Gestione affitti brevi Firenze - Turidea\nHome » Gestione affitti brevi Firenze\nFirenze è una perla in Italia, fulcro della cultura della nostra penisola e culla del Rinascimento italiano. Affittare un appartamento a Firenze per i turisti che desiderano visitare la città può rivelarsi davvero proficuo.\nNon tutti però possono gestire una casa vacanze a Firenze da soli: le cose da fare sono molte, bisogna concentrarsi sulla comunicazione, sulle prenotazioni, accoglienza, il lato burocratico e fiscale ecc. Non sempre è possibile essere degli host, ecco perché noi di Turidea vogliamo offrirti una soluzione per la gestione di affitti brevi a Firenze. Infatti, noi ci occupiamo proprio di questo, aiutando i proprietari a mettere a reddito le loro abitazioni nel capoluogo toscano.\n1 Perché gestire una casa vacanze a Firenze?\n1.1 Affitto tradizionale o breve?\n1.2 Il business degli affitti brevi\n2 In cosa consiste un servizio di gestione affitti brevi Firenze?\nPerché gestire una casa vacanze a Firenze?\nVediamo ora quali sono i vantaggi di aprire una casa vacanze a Firenze.\nAffitto tradizionale o breve?\nForse sei il proprietario di un bellissimo appartamento a Firenze e ti stai chiedendo se sia conveniente metterlo in affitto. Hai certamente valutato la possibilità di affittarlo in modo tradizionale, scegliendo degli inquilini più o meno fissi e chiedendo una cifra sempre identica di mese in mese. Va detto però che l’affitto tradizionale presenta delle problematiche, come il rischio di mancati pagamenti, danni all’appartamento, e difficoltà a liberarsi del locatario debitore.\nFirenze ogni anno accoglie milioni di turisti dall’Italia e dall’estero e quindi i profitti derivanti da un affitto per soggiorni brevi potrebbero davvero essere interessanti. Inoltre come dicevamo:\nl’affitto lungo richiede un contratto che dura più anni, il ché significa che la ricerca di inquilini è più impegnativa e che lo sfratto in caso di mancato pagamento è più complicato;\nil vincolo contrattuale è molto rigido e non è facile per il proprietario riappropriarsi dell’immobile;\nquando ci riesce, spesso scopre la presenza di danni e non sempre essi emergono appena l’inquilino se ne va.\nD’altra parte, l’affitto breve è una forma di locazione che prevede un continuo ricambio di inquilini, tenuti a pagare prima dell’inizio del soggiorno. Quindi, non si corre il rischio di trovarsi con un saldo mancante o in ritardo.\nSi tratta di una forma di locazione flessibile, che consente di scegliere le date in cui cedere l’appartamento ai turisti e quelle in cui invece vuoi prestarlo ad amici o parenti. Parlando di guadagni, poi, la gestione affitti brevi consente potenzialmente di ottenere un profitto maggiore rispetto a quelli tradizionali.\nIl business degli affitti brevi\nNonostante, come avrai potuto intuire, gestire un affitto breve a Firenze possa essere davvero redditizio, per raggiungere ottimi risultati serve molto impegno e professionalità. Molti proprietari si rivolgono a noi dicendo che non riescono ad attirare il numero di ospiti che si aspettavano quando hanno avviato il loro business.\nIl motivo, spesso, ci è chiaro da subito: non basta possedere una casa vacanze e inserire un annuncio su Airbnb per attirare un grande numero di ospiti. Servono attenzione, dedizione e anche conoscenze di marketing.\nInoltre a volte i proprietari non riescono a seguire tutti i processi per la gestione della casa vacanze: raccogliere le prenotazioni, rispondere ai potenziali ospiti, occuparsi della promozione dell’alloggio, ma anche accogliere i turisti, soddisfare le loro richieste, organizzare delle attività e fornire servizi eccezionali, svolgere il check out al meglio.\nA complicare le cose, c’è anche il fatto che spesso gli host abitano lontani dalla casa vacanze e quindi non riescono a garantire la loro presenza costante. Questo potrebbe penalizzare la percezione di un servizio di qualità da parte dell’ospite e non è salutare per gli affari.\nSe hai poco tempo per gestire la tua casa vacanze, abiti lontano oppure non senti di avere tutte le capacità necessarie, puoi affidarti a noi di Turidea.\nIn cosa consiste un servizio di gestione affitti brevi Firenze?\nCome abbiamo visto, per gestire una casa vacanze ci vogliono tempo e abilità, caratteristiche che un alle prime armi potrebbe non possedere. In questo caso e in quello di proprietari esperti ma con difficoltà di gestione, è possibile approfittare del nostro servizio completo di property management.\nSiamo una realtà che si occupa di gestione case vacanze a Firenze, ma anche in altre zone di Italia.\nGli host che si affidano a noi potranno usufruire di vari servizi:\nci occuperemo noi della creazione degli annunci e inserimento sulle principali piattaforme OTA, compreso il servizio fotografico alla casa, per rendere il tuo alloggio visibile online,\nti aiutiamo a scegliere i prezzi a notte per la tua casa vacanze, in quanto una buona strategia può decretare il successo del tuo business o il fallimento\npensiamo noi alla gestione Airbnb, Booking ecc. alle prenotazioni, alla comunicazione con il potenziale ospite, ai pagamenti e ai calendari per evitare il fastidioso overbooking\nci occupiamo di organizzare la pulizia dell’appartamento\naccogliamo e assistiamo l’ospite durante il suo soggiorno\nci assicuriamo che non vi siano danni nell’appartamento alla ripartenza\nti assistiamo nelle procedure burocratiche per la gestione dell’immobile\nconsigliamo interventi per migliorare la casa vacanze e renderla più appetibile per i futuri ospiti.\nInoltre, noi di Turidea siamo sempre disponibili per delle consulenze con i nostri clienti. Potrai chiederci tutto quello che vorrai e quando ne avrai bisogno.\nSeti sei affidato a una piattaforma di intermediazione come Airbnb e Booking, ma senza molti risultati o non hai tempo di seguirla, allora ti potrebbe servire un’agenzia affitti brevi a Firenze. Questa città attira ogni anno milioni di turisti ed è un peccato non approfittare di un tale vantaggio, soprattutto se si è in possesso di un appartamento.\nNoi di Turidea siamo ci occupiamo di gestione affitti brevi a Firenze, ma offriamo il servizio di property management in diverse zone di Italia.\nIn questo articolo abbiamo visto i vantaggi di affittare una casa vacanze a Firenze e come poterla gestire al meglio anche con un supporto professionale. Se hai dubbi o vuoi cominciare subito ad attirare più ospiti, non esitare a contattarci.\nDi Turidea|2022-05-05T08:22:51+00:003 Maggio 2022|Blog|


Archivissima 2021 | IBMP\nUn’apertura serale e un podcast inedito per celebrare La Notte degli Archivi il prossimo 4 giugno.\nUn viaggio lungo una notte, per scoprire le storie custodite in trecento archivi in giro per tutta Italia. È La Notte degli Archivi, la manifestazione nazionale inserita nel programma del festival Archivissima, a cui anche quest’anno l’Istituto per i Beni Musicali in Piemonte ha deciso di aderire con una doppia iniziativa, dal vivo e in digitale. Nella serata del 4 giugno, infatti, il Centro di Documentazione e Ricerca di Saluzzo sarà aperto al pubblico dalle 20 alle 22 con due laboratori gratuiti, e a partire dalle 18.30 si potrà ascoltare sul sito archivissima.it il podcast realizzato a cura dell’Istituto.\n“Generazioni”, il tema al centro dell’edizione 2021 del festival degli Archivi, apre la strada a una molteplicità di interpretazioni sulle quali gli archivi italiani hanno potuto declinare la lettura dei propri documenti. L’Istituto per i Beni Musicali ha scelto di porre l’accento sull’attività formativa ed educativa nei confronti dei giovani, che da sempre è parte della sua missione. In particolare, per “La Notte degli Archivi”, si proverà ad affrontare un tema che si è rivelato molto sentito dai ragazzi stessi, ovvero la necessità di saper distinguere verità, bugia e finzione, soprattutto in relazione ai contenuti del web. Un compito per il quale il rapporto con gli archivi, e in generale con le fonti primarie per la ricerca, riveste ancora un ruolo fondamentale.\nI laboratori che verranno realizzati nella serata del 4 giugno a Saluzzo, aperti a tutti e pensati per un pubblico di giovani, affronteranno il tema delle fonti in due ambiti diversi ma contigui: la musica e il cinema. Il primo, dal titolo “Dal Vinile all’MP3” analizzerà l’impatto delle trasformazioni tecnologiche sulla fruizione della musica; il secondo, intitolato “Dalla finzione alla realtà”, insegnerà a verificare su documenti fisici e online l’attendibilità delle scene di un film. I laboratori, che si svolgeranno presso la sede del Centro in via Volta 35, saranno ad ingresso libero senza necessità di prenotazione, nel rispetto delle norme vigenti.\nL’edizione 2021 del festival Archivissima si svolgerà in forma ibrida: accanto agli appuntamenti dal vivo, che a causa dell’emergenza sanitaria presentano ancora qualche complicazione realizzativa, gli archivi hanno avuto la possibilità di realizzare prodotti digitali che verranno caricati sul portale www.archivissima.it, dove resteranno fruibili gratuitamente. Per questo l’Istituto per i Beni Musicali in Piemonte ha anche promosso la realizzazione di un podcast, a cura degli allievi del Corso di Cultura Musicale del Liceo classico Bodoni di Saluzzo. In poco meno di dieci minuti di musica e racconto, le voci dei ragazzi ripercorrono il lavoro di ricerca sulle fonti, in particolare quelle del Centro di Ricerca dell’IBMP, affrontato per il progetto di una rubrica podcast sulle Giornate Mondiali pubblicato a puntate a partire dal 21 marzo scorso.\nLa riflessione sulle fonti per la ricerca e la diffusione del sapere tra pubblici differenti e nuove generazioni sarà anche il tema della tavola rotonda digitale organizzata dal Coordinamento Istituti Culturali del Piemonte, a cui interverrà il direttore dell’Istituto per i Beni Musicali in Piemonte Sabrina Saccomani.\nIl dibattito sarà trasmesso in diretta sul sito archivissima.it a partire dalle ore 19 del 4 giugno.\nUnico ente saluzzese partecipante, l’Istituto per i beni Musicali in Piemonte conferma anche quest’anno la sua presenza al più importante festival degli archivi a livello nazionale ed europeo, dopo l’inatteso successo dell’edizione 2020. Un’occasione molto attesa per una realtà che da sempre considera la divulgazione e il coinvolgimento di nuovi pubblici come il centro della propria intensa attività.\nPer informazioni sul festival e per seguire gli eventi digitali: https://www.archivissima.it/2021/la-notte-degli-archivi\nPer informazioni sull’attività dell’Istituto per i Beni Musicali in Piemonte: https://ibmp.it/\nUfficio stampa IBMP: DimenticandoFrancesca – chiara@dimenticandofrancesca.it | corrado@dimenticandofrancesca.it


