Continuum 40 - Dezembro-Janeiro/2013 by Itaú Cultural - issuu\ndez 2012 / jan 201340G DE GIL\nO curador da mostra Gil70\nrevê, no Depoimento, sua\nligação profissional e afetiva\ncom o compositor baiano.\nA FORÇA PROPULSORA DE HÉLIO OITICICA\nO cineasta César Oiticica Filho conta\ncomo foi mergulhar no universo criativo\ne pessoal do tio para criar o premiado\ndocumentário-experiência Hélio Oiticica\nConsiderado o melhor disco da\nmúsica brasileira, Acabou Chorare,\ndos Novos Baianos, completa 40\nanos de lançamentoencontro\nNO PALCO E NA VIDA, AS TRAMAS QUE ENVOLVEM A VIDA DAS ATRIZES\nDRICA MORAES E MARIANA LIMA.ERICA MIZUTANICOORDENAÇÃO EDITORIALAna de Fátima Sousa\nPROJETO GRÁFICOMarina Chevrand\nEDIÇÃO DE ARTEJader Rosa\nLiane Tiemi Iwahashi\nEDIÇÃO DE FOTOGRAFIAAndré SeitiCARTA DO EDITOR\nCom esta edição, a CONTINUUM encerra sua história: a partir do ano que vem a revista deixa de circular. Foram\nquase seis anos de grande dedicação da equipe responsável e também de uma infinidade de colaboradores\nexternos que, com profissionalismo, criatividade e talento, deram corpo a uma publicação que ampliou e qualificou\na informação sobre cultura no país.\nMas vimos que era tempo de repensar nosso projeto, e dessa reflexão veio a vontade de abrir espaço para o novo.\nAs experiências que vivemos, as histórias que revelamos em forma de texto e imagem, os vários amigos que\nfizemos nesse tempo todo, em especial os leitores que sempre se referiram à revista com elogios, nos fizeram ver\nque tínhamos cumprido uma missão e era hora de fechar o ciclo.DESIGNLu Orvat Design\nCOORDENAÇÃO DE REVISÃOPolyana Lima\nPRODUÇÃO EDITORIALCybele FernandesCOLABORARAM NESTA EDIÇÃOAndré Chiarati\nRicardo LabastierISSN 1981-8084 Matrícula 55.082\nAna de Fátima Sousa MTb 13.554É raro ver uma revista que tenha desfrutado de tanta liberdade em sua produção. Esse sentimento esteve presente\nem todas as decisões tomadas e se refletia no produto final. Bancada integralmente pelo Itaú Cultural, a CONTINUUM\nherdou o DNA de seu mantenedor, sendo um ambiente privilegiado para a reverberação de ideias, a reflexão, a\ntroca, a formação do olhar e a ampliação do repertório de seus leitores.\nMas se engana quem pensa que a vida acaba aos 40! Esse espírito inovador permeará as ações futuras da comunicação\ninstitucional, em especial em seu site, plataforma com inúmeras possibilidades de difusão, informação, fruição e\naprofundamento. É lá que passaremos a publicar conteúdos similares aos que fazíamos na revista.\nAgradecemos a todas as fontes do mundo da cultura que passaram por nossas páginas e são sem dúvida os\nmaiores responsáveis pela credibilidade que a revista desfrutou desde o começo. Seu carinho em atender nossas\ndemandas certamente atingiu os leitores, que tiveram a oportunidade de conhecer de maneira clara as ideias e\nações de quem faz cultura.\nEnfim, fizemos bonito e assinamos embaixo:\nEduardo Saron, Ana de Fátima Sousa, Marco Aurélio Fiochi, Roberta Dezan, Polyana Lima, Marina Chevrand,\nAndré Seiti, Jader Rosa, Liane Iwahashi, Luciana Orvat, Ricardo Daros, Ciça Corrêa, Karina Hambra, Nelson\nVisconti, Maria Clara Matos, Fernanda Castello Branco, Claudiney Ferreira, Guilherme Kujawski, Isabella Protta,\nCybele Fernandes, Jaqueline Santiago, André Queiroz, Sulamita Carvalho, Renato Corch, Dino Siwek, Silvio Santis,\nHugo Henrique Alves, Juliana Bezerra, Nathalie Bonome, João Paulo Filomeno, Mariane Ribeiro, Natane Abreu,\nThiago Rosenberg, Carlos Costa, Micheliny Verunschk, Mariana Lacerda, Carolina Miranda, Gabriela Rassy, Paula\nFazzio e todos que estiveram conosco nessa caminhada.CARTA DO LEITOR\n“Gostei muito da revista com Tulipa Ruiz na capa (edição 38, ago-set. 2012). Não só por causa disto: as matérias estavam\ninteressantes e atraentes. Li com prazer!”\nNeuza Pommer, por e-mailEnvie seu comentário sobre a CONTINUUM para o e-mail continuum@itaucultural.org.br ou utilize os canais do Itaú Cultural no\nDRICA MORAES E MARIANA LIMA.capa: drica moraes e mariana lima\nfoto: caio palazzoCOMPARTILHE\nSUA CONTINUUMBaixe o aplicativo da\nde vídeos exclusivos.060812| o norte é aqui\nO Festival Terruá Pará trouxe para o Auditório Ibirapuera mais\nde 50 artistas daquele estado. Confira os bastidores das apresentações: não faltou animação.ACESSO RESTRITOC A P A | encontro marcado\nAtrizes e amigas, Mariana Lima e Drica Moraes estrelam uma\ndas mais bem-sucedidas montagens da atualidade, A Primeira\nVista, que está de malas prontas para uma temporada na Europa.\nE N T R E V I S T A | a força propulsora de hélio oiticica\nO cineasta César Oiticica Filho conta como foi o processo de\ncriação do documentário experimental baseado na obra de seu\ntio, um dos maiores nomes das artes visuais brasileiras.M U S E U S D O M U N D O | um olhar atento para a arte\nMuseu Oscar Niemeyer, de Curitiba, completa 10 anos em constante movimento.a gente não quer só comida\nUniversidades não formais de cultura despontam no Brasil como\nalternativa ao ensino acadêmico. O traço principal dos projetos é a\nformação de redes colaborativas.\nP O L Í T I C A S C U LT U R A I S |de pai para filho\nPrograma Leia para uma Criança já distribuiu 22 milhões de livros\npara que pais incentivem seus filhos desde cedo ao hábito da leitura.\nREPORTAGEM |21 24\n20R E P O R T A G E M | entre rinhas e saraus\nUma programação intensa garante a permanência e o\nfortalecimento do movimento hip-hop em São Paulo.\nR E P O R T A G E M | você também pode ter uma...\nMúltiplos e livros de artista tornam a arte mais acessível por\ncausa de seu valor, bem menor do que o de obras convencionais.\nAlém disso, são uma linguagem vigorosa das artes visuais.P E R F I L | ganhar o mundo para voltar ao mesmo lugar\nO pernambucano Irandhir Santos vem dando vida a personagens\nde peso na atual safra do cinema brasileiro. Sua imagem tem\npercorrido o mundo, mas isso não o faz se desligar de seu recanto, a\n30R E P O R T A G E M | a mudança está nas ruas\nA arte pública assume importância significativa na economia das\ncidades ao ser um atrativo do turismo cultural.363812C E R T I D Ã O D E N A S C I M E N T O | tinindo e trincando\nHá 40 anos, um grupo de hippies deu à luz um clássico: o álbum\nAcabou Chorare. Conheça a história e as histórias dos Novos Baianos.D E P O I M E N T O | g de gil\nO artista e pesquisador André Vallias cria poema inédito para\nhomenagear Gilberto Gil, com quem tem uma longa relação\nprofissional. Autor do primeiro site do artista em 1995, hoje ele é o\ncurador da exposição que comemora os 70 anos do compositor.34083221R E S E N H A | unidos pelos extremos\nO capixaba Silva e o carioca João Cavalcanti lançam seus álbuns\nde estreia e marcam espaços distintos na MPB.\nD E P O I M E N T O | deixando macondo para trás\nEscritores latinos falam de temas contemporâneos e criam obras\nque passam longe do realismo fantástico, sinônimo da literatura\ndessa região.férias em boa companhia\nSeção de dicas traz opções de lazer e reflexão.BALAIO |30terruá pará\nACESSO RESTRITO |O NORTE\nFestival traz cena musical efervescente a\nSão Paulo e colore o Auditório Ibirapuera\nem três noites de festaTEXTO patrícia colomboFOTOS patrícia stavisCom o intuito de difundir a música paraense pelo país, o festival Terruá Pará deu seus primeiros passos lá em 2006. O evento, que neste ano chegou à\nsua terceira edição (a segunda foi realizada em 2011), reúne artistas tanto da velha guarda local quanto novos nomes que já ultrapassaram as fronteiras da\nRegião Norte. Conscientes do clima alegre inerente às suas canções, os orgulhosos paraenses há anos, portanto, fazem questão de pegar o avião rumo a\ndiversos pontos do Brasil, carregando consigo uma espécie de recorte sonoro de seu estado. “Não queríamos esperar que os jornalistas ou grande parte do\npúblico fossem até o Pará conhecer alguns talentos. Decidimos criar o show, embalar muito bem e chamar as pessoas, visitando algumas capitais”, conta\nAdelaide Oliveira, que divide a direção executiva com Ney Messias Jr.\nMas organizar as apresentações é dureza: imagine a logística de percorrer o país com equipe técnica somada a 50 artistas de faixa etária e agendas diferentes – como foi em 2012, quando o evento passou por São Paulo, no Auditório Ibirapuera, entre 5 e 7 de outubro. Marcando o lançamento dos CDs e DVDs\ndas edições anteriores, o espetáculo trouxe em seu line-up nomes que integraram os outros dois anos, acompanhados de uma banda base. Artistas como\nNilson Chaves, Sebastião Tapajós, Paulo André Barata e Mestre Curica apresentaram suas produções musicais consagradas ao lado de Gaby Amarantos,\nGang do Eletro, Felipe Cordeiro e Lia Sophia. Pluralidade de gerações, de ritmos, de vozes, de cultura. Carimbó, siriá, tecnobrega, guitarrada, entre tantos\noutros tipos sonoros. Uma festa celebrada de braços abertos por quem sente no peito a beleza musical encontrada aos montes pelo Brasil.FESTA PARTICULAR\nDona OneteEngana-se quem pensa que a festa e o show só\nrolam no palco. Ao circular pelo backstage do\nTerruá Pará, é comum ver miniagitações nos camarins enquanto os artistas se arrumam. E não\nse trata de algum aquecimento: apenas festejos\ndos bem genuínos mesmo, entre amigos. De um\nlado, Dona Onete, Lia Sophia e Luê Soares, entre um batom e outro, contam histórias, cantarolam e caem na gargalhada. No Clube do Bolinha\nparaense, situado na outra ponta do corredor,\no time de mestres Laurentino, Curica, Vieira e\nSolano mistura percussão inusitada (sobrou até\npara o recipiente de lixo!) e instrumentos de sopro com os Metaleiros da Amazônia (formado\npor Manezinho do Sax, Pantoja do Pará e Pipira\ndo Trombone). Troca de camisa aqui, batucada\nacolá. Tinha até gente parada no corredor – músicos e alguns integrantes da produção – para\nver, ouvir, fotografar e filmar a empolgação generalizada. “Por aqui, temos esses encontros que\nsão simplesmente incríveis”, conta Lia Sophia. “E\neu divido o palco com o Mestre Solano, que tem\numa história linda de carreira na guitarrada.”Felipe CordeiroDIRETO PARA O PALCOSó Gaby Amarantos, atual sensação da música nacional, ficou de fora da festa dos bastidores. Como era\na última a integrar o show, chegou ao Auditório no\nfim da noite, atrasada, arrumou-se às pressas no camarim, apenas acompanhada de sua equipe pessoal,\ne logo se encaminhou ao palco, trajando um longo\nvestido metalizado. Naquele momento, a maior parte\ndos artistas já se encontrava na coxia para a reunião\nde encerramento – que foi realizada após duas canções de Gaby, “Gemendo” e “Merengue Latino”, ambas do álbum Treme, lançado neste ano.\nMestre LaurentinoAO VIVO E EM CORESCorreria como em qualquer apresentação, mas uma espécie de harmonia contagiante. Quem esteve presente em um dos três dias de Terruá\nPará em São Paulo teve noção de quão colorido e alto astral era o palco. Mas, além do cenário, outro fator contribui em peso para o efeito\narco-íris: os figurinos – cuja consultoria fica a cargo de Sandra Machado.\nCuidadosamente pensado para cada um dos músicos, nada ali é blasé\nou básico. Os paraenses mostram como é viva sua cultura expressando-se também por meio de suas vestimentas. Saias rodadas das mulheres contribuem para o movimento hipnótico e sensual das danças,\ne as cores se misturam divertidamente. O prateado de Gaby Amarantos\nencontra o vermelho de Lia Sophia, que cruza com o amarelo e a delicada flor no cabelo de Dona Onete. A Gang do Eletro chega com sua\ncaracterística maquiagem neon e roupas cuja elaboração conta até com\nsucata – criando um efeito único. Mestre Laurentino ostenta chamativos\ne numerosos anéis e até a Orquestra de Violoncelistas da Amazônia,\nmais contida no preto, traz detalhes verdes e amarelos em seus trajes.Gaby AmarantosOLHOS ATENTOS, CORPO EM MOVIMENTOO roteiro do show previa que a maior parte dos artistas subiria ao palco para duas canções com\na banda base e retornaria ao final da apresentação para a execução conjunta do “Pot-Pourri de\nCarimbó”. Contudo, era interessante reparar que, com raras exceções, nenhum deles voltava ao\ncamarim. No máximo, descia para pegar algum lanche. Era comum presenciar uma concentração dos músicos na coxia, curtindo o que estava rolando no palco e prestigiando uns aos outros\ncom aplausos e danças.CONTINUUM0607Lia Sophiamariana lima e drica moraes\nCAPA |Mariana e Drica em ensaio fotogrĂĄfico\ndurante a temporada de A Primeira Vista,\nno ItaĂş Cultural, em novembroencontro\nTEXTO gabriela rassyO jogo cênico de Mariana Lima e Drica Moraes traz ao palco a renovação da amizadeFOTOS caio palazzodas atrizes em sua fase mais maduraDrica Moraes conhece Kike desde os 14 anos.\nJá namoraram, atuaram, fundaram juntos a Cia.\ndos Atores, no Rio de Janeiro, e hoje acumulam 30 anos de amizade. Mariana Lima é casada com Kike há 15 anos. Paulistana, mora com\no marido e as duas filhas, Elena e Antonia, no\nRio. Conheceu Drica em meados dos anos 2000\ndurante as apresentações do espetáculo O Rei\nda Vela, com a Cia. dos Atores, no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), em São Paulo. A partir\ndesse ponto, as duas foram se aproximando até\nse tornarem amigas e, hoje, parceiras de palco.\n“Mariana é irresistível, é dessas pessoas que\nvocê fica amiga muito rápido.”na. “A peça tem muito a ver com ela, com a atriz\nque ela é.” Para as atrizes, a combinação entre as\nduas foi muito bem-vinda, pois a dramaturgia\nabraça personagens opostas em temperamento\ne personalidade, tal como elas.“Você tem filhos? Só sei que muda muito a vida,\no tempo fica muito curto. Não tem essa de chopinho”, diz Drica. Mariana concorda: “O complicado é a jornada dupla, no trabalho e em casa.\nFicamos com pouco tempo de descanso. A vida\né outra, não dá para sair toda hora”. Realmente, com tantas atividades entre palco, ensaios e\ngravações para a televisão, as atrizes vivem em\num esquema bastante corrido. Logo após se conhecerem, Mariana engravidou de Elena e Drica\ntentava fazer inseminação artificial. Depois se encheu e entrou na fila da adoção. “Tivemos sempre esse viés de falar de crianças e de começo da\nvida de adulta.”