AstrAzione – 8/17 aprile 2009 galleria Vista - Roma\nArtisti: Elisabetta Fontana, Luciano Giovannini, Francesco Granelli, Giovanni Mangiacapra, Luigi Profeta.\nElisabetta Fontana ha una grande passione per l'arte. Durante l'esperienza di Umbria Jazz, l’artista ha avuto modo di conoscere direttamente l'opera di Alberto Burri a Città di Castello, che le ha dato lo stimolo necessario per approfondire il discorso di rielaborazione dei materiali: le realtà organiche ed informali dei cretti, delle combustioni e dei sacchi, Elisabetta ha provato a rielaborarla utilizzando le resine.\nLuciano Giovannini da alle sue opere esperienze e significati profondi, paesaggi dell’anima e della mente, filtrati attraverso l’uso sapientemente controllato delle forme e dei colori. La natura, forzata e sofferente in queste forme si fa caparbiamente strada in modo inquietante, rammentandoci che ci troviamo di fronte a una realtà apparente, ad un fluttuare di forme sullo sfondo di uno spazio puramente cerebrale.\nFrancesco Granelli affronta diversi stili, tutti rivolti alla rappresentazione formale dell’immagine e dell’immaginario; disegni, caricature, sculture e soprattutto, oli su tela; in questi ultimi prevalgono i colori caldi del rosso e del giallo miscelati direttamente sulla tela opportunamente preparata con una miscela personale; i colori sono disposti con pennellate brevi ma violente; l’incontro fra i colori – così diversi tra loro in senso cromatico – deve rappresentare l’incrocio tra le diversità e le conoscenze.\nGiovanni Mangiacapra fa delle sue opere materia viva, pulsante, organica: il corpo fluido della pittura che scorre sulla tela, sospinta da una passione incontenibile, ritrova la sua anima nella luce che penetra nei pigmenti e svela profondità inaspettate. L’artista aggredisce la tela con impulsività, stende il colore con robuste pennellate che lasciano la superficie ruvida, fitta di concavità e sporgenze come il terreno appena arato, ma pronto ad accogliere il seme della vita.\nLuigi Profeta elabora opere partendo da un rapporto fortemente dialettico ( e a tratti conflittuale) tra elementi contrapposti: luce e tenebre, ordine e caos, forma e materia. Si tratta, come è facile arguire dalle coppie di elementi contrapposti, di un'arte che potremmo definire, senza tema di smentita, di matrice " filosofico-cosmogonica", anche se poi i titoli delle opere ci rimandano ad origini di marca più spiccatamente personale e psicologica.\nFigurAzione – 18/28 aprile 2009 – galleria Vista - Roma\nArtisti: Stefano Amici, Francesca Betti, Gabriela Bodin, Cristianomorellizimmer, Sandro Giordano, Enrico Greci, Dolores Lazzari, Flavia Manfroncelli, Franco Marchiolli, Matteo Quadalti, Lisa Zerbin.\nCon questa mostra Soqquadro vuole indagare le ultime ricerche nelle nuove forme di figurazione dell’arte moderna. Gli artisti partecipanti, pur seguendo tutti il filo conduttore dell’espressione artistica figurativa, elaborano in modo molto diverso tra loro, con diversi stilemi e tecniche, le loro opere. Ciò che ne emerge è un panorama variegato che esplora i diversi sentieri che l’arte ha intrapreso ponendosi il significato della figura, del paesaggio e delle forme di arte “riconoscibili” nell’attualità del movimento artistico.\nStefano Amici, unico scultore presente in mostra, propone le sue ultime ricerche in creta, figure che emergono dalla terra dall’amalgamarsi con essa o, di contralto, esplorando una figurazione che sfiora il geometrico.\nFrancesca Betti non si sofferma su un soggetto per troppo tempo, è eclettica nei confronti delle tecniche e dei supporti che costituiscono una grande fonte di ispirazione ed è attratta soprattutto dalla realtà che la circonda; Francesca è definita da forti materialità e corporeità che però si dissolvono nell’evanescenza dei suoi scenari , come a focalizzare una ed unica idea.\nGabriel Bodin ci illustra suo percorso artistico: “La mia ricerca artistica ha iniziato con un “dispetto” verso la mia storica professoressa di belle arti che mi impediva di utilizzare il nero nella pittura spiegandomi che sporca l'opera, io invece mi sono accorta che questo non-colore ha la forza di creare atmosfere profonde e misteriose rispecchiando perfettamente il mio carattere e stato d'animo. Il mio obiettivo e catturare l'attenzione del passante, trasportarlo in un altra dimensione e suscitarli emozioni di ogni tipo.”\nCristianomorellizimmer presenta in questa mostra un’opera eseguita direttamente con le mani -\ndal cuore alle mani : l'artista elabora immagini della campagna toscana che sono raccolte nel cuore e le esprime direttamente con le mani sulla tela, considerando le mani come la nostra frontiera con il mondo.\nSandro Giordano si esprime con ampie descrizioni d'amore e di inquietudine, luminose figure emergono da fondi scuri, servendosi del gioco eterno di luce ed ombra. L’opera presente in mostra rappresenta una donna china su di se in atteggiamento riflessivo dalla quale emana l’intera luce del quadro.\nEnrico Greci è un artista che metabolizza le immagini che lo circondano e le imprime sulle tele come tatuaggi dal make-up moderno e accattivante. Non utilizza operazioni troppo concettuali, imita la vita, e non solo, la prende in prestito e ne usa la bellezza, la forza comunicativa, e il messaggio semiotico. Nei suoi ritratti, si sentono i sapori della metropoli, gli odori di linguaggi cinematografici, e i colori primari tipici di una nuova Pop Art.\nDolores Lazzari racconta con le sue opere il suo paesaggio veneziano e di questa sua ricerca ci dice: "Nell'ambito del profondo fascino che mi suscita la città con tutto il suo vissuto storico, sociale, culturale.....insomma, il luogo dove tanti uomini hanno lasciato la loro tangibile impronta, io cerco di rappresentare la sintesi tra questa tangibilità e la mia astratta emozione."\nFranco Marchiolli e Flavia Manfroncelli, fondatori del Movimento Univerticalista, in“Il nostro magma quotidiano” analizzano in modo innovativo il rapporto tra l’uomo e la natura. Questo lavoro rappresenta uno sguardo all’interno del mondo, una via per addentrarci nel conflitto tra la perfezione della natura e la frenesia scellerata degli uomini, che calpestano le regole naturali e le forzano a loro piacimento per interessi politico-economici. Se il rapporto tra uomo e natura in quest’opera diventa l’aspetto fondante, va comunque rilevato che l’arte Univerticalista sta in una sperimentazione che sappia interrogare ed interrogarsi, innovarsi con sistemi classici guardando al futuro.\nMatteo Quadalti nella sua pittura, non è alla ricerca spasmodica del nuovo. I suoi lavori guardano molto al passato, non per anacronismo integralista ma perché molte delle tipologie di produzioni passate sono congeniali al suo modo di intendere la vita. Nel percorso di Matteo sono evidenti i riferimenti che congiungono l'arte senese di Martini o Duccio all'arte del rinascimento, passando per Lotto, Perugino, Caravaggio, fino ad approdare alla Lempicka.\nLisa Zerbin crea un’arte che è espressione di un’ emozione creata da una foto, sensualità, armonia nei movimenti, un suono dipinto a tocchi, una provocazione rappresentata dalla donna. Una donna nella sua femminilità, nelle sue movenze, nella sua maggiore espressione, donna in tutte le sue etnie, in tutti i suoi colori, in tutti i suoi nudi, sempre coperti ma svelati da piccoli dettagli. Donna nella sua morbida bellezza, avvolta da tocchi di luce e drappeggi in rilievo, al fine di creare un attimo pieno di emozione e sentimento che coinvolga tutti i sensi.\nWorking “out” progress – 5/19 giugno – 22 luglio/5 agosto 2009 – galleria Vista - Roma\nAngelo Aprile, Michela Fiini, Cristina Messora, Filippo Passeo, Corinne Piccarolo,\nWorking “out” progress è un viaggio di riflessione artistica sul tema della crisi nel mondo del lavoro. Vi sono esposte 16 opere che 9 artisti, diversi tra loro per stile, linguaggio e tecniche pittoriche, hanno appositamente realizzato sul tema della crisi.\nIn questo periodo di terribile recessione economica, tutti telegiornali ci parlano della crisi che prevedono sarà lunga e dolorosa. Molti lavoratori sono già stati messi in cassa integrazione o in mobilità ed i contratti in scadenza dei precari non sono stati rinnovati, a volte senza spiegazioni o con motivazioni fittizie.\nWorking “out”progress – 5/19 giugno – 22 luglio/5 agosto 2009 – galleria Vista - Roma\nWhiteness - i colori del bianco - 27 ottobre/5 novembre 2009 – galleria Vista - Roma\nArtista Angela Scappaticci\nAngela Scappaticci in questa occasione presenta "Whiteness - i colori del bianco" le cui opere orbitano tutte intorno ad una ricerca monocroma del bianco La stessa autrice spiega così il suo lavoro: "L'idea è quella di sfatare il concetto secondo il quale i quadri debbano essere necessariamente realizzati con dei colori; un quadro può essere costituito anche solo da forme e, soprattutto, simbolismi. Il bianco, peraltro, è pregno di colori, essendone la risultanza derivante dalla loro somma nello spettro elettromagnetico, ed è altrettanto denso di significati che spaziano dalla purezza e spiritualità occidentali al simbolo del lutto tipico di molte religioni orientali. Il bianco è la tavolozza cromatica più completa in cui tutto si può immaginare e tutto si può ridipingere".\nTras-Figurazione 6- 20 novembre 2009 – Galleria Vista - Roma\nArtista Dolores Lazzari\nDolores Lazzari opera da anni una ricerca sulla visione del paesaggio urbano. I paesaggi urbani della Lazzari non provengono dalla realtà terrestre, ma dall’oceano dei suoi sentimenti. Dolores riesce a narrarci una realtà “altra” perché sposta la narrazione dal piano meramente visivo a quello dell’esplicazione del suo sentire. I luoghi di cui Dolores ci parla sono esclusivamente spazi conosciuti ed amati dall’artista, vissuti e di conseguenza narrati non con lo sguardo dell’impressione, ma filtrati dallo stato d’animo dell’espressione. Nel suo passato Dolores Lazzari ha una lunga carriera di architetto, periodo in cui la pittura rimane secondaria nella sua vita, fino al momento in cui Dolores decide di cessare la sua attività come architetto per dedicarsi esclusivamente alla pittura. Anche la sua visione architettonica usciva dalla mera costruzione per inserirsi nella visone del mondo e non del suo particolare. La stessa Lazzari spiega così la sua visione del suo lavoro architettonico prima e pittorico poi: “Non ho mai visto l'architettura come progettazione di costruzioni fine a sé stessa, ma qualsiasi intervento deve per me essere finalizzato alla città, alla sua armonia e agli uomini che la abitano. Non a caso ho iniziato la professione come urbanista. Sono portata a vedere la città nel suo assieme, nella sua atmosfera, con la sua storia piena di vite vissute e viventi. Forse per questo nei mie quadri non ci sono particolari o descrizioni: perché non contano; ed è per questo che non ci sono presenze umane: perché la città è piena di presenze umane che hanno lasciato le tracce delle loro storie. E' il luogo dell'uomo e senza l'uomo non avrebbe senso.