Jean-Luc Godard quedó prendado de estos fragmentos y propuso a Pennebaker realizar un proyecto que, en el estilo de su anterior One plus one, debía ser un retrato de los EE.UU. tomando como ejes el Black Panther Party, un banquero de Wall Street y el trabajo de Jefferson Airplane. El proyecto debía titularse “One A.M. (One American Movie)”, y aunque se filmó lo suficiente para acabarlo, el realizador francés dejó el montaje en manos de Pennebaker para regresar a Europa. Finalmente, Pennebaker hizo One P.M., algo así como “One Pennebaker Movie”, aunque Godard, con su habitual ironía, lo rebautizó como “One Parallel Movie”. Pero, volvamos a la cuestión, ¿qué pudo interesar tanto a Godard de los de Frisco? Pues, varias cosas. De entrada sus letras, comprometidas y de mucha calidad, cualidades ambas que raramente se dan juntas. Y, también, porque representan como nadie la idea de “trabajo colectivo”: tanto musicalmente, con su reasignación de lo solista en el contexto del grupo; como en las letras, escritas por el equipo que formaban Balin, Kantner y Slick. Por no hablar de su irresistible sentido del ritmo. Todo lo cual se aprecia bien en su breve aparición en Monterey Pop. Hay que decir también que de la ingente cantidad de material no utilizado por Pennebaker en el montaje final, surgirían años más tarde dos películas consagradas a las actuaciones individuales que en Monterey dieron la Jimi Hendrix Experience (Jimi plays Monterey, 1986) y Otis Redding (Shake: Otis at Monterey, 1989), además de muchos extractos para otros de sus films.\nY vamos a acabar este capítulo final sobre Pennebaker mencionando otro de sus films importantes de los 70, Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, de 1973. Como Monterey Pop, también se centra en un concierto, el que David Bowie ofreció en el Hammersmith Odeon de Londres la noche del 3 de julio de 1973, concierto con el que cerraría esa gira y, al mismo tiempo, con el que daría por finiquitada la época de Ziggy Stardust. El camaleónico Bowie nos es mostrado entre el escenario y sus constantes visitas al camerino para cambiarse de vestuario, y nada más que eso. No hay entrevistas, no dice nada a cámara, sencillamente su actividad y su trabajo. Pero, eso le basta a Pennebaker para montar un magnífico retrato de un artista y de un rockero complejo como pocos. El mundo dinámico, plástico y muy teatral del londinense es filmado por entre sus intersticios, evitando lo espectacular y quedándose en ese ámbito personal y cercano que permite apreciar, mejor que ninguna entrevista, la determinación de Bowie por hacer borrón y cuenta nueva en su carrera. Como dice su canción “Oh, You Pretty Things”: Don’t you know you’re driving your / Mamas and papas insane / Let me make it plain / You gotta make way for the homo superior. Y a otra cosa.\n© 2010 Jack Torrance\nLas fotografías, salvo la portada del disco de Johnny Mercer, son fotogramas o los carteles de cada una de las películas comentadas


El blog musulman de Omar: La fe Bahai: Origen e Historia\nHe aquí un breve tratado sobre la historia de la Fe Bahai - desde su creación, el Bab, esta historia de Subhe 'Azal, Bahaullah, Abbas Effendi y, finalmente, hasta el día de hoy Casa Universal de Justicia.\nEl objetivo de este artículo es dar al lector una idea de la historia Bahai y una visión de la lucha de poder por el liderazgo en los últimos años. Durante un período de tiempo, tengo la intención de profundizar en cada aspecto de la fe y del presente al lector un análisis objetivo. Los enlaces, que han sido escritos en el artículo, le llevará al análisis.