\nQuando Drica adotou Matheus, hoje com 3\nanos, Mariana já tinha duas filhas. Elas passaram então a fazer mais coisas juntas e a viver um mesmo assunto. São tantos encontros,\nalém das viagens com a peça, que Matheus já\nchama Antonia de irmã. “A gente acaba pegando um pouco desse afeto para a gente”,\ndiz Drica. Nesse embalo da maternidade, as\nduas trocam experiências, falam sobre criação, sobre como deixar que os filhos se virem\ne também como é importante um pouco de\nfrustração diária na vida das crianças para\nque cresçam bem.CONTINUUM0809Liga inicial entre as duas, o ator e diretor Enrique\nDiaz, chamado pelos amigos de Kike, as uniu na\nvida e as reuniu no tablado. Em cartaz desde março de 2012, A Primeira Vista, dirigida por Diaz,\nfoi o primeiro trabalho no qual as atrizes se viram\njuntas em cena. E o texto fala exatamente disto:\nreencontros, amizade, amor, lembranças. Quando o diretor decidiu fazer a montagem, a segunda\nem que se vale de um texto do canadense Daniel\nMacIvor, Mariana se candidatou logo de cara. O\nconvite deles à Drica veio justo no período em\nque ela se recuperava de uma leucemia. “A gente\nachou que era um momento para estarmos juntas e fazer a nossa estreia em cena”, conta Maria-Drica transitou mais vezes entre comédia e drama, entre televisão, cinema e teatro. Sabe como\nfazer humor de um jeito mais ligeiro, mais rápido, tem um timing maior. Ainda neste ano,\nganhou o Grande Prêmio do Cinema Brasileiro por seu papel coadjuvante em Bruna Surfistinha – o Filme, dirigido por Marcos Baldini. O\nregistro de Mariana está no drama, na tragédia,\nnas construções mais bizarras. Na comédia, ela\ntende para um lado mais negro, louco, absurdo,\ncomo é o caso dos seus trabalhos com o Teatro\nda Vertigem e, mais recentemente, com Pterodátilos, peça do norte-americano Nick Silver e\ndirigida por Felipe Hirsch, que lhe rendeu o Prêmio Shell de Melhor Atriz em 2010. “Por mais\nque a gente componha e faça tipos, tenha códigos e estilos bem particulares, trabalhamos com\nverdade absoluta e isso também nos une”, diz\nDrica. Para a atriz, as duas articulam bem esses\nopostos, tirando proveito disso. “É uma situação\nem que o jogo cênico se estabelece muito bem,\nporque ela não rouba em cena. Está sempre contribuindo, jogando dentro da ação.”JORNADA DUPLAmariana lima e drica moraes\nCAPA |“O palco sempre tem um pouco de loucura.\nUma loucura boa.” Drica Moraes\nNas viagens, quando possível, elas tentam conciliar\nas famílias. Cada vez é uma história diferente: com\nas crianças, com os pais, com o namorado da Drica.\n“Tem essas oportunidades em que eles se juntam\nenquanto a gente trabalha, então dá um clima Novos Baianos – ou ‘velhos baianos’, no caso”, ri Drica.\nDUAS PALHAÇASEm A Primeira Vista, a personagem de Mariana\né mais etérea, desligadona, lenta e até um pouco\nbicho-grilo. A de Drica é pragmática, prática, racional, rápida. Esse contraponto é nítido. São dois\npapéis que carregam emoção, complexidade, mas\nque têm o timing da piada. A definição das figuras dramáticas veio num bilhete enviado pelo ator\nGuel Arraes, após assistir a uma apresentação:\nduas palhaças. Drica, a palhaça solar, e Mariana,\na lunar. “Tem mesmo uma coisa do circo, de fazer\nali na hora e de apresentar os truques ao público,\nporque não tem cenários, figurinos ou grandes\nmistérios”, explica Drica.\nA Primeira Vista trata de um recorte de tempo\nentre o passado e o presente, em que as personagens reveem e revivem o período entre a juventude e a vida madura. Fala do desafio de começar algo novo, de se arriscar profissionalmente,\ne também sexualmente, e de tomar decisões\nafetivas. “Levamos para o ensaio muito da nossa\nmemória pessoal e nos reconhecemos um pouco\nna estupidez que há no começar alguma coisa.\nComo a gente erra, se atropela, faz escolhas erradas no começo da carreira, da vida, ou como\ndeixa de fazer o que queria ter feito”, conta Drica.\nA atriz acredita que o público, de um modo geral,\nse identifica, assim como elas, com a beleza desse\nmomento de fragilidade que é sair da adolescência e ingressar na vida adulta.\nNessa fase de buscas e mudanças, as personagens decidem formar a banda Ukuleladies, referência ao ukulele, instrumento que tocam em\ncena. Uma queria, a outra acabou indo junto, e\nelas começaram esse projeto musical meio falido,\njá que não eram exatamente musicistas sensacionais. Para o diretor, isso faz parte desse limite da\namizade e do amor, de fazer o que a outra quer,\nmesmo sem querer muito.\nPara Diaz, elas acabaram naturalmente levando\nmuito da peça para a vida pessoal. A Mariana\nvoltou a tocar baixo, as filhas se interessaram e\ncomeçaram a tocar. Até mesmo o ukulele passou\na fazer parte da vida de Mariana, que vez ou outra\ntoca o instrumento em casa. “Acho que tem um\nlimite muito tênue entre a arte e a vida. Como\nnunca estamos de férias, acabamos vivendo muito aquilo que fazemos”, aponta Mariana. Já Drica\nnamorou a música desde sempre. Fez alguns musicais, estudou piano na adolescência e o ukulele\nveio fazer parte desse universo musical.A facilidade de incorporar os personagens à vida\ntambém vem do estilo de dramaturgia de Daniel\nMacIvor. Para Drica, ele escreve de um jeito inacabado, no qual as personagens falam pérolas\nde profunda sabedoria, travam um embate de\nideias complexas, mas de forma fluida, quase displicente, coloquial. “A peça é muito leve. Parece\nque nem foi escrita para o teatro, e sim que foi\nimprovisada”, analisa. Visualmente, é um espetáculo bastante minimalista: pouquíssimos objetos em cena, figurino composto de calça jeans\ne camiseta, um fundo infinito. Nada interfere no\ntexto e no contato com o público. A direção de\nEnrique Diaz inclui cenas em que as duas olham\nnos olhos do público. “Isso gera uma atividade\nprofunda com a plateia, que é incluída no jogo\ncênico. É como se eles tivessem um personagem\ne contracenassem com você.”\nA peça foi o primeiro trabalho de Drica Moraes\ndepois do câncer e, segundo Mariana, ela impressionantemente teve muita energia para trabalhar.\nO casal amigo criou as melhores condições possíveis para desenvolver os ensaios: uma boa comida e um bom ambiente, prazeroso, saudável.\n“Às vezes, nós nos enfiávamos num porão, não comíamos direito. Nesse caso, forçávamos a barra\npara ter uma pausa para um lanche, para não ser\npuxado demais, mas acabava que os workaholics\naqui ensaiavam seis horas por dia. E ela também\nnão arregava”, conta Mariana. “Eu falava: ‘vamos\nparar, tem a Drica’. Mas por ela ia embora.”\nCom o trabalho acontecendo, a atriz foi ganhando tônus, agilidade, memória. Enrique Diaz conta\nque era um momento em que eles queriam estar\npróximos dela. “Foi leve, sensível. A peça teve\ntambém essa ‘função’, de nos unir mais.” Para\nDrica, o processo foi fundamental na sua recuperação. Com todo esse aparato afetivo de trabalhar\nentre amigos, ela se encontrou num lugar muito\nseguro, pronta para poder enlouquecer de novo.\n“O palco sempre tem um pouco de loucura. Uma\nloucura boa”, diz.“Acho que tem um limite\nmuito tênue entre a arte e a\nvida. Como nunca estamos\nde férias, acabamos vivendo\nmuito aquilo que fazemos.”CONTINUUM1011Mariana Limacésar oiticica filho\nENTREVISTA |”SE A GENTE\nQUE PERMEIAM O\nTRABALHO DO HÉLIO,\nQUE SÃO O VERMELHO\nE O LARANJA, LOGO VÊ\nQUE O TEMPERAMENTO\nPASSOU PARA A OBRA.”A força propulsora dehélio\nUm dos pais do tropicalismo e referência do neoconcretismo no Brasil,Hélio Oiticica viveu pouco, mas fez muito. Agora, ganha forma de documentário experimental, dirigido por seu sobrinho, César Oiticica FilhoTEXTO mayara monteiroFOTOS daryan dornellesHélio Oiticica é o filme que ganhou o prêmio de Melhor Longa-Metragem Documentário no Festival do Rio em 2012. Dirigido por César Oiticica Filho, sobrinho do artista visual, ele refaz a trajetória de 30 anos de atuação de Hélio e apresenta a intimidade do homem que viveu pouco,\nmas intensamente, o grande mundo da criação artística.\nDividida em blocos, a obra mostra a infância do artista; sua participação no movimento neoconcreto; a importância do samba em sua obra; os períodos que viveu em Londres e em Nova York;\na volta ao Rio de Janeiro, sua cidade de origem; e o processo de mistificação e desmistificação\ndas ruas, presente em sua obra.\n“O som é a alma do filme”, enfatiza César, satisfeito com o resultado da montagem experimental\nque reúne imagens, vídeos, texturas e a participação de artistas que conviveram com Hélio e\no homenagearam. As referências usadas pelo cineasta na concepção do documentário vão de\nSerguei Eisenstein, Ricardo Miranda, Humberto Mauro e Ivan Cardoso (autor do documentário\nH.O., de 1979) a Jards Macalé, Caetano Veloso, Johann Bach e Jimi Hendrix. A intenção, segundo\nCésar, é apresentar o artista ao Brasil. “A essência do filme está em todas essas linguagens, cria-CONTINUUM1213das juntas. O que é o filme? Não sei, não sei nem se é um filme. É um estado de invenção”, avalia.césar oiticica filho\nENTREVISTA |O documentário conta a história de vida do seu\ntio, Hélio Oiticica. O que você desejou mostrar\nCÉSAR OITICICA FILHO: É um projeto de muito tempo e foi feito em camadas. Gosto de falar isso porque, embora seja um filme que acabou sendo classificado como\ndocumentário, tem muito de experimental em vários sentidos. Pode-se perceber isso tanto em relação ao som, com\numa trilha sonora que envolve a história de vida do Hélio,\nquanto em relação às imagens que, ao mesmo tempo que\nprocuram dialogar com seu discurso, fazem várias homenagens e referências. Além disso, a montagem cinematográfica teve como objetivo apresentar o artista ao Brasil.“O HÉLIO NÃO SE INTERESSAVA\nAPENAS PELA FILOSOFIA DA ARTE.\nÉ CLARO QUE SEU TRABALHO\nE DISCURSO DE ALTO NÍVEL\nCONTRIBUÍAM [...], MAS SUA\nARTE VEM DAS MANIFESTAÇÕES\nPOPULARES, DO CARNAVAL.”Como essas linguagens contribuíram para o resultado do filme?\nCÉSAR: O que dá o clima do filme é o som. Além das músicas históricas, ele conta com a participação fundamental\ndo músico e compositor Jards Macalé. Quando nos encontramos para gravar, Macalé me disse: “Você não sabe o que\neu encontrei”. Era uma música totalmente concretista que\no Hélio escreveu para ele, chamada “Puto Nem Gil”. Quando gravamos, rolou um casamento incrível. Ele também\ncriou uma versão para “You Don’t Know Me”, que foi gravada inicialmente pelo Caetano Veloso no álbum Transa,\ntambém com arranjo de Macalé.\nComo você definiria Hélio Oiticica?\nCÉSAR: O Hélio não se interessava apenas pela filosofia\nda arte. É claro que seu trabalho e discurso de alto nível\ncontribuíam, mas isso não quer dizer que ele falava só\ncom a classe média alta que entendia do assunto. Pelo\ncontrário, sua arte vem das manifestações populares, do\nCarnaval. O mais interessante é o fato de ele conseguir\nnivelar as classes sociais e transformar o objeto pictórico,\nrelativo ao quadro e à escultura, em algo fenomenológico, inspirado nas relações humanas.\nO que de sua personalidade refletiu mais intensamente em sua obra e vice-versa?\nCÉSAR: Se a gente pensar nas cores que permeiam o\ntrabalho do Hélio, que são o vermelho e o laranja, logo vê\nque o temperamento explosivo dele passou para a obra.\nIsso é bem interessante e me faz pensar no incêndio que\ndizimou algumas obras do artista [ocorrido em outubro\nde 2009]. As pessoas me perguntam por que não falei\ndele no filme. Mas o fogo está presente no filme. A bólide\nque é mostrada quer inflamar a obra com a cor. De tão\nforte e pura que ela é, toma conta. As atitudes dele eram\nassim. O filme pega fogo sozinho, com suas imagens.\nNão abordei o incêndio porque a ideia do projeto é muito anterior a ele – ficou mais de cinco anos na Ancine – e\nretrata, acima de tudo, a vida do Hélio.\nO que vocês conseguiram recuperar do incêndio?\nCÉSAR: Ainda estamos recuperando. O restauro é difícil,\nmas muita coisa já faz parte da exposição em Portugal\n[Museu É o Mundo, em cartaz até o início de janeiro de\n2013 em Lisboa; apresentada em 2010 no Itaú Cultural,\nem São Paulo]. Muitos me perguntam sobre números,\nmas não tenho como dizer porque até hoje estou recuperando fotos. Eu abro um álbum carbonizado, mas quando\nse conta há mais de 300 imagens que estão boas, que\npodem ser digitalizadas e recuperadas. Algumas estão\nperfeitas! Não posso ser leviano ao dar números se sou\neu o curador e minha função – claro que não sozinho – é\nter distanciamento e olhar crítico antes de dizer se determinado material está bom mesmo.Você falou que o filme funciona em camadas. Isso\nsignifica que ele não é linear?\nCÉSAR: Ele me parece bem linear, mas foi criado em\nblocos. Glauber Rocha já falava muito sobre a montagem nuclear. Eu não cheguei a usar por causa da própria obra do Hélio – a saída do quadro para o espaço é\num núcleo, uma vez que a pintura está fragmentada em\nvários pedaços que se agrupam e formam uma obra tridimensional. Mas, quando montamos o filme, esse pensamento me impulsionou a fazê-lo em blocos. Procurei\nagrupar a obra e criar uma lógica que trouxesse sentido.\nAinda assim, ele não é totalmente linear.\nE aonde você quis chegar com essa lógica?\nCÉSAR: A ideia do filme é – inicialmente – apresentar\no Hélio ao Brasil, porque as pessoas não o conhecem.\nÉ a mesma coisa que na Holanda ninguém conhecer\nVan Gogh. Claro que é outra cultura, mas acho que aí\nestá a importância do documentário: precisamos reconstruir a imagem do país. Nesse sentido, o filme é\num documentário, mas sua forma não é. Eu diria que\nele é um documentário experimental.\nComo você amarrou as questões ideológicas que\nseu tio defendia à mensagem que, como diretor e\nprodutor, quis transmitir às pessoas?\nCÉSAR: Geralmente, a imprensa questiona, de forma\npejorativa, como consegui colocar cenas polêmicas,\nde drogas e sexo, sendo parte da família. Na verdade, foi bem fácil, porque minha família não é católica nem protestante; então lidamos com isso numa\nboa. A obra mostra a intimidade que um texto ou\numa exposição não conseguiriam retratar. Ele, como\nnarrador, torna o filme quase performático. Isso surpreendeu as pessoas. Eu nunca quis fazer uma coisa\ncareta, mas tudo é um experimento. Fiz testes para\nver o que funcionava.O cineasta César Oiticica Filho\nmostra as várias faces do\ncriador dos Parangolésampla, do grande mundo da invenção. Talvez seja\nesse o grande legado da obra e das ideias dele. Falar\nisso hoje é muito importante. Muita gente acredita\nque tudo já foi feito, que é só copiar. Mas não é assim.No filme, Hélio Oiticica declara: “O branco no\nbranco é o maior estado de invenção”. O que isso\nCÉSAR: Ele estava dizendo que a invenção era a força\npropulsora de seu trabalho. Não existe ideia separada do\nobjeto, o que existe é a invenção.Você pretende dar continuidade ao projeto?