Poesie di Paolo Valesio, Daniela Marcheschi, Giorgio Linguaglossa, Letizia Leone, Mariella Colonna, Mario M. Gabriele, Lucio Mayoor Tosi- L’indebolimento delle parole – Il frammento è la dimora dell’Estraneo – Il processo di de-psicologizzazione e ri-metaforizzazione nella poesia contemporanea – La civiltà degli oggetti – Ermeneutica di Giorgio Linguaglossa | L'Ombra delle Parole Rivista Letteraria Internazionale\n← Gli oggetti, le cose, le parole – La brutta poesia dei nostri giorni disgraziati è fatta con le parole della chiacchiera e della stolida, superficiale nequiziosità. Dialogo tra Steven Grieco Rathgeb, Chiara Catapano, Giorgio Linguaglossa, Gino Rago, Lucio Mayoor Tosi, Raymond Queneau – Una poesia di Tomas Tranströmer, Anna Achmatova, Katarina Frostenson, Lucio Mayoor Tosi tradotta da Adeodato Piazza Nicolai\nPoesie di Eeva Liisa Manner (1920-1995) – Poesia finlandese – Presentazioni di Lorenzo Amato e Sinikka Lehtinen, Traduzione di Maria Antonietta Iannella-Helenius →\nUmberto Galimberti: «L’accelerazione del tempo è in sostanza la destrutturazione dell’anima». https://youtu.be/OMGrDBECV8I\n[la collana di poesia “Il dado e la clessidra” «l’epopea schizoide degli oggetti» (Letizia Leone)]\n30 risposte a “Poesie di Paolo Valesio, Daniela Marcheschi, Giorgio Linguaglossa, Letizia Leone, Mariella Colonna, Mario M. Gabriele, Lucio Mayoor Tosi- L’indebolimento delle parole – Il frammento è la dimora dell’Estraneo – Il processo di de-psicologizzazione e ri-metaforizzazione nella poesia contemporanea – La civiltà degli oggetti – Ermeneutica di Giorgio Linguaglossa”\n3 marzo 2018 alle 10:55\nLa si potrebbe chiamare Poesia dei morti, se la definizione non suonasse poco allegra; oppure Poesia dell’altra stanza, per chi l’ascoltasse soltanto, senza vedere quel che accade. Il Signor K è cieco se chiede ad Amleto cosa sta facendo (– Asciugo le forchette, lavo i bicchieri, affilo i coltelli); ché, non lo vede, Signor K? Evidentemente no, perché siamo in una metafora; ma una metafora scritta tra personaggi distanti, che non si possono vedere tra di loro; o potrebbe essere stata giocata, la metafora, come fosse il contenuto di una telefonata. Anche la poesia di Paolo Valesio non dice nulla del luogo, tant’è che alla fine l’autore scrive “(Piazza del Duomo, Milano)”: bellissima didascalia, quella di una cartolina. Ecco cosa rimane del bel corredo passato letterario e descrittivo: una cartolina! Il resto sono voci, neanche si vede a chi appartengono; sì, alla scimmia, ma perché Valesio qui sembra un po’ Cioran.\nQuel che voglio dire è che c’è molto silenzio, ci sono molte pause nel sonoro di queste poesie; è come seguire lo svolgimento di un film in un cinema all’aperto, standone fuori, per strada, senza che si possa o si voglia vedere nulla. Pause e silenzi che mettono in evidenza il vuoto tra le parole. Queste sono poesie per immagini mancanti. E’ come se alla poesia tradizionale fosse stata tolta per intero la narrazione. Prendere quel che c’è e scriverne è un fare da sopravvissuti. Ma anche quando la narrazione è presente, come accade nella poesia di Mariella Colonna, è una parvenza di narrazione. Un rebus. Oppure come accade per Mario M. Gabriele, dove la narrazione sembra ricomporsi visivamente in forma di poesia compatta, ma perché come ricucita, col risultato di ottenere delle “mostruosità” semantiche. Poesie Frankenstein, anche se un miliardo di volte più belle. Idem per la mia poesia “S’apre una porta”; io però non tento nemmeno di ricucire, tanto è il vuoto che l’anima.\nE’ crudo realismo. L’immagine viene posta davanti agli occhi del lettore in modo tale che non possa evitarla, e il lettore la vedrà senza che qualcuno gliela descriva o gliela reciti. E’ l’abilità nuova di questi poeti.\n« Bene, allora la commedia può iniziare» disse il Signor K togliendosi finalmente gli occhiali troppo scuri che gli impedivano di vedere il palcoscenico del mondo e le luci.\nBravo, Lucio, vai sempre al fondo delle cose, all’origine della parola che può essere anche oggetto, ibridazione, anomalia del proprio Dna. E qui sta il bandolo della matassa: saper rifluire in un unico genoma, la natura della creazione linguistica con un nuovo fiat lux nella sacralità dello scrivere,per chi ne è capace, estraendo particelle dalla storia, dalla filosofia,dalla cultura, proiettate in tante direzioni. Scrivere è sempre un fatto reversibile, si badi bene. Non vogliamo far credere ai lettori che trattasi di un evento insostituibile.Ciò può suscitare avversione da parte di chi ha stabilizzato la poesia secondo la propria appartenenza estetica, psicologica, e metafisica, in contrasto con le varie sinergie sostitutive impegnate nel rinnovamento. C’è un corpo morto su cui iniettare nuove staminali linguistiche e formali. Se non lo si fa, sarebbe la fine della stessa poesia. Distinguendo il piano di lavoro di poeti avvicendatisi nel corso del tempo, si notano fratture e saldature di diversa genesi.Si è andato incontro a dissoluzione e riformulazione. dello stile.Abbiamo assistito al crollo del mito realista e neorealista, alla nascita della neoavanguardia e alla sua sostituzione con rigagnoli poetici di ogni genere dopo gli anni Settanta.Una cosa è chiara:la NOE non è una operazione di potere, né di stravolgimento della poesia.E chi lo pensa è attaccato a polemiche e contestazioni di bassa dialettica, da sembrare così’ vegetariano nel rifiutare il profumo della carne sul barbecue.\nMeno male, caro Mario, temevo di avere esagerato con quel “Poesie Frankenstein”…\ndel libro di Guglielmo Peralta “La via dello stupore” (Thule, 2017) sulla «soaltà» scelgo questo passo:\nUna parola, una sola parola viene, ad un tratto, a spalancarmi un mondo, un\nSoaltà mostra allo s-guardo il suo cielo diradando l’”ignoranza” dell’occhio e\ndella mente. Così, senza divieto, cresce nel giardino soale l’albero della visione, e l’implume conoscenza prende il volo sulle ali del sogno pantocratore. Ed ecco che la parola nuova, informe nebulosa che in sé accoglie un universo, “esplode” con suono grande e silenzioso manifestando uno spettacolo infinito: un’epifania che riempie di meraviglia il cuore e la mente discoprendo la vera natura del mondo e delle cose. Una\nnuova visibilità muta lo scenario esteriore. Un nuovo orizzonte si svela ed è l’«est» che orienta lo s-guardo e ne suscita la rappresentazione. La soaltà, che nella luce «estiva» si palesa, è la visione che ac-coglie il mondo nella sua unione di sogno e realtà correggendo la conoscenza difettiva che abbiamo di esso a causa dell’occhio, il quale, incapace di discernere il sogno, dà carattere di evidenza a una realtà, che il pensiero riflettente giudica pura apparenza lasciando indovinare, al di là di essa, una\nrealtà altra. E questa realtà è il sogno che edifica il mondo e ne garantisce l’esistenza reale. Soaltà è parola eponima che nomina il mondo interiore o della soggettività.\nEssa colma una lacuna linguistica, perché ora questo mondo ha un nome al posto delle varie definizioni e aggettivazioni che di solito si usano per indicarlo. Essa è anche parola epifanica, perché svela la vera natura della realtà cogliendovi il sogno che la costituisce e che è il fondamento, il principio, l’origine di tutte le cose, e facendo della realtà stessa la manifestazione oggettiva e concreta della realtà interiore cui dà il nome. Ed è trina, perché oltre ad essere sogno e realtà è anche il mondo che\nconsiste di queste due nature. Il sogno, questo sogno, non accade, come nella dimensione onirica, in assenza della normale attività della mente, ma in presenza della sua più alta funzione che è l’immaginazione creatrice, e in virtù di una voce che chiama in segreto e alla quale non si può non dare ascolto. Voce del silenzio luminoso, che sospende il mondo e i nostri sensi e accende la notte chiarendone l’oscurità profonda. Notte sacra, che esige risposte adeguate alle sue illuminazioni.\nGrazie Giorgio per avere inserito un passo del mio saggio “La via dello stupore”, dove elaboro una “nuova” ontologia fondata sullo s-guardo e sulla Bellezza, da cui deve trarre orientamento la ragione per guidare l’uomo verso la pienezza dell’essere. Essere «per» la bellezza è riconoscere la bellezza dell’essere e che essa è la virtù che ne realizza la pienezza; è fare che la bellezza scintilli nelle forme del mondo e segni il nostro cammino; significa osservare il sacro dovere di agire, di praticare la luce, di realizzare il proprio essere «in quanto» bellezza. L’ontologia è una visione e un progetto per un nuovo illuminismo, che definisco est-etico. (Non so se ci sia una relazione con la NOE, cercherò di “scoprirlo” e t’invito, caro Giorgio, di fare altrettanto, di evidenziare le eventuali differenze!). Per gli amici di questa Rivista, “L’ombra delle parole”, che nulla sanno della “Soaltà” e del mio saggio, aggiungo che La via dello stupore indica un percorso da seguire per ritrovare quella sensazione, quel sentimento di meraviglia che non siamo più in grado di provare. Ed è un cammino, un volgersi, innanzitutto, verso ciò che può e deve orientare i nostri passi nel mondo facendoci da guida, e cioè verso la Bellezza, la quale può illuminare e rinvigorire l’umana ragione dandole nuovo senno, destandola dal “sonno generatore dei mostri”, nel quale essa, da troppo tempo, è sprofondata. Questo cammino è un modo di vedere, un modo di essere per la Bellezza, un adeguarsi e aderire ai sentimenti che questa virtù ci ispira: al Bene, o al Buono, innanzitutto, che è strettamente congiunto con il Bello. (“In principio”, bellezza e bontà furono qualità inscindibili in ogni creatura, perché trasferite dal Verbo divino e contemplate da Dio stesso in ogni cosa creata).\nLa visione soale è un modo nuovo di conoscere il mondo, non attraverso i sensi che lo tengono fuori, ma attraverso lo s-guardo, attraverso questo senso interno, che lo riconduce «dentro», nel luogo della sua origine. La soaltà è in noi, ed è il mondo, nel quale convergono e si fondono le due realtà: quella umana del sogno che genera la natura seconda o artificiale, e quella divina della natura, da cui l’uomo trae la materia prima, la quale veste il sogno dandogli un corpo e ricevendone, a sua volta, la forma. In questa trasfigurazione e incarnazione del sogno, in questo suo andare oltre la propria figura per farsi realtà visibile restando invisibile, per farsi altro da sé restando identico a se stesso, c’è il grande realismo della visione soale, che attribuisce al sogno quella doppia realtà: interiore ed esteriore.\nDonatella Costantina Giancaspero, Ripieghiamo in direzione del bar\nIl Signor K SI TOGLIE FINALMENTE GLI OCCHIALI! Era ora!!! Fino a questo momento non si è accorto che la commedia non soltanto è cominciata, ma sta già per finire. Non sono infatti gli occhiali, credo voglia alludere Giorgio Linguaglossa che lo ha citato, ma è la testa che non centra l’obbiettivo…non perché non sappia, ma perché fa finta di non capire. Beh, sono d’accordo. c’è chi fa finta di non capire perché la verità è scomoda.\nMa…e cito ancora Linguaglossa che cita Guglielmo Peralta, parlando di “soaltà”: (“La via dello stupore”, Thule, 2017)\nCredo che il silenzio della notte o del giorno sia il terreno propizio alla nascita del fiore immaginario, in cuil’ascolto della visione e la visione dell’ascolto si integrano e danno origine alla La parola Nuova che “accende la notte chiarendone l’oscurità profonda”. l’itinerario per raggiungere questa “parola Nuova” è difficile e coincide con un momento-chiave della nostra stessa vita, per essere efficace: dobbiamo annientarci insieme ai rottami della realtà antica: soltanto allora potremo\n“risorgere dalle sue ceneri” creando e vivendo il “Nuovo linguaggio” per intero, senza pentimenti, riserve e mezze misure.