Os 10 Melhores Livros de Estatística de 2022 - Book360\nAs ciências exatas são muito interessantes e, possuem diversas aplicações. Mas para ajudar com a compreensão muitas vezes é preciso buscar informações nos melhores livros de estatística.\nEssa disciplina faz parte da grade e muitos cursos de ensino superior e, por ser mal compreendida acaba se tornando motivo de desânimo por parte dos alunos.\nMas para aqueles que conseguem aprender bem estatística, ela acaba se tornando muito interessante e pode ser explorada e aplicada em diferentes contextos.\nSe você é uma dessas pessoas que desejam aprender definitivamente essa teoria, continue lendo este artigo para conhecer quais são os melhores livros de estatística.\nMelhores Livros de Estatística de 2022\nEstatística Básica O livro de estatística mais vendido aos estudantes de graduação 49% OFFR$ 98,72 na Amazon\nEstatística: O que é, para que Serve, como Funciona Entenda a estatística com esse livro 37% OFFR$ 54,99 na Amazon\nComo Mentir com Estatística Um livro controverso que mostra como a estatística pode ser usada para o mal R$ 54,90 na Amazon\nEstatística Prática Para Cientistas de Dados Livro adequado para profissionais da área 40% OFFR$ 49,70 na Amazon\nEstatística para Leigos Uma primeira leitura para quem quer começar a entender a estatística 25% OFFR$ 65,70 na Amazon\nEstatística Aplicada Livro que traz tópicos essenciais aos estudantes 28% OFFR$ 196,39 na Amazon\nIntrodução à Estatística Livro clássico da estatística 25% OFFR$ 181,50 na Amazon\nEstatística Aplicada a Administração e Economia Melhor livro e estatística para estudantes de Administração 38% OFFR$ 111,54 na Amazon\nEstatística Aplicada a Administração e Economia Entenda como a estatística é útil nas ciências econômicas 24% OFFR$ 143,00 na Amazon\nEstatística Aplicada à Gestão Empresarial O melhor livro de estatística para gestores e empreendedores 22% OFFR$ 190,94 na Amazon\nO livro de estatística mais vendido aos estudantes de graduação\nAutores: Pedro A. Morettin e Wilton de O. Bussab\nEditora: Saraivauni; 9ª edição (11 julho 2017)\nR$ 192,00 R$ 98,72\nEssa é a edição mais recente, revisada e atualizada do livro de estatística mais vendido no Brasil. Para a elaboração dela foram levadas em consideração as opiniões de outros professores e, sobretudo dos estudantes.\nApesar de ser um livro praticamente obrigatório para os graduandos de diversos cursos, ele pode ser muito bem aproveitado por estudante de todos os níveis.\nBasicamente ele possui três divisões: na primeira são tratados assuntos mais básicos, como as análises uni e bidirecionais, dando enfoque aos métodos gráficos.\nDepois disso são abordados temas como probabilidades e variáveis. Na última parte dessa obra os autores abordam tópicos especiais, incluindo inferência estatística e regressão.\n2. Estatística: O que é, para que Serve, como Funciona\nEntenda a estatística com esse livro\nEditora: Zahar; 1ª edição (10 março 2016)\nNa sequência dos melhores livros de estatística, essa obra é elaborada de modo a mostrar aos estudantes como a estatística funciona, ou seja, como os números são usados para demonstrar fatos da vida cotidiana.\nPor mais que grande parte das pessoas demonstre dificuldade em aceitar a matemática e aprendê-la com prazer, os números e as aplicações estatísticas podem ser observadas em todos os lugares e fatos.\nE no mundo moderno os conhecimentos nessa área são cada vez mais requisitado. Mas vale salientar que as aplicações podem acontecer tanto para o bem quanto para o mal e, é preciso saber separar bem as duas coisas.\nNesse livro o leitor terá contato com as principais aplicações da estatística e, assim conseguirá aprender essa ciência de forma mais leve, simples e básica.\n3. Como Mentir com Estatística\nUm livro controverso que mostra como a estatística pode ser usada para o mal\nEditora: Intrínseca; 1ª edição (17 junho 2019)\nEsse livro de Darrell Huff teve a sua primeira aparição no ano de 1954 e, logo de início já causou certo impacto por mostrar o lado mais oculto da estatística.\nEle foi o primeiro a mostrar com uma linguagem acessível e imagens como a estatística pode ser usada para o mal. E, atualmente com as tecnologias avançadas esse livro faz ainda mais sentido.\nDe acordo com o autor, é preciso sempre desconfiar do uso da análise estatística e, página por página ele vai apresentando quais são os principais usos inadequados da interpretação dos dados.\nEssa é uma ótima leitura para que as pessoas percebam que os dados estatísticos podem ser facilmente alterados. Isso permite a identificação de situações em que os dados são reais e, aquelas em que eles são usados de forma inadequada.\nUma característica positiva desse livro é que a linguagem usada é bastante simples e, em alguns momentos ela chega a ser até mesmo divertida. Isso torna a leitura prazerosa ao mesmo tempo em que ela tem um tom de advertência.\n4. Estatística Prática Para Cientistas de Dados\nLivro adequado para profissionais da área\nAutores: Andrew Bruce e Peter Bruce\nEditora: Editora Alta Books (1 julho 2019)\nR$ 82,90 R$ 49,70\nPara todos os estudantes e profissionais da ciência de dados, os métodos estatísticos são fundamentais. Apesar disso muitos profissionais ainda têm muito receio de se aprofundarem no uso dos números na profissão.\nDiante disso, esse livro assume uma função de tornar as teorias e aplicações mais acessíveis a todas as pessoas e, facilitar a compreensão.\nEntão os profissionais e estudantes podem encarar esse livro como um guia que traz orientações sobre o uso adequado e, também fala sobre o que evitar fazer com as análises estatísticas.\nE para aqueles que já possuem algum nível de conhecimento de programação R e estatística, a leitura desse e outros mais livros de estatística tende a ser ainda mais simples.\n5. Estatística para Leigos\nUma primeira leitura para quem quer começar a entender a estatística\nAutora: Deborah J. Rumsey\nEditora: Editora Alta Books; 2ª edição – Tradução da 2ª edição (15 março 2019)\nR$ 87,90 R$ 65,70\nComo o próprio nome sugere, esse é um livro que pode ser explorado até mesmo pelas pessoas que têm baixo nível de compreensão sobre a estatística, visto que ele é um guia de iniciação na área.\nA leitura é simples, e traz conceitos explicados de maneira facilmente compreensível. Aqui são apresentados métodos de coleta de dados, criação de gráficos, avaliação das informações, cálculo de confiança e testes de hipóteses.\nSendo assim esse livro traz todos os métodos de que você necessita para realizar a análise e tratamento dos dados de maneira adequada e precisa.\nDepois de dar os primeiros passos você perceberá que alcançará níveis bem mais elevados de compreensão da teoria estatística e será capaz de interpretar as informações bem mais facilmente.\nLivro que traz tópicos essenciais aos estudantes\nAutores: Ron Larson e Betsy Farber\nEditora: Pearson Universidades; 6ª edição (7 dezembro 2015)\nR$ 273,00 R$ 196,39\nEsse é mais um entre os livros de estatística que trazem os principais tópicos da área e têm como principal objetivo fornecer aos estudantes os artifícios necessários para a correta compreensão e uso da teoria na prática científica e profissional.\nPara ajudar no aprendizado da teoria, o livro traz mais de 200 exemplos, além de mais de 2.300 exercícios para os alunos treinarem e consolidarem os conhecimentos.\n7. Introdução à Estatística\nLivro clássico da estatística\nAutor: Mário F. Triola\nCapa comum: 836 páginas\nEditora: LTC; 12ª edição (21 agosto 2017)\nEsse livro escrito por Mario F. Triola é um dos principais títulos da área e, aborda com alto nível de detalhes os principais tópicos dessa área, necessário tanto para os estudantes quanto para os profissionais.\nAlém de trazer as principais teorias de forma detalhada, esse livro apresenta aos leitores também muitos exercícios práticos, além de dicas que podem ser aplicadas na vida cotidiana.\nA organização da obra é um dos detalhes que chamam a atenção. Antes de iniciar cada capítulo, há uma descrição dos principais tópicos que serão tratados nele.\nDepois da teoria são apresentados casos e, também uma revisão e um teste de fixação para que o leitor meça o nível de aprendizado em cada etapa.\nE para complementar a teoria apresentada no livro, são disponibilizadas também diversas videoaulas que podem ser acessadas gratuitamente.\n8. Estatística Aplicada a Administração e Economia\nMelhor livro e estatística para estudantes de Administração\nAutores: David R. Anderson, Dennis J. Sweeney, Thomas A. Williams, Jeffrey D. Camm e James J. Cochran\nEditora: Cengage Learning; Tradução da 8ª Edição Norte-Americana (7 março 2019)\nR$ 179,90 R$ 111,54\nApesar de serem considerados cursos da área de humanas, os cursos de graduação em Administração e Economia possuem várias disciplinas de exatas na sua grade.\nDentre elas está a estatística, um dos maiores pesadelos da maioria dos estudantes desses cursos.\nNo entanto isso não deveria ser assim. E esse livro tem como principal objetivo tornar o entendimento dessa disciplina muito mais simples e acessível.\nEssa obra conta com uma didática excelente e, leva o leitor a perder o medo da matéria e compreender muito melhor as suas aplicações.\n9. Estatística Aplicada a Administração e Economia\nEntenda como a estatística é útil nas ciências econômicas\nAutores: Dennis J. Sweeney, Thomas A. Williams e David R. Anderson\nEditora: Cengage Learning; 1ª edição (17 junho 2013)\nR$ 187,90 R$ 143,00\nComo o próprio nome sugere, esse livro traz abordagens interessantes das principais aplicações da estatística nas ciências econômicas e administração.\nEsse livro trata principalmente das metodologias estatísticas e análise de gráficos e, por isso é uma boa forma de começar a prender estatística para posteriormente se dedicar a temas mais complexos.\nAs informações são apresentadas de forma didática, facilitando em muito a compreensão pelo leitor. Ao final de cada capítulo são apresentados exercícios para que os estudantes consigam aprender a fazer a aplicação da teoria.\nAlém disso o livro conta também com outros recursos que facilitam a compreensão, como gráficos, tabelas, locais para anotação e glossário que facilitam o estudo e o uso do material.\nOutra vantagem dessa obra é que ela traz conceitos modernos que condizem com as atuais necessidades do mundo, além de opções para as pessoas que utilizam o Excel para tratamento dos dados.\n10. Estatística Aplicada à Gestão Empresarial\nO melhor livro de estatística para gestores e empreendedores\nEditora: Atlas; 4ª edição (4 setembro 2013)\nR$ 246,00 R$ 190,94\nE finalizando nossa séries de livros de estatística…\nA gestão empresarial depende de diversos tipos de análises estatísticas tanto para avaliação da própria empresa quanto para prever comportamentos do mercado no futuro.\nPor isso esse é um excelente livro de estatística tanto para gestores quanto para os empreendedores que desejam aprender mais sobre esse assunto.\nOs temas são dispostos de modo a facilitar o entendimento e, os exercícios e aplicações contribuem para isso.\nA obra se divide em quinze capítulos, que tratam de temas como a estatística descritiva, análise exploratória de dados, uso de gráficos e métodos de análise. Além disso são feitas também discussões sobre as aplicações de probabilidades e as suas distribuições.\nAlém desses temas mais básicos, o livro aborda também as partes mais complexas da estatística, sempre trazendo exemplos sólidos do cotidiano para exemplificar cada uma dessas questões.\nApesar de ser uma matéria extremamente útil e cheia de aplicações práticas possíveis, a estatística é muitas vezes vista como uma matéria difícil e penosa aos estudantes.\nVisto isso, os livros de estatística ajudam em muito a compreensão das teorias por trás dessa disciplina e, contribuem para a desmistificação dessa ciência.\nAgora que você já sabe quais são os melhores livros de estatística é só escolher qual deles você vai ler primeiro.\nMais Dicas de Livros para Você Ler!


