Segundo libro fotografia cinematografica\nLibro fotografia tomo1 by edferbb 2919 views\nLo que no te ensenan en ninguna esc... by Marcelo Mels Sira... 12064 views\nLibro de fotografia y fotoperiodism... by Andrés Felipe 4194 views\n1. FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA TOMO dos\n2. FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA CATALINA ACUÑA AVILA EDGAR FERNANDO BARRERA\n3. Derechos subsidiarios Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla Año de edición 2013 Fotografía Cinematográfica (tomo uno) Todos los derechos reservados. Diseñadores de cubierta: Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla Corporación Universitaria Unitec 2006 - Copyright © - Todos lo derechos reservados - Calle 76 No 12 - 58 - PBX 7434343 - Bogotá - Colombia Institución Universitaria sujeta a la Inspección y Vigilancia del Ministerio de Educación Nacional (Art. 39, Decreto 1295 de 2010). ISBN 958-04-2334-1 Impreso en Colombia. Printed in Colombia\n4. A quienes han creido en nosotros y nuestras capacidades, y a quienes no porque con ello hemos demostrado que estaban errados.\n5. “Es imposible hacer una buena película sin una cámara que sea como un ojo en el corazón de un poeta.” Orson Welles (1915-1985) Director de cine estadounidense\n6. INTRODUCCIÓN Como forma de arte y expresión de las películas, la fotografía cinematográfica siempre ha estado expuesta principalmente a las mayores criticas por parte de cineastas, criticos, y en general todos los receptores posibles, puesto que es la estética de la película, lo que se ve y lo que deja ver. sin embargo este tema usualmente ha sido nombrado y tomado como tema central de muchas conversaciones a lo largo del tiempo, pero muy poco se ha visto plasmado y expuesto al ojo publico de una manera similar pero diferente a la vez de lo que vemos en la mera proyección de la película. Mediante un gran esfuerzo y dedicatoria se ha creado esta maravillosa coleecion de dos tomos enfocados totalmente a la fotografía cinematográfica, sus directores mas influyentes y sus peliculas mas importantes y taquilleras, claro esta, sin dejar pasar por desapercibido ningún rincón del mundo. Con todo esto queremos que el publico se empape del mundo de la fotografía cinematográfica y sus secretos, formas y técnicas que lo conforman, de tal manera que no quede simplemente en algo de momento a la hora de ver la película. A la vez buscamos que que no solo quienes pretenden estudiar o quenes ya estan enfocados en temas similares a este, se interesen es esta coleccion, sino que todo el publico posible ya que estamos incluyendo pleiculas para todos los gustos y de todas las clases.\n7. ÍNDICE PAG CAPITULO TRES EUROPA NESTOR ALMENDROS VITTORIO STORANO ROGER DEAKINS JOHN ALCOTT SVEN NYKVIST BENOIT DEBIE JANUSZ KAMINSKI BRUNO DELBONNEL CHRISTIAN BERGER ANTHONY DOD MANTLE DARIUSZ WOLSKI 10 12 16 20 24 28 32 36 46 50 54 60 CAPITULO CUATRO ASIA KAZUO MIYAGAWA TAKAO SAITO ASAKAZU NAKAI ZHAO XIAODING PETER PAU CHUNG HOON CHUNG LIN JONG CHRISTOPHER DOYLE 66 68 72 76 80 86 92 98 102\n9. Personaje principal de “Days of heaven” NESTOR ALMENDROS Néstor Almendros nació en Barcelona el 30 de octubre de 1930, y murió en Nueva York el 4 de marzo de 1992. Fue un director de fotografía español, miembro de la ASC. Hijo de maestros, sufrió directamente las consecuencias de la persecución del Magisterio progresista por parte del aparato franquista. Desde su juventud, Néstor demostró gran interés por las artes, pero sobre todo por el cine. En Cuba obtuvo su licenciatura en Filosofía y Letras (1955) y comenzó su carrera como director de fotografía y realizador de películas aficionadas, junto con el fotógrafo cubano Herman Puig (1928), entre otros. En este mismo año marcha a Nueva York a estudiar cine al New York City College. El curso siguiente está en Roma, en el Centro Sperimentale di Cinematográfica. En 1957 vuelve a Estados Unidos, en donde enseña español en el Vassar College (estado de Nueva York) durante dos años, en tanto que dirige piezas teatrales de estudiantes hispanos en el Middlebury College. Más tarde, simultaneó sus trabajos en Francia con otros en los Estados Unidos con películas como Días del cielo, de Terrence Malick, por la que obtuvo un premio Oscar de fotografía en 1978, Kramer contra Kramer (1981), Bajo sospecha (1982) y Billy Bathgate (1991), de Robert Benton. El último metro (1980), de nuevo con Truffaut, La decisión de Sophie (1982), de Alan J. Pakula (por cuya fotografía fue nominado al premio Oscar en 1983) o Paulina en la playa (1983), otra vez con Rohmer. La asociación Film Society del Lincoln Center (Nueva York), crearon el Nestor Almendros Prize.\n10. Fotografía Cinematográfica DAYS OF HEAVEN (1978) Escena de la pelicula “Days of heaven” Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago de 1916. Los dos y Linda, la hermana de Bill, viajan hacia las grandes campos de trigo de Texas, donde encuentran trabajo como braceros en una granja. Recogida la cosecha, el joven y apuesto patrón, al que hacen creer que los tres son hermanos, les pide que se queden porque se ha enamorado de Abby. Malick, cinco años después, realiza su segunda película, de nuevo marcada por un estilo muy personal de narrar. Los tres protagonistas que se hacen pasar por hermanos, pretenden salir de la miseria y para ello no dudarán en engañar al patrón de la plantación al finalizar la temporada de recogida, cuando éste, profundamente enamorado de la chica, les propone quedarse. Se terminaron esas agotadoras jornadas para malvivir, cuando disponen de tiempo y sin la preo- Escena de la pelicula “Days of heaven” cupación de ganarse el pan, saborean la felicidad de los ricos. De nuevo la carga visual es una joya, belleza en estado puro. La fotografía de los campos de trigo mecidos por el viento, la naturaleza de la América profunda, los atardeceres, la luz de las llamas en la noche. Simplemente espectacular. Acompañado de una banda sonora también muy relevante. 13\n11. Capítulo Tres: Europa KRAMER VS KRAMER (1979) Ante su sopresa, su mujer Joanna (Meryl Streep) le comunica su intención de marcharse del hogar, dejando al niño bajo su responsabilidad. ¨Película ganadora de cinco premios Oscar¨ Ted Kramer (Dustin Hoffman) es un brillante ejecutivo de publicidad que, tras conseguir un importante triunfo profesional, llega a su casa dispuesto a celebrarlo con su esposa y su hijo. Repentinamente, la vida de Ted cambia de forma radical. A partir de entonces, tiene que conquistar el afecto del niño y hacer de padre y madre a la vez. Unos meses después, sin embargo, Joanna llama a su ex marido reclamando la custodia del pequeño Billy (Justin Henry). Ante la negativa del hombre, se inicia la guerra legal y sentimental para ganarse el cariño y la tutoría del chico. Dustin Hoffman como “Ted Kramer” Meryl Streep como Joanna 14\n12. Fotografía Cinematográfica THE BLUE LAGOON (1980) Dos niños, Emmeline y Richard, y el cocinero de un barco, únicos supervivientes de un naufragio, son arrastrados por el mar hasta una isla desierta. Poco después, el cocinero muere y los niños tienen que arreglárselas solos. Con el paso del tiempo, Emmeline (Brooke Shields) y Richard (Christopher Atkins) crecen y sus cuerpos empiezan a experimentar los cambios propios de la adolescencia, lo que despierta en ellos una curiosidad que los lleva inocentemente a practicar los primeros juegos sexuales. The Blue Lagoon por Henry De Vere Stacpoole. La música original fue compuesta por Basil Poledouris y de la cinematografía se encargó Néstor Almendros. producida y dirigida por Randal Kleiser. El guion de Douglas Day Stewart se basó en la novela Emmeline (Brooke Shields) y Richard (Christopher Atkins) Escena clave de la película La película fue filmada en Jamaica y Nanuya Levu, una isla privada en Fiji. La flora y la fauna que aparecen en la película incluye una gran a de animales de varios continentes. 15\n13. VITTORIO STORANO Nació el 26 de junio de 1940 en Roma. Profuso investigador y gran amante de la experimentación y las innovaciones técnicas, Vittorio Storaro es sin duda uno de los directores de fotografía más influyentes y originales del panorama cinematográfico. Entre sus colaboraciones con Bernardo Bertolucci y más recientemente con Carlos Saura, se encuentran algunas de sus películas más importantes. Diplomado por el Centro Sperimentale de Roma, trabajó como ayudante de Marco Scarpelli y Aldo Scavarda. Director de fotografía de Giovinezza giovinezza (Franco Rossi, 1969), contribuyendo a dar una visión elegiaca de los años treinta. Su trabajo le consiguió un Nastro d’Argento. En 1969, comenzó a colaborar con Bernardo Bertolucci en La estrategia de la araña y desarrolló en sus películas (El conformista, 1971; El último tango en París, 1972, 1900, 1976; La luna, 1979) un estilo muy personal de sinuosos movimientos de cámaras y luz natural. Trabajó también con Franco Rossi (La aventure di Enea, 1974), Salvatore Samperi (Malicia, 1973), Luca Ronconi (Orlando furioso, 1974), Luigi Bazzoni (Le orme, 1975), Michael Apted (Agatha, 1979) y Warren Betty (reds). Por su excepcional fotografía épica e hiperrealista de Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979) recibió un Oscar y por Goya en Burdeos de Carlos Saura recibió un Goya1. Está considerado como uno de los maestros de la fotografía y la iluminación. 1 Los Premios Goya o Premios Anuales de la Academia son unos galardones otorgados de forma anual por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, con la finalidad de premiar a los mejores profesionales en cada una de las distintas especialidades del sector.\n14. Fotografía Cinematográfica REDS (1981) Reds es una película de 1981 dirigida, producida, escrita y protagonizada por Warren Beatty. Está basada en la vida del periodista y escritor John Reed, quien en sus libros México Insurgente y Diez días que estremecieron el mundo narró la Revolución mexicana y la Revolución Rusa de 1917, respectivamente. Además de Beatty, los principales protagonistas de la película son Diane Keaton, Edward Herrmann, Jerzy Kosinski, Jack Nicholson, Paul Sorvino, Maureen Stapleton, Ramon Bieri, Nicolas Coster y M. Emmet Walsh. En la película también aparece Gene Hackman, haciendo una pequeña intervención. La obra fue adaptada por Warren Beatty, Peter S. Feibleman (no aparece en los créditos), Trevor Griffiths, Elaine May (no aparece en los créditos) y Jeremy Pikser. Parte del rodaje fue filmado en las ciudades españolas de Sevilla, Granada, Guadix y Madrid. En la misma época que fue rodada esta cinta, se filmaba Campanas Rojas, una co-producción de México, URSS e Italia, dirigida por el soviético Sergei Bondarchuk, con Franco Nero, Ursula Andress, Jorge Luke, Eraclio Zepeda y Blanca Guerra, entre otros. Está dividida en dos partes, la primera titulada México en llamas y la segunda Rusia 1917. La película ganó el Premio Oscar en las categorías de: - Mejor director: Warren Beatty - Mejor actriz de reparto: Maureen Stapleton - Mejor fotografía: Vittorio Storaro Diane Keaton y Warren Beatty en “Reds” 17\n15. Capítulo Tres: Europa Escena clave de la película DICK TRACY (1990) Dick Tracy es una película de 1990 basada en la serie de historietas de la década de 1930 homónima creada por Chester Gould. Protagonizada y dirigida por Warren Beatty, contó con Madonna como protagonista femenina (Breathless Mahoney), Al Pacino en el personaje de Big Boy Capice y diversas apariciones breves (cameo) de varias estrellas, como Dick Van Dyke, Al Pacino, Kathy Bates y Mandy Patinkin. Para las labores de adaptación al cine, se contrató como consultor a Sheldon Dorf, editor y guionista de historieta que había contribuido a transmitir el cómic de Dick Tracy a las nuevas generaciones. El guión en lugar de otro ser elaborado por Jim Cash y Jack Epps, Jr., ambos de fama Top Gun. El proyecto también fue a través de los directores Steven Spielberg, John Landis, Walter Hill y Richard Benjamin antes de la llegada de Beatty. El rodaje fue sobre todo en los Estudios Universal. Danny Elfman fue contratado para componer la música de la película, y la música fue ofrecido en tres bandas sonoras diferentes. Dick Tracy fue lanzado en 1990 con críticas variadas, pero en general era un éxito en la taquilla y en los premios del tiempo. Se recogió siete nominaciones al Oscar y ganó en tres de las 18 categorías: Mejor Canción Original, Mejor Maquillaje y Mejor Dirección de Arte. Una secuela fue planeada, pero una controversia sobre los derechos de la película se produjo entre Beatty y Tribune Media Services, y la demanda continúa, por lo que una segunda película no se ha producido. Warren Beatty decidió hacer la película con una paleta limitada a sólo siete colores, principalmente rojo, verde, azul y amarillo para evocar los orígenes de la historieta de la película, por otro lado cada uno de los colores se ser exactamente del mismo tono.