Dieta: bromelina a luglio per dimagrire: ecco cos'è e come funziona - Quotidiano di Ragusa\n27 giugno 2020 09:03\nBromelina nella dieta a luglio per dimagrire subito. La bromelina è un enzima presente nell'ananas che aiuta a perdere peso. Ecco quindi la dieta dell’ananas dimagrante di luglio. E’ una dieta ipocalorica e fresca ideale con il caldo afoso estivo. Ma vediamo come funziona e cosa si mangia in un esempio di menù della dieta dell’ananas dimagrante di luglio. Esempio di menù giornaliero: colazione con un bicchiere di succo, una tazza di tè e uno yogurt bianco magro. Il succo d’ananas deve essere 100% frutta perché molti succhi adoperano tanti zuccheri, che sarebbero invece da evitare. A pranzo una scelta leggera ma sempre a base di ananas, un esempio può essere un’insalata di tonno e ananas e qualche fetta di pane integrale.A cena un minestrone con un po’ d’orzo, oppure carne bianca alla griglia senza olio e verdure crude o cotte. Per alternare l’alimentazione in una seconda ipotetica giornata potete scegliere per colazione un bicchiere di succo d’ananas e qualche fetta di pane integrale con marmellata senza zucchero. Per pranzo, una porzione di ananas a fette e un piatto di 50 g di riso con verdure. A cena invece si deve mangiare pesce, verdure e ananas. Infine un esempio di menù per una terza giornata: colazione con un vasetto di yogurt bianco con un po’ di fiocchi d’avena e fette di ananas. A pranzo rucola, bresaola e un bicchiere di succo d’ananas e a cena, un minestrone con riso, ananas a fette e una ricottina magra. In questo modo avrete un’alimentazione varia ma sempre a base di questo frutto drenante.Durante la dieta dell’ananas se si hanno degli attacchi di fame si può consumare frutta fresca di stagione, sia a metà mattina che a metà pomeriggio, oppure bere succo di mela o di altra frutta senza zuccheri. L’ananas da sempre è un frutto noto per le sue proprietà dimagranti dovute alla bromelina che permette la scissione delle proteine. In particolare è noto per i suoi benefici contro la cellulite, ritenzione idrica e i suoi effetti digestivi. Contiene inoltre altri micronutrienti fondamentali: è una discreta fonte di vitamina C (il consumo di 100 gr apporta circa il 20% della quantità di vitamina c raccomandata giornalmente), di potassio e di magnesio. Che cos’è la bromelina? La bromelina è un enzima presente nel succo e, soprattutto, nel gambo dell'ananas.Quali sono le proprietà della bromelina? Si ritiene che la bromelina possa aiutare a combattere il dolore e il gonfiore associati all'infiammazione. Inoltre sembra che interferisca con la crescita delle cellule tumorali e con la coagulazione del sangue. Per questo la sua assunzione viene proposta per ridurre l'infiammazione, rallentare la coagulazione, prevenire i tumori e combattere l'artrite e altri disturbi reumatici, la febbre da fieno e la colite ulcerosa. Inoltre a volte viene consigliata per rimuovere le cellule morte o danneggiate da ustioni, prevenire l'edema polmonare, rilassare i muscoli, stimolarne la contrazione o prevenirne l'indolenzimento dopo l'attività fisica, migliorare l'assorbimento degli antibiotici, abbreviare il travaglio e aiutare l'organismo a liberarsi dei grassi.Le prove a sostegno di queste indicazioni non sono però sufficienti; nel caso della prevenzione dell'indolenzimento muscolare la scienza sembra addirittura smentirne l'efficacia. Inoltre non risulta l'esistenza di alcun claim sui benefici dell'assunzione di bromelina che sia stato approvato dall’Efsa (l’Autorità europea per la sicurezza alimentare). Avvertenze e possibili controindicazioni della bromelina. L'assunzione di bromelina potrebbe interferire con quella di alcuni antibiotici, in particolare dell'amoxicillina e delle tetracicline. Inoltre la sua capacità di rallentare la coagulazione del sangue potrebbe portare questo enzima a interferire con l'assunzione di farmaci anticoagulanti e antiaggreganti; per questo la bromelina potrebbe essere sconsigliata in caso di interventi chirurgici programmati.Inoltre non si hanno informazioni sufficienti a certificare la sicurezza della sua assunzione durante la gravidanza e l'allattamento. In caso di dubbi è bene chiedere consiglio al proprio medico.\nBromelina nella dieta a luglio per dimagrire subito. La bromelina è un enzima presente nell'ananas che aiuta a perdere peso. Ecco quindi la dieta dell’ananas dimagrante di luglio. E’ una dieta ipocalorica e fresca ideale con il caldo afoso estivo. Ma vediamo come funziona e cosa si mangia in un esempio di menù della dieta dell’ananas dimagrante di luglio. Esempio di menù giornaliero: colazione con un bicchiere di succo, una tazza di tè e uno yogurt bianco magro. Il succo d’ananas deve essere 100% frutta perché molti succhi adoperano tanti zuccheri, che sarebbero invece da evitare. A pranzo una scelta leggera ma sempre a base di ananas, un esempio può essere un’insalata di tonno e ananas e qualche fetta di pane integrale.\nA cena un minestrone con un po’ d’orzo, oppure carne bianca alla griglia senza olio e verdure crude o cotte. Per alternare l’alimentazione in una seconda ipotetica giornata potete scegliere per colazione un bicchiere di succo d’ananas e qualche fetta di pane integrale con marmellata senza zucchero. Per pranzo, una porzione di ananas a fette e un piatto di 50 g di riso con verdure. A cena invece si deve mangiare pesce, verdure e ananas. Infine un esempio di menù per una terza giornata: colazione con un vasetto di yogurt bianco con un po’ di fiocchi d’avena e fette di ananas. A pranzo rucola, bresaola e un bicchiere di succo d’ananas e a cena, un minestrone con riso, ananas a fette e una ricottina magra. In questo modo avrete un’alimentazione varia ma sempre a base di questo frutto drenante.\nDurante la dieta dell’ananas se si hanno degli attacchi di fame si può consumare frutta fresca di stagione, sia a metà mattina che a metà pomeriggio, oppure bere succo di mela o di altra frutta senza zuccheri. L’ananas da sempre è un frutto noto per le sue proprietà dimagranti dovute alla bromelina che permette la scissione delle proteine. In particolare è noto per i suoi benefici contro la cellulite, ritenzione idrica e i suoi effetti digestivi. Contiene inoltre altri micronutrienti fondamentali: è una discreta fonte di vitamina C (il consumo di 100 gr apporta circa il 20% della quantità di vitamina c raccomandata giornalmente), di potassio e di magnesio. Che cos’è la bromelina? La bromelina è un enzima presente nel succo e, soprattutto, nel gambo dell'ananas.\nQuali sono le proprietà della bromelina? Si ritiene che la bromelina possa aiutare a combattere il dolore e il gonfiore associati all'infiammazione. Inoltre sembra che interferisca con la crescita delle cellule tumorali e con la coagulazione del sangue. Per questo la sua assunzione viene proposta per ridurre l'infiammazione, rallentare la coagulazione, prevenire i tumori e combattere l'artrite e altri disturbi reumatici, la febbre da fieno e la colite ulcerosa. Inoltre a volte viene consigliata per rimuovere le cellule morte o danneggiate da ustioni, prevenire l'edema polmonare, rilassare i muscoli, stimolarne la contrazione o prevenirne l'indolenzimento dopo l'attività fisica, migliorare l'assorbimento degli antibiotici, abbreviare il travaglio e aiutare l'organismo a liberarsi dei grassi.\nLe prove a sostegno di queste indicazioni non sono però sufficienti; nel caso della prevenzione dell'indolenzimento muscolare la scienza sembra addirittura smentirne l'efficacia. Inoltre non risulta l'esistenza di alcun claim sui benefici dell'assunzione di bromelina che sia stato approvato dall’Efsa (l’Autorità europea per la sicurezza alimentare). Avvertenze e possibili controindicazioni della bromelina. L'assunzione di bromelina potrebbe interferire con quella di alcuni antibiotici, in particolare dell'amoxicillina e delle tetracicline. Inoltre la sua capacità di rallentare la coagulazione del sangue potrebbe portare questo enzima a interferire con l'assunzione di farmaci anticoagulanti e antiaggreganti; per questo la bromelina potrebbe essere sconsigliata in caso di interventi chirurgici programmati.\nInoltre non si hanno informazioni sufficienti a certificare la sicurezza della sua assunzione durante la gravidanza e l'allattamento. In caso di dubbi è bene chiedere consiglio al proprio medico.


Best Journey Inn Chongqing Chongqing, Cina\nHotel economici > Hotel per paese > Hotel Cina > Hotel Chongqing > Best Journey Inn Chongqing\nBest Journey Inn ChongqingShixiao Road 170, High-tech District, Chongqing, Cina Vedi Mappa\nBest Journey Inn Chongqing: Trova foto, recensioni, informazioni, servizi e confronta i prezzi per 2 stelle in Chongqing (Cina).\nA soli dieci minuti dal centro della città, questo hotel è situato nel quartiere di Jiulongpo e dispone di concierge, biglietteria e servizio in camera. Chongqing Olympic Sports Center e Jialing River distano meno di dieci minuti in auto dalla struttura, che offre parcheggio gratuito.La struttura propone camere equipaggiate con TV. L'accesso Internet è a disposizione.L'hotel dispone di un ristorante, ideale per coloro che preferiscono cenare direttamente presso la struttura.L'Aeroporto internazionale Chongqing Jiangbei dista 40 minuti in auto dall'hotel. Ciqikou si trova a meno di 20 minuti in auto dalla struttura.\nGeneraleServizio in camera, Ristorante, Aria condizionata, TvServiziConcierge, Servizio ticketInternetInternet alta velocitàParcheggioParcheggio\nGli utenti che hanno visto "Best Journey Inn Chongqing" hanno guardato anche hotel 2 stelle di Chongqing :\nHotel più viciniGreen Inns Chongqing Shiqiaopu


Milano vs. Torino: una sfida all'ultimo... Salone del libro\nBy Lisa Di Iasio\t On mercoledì 27 luglio 2016\nTra gli appuntamenti annuali del mese di maggio ricorre puntuale uno degli eventi più importanti per l’editoria italiana: dal 1988 la città di Torino fa da cornice al Salone Internazionale del Libro. La manifestazione, da quasi vent’anni, vede alternarsi e incontrarsi giovani autori, editori emergenti, librai, bibliotecari, agenti, traduttori, illustratori che presentano le proprie idee e lavori e mirano ad ampliare i proprio orizzonti.\nPer una settimana il centro congressi Lingotto Fiere si anima di incontri culturali, di presentazioni editoriali, di convegni, di dibattiti e di attività specifiche per ogni età e gusto, seguendo il filo conduttore rappresentato dal tema scelto di anno in anno.\nProprio il Salone Internazionale del Libro è stato al centro di dibattiti nelle ultime settimane: più che l’evento in sé, ha suscitato clamore la proposta, appoggiata dall’Associazione Italiana Editori (Aie), di creare una manifestazione analoga nella città di Milano.\nLa proposta non è passata inosservata e ha provocato le polemiche immediate del ministro dei Beni culturali e del Turismo, Dario Franceschini, insieme ai vertici politici piemontesi: la neo-sindaca di Torino Chiara Appendino e il Presidente della Regione Piemonte Sergio Chiamparino. Franceschini, ben prima dell’incontro con il Presidente dell’Aie Federico Motta, ha dichiarato la ferma volontà del Governo di mantenere stabile il festival nella capitale sabauda, sottolineando il saldo legame che il mondo dell’editoria ha intessuto negli anni con la città, e di investire maggiormente per una sua crescita.\nDi contro, il Comune di Milano fa leva sul più ampio respiro e visibilità che la città potrebbe offrire all’editoria e alla letteratura italiane. Filippo del Corno, assessore alla cultura, ha proprio sottolineato il ruolo strategico di Milano e i benefici che un evento culturale di tale portata potrebbe ottenere.\nOpinioni contrapposte si registrano anche tra i protagonisti del festival, ovvero gli editori. Da un lato c’è chi, come Elisabetta Sgarbi, direttrice de La nave di Teseo, approverebbe un festival anche a Milano nell’ottica di poter avere simili iniziative lungo tutto l’anno e non solo nel mese di maggio. Dall’altro lato c’è chi, come Sadro Ferri, editore delle Edizioni e/o, sostiene che spostare il festival a Milano significherebbe favorire una città già forte nel mondo editoriale, a discapito di altre realtà più deboli.\nIn attesa di decisioni ufficiali ci si interroga su pro e contro di entrambe le scelte: creare occasioni di incontro tra lettori, scrittori ed editori per aumentare l’offerta culturale italiana è di sicuro un nobile intento. Tuttavia, considerando la varietà artistica e la ricchezza culturale che caratterizza l’Italia, perché concentrare l’ennesimo evento a Milano come se fosse l’unica opzione disponibile? Non si potrebbe pensare di cavalcare la fama del Salone Internazionale del Libro per valorizzare, attraverso iniziative simili, altre città e altre realtà editoriali italiane?\nSpetterà all’Associazione Italiana Editori pronunciarsi in merito alla spinosa questione: l’Assemblea dei Soci è prevista per la fine di luglio. Nel mentre, resta aperta la sfida tra Milano e Torino.\n: LibriCulturacultura italianaeditorieditoriaEventiincontriItalia