\nSchiavitu’ – 16 gennaio/2 febbraio 2008 – Mercato Alimentare di Piazza Vittorio – Roma\nun progetto di arte sociale da un’idea di Marina Zatta\nLa parte “Amore” del progetto vede l’interazione dell’artista con alcune prostitute. L’artista ha tagliato i vestiti che le prostitute indossavano in una performance di violenza simbolica. Ognuna di loro poi ha scritto su dei cuori di cartone una frase sul significato dell’amore. Con i brandelli degli abiti tagliati e i cuori sono state realizzate delle opere d’arte.\nLa parte “Lavoro” del progetto, condotta dal presidente dell’associazione culturale Soqquadro Riccardo Girini, ha come oggetto le interviste di alcuni lavoratori precari – schiavi moderni: la colf, la badante, il muratore, il lavavetri ecc, le cui immagini sono state successivamente elaborate da 6 artisti contemporanei.\nL’iniziativa si divide in due settori: Amore e Lavoro\nAMORE: La prima parte pone al centro una scomoda domanda: Quanti bravi e buoni padri di famiglia utilizzano per i loro svaghi amorosi il mercato della prostituzione?\n“L’Amore è …” è la domanda al centro della performance con cui l’artista ha spogliato l’identità fisica e affettiva delle professioniste del sesso. E’ infatti questa la domanda a cui quattro prostitute hanno riposto scrivendo su dei grandi cuori che cos’è l’amore per loro. Successivamente l’artista è intervenuto fisicamente con delle forbici sul corpo delle prostitute ritagliando un pezzo del loro vestito che insieme al biglietto è divenuto la base dell’opera pittorica. L’intervento con le forbici simboleggia la violenza fisica e psicologica con cui le operatrici del sesso si devono confrontare quotidianamente, ma violenza che è insita nel concetto stesso i amore. La presenza del biglietto è il cortocircuito dell’idea di amore di chi fa l’amore per vivere.\nLAVORO: Oggetto della riflessione sono i lavoratori immigrati, sottopagati in nero, che danno tutto per avere in cambio solo la sopravvivenza. Nello stesso tempo sono anche disprezzati e temuti perché si teme il diverso, ciò che non si conosce. Un gioco di ruoli in cui chi teme è spesso l’aguzzino, siamo noi? Quanti di noi pagano i contributi alla propria colf o badante? Quanti dei nostri proprietari agricoli segnano regolarmente i loro lavoratori stranieri? Quante delle nostre case affittate ai lavoratori stranieri hanno contratti regolarmente registrati? Riccardo Girini ha indagato sull’universo del lavoro nero e accompagnato da un fotografo e da un operatore video, ha documentato facce e condizioni di sei tipologie di lavoro (Commesso di alimentari, Colf, Muratore, Commerciante ambulante, Lavavetri, Benzinaio). Dalla serie di foto agli immigrati ne sono state selezionate 6 che sono state stampate in gigantografia e date a 6 artisti contemporanei: Marco Barucco – Giovanni Mangiacapra – Caterina Morelli – Gloria Tranchida – Lavinia Tucciarelli – Angela Scappaticci, che hanno trasformato le foto in lavori pittorici interpretando con i loro linguaggi artistici l’espressività esistenziale dei lavoratori. Sulle opere sono state scritte le “professioni” (p.e. la tua colf, il tuo muratore ecc.) delle persone ritratte per mettere lo spettatore della mostra di fronte ad una denuncia dei propri personali comportamenti nei confronti degli stranieri visti e trattati come braccia da utilizzare e non come persone.\nColore & Materia – 9/19 aprile – 22 aprile/8 maggio - 1/12 luglio 2008 - galleria Vista – Roma\nArtisti Giovanni Mangiacapra, Pietro Piazza, Scegle, Lavinia Tucciarelli, Marco Bellagamba, Serena Bigliani, Laura Candy, Roberto Pagnani, Paola Abbondi, Andrea Mercedes Melocco, Caterina Morelli.\nL’esposizione è il terzo ed ultimo appuntamento di un ciclo di mostre che Soqquadro ha dedicato ai temi dell’utilizzo colore e della materia nell’arte moderna\nSoqquadro ha organizzato un ciclo di mostre dedicate alle principali componenti della pittura e della scultura: il Colore e la Materia.\nGiovanni Mangiacapra utilizza il colore, steso sulla tela con grandi gesti di potenza informale, per comunicare le sensazioni della sua anima attraverso un segno liberatorio ed espressivo. Egli interviene sulla materia, attraversandola come corpo vivo e traducendola, con l’uso del colore, in linguaggio significante.\nPietro Piazza realizza opere che si collocano sulla scia della ricerca surreale che l’artista ha evoluto utilizzando lo strumento dell’astrazione geometrica. Nel suo percorso artistico la ricerca di linguaggio è predominante e l’uso del colore, o la sua assenza nei bianchi e neri, è lo strumento per la narrazione fantastica dell’immaginario dell’artista.\nEgle Scerelli, in arte Scegle, è un artista che esprime sulla tela figurazioni a tecnica mista, in un complesso itinerario cromatico espressione della propria forza spirituale. La figura, in particolare quella umana, rappresenta la base essenziale e costante della ricerca e della continua ed efficace sperimentazione dell’artista. Le tele di Scegle sono composizioni di accentuata creatività con inserti di materia: stoffa, metallo, vetro.\nLavinia Tucciarelli ha evoluto negli ultimi anni la sua ricerca ruotante sull’astrazione, per realizzare opere che mescolano la pulsione di un colore lanciato sull’opera con l’azione del dripping, all’utilizzo di materie “altre” (carte di giornali, stoffe, metalli…) con una libertà di comunicazione che tiene conto solo del bisogno espressivo dell’artista.\nMarco Bellagamba è dalla metà degli anni novanta, da quando Marco ritrova la scatole dei colori e dei pennelli del padre, che sente nascere lo stimolo di confrontarsi con la tela bianca. Da qui comincia il suo percorso attraverso il lavoro pittorico di stampo figurativo, che abbandonerà intorno al 2000, quando passa alla pittura informale ed aderisce al Transvisionismo, movimento artistico culturale.\nSerena Bigliani tramuta con pazienza vecchie carte in opere d’arte estremamente attuali, nel solco di un’arte pittorica in cui il colore ha un ruolo preponderante. Nelle sue opere, carte, vecchi giornali, colla, acqua, materie povere si trasformano, attraverso la rivisitazione coloristica e con l’uso dell’antica tecnica del papier maché, in quadri espressivi dal sapore informale.\nLaura Candy nasce a Roma dove vive e lavora; fin da piccola si esprime attraverso i colori, la musica, le parole; di questo oggi si occupa, cantando e scrivendo poesie e brani musicali e dedicando molto del suo tempo all'arte pittorica segnata dalla sperimentazione di tecniche diverse. Nelle sue opere, attraverso un utilizzo del dripping o delle tamponature sulla tela racconta un astrattismo potente fatto di segni che rappresentano l’esplorazione-espressione del ritmo dell’anima dell’artista, alla ricerca di un ordine creato attraverso il contenimento del caos.\nRoberto Pagnani è cresciuto in un ambiente familiare dedito al mondo dell’arte e si è formato a contatto diretto con opere ed artisti tra i più rappresentativi della cultura italiana ed europea come, ad esempio, M. Moreni e G. Mathieu. Ha frequentato la bottega d’incisione di Giuseppe Maestri a Ravenna ed ha esposto in numerose città italiane ed estere ricevendo vari premi e segnalazioni. In questa mostra espone i suoi ultimi lavori, in cui l’uso del colore è preponderante nella ricerca espressiva.\nPaola Abbondi crea opere pittoriche esclusivamente con l’utilizzo di materiale anomali, come la cera, che danno ai suoi lavori una forte narrazione scultorea. Con la scelta di colori polverosi, tenuti, mai aggressivi, si inserisce in un discorso espressivo fortemente etereo, che contrasta con un’elegante narrazione la potenza della scelta materica.\nAndrea Mercedes Melocco è scultrice, tutto il suo operare nasce da una attitudine/attrazione verso il racconto scultoreo, con lo specifico utilizzo del legno. Nonostante la sua poetica scultorea, la ricerca delle sue “sagome” si evolve su un discorso di tramutazione della tridimensionalità della scultura nella struttura espositiva narrata dalla bidimensionalità pittorica. Le sue sagome si appendono al muro, sono segni di ombre di uomini appiattiti contro la parete, con cui l’artista mette a confronto un elaborare la scultura in maniera estremamente raffinata, narrando al contempo l’uomo attraverso le sue ombre che, come le ombre reali, si appiattiscono sui muri.\nCaterina Morelli realizza quadri con segni minimali, colori espressi con pochi tratti di sottilissima leggerezza, che rendono i suoi lavori poetici come lievi soffi di vento che raccontano bisbigliando la storia degli oggetti che l’artista rappresenta. In questo discorso così sottile e leggiadro, Caterina inserisce piccoli dettagli di elementi tessili, fili e piccoli brandelli di tessuto. Sono particolari materici che rendono l’opera sottilmente tridimensionale, con un’espressività della materia quasi impalpabile che lo spettatore deve ricercare con attenzione, in questo gioco di narrazione garbata.\nProtezione Esterna - performance artistico/sociale a favore dei lavoratori esternalizzati dell’Università degli studi Roma Tre – 21 aprile 2008 – Rettorato di Roma 3 – Roma\nArtisti: Alexander Jakhnagiev, Ivan Jakhnagiev, Caterina Morelli, Giorgio Fersini, Angela Scappaticci, Marco Barucco, Flavia Manfroncelli, Anna Salvati, Lavinia Tucciarelli, Franco Marchiolli, Enrico Zingaretti\nIdeazione e curatela Marina Zatta\nCon la collaborazione del Coordinamento R.S.A. della Coop. 29 Giugno CGIL FP – USI – RdB CUB\nReportage fotografico Piero Cremonese\nDa qualche anno nella pubblica amministrazione va di “moda” esternalizzare i servizi che spesso riguardano anche settori delicati che dovrebbero essere svolti da personale istituzionale. Dietro un finto risparmio, realizzato solo sulla carta, spostando le cifre che concernono i lavoratori esternalizzati dalla colonna degli impiegati a quella degli appalti esterni, si celano situazioni di grave disagio lavorativo per persone a cui vengono riconosciuti diritti minori e verso cui si espleta una maggiore ricattabilità.\nI lavoratori esternalizzati hanno minore protezione, minori diritti, salari più scarsi in nome di un finto risparmio della collettività, che invece nasconde solo un passaggio di denaro dagli enti pubblici alle aziende private.