\nSoaltà è l’altro nome della realtà, e viceversa. E la soaltà è la sintesi perfetta di sogno e realtà. Riconoscere il “sogno” (l’immaginazione creatrice) come origine di tutte le cose è com-prendere la realtà nella sua vera e intima natura. E ciò è possibile “creando e vivendo”, come dice Mariella Colonna e come credo di avere fatto io, il “Nuovo linguaggio”.\n“Quando una «cosa» ci parla o riprende a parlarci, ecco, il quel momento si ha una trasmutazione degli «oggetti» in «cose», e gli oggetti indifferenti diventano nostri consanguinei, i nostri compagni significativi. Le nuove «cose» innescano un nuovo sguardo, e noi vediamo il mondo come per la prima volta. Gli «oggetti» morti sono diventati all’improvviso vivi e significativi, sono diventati «cose».\nQuanto qui ho riportato, mi sembra che risponda al modo in cui io parlo degli oggetti/cose nella seguente poesia:\nVicino alle celesti galassie / nasce da invisibili occhi / la Via Lattea dei sogni / In un giro di stelle / si desta – pianeta senza orbite – il mondo delle cose / Collassa tra fatica ed inerzia / nel buco nero dell’uso / Eppure risorge / per quel mortale dio / che non conosce\n«L’ellenismo è il circondarsi consapevole dell’uomo di vasellame al posto di oggetti indifferenti»; ecco il punto.\nIn un altro punto il poeta russo scrive: «un ventaglio di avvenimenti liberati dalla dipendenza temporale e subordinati ad un legame interno attraverso l’io umano».\nIn un altro punto scrive: «In sostanza, non c’è alcuna differenza tra la parola e la forma. La parola è già forma chiusa; non si può toccare. Essa non serve per la vita quotidiana così come nessuno si metterà ad accendere una sigaretta da una lampada. Anche queste forme chiuse sono assai necessarie.»\nChe dire? Qui c’è in nuce il pensiero di una nuova ontologia della parola poetica. Noi siamo tutti nipoti e pronipoti del grande poeta russo. La NOE si limita a riprendere alcune intuizioni geniali del poeta russo per ripensarle alla luce degli eventi che si sono susseguiti in questi cento anni, e anche alla luce delle nuove acquisizioni della filosofia del novecento e di questi ultimi anni.\nIl problema, caro Guglielmo, non sono le «differenze» tra la noaltà e la NOE, ben vengano le differenze, l’importante è la direzione del cammino, la direzione della ricerca…\n3 marzo 2018 alle 19:44\n1. La cultura ellenistica, l’ “arte” del vasellame, la cura “artigianale” dà un “volto” agli oggetti, che diventano cose “animate”.\n2. Gli avvenimenti sono ricondotti, ripensati nella loro origine, prima di divenire flusso di una coscienza senza s-guardo, di mondanizzarsi.\n3. Sull’identità parola-forma ho qualche dubbio. Se per forma intendiamo l’idea che costituisce la parola, questa è un “pianeta” rispetto all’idea-stella, verso la quale gravita ricevendone la luce senza essere la luce. Pertanto, per difetto di luce, la parola non è mai chiusa! E, per grazia “ricevuta”, qui sta il “principio” della creazione umana, la quale non giunge mai al termine. Questa parola, che non serve per la vita quotidiana, ci parla e ci fa “aperti” all’ “altro”, e in essa si esprime l’essere del mondo che resta altrettanto “aperto”.\nQuanto alla ricerca, al cammino, non c’è una direzione da seguire perché non c’è una meta dove andare, ma una meta da ri-trovare, da “invenire”, da inventare, immaginare (per me, da sognare). E la meta è “in interiore” ed è punto di partenza e di arrivo, visione circolare o “rotonda”, come io amo definirla. Dunque è un viaggio, un cammino senza fine, attorno al “globo oculare!” Sì. Credo che ci siano punti di contatto tra la NOE e la soaltà!\n3 marzo 2018 alle 17:46\nMi piace, questo dialogo a più voci intorno alla parola, anche perchè,nella trionfale ignoranza che si tenta di imporre da parte di un certo potere,mi conforta poter constatare la resistenza di chi ancora crede in certi valori,derivanti da una nostra tradizione culturale di tutto rispetto, da un patrimonio imponente di bellezza, di onestà intellettuale,di forza morale,che nessuno potrà mai sottrarci.\nDal frastuono di ferite e masticazioni si spalanco’ un vento di orologi guasti.\nMa il cielo ( finto cieco! ) mi abbatte’ sul selciato.\nIl tempo verdeggiava ( veleno perfetto ) e stupidamente gettava l’ultimo candelabro nella cisterna.\n( Eppure custodiva il cuore della madre in un angolo senza confini ) .\n3 marzo 2018 alle 18:30\nMi scrive un poeta che voglio resti anonimo:\ninnanzi tutto ti parlo del tuo “Critica della ragione sufficiente”, un libro militante di pensiero filosofico e letterario, sia estetico che critico, unico, mi pare, nel panorama italiano e forse non solo. La sua struttura volutamente disarticolata, simile all’ametrica di cui parli riguardo la tua poesia, lo rende dunque spinoso e al contempo colmo di rimandi alle problematiche dell’attuale società intellettuale, combattuta tra l’ente e il nulla come tu ben rilevi sulla scorta di Leibniz e seguaci. Questo ente, oggi meritevole di una nientificazione definitiva, scrive poesie e il ventaglio di poeti che proponi è quanto mai vario e le distinzioni che evidenzi, dalla poesia «turistica» di una Lamarque alla poesia «innica» di continiana memoria via via fino alla vostra poesia ontologica che «defondamentalizza» il soggetto senza tuttavia seguire la strada epidermica del futurismo, sono funzionali ma sicuramente rimettono in discussione, come tu effettivamente desideri, la linea canonica del novecento. Per questo ti attirerai il rancore di molti, ma so che non ti spaventa, anzi ti rafforza.\n3 marzo 2018 alle 19:04\nIn fin dei conti noi poniamo una Domanda fondamentale, quella domanda che rimette in discussione tutte le precedenti risposte e le precedenti domande. È questo, nel nocciolo, l’essenza della ricerca di una nuova ontologia estetica.\nIo penso che in una poesia, se si tratta di un’opera veramente significativa, non è possibile fare a meno della presenza delle «cose», le «cose» rappresentano i valori profondi della vita, e questo è evidente per esempio nell’arte figurativa: nel bel mezzo della crisi del fascismo Giorgio Morandi che fa? Dipinge solo ed esclusivamente delle bottiglie, dipinge soltanto nature morte di bottiglie. In quelle «cose» c’è tutto, ci siamo noi, la nostra storia. Che fa Giorgio De Chirico? Anche lui dipinge delle cose, ma dipinge altre «cose»: dipinge archi, strade deserte, statue illuminate da una luce livida, colonne di una civiltà sepolta con cavalli imbizzarriti immobili. Poi, con l’avvento della pittura stratta le «cose» vengono cancellate, letteralmente scompaiono. Dopo la pittura astratta non sarà più possibile riprendere a dipingere le «cose» come avveniva prima, gli «oggetti» prendono il posto lasciato vacante dalle «cose». Il mondo è cambiato. Il capitalismo dispiegato ha reso impossibile rappresentare le «cose» alla vecchia maniera. Poi, all’improvviso, il mondo cambia di nuovo e i pittori riprendono a dipingere le «cose», ma lo faranno in altro modo, con un diverso apparato categoriale e simbolico.\nPer tornare alle nostre questioni, la «nuova ontologia estetica» riprende da dove la poesia italiana del novecento si era smarrita e aveva rappresentato soltanto degli «oggetti», magari desublimati, de-territorializzati, de-simbolizzati, ma pur sempre «oggetti». La «nuova ontologia estetica» riparte invece dalle «cose». Segna un nuovo inizio, segna una svolta. Dopo questa esperienza, per chi capisce veramente la posta in gioco, non sarà più possibile poetare alla maniera di Pierluigi Bacchini o di Alfredo Giuliani, per fare due nomi noti, qualcosa è nel frattempo cambiata inesorabilmente.\nPrendiamo un autore, esaminiamo la prima poesia del libro le vocali vissute (1999, Ibiskos) di Giuseppe Panetta (alias Talia)\nIl libro, ricorda Giuseppe Talia, è stato scritto dopo e durante una crisi che ha fatto letteralmente «esplodere» le vocali e le parole tra le sua mani. Talia si è trovato così a non avere più le parole rassicuranti di Bertolucci e di Bacchini della tradizione del novecento. La scoperta è stata traumatica per Talia: come poteva scrivere poesia se non aveva più a disposizione le parole, le vocali che avevano guidato la poesia italiana per un secolo? Ed è significativo che da questa crisi delle vocali e delle parole Talia non ne sia uscito se non con il contatto corroborante della «nuova ontologia estetica» nell’ambito della quale ha appena scritto e pubblicato il volume La Musa Last Minute (progetto Cultura, 2018), 58 ritratti linguistici, 58 sestine dedicate ciascuna ad un poeta italiano, una sorta di scrittura in presa diretta, irriverente e defoliante direbbe Mario Gabriele.\nLeggiamo il componimento L’anguilla di Montale, scritta nel 1948 tratta dalla raccolta La Bufera e altro (1956), trenta versi in una unica proposizione interrogativa. «L’anguilla», la prima parola della poesia è collegata con l’ultima: «sorella»; la prima parola, a carattere denotativo, è unita da un nesso lungo trenta proposizioni, a una parola a carattere marcatamente denotativo, il tutto ad alludere ad una situazione emblematica; l’emblema è la spia stilistica di una poesia ad aura simbolistica nella quale le «cose» sono elencate e raffigurate per il loro valore semantico simbolistico. È chiaro che la poesia appartiene alla civiltà del simbolismo europeo e in quel contesto culturale trova la sua giustificazione estetica. Tutta la costruzione è impregnata di simbolismo, la stessa struttura semantica e fonologica è la tipica struttura montaliana del periodo simbolistico, qui le «cose» sono nominate per il loro valore allegorico, simbolico e allusivo. Nel 1971 Montale cambierà registro, nelle poesie di Satura entrano gli «oggetti» nominati per le loro funzioni denotative e basta. La rivoluzione s’è compiuta, la civiltà del simbolismo è finita.\n4 marzo 2018 alle 13:56\n(da “La vita degli oggetti”, edizioni Adelphi, traduzione di Krystyna Jaworska)\n4 marzo 2018 alle 19:51\nNel mio precedente commento ho scritto:\n“Credo che un buon poeta debba agire rimuovendo la terra lessicale che sta al centro della germinazione, per riportare alla luce e in superficie il primo granello, ossia la materia stessa che è la sostanza originaria, necessaria ad essere l’Uno e il Tutto del linguaggio per riformularlo nel giro di un nuovo circuito dove il disvelamento, e l’identificazione della parola interagiscono fino ad annullarsi e a riprodursi ogni volta.”\nQueste sono parole di Mario M. Gabriele, nella fretta del copia e incolla ho dimenticato di indicare il credito.\nDue poesie di Luigina Bigon traduzioni di Adeodato Piazza Nicolai\nNella mano la bussola\nnell’altra il chiodo,\ntralicci d’alta tensione\ns’è agganciato al portalume\nBoccate di fumo soffiate sul viso\nterra che odora di radici\nIl vuoto nuota nell’aria\nLa lontananza non appartiene\nè coagulo sclerotizzato\nQuel pozzo nel bosco\nnel bambù detronizzato\nA compass in the hand\na nail in the other,\nThe tree of the sky\nis hooked on the street light\nEmissions of smoke blown on the face\nground smelling of roots\nEmptiness swims in the air\nDistance belongs to no one\nit is a coagulated clod\nThat well in the woods\nan upside-down dolmen\nDonkeys are railing\nin the throneless bambù\nCars on the asphalt\nCIMICI NEL PIATTO\ne poi il tempo che si guarda\nNo! Il tempio no!\nÈ un cumulo di pietre\nlo spirito non conta nulla,\nvale la piastra di cemento\nche si allarga a macchia d’olio.\nRompe la censura quel lampo\nDicono che era capace di cantare.\nNon credo, è Zero che si veste\nLa cifra della morte è alta;\nquell’aereo fa più chiasso di un bue!\nL’indifferenza è stoffa di alto pregio.\nil clerico a ballare con le giarrettiere.\nChe fangosa questa strada\ncimici nei piatti.\nBUGS IN THE PLATE\nA look of enigma\nthen time looks at itself\nNo! Not the time!\nthe soul counts for nothing,\nmatters only the cement plates\nexpanding like oil stains.\nThe lightning of time\nshatters the caesura.\nThey say it was able to sing.