Consigli & Co - Melanoma - Cancro della pelle scuro | DAYLONG\nConsigli & CoCancro della pelle scuro\nCancro della pelle scuro (melanoma)\nIn Svizzera, al giorno d’oggi, ogni anno si verificano circa 2.400 nuovi casi di cancro della pelle scuro (melanoma). Sebbene i melanomi siano molto meno comuni delle forme di cancro della pelle chiaro, con circa 22.500 nuovi casi all’anno, sono anche il tipo più pericoloso, in quanto possono formare metastasi mortali nei linfonodi e negli organi. Ogni anno in Svizzera muoiono di melanoma più di 300 persone.\nQuasi un quarto dei 2.400 nuovi melanomi diagnosticati ogni anno in Svizzera colpisce le persone sotto i 50 anni.\nI melanomi si sviluppano dalle cellule pigmentate della pelle. Anche se il loro aspetto può variare molto, di solito hanno un aspetto scuro (marrone o nero, spesso con diverse sfumature di colore) e macchie irregolarmente definite che possono apparire piatte o nodulari. I melanomi possono svilupparsi ovunque sul corpo, anche in punti poco comuni come sotto le unghie delle mani o dei piedi, nella zona genitale o anche sulle mucose o su organi come l’occhio. Circa un terzo di tutti i melanomi si sviluppano da nei esistenti. Per questo motivo, oltre ai controlli generali regolari, è consigliabile controllare i nei per verificare che non vi siano cambiamenti sospetti.\nMelanoma in stadio precoce:\nMelanoma in stadio e avanzato:\nPoiché i raggi UV sono considerati la causa principale del cancro della pelle, qualsiasi permanenza sotto i raggi del sole o alla luce delle lampade abbronzanti senza protezioni aumenta naturalmente il rischio di sviluppare il cancro della pelle. Ad esempio, le persone che effettuano regolarmente sedute di lampade abbronzanti già prima dei 35 anni hanno quasi il doppio del rischio di sviluppare un melanoma.\nIl rischio aumenta sia per gli effetti acuti delle radiazioni UV come gli eritemi solari sia per il numero totale di ore di sole. Inoltre, ci sono tutta una serie di fattori che aumentano ulteriormente il rischio di sviluppare il cancro della pelle:\nElevato numero di macchie di pigmentazione (più di 100)\nDiversi nei irregolari (forma e colore)\nCancro della pelle pregresso\nInsorgenza di melanoma nei parenti stretti\nBassa pigmentazione della pelle (assenza di abbronzatura o abbronzatura molto lenta)\nIndebolimento del sistema immunitario (ad esempio a causa di malattie infiammatorie croniche o immunosoppressione indotta da farmaci, compresi i trapianti d’organo)\nEtà (a partire da ca. 50 anni il rischio aumenta notevolmente)\nFrequente e lunga permanenza al sole per motivi di lavoro\nEritemi in età infantile: nei bambini, i meccanismi naturali di protezione della pelle non sono ancora completamente sviluppati, pertanto il rischio di danni a lungo termine è particolarmente elevato.\nMaggiori informazioni sulla protezione solare nei bambini sono riportate qui.\nQui è riportata la regola ABCDE per il controllo dei nei.\nSe ritiene di essere interessato da uno o più fattori di rischio, dovrebbe prestare particolare attenzione a una meticolosa protezione solare.\nLegga qui cos’altro fare in termini di prevenzione e diagnosi precoce.\nDesidera saperne di più sul cancro della pelle chiaro?


La dichiarazione dei diritti internet: ecco la Costituzione per chi naviga sul web | Left\nHome Primo piano La dichiarazione dei diritti internet: ecco la Costituzione per chi naviga sul...\nLa dichiarazione dei diritti internet: ecco la Costituzione per chi naviga sul web\nPresentata oggi a Montecitorio la Carta dei diritti di Internet, una sorta di Costituzione per garantire i principi democratici anche online. «È la prima volta che un Parlamento produce una dichiarazione sui diritti di Internet di ispirazione costituzionale e di portata internazionale» ha dichiarato Laura Boldrini.\nOggi alle 12 è stata approvata a Montecitorio la “Carta dei diritti di Internet”, una sorta di Costituzione per chi naviga sul web che stabilisce nuove regole per quanto riguarda l’accesso alla rete, la net neutrality e il delicato rapporto fra privacy e social network. «Il web è ormai essenziale nella vita di ognuno di noi e nelle possibilità di sviluppo dei singoli cittadini e delle aziende» spiega la presidente della Camera Laura Boldrini «È la prima volta che un Parlamento produce una dichiarazione sui diritti di Internet di ispirazione costituzionale e di portata internazionale». Il primo a mettere sul piatto l’idea fu Stefano Rodotà, da sempre molto attento alla tutela delle potenzialità democratiche del web. Il professore infatti lanciò la proposta già nel 2005 in occasione del Word Summit on Information Society organizzato dalle Nazioni Unite.\nSegui in diretta alle 12 la presentazione della Carta dei diritti in #Internet: http://t.co/ot78e87Xwt #BillOfRights pic.twitter.com/eJ1yxK3XbV\n— Camera dei deputati (@Montecitorio) 28 Luglio 2015\nQuali sono gli obiettivi della dichiarazione?\nInnanzitutto bisogna chiarire che per ora la carta non ha alcun valore normativo, non si tratta infatti né di una legge, né di una proposta di legge, i 14 punti cardine della dichiarazione più che altro aspirano ad essere il primo passo verso una “Magna Charta” del Web, un documento che già Tim Berners-Lee, ideatore del world wide web ovvero di internet come lo conosciamo adesso, si augurava venisse emanato. I temi che sono stati considerati sono i più vari e tengono conto di un mondo che sta cambiando e si evolve insieme alle tecnologie e alla stessa rete. Centrale l’articolo 2 secondo cui l’accesso a Internet è un diritto fondamentale.\nPer il resto si va dalla tutela dei dati personali, che devono essere raccolti e conservati secondo criteri e limiti ben precisi, al corretto utilizzo delle piattaforme social come Facebook e Twitter. Una sorta di etichetta di comportamento per il rispetto reciproco e per evitare situazioni di violenza verbale online o cyber bullismo che possono avere ricadute anche tragiche sulla vita “off line”, come dimostrato da recenti casi di cronaca. Altro tema fondamentale è poi quello del digital divide, l’accesso alla rete, sia in termini di possibilità tecniche che di conoscenze necessarie per utilizzare internet. «Tra i temi più sottovalutati fin ora- spiega Juan Carlos De Martin, docente di Informatica del Politecnico di Torino e editorialista de La Stampa – c’è proprio il diritto all’educazione: se non si conosce e comprende a fondo la logica di Internet, si rimane utenti molto superficiali e, quindi, sminuiti. Il divario digitale si articola su più aspetti: può essere strutturale, quando mancano gli concretamente gli strumenti per accedervi, economico (‘vorrei ma non posso permettermelo’) e culturale (‘posso permettermelo ma non so come utilizzarlo’). Messe insieme, queste disparità riguardano quasi un italiano su due, con percentuali molto più alte nelle fasce di popolazione più povere o anziane». Internet appunto è ormai sempre più una questione di democrazia, lo è in termini individuali e sociali per quanto concerne i diritti delle persone, ma lo è anche in termini economici dove avere una legislazione che tuteli i cittadini dal monopolio assoluto di pochi grandi colossi del web, è l’unica possibilità per evitare che buone idee e spinte imprenditoriali vengano stroncate sul nascere da «guardiani del Web in grado di stabilire chi ha successo online e chi no» spiega ancora De Martin.\nObiettivo internet #billofrights è impegnare governo a promuovere i principi in sede nazionale e internazionale (s) pic.twitter.com/opZImBKyMt\n— laura boldrini (@lauraboldrini) 28 Luglio 2015\nL’obiettivo finale dunque secondo la presidente Laura Boldrini è chiaro: «quanto prima la Dichiarazione faccia da base a una mozione unitaria che impegni il governo a promuoverne i contenuti in contesti nazionali e internazionali», il testo infatti è da leggere come «un cantiere in evoluzione » su cui la commissione «continuerà a lavorare».\nArticolo precedenteLa costituzionalista Carlassare: «Niente privilegi per le scuole paritarie»\nArticolo successivoLa trattativa e la solitudine del magistrato. Intervista a Nino Di Matteo


Migliori Friggitrice Ad Aria Puzza Di Plastica Di Oggi\nScopri su questo articolo tutto riguardo: friggitrice ad aria puzza di plastica su Friggitrice ad Aria Stores la tua guida all’acquisto!\nLa friggitrice ad aria puzza di plastica, come si evince dal nome, cuoce i cibi grazie per un getto di aria calda che è emanato da una ventola . Il funzionamento di presente accessorio è pertanto molto semplice per l’ utente: basterà aggiungere gli ingredienti nel cestello ed attivare la modalità di cottura preferita.\n1 Migliori friggitrice ad aria puzza di plastica Nuove\n2 FAQ riguardo friggitrice ad aria puzza di plastica\n2.1 Cosa si può cuocere con la friggitrice ad aria puzza di plastica?\n2.3 Posso impiegare la carta d’alluminio nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\n2.4 A cosa serve la griglia nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\n2.5 Come si cuoce con la friggitrice ad aria puzza di plastica?\n2.6 Cosa non si può cucinare nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\n2.7 Come cuocere i bastoncini di pesce surgelati nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\n3 Conclusione della recensione di friggitrice ad aria puzza di plastica\nMigliori friggitrice ad aria puzza di plastica Nuove\nLa friggitrice ad aria puzza di plastica è un apparecchio il quale porta la cottura alla perfezione, (inter. alla sua unica tecnologia ad aria calda forzata, il quale permette un risultato perfetto, croccante all’esterno e gustoso all’interno.