Cabernet sauvignon, merlot, tempranillo y graciano.\nFermentación maloláctica en barricas de roble nuevo de Allier, donde permaneció 15 meses. Embotellado en mayo de 2003.\nHomenaje crianza 1998\nHomenaje crianza 2001\nHomenaje Rosado 2003\nHomenaje Rosado 2006\nHomenaje Rosado 2007\nHomenaje Rosado 2009\nHomenaje Rosado 2013\nHomenaje Rosado American Pérez 2011 2011\nHomenaje Tinto 2008\nHomenaje Tinto 2009\nMarco Real Colección Privada crianza 2004\nMarco Real Colección Privada Crianza 2001\nMarco Real Corraliza de los Roncaleses 2015\nMarco Real Crianza Colección Privada 2006\nMarco Real Gran Reserva 2005\nMarco Real Pequeñas Producciones (Finca de los Roncaleses) 2011\nMarco Real Pequeñas Producciones (Finca Espesuras) 2011\nMarco Real Pequeñas Producciones (Finca La Pared) 2011\nMarco Real Pequeñas Producciones (Finca La Pared) 2012\nMarco Real Reserva 2007\nMarco Real reserva de familia 2001\nMarco Real Reserva de Familia 2004\nMarco Real Reserva de Familia 2009\nMarco Real Syrah ( La Pared ) 2016\nMartín Berasategui Selección Especial 2015\nMoscatel Señorío de Andión 2006\nSeñorío de Andión 2005\nVino Marco Real Pequeñas Producciones (Corraliza de los Roncaleses) 2012\nOpiniones de Señorío de Andión\nGrata sorpresa: vino que está evolucionado pero más que vivo aún\nJuanjosantos 23/12/17 17:02\nBotella bordelesa alargada con etiquetado típico de la bodega en las añadas de principios del siglo XXI.\nCorcho de buena longitud y anchura, extraído con sacacorchos de láminas, bañado un poco hasta casi la mitad por un par de zonas pero por otras no muy bañado en vino rojo picota. Huele muy bien por el interior con mucho color rojo picota oscuro.\nDescorchado 90-120 minutos antes de disfrutarlo.\nNo lo decantamos: prefiero servir una copa y dejar que evolucione a temperatura ambiente (18-19ºC) en copa y botella aprovechando que estamos en pleno invierno ya.\nRojo picota claro con reflejos ocres, de ribete anaranjado, limpio, brillante y de buena lágrima de lenta caída.\nBuena visual aunque con notable evolución ya por las tonalidades que se ven. (8,4)\nDe muy buena ntensidad desde el inicio, estupenda, con algo de fruta negra madura, especiados, regaliz, pimienta negra, cantos rodados húmedos, toffee, trufa, setas y leves flores marchitas. Cojonuda olfativa. (9)\nAtaque fresco y redondo, de taninos sabrosos y totalmente pulidos ya, equilibrado, fácil de beber, de una acidez aún espectacular y fantásticamente ensamblada, sabroso, de medio volumen, cuerpo y estructura de cierta ligereza pero aún con enjundia y muy bien integrado todo. Final largo, sabroso, con fruta negra, pimienta, nuez moscada, toffee y trufas en un retrogusto y retronasal fenomenales. (9)\nGrata sorpresa, corcho perfecto y el vino, algo evolucionado, pero está muy bueno todavía.\nTeóricamente la curva de consumo era hasta finales de 2010 y estamos acabando ya 2017, por lo que es un buen vino y ha aguantado como un jabato todos estos años (14 y medio largos) de estancia en botella (ya que fue embotellado en mayo de 2003).\nExcelente vino navarro de 16 años y pico.\nSu PVP en su momento rondaba ya los 23-24€ (y se mantiene más o menos igual en añadas mucho más recientes como la 2010 o 2011). Buena RCP visto cómo ha evolucionado con el paso de los años.\nDon Gato 07/06/10 00:51\nPrimeros signos de madurez en este vino que tantas satisfacciones ha dado.\nColor picota que va perdiendo brillo e intensidad y primeras notas anaranjadas en los bordes.\nLa potencia de la fruta se ha atemperado y aunque siguen las notas de moras negras se aprecia más intensidad en regaliz y sobre todo en notas minerales.\nEstá elegante y tiene una boca redonda y afinada que invita a beber pese a que se aprecia más ligero con el paso del tiempo. Retrogusto muy largo.\nMultitud de residuos en botella y copa.\nBuen corcho en buen estado con infiltraciones hasta su mitad.\nBilbis 20/01/10 18:17\nFecha cata: 19/01/10\nMadurez, equilibrio y punto álgido de evolución son algunas de las sensaciones que parece querer transmitir este vino en este momento. Asentado e integrado en sus aspectos frutales y compotados, mineralidad leve, cierta elegancia , distinción y contundencia. Boca fina y pulida , muy largo\nJapar 31/07/09 00:25\nFecha cata: 30/07/09\nVisual: Picota muy intenso, muy cubierto de capa, densidad alta y lágrima de intensidad media-alta\nOlfativa: Intensidad aromática media alta, de buena calidad, muy complejo en nariz con notas de fruta madura, vainillas, maderas finas, notas de pastelería y lácticos\nGustativa: Ataque meloso y suave, conserva todavía una buena carga de acidez, llena la boca sin molestar, es largo y elegante..\nBuen vino de Navarra\nOtilio Haro 03/03/09 01:53\nFecha cata: 02/03/09\nBotella negra con su escudo en relieve e inicial identificativa.\nCereza muy intenso de borde escaso y con una lágrima en auténtica parada de imagen, genial.\nAromas también muy intensos, moras negras, regaliz negro y chocolate negro, ¡toma ya!. Elegante, con una gran presencia del roble que incluso destaca sobre lo descrito pero que en absoluto lo enmascara, todo lo contrario, lo realza si cabe, aporta buenos tostados a la par que finura.\nMuy buena estructura, potente, fruta madura y licorosa, muy sabroso, elegantísimo también en boca, con un postgusto muy rico y de largo recorrido, a este le queda... le queda.\nImprescindible decantar, me ha dejado la última copa llena de poso, aunque... a mi me da igual, me lo he "comido" todo.\nPerfecto para tomar ahora, aunque aguantará como bien he dicho un tiempecito.\nCuando compras algo sin tener referencias y basado por tu intuición y encima te encuentras con esto... la alegría se multiplica.\nRojo cereza de capa media con ribete purpura con tonos pardos. Aromas de\nRafaedgere 14/12/07 10:01\nFecha cata: 14/12/07\nRojo cereza de capa media con ribete purpura con tonos pardos.\nAromas de frutos rojos de correcta intensidad, balsamico, con aromas de buena crianza, especiado, canela, pimienta.\nUntuoso, estructurado, con cuerpo, con un toque taninos dulces a mediación, con buen paso de boca, buena duración en boca con fondo afrutado, moras.\nPicota con reflejos granate. Nariz intensa, expresiva y fresco, con un\nPaco Higón 26/10/04 03:20\nPicota con reflejos granate. Nariz intensa, expresiva y fresco, con un cierto carácter mineral, con suaves notas balsamicas, algún recuerdo especiado y fruta madura en abundancia (bayas rojas y negras). En boca tiene un ataque impetuoso, con buena acidez y excelente recorrido. Tiene cuerpo y densidad pero le falta muchísima botella para domar esos taninos algo agresivos que muestra en este momento. Habrá que seguirle la pista y recatarlo en unos meses. La mala noticia es su precio: Unos 23€


fedemontornes | fede montornes | Página 2 fedemontornes – Página 2 – fede montornes\nArchivo del Autor: fedemontornes\n5 septiembre, 2019 fedemontornes 1 comentario\nSi el tema del comisariado, como hemos dicho, levanta pasiones pero también entierra indiferencias es porque todo es muy distinto cuando un comisario aparece en escena. En especial, cuando se trata de un personaje influyente y su radio de acción se dice que alcanza unos límites estratosféricos. El halo que desprende un comisario en base a esta suposición se nutre, en buena medida, de lo que aportan quienes le rodean, están con él o son «sus amigos», aunque a veces -quizá muchas veces- es el propio interesado quien se encarga de alimentar su propio mito. Se trata de una maniobra, la del autobombo, capaz de alcanzar gran relevancia cuando el susodicho ejerce en régimen de autónomos y al margen del paraguas que siempre ofrece una institución.\nPor ser verano y disponer de mucho tiempo, le seguía dando vueltas a este tema cuando dejé caer entre mis manos un ensayo de David Balzer titulado Curacionismo. Cómo la curadoría se apoderó del mundo del arte (y de todo lo demás), publicado en 2014. No es que el tema me interesara de repente ni mucho más de lo que siempre me ha interesado. Sucede que el título me atrapó y que, a partir de este momento, poca cosa pude hacer. Hojeándolo, además, vi que el prólogo se consagraba a desvelar el siguiente enigma: «Quién es HUO?» -es decir, Han Ulrich Obrist, paradigma del comisario estrella internacional.\nSegún la plataforma desde la que el comisario acompaña el artista -es decir, desde su posición o de la del artista, de la institución que le respalda, del prestigio del espacio, etc.- no sólo los resultados serán unos u otros sino que también se puede ver afectada su credibilidad profesional, su validez como experto, su rigor «científico», su sentido del humor, su labor como curador, la luminosidad de sus respuestas, su nivel de generosidad, el buen hacer de lo que hace, etc. es decir, aquel tipo de cualidades humanas que nos hacen persona. A todos.\nCarme Sanglas, «Un mundo silencioso», Canónica de Santa María de Vilabertrán vs Ramón Guillén-Balmes, «Petita Pol.lució en el Pallars Jussà», Canónica de Santa María de Mur. O viceversa.\nJorge Ribalta. «Ángeles nuevos. Escenas de la reforma de la plaza de la Garduña, Barcelona (2005-2018)». Palau de la Virreina, Barcelona.\nEn 1974 decidió instalarse en la Place Saint-Sulpice de París para anotar, en distintos momentos del día, lo que veía, lo que le llamaba la atención. Por algo, por cualquier cosa: las idas y venidas de la gente, los acontecimientos cotidianos de la calle, los animales, momentos de más o menos luz, el paso de las nubes por el cielo, automóviles en el tráfico de Saint-Sulpice, recurrentes autobuses («un 63 vacío, un 70 lleno»), el paso del tiempo, etc… Permaneció allí durante tres días seguidos y durante todo este tiempo se dedicó a hacer listados de los hechos insignificantes de la vida que acontecían frente a él, junto a él, delante de alguien tan anodino, cotidiano e invisible como todo lo que le rodeaba. La intención de Georges Perec (París, 1936 – Ivry-sur-Seine, 1982), con esta acción expandida en el tiempo, no era hacer algo. Era hacer nada. O casi nada. Porque lo que empezó siendo el cumplimiento de una normativa, una instrucción, algo que el mismo escritor se había auto impuesto, acabó derivando en «Tentativa de agotamiento de un lugar parisino«, un libro seminal en lo que a listar cosas se refiere, en especial, las que ocurren cuando parece que no ocurre nada.\nNo era la primera vez que Georges Perec se centraba en observar el tiempo, en querer detenerlo, aminorarlo, en desear que las cosas no sucedieran. Y un buen ejemplo de ello lo hallamos en su película «Un homme qui dort«. Sin embargo, lo de este libro es distinto puesto que lo que hace, en última instancia, es exprimir el tiempo al máximo para anotar la realidad, sus gestos anónimos, sus grandes momentos, sus detalles, observar lo micro, visibilizar lo invisible, ponerle rostro a lo imperceptible. Como podría hacer un fotógrafo. Es más, diría que el libro es como un álbum fotográfico o como un texto compuesto a base de fotografías. Una fotografía tras otra, realizadas con lenguaje verbal y compuestas a partir de una imposibilidad. La imposibilidad de no dotar de palabras lo que ve Perec, sentado en un banco, durante tres días, desde una plaza de París.\nEn el año 2005 decidió emprender un seguimiento fotográfico de la evolución de la plaza de La Garduña de Barcelona «atendiendo principalmente a aquellas modificaciones relacionadas con su morfología y sus usos públicos». A esta empresa le dedicó trece años de observación y el resultado son las cerca de seiscientas fotografías que, desde el pasado 20 de julio, se muestran en el Palau de la Virreina en la exposición titulada «Ángeles nuevos. Escenas de la reforma de la plaza de la Garduña, Barcelona (2005-2018)«. Se trata de otra de las series fotográficas de Jorge Ribalta realizadas en los últimos quince años en torno a la «representación de Barcelona en la era posterior al Fórum de las Culturas 2004, la postrera gran operación urbanística en nuestra ciudad».