Tony Leblanc, último de los grandes.\nEl sábado 24 de noviembre de 2012 se nos fue nuestro Tony Leblanc, nuestro gran galán cómico. Los italianos tuvieron a Vittorio de Sica, Vittorio Gassman, Alberto Sordi, o Nino Manfredi. Los franceses a Fernandel y Louis de Funès. Cada uno en su estilo. Tony Leblanc fue el “chulo” madrileño por excelencia, el que, entre chiste y chiste, defendía el vigor y espíritu saludable del requiebro y del piropo, como aquel que él recordaba gustoso: “Chata, vales más pesetas que merengues se necesitan para romper una campana”. ¡Olé! Esos hermosos dichos improvisados, propios del Madrid más castizo, que varias feministas enfermas de hoy tomarían como algo ofensivo por “machista”.\nTony, nacido Ignacio Fernández Sánchez Leblanc, ha sido nuestro varón del cine más castizo. No en vano, era hijo de los porteros del Museo del Prado, en cuya augusta sede él vino al mundo, un 7 de mayo de 1922. Muy jovencito, siguió lecciones de canto y baile, distinguiéndose en claqué americano, y llegando a ser campeón de España de esta disciplina en su única convocatoria (1941). Bailó a menudo en el escenario del antiguo Circo de Price, en la Plaza del Rey de Madrid. Aficionado también al boxeo, se preparó como púgil ligero y obtuvo el título de campeón de Castilla en la modalidad Welter amateur. En fútbol, participó en encuentros de tercera división, donde solía jugar de guardameta. Los sábados por la tarde peleaba, y los domingos por la mañana detenía balones.\nDotado de atractivo indiscutible y buena planta, fue “boy” en revistas de Celia Gámez. En esto se igualó a otros chicos de revista que luego destacaron en la interpretación, como Carlos Casaravilla o José María Rodero. Tony actuó en cincuenta y siete de esos espectáculos. Fue el primer novio que tuvo la actriz y tonadillera Nati Mistral, a quien abandonó por su mujer, Isabel Páez de la Torre, que trabajaba en el teatro con él y con quien ha tenido ocho hijos.\nDebutó en el cine como secundario en la cinta panfletaria Los últimos de Filipinas (Antonio Román, 1945). Algunos apuntan, sin embargo, a una primera aparición en Eugenia de Montijo (1944). Pero su talento no comenzó a destacar verdaderamente hasta finales de la década de 1950, encarnando al caradura gracioso en títulos como Historias de la radio (José Luis Sáenz de Heredia, 1955), El tigre de Chamberí (de 1957, junto al excelso José Luis Ozores), Las chicas de la Cruz Roja (1958) y El día de los enamorados (Fernando Palacios, 1959), con ese cariñoso y tierno San Valentín, interpretado por Jorge Rigaud, que nos visita para acabar con las riñas entre parejas.\nEn 1959 rueda, con Pedro Lazaga en la dirección, su mejor película, Los tramposos. Repite reparto con Concha Velasco, que se convierte en su mejor pareja en la ficción (dieciséis filmes juntos). Los tramposos cuenta las peripecias de tres ingeniosos timadores –Virgilio, Paco y Bajito--, que no siempre consiguen engañar a la policía ni tener contentas a sus novias. Por las calles de Madrid ensayan los más variopintos timos clásicos, como el de la rifa de un coche flamante que no les pertenece, el del falso policía al quite de comensales sin fondos, el de los enfermeros de pega con el herido fingido, y, muy esmeradamente, en la que ya se ha convertido en una secuencia de antología, el timo de la estampita, rodado en la rampa exterior de la estación de Atocha. Leblanc interpreta al “Tonto”, mientras que Antonio Ozores es el “Listo”. Ambos consiguen sustraer billetes auténticos a un pobre pueblerino que viaja con boina y su maleta de cartón. Memorable.\nDe 1961 es su segundo gran largometraje, Tres de la Cruz Roja, de Fernando Palacios, con Manolo Gómez Bur y José Luis López Vázquez. Tres forofos del fútbol deciden alistarse en la Cruz Roja para poder acudir gratis a los partidos de los domingos. Les cuesta tomar conciencia del uniforme que visten, pero al final se vuelven unos pequeños héroes, y son condecorados por ello. En la banda sonora de esta película, los magníficos Cinco Latinos, con el pegadizo tema Inseparables.\nTambién en 1961 interviene en una adaptación de una divertida obra de Jardiel Poncela (Los habitantes de la casa deshabitada), que se estrena como Fantasmas en la casa. La realiza Pedro Luis Ramírez, y cuenta con Fernando Rey, Luz Márquez, Rafael Bardem, Manolo Gómez Bur y Agustín González en el reparto.\nUn año más tarde, Pedro Lazaga lo dirige en la comedia negra Sabían demasiado (1962). Tony interpreta al Señorito, jefe de un grupo de delincuentes de medio pelo, que decide viajar a Chicago para aprender junto a las grandes bandas. Cuando regresa a Madrid, ensaya los nuevos métodos, entre ellos, el secuestro de un héroe de la guerra de Filipinas. Tony compartía cartel con Concha Velasco (Margarita), José Isbert (Don Sebastián), José Luis López Vázquez (Palillos), Ismael Merlo (Don Rafael), Ángel Álvarez (Sésamo), Jesús Colomer (Pianola), Manuel Zarzo (Camborio) y Venancio Muro (Chepa).\nDel mismo momento es Torrejón City, de León Klimovsky, parodia del Western donde Tony hace doble papel, ya que es confundido con un primo suyo, malhechor, con el cual guarda gran parecido.\nA finales de los sesenta, comienza el declive de este gran actor, sustituido por otros en la atención del público, como Alfredo Landa, Paco Martínez Soria, o la pareja formada por Andrés Pajares y Fernando Esteso. Sus últimos filmes recordados son Una vez al año ser hippy no hace daño (1969) y El astronauta (1970), hilarante comedia sobre unos madrileños que quieren emular la gesta de los norteamericanos y poner un hombre en órbita. Dirigida con pulso por Javier Aguirre, contaba en el reparto con nuestros mejores cómicos de entonces: José Luis López Vázquez (Don Anselmo), José Sazatornil (Saturnino), Rafael Alonso (Hilario), José Luis Coll (Valeriano), Antonio Ozores (Matías), Laly Soldevila (Vicenta).\nTony fue también director de cine y productor, en proyectos como El pobre García (1961) y alguno más, que no tuvieron, sin embargo, buena acogida.\nUna de sus facetas menos conocidas es la de compositor de canciones españolas muy celebradas, como Cántame un pasodoble español, Un abanico español y Las piedras del camino, que llevaba siempre consigo en su repertorio Lolita Sevilla. La primera compuesta junto a Lember, y las otras dos junto al maestro Quiroga.\nEn 1975, tras el estreno de Tres suecas para tres Rodríguez, de Pedro Lazaga, Tony decidió abandonar el cine y concentrar sus esfuerzos en el teatro, pero un gravísimo accidente de automóvil, acaecido el 6 de mayo de 1983, que estuvo a punto de costarle la vida, le dejó secuelas profundas y permanentes. En 1998, Santiago Segura lo rescata para la gran pantalla en Torrente, el brazo tonto de la ley, y Torrente 2, misión en Marbella (2001). A pesar de que gana un Goya como secundario en la primera, no es ya el mismo Tony de siempre. Cuando sube a recoger el premio, la noche del 23 de enero de 1999, Tony, con el público en pie y volcado en una enorme ovación, dedica el Goya a Santiago Segura, que, según sus palabras, "me rescató cuando estaba fuera de combate, y escribió el guion para mí cuando estaba inválido. Gracias porque no te podré olvidar nunca".\nCiento cinco películas, más de setenta con un papel protagonista. A lo largo de su carrera recibió numerosos galardones, como la Medalla del Mérito al Trabajo (1980), un Goya honorífico en 1993, la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, la Medalla de Oro de Amigos de los Teatros de España (2010), la Estrella en el Paseo de la Fama de Madrid (2011), y la Gran Cruz de la Orden del 2 de mayo (2012). Encarnó como nadie al español medio, con sus finas artes de supervivencia, su labia y su resignación. Tony ha sido el buque insignia del humor sano, irónico, sainetero, madrileño. Adalid de un elenco de artistas cómicos sobresalientes, inigualables e irrepetibles. Un tiempo del cine y del teatro españoles que no volverá.\nEn septiembre de 2007, Tony Leblanc sufrió un infarto del que logró reponerse. Finalmente, el proyector de su corazón se ha detenido en su casa de Villaviciosa de Odón (Madrid). Llevaba noventa años iluminando sonrisas, cargadas también de grandes esperanzas.\nEl diario El Mundo, en su edición del domingo 25-11-2012, recoge que Tony había pensado como epitafio: “Aquí estoy, haciendo de muerto”. Genio y figura, hasta la sepultura.\nEn La Razón (25-11-2012), se detalla su afán por apostar dinero al póquer, y cómo escondía las reservas de billetes de mil pesetas en los calcetines. En los años 60, se arruinó al concertar dos campeonatos de Europa de boxeo. Pero, luchador incansable como era, volvió a empezar.\nUno de sus gags más originales y sorprendentes consistió en sacar de un estuche de violín un cuchillo y una manzana, y dar cuenta de ella con toda naturalidad delante del público. Fue todo un éxito.\nABC (25-11-2012) testimonia su forma de caracterizar: “No hay que meterse en el personaje, sino meterse al personaje dentro. Y es lo que siempre he hecho. Los he estudiado, me los he comido, los he digerido, pero no los he expulsado. Han quedado siempre dentro de mí. Les he prestado la voz, las manos, mi forma de mirar y de escuchar”.\nSe dice que quería ser incinerado, y que sus cenizas se esparcieran en los alrededores del Museo del Prado, donde nació.\nFilmografía de Tony Leblanc, por "ABC" (25-11-2012).\nPublicado por Antonio Ángel Usábel en 21:54 2 comentarios:\nEtiquetas: actores españoles, Ignacio Fernández Sánchez Leblanc, obituarios, Tony Leblanc\nEl diario El País publicaba en su edición del martes, 13 de noviembre de 2013, la noticia de la inauguración del Berlanga Film Museum (Museo Virtual de Berlanga), por parte de la Generalitat Valenciana.\nUna página de libre acceso donde se pueden consultar detalles biográficos del genio español, junto con referencias sobre su cine. Se pueden ver, por ejemplo, sus dos primeros cortos, Paseo por una guerra antigua (1949) y El circo (1950), realizados como trabajos de graduación para la escuela de cinematografía (Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, Madrid). En el primero, dirigido por cuatro alumnos de dirección, un hombre cojo por herida de guerra visita los escenarios de la Ciudad Universitaria que fueron frente de batalla. En el segundo, ya rodado en solitario por Berlanga, asistimos al montaje de un circo americano a lo Buffalo Bill y a algunos de sus números. Como anécdota, diremos que ya actuaba por allí José Villa, Tonetti. Sin duda, un corto que haría las delicias de Ramón Gómez de la Serna por su temática circense y que anticipaba el tono sainetero y lúdico del cine del director.\nHace año y pico, en agosto de 2011, asistí en la UIMP de Santander a un homenaje a la memoria de Luis García Berlanga, y puedo decir que no hay gozo mayor que ver en pantalla grande Bienvenido Mr. Marshall. Esa voz en off de Fernando Rey enalteciendo de cariño la oscuridad de la sala, esos villanos humildes e ingenuos de cualquier pueblo, continúan, con sus ilusiones y sus sueños, emocionándonos y llenando de sonrisas nuestras vidas.\nLa página ofrece fotografías de los rodajes, de las películas y de eventos relacionados con Berlanga. Además, existe la posibilidad de consultar en línea los guiones de sus obras. Ese señor Amadeo, enfermo de los bronquios, que no tiene el coraje de dejar el tabaco, y sin embargo ostenta la valentía de ser ejecutor de sentencias. Los guiones compuestos por Berlanga y Azcona no tienen desperdicio. Son una joya de humor negro, de ironía castiza y de filosofía de vida que hay que leer entre líneas. Como el humanismo de Cervantes o Galdós, como la comicidad elocuente y sabia de Mario Moreno Cantinflas, el genio de Luis García Berlanga es patrimonio español y universal.