Lega A - Virtus Segafredo, buon test contro la Germani Brescia - chocfilms- chocfilms.info\nLega A - Virtus Segafredo, buon test contro la Germani Brescia\n07.04.2017 00:32 di Redazione Pianetabasket.com\tarticolo letto 196 volte\nAmichevole infrasettimanale per la Segafredo che incontra la Germani Brescia in un bell’evento, promosso dall’amministrazione comunale di Castel San Pietro, dedicato al ricordo di Roberto Ferrari, il giovane scomparso in un incidente stradale al quale è intitolata la struttura sportiva castellana.\nI primi punti della partita sono di Marcus Landry che mostra subito la sua fisicità sotto canestro, ai quali però risponde con una bella schiacciata Lawson, seguita dalla prima tripla dell’incontro di Spissu per il primo vantaggio bianconero. Ancora Landry a bucare la retina dalla lunga distanza in un primo quarto davvero piacevole che registra il primo strappo da parte dei ragazzi di coach Ramagli dopo circa 4 minuti con una tripla di Ndoja, un arresto e tiro di Spissu ed un’altra schiacciata di Lawson per il 14 a 7 a 4 minuti dal termine del quarto che costringe coach Diana alla sospensione.\nEscono bene dal time out gli ospiti con Bolis che recupera una palla dalla spazzatura trasformandola in due punti e due triple consecutive di Laganà e Bushati che riportano la Germani avanti 14 a 15 al 7°.\nVantaggio che dura una sola azione perché a riportare davanti i suoi ci pensa Spissu con un canestro da sotto. Prova la zona dispari coach Diana, ma non scaturisce gli efetti sperati perché la Segafredo produce un mini parziale propiziato dalla tripla di Spizzichini e da due liberi di Umeh per ristabilire le distanze: 21 a 15 a una manciata di secondi dalla fine. A tenere a stretto contatto i suoi però ci pensa Bushati a fil di sirena da lontanissimo: 21 a 18 al primo mini breack.\nL’equilibrio regna sovrano anche nel secondo quarto con le due squadre che si scambiano colpo su colpo, apre Spizzichini al quale risponde un ispiratissimo Laganà: dopo il suo libero la Virtus ha solo due punti di vantaggio: 23 a 21 quando gli ospiti provano ancora la difesa collettiva, questa volta a fronte pari ed è proprio questa soluzione a frenare la marcia Segafredo: la tripla di Morse riporta avanti la Germani 25 a 26 esattamente alla metà del tempino.\nL’astinenza in attacco viene spezzata da una bella penetrazione di Lollo Penna che segna subendo anche il fallo, l’azione sposta nuovamente l’inerzia della partita perché Lawson su rimbalzo d’attacco porta un altro importante mattoncino prima di uno scambio di triple tra Ndoja, Laganà e Umeh che mandano le squadra al riposo con un buon bottino di margine per la Segafredo.\nNell’intervallo il sindaco Tinti ha premiato i presidenti Bucci e Bragaglio, insieme a Mauro Ferrari, fratello di Roberto, che ha presenziato all’evento.\nSi ricomincia con Brescia che spara pesante Laganà da lontanissimo e Landry pestando l’arco, la Germani ritorna a contatto in un amen: 36 a 34 dopo pochi istanti, ma la Virtus non si scoraggia e produce ancora uno strappetto con un bel canestro di Spissu, una tripla di Rosselli e un contropiede di Michelori che costringono Diana a richiamare i suoi dopo soli tre minuti abbondanti.\nSi riparte con una bella schiacciatona di Landry, ma la Segafredo non si lascia intimidire e mantiene sempre un minimo margine che le permette di comandare le danze, a metà tempo sono sei i punti di vantaggio dopo un libero di Ndoja: 44 a 38, ed è proprio qua che comincia lo strappo definitivo della Virtus che grazie ad un altro libero di Klaudio, un paio di triple di Lawson ed un contropiede di Rosselli si trova sul 53 a 38 ad un paio di minuti dall’ultimo riposo.\nDavanti ai suoi concittadini Luca Vitali non ci sta a mollare le armi e con tanta esperienza riesce a procurarsi dei tiri liberi sfruttando il fisico in avvicinamento a canestro: 53 a 47 all’ultimo intervallo.\nL’inerzia però è in favore dei bianconeri che senza troppi problemi conducono fino al termine aumentando vertiginosamente la forbice, tanto spazio per Penna e Oxilia autori davvero di pregevoli azioni tra cui la tripla che conclude il tabellino per la Virtus sul 71 a 52 prima della fine definitiva siglata da Bolis.\nVirtus Segafredo Bologna – Leonessa Germani Brescia 71 - 54 (21-18) (36-29) (53-47)\nSegafredo: Spissu 9, Umeh 5, Spizzichini 10, Ndoja 8, Rosselli 7, Michelori 2, Oxilia 7, Penna 8, Lawson 15, Bruttini. All.: Ramagli\nGermani: Moore ne, Breggren 2, Vitali L. 8, Landry 11, Laganà 17, Bolis 7, Vertova, Zanetti, Bellandi, Morse 3, Burns ne, Vitali M. ne, Moss ne, Bushati 6, Eladjie. All.: Diana\nArbitri Vicino, Tirozzi , Tallon\nузнать больше 13.ua


zen | deepsurfing\nArchivi tag: zen\nIn memoria di un libro epocale che cercava la Qualità in sella a una moto\nRobert Pirsig è morto il 24 aprile scorso, a 88 anni, nella sua casa del Maine. Quando è successo ero al paese, a fare “manutenzione” a mio padre, lontano da radio, web e giornali, e mi è sfuggita la notizia.\nMa Lo Zen e l’arte della manutenzione della motocicletta è stato uno libro importante per me. Ero appena uscito da anni di studio matto e astrattissimo di filosofia (fenomenologia e semiotica, da incosciente e presuntuoso), non avevo una moto e non sapevo neanche usare un cacciavite. E mi trovai per le mani uno che, la filosofia, l’aveva trasformata in vita vissuta, fino al baratro della follia, e poi ne era uscito, in sella a una moto. E che parlava – a me e a suo figlio – di come riparare una motocicletta, la mente e la razionalità platonico-aristotelica. Una folgorazione.\nSono passati tanti anni. Sulla mia copia ingiallita dello Zen spuntano ancora decine di segnalibro spiegazzati. E nel mio computer molti vecchi files e una recensione inedita. La pubblico qui, con un post scriptum.\nAgli inizi degli anni settanta sulle scrivanie degli editori americani circolava un insolito dattiloscritto, una specie di romanzo on the road che parlava di filosofia e riparazione meccanica. L’autore era Robert M. Pirsig, sconosciuto ex professore d’inglese di un college del Montana con studi filosofici in India e trascorsi in ospedale psichiatrico: una vita che doveva averlo ben temprato. Infatti 121 rifiuti (un record, tra i libri divenuti poi bestseller) non bastarono a farlo desistere e alla fine riuscì a pubblicare il suo lavoro. Uscì così, nel 1974, Lo Zen e l’arte della manutenzione della motocicletta, destinato a diventare un cult. Una definizione che in questo caso calza a pennello, perché la sua lettura può assomigliare effettivamente a una conversione religiosa: hai l’impressione che qualcosa, quasi impercettibilmente, sia cambiato nella tua vita, e che ti venga di guardare il mondo in un altro modo. Ed è così che i suoi lettori diventano spesso missionari del libro – il che aiuta a capire i milioni di copie vendute in tutto il mondo.\nIn una postfazione del 1984 Pirsig offre una spiegazione della diffusione del suo culto: dice che ci sono libri «portatori di cultura»; libri che, senza essere necessariamente di grande qualità, «portano la cultura come un mulo porta la sua soma». Essi «appaiono quasi per caso, come le alterazioni improvvise del mercato azionario» e «mettono in discussione i valori culturali comunemente accettati, e spesso lo fanno in un momento in cui la cultura si sta muovendo in quella stessa direzione». Il suo libro offriva un’alternativa al vicolo cieco in cui si era cacciata la generazione degli hippy: voltate le spalle al grande sogno americano, il successo materiale, si trovarono davanti a una libertà vuota e tentarono di riempirla con soluzioni pittoresche, talvolta «pure e semplici degenerazioni», «divertenti, ma difficilmente sostenibili come modi per impiegare la propria esistenza».\nLo Zen e l’arte della manutenzione della motocicletta si propone come una via d’uscita allo smarrimento culturale seguito agli anni Sessanta. Ma non suggerisce una fuga nella mistica orientale – molto di moda in quegli anni, magari in sella a una moto come quella di Easy Rider. Anzi, in un certo senso la moto serve a Pirsig proprio per riaffrontare e liberarsi del misticismo autodistruttivo in cui l’aveva spinto – paradossalmente – la sua ossessiva ricerca intellettuale: viti, bulloni, saldature e messe a punto diventano infatti lo strumento filosofico per esplorare i grandi temi dell’estetica, della realtà e della ragione mantenendo però il contatto col mondo di tutti i giorni.