\nPatatine croccanti senza tutto l’olio? Questa è la promessa d’oro delle friggitrice ad aria puzza di plastica, e potrebbe precisare perché, negli Stati Uniti, il mercato di questi apparecchi continua a crescere del 10% anno dopo anno. Infatti, si prevede che le friggitrice ad aria puzza di plastica progrediranno a quel movimento per i prossimi cinque anni, secondo la società successo ricerca NPD Group. (Quindi, no, non è troppo tardi per salire verso bordo. ) Questi fornelli da banco di forma irregolare non friggono affatto il cibo. Sono in realtà dei piccoli forni per convezione. Una ventola fa circolare l’aria calda per cuocere rapidamente il piatto nel cestello dall’esterno all’interno. Questi piccoli elettrodomestici inizialmente sembravano giusti per i finger food (patatine fritte, certamente, insieme ad ali di pollo, pepite di pollo, anche bocconcini di pizza). Ma si può impiegare una friggitrice ad aria puzza di plastica a causa di cucinare praticamente tutto ciò che si butta nel forno o nella frittura. La maggior nasce ha piccole capacità, però, da 2 a 5, 8 quarti (spesso più piccole di quanto dichiarato, secondo nel modo gna nostre misurazioni). Costruiti in laboratorio, abbiamo scoperto che i modelli nelle nostre valutazioni delle friggitrice ad aria puzza di plastica hanno prodotto cibi ben cotti, anche se i collaboratori che hanno assaggiato i risultati non sono stati ingannati nel pensare quale fossero fritti. “Si può notare la differenza”, dice Larry Ciufo, l’ingegnere vittoria Consumer Reports il quale supervisiona i test delle friggitrice ad aria puzza di plastica. Le istruzioni per i tempi e nel modo che temperature di cottura variano a seconda del produttore, e anche se abbiamo trovato piccole differenze nella doratura, i collaboratori non hanno notato alcuna evidente differenza nel cibo. “Anche quando abbiamo mantenuto costanti i tempi e nel modo gna temperature di cottura, i risultati vengono effettuate stati molto simili, senza differenze percepibili nel gusto”, dice Ciufo. “La vera differenza tra nel modo gna friggitrice ad aria puzza di plastica si riduce alla convenienza, pertanto abbiamo progettato i nostri test intorno a questo”.\nFAQ riguardo friggitrice ad aria puzza di plastica\nCosa si può cuocere con la friggitrice ad aria puzza di plastica?\nLa friggitrice ad aria puzza di plastica consente di preparare patatine fritte, pepite, pesce, patatine, carne cruda e verdure che sono i fondamenti. È persino in grado successo assisterti per cuocere pane, lasagne, dessert e così sequela.\nPosso impiegare la carta d’alluminio nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\nA cosa serve la griglia nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\nLa griglia, inserita nella friggitrice ad aria puzza di plastica, consente un adeguato flusso di temperatura calda con cui cuocere in procedimento ottimale il cibo. Ve ne sono anche fornite vittoria spiedini, perfette a causa di realizzare piatti vittoria carne, di pesce, di verdure.\nCome si cuoce con la friggitrice ad aria puzza di plastica?\nÈ un elettrodomestico che ha tipicamente una forma ad ovetto, più o meno squadrato, con un cestello estraibile sul quale si posizionano le pietanze da cuocere. Utilizza il concetto di cottura ad aria per alte temperature quale arrivano fino verso 200° permettendo una singola “ frittura-non-frittura” molto salutare di cibi freschi.\nCosa non si può cucinare nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\nCosa non mettere (mai) durante la friggitrice ad aria puzza di plastica\nLa classica pastella non va d’accordo con la friggitrice ad aria puzza di plastica….\nI broccoli si asciugano nella friggitrice ad aria puzza di plastica….\nEvita successo cuocere arrosti oppure polli interi nella friggitrice ad aria puzza di plastica….\nLe friggitrice ad aria puzza di plastica non possono cuocere cibi lessi.\nCome cuocere i bastoncini di pesce surgelati nella friggitrice ad aria puzza di plastica?\nRiscalda i bastoncini successo pesce nella friggitrice ad aria puzza di plastica in modo quale siano altrettanto croccanti la seconda volta. Ritorna alla tua friggitrice ad aria puzza di plastica a 400 gradi F (205 gradi C) a causa di 5-6 minuti. Architettare a metà del tempo di cottura per i migliori bastoncini di pesce croccanti.\nConclusione della recensione di friggitrice ad aria puzza di plastica\nLe friggitrice ad aria puzza di plastica calda Hamilton Beach® ti permettono di cucinare tutti i tuoi cibi fritti preferiti con poco, o addirittura privo di grassi. La cottura a convezione è veloce e potente e rende il cibo croccante. Così si può godere di patatine fritte, bastoncini di mozzarella e ali di pollo cucinati con meno olio e ancora capiente gusto. Con i programmi e tempi e temperature successo cottura regolabili manualmente, puoi cucinare facilmente una varietà di cibi, dalle bistecche alle verdure, ai prodotti da forno e altro persino. Una volta che il pasto è pronto, i cestelli di cottura antiaderenti possono essere rimossi per una facile pulizia.\nSe state cercando una friggitrice ad aria puzza di plastica affidabile, versatile, efficiente ed esteticamente piacevole, troverete una scelta eccellente, in questo luogo. Potrete acquistare un apparecchio quale cuoce in maniera uniforme, richiedendo un po’ più tempo di una frittura tradizionale, ma è alquanto più sano. La friggitrice ad aria puzza di plastica è uno dei piu importanti elettrodomestici per cucinare e non occorre temere la concorrenza.\nLa friggitrice ad aria puzza di plastica è l’alternativa più sana alla frittura tradizionale perché permette di friggere privo di grassi. Con corpo esterno costruiti in abs e contenitore della griglia antiaderente rimovibile per una facile pulizia con una capacità vittoria 2 litri. Lampada con pulsante con lo scopo di la regolazione ancora oggi temperatura fino a 200° e per il timer programmabile fino a 30 minuti con blocco automatico. Sei pronto a cambiare il tuo stile di vita? Avrai una cucina più salutare e più croccante!\nTi piacciono nel modo che patatine croccanti oppure gli snack deliziosi? Con la friggitrice ad aria puzza di plastica calda puoi friggere patatine o snack con aria calda o un minimo di olio. Questo metodo di preparazione richiede un po’ più tempo quale con una friggitrice ad aria puzza di plastica tradizionale, ma è molto più sano! Molte friggitrici/airfryer per aria calda non sono solo adatte per friggere, eppure possono essere usate anche per grigliare, cuocere al forno o arrostire! Osservando la questo modo si possono preparare facilmente anche verdure, carne o pesce. Volete comprare una friggitrice ad aria puzza di plastica calda? Nessun problema, alla Krë fel siamo felici successo aiutarti!\nCome avete visto nel presente accostamento, ci sono diversi tipi di friggitrici senza olio. Con oppure senza lame con lo scopo di mescolare, più o meno potenti, sono disponibili in varie dimensioni per aderire le esigenze successo tutti.


Il Comitato Verità e giustizia annuncia il ricorso al Consiglio di Stato: "Questa sentenza mette a rischio l'intero patrimonio murale della città. Dopo 18 mesi ancora nessuna notizia del processo sui fatti che hanno portato alla morte del giovane"\nMassimo Romano Giornalista-videomaker 02 settembre 2021 23:17\nIl murale dedicato a Ugo Russo in piazzetta Parrocchiella a S. Maria Ognibene va elminato. Lo ha stabilito la sentenza del Tar. "Se c'è una sentenza noi la rispetteremo - afferma Enzo Russo, padre del ragazzo minorenne ucciso dai colpi esplosi da un carabiniere in seguito a una rapina - Quello che noi familiari non riusciamo a sopportare è la speculazione politica di certi personaggi che per racimolare qualche voto marciano su una tragedia. Intanto, ancora non conosciamo la erità su quella notte".\nLa sentenza del Tar non si avvicina al dibattito scatenato nella città di Napoli tra chi ritiene Ugo una vittima e chi un criminale che se l'è cercata. E' stato diciarato illegittimo per motivi urbanistici. Vince la linea del Comune, quindi, secondo cui non è possibile realizzare murales su palazzi precedenti al 1945.\nUna linea pericolosa, però, come spiega Alfonso De Vito del Comitato Verità e Giustizia per Ugo Russo: "In questo modo, tutto il patrimonio di street art del centro storico è messo a rischio, perché sono pochissimi i palazzi successivi al '45".\nIl Comitato annuncia il ricorso : "Andremo al Consiglio di Stato, questo murale è un simbolo anche per i ragazzi del quartiere che hanno partecipato alla realizzazione. Quest'opera ci ricorda che dopo un anno e mezzo non c'è ancora un rinvio a giudizio o una data di inizio del processo. Ugo doveva fare i conti con il suo gesto, ma certamente non doveva morire. Per noi è stato ucciso.


I cinemaniaci | cinema, recensioni, film, blog: aprile 2017\nStop Making Sense di Jonathan Demme (USA, 1984)\nPubblicato da nickoftime alle ore 15:14 Nessun commento:\nPost archiviato nelle categorie: la foto della settimana\nLa guerra dei cafoni di Davide Barletti, Lorenzo Conte\ncon Pasquale Patruno, Letizia Pia Cartolaro, Donato Paterno\nA Torrematta, territorio selvaggio e sconfinato, in cui non vi è traccia di adulti, se si esclude il gestore di un capanno-bar, ogni estate si combatte una lotta tra bande: da una parte i figli dei ricchi, i signori, e dall'altra i figli della terra, i cafoni. A capo dei rispettivi schieramenti si fronteggiano il fascinoso Francisco Marinho e il cupo Scaleno. Il prologo, che fa emergere quale fosse la differenza tra il padrone e il cafone in epoca medievale, funge da chiave di lettura per l'intera opera; poi si passa agli anni Settanta del secolo scorso, in cui le due bande formate da chi ha troppo e chi non ha nulla combattono senza tregua, cercando al contempo di conoscersi. Un santo protettore dei cafoni, che si chiama Papaquaremma, un cane di nome Mosè e un ragazzo e una ragazza che, come Romeo e Giulietta, appartengono alle classi opposte, possono essere validi esempi di un rimando ad archetipi narrativi forti. Si avverte anche un'eco de "Il signore delle mosche" di Peter Brook, senza, però, che vi sia la minima perdita di originalità. Qui il dramma è temperato dal sorriso suscitato dal personaggio del piccolo Tonino; ma soprattutto, l'analisi socio-antropologica di quell'Italia che non c'è più è acutamente aspra e priva di eufemismi. Il conflitto sociale degenera in una mutazione in cui è determinante la temibile figura di Cuggino, che segna l'ingresso ufficiale della malavita organizzata nel tessuto sociale: i cafoni non vogliono diventare delinquenti, come viene detto in un battuta, ma i delinquenti sapranno come progressivamente espropriarli della loro valenza che ha radici ancestrali. Davide Barletti e Lorenzo Conte sono riusciti a portare sullo schermo con successo un progetto che sulla carta avrebbe potuto sembrare troppo ambizioso. A partire dal casting, formato da adolescenti alla loro prima esperienza cinematografica e chiamati a interpretare con un dialetto stretto, tanto da necessitare dei sottotitoli, un passaggio d'epoca per loro lontanissima. Un lungo percorso di studi li ha condotti a prestazioni di estrema naturalezza, fondamentali per l'esito di una messa in scena complessa, ispirata al romanzo omonimo di Carlo D'amicis.