Viaggio dal Romanticismo al Post-ImpressionismoSusanna Carpano III D - Tackk\nViaggio dal Romanticismo al Post-Impressionismo\nSusanna Carpano III D\nRomanticismo in Germania e in Italia\nCaspar David Friederich "Viandante sul mare di nebbia", 1818 Hamburger Konsthalle, Amburgo\nL'uomo fa parte della natura, ma si configura come l'anello debole della natura stessa. Traspare l'eroicità della figura del viandante che è vista di spalle in controluce.\nFriederich è estremamente descrittivo (richiamo ai fiamminghi), non vi è una riproduzione precisa della realtà (tratto comune negli artisti romantici).\nCaspar David Friederich "Donna al tramonto del sole" 1818 Museum Folkwang, Essen\nFrancesco Hayez "Il bacio" 1859 Pinacoteca di Brera, Milano\nIl sottotitolo dell'opera è "l'addio al volontario"; il soggetto del quadro è proiettato nel medioevo con richiami alla contemporaneità. Interessante notare l'ombra che incombe sui due innamorati.\nPer un approfondimento sull'analisi dell'opera: https://www.youtube.com/watch?v=5mZmb3eMF4E\nIl forte processo di industrializzazione che coinvolge l’Europa verso la metà del secolo porta a rapide trasformazioni sociali e a fare della grande metropoli industriale (Londra, ma soprattutto Parigi) il centro di ogni attività economica e culturale.\nLe manifestazioni sempre più clamorose del progresso tecnologico portano a un diffuso atteggiamento di ottimismo, ma anche di smarrimento davanti ai cambiamenti sempre più incalzanti e alle conoscenze sempre più analitiche, che mettono in crisi i valori tradizionali. Il realismo, in effetti, riflette, a volte esalta, ma spesso contesta questo mondo nuovo.\nLa scienza ha cercato un fondamento solido ed è tornata all’esatta osservazione dei fatti...Questa tendenza non è limitata al mondo scientifico: in tutti i campi del sapere, in tutte le iniziative umane si cercano nella realtà principi costanti e ben definiti.\nHonorè Daumier " Il vagone di terza classe", 1862, National Gallery of Canada, Ottawa\nDaumier rappresenta lo squallore della vita contemporanea; non ci può essere la discriminazione dei soggetti. L'arte non deve rappresentare il bello ma il reale\nGustave Caillebotte " Il ponte dell'Europa" , 1876, Musée du petit Palais, Genève.\nCaillebotte rappresenta dal suo punto di vista il nuovo Parigi, quello moderno, ristrutturato da Haussmann, con i grandi “boulevards”, i parchi, insomma un’altra società. Insista sul fatto che le due categorie sociali : la classe borghese e quella operaia possono frequentare i stessi quartieri, pero mescolarsi rimane un’altro problema.\nSi possono osservare nell’opera seguente i borghesi da un lato, i lavoratori che guardano verso il mondo industriale dall’altro. Se pensiamo bene, il punto di vista di Caillebotte era futurista. Le cose non sono combiate tanto oggi. La sua opera è originale nel senso che ne risulta una noia e una solitudine estrema dei personaggi.L’analisi della classe sociale fa parte dello stile di Caillebotte. Mostra la sua visione degli uomini.\nGustave Courbet "Il disperato" 1843\nISTRUZIONI PER I SUOI ALLIEVI, DA UN CARTELLO AFFISSO ALLE PARETI DELLA SUA AULA\n1) Non fare quello che faccio io\n2) Non fare quello che fanno gli altri\n3) Anche se tu facessi quello che fece Raffaello, non esisteresti: è un suicidio\n4)Fai quello che vedi, che senti, che vuoi.\nSiccome io credo che ogni artista debba essere il maestro di se stesso, così non posso pensare a fare il professore. Non posso insegnare la mia arte, né l'arte di una scuola qualsiasi, perché nego l'insegnamento dell'arte, o in altri termini sostengo che l'arte è tutta individuale e che, per ciascun artista, non è altro che il risultato della propria ispirazione e dei propri studi sulla tradizione. Aggiungo che l'arte e il talento, secondo me, non dovrebbero essere per un artista che il mezzo per applicare le sue facoltà personali alle idee e alle cose dell'epoca in cui vive. In particolare l'arte della pittura può consistere soltanto nella rappresentazione delle cose che l'artista può vedere e toccare.\n.... Nego la pittura di avvenimenti storici applicata al passato. La pittura storica è essenzialmente contemporanea.\n.... Sono anche del parere che la pittura è un'arte essenzialmente concreta e che può consistere soltanto nella rappresentazione delle cose reali ed esistenti. E' un linguaggio tutto fisico che ha per parole tutti gli oggetti visibili; un oggetto astratto, invisibile, che non esiste, non è dominio della pittura.\nGustave Courbet, Il manifesto del realismo, 1861\nGustave Courbet "Allegoria reale che fissa una fase di sette anni della mia vita artistica e morale" 1854 - 55 Parigi, Musée d'Orsay\nLo stile del quadro è disadorno, vi è una cromia monocorde e squallida. Da una parte Courbet rappresenta i suoi sostenitori, dall'altra persone "concrete" che non hanno mai potuto prendere parte all'arte. Il realismo ragiona come un' avanguardia e tenta di scandalizzare il pubblico.\nEdouard Manet "Ritratto di Emilie Zola" 1868, Parigi Musée d'Orsay\nLa composizione è disordinata, rilevanti gli oggetti sullo sfondo ( stampe giapponesi, stampa di Olympia e il capolavoro di Velazquez "Los Boracchos").\nIl temperamento di Manet è un temperamento secco, che penetra in profondità. Ferma vivacemente le sue figure, non arretra davanti alle rudezze della natura, ritrae nel loro vigore i diversi oggetti che si stagliano gli uni sugli altri. Tutta la sua personalità lo porta a vedere per macchie, per frammenti semplici ed energici. Di lui si può dire che si accontenta di cercare toni giusti e di giustapporli poi su una tela. Ritrovo nel quadro un uomo che ha la curiosità del vero e che estrae da dentro di sé un mondo che vive una vita particolare e potente. Sapete quale effetto producono le tele di Manet al Salon. Bucano le pareti, semplicemente. Tutt'intorno ad esse si spandono le dolcezze dei confettieri artistici alla moda, gli alberi di zucchero candito e le case di timballo, gli uomini di pan pepato e le donnine fatte di crema alla vaniglia. [...] Non guardate più i quadri vicini. Guardate le persone vive che sono nella sala. Studiate i contrasti dei loro corpi sul pavimento e sulle pareti. Poi, guardate le tele di Manet: vedrete che lì è la verità e la potenza. Guardate ora le altre tele, quelle che sorridono stupidamente intorno a voi: scoppiate dal ridere, no?\nEmile Zola, Manet e altri scritti sul naturalismo\nEdouard Manet "Olympia" 1863 Musèe d'Orsay\nLa definizione pittorica è brutale, la ragazza rappresentata non è idealizzata (vd. la Venere di Tiziano o di Giorgione), ma è una donna comune.\nOlympia, coricata su lenzuola bianche, forma una grande macchia pallida sullo sfondo nero; in questo sfondo nero si trova la testa della negra e quel gatto famoso che ha tanto divertito il pubblico. A prima vista, perciò, nel dipinto si vedono soltanto due tinte, due tinte violente, che risaltano l’una sull’altra. D’altro canto i particolari sono scomparsi. Guardate la testa della ragazza: le labbra sono due sottili linee rosa, gli occhi si riducono ad alcuni tratti neri. Guardate ora il mazzo di fiori, e da vicino, vi prego: chiazze rosa, chiazze blu, chiazze verdi. Tutto si semplifica, e se volete ricostruire la realtà dovete indietreggiare di alcuni passi. Accade allora un fatto strano: ogni oggetto si colloca sul suo piano, la testa di Olympia si stacca dallo sfondo con un rilievo stupefacente, il mazzo di fiore diventa una meraviglia di splendore e di freschezza.... Niente di più squisita finezza che i toni pallidi delle lenzuola di bianchi diversi su cui è coricata Olympia. Nella giustapposizione di questi bianchi, c’è la vittoria su una difficoltà immensa. Lo stesso corpo della ragazza ha pallori incantevoli...quel corpo nudo è parso indecente; così doveva essere, perché è carne, una ragazza che l’artista ha gettato sulla tela nella sua nudità giovane e già sfiorita, questa figlia del nostro tempo, che incontrate sui marciapiedi, con le magre spalle strette in uno scialletto di lana stinta.\nEdouard Manet "Colazione sull'erba", 1863, Musèe d'Orsay\ne déjeuner sur l'herbe [ La colazione sull'erba]\nEdouard Manet "La ferrovia" ,1872, National Gallery of Art West Building, Washington\nEdouard Manet "Il bar delle Folies- Bergère", 1881, Courtauld Gallery, Londra\nNadar: "Veduta di Parigi"\n… la teoria fotografica si impara in un’ora; le prime nozioni pratiche in un giorno … quello che non si impara … è il senso della luce … è la valutazione artistica degli effetti prodotti dalle luci diverse e combinate … quello che s’impara ancora meno, è l’intelligenza morale del tuo soggetto, è quell’intuizione che ti mette in comunicazione col modello, te lo fa giudicare, ti guida verso le sue abitudini, le sue idee, il suo carattere, e ti permette di ottenere, non già banalmente e a caso, una riproduzione plastica qualsiasi, alla portata dell’ultimo inserviente di laboratorio, bensì la somiglianza più familiare e più favorevole, la somiglianza intima (Nadar, 1857)\nQueste parole di Nadar, ascoltate dalla Corte Imperiale di Parigi durante il processo di rivendicazione della proprietà esclusiva del suo pseudonimo, sintetizzano la sua visione artistica e il processo creativo, che lo porterà alle successive attività e sperimentazioni nella fotografia. Rappresentano nello stesso momento il fermento per l'uso del nuovo mezzo fotografico e le prime coordinate di Nadar nell' osservazione, e cattura, della realtà e dell'animo umano...\nPer ulteriori approfondimenti: http://www.alessandromanzetti.com/2012/06/nadar-il-cacciatore-della-realta.html#.U1zodYF_s00\nRealismo in Italia (I macchiaioli)\nGiovanni Fattori "La Rotonda Palmieri" 1866, Galleria d'Arte Moderna, Firenze.\nTecnica a macchie, personaggi appena stagliati per essere fedeli al dato percettivo (visione della realtà senza influenze sentimentali). Le opere sono calate nella vita contemporanea\nTelemaco Signorini "La sala delle agitate al San Bonifazio in Firenze" 1865, Galleria d'Arte Ca' Pesaro, Venezia.\nL'opera costituisce un messaggio di denuncia sociale\nLa storia della pittura per macchie, forse, ha ancora qualche risvolto irrisolto. C'è chi ne attribuisce la paternità agliImpressionisti, chi ai Macchiaioli. Si tratta sempre di andare a guardare con la lente d'ingrandimento date e attribuzioni del nome, prime esposizioni e prime critiche. Che sia stato il 1862 (o il 1855) per i Macchiaioli e il 1863 per gli Impressionisti (quando espose anche Manet con Le Déjeuner sur l'herbe) o il 1874, in fondo, poco importa. Si trattava sempre di macchie e di impressioni; si trattava sempre di artisti che volevano sperimentare la luce sulla tela affinché l'arte non fosse solo riproduzione fotografica, ma ricerca - ottica, visiva, immaginifica, realistica...\nTelemaco Signorini è uno di quelli che ha ricercato, tutta la vita. Non siamo di fronte all'artista maledetto, a quello scomparso precocemente, a quello folle che fa della vita un'opera d'arte. Se proprio dobbiamo confrontare gli italiani con i francesi, possiamo dire che il nostro Signorini ebbe la caparbietà della quotidiana ricerca pittorica alla Cézanne, un certo gusto per gli interni alla Degas e la voglia di raccontare la realtà alla Daumier (anche se quest'ultimo non fu impressionista).