Conseil d’administration (CA) EPA Masse 2019\nBoycott de la séance du 16/04/19 et compte-rendu des séances précédentes\nNe pas siéger lors d’un conseil d’administration est un acte fort. Afin que la Masse des Douanes demeure, il faut également que les douaniers disposent de conditions de travail dignes et d’un salaire leur permettant de se loger.\nLa déclaration intersyndicale de boycott de la séance du 16/04/2019 :\nUn CA au goût aigre-doux le 17/12/18. D’un côté, une hausse de la redevance d’occupation de 3% et un dispositif de récupération sur travaux contestable. De l’autre, l’existence d’un réel débat sur le règlement d’attribution et d’occupation des logements...\nCompte-rendu du 17/12/18 "Un Conseil au goût aigre-doux ?" :\n2 constats lors du CA du 27/06/18 : la Masse s’est délestée de 2 bâtiments de la cité de La Joliette et valide un budget informatique en hausse constante (non contrôlée ?)\nLe compte rendu du 27/06/18 "Vendre et dépenser" :\nLe 16/02/18, le quasi-équilibre du budget de la Masse ne masque pas les nuages noirs qui s’amoncellent à l’horizon...\nLe compte rendu du 16/02/18 "Un budget en trompe-l’œil" :\nVisiblement le Président de l’EPA Masse n’aime pas perdre son temps. La preuve : un CA réuni à 15h. Au milieu des hausses diverses, l’attractivité, elle, a totalement disparu du discours. Place aux rentrées d’argent, à l’externalisation et la mutualisation...\nLe compte-rendu du 07/12/17 "le président était pressé !" :\nLogementréformes - restructurations\n12/03/2020 : DAFN - Quelle belle fiche... et courrier adressé à A. Gardette\n2ème report le 04/03/2020 : plus rien à nous dire ?


Hôtel gay excellent - Avis de voyageurs sur Hotel Deutsche Eiche, Munich - TripAdvisor\nNouveau! Vous nous consultez pour lire des avis — vous pouvez désormais réserver votre hôtel directement sur TripAdvisor. Hôtel gay excellent - Hotel Deutsche Eiche\nHôtels proches de la Manfred Platz, Radlguide Day Tours\nHôtels proches de la Pedalhelden Tours\nHôtels proches de la Staatstheater am Gartnerplatz\nHôtels proches de la Gamsei\nHôtels proches de la Mr. Mumble's - New Orleans Bar\nHôtels proches de la Viktualienmarkt\nHôtels proches de la Die Stadtspürer\nTous les restaurants à Munich Restaurants près de Hotel Deutsche Eiche\nMunich : toutes les activités À faire près de Hotel Deutsche Eiche\nEurope›Allemagne›Bavière›Haute-Bavière›Munich›Hôtels Munich›Hotel Deutsche Eiche\n“Hôtel gay excellent”\nAvis sur Hotel Deutsche Eiche\net 9 autres sites ! Hotel Deutsche Eiche Hôtel\n| Reichenbachstrasse 13 | Gärtnerplatzviertel, 80469, Munich, Bavière, Allemagne | Services\nN° 99 sur 396 Hôtels à Munich\n45 votes utiles “Hôtel gay excellent”\nParfaitement situé, à partir de l'hôtel, il est possible de tout faire à pied (Viktualienmarkt, Marienplatz.....). L'accueil est excellent. Le petit-déjeuner est simple et suffisant. Les chambres sont bien décorées et la salle de bain aussi bien désignée. Il y a une terrasse au dernier étage où on a une vue impressionnante de tout Munich (et même quand le ciel est dégagé, on peut voir les Alpes au loin). En tant que client de l'hôtel, vous aurez accès gratuitement au Sauna/Spa de l'hôtel mais uniquement accessible aux hommes. C'est un sauna gay. Ce sauna est immense, propre et vaut vraiment le coup. Pour sortir, l'hôtel est en plein dans le quartier gay de Munich (müllerstrasse). Par contre, le personnel du Sauna n'est pas du tout chaleureux, limite arrogant.\nMerci gagazzoo Signaler Poser une question à gagazzoo à propos de Hotel Deutsche Eiche\nAllemand en 1er Anglais en 1er Espagnol en 1er Français en 1er Indonésien en 1er Italien en 1er Japonais en 1er Néerlandais en 1er Portugais en 1er Russe en 1er Toutes Derniers résultats en français Benvalant\n2 avis 1 vote utile “Bon accueil et bel hôtel rénové bien situé, calme”\nNous avons passé deux nuits, cadre agréable et personnel très gentils. Bar restaurant appartenant à l hôtel ou l on y mange bien, lieu de rassemblement de la communauté gay.Vtres bien situé à 3 min à pied de viktualmarkt et à peine plus du centre ville. Chambre spacieuse et bien équipée avec un beau parquet au sol\nUtile ? Merci Benvalant Signaler Poser une question à Benvalant à propos de Hotel Deutsche Eiche\nCet avis est l'opinion subjective d'un membre de TripAdvisor et non de TripAdvisor LLC. riaz71\n1 avis “passage 2009 à 2010”\nExcellent hôtel gay friendly au centre ville de Munich. Proches de tout et accueil et service très chaleureux et impécable\nUtile ? Merci riaz71 Signaler Poser une question à riaz71 à propos de Hotel Deutsche Eiche\nN° 83 sur 396 à Munich 323 avis\nN° 97 sur 396 à Munich 271 avis\nN° 19 sur 396 à Munich 603 avis\nN° 54 sur 396 à Munich 955 avis\nN° 76 sur 396 à Munich 322 avis\nN° 44 sur 396 à Munich 362 avis\nVous connaissez Hotel Deutsche Eiche ? Partagez vos expériences ! Écrivez un avis\nAjouter des photos Informations supplémentaires concernant Hotel Deutsche Eiche\nAdresse: Reichenbachstrasse 13 | Gärtnerplatzviertel, 80469, Munich, Bavière, Allemagne Location :\nStyle d'hôtel : N°47 des hôtels romantiques à Munich N°61 des hôtels d'affaires à Munich Fourchette de prix (par nuit): 129 € - 190 €\nCatégorie d'hôtel : 3,5 étoile(s) — Hotel Deutsche Eiche 3.5*\nTripAdvisor est fier d'être partenaire de Hotels.com, Expedia, Booking.com, Odigeo, Odigeo et Agoda pour vous permettre d'effectuer vos réservations auprès de Hotel Deutsche Eiche en toute confiance. Nous aidons chaque mois des millions de voyageurs à trouver l'hôtel idéal pour leurs vacances et leurs voyages d'affaires, et nous garantissons toujours les meilleures réductions et offres spéciales.\nHotel Gay Munich\nVoir des hôtels similaires Derag Livinghotel Am Viktualienmarkt 323 avisVoir les prix 0.2 km Hotel am Viktualienmarkt 271 avisVoir les prix 0.1 km Hotel Blauer Bock 603 avisVoir les prix 0.3 km Afficher tous les hôtels à Munich À proximité\nRestaurants (3 434)


FC Nantes, Girondins - Mercato : Mogi Bayat placé sous mandat d'arrêt, ce que la justice belge lui reproche\nFC Nantes, Girondins – Mercato : Mogi Bayat placé sous mandat d’arrêt, ce que la justice belge lui reproche\nProche du FC Nantes et des Girondins de Bordeaux, l’agent Mogi Bayat devra répondre de ses actes devant la justice.\nEntre mardi et mercredi, un gigantesque coup de filets est intervenu dans le milieu du football belge. Interpellé, Mogi Bayat a été placé hier sous mandat d’arrêt judiciaire par le parquet fédéral. S’il n’est pas concerné par tout le volet de l’affaire ayant à voir avec la corruption, les matches arrangés et les contacts avec les arbitres, le plus célèbre agent de Belgique devra répondre de manœuvres de blanchiment d’argent.\nArnaques et montres de luxe\nMogi Bayat est en effet accusé d’avoir mis en place des montages financiers dans le dos de ses joueurs et des clubs concernés. D’après plusieurs médias belges dont la RTBF, Mogi Bayat aurait eu recours à des agents complices et des personnes morales en France, en Angleterre et au Luxembourg pour mettre en place son business. Il aurait aussi acheté des montres de luxe frauduleusement dédouanées pour s’en servir de cadeaux d’affaires.\nNantes et Bordeaux n’ont pas à s’inquiéter\nRappelons que le FC Nantes et les Girondins de Bordeaux, les deux clubs français ayant réalisé de nombreuses tractations avec Mogi Bayat ces derniers mois, ne sont pour l’heure pas concernés par cette affaire… Et rien ne dit qu’ils le seront à un moment donné. Trois transferts sont passés au peigne fin par les enquêteurs, aucun ne concerne les deux formations de Ligue 1.\nPublié le 12 octobre 2018 à 8 h 30 min


Séance du mercredi 9 janvier 1828 · Les procès-verbaux du Bureau des longitudes\nSéance du mercredi 9 janvier 1828\nTitle Séance du mercredi 9 janvier 1828\nM. Poisson annonce que S. M. a reçu dimanche dernier, <avec beaucoup de bonté>, la commission qui avait été chargé de lui présenter la Connaissance des tems et l'Annuaire.\nM. Arago présente un objectif à liquide que M. Fresnel avait fait construire et qui produisait suivant lui un excellent effet. M. Arago propose de confier l'examen du liquide à l'un des chimistes de l'Académie ; quand l'analyse aura été faite, une commission composée de MM. Arago, Mathieu et Nicollet examinera de nouveau l'objectif et le comparera à ceux que l'Observatoire possède.\nM. Aragon communique une note de M. Corabeuf concernant l'état dans lequel il a trouvé les plaques de cuivre qui marquent les extrémités de la base de Perpignan, et les travaux qu'il a faits exécuter pour assurer leur conservation. Cette note sera insérée dans le prochain volume de la Connaissance des tems. Le secrétaire adressera des remerciements à M. Corabeuf.\nM. Bouvard entretient le Bureau de plusieurs questions d'administration : à cette occasion, on arrête que la section d'astronomie s'assemblera pour dire si elle pense qu'il y ait lieu à procéder à la nomination d'un adjoint.\nD'après l'exposé fait par un membre des inconvénients qu'aurait le toit tournant métallique de l'équatorial dans les changements brusques de température, on décide qu'une commission composée de MM. Bouvard, Mathieu et Arago cherchera les moyens d'installer un poêle dans la salle voisine.\nCitation “Séance du mercredi 9 janvier 1828”, 1828-01-09, Les procès-verbaux du Bureau des longitudes, consulté le June 16, 2019, http://purl.oclc.org/net/bdl/items/show/8538


Les pinceaux à utiliser pour faire du contouring\nAfin de toujours paraître bien apprêter, le fait de maquiller votre visage en utilisant des techniques de contouring vous donnera un effet bonne mine. Pour ce faire, vous faut-il des pinceaux adéquats ? Lesquels ? Lors de quelles étapes du maquillage les utiliser ? En sachant quel matériel employé, il vous sera plus facile d’appliquer vos produits de beauté.\nLes pinceaux pour l’application du fond de teint\nUn pinceau de contouring est un accessoire qu’il est important d’avoir dans sa trousse à maquillage. Néanmoins, il n’en existe pas un mais plusieurs car l’application de différents produits de beauté nécessitent l’utilisation d’un matériel adéquat.\nLorsqu’on commence un contouring, vous pouvez vous servir d’un fond de teint plus clair et plus foncé pour accentuer vos traits et masquer vos imperfections. Pour appliquer ce produit, vous avez besoin d’un pinceau blush biseauté, notamment lors de l’application du fond de teint clair. Ajouté à cela, vous pouvez aussi à l’aide d’un pinceau à tête plate et arrondie appliquer des lignes de fond de teint foncé sur vos tempes et le creux de vos joues. Puis pour estomper le tout et bien répartir les couches posées, vous pouvez vous servir d’un beauty blender préalablement humidifié ou d’un pinceau duo fibre.\nLes pinceaux pour l’application de la poudre\nPour fixer votre maquillage il faut appliquer de la poudre claire sur votre visage. Pour cela, vous avez besoin d’un pinceau blush à tête ronde pour fixer la poudre sur les zones où vous avez appliqué précédemment votre fond de teint clair. Ce pinceau peut également vous aider à bien structurer votre maquillage notamment en le passant dans le creux de vos joues.\nAfin de matifier les zones où vous avez appliqué du fond de teint foncé, il faut utiliser un pinceau contouring à tête plate et structuré afin d’accentuer l’effet naturel. Il faut s’en servir au niveau de l’ossature de votre visage et sur les zones où l’on voit encore l’application du fond de teint foncé. En faisant des mouvements circulaires, vous pouvez estomper les couleurs de façon uniforme grâce à ce pinceau.\nLes pinceaux pour votre eyelight\nCe qu’il est important de retenir lorsque vous effectuez un contouring, c’est qu’il ne faut surtout pas que l’on voie les démarcations entre les différentes teintes de couleur utilisées lors de votre maquillage.\nEnfin, afin de donner de l’éclat à votre visage quelques petits coups d’eyelight sont nécessaires. Le pinceau avec lequel on l’applique est le pinceau éventail. Une poudre eyelight s’applique en C au-dessus des pommettes. C’est une poudre qui illumine votre visage. Il faut donc prendre garde à ne pas en mettre en grande quantité, à moins de ne vouloir ressembler à une boule disco. Pour finir d’accentuer votre regard, en appliquant une petite touche d’eyelight avec un pinceau ombreur dans le creux des sourcils et au creux des yeux cela donne un côté éveillé.


