1 ano sem Luiz Melodia, 1 década sem Isaac Hayes - Radiola Urbana - UOL\n1 ano sem Luiz Melodia, 1 década sem Isaac Hayes\nO começo de agosto registra duas efemérides doloridas para a música negra: um ano sem Luiz Melodia (07/01/1951 – 4/08/2017) e dez sem Isaac Hayes (20/08/1942 – 10/08/2008). Afora a coincidência de datas separadas por menos de uma semana, há elementos na biografia de ambos que os aproximam. Nem seria preciso dizer, são duas das vozes mais importantes em gêneros específicos – MPB e soul, respectivamente. Curiosamente, eles já emplacavam hits antes de se lançarem em suas gloriosas carreiras-solo. O brasileiro já havia sido cantado por vozes femininas festejadas do período, antes de estrear com o disco "Pérola Negra", em 1973: Gal Costa gravara a faixa homônima em 1971, no álbum "Gal Fatal – A Todo Vapor"; e Maria Bethânia registrou "Estácio, Holly Estácio" no ano seguinte. Já o norte-americano, antes de lançar seu primeiro disco solo ("Presenting Isaac Hayes", de 1968), era instrumentista e compositor contratado da gravadora Stax Records nos anos 60 e dois grandes sucessos do período gravados pela dupla Sam & Dave ("Soul Man", de 1966, e "Hold On, I'm Coming", de 1967) foram escritos por ele em parceria com David Porter. A fama dos dois já precedia suas primeiras gravações próprias e suas estreias eram aguardadas, geraram expectativa do público e da crítica.\nMelodia começou melhor. "Pérola Negra" é um item de discoteca básica da música brasileira, uma radiografia de sua personalidade artística e inspiração à vontade em uma receita pós-tropicalista em que samba, blues, soul, forró, jazz e rock convivem em harmonia. Após uma estreia pouco festejada, Isaac Hayes acertou a mão no seu segundo álbum e "Hot Buttered Soul" (de 1969) ocupa com tranquilidade um lugar no olimpo da soul music. Em um período em que o gênero preparava uma transformação profunda, o trabalho do compositor antevê o caminho que seria trilhado nos anos 70 e serve de referência para as obras-primas que outros grandes artistas gravariam pouco tempo depois. Até então muito baseada nos singles para as rádios e juxeboxes, a música popular negra norte-americana passaria por um processo de amadurecimento com álbuns que entrariam pra história com uma unidade na concepção de todas as faixas e um discurso que reverberava a tensão social das ruas. "What's Going On" (Marvin Gaye, 1971) e "Songs in the Key of Life" (Stevie Wonder, 1976) são bons exemplos do avanço de estágio da soul music a partir de "Hot Buttered Soul".\nOutra afinidade entre ambos artistas é justamente o alto nível que atingem em seus respectivos segundo discos. Isaac Hayes lança outros ótimos trabalhos na sequência: "The Isaac Hayes Movement" (1970), "… To Be Continued" (1970), "Shaft" (1971) e "Black Moses" (1971) dão continuidade à obra com muita potência e clássicos. A faixa-título da trilha sonora do filme "Shaft" e o efeito do pedal wah-wah do riff de guitarra é até hoje um monumento da história do funk. Já a base de "Ike's Rap" – sampleada por Tricky, Portishead e Racionais MC's – tornou-se também uma assinatura do norte-americano para as gerações seguintes da música negra. A maturidade de "Hot Buttered Soul" como uma obra completa, no entanto, nunca mais foi alcançada. Em um período em que o que abastecia a máquina do soul music eram os hits radiofônicos de dois ou três minutos, o compositor norte-americano rompe com as regras e grava um LP de apenas quatro faixas – uma delas, "By The Time I Get To Phoenix", com espantosos 18 minutos e 42 segundos. Já a primeira do álbum, "Walk On By", hit de elevador do Burt Bacharach, surge em um arranjo épico, de 12 minutos. Hayes toca órgão e canta escoltado por uma banda sensação do momento, The Bar-Kays (o baterista William Hall, o baixista James Alexander e o guitarrista Michael Toles). É na combinação do entrosamento dos bons músicos de funk com a sofisticação dos arranjos de cordas que os elementos se equilibram e realçam a profundidade da interpretação do vozeirão privilegiado.\nLuiz Melodia atinge um lugar parecido em "Maravilhas Contemporâneas" (1976). Assim como "Hot Buttered Soul", o segundo LP do brasileiro antecipa algo que estaria para estourar na MPB nos anos seguintes. Depois da estreia pé na porta, Melodia se esparrama pela sala bem à vontade na companhia de músicos da Banda Black Rio – que lançaria seu primeiro disco, "Maria Fumaça", em 1977, e se tornaria o epicentro do movimento homônimo que fez a cabeça da juventude negra e carioca no final dos anos 70. "Maravilhas Contemporâneas" contava com três integrantes-chave da Black Rio: o baterista Luiz Carlos Santos, o baixista Jamil Joanes e o saxofonista e líder Oberdan Magalhães. A presença do trio – em meio a outras feras como o guitarrista Perinho Santana e o percussionista Chico Batera – fez o tempero do soul / funk ganhar destaque na receita de Melodia em faixas como "Congênito" (do verso-mantra "Se a gente falasse menos, talvez compreendesse mais"), "Baby Rose" e "Questão de Posse". Assim como Isaac Hayes influenciou Marvin Gaye e Stevie Wonder em seus movimentos posteriores ao lançamento de "Hot Buttered Soul", Luiz Melodia acabou também por interferir nas carreiras dos veteranos baianos Gilberto Gil e Caetano Veloso: o primeiro reverberou a influência do movimento Black Rio na obra-prima "Refavela" (de 1977) e o segundo saiu em excursão com a banda homônima no espetáculo "Bicho Baile Show" (em 1978). O brasileiro, assim como o norte-americano, enfileira outros bons LPs a partir do segundo da carreira: "Mico de Circo" (de 1978) traz um dos seus hinos eternos, "Fadas"; "Nós" (1980) começa em clima caribenho na ótima "Ilha de Cuba"; e "Felino", de 1983, mostra sua versão para o reggae jamaicano em "Só". O LP de 1976, no entanto, ainda é considerado o ápice criativo do gênio.\nPra terminar, há uma feliz coincidência nas capas das duas obras-primas. Ambas trazem o intérprete em close: Melodia olha para a esquerda e sorri; Isaac Hayes abaixa a cabeça, em um movimento que destaca sua lustrosa careca, o aro dos seus óculos e as correntes que adornam seu peito. São imagens que, de certa forma, traduzem também a essência de cada um: o brasileiro expansivo, antropofágico, aberto a vários gêneros, tão festivo quanto introspectivo; o norte-americano reflexivo, à procura de uma melancolia que embeleza o soul. Salve!\n*As playlists que acompanham este texto não representam uma coletânea das carreiras dos dois artistas, mas um recorte dos períodos abordados no artigo e considerados os mais inspirados da obra de ambos pela Radiola Urbana: 1969 – 1971 (Isaac Hayes) e 1973 – 1978 (Luiz Melodia). A ordem das músicas é cronológica.\nRamiro Zwetsch é jornalista, DJ residente da festa Entrópica, sócio da Patuá Discos e criador do site Radiola Urbana. Foi editor-chefe dos programas "Manos e Minas" e "Metrópolis", repórter de música do Jornal da Tarde e colaborou para "Ilustrada", "Caderno 2", “Bravo!”, “Rolling Stone”, “Bizz”, “Carta Capital”, “Select” entre outros.\nDivagações e reflexões sobre as maravilhas contemporâneas e pérolas negras da música Brasil adentro e mundo afora.\nA Radiola Urbana festeja sempre que começa mais uma edição do festival de documentários musicais In-Edit Brasil! A 11ª começa justamente hoje (quarta, 12/06) com mais de 57 filmes e já estamos naquela ansiedade pra organizar a agenda pra assistir o máximo de sessões possível.\nA natureza nômade é se movimentar constantemente. O combo do ABC Paulista Nomade Orquestra segue esse instinto e não para quieto na busca de uma permanente reinvenção de sua musicalidade. No próximo dia 14, a banda lança seu terceiro disco, "Vox Populi", e envereda por um caminho até então inédito em sua estrada fonográfica: de trabalhar com vocalistas convidados. Seus dois álbuns anteriores - "Nomade Orquestra" (2014) e "EntreMundos" (2017) - são instrumentais e revelam uma potência rara e autoral na fusão de influências. O jazz e funk norte-americanos colidem com toda diversidade rítmica brasileira, o choque abre as vísceras de sua estética e autópsia desvenda ainda referências caribenhas e africanas.\nEntre as muitas vozes jamaicanas de identidade inconfundível, a de Horace Andy é uma das que mais tem profundidade. O cantor e compositor se apresenta em São Paulo no próximo sábado, dia 01 de junho, como atração da tradicional festa Jamboree. Ele canta escoltado pela banda brasileira Leões de Israel, já acostumada a acompanhar artistas da Jamaica que desembarcam por aqui. Com mais de 50 anos de carreira e aos 68 anos, Horace começou a fazer história a partir do começo dos anos 70 com uma sequência de álbuns inspirados lançados pela lendária gravadora Studio One. A partir dos anos 90, os holofotes se voltaram mais uma vez a ele pelas participações infalíveis nos álbuns da banda britânica de trip hop Massive Attack. Trata-se de uma lenda que subirá ao palco do Fabrique Club. A Radiola Urbana convidou o organizador da Jamboree, o DJ e pesquisador de música jamaicana Jurássico, para criar a playlist comentada abaixo para entrar no clima da apresentação. Ouça, leia e vá!\nUm velho dilema da Virada Cultural em São Paulo é organizar a agenda para aproveitar o maior número possível de atrações de sua recheada programação. Para a Radiola Urbana, neste ano, tudo gira em torno do show do nigeriano Seun Kuti (domingo 19/05, às 3h da madrugada, no Palco Anhangabaú). Nossa sugestão é se garantir nessa e depois planejar o resto. O músico esteve no Brasil em quatro oportunidades já e, em duas delas, a apresentação aconteceu ao mesmo molde à deste ano: em eventos gratuitos, no centro de São Paulo (na própria Virada Cultural, em 2012, e no Mês da Cultura Independente, em 2014). Em ambas oportunidades, foi emocionante observar a devoção da comunidade nigeriana da cidade, que se garantiu na frente do palco e fez um espetáculo à parte. Já no ano passado, ele se apresentou no Nublu Jazz Festival, exatamente no dia seguinte ao assassinato de Marielle Franco e iniciou o show com a projeção de uma fotografia da vereadora.\nQuando Miles Davis lança o disco “Miles Ahead”, em 1957, seu nível de confiança na própria música já era grande o suficiente a ponto dele topar intitular o trabalho com uma expressão de duplo sentido, em que um dos significados é “milhas à frente”. Ele estava certo. Naquele momento, o trompetista e compositor ainda não havia transformado o jazz tão profundamente como faria logo depois — mas já vislumbrava o futuro do gênero, esbanjava no currículo obras icônicas como “Birth of the Cool” (o disco que antecede “Miles Ahead”, também de 1957, e torna-se referência do gênero cool jazz) e desfrutava do reconhecimento pela autenticidade do fraseado claro e lírico do seu trompete.