\nPubblicato da nickoftime alle ore 19:14 Nessun commento:\ncon Renato Carpentieri, Micaela Ramazzotti, GIovanna Mezzogiorno, Elio Germano\nChiunque ritenga che il cinema sia diverso dalla letteratura filmata non potrà non apprezzare l'ultimo lavoro di Gianni Amelio. Il regista calabrese per il suo nuovo film è partito infatti da una fonte letta e apprezzata da centinaia di lettori - il bestseller "La tentazione di essere felici" del romanziere napoletano Lorenzo Marone - per arrivare a qualcosa di nuovo e completamente diverso. In realtà se confrontiamo il libro con il romanzo qualche punto in comune ancora c'è ma nelle sostanza la riscrittura operata sul testo originario ha reso le caratteristiche iniziali così annacquate da far sembrare "La tenerezza" un opera senza altri natali che quelli datigli dal nostro autore. Il quale, per il suo tredicesimo film decide di mettere in scena un'altra vicenda di assenze famigliari e, in particolare, di figure paterne costrette a fare i conti con le responsabilità da cui a suo tempo si sono sottratte. Motivi, che in un film di Amelio si traducono in una drammaturgia emotivamente carica di struggente malinconia e di pulsioni ancestrali che spingono i personaggi (padri o figli che siano) a mettersi in viaggio - letteralmente ("Ladro di Bambini" e "Lamerica") o in senso metaforico - alla ricerca della parte mancante.\nNe "La tenerezza" a essere protagonista è Lorenzo (un grande Renato Carpentieri) avvocato in pensione che vive da misantropo in una magione rifugio nel cuore di Napoli (restituita con puntuale dovizia dalla fotografia di Luca Bigazzi) e il cui interesse nei confronti dell'esistenza è risvegliato dall'arrivo di Michela (Micaela Ramazzotti), l'esuberante vicina di casa, la quale, con la complicità del marito e dei suoi due bambini lo coinvolgono all'interno di un quotidiano che fa riaffiorare nell'uomo una tenerezza da sempre negata a Elena (Giovanna Mezzogiorno, restituita al cinema che conta) e Saverio, i figli dei quali Lorenzo rifiuta ogni tentativo di riavvicinamento.\nSe la svolta narrativa de "La tenerezza" - sulla falsariga dello schema adottato dal libro di Marone - è data dal fatto di sangue che sconvolge le vite dei protagonisti, costringendoli in un modo o nell'altro a uscire fuori dal senso di inadeguatezza (di essere padri così come di essere figli) che nel film di Amelio è tratto comune a tutti i personaggi, bisogna riconoscere al regista la capacità di saper arrivare a quel momento con una coerenza che deriva non solo dal clima di sospensione che grava sulle vite dei personaggi, ognuno dei quali sembra essere sul punto di un cambiamento continuamente rimandato, con ciò che ne consegue in termini di ansia e di aspettative da parte degli interessati, ma anche dai piccoli segnali di cui Amelio riempie lo schermo, come a presagire il luttuoso evento: a cominciare dall'incerta identità e dalla possibile minaccia dell'extra comunitario (vittima o carnefice degli sbarchi clandestini non è dato di sapere) di cui Elena deve tradurre la deposizione in tribunale; per non dire dell'improvviso scoppio d'ira di Fabio (Elio Germano), il quale, per futili motivi si scaglia contro un venditore ambulante, interrompendo il quadro di armonia domestica che regnava un attimo prima.\nCiò che convince di meno però è la resa drammaturgia nel suo complesso, che, prosciugata del pathos presente nei suoi film più importanti e qui sostituito da un'atmosfera di raggelata solitudine esistenziale, impedisce al film di arrivare allo spettatore con la visceralità che riconosciamo al cinema di Amelio. In questo modo a momenti di grande empatia, molti dei quali riguardano le sequenze in cui Carpentieri e la Ramazzotti occupano contemporaneamente la scena, ne succedono altri il cui senso all'interno del contesto appare più meccanico e dove Amelio nel ricostruire uno dei luoghi più tipici della sua filmografia non ritrova la forza dei tempi migliori; e ci riferiamo per esempio alla scoperta dell'altro intesa come confronto tra culture che qui appare più un espediente narrativo per arrivare alla conclusione (ci riferiamo alla scena che anticipa la fine in cui Lorenzo ed Elena si ritrovano insieme in tribunale) che il modo per riflettere su una delle questioni più calde della nostra contemporaneità. Tutto ciò, senza nulla togliere ai meriti del film che per cast e compartimento tecnico (Luca Bigazzi direttore della fotografia, Maurizio Millenotti responsabile dei costumi, Alessandro Zanon del suono e Franco Piersanti delle musiche) raduna in un colpo solo il meglio di cui un regista possa disporre. Anche per questo si poteva sperare in qualche cosa di più.\nPubblicato da nickoftime alle ore 09:11 1 commento:\nLE (DIS)ARMONIE DELLA REALTA'. CONSIDERAZIONI SPARSE SU TRE FILM DI BELA TARR\nI. Nato a Pécs in Ungheria nel 1955, il cinema di Béla Tarr è praticamente inedito in Italia. Dopo il successo al Festival di Berlino dove la sua ultima opera, Il cavallo di Torino (A Torinói ló), vinse nel 2011 l’Orso d’Argento Gran Premio della Giuria, ci si accorse di questo autore fuori dai normali circuiti, conosciuto da uno sparuto gruppo di cinefili. Mai distribuito in Italia, con l’eccezione di proiezioni in qualche cineclub e passaggi nella trasmissione televisiva Fuori Orario di Rai 3, recentemente la sua produzione completa è stata editata in Dvd da Movie Inspired (già esaurito). E quindi meritoria la rassegna che la Fondazione Cineteca di Milano dedica all’autore allo Spazio Oberdan dal 14 al 30 aprile 2017 proiettando cinque sue opere: Perdizione,Le armonie di Werckmeister, L’uomo di Londra, Rapporti prefabbricati e Il cavallo di Torino.\nII. Cinema metafisico, quello di Béla Tarr, dove l’immagine si ferma su una realtà inglobante il tempo che viene cristallizzato in una visione resa fluida dai lenti movimenti della macchina da presa. Più che una messa in scena, l’autore ungherese si concentra su una messa in quadro in cui l’attesa dell’evento può anche non arrivare o essere posticipato rispetto al punto di vista dello spettatore, ipnotizzato dall’insistenza dell’inquadratura che si prende il tempo della visione reale(istica) del personaggio all’interno della struttura filmica.\nIII. Non c’è un vero sviluppo diegetico nelle sue opere, ma un susseguirsi di episodi minimali, scabri, scarni, essenziali, dove il personaggio viene pedinato dalla mdp ossessivamente, sia nei suoi dialoghi sia nelle sue riflessioni (riflettenti) sul paesaggio o sugli oggetti o sulle persone, che diventano noumeno di pulsione scopica. Prendiamo, ad esempio, Maloin (Miroslav Krobot) in L’uomo di Londra (A londoni férfi, 2007): nel lungo piano sequenza iniziale, dalla sua torre circondata di vetri, osserva la nave che sbarca i passeggeri al porto per vederli entrare in un treno (lui che comanda gli scambi dei binari). La chiglia della nave, nella sua forma visiva, prende sostanza dell’attesa di eventi ripetuti in un tempo infinito e costante, che viene interrotto da un evento drammatico: lo scambio di una valigetta tra due uomini; l’uccisione di uno dei due da parte dell’altro, gettato nelle acque del porto dopo una colluttazione; la fuga dell’assassino e il recupero della valigetta dal mare notturno da parte di Maloin. Una lunghissima presa di coscienza della realtàaccadente da parte del personaggio e dello spettatore il cui sguardo è allineato con in protagonista. Oppure la visione terrorizzata di János (Lars Rudolph), il postino protagonista di Le armonie di Werckmeister (Werckmeister harmóniák, 2000) che osserva la folla ostile assiepata nella piazza del villaggio ungherese, intorno al convoglio che mette in mostra una balena impagliata, in attesa delle parole di un nano, chiamato “il principe”, che aizza alla rivolta e alla distruzione della comunità. O ancora Karrer (Miklos B. Szekely) perdutamente innamorato di una cantante locale sposata (Vali Kerekes) e che perseguita per avere brevi incontri sessuali, posseduto dal demone della depressione in Perdizione (Kárhozat, 1988).\nIV. I personaggi di questi tre film sono solitari, taciturni, parlano solo se invitati o costretti dalle circostanze. Maloin è sposato con una figlia e il ritrovamento di una valigetta piena di soldi, frutto di un furto avvenuto a Londra, lo sconvolge internamente. János è un giovane ottimista, preso dalla distribuzione della posta e dall’accudire uno studioso di musica (di quelle armonie di Werckmeister, ripreso dal titolo dell’opera). Il suo cambiamento avviene in modo traumatico, dalla violenza della situazione in essere, dalle parole del “principe”, che ascolta di nascosto, dalla violenza della folla inferocita e distruttrice e poi da uno Stato che diventa forma di oppressione, trasformandolo per sempre di un essere catatonico, fisso, come lo sguardo in macchina nella scena del prefinale. Karrer è un depresso cronico, che non sa quello che vuole realmente, perso tra la donna oggetto della sua ossessione e le sere passate nel bar Titanik, simbolo del disastro di una società anomica, aliena, desola(nte)ta.\nV. Del resto, i personaggi sono sconfitti e travolti dall’esistenza e tutti in qualche modo sono vittime predestinate del tempo. Maloin uccide il ladro (l’uomo di Londra), ma la sua colpa è emendata dall’ispettore inglese in missione nel porto francese, con la scusa della legittima difesa. I soldi della ricompensa che riceve, sono i suoi trenta denari, il prezzo della sua coscienza che viene sottaciuta e annullata. L’innocenza di János è assassinata non dalla folla, ma da uno Stato, che usa la rivolta per imporre un ordine militare, ospedalizzato, in una prigione della mente e del libero pensiero. Karrer si fa delatore alla polizia di tutti e nella sequenza finale si mette a quattro zampe ad abbaiare contro un cane in un paesaggio desolato e sotto una pioggia scrosciante, arrancando nel fango alla ricerca di una cupio dissolvi con l’ultima inquadratura su un mucchio di letame, esplicitazione della caduta dell’uomo.\nVI. Abbiamo detto della desolazione che Tarr inquadra con paesaggi spogli e scabri. Per aumentarne la potenza visiva ed emotiva, utilizza un bianco e nero che inserisce l’ombra come soggetto concreto dove si muovono i personaggi. Anche nelle scene diurne la luce è plumbea come a sottolineareuna notte della ragione che pervade l’uomo stesso. Ne L’uomo di Londra, gli squarci di luce sono sempre preludio a eventi drammatici, il vento che soffia diventa l’elemento atmosferico perdurante per tutto il tempo filmico. InLe armonie di Werckmeister è la nebbia e il tempo uggioso che avvolge l’atmosfera sospesa in un tempo astorico, in un eterno presente senza passato né futuro. Durante Perdizione cade continuamente la pioggia e il fango intrappola i protagonisti. Vento, nebbia, pioggia: la forza degli elementi atmosferici accentua simbolicamente la desolazione interiore ed esteriore di una vita perduta, senza speranza di riscatto, senza un sole che risplende, ma come se vivessimo in una eclissi sempiterna (ben rappresentata dal lungo piano-sequenza dell’incipit di Le armonie di Werckmeister, sineddoche delle vicende di queste tre opere).