Pourquoi faire appel à une agence de e-reputation ?\nfévrier 3, 2020 janvier 28, 2020 ComptanooMarketing & Communication\nDe nos jours, tout tourne autour d’internet. Que ce soit pour trouver une information, communiquer avec ses proches ou aussi développer l’activité de son entreprise etc. internet est un outil indispensable qu’il est important de prendre en compte.\nEn effet, il est impensable pour toute entreprise qui veulent assurer leur développement de ne pas considérer internet, car avant tout, ce nouveau canal de communication est devenu un acteur majeur dans le monde des affaires actuel.\nToutefois, utiliser internet n’est pas une tâche aisée, car plusieurs facteurs sont à privilégier si l’on veut promouvoir son entreprise à travers son site internet et l’un des plus importants n’est autre que le fait d’acquérir une e-reputation solide, qui va servir principalement à augmenter la visibilité, mais aussi l’accessibilité de l’entreprise, permettant ainsi de profiter des immenses possibilités qu’offre internet.\nDe ce fait, garantir son e-reputation est l’une des premières choses à penser pour une entreprise qui veut être présente sur internet et pour cela, il est parfois utile de recourir aux services d’une agence spécialisée en e-reputation. Découvrons les raisons de cela ici.\nPourquoi veiller à l’e-reputation de son entreprise ?\nVu qu’une information circule rapidement sur internet, il est utile pour une entreprise de favoriser son e-reputation, car cela est la seule façon de garantir une bonne visibilité et pour que l’image véhiculée par cette dernière puisse être le plus favorable que possible.\nDe ce fait, veiller à la e-reputation de son entreprise revient à optimiser l’opinion des consommateurs vis-à-vis de celle-ci et ce, pour que d’autres puissent s’y référer et décident d’y faire confiance. Une bonne e-reputation permet donc d’influencer les décisions d’achats des internautes en leur proposant une représentation parfaite de l’entreprise.\nL’importance de faire appel à une agence de e-reputation\nL’un des premiers objectifs d’une entreprise qui se lance dans le vaste univers d’internet est sans aucun doute le fait d’attirer un maximum de clients.\nOr, pour cela, il faut que cette dernière puisse bénéficier d’une bonne notoriété et d’une réputation sans tache, car il est clair que les internautes privilégient avant tout la recherche d’informations concernant cette dernière et se basent principalement sur les avis positifs que l’entreprise bénéficie.\nDonc pour arriver à de tels résultats, il est souvent utile de gérer ces avis, qui comme on pourrait s’y attendre peut influencer de manière positive, mais surtout aussi négative, l’image de marque de l’entreprise d’où l’importance de remettre cette tâche à des professionnels dans le domaine.\nEh oui, faire appel à des professionnels de la e-réputation est tout à fait important, car il est indéniable que la e-reputation est cruciale pour n’importe quelle entreprise, ce qui implique de ne pas lésiner sur les efforts et les moyens à déployer pour en bénéficier.\nLa mission d’une agence de e-reputation\nAssurer une excellente image de l’entreprise qui la sollicite ses services est la principale mission d’une agence spécialisée en e-reputation.\nPour ce faire, cette dernière met en place diverses stratégies qui vont avant tout permettre d’affirmer cette image, de la fortifier et de veiller au fait qu’aucun obstacle puisse venir la ternir.\nEn d’autres termes, une agence de e-reputation est un allié précieux qui va principalement veiller à mettre en place une bonne réputation pour une entreprise et ce, pour que ceux qui cherchent des informations concernant celle-ci puissent tomber que sur des avis valorisants et qui vont surtout les aider à prendre une décision pour y faire affaire avec l’entreprise.\nUne agence de e-reputation assure également qu’aucun avis négatif puisse venir troubler cette notoriété, car en se référant à ce qu’on vient de voir plus haut, une information circule vite sur internet et pour ne pas la laisser prendre trop d’importance, surtout s’il s’agit d’un avis qui vise à détruire la bonne image de l’entreprise.\nInsubordination en entreprise : que faire ?


Comment faire une béchamel au parmesan ?\nAccueil - Sauces & condiments - Béchamel au parmesan\nJe ne suis pas une grande fan de béchamel. Loin de là même. Surement des souvenirs d’endives au jambon, noyées sous une sauce béchamel, à la cantine. Je n’ai jamais pu voir en peinture les gratins dégoulinant d’eau dans une béchamel ignoble ou autres croques-monsieur gluants et détrempés. Néanmoins, il y a des plats dans lesquels la béchamel est indispensable. Comme les lasagnes par exemple. La béchamel apporte ce petit plus indispensable pour leur bon goût, leur texture et leur moelleux incomparable !\nPour rendre la béchamel un peu plus plaisante, j’ai trouvé une petite astuce : la parfumer au parmesan.\nCela ne change pas la texture de la béchamel mais lui donne un goût bien meilleur ! Cette béchamel peut rentrer dans la composition des lasagnes à la viande (bœuf, veau et même poulet), dans les lasagnes aux légumes ou même pur fromage. Elle peut aussi être intégrer à certains gratins !\nLa sauce béchamel au bon goût de parmesan\n▢ 20 g de farine de blé\nFaire fondre la noisette de beurre dans une poêle.\nAjouter la farine, la maïzena et laisser colorer quelques minutes.\nAjouter la muscade puis le lait petit à petit en fouettant sans cesse jusqu’à obtenir un mélange crémeux et épais.\nAjouter alors le parmesan, bien mélanger. Laisser chauffer 3 minutes... C'est prêt !\nEssayez donc dans les lasagnes… Un peu de viande hachée, des tomates pelées, oignons, carottes, herbes… Et de bonnes pâtes à lasagnes !\n10/01/2015 à 20 h 47 min\nje fais souvent des lasagnes mais je n’avais jamais eu l’idée de parfumer ma béchamel ainsi… C’est une super idée, je testerais à l’occasion :)\n(j’ai fait de la béchamel pour le repas de ce soir, mais c’est pour des ficelles picardes, rien à voir… Si j’y met du parmesan je vais me faire assassiner par mes convives !)


