Irène Sadowska-Guillon | Afficha Info\nAuteur: Irène Sadowska-Guillon\nUn kamikaze profanateur\n05/07/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nCréé au Teatro de la Comedia de Madrid du 13 avril au 3 juin 2018\nAu Festival de Almagro (Hospital de San Juan):du 5 au 15 juillet 2018\nEl burlador de Sevilla (Le séducteur de Séville) de Tirso de Molina\nversion: Borja Ortiz de Gondra, mise en scène : Josep María Mestres\nProduction du CNTC Teatro de Comedia Compania Nacional de Teatro Clasico\nAh ! Don Juan combien de mauvais moments passes-tu à notre époque, toi, mouton noir du féminisme triomphant avec « Me too» et du politiquement correct, qui ont fait de toi une figure emblématique du prédateur cynique, du macho arrogant, délinquant et profanateur des lois et des normes humaines et divines ! Malgré ces regards réducteurs et accusateurs, tu continues à incarner la liberté absolue, la foi en l’homme, révélant l’hypocrisie, les bassesses et les couardises des faibles qui jugent ton audace infinie !\nÀ Don Juan ! Avec ton sourire ironique, ta lucidité et ta soif insatiable de nouvelles aventures, allant toujours de l’avant, à travers les siècles, regardant l’humanité avec un mélange de dédain et de compassion.\nLe superbe séducteur de Séville est de retour sur les scènes avec ses défis, ses éclats de rire, son instinct de conquistador.\nBorja Ortiz de Gondra, dans sa version de la pièce , et Josep Maria Mestres dans sa mise en scène, proposent une lecture plus ouvert, nuancée, sans aucun manichéisme, de l’œuvre de Tirso de Molina, en mettant en relief les supposées victimes de Don Juan, qui non plus ne sont pas tout à fait innocentes. Fréquemment les metteurs en scène justifient le choix d’une œuvre classique par sa contemporanéité présumée, en la projetant sur notre présent. La contemporanéité et l’actualité du Séducteur de Séville et de la figure de Don Juan sont plus qu’évidentes. Non la transgression de toutes les lois et les normes, est devenu une norme dans notre monde actuel, dans lequel Dieu est mort et ni l’hypothétique châtiment divin ni l’enfer ne terrorisent personne. De même la posture nihiliste de Don Juan et sa rébellion contre toutes les limites et les mécanismes du système dans lequel il vit, sont représentatifs du nihilisme et de « l’anti tout » qui triomphent dans notre société.\nDans ses aventures Don Juan traverse toutes les strates de la société, nobles, bourgeois, paysans, à une époque où l’abus de pouvoir, la prévarication, l’hypocrisie et l’immoralité sont monnaies courantes. Défiant et profanant toutes les valeurs que les autres font semblant de respecter, Don Juan met en évidence les mensonges, l’hypocrisie, leurs arrangements avec la loi et la morale. Don Diego, le père de Don Juan, représente tout ce que ce dernier refuse. Pour ce qui est de ses supposées victimes, les femmes abusées qui le dénoncent, toutes, sauf Doña Ana forcée contre sa volonté, sont consentantes, pour survivre ou pour leurs bas instincts et leur désir d’ascension sociale. Don Gonzalo de Ulloa, père de Doña Ana, et Catalinon, valet de Don Juan, sont des victimes collatérales de sa conduite. Avec la mort de Don Juan, Don Gonzalo de Ulloa est vengé et l’ordre est rétabli, seul Catalinon, désespéré, reste sans ressources, abandonné à son sort.\nDans sa version, Borja Ortiz de Gondra, rapproche Catilinon de Sganarelle de Molière, en insérant dans le monologue final son cri douloureux « et maintenant moi qui va me payer ». En convoquant sur scène Doña Ana, Borja Ortiz de Gondra donne plus de relief aux victimes de Don Juan. Quelques coupures et arrangements dépouillent le texte des éléments confus, en éclairant ainsi l’œuvre. Josep Maria Mestres articule sa mise en scène sur le mythe de Don Juan qui, en traversant les siècles, contamine, chaque fois plus, les actes, les attitudes et les comportements humains. Un Don Juan omniprésent.\nSur le rideau de scène sont projetées les premières de couverture de quelques œuvres de la littérature mondiale inspirée par la figure de Don Juan. Au début du spectacle un tableau descend des cintres avec des fragments peints du visage de Don Juan. Les acteurs arrivent de la salle, dansent, chacun avec un petit tableau qui représente un fragment du visage du séducteur de Séville. Comme si nous avions tous quelque chose de lui. L’intemporalité de la figure de Don Juan s’exprime autant dans le décor que dans les costumes qui ont quelques traits des siècles passés, sans qu’on puisse identifier l’époque avec précision. Sur le plateau, quasiment vide, avec seulement de chaque côté un fragment de mur qui se rapprochent dans la scène du mausolée, en limitant l’espace. Au fond un petit escalier, derrière un passage avec une rambarde, un panneau et des rideaux qui descendent, suggérant divers lieux. À certains moments sont projetées, sur le rideau du fond, des croix dans le mausolée, des vagues de la mer, etc. Les seuls objets sur la scène sont de petites tables carrées qui servent aussi de siège. Le personnage de Gonzalo de Ulloa mort, les vêtements et le visage peints comme s’ils étaient en pierre, n’a rien à voir avec une créature terrifiante de l’au-delà.\nJosep Maria Mestres éloigne sa mise en scène très plastique et inventive du réalisme et de l’historicisme, en lui conférant, avec une grande cohérence dans les détails, un caractère intemporel.\nPar exemple dans les scènes collectives de fêtes, de noces, les danses populaires et les chants des personnages, accompagnés par une guitare, un accordéon et un saxophone, peuvent faire référence à n’importe quelle époque.\nOn note l’excellent travail de lumières de Junjo Llorens qui sculpte les espaces, module les atmosphères, soulignant les moments joyeux, comiques ou dramatiques, avec, parfois, une touche fantastique ou onirique.\nLa distribution très harmonieuse est juste. Tous les interprètent, aussi bien les rôles principaux que les rôles secondaires, s’engagent totalement dans leur jeu, créant des personnages authentiquement humains, ni blanc ni noir.\nLes femmes, excellentes, ne tombent pas dans les archétypes, nuançant leurs personnages, particulièrement les paysannes Lara Grube (Aminta) y Mamen Camacho (Tisbea.), éblouissent par une grande variété de tons, de sentiments, d’expressions. Raul Prieto est magnifique en Don Juan, caméléonique, virtuose du cynisme, avec un fond humain, joueur impénitent, collectionneur d’aventures, pariant tout chaque foi, y compris sa vie. Son compagnon, le fidèle Catalinon, est interprété par Pépé Viyuela qui déploie toute sa gamme de comique, souvent avec une touche dramatique face aux actes risqués de son maître, et surtout, devant son défi au commandeur mort. Son récit de la mort de Don Juan et son cri « et maintenant, moi qui me paye», ont quelque chose de comique et de tragiquement réaliste.\nDans sa vision de Don Juan Josep Maria Mestres met en lumière son contexte social avec ses vices et le passage du séducteur à travers le temps, sans le juger. Et que celui qui veut le juger lui lance la première pierre.\nCrédit photo: Marcos Gpunto\nLucia de Lammermoor: l’opéra de Donizetti est transposée dans une clinique psychiatrique\n21/06/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nDu 22 juin au 13 juillet 2018, Teatro Real, Madrid\nDrame tragique en trois actes de Gaetano Donizetti\nlivret Salvatore Cammarano basé sur le roman La fiancée de Lammermoor de Walter Scott\ndirection musicale : Daniel Oren; mise en scène : David Alden\ndécors : Charles Edwards; costumes : Brigitte Reiffenstuel\nlumières : Adam Silverman; chorégraphie : Maxime Braham\nProduction de la English National Opera\nLucia: Lisette Oropesa (Juin. 22, 25, 28 -Juillet 1, 4, 7, 10, 13) Venera Gimadieva (Juin. 23, 26, 29 – Juillet. 2, 5, 8, 11)\nEdgardo: Javier Camarena (Juin. 22, 25, 28 – Juillet. 1, 4, 7, 10, 13) Ismael Jordi (Juin. 23, 26, 29 – Juillet. 2, 5, 8, 11)\nEnrico Ashton : Artur Rucinski (Juin. 22, 25, 28 – Juillet. 1, 4, 7, 10, 13) Simone Piazzola (Juin. 23, 26, 29 – Juillet. 2, 5, 8, 11)\nRaimondo Bidebent : Roberto Tagliavini (Juin. 22, 25, 28 – Juillet. 1, 4, 7, 10, 13) Marko Mimica (Juin. 23, 26, 29 – Juillet. 2, 5, 8, 11)\ntenor Javier Camarena -Edgardo, soprano Lisette Oropesa -Lucia\nLucia de Lammermoor, opéra romantique de Gaetano Donizetti, le sommet de sa veine tragique, achève la saison 2017 / 2018 du Teatro Real de Madrid. Réputé pour sa richesse musicale et surtout l’exigence d’une perfection vocale des interprètes principaux, Lucia et Edgardo, Lucia de Lammermoor a marqué la carrière de Maria Callas et de Joan Sutherland qui jusqu’à présent restent des interprètes emblématiques du rôle-titre. La question qui se pose aujourd’hui est celle-ci : que représente pour nous cette œuvre historique, située dans une Écosse de la fin du XVIIe s ?\nLe drame dans l’opéra de Donizetti est centré sur la rivalité politique et religieuse entre le clan de Ravenswood, catholique, ancien propriétaire du château de Lammermoor et celui de Ashton, réformiste. Dans ce contexte s’inscrivent les thèmes romantiques : haine ancestrale entre les deux familles, vengeance, amour passionnel et impossible de deux jeunes amants appartenant à des clans rivaux, trahison, mariage forcé, folie, meurtre, suicide. Un monde étouffant dont l’époque victorienne est équivalente avec la société patriarcale où la femme est privée de droits et condamnée à la solitude. Le metteur en scène, David Alden transporte l’action de l’opéra dans la maison de Ravenswood, dans l’Écosse du XIXe s. Le scénographe Charles Edwards s’est inspiré de l’ancienne résidence du médecin britannique John Langdon Down, découvreur du syndrome de Down.\nsoprano Lisette Oropesa -Lucia\nUne ambiance fantomatique, à la Edgar Poe, sinistre et claustrophobe, dans laquelle le frère et la sœur entretiennent des relations malsaines.