\nI don’t believe it, it is the Zero dressed\nThe cypher of death is very high;\nthat airplane is noisier than an ox!\nIndifference is the cloth of high prestige.\nthe cleric is dancing with the suspenders.\nThis road is so muddy\nbugs in the plates.\n© 2018 English Translation by Adeodato Piazza Nicolai\nof the poem BRANDELLI of Luigina Bigon. All Rights Reserved.\n4 marzo 2018 alle 13:16\n-in venditori, in portaborse, fruttivendoli, operai salumieri dottori\nartisti direttori politici- lavoratori insomma, – Lavoratoriiiiiii?!!!-\ncome resti futuristici di noi stessi? … -Lo credereste?-\nInteressante il neologismo di Peralta “soaltà”. Solitamente la nascita di una nuova parola arricchisce il vocabolario di conoscenza, nel caso di “soaltà”, mi pare, che oltre alla ricchezza del lemma, in realtà il termine sopperisca a una mancanza. In un momento di crisi, in cui sogno e realtà (deflazione) non hanno quasi più una distinzione netta, sono confusi, si confondono, hanno perso di peso specifico (inflazione) , ecco che il termine coniato da Peralta entra nel mercato delle idee a dare valore con la sua terza faccia (disinflazione), “diradando l’”ignoranza” dell’occhio e della mente.”\n4 marzo 2018 alle 17:50\nRingrazio Giuseppe Talia per il commento sulla “soaltà”, che egli promuove come parola degna di fare il suo ingresso “nel mercato delle idee”, dove non ci sono interessi e scambi economici, ma il valore della comunicazione fondata sul libero e costruttivo scambio delle opinioni.\nUn colloquio a distanza Gino Rago – Giorgio Linguaglossa\nsull’Antologia Come è finita la guerra di Troia non ricordo a cura di Giorgio Linguaglossa\nGino Rago- Giorgio Linguaglossa sull’Antologia di Poesia dell’Epoca della stagnazione spirituale, Come è finita la guerra di Troia non ricordo (Roma, Progetto Cultura, 2016 pp. 352 € 18) a cura di Giorgio Linguaglossa\nVERSO UN NUOVO PARADIGMA POETICO. I poeti del presente ablativo\nSe c’è una unica chiave di lettura della poesia del Presente essa sta, a mio avviso, nello spartiacque rispetto alle Antologie storiche come Il pubblico della poesia del 1975 a cura di Alfonso Berardinelli e Franco Cordelli che apriva ad un’epoca della «poesia-massa» e ai poeti «uomini di fede», non più «intellettuali» a tutto tondo come quelli della precedente generazione poetica. I poeti dell’epoca della stagnazione sono dei solisti e degli isolati, sanno di essere fuori mercato e fuori moda, sanno di essere dei reperti post-massa e ne accettano le conseguenze: Annamaria De Pietro, Carlo Bordini, Renato Minore, Lucio Mayoor Tosi, Alfredo Rienzi, Anna Ventura, Antonio Sagredo, Giorgio Linguaglossa, Letizia Leone, Steven Grieco-Ratgheb, Edith Dzieduszycka, Mario M. Gabriele, Stefanie Golisch, Ubaldo De Robertis, Guglielmo Aprile, Flavio Almerighi, Gino Rago, Giuseppina Di Leo, Giuseppe Talìa (ex Panetta) sono autori non legati da rapporti amicali o di gruppo, personalità indipendenti che si sono mosse da tempo e si muovono ciascuna per proprio conto ma in direzione d’un eurocentrismo «critico » e dunque proiettate oltre la crisi, oltre Il postmoderno, oltre il problema dei linguaggi poetici epigonici [l’esperienza poetica di Costantina Donatella Giancaspero merita un’attenzione critica particolare per temi e stile].\nAlcuni autori fanno una poesia del presente ablativo (Flavio Almerighi, Giulia Perroni, Luigi Celi, Adam Vaccaro, Antonella Zagaroli), altri adottano lo scandaglio mitico del “modernismo” europeo: si guarda a narratori come Joyce con l’Ulisse, a Salman Rushdie con Versetti satanici (1998), a T.S. Eliot con La Terra Desolata, ma anche a Mandel’stam, Pasternak, Cvetaeva, agli svedesi Tomas Tranströmer , Lars Gustafsson, Kjell Espmark, ai polacchi Milosz, Herbert, Rozewicz, Szymborska, Zagajewskij, [Lipska fa storia a sé] si rivisitano alcuni miti da traslare nello spirito del contemporaneo. Poesia che adotta il metodo mitico come allegoria del tempo presente (Rossella Cerniglia, Francesca Diano, Giorgio Linguaglossa, Gino Rago) con esiti notevoli. Si tratta di autori nuovi, ma non più giovanissimi né nuovissimi, l’aspetto più appariscente è l’assenza dei poeti delle nuove generazioni, e questo è un elemento degno di essere sottolineato e approfondito che consegno alla riflessione dei lettori.\nC’è una diffusa consapevolezza della Crisi dei linguaggi e della rappresentazione poetica quale dato di fatto da cui prendere atto e ripartire; sono i poeti «abilitati dalla consapevolezza della frammentazione dei linguaggi e della dis-locazione del soggetto poetante» – come giustamente segnala Giorgio Linguaglossa in Prefazione – sono i poeti antologizzati che spingono il metodo mitico nella forma del «frammento», accelerando la crisi di quell’ «Io» non più centro unificante delle esperienze, né più unità di misura del reale, ma ente frantumato, disgregato della realtà nella quale una certa «coscienza» di ciò che è da considerarsi «poetico» è tramontata forse irrimediabilmente ed ha smesso d’essere luogo della sintesi. L’«io» è stato de-territorializzato definitivamente, e di questo bisogna, credo, prenderne atto e trarne le conseguenze.\nDirei che la nuova poesia guarda con interesse ai nuovi indirizzi della fisica teorica, della cosmologia, della biogenetica, in una parola pensa ad una nuova ontologia del poetico.\n[Ulteriori, importantissime notizie possono essere attinte dalle meditazioni critiche di Luigi Celi intorno a Come è finita la guerra di Troia non ricordo\nsu altre voci poetiche di rilievo presenti nell’Antologia di Poesia Italiana Contemporanea, postate su L’Ombra delle Parole del 18 luglio 2016].\nPossiamo dire che quell’epoca che va da L’opera aperta di Umberto Eco (1962) a Midnight’s children (1981) e Versetti satanici di Salman Rushdie (1988) si è concluso il Post-moderno e siamo entrati in una nuova dimensione.\nNel romanzo di Rushdie il favoloso, il fantastico, il mitico, il reale diventano un tutt’uno, diventano lo spazio della narrazione dove non ci sono separazioni ma fluidità. Il nuovo romanzo prende tutto da tutto. Oserei dire che con la poesia di Tomas Tranströmer finisce l’epoca di una poesia lineare (lessematica e fonetica) ed inizia una poesia topologica che integra il fattore Tempo (da intendere nel senso delle moderne teorie matematiche topologiche secondo le quali il quadrato e il cerchio sono perfettamente compatibili e scambiabili) ed il fattore Spazio. Chi non si è accorto di questo fatto, continuerà a scrivere romanzi tradizionali (del tutto rispettabili) o poesie tradizionali (basate ancora su un concetto di reale e di finzione separati), ovviamente anch’esse rispettabili; ma si tratta di opere di letteratura che non hanno l’acuta percezione, la consapevolezza che siamo entrati in un nuovo «dominio” (per dirla con un termine nuovo).\n4 marzo 2018 alle 20:06\nio la penso come Kuhn il quale cita Planck, facendo una parafrasi noi possiamo dire così:\n«Una nuova verità (“poetica”) non trionfa quando convince e illumina i suoi avversari, ma piuttosto quando essi muoiono e arriva una nuova generazione, familiare con essa.”\nForse sono pessimista ma penso che noi non dobbiamo “convincere” nessuno, tantomeno i mediocri… però dobbiamo indirizzarci alle migliori intelligenze, nella speranza che qualche giovane ci segua e riceva il “testimone”… oppure dovremo aspettare un evento stratosferico o extra galattico, chissà, un meteorite, un terremoto, un evento cataclismatico, visto la medietà e mediocrità della produzione cartacea che gli editori maggioritari e minoritari propongono a dismisura…\nCostantina Donatella Giancaspero ha, direi ‘ancora una volta’, messo il dito nella vera piaga della situazione poetica corrente. Del resto, chi si interessa di Estetica, sa che per anni non si è andati oltre il bipolarismo Croce-Gentile. E quando Gillo Dorfles adottò e propose un nuovo canone estetico fondato su Klee-Kandinsky la cosiddetta critica d’arte, ancorata anche sul piano lessicale al paesaggio impressionistico o al figurativismo postrinascimentale,\nentrò nel panico poiché avvertì l’inadeguatezza del proprio linguaggio per comprendere e interpretare le nuove tendenze artistiche…\nUna lettera a Einaudi, Mondadori, Garzanti\na Guglielmo Peralta,\ndico questo: che la sua intuizione della «soaltà» per avere un qualche peso specifico ed essere credibile deve essere messa alla prova con l’analisi testuale di qualche poesia italiana o europea, altrimenti si rischia di restare nella mera speculazione. Aspettiamo quindi da Peralta che ci porti degli esempi concreti di ciò che intende per poesia soaltesca.\na Donatella Costantina Giancaspero,\ndico questo: sarei curioso di conoscere da Einaudi, da Mondadori e da Garzanti le copie vendute degli autori di poesia pubblicati nelle loro collane. Credo di non sbagliare di molto se il numero di copie in tutto il territorio nazionale si ferma a un paio di centinaia di esemplari per ciascun titolo. È ovvio che gli uffici ragioneria di quegli editori non renderanno mai pubbliche quelle notizie per motivi di opportunità e di immagine evidenti. Di fatto, se le cose stanno così, la poesia italiana è finita, ha perso il suo pubblico, bisogna prenderne atto e non continuare a mettere la testa dentro la sabbia come fa lo struzzo; bisogna prenderne atto e adottare l’unica decisione che resta da prendere: cessare del tutto le pubblicazioni di libri che sono privi di acquirenti, privi di pubblico. E qui torna di massima evidenza quanto detto da te parafrasando quanto scritto da Planck:\nAbbiamo scritto che “Nel 1971 Montale cambierà registro, nelle poesie di Satura entrano gli «oggetti» nominati per le loro funzioni denotative e basta. La rivoluzione s’è compiuta, la civiltà del simbolismo è finita.” – Ebbene, oggi nel 2018, siamo ancora all’interno della civiltà post-simbolistica, la poesia di questi ultimi cinquanta anni è vissuta all’interno di quella eredità stilistica, della presa d’atto della fine della civiltà del simbolismo ma non ha saputo trovare una via diversa, non l’ha saputa e non l’ha voluta trovare, perché la via era evidentissima, sarebbe stato sufficiente leggere le poesie dell’opera di esordio di Tomas Tranströmer, 17 poesie, del 1954, il non averlo fatto, il non aver capito in quale direzione indirizzare la poesia italiana è stato un atto di evidente cecità. Di fatto, la poesia italiana ha percorso un tragitto epigonico che ha condotto alla «poesia» di autori assolutamente impresentabili, sarebbe stato preferibile chiudere definitivamente le collane di poesia.\nScrive Maurizio Ferraris: «La vita è l’origine non rappresentabile della rappresentazione».\nIl discorso poetico è quella «cosa» che è la traduzione in parole di una «voce silenziosa» (dizione di Platone per indicare la coscienza), è il tentativo di rappresentare ciò che è al di fuori della rappresentazione. Le parole sono sempre sapienti, perché sono portatrici di un sapere che noi non sapevamo…\nLa poesia della soaltà è anche una poetica. La poesia soale (da reale) o soalistica (da realistica), non soaltesca, ha molte caratteristiche e definizioni. In sintesi:\n1. È una metapoesia: una scrittura sulla creazione, sul processo creativo fondato sullo s-guardo, attore e spettatore, che sollecita le idee/immagini e le contempla traducendole in parole.\n2. È un’ est-etica. Celebra la bellezza, mediante la quale sollecita il sentimento del bello e del buono.\n3. È un’ontologia. La poesia è identificata con l’essere, che è la casa dell’io (Io sono = Io abito). L’essere è anche la voce del verbo latino «esse», da cui l’ «est», “radice” e fondamento dell’ontologia est-etica.\n4. È una poesia epifanica e realistica. Valorizza le cose svelandone la vera realtà, ossia, la loro duplice e intima natura: quella umana del sogno, che le costituisce, e quella divina della natura fisica, da cui l’uomo trae la materia prima per costruirle.