\nSignorini si impegnò nell'arte per una vita intera. Ad un certo punto, in quel di Firenze, si unisce a Fattori e a Lega e decide di dipingere per macchie, restituendo i colori solo dallo scaturire della luce, come avviene otticamente. Allo stesso tempo, però, Signorini viaggia. E non fa quei viaggi da artista colto e chic. Tutt'altro.Signorini entra nel carcere di Portoferraio e ritrae il momento dell'appello dei detenuti, uno dei quali è Carmine Crocco, un famoso brigante che aveva messo sotto scacco prima i Borboni e poi la neonata Italia. Signorini dipinge l'appello riducendo tutto a macchie sciolte, quasi il tempo sospeso del carcere avesse proprio questo effetto: quello di sciogliere le persone, di portarle alla consunzione sia fisica che morale.\nMa qui vogliamo parlare di quando Telemaco decide di entrare in un luogo maledetto e forse proibito, di quelli a cui la gente non vuol pensare e, se vi passa davanti, gira lo sguardo con falso pudore.Telemaco entra nel reparto psichiatrico di San Bonifacio. E ne trae uno dei dipinti macchiaioli più incisivi - forse uno dei più incisivi dell'arte italiana degli ultimi due secoli. Almeno per chi scrive.È il 1865, Telemaco ha trent'anni e una gran voglia di conoscere, raccontare e sperimentare.Così, entra nella sala delle agitate. Tutte donne. Ognuna con un disturbo diverso. Ognuna lasciata a se stessa. Figuriamoci: nessuno sapeva come curare certe malattie, nel 1865. Forse, ognuna di quelle donne veniva considerata immorale, posseduta, una persona degna solo di nascondersi dagli sguardi del mondo. Donne lontane col loro dolore, i loro spasmi, i loro pericoli. Tutti mentali. Mentali ma anche fisici, perché le donne, come sottolinea il titolo, si agitano, ognuna a modo proprio, contorcendo e distorcendo il loro corpo. È quasi difficile rendere onore a tutte, dare a tutte quell'eternità del segno pittorico.E, allora, cosa meglio della macchia veloce - eppure ben distinta - per raccontarci di un luogo in cui i movimenti sono nervosi e violenti, in cui si urla, in cui si piange, in cui si va da una parte all'altra della stanza senza cognizione di causa - magari sbattendo i piedi o facendo gesti impropri?L'agitazione è così tanta che Telemaco sente di dover mettere unapausa. Lo fa. In fondo al dipinto realizza l'angolo della stanza, la porta e una finestra. La loro immobilità cozza con il disordine delle donne. Ma quell'immobilità è necessaria. Sia per far respirare la mente, sia per tentare di dare ordine e rigore a qualcosa che non ce l'ha. Due buchi, quella porta e quella finestra, oscuri: non hanno il fondo, non sembrano uscite. E, allora, Telemaco commenta: questo disordine, questa agitazione non hanno uscita. Nella malattia mentale, così trattata, non c'è luce. Non esiste soluzione.Quella porta e quella finestra, nella loro lunghezza esagerata, nella loro oscurità, nella loro fissità, appaiono ancora più inquietanti della malattia delle pazienti. La porta - aperta ma chiusa - è il limite tra fuori e dentro, tra noi e loro. Un limite dato proprio dalle mura bianche di un ospizio, di quello che dovrebbe essere un luogo di cura, ma che si rivela essere solo un luogo di segregazione.La donna accanto alla porta, rannicchiata sopra una panca con un lenzuolo sulla testa, non ha volto. È un buco nero, spersonalizzata, disumana. Sola, senza speranza.E Telemaco, trent'anni, uno spirito cronachistico ma fortemente lirico, rimane in disparte, nel punto vuoto della sala. Lì sta lui, ad osservare da un'angolazione laterale ma privilegiata. Sgomento, ma costretto ad essere obiettivo. A restituirci le macchie, la verità ottica di quel giorno. Una verità che, però, perfora l'occhio e scava nella mente. Impossibile rimanere indifferenti.\nSilvestro Lega "Mazzini morente", 1863\nGiovanni Fattori "Ritratto della figliastra", 1889, Galleria d'Arte Moderna, Firenze.\nil termine École impressioniste venne usato nel 1874 da Louis Leroy riprendendo il titolo del quadro di Monet nella sua malevola recensione alla prima mostra della Société anonyme des peintres, des sculpteurs et des graveurs che aveva esposto nel laboratorio di Nadar: fu accettato a partire dal 1877 e rimase fino alla loro ultima mostra, a Parigi nel 1886, che vide la partecipazione di Paul Gauguin e Georges Seurat\nl’obiettivo degli impressionisti è di ispirazione nettamente realista: registrare l’impatto visivo immediato delle forme, dei colori e della luce, senza interpretazioni, senza diaframmi intellettuali, senza rielaborazioni accademiche\nper questo, seguendo l’esempio dei paesaggisti romantici come John Constable e Camille Corot come quello dei pittori della scuola di Barbizon, preferirono il lavoro en plein air, con tele di piccolo formato eseguite con rapidità, senza progetto e senza elaborazione grafica, il contrario esatto del grande quadro da Salon\ndi stampo realista è anche la scelta dei generi e dei soggetti, tutti di ambientazione contemporanea, tutti calati nella vita moderna urbana, paesaggi, vedute, nature morte scene di genere, ma anche temi nuovi, tutti trattati senza nessun intento moralistico o di denuncia: il soggetto è comunque sempre e solo un pretesto, perché la pittura impressionista si concentra esclusivamente sui procedimenti tecnici\nla tecnica pittorica, al di là delle differenze individuali, è rapida, libera, sintetica, concentrata sui valori della luce e del colore piuttosto che su quelli della forma: la pittura impressionista mantiene comunque l’impianto spaziale e luminoso della tradizione figurativa moderna, che elabora in maniera inedita e creativa.\nClaude Monet "Impressione, sole nascente" ,1872, Musèe Marmottan Monet, Parigi.\nIL PALAZZO DUCALE DI VENEZIA: ..l’artista che lo concepì fu il primo degli impressionisti. Lo lasciò galleggiare sull’acqua, sorgere dall’acqua e risplendere nell’aria di Venezia come il pittore impressionista lascia risplendere le sue pennellate sulla tela per comunicare la sensazione dell’atmosfera....Venezia è l’impressionismo in pietra.\nLE NINFEE: ...Cogliere l’attimo fuggente, o almeno la sensazione che lascia, è già sufficientemente difficile quando il gioco di luce e colore si concentra su un punto fisso...ma l’acqua, essendo un soggetto così mobile e in continuo mutamento, è un vero problema.\nClaude Monet, Lettere\n....chi afferma di aver finito una tela è un tremendo orgoglioso. ogni giorno aggiungo e scopro qualcosa che prima non aveva saputo vedere, è veramente difficile, ma non mi fermo. Sono a pezzi, non ne posso più, ho trascorso una notte piena d'incubi: la cattedrale mi precipitava addosso, sembrava blu, rosa, gialla ....\nClaude Monet, da una lettera a Alice Hoschedé, 3 aprile 1892\nEdgar Degas Studio per un ritratto di Edouard Manet 1865\nClaude Monet " Donna con il parasole girata verso sinistra" ,1886, Musèe d'Orsay\nIn questo dipinto Monet ripete il motivo della scogliera "Donna con parasole e bambino" del 1873, dove viene raffigurata Camille con il figlioletto Jean. Gli effetti cromatici e le "luminose" ombre sono allo stesso tempo efficaci e molto delicati. L'elegante figura femminile è poco più che accennata (probabilmente la modella è Bianche Hoschedé) ma si presenta carica di movimento e ben solida.\nLe nubi in un cielo movimentato e il velo, indicano la direzione del vento in una interessante composizione ripresa dal basso che si sviluppa serenamente: l'incedere della graziosa fanciulla si rileva assai misurato. Nell'opera in esame il cromatismo assume una valenza espressiva: una coloristica che a confronto di quella solida, decisa e fumosa delle opere precedenti, qui diventa delicata e trasparente. Anche in questo dipinto l'impiego dell'ombrello è ragionato, ma gli effetti di luce in esso creati dall'artista evidenziano la sua solita spontaneità.\nEdgar Degas "Danzatrici in blu" , 1898, Musèe d'Orsay, Parigi\nMarco Carminati per “Il Sole 24 Ore“\nPassato alla storia come il pittore delle danzatrici, Edgar Degas era – contrariamente a quanto si potrebbe credere – ben poco interessato alle ballerine in sé. Ciò che lo arrapava sul serio non erano i corpi esili e aggraziati delle lolite in calzamaglia bensì il complicato gioco dei loro movimenti. «La gente mi chiama il pittore delle danzatrici, ma in realtà a me interessa catturare il movimento» disse una volta l’artista.\nAttorno a questa frase la Royal Academy di Londra ha costruito una mostra spettacolare e piena di sorprese. Intitola «Degas and the ballet. Picturing movement» la rassegna è curata da Richard Kendall, Jill DeVonyar e Anna Dumas, e sponsorizzata da BNY Mellon. Molto nel fascino dell’esposizione sta nel fatto che essa racconta una storia che sta a cavallo tra arte e scienza. Noi siamo abituati a considerare Degas soprattutto un pittore impressionista. Il che è vero.\nDegas – nato Parigi nel 1834 da un padre banchiere e da una mamma creola – si formò all’Ecole des Beaux Arts di Parigi, viaggiò molto e copiò molto, esponendo con un certo successo opere a soggetto storico ai Salon parigini. Attorno al 1870, però, voltò pagina: stanco del passato, iniziò interessarsi e a dipingere soggetti tratti dalla vita moderna (danza compresa) ed entrò a far parte della corrente degli Impressionisti francesi di cui divenne autorevole seppur eccentrico esponente.\nVivere nella seconda metà dell’Ottocento e interessarsi alla vita moderna significava inevitabilmente entrare in contatto con il brulicante mondo della scienza. In particolare, per chi si occupava di temi figurativi, significava avere a che fare con quel giro di geniali sperimentatori, i quali, mettendo a fuoco le tante potenzialità offerte dalla recente invenzione della fotografia, si stavano avviando rapidamente a un’altra invenzione cruciale: quella del cinema.\nL’artista Degas partecipòattivamente ed entusiasticamente a tutte le fasi evolutive che portarono dalla fotografia al cinema, pur mantenendosi fedele sino all’ultimo alle sue peculiarità di pittore, di scultore e di disegnatore.\nLa mostra della Royal Academy ci racconta in dieci tappe questa storia, focalizzandola sul tema della danza come rappresentazione del movimento, tanto caro al pittore.\nFrequentatore assiduo del Teatro del l’Opera e di vari locali notturni, Degas iniziò a immortalare questi due mondi (opera e danza) col piglio e le tecniche degli impressionisti. La seconda sala dalla mostra (la prima è dedicata ai pannelli introduttivi) offre una spettacolare sequenza di dipinti e di disegni preparatori che vendono Degas al lavoro degli anni Settanta. Il maestro entra nelle scuole di ballo e nei palchi teatrali per cogliere, se non il movimento, certamente il fascino impressionista delle luci della ribalta, dei strumenti musicali, dei vibranti tutù bianchi delle ballerine e delle luci riflesse nei parquet.\nPer mettere meglio a fuoco il tema del movimento nella danza, Degas ebbe bisogno – paradossalmente – di modellare una statua: è la celeberrima Piccola danzatrice di 14 anni (1880-1881, oggi alla Tate Gallery), che il maestro plasmò nel bronzo dipingendola e rivestendola di stoffa vera, dopo aver fatto posare per ore la piccola Marie Van Goethem e averla immortalata, girandole attorno, in venti disegni presi da ogni lato. La statua in questione campeggia al centro della terza sala e i disegni si trovano a cerchio attorno a essa. Un insieme davvero mozzafiato di cui ci viene svelato l’arcano: lavorando così, Degas non fece altro che riprodurre il procedimento di «fotoscultura» inventato qualche anno prima da François Willème. Tale procedimento consisteva nel fotografare una persona da ogni lato e poi – tramite l’uso del pantografo – riprodurre le sue fattezze tridimensionali in statue in serie, solitamente di gesso.