(Les 100 meilleurs films du XXIe siècle - Les Inrockuptibles) - CinéLounge\n(Les 100 meilleurs films du XXIe siècle - Les Inrockuptibles)\npublié du 27/09 au 23/10 2016\nLe mois dernier, la BBC proposait un classement des 100 meilleurs films selon un panel de critiques internationaux pour les 16 années écoulées. Nous nous sommes à notre tour amusés à retraverser nos émois cinéphiles de ce début de siècle afin d’offrir un contrepoint au classement de la BBC. Voici donc nos 100 films, dévoilés par tranches de 25, en partant du dernier.\n100 ex aequo : Ce vieux rêve qui bouge, d’Alain Guiraudie (France, 2001) avec Pierre-Louis Calixte, Jean-Marie Combelle\nCourt par la durée, grand par la qualité. Et même tellement plus grand que tant de longs métrages. Avec une économie de moyens admirable, de la haute précision dans les cadres et le dialogue, un mix parfait d’humour et de gravité, de légèreté et de profondeur, de réalisme et de fantaisie, Guiraudie chronique la fin de la classe ouvrière et l’homosexualité en milieu prolétaire. En 51 minutes, rien n’est asséné, tout est dit et montré. Rien à ajouter, ni à retrancher. Son premier chef-d’œuvre, avant L’inconnu du lac.\n100 ex aequo : Mission impossible : Protocole fantôme (Ghost Protocol, USA, 2011) avec Tom Cruise, Léa Seydoux, Jeremy Renner, Simon Pegg\nAprès s’être frottée au Nouvel Hollywood (De Palma), au thriller asiatique (John Woo), au nouvel âge d’or de la série télé (J.J. Abrams, à l’apogée d’Alias et Lost), la franchise Mission Impossible poursuit son auscultation méthodique de tous les endroits où le cinéma américain transfuse un peu de sang neuf au cinéma d’action. Pour ce quatrième opus, c’est du côté de l’animation et des studios Pixar que Tom Cruise et sa productrice Paula Wagner vont chiner un nouveau wonderboy en la personne de Brad Bird (Les Indestructibles, Ratatouille). Le résultat est un petit prodige d’invention graphique (l’anthologique course à la verticale sur le Burj Khalifa de Dubaï) et de poésie du mouvement.\n99 : Vice Versa, de Pete Docter (Inside Out, USA, 2015)\nExpliquer le fonctionnement des émotions de manière ludique, fantaisiste et inventive, tel est le pari de ce nouveau film des studios Pixar. L’héroïne, la jeune Riley, se trouve justement à ce moment de l’enfance où tout n’est plus seulement amusement. Elle découvre avec un certain malaise que la tristesse et même la dépression feront dorénavant partie du spectre de ses émotions et que ce n’est pas forcément une mauvaise chose. Un blockbuster d’animation américain sur les bienfaits de la tristesse, qui l’eu cru ?\n98 : P’tit Quinquin, de Bruno Dumont (France, 2014) avec Alane Delhaye, Lucy Caron, Bernard Pruvost\nAdministrativement parlant, ceci est une série TV, mais ne chipotons pas : Bruno Dumont est un cinéaste et a clairement envisagé cet objet comme chacun de ses films. A une différence près : l’humour, ici ravageur et s’aventurant jusque dans le burlesque le plus débridé, qui re-dynamise son univers jusqu’ici très noir et solennel. Le cinéaste a toujours sa griffe picturale (mais jamais picturaliste), son regard impavide, politique et métaphysique sur le peuple du Calaisis, mais mâtiné de Laurel et Hardy, de Buster Keaton et de Jean-Pierre Mocky. Le cocktail est aussi puissant qu’imprévisible, ne relevant d’aucun courant répertorié du cinéma français.\n97 : Minority Report, de Steven Spielberg (USA, 2002) avec Tom Cruise, Colin Farrell, Max Von Sydow, Samantha Morton\nSur une suggestion de Tom Cruise, Steven Spielberg adapte une nouvelle de Philip K. Dick et livre une méditation politique très sombre sur la surveillance policière. Dans un monde où les images sont tramées à toutes les strates du quotidiens, où tous les délits sont anticipés et punis avant même d’être commis, Tom Cruise exécute ce qu’il sait faire le mieux au monde : une course sans fin sublimement chorégraphiée, avec pour une unique réponse à l’adversité une nouvelle étourdissante virevolte.\n96 : The Social Network, de David Fincher (USA, 2010) avec Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Rooney Mara\nL’invention de Facebook par l’étudiant Mark Zuckerberg, qui vient de se faire larguer, et crée un site pirate rassemblant des données sur les filles de l’université. Ce site prend très vite de l’ampleur. Mais la création du réseau social le plus connu au monde passe paradoxalement par des amitiés trahies et d’amers échecs sentimentaux. The Social Network emblématise une des grandes forces du cinéma américain : sa capacité inentamée à fabriquer des histoires et du mythe sur l’Histoire récente.\n95 : Looper, de Ryan Johnson (USA, 2012) avec Bruce Willis, Joseph Gordon-Levitt, Emily Blunt, Paul Dano\nOn avait découvert le jeune Ryan Johnson avec un curieux premier film, Brick, qui télescopait les codes du film noir avec ceux du teen movie. Pour son troisième long-métrage, il s’attelle aux complications du récit à paradoxes temporels. Un même personnage se poursuit lui-même dans l’écheveau de plusieurs périodes de sa vie. Le résultat est une série B de SF éblouissante de concision, de virtuosité narrative et de puissance visionnaire.\n94 : La piel que habito, de Pedro Almodovar (Espagne, 2011) avec Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes\nObsédé par la mort de sa femme victime d’inguérissables brûlures, un chirurgien (Antonio Banderas) reclus dans son laboratoire tente de fabriquer et de tester sur un cobaye une peau génétiquement modifiée capable de résister à toute agression tout en étant sensible aux caresses. Caresses et agressions, deux extrêmes qui résument bien ce vingtième long-métrage du réalisateur espagnol tant il est à la fois glaçant et érotique, déjanté et maîtrise. Egalement hommage au chef-d’oeuvre de Franju, Les Yeux sans visages, La Piel que habito est l’un des films les plus pervers et sombres de son auteur.\n93 : 40 ans toujours puceau, de Judd Apatow (The 40 Year-Old Virgin, USA, 2005) avec Steve Carell, Catherine Keener, Paul Rudd, Seth Rogen\nAndy Stitzer, 40 ans, vendeur dans un magasin d’électronique un peu geek, est toujours puceau. Ses amis décident de remédier à la situation par tous les moyens possibles. Le premier long métrage de Judd Apatow synthétise les motifs et les obsessions de son œuvre au comique à la fois régressif et amer, en forme de radiographie des fantasmes et des angoisses intimes de l’Américain moyen des années 2000. S’accrochant à la trajectoire de son attachant looser de héros avec une frontalité aussi jouissive que touchante, le cinéaste livre une comédie décomplexée et irrévérencieuse en forme d’écrin pour le génie comique de Steve Carell, dont c’est le premier grand rôle.\n92 : Les Amours imaginaires, de et avec Xavier Dolan (Canada, 2010) avec Mounia Chokri, Niels Schneider, Anne Dorval, Perette Souplex, Louis Garrel\nDeuxième film du réalisateur québécois, Les Amours imaginaires est l’histoire d’un triangle amoureux qui dérape, d’une utopie amoureuse qui échoue. Contrairement à J’ai tué ma mère, son premier film, qui était par certains cotés percutant et aride, ce film magnifique est un condensé baroque d’émotions et de couleurs. Matrice des grandes formes que seront par la suite Mommy et Laurence Anyways, Les Amours Imaginaires s’empare à bras le corps du thème qui traverse toute la jeune filmographie de Xavier Dolan, le désir et le besoin d’amour.\n91 : Essential Killing, de Jerzy Skolimowski (Pologne, 2010) avec Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner\nUn camion transportant des prisonniers talibans a un accident sur une route de montagne enneigée. Un homme s’en échappe, pieds nus et menottes aux poignets. Chassé par l’armée comme une bête sauvage, il va devoir survivre seul dans un environnement hostile. Malgré le caractère un peu douteux du projet (Vincent Gallo en combattant afghan, un pitch survivaliste éculé, et un réalisateur qui ne s’était pas montré vraiment inspiré depuis Travail au noir en 1982), Essential Killing est une méditation sèche et tranchante sur la violence, que son minimalisme tendant vers l’expérimental porte à un degré de puissance et d’évocation quasi-allégorique.\n90 : Bug, de William Friedkin (USA, 2006) avec Ashley Judd, Michael Shannon, Harry Connick Jr\nLe grand retour d’un fleuron du Nouvel Hollywood porté disparu depuis des lustres. A partir du récit d’un couple prisonnier de sa paranoïa, le signataire de L’Exorciste exorcise ses années loin des sunlights en livrant un thriller souterrainement politique (l’armée américaine y est sérieusement questionnée) qui finit par flirter avec l’art contemporain. Ashley Judd et l’extraordinaire Michael Shannon portent à incandescence ce tour de force plastique et narratif qui fait grimper les tensiomètres et donne du souci à tous les cardiologues.\n89 : Les plages d’Agnès, de et avec Agnès Varda (France, 2008) avec Mathieu Demy, Rosalie Varda, Yolande Moreau\n“Si on ouvrait les gens, on trouverait des paysages. Moi, si on m’ouvrait, on trouverait des plages”. À l’orée de ses 80 ans, la cinéaste Agnès Varda livre un autoportrait filmé en forme de voyage libre et volage à travers ses souvenirs, porté par les objets, les visages, les rencontres et les projets qui ont émaillé ses mille vies. Avec autant d’humilité que de drôlerie, d’inventivité que de poésie, sa voix réconfortante nous mène de son enfance sur les quais de Sète à la petite maison de la rue Daguerre où elle s’initie à la photographie, de ses rencontres politiques et artistiques à son amour pour Jacques Demy, l’homme de sa vie. Un film en forme de bilan d’une vie, certes, mais à la joie lumineuse.\n88 : Choses secrètes, de Jean-Claude Brisseau (France, 2002) avec Sabrina Seyvecou, Coralie Revel, Roger Miremont, Fabrice Deville\nOù Brisseau porte au plus haut degré l’une de ses préoccupations majeures : les origines, la nature et l’amplitude de la jouissance féminine. Épaule par deux jeunes actrices superbes qu’il magnifie, (Coralie Revel et Sabrina Seyvecou), traducteur contemporain d’Hitchcock, Brisseau livre une œuvre striée de fulgurances sur ce qui est (ou fut ?) l’essence du cinéma : des hommes filmant de jolies femmes faisant de jolies choses, dévoilant un peu de ce qui est secret dans la vie sociale, à savoir les fantasmes, la sexualité, l’inconscient.