Matéria: Julho 2013\nUm Passo à Frente: Entrevista com Passo Torto\nAo contrário da maioria dos grupos que tem um compositor galvanizando o processo criativo, vocês são quatro cabeças com ideias e com poéticas próprias. Como foi o processo para encontrar o ponto de convergência entre interesses diversos?\nRomulo: Nós quatro temos personalidade artística estabelecida e diversa, possível de se perceber nos trabalhos de cada um. E não só nós do Passo Torto, mas também os outros integrantes dos outros projetos, dos quais fazemos parte. Acho que o que nos une e que movimenta o nosso trabalho, vem justamente do interesse e da admiração que temos um pelo outro. Mesmo em trabalhos solo, como o meu e o do Rodrigo, deixamos que as ideias de todos impregnem nossas composições. E vem daí a confusão que provocamos em muita gente, da nossa força de produção e da variedade de possibilidades de interpretação que nossos trabalhos permitem e que é para mim, sua grande força.\nQuais as principais diferenças conceituais e sonoras entre o primeiro e o segundo disco?\nRomulo: A mudança mais perceptível já vem estampada no título do disco, Passo Elétrico. Eletrificamos nosso som. Saem os violões e entram as guitarras do Kiko e Rodrigo e mesmo o baixo acústico do Cabral vem envenenado por pedais de efeito, assim como o cavaquinho do Rodrigo. Dessa eletrificação, nasceram novas possibilidades de composição, influenciando até mesmo as letras, que me parecem um pouco mais nervosas que as do primeiro disco.\nBasta escutar Passo Elétrico para chegar à conclusão de que a canção está longe de morrer. O que de fato morreu e o que vive na canção brasileira contemporânea? O que vocês percebem hoje no Brasil nesse sentido?\nRomulo: O que nos uniu no início, foi justamente nosso interesse por canção. Essa interpretação mal feita da frase do Chico Buarque é que já devia ter morrido. Entendo perfeitamente o que ele diz. Não foi a canção que morreu, foi a ideia de canção que construímos no século XX que passou a não fazer mais muito sentido neste século e que o Chico, na época de sua célebre entrevista, via mais sentido e novidade no que o rap vinha produzindo. Só acho que deveríamos atualizar essa percepção. Existe toda uma geração surgida nesse século que vem abrindo novos caminhos para a canção e que passa justamente pela experiência sonora e sua familiaridade com o processo de gravação. E que já influenciou o trabalho de nomes sagrados da nossa música como Caetano Veloso e Gal Costa. E influenciou até mesmo o rap, caso do Criolo, cujo disco foi produzido pelo Cabral juntamente com o Daniel Ganjaman.\n"O que nos uniu no início, foi justamente nosso interesse por canção. Essa interpretação mal feita da frase do Chico Buarque é que já devia ter morrido."\nA música do Passo Torto combina subversão da tradição da canção brasileira, inclinação ao ruído, sujeira, opacidade. É possível traçar linhas com o som que vocês ouvem e gostam? O que vocês gostam de escutar hoje, de ontem e de hoje?\nRomulo: Mas é claro que sim! A gente é o que a gente ouve. A nossa particularidade é que a gente desconfia muito do que ouve, hahaha. É muito frequente em todos os nossos trabalhos, não acreditarmos fielmente na vocação de cada canção. Se ela se apresenta como uma bossa nova, sua harmonia será inteiramente destruída até não deixar vestígios da influência que a originou. Se a melodia aponta pra uma certa docilidade, a letra seguirá o caminho oposto, a fim de anular a vocação natural da canção. Dessa constante negação é que nasce o que tem de mais original em nossos trabalhos. Da negação nosso trabalho se afirma. Como compositor, é preciso muita maturidade e confiança para lidar com esse processo de desconstrução do seu trabalho.\nO release deixa bem clara a tendência sonora exploratória, substituindo a clareza harmônica por texturas rítmicas, ruídos e sonoridades dramáticas. Por favor, falem um pouco a respeito dos arranjos.\nKiko: De alguma maneira o som do disco traduz o que sentimos pela cidade, a São Paulo de hoje está no disco com certeza. Os ruídos, a polifonia, o ritmo vertiginoso, beleza e feiura aparecendo paralelas. Mas isso não foi uma meta nossa, foi apenas uma consequência estética fruto da nossa própria vivência urbana. Acredito que se morássemos em uma cidade bonita, preservada e com qualidade de vida, a nossa música seria outra.\nEm relação à poética, a diferença entre o primeiro disco e o Passo Elétrico me parece evidente. Antes, vocês cantavam a estranheza de São Paulo com um travo meio amargo, meio sombrio. Mas agora há uma irreverência, uma ironia sacana, ainda um clima sombrio, mas irônico…\nKiko: Engraçado, embora o primeiro trabalho fosse melancólico, ao mesmo tempo ele era mais solar, existia mais lirismo, era uma estranheza diurna da cidade. O Passo Elétrico é um diagnostico da cidade doente, não há espaço para esperança, ele canta a morte de SP. É nessa falta de esperança que surge o olhar mais malicioso e sarcástico. Uma espécie de "foda-se", como alguém que sorri pra própria morte, com desprezo.\nO Passo Elétrico é um diagnostico da cidade doente, não há espaço para esperança, ele canta a morte de SP. (...) Uma espécie de "foda-se", como alguém que sorri pra própria morte, com desprezo.\nEm relação ao trabalho de arte do Kiko, na capa, nas filipetas do Passo: a arte parece fazer parte do som, da ideia transmitida pelo som. Qual a intenção em manter a unidade visual do Passo?\nKiko: Sempre tivemos um compromisso estético, visual, nos preocupamos muito com isso. O Romulo tem muita vivência em artes plásticas. O Rodrigo adora cinema. Tentamos refletir isso nas capas e nos cartazes. Gostaríamos de ampliar mais essas experiências, com arte, vídeo, cinema.\nEscutando “Rárárá” me toquei que um samba assim meio de vanguarda é algo que não se faz no Brasil desde algumas experiências de Paulinho da Viola, Candeia e Elton Medeiros (com Tom Zé). Pelo menos dois de vocês (Rodrigo e Romulo) surgiram dentro de um contexto de samba. Como percebem o conservadorismo que perdura hoje nesse gênero que é tipo uma instituição nacional?\nKiko: A idéia do “Rárára” era fazer uma estrutura bem tradicional, lírica. Tenho muita vivência no samba. Conheci o Rodrigo tocando com ele numa roda. A estranheza dessa música é a letra, extremamente sarcástica e violenta. Pensamos muito na maneira de como as pessoas tocam samba hoje. Enxergo um caminho evolutivo entre os grandes sambistas da história: Sinhô, Donga, Bide e Marçal, Ismael, Noel, o Cacique de Ramos e por aí vai. Hoje a juventude que se diz sambista pega esse bastão e joga lá pro passado novamente, como se engessando uma cultura fosse o melhor jeito de conservá-la. Acredito que a tradição vem da invenção e se adapta ao tempo atual para sobreviver. Nenhum jovem vai conseguir imitar o Candeia, nem o Bob Dylan, tem que ser honesto consigo mesmo e assumir o "hoje" no seu trabalho. Ao mesmo tempo falamos sobre samba porque temos vivência nesse gênero, temos muito respeito, embora pareça que não.\n"Nenhum jovem vai conseguir imitar o Candeia, nem o Bob Dylan, tem que ser honesto consigo mesmo e assumir o "hoje" no seu trabalho."\nPor favor, falem um pouco sobre como tem sido as apresentações de vocês, e se planejam algo para o Quintavant, nos próximos dias 28 e 29?\nRomulo: As apresentações tem sido especialmente prazerosas pra nós todos. Passo Elétrico é um disco complexo de se fazer ao vivo, por conta da polifonia rítmica dos arranjos, das muitas mudanças de efeitos numa mesma música e da junção de todas essa vozes produzidas por cada instrumento, uma espécie de maquininha que só se realizam plenamente quando está em perfeito estado de funcionamento. E é o que tem acontecido nos últimos shows, a ponto de já nos sentirmos a vontade de mudar o funcionamento dessa máquina, levando os arranjos pra caminhos ainda mais inesperados. É o que pretendemos fazer no Rio de Janeiro e se nos divertirmos como nos últimos shows, tenho certeza que a diversão se espalhará pela platéia.\nDepois do “passo torto” e do “passo elétrico”, pra onde está caminhando o interesse de vocês? Qual é o próximo passo?\nRomulo: O próximo passo será sempre o passo adiante. O passo que mudará o passo anterior. Diferente, mas sempre torto!\nPerguntas elaboradas por Mariana Mansur, Fred Coelho, Juliano Gomes e Bernardo Oliveira\nPostado por Bernardo Oliveira às quarta-feira, julho 24, 2013 Um comentário: Links para esta postagem\nMarcadores: Bernardo Oliveira, Fred Coelho, Juliano Gomes, Kiko Dinucci, Marcelo Cabral, Mariana Mansur, Passo Elétrico, Passo Torto, Rodrigo Campos, Romulo Fróes, YB\nPasso Torto – Passo Elétrico (2013; YB, Brasil)\nO novo trabalho do grupo Passo Torto é escuro. Brilha de forma intensa, mas se mostra um brilho opaco, que rompe a noite mas faz parte dela. Passo Elétrico é um disco em que o frio que cruza as cidades nesses dias de julho fazem sentido sonoro. Escrevo esse texto por acaso de São Paulo e ao andar pela Avenida Paulista todo o som desses dias se encaixam na cornucópia de riffs, distorções e cordas percussivas que atravessam suas composições. As quedas em buracos, os silêncios, as tempestades, os desencontros dos narradores de cada composição (“eu vim determinado a lhe dizer adeus”) ganha massa sonora e poética que incendeia, taca fogo. Mas, mesmo assim, faz escuro nesse novo passo.\nOs prédios dessa cidade-mundo que é o centro do cerco morrem, escarram, têm varizes. A cidade te engole, devora o que você tem. Não há meio termo e, em “O Buraco”, o tom profético sobre nosso tempos de convulsão é certeiro: “te avisei, nada vai parar”. A São Paulo pujante do progresso sem fim ganha o contra-discurso tenso, duro e malicioso da banda. Composta por quatro nomes ativos da atual cena musical paulista, Rodrigo Campos, Romulo Fróes, Kiko Dinucci e Marcelo Cabral se desdobram em diversos projetos solos (Rodrigo e Romulo) e trabalhos paralelos que expandem uma rede intensa de produção. Uma rede que vai do rap de Criolo ao experimentalismo dos MarginalS, incluindo no percurso a pedrada musical do Metá Metá.\nÉ importante notar que o samba, algo central nas carreiras de Rodrigo, Romulo e Kiko, principalmente, tem um lugar discreto porém fundamental na sonoridade tensa do Passo Elétrico. Se nos discos dos três a percussão é elemento fundamental para um novo caminho do velho estilo tradicional brasileiro, aqui são as guitarras, contrabaixos e violões que dão o tom percussivo. Faixas com duas três guitarras, em polifonias de efeitos e riscos, reinventam o instrumento dentro da nossa música recente. Apenas na sensacional “Rárárá” é que temos a escola mais clássica do samba. Mesmo assim, é um samba sinistro, em que a pegada sagaz do cavaco em contraponto à guitarra rascante são amarrados por uma melodia sinuosa e uma história de sexo, morte e gargalhada. Malandragem pura na beira do desbunde cachaceiro e da marofa impregnando o ar. Um samba que nos leva a outra dimensão.\nMas a escuridão do Passo Elétrico é também uma escuridão do segredo, da conversa muda pós-sexo, como em “O símbolo”, diálogo interno do amante sobre o x da questão, parte feminina que nos encara logo de manhã e põe em um plano surreal essa conversa que todos nós já tivemos. Se bato de frente, provoca fadiga. Como o som deles, o símbolo é raivoso, é faminto, é incisivo. São esses pontos escuros de nossa existência que, faixa a faixa, vão constituindo um mosaico de insanidades, de agonias, seguindo uma escola lírica rara entre nós. Não há concessões nem quando se declara amor, como em “Helena”, “A não se que me ame” ou “Isaurinha. São canções que transtornam lugares-comuns do amor no cancioneiro brasileiro. Em “Isaurinha”(que me lembra “Isaura”, composição de Herivelto Martins e Roberto Roberti, gravada por João Gilberto), chega-se a cantar que “tenho vergonha do amor”. Quem tem coragem de afirmar isso nesses tempos? São quatro homens/quatro vozes/quatro narradores que se colocam em um espaço de desconfiança, de putaria, de dissimulação do amor. Caso raro que dá beleza — e desconforto — ao disco.\nJá foram muitas as ótimas resenhas sobre Passo Elétrico. Essa aqui é apenas um convite ao show deles que acontecerá no Rio nos dias 28 e 29 de julho, para deleite dos cariocas. As cordas elétricas e acústicas que eles cruzarão no palco da Audio Rebel precisam ser vistas ao vivo, em ação, para que suas sutilezas e seus arranjos minimalistas, complexos e belíssimos sejam confirmados por nossos olhos.