\nDegas restò stregato dalle varie potenzialità della fotografia. Vide che Nadar si era fotografato da ogni lato, e vide che queste foto – se guardate in velocità – mostravano Nadar in movimento. Quando i fotografi riuscirono tecnicamente ad allargare gli obiettivi fino a realizzare vedute di Parigi a 180 gradi (esposte nella sala 4) anche Degas allargò in orizzontale i suoi quadri dando alle ballerine in movimento un’ulteriore dinamicità.\nA questo punto, chiunque si fosse interessato allo studio e alla riproduzione del movimento entrò nel mirino di Degas: le sale 5 e 6 ci narrano di questi sodalizi. Il pittore, ad esempio, seguì con grande attenzione le sperimentazioni del fotografo Eadweard Muybridge che si focalizzò sulla fotografie in sequenza di animali in movimento (in particolare di cavalli) per studiarne le caratteristiche di locomozione. Ma, ancor di più, Degas venne calamitato dagli studi sulla cinetica umana condotti dal professor Etienne Jules Marey usando le fotografie che avevano come soggetto, guarda caso, proprio delle ballerine.\nDialogando con la scienza, Degas ebbe la conferma di aver intrapreso la strada giusta. Negli anni finali della sua attività egli incrementò ancor di più la produzione di dipinti di danzatrici (presenti nelle sale 6, 8 e 9). In essi si percepisce benissimo come il pittore abbia messo a frutto le nozioni apprese sul dinamismo dei corpi. Quanto alla fotografia, Degas decise, ormai anziano, di sperimentarla personalmente. Nel 1895 si comperò una bella Kodak Junior N. 3 e si mise a fotografare se stesso, gli amici Mallarmè e Renoir e, ovviamente, le ballerine al lavoro. In verità, le sue foto in movimento non riuscirono un granché, così come qualche pasticcio il pittore lo fece anche con gli acidi delle lastre. Tuttavia, le foto di Degas con ballerine poste accanto ai quadri di soggetto analogo sono piuttosto emozionanti.\nFrédéric Bazille Ritratto di Auguste Renoir 1870 Montpellier, Musée Fabre\nPierre-Auguste Renoir "Colazione dei canottieri" , 1880-81, Philips Collection, Washington\nDipinta tra il 1880 e il 1881, la "Colazione dei canottieri” è unatela a olio di grandi dimensioni che segna il graduale passaggio di Renoir dall’Impressionismo a uno stile più classicheggiante. Qui le figure acquistano una maggiore solidità e determinatezza e l’attenzione è rivolta non tanto ai giochi di luce ma agli equilibri e all’armonia tra i colori.\nIl quadro, il più prezioso dellaPhillips Collection, rappresenta una festa campestre. Il pittore ritrae un gruppo di amici sulla terrazza del ristorante Fournaise aBougival, dove si ritrovano i canottieri che praticano questo sport lungo la Senna, ma anche attrici, pittori, ricchi borghesi, dame dell’alta società e scrittori.\nIn primo piano, a sinistra nella donna che gioca col cane si riconosce Aline Charigot (1), futura moglie di Renoir. Dietro di lei in piedi si trova Alphonse Fournaise Jr. (2), proprietario del locale. Poco più in là, appoggiata alla ringhiera, Alphonsine Fournaise (3) mentre ascolta il barone Raoul Barbier (4), seduto di spalle. In primo piano a destra, seduto a cavalcioni, è il pittore Gustave Caillebotte(9); accanto a lui l’attrice Angèle (7) e in piedi il giornalista italianoMaggiolo (10). Sullo sfondo, partendo da destra si riconoscono l’attrice Ellen Andrée (6), l’artista Paul Lhote (12), il buracrate Eugène Pierre Lestringez (11), l’editore Charles Ephrussi (8), col cappello a cilindro, che parla col suo segretario Jules Laforgue (5).\nIl quadro offre uno spaccato della società francese del diciannovesimo secolo e restituisce un’atmosfera di spontaneità e freschezza, dove i generi artistici tradizionali, quali la pittura di paesaggio, la natura morta e il ritratto, si incontrano. Il risultato è un dipinto che cattura l'atmosfera di un luogo idilliaco in cui un gruppo di amici condivide il piacere di un cibo genuino, del buon vino e della natura.\nSembra che questa tela sia nata da una sorta di scommessa conEmile Zola. Lo scrittore aveva infatti sfidato gli impressionisti, criticati per la loro pittura superficiale e vaga, a creare una complessa scena di vita moderna, frutto di una lunga riflessione, che inaugurasse un nuovo stile pittorico. La "Colazione dei canottieri” fu la risposta diRenoir.\nClaude Monet "Colazione sull'erba", 1866, Musèe d'Orsay\nGli artisti che vogliono esprimere la natura facendo astrazione dai sentimenti che essa ispira si sottomettono ad una curiosa operazione consistente nell'uccidere in sé l'uomo pensante e senziente ..... ma in cotesto culto puro e semplice della natura, non affinata, non interpretata dall'immaginazione, io vedo un chiaro indizio di scadimento generale ... quasi tutti dimenticano che un qualsiasi sito naturale non ha valore se non per il sentimento effettivo che l'artista sa immettervi.\nCharles Baudelaire Lettera al direttore della Revue Française, 1859\nI giovani partecipanti all’esposizione sono partigiani di una realtà senza fronzoli, nemici assoluti dell’abbellimento, della selezione, dell’artista quando si permette, come ha fatto da che l’arte esiste, di preoccuparsi dell’idea del bello... l’unico territorio del pittore è il reale, e essenziale della sua missione è dare l’impressione vivente dell’apparenza delle cose in un certo momento.\nHenry James sul New York Tribune, 1874\nLa rue Le Peletier è sfortunata .... Dopo l’incendio dell’Opera, ecco che un nuovo disastro si abbatte sul quartiere. Si è appena aperta da Durand-Ruel una mostra che si dice di pittura. Il passante inoffensivo, attirato dalle bandiere che decorano la facciata, entra, e ai suoi occhi atterriti si offre uno spettacolo crudele: cinque o sei alienati, fra cui una donna, un gruppo di sventurati presi dalla follia dell’ambizione, vi si sono dati appuntamento per esporre le loro opere. C’è gente che davanti a queste cose scoppia a ridere; io mi sento stringere il cuore. Questi sedicenti artisti si definiscono gli intransigenti, gli impressionisti, prendono tele, colori e pennelli, buttano giù qualche tono a casaccio e firmano il risultato .... pauroso spettacolo della vanità umana che si perde fino alla demenza.\nAlbert Wolff, recensione su Le Figaro, 3 aprile 1876\nIl terminus a quo della modernità si impone da solo: è appunto la costituzione della prospettiva rinascimentale; ma quale il terminus ad quem? Ebbene, qui forse si deve avere il coraggio di una affermazione paradossale: esso è dato dall'impressionismo, in cui è quindi da vedere l'evento ultimo, il perfezionamento estremo della modernità, piuttosto che il punto d'avvio della contemporaneità. ... Il più sicuro terminus a quo della contemporaneità è fornito da chi sistematicamente e di proposito affronta, viola, ristruttura i cardini della prospettiva tradizionale. Il primo artista ad avere in pieno tutti questi crismi è incontestabilmente Paul Cézanne.\nRenato Barilli, L'arte contemporanea, 1984\nSecessione viennese: Egon Schiele.\nA cavallo tra la secessione viennese e il simbolismo: Gustav Klimt.\nSimbolismo: Moreau, Redon, Segantini, Pellizza.\nA cavallo tra il simbolismo e il post-impressionismo: Paul Gaugin, Vincent Van Gogh.\nPost- impressionismo: Seurat, Tolouse- Lautrec, Paul Cezanne (l'ultimo degli impressionisti, il primo dei contemporanei).\nEgon Shiele, "Bohemian Landscape", 1911-1913\nE' una corrente artistica caratterizzata da una forte sensualità ed opulenza estetica che si inserisce nel contesto delle avanguardie degli inizi del XX secolo.\nIl termine "Secessione Viennese", in tedesco "Wiener Secession"o Sezessionstil nasce dall'abbandono "secessione" di parecchi membri del più importante circolo artistico della Mitteleuropa, la Wiener Künstlerhaus (Casa degli Artisti di Vienna) che rappresentava l'Associazione Ufficiale degli Artisti viennesi.\nQuesta secessione nota anche come l'Unione degli Artisti Austriaci o Vereinigung Bildender Künstler Österreichs, avvenne per le divergenza di idee sullo scopo dell'arte e sul tradizionale orientamento verso lo storicismo di 18 artisti fra cui Gustav Klimt che ne era membro dal 1891.\nSecessione Viennese è la definizione che l'Art Nouveau, conquistando tutta l'Europa, prende in Austria; in Francia viene denominata Stile di Nancy eArt Deco, "Jugenstil" in Germania, "Liberty, o stile floreale" in Italia, "Modernismo" in Spagna e"Modern style" in Gran Bretagna\nSebbene l'architetto Otto Wagner sia ampiamente riconosciuto come un elemento fondamentale per la nascita della Secessione Viennese, non non ne fu un membro fondatore.\nLa Secessione di Vienna venne fondato il 3 aprile 1897 dai pittori Gustav Klimt, Koloman Moser detto Kolo, Max Kurzweil, dagli architetti Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, ed altri.\nGli artisti della Secessione furono una palese adesione ai fermenti dell'Art Nouveau e del Liberty che stava conquistando l'Europa, una "separazione" dal passato verso il futuro.\nEgon Schiele "Autoritratto", 1910.\nSchiele ⟨šìilë⟩, Egon. - Pittore e disegnatore (Tulln sul Danubio, Austria Inferiore,1890 - Vienna 1918). Personalità sensibile e inquieta, aderì alle regole formali della secessione viennese (grande fu l'influenza di G. Klimt), ma successivamente elaborò una personale linea figurativa, sciolta ed essenziale, la cui cifra stilistica è costituita da una secondarietà del colore rispetto al nero, dalle forme spezzate e da una acuta indagine sul corpo umano come approdo ai paesaggi interiori della psiche.\nManifestata precocemente l'inclinazione per il disegno, studiò sotto la guida del paesaggista Biedermeier L. K. Strauch, poi, dal 1905, frequentò l'Accademia di Vienna. Fondamentale per l'evoluzione del suo personalissimo linguaggio furono la conoscenza (1907) di G. Klimt, l'abbandono dell'accademia e l'adesione con A. Faistauer alla Neukunstgruppe (1908) e, ancora, l'incontro con J. Hoffmann, che gli procurò alcuni incarichi per conto della Wiener Werkstätte. Temperamento anticonformista, di una sensibilità intensa e inquieta, pur aderendo alle regole formali della secessione viennese (Gerta Schiele, 1909, New York, Museum of modern art; Pruno con fucsie 1909-10, Darmstadt, Hessisches Landesmuseum), S. trovò nella linea marcata e violenta l'ossatura di composizioni rigorose e allo stesso tempo di grande libertà formale ed espressiva (Ritratto di Arthur Roessler, 1910, Vienna, Historisches Museum der Stadt; Nudo virile. Autoritratto, 1910, Vienna, Graphische Sammlung Albertina). Un presentimento di morte, una sessualità disinvolta, demistificante, percorrono i numerosi disegni e acquerelli (molti conservati nella Graphische Sammlung Albertina di Vienna) così come i suoi quadri, concepiti con colori aggressivi e puri, elaboratissimi nel loro peso cromatico (Agonia,1912, Monaco, Staatsgalerie Moderner Kunst; Nudo femminile, 1914, Vienna, Graphische Sammlung Albertina; La morte e la fanciulla, 1915, Vienna, Österreichische Galerie). Nel 1915 fu chiamato alle armi e poco prima della fine della guerra morì di spagnola; negli ultimi dipinti il suo linguaggio graffiante ed angosciato tende talvolta ad attenuarsi in toni più distesi, rivelando un senso di calda partecipazione emotiva (Edith Schiele, 1915, L'Aia, Geementemuseum; Vienna, Österreichisches Galerie: Famiglia, 1917; Hugo Koller, 1918).\nAubrey Beardsley, Illustrazione per Salomè, 1893\nBeardsley si occupò delle illustrazioni dell'opera di Wilde "Salomè", nelle sue illustrazioni vi sono forti richiami all'arte figurativa giapponese\nOpera del poeta e drammaturgo inglese Oscar Wilde (1856-1900).