\n87 : Mysterious Skin, de Greg Araki (USA, 2004) avec Joseph Gordon-Levitt, Brady Corbet\nBrian Lackey a 18 ans et cela fait 10 ans qu’il fait des cauchemars, a peur du noir et se réveille le nez en sang, depuis le soir où il s’est retrouvé dans la cave de sa maison sans savoir ce qu’il faisait là. Persuadé d’avoir été enlevé par des extraterrestres, il va découvrir en compagnie de Neil Mc Cormick, un garçon de son âge, séducteur maladif au visage d’ange, que l’origine de son traumatisme est toute autre. Meilleur film de Gregg Araki, Mysterious Skin parvient à s’emparer du sujet du traumatisme sexuel pour en faire une teen movie pop, cotonneux et poétique.\n86 : Time and Tide, de Tsui Hark (Hong-Kong, 2000) avec Nicholas Tse, Wu Bai, Anthony Wong\nContrairement à son collègue John Woo, devenu (provisoirement) roi d’Hollywood (Volte/face, Mission impossible 2), le grand Tsui Hark a vu soldées ses deux tentatives US par des bides cinglants (Double Team, Piège a Honk-Kong, tous deux avec Jean-Claude Van Damme). Il revient alors au bercail et signe un thriller rageur, gavé de gun fights pétaradants, à la fois millimétrés et au bord du chaos.\n85 : The Myth of American Sleepover, de David Robert Mitchell (USA, 2010) avec Claire Sloma, Marlon Morton, Amanda Bauer\nDécouvert en 2010 à Cannes, à la Semaine de la critique, ce premier premier long-métrage retrace la nuit de quelques adolescents de Detroit, à la fin de l’été. Les filles se réunissent dans des soirées pyjamas. Les garçons vaquent dans le plus grand désœuvrement. Le film est une variation erratique et ouaté aux classiques de teen-movie 80′ à la John Hughes. Hyper sensible et bluesy, le film annonçait la naissance d’un excellent cinéaste, qui a depuis confirmé avec It Follows.\n84 : Blissfully Yours, d’Apichatpong Weerasethakul (Thaïlande, 2002) avec Kanokporn Tongaram, Jenjira Jansuda\nLe film (ce n’était pas son premier) qui nous fit découvrir ce jeune cinéaste thaïlandais totalement inconnu. Qui d’emblée imposait son originalité (un générique de “début” au bout de trois quarts d’heure) sans ostentation : une première partie quasi-documentaire sur une maladie de peau, une seconde plus symbolique, féerique, sylvestre, érotique et panthéiste dans la jungle birmane. Avec quelque chose de renoirien, pour nous Occidentaux. Un grand cinéaste naissait, à la fois attentif au corps, aux rêves, aux fantômes, avec une légèreté grave et un humour discret.\n83 : Boyhood, de Richard Linklater (USA, 2014) avec Ellar Coltrane, Ethan Hawke, Patricia Arquette\nChronique d’une famille américaine moyenne sur une quinzaine d’années. Si le sujet semble banal, la façon de l’aborder l’est beaucoup moins, Linklater ayant rapproché durées réelle et diégétique en tournant ce film une semaine par an pendant douze années. On voit donc vraiment vieillir Patricia Arquette et Ethan Hawkes mais surtout le gamin, Ellar Coltrane, magistral de 6 à 18 ans. Une parfaite incarnation de la définition du cinéma par Cocteau, “la mort au travail”. Ou plutôt “la vie au travail”, ce qui est pareil mais moins sombrement formulé.\n82 : Le nouveau monde, de Terrence Malick (The New World, USA, 2014) avec Colin Farrell, Q’Orianka Kilcher, Christopher Plummer, Christian Bale, David Thewlis\nPocahontas raconté par Terrence Malick, cela donne un film inspiré, mystique, panthéiste et politique. Malick tourne la vie des premiers colons américains. Brutaux, maladroits, stupides, armés de leurs seuls a priori. Avec ses mouvements de caméra caressants et virevoltants, il taille comme des encoches dans le temps, dans la matière (notamment des arbres). Et puis il nous laisse cette image inoubliable : un vieil Indien qui se perd dans les méandres d’un jardin anglais et qu’on ne reverra jamais. Où est-il passé ? Il nous obsède encore.\n81 : Histoire de Marie et Julien, de Jacques Rivette (France, 2003) avec Emmanuelle Beart, Jerzy Radziwilowicz, Anne Brochet, Olivier Cruveiller, Nicole Garcia\nC’est une histoire de revenants (Jacques Rivette tenait absolument au terme, refusant celui de “fantômes”). Julien, l’horloger dépressif, revient à la vie grâce à une femme mystérieuse et propriétaire d’une charge érotique très forte (Emmanuelle Béart, plus troublante que dans La Belle noiseuse, où elle apparaissait nue du début à la fin du film). Comme toujours chez Rivette, il est question de secrets insondables dont le désir serait peut-être le plus mystérieux.\n80 : Super 8, de J.J. Abrams (USA, 2011) avec Joel Courtney, Elle Fanning, Kyle Chandler\nÀ l’orée des années 80, Joe, 13 ans, perd sa mère. Fuyant sa relation tendue avec son shérif de père, il tourne avec ses amis des films amateurs en Super 8, et découvre le goût ineffable des premières amours avec sa voisine Alice. Un jour, la bande de cinéastes en herbe est témoin d’un mystérieux accident, prémisse d’événements terrifiants qui vont se déchaîner sur la ville. En se plaçant avec sincérité dans l’héritage de son modèle Spielberg, Abrams livre un film de science-fiction curieusement apaisé, creusant une veine mélancolique où les moments de pure sidération (un spectaculaire accident de train) accompagnent un récit à hauteur d’enfant étonnamment grave. Le film opère ainsi un fabuleux repli de l’imaginaire sur l’intime, comme s’il fallait déployer toutes les puissances du cinéma pour faire le deuil d’un être cher, et retrouver une dernière fois le regard de sa mère dans les yeux d’un extraterrestre perdu.\n79 : A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke (Chine, 2013) avec Jiang Wu, Wang Baoqiang, Zhao Tao\nQuatre personnages, quatre provinces et quatre histoires pour un seul et même objectif, dresser la portrait d’une société chinoise contemporaine en proie aux mutations d’un capitalisme effréné et du lot de violences et de corruption qui l’accompagnent. Dixième long-métrage de Zia Zhang-ke, A Touch of Sin marque également un virage dans l’oeuvre du réalisateur puisque ce dernier quitte la pure contemplation pour lorgner du coté du genre du film de vengeance. Un film rebelle et esthétiquement éblouissant.\n78 : A ma sœur, de Catherine Breillat (France, 2001) avec Roxane Mesquida, Anaïs Reboux, Arsinée Khanjian, Laura Betti\nC’est l’été. Anaïs, douze ans, est boulotte. Sa soeur aînée est bien plus belle et délurée. Mais les premiers rapports sexuels un certain malaise : comment ne pas tomber sous la coupe du désir des autres ? Le récit tourne peu à peu au cauchemar, quand la petite remonte vers Paris sur une autoroute effrayante (scène géniale). Mélange de réalisme et de fantastique, A ma sœur est l’un des plus beaux films de Catherine Breillat.\n77 : Spiderman 2, de Sam Raimi (USA, 2004) avec Tobey McGuire, Kirsten Dunst, James Franco, Alfred Molina, Willem Dafoe, JK Simmons\nÀ l’heure où les blockbusters super-héroïques saturent les écrans de leurs trames clonées et de leurs esthétiques homogénéisées, il est bon de rappeler que des cinéastes talentueux ont su s’emparer du genre pour faire naître des œuvres sincères et inventives. Dans ce deuxième volet de sa trilogie, Sam Raimi, délesté des contraintes de l’origine story et du poids des épisodes conclusifs, orchestre un ballet aérien à la fluidité stupéfiante, déployant une inventivité visuelle et plastique purement jouissive sans jamais renoncer aux enjeux humains et intimes. En entrechoquant un Peter Parker cherchant à concilier ses deux identité, un Harry Osborn dévoré par le chagrin et la soif de vengeance, une Mary Jane Watson à la mélancolie envoûtante et un Docteur Octopus aussi terrifiant que tragique, Sam Raimi, en pleine maîtrise de ses pouvoirs et conscient de ses responsabilités, livre un film impressionnant, bouleversant et entier.\n76 : The Ghostwriter, de Roman Polanski (France/Allemagne/Angleterre, 2010) avec Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall, James Belushi\nUn nègre littéraire à succès est engagé pour terminer les mémoires d’un ancien Premier ministre britannique controversé. Installé dans la demeure du ministre sur une île isolée, il apprend que son prédécesseur a trouvé la mort dans des circonstances mystérieuses, et commence à démêler les fils d’un complot aux ramifications obscures. Sur un canevas de thriller d’espionnage où plane l’ombre de Tony Blair, Polanski déploie une mise en scène claire et épurée irriguée par une tension et un suspens quasi-hitchcockien. Il injecte également dans cet entrelacs de séduction et de manipulation une noirceur grinçante et frôlant parfois l’absurde qui en contamine chaque élément, rejouant à l’échelle de ce bout de terre noyé dans le brouillard de l’hiver ses cartes favorites de l’enfermement (ici à ciel ouvert) et de la folie.\n67 : La Graine et le mulet, d’Abdellatif Kéchiche (France, Tunisie, 2007) avec Habib Boufares, Hafsia Herzi\nSuivant les aventures d’une famille franco-arabe qui tente d’ouvrir un restaurant, Kéchiche brosse un portrait de la France métissée dont l’épaisseur humaine et le feu des acteurs évoquent le cinéma populaire et solaire de Renoir ou Pagnol. Jouant sur la longueur des plans et l’épuisement des scènes, le cinéaste produit des séquences anthologiques où les comédiens se déploient et brillent, tout particulièrement la révélation Hafsia Herzi, bombe de sensualité, de tchatche et de culot.\n66 : Tomboy, de Céline Sciamma (France, 2011) avec Zoé Héran, Malon Lévana, Jeanne Disson\nA la fin de l’été, quelques semaines avant la rentrée des classes, une petite fille profite de l’installation de sa famille dans une nouvelle ville, pour faire croire aux autres enfants du quartier qu’elle est un petit garçon. Construit comme un film à suspense, où l’enfant est contraint sans arrêt à trouver de nouvelles parades pour ne pas être démasquée, Tomboy décrit avec beaucoup d’acuité l’éboulement du monde dans les yeux de ceux qui n’ont vu que ceux qu’ils voulaient voir, n’ont pas vu ce qu’il fallait voir. Cette perturbation des perceptions, Céline Sciamma la filme avec une touche légère, dans une géographie de l’enfance ancestrale entre Mark Twain et La Guerre des boutons (sous-bois, clairières, rivières). La gravité est estompée par l’humour, sans pour autant que soit évité la violence de certaines situations. La finesse et la puissance y sont parfaitement combinées.