\nGeovana mostra o balanço e a malandragem de seu samba em SP\nO sorriso de Geovana é um abraço. Os lábios se esticam, desvendam os dentes brancos que contrastam com a pele preta, os olhos brilham apertados e iluminam toda a sala de seu pequeno apartamento alugado no centro de São Paulo. E ela adora sorrir e gargalhar com os próprios comentários. O humor é de quem tem malandragem no sangue. Usa gírias e expressões da mesma sagacidade de quem, em 1975, cantou: "ora, veja só, eu te amava tanto / mas agora não te quero mais / gosto de fazer amor / quem tem carinho, me leva / as cartas estão embaralhadas / corta que eu quero dar" . O papo é reto, o timbre de voz é grave e o balanço é de primeira. "Quem Tem Carinho Me Leva" é uma das faixas do disco homônimo e um hit dos bailes de samba-rock. O LP, inspiradíssimo, é um tesouro da música popular brasileira. O repertório traz ainda "Amor dos Outros" (também um clássico dos bailes), "Tataruê" (pedrada afro-brasuca) e "Pisa Nesse Chão Com Força" - composição que ela defendeu na Bienal do Samba de 1971, em São Paulo, e lhe garantiu um contrato com a gravadora RCA.\nMixtape celebra os 25 anos de "Illmatic", obra-prima do rapper Nas\nO rapper e produtor Q-Tip (do A Tribe Called Quest) não gosta de desgastar a expressão “obra-prima”, mas não hesita em afirmar que “Illmatic” (Nas, 1994) é uma delas na história do hip hop — comparável ao que representa “What’s Going On” (Marvin Gaye, 1971) para a soul music. O depoimento está em um dos episódios da segunda temporada da ótima série documental “Hip Hop Evolution” (disponível no Netflix) e reafirma a relevância do álbum de estreia do rapper nova-iorquino. O lançamento do disco acabou de completar 25 anos no dia 19 de abril e o aniversário foi festejado pelo DJ Chris Read com uma mixtape que mescla as faixas originais do trabalho, com remixes e as músicas de jazz e soul sampleadas (de artistas como Donald Byrd, Kool and Gang, Michael Jackson, Reuben Wilson e outros) para as bases confeccionadas pelos produtores mais badalados do período: o próprio Q-Tip, Pete Rock, DJ Premier e Large Professor. Vai na fé!\nHá uma música do disco “Cinco Sentidos” (2010), de Mateus Aleluia, em que a letra fala: “vamos celebrar / o amor há de renascer das cinzas / vamos festejar o cinza com amor”. “Amor Cinza” é presença quase certa no repertório dos shows do compositor baiano e seu efeito catártico é infalível. O refrão torna-se um mantra que todos cantam — mesmo quem nunca ouviu a canção antes. É a mágica da melodia e das palavras. Parece também um lema possível para o processo constante de redescoberta da música d’Os Tincoãs, do qual Aleluia fez parte nas décadas de 60, 70 e 80. A boa nova é que, desde a semana passada, parte grande da obra do grupo foi lançada nas plataformas digitais.\nFela Kuti (1938 - 1997): músico nigeriano, inventor do afrobeat, ativista pan-africanista, opositor do governo militar da Nigéria nos anos 70, 80 e 90. Carlos Moore (1942): etnólogo cubano, ex-assessor de Malcolm X, amigo de Maya Angelou, militante do movimento negro, biógrafo de Fela. Sandra Izsadore: ativista e artista norte-americana, pantera negra, influência crucial na conscientização política do nigeriano. Joel Zito Araújo (1954) : cineasta brasileiro, diretor de filmes que refletem sobre o racismo no Brasil. Essas quatro mentes pensantes da intelectualidade negra mundial se entrelaçam em um mesmo discurso no filme "Meu Amigo Fela", em cartaz no festival de documentários É Tudo Verdade, com duas exibições programadas para os próximos dias: sexta, 12/04 (às 19h), no Centro Cultural São Paulo (São Paulo) e sábado, 13/04 (às 18h), no Estação Net Botafogo (Rio de Janeiro). A obra aborda a biografia do artista a partir de conversas conduzidas por Moore e, naturalmente, constrói uma reflexão sobre o ativismo negro ao contextualizar passagens vividas pelo entrevistador em sua convivência com Maya Angelou e Malcolm X.\nNão há o que discutir: Marvin Gaye é um dos artistas mais importantes da história da música e "What's Going On" (1971) está entre os álbuns mais inspirados de todos os tempos. Trata-se, portanto, de um acontecimento épico o lançamento do inédito "You're the Man", gravado em 1972, na esteira da repercussão de sua obra-prima. Ainda que seja compreensível que seu autor não tenha ficado plenamente satisfeito com o resultado e tenha decidido engavetar o projeto, essa coleção de 17 faixas até então desconhecidas não só desvendam uma parte da produção de um gênio em seu auge criativo como também ajudam os fãs a entenderem o percurso que ele fez na transição do discurso político para o hino erótico (e igualmente clássico) de "Let's Get It On" (lançado em 1973).\nA profundidade que há no timbre grave de Mateus Aleluia está também no seu olhar. Enquanto caminha, ele quase sempre murmura alguma melodia - se recém-criada ou trazida de alguma memória do inconsciente, não se sabe. No palco, sua mágica não falha: o mantra ancestral embala os espectadores e os conecta com emoções internas e misteriosas. Nesta sexta, 29, ele apresenta o show "Aclamação a Olorum" no Sesc Pinheiros, em São Paulo. Aos 75 anos, o artista experimenta o reconhecimento de sua obra recente - dos discos "Cinco Sentidos" (2010) e "Fogueira Doce" (2017) - e também do legado do grupo Os Tincoãs, do qual foi integrante nos anos 70 e 80. O trio fez relativo sucesso na época, com apresentações em programas da Globo, músicas executadas nas rádios e participações em álbuns de Martinho da Vila. Atualmente, no entanto, o interesse em torno desse repertório só faz crescer e os discos "O Africanto dos Tincoãs" (1975) e "Os Tincoãs" (1977) serão finalmente lançados nas plataformas digitais em abril. Em 2017, foi lançado o livro "Nós, Os Tincoãs", que compila textos sobre a importância e a história do grupo.\nTony Allen, o inventor da batida do afrobeat, faz dois shows no Brasil\nTony Allen é o inventor de uma linguagem musical e poucos instrumentistas no mundo podem se orgulhar disso. Como integrante das bandas The Koola Lobitos e Africa 70, que acompanhavam Fela Kuti, o baterista nigeriano criou as estruturas rítmicas que definiram o gênero afrobeat - uma evolução do highlife africano sob o impacto das influências norte-americanas do jazz e do soul. O músico se apresenta no Brasil no Nublu Jazz Festival na quinta 21 (no Sesc São José dos Campos) e na sexta 22 (no Sesc Pompeia, em São Paulo) ao lado do saxofonista brasileiro Thiago França (integrante do Metá Metá). A parceria não é de hoje: eles já tocaram juntos em algumas ocasiões - uma delas antológica, em show do Metá Metá com Allen na bateria ao lado de Serginho Machado, na saudosa Serralheria (em São Paulo), em 2013. No ano seguinte, foi lançado um compacto em vinil com duas faixas que atestam em estúdio a boa química vista no palco entre a banda e o baterista.\nConheça os instrumentos africanos usados pela Höröyá, que lança novo disco\nA foto que estampa a capa do disco é mais que uma imagem: é uma referência que se projeta na mente do ouvinte durante a audição de "Pan Brass Afree'ke Vol. 2", o terceiro disco da banda Höröyá, desde a primeira faixa. A paisagem que hipnotiza o olhar é do rio Níger, o mais importante da África Ocidental, que passa por cinco países (Guiné, Mali, Níger, Nigéria e Benin) e pelo deserto do Saara. Seu percurso faz o desenho de um arco e este recorte do pedaço do continente é uma alusão perfeita ao som do combo afro-brasileiro formado em São Paulo.\nClipe de Rodrigo Campos reverbera, intuitivamente, rebaixamento da Vai-Vai\nEmbora lançado hoje (06/03), o novo clipe de Rodrigo Campos já estava pronto há mais de dez dias. O músico apresentou a obra a este blog no último domingo (dia 3/3) e a data de upload registrada no youtube da primeira versão que assistimos é do dia 21 de fevereiro. A coincidência quis que seu lançamento fosse justamente no dia seguinte ao primeiro rebaixamento da história da Vai-Vai — uma das escolas de samba mais tradicionais de São Paulo, com sede no Bixiga, e a única a ostentar 15 títulos do carnaval.\nExclusivo: ouça a primeira música do disco do Letieres Leite Quinteto\n“Casa do Pai” é a primeira música divulgada do disco de estreia do Letieres Leite Quinteto, com lançamento previsto para junho de 2019. O maestro da Orkestra Rumpilezz assina as composições e arranjos, além de tocar flautas e saxes. Completam a formação: Ldson Gualter (baixo e direção musical), Marcelo Galter (piano), Tito Oliveira (bateria) e Luisinho do Jejê (percussão). Radiola Urbana divulga a faixa com exclusividade — Letieres avisa que ainda falta a mixagem final e que cerca de três minutos da música foram editados. Já é possível perceber, no entanto, como a intimidade do músico com os ritmos afro-brasileiros confere ao trabalho uma abordagem jazzística extremamente autoral. A Orkestra Rumpilezz talvez seja o principal acontecimento da música brasileira recente e o quinteto surge para expandir essa força criativa em uma outra linguagem. O disco foi gravado em processo totalmente analógico no estúdio Rocinante e será lançado em vinil duplo pela gravadora homônima. Sylvio Fraga é co-produtor do trabalho.\nProjeto com versões jazzísticas do A Tribe Called Quest é coisa fina\nA influência do A Tribe Called Quest no hip hop é algo indiscutível e sua obra ainda inspira novos projetos surpreendentes. O produtor francês Medline acaba de soltar na rede um aperitivo do álbum “A Quest Called Tribe”, em que oferece versões instrumentais de faixas do amado grupo de Nova York. Por enquanto, quatro das oito faixas do trabalho foram divulgadas e o resultado é de altíssimo nível.\nMacalé sobre novo disco: "abençoo as músicas dos outros e as torno minhas"\nJards Macalé aprendeu a nadar. Faz tempo. "Sou de peixes, pô, nado desde pequenininho". Mesmo assim, nos anos 70, agentes da ditadura frequentemente batiam à sua porta no Rio de Janeiro e perguntavam se ele topava dar uma voltinha nada amistosa pela Baía de Guanabara. O "convite" vinha sempre acompanhado da pergunta capciosa: "você sabe nadar?". A prática era comum e a ameaça visava amedrontar a arte, matá-la por afogamento. Jards, então, lançou seu segundo LP em 1974 e o batizou de "Aprender a Nadar". "Fui à forra. O lançamento do disco foi em uma grande barca na Cantareira e eu me lancei na Baía de Guanabara por livre e espontânea vontade". Hoje, aos 75 anos, esse bendito compositor brasileiro nada de braçada. O recém-lançado disco "Besta Fera" já se anuncia como um dos grandes acontecimentos da arte brasileira em 2019 e devolve ao seu público algo que estava adormecido há 20 anos: um trabalho só com composições inéditas. O título do álbum, suas letras e uma certa sombra que envolve a maioria dos arranjos remetem ao mesmo terror que assombrava o Brasil 45 anos atrás. Romulo Fróes assina a direção artística. A produção é de Thomas Harres e Kiko Dinucci - o primeiro toca bateria e o segundo gravou violões, sintetizadores e samples.\nMais um herói da música etíope volta a gravar após 20 anos: Hailu Mergia\nO ethio-jazz é uma obsessão desse blog. Já falamos do assunto algumas vezes por aqui. Festejamos a exibição do filme “Ethiopiques” no festival In-Edit Brasil do ano passado e o encontro entre o produtor norte-americano Madlib e o músico Ayaléw Mesfin (também registrado em vídeo em 2018). A boa nova de 2019 é o recém-lançado álbum de Hailu Mergia, tecladista e acordeonista que integrava a Walias Band — que fazia sucesso na Etiópia nos anos 70 e ganhou notoriedade no resto do mundo nos anos 2000 por causa da faixa “Muzikawi Silt”, um dos clássicos do gênero, gravado originalmente em 1977.