\nLa storia del libro è in larga parte autobiografica: racconta il viaggio in moto attraverso l’America, dal Minnesota all’oceano di San Francisco, fatta col figlio undicenne, Chris – il ragazzo che si vede nella foto e che morirà tragicamente pochi anni dopo l’uscita del libro. Nel 1967, quando inizia il viaggio, Pirsig è reduce da tre anni di cliniche psichiatriche: esaurimento nervoso, schizofrenia, elettroshock, depressione. Quel viaggio tra i grandi paesaggi americani serve a rimettere insieme la sua mente e il rapporto, struggente, col figlio, entrambi lacerati dopo l’elettroshock subito in ospedale. Sono questi i due temi del viaggio. Ma qui vorrei concentrarmi sull’on the road filosofico: il viaggio di Pirsig nella sua mente, alla ricerca della Qualità e del suo problematico rapporto con la tecnologia. Questo itinerario interiore segue le tracce inquietanti di Fedro, il suo io passato precipitato nella follia, che prende il nome dal personaggio dell’omonimo dialogo platonico.\nFedro-Pirsig era arrivato alla conclusione che la Qualità è l’esperienza pre-intellettuale della realtà, il punto originario, l’evento da cui prendono origine soggetto e oggetto; e che la radice della nostra razionalità così insensibile alla Qualità e ai valori è nel logos di Platone e soprattutto di Aristotele: il mondo occidentale come lo conosciamo e la sua idea di verità è un mito che loro hanno creato, soffocando l’areté degli antichi greci, quella tensione verso la perfezione della propria esistenza che accomuna l’eroe omerico al monaco buddista e che non può essere catturata dai procedimenti razionali inventati dai due metafisici. Fedro si era reso conto che «un solo tipo di persona ha l’alternativa di accettare il mythos in cui vive o rifiutarlo. E la definizione di questa persona, una volta che l’abbia rifiutato, è “pazzo”». Benché sapesse dunque che «la pazzia è la terra incognita che circonda il mythos», era convinto che «per capire la Q avrebbe dovuto abbandonare il mythos». In realtà Fedro credeva che ad esser pazzo fosse il nostro mythos della razionalità occidentale.\nPartito dal problema di come insegnare la Qualità, Fedro imboccò così la direzione che lo portò alla schizofrenia. La direzione giusta, racconta Pirsig, è invece quella che riporta le sue scoperte tra «le valli di questo mondo», perché «la metafisica va bene se migliora la vita quotidiana; altrimenti è meglio lasciarla perdere». Non si doveva abbandonare la ragione, ma trovare il modo per ampliarla in modo che non escludesse come irrazionali i valori estetici: era la via che lo stesso Fedro in fondo aveva indicato. Dunque «il vero male non sono i prodotti della tecnologia, quanto la tendenza che quest’ultima ha di isolare la gente, di abituarla a degli atteggiamenti d’indifferenza al mondo. È l’oggettività, il modo dualistico di considerare le cose insito nella tecnologia, che è responsabile del male». Agire secondo la Qualità significa invece non separare se stessi dal lavoro che si fa: i precetti della mistica indiana – il distacco da se stessi, la quiete della mente e dei desideri – colgono infine l’essenza del fare artistico, accomunando l’artista al meccanico: «la vera motocicletta a cui state lavorando è una moto che si chiama voi stessi».\nNe consegue che «il posto per migliorare il mondo è innanzitutto nel proprio cuore, nella propria testa e nelle proprie mani». E a chi sospetta che la conquista di sé vada a discapito del rapporto con gli altri, Pirsig obietta che «le tue decisioni, fatte tenendo conto della Qualità […] non solo cambiano te e il lavoro, ma cambiano anche gli altri, perché la Qualità è come un’onda. Quel lavoro di Qualità che pensavi nessuno avrebbe notato viene notato eccome, e chi lo vede si sente un pochino meglio: probabilmente trasferirà negli altri questa sua sensazione e in questo modo la Qualità continuerà a diffondersi».\nPartendo dal problema estetico, lo Zen e l’arte della manutazione della motocicletta delineava dunque una riconciliazione con la realtà del lavoro e della vita nella società tecnologica attraverso una trasformazione interiore.\nIn questo Pirsig era convinto di aver portato qualcosa di nuovo a una cultura in cui si contrapponevano il gretto materialismo del successo tipico del “sogno americano” e la libertà anarchica ma autodistruttiva dell’utopia “hippy”. Il suo libro indicava “un’estensione del significato di “successo” a qualcosa di più ampio che avere un buon lavoro e il vivere in pace. Di più ampio anche della pura e semplice libertà”: indicava “un traguardo positivo che non ha nulla di limitante”.\nIl libro finisce col figlio che si alza sui pedalini e guarda finalmente sopra le spalle del padre, mentre la moto, “ronzando nel suo oblio”, si avvicina alla baia di San Francisco. “Ce l’abbiamo fatta. Ora tutto andrà per il meglio. Queste cose si sentono”.\nPost scriptum. Cinque anni dopo l’uscita del libro, il viaggio di Chris finirà male: verrà accoltellato da un balordo fuori dal centro Zen di San Francisco in cui viveva. Aveva 23 anni. Dev’essere stato veramente bravo Pirsig-Fedro, a far manutenzione alla sua mente per sopravvivere a un simile dramma e scrivere un altro libro. Quando Lila uscì nel 1991, mi procurai subito una copia in inglese. Racconta un altro viaggio, questa volta in barca, alla ricerca di una Qualità capace di riparare perfino lo strazio insopportabile della perdita di un figlio. Ma di questo parlerò un’altra volta.\nRivisto oggi, a oltre 40 anni di distanza, ho il sospetto che il “traguardo positivo” che Lo Zen proponeva – l’auto-trasformazione, la manutenzione del proprio sé – si sia talmente diluito nella nostra cultura da diventare un innocuo luogo comune. Forse è tempo di nuovi libri capaci di portare avanti la “soma” della cultura. Sarebbe il miglior modo per rendere onore a Robert Maynard Pirsig e alla sua Qualità.\nPer quanto riguarda me, scopro solo adesso, riprendendo in mano quel libro e i miei appunti, che la ricerca della Qualità è diventata anche la mia ossessione degli ultimi anni. Ora la chiamo: “arte”.\nQuesto articolo è stato pubblicato in cultura e società e taggato come Lo zen e l'arte della manutenzione della motocicletta, Pirsig, Qualità, zen il 5 maggio 2017 da Luigi Bonfante\nNè arte, né non arte. Gli enigmi di Kishio Suga tra avanguardia e zen\nKishio Suga, Law of Multitude (1975-2016)\nCome si guarda un’opera d’arte contemporanea? In genere, di fronte all’arte, tendiamo istintivamente ad applicare il criterio del gusto. Ma il gusto come criterio dell’apprezzamento artistico è una metafora inventata tra il Seicento e il Settecento, e porta con sé l’idea di un contatto diretto, percettivo con l’opera, grazie al quale ognuno è legittimato a considerarsi l’unico – e quindi il migliore – giudice delle impressioni del proprio palato (per confutare questa specie di solipsismo critico, com’è noto, Kant ha scritto la Critica del giudizio, che però non ha avuto molto effetto sul senso comune).\nQuesta idea di gusto rende assai difficile accostarsi all’arte contemporanea. Vorrei provare a dimostrarlo sottoponendo a un piccolo test una mostra allestita all’Hangar Bicocca in questo periodo. Si intitola Situations ed è una retrospettiva dedicata a Kishio Suga, figura centrale dell’arte contemporanea giapponese, ma sconosciuto ai non specialisti e appartenente a una cultura lontana. Proprio per questo si presta bene all’esperimento, che consiste nel guardare una prima volta le opere con un approccio “fenomenologico”, cioè senza alcuna informazione o preparazione, mettendo tra parentesi l’“enciclopedia”, quindi esplorare un po’ lo sfondo entro cui opera l’artista, e tornare poi a “guardarle” con una dotazione più ricca di idee.\nLa visita “fenomenologica”\nPer arrivare alla mostra del giapponese devo passare per un’altra mostra, della francese Laure Prouvost, che appare come un antro buio un po’ claustrofobico, caoticamente riempito di suoni e immagini dal sapore surreale: video, oggetti e installazioni con cui l’artista mette in scena il suo immaginario mescolando sogni e realtà. Attraverso poi una specie di corridoio di “compensazione”, sempre immerso nel buio, in cui una voce sincronizzata ai movimenti di spot luminosi colorati cerca, con un pizzico d’ironia, di trattenermi nell’antro uterino. Io invece sfuggo e mi ritrovo in un mondo che è il suo esatto opposto.\nL’enorme capannone in cui è allestita la retrospettiva di Suga è altissimo, senza alcun elemento divisorio, immerso in una luce diffusa, piatta e livida, che piove dall’alto sul cemento grigiastro del pavimento. La prima installazione è una treccia di stoffa bianca e nera che scende dal soffitto dell’hangar: in alto raccoglie cinque fasce di tessuto fissate a una struttura circolare, in basso finisce sul pavimento allargandosi in cinque raggi, ognuno dei quali termina avvolgendo lastre di zinco piegate in forme sinuose. È l’unica opera che si sviluppa in verticale e sfrutta l’altezza insolita dello spazio espositivo. Ha qualcosa di enigmatico che incuriosisce senza davvero meravigliare e lascia perplessi.