\n65 : L’Avenir, de Mia Hansen-Løve (France, 2016) avec Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka\nAprès avoir dépeint avec précaution et justesse l’empreinte des premières grandes amours dans Un amour de jeunesse, et sondé le devenir au goût parfois amer de la génération french touch dans Eden , Mia Hansen-Løve poursuit une trajectoire à part dans le jeune cinéma français contemporain, un naturalisme doux emprunt de rêveries mélancoliques. En composant ce personnage de professeure de philosophie passionnée confrontée à une liberté nouvelle aussi terrifiante que grisante, elle offre à Isabelle Huppert un écrin à la mesure de son jeu à la force imprévisible comme à la touchante fragilité. S’esquisse avec délicatesse le portrait d’un être plongé dans la tempête intime d’un monde qui s’effondre, le sien, une petite bougie à la flamme qui vacille mais jamais ne s’éteint.\n64 : La Nuit nous appartient, de James Gray (We Own the Night, Etats-Unis, 2007) avec Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Eva Mendes, Robert Duvall\nLa Nuit nous appartient est à l’image du canapé de velours doré sur lequel se déroule la mémorable scène de sexe entre Eva Mendes et Joaquin Phoenix ; classe, rococo et brillant. Le film rejoue la parabole biblique du bon et du mauvais fils dans le monde de la nuit new-yorkaise des années 80. James Gray y déploie tout son talent à dépoussiérer une certaine idée du cinéma issue de l’âge d’or des studios, du néo-classicisme dans sa version tragique et baroque, à l’esthétique sombre et racée. Le film vaut également en tant que pur thriller, mêlant à la perfection psychologique dramatique et scènes d’actions magistralement mises en scène.\n63 : Tokyo Sonata, de Kiyoshi Kurosawa (Japon, Pays-Bas, 2008) avec Teruyuki Kagawa, Kyôko Koizumi\nUn salary man père de famille perd son emploi. Mais il refuse d’en prendre acte, de prévenir les siens et revêt tous les matins ses habits de cadres pour errer dans la ville et profiter de la soupe populaire. Longtemps perçu comme le grand rénovateur du film de fantômes asiatique (Kairo), Kyoshi Kurosawa s’attelle cette fois aux codes du réalisme social. Mais il réussit un film plus anxiogène encore que ses récits fantastiques, avec la crise économique et le capitalisme financier comme monstres terrorisants.\n62 : Arrête-moi si tu peux, de Steven Spielberg (Catch Me If You Can, Etats-Unis, 2002) avec Leonardo DiCaprio, Tom Hanks, Christopher Walken, Nathalie Baye, Amy Adams\nProfesseur de lycée, pilote d’avion de ligne, médecin chef de service et avocat réputé… Frank Abagnale Jr est tout cela et rien à la fois. En réalité, un jeune homme brisé féru de bandes dessinées empêtré dans le tissus de mensonge de ses identités multiples, escroc protéiforme et insaisissable lancé comme une flèche, le FBI aux bottes, à travers ce film dont l’énergie et l’ivresse du mouvement perpétuel tiennent presque du cartoon en ligne claire. Leonardo DiCaprio, survolté, y offre jusqu’à l’épuisement l’une de ses premières “grandes” performance d’acteur. Et pourtant, derrière ses gesticulations un peu vaines, se cache un être à l’énergie aussi ludique qu’hantée, porté par une course sans fin pour ne pas basculer dans l’abîme. Un enfant qui ne veut pas grandir, et qui continuera à jouer coûte que coûte.\n61 : L’Esquive, d’Abdellatif Kechiche (France, 2004) avec Sara Forestier, Osman Elkharraz\nOù le cinéaste filme la banlieue en confrontant l’argot des cités avec la langue classique de Marivaux. La rencontre fait des étincelles, au cours de séquences qui mijotent à feu doux et montent à un degré d’incandescence incroyable, portées par de formidables actrices et acteurs amateurs ou débutants. Le film où la “Kechiche touch” s’affirme en majesté.\n60 : La Mauvaise Education, de Pedro Almodóvar (La Mala Educacion, Espagne, 2004) avec Gael Garcia Bernal, Fele Martinez\nDans sa façon d’entrelacer différents niveaux de temps (l’Espagne franquiste des sixties, le Madrid de la Movida late seventies), de multiplier les lacis narratifs et les jeux de miroir, La Mauvaise Education n’est probablement pas le film le plus harmonieux de son auteur. Mais son coté un peu bancal se combine idéalement à l’âpreté, l’extrême noirceur de ce conte amer, où l’intégrité artistique est le seul fait des martyrs (en l’occurrence un transsexuel prostitué et junkie) et la réussite artistique celle des vampires (cinéaste en crise et acteur arriviste prêt à voler l’expérience des autres pour assurer leur succès). Une fièvre anxieuse anime le film, qui le rend profondément trouble, et vraiment entêtant.\n59 : A Serious Man, d’Ethan et Joel Coen (Etats-Unis, Royaume-Uni, France, 2009) avec Michael Stuhlbarg, Sari Lennick, Fred Melamed\nLe film le plus autobiographique, singulier et fort des deux frérots. Avec leur humour pince-sans-rire coutumier, ils y montrent l’étrangeté absolue d’être élevé dans la culture juive ancestrale en plein milieu du Minnesota. Ainsi, dans cette relecture très spéciale du Livre de Job se mêlent conte yiddish et comédie de la suburbia, rabbins désopilants et tube du Jefferson Airplane, père de famille dépassé et ados enfermés dans leur bulle. Drôle, anxiogène et profond comme une parabole talmudique.\n58 : Last Days, de Gus Van Sant (Etats-Unis, 2005) avec Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento\nÉlégie sur les derniers jours du Kurt Cobain, Last Days parachève une trilogie qui aura tenté de dresser le portrait d’une jeunesse américaine titubante et mélancolique. Aux portes de la mort dans Elephant, cette jeunesse semble dans Gerry passer de vie à trépas. Last Days est donc un récit de l’au-delà. Gus Van Sant y filme un fantôme habitant le corps décharné et vacillant de Michael Pitt. Longue errance silencieuse à la fois majestueuse et triviale, le film épate dans sa capacité à saisir l’impalpable, à ressusciter avec grâce l’icône d’une génération et à attraper au vol l’état émotionnel et atmosphérique d’un jeune homme qui doucement s’abandonne.\n57 : In Another Country, de Hong Sang-soo (Corée du Sud, 2012) avec Isabelle Huppert, Yu Jun-Sang, Jeong Yu-mi\nVariations sur les aventures d’une étrangère en vacances en Corée du Sud, tour à tour célèbre réalisatrice en visite chez un ami, amante fuyant son mari en compagnie de son concubin et enfin femme abandonnée par son époux, In Another Country marque la première incursion d’Isabelle Huppert dans le cinéma de Hong Sang-soo. Dans ce film au badinage euphorisant, l’oeuvre du réalisateur coréen se déploie au contact d’un corps étranger, grain de sable dans le rouage d’un cinéma programmatique qui l’utilise comme générateur des situations embarrassantes et cocasses que Hong Sang-soo aime tant à filmer.\n56 : Un Conte de Noël – Roubaix !, d’Arnaud Desplechin (France, 2008) avec Catherine Deneuve, Matthieu Amalric, Jean-Paul Roussillon, Anne Consigny\nSeptième long-métrage d’Arnaud Desplechin, Un conte de Noël narre le récit d’une famille au lourd passé qui se réunit pour les fêtes. Les névroses familiales y sont filmées avec une élégante cruauté et une humour pinçant. Porté par une brochette d’acteurs en or plaqué, le film vaut aussi pour son verbe acéré et jouissif, pour le plaisir des mots qui traversent la table du réveillon comme des piques empoisonnées. Véritables explosions des non-dits rampants dans les couloirs patriarcaux depuis des années et centre névralgique du film, la scène de repas est à mettre au panthéon du cinéma français.\n55 : Mia Madre, de Nanni Moretti (Italie, 2015) avec Margherita Buy, John Turturro\nLe dernier film à ce jour de Nanni Moretti décrit l’histoire d’une réalisatrice écartelée entre trois préoccupations : la mort imminente de sa mère, l’éducation de sa fille adolescente et surtout le tournage de son nouveau film, auquel participe un acteur italo-américain complètement hystérique (John Turturro, hilarant). Tourné après la mort de sa mère, Mia madre est de l’aveu même de Nanni Moretti un film autobiographique, où, désormais sexagénaire, il tente d’exorciser ses propres peurs d’orphelin, de père et d’artiste.\n54 : Trouble Every Day, de Claire Denis (France, 2001) avec Vincent Gallo, Béatrice Dalle\nUn couple de vampires qui ne peut jouir qu’en dévorant ses amants ou amantes. Déclinant un genre fécond du cinéma, s’inspirant d’Hitchcock, Tourneur et Bava, Claire Denis plonge le mythe transylvanien dans le Paris contemporain, faisant de ses succubes des young and beautiful ayant les traits sexy de Béatrice Dalle et Vincent Gallo. Le film est aussi gore que magnifique, à la fois effrayant et hyper sensuel avec son filmage érotique à fleur de peau, auscultant de près l’un des fantasmes ultimes de la sexualité qui est la dévoration de son partenaire.\n53 : Boulevard de la mort, de Quentin Tarantino (Death Proof, Etats-Unis, 2007) avec Kurt Russel, Zoë Bell, Rosario Dawson\nUn ancien cascadeur psychopathe traîne dans les bars un peu miteux pour “cueillir” des jeunes femmes et les tuer lors de virées mortelles dans sa Chevrolet Nova. Un soir, il tombe sur la mauvaise cible, une bande de nanas sexy elles aussi cascadeuses dont la gouaille et le débit mitraillette n’ont d’égal que leur habilité physique plus badass que la mort. Boulevard de la mort, c’est le cinéma de Tarantino réduit à son essence brute, celui d’une cinéphilie compulsive et purement jouissive, ignorant les canons et les dogmes dans un pur principe de plaisir. Coupable certes, mais seulement d’être à la fois un enfant émerveillé par les puissances du cinéma, un adolescent fasciné par le sexe et le sang, et un adulte au sommet de son art fétichiste et virtuose.\n52 : Collateral, de Michael Mann (Etat-Unis, 2004) avec Tom Cruise, Jamie Foxx\nMax, modeste chauffeur de taxis de nuit à Los Angeles, aurait pu poursuivre sa routine sans passion mais sans vague, rappeler Annie, jolie procureure qui lui a laissé sa carte après un flirt impromptu, manger un petit plat en observant l’éveil de la ville, et rentrer chez lui se coucher à l’aube. Sauf qu’il a accepté de prendre Vincent dans son véhicule, qui se révèle être un tueur à gages lancé dans cinq courses, liées à cinq contrats à l’issue meurtrière. Michael Mann livre un néo thriller aux airs de film noir hanté par la présence magnétique et étrangement dérangeante d’un Tom Cruise vieilli avant l’heure, une virée nocturne macabre irradiée par des visions quasi fantasmagoriques, entre sécheresse et lyrisme désespéré.\n51 : Sarabande, d’Ingmar Bergman (Saraband, Suède, 2004) avec Liv Ullmann, Erland Jospehson\nLe vieux maître suédois fait revivre une dernière fois Johan (Erland Josephson) et Marianne (Liv Ullman), les deux époux mythiques de Scènes de la vie conjugale. Séparés depuis trente ans, ils se retrouvent chez Johan, devenu vieux et acariâtre. Le dernier film d’Ingmar Bergman (tourné en HD !) est un adieu déchirant à ses personnages et à son cinéma : trois ans avant sa propre disparition, il décrit avec chaleur et âpreté l’imminence de la mort du corps et de l’esprit, à laquelle seul l’art (Bach) survivra.