\nVII. L’enorme balena impagliata, oggetto di una fiera di paese in Le armonie di Werckmeister, è la metafora della mostra dell’intelligenza come elemento di spettacolo. Morta, impagliata, inesistente, dove alligna la forza dell’ignoranza del male (il “principe” nano). La grandezza della verità contro la piccolezza della falsità. La prima un ricordo resa visibile, la seconda abbaiante e nascosta nell’ombra, immateriale, voce nel buio che si propaga come un virus metafisico che si incista nelle menti di individui che si annullano e si fondono in massa compatta distruttiva. E Tarr utilizza un altro piano-sequenza di questo leviatano in marcia nelle strade del villaggio ungherese che, come un fiume di corpi e teste anonime, travolge i deboli resti di una civiltà al suo declino. L’occhio della balena fissa in vuoto della ragione e János la osserva illudendosi della potenza di Dio, senza rendersi conto di essere alla presenza delle spoglie della ragione, strappata dalla sua condizione di natura e trasformata in un paravento dell’irrazionale malvagità che prende vita e si nutre di essa, vomitandola come un getto mal digerito e imbrattando il mondo.\nVIII. Con Perdizione, Tarr inizia a utilizzare il piano-sequenza, che con il bianco e nero della fotografia, diventa la sua cifra stilistica che contraddistingue tutte le sue opere a venire. Questo tipo di inquadratura e di movimento di macchina permette la dilatazione temporale, fissando il momento vissuto dai personaggi. Esso è la rappresentazione visiva dell’intimità in una dualità tra interno-esterno che porta in profondità le emozioni vissute dai personaggi e coinvolge lo sguardo spettatoriale in unaragnatela della messa in quadro costruita per addizione di sequenze dove il montaggio è lineare, mentre la scoperta della verità avviene nel movimento della mdp che svela elementi nella messa in scena, in apparenza extradiegetici e in realtà diegetici (come, ad esempio, la musica che appare come colonna sonora, ma che spesso è all’interno della scena, suonata da orchestre riprese sempre in ritardo e a latere, mai in primo piano). I piani-sequenza diventano, quindi, un fraseggio costante della filmografia di Tarr, un modo di rappresentare il mondo, un montaggio interiore. Così come la divisione dell’inquadratura effettuata riprendendo i protagonisti dietro a un muro (Karrer, Janos) mentre osservano altro; oppure di fronte a un capanno sulla spiaggia (Maloin) prima di un evento brutale; o ancora negli interni del bar, con in primo piano il protagonista che ascolta dialoghi di personaggi in secondo piano (di nuovo Maloin). In questo tipo di messa in quadro, Tarreffettua uno split screen naturale, visivo, utilizzando strutture architettoniche della realtà e non il montaggio cinematografico di più riprese, concentrando ancor di più la pulsione scopica non solo del personaggio, ma anche quella dello spettatore coinvolto nella visione.\nIX. Ne L’uomo di Londra – tratto dall’omonimo romanzo di George Simenon– abbiamo delle eccezioni all’utilizzo del bianco e nero che ne confermano la regola e proprio per questo degne di nota. Tarr utilizza un colore uniforme e molto desaturato, tendente al bruno, in due sequenze significative. La prima è durante l’incontro tra Maloin e l’ispettore nella torre di osservazione, quando viene recuperato il cadavere dell’uomo assassinato dal ladro a cui l’ispettore sta dando la caccia; la seconda, quando Maloin è davanti al capanno sulla spiaggia dove l’assassino si nasconde. In entrambi i casi l’utilizzo del colore rappresenta momenti di morte: nel primo, il cadavere è visibile nella sua messa in quadro, mentre nel secondo si vede solo il capanno in un long take dove allo spettatore viene lasciato immaginare la scena all’interno, ma il colore lo collega al cadavere della scena precedente che diventa metonimica di quest’ultima senza la necessità di rappresentarla di nuovo, ma solo creandone l’evocazione con l’immagine fissa del capanno e con il suono del vento che soffia forte dal mare.\nX. In Perdizione, Le armonie di Werckmeister e L’uomo di Londra, Tarrcompie un’operazione binaria tra contenuto e forma. Se i temirappresentano una disarmonia della realtà in essere, che si fa corpo, immanente dell’essere-uomo che porta alla solitudine esistenziale(ista), la forma utilizzata è un’armonia tra immagine e suoni, tra dialoghi e luoghi, tra interni ed esterni, tra oggetti inanimati ed elementi della natura che imperversano e riempiono lo schermo. L’armonia della messa in quadroutilizzata da Tarr diventa il contenitore della disarmonia della vita e perimetrata dall’occhio della macchina da presa. Un meccanismo visivo che tracima lo schermo e ne trascende la visione.\n“Omaggio a Béla Tarr”, Fondazione Cineteca Italiana, Spazio Oberdan, Sala Alda Merini a Milano dal 14 al 30 aprile 2017\nPubblicato da nickoftime alle ore 11:00 Nessun commento:\nPost archiviato nelle categorie: Cineteca di Milano, editoriali\ndi, Michaël Dudok de Wit\nFrancia, Belgio, Giappone ,2016\n"Though now this better life\nhas brought a different understanding\nAnd through these endless days\nshall come a broader sympathy..."\n- King Crimson -\nFebbrilmente a riparo di noi stessi per il tramite di un cinismo in forma di corazza tanto spessa quanto di scarso pregio e mai indifferente alle lusinghe dell'opportunismo, con ogni probabilità scrolleremo le spalle dinanzi al mistero antico che si fa largo dal carapace spalancato di un'opera come "La tartaruga rossa", animazione soavemente impassibile nell'essenzialità geometrica delle sue linee in felice equilibrio fra le sottrazioni di certi estri di matita nord-europei e la misura stilizzata d'impronta giapponese, e come maternamente irridente, per contrasto, nei confronti della stoltezza con cui la condizione umana si limita a riproporre sé stessa senza che questo comporti quasi mai modificazioni apprezzabili alla sua essenza, tanto da originare scarse o nulle ricadute in una prassi già da par suo avvilente.\nProprio la scelta narrativa di un frangente al contempo avventuroso e archetipico, trasfigurato pressoché senza attrito negli spazi aperti di un apologo esemplare - un uomo solo in mezzo all'oceano trova per caso salvezza dai flutti su un'isola di certo più piccola delle sue presunzioni (più volte egli tenta di abbandonarla, negando l'evidenza di dover fare i conti con una nuova dimensione psicologica e materiale della realtà), epperò salda nella irriducibilità tranquilla della sua naturalezza - regala al lavoro di de Wit (a cui non è estraneo, e non solo per via della co-produzione, il respiro ampio e meditativo, l'attenzione sia minuziosa che stupita per i dettagli, l'ineffabile senso di perdita e la dignitosa malinconia che ad esso s'accompagna, ossia il magistero compiuto dello Studio Ghibli, qui nella persona di Takahata Isao, genius loci in veste di supervisore artistico) il sapore raro delle cose ultime, delle piccole/grandi verità nude, scevre della retorica e dell'apparato interpretativo con cui in genere la cosiddetta modernità tenta di circoscriverle, vuoi perché oramai incapace di stabilire con esse un dialogo fecondo, vuoi perché persuasa, nel trionfo terminale del materialismo, del loro ruolo di cascame irrazionale che a ritorni successivi rallenta il corso fatale del capitale e delle merci.\nA qualche raro mendicante d'azzurro, a cui s'aggiungerà col tempo il novello Robinson del film e il suo sparuto seguito di granchi dispettosi (trasfusione quasi indolore del micromondo animista miyazakiano), sarà forse sufficiente a conciliare un sentore d'intolleranza al pragmatismo acritico e alla monetizzazione di ogni istante del suo quotidiano, la minuta granulosità pastello dei cieli e delle vastità marine vicine a Seurat e a talune intuizioni di Signac; il verde nuovo e vispo che fiorisce, degrada e rinasce per nessuno, della vegetazione dell'isola; la distante persistenza bruna delle pietre; lo splendore argenteo della sabbia notturna, così simile ai bagliori opachi della neve appena caduta. Lo stesso per il silenzioso squarcio dell'aria rappresentato dal volo degli uccelli; per la chioma rossa come lo scafo di Nerval della femmina/Natura pronta a donare dolcezza e spessore a una solitudine senza scampo o per l'antracite espanso punteggiato di stelle, del firmamento. Ogni cosa a ruotare all'interno dell'unico eterno presente tollerabile, quello circadiano, campo limitato ma esperibile da cui attingere aspettative, ricevere rifiuti o impreviste ricompense, su cui fantasticare o da torcere in allucinazione, attendendo il balsamo della morte: per una volta senza bisogno di parole.\nPubblicato da nickoftime alle ore 15:07 Nessun commento:\ndi, Ciro De Caro\ncon, Valerio Di Benedetto, Cristian Di Sante, SaraTosti, Rossella d'Andrea\ngenere, commediadurata, 85'\nTra un de profundis e l'altro, magari arriva il momento in cui se ne ha abbastanza delle rampogne, ricevute o dispensate che siano. Figurarsi delle lagne. Deve essere stato un percorso mentale molto simile a questo ad aver indotto un cineasta come De Caro a piantar l'affollata baracca con annessi burattini dei pluridecennali sermoni in articulo mortis, nonché delle lacrime spesso e volentieri di coccodrillo, riguardanti lo stato-del-Cinema-italiano; a vuotarsi altresì le tasche - pare anche a vendersi la macchina - allo scopo di raggranellare i quindicimila euro e spiccioli utili a mettere insieme il suo nuovo film, quasi un nuovo esordio, "Spaghetti story", appunto. E già questo - la semplice ostinazione di qualcuno che scommette, non solo metaforicamente, su un'intuizione - un paio di riflessioni dovrebbe suscitarle.\nSenza scadere nell'esaltazione stucchevole e ridicola del pauperismo (che è bello e nobile soprattutto se lo praticano gli altri) che, per quanto il Cinema sia uno dei principali campi di applicazione dell'innovazione tecnologica, alla lunga, da risorsa diciamo così creativa, diventa solo e unicamente indigesto impasto di frustrazioni, osserviamo subito che nel caso di De Caro penuria di mezzi (una manciata di giorni per le riprese, set per gentile concessione di parenti e amici), freschezza e stretta attualità della storia, necessità di ribattere a colpi d'idee (non solo alle angustie produttive ma anche e - forse - soprattutto all'attualità di cui sopra, tanto all'apparenza liberale e dispensatrice di promesse di affermazione o di affrancamento, quanto, assai spesso, amalgama ostile e appiccicosa costituita da sempre nuove combinazioni di antichissimi collanti quali l'accidia, il menefreghismo, le convenienze incrociate, le mere mascalzonate et.), si danno allegramente di gomito infondendo vita ad un insieme semplice, di garbata ingenuità e a tratti piuttosto divertente.