\nEl fundador del bahaísmo, Mirza Ali Mohammed Bab, nació en una familia comerciante de Shiraz, una ciudad importante de Irán. Viajó a Kerbala, donde se reunió con Syed Kazim Rashti, el líder de la secta Shaikhiya y quedó impresionado por sus enseñanzas. Se convirtió en su discípulo y se dedicó en gran medida a él. Cuando Syed Kazim Rashti murió en 1844, Mirza Ali Mohammed y Haji Mohammed Karim Khan (otro discípulo de Rashti) designó a sí mismos como sus sucesores. Durante el mismo año el 23 de mayo Mirza Ali Mohammed anunció que él era " El Bab "(la puerta), mientras que Haji Karim designó a sí mismo como el líder de la secta Shaikhiyya. Otro estudiante entusiasta y un seguidor influyente de Syed Kazim Rashti, Mulla Husain aceptaron la pretensión de Bab-capó de Mirza Ali Mohammed ya cambio fue otorgado el título de " Awwalo Amana Man "(el primero en creer). En poco tiempo Mirza Ali Mohammed reunió a 18 seguidores a su alrededor. Él les dio el título de " Huruf-e-Hayy "(Las Cartas de la Vida) y los envió a diferentes áreas de Irán para la propagación, mientras que él se fue a La Meca para el Hajj. En La Meca, de acuerdo con un informe, que decía ser " El Mahdi "(El guiada uno). Leer más: La Fe Babi: Origen y su Historia\nLos eruditos religiosos musulmanes criticaron severamente condenados y las opiniones de Mirza Ali Mohammed, que dio lugar a la discordia y conflictos en muchos lugares y debido a esto Mirza Ali Mohammed fue detenido y encarcelado. Sin embargo, con la connivencia de Manuchehr Khan, la cárcel del alcaide de la prisión de Isfahan, Bab escapó y pasó a la clandestinidad. Sin embargo, pronto fue arrestado de nuevo y en el 09 de julio 1850 fue finalmente ejecutado.\nDe algún modo durante unos 17 años, los seguidores de Mirza Ali Mohammed escondieron su cuerpo por parte del gobierno en Teherán y mantuvieron oculto en una tumba conocida como " la tumba de Imamzada Masoom . " Después de que fue enviado a Akka en Palestina siguiendo instrucciones del Bahaullah.\nEn su vida Mirza Ali Mohammed había designado Mirza Yahya, hijo de Mirza Buzurg y el hermanastro de Mirza Husain Ali como su sucesor. Lo mismo Mirza Husain Ali más tarde llegó a ser conocido como " Bahaullah . " Mirza Ali Mohammed Mirza Yahya había dado el título de " Subhe 'Azal "(Amanecer eterno). También le dio su anillo, sus efectos personales, así como la autoridad para explicar y comentar sus escritos (Mirza Ali Mohammed Bab).\nEn 1852, algunos bahá'ís conspiraron para asesinar al Shah de Irán, Nasiruddin Shah. Debido a las estrictas medidas adoptadas para exterminarlos, Azal Subhe 'logró pasar a la clandestinidad, pero Mirza Husain Ali fue capturado. Sin embargo se las arregló para escapar del mismo año y junto con Azal Subhe ', logró llegar a Bagdad. Aquí permanecieron durante 12 años y por lo tanto Bagdad se convirtió en el centro de las actividades bahá'ís bajo la dirección de Subhe Azal. Mientras tanto Mirza Husain Ali, a raíz de una disputa por algunos líderes Bahai fue a Kurdistán en Turquía y se quedó allí. Pero incluso el gobierno turco, viendo sus nefastas actividades y su estrecha asociación con Rusia y Gran Bretaña envió a Constantinopla. Allí permaneció durante 4 años y fue desde allí que él anunció que él era el sucesor real y verdadero de Mirza Ali Mohammed y también que Alá, el Altísimo, le había dado un lugar más honrado y noble que su predecesor.\nA pesar de anunciar claramente la designación de Mirza Yahya como sucesor de Mirza Ali Mohammed, algunos otros también se levantaron con los reclamos de la sucesión después de su muerte. Entre ellos había un Bahai de Tabriz, Mirza Abdullah, que fue lanzado en los ríos árabes por algunos bahá'ís en las órdenes de Mirza Husain Ali. Del mismo modo un Bahai India, Aga Mohammed Bashir también había remitido su reclamo pero que no recibió ninguna respuesta.\nAzal Subhe 'junto con la mayoría de los 18 compañeros especiales de Mirza Ali Mohammed opuso seriamente esta afirmación de Mirza Husain Ali y llegó a Constantinopla para traer de vuelta a Mirza Husain Ali al camino correcto. Así, una grave discordia estalló entre los bahá'ís mismos y comenzaron a matarse unos a otros abiertamente. Por último, Mirza Yahya fue a un recluso y Mirza Husain Ali se convirtió en el líder soberano de los bahá'ís. Leer más: pensador sangre que el agua?