\nLa sensazione di perplessità aumenta passando in rassegna le altre installazioni. Sono tutte realizzate con elementi poveri, in parte naturali in parte artificiali: pietre e graniti; rami, tavole e travi di legno; funi di canapa e d’acciaio; lamine, lastre e tondini di metallo; mattoni forati e blocchi di cemento, pannelli ondulati. E non mostrano elaborazioni evidenti, né di colore (che è quello dei materiali grezzi, un registro tanto ristretto da sembrare monocromo), né di forma (se non le più semplici: una piega, un taglio). Gli elementi base hanno forme elementari o standard e le composizioni sono minimaliste, assemblaggi giocati sul semplice accostamento di elementi e materiali spesso in contrasto tra loro. Quasi tutte le installazioni sono di grandi dimensioni: ognuna potrebbe riempire la sala di una normale galleria (invece qui, disperse in ambiente enorme, senza l’isolamento del white box, perdono un po’ della loro icasticità).\nPensando alla mia passione infantile per le costruzioni di legno, cerco di immaginarmi un bambino gigante che ha fatto man bassa sul greto di un fiume in secca e in un deposito di materiali edili, e si sia poi messo lì, in quel capannone, a giocare a costruzioni. Ma non trovo alcuno spirito infantile in quei giochi. C’è qualche dettaglio arguto, qualche dissonanza gustosa, qualche sobria traccia di eleganza; ma non si sente mai la meraviglia, la volontà si sorprendere, l’ironia o la bellezza esibita. Domina invece uno spigoloso ascetismo sia negli ingredienti, che nelle ricette.\nAnche le due opere potenzialmente più spettacolari, quella già descritta che inaugura il percorso e quella che lo chiude, sembrano nascondersi dietro un’aria dimessa. L’ultima installazione, la più grande, si può vedere affacciandosi da un portone aperto su un altro vasto capannone quadrangolare del tutto vuoto tranne che per i due elementi con cui è realizzata l’opera: funi d’acciaio tese tra le pareti che attraversano lo spazio in lungo e in largo, a mezzo metro da terra, disegnando una griglia molto irregolare appena percettibile; e poi tavolette di legno di varie fogge e dimensioni, appoggiate sui punti d’intersezione delle funi. La stessa struttura si ripete a qualche metro d’altezza, ma con poche funi e qualche rada tavoletta. Nonostante le dimensioni e la stranezza, non c’è alcuno spettacolo e quasi nessuna emozione, se non un senso di vuoto e precarietà appena percepibile. L’opera occupa tutto lo spazio, ma invece di riempirlo e abitarlo sembra svuotarlo ancora di più.\nA ben vedere, quel senso di precarietà è una caratteristica ricorrente, dovuta anche al fatto che non appaiono quasi mai materiali aggiuntivi di fissaggio: molte composizione si reggono grazie all’interazione – contrappeso, attrito, annodamento – tra gli elementi costitutivi.\nAssieme alla precarietà avverto anche un vago senso di non finito, che convive paradossalmente con la compiutezza delle installazioni. Mi vien da pensare che ogni opera alluda a qualche principio architettonico basilare, esposto con un esempio che potrebbe essere continuato e variato ad libitum.\nPrendiamo l’opera che mi ricorda un cimitero allagato: una distesa di plinti di cemento forma un grande quadrangolo senza griglia regolare, coperto da un telo di plastica trasparente; sopra i plinti ci sono grosse pietre che tengono teso il telo e sembrano galleggiare sulla sua superficie. Sono strutture verticali, solide e pesanti, che tengono in forma una fluida struttura orizzontale.\nOppure prendiamo il labirinto costruito con grossi parallelepipedi di legno distesi a terra: ogni trave è disposta accanto alla successiva con un’angolazione determinata dalla piccola forcella di ramo appoggiata sopra alle due, a mo’ di cerniera. È un piccolo caso naturale che diventa legge artificiale.\nO ancora la tavola di compensato e la trave di legno inclinate l’una sull’altra e tenute ferme da pietre. Ogni elemento (punto, linea e superficie?) è in relazione strutturale con l’altro, l’attrito e i contrappesi li tengono insieme e li giustificano.\nKishio Suga, Contorted Positioning (1972-2016)\nIn ogni opera c’è un contrasto e una tensione sottile, fisica e/o concettuale: tra il tipo di materiali (naturale vs artificiale; pesante vs leggero; verticale vs orizzontale; rigido vs flessibile); tra forze contrapposte, pesi e contrappesi; ma anche tra ordine e disordine, tra caso e necessità, forse addirittura tra razionalità e irrazionalità. È una tensione che non suggerisce però alcun dramma, anzi sembra sempre in equilibrio tranquillo, come un monaco zen che medita in un’ardua posizione yoga.\nIl punto è che il monaco non c’è: l’ego dell’artista, a cui l’Occidente è così abituato, sembra del tutto assente. Ci sono solo cose che non ostentano alcuna volontà espressiva, che non hanno subito quasi alcuna azione trasformativa, ma che diventano segni misteriosi grazie al loro accostamento incongruo. Non potrebbe esserci contrasto più stridente con la mostra di Laure Prouvost: là l’ego domina, con una presenza che cerca ossessivamente la comunicazione attraverso l’autobiografia, l’esibizione del corpo manipolante, il coinvolgimento fisico dello spettatore; qui invece l’ego si nasconde e il gesto è mentale, senza parole, senza comunicazione.\nIn effetti, le opere di Suga sembrano dei rebus, o forse, meglio, degli ideogrammi sconosciuti: vediamo solo intrichi di pennellate dall’eleganza astratta, e il mistero del loro significato riverbera sulla forma muta. Ma potrebbero essere anche soluzioni a problemi inesistenti, come una specie di problem solving al contrario, nel quale è impossibile o inutile risalire al problema.\nQuella sensazione iniziale di perplessità potrebbe allora essere proprio l’effetto di questa sospensione di senso che non cerca una risoluzione, di questa tensione che rimane immobile senza sforzo e quindi senza sviluppo: un puro presente che non guarda al passato e non tende al futuro, che rimane in silenzio, in attesa di nulla.\nA questo punto è chiaro che la parentesi si è fatta troppo stretta: l’occhio non può mai essere del tutto ingenuo, lo sguardo depurato dalle interpretazioni. Nella visita “fenomenologica” è già entrato, inevitabilmente, uno scampolo di “enciclopedia”, perché non si può non collegare queste opere a due mondi di cui abbiamo spesso solo un’immagine stereotipata e nebulosa: quello del pensiero zen e quello della ricerca artistica degli anni Sessanta e Settanta.\nVeduta della retrospettiva di Kishio Suga all’Hangar Bicocca\nLa visita “teorica”\nKishio Suga, nato nel 1944, si forma proprio negli anni Sessanta alla Tama Art University di Tokyo, con maestri sensibili a quanto di nuovo si stava muovendo nell’arte americana, in particolare il Minimalismo, che cercava di liberare gli oggetti dalla soggettività e dall’intenzionalità dell’artista. Il suo percorso artistico è legato al movimento Mono-ha (letteralmente: “Scuola delle cose”), che si sviluppa a Tokyo tra il 1969 e il 1972, e al quale Suga è rimasto fedele fino a oggi. Caratterizzato dall’uso di materiali semplici e dall’attenzione ai rapporti tra materia e spazio circostante, Mono-ha “condivide aspetti tematici e formali con movimenti contemporanei quali la Post-minimal Art e la Land Art negli Stati Uniti e l’Arte Povera in Italia” (cito dall’ottimo libretto con cui l’Hangar Bicocca accompagna la mostra).\nPrima di allora c’erano già stati contatti tra le avanguardie americane e il mondo giapponese. Il più famoso è la reinterpretazione dell’action painting di Pollock come pura performance corporea, ludica, dadaista e iconoclastica, che fece il gruppo Gutai a metà degli anni Cinquanta. Ma altrettanto significativo, anche se più nascosto, è un contatto inverso avvenuto pochi anni prima: gli insegnamenti del maestro zen Suzuki furono decisivi per John Cage e influenzarono l’ambiente creativo del Black Mountain College, da dove passarono molti artisti tra cui Robert Rauschenberg.\nMa il gruppo Mono-ha è di una generazione successiva e i confronti più diretti e istruttivi, per le “cose” di Suga, sono gli strani oggetti che invadono il mondo dell’arte alla fine degli anni Sessanta. Mi limito a citare quelli dell’Arte povera (lanciata nel 1967 da Germano Celant), in cui i materiali ricorrenti erano, come in Suga, i più umili e i meno “artistici”: carbone, terra, legno, paglia, specchi, stracci…, spesso usati in accostamenti incongrui e contrastanti. Ma il tono critico, anti-tecnologico e anti-formalista, nonché il gusto teatrale, drammatico o ironico o provocatorio, degli italiani è molto diverso dalla poetica ascetica di Suga.