\n16. Fotografía Cinematográfica El último emperador es una película de 1987, del género película biográfica, dirigida por Bernardo Bertolucci. protagonizada por John Lone, Joan Chen, Peter O’Toole, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los papeles principales. La película ganó nueve Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor guion adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor sonido y mejor montaje. Es una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia. Ganadora de nueve premios Óscar, otros 39 premios, y 12 nominaciones más. Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, Yo fui emperador de China. Fue el primer filme que obtuvo el permiso de las autoridades chinas para ser rodado en el interior de la Ciudad Prohibida. the last emperor (1987) Escena clave de la película Escena clave de la película 19\n17. ROGER DEAKINS Nació el 24 de mayo de 1949 en Inglaterra. Es un director de fotografía inglés. Ganó el premio BAFTA en tres ocasiones y ha recibido 8 nominaciones al premio Óscar. Es mayormente conocido por su trabajo junto a los hermanos Coen. Colaborador fijo de los hermanos Cohen y uno de los artífices del reconocible estilo de sus películas, Roger Deakins es un auténtico peso pesado de la dirección de fotografía gracias a películas tan veneradas como “Barton Fink” (“Barton Fink”, 1991), “Cadena perpetua” (“The Shawshank Redemption”, 1994) o “El hombre que nunca estuvo allí” (“The Man Who Wasn’t There”, 2001). Aunque resulta difícil escoger una sola película de alguien que ha cosechado ni más ni menos que siete nominaciones a los Oscar, su trabajo en “Fargo” (“Fargo”, 1996) merece un puesto especial en su carrera. En ella, Deakins rompe con los recursos habituales del cine negro y compone una fotografía gélida y cristalina en la que el blanco de la nieve de Minnesota inunda algunas de las secuencias más memorables del film. Deakins recibió su primer gran premio de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía por su destacado logro en la cinematografía de la gran producción alabada internacionalmente movimiento, The Shawshank Redemption. La ASC continuó Deakins de honor con nominaciones logros sobresalientes para sus obras posteriores, incluyendo Fargo, Kundun, O Brother, Where Art Thou?, Y El hombre que nunca estuvo allí, por la que ganó su segundo Premio ASC.\n18. Fotografía Cinematográfica SKYFALL (2012) Roger Deakins firmó como director de fotografía, después de haber trabajado anteriormente con Mendes en Jarhead y Revolutionary Road. Dennis Gassner devuelve como diseñador de producción, la diseñadora de vestuario Jany Temime era, Alexander Witt fue director de la segunda unidad, el coordinador de especialistas fue Gary Powell y Chris Corbould supervisado los efectos especiales, mientras que el supervisor de efectos visuales fue Steve Begg. Todos han trabajado en películas anteriores de Bond. Daniel Kleinman volvió a diseñar la secuencia del título de la película después de hacerse a un lado para permitir el diseño gráfico estudio MK12 para crear el Quantum of Solace secuencia. Daniel Craig como “James Bond” Skyfall es la vigésimo tercera película de James Bond producida por Eon Productions2. Fue distribuida por MGM y Sony Pictures Entertainment en 2012. EON Productions es una compañía productora de cine, conocida por producir la serie de películas de James Bond. La compañía opera desde Pi2 newood Estudios en Inglaterra y es subsidiaria de Danjaq, LLC, el holding responsable del copyright y marcas registradas de los personajes Bond y elementos en pantalla. Cuenta con Daniel Craig en su tercera actuación como James Bond, y Javier Bardem como Raoul Silva, antagonista de la película. La película fue dirigida por Sam Mendes y escrito por Neal Purvis, Robert Wade y John Logan. Daniel Craig como “James Bond” 21\n19. Capítulo Tres: Europa RANGO (2011) Rango es una película estadounidense cómica de animación por computadora del año 2011 dirigida por Gore Verbinski. Cuenta con las voces de los actores Johnny Depp, Isla Fisher, Bill Nighy y Abigail Breslin. Su estreno en los Estados Unidos fue el 4 de marzo del 2011. La animación fue realizada por la compañía de efectos especiales Industrial Light & Magic, siendo la primera vez que la compañía realiza la producción completa de una película de animación en 35 años. Consiguió el premio Óscar 2012 en la categoría de Mejor Película de Animación. Rango es un joven lagarto de 17 años de edad que vive en un terrario. Desde hace un tiempo cree ser un héroe, pero se encuentra separado de sus compañeros de los alrededores lápidas de chicos buenos. La post-producción es de la compañía de producción de Verbinski, Blind Wink. Esta es una primicia para la ILM, porque ellos se han dedicado usualmente a hacer efectos visuales en CGI para la mayoría de las producciones fílmicas. Esta será la primera vez en 35 años que realizarán una película animada completa ellos mismos. “La película consiguió el premio Óscar 2012 en la categoría de Mejor Película de Animación.” Pero eso no detiene a Rango en su afán por adaptarse con sus vecinos, sin importarle las dificultades. En un momento dado de la historia Rango se lo cuestionará todo. La animación fue encargada a los veteranos en Imagen generada por computadora (CGI según sus siglas en inglés) de Industrial Light & Magic (ILM). Johnny Depp en la voz de “Rango” 22\n20. Fotografía Cinematográfica Jake Gyllenhaal como Swofford JARHEAD Jarhead es una película biográfica guerra 2005 drama basado en las memorias de 2003 de Marines de EE.UU. Anthony Swofford del mismo nombre, dirigida por Sam Mendes, protagonizada por Jake Gyllenhaal como Swofford con Jamie Foxx, Peter Sarsgaard y Chris Cooper. (2005) a combatir en Kuwait tras su ocupación por Irak. Él vivió una guerra muy diferente a la que se describió en los periódicos y en los canales de la época. La película muestra la espera de los soldados que no han entrado directamente en el conflicto armado, y como lidian éstos con el aburrimiento, describiendo a unos soldados aterrorizados por estar en guerra pero también emocionados por matar a su primera víctima; muestra también a unos jóvenes como cualquier otros ávidos de sexo, con continuas trifulcas debido a la convivencia, bromas pesadas, y con los problemas derivados de su situación. El título proviene del término del argot usado para referirse a los Marines de EE.UU. (a veces por los marines sí mismos). Anthony Swofford es un soldado de 20 años de edad enviado al desierto de Arabia Saudita, en la primera guerra del Golfo, para estar preparado Jamie Foxx como SSgt Sykes 23\n21. Escena de “Barry Lyndon”. Película ganadora de un premio Oscar JOHN ALCOTT Nació en Isleworth,Hounslow, Inglaterra en 1931 y murió en Cannes, Alpes Marítimos, Francia el 28 de julio de 1986, prematuramente a los 54 años de edad. De todas ellas destaca por méritos propios “Barry Lyndon”, un indiscutible prodigio técnico y un ejemplo paradigmático de la influencia de la pintura en el cine y la fotografía. La carrera cinematográfica de John Alcott será recordada especialmente por sus cuatro fantásticas colaboraciones con Stanley Kubrick en “2001: Una odisea del espacio” (“2001: A Space Odyssey”, 1968), “La naranja mecánica” (“A Clockwork Orange”, 1971), “Barry Lyndon” (“Barry Lyndon”, 1975) y “El resplandor” (“The Shining”, 1980). Usando objetivos de satélite con aberturas de diafragma imposibles e iluminando buena parte de las tomas únicamente con velas, Alcott consigue recrear en este maravilloso film de época auténticos lienzos inspirados en las pinturas de Jan Vermeer o Rembrandt. Alcott ganó un Premio de la Academia por su trabajo en “Barry Lyndon”, que se considera una de las películas más bellas visualmente jamás se ha hecho. (Tres de las películas de Alcott se clasificaron en el top 20 de películas de “Best Shot” en el período después de 1950 a 1997 por la Sociedad Americana de Directores de Fotografía. La Sociedad Británica de Directores de Fotografía nombrado uno de sus premios el “Premio ARRI BSC John Alcott” en su honor para conmemorar su papel como camarógrafo de iluminación en el desarrollo del cine como forma de arte.\n22. Fotografía Cinematográfica 2001:A SPACE ODYSSEY Escena clave de la película (1968) Es una película de culto del género Ciencia Ficción dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1968 que marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas. puso una obra musical para la película, pero Stanley Kubrick no la incluyó, aunque salió a la luz de la mano de Jerry Goldsmith 25 años después. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick, siendo supervisados por Wally Veevers. Es una película de ciencia ficción transversal, que aborda temas como la evolución humana, la tecnología, la inteligencia artificial y la vida extraterrestre. Fue estrenada el 6 de abril de 1968 en el Cinerama Theatre Broadway de la ciudad de Nueva York. En un inicio recibió críticas polarizadas, destacándose sobre todo sus efectos visuales y su abstracción de la trama, lo que los críticos tomaron como uno de los puntos débiles de la película. Se caracteriza por un notable realismo científico, por sus revolucionarios efectos especiales, sus ambiguas y surrealistas imágenes, el uso del sonido en lugar de las tradicionales técnicas narrativas y el mínimo uso del diálogo. La banda sonora incluye música de Richard Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), Johann Strauss hijo y György Ligeti que acompañan las imágenes del espacio. Alex North com- En la actualidad es una de las películas más aclamadas de la cinematografía norteamericana y mundial, sus avanzados efectos especiales lo hicieron acreedor de un premio Óscar en dicha categoría. 25\n23. Capítulo Tres: Europa La naranja mecánica es una película de 1971 escrita, dirigida y producida por Stanley Kubrick, una adaptación de Anthony Burgess 1962 novela del mismo nombre. Cuenta con inquietantes imágenes violentas, facilitando su comentario social en psiquiatría, las pandillas juveniles, y otros temas sociales, políticos y económicos en un distópico, el futuro Gran Bretaña. La naranja mecánica cuenta con una banda sonora que incluye selecciones de música clásica y sobre todo composiciones sintetizador Moog de Wendy Car los (entonces conocido como “Walter Carlos”). El arte del cartel ahora icónica de La naranja mecánica fue creada por Felipe Castillo con el diseño por el diseñador Bill oro. Kubrick escribió un guión fiel a la novela, diciendo: “Creo que lo que Burgess tenía que decir acerca de la historia se dice en el libro, pero me he inventado algunas ideas narrativas útiles y remodelar algunas de las escenas” A CLOCKWORK ORANGE Escena clave de la película (1971) Escena clave de la película “Si pierdes la esperanza en momentos de aflicción y de fatiga, tus fuerzas se verán debilitadas.” 26\n24. Fotografía Cinematográfica Escena clave de la película THE SHINING (1996) Es una película estadounidense de terror psicológico del año 1980 dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Jack Nicholson, Shelley Duvall y Danny Lloyd. Está basada en la novela homónima del escritor Stephen King. La película relata la historia de un hombre que empieza a sufrir inquietantes trastornos de personalidad a poco de llegar a un solitario hotel al que se había trasladado con su familia para ocuparse de la vigilancia y el mantenimiento durante el invierno, en que permanece cerrado y aislado por la nieve. Paulatinamente, debido a la incomunicación, al insomnio, a sus propios fantasmas interiores y a la influencia maléfica del lugar, se Jack Nicholson como Jack Torrance verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo, que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrenaturales producidos por el sitio donde se encuentran. Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, El resplandor ha ido ganando adeptos con el tiempo. Como en otras películas del cineasta estadounidense, 27\n25. SVEN NYKVIST Nació el 3 de diciembre de 1922 en Moheda y murió el 20 de septiembre de 2006 en Estocolmo, Suecia. La carrera de Sven Nykvist está estrechamente ligada a la de su compatriota y director Ingmar Bergman. Junto a él realizó 17 largometrajes2, entre los que se encuentran algunas de las películas más aclamadas del séptimo arte. Famoso por su meticulosidad y su predilección por la intuición sobre la técnica, Nykvist apostó toda su vida por la iluminación natural, sobria y liberada de artificios. En “Persona” (“Persona”, 1966), de Ingmar Bergman, desplegó todas las constantes de su estilo para rodar los introspectivos primeros planos que pueblan todo el metraje de esta imprescindible obra cinematográfica. fue un director de fotografía sueco particularmente conocido por su trabajo con el director Ingmar Bergman. Su trabajo se caracterizaba por sus cualidades naturalistas y su sencillez. Sven pasó la mayor parte del tiempo de su vida dedicado a su trabajo; aquella dedicación completa le privó de la posibilidad de tener una vida familiar estable y a pesar de que fue padre de dos hijos, sus relaciones con las mujeres fueron siempre muy inestables. Tal y como él mismo afirmaba, esta soledad a la que le condenaba el trabajo no era tal puesto que allá a donde fuera siempre había algo que le hacía compañía, la luz. Según la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, el American Film Institute, y el British Film Institute se denomina largometraje a una película de duración igual o superior a sesenta minutos. 3\n26. Fotografía Cinematográfica Escena de la película CRIES AND WHISPERS (1972) Es una película de 1972 de Suecia escrita y dirigida por Ingmar Bergman y protagonizada por Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin y Liv Ullmann. La película está ambientada en una mansión a finales del siglo 19 y se trata de dos hermanas que velan por su tercera hermana en su lecho de muerte, se debate entre temiendo que pudiera morir y con la esperanza de que lo hará. Después de varias películas experimentales sin éxito, Gritos y susurros fue un éxito crítico y comercial de Bergman, obteniendo nominaciones a cinco premios de la Academia. Estos incluyen una nominación a la mejor película. Gritos y susurros devueltos a los temas tradicionales Bergman de la psique femenina, o la búsqueda de la fe y de la redención. Utiliza el color saturado, especialmente carmesí. Fue por la combinación de colores y la luz que el director de fotografía y de largo plazo Bergman colaborador Sven Nykvist fue galardonado con el Premio de la Academia a la Mejor Fotografía. 29 Escena de la película\n27. Capítulo Tres: Europa Es una película sueco-francoalemana de 1982, escrita y dirigida por Ingmar Bergman, ganadora de cuatro Oscar como Mejor película extranjera, Mejor fotografía, Mejor diseño de vestuario y Mejor dirección de arte. Ingmar Bergman fue nominado como mejor director y mejor autor de guion original. El film fue concebido originalmente como una película de 4 partes para televisión y editada en esa versión, con una duración de 312 minutos. Posteriormente se produjo una versión de 188 minutos para proyección cinematográfica, y fue la que de hecho se estrenó primero. Desde entonces, la versión para televisión ha sido proyectada como una película de una sola parte; tanto la versión larga como la corta han sido presentadas en teatros de todo el mundo. Escena clave de la película FANNY AND ALEXANDER (1982) Escena de la película “Hay dos versiones de Fanny y Alexander: un corto de 3 horas (188 minutos) versión, y un largo de 5 horas (312 minutos) versión.” 30\n28. Fotografía Cinematográfica CELEBRITY (1998) Celebrity es una película de comedia-drama de 1998 escrita y dirigida por Woody Allen. El guión se centra en los caminos divergentes que una pareja toma después de su divorcio. Lee Simon es un novelista sin éxito, cuyas relaciones con las mujeres son muy poco duraderas. Su intento de colocar un guión en Hollywood le da entrada al mundo de las celebridades: gente acelerada, siempre a la búsqueda de nuevos placeres y sensaciones. El vértigo que sufre Simon en este mundo es descomunal. Woody Allen sigue con sus temas habituales, aunque con un pesimismo más marcado que en otros films. El director (que cede el típico papel que él suele interpretar a Kenneth Branagh) analiza el desconcierto afectivo de numerosos personajes, con un acidísimo sentido del humor y un tratamiento de la sexualidad mucho más oscuro y descarnado de lo acostumbrado. El reparto, como siempre, es fantástico: desde los jovenzuelos Leonardo DiCaprio, Winona Ryder, Famke Janssen y Charlize Theron, hasta los más veteranos Judy Davis, Joe Mantegna y Melanie Griffith. La película fue filmada en blanco y negro y su locación fue la ciudad de Nueva York por el director de fotografía Sven Nykvist. Celebrity fue la última de las cuatro películas rodadas por Nykvist de Allen. También marca el fin de la larga colaboración de Allen con el editor de Susan E. Morse, que había editado la anterior veintena de películas de Allen que comienzan con Manhattan (1979). La película se estrenó en el Festival de Cine de Venecia y se presentó en el Festival de Cine de Nueva York antes de ir al estreno general en los EE.UU. el 20 de noviembre de 1998. 31 Winona Ryder como Nola\n29. BENOIT DEBIE Benoit debie nacion en Belgica. Excepcionalmente dotado para superar los obstáculos técnicos y las atmósferas sombrías, en cuatro años, belga Benoît Debie ha convertido en uno de los más codiciados directores de fotografía, después de haber tenido una carrera bastante poco convencional. asistente de cámara. Muy pronto el aburrimiento se apoderó de él y empezó a trabajar en series de televisión, donde en diez años iba a experimentar con todo y desarrollar su estilo de trabajo: rápido, eficiente, concienzudo. Su curiosidad lo llevó a hacer clips, anuncios y cortometrajes, Debie no ha dejado que la fama por ejemplo, un amor maraville suba a la cabeza y aunque loso de Fabrice du Welz, que fue sigue siendo modesta. un gran éxito. Tras sus estudios de fotografía en la escuela de cine belga IAD (Instituto de las Artes de Difusión), Benoît Debie hizo algunas participaciones como Ahora Debie es mejor conocido por su trabajo en la controvertida película de Gaspar Noé4 Irreversible, así como en la ino- cencia de Lucile Hadzihalilovic, Dario Argento es la tarjeta de jugador, y Fabrice Du Welz 4 Es un director de cine argentino radicado actualmente en Francia, lugar donde ha realizado la mayoría de sus largometrajes. Dentro del desarrollo cinematográfico ha ejercido cargos como camarógrafo, montador y productor.\n30. Fotografía Cinematográfica IRREVERSIBLE (2002) Es una película francesa del año 2002, dirigida por el argentino Gaspar Noé y protagonizada por Mónica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel. Es una película contada en orden cronológico inverso, que causó polémica por lo explícito de una escena de asesinato y otra de una violación. La banda sonora de toda la película está montada por Thomas Bangalter miembro del dúo francés de French house denominado Daft Punk. La película narra al inicio la búsqueda emprendida por dos hombres, Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel), quienes desean vengar la violación de Alex (Mónica Bellucci), novia de Marcus y ex novia de Pierre. La historia transcurre en París, en el lapso de un día, y consta de trece secciones de diferente duración. Las primeras escenas se caracterizan por mostrar muchas imágenes en rápida sucesión y movimientos caóticos de cámara, pero luego van haciéndose cada vez más pausadas. Mónica Bellucci como “Alex” 33\n31. Capítulo Tres: Europa the runaways (2010) The Runaways es una película estadounidense de 2010 que narra la historia del grupo de punk rock de solo chicas en los años 70 del mismo nombre. Dirigida por Floria Sigismondi, el guion está basado en el libro Neon Angel: A Memoir of a Runaway de la cantante original de The Runaways, Cherie Currie. Dakota Fanning hace el papel de Cherie Currie, Kristen Stewart interpreta a la segunda guitarra y vocalista, Joan Jett, y Michael Shannon al productor del grupo, Kim Fowley. La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Sundance el 24 de enero de 2010, y tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 19 de marzo de 2010, seguida por un comunicado de la nación el 9 de abril de 2010, que es el día en que también cumple años Kristen Stewart. Hasta el momento, la película ha recibido críticas en general positivas. Tiene una calificación de 68% en la película de Rotten Tomatoes5, basado en 24 comentarios. También tiene una puntuación de 63 sobre 100 en Metacritic6, basado en 12 comentarios. Dennis Harvey, de Variety7 dio a la película una crítica positiva, al comentar que “demuestra ser convencionalmente agradable”. El film repite todos los tópicos del cine sobre el rock, la fama, y su lado oscuro, los problemas con las drogas, etc. Su retrato de la juventud rebelde es un tanto sórdido y su tratamiento de temas como el sexo y las drogas se antoja descarnado teniendo en cuenta que se trata de un film sobre quinceañeras. Rotten Tomatoes es un sitio web dedicado a la revisión, información y noticias de películas. 5 Metacritic es un sitio web que recopila reseñas de álbumes de música, juegos, películas, programas de televisión, DVD y libros. 6 Variety es un semanario estadounidense dedicado al mundo del entretenimiento, creado en Nueva York en 1905 por Sime Silverman. 7 “Esto no es acerca de los modales de las mujeres, sino del éxtasis de las mujeres.” Dakota Fanning y Kristen Stewart como protagonistas 34\n32. Fotografía Cinematográfica ENTER the VOID (2009) año después. La película esta basada en el “Libro tibetano de la muerte”. Las escenas de estudio fueron filmadas en Tokio en Estudios Toho el equipo filmó durante tres meses en Tokio, y después de esto, filmo cuatro semanas en Montreal para los flashbacks. Escena clave de la película La película se centra en Oscar, interpretado por Nathaniel Brown, un joven traficante de drogas en Tokio que muere y regresa como un fantasma para velar por su hermana Linda. Paz de la Huerta co protagoniza como la hermana. La cámara sigue a Oscar por detrás de su cabeza durante las escenas en las que él está vivo. Después de su muerte, se muestra sobre la vista a Tokio, a través de paredes y entre los edificios. La película se estrenó en el Festival de Cannes 2009 y fue después de varios recortes estrenada en Francia, casi un Después de que la fotografía principal había terminado el equipo regresó a Tokio dos veces mas para escenas adicionales. La película fue rodada en Super 35 y 16 mm, con una Arricam LT y un Aaton XTR prod respectivamente. Las técnicas de iluminación incluian automatizado de iluminación y escenas con luces estoboscopicas, con lo cual el director de fotografía fue capaz de aumentar el tiempo de exposición de la película. Escena clave de la película 35\n33. JANUSZ KAMINSKI Zygmund Janusz Kaminski, A.S.C. Nació el 27 de junio de 1959 es un director de cine polaco. Director de fotografía habitual colaborador de Steven Spielberg desde 1993, ha trabajado en Salvar al soldado Ryan, Munich, o Minority Report, entre otras. En Minority Report encontramos tonos fríos, tendencia hacia el azul y el negro. En salvar al soldado Ryan, sin embargo, se tiende más hacia la crudeza y el realismo. Ganó el premio de la Academia a la Mejor Fotografía por su fotografía de la Lista de Schindler y Rescatando al soldado Ryan (1999). Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Fotografía por su cinematografía de La lista de Schindler y Salvar al soldado Ryan (1999). En los últimos años, también se ha movido Kamiński en el campo de la dirección. Ha sido nominado cuatro veces más de Amistad, La escafandra y la mariposa, War Horse y Lincoln. En los últimos años, Kamiński también se ha movido en el campo de la dirección. En 2010, fue galardonado con la Medalla Franklin J. Schaffer Antiguos Alumnos del Conservatorio AFI8. 