\nEn vista de tales circunstancias graves, el gobierno otomano intervino y envió Subhe Azal junto con su familia a Chipre y Mirza Husain Ali con su familia a Palestina. Los bahá'ís tanto, se dividieron en dos grupos distintos, los seguidores de Subhe Azal llegaron a ser conocidos como " Azalis "y los seguidores de Mirza Husain Ali se hizo famoso como" bahá'ís ". El Azalis numeradas 50.000 en ese momento, pero debido a diversas razones, su número fue en la disminución y hoy son un grupo extinto. Los Azalis creían en las enseñanzas mencionadas en "Al Bayan" de Mirza Ali Mohammed Bab, mientras que Mirza Husain Ali asumió el título de "Bahaullah" y afirma que es la nueva "manifestación" de Dios y de los cambios realizados en las anteriores enseñanzas bahá'ís. Después de esto Bahaullah inició contactos con líderes mundiales como la reina Victoria, el zar de Rusia, Napoleón y el Papa.Incluso alabó la justicia rusa cuando se condenó a muerte a dos iraníes acusados de matar a dos bahá'ís. Lo hizo citando a dos fuentes de inspiración "divina". Leer más: Los reclamos de Bahaullah Leer más: Bahaullah: la verdadera manifestación?\nMirza Husain Ali (Bahaullah) caducó mayo 1892 dejando tras de 4 hijos y 3 hijas. Un conflicto grave de sucesión estalló entre los hermanos. El mayor, Abbas Effendi afirma que es el sucesor legítimo a la vista de la continuación de las inspiraciones divinas. Sin embargo, sus hermanos Mirza Mohammed Ali, Mirza Badiullah y Mirza Ziaullah y muchos otros bahá'ís respondieron que la inspiración divina terminó ya que "Bahaullah" él había escrito en "Al Aqdas" que cualquiera que diga así (inspiración divina) antes de la finalización de 1000 años de Bahaism, de hecho era un mentiroso y que esta denuncia era falsa. Sin embargo, Abbas Effendi pudo para superar estos problemas muy pronto. Él asumió el título de "Abdul Baha" y asumió el control de Bahaism. Su posición se vio reforzada por el hecho de que en 1920, (después de la primera Guerra Mundial), se le confirió el título de "Sir" por los británicos.(Como recompensa por sus actividades de espionaje durante la Guerra Mundial, que había ayudado a los británicos en gran medida).\nAbdul Baha expiró el 28 de noviembre 1921. Antes de su muerte, nombró a su nieto Shoghi Effendi Rabbani como su sucesor. Rabbani era entonces 24 años y estudiaba en Oxford.Rabbani escribió muchos libros en persa, en árabe y en Inglés para la propagación de Bahaism. Nombró 32 bahá'ís famosos para la difusión de la fe de Bahaism y les dio el título de "Manos de la Causa de Dios."\nEn 1957, Rabbani también venció en Londres. Los 32 bahá'ís entonces se hizo cargo de los asuntos de la fe Bahai. En 1963, con el fin de enmarcar la Ley Bahai, para resolver los problemas prácticos y para resolver otros conflictos organizativos y constitucionales que establecieron la "Casa Universal de Justicia", basada en el número 19 y estableció su sede en el Monte Carmelo en Israel. Los miembros de la "Casa Universal de Justicia" son elegidos cada 5 años en una convención Internacional Bahai.\nPublicado el: 26 de marzo 2004\nEtiquetas: grupos sectarios, grupos sectarios y otras religiones


Genial descubrimiento | Diario de una mamá\nPosted on 24 febrero, 2018 by Amaya\n¡Buenooooo! Cinco años con un carro que tiene una cinta con un enganche colgando sin saber para qué narices está ahí, ¡y hoy he dado con su magnífica utilidad!\nCamino de acometer la Calle Arenal dirección Sol (en sábado), que quien viva en Madrid o la conozca ya sabe que eso supone atravesar una riada de gente, y llamando ya a Pablito para que caminara a mi lado con el resultado habitual, el de pasar de mí olímpicamente, se me ocurre engancharle la cinta esa a la trabilla de su pantalón.\n¡Maaaadre qué guay!\nQue no sé si ese sistema está pensado para eso o me lo he inventado yo, pero más contenta que unas castañuelas.\nAunque poco dura la alegría en casa del pobre… A Don Bimbas mi hallazgo no le ha resultado tan maravilloso y a los veinte metros ya ha comenzado a quejarse de esa manera sutil que le caracteriza: desgañitándose sin mesura alguna a limpio lloro. He tenido que abortar el tema. Una verdadera lástima.\n(Aunque como método para que se te queden mirando y te hagan espacio en la calle atestada, no está nada mal. Hay que investigar más en este sistema).\nEsta entrada fue publicada en Bio y etiquetada blog de madres, blog de maternidad, diversión, hijos, humor, madre por Amaya. Guarda enlace permanente.