Après Demain : le documentaire qui mesure les impacts du film Demain – Promenade Minimaliste\nLe 20 décembre 2018 26 février 2019 par promenademinimalistedans Culture - Média\nVous avez peut-être vu le film Demain de Cyril Dion et Mélanie Laurent ? Ce documentaire diffusé il y a 3 ans dans les cinémas et où il semblerait que chaque séance se ponctuait par des applaudissements (c’est ce qu’il s’est passé dans la mienne en tout cas). Le propos du film était de montrer les initiatives citoyennes et même à plus large échelle, aux quatre coins du monde, et visant à transformer le monde de demain.\nLa semaine dernière c’est le documentaire Après Demain (cliquez pour le visionner) qui a été diffusé afin de revenir sur le film, de voir les initiatives qui ont fonctionné et celles qui ont été plus compliquées à maintenir. L’idée est d’observer comment le film Demain a impulsé un changement et permis à une multitude d’engagements de naitre et de se mettre en place.\nLe documentaire Après Demain est un échange entre le réalisateur de Demain, Cyril Dion, et son amie qui est présentée comme sceptique face aux impacts des micro-engagements.\nLe ton est le même que dans le film Demain. Pas d’alarmisme et d’images choquantes appuyant le propos des scénarios catastrophes. Mais du concret dans l’exposé des solutions expérimentées. De l’optimisme et de l’honnêteté quant à leurs impacts.\nOn parcourt à nouveau le territoire, cette fois particulièrement la France : entre autres, Grenoble, Paris, Bayonne, Vienne, etc.\nDifférentes initiatives sont abordées : monnaies locales, énergies vertes, agriculture urbaine et partagée, démocratie participative en entreprise, éducation alternative, etc. Tout cela m’a donné envie de revoir le film afin de me rappeler quelles sont ces actions présentées dans le film qui ont inspiré toutes celles qu’on voit dans Après Demain.\nGlobalement, il est mis en valeur que ce sont d’abord les micro-engagements qui permettent à chacun de se sensibiliser et de sensibiliser son entourage puis d’amorcer un changement à l’échelle individuelle, voire locale. Et c’est la multiplication de ces initiatives locales qui impulse alors un mouvement collectif qui incite les élus à agir. Le but étant enfin de légiférer afin de faire changer d’échelle ce mouvement. Qui permettra alors d’avoir d’autant plus d’impact. Cette question du changement d’échelle était d’ailleurs le thème du Festival Zero Waste 2018 qui s’est déroulé en juin à Paris.\nEnfin, ce que je retiens de ce documentaire c’est l’accent mis sur le fait de raconter une histoire pour changer l’Histoire. L’idée que la fiction pousse à l’action. On imagine le changement que l’on voudrait voir avant de l’incarner. L’histoire doit être diffusée et partagée afin qu’on la vive tous ensemble. Ce paragraphe paraitra peut être abstrait, l’idée étant de vous inciter à regarder Après Demain pour mesurer l’impact d’un film, l’impact d’actions individuelles partagées amenant la réflexion et l’action collective.\nEt si vous troquiez l’habituel film de Noël par un documentaire optimiste et humaniste cette année ? 🙂\nChanger d'échelleDocumentairesInitiatives collectivesInitiatives individuellesInitiatives localesMicro-engagements\nUne réflexion sur “Après Demain : le documentaire qui mesure les impacts du film Demain”


chambres d'hôtes Archives - La Jinolié\nSaison 2020 à La Jinolié, farniente en toute sécurité !\nPosted on 25 mai 2020 by admin7730Leave a comment on Saison 2020 à La Jinolié, farniente en toute sécurité !\nTotalement prêts pour Vos Vacances 2020 !\nNous faisons preuve d’inventivité pour préserver votre liberté et votre santé. Merci pour votre bienveillante collaboration pour cette année 2020.\nNos bâtisses particulièrement spacieuses, avec des entrées indépendantes sont dans un grand parc clos.\nLes différents espaces permettent naturellement de respecter une distanciation physique de plus de 2 m à tout moment, le plexiglas ne fera donc pas partie de votre environnement !\nLe petit-déjeuner : Pour l’année 2020, nous servons le petit déjeuner au rez-de-chaussée, selon la météo :\nSoit à l’extérieur : les 4 tables sont distinctes, dédiées et espacées dans la grande cour.\nTables du petit déjeuner espacées dans la cour\nVous êtes servi sur votre table, nous portons bien sûr un masque. Les tables et chaises sont nettoyées et désinfectées avant le petit-déjeuner.\nSoit à l’intérieur : dans une très grande salle de 160 m2 .\nLa cuisine des hôtes pour les chambres d’hôtes\nreste en libre-service et en auto-gestion, accessible de manière successive à nos hôtes pour que les distances puissent être respectées et les regroupements évités lors de la préparation éventuelle de vos pique-niques.\nAprès chaque utilisation, vous aurez à cœur de la laisser propre, et de porter vos poubelles aux containers de tri sélectif communal, à proximité.\nMatériel désinfectant et lingettes microfibres propres sont à disposition. Nous lavons les lingettes quotidiennement.\nLe lave-vaisselle permet le lavage à plus de 60°.\nUn lave-linge est à votre disposition, pensez à prendre de la lessive écologique.\nL’entretien des espaces communs :\nLes rampes d’escaliers, les poignées des portes d’accès, les interrupteurs, les robinets, le portillon sécurisé de la piscine sont désinfectés plusieurs fois par jour.\nEn complément du ménage quotidien, les toilettes à la piscine sont équipées de produit désinfectant et de microfibres lavables. Nota : si vous utilisez vos lingettes jetables, merci de les jeter à la poubelle et non dans les toilettes. Ne sacrifions rien à la protection de l’environnement.\nLa piscine chauffée :\nL’eau de la piscine est traitée au chlore et contrôlée quotidiennement, comme chaque année elle est vidée et remise en eau avec de l’eau de la ville (120 m3).\nLes chaises longues dédiées à chaque gite ou chambre d’hôte, sont lavées et désinfectées avant chaque séjour.\nLa plage de la piscine de 240 m2 permet aisément d’avoir une distance minimum de 2 m avec une autre famille.\nLe Ménage et désinfection des chambres d’hôtes et gites :\nAu départ de chaque hôte, en plus du ménage, nous désinfectons toutes les surfaces (hors murs et plafonds) à l’aide de désinfectant conforme à la norme EN 144 76.\nCette année, les couvre-lits et boutis recouvrent les housses de couette 1 fois sur 2 pour en permettre le lavage.\nLors de chaque réservation de séjour, la nuitée précédant votre arrivée et la nuitée suivant votre départ sont neutralisées. C’est pourquoi nous ne pouvons accueillir d’hôtes pour des séjours inférieurs à 3 nuits.\nEvidemment, nous mettons cette fiche en conformité avec la réglementation au fur et à mesure de son évolution.\nNous avons à cœur que vous puissiez vous sentir en vacances et en sécurité. Nous mettons tout en œuvre avec discrétion pour faire de votre séjour une parenthèse réussie.


Une oreille avertie en vaut deux, et même plus...\nTrès prochainement la période Classique\nSuivrons aussitôt les pages consacrées à Haydn, Mozart et Beethoven...\nPublié par Victor Vienne à 11:21 Aucun commentaire:\nLibellés : 6-Classique (1750-1825)\nOn désigne par musique de la Renaissance la musique européenne composée pendant la période de la Renaissance, approximativement entre les années 1400 et 1600. Il s'agit d'une convention : si la dernière date n'est guère contestable eu égard à l'évolution importante du début du xviie siècle, et qui marque le début de la période Baroque, il n'en est pas de même pour le début de cette période. Ces deux siècles se situent clairement, en ce qui concerne la musique, en continuité avec ce que nous appelons le "Moyen-Âge tardif", avant d'acquérir des traits spécifiques.\nPRÉMICES À LA RENAISSANCE DU MONDE!\nJusqu'au XVème siècle, la religion chrétienne avait établi une règle à ne pas enfreindre : la musique n'était qu'un moyen de prière. Dès lors, pour sortir de l'emprise de l'Église, les artistes commencèrent à s'opposer à cette contrainte. Ils se firent vraiment entendre à partir du XVIème siècle. En contradiction avec cette musique religieuse, naît la musique profane inspirée des religions païennes qui est très différente de la polyphonie (chant à plusieurs voix). Le chant accompagne la mélodie, qui peu à peu dépassera les limites de la voix. C'est aussi la naissance de l'imprimerie musicale avec les « tablatures » ancêtres de nos partitions. Celle-ci permet alors une meilleure diffusion des oeuvres.\nLes XVème et XVIème siècles voient un renouveau d’intérêt pour les cultures antiques grecques et romaines qui a fortement influencé la musique. Les compositeurs de la Renaissance ont voulu opérer un « retour à l’Antique », imiter la musique des anciens grecs. Comme ils ne disposaient que d’écrits théoriques sur la musique grecque, ils ont élaboré leur propre style en se basant sur ces écrits.\nLES VILLES ET LEUR “ART NOUVEAU”\nDurant l’Antiquité, les villes furent les centres spirituels et politiques du monde, atteignant leur apogée intellectuelle à Athènes, et la gloire politique, à Rome.\nAu temps des grandes migrations et lors de la chute de l’Empire Romain, ces villes ont disparu, pillées, brûlées, démantelées et abandonnées. Au moyen-âge, les couvents, les cours princières et les châteaux forts prirent la direction tant spirituelle que politique.\nAu pied du château, sous la protection d’un puissant chevalier, paysans et artisans s’étaient établis. Leurs maisons devinrent de plus en plus nombreuses et les habitants prirent conscience de leur force par le nombre.\nCependant, les villes ressuscitaient. Un beau jour les rôles se trouvèrent changés : à leur tour, les villes s’entouraient de murailles fortifiées et les chevaliers, que leurs querelles intestines avaient affaiblis et appauvris, venaient demander abri.\nLa ville donc s’accrut ; et alors, les château perdirent de leur importance. Les nouveau citoyens des villes et des bourgs, se sentant en sûreté, se donnaient alors le surnom de « bourgeois ».\nDevenus fiers et exigeante, cette nouvelle société allait se devoir d’être à la hauteur de ses choix. Ayant fait opéré des changements dans la structure de ses sociétés, elle se devait alors d’être capable d’opérer aussi des changement au niveau des mentalités et des mœurs…\nLes cités transformèrent l’aspect des pays… Un esprit nouveau soufflait sur l’Europe, chargée de puissance collective consciente… Consciente des changement en cours… Chargée aussi d’une nouvelle joie de vivre. Celui qui cherche l’expression plastique de cette époque la trouvera dans les chefs-d’œuvre de l’architecture, ces cathédrales, ces palais, ces portails et ces fontaines…\nLe bourgeois, une fois ses exigences matérielles satisfaites, rêvait d’œuvres grandioses, chargées de projeter la gloire à travers l’espace et le temps. Il inventa, entre autre, l’imprimerie, fréta des navires et entretint ainsi des relations commerciales avec des continents lointains, dont certains venaient seulement d’être découverts. La puissance du bourgeois reposait à la fois sur l’esprit et sur l’argent. Posséder beaucoup d’argent, pour ainsi dire, nous rapprochait alors de la noblesse.