importaciones - Page 8 of 8 - La Prensa CONTENIDO PREMIUM\nRepunta comercio de la Aladi\nLas exportaciones e importaciones entre las naciones de la Asociación Latinoamericana de Integración (Aladi) se encaminan a superar en 2011 su máximo histórico, registrado en 2008, correspondiente a 146 mil millones de dólares.\nPreguntan por destino de frijol importado\nPara la Comisión Nacional de Frijol, de la Asociación de Productores y Exportadores de Nicaragua (APEN), el Gobierno debe explicar el destino de los 25 mil quintales de frijol que se importaron en los últimos meses y supuestos a incidir en el abastecimiento en los mercados.\nVentas de calzado afectadas\nLa posibilidad de que la empresa nicaragüense Calzado Alex exportara este año zapatos escolares hacia El Salvador se vio frustrada porque el Ministerio de Educación de ese país rechazó la oferta.\nRecomiendan devaluar el lempira\nEl Fondo Monetario Internacional (FMI) recomendó a Honduras devaluar la moneda, el lempira, “para salvaguardar la competitividad y fortalecer la posición externa”, luego de la revisión de sus políticas macroeconómicas, según un informe publicado por el organismo.\nDelmor paralizada por trabas en importaciones


Carlos Chandía se encuentra estable y con bajo riesgo vital\nCarlos Chandía volcó en la camioneta que manejaba en la ruta que une su comuna con la ciudad de Chillán el pasado 15 de julio.\nPor Cristián Meza 3 de Agosto, 2021 › 16:51 hrs\nLa Mutual de Seguridad dio a conocer en la presente jornada un parte médico que actualizó el estado del otrora colegiado y hoy jefe comunal. AGENCIA UNO/ARCHIVO\nEl ex árbitro FIFA y actual alcalde de Coihueco, Carlos Chandía, se encuentra estable y con bajo riesgo vital, luego de darse a conocer un nuevo informe de su estado tras sufrir el pasado 15 de julio un grave accidente de tránsito.\nLa Mutual de Seguridad dio a conocer en la presente jornada un parte médico que actualizó el estado del otrora colegiado y hoy jefe comunal.\n“A la fecha, en su décimo octavo día de hospitalización, el Sr. Chandía se encuentra estable, con bajo riesgo vital, en fases avanzadas de desconexión de la ventilación mecánica”, indica el informe firmado por el director médico del Hospital Clínico, Alberto Hayden.\nCarlos Chandía ha logrado “avances significativos” en su recuperación Carlos Chandía sigue estable y podría salir del coma en las próximas horas Carlos Chandía sigue estable y en proceso de disminuir los sedantes\n“Se está utilizando protocolos de neuroprotección y rehabilitación de su condición neurológica actual, con la intención de que sus secuelas sean las menores posibles”, agrega.\n“Se prevé un periodo de rehabilitación prolongado, dada la gravedad de sus lesiones”, sentencia el parte.


Todo lo que se puede hacer en Scarborough Cosas que hacer cerca de Harbour Bar\n735 Opiniones N.º 1 de 7 Postres en Scarborough N.º 2 de 309 Lugares Donde Comer en Scarborough Certificado de Excelencia $$ - $$$\nMostrar también MapaSatélite Actualizaciones de mapa en pausa. Acerca el mapa para ver la información actualizada. Restablecer zoom Actualizando mapa… Regresar al mapa Cómo llegar 1-3 Sandside, Scarborough YO11 1PE, Inglaterra 01723 373662\nScarborough, North Yorkshire Más The Clifton Hotel - Scarborough\nEstuviste en Harbour Bar? Comparte tu experiencia Escribe una opinión\nNiños, Familias con niños, Ocasiones especiales, Comer barato, Vistas\nEspecificaciones de publicación Recibir notificaciones de nuevas respuestas a tus preguntas. Preguntar Preguntas que suelen hacer: ¿Tienen opciones sin gluten? ¿Hay un código de vestimenta? ¿Se aceptan perros en el patio al aire libre? Cerca de: Harbour Bar Las mejores atracciones cercanas 1,949 opiniones Scarborough Beach\n125 opiniones St Mary's Church, Scarborough\nExplorar todas las atracciones Los mejores restaurantes cercanos 118 opiniones LoveBrew Cafe


Jamal Murray anota 50 de nuevo mientras Nuggets fuerzan el Juego 7 contra Jazz – Somos Prensa\nJamal Murray anota 50 de nuevo mientras Nuggets fuerzan el Juego 7 contra Jazz\nMientras caminaba por la rampa hacia el vestuario de los Denver Nuggets, Jamal Murray se detuvo y se sentó solo por un momento en una posición agachada antes de usar su camiseta para limpiarse la cara.\nAl ayudar a evitar la eliminación al anotar 50 puntos por segunda vez en tres juegos, Murray ayudó a forzar un Juego 7 al superar en duelo a Donovan Mitchell nuevamente y elevar a los Nuggets a una victoria de 119-107 en el Juego 6 sobre Utah Jazz el domingo en Lake Buena Vista. , Florida.\nMurray se sintió abrumado por la emoción al final de otra brillante actuación en los playoffs, sintiendo el gran peso de los últimos días dentro de la burbuja mientras los jugadores de la NBA buscaban desesperadamente formas de continuar la temporada mientras mantenían la lucha por la justicia social y el cambio.\n«Juego con mucho corazón, juego con mucha pasión», dijo Murray a los periodistas después de una emotiva entrevista en la cancha con TNT justo después del partido. «Y cuando estás peleando por algo, significa mucho más. Y hemos estado peleando esta pelea durante mucho tiempo, y estamos cansados de estar cansados.\nCon un par de zapatos Adidas hechos a medida con imágenes de George Floyd y Breonna Taylor, Jamal Murray disparó 17 de 24, incluidos 9 de 12 desde el rango de 3 puntos, para acompañar seis asistencias y cinco rebotes. Kevin C. Cox / Getty Images\n«Es algo emocional porque no soy solo yo … Son vidas. No es … es tu vida. Imagina perder tu vida. No sé qué más decir. Imagina un padre perdiendo la vida mientras tienen niños. Imagínese a un padre, un hijo, un hermano recibiendo siete disparos frente a sus hijos. Imagínese eso «.\nMurray, de 23 años, luego hizo una pausa durante varios segundos. Los últimos días han sido emotivos para varios jugadores. Se conocieron, debatieron y finalmente decidieron reanudar la temporada después del tiroteo de Jacob Blake, un hombre negro de 29 años que recibió varios disparos de la policía en la espalda el 23 de agosto en Kenosha, Wisconsin.\nEl sábado, después de que los Nuggets practicaron, Murray tenía un par de zapatos Adidas hechos a medida con imágenes de George Floyd y Breonna Taylor, que colocó frente a la cámara exactamente dos minutos antes de su entrevista con los periodistas. Usando esos zapatos y inspirándose en ellos, Murray hizo un centelleante 17 de 24 tiros, incluidos 9 de 12 desde más allá del arco, para ir con seis asistencias y cinco rebotes.\nJamal Murray transmite las emociones que ha estado sintiendo sobre la lucha por la justicia social mientras jugaba baloncesto en la burbuja.\nMurray se encuentra en medio de un desgarro ofensivo que pocos jugadores en la historia de la NBA han experimentado. Es el tercer jugador en anotar 50 puntos en un posible juego de eliminación, uniéndose a Sleepy Floyd y Wilt Chamberlain, según ESPN Stats & Information.\nEn el Juego 4, Murray tuvo 50 puntos, 11 rebotes y 7 asistencias. En el Juego 5, tuvo 42 puntos, 8 rebotes y 8 asistencias. Se une a Michael Jordan como los únicos jugadores en la historia de la postemporada con tres juegos consecutivos de 40 puntos, 5 rebotes y 5 asistencias.\n«He tenido la suerte de estar rodeado de grandes jugadores en este juego: LeBron [James], CP [Chris Paul], Steph Curry, Klay Thompson «, dijo el entrenador de los Nuggets, Michael Malone.» Pero nunca he visto a un hombre ir 50, 42 y 50, y dos de esos juegos fueron juegos de eliminación.\nJugando todos menos dos minutos de la segunda mitad, Jamal Murray acertó siete de ocho tiros, incluidos los cinco intentos de 3 puntos, para anotar 21 puntos en el último cuarto. Kim Klement / USA TODAY Sports\n«… Y hacerlo con todo lo que ha ocurrido en los últimos tres o cuatro días, todas las emociones, toda la emoción cruda, lo hace mucho más impresionante».\nJugando todos menos dos minutos en la segunda mitad del domingo, Murray acertó siete de ocho tiros, incluidos los cinco de sus intentos de 3 puntos, para anotar 21 puntos en el último cuarto. Cuando Utah se acercó a siete puntos con seis minutos para el final, Murray anotó los siguientes 12 puntos de Denver para poner el juego fuera de su alcance.\nFue suficiente para evitar a Mitchell, que también estuvo brillante, con 44 puntos, 6 rebotes y 5 asistencias. Mitchell metió nueve triples y anotó 17 puntos en el último cuarto.\nEs lógico que el duelo de playoffs entre Murray y Mitchell se decida en un Juego 7 el martes. Los dos escoltas han anotado 50 puntos cada uno dos veces en esta serie, uniéndose a Allen Iverson y Jordan como los únicos jugadores con múltiples juegos de 50 puntos en una serie en la historia de la postemporada, según ESPN Stats & Information.\nUtah, que tenía una ventaja de 3-1 en esta serie, no pudo ocultar su frustración el domingo. Rudy Gobert pateó una silla durante una reunión de tiempo fuera, y después del juego, Mitchell derribó una bicicleta estacionaria en su camino de regreso al vestuario del Jazz.\n«Estamos cabreados porque era un juego que se podía ganar», dijo Mitchell. «Nadie ha caído en absoluto. Tenemos un juego más.\n«Jamal ha estado jugando como loco. [Nikola] Jokic ha estado jugando muy bien. Solo necesitamos encontrar una forma de ejecutar. Lo hemos hecho tres veces. Podemos hacerlo un cuarto «.\nEste será el tercer Juego 7 consecutivo de Denver después de que el equipo jugó dos en la postemporada anterior. Los Nuggets vencieron a los San Antonio Spurs en la primera ronda antes de perder ante los Portland Trail Blazers la temporada pasada.\nComo señaló Jokic, los Nuggets han estado jugando en circunstancias de ganar o irse a casa durante dos juegos.\n«Realmente está jugando a un nivel de superestrella en este momento», dijo Jokic sobre Murray. «Entonces, tal vez el dios del baloncesto le dé un poco más de eso durante nuestros playoffs».\nMurray probablemente volverá a jugar con la emoción.\n«Fueron todas las emociones», dijo Murray sobre su pausa durante su caminata de regreso al vestuario. «Difícil de expresar con palabras. Solo sé que hay mucha emoción. Y trato de jugar con eso, como pueden ver. Lo uso para ser grande, para ser mejor».\nDenver NuggetsJamal MurrayNBANoticias\nNotas centrales: Pacers, Hayward, Kennard, Pistons, Bucks, Bulls