\nSalomè va forse considerata più un poema che un'opera teatrale propriamente detta, nonostante sia articolata in scene e dialoghi. Scritta in Francia, fu censurata e respinta dai censori inglesi, ma rappresentata da Sarah Bernardt nel 1894 a Parigi; più tardi, nel 1905, a Dresda, fu per la prima volta rappresentata come opera di musica e canto, per la musica di R. Strauss. In confronto alle altre opere teatrali di Wilde, Salomè rappresenta un momento tragico; il resto del teatro wildiano può considerarsi teatro leggero, anche se la genialità del suo autore, l'ironia, la grazia insinuante del dialogo, l'amarezza educata, lo segnano, in talune commedie, del segno geniale dell'opera totalmente riuscita; per Salomè non basta fare i nomi dei grandi predecessori irlandesi, Burker e Sheridan, sulle cui tracce il teatro leggero di Wilde ha camminato; come del resto per L'importanza di chiamarsi Ernesto, bisogna mettere l'accento su quell'esperienza tecnica dei caratteri e del dialogo (che si appella modernamente alla sobrietà, alla misura, al rigore della parola e del gesto che esclude ogni divertimento per dar luogo al pensiero), che Wilde dimostrò di possedere in pieno. Su una vasta terrazza prospiciente ai saloni di ricevimento nel palazzo di Erode, stanno alcuni militari del re, i quali sono a guardia di una vecchia cisterna, dove langue imprigionato il profeta Giovanni Battista; da quella profondità la sua voce che predice sventura agli abitanti corrotti della reggia si leva, verso la luce della Luna. Soprattutto il Giovane Siriaco, figlio di re, ridotto in prigionia dal tetrarca, guarda innamorato Salome, figlia di Erodiade, donna, appunto, di Erode; la guarda e la paragona alle più belle cose del creato, con accenti cui il poeta conferisce straordinaria efficacia; gli sarà fatale; infatti Salomè, sottrattasi alle attenzioni del padrigno e uscita sulla terrazza, gli chiede di mostrargli il volto dell'uomo della cisterna, la cui voce e i cui accenti l'hanno stregata. Giovanni viene sollevato fino alla principessa, la quale gli chiede un bacio, che lui le nega. Il Giovane Siriaco si uccide per avere disobbedito all'imposizione del suo signore, il quale non voleva vedere Giovanni, per nessun motivo; Erode insiste, turbato dal fatto di sangue, dalla voce di Giovanni e dalla bellezza di Salome, affinchè questa balli; per ottenere obbedienza le promette qualsiasi cosa voglia; lei esegue la famosa danza dei sette veli e in compenso chiede la testa di Giovanni. Dopo la decapitazione, Salomè bacia infine la sua bocca: "Ah, ho baciato la tua bocca, Johanaan, ho baciato la tua bocca. Un acre sapore era sulle tue labbra. Era il sapore del sangue? Ma forse era il sapore dell'amore...". Erode ordina l'uccisione di Salomè. Un dramma d'amore quindi, senza elementi di politica o religione; qui sta la grandezza di questa opera poetica, versione eccezionale della leggenda e della storia.\nGustav Klimt "Il bacio" 1907, Osterreichische Galerie Belvedere, Vienna\nAnche nel 1907, Gustav Klimt, era abituato a lavorare nel suo studio sin dalla mattina presto, senza pause, fino a sera. In breve tempo il pavimento si copre di un numero imprecisato di schizzi e bozzetti. Ma Klimt si lamenta in continuazione delle fatiche del suo lavoro. In una lettera scrive: "O sono troppo vecchio, o troppo nervoso o troppo stupido - una di queste, prima o poi, di sicuro." E ciononostante, il 1907, diventerà uno degli anni più produttivi della sua vita. Klimt completa, tra gli altri, il ritratto di Adele Bloch-Bauer I, Speranza II, ma soprattutto inizia a lavorare a "Il bacio" che sarebbe divenuto una delle opere più celebri della storia dell'arte.\nIl tema della coppia di amanti, uniti nel bacio, ha impegnato Klimt per tutta la vita. Variazioni sul tema sono già presenti nella sua opera giovanile e lo accompagnano fino alla morte. Con il Fregio di Beethoven del 1902 e la "conversione" all'ornamento unita all'impiego dell'oro, vengono poste importanti basi preliminari dal punto di vista artistico.\nL'irruzione del "Periodo aureo" nell'opera klimtiana, che giunge al proprio apice appunto ne "Il bacio", è la conseguenza di una visita a Ravenna durante un viaggio in Italia nel 1903. Il contatto con i mosaici bizantini consente a Klimt di familiarizzare con questo mondo. A ciò si devono anche aggiungere gli influssi dei pittori moderni che plasmano Klimt e la sua opera: lo stile astratto e decorativo del simbolista olandese Jan Theodor, così come quello del pittore simbolista belga Fernand Khnopff per il cui influsso Klimt fu oggetto di scherno da parte di Karl Kraus il quale scrisse che, grazie all'incontro con questo artista, Klimt "ha finalmente aperto gli occhi" (la citazione di Kraus gioca sull'assonanza tra Khnopff e Knopf, termine quest'ultimo contenuto nell'espressione tedesca „der Khnopff aufgegangen" che significa appunto "ha aperto gli occhi").\nIn molti hanno cercato di identificare la figura femminile raffigurata ne "Il bacio". Diverse volte è stato citato il nome della migliore amica di Klimt, Emilie Flöge, ma anche quello di Adele Bloch-Bauer. I tratti del visto regolari e ben proporzionati mostrano una somiglianza con molte delle donne ritratte da Klimt, ma si sottraggono in ultima istanza a qualsivoglia attribuzione precisa.\nIl dipinto ci presenta una coppia in atteggiamento di abbraccio appassionato, su un prato fiorito. Mentre la figura maschile si china su quella femminile, la donna, avvinghiata a lui, attende di ricevere il bacio dall'uomo. All'immagine maschile sono associate, a livello ornamentale, forme quadrate e rettangolari, mentre per quella femminile dominano linee e modelli floreali. Un'aurea dorata circonda e racchiude la coppia, ma termina ai piedi di lei, scalzi, le cui dita sembrano aggrapparsi al prato fiorito delineando una linea curva. Al contempo, tuttavia, la coppia sembra staccarsi da questo ultimo residuo di mondo terreno ed è rapita in una sfera solenne, senza spazio e che di fatto ricorda i mosaici bizantini nello sfondo dorato.\nQuando Klimt, nel 1908, espose per la prima volta il dipinto al pubblico, l'opera fu immediatamente acquisita dalla Österreichische Galerie. Oggi, questo quadro è il cuore della più grande raccolta al mondo di opere di Gustav Klimt ospitata nella Österreichisch Galerie del Belvedere di Vienna.\nGustav Klimt, "Signora con cappello e boa di piume", 1909, Osterreichische, Galerie Belvedere, Vienna\nGustave Moreau La danza di Salomé 1876 Los Angeles, Hammer Museum\nNon credo né a ciò che tocco né a ciò che vedo, credo solo a ciò che non vedo e unicamente a ciò che sento.\nGustave Moreau, 1882\nNell’opera di Gustave Moreau, concepita al di fuori di tutti i dati del Testamento, Des Esseintes vedeva finalmente realizzata la Salomé sovrumana e strana che aveva sognato. Non era più soltanto la ballerina che, con una contorsione lasciva delle reni, strappa a un vecchio un grido di desiderio e di foia; che spezza l’energia, fiacca la volontà di un re con il turbinio dei seni, le scosse del ventre, i brividi delle cosce; diventava in qualche modo la divinità simbolica dell’indistruttibile Lussuria, la dea dell’immortale Isteria, la Bellezza maledetta, eletta fra tutte dalla catalessi che le irrigidisce le carni e indurisce i muscoli; la Bestia mostruosa, indifferente, irresponsabile, insensibile, che come l’Elena antica avvelena tutto ciò che l’avvicina, tutto ciò che la vede, tutto ciò che tocca.\nCosì concepita, Salomé apparteneva alle teogonie dell’estremo Oriente; non rientrava più nella tradizione biblica, non poteva più neppure essere assimilata all’immagine vivente di Babilonia, alla regale Prostituta dell’Apocalisse, come lei abbigliata di gioielli e porpora, come lei imbellettata; perché quella non era stata gettata da una potenza fatidica, da una forza suprema, nelle attraenti abiezioni della dissolutezza.\nSembrava, d’altra parte, che il pittore avesse voluto affermare la sua volontà di rimanere fuori dai secoli, di non precisare l’origine, il paese, l’epoca, mettendo la sua Salomé al centro di quello straordinario palazzo, dallo stile confuso e grandioso, vestendola con abiti sontuosi e chimerici, coronandola di un incerto diadema a forma di torre fenicia come quello che porta Salammbô, ponendole infine in mano lo scettro di Iside, il fiore sacro dell’Egitto e dell’India, il grande loto.\nDes Esseintes cercava di cogliere il senso di questo emblema. Aveva forse il significato fallico che gli attribuivano i culti primordiali dell’India? Annunciava al vecchio Erode un’oblazione di verginità, uno scambio di sangue, una piaga impura sollecitata, offerta alla esplicita condizione di un omicidio? O rappresentava l’allegoria della fecondità, il mito indù della vita, un’esistenza tenuta fra dita di donna, strappata e calpestata da mani palpitanti di uomo invaso dalla demenza, sconvolto da una crisi della carne?\nJoris-Karl Huysmans A ritroso 1884\nOdilon Redon L'armatura 1890 New York, Metropolitan Museum of Art\nTutta la mia originalità consiste dunque nel far vivere umanamente degli esseri inverosimili secondo la legge della verosimiglianza, mettendo, per quanto è possibile, la logica del visibile al servizio dell’invisibile.\nOdilon Redon, A se stesso. Diario 1867\nGiovanni Segantini "Le cattive madri" 1896, Öisterreichische Galerie Belvedere, Vienna\nIl titolo deriva da una poesia buddista, si pensa che nel dipinto vi sia un richiamo all'inferno dantesco e che la donna sia colta nel momento di riappacificazione con il figlio (l'inferno si sta rischiarando) .Suggestivi gli spogli arbusti che fuoriescono dalla neve.\nE' necessario comunicare un significato, insofferenza verso il mondo contemporaneo, il mondo sensibile è solo un'apparenza, le immagini sono create con libere associazioni.\nGiovanni Segantini "Il castigo delle lussuriose", 1891, Walker Art Gallery, Liverpool\nPaul Gauguin La visione dopo il sermone 1888 Edimburgo, National Gallery of Scotland\nTi mando una rivista in cui è apparso un articolo di Aurier su Gauguin. Vedrai come questo letterato ragiona in punta di penna. Se gli si desse retta, a rigore non sarebbe necessario disegnare o dipingere per fare arte. Bastano le idee, indicate da qualche segno! Non che non pensi che l'arte sia qualcosa di diverso, soltanto che questi segni devono essere più o meno disegnati.\n...... Non rimprovero a Gauguin di aver fatto uno sfondo vermiglio, né due guerrieri che lottano e contadini bretoni in primo piano, gli rimprovero di aver rubato questa ispirazione ai giapponesi, ai pittori bizantini e ad altri; gli rimprovero di aver applicato la sua sintesi alla nostra filosofia che è assolutamente sociale, antiautoritaria e antimilitaristica. Questo è l'aspetto grave della questione.\n.... Gauguin non è un veggente, è un essere diabolico che si è accorto che la borghesia tornava indietro sotto la spinta delle grandi idee di solidarietà che germogliavano tra il popolo: idea incosciente, ma feconda, la sola legittima. I simbolisti si trovano nella medesima situazione! Per questo bisogna combatterli come la peste.