\nSubséquemment, les arts se développèrent et s’épanouirent comme il n’avaient pu le faire depuis longtemps. Non seulement les conditions matérielles permettaient ct essors, mais une nouvelle frénésie de grandeur animait ces fiers citoyens.\nIl est manifeste que l’homme doit avoir changé sous l’influence d’une transformation aussi radicale de sa société. Nous avons déjà fait allusion à une nouvelle joie de vivre, assez timide au début, mais où l’on peut discerner le principe de la satisfaction sur terre de certains désirs. Le chant grégorien, qui avait si fidèlement reproduit l’idéal monastique des temps passés, se retira toujours davantage dans les couvents où cet idéal allait être conservé pour tout les temps, en dehors du temps…\nLa nouvelle musique des cités bourgeoises était encore plus affirmative des joies d’ici-bas que celle des ménestrels. Néanmoins, leurs thèmes sont souvent religieux, car l’homme ne cessera jamais de croire en Dieu, même quand sa vie sur terre sera devenue meilleure, plus sûre, plus heureuse.\nLe côté technique de la musique subit une transformation marquée dont la cause n’a jamais été précisée. Nous entendons parler du chant à plusieurs parties, en un mot, de la « polyphonie ».\nIl va de soi que cette polyphonie n’a pas pu faire son apparition du jour au lendemain. Examinons donc brièvement sa préhistoire...\nAu début, l’humanité n’a connu que l’unisson vocal et instrumental. Dans un traité, un moine de Saint-Amand, nommé Hucbald (840-930) fait mention d’une polyphonie, qu’il nomme « diaphonie » et dont il fournit des exemples. Il expose un chant où deux voix superposées chantent à intervalles de quintes, c’est-à-dire, exactement ce qui semblera aux générations des siècles suivant la pire des démonstration de dissonances. Mais laissons hors jeu la discussion de l’importance très relative de la consonance ou de la dissonance, fort peu importante, en vérité, puisqu’elle ne dépendent que du temps et des lieux. Considérons plutôt le développement ultérieur du problème polyphonique.\nDéjà d’autres théoriciens s’en sont emparés, entre autre, Gui d’Arezzo, cité précédemment, et après lui Hans Cotton (1050-1130) qui fournit l’explication suivante : « La diaphonie est la relation entre des sons différents exécutés par deux chanteurs au moins, dont le premier entonne la mélodie principale, tandis que le second l’entoure d’autres notes. Les deux voix se rejoignent à chaque fin de phrase, soit à l’unisson, soit à l’octave l’un de l’autre. Cette façon de chanter s’appelle communément "organum" ».\nVoilà qui démontre que le chant à plusieurs parties ne devait pas être très répandu à l’époque (mais déjà connu), car, sinon, ces précisions de sa part eussent été inutile.\nComme pour tant d’autres formes musicales, les origines de la polyphonie plongent dans l’inconnu. Pourquoi vit-elle le jour? Pourquoi à ce moment de l’histoire? Pourquoi a-t-elle acquis et conquis d’emblée cette suprématie? Essayons de trouver une réponse à cette question :\nLa vie primitive a produit un art primitif ; la vie simple, proche de la nature, un art tout aussi naturel… La vie mystique éveille la musique mystique ; la vie religieuse appelle un art religieux ; la féodalité demanda une musique chevaleresque…\nLe plain-chant grégorien devait engendrer la monodie, c’est-à-dire le chant à une seule voix, car il répondait à un même idéal collectif, s’exprimant exactement de la même manière pour tous.\nOr, dans les cité nouvelle, la vie se complique, nous ne le savons que trop, nous qui en subissons le contrecoup dans les métropoles modernes.\nCe ne sont pas seulement les exigences toujours plus croissantes, les distances toujours plus grandes, la multiciplités des relations entre les habitants, mais aussi l’individualisme accru, la spécialisation intensifiée, et enfin la nervosité toujours apparente.\nÉvidemment, ici nous ne visons pas à faire étude de psychologie, nous nous bornerons à une explication du développement musical de l’époque de la gloire des villes. Et, dans cette gloire, nous pourrions bien puiser la solution du problème de la naissance de la polyphonie.\nLorsque, le soir venu, les bourgeois se retrouvaient après avoir exercé chacun leur métier déjà nettement défini ; la musique fera partie de leur passe-temps et distraction. Veuillez noter que j’emploie à dessin les mots « passe-temps » et « distraction », alors qu’à une époque encore relativement récente, la musique n’avait été qu’une audition édifiante.\nMais à présent que la ville prospère, il ne s’agit plus du récit d’actions héroïques, chantées par un seul chanteur-conteur s’accompagnant de la lyre, pendant que les autres l’écoutent, haletants : non, parmi ces bourgeois assemblés, celui qui aurait voyagé ou vécu plus d’aventures que les autres formera dorénavant l’exception. C’est pourquoi aucun d’eux ne désire être inférieur à ses congénères. Si ces bourgeois avaient chanté à l’unisson comme les moines psalmodiaient le plain-chant, leur soif d’individualisme n’eût guère trouvé d’apaisement.\nIl se peut que les bases techniques du chant à plusieurs parties fussent déjà posées, mais l’heure psychologique n’avait pas encore sonnée. La société bourgeoise, pourtant, devait logiquement, fatalement, en arriver à la musique polyphonique…\nNous rencontrons celle-ci d’abord à Paris, où, sous le nom d’« ars nova », elle forgeait ses premières armes. Citons ici deux musiciens de valeur : Léonin et Pérotin (ou, magister Perotinus magnus, maître de chapelle à Notre-Dame de Paris, au XIIème siècle).\nTous deux furent des pionniers du contrepoint. Des chants à plusieurs voix, appelés « motets », apparaissent et la mode en vient aussi à chanter des « canons », ces précurseurs de la « fugues », forme sublimée de la polyphonie.\nCe n’est pas en vain qu’on a comparé le style architectural de l’époque à l’« ars nova ». L’incomparable cathédrale de Notre-Dame, sur les bords de la Seine, en est le meilleur exemple : la solution des masses compactes en rythmes mouvementés, l’élargissement quasi mystique de l’espèce, la profusion des ornements, le raffinement du détail se retrouvent aussi bien dans l’architecture gothique que dans la musique de la même époque. Ce sont, en effet, ces splendides édifices religieux qui nous guident à travers la musique du même temps, pour nous mener ensuite jusqu’à la grandeur flamboyante de la Renaissance italienne !\nUn jour, Winston Churchill exprimera cette pensée d’un grande sagesse : « L’homme construit des bâtiments, mais ensuite les bâtiments construisent les hommes… »\nLes centres de la nouvelle musique se situent logiquement là où se réunissent les courants spirituels et politiques du temps ; fait qu’il nous arrivera souvent de relever.\nAprès avoir débuter à Paris, la polyphonie s’est déplacée vers les Flandres, où, à travers plusieurs générations, le point cardinal des événements musicaux se concentrera pour rayonner sur toute l’Europe.\nLes maîtres flamands seront, en ces temps là, les protagonistes de l’art pictural. Si le siège principal de la musique des Pays-Bas se trouve à Cambrai, ses représentants brilleront aux cours de Munich et d’Innsbruck, à Paris, en Italie et en Espagne, où la musique nouvelle ornera l’époque de la plus positiviste des politiques et maintiendra une floraison inégalée pendant plusieurs siècles. La suprématie de la musique flamande n’est comparable qu’à l’hégémonie absolue de l’opéra italien qui exercera, deux cents ans plus tard, son autorité sur le monde entier.\nCitons ici les grands maîtres de l’école flamande. Ces personnalités peuvent avoir joui d’un prestige comparable à celui d’un Bach ou d’un Beethoven. Entre autre : Guillaume Dufay (1400-1474), Jan Okeghem (1430-1495), Josquin des Prés (1450-1521), Adriaan Willaert (1480-1562), Jan Pieter-Sweelinck (1562-1621) et surtout Orlando de Lassus (1532-1594).\nLa polyphonie s’était, en peu de temps, développée à un tel point, qu’elle ne pouvait plus demeurer entre les mains des profanes… Ce qui, au début, avait servi de passe-temps aux bourgeois, était devenu la plus élevée et la plus compliquée des formes musicales. Cependant, l’enthousiasme du peuple avait été réveillé.\nIl nous faut, une fois de plus, citer ici Richard Wagner, qui brossera un tableau évocateur de cette bourgeoisie musicienne dans ses « Maîtres-Chanteurs de Nurembourg ».\nCes bourgeois remplissent des professions diverses ; notaires, tailleurs, boulangers ou cordonniers… La plupart vouent leurs soirées à une des formes d’art, toutes formes de divertissements et à la musique ; qu’ils servent avec humilité et ambition, créant ainsi le tyope de dilettante si décrié de nos jours.\nLes maîtres-chanteurs fondèrent de véritables écoles de musique établissant des règles sévères qui régissaient à la fois le texte et la mélodie, voire l’exécution.\nL’ensemble de ces règles était fixé par la « tablature » sorte de résumé de la corporation des maîtres-chanteurs. De ce mouvement se dégage une figure historique, celle de Hans Sachs, le cordonnier-poète de Nuremberg, président des maîtres-chanteurs de sa ville, en 1554.\nÀ cette époque, l’institution des "Meistersinger" était vieille de trois cents ans ; elle avait pris naissance dans la ville de Mayence et l’on n peut assez louer et remercier ces bourgeois d,avoir aimé et servi à ce point la musique, en dépit de leur pédanterie naïve et de leurs formules d’une rigidité conventionnelle, malgré le distance qui séparera toujours leurs divertissements d’amateurs des chefs-d’œuvre des véritables maîtres de la polyphonie.\nEn même temps que l’essor des villes, la situation sociale des musiciens ambulants s’était améliorée. Pendant plusieurs siècles, ces ménétriers avaient appartenu, avec les vagabonds, les mendiants, les jongleurs, saltimbanques et montreurs d’ours aux classes les plus humbles. Ils se produisaient dans les fêtes paysannes où se joignaient, le cas échéant, à un corps d’armée...\nMais les villes commençaient à organiser des bals, ou bien quelque riche roturier faisait appel à leurs services pour porter sérénade sous les fenêtres de sa belle…\nLes chroniques nous fournissaient maints détails curieux, traitant de "fléau public" ces musiciens ambulants qui avaient coutume d’assiéger les demeures du bourgmestre et des échevins jusqu’à ce que ceux-ci leur concédassent le logis et la nourriture.\nBientôt, ils exigèrent d’être payés. Le corps administratif décida alors de les engager définitivement, ce qui revenait moins cher. Les musiciens – flûtistes, trompettistes, chanteurs, organistes, guitaristes, harpistes, violoneux, altistes, cornemuseurs, trombonistes, timbaliers et tambours – s’associèrent.\nÀ Venise, en 1288, fut constituée la confrèrerie de Saint-Nicolas ; elle vécut cinq cents ans et compta parmi ses chefs des membres intéressants, portant le titre de "Apielgraf".