\nCharles Edwards crée dans sa scénographie une série de perspectives qui multiplient les angles de vision et laissent percevoir les détails au-delà des apparences d’une réalité bourgeoise glacée. C’est en réalité une clinique psychiatrique avec les lits, des barreaux, des appareils pour enchaîner les patients impuissants, oppressés.\nUne métaphore d’un monde asphyxiant où règne la folie qui renvoie aussi aux méthodes pratiquées, à savoir la thérapie par le théâtre, dans des hôpitaux pour les malades mentaux, en Écosse de la première moitié du XIXe s. Ces représentations avec de vrais fous étaient une distraction favorite des bourgeois locaux, des donateurs et des charitables dames de la noblesse.\nUn univers, interprétés par des chanteurs de choix, à hauteur des exigences vocales de cet opéra.\nCrédit photo: © Javier del Real | Teatro Real\nFestival de Mérida: les regards contemporains sur les figures mythiques et historiques grecques et romaines\n15/06/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nDu 29 juin au 26 août 2018 – 64e Festival International de Théâtre Classique de Mérida\nLa 64e édition du Festival International de Théâtre Classique de Mérida, présenté fin mars dans le lieu même du Festival, le 14 mai à Lisbonne et le 24 mai à Bruxelles, réaffirme son exploration du potentiel contemporain des œuvres classiques grecques et romaines, leur capacité de mutation entre le théâtre, le cinéma et la danse, consolide l’extension de sa programmation à d’autres sites romains dans les environs de Mérida, Medellín, Régina et Caparra, sans compter les lieux magiques de la ville : Le Temple de Diane, le portique du forum, les termes de la calle Pontezuela et la plaça de Naranjos, destinés aux spectacles du off. Cette année, en primeur de sa programmation, quelques spectacles du festival sont présentés à Tarragone, dans le cadre des Jeux Méditerranéens en juin 2018. La programmation : 8 spectacles de théâtre et 2 de danse, dans laquelle on relève entre autres : Phèdre, Hippolyte, Néron, Philoctète, sera inaugurée le 29 juin par Electra de Antonio Ruz, la magnifique création du Ballet Nacional de Epaña dirigé par Antonio Najarro, dont j’ai rendu compte il y a quelques mois.\nLe plus ancien festival de théâtre en Espagne, le Festival International de Théâtre Classique de Mérida, fondé en 1933, inauguré avec Médéa de Sénèque dans la version de Miguel de Unamuno, avec la mythique actrice Margarita Xirgu dans le rôle-titre, Fut suspendu en 1934 (période de turbulences et affrontements politiques qui débouchent sur la guerre civile). Еn 1954, il reprend vie en s’inaugurant avec Phèdre. Tandis que le Festival d’Almagro est centré sur le théâtre classique moderne (auteurs espagnols et étrangers du XVIe et XVIIe s.) le Festival de Mérida présente principalement des œuvres des auteurs antiques grecs et latins, sans pour autant perdre de vue le patrimoine classique moderne. Ainsi par exemple, a-t-on pu y voir en 2008, un inoubliable Avare de Molière, monté par Jorge Lavelli. Au fur et à mesure, dans ses programmations, se sont imposées des versions modernes et des réécritures des classiques depuis notre regard d’aujourd’hui sur ces textes.\nJesus Cimarro, qui dirige le Festival depuis 2012, a amplifié cette tendance qui resitue le Festival dans une perspective clairement contemporaine. Peu de festivals fusionnent le patrimoine historique et théâtral comme c’est le cas de celui de Mérida, avec son monumental amphithéâtre romain (du Ier s. de notre ère), scène principale du Festival et plusieurs autres monuments de l’époque, devenus lieux de spectacles. Faire revivre les figures mythiques et historiques dans ce cadre, vestige de l’univers antique, en les intégrant dans notre monde contemporain, c’est la magie qui s’opère ici au moyen du théâtre.\nLe théâtre fournit souvent des sujets et des personnages aux artistes d’autres disciplines artistiques. Le cinéma aussi.\nAinsi les grandes fresques théâtrales : Ben Hur, version Nancho Novo, mis en scène David Ottone et Juan Ramos Toro, et Néron d’Eduardo Galan, mis en scène par Alberto Castrillo Ferrer, qui seront des événements du Festival, sont-elles inspirées par des films qui ont marqué l’histoire du cinéma. Ben Hur (du 4 au 8 juillet) création de la compagnie renommée Yllana, fidèle au contenu du roman de Lewis Wallace, est un voyage dans tous les lieux communs de l’imaginaire collectif, avec de multiples aventures en « teatroscope ». Parodie, humour, usage intelligent du visuel, un jeu constant entre le langage cinématographique et théâtral sont quelques-uns des grands atouts de ce spectacle. Dans Néron (11, 15 juillet), inspiré du roman de Henryk Sienkiewicz et du film qui en a été tiré de textes de Pétrone, Suétone, Eduardo Galan montre un autre versant du fameux empereur, tyran cruel, prétendument incendiaire de Rome, assassin de plusieurs membres de sa famille, etc.\nC’est un Néron artiste, esthète, visionnaire, qui en réalité n’était pas l’auteur de l’incendie de Rome mais en a profité pour la reconstruire à son gout. Figure de transgression, image emblématique des fous sanguinaires qui, tout au long de l’histoire, n’ont cessé d’opprimer les peuples tout en étant adulés par les masses aveugles et soumises. Pouvoir, art, politique et folie, tout cela se fond dans Néron.\nLe grand acteur comique El Brujo, Rafael Alvarez, propose dans Eschyle, naissance et mort de la tragédie, (du 18 au 22 juillet) une traversée pleine d’humour de l’univers du père du théâtre grec.\nDans la version contemporaine de Jordi Casanovas de Philoctète de Sophocle (25, 29 juillet), mise en scène Antonio Simon, le héros grec trahi par ses compagnons, symbole de l’injustice, renvoie aujourd’hui à la problématique de l’impunité, de l’usage de la justice et du pouvoir par les politiques pour leur propre profit.\nLe jeune et déjà renommé auteur, Paco Bezerra, (lauréat du Prix National de Littérature Dramatique), propose une version contemporaine de Phèdre (du 1er au 5 août) mise en scène par Luis Luque. Dépouillée de scrupules, n’écoutant que la passion qui la dévore, Phèdre est une femme combative, exempte de culpabilité, qui ose aimer et en parle sans retenue. Dans la problématique de la passion dévastatrice Paco Bezerra insère le thème de la légitimité et de la rivalité pour le pouvoir entre Hippolyte et Acamante, fils de Phèdre et de Thésée. Les arts visuels et la musique sont les protagonistes importants de cette création. Comme en dialogue avec Phèdre de Paco Bezerra, Hippolyte, d’après Euripide, dans une version de Isidro Timon et Emilio del Valle, mise en scène de ce dernier, (22, 26 aout) est une lecture contemporaine d’Hippolyte, objet de la passion irrésistible de Phèdre. Le spectacle est basé sur l »affrontement entre l’amour de Phèdre pour Hippolyte, poussé au suicide par la peur de « qu’en-dira-t-on » et la résistance du jeune homme, image de la lutte permanente homme, femme, dans laquelle la femme se bat toujours à son désavantage.\nPenthésilée de Von Kleist a inspiré une création chorégraphique Les Amazones (du 8 au 12 août) de Magüi Mira. Le mythe des femmes guerrières qui avec la force des armes se rebellent devant l’abus physique des hommes, est aujourd’hui d’une actualité inattendue avec le surgissement de nouveaux mouvements féministes, dont « Me too ». La loi de la tribu des Amazones, excluant et combattant les hommes, prohibant l’amour, n’est guère concevable dans la société moderne. Sur quelles bases et lois équitables peut-on envisager la réconciliation et une coexistence pacifique ?\nLa comédie de Plaute Les revenants (15, 19 août) version libre de Miguel Murillo mise en scène de Félix Estaire, apporte dans l’univers sombre des tragédies grecques, une bonne dose d’humour désopilant. Un millionnaire avaricieux, un valet astucieux, un fils niais et quelques professionnels de l’usure, luttent pour un butin qui passe de main en main. La société romaine du IIe s. avant notre ère, décrite par Plaute, est une photo exacte de la nôtre avec les affaires de corruption, des fraudes, des détournements des deniers publics. Miguel Murillo actualise dans sa version la pièce de Plaute avec des références aux affaires qui font la une des journaux. Les embrouilles, coups de théâtre, situations invraisemblables, se multiplient dans ce spectacle délirant.\nLe dénominateur commun des versions des classiques grecs proposées par des auteurs d’aujourd’hui est l’interrogation des principes fondateurs de l’ordre politique, social et moral, patriarcal, dont nous sommes encore tributaires et dont la femme est la première victime.\nPourquoi perdurent-ils ? À qui profitent-ils ? D’où vient leur légitimité ? Notre libération véritable doit commencer par la mise en question de ces lois archaïques qui génèrent l’oppression, l’inégalité et les conflits. Révisons aussi le mythe de la fameuse démocratie grecque qui nous sert toujours d’exemple.\nLe triptyque Galili-Kylian-Duato à Madrid\n07/06/2018 / Irène Sadowska-Guillon\n27 mai – 10 juin 2018, Theatre de la Zarzuela,Madrid; 21-22 juillet 2018 – Les Nuits de Fourvière, Lyon\nHikarizatto, chorégraphie Itzil Galili musique Percossa\nGods and dogs, chorégraphie Jiri Kylian musique Dirk Haubrich, Ludwig van Beethoven\nPor vos muero, chorégraphie Nacho Duato (musiques anciennes espagnole du XV et XVI s. par la Capella Reial de Catalunya, direction Jordi Savall)\nAvec les danseurs de la Compagnie Nationale de Danse d’Espagne (Compañia Nacional de Danza)\nLe dernier spectacle de la Compañia Nacional de Danza d’Espagne, conçu par son actuel directeur, Jose Carlos Martinez, et composé des chorégraphies de Itzik Galili, Jiri Kylian et Nacho Duato, était très attendu à plusieurs titres.