\nPara mostrar las imágenes que componen el volumen elaborado por Ribalta, la exposición se divide en nueve apartados realizados, a su vez, durante el periodo de tiempo que se especifica. Vendría a ser como los capítulos del libro: Recién llegados, 2017-2018; Déjeuner sur l’herbe, 2016-2018; El monasterio de Santa María de Jerusalem y la Dama de la Garduña, 2016-2018; Vivienda social, 2014-2018; Escola Massana, 2015-2017; This is tomorrow calling, what have I lose?, 2015; Parking, 2005-2014; La calle de Cervelló, el otro lado, 2005-2018; Restos, 2005-2009. Se trata de una compartimentación de espacios y tiempos que, para dar debida cuenta de la evolución de la vida y paisanaje del entorno de esta plaza ubicada justo detrás del mercado de la Boquería -el gran parque temático, otrora mercado a secas- Ribalta ha decidido presentar a la manera de una «cronología a la inversa» y arrancar con el inicio del primer curso de la nueva Escola Massana y la llegada de los primeros habitantes a los bloques de edificios circundantes (entre 2017 y 2018) para terminar con las fotografías de la antigua plaza y la trasera del mercado de La Boquería, datadas de 2005. Unas fotos que, para quienes vieron con sus propios ojos lo que reproducen, es probable que les remita aquel olor tan putrefacto y vomitivo que amenizaba el tránsito hacia el parking, en el caso de que se fuera a recoger el coche.\n«This is tomorrow» es una canción de Bryan Ferry de su álbum In your mind (1977), y fue también el título de la célebre exposición del Independent Group en la Whitechapel de Londres, en 1956. El utopismo tecnológico intrínseco al discurso vanguardista de modernización y progreso hoy forma parte del lenguaje dominante, como puede verse en los discursos de la política institucional. A su falsa promesa de felicidad se opone el «ángel nuevo» de Walter Benjamin, el ángel de la historia, cuya fatalidad es descrita de manera memorable: «Soplando desde el Paraíso, una tempestad se enreda en sus alas, y es tan fuerte que el ángel no puede cerrarlas. Esta tempestad lo empuja incontenible hacia el futuro, al cual vuelve la espalda mientras el cúmulo de ruinas ante él va creciendo hasta el cielo. Lo que llamamos progreso es justamente esta tempestad» (Sobre el concepto de historia, IX, c. 1940).»\nPaco Chanivet. «Interregno». Espai 13. Fundació Joan Miró, Barcelona\n«Thomas Ligotti, un autor de literatura de terror contemporáneo poco conocido con una faceta ensayista que alcanza su cenit en el libro «La conspiración contra la especie humana». En castellano está editado por Valdemar. Entre sus libros de relatos destacaría «Noctuario«. Por otra parte, creo que también hice mención a Eugene Thacker, filósofo nihilista y autor de una trilogía llamada «El horror en la filosofía» que empieza con el libro «En el polvo de este planeta«, en castellano está editado por una editorial esquiva llamada «Materia Oscura«. En estos libros el tipo lee a H.P. Lovecraft en clave filosófica, extrayendo de su literatura un sistema de pensamiento (Graham Harman también lo hace en «Weird Realism; Lovecraft and Philosophy«) y de la misma manera, lee a filósofos clásicos como autores de terror. Muy estimulante. De estos libros no hay versión digital, sin embargo, te adjunto «Pesimismo cósmico» un librito introductorio muy ligero que mezcla ensayo y poesía y que es tremendamente evocador. Por último, Mark Fisher y más concretamente su libro «Lo raro y lo espeluznante«, editado por Alpha Decay. Aquí Fisher hace una introducción a estos dos conceptos de una forma súper clara y luego deriva por diferentes hitos literarios, cinematográficos o musicales en busca de lo raro y lo espeluznante. Otros libros vinculados (al tema) son «Lo bello y lo siniestro» de Eugenio Trias, «Tras los límites de lo real» de David Roas o «Poderes del horror» de Julia Kristeva.\n«Interregno» es el título de la exposición de Paco Chanivet concebida en el marco de «Un monstruo que dice la verdad«, el ciclo de exposiciones de la temporada 18-19 del Espai 13 comisariado por Pilar Cruz. Para articular este ciclo, Cruz parte de la obra de artistas que “cuestionan y fuerzan los límites entre las disciplinas para reflexionar sobre las dinámicas de poder que afectan al conocimiento”. Dice Cruz que es por esto que “el arte se presenta como un monstruo poderoso, capaz de señalar la debilidad de dichos límites; un monstruo que dice la verdad o que, por lo menos, apunta con el dedo a quien la dice”. En el vimeo que adjunto, la comisaria apunta que el título de su propuesta procede de una anécdota de Foucault. Dice que el filósofo galo afirma «que las disciplinas se van conformando en el tiempo en base a ensayo-error y todo lo que se produce siempre dentro de los limites disciplinares. Pero a veces hay circunstancias afortunadas y, fuera de las disciplinas, fuera de estos límites disciplinarios, hay lo que él llama un monstruo que, sin estar dentro de la verdad, dice la verdad. El título del ciclo, pues, está pensado para explicar cómo los artistas trabajan desde fuera de la verdad o buscando esos límites disciplinares. De hecho, el arte se permite muchas veces hacer saltos disciplinares, apropiarse de objetos y métodos de otras disciplinas, estar fuera de la verdad, estar fuera de las disciplinas, cruzarlas o cuestionar si el arte es en sí una disciplina».\nDe las exposiciones de este ciclo «monstruoso» concebido por Cruz y que más nos han acercado a las fauces de esa bestia que también menciona Foucault, diría que hay tres que me las han mostrado sin tener tiempo ni de respirar: las de Fito Conesa, Lara Fluxà y la de Paco Chanivet, la exposición que ahora nos ocupa.\nForjada a la manera de un «crisol de disciplinas integrando robótica, manipulación genética, farmacología y, de alguna manera, misticismo» -dice la comisaria- la instalación de Chanivet es un descenso a la profundidad de una conciencia que, de tanto bajar, permite ver hasta qué hay al otro lado de la tierra, es decir, por debajo de nuestros pies.\nBajando el primer tramo de escaleras que da acceso al espacio de exposición, lo primero que encuentra el visitante es un enorme felpudo, como-de-esos-de-entrar-en-casa, gravado con un símbolo que remite a un reino donde escasea la luz y cuyo silencio contiene el hálito de quienes han ido bajando hasta aquel lugar dejando el recuerdo de su experiencia adherido a las paredes. Porque más que una exposición, la propuesta de Chanivet es una experiencia atmosférica, un ambiente que partiendo de lecturas de género de ficción rara u horror cósmico -un horror materialista, existencial- fomenta la construcción de lugares abominables y experiencias tan extremas que casi siempre terminan en locura. Se trata de una categoría que el teórico cultural Mark Fischer identifica con lo que es «raro y espeluznante», una extraña yuxtaposición de elementos que no deberían estar, una combinatoria anormal de elementos familiares.\nEl primer acto es un suelo abierto formado por toneladas de tierra árida procedentes de un derrumbe y cuyo efecto, en el espectador, podría remitir a una suerte de receptáculo que ha sido perforado para permitir que saliera a la superficie lo que luchaba por emerger desde las profundidades del ser. Se trata de un suelo por el que el espectador es invitado a transitar -como antes sobre el felpudo- para tomar consciencia del punto en el que se halla, es decir, en un punto intermedio, entre algo destruido y algo que está asomando, entre un terreno baldío y algo que respira sin hacer ruido, entre un piso devastado y un ente que empieza a moverse… frente a algo que se está formando, en suma, frente a algo que empieza a ser. Por bien que la vida no es posible en este páramo yermo de derrumbe y desolación, brotan unas flores entre piedras, rocas y arenilla que remiten a «organismos fractales, adaptados y supervivientes de algún tipo de desastre. Son flores hechas con patas de animales. Una plaga de organismos terribles brotando de una zona de exclusión donde las leyes de la biología se deforman para mostrar la «cara amable» de una tierra muerta, exhausta, terrorífica.\nEl tercer y último acto está protagonizado por la fuerza mecánica, una fuerza a ciegas. Se trata de una máquina imposible que gira lentamente y sin parar alrededor de sí misma y cuyo vínculo con los antiguos planetarios mecánicos no sólo es evidente si no que es lo que permite entender que las formas anatómicas y aberrantes que la coronan, son una metáfora perfecta de lo que Ligotti define como «glorias amorfas», formas que giran histéricamente como «títeres brillantes danzando en la oscuridad». Son unas formas que al tiempo que provocan rechazo y aversión resultan cercanas y familiares en la medida en que remiten a órganos vitales o a funciones tan fundamentales para la especie humana como podría ser pensar, hablar y reproducirse. O, según se mire, velar por la perpetuación de nuestra especie una vez aceptada la fragmentación de nuestro cuerpo y después de ser conminados a precipitarnos, a tozos, por un abismo de paredes ininteligibles al final del cual no sabemos qué puede haber, no tenemos idea de qué puede acontecer. Y yo me pregunto: ¿de qué preocuparnos?, ¿acaso sabemos qué nos puede ocurrir en los próximos cinco minutos?.\n«Pantallas y pastillas». El catálogo. Por Enric Farrés Duran para una exposición comisariada por Montse Badía en ADN Platform\n8 junio, 2019 fedemontornes Deja un comentario\nNo pude ver la exposición Pantallas y pastillas comisariada por Montse Badía en ADN Platform, en Sant Cugat del Vallés. Así se lo hice saber el día que nos cruzamos por la calle Aribau de Barcelona. Tras manifestarle mi pesar, Montse me dijo que la exposición había ido muy bien y que hasta se había editado un catálogo. Es más, me dijo: si te interesa te puedo enviar uno. Y yo, ante semejante ofrecimiento, acepté encantado. Después de los treinta minutos que pasamos charlando sobre su exposición y otras cosas, ella se fue por un lado y yo por el otro.\nA la largo de la conversación, Montse me dijo que el catálogo era bastante singular. Que la publicación había sido diseñada por Àlex Gifreu, que se vendía en la librería Laie del Macba por 20 euros y que lo único que tenía que hacer era seguir las instrucciones que me enviaría para que llegara a mis manos. Y a mí, cuando alguien me dice cosas así, se me estremece el alma.\nAl llegar a casa, ya de noche, revisé el correo como hace cualquier autónomo. Y entre lo que tiré a la basura sin leer y lo que leí para acabar tirando, me quedé con el único correo que en realidad estaba esperando: el de Montse. En su mensaje, escueto, me decía lo que tenía que hacer: escribir a Enric Farrés Duran, a la sazón, uno de los artistas de la exposición.\nY así lo hice. Escribí a Enric, quedamos en vernos a las 18:00 h en un bar de Sant Cugat del Vallés y allí nos encontramos el día establecido.\nTras los típicos cuánto-tiempo-sin-vernos, qué-es-de-tu-vida, cómo-te-van-las-cosas y otros modismos rompehielos, entramos en materia. Me dijo que era el tercer catálogo que entregaba y que le hacía mucha ilusión. Las medidas del catálogo eran bastante singulares: 40 x 25 cm. Constaba de 60 páginas, iba atado con una goma negra, se organizaba en quince dípticos y estaba editado en cuatricromía. El papel era un Munken Print de 80 gr y para la tipografía, se había optado por una Druk para el logo y por una Bau para el texto. En la portada del catálogo se reproducía, en color, un gravado antiguo en el que se veía la Biblioteca de Alejandría en llamas. Una ilustración bien escogida ya que la exposición giraba en torno a Farenheit 451, la fantástica y enorme novela de Ray Bradbury en la que, entre otras cosas, se habla de libros que son quemados.\nAl abrir el catálogo, las 36 primeras páginas están dedicadas a reproducir imágenes procedentes de tres fuentes muy distintas:\n– históricas: imágenes de la quema de libros en Alemania en la época de los nazis o en Italia en la época del fascismo.