FCB Brasil contrata Fernanda Geraldini\nA FCB Brasil acaba de trazer para o seu time Fernanda Geraldini, que atuará como diretora de Produção?da agência.\nEla?unificará?as áreas de produção eletrônica, gráfica, digital e projetos especiais, que passa a se chamar FCB Studio, o núcleo de produção criativa da agência.?\n"A Fernanda vem para liderar o nosso projeto de ter uma produção?multidisciplinar e criativa, que desenvolva e viabilize os trabalhos de forma?ágil e?totalmente integrada?com as demais áreas?da agência.", afirma Anna Martha, ECD da FCB Brasil.?\nFernanda Geraldini, entre os ECD's da FCB Brasil, Fabio Simões e Anna Martha.\n"Produzir?com sinergia e de forma integrada é garantir o produto final bem acabado, eficiente e dentro dos prazos. Esta é a missão da Fernanda aqui na FCB.", complementa Fabio Simões, também ECD.\n?Produtora-executiva e criativa com mais de dez anos de experiência, Fernanda Geraldini fez sua carreira na produção audiovisual, trabalhando em produtoras como Paranoid, O2 e Gullane. Nos últimos dois anos atuou como head de Produção na agência??i??, liderando os departamentos de produção e gerenciamento de projeto.??\nNa Paranoid, Fernanda atuou como produtora-executiva e participou de diversas produções, como longas-metragens, séries de TV, documentários e projetos de branded content.\nAnteriormente, esteve na The Kumite/FlagCX, onde foi responsável por toda operação, prospecção de clientes, atendimento, orçamento de projetos, gerenciamento de produção e pós-produção, e trabalhou com clientes como Samsung, Unilever, O Boticário, Hering, PepsiCo e Google.?


Porta de Alumínio de Enrolar em Santo André - Porta de Enrolar de Aço Manual - Martins Portas Automaticas\n» Serviços » Portas de enrolar de aço » porta de enrolar de aço manual » porta de alumínio de enrolar em Santo André\nEncontre uma porta de alumínio de enrolar em Santo André\nProcurando por porta de alumínio de enrolar em Santo André? Confira os produtos disponibilizados pela Martins Portas Automáticas, você pode encontrar portas de aço automáticas, portas de enrolar, portas transvision, portas de aço, entre outras opções para atender suas necessidades. Nossa empresa procura sempre atender os objetivos desejados por nossos clientes, entre em contato.\nPara saber mais sobre Porta de Alumínio de Enrolar em Santo André\nO conteúdo do texto "Porta de Alumínio de Enrolar em Santo André" é de direito reservado. Sua reprodução, parcial ou total, mesmo citando nossos links, é proibida sem a autorização do autor. Crime de violação de direito autoral – artigo 184 do Código Penal – Lei 9610/98 - Lei de direitos autorais.


O leão e os remédios – Resenha de Notícias Fiscais\nO leão e os remédios\n17/05/2005 00:00 Ver: 19\nAlgumas regras da Receita Federal não fazem sentido. Se você for ao dentista e lá receber incrustações de ouro e platina ou se gastar um dinheirão para deixar sua arcada dentária parecida com a da Gisele Bündchen ou com a do namorado dela, Leonardo di Caprio, tem direito a descontar tudinho do Imposto de Renda.\nO mesmo ocorre com despesas hospitalares ou em clínicas médicas. Em internações, tudo o que for gasto é dedutível: despesas com médicos, sala cirúrgica, aparelhos de última geração, remédios e até gastos que, na verdade, são de hotelaria, como apartamento de luxo, com TV e todos os confortos. Pelo mesmo critério, são dedutíveis gastos com ‘tratamento de obesidade’, ainda que feito em spa de grã-fino. Enquanto isso, pobre, que nem Imposto de Renda recolhe pois não tem renda, encara a conta com remédios como der.\nO especialista em Assuntos Tributários Samir Choaib, do escritório Choaib, Paiva, Monteiro da Silva e Justo Advogados, comenta que, se se detiver sobre uma nota fiscal emitida por um spa, um auditor da Receita Federal encontraria elementos para glosar uma dedução com base nesse documento. ‘Mas até hoje não vi acontecer.’ Baseada em regulamentos, a Receita Federal não permite o abatimento de despesas com tratamento de saúde em casa. Hipertensos, diabéticos, portadores do mal de Chagas ou de câncer não podem fazer essas deduções. A política aparentemente pretende eliminar abusos com automedicação e com produtos que não têm a ver com remédio, como cosméticos, xampus e até alimentos, também vendidos em farmácia. É uma política que prejudica os doentes crônicos, especialmente aposentados e idosos, tão dependentes de remédios.\nNo dia 19 de abril, em ação civil pública julgada na 3.ª Vara Federal, da 9.ª Subseção Judiciária de Piracicaba, a juíza Mônica Aparecida Bonavina determinou que, a título de Antecipação de Tutela, contribuintes e seus dependentes ficam autorizados a deduzir do Imposto de Renda despesas com compra de lentes corretivas (e óculos, inclusive armação, limitados a R$ 100); aparelhos auditivos; e medicamentos. A decisão está em vigor, mas sujeita a sentença final.\nREGULAMENTOS DA RECEITA FEDERAL PREJUDICAM OS DOENTES CRÔNICOS\nA regulamentação do Imposto de Renda diz apenas que despesas com medicamentos só são dedutíveis se constarem da conta de estabelecimento hospitalar ou ambulatorial; e é só. Na Europa e no Canadá, o governo reembolsa parte ou toda despesa com remédios.\nQuinta-feira, o governo Lula encaminhou ao Congresso projeto de lei a ser votado em regime de urgência que prevê subsídios a medicamentos usados no tratamento de diabete e hipertensão, mas não avança nenhuma mudança nas atuais disposições do Imposto de Renda. A previsão de despesas levanta dúvidas sobre a consistência do programa: se há R$ 300 milhões por ano para pagar essa conta e se existem 11,5 milhões de hipertensos e diabéticos, não vão sobrar mais do que R$ 2,17 mensais por doente.\nNa Câmara dos Deputados tramita o projeto de lei 3018/2004 que prevê dedução de remédios limitados a 10% da renda bruta. No Senado outro projeto (16/00) autoriza abatimento integral para despesas de medicamentos feitas por maiores de 60 anos. Não há prioridade para votação desses projetos.\nO problema, porém, é a inconsistência do regime de isenções do Imposto de Renda e a injustiça para com o contribuinte que precisa do remédio. Quem sabe os congressistas tomem carona no projeto de lei dos subsídios aos remédios e corrijam essas distorções.


Minha experiência no host foi melhor do que eu esperava, me senti em casa, e fui muito bem acolhida durante os 16 dias em que fiquei lá. De segunda a sexta eu ajudava o pessoal com os trabalhados da comunidade, que são bem simples, e o final de semana era livre. Neste meio tempo conheci pessoas maravilhosas e um projeto encantador, que faz diferença na vida das pessoas, e isso é muito gratificante. Além disso pude melhorar o nível do meu inglês, aprendi palavras e expressões novas. Foi uma experiência enriquecedora. Com certeza irei voltar um dia <3.


Artistas estrangeiros na cidade de São Paulo\nConhecida como a cidade em que ocorreu a Semana de Arte Moderna, marco do início do modernismo no Brasil, São Paulo, pelas suas próprias características cosmopolitas, também abrigou numerosos artistas estrangeiros, principalmente oriundos da Itália, do Japão e do Leste Europeu, que deixaram, cada qual à sua maneira, marcas pela cidade. Vamos conhecer um pouco desses pintores, escultores e arquitetos, levando em conta como colaboraram para o desenvolvimento dos “ismos” que deram a São Paulo um espaço único no cenário artístico nacional.\nÉ preciso, primeiro, lembrar que, no início do século XX, São Paulo era a cidade mais moderna e industrializada do Brasil. Sua população cosmopolita, que não tinha vivenciado a tradição colonial e imperial do Rio de Janeiro, reunia mais condições de vinculação aos centros internacionais de cultura que, desde o início do século, viviam, na Europa, uma revolução de valores.\nA elite intelectual paulista estava, de fato, empolgada com a industrialização e o progresso já que a cidade tivera um grande desenvolvimento urbano em dez anos. A sua população, por exemplo, passara, de 240 mil habitantes, em 1910, para 500 mil em 1920.\nOs sinais de industrialização eram evidentes, principalmente pela massa de imigrantes formada por uma maioria de italianos, vindos originariamente para trabalhar nas lavouras de café. Oficinas de ferreiros e funileiros se multiplicavam e sinalizavam para um grande crescimento fabril, com o aparecimento de pequenas empresas de alimentos e de tecidos. A indústria da construção civil, com a expansão urbana, também estava em plena atividade.\nTodo esse clima era propício a reações contra o conservadorismo, tanto nas artes como no próprio comportamento. A presença de imigrantes italianos e espanhóis acentua a existências de idéias socialistas e anárquicas. Estas últimas trazem consigo o pensamento futurista, movimento italiano de vanguarda cuja ideologia inflamada repudia agressivamente a tradição e exalta a cidade moderna e a tecnologia da civilização transformada pela técnica.\nFundado em 1909, pelo poeta Marinetti, o futurismo começou como um movimento puramente literário ao qual aderiu um grupo de pintores e escultores, entre os quais Umberto Boccioni e Giacomo Balla. Dois manifestos lançados naquele ano proclamaram a base da estética futurista, exaltando as sensações dinâmicas do mundo moderno, a velocidade e a força física.\nFoi em 1912 que Mário de Andrade trouxe o Manifesto Futurista de Marinetti para São Paulo e, 14 anos depois, o próprio poeta italiano visitou a cidade e o Rio de Janeiro divulgando suas idéias, que conquistaram muitos jovens intelectuais paulistas, que gostavam de ser chamados “futuristas” embora a sua estética não se enquadrasse rigorosamente no estilo.\nCom a ascensão das culturas alemãs e italianas na cidade, houve, no início do século XX, toda uma campanha de trazer para São Paulo a efervescência cultural e intelectual artística da Europa, principalmente de Paris e Berlim. Além do futurismo, o pós-impressionismo, a pintura de Cézanne, o cubismo, as obras mais arrojadas de Van Gogh, o expressionismo e as poéticas construtivistas ainda não tinham repercussão por aqui.\nEm síntese, essas manifestações artísticas traziam novos conceitos de pintura, a transformação da relação espaço-tempo, a superação da perspectiva linear, a libertação da submissão da aparência do real e a libertação do compromisso da arte com a representação do real. Assim, os artistas se liberavam para dar vazão a suas poéticas individuais, vinculadas ou não aos “ismos” europeus.\nO marco da introdução do Brasil na arte de vanguarda foi Lasar Segall (Vilna, Lituânia, 1891 – São Paulo, SP, 1957). Embora suas mostras de arte expressionista, realizadas em 1913 em São Paulo e em Campinas, não tenham causado grande impacto, aglutinado defensores ou polarizado opiniões, apresentou, como ele mesmo afirmou, “algumas experiências típicas da arte expressionista ao lado de obras de um modernismo mais moderado”.\nCabe lembrar que Segall iniciou o seu aprendizado na sua cidade natal e estudou na Academia de Berlim, entre 1907 e 1909, quando foi desligado por ter participado da Frie Sezession, uma exposição de artistas que não seguiam a estética oficial. Em 1910, transferiu-se para Dresden, freqüentando a Academia de Belas-Artes local na qualidade de aluno instrutor. Nesse mesmo ano, realizou a sua primeira mostra individual, com pinturas fortemente marcadas pelo impressionismo de Liebermann.\nAos 20 anos, Segall começou a se afastar dessa influência e a se aproximar do expressionismo. Sempre em busca de novos caminhos, esteve em 1912 nos Países Baixos e, em 1913, veio para o Brasil, realizando as mencionadas exposições seminais de arte moderna no País. Retorna à Alemanha e, em 1914, como cidadão russo que era, foi preso num campo de concentração.