Autostop al Infierno…¿alguien dijo cine negro? |\nAutostop al Infierno…¿alguien dijo cine negro?\nLawrence Tierney en Autostop al Infierno\nHe aquí otra película del género “noir” clásico donde una vez más aparecen actores semidesconocidos, presupuesto de andar por casa y duración de metraje limitada (poco más de una hora). Un poco al estilo de Detour pero en Autostop al Infierno (1947), como siempre “excelente” traducción del original (The Devil thumbs a Ride), la construcción del relato va por otros derroteros digamos menos “trascendentales”, densos o complejos y sí, en cambio, se tornan aquí más espontáneos que en otras B como la ya mencionada Detour. En ese aspecto es una película con mayor atractivo, dotada de mayor tensión y aliento narrativo que la sobrevalorada de Ulmer. Pero como en toda serie B del “film noir” tampoco es perfecta y hay algunas lagunas, secuencias o personajes que resultan prescindibles. Sucede con la innecesaria presencia del actor que encarna al empleado de la gasolinera (Glen Vernon), como acompañante “contratado” a tiempo parcial por el jefe de policía (Harry Shannon), un poco en plan detective-tonto boy-scout. Carece de justificación alguna, aunque el director entienda (presumo) que es para dar sentido a la escena inicial de la película donde el fugitivo Steve Morgan asesina a un policía en una gasolinera de la que Vernon es testigo. Sea como fuere ese sabueso de saldo no deja de enturbiar, de algún modo, el transcurso de la intriga y no resulta indicado para seguir el desarrollo de la trama. Pero resueltos estos pequeños y molestos detalles, Autostop es una meritoria película de cine negro resuelta con transparencia y minuciosidad.\nAutostop al infierno, al menos en parte, se podría considerar una “road-movie”, ese subgénero donde las carreteras y los autostopistas eran el leit motiv para dar rienda suelta a asesinos en serie (El Autostopista, Ida Lupino), reflejar a perdedores terminales (Detour, Edgard G. Ulmer) o retratar historias lisérgicas de moteros “harley-davidson” en la América profunda, como la relativamente moderna, pero ya clásica, Easy Rider. El universo de personajes que aporta esta película de Felix D. Feist están proyectados en torno a un villano-fugitivo Steve Morgan (Lawrence Tierney) que tiene la habilidad para manipular a todos y cada uno de ellos. Morgan es el ejemplo de sociópata que intimida sólo con la mirada, pero lo hace calculadamente, sin grandes aristas de provocación, con un encanto y una frialdad casi “cordial”. Y en esta tesitura, para la consecución de sus fines, logra captar la atención de un tipo bastante lelo y semialcohólico (Ferguson) y dos chicas ingenuamente panolis (Carol Demming y Agnes Smith, en la ficción) que se apuntan al riesgo de aventurarse a lo desconocido de la mano de un elemento tan perturbador como cínico, que se ha ganado la confianza de todos sin quitarse el sombrero. Sin duda los mejores momentos de Autostop transcurren en la casa de la playa donde las distintas situaciones van provocando un “crescendo” sostenido de la tensión dramática, llegándose a un final que es de todo menos predecible.\nLawrence Tierney, como Harry Morgan, sin ser un actor de primer orden, está realmente bien y es el único conocido de esta película. No me gustó casi nada en Born To Kill (Nacido para Matar, Robert Wise), donde componía un personaje demasiado estático y con cara de póker pero aquí, a pesar de resultar su papel parejo al de la película de Wise, le encuentro más involucrado en su personaje, más resuelto y haciendo realmente un gran trabajo. Ted Norte como Ferguson sólo es un acompañante eclipsado por Tierney, mientras que el resto de actores…Betty Lawford (Agnes Smith), Nan Leslie o Harry Shannon (el policía) hacen frente al protagonista principal (Tierney) aguantando bastante bien el tirón, si exceptuamos a ese mostrenco de Glenn Vernon. Cine negro…el de antes. ¿Algún problema?\n2 marzo, 2013 - 6:26 pm Ayala\nTanto “La ventana” como “La ventana indiscreta” son dos cuentos de Cornell Woollrich. De ese autor me gustó también mucho la adaptación al cine “La mujer fantasma”\n2 marzo, 2013 - 6:27 pm Ayala\nPerdonad el comentarío iba dirigido a la película “la ventana” lógicamente. Siento las molestias\n24 noviembre, 2012 - 3:12 am plared\n[….] Y ademas es gratis, si buceas puedes encontrar algunas joyas. Incluso el fantasma de la opera , la de Lon chaney de 1925. Una pagina curiosa, borrala luego……. No sea que nos la fastidien.\nY por cierto imagino que del cine ruso entenderás, misteriosamente el post del western esta derivando en eso. pásate por los comentarios y di algo. Que tu opinión me parece interesante como digamos….Veterano izquierdista\n24 noviembre, 2012 - 8:21 am uraniaenberlin\nOk, tomo nota y procedo al borrado. Yo hasta no hace mucho usaba Vagos, pero decidieron cerrar después de lo que hicieron con Megaupload. Ahí es donde había una cantera apabullante de cine clásico…\nEn cuanto pueda me voy a tu entrada…a ver que pasa…pero ya te digo de antemano que, a pesar de los pesares, soy casi un completo novato en cine ruso-soviético (sí, sí…como lo oyes). He visto cosas (del “Einstein” -nota la ironía- ruso, Dziga Vertov y alguno más). Pero no me he empapado, ni mucho menos..\n23 noviembre, 2012 - 2:10 am altaicaaltaica\nVeo que sigues indagando en películas del género que no han tenido la fama de otras pero que a buen seguro comparadas con algunas del cine actual son más que notables. Esta no la he visto o ya me falla la memoria, pues el argumento me suena bastante, pero sí recomiendo de su director una curiosidad que se llama El cerebro del Doctor Donovan. No es que sea una maravilla pero sí es más que particular. Como siempre tu crónica de sobresaliente.\n23 noviembre, 2012 - 4:18 pm uraniaenberlin\nGracias. Prefiero recrearme en este tipo de cine digamos…”oculto” a volver a esos clásicos relamidos y resobados (aunque obras maestras al fin y al cabo). Porque aquí también merece la pena bucear de vez en cuando en busca de gemas perdidas…Esa que citas de Donovan no la he visto y ahora con la desaparición del archivo de cine clásico que tenía por ahí a mano..y que han capado o cerrado todos los servidores desde donde las descargaba (pagando, para que luego hable la mafia oficial de piratería)..pues me he quedado a dos velas..\n21 noviembre, 2012 - 2:13 am plared\nCreo que la he visto, pero no estoy seguro. Por cierto Nacido para matar si me gusto y Robert Wise si creo que estaba bastante bien en ella. Buscare este clásico escondido que tal y como lo describes debe de ser eso. Cuidate\n21 noviembre, 2012 - 4:49 pm uraniaenberlin\nLa de Wise es una buena película de film noir…pero no me acabó de convencer del todo la interpretación de Lawrence Tierney…muy sosón, creo yo. Aquí está mejor (o es que este actor nunca me resultó especialmente empático…a saber). Salud y a seguir en la brecha\nMonsanto y sus transgénicos: ensayando el agrogenocidio global


Encabeza BCS a nivel nacional la recuperación de empleos | Diario Humano\nInicio Salud COVID-19 Encabeza BCS a nivel nacional la recuperación de empleos\nEn BCS, se han generado 12 mil 707 nuevos empleos, con esto se han recuperado el 63.7% de los perdidos durante la contingencia.\nDe acuerdo a las cifras dadas a conocer por el Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS), En BCS, se generaron tres mil 707 empleos formales.\nEsta cifra muestra un incremento de la empleabilidad en el estado, desde la reactivación económica, informó Gustavo Hernández Vela, secretario del Trabajo y Desarrollo Social (STDS).\nEl funcionario abundó que, de junio a octubre, con base a las cifras del IMSS, se han creado 12 mil 730 nuevos empleos formales, los cuales representan un incremento mensual del 7.58%.\n«Considerando este incremento se pondera como el más alto del país; reiterando que en BCS se ha recuperado el 63.7% de los empleos que se perdieron desde el inicio de la contingencia sanitaria» dijo.\nEl Secretario, recalcó que esta recuperación de trabajos es muestra del compromiso de las empresas y el gobierno para impulsar la vuelta a la normalidad de las actividades productivas de una manera ordenada y paulatina.\nEn este sentido, puntualizó que las políticas públicas que se han venido implementando permiten la reactivación de las actividades productivas dando prioridad a la salud de las personas, generando resultados favorables para la economía estatal y el bienestar de las familias sudcalifornianas.\nEl titular de la STDS destacó que entre estas acciones, la Secretaría de Turismo, Economía y Sustentabilidad (SETUES), impulsa programas enfocados a la reactivación económica; mientras que la Secretaría de Salud, vigilancia el cumplimiento de los protocolos de sanidad y seguridad y desde la STDS; se implementan las estrategias para la recuperación de empleos, con ferias de empleo virtuales y un programa de capacitación laboral; entre otros esfuerzos.\nFinalmente, reiteró el llamado a respaldar las medidas del Comité Estatal de Seguridad en Salud, para lograr la recuperación económica plena de las actividades productivas en la entidad y con ello de más fuentes de empleo\nArtículo anteriorAvanza el programa de recámaras adicionales para familias vulnerables\nArtículo siguienteColabora UABCS en estudio sobre aviturismo en México\nOcupación hospitalaria por Covid-19 en BCS se mantiene por debajo de...\nDiario Humano - 19 de octubre de 2020 0


Bajo el liderazgo de Ruben, alumno de Terminale (equivalente a 2º de Bachiller), los alumnos de CP han sido invitados a recolectar bellotas en el bosque cercano al Lycée.\nPosteriormente, les ha enseñado las diferentes etapas de crecimiento de un roble, a partir de fotografías sacadas durante sus propias vivencias personales.\nLas bellotas fueron enterradas el 11 de diciembre como símbolo de esperanza durante la jornada dedicada a la Defensa de las Libertades.\n¡Ahora se plantarán en algún lugar estratégico del centro para devolver su lugar a la naturaleza!\n¡¡¡Qué gran iniciativa !!! ¡¡¡Qué bonita colaboración!!!