\nEscolho para fechar esse texto um faixa em especial do disco. É “Passarinho Esquisito”. Subvertendo um tema clássico da MPB, esse passarinho é estuprador. Ele não é o “Sabiá” que me levará de volta do exílio, como a ave que só gorjeia “lá”. Nem será o “Passarim” que quis pousar, não deu, voou. Esse “passarinho esquisito” é um animal transtornado, que tenta se enfiar na vida do narrador da canção, come pelos do nariz, finge que é o outro. Tenta ser irmão, pai, mãe, espírito santo, mas, segundo a frase genial “não é bastante estrangeiro” para tanto. Não ser bastante estrangeiro resume bem o sentimento que surge das minhas audições do Passo Elétrico. Que lugar é esse que a banda se instalou para olhar para todos nós? Que cidades, que pessoas são essas que caem no buraco do mundo para, através do escuro, acharem a luz? Somos todos passarinhos esquisitos, em pleno vôo, sem saber onde iremos parar. Para os tempos atuais, Passo Elétrico é a trilha sonora essencial.\nPasso Torto: antes de tudo, trata-se de um modo. Antes de qualquer ruído, um aviso de rota, uma indicação de maneira, um sinal de forma: o caminho aqui não é reto, é irregular. Ao mesmo tempo em que o passo é a unidade e a medida é compartilhada (tradição da canção), a qualificação aponta para um modo desviante. Uma postura crítica a priori, nessa nomeação que narra uma espécie de conceito, de marca de nascença. Passo Torto nasce dessa doce condenação: atuar dentro de um espaço excessivamente marcado e dentro dele seguir um caminho próprio. Em Passo Elétrico, se não há a aguda contradição do disco anterior entre uma estética sonora do “bom gosto acústico” e uma abordagem violenta desse material, assim como a constituição de seu imaginário poético, há agora um aprofundamento na criação de um espaço absolutamente próprio e novo, gravando à força seu nome na acidentada calçada da canção brasileira.\nEssa “autoconsciência” não ameaça a construção de um universo estanque na medida em que cada canção exala a energia necessária para tal, mas por dentro. O caminho não é, no corpo das canções, da teoria, ou melhor, do exterior, caso fossem canções limpas, estáveis, que são envenenadas por ruídos, distorções e dissonâncias. Não. Talvez seja justamente o contrário: o coração das faixas é impuro. Pode ser um grito, um respiro, uma quase sirene, uma conversa de guitarra. Mesmo a voz sendo o único elemento que parece conseguir se safar da torrente sonora que arrasta e debate as cordas, é difícil localizar-lhes um centro (apesar da recorrente circularidade): o refrão de "Isaurinha", o “ê” de "Tempestade", os nomes próprios. São canções que constituem uma massa. Matéria essa que cultiva os contornos e os estende, investigando-lhe os limites. Não raro há uma espécie de sensação de combate (marcadamente nos duelos das cordas em estéreo). Cada timbre ameaça. A morte toma várias formas: sumir, adeus, cair, definhar, naufragar, entre muitas outras. E o som é também todo esse flerte com um desparecimento, por subtração (a maior, da percussão, abrindo uma espécie de “deficiência” fundadora e também libertadora) e excesso ou confusão (no final de "Banquete", ou mesmo de "Helena"). O flerte é com esse ponto onde a forma se desfaz: seja no universo poético atipicamente sólido para um grupo de compositores (dificilmente se adivinha de quem é a letra ou música) ou nos arranjos e (des)organização de sons.\n"Tempestade" começa: “Quem ouve essa voz/ diante dessa voz/ parada entre nós/ reconhece/ o som/ Permanece/ som/afogado/antes de virar/felicidade/prende todo ar”. Esse recado direto que dá início a que me parece a faixa central de Passo Elétrico, revela uma segurança incomum que marca todo o trabalho, no sentido de um saber sobre onde se está pisando (ou caindo) e que efeitos isso tem. Essa manobra que poderia cair facilmente num pedantismo, na verdade revela uma postura aberta com a qual esse conjunto de canções nos encara. Por mais que a opacidade esteja sempre rondando, que os anteparos se coloquem nas ligações entre os materiais e os personagens (explorando os limites de um reconhecimento de um campo comum), não há segredos, não há truques. Se não abundam adjetivos ou digressões sonoras é porque o universo aqui é claramente da ordem do concreto. Cada elemento significa ele mesmo.\nNos momentos de representação ou mesmo de “encenação”, onde letra e música convergem numa imagem única (a explosão de "Banquete", o tic tac de "O Buraco") essa inventividade da paisagem sonora torna essa passagem de operação de sentido fluida. A máquina não para pra fazer uma imagem. Cada nascimento de um movimento novo nas canções, amparadas pelo notável trabalho de sustentação e propulsão de Marcelo Cabral, parece vir dessa magma, desse borbulhar de cimento ainda quente, ainda em movimento, como na segunda parte de "Passarinho Esquisito" e nas cordas que dividem "A Não ser que Ame" no meio. O peso conceitual não se transforma em arbitrariedade afinal.\nDois lugares inescapáveis são traçados em Passo Elétrico. Primeiro: a circularidade, a impressão de uma dificuldade de progressão. O tempo é então de suspensão, de rodear um centro, de variar sobre uma área específica, e à cada volta, adicionar ou subtrair. A linha evolutiva, mesmo com as eventuais variações e divisões clássicas de A e B, parte maior, parte menor, a sensação é sempre de permanência (não por acaso o signo da sirene me é sugerido diversas vezes). Um desvio no tempo afinal, que dá solidez a esse universo igualmente coerente e fugidio, violento e suave. Tudo se impõe com a mesma força de infiltração, como quando desaparece . Essa "deslocalização" hipnótica da forma circular, essa insistência gera isso.\nEm segundo lugar, o ausência de percussão. Por todo o disco, o incômodo permanece, pulsa o tempo todo uma falta, na medida em que o ritmo está ali, ensejado, os pulsos aceleram, mas o ponto do passo, a marca, é uma ausência, um corte mesmo. De alguma maneira esse fantasma nos acompanha durante toda a audição. É como que a forma dessa figura de morte tanto perseguida, como que um rock que perdeu a perna, manco e desfalecido, mas obstinado. Esse vazio abre espaço pro protagonismo das cordas, e pra sua função rítmica. Mas é algo que nunca se naturaliza. Aliás, se o primeiro disco dava entender que o horizonte era dessa ordem, o possível equívoco se soterra completamente no Elétrico. O domínio aqui é o do artifício, do inorgânico, que por final se mistura, se dilui, e constitui essa nova ordem, essa matéria rara que constitui esse capítulo decisivo na música brasileira hoje, esse doce impasse.\nSe a “canção morreu” é precisa habitar o mundo dos mortos. E nesse mundo, Kiko Dinucci, Marcelo Cabral, Rodrigo Campos e Romulo Fróes, parecem completamente à vontade. Ficamos então à espera de sua volta de lá. Ansiosos.\nPostado por Bernardo Oliveira às quarta-feira, julho 24, 2013 Nenhum comentário: Links para esta postagem\nMarcadores: Fred Coelho, Juliano Gomes, Kiko Dinucci, Marcelo Cabral, Passo Elétrico, Passo Torto, Rodrigo Campos, Romulo Fróes, YB\nDiego Dias, Marcio Moraes, Michel Munhoz – Honorável Harakiri (2013; Mansarda Records, Brasil)\nConsiderado como uma espécie de modo automático e espontâneo, no qual os músicos procuram extrair o máximo de seus instrumentos, o conceito de improviso livre é explorado de muitas formas ao longo de cada um dos trabalhos editados pela Mansarda Records. A diversidade sugere que duas frentes principais operam nas práticas do coletivo: o improviso corre solto, determinado porém pelo conceito previamente definido. Nem tudo se define no “aqui e agora” do improviso, ao contrário. Pode-se observar que boa parte do sucesso da empreitada advém de uma concepção forte que, aliada à espontaneidade e o vigor da execução, constituem as chaves para os lançamentos da Mansarda. Este é, sem dúvida, o caso de Honorável Harakiri, último lançamento do selo.\nA cargo do trio Diego Dias (sax alto, tenor e clarinete), Marcio Moraes (guitarra) e Michel Munhoz (bateria), Honorável Harakiri é distribuído em três momentos. Primeiro, as seis partes com os “honoráveis harakiris”, nas quais o trio procura extrair o máximo de volume e inflexões de seus instrumentos. Alternando-se com os “harakiris”, os duos nos quais dois instrumentistas do trio travam conversações ao sabor do improviso. Por fim, os dois takes de “Amanhecer em Shibuya”, que são identificados no release como “a única faixa previamente concebida”. As intervenções ensurdecedoras de Diego Dias, tateando os limites agudos do seu sax alto e do clarinete, especialmente nos “harakiris” I e IV, confluem com o senso rítmico errante de Munhoz e os devaneios harmônicos de Moraes. Mas o resultado parece convergir para uma intenção comum, mesmo quando um deles toma a dianteira e conduz os parceiros. Ou seja, o foco no improviso não prejudica a diversidade de possibilidades e conceitos exploradas pelos músicos envolvidos.\nObservam-se, assim, duas vertentes básicas em Honorável Harakiri: de um lado, o improviso coletivo desenfreado, característico do gênio militante de Peter Brötzmann; de outro, o cortejo eloquente de ruídos a partir dos quais os instrumentos se individualizam e partem para uma situação que pode ser descrita como algo entre o diálogo e o duelo. Este ambiente propiciou as condições para a elaboração de uma peça coesa e vigorosa, uma arena impregnada pelo conflito, mas que traduz uma decisão coletiva de manter em alentado desequilíbrio duas tendências sonoras aparentemente antagônicas.\nLeia aqui a entrevista com os membros da Mansarda Records.\nMinicrônicas Discográficas: MANSARDA RECORDS\n(clique no nome do álbum para baixar)\nNanã Parú, Peter Gossweiler, Diego Dias – Pagodi (2012)\nQue o ouvinte não se deixe enganar pela aparência mais convencional deste trabalho intitulado Pagodi, lançado no final do ano passado pela Mansarda. Nanã Parú no baixo, Peter Gossweiler na bateria e Diego Dias no saxofone tenor, soprano e no clarinete, obtém êxito na criação de climas e ambientes dentro um vocabulário próximo às aventuras modais de Anthony Braxton e Ornette Coleman. Em alguns momentos, dois instrumentos se calam e escutam o outro. Em outros, dois dialogam, enquanto o terceiro observa. E assim sucessivamente, em uma ciranda rica em monólogos e variações convulsivas. A segunda parte, intitulada Pagodi 2, foi editada três meses depois e tambem saiu pela Mansarda.\nHexagotrópicos – Improvisação Eletroacústica Vol. 01 (2013)\nO Hexagotrópicos é um projeto de improvisação eletroacústica, realizado segundo duas modalidades de colaboração. Em primeiro lugar, trata-se de um trabalho a quatro mãos: de um lado, o improvisador, multi-instrumentista e owner da Mansarda Gustavo Bode; de outro, Leonardo Estevão, artista de Joinville que comanda o Boolean Records e participou do Projeto BERROS. Em segundo lugar, a dupla se reúne geralmente como uma colaboração remota, a partir do encontro virtual de materiais produzidos por dois lap tops. Contudo, neste último trabalho, Bode e Estêvão se encontraram em Porto Alegre e gravaram todo o trabalho junto, o que resultou em uma improvisação orgânica, cujo processo de criação conseguiu manter o compromisso com a improvisação livre e a composição instantânea.\nProjeto BERROS - Música Feita com Objetos e Eletrodomésticos (2012)\nUm quinteto munido de objetos diversos e eletrodomésticos busca extrair sonoridades estranhas de cada um deles. O procedimento é manual, "experimental" em um sentido amplo, não há máquinas digitais envolvidas, apenas furadeiras e liquidificadores. Mas a prerrogativa equipara-se com o que há de mais caro nas pesquisas sonoras que se valem da eletrônica: a instauração de um território sonoro onde o som natural e o som “musical” — ou, pelo menos, os sons consagrados como tal — perdem espaço para outros planos sonoros, um plano virtual no qual a matéria sonora, longe de ser limitada, adquire contornos inusitados, monstruosos. Durante pouco mais de uma hora de improvisação, o quinteto formado por André Castro, Diego Dias, Guilherme Darisbo, LBR e Sabrina López se vale de técnicas diversas, arranhando, percutindo, batucando em ferros, madeiras, engrenagens e demais objetos, para criar um panorama sonoro surpreendente.