\n5. Usa un nuovo linguaggio, quello che essa stessa ha inventato e inventa, nel senso, soprattutto, del verbo latino “invenire”. Si tratta di un linguaggio molto figurato, che presenta anche dei neologismi e delle parole “risemantizzate”.\n6. È una poesia della rappresentazione, “teatrale”, dove le idee/immagini si “manifestano” sulla “scena” interiore, dietro le quinte dell’occhio.\n7. È una poesia della “prima visione”. Essa, attraverso lo s-guardo, riconduce le cose nel luogo dell’origine, dov’è la loro prima visione, la loro prima nascita.\n8. La poesia soale è altro ancora…\nSeguono sei poesie, in cui sono presenti gli aspetti sopra esposti.\nIo canto il cielo invisibile / che con intima voce canta / «Dentro» ove s’annida l’implume / parola è il mito della nascita / «Fuori» nella falsa luce / si aliena l’infinito Ma / rotonda è la visione / che lo s-guardo assapora / nel giardino soale / dove coi sogni vola / la rondine sonora / Io canto la pura dimora / la scena segreta che s’apre / allo spettacolo / «Dentro» / dove crescono i frutti / si rinnova il miracolo / «Fuori» nell’uso quotidiano / marcisce la rosa Ma / sempreverde è la notte / dal candido calice / dove sbocciano le stelle / per incanto / dove fiorisce l’albero / dal fertile respiro del vero\nNella luce è la mia casa / dove l’occhio ricama / ascoltando / la trama dei suoni / dove il mondo ammutolisce / e ripara / nello splendore del canto / Qui nella kalosfera / nasco poeta ogni volta / e nel cielo arato dallo s-guardo / coltivo con le forme belle / l’opaco seme della verità\nIL CANTO ALL’INFINITO\nQuando l’angelo bussa alla notte un oceano di luce\nl’universo e tutto si crea all’improvviso\nCome fare entrare in una poesia tutta l’eternità\nl’origine della luce la sconfinata bellezza del cosmo?\nPuò un verso rinverdire l’albero placare la tempesta\nPossano il meraviglioso e l’eterno irrompere\nnel petto di un cigno e prolungarne il canto all’infinito\ndalla regione del sogno all’Aperto E benedicendo e lodando\ne lasciare che in pieno sole vedano per loro le parole\nIntorno alle idee ruotano le parole\nnel nostro sistema mentale\nDalle neurostelle ricevono i significati\nE sono questi i bosoni che le legano\ne danno forma all’organismo testuale\nMa il sogno è il bosone di Dio\n– la forza il lógos l’energia –\nche tutto genera\nfacendosi mondo e materia\nRuotate o cose / come pianeti sulla terra / intorno ad ignota stella / (Sogna la materia / un’anima silenziosa / nei suoi cicli di luce) / Usata galassia! / Se vi desta l’oblio / alla notte di quiete / che alla vita vi mosse / liberate alla danza / i corpi millenari / fino all’umana radice / Tornate alla Via Lattea / dei sogni dentro gli occhi / non invasi dal mondo / al di là del nome / e della forma redenta / dai cieli immateriali / dove sale il canto / della nuova fioritura / nell’ora eterna / della resurrezione


99.7% (5026 recensioni)\nNº valutazioni: 5040 0% (1 recensioni)\nSpedizione rapidissima, imball\nSpedizione rapidissima, imballaggio perfetto!! mi hanno pure regalato dei croccantinii alle erbe officinali per il mio cane lupo cecoslovacco.. spero vi possano essere altri prodotti Monge (umido) in futuro a quei prezzi!:)\nFino ad ora sempre top. Soprat\nFino ad ora sempre top. Soprattutto nel servizio al cliente.\nUna certezza confermata. Rapid\nUna certezza confermata. Rapidissimi nella consegna, ottima la confezione, il mio gatto dopo l'apprezza moltissimo. Ottimo sotto ogni aspetto.\nSalve! Sinceramente non ho nul\nSalve! Sinceramente non ho nulla da rimproverarvi, ho fatto 2 ordinazioni con Voi, ed ho ricevuto il tutto dopo 2 giorni, veramente tempestivi, e di questo mi congratulo con voi!\nOttimo servizio, puntuale e pr\nOttimo servizio, puntuale e preciso. Rapporto qualità prezzo senza eguali\nTutto perfetto da consigliare . Coreezza e precisionenei\nSiete fantastici come sempre ;\nSiete fantastici come sempre ;-)\nMolto celeri e puntuali\nTutto perfetto velocissimi!!!!\nTutto perfetto velocissimi!!!!!!!!!!😀😀😀 Io sono molto soddisfatta, per la velocità della spedizione e i prezzi buoni rispetto ai negozi per animali che frequento abitualmente. Ho avuto bisogno anche di assistenza telefonica per il\nServizio impeccabile e rapidis\nServizio impeccabile e rapidissimo,sicuramente farò altri acquisti,mi ritengo più che soddisfatto\nPet Shop Store - Valutazione media: 4.95/5 - Nº valutazioni: 5040


Parliamo delle porcellane Severes e Meissen in quanto tra le più importanti. Esiste una quantità esagerata di falsi e imitazioni: circa il 95%! Diciamo subito che l`imitazione è una cosa, il falso un altra.\nL`imitazione è una cosa normale: è ovvio che le piccole aziende cercassero di imitare gli oggetti che all`epoca erano i più ricercati.\nAnche l`imitazione è in effetti un falso. Nella maggor parte dei casi ha il marchio dell`azienda che lo ha prodotto. Uno tra questi è il parigino Edme Samson (1810-1891), detto anche il grande imitatore. Aprì nel 1845 le sue ditte di ceramica, chiamate Sansone e Edme e Cie, dove produceva pezzi di ricambio per musei e collezioni private assicurando che avrebbe fatto di tutto per evitare confusione con gli originali. Sfornò splendide imitazioni della manifattura del secolo prima di Sevres, oggetti in porcellana a pasta tenera e pasta dura. Ben presto divenne evidente la sua superba abilità per la riproduzione delle copie, belle come le originali.\nEdme Sanson era quindi specializzato nella riproduzione di porcellana d`esportazone stile cinese nel periodo in cui era di moda per le famiglie aristocratiche ordinare i propri servizi dal sud della Cina.\nLa gamma delle merci comprendeva le copie di porcellana del 700 di fabbriche come Sèvres, Chelsea, Meissen e Derby e porcellana cinese d`esportazione. Produceva particolarmente stemmi, maioliche e ceramiche Delftware e Iznikware (vedi a destra un manufatto di Samson).\nIl suo marchio erano due elle incrociate, ma andavano lette come 4 esse intrecciate. Anche suo figlio Emile era un vasaio e decoratore di ceramiche che nel 1864 trasferì la fabbrica a Parigi, Montreuil, con più di 200 operai.\nNella metà dell`800 Sanson stava producendo porcellana in tutte le forme e stili, imitando tutte le fabbriche principali paesi europei, così come Imari (giapponese) e il famoso Famille Rose e Famille Verte prodotti in Cina tra il 1720 e 1790. Nell`800 le porcellane Samson sono state considerate solo le copie, ma ora queste copie sono diventate antiche avendo più di 100 anni.\nAnche Minton imitava spesso Sevres ma il suo marchio è ancora più facile da riconoscere: ha la solita doppia elle incrociata però mancante del pezzo basso, dove messa al centro o poco al di sotto c`è una emme, che non stà per la lettera dataria usata da Sevres dal 1753, ma stà per Minton.\nTra la fine del 700 e i primissimi dell`800, a Parigi vi fu un fiorire strardinario di piccole manifatture e studi decorativi. In epoca più tarda molti di questi usavano imitare i marchi di Sevres come per esempio Rue de la Paix, Clignancourt, Rue de Saint Marin. L`editto reso valido dal Re impediva loro, ma solo in via del tutto teorica, di usare il decoro policromo e la doratura sui propri oggetti, poichè esse erano prerogativa di Sevres, ma era facile non dar peso a questo atto, e bisogna aggiungere che le piccole manifatture parigine del tardo 700 produssero oggetti talune volte davvero stupendi e ricercatissimi dai collezionisti di tutto il mondo.\nCon Meissen le cose sono più facili, la maggior parte delle imitazioni provengono dagli studi decorativi e manifatture di Dresda, quasi tutte a partire dalla seconda metà dell`ottocento: Helena Wolfsohn, Ambrosius Lamm, Karl Thieme a Potschappel, Franziska Hirsch, lo stesso Samson a Parigi produssero e decorarono oggetti nello stile di Meissen raggiungendo talvolta livelli eccellenti. Le manifatture Wallendorf, Volkstedt in Turingia, Nymphenburg furono valide e produssero imitazioni coeve di Meissen spesso molto eleganti. In Inghilterra, Derby, Chelsea, Bristol anch`esse prestigiose manifatture sorte nel 700, si dedicarono all`imitazione dello stile di Meissen con splendidi risultati.Dunque bisogna fare attenzione ai marchi, e non solo. Anche il tipo di porcellana è altrettanto importante: va accuratamente osservata nelle sue parti non decorate per accertarne la provenienza. La porcellana di Meissen molto antica tende al grigiognolo, quella di Sevres è candidamente bianca e molto più leggera. Poi bisogna soffermarsi principalmente sui volti e sulle vesti per osservare se la fattura è minuziosa. Anche le forme dei manici delle tazze sono estremamente importanti, ovviamente facendo uno studio approfondito.\nMa spesso ci sono dei falsi mal fatti: ad esempio negli stati Uniti circolano tantissimi piatti di Sevres di pessima fattura. Oltre a guardare il marchio, che può non essere cosi`importante, si può controllare anche il fondo: spesso ci sono dei cerchi in rialzo. Questa lavorazione è stata fatta alla fine dell`800, per cui anche se il piatto recasse la data (per esempio) del 1855, si presuppone che non sia possibile che abbia quei cerchi in rialzo.


PUNTO 2-Bce, banche in fila per ultima Tltro2, a big italiane 53,9 mld | Reuters\nPUNTO 2-Bce, banche in fila per ultima Tltro2, a big italiane 53,9 mld\nMILANO/FRANCOFORTE, 22 marzo (Reuters) - Le banche della zona euro hanno approfittato dell’ultima opportunità per approvvigionarsi di liquidità a lungo termine e a basso costo presso la Banca centrale europea, aggiudicandosi un importo ben superiore alle attese nella quarta ed ultima operazione del secondo schema Tltro2 (Targeted long term refinancing operations).\nLa Bce ha collocato stamane 233,473 miliardi di euro in fondi a quattro anni, accogliendo le richieste di 474 istituti.\nLa mediana delle stime raccolte da Reuters in un sondaggio tra gli operatori del mercato monetario prospettava per oggi un’erogazione di 125 miliardi su un plafond complessivo di circa 1.200 miliardi. I principali istituti di credito italiani, secondo calcoli Reuters sui dati raccolti presso i principali istituti, si sono aggiudicate 53,9 miliardi sui 125-130 miliardi a disposizione del sistema bancario tricolore.\nLa cifra raccolta oggi si andrà ad aggiungere ai 173 miliardi lordi raccolti nelle tre precedenti operazioni.\nNella Tltro2 condotta a dicembre, le richieste dalle banche italiane si erano fermate a 18 miliardi sui 62 miliardi dell’intera zona euro, con richieste provenienti da 200 controparti.\nA spingere la domanda complessiva, secondo gli analisti di UniCredit, che avevano segnalato rischi al rialzo sulle attese, le prospettive di graduale incremento del costo del denaro, in un contesto di ripresa del credito a famiglie ed imprese, senza dimenticare le richieste a scopo precauzionale in vista del rischioso appuntamento con le elezioni presidenziali francesi.\nLo schema Tltro2 — annunciato da Francoforte un anno fa nell’ambito di un pacchetto di misure di stimolo all’economia, ma che il consiglio di questo mese ha deciso di non rinnovare — prevede che gli istituti possano vedersi riconosciuta una remunerazione sui fondi ottenuti in prestito dalla Bce, purché incrementino oltre una determinata soglia gli impieghi nei confronti di imprese e famiglie.\nLe banche che hanno partecipato all’operazione odierna potrebbero aver ottenuto liquidità ad un tasso negativo, fino a -0,40%, attuale livello di penalizzazione applicato alla liquidità depositata a fine giornata in Bce.\nCon l’operazione di oggi sale a 740,194 miliardi l’importo del programma Tltro2. Considerando i rimborsi anticipati dei prestiti raccolti con il vecchio schema, le quattro Tltro2 hanno generato una liquidità aggiuntiva nel sistema bancario della zona euro di 330,338 miliardi di euro. Rimangono inoltre in essere 21,745 miliardi di prestiti erogati da Francoforte con la prima serie di Tltro.