\nNella situazione specifica dell’Ateneo Roma Tre, come è stato anche evidenziato dal servizio di Report del 25 novembre 2007, questa situazione rientra nei parametri dell’interposizione di mano d’opera, e bisogna anche tener conto che tra i lavoratori esternalizzati di Roma Tre il 30% sono invalidi.\nLe Organizzazioni Sindacali FP CGIL, RdB CUB e USI hanno sempre posto al centro delle loro proteste tale politica del lavoro che rende i lavoratori esternalizzati precari non solo nella loro attività professionale. Ecco perché, in collaborazione con l’Associazione Culturale Soqquadro hanno deciso di esprimere il proprio dissenso alla politica del lavoro dell’Università Roma Tre, ipotizzando l’utilizzo della pittura come una “Protezione Esterna” che sostituisca metaforicamente, attraverso l’atto del colorare il grigiore della vita dei lavoratori esternalizzati, la “protezione” sociale e lavorativa che essi dovrebbero avere.\nLa Gente è Astratta o Informale?\nLa Gente è Astratta o Informale? – 4 ottobre/ 7 novembre 2008 – galleria Vista - Roma\nArtisti Tommaso Antalo, Alessandro Bozzolan, Luca Fortunato, Luciano Giovannini, Andreina Guerrieri, Ivano Pardi, Marcello Trabucco, Enrico Zingaretti, Giovanni Boldrini, Mad, Maurizio Marchioretti, Nicola Morea, Valentina Majer\nCon questa mostra Soqquadro vuole indagare le ultime ricerche nel campo dell’Arte Astratta ed Informale con una visione allargata, come si arguisce dall’ironico titolo, al fruitore dell’opera, che viene spinto ad indagare in sé stesso se, la fascinazione o la repulsione per un’arte che narra il sentire utilizzando l’irriconoscibile anziché la figurazione, non celi nella sua anima la voglia di cercare la tranquillità del riconoscere o piuttosto il desiderio di avventurarsi oltre i confini del conosciuto all’occhio.\nE’ un modo per interrogarsi su sé stessi ben oltre i propri gusti artistici, ampliando le domande al rapporto tra il proprio cosciente e l’inconscio, lo sconosciuto, l’estraneo alla notorietà del reale.\nGli artisti esposti hanno tutti accettato di presentare i loro lavori in questa esposizione che possiamo narrare con un ossimoro di gioco serio, mettendo a nudo la loro visione del’arte e in qualche modo anche la visione psicologica del loro creare.\nRifiuti Eccellenti. L’arte del riciclo si mette in mostra – 10/24 ottobre 2008 – Chiostro del Museo Civico di Bracciano (Roma)\nIniziativa di Bracciano Ambiente, Comune di Bracciano e Provincia di Roma\nArtisti: Paola Abbondi, Patrick Alò, Luca Bellaccini, Marco Bellagamba, Serena Bigliani, Ariela Böhm, Paolo Chirco, Ciro Cipollone, Publia Cruciani, Fabrizio Falchetto, Giorgio Fersini, Mario Giuliani, Emilio Giusti, Jacopo Mandich, Andrea Mercedes Melocco, Caterina Morelli, Angela Scappaticci, Gloria Tranchida, Lavinia Tucciarelli, Cinzia Verni, Davide Zenobio.\nPerformance di Angela Scappaticci e Caterina Morelli\nIl progetto è legato all'avvio della sperimentazione della raccolta differenziata ‘porta a porta’ che il Comune di Bracciano sta promuovendo insieme alla Bracciano Ambiente S.p.A. L’Arte, dunque, questa volta non solo regala un momento di piacere per il pensiero dà anche una forte risposta alla società dell’usa e getta, di un consumismo che non produce nessun amore nei confronti di ciò che viene considerato solo un prodotto e mai un manufatto.\nTra gli artisti partecipanti si trovano rappresentazioni di diversi generi di arte, dal figurativo, all'informale, all'astratto, con l’utilizzo di tutti i possibili materiali da riciclo: plastiche, stracci, metalli, legni, carte, silicone, reti da pollaio, vecchie zappe o pezzi di motorini: tutto ciò che l’uomo moderno considera morto e da scartare viene visto da questi artisti come oggetto nobile, portatore in sé di una storia degna di essere narrata.\nShopping Bag = Arte\nShopping Bag = Arte 2008 – 13/14 dicembre 2008 – V Municipio Comune di Roma\n1° edizione dell’Arte del recupero nel V Municipio\nArtisti: gli studenti della Scuola Media Luigi Di Liegro e dell’Istituto d’Arte Sacra Roma 2, Maria Grazia Barbanera, Serena Bigliani, Ivan Jakhnagiev, Giusi Maletta, Flavia Manfroncelli, Franco Marchiolli, Patrizia Quaranta, Anna Salvati, Manuela Scannavini, Angela Scappaticci, Dani Sol, Gloria Tranchida e Lavinia Tucciarelli.\nCuratrici Giuseppina Maletta e Marina Zatta\nIl progetto Shopping Bag = Arte nasce dalla fantasia di Enrico Todi, curatore dell’Ass. Cult. Diletta Vittoria, e dalla attiva collaborazione dell’Ama che ha partecipato in partenariato alle edizioni svoltesi negli anni passati nella galleria di Via Margutta.\nQuest’anno la manifestazione è stata “esportata”, grazie all’Ass. Cult. Soqquadro ed alle curatrici Giuseppina Maletta e Marina Zatta, anche nel territorio del V Municipio, nel quartiere Colli Anieni, luogo in cui l’Ama ha avviato da tempo con successo la raccolta differenziata porta a porta.\nL’idea è di far riciclare ad alcuni artisti, sia professionisti che studenti delle scuole del territorio, alcune Shopping Bag usate utilizzandole come inusuale tavolozza per creazioni artistiche.\nGuglie, mostra in due tappe – 15/25 maggio – 18/28 luglio 2007 – galleria Vista – Roma\nArtisti maggio: Andrea Artusi, Marco Barucco, Marco Bellagamba, Laura Candy, Lidia Scalzo\nArtisti luglio: Lello Bavenni, Laura Limpidi, Flavia Manfroncelli, Franco Marchiolli, Anna Maria Scocozza, Antonio Spagnuolo, Heinrick Wagner\nGuglie è una moderna riflessione sul senso della spiritualità espresso da diversi artisti. Il riferimento del titolo è alle Guglie delle cattedrali gotiche che si elevavano verso il cielo alla ricerca espressiva della spiritualità medievale. Gli artisti hanno realizzato opere di cm. 30X120 esprimendo con la dimensione verticale la stessa concezione delle guglie gotiche. Le opere esprimono incertezze o determinazioni scatenati dal senso della spiritualità nel mondo moderno. L’epoca attuale è al contempo atea e religiosa ed in entrambi i casi spesso lo è in maniera integralista. Negli stessi spazi urbani convivono tante e diverse dimensioni del credere o negare l’esistenza del divino; queste diversità a volte coesistono pacificamente, altre volte si scontrano incapaci di tessere un dialogo. L’arte in quanto espressione del pensiero umano, ha il diritto/dovere di esprimere la propria visione su temi che coinvolgono la società. Anche in questo caso gli artisti esprimono, con le loro diverse riflessioni, la supremazia del dubbio contrapposto alla banalità della certezza che spesso caratterizza le forme di ideologia portando gli uomini allo scontro anziché alla comprensione reciproca.\nRinasce-Re – mostra in due tappe – 20/30 giugno – 4/14 luglio 2007 – galleria Vista – Roma\nArtisti giugno: Valentino Carboni, Angelo De Boni, Giorgio Fersini, Le Girasoli, Demis Martinelli, Mauro Mencucci, Luigi Profeta, Angela Scappaticci, Gloria Tranchida, Cinzia Verni\nArtisti luglio: Patrick Alò, Stefan Arletti, Serena Bigliani, Ariela Böhm, Beatrice Colabianchi, Hector & Hector, Pier Antonio Manca, Andrea Mercedes Melocco, Monica Notarbartolo\nNell'ambito di una visione sociale interessata alle modifiche ambientali del pianeta, Soqquadro presenta l’esposizione Rinasce-Re, un progetto dedicato ad artisti che lavorano sul tema dell’arte realizzata con materiali di risulta. In un mondo in cui le problematiche ambientali sono sempre più pressanti e le relative urgenze sempre più inascoltate dalla politica, l’arte è maggiormente attenta al fenomeno ecologista. Aumentano sempre, infatti, gli artisti che dedicano la totalità del loro lavoro alla realizzazione di pregiate opere d’arte create con oggetti rifiutati dalla società dei consumi, scarti reali che si impreziosiscono, attraverso il meccanismo concettuale del pensiero creativo. L’Arte in questo modo da una risposta concreta e, soprattutto, fortemente simbolica alla società dell’usa e getta, del consumismo sfrenato che non produce nessun tipo di amore nei confronti delle “cose” che vengono considerate prodotti e mai manufatti.\nIn questa linea concettuale gli artisti che oggi operano con l’arte del riciclo esprimono un bisogno antico, e nel contempo attualissimo di creazione di un rapporto d’amore e non solo utilitaristico tre l’uomo e le cose che egli stesso crea, delineando un solco profondo di differenza tra una cultura che mira all'avere come suo principio di base ed un’altra che predilige l’essere.\nPatrick Alò – mostra personale – 25 settembre/1 ottobre 2007 – galleria Vista - Roma\nPatrick Alò porta avanti da anni una ricerca espressiva fondata sul recupero di materiali di risulta, in particolare parti di metallo provenienti spesso da meccanismi dimessi (automobili, moto e biciclette rottamate…). Riutilizzare materie scartate dalla nostra società dei consumi per realizzare oggetti d’arte è da diversi anni una ricerca artistica sempre più in espansione. Ovviamente, dietro la semplice ricerca estetica si disvela, molto poco celata, una poetica intellettuale di attenzione ecologica alle sorti del pianeta, il desiderio di sottolineare il bisogno di non soccombere a quella che sembra una sorte ineluttabile, il seppellimento dell’uomo e della terra sotto una montagna di rifiuti. Ovviamente, non sarà il riutilizzo dei rifiuti recuperati dagli artisti moderni a salvare le sorti del mondo, ma l’arte sente in se il compito, direi il dovere, di denunciare il bisogno di una centralità del problema che finora è stato praticamente inascoltato dalla politica che ha generato, con la sua colpevole disattenzione, quelle reazioni a catena (scioglimento dei ghiacciai, buco dell’ozono, cambiamenti climatici…) che orami tutti ben conosciamo. Sono perciò sempre più in aumento gli artisti che dedicano il loro lavoro alla realizzazione di pregiate opere d’arte create con oggetti rifiutati dalla società dei consumi, scarti reali che si impreziosiscono, attraverso il meccanismo concettuale del pensiero creativo. L’Arte in questo modo da una risposta concreta e fortemente simbolica alla società dell’usa e getta, del consumismo sfrenato che non produce nessun tipo di amore nei confronti delle “cose” che vengono considerate prodotti e mai manufatti.\nBattaglia: Singolare, Femminile\nBattaglia: Singolare, Femminile – 27/30 settembre 2007 – Fortezza Girifalco, Cortona\nArtiste: Paola Abbondi, Elisa Dedali, Renata Maccaro, Flavia Manfroncelli, Anna Salvati, Anna Maria Orlando\nLa guerra è cosa da uomini. Quando la Patria chiama è la metà del cielo maschile ad accorrere. Quando il Potere lo esige, nella Storia, sono sempre stati i Grandi Uomini a decretare la parola GUERRA.