\nAssista ao clipe da música "Coluna de Aço", de André Sampaio\nO músico carioca André Sampaio lançou um dos discos brasileiros mais interessantes de 2018. “Alagbe” é seu segundo trabalho solo e dialoga com a sonoridade do afro-rock sob uma teia de influências brasileiras — do mangue beat à capoeira, passando por vários ritmos regionais e ancestrais. Foi lançado recentemente o segundo clipe do disco, da faixa “Coluna de Aço”. O som é extremamente original (com elementos de afro-funk e do coco nordestino), com a guitarra de André em primeiro plano junto com a potência percussiva de tambores e berimbaus. A letra exalta a cultura como forma de resistência e sua mensagem bate em cheio neste Brasil de 2019. O vídeo é dedicado ao Mestre Moa do Katendê, assassinado em 2018 após uma discussão política em Salvador, logo após a apuração de votos do primeiro turno das eleições presidenciais. Assista!\nJazz, 1959: quatro discos que transformaram o gênero completam 60 anos\n1959 foi um ano e tanto para o jazz. Quatro obras são símbolos das transformações que movimentariam o gênero dali pra frente: "Kind of Blue" (Miles Davis), "Mingus Ah Um" (Charles Mingus), "The Shape of Jazz to Come" (Ornette Coleman) e "Time Out" (Dave Brubeck). É um fenômeno interessante que marca também a história de outros gêneros. O rock de 1967 (com "Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band", a obra-prima dos Beatles, os dois primeiros do Jimi Hendrix, o primeiro do Velvet Underground, o primeiro do Pink Floyd, entre muitos outros), a MPB de 1972 (com "Transa", de Caetano Veloso; "Clube da Esquina", de Milton Nascimento e Lô Borges; "Acabou Chorare", dos Novos Baianos; "Expresso 2222", Gilberto Gil; o primeiro do Jards Macalé e muito mais) e o rap de 1993 (com "Doggystyle", de Snoopy Dogg; "Midnight Marauders", do A Tribe Called Quest; "Enter The Wu Tang-Clan", do Wu Tang-Clan; e "Return of the Boom Bap", do KRS-One etc.) são outros bons exemplos de anos-chave para um determinado gênero.\nO legado da Motown é algo indiscutível: primeira gravadora gerida por negros, alavancou o surgimento e a consolidação da soul music, emplacou uma infinidade de hits nas paradas da Billboard nos anos 60 e 70 e projetou vários artistas para a eternidade da música - Donna Summer & The Supremes, Michael Jackson, The Temptations, Martha and the Vandellas, Smokey Robinson, Lionel Richie & The Commodores, etc. A gravadora de Detroit completou 60 anos em 12 de janeiro de 2019 e, desde sua fundação, em 1959, pavimentou parte importante daquilo que hoje entendemos como música negra. A companhia foi também de importância crucial para a consagração dos gênios Marvin Gaye e Stevie Wonder nos anos 60. Na década seguinte, curiosamente, a rebeldia e a confiança de ambos inverteram os papéis: os dois romperam com a antiga receita de Berry Gordy Jr. (fundador da Motown), que insistia em priorizar os singles para as paradas de sucesso, e bateram o pé para criarem álbuns com conceito mais elaborado tanto na estética quanto na temática. O resultado são sequências inspiradas de cinco discos de cada um que hoje são cultuadas como as melhores fases de suas respectivas carreiras, obras que frequentemente são lembradas como mais influentes da música e um novo status para a própria gravadora (que evolui para um período de maior maturidade artística, sem perder a vocação para o sucesso). A playlist que acompanha este texto reúne 50 faixas de Gaye e Wonder lançadas entre 1971 e 1978 que simbolizam essa transformação no som dos artistas.\nNeneh Cherry chutou a porta mais uma vez! Esquecido na nossa lista de melhores do ano de 2018, seu álbum "Broken Politics" é o nosso lançamento internacional preferido do ano que passou. Com trajetória solo iniciada no fim dos anos 80, a artista sueca teve alguma projeção pop (nas rádios, na MTV) com seus primeiros três LPs que transitavam em algum lugar próximo do rap e do r&b. Após um hiato de dez anos sem gravar entre 1996 e 2006, quando lançou um álbum com projeto Cirkus, a carreira ganhou um novo fôlego a partir de 2012 com o disco "Cherry Thing" (em parceria com o trio de jazz escandinavo The Thing). O experimentalismo, um certo sangue nos olhos em combinação equilibrada com boas doses de doçura e a (até então discreta) veia jazzística projetaram a compositora para um novo patamar. "Blank Project", lançado em 2014 e com produção do cultuado Four Tet, confirmou que a guinada recente havia a transformado definitivamente: a inspiração e a originalidade do trabalho lhe garantiram um lugar exclusivo na música - com uma mistura de canções, rap, trip hop, jazz, e batidas eletrônicas que dificultavam que seu som ficasse enquadrado em qualquer rótulo.\nSe a música é a única forma de arte que não exige a visão para ser apreciada (basta a audição), a imagem pode potencializar (e muito) o som. O fotógrafo e artista plástico pernambucano Carlos Filho usou sua lente para este fim e sua obra (com algo entre 200 e 300 capas de discos da música brasileira) alcançou a proeza de oferecer imagens que se confundem com os próprios discos - a ponto de uma coisa não existir sem a outra. Pense no LP "Clube da Esquina" (Milton Nascimento e Lô Borges, 1972) e será inevitável e imediata a associação com a fotografia de dois garotos na beira de estrada que estampa o trabalho. Cafi, como era conhecido, morreu no dia 1 de janeiro aos 68 anos vítima de um enfarto e deixa esse legado de ser o responsável pela imagem que identifica centenas de discos lançados por artistas como Fagner, Nana Caymmi, Edu Lobo, Beto Guedes, Alceu Valença, Geraldo Azevedo e tantos outros.\nEste blog bota muita fé no garimpo de músicas perdidas da África e do Caribe, principalmente dos anos 60 e 70. A playlist abaixo reúne 20 faixas para quem busca por uma trilha sonora sem obviedades para este ano novo: 1 hora e meia de afro-funk, cumbia, salsa e outros ritmos para balançar à vontade. Som na caixa!\nOs (nossos) melhores de 2018: Rodrigo Campos, Nick Cave, Sesc Jazz, Elza...\nAntes de mais nada, é preciso fazer a ressalva: este blog nem de longe ouviu todos os discos ou assistiu a todos os shows de 2018. A lista abaixo, portanto, não tem a pretensão de ser definitiva ou de ser encarada com uma eleição criteriosa. Ela representa o nosso microcosmos e o gosto pessoal do jornalista ouvinte de música. Os critérios, portanto, são subjetivos e pessoais. E o resultado final tem uma amplitude que combina com nosso conteúdo, com os diversos gêneros que frequentaram nossos posts ao longo do ano: tem música brasileira, jazz, rock, reggae, rap e funk. Dito isto, aqui vai os nossos melhores de 2018.\nBoxes de compactos de vinil desvendam o Congo e a Etiópia dos anos 70\nA produção da música africana dos anos 70 é uma das obsessões desse blog e já foi assunto de posts recentes. Já no embalo do fim de ano, recomendamos aos interessados nesse garimpo duas caixas de compactos de vinil lançados em 2018 que contribuem para esta constante redescoberta.\nDuas joias do afro-funk são redescobertas: Ayaléw Mesfin e Orchestre Abass\nA arca do afro-funk acaba de desvendar mais duas pepitas sonoras. O efeito do fenômeno do funk nos anos 70 - com o sucesso de artistas como James Brown, Kool and Gang, Aretha Franklin, Curtis Mayfield e outros - é algo global e fomentou uma cena própria no continente africano. A combinação da mensagem do orgulho negro com um ritmo feito para dançar e protestar, reverberou em alto e bom som em países como Nigéria, Benin, Gana, Congo, Etiópia, Costa do Marfim, Quênia, Senegal, entre muitos outros. O histórico de guerras civis e o isolamento no contexto geopolítico, no entanto, abafou essa produção para o resto do mundo por décadas e um crescente movimento de redescoberta traz à tona verdadeira joias perdidas da discografia africana.\nTrio Elo da Corrente lança quarto disco e consolida estilo original no rap\nOs lançamentos recentes dos talentosos e badalados Baco Exu do Blues ("Bluesman") e Karol Conca ("Ambulante") atraíram - merecidamente - os holofotes da mídia, mas o rap nacional trouxe outras boas novas nos últimos dias. Uma delas é o quarto disco do trio paulistano Elo da Corrente (formado pelos MCs Caio, Pitzan e o DJ PG), já estabelecido no circuito underground por uma busca incessante pela originalidade nas bases e batidas e nas referências de música brasileira que embalam as produções. "Rosa de Jericó" segue essa trilha com muito esmero em toda construção instrumental, papo reto nas rimas, samples sagazes (da voz de Itamar Assumpção em reflexões esparsas a versos de Mano Brown) e participações fulminantes de Black Alien (em "Veias Abertas"), Matéria Prima ("Santosha") e da veterana sambista Geovana ("Mariana"). Ouça!\nOuça o novo single da banda baiana IFÁ\nLançado nesta terça 20 de novembro, Dia da Consciência Negra, o novo single da banda baiana IFÁ é uma pedrada instrumental na cadência da revolta e da festa. Os arranjos de metais batem no ouvido como uma sequência de golpes de capoeira. A unidade entre guitarra, baixo, bateria, teclados e percussão são um convite para o balanço dos quadris e cinturas. O momento é oportuno. É uma afirmação de negritude, da ginga e da luta da Bahia, do poder da dança como arma de resistência. É trilha sonora para se inspirar, para amar e contestar. Ouça "Manifesta"!\nA influência de James Brown na África em 19 músicas\nO fenômeno James Brown nos anos 60 e 70 reverberou em todo o planeta - no Brasil, por exemplo, foi uma influência direta para o movimento Black Rio. A combinação de uma música com potencial dançante e afirmação da mensagem de orgulho negro causou alvoroço na África e, naturalmente, inspirou a produção musical do continente. A Radiola Urbana reúne aqui 19 faixas que mostram o impacto dessa referência no afro-funk de Gana, Nigéria, Serra Leoa, Quênia, Benin, Etiópia, Costa do Marfim, Congo e Mali. A seguir, você confere uma playlist no spotify com 15 músicas e 4 links do youtube com outros exemplos.\nNovo disco do trompetista Guizado traz narrativa apocalíptica\nOs robôs já estão entre nós e cada vez mais manipulam nossa realidade. Verdades são ilusões. "O Multiverso em Colapso", quinto e novo disco do paulistano Guizado, não poderia ser lançado em um melhor momento. Com uma narrativa apocalíptica e estética de ficção científica, o trabalho desenvolve uma ideia através das letras e sons que poderiam virar um roteiro de filme - na verdade, era pra ser uma HQ do coletivo Miolo Frito (que assina a capa), algo que não se concretizou pelo menos por enquanto. O sangue jazzístico do trompetista e compositor corre por uma veia roqueira, transfusão muito bem realizada pela banda base formada pelos guitarrista Regis Damasceno e Allen Alencar, o tecladista Zé Ruivo, o baterista Richard Ribeiro e o baixista Meno Del Picchia. A mão do experiente produtor Carlos Eduardo Miranda (falecido em 2017) se faz presente e há uma unidade na combinação de narrativa e sonoridade, com equilíbrio entre temas instrumentais e canções. Andrea Merkel, Ava Rocha, Lucas Santtana, Negro Léo, Romulo Fróes e Sandra Coutinho emprestam as vozes e somam-se à do próprio Guizado, dividindo assim o discurso entre vários narradores / personagens. As paisagens que se projetam na mente do ouvinte poderiam se associar com cenas de Blade Runner ou Akira, conforme sugere o release assinado pelo jornalista Alexandre Matias, mas também remetem à São Paulo de hoje: o futuro distópico é aqui e agora. Trocamos uma ideia rápida com o artista. Leia a entrevista e ouça o disco.