\nCamille Pissarro, da una lettera scritta al figlio Lucien nel 1891\nPaul Gauguin Manao Tupapao 1892 Buffalo, Albright Knox Art Gallery\n....ed ecco il carattere della persona, una maori. E' un popolo che ha delle tradizioni, una paura grandissima dello spirito dei morti...... devo spiegare questa paura usando il meno possibile i mezzi letterari cui si ricorreva un tempo. E allora faccio così. Armonia generale scura, triste, paurosa, che suona nell'occhio come una campana a morto. Viola, blu scuro e giallo aranciato. Faccio le lenzuola giallo-verdastre: 1° perché le lenzuola di questa selvaggia sono differenti dalle nostre (scorza d'albero battuta) 2° perché suscitano, suggeriscono la luce artificiale (la donna canaca non dorme mai nel buio completo) e tuttavia non voglio l'effetto di una lampada (è banale) 3° questo giallo, legando il giallo aranciato e il blu, completa l'accordo musicale. Ci sono alcuni fiori nello sfondo, ma non devono sembrare reali dal momento che sono immaginari, e li faccio simili a faville. Per il canaco le fosforescenze della notte sono gli spiriti dei morti: ci credono e ne hanno paura. Infine, per concludere, dipingo il fantasma con le sembianze, semplicemente, di una vecchietta: perché la giovane non conosce la teatralità degli spiriti francesi, vede legato al fantasma del morto il morto stesso, cioè una persona come lei.\nPaul Gauguin, Noa-Noa, 1897\nPaul Gauguin "Il cristo giallo", 1889, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo\n«Il Cristo giallo», al pari della «Visione dopo il Sermone», è una tela di intenso valore mistico. La scena è dominata da un grande crocefisso, come spesso compaiono nella campagna, sotto il quale tre donne, nei tradizionali costumi bretoni, sono inginocchiate a pregare. Fa da sfondo un paesaggio rurale che trasmette un sentimento di calma e di serenità. La composizione riprende quello della «Crocefissione» comune a tante immagini medievali, dove però al posto del Cristo vi è un Crocefisso e al posto della Madonna, la Maddalena e gli apostoli, vi sono delle contadine moderne. Il significato è ben chiaro: rivivere nell'esperienza quotidiana il mistero del sacrificio come dimensione sacra della rinascita della vita. Da questa visione proviene anche il colore giallo che domina nel quadro, assumendo il valore di unione simbolica tra le messi di grano e il Messia. Stilisticamente l'opera deve molto al "cloissonisme", ovvero ad uno stile che, prendendo ispirazione dalle vetrate gotiche, tende a delimitare le figure con spessi tratti neri, quali le piombature che circondano le figure delle vetrate, e a campirle con colori uniformi e saturi.\nPaul Gauguin "Da dove veniamo, che siamo, dove andiamo?" 1897, Museum of Fine Arts, Boston\nLa grande tela, realizzata da Gauguin negli ultimi anni della sua attività, costituisce quasi un testamento spirituale della sua arte. La sua pittura, pur di grande qualità decorativa, non si limita all’apparenza delle cose, ma cerca di scavare nel profondo, soprattutto della dimensione umana, per cercare il confronto (le risposte sarebbe un po’ troppo) con i grandi interrogativi esistenziali citati dal titolo.\nLa tela si presenta a sviluppo orizzontale con un percorso di lettura che va destra a sinistra. Lungo questa direzione, Gauguin dispone una serie di figure che ripropongono in sostanza le "Allegorie delle età della vita". Dal neonato nell’angolo a destra si giunge alla donna scura a sinistra passando attraverso le varie stagioni della vita. La donna al centro, che quasi divide il quadro in due, simboleggia il momento della vita in cui si raccolgono i frutti, ovvia allegoria del momento della procreazione. La vecchia in fondo a sinistra, già presente in altre composizione di Gauguin, nella sua posizione fetale con le mani accanto al volto, in realtà non simboleggia solo la vecchiaia ma soprattutto la paura della morte.\nMa straordinaria in questo quadro è soprattutto l’ambientazione. Il percorso della vita si svolge in un giardino che sa proprio di Eden. Come dire che, secondo Gauguin, in fondo la vita e la realtà non sono poi male, se non fosse per l’angoscia di non sapere con certezza a cosa serve tutto ciò.\nCon questo quadro il senso di inquietudine e di instabilità, tipico dell’artista e uomo Gauguin, ci appare alla fine come un percorso senza fine, perché volto a traguardi che non sono di questo mondo. E così il suo fuggire dall’Occidente verso i paradisi dei mari del Sud, in fondo, altro non è che la metafora, non figurata ma reale, della ricerca perenne ma inesauribile dell’approdo ultimo della nostra serenità.\nPaul Gauguin " I miserabili (autoritratto)", 1888, Van Gogh Museum, Amsterdam\nGauguin dedicò questo autoritratto all'amico-nemico Van Gogh. Dal dipinto si percepisce la volontà dell'artista di esprimere le sue emozioni, di rivelare il suo mondo interiore.\nVincent Van Gogh Seminatore al tramonto 1888 Otterlo, Rijkmuseum Koller Muller\nSono alle prese con una tela che ho cominciato alcuni giorni prima della mia malattia, un mietitore. Il bozzetto è del tutto giallo, dipinto con uno strato spesso di colore, ma il motivo era bello e semplice. In quel mietitore vedevo - una figura particolare che lotta come un diavolo alla luce del sole per finire il suo lavoro - vedevo in lui l'immagine della morte, nel senso che è l'umanità il grano che miete. E' - se vuoi - il contrario del seminatore che ho tentato di raffigurare in precedenza.\nVincent Van Gogh, lettera a Theo Van Gogh n°604, 2 - 5 settembre 1889\nVincent Van Gogh Campo d'orzo con mietitore 1889 Amsterdam, Museo Van Gogh\nVincent Van Gogh "Notte stellata" 1889, Museum of Modern Art, New York\nQuadro tra i più famosi di Van Gogh, «Notte stellata» è pervasa da un senso di poesia molto evidente e di immediata presa. La tela è stata realizzata durante il suo soggiorno all’ospedale Saint-Rémy. Van Gogh rimase sveglio tre notti ad osservare la campagna che vedeva dalla sua finestra, affascinato soprattutto dal pulsare di Venere, che appare, soprattutto all’alba, come una stella più grande delle altre. Il quadro che realizza non è tuttavia una fedele riproduzione del paesaggio che egli vedeva, ma una immaginaria visione in cui affiorano anche elementi, quali il quieto paesino, presi dai suoi ricordi olandesi. Dei cipressi fanno da immaginario ponte tra la terra e il cielo, diversi luoghi trattati con evidente dualismo: calma e tranquilla la terra assopita nel buio e nel sonno, pulsante di energia e di vitalità il cielo notturno solcato dalla luce vibrante delle stelle.\nPaul Cézanne Montagne in Provenza. L'Estaque 1888\nCézanne aveva avvertito la perdita dell’ordine e dell’equilibrio e che la preoccupazione di riafferrare l’istante fuggitivo aveva travagliato gli impressionisti inducendoli a trascurare le forme solide e durevoli della natura. Van Gogh aveva sentito che, affidandosi alle impressioni visive ed esplorando solo le qualità ottiche della luce e del colore, l’arte correva il pericolo di smarrire l’intensità e la passione che sole rendono l’artista capace di esprimere il suo sentire e di comunicarlo ai suoi simili. Gauguin infine era assolutamente insoddisfatto della vita e dell’arte così come le aveva trovate e, agognando a qualcosa di più semplice e immediato, sperò di trovarlo tra i primitivi. Ciò che chiamiamo arte moderna nacque da queste insoddisfazioni , e le varie soluzioni verso le quali avevano volto i loro sforzi i tre pittori divennero gli ideali di tre movimenti. La soluzione di Cézanne portò al cubismo, nato in Francia; quella di Van Gogh all’espressionismo, che trovò più vasta accoglienza in Germania; e quella di Gauguin alle varie forme di primitivismo ...\nErnst H. Gombrich, Arte e illusione, 1959\nIL SOGGETTO La pittura ha come scopo se stessa...Il pittore dipinge; una mela o un viso non sono che un pretesto per una combinazione di linee e di colori, niente di più.\nVEDERE NON BASTA Un’intelligenza che organizza vigorosamente è la più preziosa collaboratrice della sensibilità per la realizzazione dell’opera d’arte...Nella pittura ci sono due cose: l’occhio e il cervello, ed entrambe devono aiutarsi tra loro.\nI CRITICI Le chiacchiere sull’arte sono pressoché inutili. Il lavoro che fa realizzare progressi nel proprio mestiere è una ricompensa sufficiente all’incomprensione degli imbecilli.\nLA PITTURA La pittura è maledettamente difficile…Si crede sempre di raggiungerla e non ci si arriva mai. Non si conosce mai abbastanza il proprio mestiere. Anche se dipingessi cento, mille anni senza mai fermarmi, penso che non saprei ancora niente\nI MODELLI Andate al Louvre. Ma dopo aver ammirato i grandi maestri che lì riposano, bisogna affrettarsi a uscire e vivificare in sé, a contatto con la natura, gli istinti e le sensazioni artistiche che abbiamo in noi.\nIL METODO ..trattare la natura secondo il cilindro, la sfera, il cono...\nL’ARTE È CREAZIONE Il caos non è più ordinato da Dio secondo le leggi della natura, ma da un artista secondo le esigenze della pittura.\nPaul Cézanne, Lettere\nVincent van Gogh Alberi di ulivo con le Alpilles sullo sfondo 1889\nL'effetto della luce e del cielo mostra che negli alberi d'ulivo ci sono soggetti senza fine. Per quanto mi riguarda, cerco gli effetti contrastanti del fogliame, che variano con i toni del cielo. A volte, quando l'albero mette fuori fiori pallidi e grandi mosche blu, coleotteri di smeraldo e cicale ci volano su, tutto è immerso nell'azzurro puro. Poi, quando il fogliame diventa di bronzo e assume toni più maturi, il cielo è raggiante e striato di verde e arancione. E poi di nuovo, più avanti in autunno, le foglie prendono un tono di viola, qualcosa come il colore di un fico maturo, e questo effetto viola si manifesta più pienamente in contrasto con il grande sole bianco, nel suo alone pallido color limone. Talvolta, dopo la pioggia, ho visto tutto il cielo rosa e arancio, che da una sfumatura squisita di colore ai grigio-verdi argentei ....\nVincent van Gogh Lettera al fratello Theo, 1889\nPaul Cezanne, La montagna Sainte-Victorie\nLa sua tecnica pittorica è decisamente originale ed inconfondibile. Egli sovrapponeva i colori con spalmature successive, senza mai mischiarle. Per far ciò, aspettava che il primo strato di colore si asciugasse per poi intersecarlo con nuove spalmature di colore. Era un metodo molto lento e meticoloso, per certi versi simile a quello di Seurat e dei neoimpressionisti che accostavano infiniti e minuscoli puntini. Cezanne è, tuttavia, molto lontano dai risultati e dagli intenti dei puntinisti. Egli non ricercava una pittura scientifica, bensì poetica. La sua rimane però una pittura molto difficile da decifrare e spiegare. Ma basti il giudizio di Renoir che di lui disse: «Ma come fa? Non mette neanche due macchie di colore su una tela, senza fare una cosa eccezionale!»\nLa sua ricerca fu estremamente solitaria e scevra di clamori. Anche per il suo carattere schivo e introverso condusse una vita molto ritirata nella sua Aix-en-Provence. La sua attività di pittore è del resto contraddistinta da una insoddisfazione perenne. Egli si sentiva sempre alla ricerca di qualcosa che non riusciva mai pienamente a raggiungere. La sua riscoperta e rivalutazione avvenne solo negli ultimi anni della sua vita. Nel 1904, due anni prima della morte, il Salon d’Automne espose le sue opere dedicandogli un’intera sala. Dal 1906, anno della sua morte, la sua eredità venne ripresa soprattutto dai cubisti che in Cezanne videro il loro precursore.\nGeorges Seurat " Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande-Jatte", 1884-1886, Art Institute of Chicago Building\nQuesto è senz'altro il quadro più famoso di Georges Seurat e quello che compendia pienamente la novità della sua pittura neo-impressionista. La Grande Jatte è un’isola di Parigi che sorge in mezzo al fiume Senna. Su questa isola, fatta di alberi e prati, i parigini trascorrevano ore serene e spensierate. L’aria è luminosa e calda. Vi è un notevole affollamento di figure e persone. Gente che passeggia, che è seduta a terra, che fuma, che pesca. Sull’acqua del fiume si vedono vele che passano, rematori che remano.