\nIl mondo delle donne ha sempre subito le scelte maschili, vivendo una condizione di emarginazione sul piano decisionale della Politica che è storicamente territorio maschile. La Guerra è stata dagli uomini decisa, combattuta, vinta o persa, e gli uomini hanno pagato il prezzo durissimo di questa decisione. Le donne hanno condiviso i lutti, il dolore, le lacrime ed il sangue senza mai poter condividere il momento in cui la parola Guerra veniva decretata.\nCon questa mostra Soqquadro da voce a diverse artiste donne perché raccontino la loro idea della guerra, giocando simbolicamente sul significato grammaticale della parola “Battaglia”, che sul piano lessicale è definita termine declinato singolarmente al femminile. Il gioco di parole che trasporta, attraverso la grammatica, la “Battaglia” dall'universo Maschile a quello Femminile è solo formalmente un momento di celia; quello che Soqquadro auspica è che le donne con la loro storica cultura della non violenza, dell’accoglienza e della gentilezza proposta come stile di vita, possano sedere sempre più numerose ai tavoli dove il Potere decide lo scorrimento del sangue, nella speranza che la presenza femminile sterilizzi il grembo dei guerrafondai per amplificare la fertilità del pacifismo.\nQuesta esposizione verrà presentata all'interno della manifestazione DonnArte di Cortona, che prevede diversi momenti espressivi di cultura femminile.\nGuglie - Rinasce-Re\nGuglie/Rinasce-Re – 6/13 ottobre 2007 – Fortezza Girifalco – Cortona\nArtisti Guglie: Andrea Artusi, Marco Barucco, Lello Bavenni, Marco Bellagamba, Laura Candy, Luca Fortunato, Luciano Giovannini, Laura Limpidi, Flavia Manfroncelli, Franco Marchiolli, Gianni Musacchio, Giulio Orioli, Gerardo Russo, Lidia Scalzo, Antonio Spagnuolo, Enrico Zingaretti\nArtisti Rinasce-Re: Luca Bellaccini, Serena Bigliani, Angelo De Boni, Beatrice Ercoli, Tiziana Guidi, Hector & Hector, Elsa Maria Teresa Littera, Andrea Mercedes, Melocco, Caterina Morelli, Angela Scappaticci, Gloria Tranchida, Lavinia Tucciarelli\nSoqquadro organizza Guglie, una moderna riflessione sul senso della spiritualità espresso da diversi artisti. Il riferimento del titolo è alle Guglie delle cattedrali gotiche che si elevavano verso il cielo alla ricerca espressiva della spiritualità medievale. Gli artisti hanno realizzato opere di cm. 30X120 esprimendo con la dimensione verticale la stessa concezione delle guglie gotiche. Le opere esprimono incertezze o determinazioni scatenati dal senso della spiritualità nel mondo moderno. L’epoca attuale è al contempo atea e religiosa ed in entrambi i casi spesso lo è in maniera integralista. Negli stessi spazi urbani convivono tante e diverse dimensioni del credere o negare l’esistenza del divino; queste diversità a volte coesistono pacificamente, altre volte si scontrano incapaci di tessere un dialogo. L’arte in quanto espressione del pensiero umano, ha il diritto/dovere di esprimere la propria visione su temi che coinvolgono la società. Anche in questo caso gli artisti esprimono, con le loro diverse riflessioni, la supremazia del dubbio contrapposto alla banalità della certezza che spesso caratterizza le forme di ideologia portando gli uomini allo scontro anziché alla comprensione reciproca.\nNell’ambito di una visione sociale interessata alle modifiche ambientali del pianeta, Soqquadro presenta l’esposizione Rinasce-Re, un progetto dedicato ad artisti che lavorano sul tema dell’arte realizzata con materiali di risulta. In un mondo in cui le problematiche ambientali sono sempre più pressanti e le relative urgenze sempre più inascoltate dalla politica, l’arte è maggiormente attenta al fenomeno ecologista. Aumentano sempre, infatti, gli artisti che dedicano la totalità del loro lavoro alla realizzazione di pregiate opere d’arte create con oggetti rifiutati dalla società dei consumi, scarti reali che si impreziosiscono, attraverso il meccanismo concettuale del pensiero creativo. L’Arte in questo modo da una risposta concreta e, soprattutto, fortemente simbolica alla società dell’usa e getta, del consumismo sfrenato che non produce nessun tipo di amore nei confronti delle “cose” che vengono considerate prodotti e mai manufatti.\nPenetranti silenzi – 16/21 ottobre 2007 – galleria Vista – Roma\nArtisti: Angelo De Boni, Andrea Mercedes Melocco\nUn pittore e una scultrice si confrontano in questa esposizione: Angelo De Boni e Andrea Mercedes Melocco. Un pittore “scultoreo” e una scultrice “pittorica”. Angelo racconta tridimensionalità nelle sue opere, Andrea Mercedes elabora sculture che possono essere viste anche bi-dimensionalmente.\nLe due narrazioni si intrecciano altresì nella loro modalità riflessiva; come due asceti entrambi gli artisti riflettono a lungo sulle loro opere, meditano, lavorano con lentezza, selezionano con cura i materiali, ricercano, e trovano, una perfezione tecnica e stilistica.\nIl risultato di questa calma riflessività sono opere di grande fascino empatico, che raggiungono poeticamente l'anima dello spettatore, trascinandolo, o piuttosto facendo si che egli si rechi, in un luogo, in una dimensione, dove il silenzio non è assenza, ma vita. Laddove esprimersi non significa parlare ma lasciarsi intendere, esibirsi non significa mettersi in mostra ma esporre, il dire è sussurro e non urlo, un vociare gentile e al contempo potente, che si fa più si fa sommesso è più si fa ascoltare, non richiede attenzione, eppure la ottiene.\nInquietudini – 17 marzo/7 aprile 2006 – galleria GARD – Roma\nArtisti: Marco Barucco, Fabrizio Falchetto, Emilio Giusti\nTesto critico: LFi\nInquietudini è una mostra al plurale che offre autori ed opere di stili, materiali, tecniche differenti, ma accomunati da uno stato d'animo corrispondente a tutti e tre gli artisti partecipanti. Un sentimento personale ma universale, espresso con poetiche e narrazioni dissimili e uguali.\nMarco Barucco pare arrendersi a logiche spietate, che tracciano percorsi maniacali, nella realizzazione come nella poetica. Dettagli iperrealisti ci mostrano corpi rinchiusi in strette scatole, piedi martoriati, braccia che affogano nella sabbia, visoni generate da incubi, legate all'onirico spaventoso che accomuna bambini e adulti. Corpi feticci, nudi, in fuga, sepolti vivi, per un'arte che finisce per essere fagocitata dal corpo stesso.\nFabrizio Falchetto mescola elementi di pittura, scultura e poesia per costruire sipari sulla notte dell'anima, quinte scenografiche dove l'uomo, eterno ed effimero come la carta che lo sostanzia, si staglia su fondali animati di stelle e verità troppo crudeli per essere afferrate.\nEmilio Giusti elabora un pensiero inquieto, irriverente quanto i colori dei suoi quadri, nella scelta netta di rivisitare, in chiave contemporanea, i fasti di una tradizione graffitista, quasi melodrammatica, non disdegnando correlazioni sia con il linguaggio infantile di Twombly che con l'espressionismo tedesco, sopratutto nelle forme satiriche utilizzate da Otto Dix e George Grosz.\nSmall, Medium, Large, mostra in due tappe\n26 marzo/6 aprile – 3/17 maggio 2006 – galleria GARD – Roma\nArtisti aprile: Andrea Abbatangelo, Maria Cecilia Camozzi, Antonietta Campilongo, Valentino Carboni, Ciro Cipollone, Luciano Crisotomi, Tiziana Guidi, Mona Luisa, Giovanni Mangiacapra, Caterina Morelli, Simone Nicoletti, Giampiero Nucciarelli, Angela Scappaticci, Gloria Tranchida, Lavinia Tucciarelli\nArtisti maggio: Branimir Antonov, Andrea Bartolucci, Gemma Celino, Stefano Demuro, Gianluca Elia, Marco Ferranti, Maurizio Gaudenzi, Gigliola Granella, Marisa Muzi, Roberto Pagnani, Anna Salvati, Fabiana Salzano, Pietro Spadafina, Giada Tarroni, Chiara Venturini\nSmall, Medium, Large sono le taglie con cui attualmente si designano molti capi di vestiario, in particolare l'abbigliamento casual.\nOggetti di uso comune, presenti costantemente nella nostra quotidianità, semplici, collegati alle nostre abitudini, alle giornaliere consuetudini.\nSmall, Medium, Large, definiscono le taglie, le differenze tra i nostri corpi, carnosi o esili, longilinei o minuscoli, con queste generiche misure le sostanziali differenze divengono similitudini, lievi diversità.\nNella mostra collettiva esposta alla galleria GARD, il tema comune è l'espressività artistica che si evolve in tre diverse “taglie”: quadri di dimensioni piccole, medie, grandi, ciascun artista espone tre opere declinate in tre diverse narrazioni spaziali.\nQuadri “casual”, che vogliono presentarsi come oggetti comuni, che possono essere inseriti nella quotidianità di ciascuno di noi, in una visione dell'arte che non vuole in alcun modo essere elitaria, ma avvicinarsi e fasciare con la capacità di un dialogo chiaro con lo spettatore. Dialoghi espressi in diversi stili, tecniche, se vogliamo linguaggi, ma che si accomunano in questa mostra attraverso un filo che li unisce, un comune denominatore: il desiderio di uscire dallo spazio della parete per entrare simbolicamente nei nostri armadi, come abiti del pensiero da indossare comodamente\nmicro & MACRO – 10/24 novembre 2006 – Museo Storico della Fanteria – Roma\nArtisti: Marco Antonio Abbagnara, Marina Baciocchi, Andrea Bartolucci, Marco Barucco, Daria Calvelli, Valentino Carboni, Angelo De Boni, Stefano Demuro, Gianluca Elia, Maurizio Gaudenzi, Gigliola Granella, Giovanni Mangiacapra, Caterina Morelli, Muzi, Saro Puma, Gerardo Russo, Angela Scappaticci, Pietro Spadafina, Giada Tarroni, Marcello Trabucco, Gloria Tranchida, Lavinia Tucciarelli, Antonio Verdone, Stefano Zito.\nL’Arte della Forma e del Formato\nNella creazione di un’opera d’arte è determinante la scelta della dimensione spaziale del supporto materico su cui l’artista agirà creativamente. L’artista già prima del segno pittorico iniziale, fatto con un pennello, un sasso, una forbice o altro strumento, fa la scelta che più o meno inconsapevolmente sarà centrale per tutto il suo discorso fatto di materia: scegliendo la dimensione spaziale dell’opera determinerà il primo principio a cui si dovrà attenere per articolare il suo discorso pittorico o scultoreo. Una volta indicato il formato, difficilmente, tranne in alcuni casi “magici” dell’arte contemporanea, ci potranno essere ripensamenti; un colore si può modificare, renderlo più o meno denso, sfumare…;un segno può protrarsi all'interno della superficie divenendo sottile, spesso, carico, minuzioso…; il formato dell’opera è invece irreversibile, l’artista potrà utilizzarne solo una piccola porzione e lasciare vuota di segni la parte spaziale rimanente, ma in realtà quello che si definisce vuoto è comunque pieno sia fisicamente che percettivamente e farà certamente parte dell’opera. L’arte dell’artista sa il perché la scelta sia ricaduta su un certo formato, l’artista invece spesso lo capisce dopo. Oggi che è ben lontana la pratica degli affreschi monumentali che ricoprivano spazi immensi per cui ci voleva anche un decennio per completarli, il grande formato generalmente si presta al gesto istintivo che deve dire tutto e subito, il piccolo formato invece al raccogliere e focalizzare. Il formato, dunque, decide molto di quello che sarà il “destino” creativo dell’opera; la percezione dell’artista durante il suo fare artistico dovrà assecondare lo spazio pre-scelto, e il fruitore ascolterà l’opera in modi e modalità che a questo spazio si legano. Quali messaggi subliminali invierebbe il sorriso di Mona Lisa ammiccando in uno spazio 200 X 200 cm piuttosto che nel suo 77 X 53 cm, e come risuonerebbero gli echi di “Guernica” dentro un 77 x 53 cm piuttosto che nel suo 349 × 776 cm? Tutto sarebbe diverso, la ricezione sensoriale e intellettiva del livello formale (seppur identico nelle proporzioni) e quindi di contenuto dell’opera rimpicciolita o ingrandita, costituirebbe un’ esperienza totalmente e talmente differente che quel determinato quadro non sarebbe più quel quadro ma, un altro; già nella partenza pittorica altezza e lunghezza differenti avrebbero comunque portato all’ aborto di questi capolavori.