\n50 : Still Life de Jia Zhang-ke (Chine, 2007) avec Ham Sanming, Zhao Tao et Hongwei Wong\nLe film qui a définitivement installé Jia Zhang-ke parmi le peloton de tête des cinéastes internationaux. Situant sa fiction dans la réalité documentaire de la construction du barrage des Trois Gorges, le cinéaste pose son regard sur la mutation économique, sociale et topographique de son pays, tout en inventant une histoire d’amour ténue. D’une grande ampleur, Still Life mixe le réalisme le plus cru avec le fantastique, celui-ci étant à la fois le produit du réel (des villages entiers ont disparu sous les eaux, les rives ont changé…) et des effets spéciaux (à un moment, un vaisseau spatial décolle). Enorme, mais sans esbroufe.\n49. The Brown Bunny de Vincent Gallo (USA, 2004) avec Chloë Sevigny et Vincent Gallo\nUn coureur moto traverse les Etats-Unis en camionnette pour se rendre à une course en Californie. Lors de son périple, il croise des femmes. Jusqu’a rencontrer celle qu’il a aimé et qui a disparu. Leur nuit de sexe (soldée par une fellation fameuse) est peut-être une étreinte avec un fantôme. Le second long-métrage de Vincent Gallo, une déchirante errance rongée par le désert (autour de soi – à la périphérie des villes, de chaque côté des routes ; mais surtout à l’intérieur de soi, ce puit sans fond de solitude).\n48 : Inglorious Basterds de Quentin Tarantino (USA, 2009) avec Mélanie Laurent, Brad Pitt, Christoph Waltz, Diane Kruger, Michael Fassbinder\nEn 1941, Shosanna Dreyfus voit sa famille se faire exécuter par le sinistre colonel SS Hans Landa. Réfugiée à Paris, elle se constitue une nouvelle identité d’exploitante d’un cinéma de quartier tout en ourdissant sa vengeance. Pendant ce temps, un commando de têtes brûlées juifs américains est parachuté en France avec un seul objectif : scalper du nazi. Les trajectoires de ces résistants flamboyants vont se croiser lors de la projection d’un film de propagande, à laquelle assiste le gratin des dirigeants allemands. En ouvrant son septième long métrage par un “Il était une fois… une France occupée par les nazis”, Tarantino envisage son film de guerre uchronique comme un western spaghetti reprenant l’iconographie de la Seconde Guerre mondiale. Ce récit de vengeance où la violence la plus outrée se teinte d’une dimension parodique et jouissive affirme avec panache le pouvoir qu’à le cinéma de réinventer l’histoire, notamment en brûlant au son du Cat People de David Bowie un beau panier d’ordures à l’aide d’un stock de pellicules inflammables.\n47 : Les amours d’Astrée et de Céladon d’Eric Rohmer (France, 2007) avec Stéphanie Crayencour et Andy Gillet\nDans un petit village du temps des Gaules, Astrée aime Céladon et Céladon aime Astrée. Mais à la suite d’une machination menée par un prétendant d’Astrée jaloux de Céladon, la belle demande à Céladon de ne plus jamais apparaître devant ses yeux. Comment, après ce vœux que Céladon désire respecter, leur passion peut-elle survivre ? Jeu de masque et de hasard, le dernier film de Rohmer apporte une conclusion inattendue à son œuvre. Loin du film testamentaire où un réalisateur dresse un bilan de son œuvre et tente de conclure en grandes pompes, Rohmer nous livre ici un film incroyablement frais, solaire, jeune et candide. Nos deux tourtereaux se jettent à corps perdu dans un amour galant et innocent qui vient s’esquinter au contact d’un monde corrompu. A 87 ans, Rohmer s’autorise comme rarement auparavant à filmer un désir charnel qui flirte dans la scène finale avec l’érotisme.\n46 : Bad Lieutenant : Escale à la Nouvelle-Orléans de Werner Herzog (USA, 2009) avec Nicolas Cage, Eva Mendes, Val Kilmer et Xzibit\nTerence McDonagh, inspecteur de police à La Nouvelle Orléans, se blesse gravement au dos en portant secours à un détenu pendant l’ouragan Katrina. Pour tenir debout et oublier la douleur, il se noie dans les médicaments et la drogue. Faux remake du film d’Abel Ferrara sorti en 1993, le Bad Lieutenant d’Herzog fait figure de plongée en eaux troubles dans le sillage d’un Nicolas Cage ambigu à souhait et constamment sur la brèche, entre exubérance jazzy et dangerosité imprévisible. Dans ce tourbillon de violence hallucinée et de visions tourmentées en forme de film noir sombre et poisseux, les séquelles de la ville font échos aux cicatrices intérieures du personnage, sans que jamais l’origine du mal qui les ronge ne soit élucidée.\n45 : Speed Racer des Wachowski (USA, 2008) avec Emile Hirsch, Nicolas Helia, John Goodman et Susan Sarandon\nSpeed Racer, as du volant intrépide et casse-cou élevé au sein d’une famille de concepteurs automobile, découvre que la plupart des courses du pays sont truquées par un groupe d’hommes d’affaire véreux. Pour sauver l’entreprise familiale, il va devoir battre le concurrent Royalton, qui cherche à le saboter à tout prix depuis qu’il a refusé son offre, lors du terrifiant rallye “Crucible” qui a coûté la vie de son frère. Inspiré par un manga et une série animée japonaise culte, le long métrage des Washowski, porté par une distribution internationale, fait figure de fantasme geek aux airs de plaisir coupable : lumière, costumes, décors, tout n’y est que pure jouissance. Mal reçu à sa sortie, il constitue pourtant une ode virtuose à la vitesse aux airs de trip pop et psychédélique tendant presque vers l’abstraction.\n44. Twixt de Francis Ford Coppola (USA, 2011) avec Elle Fanning, Ben Chaplin, Val Kilmer et Bruce Dern\nUn écrivain de romans fantastiques sur le retour (Val Kilmer) se retrouve malgré lui mêlé à l’histoire de meurtre d’une jeune fille. Il va découvrir que ce crime a un lien avec sa vie. Depuis L’homme sans âge, FF Coppola a initié un cinéma étrange, volontiers ésotérique, profondément personnel. A plus de 70 ans, le vieux Coppola veut filmer en liberté, et c’est ce qu’il fait (notamment en reconstituant dans le film l’accident mortel de son fils Giancarlo).\n43 : Miami Vice de Michael Mann (USA, 2006) avec Jamie Foxx, Colin Farrell et Gong Li\nAdaptation d’une série américaine culte des années 80, Miami Vice, boudé à sa sortie par une partie de la presse et échec commercial, est pourtant un néo-polar d’infiltration doublé d’une romance voluptueuse qui témoigne comme Collatéral et Le Solitaire du génie de Michael Mann. Peu de réalisateurs peuvent se targuer comme lui d’être capable de réaliser des films d’une telle ambition formelle à l’intérieur de la machine hollywoodienne. Le film est habité par une fascination plastique pour le mouvement, mouvements des speed-boats filant sur l’océan, des lumières de la ville se reflétant sur le capot des décapotables, du vent agitant la chevelure de Colin Farrell dans l’inoubliable séquence finale et enfin mouvement des balles et des corps qui tentent de les éviter. Miami Vice, c’est aussi le plaisir d’un kitsch assumé propre à cette ville dont le combo moustache de gringo/cheveux longs/chemise ouverte du personnage incarné par Colin Farrell est le symbole.\n42 : Le voyage de Chihiro de Hayao Miyazaki (Sen to Chihiro no kamikakushi, Japon, 2001)\nLa petite Chihiro ne veut pas déménager. En chemin vers sa nouvelle maison, elle se perd dans le monde des esprits, et voit ses parents transformés en cochons sous l’effet d’un maléfice. Prisonnière d’un établissement de bains géré d’une main de fer par la sorcière Yubaba, elle va devoir apprendre à grandir pour retrouver son nom et le monde des vivants. Récit d’apprentissage en forme de voyage initiatique, ce long-métrage d’animation des studios Ghibli, plus gros succès du cinéma japonais, déborde d’inventivité visuelle. Entremêlant le réel et l’illusion, le rêve et le cauchemar, il confronte la beauté du monde et son extrême dureté dans un foisonnement poétique à la beauté inouïe. Ce conte aux mille visages, qui emprunte autant à Alice au pays des merveilles qu’aux traditions du Japon ancestral (Shinto), esquisse une critique du matérialisme contemporain ainsi qu’une ode à l’intégration par le travail collectif et aux valeurs de courage et d’entraide.\n41 : La vie d’Adèle d’Abdellatif Kechiche (France, 2013) avec Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux\nA chaque film, Kechiche semble capable de monter la mise. Après la nitroglycérine de L’Esquive et l’ampleur humaine de La Graine et le mulet, des œuvres au substrat politique évident, le cinéaste plonge dans la matière intime avec une histoire d’amour entre deux jeunes femmes. Kechiche filme avec la même minutie et la même intensité toutes les étapes de la boucle amoureuse : le processus de séduction, le feu des premières étreintes, la conjugalité, l’usure, la rupture, l’absence, puis les retrouvailles. Poussant le travail jusqu’aux zones de conflits, il tire le meilleur de ses comédiennes, Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux, toutes deux sensationnelles et justement récompensées (avec Kechiche) d’une Palme d’or exceptionnellement décernée à des actrices.\n40 : Va et viens, de Joao Cesar Monteiro (Vai e Vem, Portugal, 2003) avec Joao Cesar Monteiro, Manuela de Freitas et Rita Durao\nAu seuil de sa mort, le cinéaste génial et fou filme une dernière fois son avatar, Joao Vuvu, successeur de Jean de Dieu, veuf solitaire, philosophe, égrillard, sorte de croisement entre Sade et Nosferatu, qui cherche une femme de maison et fait passer une sorte de casting à des jeunes filles. Entre journal intime, commentaire philosofico-politique et jeux érotiques, le film testamentaire d’un cinéaste ultra singulier, irrécupérable, inassignable à la moindre ascendance ou descendance cinématographique, qui aura consacré son œuvre à sa double vie rêvée pas si éloignée de sa vraie vie.\n39 : Haewon et les hommes de Hong Sang-soo (Nugu-ui ttal-do anin Haewon, Corée du Sud, 2013) avec Jeong Eun-Chae, Lee Sun-kyun et Yoo Joon-sang\nIl est difficile de définir l’indéfectible plaisir qui accompagne la découverte de chaque nouveau film de Hong Sang-soo. Cette affliction pour le cinéaste tient en partie à un univers propre que l’on prend à chaque fois plaisir à retrouver, univers fait de moments d’ivresse révélateurs, de lieux sans cesse revisités, de situations gênantes camouflant des sentiments indicibles, d’un ton d’une mélancolie et d’une tendresse infinies et de moments plus contemplatifs où les personnages s’abandonnent. Dans Haewon et les hommes, le personnage principal, une jeune étudiante, s’adonne à la rêverie et au badinage amoureux avec son professeur. Subtil enchâssement entre songe et réalité, le film parvient à saisir avec une grâce extrême les battements de cœur d’une jeune femme qui cherche à vivre sa vie.