Pretty Little Liars 4x16 - Close Encounters - Recenserie - Solo Recensioni Serie );\nPretty Little Liars 4×16 – Close EncountersTEMPO DI LETTURA 3 min\nPublished on 25/01/2014 in Recensioni by Dead Recensore\nCominciamo subito con l’affermare che questo sedicesimo episodio di Pretty Little Liars, “Close Encounters”, è da considerarsi un episodio sufficiente. Ma andiamo con calma. Se dovessi basarmi su quanto visto nei primi 22 minuti (più o meno), l’unica cosa spontanea e censurabile sarebbe stata un bel WTF? Però inaspettatamente l’episodio migliora e questi “Incontri Ravvicinati”\nrisultano avere quel quid in più. Tralasciando le solite paturnie e i filoni narrativi che si potrebbero tranquillamente abbandonare o concludere in due minuti, la storia ha avuto una evoluzione e questo non accadeva da tempo, ovviamente faccio riferimento ai numerosi episodi filler prontamente sottolineati in passato, l’ultimo giusto giusto settimana scorsa era “Love, ShAck Baby“.\nIl personaggio che vince il premio di character più interessante (aggiungerei un finalmente), è quello di EzrA. I “retro” dell’ormai noto bel faccino si fanno sempre più interessanti e la capacità di svincolarsi dalle situazioni scomode (vedi Aria che lo tempesta di domande sul suo finto viaggetto dall’amico Curtis) lo presenta sempre più come mente eccelsa e temeraria; in fin dei conti era rimasto in città a risolvere situazioni a noi sconosciute. Ezra ha incontrato una donna, chi era? Di sicuro non era il suo avvocato; di sicuro non riguardava l’ex compagna e il finto figlio … quindi con chi stava parlando così animatamente? Un’altra domanda che si unisce a quelle già presenti da tempo, alle quali dopo quattro stagioni non sappiamo ancora dare delle risposte.\nIl punto di forza alla fine è sempre stato questo: stuzzicare la nostra curiosità quel tanto che basta da farci ritornare settimana dopo settimana davanti allo schermo in attesa di una nuova puntata. Come abbiamo visto, sono sufficienti pochi incipit e il gioco è fatto.\nRitornando ad Ezra, penso (o forse è meglio dire spero) non sia una bufala colossale come quella di Toby, anche perché questo suo nuovo/vero aspetto viene abbastanza delineato e descritto dagli autori, cosa che rende il tutto ancora più intrigante.\nLa svolta di questa puntata è di sicuro Ali e la sua decisione di mostrarsi ad Emily, colei che dovrebbe essere la sua preferita. Se da queste quattro stagioni abbiamo imparato qualcosina, sappiamo fin troppo bene che questa sua decisione non è stata presa sulla base di alcun sentimentalismo strappalascrime. Spencer docet! Ciò che sorprende, uso questo termine solo perché finalmente la verità è stata detta apertamente, è il non fidarsi completamente delle sue amiche tanto da mantenere contatti solo con Shana … Shana? Ebbene si, la sua migliore amica dell’infanzia, Shana!\nQuesti elementi narrativi hanno come contorno Hanna, Aria e le loro tribolazioni amorose. Minuti noiosi rivisti tantissime volte, infatti non spenderò più di qualche riga nel commentarli. Vorrei solo sottolineare due scene che hanno spezzato la monotonia asfissiante alla quale stavamo assistendo: per quanto riguarda Hanna, la scena dei piatti stile “casalinga disperata in collera con il marito” l’ho trovata carina e ben inserita nel contesto; per quanto riguarda Aria, invece, la scena finale di Jake e dell’attacco subito è stata quella che più mi è piaciuta.\nLa seconda parte dell’episodio\nEzra, sotto tutti gli aspetti\nAli che decide di parlare ad Emily\nJake entrato nel mirino di A?\nLa prima parte dell’episodio\nToby e il Radley: un filone narrativo che viene raccontato con troppa lentezza\nEmily e l’amore ritrovato per Ali\nLove. ShAck. Baby 4×15 2.2 milioni – 1.1 rating\nClose Encounters 4×16 2.6 milioni – 1.2 rating\ngli episodi di Pretty Little Liars rimangono, chi più chi meno, sempre\nsullo stesso livello. Non ci sono picchi né strafalcioni colossali, ma\nsolo piccole pillole narrative per soddisfare (come dicevo prima) un po’ la nostra\ncuriosità. Questo ha funzionato per quattro stagioni, ma la domanda\nresta: quanto potrà durare?\n26/01/2014 alle 14:33\nD'accordo con tutto, ma PLL è tutto tranne che esente da strafalcioni colossali. Però è vero, gli autori giocano sulla nostra curiosità di sapere la verità. E si adagiano sugli allori per questo. Sanno che continueranno ad avere pubblico anche se toccassero il punto di "non ritorno" in trashaggine.\nPrevious Story Previous post: White Collar 5×10 – 5×11 – Live Feed – Shot Through The Heart\nNext Story Next post: R.I.P. (Recenserie In Peace) – Scrubs


Cancelli scorrevoli elettrici ed automatici, ideali per ampi ingressi con poco spazio. Una valida alternativa ai classici cancelli a battente. Tutti i marchi presenti sul nostro e-commerce sono scelti con cura dall'ufficio acquisti e per questo sono caratterizzati da un'ottima qualità. Nice, BFT ed Elvox sono solo alcuni. Scegli il tuo prodotto ed acquistalo sul nostro e-commerce. Il prezzo è ottimo e sempre aggiornato, e la consegna è garantita in 48h.\nAutomazione cancello scorrevole 900KG 230V Automazione elettromeccanica 230V SAFE per cancelli scorrevoli ad uso residenziale/aziendale con peso max anta 900 kg. Velocità dell'anta 12m/min. Fine corsa magnetico con encoder incorporato per inversione su ostacolo e gestione precisa dell'apertura e del...\nKit cancello scorrevole CYCLO 24V FAAC Kit completo per automazione ad anta scorrevole FAAC CYCLO KIT cod. 1059995 Motoriduttore FAAC C720 24V per cancelli scorrevoli fino a 400 Kg di peso, estremamente compatto e robusto, caratterizzato da elevatissimo rendimento(>80%) ed impiego...\nKit per l’automazione di cancelli scorrevoli KIT per l'automazione di cancelli scorrevoli fino a 400Kg e lunghezza dell'anta fino a 6 metri Pratico: centrale di comando incorporata, estraibile tramite comodo connettore ad innesto guidato, ricevitore radio integrato compatibile anche...\nKit automazione cancello scorrevole RIB K800 Un Kit per cancelli scorrevoli fino a 800 Kg di peso costituito da: 1 Operatore K con quadro 1 Radio ricevitore RX433-A 1 Antenna SPARK senza cavo 1 Telecomando bi-canale SUN 2CH 1 Coppia di...\nKit automazione per cancelli a battente RIB KING Kit per l'automazione di cancelli a battente che contiene: 2 motori per anta battente KING 1 quadro di comando 1 telecomando bi-canale SUN 2CH 1 selettore a chiave da parete 1...\nVisualizza 1-12 dei 12 prodotti


BRINDISI - «Un alieno a Brindisi». L’alieno è Dario Vergassola, uno dei più apprezzati e irriverenti comici della scena nazionale, atteso al Nuovo Teatro Verdi di Brindisi giovedì 1 luglio alle ore 21 per un incontro con il pubblico che si preannuncia fuori dagli schemi dello spettacolo tradizionale, un po’ come piace allo scrittore e umorista spezzino. Vergassola inaugura una rassegna di incontri a teatro, dal titolo «Le luci sulla città», che vedrà alcuni personaggi, del mondo dello spettacolo e del giornalismo, ospiti della città per una giornata e poi al Verdi per raccontare l’esperienza e le impressioni sulla gente e sui luoghi.\nL’appuntamento con Dario Vergassola è organizzato con il sostegno della Regione Puglia, nell’ambito del finanziamento «FSC 14-20: Patto per la Puglia. CUSTODIAMO LA CULTURA IN PUGLIA 2021 - Misure di sviluppo per lo spettacolo e le attività culturali - D.G.R. n. 1570/2020 - A.D. 499/2020». Per l’occasione saranno osservate le regole del protocollo per il contenimento e il contrasto della diffusione del Covid-19. Il biglietto ha il costo di 1 euro per il diritto di prenotazione del posto. I biglietti sono disponibili presso il botteghino del Teatro, aperto al pubblico dal lunedì al venerdì, dalle ore 11 alle 13 e dalle 16.30 alle 18.30. Giovedì 1 luglio, giorno dell’incontro, dalle ore 11 alle 13 e a partire dalle 20. Info 0831 562 554 e www.nuovoteatroverdi.com.\nIl format prevede una breve esperienza dell’artista nella città, un viaggio nei tratti identitari, nei luoghi più rappresentativi, nella sua dimensione storica e culturale. Vergassola vivrà Brindisi per un giorno calandosi nel suo spirito di città-porto, entrando nella città di pietra e delle relazioni, dialogando con la sua gente e vivendone la storia attraverso i simboli più importanti. Una città vista da vicino con occhi nuovi e curiosi, con il supporto di una guida turistica e di speciali testimoni, per indagare pregi e difetti, potenzialità e limiti, risorse e fragilità. Poi, la sera alle 21 l’incontro a teatro, per definizione il luogo della narrazione e dell’immaginazione. E Dario Vergassola è uno che sul palcoscenico sa stare bene, a proprio agio, forte di un estro trascinante e spontaneo, uno spezzino classe 1957 che per lunga militanza cabarettistica ha dato grigia vita al personaggio dello «sfigato», esaurito e depresso da primato. A Brindisi arriva con un ricco bagaglio d’attore e d’autore, con dentro tanta satira impertinente e graffiante, che ha di recente espresso in un libro dedicato agli incantevoli scenari delle Cinque Terre, a testimonianza della sua grande versatilità.\nConduce la serata il giornalista Antonio Celeste. «Se sulla carta geografica - ha detto Vergassola - unisco i due punti tra La Spezia e Brindisi viene fuori una linea obliqua che attraversa gran parte dell’Italia. Se percorri le linee oblique scopri sempre cose interessanti. Sono quelle che mettono in contatto, che collegano le diversità e fanno emergere le somiglianze. Visiterò Brindisi con questo spirito, lo spirito obliquo, quello che mi porterà a riconoscere le cose che la accomunano a La Spezia, due città di mare con una storia che lega il porto a viaggi, leggende, racconti e tradizioni. Sarà bello entrare nell’anima della città, toccarne il cuore, ascoltare il dialetto, e come un viaggiatore prendere nota dei nomi e dei colori, e poi fare teatro di tutto questo, con quello che il teatro ci mette a disposizione, il gioco e la condivisione, la profondità e la leggerezza. Ci sarà tutto per trasformare la curiosità di una giornata da visitatore in qualcosa di più, un racconto fatto insieme lungo le linee oblique della bellezza e dei suoi ostinati cercatori».\nDario Vergassola è approdato nel mondo dello spettacolo con la manifestazione diretta da Giorgio Gaber «Professione comico», nella quale ha ottenuto sia il premio del pubblico sia quello della critica. Da allora ha iniziato una intensa carriera in televisione, come ospite, autore e presentatore («Star 90», «TG delle vacanze», «In Kantina», «Premio Tenco», «Comici», «Maurizio Costanzo Show», «Mai dire gol», «Quelli che il calcio», «Zelig», «Parla con me») e in teatro, con diversi spettacoli. Ha inoltre partecipato a serie tv e pubblicato album e libri, tra cui il primo, «Lunga vita ai pelandroni» (Piemme, 1999), e l’ultimo, «Storie vere di un mondo immaginario» (Baldini+Castoldi, 2021).\n“Lo Zingaro - Non esiste curva dove non si possa sorpassare”, prova da solista di Marco Bocci, è lo spettacolo in scena mercoledì 11 maggio - con sipario alle ore 20.30 - al Nuovo Teatro Verdi di Brindisi\nRassegna di Prosa: Massimiliano Gallo e Stefania Rocca per la regia di Alessandro Gassman in «Il silenzio grande»\n“ Il mio corpo è un’opera d’arte”, appuntamento al Nuovo Teatro Verdi di Brindisi venerdì 15 aprile\n«Il mio corpo è un’opera d’arte». È questo il titolo dello spettacolo in scena nel Nuovo Teatro Verdi di Brindisi venerdì 15 aprile - sipario ore 19 - con protagonisti i ragazzi del centro socio-educativo-riabilitativo «Oltre l’Orizzonte» e del «Centro di Aggregazione Giovanile», servizio gestito dalle cooperative sociali «Amani» e «Solidarietà e Rinnovamento»\n“Ghost. Il Musical” ritorna al futuro e approda venerdì 8 aprile sul palco del Nuovo Teatro Verdi\nGhost. Il Musical” ritorna al futuro e approda venerdì 8 aprile sul palco del Nuovo Teatro Verdi di Brindisi - sipario ore 20.30 - nella speciale versione musical adattata dallo sceneggiatore originale Bruce Joel Rubin, con la regia di Federico Bellone a dirigere un cast capeggiato da Giulia Sol, Mirko Ranù e Gloria Enchill\nRassegna di Prosa: in anteprima regionale, a Fasano con «Bloccati dalla neve» arrivano Enzo Iacchetti e Vittoria Belvedere\nL’assessore Cinzia Caroli: «Sono certa che questo lavoro piacerà molto e sarà apprezzato, immagino che ciascuno di noi rivedrà se stesso, le proprie punte di carattere, i propri limiti e probabilmente le proprie inesauribili risorse»\n“Se la storia va a teatro”, la storia di Brindisi vista da un punto di vista originale, quello dei documenti originali - pergamene e quotidiani\nProssimo appuntamento martedì 29 marzo nelle sale della Biblioteca arcivescovile “Annibale De Leo”, con la storia di Brindisi vista da un punto di vista originale, quello dei documenti originali - pergamene e quotidiani - ivi conservati


