Creo que es consenso universal que todos los seres vivos poseen eso que se llama instinto de conservación o de sobrevivencia. Ese instinto, cualquiera que sea su origen o su naturaleza biológica profunda, es el que los hace reaccionar ante el peligro aunque no a todos de la misma manera, sino de acuerdo con la agudeza del peligro y con la especie de que se trate: unos huyen, otros se esconden, otros más emplean la astucia para despistar al enemigo (fingiéndose muertos o mimetizándose, por ejemplo), algunos se defienden haciendo frente al enemigo, y los hay que se defienden contraatacando a quien los ataca. Hay también los que, poniendo de manifiesto una especie de fatalismo o resignación, se entregan a quien los persigue sin luchar, lo que no quiere decir que no les importe vivir tanto como a los demás.\nPues bien, los países que pueblan la superficie de nuestro planeta pueden considerarse, desde ciertos puntos de vista, como organismos vivos y, como tales, podemos dar por hecho que también poseen un cierto instinto de conservación, una cierta voluntad de perdurar y trascender en el tiempo. Dicho “instinto” es lo que se conoce como nacionalismo, como sentido de identidad u orgullo nacional. El surgimiento y consolidación definitiva del Estado moderno tuvo lugar en los últimos decenios del siglo XVIII y los primeros del XIX, y fue el fruto y la consecuencia de la desintegración del último de los imperios de viejo tipo (que se basaban en la aglutinación forzosa de pueblos de diferentes razas, lenguas, culturas y territorios), el llamado imperio centroeuropeo cuya disolución fue seguida, contra todo lo esperado, por un pronunciado debilitamiento del sentido de nacionalidad que se manifestó en el gran prestigio y difusión que alcanzó en esos años el ideal de un internacionalismo de nuevo tipo que sustituyera al imperialismo antiguo; es decir, un internacionalismo entendido como el reino de la convivencia, la paz, la solidaridad y el progreso compartido entre todos los pueblos de la Tierra.\nJohn A Hobson, un destacado economista inglés cuya obra pionera sobre el nuevo imperialismo capitalista en formación fue publicada por primera vez en 1902, dice al respecto: “En vísperas de la Revolución francesa, todos los sabios que había en Europa –Lessing, Kant, Goethe, Rousseau, Lavater, Condorcet, Priestley, Gibbon, Franklin– se sentían más ciudadanos del mundo que de un país determinado. Goethe confesaba que no sabía lo que era el patriotismo y que se alegraba de no saberlo. Los hombres cultivados de todos los países se sentían como en casa en cualquier círculo refinado de cualquier parte. Kant se interesaba mucho más por los acontecimientos de París que por lo que pasaba en Prusia (John A Hobson, Estudio del Imperialismo. Editorial Capitán Swing Libros, Madrid, España, 2009, página 23). Hobson estaba absolutamente en lo cierto. La creación del Estado nacional moderno no fue obra del pensamiento político y económico-social más avanzado, sino de los distintos grupos burgueses emergentes en las distintas regiones del planeta al calor del nuevo siglo (el XIX) y de la Revolución francesa. Teniendo eso en cuenta, se puede asegurar que la creación de los diversos estados nacionales no fue más que un primer reparto del mundo entre grupos de interés que se habían hecho ya suficientemente poderosos como para reclamar su parte del planeta. Sin embargo, el Estado moderno no solo benefició a los poderosos sino también a las mayorías: acercó y unió más estrechamente a los pueblos apoyado en la identidad de raza, lengua, territorio y cultura, y mejoró con ello sus condiciones para luchar y defender su porción de territorio y su derecho a la vida y al bienestar frente a la clase rica de su propio país.\nSi eso es cierto, tal reparto del mundo no fue algo planeado, previamente racionalizado, sino resultado espontáneo de la correlación de fuerzas existente entre las distintas élites económicas y políticas del momento. Por tanto, no pudo garantizar un reparto equivalente de territorio, riqueza vegetal, mineral, fuentes de materias primas, recursos energéticos, costas, ríos, lagos, etcétera. La división “espontánea” resultó sumamente desigual y, por ende, dio origen a un muy desigual desarrollo económico, social y político de las naciones, es la causa de la existencia de unos cuantos países inmensamente ricos que explotan y subyugan a la inmensa mayoría de países pobres y rezagados. De ese desarrollo desigual nació, según Hobson, la necesidad de un nuevo imperialismo, del imperialismo moderno a cuyo estudio dedica su libro, del imperialismo que ha sido el responsable directo de las dos guerras mundiales del siglo XX y de las guerras locales actuales, de la terrible precariedad de la paz mundial y del injusto reparto de la riqueza mundial que ha engendrado un minúsculo puñado de megamillonarios que medran en medio de un inmenso océano de pobreza de las mayorías.\nEse imperialismo es el peligro que amenaza a los países débiles, pobres y rezagados como el nuestro; es lo que debiera obligarnos a revitalizar y difundir nuestros valores nacionales, nuestra cultura, nuestros héroes y nuestras bellezas naturales, con el fin de reforzar el muro de contención de la invasión y el sometimiento que nos amenazan. El ataque sutil del poder mundial contra ese muro defensivo viene de muy atrás pero en los últimos tiempos se ha hecho más agresivo y descarado y se desenvuelve en tres frentes: los medios informativos, la globalización económica y las “revoluciones de colores”. Gracias al control de los medios hoy tenemos una visión invertida de la realidad: llamamos agresores, dictadores, asesinos, terroristas, a las víctimas de la agresión y la ambición imperialistas, y, en cambio, aplaudimos sin reservas todo lo que se nos venda con el sello “made in USA”. Hemos perdido el sentido crítico. Gracias a la globalización nos hemos quedado indefensos ante la invasión comercial y de capital extranjero, hemos perdido el control de nuestro sistema financiero y hemos permitido la ruina de los campesinos y pequeños productores del campo y la ciudad, mientras que los prometidos beneficios en tecnología, crecimiento económico sostenido y bienestar social generalizado no acaban de llegar ni se ve para cuándo lo hagan. Y gracias a los “colores” con que se nos venden las agresiones armadas a los países débiles, olvidamos solidarizarnos con esos países, con nuestros hermanos latinoamericanos que luchan por sacudirse el yugo de las potencias hegemónicas. Hemos perdido la sensibilidad y el humanismo de otros días.\nY como si todavía faltara algo, nuestras efemérides patrióticas están a un paso del bote de la basura, totalmente subordinadas a las “conquistas laborales” de los trabajadores de la educación; la inversión del gobierno en el rescate, desarrollo y difusión de nuestra cultura nacional, vasta y diversa, es casi simbólica; y desde los medios y la calle se ataca, sin plan ni concierto, al gobierno de la nación, con razón o sin ella. Para aislarlo aún más, se ataca también a quienes se piensa que son sus aliados, aunque con ello se haga el juego a maniobras muy extrañas, con fuerte olor a desestabilización financiada desde el exterior. Es el caso de los reiterados ataques contra el movimiento antorchista nacional, al que se mete a fortiori y sin ninguna base en el mismo saco violento que otros grupos conocidos, y del cual hoy se arma un escándalo mediático montado sobre una calumnia infame y absolutamente inventada, mientras se callan o se hacen críticas “light” a verdaderos actos de desestabilización nacional. Parece que hubiera un acuerdo tácito con quienes desean imponernos un gobierno sometido a sus intereses.\nQuienes hacen eso ignoran que no hay país rico o con un futuro promisorio que no inculque a su pueblo, por todos los medios a su alcance, el orgullo nacional y la firme decisión de defender su territorio, sus recursos y su soberanía. Es el caso de los países de capitalismo más avanzado, incluidos los propios Estados Unidos, como nos lo recuerda Trump todos los días. Y es el caso de China, Rusia, India, Cuba y Venezuela en el bando de los que quieren un mundo equitativo y pacífico. Recusar el nacionalismo alegando que es solo chovinismo, xenofobia y temor a lo diferente y no instinto de conservación nacional también, es particularmente peligroso en momentos de riesgo. Renunciar a esa fuerza espiritual frente al imperialismo más voraz que ha conocido la historia es entreguismo, es renuncia al derecho a la vida, es suicidio. Una eventual victoria de Morena nos colocaría ante esta grave disyuntiva: o López Obrador se pliega a los yanquis y su “renovación nacional” quedaría en agua de borrajas, o sufriría un ataque tanto o más devastador que el presidente Maduro. Entenderíamos entonces que no basta un caudillo inspirado, que hace falta, además, un pueblo unido, educado, politizado y armado de un nacionalismo revolucionario a toda prueba, para crear una nación renovada, equitativa y próspera. Solo que entonces tal vez sea demasiado tarde.\nArtículo anteriorDestacan inversión a pueblos indígenas\nArtículo siguienteAnuncian promoción en boletos de acceso a congreso gastronómico


julio | 2011 | 9 de Julio en la LNB\nPARA ESTEBAN DE LA FUENTE, LO DE VERNON GOODRIDGE “ESTÁ EN UN 90 POR CIENTO”\nDeja un comentario Publicado por 9lnb en 09/07/2011\nEsteban De La Fuente mostró cautela con Goodridge, aunque afirmó que está muy cerca. (Foto: cuestionentrerriana.com.ar)\nSi bien en el día de ayer fuentes del club afirmaron ante las reiteradas consultas de 9lnb que Vernon Goodridge ya era jugador de 9 de Julio, el técnico Esteban De La Fuente mostró más cautela con respecto a la llegada del americano.\nEn una entrevista con Uno Contra Uno Radio, el flamante DT afirmó que el acuerdo con el jugador está cerrado en “un 90 por ciento” y agregó que lo único que falta “es que llegue el contrato”.\nSin embargo, advirtió sobre las dificultades que pueden aparecer mientras se espera el acuerdo firmado. “Que te manden un contrato por fax tiene la misma validez que yo te diga que mañana lo tenemos a Kobe Bryant jugando en el equipo”, ironizó.\nAdemás, explicó que existía un “papel” firmado con Goodridge, que debe revalidarse en caso de que el interno decida aceptar la opción de “9”.\nPor último, De La Fuente analizó al trío de extranjeros del Patriota: “Estoy contento. No fueron las primeras opciones porque eran muy caras y el club no estaba en condiciones de hacer ese esfuerzo económico; pero dentro de esas opciones delineamos prioridades y pudimos concretar las tres”.\nESCUCHÁ LA ENTREVISTA COMPLETA CON EL DIRECTOR TÉCNICO DEL PATRIOTA\n> Audio: Gentileza Uno Contra Uno Radio.\nNovedades de 9\t9 de julio, esteban de la fuente, liga nacional, vernon goodridge\nVERNON GOODRIDGE LLEGA A 9 DE JULIO Y COMPLETA EL PLANTEL PATRIOTA\n1 comentario Publicado por 9lnb en 08/07/2011\nGoodridge llegó a jugar dos encuentros de pretemporada con los Golden State Warriors de la NBA (Foto: captura web)\n9 de Julio tiene a su plantel completo de cara a la temporada 2011/2012 de la Liga Nacional. Hace algunas horas, fuentes del club confirmaron a la última figurita del álbum Patriota: Vernon Goodridge, pívot americano de 27 años, 2,08 metros y 106 kilos. Además, agregaron que el jugador todavía no firmó el contrato pero ya dio el “ok de palabra”, por lo que no habría problemas para que llegue por primera vez a la Argentina.\nGoodridge (18/02/84, Brooklyn) surgió de la Universidad de Mississippi y luego pasó a la prestigiosa Universidad de La Salle, donde promedió 6,7 puntos, 5,9 rebotes y 1,6 tapas en 21 minutos durante la edición 08/09 de la NCAA. Los bloqueos parecen ser su especialidad: ese año metió 4,5 cada 40 minutos en cancha.\nCumplidos los años de formación, el interno participó en diversos campus de agentes libres de la NBA, con la camiseta de New York Knicks y New Jersey Nets. En 2010, jugó para Philadelphia 76ers en la Liga de Verano de la NBA. Su sueño de llegar al máximo nivel estuvo cerca de concretarse cuando entrenó con los Golden State Warriors, aunque fue cortado en plena pretemporada.\nPor eso, probó suerte en equipos de la Liga de Desarrollo de la NBA. Con los Springfield Armor logró sus mejores números, alcanzando los 10 puntos, 6 rebotes y 2 tapas en 20 minutos por jornada, con un 57% de cancha y 74% en tiros libres.