\n– del Quijote: imágenes que ahora no recuerdo pero que están relacionadas con el tema de los libros\n– modernas: imágenes de gente mirando pantallas de móvil por la calle, una pareja mirando un Ipad en la cama sin que se les vea la cara, dos viñetas de Mafalda (una de su conocido basta de censura y el otro en el que se ve Mafalda en versión monos chinos), una chica leyendo un libro en un bosque con un pañuelo tapándole los ojos, la reproducción del Monumento a la quema de libros de Micha Ullman en la Bebelplatz de Berlín, una foto del monumento al libro de Joan Brossa instalado en la Gran Vía de Barcelona en su confluencia con Paseo de Gracia (un monumento bastante desafortunado, según mi modo de ver) y un listado de los libros prohibidos por el Papa Benedicto XII (¿o sería Pio VI?).\nPasadas estas 36 primeras páginas se llega a una doble página en rojo en la que aparecen, listados con tipografía Bau en blanco, los nombres de los artistas participantes: Ignasi Aballí, Chema Alvargonzález, Carlos Aires, Anna Dot, Gonzalo Elvira, Enric Farrés Duran, Dora García, Miquel García, Andreas Kaufmann, Aimar Pérez Galí & Mar Medina, Muntadas, Francesc Ruiz y Tim Youd.\nTras esta lista y en otra doble página aparece el título/logo (Pantallas y pastillas) de la exposición junto al nombre de la comisaria. Y acto seguido, también a doble página, aparecen los créditos de las imágenes y el texto curatorial de Montse Badía.\nEl texto de la comisaria está escrito a dos columnas, con tipo Bau de 10 puntos, interlineado de 12 y en negro sobre papel blanco. Junto al texto se intercalan citas del libro de Ray Bradbury en inglés y en color verde.\nLlegados a este punto, nos damos un respiro. Enric toma dos o tres sorbos del agua que se estaba bebiendo y yo de mi café con hielo y limón. Y departimos sobre temas que ahora no vienen a cuento: sobre la situación del arte en Barcelona, sobre la escena emergente, sobre la tragedia de la media carrera, sobre la relativa placidez de la edad madura, sobre la justicia de la pre muerte y sobre lo extemporáneo de un homenaje póstumo. Y en un momento dado me dice que, del catálogo, sólo se ha hecho una edición de 50 ejemplares distribuidos del siguiente modo: 25 para los artistas y organizadores y los demás para la venta.\nEn relación al texto de Montse, Enric me cuenta que en la introducción se hace un homenaje a la novela de Ray Bradbury publicada en 1954 en tres entregas consecutivas dentro de la revista Playboy. Yo me quedo asombrado, no tenía ni idea y pienso que encontrar estas tres revistas, ahora mismo, debe ser alucinante. A continuación -me sigue explicando Enric- el texto hace una reflexión en torno a la falta de atención actual y a la gran cantidad de pantallas y pastillas que nos acechan por todas partes. Y termina hablando de los distintos contextos en los que se han quemado libros. También me dice que hasta existe un libro donde se reagrupan los casos de quema de libros a lo largo de la historia.\nEn la medida en que la novela de Bradbury vendría a ser como el hilo conductor de la exposición, Enric me cuenta que se organiza teniendo muy presente la estructura del libro. Una solución a la que no es difícil sucumbir porque es un verdadero placer. A partir de este momento, me explica, obra por obra, la exposición de Montse. No creo recordar que se lo pidiera. O quizás sí?. En todo caso, me gustó que lo hiciera. Pensé que al no haber visto la exposición, quizás me podría hacer una idea.\nY así empieza el relato de la exposición, dentro del relato del catálogo:\nLa exposición se inicia con una proyección de bienvenida de 6 minutos de duración extraídos de la película de François Truffaut Farenheit 451, la única que el director galo rodó en inglés. Y junto a esta proyección, una cita de Ray Bradbury que dice algo como que no se deben memorizar todos datos porque estamos rodeados de factoids. (no lo entendí, lo siento)\nDetrás de este muro se encuentra la obra de Andreas Kaufman, una proyección con un marcador que hace una cuenta para atrás. Junto a ella se muestran algunas de las características maletas de Chema Alvargonzález, un artista muy conocido durante los 90 y que murió demasiado joven. Yo le tenía mucho aprecio y, antes de repetirse con el tema de las maletas, me gustaba mucho lo que hacía.\nDespués de las maletas de Chema aparece una de las bibliotecas de Ignasi Aballí y cerca de ella, la obra de Miquel García: una lista de libros prohibidos por el nazismo impresas sobre un material ignífugo y que sólo se puede leer cuando se hace uso de un soplete y se aplica calor sobre su superficie. Con el calor y como por arte de magia, la superficie negra se va aclarando y muestra la lista de los libros en cuestión.\nFrancesc Ruiz, el siguiente artista, está presente con aquella maravilla de cómic que hizo a partir de las imágenes extraídas de los libros sin texto que leen los personajes de la película de Truffaut. Un incunable. Un must, vaya.\nLa obra de Muntadas, que viene a continuación, consiste en una estantería llena de botes con pastillas para curar conceptos muy variopintos. El nombre de las pastillas está escrito en inglés y traducido al coreano, al chino y al japonés. Como para poder entenderlo, se entiende.\nDespués de Muntadas viene la obra de Dora García: una mesa enorme con ediciones de la novela Farenheit 451 con el texto invertido. Otro must, vaya.\nLuego llega Anna Dot con un audio de la performance S’amagaven darrere els arbres, una acción realizada en 2016 en el marco de la Ruta Walter Benjamin, organizada por la Nau Coclea y el MUME, entre Banyuls sur mer y Portbou. Se trata de una obra en la que el público, caminando entre la frontera entre Francia y España, se ve asaltado por unos personajes que a la manera de los hombres-libro de la novela de Bradbury, recitan en voz alta fragmentos de textos prohibidos.\nJunto a este audio de Anna Dot, se muestra una edición facsímil de los tres números de Playboy de 1954 en los que aparecía, fragmentada, la novela de Ray Bradbury.\nA continuación se pueden ver 4 ó 5 dibujos de Gonzalo Elvira en los que se reproduce la portada de libros prohibidos por la dictadura militar de Argentina, su país de origen. Y a Gonzalo le sigue Tim Youd con una de sus novelas escrita enteramente a máquina sobre una misma hoja de papel. Una suerte de enorme borrón negro que impide leer lo que está escrito, en este caso la novela de Ray Bradbury.\nLuego aparece una cita del libro que dice que para aprender a encontrar primero hay que saber esconder. Se trata de una cita escogida por Enric Farrés Duran. Y para terminar, una acción deslocalizada de Aimar Pérez Galí y Mar Medina relacionada con sus lecturas encarnadas.\nUna vez terminado el relato de la exposición, Enric retoma la explicación del catálogo y me cuenta que, después del texto de Montse, aparecen los créditos y la lista de las obras de la exposición con sus títulos, fecha de realización, técnica, etc. Luego aparece el logo de Los Cinco Delfines, editor del catálogo -propiedad de Enric Farrés Duran- junto a ADN Platform. Para terminar, aparecen los agradecimientos.\nEn la contraportada del catálogo se puede ver el logo/título de la exposición junto a una cita de Ray Bradbury o algo relacionado con el cuestionario Proust. No lo recuerdo muy bien….\nPasadas dos horas y cuarenta minutos, Enric dio por terminado el catálogo de la exposición de Montse. Pasamos buena parte de la tarde dialogando en torno a un libro inmaterial. Un catálogo que sólo existe explicado. O en las notas que fui capaz de tomar en dos cuartillas que me pasó Enric y un folio que llevaba yo. En cierta medida, Enric había actuado como un hombre-libro, o mejor dicho, como un hombre-catálogo.\nAl salir del bar, Enric me acompañó hasta mi moto y allí nos despedimos. Él se fue por un lado y yo por el otro.\nEn el camino de regreso a casa, pensando en lo que había sucedido, reparaba en lo eficaz que había sido la explicación de Enric Farrés Durán en torno a aquella exposición y, sobre todo, del catálogo que se había editado. Un catálogo oral, único y distinto cada vez y que yo acabo de explicar en función de lo que anoté a partir de lo que recordaba Enric. Porque todo lo que me explicó, lo dijo de memoria. Pura transmisión oral. El mejor catálogo para una exposición que reflexiona en torno al conocimiento que se transmite a través de la voz de los libros. Un catálogo que invita a reflexionar acerca de la construcción de nuestra cultura.\nPD: Cuando Enric me hizo saber que el libro estaba en venta en la librería Laie del Macba, me entraron ganas de ir a verlo. Y al día siguiente me planté en la librería. Tal y como se ve en la fotografía esto fue lo que encontré: junto a los libros recomendados, aparece un espacio vacío con una cartela tamaño DIN A4 en la que se informa de qué se trata. El catálogo de Pantallas y pastillas.\nOtro must. Sin palabras.\nOro, plata y cobre: Susana Solano, Joana Escoval, Nora Ancarola y Teresa Estapé\n23 mayo, 2019 fedemontornes Deja un comentario\nCuenta que su madre, durante toda su vida, fue reuniendo en una cajita el oro perdido, el oro roto, el oro que rescataba de marcos antiguos, joyas desarmadas… el oro que recuperaba en cualquier parte de la casa. Eran otros tiempos, se hacía en el pasado, era algo muy normal en aquella época. Cuando su madre falleció decidió fundir todo aquel oro que había reunido y con el resultado que obtuvo diseñó tres joyas distintas para cada una de sus hermanas. Este relato de vida tan vinculado a su intimidad es el que cuenta Susana Solano (Barcelona, 1946) para explicar su llegada al mundo de la joyería, el terreno que más transita en la actualidad porque dice que le divierte y, sobre todo, porque no le hace sufrir tanto. Dice que ya no tiene ninguna necesidad del desgaste físico y mental de aquella escultura de gran formato por la que se le conoce y que ahora está por otras cosas. La joyería, por ejemplo. Ese ámbito donde la escultura -su escultura- dialoga con un cuerpo en lugar de hacerlo con el espacio.\nA este punto llegué el otro día poco antes de dar por terminado un texto para la exposición de Susana Solano en el IVAM. Me conmovía el modo en que una artista tan ducha en la monumentalidad, la dureza del hierro y el peso del plomo, a grandes estructuras de rejilla, a jaulas metálicas o a planchas de metal adaptándose al espacio dijera que si pudiera lo borraría todo porque la idea de seguir viendo cómo su estudio se llenaba de esculturas le provocaba un profundo desasosiego. También me resultaba curioso que este deseo de tabula rasa -tan en sintonía con el Séptimo continente de Michael Haneke- sólo hallara placidez en el pequeño formato de una joya, en la idea de una escultura concebida para otro espacio, en una pieza para un cuerpo.\nPicasso, Dalí, Calder, Braque, Fontana, Meret Oppenheim, Warhol, Chilida, etc, son sólo algunos de los artistas que de manera esporádica, natural e intensa se han acercado al mundo de la joyería siendo juzgadas sus creaciones tanto por su valor como joyas como por ser obras de arte. Ahora bien, mientras que para un joyero, el diseño de una joya -es decir: su aspecto, su belleza, su forma y sus materiales- es tan importante como su producción y el peso final, para el artista no es así. La diferencia de método entre un joyero y el artista procedente de otras disciplinas radica, entre otras cosas, en que mientras que el primero entiende su obra como un objeto que, además de preciado y bello, se debe poder llevar, el artista entiende su obra sobre todo como otra cosa: una escultura, una maqueta, un prototipo, un capricho, un divertimento, un experimento, etc. Dicen algunas lenguas que si un joyero diseña para clientes que desconoce el artista lo hace para sus amigos y/o amantes, para crear un momento, para hacer una fotografía, para llevar a cabo una performance… Es decir, nunca (sólo) para ser llevadas.\nPensando en la portabilidad de una joya y en la diferencia entre la obra de un joyero y la joya de un artista, el destino hizo que, en cuestión de pocos días, me hallara frente a la obra de tres artistas que me llevaron hasta el universo de la joyería por una cuestión tan simple como el material con que habían sido realizadas. Ya no se trataba de que sus obras pudieran llevarse o no ni de que hubieran sido pensadas para estar cerca de un cuerpo. Se trataba de que el material con que habían sido corporeizadas, por bien que suele asociarse a un producto de lujo, en este caso fue utilizado para la creación de una obra de arte. Otro producto de lujo, según se mire.