8 El American Film Institute es una entidad cinematográfica estadounidense, independiente y sin fines de lucro, cuyo cometido es conservar el material cinematográfico y rendir homenaje al mismo.\n34. Fotografía Cinematográfica Escena clave de la película Es una película estadounidense biográfica de 1993 dirigida por Steven Spielberg. schindler's list La película cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó la vida de alrededor de 1100 judíos polacos durante el Holocausto. Está basada en la novela El arca de Schindler (Schindler’s Ark), escrita por Thomas Keneally. (1993) (el contable de Schindler, Itzhak Stern). La película ganó siete premios Oscar, incluido el de mejor película, el de mejor director y el de mejor banda sonora; también ganó 7 Premios BAFTA y 3 Globos de Oro. La decisión de rodar la película sobre todo en blanco y negro prestado al estilo documental de la cinematografía, que el director de fotografía Janusz Kaminski en comparación con el expresionismo alemán y el neorrealismo italiano. Fue protagonizada por Liam Neeson (como Schindler), Ralph Fiennes (como oficial de las SS Amon Leopold Goeth), y Ben Kingsley Liam Neeson como Schindler 37\n35. Capítulo Tres: Europa Escena clave de la película The Lost World: Jurassic Park (1997) The Lost World: Jurassic Park (conocida en español con los títulos El mundo perdido: Parque Jurásico1 o El mundo perdido: Jurassic Park 2 ) es la primera secuela de la franquicia cinematográfica de ciencia ficción Parque Jurásico. se encuentran libres viviendo en su interior. ban los dinosaurios antes de ser transportados a la isla Nublar. A ese lugar llega un equipo encabezado por el matemático y teórico superviviente del desastre ocurrido tras el fracaso del parque, Ian Malcolm con tal de filmar un documental acerca de Basada en la novela del mis- los dinosaurios en su hábitat. mo nombre escrita por Michael Al igual que Parque Jurásico, El Crichton, fue dirigida en 1997 mundo perdido tuvo un enorme por Steven Spielberg como la éxito: fue la primera película sucesión del anterior filme de de la historia en ser estrenada 1993. en más de cuatro mil salas de A su vez, la acción se desarrolla proyección. sobre todo en la Isla Sorna9, sitio derivado del lugar original donde Cuatro años después del desasel Parque Jurásico fue constitui- tre ocurrido en el Parque Jurásido, y donde los dinosaurios tras co de la isla Nublar, John Hamhaberse escapado con el paso mond revela a Ian Malcolm que del tiempo de sus instalaciones, existe otra isla en la que se cria- Abandonados a su suerte tras el desastre, los dinosaurios han evolucionado, y Hammond está ansioso por verlos en su hábitat natural antes de empezar la explotación comercial. 38 Isla Sorna, alias el sitio B, es una isla del grupo de Los Cinco muerto. “Isla Sorna” significa isla de sarcasmo en español. La estación de investigación de InGen, donde se crearon los dinosaurios, se encuentra en esta isla. Es el lugar donde la mayoría de las películas, libros y juegos sobre Jurassic Park tienen lugar. 9\n36. Fotografía Cinematográfica Es una película dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Tom Cruise y Dakota Fanning. Estrenada en 2005, el remake de la película de 1953 está inspirada en la novela homónima que H.G. Wells publicó en 1898. Además, la versión original está narrada por Morgan Freeman. Con el fin de mantener el realismo, el uso de vacunas imágenes generadas por ordenador y pantalla azul se limitó, con la mayor parte de los efectos digitales se mezclan con imágenes en miniatura y de acción en vivo. Ray Ferrier (Tom Cruise) es un trabajador portuario divorciado de Nueva Jersey que recibe, un fin de semana, la visita de sus dos hijos: la pequeña Rachel (Dakota Fanning) y el adolescente Robbie (Justin Chatwin). Lo que no imagina es que, precisamente ese fin de semana, unos extraterrestres van a atacar la Tierra y que ahora sus vidas corren peligro. War of the worlds (2005) Tom Cruise como “Ray ferrier” Tom Cruise y Dakota Fanning “El hombre no vive ni muere en vano.” 39\n37. Capítulo Tres: Europa the terminal (2004) La Terminal (título original The Terminal) es un drama romántico con toques de comedia, dirigido por Steven Spielberg y protagonizada por Tom Hanks, Catherine Zeta-Jones, Chi McBride, Stanley Tucci y Diego Luna. La película está basada en la historia real de Mehran Karimi Nasseri, un refugiado iraní que vivió en el Aeropuerto de ParísCharles de Gaulle entre 1988 y 2006. Anteriormente a Spielberg, el director francés Philippe Lioret ya había adaptado al cine su historia en la película En tránsito (título original: Tombés du ciel) (1993). Viktor Navorski (Tom Hanks), es un ciudadano de Krakozhia (país ficticio similar a una típica ex República soviética), que aterriza en el aeropuerto John F. Kennedy de Nueva York para poder cumplir la promesa a su difunto padre de tener el autógrafo de Benny Golson. Tom Hanks como Viktor Navorski 40\n38. Fotografía Cinematográfica Tom Cruise como Jerry Maguire Jerry Maguire es una película estadounidense de 1996, que mezcla el drama con la comedia y que está escrita y dirigida por Cameron Crowe además de estar interpretada por Tom Cruise, Cuba Gooding Jr. y Renée Zellweger como protagonistas principales. La película fue nominada a 5 Premios Óscar de las cuales consiguió una estatuilla, la de mejor actor secundario para Cuba Gooding Jr. por su papel como Rod Tidwell. jerry maguire (1996) Las otras nominaciones fueron para Tom Cruise como mejor actor, para el mejor montaje, el mejor guion y mejor película. Además de los premios Oscar, la película y sus componentes ganaron otros premios, el más importante de ellos el Globo de Oro para Tom Cruise, además de estar nominado Cuba Gooding Jr. y la película, como mejor comedia. 41\n39. Capítulo Tres: Europa Saving Private Ryan (1998) Escena de Saving Private Ryan Es una película bélica épica estadounidense estrenada en 1998 y ambientada en la invasión de Normandía durante la Segunda Guerra Mundial. Dirigido por Steven Spielberg y escrito por Robert Rodat, el filme destaca por su recreación gráfica y muy realista de la guerra, especialmente en sus intensos 27 primeros minutos, que narran el desembarco y asalto aliado de la «playa de Omaha» el 6 de junio de 1944. La historia continúa con Tom Hanks como el capitán John H. Miller del ejército de los Estados Unidos y siete hombres (interpretados por Tom Sizemore, Edward Burns, Barry Pepper, Vin Diesel, Giovanni Ribisi, Adam Goldberg y Jeremy Davies) en busca de un paracaidista, el 42 soldado James Francis Ryan (Matt Damon), que ha perdido a sus tres hermanos en combate. Rodat concibió la historia de la película en 1994, cuando vio un monumento dedicado a ocho hermanos que murieron en la Guerra de Secesión e imaginó un símil narrativo ambientado en la Segunda Guerra Mundial.\n40. Fotografía Cinematográfica Inteligencia artificial (2001) Inteligencia artificial es una película estadounidense de 2001 dirigida por Steven Spielberg. La película está basada en el relato de ciencia ficción Los superjuguetes duran todo el verano de Brian Aldiss, e incorpora elementos de la obra italiana Las aventuras de Pinocho. La película fue concebida por Stanley Kubrick, quien trabajó largo tiempo con un grupo de escritores; pero debido al fallecimiento de Kubrick, y a que estuvo durante sus últimos años de vida envuelto en el proyecto de Eyes Wide Shut —su última película—, no llegó a dirigirla. En los créditos Kubrick figura como uno de los productores, y la película fue dedicada a él. En la película aparecen las Torres Gemelas, pese a haber dejado de existir desde los atentados del 11 de septiembre de 2001, pero al contrario de lo que ocurrió con la película de Spiderman, en esta se decidió mantenerlas en el film que se proyectaría finalmente en los cines. Haley Joel Osment como David 43\n41. Capítulo Tres: Europa catch me if you cAN (2002) Atrápame si puedes (Catch Me If You Can en la versión original) es una comedia dramática de 2002, basada en la vida de Frank Abagnale Jr., quien antes de cumplir diecinueve años de edad consiguió millones de dólares haciéndose pasar por piloto de una empresa aérea, por médico y por abogado. Su principal modus operandi era la falsificación de cheques, delito en el que logró tanta habilidad y experiencia que el FBI finalmente lo reclutó como asesor en ese tipo de fraudes. Steven Spielberg dirigió la película, cuyos protagonistas son Leonardo DiCaprio como Abagnale, además de Tom Hanks, Christopher Walken, Amy Adams, Martin Sheen y Nathalie Baye. La idea de la película comenzó a desarrollarse hacia 1980. Con el comienzo del siglo XXI, cineastas tales como David Fincher, Gore Verbinski, Lasse Hallström, Miloš Forman y Cameron Crowe se vieron en algún momento relacionados con Atrápame si puedes. Spielberg (quien originalmente iba a ser productor) decidió convertirse en el director del proyecto, descartando otros como Big Fish y Memoirs of a Geisha. La filmación se llevó a cabo desde febrero hasta mayo de 2002. Atrápame si puedes fue un éxito de crítica y de taquilla, y el verdadero Abagnale la calificó positivamente. Leonardo di Caprio como Frank Abagnale Jr 44\n42. Fotografía Cinematográfica Escena de Munich munich Sin embargo, poco a poco Spielberg nos va mostrando que la realidad tiene muchas aristas, que para acabar con los terroristas hay que convertirse a su vez en terroristas, recurrir a las mismas fuentes de información que los terroristas, el problema es que también se mata a gente inocente. Múnich es una película estadounidense estrenada en 2005 dirigida por Steven Spielberg y escrita por Tony Kushner y Eric Roth. La relación de los asesinados por el comando con los hechos de Múnich es bastante evidente en algunos casos, presunta en otros y meramente intelectual en otros. (2005) Se trata de un thriller en el que el director se plantea cuestiones éticas y prácticas en relación con las políticas represivas que adopta el estado de Israel ante el terrorismo. Un acontecimiento reprobable, como es el asesinato de los atletas israelíes en los Juegos Olímpicos, parece en un primer momento dar fuerza moral a las medidas que decide tomar el estado de Israel, en especial a matar a palestinos que no tienen nada que ver con el hecho. En cualquier caso, el argumento final acaba siendo el mismo que utilizan los que asesinan a los israelíes por el hecho de serlo: si trabajan, colaboran o simpatizan con la OLP están mejor muertos que vivos. 45\n43. BRUNO DELBONNEL Nacio en 1957. Es un director de fotografía francés. Ha colaborado dos veces con su colega francés Jean-Pierre Jeunet para ‘Amélie y Largo domingo de noviazgo. Es el director de fotografía de la película de 2007 Across the Universe y de Harry Potter y el Príncipe Mestizo en el 2009. También trabajo en la pelicula Paris, je t’aime y Trabajó en dark shadows de Tim Burton10 en 2012. Su estilo colorista e imaginativo se nos ha quedado a todos grabado, de tal forma que más de una vez para describir una foto he leido “es muy estilo Amélie”. También es el responsable de la fotografía de Harry Potter11 y el misterio del príncipe, entre otras. Ha sido nominado por la Academia de Hollywood en tres ocasiones por Amélie, Largo domingo de noviazgo y Harry Potter y el misterio del príncipe. Es un director, productor, escritor y diseñador estadounidense. 10 Ha sido galardonado con el Premio del Cine Europeo al Mejor Primer Operador por Amélie (2001); el Premio César a la Mejor Fotografía y el Premio de la Sociedad de Directores de Fotografía Americanos por Largo domingo de noviazgo (2004), y el Premio “Rana de Plata” del Festival de Lodz por Across the Universe (2007). es una heptalogía de novelas fantásticas escrita por la autora británica J. K. Rowling, en la que se describen las aventuras del joven aprendiz de mago Harry Potter y sus amigos Hermione Granger y Ron Weasley, durante los siete años que pasan en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. 