\nLa página de la empresa que lo representa lo describe como un gran taponador y señala que es atlético y rápido pese a su tamaño. En los videos, esto puede apreciarse con facilidad, aunque sin caer en exageraciones poco objetivas (ese sitio lo compara con el NBA Serge Ibaka). Un déficit son las faltas, ya que cada 23,2 minutos jugados con Armor cometió 3,9 infracciones.\nCuando llegue el contrato, Esteban De La Fuente tendrá a sus nueve fichas mayores para comenzar a trabajar. El trío de extranjeros (Holland, Gayden y Goodridge), a priori, parece tener la jerarquía necesaria para escalar posiciones respecto a la campaña anterior. Claro está que deberán demostrar su potencial y antecedentes en la cancha, cuestión para nada sencilla.\nMIRÁ VIDEOS DE VERNON GOODRIDGE, EL TERCER EXTRANJERO DE “9”\n> Fuentes: rbasports.com y draftexpress.com\nNovedades de 9\t9 de julio, esteban de la fuente, extranjeros lnb, liga nacional, mercado liga nacional, vernon goodridge\nKEITH GAYDEN FIRMÓ EL CONTRATO Y ES EL SEGUNDO EXTRANJERO DE 9 DE JULIO\nDeja un comentario Publicado por 9lnb en 04/07/2011\nKeith Gayden brilló con sus volcadas en el Juego de las Estrellas de la Liga Mexicana. (www.torosdenuevolaredo.tk.)\n9 de Julio sigue sumando fichas para la próxima temporada. En horas de la tarde, Keith Gayden envió el ansiado fax con su contrato firmado y se convirtió en el segundo extranjero del equipo de Esteban De La Fuente. El jugador es un ala pívot zurdo de 27 años que hará su debut en Liga Nacional.\nEl americano, de 2,03 metros y 98 kilos, nació en Chicago el 15 de diciembre de 1983 y se formó en la Universidad de Duquesne, donde alcanzó promedios de 8 puntos y 4,2 rebotes. El sitio oficial del equipo destaca que durante esos años sufrió varias lesiones y lo describe como el “jugador con manos más grandes del plantel”. Al terminar su formación, probó suerte en la Liga de Verano de la NBA jugando para Chicago Bulls.\nComo profesional, su experiencia más importante fue en la Liga Nacional de Baloncesto Profesional de México. En 2008, pasó por los Venados de Nuevo Laredo, donde fue dirigido por el argentino Eduardo Opezzo y compartió plantel con Anthony Stockman, ex extranjero de Peñarol y Libertad. Por sus buenas actuaciones, fue elegido para participar en el Juego de las Estrellas y recibió una “mención honorífica” de la liga (ese año, también fue reconocido William McFarlan, ex Obras).\nTras un paso fugaz por Finlandia, retornó al país centroamericano para defender los colores de las Panteras de Aguascalientes. En la temporada 2010/2011, disputó 15 partidos con excelentes números: 18,3 puntos, 8,5 rebotes, 1,1 asistencias y 0,5 tapas en 27,4 minutos por encuentro (58,4% en dobles y solo 1/10 en triples).\nEn el diario mexicano Hidro Cálido, Gayden explicó que juega de cuatro y su estilo de juego “es físico, con mucha fuerza y agresividad”. En los videos, se muestra como un jugador ágil e intenso en la pintura y de muy buen salto, aunque no tan fuerte. Uno de sus puntos flojos son los tiros libres: con las Panteras, apenas lanzó para un 48% (36/75).\nSu antecedente más cercano son 9 partidos con los Dacin Tigers de Taiwán, en los que sumó 16,2 tantos y 7,4 recobres. En su última actuación, descolló con 30 unidades y nada menos que 23 rebotes (16 ofensivos).\nDe esta manera, solo resta una ficha mayor para completar el plantel Patriota. En las próximas horas, según algunos trascendidos, el club dará a conocer el nombre del tercer extranjero, que también sería debutante en Liga Nacional y ocupará la posición de pívot.\nPor otra parte, un jugador surgido en la institución celeste y que pasó por distintos equipos de la Liga Cordobesa retornará al club. Se trata de Matías Domínguez, que ocupará una de las fichas juveniles del plantel.\nMIRÁ VIDEOS DE KEITH GAYDEN DURANTE SU PASO POR LA LIGA MEXICANA\nNovedades de 9\t9 de julio, keith gayden, liga nacional, mercado de pases, rio tercero


Dónde alojarse en Auckland: mejores zonas y hoteles | Los Traveleros\nInicio/Oceanía/Nueva Zelanda/Auckland/Dónde alojarse en Auckland: mejores zonas y hoteles\nAlojarse en Auckland sin gastar mucho es bastante sencillo. Es la ciudad más grande que ver en Nueva Zelanda y ofrece alojamientos para todos los presupuestos. Normalmente, en un viaje por Nueva Zelanda uno suele pasar muchas noches fuera, así que se agradece contar con alojamientos buenos y económicos. Lo más probable es que arranques tu ruta por Nueva Zelanda en Auckland ya que cuenta con el aeropuerto más importante del país. En este post te contamos las mejores zonas y hoteles donde alojarse en Auckland.\nNuestro hotel en Auckland\nDurante nuestra estancia en Auckland nos alojamos en Waldorf St Martins Apartments Hotel. Moderno, económico y cerquita del centro. No podíamos pedir más.\nEn este mapa encontrarás marcadas las mejores zonas y hoteles donde alojarse en Auckland.\n1. El centro de Auckland, la zona más conveniente\nAuckland no es una ciudad muy grande. Además la mayoría de sus atractivos están en el centro de la ciudad o cerca de él. En fin, que puedes ir andando a todos sitios. Así que sin ninguna duda creemos que el centro de la ciudad es la mejor zona donde alojarse en Auckland.\nEs el típico CBD de una ciudad de Oceanía. Igual que los de Australia, no tienen demasiado atractivo, ya que suelen ser zonas de negocios. Al ser ciudades nuevas, no tienen el ambiente de los centros históricos europeos.\nConsideramos un hotel céntrico, aquellos que estén cerca de Queen Street, la arteria principal de la ciudad. Allí encontrarás tiendas de todo tipo (y de todas las culturas). Así que alojarse en el centro es una comodidad ya que puedes llegar a casi todos los lados a pie.\nAuckland, igual que Nueva Zelanda, es muy segura. Eso no quiere decir que tienes que dejar de ir con cuidado. Igual que en todas partes, hay que estar siempre atento a todo lo que lleves para evitar sustos. Sí es cierto que en Queen Street se ven bastantes homeless pero eso no debe preocuparte.\nPara que tengas una referencia, en el centro de Auckland puedes encontrar cosas interesantes por algo más de 50€ por noche. Aunque mirando los precios te pueda parecer una ciudad cara, no lo es. Si buscas un hotel de 4 estrellas para arriba sí que son más caros que en Europa, pero si buscas algo sencillo donde pasar la noche, puedes encontrar cosas muy razonables.\nBuenas opciones en el centro de Auckland:\nEl centro de Auckland visto desde Devonport\n2. Viaduct Harbour, la zona más glamurosa donde alojarse en Auckland\nSi buscas que tu estancia en Auckland sea especial, entonces te aconsejamos alojarte cerca del puerto. Esta zona es una de las más animadas de la ciudad, especialmente cuando cae el sol. Allí hay muchísimos bares y restaurantes donde salir a tomar algo y a cenar. Además si decides alojarte aquí no estarás mal comunicado: se encuentra a dos pasos de Queen Street, así que también podrás desplazarte a pie por la ciudad.\nNo olvides reservar tu seguro de viaje antes de ir a Nueva Zelanda. La sanidad es cara y una simple consulta médica puede costar cientos de dólares.\nCreemos que es una de las zonas más interesantes donde alojarse en Auckland, aunque también de las más caras. En Viaduct Harbour predominan los hoteles de lujo, así que por menos de 100€ es imposible.\nNuestras recomendaciones en el Viaduct Harbour:\nPrincess Wharf Boutique Apartment\nEl puerto, una de las mejores zonas donde alojarse en Auckland\n3. Parnell, un lugar tranquilo donde alojarse en Auckland\nEste es uno de nuestros barrios favoritos en Auckland. ¡Además es el más antiguo de la ciudad! Fue uno de los primeros asentamientos de los europeos en la ciudad. Nos encanta su paz, su tranquilidad y pasear contemplando sus casas. A parte de ser de los más bonitos, también es de los más ricos.\nComo toda la ciudad, su topografía es muy irregular. ¡Auckland está construida sobre tierra de volcanes! En Parnell podrás disfrutar de tranquilidad, de sus comercios locales sin estar lejos del centro. Además estarás súper cerca del Auckland Domain, el parque más grande de la ciudad.\nEn Parnell no hay demasiada oferta hotelera, ya que la mayoría se concentra en el centro de la ciudad. Aun así, es una de las mejores zonas de la ciudad con mejor relación calidad-precio. Para que tengas una referencia, puedes encontrar buenos alojamientos por unos 85€ por noche. Sin duda, una de las mejores zonas donde alojarse en Auckland.\nBuenos alojamientos en Parnell:\n4. North Shore, una buena alternativa donde dormir en Auckland si tienes coche\nSi no priorizas tanto la ubicación, dormir en North Shore puede ser de tu interés. Está ubicado al otro lado de la Bahía, justo al norte de Auckland. Nosotros lo estuvimos contemplando porque había apartamentos muchísimo más bonitos por el mismo precio que algunos alojamientos en el centro. Sin embargo, por su lejanía lo descartamos porque no alquilamos coche hasta salir de Auckland. Así que si ya tienes vehículo y no te importa cogerlo, puede ser una gran opción donde alojarse en Auckland ya que solo tardarás 15 minutos hasta el centro. En caso contrario, una horita.\nEn North Shore encontrarás básicamente apartamentos y B&B muy apañados. ¡Y lo mejor el precio! Si miras con antelación por unos 40€ por noche tendrás habitación con desayuno. Si buscas algo económico sin renunciar a calidad, es quizá la mejor opción donde alojarse en Auckland.\nBuenos alojamientos en North Shore:\nEl Hotel Esplanade de Devonport, un emblema a las afueras de Auckland\n5. Cerca del aeropuerto de Auckland\nY finalmente, como última alternativa, si alquilas coche en el aeropuerto o llegas muy tarde a la ciudad, no está nada mal dormir cerca del aeropuerto. Hay bastante oferta y desde unos 80€ puedes encontrar cama. Esta es una opción recomendable si quieres empezar tu ruta por el país y no quieres conocer Auckland.\nDe todos modos, no es recomendable, ya que lo más probable es que llegues cansadísimo del viaje y va bien pasar unas horitas en la ciudad para descansar.\nRecomendaciones cerca del aeropuerto:\nRESUMEN DE LAS MEJORES ZONAS Y HOTELES DONDE ALOJARSE EN AUCKLAND


Takemitsu: Imágenes desde el Pentagrama (II)\n“He trabajado con él en muchos proyectos pero nunca le he pedido que escriba un tipo de música determinada para una película. Hay muchos directores que hacen ese tipo de sugerencia. Si el director les dice, hazles llorar en esta escena, ellos seguirán sus instrucciones. Pero con Toru eso no vale. El verá la película y proyectará sobre ella sus ideas musicales. Así la música intensificará la escena y dará vida a elementos que no aparecen en las imágenes. Esa colisión entre imagen y música hace que la película evolucione hacia una esfera más elevada”.\nDe entre los directores surgidos gracias al impulso y a la apertura hacia las nuevas fronteras temáticas conquistadas por el cine japonés a principios de los 60, el atrevido Hiroshi Teshigahara es el más interesado en tender puentes de unión entre el Japón tradicional (el apegado a las viejas costumbres) y el moderno y urbanita (inmerso en un desenfrenado crecimiento económico). Su cine está poblado de antihéroes que, o tienen la mala suerte de vivir en un lugar y en un tiempo inoportunos, o bien se convierten en víctimas de intrigas absurdas y misteriosas que aparejan un replanteamiento de su propia existencia y de los valores que la acompañan (el entomólogo Jumpei de “La Mujer de las Dunas” o el detective que se busca a sí mismo a través de la búsqueda de alguien en “El Hombre sin Mapa”), haciendo gala, en todo caso, de un compasivo estoicismo que, en ocasiones, les conduce a la muerte (el aturdido protagonista de “The Pitfall” o el maestro de la ceremonia del té en “Rikyu”).\nNacido en Tokio el 28 de enero de 1927, Teshigahara se considera un “cineasta accidental”, reconocido por su trabajo en diversas formas de arte japonesas. Hijo del fundador y gran maestro de la Escuela Sogetsu de Ikebana (arte floral japonés), se convierte en director cinematográfico como una extensión de su inquietud por la exploración estética en otros medios de la comunicación. Graduado en pintura por la Universidad Nacional de Arte y Música de Tokio, sólo lega al cine ocho largometrajes a lo largo de una treintena de años. Esa escasa producción contrasta con su interés por el cortometraje, campo donde iniciará su fructífera relación profesional con Takemitsu (“José Torres”, 1959). En el terreno del largo, su cine viene marcado por la colaboración con el novelista Kobo Abe. Considerado el Kafka japonés, la alienación, la pérdida de identidad y las situaciones implacables que aplastan al individuo son el ambiente de sus novelas. Orbes semidesérticas pobladas por individuos que buscan respuestas conforman el universo de las cuatro primeras (y más personales) películas de Teshigahara, en las que Abe es el encargado de convertir sus relatos surrealistas en guión cinematográfico.