Le parole sono un mezzo impuro\n30 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #pittura\nPubblicato nel 1934 dalla Hogarth Press, un saggio collega Virginia Woolf a Walter Richard Sickert, che ella, nel suo diario, chiama “il mio Sickert” (vedi annotazioni di martedì 17 aprile 1934) lamentandosi che, con il pittore che ama, i critici “fanno gli sprezzanti” (venerdì 2 novembre 1934).\nRiflettendo sull’affermazione di Mario Praz che: “la tecnica della Woolf potrebbe accostarsi a quella del pointillisme”, pensiamo che essa sia composta da “una pluralità di momenti isolati gli uni dagli altri, messi insieme a caso dall’immaginazione” (ancora Mario Praz) quindi proprio una sorta di puntinismo letterario, di impressionismo della scrittura.\nSickert si distaccò dalle origini whistleriane – e quindi preraffaellite – per accostarsi a Degas, che gli insegnò a non ritrarre solo dal vero, ma anche dipingere sulla scorta di ricordi, fotografie, disegni e lo introdusse alla scuola dell’impressionismo francese. Divenne poi il principale esponente del Camden Town Group, di matrice postimpressionista inglese.\nDissoluzione di un mito\n29 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #fantasy\nPer fanfiction s’intende la continuazione di una storia cult da parte degli appassionati. I lettori affamati di altro materiale possono proseguire la storia, colmare le lacune, resuscitare i loro beniamini, creare sequel o prequel. Nel caso della fanfiction di Twilight di S. Meyer, ovvero il famigerato, inflazionato, Fifty Shades of Gray - dove Gray sta per Grigio ma anche per il cognome dell’algido, imbalsamato, stoccafissico protagonista - più che di una continuazione si tratta, a quanto pare, di una parodia che ha preso la mano alla scrittrice Erika James.\nChe resta di questi due personaggi in Fifty Shades? Edward Cullen diventa Christian Grey, privo di allure, sexy quanto un manichino da vetrina, maniaco sessuale sadico che si diverte a frustare le sue donne, ad appenderle al soffitto, a flagellarle, a inserire nella loro vagina sfere di piombo, a far loro firmare pedantissimi contratti sul ruolo Dominante/Sottomessa. Al contrario di Edward, Christian non sorride, ghigna, non è tormentato, non è romantico, “I do not make love”, dice, “I fuck hard”, ed è buono solo perché il suo maggiordomo compiacente ci dice che lo è. Christian Gray è un divoratore di fanciulle innocenti, come il suo ispiratore Alec Stoke in Tess dei d’Urbeville di cui, a quanto pare, la James è intenditrice. Christian regala alla sua vittima preziosissime edizioni del romanzo di Hardy forse per convincere lei (e pure noi) che nelle sue perversioni c’è qualcosa di letterario.\nL’indomita, coraggiosa, Bella Swan diventa la brutta copia Anastasia Steele, un personaggio che non vediamo, che non ha volto, che è sempre tutto un bollore costante, che passa i suoi giorni ad arrossire, a mordersi il labbro e “andare in pezzi” per orgasmi multipli e stellari.\nQuasi tutte le scene principali dell’originale Twilight sono fotocopiate nella fanfiction, stravolgendole e togliendo loro dignità. Non c’è trama, non c’è sviluppo, solo un susseguirsi di atti sessuali porno soft, sempre più ripetitivi al punto che, già al quarto o quinto, ci viene da sbadigliare: “oddio, no, lo fanno ancora.”\nBella Swan scopre, attraverso Edward Cullen e la sua gente, un mondo diverso, magico, sotterraneo, parallelo, dove vampiri e lupi mannari sono credibili e coerenti con questa nostra realtà moderna, con la realtà di tanti adolescenti americani.\nLa visita di Bella/Anastasia alla famiglia Cullen/Gray è un esempio di come l’inventiva, la fantasia e l’ironia della Meyer vengano trasformate dalla James in volgarità e pochezza. Persino i nomi dei padri dei protagonisti maschi si somigliano, Carrick, il padre di Gray, riecheggia Carlisle, il medico vampiro padre di Edward. Ma dove è finita la tensione morale, la lotta contro l’istinto che trasforma un vampiro potenzialmente letale in chirurgo compassionevole, sempre pronto ad aiutare chi soffre? Mentre Bella affronta con coraggio e ironia la famiglia vampira, sperando di non diventare lei la cena, confidando sull’istinto che le indica quelle persone come buone e capaci di proteggerla dal male, Anastasia Steele si presenta all’incontro senza mutande, fa piedino sotto il tavolo al suo dominante e sgattaiola appena può nella dependance per consumare l’ennesimo atto sessuale. Il divertimento è assente, il gioco è più osceno che erotico, la trama è solo un pretesto. Non c’è passione vera, solo l’iniziazione al sesso di una ragazzina che dice di volere di più dal suo mentore ma che, in realtà, ha in testa solo una cosa. Anastasia precipita in una spirale di perversione crescente, vittima consenziente di uno stalker, un uomo che gode a prenderla a cinghiate e la fa sentire umiliata e paga allo stesso tempo. Per riflettere, ella colloquia in continuazione con il suo subconscio e con la sua dea interiore, buona coscienza l'uno, cattiva l'altra, che sono, paradossalmente, forse i personaggi più vivi del libro, sebbene ce li immaginiamo come genietti saltellanti con un fumetto fuor dalla bocca.\nLaddove l’originale vampiro sapeva commuovere, creare atmosfera, oscurità, amore, e dare corpi, volti e gestualità ai personaggi di una saga indimenticabile, qui tutto è narrato con un linguaggio ripetitivo, infarcito di una serie di mail soporifere, condito delle medesime esclamazioni infantili, “oh my”, dei medesimi aggettivi ed espressioni per descrivere scene ed emozioni sempre identici.\nQuale sarà il motivo dell’incommensurabile successo planetario di una fanfiction, di una semiparodia nata su commissione? Per il primo libro la parte del leone la fa certamente la curiosità, stimolata dal passaparola, dalla sovrabbondanza di copie visibili ovunque, ma per arrivare a comprare il secondo e il terzo bisogna forse chiamare in causa lo stimolo sessuale cui si sottopongono le pruriginose lettrici, il voyerismo, il sadomasochismo latente in ognuno di noi. Oppure la voluta indeterminatezza della protagonista - la quale più che essere in realtà non è, non è bellissima, non è intelligentissima, non è brillantissima – fa sì che con lei si possano identificare milioni di donne anonime, desiderose di immaginarsi sessualmente irresistibili e capaci di catturare un bello-ricco-superfigo?\nNon sappiamo la ragione di tanto furore e vorremmo che chi è arrivato alla fine della saga ce lo spiegasse perché, se errare è umano, perseverare fino al terzo libro pensiamo sia davvero diabolico.\n28 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #fantascienza\ndi Susanne Collins\nCiò che crea un fenomeno editoriale è la novità del soggetto. Il discorso vale per i monaci assassini di Eco, per i vampiri “vegetariani” della Meyer, per la stirpe del sangreal di Dan Brown, o per il bondage sadomaso della James. Tutto quello che viene dopo è nella scia, è imitazione dell’originale.\nCon Hunger Games, di Susanne Collins, si apre una stagione di reality show adolescenziale all’ultimo sangue, ma il suo essere capostipite di un nuovo genere, sta nella crudeltà dell’argomento trattato che t’inchioda dalla prima all’ultima pagina.\nKatniss Evergreen è un’adolescente del Distretto 12, nel continente postapocalittico di Panem, un Nord America inselvatichito e imbarbarito, dove coesistono scienza raffinatissima e medioevo. Come punizione per un’antica ribellione verso la ricca e nullafacente capitale, i vari distretti devono offrire annualmente un sacrificio umano. In un reality show, che tutti sono obbligati a seguire, ogni distretto estrae a sorte un ragazzo e una ragazza da offrire, o meglio immolare, in una lotta con un unico vincitore e un unico sopravvissuto. Il nome estratto è quello di Primrose, la sorellina di Katniss, e lei non può accettarlo, si offre volontaria al suo posto.\nInizia così una preparazione che ha tutto lo sgradevole sapore cui ci hanno abituato anni di trasmissioni televisive come L’Isola dei Famosi o Il grande fratello, reso ancor più agro dalla consapevolezza che l’eliminazione del giovane partecipante coinciderà, non con il suo rientro a casa, bensì con la sua morte. I concorrenti sono addestrati, rivestiti, intervistati, abbelliti da stilisti e truccatori, per poi essere gettati nell’arena, un luogo che ricorda la cupola di The Truman Show, dove niente è naturale e ogni cosa è manovrata dagli Strateghi, cioè gli autori del programma. I ruscelli scorrono o si seccano a comando, la pioggia scroscia su ordinazione, l’aria si fa rovente o gelida secondo ciò che il programma e l’audience richiedono. Katniss guarda la luna e spera che almeno quella sia vera, sia la luna di casa sua, per sentirsi meno sola, meno vulnerabile, meno alla mercé di una dittatura che uccide, che frusta, che strappa la lingua per il minimo sgarro, per una parola di troppo o un atteggiamento di sfida.\nNell’arena si svolge una lotta mortale con mani, unghie, denti, lame, frecce, che ci riporta a un passato/futuro già visto in film come Mad Max. I concorrenti, o meglio, i “tributi”, devono uccidersi l’un l’altro per sopravvivere, altrimenti saranno comunque eliminati. Un colpo di cannone segna l’uscita di scena del contendente e un hovercraft solleva il cadavere e lo porta via. L’unico sentimento è la paura, che si trasforma in furia cieca; l’amicizia è solo un’alleanza momentanea contro i più forti, nessuna debolezza è concessa.\nNon è comprensibile come si possa definire Hunger Games “un romanzo per ragazzi”, se non, forse, nell’incapacità della protagonista (e dell’autrice) di affrontare e sviluppare a pieno il rapporto con il giovane che la ama, Peeta, e il triangolo con l’amico d’infanzia, Gale. Si può obiettare che il romanzo è incentrato nel microcosmo dell’arena, in una bolla spaziotemporale che pare un videogioco, dove amarsi è secondario al rimanere vivi, al mantenere intatta la possibilità di provare sentimenti umani.\n“Non so bene come dirlo. Solo non voglio… perdere me stesso. Ha un senso? - chiede. Scuoto la testa. Come potrebbe perdere se stesso? – Non voglio che mi cambino là dentro. Che mi trasformino in una specie di mostro che non sono?” (pag 143)\nL’emblema angoscioso di questa situazione da incubo è il sigillo che ogni notte viene proiettato sullo schermo del cielo, preceduto da un inno. Subito dopo compare l’immagine di chi è morto quel giorno. Lo stomaco si contrae dall’orrore, leggendo.\n“La notte è appena scesa, quando sento l’inno che precede il riepilogo delle morti. Attraverso i rami vedo il sigillo di Capitol City che sembra fluttuare nel cielo. In realtà, sto guardando un altro schermo, uno schermo enorme trasportato da uno dei loro hovercraft.” (pag 157)\nIl senso del romanzo è la rivolta di Katniss e Peeta, il ragazzo che la ama, a tutto questo dolore, all’obbligo di compiere comunque il male, di uccidere o essere uccisi. Anche soffrire, anche provare dispiacere al pensiero di ammazzare un compagno innocente, è considerato insurrezione. Quando muore Rue, la più piccola dei tributi, così simile alla sorellina della protagonista, Katniss la piange e ne cosparge il corpo di fiori, prima che l’hovercraft venga a raccoglierla, e questo è già un atto di ribellione. Lo stesso vale per il gesto finale: Katniss e Peeta scelgono di morire insieme piuttosto che uccidersi l’un l’altro, scelgono di fare ciò che Peeta ha deciso fin dall’inizio, cioè non concedersi al nemico, rimanere umani, rimanere interiormente puri e liberi. Si salveranno in extremis, ma il finale resta aperto per gli altri libri della serie, La ragazza di fuoco e Il canto della rivolta.\nQuesto libro è una mescolanza di generi da cui scaturisce, forse, un genere nuovo, sincretico. Il cosmo di Panem contiene due mondi. Il primo è quello tecnologicamente sofisticato di Capitol City, una sorta di Ghotam City, dove si ritrovano molti cliché della fantascienza - dalla possibilità di risanare completamente ferite mortali, alla manipolazione genetica che crea nuove letali specie e ibridi mostruosi. Il secondo è quello medievale, oscuro, miserevole dei distretti, dove la fame imperversa, dove ogni cosa è proibita, la corrente elettrica va e viene, e per cacciare si usano arco e frecce, lacci e trappole.\n“Capitol City scintilla come un’enorme distesa di lucciole. Nel distretto 12 l’elettricità va e viene e di solito c’è solo per qualche ora al giorno. Capita spesso che le sere si trascorrano alla luce delle candele. Le rare volte in cui possiamo contare sull’energia elettrica sono quando la tv trasmette gli Hunger Games o qualche importante messaggio governativo che è obbligatorio guardare. Qui, invece, l’elettricità non manca. Mai.” (pag 83)\nKatniss, Peeta, Rue, Faccia di Volpe, Gale, somigliano, di volta in volta, ai protagonisti di Alien o Prometheus e, insieme, ai rampolli della stirpe di Shannara, fra tecnologia e arretratezza, fra passato e futuro remoto. L’unico presente, forse, è quello degli studi televisivi, che ci riporta all’oggi, al nostro essere costantemente sotto le telecamere, sugli schermi, per strada, nei social network.