\nChinese Cookie Poets + Nicolau Lafetá – Danza Cava (2013)\nGravado em 2011, Danza Cava registra uma sessão do trio carioca Chinese Cookie Poets com Nicolau Lafetá, trumpetista brasiliense radicado em Amsterdã. Sob a influência do sopro lírico e preciso de Bill Dixon, Lafetá trouxe um outro temperamento para a sonoridade do CCP. Abrindo mão de habituais tendências próximas à estridência radical da no wave, o quarteto investiu em estruturas concentradas nos baixos volumes, o que favoreceu a composição de ambientes permeados por pausas e silêncios. Contrapondo-se à noção de ritmo e regularidade, a “dança oca” a que se refere o título remete à geografia acidentada e detalhista das composições, contrária à vivacidade quase brutal dos trabalhos anteriores.\nProjeto BERROS – Música de Diegeses Sugeridas (2012; Mansarda Records, Brasil)\nMúsica de Diegeses Sugeridas foi o primeiro trabalho que escutei para valer da Mansarda. Por acaso, conta com três artistas próximos aos dois “capos” do selo. Ao lado de Gustavo Bode (trompete) e Diego Dias (saxofones, percussão), Guilherme Darisbo (objetos, violino, sintetizador), Marcio Moraes (guitarra) e Renato Rieger (baixo) perseguem intervenções conjuntas com estilo e senso de direção. Talvez seja este o elemento que mais me chamou a atenção nos trabalhos do grupo: para além do vigor com que tocam seus instrumentos, o voluntarismo e a força de realização, demonstram uma prolífera capacidade de manter o sentido do improviso em uma pluralidade de direções. Ora, se não é esta a característica que deve nortear a prática do improviso, qual seja, um controle inegociável do tempo e do conceito.\nPostado por Bernardo Oliveira às terça-feira, julho 16, 2013 Nenhum comentário: Links para esta postagem\nMarcadores: Chinese Cookie Poets, Diego Dias, Hexagotrópicos, Honorável Harakiri, Leonardo Estêvão, Mansarda Records, Marcio Moraes, Michel Munhoz, Nanã Parú, Nicolau Lafertá, Peter Gossweiler, Projeto BERROS\nA “Música sem Teto” da Mansarda Records\nPara uma abordagem adequada da chamada “música brasileira” na atualidade — isto é, na possibilidade de se pensar uma “música nacional”, definida a partir dos limites territoriais do estado brasileiro — convém expandir as fronteiras em todos os sentidos possíveis, sejam territoriais, morais, culturais ou estéticos. Hoje a “música brasileira” se reproduz pelas inflexões fragmentárias de um contexto radicalmente plural, em franco estado de conflito e mutação, o que impossibilita — ou, pelo menos, dificulta — a adoção de uma perspectiva hegemônica. Do ponto de vista de quem mora no Rio de Janeiro (ou em São Paulo), esta percepção cria outras exigências, reivindica não só o alargamento dos interesses, mas a busca por aquilo que de fato se fragmentou: o próprio interesse. Hoje a arte no Brasil é “interessada” em escala de radicalização da singularidade, não apenas em relação às noções modernas de invenção e ruptura, mas, sobretudo, como perspectiva. Não há como pôr em dúvida o valor do núcleo duro da MPB — seja a MPB histórica dos anos 60, a que se consolidou comercial e artisticamente nos 70, ou a que se diluiu nos 80 e 90 —, mas o fato é que esta estrutura de poder já não responde pela totalidade da “música brasileira”.\nNesse panorama amplo e imprevisto, um selo do Rio Grande do Sul se destaca por investir majoritariamente na música de improviso, abraçando as premissas do jazz, mas com abertura para experimentações com eletrônica, entre outros bichos. Em que “música brasileira” se encaixam? Capitaneada pelo saxofonista Diego Dias e pelo improvisador Gustavo Bode, dois músicos improvisadores residentes em Porto Alegre, a Mansarda Records (http://mansardarecords.wordpress.com/) completa pouco mais de um ano com uma dinâmica de lançamentos que impressiona pela quantidade, a eloquência e a personalidade. Em abril de 2012, o selo editou seu primeiro lançamento, Culto Primitivo ao Tamanduá, com as participações de Bode, Dias e do guitarrista Moisés Rodrigues. Desde então, lançou cerca de 40 trabalhos exclusivamente dedicados à improvisação, com diversos artistas e sob muitas formas possíveis: solos, duos, trios, projetos efêmeros, música eletroacústica, improvisação eletrônica, hibridismos, ruídos, silêncios e ampla influência de muitas vertentes experimentais, como as preconizadas por Evan Parker, Ornette Coleman, Peter Brötzmann, Throbbing Gristle, Coil, entre outros.\nA maioria dos artistas são do Sul, com algumas exceções: o português Paulo Chagas, Chinese Cookie Poets, do Rio, e músicos paulistas como Jóbson Phelps, os presentes na coletânea de sopros Arfante — Música para Instrumento de Sopro Solo e no grupo Spimpro. Gravam praticamente no mesmo lugar, um estúdio profissional em Porto Alegre chamado Musitek; Diego cuida dos textos, Bode das imagens. Disponibilizam seu trabalho gratuitamente no link http://archive.org/details/mansarda-records e ainda tocam um site informativo a respeito da cena de improviso local e nacional, o Improviso Livre. Percebe-se uma intenção em manter os processos de forma a mais simples possível, “rústica”, punk, do it yourself, no sentido de impregnar o som por uma energia cega, uma vontade urgente de concretização que se observa em muitos de seus lançamentos.\nO selo também conta com projetos experimentais ao estilo guarda-chuva como o desativado Projeto Berros, que abrigou varias formações. Outros nomes e projetos cujos trabalhos chamam a atenção são o Jamais Fomos Modernos — primeira banda que uniu Dias e Bode —, Guilherme Darisbo, Peter Gossweiler, Leonardo Estêvão, Duo Hoffparú, o trio Dias/Rieger/Armani, o duo Dias/Parú, Tormenta Free (que gravou com Jóbson Phelps), entre muitos outros.\nA entrevista que se segue foi realizada por internet e buscou atender às questões mais básicas: formação individual dos fundadores, a construção do selo, bem como as formas de produção e divulgação do grupo. Ao fim da entrevista, Minicrônicas Discográficas com cinco lançamentos da Mansarda, com destaque para o último lançamento do selo, Honorável Harakiri (link abaixo)\nLeia as Minicrônicas Discográficas, com destaque para a crítica de Honorável Harakiri, do trio Diego Dias, Marcio Moraes, Michel Munhoz.\nEntrevista: DIEGO DIAS e GUSTAVO BODE\nPoderíamos começar falando um pouco a respeito da formação musical de vocês? Tanto em termos de educação formal, como em relação às influências musicais e estéticas?\nDiego: Não tenho formação musical nenhuma. Não sei ler partituras, nada. Apenas aprendi com professores as mecânicas mais básicas dos instrumentos (sax e clarinete) e depois parti na busca dos sons que queria obter deles. Em relação às influências, estou há 15 anos mergulhado no jazz, desde que ouvi Coltrane pela primeira vez. Com a Internet, ficou mais fácil obter materiais de músicos até então impossíveis de serem conhecidos para um jovem comum e sem dinheiro no Brasil, como Evan Parker, Peter Brötzmann, estes nomes todos. Tenho colecionado os discos destes e de muitos outros artistas, como Anthony Braxton, John Butcher, Steve Lacy... a lista é grande. Tenho me dedicado à música mais quieta ultimamente, aquela lançada pelo selo Potlatch, por exemplo... Gosto muito de Morton Feldman e seus silêncios e repetições, o que não me impede de ter uma prateleira cheia de Borbetomagus!\nBode: Já tive aula de violão e guitarra na infância e adolescência, mas digamos que o que eu faço hoje tem muito pouco do que aprendi naquele tempo. Curto fazer som desde criança, com instrumentos de brinquedo, mas sempre tive interesse no fazer sem saber ou seguir regras de conduta. Adoro composição instantânea e odeio pensar no que eu vou fazer antes de tocar. Ouvi muito pop nos anos 80, depois passei para o progressivo, metal, hardcore, rock psicodélico, industrial, noise, ambient, drone, IDM, etc...\nContem um pouco do que vocês faziam antes de começar a Mansarda? Existia uma cena de improvisação em Porto Alegre?\nDiego: Eu não tocava com ninguém. Tinha apenas um clarinete e ficava em casa fazendo alguns ruídos. Quando conheci o Bode, surgiu a idéia de fazermos algumas experimentações. Não posso falar da cena antes, apenas que cresceu nos últimos anos.\nBode: Tive umas bandas de rock instrumental nos anos 90, mas nunca saíram da garagem e, não, não tem nada gravado. Lá por 2000 comecei a fazer noise sozinho em casa com meu PC. Fiz uns shows em Porto Alegre com o coletivo Antena. Então fiquei parado de 2008 a 2010, quando conheci o Diego.\nE o Jamais Fomos Modernos, como começou? Quais eram as propostas do trabalho?\nDiego: A JFM começou quando apresentei ao Bode dois amigos meus — Bruno e CP — que também curtiam free jazz, foi durante o show do Ken Vandermark aqui em Porto Alegre, no final de 2010. Foi algo bem cru, do tipo: “ei, temos baixo, bateria, sopros e eletrônicos! Vamos para o estúdio para ver o que sai!” Era bem divertido, as idéias nasciam na hora, não havia muita preparação.\nComo, do JFM, surge a Mansarda?\nDiego: Estávamos lançando alguns trabalhos pela Boolean Records do nosso amigo de Joinville, Leonardo Estevão, que participava do hoje extinto Projeto BERROS, e que nos deu carta branca para nosso lançamentos. Entretanto, queríamos autonomia total para nossos discos em todas as esferas. Além disto, eu e o Bode residimos em Porto Alegre, o que facilitava muito as reuniões ao vivo para discussões de projetos, rumos, etc. O Bode já tinha farta experiência no mundo das netlabels com o N0_age, então foi natural iniciarmos a MSR, como chamamos.\nPor que Mansarda, um termo que alude à arquitetura? Lê-se no site de vocês: “música quase sem teto”. Mas há também uma relação com portas e janelas que se abrem…\nDiego: O nome surgiu de um brainstorm que eu e o Bode fazíamos enquanto comíamos um de nossos tradicionais churrascos. Muitas e muitas sugestões, até que surgiu Mansarda no sentido de uma casa pequena, velha, despedaçada, porque é com muito esforço e sem nenhum apoio que fazemos toda a correria para o lançamento dos discos, as gravações são todas lo-fi e eventualmente até precárias, mas não por desleixo e sim para evitar toda uma parafernália obsessiva de dezenas de masterizações, propostas e mais propostas de capas, diatribes sobre nomes de músicas, estas coisas que cercam a produção de muitos discos.\nTem também o fato de que gravações profissionais são bem caras, e não podemos pagar. A ideia sempre foi divulgar os resultados, não fazer lançamentos suntuosos. “Música quase sem teto” foi um insight que eu tive após o batismo da gravadora, aludindo ao tipo de moradia, aludindo à nosso “desamparo” em relação a qualquer financiamento ou ajuda externa mas também marcando esta posição de uma gravadora de música livre e experimental que transita por vários lugares deste amplo espectro.\nO conceito de “música sem teto” remete simplesmente à independência do coletivo? Vocês se consideram um coletivo, buscando reunir propostas semelhantes, ou um selo que catalisa uma série de possibilidades diferentes?\nDiego: A MSR é gerida apenas por mim e o Bode, então não podemos falar aí de um coletivo. A idéia da gravadora é lançar os nossos trabalhos. Como a cena tem crescido nestes últimos tempos, recebemos propostas de amigos, que são avaliadas, mas a verdade é que os discos em que pelo menos um de nós dois não participamos ocorrem somente por convite. Isto evita também dissabores de ter que recusar trabalhos de amigos, ou então de interferir na produção dos artistas. Posso não gostar de uma capa, por exemplo, ou achar que o nome de uma faixa é ofensivo e daí, para evitar embates e explicações, mantemos nossos lançamentos “em casa”, por assim dizer. Contudo, é preciso notar que trabalhamos em parceria com o selo físico 1TAKE de Marcelo Armani — grande amigo com o qual formo o trio Dias/Rieger/Armani — disponibilizando-os para download. Entretanto, até o momento, se formos analisar os discos, vamos acabar notando que somente um deles não tem a participação minha ou do Bode!\nNa medida em que vocês não encaram a Mansarda como negócio (pois nem cobram), como funciona o cotidiano de uma empreitada como esta?\nDiego: Quem acompanha a MSR sabe que nosso ritmo de lançamentos é bem intenso. Em 2012, em 8 meses de existência, lançamos 25 discos. Este anos estamos mais calmos e em 6 meses lançamos “apenas” 10. Havia muita produção em 2012, eram gravações semanais praticamente, e esta música precisava ser ouvida, precisava ser divulgada e precisávamos também firmar a MSR como uma gravadora sólida, com lançamentos consistentes e com boa frequiência. Jamais pensamos a MSR para ser algo que funcionasse com intermitência ou sazonalidade.