\nEl argumento de todas ellas incita a la sorpresa tanto como a la reflexión. En Otoshiana (The Pitfall, 1962), un minero (Hisashi Igawa) escapa de una comunidad obrera junto a su hijo en busca de nuevas oportunidades. Tras recibir una oferta de trabajo en un pueblo fantasmagórico del interior del país, es seguido por un hombre vestido con un traje blanco que, sin mediar palabra, lo mata. A partir de aquí los acontecimientos se desencadenan de manera irracional: el espíritu del fallecido pasea por el pueblo buscando respuestas, el asesino aplica su método letal a otros sujetos, dos líderes mineros (uno de ellos idéntico al difunto y desencadenante de este cúmulo de situaciones impredecibles) deciden resolver sus diferencias a navajazos. Aunque la cinta denota su fuerte contenido político ya que medita acerca de la falta de unidad de los trabajadores (Abe era marxista) y de las condiciones del “New y Old Pit” minero, Teshigahara parece más interesado en remover la conciencia del público, provocar un nudo en el estómago a través de la ilógica incidencia del azar y el destino en sus vidas. El azar también condena a Jumpei (el resnaisiano Eiji Okada), un entomólogo de la capital, a compartir su vida, en medio de un gran agujero entre dunas, con una mujer que ha sido esclavizada por los habitantes de un pueblo costero, quienes la explotan para que extraiga arena para ser vendida a las grandes ciudades, símbolos del auge urbanístico del Japón de los 60. Jumpei se ve trasladado a un lugar, a medio camino entre la realidad y la fantasía onírica, donde la extrañeza y la perplejidad se erigen en los máximos exponentes de la narración. Utilizando una puesta en escena sensual y una muy cuidada estética, Teshigahara logra con Suna no Onna (Woman in the Dunes, 1964) una poética obra maestra donde afloran influencias europeas como las de Antonioni y Resnais.\nParecida seducción provoca Tanin no Kao (The Face of Another, 1966), una de las novelas más personales de Abe. La película trata de máscaras y rostros. Debido a un accidente en un laboratorio que le ha desfigurado la cara, Okuyama (Nakadai) debe ocultarla bajo unas vendas. Vive un infierno y la relación con su esposa se desintegra, incapaz de aceptar la nueva situación. Una revolucionaria máscara le devuelve un rostro que no le pertenece pero con el que se siente libre tanto para comunicarse como para despreciar a los demás. Obra amarga y destructiva, Teshigahara construye un cuento de hadas donde reflexiona sobre la vanidad y la revelación, sobre el auto descubrimiento y la ambigüedad existencial, a través de una narrativa precisa que comparte en esencia uno de los temas más obsesivos del novelista: la búsqueda del propio yo. Similar temática reaparece en la irregular Moetsukita Chizu (A Man Without a Map, 1968), que cuenta la historia de un detective de poca monta contratado por una mujer para que busque a su marido. El itinerario que emprende, su contacto con el lumpen y el poderoso influjo del desaparecido llevarán al detective a adoptar la personalidad de aquél, llegando a replantearse sus propios valores.\nLa exploración tonal y jazzística emprendida por Takemitsu en los cortos de Teshigahara contrasta con la investigación tímbrica, el sorprendente empleo de la instrumentación y la disposición de sonidos como imitación de los jardines zen japoneses (un concepto de creación de espacios armónicos en comunión con la naturaleza) que impera en sus largometrajes. En éstos, oscila sobre un punto cardinal a partir del cuál la música se expande hacia posibilidades insólitas. En el campo del cortometraje, son el desarrollo de la armonía y del timbre, anclados sobre melodías hasta cierto punto sencillas, los factores con los que Takemitsu pretende conducir el jazz hasta el límite de sus confines, abrazando allí lo popular. En José Torres (1959), documental de 25 minutos sobre el boxeador puertorriqueño campeón de los pesados, nos ofrece un trabajo luminoso en el que la cuerda destila un romanticismo más americano que europeo y el jazz hace acto de presencia a través de un excepcional empleo de los contrabajos. Sin embargo en Ako (1964), con un Takemitsu deliberadamente francés, irónicamente impresionista, propone un trabajo elegante para piano (el compositor Masao Yagi tras él), flauta y contrabajo, utilizando una única melodía que llega a explorar en contrapunto con texturas electroacústicas. Repitiendo esquemas, en José Torres II (1965), encuentra divertido acudir al motivo de la primera entrega para demostrar que el swing puede esconderse detrás de lo más inesperado (en este caso, una guitarra española).\nEn las cuatro obras del binomio Teshigahara-Abe, Takemitsu explora el concepto de alienación usando sorprendentes premisas instrumentales. En “Otoshiana”, construida íntegramente para dos pianos preparados (tocados por Toshi Ichiyanagi y Yuji Takahashi) y un clavecín, la música se instala en la incógnita. Ni la desvela ni la analiza. Se limita a ubicarse en un plano de radicalidad surrealista para, desde allí, evocar un sentimiento de perplejidad que a veces acompasa y coreografía la acción (el asesinato del minero a manos del hombre de blanco), para en otras ocasiones, situarse en un prisma amenazante (el austero comentario musical que acompaña la vista del paisaje “lunar” donde se desarrolla la trama o la huida del protagonista del campo minero, al inicio de la cinta, se ven representados a través de sonidos secos y violentos, casi espectrales, desconcertantes premisas sobre las que se asienta una partitura verdaderamente original).\nCon “Woman in the Dunes” y “The Face of Another”, Takemitsu alcanza el cenit artístico en su relación con Teshigahara, gracias a un ejemplar desarrollo de las estructuras motívicas y a un valiente diseño sonoro. En ambas, acude a la confrontación temática para poner de manifiesto el discurso subversivo del novelista. En “Woman in the Dunes” la arena emerge como el principal personaje de la trama, en tanto condiciona severamente la existencia de la pareja protagonista. De esta manera, la música se alza como retrato de la hostilidad del entorno, ayudando a que un elemento inerte (la arena) cobre vida y se comporte de manera orgánica. Takemitsu equipara los bruscos movimientos del terreno con los escarceos sexuales de la pareja, seres que han perdido parte de su humanidad anclados en un universo elemental en el que actúan como los primates de un zoológico. Un verdadero punto de inflexión tiene lugar al final de la cinta. Desesperado, Jumpei pide a sus captores que le dejen ver el mar. A cambio le exigen que haga el amor a la vista de toda la comunidad. La resistencia de la mujer impedirá la consumación de un acto, completamente deshumanizado, que es observado por los aldeanos mientras disfrutan de una fiesta tribal donde predominan tambores y máscaras. La aplicación de una música diegética otorga un fuerte componente realista a la secuencia, estimulando, con su teatralidad, el regreso al primer plano del concepto de alienación. Con esta sencilla premisa, Takemitsu logra trasmitir la verdadera esencia del relato: si los humanos se ven asociados a ritmos arcaicos, prehistóricos, se hayan sujetos a una violencia primitiva y atroz; la arena, dominada por la aparición de acordes muy sofisticados, evoca una forma de vida inteligente, adquiere una condición teosófica. Es en la plasmación de esa lucha donde Takemitsu nos muestra con crudeza la moraleja que se esconde tras esta fábula moral: mientras la naturaleza avanza, el hombre retrocede.\nEsa confrontación, expresada a través del concepto de dualidad, se plantea de manera más trasparente y concisa en “The Face of Another”. Aquí, la música responde a la necesidad de subrayar la ansiedad y las ambivalentes emociones de Okuyama, pero especialmente su deseo de comunicación, de aceptación. Desfigurado, el personaje se comporta de una manera muy diferente a cuando recupera su vida social, resguardado tras el disfraz. Takemitsu establece una dualidad de planos sonoros que tiene por objeto “desenmascarar” al personaje: la música adquiere elementos disonantes cuando, oculto tras las vendas, siente el rechazo de su mujer o flirtea con la idea del suicidio. Nos enfrentamos a Okuyama como “individuo”, dominado por sus propias contradicciones. Sin embargo, la tonalidad se abre paso cuando, parapetado tras la máscara, el protagonista se relaciona con sus semejantes y pasa desapercibido entre la multitud, deja de sentirse observado y juzgado. Okuyama, como “ser que pertenece a un colectivo” interactúa con el entorno. En soledad, desequilibrado y aislado, Takemitsu retrata sus actos acudiendo a la armónica de cristal (instrumento cuyo peculiar sonido se ha venido asociando a la locura en cintas americanas como “Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco” de Nitszche e “Inocencia Interrumpida” de Danna). Como despreciable cínico perdido entre la multitud (su médico le advierte: “las máscaras podrían destruir por completo la naturaleza humana”), Takemitsu lo identifica a ritmo de vals vienés (en las frecuentes reuniones con su doctor en un pub alemán, el tema es cantado por Beverly Maeda, con el propio compositor entre los figurantes, una polifonía cultural que contribuye al clima de ambigüedad existencial y pluralismo de personalidades en el protagonista). La misma melodía es aplicada a un enigmático relato paralelo en el que Teshigahara muestra a una joven mujer, con el lado derecho de su cara desfigurado, que seduce a su hermano en un acantilado (con ello, ¿Takemitsu no nos querrá decir que la mujer sólo vive en la imaginación de Okuyama, que representa su derrota?).\nPara ella, el compositor de “Ran” reserva una contribución sonora inesperada cuyo funcionamiento es puramente motívico. Cuando la joven se adentra en los jardines de un sanatorio mental, los locos la rodean mientras realizan acciones autómatas. Repiten palabras, jadean, susurran frases inacabadas, provocando en el personaje reacciones de temor e inseguridad. En el siguiente plano, la joven tiende la colada con evidentes signos de felicidad (acentuados por una larga melena que oculta la parte de su rostro desfigurado). Un enajenado se le acerca por detrás e intenta forzarla. Es justo en ese punto donde Takemitsu inicia un comentario “no-musical” absolutamente genial, al valerse de las mismos balbuceos, de las frases inconexas y de los automatismos lingüísticos que presidían su llegada al manicomio, para, descontextualizados, retratar con ellos el intento de violación. En este clima de alienación, Teshigahara parece no reservar ninguna esperanza a Okuyama: su lado pasivo, representado en la mujer, consciente de su incapacidad para ser feliz, acaba por suicidarse; el activo, tras la máscara, termina asesinando.\nRodada en color y con la ayuda de un gran Estudio (Toho), “The Man Without a Map” es la última (y, desde luego, la menos interesante), de las colaboraciones del trío. El desgaste alcanza al propio Takemitsu, quien cierra la tetralogía con una música que pasa, por completo, desapercibida, forzando el distanciamiento del espectador respecto de la acción. El compositor se preocupa únicamente por crear borrosos estados de ánimo y atmósferas claustrofóbicas a través del empleo de “tape music”. Junto al arpa, un órgano Hammond, diversos instrumentos percusivos (marimba, vibráfono, etc…) y guitarras, aporta al conjunto un lineal tono apocalíptico que impulsa la acción a terrenos limítrofes entre ficción y realidad (un mismo tema acompaña la visión de los suburbios de Tokio o la escena de amor entre la esposa y el detective). Lamentablemente, su tema de créditos resulta demasiado convencional y se limita a seguir los parámetros comerciales de la época, fusionando jazz y pop.