\nEn France, ce fut en 1330, la Ménestrandie, qui décernait des patentes à ses membres ; en 1381, les "Minstrels" anglais fondèrent une corporation.\nEn Suisse, dans la ville de Zurich, un décret d’allure fort moderne stipula que seuls les musiciens organisés en corporation pouvaient se produire en public. Bâle interdit en 1397 aux musiciens de porter l’épée et la lance, et cette ordonnance visait manifestement les derniers troubadours… sic transit gloria mundi!\nLa position sociale de ces compositeurs reconnus atteignit alors un niveau sans précédent. Amis et familiers de princes et des grands, ils jouissaient d’honneurs et de privilèges, et leur revenus matériels étaient considérables. Déjà, nous approchons de la « Renaissance », avec son épanouissement illimité dans tous les domaines des arts!\nAU DEVANT DU MONDE MODERNE\nDans les riches et puissantes villes des Pays-Bas, le style polyphonique avait atteint la prédominance et s’emparait de toutes les formes musicales.\nMême si aux environs de 1220, un canon à plusieurs voix avait été noté en Angleterre. Nous pouvons considérer comme premier document de la grande fore à parties multiples la "Messe de Tournai", pour trois voix, écrite en 1350.\nLa Messe de Guillaume de Machaut, de 1394, destinée au couronnement de Charles V, roi de France, est à quatre voix.\nÀ partir de ce moment, le style devint toujours plus libre et compliqué. Le sens de l’harmonie tel que nous l’entendons, par juxtaposition de sons, était encore inconnu, car la polyphonie continuait à progresser par phrases horizontales, superposées, se déroulant en lige parallèles, selon les règles sévères du contrepoint.\nDe nos jours, en écoutant ces œuvres, nous éprouvons l’impression de voir une fresque grandiose s’étaler sous nos yeux émerveillés.\nNous avons déjà dit que les maîtres flamands dominaient la vie musicale de l’époque…\nHeinrich Isaac (1450-1517) vivait en Autriche, premier compositeur de Lieds, donc est, de ce fait le lointain précurseur de Schubert! On lui doit une mélodie, ou, du moins, une phrase mélodique célèbre : le fameux "Innsbruck, ich muss Dich lassen".\nRolland de Lassus, né à Mos en 1530, occupait à la cour de Munich une place d’honneur, d’où son influence rayonnait vers l’extérieur.\nLa réalisation la plus significative de l’école flamande fut sa pénétration en Italie. Les villes ambitieuses de la péninsule devenaient de jour en jour plus peuplées et plus puissantes. Le commerce de l’Orient, le contact avec d’autres peuples, d’autres cultures, un climat favorable, une histoire séculaire, tout contribuait à leur faire jouer un rôle d’avant-plan dans le développement culturel de l’Europe.\nVers la fin du XIVème siècle, Venise comptait deux mille habitants. Depuis la chute de Rome, aucune ville n’avait atteint pareilles proportions.\nLe centre musical vénitien, la belle église de Saint-Marc, fier témoin de la civilisation byzantine, s’enorgueillissait de grandes orgues que faisaient chanter les musiciens les plus célèbres, qui tous avaient adoptés le nouveau style polyphonique, venu du nord.\nAfin de faciliter l’exécution de ces œuvres qui nécessitaient la séparations des groupes instrumentaux et vocaux, on construisit en 1490 un second orgue ; ainsi chacune des deux nefs principales disposait du sien, en plus de sa chorale accompagnée d’un orchestre. Cette combinaison devait produire des effets prodigieux.\nBientôt les maîtres flamands passèrent les Alpes à la suite de leur enseignement. Adriaan Willaert obtint en 1527, le poste d’organite de Saint-Marc da Venise. Son influence sur toute l’Italie ne peut être assez soulignée et estimée.\nUne dernière fois, l’Église s’élevait au maximum de la puissance artistique. À Rome, les papes se firent mécènes, attirant dans la Ville Éternelle des peintres, des sculpteurs, des poètes et des musiciens, de tous les horizons.\nBeaucoup de ces derniers, disciple de Willaert, arrivèrent de Venise, tels ces deux Gabrieli, l’oncle et le neveu, et cet admirable Frescobaldi, l’un des plus fameux organiste de tous les temps!\nAlors Rome donna au monde le plus important compositeur de l’époque, dont l’œuvre résumait une dernière fois toute l’élévation de la musique médiévale : Giovanni Pierluigi, appelé « Palestrina* », d’après son lieu d’origine.\nLa vie de Palestrina est tissé de légendes. Sa naissance semble dater de 1525, quoique les textes diffèrent à ce sujet ; il est certain qu’il mourut le 2 février 1594. Une des discussions les plus décisives concernant la musique d’église eut lieu en son temps, au cours du « Concile de Trente ».\nLes légendes palestriniennes se rattachent à ce concile, qui s’occupa pendant plusieurs sessions (entre 1545-1563) du rôle de la musique dans la liturgie, où s’étaient infiltrés tant d’airs profanes et de morceaux de virtuosité, accusés de détourner l’attention des fidèles. Un groupe de cardinaux aurait exigé leur exclusion, d’autres voulaient au contraire, promouvoir une œuvre commandée à un compositeur qui se trouva être Palestrina. D’après la légende, des anges seraient descendus du ciel, dans le silence de la nuit, jusqu’à la pauvre chambrette situé non loin de la coupole de Saint-Pierre, afin de chanter au musicien une messe à plusieurs voix que sa main tremblante d’émotion, n’avait plus qu’à noter.\nQuoiqu’il en soit, ce chef-d’œuvre qu Palestrina nomma, en l’honneur de son bienfaiteur : « Missa Papae Marcelli » nous est parvenu. L’impression produite fut si profonde et d’un effet si durable que les attaques visant l’abus de la musique profane à l’église, prirent fin.\nPalestrina avait commencé sa carrière de musicien d’église dans sa ville natale ; appelé à Rome, il assuma en 1551 la direction du chœur d’enfants de la Chapelle de la basilique de Saint-Pierre.\nEn 1554, il dédia au pape Jules III son premier recueil de messes et fut nommé à la chapelle Sixtine, dont il continua la direction pendant le court règne de Marcel II, jadis l’un des premier critiques de la décadence musicale de l’office religieux.\nEn 1555, le nouveau pape Paul IV révoqua plusieurs musiciens, dont Palestrina, sous prétexte que l’exercice de leurs fonctions était incompatible avec leur état matrimonial. Ce coup ne fut nullement adouci par la nomination de Pierluigi à la place d’organiste de Saint-Jean de Latran, et plus tard à la basilique de Sainte-Marie-Majeure. La renommée de Palestrina en tant que compositeur allait croissant et lui valut la nomination de « compositeur de la chapelle du Vatican » que lui conféra Pie IV. Finalement, en 1571, il revint à son ancien poste à Saint-Pierre, où il fut inhumé, devant l’autel, en 1594.\nL’œuvre de Palestrina* n’est pas seulement l’un des plus pur joyaux de la musique religieuse, mais fait partie du patrimoine artistique de l’humanité. (*voir la section réservé à Palestrina au libellé du même nom).\nLa polyphonie avait atteint son sommet, et comme toujours en pareil cas, le déclin était proche. Seules des mains comme celles de Palestrina pouvaient prolonger son existence, pendant que la plupart de ses contemporains ne produisaient plus que des œuvres théoriques, mortes sur le papier.\nLes procédés techniques pullulaient. Sur la partition elles avaient belle allure, ces messes au goût du jour, avec leurs vingt ou trente voix différentes, mais à l’exécution, elles s’avéraient manquer de vitalité et d’inspiration, et leur inerte sécheresse égalait celle d’une table de logarithme.\nDans certaines de ces oeuvres, qui comportaient plus de quatre-vingt-dix voix, le compositeur s’était livré à toutes sortes d’acrobaties : thèmes reflétés dans un miroir, ou "à l’écrevisse", c’est à dire renversé, ou bien commençant par la dernière note pour finir sur la première. Ces trouvailles se chiffrent par centaines…\nAinsi la polyphonie dégénérait en élucubrations abstraites et cette musique n’était plus à la portée de la masse… Au changement du siècle, la fin était proche et la réaction se faisait sentir, comme chaque fois qu’un système est arrivé à son point culminant. La victoire revint au système diamétralement opposé.\nNous nous trouvons ici à l’un des tournants décisifs de l’évolution et de l’histoire de la musique. Il était logique que ce tournant coïncidât avec une page importante de l’Histoire.\nUn esprit nouveau s’éveillait en Europe ; l’humanisme faisait son entrée dans les universités et l’empire Byzantin tomba lorsqu’en 1453, les Turcs conquirent Constantinople. Ainsi disparut l’ultime témoin, l’héritier direct du monde hellénique.\nSimultanément, le désir se fit sentir en Europe de mieux connaître le reste du monde et d’imiter, dans la mesure du possible, ce qui s’y faisait.\nL’ère moderne commence incontestablement en1492. cette année là, Christophe Colomb élargit l’univers d’une façon inattendue et enivrante. La même année vit la mort de Laurent de Médicis, le glorieux tyran de Florence.\nRodrigue Borgia, sous le nom d’Alexandre VI, devint le plus mondain de tous les papes, l’ami des artistes et le protecteur des arts.\nL’esprit de la « rénovation » soufflait sur toutes les villes d’Italie, véritable résurrection qui explique le terme utilisé de « Renaissance », attribué à cette époque de l’Histoire.\nLa musique réactionnaire triomphait à Venise, à Rome, à Milan, et surtout à Florence. La rigidité contrapontale cédait devant l’harmonie nouvelle sur laquelle planait une mélodie, simple et chantante. N’est-il pas frappant de constater que le contrepoint est issu des âpres froids du nord, alors que l’harmonie vit le jour sous le doux soleil du midi italien?\nLes nouvelles mélodies étaient apparentées aux chants des troubadours. Construites sur une base nettement folklorique, elles furent bientôt accompagnées, car tout le monde jouait d’un instrument quelconque, que ce fût du luth, du clacicembo, ou d’une de ces merveilleuses violes, aïeules de nos instruments à archets modernes.\nPendant que, dans les églises, on s’évertuait à sauvegarder la domination du motet polyphonique, dans les palais et les demeures des riches marchants, on chantait le nouveau "madrigal", appelé, par la suite, "sonetta" ou "canzonetta" en Italie; "chanson" en France ; et "lied" en Allemagne.\nEn même temps, naquit l’une des formes les plus nobles, celle de la « musique de chambre », qui allait inspirer aux plus grands d’entre les maîtres des œuvres capitales.\nNombreux sont les fleurons de la couronne de l’illustre Florence qui, berceau de la Renaissance, fut le patrie de Dante, de Pétraque et Boccace ; des peintres comme Paolo Ucello et Sandro Botticelli ; et de Brunelleschi, l’architecte de la célèbre coupole de la cathédrale.\nFlorence apporta au monde du XVIème siècle un triple cadeau d’une valeur inestimable : Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange. En Outre, la capitale de la Toscane vit éclore la forme musicale la plus capable d’émouvoir l’âme des masses : « l’Opéra ». (voir notre section au sujet de « la naissance de l’opéra » au libellé du même nom).