El valor olvidado de los abuelos — FOCUS by Cathopic\nMaría Paola Bertel el 23 julio, 2020\nLos recuerdos de la infancia se adornan entre arrugas, cabellos plateados, pasos lentos y manos suaves. Los abuelos son en todo el sentido de la palabra una bendición, a ellos no les queda difícil mostrarnos a Dios, llevarnos a Él. Siempre dispuestos a ayudar, a servir, a educar. Aunque falten fuerzas físicas, a ellos los mueve una fuerza más profunda: la fuerza que nace del auténtico amor.\nSan Joaquín y Santa Ana eran el vivo reflejo de ello. En la Sagrada Escritura no se hace mención a los abuelos de Jesús, lo que sabemos de ellos nos ha sido transmitido a través de la tradición. Se cuenta que Joaquín y Ana no podían tener hijos, por lo que, en ocasiones, eran el motivo de la burla en su pueblo. En vista de esto, los esposos se refugiaron en la oración; narra la tradición que Joaquín se retiró al desierto cuarenta días a ayunar y a orar, mientras que Ana permaneció en casa desconsolada. Después de un tiempo, un ángel se le apareció a Ana y le dijo:\nAna, el Señor ha escuchado tu oración: concebirás y darás a luz. Del fruto de tu vientre se hablará en todo el mundo.\nLa historia de Ana y Joaquín, los padres de la Santísima Virgen María, nos habla de la belleza de los designios de Dios, para aquellos que se atreven a abandonarse y confiar plenamente en Él. De acuerdo a esta tradición, María fue hija única de un santo matrimonio; la Niña fue presentada al Templo desde que tenía muy corta edad, donde estuvo consagrada desde entonces a Dios.\nDios escogió un matrimonio lleno de virtudes, para sembrar en medio de él a la más bella de sus flores, la llena de gracia, la elegida desde la eternidad para ser Madre de Dios; no es casualidad que el nombre Joaquín signifique “Dios prepara” y el de Ana signifique “Gracia”. Así, San Joaquín y Santa Ana son modelos y patronos de todos los abuelos. Cristo mismo tuvo la dicha de sentir por ellos la ternura que procede de Dios.\nLos santos Joaquín y Ana forman parte de esa larga cadena que ha transmitido la fe y el amor de Dios, en el calor de la familia, hasta María que acogió en su seno al Hijo de Dios y lo dio al mundo, nos los ha dado a nosotros. ¡Qué precioso es el valor de la familia, como lugar privilegiado para transmitir la fe! Papa Francisco, homilía 26 de julio de 2013\nLos abuelos son segundos padres, cooperan intensamente en la formación de los hijos, aportando toda su experticia y amor, siendo confidentes y muchas veces guardianes de la fe en los más pequeños. En muchas ocasiones, son ellos los que nos enseñan a orar, llenando nuestra vida de auténticos valores cristianos. Los abuelos siempre serán un referente en nuestras vidas, y por lo tanto, de cierta forma ellos también definen nuestra forma de ser y de concebir al mundo.\nHoy, cuando los valores familiares se perciben como un asunto de segunda, volver la mirada hacia los abuelos resulta esencial para redescubrir la belleza de sus vivencias y experiencias, en el corazón de nuestras familias. Ellos hacen parte de nosotros, pues también son constructores de nuestra historia, somos la prolongación de su existencia.\nEs marcado el desarraigo familiar en la sociedad actual, cuando se han empezado a ver a los ancianos como un objeto descartable, como una carga que impide el progreso, no solo a nivel estatal, sino también desde el núcleo familiar. El utilitarismo se impone y el valor de la persona se mide por lo que pueda aportar o producir a la sociedad.\nNunca perdamos de vista que los abuelos son el centro de nuestra identidad familiar. De niños, muchos hemos sido felices en la casa de los abuelos, escuchando sus historias fantásticas, compartiendo con los primos y tíos, construyendo recuerdos que nos marcarán para toda la vida. Los abuelos son cohesionadores de la familia, tan necesarios en la sociedad actual, cuando la familia se encuentra profundamente herida y dividida; cuando el hombre ha olvidado sus raíces, en busca de un progreso vacío.\nComo cristianos es nuestra tarea recuperar la dignidad de los abuelos dentro de la familia; para ello encomendamos a los santos Joaquín y Ana la vida de nuestros ancianos, que nunca dejen de ser testimonio del amor de Dios y de su ternura en todos los hogares del mundo. No perdamos de vista su belleza, como maestros de la vida misma. Los abuelos son el tesoro de sabiduría y amor con el que Dios adorna a las familias. San Joaquín y Santa Ana, rueguen por los abuelos del mundo entero.\n#fe abuelos alegria amor ana belleza camino Católicos corazón Dios entrega esperanza evangelizar Familia Jesús María misión oración paz san joaquin santa ana santidad servicio silencio verdad vida eterna Virgen María\nConstantemente escuchamos por los medios de comunicación y observamos en las calles el maltrato que se le da a nuestros ancianos. Qué este mensaje nos sirva para reflexionar y contribuya a dar el trato digno que merecen nuestros abuelos como parte fundamental de la familia y la sociedad en general. Dios te siga bendiciendo hija