\nEse también es el punto de partida musical en el regreso de Teshigahara al cine cuatro años después con Summer Lovers (1972), cinta fallida incapaz de sobrevolar el marco histórico sobre el que se asienta. Aunque la trama se centra en dos jóvenes militares americanos que deciden desertar del ejército en el Tokio de finales de los 60 (en inglés esta figura se conoce como AWOL: Absent Without Leave o “Ausente sin darse de Baja”), el tono semidocumental empleado por el cineasta apuesta por mostrar la desubicación a menudo experimentada por los extranjeros en Japón. Ambos soldados son utilizados como peones políticos por parte de grupos radicales que se enfrentan al militarismo de la época y que apoyan la salida definitiva de las tropas americanas de suelo nipón, ante la perplejidad de unos jóvenes que sólo encuentran cobijo entre los habitantes marginales de los suburbios. Teshigahara se encarga directamente de la fotografía y prescinde casi por completo de la contribución del músico, en aras a resaltar el tono documental del relato. Takemitsu se limita a introducir, a través de apuntes fugaces, una fusión, rutinaria y comercial, de jazz y bebop en su escena de apertura y de subrayar la solicitud de auxilio de una prostituta a un grupo clandestino, en nombre de los desertores, a través de acordes disonantes.\nLa película es recibida con frialdad en Japón y desencantado, Teshigahara se refugia los próximos años en la Fundación Sogetsu. A la muerte de Sofu, su padre, en 1980, Hiroshi se convierte en director de la Escuela de Ikebana. Trascurridos doce años desde su última incursión en el mundo del cine, regresa al medio para hacer realidad un sueño que le persigue desde su visita a Barcelona en 1959, realizar un documental sobre la obra del arquitecto catalán Antonio Gaudí. La película es insólita y su audacia sobresaliente. Prescindiendo, casi por completo, del formato de entrevistas, la cinta propone un viaje al corazón de sus creaciones, a la visión única del genio, intentando desgranar sus influencias artísticas. La fascinación por el movimiento, epicentro del art Nouveau que triunfa en la Europa crepuscular del XIX, su sensual adaptación del gótico y el medievo o su pasión por la arquitectura tradicional, se ven reflejadas en una película que se centra en los detalles de su obra y plantea un paseo por un “universo arquitectónico futurista” en íntima conexión con el pasado. En ausencia de voz en off, la música se erige en fuente principal de comunicación con el público. Si el director apuesta por que sea la obra de Gaudí la que hable en su nombre, Takemitsu subraya lo que se esconde tras la creación, el motor que la impulsa. El uso de texturas electrónicas y de instrumentos percusivos, como la armónica de cristal, incitan a la recreación de un mundo muy personal en extraña convivencia con elementos litúrgicos y ornamentales del barroco (con el laúd y el recorder como exponentes) y con sonidos provenientes de la naturaleza (el ruido de las olas del mar sirven de presentación, por ejemplo, de La Pedrera).\nEsa descarga de creatividad, no olvidemos que sustentada sobre una admirable contención instrumental, tendrá continuación en las dos últimas cintas que rueda el director para Shochiku, aunque los resultados no puede decirse que resulten atractivos. Rikyu (1989) es una bella película que recrea un incidente entre el maestro de té que da nombre a la cinta e Hideyoshi, su discípulo, último regente de la época medieval cuya muerte da inicio a la era Edo. La cinta plantea dos estilos de vida contrapuestos: la paz y la contemplación representadas en el sabio maestro del té frente al ímpetu y la osadía del guerrero. Mientras Rikyu le inculca austeridad y sencillez, el gobernador apuesta por la ostentación. Los ánimos expansionistas de Hideyoshi no encuentran predicamento en su maestro, confrontación que a la postre obliga al viejo sabio a morir por el rito del harakiri. Takemitsu apenas explora las posibilidades de la historia centrándose, como hiciera en el “Inn of Evil” de Kobayashi, en ofrecer dosis de tensión a la trama como punto cardinal sobre el que sustentar la equidistante visión que del mundo tienen maestro y discípulo. Sólo cuando su mirada se torna intimista (subrayando conversaciones entre Hideyoshi y Rikyu o la lección de humildad que trasmite el maestro al navegante portugués Stefano), Takemitsu invita a la emoción, acudiendo al empleo de sugerentes timbres obtenidos a través de la fusión de instrumentos como el sho, la viola de gamba, la cítara so de 17 cuerdas o el órgano.\nEn la última cinta de Teshigahara, que se inicia donde finaliza la anterior, Basara, the Princess Goh (1992), rodada con menos pulso y convicción, Takemitsu insiste en repetir fórmulas, aunque la música está lejos de aportar dobles lecturas a la historia. Acudiendo a una instrumentación más convencional, destaca, sin embargo, por el uso del ryuteki (flauta travesera, único instrumento melódico perteneciente al cuarteto que compone el teatro Noh), que se encarga de poner de manifiesto los componentes femeninos de una princesa demasiado hinchada de testosterona.\n4. Masahiro Shinoda\n“Trabajar con Takemitsu es como una utopía. Luchábamos contra la falta de presupuesto. Recuerdo sesiones de sólo dos músicos, pero jamás Toru empleaba un número determinado por razones financieras. Era capaz de escudriñar la vida interior de los personajes y traducirla a música”.\nMasahiro Shinoda ve la luz en un pueblo de la Prefactura de Gifu en 1931. De alta posición social (nace en el seno de una familia de terratenientes e influyentes políticos de su comarca), pronto se interesa por las Matemáticas y la Física, aunque como tantos otros desengañados con el papel de Japón en la Segunda Guerra Mundial, acaba por abandonar los estudios al encontrar en la fría racionalidad de la ciencia el vehículo sobre el que apoyar el ánimo expansionista de su país. De este modo, ingresa en la Universidad Waseda y se convierte en uno de los tres estudiantes de su promoción que se apunta al programa de Historia del Teatro, pasando a ser un especialista en noh, kabuki y bunraku (teatro de marionetas), lo que indirectamente le separa de sus coetáneos de la “Nueva Ola” (Nuberu Bagu). A diferencia del rupturismo inicial de los Oshima o Yoshida, obsesionados en sus primeros años con un cine de naturaleza política, a Shinoda, ferviente admirador de Mizoguchi y Ozu (no en vano, fue ayudante de dirección de este último), no le interesa una reconstrucción de la realidad de su tiempo a través de un género, el taiyozoku, que surge como respuesta a las revueltas estudiantiles provocadas por el AMPO (“Youth in Fury” o “Pale Flower” equivaldrían sólo de un modo subsidiario a “Cuentos Crueles de Juventud” de Oshima o “Rokudenashi” de Yoshida, como exponentes de una juventud rebelde que erosiona los cimientos del tradicionalismo japonés), sino que lo que le importa es un concepto representacional de la misma, qué idea superior puede alcanzarse a partir de ella.\nLa muerte de su madre en 1953 lleva a la familia a la bancarrota. Tras abandonar la Universidad en busca de trabajo, Shinoda aprueba un examen en Sochiku y entra como ayudante de dirección. El éxito comercial de “Ciudad de Amor y Esperanza (1959)” de Oshima, provoca que la productora, atenta a una nueva corriente de cineastas jóvenes, le ofrezca la oportunidad de dirigir su primera cinta. El resultado, “One Way Ticket for Love (1960)”, pasa bastante desapercibido. Será tras el triunfo de “Cuentos Crueles de Juventud”, cuando Sochiku decida apostar definitivamente por la juventud, aunque sus intereses cambiantes (no duda en secuestrar varios días “Noche y Niebla en Japón” de Oshima debido a las acusaciones de anarquista y subversiva que pesan sobre ella tras su estreno) provoca que muchos de estos nuevos directores la abandonen al cabo de los pocos años.\nSu segunda cinta, Kawaita Mizummi (Youth in Fury / Dry Lake, 1960) resulta un éxito. Con ella, Shinoda inicia su colaboración con Takemitsu (trabajarán juntos en 16 de las 32 películas que conforman la filmografía del director) y con la que será su esposa y actriz fetiche, Shima Iwashita. La frustración y el pesimismo son el eje central de una historia que firma el irreverente Shuji Terayama (poeta, cineasta y artista paradigmático del movimiento “Fugitivo”, cuyo lema “Tira los libros y sal a la calle” resume su filosofía). Mikami es un estudiante radical que idolatra a dictadores como Hitler y Castro. Asiste a fiestas celebradas por sus amigos ricos en las que habla de política y se plantea luchar contra un gobierno, vendido a los americanos, en el que no cree. Mikami radicaliza sus posturas y planea una cadena de atentados hasta que es detenido por la policía. Takemitsu opta por retratar un Japón colonizado por estilos como el jazz y los ritmos latinos. La partitura hace gala de un notorio formalismo a medida que el personaje se distancia de sus amigos ricos, para dejar paso a un recurrente tema central que se asocia, de manera exclusiva, a su comportamiento subversivo.\nTras seis películas en un periodo de dos años, Shinoda se reencuentra con el compositor en Namida o Shishi no Tategami ni (Tears on the Lion´s Mane, 1962), donde sigue explorando la desilusión de la juventud japonesa de posguerra. La historia gira alrededor de Saburo, un joven que trabaja para una compañía naviera en Yokohama, donde mata accidentalmente a un líder sindical que resulta ser el padre de su novia. El joven se expresa a través de una guitarra, pero las tendencias populares de su música no siempre son políticamente correctas. Takemitsu refuerza el discurso nostálgico de Shinoda con una bellísima partitura que anclada en el jazz se expande, con el uso de las cuerdas, hacia una perspectiva melancólica del desencanto de su protagonista con la sociedad japonesa de la época.\nPero Shinoda pronto abandona el cine reaccionario, en el que se haya inmerso, por ejemplo Oshima, y amplia la temática de sus filmes. En adelante, los dilemas morales que enfrentan tradicionalismo y modernidad, los fantasmas del pasado que abocan a un sufrido presente y a una idea del destino que comporta una muerte cruel como liberación, o el retrato de amores imposibles en lucha contra un código moral y ético que coarta la libre elección del individuo (acercándose con ello al cine humanista de Kobayashi) pasarán a ser los temas centrales de sus películas.\nEn su acercamiento al jidai-geki, Shinoda hace gala de una singular dialéctica. En Ansatsu (The Assassination, 1964), reflexiona sobre la ambición y el poder en plena decadencia del Shogunato, a las puertas de la restauración Meiji que a finales del siglo XIX convertirá a Japón en un estado moderno (época retratada ricamente en el cine japonés, a través de muestras sugerentes como “Eijanaika” de Imamura o la reciente “Gohatto” de Oshima). Dos facciones políticas, encabezadas por influyentes samurais, defienden, por un lado al Shugunato y por otro al Emperador. Uno de ellos, Hachiro Kiyokawa, después de largos años de fidelidad al Monarca inicia un acercamiento táctico al Shogunato. Esa traición es vista con recelo por ambas partes. Sus hasta ahora seguidores no entienden las razones de su comportamiento y se enfrentan a él. Los nuevos aliados sospechan de sus verdaderas intenciones y contratan a un asesino para que acabe con su vida una vez cumpla el objetivo, matar al Emperador. Hachiro deberá dejar a un lado sus escrúpulos, como prueba creíble de su traición al Emperador, para infiltrarse en las líneas enemigas y desestabilizar el poder del Shogunato.\nPara explorar la psicología de Kiyokawa, adentrarse en el corazón del hombre, Shinoda abandona la narración cronológica y evita una progresión racional de la trama. Tomando como referencia el “Ciudadano Kane” de Welles, intenta penetrar en la verdadera identidad del samurai a través del uso del flashbacks, adoptando una amplia gama de puntos de vista narrativos, entre los que incluye a su discípulo, al asesino y a su amante (lo que la conecta al “Rashomon” de Kurosawa). Hábilmente, Shinoda se introduce en el ensayo para otorgar a este “Asesinato” una asombrosa resonancia contemporánea. Takemitsu contribuye con una música sobria construida sobre dos instrumentos, apelando con ello a la doble personalidad de Hachiro: su ambigüedad política, esa posición indeterminada entre el Shogunato y el Emperador que da lugar a malentendidos y traiciones, se asocia al empleo del piano preparado, subrayando las intrigas y el episódico tratamiento de relatos épicos que sobre su vida se exponen a través de los flashbacks. En el otro extremo, el shakuhachi nos adentra en su lado más humano, retrata su debilidad y flaqueza en el cumplimiento del deber. Así, cuando Hachiro confiesa a su amante haber matado por primera vez a un hombre, Takemitsu acude a un tema desgarrador para retratar el derrumbamiento emocional del samurai. Esa melodía al shakuhachi volverá al primer plano con la muerte de Hachiro. Presentada como una figura imbatible y poderosa para todos sus enemigos, que Takemitsu utilice el tema en su derrota final supone la constatación de la condición mortal que éste adquiere para su asesino.