\nCÉSAR: Como diretor e produtor do filme, o projeto está\nencerrado, mas o trabalho do Hélio é um universo quase\ninexplorado. A gente fez muito pouco ainda. Essa é uma\nmissão futura do Projeto Hélio Oiticica [associação que\ncuida da obra do artista].\nO filme termina com Hélio Oiticica falando de\nsua relação com as ruas, sintetizada na ideia de\ndelírio ambulatório. Aonde você quis chegar com\nCÉSAR: O Hélio dizia que “o delírio ambulatório, quando ele não é patológico, ele é extremamente gratificante”. Delírio ambulatório quase virou o subtítulo do\nfilme, mas era algo tão forte que acabaria apagando a\nforça do título, já que ele nada mais é que a alma desse trabalho. O caminhar pelas ruas está relacionado ao\nsentido de caminhar com o Hélio pela história, pelas\ncidades, pela obra, pelo cinema, pela música. A essência está em todas essas linguagens, criadas juntas. O\nque é o filme? Não sei, não sei nem se é um filme. É um\nestado de invenção.CONTINUUM1415Qual foi o momento mais “branco no branco” pelo\nqual você passou no processo de criação do filme?\nCÉSAR: Recuperei mais de 2 mil imagens do incêndio que entraram no filme apenas em alguns pedaços. É que o Hélio fotografava tudo em sequência,\nsem editar, como se estivesse filmando, só que em\noutra velocidade. O que eu fiz foi tentar dialogar com\no cinema e a parte sensorial, de fato o que me interessava. No filme, o Hélio fala: “Eu não quero montar nada”. No nosso caso é o contrário. Nosso filme\né totalmente montado. Então, peguei esse diamante,\nque são suas fotografias, e transformei em branco no\nbranco, em cinema. Enquanto estava filmando, fiquei\naberto para o que acontecesse na hora. Não sabia se\nia ficar bonito, não tinha nada estabelecido. O filme é\ncomo uma aula sobre o que é a arte. Quando se ouve\no Hélio falar sobre a arte, ele não está falando apenas\ndo trabalho dele, mas, sim, numa perspectiva maisVocê conviveu muito com seu tio?\nCÉSAR: Não, eu era muito novo e ele viveu pouco [morreu aos 43 anos]. Mas, nesses 30 anos de trajetória, ele\nfez muito. Todo mundo com quem conviveu conta que\nele convencia as pessoas de que elas eram artistas e as\ncolocava para trabalhar. Muita gente virou artista por\ncausa desse impulso. Ele inflamava as pessoas com essa\ncoisa de inventar algo.mon\nMUSEUS DO MUNDO |TEXTO andré chiaratiUm museu vivo e em constante movimento. Assim é o Museu Oscar Niemeyer (MON), dedicado a exposições de artes visuais, arquitetura e\ndesign. Com mais de 17 mil metros quadrados de\nárea expositiva, ostenta o título de maior espaço\ncultural desse tipo na América Latina, além de ter\nsido eleito recentemente um dos 20 mais belos\ndo mundo pelo site norte-americano Flavorwire, especializado em cultura e crítica de arte. O\nmuseu é a única instituição latino-americana\na integrar a seleta lista. “É um reconhecimento\nvalioso para todos, principalmente para aqueles\nque idealizaram esse projeto e defenderam sua\nimportância; e para Oscar Niemeyer, que o desenhou com seu traço singular e poético”, comenta\nEstela Sandrini, diretora do MON.\nAo longo de dez anos de história, o museu já\nrealizou mais de 230 mostras e recebeu eventos\ne exposições importantes, como o TEDx Curitiba (2011), a Bienal Internacional de Curitiba\n(2011) e exposições sobre dadaísmo e surrealismo, Rembrandt e Tomie Ohtake. “A vinda de\nmostras internacionais para cá e o dinamismo\nda agenda fazem com que as pessoas se sintamsempre estimuladas a voltar, porque sabem que\nencontrarão, a cada visita, uma proposta diferenciada”, avalia Estela. As 20 mostras temporárias que passam pelo MON recebem por ano\nmais de 200 mil visitantes, uma média de 25 mil\npessoas por mês.\nVários movimentos da cultura curitibana já pediam, desde os anos 1990, um grande museu,\num lugar que pudesse receber as obras de arte\ndo estado. “Era a reivindicação por um espaço que fosse completo e não fragmentado em\nrelação à cronologia, às linguagens e aos movimentos artísticos, como eram os museus de\narte de Curitiba até então”, relembra Ricardo\nFreire, historiador do MON. O espaço é administrado pela Associação dos Amigos do Museu Oscar Niemeyer (Aamon) em parceria com\na Secretaria de Estado da Cultura e possui um\nacervo de mais de 3 mil peças, com obras dos\nparanaenses Alfredo Andersen, João Turin,\nTheodoro De Bona, Miguel Bakun, Guido Viaro e Helena Wong, além de Tarsila do Amaral,\nAnita Malfatti, Candido Portinari e do próprio\nOscar Niemeyer, entre outros.MUITO PARA SER VISTOPara celebrar uma década, o MON preparou\numa programação especial com três grandes\nmostras: Degas: Poesia Geral da Ação, com 73\nesculturas do artista impressionista francês, do\nacervo do Museu de Arte de São Paulo (Masp);\nDi Cavalcanti, Brasil e Modernismo, retrospectiva com 80 obras de um dos mais expressivos artistas do período modernista da arte brasileira; e\nPR-BR – Produção de uma Imagem Simbólica do\nParaná na Cultura Visual Brasileira, com obras\nOcupa o “olho” um filho ilustre da terra dos pinheiros, o poeta Paulo Leminski. Curitibano do\n“leite quente”, Leminski saiu pouco de sua cidade\nnatal, mas sua obra ganhou dimensão dentro e\nfora do Brasil. Em Múltiplo Leminski é possível\nconhecer não só o poeta, mas o jornalista, o grafiteiro, o polemista. A exposição é um recorte da\nOcupação Leminski: 20 Anos em Outras Esferas,\norganizada pelo Itaú Cultural em 2009.\nComo forma de estimular e democratizar o\nacesso à cultura, o MON possui atividadesUM OLHAR ATENTO\nPARA A ARTEO gigante Museu Oscar Niemeyer prepara três grandes mostras para celebrar umafoto: Nelson Kondécada de estímulo à arte na capital paranaenseO grande olho criado por Oscar\nNiemeyer pode ser visto de\nvários pontos de Curitibafotos: Marcelo KawaseVista do interior do museueducativas, como oficinas, debates e fóruns\npara os diferentes públicos que frequentam\no local. Desde setembro de 2012, na primeira\nquinta-feira do mês, o horário de funcionamento é estendido, das 10h às 20h, e entre 18h e 20h\na entrada é franca. Há, ainda, a ação chamada\nDomingo Social, também com entrada franca\nno primeiro domingo do mês, que traz outras\natrações para o museu, como apresentações\nmusicais e de dança e oficinas do projeto Artista do Acervo – uma interação dos diferentes\nartistas que têm obras na coleção do espaço e\nque estão em atividade.O principal desafio do MON foi readequar o prédio e construir um anexo apenas alguns meses\nantes de sua inauguração. “Será tão bem-sucedida que o museu imaginado constituirá, sem\ndúvida, uma obra espetacular”, sentenciou o próprio Niemeyer ao descrever o projeto, que teve\nsuas obras iniciadas em junho de 2002. Quatorze\nmilhões de dólares e cinco meses depois, em 22\nde novembro, surgia o novo museu, que, inicialmente, abrigava o acervo do Museu de Arte do\nParaná (MAP) e do extinto banco paranaense Banestado. Só em 2003 é que o espaço passou a se\nchamar Museu Oscar Niemeyer.UMA OBRA ESPETACULARO edifício integra o Centro Cívico de Curitiba,\nprimeiro a ser construído no Brasil, em 1953, encomendado pelo governador Bento Munhoz da\nRocha como parte das homenagens ao centenário\nde emancipação política do Paraná. O conjunto de\nprédios, do arquiteto francês Alfred Agache, é parte do projeto de urbanização desenvolvido para\nCuritiba na década de 1950. Já a praça ao lado do\nmuseu é uma das únicas peças executadas do plano paisagístico de Burle Marx, de 1977. Hoje, a capital paranaense acumula boas referências quando o assunto é soluções urbanas bem planejadas,\naliadas às suas belas paisagens.O prédio de concreto branco e iluminação zenital, inaugurado em 1967 como Instituto de Educação do Paraná, infelizmente nunca exerceu tal\nfunção. Niemeyer, desgostoso por seu projeto\nnão ter sido executado em sua totalidade e ainda\nter sido usado para fins diferentes daqueles para\nos quais fora idealizado, não fazia muita questão\nde dizer que o filho era seu.Atrás do museu há outro ponto turístico de destaque: o Bosque João Paulo II – homenagem ao\npapa que visitou a cidade em 1980 –, com uma\nmata nativa de 300 araucárias. Fronteiriço ao bosque, há um grande gramado também conhecido\ncomo Parcão, que, aos finais de semana, recebe\nos mais diferentes públicos: jogadores de futebol\namericano, músicos, praticantes de corda bamba, tribos das mais variadas e uma infinidade de\ncachorros correndo de um lado para o outro. “Eu\ncostumo vir muito a esta parte do museu e nunca\nhavia entrado nele”, confessa Adriane Ribas, advogada, que pela primeira vez, durante o mês de\naniversário do lugar, conheceu o interior do MON.Não é raro ver diferentes manifestações artísticas acontecendo dentro, fora e ao redor do\nmuseu. Sejam grupos de adolescentes que\nensaiam passos de hip-hop, sejam fotógrafos\nclicando ensaios artísticos ou músicos tocando seus instrumentos. Todos se conjugam no\nmesmo espaço. Depois de tantas idas e vindas,\nhoje ele cumpre a função projetada por seu\ncriador: formar e educar, tornando o saber e a\narte mais democráticos.Saiba mais sobre o museu em\n<museuoscarniemeyer.org.br>.CONTINUUM1617Mágoas à parte, em 2002, Jaime Lerner, arquiteto e urbanista, ao final do seu segundo\nmandato como governador (daí a pressa em\nterminar a obra), propôs que o lugar abrigasse\num museu de arte contemporânea. Para tanto,\nNiemeyer redesenhou um museu metamorfose,\nque ocupava todo o edifício – com salas expositivas, biblioteca, auditório e café. Ao pavilhão\nbranco, com 65 metros de vão-livre, foi anexado um grande salão expositivo em formato de\nolho (por isso o apelido de Museu do Olho),\npara abrigar exposições fixas e itinerantes. Suspensa em uma grande coluna – adornada por\nazulejos assinados pelo arquiteto e com rampas\nimponentes de concreto –, a torre chama a atenção e pode ser vista de vários lugares da cidade, fazendo dele um dos pontos turísticos mais\nvisitados da capital paranaense.Jardim de esculturasuniversidades de cultura\nP O L Í T I C A S C U LT U R A I S |A gente não quer\nArticulados em rede – e na velocidade da era digital –, multiplicam-se\ncursos voltados à cultura que ultrapassam o universo acadêmico. E seus\nalunos estão famintosTEXTO pedro henrique françaILUSTRAÇÃO eduardo burgerOrientanda de doutorado de Heloisa, Numa estudava o rap quando constatou que as entrevistas\ncom as mães dos rappers davam a ela um conhecimento tão empírico e profundo quanto o que\nobtinha com especialistas. “Aí ela pensou em promover encontros para a troca de saberes. Heloisa,\nque já desejava montar um curso para reunir lideranças sociais, abraçou a ideia e a viabilizou como\num curso de extensão da UFRJ”, conta Beá.\nA extensão, concebida para tratar da história\nda cultura, teve como foco inicial a literatura,\nas artes visuais e a filosofia, mas já no primeiro\nsemestre do ano seguinte o teatro, o cinema, a\ndança e a música foram incluídos. Outras universidades, como as federais da Bahia e de São\nCarlos e a privada Fundação Getulio Vargas do\nRio, também estão entre as instituições com\niniciativas semelhantes. Para Heloisa, o movimento denota a necessidade de uma reformatação no ensino e pode funcionar como uma\nopção de formação.Existe por aí um papo sobre universidades de\ncultura, mas não é apenas papo nem bandeira\neleitoral, é realidade e – no linguajar 2.0 – é viral.\nAs aulas, gratuitas, podem acontecer durante a\nprodução de um espetáculo, numa vivência na\nBolívia ou em Buenos Aires ou mesmo entre os\nmuros de uma universidade brasileira conceituada, cuja concorrência em cursos tradicionais\nultrapassa 20 candidatos por vaga. O compromisso, neste caso, depende da fidelidade consigo\nmesmo e da vontade de escutar e interagir. Faltou? Perdeu, playboy. E foi conteúdo.\nNuma terça-feira, na UFRJ, pouco mais de 60\nalunos da Universidade das Quebradas está em\naula. Em sua maioria, são “quebradeiros”, artistas, pessoas que já trabalham com produção\ncultural ou “ativistas, gente muito articulada”,\ncomo resume a coordenadora Beá Meira – um\npúblico de mestrado e doutorado acima dos 26\nanos. Eles vêm da periferia, aprovados por edital, e se misturam a alguns poucos selecionados\nda zona sul carioca. “Mas isso aqui não é um\npassatempo”, alerta Beá.DE DENTRO PARA FORAO Circuito Fora do Eixo implantou uma universidade que não tem um campus, e sim vários –\ncerca de 400, nenhum fixo. Não tem apenas um\ncurso, mas dezenas. Não há grade curricular, mas\no aluno acumula créditos, somados e colocados\nem sua certificação.\nPor meio de editais, o estudante se inscreve nos\ncursos relacionados ao seu perfil, que vão desde\nexperiências de intercâmbio cultural – da Colômbia ao México – a processos de produção cultural\nde eventos e atividades em salas de aula, ocasionalmente. “Nós não temos ano letivo, pois o\npercurso é montado conforme a oferta”, explica a\ngestora, Carol Tokuyo.\nTodas as atividades são gratuitas e têm vagas\nlimitadas. Trabalho de conclusão de curso? Cortesia da casa. E os estudos são interrompidos de\nacordo com a vontade de cada um. “A ideia de se\nformar é péssima, o objetivo é estar sempre em\nprocesso de formação”, acredita Carol. E emenda: “Se você quiser viver de cultura no país, uma\nfaculdade não tem tanta serventia; diploma acadêmico para a cultura é algo desnecessário”.\nSegundo a gestora, a demanda – “gigante”, ressalta – vem de profissionais ligados à cultura.\n“Mas também temos alguns jovens que querem\ntrabalhar na área e nos procuram como uma op-REDE SOCIAL: MORADA DO SABERTanto os cursos de extensão vinculados às universidades quanto entidades e outros pontos\nde cultura não se isolam, somam-se. Todos eles\n(mais de 30) estão reunidos na Universidade da\nCultura Livre (Unicult), espécie de consórcio de\ninstituições multilaterais integradas a um processo de formação continuada na área cultural.\nA internet é a plataforma base desse modelo alternativo de educação, no qual a produção não\nse restringe à academia e o conhecimento se espalha rapidamente. “O paradigma de hierarquização dos saberes e de formação de especialistas está dando sinais de falência. A produção de\nconhecimento novo hoje só me parece possível\natravés de processos colaborativos, compartilhados e negociados. Portanto, essas iniciativas são\nsintomas de que a mudança já está em curso”,\nNa visão da pesquisadora Ivana Bentes, as experiências proporcionadas pelo ensino livre “borram\nas fronteiras entre formador/formando, professor/\nestudante, potencializando as trocas. Assim, saímos do ‘campus de concentração’ da escola e da\nuniversidade fordista multidisciplinar para surfar\nem outras experiências de formação”, acredita.