\nIl marque à la fois le retour de Nacho Duato dans la Compañia Nacional de Danza, après sept ans de sa direction du Ballet de l’Opéra de Berlin, et le retour dans le répertoire de la compagnie de sa chorégraphie Por vos muero, créée pour elle. La récupération de cette pièce d’une beauté incomparable, qui pendant sept ans n’a pas pu être représentée pour des raisons de droits, était un événement en soi. Dans le programme proposé elle s’inscrit, comme en contrepoint, aux chorégraphies de Itzik Galili et de Jiri Kylian, toutes les deux excellentes dans leur style, mais manquant de poésie et de la magie envoûtante qu’a Por vos muero. Un choix éclectique de pièces qui représentent des personnalités créatrices, très différentes, de trois grands chorégraphes Itzik Galili, Jiri Kylian et Nacho Duato.\nHikarizatto (Lumière saturée) de Itzik Galili, sur la musique de percussions et de cloches traditionnelles japonaises, évoque un mystérieux rituel. Sur le plateau totalement vide, les mouvements des 20 danseurs dont les corps s’amalgament souvent, évoquant comme des bancs de poissons ou un vol d’oiseaux, ou se séparent en couples, sont ciblés par des cônes de lumière. La chorégraphie joue sur le contraste individuel et collectif, multitude. De très beaux effets d’éclairage créent des images, modulent l’espace, occultent ou révèlent. Les danseurs, hommes, pantalons courts et maillots de corps noirs, femmes, justaucorps noirs, sont en perpétuel mouvement qui change seulement de rythme. Peu d’éléments classiques, comme des portés, s’intègrent dans cette chorégraphie, résolument contemporaine, belle visuellement, mais assez abstraite, manquant d’émotion et de profondeur.\nGods and Dogs de Jiri Kylian, sur des musiques de Dirk Haubrich et Ludwig van Beethoven, s’articule sur le thème de la relation de l’individu avec le vêtement qu’il porte. Quelles sont les raisons qui nous font choisir certains vêtements ? Les circonstances ? Les normes sociales ? Comment l’âge, l’état physique ou mental nous imposent la façon de s’habiller ? Comment habillons-nous nos défauts, nos insuffisances, nos manques ? Où est la frontière entre le normal et l’anormal ? Qu’est-ce qui la détermine ? Au fond du plateau un rideau de chaînes métalliques qui permet des apparitions et des disparitions des danseurs : quatre hommes en pantalon blanc, torse nu, les quatre femmes en robe blanche, très courte. Beaucoup de duos qui alternent avec des mouvements d’ensemble, les variations de rythmes, la danse, parfois très saccadée, parfois très ondulante. Belles architectures des corps et images évocatrices.\nBeaucoup plus complexe et théâtrale est la chorégraphie de Nacho Duato Por vos muero. La dramaturgie chorégraphique est une composition de musiques espagnoles du XVe et du XVIe s, d’anciennes chansons catalanes, qui accompagnent les séquences dansées, chacune introduite par des fragments de vers de Garcilaso de la Vega, en voix off, qui servent de fil conducteur. Nacho Duato fusionne admirablement dans cette pièce la contemporanéité de la danse et ses références historiques en réécrivant dans un langage chorégraphique d’aujourd’hui des thèmes de danses de cours et de danses populaires. Les danseurs, les hommes, d’abord en slip couleur chair, ensuite en boxeur noir, chemisette manches gigot comme une trace de costume de l’époque ancienne, les femmes, d’abord avec un body couleur chair puis body noir avec une jupe longue, très large, très colorée, qui vole, s’étend dans l’espace. Le fond de scène est composé de plusieurs panneaux qui permettent des sorties et entrées instantanées. Au-dessus deux grands rideaux rouges, éclairés par moments. Duos, danses de groupes mixtes, ou juste de groupe de femmes ou d’hommes, danses de village stylisées avec les mouvements de danse moderne. Nacho Duato possède un art très rare de créer des ambiances et d’imprégner d’humour ses chorégraphies. Je n’évoquerais qu’une très belle scène où les femmes dansent avec un masque à la main ou encore celle dans laquelle les hommes, en cape rouge, dansent avec des encensoirs, sur une musique religieuse. Il y a dans Por vos muero, hommage à cette époque où la danse faisait partie de la vie quotidienne, la grâce, la poésie et l’élégance.\nCrédit photo: Compañia Nacional de Danza\nSeule reste la parole\n29/04/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nAu Teatro Pavón Kamikaze de Madrid du 25 avril au 13 mai 2018\nIlusiones (Illusions) de Ivan Viripaev, mise en scène Miguel del Arco, traduction Helena Sánchez Kriukova.\nDepuis deux saisons, Miguel del Arco, directeur de la compagnie kamikaze et du Teatro Pavon (théâtre privé), affirme sa politique, littéralement kamikaze, avec son pari sur la création contemporaine et ses programmations risquées de textes d’auteurs peu connus ou inconnus. Avec sa création de « Illusions » du dramaturge et metteur en scène Ivan Viripaev (1974), leader de la nouvelle dramaturgie russe, Miguel del Arco fait découvrir en Espagne non seulement un auteur de premier plan, déjà reconnu internationalement, mais aussi un théâtre singulier, « existentialiste » qui, dans sa vision du monde et de l’existence humaine a quelque chose de caldéronien, de beckettien et de la conception japonaise de la vie et de la mort. Un théâtre qui philosophe à la Montaigne, sans être philosophique ou démonstratif d’idées et de thèses, comme l’est celui de Sartre. Un théâtre qui ne se préoccupe pas du sens tragique de la vie, puisque la vie n’a pas de sens.\nIllusions est un théâtre de la parole, du récit, forme originaire du théâtre. C’est un théâtre qui raconte, de façon aléatoire, des fragments de vie, ou se fait médium des personnages morts qui parlent par la bouche de ceux qui narrent leurs histoires. En véritable auteur du XXIe s., ayant assimilé des philosophies et des courants de pensée du passé, Ivan Viripaev aborde dans son œuvre, avec humour et ironie, la question de l’existence comme un amoncellement de divers fragments qui n’ont aucun lien entre eux, dont l’unique finalité est la mort. Son théâtre est aux antipodes du théâtre d’idées qui expose, argumente et conclu. Il n’est pas une illustration de dogmes philosophiques.\nIllusions raconte les histoires entrelacées de deux couples mariés, révélant les paradoxes de la passion et de la mort, de la loyauté et de la trahison, de la réalité et de la fiction. La pièce commence avec la mort de Dani et finit avec celle des trois autres protagonistes : Sandra, Margarita, et Alberto. Tous les quatre meurent à un peu plus de 80 ans. Chacun d’eux cherche son lieu dans le monde, certains le trouvent dans des endroits aussi insolites que l’intérieur d’une armoire ou la surface d’une pierre dans le désert australien. Les personnages posent des questions sur le sens de la vie, les choix qu’ils ont faits, sur l’amour véritable, l’amitié, le bonheur et la mort. Comme la vie en soi n’a pas de sens, seul le véritable amour peut la justifier. Un amour partagé ? Ou pas obligatoirement ? Les opinions divergent.\nQu’est-ce que la vérité et la réalité ? Et si elles n’existaient pas ? « L’amour c’est quelque chose de simple mais à la portée de peu de personnes », dit Dani. Tout est furtif. Y a-t-il quelque chose de pérenne dans ce cosmos changeant ? se demandent-ils en regardant le ciel étoilé. La vie est-ce une illusion, une ombre ? Dans la pièce de Viripaev ces thèmes et questions philosophiques sont débordés par le grotesque, typiquement russe, absurde et par l’humour dévastateur.\nLa philosophie proposée par Viripaev et pratiquée par ses personnages pourrait être résumée ainsi : pendant que tout se termine, jouissons de la vie. Étant donné que rien n’a de sens et autant la vie que la mort sont incompréhensibles, tout est jeu, jeu de théâtre sur la scène du monde, où on raconte les vies éphémères des personnages. L’unique chose qui restera de la vie de chacun c’est le récit, mélange du réel, du fictif et du rêve. Viripaev réfracte les vies des protagonistes dans les récits des narrateurs anonymes (des jeunes acteurs dans le spectacle) : femme 1, femme 2, homme 1, homme 2, qui parlent à la troisième personne en s’adressant au public. Dans leurs récits, à certains moments, font irruption les protagonistes qui, parlant à la première personne par la bouche des narrateurs, contredisent leurs versions, racontent eux mêmes certains épisodes de leur vie. À l’instar de la vie fragmentée, les récits des narrateurs et des protagonistes, forment une mosaïque de visions et de versions différentes, parfois contradictoires. Viripaev complexifie la relation acteur, narrateur et personnage. L’acteur, qui quelquefois s’affirme comme tel, joue le narrateur qui incarne, à certains moments, l’un ou l’autre des personnages, en échangeant parfois avec eux, de sorte que le monologue se dialoguise. Il n’y a aucune logique dans la structure des fragments racontés. Pourquoi ont-ils choisi ces fragments et non pas d’autres ?\nMiguel del Arco, très inspiré par la pièce, sa structure complexe, son humour, sa langue entre le sublime et le prosaïque, l’évident et le mystérieux, crée un « grand théâtre du monde » dans lequel les êtres humains viennent raconter leurs vies éphémères, font quelques pirouettes et s’en vont. Un monde baroque en permanent mouvement, avec ses trompe-l’œil, ses artifices, ses jeux entre le visible et l’invisible, la vérité et le mensonge. Sur scène, des objets hétéroclites amoncelés, tels les reliques de vie ou des restes de pièces de théâtre. Devant, quelques chaises, à gauche, sur une petite plateforme, trois fauteuils de théâtre et une boîte qui tournent comme un manège (métaphore du théâtre ?). Derrière, un escalier et une fausse porte de sortie (scénographie Eduardo Moreno). Au début du spectacle les acteurs sont en smoking, puis mettent des vêtements de sport et à la fin de nouveau les smokings. Avant que le spectacle ne commence, les acteurs se promènent sur la scène, parlent entre eux, s’adressent à quelques spectateurs, montrent les photos des personnages vieux à la fin de leur vie. Le jeu avec le public se répète à d’autres occasions avec des ruptures humoristiques dans la trame et à la fin, ils saluent en disant « à bientôt ». Avec une absolue maîtrise de la structure dramaturgique de la pièce, Miguel del Arco compose sur scène une partition polyphonique de voix, de mouvements, de moments musicaux et de danse (samba, chanson de Tina Turner). Les narrateurs introduisent parfois leurs récits par : « maintenant je vais vous raconter » ou « c’est l’histoire de la disparition de Margarita » etc. Parfois les monologues se transforment en brefs dialogues polémiques, ou en moments choraux, dans un brouhaha.