\n38 : Les chansons d’amour de Christophe Honoré (France, 2007) avec Louis Garrel, Clotilde Hesme, Ludivine Sagnier, Grégoire Leprince-Ringuet\nC’est une histoire d’amour qui commence mal, puisque Julie (Ludivine Sagnier), la compagne d’Ismaël (Louis Garrel), meurt soudain alors qu’ils démarraient une vie à trois avec Alice (Clotilde Hesme). Ismaël, effondré, flotte un temps dans un Paris pluvieux, croise la sœur de Julie (Chiara Mastroianni, dans l’un de ses plus beaux rôles). Puis il fait la connaissance d’Erwann (Grégoire Lepirnce-Ringuet), un jeune lycéen homosexuel. Cette comédie musicale de notre époque, magnifiquement ordonnée par Christophe Honoré et son compositeur Alex Beaupain, va fêter ses dix ans et elle n’a rien perdu de sa tristesse et de sa beauté.\n37 : No country for old men de Ethan et Joel Coen (USA, 2007) avec Javier Bardem, Tommy Lee Jones, Josh Brolin et Woody Harrelson\nEntre polar et western, un des films les plus sombres des Coen, celui où ils en rabattent le plus question humour et déconnade, même s’il reste des traces de leur sens du détail incongru comme par exemple la coupe de cheveu de Javier Bardem. Mais le pessimisme de Cormac MacCarthy (auteur du roman dont ce film est l’adaptation) est trop puissant pour être escamoté. Une première séquence extraordinaire de scène de carnage après la bataille, prélude à une longue course-poursuite mettant aux prises un péquenaud (mal)chanceux, des gangsters, un dingue et des flics désabusés. Presque personne ne réchappe de ce jeu de massacre autour, quoi d’autre, d’une valise de cash. Peinture splendide et noirâtre de la violence américaine et de la vénalité de la nature humaine.\n36 : Sils Maria d’Olivier Assayas (France, 2014) avec Juliette Binoche, Kirsten Stewart et Chloé Grace Moretz\nUne actrice célèbre accepte de reprendre le personnage qui vingt ans plus tôt fit sa gloire. Elle s’isole dans la montagne avec son assistante pour préparer le rôle. Entre ce que raconte la pièce et ce que vit l’actrice, de troublantes correspondances se nouent. Un huis-clos bergmanien perché sur les cimes des Alpes suisses. Le film combine un fascinant face-à-face de comédiennes inspirées, un regard satirique aiguë sur les mécanismes les plus retors de la domination sociale et une réflexion magistrale sur le passage du temps – qui sournoisement défait tout et contraint chacun au plus difficile des deuils : le deuil de soi.\n35 : Les amants réguliers de Philippe Garrel (France, 2005) avec Clotilde Hesme et Louis Garrel\nPhilippe Garrel se retourne sur son Mai 68. Un ballet hallucinogène et fumigène traversés de morceaux de réels. Mais 68, c’est ça : le rêve contre la réalité. Et l’amour qui naît sur les barricades dans les rues nocturnes de Paris ensoleillée par les balles traçantes, entre un jeune garçon (Louis Garrel, son fils) et une jeune fille (Clotilde Hesme).\n34 : Ten d’Abbas Kiarostami (Das, Iran, 2002) avec Mania Akbari et Amin Maher\nArrivé au plus haut point d’accomplissement de son système formel avec ses grands films des années 90 (Au travers des oliviers, Le gout de la cerise), le grand Kiarostami fait peau neuve armé d’une petite caméra numérique. Une femme divorcée fait le taxi dans les rues de Téhéran et le film réussit une vue de coupe saisissante de la condition féminine en Iran au grès de ses rencontres avec des passagères. La mise en scène est réduite à seulement deux valeurs de cadre (un plan sur la conductrice, un plan sur la passagère). Comme si en déminant la place démiurgique du metteur en scène pour se mettre entièrement au service de ses actrices, le film achevait de faire un sort à la domination masculine. Un coup de force formel d’une puissance inentamée.\n33 : La vie aquatique de Wes Anderson (Aquatic Life, USA, 2003) avec Bill Murray, Owen Wilson, Cate Blanchett, Willem Dafoe\nSteve Zissou, c’est le commandant Cousteau incarné par Bill Murray : rêveur et dépressif. Zissou veut que sa dernière expédition soit une réussite totale. Mais son épouse débarque (Angelica Huston), une mutinerie gronde, des pirates attaquent le bateau, une jeune journaliste enceinte (Kate Blanchett) et un jeune homme (Owen Wilson) qui est peut-être son propre fils se mêlent à la “team Zissou”… Wes Anderson, à l’aise comme un enfant jouant dans son bain avec son petit sous-marin jaune, nous raconte une histoire d’aventures, de filiation, folle et poétique, bercée par les chansons de David Bowie chantées en brésilien…\n32 : Mad Max : Fury Road de George Miller (USA, 2015) avec Charlize Theron, Tom Hardy et Nicolas Hoult\nOeuvre aux multiples facettes, cette superproduction réussit la prouesse de prendre à bras le corps le monde contemporain ; représentation d’un capitalisme en phase terminale, fanatisme religieux sacrificiel et dictature masculine réduisant la femme à l’état d’outil de reproduction. A la croisée du western et de l’opéra steampunk, le film impressionne par le minimalisme fou de sa structure narrative (une seule course poursuite aller-retour) qui parvient toutefois à nous tenir en haleine pendant deux heures grâce à des effets spéciaux magistraux (dont beaucoup ont été réalisés sans avoir recours au numérique) et des personnages forts. A la fois immédiatement accessible en tant que pur produit de consommation hollywoodien et œuvre complexe ayant un discours sur le monde, Mad Max : Fury Road est le meilleur blockbuster de ces dernières années.\n31 : Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow (USA, 2012) avec Jessica Chastain, Chris Patt, Jason Clarke et Joel Edgerton\nKathryn Bigelow est une cinéaste qui a des couilles. Elle est non seulement la seule femme de la top A-list hollywoodienne mais elle voue une prédilection aux héros virils, aux uniformes et à l’action musclée. Pour ce film qui fictionne la traque et la capture de Ben Laden, elle a choisi pour héroïne une femme, agent au coeur du dispositif de recherche de l’ennemi public n°1, ayant un caractère bien trempé mais les traits bien féminins de Jessica Chastain. La séquence d’assaut du repaire de Ben Laden est une splendeur de rythme, de mise en place et de travail sur les limites du visible, mais le film, malgré tout son déploiement de la puissance militaire américaine se conclue sur un baby blues qui semble renverser ce qu’on a vu précédemment et mettre en doute les certitudes militaires impérialistes.\n30 : Adieu au langage de Jean-Luc Godard (France, 2014) avec Heloïse Godet, Kamell Abdelli et Zoé Bruneau\nEn 2014, Adieu au langage est sélection en compétition officielle. Godard, à 83 ans, tourne un film en 3D. A la Godard. En décalant les images en 3D pour les mélanger, les décaler, estomper puis reproduire l’effet de relief. Personnage récurrent du film : un chien, comme si Godard se mettait en scène en vieux cabot. Faut-il rire ou pleurer ? Est-ce son dernier film ? Une oeuvre constamment inspirée, amère et drôle.\n29 : Supergrave de Greg Mottoaa (Superbad, USA, 2007) avec Seth Rogen, Jonah Hill et Michael Cera\nL’intrigue est pour le moins ténue : trois garçons essaient d’acheter de l’alcool pour se rendre à la fête de la fille la plus cool du lycée. Mais pas facile d’obtenir de l’alcool au drugstore quand on est mineur. Leur périple s’étend sur toute une nuit, compliqué par l’intervention de pas mal de relous, donc une paire de flics particulièrement perchés. Judd Apatow, au sommet de sa créativité, produit. Greg Mottola réalise (on lui doit aussi le beau Adventureland, avec Kristen Stewart et Jesse Eisenberg). Le film est d’une drôlerie inouïe, et puis soudainement bouleversant, comme une bromance entre ados condamnée par la fin de l’adolescence. Le plus beau teen-movie du XXIe siecle.\n28 : Only lovers left alive de Jim Jarmusch (USA, 2014) avec Tilda Swinton, John Hurt, Tom Hiddleston, Mia Wasikoswka\nOnzième film de Jim Jarmush, Only lovers left alive réinvente le genre du film de vampire. Il agit comme un miroir déformant. En nous narrant le récit d’un quatuor de vampires vivant en dehors du temps, le réalisateur parvient à dresser le portrait de la société contemporaine des hommes (appelés zombies dans le film). Dans un monde précipité dans un climat pré-apocalyptique par un capitalisme sauvage et dégénéré, deux êtres de sang froid s’aiment et se retrouvent. Que faire après des siècles d’existence ? Ces dandy aux dents longues mènent une vie à l’opposée de la nôtre ; solitaire, consacrée à la pensée, à la connaissance, à l’amour et à la création, une vie qui prend son temps. Doté d’une bande-son à tomber, le film vaut également pour son interprétation impeccable, son esthétique sombre et le raffinement de son univers.\n27 : Comment savoir de James L Brooks (How Do You Know, USA, 2011) avec Reese Witherspoon, Paul Rudd, Owen Wilson et Jack Nicholson\nUn homme d’affaire rêveur et un joueur de baseball narcissique rivalisent pour gagner le coeur d’une jeune sportive à la carrière en déclin. Entre l’intello sensible et le bourrin rassurant, comment savoir ce qui est le plus juste pour soi ? C’est tout le cheminement que doit accomplir la radieuse Reese Witherspoon, dans une comédie éblouissante de finesse et de raffinement psychologiques. Vétéran de la comédie US, auteur de seulement six films en plus de trente ans, l’orfèvre James L Brooks allie une drôlerie à feu doux à des larmoiements de mélodrame. Une petite merveille.\n26 : Melancholia de Lars Von Trier (Danemark, 2011) avec Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Alexander Skarsgard, John Hurt et Charlotte Rampling\nAlors que Justine donne pour son mariage avec Michael une somptueuse réception dans la maison de sa sœur Claire, une mystérieuse planète se rapproche peu à peu de la terre, provoquant une terreur et une ivresse de fin du monde. En se plaçant ouvertement sous le patronage esthétique de Tarkovski, Wagner et des romantiques allemands, Lars von Trier n’esquive pas la démesure. Mais son lyrisme parfois pompier devient bouleversant quand il confronte la figure de la dépressive mélancolique au nihilisme de la fin des temps, qu’il transcende par des visions poétiques incandescentes, et apaise en attendant l’apocalypse à l’abri d’une frêle cabane d’enfant.