\nComo os contatos são feitos, como se concebe a distribuição, como se controla o conceito e quais os principais objetivos? Existem critérios de seleção?\nDiego: Bem, como disse, procuramos manter os lançamentos “em casa”. A MSR não é aberta a propostas, entretanto quando elas ocorrem, ouvimos e, em casos especiais, lançamos. Isto aconteceu com o disco do Chinese Cookie Poets, lançado agora em junho (MSRCD035) ou o SPIMPRO ao Vivo no Cidadão do Mundo (MSRCD015) e Tormenta Free + Jóbson Phelps (MSRCD031), estes dois últimos de amigos muito queridos que fizemos em nossas idas a São Paulo.\nO objetivo é mostrar a música livremente improvisada produzida aqui. Há uma tendência de privilegiar a música que não é somente feita por computadores e pedais, ou então música que é pós-produzida, repensada, com adições, overdubs, etc. A idéia é a de capturar o momento da improvisação, não tratar a música depois, o que não impede discos como o recente Hexagotrópicos (MSRCD034), totalmente feito em laptop — cito também Contumácia (MSRCD030) — e dois discos futuros que trarão o resultado de uma seção sopros+violão+objetos como ocorreu e depois totalmente retrabalhado por um dos participantes. Mesmo assim, fica claro pelo nosso catálogo o direcionamento para esse lado da música improvisada como “aconteceu” naquela hora, seja ela com eletrônicos ou não e também nossa preferência por criações coletivas e não discos solo, embora estejamos planejando para futuramente termos uma série de discos assim.\nPara finalizar, contem um pouco sobre os próximos projetos e lançamentos:\nBode: Tocaremos dia 26 na mesma noite que o Fernando Perales, um amigo argentino que faz improvisação eletroacústica. Eu com a Circuitaria Apoteótica e o Diego com o Honorável Harakiri. Sobre lançamentos, tenho algumas gravações com a Circuitaria Apoteótica, com o Renato Rieger e a Sabrina López. Tem também a segunda parte dos Hexagotrópicos, que ainda estão no forno. O resto que eu lembre são sobras que a gente já ouviu e algum de nós não gostou e por isso não vai para a Mansarda. Quero fazer algo com o pessoal da Scafandro, uma banda muito legal aqui de POA que toca improvisação livre com guitarras e sampler. E, claro, tem também o que pretendo gravar ainda este ano, mas ainda não pensei bem sobre como vai ser.\nDiego: Estou gravando uma série de 3 discos em duo com 3 grandes bateristas: Peter Gossweiler, Marcelo Armani e Michel Munhoz, que deve começar a sair em agosto. Em breve também deve sair o Musikatenta 2. Shows tem acontecido, mas só posso garantir os discos. A meta é fechar o ano com o lançamento de número 50. SIM, TRABALHAMOS MUITO!\nEntrevista realizada por Bernardo Oliveira, através de email.\nMarcadores: Bernardo Oliveira, Diego Dias, Entrevista, Gustavo Bode, Honorável Harakiri, Mansarda Records\nIkue Mori: A Arte do Ritmo Assimétrico\nIkue Mori & Steve Noble – Prediction and Warning (2013; Fataka, Reino Unido)\nIkue Mori & Maja S.K. Ratkje – Scrumptious Sabotage (2013; Bocian Records, Polônia/Noruega/EUA)\nEm 1977, quando, sob a influência do punk, veio de Tóquio para morar em Nova Iorque, Ikue Mori descolou seu primeiro trabalho como percussionista/baterista do DNA de Arto Lindsay e Tim Wright. Sua presença no grupo foi decisiva, tendo sido eleita a responsável por elaborar estruturas rítimicas que se adequassem aos rompantes impostos pela guitarra anômala de Lindsay. Críticos de música da época chegaram a compará-la a um baterista de free jazz, talvez por se recusar a prestar contas à regularidade que se espera de uma baterista de rock. Mas, sobretudo, por desenvolver um método particular para inserir elementos rítmicos descontínuos em uma estrutura relativamente aberta, participando, assim, da linhagem de percussionistas que conduz de Babatunde Olatunji a Maureen Mo Tucker — artistas que conceberam a bateria enquanto um instrumento liberado de sua forma meramente técnica, mantendo diálogo permanente com técnicas oriundas de outros instrumentos de percussão.\nPosteriormente, Mori passou a operar a bateria eletrônica utilizando-se de um método original de improvisação, e, nos anos 2000, adotou o lap top (por vezes chamada “percussão eletrônica”), mantendo-se firme na tentativa de elaborar um discurso percussivo transgressor, pautado na irregularidade e na assimetria. Indicando claramente que esta tendência ainda vigora em seu trabalho, dois lançamentos recentes marcam a presença luminosa de Ikue Mori neste ano que já escorre pelo ladrão. Prediction and Warning, em parceria com o baterista inglês Steve Noble; e Scrumptious Sabotage, com a experimentadora norueguesa Maja Ratkje, ambos lançados em maio deste ano, dois anos depois da excepcional colaboração com Julianna Barwick.\nNesta última colaboração, editada pelo selo Rvgn Intl. como o sexto volume da série FRKWYS, observou-se um desacordo pontual entre o approach carregado da artista japonesa com os sintetizadores espectrais da lourinha de Louisiana. Um descompasso evidente entre estilos, que se encaminhou de forma brilhante no decurso da improvisação. O ato de improvisação, por assim dizer, forçou uma intervenção mais enérgica de Mori em relação às texturas evocativas dispostas por Barwick, propiciando assim um equilíbrio artificial que somente a generosidade e a força da concepção podem impor. O mesmo não se pode afirmar quando Mori se propõe a dialogar com alguns parceiros com os quais mantém evidentes laços de afinidade. Nestes casos, observa-se que a artista opta pela abundância em substituição à parcimônia, liberando todo um arsenal de “vibrações, estridulações, rangidos, zumbidos, estalidos, arranhões, fricções” que anunciam a “idade dos insetos” na música (preconizada por Deleuze-Guattari, Mil Platôs IV, p. 111).\nIniciada em 2010 em um concerto no Café Oto, em Londres, a afinidade entre o pensamento musical de Mori e Steve Noble se evidenciou pela forma aberta com que concebem seus respectivos instrumentos. De tal maneira que, como se pode ler no release de Prediction and Warning, Noble se posiciona como “o espelho acústico da música eletrônica de Mori”, procurando traduzir e incrementar as articulações nervosas da percussão eletrônica com texturas extraídas do rufar de peles, da alternância de baquetas e do estalido dos pratos. Já em relação as extravagâncias vocais de Maja Ratkje, com quem Mori já dividiu algumas gravações e apresentações, trata-se de uma colaboração entre artistas que operam praticamente no mesmo território, isto é, perseguem o aspecto alienígena, “monstruoso”, dos sons. Se Noble representa o “espelho acústico” da assimetria rítmica proposta por Ikue Mori, Scrumptious Sabotage mostra de que forma Mori e Ratkje, a partir de um diálogo entre iguais, tornam-se o espelho invertido uma da outra.\nEm Prediction and Warning, gravado em novembro de 2011, percebe-se que há um regime determinado de posicionamento e inserção de acordo com as construções assimétricas propostas pelos artistas. Como “espelho acústico” de Mori, Noble cria as texturas a partir do rufar veloz dos tambores, procurando realçar os sons digitais e orgânicos que Mori produz com o lap top. Dinâmicas de esvaziamento e preenchimento, baixos e altos volumes, valorização dos detalhes ou produção de massa sonora, favorecendo tanto a saturação por sobreposição, como o diálogo percussivo por subtração de elementos. Não há como determinar de forma deliberada quem mantém o domínio do jogo, sobretudo em momentos de memoráveis miríades sonoras como “Seismic Waves” e nas perturbadora “Convenction”.\nMesmo em momentos de evidente preeminência — como nas duas faixas que encerram o álbum, “Land Of Famine” e “Inferno”, praticamente conduzidas por Mori, ou na ironia marcial na introdução de “Black Death” e no beat ao final de “Atmospheric Pressure” — é possível detectar o esforço conceitual dos artistas de criar modulações que justifiquem não apenas o caráter brutal da enxurrada sonora, mas algum nível de organização que se aproxime de uma composição. Mas essa característica não compromete a espontaneidade, pelo contrário: em “Montparnasse Derailment”, há uma conversa entre pratos e percussões com erupções pontuais de células do house-techno, indicando, para além de pesquisa e experimentação, a presença indefectível da ironia e da paródia como parte do trabalho.\nApós a conversa com seu “espelho acústico”, partimos para o diálogo com o “espelho invertido”. Reconhecida por seus experimentos radicais com processamento de voz e improvisação eletrônica em grupos como o SPUNK e o Fe-Mail, Maja S.K. Ratkje é uma daquelas personalidades multifacetadas, cujo trabalho abrange e tematiza tanto a música contemporânea da primeira e da segunda metade do século (Stockhausen, Xenakis), como as searas particulares da poesia sonora, experimentações eletrônicas, manipulação de fita magnética, pesquisa de timbre, etc, sempre em busca de promover antagonismos terríveis entre os sons estranhos e incômodos. Ora, ninguém mais adequado para uma parceria com Ikue Mori do que outra artista com quem ela pode partilhar a quimera — a “deliciosa sabotagem” — de fazer as máquinas soarem como se estivessem quebradas.\nO único som que se pode identificar em Scrumptious Sabotage como pertencendo a alguma estrutura material que não seja o lap top é a própria voz de Ratkje, ainda assim, consideravelmente alterada. Habitamos um território completamente diferente daquele que foi constituído pela dupla Mori/Noble. As peles dos tambores, os ferros e madeiras: de alguma forma os sons eram acompanhados por suas representações orgânicas, passíveis de serem identificadas pelo ouvinte. O mesmo não ocorre em Scrumptious Sabotage, construído integralmente com os lap tops e, ao contrário do construtivismo de Prediction and Warning, opta por promover o vandalismo e a destruição. As faixas se assemelham mais a uma sobreposição de ruínas — a ruína de um sample, de um procedimento — do que qualquer construção, ainda que assimétrica.\nPor outro lado, a percussão permanece ignorando, rompendo as amarras da harmonia, seja a harmonia das notas e acordes, seja a harmonia das formas rítmicas. Elemento central do trabalho de Ikue Mori, a ênfase na percussão põe em primeiro plano os aspectos rítmicos dos estrilados de Ratkje. Talvez por essa potencialização do ritmo na música da norueguesa, a dupla exiba uma desenvoltura no que diz respeito à capacidade de produzir o inusitado. Chamo a atenção do leitor para as texturas acidentadas de “Bactrian Camel”, o drone cavernoso em “The Crown” (uma das poucas faixas que mantém um mesmo clima por toda a duração) e, encerrando o disco, a nuvem de graves, repleta de intervenções vocais e ruídos, intitulada “Rivers of Belfast”.\nTomando a trajetória de Ikue Mori pelos apetrechos com os quais ela opera sua linguagem singular — isto é, bateria, drum machine e lap top — é possível distinguir uma tendência a utilizá-los dentro de uma concepção musical regular, ritmicamente contínua e progressiva. Na medida em que ritmo e regularidade se encontram no cerne de grande parte da música que é produzida hoje, a trajetória de Ikue Mori pode ser descrita como um desses esforços incessantes em subverter (ou expandir) a paisagem sonora contemporânea. Contudo, mais do que duas audições formidáveis, Prediction and Warning e Scrumptious Sabotage dão provas suficientes de que sua obsessão pela assimetria não prejudica o diálogo. Ao invés de afastar e isolar, a arte assimétrica de Ikue Mori se abre para a contribuição de outras assinaturas sonoras e se amolda a elas. Esta aparente antipatia, esta personalidade apta a encarar as dificuldades impostas por uma arte que joga com a repulsa e a destruição, paradoxalmente carece da dinâmica colaborativa para dar continuidade a suas ideias.