\nTout au long du spectacle les récits, qui surgissent de façon aléatoire, créent une vision baroque des vies des protagonistes avec des clairs obscurs, des énigmes et des variantes. La dramaturgie des éclairages, très fine et précise, crée des ambiances, cible les personnages, les situations, marque les moments dramatiques ou comiques. Les quatre acteurs, Marta Etura, Daniel Grao, Alejandro Jato y Verónica Ronda sont virtuoses en registres de tons, d’expressions des sentiments et des émotions qui parfois contrastent avec la froideur distanciée du regard du narrateur.\nTous, totalement investis dans la pièce, avec une spontanéité et le naturel des enfants qui jouent, insufflent la vie aux personnages, êtres à la fois singuliers et reflets de l’universel. On doit à Miguel del Arco autant la découverte d’un grand auteur russe et de son œuvre que la vision scénique magistrale, intelligente, profonde et claire qu’il en donne.\nCrédit photos: Vanessa Rábade\nUne saison d’enfer: programmation 2018 – 2019 au Teatro Real de Madrid\n20/04/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nÉclectisme et prise de risques avec de nouvelles créations et les relectures des œuvres du répertoire, le soutien aux créateurs d’œuvres contemporaines, voici ce qui caractérise la programmation 2018 – 2019, plus ample et plus diversifiée que les précédentes.\nUne expansion sur tous les fronts : programmation croissante d’opéras pour le public jeune et adolescent, accompagnée de programmes éducatifs, présence plus importante de la danse avec des créations contemporaines, développement de la projection internationale à travers l’augmentation des coproductions avec les plus prestigieux Opéras du monde et renforcement de la diffusion et des retransmissions mondiales des productions du Teatro Real. Se positionnant en première ligne sur la scène internationale, le Teatro Real a pris l’initiative d’organiser à Madrid, le 12 avril 2018, le Ier Forum Mondial réunissant des directeurs ou des représentants de 150 Opéras du monde. Une saison ambitieuse et audacieuse qu’on peut résumer ainsi : 15 productions d’opéras dont une création mondiale, réparties sur 244 représentations, 17 représentations de danse de cinq compagnies d’Espagne et étrangères, 6 concerts, récitals lyriques, 97 représentations pour le jeune public, 8 concerts de chambre, 3 retransmissions mondiales d’opéras filmés. Tout ceci se réalisera avec un budget de seulement 30 200 000 €.\nDido and Aeneas de Henry Purcell par Sasha Waltz and Guest\nRenouveler et enrichir le répertoire par des œuvres incontournables, contemporaines ou récupérées du passé est un des objectifs permanents du Teatro Real. Ainsi, la saison qui vient, 7 nouveaux opéras, créés d’abord à Madrid et suivis d’une tournée, seront incorporés dans le répertoire : La Calisto de Francesco Cavalli par Dadid Alden, Dido and Aeneas de Henry Purcell, créé par Sasha Waltz and Guest, Capriccio de Richard Strauss par Cristof Loy, La peste de Robert Gerhard par Justin Way, Com que voz de Stefano Gervasoni par Óscar Garcia Villegas, Only the sound remain de Kaija Saariaho par Peter Sellars et la création mondiale de Je suis narcissiste de Raquel Garcia Tomas par Marta Pazos.\nUne place privilégiée est réservée à Richard Wagner, toujours présent au Teatro Real, avec la création de sa tétralogie L’anneau des Nibelungen, qui commence la saison 2018 – 2019 avec Lohengrin et se poursuivra les 3 saisons suivantes. Un événement avec, dans la fosse Pablo Heras Casado, chargé de la direction musicale du cycle wagnérien et, à la mise en scène, le remarquable Robert Carsen.\nLa Calisto de Francesco Cavalli par Dadid Alden\nLa thématique des mythes grecs, germaniques et modernes qui ont inspiré et inspirent les opéras, constitue le fil conducteur qui relie plusieurs œuvres programmées, parmi lesquelles Faust de Gounod revisité par la Fura dels Baus et le metteur en scène Alex Ollé, où le pacte conclu par Faust avec Méphistophélès devient une métaphore du pacte entre l’homme d’aujourd’hui la technologie. Robert Wilson mettra en scène Turandot de Puccini, sans doute dans son esthétique particulière, et Robert Carsen reviendra, après Lohengrin, pour monter Idoménée de Mozart. On attend avec impatience la création de La Calisto de Francеsco Cavalli, avec un livret de Giovanni Faustini basé sur le livre II des Métamorphoses d’Ovide, mis en scène par David Alden, déja habitué du Teatro Real, et interprété par l’orchestre baroque. La Calisto est une véritable curiosité. Tombé dans l’oubli durant des siècles, cet opéra fait partie aujourd’hui des œuvres incontournables du répertoire opératique baroque. Son thème libertin : l’amour de Jupiter pour la belle Calisto qui le repousse sous son apparence masculine, mais succombe quand il revient sous l’apparence de Diana, peut être traité aujourd’hui sans préjugés moraux.\nLaurent Pelly revient régulièrement au Teatro Real. Après La fille du régiment, Hansel et Gretel, il nous a enchanté avec son Coq d’or de Rimski-Korsakov. Cette fois il mettra en scène Falstaff de Verdi, qui correspond, on ne peut mieux, à son remarquable sens de la théâtralité et du comique.\nLe versant tragique de la création verdienne est représenté par Il Trovatore qui sera mis en scène par Francisco Negrin.\nRichard Strauss se préoccupait beaucoup du rôle du texte chanté à l’opéra, insistant sur son intelligibilité. La controverse : qu’est-ce qui est le plus important à l’opéra texte ou musique ? constitue le thème de son dernier opéra Capriccio, traité sous forme allégorique : l’affection d’une comtesse qui symbolise l’art, est disputée par deux prétendants, un poète et un compositeur.\nEnfin, deux opéras en version concert : Agrippina de Haendel et Giovanna d’Arco de Verdi avec, dans le rôle de Giacomo, le fantastique Placido Domingo, qui chaque année est présent dans la programmation du Teatro Real.\nQuant à la danse, le Teatro Real programme plus de titres. Cinq compagnies : le Ballet am Rhein Düsseldorf Duisburg, le Ballet National de l’Opéra de Paris avec cinq pièces et des chorégraphies de Jérome Robbins, Hans van Manen et Balanchine, Sasha Waltz and Guests, Compañía Nacional de Danza avec Casse-noisette et Victor Ullate Ballet qui fête cette année 30 ans de sa compagnie.\nComme toujours de nombreux programmes, en relation avec les œuvres présentées, sont intégrés dans la programmation dont une partie plus importante est réservée cette année au public Junior.\nSplendeurs et misères du pouvoir-« Gloriana »de Benjamin Britten au Teatro Real\n15/04/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nDu 12 au 24 avril 2018 au Teatro Real de Madrid\nEn coproduction avec le English National Opera et le Vlaamse Opera\nGloriana de Benjamin Britten est représenté pour la première fois au Teatro Real de Madrid où, depuis sa réouverture, il y a 20 ans, la création du compositeur britannique bénéficie d’une présence exceptionnelle. Depuis 1997 huit opéras de Britten ont été représentés au Teatro Real : Peter Grimmes (1997), Le songe d’une nuit d’été (2006), Le viol de Lucrèce (2007), Le tour d’écrou (2010), Mort à Venise (2014), Billy Budd (2016), plus deux opéras pour le jeune public. En programmant Gloriana, le chef-d’œuvre de Britten, le Teatro Real défie le mauvais sort qui, depuis sa création, poursuit cette œuvre dite « maudite ».\nGloriana était une commande faite à Benjamin Britten pour la célébration du couronnement, en 1953, de la jeune reine Élisabeth II. Tandis qu’on attendait une œuvre exaltant la monarchie et le règne exemplaire de la célèbre Reine Vierge Élisabeth Ier, l’opéra de Britten montrait une monarque à la fin de son règne, vieillie, entourée de conflits, de conspirations, déchirée entre ses responsabilités de femme de pouvoir et son amour passionné et trahi, pour l’ambitieux et arrogant conte d’Essex, marié et de 30 ans plus jeunes qu’elle. La création au Covent Garden fut un échec, non pas pour des raisons artistiques mais pour l’incongruité de son propos, un véritable couac dans la solennité des circonstances. Un shocking pour le public des têtes couronnées, présidents, aristocrates et politiques qui assistaient à l’événement.\nLes détracteurs de Britten et les défenseurs de la morale ont profité de l’occasion pour l’attaquer en tant qu’homosexuel. Gloriana, tombé ainsi en disgrâce, était victime d’une fatalité. La tentative, en 1963, de sa récupération, en version concert, au Royal Festival Hall, à l’occasion du 50e anniversaire de Britten, coïncidait avec l’assassinat de John Kennedy. La production de Gloriana par Sader’s Wells, présentée dans le cadre des tragiques jeux olympiques en 1972 à Munich, n’a pas eu plus de chance. La réapparition de Gloriana sur la scène est récente. Sa production actuelle, qui réunit Ivor Bolton à la direction d’orchestre, grand spécialiste de Britten et de la musique de l’époque élisabéthaine, David McVicar à la mise en scène et un choix d’excellents interprètes, propose une vision libre de préjugés politiques et artistiques, de ce chef-d’œuvre incontournable brittenien.\nLe compositeur reprend ici le thème récurrent dans son œuvre, la lutte des outsiders, la solitude et l’éloignement, le sacrifice de la vie privée à la vie publique.