11\n44. Fotografía Cinematográfica Evan Rachel Wood como “Lucy” y Jim Sturgess como “Jude” ACROSS THE UNIVERSE (1996) Across the Universe es un musical del 2007 dirigido por Julie Taymor y escrito por Dick Clement e Ian La Frenais. El guion esta basado en una historia original creada por Taymor, Clement y La Frenais la cual incorpora 32 covers de canciones originales de la banda británica The Beatles. Dentro del filme hay apariciones especiales tales como Bono como el Dr. Robert (un shaman contracultural), Eddie Izzard como el Sr. Kite (un presentador de circo), Joe Cocker como tres personajes de la calle y Salma Hayek que aparece (a través de efectos visuales) como cinco enfermeras. es un musical ambientado en los turbulentos años ‘60 en Estados Unidos, cuando Jude (Jim Sturgess), un joven trabajador, deja Liverpool para buscar a su siempre ausente padre en Estados Unidos y es golpeado por las olas de cambio reformando el país. Aquí, Jude se enamora de Lucy (Evan Rachel Wood), una niña estadounidense Jim Sturgess como “Jude” rica, pero fuerte y consciente que se une al movimiento antibélico en Nueva York. Entonces Jude y Lucy intentan encontrar la salida de un psicodélico mundo que se vuelve loco. 47\n45. Capítulo Tres: Europa Es el sexto libro de la serie literaria Harry Potter escrito por la autora británica J. K. Rowling y publicado por primera vez, en inglés, el 16 de julio de 2005. La novela relata los acontecimientos posteriores a Harry Potter y la Orden del Fénix, y que preceden a Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Desarrollada en el sexto año de Harry Potter en el Colegio Hogwarts, la obra explora el pasado del mago oscuro Lord Voldemort, así como los preparativos del protagonista junto con su mentor Albus Dumbledore para la batalla final detallada en el siguiente libro, el último de la serie. Dirigido por David Yates quien ya había dirigido la entrega anterior y la adaptación del guion gracias a Steve Kloves, el largometraje fue producido por David Heyman y David Barron, poseedores de la productora encargada de la distribución de las películas. De esta manera, El misterio del príncipe les valió una nominación a los premios Óscar en la categoría de «Mejor fotografía Rupert Grint como Ron Weasley Harry Potter and the Half Blood Prince (2009) Daniel Radcliffe como “Harry Potter “De acuerdo con diversos analistas del tema, el libro sugiere un tono más tenebroso a comparación con las demás novelas de Harry Potter.” 48\n46. Fotografía Cinematográfica Audrey Tautou como Amélie Poulain amélie (2001) Amélie (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain en francés) es una película francesa de 2001 dirigida por Jean-Pierre Jeunet, co-escrita por el director y Guillaume Laurant y protagonizada por Audrey Tautou. Bajo el lema de «Elle va changer ta vie...» (en castellano, Ella va a cambiar tu vida...), la película fue distribuida en Estados Unidos por Miramax y en España por Manga Films. El director de fotografía Bruno Delbonnel hace diestro uso de su extraordinario sentido visual, presentando las imágenes en una paleta de colores muy viva, pero a la vez limitada. un constante filtro verdoso acentúa los colores primarios y deslava todo lo demás, reduciendo la percepción del espectador, o mejor dicho, centrándola a lo que Jeunet quiere, pero sin descuidar los escenarios y ambientación. Escena de la película 49\n47. christian berger Nacó el 13 de enero de 1945. es un director de fotografía austríaco. Es mayormente conocido por su trabajo con Michael Haneke, y se desempeñó en la película The White Ribbon, por la cual consiguió numerosos premios como el ASC Awards, además de una nominación a los Premios Oscar. Berger inventó un sistema de iluminación llamado “Cine Reflect Lighting System” que usó en sus últimas películas. Además de su trabajo como director de fotografía, enseña cinematografía en la academia “Filmacademy Vienna”. Berger está casado con la actriz Marika Green, y es tía de Eva Green. En 1977 edificio de estudio de video experimental. Ha Trabajado con y el apoyo técnico de varios cineastas jóvenes que trabajan bajo TTV Film. Destaca por su trabajo con Haneke, por ejemplo en La Pianista o La Cinta Blanca. entre 1980-1981 el aumento de trabajo en las obras de televisión, adaptaciones de pantalla con varios autores, el director de fotografía de películas y el trabajo como director. Es importante su utilización de espacios austeros y vacíos para lograr expresividad y carga dramática, para colaborar en el carácter tenso y perturbador de los guiones. En 1973 fundó la productora propia TTV Film. Una amplia labor como documentalista. Ha participado en más de 20 festivales internacionales y premios internacionales.\n48. Fotografía Cinematográfica Caché (2005) Caché es una película de 2005 escrita y dirigida por el cineasta austríaco Michael Haneke. Está protagonizada por Daniel Auteuil y Juliette Binoche, quienes interpretan a Georges y su esposa Anne, un matrimonio burgués amenazado por unas extrañas cintas de vídeo grabadas justo enfrente de su casa. El largometraje, filmado en francés, es una coproducción entre Austria, Francia, Alemania e Italia. Se estrenó el 14 de mayo de 2005 en el Festival Internacional de Cannes, donde Michael Haneke recibió el galardón como mejor director. Posteriormente consiguió cinco premios del cine europeo, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actor. Fascinante ejercicio de estilo del austríaco Michael Haneke, que además de su innegable cualidad hipnótica, invita a reflexionar acerca del estilo de vida acomodaticio que impera en Occidente. El film arranca de un modo audaz y arriesgadísimo. Durante varios minutos, observamos un plano fijo del exterior de una casa. De pronto, vemos retroceder la imagen, como si se estuviera rebobinando. Y es que, en efecto, se trata del contenido de una misteriosa cinta de vídeo, recibida por George Laurent, el popular conductor de un programa televisivo. Lo extraño de esa filmación es que la casa que se ve es la de George. Y no resulta fácil adivinar quién la ha grabado y desde dónde. Lo que podría parecer una broma pesada, se repite con nuevas cintas anónimas, acompañadas de extraños dibujos de carácter infantil, que empiezan a inquietar a George y a su mujer Anne. Y el caso es que la policía no ayuda demasiado. 51 Juliette Binoche como Anne Laurent\n49. Capítulo Tres: Europa Es una película de drama 1994 dirigida por el austríaco Michael Haneke. Tiene una historia fragmentada como sugiere el título, y narra varias historias independientes en paralelo. Líneas narrativas independientes se cruzan en un incidente en la última de la película: un asesinato en masa en un banco austriaco. La película está ambientada en Viena, octubre-diciembre, 1993. La película se divide en un número de “fragmentos” de longitud variable dividido por pausas en negro, y aparentemente no relacionados entre sí. Conflicto kurdo-turca, y las acusaciones de abuso sexual contra Michael Jackson. La película se caracteriza por un buen montón de fragmentos que tienen forma de noticiarios de vídeo no relacionados con las principales líneas argumentales. Noticias filmaciones de hechos reales se muestran a través de monitores de vídeo. 12 El 1978 en el sur del Líbano el conflicto (el nombre clave de Operación Litani por Israel) fue la invasión del Líbano hasta el río Litani, llevada a cabo por las Fuerzas de Defensa de Israel en 1978 en respuesta a la masacre Camino de la Costa. El conflicto dio lugar a las muertes de 1,1002,000 libaneses y palestinos, 20 israelíes, el desplazamiento interno de 100.000 a 250.000 personas en el Líbano Noticieros informan sobre la guerra de Bosnia, la Guerra Civil de Somalia, el conflicto del sur del Libano12. 71 Fragments of a Chronology of Chance (1994) Escena clave de la película 52\n50. Fotografía Cinematográfica The White Ribbon (2009) The white ribbon es una película en blanco y negro de drama del 2009 en lengua alemana escrita y dirigida por Michael Haneke. Das Weisse Band, Eine deutsche Kindergeschichte. Representa oscuramente sociedad y la familia en un pueblo del norte de Alemania justo antes de la Primera Guerra Mundial y, según Haneke, es sobre “el origen de todo tipo de terrorismo, ya sea de carácter político o religioso”. Más de 7.000 niños fueron entrevistados durante el período de fundición de seis meses de duración. Para la mayoría de los roles adultos, Haneke habia seleccionado actores con los que había trabajado antes, por lo que sabían que eran adecuados para los roles. El papel del pastor fue escrito originalmente para Ulrich Mühe, un actor que había protagonizado varias producciones pasadas de haneke, pero que murió en 2007. V La decisión de hacer la película en blanco y negro se basa en parte en el parecido con las fotografías de la era, sino también para crear un efecto de distanciamiento. Todas las escenas fueron filmadas originalmente en color y luego alterada a blanco y negro. Christian Berger, director habitual de Haneke de la fotografía, rodó la película en el Super 35 con un compacto Moviecam. Haneke quería que los ambientes fueran muy oscuros, por lo que muchas escenas de interior utilizan sólo fuentes de luz prácticos tales como lámparas de aceite y velas. Personaje importante de la película “Uno se vuelve sentimental cuando tiene dolores” 53\n51. Anthony Dod Mantle Anthony Dod Mantle, BSC nacido en 1955. Es un cineasta británico destaca por su trabajo en la cinematografía digital. Dod Mantle dirigió la fotografía en tres películas Dogma 95 y los dos primeros episodios de Wallander 13. Él utilizó la Red Una cámara digital en Wallander, la primera producción de la televisión británica a hacerlo. Ganó el Premio de la Academia Británica de Televisión Craft Photography & Lighting (Ficción / Entretenimiento) Por su trabajo en la serie y fue nominado para un premio RTS Artesanía y Diseño en Iluminación, Fotografía y cámaraFotografía-Drama. también fue director de fotografía de Slumdog Millionaire (Danny Boyle, 2008), por la que ganó el Oscar a la mejor fotografía en 2009. Dod Mantle está incluido en el libro Conversaciones con directores de fotografía de David A Ellis. Dod Mantle vive con su familia en Copenhague, Dinamarca. Wallander es una serie de televisión británica adaptado de Kurt Wallander novelas del escritor sueco Henning Mankell y protagonizada de Kenneth Branagh como el inspector de policía del mismo nombre. La primera serie de tres episodios, producida por Yellow Bird, Left Bank Pictures y TKBC de la BBC de Escocia, fue transmitido por la BBC One, de noviembre a diciembre de 2008. 13\n52. Fotografía Cinematográfica antichrist (2009) Se estrenó el 18 de mayo de 2009 en el Festival de Cannes. La película fue filmada en video digital, usando principalmente cámaras Red One en la resolución 4K. Las secuencias de movimientos lentos fueron tomadas con un Phantom V4 de 1.000 fotogramas por segundo. Técnicas de filmación involucrados dollys14, de cámara manual y programada por computadora “Motion Control” Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg Es una película del año 2009 escrita y dirigida por Lars von Trier. La cinta, protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, narra la historia de una pareja que tras la accidental muerte de su hijo, se retira a una cabaña en el bosque donde pasaron las últimas vacaciones con él. El largometraje se rodó en Alemania y Suecia. Es una coproducción entre Dinamarca, Alemania, Francia, Polonia, Suecia e Italia, aunque fundamentalmente danesa. El “Dolly” es una pieza especializada de equipos de producción de cine y televisión destinado a crear movimientos de cámara suaves (técnicas cinematográficas). 14 La cámara se monta en el carro y el operador de cámara y botón de enfoque o asistente de cámara suele montar en el carro para manejar la cámara. El dolly grip es el técnico especializado capacitado para operar la plataforma . Charlotte Gainsbourg como “ella”. 