\nPériode transitoire où l’ancien et le moderne se côtoyaient : l’évolution future ne s’en dégageait pas moins avec netteté. La musique n’était plus esclave d’un idéal, elle s’élevait au rand d’art pur. L’individualisme et le nationalisme se développaient en son sein ; déjà l’art religieux et l’art profane se séparaient. Ce dernier conquit une place d’avant-plan dans la vie artistique, détrônant les arts plastiques, jadis seuls à refléter fidèlement l’esprit et la mentalité d’une époque. Une scission s’opéra entre la musique vocale et la musique instrumentale, bien qu’il subsistât encore des genres où toutes deux collaboraient. La musique des peuples se nationalisa et, dès ce moment, on peut enfin parler de musique « italienne », « française », « allemande »… dont les caractéristiques s’affirmeront avec le temps, avant de se confondre, ce qui aura lieu beaucoup plus tard.\nL’invention géniale du Gutenberg eut une influence prodigieuse sur le développement musical. Aux environs de l’an 1500, Petrucci imprima pour la première fois des notes de musique. Des œuvre, jusqu’alors réservées à un cercle restreint, contrait de se servir de manuscrits fourmillant d’erreurs, pouvaient désormais être exécutées simultanément aux quatre coins de la terre.\nAucune date n’égalera celle-ci en importance, sauf, sans doute, celle de l’invention de la radio au XXème siècle!\nSi nous voulons citer des noms de musiciens de cette époque transitoire, parmi les plus marquant, il faudrait d’abord se tourner vers l’Angleterre, qui connaissait l’âge d’or de sa création artistique. Le 16ème siècle, fut la gloire du règne élisabéthain et vit naître les compositeurs suivant : William Byrd (1543-1623), Thomas Morley (1557-1603), John Dowland (1563-1626), John Bull (1563-1628), et Orlando Gibbons (1583-1625). Ils furent les contemporains de ces comédies et drames shakespeariens où abondent les louanges de la musique.\nL’Espagne, quant à elle, traversait aussi une ère de prospérité. Aux côté du grand poète Cervantes, brillaient des musiciens au talent exceptionnel, tel ce Tomas Luis de Victoria ou Tomaso Luigi da Vittoria (1514-1611) qui fut en Italie le condisciple de Palestrina et l’aveugle Antonio de Cabezon (1510-1566), organiste et claveciniste à la cour de Charles-Quint et de Philippe II. Il fut avec le Bach du XVIème siècle, fort injustement tombé dans l’oubli…\nEn France, Claudin LeJeune (1530-1564) composa le « Dodecacorde », quarante psaumes de David traduit en français par Clément Marot, et le « Printemps », important recueil de chansons métriques, ce qui inspira au musicien de curieuse trouvailles rythmiques.\nNous voici au seuil du classicisme. Désormais nous n’aurons plus à nous laisser guider par des données hypothétiques ou des documents extra-musicaux. Ce qui va suivre, fera partie du répertoire musical actuel. Il ne nous manque plus que d’assister à la « naissance de l’Opéra », aux excentricités fructueuses des périodes baroques et rococo, et se réjouir de l’enfantement miraculeux de la musique Classique!\nÀ SUIVRE …Voir les libellés :\n- NAISSANCE DE L’OPÉRA\n- ROCOCO (1700-1775)\n- CLASSIQUE (1750-1825)\nLES GENRES SPÉCIFIQUES À LA RENAISSANCE\n- École franco-allemande\n- Chanson pour Luth\nLES COMPOSITEURS DE LA PÉRIODE DE LA RENAISSANCE\nClément Janequin (1485-1558), un musicien représentatif de la Renaissance Française :\n"France courage, courage\nEscampe toute frelore bigot."\nSUGGESTIONS D’ŒUVRES DE LA RENAISSANCE, À ÉCOUTER :\nDébut Renaissance :\nDufay, Guillaume : Messe : "Se la face ay pale"\nIsaac, Heinrich : "Music for the Court of Lorenzo de Medici" ; "The Magnificent"\nJosquin des Prés : "Missa Pange lingua"\nObrecht, Jacob : Les Messes : "Sub tuum praesidium" et "Fortuna desperata"\nFin Renaissance :\nByrd, William : "Messe à Quatre Voix" et "Messe à Cinq Voix"\nGibbons, Orlando : "First Short Service"\nLassus, Orlandus : Les Messes : "Puisque j’ai perdu" et "In Die Tribulationis"\nPalestrina, Giovanni Pierluigi da : "Missa Papae Marcelli"\nSweelinck, Jan Pieterzoon : "Psaumes de David"\nTallis, Thomas : "Les Lamentations de Jérémie"\nVictoria, Tomas Luis de : "Missa pro Defunctis"\nPublié par Victor Vienne à 13:59 Aucun commentaire:\nLibellés : 3-Renaissance (1400-1600)\nLe baroque couvre une grande période dans l’histoire de la musique et de l'opéra. Il s’étend du début du xviie siècle environ au milieu du xviiie siècle, de façon plus ou moins uniforme selon les pays considérés. De façon nécessairement schématique, l’esthétique et l’inspiration baroques succèdent à celles de la Renaissance (apogée du contrepoint et de la polymélodie) et précèdent celles du classicisme (naissance d'éléments discursifs, comme la phrase musicale ponctuée) : comme dans l'architecture, les « figures » musicales baroques sont soutenues par une « basse continue » très stable (on est à la jonction entre contrepoint et harmonie).\nL’ère de la musique baroque débute symboliquement en Italie avec l'opéra de Claudio Monteverdi (1567-1643), L'Orfeo (1607), et se termine avec les contemporains de Jean-Sébastien Bach et Georg Friedrich Haendel. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) et Georg Philipp Telemann(1681-1767), de par leur longévité, composent leurs dernières œuvres dans les années 1760 mais, bien avant cette décennie, les compositeurs plus jeunes se sont tournés vers un nouveau style.\nAu cours de la période baroque, la musique instrumentale s’émancipe et naît véritablement : elle ne se contente plus d’accompagner ou de compléter unepolyphonie essentiellement vocale ; si elle emprunte encore, au début duxviie siècle, ses formes à la musique vocale, elle ne tarde pas à élaborer ses propres structures, adaptées à leurs possibilités techniques et expressives.\nLes deux pôles de la musique baroque sont l’Italie et la France, dont les styles sont fortement opposés malgré des influences réciproques. Cette opposition était telle que beaucoup de musiciens de l’une des écoles allaient jusqu’à refuser de jouer des œuvres provenant de l’autre. Le style italien se diffusa largement hors d’Italie. La France est sans doute le pays qui résista le plus à cette domination, sous l’influence de Jean-Baptiste Lully (Italien naturalisé français), ceci jusqu’à laQuerelle des Bouffons, au milieu du xviiie. Par ailleurs, la France a suivi avec retard le mouvement européen d’évolution de la musique vers le style dit « classique » illustré notamment par Haydn et Mozart.\nLe style baroque se caractérise notamment par l’importance du contrepoint puis par une harmonie qui s’enrichit progressivement, par une expressivité accrue, par l’importance donnée aux ornements, par la division fréquente de l’orchestre avec basse continue, qui est nomméripieno, par un groupe de solistes qui est le concertino et par la technique de la basse continue chiffrée comme accompagnement de sonates. C’est un style savant et sophistiqué.\nLe luth jouit d’une grande vogue au xviie siècle. Toile duCaravage (1595)\nLe style baroque exprime aussi beaucoup de contrastes : les oppositions notes tenues/notes courtes, graves/aiguës, sombres/claires (un accord majeur à la fin d’une pièce mineure)... ou encore l’apparition du concerto (de l’italien concertar« dialoguer ») qui met en opposition un soliste au reste de l’orchestre (le tutti), l’opposition entre pièces d’invention (prélude, toccata, fantaisie) et pièces construites (fugue) ne sont que des exemples.\nDe nombreuses formes musicales sont créées pendant cette période d’un siècle et demi : certaines y atteignent leur apogée (par exemple : la suite, le concerto grosso…) pour ensuite tomber dans l’oubli, d’autres connaîtront une fortune qui durera bien au-delà de la fin du baroque : l’opéra, la sonate (qui engendrera lasymphonie), le concerto de soliste.\nREDÉCOUVERTE DES OEUVRES BAROQUES\nInterprétation du XIXème siècle\nBeaucoup d’œuvres de cette époque, notamment les plus marquées par le contrepoint, ont connu une longue éclipse de la fin du XVIIIème siècle jusqu’au milieu du xxe siècle. Bach a été quasiment oublié de sa mort (1750) jusqu’en 1829, qui voit le retour (initié par Félix Mendelssohn) de la "Passion selon Saint Matthieu" dans le répertoire, après un siècle de délaissement. À la suite de cet évènement, l’intérêt s’accroît pour les musiques du passé qui semblaient devoir ne jamais revenir au répertoire. Cependant, certains musicologues se lancent dans la compilation et l’édition critique des œuvres de grands compositeurs tels Bach, Haendel, Rameau, Couperin…\nLes instruments ont évolué, et certains ont disparu ; le clavecin ressuscité au début du xxe siècle sous l’impulsion notoire de Wanda Landowska ne ressemble plus guère à celui des grands facteurs parisiens du xviiie siècle ; les violes ont cédé la place depuis longtemps. Au sein de la Schola Cantorum, Vincent d'Indy fit œuvre de restaurateur de la musique ancienne et baroque, de Palestrina, Bach, Monteverdi à Gluck, Corelli, Destouches. Les « Concerts historiques » de la Schola Cantorum (qui attiraient l'élite artistique de Paris, de Léon Bloy à Debussy) révélèrent quantité d'œuvres anciennes que l'on ne jouait plus. C'est dans ce contexte que Wanda Landowska tint une classe de clavecin rue Saint-Jacques.\nLe xxe siècle siècle baroque commence en 1904, lorsque Albert Schweitzer fait paraitre un livre intitulé J.S. Bach, le musicien-poète. S'ouvre alors une ère nouvelle, où la musique baroque n'est plus seulement étudiée dans son architecture certes géniale, mais aussi dans la beauté de la ligne, la vérité du dessin, et dans tout ce qu'elle est capable d'émouvoir. C'est d'ailleurs en étudiant J.-S. Bach que le nom de Vivaldi apparaîtra, par transcription de concertos interposés. Malgré les travaux de recherche et de compréhension de tout le patrimoine musical de l'Europe baroque entrepris par nombre de musicologues – en particulier les Français André Pirro et Marc Pincherle, ou l'Italien Giuseppe Torrefranca –, la diffusion de cette musique restera finalement assez confidentielle jusqu'en 1945.\nCette avant-garde est inaugurée d’abord en Grande-Bretagne par le violoniste et facteur d’instruments français Arnold Dolmetsch (1858-1940), en France par Henri Casadesus (viole d'amour) et Édouard Nanny (contrebasse), qui en 1901 sont les co-créateurs la « Société de concerts des Instruments anciens », sous la présidence du compositeur Camille Saint-Saëns, qui a pour objectif de faire revivre la musique des xviie etxviiie siècles en utilisant parfois des instruments d’époque. En Allemagne, le violoncelliste Christian Döbereiner (1874-1961), s’occupait de remettre à l’honneur les violes. Il fonda en 1905 la Vereinigung für Alte Musik. Le mouvement des « violistes » des années 1920 constitua une forme de protestation contre « l’establishment » artistique musical.