\nCertes, cette image de la grande reine n’avait rien d’exemplaire et était, pour le moins, inconvenante pour la circonstance du couronnement d’Élisabeth II. On reprochait aussi à Britten des références dans son opéra à la musique de l’époque élisabéthaine et à celle d’Henry Purcell pour laquel il avait une particulière prédilection. Au contraire, ces évocations de la tradition musicale anglaise : danses populaires, pavane, gaillarde, dans la scène du bal, deux magnifiques songs chantés par Essex, la vieille balade dans la scène de la taverne, accompagnés d’instruments anciens, imprègnent la partition de couleurs et de sonorités du glorieux passé. Avec un rare sens de la dramaturgie musicale, tel un peintre, Britten brosse un portrait d’Élisabeth, intime et figure publique, incarnant la monarchie. Le chœur, protagoniste important de Gloriana, assume souvent la part solennelle, grandiloquente, du tableau, contrastant avec le ton dramatique et les moments d’un grand lyrisme dans les scènes intimes.\nAnna Caterina Antonacci (mezzo-soprano) en Élisabeth, fait une entrée impressionnante au début du Ier acte, telle une statue vivante, symbole du pouvoir absolu. Ses duos avec Essex, Leonardo Capalbo, (ténor), où elle explose sa passion pour le jeune conte, sont d’une grande beauté et force dramatique. Son déchirement entre les sentiments contradictoires, culmine dans sa bouleversante aria à la fin du Ier acte. Elle imprègne son personnage d’une authenticité et d’une grande profondeur humaine quand, dans le final, dans la scène avec Essex, dépouillée de ses attributs de majesté, vieillie, fragile, désespérée, elle lutte contre sa passion. Et comme si, en condamnant Essex à mort, quelque chose s’était brisé en elle, son chant devient un émouvant parlato, dans ses ultimese paroles sur la solitude du pouvoir auquel elle a tout sacrifié.\nLeonardo Capalbo, le conte d’Essex, sûr de lui, impétueux, assoiffé de pouvoir, est brillant, non seulement dans ses songs charmeurs, mais aussi dans ses moments d’insoumission arrogante. La scène de l’auberge où un barde aveugle chante une vieille balade, contrastant avec le faste de la cour, très poétique, a quelque chose de nostalgique. Le parti pris du metteur en scène, David McVicar, de déconnecter l’esthétique des costumes d’époque, très beaux, épurés, de l’esthétique intemporelle, allégorique, symbolique et antiréaliste, de la scénographie, en parfaite cohérence avec l’esprit de la partition, entre le XVIe et le XXe s., met en avant le travail des interprètes.\nL’espace, au fond, en arrondi avec une grande porte, sur les deux côtés de la scène des balconnets où, dans certaines scènes, apparaissent les conseillers de la reine ou le chœur. Au centre du plateau trois grands arcs sur des plateformes tournantes qui se mettent dans différentes positions. Au-dessus un grand cercle suspendu avec deux globes qui parfois monte, parfois descend, évoquant l’univers et l’empire britannique en expansion. Dans ce dispositif sobre et très fonctionnel, les splendides costumes constituent en soi des éléments scénographiques. Élisabeth en majestueuse robe d’apparat et couronne sur sa perruque rousse, apparaît dans la scène où Essex la surprend dans son alcôve, vêtue juste d’une chemise de nuit, sans perruque, sans ornements, comme mise à nue, sans le masque protecteur du pouvoir.\nLes seuls éléments scénographiques sont : un siège qu’on apporte pour la reine, au centre du plateau, une petite plateforme ronde qui se soulève, servant de siège, de table dans la scène de la condamnation à mort d’Essex et une table avec des bancs dans la scène de la taverne. L’excellente direction du jeu des interprètes, un peu décalé du réalisme, mais expressif, le traitement des scènes intimes et chorales, le travail très efficace et très plastique d’éclairage qui crée des ambiances et focalise des situations, sont les grandes qualités de la mise en scène, d’une extraordinaire théâtralité, de David McVicar.\nSans aucun doute cette remarquable production, sobre, belle, s’inscrira en lettres majuscules dans l’histoire des représentations de Gloriana.\nUn péplum pharaonique: Aida de Guiseppe Verdi à Madrid\n09/03/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nDu 7 au 25 mars 2018 – Teatro Real, Madrid\nNouvelle création du Teatro Real en coproduction avec le Lyric Opera de Chicago et le Teatro Municipal de Santiago du Chili\nAïda était une commande à Giuseppe Verdi, faite par le Cheik d’Égypte, pour l’inauguration du Canal de Suez et de l’Opéra du Caire en 1869. Verdi l’accepte d’abord à contrecœur mais finalement il se lance dans la composition de cette œuvre monumentale, le dernier vestige du romantisme à l’époque où le réalisme règne sur les scènes. À la faveur des découvertes archéologiques l’Égypte ancienne est à la mode. Verdi s’inspire largement de l’imagerie européenne du pays des pharaons imprégnant son opéra de pittoresque et de couleur locale très kitsch, jusqu’à faire confectionner de longues trompettes au son strident pour la scène de la marche triomphale qui devaient produire des sonorités évoquant l’Égypte ancienne.\nHugo de Ana, metteur en scène argentin, travaillant beaucoup en Italie, avait déjà mis en scène Aida au Teatro Real de Madrid, il y a 20 ans, dans un style monumental, archéologisant, très kitsch. Il nous ressert cette mise en scène un peu réadaptée, mais qui aujourd’hui paraît encore plus une pièce muséale, de pacotille. Il y a dans cette production une dichotomie flagrante entre la mise en scène, les images conventionnelles (De Ana a aussi signé le décor et les costumes) et la partition verdienne, qui à part une certaine grandiloquence, offre des parties intimistes sublimes, d’une grande charge dramatique, trouvant ici des interprètes exceptionnels.\nGiuseppe Verdi articule la trame de Aïda sur le conflit de l’amour extrême entre Radames, héroïque chef des armées égyptiennes, et Aïda, princesse éthiopienne en esclavage à la cour d’Égypte, et les intérêts du pouvoir à la foi politique et religieux. L’opéra donne une vision d’une Égypte pittoresque et imaginaire avec ses temples, ses pyramides, son armée triomphante, ses prêtres omnipotents et son peuple soumis. Dans la partition des moments intimes et les grandes scènes chorales alternent et se superposent. Peu de solos, Aïda a des arias dans le Ier et IIIe acte et Radames ouvre l’opéra avec « Celesta Aïda… ». Aucun des autres personnages n’a de solo. Par contre Verdi introduit dans la partition de nombreux duos qui concentrent les conflits et les moments dramatiques. Ainsi les 4 duos de Aïda avec chacun des personnages principaux : un avec Amonasro, un autre avec Amneris et deux avec Radames.La musique de Verdi est vaillamment défendue par les solistes, le chœur qui affronte avec bravoure les moments grandiloquents et l’orchestre du Teatro Real à toute épreuve, sous la baguette décidée de Nicola Luisotti, grand connaisseur du répertoire verdien.\nLiudmyla Monastyrskaia en Aïda, soprano lumineux, souple, ample, déploie un grand art fusionnant le dramatique et le lyrisme dans ses arias et ses duos, en particulier ceux avec Radames et Amonasro, touchant le sublime dans le final dans son duo avec Radames. Gregory Kunde, ténor, sans reproche, crée Radames, héros romantique, pris entre le rêve de gloire et l’amour idéal et Violeta Urmana, mezzosoprano de timbre souple, harmonieux, en Amneris, déchirée entre sa passion amoureuse, la jalousie dévorante et le devoir politique. Gabriele Viviani, baryton, dégage le personnage d’Amonasro de la vision stéréotypée en le rendant plus crédible.\nLe problème de cette production c’est la vision stéréotypée de Aïda à la fois dans la mise en scène qui manque d’idées, de cohérence et d’une lecture, dans la conception du décor et des costumes qui situent cet opéra dans une Égypte fantasmée, de pacotille. Pour que l’on ne se trompe pas quant au lieu de l’action, le rideau de scène est chargé de hiéroglyphes qui abondent aussi sur certains éléments scéniques : grand coffres, trône portable. Manquent seulement quelques sarcophages et des oucheptis…Les pyramides, les temples, sont quasi en permanence projetés ou représentés sur le plateau comme par exemple murs et entrées des temples, obélisque qui trône au centre dans le Ier acte et se déplace sur le côté dans le IIIe acte.\nDans le IIe acte, dans la scène du retour triomphal de Radames, apparaît au fond une série de gradins sur lesquels se trouvent les prêtres, les musiciens jouant des trompettes et les soldats. De nombreux et inutiles changements de décor coupent l’action. Hugo de Ana, metteur en scène et scénographe, pousse plus loin l’incohérence et le ridicule dans ses idées de costumes. Une cuirasse et une longue cape pour Radames, baudriers, larges ceintures et strings pour les soldats, pantalon, tunique, cape, tiare et insignes du pouvoir pour le roi, tuniques longues colorées, petits casques sur la tête pour les prêtres, les femmes, Aïda et Amneris, robes longues amples, les esclaves en haillons, les soldats éthiopiens, la peau peinte en noir, les danseurs torses nus et en strings. De nombreuses lances et longs bâtons, accessoires guerriers, servent également dans les danses.\nPour animer sa mise en scène assez statique, dans les scènes du triomphe de Radames, Hugo de Ana fait courir les danseurs dans tous les sens. D’autres danses qui font penser à des exercices de gymnastique, interviennent à certains moments, sans vraiment s’intégrer dans les situations.\nOn ne comprend pas le sens du jeu répété avec des bandes de tissu kilométriques, Aïda en jouant dans son duo avec Amneris. On les déroule, les enroule et on les traîne par terre.\nCet monumental et fantasmagorique Aïda s’achève sur un ton pathétique et métaphysique avec le célèbre duo « L’ange nous emportera sur ses ailes dorées vers le ciel… ». Amen.\nStreet scene, un opéra atypique et un chef d’œuvre de Kurt Weill\n16/02/2018 / Irène Sadowska-Guillon\nCréation au Teatro Real de Madrid du 13 au 18 février et du 26 mai au 1er juin 2018\nStreet scene, american opera en 2 actes, mise en scène John Fulljames, livret de Elmer Rice, basé sur sa pièce de théâtre homonyme, paroles des textes chantés de Elmer Rice et Langston Hugues. Direction musicale Tim Murray;Chœur et orchestre titulaires du Teatro Real\nNouvelle production du Teatro Real en coproduction avec l’Opéra de Monte Carlo et l’Opéra de Cologne.