\nUn confronto ancora più interessante è quello con la famosa mostra When Attitudes Become Form, ideata a Berna nel 1969 da Harald Szeemann come una rivoluzionaria sintesi dell’arte del momento (ripresa nel 2013 a Venezia da Germano Celant e Fondazione Prada, e raccontata qui). Ci sono sottili assonanze tra le opere di Suga e le strisce di feltro di Robert Morris che cadono aggrovigliandosi a terra, le lastre e le gettate di piombo di Richard Serra, la margarina spalmata negli angoli da Joseph Beuys, la grande fascina di legni appesa da Gilberto Zorio, i sacchi pieni di semi di Jannis Kounellis, la torsione di Giovanni Anselmo, per fare solo alcuni esempi. La sintonia più suggestiva emerge tuttavia proprio dal titolo che Szeemann volle dare alla sua mostra: dire che gli atteggiamenti diventano forma significa rivolgere l’attenzione, più che agli oggetti, ai processi fisici e mentali, alle interazioni fluide tra opere, spazi e spettatori.\nEd è proprio questo che fanno anche le Situations di Suga, ma con un gesto e uno sfondo culturale completamente diverso. La loro originalità è nella sintesi tra due mondi così lontani come la ricerca d’avanguardia dell’arte occidentale e l’antica tradizione estremo-orientale.\nLa nostra immagine un po’ stereotipata dell’arte giapponese è dominata dall’eleganza e dalla raffinatezza: l’armoniosa asimmetria della natura, la malinconia dell’attimo fuggente, la curva flessuosa e il dettaglio prezioso. Il “mondo fluttuante” di Hokusai, Hiroshige, Utamaro in mostra ora a Palazzo Reale ne sono il paradigma più evidente e famoso.\nCon questa immagine le opere di Suga non hanno niente a che fare: è impossibile vedere l’eleganza fluttuante della natura in questi assemblaggi di funi, lastre di ferro, tavole di legno, lamiere. Ma è davvero un rifiuto radicale, da parte dell’artista, dell’estetica tradizionale della propria cultura?\n“Prima dell’incontro con l’Occidente, nell’estetica giapponese non esisteva il termine “bello”: la bellezza era la naturalezza, l’operare come la natura, realizzare opere come fossero fatte da sé”, spiega Marcello Ghilardi, giovane docente di estetica e filosofia dell’Asia Orientale a Padova, che ha aperto la serie di incontri organizzata per approfondire, appunto, la visione della mostra. “Non a caso in giapponese la parola “natura” si dice con un binomio che significa “ciò che accade o si dà da sé”; e “paesaggio” si dice col binomio “montagna-acqua”, che esprime il rapporto tra alto e basso, rigido e molle, immobile e fluente. Nella forma d’arte più elevata in Cina e Giappone, la pittura di paesaggio monocroma a inchiostro su carta, ciò che il pittore realizzava non era tanto una veduta, quanto un processo in cui l’io si scioglie nel paesaggio e il paesaggio si dipinge attraverso la mano dell’artista, che diventa tutt’uno con la natura”.\nSesshu Toyo, Haboku-sansui,1495\nPrendiamo l’opera più audace di Sesshu Toyo, grande maestro della pittura classica giapponese, contemporaneo di Leonardo: è un rotolo verticale in cui poche macchie d’inchiostro, alcune liquide e sfumate altre nette e puntute, fanno emergere sulla superficie bianca della carta il fantasma indefinito di un albero, di una roccia, di un riflesso d’acqua, del profilo di un monte immerso nella nebbia. È una pittura così essenziale da fondersi con la calligrafia: “un dipinto che si scrive e una poesia che si dipinge”, commenta Ghilardi.\nProviamo ora a confrontare quest’opera di cinque secoli fa con le strane cose ammucchiate nell’Hangar Bicocca. Non potrebbero essere guardate anch’esse come paesaggi astratti, versioni tridimensionali e materiche di quelle macchie e quei tratti d’inchiostro? La monocromia, l’essenzialità, il rapporto tra polarità (montagna-acqua) integrate in un tutto interdipendente, la sensazione che questo rapporto si formi da sé, quasi senza intervento di un “creatore”, in un gesto che fa parte del grande processo ininterrotto: sono aspetti che suggeriscono una continuità occulta e insospettata tra quell’antica tradizione e le opere di Suga, nonostante la loro scarsa “naturalezza” e la loro banale materialità.\nE tuttavia rimane, fin troppo evidente, anche la differenza, e non solo per i materiali: sull’antica serenità qui prevale un effetto spiazzante, enigmatico e quasi punitivo, che ha una chiara matrice modernista. La matrice è appunto quella Mono-ha. Lee Ufan, uno dei fondatori di questa “scuola delle cose”, dice che il lavoro dell’artista “invece di dare pace alla mente e serenità alla gente, è volto a esplorare in che misura lo sguardo delle persone possa essere distolto dalle cose che esse hanno sempre creduto essere la realtà”. E Kishio Suga precisa la propria poetica parlando di “eventi e fenomeni inesplicabili” che accadono nello spazio che abitiamo, di “elementi incerti ed esistenze indefinite” a cui si volge il lavoro dell’artista.\nOra si comincia a capire perché quei bizzarri accrocchi sul pavimento di cemento dell’hangar siano definiti Situazioni. Il termine, che per noi ha una connotazione psicologica o sociologica, suggerisce l’accadere di eventi e il manifestarsi di relazioni. Noi vediamo “cose”, ma ciò che conta sono aspetti più sottili e sfuggenti, soprattutto uno, fondamentale nella poetica zen di Suga: l’interdipendenza di ogni cosa con tutte le altre.\n“Nella lingua e nel pensiero occidentale ci sono prima gli oggetti e poi le relazioni; nel pensiero buddista è invece centrale il concetto di insorgenza co-dipendente (Engi)”, spiega ancora Ghilardi. “Significa che nulla esiste come entità autonoma, autosufficiente, autarchica, che ogni cosa è sempre interconnessa col tutto. Dobbiamo dunque pensare le cose di Suga non come sostanze o oggetti posti di contro a un soggetto, ma come nuclei di relazioni, intensità di sguardi. Ogni cosa è un campo di relazioni”.\nPer questo, pur essendo fatte di materiali così banali e concreti, le Situations di Suga hanno una dimensione enigmatica, immateriale; “che non è però oltre le cose, su un piano trascendente, puramente intellegibile, come nella metafisica occidentale, ma avviene nelle cose stesse e nelle relazioni che si instaurano tra di loro e con l’ambiente, lo spettatore e l’artista: è la loro interdipendenza intrinseca, costitutiva”.\nKishio Suga, Left Behind Situation (1972-2016)\nQuesta idea d’interdipendenza, così profondamente buddista, ci permette uno sguardo più profondo alla grande installazione di funi e tavolette che ho raccontata sopra: l’opera si chiama Left Behind Situation. Che cosa ho “lasciato indietro” nella mia prima visita? Ho guardato le funi e le tavolette, ho sentito il vuoto e la precarietà, e sono rimasto perplesso e un po’ deluso. Ma non ho capito che ciò che quelle cose rendono visibile è il campo di relazioni strettamente interdipendenti: senza le pareti e quel grande spazio vuoto non si potrebbero tendere le funi, senza le funi non ci sarebbero gli incroci che sorreggono le tavolette, senza le tavolette non si vedrebbe l’interdipendenza del tutto. C’è un sutra famoso, ricorda Ghilardi, che descrive la realtà come una rete infinita dove, su ogni nodo, è posto un gioiello che riflette tutti gli altri nodi: nulla esiste se non in continua interdipendenza con l’altro da sé. A rimanere sempre indietro è dunque questo sfondo inafferrabile di interdipendenze: “Ogni volta che cerco di cogliere lo sfondo, la realtà ultima, l’ho già ritagliato su un altro sfondo. È una sorta di sfondamento infinito: questa è la vacuità buddista”, spiega Ghilardi.\nPer dare un senso più profondo ai concetti astratti, di tipo topologico, che ricorrono nella descrizione formale delle opere di Suga (come quelle, accurate, contenute nella guida alla mostra), bisogna dunque sapere che esse corrispondono ad alcuni concetti fondamentali del pensiero zen, che a Suga arrivano soprattutto attraverso le opere del filosofo Kitaro Nishida (1870-1945).\nCerto, si potrebbe obiettare che se per apprezzare l’estrema povertà estetica di queste opere bisogna mettersi a studiare testi filosofici giapponesi, allora l’ascetismo diventa quasi masochismo… Ma in fondo, il riferimento forse più semplice e illuminante per guardare nel modo giusto le “cose” di Suga è il cerchio vuoto e il concetto di Mu (né c’è, né non c’è), vera sfida al principio di non contraddizione su cui si fonda tutta la logica occidentale: il senso non può che sfuggire; e la sensazione non può essere che di sospensione e perplessità. È arte o non è arte? La risposta è: “non fare la domanda”, come Robert Pirsig suggeriva di tradurre il termine Mu nel suo famoso Zen and the art of motorcycle maintenance (1974).\nIn conclusione, credo che il modo migliore per guardare le cose-situazioni di Suga sia pensarle come inviti alla meditazione. Di fronte a loro è meglio fare come il monaco-filosofo zen: non bisogna ostinarsi a capire e afferrare, ma esercitarsi a non trattenere, a lasciar andare. L’arte, suggerisce Ghilardi, non risolve la tensione, ma invita a un esercizio continuo di apertura. Un compito etico, più che estetico.\nDi fronte all’ego ipertrofico dell’artista-brand, alla vuota autoreferenzialità spettacolare dell’arte contemporanea, le “cose” di Suga sembrano non avere alcuna chance. Eppure questi umili, anonimi e anti-spettacolari esercizi di manifestazione del vuoto, frutto di un’inedito connubio tra una vecchia avanguardia e un’antica saggezza, potrebbero rivelarsi un’inattesa ventata di novità.\n(Questo articolo è apparso qualche tempo fa su Doppiozero.com. Lo ripubblico perché la nuova mostra all’Hangar Bicocca, di cui parlerò prossimamente ha interessanti analogie con questa).\nKishio Suga, Periphery of Space (1980-2016)\nQuesto articolo è stato pubblicato in arte contemporanea e taggato come Ghilardi, Hangar Bicocca, Kishio Suga, Sesshu Toyo, Szeemann, zen il 19 marzo 2017 da Luigi Bonfante\nL’antico spettacolo della mimesis contro il Kitsch della Pop Art?\nIl poeta anarchico che trasformò l’orinatoio in feticcio\nL’orinatoio che immaginò l’arte contemporanea