\n“Luis García Berlanga no es sólo uno de los mas grandes de la historia del cine universal, sino una de las figuras imprescindibles para conocer la cultura de nuestro tiempo. Como Picasso, como Galdós, como Falla, como Ortega...\nEn lo personal, Luis era la inteligencia en estado químicamente puro. Ante él, como ante el también maestro y amigo Fernando Fernán-Gómez, no cabía la impostura, ni la arrogancia, ni la falsa modestia, ni la impaciencia del mal aprendiz... Ante personas como ellos uno se sentía mejor. Se sentía la necesidad de ser mejor.” (José Sacristán)\n“En los rodajes Berlanga era riguroso, exigente, minucioso, divertido, con cierta sorna mediterránea, siempre cariñoso y con exagerado talento.\nYo disfrutaba muchísimo en la preparación y ensayos de aquellos irrepetibles planos secuencia, ¡qué manera de tenerlo todo bien clarito!. Berlanga era un director que siempre llegaba con “los deberes hechos”.\nAhora que no puedo seguir disfrutando de su arte y del de su inseparable Rafael Azcona, he notado cómo los poderosos banqueros, clérigos, militares, autoridades, en definitiva los poderes fácticos, han respirado a gusto al saber que ya no serán representados con tanto rigor, sabiduría, buen gusto, inteligencia y humor.” (Guillermo Montesinos)\nENLACE CON EL MUSEO VIRTUAL BERLANGA.\nPublicado por Antonio Ángel Usábel en 22:53 No hay comentarios:\nEtiquetas: Berlanga Film Museum, cine español, Luis García Berlanga, Museo virtual\nMARILYN… MONROE… Sea cual sea la combinación, juntos o por separado, estos dos antropónimos identifican al ser mítico, al sex-symbol por excelencia de la Historia del Cine. Una actriz que eligió ese trabajo para huir de sí misma, sin poder nunca dejar de ser la chica del calendario.\nHace unos cuantos meses veíamos en la 2 de TVE (7-01-2012) un excelente documental francés (Marilyn. Últimas sesiones, de Patrick Jeudy) que nos certificaba que Marilyn, nuestra Marilyn, la Marilyn de todos merced a la magia de este arte de masas, ardió en deseos de ser otra. Pero era Marilyn. La que la catapultó a la fama y que sin embargo no quería representar. No podía huir de sí misma ni siquiera por la ficción. Era la diosa rubia codiciada, el objeto envidiado por taxistas y enfermeros, por escritores y jugadores de béisbol, por cretinos y presidentes. Ser actriz era la oportunidad de salir de sí misma, una forma simulada de huida. Marilyn se pasó sus treinta y seis años de vida escapando de su pasado –una selva sin amor--, pero sobre todo de un presente eterno, que se hacía futurible. Su encasillamiento como rubia tonta que busca millonario, que es justo lo representado en uno de sus últimos e inmortales papeles, la Sugar de Con faldas y a lo loco (Billy Wilder, 1959), la marcó con la cicatriz indeleble del reclamo sexual. Nadie la veía dotada para el drama, como quizá otras artistas más maduras, más hechas, como Ava Gardner, “el animal más bello del mundo”. Sí, en cambio, para la comedia o el musical. Era graciosa, abierta, simpática, a la par que inmensamente frágil y aniñada. Su aterciopelada voz era la de una niña traviesa y golosa. Una Wendy exuberante que no quería crecer y hacerse mayor. Marilyn quedó estancada en una infancia que no disfrutó, una infancia cruel, áspera, dura, ingrata. Su madre, una montadora de los estudios, era “Madre” a secas, como podía serlo la de Norman Bates. No conoció tampoco el amor de un padre, lo que se tradujo después en su definición del amor como una cadena de relaciones fracasadas. El vacío de cariño de la niñez y adolescencia se convirtió en pulsión masoquista, y en una ausencia completa de autoestima, que la conducía a buscar el dolor en lo efímero y superficial. Entendía a los hombres como unas fieras sedientas de su cuerpo. No la miraban, se la comían con los ojos. Lo cual puede ser cierto en la medida en que ella misma así lo creyera y en que no se diera a valer de otro modo. Tal vez no acertó o no pretendió acercarse al hombre idóneo. Tal vez Hollywood era demasiado poderoso como para aspirar a otra cosa. Las revistas, los chismes, las fiestas, la frivolidad, el glamour y los focos. Un mundo artificial, irreal, pero omnipresente e impositiva fábrica de sueños. Marilyn era demasiado bella, demasiado opulenta. Judy Garland, de fabulosa voz y talento artístico, era un coquín: bajita, fea, chata, con orejillas de ratona, aunque piernas más que decentes, que a menudo exhibía en los espectáculos. Las dos, esclavas de los barbitúricos y los sedantes: una por guapa y codiciada; la otra por niña prodigio sin asomo de belleza. Ambas prisioneras de esa jungla de luces. Objeto de masas, producto fabricado marca ACME. Speculum al joder.\nSu amigo Robert Mitchum –uno de los pocos sinceros con los que contó—decía que Marilyn nunca se tomó en serio su parte de icono sexual. Lo interpretaba, porque el público y los estudios lo pedían, pero ella no podía entenderlo. La actriz Celeste Holm, que no la soportaba, la veía más bien como una oportunista con gracejo; una imitadora de Betty Grable hábil para añadir gráciles guiños de cosecha propia.\nMarilyn no era una buena actriz, era una diosa de celuloide. No era mala, porque su físico imponía, te dejaba atónito, y su simpatía y carácter frágil resultaban envolventes y seductores. Como cantante, tenía una voz melosa y aterciopelada, dulce al oído. Todos queremos a Marilyn. La miramos con cariño, con ternura, como la joven tímida invitada a la fiesta a la que hay que sacar a bailar. Nos hubiera gustado que hubiese encontrado la felicidad, en su casa, rodeada de hijos, comprendida, y al fin amada y respetada.\nHizo buenas películas, pese a que ella no lo comprendiera así. Trabajó con los mejores: Billy Wilder, George Cukor, Otto Preminger, Fritz Lang, John Huston, Howard Hawks, Joseph Leo Mankiewicz, Henry Hathaway, Tay Garnett, John Sturges, Jean Negulesco, Edmund Goulding, Henry Koster, Walter Lang. Para la mayoría, ella fue un instrumento de tortura: llegaba tarde a los rodajes, hacía perder el tiempo, como se demoraba también en las citas. Otra forma de llamar la atención, de sentirse deseada, de hacerse de rogar, y de que hablaran de ella unos y otros. Marilyn era un futuro imperfecto.\nNorma Jean Baker, luego Mortenson, por su padrastro. Gladys Baker había intentado abortar de ella. La niña nació, pero su abuela, una Monroe, estuvo a punto de acabarla con una almohada. Vino al mundo en Los Ángeles, California, un primero de junio de 1926. Murió en la misma ciudad, un 5 de agosto de 1962. O acaso nunca vivió realmente; acaso nunca dejó de morir, perdida en su icono, ser humano relegado. Madre y abuela locas, carne de manicomio. Ella de casa en casa, viendo cómo mataban a tiros a su perrito Tippy, o siendo poseída por el diablo de un padrastro febril. Cuando rodaba su última película, The Misfits (Vidas rebeldes, 1961), se acercó a Clark Gable, en quien veía la figura de un padre protector. El que jamás tuvo.\nComentaré los seis papeles que más me gustan de Marilyn. En principio, uno como actriz de reparto: la cabaretera que emparenta con la familia Donahue, en Luces de candilejas (Walter Lang, 1954), la historia de los actores de vodevil, todo el día viajando de una ciudad a otra. La música, maravillosa de Irving Berlin, con ese tema de cierre que da nombre al título original: There’s No Business Like Show Business. La matriarca de la troupe es Ethel Merman, intérprete de poderosa voz, invitada varias veces al programa televisivo de Frank Sinatra. El patriarca, afable, obediente, es Dan Dailey. El afortunado novio de Marilyn es el excepcional bailarín Donald O’Connor. La historia, del eficaz Lamar Trotti. Los cómicos de la legua han dado camino a notables filmes: Cómicos (1954), de Juan Antonio Bardem, y El viaje a ninguna parte (1986), de Fernando Fernán-Gómez, obra maestra (aunque sin la Monroe), y una de las piezas-clave del cine español. En esta última, el personaje de José Sacristán también sueña y especula con el gran actor que pudo haber sido y no fue.\nPero hay otras películas también excelentes de Marilyn que siempre recordaré: Río sin retorno (1954), de melancólica balada, una de las mejores entonadas por su voz; Niágara, donde alcanzó cotas dramáticas muy valiosas que después pulirá en Nueva York, junto a Lee Strasberg en el Actor’s Studio; y, por supuesto, porque nadie es perfecto, Con faldas y a lo loco (1959), posiblemente la mejor comedia de la Historia del Cine. Esta obra de Wilder es un eterno regalo para la salud. Una Noche Buena sin complejos. Marilyn coincidió en ella con su amigo Tony Curtis, con quien compartiera cama cuando ambos eran desconocidos. Cuando canta I Wanna Be Loved By You (Quisiera ser amada por ti), los censores exigieron que los focos dejaran en penumbra su generoso escote. Como la censura siempre ha sido torpe y tonta, se consiguió el efecto opuesto: los senos de Marilyn, más osados y turgentes si cabe.\nUn cariño muy especial lo guardo para El príncipe y la corista (The Prince and The Showgirl, 1956), cuyo accidentado rodaje en los estudios Pinewood de Inglaterra ha quedado documentado en los diarios del novelista y realizador Colin Clark, por entonces muy joven tercer ayudante de dirección de Lawrence Olivier. Clark relata que mantuvo una relación de amor platónico, consentido por la actriz, cuando esta se acababa de casar con Arthur Miller. Marilyn se llevó consigo a Paula Strasberg, su asistente artística y consejera, porque sus constantes inseguridades la hacían apoyarse siempre en alguien. Marilyn exigía alabanzas, necesitaba certificarse a sí misma que era algo más que la máquina de hacer dinero ideada por Hollywood. Llegaba una hora tarde a las escenas, ante la exasperación del portentoso Olivier (quien, sin embargo, terminó encomiándola), pero recibía a menudo el afecto de algún compañero de plató, como ocurrió con la bondadosa Dame Sybil Thorndike. Este episodio de su biografía personal y artística ha sido brillantemente recreado en el largometraje Mi semana con Marilyn (My week with Marilyn, Simon Curtis, 2011), donde Michelle Williams (ganadora del Globo de Oro) interpreta a la rubia genial, y Kenneth Branagh remeda a la perfección los ademanes principescos de Olivier.\nEn El príncipe y la corista Marilyn seduce con su glamour, pero más que como vulgar sex-symbol destaca por la dulzura, afabilidad y ternura que desprende su personaje de chica humilde, sencilla y espontánea. Pienso que es uno de sus papeles mejor trabajados, y un verdadero acierto que fuera ella, y no Vivien Leigh, quien hiciera la película. No en vano, es una Marilyn Monroe Productions, otra razón por la que Sir Lawrence tuvo que tragarse su orgullo.\nFinalizo recordando Vidas rebeldes, dirigida por John Huston, el bello testamento cinematográfico de Marilyn. Escrita para ella por su marido, Arthur Miller, nos presenta a la verdadera Monroe, la mujer frágil, de delicadeza y sensibilidad extremas que había detrás del mito. Una chica ingenua, sin aspiraciones, emocionalmente inestable, cariñosa, tierna, amante y protectora de los seres vivos y la Naturaleza, que no puede ver cómo apresan a unos caballos para luego convertirlos en pienso. Consigue que los suelten, y con ello da una lección a los rudos hombres de la pradera. Gable se queda sin unos cuantos billetes, pero se lleva a Marilyn bajo un cielo estrellado. Como suele suceder en los filmes de Huston, lo importante no es lo que al final se escapa, sino el aprendizaje y autodescubrimiento que se alcanza en el transcurso de los hechos narrados.