Todavía queda esperanza para el periodismo. “El pozo”, de Berna González Harbour | Revista Contrapunto\npor Teresa Martín MerchánNov 12, 2021\nBerna González Harbour, El pozo\n304 páginas, 18,50 euros\nEl pozo, la nueva novela de Berna González Harbour (Santander, 1965), ha sido etiquetada por la crítica como “thriller periodístico”. En esta historia, la reportera Greta Cadaqués debe cubrir el caso de Estrella, una niña que se ha caído a un pozo de una finca situada a las afueras de Madrid. De modo que la protagonista se enfrenta a una investigación que, al contrario de lo que sucede paralelamente con el juicio por asesinato al que acude como jurado, no se puede resolver con la detención de un culpable. No hay ni buenos ni malos; el único enemigo es su propia profesión: el periodismo. La autora desarrolla todo un proceso reflexivo sobre la calidad del trabajo que se realiza actualmente en este ámbito y, aunque hace una crítica evidente al sensacionalismo, como ella misma indica en el epílogo, “este libro no es un ataque al periodismo. Sino un homenaje al periodismo de verdad”. Se presenta así un panorama en el que, a pesar de la decadencia de los medios de comunicación en favor del espectáculo y la manipulación sentimental, todavía no se ha perdido la esperanza en esa labor informativa del periodista que sigue teniendo como objetivo dar a conocer la realidad, la verdad.\nEn esta trama, que recuerda al caso real de Julen en Totalán, se contrapone hábilmente la crueldad de la prensa acosadora con ansia de reality, expuesta por Greta sin tapujos, con la propia realidad de la niña en el pozo. La narración, desde el punto de vista periodístico, va guiada y precedida por breves fragmentos en los que se muestra con delicadeza la perspectiva de incertidumbre, angustia, desamparo y vulnerabilidad de Estrella. De tal modo, al ofrecer una mirada a la que los medios de comunicación no pueden acceder, se busca la empatía del lector y humanizar la situación.\nEn cuanto al personaje de Greta, destaca por su fuerza y determinación. Igualmente, se aparta del canon femenino de belleza exigido por la economía de los medios audiovisuales y, en definitiva, por la sociedad actual. En oposición, Melania sigue ese molde de periodista-modelo, más modelo que periodista. Además, Greta consigue representar a un nuevo periodismo que quiere reformarse alejándose del comercio de desinformación y actualizando sus valores originales. Ella es esa nueva generación que cree en el valor de este trabajo y de poder ejercerlo, al mismo tiempo que sufre las consecuencias de su declive. Por ello, su principal apoyo es Quatremer, el reportero de guerra que gracias a su cámara ha dado a conocer al mundo los conflictos más importantes, la voz de la experiencia que le baja los pies a la tierra cuando todo el engranaje de trípodes, flashes y micrófonos pierde de vista la realidad movido únicamente por los números y la audiencia (o lo que es lo mismo, el dinero).\nFinalmente, se puede señalar que el “pozo” que da título a la novela no es ese espacio físico ubicado en una finca perdida a partir del cual la sociedad se debate entre la esperanza por el milagro de que Estrella viva o la apuesta segura por su muerte, sino la gran metáfora de la que se sirve González Harbour para defender el futuro de su profesión, un futuro de compromiso con la responsabilidad que implica informar. La crítica presente en el libro no se trata de una crítica nostálgica, pasiva, anhelante del pasado; por el contrario, busca exponer los problemas para actuar en consecuencia, mira hacia la oportunidad de poder abrir una nueva vía de rescate.\n“La noticia o la nada. Y la nada no solo era el fracaso del rescate, sino de las noticias en sí. […]. Nada era caer en el pozo para que muriera no la niña, sino el periodismo”.\nAnteriorEl ocaso de los dioses – “La casa de papel”, de Álex Pina\nSiguiente“Lucifer”, la excentricidad hecha diablo