\nPara o escritor Celso Athayde, fundador da Central Única das Favelas (Cufa), “o saber fora dos\nmuros da academia revela cada vez mais a sua\nforça e coloca-se como objeto democrático”. Mas\ncontrapõe: “O movimento não deve ter a pretensão de substituir a educação formal sistematizada, mas, sim, valorizar a cadeia produtiva da cultura e da inovação, estimulando assim uma nova\nidentidade que transcenda a educação”.\nO rumo da transgressão, porém, ainda encontra\ndesafios. Abranger toda a gama cultural de um\npaís tão rico como o Brasil é um deles. “Mudamos o programa e os professores frequentemente porque sempre achamos que não conseguimos atingir o pluriverso”, diz Beá. No caso da\nUniversidade das Quebradas, em que o espaço\né aberto para o diálogo com a periferia, a falta de\nestrutura e de oportunidade de bolsas também\nsurge como preocupação. “Lidamos com pessoas\nque acreditam que pensar é importante, mas que\nsobreviver é urgente”, diz Beá.\nDe olho no futuro, Ivana Bentes diz que as experiências de formação livre “já estão se multiplicando em todo o Brasil”. E dá o recado: “Muitas\ntêm metodologias que poderiam servir como\nprojetos pilotos de políticas públicas. O Brasil\npode passar diretamente da cultura oral para a\ncultura digital, criar metodologias e dinâmicas\nde apropriação tecnológica que potencializem o\npensamento. Essa pode ser a nossa contribuição\nno campo da informação”, conclui.CONTINUUM1819Em classe, os estudantes discutem prosa modernista com o professor Fred Coelho, tema que se estenderia nas aulas seguintes. Uma vez por semana, um\nnovo mestre. As trocas de ideias são alimentadas na\ninternet por artigos publicados por Beá Meira, também editora do portal [universidadedasquebradas.\npacc.ufrj.br], até a nova aula presencial. É assim desde 2010, quando a Universidade das Quebradas foi\ncriada, fruto de um insight das pesquisadoras Numa\nCiro e Heloisa Buarque de Hollanda.“Dentro da universidade são várias as experiências que começam a ser desenvolvidas no âmbito das sub-reitorias de extensão, cuja missão é\narticular a sociedade e as instituições de ensino\nsuperior. Nesse escopo está o nosso projeto. Na\ndireção inversa, temos o trabalho do Observatório de Favelas e a Universidade Fora do Eixo, que\npretendem a criação de redes colaborativas de conhecimento fora das universidades. Sem falar em\noutras frentes, como as Batalhas de Conhecimento, ligadas aos grupos de rap”, enumera Heloisa.ção de faculdade.” No primeiro dia de inscrição,\nem agosto, foram mais de 500 interessados; três\nmeses depois já passavam de 3 mil inscritos.leia para uma criança\nREPORTAGEM |DE PAIpara filho\nPrograma distribui livros em todo o país para incentivar\no hábito da leitura em criançasTEXTO débora almeida“Era uma vez um reino muito, muito distante...” Quem nunca ouviu, quando criança, essa frase dita por um adulto? Ela era a porta de entrada para\num mundo de fantasias, que a cada noite alimentava nossa imaginação\nantes de cairmos no sono. Pensando no incentivo ao hábito da leitura, a\nFundação Itaú Social criou, em 2010, o programa Leia para uma Criança,\nque distribui livros infantis para que os pais leiam para os filhos. A iniciativa parte do princípio de que ouvir histórias nos primeiros anos de vida\ntem efeitos surpreendentes na educação e na comunicação.\nO programa entrega na casa de pais, voluntários de organizações sociais\ne professores um conjunto de títulos recomendados por educadores e especialistas em educação infantil, além de dar dicas de leitura e de atividades para fazer com a criança [ver box]. Mais de 22 milhões de exemplares\njá foram distribuídos. Neste ano, foram disponibilizados os títulos Lino, de\nAndré Neves (Callis); Poesia na Varanda, de Sonia Junqueira (Autêntica);\ne O Ratinho, o Morango Vermelho Maduro, e o Grande Urso Esfomeado,\nde Don e Audrey Wood (Brinque-Book). Valéria Riccomini, diretora da\nFundação, afirma que a ação é direito básico das crianças. “Ler para elas\nfaz parte não só de sua preparação para a aprendizagem, mas ajuda no\ndesenvolvimento socioafetivo, quando se vê a relação que criam com um\nadulto. Além disso, incentiva a inventividade, trabalha os medos, entre outros benefícios”. Em recente pesquisa encomendada pela instituição para\no Datafolha, apesar de 96% dos respondentes acharem que é importante\nler para uma criança, apenas 37% têm o hábito.\nA educadora Daniela Mott, que trabalha com leitura em sala de aula para\ncrianças de 4 anos, avalia que é possível ver o desenvolvimento dos alunos com o passar do tempo. “No início eles ficavam um pouco tímidos e\napenas ouviam, mas ao se familiarizarem adquiriam confiança e admiração\nem relação ao adulto.” Ela sempre propõe aos alunos, após a leitura, que\ninventem um final diferente para a história. “Peço que acrescentem um personagem e eles adoram, conversam entre si, dramatizam. Isso cria um vínculo de amizade e carinho entre o adulto e a criança.” De sua experiência,\nconclui que as crianças não alfabetizadas conseguem, de maneira surpre-endente, observar, imaginar e criar algo diferente, aprendendo facilmente a\nconverter palavras em ideias.\nSegundo a Fundação Nacional de Leitura Infantil dos Estados Unidos\n(National Children’s Reading Foundation), ler durante 20 minutos por\ndia para os filhos nos primeiros cinco anos de vida é o equivalente a 600\nhoras de pré-alfabetização. De acordo com estudos dessa entidade, ler\n“conecta” as células do cérebro em redes que depois facilitarão a leitura\nquando a criança estiver sozinha. Ela vai poder distinguir sons (percepção de fonética), reconhecer letras e elaborar estratégias para descobrir\nnovas palavras (decodificação), desenvolver habilidade para entender o\nque os termos significam em referência ao mundo real (criar contextos),\nalém de desenvolver um bom vocabulário oral (aproximadamente 5 mil\npalavras, ainda no jardim de infância).Saiba mais em <itau.com.br/itaucrianca>.COMO FORMAR O PEQUENO LEITOR\nVeja dicas do Leia para uma Criança\n> Tenha conversas frequentes com seu filho. Ouça-o e faça perguntas\ncujas respostas precisem ser mais que uma ou duas palavras.\n> Leia ao menos 20 minutos por dia. Reserve um horário e tente mantê-lo.\nTorne o hábito prazeroso para ele e para você.\n> Deixe os livros ao alcance das mãos, em todos os cômodos da casa. Livros devem ser usados e não guardados.\n> Dê o exemplo e leia você também. É com o exemplo que aprendemos.\n> Frequente livrarias e bibliotecas. Presenteie com livros, gibis ou revistas.\n> Incentive seu filho a contar as histórias que ouviu a outras pessoas.\n> Pais que não são leitores fluentes ou não gostam de ler podem contar\nhistórias de sua própria vida, de sua imaginação, ou criar narrativas com\nimagens de livros ilustrados.ritmo & poesia\nRINHAS E SARAUS\nEncontros de poesia e batalhas de MC fortalecem a cena paulistana do rap\nFOTOS paulo papaleoCONTINUUM2021TEXTO mariana de andraderitmo & poesia\nREPORTAGEM |“No meio do caminho tinha uma pedra, tinha uma\npedra no meio do caminho.” Quando Felipe Rima\nouviu esses versos pela primeira vez, identificou-se na hora. Para ele, a tal pedra era o crack, droga\nque, desde pequeno, via desestruturar sua família. Antes de conhecer a poesia de Drummond,\nFelipe já escrevia versos – mas em forma de ritmo\n& poesia, ou rap. O poeta e rapper compartilhou\nsua história de aproximação com o gênero literário no Sarau Suburbano, evento realizado todas\nas terças no bairro paulistano Bixiga. Como diversos saraus em São Paulo, o Suburbano vem se\ntornando um ponto de encontro importante para\na cena do rap da capital. Os MCs se apossam do\nespaço para, além de ouvir e recitar trabalhos, divulgar eventos e fazer contatos.\nOutro fiel frequentador do Bixiga é Fabio Duarte\nGomes, o Fabio Boca. O rapper, que faz parte do\nDiQuintal – mesmo grupo do MC Amiri, uma das\nnovas apostas da cena –, foi selecionado neste\nano para representar o Brasil na 9ª Copa do Mundo de Slam. A competição, realizada na França,\nreúne poetas de diversos países que declamam\nversos de autoria própria a um júri e a uma plateia. Para Boca, os encontros de poesia foram um\ndivisor de águas, porque despertaram o hábito\nda leitura e uma cobrança maior com o próprio\ntrabalho. Mas isso não significa que o rap tenha\ntomado um discurso menos carregado de crítica\nsocial – o rapper cresceu ouvindo Racionais MC’s\npor influência do tio, que foi assassinado. “O prazer da leitura abre um portal para novas linguagens, para um novo dialeto misturado ao que a\ngente traz da rua. Na verdade, a linguagem não\nse tornou mais sutil; é que hoje a gente está com\nmais bala no pente, porque existem argumentos\nque a gente sabe usar e ouvir – então ela ficou\nmais rica”, acredita. Boca também não perde o\nSarau Rap, evento realizado no Centro CulturalSão Paulo, no qual rimadores e rimadoras declamam suas letras sem o apoio musical. Apresentado por Sérgio Vaz, da Cooperifa, o sarau conta\nainda com pocket shows de grupos da cena do\nrap, novos e veteranos.\nSe os anos 1990 foram marcados pela ascensão\ndo rap no Brasil na voz dos Racionais MC’s, com\na tônica direta da crítica social, os anos 2000 revelaram nomes como Emicida, Projota e Rashid\n– uma geração conhecida por explorar novas\nlinguagens e temáticas. No entanto, para quem\nvive o movimento hip-hop, a pluralidade no rap\nnacional sempre existiu. “Naquela época o SNJ\nera muito diferente dos Racionais, que eram\nmuito diferentes de RZO, DMN e Consciência\nHumana. Cada um tinha uma cara, só que por\nbaixo muita gente fazia igual, inclusive eu”,\nbrinca Projota. O rapper dá uma pista do que\npode ter mudado de lá para cá. A internet facilitou a busca por mais influências e pelo conhecimento. Hoje você vê influências do funk e\no soul, totalmente presentes nas novas músicas\ndo Mano Brown, na levada e também nos temas\nque ele tem abordado. Ele é uma máquina de\nevolução e realmente não fica parado”.O FREESTYLEEm meados dos anos 2000, a Galeria Olido, no\ncentro, era um dos únicos pontos de encontro\ndos apreciadores de rap em São Paulo. Os eventos do gênero na cidade se tornaram escassos\napós o boom da cena nos anos 1990 e muitos jovens sentiam falta de um local onde pudessem\ntrocar informações. Para suprir essa demanda\num grupo de amigos resolveu montar, próximo\nao metrô Santa Cruz, uma competição de rap\nde improviso. Inspirada na Batalha do 1 Real, organizada no Rio de Janeiro, a Batalha do Santa\nCruz se tornaria o primeiro encontro regular de\nfreestyle da cena paulistana.\nCom o apoio do beatbox [arte de reproduzir sons\nde instrumentos de percussão com a voz], cada\nMC tem 30 segundos para rimar e a plateia é\nquem julga. A disputa pode chegar até o terceiro\nround, caso um dos MCs não ganhe duas sessões\nconsecutivas. Na primeira edição da Batalha, em\nfevereiro de 2006, o vencedor foi Leandro Roque\nde Oliveira, que mais tarde ganharia a alcunha de\nhomicida de MCs, ou – como preferiu ser chamado – Emicida. Além dele, os principais nomes da\nnova geração passaram pelo local.Batalha do Santa Cruz,\nprimeiro encontro regular de\nfreestyle em São Paulo“O QUE MAIS ME ENRIQUECEU\nNA ÉPOCA NÃO FORAM AS\nBATALHAS QUE GANHEI, MAS\nAS PESSOAS QUE CONHECI E OS\nMOMENTOS QUE VIVI.”\nPROJOTAEncontro informal dos repentistas contemporâneos\ngarante a renovação do rap“Fazer contato, conhecer gente, era o mais importante. O que mais me enriqueceu na época não\nforam as batalhas que ganhei, mas as pessoas que\nconheci e os momentos que vivi”, diz Projota. E um\ndos amigos que fez foi Emicida. Ao final das batalhas, voltavam juntos, de metrô, para a zona norte\nde São Paulo. O freestyle também ajudava na presença de palco. “Naquela época, a gente não tinha\nonde cantar, não tinha show para fazer e nunca subia num palco. Quando eu fazia improviso, tinha lá\numas 200 pessoas, paradas, olhando para mim.”\nParecido com o repente, as batalhas de freestyle\nexigem que o MC saiba agradar ao público. A preocupação é desestabilizar o oponente – criticando\nsua roupa ou a falta de habilidade com as palavras, por exemplo. As referências ao hip-hop no\ndiscurso dos MCs também chamam a atenção da\nplateia julgadora, mas, sem dúvida, apropriar-se\nda fala do adversário e soltar uma resposta superior conta mais pontos, porque demonstra que o\nrapper realmente domina a arte do improviso.\nHoje há diversas batalhas por São Paulo. Apesar da importância delas para o rap paulistano,\nMarcello Gugu, membro do coletivo que organiza a Batalha do Santa Cruz, acredita que existam\noutros elementos consolidadores da cena, até\nporque muitos rappers não se propõem a batalhar. “O freestyle nasce e morre no momento, o\nque vai perpetuar e fazer seu nome é a música.\nBatalha dá uma visibilidade muito boa, mas tem\no lance da transição, de mostrar liricamente que\nvocê escreve melhor do que faz freestyle. Quando você escreve, tem tempo de lapidar cada ideia,\nde se aprofundar mais e ser genial”, explica.O MERCADO DO RAPDe forma geral, shows, batalhas e saraus são os\nlocais onde os MCs desconhecidos de São Paulo\nconseguem divulgar e vender suas mixtapes – CD\nproduzido de forma mais artesanal e independente. Nesses eventos, muitos acabam conhecendo\nprodutores, beatmakers e rappers e criando parcerias para o futuro. Emicida, por exemplo, trabalha\natualmente em seu primeiro disco, após ter lança-do quatro mixtapes e alguns singles. Evandro Fióti,\nirmão e sócio do rapper no selo, produtora e loja\nvirtual Laboratório Fantasma, acredita que esse era\no único caminho disponível para os rappers. “Isso\nfoi mais necessário no rap porque a gente sempre\nteve as portas fechadas. Se você não fizesse o próprio negócio, não divulgasse sua música e não visse uma forma de distribuir, ficava engessado, porque as gravadoras não aceitavam. Hoje, com esse\nboom, você até recebe propostas e rola uma maior\naceitação. Mas anos atrás era impossível.”