\nAsí pues, recuerdo a Marilyn por cinco o seis películas. Pero también recuerdo a Greta Garbo por cuatro ejemplos (Margarita Gautier, Ana Karenina, La reina Cristina de Suecia y Ninotchka) y, sin embargo, me quedo con Marilyn. Garbo era la Divina. Especialmente dotada para el drama. Pero no tenía el porte de Marilyn, ni su gracia, ni su inocente halo de fragilidad. Marilyn Monroe fue una excepcional actriz de comedia, pues daba en la pantalla todo el cariño y la ternura que de niña nunca recibió. Elogiada por maestros como Billy Wilder o Joshua Logan, su tempranísima desaparición nos dejó sin ver la segunda parte de su carrera: quizá una actriz más temperamental, más dramática, más hecha. Solo quizá, pues no nos atrevemos a asegurar que Marilyn pudiera dejar de ser alguna vez ella misma. En su domicilio, la casa donde apareció muerta, había un escudo en el suelo con una inscripción latina muy reveladora: “Cursum perficio”. ‘Mi carrera ha terminado’.\nPublicado por Antonio Ángel Usábel en 12:18 No hay comentarios:\nEtiquetas: comedia, Marilyn Monroe, Norma Jean Baker, sex symbol\nPublicado por Antonio Ángel Usábel en 22:32 No hay comentarios:\nLa balada de Shinbone.\nSe cumplen cincuenta años del estreno, en abril de 1962, de The Man Who Shot Liberty Valance, la película que más me gusta de JOHN FORD. Ford fue sin duda el narrador que llevó la poesía al Oeste. Sus personajes, héroes que se sacrifican por otros y que pueden no llevarse a la chica. Sus paisajes, naturales, inmensos: los desfiladeros, las colinas, los riscos, la tierra aprisionada y roja de Monument Valley. Sus heroínas, mujeres que sufren por sus maridos o sus hijos, y que en el porche se llevan una mano a la mejilla. Su mirada fuera del plató, contemplando un espejismo. Orson Welles, a quien se atribuyen muchas sentencias, algunas verdaderas, otras apócrifas, preguntado sobre quiénes eran, a su entender, los tres mejores directores de cine, respondió: “John Ford, John Ford y John Ford”.\nLa película es una visión romántica del Salvaje Oeste americano, cuando la justicia era la ley del revólver y hombres de buen corazón debían medir sus fuerzas con forajidos y facinerosos. Habla de cómo otra ley, la del código del Derecho, viene a imponer orden en una sociedad caótica que se regula a sí misma. Habla de la conversión de un desierto, donde solo crecen las flores de cactus, en un vergel con praderas, regadíos y rosas de verdad. Habla de Hallie, que es una muchacha inocente y sencilla, y de cómo se enamora de un abogado idealista llegado del Este en una diligencia. De Tom Doniphon, un pistolero reconvertido en ranchero emprendedor. De Pompey, su muchacho negro y fiel sirviente. De Dutton Peabody, el periodista sarcástico y borrachín. De Link Appleyard, el comisario cobardica padre de varios mestizos. Habla también del milagro impulsor del ferrocarril, de cómo sustituye a los viejos coches de caballos y expande la civilización, el progreso y la cultura.\nLa cinta de Ford aparece pletórica de nostalgia. La acción se dispone desde el presente al pasado por medio de un poderoso y largo “flash-back”. El prestigioso senador Ramsom Stoddard, anciano y a punto de la retirada, llega a Shinbone (‘Espinilla’) con su mujer Hallie. Desea rendir tributo al cadáver de un viejo amigo, Tom Doniphon. Unos periodistas le interrogan en un almacén sobre cómo era aquel lugar cuando él llegó por primera vez. Entonces desempolva el nombre del ayer, simbolizado por una diligencia sin ruedas, y parte en el pescante de sus recuerdos. Cómo a mitad de camino fue asaltado y humillado por un matón llamado Liberty Valance, que mantenía aterrorizada a media comarca. Liberty es un golfo muy diestro con la fusta, y mucho más aún con las pistolas. Ramsom está convencido de poder parar eso con la fuerza de sus libros de leyes, mediante la razón, el discurso y la sensatez. Llega a Sinbone y, para pagarse el alojamiento, entra a trabajar en el comedor de los padres de Hallie, a quien pretende Tom, un tirador más rápido que Valance, que se está haciendo un pequeño rancho en las afueras. El espíritu noble y educado de Ramsom conquista pronto el corazón de la chica. Ante la evidencia, pero no sin hondísima amargura y dolor por su derrota, Doniphon decide retirarse de la lid y ayudar en la sombra a Stoddard. Ramsom abre una escuela popular de alfabetización a la que acuden Hallie y otros lugareños. La paz del pueblo se ve una y otra vez quebrantada por las violentas visitas de Liberty y sus dos secuaces, que se abren paso a golpes, insultos y tiros. Stoddard comprende que no podrá parar a Liberty con la sola fuerza de sus palabras. Entonces decide hacerse con un viejo pistolón para entrenar en secreto. Cuando Tom se entera, le demuestra su inutilidad frente a la rapidez de Liberty: “—Entérate de una vez, peregrino, Valance es casi tan rápido como yo”. Y aquí surge la paradoja que plantea Ford sin tapujos: para vencer a la violencia, el Derecho ha de aliarse con los violentos. Solo alguien resuelto y veloz como Tom puede derrotar a Liberty Valance. Nadie más. La paz ha de construirse sobre los restos de la guerra. Así se hizo Estados Unidos: los colonos se independizaron, ganaron terreno a los indios, y liberaron a los negros de la esclavitud.\nEl Oeste parecía hecho para duelistas. Un pistolero no cabía donde ya había otro. Se ve en la maravillosa Raíces profundas (Shane, de George Stevens, 1952), donde también la fuerza se alía con la inocencia de un niño para llevar la calma a unos pobres granjeros. En Shinbone no pueden convivir dos duros como Tom y Liberty. Alguno de los dos tiene que claudicar, marcharse, o perecer. Hay una escena, en la taberna donde sirve Stoddard, que muestra este elevado conflicto: Liberty le pone la zancadilla a Ramsom, y el filete de Doniphon cae al suelo. Tom reta a Valance para que lo recoja: “—Ese era mi bistec. Recógelo, Valance”. Pero el pistolero no está por la labor de obedecer. Entonces “interviene la Ley”: Ramsom se agacha para recoger lo tirado. Por un momento, Liberty está a punto de desenfundar su arma contra Doniphon, quien aprieta los dientes y masculla: “—Inténtalo, Liberty… Inténtalo”. Pompey –el chico de Tom (a los negros los blancos les llamaban “boys”, chicos)-- apoya a su amo con su rifle. El matón y los suyos se retiran con una refriega de pólvora en la calle.\nLiberty es la sombra alargada de un gobernador corrupto, adalid de los ganaderos y su demanda latifundista. Por eso, no permite asambleas libres en Shinbone. Tampoco quiere que la prensa hable, que se exprese libremente. Dutton Peabody entra una noche bebido en su imprenta y cuando prende un quinqué la llama ilumina a Valance y los suyos, dispuestos a silenciar a golpes al osado editor. La paliza es de antología. Ramsom no puede resistir más y reta a Liberty a un duelo en la calle. Quedan solos los dos. Liberty vuelve a humillar por tercera vez a Stoddard, riéndose de él e hiriéndole en un brazo. Amenaza con que el siguiente disparo irá directamente entre los ojos. Ramsom dispara casi sin apuntar y sorprendentemente acierta. Liberty cae muerto. Los ciudadanos lo celebran y lo cargan en un carro, cual despojo humano. Stoddard alcanza el rango de héroe absoluto: él ha sido quien ha matado a Liberty Valance. Se le propone para representante del condado en las elecciones locales. Hallie no se separa de él, y Tom, desesperado, se embriaga y quema su rancho.\nRamsom acude a las elecciones, donde se le acusa de haber matado a un hombre (lo hace un sujeto que traía un discurso “cuidadosamente preparado” sobre un papel en blanco). Los suyos lo defienden:”--¿Desde cuando es matar a un hombre terminar con Liberty Valance?” Ramsom no se enorgullece de este hecho violento. Se avergüenza de sí mismo y está dispuesto a rechazar su candidatura. Pero interviene Doniphon. En un rincón apartado le cuenta la verdad, no la leyenda: “—Haz memoria, amigo. Tú no mataste a Liberty Valance”. Fue Tom, con el rifle de Pompey, quien terminó en la distancia con Valance. La penumbra de un callejón y lo solitario del entorno acallaron su crimen. Lo hizo por sentido de nobleza, de justicia… y por Hallie, para que la muchacha tuviera a su chico del Este.\nEl relato vuelve a la realidad y los periodistas que escuchan al curtido senador permanecen en silencio, asombrados. ¡De manera que Stoddard no mató a Liberty Valance! La historia de emotiva lealtad de Doniphon hacia Hallie y Ramsom les disuade de desvelar la verdad alguna vez: “—Senador, esto es el Oeste, y en él cuando los hechos se convierten en leyenda, no es bueno imprimirlos”.\nRamsom y Hollie se despiden de Pompey y echan una última mirada al ataúd de Tom. Sobre la tapa hay una flor de cactus. En el tren, de regreso al Este, Stoddard le interroga sobre ello a su esposa y le propone mudarse a vivir a Shinbone. Es Hallie quien, en un arrebato de amor melancólico, ha puesto el cactus sobre la caja de Tom. El encargado del tren mima al ilustre viajero: “—De nada, senador. Todo es poco para el hombre que mató a Liberty Valance”. Hallie y Ramsom se miran en silencio. La cámara sale del vagón y muestra la marcha del ferrocarril dejando tras de sí una nube de humo.\nSi hay algo tan cautivador como las imágenes y los grandes secundarios en las obras de Ford, eso es la música. La banda sonora de El hombre que mató a Liberty Valance es una balada lírica y nostálgica debida a Cyril J. Mockridge, quien repetiría la sensación poética en La taberna del irlandés (Donovan’s Reef, 1963), después de haber entregado también la partitura de Pasión de los fuertes (My Darling Clementine, 1946). Ford quería ser un bardo, un poeta cinematográfico, y para conseguirlo necesitaba reforzar las secuencias con la música, a menudo, canciones tradicionales piadosas o de la Guerra Civil americana. ¡Qué bien está acompañada la acción en las películas de Ford! Los bailes ceremoniales del regimiento en Fort Apache (1948) o en La legión invencible (1949). El musgo y el muérdago de la verde Eire en El hombre tranquilo (1952), con música de un lirismo imperecedero de Victor Young. Asociamos cada partitura a cada filme, como si fuera la huella del indio o del cazador solitario. Suele ser una melodía cantada en grupo, como el tema principal “She Wore A Yellow Ribbon” (‘Ella llevaba una cinta amarilla’), distintivo del regimiento, escrita por Richard Hageman. O la preciosa “Te llevaré a casa, Kathleen”, incluida en Río Grande (1950), que después cantaría Elvis. La impresión de balada se repite en Centauros del desierto (1956) y El sargento negro (1960).\nLa mirada nostálgica hacia un pasado dichoso impregna la narrativa de Ford: la sentimos en el rojo atardecer que circunda al capitán Nathan cuando habla a la tumba de su esposa (La legión invencible) o cuando Marthy Maer recuerda a su familia de West Point en Cuna de héroes (1955), creyéndola ver sobre la colina. Ni Ramsom ni Hallie consiguen desprenderse de su pasado y así desean volver a Shinbone, como si debieran eterno agradecimiento a la figura de Doniphon. No es el Shinbone de ahora en el que viven, sino en el enterrado, el del polvo, los cactus, la gente sencilla y las diligencias. Y es que todos deseamos tornar, antes o después, al lugar donde fuimos felices, y que llevamos de ese modo, con nosotros, en el corazón. Si no tenemos otra cosa, que al menos nos quede esa evocación, ese rumor de voces que oímos al ponernos pensativos.