\nEn el marco de una exposición cuya sutileza ralla lo invisible pero que tan pronto se percibe lo que muestra no se puede olvidar, Joana Escoval (Lisboa, 1982) expone su obra en la galería Bombón Projects de Barcelona hasta el próximo 1 de junio. Si me preguntaran qué me atrae de lo que construye esta artista diría que son varias cosas: su manera de referirse al equilibrio haciendo uso de la inestabilidad, el modo de apelar a la ingravidez desde un anclaje en el espacio, la voz con que expresa la ligereza de su obra, el diálogo que establece entre lo sólido y una vibración, su forma tan delicada de trabajar con el material, su modo tan singular de vestir la invisibilidad, etc. Ahora bien, si algo me atrae especialmente de la obra de Joana Escoval es el modo en que invita a ser descubierta. Es decir, como quien hace algo prohibido, un acto íntimo, en silencio, como quien aparece en escena cuando no debería. Al margen de evidenciar sus singulares armas de seducción, lo que me cautiva del trabajo de Joana Escoval es cómo su mirada coquetea con el espacio, la forma en que su obra acaricia una pared, el modo en que la pared deviene epidermis…. la forma en que su obra se adapta al espacio. Como una joya lo hace a un cuerpo.\nJunto a lavas procedentes de los volcanes de Olot o de aleaciones metálicas y cobrizas o de finas soldaduras a la manea de nerviaciones corporales o hasta puntas afiladas de bigotes de gato, en la obra de Joana Escoval aparece, además, el oro, la plata y el cobre, tres metales que, según especula Pedro Barateiro en el texto que ha escrito para la exposición, «tal vez tienen propiedades físicas que les permite absorber parte de las personas que los poseen o de las personas con las cuales comparten la vida, una cosa que se manifiesta no solo por su presencia visual sino también por sus propiedades alquímicas, invisibles hasta debajo de un microscopio». O sea, que más allá de su apariencia, estos metales son buena parte de quien los tiene.\nEl oro, la plata y el cobre son tres metales en constante mutación que al ser incluidos en una obra de arte permite que a través de sus «otras» propiedades sus lecturas trasciendan la materialidad y sitúen lo que vemos al margen del tiempo y el espacio. Dice Barateiro en el mismo texto que las formas a las que llega Escoval a través de la singularidad de sus materiales hace que sus esculturas sean entendidas como «lugares de paso» o, según diría yo, como lugares por los que pasa cuánto evoca un material que, según es considerado en ciertos ámbitos del saber, ayuda en los momentos de insatisfacción (el oro), potencia la autoconfianza (la plata) o favorece el sentido de lo estético (el cobre). Sea lo que sea cuanto evoque o signifiquen los materiales con que Escoval esculpe su pensamiento lo cierto es que el modo en que su obra llega hasta nosotros consigue despertar emociones contenidas y evidenciar la rudeza de las palabras cuando de lo que se trata es de dejarse ir.\nA menos que las palabras sean utilizadas debidamente…\nEn 1862, Emily Dickinson (Amherst, 1830 – id., 1886) escribió un poema en cuya última estrofa se alude a la hora de plomo, una sensación parecida a un estado de shock o a ese momento en que el cuerpo se protege a sí mismo dejando incluso de escuchar y en el que todo requiere de un esfuerzo titánico, desde tomar decisiones hasta hacerse un café. El título de este poema es Después de un gran dolor. Y dice así:\nDespués de un gran dolor, llega un sentimiento solemne –\nLos Nervios quedan ceremoniosos, como Tumbas –\nEl agarrotado Corazón se pregunta si fue Él, quién soportó,\nY si pasó ayer, o hace siglos ya.\nLos Pies, mecánicos, recorren-\npor el Suelo, o el Aire, o la Nada-\nun camino sin Gracia,\nPrimero- el Frío- después el Estupor- después abandonarse.\nCuenta Nora Ancarola (Buenos Aires, 1955) que después de la Segunda Guerra Mundial, cuando los jóvenes alemanes preguntaban a sus padres qué hicieron en la guerra solían quedarse sin palabras. Y que a este momento de vacío sin sonido se le conocía como la hora de plomo. Vinculada a una sensación de incertidumbre y desasosiego, pero también a instantes en los que, como dice Joan M. Minguet en el texto de la exposición de Nora, «la libertad individual queda quebrantada y la perversidad emerge en toda su violencia», otro de los momentos que la artista vincula a esa hora de plomo es cuando, después de la guerra civil española, miles de personas se exiliaron a Francia cruzando la frontera en 1939 sin saber exactamente dónde irían a parar sus huesos.\nLa exposición que actualmente se puede ver en el Centre d’Art Maristany de Sant Cugat del Vallés reúne varios trabajos de Nora Ancarola en los que el plomo y la plata han sido tomados como metáforas del combate que mantiene esta artista con temas tan acuciantes como la vigilancia, el control, la emigración o el dolor. Y frente a aquellas horas de plomo que reflejan nuestra desesperación ante situaciones que nos superan, la artista nos habla de momentos de plata o, según se mire, de momentos de sanación. Momentos que equilibran el exceso de desasosiego. Dos de las obras de esta exposición que me han llamado especialmente la atención y que Nora ha materializado en plata en colaboración de la arquitecta y joyera Agnès WO, son Ferida de (la) plata y Casa tomada –polisèmica, ambas de 2019.\nNora Ancarola es de Rio de la Plata, un rio oscuro y marrón que se extiende entre Argentina y Uruguay y en cuyas aguas fueron arrojadas miles de personas desde aquellos vuelos de la muerte fletados por la dictadura militar entre 1976 y 1983. Cuenta Nora Ancarola que, con el tiempo, este río se fue transformando en su sombra. Y también que durante años, proyectó imágenes de este rio sobre su cuerpo como si se tratara de una herida abierta por la que iban supurando sus problemas emocionales. La obra que Ancarola presenta en el Maristany bajo el título Ferida de (la) plata, es un intento de trabajar con esta herida a partir de la imagen de una grieta que, lejos de cerrar o coser, la artista decide rellenar de plata para que pueda respirar, para que pueda entrar la luz.\nSe dice que la plata es un potente liberador de emociones a las que se les debe dar salida para tranquilizar nuestro estado emocional. Rellenando de plata una grieta calcada de la que todavía existe en una habitación de Argentina donde la artista vivió felizmente, Nora Ancarola libra a manos de la luz el dolor de un cuerpo y una mente que sintió en su piel y en la de muchos otros las complejas vicisitudes de un exilio forzado, la incomprensión de una partida, la inquina del poder, el trauma de una opresión, la falta de libertad… la imposibilidad de ser persona.\nJunto a esta grieta de pared tan cargada de emoción como de autobiografía, otra de las obras de Nora Ancarola realizada en plata y que me gustaría sacar a colación es Casa tomada –polisèmica, una pequeña instalación surgida del relato que Julio Cortázar escribió en 1945. Considerado como el cuento de este autor argentino que más estudios ha generado, Casa Tomada narra la historia de dos hermanos (Irene y el narrador) impelidos a abandonar su casa a medida que sienten que sus habitaciones van siendo tomadas por unos (supuestos) intrusos. Rezumando una elevada sensación de invasión, son muchas las interpretaciones que, desde el psicoanálisis al anti-peronismo o la violencia ejercida desde los espacios de la intimidad, se pueden disparar a partir de este relato. Ahora bien, reproduciendo en plata y en plomo la planta de esta casa, al tiempo que la artista aporta luz a la descripción de una situación que parece que no tiene salida, también impide que el destino de sus habitantes se pueda resolver de manera menos trágica. Basta con una llave de plata para cerrar o abrir la casa de plomo; basta con una llave de plomo para cerrar o abrir la casa de plata. Tan simple y esencial como el poder del material.\nPor bien que el oro, la plata y el cobre, además de sus propiedades materiales, también poseen facultades alquímicas, esotéricas, energéticas y emocionales, otro de los aspectos asociados a estos metales es su valor especulativo, en especial, del oro. Considerado como un valor refugio -que no seguro- en tiempos de crisis, el oro es el metal que mejor simboliza la riqueza y el poder y, como tal, se le considera un bien sumamente preciado.\nTanto el oro como el arte son bienes sometidos a las leyes de un mercado inapelable, implacable y, por qué no, un tanto caprichoso. Ahora bien, si se puede seguir por internet la cotización en tiempo real del precio del oro en el mercado al contado, la oscilación del arte en su mercado es imposible de computar.\nTeresa Estapé (Barcelona, 1972) es joyera y artista y en sus «objetos emocionales y simbólicos» aparecen metales o piedras preciosas utilizadas habitualmente para la creación de joyas pero que a la vez también cuestionan el sentido de su valor en función de la lógica de los dos mercados, es decir, el del oro y el del arte. En la exposición Oro, papel, diamante que, hasta hace poco, se pudo ver en el espacio Chiquita Room de Barcelona, Estapé hizo uso de estos tres materiales, revalorizados en tanto que objetos de deseo, con el fin de someterlos, sorprendentemente, a un finísimo proceso de desvalorización consistente en negar sus propiedades más bellas y atractivas. A través de este proceso de reconversión inverso que, privando de valor el material de una joya, permite que por encima de lo visible aflore la esencia “atávica, simbólica y emocional” de la materia -como apunta Zaida Trallero en el texto de la exposición y en relación a Unjewelery, una línea de joyas casi invisible de Estapé- la artista sugiere que el valor de las cosas no depende exclusivamente de una cuestión material. Así, (mal)tratando desde el ámbito del arte el valor de materiales vinculados a la joyería, hace que el valor que tiene su obra sea el que le damos en tanto que objeto de deseo. Una vez más, como si fuera una joya.\nSi en la obra Valor refugio de 2019 Estapé camufla 18 quilates de oro entre 95 folios de papel o en su Diamante, también de 2019, congela al fuego de un soplete los 0,20 quilates de una piedra de una luz preciosa, parece que lo que está sugiriendo esta artista es que revirtiendo la lógica de las cosas el sentido de nuestra vida podría ser muy distinto.\nBastaría con escuchar el latido del metal para hacer tan solo tres joyas. Bastaría con que una pared se convirtiera en piel para poder acariciar. Bastaría con iluminar heridas abiertas para apaciguar el dolor. Bastaría con vibrar con la emoción que siempre emana desde el interior de un objeto.\nSea una obra de arte, sea una joya.\nLuz Broto. Intervención en el marco de «Allez! Encuentro sobre prácticas ambulantes y museos dispersos». Macba, Barcelona\n16 marzo, 2019 fedemontornes 2 comentarios\nA raíz de un suceso ocurrido en el transcurso de una mesa redonda realizada en el Macba en el marco de Allez! Encuentro sobre prácticas ambulantes y museos dispersos, reparé en un concepto que creo que hasta aquel momento nunca le había prestado mucha atención al pensar en, desde, para, sobre las prácticas artísticas contemporáneas y, en especial, en torno a las que abogan por lo intangible o, dicho de otro modo, por las propuestas cuya materia prima no es perceptible y requiere de otras habilidades para poder ser experimentada.\nEl concepto al que me refiero es fragilidad.\nSegún el Diccionario de Uso del Español de María Moliner –biblia-literaria-viejuna-de-gran-poder-evocador-y-a-la-que-me-gusta-recurrir-de-vez-en-cuando– Frágil proviene del latín «frágilis» e igualmente de «frángere». Dice, además, que frágil es lo que se rompe fácilmente por golpe, como el cristal. Otra acepción se refiere a frágil en sentido figurado y vendría a ser algo así como débil, fácil de estropearse o de trastornarse. Al hilo de débil, se dice que esta palabra se puede aplicar a una persona con poca fortaleza para resistir las tentaciones. Y la última acepción me la voy a ahorrar porque creo que si la escribiera provocaría un tsunami que para nada deseo.