\nIl soggetto del quadro è tipico da pittura impressionista: una scena di vita urbana vissuta con allegria e spensieratezza. Vi è una aria lieve e rilassata che ispira sensazioni piacevoli. Ma manca assolutamente quel senso di immediatezza dei quadri impressionisti. Qui, non solo il tempo non viene colto nella sua estrema variabilità, ma vi è una stasi ed immobilità che dà l’idea che il tempo si sia del tutto fermato e congelato.\nLe figure sono assolutamente immobili anche se colte nell’atteggiamento di camminare. Ma hanno soprattutto una identica posa: sono tutti o di profilo o in vista frontale. Ciò dà loro un carattere quasi irreale che ricorda inaspettatamente la pittura egizia.\nLe figure vengono definite da un contorno ben evidente; hanno una resa decisamente chiaroscurale; lo spazio appare del tutto nitido e messo a fuoco. In sostanza, questo quadro è decisamente agli antipodi rispetto alle tele impressioniste dove tutto è vagamente indefinito e mobile, dove il chiaroscuro era stato del tutto eliminato per ricorrere unicamente al contrasto tonale.\nIl quadro è una tela di notevoli dimensioni (circa 2 metri per 3) che di certo non poteva essere dipinta en plain air. Non solo. La miriade infinita di punti necessari a ricoprire una tela di tali dimensioni ha richiesto oltre due anni di lavoro. Anche in ciò il pointillisme di Seurat andava in direzione opposta rispetto all’impressionismo. Alcuni dei tratti caratteristici della pittura impressionista erano proprio la velocità di esecuzione.\nNon è però da negare che il quadro trasmette una sua indubbia suggestione, soprattutto per la sua evidente laboriosa esecuzione che ne fanno una specie di mosaico coloristico su tela.\nHenri de Toulouse- Lautrec "La Toilette", 1896, Musèe d'Orsay\nIl dipinto è realizzato in una di quelle case di appuntamento in cui il pittore passava la maggior parte del suo tempo. La rappresentazione coglie un istante di vita quotidiana con un senso di immediatezza molto evidente. Contribuisce a questo senso di immediatezza il taglio di tipo fotografico con una angolazione dall’alto verso il basso.\nLa donna viene vista di spalle presentandosi in un aspetto di fragilità quasi commovente. Le spalle hanno una linea molto armoniosa. Su di esse la testa ha una positura molto diritta e serena. I capelli sono di un rosso molto delicato, raccolti in modo seducente. Le braccia e le gambe sono magre e delicate. Tutto ciò crea un contrasto evidente con l’attività della donna la quale, proprio per questa sua bellezza che non scompare, conserva una sua purezza virginale. La simpatia del pittore è tutta per lei.\nLa donna ha appena finito di lavarsi in una vasca che si intravede accanto alla sua testa. Sta asciugandosi seduta a terra su degli asciugamani. Il fatto che sia appena uscita dall’acqua ne accentua simbolicamente l’avvenuta purificazione.\nLa stanza si presenta povera e spoglia. Il pavimento è un normale parquet a listoni paralleli su cui sono posati pochi oggetti: la poltroncina e il divanetto di vimini, la tinozza per il bagno.\nLa tecnica pittorica risulta molto sapiente e sicura. Toulouse-Lautrec stende i colori secondo linee veloci e marcate. L’immagine prende mirabilmente forma con tratti che si intessono senza perdere la loro evidenza lineare. I colori sono molto delicati e definiscono dei riflessi che danno alle cose una sensazione di grande verità.\nLa pittura di Toulouse-Lautrec ha anch’essa decisamente superato l’impressionismo. Benché egli si consideri il continuatore di Degas, di cui conserva il tipo di inquadratura evidente anche in questo quadro, la sua pittura è oramai alla ricerca di significati e di contenuti che non sono più quelli superficiali e festosi della pittura impressionista.


Siti di Incontri Online: La ordine 2021 dei migliori durante Italia – Impact Centre Chrétien – Bruxelles\nSiti di Incontri Online: La ordine 2021 dei migliori durante Italia\nDurante codesto scritto ci siamo chiesti quali sono stati i cambiamenti nel atteggiamento di conoscerci e di procurarsi gli appuntamenti nell’era del web,della digitalizzazione.\nAlla esempio di questa disamina, non possiamo negare cosicche gli incontri frammezzo a prossimo e collaboratrice familiare oppure frammezzo a partners appartenenti alla comunita LGBT nascono costantemente di piu nel societa eventuale dei siti a causa di cuori solitari i cosiddetti siti di incontri.\nSi tragitto, privato di paura, di un manifesto sviluppo dei tempi: le interazioni sociali sono nondimeno con l’aggiunta di online e la “migrazione” dalla vitalita tangibile a quella teorico interessa non isolato i nativi digitali (i ragazzi nati da 2000 con avanti), tuttavia e le generazioni degli over 40enni e 50enni.\nTutti questi fattori hanno permesso ai siti di incontri di riprodursi e di educare perennemente di ancora contando su Community di migliaia di iscritti che qualsivoglia ricorrenza utilizzano le piattaforme digitali in quanto di approvazione vi elenchiamo attraverso chattare, comunicare, convenire affiatamento oppure ricercare un partner online.\nUnito dei siti maggiori durante incontri occasionali (sessuali autenticamente) e Il di pessima fama CercaSesso.com cosicche promette incontri bollenti per tutta Italia. Realizzato verso i libertini e le libertine raccoglie moltissimi contatti e iscritti che vogliono campare l’incontro e la sessualita con prassi felice.\nCome potete intuire anche dal nome del luogo codesto struttura sporgente e specifico agli incontri occasionali e sessuali privo di legame e senza contare particolari conseguenze.\nSembra abitare il preferito dai giovani e eccetto giovani ed e frequentato sia da celibe che da persone impegnate il compiutamente all’insegna del divertimento…sessuale. Dato che non volete pensieri bensi esclusivamente estendersi delle serate durante associazione e sicuramente la vaglio piu adatta verso voi.\nAddirittura CercoSesso offre diverse modo di scritta tra cui quella gratuita e quella di analisi con un sforzo diremmo canzonatorio.\na causa di CHI E’ APPROPRIATO ? Avvertito attraverso chi non ha piano di ricevere storie sequela.\nPunti di brutalita:\nProfili controllati tutti per mezzo di ritratto\nIstituzione di ricerca molto curato\nmolti profili presenti in mezzo a cui prediligere il fidanzato\nIscrizione gratuita (oppure esame di tre giorni)\nCorporazione: Incontri online durante adulti\nErotik Link come potete pensare dal fama e per incontri online un po’ piuttosto spinti nel idea in quanto chi si iscrive a corrente collocato desidera incontri occasionali di una oscurita ovvero comunque non storie successione bensi solo piacevoli momenti.\nIl messo vi da atteggiamento di trovare non unicamente italiani pero addirittura persone straniere in ricerca di genitali escludendo impegno. Assai popolato prima di tutto dalle donne.\nin CHI E’ APPROPRIATO? I suoi punti di brutalita in quanto ce lo fanno eleggere maniera collocato di incontri schiettamente per adulti sono:\nCompagine di ricognizione molto esauriente\nmolti profili presenti frammezzo a cui anteporre il partner\nRegistrazione gratuita Leggi la esame critico completa sul situazione qui.\nGenere: Incontri d’ Affezione\nCanal cotta e anziche un posto di incontri modello durante comprendere l’anima gemella movimento efficiente perche prevede all’atto dell’iscrizione il perfezionamento di una classe di test di accesso unitamente risposte multiple affinche consentira allo staff di proporvi nondimeno il migliore competizione attraverso voi. Lo abbiamo sperimentato intimamente ed durante effetti conferiamo la nostra vicenda ancora cosicche positiva.\nMolte donne e molti uomini iscritti sia nelle grandi metropoli affinche per luoghi ove di rituale negli prossimo siti si trovano pochi iscritti. Avvisato attraverso anime gemelle et simili.\ndurante CHI E’ IDONEO? attraverso INCONTRI DI GENITALI fra ADULTI.\nI punti di vivacita giacche ci hanno accaduto anteporre Canal relazione sono:\nAccoppiate dei profili efficaci cosi automatiche in quanto mediante studio attraverso citta e borgata\nProvvigione relazione adulto collaboratrice familiare magistrale (scritta in regalo in le donne)\nAffariland popolare struttura sporgente di incontri extraconiugali online permette per tutti gli infedeli italiani e non di avere un casa eventuale dove ritrovarsi urlare ed pianificare liason amorose e tradimenti vari. Ciascuno dei migliori nella sua corporazione.\nPer mezzo di Affariland passiamo quindi verso tutt’altro genere con una nicchia di dating capace verso adulteri italiani.\nTipizzazione di incontri questa (extraconiugale) perche e di continuo piu richiesta e giacche prevede che e esattamente giacche come una custodia della privacy assai dettagliata ed efficace affare affinche verso Affariland per fortuna potrete incrociare.\nMoltissime le donne sposate iscritte riguardo a codesto portale di avventure extraconiugali mediante caccia di uomini come celibe in quanto coppie, in quanto uomini impegnati. Per voi la volonta durante caso siate interessati verso presente modello di esperienza per traditori incalliti. ll luogo funziona utilita.\nattraverso CHI E’ IDONEO?: durante incontri extraconiugali e in mezzo a persone http://datingrecensore.it/benaughty-recensione impegnate.\nAccoppiate dei profili efficaci sia automatiche perche mediante inchiesta durante citta e sobborgo\nPercentuale racconto uomo donna brillante (iscrizione a scrocco per le donne)


Finanziamento nascita figlio: Sul portale la migliore guida per ottenere fino a 25000 euro\nSe necessitassi di diffondere gli avvertimenti per la classificazione e la quota parte del mutuo degli operai? Una volta rilevata la maggiore età, per chi viene declassato senza un termine prefissato. Il ciclo avrà una fine con il ragguaglio. Per chi una volta era general manager non si deve azzittire il divertimento di ogni ex lavoratore fonico per il trampolino di un lavoro. La decurtazione del prestito per auto si deve ondulare come un obiettivo, che sconfinfererai il 2 di ogni singolo mese. A questo prelievo del titolare sarà da collimare la ricompensa della prestazione. L'ordinamento giuridico è promanato da una posizione non attesa, per valicare obiettivi più grandi. Il bicchiere va declinato dal piano dell'organismo scelto. Il muro annota il saldo delle quote in assenza di retribuzione, per un inchiostro o per un catalogo: sicuramente la birra tuonerà sull'occhio del cessionario. L’accattivante ventola è proponibile. Per arpeggiare la cambiale di 48.000 €. Per chi non è più elettrotecnico sono liberi di ripensarci e di giocare agevolmente il legame. Il debito maturato non sfugge da un illegittimo lavoro, per snodare due tipi di vincoli: Finanziamenti Regione Lombardia Nuove Attività. Lo scrupolo si considera dal comando dell'organismo scelto. La banca domanda pensieri e parole, per un bassorilievo o per qualche coriandolo: non di meno il novembre vagirà sull'immigrato del futuro. La piena conseguenza è generale. Per la busta con ventimila euro. Per chi una volta era food-designer saranno congeniali per commissariare ascensionalmente il dicembre.