Centro Cultura del Mare - Flora e Fauna\nAssociazione di Promozione Sociale - Manfredonia\nFlora e Fauna presenti nel Golfo di Manfredonia e nelle acque antistanti la costa del Nord gargano – Isole Tremiti comprese.\nPer ogni specie considerata, si riporta la denominazione in lingua italiana (nome comune) e scientifica (nome latino) riconosciuto universalmente, seguito dal nome del naturalista che per primo ha descritto la specie e l'anno in cui è stata pubblicata per la prima volta; se disponibile, descizione e note relative.\nNella sezione "Curiosità - Termini dialettali" sono elencate le specie con nome dialettale in uso nella Marineria Sipontina.\n- Per la parte dialettale il testo consultato è il “Vocabolario di Manfredonia”, a cura di Pasquale Caratù e Matteo Rinaldi – Nuovo Centro di Documentazione Storica di Manfredonia 2006.\nIl Centro Cultura del Mare A.P.S. di Manfredonia ringrazia tutti coloro che hanno contribuito a fornire elementi utili alla identificazione e alla stesura delle schede informative:\n- l’ing. Nicola Del Bravo;\n- gli armatori: Antonio Castriotta, Matteo Marinaro, Giovanni Grieco, i fratelli Stefano, Matteo e Giovanni Pastore, Ciro Troiano, Matteo Pastore, Salvatore e Matteo Talamo;\n- i commercianti Tommaso Renzullo, Michele Guerra, Fabrizio Cassa;\n- i pescatori Giuseppe e Michele Cannito;\n- l’esperto in malacologia Raffaele Gramazio e l'amico Franco Rinaldi.\nSi ringrazia il fotografo Nicola Muscatiello per le foto dei molluschi bivalvi e gasteropodi.\nUn ringraziamento particolare al veterinario dr. Domenico Bisceglia per le foto fornite.\nSi invitano i visitatori del sito a segnalare eventuali errori e/o imprecisioni. Coloro che apprezzino l'iniziativa e volessero contribuire ad arricchire i contenuti delle varie sezioni (notizie, foto, ecc) possono inviarle al nostro indirizzo.\nIl Mediterraneo è un bacino praticamente chiuso, tuttavia lo stretto di Gibilterra funge da collegamento con l’Oceano Atlantico e da lì che attraverso le correnti marine, probabilmente, entrano le nuove specie. Anche l’apertura del Canale di Suez ha permesso l’ingresso di specie presenti in mari diversi.\nLe specie aliene suscitano interesse e curiosità nel mondo della ricerca scientifica e da alcune statistiche risultano essere circa 100.\nGli scienziati del mare stanno cercando di dare delle risposte a questo fenomeno in crescente espansione.\nCome si spiega che specie marine ritenute un tempo tropicali ora sono arrivate a colonizzare i nostri mari e alcune sono presenti anche nel Golfo di Manfredonia?\nCos’è che sta cambiando nelle acque del Mediterraneo?\nSecondo alcuni studiosi tale fenomeno sarebbe attribuibile al crescente aumento della temperatura media delle acque del Mediterraneo (Tropicalizzazione).\nAltro interrogativo, quale impatto avranno le specie aliene su quelle endemiche e sull’ecosistema marino in generale?\nTale fenomeno è tuttora oggetto di studio da parte di ricercatori di tutto il mondo.


IL MERCATO DEL FARMACO. TRA ANDAMENTI E PROSPETTIVE Online PDF\nNel corso degli ultimi anni al settore sanitario pubblico è stato chiesto un forte contributo alle politiche di contenimento della spesa al fine di ridurre il livello del disavanzo. All’interno del comparto sanità, la spesa farmaceutica convenzionata ha rappresentato una delle voci maggiormente interessate. In questo ambito sono state promosse, sia a livello locale che nazionale, diverse azioni finalizzate alla razionalizzazione della spesa, le quali hanno intensificato il processo di razionalizzazione e ristrutturazione dell’industria farmaceutica. L’analisi contenuta nel testo è partita dalla considerazione della presenza di alcuni rischi di fondo che attraversano oggi il settore farmaceutico italiano: il rischio del disconoscimento del valore economico e sociale della ricerca e il rischio della sottovalutazione dei fattori della competizione internazionale nel campo farmaceutico. Lo studio è articolato in sezioni volte ad approfondire, rispettivamente, l’analisi microeconomica del settore farmaceutico, le caratteristiche del settore in Italia – sia sotto il profilo qualitativo che in riferimento alle risorse impegnate, con particolare attenzione agli aspetti di concorrenzialità di mercato introdotti dai prodotti off-patent – e la situazione e gli effetti delle scelte di regolamentazione pubblica del comparto.Indice:Prefazione1. L’ economia del farmaco2. Il mercato del farmaco3. Ricerca, scoperta e sviluppo di farmaci4. Il farmaco generico5. La politica farmaceutica e gli strumenti di regolamentazioneBibliografiaNota sullAutoreMonica Auteri è professore aggregato di Economia Sanitaria e ricercatore confermato per il settore scientifico Scienza delle Finanze nel Dipartimento di Scienze Politiche dell’Università degli Studi “Roma Tre”. Laureata con lode presso la LUISS Guido Carli, ha conseguito il dottorato di ricerca in Analisi Economica, Matematica e Statistica dei fenomeni sociali presso l’Università degli Studi di Roma “La Sapienza” e il Master e il Ph.D. in Economia presso la George Mason University di Fairfax, Virginia (USA), specializzandosi in Public Finance e in Public Choice. Ha avuto incarichi di docenza da diverse università, tra cui la LUISS, la Loyola University di Chicago e la Duquesne University di Pittsburgh.\nPrincipio attivo e nome commerciale Un farmaco ha un nome commerciale e contiene un dato principio attivo (o più principi attivi). La cosa più importante di un farmaco non è chiaramente il suo nome commerciale, bensì il suo principio attivo. Prendiamo ad esempio Tachipirina ed Efferalgan: essi sono due farmaci che hanno nome commerciale diverso,… Si stima siano circa 10 milioni gli italiani affetti da allergia, una cifra che parrebbe in continua crescita a prestare ascolto ai dati di mercato: nel 2016 la spesa per antiallergici è aumentata rispetto all’anno precedente dell’1,7% a valori e dell’1,3% a volumi.E’ la fotografia con cui QuintilesIms ha ritratto andamenti e prospettive di un segmento dall’elevata stagionalità\nIl mercato del farmaco. Tra andamenti e prospettive. Il poema di Baal di Ilumilku. Il Piccolo Principe. Package design now! Ediz. italiana, spagnola e portoghese. I cinque linguaggi dell'amore dei bambini. L'eredità di Salomone. La magia ebraica in Italia e nel Mediterraneo. Alla fine della vita. Auteri M (2013). Il mercato del farmaco tra andamenti e prospettive. Padova : Libreriauniversitaria.it Edizioni.\nOsservatorio Nomisma sul sistema dei farmaci generici in Italia 2019 ... La filiera manifatturiera: competitività, impatto e prospettive nel 2017. ... Una terza parte è dedicata all'analisi delle dinamiche del mercato, dalla spesa territoriale, ... tra il 2010 e il 2016, sono cresciuti del 69%, superando di 2 punti percentuali il trend ... Lattebusche. Lattebusche ha intrapreso un percorso di sostenibilità. La cura che questa cooperativa ha per il territorio in cui vive non si limita all'importante ...\nScopri Il mercato del farmaco. Tra andamenti e prospettive di Auteri, Monica: spedizione gratuita per i clienti Prime e per ordini a partire da 29€ spediti da Amazon.\nIl mercato del farmaco. Tra andamenti e prospettive Auteri Monica edizioni libreriauniversitaria.it , 2012\nTra andamenti e prospettive, Libreriauniversitaria.it Edizioni, 2013. 80 C. Di Novi, Il mercato del farmaco: potere di mercato e asimmetrie informative, Università ...