\nLa película es, sobre todo, una maravillosa historia de amor entre Hallie y Stoddard. Hallie, con su mirada tierna al curar a Ramsom, con su sincera entrega y fidelidad, como si fuera un niño necesitado de protección. Un amor que dura una vida entera, sólido, perenne, encomiable, envidiable. Todo el amor que puede sentir una mujer por un hombre queda reflejado en esa secuencia filmada por Ford.\nEn El hombre que mató a Liberty Valance, rodada después de Dos cabalgan juntos, a partir de septiembre de 1961 y en apenas treinta días (como muchos otros filmes del maestro), no encontramos los grandes espacios de Ford. El blanco y negro (para reducir presupuesto) recrea escenarios reconstruidos en estudio, dando un cariz teatral al argumento de Dorothy M. Johnson. En efecto, las escenas se circunscriben a ambientes reducidos, cerrados, claustrofóbicos (bien iluminados, sin embargo): el comedor de la cantina, la escuela, el bar, la redacción del periódico, la estrecha sala de la convención. Los espacios son como telones de guiñol: no importan. Lo que interesa es el lado interpretativo: James Stewart en el papel del honrado y pacifista Ramsom Stoddard; inamovible e inconmensurable John Wayne –más comedido y austero que de costumbre-- dando vida a Tom Doniphon; una dulce y angelical Vera Miles como Hallie; el áspero y rudo nervio de Lee Marvin componiendo a Liberty; el gran compadre de Ford, Edmond O’Brien, como Peabody; el recio Woody Strode en la piel de Pompey; el quejoso y obeso Andy Devine en el rol del comisario; el irónico Ken Murray como el doctor. Y varios más, cada uno poniendo su granito de arena para crear esa complicidad, esa familiaridad festiva tan típica de Ford, si acaso reducida aquí por el miedo al sanguinario Valance.\nEl guion es de Willis Goldbeck (también productor, junto a Ford) y James Warner Bellah, pero la sensibilidad y el romanticismo de la historia son claramente femeninos y parten de la citada señora Johnson. La fotografía la firma William H. Clothier y el montaje Otho Lovering.\nEnlace a Carlos F. Heredero sobre la película.\nPublicado por Antonio Ángel Usábel en 21:57 No hay comentarios:\nEtiquetas: El hombre que mató a Liberty Valance, James Stewart, John Ford, John Wayne, The Man Who Shot Liberty Valance, Vera Miles, western\nAvisos para vivir.\nEn 1554 se publicaba anónimamente en Burgos, Alcalá y Amberes una de las mejores novelas españolas de todos los tiempos: La vida de Lazarillo de Tormes. Se suele defender el Quijote como primera novela moderna. Yo lo pongo en duda, y apuesto por el Lazarillo, libro de cabecera indispensable para todo lector curioso. El Lazarillo parte del “yo” y vuelve al “yo” y su circunstancia. Si me quiero salvar a mí mismo, tengo que salvarla a ella también. La obra es una delicia clarividente de cómo está montada la sociedad occidental: el poder fáctico de la religiosidad mal encarada y peor promulgada, la superstición, el fingimiento, la hipocresía social, la acidia, el salvavidas de los cargos funcionariales. El Lazarillo es cómo opera el cotidiano existir, sin exageraciones, fabulaciones ni ínsulas lejanas. Si quieres superar al prójimo, tienes que espabilarte, y ser más astuto y rápido que él. Mira primero por ti, y si a gusto quedas, no cuides de lo que digan los demás, que quizá hablan por hablar y no tienen lo que tú. La piedad no vale en el mundo de carne y hueso, y los dogmas de fe son un cuento y la perdición material de los ingenuos.\nComo todo clásico, desvela cosas nuevas tras ser revisitado. Su porfiada hermenéutica ha cautivado a críticos como Francisco Rico, Juan Goytisolo y Rosa Navarro Durán, que vuelven a comentar cada cierto tiempo sus riquísimas ubres.\nAdaptar bien al cine una pieza literaria maestra es un reto de altura. César Fernández Ardavín (Madrid, 1921-Boadilla, 2012) lo consiguió en 1959 y su versión gozó del aplauso del público y de la crítica, izando muy alto el pabellón de España en los momentos discutidos y polémicos del franquismo. El Lazarillo de Tormes se llevó el Oso de Oro del Festival de Berlín, superando a cintas como Al final de la escapada, de Godard. Fue el propio cineasta el encargado de elaborar el guion y para ello echó mano no solo de las diferentes versiones del original, sino también de contribuciones poéticas –tanto cultas (Garcilaso) como populares (oraciones de ciego)— que existían en la primera mitad del siglo XVI. Esta labor exploradora enriquece poderosamente la ambientación del texto, además de tornarlo más didáctico y contemporáneo a su momento. Los exteriores, rodados en Salamanca, Toledo y otros lugares emblemáticos, conservados casi como en 1500, y la banda sonora de Salvador Ruiz de Luna, con voz muy cercana a las chirimías renacentistas, contribuyen a realzar este importante fresco vivo de la España del emperador Carlos.\nCuenta Lázaro su vida no ya a un personaje principal e ilustre de Toledo, sino a un clérigo confesor, como si decidiera sacudirse del polvo de sus pecados y partir hacia la madurez de su hombría. El ciego (magistral Carlos Casaravilla), primer amo que lo acoge de aquella manera, recita a la orilla de un río el duelo de Nemoroso: “Corrientes aguas, puras, cristalinas,/árboles que os estáis mirando en ellas,/ verde prado de fresca sombra lleno…” Sabe lo que se aplaude en la corte, pero también cómo seducir el corazón de la mujer dubitativa con sermones y monsergas la mar de sustanciosas y oportunas: “Justo Juez Divinal,/ a donde quiera que fueres,/ las armas de Cristo lleves./ Pies tendrán, y no te alcanzarán”; “Ánima sola,/ que en el campo gime y llora,/ que me tengas compasión en esta hora”. Siguiendo la edición de Alcalá de Henares, comenta unos generosos atributos que salen de la pared de este modo: “--Ves esto, Lázaro, pues muchos quieren ponerlo sobre cabeza ajena y nadie quiere tenerlo sobre la suya”. Juan José Menéndez compone, por su parte, la imagen perfecta y elocuente del hidalgo venido a menos, sórdido antecedente de Alonso Quijano y del mismo Cervantes. Margarita Lozano es la moza de taberna de vida despreocupada y ágil que da a su hijo en adopción, no sin sentir que algo se le desgarra en las entrañas al ver al muchacho partir. Y lo más terrible y árido, el acierto consumado del nihilismo que espera al genuino optimista, es el desenlace ideado por Ardavín para su película: Lázaro --niño todavía-- huye de los cómicos a quienes ha denunciado a la justicia y corre por el campo, entre las mieses. Asustado al contemplar cómo los alcanzan y detienen, se abraza a un árbol seco y enjuto. Se suele decir que “a quien buen árbol se arrima, buena sombra le cobija”. Lázaro no ha sabido elegir a sus amos, a cuál peor, pues escapa del trueno para dar en el relámpago. Pero lo malo es que no le espera algo mejor en el futuro. Es decir, que su vida será una repetición constante del infortunio y del desamparo. Con este final tan excepcionalmente gráfico y rotundo, Ardavín burla a la censura, puesto que en la novela el protagonista, ya hecho un hombre joven, acaba casado en Toledo con la manceba de un arcipreste. Una mujer que ha parido tres veces y que va a hacerle la cama al cura. A cambio, Lázaro es heredero de su ropa usada y pregonero de sus vinos. Tan sonada deshonra requiere explicaciones, y Lázaro las da por escrito a un noble que seguramente desea saber si el arcipreste es de fiar como capellán.\nEl Lazarillo de Tormes tiene una diáfana fotografía en blanco y negro y su puesta en escena encandila todavía hoy al público adolescente –inmerso en las nuevas tecnologías y tan difícil de contentar--. Todos los chavales se sienten identificados con el niño, Marco Paoletti, con su aire inocente y frágil, tal y como corresponde a un muchacho tierno arrojado a las desventuras del mundo. No olvidemos que no hay maldad en Lázaro, que no es ningún delincuente, como sí lo serán los posteriores antihéroes del subgénero picaresco.\nLa película de Ardavín funciona en las clases de Literatura de ESO y Bachillerato y, si os cuento un secreto, también me funcionó a mí cuando hice mi examen de oposición como profesor de Lengua y Literatura de Enseñanza Secundaria, ya que me tocó exponer la unidad didáctica de la novela picaresca del siglo XVI, y para ilustrar mi disertación utilicé alguna secuencia de este filme. Los miembros del tribunal se sintieron conmovidos al redescubrir una obra cinematográfica que formó parte de su infancia o de su juventud, por ser tan buena adaptación de un clásico imprescindible.\nHallé una copia en VHS de la cinta de Ardavín por pura casualidad, hace unos quince años, en una liquidación de películas de vídeo del hipermercado Alcampo. Conocía el filme por algún antiguo pase por TVE y me hizo mucha ilusión poder conseguir esa copia por muy poco dinero. Lo que yo no podía sospechar entonces es cuánto me ayudaría después ese encuentro fortuito en mi trayectoria profesional.\nHace pocos días nos ha dejado César Fernández Ardavín, quien ha fallecido por causas naturales en su domicilio de Boadilla del Monte (Madrid) el viernes, 7 de septiembre de 2012. Había nacido en Madrid el 22 de septiembre de 1921. Era hijo de pintor, y sobrino de escritor. Debutó en el cine como ayudante de dirección de Botón de ancla (1948). Sus mejores trabajos son las adaptaciones literarias El Lazarillo de Tormes (Aro Films, S.L., 1959) y La Celestina (1969), película donde por primera vez se pudo ver un pecho desnudo, el de la actriz Elisa Ramírez. Se retiró del cine en 1979.\nCarlos Casaravilla (Montevideo, Uruguay, 12-10-1900; Cullera, Valencia, 17-02-1981) debutó como actor y cantante de revista, pero pronto demostró su excelente solvencia interpretativa en largometrajes españoles de prestigio, como Cómicos (1954) y Muerte de un ciclista (1955), de Juan Antonio Bardem. En esta segunda, actuaba como extorsionador de la pareja de amantes formada por Alberto Closas y Lucía Bosé. En Molokai (1959), la biografía del Padre Damián, era el leproso que se suicida de un tiro de revólver.\nEn 2000 los realizadores Fernando Fernán-Gómez y José Luis García Sánchez firmaban un pastiche titulado Lázaro de Tormes, que incluso se llevó el Goya al mejor guion adaptado. No era más que una comedia erótica centrada en las noches toledanas del protagonista de la novela. Estaba interpretada por Rafael Álvarez “El Brujo”, Karra Elejalde, Beatriz Rico, Manuel Alexandre, Agustín González, Francisco Rabal (el ciego) y Juan Luis Galiardo. La producción era de Andrés Vicente Gómez.\nHa rastreado, recopilado, recitado y musicado los cantares de ciego el folclorista Joaquín Díaz en, p. ej., Música en la Calle (Cd de la Fundación Joaquín Díaz y Several Records, 2003; www.funjdiaz.net, www.severalrecords.com )\nMis reflexiones sobre La vida de Lazarillo de Tormes (1554): pincha aquí.\nPublicado por Antonio Ángel Usábel en 20:59 No hay comentarios:\nEtiquetas: César Fernández Ardavín, El Lazarillo de Tormes\nLa última película de Ridley Scott, además de ser “precuela” de Alien, el octavo pasajero (1979), plantea una fábula moral: ¿de dónde venimos? ¿quiénes somos? ¿por qué estamos aquí? ¿quién nos ha hecho? En cierto modo, nuestros ocios –la lectura, la escritura, la música, el cine, el deporte—nos procuran el entretenimiento para no pensar todo el rato en quién nos piensa, a quién le debemos esta generosa o dolorosa ficción.