\nLuz Broto es una artista cuya obra se caracteriza por mantenerse permanentemente en equilibrio entre la obviedad y la revelación, la insignificancia y lo trascendente, lo sencillo y lo complejo o entre dos aguas de corrientes tan distintas que frente a ella -es decir, su obra- es imposible mantenerse neutral. Al tiempo que para unos buena parte de las propuestas de esta artista son motivo incontestable de admiración a ciegas para otros no es otra cosa que la ocurrencia de una artista que, no al no saber hacer nada más, se dedica a provocar al espectador poniendo en evidencia su incapacidad de apreciar la sutileza de una obra que se concibe, nutre, existe y muere mientras está sucediendo, acontece, pasa y está entre todos nosotros sin que apenas nos demos cuenta. Y es que al margen de cualquier apreciación subjetiva la suya es una obra que trata de revelar lo que permanece escondido, hacer audible lo que no se escucha, visibilizar lo que no se ve, lo que forma parte de nuestras vidas sin que reparemos en ello y, en general, de fijar su atención en lo que por su fragilidad o inconsistencia, apenas apreciamos ni le damos la importancia que tiene.\nGeorge Perec, comienza su libro Tentativa de agotamiento de un lugar parisino describiendo lo más destacado de la Plaza Saint-Sulpice -a saber: sus cafés, el ayuntamiento o la Iglesia de Saint-Sulpice- para luego centrar su atención en lo que resulta insignificante o no suele mencionarse. El hecho de que junto a la obviedad Perec no pase por alto lo oculto y lo saque a la luz, sirve para visibilizar la relevancia que tiene para el autor francés «lo que generalmente no se anota, lo que no se nota, lo que no tiene importancia: lo que pasa cuando no pasa nada, salvo tiempo, gente, autos y nubes». Se trata de una actitud (la del escritor francés) suficientemente digna para tener en cuenta por cuanto revela una forma de ser caracterizada por su inconformismo, curiosidad, tenacidad, persistencia y dedicación en sacar de la vida todo el jugo que se pueda.\nSi al hilo de lo que acabamos de apuntar me preguntaran cuál es la necesidad de visibilizar lo invisible, diría que casi ninguna. Ahora bien, si me preguntaran qué me aporta ver lo invisible o tener acceso a lo oculto diría que, al margen de ver la vida con una cierta amplitud de miras, la convicción de que no todo lo que reluce es oro, la posibilidad de entender nuestra existencia sobre la base de lo que no mostramos, la certeza de que lo que vemos sólo es la punta de un iceberg, saber que nuestro mundo no se agota viendo si no que se complementa mirando, apreciar el potencial de los detalles por encima de lo que nos estampan en los morros ver, etc.\nFrente a quienes se conforman con ver lo que tienen delante de sus narices hay quienes disfrutan escudriñando, observando y analizando las capas y capas de información que hay detrás de las cosas y que, al plantar ante nuestros ojos lo que sería una puerta de acceso hacia lo que suele permanecer escondido, consiguen hacer de las vidas de quienes tienen una cierta curiosidad un campo insondable de sensaciones, emociones y vivencias.\nSi la fragilidad suele ir asociada a materiales que se rompen -pienso, por ejemplo, en el cristal- cuando el material con que se trabaja es intangible diría que más que de fragilidad deberíamos hablar de inconsistencia. Y es en base a esta inconsistencia que la obra que se modela a partir de la nada, posee la virtud de convertir la fragilidad en su punto fuerte y, en consecuencia, en aquello a lo que hay que acercarse con mucho tino para no romperse. Algo que Luz Broto controla a la perfección dada su manera de difundir lo que hace, hablar de sus proyectos, desvelar lo que le interesa y sobre todo, de ocultar buena parte de sus intenciones con el fin de que su obra no se haga añicos antes de ver la luz. Broto sabe perfectamente que la fragilidad está ahí y que es necesario ir en cuenta para que no se rompa antes de lo previsto. También sabe que es muy difícil mantener oculto un secreto y que esta dificultad aumenta potencialmente cuando la gente que lo sabe se multiplica sin que ella lo sepa. De hecho, uno de los factores que más gratificaciones aportan cuando se trabaja con Luz es saberse cómplice de una acción de la que casi nadie sabe nada, que quizás no sean muchos quienes la perciban, que sean unos cuantos a los que les dé igual y que cuando se dé por terminada es posible que no vuelvas a ver la vida como lo venías haciendo hasta entonces. El hecho de ser partícipe de un secreto cuyas consecuencias son imprevisibles hace que la exclusividad que representa saberlo sea un tesoro a preservar. Por ello, cuando alguien se va de la lengua, rompe la exclusividad y difunde el secreto como si se tratara de una vulgar receta, el misterio se apaga, la luz regresa a la oscuridad y la experiencia se trunca. Como si se tratara de un cristal.\nY esto, justamente, es lo que pasó en transcurso de aquella mesa redonda.\nComo parte del programa al que nos hemos referido al principio de este texto, el Macba había organizado una serie de talleres «con diferentes artistas y colectivos sobre la construcción de artefactos móviles, la elaboración de protocolos de artista, la mediación itinerante, así como la experimentación en el desarrollo de proyectos digitales desde lo analógico» y, además, «un seminario con una conferencia y dos mesas redondas en torno a la agencia de estas prácticas, la educación expandida y la posibilidad de imaginar prácticas institucionales que estén más allá de entender la escuela como público masa».\nUno de estos talleres lo impartía Luz Broto y durante las dos tardes que duró su propuesta ensayaron «distintas situaciones, en grupo e individualmente, a partir de la activación de protocolos, instrucciones y órdenes en diferentes tipos de espacios, tanto públicos como privados». Por lo que se deduce del texto de presentación de las sesiones, «la intención del encuentro era compartir herramientas que pudieran ser reapropiadas y aplicadas en los distintos espacios educativos y de experimentación artística de las participantes». Puesto que, para Luz Broto, todos los espacios son susceptibles de ser espacios de experimentación -y cuando digo todos quiero decir TODOS- no dudó en hacer de aquella mesa redonda que había sido programada para después de su taller el escenario perfecto para la activación de otra de sus intervenciones artísticas.\nNo era la primera vez que la artista recurría a este formato para desplegar una de sus obras. En 2008, aprovechando que Ignasi Aballí iba a impartir una conferencia en torno a sus trabajos más efímeros, Luz Broto realizó una intervención que en ningún momento fue anunciada al público ni al conferenciante. Titulada Provocar una condensación pasajera sobre la pared de cristal del auditorio, durante el transcurso de una conferencia de Ignasi Aballí, la intervención de Luz Broto consistió, precisamente, en hacer lo que describía y en la medida en que no fue anunciada, es muy probable que nadie reparara en ella. Si, por el contrario, sí fue vista por alguien, es posible que el afortunado/a se preguntara sobre lo que estaba sucediendo, dudara acerca de lo que estaba viendo, pensara que lo que veía quizás formara parte de la intervención de Aballí, creyera que el auditorio se estaba quemando, interpretara aquella condensación como la ilustración perfecta del concepto de lo efímero que defendía Aballí, etc. Lo importante del caso es que nadie debía saber lo que sucedería durante aquella conferencia de modo que la «grandeza» de su intervención dependía de su invisibilidad, de su capacidad en pasar desapercibida. Dependía, en suma, de su fragilidad.\nMientras el conductor de la mesa redonda del Macba planteaba su propuesta y realizaba las presentaciones de rigor, quienes estábamos allí, en la sala, oíamos ruidos y voces extrañas procedentes, con toda probabilidad, de la cabina de control del auditorio del museo. La sensación que teníamos era como si no se hubiera cerrado la circulación de voz entre la sala del auditorio y la mesa de control y las voces de los operarios se escaparan por alguna vía. Podíamos creer que podía haber sido un descuido, cualquier cosa, un despiste cualquiera. Algo difícil de creer ya que, por si desde la sala se escuchaban voces y ruidos extraños, era imposible imaginar que los causantes de la molestia no podían ni tan siquiera sospechar lo que estaba pasando y, sobre todo, lo molesto que era.\nAunque los sonidos no eran continuos sino sólo momentáneos y pasajeros, no había nadie en la sala que no hubiera reparado en ellos. Hasta el conductor del acto, en un momento de su intervención, dijo algo como que aquellos ruidos, de continuar, acabarían con sus nervios. Y ahí lo dejó….\n….hasta que llegó una de las ponentes dispuesta a desvelar el misterio y, de paso, a cargarse de cuajo la intervención de Luz Broto.\nAnte la pregunta que le hizo el conductor para darle pie a desarrollar su tesis, la teórica empezó su intervención informando al respetable de que aquellos ruidos que se escuchaban no eran fruto de un problema irresoluble si no la intervención ideada por Luz Broto a raíz del taller experimental que había liderado la artista.\nTras la declaración de esta mujer perpetrada con ayuda de un micrófono a lo Madonna, escuché un ruido muy cerca de mi, distinto a los que hasta entonces había oído: era la mochila de Luz Broto topando con el suelo después de haberse desplomado de lo que podría haber sido un quinto piso.\nInvitado por la artista, yo estuve allí y si sabía que algo iba a ocurrir, no daba crédito a lo que acababa de presenciar. Cuando otro de los integrantes de la mesa redonda reprendió a aquella señora revelando que los ponentes habían recibido instrucciones de no decir nada de aquellos ruidos para permitir que la sesión transcurriera con total normalidad, la cosa, para mí, adquirió un tono que para nada quería seguir presenciando. Saboteada la intervención de Luz por culpa de la incontinencia verbal de una ponente que se quedó tan ancha, lo único que tenía ganas de hacer era justamente lo que hice, es decir, irme.\nY fue en el camino de regreso a casa cuando me puse a reflexionar acerca del concepto de fragilidad en las prácticas artísticas contemporáneas, en la necesidad de dar y respetar las instrucciones del artista para aprehender debidamente la intangibilidad de sus obras, en la capacidad que tiene la voz para cargarse una propuesta silenciosa, en entender que la materia prima de las intervenciones de Luz Broto es tan frágil y delicada como el más preciado de los cristales, en sospechar que lo que uno quiere nada tiene que ver con lo que acaba siendo y que si, en esta ocasión, fue la voz de quien no calló quien hizo añicos la propuesta de Broto, otro día será otra cosa lo que se cargue sus intenciones.\nElla sabe que trabaja con, para, desde, en, entre, por la fragilidad. Y como quien trabaja con el cristal sabe perfectamente que corre el riesgo de romperlo.\nEn ello radica su solidez.\nMaterial de cabecera para una reseña que ya llegará\n10 mayo, 2018 fedemontornes Deja un comentario\nPara desequilibrar, desestabilizar o mantener permanentemente inquieta la insufrible zozobra que ahoga al arte cuando se instalan los convencionalismos, existen varias maneras de oxigenar el sistema. Alguna de estas maneras son estrategias que se desarrollan en ámbitos tan distintos como interconectados. Es decir:\n– Desde el sistema institucional. O sea, cambiando puestos de responsabilidad cuando se le ocurre al político de turno o cuando la pringa por razones variadas quienes los ostenta con mayor o menor fortuna.\n– Desde el ámbito de la crítica de arte. O sea, preguntándose permanentemente y en cada relevo generacional qué es esto de la crítica y si existe como tal.\n– Desde el universo galerístico. O sea, abriendo o cerrando espacios con la esperanza de que funcione el negocio o resignándose a la cruda realidad.