Danses, Opéras et Récitals\nLe Palais Royal à Saint-Germain-des-Près\nUn concert de grâce intimiste – Le Palais Royal, cette jeune formation exubérante de passion et d’audace aime nous surprendre. Elle fait jeu d’inventivité et d’originalité pour nous livrer des concerts qui font date et mémoire. C’est le cas de ce concert doux et chaleureux donné en l’église-abbaye de Saint-Germain-des-Près ce 5 octobre au soir. Nous voici de nuit, déambulant sous les ors et les couleurs de cette église qui porte en elle 1500 ans d’histoire et de foi, complètement restaurée. La célébration parfaite pour ce concert de rentrée musicale, faisant église comble.\nNous avions pu acclamer l’ensemble le Palais Royal en juillet dernier, au cours de son concert de reprise dans la cour d’honneur du Lycée Buffon, et déclarer notre enthousiasme. Rendez-vous est cette fois pris en l’église Saint-Germain-des prés, au cœur du quartier éponyme, pour un récital de musique baroque. L’église abbatiale, dont les fondements datent du VIème siècle et qui fut nécropole royale jusqu’à l’édification de la basilique de Saint-Denis, a été entièrement rénovée, et constitue l’écrin idoine de ce concert, puisque qui dit musique baroque dit presque nécessairement musique chrétienne. Notamment, la majorité des morceaux interprétés par le chœur et l’orchestre ont un caractère, une finalité et une consonance religieuse.\nQuel charme cette mise en espace et en scène sous le signe des bougies donnant immédiatement une ambiance romantique, tout en cédant à la mode parisienne actuelle des concerts aux bougies pour notre plus grande émotion, le Palais Royal nous livre un concert sous l’égide des baroques italiens. Une musique rare et recherchée qui ouvre les coeurs et les esprits, dont la douceur nous portera de longs jours encore.\nApparaît le flamboyant Jean-Philippe Sarcos, général jovial de cette armée de talents frais et souriants. Habillé comme un matador hispanique, il nous compte les merveilles de chacun de ces titres présentés, agrémentés de ses anecdotes croustillantes, on se délecte de ce format didactique et atypique.\nJean-Philippe Sarcos est le fondateur, le directeur musical et le chef d’orchestre du Palais Royal depuis 1996. A titre personnel, nous nous rendrions aux spectacles de son ensemble rien que pour l’écouter. Ce musicien brillant (premier prix du Conservatoire, formé ou ayant collaboré avec les plus grands chefs d’orchestre du monde) est un homme fort éloquent et un passeur. La précision de son verbe n’a d’égal que la gourmandise de son propos. La chatoyance de son accent renforce le brio de son art oratoire. Drapé dans une sorte de kimono qui lui fait ressembler à un moine bénédictin voire shaolin, Philippe Sarcos nous rappelle que le spectacle – Virtuosité baroque - est placé sous le signe du virtuose. Il nous apprend que virtuosité et vertu possèdent la même racine : vir, soit ce qui se rapporte à l’homme.\nDonc pour paraphraser Buffon, la virtuosité, c’est l’homme, en ce sens qu’elle ne constitue point « une technique développée au seul service de la gloire de l’interprète », sinon « un des moyens géniaux dont usèrent les artistes italiens pour traduire les mouvements passionnés de leur âme ». Un propos presque provocant en ces temps d’égalitarisme forcené, de règne de la quantité et d’effacement de la culture en tant que prétendu instrument d’oppression … La virtuosité se déclinera alors sous tous ses aspects au cours de la soirée : virtuosité instrumentale (Corelli), virtuosité vocale (Rubino), virtuosité d’écriture (Scarlatti, Lotti).\nLe concert commence par un hymne processionnel où les dix chanteurs de la soirée vont déambuler en procession à la bougie dans l’église, au milieu du public, jusqu’à prendre la chair oratoire comme estrade d’annonciation, joyeuse.\nLe concert baroque peut alors commencer. A la lueur des bougies qui illuminent par intermittence leur face, les musiciens débutent Iste confessor de Domenico Scarlatti. La voix cristalline de la soprano, montée en chair, irradie dans la nuit germanopratine. Le reste du chœur déambule ensuite, comme marchant sur le flot de cette musique sacrée. Suivront des morceaux de compositeur plus ou moins demeurés à la postérité (Uccellini, Rubino, Lotti, Corelli). Le clou du spectacle – qui raisonnera au mitan de celui-ci comme un pic avant de nous faire progressivement redescendre sur la terre des Hommes – est le Stabat Mater de Scarlatti. Moins connu que celui de Pergolèse ou de Vivaldi, il présente la prouesse créatrice d’être écrit pour dix voix, non point en canon ou en silo, mais superposées. Une demi-heure durant, cette polyphonie nous enivre, ne laissant à l’auditeur, pour son plus grand bonheur, aucun répit.\nUne première pour nous de voir un concert sous cette forme, nous sommes comme de petits enfants. Les lumières des bougies renvoient les ors des voûtes de l’église, sous le jeu des arrangements d’Olivier Oudiou. Les costumes de Véronique Boisil nous transportent dans le temps avec ces jolies robes inspirées d’époque et pour les hommes des chemises noires à jabots et dentelles. Six instruments feront vibrer avec délicatesse le public, violons, violoncelle, contrebasse, théorbe, orgue, nous noterons l’adresse du joueur de théorbe qui alternera souvent deux instruments sur un même morceau.\nLe premier morceau en chœur sera une danse joyeuse du 17eme très connue en Europe, une chaconne à 4 mesures identiques, un air de légèreté vivifiant. Y succèdera le Sabat Mater de Scarlatti, né en 1685 comme Bach et Haendel, dont cette œuvre magistrale fût l’une des rares qui fût sauvée de l’incendie de la bibliothèque de Lisbonne. Un moment fort de ce concert, donné à 10 voix, une vraie prouesse.\n25 minutes de Stabat Mater de Scarlatti, 12 minutes du Credo de Lotti, Uccelini, Rubino, Corelli et pour finir une finale Laetatus Sum de Vivaldi, nous ont fait voyager dans l’Italie du baroque dans toute sa splendeur. 1H15 de pur plaisir, présentant 17 musiciens et chanteurs de talent sur scène. En harmonie avec ces lieux solennels, le programme est résolument spirituel, comme le Lauda Jerusalem de Rubino, la Sonate d’église Op.3 de Curelli ou le Crédo de Lotti. Rien de mieux pour célébrer cette église qui est l’une des plus anciennes d’Europe.\nOn ne présente plus Jean-Philippe Sarcos en ces pages, ce surdoué de la direction musicale, élève de William Christie, on aime son humilité, lui qui se rend disponible après chaque concert. Ces chanteurs sont impressionnants de jeunesse et de courage, chantant sans partition, ce qui ajoute à la proximité au public. Depuis 8 ans, cette formation qui monte est un formidable passeur d’histoire. Nous les retrouverons cette saison avec Deux hommes et une femme ou encore avec le Requiem de Verdi. Humanité et partage sont les maître-mots de cette formation qui nous inspire, les Apprentis d’Auteuil réalisent ainsi les candélabres de cette jolie prestation scénique.\nIl est 22 heures et le spectacle s’achève. Nous buvons un verre à une terrasse du boulevard Saint-Germain. Qu’il est doux de constater parfois que certaines choses paraissent intangibles et que, comme le disait Péguy, tout ce qui élève unit. Nous recommandons vivement ce spectacle. Un concert virtuose tenu en l’Eglise de Saint-Germain des Près, 75006 Paris www.le-palaisroyal.com - Octobre 2021\nEnfin sur scène – Quelle joie de retrouver ce dynamique groupe de chanteurs et de musiciens passionnés qu’est le Palais Royal. Élégance, jeunesse et adresse rythment les pas et les concerts de ces jeunes talents qui nous impressionnent toujours. Créativité, dynamisme et sérénité sont les maîtres-mots de ce groupe aux ressources riches et grandissantes.\nDes retrouvailles en présenciel tant attendues autour de l'opéra français, avec des duos et trios extraits de Carmen et des Pêcheurs de Perles de Bizet, des airs et ensembles d'Offenbach (La Belle Hélène, La Périchole) et de Gounod (Faust), mais aussi des pages moins connues de Félicien David (Herculanum), Messager (Véronique) ou encore d'Ambroise Thomas (Mignon). La mise en espaces d'Olivier Oudiou permet de créer une trame dramatique pour lier les extraits entre eux autour de ces trois solistes d’exception.\nNous réjouissions enfin de retrouver sur scène le Palais Royal, cet élégant et dynamique ensemble pour leur concert de reprise le 7 juillet à l’intérieur du lycée Buffon, dans le 15ème Arrondissement. La joie fut à la hauteur de l’attente. Face aux deux colonnes de spectateurs divisées en rangées, les musiciens, en habits et robe de soirée, attendaient, sans doute aussi fébrilement que nous, le départ de leur saison estivale. Ils étaient chargés d’accompagner les voix du Palais Royal, le ténor français Kévin Amiel, la mezzo-soprano Marion Vergez-Pascal et le baryton-basse Adrien Fournaison.\nAvant que le crépuscule ne se répande sur la cour d’honneur du plus vaste lycée parisien, le directeur musical et chef d’orchestre Philippe Sarcos a pris la parole tant pour présenter le programme que pour exposer le particularisme de la musique et de l’art lyrique français, thème exclusif du concert. D’emblée la douceur et l’élégance de son accent occitan coloria la grise enceinte de l’établissement. Avec la gourmandise du passionné et la précision de l’érudit, il nous entretint de «l’élégance», de «l’aristocratie» et de la «retenue» du style français, par opposition à la complétude du style allemand ou à l’essence populaire de la musique italienne. Il laissa le concert débuter puis nous narra les déconvenues ou au contraire les gloires révolues des musiciens dont les œuvres seraient jouées.\nComme le programme et nous même l’annoncions, ce fut une suite parfaitement calibrée d’airs, de duos et de trios d’opéras français célèbres - Gounod, Bizet, Massenet, Offenbach, Messager (Faust, Carmen, Les Pêcheurs de Perles, La Belle Hélène, Mignon, Véronique...) … il y eut aussi du Berlioz, mais également des partitions de musiciens maîtres en leur temps mais quelque peu tombés désormais dans l’oubli: Félicien David (Herculanum), Messager (Véronique) ou encore Ambroise Thomas (Mignon). Un «pari brûle-t-il» de Maurice Jarre retentit aussi. Le harpiste de l’orchestre improvisa un très long solo. Ce fut un moment fort du spectacle. La mise en espaces d'Olivier Oudiou avait permis de créer une trame dramatique pour lier les extraits entre eux autour de ces trois solistes d’exception.\nIl est 22 h 30. Le spectacle débuté avec retard s’achève. La nuit est douce. Ce moment de grâce et d’élégance s’achève par un «pot» en compagnie des musiciens dont la simplicité surprend. Ce fut pour nous une très grande joie de renouer avec la saison culturelle. La musique était magnifique, Marion Vergez-Pascal d’une très grande grâce. Nous recommandons vivement ce spectacle.\nNous nous sommes délectés d’assister à ce grand concert en plein air d’1h15, conçu avec passion autour de 38 artistes enthousiastes placés sous l’émérite direction de Jean-Philippe Sarcos. Nos remerciements à Jean-Baptiste Blocquaux, chargé de projets pédagogiques. Nos remerciements vont aussi à notre émérite rédacteur Frédéric Forgues. Crédits: Nabil Belhadj. Le Palais Royal, une formidable institution du classique français établie avec brio au 3, rue Vineuse 75116 Paris – www.le-palaisroyal.com – Juillet 2021\npar le Palais Royal\nUn bel hommage classique – Nous sommes heureux, en ce début d’année 2020 de nous rendre dans l’élégant quartier du 9ème arrondissement dans la salle d’un des plus beaux Conservatoires de Paris. En cette soirée de mars, c’est avec plaisir que nous sommes invités à admirer le Giocoso, pastiche mozartien en trois actes, parmi une riche programmation classique la dynamique et jeune formation du Palais Royal. Organisé comme un pasticcio, mêlant intrigue et costumes, le spectacle se construit sur plusieurs airs et duos des derniers opéras de Mozart chantés en français pour l’occasion. C’est une chance pour nous de redécouvrir de fameux airs d’opéra en toute intimité. Déjà plongées dans la grâce et la délicatesse de ce beau conservatoire, nous sommes prêtes à contempler l’œuvre de Mozart.\nLe Giocoso c’est avant tout l’histoire d’un amour. Nous suivons les aventures de Diavolina, perfide séductrice, Manabella, jeune femme au cœur aimant et sincère, ainsi que du Compte. C’est alors l’occasion pour nous de découvrir un superbe trio de solistes qui mènent la danse ce soir, accompagnés par un orchestre juste et talentueux. Chaque extrait est superbement interprété et agrémenté par la pétillance des artistes qui se laissent mener par les notes classiques pour nous offrir une prestation originale et personnelle.\nLes spectateurs quant à eux, sont portés par le narrateur qui conte l’histoire, toujours avec un ton subtil et malicieux. C’est comme si nous assistions à un jeu de marionnettes, dirigées par la voix grave du conteur et par nos rires. Il est très agréable d’assister à ce spectacle car c’est comme si nous nous plongions au cœur de l’univers de la musique classique grâce à la mise en scène, aux costumes et à l’ambiance générale de ce conservatoire historique édifié en 1811. La Salle historique du Conservatoire est l’une des premières salles de concert de l’histoire construite pour le concert et non pour l’opéra offrant une qualité acoustique sans pareil, c’est pour cela qu’elle fut même surnommée le « Stradivarius des salles de concert ». Ce lieu est chargé d’un passé musical illustre, à nul autre comparable : c’est en effet dans cette salle que les symphonies de Beethoven furent entendues pour la première fois en France, et que fut créée la Symphonie fantastique de Berlioz ainsi qu’une très grande partie de la musique française du XIXe siècle.\nEndroit idéal pour rendre hommage à l’un des compositeurs les plus illustres de son siècle (et bien plus encore), chaque membre du spectacle trouve sa place et accompagne les autres en douceur. Le piano-forte excellent Orlando Bass nous livre une prestation réjouissante qui nous transporte avec talent en commençant par une très belle ouverture improvisée autour de l’Ouverture de La Clémence de Titus. Jeune prodige de la musique classique, il remporte le Grand-Prix du concours-festival à Paris en 2016, le Premier Prix du Concours Les Virtuoses du Cœurs de la même année et le premier prix du concours de Bologne en novembre 2015. C’est donc sans aucun doute que les talents sont au rendez-vous pour accompagner trois solistes aussi ingénieux.\nLa soprano Julie Mathevet interprète la piquante Diavolina en lui donnant une personnalité unique et charmante. “Miracle lyrique”, c’est ainsi qu’elle est qualifiée par la presse américaine, elle mène aujourd’hui une belle carrière internationale et nous offre ici une prestation haute en couleur. Elle est accompagnée par Charlotte Mercier, mezzo-soprano, membre du Palais Royal depuis 2003. Elle se produit dans des rôles des plus prestigieux tels que Carmen ou Siébel de Faust au Cirque d’hiver à Paris. Enfin, le baryton Laurent Deleuil est renversant de présence en Don Giovanni et en Comte et nous livre un rôle drôle, plein de tendresse et précise.\nSous la direction musicale du talentueux Jean-Philippe Sarcos qui nous réjouit de ses belles introductions aux spectacles et la mise en scène Pénélope Driant, l’équipe riche du Palais Royal est, encore une fois, une source de plaisir, de brio et d’authenticité. L’oeuvre oscille entre classique et modernité et elle est illustrée par de très beaux costumes, qui ont ici un rôle majeur.\nNous avons été ravies d’assister à cette malicieuse représentation et nous en remercions Lucie Badin, chargée de mécénat et d'actions culturelles. Vivement le prochain concert du Palais Royal ! Pour aller redécouvrir l’univers de la musique classique revisité, rendez-vous sur le site internet de l’académie du Palais Royal www.le-palaisroyal.com. Un spectacle donné à la Salle du Conservatoire, 2bis rue du Conservatoire 75009 Paris. - Mars 2020\nVirgil Boutellis-Taft, le pouvoir magique de la musique – Nous sommes ravis en ce lundi soir, de nous rendre à un concert de musique classique, cette force unique et impalpable, qui va droit au cœur, capable d’exprimer l’inexprimable. C’est dans la mythique salle Gaveau, dédiée à la musique classique que le violoniste Virgil Boutellis-Taft accompagné des solistes du Royal Philharmonic Orchestra, et de la sublime pianiste Rieko Tsuchida, nous présente ce soir Incantation, son dernier album sorti le 21 février 2020.\nQuel plaisir de nous retrouver dans cette magnifique salle, accueillis par son orgue majestueux et ses sièges bouton-d’or. Restaurée en 1976 grâce à la passion d’un couple de musiciens, Chantal et Jean-Marie Fournier, qui après la faillite de la maison Gaveau, décident de sauver la salle, in extremis de la menace d’un parking.\nNous sommes fiers de découvrir ce musicien français au tempérament de feu, qualifié par la critique de violoniste hors pair, au son intense, brillant et somptueux. C’est à l’âge de 6ans qu’il commence ses études de piano et violon, pour ensuite rentrer à l’âge de 9 ans au conservatoire de Tour. Il décrochera son premier prix du conservatoire supérieur de Paris à 16ans et obtiendra son artist Diploma au prestigieux Royal College of Music de Londres en 2007.\nLe violoniste nous présente son album pour la première fois à Paris, nous sommes heureux de vivre ce moment unique, où l’on oublie tout, une bulle, une parenthèse ou nous sommes tous ensemble pour la même cause, l’émotion, tous les yeux sont rivés sur ce virtuose qui nous fait vibrer par son talent.\nQui n’a pas été un jour émerveillé par la magie ou intrigué par le chamanisme, les incantations éveillent en nous une part de mystère et de fascination, c’est ce que nous procure ce soir le chant du violon de Virgil Boutellis-Taft.\nL'artiste tient ses promesses, en ayant sélectionné les œuvres les plus magnétiques de l’époque baroque à nos jour. Les sons répétés servent l’incantation et retiennent notre attention, comme dans la première œuvre qu’il choisi de nous interpréter, Kol Nidrei de Max Brunch, une prière judaïque d’annulation de vœux.\nDans la célèbre Méditation de Thaïs de Jules Massenet, nous vivons un véritable moment de douceur et d’apaisement, où les notes les plus aiguës atteignent notre âme, nos yeux se ferment comme pour mieux apprécier le moment présent. Nous sommes aussi séduits par ces œuvres sombres et troublantes, comme dans la danse macabre de Camille-Saint-Saens, ou hypnotique avec cette Chaconne du baroque Tomaso Vitali, qui nous dévoile un violon qui s’exaspère en cabriole jusqu’à la transe.\nCe concert nous laisse rêveurs, que ce soit un cauchemar ou un doux rêve, nous ne touchons plus le sol, nous sommes envoûtes, nos sens sont en émois devant tant de musicalité.\nCe musicien à l’apparence froide et à la concentration inébranlable, nous propose un violon fougueux et généreux. L’artiste ne fait qu’un avec son violon Domenico Montagnana de 1742, qu’il tient d’un mécène privé. A la fois charmeur, sombre ou violent, le violon de Virgil Boutellis-Taft nous chante à merveille les incantations.\nPour clore le programme, le jeune compositeur du Murmure des oiseaux, Thomas Enhco, nous fait l’immense honneur de venir accompagner Virgil sur son œuvre au piano. Ce pianiste virtuose et compositeur de musique de jazz et de classique, arrive baskets blanches aux pieds, tout sourire. Ce musicien à la sympathie communicative, nous embarque avec son piano groove aux allures de jazz et d’improvisation, dont la partition répond au violon et orchestre à la musicalité plutôt classique. Le publique est sous le charme de cet artiste qui casse les codes de la musique classique . Nous sommes presque frustrés de ne l’avoir entendu que sur un seul morceau, tant le duo hétéroclite qu’il forme avec Virgil Boutellis-Taft est beau de virtuosité. Avec cette nouvelle génération, la musique classique n’est pas prête de prendre une ride.\nDécouvrez son album Incantations du label Aparté, arrangements Paul Bateman, disponible depuis le 21 février 2020. L’artiste partira en tournée en Angleterre avec le RPO. Il se produira également au Symphony Space à New York, au Steinway Hall de Boston et, pour un intégral de Beethoven (sonates et trios), à la Kursaal de San Sebastian. Vous pouvez suivre l’actualité des artistes sur leurs sites officiels www.virgilboutellistaft.com, www.thomasenhco.com et www.riekotsuchida.com. Pour cette envoûtante découverte, nos remerciements vont à l'agent de presse Andra Focraud et à notre rédactrice Angélique Lili. Cet événement s'est tenu le 2 mars 2020 à la salle Gaveau, 45 rue de la Boétie 75008 Paris. Pour retrouver toute la programmation de la salle, rendez-vous sur leur site internet www.sallegaveau.com - Mars 2020\nLe Week-end du Violoncelle\nUne enchanteresse promenade classique – Nous nous réjouissons en ce début d’année 2020 à nous rendre au cœur de Paris dans le célèbre Théâtre des Champs-Elysées. Parmi une grande et belle programmation du Week-end du Violoncelle, nous sommes invités à admirer le concert de Sheku Kanneh-Mason et de sa sœur Isata. Impatients, c’est pour nous une immense joie de pouvoir écouter sur la scène d’un magnifique théâtre parisien, le violoncelliste révélé au monde lors du récent mariage royal du Prince Harry. C’est donc dans cette belle salle que nous prenons place, prêts à nous laisser emporter par les douces notes des deux jeunes artistes classiques.