➤colchones pikolin vigo - Lo mejor en colchones de este 2021\nEncuentra colchones pikolin vigo entre los mejores del mercado con nuestro TOP 4\nNombre Pikolin Leah - Colchón viscoelástico y espuma HR, Altura 2... Pikolin Cala - Colchón viscoelástico y espuma HR, Altura 2... PIKOLIN Colchón viscoelástico Espuma HR 90x190 firmeza Med... PIKOLIN Colchón 135x190 de muelles ensacados visco, firmeza...\nTamaño (aprox.) 134. x 23.9 x 189. cm 134. x 25.9 x 189. cm 89.9 x 21.9 x 189. cm 134. x 26.9 x 189. cm\nPeso (aprox.) 19.42 Kg 23.02 Kg 12.8 Kg 27 Kg\nHablamos de colchones pikolin vigo, la opción de compra elegida mayoritariamente por un considerable número de usuarios.\nColchones pikolin vigo: Guía de compra\nSomos los mejores expertos en colchones pikolin y tenemos mucha experiencia con las revisiones de colchones pikolin.\nLe ofrecemos una revisión imparcial de los colchones pikolin y le garantizamos que nuestro cliente estará satisfecho.\nNuestro objetivo es proporcionarte la información más precisa acerca de este producto.\nLo que encontrarás en la Guía de Compras para comprar los mejores colchones pikolin vigo.\nLos colchones vigo son el mejor producto para comprar.\nEstoy seguro de que encontrará que es muy fácil de usar y también cómodo para su cuerpo.\nEs una buena opción si quieres dormir en la cama mientras desayunas o almuerzas por la mañana porque se puede ajustar según tus necesidades, pero no a todas las personas les gusta dormir en un colchón así.\nDebes conocer los diferentes tipos de colchones pikolin de Vigo y elegir cuál te conviene más, para que pueda obtener el ajuste perfecto para usted.\nEl primer tipo de colchón de pikolin está hecho con almohadillas de espuma que brindan más comodidad que cualquier otro tipo de colchón; son lo suficientemente suaves y absorbentes para mantenerte cómodo incluso después de largas horas de ejercicio; brindan un excelente apoyo sin ser demasiado duros, especialmente cuando se usan durante el embarazo o la lactancia.\n¡Este tipo de colchón de pikolin tiene una increíble relación precio-rendimiento, ya que proporciona una gran comodidad a precios razonables! El segundo tipo de colchones de pikolin ofrece un mejor soporte que otros al proporcionar un acolchado adicional alrededor de cada lado, lo que aumenta su resistencia contra los problemas de pérdida de peso.\nA diferencia de otros productos de Vigo, no hay necesidad de costuras especiales o puntos de fijación en cada lado, lo que hace que este producto sea perfectamente adecuado para mujeres embarazadas que tienen dolor de espalda debido al parto o lactancia.\nOfrecen una comodidad superior a través de sus propiedades de firmeza y absorción, ayudándoles a ayudar a reducir los puntos de presión en áreas donde el exceso de presión podría causar lesiones durante el período de embarazo / lactancia (dolor de espalda).\nLo más importante es que estos productos vienen con tecnología anti-píldora que ayuda a prevenir embarazos no deseados al evitar que las hormonas causen defectos de nacimiento si se usan correctamente todos los meses durante el período de embarazo / parto (en promedio), ¡dos años antes del parto! ¡Todas estas características los convierten en la opción ideal para comprar en línea solo porque son asequibles pero lo suficientemente fuertes como para soportar el uso diario! Com.\nau mattress reseñas de los mejores colchones de Australia y Nueva Zelanda.\nBest PILOT SANDISK IMPORTA Colchón de 20 pulgadas Comentarios, cómo elegir el mejor para su dormitorio o estudio – ALMACENAMIENTO ¿Qué es una cama? Es una almohadilla de espuma de 8 pies cuadrados sobre la que duerme cuando está dormido.\nBest PILOT SANDISK IMPORTA Reseñas de colchones de 20 pulgadas, cómo elegir el mejor para su dormitorio o estudio: ALMACENAMIENTO.\nmejores colchones pikolin vigo.com.au ‘.\nColchones 160 x 190 el corte ingles


Warner Bros. auncia Middle-earth: Shadow Of Mordor\nPublicado por Benzo el 12 de noviembre de 2013 a las 20:38\nWarner Bros. Games ha utilizado la próxima entrega de la revista GameInformer para anunciar Middle-earth: Shadow Of Mordor, un juego de acción en tercera persona para PlayStaton 3, PlayStation 4, Xbox 360, Xbox One y PC desarrollado por Monolith Productions (F.E.A.R).\nEn Middle-earth: Shadow Of Mordor los jugadores se pondrán en el papel de Talion, un explorador que presencia el asesinato de toda su familia, motivo por el cual emprende un viaje de venganza. Los sucesos del título tienen lugar entre El Hobbit y la trilogía de El Señor de los Anillos.\nEntre las novedades más destacadas de Middle-earth: Shadow Of Mordor se menciona el Nemesis System, un sistema mediante el cual los enemigos aprenderán de nuestros actos y decisiones, permitiendo crear archienemigos personales que recuerdan y se adaptan al jugador.\n"En Middle-earth: Shadow Of Mordor los jugadores podrán explorar la parte oscura y personal de la venganza en un mundo donde las decisiones tienen consecuencias que persisten incluso después de la muerte", comenta Samantha Ryan, vicepresidente senior de producción y desarrollo en Warner Bos.