La voz de los vientos: diciembre 2011\nJohn Adams - Son of Chamber Symphony / String Quartet (2011)\nLa grabación que os proponemos hoy consta de dos composiciones recientes de John Adams, autor ya familiar para los lectores del blog: su “Son of Chamber Symphony” de 2007 y su “String Quartet” de 2008.\nAños atrás, en 1992, Adams escribió su primera sinfonía de cámara recuperando esa denominación que Arnold Schoenberg utilizó hasta en dos ocasiones. El término ya encierra una cierta contradicción pero en palabras de Adams, refiriendose a las dos sinfonías de este tipo de Schoenberg, una sinfonía de cámara es una obra de escala sinfónica pero interpretada por un grupo de solistas virtuosos. Esto supone un gran desafío, tanto para los intérpretes como para el oyente por el riesgo de que un solista pueda eclipsar a otro en un momento determinado pero cuando se alcanza el equilibrio adecuado nos encontramos ante una pieza que combina la intimidad de un concierto de cámara con la fuerza y la energía de una gran orquesta. Adams no tuvo ningún reparo en bautizar su segunda sinfonía de cámara con el título de “hija de la sinfonía de cámara” en referencia a la primera.\nLa formación instrumental escogida por Adams para la ocasión incluye una escueta sección de cuerdas (el clásico cuarteto con dos violines, viola y cello al que añade un contrabajo), un piano, una celesta, dos percusionistas y una sección de metales y maderas que incluye flauta, piccolo, oboe, clarinete, clarinete bajo, fagot, corno, trompeta y trombón. Todos los intérpretes pertenecen al International Contemporary Ensemble.\nLa sinfonía se compone de tres movimientos, como suele ser habitual en Adams, y como también se le ha criticado en alguna ocasión, con su clásica estructura rápido-lento-rápido. Toda la obra tiene un punto de auto-indulgencia por cuanto reune una gran cantidad de referencias a obras anteriores del propio compositor, especialmente en el primer movimiento, que puede ser visto como una continuación de la primera sinfonía de cámara, y en el tercero con referencias a “Nixon in China” y a “Harmonielehre”. Comienza el primero de los movimientos de un modo que Adams parece adorar: con un marcado ritmo inicial al que se van sumando elementos y nuevas capas de sonido. El resultado es un todo de aires jazzisticos que continúa la senda allá donde Stravinsky la dejó décadas atrás. El segundo movimiento es mucho más convencional. De aires más pausados, el desarrollo ha recordado a algunos críticos el de alguna obra de Janacek y a otros, quizá más atinados, a la música de Charles Ives. Sin discrepar del todo de esas opiniones, nosotros creemos que se parece a buena parte de la música de los primeros años del propio Adams, cuando la etiqueta de minimalista aún se le podía aplicar sin resultar forzada. Sin espacio para la sorpresa, el tercer movimiento de la obra vuelve a los tiempos acelerados, casi frenéticos, para despedir una obra de lo más interesante de su autor en los últimos tiempos.\nPrimer movimiento de la sinfonía en una versión en directo, diferente a la del disco:\nLa idea de escribir el cuarteto llamado, sencillamente “Cuarteto de cuerda” surgió cuando Adams escuchó una interpretación de su “John’s Book of Alleged Dances” (única obra compuesta por el músico para cuarteto de cuerda hasta aquel momento) a cargo del St.Lawrence String Quartet. Tanto le impresionó el desempeño de los intérpretes que decidió escribir otro cuarteto dedicado a ellos. No es cuestión baladí el hecho de que Adams denomine a la pieza “String Quartet” ya que practicamente nunca antes había recurrido a las denominaciones “clásicas” para su música con la única excepción de su “Concierto para Violín”. Este hecho es intencionado y tiene que ver con el hecho de que, en palabras del autor, todos los compositores de todas las épocas, de Haydn a Ligeti pasando por Beethoven, Schubert o Bartok, han hecho del cuarteto de cuerda un modo de expresión absolutamente personal en que se recoge la esencia de sus estilos particulares. Esa misma intención subyace en este cuarteto del compositor Norteamericano.\nEl compositor John Adams, junto a los miembros del St.Lawrence String Quartet\nLa estructura del cuarteto es bastante particular. Aparentemente consta de dos movimientos, el primero, más largo, y un segundo más breve pero, realmente, el primero de ellos es una pequeña obra en cuatro movimientos con lo que la cosa se complica. Toda la estructura de la pieza nos remite a otra obra de Adams, “City Noir” pero no existe mucha más relación entre ambas composiciones. Si damos por buena la voluntad declarada de Adams de reunir en este cuarteto todas las características que configuran su estilo personal, tenemos que convenir que alcanza su objetivo por cuanto todo lo que suena tiene el sello inconfundible de su autor, dicho lo cual, no estamos seguros de que la obra sea totalmente redonda en lo musical. Si bien es cierto que hay fragmentos de una gran brillantez, no lo es menos el hecho de que existe un punto de caos, de descoordinación que nos impide apreciar la pieza como un todo, quedandonos, por contra, la impresión no ser sino una serie de fragmentos independientes unidos sin un nexo común. Con todo, la pieza gana con las sucesivas escuchas por lo que no está de más recomendar que se le conceda más de una oportunidad. Quizá finalmente nos sorpendamos de haber escrito lo anterior.\nSegundo movimiento del cuarteto:\nEl disco fue publicado hace apenas unos meses en el sello Nonesuch, uno de los más notables de los últimos años por su acercamiento a compositores e intérpretes contemporaneos y en cuyo catálogo encontramos a buena parte de la élite de la música de las últimas décadas. Dejamos un par de enlaces para que los interesados podais haceros con el disco:\nEtiquetas: Christopher Constanza, Geoff Nuttall, International Contemporary Ensemble, John Adams, Lesley Robertson, Scott St.John, St.Lawrence String Quartet\nBela Fleck and the Flecktones - Left of Cool (1998)\nCuando tus padres te bautizan como Bela Anton Leos en homenaje a los compositores Bartok, Webern y Janacek, te están predisponiendo de un modo nada sutil hacia la música. Lo que no es tan previsible es que el titular de esa ristra de nombres, culminados con el apellido Fleck, se dedique, efectivamente, a la música, pero escoja como instrumento para expresarse uno tan peculiar como el banjo.\nCon estas premisas, cualquier especulación sobre el estilo en el que Bela Fleck iba a desarrollar su carrera desembocaría en géneros como el country o el bluegrass pero, como veremos que ocurre habitualmente con el personaje, toda suposición corre el riesgo de ser errada. Es cierto que los primeros pasos musicales de Bela tras su etapa formativa en la High School of Music and Art de su New York natal se encaminaron hacia el bluegrass, tanto en sus trabajos en solitario como en los editados como miembro de diversas bandas. Sin embargo, el género pronto se le quedó pequeño y comenzó a buscar en otros pastos.\nBela Fleck, con camisa azul, junto a sus Flecktones\nFue en 1988 cuando Bela conoce al sensacional bajista Victor Wooten (probablemente uno de los tres o cuatro mejores intérpretes de ese instrumento en la actualidad) y junto a él, al hermano de Victor, Roy Wooten y al teclista Howard Levy forman los Flecktones. En la época en que se grabó el disco del que hablamos hoy, Howard Levy no formaba parte ya de la banda y sí el saxofonista Jeff Coffin. Así pués, tenemos a Bela Fleck al banjo, guitarra, mandolina y theremin, a Roy Wooten, que aparece acreditado como “The Future Man” al synthaxe drumitar (sintetizador portatil de percusión), al resto de percusiones y como vocalista, a Victor Wooten al bajo, al cello y al violín cuando se tercia y al recién incorporado Jeff Coffin al saxo, flautas, clarinetes y cualquier instrumento de viento necesario. El título del disco, “Left of Cool” parece un homenaje al mítico “Birth of the Cool” de Miles Davis y en él se encuentra una de las más fascinantes mezclas de estilos musicales y virtuosismo instrumental que recordamos.\n“Throwdown at the Hoedown” – Abre el trabajo un instrumental del propio Fleck que nos deja claro desde el principio de qué va a ir esto: una demostración de habilidades de los cuatro músicos, especialmente de Victor al bajo en un tema con algo de jazz, algo de country y mucha improvisación, especialmente en su parte final.\n“Communication” – Dave Matthews es el vocalista invitado en la primera canción con texto del disco. Con Future Man como co-autor del tema junto con el propio Fleck, la canción es una mezcla de jazz fusion con The Police que raya a un alto nivel en todos los sentidos.\n“Big Country” – Cuenta Bela que cuando se le ocurrió la melodía de este sensacional tema, tuvo que llamar por teléfono a su domicilio y tararearla al contestador automático para evitar que se le olvidase y eso es algo que le tenemos que agradecer porque “Big Country” es un verdadero temazo que nos traslada a las grandes extensiones desérticas del imaginario del Western con un toque contemporaneo y una confesada influencia de Pat Metheny, especialmente de temas como el clásico “Last Train Home”.\n“Sojourn of Arjuna” – Uno de los pocos temas del disco en cuya composición Fleck no toma parte ya que está firmado por los hermanos Wooten. Inspirado en textos del Bhagavad Gita hindú, Future Man rapea sobre una base jazzistica de lejanos aires celtas.\n“Let Me Be the One” – De nuevo los hermanos Wooten son los escritores del tema, en esta ocasión acompañados de Bela. Se trata de una canción funky en la que, como es la tónica general de todo el disco, los músicos encuentran un terreno propicio para el desarrollo de sus habilidades instrumentales, especialmente, y seremos reiterativos en este aspecto porque el músico lo merece, en el caso de Victor.\n“Trane to Conamarra” – Uno de los pocos temas del disco en cuya composición participa el saxofonista Coffin. El título hace una clara referencia a las dos influencias principales presentes en la composición: el saxofonista John Coltrane (“Trane” en el juego de palabras con “Train”, que el gigante del Jazz usó en repetidas ocasiones) y la región irlandesa de Connemara en cuyo homenaje, Coffin interpreta una breve melodía a la flauta en la parte central de la composición.\n“Almost 12” – Otro de los temas de Fleck y los hermanos Wooten. Se trata ahora de una alegre melodía de aires festivos y folclóricos sin más trascendencia.\n“Step Quiet” – La única canción del disco con participación externa en la composición ya que aparece firmada por Bela Fleck y la actriz Sarah Mason. La cantante Amy Grant, popular intérprete de música cristiana en los EE.UU. acompaña en las voces a Future Man.\n“Oddity” – Entramos en una parte del disco integrada por composiciones de Bela en solitario y con un mayor peso de su banjo en la parte solista. La primera de ellas está centrada en una melodía de aires arabes en sus primeros minutos sobre la que poco a poco cada intérprete va improvisando sus propias partes para acabar volviendo al tema principal en la mejor tradición del jazz más clásico.\n“Sleeping Dogs Lie” – Y hablando de jazz clásico, pocos ejemplos más claros que este tema. Sólo que en este caso no hablamos de un jazz años 50 sino del primitivo jazz de los años 20 y 30 que puede sonar en cualquier película de Woody Allen sin desentonar lo más mínimo. Es, al mismo tiempo, uno de los pocos temas realmente convencionales en los que ninguno de los intérpretes se sale del guión para mostrarnos sus habilidades en algún solo epatante. Realmente, una pieza exquisita.\n“Trouble and Strife” – Llegados a este punto, encontramos la segunda colaboración del vocalista Dave Matthews en una canción pop rock de lo mas ortodoxo para lo que suelen estilar Bela y sus secuaces. Si prescindimos del hecho de que el banjo no acaba de ser un instrumento habitual en el género, no encontramos en la pieza nada que nos haga pensar en una banda peculiar. Con todo, la canción es bastante correcta.\n“Slow Walker” – Cerramos este tramo del disco dedicado a piezas compuestas exclusivamente por Bela Fleck con un tema muy cercano a la filosofía musical de sellos como el tantas veces citado en el blog Windham Hill: música instrumental, preferentemente acústica y muy centrada en la melodía. No es de extrañar que en los agradecimientos del disco figuren artistas como Paul McCandless, Mike Marshall o Andy Narell, todos ellos, puntales imprescindibles del citado sello en los años 80.\n“Shanti” – Segunda aportación compositiva de Coffin al disco, ahora en colaboración con Fleck, quien se atreve con el sitar en una pieza que suena inevitablemente oriental aunque la melodía no está tan alejada de la tradición americana como podríamos suponer. Victor Wooten deja aparcado por un momento su bajo para tocar el cello. Si a esto unimos que Future Man no toca su habitual syntaxe drumitar ni Jeff Coffin saxos o clarinetes sino flauta, nos encontramos con un tema realmente peculiar en la discografía del grupo en el que ninguno de los miembros toca su instrumento habitual.\n“The Big Blink” – Acercandonos al final del disco nos encontramos uno de los cortes más largos. Se trata de otro tema de Fleck que comienza con una sorprendente obertura aflamencada que abarca los primeros dos minutos. Enseguida pasamos a la sección central, más cercana a la linea habitual del grupo en cuanto a ritmos y riqueza instrumental pero continuando con una marcada influencia del flamenco mezclada con jazz y rock progresivo en ciertos momentos. Otra de las gemas escondidas en un gran disco.\n“Prelude to Silence” – Cierra este sensacional trabajo una composición del percusionista Future Man en la que no participa Jeff Coffin. Se trata de una mezcla de samples de música africana y otros de procedencias diversas. Se refleja así esa tendencia tan en boga en los 90 de recuperar músicas étnicas de distintas partes del mundo que tenía su parte interesante pero también su cara oculta de aprovechamiento comercial de una afortunada moda. En este caso, lo breve del corte y la práctica inexistencia de una estructura musical mínimamente “vendible” eximen a su autor de cualquier crítica en este sentido.