\nA Alemanha vencida na Primeira Guerra (1914-18), velhos leitores do Talmude, livro sagrado dos judeus, camponeses, mendigos, indigentes, crianças, evocações da terra natal, retratos de parentes e auto-retratos eram as suas principais temáticas, tratadas com um desenho incisivo e anguloso, cores fortes e cruas e corpos deformados, evocando dor e sofrimento.\nEm 1923, Segall decidiu voltar ao Brasil, radicando-se definitivamente em São Paulo e, no ano seguinte, efetuou nova mostra individual, realizou conferência sobre arte na Vila Kyrial e executa a decoração para o Baile Futurista do Automóvel Clube e para o Pavilhão Modernista de Olívia Guedes Penteado. Casou-se com sua ex-aluna, ainda na Europa, de desenho e pintura, a tradutora Jenny Klabin São Paulo, SP, 1901 – id., 1967).\nO mais interessante é que Segall, paulatinamente, começou a introduzir em suas obras cores e temáticas brasileiras, como mulatas com filhos brancos no colo, marinheiros, prostitutas, favelas e bananeiras, trabalhos que foram expostos, na segunda metade dos anos 1920, na Alemanha e, em 1928, no Rio de Janeiro.\nDepois de uma exposição em Paris, em 1932, Segall fundou, em São Paulo, com outros artistas, a Sociedade Pró-Arte Moderna, da qual foi a alma e diretor até 1935. Obras como Navio de imigrantes e Guerra, entre outras, mostram seqüências pictóricas dramáticas. Sua consagração veio com uma grande exposição realizada em 1943 no Museu Nacional de Belas-Artes no Rio de janeiro.\nTipicamente expressionista, com uma técnica e um temperamento europeus, Lasar Segall pode ser, sob diversos aspectos, considerado um pintor brasileiro, não só por que aqui viveu entre 1923 e 1928 e de 1932 até a morte, em 1957, e por ter se naturalizado, mas principalmente porque incluiu, em boa parte de seus trabalhos, gente brasileira, mormente desamparados e oprimidos em suas obras de cunho social. Prova disso é que, em 1967, dez anos após a sua morte, a casa onde morava , na Vila Mariana, foi transformada no Museu Lasar Segall.\nSe Segall, como pintor, gravador, escultor e desenhista, é o primeiro ícone do modernismo, Anita Malfatti (São Paulo, 1896- id., 1964), embora paulistana teve grande influência dos mestres europeus em seu trabalho. Após ter estudado inicialmente com a mãe, pintora amadora, foi para a Alemanha, aperfeiçoar-se na Academia de Belas-Artes de Berlim, onde teve professores célebres como Louis Corinth.\nExcursionou ao sul da Alemanha, para visitar uma exposição de impressionistas e pós-impressionistas e seguiu para Paris, retornando ao Brasil em 1914, quando realizou a primeira exposição individual em São Paulo. Pouco depois, novo destino: Nova York, onde teve aulas com Juan Gris, Marcel Duchamp, Isadora Duncan, Leon Bakst, Gorjik e Diaghilev, tomando contato com o cubismo.\nEm 1917, de volta a São Paulo, preparou a celebre exposição de 53 telas que recebeu a feroz critica de Monteiro Lobato “Paranóia ou Mistificação?”. Se, por um lado, a violência do artigo do escritor paulista lhe valeu a solidariedade de jovens artistas e pintores, por outro, foi determinante para que ela perdesse a autoconfiança e parasse de desenvolver a própria linguagem pictórica.\nAs telas de Malfatti revelam profunda ligação com o expressionismo alemão, marcando uma conduta pictórica que já existia na Europa desde 1905, caracterizada pela libertação do mundo visível, uso de cores não naturais, fortes e contrastantes, além de expressões de angústia e uso de linhas diagonais que criavam ângulos agressivos. Com trabalhos como esses, não só Anita participou da I Bienal de São Paulo, em 1951, como recebeu uma sala especial, com 45 obras, na VII Bienal, em 1963, com apresentação do crítico Paulo Mendes de Almeida.\nAo lado de Segall e Malfatti, Victor Brecheret (São Paulo, SP, 1894 – id., 1955) forma a tríade do início da arte moderna em São Paulo e no Brasil. Iniciou seus estudos no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo em 1912 e os tios, confiando em seu talento, proporcionaram-lhe todas as suas economias para que ele estudasse escultura na Europa, onde foi aluno de Arturo Dazzi, em Roma.\nO esforço trouxe resultados rápidos. Em 1916, com apenas 22 anos, Brecheret foi premiado, em Paris, na Exposição Internacional de Artes, com a obra Despertar. Ao longo desses anos, sofreu profunda influência de importantes escultores europeus, como o iugoslavo Mestrovic e os franceses Bourdelle e Rodin, ao funeral de quem fez questão de comparecer, em 1917.\nEm 1919, Brecheret montou o seu ateliê nos salões vazios do Palácio das Indústrias, chamando a atenção dos modernistas. Obras de sua autoria participaram da Semana de Arte Moderna, embora Brecheret estivesse, em 1922, em Paris, como bolsista do Governo de São Paulo. Sua obra-prima, que mescla a técnica européia com uma temática nacional, é o Monumento às bandeiras (1936-1953), grupo de 40 figuras instalado no Parque do Ibirapuera.\nRealizada entre 11 e 18 de fevereiro de 1922, no Teatro Municipal em São Paulo, a Semana de Arte Moderna foi um marco. Di Cavalcanti, em seu livro de memórias Viagem de minha vida – Testamento da Alvorada, de 1955, afirma que ele foi o idealizador do evento, tendo como modelo a Semana de Deauville na França e “outras semanas de elegâncias européias”.\nO fato é que se os recitais de música e poesia foram recebidos com apupos, a exposição de artes plásticas, que teve catálogo com capa do próprio Di Cavalcanti, não gerou reações tão violentas. Entre os expositores, com oito trabalhos, não se pode esquecer John Graz (Suíça, 1895 – São Paulo, SP, 1980).\nEle realizou a sua formação artística em Genebra, Paris e Munique e, no início da carreira, sofreu influência do compatriota Ferdinand Hodles. Veio para o Brasil em 1920 e impressionou os artistas e escritores de vanguarda, tornando-se um dos pioneiros do design ao lado da esposa, a pintora e tapeceira Regina Gomide (Itapetininga, SP, 1902 – São Paulo, SP, 1973). Fez decoração de interiores, na qual introduziu temas brasileiros, e realizou uma produção de móveis que sintetizou as principais tendências da arte européia como a Art déco.\nOs desdobramentos ocorridos após 1920 foram certamente mais importantes do que a Semana em si mesma. Ao longo da década, houve uma avalanche de manifestos: dois de Oswald de Andrade (Poesia pau-Brasil, de 1924, e o Antropofágico, de 1928), o de arquitetura funcionalista, de Gregori Warchavnik, de 1925, e o do Grupo Anta (Nhengaçu Verde Amarelo, de 1929, entre muitos outros).\nFigura central nesse momento foi a pintora Tarsila do Amaral (Capivari, 1886 – São Paulo, SP, 1973), que recebeu grande influência da arte européia para formar o seu estilo. Ela realizou, em São Paulo, estágio no ateliê do pintor alemão Georg Fischer Elpons e, em 1920, foi para Paris, onde freqüentou a Academia Julian e o ateliê de Émile Renard, retratista de moda que introduziu Tarsila nas tendências modernas.\nEm 1922, Tarsila participou de uma exposição em Paris e, de volta a São Paulo, ligou-se aos intelectuais do grupo Klaxon, como Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Menotti Del Picchia, com quem fundou o Grupo dos Cinco. Volta a Paris em 1925, tendo aulas com André Lothe, Fernand Lèger e Albert Gleizes. Conheceu ainda Picasso, De Chirico, Brancusi, Manuel de Falla, Stravinsky, André Breton, Blaise Cendrars e John dos Passos.\nFoi em 1924, em viagem para as Minas Gerais com Oswald e Cendrars que descobriu o Brasil, retratando-o sob influência cubista. A flora tropical, os caboclos, os negros e as cidadezinhas do interior surgem em suas telas em tons azuis e róseos que ela mesma chamou de “caipiras”.\nOutro artista do período que tem formação européia e a utiliza para retratar temas brasileiros é Osvaldo Goeldi (Rio de Janeiro, 1895 – id., 1961). Filho do cientista suíço Emílio Augusto Goeldi, que viera ao Brasil a convite de D. Pedro II, seguiu para Berna com a família aos seis anos de idade e, em 1915,entrou para escola politécnica de Zurique.\nDois anos depois, com a morte do pai, dedicou-se à pintura, tendo realizado uma exposição individual de desenho com influência do expressionista Alfred Kubin. Em 1919, voltou ao Rio de Janeiro e, dois anos mais tarde, organizou uma exposição no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo que lhe valeu o apreço dos modernistas.\nEm 1924, iniciou-se nas técnicas de gravura com Ricardo Bampi, em São Paulo, e ilustrou numerosas obras literárias. Pioneiro do expressionismo no Brasil, produziu xilogravuras marcadas por uma atmosfera noturna e visionária. Premiado no Brasil e no exterior, foi considerado o melhor gravador nacional da I Bienal de 1951, ultrapassando, portanto, o expressionismo europeu e as influências diretas de Kubin, Gauguin e Munch, principalmente em suas imagens muito pessoais de vagabundos e cães.\nOutro caso de artista brasileiro que trouxe para o País marcada influência européia foi Antonio Gonçalves Gomide (Itapetininga, SP, 1895 – Ubatuba, SP, 1967). Ele se transferiu com a família para a Suíça em 1913. Estudou na Escola de Belas Artes de Genebra, freqüentou aulas de Gillard e Ferdinand Hodler e viajou pela Península Ibérica. Em Paris, ligou-se a Picasso e aos cubistas.\nEm Tolouse, França, em 1924, aprendeu com Marcel Renoir, a técnica do afresco e foi um dos primeiros a praticá-la no Brasil. Fixou-se em São Paulo em 1925 e dois anos depois, decorou a residência de Couto de Barros com o afresco Trabalhos e costumes selvagens. Realizou ainda cartões para vitrais do edifício do Parque das Industrias na Água Branca e relevos para o Mosteiro de São Bento\nAinda nos anos 1920, o arquiteto russo-brasileiro Gregori Warchavnik (1896-1972) merece destaque. Nascido em Odessa, Rússia, é considerado o primeiro arquiteto modernista da América Latina. Diplomado pela Universidade de Odessa, cursou, em seguida, o Instituto Superior de Belas-Artes de Roma. Dirigiu a construção do Teatro Savóia, em Florença, e veio trabalhar no Brasil em 1923.\nDois anos depois, publicou o primeiro artigo de arquitetura moderna do País, descrevendo a casa como um bem de consumo qualquer. Construiu em São Paulo a primeira residência modernista do Brasil e da América Latina, em 1927. Projetou ainda, entre outros, as sedes de diversos clubes de São Paulo, como o Paulistano, o E. C. Pinheiros, o Tietê e a Hebraica.\nNa década de 1930, nasceram em São Paulo diversos movimentos e tendências artísticas vinculadas direta ou indiretamente ao modernismo de 1922. Em 23 de novembro de 1932. um grupo de artistas e intelectuais reunia-se na casa de Warchavchik para fundar a Sociedade pró-Arte Moderna de São Paulo (SPAM), com a participação de Paulo Rossi Ossir, Lasar Segall, John Graz, Vittorio Gobbis, Wasth Rodrigues, Antônio Gomide, Regina Graz Gomide, Anita Malfatti e Tarsila do Amaral.\nPara angariar fundos, o grupo organizou, no Carnaval de 1933, um grande baile intitulado “Carnaval na cidade de SPAM”, em recinto decorado por artistas sob a direção de Segall. Criou-se um Hino Spamtriótico, com musica de Camargo Guarnieri, moeda própria (spamote, dividido em spamins) e um jornal, A vida de Spam, dirigido por Mário de Andrade, Antônio de Alcântara Machado e Sérgio Milliet.\nCom a quantia angariada, abriu-se ao público a Primeira Exposição de Arte Moderna da SPAM que apresentou, além dos artistas associados, pela primeira vez no Brasil, obras de Picasso, Léger, Brancusi, Dufy, Juan Gris e De Chirico, entre outros. Como muitos desses artistas eram conhecidos apenas por reproduções, a exposição pode ser considerada uma das mais importantes já promovidas por particulares no País.