\nPrometeo era un titán que recibió el encargo de crear la humanidad. Para que los hombres fueran superiores a los animales, caminarían erguidos y dominarían el fuego, un elemento sagrado. Prometeo aprovechó una chispa del Carro del Sol para entregar la llama a los hombres, provocando con ello la ira de Zeus. Como el titán quiso burlar al rey soberano, fue condenado por este a ser parcialmente devorado por un águila en una gruta del Cáucaso. Las entrañas se regeneraban una vez y otra, así durante treinta mil años: “Este buitre voraz de ceño torvo, que me devora las entrañas fiero…” Heracles liberó a Prometeo y mató a la bestia.\nSabemos cómo se adueña la criatura alienígena del ser humano: se introduce por su boca, alcanza el estómago y los intestinos, y comienza el estropicio. El alien lo devora por dentro: desde dentro hacia afuera, casi como el ave que atormentaba a Prometeo. En la precuela diseñada por Scott, un millonario fleta una inmensa nave espacial para que vaya en pos de una civilización perdida, que quizá fuera la responsable de crear la humanidad. La nave llega a un planeta muy parecido a Saturno, por sus anillos, cuya atmósfera es rica en nitrógeno y anhídrido carbónico. Los diecisiete exploradores se topan con una extraña construcción que se parece a un poblado bosquimano: un montículo en el centro, rodeado de una alta empalizada, todo ello de colosales dimensiones. Dentro del montículo hay oxígeno, se puede respirar bien, pero también unas misteriosas cápsulas que parecen guardar materia orgánica. Justo la misma que surgía de los huevos enormes del filme de 1979. Y, por supuesto, está el gigantesco e inquietante “Jinete del Espacio”, montado en su butaca y al frente de su telescopio antiaéreo.\nSi aquellos seres que hibernan en sus cápsulas del tiempo nos crearon, abominaron pronto de nosotros, pues nada quieren tener con el hombre. ¿Qué nos cabe esperar –parafraseando a Kant—del Sumo Hacedor? Nada en absoluto según el cuento moralista de Scott. El viaje se convierte en un riesgo sin esperanza. El nihilismo más destemplado y árido.\nAlien, el octavo pasajero, es una obra de precisión (y de concisión) maestra. Trepidantemente angustiosa y emocionante en su canónica morosidad. Es una historia de ficción científica bien lograda, ambientada en las cárceles de la invención del surrealista H. R. Giger, que se curró los bocetos, los diseños, las maquetas y los decorados del Nostromo palmo a palmo. Llevó el terror al espacio, al reducto-prisión de una nave. “En el espacio nadie puede escuchar tus gritos”, rezaba el eslogan promocional. Para conseguir suficiente financiación, y subir de los cuatro millones de dólares iniciales a ocho, Ridley Scott tuvo que construir el storyboard de Alien al completo. Eso convenció a los directivos de Fox para hacer la película tal y como la quería su director. En la memoria colectiva, la mirada de un felino pardo aterrorizado ante el ataque del monstruo. El gato va siguiendo con sus ojos el alzamiento cruel en el aire de una víctima, de un pelele. Una secuencia que marca huella en la Historia del Cine.\nEran los tiempos en que las películas del espacio que se preciaran de tener calidad debían rendir culto a Kubrick y su 2001. En el Cosmos no existe la prisa, hay un Mar de Tranquilidad. Todo se mueve como a cámara lenta, despacio, recreándose en la visión de los soles, de las galaxias y las supernovas. Scott imita esta técnica, pero hace que cunda el pánico en la inmovilidad titánica de la nave y en sus abigarrados tripulantes. La cámara no vibra, no corre, no siente el nerviosismo. La acción se toma su tiempo y no peca de vertiginosa, pero no por ello es menos interesante. En la conclusión, vemos a la tercera oficial Ripley evitar al monstruo en el diminuto módulo de emergencia, y cuando creía haberlo dejado atrás para siempre, la criatura se despereza a su lado. Y hasta en ese momento crítico de asombrosa tensión, Ripley, con entera calma, se pone su escafandra aislante, su casco, y descompresiona la nave para que el alien salga rebotado al exterior. Este tempo moderado denota la imitación del academicismo de David Lean en Lawrence de Arabia, homenajeada por cierto en una escena de Prometheus. Hasta los héroes de grandes gestas deben tomarse el té de las cinco con parsimonia áulica. Se puede ir disfrazado de beduino, pero ante todo se debe ser inglés y caballero. Como Ian Holm, que borda a Ash, el impávido androide flemáticamente enfrentado a sus camaradas. Ash es la clave de la partitura que transcribe Jerry Goldsmith, con guiños al clasicismo mozartiano, que pasa al piano de Chopin en la precuela.\nFord decía que había que clavar la cámara en el suelo y dejar que todo sucediera delante del objetivo. Probablemente, tenía razón. Un filme resulta más serio si prescinde del movimiento. Porque eso conlleva la precisa planificación previa de las escenas con mínimo montaje posterior. Los movimientos marean, aturden al espectador, que no se centra así en lo que se le ofrece. Prometheus, la precuela, adolece del ritmo de hoy día: desbocado, lóbrego, difuso. Y aun así, contiene la huella manierista de Scott en esas anchas panorámicas de ríos, de cascadas, de montañas, de suelos agrietados. La técnica digital se perfecciona aceleradamente y va siendo capaz de crear escenarios tangibles, que Scott ordena hacer y que aprovecha con soltura y mecenazgo. Prometheus no es una mala película, pero sí es un filme distinto a Alien. Ahora el público no es tan paciente, no desea las secuencias shakespearianas, sino la rapidez insustancial, lo efímero y consumible. Hoy un aparato no se repara: se tira y se compra otro. Estamos programados para consumir y quemar. Scott lo sabe, pero no se rinde del todo a ello. Por tal motivo, organiza Prometheus con calibrado empaque: hay acción en movimiento, pero también manierismo, impronta clásica: por ejemplo, en el lento deambular de David, sosias del coronel Lawrence, delgado, esbelto y rubio como él, afeminado si se desea. En el pulcro hieratismo, dificilísimo de igualar en todas las escenas, del personaje encarnado por Charlize Theron, sin duda, junto a Michael Fassbender, uno de los mayores aciertos del casting. Una mujer altanera, indolente y fría, de una frigidez insultante. Sin embargo, estos logros no cuajan en un conjunto final lastrado por emanaciones de Avatar y afines. Así como Alien se notaba enseguida que era una buena historia y una monumental película, Prometheus requeriría de más de un visionado para descubrir en ella el brillo de lo fascinante e imperecedero.\nAlien, el octavo pasajero se basa, a mi juicio, en dos filmes clásicos de ciencia ficción: Planeta sangriento (Queen of Blood, 1966) y El enigma de otro mundo (The Thing From Another World, 1951).\nPlaneta sangriento es una producción de Roger Corman que aprovecha algunas tomas de dos películas rusas inacabadas. Su director fue Curtis Harrington, y cuenta en el elenco protagonista con John Saxon, Basil Rathbone (otrora Sherlock Holmes) y Dennis Hopper. Así mismo, una impecablemente perturbadora Florence Marly –gélida actriz checa de cine y tv-- interpreta a la criatura, con una impronta de malevolencia únicamente igualada por Judith Anderson en Rebeca y por Ann Savage en Detour, el meritorio filme negro de serie B rodado en 1945 por Edgar G. Ulmer.\nUn centro espacial terrícola recibe una extraña comunicación del espacio exterior. Cuando se descifra, se ve que es una petición de ayuda. Aprovechando la Luna como lanzadera, se manda una nave que rescata a una mujer extremadamente delgada, de tez verdosa y cabello blanco flamígero. Este ser está muy débil. Pero pronto cunde la alarma entre los tripulantes de la misión al comprobar que se alimenta de sangre humana. Como los vampiros, hipnotiza a sus víctimas y les succiona sangre de las venas de las muñecas. Los astronautas comunican este descubrimiento a la base. El jefe científico de turno ordena preservar la vida de la alienígena a toda costa. Para este fin, se termina con las reservas de plasma de la nave. Cuando la mujer sigue atacando, es arañada en el hombro por una tripulante, lo que la lleva a la muerte al padecer hemofilia. Se desangra sobre un charco de clorofila, el componente principal de su sangre. Pero ahí no termina el peligro: la criatura ha sembrado de huevos vivos la nave. Al regresar a la Tierra, los científicos se harán cargo de esos huevos, sembrando de incertidumbre el destino de la especie humana.\nComo se ve, las semejanzas de guion con Alien resultan muy evidentes: el mensaje de vida inteligente, la amenaza de la criatura dentro de la nave, el propósito de protegerla aun a costa de las vidas de los tripulantes humanos, los huevos que palpitan y encierran futuros seres… Incluso las imágenes psicodélicas de John Cline usadas en los títulos de crédito de Planeta sangriento, el colosalismo de sus estructuras y un centro de control similar a lo que en Alien será el Jinete del Espacio.\nEl enigma de otro mundo es un filme mucho más alabado y conocido. Fue una producción de Howard Hawks, el gran artesano del cine del Oeste y de aventuras. Su director, Christian I. Nyby. Parte de Who Goes There? (‘¿Quién anda ahí?’), un relato breve de Don A. Stuart –seudónimo de John W. Campbell, JR--, publicado en una revista de ciencia ficción en 1938. Cerca de una base polar, un equipo de científicos rescata del hielo un platillo volante y una extraña criatura congelada. Al trasladarla al campamento, la criatura –un humanoide de dos metros y medio—se descongela y vuelve a la vida, sembrando el pánico entre sus rescatadores. Los claustrofóbicos y cegados pasadizos de la estación serán el escondite del monstruo, que va eliminando a los miembros del equipo. Uno de ellos se empeña en mantenerlo con vida en pro de la Ciencia y de la Humanidad. Su recompensa: la rotura de cuello. Los acorralados supervivientes se valen de un contador Geiger para predecir la presencia de la criatura, que es al final abrasada mediante electrocución. El enigma de otro mundo es una cinta modélica, apasionante en su sobriedad, magníficamente interpretada por un reparto de buenos secundarios, inolvidable en su suspense. Su remake llegó en 1982 de la mano de John Carpenter con el título La Cosa (The Thing), y fue protagonizado por Kurt Russell. El guion se debió a Bill Lancaster –hijo de Burt Lancaster—y es mucho más fiel al relato original de Campbell, ya que la criatura alienígena no solo se posesiona del cuerpo de la víctima, sino que imita su forma y sus rasgos físicos. El suspense dimana de saber quién es humano y quién no. Los efectos de maquillaje se encargaron a Rob Bottin, quien estuvo trabajando sin salir del estudio de Universal dieciocho horas diarias durante varias semanas para conseguir lo requerido. Acabó en el hospital, pero hizo un excelente trabajo todavía no superado hoy. Sus efectos, sumados a los de Albert Whitlock, han convertido esta película en una cinta de culto que no pasa de moda. Recientemente se ha vuelto a rodar y a estrenar un lamentable subproducto basado en ella.\nAlien tomaría de El enigma de otro mundo, el largometraje de 1951, su ambiente opresivo y cerrado, el misterio que esconde la oscuridad de los recovecos. También, la increíble estatura del monstruo, el detalle del instrumento para tenerlo localizado y la persistencia de un científico en salvarlo.\nPublicado por Antonio Ángel Usábel en 4:13 No hay comentarios:\nEtiquetas: Alien, Charlize Theron, El enigma de otro mundo, John W. Campbell, Michael Fassbender, Planeta sangriento, Prometheus, Queen of Blood, Ridley Scott