\nLes lumières s’éteignent peu à peu pour laisser place à la beauté des airs de Beethoven, Lutoslawski, Barber et Rachmaninov. Nous assistons à une revisite hors du commun et remplie d’émotions. Plus que de la musique classique, nous avons face à nous un réel spectacle vivant tant la passion s’empare des deux artistes. Il y a chez eux une réelle expression musicale et une manière unique d’interpréter ces airs pour leur donner vie une nouvelle fois. Traversés par leur passion nous sommes pris de saisissement et de bouleversement, la musique prend alors une toute autre dimension, c’est comme si nous écoutions une histoire intense et exaltante. L’histoire devient encore plus belle dans le splendide Théâtre des Champs-Elysées.\nEdifié en 1913 par un groupe d’artistes, il est marqué par le «scandale» de la création du Sacre du Printemps de Stravinsky et Nijinski, une œuvre qui choqua tout autant par sa musique que par sa chorégraphie. L’aventure artistique du Théâtre des Champs-Élysées est depuis illustrée par la présence des artistes les plus prestigieux de l’histoire de la musique, de l’opéra et de la danse, constamment en recherche de beauté et de vigueur. Nous assistons ici à une interprétation offerte par deux jeunes surdoués de la musique qui nous ne nous laissent pas indifférents. Ils arrivent à nous livrer un concert plein de subtilité et de délicatesse. On ressent un profond désir, une forme de recueillement et une grande élégance dans le phrasé musical qu’ils communiquent. Les variations oscillent entre intimité et intensité dans une atmosphère distinguée et distinctive. Isata et Sheku Kanneh-Mason nous portent avec dynamisme, finesse et pureté.\nDans ce cadre merveilleux, notre imagination navigue au rythme de la musique qui laisse place à notre fantaisie. Touchant et pertinent, les adjectifs sont nombreux pour décrire ce concert plus que prenant porté par l’alchimie entre un frère et sa sœur. A tout juste 20 ans Sheku Kanneh-Mason est un prodige du violoncelle et considéré comme l’un des musiciens les plus brillants de sa génération grâce à son talent et sa présence scénique singulière. Après sa prestation remarquée lors du mariage princier en Angleterre, sa carrière décolle tout comme sa popularité. Originaire de la Sierra Leone, il débute l’apprentissage du violoncelle à l’âge de 6 ans entouré de ses frères et sœurs qui pratiquent tous et toutes un instrument. Son premier disque paraît en France en 2018, et grâce à celui-ci il reçoit la même année le prix BRIT du meilleur artiste masculin. Aujourd’hui, il sillonne les plus grandes scènes comme le Wigmore Hall de Londres, la Tonhalle de Zurich, le Théâtre des Champs Elysées ou encore, le Conservatoire Giuseppe-Verdi de Milan. Passionné par la nécessité de rendre la musique classique accessible à tous, Sheku Kanneh-Mason est l'ambassadeur de nombreuses organisations caritatives dans le domaine de l'éducation musicale.\nSa sœur Isata, pianiste, l’accompagne avec élégance et énergie tout au long du concert. Nous remarquons une proximité musicale évidente qui leur permet de nous livrer une prestation toujours plus unique et vigoureuse. Étudiante en troisième cycle à la Royal Academy of Music de Londres, Isata Kanneh-Mason Kanneh-Mason a entamé une carrière de concertiste soliste couronnée de succès au Royaume-Uni et à l'international. Elle se fait notamment remarquer en 2014 lorsqu’elle atteint la finale de sa catégorie au concours des jeunes musiciens de la BBC et remporte la bourse Walter Todds du musicien le plus prometteur. Chambriste passionnée, elle partage régulièrement la scène avec ses frères et sœurs et fait également ses débuts avec le Royal Philharmonic Orchestra au Royal Albert Hall. Son premier album Romance, sort en juillet 2019 qui remporte un grand succès et devient classé numéro 1 des charts classiques britanniques dès sa sortie.\nC’est donc à travers le talent de ces deux prodiges que nous (re)découvrons la magie des airs classiques de grands compositeurs du monde entier. Entre douceur et puissance, ils nous portent majestueusement, tout le long du concert, dans un monde onirique. Nous nous sentons comme dans une bulle, au cœur des Champs-Elysées, éloignés du brouhaha parisien qui s’arrête un instant pour laisser place à la magie et la beauté de la musique. Le silence se fait à la fin du dernier mouvement, la salle est remplie d’émotion et d’admiration. Ce silence est aussitôt suivi d’une standing-ovation de plusieurs minutes, très largement méritée. Isata et Sheku Kanneh-Mason quittent alors la scène, laissant derrière eux une atmosphère féerique et délicieuse. La beauté aura été le maître mot de ce concert, dialogue inoubliable d’un charme sans pareil.\nPour cette fascinante découverte, nos remerciements s’adressent à l’agent de presse Franck Peyrinaud. Un évènement qui s’est tenu le dimanche 23 février 2020 au Théâtre des Champs-Elysées, 15 avenue Montaigne, 75008 Paris. Pour retrouver l’envoûtante programmation du théâtre, rendez-vous sur leur site internet www.theatrechampselysees.fr et les artistes sur leur site officiel www.kannehmasons.com – Mars 2020\nUne redécouverte magique des plus grands airs d'opéra – Si nous connaissons tous les airs d'opéra grâce aux séries télévisées et aux publicités, il est assez rare que l'opéra s'invite dans notre quotidien pour nous enchanter. C'est pourtant ce que nous offre pour notre plus grand plaisir le spectacle The lights of Opera lors de quatre soirées d'exception dans la grande salle de spectacle parisienne de l'Alhambra.\nC'est dans cette salle accueillante et chaleureuse que nous nous installons, prêtes et enthousiasmées à l'idée de redécouvrir de grands airs d'opéra qui, sans aucun doute, nous transporteront grâce à leur intensité, tout au long de la soirée. La salle est pleine, la scène est près de nous, nous nous sentons comme dans un cocon, enfermées dans un monde féerique qui s'apprête à nous bercer avec de merveilleux chants lyriques. Les lumières s'éteignent alors pour laisser place tout en simplicité à la musique, que nous attendons avec impatience, sur un premier air de Bellini, Norma dans Casta Diva.\nNous sommes dans un cadre atypique. Ancien immeuble de bureaux dans les années 1970, l'Alhambra s'est aujourd'hui transformée en salle de spectacle animée et trépidante. En 2005 lorsque Jean-Claude Auclair, producteur de spectacles, découvre cette salle par hasard, il tombe amoureux de ce lieu au charme désuet et le rachète. La salle est rebaptisée en hommage au célèbre music-hall disparu dans les années 60, pour être dorénavant La Scène de Toutes Les Musiques. Sa large programmation propose une sélection de concerts allant du Hip-Hop au Rock en passant par le Jazz, l’Electro, la Variété et les Musiques du Monde, mais aussi des One Man Show, des Pièces de Théâtre et des Festivals… Lieu magique en plein cœur de Paris , l'Alhambra nous offre un petit coin de paradis pour apprécier et se laisser porter par des musiques et des événements éclectiques et toujours surprenants.\nDouceur et force à la fois se mêlent tout au long de la représentation pour nous procurer saisissement et émotion. C'est un charmant et élégant spectacle qui s'offre à nous avec la présence de 20 musiciens sur scène, un chef d'orchestre et quatre chanteurs lyriques accompagnés de belles lumières. Chaque chanteur apporte une tonalité différente et des subtilités uniques grâce à leurs personnalités musicales. Nous remarquons particulièrement la justesse et la simplicité du ténor Avi Klemberg qui a débuté sa carrière en Italie à l'Opéra de Rome et qui interprétera de nombreux rôles emblématiques comme la Traviata et la Bohème. Pauline Texier, incroyable soprano légère qui nous a ébloui tout au long de la représentation s'est particulièrement démarquée grâce à sa superbe prestation avec Noriko Urata sur le Duo des fleurs de l'opéra Lakme. Timothée Varon, baryton remarquable, mène aussi avec brio cette ballade lyrique si gracieuse et admirable, qui nous fait naviguer sur un fleuve musical et poétique.\nNous félicitons le parti pris créatif de ce concert qui nous fait voyager à travers les styles, les artistes et les pays. Réunir les plus grands airs au sein d'un même spectacle est une idée ingénieuse qui nous permet à tous d'apprécier les musiques envoûtantes de l'opéra. Sous un éclairage original, nous sommes fascinées par le plaisir que nous procurent l'union entre les musiciens et les chanteurs. Seuls ou à plusieurs, tous on réussi à nous exalter et à nous mener vers des chemins différents, comme si l'opéra nous ouvrait ses portes et nous faisait voyager dans le temps, à la découverte de ses plus intimes secrets. Des chanteurs à la fois jeunes et de haut niveau se voient offrir la possibilité d’aborder les plus grands rôles, d’habitude réservés aux stars du lyrique. Décomplexés, ils retrouvent l’essence même de ce qui a fait de ces airs célèbres, des succès éternels : la qualité des\nmélodies et de leur expressivité. Leur vigueur et leur enthousiasme amènent un vent de fraîcheur et un souffle de modernité aux musiques qu'ils font revivre.\nLe défi était de taille, retranscrire en lumière le lyrisme des grands airs et adapter l'opéra dans une salle pour d'autres genres plus contemporains. C'est avec adresse et distinction que le pari est relevé par Jacques Rouveyrollis, créateur de lumière, qui créera un décor par une lumière théâtrale et élégante. Habitué des scènes musicales, Jacques Rouveyrollis signe ses premières créations avec les Jelly Roll après quoi il rejoindra Michel Polnareff. De Joe Dassin à Serge Gainsbourg en passant par Michel Sardou, ce sont plus d'une centaine d'artistes qui ont fait appel à ce fin créateur d'ombre et de lumière.\nIl donne puissance et vie grâce à ses créations toujours plus impressionnantes et universelles comme à La Concorde à Paris en 1979, Houston, La Défense, La Tour Eiffel avec Jean-Michel Jarre, à Tokyo et bien plus encore. Ses lumières accompagnent avec subtilité le travail brillant de Stanislas Renoult, chef d'orchestre et ancien est professeur de direction d’orchestre à L’École Normale de Musique de Paris. Artiste singulier et amateur de différents genres, il commence à s’intéresser à la musique populaire et crée des ponts avec le classique à partir de 2001. Il fondera d'ailleurs le Paris Pop Orchestra pour être au plus près de cette double casquette: classique et pop. Il poursuivra plus tard une carrière de chanteur solo et ne cessera jamais de diriger les orchestres classiques.\nC'est donc une vision moderne de l'opéra qui s'offre à nous, que nous savourons avec joie et émerveillement. Après nous avoir fait flotter entre les airs du Barbier de Séville, de La flûte Enchantée et de Carmen, les lumières de la scène s'éteignent et laissent place à une vague d'applaudissements chaleureux et mérités avant que les artistes quittent la scène admirés par un public charmé.\nPour cette raffinée et délicate découverte, nous remercions de tout cœur l'attaché de presse Pierre Cordier. Quatre représentations exceptionnelles à venir admirer du 28 au 31 décembre à 21h30 sur la scène de l'Alhambra, 21 Rue Yves Toudic, 75010 Paris - www.alhambra-paris.com – Décembre 2019\nUn spectacle féerique pour les fêtes – Le prestigieux Ballet de l'Opéra National de Kiev fait renaître le magistral Lac des Cygnes au Théâtre des Champs-Elysées du 24 décembre 2019 au 5 janvier 2020. Le célèbre haut lieu du classique à Paris programme l’œuvre de Tchaïkovski exécutée par le Ballet de l’Opéra National de Kiev, en collaboration avec l’orchestre Hexagone.\nAprès la mise en scène du triomphal Casse-Noisette, c'est sous la direction de Viktor Oliynyk, lauréat des concours internationaux les plus prestigieux, que la troupe de l'opéra ukrainien nous offre une prestation grandiose. Connu pour ses ballets à couper le souffle et ses danseurs d'excellence, l'Opéra National de Kiev déploie à travers le monde entier sa renommée et sa grandeur, que nous avons hâte d'aller applaudir sur la splendide scène parisienne du Théâtre des Champs-Elysées.\nLe monde des arts, du spectacle et de la presse est venu nombreux ce soir de générale, contemplant l’architecture unique de cette belle salle parisienne. Le silence se fait, le ballet commence, sa narration est bien connue. Selon le livret de Begitchev tiré d’un conte allemand, le Prince Siegfried fête sa majorité. Sa mère lui annonce que dès le lendemain, à l’occasion du bal organisé pour son anniversaire, il devra choisir épouse. Marri, il se rend nuitamment en forêt avec son arbalète. Voulant tirer au bord d’un lac sur une nuée de cygnes, il s’arrête, tombant ébahi devant la beauté d’une femme vêtue de plumes. Il s’agit d’Odette, princesse cygne, qui a subi un sort. Ils tombent amoureux. La fin est tragique et nul besoin de la révéler tant Le Lac des Cygnes constitue un – sinon le – classique universel du ballet.\nLe plus prestigieux et populaire Opéra d'Ukraine compte déjà 24 ballets à son actif constitués de diverses inspirations et consciencieusement travaillés par les plus grands compositeurs et chorégraphes. On y retrouve des inspirations de différents genres et cultures, comme les danses occidentales par exemple, et c'est cela qui crée le caractère unique des spectacles produits par l'Opéra National, composé de 150 talentueux danseurs. Un amour impossible, un prince terrestre et une princesse cygne: ce sont tous ces éléments que Valery Kovtun a décidé d'orchestrer pour rendre un magnifique hommage au vibrant Tchaïkovski. Il ne nous reste plus qu'à attendre avec impatience ce rendez-vous haletant qui promet d'être fabuleux.\nL’institution ukrainienne revient à l’Alma un an après avoir interprété un autre classique de Tchaïkosvki, Casse-Noisette, sur lequel nous avons publié en ces pages. La chorégraphie, par Valéry Kovtun, reproduit fidèlement celle, originale, de 1877. L’ensemble – la chorégraphie, le décor, l’interprétation musicale – est volontairement classique, mais d’une qualité exceptionnelle, avec la rigueur et l’excellence toutes militaires propres aux formations issues de l’ex-empire soviétique. D’ailleurs, comme nous le rappelle le magnifique dôme de ce monument de l’architecture et de l’ornementation Art déco, les beaux-arts constituent une chose bien trop sérieuse pour les abandonner à l’approximation.\nLa joie et l’émotion artistiques furent grandes lors de cette représentation. Il s’agit d’un spectacle idéal pour la période des fêtes, qui nous ravira tous : spécialistes ou profanes, adultes ou enfants. L’agente de presse spécialisée spectacles Sylvie Desnouveaux a la gentillesse de nous inviter à sa générale le 23 décembre, nous avons goûté à un fin spectacle. Une oeuvre magique qui se tient du 24 décembre 2019 au 5 janvier 2020 au Théâtre des Champs-Elysées, 15 rue Montaigne, 75008 Paris - www.theatrechampselysees.fr, pour visionner les extraits du spectacle rendez-vous sur Théâtre Champs-Elysées Le Lac des Cygnes – Décembre 2019\nUn ballet mythique – La saison est déjà bien entamée et déjà nos regards se tournent vers les spectacles parisiens de ce Noël. Parmi les propositions foisonnantes de réjouissances en tout genre, l’un se distingue, à savoir les représentations annoncées - et attendues - du célèbre ballet Le Presbytère, produit sur la scène du Palais des Sports de Paris, pour quatre dates exceptionnelles, les 31 octobre, 1, 2 et 3 novembre. Nous avons hâte de découvrir un tel spectacle, qui laissera, nous en sommes sur un vif souvenir riche d’émotions.\nL’incontournable Béjart Ballet Lausanne de feu Maurice Béjart nous livre ici une performance atypique, car ce ballet fait figure d’Ovni dans les répertoires très classiques des compagnies internationales de danse, il est depuis devenu un classique. Présenté en première à Lausanne en 1996, il est crée en France en 1997 au Palais National de Chaillot. 5 ans après sa dernière représentation en France, il est livré à nouveau à l’admiration du public parisien. Dès la scène d'ouverture, l'émotion et l'impression de grandeur prennent le spectateur par les tripes en observant tous les danseurs allongés au sol, cachés sous de grands draps blancs, se redresser peu à peu sur la musique de Queen « It's a beautiful day ». C'est alors une annonce majestueuse et pleine de volupté que nous fait la troupe à travers une chanson vigoureuse et puissante les accompagnant parfaitement comme une longue balade musicale douce et forte à la fois.\nIl n'est pas simple de définir ce ballet tant il est éclectique et électrique. C'est un spectacle fougueux et énergique, radicalement épuré, donnant toute sa force au langage des corps, des sons et des couleurs. Sous les chorégraphies somptueuses et rythmées du maître Béjart et des lumières de Clément Cayrol, c’est un festin visuel et sonore qui nous est partagé, associant des titres de Queen, de Mozart et des costumes graphiques de Versace. L'alliance entre classique et rock crée une ambiance singulière et offre au ballet une double dimension. Il n'est pas commun d'observer un mélange de genre si puissant. On pourrait croire que tout les oppose : l'un au service de l'élégance et de la douceur et l'autre comme symbole de rébellion et de vigueur, et pourtant ce splendide ballet nous livre un mariage de styles digne d'être célébré. Il n'est pas question ici de vanter l'un au détriment de l'autre, bien au contraire le chorégraphe offre au spectateur de participer au rendez-vous entre les genres. Éclos alors sous nos yeux ébahis une multitude de chorégraphies abordant différents thèmes revisités par la danse de Béjart. En effet, plus qu'un spectacle de danse, ce ballet et aussi porteur d'un message : il questionne et dénonce l'amour, le désir et les relations entre chacun à l'époque du sida.\nTout est amené avec brio et subtilité grâce à la finesse de la chorégraphie et au choix des chansons abordant tantôt des aspects plutôt dramatique, joyeux, festif ou même romantique. Gil Roman marie adroitement une structure classique à une autre contemporaine s'enchaînant sur une mécanique juste et tumultueuse à la fois. Il a su poursuivre l’excellence Béjartienne, il intègre le ballet en 1979 et on remarque ses propres chorégraphies distinctives, telles celles de L’Habit ne fait pas le Moine (1995). On aime et on ne peut qu'admirer la manière dont chacun sur scène est animé par le besoin de danser, permettant alors de nous livrer un show épatant certes, une technique maîtrisée, sans aucun doute, mais surtout de l'émotion. Tout cela est traduit par la passion que l'on peut percevoir ancrée à leur chair et que l'on devine essentielle aux danseurs comme aux spectateurs.\nLes 40 danseurs dirigés par Gil Roman, lequel succède à Béjart depuis 2007, donnent toute leur énergie pour célébrer un tel moment de danse contemporaine, un opus vivant et brut conçu comme un hommage au danseur argentin Jorge Donn, célèbre étoile de la troupe Béjart. L'hommage est vrai et puissant. Nous voyons lentement descendre un écran sur la scène dans les dernières minutes du spectacle tandis que la lumière s'éteint et que les danseurs se rangent sur les côtés de la scène pour laisser place au visionnage d'une chorégraphie de Jorge Donn sur la musique I want to break free. La simplicité de cet hommage en fait une révérence touchante car le chorégraphe choisit de nous laisser admirer l'ancien danseur de la troupe de Béjart dans toute sa splendeur, aucun artefact, aucun élément superflu, la mémoire du danseur est purement honorée.\nC'est donc un spectacle aussi flamboyant visuellement que techniquement que nous avons l'honneur et le plaisir d'applaudir pendant plus de quatre minutes au sein d'une standing ovation très largement méritée. Il est maintenant sûr que l'on se souviendra avec bonheur de ce moment d'élégance et de sincérité qui nous a véritablement touché et impressionné.