\nLo stile è paratattico, coinvolgente, giovanile, reso incisivo dal presente storico. Ci cala dentro l’azione che prevale su tutto il resto, lasciando che le riflessioni e il sentimento morale scaturiscano per reazione a ciò che accade, al raccapriccio delle immagini, degli eventi, della sofferenza, in un crescendo di angoscia che dà quasi assuefazione.\nBuona Pasqua da signoradeifiltri.blog\n27 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #redazione, #poli patrizia\nUna Pasqua triste, funestata dai tragici fatti di Bruxelles, che si sommano ai tragici fatti di Parigi e a tutti gli altri tragici fatti avvenuti in luoghi in cui l'odio irrazionale ha prevalso sulla vita, sul bene, sulla libertà e sulla pace.\nPossiamo solo augurarvi il ritorno della speranza, che le forze del del male siano sconfitte e tornino a marcire nel loro medioevo retrivo e oscurantista.\nL'ansia sociale agli inizi degli anni sessanta\n26 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #psicologia\nGiana Anguissola (Travo, Piacenza 1906 – Milano 1966) comincia a scrivere a sedici anni, collaborando al Corriere dei Piccoli sul quale pubblica romanzi e racconti. Il suo romanzo più famoso è Violetta la Timida del 1963, che vince il premio Bancarellino.\nUn giorno viene chiamata dal preside della scuola: la giornalista Giana Anguissola in persona sta cercando una ragazzina che sia brava in componimento e lei lo è, lei è studiosa, creativa, intelligente, ambiziosa, ma goffa e imbranata come tutti i timidi.\n“La prima cosa che, naturalmente feci, fu quella d’inciampare in un gran tappeto blu rischiando di cadere lunga e distesa davanti alla scrivania del preside. Per cui, non appena ritrovato l’equilibrio, rimasi lì ad occhi bassi, con le guance che mi cuocevano come due cotolette, senza aver neppure avuto il tempo di guardarmi intorno. (pag. 12)\nL’Anguissola - che da quel momento in poi Violetta chiamerà signora A. - le chiede di scrivere pezzi per adolescenti sul Corriere dei piccoli, raccontando la propria semplice vita di ragazza normale, fra la casa, la scuola, i genitori, il nonno Oreste, l’amico grasso e goffo Terenzio, la compagna antipatica Calligaris, le prime festicciole fra bambine. Accorgendosi subito di come la timidezza e l’ansia inficino ogni prestazione di Violetta e le condizionino la vita, la signora A. le consiglia, o meglio le impone, di fare proprio tutto ciò che la spaventa, affrontando gli ostacoli, svincolandosi dalla sindrome da evitamento cronico.\nNella breve introduzione alla vita e all’opera dell’autrice nell’edizione Mursia del 1970, leggiamo, infatti, che l’Anguissola: “contribuì a combattere i fumetti e a rieducare i ragazzi a letture sane e artisticamente valide.” L’intento edificante è evidente e disseminato ovunque, specialmente alla fine di ogni capitolo, che si pone come lezioncina di vita:\nEra tuttavia, quello, un mondo pulito, pieno di speranza, dove tutto sembrava avanzare verso un miglioramento della società, dove l’aggettivo “moderno” era sinonimo di progresso e civiltà. Al boom economico corrispondevano aspettative sempre più alte, scolarizzazione di massa, mezzi di trasporto per tutti, vacanze, frigoriferi, automobili, supermercati, industrie che assumevano giornalmente, emigrazione dalla campagna in città. (E sarà proprio la differenza fra città e campagna l’argomento del seguito, Le straordinarie vacanze di Violetta.)\nDuecento anni di orgoglio e pregiudizio\n25 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #saggi\nSono passati più di duecento anni dalla pubblicazine di Pride and Prejudice di Jane Austen, un romanzo che non fu mai associato al nome dell’autrice durante la sua vita; per tutti, la Austen era, e rimaneva, la scrittrice di Ragione e Sentimento.\nEppure non c’è romanziere, inglese ma non solo, che non faccia in qualche modo riferimento a questo libro. Elisabeth Bennet e Mr Darcy fanno parte dell’immaginario britannico, dai continui riferimenti in pellicole e testi di successo - ne parlano Meg Ryan e Tom Hanks in C’è posta per te, scambiandosi tenere mail, ne sono una versione goffa e pasticciona Bridget Jones e Marc, guarda caso, Darcy - alle innumerevoli versioni holliwoodiane e bolliwoodiane che ne sono state tratte, per finire con la recente rivisitazione in chiave zombie, questo libro è nel dna anglosassone.\nTerminato nel 1797, dopo una pausa fra la prima e la seconda versione durata ben quattordici anni, e pubblicato nel 1813, non molto prima della morte dell’autrice, il romanzo si pone a cavallo fra settecento e ottocento, fra illuminismo e romanticismo.\nLa vita della Austen fu breve e ritirata, Praz, nella sua Storia della Letteratura inglese ne fa un ritratto che è, a nostro avviso, è una delle più brutte pagine di critica letteraria mai scritte. Tratteggia una donnina repressa, mai baciata da nessuno, la cui più grande emozione è quella del ballo. E meno male che poi si riscatta paragonandola a Vermeer, per l’attenzione ai particolari, per i ritratti d’ambiente e di personaggi al chiuso e all’aperto, nei salotti e nei prati.\n“Ammiriamo nella Austen,” ci dice, “la linda stesura notarile, la puntualità delle azioni e reazioni, come l’estremo limite dell’antiromantico, oltre il quale non c’è più arte ma mero discorso logico.”\nCerto è che quello descritto dalla Austen nei suoi romanzi – pochi, a dire il vero, ma tutti pietre miliari della storia della letteratura anglosassone (Emma, Sense and Sensibility, Northranger Abbey, Persuasion) - è, in effetti, un ecosistema ristretto, tre o quattro famiglie in zona rurale, lontane dalla scintillante capitale, dedite ai balli stagionali e alle visite reciproche. Conversation pieces, li definisce il Praz. La politica rimane fuori, gli avvenimenti storici sono lontani, il clangore delle battaglie non arriva nelle residenze di pietra, nella tranquilla campagna inglese, nei pascoli e nei boschi dove si passeggia motteggiando, dove i comportamenti e i vizi di certa borghesia dell’epoca sono messi sotto la lente d’ingrandimento e distorti, ridicolizzati, ingigantiti.\nNiente a che vedere con i romanzi di Smollett, di Richardson, di De Foe, niente di picaresco in Jane Austen, piuttosto di arguto, di salace, di pensato. Conversazioni garbate, molto di quel witticism che era ancora sulla scia del Pope e di Sterne, molto di sensato, di ragionevole, di proper, che deriva dalla saggistica illuminista. Ma se il secolo dei lumi tramonta, già si profila all’orizzonte l’impeto romantico – certo non declinato qui in Sturm und Drang o nel tumulto delle passioni brontiane – e la Austen, suo malgrado, ne risente, e il sentimento trapela, da un gesto, da una parola, da un dispiacere soffuso, da un tormento del cuore.\nIl pregiudizio è quello di Elisabeth, secondogenita della famiglia Bennet, intelligente e ribelle come il padre, il cui unico difetto è il lasciarsi influenzare dalle prime impressioni. Non a caso il titolo originario del romanzo era First Impressions.\nMr Darcy già precorre l’eroe romantico, tenebroso come il Rochester di Jane Eyre, bello, ricco e intrigante com’è nel sogno di ogni femmina dalla preistoria ad oggi. È suo l’orgoglio del titolo, che lo porta a lottare contro il suo stesso sentimento per Elisabeth, a reprimerlo, non considerando la famiglia di lei all’altezza della propria.\nAppartiene a loro lo spirito preromantico, mentre alla ridda di personaggi deformati dall’occhio critico, simili a figure della commedia goldoniana o del teatro di Moliere, compete l’aura settecentesca.\nSta proprio in questo, secondo noi, nel contrasto fra “ragione e sentimento”, il fascino che ancora oggi fa di Orgoglio e pregiudizio uno dei romanzi più letti al mondo.\nMore than two hundred years have passed since the publication of Pride and Prejudice by Jane Austen, a novel that was never associated with the author's name during her lifetime; for all, Austen was, and remained, the writer of Sense and Sensibility.\nYet there is no novelist, English but not only, who does not refer in any way to this book. Elisabeth Bennet and Mr Darcy are part of the British imagination, with continual references in films and successful texts - Meg Ryan and Tom Hanks talk about it in You’ve got mail, exchanging tender mail, Bridget Jones and Marc, coincidentally, Darcy, are an awkward and clumsy version - to the countless Holliwoodian and Bolliwoodian versions that have been drawn, to end with the recent reinterpretation in a zombie key, this book is in the Anglo-Saxon DNA.\nCompleted in 1797, after a pause between the first and second versions that lasted for fourteen years, and published in 1813, not long before the author's death, the novel straddles the eighteenth and nineteenth centuries, between Enlightenment and Romanticism.\nAusten's life was short and withdrawn, Praz, in his History of English Literature, makes a portrait of her which is, in our opinion, one of the ugliest pages of literary criticism ever written. He outlines a repressed woman, never kissed by anyone, whose greatest emotion is that of dancing. Luckily it is redeemed by comparing it to Vermeer, for the attention to detail, for the portraits of the environment and characters indoors and outdoors, in the living rooms and lawns.\n"We admire in Austen," he tells us, "the neat drafting of the notary, the punctuality of the actions and reactions, like the extreme limit of the anti-romantic, beyond which there is no longer art but a mere logical discourse."\nWhat is certain is that what Austen described in her novels - few, to be honest, but all milestones in the history of Anglo-Saxon literature (Emma, Sense and Sensibility, Northranger Abbey, Persuasion) - is, in fact, a restricted ecosystem, three or four families in a rural area, far from the glittering capital, dedicated to seasonal dances and reciprocal visits. Conversation pieces, defines them Praz. Politics remain outside, historical events are far away, the clang of the battles does not arrive in the stone residences, in the quiet English countryside, in the pastures and in the woods where you stroll around, where the behaviors and vices of a certain bourgeoisie of the time are put under the magnifying glass and distorted, ridiculed.\nNothing to do with the novels of Smollett, Richardson, De Foe, nothing picaresque in Jane Austen, rather witty, salacious, thoughtful. Polite conversations, much of that witticism that was still in the wake of the Pope and Sterne, very sensible, reasonable, proper, which derives from the Enlightenment nonfiction. But if the century of lights fades, the romantic impetus is already looming - certainly not declined here in Sturm und Drang or in the turmoil of the Brontian passions - and Austen, in spite of herself, suffers, and the feeling transpires, from a gesture, a word, a suffused sorrow, a torment of the heart.\nThe prejudice is that of Elisabeth, second daughter of the Bennet family, intelligent and rebellious like her father, whose only flaw is being influenced by first impressions. It is no coincidence that the original title of the novel was First Impressions.\nMr Darcy already anticipates the romantic hero, as dark as Jane Eyre's Rochester, beautiful, rich and intriguing as it is in the dream of every female from prehistory to today. His is the pride of the title, which leads him to fight against his own feeling for Elisabeth, to repress it, not considering her family at the height of his own.\nThe pre-romantic spirit belongs to them, while the eighteenth-century aura belongs to the crowd of characters deformed by the critical eye, similar to figures from the Goldonian comedy or the theater of Moliere.\nIt is precisely in this, in our opinion, in the contrast between "reason and feeling", the charm that still makes Pride and prejudice one of the most widely read novels in the world.