\n"Sobrevivendo no Inferno", dos Racionais MCs, agora também em livro\nSó não vê quem não quer: "Sobrevivendo no Inferno" (1997), dos Racionais MCs, é um dos grande discos da música brasileira assim como "Chega de Saudade" (João Gilberto, 1959), "Tropicália ou Panis Et Circenses" (Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Os Mutantes, Nara Leão, Tom Zé, Rogério Duprat, Capinam e Torquato Neto, 1968) e "A Tábua de Esmeralda" (Jorge Ben, 1974). É também a obra maior do rap nacional, sem polêmica - a mais relevante, divisora de águas, de maior impacto na cultura e para além dela. Seus efeitos são visíveis não é de hoje. Trata-se de um compilado de músicas que traduz a complexidade da periferia paulistana (e brasileira), um panfleto de conscientização social sem precedentes na discografia da MPB e um documento de denúncia da política do estado de extermínio da população negra.\n10 músicas do jazz contra o racismo\nEmbora boa parte do público dos festivais de jazz no Brasil seja a elite branca interessada em uma vertente mais comportada para acompanhar o uísque, a história do gênero mostra que a revolta contra o racismo é uma tradição desde os anos 30 - não por acaso, sua raiz está intimamente relacionada aos cantos dos escravos. A playlist a seguir reúne 10 faixas que simbolizam essa luta em forma de música, em que a estética sangue no olho talvez não combine com aquele momento de relax sem remorsos na sua confortável poltrona. É trilha sonora para o levante popular.\nRegimes militares perseguem a arte e poucos viveram isso tão intensamente quanto Fela Kuti. O músico (cantor, compositor, letrista, produtor, saxofonista e tecladista) nigeriano tem um histórico de confrontos com a ditadura que comandou seu país na década de 1970 - mesmo período em que sua obra evolui espantosamente com mais de 30 discos lançados entre 1971 e 1979. É também neste mesmo intervalo de tempo que ele consagra a invenção do gênero afrobeat, uma poderosa adaptação africana à influência do funk norte-americano em que o transe rítmico se estende em longas composições (que normalmente giram em torno de 15 minutos e ocupam um lado inteiro dos LPs). O resultado é uma combinação rara de letras de protesto e uma dinâmica direcionada ao balanço, em que baixo, guitarra, bateria e percussão sustentam uma base com impressionante repetição e criam o ambiente para o ataque de metais, teclados e vocais. A voz de Fela canta como quem discursa em um palanque e sua mensagem ganha a ênfase de um coro feminino em um contraponto de timbres que potencializa o grito de guerra.\n"O lance que mais machuca é que quando morre um griô, não é uma mulher ou homem que morrem: é um pouco da cultura que se esvai. Ainda bem que ele rodou e ensinou. Embora eu tenha certeza que ele ainda tivesse muito a nos ensinar, sei que a essência do que ele tinha foi passada pra muita gente. E nesse ponto, num momento como esse de questionamento e de fratura do nosso povo, o assassinato de um griô é de uma simbologia assombrosa. É como se os que discordam estivessem dizendo: 'eu prefiro sua morte a entender seu ponto de vista, eu prefiro sua morte a aceitar sua pessoa'… Em pleno século XXI, parece um pesadelo."\nSe você acompanha as festas de reggae em São Paulo, certamente já ouviu falar no Monkey Jhayam. Um dos cantores com mais personalidade da cena, ele subiu um degrau agora com o recém-lançado "Prince Fatty Presents: The Rolê of Monkey Man". O trabalho traz uma produção no capricho do britânico Prince Fatty e sai pelo cultuado selo norte-americano Delicious Vinyl - referência do hip hop desde os anos 90. Fatty neste ano já havia chamado atenção como produtor do ótimo disco dos The Last Poets, "Understand What Black Is", com uma bem-vinda e inspirada conexão da linguagem de spoken word com as bases do reggae. Ele também tem no currículo ótimos mash-ups de vocais de clássicos do hip hop com batidas à moda jamaicana.\n"Taurina", de Anelis Assumpção, é um disco pra história\nElas sim: "Vagarosa" (Céu, 2009); "Efêmera" (Tulipa Ruiz, 2010); "Selvática" (Karina Buhr, 2015); "Taurina" (Anelis Assumpção, 2018). Não é por acaso. Os adjetivos femininos que estampam os títulos de alguns dos melhores discos da música brasileira recente significam muito. São trabalhos de mulheres compositoras, artistas que vieram pra ficar, que representam o agora e serão lembradas com a devida importância quando o tempo passar. É inegável. Na noite de ontem, na premiação do canal Multishow, Anelis foi celebrada merecidamente com o melhor disco do ano na votação do superjúri do evento. Seu álbum é uma obra necessária e completa: capa absurdamente linda (ilustração de Camile Sproesser), letras de inspiração que transborda e que despertam inevitável identificação, a voz principal acomodada confortavelmente no centro dos arranjos, melodias sempre no alvo e um todo que tira o fôlego e mexe no âmago. É um disco pra história.\nVeja o vídeo de show completo de Romulo Fróes, que se apresenta nessa sexta\nA hora é agora. O tempo é hoje. Romulo Fróes insiste na ambição e seu trabalho mais recente, "O Disco das Horas", é mais um passo largo na correria do artista em fazer diferença na música brasileira contemporânea. Já com 10 discos lançados desde 2005 (!!!), outros três com a banda Passo Torto, colaborações nos dois últimos da Elza Soares e um tanto de músicas gravadas por outros intérpretes, ele nunca escolhe o caminho fácil. O trabalho mais recente terá show de lançamento nesta sexta, dia 21/09, no Auditório Ibirapuera.\nUm curso (e uma playlist) para entender o jazz\nO jazz é complexo e tem uma história de mais de 100 anos. Naturalmente, há quem curta a sofisticação das orquestras da era do suingue e não suporte as experimentações da fase free - e vice-versa. Porém, há no mínimo um elemento que é comum ao gênero em todos os seus períodos: sua força para a afirmação do povo negro e a contestação ao racismo. O trompetista e ilustrador Edson Ikê dá um curso no Instituto Tomie Ohtake nesta semana que trata do assunto, além de nos fornecer a bela arte que usamos neste post. Trocamos uma ideia com ele e encomendamos uma playlist que traça um panorama tanto da evolução do jazz como do conteúdo que será abordado nas aulas. Confira!\nUma playlist de aquecimento para os shows do jamaicano Ken Boothe em SP\nA árvore genealógica da música jamaicana tem vários galhos e o lendário Ken Boothe fortaleceu muitos deles. Sua trajetória começa nos anos 60 como estrela do ska ao lado do parceiro Stranger Cole, surfa a onda do rocksteady para ganhar o mundo a partir de 1967, torna-se uma das vozes mais apreciada do reggae nos anos 70 e segue firme nas décadas seguintes com todas as transformações que se sucederam na ilha musical.\nA caminhada de Rodrigo Brandão já acumula alguns quilômetros rodados, mas agora ele achou o atalho definitivo. Embora o trabalho com o grupo Mamelo Sound System dê passos largos na procura por um rap ao mesmo tempo mais brasileiro nas referências das bases e mais próximo do que nos Estados Unidos foi batizado de "hip hop underground", suas pisadas nesse terreno tropeçavam na busca da melhor fluência (flow) para apresentar suas rimas. Devoto do legado do chamado spoken word de artistas como The Last Poets e Gil Scott-Heron, o MC se joga nessa linguagem em seu primeiro disco-solo e cai de pé. "Outros Barato" é um veículo de ideia reta e papo firme, um panfleto de crítica social e reflexão de conteúdo necessário.\nArchie Shepp, um monumento do jazz\nArchie Shepp está entre nós. Este senhor de 81 anos é uma testemunha ocular de algumas das passagens históricas do jazz. Ele participou, por exemplo, das gravações de dois dos álbuns mais icônicos de John Coltrane: "A Love Supreme" (1964) e "Ascension" (1965) - muito embora, no caso do primeiro disco, sua participação tenha sido preterida por uma sessão de gravação anterior, sem sua presença. Como protagonista, também escreveu páginas importantes do gênero com os seus próprios discos: "Fire Music" (1965), "The Magic of Ju-Ju" (1968), "Yasmina, a Black Woman" (1969) e "Attica Blues" (1972) são os preferidos deste blog. Não é exagero dizer que ele está entre os maiores saxofonistas da história e é um dos mais importantes jazzistas vivos.\nToinho Melodia pede passagem\nO samba de São Paulo não morreu nem tampouco agoniza, muito menos é o tal túmulo do gênero conforme chegou afirmar o poeta Vinicius de Moraes. Ele, isso sim, pede passagem pra anunciar: Toinho Melodia acaba de lançar seu excelente primeiro disco aos 68 anos e amanhã faz show de lançamento dessa joia na Casa de Francisca. Embora nascido no Recife, foi na capital paulista que ele se tornou o bamba que dá continuidade ao legado dos gênios Adoniran Barbosa, Geraldo Filme e Paulo Vanzolini. Trata-se de mais um desses talentos que o samba torna notório nas rodas, mas esconde da maior parte do público durante décadas.\nRakta, um apavoro no rock brasileiro\nClaustrofobia. Tensão. Desconforto. Suspense. O show do Rakta no Teatro Centro da Terra é uma experiência. A banda está em temporada nas segundas de agosto e há, portanto, mais duas oportunidades pra assistir. O espaço, na parte alta do bairro de Perdizes, por si só já instiga. O visitante tem de descer vários lances de escada até chegar às cadeiras de frente pro palco e esse processo cria um ambiente de mistério. Na apresentação desta semana, o público vivenciou uma introdução bem perturbadora antes de chegar ao teatro. Com um dos lances de escada bloqueado, um desvio levou as pessoas a um corredor estreito e se deparou com sombras que aparentam ser das duas integrantes atrás de um pano. Os contornos induzem à conclusão de que elas vestem um figurino com véus e capas. Diante de uma parafernália eletrônica (que parecem ser pedais, sintetizadores e MPCs), a dupla dispara sua artilharia de ruídos, alguns bem fantasmagóricos, ausência de melodia, um ritmo desconstruído. Bruxaria. Raktwerk. Raktwin Peaks.\nExclusivo: uma música inédita e a capa do novo disco de Rodrigo Campos\nNenhum lugar é assim tão longe. A geografia musicada de Rodrigo Campos agora faz o movimento para dentro dele mesmo, um retorno à sua origem, uma visita ao samba que o formou como artista. Seu quarto disco, "9 Sambas", será lançado nessa sexta-feira 3 de agosto nas plataformas digitais pela gravadora YB Music e a Radiola Urbana divulga com exclusividade a capa e uma música inédita do trabalho. "Bloco das Três da Tarde" é uma dessas joias tão comuns na obra do paulistano, um nível de composição muito raro - letra, melodia e arranjo se emaranham com naturalidade, sofisticação e inspiração, uma beleza.\nKing Jammy em SP e uma playlist pra entrar no clima\nExistem infinitos músicos importantes. Inúmeros são influentes para as gerações seguintes. Muitos são ícones de um determinado gênero. Nem tantos assim são criadores de um novo estilo. O jamaicano King Jammy (ex-Prince Jammy) é um deles. Produtor do hit "Under Mi Sleng Teng" (cantado por Wayne Smith), ele deu o pontapé inicial para mais uma das muitas revoluções do reggae e praticamente inventou o que hoje se identifica como dancehall - uma evolução da música jamaicana dos anos 80 que, a grosso modo, se diferencia do reggae por ter uma instrumentação digital e vocais menos melódicos e mais próximos do estilo do rap.