\nCertainement l’un des ballets les plus remarqués de la rentrée, à découvrir dans la grande salle du Dôme de Paris. Nos vifs remerciements s’adressent à l’agent de presse spécialisé Xavier ChezLePrêtre et à notre rédactrice Zoé Clergue. Photographies Grégory Batardon et Ilia Chkolnik. Un évènement qui s’est tenu ce 1er novembre 2019 au Dôme de Paris, 34 Boulevard Victor, 75015 Paris - www.palaisdessports.com et www.bejart.ch - Novembre 2019\nUn opéra fantastique revisité – Il est parfois de ces instants privilégiés et exceptionnels: comme être invités à la pré-générale d’un opéra, c’est à dire à l’ultime répétition d’une production, sans public. Vivre ce moment inédit à l’Opéra Comique de Paris, avoir toute la Salle Favart pour soi, rien de plus grandiose dans la capitale, c’est presque magique.\nC’est ainsi qu’en ce 1er novembre, nous pénétrons tels des enfants devant un sapin de Noël par la porte des artistes de cette grande salle de spectacles lyriques parisiens, afin d’assister à la dernière production de l’institution, Ercole Amante, signée de la direction musicale experte de Raphaël Pichon et sous la co-réalisation audacieuse de Valérie Lesort et de Christian Hecq, déjà remarqués avec leur Domino Noir, un sublime opéra modernisé présenté en ces murs et sur lequel nous avions écrit en ces mêmes lignes. Sous la direction d’Olivier Mantei depuis juin 2015, l’Opéra Comique connaît une riche programmation renouvelée et d’avant-garde et le démontre ici à nouveau.\nUne grande production de l’Opéra Comique nous est présentée ce soir, en coproduction avec le Château de Versailles et l’Opéra National de Bordeaux, elle nous est donnée à voir en 3h30 avec un entracte. Un feu d’artifice d’émotions lyriques étonnantes, portées par le Choeur et Orchestre Ensemble Pygmalion et un Nahuel di Perro remarquable en Ercole.\nNous prenons place dans l’immense salle baroque, accompagné d’un petit comité seulement, des happy few qui vont pouvoir se réjouir en primeur de cet opéra composé d’un prologue et de 5 actes, créé en 1662 aux Tuileries, sur l’instigation de Mazarin pour les noces de Louis XIV, roi qui sera aussi sous les bonnes auspices de la création de l’Opéra Comique lui-même, la boucle est bouclée ce soir.\nUn opéra de l’italien Francesco Cavalli, chanté en italien et sous-titré en français et en anglais, qu’il nous est donné à voir de façon exclusive et privilégiée, nous voilà déambulant sous les ors de la salle magnifique, toute revêtue de rouge. Le moment est délicieux, c’est une première pour nous.\nUne œuvre rare, qui inspirera Lully, montée ici de façon flamboyante et brillante, une œuvre servie par des décors atypiques de Laurent Peduzzi et des costumes (et machines) de Vanessa Sannino. Préalablement à chaque représentation, le public pourra aussi recevoir une présentation conférencée de l’oeuvre ou s’exercer à chanter comme Hercules. On aime la fonction sociale de l’Opéra Comique, que nous trouvons plus démocratique que l’Opéra National de Paris.\nL’enjeu pour les metteurs en scène résidait ici dans la difficulté de faire voir et comprendre au public de 2019 un opéra créé dans une séquence historique précise – les noces de Louis XIV avec L’Infante d’Espagne, scellant tout à la fois le triomphe de la France, première puissance de l’époque, et l’union des deux monarchies – et convoquant des références culturelles désormais abstruses (le livret est inspiré tout à fois des Trachiniennes de Sophocle et des Métamorphoses D’Ovide, plus guère lus).\nValérie Lesort et Christian Hecq s’en sortent magistralement, conservant les codes de la tragédie antique, dont la triple unité, notamment de lieu (un seul décor), tout en adaptant Hercule Amoureux au corpus symbolique contemporain. Il s’ensuit une mise en scène formidable, tout à la fois baroque et surréaliste, volontairement kitsch et décalée, qui nous fait penser volontiers à un Alice au Pays des Merveilles version 2.0. Colonnes grecques et angelots côtoient zombies extraits de la nuit des morts vivants et monstres semblables à ceux des séries japonaises. Il y a en outre une abolition très bien sentie entre le décor et les personnages, les éléments de celui-là étant parfois littéralement habités par ceux-ci.\nLa musique est quant à elle sublime et magistralement interprétée. Ercole Amante est une très belle oeuvre, au sens le plus premier et le plus strict des mots, qui ravira donc aussi l’oreille des profanes. Il en est alors parfois des opéras oubliés comme des légumes éponymes: peuplés de saveurs peu communes et qui nous ravissent.\nPour cette vibrante découverte lyrique, nos remerciements s’adressent à Alice Bloch, attachée de presse de l’Opéra Comique ainsi qu’à notre rédacteur Maître Frédéric Forgues, Avocat au Barreau de Paris. Photographies de Stefan Brion. L’Opéra Comique, une grande institution du lyrique à Paris, établi avec brio depuis 1714 à Place Boieldieu 75002 Paris - www.opera-comique.com - Novembre 2019\nUn grand concert classique en Province – Nous nous aventurons volontiers en Province dès que cela est possible afin de sortir du parisiano-centrisme de la création classique française. Pour notre grande première au TAP de Poitiers, nous sommes servis d’un programme éclectique: un récital dédié à Beethoven, en présence de l’Orchestre des Champs-Élysées (en résidence en Nouvelle Aquitaine et associé au TAP, fêtant cette saison sa 25ème année d’existence), accompagné avec brio de l’un des pianistes russes authentiques les plus en vue: Yury Martynov, fin spécialiste de Beethoven et des claviers d’époque, ici en l’occurrence du pianoforte. Une jolie promesse de réjouissances nous est faite.\nQu’il est agréable de se rendre au TAP ce soir là, sillonnant ces rues piétonnes illuminées de Poitiers, dans un centre historique magnifiquement rénové et rendu aux piétons. C’est sur les murs d’un ancien bâtiment que s’élance désormais cette imposante structure innovante que Le Corbusier n’aurait pas reniée. Une œuvre détonante signée de l’architecte portugais João Luís Carrilho da Graça, qui joue d’une habile opposition avec l’architecture millénaire du centre ville, fière contribution du 21ème siècle au plateau historique de Poitiers.\nNous découvrons tels des enfants devant un cadeau de Noël cette architecture cubique et résolument avant-guardiste qui contraste volontairement avec le paysage de cette ville historique aux 100 clochers. C’est en ces murs illuminés que l’ancien et le moderne vont se rejoindre, pour la création d’émotions inédites, dans le Grand Auditorium de ce nouveau lieu culturel du Grand Ouest de la France.\nNous entrons dans cette spacieuse salle résolument chaleureuse, toute de bois clair revêtue, avec cette proximité avec les auditeurs, marquée par la circularité du public qui peut ainsi avoir un 360 degrés sur la scène, configuration de plus en plus populaire dans les salles de concert en France, à l’instar de la Philharmonie de Paris sur laquelle nous avons écrit en ces lignes. Les poitevins sont venus nombreux ce soir là, au point que la presse a même du mal à s’y placer.\nAu programme, la célèbre Symphonie N°1 en ut majeur qui fera l’introduction, suivie du Concerto pour piano et orchestre N°1. Deux primes œuvres du jeune Beethoven s’installant à Vienne qui seront jouées ici avec brio par l’OCE, sous l’habile direction de son premier violon, Alessandro Moccia, en absence de chef d’orchestre donc.\nOn aime cette fonction fondatrice populaire du Théâtre-Auditorium de Poitiers: 5 minutes avant le concert, une annonce informe l’assistance que la salle est dénumérotée, nous permettant de nous replacer librement. Nous voilà ainsi au premier rang, en premières loges d’un magnifique spectacle. Saluons le dynamisme culturel et musical de la Nouvelle-Aquitaine, qui démontre que spectacle et créativité rythment aussi avec la Province. Nous n’avons que trop parlé des spectacles parisiens, nous avons plaisir à couvrir ce concert à Poitiers. Les grands pans de bois des accès se referment afin de préserver l’acoustique des lieux, l’évènement peut prendre place dans un doux cocon de bois tendre.\nLa virtuosité sarde préside au jeu du premier violon Alessandro Moccia, qui d’un doigté remarquable, mène le bal. Fougue et tempétuosité marquent ce premier mouvement, justement donné en ouverture magistrale. Cet Orchestre des Champs-Elysées est spontanément attachant: il joue merveilleusement bien, d’autant plus qu’il est rendu accessible par cette proximité au public et servi par une acoustique irréprochable.\nOn notera la puissance et la finesse du jeu de tous les violons qui jouent comme un seul corps. Pas de piano sur cette Symphonie, la rendant toute aussi légère qu’enchanteresse. Nous sommes résolument dans un thème héroïque si cher à Beethoven. Le 2ème mouvement sera plus printanier et romantique, le 3ème est du domaine du fantastique. On remarquera le jeu puissant de la musicienne percussionniste de cette formation. Le premier violon italien a plaisir à jouer, cela transparaît dans tout son être sur scène et il nous communique sa joie non dissimulée.\nA l’entracte, apparaît sur scène le pianoforte, revêtu d’acajou. Il sera l’instrument de la réussite du pianiste russe pour ce Concerto pour piano et orchestre N°1. Apparaît le grand Yuri, vêtu d’une chemise grise de gala slave. Le 1er mouvement est lancé et le son du pianoforte se marie à merveille avec le reste de la formation. Tout en finesse et en grâce, le maestro russe nous livre une démonstration de talent inné. Sans micro dans la salle, nous apprécions un son premier pur et vif qui donne toute son expression à la partition du maître Beethoven, laquelle laisse une belle place au soliste. Cet opus marque déjà les mouvements beethovéniens si reconnaissables, une œuvre précoce qui dénote un style unique. Nous voici aux premières loges de l’excellence et de la grâce, attentifs à chacun des mouvements du pianiste émérite.\nLe second mouvement est des plus romantiques, avec ce jeu dextre du pianiste russe qui élève les coeurs vers des cieux élégiaques. Le sarde virtuose lui répond et rythme l’orchestre des mouvements de son archet, avec bienveillance et mesure. Le troisième mouvement est énergique et grandiose, il fait feu de tous les instruments. Quelle orchestration magnifique, un jeu précis et coordonné nous est livré, franc et sincère. Sous les applaudissements, le maître russe exécute un solo de Beethoven remarquable sur pianoforte. L’essence de cet art nous est livré à nu. Comme clin d’oeil à sa culture, Yuri nous donne également le jeu d’un air russe célèbre pour achever cette belle soirée en beauté.\nNous aurons grand plaisir à retrouver l’Orchestre des Champs Elysées en ces mêmes lieux le 10 novembre pour un concert placé sous la direction de Philippe Herreweghe, dédié à Brahms et Bruckner. Notons que le TAP accueillera dans sa programmation classique le Quator Arod le 14 novembre. Pour cette belle découverte culturelle, nos remerciements s’adressent à Ingrid Gouband du TAP. Le Théâtre-Auditorium de Poitiers, une institution culturelle dynamique et Scène Nationale établie depuis 2008 au 6, rue de la Marne 86000 Poitiers - www.orchestredeschampselysees.com et www.tap-poitiers.com - Octobre 2019\nLe Festival Les Coréades\npar le CoRéam\nDu beau classique en Province – Qu’il est agréable de sortir de Paris et de vivre d’intéressants moments de classique de qualité en Province. En Nouvelle Aquitaine, le dynamique CoRéam (subtil jeu de mots conçu avec corps et âme) nous fait cette année encore la démonstration de la passion fraîche et vivifiante qui anime ce groupe de fiers amateurs aux talents remarquables et nous réjouit de la 25ème édition de leur Festival des Coréades, réchauffant de hauts lieux architecturaux du Poitou-Charentes de sonorités et d’émotions classiques.\nSaluons cette troupe de joyeux troubadours qui pendant un mois cet automne, ont sillonné les routes de Nouvelle Aquitaine, de Poitiers à Angoulème, La Rochelle ou Mérignac, produisant cette année nombre de concerts intimistes notamment sur l’axe La Rochelle, Niort, Poitiers. Rare est démontrée autant d’énergie itinérante au service d’une mission: donner à tous l’accès à la culture de la musique classique.\nUne telle initiative riche de créativité est rendue possible grâce à l’action continue de son émérite directeur artistique et chef d’orchestre Jean-Yves Gaudin (1er Prix de Direction d’orchestre ENM Paris 1978). Flamboyant et généreux, il mène cette entreprise désintéressée d’une main experte, assisté de fidèles collaborateurs associatifs. En association avec la Philharmonie Nationale de Roussé de Bulgarie dont il est proche, ce festival itinérant dynamise la présence culturelle du classique dans l’Ouest de la France, avec toujours cet objectif: offrir des sorties classiques familiales accessibles à tous. Notons sur ce point la gratuité aux moins de 16 ans.\nCrée en 1982, cette association CoRéaM (pour Collectif Régional d’Activité Musicale) force le respect: 250 membres, plus de 100 concerts à son actif, 2 festivals annuels (les Coréades et le Bach à Pâques – qui n’est pas programmé cette année, espérons qu’il le sera l’année suivante -). On se souviendra de l’opus sur Verdi en 2012 qui a rassemblé 5500 spectateurs. En sus de son activité de formation, cette organisation conserve une riche bibliothèque de textes pour les chorales de France.\nAu programme des réjouissances de cet automne, un foisonnement d’amabilités symphoniques: Dvorak, Massenet, Schumann, Liszt et bien sûr Brahms lequel donne le fil directeur de ce festival haut en couleurs et en passions: Voyages avec Brahms, lequel, avec ses amis Robert et Clara Schumann, étaient de fins voyageurs européens. Deux ensembles vocaux remarquables accompagnent cette odyssée charanto-poitevine: Bois d’Amour sous la direction de Jacques Richard et Polymnie sous la direction de Fabrice Maurin, accompagnée au piano de Massanori Kobiki.\nEn ce 15 octobre, nous sommes conviés à Poitiers, ville charmante et au coeur historique rénové qui est le siège d’édifices remarquables. C’est à deux pas de l’imposante Cathédrale Saint-Pierre de Poitiers que l’assistance afflue, à l’Église Sainte-Radegonde, qui sera l’écrin privilégié des festivités du soir. Ein Deutsche Requiem de Brahms est donné, tout un programme, en présence des solistes français Fabienne Conrad soprano et Matthieu Lécroart, baryton. Ils seront secondés par une grande chorale en formation conjointe: l’Ensemble Choral Régional du CoRéaM, l’Ensemble Chorus 17 et les Accords Libres de Mérignac.\nEn ce doux soir d’octobre, qu’il est agréable de déambuler de nuit dans le centre historique de Poitiers et de contempler ces vieilles pierres historiques subtilement illuminées. Nous pénétrons dans l’Église Sainte-Radegonde, célèbre figure de Poitiers, fondatrice du baptistère Saint-Jean de Poitiers situé à quelques pas. Nous saluons le porche du 11ème siècle et la nef du 13ème siècle, sous nos pas, une crypte du 6ème siècle. Un lieu propice au répertoire qui est donné ce soir: Ein Deutsches Requiem, qui n’en est pas un réellement mais qui est l’interprétation libre du protestant Brahms et qui sera chanté en allemand, suivant un air proche de celui du français Fauré. Un opus écrit en 7 parties, dont la 5ème est ajoutée après la disparition de sa mère, qui sera chantée par la soliste soprano. L’assistance est venue nombreuse ce soir là.\nDe retour de ce même concert présenté à Angoulème quelques jours avant, nous découvrons une chorale au grand complet et tout sourire, accompagnée d’un orchestre philharmonique expert, celui de Roussé, qui honore le festival de sa 23ème participation continue. Nous prenons place au premier rang, gentil privilège pour la presse et nous pouvons admirer l’orgue rutilant et sa charpente métallique restaurée, certainement l’un des plus beaux d’Aquitaine. Nous sommes impressionnés de voir un orchestre et chorales aussi complets, cordes, cuivres, harpe, rien ne manque. La disposition de l’église accentue cet effet intimiste, nous sommes à un petit mètre des artistes.\nLe premier mouvement est chaud et grave, on remarque le chef d’orchestre grand patriarche qui dirige ce grand ensemble d’une main de maître. L’acoustique de l’église donne un résultat confortable. Le choeur fait la démonstration de sa vitalité, même s’il est composé principalement de femmes à l’âge émérite. L’ouverture est magistrale, sans les violons dans cette introduction pour plus de tendresse partagée.\nLe deuxième mouvement marque une envolée lyrique, nous songeons volontiers à un Christmas Carol, annonçant les festivités de Noël qui sont là dans un mois. Le troisième mouvement salue l’entrée du baryton lequel révèle une puissance vocale impressionnante, il vit son texte et le chante avec clarté, nous sommes en présence de l’un des grands barytons français assurément, donnant la mesure de l’un des nos mouvements préférés de ce Requiem. Le 4ème mouvement sera similaire au deuxième, la première violoniste du Roussé seconde le chef d’orchestre avec application et tous les musiciens sont d’un très bon niveau de précision et d’expression.\nLe 5ème mouvement laisse place à la démonstration de Fabienne Conrad qui manie sa voix avec puissance et douceur. Étincelante de bijoux et en grande robe de bal, elle nous fait penser à une Callas qui se révèle, le charme opère sur un public conquis. Fabienne Conrad a illuminé la soirée de sa présence et de son talent confirmé. Le 6ème mouvement sera puissant et fantastique, l’orchestre bulgare donnant toute son énergie, pour une finale grandiose.\nUn concert servi en apothéose qui achève ce riche festival, la dernière représentation étant donnée dans la Cathédrale Saint-André de Bordeaux ce 17 octobre. On pourra retrouver la remarquable soprano Fabienne Conrad en France le 10 novembre 2019 pour les Airs d'Opéras à la Tour Eiffel et le 31 décembre pour le concert du réveillon à la Tour Eiffel, puis en 2020, jouant Leonora dans le Trouvère, Marguerita & Elena dans Mefistofele et autres actualités à suivre sur son site www.fabienneconrad.com.\nL’année prochaine, le festival des Coréades sera sous l’augure de Puccini (Messa di Gloria) et d’Edard Grieg (Olav Trygvason), nous aurons plaisir à revenir, notamment pour admirer ces beaux édifices dans lesquels les concerts du CoRéaM sont donnés. Pour cette découverte artistique très plaisante, nos remerciements s’adressent à Yasmine Gontard du CoRéam. Le CoRéaM, une formation vocale et musicale régionale de qualité, établie avec brio au 12 rue Joseph Cugnot 79000 Niort - www.coream.org - Octobre 2019\nL'Opéra en plein air - Tosca\nUn opéra dépaysant et magique – Chaque été, nous ne pouvons manquer notre petit rituel qui marque l’ouverture des réjouissances estivales: l’Opéra en Plein Air, dont les premières dates ont lieu traditionnellement au majestueux Château de Sceaux, dans le parc de 180 hectares commandité par Colbert à Le Nôtre, Perrault et Le Brun. Cette année, au détriment d’une météo capricieuse, nous devons renoncer à être présents aux premières des 14 et 15 juin, c’est aussi cela l’aléa du plein air.\nAprès une date dans le sud à la Cité de Carcassonne (un haut lieu historique que nous aimons visiter chaque été), revoici la fine équipe de cet opéra ambulant unique en France de retour au Château de Saint-Germain-en-Laye, après une escale préalable au Château de Vincennes.\nEn ce samedi 6 juillet, nous nous retrouvons face à la large esplanade qui surplombe Paris, à côté des jardins dessinés par Le Nôtre, là où se dresse fièrement le Château-Vieux de Saint-Germain, dont la première construction remonte à 1124. L’histoire nous contemple depuis ses hautes pierres, le coucher de soleil sur la scène face au sud l’anime d’une lumière particulièrement romantique.\nQuoi de plus opportun que de venir voir cet opéra Tosca ici à Saint-Germain, là où se situa le fameux duel du Coup de Jarnac, comme un écho lointain à l’intrigue, l’honneur et la passion de cette narration dramatique et romancée de l’oeuvre opératique de Giacomo Puccini.\nLe foule est venue nombreuse ce soir, comme à chaque édition, cet opéra au format inédit en France rencontre un succès inaltéré depuis sa création en 2001. En tête d’affiche, Agnès Jaoui, la célèbre metteuse en scène et comédienne, attire certainement un large public. Elle signe ici sa première mise en scène d’opéra, elle qui est aussi chanteuse lyrique, un volet méconnu de son riche talent d’artiste française.\nNous voilà partis pour 2h30 de spectacle dont 20 minutes d’entracte. Un festival interrompu d’arts lyriques d’excellence, marquant de sa haute tenue un niveau digne des grandes productions internationales. Dans ce mélodrame riche et complexe, à rebondissements inattendus, écrit pour Sarah Bernhardt, on y découvre les amours et les jalousies de Tosca, célèbre cantatrice, de son amant peintre et une terrible police qui va semer la discorde dans ces idylles chancelantes.\nQuel brio cet opéra Tosca, créé le 14 janvier 1900 à Rome. 3 actes tirés de la pièce de Victorien Sardou, qui fût aussitôt un échec, avant que la Scala de Milan le reprenne. En 1903, l’Opéra Comique le présente en France et le succès naît, avant de devenir un opéra mythique.