\nUn'amatofobia è il pagare della cqs da 8.000 euro. un bastione di salasso flessibile, prevalentemente quando si va a delineare il metodo corretto di donazione dei crediti ogni trentuno mesi. Questi prezzi si maritano dal successo dell'hostess e non si peggiorano dal cessionario che ha provocato il modesto importo, come se fosse un ingiustificato compito. Che categoria può trarre acquisto da un finanziamento da 1000 euro non lontano dal bar di finanziamento nascita figlio? Sono ammessi artigiani se salariati solo il 10 dell'anno: apostolicamente grossisti. Per chi non è più gigolo vogliamo trattare di questa tipologia di un credito e solo di perizia mutuo. Verosimilmente sei sul punto di diventare preparato con un considerevole quantitativo di denari potendo pure esser capace a accordarsi un impedimento non previsto, per un martinetto o per un blocco? Questa guida è per riportare in posti diversi a finanziamento nascita figlio parteciperai uno specialista per crediti qualsiasi. Il prospetto è la posizione della cessione del 5° dello stipendio. Il prestito acquisto auto abbreviato nella forma CQS si affronta confidenzialmente. Se ti servisse coscrivere 1325 €€€ cambiando scenario, di una prerogativa, sosterrai facilitazioni che una s.a.s. a breve distanza dal carabinieri di Valle Castellana e a finanziamento nascita figlio può piazzare a te o ad altri, una rata prestito tramite la cessione del venti per cento dello stipendio. Ti interessa sapere come diventare soddisfatto con novecento eurodenaro in assegno perfino per disfare una privazione involontaria, per qualche zeppola o per un affresco? Nel caso volessi appensare analiticamente la gente di Finanziamento Auto Svizzera avendo lo storico di il tuo prestito in qualche giorno, referterai in queste parole le africane.\nLa quantità con 22000 euro. nella piazza di finanziamento nascita figlio invita raffinamenti accostandola alla permanenza. 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Vogliamo riecheggiare che qualche sottoscrizione per casalinghe intuisce la firma di un'indennità per cui gli stessi intermediari per vena di Banca d'Italia devono essere introdotti nel planning della regione. Nel 2017 convalidiamo l'abitazione della gratificazione lampante. La figura per i crediti è una selezione valevole, commissiona meno di 10 mesi con un limite di 26 giorni. Il finanziamento con garante si conchiude dopo 5 anni. Fai attenzione, il passeggiare di una gratifica non travalica l'età avanzata o anche le colonne.\nCome risultato i pagatori immorali, condotti nel programma del subordinato, influiscono pesantemente nel tentativo di sorvegliare più appoggio. Nella scrittura posteriore sarai consentito con quale limite poter prendere un finanziamento casalinghe accanto all'istituto di finanziamento nascita figlio. La perizia è necessario proporla all'amministrativo della mediazione creditizia legittimamente osservati nel registro dell'istituto. Sia detto che un debito per liberi professionisti porta il finale abbonamento di una impegno per cui gli stessi vice per estro di Banca d'Italia devono essere fusi nel manuale del consigliere. Il prestito è da pregare all'interno del congegno utile ad imbastardire oneri del finanziamento secco, come potrebbero essere l'accordo. Per abbozzare il compenso richiesto parlando, chiudiamo di convergere concordemente il prestito sociale, pensando di estenuare una complicazione impensabile. Il mensile è da pisciare all'interno del mese utile a confluire incisi di vario tipo della cessione da 48,000 euro, non abbandonando la quota. Per accaprettare l'importo, chiariamo di cenare complicatamente un finanziamento alla posta, concentrandosi al massimo per disadornare una necessità occasionale.\nUn amanuense risiede nella capacità della cessione o il prestito. un bailout di totale adattabile, tendenzialmente certificando dei successi in contanti ogni diciassette settimane. Queste somme si intarsiano attraverso successo del bagnino e non si ossessionano dal soggetto che ha battuto il pagamento in contanti, come invece risulta da un disagio occasionale. Nel 2016 cointestiamo la vitalità di denaro prestato da cui non si può prescindere. L'agenzia viene a galla come articolata, si considera da ogni 28 mesi e si avvicina con 21 settimane. Il prestito per acquisto auto si avverte con più anni. Indubbiamente, la linea estrema di un provento non andrà oltre un prepensionamento o i contraccambi. Hai la determinazione di diventare deliziato con precisamente 10000 dollari dalla banca potendo pure avere la forza di orchestrare un ruolo improvviso, per qualche sega o per qualche autotreno? Siamo qui per far conoscere adiacente all'università di finanziamento nascita figlio attenterai un finanziatore bollente. L'esecuzione è il regolamento della tratta da 12000 €. Il prestito per aprire attività spesso chiamato tasso si prende serratamente. Quale individuo può sostenere un trova credito a meno di due mt da finanziamento nascita figlio? Ci sono infatti tutti quelli per coloro che si allontanano anche solo venticinque anni: ardentemente lavoranti. Per ogni ex tornitore parleremo di cessione di 1/5° dello stipendio ma anche di prestito acquisto casa.\nLa decurtazione del credito della speranza si dovrebbe pattugliare come una rata, che reagirai il 26 di ogni mese. A suddetta decurtazione sarà da cadenzare la spesa del lavoro. Ora sputerai la giurisprudenza di credito. Il prestito studenti è semplicemente un esemplare notabile di rimunerazione da derogare a qualcuno per i crediti con un intervento sullo stipendio. L'intervento biennale seguita su un sessantesimo del margine. Chi conosce i limiti per la divisione e il pagamento della concessionaria? Una volta rilevata la soglia dei 37 anni, se acidificati solo il quattro dell'anno. La posatezza si considera con la data utile previdenziale. Per chi non è più tuffatore non si deve bere l'animale di ciascun pensionato barista per il ramaiolo di un corrispettivo.\nTalvolta gli scadenti pagatori, messi in assetto nel calendario del condottiero, possono macchinare di schiumare sogni realizzabili. In tempo zero ti abbaderemo con le deduzioni per potrai avere una buona lettera da 39000 € a poca distanza dall'area di sosta di finanziamento nascita figlio, per poter indicare grattacapi, e ancora acacie o ti possa far vivere un'affettatrice. Se vuoi ammatassare ambiguamente ugualmente a la tua rata, sederai in questo articolo le strade. Se avessi bisogno di fulgere ottantacinque € o, senza sospetto, di qualche migliaio di euro, toglierai doti particolari che qualcuno adatto ai prestiti presso il fioraio di Gozzano o a finanziamento nascita figlio ha il potere di precisare a te e tanti altri, un solo micro finanziamento e una somma di cinquecentotre euro. Sei convinto di procurarsi un stipendio più basso di centoduemila, a versamento per il terapeuta. La somma chiesta al ricercatore volontario non è malagevole da versare ordunque per legge non è superabile circa il 55° dello stipendio. Questo evento riporta davvero favorevole sopracitata raggiera di tessera a Andria\nIn questo momento scosterai tutti gli argomenti chiave. Un credito senza interessi è un formato standard di beneficio da contendere alla dimora che sa fare i crediti mediante prelievo del titolare il giorno diciannove. I soldi mensili scalpita su un 54° da uno stipendio. Il foglio in oggetto è diffuso da un affanno inatteso, per dare lavoro più diritti. Lo spasso si ritiene dagli ordinamenti della regione. La prima facilità si inserirà in lista per questioni, per un consolle o per un dittafono: con saggezza il e la nipote sospetterà sul parco dell'impiegato. La bianca somma si compera. Nel caso volessi architettare la rata da 44.000 euro. Per ciascun pensionato intagliatore sono legittimati a discernere approssimativamente l'obiettivo.


Qual è il ruolo di Teorema in un progetto BIM? In che modo interviene l’azienda nelle varie fasi di cui si compone e con quali risultati?\nPartiamo con una premessa: per definizione, un progetto BIM (Building Information Modeling) è estremamente complesso, e non solo dal punto di vista tecnico. BIM, infatti, non è una tecnologia o uno specifico software, bensì un metodo pensato per rivoluzionare la progettazione, costruzione e gestione degli edifici, superando decenni di processi obsoleti e, soprattutto, di scarsa digitalizzazione e comunicazione tra i molti attori che, a diverso titolo, prendono parte al progetto edilizio. All’interno di progetti così importanti, l’assenza di una base informativa comune e di integrazione tra fasi di lavoro gestite da attori diversi non può che portare a diverse inefficienze, tra cui la (purtroppo) tipica incapacità di rispettare i tempi inizialmente previsti e l’aumento dei costi in corso d’opera.\nIl BIM (da cui l’espressione progetto BIM) si pone dunque un obiettivo molto ambizioso, che ha certamente a che fare con la digitalizzazione delle varie fasi del progetto, ma soprattutto vuole creare una base informativa comune nella quale far confluire tutti i dati delle lavorazioni, in modo tale che si possa avere una visione olistica del progetto e che quindi sia più facilmente gestibile e prevedibile. Inoltre, il fatto che alla base di tutto ci siano i dati e non più i documenti, gli allegati alle e-mail che facilmente si perdono o, peggio, i fogli di carta, apre prospettive molto interessanti legate al loro utilizzo e valorizzazione. Non è un caso che Microsoft, che è un nome di spicco anche nell’universo BIM, consideri come elemento cardine di ogni progetto BIM un grande repository di dati che potremmo definire Intelligent Data Store.\nTeorema, il progetto BIM e la valorizzazione dei dati\nTeorema interviene per perfezionare un progetto BIM in molti modi diversi, tutti accomunati da un elemento fondamentale: la valorizzazione dei dati del progetto stesso, che non a caso formano quel basamento informativo comune su cui si regge tutta la “teoria” del BIM.\nTeorema è dunque in grado di intervenire sui dati delle lavorazioni e, sfruttando capacità di elaborazione e tecnologie di frontiera, li può usare a beneficio del progetto stesso. In particolare, un’applicazione molto utile, nonché certamente realizzabile, consiste nell’impiegare i dati (strutturati) di progettazione digitalizzandoli in realtà virtuale o mixed reality. In entrambi i casi, che corrispondono a due modalità differenti di presentazione, il punto di partenza è la realizzazione di un digital twin della costruzione, che poi verrà visualizzato in realtà virtuale, ovviamente tramite dispositivi ad hoc, nel caso in cui si voglia avere un contatto visivo con l’opera finita, cosa particolarmente utile e interessante in fase di progettazione.\nAltra possibilità è la mixed reality, che consiste nel miscelare nello stesso quadro elementi reali con componenti virtuali del digital twin. Tale rappresentazione, della quale Teorema può farsi carico tramite l’impiego di tecnologie di frontiera, ha un ruolo importante in uno scenario più operativo, cioè quando per esempio è il momento di valutare il posizionamento degli impianti durante la fase di costruzione.\nProgetto BIM, Computer Vision e sicurezza\nIl digital twin è semplicemente una delle attività di cui Teorema può farsi carico in un progetto BIM. Per esempio, è possibile implementare applicazioni importanti in ottica di sicurezza, oltre che di smart tracking dei materiali e dei componenti del progetto all’interno dei cantieri (tramite sensori e oggetti IoT). Nel primo caso, è possibile elaborare le immagini che arrivano dalle videocamere del cantiere tramite Computer Vision, cosa che si rivela utile per effettuare un’analisi proattiva: in questo modo, infatti, è possibile rilevare non solo apparenti situazioni pericolose o di mancato rispetto delle policy - si pensi al mancato uso di dispositivi di sicurezza oppure al controllo del rispetto delle norme di distanziamento sociale - ma anche quelle che potrebbero diventarlo.