Pilates para Pós-operatório Preço em Santa Cecília - Pilates para Joelho - LabPilates\n» Serviços » Pilates » pilates para joelho » pilates para pós-operatório preço em Santa Cecília\nMuitas pessoas buscam pelo pilates como solução para as dores no joelho. Lesões no joelho podem ser causadas por excesso de treino ou sedentarismo, e o pilates para pós-operatório preço em Santa Cecília é bastante indicado para esse tipo de problema.\nSe busca por pilates para pós-operatório preço em Santa Cecília, entre em contato com o Pilates da Vila Studio, um lugar que busca oferecer ao praticante de pilates o melhor exercício para o tratamento da lesão no joelho ou em outras articulações, além de promover o fortalecimento das articulações por meio de exercícios específicos para cada tipo de articulação ou para outros objetivos de modo geral.\nPrecisando de pilates para pós-operatório preço em Santa Cecília? Saiba que com a LabPilates você pode achar serviços como o de academia, fisioterapia e estética, entre outras opções que são oferecidas para a sua necessidade. Trabalhamos com diversas modalidades e áreas da saúde, entre em contato e conte com nossos profissionais capacitados para atendê-lo.\nPara saber mais sobre Pilates para Pós-operatório Preço em Santa Cecília\nO conteúdo do texto "Pilates para Pós-operatório Preço em Santa Cecília" é de direito reservado. Sua reprodução, parcial ou total, mesmo citando nossos links, é proibida sem a autorização do autor. Crime de violação de direito autoral – artigo 184 do Código Penal – Lei 9610/98 - Lei de direitos autorais.


DEUS É SANTO: exaltado sobre tudo, inteiramente separado de todo o mal Lv 11:44 (Ex\n15:11; Lv 11:43-45; Dt 23:14; Jó 34:10), absolutamente perfeito, puro e íntegro em Sua natureza e\ncaráter 1Jo 1:5; Sl 99:9 (Is 57:15; Ha 1:13; 1Pe 1:15-16). Hb 12:28-29; 1Pe 1:15-16.\nA santidade de Deus é o Seu atributo mais exaltado e destacado, que governa todos os demais! Is\n6:3; Ap 4:8.\nSão santos: o Pai Jo 17:11, o Filho At 3:14 (Is 41:14) e o Espírito Santo Ef 4:30.\nDeus odeia o pecado Ha 1:13 (Gn 6:5-6; Dt 25:16; Pv 6:16-19; 15:9,26); deleita-se naquilo que é\nsanto e reto Pv 15:9 (Lv 19:2; 20:26); não ouve, antes Se separa do pecador Is 59:1-2 (Ef 2:13; Jo 14:6);\nliberta o piedoso arrependido, fazendo-o frutificar 1Pe 2:24 (Rm 8:1-4; 6:22).\nA santidade de Deus: revela a negritude de nosso pecado Jó 42:5-6 (Is 6:5); exige arrependimento\n+ expiação (por sangue!) antes do perdão He 9:22; 10:19; Ef 1:7 (Cl 1:14); exalta a graça e o amor\nremidor de Deus Rm 5:6-8; (Jo 3:16); causa-nos reverência e temor He 12:28-29 (Ex 3:4-6; Is 6:1-3).\nDeus é Reto e Justo:\nÉ reto no que é e faz (Sl 89:14), e ao impor lei e exigências retas Sl 145:17 (Ed 9:15; Sl 116:5; Jr\nÉ justo por executar as penalidades impostas pelas Suas leis Sf 3:5 (Dt 32:4; Sl 119:137-138). a\nretidão e justiça de Deus manifestam-se nos Seus infalíveis: amor à retidão e indignação contra o\npecado Sl 11:4-7; punição dos perversos e injustos Dn 9:12,14 (Gn 6:5,7; Ex 9:23-27; 34:6-7; Sl 5:4-6;\n2Co 12:5-6; Ap 16:5-6); perdão ao arrependido-crente 1Jo 1:9; cumprimento de Sua Palavra e Suas\npromessas aos que Lhe pertencem Ne 9:7-8; libertação e defesa de Seu povo Sl 103:6 (Sl 129:1-4);\nrecompensa aos justos-em-Cristo Hb 6:10 (Jo 6:29; 1Co 3:11-15; 2Tm 4:8; 2Jo 8); propiciação para\nperdoar o pecado e justificar aquele que exercer fé no substituto Rm 3:24-26.\nÉ a perfeição de Deus, em virtude da qual Ele eternamente quer manter e mantém a Sua\nexcelência moral, aborrece o pecado, e exige pureza moral em suas criaturas.\nA santidade de Deus possui dois diferentes aspectos, podendo ser positiva ou negativa\na) Santidade Positiva: Expressa excelência moral de Deus na qual Ele é absolutamente\nperfeito, puro e íntegro em Sua natureza e Seu caráter (IJo.1:5; Is.57:15; IPe.1:15,16; Hc.1:13). A\nsantidade positiva é amor ao bem.\nb) Santidade Negativa: Significa que Deus é inteiramente separado de tudo quanto é mal e\nde tudo quanto o aborrece (Lv.11:43-45; Dt.23:14; Jó.34:10; Pv.15:9,26; Is.59:1,2; Lc.20:26; Hc. 1:13;\nPv.6:16-19; Dt.25:16; Sl.5:4-6). A santidade negativa é ódio ao mal.\nAlém de possuir dois aspectos a santidade de Deus possui também duas maneiras diferentes de\nc) Retidão: Também chamada justiça absoluta, é a retidão da natureza divina, em virtude da qual\nEle é infinitamente Reto em Si mesmo (santidade legislativa). Sl.145:17; Jr.12:1; Jo.17:25; Sl.116:5;\nd) Justiça: Também chamada justiça relativa, é a execução da retidão ou a expressão da justiça\nabsoluta (santidade judicial). Strong a chama de santidade transitiva.\nA retidão é a fonte da Santidade de Deus, a justiça é a demonstração de Sua santidade.\nA justiça de Deus pode ser retributiva e remunerativa.\nA justiça retributiva se divide em punitiva e corretiva.\nA justiça punitiva é aquela pela qual Deus pune os pecadores pela transgressão de Suas leis. Esta\njustiça de Deus exige a execução das penalidades impostas por Suas leis (Sl.3:5;11:4-7 Dt.32:4;\nA justiça corretiva é aquela pela qual Deus "pune" Seus filhos para corrigi-los (Hb.12:6,7).\nAqueles que não são Seus filhos, Deus pune como um Juiz Severo (Rm.11:22; Hb.10:31), mas aos\nSeus filhos, Deus "pune" (corrige) como um Pai Amoroso (Jr.10:24;30:11;46:28; Sl.89:30-33; ICr.21:13)\nA justiça remunerativa é aquela pela qual Deus recompensa, com Suas bênçãos, aos homens pela\nobediência de Suas leis (Hb.6:10; IITm.4:8; ICo.4:5;3:11-15; Rm.2:6-10; IIJo.8).\ne) Ira: Esta deve ser considerada como um aspecto negativo da santidade de Deus, pois em Sua\nira Deus aborrece o pecado e odeia tudo quanto contraria Sua santidade (Dt.32:39-41; Rm.11:22;\nSl.95:11; Dt.1:34-37; Sl.95:11). Podemos, então, dizer que a ira é a manifestação da santidade negativa\nde Deus (Rm.1:18; IITs.1:5-10; Rm.5:9 etc). A ira é também designada de severidade (Rm.11:22).\nPARADIGMA FUNDAMENTAL: A MÚSICA COMO SINAL DE CONTINUIDADE COM TODA A IGREJA\nA MÚSICA COMO SINAL DE CONTINUIDADE COM TODA A IGREJA\nLutero via continuidade com toda a Igreja na questão da música utilizando\nmúsica do passado e do presente. As práticas já estabelecidas deveriam\nser mantidas. Schalk estabelece cinco tentativas de aplicação para a igreja\nde hoje, seguindo os princípios de continuidade com a igreja do passado e\ncontinuidade com a igreja do presente, segundo Lutero.\n1o Lutero expressou seu agradecimento à tradição musical sacra\nutilizando a herança musical nos cultos.\n2o A ênfase de Lutero na continuidade nos sugere evitarmos seguir nosso\npróprio caminho em questões de culto e música sacra. Somos parte\nda igreja universal e aceitar a herança musical nos liga aos cristãos\nde outros tempos e lugares.\n3° À medida que caminhamos para o futuro, enfatizamos aqueles aspectos\nde nosso culto e vida musical que mantemos em comum com os cristãos\npor toda parte. Schalk acha que o fato de nós, luteranos, termos\ntrabalhado com cristãos de diversas denominações em anos recentes,\nno desenvolvimento de um lecionário, formas de culto e num corpo de\nhinódia comuns, tem enfatizado os benefícios de tal continuidade com\nirmãos cristãos em outras comunhões. No passado estas formas de\nculto e hinódia não eram tão comuns assim entre as denominações.\n4° A ênfase na continuidade com o passado não despreza o novo. Schalk\nexplica: “Enraizados firmemente numa única tradição, não evitamos\no novo, mas somos cuidadosos para evitar novidade, excentricidade,\nou quixotescas tentativas às novidades por si só.”\n5° A continuidade com a totalidade da igreja cristã em questões de culto\ne música sacra será um fator importante para os anos seguintes. Já\nhá muitas liturgias que não seguem o padrão do século XVI. Há também\nliturgias que perpassam diferentes denominações. Não estamos certos\nque caminho tomará tudo isto. Mas está claro que não podemos\npermanecer apenas em nosso provincialismo paroquial ou visão\npresença do reino de Deus em meio ao mundo em Jesus Cristo é o mesmo\nontem, hoje e amanhã”.\nPARA MEDITAÇÃO: SALMO 68.6\nConforme nos ensina o livro de Gênesis, a família tem a sua origem a partir de um gesto criativo da parte de Deus, que faz dEle o verdadeiro Autor da família.\nAgora, despertados pelo alto valor que Deus atribui à Sua criação, entendemos o quanto a família é importante e como se faz necessário o nosso esforço para que a estrutura familiar seja preservada, Deus reconheceu ter criado algo muito bom (Gn 1.31).\nContudo, a julgar pela maneira como a família vem sendo maltratada e até mesmo atacada, percebemos que a sociedade atual não tem dado à família o valor e a importância que ela merece.\nConceitos e ideias contrários à noção bíblica de família estão sendo propagados ou encenados pelos mais diversos veículos de comunicação, informando uma sistemática propaganda contra a família.\nSe Deus julgou ter feito algo muito bom quando criou a família, o pensamento predominante nos dias de hoje expressa uma opinião contrária à do Criador. Basta que fiquemos algum tempo diante da televisão ou lendo alguns livros que têm feito sucesso, para que sejamos totalmente inundados por uma avalanche de ideias distorcidas sobre o valor e importância da família. Conceitos como a autoridade e amor dos pais, companheirismo entre irmãos, a segurança de um lar bem formado e estabilizado estão sendo sutilmente questionados e até destruídos. Sem que consigam perceber, muitos adolescentes e jovens estão sendo levados a acreditar que seus pais são verdadeiros carrascos dos quais precisam se livrar o mais rápido possível; só sabem criar proibições e obstáculos e vivem tentando impedir a realização e a felicidade de seus filhos.\nOutros estão sendo enganados pela ideia que os jovens de hoje formam uma geração forte,capaz de encarar e vencer o mundo sozinha, sem a ajuda e proteção do “papai e da mamãe”. Ideias distorcidas como estas têm contribuído para formar na mente da sociedade moderna a opinião de que a família é algo ultrapassado e “careta”, que a moda é cada um viver por si, fazendo o que bem entende, sem nenhum “coroa ranzinza” ou “irmãozinho chato” para atrapalhar.\nA única maneira de não sermos tragados por esta onda maligna de desvalorização da família é nunca esquecer que a família foi criada por Deus para nosso bem-estar, pois, nos conhecendo tão bem como só Ele conhece, sabe o quanto precisamos dela para nossa realização e felicidade.\nVivemos em nosso país problemas sociais gravíssimos, tais como criminalidade e meninos de rua. Analisando profundamente cada uma dessas questões, chegaremos à conclusão de que boa parte delas está ligada à questão da família, isto é, muitas das pessoas diretamente envolvidas nesses problemas são de famílias desestabilizadas, e outras vivem um drama ainda maior, que é a ausência total da família. Tudo isso nos ajuda a entender o quanto a família é importante e como é necessário que lhe demos o seu devido valor.