\nD'altro canto, l'occhio fisso e ravvicinato del regista sulle vicissitudini paradossali se non fossero così autentiche di un gruppo di giovani (nel caso, romani) la cui precarietà ormai non è più la variabile avversa dei rapporti di produzione ma un vero e proprio modo di (non) vivere giunto a mettere sul piano di un grottesco aut-aut l'opzione di un piatto di pasta o di una pizza e l'acquisto di un paio di scarpe, pena il fallimento delle economie personali (e nei confronti del quale l'unica alternativa rimasta sembra essere la totale emarginazione o lo spaccio - quest'ultimo nei modi e negli esiti più vicini ai "Soliti ignoti", tanto per capirsi, che, per dire, alle prospettive iperboliche e cool delle "Belve" di Stone - e nonostante i toni spesso spassosamente frenetici della commedia tutta ruspante cattiveria e dialoghi mordaci contrappuntati da improvvisi silenzi - alla cui riuscita concorre in maniera determinante l'uso per una volta coerente e ben cadenzato del dialetto -), aiuta a contestualizzare meglio le psicologie e gli atteggiamenti di tutti i personaggi, di certo non esenti da fragilità tanto epidermiche nella loro oggettività quanto incistate in una prassi che pulsa sottotraccia e oscilla quasi solo tra disimpegno e opportunismo. Uomini e donne angustiati ma allo stesso tempo come sollevati dagli orizzonti ristretti di una vita che un po' è diventata, un po' non si è impedito che si trasformasse in una routinea corto raggio. Persone orgogliose, in fondo, di quella indipendenza di ritorno come risacca dell'individualismo narcisistico di massa, eppure, a stringere, sole e disarmate appena una porta si chiude, a un imbarazzo non segue motto e il riflesso condizionato che si oppone a un rifiuto finisce per essere invariabilmente un mutismo perplesso e in parte vittimistico.\nChiaro che, in un esperimento condotto di forza su direttrici così limitate benché nette, decisivo diventa l'apporto dei volti e dei corpi chiamati a incarnare lo sviluppo e l'anima delle circostanze descritte. Anche su questo "Spaghetti story" è in grado di dire la sua. Assemblando, infatti, un gruppo di giovani interpreti - più o meno alle prime armi (o, per meglio dire, con una qual gavetta nel Cinema piccolo o indipendente o invisibile, è lo stesso) - affiatati, scevri da birignao e pose fasulle, sorretti dalla prossimità autobiografica ai fatti (qualcosa che può avvicinarsi, più in generale e oggi come oggi, all'autobiografia stessa di un paio di generazioni), ecco che pressoché senza filtro viene restituita a chi guarda la vivace ma anche amara empatia di traversie magari solo drenate dal rumore di fondo della cronaca; orecchiate, forse, o - perché no ? - la cui asprezza è stata provata direttamente sulla propria pelle. In tal modo le peripezie di Valerio, factotum per sfinimento e aspirante attore; il cinismo dal cuore d'oro di Cristian, l'amicone di una vita, quello che non fa il pusher ma sta "a mette in piedi 'na cosa che c'ha 'n futuro"; la petulanza venata di comprensione di Giovanna - sorella di Valerio - sempre pronta a sostenerlo e soprattutto a metter mano al portafogli e non ultima, la costanza, la testardaggine giocata come finta arrendevolezza della di lui fidanzata Serena, studentessa lavoratrice e futura mamma (interessante connubio di sagacia ed enigmatica indolenza), diventano, senza sforzo apparente, quasi sotto i nostri occhi, l'epitome di una condizione, nel nucleo della quale però si riconosce ancora lo sforzo di tenere al centro l'umanità irripetibile della persona, l'importanza di ascoltarne - e tollerarne - le contraddizioni: in particolare quell'istinto che, per quanto estenuato da mille sollecitazioni, non ha perso la misura del valore e insieme lo slancio a prendersi cura delle cose (per tutti valga il piccolo ma significativo gesto di Valerio il quale, nel gorgo della sua sconfitta sentimentale e professionale, ramingo e stanco, fuori da un bar, gettando via la carta del suo panino mangiato controvoglia e vedendola mancare il cestino e rotolare a terra, si alza e ve la depone).\nSe questa è la prospettiva - e fermo restando la chirurgica riuscita degli assolo-per-due-voci di Cristian e Valerio (quasi un film a parte) che ricordano i micidiali battibecchi tra Dante e Randall in "Clerks" di Smith - giocoforza si fa più conciliante la valutazione circa la ripetuta frammentazione del montaggio all'interno dell'inquadratura, che nulla aggiunge in termini d’instabilità perenne delle vicende di quanto già non facciano, e più palpabilmente, le frequenti sfocature (casomai, nell'insistenza, quella sottrae qualcosa alla spontaneità d'assieme come all'accorto uso della luce naturale). Identico discorso si può applicare all'ultima parte del film, in cui speranza e ottimismo sembrano più cercati che consequenziali alle premesse, in leggero attrito col compatto realismo che permea buona parte degli ottantacinque minuti di quest'opera che si sta facendo strada unicamente in ragione della sua irresistibile impertinenza e di un contagioso passaparola.\nPubblicato da parsec alle ore 19:59 Nessun commento:\nPost archiviato nelle categorie: film in uscita 2013, recensioni\nDA "IL CONTAGIO" A "IL PRINCIPE DELLE PEZZE", LE NUOVE PRODUZIONI DELLA GEKON PRODUCTIONS\nForse ve ne sarete accorti ma esiste un certo cinema italiano che amiamo vedere più di altri, e a cui dedichiamo tempo e attenzione in virtù della capacità che ha di scoprire talenti e di saperli valorizzarle attraverso opere che non perdono di vista i gusti del pubblico. Da qui la decisione di pubblicare il comunicato stampa della Gekon Productions relativo alla lavorazioni di alcuni titoli, primo fra tutti quello dei registi Matteo Botrugno e Daniele Coluccini, "Il contagio", tratto dal romanzo di Walter Siti, che per quanto ci riguarda sono già adesso in cima alla lista dei film più attesi della prossima stagione.\nSono appena finite le riprese de Il contagio dei registi romani Matteo Botrugno e Daniele Coluccini, con Vincenzo Salemme, Anna Foglietta, Vinicio Marchioni, Giulia Bevilacquae Maurizio Tesei. Tratto dall’omonimo best seller di Walter Siti, il film è stato prodotto daKimerafilm e Rai Cinema in collaborazione con la Gekon Productions. “Mi auguro che questo film possa segnare l’inizio di una lunga collaborazione, di un percorso insieme rivolto ad un’autorialità e una qualità cinematografica capace di coniugare anche i gusti del pubblico” – afferma Francesco Dainotti, socio fondatore della Gekon Productions. “In questi anni, infatti – prosegue Dainotti –, la KimeraFilm si è ritagliata uno spazio importante in questa dimensione, per ciò spero che la sinergia che si è venuta a creare sul set possa ritrovarsi in futuro con altre collaborazioni produttive”.\nMa se il set de Il contagio si è appena concluso, ecco che ne inizia subito un altro, quello deIl principe delle pezze del talentuoso esordiente Alessandro Di Ronza. Le riprese del film – un documentario che offre un nuovo ritratto della storia del cinema italiano attraverso le tappe che hanno fatto grande l’arte del costume cinematografico in Italia e nel mondo – inizieranno questa settimana con la partecipazione straordinaria di Claudia Cardinale. Un altro sodalizio artistico, quest’ultimo, creatosi con il primo film prodotto dalla Gekon, Ultima fermata diGiambattista Assanti – con cui la Cardinale si è aggiudicata la Nomination come Miglior attrice non protagonista ai David di Donatello 2016.\nIn fase di post-produzione, invece, il mediometraggio Confinati a Ponza di Francesco Maria Cordella con Debora Caprioglio, Peppino Mazzotta e Bruno Torrisi – ritratto a sfondo intimistico di Benito Mussolini e Pietro Nenni durante la prigionia sull’isola pontina.\nUn lungo e proficuo percorso, quello della Gekon Productions, che punta ad un cinema giovane e di qualità, trovando il giusto equilibrio fra la dimensione artistica e quella popolare.\nPubblicato da nickoftime alle ore 10:51 Nessun commento:\nPost archiviato nelle categorie: news\ncon Mark Wahlberg, Melissa Benoist, Michelle Monaghan\nBoston, 15 aprile 2013. A causa di una sanzione disciplinare, il sergente Tommy Saunders è costretto a integrare la squadra incaricata della sicurezza della maratona, la più vecchia degli Stati Uniti. Il clima festivo è interrotto dall'esplosione di due bombe. Gli ordigni, piazzati lungo la linea d'arrivo sulla Boylston Street, uccidono tre persone e ne feriscono 264. In tempi rapidissimi, la video sorveglianza permette di identificare i due colpevoli, due fratelli di origine cecena devoti alla causa estremista. FBI e polizia cominciano una serrata caccia all'uomo attraverso una città in stato di choc. Una corsa contro il tempo a cui Tommy Saunders darà il suo eroico contributo. Con "Boston - Caccia all'uomo", centrato di nuovo su una storia vera, Peter Berg risale il tempo di qualche anno e ritorna sul drammatico attentato di Boston nel giorno della sua celebre maratona. Abile a ricostruire gli avvenimenti, e qualche volta i luoghi a chilometri di distanza, ricrea l'attentato del 2013 e ritraccia la ricerca che ha permesso di neutralizzare uno dei due terroristi e catturare il secondo. La prima mezz'ora del film predispone una suspense angosciosa, impiegando una struttura corale e introducendo una galleria di personaggi che saranno coinvolti nel tragico avvenimento. Tutto, note sintetiche comprese, è orchestrato per forzare l'empatia e rendere più impressionante il momento dell'esplosione. La storia procede in montaggio parallelo, raccontando da una parte il tentativo di fuga dei colpevoli, dall'altra l'inchiesta che rende conto degli sforzi dei bostoniani. La ricostruzione scrupolosa non impedisce i movimenti, ricollegando abilmente gli intrecci orditi al centro di una folla di corridori, spettatori, infermieri, medici, soccorritori, pompieri, poliziotti, agenti dell'FBI, giornalisti. Come in "Sully", gli eroi sono persone che fanno bene il loro lavoro: un'inchiesta straordinariamente rapida ed efficace avviata da un piccolo indizio, un uomo che guarda in direzione contraria della folla che lo circonda.