\nOn connaît surtout les compositions de Kurt Weill (1900 – 1950) de sa période allemande, sa collaboration avec Bertolt Brecht qui s’achève avec le ballet chanté Les sept péchés capitaux composé en 1933 avant que Weill n’émigre en 1935 en Amérique. Beaucoup moins connue est sa production américaine foisonnante et prolifique qui a fait sa renommée dans son pays d’adoption et dont fait partie son opéra Street scene. Le livret de Elmer Rice est basé sur sa pièce de théâtre du même nom, créée en 1929, qui fut un succès immédiat et reçut le prix Pulitzer. La pièce dénonce les conditions dans lesquelles survivent les émigrants et les réfugiés à New York dans les années 1920. Kurt Weill s’enthousiasme pour Street scene, un théâtre qui critique la réalité depuis la perspective des défavorisés sous une forme hyperréaliste, un théâtre dans lequel il se sent dans son élément. Elmer Rice transforme sa pièce en livret d’opéra et en collaboration avec le poète afro-américain, Langston Hugues, écrit les paroles des parties chantées. Street scene, créé en 1947 à Broadway, est un événement à plusieurs titres. L’opéra de Kurt Weill est un ovni. Toute la critique l’a reçu comme un chef-d’œuvre. L’opéra de Kurt Weill reçoit un Tony Award pour la meilleure partition. Mais en même temps on le trouve impossible pour les moyens qu’il exige : 25 personnages, chœur, orchestre important etc. Les spécialistes qui s’accordent sur la génitalité de cette œuvre exceptionnelle sont divisés quant à sa classification : opéra ou théâtre musical ?Kurt Weill, considérant Street scene comme sa meilleure œuvre, affirmait qu’il s’agit bel et bien d’un opéra.\nStreet scene retourne sur scène après sa mort, en 1955 à Düsseldorf puis en 1959 au New York City Opéra qui le reprend en 1978 et en 1989. En 1989 il est représenté à Glasgow et à Londres et à partir des années 1990 il réapparaît sur les scènes internationales avec plus ou moins de fréquence. Certes, la production de Street scene est extrêmement difficile, la partition exige un orchestre, des solistes mais aussi des choristes rompus à l’hétérogénéité et à la variété stylistique de l’œuvre. Le Teatro Real, en s’associant avec l’Opéra de Monte-Carlo et l’Opéra de Cologne, a osé relever le défi de la nouvelle production de Street scene avec son fantastique orchestre à toute épreuve, sous la baguette de Tim Murray qui nous a déjà ébloui dans Porgy and Bess, il y a deux ans, et des solistes brillantissimes non seulement vocalement mais aussi comme acteurs et danseurs. Street scene se joue à Madrid en deux séries de représentations. Ceux qui n’ont pas trouvé de places entre les 13 et 18 février peuvent encore tenter leur chance entre le 26 mai et le 1er juin 2018.\nEn arrivant en 1935 en Amérique (année de création de Porgy and Bess de George Gershwin) Kurt Weill plonge dans l’effervescence de la vie musicale new yorkaise, assimilant le background afro-américain de la musique populaire. La pièce de Elmer Rice avec sa thématique sociale, s’offre à lui comme une sorte de prolongement de son travail avec Brecht. On pourrait dire que son opéra Street scene est à mi-chemin entre Porgy and Bess de Gershwin (1935) et West Side Story de Bernstein (1957) autant quant à sa thématique mettant en scène les quartiers pauvres des Noirs et des immigrés que par la musique extrêmement moderne puisant dans les ressources populaires. L’histoire de Street scene se passe dans un immeuble d’un quartier pauvre, Lower East Side, dans les années 1940, dont la communauté, une mosaïque d’immigrés d’origines et de cultures différentes vit dans la précarité. Le manque de ressources, les expulsions pour loyers impayés, la marginalité, le racisme, l’alcoolisme, la violence, la solitude, l’absence d’avenir pour les jeunes, mais aussi l’amour véritable, le rêve de faire une autre vie, voici de quoi est faite l’existence des protagonistes de l’opéra où sur ce tableau d’ensemble s’articulent plusieurs histoires particulières superposées. Principalement deux : celle du couple Maurrant, Anna femme frustrée d’amour et de tendresse, délaissée par son mari Franck, brutal, alcoolique et réactionnaire qu’elle trompe avec le livreur de lait, et celle de Rose, leur fille, qui, assiégée par les avances du patron de l’agence immobilière où elle travaille et par son voisin voyou, aime, avec réciprocité Sam Kaplan, étudiant de Droit, fils d’une famille juive immigrée. C’est l’été, chaleur étouffante, les habitants de l’immeuble se plaignant des attaques des moustiques. Leur journée s’écoule avec des petits événements quotidiens, des commérages, des tromperies et des commentaires sur les dernières nouvelles : l’expulsion de l’immeuble de la famille Hildebrand qui, abandonnée par le père, ne peut plus payer le loyer. Un drame survient dans cette banalité quotidienne. Surprenant sa femme avec le livreur de lait, Frank tue l’amant et blesse mortellement sa femme qui mourra à l’hôpital.\nContrairement à Porgy and Bess et West Side Story, aucun message positif dans Street scene, rien ne change dans la vie misérable des protagonistes qui continuent à survivre dans l’indifférence générale. L’actualité de ce propos est plus que flagrante aujourd’hui. Il y a une fusion totale entre le drame de la communauté pluriculturelle et la partition de Kurt Weill, un melting-pot de styles, rythmes différents, depuis des références au vérisme et au lyrisme de Puccini, à l’opéra bouffe italienne, ou aux airs romantiques à la Lehár, aux résonances de Gershwin, des comédies musicales de Cole Porter, Irwin Berlin et d’autres, aux blues, jazz, pop rock (dont sans doute Weill est précurseur) et même à une berceuse paraphrasée. Cependant il fusionne tous ces éléments et emprunts musicaux, en apparence disparates, dans une forme homogène. Autant dans le livret de Elmer Rice que dans la musique de Weill il y a la fameuse distanciation, chère au compositeur allemand, qui joue souvent sur les contrastes et les contrepoints. Ainsi par exemple certains moments dramatiques, violents, s’accompagnent-ils d’une musique aux sonorités fines, douces ou allègres. Le comique, l’humour, la parodie, côtoient sans cesse le dramatique et le tragique à l’instar de l’esprit de ce grand pays américain où le beau, le raffiné, le laid et le morbide cohabitent. Lippo Fiorentino, Italien stéréotypé, chante avec emphase l’éloge des glaces italiennes en parodiant un grand chanteur d’opéra bouffe italien.\nLes deux nurses chantent aux bébés, sur un air de berceuse, les horreurs qui se passent entre leurs parents. Il y a dans Street scene, comme dans les comédies musicales, beaucoup de parties parlées. On est surpris quand, à un moment, les personnages dansent le rock dans le meilleur style. La flexibilité vocale des chanteurs, à l’aise dans toute la diversité stylistique musicale, est impressionnante. Patricia Racette en Anna, soprano, bien appuyée dans les graves, brillante dans les aigus, est sublime dans son très long aria de 7 minutes du Ier acte, chargé de lyrisme et d’une profonde émotion. Jose Manuel Zapata, Lippo Fiorentino, ténor, dont la voix coule de sources, est un superbe comique un peu dans le style des comédies italiennes. Joël Prieto, ténor profond, voix bien posée, impressionnant dans les aigus, crée un Sam Kaplan humble, introverti et Paulo Szot, baryton, fait un Frank Maurrant violent, incapable d’affronter ses contradictions. Je relève surtout Mary Bevan, soprano pur, envoûtant, qui interprète Rose en lui conférant une complexité émotionnelle, magnifique dans ses duos avec Sam.\nLa mise en scène de John Fulljames se concentrant sur le drame des personnages, qui va à l’essentiel sans chercher des effets inutiles, hyperréaliste, sans un sentimentalisme misérabiliste. Elle s’inscrit dans un dispositif scénique extrêmement efficace ( décor Dick Bird): une construction métallique de quatre étages avec des escaliers intérieurs et des plates-formes correspondant aux appartements des protagonistes. À droite du plateau un réverbère, à gauche une borne d’incendie, des poubelles avec des déchets autour. Cette construction s’ouvre à un moment, en faisant apparaître, au fond les lumières de New York avec ses gratte-ciels. Peu d’éléments scéniques : un vélo et quelques objets utilisés par les personnages. Costumes des années 1940 évoquant par quelques traits les origines des personnages.\nAvec un remarquable sens de l’espace John Fulljames distribue les situations, des séquences dansées (chorégraphie Arthur Pita)à divers niveaux dans le dispositif scénique, en relevant les histoires particulières dans ce tableau d’un microcosme humain avec ses peines, ses préoccupations, ses drames et ses petites joies quotidiennes.\nDe fait, l’opéra de Kurt Weill, considéré comme un défi à la scène, trouve dans cette production un accomplissement qui réunit l’intelligence et l’excellence.\nCrédit photo: Teatro Real, Madrid