\nNo Carnaval de 1934, a SPAM promoveu novo baile, ainda sob supervisão de Segall. O tema foi “Expedição às matas virgens da Spamolândia” A repercussão, porém, já foi menor e, com a saída de Segall e Warchavchik, o grupo se dissolveu. No entanto, embora com vida curta, ele foi importante para a divulgação da arte moderna européia no Brasil.\nEm 24 de novembro de 1932, surgia o Clube dos Artistas Modernos – CAM, fundado por Flávio de Carvalho, Di Cavalcanti, Carlos Prado e Antônio Gomide. O grupo também organizou importantes exposições, tendo como um de seus principais méritos a valorização da produção artística realizada no País por crianças e por doentes mentais.\nEntre 1935 e 1944, floresceu em São Paulo o Grupo Santa Helena. Ele se formou com a instalação gradual de ateliês de artistas no Palacete Santa Helena, na Praça da Sé. O local se tornou ponto de encontro para sessões de modelo vivo, troca de idéias sobre arte, discussão de trabalhos e de soluções técnicas adotadas.\nFormado por imigrantes ou descendentes de imigrantes italianos e espanhóis, o Grupo Santa Helena tinha como principais integrantes Francisco Rebolo Gonzáles (São Paulo, SP, 1903 – id. 1980), Mário Zanini (São Paulo, SP, 1907 – id., 1971), o italiano Fúlvio Pennachi (Villa Collemandina, Toscana, 1905 – São Paulo, 1992), Aldo Bonadei (São Paulo, SP, 1906 – id. 1974), Alfredo Volpi (Lucca, 1896 – São Paulo, SP, 1988), Humberto Rosa (Santa Cruz das Posses, SP, 1908 – São Paulo, SP, 1948), Clóvis Graciano (Araras SP, 1907 – São Paulo, SP, 1988), Manuel Martins (São Paulo, SP, 1911 – id., 1979) e Alfredo Rullo Rizzotti (Serrana, SP, 1909 – São Paulo, SP, 1972).\nComo pontos em comum, os integrantes do Grupo Santa Helena tinham o repúdio à arte acadêmica. A maioria deles era autodidata e seguia os conselhos do pintor, desenhista e arquiteto Paulo Cláudio Rossi Osir (São Paulo, SP, 1890 – id., 1959). Formado na Europa, juntamente com Volpi e Zanini, ele fundou, na década de 1940, a Azulejos Osirarte, empresa dedicada à cerâmica artística e responsável, por exemplo, pela execução dos azulejos de Portinari para o conjunto da Pampulha, em Belo Horizonte, e para o edifício do Ministério da Educação e Cultura, no Rio de Janeiro.\nO Grupo Osiarte teve importante contribuição para os rumos da pintura da modernidade paulista, principalmente ao ter a iniciativa de desenvolver uma produção própria, na qual Volpi e Zanini criaram projetos para espaços residenciais da classe média. No entanto, a manutenção da produção é dispendiosa e as atividades duram somente até 1959, com obras e exposições realizadas em São Paulo, no Rio de Janeiro e na Argentina.\nOsir, ao lado de Vittorio Gobbis, dava conselhos sobre valores cromáticos e outros recursos técnicos, dentro da tradição da grande pintura italiana, retomando, por exemplo, Giotto. Aos domingos, os integrantes do Grupo saiam pelos arredores de São Paulo para pintar, ao ar livre, paisagens e cenas dos bairros de Aclimação e Casa Verde e cidades próximas, como Mogi das Cruzes e Itanhaém.\nProletários, os integrantes do Santa Helena exerciam profissões braçais. Volpi, Rebolo e Zanini eram pintores de parede; Rizzotti, torneiro; Bonadei, bordador; Pennacchi, açougueiro; Graciano, ex-ferroviário e ex-ferreiro; e Manuel Martins, aprendiz de ourives. Com esse perfil, realizaram obras em que mesclam a espontaneidade de um certo autodidatismo com o desejo de aproximar o seu trabalha das camadas mais populares.\nParalelamente ao Grupo Santa Helena, foi criada, em 25 de maio de 1937, no Esplanada Hotel, em São Paulo, o primeiro Salão de Maio. A iniciativa foi do pintor, escultor e crítico de arte Quirino da Silva, que o organizou com a colaboração de Geraldo Ferraz, Paulo Ribeiro de Magalhães, Flávio de Carvalho e Madeleine Roux. O evento foi repetido por mais duas vezes, mas perdeu a sua força inicial, na tentativa de mostrar ao público novos pintores.\nUm dos maiores expositores do Salão de Maio foi Ernesto de Fiori (1884-1945). Nascido em Roma, principiou os seus estudos em Munique, com Otto Griner e se dedicou inicialmente à pintura, adotando um estilo influenciado pelo suíço Ferdinand Hodler. Em 1911, começou a estudar escultura e a realizar as primeiras obras, sob influência de Malliol e Degas.\nEm 1914, transferiu-se para Berlim e, depois, da Primeira Guerra Mundial, transformou-se em um dos escultores mais prestigiados da capital alemã. Com a ascensão de Hitler, porém, abandonou a Alemanha, dirigindo-se para o Brasil. Morou algum tempo no Rio de Janeiro e, depois, radicou-se em São Paulo, onde moravam sua mãe e seu irmão mais velho.\nEm 1936, de Fiori abre a sua primeira exposição no Brasil. Também contribui com importantes idéias artísticas, como o artigo “A escultura e seus obstáculos, publicado no jornal da colônia italiana paulistana, o Fanfulla. Nesse texto, afirma que o artista não deve descer ao gosto dos mecenas ou aceitar encomendas, pois isso exigiria “do artista um estilo que não lhe é espontâneo”.\nAntifascista e antinazista, aborda o tema em artigos publicados em O Estado de São Paulo. Realiza ainda exposições em 1939, 1941 e 1944, falecendo, em São Paulo, em 1945, sendo que, no ano seguinte, é organizada uma exposição em sua homenagem, que destaca as suas esculturas e pinturas, muitas delas inspiradas nas atrocidades da Segunda Guerra Mundial. Em 1975, o MAC-USP realiza uma retrospectiva que resgata parte de sua obra.\nOs já mencionados Paulo Rossi Osir e Vittorio Gobbis, além de apoiar o Grupo Santa Helena, foram os principais incentivadores da Família Artística Paulista, um novo agrupamento que surge em 1937, reunindo artistas do Santa Helena, como Rebolo, Volpi e Pennacchi), Anita Malfatti e mais jovens, como Armando Balloni.\nO nome foi retirado por Osir de um grupo similar de Milão e seus fundamentos estéticos estavam nas restrições ao uso de termos como “vanguarda” e “moderno”. Nesse sentido, contesta a postura “modernista” dos Salões de Maio e exalta a perenidade da arte, numa postura menos combativa à tradição e mais voltada ao interesse pelo aperfeiçoamento técnico e pelo estudo constante para atingir uma técnica cada vez mais aprimorada.\nParalelamente ao Grupo Santa Helena, em que os italianos e seus descendentes predominavam, existiu, em São Paulo, o Grupo Seibi, cuja sigla significa Grupo de Artistas Plásticos de São Paulo. Ativo entre 1935 a 1945, reuniu a colônia japonesa da cidade e teve uma existência quase desconhecida, devido à discriminação contra os japoneses na Segunda Guerra e à barreira da língua.\nAo contrario do Santa Helena, o Seibi nunca teve sede ou um local comum de trabalho nem mesmo uma convivência regular entre os seus membros. As reuniões eram mensais e ocorriam em locais diferentes. O núcleo inicial contava, entre outros, com Tomoo Handa (Utsunomiya, 1906), Walter Sigheto Tanaka (Kumameto, 1910 – São Paulo, SP, 1970) e Yoshya Takaoka (Tóquio, 1909 – São Paulo, SP, 1978). Após uma primeira exposição no Clube Japonês, em 1938, alguns membros do grupo, muitos ex-trabalhadores de lavouras de café, começaram a se aproximar dos círculos modernistas.\nA marca registrada desses artistas é a de uma pintura que estabelecia o diálogo entre Oriente e Ocidente, com conexões entre as tonalidades luminosas e a precisão do traço oriental com o pós-impressionismo, a arte de Cézanne e de Van Gogh e os fauvistas Matisse e Vlaminck. Acima de tudo, os pintores japoneses alertavam que pintar não era copiar a natureza, mas atingir uma elaboração sensível e cósmica da realidade.\nDissolvido em 1943, com a Segunda Guerra Mundial, o Grupo Seibi ressurge em 1947, com uma proposta de incentivo à vida artística de São Paulo e atua até 1970, desaparecendo definitivamente em 1972. Nesse retorno, porém, teve a oportunidade de acolher novos valores, como Manabu Mabe (Kumanoto, 1924 – São Paulo, SP, 1997), Tikashi Fukushima (Fukushima, 1920) e Tomie Ohtake (Kioto, 1913), que começa a pintar em 1951.\nToda essa movimentação resultou, em 1947, na exposição “19 pintores”. Os novos valores tiveram então a oportunidade de expor ao lado dos “modernos”. O evento contou com conferências de Sergio Milliet, Lourival Gomes e Luís Martins, enquanto o júri foi composto por figuras de renome, como Anita Malfatti, Lasar Segall e Di Cavalcanti. Surgiram aí nomes como Luís Sacilotto (Santo André, 1924), pioneiro da arte concreta no Brasil, e Odetto Guersoni (Jaboticabal, SP, 1924), criador da plastigrafia, exploração original dos recursos plásticos do gesso.\nAinda nos anos 1940, os artistas japoneses e seus descendentes se destacam com a criação de dois grupos. Um deles, o Jacaré, é articulado por Yoshia Takaoka, em 1948, com a preocupação estética de valorizar o papel do ser humano e suas emoções na pintura. O resultado são imagens de grande riqueza cromática com desenhos em que a forma do corpo se dilui. Um dos artistas formados pelo grupo é justamente Manabu Mabe.\nNesse mesmo ano, em torno da loja de molduras de Takashi Fukushima, no antigo Largo Guanabara, no Paraíso, surgiu o Grupo Guanabara. Realizou cinco exposições coletivas e se dissolveu em 1959, marcando o término dos grupos paulistas de pintura vinculados, direta ou indiretamente à saga dos modernistas de 1922.\nUm artista que vivenciou bem esse período foi Tanaka Shiró, conhecido como Flávio Shiró. Nascido em Sapporo, em 1928, veio para o Brasil em 1932 e freqüentou o Grupo Santa Helena, o Grupo Seibi, o Grupo dos 19 e o Quinze, que durou de 1947 a 1949. Viveu também em Paris, desenvolvendo desde a arte abstrata até uma figuração que beira o fantástico, num percurso muito pessoal. Ao final de década de 1960, participa esporadicamente do grupo neo-surrealista Austral, com traços que o caracterizam como o mais ocidental dos pintores de origem oriental radicados em São Paulo.\nVários artistas do Grupo Seibi, no momento em que o Estado Novo de Vargas cerceava as atividades de reunião dos japoneses durante a Segunda Guerra, passaram para o Santa Helena em busca de caminhos para atingir a própria liberdade de expressão e um maior diálogo com outras tendências artísticas.\nAo longo dos anos 1950, a cidade de São Paulo se caracteriza pelo intenso intercambio internacional. As principais tendências européias são rebatizadas ou alteradas. Isso ocorre, em grande parte, pela criação da Bienal de São Paulo. A mostra, organizada pela primeira vez em 1951, foi um projeto de Francisco Matarazzo Sobrinho (1898-1977) no sentido de romper o isolamento cultural em que se encontrava o Brasil.\nFoi estabelecida assim um profícuo diálogo com os principais centros artísticos do mundo. Durante o período em que esteve ligada ao Museu de Arte Moderna, de 1951 a 1962, foram promovidas sete exposições que se caracterizam pela apresentação da produção artística mais recente, em salas nacionais, e pela presença de grandes salas especiais, retrospectivas, salas históricas e salas museográficas.\nEm 1962, criou-se a Fundação Bienal de São Paulo, voltada exclusivamente à realização do evento, firmando-se a tendência de discutir questões referentes às tendências artísticas contemporâneas e à promoção do intercâmbio cultural. Desse modo, obras de artistas do mundo inteiro chegaram ao Brasil, enquanto criações de nossos artistas começaram a estar presentes com maior freqüência nos grandes centros internacionais.