55\n53. Capítulo Tres: Europa Nicole Kidman y Paul Bettany Dogville es una película del año 2003 dirigida por Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman. Es la primera película de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades, seguida por Manderlay de 2005 y Wasington, aún por realizar. La cinta compitió en la selección oficial del Festival de Cannes15 de 2003. Es una parábola que utiliza un conjunto muy mínimo, similar dogville (2003) a un escenario para contar la historia de Grace Mulligan (Kidman), una mujer escondiéndose de mafiosos, que llega en la pequeña ciudad de montaña de Dogville, Colorado, y se proporciona refugio a cambio de trabajo físico. Su estancia allí finalmente cambia la vida de la gente local y la ciudad de muchas maneras. La película fue filmada en video de alta definición con una cámara HDW-F900 de Sony en un estudio en Trollhättan, Suecia. 15 es un festival de cine categoría “A”, celebrado en la ciudad francesa de Cannes acreditado por la FIAPF, junto con los festivales de Berlín, San Sebastián, Mar del Plata, Karlovy Vary o Venecia entre otros. Mapa de Dogville. 56\n54. Fotografía Cinematográfica 127 hours es una película de drama y suspenso, protagonizada por James Franco, dirigida por Danny Boyle, escrita por Boyle y Simon Beaufoy y producida por Christian Colson. en ser médicamente exactos en cada mínimo detalle, pues Danny Boyle rodó la escena entera en una toma y cada aspecto de la escena debía ser funcional así como realista. El film está basado en la historia real de Aron Ralston, el escalador de montañas estadounidense que se amputó el brazo para liberarse después de quedar atrapado bajo una roca en Robbers Roost, Utah durante más de 5 días en abril-mayo del 2003. La película fue bien recibida por crítica y público y fue nominada a seis premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor de Franco. La “escena de amputación” fue la obra de los efectos de maquillaje del artista Tony Gardner y su equipo en Alterian, Inc, quienes se esforzaron 127 hours (2010) James Franco como Aron Ralston James Franco como Aron Ralston “No hay fuerza más poderosa que la voluntad de vivir” 57\n55. Capítulo Tres: Europa Manderlay (2005) Manderlay es la segunda película de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades del director danés Lars von Trier. En ella se trata de profundizar sobre las raíces del racismo. Al igual que su predecesora, Dogville, Manderlay está rodada con muy poco decorado, usando sencillamente aquellos objetos imprescindibles para el argumento y sustituyendo paredes y puertas por marcas en el suelo similares a las de tiza en una pizarra. Esta película fue criticada principalmente por el hecho de que, para una escena, se sacrificó realmente a un asno. La escena finalmente se eliminó, debido a que Von Trier fue muy criticado y la gente comenzó a echarse encima suyo. Von Trier intentó arreglarlo en vano, diciendo que importa más la libertad de expresión de las personas que la vida o muerte de un animal, algo que disgustó a mucha gente. Es interesante señalar que el movimiento Dogma 95, del cual Von Trier es fundador, tiene un mandamiento en el que dice que no se puede incluir muertos. La película, no obstante, no se realizó dentro del movimiento Dogma95. Bryce Dallas Howard como Grace 58\n56. Fotografía Cinematográfica 28 Days Later (2002) 28 Days Later (en Español: 28 días después) es una película dirigida por Danny Boyle, estrenada en Reino Unido el 1 de noviembre de 2002 y en Estados Unidos el 27 de junio de 2003. Está protagonizada por Cillian Murphy, Naomie Harris, Brendan Gleeson, Megan Burns y Christopher Eccleston, y ha dado lugar a una secuela (28 Weeks Later), y a una novela gráfica del mismo título. Fue un éxito de taquilla y de la crítica en general,[cita requerida] ampliamente impactante fueron las imágenes de una Londres totalmente desierta y devastada. La película fue totalmente filmada en formato digital. En 2007 se estrenó a nivel mundial la segunda entrega de la película, titulada 28 semanas después o Exterminio 2, originalmente 28 Weeks Later. Tiene bastante similitud a la película “The Omega Man”, en España “El Último Hombre Vivo” del año 1971. Steve Niles junto con Dennis Calero y Dan Nakrosis crearon una novela gráfica, 28 Días Después: Las consecuencias, que narra la historia antes de que Jim despertara en el hospital londinense. Da mucha credibilidad debido a que las razones de la expansión del virus son muy creíbles. Sin embargo, las impactantes imágenes de Londres sin población fueron buenos puntos de vista para la mayoría de críticos latinoamericanos, sobre todo por su impresionante caracterización. Cillian Murphy como Jim 59\n57. dariusz wolski Dariusz Wolski Adán (nacido en 1956) es un director poláco y cineasta de video musical. miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas desde 2004. Es mejor conocido por su trabajo como director de fotografía de piratas del Caribe y en clásicos como ‘The Crow y Dark City. Natural de Varsovia, Wolski estudió en la Escuela de Cine de Lodz, Polonia. Muchas de sus colaboraciones incluyen el trabajo con los directores de cine como Ridley Scott, Tony Scott y Tim Burton. Ha trabajo en el músical sweeney todd, alice in wonderland y prometehus. Ha sido miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía16 desde 1996 y Tras emigrar a Estados Unidos en 1979, trabajó en documentales y películas independientes hasta despuntar en el mundo de la publicidad y los vídeos musicales. Wolski ha rodado más de 100 videoclips para artistas tan relevantes como Aerosmith, Sting, Keith Richards, Van Halen y Eminem. La ASC (Asociación Americana de Directores de Fotografía) la define como «el proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de una obra de arte original en lugar de en la simple grabación de un evento físico. 16 La cinematografía no es una subcategoría de la fotografía sino que la fotografía es una herramienta que el director de fotografía utiliza junto con otras técnicas físicas, organizativas, interpretativas y de manipulación de imagen para llegar a un proceso coherente.\n58. Fotografía Cinematográfica Johnny Depp como “Sweeney Todd y Helena Bonham Carter como Mrs. Lovett Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007) Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street es una adaptación cinematográfica del musical homónimo de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler (a su vez inspirado en la pieza teatral de Christopher Bond). de premios, incluyendo el Globo de Oro a la mejor película Comedia o musical, el Globo de Oro al mejor actor Comedia o musical, y el Óscar a la mejor dirección de arte; Johnny Depp también fue nominado al Óscar al mejor actor. El musical fue originalmente dirigido por Harold Prince, con Angela Lansbury y Len Cariou. La versión cinematográfica está protagonizada por Johnny Depp, en su sexta colaboración con el director Tim Burton. La película narra la melodramática historia de Sweeney Todd, un barbero inglés que asesina a sus clientes con una navaja de afeitar en la Era victoriana con la ayuda de su cómplice la Sra. Lovett, quien convierte sus cadáveres en pasteles de carne. Se estrenó el 21 de diciembre de 2007 en Estados Unidos. La película ganó un importante número 61 “Porque la vida de los perversos deben ser cortas. Para el resto de nosotros, la muerte sería un alivio.Todos merecemos morir.”\n59. Capítulo Tres: Europa Brandon Lee como “Eric Draven/El cuervo” the crow (1994) The crow es una película estadounidense de 1994 basada en la serie de comics homónima del año 1989 de James O’Barr. La película fue adaptada por David J. Schow y John Shirley, y dirigida por Alex Proyas. La película logró notoriedad aun antes de su estreno debido a que durante el rodaje, Brandon Lee (hijo de Bruce Lee) murió tras ser tiroteado en una escena de la película. Se pensó abandonar el proyecto tras su muerte, pero finalmente se decidió seguir adelante, utilizando un doble, escenas oscuras y retoques por ordenador. La película se presentó como un homenaje a Lee ya que al final puede verse una dedicatoria que dice “para Brandon y Elisa”. En 1995, Graeme Revell ganó un premio de la música de cine IMC por la música y los Stone Temple Pilots17 ganó el MTV Movie Award a la Mejor Canción por “Big Empty”. También en los MTV Movie Awards, la película fue nominada a la mejor película y Brandon Lee fue nominada a la Mejor Interpretación Masculina. Stone Temple Pilots (a menudo abreviado STP) es una banda estadounidense de rock de San Diego, California, que actualmente se compone de hermanos Robert DeLeo (bajo, voz) y Dean DeLeo (guitarra), Eric Kretz (batería y percusión) y Chester Bennington (plomo voz). 17 Primerísimo primer plano del cuervo 62\n60. Fotografía Cinematográfica Michael Fassbender como David, un androide. PROMETHEUS (2012) Es una película de ciencia ficción y terror dirigida por Ridley Scott y escrita por Jon Spaihts y Damon Lindelof. La película recibió una nominacion al premio Oscar de los Mejores Efectos Visuales. La película está protagonizada por Noomi Rapace, Michael Fassbender y Charlize Theron. El argumento sigue a la tripulación de la nave espacial Prometheus a finales del siglo XXI, a medida que exploran una avanzada civilización alienígena en busca de los orígenes de la humanidad. Según Scott, aunque la película comparte “cadenas de ADN de Alien, por así decir”, y se desarrolla dentro del mismo universo, Prometheus explora su propia mitología e ideas. La fotografía principal comenzó en marzo de 2011, con la filmación teniendo lugar en Inglaterra, Islandia y España. Prometheus fue estrenado en EE.UU. el 8 de junio de 2012 a través de 20th Century Fox; en México su estreno fue el fin de semana del 15 de junio y en España el 3 de agosto. 63 Fotografía de Prometheus\n61. Capítulo Tres: Europa para limpiar su nombre mientras escapa de la policía y un misterioso grupo conocido como "los ocultos". La mayor parte fue filmada en Fox Studios Australia y estuvo producida en conjunto por las compañías New Line Cinema y Mystery Clock Cinema. El estudio tenía dudas sobre si el público entendería la trama, así que le solicitó a Proyas que agregara una voz en off en la introducción que la explicara. Se estrenó el 27 de febrero de 1998 en Estados Unidos, recibiendo bajos resultados en taquilla y críticas mixtas. dark city (1998) Rufus Sewell como John Murdoch Es una película neo-noir de ciencia ficción de 1998 escrita y dirigida por Alex Proyas. Fue protagonizada por Rufus Sewell, Kiefer Sutherland, Jennifer Connelly y William Hurt. Sewell interpreta a John Murdoch, un hombre que sufre de amnesia y que se encuentra acusado de asesinato; Murdoch intenta descubrir su verdadera identidad 64 Después de su estreno, la película recibió nominaciones a los premios Saturn y Hugo. Con la ayuda del crítico Roger Ebert y las proyecciones domesticas, la película se ha transformado en un clásico de culto. Desde la época de su estreno en los cines, algunas reseñas de críticos y estudiantes han reconsiderado el significado de la película. Una versión del director, lanzada en 2008, preserva la visión artística original de Proyas.