Il volto per strada, fotografia (A spasso per Firenze)- MonLaw\nHome HOME Volto per strada\nFirenze è sicuramente una delle città più belle del mondo grazie alla sua architettura e alle sue opere d’arte. Agli Uffizzi, per esempio, si possono ammirare i capolavori di Giotto, Paolo Uccello, Botticelli, Piero della Francesca, e tanti altri ma anche i vicoli del capoluogo toscano non scherzano!\n“Volto per strada” è una fotografia scattata in una via sperduta in cui sono capitata per puro caso. Il graffito, che ritrae un volto di donna dipinto su una serranda, mi ha colpito subito per la lucentezza dei suoi colori e ha lasciato una traccia indelebile della sua bellezza nella mia mente.\nPrevious articleButterfly Kisses, vincitore LFF\nNext articlePrima di domani: Tra la vita e la morte


Heinrich Heine | L'opera oggi\n6 aprile 2021 OttocentoHeinrich Heine, Wilhelm HauffRenato Verga\nVienna, Theater an der Wien, 24 novembre 2015\nL’immaginario cupo di Py per la Urfassung dell’Olandese\nPunto di svolta dell’opera di Wagner e primo titolo ad essere ammesso nel canone del sancta sanctorum di Bayreuth (sono esclusi per volontà dell’autore non solo Die Feen e Das Liebesverbot ma anche Rienzi), Der fliegende Holländer è un lavoro ancora a forme chiuse – recitativi, arie, duetti, versi ripetuti – ma lo stile musicale è già del tutto wagneriano con un utilizzo quasi sistematico dei Leitmotive.\nPer quanto riguarda la vicenda la sua particolarità è ben messa in luce da Elvio Giudici: «L’opera s’iscrive nel vasto filone dell’immaginario con cui il romanticismo popolò letteratura e teatro di esseri soprannaturali o comunque vaganti nella landa extra reale della pazzia o del trance sonnambulo. Ovvi i motivi: poter dire – o addirittura tradurre in situazioni esplicite sulla scena – cose che le convenzioni sociali ed etiche della realtà quotidiana vietano rigorosamente. Una pazza può abbandonarsi a sogni proibiti intrisi della sensualità che una signorina dabbene può forse provare ma giammai esplicitare, pena il diventare “perduta” ovvero essere escluso dalla società costituita. […] Ecco perché, ben oltre gli intrinseci valori testuali, il teatro di Ibsen prima e di Strindberg poi scoppiò come una bomba nella prospera e apparentemente paga borghesia ottocentesca: i loro protagonisti – spesso femminili, per giunta – nel dire verità scomodissime pur non essendo affatto pazzi o emarginati, e dicendole nei solidi salotti della buona borghesia, di questa minavano esplicitamente le fondamenta di un ordine fin lì rigidamente codificato nella poco santa ma molto funzionale trinità Dio-Famiglia-Bordello».\nOlivier Py in questa sua produzione mette in evidenza le pulsioni nascoste dei protagonisti per cui Senta è una Madame Bovary, «una donna che desidera una vita diversa da quella di moglie e casalinga. […] Non è capace di vivere in quel piccolo mondo in cui è assente una qualsivoglia dimensione spirituale, artistica; ha bisogno di essere libera, ma non ha le parole per esprimere i suoi sentimenti, così insegue un fantasma il cui ritratto è l’unica forma d’arte e spiritualità che le è concessa».\nL’ambientazione è riportata a quella originale, la costa scozzese, e per questo alcuni nomi sono diversi: Georg invece di Erik, Donald invece di Daland. Nella drammaturgia di Py Senta, figlia del mercante Donald, è morta: ha seguito uno straniero che il padre le ha portato come sposo, un uomo per cui lei ha creduto di dover morire per liberarne l’anima. Ma è stata illusione o realtà? O puro teatro?\nNella scenografia di Pierre-André Witz una struttura di legno scuro ruotando è di volta in volta la chiglia di una nave, l’interno della casa di Donald o un campo di croci tombali. Le luci di Bertrand Killy rendono l’atmosfera minacciosa e il tono, come è spesso nelle produzioni di Py, cupo. Durante l’ouverture un uomo si dipinge la faccia il collo e le spalle di nero davanti a uno specchio da camerino: è il Satana menzionato dall’Olandese, qui un personaggio che interagisce nella vicenda capeggiando a un certo punto, nudo sull’altalena, gli spiriti maledetti della nave fantasma. Sulle pareti vi sono disegni di un teschio, tre scheletri scenderanno dall’altro per danzare una macabra Totentanz sul tavolo dei marinai e un enorme teschio apparirà quando Senta decide di morire per salvare l’uomo. La morte pervade il libretto in cui le parole Tod, tot (morte, morto) compaiono sedici volte.\nSenta entra in scena per scrivere sulla parete di fondo la parola ERLÖSUNG (redenzione), la sua ragione di esistere. Alla fine la scritta si è trasformata in ERWARTUNG (attesa), il tema centrale dell’allestimento di Py che assieme a Marc Minkowski ha scelto la versione originale del 1841, la Urfassung, in un unico atto e senza redenzione finale: è un’attesa inutile quella di Senta. I marinai sono viaggiatori con valigia e una valigia piena di banconote è il tesoro dell’Olandese con cui paga ospitalità e, per buona misura, anche una moglie.\nMarc Minkowsli a capo de Les Musiciens du Louvre, orchestra con strumenti originali, con la strumentazione più leggera e lo svolgimento melodico più asciutto della versione originale mette magnificamente in luce la tensione del dramma e i timbri netti. Il peso sonoro non copre mai le voci che possono osare livelli interpretativi inusitati, come è il caso di Bernard Richter che delinea un Georg da Lied romantico di grande sensibilità. O di Manuel Günther che fa del Timoniere un ruolo di preziose eleganze. O ancora della Mary di Ann-Beth Solvang. E questo per i ruoli secondari!\nSamuel Youn ha fatto dell’Olandese il suo ruolo di predilezione (lo troviamo tra l’altro nelle produzioni di Thielemann/Kloger e Heras-Casado/Ollé entrambe registrate su DVD). Apprezzabile è il suo gioco di mezze voci ma per il resto si può condividere il giudizio che ne dà il Giudici: «Voce non brutta e neppure poca nel settore centrale, ma estensione corta tanto su quanto giù: onde suono calante molto spesso, sforzo perenne, colore niente, accento meno di niente al pari di carisma scenico».\nIngela Brimberg è interprete di eccezione per proiezione e solidità, se non per estensione verso l’acuto. La sua Senta non è la solita fanciulla persa nei sogni, ma una donna determinata – una femminista la pensa Py – che segue sul mare nero agitato da Satana l’uomo del suo destino. Lo squallido personaggio del padre Donald trova nella voce possente di Lars Woldt un interprete estremamente efficace anche scenicamente.\n9 novembre 2020 OttocentoHeinrich Heine, Wilhelm HauffRenato Verga\nTorino, Teatro Regio, 16 ottobre 2012\nApertura di stagione con Wagner, di cui si celebreranno l’anno prossimo i duecento anni dalla nascita. Il Teatro Regio sceglie la sua prima opera matura, quell’Olandese volante che aveva visto il debutto a Dresda nel 1843. La durata di circa due ore e un quarto permette un’esecuzione senza intervallo, come voleva originariamente l’autore, ma è anche comune il taglio in tre atti. A Torino viene scelta la soluzione dell’atto unico, la più efficace per mantenere la tensione del dramma.\nLa messa in scena è di Willy Decker, che l’aveva approntata per Parigi nel 2000. Minimalista la scenografia: una grande stanza bianca e spoglia con una grande marina sulla parete di fondo e un’enorme porta su quella di destra. Il regista privilegia una lettura onirica e psicanalitica della vicenda in cui non è il mare la presenza incombente, bensì l’inconscio oltre quella porta. Non ci sono navi in scena, solo delle funi a cui si aggrappa l’Olandese, né il suo ritratto sulla parete, la sua effigie è in una miniatura che Senta porta al collo. Tutto è rarefatto nella regia di Decker, che risolve in maniera scioccante la morte della donna: non essendoci rupe da cui potersi gettare, ma neppure il mare, alla donna non resta che piantarsi un pugnale nel petto per porre fine alla sua esistenza e sacrificarsi così per l’uomo amato.\nIl mare in scena non c’è, se non nel dipinto, ma è nell’orchestra, diretta da Gianandrea Noseda con passione e grande controllo musicale. Cast eterogeneo quello sul palcoscenico. Mentre Mark S. Doss è un autorevole Olandese, il tenore Stephen Gould (Erik) è stentoreo e il suo canto spesso gridato e Steven Humes ha un timbro un po’ troppo chiaro per Daland. Convincente invece Adrienne Pieczonka, intensa e vibrante Senta. Bene il timoniere di Vicente Ombuena e la Mary di Claudia Nicole Bandera. Buona la prova del coro del teatro salutato al termine dai calorosi applausi del folto pubblico torinese.\n25 Maggio 2018 OttocentoHeinrich Heine, Wilhelm HauffRenato Verga\nTorino, Auditorium RAI Arturo Toscanini, 24 maggio 2018\nUnica opera eseguita in forma concertistica per la corrente stagione dell’Orchestra Sinfonia Nazionale della RAI. Una tradizione che purtroppo diviene sempre più rara anche presso le fondazioni liriche italiane, mentre all’estero è molto più frequentata, permettendo di risparmiare un po’ di soldi sull’allestimento scenico e dando modo di concentrarsi, per una volta, solo sull’aspetto puramente musicale.\nIl programma della serata è incentrato sulla romantische Oper di Richard Wagner Der Fliegende Holländer (L’Olandese volante), qui nella versione in tre atti voluta dall’autore stesso dopo quella originale in un atto unico presentata a Dresda il 2 gennaio 1843 – ma da allora seguiranno innumerevoli altre versioni da parte di un compositore mai pienamente soddisfatto del suo lavoro.\nAlla guida dell’orchestra RAI c’è il suo direttore principale e neo-Commendatore della Repubblica Italiana, James Conlon. Dopo un’ouverture che non convince pienamente – a parte certi interventi degli ottoni non proprio impeccabili, la lettura del direttore americano è concentrata molto sull’aspetto teatrale e drammatico della partitura, ma mancano un po’ la profondità e il respiro oceanico di questa pagina – le cose si mettono per il meglio con l’ingresso degli interpreti, concertati abilmente e con un attento equilibrio con le massicce sonorità orchestrali. Conlon sembra però prediligere i momenti di danza e di maggior cantabilità di un lavoro che funge da cerniera tra il Wagner immerso nella tradizione musicale tedesca di Weber e Schubert e il “nuovo” Wagner. Il direttore riesce comunque a evidenziare la mirabile unità di questo lavoro che immerge tradizionali numeri chiusi (recitativi, arie, duetti, terzetti, concertati) in un flusso musicale travolgente.\nMerito del successo della serata è anche degli eccellenti cantanti. Il giovane Wagner non ha paura a costruire un intero primo atto sulle voci gravi di un basso e di un basso-baritono, qui entrambi islandesi e dalla sicura vocalità: Tómas Tómasson e Kristinn Sigmundsson. Il primo è un Olandese autorevole dal timbro scuro la cui apparizione è quasi da brivido. Il personaggio è sapientemente scolpito con solo qualche piccolo segno di stanchezza vocale nell’ultima parte. Il secondo è un Daland che dopo l’ingresso possente come comandante della nave si trasforma in padre amorevole ma anche interessato al denaro, come il Rocco del Fidelio beethoveniano, con l’espressione che denuncia la sostanziale meschinità del personaggio che vende la figlia abbagliato dai tesori esibiti dallo straniero. Bellezza di timbro, espressività e grande forza della parola sono le doti di Sigmundsson. Ancora nel primo atto ammiriamo la terza voce maschile prevista da Wagner, il Timoniere, questa volta un tenore, il brillante Matthew Plenk.\nSarà una lontana erede del compositore Amber Wagner che qui veste i panni di Senta? Il soprano americano stupisce per la bellezza del colore della voce – non le stridule e metalliche voci che talora si sentono in questa parte – e dai mezzi vocali prodigiosi che le permettono di completare l’esecuzione senza la minima smagliatura. Un Eric di grande smalto è quello di Rodrick Dixon, tenore squillante e dalla tecnica dispiegata abilmente nei passaggi drammatici come nelle trascinanti pagine liriche esibite nel suo ruolo. Il mezzosoprano Sarah Murphy ha completato come Mary il cast.\nMa L’Olandese volante è anche e soprattutto opera corale. Al nostro Coro Maghini viene aggiunto il Coro Filarmonico Slovacco e il risultato è eccellente sia negli interventi maschili sia in quelli femminili.\nUn pubblico non numerosissimo ma prodigo di applausi ha festeggiato con particolare entusiasmo l’orchestra e gli artisti. Speriamo sia di stimolo a far presentare più spesso in questa forma altre opere, anche quelle meno conosciute o di difficile allestimento. Così sarà tra poche settimane con L’ange de Nisida, rarità donizettiana, in concerto al Covent Garden di Londra.\n16 gennaio 2017 OttocentoHeinrich Heine, Wilhelm HauffRenato Verga\nHelsinki, Suomen Kansallisooppera,24 novembre 2016\nIl finlandese volante di Holten\nNiente mare in questo Olandese wagneriano di Kasper Holten all’Opera Nazionale Finlandese. Solo tanto blu: la tempesta è tutta nell’animo dell’Olandese, artista affermato che nel suo studio si affanna su tele astratte in cui riversa il suo mal di vivere e che riflettono la sua visione della realtà quale la vediamo nella videografica proiettata sullo sfondo di un palcoscenico girevole che dà il senso dell’incessante ricerca di un approdo. Tutto ciò viene detto durante l’ouverture a sipario alzato. E poi la vicenda inizia, ma niente «costa ripida e rocciosa» o vascelli: siamo tra la folla di un elegante vernissage dei quadri dell’artista. Daland informa la figlia del viaggio al telefonino e l’Olandese fa il suo racconto («Die Frist ist um, und abermals verstrichen sind sieben Jahr’», Passato è il termine, e ancora una volta sono trascorsi sette anni) come illustrando le sue opere, per poi appartarsi per la sua “preghiera” («Dich frage ich, gepriesner Engel Gottes, der meines Heils Bedingung mir gewann», A te io chiedo, o benedetto angelo del Signore, che ottenesti la condizione della mia salvezza).