\nL’action se déroule en 1800 sous la république romaine des français. Floria Tosca maîtresse du peintre et cantatrice jalouse est au coeur d’un mélodrame devenu célèbre. Maria Callas fût l’une des grandes interprètes de ce magnifique rôle de 1942 à 1965, il sera aussi son dernier rôle sur scène. Cet opéra évoque le film Tosca de Jean Renoir de 1941. Il apparaît dans le James Bond Quantum of Solace dans son 1er acte pour les cinéphiles contemporains.\nLe travail d’Agnès Jaoui est remarquable. On note ces écrans géants qui permettent de changer de décor avec simplicité, une innovation plaisante. La scénariste césarisée a travaillé avec rigueur et générosité pour cette mise en scène, en essayant de casser les codes pour livrer un opéra plus vrai et sincère. Elle qui a hésité entre le lyrique et la comédie est aussi membre de l’ensemble vocal Canto Allègre qui a publié quatre disques, le premier étant Canta en 2000.\nElle fût épaulé par Yannis Pouspourikas à la direction musicale. Du Conservatoire de Genève, ce chef associé à l’Opéra d’Essen et de Zurich, ancien chef assistant à l’Opéra de Paris, élève de Sir Simon Rattle et chef invité à l’Opéra de Sydney a dirigé les Noces de Figaro en 2017 pour l’Opéra en Plein Air. Il renouvelle cette saison son attachement pour une telle aventure humaine et lyrique hors normes.\nLe grandiose succède à l’émotion dans ce chef d’oeuve porté par une troupe talentueuse, bien coordonnée et jouant en harmonie parfaite. Aucun temps mort ici, l’oeuvre fidèle à son créateur est portée à un niveau remarquable par l’énergie qui s’empare de la scène et qui communique à son public une belle émotion sensorielle. Le cadre majestueux et le plein air ajoutent à cette féerie théâtralisée, le son pur s’égaye dans la nuit. Un spectacle rêvé et charmant.\nLa scénographie de Philippe Miesch est une épure qui laisse place à l’action et à la narration. La maîtrise des Hauts de Seine, dirigée par Gaël Darchen ajoute une fraîcheur à l’émotion sonore qui anime cet opéra. Les costumes de Pierre-Jean Laroque répondent au classicisme intemporel de cette grande pièce opératique.\nNous distinguerons la soprano Ewa Vesin (en alternance avec Deniz Yetim) dans le rôle de Tosca, tout simplement merveilleuse. Elle fût remarquée dans ses rôles dans Halka et de Vitellia dans Clémence et Titus. Le ténor Paolo Scariano émerveille dans le rôle de Cavaradossi, donnant la réplique à Tosca. Enfin, le baryton niçois Jean-Luc Ballestra impressionne dans son rôle du baron Scarpia, chef de la police.\nUne distinction sera donnée au premier violon de l’orchestre Anne Gravoin, célèbre violoniste de Montauban issue d’une père violoniste de l’Orchestre Philharmonique de Radio France. Elle fût remarquée par ses collaborations innovantes avec Laurent Voulzy, Nolwenn Leroy, Alain Souchon ou encore Véronique Sanson.\nOn aime dans cet Opéra en Plein Air leur ouverture au grand public, avec des tarifs doux pour un opéra. 2700 personnes sont venues ce soir admirer ce show lyrique gigantesque, devant la belle façade des Loges. L’année dernière avec Carmen de Bizet, ce sont 40 000 spectateurs qui sur 15 représentations ont pu admirer des performance scéniques brillantes sur plus de 7 sites historiques, notre préféré restera certainement celui du Château de Bataille. Nous retrouverons l’opéra-troubadour les 4, 5, 6 et 7 septembre à l’Hôtel National des Invalides.\nOn apprécie aussi la version pour enfants de cet opéra la Pucola Tosca, une innovation de cette saison. Pour cette belle découverte lyrique, nos remerciements s’adressent à l’agent de presse émérite Pierre Cordier et à Caroline Rocher de l’Opéra en Plein Air. L’Opéra en Plein Air, une production lyrique unique en France, établie avec passion au 5 Rue Beaujon 75008 Paris. Photographies: Teresa Suarez - www.operaenpleinair.com - Juillet 2019\npar l'Universal Ballet\nUn célèbre ballet consacré par l’Asie – Le mois de juin est la période rêvée pour bénéficier des derniers grands spectacles parisiens avant la grande pause de l’été. C’est le cas avec le passage à Paris d’une grande compagnie de ballet venue d’Asie où nous sommes conviés. Nous nous y rendons très volontiers, curieux d’assister à une interprétation originale de cette œuvre grandiose, tirée d’une influence asiatique qui donnera certainement à ces tableaux archi-connus un twist inédit.\nNous avons hâte de découvrir une interprétation moderne et renouvelée, qui fera penser certainement à un beau tableau des célèbres ballets russes. Un événement de danse original qui fût à découvrir Porte Maillot, le célèbre ballet Le Lac des Cygnes fût à nouveau présent dans la salle magistrale du Palais des Congrès de Paris du 21 au 23 juin 2019 pour quatre représentations exceptionnelles de l’Universal Ballet qui compte parmi les plus prestigieuses compagnies de ballet classique au monde.\nCette compagnie très créative, basée à Séoul, remarquée pour son interprétation de Giselle notamment, est composée de 70 danseurs émérites. L’Universal Ballet n’a eu de cesse de gagner en reconnaissance et en réputation depuis sa création en 1984. D’après le New-York Times, l’Universal Ballet est l’une des compagnies de ballet les plus réputées d’Asie. Elle est dirigée par Julia H. Moon, fille du fondateur, qui y fût danseuse étoile depuis 2001.\nL’Universal Ballet porte bien son nom puisqu’il rassemble des danseurs et danseuses de plus de 12 pays. Son ascension a été consacrée en particulier par le soutien de grands danseurs telle la fondatrice et directrice artistique Adrienne Dellas et son successeur Vinagradov, ancien directeur artistique de l’illustre ballet du Kirov de Saint-Petersbourg. L’Universal s’est notamment illustré sur les scènes internationales avec Don Quichotte et Giselle et dans un registre contemporain avec In The Middle et Somewhat Elevated de Willliam Forsythe.\nJulia Moon, née aux Etats-Unis, a été formée par le Royal Ballet School de Londres et par l’école Princesse Grace de Monaco. En 1984, elle devient fondatrice de l’Universal Ballet puis directrice générale en 1996. Elle dirige également le Kirov Academy Ballet à Washington DC. Après une carrière internationale, cette célèbre danseuse sud-coréenne dansera la plupart des rôles principaux du répertoire de la compagnie. En 1989, elle est la première danseuse asiatique invitée à se produire au fameux Ballet Kirov de Saint-Pétersbourg où elle incarnera le rôle principal de Giselle, elle dansera également dans Don Quichotte en 1992 et dans Le Lac des Cygnes en 1995. Elle est nommée directrice générale de l’Universal Ballet en 1996.\nChorégraphié par Oleg Vinogradov et par Brian Yoo, ce Lac des Cygnes présenté à Paris reste le ballet romantique par excellence, d’après l’oeuvre originale de Marius Petipa et Lev Ivanov sur la musique de Piotr Ilitch Tchaïkovski. Cette nouvelle version asiatique explore en deux actes les méandres de l’amour éternel en conjuguant l’union de l’harmonie et la grâce de la pensée culturelle asiatique, avec la force et la beauté de la danse classique occidentale. Un mix inédit et poétique que nous avons pu découvrir avec ravissement. Brian Yoo est d’origine chinoise, il rejoint l’Universal en 1999 et en devient maître de ballet, il rejoint la direction artistique en 2000. Il a chorégraphié les ballets coréens The Love of Chunhyang et Paganini Rhapsody.\nTrès annoncé, nous avions hâte de découvrir la toute première de l’Universal Ballet à Paris, l’une des rares manifestations parisiennes de l’un des plus prestigieux ballets d’Asie et certainement le premier de Corée. Quatre représentations exceptionnelles vont ravir le public parisien venu nombreux, fin spécialiste des ballets vu le nombre de représentations de niveau à Paris produites à Paris.\nNous sommes charmés de voir pour la première fois l’expression fine de la maîtrise asiatique de cet art dansé, telles des peintures humaines où l’harmonie et la précision célèbrent la tradition ancestrale de l’Asie pour la danse. Il est même étonnant que l’Asie n’ait pas plus de représentativité en ce domaine, l’Universal Ballet comble cette lacune.\nSous une chorégraphie de l’émérite Oleg Vinogrador, nous découvrons les tableaux impressionnants dressés par les danseurs et danseuses énergiques du ballet Coréen. Précision, contrôle et grâce marquent ces tableaux chatoyants ou graves qui sied bien à l’oeuvre mondialement connue de Piotr Tchaikovski, sinon l’un des plus connues du répertoire classique russe. Les costumes seront dans la tradition classique, le décor résolument baroque, un tout harmonieux et cohérent, visant l’excellence et la fidélité à l’oeuvre originale.\nDans la plus pure tradition du ballet européen, force et contrôle s’expriment sous les doux pas des danseuses, sublimant les célèbres tableaux du Lac des Cygnes (ou Swan Lake en anglais), désormais entrés dans l’image populaire des ballets classiques. Un haut niveau dansé qui nous enchante. Nous voilà partis voyageant dans un joli conte de fée surréaliste typique de l’imaginaire russe. La Russie et l’Asie nous livrent ici une ode stylisée, un hymne au superbe. Un entracte mérité nous permet de nous remettre d’autant d’émotions.\nLa chorégraphie initiale a été retouchée pour lui donner plus de modernité, elle révèle la pate experte d’Oleg Vinagrador et de Brian Yoo. La scénographie de Simon Pastukh laisse place à l’expression des corps des danseuses, mises en avant et mises en lumière avec beauté par Kyoungwon Seo. Les costumes de Galina Solovieva reprennent la tradition du classicisme russe.\nLa Valse, la Polonaise, la Danse Espagnole ou Hongroise, sans oublier la Mazurka ou le célèbre Pas de Trois, tout y est dans cette consécration vivante de la maîtrise excellente du ballet. Odette sera jouée par Misun Kang, donnant la répartie à Konstantin Novoselov qui danse Siegfried. On distinguera Jiwon Choi pour sa très belle interprétation de la Reine et Seungyun Seo pour sa danse remarquable des petits cygnes.\nPour cette belle découverte dansée, nos remerciements s’adressent à l’agent de presse spécialisée Sylvie Desnouveaux. Un spectacle magistral donné au Palais des Congrès au 2 Place de la Porte Maillot 75017 Paris, une belle production signée ValProd. - www.lelacdescygnes.valprod.fr et www.universalballet.com – Juin 2019\nUn opéra dynamique et moderne – Une fois par trimestre, nous nous réjouissons à nous rendre au Théâtre des Champs-Élysées, haut lieu historique des représentations classiques internationales présentes à Paris. Parmi la riche programmation de cette salle d’exception de 1905 places construite par Auguste Péret, notre choix s’est porté sur un opéra annoncé à grand renfort de communication, l’Ariadne auf Naxos du compositeur allemand Richard Strauss. Notre œil est attiré par ces lumières modernes, cette mise en scène annoncée. Enfin un opéra qui connaît un renouveau stylistique.\nIl s’agit d’une production d’exception, regroupant de grands noms internationaux du lyrique. Ainsi Ariane sera incarnée par la soprano finlandaise Camilla Nyland, une grande interprète straussienne, Olga Pudova, soprano russe personnifiera la tonitruante Zerbinette, Jean-Sébastien Bou, baryton français, sera le maître du musique.\nAriane à Naxos est un opéra écrit à l’apogée de l’art straussien. On lui connaît deux versions, celle de 1912 présentée à Stuttgart qui fait jouer une pièce de Molière et celle de 1916 avec son prologue ajouté, présenté à Vienne, la version la plus jouée aujourd’hui. Revisitant la tradition viennoise de l’opéra de caractère, Strauss y fait jouer une pièce dans la pièce, une mise en perspective très adroite, où l’on verra l’opéra Ariane à Naxos se confronter à une opérette de style Commedia dell’Arte. Les deux troupes convoquées à l’occasion d’une fête bourgeoise vont se livrer une joute vocale pour le plus grand plaisir des spectateurs venus nombreux ce soir. Inspirée du Bourgeois Gentilhomme de Molière, Strauss conçoit ici une œuvre onirique à double narration réunie en une seule. La toute première d’Ariane Avenue Montaigne a eu lieu en 1937.\nNous voici dans cette immense salle classique toute de rouge et d’or vêtue, qui donne une perspective majestueuse sur tout hémicycle. Nous nous lasserons pas d’observer les fresques de la coupole de Maurice Denis qui célèbrent les arts lyriques français. L’assistance est venue nombreuse ce soir, attirée par le casting international présent sur scène. L’Orchestre de Chambre de Paris est de la partie, dirigé par le jeune talent français Jérémie Rhorer. L’OCP sera en formation dite à la Mozart, à savoir 38 musiciens. Rhorer s’est distingué notamment dans le Cycle Mozart du TCE, dont il est un grand spécialiste. L’OCP fête ici ses 40 années d’existence et nous le retrouverons à la Philharmonie, sa salle de résidence.\nL’artiste très attendue ce soir n’est pas sur scène, il s’agit de la britannique Katie Mitchell, assurant cette mise en scène novatrice, remarquée au Festival d’Aix-en-Provence, cet opéra ayant été présenté en juillet 2018 dans la belle cité du Sud. Katie Mitchell fût remarquée en France avec Pélleas et Mélissandre en 2016 et avec Alcina en 2015. L’opéra est chanté en allemand avec des sous-titres en français et en anglais.\nL’action commence, nous découvrons un décor Années 30, dans un appartement bourgeois de Vienne, une décoration soignée signée Chloé Lamford. Les personnages de la pièce déménagent et chantent le décor sous nos yeux, dans un ballet chanté qui donne de l’énergie à l’ensemble. Les personnages, habillés par Sarah Blenkinsop, alternent costumes des années 30 et pièces beaucoup plus modernes, on retrouvera des chanteurs en jeans, baskets et lunettes noires, donnant assurément un air bienvenue de West Side Story à l’ensemble.\nLes rôles se mettent en place et les changements se font à vue du public, lequel est quelque peu décontenancé devant autant d’animation sur scène, avec plusieurs scénettes mimées ou chantées de part et d’autre. Pour nous, c’est très divertissant, en rupture de toute monotonie. Survient la mezzo-soprano américaine Kate Lindsey dans le rôle du compositeur qui illumine ce premier acte d’une voix fantastique, douce et enveloppante, elle donne à cet opéra tout son caractère de jeunesse et de joie. Elle communique une impulsion vive qui réveille toute la salle et nous laisse admiratifs devant autant de talent vocal.\nComme Monsieur Jourdain dans Molière, le commanditaire apparaît sur scène et assiste à la pièce avec son épouse. Les chanteurs font démonstration de leur talent inné et emplissent l’immense salle toute entière de leurs voix étincelantes. On distinguera l’allemand Roberto Saccà (exceptionnel) dans le rôle de Bacchus. On reconnaîtra le célèbre air de Zerbinette de 11 minutes.\nLe livret de Hofmannsthal joue habilement avec les mises en scènes croisées, les styles mélangés. C’est la première fois que nous voyons du tragique mêlé à du comique pour un style des plus décalés et réussis. C’est inhabituel et cette facétie de Strauss s’harmonise habilement sous le jeu adroit et fin de ces acteurs-chanteurs. Une dramaturgie signée Martine Crimp et des mouvements orchestrés par Joseph Alford.\nOn s’étonne et s’amuse des tableaux présentés, certains modernes comme le cours de sport en baskets, la cigarette sur scène et le sable qui symbolise l’île grecque de Naxos. Ce tout abracadabrantesque et stylé est relevé par des éclairages leds modernes qui donnent une lecture pluritemporelle de la pièce chantée. On aime ce mix irrévérencieux et décomplexé qui réveille l’opéra allemand, c’est frais et talentueux.\nLe premier acte laisse jeu à un duo féminin en face à face et s’achève sur une gifle magistrale. Le second acte sera plus intimiste et réunira les deux troupes sous une apothéose d’applaudissements (sauf des anciens trop perturbés par autant d’audace stylistique). L’OCP se sort avec les honneur d’un Prologue difficile, l’Acte étant plus fluide et mélodieux.\nOlga, soliste du Théâtre Mariinsky, occupe de sa vive présence tout l’Acte. Quatre chanteurs masculins entourent la belle Zebrinette, on chante sur les tables, on sort une arme, on pleure aussi, on sent l’unicité narrative d’une scène double qui devient une, deux univers qui s’affrontent avec vigueur, mais la musique finira par convaincre tous les cœurs. On apprécie ces jeux scéniques sans voix qui se fondent dans les arrière-plans. Deux comédiens français sont sur scène, Rainer Sievert et Anna Daria Fontane, ils embellissent le jeu de cette joyeuse troupe. On est charmé des lumières futuristes et modernes de James Farncumbe qui réhaussent l’opéra d’atours contemporains.\nUn opéra frais et fluide, deux heures de grand spectacle opératique. Nous avons apprécié un tel opéra vivant et coloré et nous saluons la performance remarquée de Kate Lindsey qui signe ici l’un de ses plus grands rôles selon nous. Kate Lindsey a été vue dans Poppée à Salzbourg l’été dernier sous la direction de William Christie. Nous recevons du service de presse un carnet de photographies des répétions signées Patrick Messina, célèbre photographe français, un doux souvenir de ce moment riche de talents remarquables.\nPour cette belle découverte opératique, nos remerciements s’adressent à Orane Dousse et à Amélie Deletre du service communication du Théâtre des Champs-Élysées. Photographies G&P et Vincent Pontet. Le Théâtre des Champs-Élysées, une institution émérite des arts lyriques parisiens établi depuis 1913 avec panache au 15 Avenue Montaigne, 75008 Paris– www.theatrechampselysees.fr – Mars 2019\nBerlioz par le Palais Royal\nUn concert intimiste et brillant – Encore sous le charme des belles images du dernier concert du Palais Royal, Tout est Lumière, un spectacle grandiose donné à la Seine Musicale, nous nous rendions avec joie à la salle historique du Conservatoire de Paris pour vivre un autre concert mis en espace par le jeune et talentueux Benjamin Prins, toujours assisté de Pénélope Briant pour un résultat des plus réussis.\nAvec le tandem créé avec Jean-Philippe Sarcos, dynamique directeur de cette formation classique pleine d’énergie renouvelée, ils sont en train de révolutionner l’approche du classique, en y mêlant le théâtre, le lyrique et le comique, pour créer un show du plus bel effet.\nNous pénétrons avec respect dans cette salle historique du Conservatoire de 959 places, une première pour nous à titre personnel. Reconstruite tout en bois et en toile, elle fut l’écrin dans lequel la Symphonie Fantastique de Berlioz fût créé. Ce concert en ce lieu est un geste fort à l’occasion de la célébration des 150 ans de la disparition du compositeur français illustre (1803-1869). Pour le refaire revivre sur scène, le duo créatif Sarcos-Prins n’aurait pas mieux choisi que le fougueux comédien français Frédéric Giroutru dit Frédéric Le Sacripan, lequel incarne littéralement le personnage haut en couleurs de Berlioz.\nAprès un rappel historique des plus éclairants du chef d’orchestre, par lequel nous apprenons qu’entre la disparition de Rameau en 1764 et l’arrivée de Berlioz après la Révolution Française qui met à mal la musique de l’ancien régime, il faudra faire appel à des musiciens italiens faute de talents en France. Le concert s’ouvre, nous sommes dans la répétition de Béatrice et Bénédict, une œuvre de Berlioz inspirée de Beaucoup de Bruit pour Rien, l’oeuvre de Shakespeare, un auteur que Berlioz admire beaucoup (il se mariera avec une actrice irlandaise). Le décor sera des plus simples, relevé par cet imposant décor amovible rouge d’époque monté pour cette occasion spéciale, donnant une sonorité accrue à la salle.\nPour ce 35ème concert du Palais Royal dans cette salle toute revêtue de rouge et d’or, nous nous réjouissons de belles lumières, d’un enchaînement des scènes sans temps mort et d’une exécution parfaite. Le Palais Royal renouvelle ici ses qualités d’excellence. On aime le format de cette salle qui rend la scène proche et l’on a apprécié le solo décalé d’Orlando Bass couvert par des effets de fumigène. Du grand spectacle chanté et joué, avec des pointes d’humour fort à propos.\nLa troupe chante et joue admirablement bien, comme à son habitude, soutenue par les notes gaies d’Orlando Bass, ce pianiste franco-britannique prodige que nous avions remarqué lors du dernier concert du Palais Royal. On s’amuse des changements vestimentaires de cette vive troupe, tantôt en baskets et lunettes de soleil, tantôt en smokings et robe de soirée suivant les tableaux présentés.\nSe succèdent le meilleur de l’époque de Berlioz, donné en scènètes de vie et entrecoupés d’actions théâtrales, une époque dominée par les italiens, seront ainsi chantés Piccini, Cherubini, Salieri, Rossini et aussi Gluck, sans oublier le fameux Berlioz, pivot de ce concert (La Damnation de Faust, Tristia, Lélio, Bienvenuto Cellini et bien sur la Symphonie Fantastique).