El cerebro frente al músculo\nviernes, 9 de marzo de 2007, 14:31 h (CET)\nSeis meses después del éxito del baloncesto español en el Mundial de Japón, uno no puede evitar preguntarse cuál hubiera sido el resultado de una hipotética final entre España y EEUU, una selección en la que estaban Dwayne Wade, Carmelo Anthony y Lebron James entre otros, y que cayó ante Grecia en semifinales por 101-95.\nViendo ayer el encuentro entre los Suns y los Lakers, me sobrevino la duda a la cabeza al ver el duelo que mantuvieron, de forma indirecta, el canadiense Steve Nash, y el reciente MVP del All Star de 2007, Kobe Bryant. La magia, la calidad y precisión en el bote, la visión de juego y la inteligencia del base del base de Phoenix, obtuvieron respuesta en las canastas imposibles, la capacidad atlética y el liderazgo del escolta de Los Angeles, lo que me llevó a imaginar cómo hubiera sido el enfrentamiento entre la selección española y la estadounidense en el encuentro final del Mundial de Japón, ya que ambos jugadores personifican los valores de ambos.\nEs un hecho que el baloncesto europeo le viene recortando la distancia al estadounidense desde hace años, y lo viene logrando con las armas que han sido sus señas de identidad durante décadas: una mayor implicación en defensa, un mayor gusto por la técnica y, sobre todo, por el juego en equipo. Nash es el motor de los Suns; promedia 12 asistencias por partido, algo asombroso para el universo NBA, donde los partidos, cada vez más, son decididos por las acciones individuales de las grandes estrellas, como Bryant. Pero el problema no es ése, sino que los ataques, más veces de lo debido, se basan en darle el balón a la estrella de turno para que haga como Juan Palomo en cada una de las jugadas.\nA un solo partido, puede que EEUU se hubiese impuesto a España. Pero no llegaron a la final, porque en la semifinal se encontraron a otro EQUIPO, dirigido a las mil maravillas por ese jugador que es oro puro, Theodoros Papaloukas, y cuyos compañeros (Kakiouzis, Diamantidis, Spanoulis...) obraron el milagro. España, además de ser un EQUIPO, era un grupo con química, unido por la amistad. En EEUU, no es fácil adivinar que los egos de algunos de sus jugadores eran demasiado grandes para condensarlos todos en el mismo vestuario. Y es que parece que aún no han comprendido, que en la hermosa ecuación del baloncesto, el egoísmo es un factor que siempre acaba alterando el producto.


Hotel Arts, arquitectura high-tech y lujo frente al Mediterráneo | Castilla y León Económica\nCarrer de la Marina, 19-21, 08005 Barcelona 93 221 10 00 www.hotelartsbarcelona.com\nSingular arquitectura del Hotel Ars, primera torre de la izquierda, sobre el litoral de Barcelona.\nEl Hotel Arts ocupa un edificio emblemático construido en la época de la Barcelona olímpica en forma de una torre de vidrio rodeada de una estructura de hierro blanco diseñada por el arquitecto colombiano Bruce Graham.\nPróximo a la Torre Mapfre, ambos de 154 metros de altura, y a la escultura de un gran pez metálico obra de Frank Gehry, constituye un símbolo del urbanismo costero de la ciudad condal.\nEn sus 44 plantas de altura alberga el hotel, 30 apartamentos de lujo en sus últimos pisos y un pequeño spa en la planta 43, con magnificas vistas de la franja costera y del puerto olímpico de las que se pueden disfrutar desde la zona de relax, y una completa carta de masajes y tratamientos con productos de Natura Bissé. En los bajos, hay varios locales de ocio y el Casino de Barcelona.\nCon categoría de 5 estrellas, sus habitaciones son muy espaciosas, cálidas y de colores neutros, algunas con maravillosas panorámicas del Mediterráneo, porque desde las plantas más elevadas se tienen unas vistas magníficas del cielo de Barcelona.\nEl baño, amplio y de mármol travertino, posee bañera y ducha y ofrece amenities Asprey. Si el tiempo acompaña se puede disfrutar de su zona de terrazas y piscina.\nEn el capítulo gastronómico tiene una oferta envidiable, con 2 restaurantes laureados con estrellas Michelin, como es el caso de Enoteca de Paco Pérez (2 estrellas) y Arola de Sergi Arola (1 estrella). Además, en temporada también se puede acudir al Restaurante Marina; o para un tentempié a cualquier hora del día en Bites.\nMuy recomendable visitar la animada coctelería, donde Diego Baud nos lleva por un recorrido exótico con sus creaciones líquidas. El desayuno bufé es de gran calidad, con productos excelentes como embutido ibérico, una escogida selección de quesos con el parmesano como protagonista, panes y bollería artesanal y apetitosos platos calientes. También ofrecen smoothies, pero desmerece que los zumos de frutas no sean naturales.