Un adulto mayor murió en Oaxaca luego de recibir vacuna contra el covid-19 - Proceso\nEl adulto fallecido comenzó a presentar malestares poco después de recibir la vacuna contra el covid-19. Foto: H.Bilbao - Europa Press\nOAXACA, Oax. (apro).- El médico Armando Canseco Peralta, de 80 años, murió en Tehuantepec minutos después de presentar malestar luego de haber recibido la vacuna contra el covid-19, confirmó el gobierno de Oaxaca.\nLas autoridades únicamente refirieron, en un comunicado, que “al momento de recibir el biológico el adulto mayor no reportó sentirse mal”.\nPosterior a la aplicación de la vacuna, al pasar a la sala de observación presentó un desvanecimiento, siendo atendido inmediatamente por personal médico que se encontraba en el lugar, y ante la gravedad del paciente, fue trasladado al Hospital General de Santo Domingo Tehuantepec, brindado soporte médico durante el trayecto sin obtener respuesta corroborando su defunción a la llegada al hospital”.\nAl circular en redes sociales la muerte del doctor, el gobierno del estado emitió un comunicado donde manifestó que “con profunda pena, los Servicios de Salud de Oaxaca informan el fallecimiento de un adulto del sexo masculino de 80 años del barrio Guichivere, mismo que acudió esta tarde a recibir la aplicación de la vacuna contra la covid-19.\nExplicó que el personal vacunador se encuentra capacitado para la aplicación de las vacunas contra la covid-19, además en cada puesto de vacunación hay médicos vigilando el estado de salud de los pacientes.\nEntonces, “ante un Evento Supuestamente Atribuible a Vacunación e Inmunización (ESAVI) grave registrado esta tarde en Tehuantepec, los SSO informan que las y los vacunadores cumplieron con el protocolo de aplicación de la vacuna, la cual consiste en revisar el nombre de la vacuna a aplicar, el lote correspondiente, la caducidad, su temperatura y revisar la dosis y vía a aplicar, así como verificar que el registro corresponda al paciente y datos generales del mismo.\nRespecto al protocolo de observación, los Servicios de Salud de Oaxaca, cumplen con la vigilancia del paciente, la cual es realizada por médicos que están pendientes de cualquier situación que se pudiera presentar durante los primeros 30 minutos posteriores a la vacunación de acuerdo a los lineamientos establecidos. En todos los puntos de vacunación se cuenta con medicamentos, oxígeno y una ambulancia de traslado que pudieran utilizarse en caso de presentarse algún evento adverso ocasionado por la vacuna”, puntualizaron.\nEn las redes sociales circuló la información de que “alrededor de las 15:20 horas de este miércoles 21 de abril, el doctor Armando Canseco Peralta originario del barrio Guichivere de #Tehuantepec, acudió como muchos ciudadanos a recibir la vacuna contra el Covid-19.\nPersonal a cargo del módulo de vacunación ubicado en el salón Bladuyú del barrio Guichivere, informaron que tras recibir la dosis única, fue trasladado al área de observación donde el médico comenzó a presentar síntomas inestables, por lo que fue trasladado por una ambulancia del Hospital Materno Infantil para recibir la atención correspondiente, pero lamentablemente falleció en el trayecto”.\nCoronavirus Covid 19 Salud Oaxaca


Juego Romper los bloques - Juega online y gratis\nMueve el bloque padre para que el bloque hijo pueda romper los bloques verdes\n¿Como se juega? Sin clicar nada mueve el ratón para que el padre se mueva, clica sólo la primera vez para que el hijo salte y rompa los bloques verdes. No dejes que el hijo se caiga más de tres veces o se acabará el juego.\nRelacionado: bloques bloque\nA Bloque Bloques Hijo Padre Para Romper\nMás juegos parecidos a Romper los bloques\nRomper los bloques en otros idiomas\nEl juego Romper los bloques es un juego online de ordenador para jugar gratis. No tienes que descargar nada, ni instalar nada, porque Romper los bloques es un juego en flash.\nSeguro que te preguntas, como es juega a Romper los bloques, pues bien, aqui tienes las instrucciones: Sin clicar nada mueve el ratón para que el padre se mueva, clica sólo la primera vez para que el hijo salte y rompa los bloques verdes. No dejes que el hijo se caiga más de tres veces o se acabará el juego..


Definición y Significado de Evaluación de riesgos\nSignificado de Evaluación de riesgos\n¿Qué significa Evaluación de riesgos? Existen 6 definiciones para la palabra Evaluación de riesgos. También puedes añadir tu mismo una definición para Evaluación de riesgos\nEtapa posterior al análisis de riesgos, que partiendo de la exposición a un riesgo y del riesgo aceptable, establece recomendaciones acerca de los controles de seguridad existentes y propuesta de ot [..]\nValoración de aquellos riesgos que en un centro de trabajo no hayan podido ser evitados y que permite obtener la información precisa para que el empresario esté en condiciones de tomar una decisión apropiada sobre las necesidades de adoptar medidas preventivas y, en tal caso, sobre el tipo de medidas que deben ser [..]\nProceso mediante el cual se obtiene la información necesaria para que la organización esté en condiciones de tomar una decisión apropiada sobre la oportunidad de adoptar acciones preventivas y, en tal caso, sobre el tipo de acciones que deban adoptarse.\nEstudio para determinar, para un período de tiempo determinado, la probabilidad de que ocurran daños personales o pérdidas materiales, así como su cuantificación.\nProceso mediante el cual se obtiene la información necesaria para que la organización esté en condiciones de tomar una decisión apropiada sobre la adopción de acciones preventivas y sobre el tipo de acciones que deben adoptarse.\nAñade un significado a Evaluación de riesgos\n<< Cultivo transgénico Gen marcador >>


Progressive Pittsburgh Party se solidariza con Haitian Families First | Danzeria\nProgressive Pittsburgh Party es un proyecto que muestra artistas locales de música electrónica, DJs, productores y líderes en la ciudad de Pittsburgh y se centra en su creciente escena musical; cuyos representantes se ofrecieron para apoyar la organización sin fines de lucro Haitian Families First.\nTenova, Dj Strobe, Buku y The Kosmonauts han contribuido al proyecto, con muchas más entrevistas de artista a seguir en las próximas semanas. Recientemente, la ciudad ha ido ganando una cantidad sustancial con la publicidad de las publicaciones musicales de renombre en todo el mundo. Estas piezas editoriales y características se centran en las partes underground, productores y la escena musical en continuo crecimiento en la ciudad del acero.\nEl enfoque del proyecto Progressive Pittsburgh es hacer exactamente eso, y para ofrecer un determinado artista o evento cada semana en The DJ List. Después de completar más de 20 entrevistas y llegando a la mitad del camino de este proyecto, se decidió qué la mejor manera de mostrar todos estos talentosos artistas y productores es con la celebración de un evento.\nThe DJ List y Haitian Families First estarán presentando a Progressive Pittsburgh Party el viernes 17 de octubre con Brillobox en el barrio Lawrenceville de Pittsburgh. El evento será una movida dance llena de comida internacional y música electrónica para recaudar fondos en ayuda a las familias damnificadas de Haití a causa del terremoto de 2010.\nCategories LeerTags Danzeria, Haitian Families First, Leer, Progressive Pittsburgh Party\tPost navigation


Relais & Châteaux, itinerario por los Grandes Lagos: Wisconsin, Chicago, Detroit, Toronto y Pensilvania se postran a sus pies\nEntre Estados Unidos y Canadá, viajará a lo largo de las costas de los Grandes Lagos estadounidenses al ritmo del funk y el soul. La banda sonora se extiende en torno a las espectaculares líneas de alta tecnología arquitectónica de Milwaukee, Chicago y Toronto. Los títulos de Prince y de la discográfica Motown se suceden entre las suaves orillas de los lagos y las cascadas más famosas de Norteamérica. Las cataratas del Niágara, frontera natural entre los dos países, interpretan su propia melodía: ¡un estruendo acuático que recordará toda la vida!\nEste itinerario fue creado por Jean Joho, ex Chef y propietario del Restaurante Everest Más información.\nVisitar Paisley Park, la casa de Prince (Minneapolis)\nEn el cercano suburbio de Minneapolis, la residencia de Prince alberga los antiguos estudios de grabación, así como talleres de confección de trajes, estudios de cine, salas de ensayo e incluso salas de conciertos, concebidos por el artista. Construido en 1987 gracias a los royalties del álbum Purple...\nMercado de productos de granja de Madison, Wisconsin\nCuando hace buen tiempo, unos 200 granjeros se reúnen en el Dane County Farmers’ Market. En Wisconsin existe una auténtica cultura del horticultor y el sábado por la mañana el mercado se convierte en una colmena. Allí, todo es fresco: puerros recogidos por la mañana, espárragos del día, quesos de granja....\n2 Detroit — 1 Noche\nDetroit, mucho más que coches\nDetroit, principal ciudad del estado de Míchigan, parece haber vivido ya muchas vidas desde su fundación en 1701 de la mano del francés Cadillac: la antigua "Ciudad del Motor" quebró, pero muchos vestigios de su historia todavía definen la ciudad. Los frescos de Diego Rivera de las fábricas de Ford que se pueden contemplar en el magnífico Instituto de Artes de Detroit son quizás su símbolo más impactante... ... Para saber más haga clic aquí.menos\nDescubrir el Motown Museum\n¡Una discográfica que ha revolucionado la historia de la música! Entre 1959 y 1972, en esta pequeña casa, la Motown grabó a The Supremes, The Temptations, Stevie Wonder, Marvin Gaye, The Jackson 5, etc. Transformado en un museo, el apartamento del fundador y los viejos estudios exhiben instrumentos,...\nComer sobre la marcha en Zingerman's Delicatessen (Ann Arbor)\nLa tienda de comestibles Zingerman, inaugurada en 1982 cerca del campus universitario, se expandió rápidamente más allá de las fronteras de Míchigan. La cadena comercial independiente se ha convertido en una referencia por la venta de sus quesos, embutidos, frutas y verduras producidos en Estados Unidos...\n(a partir de) US$ 312,29\nAdmirar las cataratas del Niágara en territorio canadiense\nA pesar de su altura (57 metros), ¡lo que impresiona al visitante es su caudal! Desde las costas canadienses, las cataratas del Niágara ofrecen un espectáculo sin igual: después de descubrir el emplazamiento desde el balcón de observación de Table Rock, hay que observar las cataratas desde las plataformas...\nToronto, todos los sabores del mundo\nEl horizonte de Toronto se erige orgullosamente sobre las aguas del lago Ontario. Con sus 6 millones de habitantes, es ahora la mayor metrópoli de Canadá. Como capital económica, es también, y sobre todo, un auténtico ejemplo de diversidad cultural. De un barrio a otro (Yorkville, Kensington Market, Little Italy, Koreatown...), se cambia de escenario, idiomas y sabores... ¡En Toronto, casi el 50 % de los habitantes nació en el extranjero! ... Para saber más haga clic aquí.menos\nAlo causa sensación en Toronto. Patrick Kriss y Amanda Bradley han elegido la tercera planta de un edificio de Chinatown para establecer su restaurante, un lugar bastante inesperado, manteniendo vivo así el misterio. Amplios suelos de parqué, grandes ventanales que dan a la calle y permiten penetrar...\nBradford - Pensilvania, Estados Unidos 16 habitaciónes - 9 villas\nSituado a orillas del río Allegheny, este fue en tiempos un barrio de molinos, almacenes y pequeños comerciantes. Hoy, como hace cincuenta años, sigue siendo un vecindario de carniceros, horticultores, queseros y panaderos. La atmósfera es única, como en una película antigua en blanco y negro.\nEste itinerario fue creado por Jean Joho, ex Chef y propietario del Restaurante Everest