\nDepois de ter criado a família, Deus reconheceu ter feito uma coisa muito boa. Não foi por questão de vaidade ou prepotência, mas sim que, por saber o quanto é importante que cresçamos sendo protegidos e amados, o que faz de nós pessoas capacitadas para proteger e amar a família. É no ambiente familiar que aprendemos as coisas mais importantes que irão nos acompanhar por toda a vida.\nPortanto, nós é que temos a responsabilidade de preservar todas as coisas boas que Deus criou, não nos deixemos enganar por aqueles que tentam nos convencer de que a família é algo do passado e que viver num lar solidamente baseado nos padrões de Deus é uma ideia que “já era”.\nTemos necessidade de proteção, orientação, correção e amor. Deus supriu todas as necessidades por intermédio da família, que é o primeiro instrumento por meio do qual Ele atua em nossas vidas. Portanto, desprezar e desvalorizar a família, além de ser um ato de rebeldia, é uma prova muito clara de ingratidão diante de um dos maiores presentes que o Criador nos ofereceu.\nA humanidade começou a existir através de uma família e isso não aconteceu por acaso, mas para que entendêssemos a importante mensagem: esta mesma humanidade depende da preservação da família para continuar a existir.\nSendo assim, só nos resta reconhecer que a família não é uma “pedra no sapato”, nem é maldição na vida de ninguém, antes uma grande benção e uma joia de grande valor pelo que temos muito que agradecer.\nMuitas igrejas têm sido um fator de desagregação familiar. Igrejas estas, que têm dado pouco valor à família, que sufocam seus membros e obreiros, sobrecarregando-os com tarefas eclesiásticas, têm disseminado a divisão dentro dos lares. Lembre-se: Deus não vai exigir de você além do necessário.\nO conceito de lar-dormitório está amplamente difundido na sociedade atual. Qualquer atividade substitui o convívio familiar; temos mais afinidades com os que são de fora do que com a própria família. Pessoas que têm milhares de seguidores em suas páginas nas redes sociais e não trocam nenhuma palavra com seus pais, seus irmãos, ou seu cônjuge.\nBares, clubes e associações, também têm substituído a família.\nNoivos despreparados quando se casam, levam para o casamento suas individualidades e não abrem mão delas em prol do bem comum. O ser humano é egoísta por natureza; requer para si a glória do sucesso e atribui a outrem o seu infortúnio.\nPARADIGMA FUNDAMENTAL: A MÚSICA COMO CANTO DOS SACERDOTES REAIS\nSchalk argumenta: “Se a música do culto é parte do exercício do\nsacerdócio real do povo, então a música sacra não é primariamente alguma\ncoisa que alguém ouve, mas alguma coisa na qual o fiel participa". O\nSenhor que nós ouvimos na música sacra e a quem cantamos hinos é o\nmesmo que ouvimos nas leituras, na pregação, que confessamos no Credo\ne que recebemos no Sacramento do Altar. Não vamos ao culto como meros\nexpectadores de um drama, mas como participantes, no caso da música, de\num cântico congregacional. E isto inclui a liturgia também; os sacerdotes\nreais têm o direito de se envolverem num efetivo canto da liturgia. “É\nimportante salientar que desde o início Lutero, luteranos e congregações\nluteranas claramente viram a hinódia como um caminho de participação na\nIsto também nos leva à reflexão de que temos que levar em conta os\ncostumes de cada região ou mesmo de uma congregação. Se o culto é do\npovo, se o cântico é congregacional, a congregação tem o direito de ter\nexpressões peculiares suas. Pode cantar hinos em estilo que condigam com\nsua maneira de expressão. Pode manifestar-se em ritmos que estimulem\nmovimentos de seu corpo, expressando sua alegria. O povo brasileiro, bem\ncomo os povos africanos, gostam de expressar muitas vezes sua alegria de\nmaneira mais ruidosa do que povos europeus. Não podemos limitar as\nexpressões de louvor, pois na própria Bíblia podemos ler passagens como\n“Celebrai com júbilo ao Senhor todas as terras”e “Louvai-o com adufes\ne danças; louvai-o com instrumentos de cordas e com flautas".\nMúsica inclui instrumentos. Com o passar da história, o órgão de tubos\nse tornou o instrumento “oficial” para o culto. Para as congregações que\nnão podiam arcar com as despesas de um instrumento de tubos, o harmônio\nveio para ser o seu substituto. Com o advento da eletrônica, o órgão eletrônico\nsubstituiu cada vez mais o órgão de tubos e até o harmônio para aquelas\ncongregações que não podiam arcar com o preço de um órgão de tubos.\nMas em meados do século XX, com a popularização do violão, este\ninstrumento começou a entrar pela porta dos fundos da igreja. Começou a\nganhar o status de “digno” e abriu as portas para as bandas modernas\natuarem na igreja. O que vamos fazer com esta explosão de instrumentos\npara o culto?\nNo passado, nas capelas das cortes, era comum o uso de instrumentos e\norquestras para acompanhar os cantos da liturgia e outras obras sacras. No\nentanto, o “usual” era o órgão, depois também o harmônio, e mais adiante o\nórgão eletrônico. Agora o “usual” talvez inclua o violão, a guitarra, o\ncontrabaixo, o teclado e a bateria. Que faremos? Nada de pânico. Qualificar\ninstrumentos como “dignos” ou “indignos” para o nosso culto será uma\ncatástrofe, pois nem na Bíblia encontraremos suporte para nossas\nSe concordarmos que o culto é para a congregação e se estamos\nconvictos de que o canto congregacional é o principal canto do culto, então\ndeixemos que os membros, com seus instrumentos e com suas habilidades\nmusicais prestem culto a Deus. Isto exclui aquele organista profissional,\ndedicado e habilidoso do culto? De maneira nenhuma. Tudo tem seu lugar\nno culto, especialmente considerando, agora, a aplicação do último paradigma\nde Lutero para a música sacra que segue.\nPARADIGMA FUNDAMENTAL: A MÚSICA COMO CANTO LITÚRGICO\nNas igrejas litúrgicas a música sacra mais apropriada é aquela que está\nem sintonia com o contexto da liturgia. O Ano Litúrgico e o Lecionário\nexpõem todo o desígnio de Deus, apresentando-nos uma visão “completa”\nda Bíblia. Portanto, esta tradição litúrgica é que melhor vai nos determinar\na música apropriada para cada ocasião.\nAtenção especial deve ser dada àqueles textos que têm um significado\nlitúrgico particular, para uma celebração específica. As congregações talvez\nprecisem ser acostumadas a não verem a música como “anexas ao ofício”,\nmas como integradas à liturgia. Schalk opina:\nColocar-se sob a disciplina da liturgia é tornar disponível para a\ncomunidade cultuante a riqueza e experiência da igreja no culto\natravés dos séculos, ao invés de colocá-la sob a mercê da experiência\nindividual mais limitada e menos satisfatória ou a mercê de uma\nmoda passageira disfarçada como relevante.\nIsto talvez signifique começar de um novo lugar. Mas disciplinar-se e\ndisciplinar uma congregação a crescer debaixo da disciplina da liturgia é\nchegar a resultados de uma riqueza e profundidade de culto que não serão\npossíveis de outra maneira.\nColocar-se sob a disciplina da liturgia significa voltar a uma radical\nsimplicidade. Isto implica entender o que é realmente o culto, suas prioridades\ne o uso da música como uma proclamação doxológica. Tal música sublinha\na ação litúrgica em questão e não a diminui. Tal música não é pretensiosa e\nnão pensa em “grandes efeitos” com materiais musicais que não a justifiquem\ne a tornem em atração superficial. Às vezes o músico de igreja tem a visão\nde que foi chamado para um engrandecimento pessoal ou congregacional.\nMas colocar-nos sob a disciplina de uma simplicidade radical significa deixar\nde lado a música pretensiosa e bombástica que explora o efeito fácil e que\nprocura agradar a todo custo. Eis o que Schalk sugere como música\nIsto significará aplicar à música sacra os princípios da arquitetura\nde que a forma segue a função e nada mais. Sugerir um retorno a\numa simplicidade mais radical não implica necessariamente um\nespartanismo musical austero. Mas sugere que muito da música de\nculto pode refletir uma ostentação que, ou é irrelevante para, ou\ninjustificada pelas circunstâncias litúrgicas.\nPARADIGMA FUNDAMENTAL: MÚSICA COMO PROCLAMAÇÃO E LOUVOR\nMÚSICA COMO PROCLAMAÇÃO E LOUVOR\nNa perspectiva de Lutero, a música na igreja funciona como viva vox\nevangelii, como “a viva voz do evangelho”, louvando a Deus e proclamando\nsua palavra ao mundo. Um hino ou música sacra de qualquer caráter é o\nanúncio de lei e evangelho, de pecado e salvação. As funções de\nentretenimento, arte e mesmo de ensino são secundárias. Os textos das músicas\nsacras são, portanto, essenciais; eles devem proclamar corretamente lei e\nevangelho a fim de anunciarem corretamente a própria palavra de Deus.\nComo ocorre a participação da música na proclamação da palavra?\nTalvez seja hora de deixarmos de lado concepções que falam da música\ncomo “embelezamento” do culto ou como “invólucro” que envolve o dom\ndo evangelho, um invólucro que pode ser jogado fora quando a mensagem\njá foi apresentada. A música na igreja é tanto proclamação quanto ministério.\nO que é dito do púlpito, cantado pelo coro ou tocado pelo órgão e outros\ninstrumentos precisa ser a mesma palavra de Deus que deve atingir os\nouvintes. Portanto, o conteúdo do que se canta é de suma importância.\nTer como paradigma principal da música sacra de que ela é um dom e\ncriação de Deus tem implicações para com a arte musical. Schalk considera:\nVer a música como um dom e criação de Deus também tem implicações\npara com a arte e integridade da composição musical. Falar da música\ncomo arte significa estar preocupado com sua adequação como música\npara o propósito para a qual ela foi intencionada, sua adequabilidade\ncomo música para sua função, seu “bom andamento” como música.\nPara a igreja, estar preocupada sobre a arte da música que ela usa em\nseu louvor e oração é uma reflexão direta de seu cuidado no uso deste\ngrande e agradável dom de Deus.\nSchalk acha que a música para a proclamação do evangelho não pode\nser superficial: “se a música é de fato criação e dom de Deus ao povo,\nentão proclamar o evangelho em música que reflete vulgaridade,\nsuperficialidade, banalidade, falsificação e – talvez o pior de tudo – pretensão,\né contradizer em nossa arte a verdade, honestidade e integridade do próprio\nSchalk é da opinião que muitas das músicas que ouvimos atualmente\nnas igrejas podem ser caracterizadas “pela melodia banal, pelo ritmo vulgar,\npela harmonia melada e por um empenho de efeito fácil”. Ele acha que\ntal “desonestidade, falta de integridade e desprezo por arte num lidar com\nmateriais de música, muitas vezes revestida de uma pátina de atrativo\nsuperficial, faz um desserviço ao evangelho a serviço de que tal música\npretende estar”. Schalk adverte que prontamente depreciamos tais\nabordagens na arquitetura de igreja nos nossos automóveis e refrigeradores.