\nComo veremos en muchas ocasiones en el blog, Bela Fleck es un músico realmente interesante y complejo, que no tiene ningún problema en lanzarse de cabeza a interpretar cualquier tipo de música del estilo que sea, desde Bach, hasta el hip-hop. Todo le sirve y a todo le encuentra validez. Esperamos que esta entrada os anime a profundizar en el personaje y a buscar otros trabajos suyos. De momento, si os ha interesado este disco, lo podeis adquirir por los cauces habituales:\nOs dejamos con una demostración de los que esta banda es capaz de hacer en directo en su formato más contenido con "Sleeping Dogs Lie":\nY en su versión más libre con "Let Me Be the One":\nPublicado por Mike Shooter en 21:55 0 comentarios\nEtiquetas: Amy Grant, Bela Fleck, Bela Fleck and the Flecktones, Dave Matthews, Future Man, Jeff Coffin, Victor Wooten\nAlasdair Fraser & Paul Machlis - Skyedance (1986)\nAlasdair Fraser es el mejor violinista vivo. Comenzar una entrada con una afirmación de este calado debería poner en guardia al más ingenuo de los lectores que no tendría más remedio que tener en cuenta que todo lo que lea a continuación debe estar contaminado en gran medida por el sesgo del fan incondicional.\nNo negamos en modo alguno que nos contamos entre los pertencientes a ese grupo de seguidores si hablamos de un músico como el escocés pero, admitiendo la exageración inicial, creemos que la calidad interpretativa de Fraser rivaliza con la de cualquier mago de las cuatro cuerdas que se pueda poner sobre la mesa. Y esto es así, incluso cuando la trayectoria del joven Alasdair en los primeros años ochenta no parecía llevarle por el camino de la música ya que se acababa de trasladar a una plataforma petrolífera tras terminar sus estudios de Física en la Universidad de Edimburgo. Su amor por la música tradicional de su Escocia natal y, particularmente por el violín, le hizo trasladarse a los Estados Unidos y comenzar allí una carrera realmente sublime. Nos llama la atención cómo el hecho de haber realizado la mayor parte de su carrera fuera de Escocia ha generado un cierto recelo por parte de muchos de sus colegas de profesión que, si bien, no dejan de reconocer sus increibles habilidades, suelen medir mucho los elogios añadiendo siempre algún tipo de objeción. Este tipo de actitudes no es extraño a muchos de los artistas de orígen céltico que han desarrollado sus carreras fuera del ámbito geográfico principal del estilo como podrían atestiguar también nombres de la talla de Loreena McKennitt.\nPero la labor artísica de Fraser no se limita a su faceta como intérprete sino que con el tiempo, se ha convertido en uno de los principales investigadores de la música escocesa y ha trabajado compilando y rescatando en muchos casos una importantísima cantidad de música perdida, particularmente gracias al legado que dejaron muchos emigrantes escoceses en los Estados Unidos haciendo que perdurasen melodías y estilos casi desaparecidos en algún caso en sus territorios de origen.\nYa en 1982, Fraser publicó un disco en solitario en su propio sello Culburnie Records, afincado en California. El destino hizo que se dieran varias circustancias afortunadas en aquellos años: un cierto revival de la música celta en buena parte del mundo, el nacimiento de varios sellos de música “new age” en la costa oeste norteamericana, bajo cuyas faldas cabía todo tipo de música de corte instrumental-melódico-relajado y la toma de contacto entre Fraser y el teclista Paul Machlis, virtuoso pianista y devoto intérprete y arreglista de música tradicional irlandesa y escocesa.\nFraser y Machlis\nEsta propicia conjunción de circunstancias culminó con la edición de “Skyedance”, primera colaboración de Fraser y Machlis que se iban a convertir en uno de los dúos más celebrados en el mercado de la música “new age”, aunque su música no tenía demasiado de nueva ya que se basaba en una tradición de siglos de historia. “Skyedance” era una colección de piezas tradicionales en su mayoría e interpretadas con arreglos de corte clasicista por Paul Machlis al piano (con ocasionales arreglos de sintetizador) y Aladair Fraser al violín y también a la viola. El percusionista Tommy Hayes interpreta el bodhran (especie de pandero de origen irlandés), Todd Phillips al bajo y Ron Wilson a la batería completan el elenco de músicos participantes en la grabación. La mayoría de las composiciones estaban sacadas del “Collection of Highlands Vocal Airs”, libro de 1784 del reverendo Patrick McDonald y del “Airs and Melodies Peculiar to the Highlands of Scotland and the Isles” del Capitán Simon Fraser, dos de los mayores recopiladores de la tradición céltica de las Islas Británicas.\n“The Scolding Wives of Abertarff / I’ll Break Your Head for you / Catch and Kiss the Romp / The Haggis” – Abre el disco una primera colección de cuatro piezas recopiladas por Simon Fraser. Todas ellas conocen versiones tanto en forma de canción como de piezas para el baile. La tercera de las tonadas procede de la isla de Skye, a la que debe su título el disco. El protagonismo lo lleva casi por completo el violín de Alasdair Fraser con ocasionales arreglos de piano y sintetizadores a cargo de Machlis y una destacada participación del precusionista Tommy Hayes, especialmente en la parte final del “set”.\n“Eilean beag donn a’ chuain / Slip Jig” – El segundo corte comienza con una canción contemporanea escrita por Donald Morrison en 1982. Se trata de una preciosa balada interpretada por Fraser que se acompaña de los teclados de Machlis con esos sonidos de imitación de arpa, tan populares en los años en que se hizo la grabación. La segunda parte es una alegre jiga en la que entra también la percusión de Hayes.\n“Skye Dance” – Quizá la pieza con más protagonismo del piano de Machlis de todo el disco. Lejos de lo que puede indicar el título, se trata de una composición lenta y pausada en la que escuchamos al Fraser más sensible, demostrando su inigualable destreza en este tipo de tempo alejado de exhibicionismos virtuosistas y en el que la profundidad de su interpretación, tanto con el violín como con la viola, alcanza sus mejores registros.\n“Nighean donn a’chuailein riomhaich” – Continuando con la linea tranquila del corte anterior, esta pieza que Alasdair conoció a través de los miembros del grupo Na h-Oganaich es otra clase magistral de interpretación, tan elegante como contenida, sin caer en el almibarado estilo de otros colegas de instrumento, muy dados a endulzar más de la cuenta este tipo de piezas lentas.\n“Ruileadh cailleach, sheatadh cailleach / The Bird’s Nest / Harris Dance” – Pero la tranquilidad no podía durar mucho cuando nos encontramos ante un violinista de origen celta. Así, el siguiente set recupera tres composiciones que invitan al baile. La primera de ellas es un ejemplo de la llamada “port-a-beul” o “Mouth Music” y es original de la isla de Barra mientras que la segunda está sacada de una grabación del violinista Angus Chisholm, de Cape Breton, habituado a escucharla de boca de su madre.\n“The J.B. Reel / The Shepherdess / The J.B. Reel” – Continuamos con otra preciosa melodía extraída de la antología “Flowers of Scottish Melody” publicada por J. Murdoch Henderson en 1932. Antes de que penseis mal, el J.B. del título hace referencia a James B. Peterson, en cuyo honor se escibió la pieza y no a ninguna popular bebida espirituosa de origen igualmente escocés. Se completa el “set” con una pieza tradicional y un breve regreso al tema inicial tocado a mucha más velocidad.\n“Harris Dance / Skye Dance / Lochiel’ Awa’ to France / Harris Dance” – Como habeis podido comprobar a lo largo de los comentarios anteriores, es habitual en los músicos de origen celta el combinar en un solo tema melodías distintas formando lo que hemos llamado “sets”, habitualmente, compuestos de piezas destinadas al baile. En este nuevo corte tenemos otro ejemplo, con la peculiaridad de que en él se recuperan dos melodías que ya habían aparecido en otros momentos del album para combinarlas con un nuevo tema tradicional. La primera parte es lenta, para luego pasar a una segunda mucho más veloz y bailable con la única aparición de la batería y una de las escasas presencias del bajo en todo el disco. La tercera pieza del conjunto continúa con los ritmos festivos antes de despedirse con un regreso al tema inicial, de nuevo con batería y bajo. Lo cierto es que la aportación de la sección rítmica no parece encajar demasiado bien y se nos antoja totalmente prescindible.\n“A nochd gur faoin mo chadal dhomh” – Afortunadamente, Fraser y Machlis aún se guardaban algo en la recámara en forma de despedida del disco. La pieza que iba a cerrar el trabajo es, probablemente, la mejor de un disco verdaderamente notable: una bellísima melodía tradicional con un Fraser haciendo los honores en una interpretación a la altura de las mejores que le recordamos y unos arreglos de teclado realmente sutiles que ensalzan sin molestar, todas las virtudes del violinista.\nAsí terminaba esta magnífica grabación cuyo éxito propició la firma del dúo con el popular sello de música “new age” Narada para lanzar su próximo trabajo, pero eso será objeto de su correspondiente entrada en el futuro. Esperamos que este primer acercamiento a la música de orígen celta en el blog os haya llamado la atención lo suficiente como para que le deis una oportunidad a Alasdair Fraser. Quizá la rotunda frase con la que abríamos esta entrada unos cuantos párrafos más arriba fuera, efectivamente, muy exagerada pero creemos que tampoco está muy alejada de la realidad. En nuestro caso, hemos tenido ocasión de ver en un par de veces al violinista en directo y nos cuesta pensar en otros intérpretes que le puedan superar. En cualquier caso, aquí queda nuestra opinión como una más para que la tengais en cuenta.\nPodeis adquirir el disco como de costumbre, aquí:\nPublicado por Mike Shooter en 22:09 2 comentarios\nEtiquetas: Alasdair Fraser, Paul Machlis, Ron Wilson, Todd Phillips, Tommy Hayes\nBrian Eno and the words of Rick Holland - Drums Between the Bells (2011)\nCasi por sorpresa nos encontramos esta pasada primavera con el anuncio de un nuevo disco de Brian Eno cuando aún estaba muy reciente su “Small Craft on a Milk Sea”. Y decimos sorpresa porque no es Eno un artista muy dado a lanzar discos con tanta frecuencia y su anterior trabajo en solitario databa de 2005 cuando publicó “Another Day on Earth”.\nLa principal diferencia con respecto al disco anterior iba a estar en los textos ya que en esta ocasión, Eno optaba por un disco cercano a la “spoken music” en el que varios vocalistas se encargan de recitar textos del poeta y pensador Rick Holland (autor de un interesante blog que os enlazamos)\nA estas alturas, Brian Eno es ya un músico que está de vuelta de todo y se puede permitir el lujo de publicar casi cualquier cosa sin preocuparse de nimiedades como las ventas o la crítica. Su trabajo como productor de gente como U2 o Coldplay le da, a buen seguro, suficiente dinero como para poder hacer aquello que le venga en gana y mientras lo que le apetezca hacer sean discos como este “Drums Between the Bells”, estamos todos de enhorabuena.\n“Bless this space” – Un suave inicio de batería de aires jazzisticos a cargo de Seb Rochford nos introduce en el disco. Sobre esa base empieza a desplegarse toda la paleta sonora de ese extraterrestre al que conocemos como Brian Eno, quien también se encarga de recitar el texto de Holland. Para cuando entra la ácida guitarra de Leo Abrahams, ya hace rato que estamos cautivados por el abrumador universo del compositor.\n“Glitch” – Sin tiempo para recuperarnos, nos encontramos en medio de un potente corte electrónico con la voz tratada electrónicamente de Grazuna Goworek haciendo de maestro de ceremonias. Dentro de un esquema más o menos convencional con un ritmo casi discotequero, Eno se explaya combinando ruidos y efectos de forma magistral. Pocos artistas son capaces de hacer hoy en día música tan sorprendente con elementos tan extraños.\n“Dreambirds” – Y continuando con la linea de sorprendernos a cada momento, pasamos sin previo aviso a un corte absolutamente ambiental, con el sintetizador inventando una delicada melodía que nos retrotrae a los años del sensacional “Music for Airports”. El marco perfecto para la narración de Caroline Wildi.\n“Poor it Out” – Como si de un repaso por todos los estilos que ha recorrido Eno en su carrera se tratase, el siguiente corte con las aportaciones especiales de Laura Spagnuolo (voz), Leo Abrahams (guitar) y Nell Catchpole (violin), nos remite a los tiempos de sus colaboraciones con Robert Fripp en el brillante “Evening Star”. “Poor it Out” tiene todo el sabor del Eno más clásico válido para reconciliarse con la realidad más agobiante y abstraerse de toda preocupación.\n“Seedpods” – Dentro de esa misma linea delicada y evocadora nos encontramos el siguiente corte con la factoría de creación de sonidos del británico regalandonos una introducción preciosa. Tiene algo este corte que no deja de recordarnos algunas producciones de Eno para U2 pero no sabríamos precisar con concrección el qué. Caroline Wildi vuelve a aportar su brillante narración de venerable actriz británica de las de toda la vida para dar su toque personal al corte.\n“The Real” – Con el siguiente tema, volvemos a la faceta más ambiental del músico en la que unos lejanos teclados tejen el tapiz sobre el que Elisa Mudly va desgranando otro de los textos de Holland, un extraño trabalenguas lleno de aliteraciones en el que se nos habla de lo real, lo aparente y lo aparentemente real. La voz de la artista va distorsionandose conforme avanza el tema en el más puro estilo de Laurie Anderson en su legendario “Big Science”, referencia principal sin duda alguna en este corte.