\nMenos profunda y conseguida, Ibun Sarutobi Sasuke (Samurai Spy, 1965) toma como trasfondo histórico el inicio del Shogunato. Shinoda retrata un país atestado de espías que trabajan para poderosos clanes (respuesta a la japonesa de los turbulentos años de guerra fría que dominan el panorama mundial de la época). Como en “Ansatsu”, la traición ocupa el epicentro del relato. La película bascula entre la intriga política y la historia de amor convencional, resultando una interesante fábula de acción gracias a la teatralidad de la que hace gala Shinoda, quien incluye planos largos y sostenidos para elevar la fuerza del discurso. Takemitsu se preocupa de traspasar las propias barreras estilísticas del chambara en aras a proponer un mayor dramatismo. Su música despoja a la muerte de cualquier significación gloriosa, elimina la ornamentación propia del bushido. Alejado de los clichés del género, se muestra contenido y emocionante a través del empleo de flautas y cuerda.\nEn el fondo, Shinoda trata de mostrar las contradicciones del sometimiento a un código ético y moral. Todo su ceremonial no es más que una compilación de normas rígidas, violentas y abusivas, que oprimen la libertad del individuo y se contraponen a sus deseos más íntimos (aspectos que se harán marcadamente presentes cuando adapta los bunraku de Chikamatsu, donde no queda más remedio que elegir entre el código o el amor). Ese es el planteamiento de una de sus películas más interesantes, Kawaita Hana (Pale Flower, 1964). Inmersa en la tradición del “cine de yakuzas”, la cinta retrata la erosión y el desgaste emocional de un criminal, escéptico con todo lo que le rodea. Nihilista convencido, ha dejado de creer en su propia organización, a la que acude después de tres años en la cárcel por matar a un miembro de una banda rival. Muraki entiende la lucha como una actitud individual por encima de su clan y siente una profunda falta de empatía hacia el nuevo rumbo que ha tomado el país. Todo ello compromete su juramento a un código, el jingi, que entiende arcaico y desfasado. Quizás la película de Shinoda más estéticamente occidental (su expresionismo abstracto remite al cine negro de Lang o al manierismo formal de Antonioni), “Pale Flower” es una lúcida visión del rápido crecimiento económico de Japón y la lenta adaptación de la población madura a ese torbellino de cambios.\nFrecuentando los bajos fondos y los salones de juego, donde apuesta grandes cantidades de dinero, Muraki conoce a la joven Saeko, una adolescente rebelde que viste ropa deportiva, adora los coches caros, la velocidad y el riesgo. En una de sus partidas clandestinas, tropiezan con un enigmático yakuza, Yoh, que ha huido de Hong Kong por matar a un hombre. Su pálido rostro llama la atención de Saeko, a la que primero seduce y luego asesina. Cuando Muraki descubre el fatal desenlace, la convierte en su heroína (“no me interesa conocer el porqué de su muerte, sólo sé que a partir de ahora la adoraré…. precisamente porque ha muerto”). La película respira pesimismo e incide en la naturaleza animal del hombre (Muraki vuelve a los suburbios y descubre cómo en su ausencia ha tenido lugar un boom inmobiliario: “los hombres son bestias que viven en jaulas”, proclama).\nTakemitsu contribuye con una partitura breve, pero muy precisa. El ambiente nocturno de la gran ciudad, los bajos fondos, se ven asociados a un jazz caótico y opresivo, mientras que en los clubes visitados por Muraki se respira un jazz mucho más elegante, haciendo hincapié en una fachada que trata de ocultar la gran variedad de criminales y delincuentes que los frecuentan. Buen ejemplo de esta exploración jazzística es la aparición del enigmático tema principal sobre un primer plano de Yoh, fondo musical que, con posterioridad, Takemitsu aplica a las excitantes apuestas clandestinas de Muraki y Saeko (llega a sustituir el verdadero sonido de las cartas al barajarse por un clásico baile de claque, estilizando aún más las partidas) o al reencuentro del protagonista con un misterioso amor del pasado. También resulta atrevido el coreografiado enfrentamiento entre Muraki y Yoh, apoyado sobre el empleo de voces, o el recurso de utilizar el “Dido y Aeneas” de Purcell en el clímax final, ya que al actuar en contraposición a la imagen, resalta la patología asesina de un Muraki cuyo proceso de deshumanización crece a medida que descubre su incapacidad para adaptarse a los nuevos tiempos.\nEl amor imposible, su sometimiento a un código y a unos condicionantes sociales que lo impiden, forman el nudo central de las obras de bunraku (títeres) escritas por Monzaemon Chikamatsu y adaptadas al cine por Shinoda, Shinjû: Ten no Amijima (Double Suicide, 1969) y Yari no Gonza (Gonza, The Spearman, 1986). La primera, versionada libremente unos años antes por Kenji Mizoguchi en “Los Amantes Crucificados” (más tarde Masumura se atreverá con otro remake), es una de las cintas más importantes de Shinoda, quien comparte con el dramaturgo su punto de vista fatalista, donde el destino espera y el hombre es incapaz de escapar a él. En la Osaka del siglo XVIII, Jihei, un comerciante casado, está profundamente enamorado de la cortesana Koharu, pero no dispone del dinero suficiente para comprarla. La familia de Jihei le prohíbe verla, pero la obsesión de uno por el otro les condena al suicidio como única forma de mantener a salvo su amor. Frente a la cadencia y los largos planos de Mizoguchi, Shinoda opta por una narración deliberadamente teatral: sus personajes no sólo no pueden traspasar el marco de los decorados (cuando lo hacen, fruto de la ira, encuentran otro más allá que les devuelve a la ficción), sino que se ven continuamente acompañados por los titiriteros del bunraku, como constatación de la artificialidad del conjunto. En esta ancestral forma teatral, el títere requiere del uso de tres hombres trabajando al unísono para su manipulación. En “Double Suicide” los titiriteros, enmascarados tras su gasa negra, no se encargan de articular las marionetas, sino que sustituidas éstas por actores de carne y hueso [la cinta parte de lo real (los ensayos) para adentrarse con rapidez en lo ficcional (la propia representación)], se limitan a observar a los personajes dirigirse a su destino o en palabras de Shinoda: “se comportan como agentes para los espectadores que quieren penetrar en la verdad del dolor de los amantes”. La utilización de agentes externos como forma sobre la que canalizar el sufrimiento de los personajes es un recurso habitual en el cine japonés (en la magistral “Manji” (1964) de Yasuzo Masumura, un misterioso psicólogo ejercerá de vehículo para la transmisión de las emociones de la protagonista al público).\nTakemitsu, quien deja clara su implicación en la cinta al ejercer también labores de guionista, se muestra tremendamente respetuoso con el bunraku al acudir a sus propios signos de identidad: a un cantante gidayu y al empleo de su instrumento más tradicional, el shamisen. Esto tiene lugar en los interiores escénicos donde se suceden, con estricta formalidad, los antecedentes de la tragedia, pero traspasa los convencionalismos teatrales con un uso de la instrumentación más audaz, incluyendo los sonidos de una conversación telefónica o percusiones como el gamelán y las campanas de un templo budista, a medida que la acción se aleja de la ficción. Contenida, la música parece surgir desde un hábitat diegético para resaltar la propia condición teatral de lo narrado. Takemitsu, sin embargo, renuncia al formalismo del bunraku cuando se adentra en la psicología de los personajes: abandonado por su mujer y apoyado sobre un uso efectista de la cámara lenta, Jihei irá traspasando escenarios en un desesperado intento por huir del marco teatral, mientras la música, arraigada en su subconsciente, describirá el intento de evasión. La sucesión de cuadros narrativos oníricos que fusionan mito y realidad conforman la principal peculiaridad de “Doble Suicidio”. Pero esa necesidad de trascender el teatro de marionetas se hará mucho más evidente en el clímax final. Tras matar a Koharu, Jihei, con la ayuda de los titiriteros, utiliza su cinturón para ahorcarse. La escena, envuelta de una atmósfera insana, es rodada completamente en exteriores. Para remarcar la perturbación del desenlace, Takemitsu, de nuevo sorprendente, acude a una frase modal obsesiva ejecutada por una flauta turca.\nEn “Gonza, The Spearman”, la fatalidad regresa al primer plano. Gonza es un samurai al que todos envidian: los hombres por su habilidad en las artes marciales, las mujeres por ser el hombre “perfecto” al que todas desean. Él aceptará un matrimonio de conveniencia con la hija de una familia de buena posición a cambio de los secretos que de la ceremonia del té guardan celosamente de una generación a otra. Cuando Osei, la madre, le deja leer a escondidas los escritos, el envidioso Bunnojo se hará con sus cintos proclamando el adulterio de ambos. Esa falsedad les aboca a un suicidio para dejar a salvo su honor. Osei, sin embargo, propone a Gonza vivir como marido y mujer, al entender que el honor a salvaguardar es el de su marido. Poniendo en práctica las normas del código ético, el esposo deberá encontrarlos y matarles. Sin ninguna concesión al oyente occidental, Takemitsu se adentra en el drama a través de un cantante noh, algo inhabitual en el bunraku pero esencial aquí al dar primacía a la formalidad y linaje de los protagonistas. El compositor ayuda a establecer la rigidez moral del relato acudiendo a instrumentos que formalmente se ven aplicados a la condición social de sus personajes (shamisen, kokyu, shinobue, etc).\nEl componente de la fatalidad, centrado en una figura sufriente femenina, supone un claro acercamiento al discurso fílmico de Mizoguchi. Ese compromiso llega, en algunas cintas a adoptar componentes estéticos como el uso de tomas largas y lejanas, o el empleo de planos equilibrados con elegantes movimientos de cámara. Tras la utilización de estos modelos en películas como Utsukushisa to Kanashimi to (With Beauty and Sorrow, 1965) basada en una novela de Kawabata o la prebélica Akane-gumo (Clouds at Sunset, 1967), en las que Takemitsu imprime a la narración un sello bastante impersonal (incluyendo un uso afrancesado del clavicordio), el compositor alcanza mejores resultados en Sharaku (1995), su última partitura para el cine, donde Shinoda se centra en la figura del pintor de tablillas del siglo XVIII que da nombre a la película, coetáneo a otros maestros como Hokusai y Utamaro (éste último retratado por Mizoguchi en el clásico “Utamaro y sus Mujeres”). Takemitsu, con un valiente manejo del color orquestal, nos invita a un ejercicio contrapuntístico de primera, fusionando instrumentos tradicionales con una dixieland y una orquesta de corte contemporáneo, mezcla con la moderniza la historia, le confiere atemporalidad, universalizando sus paradojas.\nLa afinidad de Shinoda con el director de “Cuentos de la Luna Pálida” encuentra su mejor exponente en Hanare Goze Orin (Orin/Banished, 1977), historia de tintes trágicos que arranca en 1920. Orin es una niña ciega entregada por su tío a unas Goze para evitarle un incierto futuro en la prostitución. Las Goze son cantantes virginales que tienen prohibido el sexo y que en la ceremonia de su primera menstruación son casadas con Buda. Violada aún en su adolescencia, Orin, expulsada del grupo, emprende un viaje a ninguna parte en compañía de Senzo, un misterioso joven que oculta un pasado escabroso. Buscado por la policía por desertor y criminal, ejerce de guía de una Orin que se gana la vida tocando el shamisen, hasta que es forzada por un viejo boticario y Senzo decide cobrarse venganza. Tras ser ajusticiado, Orin deberá continuar sola su viaje a lo largo de un Japón inmerso en un creciente y peligroso militarismo. Takemitsu crea un score dominado por pasajes mahlerianos e impresionistas, acudiendo a un tema recurrente, el de Orin, que emerge conectado a los sentidos, instalado en su imaginación para, desde ahí, adoptar un tono representacional de la realidad. La música se vincula a un mundo utópico e irreal apoyado sobre una naturaleza mágica y evocadora. Junto a esa visión condescendiente que tiene Orin de cuanto la rodea, incluida su percepción sobre el resto de personajes, Takemitsu, en contraposición, nos ofrece su contacto con la realidad a través del empleo del shamisen y de las canciones populares con las que se gana la vida. Éstas, empleadas diegéticamente, cumplen una función extradiegética cuando se utilizan para subrayar su necesidad de amar y ser amada, como muestra de su incapacidad para aceptar el rechazo que provoca su ceguera en los demás.