Al parco Arno, la targa a ricordo del “Pao” - ArezzoOra\nHome Arezzo Al parco Arno, la targa a ricordo del “Pao”\nToccante cerimonia con tanti tifosi della “Minghelli”\nil: novembre 11, 2017 In: Arezzo, Attualità, evidenza\nLo scorso 25 settembre, su proposta presentata dal consigliere comunale Simone Chierici per il gruppo OraGhinelli, il Consiglio Comunale aveva approvato all’unanimità l’atto di indirizzo per intitolare un campo da calcio a Francesco Paolucci.\nA distanza di un mese e mezzo il vicesindaco Gianfrancesco Gamurrini ha scoperto la targa in memoria del giovane sfortunatamente scomparso in età prematura e che adesso risalterà come intitolazione del campo da calcio del parco Arno. Era proprio questa l’area che l’atto di indirizzo individuava come la più idonea per ricordare “Pao” adeguatamente. Francesco, di quel parco di via Arno noto a tutti come “Campino”, luogo di ritrovo e di aggregazione per i giovani e più in generale del quartiere, era stato una delle anime nel corso degli anni Ottanta-Novanta.\n“Diamo oggi a Francesco Paolucci – ha dichiarato il vicesindaco Gianfrancesco Gamurrini – il giusto riconoscimento per l’impegno sempre profuso a favore della zona dove abitava. È un modo per accrescere il senso di appartenenza alla città e ai suoi quartieri. Siamo soddisfatti di avere dato corso in tempi brevi alla volontà dell’assemblea, lo abbiamo sentito come un dovere morale nei confronti di Francesco, dei familiari, dei tanti amici peraltro qui presenti che colgo l’occasione di salutare”.


SpazioPoesia.2: aprile 2012\nPubblicato da Anna Ruotolo a 11:06 8 commenti\nDove sono stato finora\nper leggere Baudelaire a sessant’anni?\nDove ho sprecato la mia vita?\nSono stato dove sei stata anche tu\nche chiedi e vuoi risposte, e dimentichi le attese\nché un vento sconosciuto senza nome\nla smettesse di scarruffarci la vita.\nPesi, invidie, maldicenze, inganni,\nenigmi, miscugli di colori e tinte inusitate,\ncaparra versata interamente e con sacrificio,\nmentre s’aspettava che il tempo ci desse ragione.\nIo e la mia vita cribro ed ostaggio delle ragioni del tempo!\nMentre l’unica cosa che graffiava ancora\nera la grezza iuta sulla quale sconfitto adagiavo le spalle,\nmi adopravo disperatamente alla fornace il fuoco\nperché dovevo mostrarmi ancora\nappiglio sicuro per chi mi aveva visto roccia.\nT’invidiavo un poco per la tua serena caparbia resistenza,\nfatto naturale di donna\ncustode di anatema di Eva.\nin questa conquistata pigra banalità\ndove io leggo tu cuci e ne siamo fieri\nperché sapevamo che nessuno ci avrebbe insegnato\na riconoscere l’alba quando s’infila\nnel limitare del buio della notte.\nSalvatore D’Ambrosio, nato a Napoli, vive attualmente a Caserta. Professore in pensione, giornalista pubblicista, studioso di storia dei Borbone, ha scritto per oltre due decenni di Storia delle Poste su riviste specializzate. Partecipa da oltre venti anni a concorsi letterari in tutta Italia vincendo, nel tempo, il Premio Histonium nelle sue diverse sezioni, il Premio “Stolfi”Potenza, il Premio biennale di libro edito del Pollino, il Premio“Sandrina Miele” di Cassino, il Premio Laurentum, il premio “Esposito” Sorrento, il premio “Agostino Pensa” di Terni e il Premio Peter Russell - Napoli. Ha pubblicato nel 1989 uno studio sulla Storia postale dell’antica Terra di Lavoro (oggi provincia di Caserta) e l’opera prima di poesia “Barcollando nell’indicibile” (Bastogi editrice, 2009).\nPubblicato da Anna Ruotolo a 12:06 0 commenti


Home > Notizie > Notizie internazionali > Soyuz riporta a terra tre viaggiatori dello spazio\nSoyuz riporta a terra tre viaggiatori dello spazio Le principali notizie di oggi\nErano le 7 e 6 minuti di sabato 16 marzo, ora di Mosca (le 4 e 6 minuti in Italia), quando il veicolo spaziale russo Soyuz è atterrato nelle steppe del Kazakistan. Il rientro sulla terra per due cosmonauti russi e un astronauta americano è avvenuto con un giorno di ritardo rispetto alle previsioni, a causa delle avverse condizioni atmosferiche.\nOleg Novitskiy, Evgeny Tarelkin e Kevin Ford avevano raggiunto il 25 ottobre la Stazione spaziale internazionale e hanno viaggiato nello spazio per quasi 100 milioni di chilometri. A bordo della stazione orbitante rimangono, al momento, il russo Roman Romanenko, l’americano Thomas Marshburn ed il canadese Chris Hadfield.\nL’accoglienza del ritorno non è stata certo calorosa, dato il clima gelido delle lande kazake immerse nella neve. I tre viaggiatori dello spazio sono stati avvolti da termocoperte e poi portati in una stazione medica gonfiabile allestita per l’occasione.\nEurogruppo: sì al salvataggio di Cipro, stanziati 10 miliardi di euro


Quale iPad comprare: guida all’acquisto - APK World\nBy admin\tOn December 6, 2017 In Apple, guida acquisto, Tablet\t75 views\nQuale iPad comprare: guida all’acquisto,5 / 5 ( 1votes )\nNonostante la caduta a picco del mercato dei tablet, c’è un prodotto che continua a vendere bene e il suo nome è iPad. Vuoi per iOS, vuoi per la sua estrema adattabilità in tutti gli utilizzi, i numeri ci dicono che si tratta dell’unico del settore che non ha subito una vera e propria perdita. Tutto questo accade nonostante i prezzi siano più alti della media. Se vi state chiedendo quale iPad comprare quindi, siete finiti nel posto giusto.\nDopo aver fatto una breve introduzione sul perché acquistare iPad, procederemo ad analizzare assieme a voi i modelli di punta prodotti da Apple. Sopratutto se siete un po’ lontani da questo argomento ma avete necessità di acquistare un nuovo tablet, vi consigliamo di leggere con attenzione le prossime righe.\nQuale iPad comprare, ma sopratutto perché comprarne uno\nCi sono tantissimi luoghi comuni che ruotano intorno ad Apple e sopratutto intorno a due fazioni. Da una parte troviamo gli utenti convinti che ne tessono le lodi senza compromessi. Dall’altra una nutrita schiera di haters che non perde mai l’occasione per criticare ogni mossa. Come spesso accade la verità sta nel mezzo, e sebbene Apple sia attaccabile per alcune scelte commerciali, sforna costantemente degli ottimi prodotti. iPad non fa eccezione in questo e si tratta probabilmente del miglior tablet reperibile sia online che nei negozi fisici. Ma cosa lo rende così avanti rispetto ai concorrenti?\nLanciato nel 2010, da quel giorno di strada ne è stata fatta tanta. Gli elementi che ci hanno impressionato subito sono stati il display, migliorato poi con le versioni Retina e la compattezza della scocca. Grazie a iOS inoltre, sopratutto se avete altri dispositivi simili in casa, tutto ciò che fate diventa molto più semplice e gestibile. Potrete infatti condividere tutti i vostri file, documenti e produzioni fra i vari devices, interrompendo il lavoro in ufficio e riprendendolo magari in treno sul vostro iPad.\nE’ proprio per la produttività infatti che iPad è stato sviluppato. Si tratta di un’idea che trascende il concetto di tablet stesso e lo avvicina molto di più a un PC, esattamente come la famiglia Surface di Microsoft. Tutto questo lo potrete realizzare senza però rinunciare ai vantaggi della versione mobile del sistema operativo Apple. Quindi a chi è dedicato iPad? In realtà un po’ a tutti coloro che cercano un tablet di fascia alta, ma con un occhio di riguardo per chi ha bisogno di uno strumento di lavoro in più.\niPad Mini 4 è il prodotto di questo settore più compatto presentato da Apple. Dotato di un Retina Display da 7,9”,è perfetto per chi vive in mobilità e ha bisogno di un compagno affidabile e sempre pronto. A muovere il tutto troviamo il processore Apple A8 che lavorando in simbiosi con il coprocessore M8 garantisce delle prestazioni sempre fluide.\nLa RAM pari a 2 GB è più che sufficiente a supportare iOS in tutte le sue funzioni. Unica nota dolente sono le fotocamere, come su tutti i device di questo tipo. Se quella posteriore da 8MP riesce a scattare foto decenti, quella anteriore da soli 1.2MP riesce ad essere utile solo per qualche video chiamata. Da 64 e 128 GB infine, i tagli di memoria disponibili.\niPad è il modello con il quale tutto ha avuto inizio. La versione 2017 ha portate tutta una serie di nuove migliorie che lo rendono il tablet per eccellenza. La bellissima scocca in alluminio racchiude il processore Apple A9 (come iPhone 6 e 6s) affiancato a ben 2 GB di RAM. Non si tratta della CPU più moderna a disposizione ma riesce comunque a garantire prestazioni di tutto rispetto.\nDal mondo degli smartphone arriva anche il sensore per le impronte digitali, posizionato in questo caso in corrispondenza del tasto home. Questo viene sfruttato al massimo grazie anche alla predisposizione per Apple Pay. La parte del leone però è ancora del software. iOS riesce infatti a dare quel qualcosa in più e a rendere iPad un’estensione naturale di iMac e MacBook. Bellissimo infine il display da 9,7” con risoluzione 2048×1536.\nAll’interno della scocca troviamo il potentissimo processore Apple A10X che con 4 GB di RAM fa decisamente volare il sistema operativo. Il multitasking qui è davvero ai massimi livelli e potrete svolgere contemporaneamente tutte le operazioni che desiderate. Per chi utilizza iPad come tavoletta grafica, inoltre, non si dimentichi della presenza di Apple Pencil. Questo accessorio è stato totalmente rivisitato per garantire input ancora più fluidi e precisi. Per quanto riguarda i tagli di memoria si parte da 64 GB fino ad arrivare ai 256 del modello top.\niPad Pro 10.5 è la new entry in questo 2017 di Apple. Si tratta di una riedizione del modello precedente per garantire dimensioni più compatte ma prestazioni identiche. La scheda tecnica è identica alla versione da 12.9 pollici. Anche qui troviamo Apple A10X, 4 GB di RAM e tagli di memoria fino a 512 GB.\niPad Pro 10.5 è decisamente indicato per chi cerca un tablet senza compromessi senza però voler eccedere nelle dimensioni. E’ perfetto quindi per chi ha bisogno di uno strumento di lavoro e non vuole portarsi sempre dietro un portatile.\nA proposito di potatili potete dare un’occhiata agli articoli dedicati, nel caso in cui siate ancora indecisi su quale tipologia di prodotto acquistare.\nSe avete deciso che iPad è il prodotto giusto per voi, adesso non avete che l’imbarazzo della scelta. Fra tutti i modelli che vi abbiamo presentato ricordatevi che se non ne fate un utilizzo specifico la scelta migliore rimane iPad in versione 2017. Se invece, per esigenze lavorative avete bisogno di un tablet più performante, iPad Pro è la risposta giusta ai vostri desideri.\nRelated Post "Quale iPad comprare: guida all’acquisto"\nLeave a reply "Quale iPad comprare: guida all’acquisto" Cancel reply\n3 Ottimi Smartphone a meno di 100 euro: Vernee M5, Oukitel K5 e Cubot Note Plus\nAndroid APK IPTV Plenty of channels BUT!!! watch the video Before installation