\n“The Airman” – Pero estaba claro que la linea ambiental no podía continuar por mucho tiempo. Así llegamos a esta nueva composición más enérgica con una atmósfera más tensa y agresiva por momentos. Aylie Cooke es la narradora y se acompaña de la viola de Nell Catchpole, pasada por el filtro de Eno y sus experimentos electrónicos. Este corte nos traslada a los momentos más emocionantes de cualquier thriller de Holywood de los últimos años.\n“Fierce aisles of light” – La tensión, aunque de otro tipo, sigue presente en este nuevo corte en el que Brian Eno, el propio Rick Holland, Nick Robertson y Anastasia Afonina (curioso nombre para una vocalista, todo sea dicho) dialogan sobre un fondo de ruidos industriales, propios de una estación de tren o similar.\n“As if your eyes were partly closed as if you honed the swirl within them and offered me the world” – El único corte instrumental del disco es el correspondiente con éste kilométrico título. Una vez más podemos escuchar al muchas veces llamado “inventor del ambient” haciendo honor a ese hipotético título en un tema mucho más breve de lo que su título podía hacer suponer.\n“A title” – Un ritmo de marcha marca el tempo de esta composición con Caroline Wildi como narradora. En la parte instrumental que sigue a la narración tenemos una especie de homenaje a los primeros Kraftwerk con uno sonido distorsionado que cualquier oyente no informado podría atribuir sin problemas a cualquiera de los discos del cuarteto de Düsseldorf previos a “Autobahn”. Lo curioso del tema es que, a pesar de lo dicho, sigue sonando a Eno.\n“Sounds alien” – Con un título como el de este composición, no podíamos esperar otra cosa que una frenética combinación de percusiones, ritmos y sonidos con la marca de la casa. Aylie Cooke es en esta ocasión la vocalista en esta pieza que hace honor a uno de los versos de Holland y que es el que sirve como título para todo el disco.\n“Dow” – Brian Eno vuelve a guardarse el papel de vocalista, con el correspondiente tratamiento de su voz en uno de nuestros temas favoritos de todo el disco. Y lo cierto es que tampoco hay grandes revelaciones en la composición. Un fondo electrónico con sus percusiones y una melodía sintética recurrente como hemos oído en tantas y tantas ocasiones a distintos artistas pero tiene un punto hipnótico que nos atrapa sin remedio.\n“Multimedia” – De nuevo encontramos en el disco un tema que nos recuerda a Kraftwerk. En principio nada nos hace pensar en el cuarteto germano mientras escuchamos el bajo de la introducción o las percusiones y efectos que acompañan a la voz de Aylie Cooke pero a mitad del tema escuchamos un sonido de viejo sintetizador y una melodía que son un claro ejemplo de la escuela de los de Düsseldorf y que sirve para cerrar el tema.\n“Cloud 4” – Llegamos así a otro de los puntos fuertes del disco. Brian Eno cantando y replicando su propia voz para hacer un precioso efecto coral, en una canción fantástica y muy breve. Los créditos de la misma incluyen a Leo Abrahams a la guitarra pero esta está tratada hasta el punto de no ser reconocible. Si esto fuera posible, diríamos que Eno se disfraza de Roger Waters por un segundo en esta canción, que posée un cierto regusto a los últimos discos de Pink Floyd con su legendario bajista.\n“Breath of crows” – Tras un breve corte silencioso, se cierra el disco con esta última canción, de nuevo con Brian Eno llevando la voz cantante en una extraña letanía acompañada de sonidos de campanas y drones. Nos podemos imaginar perfectamente esta música en cualquier templo perdido del Tibet entre finos hilos de humo de incienso entre los que se filtran unos tímidos rayos de luz.\nEno & Holland\nEn su momento, el disco apareció en su versión normal y también en una versión extendida con material extral. Recientemente ha aparecido un EP con más cortes de las mismas sesiones de grabación. En cualquiera de sus versiones, encontramos el último trabajo de Brian Eno altamente recomendable, tanto para aquellos que ya son aficionados a su obra como para los que querais acercaros a la misma. Como es habitual, os dejamos algunos enlaces para comprar el trabajo:\namazon.es (edición limitada)\nPublicado por Mike Shooter en 18:28 2 comentarios\nEtiquetas: Anastasia Afonina, Aylie Cooke, Brian Eno, Caroline Wildi, Elisha Mudly, Grazyna Goworek, Laura Spagnuolo, Leo Abrahams, Nell Catchpole, Nick Robertson, Rick Holland, Seb Rochford\nPhilip Glass - Piano Music, Ruhr Piano Festival (2009)\nAprovechando la reciente entrada sobre “Les Enfants Terribles”, ópera cuya partitura intrumental está íntegramente escrita para pianos, le echamos hoy un vistazo a la faceta de Glass como compositor para ese instrumento. Hoy resulta raro comprobar cuando repasamos la trayectoria del músico, como la música para piano sólo no pareció interesarle demasiado. Sus primeras obras escritas para el instrumento datan de 1988 cuando compuso la serie de cinco piezas “Metamorphosis” junto con la composición “Wichita Sutra Vortex”. No fue hasta unos años después, cuando, a sugerencia del pianista y director Dennis Russell Davies, Glass decide ampliar su repertorio pianístico escribiendo una serie de estudios. Los primeros seis fueron completados en 1994 y revisados y ampliados postriormente hasta hacer un primer volúmen de diez.\nEste escasez de material del músico para piano sólo ha sido paliada en los últimos años gracias a un buen número de transcripciones de distintas obras suyas realizadas por su estrecho colaborador Michael Riesman con lo que el repertorio de música para piano actualmente disponible del compositor norteamericano es bastante extenso y propicia la aparición de nuevos discos de distintos intérpretes con cierta regularidad.\nEl disco que tenemos hoy aquí nos ofrece un estreno absoluto, una revisión de piezas clásicas y una transcripción de una obra originalmente escrita para orquesta de cámara con lo que nos encontramos ante una visión muy completa de la obra pianística de Glass. Publicado en 2009 en el sello Orange Mountain Music, surge a raiz de un encargo del Festival de Piano del Ruhr. A sugerencia del citado Dennis Russell Davies y la también pianista Maki Namekawa, el festival decidió encargar al músico una obra para la edición de 2008. Esa pieza, junto con otras dos, integra el contenido del CD que os recomendamos hoy.\nLos intépretes en un recital reciente.\nEl disco se abre, precisamente, con “Four Movements for Two Pianos” (2008). Interpretada en directo en un recital en Essen el 7 de julio de 2008 por los anteriormente mencionados Russell Davis y Namekawa, la pieza tiene una cierta relación con la música de la ópera “Les Enfants Terribles” por cuanto ambas obras están escritas para varios pianos. A lo largo de los cuatro movimientos podemos ver cómo Glass prosigue con la búsqueda de nuevos juegos de armonías a lo largo de un proceso totalmente personal con la introducción de ciertas notas que, a primera vista suenan “equivocadas” pero que pronto se muestran como realmente integradas en el nuevo esquema del músico. Otra novedad es la ruptura de los roles habituales de los intérpretes en las obras para dos pianos. Lo normalmente aceptado es que cada uno de ellos se encargue de un cierto rango de notas del instrumento. No es así en el caso de esta obra en la que los dos pianistas tienen total libertad para intercambiar sus roles a voluntad. A continuación podeis escuchar el primero de los cuatro movimientos:\nEl segundo bloque del disco lo componen los seis estudios originales escritos por Glass en 1994 y están interpretados por Dennis Russell Davies. En palabras de su autor, los estudios se compusieron con la doble intención de aumentar el repertorio para los recitales de piano sólo que Glass da ocasionalmente y también para profundizar en la técnica pianística, a modo de ejercicio práctico. En cualquier caso, alguno de los estudios como el Nº2, no son sino arreglos de obras anteriores del músico.\nEl cierre del trabajo lo ponen tres piezas pertencientes a la banda sonora de la película “Las Horas”. Escrita inicialmente para piano, orquesta de cuerdas, arpa y celesta, el éxito de la película y de la banda sonora hizo que Michael Riesman, uno de los más antiguos colaboradores de Glass, escribiera unos arreglos en forma de concierto para piano y orquesta. Poco después, recibió el encargo de adaptar algunas de las piezas de la banda sonora para piano como material de práctica para estudiantes de piano de grado intermedio. Fue en ese momento cuando Riesman decidió escribir los arreglos de toda la banda sonora, que fueron publicados en su correspondiente CD en 2004. Maki Namekawa interpreta en éste disco tres de esos arreglos, concretamente las piezas “Morning Passages”, “Escape!” y “The Poet Acts”.\nResulta paradójico el contraste entre el escaso volúmen de música para piano escrita por Glass cuando la comparamos con el grueso de su obra y la gran cantidad de grabaciones distintas que han ido apareciendo en los últimos años de estas composiciones a cargo de distintos pianistas de todo estilo y procedencia. No cabe duda de que la música de Glass se adapta perfectamente a las características de un instrumento como el piano y no podemos dejar de recomendar a nuestros lectores que se acerquen, si no lo han hecho ya, a esta parte del repertorio del músico.\nSi decidís empezar ese acercamiento con este disco que hoy os comentamos, teneis a continuación un enlace para adquirirlo:\nEtiquetas: Dennis Russell Davies, Maki Namekawa, Philip Glass\nPhilip Glass - Les Enfants Terribles, 2 y 3 de diciembre, Teatro Arriaga. Bilbao\nTenemos hoy una novedad en La Voz de los Vientos y es que, en esta ocasión, no vamos a hablar sólo de un disco sino de una representación en directo.\nEl francés Jean Cocteau (1889-1963) fue uno de esos raros artistas totales. Escritor de novela, teatro, poesía, director y guionista de cine, ilustrador, creador de ballets… ninguna expresión artística le era ajena. Su extensa obra en todos estos campos, ha inspirado a un buen número de artistas en los últimos años y, especialmente, al compositor norteamericano Philip Glass, quien dedicó una trilogía operística a tres de las obras más representativas de Cocteau, cada una con sus propias particularidades.\nLa primera de las tres óperas y la más convencional fue “Orphee” y pronto le siguió la más original “La Belle et la Bete” en la que los cantantes actuan frente a la pantalla en la que se proyecta la película de Cocteau cantando en perfecta sincronía con los movimientos de los actores del film. Hoy nos encargamos de la última parte de la trilogía, inspirada en la novela del francés de 1929 que dio origen a la película co-dirigida por el propio Cocteau y Jean-Pierre Melville en 1950.\nCartel de la película de 1950\nEl montaje que pudimos disfrutar este fin de semana en el Teatro Arriaga de Bilbao, es una coproducción con la Ópera Nacional de Burdeos a cargo de Emmanuel olivier (dirección musical, primer piano), Sthephane Verite (director de escenografía, iluminación e imágenes), Herve Poeydomenge (vestuario), Romain Sosso (director de imagen), Jean-Marc Fontana (segundo piano) y Francoise Larrat (tercer piano). Las voces son las de la soprano Chloe Briot en el papel de Elisabeth, la mezzo-soprano Amaya Domínguez en el doble papel de Dargelos y Agathe, el barítono Olivier Dumait haciendo de narrador e intepretando a Gerard y, por último, el también barítono Guillaume Andrieux en el papel de Paul.\nVista del Arriaga desde el escenario.\nLa particularidad de esta ópera, al margen de su acompañamiento musical con sólo 3 pianos como únicos instrumentos, radica en su escenografía cercana al ballet, a cargo de la coreógrafa Susan Marshall. Sobre el escenario, apenas tenemos un puñado de elementos: dos camas, una mesilla por aquí, un par de sillas algo más allá y, especialmente, un inspirado juego de proyecciones que complementan la narración con gran acierto. Nos gustaría destacar especialmente la escena del paseo nocturno de Paul en estado de sonambulismo acompañado de nuestra parte favorita de la partitura de Glass para la obra y la forma en que se resuelve la escena del fallecimiento de Michael en accidente de tráfico, ambas perfectamente narradas mediante proyecciones salvando la imposibilidad de trasladarlas al escenario real.\nDargelos en la escena inicial de la obra.\nLa historia de Cocteau nos presenta la extraña relación de dos hermanos que construyen su propio mundo imaginario en su habitación propiciado por la enfermedad de uno de ellos (Paul) que queda al cuidado de su hermana (Elizabeth). La burbuja que contruyen se cierra aún más tras el fallecimento de su madre. La aparición en escena de otros dos personajes (Gerard y Agathe) y sus nuevas relaciones con los hermanos propician un juego de celos y envidias que acaba tejiendo la red que terminará en la tragedia final.\nLas propuestas operísticas de Glass no terminan de ser plenamente aceptadas por la crítica más conservadora aunque poco a poco empiezan a ganarse un reconocimiento mayor. En La Voz de los Vientos estamos muy lejos de considerarnos entendidos en ópera o en artes escénicas pero el espectáculo que vimos esta pasada noche en el Arriaga nos pareció maravilloso en todos los sentidos. La partitura de Glass, ya conocida por nosotros al haber sido publicada en disco años atrás, funciona perfectamente y los intérpretes cumplen con buena nota, tanto el faceta instrumental como en la vocal y actoral. Destacamos muy especialmente al quinto actor, que no es otro que la propia habitación, protagonista en segundo plano de la obra y principal representante del universo de Cocteau como espacio para la imaginación y en el que todo es posible, incluso el “juego” en el que viven sus mejores momentos los hermanos. La iluminación y las proyecciones animan hasta tal punto la estancia que consiguen que la veamos como, quizá, el verdadero motor de la narración.