\nOtro tema recurrente en la filmografía de Shinoda es la aparición de fantasmas del pasado cuya función es turbar el bienestar presente. En estas obras, donde prima lo psicológico, Shinoda expone la “pathos” como premisa a partir de la cuál se comprende la infelicidad en la que viven sumidos unos personajes sin posibilidad de curación. Espectros físicos pueblan su particular kaidan, Sakura no Mori no Mankai no Shita (Under the Blossoming Cherry Tree, 1975), historia de fantasmas en la que un hombre que vive en las montañas, asaltando transeúntes, secuestra a una bella mujer para hacerla su esposa. Se doblega a sus caprichos, mata a sus numerosas concubinas y corta cabezas a diestro y siniestro para alborozo de aquella. Cansado de esa vida y tras ser apresado por la policía, el hombre huye y vuelve a las montañas. La mujer le acompaña, pero al pasar bajo unos cerezos en flor, él enloquece y la asesina al tomarla por un demonio. La historia nunca cumple las expectativas previstas y se derrumba como un castillo de naipes a medida que la trama se complica. Eso sí, tanto la cálida fotografía de Tatsuo Suzuki como la música de Takemitsu, interesado en aportar al relato elementos fantasmagóricos a partir del empleo de una misteriosa voz y de disonancias en la cuerda, resultan destacables.\nPor el contrario, Shinoda logra una de sus mejores películas con la insana Kaseki no Mori (The Petrified Forest/The Forest of Fossils, 1973), cuya trama resulta difícil resumir en pocas líneas. Narra la historia de Haruo, un joven obsesionado con la muerte que rehuye cualquier tipo de emoción básica, incluida el aprecio por una madre a la que detesta. Estudia en el Hospital de la Universidad y fantasea con la idea de matar a su profesor por mentir a una mujer cuyo hijo queda sordo tras extirpársele un tumor. Un encuentro con Hideko, joven estudiante que ahora trabaja en una peluquería, dará pié al inicio de una relación amorosa. Haruo haya en la chica el aliado perfecto con la que experimentar la idea de la muerte y juntos envenenan al dueño de la peluquería. Hastiado y determinado a abandonarla, Haruo se arroja en los brazos de Kikue, la mujer cuyo hijo ha quedado sordo. Hideko decide confesar a la madre de Haruo el crimen que ambos han cometido, pero ésta, a pesar del rechazo de su hijo, la envenena para protegerle. La cinta reflexiona sobre la incomunicación y sobre una juventud, la japonesa de los 60, cuya rebeldía adquiere tintes patológicos. La partitura es impenetrable, durísima y árida, uno de los trabajos más complejos de su autor. Sin embargo contribuye en gran medida a que la película resulte asfixiante, simbolizando el odio de Haruo por su entorno, su comportamiento errático y su incapacidad de amar, además de subrayar inteligentemente las dolorosas relaciones sexuales que éste mantiene con Hideko y Kikue.\nSi Haruo se muestra atormentado por una insatisfactoria relación materno-filial, Isaburo debe afrontar su destino reencontrándose en una isla del Pacífico con Otake, un brutal y despiadado ex policía militar que ha asesinado a sus padres en Shokei no Shima (Punishment Island, 1966), la primera película independiente de Shinoda tras abandonar Shochiku. A través de flashbacks vemos como Otake maltrata a Isaburo en su infancia e intenta matarlo arrojándole por un acantilado. Años más tarde Isaburo regresa a la isla para cobrarse venganza (asumiendo el resarcimiento propio del jingi, la afrenta se resuelve con un dedo del militar). Aunque la partitura no alcanza los cinco minutos de duración, su incidencia en la trama resulta excepcional. A través de una música austera, anémica, Takemitsu penetra, durante los créditos, en el frágil andamiaje psicológico de Isaburo. Sólo en dos escenas más volverá a hacer acto de presencia: el intento de asesinato de Isaburo en el acantilado y la muerte real de sus padres a manos de Otake. Takemitsu conecta dos escenas que han sido narradas a través de flashbacks. La música emerge completamente enajenada, no como refuerzo de la violencia explícita plasmada en pantalla, sino como una muestra del odio que alimenta la sed de venganza de Isaburo. Desde ese punto de vista, Takemitsu logra con creces que sintamos la misma compasión por él que por el arrepentido Otake.\nChinmoku (Silence, 1971) plantea, por su parte, varios dilemas interesantes. Dos jesuitas portugueses, los clérigos Rodrigues y Garrpe, en su búsqueda del desaparecido padre Ferreira, se trasladan clandestinamente en pleno siglo XVII desde Macao a Japón, lugar donde el cristianismo es considerado herejía. Ocultos en una montaña, imparten sacerdocio entre los cristianos de una pequeña aldea. Avisada la autoridad de su presencia, comienzan a ejecutar a los lugareños, quienes optan por la muerte antes que por la delación. Debido a ese silencio, el Padre Rodrigues huye para evitar más sacrificios, pero en su camino será traicionado por el débil Kimijiro, iniciando su propio calvario. Aunque la película resulta aburrida y exasperadamente dogmática, entre otras razones por la falta de credibilidad que trasmite su erróneo casting, Takemitsu da muestras de su genialidad con la creación de un brillante tema central para dos arpas, percusión y laúd. El tema se ve asociado a la condición religiosa de los jesuitas y a sus seguidores, acompañando la entrada furtiva de los clérigos en Japón o el primer sacrificio de los aldeanos. Con ello, la música robustece la idea central de la película: la fuerza de la fe y la valentía para llevarla hasta sus últimas consecuencias frente al poder establecido. Cuando Rodrigues encuentra a Ferreira, que ha renunciado a la fe y escribe libros en contra del cristianismo (“Japón es un pantano donde no crece ninguna semilla”, exclama), descubre que esa renuncia no se ha producido por las torturas a las que ha sido sometido sino por el silencio de Dios ante la muerte y la injusticia. El discurso le vale a Shinoda para arremeter contra la actuación de los misioneros, de modo que Rodrigues acaba por seguir los pasos de Ferreira y renunciar a Cristo. Takemitsu subrayará melancólicamente el resultado de la apostasía, traspasando el tema, que hasta ahora mostraba la inquebrantable fe del sacerdote, a la atormentada relación sexual que mantiene, finalmente, con una geisha.


La Facultad de Ciencias estrena equipo decanal con Andreu Bonet al frente. University News\nLa Facultad de Ciencias estrena equipo decanal con Andreu Bonet al frente\nDurante la toma de posesión, el rector ha lanzado el reto de "seguir contando con científicos de referencia mundial"\nAlicante, 26 de febrero de 2013\nEl profesor del departamento de Ecología, Andreu Bonet ha tomado posesión esta mañana de su cargo como decano de la Facultad de Ciencias tras resultar ganador de las elecciones celebradas el pasado 12 de febrero. Bonet toma el relevo a la actual vicerrectora de Estudiantes, Nuria Grané.\nEn el mismo acto, celebrado en el despacho del rector, ha tomado posesión todo el equipo decanal compuesto por: José Miguel Sempere, como secretario de la Facultad; Luis Gras, como vicedecano de Calidad, Infraestructuras y Seguridad; David Guijarro, que hasta ahora ostentaba el cargo de decano en funciones, será ahora vicedecano de Ordenación Académica y Estudiantes; Rosa María Martínez Espinosa, coordinadora académica de Biología; María Dolores Molina Vila, coordinadora de Matemáticas; María Teresa Caballero, coordinador a de Óptica y Optometría y directora de la Clínica de Optometría de la Universidad de Alicante; Juan Carlos Cañaveras, coordinador académico de Geología; Francisca Jiménez Casalduero, coordinadora de Ciencias del Mar y María José Guillo Gómez, coordinadora de Química.\nDurante la toma de posesión el rector, Manuel Palomar ha felicitado en nombre de la Universidad de Alicante al nuevo equipo al que ha calificado de "adecuado, sólido, académico y solvente, resultado de un proceso de consenso y diálogo y respaldado por una amplia mayoría del claustro de la Facultad". El rector ha dicho que "es momento de retos para la formación pero también para la investigación". "Soplan los vientos de las privatizaciones, los juicios sobre las universidades públicas y el debate iniciado por Wert sobre las vocaciones de los estudios de Ciencias" -ha apuntado- y ha insistido en que "hemos de mantenernos firmes en nuestro trabajo y fieles a nuestros ideales de educación pública; el reto de este país y de nuestra Universidad ha de ser seguir contando con científicos de referencia mundial".\nPor su parte, el nuevo decano ha asegurado que "debemos dignificar las ciencias dentro y fuera de la universidad" por lo que uno de sus objetivos pasa por aportar calidad a la docencia y poner en valor los excelentes recursos humanos con que contamos y gestionarlos con eficiencia. Para Bonet, que alabó el trabajo de sus predecesores en el cargo, "es importante dar a conocer la pluralidad de nuestra facultad y del trabajo que se realiza en su seno".


Nuevos bachilleres en Quito\nHoy, 24 de febrero del 2021, nuevos bachilleres de la República se incorporan en territorio quiteño. Son los alumnos de Pacto que forman parte de la Unidad Educativa 24 de Julio, del Distrito 1- Noroccidente, que pertenecen al régimen Costa.\nMinería choca a los del Chocó Andino\nLos vecinos del noroccidente de Quito proclaman que la actividad minera en la zona amenaza la biodiversidad y la fuentes de agua de la reserva Chocó Andino. Desde varios frentes, incluido el Municipio, se buscan alternativas.\nArqueólogos saltan en chulla pata en Pacto\nTesoros de la comunidad San Francisco de Pachijal, parroquia de Pacto, en el noroccidente de Quito, se han ido encontrando. Los hallazgos se relacionan principalmente con la cultura Yumbo.\nUn pacto para que Quito esté limpio\nCon risas y un claro mensaje de responsabilidad, se llevó a cabo ayer, 20 de mayo del 2019, una obra de teatro de Arcandina, con el objetivo de concienciar a la gente sobre la disposición de la basura.\nPareja fue hallada muerta en aparente pacto mortal\nLa Fiscalía chilena y la Policía investigan las circunstancias en que un hombre de de 94 años mató de un tiro a su esposa de 86 y luego se suicidó con la misma arma en Santiago de Chile, según informaron este martes 5 de febrero del 2019 fuentes oficiales.


Premio “Carlos M. Varsavky” – Instituto Argentino de Radioastronomía\nPublicado el 1 septiembre, 2008 29 marzo, 2017\nA fines de agosto le fue otorgado el premio “Carlos M. Varsavky” a la Dra. Mariana Orellana, miembro de nuestro Instituto, por haber desarrollado, a criterio de un jurado de expertos, la mejor Tesis Doctoral realizada en Argentina sobre un tema de astronomía o astrofísica en el período 2006-2007.\nEl premio Carlos M. Varsavsky es uno de los tres premios destinados a reconocer y promover la actividad de investigación y desarrollo de la astronomía y la astrofísica en la República Argentina creados por la Asociación Argentina de Astronomía (A.A.A.).\nEste premio se entrega cada dos años a la mejor tesis doctoral realizada en Argentina sobre un tema de astronomía o astrofísica, que haya sido defendida en una Universidad Nacional durante el período inmediato anterior.\nEl premio Carlos M. Varsavsky consiste en una medalla conmemorativa y un diploma, los cuales son entregados durante la correspondiente Reunión Anual de la A.A.A.. El ganador recibe, además, una invitación para realizar una presentación plenaria sobre el tema de su tesis en la misma reunión, estando sus gastos cubiertos por la A.A.A. Complementariamente, recibirá una suma de dinero proporcionada por la familia del Dr. Varsavsky que le posibilitará atender a una reunión internacional de su especialidad durante el año inmediato posterior a la entrega del premio.\nLa Dra. Orellana desarrollo su Tesis sobre el tema “Radiación Gamma en Binarias con Acreción”, dirigida en su ejecución por el Dr. Gustavo E. Romero. La defensa de la Tesis se llevo a cabo en la Facultad de Ciencias Astronomicas y Geofisicas de la UNLP.\nLa divulgacion de esta clase de logros es muy importante para una institución como el IAR, pues ademas del prestigio institucional que implica, sirve como atractivo para que estudiantes avanzados de Astronomia piensen en desarrollar sus actividades en el IAR.