\nQuand le prolifique et inégal cinéaste new yorkais se rend à Londres pour la première fois, il y signe son film le plus ambitieux, dense et maîtrisé. En narrant l’ascension sociale et les tourments intimes d’un transfuge de classe, Match Point rejoue un canevas classique empreint de tragique, entre appartements de luxe et taxis londoniens. C’est une histoire d’attirances et de jalousies, de glamour et mensonges, comme une version plus racée de son bergmanien Crimes et délits. Le choix d’acteurs aux gueules d’anges (Jonathan Rhys-Meyers et Scarlett Johansson) et une image au glacis de luxe et de contrôle tissent un voile de bienséance qu’on ne peut s’empêcher de trouer, de déchirer par des passions exacerbées et des pulsions déchaînées. On arrache sauvagement les vêtements de son amante et on troue sa voisine d’une balle de fusil, on filme un baiser comme un coup de feu et une scène de sexe comme un étranglement, avec une ambiguïté aussi glaçante que joueuse, où la chance tire les ficelles.\nDavid Fincher a-t-il vu Memories of Murder ? Zodiac a en tout cas beaucoup de points communs avec le film de Bong Joon-ho : un serial-killer, une enquête aussi complexe qu’un labyrinthe, des pistes qui se perdent à travers les décennies… Et puis, dans l’un comme dans l’autre, alors que tout espoir de résolution était évanoui, l’assassin est peut-être là, tout proche, et cela parait subitement dérisoire. D’une virtuosité narrative bluffante, porté par une mise en scène tendue, et d’une sobriété nouvelle (après les fastes formalistes un peu clinquants de Se7en ou Fight Club), Zodiac est le film le plus abouti de son auteur.\n20 : L’Apollonide : Souvenirs de la maison close, de Bertrand Bonello (France, 2011) avec Céline Sallette, Adèle Haenel, Hafsia Herzi\nTrip visuel sublime, le quinzième long-métrage du réalisateur taïwanais déploie des séquences hypnotiques et contemplatives auxquelles nous sommes arrachés par des plans à l’esthétique plus brute. Il décrit un monde éclaté où la jeunesse est prise entre deux pôles ; d’un côté les plaisirs évanescents de la nuit (sexe, drogue et musique) et de l’autre les contraintes matérielles du jour (chômage, difficultés à communiquer et à trouver sa place). Corps-support de cette tentative de saisir la jeunesse contemporaine, Shu Qi qui campe une jeune femme prise entre deux hommes est d’un charme bouleversant. Il faut la voir dans ce plan d’ouverture iconique, marchant au ralenti sous les néons d’une nuit sans fin.\nTriptyque, Film Socialisme marque le retour en grande forme de Godard dont le cinéma ronronnait un peu depuis quelques films. Croisière en Méditerranée sur un paquebot géant vulgaire (métaphore de l’Occident), reportage de France 3 sur une famille, puis condamnation de la politique européenne à l’encontre de la Grèce, Godard varie les styles et les motifs avec maestria et ironie pour peindre un tableau incisif du monde contemporain. On n’oubliera pas son légendaire mot d’excuse, adressé au festival de Cannes pour justifier son absence : “Suite à des problèmes de type grec, je ne pourrai être votre obligé à Cannes”…\nRéalisateur de clips et de publicités avant de passer à la réalisation de film, Jonathan Glazer a réalisé l’une des films les plus saisissants de ce début de siècle. Œuvre de science-fiction à tendance expérimentale et minimaliste, Under the Skin raconte la trajectoire d’une alien venue sur terre pour séduire des hommes et les réduire à l’état de simple épiderme en les plongeant dans un étrange liquide. Expérience sensorielle et rencontre inattendue entre le coté chirurgical et toxique de 2001, l’odyssée de l’espace et l’inquiétante étrangeté atmosphérique de Stalker, le film contient quelqu’unes des images les plus sidérantes vues ces dernières années au cinéma ; une peau humaine dérivant tel un sac plastique dans le courant ou Scarlett Johansson, travestie en brune, star descendue du ciel parcourant les rues et faisant monter de (véritables !) passants à bord de son camion pour leur proposer de coucher avec elle.\n12 : Spring Breakers, d’Harmony Korine (Etats-Unis, 2012) avec James Franco, Vanessa Hundgens, Selena Gomes, Hashley Benson, Rachel Korine\nQuand Harmony Korine, réalisateur de cinéma underground tendance surréaliste (Gummo), décide de faire un film sur le mythe hédoniste de la jeunesse américaine, les “spring breaks”, ces vacances durant lesquelles filles et garçons se donnent rendez-vous dans une ville pour faire la fête en maillot de bain, se droguer, draguer, boire et dépenser de l’argent, on s’attend à un objet expérimental et ouvertement critique. Mais le pari du film est tout autre. Harmony Korine s’empare non seulement d’un sujet “beauf”, mais également d’un traitement “beauf” et du casting qui va avec (Skrillex à la bande-son, deux teen stars Disney : Selena Gomez, championne d’Instagram, et Vanesse Hudgens) pour les faire subtilement imploser de l’intérieur. Spring Breakers est un cheval de Troie, le grand détournement du rêve de la jeunesse américaine poussé jusqu’à l’absurde. En allant jusqu’au bout de la bêtise, du fantasme consumériste, d’une esthétique publicitaire, le réalisateur parvient, non sans une certaine poésie satirique, à saisir la pornographie d’une époque.\n11 : L’Inconnu du lac, d’Alain Guiraudie (France, 2013) avec Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick D’assumçao\nLeonard (Joaquin Phoenix) est un brave gars de la communauté juive de Brooklyn, un petit peu trop fragile. Sa mère (terrifiante et géniale Isabella Rossellini) veut le marier avec la fille de l’associé de son père – une belle brune intelligente (Vinessa Shaw). Tout roule. Mais Leo fait la connaissance de la blonde et sensible Michelle (Gwyneth Paltrow), et tombe fou amoureux d’elle. Inspiré de Nuits blanches de Dostoïevski, Two Lovers est un film de passion très classique dans sa forme, mais si tenu, maîtrisé dans sa mise en scène au bord du fantastique qu’il en atteint au génie.\n9 : Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul (Thaïlande, 2010) avec Thanapat Saisaymar, Jenjira Pongpas\n8 : A.I. Intelligence Artificielle, de Steven Spielberg (Etats-Unis, 2001) avec Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O’Connor\nSeptième long-métrage du réalisateur hongkongais, In the Mood for Love parvient comme aucun autre film à saisir les fragments d’un état amoureux. Ballet virtuose et lancinant des corps qui se frôlent, se regardent, s’effleurent, s’espèrent, se regrettent, souffrent et aiment, le film marque une forme de maturité classique dans la filmographie de Wong Kar-wai. Solistes de cette danse mélancolique, Maggie Cheung et Tony Leung semblent à chaque seconde sur le point de ployer sous le poids des affects qui les traversent. Au bord d’un monde, ils vacillent, se soutiennent et finissent par tomber ensemble, car l’amour est un saut hors de soi.\n6 : Tropical Malady, d’Apichatpong Weerasethakul (Thaïlande, 2004) avec Banlop Lomnoi, Sakda Kaewbuadee\n4 : Rois et reine, d’Arnaud Desplechin (France, 2004) avec Emmanuelle Devos, Mathieu Amalric, Catherine Deneuve\nConstruit comme un diptyque, le film suit deux personnages. Nora (Emmanuelle Devos) doit se marier avec un homme riche et lointain mais, en attendant, elle tient compagnie à son père malade et se bat avec l’administration pour que son fils ait un père. Ismaël (Mathieu Amalric), musicien dépressif et endetté jusqu’au cou, est lui interné de force dans un hôpital psychiatrique. A la fois drôle, inventif, complexe, tragique, touchant et profond, le film brille par sa mise en scène virtuose et sa justesse. Outre une direction d’acteur impeccable, on retrouve les thèmes chers au réalisateur ; le plaisir du romanesque sur fond de psychanalyse et de questionnements sur le couple, le deuil, la filiation et les rapports hommes-femmes. Desplechin est au sommet de son art.\nPlus de treize ans après l’échec public de Pola X (1999), Leos Carax force la porte du 21eme siècle avec un film aussi inouï et fulgurant qu’un éclair striant la nuit de nos songes cinéphiles. Le film est un jour de Toussaint, où le cinéaste rend visite à ses morts, un jeu de l’oie parmi des tombes. On y croise King-Kong et Jean Seberg, Etienne-Jules Marey et Samuel Beckett, Henri James et Georges Franju (à qui sont dédié le film). Mais surtout le Holy Mort, mort sacré parmi tous les autres : le cinéma himself, en train d’agoniser, du moins sous une de ses formes – l’enregistrement. L’animation numérique le cerne (sidérante séquence de combat en performance capture) et la possibilité d’un cinéma sans caméra se fait jour. “Les caméras me manquent. Avant elles étaient plus hautes que nous, maintenant elles sont plus petites…” entend-on au détour d’une scène. Et pourtant, divine surprise, cette promenade parmi des ruines n’est en rien crépusculaire. La mélancolie est sans cesse pulvérisée par une force de proposition stupéfiante, un cocasserie absurde, une drôlerie poétique. A chaque image qui disparaît, Carax substitue une image neuve, tonique. “On voudrait revivre” chante Gerard Manset dans une scène poignante. Opération réussie.\nLe grand film du XXIème siècle est survenu très tôt, dès 2001. On se souvient encore de notre état de sidération totale au sortir de la première projo. On était en mode “waow ! a-t-on bien vu ce qu’on vient de voir ?”, avec l’envie d’y retourner séance tenante – c’est le mot. Ou plutôt, séance tenaillante. Tout est fabuleusement séduisant, flippant, surprenant dans ce film : son récit en torsade réversible, sa peinture magique et anxiogène, fantasmatique et réaliste de Los Angeles et de son usine à rêves, sa photo satinée, sa musique sublime et inquiétante, ses actrices dont chaque geste, chaque inflexion de voix est érotique, ses bizarreries et inventions totalement inattendues (le bal 50’s du prologue, le monstre derrière le coffee-shop, le nain qui dirige souterrainement le studio, la boite bleue, le cowboy, le Silencio, l’inquiétant couple de vieux…), son bazar de fétiches de l’Americana… A chaque minute, Mulholland drive est une vision, une illumination dont la puissance érogène et anxiogène (c’est la même chose) est totale. Ce film semble directement prélevé dans un rêve ou un cauchemar de l’auteur, ce qui se rapproche d’une définition idéale de ce qu’est le cinéma.