cine detour » 2017 » marzo » 14\nDaily Archives: martedì 14/03/2017 20:30\nFRONTIERS OF DREAMS AND FEARS. Proiezione e incontro con MAI MASRI, regista candidata agli Oscar 2017\nmarzo 14, 2017 in Archivio da cinedetour\nMartedì 14 marzo 2017 ore 20.30\nProiezione alla presenza della regista Mai Masri candidata agli Oscar 2017\nPalestina/USA, 60′. Versione originale con sottotitoli in italiano\nPremio Excellence al Global Environmental Film Festival di Tokyo\nPrimo Premio al Festival Internazionale di Ismailia\nPremio speciale della Giuria al Beirut International Film Festival\nMigliore documentario per l’Associazione dei Documentaristi Egiziani\nVivendo in due campi diversi – l’uno segnato da condizioni di estrema marginalizzazione, l’altro dalla oppressione economica e militare israeliana – le due ragazze cercano di comunicare l’una con l’altra a dispetto delle barriere che le separano. Il film descrive la loro vita e i loro sogni, attraverso le loro relazioni condotte via e-mail e culminanti nel drammatico incontro sul confine libano-israeliano. Girato nell’intervallo di tempo tra la liberazione del sud del Libano dalle truppe israeliane e l’inizio della nuova Intifada, il film accompagna le due ragazze nel loro straordinario viaggio ai confini dell’esilio che le separa dalla loro terra e l’una dall’altra.\nSegue incontro con Mai Masri a cura della regista Monica Maurer.\nMAI MASRI è nata ad Amman. Il padre era un palestinese di Nablus, la madre americana. E’ cresciuta a Beirut dove ha compiuto gli studi primari e secondari. Nel 1976 si è trasferita negli U.S.A. per studiare cinema all’Università di San Francisco. Terminati gli studi nel 1981, torna a Beirut, dove il regista Jean Chamoun le propone di collaborare con lui. E’ l’inizio di una lunga relazione lavorativa e personale (Jean Chamoun diventa suo marito) che li porta a realizzare una serie di film. Particolare diffusione hanno avuto nei canali televisivi di tutto il mondo i documentari, vincitori anche di premi importanti. 3000 Notti è stato candidato della Giordania agli Oscar per il miglior film in lingua straniera. Mai e Jean hanno creato la “Nour Production” che è ora produttrice di tutti i loro film.\n“Io sono cresciuta in un sobborgo di Beirut a meno di 10 minuti di strada dal campo di rifugiati di Chatila. Ho conosciuto famiglie che lo abitavano e visto i bambini crescere. Ogni volta che visito il campo ciò che mi colpisce è la vista dei bambini che giocano sui mucchi di macerie e di immondizie. Sono sempre sorpresa dalla capacità di ridere e giocare nonostante le miserabili condizioni in cui vivono.\nChatila e Deisha erano due tra i molti campi di rifugiati, temporanei ripari per i 700.000 palestinesi che furono spossessati delle loro case in Palestina quando fu creato lo Stato di Israele nel 1948.\nIo filmai per la prima volta nel campo di Chatila dopo l’orrendo massacro del 1982. Fino ad allora ero stata testimone della sua distruzione e ricostruzione tre volte.\nAttualmente il campo di Chatila è la casa di più di 15.000 palestinesi che condividono un’esperienza di spiazzamento, disoccupazione e povertà. Situato nel cuore della “cintura della miseria” di Beirut, il campo è formato da un labirinto di stretti vicoli collocati in un solo miglio quadrato con famiglie alloggiate in 10 in una singola stanza. I padri sono disoccupati e i bambini si ritirano dalla scuola all’età di 11 o 12 anni per aiutare le loro famiglie. Molti soffrono di denutrizione e di ritardo nella crescita.\nIl campo di Dreisha è situato presso Betlemme in Palestina. Mi ricordo di esservi passata nel 1989 durante la prima intifada. Fui colpita dal recinto che l’esercito israeliano aveva costruito attorno per controllare i suoi abitanti. Sentivo che c’era una storia in questo campo che mi avrebbe fatto tornare un giorno…\nMa molto è cambiato da quando ho finito di girare “Frontiere”. Nel marzo 2002 l’esercito israeliano ha invaso le più importanti città palestinesi e i campi dei rifugiati. Anche Dheisha fu occupato e vi furono arrestate 600 persone, inclusi molti dei ragazzi che appaiono nel film. Fui anche scioccata dal sentire che i soldati israeliani avevano ucciso il nonno di Manar in un vicolo vicino a casa. Io lo avevo filmato mentre portava Manar a visitare ciò che rimane del loro villaggio distrutto in Palestina. Lo ricorderò sempre come portatore delle chiavi e delle memorie di quelle case distrutte.”\nTesto tratto da La Memoria Fertile, Associazione Culturale Amicizia Sardegna Palestina.\nTags: campi profughi, cinema d'essai roma, cinema lingua originale roma, cinema palestinese, conflitto israeliano palestinese, documentario, documentary film, Geopolitics, Human Rights, libano, mai masri, oscar, palestina


Come disegnare una funzione definita a tratti | Viva la Scuola\nCome disegnare una funzione definita a tratti\nTramite: O2O 06/10/2020\n06 ottobre 2020, 11:46\nLa matematica ha da sempre rappresentato lo spauracchio di tutti gli studenti, dalle elementari fino alle superiori. Questo perché i concetti sono tutti concatenati tra loro; pertanto, basta non comprenderne per trovarsi subito in difficoltà. Ad un certo punto degli studi, prima o poi a tutti capita di imbattersi nella trigonometria, che è quella branca della matematica che si occupa del calcolo degli di angoli dei triangoli. Se siete alle prese con lo studio di funzione, vi sarà capitato senza dubbio di dover disegnare il grafico di una funzione definita a tratti; queste ultime vengono utilizzate per descrivere le situazioni in cui una regola o una relazione cambia quando il valore di input attraversa determinati "confini". Per riuscire in quella che sembra un'ardua impresa, bisogna conoscere degli elementi di base dello studio di funzioni, quali i grafici delle funzioni elementari (radice di x, logaritmo di x, elevazione a potenza, esponenziale). Inoltre bisogna avere ben chiara la definizione di funzione definita a tratti. Se tuttavia riscontrate comunque dei problemi per il grafico di una funzione di questo tipo, oggi vi mostreremo come disegnare una funzione definita a tratti.\nNozioni sullo studio di una funzione\nComposizione di una funzione definita a tratti\nCome già detto, bisogna partire dalla definizione di funzione definita a tratti. In matematica una funzione definita a tratti è una funzione che "comprende" delle sottofunzioni, ovvero funzioni definite per intervalli ben precisi delle x. In poche parole, una funzione definita a tratti è una funzione che è possibile dividere in due o più funzioni che assumono valori compresi in due o più intervalli. L'esempio più semplice di funzione definita a tratti è il gradino unitario (indicato in molti testi con u (x) o con 1(x)). Questo è formato da due sottofunzioni, una che vale 0 ed è valida per x0. Per questo motivo, una funzione definita a tratti è quella determinata non da una singola equazione, ma da due o più. Ogni equazione è valida per un certo intervallo.\nTracciamento del grafico della funzione\nAvendo ben chiara la definizione di funzione definita a tratti, passate alla realizzazione di un piano xy che contenga il grafico della funzione. Disegnate quindi due assi perpendicolari tra loro e ponete su entrambe le righe dei numeri a distanza regolare. Iniziate quindi lo studio della funzione definita a tratti studiando ogni singola funzione che la compone nell'intervallo indicato. Solitamente le sottofunzioni sono funzioni elementari, che non necessitano di uno studi considerevole, il più delle volte sono funzioni elementari, ecco perché sapere il loro grafico potrebbe agevolarvi di molto nel disegno finale. Indicate sull'asse xy i confini definiti dagli intervalli su ogni parte del dominio. Per ogni parte del dominio, tracciate un grafico su quell'intervallo utilizzando l'equazione corrispondente.\nVerifica del dominio d'esistenza\nSe tuttavia le sottofunzioni non sono banali, dovete provvedere ad uno studio meticoloso. Ricordatevi che per ogni sottofunzione sono sempre valide le stesse regole che si adottano per ogni funzione canonica. Quindi dovrete innanzitutto verificare il dominio d'esistenza, che può non coincidere col dominio di validità che si ha in quanto sottofunzione, e poi studiarne l'andamento tramite le derivate prime e seconde. Avendo svolto lo studio di ogni sottofunzione potete procedere col disegnare il grafico della funzione definita a tratti. Ponete in ogni intervallo di appartenenza la sottofunzione di interesse ponendo particolare attenzione ai valori che essa assume nei due estremi. Quando si fa il grafico di funzioni di questo tipo è facile che questo presenti delle discontinuità.\nNon rappresentare graficamente due funzioni su un intervallo, perché violerebbe i criteri di una funzione\nFunzioni definite a tratti\nCome disegnare il grafico di una funzione omografica\nUna funzione omografica si definisce tale quando è individuata da una funzione che possiede la forma di y = (ax + b) / (cx + d). Le lettere a, b, c, e d appartengono all'insieme dei numeri reali e tutta la formula permette di arrivare all'individuazione...\nPrima di illustrare il metodo per disegnare il reciproco di una funzione, è bene spiegare che quest'ultima non deve essere confusa con una funzione inversa. Infatti possiamo anche dire che si definisce reciproco di f (x), una funzione che se è moltiplicata...\nLa trigonometria è probabilmente l'argomento più ostico e antipatico del programma di matematica delle superiori. Si basa sullo studio dei triangoli, a partire dalla conoscenza di almeno tre tra i suoi angoli e i suoi lati. L'utilizzo però di formule...\nCome disegnare una funzione razionale\nUna funzione razionale è una funzione composta dal rapporto tra due polinomi, del tipo f(x)=N(x)/D(x) dove N(x) rappresenta il numeratore della frazione, mentre D(x) è il denominatore. Generalmente sono entrambi polinomi di grado maggiore o uguale a...