\n62. Fotografía Cinematográfica “Nos rodea totalmente. ¿Qué sucedería si se pusiera en nuestra contra? ¿Qué pasaría si la tecnología que nos rodea, que apreciamos y de la que dependemos, súbitamente fuera utilizada para hacernos daño y estuviera totalmente fuera de nuestro control?” “Steven siempre quiso que los espectadores salieran del cine y asustados apagaran sus celulares y BlackBerrys,” recuerda el productor/guionista Alex Kurtzman, de la misma manera que los espectadores temieron nadar en el océano después que vieron la realización de Spielberg Tiburón en 1975. El argumento evolucionó pausadamente durante varios años porque cuando Spielberg tuvo inicialmente la idea, “pensó que parecería demasiado como la ciencia ficción,” agrega Kurtzman. “No hubiera sido muy creíble porque la tecnología todavía no estaba tan integrada en nuestra sociedad como hoy en día.” Michelle Monaghan como Rachel Eagle Eye (2008) es una película de género thriller de acción estadounidense dirigida por D.J. Caruso y protagonizada por Shia LaBeouf y Michelle Monaghan. Tiene como temática básica la inteligencia artificial diabólica de una computadora. La idea para Eagle Eye nació hace varios años en la mente del productor ejecutivo Steven Spielberg. “El concepto inicial de Steven se concentraba en la idea que la tecnología está en todas partes,” dice el co-productor Pete Chiarelli. Shia LeBeouf como Jerry Shaw 65\n64. Kazuo Miyagawa La pasión por la fotografía rica en contrastes que se utilizaba en las películas mudas producidas en Alemania es la responsable de que el futuro director de fotografía Kazuo Miyagawa se interese por el cine. Esta influencia puede apreciarse claramente en Rashomon (1950). Antes de entrar a trabajar en un estudio, Miyagawa estudió una técnica de pintura tradicional japonesa o sumi-e. Ya involucrado en la industria cinematográfica, fue técnico de laboratorio y asistente del director de fotografía antes de desempeñar él mismo esta última función. Su carrera se inicia y culmina con sendas colaboraciones con Akira Kurosawa. Al igual que al realizador, Rashomon le hizo famoso en todo el mundo. Treinta años después, tuvo que abandonar el rodaje de Kagemusha. La sombra del guerrero (1980) debido a una afección ocular. Entre ambas películas se extiende una trayectoria extraordinaria. Empezó pronto a experimentar con raíles y grúas para dotar a la cámara de un movimiento más ágil, algo que puede apreciarse en Rashomon. En Cuentos de la luna pálida (1953), dirigida por Kenji Mizoguchi, se inspiró en las pinturas tradicionales niponas. Así, en la cinta las composiciones alargadas sugieren la continuidad de los acontecimientos. En Conflagración (1958) de Kon Ichikawa, utilizó por primera vez el Daieiscope, un nuevo formato de pantalla ancha, y volvió a buscar la inspiración en las técnicas pictóricas de su país, lo que se aprecia en la división de las imágenes y en los espacios delimitados por elementos como puertas.\n65. Fotografía Cinematográfica ugetsu (1956) Ugetsu o Ugetsu Monogatari es una película japonesa de 1953, y un ejemplo de la jidaigeki (drama de época) género. Fue dirigida por Kenji Mizoguchi y se basa en las historias de Ueda Akinari 's libro del mismo nombre . Situado en AzuchiMomoyama período de Japón , está protagonizada por Masayuki Mori y Machiko Kyō . Es una de las películas más célebres de Mizoguchi, considerado por la crítica como una obra maestra del cine japonés y una pieza definitiva durante la Edad de Oro del Cine de Japón. Junto con Akira Kurosawa 's 1950 la película Rashomon , Ugetsu se le atribuye haber popularizado cine japonés en Occidente. Tras el éxito de su anterior película La vida de Oharu , Mizoguchi se ofreció a hacer una película en el cine Daiei estudios por su viejo amigo Masaichi Nagata . El acuerdo prometió Mizoguchi completo control artístico y un gran presupuesto. A pesar de ello, Mizoguchi fue finalmente presionó para hacer un final menos pesimista para la película. Título Ugetsu de la película es una contracción de Ugetsu Monogatari, el título japonés, desde la Akinari Ugetsu Monogatari . Mizoguchi basa su película en dos historias Del libro, “La casa en la espesura” (Asaji ga Yado) y “La lujuria de la Serpiente Blanca” (Jasei no In). Otras fuentes de inspiración para el guión de la película incluyen Guy de Maupassant Déconé ‘s ! (Cómo llegó la Legión de Honor). Mientras escribía el guión, Mizoguchi dijo a su guionista y viejo colaborador Yoshikata Yoda “Si la guerra se origina en motivos personales del gobernante, o de algún interés público, cómo violencia, disfrazada de guerra, oprime y atormenta a la población, tanto física como espiritualmente ... Quiero destacar esto como el tema principal de la película “. Machiko Kyō como Lady Wakasa 69\n66. Capítulo Cuatro: Asia Ganjiro Nakamura como Komajuro Hiroshi Kawaguchi como Kiyoshi Machiko Kyō como Sumiko Ukikusa (1959) Es un 1959 película de Yasujiro Ozu . Se trata de una nueva versión del propio Ozu negro y blanco del cine mudo18Historia de malezas flotantes (1934). El título Ozu primera intención de la película era un actor Ham (Daikon yakusha, literalmente actor de rábano). Este título se dice que ha sido abandonado debido a que se consideró un insulto a Ganjiro Nakamura, el actor que interpreta Komajūrō, que era una gran estrella del teatro kabuki en el oeste de Japón. No es una conversación entre Komajūrō y Sumiko en el que dice, cuando fue acusado de Hamming él para arriba, que ese es el estilo de actuación que su público paga para ver. Primero vemos la compañía realizar una escena de Kunisada Chuji ( Kunisada Chuji ). Kunisada Chuji, un personaje histórico que vivió de cerca de 1810 a Haruko Sugimura como Oyoshi 1850, fue idealizado como el Robin-Hood-como el héroe de una serie de obras de teatro y En la escena vemos, Ku (innovelas. terpretado por Sumiko) se despedía de sus fieles comÉl era un jugador y ladrón de pañeros, Gantetsu y Jōhachi, en poca monta que, después de el Monte Akagi. Gansos salvajes haber regresado a su pueblo na- que vuelan al sur para el invital en busca de su familia arru- erno y los cuervos que regresan inada y su hermana enloquecido a sus nidos son utilizados como por el magistrado local malva- imágenes de despedida. dos, causó su venganza antes de refugiarse en el bosque, donde él y sus compañeros bandiEl cine mudo (o silente) es aquel cine que no dos robaron la ricos para dárselo posee sonido grabado y sincronizado, referido especialmente a diálogo hablado, consistiendo a los pobres. 18 únicamente en imágenes. 70\n67. Fotografía Cinematográfica Yojimbo (1961) Yojimbo es una película japonesa de 1961, dirigida por Akira Kurosawa, con Toshirō Mifune en el rol principal, ganador de la Copa Volpi en el Festival de cine de Venecia por su actuación en el filme. Fue nominada al Oscar al mejor diseño de vestuario 1962. La película esta ambientada en el Japón del siglo XIX. En 1964 el director italiano Sergio Leone, rodó Por un puñado de dólares, una versión libre de Yojimbo, realizada, según él, como un homenaje a Akira Kurosawa. Al no pagar derechos de autor, tuvo problemas legales. Se inició un juicio entre los productores del filme de Kurosawa y Leone, en el cual el director japonés afirmaba la autoría del guion, junto a Ryuzo Kikushima. El juicio resultó favorable a los japoneses, atrasando en dos años el lanzamiento del filme de Leone en los Estados Unidos. Sin embargo, el crítico de cine Sir Christopher Frayling dice haber identificado otras fuentes: la obra de Carlo Goldoni Arlequino, Servitore di due padroni, presentada en 1745, y la novela de Dashiell Hammett, Cosecha Roja (1929). El filme Last Man Standing (1996), dirigido por Walter Hill es un remake legalmente autorizado. Bruce Willis19 actúa el rol principal. Es un actor y productor estadounidense, nacido en Alemania, cuya trayectoria comenzó en la industria televisiva durante los años 80 y, desde entonces, ha aparecido en películas donde interpreta roles cómicos, dramáticos y de acción. 19 Toshirō Mifune como Sanjurō 71\n68. takao saito Takao Saito ( 5 de marzo de 1920, Kioto, Japón) es un director de fotografía japonés, colaborador frecuente del director Akira Kurosawa. Nominado al Oscar como mejor Director de fotografía por su trabajo en el filme Ran (1985) Para ello se alista la ayuda de un grupo de piratas. Además de liberar su tierra del malvado, sino que también deshacerse de la bruja de media edad que convierte a las personas en piedra. Aunque no es de ninguna rango medio, sigue siendo el tipo de película que da una "fórmula" un mal nombre. Todos los ingredientes están ahí, incluso decente, si los efecTan poco del cine popular tos limitados, especiales, pero japones llega a Gran Bretaña el énfasis se equivocaron con Inicio trabajando en una pelicula que ha sido difícil juzgar si las curiosidad: hay demasiado terde Senkichi Taniguchi llamada películas son tan fanáticamente reno, la presencia de Mifune va The Lost World Of Sinbad y americanizada como la mayoría para nada, la comedia es irreabrio las puertas del cine asia- de los otros medios de comuni- mediablemente no integrado, y tico al mundo.En esta aventura cación japoneses. Aquí está el los Gothicisms son demasiado japonesa, un marinero valiente Anexo A para el enjuiciamiento: superficial. - llamado Simbad en la versión una fantasía de capa y espada en Inglés estadounidenses pod- de estilo occidental que los do- Pero lo más triste es el rechazo rían relacionarse con él - debe bladores han conseguido con- suave de toda la tradición oriendetener un premier malos de ad- vertirse en una historia de Sin- tal de la fantasía. elantamiento del reino.. bad sin perder el ritmo..\n69. Fotografía Cinematográfica Kagemusha (1980) Escena de la Pelicula Kagemusha Kagemusha, ("Shadow Warrior") es una película de 1980 por Akira Kurosawa . En japonés, kagemusha es un término utilizado para referirse a una trampa política . Se encuentra en el período Sengoku de la historia de Japón y cuenta la historia de un criminal de clase baja que se le enseña a hacerse pasar por un moribundo señor de la guerra con el fin de disuadir a los señores opuestos de atacar al clan recién vulnerable. El señor de la guerra a quien suplanta al kagemusha se basa en daimyo Takeda Shingen , y la película termina con el clímax 1575 Batalla de Nagashino . George Lucas y Francis Ford Coppola20 se acreditan al final de la película como productores ejecutivos en la versión internacional. Esto se debe a que convencieron a 20th Century Fox para compensar un déficit en el presupuesto de la película, cuando los productores originales. Toho Studios , no podían darse el lujo de terminar la película. A cambio, 20th Century Fox recibió los derechos de distribución internacional a la película. Kurosawa originalmente emitió el actor cómico bulliciosa Shintaro Katsu en el papel protagonista. Katsu abandonó la producción, sin embargo, antes del primer día de rodaje. Es un guionista, productor y director de cine estadounidense, siete veces ganador del premio Óscar. 20 73\n70. Capítulo Cuatro: Asia Ran Ran (que significa caos, miseria) es una película japonesa de 1985 escrita y dirigida por Akira Kurosawa. Es un Jidaigeki (un drama japonés) que muestra la caída de Hidetora Ichimonji (Tatsuya Nakadai), un señor de la guerra de la Era Sengoku que decide abdicar en favor de sus tres hijos. Tras llevar a cabo esta decisión, su reino se desintegra debido a las luchas de poder entre su prole, que tratan de asesinar a sus rivales. Hidetora enloquece tras ver como masacran a su séquito en la escena central de la película. A medida que el reino se desmorona y los señores de la guerra 21rivales entran en guerra. (1985) El clan de los Ichimonji se hunde en la culminación de la venganza y la traición, en la que se ajustan viejas cuentas. La historia está basada en leyendas del daimyō Mori Motonari así como en la tragedia shakespeariana El rey Lear. Ran fue la última gran película épica de Kurosawa. Con un presupuesto de 12 millones de dólares, fue la película japonesa más cara jamás producida. Kurosawa dirigiría otras tres películas antes de morir, pero ninguna tan grandiosa. mejor diseño de vestuario. La banda sonora, escrita por Tōru Takemitsu, suena aislada, con el sonido de la escena enmudecido–particularmente cuando el castillo de Hidetora está siendo destruido. El filme recibió además 25 premios más. Según Stephen Prince, Ran es "una crónica del ansia implacable de poder, la traición al padre por parte de sus hijos, y las omnipresentes guerras y asesinatos, que destruyen a todos los personajes protagonistas." Es un término, traducido literalmente del inglés warlord, que sirve para hacer referencia a una persona con poder que tiene de facto el control militar y el poder político de un área subnacional, gracias a un grupo de fuerzas armadas leales al señor de la guerra, y no a la autoridad central. 21 La película fue aclamada por sus poderosas imágenes y el uso del color. El diseñador de vestuario Emi Wada ganó un Oscar al Escena de la Pelicula Ran 74\n71. Fotografía Cinematográfica Konna yume wo mita (1990) Fragmento de El Tunel, Dreams Sueños, también conocida como Los Sueños, de Akira Kurosawa o Los Sueños de que he soñado, es una película producida en Japón y financiada en Estados Unidos1 en el año 1990 de caracter dramático-fantástico, que se divide en ocho segmentos, correspondientes a ocho sueños reales del propio director, Akira Kurosawa. En ella, Kurosawa, intenta concienciar a la gente sobre los errores que se se están cometiendo usando el sonido y la visón como métodos principales de persuasión. Al parecer, los ocho sueños se suceden en diferentes tramos de la vida de Akira, a juzgar por el crecimiento de su principal protagonista a lo largo del filme. día ha recibido buenas críticas. 