\n– Desde el insondable mundo del coleccionismo. O sea, dejándose ver de vez en cuando mostrando sus colecciones o adquiriendo obras en galerías, ferias o en el taller del artista.\n– Desde el vacío que siempre existe en torno al enigma-del-comisariado. O sea, preguntándose permanentemente y en cada relevo generacional qué es esto del comisariado y si existe como tal, es decir, como sucede con su prima hermana la crítica de arte.\n– Desde la iniciativa privada. O sea, haciendo y deshaciendo lo que les viene en gana porque por algo el dinero es suyo.\n– O desde nada de todo esto por no contar con el apoyo de nadie, es decir, desde la esfera de esas alternativas condenadas a permanecer como tales si realmente son y quieren ser alternativas. Y de estas, no hay muchas.\nAdemás de estas maneras promovidas por satélites que forman parte de la constelación del sistema del arte, también existen las que proceden de los artistas, es decir, las que más me interesan. Pero como también desde este ámbito todo es muy variado, rico y complejo ahora sólo me voy a referir a las me vienen a la cabeza, así sin darle demasiadas vueltas:\na) La primera de las «vías» es la que apuntan las «entradas» que se dan sistemáticamente en el mundo del arte y a cada nueva generación. Es la vía más común o la más natural, por decirlo de algún modo. Se trata de aquella vía que, tras una etapa de formación (o todavía en formación o en formación expandida y alargada) permite que nuevas y distintas voces (o sea, nuevos y distintos artistas) ingresen en el coro del arte que tiene más éxito en cada época. Es decir, el coro que mejor suena, el que mola más, el que proporciona mejores réditos a quienes hacen posible su existencia, el que resulta más resultón y al que casi todos nbo cesan de escuchar porque es garantía de contemporaneidad, modernidad o como se le quiera llamar. Hay que reconocer que se trata de una etapa muy dura, como todas las que vendrán después, así es el arte. Una etapa en la que así como hay quien entiende que lo que hay que hacer es mimetizarse desde la singularidad para seguir cantando en el coro que corresponde -o sea en el coro que toca y en el que se debe estar para mantenerse à la page– también hay quien entiende que su singularidad la debe utilizar para caminar al ritmo que quiera. Al ritmo que le pida su cuerpo. Es decir, al ritmo de cada uno. O sea, sólo. Es decir, al margen del que marca el coro, al margen del que marca el sistema del arte.\nTodos sabemos que caminar solo tiene sus ventajas y desventajas. Pero hacerlo solo, en el ámbito del arte, es poco menos que un suicidio. En especial cuando se es joven, inexperto, ingenuo, un poco pardillo, principiante y sin ese poso de sabiduría que a cada uno le da la vida. La vida de cada uno, se entiende. Porque se trata de una sabiduría que no es innata sino que, como marca el gerundio, se va adquiriendo a medida que se cumplen años.\nNo todo artista joven consigue mantener el interés de su obra. Y es que a la que agota las posibilidades que le brinda la vida mientras es emergente (es decir, acceso a becas para menores de 35 años, exposiciones en instituciones públicas destinadas a lo joven, galeristas suicidas que empiezan junto a ellos, el respaldo de comisarios tanto o más jóvenes que ellos, una crítica tan leída como inexperta e incipiente, etc…) se confirma lo que un buen día me dijo un artista actualmente muy bien considerado. A saber:\n«….por poco que tu obra tenga cierto interés no será muy difícil hacer una primera exposición. La segunda o la tercera quizás tampoco sea demasiado complicado…. El verdadero drama empieza a partir de la cuarta. Y ya ni te cuento a partir de la quinta o la sexta. Eso sí, si llega….»\nA partir del momento en que se cuestiona lo que se acepta por lo que tiene de novedoso, fresco, juvenil, transgresor, estimulante y vital, sucede que el artista debe demostrar que además de todo aquello es capaz de seguir contando algo con cierto interés. En especial, algo que conecte con quienes aportarán a una carrera todavía en ciernes el combustible que necesita para seguir funcionando de cara al público. Si seguir, lo que se dice seguir, está al alcance de cualquiera, lo que resulta verdaderamente difícil es seguir mostrando lo que se hace. O Sea, en gerundio, una vez más. Es decir, haciendo ese chup-chup que convierte un guiso en otra cosa que un ágape reglamentario.\nPor ahora lo dejaremos aquí. No vaya a ser que la liemos.\nb) La segunda vía a la que me voy a referir es la que, a nivel vital, se abre o acontece desde el polo opuesto. Es decir, desde los reingresos en el circuito del arte y de los artistas de fenómenos precedidos de palabras o expresiones tipo: «recuperaciones», «resurrecciones», «apariciones», «revisiones», «salidas-del-baúl-de-los-recuerdos», «maravillas olvidadas», «¿pero-cómo-es-que-no-sabías-quien-era?»etc. Es decir, desde artistas de los que casi nadie tenía noticias, de los que eran pocos quienes se acordaban, que quizás fueron importantes en épocas pretéritas, que quizás ni fueron importantes en épocas pretéritas, que sólo formaban parte de un sistema que se les comió, que no llegaron a sobrevivir como otros (artistas) vivos, que fueron olvidados, que de tanto caminar solos se perdieron por el camino, de artistas que el sistema les trató como no era debido…., etc. Yo diría que algunos de los artistas que podrían formar parte de esta vía, serían los del grupo de los resistentes. Es decir, de los que viendo como otros artistas brillaron con obras que la historia se ha encargado de depositar en la basura, consiguieron mantener la entereza para no suicidarse ante semejante deriva.\nPero no nos engañemos. Rntre los artistas recuperados también hay de varios tipos. Es decir: los buenos, los malos, los que no hacía falta que hubieran salido, los que pese a la maniobra de su desempolvo resulta que su aportación es anecdótica, los que sólo son interesantes porque ayudan a entender una época, los que (sólo) aportan información acerca de un país, un grupo o un pueblo, los que se idolatran porque fallecieron, los que están a punto de hacerlo y-ya-es-hora-de-empezar-a-correr, los que aparecen de repente antes de que sea demasiado tarde, los que son realmente buenos pero el coro de su época no aceptó la voz que gastaban, los que fueron arte y parte de una tendencia obsoleta o los que, según se desprende de su biografía, se apartaron del camino para seguir libremente por donde mejor les parecía. Por donde ellos querían. Es decir, por el camino que quisieron seguir y, eso sí, sin atisbo de rencor y con una obra tan sólida como convincente, honesta, limpia y libre. Y de estos también hay muy pocos.\nPor ahora lo dejaremos aquí. Para no liarla.


Juan 13:34: “Un mandamiento nuevo os doy: que os améis los unos a los otros; que como yo os he amado, así también os améis los unos a los otros”. Si usted es un seguidor de Jesús, un cristiano, un hijo de Dios mediante la fe en Cristo, es una persona bajo autoridad. Usted no se pertenece. Ya no es quien toma las decisiones. Jesús es, pa


Se entiende por Terapias Respiratorias Domiciliarias (TRD) todos los servicios terapéuticos que se ofrecen al paciente para el tratamiento de enfermedades respiratorias, para mejorar el soporte ventilatorio y controlar las alteraciones en la oxigenación del organismo. El tratamiento normalmente tiene lugar en casa del paciente, aunque en los últimos años se están abriendo centros de atención al paciente, para mayor comodidad y menor alteración en sus vidas.\nLas principales Terapias Respiratorias Domciliarias son:\nOxigenoterapia: la oxigenoterapia es la administración de oxígeno a pacientes que sufren una insuficiencia respiratoria crónica.\nCPAP: es el tratamiento para las personas que padecen Apnea del Sueño que, mediante un dispositivo conectado a una mascarilla, suministra aire a presión continua durante el sueño, evitando que las vías aéreas se cierren o colapsen.\nAerosolterapia: es la administración al paciente de medicamentos en forma de aerosol por vía inhalatoria.\nVentilación Mecánica: Consiste en reemplazar o asistir mecánicamente la ventilación pulmonar cuando el paciente no puede respirar por sí mismo.\nContamos con una gran experiencia en la prestación de estas terapias en múltiples enfermedades, que pueden gestionarse a través de nuestros servicios de atención domiciliaria o en los Centros de Atención Integral de Pacientes con Enfermedades Respiratorias denominados CAIDER.\nTrabajamos estrechamente con pacientes, familiares o cuidadores y facultativos para proporcionar un programa de atención y un soporte clínico personalizado en cualquier momento, de forma inmediata y a medida, que contemplen las necesidades individuales y ayuden a mejorar la calidad de vida de nuestros pacientes, crear confianza y ofrecer tranquilidad.\nNuestro objetivo principal es la atención de pacientes con enfermedades crónicas, a través de diversas terapias.\nLas terapias y cuidados que prestamos incluyen:\nTerapias de ventilación\nTerapia nutrición clínica\nDesobstrucción de las vías respiratorias y manejo de las secreciones\nTodas las terapias respiratorias incluyen soporte técnico y clínico, incluyendo la evaluación y el seguimiento clínico y programas educativos.\nAdemás, disponemos de monitorización remota del paciente en aquellos casos en los que se requiera por dificultad en la adaptación a la terapia, hasta conseguir la adaptación a la terapia y la adhesión al tratamiento.


Hipocresía en estado puro | Defensa Central\nHome Opinion opinion diego vargas guardiola karanka conflicto rueda prensa humildad\nActualizado 01 mayo 2012 17:41. (España)\n"Nos venden humildad y valores, pero los que pusieron a caer de un burro a Karanka son incapaces de asumir que mucha gente no piensa como ellos. Son unos intolerantes que acusan de 'pensamiento único' cuando son ellos los que lo pregonan"\nCuando Pep Guardiola anunció que dejaba el Barcelona la reacción del planeta fútbol fue unánime: admiración, buenas palabras, peloteo puro y duro... Estoy convencido de que nadie se esperaba otra cosa por parte de según qué ámbitos. Lo que sí me sorprendió es que cuando Karanka minimizó el efecto que su salida tendrá en la Liga Española todo el panorama mediático nacional se echara encima de él. No dijo nada del otro mundo, el propio Pep lo reconoció. Pero también el propio Pep se sintió molesto por sus palabras. El problema es que sigo sin entender qué motivó el enfado del barcelonismo. O mejor dicho, del antimadridismo.\nLa Liga seguirá sin Guardiola, seguirá sin Mourinho... Las personas, futbolistas, entrenadores y directivos, pasan; los clubes se quedan. Es así de simple, y no hay por qué enfadarse. Estoy seguro de que cuando Mourinho se marche del Real Madrid, espero que dentro de algunos años y de un ciclo de éxitos importante, nadie en el Barcelona lanzará una sola palabra de alabanza hacia el portugués. De hecho, nadie las espera. Como mucho palabras asépticas. Pero parece ser que de Karanka sí esperaban alabanzas hacia Guardiola. Esperaban peloteo, o al menos eso es lo que han dado a entender todos sus críticos. Porque, que yo sepa, Karanka en ningún momento faltó al respeto a Pep o al barcelonismo, no dijo una palabra más alta que otra.\nLa cuestión está en que hemos llegado a un punto en que bailarle el agua al Barcelona es casi una obligación si no quieres acabar lapidado. No hay más que ver la reacción que tuvieron determinados periodistas ante las palabras de Karanka. Pero, más alla de esto, los palos que se llevó el vasco vienen motivados por las ganas que se le tienen al Real Madrid y a Mourinho, al que algunos calificaron como 'autor intelectual' de las declaraciones de Karanka. Nos venden humildad y valores, pero los que pusieron a caer de un burro a Karanka son incapaces de asumir que mucha gente no piensa como ellos. Son unos intolerantes que acusan de 'pensamiento único' cuando son ellos los que lo pregonan. Y lo que es peor, son desinformadores que favorecen la prostitución intelectual. Con hipocresía y a conciencia, manipulando y moldeando la opinión pública. Por suerte, aún hay muchos que no se dejan.