\nÀ partir de 1927, en Allemagne, le musicien August Wenzinger (qui après la Seconde Guerre mondiale dirigerait la célèbre Schola Cantorum Basiliensis), expérimentait le jeu avec un nouveau diapason (la = 415 Hz, soit un demi ton plus bas que le 440 Hz), sous le patronat de l’industriel et violoniste amateur Hans Hoesch.\nEn 1953, la naissance du label ERATO en France donne véritablement le coup d'envoi à la découverte du répertoire baroque. Avec Jean-François Paillard et des musiciens aussi prestigieux que Maurice André, Jean Pierre Rampal, Marie Claire Alain ou Pierre Pierlot, les Français découvrent, le microsillon aidant, les trésors de tout le répertoire baroque : ces musiciens, à qui l'on doit souvent les premiers enregistrements de la majeure partie des œuvres de Telemann, Haendel ou Vivaldi, parcourent la planète entière et imposent une nouvelle façon de jouer. Leur style est basé sur l'ensemble des écrits disponibles renseignant sur la façon d'interpréter le répertoire baroque ; mais ces musiciens ne souhaitent pas revenir aux instruments anciens.\nLe label ERATO saura dans les années 1960 s'adjoindre la collaboration de nouveaux chefs, tels l'Italien Claudio Scimone ou le SuisseMichel Corboz.\nLes autres pays européens participent aussi à la résurgence du répertoire baroque : on doit citer l'Allemand Karl Richter, dont les interprétations de la musique religieuse de Bach a une audience international immense, où des ensembles tels I Musici en Italie ou l'English Chamber Orchestra en Angleterre.\nAu début des années 1970, la diffusion des œuvres baroques atteint son apogée : en France, la vente des disques consacrés à la période baroque a dépassé les 30 % des ventes totales des disques classiques entre la fin des années 1960 et le début des années 19801.\nAu cours des années 1970, Gustave Léhonhart et Nikolaus Harnoncourt, et des chefs et interprètes tels Jean-Claude Malgoire, John Eliot Gardiner ou Sigiswald Kuijken, Trevor Pinnock, James Bowman ou Reinhard Goebel remettent en cause le « mouvement », en introduisant des instruments anciens, modifiant le diapason, remplaçant les femmes par des enfants dans les chœurs pour partir à la recherche du son perdu.\nÀ l’époque, ce mouvement est le plus souvent raillé par les musiciens « établis ». L’enregistrement intégral des cantates sacrées deJean-Sébastien Bach entrepris conjointement par Nikolaus Harnoncourt et Gustav Leonhardt en 1971 devient le cheval de bataille de ceux que la critique ne tarde pas à surnommer, avec un certain mépris « les baroqueux » ou les « baroquisants ». Instruments anciens, chœurs et solistes garçons, airs d’alto confiés à un homme. Beaucoup s’insurgent et crient au scandale, voire sont choqués, comme Antoine Goléa« piquant une de ses pyramidales colères après audition d’un enregistrement d’Alfred Deller : « Cet homme qui chante avec une voix de femme, c’est... c’est... c’est... enfin, vous voyez ce que je veux dire ! ».\nLes années 1980 voient peu à peu s’imposer les interprètes évoqués et naître de nouveaux talents comme : William Lincoln Christie, Philippe Herreweghe, René Jacobs, Gérard Lesne, Jordi Savall, Ton Koopman, Christophe Coin… Dans les années 1990, le mouvement de la musique ancienne est bien ancré dans la pratique musicale grâce à une nouvelle génération, au moins en Europe. Il est représentée par Marc Minkowski, Hervé Niquet, Christophe Rousset, Iakovos Pappas, Hugo Reyne, Christina Pluhar et son groupe L'Arpeggiata, les contreténorJames Bowman, Philippe Jaroussky et beaucoup d’autres.\nDepuis l'an 2000, un certain consensus se retrouve aujourd'hui dans l'interprétation des pages baroques. Les musiciens « modernes » ont pris en compte la clarté du discours imposé par les « baroqueux », et les dits « baroqueux » sont largement revenus sur les options jugées trop maximalistes : les voix d'enfants ont à peu près disparu de tous les enregistrements des œuvres vocales. Par ailleurs, dans la plupart des conservatoires et écoles de musique du monde, la pratique des instruments anciens lorsqu'elle existe, reste finalement le fait d'un petit nombre de jeunes musiciens.\nLa leçon de musique par Johannes Vermeer(vers 1664)\n- le choral\n- le concerto grosso\n- la toccata\n- la suite de danses\n- la cantate sacrée\n- la messe pour orgue\n- la messe pour chœur\nDES INSTRUMENTS SPÉCIFIQUES À L'ÉPOQUE BAROQUE\nQuelques instruments sont spécifiquement liés à cette époque où ils atteignent leur apogée (de la facture comme de la littérature) avant de connaître le déclin voire l’oubli complet du milieu du XVIIIème siècle jusqu’au début du XXème siècle ou plus tard. La tradition de facture s’étant perdue entre temps a pu être restituée, au moins partiellement par l’analyse des instruments anciens qui subsistent, et l’étude des traités lorsqu’ils existent.\n- l’orgue — est resté au xixe siècle l’instrument privilégié de la liturgie, mais n’intéresse plus guère les grands compositeurs jusqu’à César Franck. La facture de l’orgue à transmission mécanique atteint son apogée, en France et dans les pays germaniques pendant les xviieet xviiie siècles.\nQUELQUES COMPOSITEURS BAROQUE IMPORTANTS\nCompositeurs pour Orgue :\nCompositeurs pour Clavecin :\nOrgue et Clavecin :\nVoir aussi : Écoles allemandes d'orgue\nAlbinoni, Tomaso : "12 Concertos, opus 9 pour violon ou hautbois ou 2 hautbois"\nBach, Johann Sebastian : "Le Clavier bien tempéré", "Variations Goldberg", "Passion selon saint Matthieu", "Messe en si mineur", "6 Concertos brandebourgeois", "4 Suites pour orchestre", "Offrande musicale", "L’Art de la fugue"\nCharpentier, Marc-Antoine : "Te Deum", "Médée", "David" et "Jonathas"\nCorelli, Arcangelo : "12 Concertos Grossos Opus 6", dont le n° 8 « Fait pour la nuit de Noël »\nCouperin, François : "Concerts royaux", l’œuvre pour clavecin\nHaendel, Georg Friedrich : "Messie", "Royal fireworks" music, "Dixit Dominus", "Alcina", "Giulio Cesare in Egitto"\nLully, Jean-Baptiste : "Armide", "Atys"\nMarais, Marin : l’œuvre pour viole, "Alcyone"\nMonteverdi, Claudio : "Orfeo", "L'incoronazione di Poppea"\nPachelbel, Johann : "Canon en ré majeur" sur une basse obstinée\nPurcell, Henry : "Dido & Aeneas", "Le Roi Arthur"\nRameau, Jean-Philippe : "Hippolyte et Aricie", "Les Indes galantes", "Castor & Pollux", "Platée", "Les Boréades"\nScarlatti, Domenico : l’œuvre pour clavecin\nVivaldi, Antonio : "Les Quatre Saisons", "Orlando furioso", "Stabat Mater"\nPublié par Victor Vienne à 09:27 Aucun commentaire:\nLibellés : 4-Baroque (1600-1750), 5-Rococo (1700-1775)\nAutres appellations : Adam le Bossu, le Bossu d'Arras. Était-il véritablement bossu ? En tout cas il le nie lui-même : "On m'apele Bochu, mais je ne le suie mie...". La plupart des critiques pensent que Bochu est un surnom donné à Adam, d'autres que son père Henri s'appelait véritablement Le Bossu, et fut surnomméde La Halle ou simplement Maître Adam.\nEn 1274 il est de retour à Arras et crée Le Jeu de la feuillée. Désirant poursuivre ses études il obtient une bourse pour étudier à Paris...\nAprès des études à l'université de Paris, où il obtint le titre de Maître ès arts, il rentre au service du comte Robert d'Artois (1271), qu'il suit bientôt dans ses voyages en Italie. Il y entre au service de Charles d'Anjou, roi de Sicile (1283) ; c'est à la cour de celui-ci que sera créée son oeuvre la plus célèbre, le "Jeu de Robin" et Marion, exemple unique, avec un autre drame, le "Jeu de la feuillée" (v. 1276), d'un théâtre lyrique profane, genre en fait plus proche du théâtre parlé, avec quelques intermèdes musicaux (basés sur la pastourelle à refrain), mais dont la nouveauté vient de ce que la musique fait partie intégrante de l'intrigue.\n"Le Jeu de la Feuillée" met en scène Adam, le poète, vêtu en clerc, sa famille, ses voisins, et trois fées. Adam veut prendre congé pour aller faire ses études à Paris, mais se laisse entraîner à la taverne. Adam de la Halle mêle dans cette pièce le motif merveilleux du repas de fées, invitées sous la feuillée par les chrétiens, et le thème du congé, qui est traité sur un ton grinçant, dans un style vif et familier. Ce jeu riche et polysémique (la feuillée est à la fois la loge de verdure de la statue de la Vierge au marché d'Arras, et la "folie", très présente) est un théâtre vivant, mêlant satire et merveilleux, burlesque et quotidien.\nVoici deux extraits de musique qui donne une bonne idée de l'oeuvre d'Adam de la Halle :\nDISCOGRAPHIE : (à venir...)\nVoir aussi le libellé : Pré-Renaissance\nPublié par Victor Vienne à 11:25 Aucun commentaire:\nLibellés : 1-Pré-Renaissance (600-1400), Adam de la Halle\nNé probablement à Machaut en Champagne c'est là qu'il passe les premières années de sa vie. Vers 1323, il entre au service de Jean de Luxembourg, roi de Bohême, auprès de qui il restera attaché comme secrétaire, suivant son protecteur dans ses campagnes militaires et ses voyages à travers toute l'Europe. Son oeuvre la plus ancienne connue Bone pastor Guillaume, Bone pastor qui pastores est écrite en 1324 pour l'élection de Guillaume de Trie à l'archevêché de Reims. Dans cette même ville, Machaut est pourvu d'un canonicat (Bénéfice, revenu, de chanoine dans une église cathédrale, une collégiale) en 1335 (il avait auparavant exercé la charge de chanoine à Verdun et Arras), tout en continuant à servir le roi de Bohême jusqu'à la mort de celui-ci à labataille de Crécy (1346). Après cette date, les plus grands seigneurs s'attachent le musicien - poète : Bonne de Luxembourg, Charles le Mauvais, roi de Navarre, Jean, duc de Berry, Amédée de Savoie et même le futur Charles V. La soixantaine passée, Guillaume de Machaut voue à la jeune Peronne d'Argentières une passion amoureuse qu'il retrace dans un long poème, le Veoir dict (le vrai récit). À sa mort, il est enterré dans la cathédrale, aux côtés de son frère Jean, chanoine comme lui.\nDans les motets, qui au temps de Machaut ne comprenaient généralement que 3 parties, il en introduit une 4ème, la contre-teneur. Il fait également un usage fréquent de l'isorythmie(identité des rythmes dans les différentes parties) selon le modèle fixé par Philippe de Vitry. Les rapports entre fond et forme atteignent une réelle virtuosité poétique et musicale dans lesrondeaux (cf. « Ma fin est mon commencement »), tandis que ses ballades proposent une grande diversité dans la combinaison des rythmes.\nDans le domaine de la musique religieuse, Machaut a composé Le Hoquet David et quelquesMotets latins, mais c'est incontestablement la Messe Notre-Dame qui est ici la pièce maîtresse : Machaut est probablement le premier à avoir composé une messe complète (et à 4 voix...) à une époque où cette forme tenait davantage de la compilation d'éléments disparates.\n323 motets, dont 19 à 3 voix, en majorité profanes, abordant des thèmes d'amour courtois. 242ballades. 222 rondeaux à 2, 3 ou 4 voix 33 virelais et 19 lais, 1 complainte ; 1 chanson royale insérées dans le recueil poétique Remède de fortune ; La Messe Notre-Dame ; Le Hoquet David : double hoquet à 3 voix ; Le Remède de Fortune : Motets, rondeaux et virelays...