\nPostado por Bernardo Oliveira às terça-feira, julho 09, 2013 Nenhum comentário: Links para esta postagem\nMarcadores: Bernardo Oliveira, Ikue Mori, Maja Ratkje, Prediction and Warning, Scrumptious Sabotage, Steve Noble\nKenya Special – Selected East African Recordings From The 1970’s & 80’s (2013; Soundway, Quênia/Reino Unido)\nA gravadora inglesa Soundway segue firme na missão de resgatar o “elo perdido” da música africana dos anos 1960, 70 e 80. Agora, a sua série Special, que já rendeu coletâneas dedicadas a Gana e Nigéria, desloca-se longitudinalmente no mapa: a bola da vez é a costa oriental do continente, mais precisamente o Quênia, no recém-lançado, nos formatos CD duplo e vinil triplo, Kenya Special – Selected East African Recordings From The 1970’s & 80’s. Logo na primeira audição, a impressão é a de que se está diante de uma cultura musical inesgotável. O contato prévio com os seis volumes da coleção Kenya Partout!, das compilações Kenya Hit-Parade e Kenya Dance Mania, dentre tantas, já confirmava este juízo. Até o momento, a África Oriental segue sendo menos prestigiada pelos selos – principalmente europeus – nessa tendência atual de resgate. Exceção feita à Etiópia, tendo como carro chefe o ethio jazz, rótulo criado por Mulatu Astatke para o seu estilo pessoal e muitas vezes erroneamente atribuído pela crítica à música feita no país no mesmo período. Um repertório que se pode ouvir reunido, em parte, numa série como a Éthiopiques, que, atualmente, já conta com quase 30 volumes.\nA música de nações como as citadas Gana e Nigéria, mais Costa do Marfim, Benim, Mali, Senegal, Serra Leoa, Burkina Faso e Togo, tem sido mais contemplada pela prória Soundway, pela também inglesa Strut, pelas norte-americanas Daptone e Thrill Jockey, e pelos selos Analog Africa, da Alemanha, e o espanhol Vampisoul, por exemplo. Talvez signifique, segundo as projeções destas gravadoras, que na costa ocidental do continente haja uma sonoridade mais potencialmente consumível pelo seu público-alvo. Tanto que o afrobeat e as variantes étnicas do afro soul e do afro funk costumam ser a tônica das compilações que focam essa região, habitada pelos povos iorubá, fon e igbo, dentre tantos outros.\nO gênero musical mais popular do Quênia, a benga, estilo peculiar de “guitarrada”, sempre acompanhada pela marcação nervosa do contratempo da bateria, e suas variantes, de uma forma ou de outra, amarram muitas das faixas do álbum, em sua grande maioria, originalmente gravadas como singles de 45 RPM. A benga é considerada parente da “rumba congolesa”, como também é conhecido o soukous, estilo de “guitarrada” do então Zaire (como se denominou o Congo sob o ditador Mobutu entre 1971 e 97). Ou, ainda, a derivação pop mais contemporânea deste, o ndombolo, com a mesma estrutura dividida entre a parte cantada em coro sobre as camadas de dedilhados nas cordas, e a outra, mais acelerada, com os vocais quase ausentes, e na qual o solo de guitarra passa ao comando rítmico.\nCercado por Etiópia, Somália, Tanzânia Uganda e Sudão, o Quênia sinaliza nessa condição cartográfica a sua formação sonora. (O universo musical do Congo e da Zâmbia também têm a sua influência nesse processo.) De resto, é sabido o quanto é complexa a questão das fronteiras nacionais africanas; do quanto, historicamente, pouco ou nada significam do ponto de vista nativo. As trocas culturais entre etnias como kikuyu, suaíli, kamba, luo, ngoni ou gogo produziram ao longo do tempo uma variedade rítmica que acabaram por gerar a benga. É o que prova, por exemplo, uma coletânea como Before Benga, lançada nos anos 1980 e dividida em dois volumes (Kenya Dry e Nairobi Sound), que reflete a evolução da singular vocação para as cordas da música desenvolvida no Quênia. Uma tradição que, pelo intercâmbio espontâneo que marca o seu ambiente cultural, é fatalmente muito similar a dos países vizinhos, cujos artistas frequentemente gravavam na “cosmopolita” Nairobi, o multiétnico centro nervoso agregador e irradiador dessa produção. E é justamente esse o critério da seleção do repertório da presente compilação. Não é difícil concluir que, para fazer jus ao título de Kenya Special, levou-se em conta que a capital do país, principal sede dos estúdios de gravação do leste africano, concentra tanto os maiores talentos musicais locais como os das cidades e nações circundantes.\nKenya Special – Selected East African Recordings From The 1970’s & 80’s conta com 32 faixas, ao todo. Abre com um único “hit”: “Ware Wa”, da The Loi Toki Tok, de 1972, que foi regravado dois anos depois pela banda de afro rock Cobra, também do Quênia. Os Rift Valley Brothers são uma grata revelação tardia até mesmo para quem se julga familiarizado com a música africana (a rigor, nunca se é familiarizado o suficiente com tradição musical alguma). “Mu Africa”, um soulfunky contido, e “Tiga Kurira”, com sua linha de baixo ondulante e meio elíptica, são, realmente, dois achados. E esta último, se não se soubesse improvável o seu conhecimento por David Byrne antes de Kenya Special, poderia ter servido de referência para o som de guitarra e baixo que os Talking Heads passaram a perseguir a partir de Fear Of Music, de 1979, seu terceiro LP. (“Tiga Kurira” foi composta justamente por essa época: é de 1977 ou 78, como informa o encarte.)\n“Mama Matotoya”, dos The Mombasa Vikings, é o único afrobeat em Kenya Special; singularidade que tanto ajuda a comprovar a autossuficiência da música queniana quanto não deixa de revelar que outras culturas de fora do círculo iorubá do oeste africano não ficaram alheias ao impacto do ritmo criado pelos nigerianos Fela Kuti e Tony Allen. “Ngwndeire Guita” e “Mutumia Muriu”, da The Lulus Band, e “Ndiri Ndanogio Niwe”, dos Mbiri Young Stars, têm na sua estrutura rítmica algo das composições da beninense Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou. Uma possível afinidade musical entre os povos fon, da costa ocidental do continente, e os kikuyu, da costa oriental. (A Lulus Band também marca presença com a levemente funkeada “Nana”. Uma curiosidade: é o seu frontman, D.K. Mwai, quem ilustra a capa do álbum.)\nA benga, o ritmo mais consagrado do país, dá as caras em sua versão supostamente mais “pura” em algumas das faixas, como “Wendo Ti Mbia”, da Gatanga Boys Band, e “H.O. Ongili”, de D.O. 7 Band – esta última, ripada do primeiro volume da citada Kenya Partout!. D.O. são as iniciais do consagrado Daniel Owino Misiani, tanzaniano responsável pelo clássico formato da benga que fez história no Quênia, e que aqui canta em luo. Owino, falecido em 2006, deveria figurar em pelo mais de uma faixa, como sucede com tantos artistas e bandas do álbum.\nJá a tradicionalíssima Orchestre Vévé Star – projeto do saxofonista Verckys –, em “Nitarudia”, de cadência mais lenta, traz no arranjo um piano meio jazzístico e o célebre timbre dos metais das orquestras de soukous do Zaire. Os congoleses descendem, em parte, do mesmo tronco étnico-linguístico bantu que os suaílis, e é neste idioma, e não em linguta, predominante no gênero, que cantam “Nitarudia”. Sem querer precisar onde se originou essa ou aquela forma de se cantar ou tocar, o rascante naipe de metais da tanzaniana Orchestre Super Volcano, em “Mngeni Mali Yare Yore”, trai a sonoridade das orquestras da Guiné e do Senegal em atividade na mesma época. “Sina Raha”, de Hafusa Abasi & Slim, acompanhada da The Yahoos Band, “Thoni Na Caki”, da New Gatanga Sound, e “Mwendwa”, dos The Famous Nyahururu Boys, são as que, no repertório, têm mais destacada a modulação islamizada no vocal, como se pode esperar, por exemplo, dos suaílis, por tradição, sincreticamente fiéis a Alá.\n“Sweet Sweet Mbombo”, da Orchestre Baba National, evoca o highlife de Gana e Nigéria, indicando os rumos heterogêneos da verve musical queniana para o espanto da fidelidade ao rigor das classificações. Efeito semelhante produz o canto que sugere a influência da cultura sul-africana da pennywhistle jive music (mais conhecida como kwela) em “Cha-Umheja”, de outra banda tanzaniana presente no álbum, a Afro 70 – assim batizada, como parece óbvio, em alusão à Africa 70, banda de Fela Kuti na fase mais criativa da sua carreira. (Curiosamente, o encarte afirma que a composição em questão é como uma versão afro pop da tradição rítmica dos wagogo, que ocupam a região central do país – o amigo antropólogo Robson Cruz me explica, entre outras revisões, que o “wagogo” é plural de “gogo”.) “Nzaumi”, dos Ndalani 77 Brothers, soa como uma benga em versão discofunky.\nEm suma: infelizmente, tudo o mais que se possa dizer aqui não consegue dar conta de que Kenya Special é das maiores coletâneas de música africana já lançadas. É preciso ouvi-la com a atenção devida a uma peça que carrega inegável valor arqueológico de pesquisa e, ao mesmo tempo, aponta para um amplo horizonte de potencial de renovação da música na atualidade.\nPS: Esta resenha para a seção “Afrika Pedra 90”, do blog Matéria, foi finalizada na circunstância dos sabidos últimos dias de Nelson Mandela... A Eternidade nem precisará festejá-lo: – o monumental Madiba já é eterno desde 1918.\nPostado por Bernardo Oliveira às quinta-feira, julho 04, 2013 Nenhum comentário: Links para esta postagem\nMarcadores: Kenya Special, Lucio Branco, Selected East African Recordings, Soundway\nDiego Dias, Marcio Moraes, Michel Munhoz – Honoráv...\nKenya Special – Selected East African Recordings F...


Folha.com - Equilíbrio e Saúde - Remédio para diabetes não deve ser usado como emagrecedor, diz Anvisa - 05/09/2011\n05/09/2011 - 20h26\nA Anvisa (Agência Nacional de Vigilância Sanitária) lançou hoje em seu site uma nota de alerta sobre o uso inadequado de um remédio para diabetes com o intuito de emagrecer.\nO uso do medicamento Victoza para perder peso foi tema de matéria de capa da revista "Veja" desta semana. A reportagem citava exemplos de sucesso de pessoas que emagreceram com o remédio e tiveram poucos efeitos colaterais.\nLeia mais sobre o assunto no blog Laboratório\nSegundo a Anvisa, "a única indicação aprovada atualmente para o medicamento é como agente antidiabético. Não há, até o momento, solicitação na Anvisa de extensão da indicação do produto para qualquer outra finalidade. Não foram apresentados à Anvisa estudos que comprovem qualquer grau de eficácia ou segurança do uso do produto Victoza para redução de peso e tratamento da obesidade."\nA Anvisa diz ainda que o uso do produto para qualquer outra finalidade que não seja para tratamento de diabetes apresenta elevado risco para a saúde da população.\nO Victoza foi aprovado para comercialização no Brasil em março de 2010 para uso específico no tratamento de diabetes tipo 2. Sua indicação, segundo a Anvisa, é como "adjuvante da dieta e atividade física para atingir o controle glicêmico em pacientes adultos com diabetes tipo 2, para administração uma vez ao dia ou como tratamento combinado com um ou mais antidiabéticos orais, quando o tratamento anterior não proporciona um controle glicêmico adequado".\nDe acordo com a Anvisa, foram relatados eventos adversos associados ao medicamento nos estudos clínicos do registro e nos relatórios de segurança periódicos apresentados à Anvisa. Os mais frequentes são hipoglicemia, dores de cabeça, náusea e diarreia. Destacam-se ainda o risco de pancreatite, desidratação e alteração da função renal e da tireoide.\nAnvisa decidirá proibição de emagrecedores no fim de setembro\nPesquisa liga males da velhice a microinfartos\nMostra "A Cueca" alerta sobre prevenção do câncer de próstata


Emprego Ceprocamp 2019 • Vagas\nTodos os artigos em "Ceprocamp"\nCeprocamp oferece 870 Vagas para Cursos Técnicos e de Qualificação em Campinas SP\nA Fundação Municipal para Educação Comunitária (Fumec) está com as inscrições abertas para cursos técnicos e de qualificação profissional. No total, estão sendo oferecidas 870 vagas no Centro de Educação Profissional de Campinas (Ceprocamp).\nPara se candidatar é preciso fazer a inscrição no site www.ceprocamp.sp.gov.br, até o dia 13 de novembro. Para os candidatos que não tem condições de acessar a internet, as inscrições podem ser realizadas nos computadores do Centro de Educação, de segunda a sexta-feira, das 09:00 às 17:00.\nPara se candidatar é preciso morar em Campinas ou na Região Metropolitana de Campinas. Além disso, é preciso ainda apresentar CPF e ter mais de 16 anos.\nO Centro de Educação Profissional fica no seguinte endereço: Avenida Vinte de Novembro, número 145, no Centro da cidade. Já o Ceprocamp José Alves está localizado na Avenida Mario Scolari, número 91, no Jardim Satélite Íris.\nOutras informações podem ser conferidas no seguinte telefone: (19) 3232 1340.\nA lista completa dos cursos oferecidos pode ser conferida no site disponibilizado para as inscrições.