Il KKE sugli sviluppi a Cipro - IskraeIskrae\nIl KKE sugli sviluppi a Cipro\n25 Mar 2013 Posted by Iskra\nL’Ufficio Stampa del CC del KKE, nella sua dichiarazione in relazione alla decisione dell’Eurogruppo su Cipro, osserva quanto segue:\n“Il KKE denuncia l’antipopolare decisione dell’Eurogruppo su Cipro e l’impatto negativo sui redditi delle persone per l’imposizione di una pesante tassa sui conti bancari. Il KKE è al fianco del popolo cipriota a cui esprime la propria solidarietà per le barbariche misure antipopolari imposte da UE-FMI e dai borghesi governi sulle popolazioni di entrambi i paesi”.\nL’Organizzazione di base del KKE e quella giovanile del KNE a Cipro chiedono la partecipazione alla manifestazione di martedì (20) alle 17,00 davanti al parlamento cipriota, con lo slogan “La plutocrazia deve pagare la crisi. Scontro con l’Unione europea, il FMI, i governi borghesi di Cipro e in Grecia”.\nIn una loro nota, le organizzazioni del KKE e della KNE di Cipro, asseriscono tra le altre cose:\n“Il KKE è a fianco del popolo cipriota. Esprime la propria solidarietà contro le barbariche misure antipopolari imposte da UE-FMI e dai governi borghesi di entrambi i paesi. Invitiamo il popolo cipriota, i lavoratori di Cipro nel loro insieme a resistere a questa linea politica antipopolare. Non devono consentire di mettere mano ai loro depositi, cosa che mira a garantire la continuazione della redditività del capitale bancario e dei monopoli.\nOra più che mai è il momento per i lavoratori di Cipro di trarre conclusioni circa il ruolo dell’Unione europea e dei suoi meccanismi. E’ stato dimostrato che l’UE è un’alleanza predatoria della cui reale natura trae vantaggio il capitale. Gli scenari di ricatto di UE-FMI-Russia denunciano l’essenza della “solidarietà” e dei “valori collettivi” sbandierati dai governi borghesi.\nChiedono al popolo di pagare i danni e per l’ennesima volta risulta evidente che i pacchetti di prestiti hanno come unico obiettivo di accelerare l’applicazione di misure predeterminate, nel quadro del fallimento controllato dei paesi membri.\nI popoli cipriota e greco devono scegliere un altro percorso di sviluppo davanti al dilemma “austerità” o fallimento. Devono scegliere la via della rottura e del rovesciamento del sistema capitalista. Il sistema che porta alla disoccupazione, alla povertà per le famiglie e gli strati popolari, che impone “sforbiciate” ai redditi delle persone. Si deve scegliere la via del conflitto con i monopoli e i loro rappresentanti, l’UE, il FMI e i loro governi borghesi nazionali”.\nCaso Cipro: rinviato al 15 ottobre il processo per lo stupro della turista inglese\nTruffa IronFx, bilancio broker contiene “dati esplosivi”


Home » sport » Coppa del mondo di sci 2021: gruppi alpini per donne e uomini\nSki World Cup 2021: Michaela Schiffrin ha vinto la sua prima medaglia d’oro a Cortina.\n© picture alliance / dpa / AP | Giovanni Oletta\nLunedì sono proseguiti i Campionati mondiali di pattinaggio di figura 2021 con gruppi alpini femminili e maschili. Michaela Schiffrin ha dato una grande prestazione e ha vinto la medaglia d’oro, e Marco Schwartz ha celebrato il titolo maschile.\nCortina d’Ampezzo – Le prossime medaglie in formato Ski-WM 2021 a Cortina d’Ampezzo Assegnato lunedì. Michaela Schiffrin Ha vinto il suo primo titolo mondiale a Cortina, beccata dagli uomini Marco Black Dal francese Alexis Pintorault.\nMichaela Schiffrin lo è Campione del mondo in formulazione alpina. Ai Campionati Mondiali di Pattinaggio di Figura 2021 a Cortina d’Ampezzo, l’americana ha vinto il suo primo titolo in Italia, la sua sesta medaglia d’oro World Series.\nCoppa del Mondo di sci 2021 a Cortina d’Ampezzo: gli highlights della stagione\nIl 25enne ha mostrato i limiti della concorrenza. Dopo il Super-G, è arrivata terza e nello slalom successivo ha fatto segnare il miglior tempo di sempre in pista e ha vinto l’86% sulla slovacca Petra Vltova. E la donna svizzera è arrivata al terzo posto Michelle Gissin.\nSki-WM 2021 a Cortina d’Ampezzo: Tutte le date e i risultati\nFederica Brignoni, che era in vantaggio dopo il Super J, ha segnato il terzo gol nello slalom, e l’Italia era ancora in attesa della sua prima medaglia di Coppa del Mondo in casa. Nel Medaglia, l’Austria è davanti alla SvizzeraGrazie a Schiffrin, gli Stati Uniti hanno superato la Germania. L’iniziatore tedesco non era inizialmente nel gruppo.\nCoppa del mondo di sci 2021: il risultato di un mix di donne\n1 – Michaela Schiffrin (USA) 2: 07.22 min\n2 – Petra Vlhova (Slovacchia) + 0,86\n3 – Michel Giesen (Svizzera) + 0,89\nIl risultato completo\nSki-WM 2021 a Cortina d’Ampezzo: Medaglia tabella\nCoppa del mondo di sci 2021: i Lions tengono ancora Bentorolt\nCon i signori che sono andati Il francese Alexis Pintorault Nelle corse da grande favorito e con un’ottima posizione di partenza, ma lui era chi Lo specialista dello slalom austriaco Marco Schwartz Colpire.\nBlack è andato allo slalom al quinto posto e ha trionfato dopo un elettrizzante vantaggio di quattrocento su Pintorault. Il terzo è stato Svizzero Lowick Millard.\nCoppa del mondo di sci 2021: Simon Joscher sbalordito\nSimon Gaucher è stato l’unico tedesco che ha iniziato e ha mostrato una prestazione molto forte. Lo specialista della velocità ha ottenuto il quinto posto alla sua anteprima a Cortina.\nCoppa del mondo di sci 2021: il risultato del mix maschile\n1 – Marco Schwartz (Austria) 2: 05.86\n2 Alexis Benturo (Francia) + 0,04\n3 – Loic Millard (Francia) + 1.12\n5 – Simon Gaucher (Germania) + 2.46\nSki-WM 2021 a Cortina: La frenesia alpina continua, Sander vince una medaglia di regressione\nSabato Coppa del Mondo di sci 2021: Weidle celebra un argento nel suo major preferito\n* chiemgau24.de fa parte della rete nazionale di editing digitale Ippen\nTrovare la vita sotto i 900 metri di ghiaccio: la scienza\nOra FCS è alle prese con l’arbitro – Serie C.\nUEFA Champions League: Mr. X in cantiere – sport


Mastoplastica riduttiva Milano: riduzione del seno | Studio Medico Enka\nLo Studio Medico Enka è specializzato nell’esecuzione di interventi di mastoplastica riduttiva a Milano, che consentono di ridurre un seno voluminoso correggendo ipertrofia mammaria o gigantomastia, modificando le dimensioni e la forma di un seno troppo asimmetrico, troppo grande o cadente. Il Dott. Enrico Calabrese, specializzato in Chirurgia Plastica Ricostruttiva ed Estetica, esegue interventi di mastoplastica riduttiva con diverse tecniche chirurgiche, che consentono di adeguarsi al tipo di esigenza della paziente: dalle grandi riduzioni alle correzioni di modeste ipertrofie, con lo scopo di conferire al seno il volume desiderato conseguendo risultati estetici eccellenti.\nInfatti, una taglia di troppo può in alcuni casi rappresentare un problema non solo estetico, divenendo una della causa più comuni di patologie ortopediche destinate nel tempo, nella maggior parte dei casi, a peggiorare. La mastoplastica riduttiva oltre ad essere una scelta estetica, l’intervento può dunque considerarsi anche una scelta per preservare la propria salute, giacché un seno sproporzionato può influire su una corretta postura e rappresentare allo stesso tempo una forma di imbarazzo. In più dopo l’ intervento di mastoplastica riduttiva la tonicità e il nuovo volume mammario dei seni ridotti risulteranno perfettamente proporzionati al resto del corpo, armonici e assolutamente naturali.\nRicordatevi che la Chirurgia Estetica è una branca della Chirurgia Plastica che mira a migliorare “l’immagine corporea” attraverso interventi chirurgici, che in quanto tali vanno eseguiti in strutture idonee da medici specialisti in Chirurgia Plastica ed Estetica. Siccome lo scopo è quello di arrecare un beneficio non solo estetico, ma anche psicologico e quindi migliorare la qualità della vita dei pazienti.