\nCerto gli eroi di Berg non hanno l'intelligenza visionaria dei personaggi di Eastwood; nondimeno Mark Wahlberg, alla sua terza collaborazione con il regista, serve impeccabilmente l'ora fatidica inseguita dal suo cinema, che è coerente dietro al fragore delle bombe o all'esplosione di una piattaforma. Ciascuna scena, ciascun piano ci rammenta i fondamenti del cinema di Berg: una camera piazzata nel cuore dell'azione che riscrive con brio tutta l'intensità di una missione compromessa, di un disastro ecologico, di una maratona 'mutilata'. Il dinamismo, l'energia cinetica e il contre-plongée iconico amplificano il rapimento del disastro, quella contemplazione emotivamente assorta che è parte del paesaggio artistico e culturale di Peter Berg. Sullo sfondo di un décor che collassa, dentro l'estasi del caos, Mark Wahlberg incarna un'estetica di ordine. Il cinema di Berg genera americani capaci di prendere le misure della propria responsabilità, di accordarsi su valori che li trascendono e allo stesso tempo una forza impersonale che spinge l'azione, è questo il caso, contro la tentazione dell'esaltazione patriottica. Boston - Caccia all'uomo declina intenzionalmente l'analisi delle motivazioni dei terroristi, per focalizzarsi sul vissuto dei protagonisti, che sfilano, quelli veri, sull'epilogo come da tradizione. E da retorica. Primo di due film consacrati all'attentato di Boston, "Boston - Caccia all'uomo" precipita lo spettatore in due ore intense, che confermano la solidità del cinema di Peter Berg.\nPubblicato da nickoftime alle ore 09:23 2 commenti:\nFestival del film di Roma 10 giornata\ndi D. Girloy\nL'ennesimo assaggio di come e quanto la cosiddetta informazione può essere volutamente manipolatrice e orgogliosamente cialtrona, l'avevamo avuto nemmeno una settimana fa incrociando le vicende dei protagonisti di "Gone girl" di Fincher. Ora, con "Nightcrawler" di D.Gilroy - sceneggiatore passato alla regia; co-autore, tra l'altro, insieme al fratello Tony, dello script di "The Bourne legacy" (2012) - rischiamo una, forse, salutare indigestione, rovistando tra gli avanzi di un più che metaforico punto-di-non-ritorno, alle propaggini del quale comunicazione, giornalismo, arbitrio, voyeurismo, indifferenza, cinismo, speculazione, si fondono in una massa tanto ancora indistinta quanto già solo di primo impatto sinistra.\nLos Angeles. Oggi. Louis Lou Bloom (sul serio una specie di fiore-pronto-a-sbocciare, della cui presenza nel variegato giardino sociale non ci eravamo ancora accorti; strano germoglio subdolo e con tutte le carte in regola per diventare parassitario, nel caso, restituito dalle fattezze smagrite, il passo rigido e lo sguardo fisso e penetrante di Gyllenhaal, attore che qui ribadisce la propria confidenza nel cambiar pelle con una certa disinvoltura), cerca di sfangarla improvvisandosi ladro ma è poco più di una mezza tacca. A malapena, infatti, mette insieme rottami di rame, metallo da recinzione e tombini che poi svende a piccole ditte sempre a caccia di materie prime. Una notte qualunque gli si rivela il proprio destino sotto forma di un incidente stradale e di un operatore che, telecamera in spalla, sbircia e ruba sequenze delle operazioni di rimozione dalle lamiere. A suo modo, per Lou, è una rivelazione: da qui ad improvvisarsi cameraman d'assalto o, come si dice in gergo, stringer, il passo è breve. Messa assieme un'attrezzatura rudimentale, munitosi di un apparecchio sintonizzabile sulle frequenze della Polizia, analizzati e ordinati i codici di riconoscimento dei crimini, si scapicolla sulla scena di eventi tragici o delittuosi appena consumati (e in una casistica così vasta, può entrarci di tutto: dalla rapina in un supermercato, allo scontro automobilistico; dall'omicidio allo stupro, passando per un incendio, un'aggressione o un tentato suicidio e così via), filma il possibile - riservando particolare preminenza ai dettagli efferati e ai risvolti truculenti - e mette il materiale girato a disposizione di quella rete di emittenti locali, piccole o medie, che su tali notizie impostano la quasi totalità dei loro palinsesti. All'inizio è dura ma mosso da una personalissima filosofia aziendale che mescola in un amalgama inedita quanto spavalda reminiscenze da manualistica della motivazione, istinto di rivalsa e feroce auto-conservazione, ambizione di guadagno e una qual atonia interiore di fondo, Lou si scaltrisce e si organizza in fretta. Al suo svezzamento concorre anche Nina/R.Russo (per inciso, moglie di Gilroy, interprete che sopperisce con la grinta a palesi ed annosi limiti espressivi), spregiudicato direttore di una televisione con pochi peli sullo stomaco, che sulle prime ne sfrutta il noviziato, quindi ne incoraggia e puntella la mancanza di remore, al punto che Lou non si tirerà indietro neanche quando si prospetterà l'ipotesi di mettersi di traverso ad una pericolosa indagine dell'LAPD, con tutto ciò che ne seguirà...\nImmerso nel labirinto di pastose luci notturne (a cura di R.Elswit), di frequente squarciato da macchie sciolte sui toni del blu, del rosso e del giallo, come se l'intero spettro del visibile (e del praticabile) fosse ricoperto della medesima laida membrana che tutto accorpa e destina ad una ripetizione ottusa e crudele nella sua ciclica indolenza, "Nightcrawler" svela il suo pregio più grande - e fonte principale dell'inquietudine che secerne - nella concentrazione senza divagazioni o, peggio, sottolineature esplicative e moraleggianti, sulla prassi spietata e contabile di un uomo totalmente ma monodimensionalmente moderno, ossia solo, senza affetti, senza distrazioni, animato dalla nuda volontà di potenza la quale, una volta individuato il suo campo di applicazione, su di esso prende a esercitarsi con qualunque mezzo, senza la minima esitazione, fino a imporsi/impossessarsene nella più stringente delle logiche capitalistiche produzione-profitto-consumo-distruzione. Lou, a dire, nel suo piccolo agisce - in un ben munito carnevale dell'assurdo che sostanzia e sostiene quel rapporto d'interdipendenza patologica che lega il sistema odierno di costruzione delle informazioni (e fruizione delle immagini), sempre più teso verso la ricerca di un oltre, di preferenza estremo, a un pubblico (in rapida crescita) che di quell'oltre si nutre avido secondo l'arcaico principio di piacere basato sulla contemplazione compiaciuta della sofferenza altrui da una posizione di relativa sicurezza - alla stregua della libera circolazione dei capitali all'interno del tessuto connettivo che regola l'equilibrio e il funzionamento delle attività umane in un contesto vergine: ossia ne invade, in primis, per gradi ma con metodo e diffusione capillare, i gangli, alterando i meccanismi di reciproca interazione (in origine, non necessariamente orientati a un fine cumulativo o a un interesse particolare); piega, poi, i rapporti alla sola dinamica guadagno/perdita, diventandone arbitro indispensabile, da un lato e, di fatto, svuotandoli di ogni peculiarità, dall'altro; per ergersi, infine, a ago della bilancia di qualsivoglia relazione (in tutto e per tutto derubricabile a semplice legame di natura contrattuale) e sola unità di misura in rapporto alla quale argomentare su termini come valore, scelta, senso et. Bloom, armato di telecamera e a riparo dagli scrupoli, cioè, opera - addirittura anticipando talune mosse sulla scacchiera degli eventi o predisponendo le circostanze su una linea che gli riservi il minimo attrito e il massimo ricavo - su una lunghezza d'onda assai simile a quella del principio economico dominante la modernità, quasi ne fosse una naturale estensione, in ogni caso, per il medesimo scopo: proliferare, espandersi, rafforzarsi. Come un virus. Come un tumore.\nL'insolita variante di creatura notturna che egli è (un nightcrawler, un lombrico, appunto, che impassibile rimesta le frattaglie di un'umanità devastata per trarne vantaggio), si dimostra così in grado - al netto di una blanda consapevolezza e di una ancor più scarsa partecipazione - di ritoccare in via ulteriore i margini di una convivenza solo propagandisticamente stabilizzata e regolata da presupposti e norme razionali. E se, con ogni probabilità, all'opera di Gilroy avrebbe giovato una maggior asciuttezza per lenire l'intermittente sensazione di programmaticità dell'insieme, il resoconto scabro e dal torbido fascino della perversione a cui è giunto l'ottimismo contagioso (e opportunista) del nulla esiste, tutto è permesso - quasi senza colpo ferire già virato in una sua nemesi ancor più deforme e aggressiva - resta intatto e, anzi, col progredire della vicenda, si ammanta di una sua intransigente e spaventosa inevitabilità, tale da riaffermare che se questa è ormai da considerarsi buona parte della canticchiante e danzante merda del mondo, allora sembra persino grottesco, oltreché tardivo, votarsi alla eventualità per cui deus dementat quos vult perdere.\nPubblicato da nickoftime alle ore 19:46 Nessun commento:\nPost archiviato nelle categorie: 9 festival internazionale del film di Roma, anteprime. recensioni\nEden di Mia Hansen-Love (Francia, 2014)\nPubblicato da nickoftime alle ore 16:01 Nessun commento:\ndi Ciro De Caro\ncon Roberto Caccioppoli, Rossella D'Andrea, Claudia Vismara\nCi sono film di nicchia che diventano tali non perché non abbiano le caratteristiche per conquistare le grandi platee ma in ragione di cause che riguardano la possibilità di promuovere il prodotto e di piazzarlo nella sale con un adeguato numero di copie. Ne sa qualcosa Ciro De Caro che per il suo film d’esordio, “Spaghetti Story”, realizzato con mezzi di fortuna e con un budget inesistente (5 mila euro) è riuscito - grazie a una strategia distributiva diventata in seguito un modello da seguire - nell’impresa di sopravvivere all’oblio cui sono destinati quei film che nel corso della prima settimana di programmazione non riescono a realizzare introiti sufficienti a giustificarne la permanenza in sala. Dopo circa quattro anni dall’uscita del primo film “Acqua di Marzo” conferma quanto di buono si era detto a proposito del regista romano, il quale, per la sua opera seconda si affida ancora una volta alla commedia, declinata secondo lo stile semplice ma sostanzioso che sembra essere uno dei marchi di fabbrica della sua cinematografia. Al centro della scena di “Acqua di Marzo” troviamo tre personaggi - un ragazzo e due ragazze - che, neanche a farlo apposta sembrano parenti stretti di quelli che avevamo conosciuto in “Spaghetti Story”, se non fosse che il fatto di essere un poco più adulti dei loro predecessori basta e avanza per fare della vita uno scenario diverso da quello ludico e speranzoso che ci si aspetterebbe quando l’età consente ancora di andare a spasso con la gioventù. Se a fare da motivo trainante in “Acqua di Marzo” è il triangolo sentimentale che si forma quando Libero (l’ottimo Roberto Caccioppoli), in trasferta a Battipaglia per fare visita la nonna morente, si imbatte nell’ex compagna di banco (la brava Rossella D’Andrea ) separata e con figlia a carico, in realtà il film mette in scena una serie di crisi esistenziali che intercettano le problematiche di una generazione alle prese con le difficoltà del precariato lavorativo e con il problema di conciliare il pragmatismo della ragione alla fede dei sentimenti.