NEUVIEME CONFERENCE ACADEMIQUE ANNUELLE SUR LA CONVENTION DU CAP (ROME & VIA ZOOM) - Unidroit\nLa neuvième Conférence annuelle du Projet académique relatif à la Convention du Cap a eu lieu au siège d’UNIDROIT à Rome les 10 et 11 septembre 2020. En raison de la pandémie du COVID-19, la réunion s’est tenue sous un format hybride, avec 16 participants présents à l’Institut et plus de 400 participants enregistrés à distance.\nC’est la Présidente d’UNIDROIT nouvellement élue, la Professeure Maria Chiara Malaguti, qui a ouvert la Conférence suivie des Directeurs du Projet académique relatif à la Convention du Cap, les Professeur Ignacio Tirado, Louise Gullifer et Jeffrey Wool. La Conférence a examiné, entre autres, comment le système de la Convention du Cap réagissait à la crise actuelle du COVID-19.\nLe premier jour, le Professeur Ignacio Tirado (UNIDROIT) a exposé le système d’insolvabilité de l’Union européenne et la Convention du Cap, suivi des commentaires de Felix Steffek (Université de Cambridge). Kenneth Gray et Mark Craggs (Norton Rose Fulbright) ont parlé de la Convention du Cap et du Protocole aéronautique, Corporate Insolvency and Governance Act du Royaume-Uni, et d’autres lois sur la restructuration, suivi de commentaires de la Professeure Louise Gullifer (Université de Cambridge) et du Professeur Edward Janger (Brooklyn Law School). Le Professeur Jeffrey Wool (Harris Manchester College) et Miguel Ruelas (Abogados Sierra) ont fait une présentation sur l‘inexécution judiciaire de la Convention du Cap, suivie des commentaires de Rumiana Yotova (Université de Cambridge). Baris Mesci (Université Kültür d’Istanbul) a fait une présentation sur la loi applicable dans la Convention du Cap et son Protocole aéronautique.\nLa deuxième journée a été consacrée à un exposé sur le respect de la Convention du Cap dans le contexte du COVID-19 et à une mise à jour de l’Indice de conformité de la Convention du Cap avec le Professeur Jeffrey Wool et Jasmine Jin (Blake, Cassels, & Graydon, Toronto), suivis des commentaires du Professeur Ignacio Tirado; puis à une présentation de Peter Watson (Allen & Overy) sur un Guide judiciaire à la Convention du Cap ; et enfin à une session sur le Registre international MAC avec Rob Cowan (Aviareto), Ole Böger (Ministère de la Justice, Allemagne), Marek Dubovec (NatLaw), Gavin McCosker (Australian Financial Security Authority).\nLe Projet académique de la Convention du Cap est un partenariat entre UNIDROIT et la Faculté de droit de l’Université de Cambridge, avec le Groupe de travail aéronautique comme commanditaire fondateur. La Conférence a été financée par RNC Legal, Sierra, Blakes, Holland & Knight et Clifford Chance.\nSIXIEME ATELIER SUR LE PROJET D’ÉVALUATION ECONOMIQUE DE LA REFORME DU DROIT COMMERCIAL INTERNATIONAL (ROME ET VIA ZOOM)


Troubles phobiques spécifiques - Troubles mentaux - Manuels MSD pour le grand public\nQuelques phobies fréquentes*\nL’anxiété causée par un trouble phobique peut perturber la vie quotidienne dans la mesure où la personne évite certaines activités et situations.\nLe diagnostic apparaît généralement évident à partir des symptômes.\nLe traitement utilisé est généralement la thérapie d’exposition.\nLes phobies spécifiques sont des troubles anxieux Présentation des troubles anxieux L’anxiété est un sentiment de nervosité, d’inquiétude ou de malaise qui fait partie de l’expérience humaine normale. Elle est également présente dans de nombreux troubles psychiatriques, y compris... en apprendre davantage fréquents qui touchent environ 8 % des adultes sur toute période de 12 mois donnée. Les phobies spécifiques les plus communes comprennent la peur des animaux (zoophobie), la peur de la hauteur (acrophobie) et la peur des orages (astraphobie ou brontophobie). Au moins 5 % des personnes présentent un certain degré de peur vis-à-vis du sang, des injections ou des blessures. Les personnes qui souffrent d’une phobie spécifique ont souvent au moins deux phobies. Les personnes souffrant de phobies spécifiques évitent les situations ou les objets qui déclenchent spécifiquement leur anxiété et leur peur, ou les supportent dans une grande souffrance, conduisant parfois à une crise de panique Crises de panique et trouble panique Une crise de panique est une période brève d’extrême détresse, anxiété, ou peur qui commence brutalement et est accompagnée de symptômes physiques et/ou émotionnels. Le trouble panique se caractérise... en apprendre davantage . Elles reconnaissent toutefois que leur angoisse est excessive et sont donc conscientes d’avoir un problème.\nDiagnostic des troubles phobiques spécifiques\nLes médecins diagnostiquent un trouble phobique spécifique quand les personnes ressentent une peur ou une anxiété qui répond à tous les critères suivants :\nElle porte sur un objet ou une situation spécifique\nElle survient immédiatement lorsque les personnes sont confrontées à l’objet ou à la situation\nElle conduit à l’évitement de la situation ou de l’objet\nPar ailleurs, les médecins écartent les autres troubles mentaux responsables de symptômes similaires, tels que l’agoraphobie Agoraphobie L’agoraphobie consiste en une peur ou une anxiété face à l’éventualité de se trouver dans des situations ou des endroits sans échappatoire facile ou sans possibilité d’obtenir de l’aide, en... en apprendre davantage , l’anxiété sociale Phobie sociale La phobie sociale se caractérise par une peur ou une anxiété vis-à-vis de certaines situations sociales ou de performance. Ces situations donnent souvent lieu à un comportement d’évitement ou... en apprendre davantage ou un trouble de stress Présentation des troubles associés à un traumatisme ou au stress Les troubles associés à un traumatisme ou au stress sont dus à l’exposition à un événement traumatique ou stressant. Les troubles spécifiques comprennent l’état de stress aigu et le trouble... en apprendre davantage .\nTraitement des troubles phobiques spécifiques\nCertaines personnes n’ont pas besoin de traitement parce que la situation ou l’objet qu’elles craignent est facile à éviter, les chauves-souris et les grottes, par exemple. Si les personnes sont souvent confrontées aux objets ou aux situations (les orages, par exemple), un traitement est souvent nécessaire.\nLa thérapie d’exposition, un type de psychothérapie, est le traitement de prédilection. Elle consiste à exposer la personne progressivement et de façon répétée, en imagination ou parfois en réalité, à ce qui déclenche sa peur. La personne apprend également des techniques de relaxation et/ou de respiration à utiliser avant et au cours de l’exposition. La thérapie d’exposition est répétée jusqu’à ce que la personne devienne très à l’aise avec la situation provoquant l’anxiété. La thérapie peut être conduite sans thérapeute, mais sa présence peut être utile pour s’assurer qu’elle est correctement mise en œuvre.\nLa thérapie d’exposition aide plus de 90 % des personnes qui la pratiquent assidûment. Elle est presque toujours le seul traitement nécessaire pour les phobies spécifiques. Même les personnes souffrant de phobie du sang ou des aiguilles répondent bien à la thérapie d’exposition. Par exemple, ces personnes peuvent commencer la thérapie d’exposition simplement en allant dans un cabinet médical (ou peut-être seulement en passant devant le cabinet). Le lendemain (ou la semaine suivante), elles peuvent s’asseoir dans une salle d’examen sans intention de subir une prise de sang. La prochaine étape pourrait consister à laisser quelqu’un approcher une aiguille près de leur peau. L’exposition peut augmenter rapidement ou lentement, mais finalement les personnes devraient autoriser la prise de sang.\nLe traitement médicamenteux est peu efficace pour aider une personne à surmonter une phobie spécifique. L’utilisation de benzodiazépines (anxiolytiques) est une exception, pour certaines phobies spécifiques. Par exemple, les personnes atteintes des phobies de l’avion peuvent prendre une benzodiazépine avant de monter dans l’avion. La benzodiazépine seule n’élimine en général pas la phobie, mais elle permet à la personne de prendre l’avion.\nInformations supplémentaires sur les troubles phobiques spécifiques\nNational Institute of Mental Health, phobie spécifique : Informations essentielles sur de nombreux aspects des phobies spécifiques, y compris les statistiques de prévalence


Tag poisson - Les Chroniques de Madoka\nL’art du sushi "BD"\nPar Chroniques de Madoka dans Bande dessinée le 1 Avril 2019 à 12:37\n...dégustation va se révéler être une merveille ! On découvre ainsi avec les héros comment le maître en sushi choisit ses poissons et les découpe, l’art de choisir les meilleurs morceaux et les accompagnements. Cet album se révélè être un véritable guide culinaire pour éveiller ses...\nAttrape-moi, petit ours ! "Jeunesse"\nPar Chroniques de Madoka dans Jeunesse le 8 Octobre 2018 à 11:26\n...livre-puzzle de bébé Sur la banquise, Petit ours blanc a très envie de jouer. "D'accord ! se réjouit petit poisson, attrape-moi si tu peux !" Une histoire à raconter en déplaçant le poisson et le petit ours blanc de page en page et à encastrer. Avec un bouton pour faciliter la...\nMatelot à l’eau ! "Jeunesse"\nPar Chroniques de Madoka dans Jeunesse le 21 Novembre 2016 à 12:21\n...pour un voyage imaginaire aux côtés de Joé. Voguer sur les flots à la rencontre d'un monstre marin, d'un poisson lune, d'icebergs géants… le lecteur découvrira avec Petit matelot ce qui se cache derrière l'horizon ! Un livre poétique qui offre, sur chaque double page, un pop-up...\n...certains animaux se mettent en scène ou déploient des trésors de créativité. Ainsi, les nageoires du poisson combattant peuvent changer de couleurs ; le dauphin fait des cabrioles ; la luciole émet de la lumière ; le paon déploie une roue majestueuse ; le jardinier satiné (un oiseau de la...\n...avis : **** Un joli petit livre avec une illustration de couverture très réussie ! Dory est un adorable poisson-chirurgien qui oublie toujours tout ! Elle a aidé Marin à retrouver son fils Nemo, et tous les trois sont désormais inséparables ! Mais un jour, Dory se souvient de ses...\n...surnom : la Griffue ! Mais cela ne décourage pas la jeune femme pour autant qui va continuer son travail : livrer du poisson frais de Boulogne à Paris ! Un très bon récit historique qui nous permet de découvrir une jeune femme au destin remarquable ! Bien écrit, on prend beaucoup...\n...bébés : Une souris verte, La fourmi m'a piqué la main, Pomme de reinette, Petit escargot, Les petits poissons. Mon avis : **** Un bel album, 22x22 cm, avec une belle illustration de couverture ! A l’intérieur, bébé pourra découvrir les plus jolies comptines des tout-petits : une...