\nLes 100 meilleurs films du XXIe siècle - Les Inrockuptibles (103)\nTop 100 de la décennie 2000 - Les Inrockuptibles (53)\nTop 250 du 21ème siècle - TSPDT (41)\nTop 100 de la décennie 2010 - Les Inrockuptibles (38)\nBBC - Les 100 meilleurs films du XXIe siècle (27)\nTop 100 de la décennie 2000 - Film Comment (26)\nTIFF Cinematheque's Best of the Decade (15)\nThe Mubi best of the decade (14)\nTop 25 de la décennie 2000 - Positif (11)\nFilm de l'année des Cahiers du Cinéma (10)\nTop 10 de la décennie 2000 - Cahiers du Cinéma (9)\nFilms sortis en 2010 (8)\nFilms sortis en 2011 (8)\nTop 100 des plus beaux films français - Les Inrockuptibles (8)\nAmbiance nocturne (7)\nFilm de l'année au Cercle (7)\nTop 20 de la décennie 2000 - Reverse Shot (7)\nMontage alternatif (6)\nPrix Louis-Delluc (6)\nTop 10 2004 - Cahiers du cinéma (6)\nTop 10 de la décennie 2000 - Critikat (6)\nTop 10 de la décennie 2010 - Cahiers du Cinéma (6)\n1000 Noir Films - TSPDT (5)\nFilms sortis en 2008 (5)\nMeilleur Film - New York Film Critics Circle (5)\nPrix du Syndicat Français de la Critique de Cinéma - Meilleur Film Etranger (5)\nPrix du Syndicat Français de la Critique de Cinéma - Meilleur Film Français (5)\nSélection officielle Cannes 2007 : en compétition (5)\nTime Out : Les 100 meilleurs films français (5)\nTop 10 - 1997-2007 - Chronic'art (5)\nTop 10 2007 - Cahiers du cinéma (5)\nTop 10 2010 - Cahiers du cinéma (5)\nTop 10 2012 - Cahiers du cinéma (5)\nTop 10 2013 - Cahiers du cinéma (5)\nTop 10 2015 - Cahiers du cinéma (5)\nTop 10 de la décennie 2010 - La Septième Obsession (5)\nAvant-garde thaïlandaise (4)\nCérémonie des Cinélounge Awards 2013 (4)\nCésar du meilleur film étranger (4)\nFilm en 3D/relief (4)\nFilm sans musique extradiégétique (4)\nGrand Prix FIPRESCI (4)\nSaturn Award du meilleur scénario (4)\nTiré de faits réels (4)\nTop 10 2002 - Cahiers du cinéma (4)\nTop 10 2011 - Cahiers du cinéma (4)\nTop 10 Chronic'art 2012 (4)\nTop 10 Reverse Shot 2005 (4)\nTop 10 Reverse Shot 2007 (4)\nTop 100 - Télérama (4)\nTop 201-250 - Sight & Sound (4)\nTop 30 de la décennie 2000 - Sight & Sound (4)\nAsian Film Award du meilleur film (3)\nCérémonie des CinéLounge Awards 2012 (3)\nCérémonie des Cinélounge Awards 2016 (3)\nCésar 2015 (3)\nCésar du meilleur film (3)\nDeath Trilogy by Gus Van Sant (3)\nFantômes / Maisons hantées (3)\nFestival Télérama 2008 (3)\nFestival Télérama 2011 (3)\nFestival Télérama 2012 (3)\nFestival Télérama 2013 (3)\nFestival Télérama 2014 (3)\nFestival Télérama 2015 (3)\nLAFCA de la meilleure photographie (3)\nNéo-noir - TSPDT (3)\nNew French Extremism (3)\nPrix des Auditeurs du Masque et la Plume - meilleur film étranger (3)\nPrix des Auditeurs du Masque et la Plume - Meilleur film français (3)\nSélection officielle Cannes 2011 : en compétition (3)\nSélection officielle Cannes 2013 : en compétition (3)\nSélection officielle Cannes 2014 : en compétition (3)\nTime Out : Les 100 meilleurs thrillers (3)\nTop 10 2001 - Cahiers du cinéma (3)\nTop 10 2005 - Cahiers du cinéma (3)\nTop 10 2007 - Positif (3)\nTop 10 2008 - Positif (3)\nTop 10 2010 - Positif (3)\nTop 10 2014 - Cahiers du cinéma (3)\nTop 10 Reverse Shot 2009 (3)\nTop 10 Reverse Shot 2011 (3)\nTop 401-500 - They Shoot Pictures, Don't They? 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Affaire des assistants parlementaires du FN: nouvelle perquisition au siège du parti - Challenges\nPar Challenges.fr le 20.02.2017 à 17h54\nUne nouvelle perquisition a eu lieu lundi au siège du Front national à Nanterre (Hauts-de-Seine) dans le cadre de l'enquête sur les assistants parlementaires au Parlement européen de Marine Le Pen, a annoncé la direction du parti.\nL'enquête sur les assistants parlementaires au Parlement européen de Marine Le Pen se poursuit.\nUne nouvelle perquisition a eu lieu lundi au siège du Front national à Nanterre (Hauts-de-Seine) dans le cadre de l'enquête sur les assistants parlementaires au Parlement européen de Marine Le Pen, a annoncé la direction du parti.\n"Pour la seconde fois a lieu une perquisition des mêmes bureaux, s'agissant des mêmes faits présumés, ce qui confirme que la première perquisition a été infructueuse", écrit le FN dans un communiqué. La perquisition ne visait pas le siège de campagne de la candidate, situé dans le centre de Paris, mais celui du parti, implanté dans les Hauts-de-Seine.\nPour le FN, "il s'agit à l'évidence d'une opération médiatique dont le seul but est de tenter de perturber le bon déroulement de la campagne électorale présidentielle et de tenter de nuire à Marine Le Pen au moment même où sa candidature effectue une importante percée dans les intentions de vote, notamment pour le second tour".\nLa justice française a ouvert le 15 décembre dernier une information judiciaire pour abus de confiance, escroqueries en bande organisée, faux et usage de faux, et travail dissimulé dans l'enquête sur ces soupçons de fraude relative à l'emploi par le FN d'assistants parlementaires.\nCette enquête fait suite à un rapport de l'Office européen de lutte contre la fraude (Olaf), qui a conduit le Parlement européen a réclamer à la présidente du FN le remboursement de près de 300.000 euros.\nUne "opération politique" selon le Pen\nMarine Le Pen, dont la popularité n'a pas été atteinte jusqu'à présent par cette affaire, récuse tout parallèle avec son adversaire de droite François Fillon, visé par des soupçons d'emplois fictifs ayant bénéficié à son épouse et à ses enfants.\nMais la publication jeudi d'extraits du rapport de l'Olaf par Mediapart et Marianne l'a placée sur la défensive, l'amenant à démentir avoir reconnu des emplois fictifs comme l'ont avancé plusieurs médias. "Il n'y a absolument rien de fictif, ni d'emplois fictifs, ni rien de tout cela, dans ce dossier", a-t-elle déclaré vendredi dernier sur France Bleu.\nSelon Marine Le Pen, les soupçons de l'Olaf ont été nourris par une simple régularisation comptable dont elle dit avoir fourni "toutes les preuves", sans pour autant être entendue par l'organisme européen.\nLa présidente du FN dénonce depuis le début de la procédure une "opération politique" montée notamment par l'ancien président du Parlement européen Martin Schulz et par l'Olaf, contre lequel elle a porté plainte à Bruxelles.\nElle dit assumer le fait d'avoir salarié son garde du corps Thierry Légier et sa chef de cabinet Catherine Griset, affirmant qu'ils l'assistaient à la fois au Front national et au Parlement européen.


VANINA F-X MIORITZA ,Née 2012, taille 26KG(ORASTIE/FOURRIERE)-UNE TYPIQUE ROUMAINE-Résa refuge Galia\nrouma le Jeu 29 Mar 2018 - 21:18\nVANINA F-X MIORITZA ,Née ??, taille 26KG (ORASTIE/FOURRIERE)-URGENCE EUTHA - UNE CHIENNE TYPIQUE DE ROUMANIE\nPREPARATION SANITAIRE ( 35e ) par DILOU\nADOPTION VIRTUELLE ( 35e ) avril par SOCRATES\ntaille : estimée 26KG\nDDN : estimée 2012\nVANINA est une jolie croisée berger de Mioritza . C'est une race typique de Roumanie .\nElle est en fourrière depuis février 2018 .\nDernière édition par rouma le Mer 18 Avr 2018 - 21:01, édité 8 fois\nRe: VANINA F-X MIORITZA ,Née 2012, taille 26KG(ORASTIE/FOURRIERE)-UNE TYPIQUE ROUMAINE-Résa refuge Galia\nFLORANNIE le Jeu 29 Mar 2018 - 21:24\nrouma le Jeu 29 Mar 2018 - 21:37\nVANINA sera adoptée par une amie de la bénévole qui avait accueilli dans sa "ferme aux dindes " AMELIE , SHAGGY , ....\nBelle vie à toi VANINA !\nSocrates le Jeu 29 Mar 2018 - 21:56\nAaaaahhhhh, le voilà le joli poilu blanc dont on ignorait tout !!!! belle vie à toi !\nnoonook le Ven 30 Mar 2018 - 8:41\nElle aurait besoin d'un bon toilettage, non ?\nJe lui souhaite une belle vie ...\nuriel le Ven 30 Mar 2018 - 17:45\nAh ba te voilà petite poilue blanche !!!!!!\npamrus le Ven 30 Mar 2018 - 19:57\nLe lien vers cette page FB pour VANINA est le suivant :\nSocrates le Ven 30 Mar 2018 - 21:03\nJe croyais qu'elle était adoptée ???\nrouma le Ven 30 Mar 2018 - 21:37\nOui rebondissement !\nElle a 6 ans environ ....trouvée trop âgée par ses futurs adoptants ....ils sont repartis sans elle ...et donc elle est à la fourrière ....\nDernière édition par rouma le Ven 30 Mar 2018 - 21:40, édité 1 fois\nSocrates le Ven 30 Mar 2018 - 21:40\nJe prends son AV en charge !\nrouma le Ven 30 Mar 2018 - 21:42\nSocrates le Ven 30 Mar 2018 - 21:58\nIl faut que Mouninox vienne faire un tour sur ce post !\nrouma le Ven 30 Mar 2018 - 22:02\nOui !! on va lui laisser déjà savourer l'arrivée des loulous et après , je pense qu'elle va vite voir VANINA\nDomi38 le Ven 30 Mar 2018 - 22:21\nMerci Socrates pour VANINA\nAvec Urielle et Melena\nEt avec Lovely\ndaysie433 le Dim 1 Avr 2018 - 12:52\ncomme elle est jolie, pourquoi personne pour elle ?\nSocrates le Lun 2 Avr 2018 - 15:12\nPaypal fait à l'instant pour son AV.\nEnna le Lun 2 Avr 2018 - 17:41\nVANINA est toujours notée comme adoptée, elle a retrouvé des adoptants ?\nSocrates le Dim 8 Avr 2018 - 16:42\nUp pour Vanina, qui recherche toujours SA famille !\nuriel le Dim 8 Avr 2018 - 21:48\nAaah mais te voilà jolie poilue que je cherchais\nDomi38 le Lun 9 Avr 2018 - 10:54\nAvec un nouveau loulou noir\nAvec un nouveau loulou noir et blanc\nEt avec un nouveau loulou marron et noir\nDilou le Mar 10 Avr 2018 - 11:20\nj envoie les 35 euros pour sa préparation sanitaire ; j espère que ça lui portera chance !\nelle est si timide que ça , on ne la voit jamais sorti de la niche sur les photos\njujulilas le Mar 10 Avr 2018 - 19:41\nElle est magnifique cette grosse nounourse blanche. En grand manque d'affection !\nVite, une famille pour la poupouiller des heures entières et lui donner tout ce qu'elle a manqué jusque là !\nrouma le Mar 10 Avr 2018 - 20:41\nMerci DILOU pour sa préparation .\nOui souvent en fourrière , ils restent un long moment tétanisés de peur .\nEt bien souvent oh surprise ils se révèlent une fois sortis de cet enfer .\nPour l'instant , on ne peut dire si , elle est craintive ou pas , elle se fait discrète ...\nDernière édition par rouma le Mar 10 Avr 2018 - 21:58, édité 1 fois\nEnna le Mar 10 Avr 2018 - 21:32\nQuatre, ils sont quatre dans un si minuscule boxe, mais quelle honte !!!! Ceci dit ce n'est pas mieux dans les fourrières en France\nrouma le Mar 10 Avr 2018 - 21:36\nIls sont ce nombre là dans certains box car pour l'instant ils ont eu la " clémence " de ne pas euthanasier les 16 derniers arrivés ...donc soyons en "heureux " ..même si aucun des mots en guillemet ne convient pour ce genre de situation