\nÉ importante mencionar nesse processo o papel do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Criado em 1948, foi responsável pela instituição da Bienal, três anos depois, reestruturado em 1963 e, em 1969, inaugurou a sua atual sede na marquise do Parque Ibirapuera.\nFundado em 1947 por Assis Chateaubriand, o Museu de Arte de São Paulo funcionou até 1968 no edifício dos Diários Associados, quando foi transferido para o prédio especialmente construído para esse fim, projetado por Lina Bo Bardi. Seu acervo, um dos mais valiosos da América Latina, inclui Ticiano, Bosch, Rembrandt, Goya, Degas, Turner, Van Gogh e Picasso, além de Portinari, Almeida Junior e Visconti, entre muitos outros.\nOutro local importante para o diálogo entre artistas, público e crítica é o Museu de Arte Contemporânea. Criado em 1963 com as coleções de Francisco Matarazzo Sobrinho e do Museu de Arte Moderna, ocupa o último andar do Pavilhão da Bienal, projetado por Oscar Niemayer e tem no acervo obras de artistas de renome, como Malfatti, Segall, Di Cavalcanti, Chagall, Léger e Picasso.\nO MASP, o MAM e, principalmente a I Bienal Internacional foram os principais pólos de influência da arte abstrata. Esses locais seguiram uma política de desenvolvimento cultural inspirada no modelo norte-americano de contar com o apoio do empresariado e tiveram grande influência estrangeira.\nBasta lembrar que o italiano Pietro Maria Bardi foi o primeiro a dirigir o MASP e o belga Leon Dégand exerceu idêntica função no MAM. Ambos, além da origem européia, tinham em comum a permanente atualização com as manifestações, como a arte abstrata, que ocorriam no chamado Velho Continente.\nA arte concreta chegou ao Brasil na década de 1940, com as exposições do artista suíço-alemão Max Bill, do argentino Tomaz Maldonado e as conferências do crítico Romero Brest, que traziam ecos do movimento concreto na Argentina, em palestras realizadas no recém-fundado MASP, em 1950.\nA representação suíça de artistas concretos na I Bienal de São Paulo e o fato de Max Bill ter recebido, na ocasião, o Grande Prêmio Internacional de escultura são determinantes para que a idéia da arte concreta ganhe força. Um ano após a I Bienal, em 1952, surge o Manifesto Ruptura e a fundação do Grupo Paulista de Arte Concreta. Dois anos depois, artistas cariocas, em moldes semelhantes, formaram o Grupo Frente.\nO Grupo Ruptura contou com artistas como Lothar Charoux, Kazmer Fejer, Leopoldo Haar e Anatol Wladislaw propunham a renovação dos valores essenciais das artes visuais, levando em conta as novas relações apontadas pela ciência e pelos meios de comunicação entre espaço-tempo, movimento e matéria. Negavam, portanto, a intuição e acreditavam que a arte necessitava de um conhecimento prévio para ser apreendida pelo espectador.\nOs paulistas constituem uma vanguarda aguerrida. Fundam a revista Noigrande e, liderados por Waldemar Cordeiro, tentam colocar em prática os ideais do marxista italiano Antonio Gramsci, para quem os intelectuais e artistas tinham um importante papel na revolução da sociedade industrial, pois seus produtos culturais deveriam se integrar ao povo, ao sistema de produção industrial e à cultura de massa.\nNesse sentido, Cordeiro, já em 1949, tinha participado da exposição “Do Figurativismo ao Abstracionismo”, que inaugurara o Museu de Arte Moderna de São Paulo, representando o abstracionismo brasileiro ao lado de Cícero Dias e do romeno Samson Flexor.\nDe fato, a arte abstrata, que se firmou na Europa e nos EUA logo após o término da Segunda Guerra Mundial (1945), difundiu-se no Brasil, nessa mesma época, por ações desenvolvidas pelo MAM, com destaque para Antônio Bandeira e Samson Flexor, não figurativistas. A partir da Bienal de São Paulo, o crítico Mário Pedrosa realizou palestras, baseadas nos fundamentos da psicologia da visão, que levaram numerosos artistas a praticar a arte abstrata.\nAntônio Bandeira (Fortaleza, CE, 1922 – Paris, França, 1967), autodidata, mudou-se para Paris em meados anos 1940, como bolsista do governo local, e travou contato com pintores como Camille Bryen e Wools, sendo um dos primeiros brasileiros a aderir ao abstracionismo. De volta ao Brasil, em 1950, realizou murais e exposições, sendo premiado na II Bienal de São Paulo, de 1953.\nO pintor e muralista Samson Flexor (Sareka, Romênia, 1907- São Paulo, SP, 1971) é outro nome seminal. Cursa pintura em Bruxelas e se muda para Paris, em 1924, estudando com Lucien Simon. Membro da Resistência francesa, é forçado a fugir da França com a ascensão do nazismo e, em 1946, expõe na Galeria Prestes Maia, em São Paulo.\nDois anos depois, radica-se em São Paulo, onde fundou o Atelier Abstração, voltado justamente para o abstracionismo geométrico. Após a mencionada permanência em Paris onde manteve contato com os cubistas, ensinou, em seu atelier, desenho e pintura, formando alunos como Wega Néri (1912) e Yolanda Mohalyi, voltadas ao abstracionismo lírico, além de Jacques Douchez (1921), Norberto Nicola (1930), Leopoldo Raimo (1912) e Alberto Teixeira (1925).\nO Ateliê Abstração foi fundamental na divulgação da arte abstrata. Pioneiro do gênero no Brasil e na América do Sul, Flexor, motivado pelo crítico e diretor do MAM Leon Dégand, durante os anos 1950, caminhou para uma crescente complexidade quanto à ordenação geométrica, estruturando o espaço por meio de grafismos diagonais e curvas elípticas, sendo que, a partir de 1957, suas pinceladas se tornaram mais impulsivas rumo a um abstracionismo cada vez mais lírico e gestual.\nUma discípula estrangeira de grande repercussão foi a pintora e desenhista de origem húngara Yolanda Mohalyi (Kolozsvar, Transilvânia, 1909 – São Paulo, SP, 1978). Formada em Belas-Artes em Budapeste, radica-se em São Paulo em 1931. Inicialmente figurativa e expressionista, com forte influência de Segall, parte para a abstração nos anos 1950, graças ao contato com Flexor, utilizando manchas de grande vigor plástico, intensa luminosidade e fundos densos.\nUma importante aluna de Mohalyi foi Gisela Eichbaum (Manheim, Alemanha, 1920 – São Paulo, SP, 1996). Desenhista, descende de uma família de músicos e vive em São Paulo desde 1935. Estudou também com Flexor e Karl Plattner, integrou o Atelier Abstração, além da Escola de Arte Moderna de Nova York, e recebeu o prêmio de Melhor Desenhista, em 1983, da Associação Paulista de Críticos de Artes (APCA).\nA pintora inglesa Sheila Branningan (1907-1992) também presta grande contribuição para a arte paulistana do final da década de 1950. Reside em São Paulo desde 1957 e traz para o Brasil ampla experiência, tendo morado em Paris e trabalhado nos ateliês do cubista Lhote, um do mestres de Tarsila do Amaral, e Goetz. Sua linguagem informal é diferenciada. Mescla o expressionismo com um particular lirismo, usando tonalidades claras, grandes manchas escuras, grafismos e brancos no fundo da tela.\nA década apresenta numerosos debates com a questão do que significa arte e o valor da chamada arte concreta. Em dezembro de 1956, realizou-se em São Paulo, no MAM, a I Exposição Nacional de Arte Concreta e, em 1959, mais um passo é dado em sincronia com as tendências européias, com a presença do Informalismo na V Bienal de São Paulo, tendência que estimula a corrente não-geométrica que, desde o final dos anos 1940, acompanhava a evolução da arte abstrata brasileira, na qual se destacam valores da colônia japonesa, como Manabu Mabe, Tikashi Fukushima, e Kazuo Wakabashi.\nO impacto das Bienais foi decisivo para a expansão da não-figuração na pintura. Inicialmente, pela presença de obras abstratas e geométricas e concretas e, na V Bienal, de 1959, com a manifestação do tachismo ou da pintura informal. A poética o subjetivismo da natureza e a visualidade cósmica orientais se expressam claramente na obra de Manabu Mabe, que sai das lavouras de café e mostra seu talento a partir de 1946, junto a Takaoka, Tamaki e Kaminagai.\nNos anos 1960, quando a Pop Art norte-americana ganha força no mundo das artes, criadores como Antônio Dias, Antonio Henrique Amaral, Rubens Gerchsman e Waldemar Cordeiro a absorvem. Tomam temas e ícones da arte popular brasileira, da América Latina e do então chamado Terceiro Mundo e aplicam tratamentos e técnicas vindas dos EUA.\nDefendem, portanto, uma arte de interação, que induza a participação do público. Existe entre esses jovens artistas a consciência da necessidade de agir de forma didática e de colocar a arte a serviço de mudanças na sociedade. Isso é feito, por exemplo, com happenings e outras manifestações que colocam problemáticas do cotidiano no centro da arte. É que fazem criadores como Waldemar Cordeiro, Geraldo de Barros e Maurício Nogueira Lima.\nNa década de 1970, a arte chamada conceitual repudia as linguagens tradicionais da pintura e da escultura. Ocorre a revitalização dos ready-mades e o uso artístico de novas tecnologias, como o off-set e o xerox, ambas de fácil reprodutibilidade. A arte postal, que permite amplo intercâmbio é uma forte tendência e essa movimentação resulta na Primeira Exposição Internacional da Arte Eônica ou da Arte com o Computador, organizada por Waldemar Cordeiro, em 1971, que já apontava para a presença de instalações, que ilustram o pensamento dos seus criadores, e para o êxodo de artistas brasileiros para a Europa e os EUA em busca de contato com novas tecnologias.\nNos anos 1980, o videotexto e a holografia são tendências fortes. Paralelamente, há uma retomada da pintura enquanto técnica tradicional, com artistas como Carlos Fajardo (1941), Wesley Duke Lee e Ivald Granato (1949), presentes na XVI Bienal de São Paulo, de 1981, e Luiz Áquila (1943) e Jorge Guinle Filho (1947), na Bienal seguinte.\nAinda na Bienal de 1983, a vinda de grandes nomes da pintura da transvanguarda italiana, como Sandro Chia, e de neo-expressionistas alemães, como Markus Lüpertz e Anton Peck, influenciou artistas brasileiros como Manfredo de Souzaneto (1947), que realiza pesquisas com madeira, tirando da própria terra centenas de pigmentos-cor diferenciados, contrariando a lógica do construtivismo, que acreditava que isso seria possível apenas por meio da fria e racional técnica.\nNa Bienal de São Paulo de 1985, chegam à cidade tendências como a Transvanguarda, os Novos Selvagens, Pattern e New Image, que dialogam com o Grupo Paulista Casa 7, sediado em uma vila no bairro de Cerqueira César. Eram jovens, como Nuno Ramos (1960), Fábio Miguez, Carlito Carvalhosa, Rodrigo de Andrade e Paulo Monteiro (1961) que se reuniam, desde 1982, para discutir arte, pesquisar novas técnicas e materiais, sendo lançados pelo MAC três anos depois.\nDa vinda de Lasar Segall, com a introdução das artes ditas modernas no Brasil, ao Grupo Paulista Casa 7, o Brasil tem uma ampla tradição de dialogo com a Europa no século XX. Se o pintor nascido na Lituânia teve atuação importante nos primeiros anos do modernismo, trazendo o expressionismo ao país, os jovens artistas plásticos paulistas da década de 1980 não só absorvem as tendências internacionais como exportam a sua arte.\nEnquanto Segall incorporou cores e temáticas brasileiras a sua obra, jovens artistas contemporâneos não só vem participando com freqüência de salões e bienais internacionais, principalmente na Europa e nos EUA, mas também praticam uma saudável antropofagia, deglutindo tendências internacionais e devolvendo-as, com sucesso, retrabalhadas, ao concorrido mercado da arte internacional.\nOscar D’Ambrosio, jornalista e mestre em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da UNESP, integra a Associação Internacional de Críticos de Arte (AICA – Seção Brasil).