\nQuesta descrizione minuziosa dell’inizio dello spettacolo dimostra la logica drammaturgica di Holten e la sua visione teatrale che trascura gli aspetti romantici della giovanile opera wagneriana e non crede al fascino del maledetto che va per mare in un’epoca come la nostra in cui il mare si vede dalla cabina di una città galleggiante che attenua ogni rollio o beccheggio eventuali. Qui le onde sono quelle che oscillano tra un’irrequieta ambizione artistica e il desiderio di trovare pace, una casa, affetti duraturi. Come accadeva all’artista Wagner, afferma il regista.\nL’espediente non sempre funziona: tutti i termini marinari suonano a vuoto e la storia raccontata sembra un’altra da quella che conosciamo. Solo in alcuni momenti l’idea risulta efficace, come nel duetto in cui l’Olandese chiede a Daland la figlia in isposa, con i due uomini brilli per il copioso whisky bevuto mentre trattano la faccenda come uno squallido scambio, quale in effetti è, con quell’accompagnamento danzante nell’orchestra. Nel secondo atto le filatrici sono allieve invece in una lezione di ceramica, Senta si perde dietro alla copertina della rivista Time dedicata all’Olandese e la sua ballata la canta mentre crea una violenta opera astratta completa di dripping alla Pollock e body painting – l’opera che farà innamorare l’Olandese, più che Senta stessa. Il loro rapporto inizialmente non è diretto e personale, bensì interposto da un mezzo artistico, qui una cinepresa che amplifica le espressioni dei loro volti. La spettrale scena iniziale del terzo atto è un incubo dell’artista popolato da una folla senza volto e dall’alcolismo di cui è vittima. Anche il finale è particolare: ancora un vernissage, ma questa volta è Senta l’artista, ed è lei a mettere in mostra i video dell’Olandese, tra cui quello con cui si è tolto la vita.\nNon c’è il mare, dunque, in questa lettura molto teatrale di Holten, ma c’è il senso di annegamento del protagonista, a cui in alcuni momenti manca l’aria e lo fa boccheggiare. Fortunatamente non manca il fiato al cantante, il fascinoso baritono danese Johan Reuter, un autorevole Olandese svettante nel registro acuto e imponente in quello grave e dalla magnetica presenza scenica. Ma è proprio il personaggio, a cui viene mancare l’alone di mistero dell’originale, che qui è debole, unitamente alla sua eccessiva presenza in scena fin dai primi momenti.\nCamilla Nylund è una Elsa eccellente per vocalità e intensità espressiva. Gregory Frank è un Daland efficace mentre l’Erik di Mika Pohjonen è insopportabilmente gridato. Di grande bellezza timbrica la voce del timoniere di Tuomas Katajala.\nIn questo contesto il direttore John Fiore neanche prova a proporre una lettura romantica dell’opera e le sue bordate musicali non sono propriamente trascinanti, anche a causa di un’orchestra non eccezionale, con ottoni sbandati e archi dal suono secco. Non esaltante la prova del coro, ahimè in un’opera in cui gli interventi corali sono quanto mai determinanti.\n8 marzo 2015 OttocentoHeinrich Heine, Wilhelm HauffRenato Verga\nLondra, Royal Opera House, 24 febbraio 2015\nAl cinema con Terfel\nSecondo appuntamento quest’anno dalla Royal Opera House. Questa volta tocca all’opera di Wagner e l’interesse principale di questa ripresa dell’allestimento del 2009 è la presenza nel ruolo eponimo di Bryn Terfel – a proposito, il cognome del baritono gallese abbiamo imparato si debba pronunciare ˈtεrvεl.\nNon è la prima volta che Terfel dà voce al capitano costretto dalla maledizione a vagare per i sette mari senza sosta: è dal 2006 che ha aggiunto questo ai suoi ruoli wagneriani dopo il debutto nel 1998 come Wolfram nel Tannhäuser. Nel tempo la sua interpretazione è ancora migliorata e ha perso certi atteggiamenti istrionici. Ora è una presenza sinistra, ma tragicamente dolente e tormentata dal rimorso. Il baritono dà il dovuto peso a ogni parola e colore a ogni espressione, confermandosi tra i maggiori interpreti di oggi.\nAdrianne Pieczonka è una Senta non giovanissima, dalla voce calda ma dagli acuti non eccezionali e non esagera nel sottolineare l’aspetto di morbosa ossessione del personaggio, che qui sembra non veder l’ora di abbandonare l’ambiente in cui vive, fosse anche col primo giramondo senza meta che capiti a tiro.\nDegli altri interpreti si fa notare per presenza scenica il timoniere del versatile Ed Lyon, che per una volta abbandona le preferite opere barocche.\nDopo il discusso Lohengrin salisburghese, torna a dirigere Wagner l’attuale direttore musicale delle orchestre di Birmingham e di Boston, Andris Nelson, che sfrutta la sua giovanile energia per adempiere ai suoi doveri al di qua e al di là dell’Atlantico, ma diversamente dall’olandese non mostra segni di stanchezza. La sua è una direzione vigorosa e incisiva e la scelta di non interrompere l’esecuzione con un intervallo fa risaltare ancora di più l’impeto e l’unità di concezione del giovanile capolavoro wagneriano.\nLa regia di Tim Albery, ripresa da Daniel Dooner e con le scenografie di Michael Levine, ambienta la vicenda negli anni ’80: i marinai potrebbero scaricare container e le ragazze, che lavorano alle macchine da cucire di una azienda di manodopera a cottimo, appena possono si infilano i loro sgargianti vestiti in poliestere per fare bisboccia con qualche cassa di birra con i loro uomini. Non sorprende che Senta sogni di filarsela da questa situazione.\nIl mare è assente in questa visione. È sicuramente da qualche parte di questo desolato porto del Mare del Nord, ma in scena a ricordarlo c’è solo una lunga pozza d’acqua, probabile scolo delle merci bagnate che vengono scaricate. La presenza delle navi è suggerita dalle pesanti gomene di ormeggio e dalla scala con cui l’olandese sale a bordo per l’ultima volta. Qui Senta non si getta in mare dalla rupe: sola sul molo prende in mano il modellino di nave dalla pozzanghera e crolla a terra. Deludente anticlimax a quello che la musica suggerisce in orchestra.\n21 giugno 2014 OttocentoHeinrich Heine, Wilhelm HauffRenato Verga\nUn coinvolgente allestimento\nConosciuta in Italia anche come Il vascello fantasma (traduzione del titolo con cui è nota invece in Francia, Le vaisseau fantôme) è la prima delle opere della maturità di Wagner. Dopo gli iniziali lavori questa è la prima opera veramente “wagneriana” e nella carriera del compositore segna la prima drastica presa di distanza dall’opera convenzionale. Le forme chiuse sono quasi abolite e la melodia procede quasi senza interruzioni. L’Olandese volante contiene motivi musicali riferiti alle figure di Senta e dell’Olandese, ma non si tratta ancora di veri e propri motivi conduttori passibili di uno sviluppo sinfonico. Il tema della maledizione (che risuona nei corni dell’ouverture) e della salvezza redentrice della donna (i legni in partitura) è un tema centrale nell’etica e nell’estetica di Wagner e sarà alla base della costruzione dell’immane Ring decenni più tardi.\nL’opera è basata sul racconto satirico Aus den Memoiren des Herrn von Schnabelewopski (Dalle memorie del signor Schnabelewopski, 1833) di Heinrich Heine e sul racconto di Wilhelm Hauff’s Die Geschichte von dem Gespensterschiff (Storia della nave fantasma, 1826). Scritta su libretto del compositore stesso e concepita inizialmente come atto unico, come il Rheingold, fu diretta da Wagner nella versione divisa in tre atti alla Semperoper di Dresda il 2 gennaio 1843 con Wilhelmine Schröder-Devrient protagonista. Dopo il brillante spettacolo offerto da Rienzi, con grandi effetti teatrali, l’Olandese era apparso tristemente povero e le rappresentazioni furono sospese dopo quattro repliche. Wagner apportò delle modifiche alla partitura per le riprese a Kassel (giugno 1843), Lipsia (1846, prevista ma non effettuata), Weimar (1851), Zurigo (1852), Monaco (1864) e Parigi (1869). Ma ancora nel 1881, a due anni dalla morte, Wagner prendeva in considerazione una revisione della sua opera.\nLa vicenda è ripresa dalla leggenda dell’olandese volante, un capitano condannato a navigare fino al giorno del giudizio per aver maledetto Dio a causa delle difficoltà riscontrate nel superare il Capo di Buona Speranza durante una tempesta. L’ispirazione è parte autobiografica, in seguito ad un viaggio nello Skagerrak funestato da una tempesta a fine luglio 1839. Accanto a questa storia autobiografica c’è anche una fonte letteraria, individuabile nella versione di una antica leggenda marinara riscritta da Heinrich Heine, Dalle memorie del signor Schnabelewospki, pubblicata negli anni 1833-34.\nAtto I. Tornando verso casa con la sua nave, Daland, un navigatore norvegese, si trova ad affrontare una tempesta che lo costringe a cercare rifugio a riva. Lascia quindi di guardia una sentinella e va a dormire con i marinai. La sentinella però si addormenta, quando compare un vascello fantasma, nero e dalle vele rosse, da cui scende a terra un uomo pallido vestito di nero. L’uomo si lamenta del suo destino, costretto a navigare per sempre senza meta. Un angelo gli annunciò i termini della sua redenzione: ogni sette anni, una tempesta lo porterà a riva e solo se troverà una moglie che gli sarà fedele per l’eternità potrà abbandonare il suo triste destino. Daland lo incontra. L’olandese gli offre dei tesori e quando viene a sapere che Daland ha una figlia nubile ne chiede la mano. Daland acconsente tentato dagli ori. Entrambe le navi ripartono.\nAtto II. Delle ragazze cantano nella casa di Daland. Senta guarda sognante il quadro dell’Olandese volante, che vuole salvare. Contro la volontà della nutrice, canta la storia dell’Olandese, di come Satana lo udì giurare e lo portò nel suo mondo e dichiara in modo passionale la sua intenzione di salvarlo. Erik arriva e la sente; le ragazze se ne vanno e il cacciatore che ama la ragazza la rimprovera, raccontandole il suo sogno, in cui ritorna con uno straniero misterioso che la porta via con sé nel mare. Lei ne è felice, ed Erik se ne va sconsolato. Daland arriva con lo straniero; lui e Senta si guardano in silenzio. La figlia quasi non nota il padre, neppure quando le annuncia le intenzioni dell’Olandese e giura di essergli fedele fino alla morte.\nAtto III. In tarda serata, i marinai di Daland invitano gli uomini dell’Olandese ad aggregarsi alla festa, ma invano. Delle forme spettrali appaiono sulla nave dell’Olandese e gli uomini scappano impauriti. Senta è seguita da Erik che la rimprovera. Quando lo straniero ode le loro parole, è preso dalla paura che lei possa non essergli fedele e racconta a tutti di essere l’Olandese volante. Quando salpa con la nave, Senta si tuffa e muore annegata. Questo salva l’Olandese, che sale con Senta in paradiso.\nLa Nederlandse Opera ci ha avvezzi alle più audaci e stimolanti sperimentazioni e anche questo allestimento del 2010 con la regia di Martin Kušej non delude le aspettative. Se non rinunciate a un Wagner messo in scena nel modo più tradizionale, lasciate perdere. Ma se credete che i suoi temi abbiano una validità a prescindere dai tempi e dai luoghi allora apprezzerete la visione che il regista ci vuole trasmettere pur nel rispetto delle qualità drammatiche e musicali dell’opera. Il tema della ricerca della patria e dell’esclusione è messo perfettamente a fuoco dalla messa in scena che ambienta l’opera su una nave da crociera su cui sono imbarcati anche dei “clandestini”. L’Olandese e il suo equipaggio sono dei senza patria che cercano di far breccia nel nostro mondo ricco mentre Senta anela a una relazione che la allontani dal vuoto mondo delle sue fatue amiche.\nDurante la meravigliosa ouverture sullo schermo scorrono immagini in bianco e nero di un mare in tempesta, ma appena l’opera inizia il colore irrompe con violenza. Un pesce agonizzante sul palcoscenico e i vetri rigati dalla pioggia della vetrata di fondo si collegano alla burrasca che è stata appena evocata dall’orchestra, ma la scena è presto invasa da una folla multicolore di croceristi scampati alla tempesta. Non siamo infatti nell’epoca dei velieri, ma in quella odierna del turismo di massa.\nDa brivido è l’arrivo dell’Olandese con i suoi spettrali marinai, inquietanti e minacciose figure incappucciate che emergono dalla nebbia giallastra come in un film di Sam Raimi. Ma altri particolari inquietanti punteggiano la messa in scena, come ad esempio il “tesoro” che l’Olandese mostra a Daland, i soldi che ha estorto per il passaggio in nave. Nonostante poi che l’incidente della “Concordia” sia avvenuto nel 2012, due anni dopo questo allestimento, il fatuo ufficiale di Kušej (la sentinella del libretto) non può fare a meno di richiamare alla mente la figura del comandante Schettino! L’arte anticipa sempre la realtà…\nIl ruolo dell’Olandese è un po’ troppo grande anche per la pur poderosa voce di Juha Uusitalo, soprattutto nel suo primo intervento, temibile comunque per qualunque cantante. Poi però nel seguito dell’opera il cantante finlandese si dimostra più sicuro e convincente.\nSenta è sì all’arcolaio, ma nella spa che costeggia la piscina a bordo della nave e con la sua sognante ballata Catherine Naglestad ci risparmia i “coccodé” che abbiamo sentito in altre edizioni. La linea melodica del canto ha grande purezza e intima emozione e la sua è una Senta d’acciaio pronta da subito al sacrificio per liberare l’Olandese dalla sua maledizione. E non dovrà neppure buttarsi dalla rupe: con “moderna” coerenza ci penserà Erik a farla fuori con un colpo di fucile in un inaspettato e teatrale colpo di scena di questa regia che coinvolge per autentica drammaticità.\nSu un gradino inferiore la prestazione degli altri cantanti, ma quello che non danno loro lo dà l’orchestra diretta da Hartmut Haenchen con impeto, veemenza e perfetto senso drammatico.\nApprezzabile regia video che riprende in bianco e nero i dettagli degli orchestrali e ottimo audio che ricrea la profondità della scena. Perfette le luci che illuminano le terse scenografie di Martin Zehetgruber.\nExtra e sottotitoli in cinque lingue, ma non l’italiano.\nDer fliegende Holländer, Noseda/Decker, Torino, 16 ottobre 2012\nDer fliegende Holländer, Nelson/Albery, Londra, 24 febbraio 2015\nDer fliegende Holländer, Minkovskij/Py, Vienna, 24 novembre 2015\nDer fliegende Holländer, Fiore/Holten, Helsinki, 24 novembre 2016\nDer fliegende Holländer, Heras-Casado/Ollé, Madrid, 23 dicembre 2016\nDer fliegende Holländer, Conlon, Torino, 24 maggio 2018 (versione concerto)\nDer fliegende Holländer, Pitrenas/Šeduikis, Klaipėda, 1 agosto 2020\nDer fliegende Holländer, Lyniv/Černjakov, Bayreuth, 25 luglio 2021