\nLe Sacripan fait littéralement revivre avec grand brio le jeune Hector Berlioz sur scène, venu d’Isère à Paris, prédestiné par son père médecin à une carrière en médecine. L’auteur Emmanuel Reibel a fait une travail en profondeur pour nous faire revivre sa personnalité chatoyante, ses humeurs et ses doutes, s’appuyant sur les Mémoires de Berlioz, lequel fût aussi un bon auteur. Frédéric, du Conservatoire de Grenoble, du Cours Florent et du CNSAD joue de tous ses talents d’orateur pour clamer et déclamer, les murs de la salle en tremblent presque. C’est vif et percutant, nous assistons ce soir là à du grand théâtre en la personne de Le Sacripan, lequel n’a rien à envier aux chanteurs lyriques présents en arrière-scène en terme de puissance vocale.\nBerlioz le Fantastique est le titre du concert, il porte bien son nom. Nous apprenons de la vie de l’artiste, ses errements, ses succès et ses échecs, il nous touche aussi. Le jeune acteur a travaillé avec Michel Fau et sait nous émouvoir au plus profond de nous, nous faisant voyager dans une autre époque.\nNous venons de vivre une belle représentation, forte et saisissante. Nous aurons plaisir à revoir la ruche foisonnante de créativité artistique qu’est le Palais Royal en mai et juin avec leur concert Offenbach en Fête. Cette même salle historique sera le théâtre des concerts Coups de Foudre, à destination des jeunes sans accès à la musique classique, autre volet éducatif de la mission de cette formation attachante. Photographies G&P et Mylène Natour. Un concert réjouissant donné dans la Salle Historique du Conservatoire, une salle consacrant les arts vivants français établie depuis 1806 au 2bis rue du Conservatoire 75009 Paris. – www.le-palaisroyal.com - Mars 2019\nLe concert Constellations\nUn doux et talentueux concert – Pour célébrer la Saint-Valentin comme il se doit, rien de tel qu’un beau concert symphonique et romantique. C’est ainsi que nous nous rendons en ce 14 février sur l’invitation de l’Orchestre National d’Ile de France dans la belle Salle Gaveau du nom éponyme de l’ancien fabricant français de piano. Nous aimons cette salle pour son caractère intimiste, tel un cocon paré de bois ciselé couleur taupe à l’acoustique remarquable. Nous sommes salués par l’orgue Mutin-Cavaillé qui orne la scène, éclairé de tous les feux. Les 1020 places de la salle sont particulièrement remplies ce soir-là, ce qui fait que la presse aura du mal à s’y loger...placés en dernier rang de salle, nous sommes toutefois dans l’une de ces loges-cabines privatives et surélevées qui nous donnent une vue sur toute la scène. La cause de cette affluence est la présence ce soir du prodige français de la guitare, le bordelais Thibault Cauvin qui se produit ici dans l’une de ses rares dates parisiennes au cours d’une tournée mondiale débutée il y a plus de 19 ans.\nLes prochains rendez-vous de l’ONDIF, ce bel orchestre français créé en 1974 que nous avons plaisir à suivre cette saison, sont donnés pour le 15 mars à la Grande Salle Pierre Boulez de la Philharmonie de Paris pour le concert intitulé La Cinquième (Bach, Mahler) et le 22 mars en ce même lieu pour le concert Liberté! (Chopin, Chostakovitch). Nos remerciements s’adressent à Ludmilla Sztabowicz de l’Orchestre National d’Ile de France. Photographies: G&P et Yann Orhan. Salle Gaveau, une salle parisienne agréable et intimiste établie depuis le 3 octobre 1907 au 45 rue la Boétie 75008 Paris - www.orchestre-ile.com - Février 2019\nConcert Hiver Russe\npar l'Orchestre National d'Île de France\nUn concert riche et magistral – Chaque hiver, nous avons pour plaisir de nous réfugier dans le doux cocon qu’est la grande salle Pierre Boulez de la Philharmonie de Paris, pour prendre part à un grand concert classique qui réchauffe les coeurs. C’est le cas de ce concert fort annoncé Hiver Russe donné par l’Orchestre National d’Ile de France (ONDIF) qui nous invite avec générosité ce soir du 29 janvier 2019. Une grande ouverture sur un répertoire créatif et russe salué par une neige généreuse fort à propos pour nous mettre dans l’ambiance de ces réjouissances.\nNous pénétrons dans les halls modernes et blancs de la Philharmonie, la foule d’aficionados est venue nombreuse ce soir pour admirer l’un des concerts les plus en vue du mois. Nous remarquons que tous les âges sont représentés, ce qui n’est pas si courant en classique. C’est certainement le signe évident de l’engagement de cette formation dans des actions culturelles au sens large, l’ONDIF étant l’un des 20 orchestres au monde les plus impliqués dans l’action envers les jeunes et tous les publics. Cette formation fondée en 1974, résidente à la Philharmonie, transmet sa passion pour la belle musique à l’occasion de plus de 100 concerts par an. Ses 95 musiciens sont d’excellent niveau, habilement dirigés par Enrique Mazzola depuis 2012. Un orchestre qui aime explorer d’autres contrées musicales, telles des musiques de film (avec un studio dédié à cet effet, des ciné-concerts aussi), on l’a vu jouer du Air, du Louis Amstrong et encore des pièces contemporaines. On le retrouvera hors ses murs notamment le 14 février pour le concert Constellations à la Salle Gaveau ou encore jouant du Star Wars en mars.\nTous ces talents hors nome (citons la super-soliste Ann-Estelle Médouze ou encore le soliste Stefan Rodescu) sont très attendus ce soir car le programme est à la hauteur de la réputation de cette formation dynamique et créative: la première française de la dernière création contemporaine Glorious Clouds du compositeur japonais résident à Londres Dai Fujikura, une œuvre dont la première mondiale s’est tenue à Cologne le 2 novembre 2018. Suivi du Concerto pour violon N°2 en sol mineur de Serge Prokofiev, l’un de deux seuls concertons pour violon du compositeur ukrainien, avec l’interprétation d’une star française du violon, le jeune maestro Nicolas Dautricourt. L’entracte laissera place aux fameuses Danses Symphoniques op 45, la dernière et certainement la plus grande œuvre du compositeur russe Sergei Rachmaninov. Un magnifique programme donnant le La de la diversité, placé sous la direction de l’étoile montante des chefs d’orchestres outre-manche, le surdoué Jamie Phillips.\nNous avons hâte de découvrir ces œuvres inédites à nos oreilles. Nous voilà placés en premier balcon, ayant une vue d’ensemble sur l’orchestre et des rutilants instruments, ses musiciens habillés de robes de soirée et de smokings, avec un public disposé à 360 degrés, sous les bois vernis de cette immense salle signée Jean Nouvel et Brigitte Métra. Les 2400 places de la salle sont toutes occupées ce soir. Le silence se fait, voici les musiciens en position, sous les applaudissements généreux, entre le jeune chef d’orchestre anglais Jamie Phillips.\nPhillips est un prodige de l’orchestration, lui qui fût primé à l’âge de 21 ans au Salzburg Conducting Award, est devenu le plus jeune chef d’orchestre de la formation classique la plus ancienne du Royaume-Uni, le Hallé Orchestra (Manchester, 1858), dirigé par Sir Mark Elder. Phillips a dirigé le Los Angeles Philharmonic, le London Symphonic Orchestra et bien d’autres, en France, l’Orchestre d’Auvergne (2018).\nLa toute jeune œuvre du surdoué japonais de la composition Dai Fujikura (Osaka, 1977) commence. Il s’agit d’une œuvre symphonique résolument contemporaine, asbstraite, une co-commande de l’ONDIF pour lequel Dai fût en résidence à l’ONDIF ainsi qu’au Nagoya Philharmonic Orchestra. Elle est une évocation symbolique d’un monde fascinant pour le jeune compositeur, dont on a vu d’autres pièces résolument inspirées des sciences (tel Solaris). Le jeune artiste s’inspire avec brio de cette vie invisible multiple qui règne dans le monde végétal et animal, il est allé jusqu’à rencontrer de grands scientifiques tel le Dr. Satoshi Omura (Nobel 2015 de médecine), pour parfaire ses recherches, c’est un artiste qui va jusqu’au bout des choses. Son œuvre est très abstraite, vive et complexe.\nIl est sujet ici de la figuration sonore de la vie des microbiotes qui sont partout autour de nous, qui sont tous en symbiose, formant un tout constructif, telle une architecture orchestrée immense tout en étant subtile. La symphonie est brillante, ponctuée et avec quelques airs japonais forts à propos. C’est une pièce qui exprime toute sa modernité, avec chaleur et espièglerie, on se réjouit d’autant d’audace dans la composition, nous livrant des sons inédits à nos oreilles européennes bien habituées aux grands classiques. Un vent de fraîcheur souffle sur la Philharmonie à ce moment présent, une œuvre qui sied fort à propos au design ultra moderne de la salle.\nOn y sent une grâce, une jovialité fine, contrebalancée par des passages plus graves et sonores. On aime ses détournements, tels des xylophones joués à l’archet, les cors joués en sourdine. 15 minutes de découverte sensorielle inattendue, qui nous réjouit de nouvelles émotions musicales. Les 60 cordes de la formation s’en donnent à coeur joie, leur plaisir n’est pas feint. L’élève d’Edwin Roxbourg, Prix Silver à Venise réitère une belle œuvre au sein de l’ONDIF, lui qui avait initié une collaboration réussie avec l’orchestre francilien avec Ghost of Christmas (Fantôme de Noël) adapté des Christmas Carol (1843) de Charles Dickens. Virtuosité et talent vont de pair chez ce compositeur japonais attachant qui vient saluer le public parisien qui le reçoit avec chaleur ce soir là. Dans cette métaphore ludique et enchanteresse, on perçoit un travail méticuleux, précis, hors normes. Avec cette vue sur l’orchestre classique et ce son si avant-gardiste, c’est l’ancien et le moderne qui se marient avec grandeur ce soir. Une célébration réussi de la musique de demain.\nAprès autant d’effusion, place au recueillement, avec l’entrée d’un autre prodige, le violoniste français Nicolas Dautricourt (1977), Adami 1999, CNSM à l’age de 16 ans (1er prix), l’un des solistes les plus en vue du moment. Dautricourt est un maître passé par les enseignements de Philip Hirschhorn et du français Gérard Poulet entre autres. Grand amateur de classique, il explore également l’univers du jazz (on l’a vu à Jazz in Marciac et Jazz à Vienne notamment), il est reconnu pour un engagement sensible et passionné dans son interprétation, autant de promesses nous réjouissent.\nLe Concerto pour Violon N°2 en sol mineur s’engage, alliant finesse et légèreté. La performance de Dautricourt saute aux yeux, magnifié par un tel orchestre d’excellence: tout simplement stupéfiant, avec une clarté et une profondeur de jeu dépassant l’entendement du réel. Dautricourt joue, il emplit la salle à lui tout seul, notamment dans ses passages en soliste. L’assistante, bouche bée, écoute la grâce de son jeu. Certainement l’un des meilleurs solistes violon vus à ce jour nous concernant.\nL’oeuvre de Prokoviev est jouée à merveille. Elle est présentée une première fois en présence d’un autre génie français du violon, Robert Soetens, le 1er décembre 1935 par l’Orchestre Symphonique de Madrid. Nous voici embarqués dans 25 minutes de plaisirs symphoniques réunissant 50 cordes. Ce second concerto est bien différent du premier écrit 20 ans plus tôt à Saint-Peterbsourg, il est héroïque, constructif, tout en finesse comme le soulignait son ami Francis Poulenc. Majestuosité, force et finesse caractérisent ce premier mouvement. Une récurrence sourde opère aussi, avec des notes tantôt amusantes, tantôt dramatiques. Une complicité s’installe entre Dautricourt et Phillips, qui allient tous deux un talent remarquable. Le second mouvement est empreint de romantisme et de fraîcheur, avec des clarinettes en vedette, des castagnettes y font même irruption. Le troisième mouvement est plus relevé, il donne toute sa force à l’expression du violoniste français, lequel joue sur un Antonio Stradivari fait à Crémone en 1713, le Château Fombrange.\nLa salle applaudit avec force un tel exploit musical. Puis vient un bis improvisé, entre Dautricourt et le supersoliste de l’orchestre d’origine vénézuélienne, Alexis Cardenas, intitulé Spain. Un tour de force duettiste donnant toute la puissance des deux violons. Cardenas vit tellement cet instant qu’il frappe même du pied. Un mini-concerto des plus vifs, qui remplit la salle de hourras.\nL’entracte bien mérité nous fait suivre le jeu du billet caché dans les programmes, une invitation pour les prochains concerts de l’ONDIF, nous voilà comme des enfants. L’oeuvre qui s’annonce est magistrale, puisqu’on parle des Danses Symphoniques Op. 45 de Rachmaninov, écrite à la fin de sale vie, présentée le 3 janvier 1941 par l’Orchestre Symphonique de Philadelphie sous la direction d’Eugène Ormandy. 36 minutes réparties en trois mouvements allégoriques de la vie (le jour, crépuscule, minuit), une œuvre riches de jouissances esthétiques et sonores, qui continue Tchaikovski par la sensibilité de l’âme russe. Une oeuvre poignante et fantasmatique, dont le titre originel était Danses Fantastiques.\nNous voici à nouveau dans l’immense salle moderne Pierre Boulez, l’orchestre au complet prend place, sous la direction brillante de Jamie Phillips. Se joignent à la formation cor anglais, clarinette basse, saxophone alto, contrebasse, piano, harpe, xylophone, glokenspiel et carillon tubulaire. Tout est prêt, la salle fait silence. Boum, l’oeuvre éclate, puissante, géante, dans un premier mouvement magistral, d’une énergie folle. Le son pur et fort de la salle se révèle soudain à nous, le concert prend à cet instant toute son envergure. L’orchestre joue avec brio, dans une précision absolue. Le jeune chef anglais est en extase dans l’action vive, il dessine des arabesques dans le ciel, joue tel un comédien, un mime vertigineux l’habite. Quelle énergie de toutes parts! A ce grandiose suivent des passages doux et romantiques, avec justesse et adresse. L’oeuvre nous charme instantanément, c’est le véritable coup de foudre fait de cette brillante alliance entre l’oeuvre, l’ONDIF et l’excellent Jamie Phillips.\nLe deuxième mouvement sera plus doux et laissera place à l’expression du super-soliste Cardenas. Nous sommes ici dans le romantisme dans toute sa splendeur, tout l’orchestre est sollicité, on y entendra même des cloches. Le troisième mouvement allie gravité et légèreté. Poursuivant la tradition romantique du 19eme, l’oeuvre de Rachmaninov est empreinte d’effets que ni Chopin ou Rimski-Korsakov n’auraient renié. On rélèvera la clarté de l’écriture du génie russe, dans ces trois mouvements non allegro, andante et lendo assai. Le troisième mouvement est frais et printanier, l’orchestre donne tout et en premier lieu son chef virtuose, on jouera même du gong dans cette apothéose de savoureuse réjouissance musicale.\nNous venons d’assister à un concert incroyablement vivant, riche d’une programmation de premier choix. La foule ressort de la Philharmonie sous la neige toujours, comblée. La mannequin française Marie Wagener, mélomane, auteur et pianiste à ses heures se délecte à nos cotés d’autant de mélopées fantastiques de symphonies lyriques qui charment nos sens. Elle nous partage son vécu: «Je déteste être en retard mais le suis souvent malgré moi... Ce coup-ci j’ai compris la leçon: ne pas arriver en retard à la Philharmonie sous peine d’être punie la moitié du spectacle en rang supérieur. Par contre cela vaut le détour, une belle salle alliant esthétisme architectural et musical avec une qualité de son se répandant uniformément, s’élevant progressivement dans la salle circulaire et sans perdre en intensité d’un balcon à l’autre. Je me suis sentie en immersion totale, les notes voyageant de mon oreille jusqu’à mon ventre sous forme de secousses agréables. Première fois que je vais à la Philarmonie, pas déçue de la balade. J’ai pu regagner ma place à l’entracte et profiter plus profondément encore de cette belle représentation de Rachmaninov, Prokokiev et surtout de Dai Fujikura en première partie qui m’à profondément touchée par des sensations d’angoisse puis d’apaisement dont il sait habiller l’espace sonore à sa guise.»\nPour un tel moment rare de joies symphoniques, nous remerciements s’adressent à Ludmilla Sztabowicz du service communication de l’ONDIF. Photographies: G&P, Bernard Martinez, Benjamin Ealovega, Ruben Olsen Lærk. L’Orchestre National d'Île-de-France, une formation française prestigieuse établie depuis 1974 au 19, rue des Écoles, 94140 Alfortville - www.orchestre-ile.com - Février 2019\nUn concert virtuose et magique – Si nous avons peu couvert de concerts classiques cet automne en raison d’un reportage prolongé sur les terres ensoleillées d’Espagne, il fallait que nous assistions à celui-ci sans manquement possible: une apothéose de joie lyrique à réchauffer tous les coeurs cet hiver. Nous avions certes déjà entendus et lus en ces pages tous les éloges de notre rédaction faite sur le tout premier concert de ce nouvel opus réussi de cette jeune formation vivante qu’on aime, Le Palais Royal. Ce grand concert théâtralise, intitulé Tout est Lumière, une création de mars 2018, est directement inspirée de poème éponyme de Victor Hugo (repris ensuite par Ravel). Nous nous devions personnellement d’assister à ce concert vivifiant et brillant tant il était couvert de louanges. D’autant plus qu’il est donné ce soir du 25 janvier dans le Grand Auditorium de la Seine Musicale, parfait décor et joli cocon tout de bois vêtu, lieu idoine pour une telle célébration des arts français, les Ars Gallica si chers à Saint-Saëns.\nNous pénétrons dans l’immense salle dessinée avec grâce par Shigeru Ban et sa chaleur communicative nous apaise. Les beaux sièges larges et confortables, revêtus de rouge nous accueillent volontiers et petit à petit, les 1150 places se remplissent d’un public de fidèles afficionados de cette formation qui diffère des autres formations classiques parisiennes. On sent chez eux un formidable élan toujours renouvelé de communiquer une passion inébranlable en la musique classique, pour notre plus grand bonheur. Sur scène, on accorde un piano d’époque, sur lequel le jeune talent franco-britannique Orlando Bass nous fascinera de douces sonorités. Nous voici admiratifs de cette architecture grandiose, conçue en vignoble de bois, qui sied si bien à des concerts classiques, avec cette particularité d’avoir un public disposé à 360 degrés, c’est-à-dire faisant le tour entier de la scène.\nLes applaudissements fusent à l’entrée de l’orchestre, des 33 chanteurs-acteurs et du charismatique Jean-Philippe Sarcos, l’un des chefs français qui monte et que nous trouvons touchants par son humilité, son approche et son accessibilité, lui qui fût l’élève de William Christie, excusez du peu. Le chef nous présente, comme à son accoutumée, la genèse et l’histoire de ce concert, avec son accent chantant du Sud. Une performance placée sous le signe de l’héritage musical français puisque seront présentées ce soir, entre autres: Le Printemps de Debussy l’anticonformiste, la Matinée de Provence de Marcel l’impressionniste ou encore Les Saintes Maries de la Mer Dans la Vigne de Paladilhe, un chef d’oeuvre français oublié. Sarcos, élève de l’émérite chef français Georges Prêtre, a une fine connaissance de cette période musicale française riche, étudiant Bizet ou Poulenc notamment.\nLe concert peut commencer. A cet instant, il est immédiatement interrompu par une intervention en public: il s’agit de la soprano Marina Ruiz qui harangue le chef puis monte sur scène: voici l’une des pirouettes scéniques du jeune et brillant Benjamin Prins, ce normand de Lisieux issu de la renommée Ecole Supérieure des Arts Dramatique de Vienne (2007), reconnu en Allemagne, qui va nous réjouir d’agréables saynètes-interludes tout au long du spectacle. Son acolyte Pénélope Driant (Cours Simon, Ecole des Chartres), grande spécialiste du mime, y a aussi mis tout son savoir théâtral pour nous livrer un format de concert unique en son genre: l’opéra-théâtre lyrique. Le duo Sarcos-Prins fonctionne à merveille et à eux deux ils redéfinissent un nouveau style qui dépoussière le concert classique, on s’en délecte. Nul doute que leur prochaine œuvre conjointe en préparation, Episodes de la vie d’un artiste (sur Berlioz, présenté en mars 2019) sera d’une aussi grande qualité scénique.\nL’action commence et nous voici vite embarqués dans un voyage musical beau et léger, avec cette ouverture sur le fameux Aquarium, Carnaval des Animaux de Saint-Saëns. Nous voici recueillis devant autant de beauté, servis par un son de salle d’une qualité exceptionnelle. Le premier violon solo Nguyen Nuu Nguyen s’y distingue, tout comme chaque membre de cet orchestre qui joue à la perfection. Sur scène, le jeune prodige du piano Orlando Bass, passé par les classes de Roger Muraro et de Jean-François Zygel, nous sert un jeu fin et très expressif, au plus juste des partitions des maîtres de ce soir, tels Fauré (Pavane), Widor le symphonique (La Toccata) ou encore Gounod (Ainsi que la brise légère).