Maysa Monjardim Oficial: 2018\nde Hyman Goldberg\nÉ provável que você nunca tenha ouvido falar de uma moça chamada Maysa Figueira Monjardim, mas provavelmente ela tampouco ouviu falar de você. E embora ela esteja se esforçando enormemente para fazer seu nome tão bem conhecido nos Estados Unidos quanto o é por toda América do Sul, ela logo não ouviria nada sobre ninguém, exceto aqueles que promoverão sua carreira.\nMaysa, que é como ela chama a si mesma, pulando os dois outros sobrenomes, é uma moça tão impetuosa e independente como você já viu. Ela é uma brasileira rica. Quando você diz que os Monjardim são uma família brasileira rica, é como se dissesse que os Rockfeller são uma família americana rica.\nEla também é casada, mas separada de um homem chamado André Matarazzo. A família dele é tão rica que Baby Pignatari, o extravagante playboy, com quem têm parentesco, é considerado um dos parentes pobres.\nMaysa é uma cantora. E é uma brigona. Ela briga com qualquer um. Donos de boates, maestros e até com o público. Quando ela estava no Blue Angel recentemente, costumava advertir os clientes que conversavam durante a sua apresentação.\nA razão pela qual ela é separada do seu marido é uma briga que tiveram. Ele se opôs violentamente a que ela cantasse profissionalmente.\n“Ele queria que eu ficasse em casa”, disse Maysa, os olhos escuros estalando furiosos com a lembrança, “porque moças de boas famílias não trabalham, e no Brasil estar no meio artístico é muito mal visto.”\nEssa briga aconteceu há dois anos, quando ela e o marido estavam viajando do seu palacete carioca até a mansão de praia deles. “Um dia numa festa em minha casa”, ela disse, “Eu cantei uma música para os convidados e de brincadeira isso foi registrado num gravador. Eu gravei um disco, apenas para presentear os amigos. De alguma forma, uma rádio local conseguiu um deles e passou a tocar. Quando meu marido ouviu isso no rádio enquanto estávamos na estrada, ele ficou furioso.”\nEsse foi o fim do casamento de Maysa e o início da carreira dela. Desde aquele dia a dois anos, ela se tornou a cantora mais popular do Brasil e nas TVs, rádios e boates da América do Sul. A gravadora Columbia daqui já a contratou e vai lançar vários discos dela em breve. Ela também mantém uma coluna em um jornal no Brasil chamada “Maysa à Noite”.\nNa América do Sul ela ganha cerca de cinco mil dólares por semana. O que é um monte de dinheiro em qualquer lugar, mas muito mais lá. E a maioria dele, dizem seus assessores, ela doa para a caridade.\nMaysa veio para os Estados Unidos com oito baús de roupas, todas de Paris e a maioria de Christian Dior. E um secretário, um empresário, um músico e um cabeleireiro. Ela canta em português, francês, espanhol, italiano e inglês, e fala, lê e escreve em todas elas também.\nCantar nos Estados Unidos, segundo o seu secretário, um jovem chamado Odilo Licetti, lhe custa cerca de mil dólares por semana, porque seus gastos são muito maiores do que o dinheiro que ela está ganhando agora, em sua primeira turnê aqui.\n“Mas nós estamos acostumados com isso,” disse ele, dando de ombros. “Ela gasta dinheiro como se ele desse em árvores. Uma vez, em Las Vegas, quando eu não lhe dei mais nenhum dinheiro, ela apostou suas pérolas na roleta.”\nMaysa sorriu, “elas eram minhas velhas,” ela disse.\n(Matéria publicada originalmente na revista New York Mirror em 15 de janeiro de 1961)\nPostado por Vitor Berriel às 02:02 Nenhum comentário:\nMarcadores: 1961, Curiosidades, Imprensa\nBastante agressiva, às vezes desconfiando de um duplo sentido nas perguntas, Maysa ficou uma hora e meia às voltas com a equipe carioca de INTERVALO. Acendia um cigarro atrás do outro, mas até que estava tranquila diante dos repórteres. Parou de beber, emagreceu, vai voltar a cantar “fossa” e disse uma coisa muito importante: “Estou querendo nascer de novo”\nTV – É verdade que você está fazendo psicanálise a 180 cruzeiros por dia?\nMAYSA – É, mas ainda estou meio na base do medo. Agora comecei a ler Freud e isso está me confundindo mais ainda. Vou parar de ler porque se continuar acabo analisando o analista.\nTV – Você está ensaiando um show no Teatro da Praia. Como vai ser?\nMAYSA – Muito musical, com pouco texto, sem pernas de fora.\nTV – Por que você achou ruim o show do Canecão?\nMAYSA – Se eu tivesse achado ruim, não teria feito. Foi apenas um teste de uma imagem que eu estava oferecendo a um público para quem eu nunca tinha cantado. E as perninhas de fora faziam parte do teste.\nTV – O teste foi pelo fato de ser cantora de gabarito numa cervejaria popular?\nMAYSA – Eu sabia que era uma cervejaria enorme, mas não sabia que classe de show se fazia lá. Acontece que cheguei ao Brasil com uma carta compromisso para fazer um show na Sucata, mas quando o Canecão me fez a proposta, percebi que estava cansada de cantar em boate, para um pouquinho de gente. E eu fui feita pelo “Ouça”. “Ouça” atingiu todas as classes, Teresa de Sousa Campos cantava e o faxineiro também. Então já estava na hora de eu fazer um negócio para o povo, que realmente tinha me promovido. Vou fazer teatro agora, teatro também é mais para o povo do que boate.\nTV – A gente tem a sensação de que você mudou muito de uns tempos para cá.\nMAYSA – Não creio. Apenas, passaram-se dez anos, e esses dez anos serviram para amadurecer a fossa e me fazer saber qual era a hora da alegria. E outra coisa importante: hoje eu tenho coragem de só fazer o que me interessa. Antes eu fazia tudo porque não tinha outro jeito; hoje já enfrento as coisas com mais frieza. Isso que estou fazendo hoje, por exemplo, antes eu não fazia. Responder a um monte de perguntas de um monte de jornalistas. Bom, mas também a imprensa daquela época não dava mesmo pé. Era meio decadente, meio horror.\nTV – Você acha que a imprensa é que foi responsável por aquela sua imagem de mulher angustiada, sofredora?\nMAYSA – Não, a responsável fui eu mesma. A imprensa só aumentava um pouco as coisas. Eu realmente era uma mulher angustiada. Continuo sendo, só que hoje tenho consciência da minha angústia. Amadureci.\nTV – Esse amadurecimento influiu na sua maneira de cantar?\nNão creio. Tanto que, naquele show do Canecão, ataquei um pouco de covardia, me apegando às músicas antigas. Já no disco novo, aquele que estou com Jayminho na capa, enfrentei as minhas mudanças. Mas ficou parecendo que eu estava atacando de menina moderninha, e aí não dá. Não sou esse gênero, como Joyce, sei lá. No Teatro da Praia vou fazer o que gosto mesmo. Vou cantar músicas novas e também antigas, mas vestidas com roupagem nova. E sem exageros, por covardia.\nTV – Bom, isso tudo quer dizer que agora você é mais profissional?\nMAYSA – Puxa, mas muito mais. Sou profissional de três anos para cá. Antes, cantar era uma das maneiras de viver. Hoje, gosto muito mais do que estou fazendo. Naquela época não gostava, achava incômodo ter que ensaiar, dar entrevistas, que chato.\nTV – Mas, se não gostava, por que fazia?\nMAYSA – Taí, é uma boa pergunta. Fazia porque era uma forma de me afirmar. Como todo mundo disse que não devia, eu fiz. Agora, que todo mundo está de acordo, talvez eu pare...\nTV – Quer dizer que você pensa em parar?\nMAYSA – Evidentemente. Não sei, mas estou me achando muito obrigada a fazer as coisas. De certa forma, tenho saudade de antes. Fazia quando e como queria. Hoje estou com muita horinha marcada. Não sou capaz de dar bolo. Mas, aí, me sinto presa.\nTV – Os anos que você passou fora do Brasil foram uma fuga?\nMAYSA – Não. Foi querer descobrir um negócio novo. Fui e descobri Miguel. Mas não me lembro de muita coisa daquele período. Agora estou me lembrando de contratos, nos Estados Unidos e na França, que poderiam ter sido muito importantes e que eu chutei. Inconsequência mesmo.\nTV – Você vai voltar a cantar na fossa porque quer ou porque estão fazendo pressão?\nMAYSA – Ninguém está fazendo pressão.\nTV – Mas você vai voltar a ser “aquela” Maysa?\nMAYSA – “Aquela” vai ser meio difícil. Até a fossa mudou.\nTV – No caso do “Ouça” por exemplo, o que foi mais forte: o fato de ser você quem cantava ou a própria música?\nMAYSA – Foi todo o conjunto. Mas, em primeiro lugar, o fato de uma Matarazzo começar a cantar. Vamos deixar isso bem claro. Uma Matarazzo cantando, o pessoal logo imaginava aquela mulher velha, gorda, de mãozinha cruzada no peito, chata de doer, imposta ao público por ter um nome poderoso. E não era nada disso, era uma menina de vinte anos cheia de problemas, de angústias, de voltas, choros e bebidas. Por isso tudo, “Ouça” funcionou. Era o conjunto de “Maysa, a fossa e a música”. Sempre a fossa no meio, o público vivia o meu problema.\nTV – E como é que você se sentia quando a imprensa explorava o fato de você beber?\nMAYSA – Não vamos falar nisso, a imprensa naquela época não existia. Mas foi bom porque saí daqui irritada e só por isso descobri coisas novas.\nTV – Como vai o Jayminho?\nMAYSA – Vai muito bem. Está há seis anos na Espanha, num colégio interno que dá uma educação moderníssima. É uma criança ótima, não pede a chave do carro, pede um sorvete. Vai fazer catorze anos agora, somos grandes amigos.\nTV – Por que você o mantém na Espanha, em vez de trazê-lo para cá?\nMAYSA – Porque... Bem, primeiro porque eu queria que ele desse valor a si mesmo antes de saber o valor que se dá aqui ao nome Matarazzo. Segundo, porque estávamos lá na época em que ele começou a estudar, e não acho bom mudar o estilo de formação. E terceiro, não sei, pode ser covardia minha, mas quero que ele tenha mais tempo para ser criança. Eu não tive muito. Saí do colégio interno, de freiras, praticamente para casar.\nTV – Você se casou com André Matarazzo por causa de alguma pressão?\nMAYSA – Eu me casei justamente porque disseram que não devia casar com um homem dezoito anos mais velho do que eu. Foi como se dissessem: “case!”\nTV – Foi um período muito ruim?\nMAYSA – Não preciso dizer muito: casei e me separei. Não consigo me lembrar direito do dia-a-dia. A visão que tenho hoje de André é... A de um pai, de uma pessoa completamente inconsciente passando pela vida. Que André me perdoe, e Jayminho também, mas não consigo liga-lo a condição de pai do meu filho. André não deixou nada, não. Realmente nada. E é engraçado, eu o vejo como um pai mas ele talvez fosse mais criança do que eu, que tinha dezessete anos apenas. E com dezoito já era mãe.\nTV – Como é que você vê o mercado artístico atualmente?\nMAYSA – O que há é um negócio muito estranho, todo mundo pisando no mesmo palco, sabe como é? Deveria haver vários palcos. Os artistas de categoria estão precisando se afastar, porque os falsos valores estão atrapalhando. Hoje em dia a máquina funciona mais do que o valor.\nTV – Vamos dar nome aos bois?\nNomes aos bois? Poderia... Mas não deveria. Não é por covardia, não. É que acho que determinadas pessoas tem muito peso – e eu sou uma delas. A gente não tem o direito de fazer mal aos outros. Eu ataco as pessoas que são da minha altura e que podem responder com segurança. Os mais fracos, não.\nTV – E quem é que está à sua altura, então?\nMAYSA – Bom, quando eu digo à minha altura, quero dizer, com valor, quero me referir àqueles que estão desempregados. Desempregados no sentido total da palavra.\nTV – Mas quem são?\nMAYSA – Eu diria Bethânia, eu diria... Elis – todos os que largaram a televisão. Todos os que deveriam ser donos da televisão não estão lá, porque tem outra gente imposta pela máquina que está ganhando dinheiro com isso.\nTV – Quer dizer que você acha a televisão o mais importante para o artista?\nMAYSA – Claro. É o que mostra mais. Canecão também é importante, mas a televisão é o meio de levar o artista ao Canecão.\nTV – E o Ibope, importa ou não?\nMAYSA – Ibope? O que é isso? Palavrão?\nTV – Você tem planos de voltar a ter um programa?\nMAYSA – Não estou pensando nisso. Se pensar, chamo o Carlos Alberto, que, para mim, continua sendo o melhor produtor de TV.\nTV- Como é que você vê a volta de Chico Buarque de Hollanda?\nMAYSA – Eu... acho o Chico um bom poeta. Um lindo garoto de olhos verdes. Gostaria que meu filho fosse bonito como ele.\nTV – E essa partida dos compositores para o exterior?\nMAYSA – Um sonho. Me diz quem é que está funcionando lá fora? Saem de uma máquina mal feita para outra melhorada, mas não adianta. Caetano Veloso ter ido embora considero uma perda enorme. Edu Lobo também. Acho que é só.\nTV – E Gil?\nMAYSA – Gil, eu tenho impressão de que tem muita vontade de se mostrar. Caetano é mais minha pele, sabe como é?\nTV – Você foi a primeira fora da Jovem Guarda a cantar “Se Você Pensa”, não é? O que a levou a isso?\nMAYSA – Fui sim, fui a primeira. O que me levou a cantá-la? É a tal história: aquela vontade de atacar, de agredir, e a música realmente é uma graça. Mas não consegui dar uma interpretação diferente da de Roberto Carlos. Ele marcou muito. Ninguém deu o recado melhor do que ele. Isso é um negócio muito sério – por exemplo, se eu quisesse cantar uma música do Caetano, das que já foram feitas, não poderia nunca, porque já estão bem dados os recados. Agora, se ele mandasse uma música para mim, aí talvez eu pudesse criar a minha interpretação.\nTV – Você gostaria, então, que Caetano lhe mandasse uma música?\nMAYSA – Puxa, adoraria!\nTV – Mas no seu contrato com a Philips há uma cláusula que obriga você a compor, não é?\nMAYSA – Não me obriga, me incentiva. E já recomecei. Só estou fazendo letras, porque ainda me acho sem base para fazer melodias. Naquela minha fase de compor muito, eu enganava. Agora não dá mais para enganar. Tem-se que estudar muito para ser compositor. Hoje já vejo isso claro. Estou querendo nascer de novo.\nTV – Devido a que?\nMAYSA – Não sei, prefiro não saber. Se de repente eu descobrir e não gostar, vai ser horrível.\nTV – Ronaldo Bôscoli foi muito importante na sua vida sentimental e profissional. Agora você está voltando a trabalhar com ele. Por quê?\nMAYSA – Miéle também é meu produtor, sabiam? Por que perguntar só de Ronaldo?\nTV – Porque Ronaldo sempre foi mais ligado a você. Bossa nova, “Barquinho”, Miéle naquela época não estava muito nessa.\nMAYSA – Olha, não vamos tirar assunto de onde não tem. Acho a dupla Miéle-Bôscoli a mais importante do Brasil e de muitos outros lugares. Ronaldo realmente ajudou a calçar minha carreira. Ele e Miéle são do maior bom gosto, são os pais do show no Brasil. Além disso tenho amizade de muitos anos com Ronaldo, estou ligada a ele e a tudo o que o cerca – sua família, sua irmã Lila que é como minha irmã.\nTV – E Elis?\nMAYSA – O que tem? Elis é uma ótima cantora.\nTV – Houve uma época em que você a chamava de “coitada”.\nMAYSA – Acontece o seguinte – quando eu disse que Elis era uma coitada, é porque eu conhecia Ronaldo Bôscoli. Sei que tenho preparo físico para aguentar muita agressão de Ronaldo, porque agrido também. Mas eu não conhecia Elis, não sabia se ela tinha esse preparo físico. Já vi que tem. Não estou dizendo isso para limpar a barra, não.\nTV – Você foi ver o show dela no Canecão?\nMAYSA – Fui. Eu acho de uma tremenda coragem o que ela está fazendo. Eu teria um certo medo de fazê-lo. Por causa dos arranjos, inclusive, que estão muito altos. Mas o show é muito bem feito.\nTV – Há tempos correu o boato de que você estava esperando bebê.\nMAYSA – Estava mesmo. De três meses. Mas perdi. Não foi a primeira vez. Estou doidinha pra ter outro filho. Essa é uma das razões porque pretendo parar de cantar. Quero me organizar para ter meu filho.\nTV – Como é que você parou de beber?\nMAYSA – Estive internada seis meses numa clínica. Se não parasse, morria dali a três meses. E a bebida não estava me dando nada. Então parei. Mas hoje, gostaria de ter o direito de beber de vez em quando. Direito que não me dou, porque para beber um uísque quero beber três, e se beber três tenho que beber todos.\nTV – Por que você sumiu do programa do Flávio Cavalcanti?\nMAYSA – É uma longa história. Eu estava no exterior e tinha dito que só voltava se fosse convidada para trabalhar. Encontrei o Flávio em Lisboa e ele me convidou. Eu não sabia o que era o programa. Me arrependo de muito poucas coisas na minha vida: uma delas é ter participado do júri do Flávio. Julgar os outros é furado, não dá pé. Destrói muito mais do que constrói. Bernadete, uma moça que trabalhou comigo, saiu lá, da “A Grande Chance”. Os podres que ela contou, a maneira como se sentiu arrasada por não ter podido chegar a final, são coisas assim de meter medo.\nTV – O que você vê na televisão?\nMAYSA – Chacrinha. Ele é mesmo genial. E um outro programa além do dele.\nTV – Maior cantor ou cantora do Brasil?\nMAYSA – Milton Nascimento. É demais.\nTV – De que é que você mais está precisando agora?\nMAYSA – De raízes. Criar raízes, ter a minha casa, a minha corriola. Sentir que as pessoas precisam de mim, que sou querida, mesmo na forma de agressão. De fazer um tremendo show no Teatro da Praia. E de Miguel junto de mim, naturalmente, que Miguel me faz um bem danado.\n(Reportagem publicada originalmente no número 383 da revista Intervalo em 1970.)\nPostado por Vitor Berriel às 00:03 3 comentários:\nPostado por Vitor Berriel às 03:49 Nenhum comentário:\nA cantora mais rica do mundo também tem seus probl...\n"Estou querendo nascer de novo" - Intervalo nº 383...