Libros y Lecturas : M. Jones. El sitio de Leningrado.\nDesde septiembre de 1941 a enero de 1944 las tropas de la Wermacht sitiaron a la ciudad de Leningrado, antes Petrogrado y más antes (y ahora) San Petersburgo. Durante ochocientos setenta y dos días “Piter” (como cariñosamente llaman a la ciudad sus nativos) sufrió bombardeos diarios con el ánimo de aumentar la destrucción de la condenada gigantesca urbe. Hitlere no quería conquistarla, pensaba destruirla barriéndola de la faz de la tierra, y aniquilando a todos sus habitantes. Por ello se dispuso el cerco con esta finalidad: matar a todos. También ordenó el Führer que no se aceptase ninguna propuesta de rendición y que no se permitiese la huída de civiles hacia las filas alemanas. Así fue que los generales a cargo del asedio dispusieron parte de sus baterías de manera tal que aquellos que parecieran que quisieran entregarse fueran bombardeados inmediatamente, impidiendo que sus tropas llegaran a vislumbrarlos con claridad; de esta manera se evitaba la carga emocional de ametrallar a niños, mujeres y personas ancianas.\nAsí la ciudad vivió durante casi tres años, pero como las calamidades suelen llegar en multitud a esta cruel decisión nazi se agregó, para la sufrida población, la incompetencia militar y la corrupción generalizada del aparato gobernante. El poder soviético lanzó tropas y más tropas contra muros infranqueables de ametralladores y cañones bien resguardados, aniquilando una parte importante de su ejército destinado a proteger la ciudad; y se acumularon raciones y raciones de alimentos y medicinas para uso exclusivo del partido y sus servidores, mientras el canibalismo y la mortandad masiva cundían por la ciudad desasistida.\nTodo esto podría ser el argumento de una mala novela de propaganda política, si no fuese que el autor de este libro documenta rigurosamente todas sus afirmaciones y además se tomó el trabajo de entrevistar a los supervivientes de esa hecatombe, además visitó todos los lugares mencionados y habló con los conservadores actuales de los museos que, en recuerdo de esos tristes momentos, ahora existen en Piter.\nStalin, quién tenía sus grandes recelos por la ciudad de Lenín, en tanto sospechaba que no le era totalmente fiel, contribuyó a encubrir la catástrofe humana y militar, impidiendo antes del sitio la evacuación de la población más débil e innecesaria para el esfuerzo bélico y posteriormente silenciando la mortandad producida por la hambruna de la población. “Resulta difícil comprender la magnitud de la catástrofe, ni siquiera hacerse una idea de ella. Durante años, Elena Martilla se vio obligada a esconder su cuaderno de dibujos del asedio para que lo encontrara la NKVD. Llegada la década de 1980 tan sólo se le permitió enseñar un par de dibujos; le dijeron que eran demasiado “psicológicos”, demasiado “pesimistas”. Años más tarde, en 1991, recibió una invitación de una importante galería de arte para exhibir todas sus obras. La invitación procedía de Berlín. “(pág. 345)\nEste no es un libro “de guerra” aunque se detallan las operaciones que llevaron al cerco y las que lograron, años después, la liberación de la ciudad. Es un libro sobre el heroísmo callado del pueblo llano, sobre la desesperación que destroza los vínculos más íntimos en las relaciones humanas, y también sobre la violencia, la malicia, la crueldad, y el egoísmo de tanta gente que parece normal… hasta que se demuestra lo contrario.\nJones(2008), Michael Jones. “El sitio de Leningrado. 1941-1944”. Crítica. Traducción de Joan Trujillo. Barcelona, septiembre de 2008. www.ed-critica.es pág. 362. Tit. Orig: Leningrad. State of Siege.\nPublicado por Carolus Brigantinus Barbatus en 6:58\nqué salvajada y qué cosa más inútil... de verdad, ¿cómo puede ser el hombre lo más cruel para el hombre? ni siquiera los animales se hacen eso... somos lo peor.