\n24 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #saggi, #racconto\nLicinio Cappelli editore\nIl fiorentino Carlo Lorenzini (1826 – 1890), più noto al pubblico di grandi e piccini col nome di Collodi, mutuato dal paese materno, fu patriota delle guerre d’Indipendenza ma anche libraio, recensore, editore. Tradusse le fiabe francesi, fra le quali quelle celeberrime di Perrault.\nDiviso fra evasione e impegno, fra satira caricaturale della società e fuga nel fiabesco e nella fantasia, redasse numerosi testi ma il più famoso, quello per il quale è rimasto nell’immaginario collettivo, è Le Avventure di Pinocchio, scritto nel 1881 e pubblicato nel 1883. Con questo romanzo, uscito a puntate sul Giornale per i bambini, è stato capace di creare un personaggio immortale, quasi un archetipo junghiano: il burattino di legno che diventa bambino alla fine della storia come ricompensa per la buona condotta, modello del discolo dal cuore tenero, del bugiardo fantasioso. La diffusione del testo è stata enorme, da quando i diritti dell’opera sono scaduti, non si contano nemmeno più le traduzioni in tutte le lingue del mondo. Molte espressioni del libro sono diventate di uso comune, come “ridere a crepapelle” (dalla scena del serpente che muore per le risate) o “le bugie hanno le gambe corte e il naso lungo”, o “acchiappacitrulli”.\nIn bilico fra romanticismo e verismo, fra romanzo dai toni gotici (vedi l’impiccagione e gli spaventosi conigli becchini) e le miserie popolari dickensiane, è essenzialmente una narrazione picaresca con intento morale. La storia si svolge in un luogo imprecisato, a nord di Firenze, in un paese povero, animato da personaggi quasi verghiani, che conoscono una fame cronica.\n“Intanto incominciò a farsi notte, e Pinocchio, ricordandosi che non aveva mangiato nulla, sentì un’uggiolina allo stomaco, che somigliava moltissimo all’appetito.\nMa l’appetito nei ragazzi cammina presto; e difatti dopo pochi minuti l’appetito diventò fame, e la fame, dal vedere al non vedere, si convertì in una fame da lupi, una fame da tagliarsi col coltello.\nIl povero Pinocchio corse subito al focolare, dove c’era una pentola che bolliva e fece l’atto di scoperchiarla, per vedere che cosa ci fosse dentro, ma la pentola era dipinta sul muro. Figuratevi come restò. Il suo naso, che era già lungo, gli diventò più lungo almeno di quattro dita.”\nLa pentola dipinta è simbolo di un mondo di gente che s’ingegna con la fantasia per sopperire alle mancanze e a una vita di stenti, che trova buone anche bucce e torsoli perché li condisce col sale dell’appetito, che insegna ai propri figli a mettere da parte vizi, capricci ed esigenze ma, soprattutto, è un simbolo d’immaginazione creativa, di libertà dal bisogno contingente.\nA differenza del quasi contemporaneo Cuore di Edmondo de Amicis, del 1886, i toni romantici sono stemperati e gli ammonimenti morali fusi nelle figure, nei personaggi, nelle scene, nelle avventure. Il libro si basa tutto sui due poli dell’ordine e del disordine, fra il movimento anarcoide del burattino e uno statico rientro nei ranghi, fra la via maestra della morale e i viottoli secondari della fantasia.\n“Se fossi stato un ragazzino perbene, come ce n’è tanti; se avessi avuto voglia di studiare e di lavorare, se fossi rimasto in casa col mio povero babbo, a quest’ora non mi troverei qui, in mezzo ai campi, a fare il cane di guardia alla casa di un contadino.”\nL’insegnamento morale, l’educazione, i gendarmi, il giudice, la fata turchina, il “povero babbo”, tutto tende a istillare nel burattino sensi di colpa, a riportarlo sulla retta via, a reintegrarlo nel sistema, a fargli abbandonare l’infanzia per la maturità, per un grigio divenire uomo. Nella prima versione Pinocchio moriva, come conseguenza della sua dissennatezza e il romanzo si concludeva con la sequenza dell’impiccagione. Tuttavia, quelle stesse figure che assolvono il compito di guida e d’indirizzo morale, sono anche fortemente caricaturali e lasciano trapelare l’insofferenza dell’autore per un certo tipo di educazione rigida e soffocante del talento del bambino. E, infatti, l’accoglienza del testo non fu immediata, ne fu sconsigliata la lettura ai ragazzi di buona famiglia, in particolare suscitò scandalo il coinvolgimento dei carabinieri.\nMa quanta nostalgia prova il lettore, e anche l’autore stesso, per il burattino vivacissimo, bugiardo - dove per bugia intendiamo anche il libero dispiegamento di una fantasia creatrice e redentrice della misera realtà – il burattino dagli occhi maliziosi, dalle gambe ballerine, che svicola e si caccia neri guai?\n"- E il vecchio Pinocchio di legno dove si sarà nascosto?\n- Com'ero buffo, quand'ero un burattino!... e come ora son contento di essere diventato un ragazzino perbene –"\nChe Pinocchio sia contento non traspare certo dalla malinconia generale di cui è avvolta la scena, che sa di commiato, di funerale, a contrasto con l’allegria delle impertinenti marachelle e delle ribellioni. La bugia più grossa Pinocchio la dice a se stesso, negando la propria natura per conformarsi a un ideale che non sente suo ma al quale si piega per convenienza e per dovere, per spirito di sacrificio e abnegazione. Sacrificio, abnegazione, senso del dovere che hanno costituito per troppo tempo l’unico fondamento dell’educazione e che oggi, al contrario, sono spariti nel nulla.\nLa discesa nel ventre della balena può apparire ai lettori odierni un simbolo ovvio ma non lo era per quei tempi. Ci sarebbero voluti ancora tredici anni, infatti, perché Freud parlasse di psicanalisi e inconscio.\nIl linguaggio dell’opera è vivo, popolare, ricco di fiorentinismi e di proverbi poi entrati nella lingua comune.\nPinocchio di Collodi è stato uno dei libri più imitati. Si sviluppò anche una letteratura parallela – quasi una fanfiction – con protagonista il burattino, che prese il nome di “Pinocchiate”. Nel 36 Tolstoj ne scrisse una versione alternativa che si discosta molto dall’originale. Nel 1940 Disney ne fece una celebre trasposizione a cartoni animati. Da ricordare anche l’adattamento de “Le fiabe sonore “dei fratelli Grimm, con la voce di Paolo Poli, lo sceneggiato di Comencini del 1972 e, più recentemente, il film di Benigni.\nE questa, invece, è la mia versione personale.\nTrentadue anni e mezzo erano passati da quando Pinocchio non era più un burattino di legno, però, ogni volta che mentiva, il suo naso – l’antenna impertinente che la natura protendeva fuori della sua testa – ancora si trasformava. Era sempre un evento spiacevole ed imbarazzante. L’ultima volta il fattaccio era accaduto sul locale Firenze-Prato e Pinocchio aveva fatto il viaggio chiuso nella toelette nell’attesa che gli passasse. Quel giorno, ricordava, aveva sparato una balla all’uomo seduto di fianco, esagerando l’abilità del proprio cane da caccia.\nTornò a guardarsi nella vetrina. Vide un bell’uomo elegante sui quaranta. Era cambiato parecchio da quando le sue scorribande con Lucignolo mettevano a soqquadro il paese e facevano disperare il povero babbo. L’antica struttura di frassino, a ben guardare, si era conservata nelle giunture, un po’ rigide per la sua età, e nelle onde rade e scolpite dei capelli. Ma a tradirlo davvero era sempre e solo il naso. Indisciplinato e puntuto, pronto a trasformarsi in legno nei momenti meno opportuni. Come ora, con questo nevischio ghiacciato che gli tagliava la faccia.\nEppure, davanti alla vetrina dei computer, l’ingegner Pinocchio non aveva detto nessuna delle sue solite bugie. Non aveva gonfiato la potenza dell’auto, le acrobazie del pene, le tette della segretaria. Non aveva soffiato il progetto ad un collega. Non aveva lusingato nessuno, non aveva fatto complimenti ad arte per ingraziarsi i superiori. Non riusciva proprio a capire dove potesse aver sbagliato.\nPerò cominciava a sentirsi stranamente bene. La sala di proiezione era come un utero accogliente. Lui era immerso nel lago di bagliori che piovevano dallo schermo e il calore gli si stava propagando dal naso al resto del corpo. Strinse il pezzo di legno fra le dita. Era come avere fra le mani una tazza di caffè caldo, una stufa accesa. Chiuse gli occhi.\nAmava il teatro, amava Lucignolo e persino il Gatto e la Volpe. Amava anche la fata, ma solo quando gli si mostrava sotto forma di lucida lumaca o di capretta azzurra.\n23 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #saggi\nPiù volte abbiamo sostenuto la mancanza di una narrativa prettamente italiana, intesa come grande tradizione romanzesca di ampio respiro. Ciò dipende dal ritardo con cui questo genere da noi si è affermato, a causa della lentezza nello sviluppo del ceto medio, cioè “que’cittadini” (come chi vi parla) collocati dalla fortuna fra l’idiota e il letterato” (Foscolo).\nIl romanzo ha il suo impulso nel settecento, in Inghilterra prima e in Francia in un secondo tempo. In Italia, come in Germania o in Spagna, il ceto medio non si è ancora sviluppato come classe pensante e altamente produttiva, in un mondo ancora dominato dall’aristocrazia. Il settecento è il secolo di Defoe, Swift, Richardson, Fielding, della Radcliffe, di Voltaire, di Rousseau, di Choderclos de Laclos.\nSorge insieme al giornalismo, il romanzo, in un clima di diffuso e crescente interesse per la lettura, nonostante l’alto costo dei libri e delle candele, nonostante la nefasta tassa sulle finestre e la mancanza di tempo delle classi lavoratrici. Il costo di un romanzo equivale al salario di una settimana, laddove il dramma elisabettiano era stato, invece, alla portata di tutti con l’ingresso al Globe che costava quanto un boccale di birra.\nLa lettura di romanzi s’incrementa dopo il 1742, con il successo delle biblioteche circolanti. La classe mercantile e borghese comincia a sfogliare storie per divertimento, leggere diviene sempre più un’occupazione femminile. Pamela di Richardson è l’eroina di una generazione di cameriere letterate, domestiche di famiglie facoltose con accesso alle biblioteche dei propri datori di lavoro. Il romanzo avrà lo stesso successo di popolo dello sceneggiato televisivo che Cinzia Th Torrini ne ha oggi tratto, il famoso Elisa di Rivombrosa.\nÈ in questo periodo che cominciano a distinguersi i generi, il romanzo picaresco in primis, poi quello gotico e quello epistolare. Si crea una tendenza alla simulazione del vero, un effetto realtà dato dalla finzione del manoscritto ritrovato in soffitta, dell’epistolario rintracciato casualmente in un baule. L’autore si finge solo curatore del testo. Si afferma l’uso della prima persona narrativa, l’io diventa garante della verità, il privato dà spessore e avallo al pubblico. Ma questo romanzo settecentesco figlio della borghesia mercantile ricopre ancora una funzione edificante, attua uno schema lineare per il quale la felicità del singolo coincide alla fine con quella della società. Tuttavia, sul finire del settecento e con l’affacciarsi sulla scena dei primi sussulti romantici, questo schema s’incrina. Già Laclos e Sade avevano ribaltato valori e finali, mostrando che la virtù non sempre ottiene ricompensa, com’era per Richardson. E se in Inghilterra Jane Austen si tiene in equilibrio fra illuminismo e preromanticismo, fra razionalità e sentimento, in Italia Foscolo, con Le ultime lettere di Jacopo Ortis si rifà al Werther di Goethe e smette d’identificarsi con la comunità ma anzi, opera uno strappo bruciante. L’individuo deluso si stacca dalla società, si parcellizza, si mette in contrasto con ciò che lo ha prodotto e lo circonda, fino all’estrema ribellione del suicidio.\nLo storicismo romantico, la rivalutazione del passato come spiegazione del presente e molla verso il futuro, produce poi il romanzo storico, di cui è capostipite Walter Scott. Il romanzo gotico della Radcliffe, di Horace Walpole e di Monk Lewis aveva già attinto a una ambientazione genericamente medievale, con i temi ricorrenti della vergine insidiata, del persecutore diabolico, delle tetre segrete sotterranee nel cupo maniero. In Scott, tuttavia, è la prima volta che il carattere dei personaggi deriva direttamente dal background storico che lo ha prodotto, superando il sensazionalismo.