\nO selo, que também tem acordos com os rappers\nOgí e Rael e com a banda Mão de Oito, já vendeu\nmais de 50 mil discos. Além do trabalho na rua,\nFióti aponta, como Projota, a tecnologia como\ngrande aliada do rap atual. “A internet ajudou\nmuito a entregar a nossa música. O que a gente\nfaz é isto aqui; se quer ou não é você quem vai determinar. A abertura da grande mídia – fazendo a\ngente chegar a milhões de pessoas – é o que mais\najuda, mas são todas essas pequenas iniciativas\njuntas que fazem o caldeirão pegar fogo”.CONTINUUM2223Poucos meses depois de iniciada a Batalha do Santa Cruz, em 2006, o rapper Criolo e o MC e DJ Dan\nDan resolveram criar um evento que agregasse,\nalém da batalha de improviso, shows, grafite e outras manifestações artísticas. Estava criada a Rinha\ndos MCs. Nela, os rappers usam microfone e de-vem acompanhar a batida dos DJs. Hoje é um dos\neventos mais tradicionais da cena do hip-hop. Para\nDan Dan, “se você prestar atenção, o hip-hop, o rap,\nestá mudando a cena musical brasileira. E não é só\npor causa do Criolo. Tem o Rael da Rima, o próprio\nEmicida e uma galera chegando com outra musicalidade, porque o rap sempre teve essas misturas”. No entanto, o DJ deixa claro que a variedade\nde vertentes não altera o caráter ideológico do rap.\n“Em qualquer grupo sempre vai ter o discurso ideológico, por mais que tenha dez músicas falando\nde amor e só uma frase falando de mudança, porque isso está enraizado no rap, é natural.”múltiplos e livros de artista\nREPORTAGEM |Você também\nObras reproduzíveis ganham espaço em museus portáteis e\nlojas à margem do circuito tradicional das artes visuaisTEXTO leonardo folettoEm pleno século XXI, quando se fala em artes visuais, a primeira lembrança ainda é a de\nmuseus e galerias, espaços que costumamos ir\npara contemplar uma obra de arte. Dentro deles\né que, na maioria das vezes, apreciamos, viajamos, nos surpreendemos com um trabalho, ou\nrefletimos sobre ele, não importa de qual técnica ou de que meio ele seja. Costumamos imaginar que será uma rara oportunidade ver tal obra\nem determinado lugar, e para isso nos preparamos. A menos que sejamos colecionadores ou\ngaleristas, podemos sonhar em levar uma obra\npara casa, certo?\nBem, não necessariamente. Desde o início do século XX, com as vanguardas históricas (futurismo,\ndadaísmo e surrealismo) e com a evolução tecnológica da reprodução, sabemos que uma obra de arte\npode ser, sim, manipulada, remexida e, até mesmo,\n“levada para casa”. A partir do pós-modernismo\ndas décadas de 1960 e 1970, tornaram-se populares\nobras com tiragem (pequena ou grande) maleáveis\ne reproduzíveis, que se costumou chamar de múltiplos – termo utilizado para identificar “um tipo de\nprodução que tem como um dos princípios norteadores a disseminação da obra de arte, tornando-a,\npelo procedimento da multiplicação, um bem de\nconsumo acessível a um público mais vasto”, como\nexplica Regina Melim, artista e professora do Departamento de Artes Visuais da Udesc (SC).De Lygia Clark a Paulo Bruscky, passando por\nHélio Oiticica e Antonio Dias, boa parte dos artistas brasileiros dos anos 1950 para cá realiza,\nou já realizou, trabalhos cuja tiragem é ampla e\nreproduzível. A ideia de reprodução e tiragem\ndesperta outro interesse no público, que vai\ndesde a possibilidade concreta de colecionar –\nespecialmente quando se fala de publicações\nde artistas, livros ou pequenas brochuras com\ntiragem limitada – até a de “brincar” com a obra.\nSendo reproduzível, a criação artística perde\na aura do não-me-toques tradicionalmente comum a quadros e esculturas e passa a poder ser\nEXPOSIÇÕES PORTÁTEISPara apresentar esses múltiplos, não raro profissionais da arte têm procurado fugir do formato\ntradicional dos museus e optado por exposições portáteis, que podem ser levadas a vários\nlugares. Regina é uma das artistas que recentemente passaram a investir nesse nicho: criou,\nem 2006, a plataforma par(ent)esis, com o objetivo de produzir e editar projetos artísticos e\ncuratoriais em formato de publicações. Alguns\ndos trabalhos que já realizou nesse formato são\nPF (2006); amor: leve com você (2007); Coleção\n(2008); Conversas (2009); e Projeto A2 – Diego\nRayck. “São mostras para ser feitas no espaço\nde uma publicação e que denomino exposiçõesportáteis”, diz a professora, em texto publicado\nno XXX Colóquio do Comitê Brasileiro de História da Arte.\nLOJA foi, talvez, o principal projeto curatorial da\npar(ent)esis. Criado em 2009, ele contemplava\num conjunto de publicações de artista e objetos\nmúltiplos, vindos de todas as regiões do país e,\nagrupados em uma exposição itinerante (“loja”),\nque circulou pelo Brasil e pela qual passaram artistas como Paulo Bruscky, Hélio Fiorenza, Fábio\nMorais, Michel Zózimo e Grupo Poro. A mostra\nocupava um espaço físico (que podia ser um ateliê, uma sala na universidade ou uma galeria de\narte) e os objetos reunidos (como livros, revistas,\njornais, CDs, DVDs, cassetes, vinis, xerox, cartazes, postais, objetos múltiplos e adesivos) ficavam à disposição do público.\nAs exigências para os artistas que tinham seus\ntrabalhos vinculados ao projeto eram doar um\nexemplar para acervo (a que o público teria acesso) e o valor da obra não ultrapassar 300 reais.\nRegina explica melhor seu trabalho no livro Estratégias Expansivas: Publicações de Artistas e\nSeus Espaços Moventes, de Michel Zózimo, produzido com Bolsa Funarte de Estímulo à Produção Crítica em Artes Visuais: “O nome LOJA e\na ideia de fazer uma exposição que fosse como\numa loja surgiu a partir dessa busca de atender àstambém muitos escritos típicos de banheiros públicos. Tudo valia.fotos: Paulo Fernando MachadoDetalhe da instalação do\nprojeto curatorial LOJA, do\ncoletivo par(ent)esisSENDO REPRODUZÍVEL, A CRIAÇÃO ARTÍSTICA PERDE A AURA DO NÃOME-TOQUES TRADICIONALMENTE COMUM A QUADROS E ESCULTURAS\nE PASSA A PODER SER MANIPULADA LIVREMENTE.exigências que eu mesma colocava: possibilitar\num acesso mais direto, mais próximo, do espectador e de este poder levar para casa cada uma das\nexposições-publicações. […] Porque o que sempre\nme interessou nos procedimentos artísticos, cujos\nformatos são o de publicações, é a possibilidade\nde poder multiplicar, de ser uma série que se estende e passa a lidar com outros valores, menos\nextorsivos, muitos deles tão ínfimos que qualquer\num pode possuir. Nunca me interessei por publicações que se apoiam em tiragens mínimas como\numa qualidade que as singularizam. A força está\nna circulação e na expansão do circuito”.\nNo Brasil, o “mercado” de múltiplos vendidos\nem galerias ainda é incipiente. Algumas das\nque trabalham com os objetos são a Tijuana,\ninaugurada em 2007 junto da Galeria Vermelho, em São Paulo, e a Banca, ligada à galeria\nMariana Moura, no Recife. Exemplos de trabalhos de destaque em exposições portáteis\nsão Espaço de Bolso (2003), múltiplo dobrável\nimpresso em offset, de Maria Lucia Cattani; Biblioteca de Bolso (2008), maleta biblioteca de\nLuciana Paiva; Projeto Malote (2005), maleta\nde Luana Veiga, que viaja pelas cidades carregando, coletando e expondo trabalhos portáteis\nde diferentes artistas; Sofá, publicações coletivas coordenadas por Raquel Stolf desde 2004;\ne Arquivo de Emergência, projeto pesquisa da\narquivista Cristina Ribas.poderiam ser levadas para casa, em troca de uma\nação proposta pelo artista.\nAs ações “pedidas” em troca das obras tinham\na ver com o trabalho exposto. Por exemplo: para\nlevar o Álbum Volume II Fotografia Velada, uma\npequena caderneta impressa com 16 descrições\nde fotos que não aparecem, de Michel Zózimo\ne Fernanda Gassen, o visitante precisava deixar,\npor escrito, a descrição de uma foto – fosse ela\nreal, fosse fruto de sua imaginação imediata. Entre as dezenas de descrições deixadas ao lado\nda obra, algumas eram poéticas e engraçadas,\noutras pitorescas, pornográficas ou oníricas eA exposição foi realizada no Múltiplo SD, projeto\nportátil destinado a exposições alternativas de\nobras reprodutíveis criado em Santa Maria pelos\nartistas do grupo Sala Dobradiça (saladobradica.\nart.br), que trabalham com espaços recombinantes e obras múltiplas e colaborativas desde 2008.\nComo explica Alessandra Giovanella, integrante\ndo grupo, “as exposições do Sala Dobradiça mantêm as noções espaciais, conceituais e constitutivas do grupo e moldam-se também pela ideia de\nrecombinação e espaço expositivo móvel, suscetível a interferências, montável e itinerante”. Nesse contexto do Dobradiça, as obras de Zózimo\ncaíram como uma luva.\nDiferentemente do que alguns imaginam, os múltiplos não estão, necessariamente, ligados à popularização da arte. Paula Braga, curadora e doutora\nem filosofia pela FFLCH/USP, diz que a ideia de\npopularização é, até mesmo, perigosa: “Para que\npopularizar a arte? Para as pessoas terem uma\nobra de arte do mesmo jeito que elas têm uma televisão ou um carro popular? Arte não é produto.\nEu não preciso comprar para ter uma bela obra\nde arte”, explica. Para Paula, as galerias que trabalham com múltiplos não optaram por eles devido\nao baixo valor: “Se você começa a pensar em múltiplo para ser barato, acaba instrumentalizando\na arte como produto. É múltiplo porque nasceu\nmúltiplo”. Zózimo tem uma fala parecida sobre o\nassunto: “Os múltiplos se inserem numa camada\nque, como obras tradicionais, não entrariam. Mas\nnão penso na democratização como uma ideia\npolítica. Faço as publicações que gostaria de comprar e não as encontro”, observa.Saiba mais sobre múltiplos consultando o verbete\nrelativo ao tema na Enciclopédia Itaú Cultural de Artes\nVisuais (itaucultural.org.br/enciclopedias).Vista da Sala Dobradiça, projeto portátil\ndo grupo homônimoMÚLTIPLOS DOBRADIÇOSCONTINUUM2425No I Seminário de Copesquisa em Arte, realizado\ndurante três dias de outubro de 2012 no Centro de\nArtes e Letras da UFSM (RS), um grande bloco de\nmetal instalado no hall do prédio que abrigava o\nevento chamava a atenção: era uma exposição itinerante, com algumas pequenas obras de arte queacabou chorare\nCERTIDÃO DE NASCIMENTO |TININDO\nO disco Acabou Chorare, dos Novos Baianos, completa quatro décadas e continua a ostentar\no título de um dos maiores álbuns brasileiros de todos os temposTEXTO gustavo angimahtzCopos de diversas cores e tamanhos, bule, panela, talheres jogados a esmo em uma superfície\nsuja. Assim os músicos dos Novos Baianos apresentaram, há quarenta anos, a capa do álbum que\nviria a ser sua obra-prima: Acabou Chorare, produzido por João de Araújo e Eustáquio Sena e\ngravado pela Som Livre.\nO LP de 1972 recebeu da revista Rolling Stone,\nem 2007, o título de Maior Álbum da Música\nBrasileira de Todos os Tempos. É uma ode à\nalegria, percebida antes mesmo de escutar seu\nconteúdo, na leitura das palavras do título. Entre as curiosidades e histórias que o cercamILUSTRAÇÃO indio sanestá o fato de que seus músicos viviam em uma\nÀ época do lançamento, dois anos após o do primeiro álbum (Ferro na Boneca), os baianos arretados – Baby Consuelo (voz), Moraes Moreira (letras\ne violão), Pepeu Gomes (craviola, guitarra e voz),\nLuiz Galvão (letras) e Paulinho Boca de Cantor (voz)\n– coabitavam parte do tempo um sítio em Jacarepaguá (batizado de Recanto do Vovô) e outra parte um\napartamento em Botafogo, ambos no Rio de Janeiro.\nEram vistos pela sociedade como hippies estranhões. Pediam esmola nas ruas para pagar ascontas e, quando o valor arrecadado ultrapassava\no que precisavam, doavam a qualquer cego ou bêbado que passasse por eles. O restante da banda,\nque também vivia no sítio, era formado pelo baixista Didi, pelo baterista e cavaquinista Jorginho Gomes e pelos percussionistas Baixinho e Bolacha.\nQuando lançou o segundo álbum, o grupo já\ncontava com a presença de nomes como Tom\nZé, que ensinou Moraes Moreira a tocar violão\ne o apresentou a Galvão; o pai da bossa nova\nJoão Gilberto, que os guiou na confecção da\nobra; e Caetano Veloso, que os recomendou à\nSom Livre. Posteriormente, os Novos Baianosdeu depois de quase uma década sem contato, ao\nreceber uma carta endereçada ao “Luizinho” pelo\npróprio compositor, como conta a passagem do\nlivro: “João disse-me: ‘Luizinho, nunca o esqueci.\nAquela carta que me escreveu [...] eu guardo até\nhoje. Venha às duas da madrugada que tenho um\npresente pra você. Preste atenção, Luizinho, ligue\npra mim às cinco da tarde. Não esqueça’. Às 4 horas e 30 minutos, eu já estava na fila do orelhão, deixando que as pessoas fossem passando [...]. Aturei\nmuito papo de empregada doméstica e operário\nde obra namorando [...]. Disse-me: ‘Vá descansar,\ntemos que estar preparados. Um encontro é coisa\nséria. É o melhor que se pode dar a alguém”.Só Somente Só\nEntre o primeiro LP e este\nEntra João Gilberto\nO dom eles já tinham\nAgora o som mais perto,\nMais experto mais\n(Augusto dos Anjos, em poema que consta no\nencarte do álbum Acabou Chorare, anuncia o\nnovo som que traria mudanças na concepção\nda música popular brasileira para sempre.)Depois de lançado, o disco rendeu aparições em\nprogramas de televisão – que variaram de Cassino\ndo Chacrinha e Fantástico a Ensaio –, um convite\npara o longa Novos Baianos F. C., encomendado\npor uma rede de televisão alemã, e o Prêmio de\nMelhor Capa do Ano, para fechar com chave de\nouro a consolidação do título no hall da fama da\nmúsica popular brasileira e mundial. O livro A\nHistória dos Novos Baianos e Outros Versos (Língua Geral, 2007), de autoria de Moraes Moreira e\nescrito em poesia, revela detalhes curiosos:\nviriam a arrancar elogios de celebridades musicais, como Astor Piazzolla, Gilberto Gil, Cazuza\ne Jorge Mautner. Mal sabiam eles que a mistura\nde samba, bossa, psicodelia e rock iria enlouquecer gerações, não apenas naquele tempo,\nmas durante décadas.\nO disco traz sucessos como “Brasil Pandeiro”, de\nAssis Valente, sugestão de João Gilberto; “Preta\nPretinha”, de lírica repetitiva e instrumentação\nforte e crescente; “A Menina Dança”, que mascara\ncríticas à ditadura na doce e ao mesmo tempo ácida voz de Baby Consuelo; “Besta É Tu”, hit atemporal usado na trilha sonora do premiado longa\nbrasileiro Durval Discos; e a faixa homônima\n“Acabou Chorare”, mais íntima à bossa nova de\nJoão Gilberto, pelo seu arranjo minimalista e introvertido. Esta última ficou por mais de 30 semanas nas paradas de sucesso das rádios de todo o\npaís. As outras faixas comportam-se de forma tão\nou mais envenenada, em razão da mistura de timbres e da complexidade dos arranjos, como em\n“Tinindo, Trincando”, “Mistério do Planeta”, “Um\nBilhete pra Didi” e “Swing de Campo Grande”.