• La abandera del PRI, PAN y PRD a la alcaldía confía en la suma de voluntades que han logrado los candidatos de la coalición Va por Colima en La Villa por lo que dijo, el domingo 06 de junio será su examen final.\nVilla de Álvarez, Col; a 01 de junio de 2021.- Todos los ciudadanos merecemos vivir en un lugar en paz, que esté en armonía, que podamos salir de nuestros hogares y sentirnos seguros y cómodos, por ello mi principal proyecto y sueño como Presidenta municipal será tener un Villa de Álvarez en paz.\nAsí lo reafirmó la candidata de la coalición Va por Colima a la alcaldía, la maestra Tey Gutiérrez, a los ciudadanos durante un recorrido por la colonia Villas Providencia, donde indicó que eso se logrará en unidad con todas y todos los candidatos de la coalición, quienes se han comprometido un vez llegando al cargo públicos al que aspira cada uno, trabajar en equipo para que todos esos sueños se cristalicen.\nAsí mismo informó que “en las preferencias electorales vamos muy bien, pues hemos hecho una excelente campaña, la coalición Va Por Colima ha sumado voluntades por lo que el próximo 06 de junio será nuestro examen final y se verá reflejado en el voto de los ciudadanos” apuntó la abanderada del PRI, PAN y PRD en Villa de Álvarez.\nFinalmente pidió que todos los ciudadanos asistan a ejercer su voto y vivir una fiesta democrática con civilidad, con valores, reglas y sin agresiones ya que dijo, es la única manera de elegir el Villa de Álvarez que todos merecemos.\nFernanda Salazar y la coalición Va por Colima cierran fuerte sus campañas


Análisis: China sigue siendo el premio final que los bancos occidentales no pueden resistir\nPágina PrincipalworldAnálisis: China sigue siendo el premio final que los bancos occidentales no pueden resistir\nA fines del mes pasado, HSBC (HBCYF) recibió la aprobación de los reguladores chinos para tomar el control total de su empresa conjunta de seguros de vida, que se creó en 2009 en sociedad igualitaria con una empresa china bajo reglas que se revirtieron en 2020. El banco dijo que la medida subrayaba su “compromiso con la expansión de los negocios en China”.\nEl gigante bancario británico también busca una mayor participación en HSBC Qianhai, su empresa conjunta de valores en China, según Reuters, que citó a una fuente anónima. HSBC se negó a comentar con CNN Business.\n“El tamaño del mercado de acciones y bonos de China, prácticamente sin explotar, es irresistible para las grandes instituciones financieras del mundo, especialmente porque Beijing finalmente les permite operar fondos mutuos de propiedad total”, dijo Alex Capri, investigador de la Fundación Hinrich.\nChina es el segundo mercado más grande del mundo para acciones y bonos. Pero es en gran parte sin explotar por extranjeros inversores: Las tenencias internacionales representan alrededor del 5 % del mercado de valores de 14 billones de dólares y menos del 4 % del mercado de bonos nacional de 17 billones de dólares, según datos de la bolsa de valores y del banco central.\nEso empezó a cambiar el año pasado, después de Roca Negra (NEGRO) —el administrador de activos más grande del mundo— se convirtió en junio en la primera firma global en obtener la aprobación para un negocio de fondos mutuos chinos de propiedad absoluta. Dos meses después, BlackRock lanzó su primer fondo mutuo en el país y rápidamente recaudó $1 mil millones de más de 111,000 inversionistas.\nLuego, en agosto, J.P. Morgan (JPM) se convirtió en el primer banco estadounidense en obtener la propiedad total de su unidad de valores. El CEO Jamie Dimon dijo en ese entonces que China representa “una de las oportunidades más grandes del mundo” para la firma.\nEn octubre, Goldman Sachs (SG), recibió luz verde para hacerse cargo por completo de su empresa de valores. Y Morgan Stanley (MSPRE) hizo lo mismo con una victoria propia en diciembre, cuando su socio chino dijo que el banco estadounidense planeaba aumentar su participación en una empresa de corretaje al 94%.\nVienen más. A principios de esta semana, el regulador de valores de China dijo que aceptó una solicitud de BNP Paribas (BNPQF) para establecer una casa de bolsa, acercando a la compañía a ampliar su presencia en el país.\n“China representa una importante oportunidad de crecimiento para las empresas de servicios financieros globales”, dijo Brendan Ahern, director de inversiones de KraneShares, una firma de gestión de activos centrada en acciones y bonos de China.\n“Los mercados desarrollados como Estados Unidos y Europa son altamente competitivos y maduros, lo que ha llevado a la compresión de tarifas y la disminución de oportunidades”, agregó. Pero “los mercados de China son relativamente jóvenes en comparación”.\nExpansión a pesar de la incertidumbre\nLos avances significativos para estos bancos se producen unas dos décadas después de que China se uniera a la Organización Mundial del Comercio y prometiera abrir su sector financiero.\nSi bien el progreso fue lento durante un tiempo, el país anunció en 2019 que eliminaría por completo los límites de propiedad extranjera para las empresas financieras el año siguiente, poco después El presidente chino, Xi Jinping, y el expresidente estadounidense, Donald Trump, acordaron reiniciar las negociaciones comerciales.\nEl entusiasmo de los bancos globales y los administradores de activos también conlleva riesgos, ya que existe una creciente incertidumbre sobre el clima político y regulatorio de China, así como las crecientes tensiones de Beijing con otros países.\nA fines de 2020, Beijing lanzó una restricción regulatoria sin precedentes a la empresa privada, preocupada de que tales empresas se hayan vuelto demasiado poderosas. La represión resultante se ha extendido a los principales actores financieros chinos como Ant Group, que se vio obligado a revisar su negocio y ajustarse a las estrictas normas que rigen las operaciones bancarias.\n“Existe la sensación, en términos generales, de que Xi puede moderar parte de su retórica más agresiva después del 20º Congreso del Partido de este año, habiendo asegurado su posición política”, dijo Craig Singleton, miembro adjunto de China en la Fundación para la Defensa de las Democracias, refiriéndose a la expectativa generalizada de que Xi utilizará una importante reunión política para cimentar un tercer mandato histórico. “El mayor riesgo, sin embargo, es que haga lo contrario”.\nVarias empresas occidentales se han visto envueltas en controversias en China a medida que empeoran las tensiones geopolíticas, especialmente por las denuncias de violaciones de derechos humanos en la región occidental de Xinjiang del país.\nEn semanas recientes, walmart (WMT) y Intel (INTC) se encontró con la reacción del público en China por las acusaciones de que estaban tratando de evitar la importación de productos procedentes de Xinjiang. Y el año pasado, H&M, Nike (NKE) Adidas (AÑADIR) y otros minoristas occidentales fueron amenazados con un boicot en China debido a la posición que habían tomado contra el presunto uso de trabajo forzoso para producir algodón en Xinjiang.\nLas empresas occidentales también se enfrentan a presiones internas. El inversionista multimillonario George Soros llamó Roca Negra (NEGRO)La inversión de China en un “trágico error” que podría hacer perder dinero a sus clientes y poner en peligro la seguridad nacional de Estados Unidos. Algunos políticos estadounidenses también pidieron a Wall Street que deje de “habilitar a la China comunista” y adopte una postura más dura contra Beijing.\nEl apretón ha continuado en las últimas semanas. El mes pasado, el presidente estadounidense Joe Biden firmó la Ley de prevención del trabajo forzoso uigur, una ley que prohíbe las importaciones desde Xinjiang por preocupaciones sobre el trabajo forzoso. Envió un mensaje claro de que su administración y el Congreso buscan aumentar la presión sobre Beijing.\nLa decisión de China de permitir que más empresas extranjeras ingresen al país “tiene como objetivo reforzar los daños colaterales en la comunidad internacional”, según Capri, quien agregó que permitir que las empresas occidentales adquieran mayores participaciones en China también le da a Beijing “influencia” sobre Washington y Bruselas. .\n“Esto aumentará las tensiones entre las grandes firmas financieras de Estados Unidos y Europa y sus gobiernos de origen”, dijo.\nSin embargo, el potencial lucrativo en China parece superar cualquier dolor de cabeza político.\n“Si bien China se enfrenta a enormes obstáculos económicos, el país ha desafiado las predicciones bajistas en el pasado”, dijo Singleton, y agregó que los bancos occidentales han seguido generando miles de millones de dólares en ingresos de China, incluso con la reciente represión regulatoria.\n“En otras palabras, los bancos occidentales están jugando el juego largo bajo el pretexto de la diversificación de cartera”, agregó.\nel motivo de china\nE incluso cuando Beijing refuerza su control sobre partes de su economía, hay razones por las que el país está ansioso por abrir su industria financiera a inversores extranjeros.\nEl gobierno quiere utilizar la experiencia global a medida que construye una industria de servicios financieros sólida y diversa, que necesita para gestionar su inminente crisis demográfica. El rápido envejecimiento de la población y la disminución de la mano de obra han aumentado la carga sobre el inadecuado sistema de pensiones del país, y ejerce una tremenda presión sobre el gobierno para que proporcione suficientes recursos financieros para los ancianos.\nLa estricta adhesión de China a su estrategia de “covid cero” y el autoaislamiento lento de gran parte del mundo tampoco han sido suficientes para desviar al país del rumbo. El año pasado, Fang Xinghai, vicepresidente de la Comisión Reguladora de Valores de China, habló repetidamente sobre la importancia de abrir la industria de servicios financieros y aprovechar el capital global y la experiencia financiera.\n“Uno de los atributos clave del Partido Comunista Chino ha sido su adaptabilidad y su pragmatismo”, dijo Singleton.\nAgregó que China entiende que necesita mantener el acceso a los mercados, la tecnología y el capital extranjeros, lo que requiere esas asociaciones continuas con las empresas occidentales.\n“En otras palabras, el PCCh debe integrarse para sobrevivir, lo que significa que no puede evitar por completo las normas o sistemas globales existentes, incluso si intenta modificarlos para adaptarlos a las necesidades de Beijing”, dijo Singleton.