DIA DOS NAMORADOS: PSICÓLOGA DÁ DICAS PARA MANTER UM RELACIONAMENTO SAUDÁVEL | Salada.al\nIniciar um namoro, sem dúvida, é um dos melhores momentos da vida. Os olhos brilham, o coração acelera, a fala muda. No entanto, fazer as emoções durarem no decorrer dos anos de um relacionamento não é tarefa fácil.\nConviver com alguém diferente de você é um exercício de paciência e de respeito. “Não há receita para fazer um namoro dar certo, pois cada indivíduo tem uma necessidade diferente. No entanto, quando conseguimos respeitar e reconhecer os nossos limites e os do outro, as chances de viver um relacionamento saudável são maiores”, explica a psicóloga do São Cristóvão Saúde, Aline Melo.\nDe acordo com Aline, devemos ter pé no chão e entender que em um relacionamento há momentos felizes e outros não tantos. “Lidar com nossos sentimentos já é difícil, imagine quando envolve os de outra pessoa também. É importante sabermos que todo namoro passa por crises e situações necessárias de serem discutidas, as famosas DRs”, comenta.\nContudo, ela deixa claro que há diferenças entre discussões corriqueiras e quando o relacionamento já não está mais fazendo bem para um ou para ambos. “Se há ausência de respeito, de honestidade, críticas constantes, ciúmes excessivo e desconfianças talvez seja o momento de não continuar com a relação”.\nRelacionamento saudável | Imagem: Reprodução/ internet


aprox. 281,250 USD\nE&V ID W-02BMRV\nApartamento com um quarto num dos mais prestigiados condomínios de Vilamoura. Composto por sala, cozinha equipada, um quarto e uma casa de banho. Este apartamento fica no r/c onde pode usufruir de um terraço privado com jardim, possui acesso directo á piscina. Foi construído com materiais de qualidade e está associado á famosa cadeia de hotéis Hilton, o que permite ao proprietário usufruir de todas as facilidades e serviços de hotel. O apartamento tem ar condicionado central, chão radiante. Ideal para residir ou para investimento.\n5 minutos de carro da Marina e do centro de Vilamoura, Restaurantes e serviços\nPerto do golf do Pinhal


Na quinta-feira foi o Dia do Irmão. As redes sociais serviram de passarela, por onde desfilaram imagens de irmãos em expressões afetivas. Por vezes, irmãos podem ter lá suas diferenças. Entretanto, na hora de esticar o braço para a transfusão, via de regra, irmão é o primeiro a a apresentar a veia, quando, então, zeram as questões menores e valores elevados abrem espaços em corações e mentes.\nNo registro, o exemplo dos irmãos Semeniuk, “enredados” pelos laços da bem querença: Magali, Cleomar, Clóvis, Magda, Clívio e Cris, em primeiro plano.


Comunicado Oficial sobre a morte do cantor Juliano Cezar\nComunicado Oficial sobre a morte do cantor Juliano Cezar A notícia mais triste que a gente poderia comunicar. Com profundo pesar, a Explosion Music informa o falecimento cantor Juliano Cezar. Juliano Cezar teve uma parada cardiorespiratória enquanto se apresentava em um show realizado na cidade de Uniflor, interior do Paraná. O cantor deixa, esposa, mãe, irmã e sobrinhos e milhares de amigos e fãs. O velório acontecerá em Ribeirão Preto, cidade onde o cantor morou por mais de 25 anos. Após o corpo seguirá para Passos/MG, sua cidade natal, onde também será velado e, em seguida sepultado, sendo aberto aos fãs em ambas as cidades. Velório em Ribeirão Preto/SP Data: 31/01/2019 (terça-feira) a partir das 18h até às 21h. Endereço: Rua: São José, 3081, Bairro Alto da Boa Vista, Ribeirão Preto/SP. Velório e Supultamento em Passos/MG Data e Horário: 01/01/2020 (quarta-feira), de 01h às 13h Endereço: Av. Paulo Esper Pimenta,151 Bairro Coimbras, Passos/MG. Sobre Juliano Cezar: Fo\nGeovany Reis & Melissa agitam o fim de ano de São Sebastião/SP\nO show acontece no próximo domingo (29), na Rua da Praia. Na mesma noite, os renomados João Bosco & Vinícius também sobem ao palco No próximo domingo (29), a cidade de São Sebastião, localizada no litoral norte de São Paulo, recebe a dupla Geovany Reis & Melissa para um show especial. Será no Centro de Eventos, na Rua da Praia, aberto ao público - com entrada franca e faixa etária livre. A dupla da capital promete levar muita alegria e música boa para o público presente. No repertório, Geovany Reis & Melissa trazem sucessos nova geração da música sertaneja, clássicos do passado e canções próprias, como “Passageiro”, “Sua Camisa, Meu Pijama”, entre outras. Além de Geovany Reis & Melissa, a dupla João Bosco & Vinícius também se apresenta na mesma noite, levando ao público grandes hits como “Chora, Me Liga”, “Amiga Linda” e o novo sucesso “Bem Longe de Você”. Serviço: Show Geovany Reis & Melissa e João Bosco & Vinícius Data: 29/12 Horári\nO Coronel`s Grill e Bar de Ribeirão realiza o 1 Natal Solidário Coronel´s\nO evento acontece no próximo dia 23 de dezembro com diversas atrações do cenário sertanejo O Coronel`s Grill e Bar de Ribeirão Preto realiza no próximo dia 23 de dezembro , o Primeiro Natal Solidário Coronel´s. O evento começa a partir das 20h, mas o bar abre as 18h. A entrada é um brinquedo que será doado a crianças carentes. A empresária e cantora , Gaby Violeira, convidou diversas duplas do cenário sertanejo de Ribeirão e Região para subir ao palco com ela e fazer essa grande festa. Serão ao todo 11 duplas entre elas: Evandro e Ricardo, Wanessa & Gabriel, Gaby Violeira, Kenyo & kauan, Leonardo Costa & Gabriel, Enzo & Murillo, Neto & Vinicius, Augusto Fernandes, Julio Cezar e Adriano, João Guilherme & Gustavo e João Marcos & Matheus. " Sempre ajudei o próximo, e as crianças são muito especiais para mim, por isso a arrecadação de brinquedo", comenta Gaby. A entrada nesse dia será um brinquedo para serem entregues as crianças. " Eu e minha\nCréditos foto: Flaney Gonzallez Zé Neto e Cristiano disponibilizam mais um videoclipe inédito do DVD “Por Mais Beijos Ao Vivo”, a escolhida da vez é a canção Beijo de Autoajuda . “ Preparados para curtirem com a gente a música?”, declarou a dupla nas redes sociais. O clipe está disponível no canal oficial dos sertanejos. Recentemente a dupla lançou o EP “Por Mais Beijos Ao Vivo” – Volume 1 com sete faixas, são elas: Barzinho Aleatório, Condomínio Fechado, Por Mais Beijos Ao Vivo, Pra Juntar, Três Opções, Beijos de Autoajuda e Bebi Minha Bicicleta. O quarto projeto audiovisual da carreira da dupla foi gravado em Belo Horizonte, possui direção de Anselmo Troncoso e produção de Dudu Oliveira. No total o DVD é composto por 25 canções, sendo 4 regravações – “Ferida Curada”, “Enchendo e Derramando”, “Estado Decadente” e “Long Neck” – e 21 inéditas. Beijo de Autoajuda (Compositores: Philipe Pancadinha, Victor Hugo, Flavinho Tinto, Nando Marx, Douglas Melo)\nO cantor Fábio Jr realiza show em Ribeirão nessa quinta-feira\nO cantor Fábio Jr realiza show em Ribeirão nessa quinta-feira Aos 65 anos de idade, sem perder o romantismo o músico Fábio Jr vai embalar a noite de 19 de dezembro no Centro de Eventos do RibeirsãoShopping em Ribeirão Preto (SP). A partir das 21h os fãs vão poder aproveitar cada minuto do show. Conhecido por embalar multidões com as canções mais românticas, o cantor e compositor vai relembrar os grandes sucessos dos quase 50 anos de carreira na Música Popular Brasileira. Recentemente, o artista lançou a música Um brinde ao amor em parceria com o cantor e amigo José Augusto. O grande destaque da apresentação vai para o setlist, selecionado junto com os fãs através de enquetes nas redes sociais do artista. Músicas como “Só Você”, “O Que Que Há”, “Alma Gêmea” e “Caça e Caçador” integram o repertório, além das novas canções que fazem parte do novo CD: “Tô Investindo Nessa História”, “Amem, Amor” e “Será Que Fui Claro?!”. Com mais de 30 trabalhos em sua discografia, Fábio Jr, é\nA cantora participou do programa online e esta é terceira faixa do projeto que contém outros trabalhos da cantora em uma nova roupagem Na última terça-feira, 17, o programa Topzera Sertanejo disponibilizou mais um vídeo da cantora Andreza em seu canal no Youtube. A faixa “Garçonete”, composição de Léo Vinícius, René Rocha, Rodrigo Marco e Victor Rodrigues faz parte de uma gravação que trará outras músicas. Esta é a terceira música apresentada para o público, antes, a equipe do Topzera colocou no ar a música “Covardia” e “Esse gordinho é meu”. Em breve outros sucessos estarão no canal. “Garçonete” está no mais recente CD da cantora, o refrão “Oh garçonete, me ajude a encontrar uma solução, será que eu caso ou não?” traz o dilema de uma pessoa que está indecisa na véspera do casamento por descobrir uma traição. Além do show case com as faixas que têm sido apresentadas para o público periodicamente, o canal Topzera Sertanejo disponibilizou em novembro um bate-papo exclusivo e d\nCom um dos repertórios mais bonitos de todos os tempos, irmãos lançam o último EP de Amor + Boteco\nSeis canções, que chegam às plataformas de distribuição digital e canal oficial do YouTube, completam o álbum Amor + Boteco . O sétimo DVD de Edson e Hudson reuniu grandes releituras, sucessos de carreira, além de novas composições. “Uma das particularidades do registro é que gravamos canções que ouvíamos antes do sucesso. Na época elas estavam estouradas nas rádios em todo o país. Sem dúvidas, fazem parte das nossas histórias pessoais e musicais”, relembra Hudson. O último EP traz a interpretação primorosa para ‘Cada Volta é Um Recomeço’, de Zezé di Camargo e Luciano, ‘Sou Eu’ e ‘Loucura Demais’, ambas de Chrystian e Ralf. ‘Dez Corações’, assinada por Cristian Luz, faz parte do repertório do lendário ‘Na Hora do Buteco’, de 2013, e é considerada uma das mais apaixonadas já gravada pelos irmãos. ‘Minha Oração’, inédita, tem Edson e Ricardo Gama – este que também assina a direção musical do DVD ao lado de Hudson – como compositores. Diferentemente dos álbuns anterio\nDuplainiciou série de lançamentos com "Liberdade Provisória" e lança hoje "Briga Feia" Henrique e Juliano, recordistas absolutos em visualizações no YouTube, iniciaram com o pé direito a série de lançamentos do novo trabalho, “Henrique e Juliano - Ao Vivo no Ibirapuera” , gravado em São Paulo, em novembro. “Liberdade Provisória”, primeira faixa a ser lançada, estreou direto no Top 15 do Spotify e no YouTube, já se aproxima dos 8 milhões de visualizações em menos de 7 dias. Sem perder tempo, a dupla lança nessa sexta-feira (13), mais uma faixa. “Briga Feia” em todas as plataformas digitais e no canal oficial da dupla no YouTube. A música esclarece que, apesar da tal briga ter tido todos os elementos uma grande discussão, a intensão não era terminar o relacionamento, “você confundiu o seu coração”. Nas redes sociais os irmãos comemoraram os resultados e falaram da expectativa para os próximos lançamentos. “Até o lançamento de “Liberdade Provisória” a a\nBlognejo comemorou 12 anos com gravação de DVD em Goiânia\nNo último dia 09, blogueiro reuniu 10 cantores iniciantes, ao lado de 10 grandes participações, e juntos idealizaram o quinto DVD do Blognejo Marcão Blognejo, um dos profissionais pioneiros na produção de conteúdo segmentado sertanejo, idealizou no último dia 09, a gravação do quinto DVD Blognejo. Projeto comemorou os 12 anos de site e contou com nomes conhecidos do mercado. A gravação aconteceu no Velho Texas, em Goiânia e reuniu gerações. Foram 10 cantores no começo de carreira e 10 experientes, cada um ganhou um padrinho e dividiu a faixa com o ídolo. Entre os convidados estiveram: Felipe Araújo que cantou com Léo Henrique e Mateus, George Henrique e Rodrigo com Maycom Cardoso e Marcelo, Diego e Arnaldo com Joan Neto e Daniel, PH e Michel com Natália e Laura, Day e Lara com Thiago Castelli, May e Karen com a May Rodrigues, Luiza e Maurílio, com Jonas e Juliano, Guilherme e Benuto com Ângelo e Jean, Bruno Rosa com Igor Dias e Jefferson Moraes cantou com o anfitrião Ma\n"Chama no Problema" faz parte do DVD "Pra Todo Mundo Ver" Juan Marcus e Vinicius lançam