\nQuando nel 1821 Manzoni scrive I Promessi Sposi, compie una scelta di radicale rottura, usando un genere disprezzato dai letterati che, allora come oggi, si gloriavano della mancanza in Italia di una tradizione romanzesca. I Promessi Sposi diventano un caso editoriale, le copie vanno a ruba e suscitano nei decenni successivi il proliferare di romanzi storici, in particolare quelli di Tommaso Grossi, Francesco Domenico Guerrazzi e Massimo D’Azeglio.\nIl romanzo storico, sia che abbia come scopo il diletto, sia che miri all’edificazione e al progresso, si radica sempre più nel costume della borghesia e si diffonde in modo insperato. La maggior parte degli autori è settentrionale, scrive una prosa classicista, ravvivata da dialoghi tratti dall’esperienza teatrale e con una lingua impastata di toscano moderno. Questo contribuisce alla creazione di una lingua media comune, rappresentativa del livello culturale raggiunto dalla borghesia postrestaurazione.\nIl romanzo storico confluisce con naturalezza nel filone positivista e naturalista che s’impone in tutta Europa alla metà dell’ottocento, sulla scia di Comte. Se Balzac e Flaubert si possono considerare precursori del naturalismo, il maggiore rappresentante è Emile Zolà. Molti suoi romanzi raggiungono una tiratura altissima e ottengono sia consensi sia disapprovazione. Meno incisiva l’influenza del positivismo sulla narrativa inglese che pure segue anche il grande filone sociale alla Dickens. Notevolissimo, invece, l’influsso positivista sul grande romanzo russo (Gogol, Turgeniev, Dostoevskij, Tolstoj, Cechov).\nIl feuilleton, o romanzo d’appendice, viene pubblicato a puntate sui giornali e ha un grande seguito popolare. I lettori s’identificano con gli eroi, si appassionano alle loro peripezie, gioiscono del loro riscatto finale. I misteri di Parigi di Sue e Il conte di Montecristo di Dumas diventano best seller.\nIl romanzo rosa segue sempre gli stessi schemi, dall’ottocento agli Harmony, in sostanza reinventando la favola di Cenerentola, della bella e povera dal cuore semplice che conquista il ricco e tenebroso (declinato in tutte le salse, dall’eroe byronico e demoniaco, fino all’odierno sadico Mr Gray delle Cinquanta Sfumature di Grigio), scavalcando rivali più blasonate. In conclusione si ha il lieto fine, con la conciliazione degli opposti: matrimonio e passione.\nIl romanzo d’avventura ha le sue vette in Verne e Salgari, quello poliziesco in Conan Doyle, con l’urbanizzazione, l’aumento della criminalità, lo sviluppo della scienza positivista applicata alle investigazioni, ma anche in Agatha Christie, Van Dine (creatore di Philo Vance), Edgar Wallace, e, più tardi, quello gangster in Dashell Hammett e Raymond Chandler.\nSi sviluppa nel frattempo l’industria editoriale, con numerose case editrici che diffondono sul mercato prodotti letterari in edizioni popolari, come accade in Italia per l’editore Sonzogno. Si moltiplicano le riviste nelle quali trovano spazio la critica militante, la polemica letteraria, le recensioni, i romanzi a puntate. Ci si rivolge a un pubblico di nuovi utenti di estrazione piccolo borghese o operaia, il romanzo diventa un genere di consumo con Tarchetti, Verga, Capuana, D’Annunzio, De Amicis. Si abbandonano i soggetti storici in favore di quelli contemporanei. Tutta la produzione della seconda metà dell’ottocento è sotto il segno del realismo, con attenzione per la questione sociale non risolta dall’unità d’Italia. Ci si limita, però, spesso, a un atteggiamento pietistico e genericamente umanitario verso le classi meno abbienti, al sottoproletariato urbano e rurale rappresentato con un linguaggio che vira dal classicheggiante al finto plebeo, laddove la figura dell’operaio non trova ancora spazio. (Cuore di De Amicis o Il ventre di Napoli di Matilde Serao).\nAncora una volta, il romanzo più popolare ha maggiore sviluppo nel resto d’Europa che in Italia. Mentre all’estero si spazia dal romanzo ideologico di Sue e Hugo, a quello storico di Dumas, a quello poliziesco di Ponson du Terrail e di Sir Arthur Conan Doyle, a quello gotico della Radcliffe, a quello scientifico avventuroso di Verne, in Italia rimane incolmabile la distanza fra scrittori e popolo, fra intellettuali e gente comune, e la nostra produzione di romanzi popolari resta confinata a Carolina Invernizio, Ada Negri, Matilde Serao e Mastriani de La cieca di Sorrento, che ha un successo strepitoso.\nÈ sempre anglosassone la migliore produzione narrativa della fine dell’ottocento. Negli Stati Uniti nascono capolavori come La lettera scarlatta di Hawthorne e Moby Dick di Melville. In Inghilterra Kipling, Stevenson e Wells (considerato il padre della fantascienza) sfruttano le possibilità della narrativa fantastica e avventurosa per esprimere problemi e conflitti del loro tempo. James elabora la tecnica del punto di vista circoscritto, ripresa poi da Conrad.\nDa noi, influenzato da Huysmans, D’Annunzio crea il personaggio di Andrea Sperelli, primo vero eroe decadente alla stregua del Dorian Gray di Wilde. Pirandello e Svevo si allacciano alla tradizione europea di Proust, Kafka, Musil, Joyce e V.Woolf, aprendo una prospettiva di ricerca. La costruzione coerente del personaggio e la realtà oggettiva dei fatti perdono d’importanza, il personaggio diventa “coscienza” e si muove avanti e indietro nella memoria, nel flusso di pensiero e dell’inconscio, appena scoperto da Freud e da Jung. Il romanzo diventa saggio, narrazione d’idee, perché l’elemento riflessivo prevale su quello narrativo, ciò avviene in particolare in Thomas Mann.\nMentre in Europa ci si allontana sempre più dal naturalismo, negli Stati Uniti si sperimenta un nuovo realismo, un modo di narrare asciutto, sintetico, che lascia parlare i fatti con Faulkner, Hemingway, Steinbeck, Dos Passos, scoperti e tradotti in Italia da Pavese e Vittorini.\nQui da noi il divario fra letteratura alta e bassa si approfondisce, si stabilizza un vero e proprio doppio mercato delle lettere, da una parte i romanzi di consumo (Pitigrilli, Da Verona, Liala) dall’altra gli intellettuali che scrivono per altri intellettuali (Vittorini, Bilenchi, Moravia, Landolfi, Buzzati). Bisogna aspettare gli anni trenta perché il romanzo si affermi definitivamente come forma d’arte. È del 1929 il numero di Solaria dedicato a Svevo e nello stesso anno esce Gli Indifferenti di Moravia.\nS’intrecciano tendenze opposte che vanno sia nel senso di un nuovo realismo – scrittori che recuperano la tradizione regionalista e naturalista arricchendola di una dimensione psicologica, con Silone, Pavese, Vittorini, Pratolini - sia di un realismo di tipo magico con Bontempelli, Landolfi, Alvaro.\nIn Francia Sartre e Camus scrivono romanzi intellettuali, raccontando l’assurdità e il vuoto dell’esistenza. Tutti i procedimenti volti a destrutturare il romanzo tradizionale, come il monologo interiore o il flusso di coscienza, sono portati alle estreme conseguenze. In particolare con Robbe – Grillet la coscienza diventa attività psichica percettiva in senso fenomenologico. Anche Beckett rappresenta la solitudine, l’incomunicabilità e l’alienazione dell’uomo moderno. La divisione in generi perde molto del suo significato, diventa difficile distinguere fra diario, saggio, riflessione, conversazione.\nIntanto da noi il neorealismo postbellico si distingue nettamente dal nuovo realismo degli anni trenta che è prettamente letterario. Il termine, mutuato dal cinema, comporta precise esigenze sociali. I modelli continuano a essere Verga e gli americani, ma i romanzi diventano sempre più socialmente impegnati, realistici, antidecadenti, con un ritorno alla tradizione, appesantita, però, dall’ideologia.\nEspressione più alta del neorealismo è Pratolini in Cronache di poveri amanti, ma sono fondamentali anche Rea, Brancati, Tobino, Berto, Fenoglio.\nCon la crisi del neorealismo, si sperimentano e si cercano nuove tecniche espressive. In Pasolini il realismo diventa populismo che crea una identificazione mimetica, attraverso il linguaggio dell’autore piccolo borghese, con un proletariato vagheggiato e mitizzato. In Ragazzi di vita i protagonisti parlano un dialetto ricostruito in modo filologico ma l’autore si fa comunque sentire nelle descrizioni liriche.\nCalvino elabora la sua vena fantastica, mentre Sciascia, Cassola, Bassani, la Ginzburg, la Ortese, Pomilio e Piovene sperimentano ognuno con il proprio stile. Il romanzo storico viene rivisitato in chiave moderna da Tomasi di Lampedusa e dalla Morante.\nDalla fine della guerra agli anni sessanta, realismo e soggettivismo continuano ad alternarsi nella narrativa di tutto il mondo, dalla Yourcenair a Brecht, da Böll a Grass. In Russia scoppia il caso de Il dottor Zivago di Pasternak, censurato e costretto dal regime sovietico a non accettare il premio Nobel, mentre Bulgakov sorprende col suo “romanzo nel romanzo”, Il maestro e Margherita. Negli Stati Uniti si affermano romanzieri afroamericani ed ebrei, fra questi il più importante è Saul Bellow. Accanto a lui abbiamo Roth, Malamud, Mailer, e la beat generation scatenatasi nella scia di On the Road di Keruac, collegata al jazz, agli allucinogeni, alla spiritualità orientale. C’è un rivalutazione e una presa di coscienza delle minoranze etniche, si afferma anche il minimalismo di Carver, uno stile piatto che esclude volontariamente il coinvolgimento del lettore. La contestazione coinvolge anche gli altri paesi anglofoni, soprattutto le ex colonie. Grande rilievo acquista la letteratura sudamericana con il gioco di specchi dell’argentino Borges e la fantasia del colombiano Marquez nel suo capolavoro assoluto Cent’anni di solitudine.\nIntanto, da noi, lentamente il mondo industriale scivola dentro la realtà romanzesca con il tema dell’alienazione, dell’uomo robot, in Ottieri, Parise de Il padrone, Bianciardi de La vita agra, Arpino. La macchina culturale si articola sempre più in grandi apparati come la Rai, il cinema, l’editoria, la scuola. Libri e film diventano merci, gli editori manager che si occupano di marketing, e si punta al profitto. Si consolidano i grandi gruppi editoriali a scapito delle piccole case editrici artigianali. Dalla strategia delle due culture si passa a un’unica cultura che le comprende tutte. Fra il 62 e il 65 c’è un boom delle enciclopedie a fascicoli e delle pubblicazioni in edicola. La collezione Oscar Mondadori divulga opere di ogni genere, alte e basse, la scolarizzazione diventa generale, l’università non è più di elite. L’intellettuale diventa un lavoratore, spesso disoccupato o precario.\nA questa cultura di massa si oppone la neoavanguardia del Gruppo 63 che decreta la fine del romanzo borghese, la sua morte con Sanguineti e Balestrini. La contestazione del 68 riporta l’intellettuale nel mondo e il processo di massificazione della cultura riprende (per fortuna, diciamo noi). La Trivialliteratur riacquista pregio e diffusione, l’industria culturale si rivolge a tutti e individua settori che tirano, ad esempio il mondo femminile o quello giovanile, e chi sa rappresentare uno di questi settori può diventarne autore.\nSimenon in Francia e Scerbanenco in Italia ridanno impulso al genere poliziesco di qualità, Peverelli e Gasperini portano avanti una tradizione rosa che non sa svincolarsi dalla tradizione, sempre legata a eroine come quelle di Liala, punite con la morte se appena trasgressive, ancora legate all’immagine di donna che ama e non ha appetiti sessuali.\nMa di pari passo continuano ad agire intellettuali puri come d’Arrigo e Eco, sebbene sempre più la sperimentazione neoavanguardistica si spenga nel ritorno alla tradizione. Il clima postsessantottesco favorisce un reflusso nel privato e nel regionalismo (Tomizza, Sgorlon) L’affermarsi del’istituzione del premio letterario fa sì che le scelte del pubblico siano fortemente influenzate.\nDopo gli anni settanta, la fantascienza prosegue il suo cammino e, durante gli ottanta, si sviluppa la fantasy, con il grande capostipite Tolkien ma anche altri autori di spicco (Terry Brooks, Marion Zimmer Bradley, per citarne alcuni, a loro volta discendenti di una tradizione che spazia da Poe a Reider Haggard, fino ai più recenti Sprague de Camp e Lin Carter).