El embrujo, o ¿quién caza a quién? - La Zona Sucia\nEl embrujo, o ¿quién caza a quién?\nHomero Ontiveros – Me quedo inmóvil, no sé si animarme a entrar o no; en realidad poco me interesa querer saber algo del futuro, apenas y puedo concentrarme en el presente, pero sin darme cuenta respondo en automático. ¿Cuánto cobras por leerme las cartas?\nImagen del Niño Fidencio en el Mercado Juárez de Monterrey. Foto: Ebarella_R - Flickr (Creative Commons)\nMe quedo inmóvil, no sé si animarme a entrar o no; en realidad poco me interesa querer saber algo del futuro, apenas y puedo concentrarme en el presente, pero sin darme cuenta respondo en automático. ¿Cuánto cobras por leerme las cartas?\nImagen del Niño Fidencio en el Mercado Juárez de Monterrey. Foto: Ebarella_R – Flickr (Creative Commons)\nMira, pásale. Yo te adivino lo que sea sin preguntarte nada. Te leo las cartas y las barajas, dice un hombre a las mujeres que pasan por el pasillo 4 del Mercado Juárez de Monterrey. Se les acerca, les toca el hombro o la mano y las invita a pasar a su consultorio, un reducido espacio detrás de una cortina. Al frente, un anuncio con los servicios que ofrece y una imagen de la Santa Muerte.\nUna mujer se detiene y lo cuestiona: ¿Y si no me adivina? Pues no te cobro nada, pero si te adivino me pagas los cien pesos de la consulta. Ándale, anímate. Soy cubano, vidente, brujo y hechicero, dice como si la nacionalidad fuera una garantía o voto de confianza. La mujer se queda pensando, dudosa mientras él le repite que si no queda satisfecha le devuelve su dinero. Esa es la palabra clave: satisfecha. De eso se trata.\nEl brujo le pregunta si no cree en las cartas, ella contesta que sí y añade una sentencia contra la cual no hay ningún hechizo que la revierta: lo que pasa es que no traigo dinero. El cubano se queda mudo, no dice nada y la deja ir como pez que se escapa de las manos y vuelve al agua.\nFrente al negocio del vidente hay un restaurante de comidas corridas. La dueña, que supongo se llama Cuca porque así es el nombre del local, siempre está ahí. Resalta por lo arreglada que siempre va: cabellera rubia y larga en cola de caballo, aretes, collares y alhajas brillantes en sus muñecas, cuello y orejas hacen juego con el maquillaje fuerte de sus párpados, mejillas y labios, además de una pestañas grandes y negras. Doña Cuca está sentada, mirando a la nada, o más bien al pasado, mientras en una pequeña y vieja grabadora se escucha cantar a Lola Beltrán. Ella se sume en sus pensamientos y recuerdos; la música es un detonante en voz de José Alfredo y luego Rigo Tovar con mariachi. El tiempo se ha detenido para hacer un ajuste de cuentas.\nLa señora que come a mi lado no deja de quejarse: ¿A qué hora se van a callar el hocico?, dice refiriéndose a las dos mujeres que atienden y hablan como si estuvieran en su casa. No se da cuenta que ese es el secreto del mercado: sentir que es algo casero, cercano. Los mercados son los lugares con más vida, eso se puede constatar en su movimiento, olores y ruidos.\nHay algo en la mirada de las personas que se dedican al esoterismo que es diferente, parece más profunda e imponente, además de oscura. Pongan atención en eso y lo verán: su mirada es diferente a las demás.\nPido mi cuenta y me dispongo a salir del mercado. Antes escucho al cubano y me doy cuenta que, cuando habla con una señora amiga de él, su acento es casi tan regio como el mío. Me queda la duda si es cubano, regio, o cubaregio. Veo que solo se dirige a las mujeres para ofrecerles su servicio, supongo que él sabrá por qué lo hace. Me levanto y, al estar frente a su negocio, me detengo a leer los servicios como si me interesara. No pasan dos segundos cuando me dice: Mira, ven hijo. Yo te adivino lo que quieras. Me quedo inmóvil, no sé si animarme a entrar o no; en realidad poco me interesa querer saber algo del futuro, apenas y puedo concentrarme en el presente, pero sin darme cuenta respondo en automático. ¿Cuánto cobras por leerme las cartas? Ciento cincuenta para ti. Pero si acabo de escuchar que lo hacías por cien pesos. Sí, pero a ti te voy a hacer una lectura más detallada.\n[perfectpullquote align=»left» bordertop=»false» cite=»» link=»» color=»» class=»» size=»»]¿Ya te habían leído algunas vez las cartas?, me pregunta el brujo. No, esta es la primera vez. Y, ¿qué te trae por acá, qué quieres saber? Pues de todo un poco. [/perfectpullquote] No es cualquier cosa para mi. Hace alrededor de veinte años dos personas, en situaciones distintas y alejadas, me dijeron que mi “aprendizaje” terminaría alrededor de los 40 años. Es muy incómodo vivir contando el tiempo que falta para llegar a la catástrofe y pensando que cada año uno se va acercando más al final. Llegando a los 39 fue lo más difícil porque pensaba que cualquier cosa me podía pasar. Al llegar a los 40 decidí que no podía hacer nada por cambiar mi destino y preferí aceptar cualquier cosa que sucediera. Al final de ese año me dije: eres un pendejo. Durante todo ese tiempo no quise volver a saber nada de adivinos ni brujos; por eso es importante para mí decidirme a entrar ahora aquí. El miedo es a que me reafirme la sentencia hecha hace 20 años, tener que salir de ahí pensando que en cualquier momento todo acabará.\nMe decido y entro, es como decidir hacerte unos exámenes de sangre: aunque vaya a salir que traes el colesterol hasta las nubes tienes que hacerlo. Doy el paso.\nCorre la cortina naranja y entro a un cuarto diminuto. Hay tres figuras de la Santa Muerte formando un triángulo en el espacio reducido donde se hacen las consultas. Son de diferente tamaño. Sobre una repisa hay veladoras encendidas y en la pared de enfrente algunos amuletos cuelgan suspendidos en el aire, dan la impresión que están ahí para proteger de las malas vibras el ambiente o, a las personas, aunque luego sabré que se trata de un artículo disponible para el cliente. Hay un olor entre inciensos y hierbas mezclándose entre sí, huele a esoterismo y mercado. Aunque no parece, por dentro el temor me hace tambalear un poco, hay un ligero temblor en mi. Él no tiene ninguna pinta de brujo, cabello corto, tan común que no necesita casi ni peinarlo, pantalón de mezclilla y zapatillas grises Nike que no hacen juego con su playera naranja gastado. Lo único que lo asocia con la imagen de un esotérico es la cantidad de collares y amuletos colgando de su cuello y las coloridas pulseras abrazadas a su muñeca.\n¿Ya te habían leído algunas vez las cartas?, me pregunta el brujo. No, esta es la primera vez. Y, ¿qué te trae por acá, qué quieres saber? Pues de todo un poco. Noto que mis palabras no son firmes al responder, me siento nervioso y vulnerable pero no quiero que él se de cuenta de eso. A ti te está yendo mal en el trabajo, no salen las cosas como quieres, ¿no es así? Me quedo pensando en la intención del adivinador y recuerdo que este año no he parado de trabajar, pero su desatino no hace que mis nervios desaparezcan. Tienes problemas económicos, me dice sin titubear. Claro, ¿quién no los tiene en este país?, respondo. Estas aseveraciones las hace mientras sigue mezclando las cartas entre sus manos, como queriendo decirme que él, con algún poder que tiene, ha visto algo en mí antes que las cartas. Caigo en cuenta que ya faltó a su oferta de adivinar sin preguntar e intuyo se volverá más en un ejercicio intelectual; es decir, él intentará adivinar cosas de mí con base a mis respuestas. Tú no crees en la brujería, ¿verdad? Más que no creer en ella, en realidad no cuestiono su existencia, respondo. El brujo se queda mirándome tratando de encontrar alguna seña que le haga entender mi respuesta.\nDespués de pedirme que revuelva las cartas con mis manos, saca una a una y las acomoda sobre una pequeña mesa cubierta con tela verde. Lo hace con cierta fuerza que emite un sonido cuando la desliza para separarla del resto que trae en una de sus manos. Las observa y dice que todo está bien, que no ve ninguna enfermedad ni accidente. Siento que una gran loza se hace añicos, casi la escucho caer y romperse, mi cuerpo se aligera, el temor comienza a caminar alejándose, todo cambia alrededor cuando no repite el diagnostico que me dijeron de joven. Aunque ya empezaba a dudar de él, esto sí se lo creo, todo está bien, no me pasará nada. No soy consciente de que yo también, al igual que él, estoy haciendo una interpretación a mi beneficio. Creo aquello que me conviene y lo que no lo deshecho.\nSaca unas cuantas cartas más, se detiene, las interpreta y agrega que en el trabajo hay algo que me está truncando y no me deja avanzar bien. Vuelve a observar como buscando algo en algún rincón de esa carta, algo que esté un poco más alejado y me dice que no se trata de un trabajo contra mi, o sea, no es brujería sino solamente un bloqueo que le aparece ahí y está seguro es el motivo por el que no puedo superarme en lo laboral. ¿A qué te dedicas? Soy periodista cultural. Se queda un momento en silencio. ¿Cómo es eso? Escribo sobre cosas que tienen que ver con la cultura, nada que tenga que ver con accidentes ni delincuencia, es más bien sobre libros, música, arte, etcétera. Baja la mirada y lanza otra línea de cartas sobre la mesa. Aquí me aparece que eres una persona muy inteligente, que sabes bien lo que quieres y por eso lograrás lo que te propongas, eres una persona que sabe hablarle a los demás.\nA estas alturas trato de mostrar una cierta sorpresa a todo lo que me dice, me interesa que tenga la suficiente confianza para seguir adivinando lo que sea sin sentir que no le creo, por eso hago expresiones que le hagan pensar que está acertando en sus interpretaciones. Ya no estoy nervioso, pero no quiero que me descubra. Aún con sus desatinos me da miedo que en represalia me haga brujería o me lance alguna maldición, así que prefiero aparentar que me tiene de su lado.\n[perfectpullquote align=»right» bordertop=»false» cite=»» link=»» color=»» class=»» size=»»]Reconozco que quienes se dedican a esto del esoterismo deben tener una gran capacidad de interpretación porque así funciona, ellos van interpretando al otro a partir de las respuestas dadas; hasta pensaría que es una especie de psicoanálisis, una charla en la cual uno va dejando ver lo que quiere escuchar para que el otro te lo diga.[/perfectpullquote] En el amor vas a ser muy querido, hay personas a tu lado que te quieren mucho así que tampoco hay problema con eso. Una persona en especial te quiere demasiado, tú sabes quién es, dice el adivino, con un ritmo continuo que asemeja más a quien se aprende los discursos de memoria. ¿Qué más quieres saber? Pues no sé, déjame pensar. Puedes preguntarle lo que quieras a las cartas. Pienso un poco, miro alrededor las imágenes de santos que inundan la habitación, y pregunto por los hijos. ¿Voy a tener hijos? Has tenido problemas para procrear, ¿verdad?, me responde con una seguridad que no me apabulla. No, en realidad no tengo problemas, es solo que no se ha dado la situación, respondo más por defender mi virilidad que por otra cosa. Pues este año serás papá. ¿Este año, estás seguro? Sí, así como te lo digo, este año serás papá. Sonrío con aire de sorpresa, no sé si solo aparento estar emocionado o si en realidad lo estoy. Me quedo con esa sonrisa, como si buscara un buen cierre, y le digo que con eso estoy satisfecho, que no tengo nada más que preguntar.