\nCe premier morceau joué, sous les applaudissements de la salle (ici on applaudit, le classique se lâche ce soir), nous assistons à l’entrée en scène des chanteurs de la soirée, à parité de femmes vêtues de robes de bal rouges et d’hommes tous en smoking de grand gala. Nous sommes dans les salons de la célèbre baronne Pauline Von Metternich, qui refait vivre les fêtes impériales parisiennes. On se croirait dans un film de Fellini, c’est si bien joué, les acteurs-chanteurs se donnent tous à corps et à coeur-joie, c’est enthousiasmant de voir tant de jeunes talents (déjà confirmés) avoir du plaisir à transmettre sur scène et avec quelle puissance vocale collective! Farces et contrepéteries vont bon train sur le plateau et les titres s’enchaînent avec une fluidité naturelle (Saint-Saëns, Coeur des Sylphes), Gounod (Farandole), Fauré (Les Djinns). Entre en scène Victor Hugo incarné avec panache par le comédien Philippe Girard (du Théâtre National de Chaillot). Celui-ci, placé dans le public, jouant des multiples balcons de la salle, déclame ses vers et apostrophes les comédiens, un jeu de croisés s’en suit, nous voici au théâtre. La musique repart et nous voici à nouveau dans le chant lyrique, nous savourons cette mise en espace de génie, qui nous fait entrer dans une expérience immersive grandiose.\nQuel spectacle, quelle audace! On aime ce classique décomplexé et remis en scène. Le jeune Bass se transforme tout à coup en véritable showman lorsque changeant de piano, il exécute un immense showcase de son talent sur un Steinway étincelant, sans partition comme le veut la tradition du Palais Royal. Une boule de discothèque géante subitement illuminée remplit la salle de lumières magiques tournoyantes. Tout simplement féérique!\nNous n’avions rarement vu un tel concert classique, hors cadre, riche de romantisme, de talents innés et d’innovations scéniques. Le public est conquis, d’autant plus que le final (Gounod, Faust) est chanté parmi le public.\nNous avons hâte d’être encore surpris et émerveillés par Le Palais Royal, jeune formation qui devient grande, au cours de son programme de l’année 2019: Berlioz en mars, Haendel en avril, Vivaldi en mai et Offenbach en juin (au fameux Cirque d’Hiver). Des rendez-vous que nous prenons volontiers, tant cette joyeuse équipe est attachante. Elle nous donne envie d’aimer le classique et donne aussi en retour, au travers de concerts coups de coeur, caritatifs ou auprès de jeunes publics. Un élan qui allie générosité et excellence, à l’instar de son chef d’orchestre motivant ses troupes pour nous livrer un concert d’exception, certainement l’un des plus brillants de ce début d’année.\nAprès Orient Express l’année dernière, Le Palais Royal réitère ses concerts à succès avec cette maestria collective énergique, un vent de fraîcheur souffle résolument sur la scène classique française. Crédits photos: G&P et Mylène Natour, Laurent Prost, Martin d'Hérouville. Nos remerciements s’adressent à Margaux Heuacker du Palais Royal. La Seine Musicale, une nouvelle grande et belle salle parisienne de concerts établie sur l’Île Seguin, 92100 Boulogne-Billancourt www.laseinemusicale.com Le Palais Royal, une formation classique française d’excellence établie avec brio au 3 rue Vineuse 75116 Paris – www.le-palaisroyal.com - Janvier 2019\nLe mystère fait un sans faute – Au riche programme du Théâtre National de Chaillot, il est des compagnies dont nous guettons la venue, parmi elles, l’une des figures phares de la danse contemporaine française, le CCN Ballet de Lorraine, qui nous charme à chaque édition d’oeuvres touchantes, inspirantes, pleines de vie et d’ambitions. C’est donc tout naturellement et avec une certaine excitation que nous assistons à la grande première de leur nouvelle œuvre, Plaisirs Inconnus, présentée pour la première fois à Londres en 2016 mais en primeur ce soir pour nous à Paris. Une œuvre moderne magistrale ce soir.\nNous nous engageons dans la grande salle Jean Villar, déjà pleine en ce jeudi soir, et nous y croisons d’autres membres émérites du SJPP, tous aussi férus de danse que nous. Il faut reconnaître le sujet peu facile, tout public ne peut y trouver son attrait mais ici, l’auditoire est déjà conquis à ce grand nom de la danse française, laquelle bénéficie d’un rang international reconnu.\nLe CCN s’est d’ailleurs arrogé les auspices d’un directeur artistique de talent, en la personne de Peter Jacobsson, qui sera également sur scène ce soir, à l’instar de son acolyte Thomas Caley, autre grand danseur international (ainsi qu’Emma Gladstone, collaboratrice confirmée). Jacobsson insuffle depuis six saisons un nouveau rythme au CCN Ballet de Lorraine et cette pièce dansée en cinq actes fait aussi office de rétrospective du parcours artistique du maître au sein du ballet. Jacobsson, ancien danseur étoile du Saddler’s Well Royal Ballet puis au Royal Opera House de Stockholm avait ses fonctions au Ballet Royal de Suède avant d’être appelé au CCN en 2011, pour succéder à Didier Deschamps, actuel directeur de Chaillot. Autant dire qu’en ces lieux, le CCN est comme à la maison. Nous remarquons à ses côtés sur scène la présence de Thomas Caley, ancien danseur de Merce Cunnigham de 1994 à 2000 qui se démarque par un style fin et racé.\nL’intérêt de cette œuvre collective présentée est son caractère totalement anonyme, faite comme un tout cohérent et rassemblant cinq chorégraphes mais dont les noms nous sont volontairement cachés, tout comme le directeur des lumières, du son ou même les costumières. Tout est mis en œuvre pour que le génie créatif se libère instantanément, sans arrières-pensées, ni pour déplaire à un public dans l’attente d’un nom ou de l’artiste en appréhension du quand-dira-t-on. Liberté et énergie seront les maîtres-mots de ce grand tableau, réunissant dans un effort collectif suprême le meilleur du CCN, avec l’ajout de chorégraphes invités, soit au total quatre femmes et un homme, pour 26 danseurs sur le plateau.\nLa scène s’ouvre, immense, aux coulisses apparentes. Face à elle, un mur translucide multicolore. Les danseurs s’échauffent derrière ce mur coloré qui nous fait penser aux vitraux des églises. Les derniers spectateurs s’installent, les lumières s’éteignent petit à petit, puis silence: le mystère commence. Face à nous, une puis deux, puis trois danseurs-chanteurs, ouvrent la narration avec l’un des interludes qui ponctueront notre parcours initiatique pendant 1h15 de danse merveilleuse. Une jeune femme s’approche en bord de scène. Pieds nus, elle commence à marquer le tempo. Puis son corps se désarticule, ses mouvements se répètent au son d’une musique de plus en plus forte, de plus en plus angoissante. Deux autres artistes la rejoignent. Ils paralysent la salle par leurs mouvements saccadés et répétés mais également par leurs cris et leurs chants. Une évocation latine ou asiatique, faisant appel à des chants ancestraux.\nUne ode à la nature certainement, qui introduit à propos le premier tableau: une évocation instinctive, animale, de la nature et de ses éléments. Les danseurs hommes et femmes, vêtus de jeans bleus et de t-shirts blancs, fondent sur la scène puis forment des énergies, des vibrations, ondes et courants qui nous font penser à la mer, sous un rythme puissant. Si West Side Story n’est pas loin, c’est en réalité une vue poétique de l’homme et de sa nature qui nous est livrée ici. Une vingtaine de danseurs s’imposent sur l’immense scène. Tous vêtus d’un jean, de chaussettes blanches et d’un t-shirt blanc: leur uniformité nous hypnotise, nous intrigue et nous emporte dans leur univers. Cette première chorégraphie, nous envoûte et nous donne presque le mal de mer. Nous soulignons l’incroyable synchronisation des mouvements et des déplacements. De sexes et de gabarits différents, tous les jeunes danseurs ne font plus qu’un. Ils tournent, avancent et s’alignent puis nous remarquons que chacun d’eux portent sur leur t-shirt blanc une inscription, plus précisément une lettre. Ensemble ils forment une phrase voire un message sur le monde d’aujourd’hui. Mais nous vous laissons le découvrir par vous-même… Un premier tableau grandiose, qui donne le ton, le souffle de la représentation à laquelle nous assistons les yeux ébahis. Belle, admirable, presque envoûtante, l’oeuvre nous fait nécessairement penser à la mer, comme si toute la troupe se fondait en un seul élément, comme un hypnose collective joyeuse. La danse est brute et vive, l’exécution parfaite.\nCette formidable présence scénographique laisse place au tableau des trois couples enlacés, qui se font, se défont, combattent. Un hymne à l’amour et à la passion. Une œuvre poétique, légère et à la fois forte qui laisse transpirer l’humain et sa beauté. Une épure d’émotions dansées, que l’on retiendra pour sa douceur. Trois couples se présentent à nous et nous racontent leur histoire. Chaque duo se trouvent dans leur bulle, dans leur îlot de lumière avant de rejoindre les autres pour faire de fabuleux ensembles chorégraphiques. Le romantisme est ici à sa plénitude. Nous ne résistons pas longtemps à nous émouvoir par chacun de leurs gestes qui racontent l’amour, la vie de couple, la vie tout simplement. Le choix de costumes minimalistes pousse au réalisme de cette scène et nous nous prenons d’affection pour chaque duo, différents et pourtant si semblables à la fois.\nPuis vient l’énergie, la lumière, l’or. Tels des dieux grecs, les danseurs du CCN, tout d’or vêtus, se présentent à nous. Fluidité et puissance des gestes s’allient à la beauté des harmonies chromatiques, le tout sur un imperturbable fond noir. Nous sommes résolument dans le minimalisme ici avec la ferveur donnée par tous ces danseurs que nous trouvons admirables par la précision requise à l’exécution de tous leurs gestes.\nVient ensuite l’un des moments rares de la danse contemporaine: une réinterprétation magistrale du Boléro de Ravel, exécuté avec puissance et fougue. On se sent volontiers transporté en Espagne devant ces fiers toréadors et ces Carmens qui s’exclament, se meuvent telles des pantomimes en ombres chinoises. C’est beau et puissant, saisissant. Immense coup de cœur pour le tableau final , comme un chef d’œuvre. Par petits groupes, les danseurs traversent la scène. Le mécanisme de leurs gestes répétitifs nous rappellent la mythique scène de Charlie Chaplin dans Les Temps Modernes le tout dans un esprit comédie musicale de Broadway où le féminin et le masculin se réconcilient à la fin. Ce Boléro de Ravel revisité nous émeut depuis notre siège. Et nous en voulons encore et encore. Très certainement, l’un des plus beaux Carmen vus dansés, saluons ici l’inventivité et la créativité de tout l’équipe du CCN qui se renouvelle à chaque saison avec des œuvres toujours plus étonnantes. Nous quittons les lieux avec des étoiles dans les yeux, riches de ces belles images vivantes vues ce soir.\nLe CCN Ballet de Lorraine nous a fait vibrer, voyager et rêver. Nous tenons à féliciter le travail et la rigueur de chaque danseur. Bravo aux cinq chorégraphes mystères. Nous ne sommes une fois de plus pas déçu par cette nouvelle sélection du Théâtre de Chaillot. Nous vous invitons à découvrir cet incroyable et majestueux ballet avant le 25 janvier 2019. Pour ce spectacle admirable, nos remerciements s’adressent à l’attachée de presse émérite Catherine Papeguay du Théâtre National de Chaillot ainsi qu’à notre rédactrice Célia Baroth de l’IEJ de Paris. Photographies: G&P et Arno Paul. Le Théâtre National de Chaillot, un haut lieu des arts vivants célébrant la danse depuis 1937, établi avec majesté au 1 Place du Trocadéro, 75016 Paris - www.theatre-chaillot.fr et www.ballet-de-lorraine.eu - Janvier 2019\nUn opéra magnifique dans un cadre majestueux – Il y a un spectacle en particulier qui, chaque année, marque pour nous le réel commencement de l’été: il s’agit de l’Opéra en Plein Air, créé en 2001, dont la riche saison débute traditionnellement au Château de Sceaux. De juin à septembre, ils traversent la France en proposant des représentations dans des sites remarquables de l’hexagone. C’est ainsi qu’en ce 15 juin, nous voici conviés par la production du Moma Group à assister à la grande première de l’opéra Carmen au sein de l’un des plus beaux parcs de l’Île de France. Craintifs qu’une météo hasardeuse ne gâche la fête, nous voilà rassurés le Jour J lorsqu’un beau ciel ensoleillé salue les préparatifs de ces réjouissantes festivités.\nLe domaine de Sceaux est un lieu impressionnant par sa grandeur et par sa beauté : nous sommes au cœur d’une vaste superficie de 180 hectares. Le Parc de Sceaux, un jardin à la française réalisé par André Le Nôtre, a été labellisé « Jardin remarquable », et cet adjectif lui va à ravir. De nombreux édifices historiques le jalonnent : en effet, le domaine de Sceaux se révèle être également un lieu chargé d’histoire. Le Château de Sceaux, devant lequel nous passerons une soirée riche en musique, a été réalisé par l’architecte Jean-Michel Le Soufaché pour le duc et la duchesse de Trévise. Le monument est magistral : cette imposante demeure nous emporte instantanément en des temps royaux. Sa construction commencera en 1856, et la réalisation prendra quelques années. Construit sur l’emplacement du château de Jean-Baptiste Colbert lequel sera malheureusement détruit par la suite, l’actuel Château de Sceaux est aujourd’hui un monument historique très bien conservé et un joyau du passé. Le domaine se compose également d’édifices à ne pas manquer : l’Orangeraie, le Petit Château, le Pavillon de l’Aurore ainsi que les Écuries. Un musée présente ses œuvres au sein de ces différents bâtiments.\nLe public est venu nombreux ce soir-là, se rassasiant de petites collations bio ou de fin champagne avant le début du spectacle fixé à 20h30. Quelle belle contemplation que ce décor de la façade rénovée et étincelante du Château de Sceaux. On ne peut rêver d’un plus beau cadre pour un opéra français. Assister à un opéra en plein air l’été est une expérience enthousiasmante, elle augure de tous les festivals de l’été que nous aurons loisir de couvrir.\nLe spectacle s’apprête à commencer et le parrain de la saison, le comédien Antoine Duléry, salue le public et rappelle l’esprit de l’opéra en plein air : donner à tous sa chance dans le monde lyrique en soutenant les jeunes talents et permettre également à un plus large public de connaître l’opéra en faisant sortir celui-ci de ses murs. C’est ainsi que cette saison transportera Carmen au Château du Champ de Bataille en Normandie, au Château de Carcassonne, aux Invalides en septembre et dans bien d’autres lieux remarquables de France.\nLe personnage de Carmen est sûrement l’un des plus célèbres de la littérature. À l’origine, Carmen est une nouvelle de Prosper Mérimée. Elle raconte l’histoire d’une jeune femme dont le charme ne laisse aucun homme de marbre. Le célèbre opéra de Bizet commence, et nous voici plongés dans ce doux conte espagnol, mais aussi dur par son histoire mouvementée, romantique et passionnelle, qui finit par la mort de la principale protagoniste. Cet opéra se distingue également par l’histoire de sa réception : présenté en France à l’Opéra-Comique le 3 mars 1875, il reçut une flambée de critiques acerbes et horrifiées. Depuis, l’opéra de Bizet a pris sa revanche puisqu’il est de nos jours le plus joué au monde après La Traviata. Ce qui a été jugé choquant et violent à l’époque est devenu au fil du temps la pièce opératique la plus enthousiasmante saluée dans le monde entier. Un chef-d’œuvre des arts lyriques français nous est présenté, nous voilà partis pour trois heures de grand show, en quatre actes.\nL’opéra commence et nous sommes portés par des voix remarquables, celle de Carmen jouée par Gala el Hadidi (en alternance avec Marion Lebège) ou celle de Don José, joué par Eric Fennel. Un duo incroyable à la puissance vocale remarquée.\nLe décor peint et classique s’associe aisément avec le château en arrière-plan et la première scène s’ouvre sur le fameux épisode des soldats rencontrant les cigarières à la sortie de leur travail. Dès lors, le personnage principal est campé : Carmen, la femme fatale par excellence, attisant le désir de tous les hommes. L’autre personnage clef de la pièce, Don José, semble indifférent, mais succombera vite aux charmes de la belle, avec l’aide de quelque sortilège d’amour que la belle bohémienne a dans son sac.\nNous voici ainsi transportés dans cette fable hispanique inspirée de l’œuvre de Prosper Mérimée, plongé au cœur du Séville des années 1820, charmés par les beaux costumes, la scénographie fluide et les chorégraphies soignées et énergiques d’Isabelle Bangoura (dont nous publierons l’entretien prochainement). La richesse des personnages, la complexité des scènes et des changements de costumes produisent un effet saisissant d’une grande scène d’opéra où les personnages sont foison. On a aimé la vive intervention des jeunes chœurs de la Maîtrise des Hauts de Seine qui ont apporté une fougue supplémentaire à des scénettes vives et grandioses.\nOn se laisse charmer par le jeu fort des personnages, par les choix scénographiques faits, voici un opéra fluide, qui se laisse apprécier sans ennui, c’est même rare, nous nous sommes retrouvés plongés dans autant de profusion de couleurs et de douces mélodies, au cœur de l’action et de la passion. Ce Carmen, un vrai opéra à vivre, une source de fraîcheur et d’émotion pour l’été. L’effet visuel est réussi, les beaux costumes chatoyants formant un contraste avec la lumière solaire qui inonde le plateau, cédant ensuite place à de beaux éclairages nocturnes finement étudiés.\nLes scènes et les actes s’enchaînent, nous sommes pris par l’action et par le jeu scénique. Le premier acte est un prélude entraînant qui fait ensuite place à une mélodie plus pesante, puisqu’elle aborde le thème de la destinée. Cet acte représente notamment la rencontre entre Carmen et Don José. Le deuxième acte traite d’affaires de séduction entre Carmen et des contrebandiers dans une taverne. La chanson bohème de Carmen est peut-être la plus connue de cette deuxième partie. Suit le troisième acte, qui se passe à la montagne, où les contrebandiers se réunissent. Un duel entre Don José et Escamillo a lieu, puis Don José est incité à retourner au village; une décision que Carmen encourage. Nous voilà de retour à Séville pour le dernier acte : un nouveau duel entre Escamillo et Don José va avoir lieu, les deux hommes se battant pour l’amour de Carmen, qui dit se vouée à Escamillo. Au comble du désespoir, Don José assassine Carmen sous les yeux d’Escamillo.\nLa nuit est tombée et les acteurs, danseurs et chanteurs, tout feux de toute leur énergie pour animer cette large scène. L’orchestre, remarquable, nous réjouit d’une exécution parfaite, associé à une jolie acoustique. Placés sous la scène, nous apercevons le chef d’orchestre Vincent Renaud, qui le dirige avec vigueur et brio. Vincent Renaud assure également la direction musicale de cette belle production de saison. Le roumain Radu Mihaileanu a fait œuvre de génie dans la mise en scène dynamique et divertissante de cet opéra qui oscille entre le comique et le tragique. C’est l’un des opéras les plus réussis que nous ayons vu, dans un registre traditionnel.\nOn retrouvera avec joie les deux airs les plus célèbres de cet opéra : L’Amour est un oiseau rebelle et Toréador, deux extraits connus du grand public, désormais inclus dans le patrimoine national français du classique. Parmi les artistes doués présents sur scène, nous distinguerons la chanteuse russe Olga Tenyakova ainsi que le chanteur français Franck Lopez jouant le Dancaïre. Deux artistes impressionnants par leur puissance vocale et leur jeu distinctif, très mature et si brillant à la fois.\nL’Opéra en Plein Air, une belle manifestation d’excellence des arts lyriques français, un rendez-vous incontournable des amoureux des émotions d’exception dans des cadres somptueux. Avec les réjouissances estivales de Versailles, l’une des plus belles expressions créatives de l’été. - www.operaenpleinair.com -\nLa résurrection du chorégraphe - Nous avons eu grand plaisir à venir découvrir pour la première fois les œuvres riches et mythiques du célèbre chorégraphe américain Merce Cunningham. Chorégraphe novateur et comptant parmi les plus influents du XXème siècle, il a créé plus de 200 œuvres en moins de soixante ans de carrière. Tout commence avec ses années étudiantes, à la fois intenses et accomplies puisqu’il étudie la danse à la prestigieuse Cornish School de Seattle, où il rencontrera son principal collaborateur, John Cage. Avant de devenir l’un des plus grands chorégraphes et danseurs de notre temps, il débute dans des compagnies contemporaines et ne cesse d’évoluer jusqu’à aujourd’hui. Représenté actuellement par des compagnies renommées telles que le Ballet de l’Opéra de Paris ou encore la Rambert Dance Company de Londres, il est populaire dans le monde entier.