nesta quinta-feira (13) o vídeo de "Chama no Problema", faixa que faz parte do volume 2 do DVD "Pra Todo Mundo Ver". Depois de participações de Dilsinho e Felipe Araújo no trabalho, nesta música a dupla contou com a colaboração dos donos do sucesso "Lancinho", a Turma do Pagode. A faixa promete conquistar tanto os amantes do sertanejo quanto do pagode. "Foi muito bom poder gravar com os nossos amigos da Turma do Pagode, a combinação ficou show de bola e acho que a galera vai gostar, é a música perfeita pra curtir com os amigos", conta Vinicius. Versáteis e com facilidade em transitar por diferentes estilos, a dupla não aposta apenas na mistura do pagode com o sertanejo, mas traz também baladas mais românticas e músicas com uma pegada mais pop. "A gente gosta de experimentar coisas novas, misturar estilos, crescemos ouvindo de\nPor Mais Beijos Ao Vivo - Zé Neto & Cristiano lança videoclipe da música que intitula novo DVD\nCréditos foto: Flaney Gonzallez Zé Neto e Cristiano acabam de disponibilizar mais um videoclipe, desta vez a escolhida foi a inédita “Por Mais Beijos Ao Vivo”, que intitula o novo projeto da dupla. Na última semana foi lançado o EP “Por Mais Beijos Ao Vivo” – Volume 1 com sete faixas, são elas: Barzinho Aleatório, Condomínio Fechado, Por Mais Beijos Ao Vivo, Pra Juntar, Três Opções, Beijos de Autoajuda e Bebi Minha Bicicleta. O quarto projeto audiovisual da carreira da dupla foi gravado em Belo Horizonte, possui direção de Anselmo Troncoso e produção de Dudu Oliveira. No total o DVD é composto por 25 canções, sendo 4 regravações – “Ferida Curada”, “Enchendo e Derramando”, “Estado Decadente” e “Long Neck” – e 21 inéditas. Confira : Por Mais Beijos Ao Vivo (Compositores: Guilherme Dias, Natanael Silva, Kleber Paraíba) Letra Quanto tempo eu perdi Quanto que eu deixei de amar Sorrisos que não devolvi Bom dias que deixei de dar ⠀ Quanta\nCantor faz única apresentação em São Paulo, dia 23 de janeiro e equilibra seu repertório entre músicas inéditas e grandes clássicos de carreira No dia 23 de janeiro de 2020 , Gustavo Mioto volta aos palcos do Villa Country para uma apresentação histórica e repertório renovado. Gustavo Mioto é um dos artistas que vem ganhando cada vez mais destaque no sertanejo, e é fenômeno no mundo digital, chegando a quase 5 milhões de inscritos no canal oficial do YouTube . "Impressionando os Anos", "Anti Amor", "Solteiro Não Traí" e "Fake News" são uma das faixas mais acessadas do canal e não ficarão de fora do repertório. No começo desse ano o cantor deu início aos trabalhos com o projeto “Pé na Areia” , um EP com 7 músicas inéditas , gravado no litoral norte da capital paulista. “Fake News”, “Pro Nosso Bem”, “Quem Não Presta é Eu”, “A Lua e Eu”, “Vizinho Chato”, “Nega” e “Voar” , são as faixas que compõem o projeto e que com\nO show acontece no dia 23 de janeiro, no Teatro Positivo Eduardo Costa anunciou novidades já para o início de 2020. O 5° DVD de sua carreira será gravado em Curitiba, capital do Paraná, no próximo dia 23 de janeiro, no Teatro Positivo. Estão confirmadas as participações das duplas Edson & Hudson e Edy Britto & Samuel. Os ingressos para o show já estão à venda. O cantor mineiro já falou diversas vezes sobre a admiração que sente pela cidade. “Todas as vezes que me apresento em Curitiba sinto um carinho enorme, eu tenho algo muito especial com a cidade e quando pensamos nesse projeto, de cara já pedi para que fosse gravado em Curitiba”. Eduardo já lançou 13 CD’s e 4 DVD’s, acumulando grandes sucessos que marcaram a cena sertaneja, além de 2 DVD’s do projeto Cabaré, em parceria com o cantor Leonardo. Nesse novo trabalho serão gravadas músicas inéditas e algumas regravações, com produção musical de Eduardo Costa e Romário Rodrigues. “Com certeza esse será um dos trabal\nShow acontece dia 21 de dezembro com os sucessos do DVD "Menos é Mais" O Espaço das Américas recebe no dia 21 de dezembro , uma das duplas mais queridas do momento. Henrique e Juliano chegam com repertório recheado de grandes sucessos de carreira, além dos hits do último DVD “Menos é Mais” . A vida dos irmãos de Tocantins mudou radicalmente desde o início em 2014 o nome deles aparecia como grande promessa do ano, mas nem a mais otimista das previsões poderia imaginar o que de fato aconteceu com Henrique e Juliano desde a gravação do segundo DVD: “Ao vivo em Brasília” , em abril de 2014. De lá para cá, transformaram-se nos grandes nomes da música sertaneja da atualidade com uma média de 20 shows mês, de norte a sul do Brasil, as músicas sempre estão entre as mais tocadas nas rádios, são os artistas mais expressivos no canal do YouTube , com mais de 6 bilhões de visualizações no canal. O mais recente sucesso da dupla é a música “Quem pegou, Pegou” , que\nSertanejo será o anfitrião da festa, dia 22 de dezembro e fará show com repertório baseado grandes hits de carreira Mano Walter será o capitão da Festa do Branco 2019 no Villa Country . A ocasião acontecerá no dia 22 de dezembro e todas as pessoas da casa, incluindo o artista, deverão estar vestidas de branco. Mano fará um show ímpar divulgando o mais recente lançamento, o DVD "Ao Vivo em São Paulo" . Para este emblemático show, o cantor não deixará de fora do repertório "Não Deixo Não", "Fingindo Maturidade", "Fórmula Secreta", "Tem Que Ter Você", "Valeu Demais" , "Então Vem Cá", entre outras. É claro que ele tocará também seu maior hit de carreira, "Juramento do Dedinho" . Inicialmente o músico ganhou destaque nas regiões Norte e Nordeste. A partir de 2014, começou a chamar a atenção do restante do país com a música “Playboy fazendeiro” , e no ano seguinte emplacou mais uma, “\nComunicado Oficial sobre a morte do cantor Juliano...\nGeovany Reis & Melissa agitam o fim de ano de São ...\nO Coronel`s Grill e Bar de Ribeirão realiza o 1 Na...\nBeijo de Autoajuda: Zé Neto & Cristiano disponibil...\nO cantor Fábio Jr realiza show em Ribeirão nessa q...\nMúsica “Garçonete” da cantora Andreza, está no Can...


Janeiro movimentado para o Barça - FC Barcelona\nHomeFutebolTime principalNotíciasJaneiro movimentado para o Barça\nJaneiro movimentado para o Barça\nO time de Luis Enrique poderá disputar até nove partidas durante o primeiro mês de 2015 Três jogos serão contra o Elche e é possível que ocorra um clássico nas quartas de final da Copa do Rei\nAs datas e os horários (hora local) dos jogos de janeiro\nO início de 2015 será bastante movimentado para o FC Barcelona. O time de Luis Enrique disputará no mínimo seis jogos em janeiro, número que pode subir a nove caso se classifique para as quartas de final da Copa do Rei, e caso a partida contra o Villarreal seja confirmada para o dia 31, um sábado (a outra opção é que se realize em 1º de fevereiro). Três destes compromissos serão contra o Elche. E podemos ver nada menos que um clássico no primeiro mês do ano.\nQuatro jogos pela Liga\nO primeiro duelo ocorre no próximo domingo, 4, pela 17ª rodada da Liga no estádio de Anoeta, em San Sebastián, contra a Real Sociedad (18h de Brasília). Precisamente uma semana depois, 11 de janeiro, no exato mesmo horário, será a vez do Atlético de Madrid no Camp Nou. Já na rodada 19, que fecha o primeiro turno, o elenco azul-grená viaja a La Coruña para enfrentar o Deportivo no estádio Riazor às 16h (horário de Brasília). O segundo turno começa em embate ante o Elche fora de casa, sábado, 24 às 15h (horário de Brasília).\nQuatro possíveis pela Copa\nPelas oitavas de final da Copa do Rei, o Barça enfrentará o Elche no dia 8 às 19h (de Brasília) no Camp Nou e no dia 15, no mesmo horário, no estádio Martinez Valero. Caso se classifique, terá pela frente seguramente duas edições de um clássico, já que na outra chave estão Real Madrid e Atlético de Madrid. Estas partidas ocorreriam nos dias 21 e 28, sempre às 19h (de Brasília).\nConfira a lista completa de jogos em janeiro (com horários de Brasília):\nDomingo, 4 (19h). 17ª rodada da Liga\nReal Sociedad x Barça\nQuinta-feira, 8 (19h). Copa do Rei, ida das oitavas\nBarça x Elche\nDomingo, 11 (18h). 18ª rodada da Liga\nBarça x Atlético de Madrid\nQuinta-feira, 15 (19h). Copa do Rei, volta das oitavas\nElche x Barça\nDomingo 18 (16h). 19ª rodada da Liga\nDeportivo de la Coruña x Barça\nQuarta-feira, 21 (19h). Copa do Rei, ida das quartas (em caso de classificação)\nBarça x Atlético de Madrid/Real Madrid\nSábado 24 (15h). 20ª rodada da Liga\nQuarta-feira, 28 (19h). Copa do Rei, volta das quartas (em caso de classificação)\nAtlético de Madrid/Real Madrid x Barça\nPedro, o goleador do ano novo


Copa do Mundo 03/Jul/2018 às 19:30 COMENTÁRIOS\nPublicado em 03 Jul, 2018 às 19h30\nEm 2012, Tite concordava com Osorio. Internautas resgatam imagens em que o atual treinador da seleção brasileira se irrita e classifica Neymar como um "mau exemplo" por conta de suas simulações\nA discussão em torno da postura de Neymar na Copa no Mundo, especialmente na partida contra o México, fez com que viralizasse nas redes sociais um vídeo de 2012 do técnico Tite (assista abaixo).\nEntão técnico do Corinthians, o treinador também chamou Neymar de “mau exemplo” devido a simulações. Nesta segunda-feira, o técnico mexicano Juan Carlos Osorio atacou o brasileiro e foi rebatido por Tite.\nDepois de uma partida entre Corinthians e o Santos de Neymar, Tite se irritou com o então craque santista. Incomodado com supostas simulações, o treinador se mostrou decepcionado com a postura do atacante em clássico pelo Campeonato Brasileiro, vencido pelo time do litoral paulista por 3 a 2.\n“Falando de forma categórica. Tivemos algum lance deslealdade do Corinthians? O Emerson foi expulso na Libertadores, pois ele deu um carrinho imprudente, aí o Neymar caiu. Quando ele foi expulso, Neymar se levantou e… estava bom. Houve alguma coisa errada. Perder ou ganhar é do jogo. Simular situação, levar vantagem…isso é mau exemplo para o garoto, para quem está crescendo, para o meu filho, levar vantagem nas coisas…”, reclamou Tite.\nAs simulações de Neymar acabaram potencializadas com a classificação brasileira para as quartas de final na Rússia. Após a vitória por 2 a 0 sobre o México, o astro do Paris Saint-Germain recebeu críticas pela postura dentro de campo, especialmente sob a acusação de exagerar ao ser pisado por Miguel Laýun.


Adversária do Brasil em março, Colômbia anuncia saída do técnico Carlos Queiroz | futebol internacional | ge\n01/12/2020 23h18 Atualizado 2020-12-02T02:19:20.238Z\nPróxima adversária do Brasil nas eliminatórias, a Colômbia anunciou, nesta terça-feira, a saída do técnico Carlos Queiroz do comando da seleção do país. O português, de 67 anos, estava no comando da equipe desde o início de 2019 e deixa o time após as derrotas por 3 a 0 para o Uruguai e por 6 a 1 para o Equador.\nEm seu comunicado, a Federação Colombiana de Futebol afirmou que a decisão foi tomada em comum acordo com o treinador. A entidade começou a busca por um novo nome para o comando da seleção, mas não deu um prazo para o anúncio.\n1 de 1 Carlos Queiroz assumiu a Colômbia em 2019 e não suportou as duas goleadas sofridas nas últimas rodadas das eliminatórias — Foto: Rodrigo Buendia/Getty Images\nCarlos Queiroz assumiu a Colômbia em 2019 e não suportou as duas goleadas sofridas nas últimas rodadas das eliminatórias — Foto: Rodrigo Buendia/Getty Images\nQueiroz tinha bons números até a última Data Fifa, quando sofreu duas goleadas nas eliminatórias. Ele deixa a Colômbia com 18 jogos, nove vitórias, cinco empates e quatro derrotas. À frente dos Cafeteros, o português disputou a Copa América do ano passado e foi eliminado nas quartas de final para o Chile nos pênaltis.\nCarlos Queiroz também foi técnico das seleções de Portugal e Irã e treinou Sporting e o Real Madrid.\nCom quatro pontos em quatro jogos, a Colômbia encara o Brasil no próximo dia 25 de março, em casa, pela quinta rodada das eliminatórias. A seleção brasileira é a líder, com 12 pontos.