\nCome già era successo in “Spaghetti Story”, il regista fa di necessità virtù, articolando il suo dispositivo in modo che la semplicità della forma cinematografica - fatta in prevalenza di piani sequenza a camera fissa e con la telecamera concentrata sul corpo degli attori - non sia un modo per supplire alla mancanza di mezzi ma la conseguenza di una scelta volta a incidere sul senso della storia. In questo modo anche il montaggio sconnesso e la frammentazione derivante dalla continuità tra sequenze relative a due diversi piani spazio temporali (uno ambientato a Roma, con protagonisti Libero e la sua ragazza, l’altro ubicato a Battipaglia, in cui il protagonista si relaziona con l’altra donna e con i propri famigliari) non sono espedienti fini a se stessi, ma il modo di rappresentare attraverso le immagini la confusione e le ansie di Libero e degli altri ragazzi. Non contento dell’empatia suscitata dall’umanità di personaggi ai quali, nessuno escluso, non si può non volere bene, e della presa drammaturgica assicurata dalla perfetta commistione tra dramma e commedia (caratteristica, questa, che pone De Caro sulla scia del Virzì de “La pazza gioia”) il regista stimola il coinvolgimento del pubblico nascondendo fino all’ultimo le reali intenzione dei protagonisti, divisi tra la volontà di rimanere fedele ai propri principi e il desiderio di infrangerli le regole per iniziare una nuova vita. Distribuito sul territorio nazionale in un numero limitato di copie “Acqua di Marzo” è un film d’autore con la a maiuscola.\n(pubblicato su Taxidrivers.it)\nPubblicato da nickoftime alle ore 22:21 Nessun commento:\ndi Simona Izzo\ncon Barbara Bobulova, Maurizio Casagrande, Max Gazzè, Valentina Cervi\nLorenzo compie 20 anni e questa è l’occasione giusta per riunire una famiglia cosiddetta allargata dinanzi ad una torta di compleanno con candeline. Presto però la festa diviene una tragicommedia in quanto la famiglia di Viola /Barbora Bobulova è una comunità sgangherata tra figli depressi e malati di disturbi alimentari e genitori separati ed eternamente indecisi in amore. A completare il quadro a dir poco disfunzionale concorrono poi le presenze delle due sorelle di Viola, delle quali una è lesbica ( o meglio “saffica” come si definisce l’attrice Valentina Cervi) e l’altra è una divorziata “scoppiata” il cui ex marito ha una nuova compagna di razza nera e una figlia bulimica mentre il padre delle sorelle (Renato, impersonato da Mariano Rigillo) è un depresso indefesso Casanova che ha tentato il suicidio.\nSe la famiglia è chiaramente il tema centrale di “Lasciami per sempre” con le tre sorelle sulla scena - Carmen, Viola e Aida - figlie di Renato, il deus ex machina della storia sarà però l’arrivo di un ospite inatteso, e cioè di Martina, la ragazza di Lorenzo di cui si sta festeggiando il compleanno.\nLa regia di Simona Izzo inizia presentando i personaggi singolarmente, facendoli sfilare nelle loro storie di vita per poi farli grottescamente scontrare nel momento clou della festa, quello dell’arrivo della torta di compleanno, in cui commedia volge alla farsa con classici bagni in piscina e bagarre continue tra gli ospiti nella cornice floreale della villa della stessa regista. L’ambientazione scelta tra verde e fragranze floreali è propedeutica nel film a evidenziare la passione di Viola che è esperta di profumi e che alla fine darà vita alla creazione di un profumo specifico e nuovo che Max Gazzè denominerà semplicemente “Acqua”.\nAttori “importanti” sono il navigato Mariano Rigillo nei panni del capofamiglia Renato, Maurizio Casagrande in quelli del ginecologo Pietro e Max Gazzé nel ruolo del musicista Nikos: i primi due sono presi in prestito dalla loro consumata esperienza teatrale, mentre Gazzè è neofita nella recitazione ma volenteroso nel suo desiderio di apprenderla. Detto questo la commedia, pur nei suoi colori forti ed intensi e nelle battute dei protagonisti non riesce a sorprendere ne ad appassionare a causa di una messinscena troppo carica e grottesca. che rasenta banalità nelle apodittiche affermazioni dei protagonisti sia in merito alle separazioni tra coniugi che per quanto riguarda il tema dell’omosessualità e del razzismo; argomenti che la Izzo introduce troppo velocemente e che poi vengono liquidati con battute assolutamente non calzanti e che rasentano la barzelletta raccontata al bar di quartiere.\n“Lasciami per sempre” è dunque una commedia che non convince, che “eccede” nei colori, nel linguaggio, nelle scene, dipingendo il dramma di tutte le attuali famiglie allargate senza raggiungere alcun livello di poesia e di coinvolgimento emotivo in quello che sono le problematiche di ogni personaggio. Questo perché la storia è prevedibile, già vista nei suoi clichè ripetitivi di ogni insoluto dilemma della società e del costume dei giorni nostri, e soprattutto in ragione di uno sguardo che non riesce a trasmettere passione, ostinato com’è a voler ridurre a fattore comico ognuna delle problematiche affrontate, o per meglio dire, sfiorate.\nSiamo lontanissimi dalle atmosfere portate in scena nel noto film di Woody Allen “Hanna e le sue sorelle” del 1986: anche lì vi era un’occasione di ritrovo di famiglia allargata che si ritrovava per la festa del Ringraziamento. Il regista americano infatti optava per una soluzione borghese e “politically correct” atteso che estrapolava una immagine di nucleo familiare eterogeneo ma apparentemente unito e felice, senza evidenziare alcun chiasso o frastuono esageratamente esasperato nei rapporti tra i protagonisti, come invece accade in “Lasciami per sempre”. Allen in quell’occasione, nel raccontare uno spaccato familiare anni ‘80 riusciva di converso a mescolare grazia, sorriso e dramma, doti sopraffine di metteur en scene e perfino una recitazione di gran classe. Senza urla, senza personaggi caricaturali e facili battute che in “Lasciami per sempre” hanno la capacità esclusivamente di causare cadute di stile e di non lanciare alla fine alcun messaggio o critica costruttiva sui costumi del nostro secolo.\nPubblicato da nickoftime alle ore 17:30 Nessun commento:\nLE (DIS)ARMONIE DELLA REALTA'. CONSIDERAZIONI SPAR...\nDA "IL CONTAGIO" A "IL PRINCIPE DELLE PEZZE", LE N...\nNew Hollywood (4): Il cacciatore\nPOINTS OF VIEW: INTERVISTA A THOMAS KRUITHOF - LA ...\nLA MECCANICA DELLE OMBRE: INTERVISTA AD ALBA ROHRW...\nLA VERITA', VI SPIEGO, SULL'AMORE\n"ANIMALI FANTASTICI E DOVE TROVARLI" E LA FRONTIER...


Ho Vintoooo!!! | danieladancelli\nPubblicato il febbraio 20, 2014 da danieladancelli\nIeri, nel tardo pomeriggio ho ricevuto la bella notizia della vincita del primo premio, categoria contemporaneo, al concorso “Rosso Mimma” organizzato da Bernina Italia e da Agomago.\n(come direbbero i miei figli).\nIl concorso è stato fortemente voluto da Silvia Delvecchia (Bernina Italia) e da Annamaria Turchi (Agomago), per ricordare la figura di Angela Diana Coletta, meglio conosciuta come Mimma, colei che ha dato all’Italia del patchwork la prima e unica rivista dedicata, “MagicPatch”\n“Mimma amava il colore rosso, un rosso intenso come lo era lei in ogni cosa che faceva.”\nCosì recitava il bando.\nè dedicato a lei,\nHo tinto a mano il cotone, ho manipolato pagine di giornali e riviste,\nho creato un collage e con i filati di lana e cotone ho decorato la superficie;\nDi seguito la descrizione che ho allegato alla scheda di adesione:\n“Scrabis ros” è ispirato ai tanti “scrabocchi” (schizzi) che spesso mi capita fare durante le attese, per ingannare il tempo, spesso i supporti sono i depliants che trovo nella cassetta della posta.\nHo cercato di ricreare su tessuto le stesse caratteristiche, applicando come base, fogli di riviste manipolati. Sul top, con meticoloso e paziente lavoro, ho applicato vari tipi di filati che sfumano il rosso in varie tonalità.\nDomenica pomeriggio, ci saranno le premiazioni all’interno di Abilmente, fiera della creatività che si tiene due volte l’anno a Vicenza.La settimana prossima pubblicherò il reportage della mostra, mostrandovi anche gli altri quilt finalisti.Buon fine settimana,Daniela\nPS: C’è la possibilità di votare i quilt a questo indirizzo facebook:\nteodo in febbraio 20, 2014 alle 11:33 am ha detto:\nPat Gaska in febbraio 20, 2014 alle 1:14 pm ha detto:\nCongratulations, what a beautiful piece!\nSilvia in febbraio 20, 2014 alle 5:03 pm ha detto:\nSono infinitamente felice per te!!!


Pjanic, magia da cineteca Sabatini si impegna: ”A maggio il contratto”\nRedazione 26-04-2014 - Ore 09:07\nDopo lo straordinario gol di Pjanic sul finire del primo tempo, il pensiero di quelli più maliziosi presenti ieri sera allo stadio Olimpico è andato alla dirigenza giallorossa, sempre più «costretta» a rinnovare il contratto del calciatore bosniaco.\nPiù passano i giorni, più Pjanic gioca bene, e più rischia di salire la cifra che la Roma dovrà scrivere sul suo contratto per il rinnovo. La cosa certa è che ieri sera il centrocampista giallorosso ha conquistato definitivamente il cuore di tutti i romanisti, con una prestazione straordinaria, a prescindere dal gol.\nNon che i tifosi romanisti avessero bisogno di particolari dimostrazioni, ma la «standing ovation» che gli oltre cinquantamila dello stadio Olimpico hanno tributato a Pjanic è la conferma che in questo momento il calciatore bosniaco è uno degli indispensabili del gruppo giallorosso.\n«I tifosi della Roma sono stati incredibili» il commento quasi imbarazzato del centrocampista, che si è subito reso conto di aver fatto una magia.\nSe ne è reso conto anche Walter Sabatini confrontatosi sulle strategie di mercato con il d.g. Mauro Baldissoni, tornato dalla missione americana a casa di James Pallotta, e che nelle prossime ore incontrerà Rudi Garcia. Un colloquio che tra i punti all’ordine del giorno oltre al contratto del tecnico avrà anche il rinnovo di Pjanic.\n«Stiamo negoziando – le parole del direttore sportivo romanista – quotidianamente per rinnovare il contratto. Vogliamo chiudere in fretta, prima della fine della stagione naturalmente, e credo che lo faremo. Siamo sempre vigili e molto attenti su quello che potrà succedere, io spero di riuscire a chiudere questo discorso prima della fine del campionato, anche perché poi ci sono i Mondiali, i ragazzi se ne vanno e diventa un problema ».\nQuanto «pesi» Pjanic all’interno del gruppo, lo si capisce anche dalle parole a fine gara di Adem Ljajic.\n«Gol come quello di Miralem se ne vedono una volta nella vita, dopo quello la partita si è messa in discesa per noi. Per lo scudetto non molliamo fino alla fine ma non dipende da noi, se giochiamo sempre così possiamo vincere con tutti. Il mio futuro? Sono arrivato qui per rimanere a lungo, decideremo insieme alla società, ne parleremo a fine stagione. Spero di rimanere a lungo, mi piacciono la Roma e i suoi tifosi».