\nElizabeth y Paul durante el "juego"\nPhilip Glass habla de la obra en los créditos de su versión en CD y dice que: “Si “Orfeo” es la historia de trascendencia de Cocteau y “La Bella y la Bestia” su historia romántica, “Les Enfants Terribles” es su tragedia. Como las anteriores, nos muestra la creencia de Cocteau en el poder de la imaginación para transformar el mundo real en un mundo mágico pero a diferencia de ellas, en las que la trasformación nos lleva al amor y a la trascendencia en esta nos lleva al narcisismo y, finalmente, a la muerte. De ahí la fuerza de la obra. La bola de nieve que da pie al inicio de la narración se transforma en la bola de veneno de la última escena, Dargelos se convierte en Agathe y la habitación acaba mutando en un espacio de celos y envidias que no permite crecer a los hermanos de modo que lo que empieza siendo un juego inofensivo desemboca en una lucha salvaje y en la tragedia final”.\nAgathe, Elizabeth y Paul en un momento de "Les Enfants Terribles"\nAprovechamos la ocasión, primera desde que empezó el blog en la que no comentamos un disco sino una representación escénica, para hacer una pequeña reseña sobre el disco publicado por Orange Mountain Music, sello propiedad de Glass, en el que se editó la música completa de la obra. Como ya hemos comentado en alguna ocasión, OMM es la vía que utiliza Glass para ir dando salida a un buen montón de obras que duermen en sur archivos y que no podrían publicarse en discográficas convencionales, dado el gran volúmen de material disponible. En este caso, se trata de una grabación de 1997 que apareció por fín en formato CD en 2005.\nLos créditos del album los ocupan Michael Riesman y Kurt Munkacsi como productores, Christine Arand (soprano, Elisabeth), Philip Cutlip (barítono, Paul), Hal Cazalet (tenor, Gerard, narrador), Valerie Komar (mezzo-soprano, Dargelos, Agathe) junto al propio Philip Glass, Nelson Padgett y Eleanor Sandresky como pianistas.\nLos acostumbrados a la escritura operística de Glass ya sabran que las partes vocales no suelen ser las convencionales en el belcantismo ya que huye de las arias brillantes, concebidas para el lucimiento del intérprete en beneficio de una narración en modo casi recitativo, más teatral que lírica. La parte instrumental, por el contrario, sí que nos parece realmente brillante. Solemne cuando lo requiere la escena, evocadora en otros momentos, onírica a veces y siempre con el sello particular de Glass presente. Entre las piezas destacadas nos quedamos con la enérgica obertura, tema que repite en el climax de la obra, y la pieza casi mágica que acompaña el paseo nocturno de Paul en la que es una de las escenas más bellas de toda la obra.\nOs dejamos un par de enlaces por si decidís adquirir el doble CD con la música de “Les Enfants Terribles” y despedimos la entrada con la música de la primera escena de la ópera:\nPublicado por Mike Shooter en 16:04 0 comentarios\nEtiquetas: Christine Arand, Eleanor Sandresky, Hal Cazalet, Kurt Munkacsi, Michael Riesman, Nelson Padgett, Philip Cutlip, Philip Glass, Valerie Komar\nOrchestral Manoeuvres in the Dark (OMD) - Architecture and Morality (1981)\nEl llamado synth-pop o tecno-pop fue un estilo surgido a finales de los años setenta que tuvo su edad de oro durante la primera mitad de la década siguiente. A raiz del éxito de bandas como Kraftwerk, aparecieron por doquier nuevas formaciones haciendo pop como el de toda la vida pero con una base instrumental basada en los sintetizadores, arrastrados por la accesibilidad de estos y, sobre todo, por la facilidad de manejo y variedad de sonidos que reunían los nuevos sintes digitales.\nEl fenómeno del tecno-pop llevó a muchas bandas a alcanzar grandes éxitos pero la mayoría de ellas terminaban por engrosar la lista de los “one hit wonders” o grupos con un solo tema famoso, que nunca alcanzaron la misma popularidad con sus siguientes trabajos. Grupos como Softcell y su “Tainted Love” entrarían en esa categoría. Hubo, sin embargo, un puñado de bandas cuya trayectoria tuvo más recorrido y una de las más destacadas es la que se presenta hoy en el blog.\nOrchestral Manoeuvres in the Dark, comunmente abreviado a OMD, surgen alrededor del dúo formado por Andy McCluskey y Paul Humphreys a los que se han ido uniendo distintos músicos a lo largo de los años. Declarados fans de Kraftwerk y, en menor medida, de Brian Eno, el dúo participó en distintos proyectos hasta que se asentaron con el nombre que les hizo populares, especialmente a partir del lanzamiento de “Electricity, su primer single. El éxito de la canción hizo que Gary Numan contratara al duo como teloneros en su gira de 1979.\nLos miembros de OMD con Andy McCluskey al frente.\nEl trabajo que hoy glosamos es el tercer LP publicado por OMD, bajo el título de “Architecture and Morality”, aparecido a finales de 1981 y comunmente considerado como el mejor de la banda. Intervienen en su grabación los citados Andy McCluskey (teclados, guitarra, bajo y voz), Paul Humphreys (teclados, percusiones y voces), Malcolm Holmes (batería, teclados), Martin Cooper (saxo) y Michael Douglas (teclados). En los dos primeros discos, OMD se habían mostrado como una banda continuadora, en cierto modo, de la herencia de Kraftwerk con canciones cercanas a la copia de los de Düsseldorf. Esto es muy patente en el primero de los discos en el arpecto musical. En el segundo, el homenaje al cuarteto alemán está más centrado en alguno de los títulos. El propio nombre del disco, “Organisation”, fue la primera denominación bajo la que grabaron los miembros de Kraftwerk y el corte “VCL XI” está tomado directamente del diagrama de un circuito integrado que figura en la contraportada del disco “Radio-Activity” de los alemanes. Hay una evolución en el sonido de “Architecture and Morality” motivada principalmente por la utilización de un mellotron que confirió al sonido del grupo un carácter muy personal alejandoles del estilo más encorsetado de los discos precedentes. No era muy habitual en la época en que la electrónica digital se abría paso entre los viejos sintetizadores analógicos, que un grupo se interesara por sonidos como el del mellotron, más asociado al rock progresivo que al pop. Según cuenta Humphreys, estaban en una etapa en la que temían encasillarse y buscaban un sonido distinto. Habían probado con samples de cantos gregorianos pero el resultado no les convencía (habría que ver qué pensaron cuando años después, Enigma publicó su disco de debut basado en ese mismo tipo de samples). De algún modo, y en palabras del propio Andy, la influencia de Brian Eno les acabó llevando al mellotron y su presencia en algunos temas concretos es realmente imprescindible hasta el punto en que no se conciben sin ese peculiar sonido.\n“The New Stone Age” – Abre el disco uno de los temas escritos por McCluskey. El comienzo nos remite inmediatamente a Kraftwerk pero también a Joy Division, otra de las bandas admiradas por los miembros del grupo y con la que llegaron a compartir escenario. El sonido es deliberadamente sucio y muy acorde con la letra, realmente enigmática que nos habla de una nueva era de piedra a la que hemos llegado por haber hecho no sabemos el qué (“Oh my god, what have I done this time”)\n“She’s Leaving” – Escrita por el dúo McCluskey / Humphreys y a riesgo de sonar reiterativos, es un ejemplo más de la tremenda influencia de Kraftwerk en la banda con unos teclados deudores de trabajos como “Trans-Europe Express”. La letra habla del fin de una relación por parte de la chica que abandona a su pareja aunque se deja entrever que, en realidad, se trata de la amante que no quiere seguir esperando a que el hombre abandone a su esposa. La canción no tiene mayor trascendencia pero no deja de ser un buen ejercicio de pop sin pretensiones.\n“Souvenir” – Compuesta por Humphreys y Martin Cooper sobre la base de unos acordes obra de Dave Hugues, antiguo miembro de la banda que ya no formaba parte de la misma cuando se grabó el disco. Terminó siendo uno de los singles del disco y el mayor éxito del mismo, lo que la convierte en una de las más recordadas canciones de OMD y no sin razón. Souvenir es uno claro ejemplo de synth-pop bien hecho con un precioso riff de teclado que ha quedado como un clásico del género. Cuenta con la peculiaridad de estar cantada por Humphreys y no por Andy McCluskey, habitual vocalista de la formación.\n“Sealand” – Otra de las composiciones del dúo McCluskey / Humphreys. Se trata de un tema casi instrumental en el que sólo tras varios minutos hay una breve letra cantada. Una batería tocada a modo de latidos de corazón es la que marca el ritmo y el tono de toda la composición. El estilo del grupo es reconocible pero tampoco va a ser recordada como una de las canciones imprescindibles de la banda, aunque nos llama la atención la coda final en clave ambiental que sirve para enlazar con el siguiente tema.\n“Joan of Arc” – Estamos ante una de las mejores canciones de OMD en toda su trayectoria. Escrita por McCluskey se desarrolla en un continuo crescendo desde un comienzo casi infantil con sonidos de caja de música al que se van añadiendo elementos como un ritmo continuo de sintetizador al modo del Vangelis de “To the Unknown Man” o los propios Kraftwerk de “Radio-Activity”, más tarde los preciosos fondos de mellotron y diversos elementos percusivos van enriqueciendo el tema que termina volviendo a los inocentes sonidos del comienzo. La canción narra el pesar de un joven enamorado de Juana de Arco cuando comprueba que ella decide alejarse de él para seguir la voz de Dios que le llama a combatir a los ingleses. También hay quien dice que la canción está narrada desde el punto de vista de Gilles de Rais, noble francés y asesino en serie, según propia confesión, admirador y compañero en la batalla de Juana de Arco. El disco continuaba con otra canción titulada del mismo modo y que hubo de renombrarse, primero como “The Waltz of Joan of Arc (Maid of Orleans)” y más tarde, simplemente como “Maid of Orleans”.\n“Maid of Orleans” – Estamos ante todo un clásico de la música de los ochenta y, en nuestra opinión, ante la obra maestra de OMD. La composición empieza con una serie de extraños ruidos de procedencia desconocida que a los antiguos usuarios de aquellos ordenadores de comienzos de los ochenta (Spectrum, Commodore o MSX) nos pueden recordar los extraños sonidos que aparecían en los cassettes que traían los juegos en aquellos años. Tras la introducción entramos en lo que sólo podemos calificar de maravilla, de esas que se dan una o dos veces en la trayectoria de un grupo o músico. Al igual que en el corte anterior, se construye con muy poco… una base rítmica electrónica muy simple, unos repiques de tambor y una melodía preciosa, de aires celtas en un principio y a cargo de lo que, en una primera audición, nos podría parecer una banda de gaiteros escoceses pero que, en realidad, estaba hecha combinando dos de los sonidos “de fábrica” del mellotron, uno de voz femenina y otro con tres violines. La emotividad del tema principal unida a la creciente intensidad de las percusiones acaban conformando una composición imprescindible que, en nuestra opinión, justifica sobradamente la presencia del disco en estas páginas. El mérito añadido del tema es que se trata de una pieza soberbia en la que no encontramos ya las referencias a otros músicos que sí estaban presentes en otros cortes del disco.\n“Architecture and Morality” – Realmente, tras escuchar una pieza como la anterior, poco importa lo que resta de disco pero hasta el final del mismo aún quedan tres composiciones. La primera de ellas es obra de McCluskey y Humphreys como casi todo el disco y es la única 100% instrumental de todo el trabajo. Volvemos aquí a tener una pieza demasiado similar estilísticamente a Kraftwerk, especialmente en su primera parte, especialmente en lo que se refiere al uso de determinados sonidos.\n“Georgia” – Quizá se trata del tema que menos encaja en la linea del disco. Se trata de una especie de rock’n’roll electronico, especialmente en lo que se refiere a las lineas de bajo (ya sea bajo real o interpretado por sintetizadores). Es una canción pegadiza y bastante simple pero que no alcanzó mayor repercusión, probablemente eclipsada por otros temas del disco. A pesar de ello, es uno de los temas que más nos gustan desde la primera vez que escuchamos el disco, quizá por su falta de relación con el resto del album.\n“The Beginning and the End” – Cierra el disco otra canción de desamor en ese tono melancólico que tan bien le va a la voz de McCluskey y de las que abundan en la discografía del grupo. Se trata de un tema casi ambiental con una breve letra de despedida que encaja bien con el que es el último tema del trabajo.\nTenemos la impresión en “La Voz de los Vientos” de que OMD es una banda que, con el tiempo, ha quedado muy relegada en el recuerdo de los aficionados, a pesar de contar con un buen puñado de canciones que se han convertido en clásicos de todo un género como “Messages”, “Enola Gay”, “Dreaming” o varias de las que se encuentran en este “Architecture and Morality”. Quizá tenga que ver en esto el hecho de que, si bien nunca se retiraron del todo, su presencia en estos últimos años ha sido muy difusa y sin grandes trabajos destacados. Está por ver si su último “regreso” con el reciente “History of Modern” es el comienzo de algo o simplemente una reunión circunstancia. Mientras tanto, es una buena idea comenzar por recuperar sus discos clásicos empezando por este “Architecture and Morality”.\nSi no lo poseeis aún y quereis comprarlo, podeis hacerlo en los enlaces que dejamos a continuación. La mayoría de las ediciones disponibles hoy en día contienen varios bonus tracks procedentes de los singles de la época del disco:\nOs dejamos con un video de OMD tocando "Joan of Arc" en directo en 1981:\nPublicado por Mike Shooter en 17:26 2 comentarios\nEtiquetas: Andy McCluskey, Malcolm Holmes, Martin Cooper, Michael Douglas, OMD, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Paul Humphreys\nJohn Adams - Son of Chamber Symphony / String Quar...\nBela Fleck and the Flecktones - Left of Cool (1998...\nPhilip Glass - Piano Music, Ruhr Piano Festival (2...\nPhilip Glass - Les Enfants Terribles, 2 y 3 de dic...\nOrchestral Manoeuvres in the Dark (OMD) - Architec...