Instagram e l'appiattimento della comunicazione del vino | Wine Digital Marketing\nInstagram e l’appiattimento della comunicazione del vino\nAnalisi critica di un social che funziona, che cresce, che coinvolge, ma che nasconde qualche scheletro di troppo nell’armadio.\nOk, titolo e sottotitolo sono volutamente forti. Forti ma non ingannevoli.\nVediamo perché c’è del vero, perché c’è realmente del marcio in Instagram e perché a Instagram non sembra poi importare molto di proporre delle soluzioni concrete e definitive ai propri problemucci.\nNelle ultime settimane mi sono imbattuto in un paio di contenuti video riguardanti Instagram che mi hanno particolarmente colpito. Uno più datato (di gennaio di quest’anno), che avevo già visto ma che i social hanno deciso di ripropormi (subdoli algoritmi), e uno ben più recente.\nI video sono di due noti e affermati professionisti della comunicazione digitale, Rudy Bandiera e Marco Montemagno, e sollevano problemi differenti ma complementari di Instagram, molto sentiti ma spesso poco discussi o, forse meglio, ignorati perché tacitamente accettati dalla community stessa.\nLe tesi principali contenute nei due video sono le seguenti (poi i video te li linko; non scalpitare e segui me che poi parlo anche di vino):\nla base tecnologica della piattaforma è viziata perché si sa che senza bot certi numeri non si raggiungono (a meno che tu non sia già una celebrità o un personaggio noto); quindi Instagram è un “banco truccato” dove tutti conoscono le magagne (tutti tranne chi ignaro osserva, il pubblico) e tutti tacciono\ni contenuti presentati dalle persone sono viziati perché: 1. espongono solamente una parte dell’esistente, spesso romanzata o edulcorata, allo scopo di far apparire meravigliose vite che sono in realtà ordinarie, con un gap percettivo non indifferente, soprattutto se replicato su centinaia di migliaia di profili, tutti i giorni, innumerevoli volte al giorno; 2. spesso sono frutto di profili virtuali, di algoritmi, non di persone reali\nI vizi di Instagram\nDoppio vizio quindi: della piattaforma e di buona parte dei contenuti in essa presenti.\nE anche se è assolutamente corretto fare i giusti distinguo (c’è ovviamente del buono e del bello, e ne ho parlato più volte) e non incorrere nell’errore di fare di tutta l’erba un fascio, è anche vero che il canale, se osservato da un punto panoramico, si presenta esattamente come appena descritto.\nDal punto di vista tecnologico Instagram è un genitore che abbaia quotidianamente promesse di punizioni che regolarmente non arrivano o arrivano in maniera molto blanda.\nNon contento, è anche il genitore che ti dice che fumare fa male ma intanto ti infila sigarette e accendino nella tasca dei pantaloni.\nAutomatismi, bot, tecniche non ortodosse per aumentare follower e truccare l’engagement sono all’ordine del giorno, vietate ma permesse, e fanno male a un sistema che più prosegue in questa direzione più si contamina con profili falsi, inattivi, virtuali e interazioni fatte da algoritmi e non da persone.\nL’altro lato dell’opaca medaglia Instagram è rappresentato dai contenuti, anch’essi spesso non reali, non personalmente prodotti, taroccati, “presi in prestito” da altri profili.\nE non parlo del discutibile ma libero desiderio di fotografare una versione migliore ed edulcorata della propria vita, quella che Montemagno definisce acutamente “una proiezione dell’inesistente”.\nQui mi riferisco al fenomeno delle immagini prese da altri profili, acquistate, trafugate da siti di minore importanza e riproposte sui propri.\nParlando di vino, potremmo citare le migliaia di bottiglie fotografate e non stappate perché troppo care per le tasche di chi le impugna, le emozionali immagini di vigneti californiani prese da qualche altro profilo e postate dal divano del proprio appartamento milanese, taggandosi però in Napa Valley, e via dicendo.\nChe valore attribuiamo a tutto questo, se non la miope capacità di creare, dal nulla, un qualche indotto di visibilità?\nEcco che il tema del contenuti apre le porte a ulteriori riflessioni.\nIn quanti modi si può fotografare una bottiglia di vino?\nQuesta è una domanda che mi pongo spesso mentre, più o meno distrattamente (o se preferisci attentamente), scorro il mio feed Instagram.\nSono indubbiamente un utente “particolare”, dovendo necessariamente per lavoro seguire cantine, vignaioli, blogger, giornalisti, comunicatori e wine influencer con un occhio più che vigile.\nCerto è che il contenuto bottiglia di vino impugnata, posata in vigna in primavera e nella neve d’inverno, zoomata sull’etichetta, sciabolata se parliamo di spumante, è veramente un oceano uniforme e piuttosto piatto, dove piccole onde di originalità riescono nell’arduo intento di far rallentare lo scorrere del pollice.\nTanto più che, per il principio che si tende ad emulare chi si apprezza e chi “funziona”, se iniziamo a vedere qualche immagine leggermente diversa o diversamente contestualizzata, ci assale la tentazione di provare anche noi quella luce, quel taglio, quell’ambientazione.\n[fai caso a quante immagini di calici roteanti con vino fissato in scenografica uscita hai visto ultimamente immortalate in Instagram]\nIl problema dell’appiattimento del contenuti, della sua ripetitiva monotonia, non appartiene solo ai post ma anche, e forse di più, alle stories e alle dirette, che presentano spesso contenuti improvvisati, privi di un reale valore, zoppicanti nella tecnica e nei contenuti, fatti tanto per fare, perché potere è diventato per forza dovere.\nTu che fai vino dovresti saperlo che una sola bottiglia non può cambiare il mondo.\nTante bottiglie, per tante e diverse annate, prodotte in base a una precisa filosofia produttiva, possono fare qualcosa, a volte anche cambiare il proprio mondo e quello di chi quel vino lo consuma.\nLo stesso vale per la comunicazione digitale.\nIl singolo contenuto probabilmente non può nulla. Un insieme coeso, coerente e originale di contenuti in un lungo periodo di tempo, in base a una precisa strategia, può contribuire alla creazione di un brand vinicolo solido e riconoscibile.\nUna soglia di attenzione ridotta al minimo, una quantità di contenuti indefinita, il tutto unito a un monotono appiattimento della comunicazione non aiuta certo la tua azienda a spiccare, a far breccia, a farsi ricordare.\nUn vigneto al tramonto piace a tutti. Ma quando quei tutti fanno un like alla tua immagine lo stanno facendo a te, alla tua azienda, o a un generico tramonto in vigna?\nSe un consumatore non sposa solamente un’emozione, per definizione aleatoria e mutevole, bensì un marchio, un’idea, allora hai fatto bingo. Ma per tutto questo servono contenuti originali, per tanto tempo, su molteplici canali, in base a un’idea di sé che non tutti hanno o riescono a costruirsi.\nE per contenuti originali non intendo solo e banalmente differenti, ma anche propri, proprietari, non unicamente demandati a terzi (consulenti, agenzie, influencer) produttori di contenuti a catena di montaggio, difficilmente distinguibili gli uni dagli altri.\nInstagram oggi è tutto questo. È il supermercato ampio e affollato dove entri perché ti serve qualcosa ed esci con il carrello pieno di cose che non avevi intenzione di comprare.\nTutto questo non fa bene alla comunicazione del vino, non fa bene a chi la produce e a chi la subisce, non fa bene alla qualità dei contenuti e all’algoritmo, non fa bene alle aziende. E infatti pochi brand del vino riescono a costruirsi, nel tempo, una solida, personale e fedele community. Mentre è pieno di cantine con tanti follower.\nE tu? Preferisci apparire o lasciare un segno e rimanere?\nRudy Bandiera 4 Giugno 2019 at 13:40\nGrazie mille per la citazione e per l’interessante articolo che ho twittato\nMarco 4 Giugno 2019 at 14:29\nGrazie a te Rudy, perché offri sempre preziosi spunti di riflessione\nClaudia 5 Giugno 2019 at 7:53\nOvviamente io faccio vino ed Instagram era al 567simo posto nella lista dei miei interessi quotidiani.\nCapita però che io abbia una nuora che è marketing manager di una grossissima azienda (roba farmaceutica, di vino non ne capisce nulla) che ha cominciato ad insistere perché usassi Instagram come mezzo di comunicazione della nostra azienda e del nostro vino. Dai e dai (pensavo di non avere tempo) ho sempre rifiutato finché non ho letto uno dei tuoi articoli in cui parlavi delle tecniche di follow/ unfollow, ninjalitics falsi profili e falsi followers ed altre cose che oltre a convincermi del fatto che sarebbe stata una perdita di tempo, mi hanno convinto a cominciare a comunicare la mia azienda in Instagram.\nEd ho raccolto la sfida di mia nuora (che è giovane, carina, i viaggi in posti mozzafiato li fa davvero e fotografa piatti prelibati in ristoranti stellati)\nIo sono schiava della mia vigna, neppure particolarmente grande per cui alla fine vedrai sempre le stesse inquadrature, le stesse persone, gli stessi animali, le stesse bottiglie….anzi di bottiglie e di calici (non roteanti) ne vedi abbastanza pochi, i tramonti pure scarseggiano perché a quell’ora sto preparando la cena.\nChe ti devo dire? Anche così io trovo che la mia vita sia davvero unica ed interessante e mi viene difficile di seguire il ritmo di un post al giorno che mi sono imposta perché ogni giorno trovo cose interessanti da condividere. Interessanti per me è ovvio.\nChe ti devo dire? Mio marito dice che offro un immagine della nostra azienda per nulla professionale e nessuno ci prende sul serio perché invece dell’immagine patinata offro quella di due svitati un po’ folk.\nMa è quello che siamo e non voglio deludere nessuno, intanto u su Instagram ho conosciuto una cantina in Oregon con cui abbiamo fatto un gemellaggio e quando andiamo ale fiere capita sempre qualcuno che voleva assolutamente conoscerci perché ci segue su Instagram… solo non decine di migliaia. Ma chi se ne frega?\nNo, no, lo so che bisogna fregarsene dell’immagine che si da della propria attività ma se è fasulla che senso ha?\nMarco 6 Giugno 2019 at 8:37\nCara Claudia, da quello che leggo mi sembra però di capire che, nei giusti limiti di tempo dati dal lavoro in vigna e in cantina, offrite una rappresentazione autentica della vostra realtà in Instagram (realtà che già seguivo). Questo è sempre un bene. Questo e la costanza di proseguire onestamente e coerentemente un percorso nel tempo, fregandosene anche un po’ dei numeri 🙂\nDario De Caro 5 Giugno 2019 at 16:03\nOttimo articolo e grandi spunti. Sono perfettamente d’accordo!\nPrevious Post Metti il brand al centro della nuova ricerca mobile di Google\nNext Post Anche sui social, scegli cosa piantare


Perdite d'acqua e allagamenti domestici: cosa fare per affrontare l'emergenza?, Noleggio, online\nAspiraliquidi per un'aciugatura\nottimale di piccole perdite d'acqua.\nMotopompa autoadescante: asporta una grande quantità di liquidi.\nAlza e getta l'acqua fuori dal locale o dal luogo allagato.\nn caso di allagamento vero e proprio, per aspirare grandi quantità di liquidi è indispensabile avere a disposizione pompe ad immersione o motopompe autoadescanti: ciò significa che l'acqua viene aspirata automaticamente all'avvio e fino al suo spegnimento.\nprecedente: Come e quando seminare il prato?\nsuccessivo: Carotatrice per edilizia: noleggio, caratteristiche e consigli utili per l'uso.