\nAntes de levantarme de la silla me vuelve a mirar fijamente, me incomodo un poco pero le aguanto la mirada. Ese bloqueo del que te hablé tiene que ver con tu trabajo pero también está obstaculizando que tengas hijos, es un bloqueo general y no debes dejarlo pasar. ¿Qué hay que hacer? Con una limpia te lo puedo quitar, como te digo, no es brujería pero si está afectando en lo que tú haces. Muy bien, y cuánto te tardas en hacerme una limpia. Nombre, es rápido, en menos de 6 minutos terminamos. Y cuánto me costaría. Mira, como lo tuyo es solo un bloqueo, no necesitas una limpia tan profunda, hay una más económica y con esa es suficiente para quitarte el problema que traes, esta limpia te cuesta mil pesos, pero está garantizado que te ayudará. ¿Recuerdas que al principio me preguntaste si tenía problemas económicos y te dije que como todos los demás? Asiente afirmativamente con la cabeza, sin quitarme la mirada. Pues es eso, no tengo mil pesos para una limpia, sé que es importante y que me puede ayudar pero no puedo pagarla, al menos no hoy, tendría que pensarlo. Cuando le digo que sé que es algo importante, es para seguir con esta idea de que me crea que le creo, aunque no parezca, pero sigo teniendo precaución, una parte de mi piensa que sí puede hacerme algún daño espiritual si así lo desea.\nReconozco que quienes se dedican a esto del esoterismo deben tener una gran capacidad de interpretación porque así funciona, ellos van interpretando al otro a partir de las respuestas dadas; hasta pensaría que es una especie de psicoanálisis, una charla en la cual uno va dejando ver lo que quiere escuchar para que el otro te lo diga. Y la mirada, esa penetrante que impone y que a algunos intimida, termino por descubrir que es parte del personaje, es necesario hacer creer que tras sus ojos hay un poder desconocido.\nBueno, mira, si no es la limpia hoy, lo que puedo ofrecerte es encender una veladora. Me quedo con expresión de no entender lo que me dice. Yo puedo encender una veladora a la cual le haré unos rezos especiales para pedir por ti y eso ayudará también para ir eliminando tu bloqueo, es más lento pero funciona, lo digo porque en realidad quiero ayudarte a quitarte eso. Y, ¿cuánto cuesta esa veladora? Me das 200 pesos y yo durante quince días estaré trabajando para que mejores. Es que de verdad ya no traigo dinero, solo me alcanzó para la lectura de cartas. Buenos, dame 150 pesos, todo sea por ayudarte. Ni cincuenta traigo ya, en serio. Me levanto y su mirada es reprobatoria, no pudo sacarme más dinero. Le doy la mano amablemente y él me saluda como el niño al que no se le cumplió el deseo, con cierto reproche y yo me quedo pensando si no fue demasiado darle la mano. ¿Qué tal si en el saludo, enojado porque no le di más dinero, me hace algo de brujería?\n“Critters” y la adolescencia del cine extraterrestre


Especial COVID-19: La transformación de un laboratorio completo al servicio del diagnóstico del SARS-Cov-2 – Ilustre Colegio de Médicos de Guadalajara\nEspecial COVID-19: La transformación de un laboratorio completo al servicio del diagnóstico del SARS-Cov-2\nMaría del Carmen Gimeno Fernández\nEl servicio de Microbiología del Hospital Universitario de Guadalajara es uno de los que más ha cambiado desde el primer diagnóstico Covid-19 en Guadalajara, el pasado 29 de febrero. Entonces, las muestras de los pacientes sospechosos de coronavirus eran enviadas para su análisis al Centro Nacional de Microbiología de Majadahonda y no había diseñado un protocolo de diagnóstico covid, algo que llegaría después, cuando la Dra. Carmen Gimeno ya se encontraba de baja por coronavirus.\nCarmen se contagió trabajando, de la misma manera que les sucedió a muchos compañeros: “Por aquel entonces, no había conciencia de la necesidad de protegerse y fueron muchos los profesionales sanitarios que cayeron enfermos y tuvieron que permanecer aislados en sus domicilios, algo que repercutió en el nivel de saturación de los que permanecían sanos, atendiendo pacientes en el hospital”. En el caso de Carmen, que era asmática, tardó en reconocer que aquella tos seca podía tratarse de un síntoma de Covid-19, algo que confirmó el 14 de marzo.\nElla fue la primera en caer y la también la última en recuperarse en un servicio en el que enfermaron cuatro facultativos de sus seis integrantes y alguno de los técnicos de laboratorio, con lo que la carga de trabajo se multiplicó para las personas permanecían sanas: “se contrató a otra facultativo pero había muchísimo trabajo. Las guardias, que antes de la pandemia eran localizadas, pasaron a ser de presencia física y con las pruebas diagnósticas tuvimos varios problemas: en primer lugar, que no teníamos experiencia, en segundo lugar, se producía constantemente una rotura de stock, no había reactivos para la demanda que había de pruebas. No solo eso, tampoco había pipetas, punta de pipetas, no había material…es más, tampoco teníamos sitio para poder hacerlo, lo que se convertía en un estrés continuo sin capacidad ni material, ni física ni de recursos humanos para poder gestionar la nueva situación.\nNosotros estábamos acostumbrados a hacer determinadas PCR, pero no a que de repente llegasen más de 250 muestras de PCR al día. A ello se unía la escasez de personal técnico preparado para hacer esas técnicas, por lo que se recurrió a la buena voluntad de técnicos, tanto de los técnicos de laboratorio de Microbiología como de otros servicios como Hematología o Anatomía Patológica, formándose un gran equipo de personal técnico, que tuvo que entrenarse rápidamente para empezar a rodar y atender a las nuevas necesidades del laboratorio”. Durante todo este tiempo de adaptación, Carmen se encontraba en casa: “estuve de baja tres semanas y media y se me hizo larguísimo. Yo era muy optimista, pero es cierto que tuve días en los que no podía levantarme de la cama. Cuando ya me encontraba un poco mejor, escuchaba que habían enfermado muchos compañeros del hospital y tenía una sensación de impotencia, incapacidad e incluso sentimiento de culpa por no poder ayudar en una situación tan complicada como la que se estaba viviendo en el hospital”.\nMientras tanto, el servicio se había reinventado como un laboratorio COVID en el que se recibían muestras de Cuenca, de Alcázar de San Juan, además de las de Guadalajara: “hubo que tomar decisiones complicadas muy rápidamente y había protocolos que cambiaban casi a diario. Los compañeros entraban en la guardia sin saber qué iba a suceder, ni cómo iba a ocurrir o si te iban a cambiar el protocolo a lo largo del día” Cuando Carmen volvió, el resto de sus compañeros ya se habían recuperado, por lo que se puso a disposición de aquellos servicios donde se necesitara personal de apoyo y pronto se la requirió en Salud Laboral: “cuando volví, el laboratorio había cambiado completamente, con personal nuevo, nuevos aparatos, técnicas que desconocíamos hasta el momento. El laboratorio se había puesto casi al 100% al servicio del diagnóstico de covid y había muy pocas muestras de otro tipo. Todo era nuevo para mí, no había problemas de personal y entendí que podía ser más útil en otro sitio donde hiciera más falta”. Así que comenzó a ayudar en el servicio de Salud Laboral, para agilizar la incorporación del personal que estaba de baja, al tiempo que continuó con las guardias de Microbiología: “En salud laboral tenían un déficit de personal, había enfermeras de baja y a pesar de que otros servicios prestaron su ayuda, hacía falta más personal. Lo que hice fue hacer pruebas y realizar test rápidos para aligerar la propia consulta. Por la mañana me bajaba a salud laboral con un técnico y a última hora me incorporaba a mi servicio y si estaba de guardia, me incorporaba a la guardia”. Otro problema añadido era que al tratarse de materiales y técnicas nuevas, en ocasiones de nuevos proveedores, había que estar muy atento a los resultados y a su interpretación, reaccionar y cambiar el protocolo de actuación: “teníamos la sensación de que a nivel internacional se estaba produciendo una guerra comercial con el\nmateria, por lo que en muchas ocasiones era imposible adquirirlo”.\nHoy por hoy, ya todo está mucho más organizado en el hospital y la situación se ha asentado: “sigue habiendo mucha presión en el servicio de Microbiología pero estamos mucho mejor tanto a nivel de personal, como a nivel de aparataje, material, espacio, organización y recursos. No solo tenemos el TMA sino que además tenemos la posibilidad de hacer la PCR tradicional y una PCR de urgencias. El personal está mucho más preparado y tenemos mucha más capacidad de reacción porque ya tienes experiencia y conocimiento que te permite reaccionar mejor ante la adversidad”. Por otro lado, el origen de la presión ha cambiado: ya no hay tantos pacientes graves ingresados y la necesidad de pruebas diagnósticas se ha desplazado a los pacientes que van a someterse a una intervención quirúrgica o procedimientos invasivos: “todas las personas que van a pasar por quirófano deben tener una PCR realizada en las 48-72 horas previas a la intervención. Tenemos mucha presión, porque a veces se estropea una máquina y no tener el resultado de la PCR supone aplazar una intervención”. En lo que se refiere a Atención Primaria las enfermeras de vigilancia epidemiológica hacen un estudio de contactos de los posibles casos, que también deben ser estudiados a través de PCR, por lo que la llegada de muestras al laboratorio para su posterior análisis es constante.\nDe todo esto, la Dra. Gimeno se queda con el valor del trabajo en equipo y con la necesidad de que la Sanidad Pública se prepare a nivel básico “sin estar improvisando” y sobre todo, que prime la protección de los sanitarios y la concienciación de la población para que, entre todos, estemos preparados para situaciones como estas que puedan producirse en el futuro.


Lola Índigo, nueva embajadora de Reebok - CMD Sport\nPara su nueva colección\nel 10 mayo 2019 a las 9:31 am\nReebok ha fichado a la cantante Lola Índigo como embajadora de su colección primavera/verano 2019. La firma deportiva ha elegido a la artista, conocida por participar en el programa ‘Operación Triunfo’.\nComo embajadora e imagen, muestra la nueva colección Women’s Collection Spring-Summer 19 de la marca.\nLola Índigo comunicaba la noticia con la frase “Vamos a tomar las calles bailando”, a través de su cuenta de Instagram. Además, mostraba la imagen posando para Reebok con top y leggins de la marca. De esta forma, la nueva campaña de Reebok quiere mostrar toda la fuerza femenina y el empoderamiento de la mujer a través de una colección adecuada tanto para el gimnasio como para la calle.\nReebok ha comunicado que “con su colección mujer SS19, convergerá en estilos inimitables y únicos convertidos en diseños potentes y llenos de color.\nEl color se aprecia en los estampados y cortes únicos dominados por el verde flúor, rojo y tonos más oscuros. Una gama cromática simple pero rompedora que se ajusta a los deportes más fuertes o agresivos como el boxeo.