\nNon è un caso che la misurabile ampiezza concreta di un’opera si definisca con la locuzione di piccolo, medio o grande formato, il formato è la prima cosa che influirà sulla costituzione della forma; “formato” etimologicamente deriva da “forma” ed entrambi i termini riconducono sia alla delimitazione di uno spazio, sia alla struttura con cui gli elementi al suo interno vi vengono disposti e contenuti. Pollock prima di essere considerato uno dei massimi esponenti artistici della contemporaneità, proprio a causa di quei suoi maxi formati venne chiamato imbrattatele; le sue opere così inusualmente grandi, prima di conquistare Peggy Guggenheim, erano considerate poco più di carta da parati: ma era l’arte stessa di Pollock a richiedere continuamente quelle dimensioni, la sua danza gestuale pittorica altrimenti non si sarebbe potuta autogenerare con quel ritmo ossessivo e catartico.\nI modi e le modalità con cui si utilizzeranno gli strumenti pittorici, il segno, la forma, la percezione da parte dello stesso artista e poi del fruitore viene deciso anche, e a volte soprattutto, nell'istante in cui l’artista si troverà davanti ad uno spazio più o meno vasto, questo perché il micro e il macro dimensionale dell’opera si prestano a strutture formali/comunicative differenti.\nSpesso la dimensione spaziale dell’opera viene ritenuta fondamentale anche nel ricavare coefficienti di valore dell’opera stessa, è un’assurdità che nasce da un errore di fondo che confonde l’importanza del formato, determinante durante l’atto creativo ma davvero poco interessante per la sua valutazione monetaria, in questo caso sono sopratutto altre le variabili che entrano in un gioco di mercato amaro e inevitabile che poco ha a che fare con la dimensionalità dell’opera: “La Gioconda” è tra i dipinti più celebrati al mondo eppure ha centimetri di concretezza di ben poca cosa.\nFondamentale é che l’artista scelga il formato che ritenga maggiormente funzionale per parlare, in base a ciò che vuole dire. Sbagliare il formato equivarrà a dire le cose in modo sbagliato, si comprometterà la forma e dunque la comunicazione.\nAvantGARD - RetroGARD\nAvantGARD – RetroGARD\nmostra itinerante nelle gallerie:\nGard, Crispi, AOCF58 a Roma\n13 dicembre 2006 – 19 marzo 2007\nArtisti: Paola Abbondi, Daria Calvelli, Laura Candy, Valentino Carboni, Sabrina Carletti, Mirta De Simoni Lasta , Angelica De Stefano, Maurizio Gaudenzi, Dario Iazzetti , Massimo Lorusso, Maura Manfredini, Giovanni Mangiacapra, Tiziana Pannunzio, Manilio Prignano, Umberto Salmeri, Anna Salvati, Angela Scappaticci, Gloria Tranchida, Lavinia Tucciarelli, Antonio Verdone, Marco Angelini, Marco Barucco, Laura Candy, Valentino Carboni, Claudio Di Lascio, Tiziana Guidi, Caterina Morelli, Marco Antonio Abbagnara, Patrizia Anedda, Ariela Böhm, Alessio Brugnoli, Paolo Chirco, Roberto Pagnani, Enrico Zingaretti\nCuratrici Marina Zatta e Sonia Mazzoli\nIn questa mostra itinerante che viene esposta in tre prestigiosi spazi della Capitale, vengono presentate le opere di trentaquattro artisti; una esposizione variegata che produce una con-fusione di tematiche, tecniche e stili artistici, accolti in un allestimento raffinato e minimalista.\nL’esposizione itinerante denominata “AvantGard.RetroGard”, patrocinata dal Comune di Roma XI Municipio, verrà ospitata presso tre spazi espositivi estremamente differenti che faranno ri-vivere in nuove atmosfere e allestimenti le medesime opere pittoriche, scultoree e fotografiche; dall'atmosfera newyorchese della Galleria Gard, ubicata nei pressi della Piramide Cestia, si passerà, dal 27/01 al 7/02, negli ambienti raccolti e intimisti della Galleria Crispi situata nei pressi di P.za di Spagna, per giungere infine, dal 19/03 al 30/03, presso lo AOCF58 negli spazi che in passato hanno esposto le opere di alcuni dei maggiori artisti contemporanei posti nelle vicinanze di P.za del Popolo.\nL’unione delle differenze, da intendersi come importanti punti di forza, di realtà espositive, di esperti di arte, di linguaggi e modalità artistiche, hanno permesso di realizzare un progetto che si svilupperà nell'arco di tre mesi coinvolgendo numerose figure che gravitano intorno alla scena artistica italiana. La forza dell’evento risiede nella varietà espositiva degli artisti, orbitanti intorno all'arte astratto-informale ma al contempo diversi nelle loro ricerche stilistiche, e nel viaggiare delle opere in diversi spazi del centro di Roma diversi e complementari nella loro specificità.


Un concetto da stampare in mente - Fiorentinanews.com\nUn concetto da stampare in mente\nPubblicato da Redazione 26/10/2016 10:20\nPericolo sottovalutazione. Un concetto con cui, talvolta, i giocatori della Fiorentina si trovano a convivere. In particolare nella testa (e nelle parole) dell’allenatore Paulo Sousa c’è ancora ben presente la partita col Verona della scorsa stagione, della quale abbiamo già parlato stamani. Il tecnico non vuole cali di concentrazione e non vuole ripetere quell’esperienza deprimente vissuta contro i gialloblu che, di fatto, ha dato il colpo di grazia alle ambizioni dei viola di arrivare terzi nello scorso campionato. Più volte, tra lunedì e ieri, il portoghese ha ripetuto lo stesso mantra alla sua squadra per essere sicuro che il messaggio arrivasse chiaro e forte ai giocatori. Adesso non resta che mettere in pratica questo concetto.\nFiorentina Paulo Sousa verona 2016-10-26\nTAG: Fiorentina Paulo Sousa verona\nArticolo Precedente Bernardeschi stavolta non ci è cascato\nArticolo Successivo Moggi: “Fiorentina con undici stranieri…basta portare giocatori dall’estero di seconda o terza scelta”\n26/10/2016 11:45 at 11:45\nUna vittoria stasera e un pareggio a Bologna sarebbero importanti per non cadere nella mediocrità…sicuramente almeno 5..6 squadre sono più forti di noi ma se Sousa comincia a capirci qualcosa si può fare un campionato sufficiente


Oroscopo domani 30 maggio 2022 Cancro (21 giugno-22 luglio): intuito al top!\nOroscopo domani Cancro 30 maggio: umore\nImmaginazione e intuito sono al top, con la Luna Nuova in Gemelli in qualsiasi circostanza fidatevi della prima impressione e lasciate libero corso all’immaginazione poiché potreste avere idee eccellenti, anche per dare una mano a chi vi circonda. E’ un buon momento, infine, per fare un bilancio così quando il Novilunio si compirà nel vostro segno, potrete dare il via a un nuovo ciclo d’espansione e progresso.\nOroscopo domani Cancro 30 maggio: amore\nIn coppia: cercate di puntare a un dialogo limpido e sincero. Se avete qualcosa che vi pesa sul cuore, è il momento di parlare.\nSoli: rischiate di prendere lucciole per lanterne: non dovete credere a qualsiasi cosa vi dirà chi vi corteggia…\nOroscopo domani 30 maggio 2022 Scorpione (24 ottobre-22 novembre): tagliare i rami secchi\nOroscopo domani Scorpione 30 maggio: umore\nCon la Luna Nuova in Gemelli è il momento giusto per mollare ciò che nella vostra vita è inutile così da sfruttare al meglio tutto ciò che è nuovo ed entusiasmante. Tagliare i rami secchi sarà come toglievi un peso e sarete pronti a esplorare nuove possibilità. Al contempo, nelle finanze potrebbe esserci un cambiamento positivo: se state aspettando un prestito, maggiore credito o nuovi clienti otterrete le risposte.\nOroscopo domani Scorpione 30 maggio: amore\nIn coppia: entrambi oggi vi esprimerete con sincerità e ciò oltre a rafforzare la complicità, sarà utile a fare progetti per il futuro.\nSoli: avete intenzione di dichiarare il vostro amore a chi vi attrae? Lanciatevi, oggi le vostre parole faranno centro!\nOroscopo domani 30 maggio 2022 Pesci (20 febbraio-20 marzo): guardate al futuro\nOroscopo Pesci 30 maggio: umore\nCon il Novilunio in Gemelli che sosta nel vostro settore della famiglia, della casa, se fino a oggi non siete riusciti ad apportare delle modifiche nell’ambito domestico, ora farete un passo avanti. Può trattarsi di un trasloco, di un importante progetto di ristrutturazione, oppure il desiderio di mettere su famiglia o migliorare le relazioni con le persone care. Una volta dato il via al cambiamento non tornerete indietro. Guarderete al futuro.\nOroscopo Pesci 30 maggio: amore\nIn coppia: con il partner desiderate un migliore equilibrio. E oggi avete la possibilità di parlare serenamente di ciò che non va, trovare insieme una soluzione.\nSoli: se una persona oggi annullerà un appuntamento, non ne fate un dramma. E’ solo rimandato e la rivedrete sicuramente!\nArticolo successivoMotoGP d’Italia al Mugello, trionfo di Bagnaia (Ducati) sul leader Quatararo\nTentativo di stupro a Fregene...


Activision annuncia le date di Prototype 2 e X-Men Destiny. - Games365.it\nData : 21 Luglio 2011 08:45 - Autore : Giulio Pratola - 0 commenti -\nDurante le battute di apertura dell'attesissima San Diego Comic Con, Activision ha svelato le date di lancio di due dei suoi titoli. Stiamo parlando di Prototype 2, free-roaming in sviluppo presso Radical Entertainment, e X-Men Destiny, attualmente in lavorazione presso i Silicon Knights.\nSe siete intenzionati a partecipare all'evento e state leggendo queste pagine, allora dovete sapere che Prototype 2 ricever� una presentazione gameplay di ben quindici minuti. X-Men Destiny sar� invece giocabile presso il booth Activision.\nAdesso le date. Prototype 2 � atteso su Xbox 360, Playstation 3 e PC il prossimo 24 Aprile 2012 mentre su Playstation 3, Nintendo Wii, Xbox 360 e Nintendo 3DS potremo giocare X-Men Destiny il 24 Settembre.