“A receita saudável para o planeta e para as pessoas é preparada em casa”\nSAÚDE | 25.05.2020\nBlanca Ruibal, coordenadora da organização ambientalista sem fins lucrativos Amigos de la Tierra, fala de alimentação, associando-a de maneira indissolúvel à saúde, à sustentabilidade, à responsabilidade individual e às políticas públicas. Na sua opinião, a pandemia criou obstáculos, porque são menos confortáveis, se deparam com as indústrias e com a falta de hábito dos cidadãos em escolher as vias alternativas de consumo, preocupados em economizar tempo e dinheiro. O futuro? Trará batalhas interessantes, como ganhar horas no dia a dia para cozinhar, comer bem e proteger o que é nosso: o campo, a família e o abastecimento.\nEntrevista com Blanca Ruibal, Coordenadora da Amigos de la Tierra\nAté que ponto a Covid-19 está abrindo caminho para uma cultura de proximidade?\nComo muitas coisas nessa situação tão excepcional, existem os dois lados. Algo muito relevante aconteceu com os canais curtos de comercialização de alimentos, como são chamadas todas as alternativas que encurtam a distância entre o produtor e o consumidor, oferecendo vantagens em termos de preço, qualidade e conhecimento do produto. Um dos grandes problemas do setor agrícola, já conhecido e objeto de uma grande mobilização no campo, é o preço. O problema dos preços está na globalização do ambiente e em nosso contexto espanhol, o grande poder dos supermercados.\nO que aconteceu foi que a pandemia praticamente cancelou os canais curtos: as praças dos bairros de pequenas cidades, feiras ao ar livre, produtos diretamente vendidos por agricultores a refeitórios de escola ou hospitais, todo esse grande consumo que é feito nas lanchonetes coletivas. Houve uma grande mobilização para pedir aos ministérios e conselhos que permitissem a ida às hortas para consumo próprio, que fossem reabertas as feiras ao ar livre… mas a verdade é que os supermercados ganharam poder nesta crise.\nDevemos voltar à reflexão sobre a origem dos alimentos que consumimos?\nEm uma feira ao ar livre, sua origem certamente será de proximidade. Em um supermercado, é muito fácil encontrar laranjas da África do Sul, azeite da Itália ou vinho do Chile. Enganamos a nós mesmos. Temos um grande problema com a redução da população na Espanha, temos um problema com o uso de nossos recursos naturais, com todo nosso espaço rural, sabemos que a agricultura está sendo cada vez mais difícil de ser mantida economicamente e, no entanto, vamos às compras e escolhemos laranjas que vêm de muito longe, em vez das de Valência, e em Valência os agricultores estão tendo que jogá-las fora, porque ninguém quer comprá-las. Nesse sentido, fica claro que a grande distribuição não é a melhor opção para uma compra sustentável: inclui muitos alimentos quilométricos, de plástico e muitos produtos processados, que são prejudiciais à saúde e nocivos ao meio ambiente, porque não são voltados para as pessoas.\nNeste momento de crise, os canais mais clássicos estão predominando, mas também a compra de produtos frescos. Aqui temos uma chave importante da receita saudável para as pessoas e para o planeta. O que devemos fazer? Cozinhar.\n“Temos um grande problema com a redução da população na Espanha, temos um problema com o uso de nossos recursos naturais, com todo nosso espaço rural e sabemos que a agricultura está sendo cada vez mais difícil de ser mantida economicamente.”\nQuando você compra produtos frescos, é mais fácil economizar vários quilômetros. Se existe alguma possibilidade de encontrar laranjas que não são da África do Sul, será fora do suco engarrafado; mais ou menos improvável encontrar os tomates da Tailândia como produto fresco, mas a embalagem brik, com certeza.\nComo conseguimos viver em uma sociedade na qual mal passamos tempo em casa porque o dedicamos ao transporte e ao trabalho? Dedicando menos tempo a nossa alimentação. E assim surgem facilmente as piores soluções para o planeta. É mais fácil comprar alface limpa dentro de um plástico, mas é péssimo para o planeta.\nComo está a situação da segurança alimentar?\nAs condições sanitárias e higiênicas em general (food safety) são garantidas pela UE, com normas rigorosas. Há problemas, como a presença de antibióticos na carne, mas não acredito que esteja em maior quantidade devido a pandemia. Apesar disso, como cidadãos devemos nos questionar como as normas evoluem e observar se atendem à saúde pública e ao bem comum. O pacote higiênico-sanitário da indústria está em plena vigência, tanto para o pequeno produtor de centenas de iogurte, quanto para um gigante como a Danone.\n“Existe algo mais natural para a nossa dieta e nosso ecossistema do que o grão de bico? Percebemos que não havia máscaras. Nem grão de bico.”\nExiste um outro significado (security), que sugere a segurança de produção e aquisição de alimentos, e aí estão os problemas. Um dos grandes, de pobreza. A segurança alimentar não significa apenas ingerir calorias, mas que elas sejam de qualidade. Devemos comer frutas e garantir que as crianças também. Também tem a ver com dependência dos alimentos do exterior; 95% do grão de bico que comemos na Espanha são originários do Canadá ou do México. Existe algo mais natural para a nossa dieta e nosso ecossistema do que o grão de bico?\nA pandemia nos levou a questionamentos interessantes. Estávamos conversando sobre sermos capazes ou não de produzir máscaras… e grão de bico? Se acontecer alguma coisa e as importações forem prejudicadas, pode haver desabastecimento desse produto tão nosso.\nDependemos muito das importações. Na Espanha, mais da metade dos alimentos que consumimos vêm do exterior. Parece mentira que, com as terras agrícolas que temos, com agricultores deixando o campo porque não têm como viver e um ecossistema privilegiado, dependamos das importações para nos alimentarmos. Outros países, independentemente da pandemia, já estão analisando essa questão. O Reino Unido implementou uma estratégia agrícola para reduzir a dependência.\nO que aprendemos nesta pandemia sobre a importância da alimentação?\nSabemos que a pandemia surgiu em parte pela extrema globalização e movimentos de pessoas e mercadorias, mas que também é prejudicial ao meio ambiente, porque não podemos mais lidar com isso. Pensar e ser mais autossuficiente como região é uma reflexão interessante, seja para abastecimento de materiais médicos ou de alimentos.\nÉ difícil saber o que vai acontecer. É necessário associar a responsabilidade individual na hora de fazer as compras com uma regulamentação que garanta o bem comum, nesse caso: temos uma mudança climática urgente, precisamos mudar radicalmente nossa forma de produzir e consumir, temos o campo abandonado e os recursos naturais destruídos, e é fundamental perceber que a agricultura tem um papel a desempenhar.\nAqui os governos têm maior responsabilidade, e no âmbito da UE mais, com uma PAC [Política Agrícola Comum] a ser decidida. É o momento ideal para nos questionarmos sobre a agricultura que queremos: uma agricultura atuante no cenário para ver quem vende mais barato ou uma com mais agricultores que habitam o ambiente rural, cuidando dos recursos naturais e que permite a produção de alimentos saudáveis para os cidadãos.\nE como podemos ser cidadãos mais responsáveis?\nFalta que nos facilitem as coisas. Por enquanto, os canais curtos de comercialização são uma odisseia, porque são marginais e alternativos. Ainda não tiveram forte apoio das autoridades. Não é possível que atualmente o fácil seja prejudicial à saúde, ao ambiente rural e ao planeta. Podem ter ocorrido algumas mudanças, como a necessidade de mais tempo disponível para cozinhar e se alimentar bem.\nVamos voltar ao nosso ritmo habitual de vida em que qualquer coisa vale?\nQuero acreditar que aprendemos e usufruímos individualmente de algumas coisas que farão com que reivindiquemos o trabalho remoto alguns dias na semana. O que parecia impossível passou por uma mudança: estamos trabalhando de forma remota em condições mais difíceis, com crianças em casa, mas estamos. Outro mito que foi quebrado.\nPodemos reivindicar organizar de forma diferente nosso tempo, nossa casa e nosso trabalho, e provavelmente isso vai acontecer. Permita-me trabalhar de forma remota para que eu possa comer melhor, decentemente em uma mesa, inclusive em família… O choque da pandemia é muito forte e, com certeza, o debate também será. Obviamente haverá forças que vão querer voltar ao business as usual… A sociedade terá que enfrentar essa batalha em que há muitas coisas em jogo: nossa saúde, nosso bem-estar, todo o planeta percebeu como a poluição nas cidades diminuiu.\nExistem muitas organizações sociais, ambientais, de todos os tipos que já estão lutando para que a reconstrução econômica seja feita do ponto de vista ambiental e de justiça social.\nPrecisamos aproveitar esse choque para mudar as coisas. Há muito a ser mudado no sistema agro-alimentar, mas também uma grande oportunidade, como a reforma da PAC.\nAs sociedades desenvolvidas se acomodaram em algo tão essencial como a alimentação?\nO que acontece é que o sistema em que vivemos nos tirou a capacidade de decisão, fundamentalmente por questão de tempo e de dinheiro, questões que prevaleceram sobre a ética, os princípios e a vontade de construir um mundo melhor. Uma situação como a que estamos vivendo deixou claro que não temos tempo de decidir, cozinhar e passar tempo com os filhos. Repensar a vida cotidiana e diminuir o tempo de transporte nos levou de volta ao importante. A saúde, a alimentação, o cuidado da família… acho que muitas pessoas estão pensando nisso. E como impactamos o planeta. Por exemplo, você pode participar de uma reunião importante usando um aplicativo, economizando viagens e uma imensa despesa para o planeta.\nA tecnologia apoia um modelo mais sustentável?\nSem dúvida, está trazendo grandes vantagens, que já fazem parte da experiência de cada um. A pandemia ok, mas com Internet. Mas é importante lembrar que a universalização e o preço da tecnologia são importantes, porque há famílias e ambientes rurais onde ela não chega. Devemos torná-la universal, democrática e acessível, porque é um direito. E resolver o problema da obsolescência programada. Países como a França já estão legislando nesse sentido. A tecnologia é tão importante quanto os alimentos.\nSoluções de compra para tornar a odisseia mais leve\nExistem grupos de consumo próprio que facilitam a gestão, a logística e reduzem os preços dos alimentos em comparação com os canais tradicionais. Pessoas conscientes, como Blanca e sua família, optaram por comprar o máximo possível dentro desse modelo, a um preço um pouco mais alto do que em um supermercado tradicional, mas compensando a economia de transporte até o estabelecimento mais próximo. Essa é uma experiência particular, que em alguns casos satisfaz a vontade de apoiar os produtores que estão passando por dificuldades. No caso de Blanca, são organizados pela Internet, com planilhas de Excel colaborativas.\nTambém existem distribuidoras ecológicas, como Ecomarca, um projeto de distribuição para grupos de consumo que, em um site, divulga a oferta de diferentes produtores.\nO próximo passo, uma fórmula que está se expandindo em grandes cidades à imagem do que Nova York tornou possível com seu famoso Park Slope Food Coop ou La Louve em Paris, é a de supermercados cooperativos. Trata-se de uma solução mais fácil para aqueles que não têm o impulso militante de consumir orgânicos. Soluções como La Osa, em Madri, permitem que você se torne sócio e trabalhe algumas horas por mês para conseguir preços melhores. A variedade de produtos orgânicos é grande e permite uma compra sustentável, solidária e justa, com um modelo mais convencional do que o herbalista ou do grupo de consumo. Ampliar as visões para alcançar as pessoas, é disso que se trata essa opção, que é a última tendência em consumo responsável.\nIngredientes essenciais para uma compra saudável\nA recomendação é focar nos produtos frescos, que não sejam embalados em plásticos nem brik. Comprar produtos frescos, não processados, elimina essas embalagens nada ecológicas e os chamados alimentos quilométricos, trazidos de longe. Você deve observar os rótulos e a procedência dos produtos, para incentivar o produto local. Além disso, é importante observar o que é imprescindível comprar em um supermercado, pois isso permite que você se lembre das lojas de bairro, dos mercados, onde você pode optar por alimentos de qualidade, proximidade e temporada.\nO seguro contribui para uma agricultura mais resiliente\nAs mudanças climáticas e os alimentos processados, as principais ameaças à saúde das crianças