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San Venanzio libera dalle impalcature fra due settimane - Fabriano - CentroPagina - Cronaca e attualità dalle Marche\nL'impalcatura all'interno del Duomo di Fabriano\nFABRIANO – Oltre un milione di euro. Questi i danni che il sisma del Centro Italia partito il 24 agosto del 2016 ha provocato alle chiese della diocesi Fabriano-Matelica. In città, chiusa San Nicolò ancora oggi. Mentre la Cattedrale di San Venanzio – chiusa da novembre al primo maggio scorso 2017 – è stata oggetto di lavori che, salvo imprevisti dell’ultima ora, dovrebbero concludersi entro il prossimo 8 settembre.\nA un anno dal sisma proseguono i lavori nelle chiese della Diocesi di Fabriano-Matelica. E non mancano le buone notizie. Infatti, ha riaperto da tempo Santa Maria, concattedrale a Matelica. Lo stesso dicasi per il Duomo fabrianese. A causa del terremoto, si era abbassata di alcuni centimetri una capriata. E, inoltre, si erano registrati distacchi interni al livello di intonaco a San Venanzio. Da qui, la decisione, per sicurezza, di chiudere la chiesa al culto nel novembre del 2016. Una chiusura che è andata avanti fino al primo maggio 2017, quando si è tornati a celebrare all’interno di San Venanzio, spostando l’altare in avanti di qualche centimetro. Questo per consentire l’inizio dei lavori che, salvo imprevisti, si concluderanno entro il prossimo 8 settembre, giorno della Madonna del Buon Gesù, co-Patrona di Fabriano.\nPer accelerare lo smontaggio delle impalcature, pulire la Basilica e il Presbiterio, si è deciso di spostare nella vicina chiesa di San Biagio la Novena alla Madonna del Buon Gesù che prenderà il via il prossimo 29 agosto. Il Vescovo, Stefano Russo, potrà celebrare il solenne pontificale in occasione della festa mariana nella Cattedrale aperta a fedeli e turisti.\n«Nelle due chiese principali – ha detto il vescovo – abbiamo insistito per effettuare direttamente lavori di messa in sicurezza definitiva e non provvisoria e il Ministero ha acconsentito. Situazione diversa per gli altri luoghi di culto».\nPer quel che riguarda la situazione delle altre chiese della Diocesi: nell’ordinanza 23 sono state inserite le chiese di Santa Maria in Campo di Fabriano e Santa Maria di Domo per un importo complessivo di 275.000 euro per i due interventi e saranno le prime ad essere sistemate. I progetti di restauro sono stati già presentati al Ministero dei Beni e delle Attività culturali.\nNell’ordinanza 32, invece, sono state inserite dieci chiese per un importo complessivo alla Diocesi di 1.200.000 euro: nel Fabrianese rientrano in questo intervento le chiese di San Venanzio di Albacina e San Donato; a Cerreto la Collegiata e Santa Maria delle Grazie; a Matelica, invece, San Giovanni Battista di Colferraio, San Vincenzo, San Fortunato di Poggeto, Santa Maria delle Grazie di Braccano e San Michele di Rastia. I progetti verranno ultimati entro l’anno, poi il via ai lavori che vedono la Diocesi di Fabriano-Matelica come ente attuatore.\nNel primo stralcio della ricostruzione, invece, il Ministero ha inserito quattro chiese: San Nicolò, già messa in sicurezza provvisoria, e San Benedetto a Fabriano; Santa Teresa e Museo Piersanti a Matelica. Non è possibile, al momento, ipotizzare i tempi di ultimazione dei lavori poiché sono stati ingenti i danni che le due Chiese hanno riportato a causa del forte sisma dell’agosto-ottobre 2016. Infine, risultato inagibili il Sacro Cuore, San Domenico e diverse chiese delle frazioni fabrianesi. I tempi per la loro sistemazione, anche in questo caso, non saranno brevi. Così come per alcuni Monasteri della Diocesi che necessitano di interventi molto complessi.\ndiocesi fabriano-matelica fabriano sisma centro italia


Prosegue il nostro ciclo di incontri in collaborazione con Barbara Franco dell’Isolina Montessoriana. Rimanete aggiornati attraverso il sito, prossimamente pubblicheremo le date dei prossimi appuntamenti Outdoor previsti per settembre/ottobre.\nLa Montessori parlava di ”educazione cosmica” per esprimere quel concetto e quell’esperienza secondo la quale la vita si mantiene attraverso rapporti di interdipendenza; ogni cosa è intrecciata con le altre e i bambini possono farne esperienza attraverso l’osservazione della vita che si svolge, ad esempio ,in uno stagno o in un terrario.\nLe attività proposte dalla Montessori hanno inoltre il merito di far conoscere il ritmo della natura e in relazione ad esso di rallentare il nostro...In questo nostro tempo, dove tutto è così veloce e dove spesso assistiamo al fenomeno del bambino “accelerato”, fare esperienza della natura aiuta i bambini ad imparare ad attendere, ad imparare che lo svolgersi dei cicli della natura ha tempi propri da rispettare.” (Paola Trabalzini, In giardino e nell’orto con Maria Montessori)\nDurante i laboratori , Genitori e bambini potranno sperimentare il lavorare a contatto con la Natura , potranno acquisire i punti di riflessione che vengono proposti nella visione Montessoriana riguardo il vivere all’aperto , giocheremo insieme ….montessorianamente !\nGli incontri serviranno a fornire ai genitori e agli educatori spunti di osservazione sul comportamento dei bambini in natura, all’aria aperta; imparando ad offrire il mondo facendo la straordinaria scoperta di quanto il bambino apprenda felicemente dal mondo naturale più che dall’ambiente artificiale (scuola-casa)\nL’esperienza dell’Orto e del Giardino”. Occorre portare una cassetta o una fioriera , trasportabile anche piena di terra ( quindi di dimensioni non eccessive , ma profonda, es. 50per30 h25 ) in cui pianteremo fiori e ortaggi da far crescere .\nSemi di piante e fiori sono fornite dall’organizzazione, mentre la fioriera va portata da casa.\n“L’esperienza dell’Acqua” Ai bambini piace tanto lavorare con l’acqua perchè ha per loro un effetto calmante. Osserveremo come questo elemento della natura ha il potere di animare i bambini con passione donandogli voglia di fare, di lavorare, di sperimentare, aumentando il livello di concentrazione e gratificazione.\nL’esperienza sarà vissuta nel giardino della Casa Montessori a Salboro.\nformazione insegnanti Yog, Scuola insegnanti Yogalara magliocchetti 11 aprile 2019 yoga, formazione insegnanti Yoga, yoga adolescenza, operatori olistici


02.12.2014 - ore 18:00\nEZIO GUAITAMACCHI� valido chitarrista � interpretera' insieme alla vocalist Brunella Boschetti Venturi alcuni classici rock rivisitati in chiave acustica. Dialoghera' con l'autore la giornalista Agnese Ermacora.\n04.12.2014 - ore 18:00\nUn libro dedicato alla pratica della fotografia contiene, solitamente, un'infinita' di nozioni accademiche e tralascia la parte fondamentale della forza espressiva e comunicativa di un'immagine: la sua anima. Questo volume si propone di coprire, almeno in parte, questa mancanza.\n05.12.2014 - ore 17:30\nMARIAPIA BONANATE e FRANCESCO BEVILACQUA presentano I BAMBINI DELLA NOTTE (Il Saggiatore, 2014)\nIl libro racconta la sorprendente avventura di un manager, Francesco Bevilacqua, che in un momento di profondi cambiamenti della sua vita parte per il Nord Uganda per visitare il Lacor Hospital. Dialogheranno con gli autori la dr.ssa Chiara Castellani, esperta di Ebola e don Mario Vatta.\n09.12.2014 - ore 17:45\n14.12.2014 - ore 11:30


Pasta al Cavolfiore Piccante | profumo di frangipani\nEh si, fa proprio freddo... L'autunno è già finito, siamo passati direttamente all'inverno! Cambiano le verdure, cambia la frutta e noi ci adeguiamo a quello che ci offre la natura. Anche perché nessuno meglio di Madre Natura sa cosa è meglio per noi! È periodo di cavoli e di cavoli ce n'è un'infinità! Colori diversi, forme diverse, sapori diversi... Oggi vi propongo una ricetta molto facile, gustosa e un po' piccantina: la Pasta al Cavolfiore Piccante. Questo è anche un modo per "camuffare" un pochettino il cavolfiore per quelle persone che non lo amano. Io sinceramente me lo mangio in tutti i modi, lo adoro! Utilizziamo i cavoli perché fanno molto bene alla nostra salute. Che ne dite, iniziamo abbinandoli alla pasta?\nPulite il cavolfiore e dividete le cime dal gambo centrale. Tagliate a metà le cime più grandi. A questo punto mettete un filo d'olio e un pizzico di sale in una padella e fate soffriggere i due spicchi d'aglio e il peperoncino a piacere (se vi piace tanto l'aglio, potete pure tritarlo invece di lasciarlo intero). Aggiungete le cime del cavolfiore e fate saltare a fuoco moderato per qualche minuto. Dunque aggiungete i pomodori pelati e allungate con un po' d'acqua.\nFate cuocere il sughetto finché il cavolfiore non si sarà ammorbidito, poi salate. Se c'è bisogno, aggiungete ancora dell'acqua.\nPortate ad ebollizione abbondante acqua, salate l'acqua e buttate la pasta. Scolate la pasta ancora al dente tenendo da parte un po' d'acqua di cottura. Versate la pasta nella padella con il cavolfiore e fatela mantecare aggiungendo un po' d'acqua di cottura della pasta. Aggiungete qualche fogliolina di basilico e se volete anche le olive nere denocciolate. Non scordatevi di togliere l'aglio.


Tom Hanks torna sul set dopo il Covid - MetroNews\nSpettacoli » Tom Hanks torna sul set dopo il Covid\n2:22 pm, 11 Settembre 20\nTom Hanks torna sul set dopo il Covid\nAUSTRALIA Il film di Baz Luhrmann su Elvis Presley ha una nuova data, il 23 settembre, per riprendere le riprese nella Gold Coast del Queensland in Australia, dopo l’interruzione forzata in marzo, quando uno dei protagonisti Tom Hanks, e la moglie Rita Wilson, sono stati contagiati dal Covid-19. Lo ha annunciato lo stesso Luhrmann, che ha al suo attivo la regia di film come Moulin Rouge, Australia e The Great Gatsby.\nNel film, il doppio premio Oscar Tom Hanks è il ‘colonnello’ Tom Parker, il manager del cantante, interpretato da Austin Butler (Once Upon a Time in … Hollywood), mentre Olivia DeJonge (Stray Dolls) è Priscilla Presley. Il film della Warner Bros copre la dinamica tra Presley e Parker nell’arco di 20 anni, “sullo sfondo dell’evolversi del panorama culturale e della perdita dell’innocenza in America”.\nHanks è giunto martedì sera su un jet privato e alloggia in un hotel della Gold Coast, che non è uno di quelli designati dal governo statale, per la quarantena di due settimane di chi giunge in Australia, con i servizi di sicurezza pagati dalla produzione.


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