\nEstaria na hora de que aqueles que trabalham com as canções de fé ouvissem\nseriamente tais críticas sobre o culto e a música sacra.\nAcho que as preocupações de Schalk para com a qualidade da música\nsacra servem de reflexão para nós. No entanto, é difícil qualificar o que\nseria uma música “banal”, um ritmo “vulgar” ou uma melodia “melada”.\nNa arte dos sons, e, mesmo na arte em geral, não se lida sempre com\nparâmetros concretos. Em arte, lidamos muito com expressão e sentimento;\ne estes são, muitas vezes, de gosto diversificado. É oportuno que lembremos,\npor exemplo, que a ars nova surgida na música no século XIV foi considerada\npor Jacques de Liège como música na qual a “imperfeição é exaltada e o\ncompasso é confundido”, referindo-se a mudanças de divisão de tempos\ndentro da mesma música, o que para nós, hoje, é perfeitamente “natural”.\nO gênio Johann Sebastian Bach, quando foi examinado para ver se era apto\npara tomar o cargo de “Cantor” na escola de Leipzig, foi considerado\n“compositor de médio de porte!” para preencher o cargo.\nOutro julgamento difícil de fazer com a música sacra é considerar que,\npara uma música ser digna de culto, ela precisa ser “erudita”. Tudo o que\nfor “popular” não seria digno porque é simples, superficial e passageiro. O\nemaranhado de discussões se tornará sempre maior à medida que fizermos\nmais restrições sobre os tipos de música adequados ao culto.\nRealmente acho que a questão sobre a música adequada ao culto não é\ndifícil. Eu me arriscaria a dizer o seguinte: toda a música que favorece a\nproclamação do texto e que é aceita dentro da comunidade em que está\nsendo apresentada, é adequada ao culto. Quanto à música instrumental,\ndiria o seguinte: todos os instrumentos que podem nos ajudar a cantar hinos\nou podem acompanhar uma música coral são adequados ao culto. A música\ninstrumental sem acompanhamento de texto (prelúdios e outras peças de\nórgão, instrumentos, orquestra) também pode ser utilizada no culto se ela\nservir de meio para a reflexão e para elevar nossos ânimos, proporcionandonos\nalegria em louvarmos a Deus.\nPARADIGMA FUNDAMENTAL: A MÚSICA COMO CRIAÇÃO E DOM DE DEUS\nUma vez que Lutero coloca como paradigma principal que a música\né a criação e dom de Deus, qualquer discussão em torno da música na\nperspectiva de Lutero tem que começar com esta idéia central. Portanto, a\nmúsica não tem como prioridade o ensino ou propósitos psicológicos. É fato\nque a música tem servido a propósitos educacionais na história e\nparticularmente dentro da igreja da Reforma. Mas este não é seu propósito\nprincipal. Sendo um dom de Deus, antes do propósito de ensino, a música\nsacra serve como meio em que a comunidade cristã expressa seu louvor,\nproclamação, adoração e agradecimento por aquilo que Deus fez e ainda\ncontinua fazendo entre nós.\nColocar a música na igreja com a função primordial de entretenimento é\noutro grande equívoco. Isto coloca os membros na perspectiva de\nespectadores. Mas, infelizmente, vemos muitas igrejas agirem assim em\nnossos dias: a música é utilizada basicamente para entretenimento, para\ndivertir o povo e mantê-lo psicologicamente satisfeito.\nAPLICAÇÕES DOS PARADIGMAS DE LUTERO PARA HOJE\nSe o pensamento de Lutero é para permanecer somente como um\ninteresse histórico, então qualquer consideração sobre seus pensamentos\naplicáveis aos dias de hoje será supérflua. Mas se os pensamentos de Lutero\ntêm algo a nos dizer para a música sacra de hoje, então eles nos poderão\najudar a delinear os caminhos da música na igreja de hoje.\nOS PARADIGMAS DE LOUVOR SEGUNDO LUTERO (PARTE 6) "A MÚSICA COMO UM SINAL DE CONTINUIDADE COM TODA A IGREJA".\nA MÚSICA COMO UM SINAL DE CONTINUIDADE COM TODA A IGREJA\nLutero não descartou a herança musical sacra. Considerava a herança\nmusical como um sinal de continuidade do louvor do povo de Deus. Zuínglio\ne Calvino foram mais radicais e queriam enfatizar sua diferença com a\nIgreja Católica evitando tudo o que pudesse lembrar algo relacionado ao\ncatolicismo. Radicalizaram tanto sua reforma que “limparam” as igrejas de\nseus afrescos, estátuas, vestimentas e órgãos. Zuínglio baniu qualquer espécie\nde música do culto e Calvino permitiu apenas o canto de salmos versificados.\nLutero, ao contrário, tentou usar tudo o que a tradição tivesse deixado e que\nnão conflitasse com a continuidade da obra da reforma; nesta linha conservou\nmúsica e liturgia até onde fosse possível.\nA ênfase na continuidade da Reforma Luterana com toda a igreja está\nrefletida na Confissão de Augsburgo, um documento que procurou restaurar\na unidade. A intenção da Confissão de Augsburgo era que houvesse “retorno\na uma só verdadeira e concorde religião”. O Livro de Concórdia reenfatiza\ntal unidade afirmando que está fundamentado no “antigo consenso\nque a igreja de Cristo universal e ortodoxa tem crido, lutado contra muitas\nheresias e erros e repetidamente afirmado”. É importante lembrar ainda\nque no início do Livro de Concórdia estão os três Credos Ecumênicos,\nconfessados e aceitos por toda a igreja.\nLutero não quis recomeçar a igreja do início. Tudo que estivesse em\nconformidade com a obra da Reforma seria mantido; isto incluía o culto.\nNada de radicalismo. Em seu “Formulário da Missa e da Comunhão para a\nIgreja de Wittenberg” (1523) ele afirmou: “Por isso confessamos em primeiro\nlugar que nem agora nem jamais foi nossa intenção abolir totalmente o culto\na Deus, mas apenas purificar novamente esse que está em uso, mas que\nestá viciado pelos piores acréscimos, e mostrar o uso evangélico”.\nPara Lutero, dois elementos da Missa estavam primordialmente\ncorrompidos: O Cânon da Missa e o Ofertório. Na sua Missa Latina ele\nNo presente livro, porém, não queremos analisar se a missa é um\nsacrifício ou uma boa obra. A respeito disso ensinamos o suficiente\nem outra parte. Nós a compreendemos como sacramento,\ntestamento, ação de graças, como se diz em latim, ou eucaristia em\ngrego, mesa do Senhor, Ceia do Senhor, memória do Senhor,\ncomunhão, ou qualquer nome evangélico que agrade, desde que a\ndesignação não esteja poluída pela idéia de sacrifício ou obra.\nLutero percebeu que a Missa e sua música, bem como diversas\ncerimônias, muitas vezes foram pervertidas em boa obra.\nAí, a palavra “ofício divino” tem tomado hoje em dia um sentido e\nuso tão estranho que todo aquele que a ouve não pensa nestas obras\nde Deus, mas antes no badalar de sinos, na madeira e pedra das\nigrejas, no recipiente de incenso, no bruxuleio das velas, no murmúrio\nnas igrejas, no ouro, prata e pedras preciosas nas vestimentas dos\nmeninos do coro e dos celebrantes, no cálice e custódias, nos órgãos\ne imagens, nas procissões e devotos, e, acima de tudo, no balbuciar\ndos lábios e no chocalhar dos rosários.\nA ira de Lutero se dirigia àqueles que viam no culto um meio para\nreceberem justiça ou para se tornarem piedosos através de boas obras.\nAnalisando 1 Coríntios 2.15, Lutero comenta que o homem espiritual\npercebe com grande claridade que grandes tolos são aqueles que\ndesejam tornar-se piedosos através de obras, e ele não dará nenhum\ncentavo para todas as tonsuras de sacerdotes, monges, bispos e\npapas nem por capelos, incenso, badalo de sinos, queima de velas,\ncanto, barulho ao órgão ou recitar de orações com toda sua\nrepresentação externa. Ele vê agora como tudo isto é nada senão\nidolatria e falsificação insensata.\nLutero tinha certeza que os “cristãos não se tornam justos fazendo obras\njustas; mas uma vez que eles foram justificados pela fé em Cristo, eles fazem\nboas obras”.116 Isto não quer dizer que Lutero quisesse abolir as cerimônias.\nAlém desses sinais exteriores [os sacramentos] e meios de salvação,\na Igreja tem ainda outros meios, igualmente exteriores, pelos quais\nela não é santificada, nem no corpo nem na alma, e que também\nnão são instituídos por ele. Mas acontece ... que se torna necessário\nou útil por questões externas e que é convenientemente e de bom\ncostume ... que se usem igrejas ou construções eclesiásticas, altar,\npúlpito, pia batismal, lustres, velas, sinos, vestes sacerdotais e coisas\nNa Tese 55 das suas Noventa e Cinco Teses, Lutero também enfatiza a\nnecessidade de cerimônias: “Se indulgências, que são uma coisa muito\ninsignificante, são celebradas com um sino, uma procissão, então o evangelho,\nque é a verdadeira maior coisa, deveria ser celebrado com cem sinos, cem\nprocissões, cem cerimônias.\nAceitar a herança da tradição era, para Lutero, estar ligado com os cristãos\nde outros tempos e lugares e estar lembrado que a igreja de seu tempo era\ntambém parte da única, santa, católica e apostólica, a comunhão dos santos.\nO resultado disso era que as revisões da liturgia da tradição católica ocidental\nrelembravam a tradição mais antiga. No seu artigo “Recebendo Ambas as\nEspécies no Sacramento”, Lutero comentou: “Que a antiga prática continue.\nQue a missa seja celebrada com vestimentas consagradas, com cantos e\ntodas as cerimônias usuais, em latim, reconhecendo o fato que estes são\nmeros fatores externos que não prejudicam as consciências dos homens”.\nNo “Prefácio ao Saltério”(1528) Lutero afirmou que o canto dos salmos\nsignifica juntar-se a todos os que já cantaram os salmos antes de nós:\n“Quando estas palavras [o Saltério] agradam ao homem e se ajustam ao\nseu caso, ele torna-se convicto de que ele está na comunhão dos santos e\nque isto surtiu efeito com todos os santos como surte efeito para ele, uma\nvez que todos eles cantam com ele uma pequena canção”. No seu escrito\n“Tratado sobre as Últimas Palavras de Davi”, perto do final de sua vida,\nSanto Ambrósio compôs muitos hinos da igreja. Eles são chamados\nhinos da igreja por que a igreja os aceitou e os canta simplesmente\ncomo se a igreja os tivesse escrito e como se eles fossem os cantos\nda igreja. Por isso não é costume dizer “Assim canta Ambrósio,\nGregório, Prudêncio, Sedúlio” mas “Assim canta a Igreja Cristã”.\nPorque estes são agora os cantos da igreja, que Ambrósio, Sedúlio,\netc., cantam com a igreja e a igreja com eles. Quando eles morrem,\na igreja sobrevive a eles e prossegue em cantar suas canções.\nAqui não havia exclusividade paroquial, nenhuma auto-suficiência\nprovincial, mas uma posição de solidariedade e continuidade com a\nigreja católica. Esta atitude iria informar as práticas cúlticas e\nmusicais até que as posteriores práticas de individualismo,\nprivatização e personalismo tanto do pietismo como do racionalismo\niriam invadir o luteranismo e causariam dano tanto para sua liturgia como para a música.\nSOBRE AS FALSAS PROFECIAS\nEntendam que as falsas profecias, ensinamentos que são errôneos ou abrandados e uma opinião pessoal ensinada como verdade, tudo resulta numa Igreja à qual falta poder, estabilidade e segurança.