Análisis Borderlands 2 VR: El divertido shooter ahora en realidad virtual (PS4, PC)\nJuan Rubio · 10:03 18/12/2018\nLa realidad virtual es cada vez más exigente. Los jugadores quieren experiencias a la altura de los juegos tradicionales y, a pesar de que la tecnología está dando todavía sus primeros pasos, poco a poco nos van llegando. Resident Evil 7 o Skyrim son dos ejemplos de ello, y ahora la lista se amplía con Borderlands 2 VR.\nPandora desde nuevos ojos\nBorderlands 2 VR es, como su propio nombre indica, una adaptación del juego de Gearbox para PlayStation VR, que nos ofrece la campaña principal con sus cuatro clases. Desde el principio creemos conveniente avisar de que no hay multijugador ni contenido descargable incluido, algo que nos ha parecido un poco chocante, pero, al menos para nosotros, sigue siendo un juego muy disfrutable en solitario y con una buena cantidad de contenido.\nGearbox ha adaptado la experiencia a estos cambios, por ejemplo, haciendo que algunas habilidades sean más potentes para que no tengamos que necesitar compañeros de equipo. Además, también vemos muchos comentarios y referencias por parte de los personajes a que estamos jugando en realidad virtual, algo que nos ha parecido un detallazo. El hecho de que hayan introduciendo nuevas líneas de diálogo –traducidas al castellano– para hacer chistes sobre la realidad virtual es otra muestra de que se trata de un juego muy cuidado y no un simple port.\nComo sabéis, Borderlands 2 es un juego de disparos y exploración en primera persona, y eso se mantiene en la versión para realidad virtual. El mayor cambio lo encontramos en el control, principalmente si decidimos jugar con los PlayStation Move. Se puede jugar con el DualShock 4, aunque, obviamente, perdemos parte de esa inmersión.\nBienvenidos a Pandora. Preparaos para verla como nunca antes, y es que imágenes como ésta son mucho más impresionantes en RV.\nLa verdad es que al principio se hace raro, pero nosotros recomendamos jugar con los Move. El mayor problema es el desplazamiento. Podemos recurrir al teletransporte o al desplazamiento libre, o combinar ambos, pero al ser un juego tan frenético necesitamos una respuesta mucho más rápida, ágil e inmediata que el teletransporte, por lo que vamos a acabar tirando de desplazamiento libre con bastante frecuencia.\nTodos los poderes y habilidades de los protagonistas están disponibles, incluyendo algunos ajustes para adaptarse a la falta de multijugador.\nEl desplazamiento libre se realiza con uno de los Move. Básicamente, apuntamos hacia una dirección, pulsamos un botón y nos movemos hacia allá. No hay que hacer ningún movimiento exagerado, y para movernos hacia atrás tan sólo tenemos que apuntar hacia nuestro hombro. Al final, ésta es la mejor manera de solventar algunas batallas, en las que tenemos que correr de un punto a otro en búsqueda de cobertura o un mejor ángulo para atacar.\nEso sí, nos ha parecido que gracias al casco de realidad virtual y a los PS Move los tiroteos nos ofrecen posibilidades muy interesantes. Ahora es posible escondernos detrás de cualquier elemento del escenario, asomarnos, o incluso sacar el brazo para disparar, dándole una nueva dimensión a los escenarios y los enfrentamientos. Prácticamente, te permite redescubrir la mayoría de los combates del juego.\nAhora es posible aprovechar las coberturas de manera mucho más orgánica, pudiendo asomarnos ligeramente o sacar el brazo para disparar.\nAlgo a destacar es que, al principio de la aventura, las armas tienen una precisión bastante baja, por lo que incluso si nosotros apuntamos bien, las balas pueden desviarse. Según vamos mejorando la precisión de las armas, los disparos son más precisos y más satisfactorios, algo que ayuda a tener incluso mejores sensaciones durante los tiroteos.\nGráficos, mareos y otros aspectos\nBorderlands 2 VR no es ningún prodigio visual, pero la verdad es que, gracias a su estilo artístico, se sigue viendo bastante bien. Algunas texturas cantan un poco al verlas de cerca, pero en general nos parece que aguanta el tipo bastante bien. Además, tiene momentos bastante espectaculares, como los de conducción o los enfrentamientos contra ciertos enemigos. La sensación de estar dentro de Pandora es genial, y los fans van a disfrutarlo al máximo.\nLos diálogos se han actualizado con nuevas líneas para hacer referencia a la realidad virtual.\nEl sistema de menús y secuencias de vídeo nos ha resultado mejorable. Por una parte, movernos por los menús nos ha parecido un tanto torpe, aunque al final te acabas acostumbrando. Las secuencias de vídeo, ya sea prerrenderizadas o en tiempo real, se resuelven reproduciéndose como tal frente a nosotros, algo comprensible en el caso de las primeras, pero un poco menos en el caso de las segundas. No es tampoco un problema grave, pero rompe un poco la inmersión.\nTambién, algo que nos ha molestado un poco es que la interfaz está demasiado alejada del centro de la pantalla, y, en nuestro caso, ha sido imposible colocarnos el PS VR de tal manera que podamos ver nítidamente tanto el mapa de la esquina superior derecha como los indicadores de la parte de abajo de la imagen.\nPor último, comentar sobre los potenciales mareos al jugar. Hay que decir que Borderlands 2 VR ofrece prácticamente todas las opciones posibles para evitar mareos, y ya luego el jugador puede activar y deshabilitar a su gusto, pudiendo jugar como si del juego original se tratara. Incluso con todas las opciones activadas, no deja de ser un juego en el que vamos a tener que movernos, girar sobre nosotros mismos y hacer todo tipo de locuras, por lo que es posible que sintamos algo de incomodidad de vez en cuando. En cualquier caso, si habéis jugado a Resident Evil 7 o Skyrim, os podéis hacer una idea.\nLas batallas contra los jefes son mucho más espectaculares. ¡No os imaginas el tamaño que tiene el Capitán Flynt en RV!\nBorderlands 2 VR es espectacular, divertido y frenético, y creemos que funciona genial en realidad virtual. Es cierto que tiene que enfrentarse a algunos problemas, generalmente derivados del control, pero poco más se puede hacer con la tecnología actual, y ninguno es insalvable. Si no habéis jugado a Borderlands 2, os espera una aventura única, y si lo habéis hecho, vais a redescubrirla con alguna que otra sorpresa. Una pena que falten los descargables y el multijugador, porque todo lo demás está a un gran nivel.\nHemos realizado este análisis en PS4 Pro con un código proporcionado por 2K.\nSigue siendo una aventura divertidísima.\nMultitud de opciones para evitar mareos.\nLos tiroteos adquieren una nueva dimensión con los PS Move…\n…aunque requiere algo de tiempo acostumbrarse.\nLa falta de multijugador y las expansiones.\nBorderlands 2 aguanta bastante bien el paso de los años. Gearbox ha hecho una genial adaptación dentro de las limitaciones de PS VR, y si queréis volver a Pandora mientras esperamos Borderlands 3, ésta es una genial opción.\nGénero/s: Action-RPG / Mundo abierto / Realidad Virtual / Shooter en primera persona\nBorderlands 2 VR para PlayStation 4\nBorderlands 2 VR para Ordenador


Acereros amenaza a Sultanes en la Zona Norte\nMexico, 2016-07-17 22:54:38 | ESTO\nMONCLOVA.- Antonio Lamas y Francisco Peguero dieron sencillos productores en el fondo del primer episodio, Francisco Córdoba sonó su quinto tablazo de vuelta entera en el tercero para encaminar a los Acereros de Monclova a su octavo triunfo consecutivo, al imponerse 7-3 a los Delfines de Ciudad del Carmen que ligaron su octava derrota en fila.\nMauricio Ávila (0-1) fue sacudido con cuatro anotaciones en dos capítulos, Amadeo Zazueta metió un par con incogible en la segunda.\nAlex Caldera (7-4) resultó el vencedor, al tirar cinco capítulos.\nPUEBLA.- Rubén Rivera y César Tapia pegaron sencillos productores en el primer capítulo, Héctor Galván permitió apenas cinco hits en siete innings de labor y los Pericos de Puebla superaron 3-1 a los Rieleros de Aguascalientes para llevarse la serie 2-1.\nGalván (8-2) permitió solitario bambinazo de Tim Torres (10) en el segundo tramo y necesitó de la ayuda de Deunte Heath y Chad Gaudin (28). Perdió José López (1-3).\nTapia bateó de 4-2 y anda en .387.\nLos poblanos han asegurado su pase a la postemporada, cuando restan 21 juegos, ahora tendrán que mantener la ventaja como líderes de su división para comenzar en casa los playoffs.\nMONTERREY.- Ricardo Serrano (8) y Héctor Giménez (9) dispararon batazos de cuatro esquinas en la segunda tanda, Jesús “Cacao” Valdez agregó otro en la sexta para que los Leones de Yucatán victimaran 5-3 a los Sultanes de Monterrey y les arrebataron la serie 2-1. Los regios vieron reducida su ventaja sobre Monclova a un juego, aunque ambos saldrán de gira por el sur.\nJonathan Castellanos (9-3) no permitió carrera en su labor de cinco innings con dos tercios, tuvo salvamento de Pedro Rodríguez (13). El descalabro fue para Marco Tovar (3-7) en labor de seis innings con seis ponches, pero toleró los tres bambinazos.\nTORREÓN.- Rubén Sosa (2) pegó bambinazo en el cierre del fatídico séptimo capítulo para la única carrera del partido y los Vaqueros Laguna lograron evitar la barrida, al blanquear 1-0 a los Piratas de Campeche.\nEl zurdo Jorge Luis Castillo (6-6) lució en los primeros seis actos, pero se descuidó en la séptima y admitió su vigésimo jonrón, para encabezar ese tan penoso departamento.\nJeremy Horst tiró seis episodios en blanco, lo relevó el ganador Héctor “Choco” Navarro (3-1), John Lujan y terminó Felipe Arredondo (1) con salvamento.\nREYNOSA.- Alex Liddi, Iker Franco y Brandon Villarreal pegaron dobletes productores en el sexto inning, José Félix agregó dos más con su tercer vuelacerca del año en el octavo al ganar los campeones Tigres de Quintana Roo 6-0 a los decepcionantes Broncos de Reynosa que llegaron a trece fracasos en fila.\nJulián Arballo (8-7) tiró las cinco entradas reglamentarias para ganar, con ayuda de Alberto Leyva, Adrián Ramírez, Raúl Barrón y Jesse Estrada. Perdió Jesús Dueñas en labor de relevo.\nLIMPIAS A DOMICILIO\nVILLAHERMOSA.- Un pasbol de Ronny Paulino permitió anotar a Olmo Rosario con la carrera del empate y Miguel Torrero dio elevado de sacrificio para coronar un ataque de cuatro anotaciones en la sexta entrada para que los Toros de Tijuana barrieran a los Olmecas de Tabasco, al imponerse 4-3.\nBarry Enright (8-5) se alzó con el triunfo con ayuda de tres relevistas, entre ellos el rescate 22 de Jason Urquidez. La derrota correspondió a Carlos Teller (3-4). Por los tabasqueños la parqueó Sandy Madera (14) en la segunda ronda sin gente en las colchonetas.\nVERACRUZ.- Un error del tercera base Juan Martínez con dos outs, a batazo de Iván Terrazas permitió timbrar a Alex Ortíz en la parte alta del décimo capítulo y los Diablos Rojos del México superaron 2-1 a los Rojos del Águila de Veracruz para llevarse el compromiso 2-1.\nDavid Reyes tiró ocho capítulos, le siguió Winston Abreu (2-0) y terminó con salvamento Manny Acosta (14). Perdió Jesús Pirela (9).\nOAXACA.- Justin Greene la botó en sus dos primeros turnos para producir tres carreras, también se fue para la calle en un par de ocasiones y remolcó tres más al ganar los Saraperos de Saltillo 9-4 a los Guerreros de Oaxaca para agenciarse el compromiso 2-1.\nHéctor Rodríguez (8-4) resultó el ganador, mientras Luis Méndez (0-1) fue castigado con tres batazos de cuatro esquinas en dos innings.\nLas carreras de la novena local cayeron por cuadrangulares de Manuel Cruz (1) de dos rayitas y solitarios de Brett Harper (17) y Mario Valenzuela (4).\nDivisión Norte: Monterrey 56-32, Monclova 55-34-1.0, Laguna 52-37-3.5, Tijuana 50-39-6.0, Diablos Rojos 44-44-11.5, Aguascalientes 43-45-12.5, Saltillo 38-50-17.5, Reynosa 22-67-34.0.\nDivisión Sur: Puebla 62-26, Yucatán 60-29-2.5, Quintana Roo 55-35-8.0, Campeche 43-44-18.5, Oaxaca 35-53-27.0, Tabasco y Veracruz 33-57-30.0, Ciudad del Carmen 28-60-34.0.