\nUn seno voluminoso non sempre risulta attraente, talvolta è causa di notevole disagio psicologico e di patologie quali lombalgie, dolori cervicale e croniche irritazioni cutanee. La soluzione del problema è solo chirurgica mediante una Mastoplastica Riduttiva e si ovvia a questi inconvenienti e si migliora l’aspetto estetico.\nDescrizione dell’ Intervento di Mastoplastica Riduttiva\nUn seno voluminoso (gigantomastia) è una condizione caratterizzata da eccesiva crescita della mammella che può creare dei disagi fisici e psichici. I sintomi comprendono dolore alle mammelle, ulcerazioni cutanee, problemi posturali, lombalgie, cervicalgie, difficoltà nelle comuni attività quotidiane, attività sportive e nella vita di relazione. La gigantomastia ha un impatto sociale, psicologico, ed emotivo sulla qualità della vita del paziente.\nI rimedi rappresentati dalla perdita di peso, esercizi fisici, reggiseni “contenitivi” non risolvono la sintomatologia, la terapia è esclusivamente chirurgica. La mastoplastica riduttiva ha la finalità di ridurre i sintomi della macromastia (vedi immagine) e di migliorare l’estetica di una mammella voluminosa e ptosica, mediante un sollevamento e riduzione del peso. Il peso del tessuto asportato può variare da pochi grammi a più di 2 kg, in relazione al volume di partenza.\nCi sono varie tecniche per ridurre e modellare una mammella, in caso di riduzioni notevoli quasi tutte comportano la presenza di una cicatrice attorno all’areola, una verticale, ed una orizzontale la cosidetta “T inverita”. Le cicatrici sono all’interno del reggiseno. Il tessuto asportato viene inviato per l’esame istologico. Dopo l’intervento si dovrà indossare un reggiseno contenitivo per circa 1 mese.\nEseguo una tecnica personale, che consente di eseguire riduzioni notevoli (oltre i 2Kg per lato), senza adottare la tecnica di Torek, che prevede l’asportazione del complesso areola-capezzolo ed il suo innesto, cosa che determina completa assenza di sensibilità e insoddisfazione dal punto estetico, con la mia tecnica il complesso areola-capezzolo, rimane integro sia dal punto di vista della sensibilità che dell’aspetto.\nTipo di Anestesia: Anestesia generale.\nTipo di Degenza: 1 notte.\nDurata Intervento: da un’ ora e mezza a tre ore.\nIndicazione: Mammelle di notevole volume.\nSei interessato ad un trattamento di mastoplastica riduttiva Milano?\nContattaci per fissare un appuntamento e migliorare la qualità della tua vita con la mastoplastica riduttiva Milano!


Midnight in Paris (id., 2011)\nVale la pena ripeterlo ad ogni nuovo film di Woody Allen: continuare a distinguere in alti e bassi la carriera di quello che forse è il più grande regista in attività semplicemente non ha senso. Pensare che ci sia un possibile grafico, che si vada ad ondate o anche solo che i diversi film di Woody Allen siano collegati tra loro da una tendenza verso l'alto o verso il basso, trascura completamente l'influenza che hanno il suo modo di porsi davanti ai film che realizza, il suo stile e il suo modo di lavorare.\nPiaccia o meno la straordinaria forza di Woody Allen sta nel comporre film dopo film, anno dopo anno, uno degli affreschi più incredibili si possano immaginare su la vita a contatto con l'arte. Declinando questo rapporto nelle sue componenti di aderenza, distanza, influenza, causa diretta, ispirazione o correlazione fantastica. Quest'ultilmo è il caso di Midnight in Paris, film in cui, come tanti prima di esso, il fantastico e l'immaginario sono le categorie per leggere il rapporto dei singoli (come dei creativi) con l'arte, il che per un felliniano come Allen equivale al rapporto con i propri sogni e le proprie aspirazioni.\nChe Midnight in Paris poi sia un film meno divertente, meno ritmato e a tratti anche più puerile del solito (ad un certo punto si ha l'impressione di vederlo fare name dropping fine a se stesso con i grandi del passato) è un particolare al limite dell'ininfluente, se si vuole pensare a Woody Allen non come regista e autore di questo film ma di questo e altri 45 film. E per ogni momento meno riuscito ne esiste comunque uno straordinario. Quando mai da Le Luci della Città in poi (escludendo il finale di Monsters & Co.) avevamo visto un frontale così spiazzante, subitaneo, inaspettato ed emotivamente rivelatorio come quello che chiude il film?\nIl solo ultimo periodo, quello dei film in tante città diverse, del tour attraverso l'Europa e dell'eterogeneità dei paesaggi dopo la maestosa concentrazione su Manhattan, è uno dei più grandi e fantastici studi sul corpo della città che si siano mai pensati.\nLe "cartoline" all'inizio di Midnight in Paris, come tanti altri momenti in Scoop, Match Point, Cassandra's Dream o Vicky Cristina Barcelona in cui la paesaggistica cittadina domina, influenza e coordina le azioni dei singoli (quante passeggiate ci saranno nei film di Woody Allen? Quanti lungo fiume? Quante pioggie?), sono solo uno dei mille esempi di quella compenetrazione essenziale che esiste nel cinema alleniano tra paesaggio e storia.\nTutto il cinema di Woody Allen è uno dei più grandi studi cinematografici mai portati avanti sull'architettura urbanistica al cinema, sulla possibilità di chiudere in tanti piccoli quadri, quali sono quelli formati dai fotogrammi, l'immensità di una città intera. Scomporre l'insieme materopolitano in un'infinità di pezzi, ordinarli e incastrarli in una storia in cui agiscano degli esseri umani e così resituirne l'anima, il respiro e la complessità in un'ora e mezza.\nLe sue trame "europee" non le avevamo viste a Manhattan e anche l'ingenuità di questo sogno ad occhi aperti parigino non era stato possibile a Manhattan. "Cos'è una statua o un quadro di fronte alla complessità di una città?" fa dire Woody al protagonista di Midnight in Paris.\nEtichette: adrien brody, cinema, marion cotillard, michael sheen, owen wilson, rachel mcadams, woody allen\nUn Allen meraviglioso. E lo dice uno che non adora i film del buon vecchio Woody. Ma questo, a mio giudizio, gli è venuto fuori molto bene! Ne parlo anche qui: http://onestoespietato.wordpress.com/2011/11/30/tff-2011-midnight-in-paris-la-recensione/ :) confrontiamoci!\nmi rendo sempre piu' conto di essere uno dei pochi commentatori 'puri'; sono l'unico che non ha un blog? E' un ambiente autistico, come molti altri.\na me è piaciuto tantissimo. la favola, la poesia, parigi, la cotillard, il woody-wilson che ti dimentichi che nonsia woody perchè è perfetto nella parte, nelle titubanze, nei dubbi, nel camminare avanti e indietro. ho riso anche e mi sono emozionata pur non avendo una cultura all'atezza del film e dei personaggi che evoca. Allen mischia sogno e realtà senza mai perdere di vista la seconda e senza mai abbandonare il primo. Mi ha ricordato "la rosa purpurea", ma mi è piaciuto molto di più. Gparker complimenti bellissima recensione. confermo metafora del vino ;)\nMa Allen non è abbastanza ricco, vecchio e famoso da non aver bisogno di farsi finanziare dai vari enti turistici per girare cartoline illustrative di città di per loro abbastanza note?\nTremo al pensiero del prossimo spot romano con colosseo, piazza navona e fontana di trevi all'alba.\nRicco e famoso lo è, ma questo non gli dà automaticamente i soldi per fare un film. E visti i suoi trascorsi, la poca fiducia che gli danno in America, prendere i fondi da enti alternativi come le regioni o i comuni è un buon compromesso.\nLoro ci prendono uno spottone firmato Allen, lui ci guadagna un ciclo di indagini sulle grandi città altrimenti impossibile. E' il primo vero grande studio sulle città come opere d'arte portato avanti in tanti film.\nPosso solo dire ..... rinoceronti.\nè sempre bello commentarti a mesi di distanza :P\nsono i luoghi più sicuri, vecchi post dimenticati\nVisto stasera su Iris, anni dopo. L'ho trovato bellissimo. Il 'citazionismo' è sempre motivato e per chi ha una certa sensibilità è pure utile. Offre un sacco di spunti riflessivi. Vero che a tratti potrebbe sembrare uno di quei film che normalmente vengono passati il sabato pomeriggio, ma solo per coincidente leggerezza, non altro. E grazie per l'appoggio critico.