Una pareja friki: 2012\nAmigos y amigas, socios y simpatizantes, en estas fechas tan entrañables la reina (o sea, Silvestrin) y yo, os damos las gracias por visitar, comentar y subir nuestro ego en el blog.\nSe acerca la Navidad (literalmente cuatro días) y es hora de descansar un poco para recargar las pilas. En nuestro caso, ponernos hasta arriba de comida y a ver si tenemos un poco de suerte y los Reyes nos dejan algún regalito.\nY como aquí hacemos caso al pueblo(no como el Gobierno), y cuando digo pueblo me refiero a Muramasa, os dejo con unos cuantos fun facts navideños:\n-En casa de los padres de Silvestrin habrá invasión de quesos y yo me sentiré como Indiana Jones con la sopa de ojos.\n-En casa de mis padres habra sobresaturación de gambas y Silvestrin querrá asesinar a mi padre por alguna broma pesada de las suyas.\n-Tendré que controlar mi gula para no terminar vomitando como me pasó en dos Navidades casi consecutivas.\n-Serán nuestras primeras Navidades independizados así que podré ser un Santa Claus no tradicional(Homer Simpson dixit)\nNos despedimos hasta enero, que paséis unas felices fiestas y un feliz año nuevo, que descanseis todo lo que podáis y que lo paséis muy bien.\nPublicado por Pennywise en 7:30 5 comentarios\nStreet Fighter : Tomo 14: Capítulo 132\nCAPITULO 132: Hora de emplearse a fondo\nRyu se levanta hecho polvo del golpe de Sakura y le hace reverencia pese al dolor de estomágo y le pide perdón. Sakura sonríe y ahora es Ryu quien la ataca a ella con su patada helicoptero, un shoryuken y finalmente un hadoken que Sakura esquiva por los pelos y le contrarresta con sus propias versiones. Viper por su parte se encierra en la enfemería y ve que sobre las camas vacías hay varias maquinas de scanners y varios papeles, Fei Long insconciente sobre una de ellas tiene una sonda clavada en la cabeza y Viper empieza a atacar cabos pero no le da tiempo a pensar ya que los clones aporrean la puerta mientras Cammy por su parte intenta deshacerse de los ataques de Juri.\nSakura le dice a Ryu que reservaba este ataque para él mismo y se prepara para su ataque final, Ryu dice que no cometerá el mismo error dos veces y salta sobre ella pero Sakura se lo esperaba y le lanza su Shinku Hadoken lanzado hacia el aire que alcanza a Ryu en pleno vuelo.\nPublicado por Pennywise en 6:30 1 comentarios\nReparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage,Andy Serkis\nBasada en la popular novela "El Hobbit" de J.R.R. Tolkien, Un viaje inesperado es la primera de las tres partes de la adaptación al cine de dicho libro.\nLa historia está ambientada en la Tierra Media, 60 años antes de “El Señor de los Anillos”. donde Bilbo Bolsón, se verá arrastrado a una busqueda que le llevará a reclamar el reino que años que atrás perdieron los enanos a manos del terrible dragón Smaug.\nSin esperarselo y convencido el mago Gandalf el Gris, Bilbo termina formando parte de una compañía de 13 enanos liderados por el legendario guerrero Thorin Escudo de Roble. Su viaje les llevará a lo salvaje, a través de tierras peligrosas infestadas de trasgos, orcos y huangos mortíferos, así como de una misteriosa y siniestra criatura conocida como El Nigromante.\nNo soy un fan del Tolkien novelístico(además que el género de fantasía épica no es mi favorito) pero pese a todo, las películas de El señor de los anillos me gustaron.\nSin embargo, con El hobbit tenía cierto temor, ya que pese a ser un libro corto, lo leí hace pocos años y se me hizo bastante cansino excepto en algunos pasajes. Además, algunas críticas indicaban que toda la parte hasta que Bilbo salía de la comarca y empezaban las aventuras, era algo pesado.\nTras visionar la película puedo decir que mis temores eran infundados. Hacía mucho tiempo que no disfrutaba tanto en el cine. El sentido de la aventura de El Hobbit tiene lo mejor de La comunidad del anillo y lo mejor de la acción de Las dos torres y El retorno del Rey.\nLa parte de la película en la que Bilbo conoce a los enanos y decide unirse a su particular compañía está resuelta con gracia, conocemos a los enanos(son 13 y algunos están para hacer bulto pero tiene mérito que casi todos ellos sean memorables de una forma u otra) lo suficiente para que nos preocupemos por ellos cuando empiecen las aventuras.\nEnfrentarse a tres trolls estúpidos, Rivendel, el rey de los trasgos, Gollum, estar en medio de una pelea de gigantes de piedra, el acoso de los orcos y su rey pálido....La película está llena de momentos divertidos o espectaculares, pero sin el agobio de que estén peleando todo el rato.\nEl humor es algo infantil a veces, pero se agradece como respiro entre la acción y la única parte que se me hizo algo pesada es el particular correcalles cuando están intentando huir de los dominios de los trasgos.\nSi sois fans de Tolkien, creo que PJ es lo suficientemente respetuoso con los libros como para que os guste El Hobbit. Si os gustaron las pelis de ESDLA, El Hobbit posiblemente os encantará.\nPara nosotros, lo peor de la película es que tardaremos un año más en ver la continuación. A nosotros ya nos tienen mordiendonos los uñas.\nEtiquetas: cine, fantasía, reseña\nAutores: Youn In-Wan y Yang Kyung-il\nEste es un manga en que nada es lo que parece. Para empezar el argumento nos pone en la piel de Kucabara, quien ejerce de abogado de los condenados, pero de hecho esto durará muy poco y pronto se aliará con Marya una monja exorcista que vive en un horfanato para ir a buscar a los padres de Jupiter (una niña de dicho horfanato).\nCon ese cambio, el manga pasará de lo que parecia un seinen a un shonen de tortas a diestro sieniestro, para más adelante volver a cambiar y descubrir toda una conspiración que envuelve el cielo y el infierno.\nVamos que aunque son pocos tomos, no nos aburriremos para nada, y es de agradecer que todo está perfectamente explicado e incluso veremos lógicos los cambios dentro de la trama.\nLos personajes principales están muy bien delineados y es fácil sentir una empatia con ellos, que llevará a seguir leyendo para saber más. Hay momentos duros pero tambien toques de humor, que ayudan a que la lectura no se haga pesada (aunque ya comento, que a mi en ningún momento se me hizo así).\nSí además eres amante de lo sobrenatural, este es un manga que no te puedes perder.\nPublicado por Silvestrin en 7:30 3 comentarios\n¡FELIZ CUMPLEAÑOS SILVESTRIN!\nHoy Silvestrin(o mejor dicho Nieves) cumple 30 años, que se dice pronto así que desde aquí, aprovecho para felicitarle (y si vosotros podéis hacerlo también):\nPublicado por Pennywise en 7:00 5 comentarios\nStreet Fighter Manga: Tomo 14: Capítulo 131\nCAPITULO 131: La flor más fuerte\nEl siguiente combate es Sakura vs Ryu y esta le avisa a Ryu de que ya tocaba que se vieran las caras aunque fuera en un torneo. Ryu le dice que tiene pinta de haber mejorado mucho y Sakura le dice que no sabe hasta que punto. El combate empieza con tomas y dacas y Sakura parece enfadarse con Ryu porque este no parece emplearse a fondo y le ataca con un combo de patadas, luego una fuerte patada que eleva a Ryu, un double axe handle sobre la cabeza y finalmente Sakura se deja caer con su peso encima de Ryu y Sakura le provoca que se emplee a fondo mientras Ryu está sobre el ring dolorido.\nPor otro lado, Viper intenta deshacerse de los clones malhechos de Seth y acaba con varios pero siguen saliendo e intenta refugiarse en la enfermería. Mientras Cammy sigue a Juri que de repente se para y se gira sonriendo a Cammy, diciendole que llevaba tiempo esperandola y la ataca violentamente sin que Cammy se lo esperara.\nPublicado por Pennywise en 8:30 3 comentarios\nDoble Top Five: Nuestras comidas navideñas favoritas\nEstamos en diciembre, se acerca la Navidad, epoca de recogimiento religioso para unos, consumismo exacerbado para otros, apatía desdeñosa para unos cuantos y gran fecha para intentar suicidarse para Moe Szylak.\nNosotros somos navideños, ya que al igual que los niños pequeños nos encanta zampar, los regalos y las luces brillantes y no nos avergonzamos de ello.\nPor ello, os dejamos con un Doble Top Five especial: Nuestras comidas navideñas favoritas. Esperamos vuestras opiniones y no seais rancios, puñeta.\n5. Pastel de pescado\nNo es que sea un gran plato para navidad, pero si una es un plato muy facil de hacer y de comer pescado, si no te gusta demasiado, es solo patata,mayonesa y pescado desmenudazo todo machacado y revuelto.\n4. Mousse de turrón\nUna forma genial de aprovechar el turrón para hacer un postre delicioso, mi madre solo lo ha hecho un par de veces, ya que se toma frio, pero esta buenisimo. Y claro esta no solo sirve para comerlo en navidad.\n3. Canapé casero de Philadelphia\nLos canapes, molan. El queso Philadelphia tambien. Su unión no podría dar otra cosa que un manjar pequeñito pero delicioso.\n2. Sopa de jamón serrano, pollo y huevo duro\nEsta sopa, sobretodo la comíamos cuando en navidad ibamos a casa de mi abuela, de primero nos tomabamos un coctel de gambas, de segundo esta esplendida sopa, calentita y además sirve para quitar los resfriados.\n1. Queso de piña\nEsto si que es lo mejor, de lo mejor de la navidad, aunque no solo comemos quesos untables de piña, este es sin duda el mejor de todos. Creo que podría alimentarme solo de esto en una noche navideña, y no me entrarían remordimientos.\nDesconocía este manjar hasta que fui a comer por primera vez en fechas navideñas en can Silvestrin. Es un alimento más bien decorativo, consistente en forma de hilos hechos con la yema de huevo y el azucar. Sólo está muy bueno y tambien sirve como acompañamiento a una carne que esté algo seca.\n4. Turrón de jijona\nNo soy el tipo más tradicional del mundo en muchas cosas, pero en tema comidas si lo soy. El turrón de jijona(el blando, alias el odiado por los niños) me encanta. Es grasiento y se derrite pero es delicioso. El único turrón que me gusta(el "duro" no está mal pero donde esté el de jijona...)\n3. Mantecado de almendra\nY volvemos a lo típico. Me encanta el mantecado clásico de almendra. Se desmonta pero es una pasada, la repostería española no tiene nada que envidiar a las extranjeras, pero la gente se pone un mantecado (o polvorón delante) y piensan que es de abuela. Bu para vosotros.\n¿Hay algo mejor que atiborrarse a mazapán en la oficina en época postnavideña y derramar "manly tears"? Me encanta el mazapán, es azúcar,huevo, almendra y poco más pero combinan mejor que el ropero de Paris Hilton. Te puedes comer varios de una sentada y estoy casi 100 % seguro de que no engordan(NdA: Posiblemente sí engorden)\n1.Queso de piña\nNo me gusta el queso. A ver, puedo comer queso "normal" pero cualquier variación y especialidad me disgusta, además que cocinado y fundido me suele sentar fatal. Pero el queso de piña es una puta maravilla. Es el mejor sabor del mundo. Si la gente supiera a queso de piña me volvería caníbal. Un placer para el paladar y que cada Navidad cae fijo.\nEtiquetas: comidas, doble top five\nTwin Peaks: 2ª temporada\nReparto: Kyle Machlachan, Michael Ontkean, Richard Beymer, Sherylinn Fenn, Heather Graham\nEn esta segunda temporada de Twin Peaks, el agente Cooper logra descubrir al fin quien es el asesino de Laura Palmer pero la calma no durará demasiado en el pueblo, cuando un antiguo enemigo suyo, Windom Earl, aparezca en el pueblo.\nMientras tanto, las vidas de muchos habitantes de Twin Peaks dan un cambio hacia mejor (Audrey se convierte en ejecutiva, Ben Horn parece reformarse, regresan Catherine y Andrew) sin saber que la sombra de la muerte planea sobre ellos.\nSegunda temporada y última de la serie de culto Twin Peaks, en la cual su propio creador David Lynch, dejó de lado su supervisión creativa cosa que derivó en su eventual cancelación.