\nUm ingrediente especial da sonoridade do disco\n– além das leves pitadas de bossa cuidadosamente espalhadas por todo o trabalho – é o uso da craviola. Trata-se de um instrumento de 12 cordas\nprojetado por Paulinho Nogueira, de som forte e\nlimpo. Há também a inserção de solos virtuosos\nde guitarra em diversas músicas, que agregaram mais peso ao som do pandeiro, do violão e\nda percussão, aproximando o timbre instrumental da voz aguda e alegre de Baby Consuelo. A\ncombinação conferiu ao disco uma originalidade\nsonora que resiste até hoje. Em “Mistério do Planeta”, por exemplo, ritmos diversos e sincopados\ndeságuam num solo inconfundível de guitarra.O título Acabou Chorare é um invento inocente e\nliteralmente acidental de Izabel Gilberto de Oliveira, ou Bebel Gilberto, cantora e filha do compositor\nJoão Gilberto. Quando criança, ela caiu no chão e\nseu pai foi acudi-la. Para não preocupá-lo, já que\nJoão estava em meio a um ensaio com os Novos\nBaianos, Bebel proferiu: “Não machucou, papai,\nacabou chorare”, misturando português, espanhol\ne inglês, miscelânea de idiomas possibilitada por\nsuas viagens com o pai. Para Baby, o nome representava o fim da tristeza no cinzento regime militar.\nO contato com João veio por meio de Galvão, já\nque os dois eram conterrâneos de Juazeiro (BA) e\namigos de infância. João Gilberto se tornou o padrinho do álbum – ou “produtor espiritual”, como\nos baianos gostavam de chamá-lo – e botou seus\ndedos nas composições, criou arranjos e acompanhou desde o início o projeto, a canção homônima\ndo disco e a turnê que viria a seguir. Quando em\ndeterminado momento a polícia ameaçou prender\nos baianos por vadiagem, João funcionou novamente como guru e tratou de acalmar a trupe: “Não\nesquentem, não. Vamos continuar o som. Vamos\ncontinuar o sonho”, disse o compositor.\nE no que dá misturar a calma e o silêncio de João\ncom o frenesi de Baby Consuelo? A resposta é\nAcabou Chorare. Luiz Galvão conta no livro Novos\ne Baianos (Editora 34, 1997), de sua autoria, episódios vividos com João Gilberto, como o dia em que\no reviu pela primeira vez após 1961. O encontro se“Das terras do Tio Sam\nChegou de volta ao Brasil\nO grande João Gilberto,\nE a notícia saiu\nGalvão ficou logo esperto”\nMoraes anuncia no trecho transcrito que o retorno do pai da bossa nova aguçou Galvão, que logo\ncorreu ao seu encontro. Em outro verso, narra o\n“Aconteceu o contato\nNum longo telefonema\nO papo foi animado\nJoão estava de fato\nJá morando em Ipanema\nPois o endereço foi dado”\nUm terceiro trecho da obra expressa claramente\na mistura de sons presente no álbum, sugestão\nde João Gilberto acatada por todos em diversos e\nanimados encontros no apartamento de Botafogo:\n“Uma atitude roqueira\nCompletamente a serviço\nAssim como quem descamba\nAgora já estava inteira\nCentrada num compromisso\nCaindo de vez no samba”\nOs Novos Baianos são reverenciados por jovens e\nadultos de todo o globo terrestre, e ao apertar o play\né fácil perceber o motivo de tamanha adoração. A\nenergia que o som emana parece se transformar positivamente com o tempo e é fácil prever mais quarenta anos de vida aos já não tão novos baianos.Veja no iPad uma galeria de imagens de show em homenagem aos Novos Baianos, no Festival Continuum,\nem dezembro.CONTINUUM2627Uma das histórias mais esotéricas entre as milhares que Acabou Chorare esconde é a da música“Swing de Campo Grande”, que fala sobre invisibilidade, segundo Paulinho Boca de Cantor. A pauta\nda canção surgiu do encontro entre o músico e um\nrezador, que os orientou a “olharem para si próprios, virarem moita e virarem touca”. Acatando ao\npé da letra a profilaxia do rezador, a banda passou\ncinco anos sem pagar IPVA e nunca foi pega pela\nditadura, além de usar sem economia as expressões “virar moita” e “virar touca” na letra da canção.gilberto gil por andré vallias\nDEPOIMENTO |foto: gerardo lazzariGDE GILO percurso criativo-afetivo\ntrilhado por dois artistas da\ncontemporaneidadeTEXTO andré valliasEm um dos muitos depoimentos que concedeu às vésperas de seu septuagésimo aniversário – comemorado no dia 26 de junho de 2012 –, Gilberto Gil declarou que era metade GENTE e metade ENTE. Subtraindo-se o segundo termo do\nprimeiro, sobra a letra G: que eu tomei a liberdade de ler como representação\ngráfica de um “radar” (ou de um loop cibernético) para criar a identidade visual\nda exposição GIL70. Um símbolo perfeito para essa que eu julgo ser uma das\nmais dinâmicas e abrangentes personalidades criativas nascidas no Brasil, durante o Estado Novo de Getúlio Vargas. “Gilberto misterioso”, como foi homenageado naquele mantra readymade de Caetano Veloso, que repete à exaustão\no verso do poeta romântico Sousândrade: “Gil engendra em Gil rouxinol”.e empresária, Flora. Ficou encantado com o abacateiro tridimensional e colorido no qual havia estruturado a navegação das páginas, valendo-me de\nmetáforas que colhi de sua obra.Tive a felicidade de conhecê-lo pessoalmente em 1995, em São Paulo, para\naprovar a primeira “floração” de seu website, encomendado por sua mulherO site foi inaugurado em abril daquele ano com grande repercussão na mídia. Afinal, Gil era o primeiro artista de peso a fincar o pé na “infoesfera” e oEram tempos austeros na world wide web e os designers eram impiedosamente\npatrulhados pelos engenheiros da informática, a ordenar que links fossem azuis\ne sublinhados e mais tantas outras regras da chamada “usabilidade”. Eu retornava de uma estada de oito anos na Alemanha, onde havia começado a criar poemas visuais com os recursos do computador, para dar, em seguida, e já no Brasil,\nmeus primeiros passos na feitura de aplicativos multimídia para CD-ROM.resultado foi saudado como “primeiro marco criativo” da nascente web brasileira. Na página de abertura, uma única explicação: “Web vem de weave\n= tecer; Site, do latim situs = situação, posição; daí o nosso sítio, que é local,\nterreno e povoação; campo, roça e fazendola. Web Site (diria então Gilberto\nGil) é renda(re)fazenda...”\nEm breve, eu estaria me mudando para o Rio de Janeiro, a fim de tocar\na recém-fundada produtora de web Refazenda, que seria responsável pela\nentrada na internet de um grande rol de artistas da MPB: Caetano Veloso,\nCazuza, Gal Costa, Adriana Calcanhotto, Zélia Duncan, Jorge Mautner,\nVinicius de Moraes, Paulo Moura, Ary Barroso, Arnaldo Antunes, Jorge Ben\nJor, Titãs e Dona Ivone Lara, entre outros.\nO segundo desafio que Gil me lançou veio logo após a inauguração do\nsite: a criação da capa de Quanta, disco no qual ele já trabalhava na época\ndo nosso primeiro encontro. Ele me mostrou um desenho que havia feito a\nlápis num pequeno pedaço de papel-manteiga e me explicou o conceito do\ndisco, todo centrado na relação arte e ciência. Daí surgiu a imagem final,\nconstruída num programa de desenho 3D e pacientemente modelada até\nficar com a ondulação de seu gosto. Essa é, de todas as capas que vim a\nfazer para Gil, a única que considero um autêntico poema digital.\nForam muitas as conversas que tive com ele nesses anos de convívio intermitente – porém não tantas como a extensão do tempo possa dar a entender: a\nagenda de Gil é inclemente. Aquela que eu talvez mais tenha conservado viva\nem minha memória relapsa ocorreu alguns dias depois de um grave acidente\naéreo em São Paulo. Falamos sobre a efemeridade da vida, e ele me disse, para\ngrande surpresa minha, ser um devoto de Nossa Senhora da Boa Morte... Desde então, passei a prestar atenção especial em todas as vezes que Gil aborda,\nem depoimentos ou canções – “Não Tenho Medo da Morte” é sem dúvida\no ápice até o momento –, esse tema tão pouco usual para os nossos tempos\nobcecados pela busca da eterna juventude.\nSuas palavras de então me inspiraram um poema que só agora dou a público\nAndré Vallias, curador da exposição GIL70, é designer gráfico, poeta e produtor de\npara gilberto gilcircunspecto serelepe grilo-falante\na alegria salobra\ndos q sabem\nq a arte\nestá para a vida\nq os gritos\ndo santoguerreiro soam\nsim nos ouvidos\nmas não acalmam\no seu tear\nquiçáVisite a exposição GIL70, com obras de Carlos Adriano, Ricardo Aleixo, Arnaldo Antunes,\nLenora de Barros, Vivian Caccuri, Adriana Calcanhotto, Augusto de Campos, Ivan Cardoso,\nAntonio Dias, Eduardo Denne, Bené Fonteles, Lula Buarque de Hollanda, Jarbas Jácome,\nGabriel Kerhart, Raul Mourão, Carlos Nader, Antonio Peticov, Gualter Pupo, Omar Salomão,\nDaniel Scandurra, Ariane Stolfi, André Vallias, Caetano Veloso, Andrucha Waddington e\nLuiz Zerbini, no Itaú Cultural. Saiba mais em <itaucultural.org.br>.CONTINUUM2829Esboço criado por Gilberto Gil que inspirou\nAndré Vallias na concepção do álbum Quanta,\nconsiderado por este um poema visualirandhir santos\nO MUNDOpara voltar ao\nConheça, em dez cenas, os caminhos que levaram o ator Irandhir\nSantos a participar de alguns dos filmes mais importantes da\natual safra do cinema brasileiroTEXTO mariana lacerdaFOTOS ricardo labastier1ª CENA – CLODOALDOClodoaldo é segurança de rua em um bairro de\nclasse média do Recife. Seu trabalho é comum em\nmetrópoles brasileiras. Esses profissionais cobram\nda vizinhança algum valor, qualquer valor, para\nficar atentos à movimentação nas redondezas de\ncasas e edifícios. Sabem o horário de chegada e de\nsaída de cada morador, observam os conflitos e as\nformas de viver de todos nós. Clodoaldo é o protagonista do filme O Som ao Redor, interpretado\npelo ator pernambucano Irandhir Santos. Atualmente, seu rosto e gestos estão nas telas do mundo.\nEscrito e dirigido por Kleber Mendonça Filho em\n2010, o longa ganhou prêmios de Melhor Filme\nem festivais importantes no Brasil, como os do\nRio de Janeiro e de Gramado, além da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em novembro. Foi ainda premiado em festivais da Holanda,\nda Sérvia e da Polônia.“Foi um personagem difícil de fazer por ser\nmuito contido. Ele tinha de esconder algo, uma\nforça. E naturalmente eu gosto do trabalho\nexpansivo. Havia momentos silenciosos, de\nações simples como caminhar. Para isso, tinha\ntextos mentais que só eu e meu caderninho de\nanotações conhecemos. São os pensamentos\nque o personagem tem enquanto executa gestos triviais”, conta Irandhir.\n2ª CENA – LUGARESO ator está construindo o personagem que\nfará no filme Obra, de Gregório Graziosi. Será\no seu 17o longa-metragem desde 2005, quando estreou em Cinema, Aspirinas e Urubus, de\nMarcelo Gomes. As filmagens estão previstas\npara janeiro de 2013. “É sobre um arquiteto e\nsua relação com diferentes camadas da memória da cidade de São Paulo, que subitamente emergem e afetam o presente”, diz odiretor. O personagem de Irandhir é O Arquiteto. Para ir ao seu encontro, ele está lendo\nNão-Lugares (Papirus, 1994), do antropólogo\nfrancês Marc Augé.\n3ª CENA – CADERNOSPensamentos, desenhos, passagens de textos\nliterários e filosóficos (como os de Marc Augé),\nfotografias, conversas. Sempre que está construindo um personagem, Irandhir leva consigo\num pequeno caderno, estreito e com espiral –\nem um formato elaborado por ele, encadernado\nem papelaria. Ali, anota pensamentos ora seus,\nora do personagem. Sequências recortadas do\nroteiro são coladas, postas lado a lado. “Trata-se\nde um elo entre mim, o personagem e o roteiro”, diz. Depois das filmagens, “os caderninhos”,\ncomo ele diz, vão parar na estante. As memórias ali contidas podem ser vasculhadas a qualquer momento.4ª CENA – CLÉCIO8ª CENA – ESCOLA9ª CENA – ESTREIACorta para Tatuagem. A narrativa ocorre em\n1978, mas não se trata de um filme de época. O\nargumento remete ao teatro/evento chamado\nVivencial Diversiones, plantado em uma área de\nmangue entre o Recife e Olinda. Ali, experiências\nteatrais e musicais abriam uma fenda lúdica no\nregime militar. O Diversiones foi a referência do\nroteirista Hilton Lacerda para construir, em Tatuagem – seu primeiro trabalho como diretor –, o\nChão de Estrelas – liderado por Clécio. “Não escrevi o personagem para Irandhir. Mas pensava,\nenquanto escrevia, em seu arco físico e dramático”, diz. As discussões sobre gênero, autoridade,\nresistência, sexualidade e as diversas formas de\namar estão na obra. “O trabalho mostrou sua coragem como ator mas, antes, como ser político.\nQuando ele abraça Clécio, entende politicamente o que o personagem representa”, conclui.Quando adolescente, Irandhir estudava em uma\nescola pública em Limoeiro, distante 80 quilômetros do Recife, no agreste de Pernambuco. Nas\naulas de português e literatura, precisava recitar\ne encenar textos. Foi quando percebeu que gostava em especial dessas atividades. As apresentações tornaram-se cada vez mais elaboradas.\nNascia o teatro em sua vida.A metrópole era o destino natural para quem\nqueria ingressar na universidade. Em uma escola\ngrande do Recife, Irandhir começou a se preparar para o vestibular. Na época, sua professora de\nliteratura, Goretti, o apresentou ao estudante de\narquitetura que trabalhava no Grupo Serafin de\nTeatro. Ele juntou-se à trupe e estreou nos palcos\nem 1996, na peça Liberdade, Liberdade, de André\nCavendish. Formou-se em artes cênicas na UFPE.5ª CENA – DESCOBERTAPor muito tempo Irandhir pensou que cinema seria para ele algo intangível. Seu primeiro contato\ncom essa arte foi no Cinema da Fundação, sala\nque frequenta assiduamente na capital pernambucana, que assistiu ao curta-metragem Soneto\nde um Desmantelo Blue (1993), de Cláudio Assis.\nNa tela, viu uma projeção que falava uma língua\ncom seu mesmo sotaque e se situava na cidade\nonde ele vivia. Tudo mudou para o ator. O encontro com Cláudio Assis se deu nos testes de\nelenco para Baixio das Bestas (2006). Irandhir foi\nescalado para fazer Maninho. Com o papel, ganhou o Prêmio de Melhor Ator Coadjuvante no\nFestival de Brasília.Seu pai, hoje aposentado, era funcionário do Banco do Brasil, por isso, a cada dois anos, a família\ntinha de se deslocar de cidade. A preferência era\nsempre estar próximo de Limoeiro, onde Irandhir\nnasceu, numa casa com irmã e irmão, além de um\ntio de idade similar.