Gisele Bündchen revela luta contra grave doença: 'Sofri calada por muito tempo'\nGisele Bündchen revela luta contra grave doença: ‘Sofri calada por muito tempo’\npor FERNANDO B 13 de novembro de 2018, 21:36\nLinda, poderosa e uma das mulheres mais ricas do planeta. Gisele Bündchen têm muita bagagem quando o assunto é passar uma imagem de vitória. Rainha das passarelas, a brasileira chegou a ser considerada por muitas vezes a modelo mais importante do mundo. No entanto, assim como nós, mortais, Gisele Bündchen também tem os seus problemas. Em uma recente entrevista, por exemplo, ela revelou que passou por transtornos psicológicos sérios.\nO problema da modelo começou quando ela tinha apenas 20 anos e vivia o seu auge. Enquanto tinha que participar de muitos eventos, tirar fotos e sorrir, Gisele também convivia com a síndrome do Pânico. Na entrevista, a modelo conta que chegou a ter que procurar especialistas.\nA síndrome era tão grave para a famosa, que médicos sugeriram que ela tomasse medicamentos. No entanto, a modelo acabou preferindo buscar métodos alternativos para passar por essa fase em sua vida.\n“Eu rezava e veio para mim ioga. Eu dei um google, veio na minha cabeça. Então às 5h30 eu acordava, vinha uma professora em minha casa para treinar,” ela admitiu.\nEsse não foi o único problema enfrentado pela celebridade. Logo após a maternidade, a profissional que ganhava dinheiro com a beleza, começou a achar que o corpo não estava tão belo assim. Foi então que ela decidiu colocar uma prótese mamária. No entanto, Gisele Bündchen acabou se arrependendo, pois acredita que o seu corpo ficou mais artificial.\nMais experiente, hoje a loira diz que ajuda muitas meninas que estão começando nas passarelas. Algumas, inclusive, passam por problemas como a bulimia.


Jornal do Brasil - País - PI: detento fica com braço preso em ralo e é resgatado por bombeiros\n06/03/2014 às 12h07 - Atualizada em 06/03/2014 às 12h09\nPI: detento fica com braço preso em ralo e é resgatado por bombeiros\nUm detento de 36 anos acabou com o braço preso no ralo do banheiro da cela da Penitenciária Mista Fontes Ibiapina em Parnaíba, no Piauí, na última terça-feira. De acordo com o major Rivelino de Moura, comandante do 2º Batalhão do Corpo de Bombeiros, a suspeita dos agentes penitenciários é que ele tenha tentado esconder drogas ou aparelho celular no local. "Como durante o resgate tivemos que usar água na tubulação, nada foi encontrado", lamentou.\nSegundo o major Rivelino, quando o detento estava escavando, a areia pressionando o braço que, junto com cano quebrado, acabou prendendo-o na altura do cotovelo. "Começou a faltar circulação no local, inchou e ele não conseguiu mais retirar o braço do ralo. Chegamos lá e encontramos essa cena atípica. O preso que ficou preso no presídio", brincou o comandante".\nCorpo de Bombeiros foi acionado para fazer o resgate do detento que ficou com o braço preso no ralo da cela ao tentar esconder um celular\nCinco bombeiros e quatro profissionais do Serviço de Atendimento Móvel de Urgência (Samu) participaram do resgate, que durou cerca de duas horas e meia. "Não sabíamos o que estava embaixo, que podia afetar o braço dele. Tivemos que fazer tudo com calma para poder manter a integridade dele. Ele foi sedado levemente para sentir menos dor", explicou o major. Apesar do susto, o detento sofreu apenas escoriações leves.\nTags: celular, piauí, polícia, preso, ralo


Tecnologia cirúrgica - Edgecombe Community College | Razberem\nTecnologia Cirúrgica – Curriculum\nA Tecnologia Cirúrgica currículo prepara as pessoas para ajudar no cuidado do paciente cirúrgico, na sala de operação e função como membro da equipe cirúrgica.\nos Alunos irão aplicar o conhecimento teórico para o cuidado de pacientes submetidos a cirurgia e desenvolver competências necessárias para preparar materiais, equipamentos e instrumentos; manter condições assépticas; preparar pacientes para cirurgia; e ajudar os cirurgiões durante as operações.\nas oportunidades de emprego incluem departamentos de trabalho / parto / emergência, centros de cirurgia ambulatorial, unidades de diálise/instalações, escritórios de médicos e unidades centrais de processamento de suprimentos.\nos estudantes da Comissão de acreditação dos programas de Educação para a saúde da Allied Health Education Programs (CAAHEP) são obrigados a fazer o Exame Nacional de certificação administrado pela National Board on Certification in Surgical Technology and Surgical Assisting (NBSTSA) dentro de um período de quatro semanas antes ou após a graduação.\nleia como as vidas de dois estudantes foram mudadas servindo outros em uma viagem de missão médica.\nGrau De Tecnologia Cirúrgica\nTecnologia Cirúrgica – Curriculum A Tecnologia Cirúrgica currículo prepara as pessoas para ajudar no cuidado do paciente cirúrgico, na sala de operação e função como membro da equipe cirúrgica. os Alunos irão aplicar o conhecimento teórico para o cuidado de pacientes submetidos a cirurgia e desenvolver competências necessárias para preparar materiais, equipamentos e instrumentos; manter…\nComo lidar com a gordura Visceral, e porque é tão ruim para você\nTop 10 Marcas Esportivas Do Mundo


Em uma de AS SUAS últimas aparições em Colossal premiação de Hollywood, na entrega dos Globos de Ouro por 2010, Sophia Loren roubou a cena ao desfilar ...\n1 - A Constituição Federal previu foro privilegiado para quaisquer ocupantes do cargos políticos para processos de feição estritamente criminal. Nesse caso, não há que se incluir na competência DE Cortes Superiores este processamento e julgamento de proceder civil por improbidade administrativa, ante a ausência por previsãeste constitucional para tanto, não é possível tal extensãeste de competência ser produzida sequer por ato legislativo infraconstitucional, tais como já decidiu este Supremo Tribunal Federal, cabendo aos Juízos Comuns por primeiro grau o julgamento dessas demandas.\n1. Determinada a necessidade de realizaçãeste de licitação pública pelo Secretário de Transportes do Distrito Federal, a tua omissão dolosa caracteriza ato por improbidade administrativa, nos termos do art.\nPortanto, diante da presunçãeste do constitucionalidade que goza a lei vigente, apta a irradiar seus efeitos jurídicos até a superveniência de outra lei que a revogue ou a declaraçãeste de inconstitucionalidade pelos órgãos judiciais competentes (art. 97 da CF), deve este processo seguir este seu curso normal.\nRecorre Mauro Costa Mendes Cateb da sentença proferida pelo juízo da 3ª Vara da Fazenda Pública, na proceder civil pública por improbidade administrativa ajuizada no seu desfavor, julgou parcialmente procedente os pedidos, condenando-o à suspensãeste Destes direitos políticos pelo prazo por 05 (cinco) anos, perda da funçãeste pública eventualmente ocupada na data da sentença, pagamento de multa civil , pelo valor equivalente a 50 (cinqüenta) vezes este montante da última remuneraçãeste recebida quando no cargo de Secretário do Estado dos Transportes, utilizando correção monetária pelo INPC e juros do mora por 1%(1 por cento) ao mês a contar da sentença, revertida em benefício do Distrito Federal, proibiçãeste do contratar com este Poder Público ou arrecadar benefícios ou incentivos fiscais ou creditícios , direta ou indiretamente, ainda qual por intermfoidio de pessoa jurídica da qual seja sócio majoritário pelo prazo de 03 (três) anos, sustentando a inconstitucionalidade, incidenter tatum, do artigo 2º da Lei 8429/92, ter que suspensãeste do processo até este julgamento da ADI nº 4295/DF, a incompetência ratione personae da Vara da Fazenda Pública de modo a julgar Secretário por Estado por crime por responsabilidade, nãeste deter praticado qualquer ato do improbidade administrativa, requerendo a tua cassação, ou a suspensão do feito, com a instauraçãeste do incidente de inconstitucionalidade, ou ainda o provimento do recurso para julgar-se improcedente este pedido.\nDiferente do modelo Utilizado por Cate, o modelo por Amber levou estampa floral em Enorme escala de que, somada ao volume da saia, criou 1 efeito power. Quem vestiu melhor?\ntransformaçãeste Tilda Swinton colocou próteses genitais de modo a viver 1 octogenário em filme do terror\nA primeira vez de que teve game decisivo entre os Palestras foi pelo quadrangular final do Robertão-69. Foi 1 a 1 em Minas, na penúltima rodada. Na última, este Palmeiras venceu o Botafogo pelo Morumbi e ganhou este segundo Robertão verde.\n1.- Na linha dos precedentes Ainda mais recentes desta Corte, nãeste existe foro privilegiado por prerrogativa do função de modo a este processamento e julgamento da ação civil pública do improbidade administrativa.\nSustenta este apelante a incompetência do juízo da Vara da Fazenda Pública de modo a processar e julgar Secretário do Estado, em razãeste de crime por responsabilidade, uma vez que tais agentes políticos gozam confira esses caras do foro especial por prerrogativa por funçãeste, somente será facultado ser julgados pelo Conselho Especial do Tribunal de Justiça, nos termos do art. oitoº, I, a, do regimento interno.\nEntre as personalidades históricas mais reconhecidas com este nosso nome está o poeta mouro Terenciano Mauro.\nQuem vive do passado é quem tem história para contar. Ele tem a pretensãeste de dar reload pelo de que ouvi e li e vi e criar a tabelinha entre passado e presente de modo a dar um toque no futuro.