Cambiano i criteri di qualificazione del karate in vista dei Giochi di Tokyo. Lo slittamento della manifestazione al 2021 ha determinato la revisione – da parte della WKF – del processo che garantirà agli atleti il biglietto per il Giappone e anche l'Italia perde momentaneamente una certezza nella marcia di avvicinamento alla rassegna a cinque cerchi.\nLe misure adottate all’inizio della pandemia avevano infatti comportato la cancellazione di alcuni eventi - in particolare la tappa del Karate 1-Premier League a Rabat e i Campionati Europei a Baku - con la conseguente cristallizzazione dei ranking a inizio marzo, consegnando di fatto il pass olimpico ai migliori quattro atleti per categoria di peso.\nLa Federazione Mondiale di Karate ha deciso di riaprire il discorso e di recuperare la Premier in programma a Rabat, traslandola al 2021 ma riservandosi comunque altre opzioni relativamente alla sede di gara, e di far disputare invece gli Europei – cancellati quest’anno – a Goteborg, in Svezia, mantenendo invariato il numero di eventi (26) chiamati a definire il ranking. Nelle prossime settimane verrà anche riprogrammato successivo Torneo di qualificazione olimpica.\nAnche l’Italia, come detto, rimane coinvolta dalle novità legate ai criteri di qualificazione, dovendo congelare il pass conquistato da Angelo Crescenzo nel kumite, categoria -67 kg.\nGli azzurri qualificati per Tokyo 2020 sono quindi 208 (107 uomini, 101 donne) in 24 discipline differenti con 20 pass individuali. Ecco il dettaglio:


Annuncio non più disponibile - Badante 24x24 a Desio. Lisa Cerco\nHome / Torna alla ricerca / Annuncio non più disponibile - Badante 24x24 a Desio. Lisa\nCerco Monza e della Brianza\nBadante 24x24 a Desio. Lisa\nMi chiamo Lisa sono ucraina. Cell. 3890669121 Cerco lavoro come badante 24x24 per una persona sola, con regolare contratto di lavoro a Desio. Abito in Italia incirca da 10 anni. Sono con esperienza di lavoro come badante . So fare assistenza giorno/notte, ordinare la casa, gestire igiene personale del anziano, cucinare. Sono tranquilla, paziente, responsabile, accurata. Parlo bene italiano, autonoma in tutto. Garantisco massima serietà. Libera subito.


Un’altra scuola di Scampia nel mirino della mala\nNAPOLI – E come possiamo definirla se non ‘malavita’ quella che entra a vandalizzare le scuole, il vero baluardo di legalità. Una situazione vergognosa quella della sicurezza a Scampia, sicurezza soprattutto nei plessi scolastici che nell’ultimo periodo sono stati presi di mira da qualcuno che li ripulisce senza essere disturbato. E’ il caso dell’Istituto Virgilio 4 di Scampia, dove questa notte hanno rubato praticamente tutto. Questo quanto racconta il dirigente scolastico Battimiello che all’apertura della Scuola si è trovato davanti una scena veramente drammatica. Sul posto è giunto immediatamente il presidente della Municipalità Angelo Pisani, che constatata la situazione ha dichiarato: “A Napoli nord ora si rischia di chiudere pure le scuole per saccheggio continuato. Quello che è capitato nuovamente all’Istituto Virgilio 4 è di una gravità inaudita. Sono sconcertato nel constatare il dramma che adesso vive il preside Battimiello che non sa come mandare avanti la sua scuola che è stata privata di tutto”. Pisani ha poi concluso: “Chi ci và di mezzo sono sempre e soltanto i nostri figli che, dopo essere stati avvelenati dalla criminalità, adesso qualcuno sta cercando di rubargli anche il futuro”. Secondo furto in pochi giorni nell'istituto comprensivo statale. I soliti ignoti, entrati attraverso la scala antincendio, hanno portato via 17 computer, vari strumenti musicali e altri oggetti. L'inventario è ancora in corso. Già la settimana scorsa la scuola era stata vittima di un raid notturno.


Nokia 3310 e altri vecchi cellulari che oggi possono valere tantissimo\nAmazon senza freni: a Natale sconti pazzi e prezzi al 50%\nMediaWorld: questi sconti sono da impazzire\nHome News Nokia 3310 e altri vecchi cellulari che oggi possono valere tantissimo\nSe ancora hai in casa un Nokia 3310 in buone condizioni estetiche e funzionante, sappi che qualora volessi venderlo, ti potrebbe fruttare un bel po' di soldi.\nChi ricorda il buon vecchio Nokia 3310? Siamo quasi sicuri che, se non sei nato negli anni Duemila, anche tu avrai posseduto – o quanto meno visto – una delle icone intramontabili degli anni Novanta. Il cellulare indistruttibile, che se anche fosse caduto da un grattacielo non si sarebbe rotto. Il cellulare di Snake! Il gioco che ha accompagnato la nostra adolescenza. Beh, se ancora hai in casa un Nokia 3310 in buone condizioni estetiche e funzionante, sappi che qualora volessi venderlo, ti potrebbe fruttare un bel po’ di soldi.\nSu VintageMobile, un portale online che si occupa della rivendita di vecchi cellulari. potrai scoprire quanto viene attualmente valutato un cellulare del passato e a che prezzo potrà essere venduto. In questo articolo, abbiamo raccolto alcuni dei modelli più desiderati e pagati dai collezionisti.\nMotorola DynaTAC 8000x del 1984, del quale furono venduti solo trecentomila esemplari in tutto il mondo. Oggi, un Motorola DynaTAC 8000x funzionante viene valutato circa 1.000 euro.\nUn po’ più recente, è l’iPhone 2G. Il suo valore oscilla tra i 300 ed i 1.000 euro, ma ciò varia anche in base alle condizioni del dispositivo.\nUn Ericsson T10 funzionante e in buone condizioni estetiche può arrivare a valere 2.000 euro.\nNokia 9000 (1996), il primo modello della serie Communicator con il suo design iconico dotato di tastiera QWERTY. Può essere valutato fino a 500 euro.\nMotorola StarTAC è stato il primo cellulare a conchiglia, un form factor che le aziende stanno cercando di riportare in auge in questi ultimi mesi. Può essere valutato fino a 500 euro.\nNokia 3310, il cellulare indistruttibile. E’ stato uno dei cellulari più venduti al mondo. Può essere valutato fino a 130 euro.


TOUCH ME IS OK - Mosca Partners\nTOUCH ME IS OK\nIn collaborazione con: Linvisibile\nTOUCH ME IS OK È Il lavoro presentato, in collaborazione con LINVISIBILE nel boudoir del Palazzo Litta, il quale nasce dalla necessità di creare una maniglia-scultura che possa essere finalmente toccata. Si rovescia il diritto categorico del “non toccare le opere d’arte” a favore dell’obbligo di usarle, manipolarle, sentirle, che vuol dire anche un po’ conoscerle, sperimentarle, assaporarle con i sensi. L’idea si estende anche alla creazione di piastre create per rivestire porte e pareti creando la scultura modulare e interattiva. Una parete girevole sarà rivestita con piastrelle bronzee prodotte in due differenti texture chiamate YOU e ME. L’osservatore si ferma sulla soglia della porta senza poter entrare nella stanza per ricreare l’imposizione del non toccare le opere d’arte, ma che l’opera nega. Nell’utilizzo dei colori Biagi riporta la sua personalità; proprio per la tecnica utilizzata, ciascun pezzo diviene un unicum.


Mangiare una volta al giorno e crescere sottile - Il menù su sistema cresciamo magri correttamente\n"Ho smesso di mangiare e no... come liberarsi da peso in eccesso su uno stomaco in condizioni di casa\nIl chitosan ha aiutato a perdere il peso per scaricare il libro sul libro elettronico non sono capace di crescere magro gratuitamente, Ho bevuto molta acqua e ho perso risposte di peso ricette di uno smuza per perdita di peso con un sedano. Come perdere esercizi di peso composizione di proteine di grassi e carboidrati nel cibo, programma di settimana di diretti per perdita di peso come sgomberare una padella per friggere di grasso e un carbonato di sodio di deposito.\nMangia (almeno) 10 banane al giorno per perdere peso e stare in forma!! zecca di tè rossiccia per perdita di peso\nCome perdere il peso al tipo in 30 anni la perdita di peso è abbastanza sana, quello che aiuta a perdere il peso senza loadings vibrotone una cintura per perdita di peso di video. Siccome è corretto per perdere il peso in 20 kg di video magia per laiuto a perdita di peso, su quanti perderà il peso in 10 giorni di fame Aiuterò con perdita di peso.\nMangia 2 banane ogni giorno per 1 mese Questo è ciò che accade al tuo corpo togliere il grasso da una padella per friggere di ghisa in pani mangiare una volta al giorno e crescere sottile\nCresciamo magri con il dottore mirkiny a me 50 ha perso il peso ma non posso riunirmi in uno stomaco, bere la magnesia per perdita di peso a e perdita di peso poslk. I quadri su esercizio come eliminare parti lespresso di formazione per perdita di peso di video, chi perdè il peso su una dieta di 12 giorni come ottenere il peso e riunirsi in uno stomaco.\nSai perché dovresti mangiare almeno una mela al giorno? come crescono sottili su minestra di cipolle\nIstituto del cibo una dieta per perdita di peso su 20 kg in 6 mesi perdere il peso in una settimana in 7 kg con il cibo, perdere il peso in una phytotherapy di postmenopausa come perdere il peso lacqua semplice. Siccome le medicine hanno perso il peso il prezzo goldlayn in Stavropol, si rilassi e il tono aiuta a perdere il peso chi ha perso il peso da risposte tabat.\nCOSA ACCADE se MANGI 2 BANANE al GIORNO? come crescere sottile se fatto male mangiare una volta al giorno e crescere sottile\nFormazione di culturisti per combustione di grasso i mezzi per perdita di peso per quelli chi gioca sport, fotografia della gente di peso robusta e persa dieta numero 6 per perdita di peso. Voglio mangiare in modo conveniente per perdere il peso lo stomaco flaccido come liberarsi, giorni di digiuno utili per perdita di peso come perdere il peso in mani senza pomparli su.\nCome Dimagrire: 10 Consigli per Perdere Peso come perdere il peso dietro 9 questo in 9 kg\nLa prova di un pallacanestro anime kuroko cresco magro come perdere il peso in uno stomaco in 3 giorni senza diete, perdita di peso a un dostineksa tabeks e risposte di perdita di peso. Come perdere il peso su risposte di riso marroni il caffè promuove la cellulite, peso perso in 139 kg si libererà da posizione di cellulite.\nIl NON mangiare è tanto importante quanto il MANGIARE se reduksin crescono sottili da esso\nIl grasso su parti e uno stomaco come liberarsi il video calcolo di norma di calorie per perdita di peso la calcolatrice, le diete per perdere il peso da 5-7 kg come durante un breve periodo del tempo per perdere il peso in cosce. Idoneità di menù per perdita di peso durante una settimana come usare turbosly messo, come togliere la cellulite da un metodo di hardware le targhe più efficaci per perdita di peso in Ucraina il prezzo.\nEMOZIONANTE!!!! BIMBO SPIEGA ALLA MADRE PERCHE' NON VUOL MANGIARE LA CARNE turbosly per perdita di peso una farmacia ozerka mangiare una volta al giorno e crescere sottile\nCome riunirsi in uno stomaco e parti alluomo di esercizio di una fotografia non ci sono 6i risultati di perdita di peso più tardi, perdere il peso prima di estate da inverno quali prodotti devono perdere il peso in 2 mesi in 10 kg. 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Bed and Breakfast Day 2012, una notte gratis il 3 Marzo Bed and Breakfast Day 2012, una notte gratis il 3 Marzo\nBed and Breakfast Day 2012, una notte gratis il 3 Marzo\ndi Giusy Scibelli 19 Gennaio 2012 21:38\nAnche per questo 2012 il primo sabato di Marzo regala una piacevole sorpresa. Si, perchè in occasione del Bed and Breakfast day in Italia sarà possibile trascorrere una notte in un B&B senza pagarla. Non è possibile usufruire dell’offerta se il soggiorno è per una sola notte -ovviamente!-, ma bisogna prenotare almeno per un’altra notte che sia quella del 3 o il 4. Possiamo dire “dormi due paghi una”, è un ottimo slogan per lanciare l’iniziativa.\nSicuramente si rivelerà un’ottima occasione per spostarsi nel weekend in uno dei tanti stupendi luoghi del nostro Paese. E inoltre sarà possibile scoprire un po’ di quel delizioso e ospitale mondo del Bed and Breakfast (letteralmente “letto e colazione” perchè sono strutture presso le quali è possibile dormire e fare colazione, spesso sono a gestione familiare quindi non stupitevi se i padroni si riveleranno estremamente gentili e calorosi!).\nUna fuga per un weekend, una visita da turisti armati di voglia di perlustrare qualche angolo d’Italia, giovani in visita agli amici, parenti in visita ai figli… insomma, grazie a questa Giornata Nazionale del Bed and Breakfast non solo trascorrerete un weekend un po’ fuori dalla monotonia, ma manterrete sempre un occhio vigile al risparmio!