\nEm busca de uma formação melhor para os filhos,\no pai os matriculou em uma escola particular de\nLimoeiro. As aulas de literatura que despertaram\no talento do menino foram deixadas para trás. No\nnovo colégio, ele articulou grupos que ensaiavam e se apresentavam em datas comemorativas.10ª CENA – INÍCIOO trabalho se encerra quando projetado na tela de\ncinema? “O filme continua nos comentários que\nrecebo de amigos, colegas e desconhecidos. Para\ncada pessoa, o resultado ressoa de forma diferente\ne isso me interessa muito.” O elo enfim se fecha,\nconta Irandhir, quando ele volta à casa de seus\npais, em Limoeiro. E, então, sentado em uma cadeira na calçada em frente da casa, com os irmãos,\no pai e a mãe, e vendo o movimento da rua e das\nsuas dez sobrinhas (sim, todas meninas!), o mundo\nvolta ao ponto exato onde tudo começou.Por muito tempo, Irandhir pensou que\no cinema seria intangível para ele. Hoje,\nseu rosto está nas telas do mundo6ª CENA – GENEROSIDADEO cineasta Leonardo Lacca, que em junho de\n2012 dirigiu o ator no filme Permanência (em\nmontagem), diz que a generosidade de Irandhir\ntranscende os limites da atuação. “Em cinema,\ncada um trabalha em seu quadrado. Quem faz\nfoto está vendo a luz, por exemplo. Irandhir transpõe seus limites e consegue, com pequenos gestos, no meio da cena, ajudar na captação de som\ne da fotografia e no trabalho de todos.”\n7ª CENA – POETA“Aprendi fazendo”, diz Irandhir sobre como o\ncinema entrou na sua vida profissional. “Esse\nsentimento encontrou sua expressão máxima\nnos trabalhos que desenvolvi ao lado de Hilton\nLacerda.” Em Febre do Rato (2012), de Cláudio\nAssis, seu personagem recita poemas, todos escritos pelo roteirista.CONTINUUM3031Irandhir conta que não estava conseguindo fazer com que cada poesia fosse sua, a ponto de\nrecitá-las com a carga emotiva que as cenas e os\npersonagem tinham. Em uma tarde no “quintal”,\ncenário principal da narrativa, Hilton explicou ao\nator o contexto de criação de cada um de seus\npoemas. “Entendi para quem eram aquelas palavras, em que momentos foram escritas e o real significado de cada uma delas.” Nasceu assim o Poeta – ou Zizo. Com ele, Irandhir ganhou o Prêmio de\nMelhor Ator no Festival de Paulínia, em 2011.am\n-REPORTAGEM |TEXTO duda porto de souzaFOTOS divulgaçãoNos últimos 15 anos, a arte pública firmou-se\ncomo uma das mais vigorosas linguagens artísticas por meio de trabalhos em grande escala de\nnomes como o do americano Jeff Koons e do indiano Anish Kapoor. Mas só mais recentemente\né que o mercado da arte passou a se dar conta\nda relação entre as obras instaladas em espaços\nurbanos e a economia das cidades.\nO projeto da escultura Train, de Koons, estimado em 25 milhões de dólares (cerca de 50 milhões de reais), é um exemplo disso. Trata-se\nde uma réplica em tamanho real de uma locomotiva a vapor suspensa verticalmente por um\nguindaste. Concebida em 2003, a obra não tem\ndata prevista para a instalação, de acordo com a\nequipe do artista, em razão da falta de financiamento. A expectativa para que ela saia do papel, no entanto, permanece alta. Atualmente, o\nLos Angeles County Museum of Art (Lacma) e\na organização Friends of the High Line (parquesuspenso nova-iorquino) disputam para seus espaços a instalação do projeto, e também conversam sobre a possibilidade de ambos abrigarem\na mesma versão da obra.\nO fato é que apenas a perspectiva de exibir a instalação de Koons a céu aberto e aumentar ainda\nmais o potencial de atração turística dos locais\njá mexe na economia dessas cidades e dos Estados Unidos como um todo. “Amigos de diferentes cantos do mundo me dizem que, assim que o\nprojeto for instalado, vão comprar passagem para\nvir para cá só para vê-lo de perto, e não por fotos”,\ndiz Alexandre Tutundjian, publicitário brasileiro\nradicado em Nova York.\nPara Marcello Dantas, “a arte pública é um investimento na economia local e na capacitação técnica e\nde criatividade inovadora da sociedade”. O curador\né responsável por alguns dos projetos mais bem-sucedidos desse segmento, como a exposição dasesculturas do britânico Antony Gormley em São\nPaulo, Rio de Janeiro e Brasília, em 2012, e o evento\nOiR – Outras Ideias para o Rio, que vai promover intervenções artísticas inéditas em cartões-postais da\ncapital fluminense até a Olimpíada de 2016. Entre\nos artistas que já participaram dessa ação estão os\ningleses Andy Goldsworthy e Brian Eno, o espanhol\nJaume Plensa, o norte-americano Robert Morris, o\njaponês Ryoji Ikeda e o brasileiro Henrique Oliveira.\n“Todas as obras dos projetos que temos feito são\nconstruídas, desenvolvidas e implementadas no\nBrasil com soluções locais ou com soluções integradas entre experts estrangeiros e técnicos brasileiros”, explica Dantas. O curador afirma que quase a totalidade dos recursos é empregada de volta\nno setor de serviços e provoca um aprimoramento\ntécnico de fornecedores, artesãos e equipes. “OiR\ntrouxe um retorno de mídia para o Rio 30 vezes\nsuperior ao investimento do projeto. As imagens\ndas obras de Gormley, por sua vez, colaboraram“ARTE PÚBLICA É UM INVESTIMENTO NA\nECONOMIA LOCAL E NA CAPACITAÇÃO\nTÉCNICA E DE CRIATIVIDADE\nINOVADORA DA SOCIEDADE.”\nMarcello DantasDetalhe da instalação\nClara Clara, da artista\nLaura Vincinos tempos do Império. Ambos movimentam-se\nlentos a 20 quilômetros por hora. “A carruagem\né um símbolo mais adequado para representar a\nmobilidade nas ruas da cidade”, declarou o artista em sua página. Ao se apropriar da arquitetura\nde um cartão-postal contemporâneo da metrópole Srur deu ainda mais voz à sua obra.\nO curador Felipe Brait, responsável por outro projeto de sucesso nesse segmento, o URBE – Mostra\nde Arte Pública, ao lado dos colegas Alessandra\nMarder e Júlia Clemente, avalia que é importante\nentender que a relação da arte com o espaço público muitas vezes serve como porta-voz ou deflagradora de determinado contexto dentro de uma\ncidade, como a especulação imobiliária ou processos de gentrificação, quando populações de baixa\nrenda acabam deixando certas áreas que passam\na ser muito valorizadas.\nDetalhe da obra Carruagem,\nde Eduardo Srur, na Marginal\nPinheiros, São Paulopara a percepção de que o Brasil é um forte mercado para as artes, o que pode ser comprovado com\nas futuras instalações de galerias como a White\nCube e a Gagosian no país”, complementa.\nESPECULAÇÃO E GENTRIFICAÇÃOO exemplo carioca tem ressonância também\nem São Paulo. Um dos artistas mais atuantes no\ncenário brasileiro da arte pública, o paulistano\nEduardo Srur expôs, entre setembro e outubro\npassados, a obra Carruagem, que questionava\nos problemas de mobilidade urbana na capital\npaulista. Segundo informações obtidas no site\ndo artista, a intervenção consistia em uma réplica de carruagem e quatro cavalos esculpidos em\nescala real, instalada no mastro da ponte estaiada\nda Marginal Pinheiros, a 30 metros de altura.Já a artista paulistana Laura Vinci avalia que a\ncidade falha justamente por não ter uma política\nmais arrojada que envolva projetos urbanísticos e\nartísticos agregadores e permanentes. “O incentivo à arte pública é uma maneira de incrementar\nessa política. Mas seria muito bom se ele fosse\narticulado com uma ação maior”, acredita Laura,\nque realizou a instalação Clara Clara (2006-2007)\nno centro da capital, como parte do edital Arte\nna Cidade, apropriando-se da iluminação pública para dar vida à obra. “Houve uma integração\nmuito grande com os pequenos comerciantes”,\nconta. “Os frequentadores da região se sentiram\nvalorizados por aquela ação”, resume.CONTINUUM3233A obra comparava a velocidade média de deslocamento de um carro no trânsito paulistano no\nhorário de pico e a velocidade de uma carruagemPara Alessandra, “a implantação de projetos de\narte pública nas grandes cidades passa a ter extrema relevância nos dias de hoje, pois, a partir\ndo momento em que uma obra intervém na paisagem e no cotidiano, ela suscita um novo olhar\ne, consequentemente, um novo pensamento sobre o espaço que ocupa”. Ela acredita que “a partir disso muita coisa pode ser mudada, inclusive\no contexto econômico da região, que tanto pode\npassar por uma revitalização impulsionada pela\npresença permanente da obra como pode atrair\npúblico temporariamente para o entorno, fomentando o comércio local”, completa.lançamentos musicais\nRESENHA |UNIDOS PELOS E X\nUm foi “obrigado” a aprender e a viver de música desde cedo; o outro, filho de pai artista, foi\nincentivado a buscar uma vida melhor. Não teve jeito e, com o tempo, ambos afloraram e\nafirmaram seus talentos musicais. Conheça um pouco sobre dois lançamentos do segundo semestre, um capixaba e outro carioca, que merecem a sua atençãoTEXTO pedro henrique françaFOTOS divulgaçãoO capixaba Silva aposta na\nsimplicidade até em sua\nassinatura artísticaA CLARIDÃO DE SILVA\nLúcio Silva deve à dona Letir, sua mãe e professora de mú-As composições, que haviam começado antes do inter-ria musical entre irmãos, que se repete, aliás, no palco,sica, o fato de hoje, aos 24 anos, ir atrás do seu ganha-pãocâmbio cultural, ganharam, em suas palavras, maturidade,em duo. Merecem atenção “Cansei” (“Cansei de ser eupor meio da arte. Nascido em Vitória, foi conduzido por ela,malícia e a “veia literária” do irmão, que passou a ajudá-lomesmo, me deixa ser você”) e “2012” (“O fim do mundodesde garoto, às aulas de musicalização. Também teve ocom as letras. “As canções ficaram menos piegas, poiseu vi dessa sacada, mas em hora alguma eu quis pular”).empurrão do tio – com o qual dividia o mesmo teto –, umacho que comecei a enxergar a música de maneira menospianista que passava o dia estudando Chopin. “Não foiromântica”, afirma. Seis anos depois, o período de poucoO repertório apurado instiga o questionamento da es-uma escolha [ser músico], foi meio que uma obrigação”,mais de um ano em terreno irlandês ainda está impreg-colha de “Silva”, um dos sobrenomes mais populares dobrinca ele, que a princípio se dedicou ao violino.nado em Silva, como revela seu álbum de estreia, Claridão.país, para representá-lo. Ele ri. Lamenta como é “difícil de\nachar no Google, né?”. E é mesmo. Ele, então, explica: “EuOs ensinamentos musicais, que transitavam entre oA singela canção que fecha o disco, “A Visita”, por exem-não queria usar o nome todo. Pensei em títulos de pro-erudito, a MPB e a bossa nova, ganharam ainda doses doplo, passaria facilmente por ouvidos mais desatentosjeto, mas ou ficava muito pretensioso ou muito diferenteuniverso pop rock dos anos 1990, de outros ícones decomo um recente single de uma dessas bandas novasda minha personalidade. Vi que não tinha nenhum “Silva”sua adolescência e do rock’n’roll que ecoava no quartoinglesas com ares de Leste Europeu. E também temusado como nome artístico e deixei. Foi uma surpresa ado irmão, Lucas, seis anos mais velho. Coisas, Silva diz,muito de suas influências de música eletrônica, outrogravadora [Slap] ter gostado”.dos tempos rebeldes e de afirmação. “Eu não falava quegênero bastante forte por lá. “Estava ouvindo muito hou-tocava violino, porque ninguém entenderia.”se na época”, diz. Mas há quem veja, no entanto, um quêEm fase de aprovação nos palcos – já lançou o trabalhode Guilherme Arantes – o que não é um equívoco. “Curio-em sua cidade natal, no Rio de Janeiro e em São PauloEncerrado o colegial, pôde se afirmar. O violino seguiuso é que eu nem tive contato com a música dele. Mas–, Silva traz expectativas modestas, apesar das críti-com ele rumo ao ensino superior e, entreatos, o músicobaixei alguns CDs para conhecer e vi que realmente temcas positivas. “Essa questão ainda é nublada, não façopassou a produzir trabalhos de amigos. Eis que veio aalguma coisa parecida.”ideia do que esse projeto vai virar. Eu já estou bem feliz,\nporque não esperava nada. Agora estou me formandovontade de ir para o exterior. E Silva foi parar na Irlanda.\nAndou com “uma turma bem doida, uns ripongas, mú-Nesse balaio de indefinições, Claridão originou um traba-como violinista e, se não for com esse projeto, de qual-sicos de rua”, que, assim como ele, viviam das moedaslho refinadíssimo e ganha lugar entre os destaques dequer forma a música será o meu sustento.” Disso donaque ganhavam.2012. Outras músicas do CD endossam a afinada parce-Letir já tinha certeza.T R E M OSO PLACEBO DE JOÃO\nSer filho de Lenine, um dos mais respeitados músicosde e a sombra é sempre um pouco assustadora. Ao mes-Produzido pelo experiente Plínio Profeta, João colocado país, nem sempre foi sinônimo de vida estável. Joãomo tempo que é um facilitador – na questão do acessotodas essas influências – somadas ao tango, ao fadoCavalcanti, 32 anos, primogênito da prole de três (sen-aos músicos, por exemplo – , ser filho do Lenine tambéme à música eletrônica – no liquidificador. A faixa que dádo ele do primeiro casamento), viveu tempos de vacasé um complicador íntimo”, conta.nome ao trabalho é justamente o único samba de, como\nele diz, “um disco de não sambas”. Há ainda uma “mar-magras. E, ao contrário dos irmãos Bruno e Bernardo,\ndespertou tarde para a música, já na época em que fa-Os tempos passaram e João até se dedicou ao jorna-chinha” que encerra o álbum: a deliciosa “Frevo do Con-zia faculdade de jornalismo. “Vi muito de perto o meu pailismo, mas não teve jeito: a veia musical falou mais alto.tra Êxodo”. “Não foi uma necessidade [fazer um trabalhodando murro em ponta de faca, fazendo show para pou-De rodas e batuques ali e acolá, juntou amigos, montousolo], foi uma urgência. Eu sempre fui muito de escrever,ca gente. Então, naturalmente, ele não foi um entusiastao grupo Casuarina, pôde se “debruçar sobre o samba”sou jornalista formado, e o Casuarina tem um escopode primeira hora para a minha carreira de músico.”e reocupou a Lapa com outros artistas – como Teresarestrito, uma vocação para o samba, e eu queria tentarCristina –, que protagonizaram o renascimento do bairrooutros jeitos, outros parceiros.”Não foi apenas a projeção da estabilidade financeira queboêmio carioca, por anos esquecido.\nChamado por Pedro Luís de “o cinema de João”, o discoafastou João da música por um tempo. Afinal, conforme\nele crescia, o jogo virava. Em 1992, Lenine lançou OlhoSua formação musical, entretanto, navega por outrosapresenta um recorte de imagens de seu pluriverso au-de Peixe e, desde então, estabeleceu de vez um lugar demares, como ele faz questão de lembrar: Beastie Boys,xiliado por Plínio Profeta, que assina, aliás, a trilha de fil-destaque no mercado fonográfico.The Police, Tom Zé, Jackson do Pandeiro, Radiohead emes como O Palhaço. Roteiro? Só se fosse um dos maisBjörk. Por isso, não é de total estranhamento o fato de eledoidos de Michel Gondry, no qual caberiam bem cançõesSe a maré não estava a favor, quando deu peixe também– após dez anos de Casuarina – passar a surfar em ou-como “Binário”. Se há algo que não existe nesse placebonão ajudou. “O tamanho que ele tem diante do sol é gran-tras ondas. Placebo, seu primeiro álbum solo, é a da vez.