Mulhouse – Hôpital en situation d’urgence – L’A330 Phoenix prendra en charge des malades vendredi 28 mars – Évolution dramatique de l’épidémie – LiberTerra\nLe lendemain de l’intervention d’Emmanuel macron , le 25 mars, qui annonçait que plus de 700 malades se trouvaient en réanimation dans le Grand Est , évoquant la douleur des familles endeuillées et les trois soigants ayant perdu la vie dans cette région, les mesures prises pour sauver des vies, être transparent pour trouver les solutions à propos des masques, des respirateurs, l’épidémie, elle, poursuit sa dramatique évolution et l’hôpital de Mulhouse continue à se trouver saturé.\nAujourd’hui, il est à Mulhouse, un hôpital toujours en souffrance malgré les récentes évacuations de malades vers d’autres régions et en Allemagne, malgré l’hôpital militaire installé et accueillant des patients .\nDes soignants saisis par le coronavirus\nCe sont 130 personnels hospitaliers qui sont actuellement malades dont 20 soignants hospitalisés et 2 se trouvant en réanimation, annonçait la directrice de l’hôpital de Mulhouse à Europe 1 .\nLa situation ne cesse de s’aggraver et de nouveaux malades arrivent chaque jour à l’hôpital. Et, ce fut 60 nouvelles hospitalisations ce mercredi 26 mars. Ce sont 400 malades hospitalisés, dont 54 cas en réanimation.\nLes soignants déclarent au micro d’Europe 1 « On est fatigué, mais on tient » . Au cœur de l’épidémie, les soignants vivent l’évolution dramatique de l’épidémie et un soignant déclare « On doit avoir en tête que des hôpitaux qui nous soulagent aujourd’hui n’auront peut-être plus les moyens de le faire dans peu de temps. »\nNouvelle opération d’évacuation\nAprès le départ de malades en TGV vers Agen, l’évacuation de malades par une dizaine d’ hélicoptères, par avions militaires, puis ceux pris en charge par l’hôpital militaire, il sera de nouveau des malades déplacés vendredi 28 mars par l’A330 Phoénix en direction de Bordeaux en Aquitaine.\nLa situation en France le 26 mars\nLe gouvernement a reconnu que les chiffres étaient bien en deça de la réalité et qu’il était des malades décédés du coronavirus à leur domicile et des personnes âgées décédées dans des Ehpad sans qu’aujourd’hui leur nombre ne soit déterminé.\nIl est le très choquant de savoir ces personnes décédant dans les souffrances que provoquent ce virus, et sans avoir pu être transportées vers un hôpital pour des raisons qui seront à comprendre.\nEn France – Covid 19 – Les chiffres annoncés\nil est près de 1 700 morts dont une mineure de 16 ans qui résidait en région parisienne. Elle est la première jeune mineure décédant du coronavirus. Ce virus qui s’attaquait aux personnes âgées, impacte dorénavant des personnes jeunes et des personnes en bonne santé.\n365 décès ce jour 26 mars\nPlus de 3 000 patients sont en réanimation et plus de 13 000 personnes sont hospitalisées.\nSelon l’Onu, le coronavirus a déjà touché près d’un demi-million de personnes en sachant que ce chiffre ne prend en compte tous les cas qui n’ont pas été encore confirmés .\nDe plus, l’Onu déclare que « le coronavirus menace l’humanité tout entière ». et le secrétaire générale de l’Onu annonce que face au coronavirus, « l’ensemble de l’humanité doit riposter. Une action et une solidarité mondiales sont cruciales. » L’ancien Premier ministre portugais affirme que la solidarité est primordiale et dit « les réponses individuelles des pays ne vont pas être suffisantes ». À défaut de solidarité, il évoquait que sera des « millions » de mort.\nDans les colonnes de LiberTerra, cette nécessaire solidarité est martelée et non le terme de guerre. La guerre , c’est l’humanité qui s’affronte par ces armes du bouleversement dont fait partie le coronavirus. Seule notre fraternité retrouvée sera la solution . Par laquelle , ce nous Tous ensemble permettra à la pensée des hommes qu’évoquait Fidel Castro en 1960 d’être notre richesse, celle de notre intelligence , celle capable de combattre pour l’équilibre que nous devons retrouver.\nCe ne sont pas des ordonnances qui nous sauverons, cette notre solidarité profonde.\nLes soigants remarquaient que les urgences « classiques » de l’hôpital de Mulhouse étaient incroyablement désertes et que le nomdre d’AVC et d’appendicite avait significativement baissé de façon inexpliquée. Et que les accidents du travail et de voiture avaient considérablement diminué.\nSi le confinement en est la cause, on peut penser que le fort stress quotidien que génère le système de compétitivité, de l’argent est en partie coupable et responsable de nombreux accidents. Toute cette accélération nocive qui par la pollution qu’elle provoque d’autant plus, permet à des virus de se propager vite, très dangereusement. La possibilité de millions de morts, le choc de ce que nous pouvions pressentir à l’annonce de l’état d’urgence sanitaire.\nUne question demeure pour que toutes les possibilités de sauver des vies soient engagées, est-ce qu’ Emmanuel Macron sollicitera l’aide des médecins cubains qui sont arrivés en Italie du Nord et en Lombardie ?\nLiberTerra 27 mars 2020 27 mars 2020 épidémie, coronavirus, COVID 19, France, Malade, médecin, Monde, Mulhouse, ONU, Pandémie, solidarité\nPrécédent Article précédent : COVID 19 – Cuba offre ses scientifiques d’excellence pour aider à sauver des vies\nSuivant Article Suivant: COVID 19 – Une jeune mineure de 16 ans est décédée – Le SARS-CoV-2 garde de fortes zones d’ombre


Benalla s'engage à rendre ses passeports diplomatiques\npublié le 30/12/2018 à 16h53\nPARIS (Reuters) - Alexandre Benalla, au coeur d'une nouvelle controverse politico-judiciaire pour n'avoir pas restitué ses deux passeports diplomatiques après son licenciement de l'Elysée, assure dans Le Journal du Dimanche qu'il rendra les documents "dans les prochains jours" au ministère des Affaires étrangères.\nSelon Mediapart, Alexandre Benalla, qui affirme exercer désormais une activité de "consultant", en Afrique notamment, aurait utilisé ce dernier document dans de récents déplacements, semble-t-il au Tchad et en Israël.\n"Je suis satisfait que la justice puisse désormais mettre un terme aux rumeurs et aux insinuations qui courent sur mon compte", déclare-t-il dans le JDD, qui précise qu'Alexandre Benalla s'exprimait samedi par téléphone de l'étranger.\nL'ex-homme de confiance d'Emmanuel Macron juge "complètement disproportionnée" la polémique et affirme n'avoir jamais utilisé les documents pour ses "affaires". Le directeur de cabinet d'Emmanuel Macron, Patrick Strzoda, lui avait adressé le 22 décembre une lettre pour lui demander des informations sur "d'éventuelles missions personnelles et privées" qu'il aurait pu mener lorsqu'il travaillait encore pour la présidence.\nDans Le Journal du Dimanche, il réaffirme qu'un "membre de la présidence" lui a restitué début octobre les deux documents, avec d'autres effets personnels.\nL'ex-homme de confiance d'Emmanuel Macron avait été mis à pied quinze jours du 4 au 22 mai et rétrogradé pour avoir molesté des manifestants en marge des rassemblements du 1er-Mai à Paris. Mis en examen en juillet pour "violences volontaires", notamment, à la suite de la diffusion d'enregistrements vidéo des faits par Le Monde, il avait fait l'objet d'une procédure de licenciement de l'Elysée le 20 juillet.\nLe Quai d'Orsay a précisé dimanche à Reuters qu'une procédure d'annulation des deux passeports avait été enclenchée "fin octobre-début novembre", une mesure d'invalidation du ressort du ministère de l'Intérieur.\nIl réitère avoir été informé par voie de presse de l'usage possiblement irrégulier des passeports et dément être systématiquement informé de tout élément relatif à l'usage d'un tel document comme l'avance dans L'Express l'homme d'affaires franco-israélien Philippe Hababou Salomon, avec lequel Alexandre Benalla a effectué de récents déplacements à l'étranger.\n"Il n'y a pas de remontée systématique d'information de présentation d'un passeport diplomatique français aux frontières de la France et a fortiori à l'étranger", souligne-t-on.\n"Le principe d'un passeport diplomatique, c'est de faciliter les voyages, le Quai d'Orsay n'a pas en vertu de la possession de ces documents un droit de regard sur les allers et venues", ajoute-t-on.


Auch. Maisons de retraite : les famille ne veulent pas s'en laisser conter - ladepeche.fr\nAu lendemain de l'intervention musclée de l'association des Familles de la Ribère et d'Aimé-Mauco, les deux maisons de retraite publiques de la ville (cf. La Dépêche du Midi d'hier), le président André Quilez a tenu à enfoncer le clou face aux réactions de contradiction émanant tant de la direction du centre hospitalier que de la présidence du conseil général, les deux structures largement mis en cause par l'association de M. Quilez. Ce dernier se dit « ni étonné ni surpris des propos tenus par la direction de l'hôpital ; nous regrettons cependant l'amnésie de cette direction sur les propos tenus par les familles de résidents lors de notre assemblée générale du 7 juin dernier ».\nIl faut rappeler que jeudi, Jean-Pierre Coulier, directeur du CH Auch, s'était fendu d'un satisfecit lorsqu'il avait indiqué que M. Quilez avait lui-même participé à la dernière évaluation « Angélique » ayant fait ressortir en « A » (très bon) 26 des 27 critères concernant les maisons de retraite. Mais hier, André Quilez soulignait les sujets de discorde : le manque de personnel, le problème de l'hygiène, les agressions physiques entre résidents (dont de plus en plus atteints de troubles du comportement), et, bien sûr, l'augmentation du prix du séjour, rappelons-le 100 € par mois. « Nous continuerons cependant à mener notre action afin que la prise en charge des personnes âgées et dépendantes, ainsi que le personnel, ne souffrent pas des aléas budgétaires départementaux », ont affirmé hier les familles des résidents.\nÀ propos de budget, Philippe Martin, hier matin lors de la session du conseil général (lire par ailleurs en page 32), a rappelé quelques chiffres qui comptent : 9 M€ consacrés chaque année à la prise en charge financière de l'hébergement des familles qui n'ont pas les moyens de payer ; 6 M€ investis en dix ans pour humaniser les « mouroirs » du département ; prix moyen de journée de 35 % inférieur à la moyenne nationale, etc.\nFin 2010, le nouvel EHPAD regroupera les maisons du Bocage (La Ribère) et Aimé-Mauco. Qu'en sera-t-il des problèmes ?\ntotochedaisie Il y a 12 années Le 30/06/2008 à 22:02\nvotre article est très intéressant , on m' a dit qu'il avait été diffusé un reportage sur le sujet , que malheureusement je n' ai pas vu , auriez-vous la gentillesse de me renseigner afin de le visionner , d' avance merci