Casamento real: Lady Charlotte Wellesley e Alejandro Domingo\nInesquecível Casamento > Estilo > Clássico > Casamento real e dos sonhos: Lady Charlotte Wellesley e Alejandro Santo Domingo\nPor Ellen Bessa | 29 de maio de 2016 0 Comentários\nPrepare-se para um casamento de princesa! Lady Charlotte Wellesley e Alejandro Santo Domingo reuniram a realeza européia para essa celebração\nA filha do Duque de Wellington chamada Lady Charlotte Wellesley, 25, celebrou a sua união ontem (28/05) com o bilionário Alejandro Santo Domingo, 39. O casamento aconteceu na cidade de Granada, interior da Espanha, e reuniu a nobreza européia. O colombiano-americano pediu a mão da amada no ano de 2015 e desde o momento criou-se uma enorme expectativa sobre o grande dia que faria o enlace de duas tradicionais famílias.\nPara deixar os looks dos convidados ainda mais charmosos, o céu resolveu fechar e guarda-chuvas foram utilizados. A Duquesa de Cornwall, com uma saia em camadas e top de chiffon branco, foi uma das que agregou o acessório ao dress code.\n← História anterior Casamento clássico: Camila & Renato


A preliminar arguida pelas empresas em suas defesas se confunde usando o mfoirito da causa ao passo qual será necessário perquirir a respeito do envolvimento por cada uma DE reclamadas usando a primeira ré para, somente ao depois, poder-se mensurar sua própria responsabilidade ou não frente aos crfoiditos trabalhistas eventualmente reconhecidos na presente decisãeste.\nO nono réu (Renato Franchi) não compareceu à audiência inicial, razão através qual declaro tua revelia e confissãeste quanto a matéria do fato versada nos autos.\nPostulou o autor este pagamento em dobro DE férias, sob a alegaçãeste por que os períodos do descanso anuais nunca foram corretamente concedidos, natural saiba como nãeste foi pago o adicional do 1/3.\nDestarte, julgo procedente o pedido do condenação da reclamada de modo a depositar em conta vinculada do autor as parcelas faltantes do FGTS, sob pena por execução direta.\nSegundo ESTES Teor do convénio, Boeing e Embraer igualmente concordaram em criar uma segunda joint-venture\nOperações e Prestação, levando a fiscalização a entender de que se tratava por operação fraudulenta de emissão do Notas Fiscais Paralelas.Ademais, é possível concluir qual tal procedimento por emissão do notas fiscais emduplicidade era feito nãeste só coma venda por máquinas coma própria marca da Nardidi, como tambfoimemrelação á vendas de tornos da marca Diplomat que eramproduzidas sob encomenda da empresa Deb Maq do País do futebol Ltda. Nesse contexto, de fato, é possível verificar que há elementos indicativos de de que tal procedimento era, na realidade, umartifício usado pelas Indústrias Nardini, consistente na impressãeste emduplicidade da mesma nota fiscal.\nNa audiência referida lhe é facultado tomar-se substituir por 1 preposto (empregado) qual possua saber direto dos fatos, natural saiba como executar-se Contemplar por advogado (a), a ser qual este não comparecimento à audiência poderá acarretar sfoirios prejuízos, presumindo-se aceitos site como verdadeiros todos ESTES fatos alegados pelo autor e constantes da petiçãeste inicial, nos termos do Art.\nEsse interesse tem tais como objetivo aproveitar o máximo este reduto DE forças por cada estilo. No caso da Liderança Transformacional, esses tipos por comportamentos são: influência idealizada como comportamento, influência idealizada nas atitudes, motivação inspiradora, estimulaçãeste intelectual e consideraçãeste idealizada. Pelo caso da Liderança Transacional, os comportamentos típicos são: recompensa contingente, administraçãeste por exceção ativa, administração por exceçãeste passiva. Logo a seguir aparece a orientaçãeste chamada laissez-faire, onde ESTES líderes são avaliados a partir desses traçESTES. Bergamini (2009, p. 59) relata qual as vizinhos qual se caracterizam como líderes transacionais, conseguem preservar tua ligaçãeste usando ESTES seguidores; pelo entanto, elas servem do artifício por trocas, qual fazem com de que aqueles de que a elas estão associados assim permaneçam; embora por pouco tempo o vínculo perdure mal enquanto cada uma DE partes acreditar qual haja algo de interesse na troca. Líderes transformacionais são considerados tais como mais eficazes.\nPublicações são papeis disponibilizados nos Diários Oficiais, pelos tribunais, referentes aos andamentos do 1 processo.


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A terapia visada com produtos radiofarmacêuticos tem o grande potencial para o tratamento contra o cancro\nO estudo novo mostra a promessa para a terapia visada com produtos radiofarmacêuticos\nA terapia do cancro pode ser muito mais eficaz usando uma maneira nova de personalizar o tratamento nuclear da medicina, os pesquisadores dizem na introdução de dezembro de 2014 do jornal da medicina nuclear. O processo poderia igualmente ser útil para outras doenças que poderiam tirar proveito da radiação visada.\nTerapia visada com produtos radiofarmacêuticos--compostos radioactivos usados na medicina nuclear para o diagnóstico ou o tratamento--tem o grande potencial para o tratamento do cancro, especialmente para as células cancerosas que migraram dos tumores preliminares aos nós de linfa e dos órgãos secundários tais como a medula. Estas pilhas disseminadas do tumor podem ser difíceis de tratar com um único agente de escolha de objectivos porque há umas diferenças dramáticas no número de receptors targetable em cada pilha.\nNo estudo, as pilhas de cancro da mama foram tratadas com as concentrações diferentes de um cocktail de quatro fluorochrome-conjugaram anticorpos monoclonais. A quantidade de cada anticorpo limitado a cada pilha era determinada usando o cytometry de fluxo. As fórmulas foram desenvolvidas “para armar” os anticorpos com o radionuclide e a actividade desejados, para calcular a dose absorvida a cada pilha, e para executar uma simulação da fracção da sobrevivência das pilhas após a exposição aos cocktail de combinações diferentes do anticorpo. As simulações foram executadas para três emissores da alfa-partícula.\n“Nosso planeamento de tratamento da radiação dos movimentos da aproximação para a terapia do cancro do nível do tumor ao nível molecular e celular, com o serviço nuclear da medicina como o motor do tratamento,” indicou Roger Howell, Ph.D., pesquisador do chumbo. “Os conceitos não são restringidos à terapia do cancro mas podem ser aplicados mais extensamente a outras doenças que podem tirar proveito de uma aproximação visada com os cocktail dos produtos radiofarmacêuticos. A aproximação pode igualmente ser estendida aos cocktail que consistem em produtos radiofarmacêuticos e em agentes não-radioactivos.”\nO efeito dos cocktail dos produtos radiofarmacêuticos foi comparado àquele de únicos anticorpos. Em determinadas actividades, os cocktail outperformed únicos anticorpos por um factor de até 244. Estes resultados sugerem que a terapia alfa visada possa ser melhorada com os cocktail radiolabeled personalizados do anticorpo. Segundo a combinação do anticorpo e a actividade específica dos anticorpos radiolabeled, os cocktail podem fornecer uma vantagem substancial na matança da pilha do tumor. A metodologia usada nesta análise fornece uma fundação para a previsão do pré-tratamento da sobrevivência da pilha do tumor no contexto da terapia personalizada do cancro.\n“Este método é, porque esclarece o comportamento das drogas no corpo do paciente,” Howell preferível continua. “A beleza de uma ou outra aproximação para planear um tratamento é que o paciente não está sujeitado a nenhuma injecções dos produtos radiofarmacêuticos durante a fase do planeamento, que usa somente drogas fluorescente-etiquetadas. O paciente não está injectado com os produtos radiofarmacêuticos até a fase do tratamento, sobre que somente um cocktail aperfeiçoado especificamente para aquele individual é administrado. Isto poupa o paciente de receber os cocktail ineficazes que podem danificar tecidos normais e impedir um tratamento mais adicional.”