\nUn bref rappel de cette évolution permettra de mieux saisir la situation dans laquelle se trouve Machaut et l’apport qui sera le sien. Dans toute jeune littérature, le vers précède la prose, et la poésie est d’abord chantée. L’ensemble français et occitan ne fait pas exception. Les deux formes littéraires qui fleurissent d’abord, à la charnière du XIe et du XIIe siècle – la chanson de geste en français et le lyrisme des troubadours en langue d’oc –, sont l’une et l’autre strophiques et chantées.\nLa forme versifiée non chantée (le « roman ») apparaît une cinquantaine d’années plus tard, la prose littéraire au bout de cinquante autres années, au début du XIIIe siècle. La mélodie des chansons de geste semble avoir été assez répétitive, tout juste rompue par une cadence en fin de laisse. Les chansons des troubadours occitans et un peu plus tard des trouvères français ont une tout autre richesse musicale et les poètes sont fiers de composer à la fois los motz el so : les paroles et la musique. Leurs mélodies sont monodiques, fortement marquées au départ par les modes grégoriens. La ligne générale, malgré les raffinements de l’ornementation, en reste suffisamment simple pour mettre en valeur le texte, qui est l’essentiel, sans risquer de le brouiller ou de le rendre inaudible. Mais cet équilibre se trouve bientôt menacé par la double évolution, de la musique et de la poésie. Depuis la fin du IXe siècle, la musique sacrée connaissait, avec l’organum, une ébauche de polyphonie. Celle-ci se développe à la fin du XIIe siècle, tout particulièrement à Paris.\nAu siècle suivant, elle a ses théoriciens et gagne le domaine profane, où elle prend la forme du motet, pièce poétique et musicale dans laquelle chaque voix a pour support un texte différent. Le résultat est que, lors de l’interprétation, les textes deviennent incompréhensibles : le progrès de la technique musicale se fait au détriment de la poésie.\nAu même moment, cette dernière connaît sa propre mutation. À côté du lyrisme courtois, chanté, se développe une poésie récitée – le dit – qui prend la forme d’une mise en scène ou d’un récit du moi, caricaturé sous l’apparence de la confidence ou projeté dans l’univers allégorique et chargé de sens du rêve, selon un modèle popularisé par le prodigieux succès du Roman de la Rose. Ainsi se profilent une nouvelle répartition des formes poétiques et une nouvelle définition de la poésie, en elle-même et dans sa relation à la musique.\nMachaut, poète et musicien de cour...\nLes formes fixes : invention et virtuosité :\nMais, dira-t-on, les quelques œuvres citées plus haut relèvent du dit et non pas du lyrisme. Où se situe donc la place de la musique ? En réalité, Guillaume de Machaut est également l’auteur d’une œuvre lyrique non seulement abondante mais fondatrice, en ce qu’elle oriente définitivement (à l’échelle du Moyen Âge) la poésie lyrique vers les formes fixes, généralement à refrain, qui étaient auparavant tout juste bonnes à accompagner la danse. Elles seront désormais le lieu de toutes les virtuosités métriques et hardiesses musicales : le rondeau, laballade et le chant royal, le virelai, dont Machaut fixe la structure. Ces pièces lyriques peuvent être isolées. Elles peuvent aussi, selon un procédé appelé à un grand succès, se succéder de façon à suggérer le déroulement d’un récit, comme le font les ballades de la Louange des dames. Elles peuvent enfin être insérées dans un dit en un montage très révélateur de l’évolution de la poésie à cette époque. Le dit prend en charge le récit ou le débat, dont les poèmes chantés à forme fixe qui y sont insérés assurent le commentaire affectif en ménageant les moments de l’effusion.\nÀ la fin de sa vie, Machaut a lui-même pris soin de rassembler son œuvre, précédée d’un Prologue général qui est un art poétique sous forme allégorique. On y voit Nature donner à Guillaume de Machaut trois de ses enfants, afin qu’ils l’aident à célébrer l’amour, tâche pour laquelle elle l’a formé. Ces trois enfants sont Sens (la raison ordonnatrice des pensées et des sentiments), Rhétorique (l’art des vers, des rimes et des rythmes) et Musique. C’est dire que poésie et musique sont à ses yeux indissociables. Elles seront pourtant dissociées tout de suite après lui, voire de son vivant même.\nNi Jean Froissart, dont la poésie s’inspire si étroitement de la sienne, ni Eustache Deschamps, qui se proclame son disciple et qui était peut-être son neveu, ne sont musiciens. Le premier, invité à composer des poèmes à danser pour les divertissements de la cour d’Angleterre, se contente d’écrire les textes. Le second, dans son "Art de dictier et de fere chansons", valorise la « musique naturelle » (la poésie) au détriment de la « musique artificielle » (la musique).\nL’union de la poésie et de la musique atteint donc avec Guillaume de Machaut un apogée, aussitôt menacé par le degré de complexité qu’elles ont atteint l’une et l’autre. Mais elle se prolongera dans un registre plus humble.\nLa chanson courtoise, ancien genre noble que, par une sorte de chassé-croisé, les formes fixes avaient supplanté dans la poésie savante, survit sous un aspect popularisant auquel les milieux princiers, folkloristes avant la lettre, trouveront au XVe siècle un certain charme. Ce sont les ancêtres des vieilles chansons françaises qui ont bercé notre enfance. Elles alimenteront ainsi pendant des siècles une source ténue et limpide où se mêlent la musique et la poésie.\nVoici quelques extraits de musique qui donne une bonne idée de l'oeuvre de Guillaume de Machaut:\nextrait de la Messe de Nostre-Dame : "Kyrie"\nextrait de "Jardins Médiévaux" : "Rose, liz, printemps, verdure"\nChanson de Guillaume de Machaut : "Dame, mon cuer en vous remaint"\nPublié par Victor Vienne à 10:37 Aucun commentaire:\nLibellés : 1-Pré-Renaissance (600-1400), Guillaume de Machaut\n* Nuit des Temps (- à +) (1)\n+ Antiquité (-3 000 à 0) (1)\n1-Pré-Renaissance (600-1400) (5)\n2-Épopée des Troubadours (1)\n3-Renaissance (1400-1600) (1)\n4-Baroque (1600-1750) (1)\n5-Rococo (1700-1775) (1)\n6-Classique (1750-1825) (2)\n7-Romantisme (1800-1900) (1)\n8-Post-Romantisme (1890-1945) (1)\n9- XXème Siècle (1)\nCompositeurs Contemporains (1)\nListe des Compositeurs (1)\nMusicologue, Anthropologue Professeur et Directeur du Département de Musicologie à l’Université de Toulouse ******************************************** Ce blog consacré à l'histoire et la musicologique est dédié à Ira Schroeder et Kurt Pahlen


Chez M, Herstal.\nUne fois encore, j'insiste sur le fait que cette chronique repose uniquement sur mon expérience un soir donné, sur un menu donné et que je ne permets pas de remettre en question la qualité de l'établissement.\nNous avions envie de nous voir ce soir entre amies afin d'aller manger un petit bout pour un montant pas trop élevé et pouvoir discuter un peu.\nConnaissant le coin, elle m'a proposé que l'on tente ce restaurant.\nNe m'y étant jamais rendue et ne voulant pas mourir idiote (ce serait trop bête), j'ai accepté avec plaisir et effectué la réservation.\nTout d'abord, si vous êtes déviationnophobes (invention personnelle pour évoquer la phobie des déviations) et bouchonnophobe (seconde invention personnelle pour évoquer la phobie des embouteillages...) : fuyez.\nPour l'instant, malheureusement pour les établissements du coin, Herstal est vraiment une zone pénible à parcourir en voiture mais si vous connaissez des chemins qu'apparemment mon GPS ne connait pas, donnez les moi !\nL'établissement se trouve dans une zone commerciale et est impossible à manquer sauf si vous souffrez d'un début sévère de cécité ou alors d'un trouble déficitaire de l'attention accru.\nTrêve de plaisanteries, il est très aisé de ce garer en face et ça, j'apprécie.\nConcernant l'intérieur du bâtiment, il s'agit d'une salle gigantesque au trèèèèès haut plafond où figure un nombre incroyable de tables disposées à mon gout trop proches les unes des autres.\nHeureusement pour nos voisins fictifs que le restaurant n'était pas plein sinon, nous aurions suivi avec délectation leurs conversations... (Oulalalaaa... Je fais dans l'humour un peu lourd ce soir).\nImpossible selon moi d'avoir de l'intimité dans cette grande salle car vous avez vue sur une très grande partie des tables peu importe votre emplacement.\nLa décoration en soi plutôt très moderne dirons nous n'est pas déplaisante mais ne m'a pas vraiment séduite.\nL'assiette, les saveurs,...\nLe restaurant propose une formule entrée-plat à 28€ (+ éventuels suppléments) qui nous paraissait intéressante. Afin de pouvoir écrire sur un plus large panel, j'ai choisi une entrée supplémentaire.\nRavioles de champignons, poêlée de nos sous-bois, beurre aux truffes, dés de céleri rave.\nSaint-Jacques rôties simple face, mousseline de panais coulis de cresson au lait d'amande et mikado de granny Smith.\nDos de cabillaud rôti sur peau, stoemp de grenailles au chou Kale, sauce à la truffe.\nMoelleux au chocolat et sa glace au lait d'amande.\nTout d'abord, concernant la première entrée, je peux dire qu'elle était agréable mais pas suffisamment assaisonnée et beaucoup trop grasse à mon gout.\nLes Saint-Jacques quant à elles étaient bonnes mais je n'ai pas trop apprécié l'association de l'ensemble des produits présents dans l'assiette. Trop de gouts différents selon moi qui ne se mariaient pas suffisamment.\nConcernant le cabillaud, il accusait pour moi d'une légère sur-cuisson et le stoemp était bien trop présent compte tenu de la portion un peu faible de poisson.\nLe moelleux au chocolat était très bon et coulant à souhait, en fan de chocolat, j'ai beaucoup aimé.\nMon amie n'a par contre presque pas touché à son burger dont elle a trouvé la viande trop peu cuite par rapport à sa demande.\nUn repas qui ne m'a donc pas vraiment convaincue et même un peu déçue. Certes, le prix n'est pas élevé (bien que j'ai choisi des plats avec supplément) mais les énoncés ne répondaient pas à mes attentes. J'aurais préféré plus de simplicité peut-être mais une meilleure maitrise des essentiels (cuisson, assaisonnements...).\nLe service était plutôt agréable et souriant bien que je ne me sois pas sentie tout à fait à l'aise dans cette grande salle où je manquais de repères.\nLorsque l'on a énoncé ce que nous avions moins aimé dans les plats, le serveur s'est montré très à l'écoute et s'en est excusé. C'est une démarche que j'apprécie énormément.\nComme je l'ai précédemment énoncé, il est facile de s'en sortir avec une addition très raisonnable mais la maitrise n'était cependant pas suffisamment au rendez-vous pour être satisfaite. Ceci dit, ce n'est que mon avis. Un rapport qualité prix raisonnable mais pas le plus intéressant de la région.\nUn chouette resto pour organiser un séminaire, un gros anniversaire ou venir manger le midi sans faire de chichis mais je ne le conseille pas pour un premier rendez vous ou pour une réunion où l'on a besoin de discrétion :)


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