\nUno dei maggiori successi editoriali degli ultimi anni, con il quale concludiamo il nostro breve excursus non certo esaustivo, è Il nome della rosa di Eco, a più piani di lettura: giallo, romanzo storico, romanzo filosofico. Questa è la tendenza della narrativa di oggi, quella di svolgersi su più livelli, accontentando varie tipologie di lettori, sia coloro che cercano una letteratura ricca di sfumature, significati e simboli, sia chi desidera solo seguire una bella storia.\nDalla fine degli anni ottanta fino al collettivo Wu Ming del 93 - col manifesto della nuova epica italiana - di acqua sotto i ponti ne è passata, ma è ancora acqua recente e difficilmente analizzabile. In particolare, negli ultimi tempi, Internet ha ulteriormente massificato l’atto dello scrivere, facendo sì che chiunque abbia talento, o anche solo velleità narrative, possa comunicare senza più filtri editoriali, addirittura senza nemmeno essere pubblicato. Ormai persino il testo inedito ha una sua diffusione e il romanzo è diventato transmediale, collettivo, con possibilità di evolversi e cambiare attraverso spin - off e fanfiction dei lettori. Esiste persino un fenomeno di “decostruzione”, in cui i testi messi in rete, addirittura i classici, vengono destrutturati, ripresi, modificati a insaputa dell’autore (chi vi parla ne è stata vittima con un suo racconto.) Non ci è dato sapere se questo è il futuro, e, se sì, è comunque un futuro inquietante.\nIn conclusione, pensiamo che nessuno ha il monopolio del talento. Come dimostra questa sintesi, ci sono sempre stati nella narrativa corsi e ricorsi, flussi e riflussi. Tutti gli stili, tutte le forme, tutti i generi hanno avuto e hanno pari dignità. La vecchia antitesi fra avanguardia surreale e narrazione tradizionale, fra letteratura alta e bassa, ci sembra che debba essere finalmente superata e che sarebbe l’ora che anche da noi si sviluppasse una grande narrativa, capace di collocarsi nel solco di una tradizione più ampia della nostra così provinciale, una narrativa dove ci fosse posto per tutte le correnti e le forme, dal fantastico al reale, dal sentimento all’intelletto, dal simbolo all’intreccio.\nLuca Raimondi, "Se avessi previsto tutto questo"\n22 Marzo 2016 , Scritto da Patrizia Poli Con tag #poli patrizia, #recensioni\nQuesto genere di romanzi suscita interesse non per la trama e nemmeno per lo stile che, pur corretto, è originale solo nell’alternanza fra colloquiale e scolastico. Semmai come specchio, più che di una generazione – Se avessi previsto tutto questo, di Luca Raimondi, è ambientato negli anni novanta, a raccontarcelo ci sono tanti piccoli particolari e la colonna sonora musicale – piuttosto di un clima, di un’atmosfera, riconducibile a quella odierna, di giovani immersi in un precariato che non è solo lavorativo ma si estende a tutti gli aspetti della vita, dallo studio, all’etica, ai sentimenti. È un precariato morale, di valori, di interessi, di cultura, di passioni. Una generazione che va dagli anni novanta fino al 2016, che ingloba diciottenni e quarantenni e si caratterizza per un assenza di centro, di riferimenti, di coinvolgimento reale. Una generazione che galleggia nel vuoto, con una depressione strisciante e un’assenza totale di scopo o direzione.\nIl lavoro non c’è e nemmeno si cerca. Lo studio non piace, si resta parcheggiati in università per darsi un tono e perché si pensa di meritare “qualcosa di più" di una occupazione manuale. Le giornate consistono in un ciondolare qua e là, fingendo di fare, pronti ad interrompersi al minimo richiamo e a rimandare gli impegni. Il tempo si srotola inutile fino a sera, quando si parte alla ricerca di compagnia, che non è mai amicizia vera, e di alcol, di droga, di sesso. In cima a tutto c’è il mito dell’amore ma, in realtà, l’impegno spaventa.\nCarlo Piras, il protagonista di questo romanzo, è un personaggio tutto sommato sgradevole, pronto a tradire i suoi amici cercando di soffiar loro la ragazza. La sua mancanza di scrupoli ci sembra troppo dichiarata e sincera, ci pone di fronte a zone della nostra umanità che preferiremmo non vedere. Chi di noi non ha mai spiato il partner o la partner di un'amica o un amico, sperando che quegli occhi si posassero su di noi invece che sul fidanzato o la fidanzata legittimi?\nCarlo Piras non è innamorato, ha solo bisogno di uscire dalla sua condizione di timido gregario, asociale e fuori posto ovunque.\n"Carlo prova ancora una volta la sensazione di trovasi da solo in mezzo alla folla, di essere un'anima che cerca qualche raccordo con il mondo ma non lo trova, forse perché non lo desidera abbastanza ." (pag 48)\nParadossalmente, ottiene status e dignità solo alla fine, quando dà il peggio di sé ma lo fa senza vergogna o finte remore, dichiarando apertamente le sue brame. L’ironia con cui l’autore lo guarda non basta, però, a rendercelo simpatico.\nLa parte migliore del romanzo è data dalla poetica della nostalgia, onnipresente e trasversale nella scrittura di questo inizio millennio, dove tutto finisce troppo in fretta e la paura di perdere quel poco che abbiamo avuto o siamo stati accomuna giovani e vecchi. Mentre la vita ancora ha da prender forma, la nostalgia, la bestia che ci azzanna e non ci molla mai, è già in agguato.\n"I suoi ex compagni appartengono a un'epoca scandita da rituali che non sono più in vigore: la campanella delle otto e trenta, le interrogazioni dei prof, le discussioni durante i dieci minuti dell'intervallo, le ore di educazione fisica trascorse a passeggiare al centro sportivo parlando del più e del meno. Momenti, attimi, che non si ripresenteranno più. E ora che i loro destini sono, al di là dell'attuale apparenza, divergenti, non si riesce a ricreare l'atmosfera di una volta e non rimane che il triste e un po' patetico tentativo di retrocedee all'atmosfera di quei cinque anni trascorsi assieme." (pag 168)\n21 Marzo 2016 , Scritto da Valentino Appoloni Con tag #valentino appoloni, #storia\nDi cosa tratta il libro? La storia si sviluppa con indubbia originalità di costruzione su due piani temporali e spaziali: il protagonista è in viaggio in treno col padre da Milano verso Foggia dove il genitore deve ricevere un'eredità. Siamo nel secondo dopoguerra. Il racconto del viaggio si accompagna a vari ricordi dell'infanzia e della giovinezza, vissute a Milano, in una casa vicino alla ferrovia, con descrizioni di luoghi e ambienti molto curate. Mentre si scende verso sud, il giovane, ora uomo maturo, ripensa con sofferenza agli anni del regime e della guerra e al viluppo di contrasti familiari che ancora lo tormentano. Il significativo sottotitolo dell’opera è infatti La caduta del fascismo visto all’interno di una famiglia piccolo-borghese. Il padre era un convinto fascista; severo, autoritario, coerente fino alla fine con le sue idee, nonostante lo sfacelo avanzante.\nA distanza di tanti anni il figlio cerca di parlare a quel genitore duro come un macigno, capace di tradire la moglie e di lasciare la famiglia nel momento peggiore. Sente di avere tredici ore, quelle del viaggio, per costruire un dialogo che non c'è mai stato prima e avere un chiarimento non più rimandabile; è un piccolo processo a una generazione che affollò acriticamente le piazze, portando il paese al baratro. La vicenda quindi ha alcuni aspetti di universalità per la società del tempo. Colpe politiche e familiari si accavallano, aggravate dall’orgoglio di chi non sente il bisogno di doversi scusare. Stazione dopo stazione, si sviluppa la tensione dovuta a questo storico vuoto di parole e di significato, a tanti silenzi e asti che hanno reso estranei tra loro i due viaggiatori. Tredici ore per iniziare a confrontarsi, in un’Italia ormai cambiata. In fondo sono uomini non così diversi: il padre odiava i voltagabbana, ma anche il figlio rompe i ponti con chi si è arricchito col mercato nero, ha vezzeggiato i tedeschi per poi finire nei cortei dei partigiani vittoriosi.\nIl padre peraltro era un idealista; non si curava di dare particolari vantaggi materiali alla sua famiglia in crescente difficoltà. Quanto faceva per il regime, di cui era uno dei tanti anonimi ingranaggi, lo faceva per pura convinzione ideale. Ma non ha mai voluto dialogare e ascoltare, in quanto prigioniero della propria arrogante superiorità. Ora il figlio, pur arrabbiato, è quasi pronto a perdonare, come implicitamente gli ha insegnato il signor Ottavio, ex condannato al confino e poi partigiano, che tornò a Milano nel 1945, vincitore ma senza boria. Ottavio era stato decisivo nel formare il protagonista, più con l’esempio che con i discorsi. Gli spiegò, ad esempio, che ogni scelta è politica; quale film vedere o quale libro leggere, sosteneva, sono decisioni politiche, legate a valori e principi, non sono atti da fare acriticamente in nome di un conformismo di convenienza.\nMa per perdonare, devono pur sgorgare parole nuove da quel padre così poco esemplare che ha saputo insegnare solo come esempio negativo.\nLa tensione che si crea intorno al discorso tra i due, continuamente rimandato, mentre ormai la periferia di Foggia si avvicina, è la parte più bella; solo le ultime pagine diranno se la non facile disponibilità al perdono troverà, finalmente, le necessarie parole di rincrescimento dal vecchio genitore. D'altronde, se il libro invita a voltare pagina dopo tante sofferenze, esso spiega anche che una comprensione del passato sembra comunque irrinunciabile, pur a distanza di molti anni.


Vicenza, Filt Cgil: "Serve la nuova autostazione Svt"\nRedazione 7 Gennaio 2019\tVicenza, vicenzareport\nVicenza – “Il sindaco di Vicenza, e presidente della Provincia, Francesco Rucco, ha visitato nei giorni scorsi l’autostazione cittadina di Svt, in Viale Milano, dopo aver ricevuto diverse segnalazioni a proposito del suo stato di degrado. Ringraziamo il sindaco per aver espresso, con questa visita, la sua vicinanza ed attenzione agli utenti ed alla collettività in materia di sicurezza, tema su quale, secondo lui, in passato nulla è stato fatto”.\nE’ quanto scrive in una nota la segretaria della Fil Cgil vicentina Valeria Di Giorgio, che non manca comunque di sottilineare come il sindacato sia sempre stato attento sui temi della sicurezza, non solo per gli utenti, ma anche per il personale di Svt, che lavora tutti i giorni in condizioni anche difficili.\n“Basta vedere quanto fatto in passato – ricorda la sindacalista – quando non solo eravamo riusciti a firmare un protocollo d’intesa con le forze dell’ordine, ma addirittura, eravamo riusciti, con la vecchia amministrazione, a far mettere le guardie giurate sia in autostazione che a bordo degli autobus, iniziativa che la nuova gestione ha invece bocciato. Per quanto riguarda i lavori da fare in autostazione (tornelli, bagni, videosorveglianza, ecc…), ci avevano risposto, qualche anno fa, che con il progetto della Tav non potevano essere fatti investimenti, in quanto la stazione dei bus doveva essere rasa al suolo e trasferita in zona fiera”.\n“Ora – continua Di Giorgio – chiediamo alla proprietà: si può ristrutturare o no l’autostazione di Vicenza? Lavori da fare ce ne sarebbero tanti. Inoltre auspichiamo l’attenzione del sindaco anche verso il personale dipendente di Svt, che ancora oggi, a parità di lavoro, ha trattamenti salariali da correggere”.\nLa Filt Cgil ricorda inoltre come la fusione in Svt di Aim e Ftv, avvenuta nel marzo del 2016, abbia lasciato aperte varie questioni. Ad esempio è iniziato un processo di esteriorizzazione che non si è fermato, il parco macchine è vecchio, la manutenzione è difficile perché non si assumono meccanici qualificati da anni “e lo testimoniano – sottolinea la sindacalista – i vari incidenti accaduti ultimamente, che non possiamo correre il rischio si ripetano”.\n“Svt – aggiunge – era nata per unire Aim e Ftv, perché due aziende erano troppe in città, ma alla fine, con le esteriorizzazioni, ne sono state create tante, risparmiando solo ed esclusivamente sul costo del lavoro a scapito della qualità del trasporto vicentino, che per anni è stato ai primi posti in Italia. Per riconquistare la qualità perduta Svt ha bisogno di un’autostazione funzionante, di personale qualificato e non sfruttato, mezzi nuovi, servizio svolto da personale interno, efficientismi aziendali. Chiederemo un incontro con il sindaco e presidente della Provincia Francesco Rucco”.