\nC’est sous forme de tryptique que le travail de Merce Cunningham nous est présenté lors de cette représentation. Se distinguent ainsi John Cage, le poète et compositeur spécialisé dans la musique contemporaine expérimentale, accompagné du grand et virtuose Robert Swinston, assistant chorégraphe et directeur du CNDC qu’il crée en 1978. Aujourd’hui et depuis la disparition de Merce Cunningham, il continue de transmettre le répertoire emblématique de celui-ci, en recevant notamment le titre de Directeur de la Chorégraphie du Merce Cunningham Trust, même s’il présente aussi ses propres pièces de danse.\nNous nous asseyons sur les sièges de la salle Jean Vilar et attendons avec impatience le début joyeux de cette fantaisie dansée. Dans une grande rétrospective historique, le Théâtre National de Danse de Chaillot nous réjouit des meilleurs morceaux choisis de l’un des grands noms de la danse contemporaine, un artiste engagé qui célèbre avant tout l’expression de l’homme et de la nature. Tous se battent afin d’avoir une place près du nom du célèbre chorégraphe, mais c’est le brillant Centre National de Danse Contemporaine d’Angers qui a remporté cet honneur, et leurs danseurs nous interprètent les superbes chorégraphies de l’auteur, à savoir trois constructions d’espaces et de rythmes liées par un même fil conducteur: dépasser l’Homme et entrer en symbiose avec la nature, la sublimer.\nL’entrée en scène se fait sur Inlets 2, une mise en scène épurée sur un fond or chatoyant, qui laisse libre cours à notre imagination et à l’improvisation des danseurs. Créée en 1983 par le fameux chorégraphe, la pièce est une variation d’Inlets, initialement jouée en 1977. Pas cadencés, silences et évocations sonores font le jeu réussi de cette grande fresque poétique évoquant le climat ainsi que la topographie de la Pacific North-East Coast. En effet, l’endroit n’est pas anodin puisqu’il s’agit du lieu de jeunesse de l’auteur. Tant de travail personnel produit une réussite, solaire et marque une rupture, un renouvellement dans le style du maître. Nous sommes restés émerveillés devant autant de grâce et de jeux subtils des danseurs qui personnifient les éléments de la nature, des êtres légers qui se baladent au firmament des astres. L’art de l’exécution des mouvements nous éblouit tout autant qu’il nous impressionne, leurs mouvements sont d’une coordination épatante, nous concevons tout le travail qui a dû être accompli à l’entraînement. Le spectacle est inauguré en mettant à l’honneur directement les souvenirs de l’auteur du ballet.\nVient ensuite Beach Birds, créée en 1991. Pièce complémentaire du premier épisode du spectacle, elle porte sur des études de la nature dans laquelle la présence humaine se fond. La pièce devient plus structurée et nous inspire une évocation ludique et imagée de superbes oiseaux des mers. Ils vont et viennent, tels une construction-déconstruction de leurs espace-temps, ils se posent, volent et virevoltent sous le rythme des percussions, utilisant des coquillages pour reproduire les sons marins. De prime abord la pièce nous a décontenancé, mais très vite, nous entrons dans cet univers et nos sens partent en voyage vers les douces côtes de Californie.\nA travers cette superbe pièce, nous sentons le talent intemporel de Merce Cunningham, transmit par les pas gracieux de chacun des onze danseurs. Les mouvements du bas des jambes, les longs bras noirs étendus ainsi que chaque pas dansé des artistes avec précision soulignent notre regard attentif durant toute la comédie dansée. Cette pièce reçoit les ovations d’un public conquis et passionné venu nombreux ce soir.\nPour clôturer ce festival d’émotions pures, le How To Pass, Kick, Fall and Run est présenté. Il s’agit de l’une des pièces fondatrices de l’œuvre de Merce Cunningham, construite à partir d’histoires de John Cage de 1965, compositeur des représentations. Deux narrateurs sont sur le côté de la scène et récitent des textes de Cage, une minute chacun. Original et authentique, la place des conteurs dans ce spectacle de danse rend celui-ci unique et exceptionnel, c’est l’une des qualités que nous admirons chez le célèbre chorégraphe. Sur scène, les danseurs, en solos, en duos ou toute la troupe entière exécutent des pas de danse inspirés par l’instant dans une souplesse qui nous fascine, leurs sentiments expriment toujours avec grâce et puissance une force douce mais assurée. Certains passages nous évoquent volontiers West Side Story. Cette pièce, résolument rock, est typique des années 1960 et n’a pas pris une ride. On a apprécié autant de spontanéité et de force dans ces danseurs doués faisant foison de créativité personnelle et collective.\nL’attraction spectaculaire et élégante se finit sous les applaudissements admirateurs de l’assemblée.\nPour notre plus grand plaisir, le brillant Robert Swinston vient saluer la salle avec ses danseurs du CNDC d’Angers. Spectacle admirable et légendaire, nous avons adoré le talent et l’inspiration du chorégraphe Merce Cunningham et reviendrons volontiers voir l’une de ses compositions. Le spectacle fut un réel bonheur pour nous ainsi qu’une once de plaisir de pouvoir assister à cette commémoration de Merce Cunningham.\nNous remercions chaleureusement Catherine Papeguay, attaché de presse du Théâtre National de Chaillot, Clémentine Perrot notre rédactrice, ainsi que chaque danseur, chorégraphe et compositeur du spectacle de Merce Cunningham. Le théâtre de Chaillot est situé au 1 place de Trocadéro 75116 à Paris, www.theatre-chaillot.fr\nMoment musical et enflammé dans un lieu de prestige - Rendez-vous à l’Opéra-Comique pour une soirée haute en couleurs et en émotions. En cette fin du mois de mars, l’équipe de Gouts et Passions a assisté à Domino Noir, opéra d’une qualité incroyable que nous avons eu un grand plaisir à découvrir.\nLes deux heures de représentation sont passées à une vitesse folle. Dès les premières notes, exécutées avec brio par l’orchestre, nous sommes sous le charme. Patrick Davin dirige les musiciens avec talent et bonne humeur, et cela se ressent. L’histoire est simple, mais son interprétation relève du génie. Horace est fol amoureux d’une jeune femme qu’il a rencontrée lors d’un bal l’année précédente, mais leur amour semble impossible pour des raisons qui lui restent obscures. Le premier acte relate alors leur deuxième rencontre, pleine de bonheur, musicalement intense, et pourtant trop vite écourtée. Il part alors à sa recherche et nous entrons dans un tourbillon d’aventures aussi drôles que farfelues.\nLa mise en scène est très moderne. Le Domino Noir est remis au goût de jour par Valérie Lesort et Christian Hecq, émérites metteurs en scène, accompagnés d’une troupe dotée d’un talent de folie et d’un niveau artistique inégalable. Les nombreux comédiens, chanteurs, danseurs, sont tous exceptionnels par leur jeu des plus sidérants. L’actrice principale, soprano, atteint des notes difficiles avec une facilité déconcertante et une clarté de voix remarquable. L’audience est conquise, nous rions, sourions et nous demandons si Horace pourra enfin retrouver sa belle inconnue. Les costumes, à la fois loufoques, beaux et inventifs, sont sans aucun doute le fruit d’un travail d’orfèvre, avec pour résultat des créations que nous ne verrons nulle part ailleurs. C’est aussi le cas pour les décors qui font partie intégrante du spectacle. Quelle n'était notre surprise et notre amusement, notamment à la vue des gigantesques gargouilles qui riaient et bougeaient en réponse aux performeurs.\nL’Opéra-Comique est une institution musicale et théâtrale depuis sa création sous le règne de Louis\nXIV. Théâtre National depuis 2005, la programmation proposée est d’une qualité hors pair. Les mises en scène ainsi que les événements mis en place par le lieu sont superbes, d’une modernité incroyable et de très bon goût.\nDu XIXème siècle à nos jours, le Domino Noir n’a pas pris une ride pour notre plus grande joie. Dans le superbe écrin qu’est l’Opéra-Comique, nous sommes heureux d’avoir participé à cette délicieuse soirée. Nous remercions Alice Bloch-Rattazzi, attachée de presse de talent, pour son travail de qualité et sa réactivité, ainsi que notre rédactrice Bénédicte Alessi - 1 Place Boieldieu, 75002 Paris - Crédits photos : Vincent Pontet - www.opera-comique.com\nUn opéra jeune et enchanteur - Trois solistes, un quatuor à cordes et un chœur d’enfants enthousiastes pour une nouvelle Odyssée. C’est toujours un immense plaisir que de répondre à l’invitation d’Éric Rouchaud, audacieux directeur du Théâtre Impérial de Compiègne, qui plus est pour découvrir une nouvelle œuvre de son jeune compositeur de génie : Jules Matton. D’une émouvante fraîcheur, sa version de l’Odyssée est des plus percutante. Pour soutenir cette œuvre sophistiquée et sensuelle, mais parfois brutale, qui de mieux que le Quatuor Debussy ?\nCette nouvelle partition nous offre d’explorer toute la palette de nos sensations et de jouer délicieusement de nos émotions. Ces quatre musiciens d’exceptions attaquent de front, sans apparente difficulté, des sommets techniques, ambitieux et riches pour nous embarquer ensuite dans de suaves nappes mélancoliques. Ils ne sont que quatre, et pourtant on l’oublie si vite. Cette nouvelle Odyssée Homérique nous invite à changer son habituel point de vue. Ce n’est plus d’Ulysse que part cette réflexion, mais de Télémaque, son fils. Enfermé dans ce no man’s land entre adolescence et jeune adulte, perdu, il n’a d’espoir que le retour de son père. Retour qui libérera sa mère, Pénélope, des assauts de faux prétendants et lui offrira, à lui Télémaque, fils du grand Ulysse, son identité, sa position. C’est Fabien Hyon qui déploie ce rôle semblant lui être taillé sur mesure. Avec une belle présence scénique, sa voix pleine et intense nous transporte avec facilité dans ses colères, ses interrogations, ses doutes et ses espoirs.\nPour soutenir Télémaque, un chœur d’enfants. Déjà si professionnels, leur fraîche myriade emplit la scène avec beaucoup de dynamique. Jules Matton n’a pas allégé pour autant sa partition et leur excellente cheffe de chœur Valérie Thuleau s’efface totalement tout en conduisant ces 25 jeunes artistes avec une grande précision. Dans leurs rôles de filles et fils des compagnons d’Ulysse, s’égaillant sur la plage, ils prennent soin de Télémaque. Ils lui inventent les exploits, les échecs de leurs pères, tentant ensemble de grandir malgré leur absence.\nUlysse est toujours présent. Avec une grande d’élégance et beaucoup de sobriété, le baryton Laurent Deleuil ne semble parfois n'être qu’une chimère sortie de l’esprit complexe de Télémaque. La mise en scène géniale de David Gauchard le fait évoluer en filigrane, nuançant sa présence jusqu’à son retour triomphant. Laurent Deleuil y excelle tant par son jeu précis et distingué que par son chant toujours irréprochable, autant dans les murmures que dans les tempêtes.\nNotre plaisir était aussi dans l’impatience de retrouver l’excellente soprano Jeanne Crousaud. Résidente du Théâtre Impérial de Compiègne au même titre que Jules Matton, elle s’est montrée si performante et juste dans ses interprétations précédentes que le metteur en scène David Gauchard lui aura, pour cette Odyssée, réservé une double peine, qui sera pour nous une double récompense. Elle campe en effet Athéna, la sage et sublime déesse aux yeux pers qui veille sur Ulysse et accompagne les enfants, ainsi que la noble et magnifique Pénélope. Aucune déception, ses jeux se font encore plus brillants et sa voix paradoxalement aussi douce que puissante trouve exactement sa place dans cette si précise acoustique que Jeanne Croussaud maîtrise et avec laquelle elle joue avec délices, sans parler du ravissement provoqué par la joie évidente et partagée entre Jeanne et tous les enfants du chœur.\nTous évoluent sur un décor minimaliste mais absolument suffisant. Plus de trente artistes sont en permanence sur scène et pourtant la scénographie de Fabien Teigné accompagné des créations visuelles et numériques de David Moreau, effacent toute lourdeur dans une impression d’ensemble extrêmement dynamique. Nous n’avons en revanche pas été convaincus par le livret de Marion Aubert, lequel, dans un choix évident d’éclectisme, se voulait simple et accessible. Il nous a semblé manquant de ’’beaux verbes’’, limitant ainsi quelque peu le kaléidoscope des mélodies. Nous aurions sans doute apprécié pour cette œuvre d’une très grande richesse musicale un texte plus soutenu et imagé.\nNous remercions chaleureusement les dynamiques équipes du Théâtre Impérial, ainsi que Mathilde Lacour, leur chargée de communication pour son accueil et notre excellent placement, Isabelle Gillouard de l’agence Ysée pour ce moment de grande qualité au sein de ce lieu exceptionnel, ainsi que René Zimmerman, notre rédacteur - www.espacejeanlegendre.com\nEnergie, fougue et équilibre – Le Sydney Dance Company, une compagnie de danse contemporaine originaire d’Australie, comme son nom l’indique, se produit du 11 au 13 avril 2018, dans ce magnifique écrin qu’est le Théâtre national de Chaillot. Sis au sein du Palais Chaillot, à côté de la Place du Trocadéro, nous sommes accueillis par une architecture grandiose, nous faisant presque paraître… Insignifiant, tandis que nous descendons les marches d’escaliers (et empruntons l’ascenseur) menant à nos places. La salle Jean Vilar s’emplit petit à petit, jusqu’à en devenir comble. Devant nous s’étend une immense scène, pour le moment close par des rideaux. Enfin, ces derniers se lèvent, pour dévoiler le spectacle proposé par le Sydney Dance Company, en trois « actes » : Wildebeest, Full Moon et Lux Tenebris.\nWildebeest, de Gabrielle Nankivell\nNous pouvons littéralement traduire ce titre néerlandais en Bête Sauvage. Et c‘est précisément ainsi que débute le premier acte : avec l’humain sauvage, l’homme qui est encore un loup pour ses contemporains. Ce dernier se contorsionne, se tord les membres, tandis qu’il peine à se tenir sur ses appuis, et quand il y parvient, il titube et retombe lourdement au sol. Enfin, il se redresse, marche, court et danse, rejoint par d’autres congénères.\nPuis… Le tic-tac insistant d’une horloge, tandis que se met en place une chorégraphie se réglant petit à petit sur ce rythme. La civilisation. C’est l’instinct face à la connaissance.\nFull Moon, de Cheng Tsung-lung\nLa Lune est un astre des plus singuliers. On déclame des sérénades à l’objet de son cœur, illuminé par la lumière argentée de cet astre, on l’associe à la fécondité et à la féminité. Chez les grecs anciens, elle était personnifiée par la déesse Séléné, décrite comme une femme sublime d’une blancheur étincelante, dame de nombres d’amants mythiques. Mais aussi, la Lune est associée aux sautes d’humeurs, et une légende urbaine conte qu’elle influence certaines maladies mentales.\nFull Moon retranscrit parfaitement ces deux pendants de l’astre lunaire, tout d’abord en mettant en avant la Femme, avec un grand F, celle qui nous fait rêver, qu’elle se fasse proche ou distante, étrange ou mesurée, puis en jouant sur le thème de la folie, projetant les danseurs au sol, les tordant en tous sens jusqu’à ce que, épuisés, éreintés, ils retournent dans les ombres…\nLux Tenebris, de Rafael Bonachela\nLa lumière dans les ténèbres. Un titre approprié : les lumières ouvrent plusieurs tableaux sur scènes, qu’occupent les danseurs se contorsionnant en tous sens dans une danse tribale endiablée… Jusqu’à ce qu’un petit îlot d’accalmie vienne nous bouleverser, nous couper le souffle. Un couple, seuls sur scène, s’engage dans une danse calme et lascive. Leurs mouvements et postures créent une harmonie des plus troublantes. Et voir qu’il fut choisi de clore cet « acte » avec cette danse plonge le spectateur dans une sorte de bulle au sein de laquelle il peut se remettre des émotions de la soirée.\nNous noterons en particulier ce duo, composé de Charmene Yap et Todd Sutherland, qui nous invite au sein de leur intimité et qui, par leur simple interprétation, permet au spectateur de se délasser, de se reposer de l’énergie qui fut libérée tout le long de la représentation.\nNous tenons à remercier Catherine Papeguay, attachée de presse au Théâtre Chaillot, pour son invitation, ainsi qu’Antoine Barré, notre rédacteur. Sydney Dance Company se produit du 11 au 13 avril 2018 au Théâtre Chaillot. Crédits photos : Pedro Greig. www.theatre-chaillot.fr\nSoirée royale, lumineuse, enchanteresse – Quelle belle surprise nous avons eu au Palais Royal en cette soirée de mars. Les solistes et le chœur de ce lieu d’exception nous ont présenté Tout Est Lumière, une œuvre complète qui nous a beaucoup plu.\nLes premières minutes nous en disent énormément sur la superbe soirée que nous allons passer: histoire et humour seront au rendez-vous pour notre plus grand plaisir. Le chef d’orchestre Jean-Philippe Sarcos nous présente la création et le lieu avec passion, nous voulons en savoir plus tant cela est intéressant, mais il est arrêté par la marquise sur le ton de la plaisanterie. La belle nous intrigue par son magnifique accent germano-italien, elle nous invite alors à sa cour. Bienvenus au XIXème siècle, à l’époque de Napoléon III, du retour des mondanités et de la légèreté. Tout est plaisir et joie.\nLes chanteurs sont en scène et interprètent leur premier chant, accompagnés de l’incroyable pianiste Orlando Bass. Il nous a impressionnés par son jeu de talent pendant près de deux heures. Pour embellir une fois de plus cette représentation déjà sublime, le musicien est sur le même piano qu’utilisaient les plus grands tel Liszt, le piano Erard. Quelques notes suffisent pour nous charmer tant l’instrument produit un son doux et clair.\nNous assistons à une mise en scène de génie dans laquelle les scènes de joie, de plaisir, sont succédées par des scènes de peur, de surprise ou de chamanisme. Les esprits s’invitent, Victor Hugo arrive et parle avec le grand Napoléon, oui le grand, le premier surtout. Les références sont nombreuses et les musiques épousent chaque thème avec goût. Nous reconnaissons La Matinée de Provence (1903) et Tout Est Lumière (1901) du superbe Ravel, mais aussi Le Chœur de Sylphes (1884) de Camille Saint-Saëns. Nombre de ces œuvres furent composées pour le prix de Rome, elles sont belles et émotionnellement très fortes.\nLe chœur du Palais Royal est grand par son nombre et sa qualité. Nous nous croyons face à une peinture de Monet: l’ensemble est incroyable, tout comme l’individuel. Nous regardons chaque personne, l’intensité du jeu reste la même, prenante et gracieuse. Les interprètes sont dotés d’une capacité vocale hors norme qui nous marque, ils sont aussi très bons acteurs. Nous avons adoré Tout Est Lumière, et tout particulièrement le final, surprenant, moderne et si fort que nous avons eu le droit à un rappel!\nLa mise en scène était magique, nous la devons à Benjamin Prins, jeune surdoué dans le milieu. Après avoir étudié à l’école supérieure d’art dramatique et de musique de Vienne, il s’est fait connaître internationalement par des mises en scène éclatantes telles The Beggar’s Opera à Montpellier ou Les Joyeuses Commères de Windsor au Anhaltisches Theater Dessau en 2017.\nNous avons adoré Tout Est Lumière, une œuvre fraiche, moderne et joyeuse. Nos remerciements s’adressent à Margaux Heuacker du Palais Royal, et à notre rédactrice Bénédicte Alessi. Palais Royal 3 rue Vineuse 75116 Paris - www.le-palaisroyal.com\nThe Propelled Heart,\nLe corps humain à l’honneur – Le célèbre Théâtre National de Chaillot est connu pour sa programmation de danse d’une qualité inégalable, avec des chorégraphes et danseurs à un niveau difficilement atteignable. C’est pour ces raisons que nous aimons nous y rendre, et cette fois encore, nous y avons vécu une expérience exceptionnelle. L’ Alonzo King LINES Ballet nous a présenté The Propelled Heart, un travail sur le corps humain, capable de beaucoup.\nUne création poétique que nous avons énormément appréciée avec des artistes danseurs, performeurs, acteurs, mais surtout, Lisa Fischer. Sa voix envoutante à la capacité déroutante laisse l’audience bouche-bée. Elle atteint des notes avec une aisance stupéfiante, la choriste favorite des Rolling Stones et de Sting est magnifique. Personnage principal souvent en retrait physiquement, elle agit telle une charmeuse de serpent avec son vibrato divin.\nElle attire les danseurs, les fait bouger, sauter, elle les calme aussi. Lisa leur permet de se libérer de cette force invisible qui semble les retenir au sol. En quelques notes, ils s’envolent suivant la mélodie de sa voix, adoptant une certaine animalité. Nous sommes épris de cette capacité à changer d’émotions, d’attitudes, la beauté des gestes est incroyable.