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Represión y violencia ¿Qué está pasando?, según Marea - Question Digital\nLas protestas del último mes surgen después de un fallo del TSJ que representó la ruptura del hilo constitucional , que aunque fue retirado en lo atinente a las atribuciones de la AN y la inmunidad de los parlamentarios, supuso un punto de inflexión en la dinámica política del país. La errada decisión y el que TSJ se haya retractado de ella ponen en entredicho jurídico la condición misma de “tribunal supremo”. Esto sólo sería motivo suficiente de nulidad de todas sus funciones, a no ser de una digna renuncia de sus miembros, que difícilmente pueda esperarse de ellos.\n– El aumento de muertes en sectores populares (fundamentalmente jóvenes) a partir de los operativos de la OLP. En medio año (2015 – inicios 2016), hubo un aumento de 173% del promedio de muertes de este tipo de operativos, incluyendo aquellos desarrollados en los años 90’ con la cuarta república. \nEs sumamente peligroso el uso frecuente de armas de fuego en las manifestaciones, así como el apoyo que reciben los grupos violentos de algunos actores políticos tanto del gobierno como de la MUD. Aun siendo minoría, la violencia de estos sectores radicales domina la escena pública.\nPor su parte, el gobierno ni siquiera reconoce el peligro de la existencia de los “colectivos armados” que suelen actuar con la anuencia de los cuerpos de seguridad, al momento de reprimir movilizaciones y protestas, pero que en cualquier momento pueden también volverse en contra de ellas mismas. Las acciones de estos grupos sirven también para establecer control social sobre territorios álgidos.\nLa irresponsabilidad política de la cúpula de la MUD resulta alarmante. Es evidente y notoria su complicidad con la violencia guarimbera, lo que queda en evidencia en el contenido de sus consignas. El sectarismo y la irracionalidad también se han apoderado de la dirigencia de la MUD, haciéndola corresponsable de la trágica situación en la que se encuentra el país. La ansiedad con la que desean apoderarse del gobierno los hace impotentes para entender la complejidad de la situación que vivimos. Yendo a la deriva de los radicalismos, su incomprensión de lo que ha significado y significa todavía el chavismo, el proceso bolivariano y la nueva coyuntura, ha ido mermando su capacidad de convocatoria. El rechazo del pueblo hacia los dirigentes de la MUD solo es superado por el rechazo mayor que expresan hacia el gobierno, hacia sus cúpulas, hacia la corrupción que representan.\nLo cierto es que al menos doce personas, de ambos bandos y según nuestros propios cálculos, han sido asesinadas en manos del paramilitarismo de los grupos de choque de los dos bandos. Hoy la única justicia a la que se puede apolar es volver al marco del respeto de la constitución de 1999, llamar a los dos polos en pugna a que respeten las reglas de juego, desactivar el odio y apelar un dialogo de muchas partes. Uno verdadero, un dialogo de todos para rescatar entre todos la democracia.\nThierry Meyssan: “La situación está lista y cuando EEUU lo desee comenzará la guerra en Venezuela”


Los Reyes Felipe y Letizia reaparecen tras el escándalo del #CompiYogui - Bekia Actualidad\nLos Reyes han presidido el concierto 'In Memoriam' en recuerdo de las víctimas del 11-M en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Era su primer acto juntos tras el escándalo del #CompiYogui.\nLos Reyes Felipe y Letizia han presidido este jueves 10 de marzo el concierto 'In Memoriam' en homenaje a las víctimas que perdieron la vida hace doce años en el atentado yihadista del 11 de marzo. Allí se mostraron de lo más serios por lo que supone este recuerdo pero también por todo lo sucedido en las últimas horas.\nUn escándalo que les ha salpicado por completo después de que se filtraran varios mensajes en los que los Reyes mostraban todo su apoyo a Javier López Madrid, imputado por el caso de las Tarjetas Black. Unos mensajes en los que además Doña Letizia salía muy mal parada.\n"Te escribí cuando salió el artículo de lo de las tarjetas en la mierda de LOC y ya sabes lo que pienso Javier. Sabemos quién eres, sabes quiénes somos. Nos conocemos, nos queremos, nos respetamos. Lo demás, merde. Un beso compi yogui (miss you!!!)", decía un mensaje que envió una persona que se identificaba como Ltzia.\nLa media sonrisa de la Reina Letizia que delata su malestar\nUn mensaje que deja en muy mal lugar a la Reina, que llegó al Auditorio Nacional de Música de Madrid con una media sonrisa que delataba lo molesta que se encuentra por esta publicación y buscando en todo momento la mirada de apoyo de su marido el Rey Felipe.\nAmbos presidieron el concierto en homenaje a las víctimas del 11-M al que también acudieron Cristina Cifuentes, Íñigo Méndez de Vigo, Patxi López, Soraya Sáenz de Santamaría, Mari Mar Blanco, Jorge Fernández Díaz, Alfonso Alonso y Manuela Carmena.


Consejos de una Amiga: Que nos sucede a las madres cuando no dedicamos tiempo a alimentar nuestro espíritu?\nQue nos sucede a las madres cuando no dedicamos tiempo a alimentar nuestro espíritu?\nCayó en mis manos el libro "Una Madre conforme al corazón de Dios" y me encanto esta parte:\nPrimero: Alimentarnos espiritualmente\nUna madre conforme al corazón de Dios alimenta su alma, pero también está atenta a alimentar la de sus hijos. ¿Qué pasará si nuestro corazón está consagrado al Señor?, ¿Qué ocurrirá si nuestro corazón está lleno de su instrucción y de amor por El? Seremos madres piadosas. Y así… ¡sólo así!... podremos enseñar con mayor eficacia la Palabra de Dios a nuestros hijos. Si llenamos nuestro corazón de la palabra de Dios, (leer a diario la Biblia) ésta tiene un efecto transformador en nuestras vidas, transforma nuestro desempeño como madres y también transforma el ambiente de nuestro hogar.\nSi soy carnal manifiestas serán las obras de la carne, entre los niños habrá gritos, contiendas, ofensas, menosprecio, incluso bofetadas, empujones y forcejeos. Sin embargo, con un corazón sediento de Dios, puedes levantarte y leer 15 minutos la Palabra de Dios y quedar llena de su Amor, te entusiasma la revelación de su palabra, no te desanimas ni quedas apática de la vida. Dejas de lado la mundanalidad y centras tu mente y corazón en las cosas de arriba y el fruto del Espíritu de Dios se hace evidente “amor, gozo, paz, paciencia, benignidad, bondad, fe, mansedumbre, templanza”\n¿Cómo logra una madre manejar un día agitado? ¿Cómo maneja, de forma agradable a Dios, su matrimonio, su hogar, su primer bebé, el segundo, el tercero… que en un abrir y cerrar de ojos se convierten en hijos inquietos? Respuesta: busca la fortaleza divina y la paz que brinda la Palabra de Dios. ¡Y ese es el secreto, el gran secreto!\n“… me agoto. Cuando no hemos alimentado nuestro espíritu, nuestro corazón queda vacio e inestable. Sin alimento espiritual nuestra labor como madres es vana, y la evidencia de nuestra apatía comienza a notarse en nuestros hijos. Todo se vuelve monótono y carece de fuerza espiritual, propósito, motivación, emoción y resultados tanto en padres como en hijos. Si hemos perdido la motivación nuestra maternidad se vuelve insulsa y aburrida. Sin darnos cuenta funcionamos con el piloto automático.\nTerminamos cediendo en la lucha por seguir las normas divinas y una conducta recta. Empezamos a conformarnos con la situación como está. No nos esforzamos por velar en cumplir el llamado de Dios como madres. Fracasamos en el intento de encaminar siempre el corazón de nuestros hijos hacia lo celestial….. y nos centramos en las cosas de este mundo. Si nos afanamos por las cosas de este mundo y nos enamoramos de sus afanes y recompensas, nuestra maternidad será mundana. No seguiremos los principios y caminos de Dios. Caminaremos y educaremos a nuestros hijos según el modelo del mundo. Seremos laxos en las normas de conducta y en las pautas de disciplina. Las cosas de este mundo se abrirán paso en nuestros hogares y en el corazón de nuestros hijos..”\nPuedes buscar DEVOCIONALES DIARIOS en la internet, ejemplo http://www.lwf.org/site/PageServer?pagename=eaqv_for_Devocionales\nPublicado por consejos de una amiga en 19:07\nQue nos sucede a las madres cuando no dedicamos ti...


Fotografía de mellizos a domicilio o al aire libre en Zaragoza\nFotografía de mellizos a domicilio o al aire libre en Zaragoza.\nLa fotografía de mellizos a domicilio se realiza en vuestro hogar para la comodidad tanto de los pequeños como vuestra. Se trata de una fotografía cotidiana y hogareña… Pasamos una mañana juntos con vuestros pequeños y fotografío lo que pasa en vuestro hogar mientras disfrutáis de los pequeños momentos junto a ellos. Son fotografías para el recuerdo, dentro de poco el tiempo pasará y habrán crecido en un suspiro. Por eso es tan importante realizar este tipo de fotografías cotidianas y del día a día. En ellas sale como son vuestros pequeños, cuales son sus juegos el día a día en vuestro hogar.\n¿Cuándo es un buen momento para hacer una sesión de fotografía?\nSi os perdisteis la sesión de recién nacidos porque el tiempo se pasó volando y a lo que os disteis cuenta ya tenían más de 10 días, no pasa nada… Cualquier momento es bueno para realizar una sesión familiar con vuestros pequeños. Ellos son Lucas y Vega, super divertidos y simpáticos. A sus papás se les pasó el tiempo de hacer las de recién nacido y decidieron esperan a que se sentasen solitos para hacer una sesión de los dos peques. Sobre los 8 meses de edad es una buena época para hacer una sesión. Los peques ya se sienta, aunque a veces alguno se caiga hacia un lado. Dentro de poco empezaran a gatear y cuando son dos, la cosa se complica para que salgan juntos en las fotografías.\nDesde aquí quiero dar las gracias a los papás de Lucas y Vega por dejarme publicar unas poquitas fotografías. Es una manera de que los demás papás veíais el trabajo que realizo con las familias y la de fotografía cotidiana, atemporal y natural que no pasa de moda y es el mejor recuerdo.\nMil gracias por visitarme ♥\nSoy Conchy Aísa. Especializada en fotografía profesional infantil y familiar a domicilio en Zaragoza.\nMás historias llenas de amor…\nFormación en técnicas de fotografía y diseño: Israel Luri.\n← Reportaje familiar en Zaragoza: fotografía con amor.\nSesiones de recién nacidos: Maya ha tenido una hermanita. →\n2 Comments on “Fotografía de mellizos a domicilio en Zaragoza.”\nPingback:Mellizos, fotografía premamá, infantil y familiar en Zaragoza a domicilio.


Los españoles vuelven a gastar más en tecnología y viajes - La Provincia\nLos españoles vuelven a gastar más en tecnología y viajes\nElectrodomésticos, salud dental y viajes, los sectores a los se ha destinado más dinero en consumo en el último año\nMadrid | 08·10·14 | 14:48\nLos productos tecnológicos y electrodomésticos, los servicios de salud dental y los viajes son los sectores a los que más dinero han destinado los hogares españoles en el último año, según el informe anual del Observatorio Cetelem del Consumo.\nEl gasto en consumo final de los hogares ha experimentado un crecimiento anual del 2,4 por ciento y los sectores en los que los españoles han gastado más dinero fueron los de electrodomésticos/tecnología -64 por ciento-, servicios de salud dental -62 por ciento-, viajes -54 por ciento- y muebles, descanso y complementos -34 por ciento-.\nTodos ellos muestran incrementos respecto al año anterior, mientras que en el sector de deportes y telecomunicaciones, aunque continúa con un porcentaje de compra elevado -43 por ciento-, el gasto es inferior al del año pasado.\nEl sector cocinas es el que menor porcentaje de compra presenta, sólo citado por un 29 por ciento, con una caída respecto al año anterior de 15 puntos porcentuales.\nEl estudio, que ha analizado el consumo en 12 sectores de la distribución en España, refleja que el precio sigue siendo el factor más importante en la decisión de compra en la mayoría de los sectores.\nSin embargo, variables como la calidad, la rapidez y la comodidad en el proceso de compra empiezan a cobrar importancia, así como la atención de los vendedores o la variedad de los productos en tienda, las tarjetas de fidelización y otras vías para estrechar la relación a medio y largo plazo con los clientes.\nRespecto al consumo de los hogares, para el 64 por ciento el sector más demandado es el de electrodomésticos y tecnología.\nEl gasto en los de gama blanca fue de 379 euros por hogar frente a los 360 declarados en 2013, lo que supone un incremento del 5,3 por ciento, y los que más gastaron fueron aquellos consumidores con edades comprendidas entre los 25 y 34 años, con un gasto medio de 422 euros.\nLos productos de climatización son los menos adquiridos por los españoles, pero han supuesto un gasto de 454 euros de media frente a los 360 euros de 2013, un 26,1 por ciento más.\nEl gasto medio del pequeño aparato electrodoméstico ha pasado de 104 a 108 euros y son las mujeres las que más han gastado en este tipo de productos.\nPor último, el gasto medio en productos de informática y tecnología desciende 3 puntos porcentuales con respecto al año pasado y se sitúa en 277 euros.\nEl sector de la salud dental centra una parte importante del gasto de los hogares, de manera que el 78 por ciento de los encuestados afirma haber acudido al dentista en el último año frente al 73 por ciento que lo hizo el año anterior.\nEl gasto medio declarado por los consumidores en relación a su visita al dentista ha sido de 405 euros frente a los 330 del año anterior.\nLos viajes fueron objeto de inversión en el último año para un 54 por ciento de consumidores, frente al 40 por ciento que lo hizo el año anterior.\nEn este sector el gasto medio ha aumentado de 900 a 933 euros y el canal elegido para contratarlos fueron, fundamentalmente, las agencias de viaje online, con un 39 por ciento.\nEl 34 por ciento de los consumidores ha comprado muebles y elementos de descanso en el último año, frente al 29 por ciento del año anterior, y las categorías más demandadas son complementos y decoración, muebles para dormitorio y elementos de descanso.\nSe incrementa el gasto medio en este sector, especialmente en los muebles del salón comedor -con 711 euros frente a los 608 gastados en 2013- y los consumidores de entre 35 y 44 años son los que más han gastado, 885 euros de media.