Articoli Vacanze Italia Sei città italiane dove ammirare opere di Street Art\nLa street art o arte urbana è una forma d’arte pubblica, spesso illegale, che si manifesta in diverse forme: dagli adesivi artistici ai veri e propri “murales” creati con bombolette spray. In Italia la Street Art è praticamente dappertutto ma ci sono alcune città in cui potrai trovare davvero delle opere d’arte da non perdere.\nDal quartiere Ticinese a Isola, anche il capoluogo lombardo è pieno di interessantissimi esempi di Street Art. Milano è stata infatti una delle prime città italiane ad essere interessata dall’arte urbana, soprattutto grazie ai murali politici di Davide “Atomo” Tinelli negli anni Ottanta. Oggi sono numerose le opere e gli artisti che popolano i più disparati angoli della città: opere di Blu e Orticanoodles ma anche 2501, Millo e gli “omini rosa” dello street artist Aluà.\nAttorno alla Fondazione Prada si sviluppa un importante punto di riferimento per l’arte contemporanea e, in via Brembo, potrai ammirare e fotografare i murales di 2501 e Zed1. Visita il quartiere Ticinese (Corso di Porta Ticinese o Via Vigevano), oppure Isola, vicino ai suggestivi grattacieli di Porta Nuova. Di livello qualitativo particolarmente elevato è la serie di ritratti di milanesi famosi lungo Via Mercalli e Piazza Cardinal Ferrari. Di fronte, troverai il lettering quasi gotico di Ivan Tresoldi.\nBologna è la “città ideale” per la street art e tutt’ora rimane saldo l’asse Milano-Bologna-Roma per studiare gli sviluppi del genere. Dalla zona universitaria al quartiere San Donato, nel capoluogo dell’Emilia i murali urbani sono apparsi sin dagli anni Ottanta, e poi cresciuti grazie a una serie di progetti sostenuti da enti pubblici e non . Potrai infatti trovare splendide (ed illegali!) opere di Alice Pasquini in Via del Pratello, Via Mascarella, Via Centotrecento e Via Zamboni. Una serie di interventi promossi, invece, dall’amministrazione locale si trova su Via Stalingrado, con la riqualificazione di una fabbrica dismessa. Nei soggetti delle opere sono frequenti i tributi alla canzone d’autore bolognese, come opere dedicate all’amatissimo Lucio Dalla. A Bologna, insomma, troverai innumerevoli opere dall’altissimo valore artistico.\nDa San Lorenzo ad Ostiense, nella capitale troverai diversi quartieri impreziositi da opere di Street Art. A Roma il passato abbraccia il futuro e, da alcuni anni, la città è una delle nuove capitali europee della Street Art. Scoprire la Street Art della capitale significa avventurarsi in un itinerario che attraversa circa 150 strade e 30 quartieri, dal centro alle periferie. Sono oltre 400 le opere realizzate negli ultimi anni da artisti italiani ed internazionali. Da Testaccio a Tor Marancia, passando per Pigneto, Tor Pignattara, Quadraro e San Basilio. Troverai opere di Alice Pasquini, Blu, Omino71 e Iena Cruz, tra gli altri. Notevole il progetto GRAArt è promosso da Anas e Ministero dei Beni Culturali per valorizzare le infrastrutture del Grande Raccordo Anulare e riqualificare le periferie.\nNel 1999 nasce l’intesa tra la street art e la Città di Torino con lo sviluppo del progetto MurArte, fortemente voluto dall’amministrazione, che prevede la realizzazione di interventi di writers su specifiche superfici: muri di cinta, parchi pubblici o spazi messi a disposizione dalla cittadinanza. Una realtà che ha portato, negli anni, a un incredibile coinvolgimento di scuole e quartieri con la nascita di tantissime associazioni e collettivi di artisti. Ad esempio, nel 2014 il quartiere Barriera di Milano è stato oggetto di un importante progetto di riqualificazione a sostegno all’arte contemporanea. Ben tredici murali raccontano il travagliato rapporto fra cittadini ed habitat urbano sulle facciate cieche attorno a Corso Palermo. Dipinti suggestivi e di grande impatto, sono opera di Francesco Camillo Giorgino, in arte Millo, originario della provincia di Brindisi. Anche il quartiere di San Salvario è decorato da mani di fama internazionale ed in tutta la città troverai opere di Vhils, Agostino Iacurci, del collettivo Walk The Line, To/Let e moltissimi altri.\nCon il progetto pubblico Walk The Line, i piloni della sopraelevata hanno dato vita ad una vera e propria galleria d’arte a cielo aperto. Alcune di queste tracce sono state lasciate da artisti della EAD Crew, il gruppo più “storico” di graffitisti italiani: ne fanno parte Orion, Joys, Dado, Yama e Peeta, quest’ultimo molto attivo anche in Spagna, Stati Uniti e Canada, oltre che nella sua Venezia.\nSe ti piace camminare per le vie di una città e l’arte contemporanea ti incuriosisce, no puoi perderti la street art di Genova. Visita il quartiere della Maddalena, per una vera e propria caccia al tesoro tra i “caruggi” ed il quartiere di Certosa (il più colpito dal crollo del ponte Morandi), dove è stato avviato il progetto On the Wall. Naturale successione del già citato Walk The Line, il progetto sfrutta la street art come strumento di riqualificazione urbana. Sono stati coinvolti numerosi artisti nel restyling di 12 muri nel quartiere.\nLa EAD Crew, Escuela Antigua Disciples, nata a Padova, è stata coinvolta dal Comune in un interessante progetto di riqualificazione del quartiere Mortise con le sue abitazioni di edilizia popolare. Vai in Via Fratelli Carraro ma anche, più fuori mano su un argine, sulle “murate” lungo Via Jacopo Corrado. In città troverai opere di Tony Gallo, Alessio B, Kenny Random e altri artisti, molti dei quali hanno iniziato ad esprimere la propria arte a Padova già nei primissimi anni Novanta. Le opere di street art Padova sono ben visibili in città e rappresentano un patrimonio culturale non indifferente.\nLibro da leggere: La street art ai tempi del coronavirus di Xavier Tapies\nPeriodo consigliato: ogni stagione dell'anno\nAforisma: L’arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è. (Paul Klee)


LOL: Chi ride è fuori, anteprima del comedy show tutto italiano | Cultura Pop\ndi Francesca Sirtori martedì 30 Marzo 2021 10:30\nSiete in una stanza coloratissima, in un vero e proprio mix tra un circo e un cabaret, in compagnia di dieci dei nomi più carismatici, talentuosi e bravi della comicità sulla scena italiana. Ce la fareste a non ridere? Abbiamo testato la nostra capacità di trattenere le risate, piuttosto a fatica e fortunatamente dietro lo schermo, per assistere alle prime quattro puntate del comedy show Amazon Original di produzione italiana, LOL: Chi ride è fuori. Queste sbarcheranno su Prime Video dal 1° aprile, mentre gli ultimi due episodi verranno lanciati dall’8 aprile. Si tratta di una sfida fra dieci comici professionisti che dovranno restare seri per sei ore consecutive, provando a far ridere i loro avversari per vincere la partita e aggiudicarsi un premio finale di 100.000 euro, devoluti a un ente benefico scelto proprio dal vincitore. Scopriamo insieme com’è andata questa prima parte dello show, a partire dalla rivelazione dell’identità di questi dieci volti, tutti monitorati da remoto tramite gli schermi della control room da un inedito arbitro e conduttore, Fedez, affiancato dall’impareggiabile co-host Mara Maionchi.\nLOL: Chi ride è fuori, vietato (sor)ridere\nDopo una sorta di introduzione in chiave “action” per mostrarci singolarmente i concorrenti di questa prima edizione spassosissima, ciascuno dei dieci “malcapitati” raggiunge gli altri in questa caleidoscopica stanza dove dovranno esibirsi e cercare di resistere per sei ore, indicate da un conto alla rovescia visibile nello studio. Il regolamento è molto semplice: alla prima risata, o anche solo un sorriso, di uno dei comici, scatterà un allarme lanciato dal pulsante rosso premuto da Fedez. Questi si presenta dunque nello studio, estraendo un primo cartellino giallo di ammonizione, seguito dal successivo, il temuto cartellino rosso di espulsione dal gioco.\nChi per ultimo rimarrà serio sarà il vincitore, ma non sarà affatto facile. Abbiamo in arena dei concorrenti simpaticissimi e con chiari effetti comici “indesiderati”: il primo ad arrivare è Frank Matano, seguito da Angelo Pintus, la coppia Ciro e Fru dei The Jackal, Katia Follesa e Lillo dei Lillo&Greg, per non parlare di Elio di Elio e le Storie Tese, una serissima Caterina Guzzanti, l’incredibile Michela Giraud e un meno noto, ma non meno bravo e talentuoso, Luca Ravenna. Dopo sole due ore di spettacolo, e a metà del terzo episodio, le eliminazioni cominciano a fioccare e la concentrazione è sempre più difficile da mantenere. In questo caso, i concorrenti che non riescono a trattenere le risate raggiungono i due giudici, Fedez e Mara, nella control room in veste di spettatori su un comodo divano rosso, per continuare ad assistere al programma.\nGli scherzi e le gag sono una dopo l’altra, senza sosta, grazie anche all’attento e studiato montaggio ad hoc per tenere il ritmo di ogni puntata ben serrato, compito non troppo difficile però se consideriamo che la durata media di ciascun episodio è di 25 minuti circa. L’impresa, almeno per questi primi quattro appuntamenti, è sicuramente riuscita e non ci resta che attendere ancora diversi giorni per scoprire come si concluderanno queste sei ore di comicità e ilarità a stento trattenuta, soprattutto da parte dei concorrenti in gara.\nTra docce finte e pulsanti misteriosi\nI momenti esilaranti e le “note di colore” del programma però non arrivano solo dallo studio, dove Elio si presenta travestito prima da Monnalisa e poi, togliendo il quadro intorno a sé, rimane agghindato come una damigella rinascimentale, ma con quattro braccia. Gli sketch continuano anche dietro le quinte, nella stanza presidiata dalla coppia di giudici, che si scambiano battute, commentano continuamente l’andamento del gioco e, almeno loro, hanno la fortuna di poter lasciarsi andare liberamente alle risate, al contrario dei partecipanti al gioco.\nInoltre spetta a Fedez non solo comunicare gli eventuali ammoniti ed eliminati, ma anche parlare direttamente ai concorrenti tramite cabine telefoniche a forma di doccia, premere pulsanti e tirare leve per lanciare sfide tra i concorrenti, sempre all’insegna dell’improvvisazione. Questo aspetto ricorda un altro comedy show tutto italiano, Buona la prima, del duo comico nato e cresciuto sul palco di Zelig, Ale e Franz.\nUn format pensato quasi più per la messa in onda televisiva, quello a cui abbiamo assistito, che riesce a vivere e a collocarsi anche nel mondo digitale grazie al lavoro di EndemolShine Italy. Si tratta infatti di un adattamento della popolare serie giapponese Amazon Original, HITOSHI MATSUMOTO Presents Documental, prodotta e interpretata da Hitoshi Matsumoto che trascina dieci comici in una “battaglia di risate” a porte chiuse.\nIl successo è stato talmente elevato e notevole da portare a replicare in esclusiva per Prime Video questo format anche in Messico (condotto da Eugenio Derbez) e Australia (condotto da Rebel Wilson) e recentemente annunciato anche per il mondo europeo in Germania, Spagna e Francia, oltre all’edizione italiana in questione. Non poteva nemmeno mancare la collaborazione di Alexa, l’assistente Amazon che, in corrispondenza del lancio dei primi episodi, permette ai clienti di ascoltare oltre 40 battute e barzellette di alcuni dei protagonisti dello show.\nLOL: Chi ride è fuori è un vero e proprio esperimento psico-sociologico su Prime Video, durante il quale, se ci mettiamo nei panni dei concorrenti, proviamo quasi dolore fisico nel trattenere le risate e cercare di mantenere la calma, soprattutto quando la reazione sarebbe istintiva e dunque inaspettata. Anche per dei comici professionisti, e in qualche modo attori, non sarà facile fingere mentre si dedicano alla loro attività e passione: far ridere, intrattenendo e venendo intrattenuti. La gara è stata in grado di riunire vecchia e nuova scuola del cabaret italiano, durante la quale nessuna parolaccia è stata censurata per restituire uno spettacolo più genuino e spontaneo, ma senza mai andare oltre il limite della correttezza.\nUno spettacolo di puro intrattenimento, ben riuscito grazie alla professionalità dei talenti coinvolti e replicabile probabilmente anche in versione gioco da tavolo, per riproporre le situazioni tragicomiche con familiari e amici. Non ci resta che attendere gli ultimi due episodi dello spettacolo, e chissà che non ci riservi qualche colpo di scena, oltre a quelli a cui abbiamo già assistito.