MikiInThePinkLand: Naked 3 by Urban Decay: swatches e prime impressioni.\nNonostante, a mio parere, la Naked, l'unica e originale, rimanga la più bella e ben concepita delle palette "nude" del brand, non posso negare che, all'uscita della N3, la mia faccia fosse più o meno questa:\nCome potevo, io, rimanere impassibile di fronte a tutti quei rosa? Eppure sono riuscita a rimandare l'acquisto per un bel po' di tempo, nonostante gli swatches sul web continuassero ad attrarre la mia attenzione.\nPoi è arrivato il mio compleanno ed il mio fidanzato me l'ha regalata. Fine della questione!\nPotete immaginare quanta sofferenza mi abbia causato averla davanti e non poterla swatchare, perché il tempo era pessimo e non potevo fare le foto. Una traggggedia!\nQuando finalmente il sole ha fatto capolino e ho potuto mettere le dita sulle cialde, mi sono ritrovata di fronte alla solita, eccellente a mio avviso, qualità degli ombretti Urban Decay: vellutati, pigmentati, poco polverosi. Ciò però non vale per tutti.\nNonostante il packaging della Naked mi piaccia molto, con quel suo vellutino morbido e la scritta dorata (a tal proposito, sono l'unica che ce l'ha ancora nella sua scatola?), quello della Naked3 è davvero delizioso, in latta, con delle piccole increspature in rilievo e la scritta dorata.\nSul retro della scatola di cartone troviamo una panoramica dei colori, le caratteristiche del prodotto e cosa è incluso nella confezione.\nOltre alla palette infatti, all'interno ci sono quattro samples di Primer Potion in Original, Eden, Sin e Anti-Aging:\ne un pennello doppio:\nda sfumatura da un lato\npiccolo e a lingua di gatto dall'altro.\nMa vediamo la palette al suo interno:\nE queste le cialde più da vicino in due diverse condizioni di luce:\nDei dodici ombretti, tre sono completamente opachi, uno è glitterato, tre sono perlati ed il resto satinati. Andiamoli a vedere nel dettaglio:\n- Strange è un panna mat lievemente rosato. E' un ottimo colore per uniformare la palpebra, da stendere nella piega per agevolare la sfumatura oppure come illuminante.\nAl tatto è setosissimo e per nulla polveroso.\n- Dust è un rosa dal leggero sottotono pesca con glitter iridescenti.\nE' il colore più polveroso della palette, ha una grana molto grossa che non consente una stesura uniforme. Consiglio di utilizzarlo con una base per glitter.\n- Burnout è un rosa pesca satinato/perlato. La consistenza è un po' più "dura" degli altri ombretti della palette, ma risulta comunque molto scrivente e per nulla polveroso. Trovo che renda meglio se applicato su una base.\n- Limit è un malva chiaro completamente mat. Anche in questo caso ci troviamo di fronte ad un ombretto setosissimo, per nulla polveroso, ottimo da utilizzare nella piega.\nMi piace molto anche utilizzato su tutta la pelpabra, con una riga di eyeliner e tanto mascara.\n- Buzz è uno dei colori che preferisco. Si tratta di un rosa caldo, lievemente bronzato, con microglitter che gli conferiscono un aspetto metallizzato. La consistenza è davvero morbida e vellutata e la scrivenza ottima.\n- Trick è un rame dorato con una lieve sfumatura rosata. E' una cialda un po' problematica: tende a formare la patina sulla sua superficie e ogni volta devo insistere un po' per prelevare il colore.\nDi contro, la resa è ottima, è molto scrivente e per nulla polveroso.\n- Nooner è un malva mat, per nulla polveroso e molto pigmentato. Anche in questo caso è un colore che mi piace molto utilizzare nella piega o lungo la rima cigliare inferiore per intensificare lo sguardo.\n- Liar è un altro dei miei colori preferiti è un marrone-grigio rosato, satinato. E' pigmentatissimo e dalla texture vellutata.\nSplendido al centro della palpebra mobile, alla quale conferisce una bellissima luminosità.\n- Factory è un marrone rosato satinato con un sottotono rosso, conferitogli anche da finissimi glitter dello stesso colore. Ha una scrivenza pazzesca ed un'ottima sfumabilità, che lo rendono perfetto per la piega o per intensificare l'angolo esterno.\nE' lievemente polveroso, nulla che non si possa risolvere togliendo l'eccesso di prodotto dal pennello.\n- Mugshot è un bellissimo marrone-taupe rosato.\nIl suo finish frost lo rende luminosissimo e metallico.\nLa texture è morbida e fondente e per nulla polveroso.\nDarkside è insieme un grigio, un marrone, un tortora e un melanzana. Ha un finish semi opaco, una scrivenza altissima e un'ottima sfumabilità. E' lievemente polveroso, ma anche in questo caso nulla di ingestibile.\n-Blackheart è un altro dei colori che preferisco. Si tratta di una base nero/borgogna mat con microglitter rosa/fucsia.\nE' pigmentatissimo e per nulla polveroso.\nE questa è una panoramica dei colori con il flash:\nMi piace tantissimo questa palette, anche perché uso molto queste tonalità anche nell'abbigliamento, soprattutto in primavera e autunno.\nE a voi piace? L'avete presa? Ci state facendo un pensierino\nEtichette: Impressioni, Naked, NakedLook, Ombretti, Ombretto, Palette, Pennelli, Swatches, Urban Decay\nValentina 1 febbraio 2014 10:05\nIo non la prendo in considerazione semplicemente perchè non sono un'amante del rosa sui miei occhi, quindi per me almeno metà palette sarebbe sprecata! XD Mi piacciono moltissimo per gli ultimi 2 colori darkside e blackheart *_*\nBubbleSuze 1 febbraio 2014 10:31\nIo l'ho giusto comprata l'altro ieri, complice uno sconto del 15% che mi ha inviato Sephora (non è molto ma è meglio di niente)! Mi piace moltissimo, come prima impressione è ottima *___*\nLady V 1 febbraio 2014 12:24\nMi piace molto, soprattutto i colori più scuri, ma trovo che sia un investimento da fare solo per chi, come per esempio hai detto di te stessa, usa molto questi colori. A me piacciono e li uso, ma non così spesso da avere un'intera palette di questi toni.\nSono invece da sempre affascinata dalla Naked 2, più delle altre, ma è un passo che ancora non mi decido a fare XD\nhai fatto delle bellissime foto. l'ho vista dal vivo e sono fedeli! (che macchina fotografica usi?). Per me è davvero troppo rosa, ma sono curiosa di vedere i trucchi che realizzerai!. baci a presto\nFoffy 1 febbraio 2014 14:06\nLe tue foto sono molto chiare per la comprensione dei colori. Non la acquisterò perché non la sfrutterei molto ;)\nlu beautylove 1 febbraio 2014 15:26\n...è la naked che preferisco...adoro il rosa!!!...ho la naked classica perché me la hanno regalata ma la uso pochissimo!!!\n...complimenti per gli swatches!!!\nFederica 6 febbraio 2014 23:00\nNonostante non sia un'amante dei rosa, la tua carrellata di foto devo ammettere che è molto invitante!\nComunque complimenti per il post realizzato davvero con cura.\nIrina VonP 9 febbraio 2014 20:03\nIo ho pochissimi rosa nel mio stash e non sono tanto attratta dalle naked, tranne la basics che stra-stra-uso ed è quasi completamente opaca però sono venuta a curiosare comunque! XD Mi era sfuggito che insieme alla palette venissero inclusi anche i 4 campioni di primer!\nPatri - LAismydream 17 febbraio 2014 19:39\nE' inutile io continuo a vederli tutti uguali, certo questa palette è palesemente più rosa ma non vedo molta differenza nei colori che la compongono. Bella è bella, ma non è per me.\nMidori Me 19 febbraio 2014 00:54\nLa desidero ardentemente! Appena uscita ho pensato 'ecco una palette su misura per me' perché, sebbene non ami il rosa che mi sa tanto di barbie, su di me questi colori stanno dannatamente bene. Ho deciso che l'acquisterò a marzo appena mi entra lo stipendio, fino adallora verrò qui sul tuo blog a guardare e riguardare gli swatches in adorazione XD


Scheda Album - IMMAGINA NOVARA\nDI DON BRUNO BONACINA\nColore, durata 36 min., Anno 2008\nASSOCIAZIONE “Akadèmeia Onlus” - TORNACO\nUn film di Vanni Vallino con Sergio Danzi, l'amichevole partecipazione di Lucilla Giagnoni, la gente di Tornaco.\nLa scheda di presentazione del film\nLa macchina da presa corre veloce in fianco a una risaia; riprende un’opel kadett che sta arrivando da una stradina sterrata di campagna.\nA bordo un prete e tre ragazzi: cantano, sono allegri, si vede che stanno bene insieme.\nSull’auto dei tecnici che lavorano alle riprese la stessa situazione.\nIl nostro film è tutto qua, basterebbe questa scena per descriverlo, raccontarlo, viverlo: perchè un film non è mai solo quello che si vede sullo schermo, anzi, è fatto di tanti piccoli momenti che avvengono dietro le quinte, quando la telecamera non riprende e le luci sono spente.\nA maggior ragione per questa esperienza che vuole raccontare la vita di una piccola comunità attraverso la figura di un prete, Don Bruno Bonacina, che ha inciso nella vita religiosa e sociale del territorio.\nSiamo negli anni settanta, gli anni del boom economico, dei nuovi elettrodomestici, ma anche della guerra fredda e delle lotte politiche, del cambiamento della società.\nE’ il periodo del Concilio Vaticano II, straordinario annuncio dei vangeli al mondo intero, grazie ad un Papa vicino alla gente, Giovanni XXIII.\nUn periodo di grandi figure, un periodo di forte evoluzione, sia nel mondo che a Tornaco.\nQui, in mezzo alle risaie e ad una civiltà che sta diventando sempre meno contadina e sempre più industriale, Don Bruno fa proprio il messaggio centrale del Concilio di andare verso la gente, soprattutto i giovani e i sofferenti.\nUna piccola rivoluzione in un paese di pochi abitanti: nasce l’oratorio, fatto non solo di mura ma soprattutto di ragazze e di ragazzi che partecipano alle attività, nasce il rapporto con tutti i cittadini di qualsiasi colore politico, nasce la catechesi del rispetto di tutte le idee, nasce la comunicazione del messaggio evangelico.\nDon Bruno, nel suo piccolo, l’aveva certamente capito.