75 ¨El aclamado director Martin Scorsese actuó en uno de los sueños de Akira Kurosawa como Vincent Van Gogh¨\n72. ASAKAZU NAKAI Asakazu Nakai (29 agosto 1901 a 28 febrero 1988) fue un japonés cineasta , nacido en Kobe . Ha trabajado en varias ocasiones con el cineasta Akira Kurosawa . Esta película tiene entonces algunos cinematografía impresionante por la gran Asakazu Nakai con ambas lentes. Kurosawa y Nakai muestran su dominio completo de las composiciones de gran angular dinámicos como la Fue nominado para el Premio cámara no está bloqueado pero de la Academia a la Mejor Fo- se mueve de una composición a tografía por su trabajo en la otra, todo tan impresionante que película Ran (1985). forman una textura dinámica que impulsa la narrativa más de A pesar de que era más cono- tres horas. cido por su trabajo teleobjetivo, Seven Samurai marca el punto Si usted nunca ha visto esta de transición en la que Kuro- película, ver como cada persawa se aleja del objetivo gran sonaje progresa y reacciona y angular a favor del efecto de es- se mueve en la escena como corzo y aplanamiento de la lente individuos coreografía en estos de largo. retratos de grupos orgánicos. Esto es cine virtuoso de usar y tirar en su máxima expresión. Usar y tirar, porque el punto de una escena o de un tiro es nunca la cámara ni la composición, pero siempre los personajes y el drama. Todo está controlado, deliberada y fabricado para estar al servicio de la historia.\n73. Fotografía Cinematográfica Shichinin no samurai (1954) Los siete samurais de la Película Ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público; en 1982 fue elegida en la lista de Sight & Sound's de las diez películas más grandes de todos los tiempos, y entre las diez películas preferiObtuvo el León de plata en la Mostra de Venecia das de los directores en las votaciones de 1992 y y dos nominaciones al Óscar. el 2002 La película influyó en posteriores producciones occidentales, como el conocido western Los siete samuráis ha sido denominada una de Los siete magníficos. las películas más grandes e influyentes de la historia,y es una de las pocas películas japonesas que ganó fama y popularidad en el Occidente durante muchos años. Los siete samuráis (Shichinin no samurai) es una película del director japonés Akira Kurosawa, estrenada en 1954. 77\n74. Capítulo Cuatro: Asia La novela Humillados y ofendidos de Fyodor Dostoevsky sirvió de inspiración para la subtrama de la chica joven, Otoyo (Terumi Niki), que es rescatada de un burdel. Barbarroja aborda el problema de la injusticia social y explora dos de los temas favoritos de Kurosawa: humanismo y existencialismo. De acuerdo con el comentario del DVD de la Criterion Collection, Barbarroja tiene una duración de 185 minutos y fue filmado con una [relación de aspecto]] de 2.35. Toshirō Mifune como Dr. Niide Akahige (1965) Barbarroja (''Akahige'') es una película japonesa de1965 dirigida por Akira Kurosawa. El film narra la influencia que ejerce el médico y director de una clínica de pueblo con pocos recursos económicos sobre un joven ayudante de familia acaudalada que, contra su voluntad, debe trabajar en la clínica. Fue la primera película de Kurosawa a hacer uso de una banda sonora de 4 pistas con sonido estereofónico. La película tardó dos años en ser filmada. ¨Barbarroja es el último de los 16 filmes en el que trabajaron Akira Kurosawa y Toshirō Mifune.¨ La película se basa en una colección de relatos cortos de Shūgorō Yamamoto titulada, Akahige shinryotan. Toshirō Mifune como Dr. Niide 78\n75. Fotografía Cinematográfica Dersu Uzala (1975) ¨La película vendió 20,4 millones entradas en los cines de la Unión Soviética´ Dersu Uzala (El cazador) (en ruso Дерсу Узала, Dersú Uzalá) es una película soviético-japonesa de 1975 dirigida por Akira Kurosawa, siendo esta su primera película en el extranjero y la única rodada en 70mm. La película ganó varios premios, entre los que se encuentra el Festival de Cine de Moscú y el Óscar a la mejor película extranjera. El film está basado en las memorias escritas por el explorador Vladimir Arseniev en 1923 sobre Dersu Uzala, un hombre de la etnia hezhen que acompañó a sus hombres durante varias expediciones por la región siberiana de Sijoté-Alín. El rodaje se realizó casi en su totalidad en la taiga siberiana y se centra en un hombre nativo que vive cómodamente en los bosques llevando un estilo de vida que de manera inevitable será destruida por el avance de la civilización. En la misma película se trata el tema del respeto y la amistad entre dos personas de diferentes etnias y sobre la pérdida de fuerzas y habilidades con el paso de los años. Maxim Munzuk como Dersú Uzala 79\n76. Escena de The House of the Flying Daggers zhao xiaoding ZHAO Xiaoding (Director de fotografía) se licenció en Fotografía en la prestigiosa Academia de Cine de Pekín en 1987. Además de películas, ha rodado numerosos anuncios y campañas publicitarias para marcas como Coca-Cola, perfumes Armani, Toyota y el Banco de China. HKSC. En la próxima película de Zhang, casa de las dagas voladoras (AC, enero de 2005), Zhao fue director de fotografía. Colaboraciones posteriores inRodó su primer largo nada más cluyen la maldición de la flor dograduarse, y desde entonces rada (AC, enero de 2007), 2005 ha filmado, como media, una Fue el director de fotografía del de Riding Alone de miles de película anual. clip publicitario de los Juegos kilómetros y el juego de las OlOlímpicos de Pekín, de la Expo impiadas Beijing 2008 CeremoSu colaboración con el director de Shanghái y del clip que des- nia de Apertura. Zhang Yimou empezó en 2001 velaba el logotipo de los Juegos como primer operador de la Olímpicos de Pekín. Su última colaboración es una película Hero, pasando a ocumujer, una pistola y una tienda parse de la fotografía en La casa trabajó por primera vez con el de fideos, que Zhao describe de las dagas voladoras, por la director Zhang Yimou en Hero como un homenaje a los herque fue nominado al Oscar a la (AC, septiembre de 2003), que manos Coen 1985 debut de la Mejor Fotografía. actúa como operador de cámara película Blood Simple. y la segunda unidad de cámara bajo Christopher Doyle, ASC,\n77. Fotografía Cinematográfica House of Flying Daggers (2004) Zhang Ziyi como Mei La casa de las dagas voladoras (House of Flying Daggers, chino, pinyin: shí miàn mái fú) es una película china del año 2004, dirigida por Zhang Yimou, con guion del propio director en colaboración con el escritor Li Feng, que debutó como guionista con "Hero", y Wang Bin, que conoció a Yimou en una tertulia sobre Ju Dou y que también colaboró con él en "Hero" La coreografía es del prestigioso Ching Siu-Tung, que participó también en "Una historia china de fantasmas". El título chino es el nombre de una famosa pieza de música tradicional china para pipa, que describe la batalla entre el general Xiang Yu, del Estado Chu, y las fuerzas Han, con anterioridad a la formación de la Dinastía Han (en la banda sonora de la película aparece una versión corta tocada con guitarra). Takeshi Kaneshiro como Jin 81\n78. Capítulo Cuatro: Asia the curse of the golden flower (2006) La maldición de la flor dorada es una pelicula china de 2.006 dirigida por Zhang Yimou . Con un presupuesto de EE.UU. $ 45 millones, que era en el momento de su lanzamiento la más cara del cine chino hasta la fecha, superando a Chen Kaige 's The Promise . Fue elegida como la entrada de China para el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera para el año 2006, pero no recibió la nominación. Sin embargo, la película fue nominada para Diseño de vestuario . En 2007 recibió catorce nominaciones a los 26o Hong Kong Film Awards y ganó Mejor Actriz por Gong Li , Mejor Dirección de Arte, Mejor Vestuario y Maquillaje Diseño y Mejor Película Canción Original por (Chrysanthemum Terrace) por Jay Chou . La trama se basa en Cao Yu 1934 play 's Tormenta, pero se encuentra en la corte imperial en la antigua China. Gong Li como Empress Phoenix 82\n79. Fotografía Cinematográfica Kung Dunk Fu (2008) ¨Yao Ming habia sido llamado para actuar en la pelicula pero debido a unas lesiones no pudo lograrlo¨ Kung Fu Dunk , también conocido por su antiguo título de la clavada, es un idioma chino 2008 liveaction film . Fue dirigido por el taiwanés director Chu Yin-Ping y filmada en Taiwan y China continental . La película se tituló previamente Dunk Slam, pero más tarde el título ha sido cambiado para evitar confusiones con el Slam Dunk manga22 y anime de la serie, que se basa en más o menos a pesar de la propia película que no tiene asociación alguna. Jay Chou como Shi Jie / Colmillo Shijie El rodaje, sin embargo, transmitió un fuerte sabor de las películas de Hong Kong , que recuerda a películas como Shaolin Soccer . Cuenta con una lista de estrellas del pop de Taiwán y Hong Kong , junto con actores conocidos de China continental . En 2008, el tema (Héroe Chou), que se compone de Chou con letra de Vicente Colmillo y prefromed por Yi Chuan, fue nominada a la Mejor Canción Original en la 45 ª Premios Caballo Dorado .,que se incluye como un bonus track en Jay Chou 2007 World Tour Live Concert . Es la palabra japonesa para designar a las historietas en general. Fuera de Japón se utiliza, exclusivamente, para referirse a las historietas niponas. 22 Charlene Choi como Li-Li (Lily) 83\n80. Capítulo Cuatro: Asia The Children of Huang Shi (2008) ¨La película recaudó alrededor de 7,4 millones dólares en todo el mundo¨ Los niños de Huang Shi es un película china de 2008. La película se centra en la historia de George Hogg y los sesenta huérfanos que han llevado a Jonathan Rhys Meyers como George Hogg través de China, en un esfuerzo para salvarlos de la conscripción durante la Segunda Guerra ignorar el papel de Rewi CalleSino-Japonesa . jón , un comunista neozelandés celebrado en la revolución china. La película recibió críticas mix- La conversión de la enfermera tas de los críticos occidentales. interpretada por Radha Mitchell La revisión agregador Rotten de un neozelandés (Kathleen Tomatoes informó que el 31% Hall, asociada a Callejón) a un de los críticos de cine dio a los estadounidense también recibió comentarios positivos, sobre la la atención negativa. La omisión base de 71 reseñas. Metacritic de Callejón, en particular, informó la película tuvo una pun- ha sido llamada una tergivertuación media de 49 sobre 100, sación descarada de al menos basado en 22 revisiones. un crítico. El New York Times dieron a la película una crítica positiva en general, alabando la actuación y su “representación realista de la devastada por la guerra de China”. Radha Mitchell como Lee Pearson La película ha sido criticada por 84


Actor Roberto Pocaterra Pocaterra Elizabelar// Es momento de hacer justicia – Ultimas Noticias de Venezuela\nSin embargo, el independentismo se ha convertido en una mafia en busca de cómplices para difundir esa mercancía caduca. Es irritante que haya países como Bélgica, protectores de prófugos rebeldes como Carles Puigdemont, o que haya medios de comunicación internacionales que retraten a España como una dictadura autoritaria y represora. Sí, porque es mentira. Pero siendo irritante, no es tan peligroso como que el cooperador necesario, incluso en la estrategia jurídica diseñada -y fallida- para impedir que se les juzgase por rebelión, sea el propio presidente del Gobierno. Eso sí es extremadamente grave, en la medida en que ha pretendido coaccionar a nuestra Justicia con el fin de agradar al separatismo para sobrevivir con 84 escaños. Pero nada de esto es lo que se juzga. Se juzgan hechos a priori compatibles con algunos de los delitos más ominosos de nuestro Código Penal. Más aún: si alguien cree que el Tribunal Penal va a permitir que la sala se convierta en un parque temático del independentismo, es que desconoce la seriedad, independencia e imparcialidad con la que actúa. Este juicio no es político. Es una vista a personas que se juegan hasta 25 años de cárcel, y eso es mucho más que formar parte del martirologio victimista de una traición a la nación. Estaban avisados y, pese a ello, golpearon a España. Es hora de hacer justicia