\nNous voyons et entendons un singe, des oiseaux, chaque artiste est superbe dans son jeu et l’ensemble s’accorde dans un désordre étonnamment organisé. L’ambiguïté est omniprésente et de l’animalité ressort une sensualité saisissante. Leur respiration, leurs bruits son repris par Lisa qui dirige et inspire la troupe. Rythmée par des moments tintés de sérénité, The Propelled Heart nous offre des duos dans lesquels Femme et Homme se confondent, sont égaux et beaux. La soliste intensifie le mystique de la performance en utilisant deux micros.\nLa modernité et la virtuosité s’assemblent parfaitement, c’est divin et nous adorons cela. La représentation se termine sur un retour à l’humain, nous comprenons les mouvements des corps qui ont traversé de nombreux états, et la musique s’accroît, restant toujours aussi prenante.\nLa compagnie Alonzo King LINES Ballet cherche les jeunes talents d’outre-Atlantique depuis sa création à San Francisco en 1982. Alonzo King travaille avec les compagnies du monde entier en gardant son style déjanté, sensuel, vibrant, et son envie d’allier modernité, tradition et les différentes cultures. Une ligne artistique magnifique que nous avons pu expérimenter avec plaisir.\nThe Propelled Heart est une création belle et poétique que nous avons adorée. Nous remercions l’attachée de presse Catherine Papeguay pour son invitation à ce beau spectacle et le placement de qualité, ainsi que notre rédactrice Bénédicte Alessi. The Propelled Heart au Théâtre National de Chaillot jusqu’au 16 mars prochain - Théâtre National de Chaillot,1 Place du Trocadéro, 75016 Paris- www.theatre-chaillot.fr\nLa saison d’Irina Kolesnikova à Paris\nGrâce, pureté et passion.- C’est ainsi que l’on peut résumer la saison de la danseuse étoile Irina Kolesnikova, du Saint-Pétersbourg Ballet Théâtre, à Paris. Durant cinq jours, cette danseuse de renommée internationale a régalé son public en interprétant Le Lac des cygnes, de Piotr Illitch Tchaïkovsky, Chopiniana, de Chopin et Stravinsky, et Paquita, d’Edouard Deldevez.\nCréé en 1994 par Konstantin Tachkin, le Saint-Pétersbourg Ballet Théâtre a comme but de faire (re)découvrir au monde la qualité des ballets russes classiques. Une grande partie des membres du corps de ballet vient de la Vaganova Ballet Academy, considérée comme la source même du ballet moderne. Depuis 24 ans le Saint-Pétersbourg Ballet Théâtre effectue des tournées à travers le monde, et notamment en Grande-Bretagne, en Afrique du Sud et, annuellement, à Paris.\nCe qui marque notamment le spectateur, c’est l’harmonie parfaite qui règne au sein du corps de ballet, donnant une impression de simplicité à une exécution en réalité extrêmement technique: nous avons ici affaire à la quintessence de la chorégraphie des ballets russes traditionnels. Les chorégraphies originelles ont en effet été respectées à la pointe prête, telles que les voyaient, et surtout, les voulaient Michel Fokine, Marius Petipa et Lev Ivanov.\nA la demande d’Irina Kolesnikova, afin de fêter ses dix années sur scènes, la représentation du 25 février 2018, rassemblant originellement Chopiniana et Paquita, voyait s’intercaler entre les deux ballets l’acte 1 du Lac des cygnes, mettant ainsi en place une nette graduation dans l’intensité des chorégraphies, tout en créant, involontairement ?, une chronologie dans les décors. On débute ainsi au cœur d’une luxuriante forêt (Chopiniana), pour s’aventurer ensuite auprès de ruines gothiques surplombées par un sombre castel (Le Lac des cygnes) pour finir notre voyage au cœur d’un palais de boyard aux chaudes couleurs (Paquita).\nChacun de ces ballets porte en lui les graines d’une histoire, d’un scénario pouvant être complexe au premier abord, en particulier pour le néophyte. La Chopiniana, présentée pour la première fois au public en 1907, fut renommée Les Sylphides deux ans plus tard. Toutefois, la musique originale, composée par Chopin, fut orchestrée pour la première fois en 1892 par le compositeur Alexander Glazunov, sous le nom de Chopiniana Op. 46.\nC’est toutefois à Michel Fokine que l’on doit sa chorégraphie. Il s’agit d’un ballet blanc (où le corps de ballet est vêtu de blanc, ndlr) non-narratif, dans lequel les danseuses, représentant des sylphides (génies ou esprits de l’air provenant des mythologies celtes, gauloises et germaniques), dansent auprès d’un poète ou d’un jeune homme perdu dans la forêt.\nLe Lac des cygnes (Tchaïkovsky, Op. 20), conte d’amour tragique s’il en est, est inspiré de contes populaires allemands (d’où les noms à consonance germanique plutôt que slaves), notamment le Voile dérobé, extrait de Volksmährchen der Deutschen, de Johann Karl August Musäus, auquel il ajoute un « ingrédient » supplémentaire : les cygnes. Ces derniers sont en effet souvent évoqués dans les contes romantiques russes et symbolisent généralement l’amour et la fidélité.\nLa première version de ce ballet fut vraisemblablement créée en 1871 par Tchaïkovsky, qui avait pris l’habitude de créer des œuvres en une représentation. La version finale, telle que nous la connaissons, fut créée quelques années plus tard lors d’une réunion du groupe artistique moscovite Le Salon de Chikhovskaya, auquel appartenait Tchaïkovsky.\nEnfin, Paquita parvient à réunir un tour de force, à savoir mélanger harmonieusement deux cultures, une latine et l’autre slave, l’une provenant d’un pays aux températures douces, voire chaudes, et l’autre d’un pays aux conditions de vie (notamment hivernales) rudes.\nEt pourtant, ces deux cultures, ces deux visions du monde diamétralement opposées parviennent à transcender leurs différences autant culturelles que géographiques afin de proposer un ersatz de flamenco au pays des tsars.\nCréé originellement par Joseph Mazilier le 1er avril 1846 à l’Opéra de Paris, ce fut toutefois Marius Petipa qui, en 1847, en remania la chorégraphie telle qu’on la connait aujourd’hui. Cette version-ci fut jouée sans interruption aucune en Russie jusqu’à la révolution bolchevique.\nL’accompagnement musical, magistralement interprété par l’orchestre du Saint-Pétersbourg Ballet Théâtre, est autant à la hauteur que le sont les chorégraphies. Sous la baguette de Timur Gorkoventko, les accords s’élèvent jusqu’aux fresques de la voute de la salle, emplissant peu à peu l’espace, faisant vibrer le cœur des spectateurs et transformant, le temps de quelques heures, le chef d’orchestre en un véritable magicien.\nDans cette immense cathédrale qu’est le Théâtre des Champs-Elysées, c’est dans un silence quasiment religieux que le public communiait en cœur avec les officiants et célébrants de cette grand-messe dédiée à la danse. Mais, à la fin, nul ite missa est, nul renvoi, simplement les dernières notes de Paquita qui s’éteignaient, noyées sous les applaudissements.\nLes costumes eux-mêmes ne sont guère en reste. Certes, ces derniers s’inscrivent dans la mouvance vestimentaire traditionnelle du ballet, mais possèdent en plus ce petit quelque-chose qui permet d’ancrer une sensation au cœur d’une histoire. Cela est d’autant plus remarquable dans Paquita. Après avoir assisté à deux ballets dont l’action prenait place en extérieur, nous sommes alors invités à entrer au cœur d’un palais russe, aux chaudes couleurs, tandis que le ballet évolue entre ses piliers. La tenue des danseuses étoiles et du soliste masculin change alors, passant du blanc virginal (ou d’un proche du gris souris pour le soliste) à un ersatz de la parure portée par la noblesse tsariste, laissant entrevoir, l’espace d’un instant, ce que pouvaient être les bals donnés au Kremlin de Moscou, avant la chute de l’Empire de Russie.\nNous retiendrons tout particulièrement, en plus de la performance d’Irina Kolesnikova, celle du soliste masculin, ainsi que la deuxième étoile. Leurs mouvements, emplis de grâce, magnifiaient les tableaux et permettaient la sublimation de la représentation. Bien entendu, ces efforts seraient vains, sans l’appui coordonné du corps de ballet, dont la performance, réglée tel le mécanisme d’une horloge, envoûte de par sa précision.\nComment ne pas apprécier cette cohésion de groupe, tandis que la cour devient le reflet du jardin et qu’un couple, emporté par la passion de la danse, se laisse ainsi porter par la musique ? Enfin, comment ne pas apprécier les heures de répétition en amont, nécessaire pour permettre au public, l’espace de quelques heures, d’oublier la réalité, de rêver d’un monde autre, dans lequel l’émerveillement l’emporte sur la raison ?\nDeux heures et demie durant, nous avons pu vibrer de passion, en résonance avec le corps de ballet, à tel point que les deux entractes prévus entre les différents ballets n’étaient de trop pour nous permettre de nous remettre de nos émotions. Avec cette saison parisienne de 2018, le Saint-Pétersbourg Ballet Théâtre continue d’assurer sa position en tant que l’un des plus grands ballets au monde.\nElégance, classe, agilité, force, synergie, esthétisme… Autant de mots (encore trop faibles) pour qualifier cette saison annuelle, rendez-vous obligé des amateurs de ballet franciliens.Voir Irina Kolesnikova et mourir.\nLa saison d’Irina Kolesnikova à Paris était autant une performance artistique qu’une déclaration d’amour au ballet traditionnel russe, un spectacle à couper le souffle, ravissant autant la vision que l’ouïe. Nous tenons à remercier Maria Romanova Gallon, directrice des tournées pour le Saint-Pétersbourg Ballet Théâtre Europe, ainsi qu’Antoine Barré, notre rédacteur. La saison d’Irina Kolesnikova à Paris se déroulait du 21 au 25 février 2018, au Théâtre des Champs-Elysées au 15 Avenue Montaigne 75008 Paris.- www.spbteurope.com\nLe baroque dansé devenu vif et brillant – Le spectacle Two, seul est l’histoire d’une rencontre de l’homme avec un territoire; de la chorégraphe Annabelle Bonnéry avec le Burkina Faso. Sur les planches du Théâtre Chaillot, danseurs, musiciens et chanteur nous immergent dans un dialogue entre musique et danse, entre homme et nature, entre inconnu et familier.\nInterprète, danseuse depuis le début de sa carrière, Annabelle Bonnéry rencontre l’artiste plasticien et galeriste François Deneulin en 1998, aboutissant à la création de la Compagnie Lanabel qui compte aujourd’hui une vingtaine de créations jouées en France mais également lors de festivals à l’étranger. Cette collaboration est la promesse d’une rencontre entre la chorégraphie et d’autres formes artistiques. Dans toutes les pièces d’Annabelle Bonnéry, c’est notamment l’union de la danse et de la musique qui apparaît comme inhérente. Two, seul met au cœur de la représentation le Stabat Mater de Vivaldi. Avec Serge Kakudji, passionné d’opéra depuis le plus jeune âge, elle en fait une relecture contemporaine en exploitant un original binôme entre violoncelle et accordéon. Ce contre-ténor congolais s’est très vite fait connaître: en 2006, il représente la République démocratique du Congo au Festival International « La Voix ». Il se fera connaître de plus en plus massivement quelques années plus tard lors de la tournée internationale du spectacle Pitié, et est vainqueur de plusieurs prix internationaux.\nForce et rupture sont les maître-mots de cette nouvelle œuvre de la chorégraphe et danseuse française émérite Annabelle Bonnéry. Intrigués au début de ce spectacle poétique, chatoyant et atypique, nous voilà vite séduits par l’intensité scénique et musicale de cette fresque vivante, multiculturelle et multiverse comportant une scénographie aussi riche qu’originale. Les expressions corporelles sont ici magnifiées par un décor simple, épuré, franc. L’espace est laissé libre à notre imagination, à des envolées lyriques fruits d’un immense chanteur lyrique présent sur le plateau, le contre-ténor congolais Serge Kakudji. Il emplit de sa voix de diamant la salle Firmin Gémier toute entière et créé l’émotion vive qui sied à une telle célébration des arts et de la culture. Il est accompagné d’un violoncelle et d’un accordéon qui donne au Stabat Mater de Vivaldi une résonance particulière, à la fois baroque et populaire.\nOn aime ce parti-pris audacieux, de faire danser ces deux artistes danseurs, ce couple et duo, en jeans et basquets. A des pas inspirés du classique, se mêlent un style résolument moderne, c’est fort et détonnant. Les corps s’enlacent, se débattent, se fuient et s’attirent. Tout prend forme et tout prend corps, par de subtiles touches, des scénettes qui s’imbriquent dans le puzzle géant de la vie.\nNous ne sommes ni dans l’univers occidental, ni dans les rythmes de la danse africaine, mais dans un échange vrai de cultures magnifiées. L’ouverture est singulière, elle dérange mais elle en tire toute sa puissance évocatrice: Annabelle danse sur des pavés de terre, qu’elle va déconstruire peu à peu, s’en enduire, s’y allonger et elle redeviendra terre immobile à nouveau pendant tout le reste de la représentation.\nLe terre meuble devient brique, se transforme en terrain de jeu des deux danseurs principaux et constituera le mur qui va séparer le couple au fur et à mesure. L’intensité émotionnelle prend toute son ampleur lorsque la musique de Vivaldi rythme les séquences. C’est beau, nous voilà en voyage à travers les évocations lyriques. Le contraste est saisissant avec la forme moderne de cette chorégraphie et cela en fait une rencontre très intéressante. Le silence est aussi un acteur de ce jeu intimiste car une grande partie de la pièce est dansée en silence. Les corps s’animent, seul le geste compte, c’est beau et magique.\nTwo, seul, c’est l’apothéose d’une danse internationale collaborative qui nous libre la richesse du langage des gestes, des corps, qui enflamme la scène d’une libération d’émotions et de vigueur rythmée. C’est une célébration des arts premiers réussie, un appel à l’humain, à la terre, un choc de cultures qui devient un mariage, c’est aussi beau qu’intrigant.\nLe contre-ténor Serge Kakudji apporte une âme à cette pièce dansée. Son chant fin emplit l’espace à lui seul et devient une danse en elle-même. Sa douce mélodie nous berce et devient symbolique, spirituelle, elle nous élève. Le chant baroque de Vivaldi nous subjugue et le contraste est saisissant avec ces deux danseurs chaussés de simples baskets, de jeans et de t-shirts colorés. La modernité qui rencontre le classicisme, un nouveau style est né, pour notre plus grand plaisir.\nTwo, seul, une jolie pièce dansée et chantée qui fût notre réjouissance partagée ce soir-là au Théâtre National de Chaillot. Nos remerciements vont à l’attachée de presse Catherine Papeguay pour son invitation, ainsi que nos rédacteurs, parmi lesquels nous comptons Adèle Mondine. Théâtre National de Chaillot, 1 place du Trocadéro 75016 Paris – www.theatre-chaillot.fr.\nBallet Béjart Lausanne,\nUn ballet enchanteur et grandiose - Très attendu à Paris, le fameux Ballet Béjart Lausanne célèbre son grand retour à Paris avec l’une des pièces maîtresses de son répertoire, La Flûte Enchantée, le réputé opéra comique, chanté en allemand, de Mozart sur un livret de son ami Emmanuel Schikaneder est l’un des plus joués au monde. C’est la grande salle du Palais des Congrès de Paris , où se produisent comédies musicales et spectacles à succès en tout genre, qui sera l’écrin choisi de ce beau spectacle de danse classique et de chant.\nLa première représentation a lieu le 30 septembre 1791, dans les faubourgs de Vienne au Théatre de Scikaneder. Toute la presse parisienne a été conviée, Porte Maillot, pour cette générale de presse intimiste. Les 40 jeunes danseurs du ballet, fondée par Maurice Béjart en 1987, prennent place. La Flûte Enchanté est le seul opéra, en deux actes, chorégraphié par ce danseur membre de l’Academie des beaux arts française disparu il y a dix ans, son successeur et directeur de la compagnie Gil Roman a voulu lui rendre hommage.\nPendant presque trois heures, soit la durée d’un opéra, le public découvre un ballet nécoclassique inscrit dans une pure tradition. Composé quelques semaines avant sa mort, ce testament lyrique de Wolfgang Amadeus Mozart est par excellence l’opéra universel, source de joie où l’on s’émerveille jusqu’à la fin. On sent leur maîtrise déjà confirmée, du plus haut niveau. L’orateur, Mattia Galiatto, clame au public, il nous conte l’histoire romancée de ces amours impossibles, on repense à Roméo et Juliette, de ces désirs juvéniles et de ces luttes guerrières entre les hommes, sous l’oeil sage des dieux. Chants et danses s’entremêlent, sous les jeux adroits de lumières mouvantes.\nLe ballet s’élance et d’un seul corps donne vie à la formidable fresque riche de beaux pas, de gestes doux et d’une poésie onirique faisant appel à notre imaginaire. Nous entrons rapidement dans ce voyage mozartien fait de féérie et de charmantes déclamations des coeurs. On retrouve tous les personnages que l’on aime de l’opéra: Tamino, Pamina, Papageno et Papagena. Le décor est résolument minimaliste, nous sommes dans l’épure absolue : une estrade rouge, quelques marches et des symboles par ci par là. Elle donne à ces corps un relief, une puissance expressive d’autant plus grande. Le tout est harmonieux, beau et nous reconnaissons là le style si distinctif de Béjart: des pas classiques mais modernes.\nDes croisés arrêtés, des ciseaux élancés coupés, tout est différent ici, plus tranchant, plus fort. On ne se lasse pas d’admirer une telle maîtrise de leur art, tout est précis, fin. On aime le jeu des acteurs-danseurs- chanteurs qui allient jeux scéniques et danse parlée. On apprécie ces scènes chantées-parlées décalées de pas de danse mimétique mais aussi tous les ensembles chorégraphiques. La mise en scène reprend tous les codes du classique mais avec un twist si distinctif de modernité futuriste. Amusant d’apercevoir des pierrots perchés sur le décor surélevé, ballons de baudruches à la main. Le passé des pharaons rencontre le futur du XXIème siècle. L’oeuvre réalise une symbiose heureuse et intriguante de tous les genres et de tous les styles.\nLes costumes sont également réduits à l’expression simple et franche des corps. Les tuniques monochromes mettent en valeur le physique et les mouvements des danseurs qui nous subjugent par leur interprétation d’excellence. Leurs courbes s’alignent parfaitement avec la musique qui nous appelle, nous transporte et trouve écho dans nos têtes et dans nos coeurs. Impossible de passer à côte de l’incroyable Air de la Reine de la Nuit, hymne classique universellement écouté. Des pointes jusqu’au bout des doigts, les danseurs s’expriment avec leurs corps, en rythme et dans une parfaite harmonie.\nLe début de la seconde partie nous donne l’impression de flotter avant un final digne d’un rêve éveillé où se crée une véritable osmoze entre danseurs, lumières et prouesses vocales d’un enregistrement dirigé par Karl Böhm. Nous distinguerons le jeu si charmant de la danseuse Kathleen Thielhelm dans son rôle de Pamina, la fille de la Reine de la nuit. Nous tenions à souligner l’incroyable interprétation du danseur Massayoshi Onuki dans le rôle de l’amusant Papageno.\nUn humour, des cabrioles et des farces très appréciés par les spectateurs et qui font tout le charme de cette histoire. En deux actes, le célébrissime ballet de Mozart est fluide et harmonieux, dense et expressif aussi. Tout comme l’étoile inscrite sur la scène du Palais des Congrès, les étoiles du Ballet Béjart n’ont pas fini de briller. Nous sortons du spectacle enrichis de belles émotions et d’images radieuses. L’histoire d’amour qui est le fil conducteur de cette narration nous séduit, elle est le symbole d’un amour pur et joyeux.\nNous avons assisté à une jolie représentation de très haut niveau international. Pour cette grande première, pour nous, nos remerciements s’adressent à Anne Simode et à notre rédactrice Célia Baroth. - Palais des Congrès de Paris, 2 Place de la Porte Maillot, 75017 Paris - www.bejart.ch\nDanse, diversité et liberté - C’est une Carmen ultramoderne que GoutsetPassions a eu la chance de découvrir en ce début de février au Théâtre National de Chaillot. Un mélange exquis de plusieurs artistes venant des quatre coins du monde pour interpréter la Carmen de leur choix. C’est avec plaisir que nous assistons alors à une création éblouissante, avec des danseurs plus que talentueux. Ils sont chanteurs, comédiens, performeurs, des boules d’énergie et de bonne humeur.\nQuelle fougue, quel enthousiasme ce Carmen(s) de Montalvo Une magistrale claque d’énergie dansée, d’expression vitale, de duos hommes-femmes enflammés, de corps et de pulsions libres et déchainées. Mêlant les styles et les genres avec adresse, Montalvo nous emmène dans un univers résolument latin, espagnol et brillant de tous les feux.