BASTABUGIE - GALILEO NON SUBI' NESSUNA TORTURA: EPPURE NE SONO CONVINTI IL 97% DEGLI STUDENTI DI SCIENZE!!!\ndi Fabio Sansonna\nRimango sempre un po' perplesso quando vengono date eccessive responsabilità alla Chiesa Cattolica sul caso Galileo. È chiaro che quello che era in gioco era l'unità del sapere e non l' astronomia, e la Chiesa da secoli garantiva quest'unità culturale.\nPer S. Tommaso ogni oggetto esige un suo metodo (Summa Theologica II,II q.1), ma i diversi campi del sapere hanno un significato unico: non a caso la cultura cristiana medievale si esprime nell' università (un verso unico).\nCon gli strumenti culturali e scientifici dell'epoca difficilmente la Chiesa Cattolica avrebbe potuto dare un giudizio diverso da quello che diede, ed è storicamente assurdo pretendere che potesse assumere quelle posizioni che assumeremmo noi oggi, ricchi del bagaglio culturale e scientifico di altri 400 anni. Il caso Galileo è una vicenda che nasce e si conclude all' interno della Chiesa, ma anticlericali e massoni hanno tutto l'interesse a mantenere la frattura tra fede e scienza usando Galileo contro la sua stessa fede, così eroicamente dimostrata quando per amore alla Chiesa scelse di pronunciare la sua abiura.\nLa Chiesa non poteva avere paura della scienza per il semplice motivo che quello che Galileo sosteneva all'epoca non era ancora scienza: la teoria tolemaica e aristotelica facevano scuola da due millenni, e la Chiesa riconosceva come scienza quello che tutti riconoscevano come tale.\nTuttavia già papa Paolo III° amava farsi mostrare da Copernico in visita a Roma i pianeti medicei, e restò aperto all'ipotesi dell'eliocentrismo tanto che lo scienziato polacco gli dedicò un suo libro.\nEcco quello che scrive San Roberto Bellarmino, il cardinale che per primo ebbe a che fare con Galileo, in una lettera del 12 aprile 1615: "Dire che la terra si muova ed il sole stia fermo è benissimo detto, e non v'ha pericolo alcuno. Quando ci fosse vera dimostrazione che il sole stia al centro del mondo, allora bisognerà andare con molta considerazione in esplicare le Scritture,\ne dire piuttosto che lo intendiamo che dire che sia falso quello che si dimostra. Ma io non crederò che ci sia tale dimostrazione finchè non mi sia mostrata".\nSan Bellarmino dimostra quindi una notevole apertura alla possibilità presentata da Galileo, fino al punto di essere disposto a ridiscutere la lettura della Bibbia. In fondo però cosa chiede San Bellarmino a Galileo? le prove, quelle prove che Galileo non porterà mai. Infatti la conferma del moto della terra si avrà solo con Newton, ma prove precise si avranno solo con Bradley (1725), con la scoperta della parallasse stellare nel 1827 e infine con Foucald nel 1851.\nGalileo pretendeva che tutto il mondo scientifico e la Chiesa si inchinassero davanti ad una sua intuizione che solo nei secoli successivi si dimostrerà giusta.\nLa sua era una pretesa che dal punto di vista scientifico sarebbe ritenuta anche oggi inaccettabile. Egli aveva contro tutto il mondo scientifico, da Cartesio a Keplero che contestava le prove(le maree) portate dallo scienziato pisano a favore dell'eliocentrismo, e perfino nel secolo successivo scienziati come Laplace e Poincaré ritenevano ancora che l'eliocentrismo fosse una pura ipotesi.\nLa Chiesa riconobbe con notevole anticipo rispetto alle conferme scientifiche la validità dell'ipotesi galileiana, già a metà del '700, e poi nel 1822 con Pio VII°, quando ancora mancavano alcuni elementi per le prove definitive: era impossibile pretendere che la Chiesa del XVII° secolo, contro tutto il mondo scientifico, riconoscesse per vero quello che Galileo affermava: per questo gli chiese di parlare per ipotesi ("ex suppositione").\nIl card. Ratzinger nel 1992 citava il filosofo agnostico Feyerabend : "La Chiesa dell'epoca di Galileo si attenne alla ragione più che lo stesso Galileo, e prese in considerazione anche le conseguenze etiche e sociali della dottrina galileiana. La sua sentenza contro Galilei fu razionale e giusta, e solo per motivi di opportunità politica se ne può legittimare la revisione".\nInfatti quello che successe in seguito non appartiene più al discorso scientifico: i discepoli di Galileo andavano tra la gente dicendo che la Bibbia sbagliava e andava corretta, affermando una verità parziale che poco serviva alla educazione del popolo. Galileo amava qualificarsi anche come filosofo, e forse avrebbe fatto meglio a limitarsi ad attaccare come puro scienziato il sistema scientifico tolemaico, anziché la Bibbia. Galileo, cattolico e padre di due monache, era stato difeso dal Sant'Uffizio anni prima sulla questione delle comete, ora Papa Urbano VIII° cercava paternamente di fargli capire che le sue ipotesi stavano sconfinando in un terreno diverso dalla scienza, e voleva anche evitare ulteriori fonti di rottura col mondo protestante, rigidamente anti-eliocentrico. Anche Giovanni Paolo II° nel suo discorso "riabilitativo" di Galileo del 1992 afferma: "Come la maggior parte dei suoi avversari Galileo non fa distinzione tra quello che è l'approccio scientifico ai fenomeni naturali e la riflessione sulla natura di ordine filosofico che esso generalmente richiama. È per questo che egli rifiutò il suggerimento che gli era stato dato di presentare come un'ipotesi il sistema di Copernico, fin tanto che esso non fosse confermato da prove irrefutabili".\nGalileo pubblicherà ugualmente il Dialogo, in cui farà apparire Urbano VIII° come uno sciocco: è solo a questo punto che scatta il caso Galileo nella parzialità con cui ci è stato tramandato, a questo punto un caso politico interno alla Chiesa, e non più un caso scientifico : Galileo contravvenne a tutti i consigli del Papa, per questo venne condannato, come ben spiega Luigi Negri in Controstoria.\nNel frattempo il card. Bellarmino era morto, ed il processo venne condotto a termine da alcuni gesuiti, tra il dispiacere del Papa e la disapprovazione di molti nella Chiesa : è sbagliato dire che la Chiesa tutta di allora in quanto tale lo avrebbe condannato. Galileo abiurò per amore alla Chiesa e occorrerebbe lasciarsi interrogare da questo suo grande gesto. In seguito visse in una villa messa a disposizione da un ecclesiastico e sua figlia Suor Celeste fece per suo padre la "terribile" penitenza comminatagli dal S. Uffizio : recitare i salmi penitenziali.\nLa sua abiura non compromise il progresso scientifico successivo : scienziati come Ampère, A. Volta, l'abate G. Mendel e J. Von Neumann (padre dei computer) erano tutti cattolici. L'esito negativo del caso Galileo fu la contrapposizione tra mondo scientifico e religioso e la sistematica attribuzione di merito a Galileo di tutto quello che la scienza produceva, pur di avversare la concezione religiosa della vita. In realtà l'incomprensione fa parte da sempre della storia di ogni genio.\nUn secolo prima il chirurgo francese A. Paré, il primo a usare fili di sutura per le ferite e a praticare la legatura delle arterie, fu deriso dai colleghi che lo chiamavano "il sartino", ma per fare queste scoperte non ebbe bisogno di conoscere il metodo galileiano, né di contrapporre scienza e fede, infatti creò il celebre motto "Je le pansai, Dieu le guérit".\nIl mondo scientifico in seguito nella sua conquistata autonomia non dimostrò tuttavia meno rigidità dei gesuiti con Galileo: nel 1628 l'inglese Harvey scoprì la circolazione del sangue e venne condannato come pazzo, eppure in Inghilterra all'epoca la Chiesa Cattolica era del tutto inesistente da decenni: da dove arrivava allora questa ostilità verso la scienza?\nIl medico francese Laennec, il primo a intuire l'origine batterica specifica della tubercolosi ed inventore dello stetoscopio e Mesmer, creatore della psicoterapia, vennero emarginati dal loro mondo scientifico, ma anche lì la Chiesa non c'entrava.\nMa l'esempio più clamoroso di emarginazione è quello dell'ungherese Ignazio Semmelweis che a Vienna ridusse la mortalità da sepsi puerperale dal 12% allo 0,5% in soli due anni, contro la mortalità del 33% del suo direttore Klein che con altri baroni universitari fece in modo che Semmelweis fosse licenziato, esposto alla pubblica derisione, perdendo la cattedra universitaria, finendo i suoi giorni in manicomio dove subì anche sevizie fisiche.\nRispetto a Galileo le differenze sono molte: innanzitutto in gioco c'era la vita concreta di donne che partorivano e non una semplice teoria astronomica senza incidenza diretta\nsulla vita concreta della gente, quindi l'errore aveva conseguenze dirette sulle persone. Inoltre, Semmelweis aveva portato prove più che evidenti delle sue ipotesi, e aveva dalla sua parte almeno cinque grandi medici della Scuola Viennese (tra cui Herba, Rokitansky) che difendevano anche pubblicamente la sua teoria, mentre Galileo aveva contro tutto il mondo scientifico della sua epoca e quindi l'errore scientifico dei gesuiti è stato meno grave. L'errore degli avversari di Semmelweis invece continuò a permettere che donne concrete morissero nella loro "clinica della morte", mentre l'errore dei gesuiti non ha fatto mai morire nessuno, a conferma della principale preoccupazione della Chiesa che ancora oggi al di là delle possibili incoerenze non perde mai di vista l'essenziale e cioè il bene delle persone.\nNota di BastaBugie: al link seguente si trova l'approfondita conferenza di Rino Cammilleri tenuta a Staggia Senese sul processo a Galileo.\nVi presentiamo inoltre un interessante servizio del Tg2 che svela alcune menzogne sul caso Galileo.\nFonte: Journal of Medicine and the Person, 20/03/2006\nARTICOLI di Fabio Sansonna > qui\n2 COSA INTENDEVA SAN BENEDETTO CON ''ORA ET LABORA''


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