\nFinalmente, el propio Lynch, retomaría la dirección en el último capítulo, guionizado por el otro creador de la serie, Mark Frost, e intentarían rematar las tramas y darle un final (algo abierto, eso sí) a la serie.\nEsta segunda temporada, a excepción de algunos momentos y sobretodo del último capítulo, no está a la altura de la temporada predecesora. Hay una sobreexplotación de las tramas culebronescas(aunque Twin Peaks sea en parte una parodia de los culebrones de la época) y de argumentos que no interesan al espectador o que no llevan a ninguna parte: veáse la huida de James o el secuestro de Audrey que me hacían bostezar cual león en la sabana.\nCon la inclusión de Windom Earl (un personaje metido con calzador, todo hay que decirlo), los capítulos ganan en interés hasta que deriva en la trama sobrenatural de la Casa Blanca y la Casa o Logia Negra. Sin embargo, da la sensación de que los capítulos se dejan llevar hasta crear un cliffhanger que enganche lo suficiente para el siguiente episodio.\nEl último episodio de la temporada (y a sazón de la serie) recupera el espíritu de la misma, con secuencias oníricas y con momentos de terror y surrealismo que generan una sensación de angustia y mal rollo muy bien conseguida. El final está abierto a interpretaciones y varias tramas paralelas(y algo insustanciales) quedan sin cerrar o sin darnos respuesta a todas las preguntas. A todos los curiosos, sí, se sabe quien es el asesino de Laura Palmer antes de la mitad de esta temporada pero lo interesante llega al final, con una trama que habría dado mucho juego.\nUna temporada mucho más floja que la anterior(y casi con el triple de episodios) pero que tiene sus buenos momentos y un gran episodio final, que forma parte de la historia de la televisión.\nStreet Fighter Manga: Tomo 14: Capítulo 130\nCAPITULO 130: Tiger destruction\nFei Long usa su patada de fuego sobre Sagat pero este se recupera y contesta con un Tiger Uppercut que el luchador chino logra esquivar en parte y no le conecta del todo. Fei Long usa su Reykakku, una técnica que parece una patada voladora pero en realidad es una patada baja que sorprende a Sagat. Mientras Juri, recibe una llamada de Seth, que le dice que los soldados que se habían llevado a Viper para matarla, han aparecido insconcientes en el puerto y ella estará aún viva. Juri se va y Cammy poco después, avisa a Dudley de que debe seguir con la misión y sin que se den cuenta la sigue. Sagat y Fei Long siguen con su lucha y este, confiado, quiere rematar a Sagat con el Rekkashingeki pero tras conectar con el combo muy rápido de puñetazos, el puñetazo fuerte que eleva a Sagat en el aire al intentar rematarlo con una Flaming Flying Kick, Sagat logra esquivarlo y le dice- No uses una técnica que ya hayas usado antes porque puede ir en tu contra. Usa un Tiger Shot que casi noquea a Fei Long y luego dice que va a usar el Tiger Destruction y avisa a Ryu de que no es su ultimo truco: una Tiger Knee más fuerte de lo habitual, un Tiger Uppercut normal y un Tiger Uppercut de fuego que acaban dejando KO a Fei Long. Ryu y Ken están sorprendidos de lo fuerte que se ha vuelto Sagat en estos años.\nPor otro lado, Viper se encuentra a unos soldados de SIN que la reconocen y los noquea y decide quitarse el disfraz ya que no lo necesita. Entonces, a su espalda aparecen diez seres azulados parecidos a Seth pero como si estuvieran a medio hacer y Viper dice-BLEECE.\nFrobisher, un extraño personaje, ordena a los jugadores que realicen todo tipo de tareas normales y surrealistas usando todos los modos posibles de interaccionar con PS Vita. El jugador tendrá que cumplir una serie de órdenes disparatadas, como azuzar a una nutria con un palo, entregar un pudín, dibujar en un huevo o remover dos tazones de sopa, entre otras muchas. Cualquier orden de Frobisher debe ser obedecida por los jugadores tocando, agitando, moviendo, hablando o disparando con su PS Vita.\nEste es otro juego de PSVita, gratuito, en el que nos divertiremos obedeciendo las ordenes de Frobisher (que en la versión española, tiene la voz del doblador de Sheldon Cooper), además no solo puede jugar uno solo a este juego. si no que se pueden juntar hasta 8 jugadores pasandose la consola de unos a otros para poder jugar, y pasar un rato realmente divertido y desternillante.\nEl juego consta de hasta 25 minijuegos gratuitos, que se pueden implementar comprando un pack de 15 más por solo 2€, pero realmente no creo que sea necesario comprarlo, ya que aunque se repitan las pruebas, no todas se desbloquean a la primera y hay diversion para muchas horas.\nPublicado por Silvestrin en 7:30 0 comentarios\nEtiquetas: frobisher, reseña, videojuegos\nVideojuegos Lanzamientos de la semana 3/12/2012\nEmpezamos Diciembre con unos pocos lanzamientos, no muy llamativos pero al menos se asoma alguna cosilla interesante, como Sonic & All-Stars Racing Transformed.\nFighting Vipers PSN\nSonic the Fighters PSN\nVirtua Fighter 2 PSN\nNosotros también nos sumamos al Wishlist Xmas de la Fnac, a ver si por una vez tenemos suerte y nos toca algo.\nHp-Pavilion p6-2307es 799 euros\nAsus-VS197D Monitor LED 95 euros\nPS3 500GB + Gran Turismo 5 Academy Edition + Uncharted 3 Game of the Year 299,95 euros\nPack-Harry Potter -Saga completa-Edicion limitada 89,99 euros\nPack Star Wars-Saga completa 89,99 euros\nPack-Los vengadores de Marvel 79,99 euros\nPack-Friends Coleccion-completa-Edicion-15 Aniversario 84,99 euros\nPack-Angel Serie completa 91,99 euros\nPack Futurama-La-coleccion-completa 1999-2009 117,99 euros\nPredicador Nuevo-Testamento Edicion-integral 28,50 euros\nPredicador-Antiguo-Testamento I Edicion-integral 33,25 euros\nPredicador Antiguo Testamento II Edicion-integral 33,25 euros\nFabulas-1-Edicion de lujo 23,70 euros\nFabulas-2 23,70 euros\nPack-Cronicas de la Torre 49,40 euros\nTrudi Canavan-La maga 20,81 euros\nTotal: 1961,50 euros\nPublicado por Pennywise en 16:40 0 comentarios\nDoble Top Five: Nuestras comidas navideñas favorit...


Crítica: Spiderman 2 (2004) | Portal Arlequín\nCrítica: Spiderman 2 (2004)\nUSA, 2004: Tobey Maguire (Peter Parker / Hombre Araña), Kirsten Dunst (Mary Jane Watson), Alfred Molina (Dr Otto Octavius / Dr Octopus), James Franco (Harry Osborn), Rosemary Harris (tía May), J.K. Simmons (J. Jonah Jameson), Donna Murphy (Rosalie Octavius)\nDirector: Sam Raimi, Guión: Alvin Sargent, basado en el comic de la Marvel creado por Stan Lee y Steve Ditko\nTrama: La vida de Peter Parker es un desastre; atormentado por la muerte de su tío Ben, acuciado por las deudas, apremiado por los estudios y acongojado por el inminente casamiento de la amada de toda su vida, su vecina Mary Jane Watson, ni siquiera el uso de sus superpoderes – que lo convierten en el Hombre Araña – logra darle satisfacciones. Pero ahora, para redimirse, ha decidido preparar una tesis sobre el proyecto de fusión que está preparando el brillante científico Otto Octavius, el que planea desatar un sol en miniatura como fuente de energía inagotable. Pero la prueba se transforma en un desastre de proporciones incalculables, culminando con Octavius seriamente herido y fusionado a unos brazos mecánicos que él mismo ha diseñado y que utilizaba para operar la fuente de energía. Ahora Octavius se ha transformado en un desequilibrado que vive obsesionado con la idea de recrear el experimento en una escala mucho mayor e infinitamente más peligrosa; y, para ello, no duda en apelar al robo y al crimen con tal de procurarse los recursos para reconstruir su laboratorio. Doc Ock siembra el terror en Nueva York y el reluctante Peter Parker – que había decidido abandonar su identidad de superhéroe para comenzar una vida propia – deberá volver a calzarse la máscara para detenerlo antes que sea demasiado tarde.\nAntes que apareciera Christopher Nolan y su trilogía de Batman, Spiderman 2 tenía el cetro de ser la mejor película de superhéroes jamás filmada. No es que los filmes de Tim Burton sobre el hombre murciélago estuvieran mal (en absoluto!), pero lo que ocurre es que aquí Raimi había logrado dar con la tecla justa, un equilibrio casi sublime entre el protagonista, el villano y una deliciosa troupe de personajes secundarios. Igualmente no todo es impecable – jamás me gustó el culebrón romántico entre Mary Jane Watson y Peter Parker – pero, en cuanto al resto, bordea lo perfecto… y sin dudas es el mejor filme de la Marvel (junto con Los Vengadores) hasta la fecha.\nPor fin Raimi ha encontrado un sendero propio, y la saga del Hombre Araña obtiene personalidad. El héroe es tan interesante como el villano y éste resulta aterrador, humano y trágico. La perfomance de Alfred Molina es brillante, simplemente porque le da calor y color a su personaje. No es un loco que grita destrucción y muerte sino un hombre bueno que – como Jekyll y Hyde – termina siendo dominado por su propio experimento. El resultado final es terrorífico, con un hombre atrapado por una prótesis cibernética con vida propia y, lo que es peor, capaz de cometer las peores masacres. La secuencia en que los doctores quieren removerle los brazos mecánicos a Molina parece extraída de Alien o, mejor aún, de El Enigma de Otro Mundo. Agreguen algunas tripas y algo más de sangre, y estaremos hablando de una escena típica de un filme de terror.\nMientras que el villano es formidable, Tobey Maguire hace cosas interesantes con su superhéroe de clase media. Nunca le alcanza el dinero, no obtiene la chica deseada, el trabajo y los estudios le van mal… ¿cuál es la ventaja de ser superhéroe?. Aquí el libretista Alvin Sargent inserta unos deliciosos discursos sobre la naturaleza del héroe, y su obligación con el destino que le ha sido trazado. Esas epifanías elevan a Spiderman 2 por encima de la media habitual del género, el cual últimamente se encuentra obsesionado con la acción y los efectos especiales antes que con la épica, la tragedia, las emociones o la nobleza de los caracteres envueltos en semejantes circunstancias.\nCiertamente Spiderman 2 está escrita con la emoción en mente. Para ello humaniza los personajes y los enfrenta a retos insuperables. Todo el filme transpira un heroísmo propio de la Norteamérica post 11 de setiembre de 2001, en donde cada representante de la ley se transforma en un héroe del pueblo. Nada más patente de ello que la fabulosa secuencia del tren, en donde las cosas le van mal al protagonista y es la misma gente la que lo recoge y lo ampara (e incluso se anima a enfrentarse al descomunal Dr. Octopus con sólo sus puños). La imagen de Tobey Maguire siendo cargado por los pasajeros tiene mucho de iconografía bíblica (¿Jesús bajado de la cruz?), y sin dudas produce uno de los momentos más emocionantes de toda la película (ok, es cursi pero es una secuencia efectiva!). Si el desastre de las torres gemelas fue una afrenta a la ciudad natal de arañita, ahora llegó el momento de recomponerse y crear una ciudad habitada por héroes.\nSin dudas lo más flojo del filme es el romance, que es demasiado rebuscado y está demasiado estirado. De todos modos, al final, termina por redimirse con un golpe de gracia más que efectivo – una revelación, el redescubrimiento de alguien – pero Mary Jane Watson no deja de ser una perra egocéntrica que sólo quiere que la atiendan a ella. Su discurso está cargado de “yo, yo…”, y no estoy seguro de si el héroe merece a alguien tan absorbente y carente de méritos destacables.\nCon grandes perfomances, formidable acción (hay una gran cantidad de secuencias que lo dejan a uno con la boca abierta), notable villano, excelentes secundarios (como el ladrón serial de escenas J.K Simmons!) y un libreto casi perfecto, Spiderman 2 se convierte en un ideal de película de superhéroes. Es una lástima que el enorme éxito del filme obnubilara a Raimi y decidiera experimentar demasiado en la fallida Spiderman 3; pero aquí la receta estaba en su punto justo y el producto final termina siendo sensacional.