Hallan muerta dominicana desaparecida en Saint Thomas - Orbita Informativa RD\nHallan muerta dominicana desaparecida en Saint Thomas\nIslas vírgenes.-Las autoridades policiales en informaron del hallazgo del cuerpo sin vida la tarde de ayer viernes, Amarilis Eduviges Mercedes Amparo, de 44 años de edad, reportada desaparecida por sus familiares desde el pasado viernes santo, cuando salió de su residencia en el área de Market Square, mientras se dirigía hacia su trabajo.\nFue encontrada por el olor pestilente de putrefacción por un residente que llamó al 911 a las 2:57 de la tarde, mientras este cortaba el césped en un camino privado en Crown y Hawk.\nLa nativa afirmó que mientras continuaba cortando el césped, vio el cuerpo de una mujer que no se movía tirado en un monte. El cadáver se encontró en estado de descomposición, la policía aun no determina la causa del deceso.\nSus familiares vivieron toda una pesadilla durante siete días u pidieron una exhaustiva investigación del caso.\nAmarilis tenía tres hijos, y era natural de Sabana Grande de Boyà provincia Monte Plata.\nEtiquetas: Dominicana, muerta, Saint Thomas\nFallece joven sufrió quemaduras al incendiarse yate turístico en Bayahíbe


La corteza o córtex cerebral es el manto de tejido nervioso que cubre la superficie de los hemisferios cerebrales, alcanzando su máximo desarrollo en los primates. Es aquí donde ocurre la percepción, la imaginación, el pensamiento, el juicio y la decisión. Es ante todo una delgada capa de la materia gris –normalmente de 6 capas de espesor–, de hecho, por encima de una amplia colección de vías de materia blanca. La delgada capa está fuertemente circunvolucionada, por lo que si se extendiese, ocuparía unos 2500 cm². Esta capa incluye unos 10.000 millones de neuronas, con cerca de 50 trillones de sinapsis. Tales redes neuronales en la corteza macroscópicamente (a simple vista) se observan como materia gris. Tanto desde el punto de vista estructural como filogenético, se distinguen tres tipos básicos de corteza:\nEl Doctor Korbinian Brodmann descubrió que la corteza cerebral humana está estructurada siguiendo los mismos principios generales que en los demás mamíferos y en 1909 publicó su célebre obra “Vergleichende Lokalisationslehre der Grosshirnrinde in ihren Prinzipien dargestellt auf Grund des Zellenbaues” (Estudios comparativos de localización en la corteza cerebral, sus Fundamentos representados en la base de su arquitectura celular), que trata sobre la localización de las distintas áreas cerebrales, de acuerdo a sus estructuras citoarquitectónicas. Esta obra establece la división de la corteza en 51 áreas y estudia su localización comparativa en diferentes mamíferos. De plena vigencia, constituye la localización topográfica por excelencia cuando nos referimos a un área cortical en cualquier especie animal.


Falta de lluvias impacta producción del agro en la sierra de Santa Marta | La Jornada Veracruz\nIniciosección principalFalta de lluvias impacta producción del agro en la sierra de Santa...\nFalta de lluvias impacta producción del agro en la sierra de Santa Marta\nCoatzacoalcos, Ver.- El desfase de la temporada de lluvias y la prolongación del estiaje han impactado en la dinámica de producción de alimentos en la Sierra de Santa Marta, los campesinos han tenido que recorrer sus calendarios de siembra. Jesús Cárcamo, representante de la Asociación Civil Desarrollo Comunitario de los Tuxtlas (Decotux), manifestó que el cambio climático ha impactado en la dinámica de los pueblos indígenas del sur de Veracruz.\nRefirió que las lluvias en estas zonas serranas han disminuido o se recorren a meses donde se presentaban otro tipo de fenómenos, lo que obliga a los campesinos a retrasar su siembra para no perder sus productos.\nExpuso que cultivos como el maíz y verduras que son básicos para la alimentación de la población tienen que postergarse para que puedan recibir suficiente agua. “Las poblaciones han adaptado ciertas actividades, en la siembra del maíz hace 10 o 20 años, en abril y mayo la gente ya estaba preparando su parcela para que cuando llegara septiembre estuviera de buen tamaño y los huracanes no les afectaran”.\nEl activista indicó que en las zonas altas se resiente mucho el calor y los niveles de los ríos bajan durante el estiaje, lo cual también afecta a las pequeñas producciones y las milpas que tienen los campesinos, impactando en su alimentación.\nArtículo anteriorPrecio del gas LP detiene su tendencia al alza: CRE\nArtículo siguienteEste lunes se restablecerá la exportación de aguacate michoacano hacia Estados Unidos\nSigue recuperación de caminos y entrega de insumos a familias afectadas por las lluvias


Rubalcaba: "Si pagamos impuestos africanos, tendremos un estado del bienestar africano" - PuntoSeguro | Seguros de vida\nHome » Rubalcaba: “Si pagamos impuestos africanos, tendremos un estado del bienestar africano”\nRubalcaba: «Si pagamos impuestos africanos, tendremos un estado del bienestar africano»\nLa ley no ha atajado las malas prácticas: sí ha habido malos bancos, pero no malas\npuedan ser beneficiosas aquí también. Apuntó que está claro que «vamos a llegar a una fórmula vía impuestos» y se mostró más partidario de crear un impuesto general: «No creo que deba de haber un impuesto para pensiones, no creo que deba caer el costo del sistema sobre un sector productivo porque me parece que rompe la filosofía porque el sistema de pensiones en ante todo un pacto generacional entre los que trabajan y los que están jubilados».\nAñadió que en España nunca se ha hecho a fondo un debate sobre la presión fiscal y el gasto público, situadas en el 35% y en el 40%, respectivamente, y ambas muy lejos de las cifras que se mueven en Europa: «Quiero decirle a la gente con toda claridad que con este nivel de presión fiscal y este nivel de gasto público no vamos a poder tener un estado del bienestar sólido. Si pagamos impuestos africanos, con perdón, tendremos un estado del bienestar africano. Y este es un debate que nadie ha querido hacer con claridad».\nLuis Sáez de Jáuregui, director general de Distribución y Venta de AXA, destacó respecto a las Pensiones que los ciudadanos no conocen sus necesidades en esta materia. Igual que quizá otros productos sí buscan en este no lo hacen y por ello la interrelación se hace más necesaria. Recordó que todavía «seguimos esperando» el sobre naranja con la información sobre la pensión estimada de cada ciudadano y esto «aclararía mucho sus necesidades». Por su parte, Cristina del Ama, directora general de Allianz, incidió en que los ciudadanos necesitan saber su pensión estimada, necesitan saber que los productos no duren 5 años y resaltó la necesidad de concienciar.\nMariano Rigau, CEO de Arag SE, criticó la vía de impuestos para pagar las pensiones puesto que antes habría que combatir el fraude fiscal que se encuentra en el 23% y suma 240.000 millones de euros que no cotizan: «Se habla tan poco del fraude y sí de nuevos impuestos». Christopher Bunzl, director general deMutua de Propietarios, considera que a la pensión puede ayudar el ahorro que tradicionalmente los españoles han puesto en el ladrillo y que supone el 70% del ahorro. Destacó que es «muy difícil resolver el problema» y aseguró que se perdió como país el tren por falta de consenso.\nJulián Trinchet, subdirector general de Canal Corredores de Mapfre España, explicó que uno de los retos del sector es comunicar mejor las acciones. Aseguró que el mediador seguirá jugando un papel importante, «seguirá existiendo pero será otra cosa. La mediación del mañana será otra cosa«, indicó.\nSáenz de Jáuregui apuntó que el patrimonio del asesoramiento independiente lo tienen los corredores y aseguró que esos profesionales ya se han demostrado. Señaló también, en relación a la banca, que la «ley no ha conseguido atajar las malas prácticas» y señaló que «sí ha habido malos bancos, pero no malas aseguradoras».\nFuente: Carta del Seguro 29/06/2018


Mutual Belgrano lanza su segunda campaña de prevención de cáncer de mama - Revista Rescatados | La revista del norte santafesino\nDepartamento General Obligado / Departamento San Javier / Departamento San Justo / Departamento Vera / Institucionales / Regionales / Salud\n2247 veces le�do\nEste viernes 19 de octubre se conmemora el Día Internacional del Cáncer de Mama, una fecha instituida por la Asociación de Pacientes en el mundo entero con la finalidad de sensibilizar sobre la importancia de un diagnóstico precoz sobre esta afección.\nAl tiempo de generar conciencia sobre hábitos saludables y trabajar en la prevención temprana de enfermedades. Un diagnóstico a tiempo permite enfrentar esta afección con un tratamiento adecuado y muchas veces con resultados favorables.\nMutual Belgrano lanza en esta oportunidad su Segunda Campaña de Prevención del Cáncer de Mama adhiriendo a la fecha y con un alto sentido de compromiso e impacto social para con un tema tan sensible como es la salud. Al igual que el año 2017 se pondrá a disposición la posibilidad de realizarse una mamografía sin cargo para las socias de la Institución cumplimentando algunos requisitos que a partir del día martes venidero pondremos a consideración con la información precisa para que las interesadas cumplimente el trámite.\nDebemos recordando que habrá un cupo limitado y otro dato singular es que las socias interesadas deberán retirar el cupón en Mutual Belgrano y luego solicitar el turno en la Clínica. Los estudios se realizaran en las instalaciones de Coocreser, solicitando debidamente y acorde a lo expresado anteriormente los turnos que serán otorgados en días y horarios que también serán informados a partir del próximo martes cuando comience formalmente la campaña.\nEl 13 de julio licitarán el ripiado del camino hacia la laguna El Cristal\nHorarios de actividades en el Club Belgrano de Gobernador Crespo\nSiguiente historia Alumnos de San Javier visitaron la “abonera del pueblo” en Calchaquí\nHistoria anterior Se inscribieron más de 14 mil aspirantes para ingresar a la Policía de Santa Fe