Comentaristas veem acomodação e falta de ambição no Flamengo | Flamengo Resenha\nComentaristas veem acomodação e falta de ambição no Flamengo\nSPORTV: Com metade do segundo tempo para reagir e buscar o empate após o gol de Pedrinho, que garantiu a vitória por 2 a 1 e a classificação do Corinthians para a final da Copa do Brasil, para os comentaristas do Seleção SporTV faltou "fome" ao Flamengo para superar os rivais.\n– O Flamengo joga contra o Paraná, no Campeonato Brasileiro, e joga a semifinal da Copa do Brasil com a mesma intensidade, mesmo temperamento. Corinthians teve muito mais fome que o Flamengo – criticou Roger Flores.\nComentarista da TV Globo, Caio Ribeiro também condenou a falta de ação do Flamengo após sofrer o segundo gol no jogo.\n"O Flamengo joga contra o Paraná e uma semifinal da mesma forma. Não tem tensão de jogo decisivo"\nEsse é o "elenco sensível" que o Ricardo Lomba se referia. pic.twitter.com/iKeH61PxLQ\n— Fla Resenha (@SiteFlaResenha) 27 de setembro de 2018\n– Os últimos 10 minutos, quando tá perdendo um jogo, você tem que ir para cima, mudar a postura, tem que haver incômodo, você não sente isso no Flamengo – analisou Caio.\nCaio também criticou o treinador Maurício Barbieri por não ter inflado o Flamengo para o jogo decisivo contra o Corinthians. Para Roger, parte da culpa é da direção rubro-negra, que manteve o jovem treinador no comando.\n"Tirar o jogador do conforto"\n"Tem que ter mais coração, mais entrega"\n"Mudar o esquema tático, buscar algo diferente"\nResumindo: O FLAMENGO NÃO TEM TÉCNICO pic.twitter.com/6uvg6LWv4e\n– A crítica que eu faço ao Barbieri é que acho que faz parte acender a chama, tirar da zona de conforto, que não se ganha só rodando a bola. Tem que entregar, mudar para tentar algo de diferente. Não vi o Flamengo naquilo de se não der na técnica, vamos na raça – avaliou Caio Ribeiro.\n– O Flamengo, com o investimento, com os objetivos que tem, não pode deixar um treinador que não tem esse tipo de experiência, de saber mudar – completou Roger.


Saiba tudo sobre Ritalina!\nA ritalina é um medicamento utilizado para o tratamento do Transtorno de déficit de atenção/hiperatividade e tem em sua composição o metilfenidato, que é um psicoestimulante.\nEste medicamento estimula a concentração e diminui a sonolência e, por isso, é indicada para o tratamento do transtorno de déficit de atenção e hiperatividade em crianças e adultos e também para o tratamento da narcolepsia, que se caracteriza pela manifestação de sintomas de sonolência durante o dia, episódios de sono inapropriados e ocorrência súbita de perda do tônus muscular voluntário.\nÉ usada para tratar Transtorno de déficit de atenção/hiperatividade. O Transtorno de déficit de atenção/hiperatividade (TDAH) ou Transtorno hipercinético é um distúrbio de comportamento em crianças e adolescentes. Cerca de 3% das crianças sofrem deste transtorno, o que as torna incapazes de ficarem paradas e/ou se concentrar em tarefas por um determinado período de tempo. As crianças com esse transtorno podem ter dificuldades para aprender e fazer tarefas escolares. Elas podem frequentemente se tornar difícil de lidar, tanto na escola quanto em casa.\nTambém é utilizada para o tratamento da narcolepsia (distúrbio do sono). Pacientes com narcolepsia vivenciam repetidos ataques de sonolência durante o dia, mesmo após uma noite adequada de sono. A narcolepsia deve ser diagnosticada por um médico através do padrão registrado de sono-vigília.\nATENÇÃO: Antes de usar este medicamento, informe ao seu médico se você é alérgico ao metilfenidato ou a qualquer outro componente de Ritalina.\nNão tome Ritalina se estiver tomando:\num medicamento chamado “inibidor da monoamino oxidase” (IMAO, um medicamento utilizado no tratamento da depressão) ou tiver tomado IMAO nas últimas duas semanas. Tomar um IMAO e Ritalina pode causar um aumento súbito da pressão sanguínea.\nA dose de Ritalina deve ser individualizada de acordo com as necessidades e respostas clínicas dos pacientes. No tratamento do TDAH, procura-se adaptar a administração do medicamento aos períodos de maiores dificuldades escolares, comportamentais ou sociais para o paciente.\nSe não for observada melhora dos sintomas posterior à titulação da dose após o período de um mês, o medicamento deve ser descontinuado. Se os sintomas se agravarem ou ocorrerem outras reações adversas, a dosagem deverá ser reduzida ou, se necessário, pode-se descontinuar o medicamento.\nSe o efeito do medicamento se dissipar muito cedo ao cair da noite, poderá ocorrer um retorno dos distúrbios comportamentais e/ou dificuldade para dormir. Uma pequena dose do comprimido de Ritalina, ao anoitecer, poderá ajudar a resolver o problema.\nCrianças: O médico irá dizer-lhe quantos comprimidos de Ritalina dar para a criança. O médico irá iniciar o tratamento com uma dose baixa e aumentá-la gradualmente, conforme necessário. A dose diária máxima recomendada é de 60 mg.\nA ritalina pode causar alguns efeitos colaterais, como:\nAlopécia(queda de cabelos);\nAlteração da pressão e dos batimentos cardíacos (aumento ou redução);\nAngina (dor no coração devida a isquemia miocardíaca, resultante da falta de sangue, que aumenta a falta de suprimento de oxigênio nos músculos cardíacos);\nDiscinesia (presente em pacientes com mal de Parkinson);\nHipersensibilidade (incluindo coceiras na pele,urticária);\nPerda de peso temporária;\nRessecamento dos lábios (xerostomia);\nInforme ao seu médico se você está grávida ou achar que pode estar grávida. A Ritalina não deve ser usada durante a gravidez, a não ser que seja especificamente prescrita pelo seu médico.\nAmamentação: Informe ao seu médico se você está amamentando. Não amamente durante o tratamento com Ritalina. A substância ativa da Ritalina pode passar para o leite humano.\nRitalina está contraindicado para crianças com menos de 6 anos, pacientes com problemas cardíacos, como ataque cardíaco, batimento cardíaco irregular, dor no peito, insuficiência cardíaca ou doença cardíaca, pacientes com problema da tireoide, pacientes com glaucoma, pacientes com pressão sanguínea muito alta ou estreitamento dos vasos sanguíneos, pacientes com ansiedade, tensão ou agitação, pacientes com síndrome de Tourette,pacientes que estejam a tomar inibidores da monoamino oxidase - IMAO, pacientes com tumor na glândula adrenal ou pacientes com alergia ao Metilfenidato ou a outros componentes da fórmula.\nA ritalina é um medicamento utilizado para o tratamento do Transtorno de déficit de atenção/hiperatividade e tem em sua composição o metilfenidato, que é um psicoestimulante.Este medicamento estimula a concentração e diminui a sonolência e, por isso, é indicada para o tratamento do transtorno de déficit de atenção e hiperatividade em crianças e adultos e também para o tratamento da narcolepsia, que se caracteriza pela manifestação de sintomas de sonolência durante o dia, episódios de sono inapr


Consertos de Persiana Horizontal para Sala Jardim Conceição - Conserto de Persiana Horizontal com Blecaute - Toda Nova Manutenção e Lavagem De Persianas\nPara que o consertos de persiana horizontal para sala Jardim Conceição seja eficiente, é fundamental que o interessado contrate uma empresa especializada, o que garante uma análise minuciosa das condições da peça e seus componentes, a fim de garantir o seu perfeito funcionamento. Além disso, o consertos de persiana horizontal para sala Jardim Conceição é ideal para quem busca reduzir custos, uma vez que o reparo impede a troca prematura de toda a estrutura.\nRealize consertos de persiana horizontal para sala Jardim Conceição\nEstá a procura de consertos de persiana horizontal para sala Jardim Conceição, Confira os serviços oferecidos pela Toda Nova, você pode encontrar conserto de persianas, persianas manutenção, lavagem de persianas, lavagem de persianas preço, conserto de cortinas, persianas externas manutenção, manutenção persiana e conserto de cortina persiana, entre outras alternativas. Tudo isso graças a um grupo de profissionais qualificados e especializados no ramo, além de um investimento considerável em equipamentos e instalações modernas. Carregamos o objetivo de A Toda Nova atua com o objetivo de oferecer serviços e produtos de alta qualidade, visando a total satisfação de seus clientes., a empresa nos destacando no segmento. Também oferecemos outros serviços, como lavagem de persianas e . Entre em contato conosco para mais informações.\nO conteúdo do texto "Consertos de Persiana Horizontal para Sala Jardim Conceição" é de direito reservado. Sua reprodução, parcial ou total, mesmo citando nossos links, é proibida sem a autorização do autor. Crime de violação de direito autoral – artigo 184 do Código Penal – Lei 9610/98 - Lei de direitos autorais.


México - Tulum | andrenchaica\nTulum é provavelmente o destino Mexicano mais trendy do momento.\nGeralmente esta pequena cidade era visitada pelas suas ruínas e não como roteiro principal de uma viagem ao México e isso veio a mudar desde que os turistas começaram a conhecer melhor as virtudes deste lugar.\nApós 2 anos sem viajar e a trabalhar muito em Portugal decidimos escolher Tulum como roteiro principal e único para o nosso merecido descanso. Porque para além de ser muito conhecido pelas suas festas, possiu uma vibe incrivel, praias de areia branca, águas tão azuis como as Bahamas e uma gastronomia divinal.\nFuso horário: (GMT-6) -5 horas que em Portugal\nCódigo telefónico: +5255\nPelo que li Tulum tem aeroporto, mas não tem voos diretos para lá. Por isso a forma mais fácil é chegar ao aeroporto de Cancun e encontrar um transfer até Tulum. São 118 quilómetros, cerca de 1:30h de viagem.\nNós optamos por escolher a Go Shuttle, uma empresa especializada em fazer o transfer do aeroporto de cancún aos Hotéis. São super pontuais, apenas tivemos de dizer o número do voo, a linha e na hora da chegada já estavam à nossa espera e o mesmo para voltar. Neste tipo de serviços é super importante a pontualidade porque Tulum não fica propriamente ao lado de Cancún e para evitar chatices optámos por um bom serviço.\nFinalmente fomos conhecer a tão falada zona Hotelera. Uma zona repleta de lojas, pessoas bonitas, bons restaurantes e clubes de praia.\nComo não podia deixar de ser ficámos no famoso Ahau, super conhecido pela sua estátua que cria filas intermináveis de pessoas para a "fotografia mais instagramável" de Tulum a Vien la luz. Qualquer pessoa pode visitar a estátua, com o custo de 3 dólares e tirar a sua fotografia e quem está hospedado aqui não precisa de esperar na fila e não tem qualquer custo extra.\nPS: A senhora segurança é uma ótima fotógrafa e sabe todos os truques para uma boa fotografia.\nSuper nem situado, com uma bela frente de mar o Ahau, ofece não só esta vista de cortar a respiração a qualquer mortal, mas também estes quartos lindos que nos fazem ficar a viver aqui para sempre.\nAqui também podem encontrar o famoso cafe Raw love situado dentro do hotel e na praia, assim como o restaurante que fica dentro do hotel com serviço ao clube de praia que ao fim-de-semana conta sempre com Dj e muito boa disposição para um sunset muito animado.\nTambem existe uma outra panóplia de atividades que podemos fazer aqui, como as aulas diarias de Ioga pelo Eli o director de welness, aulas de kite surf e cerimónias consoante as datas da vossa visita. Nós tivemos a sorte de viajar numa lua cheia e podemos assistir à cerimónia do cacau ao final do dia na praia. Foi uma explosão de emoções estar a partilhar sensações e experiencias com desconhecidos numa praia deslumbrante debaixo da maior lua que alguma vez vi.\nEscolhemos o Parque Nacional de Tulum para terminar a nossa viagem em beleza.\nDentro deste pequeno paraíso à beira mar plantado já não é permitido construir para puder ser preservada toda esta floresta.\nDentro desta encontramos pequenos oásis como o caso da Villa pescadores, um conjunto de edificios de madeira que preserva a história do local, onde viviam os pescadores de Tulum, e a tradição é mantida de certa forma pela sua frente mar estar repleta de pescadores que diáriamente vivem da sua pesca e vendem também ao hotel o que lhes fornece o peixe mais fresco da costa.\nAo longo da costa é possível ver as ruínas a olho nú e ficam muito perto do hotel (15 minutos a pé). Sim porque aqui há sempre muita coisa para fazer, mesmo que seja só descansar ao sol, mergulhar nestas tão azuis quanto o céu.