é narrativa. “O disco é voluntariamente heterogêneo; não\nteve nenhuma preocupação com coesão. Quando eu eDo Casuarina para a carreira solo,\nJoão Cavalcanti ganha espaço descolando-se da paternidade famosao Plínio percebíamos que ele estava caminhando mais\npara um lado, radicalizávamos na ordem para excluir\nqualquer encadeamento lógico”, explica.\nVeterano dos palcos, João se lançou solo em show recente no Studio RJ. Em sua primeira apresentação, mesmo cercado de amigos e da família, sentiu-se nu. “Estava\ndesarmado, sem nenhum instrumento, muito ansioso e\ncom medo. A gente tem pudor de usar essa palavra, mas\neu estava com medo”, assume. Anseios de marinheiro\nde “primeira viagem”. Ao apagar das luzes, saiu querendo mais e assim será. Em dezembro de 2012, ainda se\napresenta em São Paulo e em Belo Horizonte, se tudo\nder certo. Em 2013, reveza-se entre a estrada solitária e\na coletiva, com os amigos do Casuarina, que lançam CD\ne DVD comemorativo de uma década de trajetória. “As\npessoas têm um pouco de dificuldade em entender, mas\numa coisa não se opõe à outra. Meu trabalho com o Ca-CONTINUUM3435suarina é complementar.”literatura latino-americana\nTEXTO fernanda de almeidaILUSTRAÇÃO pupillasAutores latinos surgem mais diversificados e sem o estigma de exotismo do movimento iniciado na década de 1960Quando Mario Vargas Llosa ganhou o Nobel\nde Literatura, em 2010, ficou evidente que a literatura latino-americana estava voltando a ter\nespaço no mercado mundial. Antes disso, o momento mais importante foi o boom, na década\nde 1960, quando se apostou no estilo que ficou\nconsagrado como realismo mágico ou realismo\nfantástico. De lá para cá, a principal semelhança é a retomada do crescimento das traduções\ne vendas no exterior. Já a grande diferença,\nentre outras muitas, é que no contexto atual a\nliteratura que tem ganhado espaço consegue\nmostrar os países latino-americanos sem mistificação ou exotismo. Há uma gama de estilos\ne autores como o já citado Vargas Llosa, além\ndo chileno Roberto Bolaño, do mexicano Mario\nBellatin, do argentino César Aira e do cubano\nCarlos Alberto Aguilera, entre outros.\nSe durante o boom o olhar do mundo se voltou para a América Latina em busca de uma\nprodução diferenciada – e por isso o interesse\nenorme no exótico e no que se distinguia da\nvida europeia –, o que se vê hoje na literatura\nda região exportada é um universo mais próximo do leitor comum, que questiona a vida urbana, os problemas gerados pela convivência\nem sociedade e as disparidades políticas e econômicas. O espaço que se abre para essa literatura contempla uma diversidade maior queinclui autoficção, metalinguagem, romance\nhistórico, novela filosófica, microconto. “Acredito que o momento atual e o boom são extremamente diferentes. Talvez o paralelo possível\nseja o aumento das vendas e do interesse do\nmercado editorial, mas não quanto ao estilo\ne à qualidade das obras produzidas”, defende\nSamuel Leon, criador e editor da Iluminuras.\nO intercâmbio entre produções da América\nLatina e, principalmente, dos Estados Unidos e\nda Europa está diretamente relacionado com o\ncrescimento do mercado editorial latino-americano. “Tenho a impressão de que a aproximação cultural segue um movimento mais amplo,\npara além das editoras. Há mais convênios\nuniversitários entre países latinos, festivais,\ncongressos, eventos que promovem uma circulação inédita pelo continente. A adoção do\nensino do espanhol se tornou mais frequente\nno ensino médio, o que criou uma demanda\nimediata por profissionais familiarizados com\na literatura de língua hispânica”, diz Florencia\nFerrari, diretora editorial da Cosac Naify. Para\nela, de modo geral, a literatura – como o cinema, o teatro, a música e o ambiente acadêmico – se beneficia dessas trocas cada vez mais\nintensas entre países com histórias e processos\nculturais e políticos muito semelhantes, além\nda evidente proximidade linguística.SEM REDUCIONISMOSApesar das alusões otimistas com relação ao\nnovo crescimento, é preciso cautela. “Falar em\nliteratura latino-americana contemporânea é\ncomplicado porque parece representar um reducionismo bastante radical. Compará-la com um\nmovimento restrito, como foi o do conjunto de\nescritores da década de 1960 e 1970, acaba sendo comparar o incomparável”, afirma Graciela\nRavetti, coordenadora do Núcleo de Estudos de\nLiteratura de América Latina e professora de espanhol na Faculdade de Letras da UFMG.\nMesmo concordando com Graciela, Florencia\nrebate: “Creio que podemos falar de certa ironia como marca, um ceticismo bem-humorado\nou não em relação às conquistas e experiências\nda geração dos pais que eram jovens nos anos\n1960. Por outro lado, aparece nos novos autores\num posicionamento explícito quanto aos horrores das diversas ditaduras, mais como material\nficcional do que como discurso propriamente\nideológico. Outra característica é a brevidade, a\nconcisão, a elipse, o repúdio aos processos tradicionais da narrativa e aos clichês”, define.\nDiferentes editoras brasileiras afirmam o interesse em aumentar as traduções de autores latino-americanos. A Cosac Naify já publica autores\nde grande relevância, como Borges, Macedonio\nFernández, Neruda e Adolfo Bioy Casares. “Vamos reforçar com a publicação dos chilenos José\nDonoso e Maria Luisa Bombal e de contemporâneos já estabelecidos, como Alan Pauls e Mario\nBellatin, e estamos investindo em boas promessas, como o chileno Alejandro Zambra (do recém-lançado Bonsai) e a uruguaia Inés Bortagaray.\nOutros virão”, enumera a diretora editorial.ANDO\nAutor chileno mostrou que o clássico e o moderno sempre se dão as mãos na construção do novo\nPara Laura Janina Hosiasson, professora de litera-Roberto Bolaño (1953-2003). Com o selo hispano-ameri-tura hispano-americana no Departamento de Letrascano Vintage Español, divisão da editora norte-americanaModernas da USP, “além de uma veia de grande con-Random House, todos os títulos do escritor foram publi-tador de histórias, Bolaño possui a curiosa habilidadecados na língua original – e também em inglês. Apesar dade combinar novidade e tradição. De maneira única eVintage Español ter sido criada em 1994, foi em 2010 quepessoal, retoma os grandes temas, as formas mais tra-ganhou força e, além de Bolaño, publicou nomes comodicionais da literatura universal e recupera todo esseIsabel Allende, Manuel Puig e Sandra Cisneros.material em uma chave contemporânea”.“Bolaño é um grande escritor; a meu ver, o maior surgidoEm 2001, ao ser questionado por um jornal sobre adepois de Borges”, afirma Graciela. Para a professora dapossibilidade de haver um novo boom da literatura la-UFMG, sua escrita se afasta de qualquer traço alegórico,tino-americana, Roberto Bolaño respondeu: “Existemde religiosidades de qualquer signo, para privilegiar umamuito poucos romancistas atuais que possuam a am-prática que se pauta por passar para a escrita a experiên-bição de Fernando del Paso, por exemplo, ou o humor ecia de vida própria e das pessoas na contemporaneidade:a exatidão de Julio Cortázar. No fim, veremos. Por outrodor, marginalidade, exclusão, fome, crimes, desigualdade,lado, em uma geração cabem escritores de 25 anos eignorância – temas universais. “Ele escreve textos que nãotambém de 50. Suponho que mais adiante no séculose ajustam ao previsível, que propõem mundos nos quais o21, quando a maioria de nós já estiver morta, poderá seleitor chega a questionar o status no sistema no qual vive:fazer um balanço e veremos se a nossa literatura valeuou é colaborador ou é resistente a uma organização econô-ou não valeu a pena”. Não restam dúvidas de que valeumica e social cujo melhor predicativo é o de cruel”, afirma.e tem valido cada vez mais.CONTINUUM3637Um dos nomes mais aclamados atualmente é o do chilenoSELEÇÃO ESPECIAL PARA QUEM VAI INICIAR O ANO COM UM MERECIDO DESCANSODESTAQUE\nEncerrando as comemorações dos 90 anos da Semana de Arte Moderna de 22, a mostra Mário de Andrade – Cartas do\nModernismo traz correspondências assinadas pelo poeta para destinatários como Tarsila do Amaral, Candido Portinari, Di\nCavalcanti, Manuel Bandeira e Carlos Drummond de Andrade. Por meio das cartas trocadas, o visitante poderá conhecer\num pouco mais a vida do escritor no Rio de Janeiro e sua amizade com esses e outros nomes ilustres da época. A exposição, com curadoria de Denise Mattar, traz ainda uma sessão dedicada às artes visuais, com obras que pertenciam a Mário\nde Andrade, como As Margaridas de Mário, de Anita Malfatti, e Mulher, de Di Cavalacanti. Centro Cultural Correios – Rua\nVisconde de Itaboraí, 20 – Centro – Rio de Janeiro – até 6 de janeiro de 2013 – de terça a domingo, das 12h às 19h.FOTOGRAFIA\nCom curadoria de Eduardo Brandão, a instalação Sonho Verde Azulado, da artista Claudia\nAndujar, conta com quatro imagens inéditas e gigantescas que somam cerca de 1.200 metros quadrados, expostas no mezanino do Prédio Histórico dos Correios, na região central de\nSão Paulo. Além desse conjunto, outra imagem com aproximadamente 270 metros quadrados está disposta na empena de um prédio vizinho, que dá para o Vale do Anhangabaú. Na\ninstalação fotográfica, a artista dá sequência a seu trabalho com o povo ianomâmi – a grande\nmarca de sua trajetória – e apresenta imagens resultantes de uma espécie de refotografia,\ntécnica à qual se dedica há pelo menos duas décadas. Prédio Histórico dos Correios – Avenida\nSão João, s/nº – até 1 de novembro de 2013 – grátis. Funcionamento: 4 de novembro a 27 de\njaneiro: de segunda a sexta, das 9h às 17h, sábados, das 9h às 18h, e domingos, das 10h às\n18h. A partir de 28 de janeiro: de segunda a sexta, das 9h às 17h e aos sábados, das 9h às 13h.LITERATURA\nLaranja Mecânica – Edição Especial 50 Anos (Editora Aleph, R$ 79)\nHá 50 anos chegava às prateleiras o livro Laranja Mecânica, do britânico Anthony Burgess – um dos maiores clássicos\ndo século XX. Para celebrar a data, a Editora Aleph lança uma edição luxuosa da obra-prima, com nove ilustrações especialmente encomendadas aos brasileiros Angeli e Oscar Grillo e ao britânico Dave McKean. Em capa dura e impresso em\nduas cores (laranja e preto), o livro inclui textos inéditos sobre a obra – do próprio Burgess e de outros autores.Desnorteio (Paula Fábrio, Editora Patuá, R$ 35)\nPrimeira obra da publicitária paulistana Paula Fábrio, o livro refaz o labirinto no qual se perderam\nRodolfo, Miguel e Benévolo, três irmãos que passam a viver como mendigos, numa história que\npercorre o fim dos anos 1800 e chega à atualidade. O prefácio, assinado pela poeta Mariana\nIanelli, pontua que o livro “nos enreda em uma visão mais profunda do humano, que vem enriquecer nossa literatura na melhor tradição dos escritores do desassossego e da miséria redentora”.fotos: divulgaçãoBALAIOFÉRIAS\nem boa companhiaBALAIO.COMprojetorizoma.com.br\nO site, que traz informações sobre a produção artística da cidade de\nSão Paulo, tem como diferencial o cruzamento de dados, criando redes de conexão, ou rizomas, a partir de três chaves: artistas, eventos\ne locais. Dessa forma, a pesquisa do usuário se torna expansível e os\nresultados múltiplos. Além do mapeamento, há ferramentas para divulgação e compartilhamento de informações. O objetivo é ampliar a\nexperiência do público e incentivá-lo a descobrir o potencial artístico\nda cidade. O usuário também pode contribuir com o projeto enviando\ninformações relacionadas aos temas de pesquisa.180cartazesprasairdafossa.tumblr.com\nHá quem acredite que são necessários seis meses para curar uma dor de\namor e fazer de vez a fila andar. Crendice, filosofia de boteco, enganação barata ou não, essa história foi a motivação para a criação do tumblr 180 Cartazes pra Sair da Fossa. Até o fechamento desta edição, metade dos dias já\nhavia passado (será que a autora já tirou ao menos um dos pés da fossa?).\nPortanto você encontra mais de 90 cartazes com design apurado e versos\ndivertidos, inspiradores e muito adequados para determinadas situações,\ncomo “quando não queres nada, nada falta”, da canção “O Quereres”, de Caetano Veloso, ou “e precisamos todos rejuvenescer”, de “Velha Roupa Colorida”, de Belchior, imortalizada na voz de Elis Regina.conexoesitaucultural.org.br\nBase de dados do programa criado em 2007 pelo Itaú Cultural, o Conexões contempla um mapeamento inédito da\npresença da literatura brasileira no mundo, seja na mídia,\nseja na pesquisa universitária ou no mercado editorial. As\ninformações estão disponíveis no site, que traz informações\nrelacionadas a encontros de pesquisadores que trabalham\ncom literatura brasileira no Brasil e em outros países e textos sobre as condições da literatura nacional no exterior.\nUma das metas do programa é analisar a visão que o pesquisador estrangeiro tem da nossa literatura, das tendências de pesquisa e dos novos nomes brasileiros que começam a se firmar internacionalmente.www.recife.pe.gov.br/mlg/gui/Index.php\nEsse é o endereço do site do Memorial Luiz Gonzaga, centro de documentação\ne pesquisa mantido pela Prefeitura do Recife cuja missão é preservar e divulgar a obra musical do Rei do Baião. Na página é possível ouvir gravações originais, acompanhadas de informações sobre os fonogramas, acessar partituras\ne assistir a reportagens e entrevistas, além de pesquisar imagens da carreira\ne do arquivo pessoal do compositor e materiais diversos inspirados na história\nde Gonzaga. Outro destaque do site é a aba Universo Gonzagueano, com tex-CONTINUUM3839tos sobre o sertão, os vaqueiros, as sanfonas e os sanfoneiros.NADA MAIS JUSTO DO QUE PRESTAR\nUMA HOMENAGEM ÀQUELE QUE SEMPRE\nVenha conhecer o que Caetano Veloso, Augusto de Campos e outros amigos e\nartistas prepararam para os 70 anos de Gilberto Gil.\nExposição concebida por André Vallias com colaboração de Frederico Coelho.quarta 12 dezembro 2012 a\ndomingo 17 fevereiro 2013\nsábado domingo feriado 11h às 20hENTRADA FRANCASAIBA MAIS EM ITAUCULTURAL.ORG.BR.indicado para todas as idades\nestacionamento conveniado, com entrada pela rua leôncio de carvalhoitaucultural itaucultural.org.br fone 11 2168 1777 fax 11 2168 1775 atendimento@itaucultural.org.br\navenida paulista 149 são paulo sp 01311 000 [estação brigadeiro do metrô]All pages:1456791011131415161718192022232425262728293031323334353637383940InfoRead laterLikeShareDownloadMoreContinuum 40 - Dezembro-Janeiro/2013 Published on Dec 27, 2012 Nesta edição da Continuum, você confere matérias com as atrizes e amigas, Mariana Lima e Drica Moraes, o movimento de saraus e rinhas de rap...See MoreitauculturalFollowRead moreRead moreSimilar toPopular nowJust for youGo explore