Inde » Journal d’un voyageur 2\nDe Leh dans le Laddhak indien à Dehli, pendant 1 mois et demi. Manali, Dharamsala, le temple d’or d’Amritsar, ou encore le Taj Mahal à Agra… Une fois encore, que de magnifiques découvertes !\nIncredible India, et oui, encore et toujours. Un peu trop même ici à Haridwar. Parfois je me dis que voir des choses croyables commence à me manquer! Il me reste encore 4 jours ici en Inde, avec heureusement, une étape de choix: le Taj mahal. Malgré ça, je vais tenter d’expliquer pourquoi je ne retournerai probablement jamais en Inde (Probablement pour …\nAmristsar & Chandigarh – Inde du nord\nUhm, Uhm. Bon cette fois, plus de doute, je suis bien en Inde. Amritsar, c’est chaud, très chaud, bruyant, pollué, des gens partout, bref, rien de très sympa quoi. À peine arrivé que j’avais déjà envi de repartir. L’après-midi, nous sommes allés directement à la frontière pakistanaise, pour assister à la cérémonie de clôture. En gros, les gens s’amassent dans …\nRien de spécial ici. Manali est un tout petit bled, au bord d’une rivière. Le coin ressemble un peu à l’atmosphère du Népal. Et le cannabis est encore plus envahissant qu’au Népal!!! Bref, donc juste quelques jours de repos après les deux treks au Stok kangri, plus les deux jours de bus. Parfait. Ce soir, départ pour Dharamsala, la ville …\nLeh- Manali highway: Ils appelent ça: la Highway. traduisez littéralement: « haute route ». « Autoroute » pour le coup serait une traduction erronée. L’une des plus belles route du monde, pour ne pas dire la plus belle (on sait jamais!). On traverse des déserts, des montagnes lunaires, des vallées, des canyons, des cols à plus de 5000m, des sommets enneigés, des glaciers… bref, …


Les films de Christine Pascal • Page 2 de 2 • Cinemannonce\nVous êtes ici : Accueil » Christine Pascal\nChristine Pascal - Les films\nQue la fête commence de Bertrand Tavernier (1975)\n2 mars 2016 publié dans Les films des années 70 / Les films dramatiques / Les films historiques\nRedécouvrez la bande-annonce du film Que la fête commence ponctuée des secrets de tournage et d’anecdotes sur celui-ci.\nQue la fête commence… est un film historique français réalisé par Bertrand Tavernier, sorti en 1975, avec Philippe Noiret, Jean Rochefort et Jean-Pierre Marielle.\nA la mort de Louis XIV, le neveu de ce dernier, le duc Philippe d’Orléans, assure la régence jusqu’à la majorité de Louis XV. Toutefois, le duc est un homme des plus débauchés qui se laisse influencer par les mauvais conseils de l’abbé Dubois. Menée par le maquis de Pontcallec, une rébellion bretonne se prépare pour renverser le régent…


Nos modèles du comportement : je suis un perdant VS je suis un adulte responsable\nQuelle sorte d’enfant ou de parent êtes vous donc ? Essayons de distinguer les schémas de comportement erronés les plus répandus et ensuite je vous dirai quoi en faire. Oui, malheureusement nous adoptons tous des modèles de comportement qui ne nous aident pas toujours à progresser. Est-ce un problème de société ou d'éducation, peu importe! Devenir grand ça signifie avant tout prendre ses propres décisions et d'en prendre la responsabilité. Avant tout je vous propose de décortiquer les modèles de comportement les plus répandus pour en prendre conscience. Une fois que vous saurez qu'il vous arrive de vous comporter ainsi vous aurez le pouvoir de choisir : de continuer d'agir ainsi ou bien de choisir un modèle de comportement plus avantageux pour vous-mêmes. Le premier modèle de comportement est celui du parent exigeant ⬇\nIl est de temps en temps utile de voir ses propres faiblesses mais il est totalement inutile de se critiquer en permanence et de "s'autoflageller", car c'est un comportement où vous détruisez d'abord votre confiance en vous-mêmes et ensuite vous vous gâchez le moment présent et vous vous privez du bonheur ici et maintenant. Mais un modèle de comportement néfaste ne vient pas tout seul, c'est un cercle vicieux. Le plus souvent le modèle du du parent exigeant est suivi du modèle que voici : Le modèle de l’enfant mécontent ⬇\nCe comportement-là est très fréquent dans une relation de couple. Il vous est arrivé de ne pas respecter la promesse que vous vous êtes faite à vous même à cause du comportement de votre compagnon ou bien encore à cause des mauvais résultats en classe de vos enfants? Combien de femmes disent qu'elles ont recommencé à fumer à cause des mauvaises notes de leurs enfant? Ce n'est pas grave, à ce stade-là prendre conscience de ce comportement, c'est déjà un très grand pas en avant. Le modèle de l'enfant mécontent peut à son tour entraîner l’apparition du suivant : le modèle du parent qui punit ⬇\nC'est un classique😭 Combien de fois vous vous limitez dans le quotidien en utilisant l'excuse : "je ne le mérite pas"? Et après vous vous évadez de cette réalité qui est si dure à supporter... Nous allons enfin examiner le dernier des modèles les plus répandus et après je vous dirai quoi faire. Le modèle de l’enfant à l’amour-propre blessé ⬇\nBonjour l'estime de soi détruite😭 Mais la bonne nouvelle, c'est qu'il y a une solution à tout☺ Nous sommes là pour grandir, nous améliorer et bien sûr pour être heureux.\nAlors votre objectif : 🚀Prendre conscience de ces schémas. 🚀Trouver quelques exemples tirés de votre propre vie pour chacun d’entre eux. 🚀Après l’avoir fait il faudra déterminer à quel moment chacun de ses schémas est apparu pour activer le modèle de l’adulte responsable.\nLe postulat que suppose ce modèle de comportement, sa devise en quelque sorte : « je peux résoudre tous mes problèmes moi-même et triompher de toutes mes difficultés. » Oui, mes chers amis, vous êtes capables d'assumer la responsabilité de vos actes et vous avez droit à l'erreur et avec cette idée en tête, vous allez tout réussir.


Ateliercrepe - Page 672 sur 751 -\n[MOBILEHOME]Tout avoir sa place, sinon il changera constamment de place en conduisant. Vous aurez besoin d’armoires de rangement intérieures de différentes tailles pour vos différents besoins, y toléré une garde-robe. Vous aurez également besoin d’un espace de rangement fermé sous la cabine principale pour des fournitures plus volumineuses tel que des bidons de carburant et … Lire la suiteCamping espagne jaca\n[MOBILEHOME]Tout doit avoir sa place, sinon il changera constamment de place en conduisant. Vous aurez besoin d’armoires de rangement intérieures de différentes tailles pour vos différents besoins, y pris une garde-robe. Vous aurez également besoin d’un espace de rangement fermé par-dessous la cabine principale pour des fournitures plus volumineuses comme des bidons de carburant et … Lire la suiteCamping espagne job\n[MOBILEHOME]Tout avoir sa place, sinon il changera constamment de place en conduisant. 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Je sais qu'un jour, mes yeux le verront ! - Anne Bersot - EMCI TV\npar Anne Bersot\t• Il y a 1 an\nDans mes jeunes années de vie chrétienne, la préoccupation de mon éternité ne m'avait pas effleurée. J'apprenais à côtoyer Jésus, mon Sauveur, dans ma vie de tous les jours. J'y voyais un puissant soutien, un appui de chaque jour et dans toutes situations. Je priais pour mes besoins et il répondait. Il me donnait sa joie, sa paix et son conseil. Mais ce qui se passerait plus tard, dans l'éternité, ne me concernait guère. J'imagine que c'était ma jeunesse qui rendait l'éternité si lointaine et floue...\nC'est quand j'ai commencé à côtoyer des personnes en fin de vie, dont l'horizon n'était que l'éternité auprès de Dieu, que j'ai pris conscience de la puissante espérance que Jésus avait mise devant nous.\nLorsqu'il s'est donné à la croix, il n'a pas payé pour que notre vie sur terre soit meilleure (même s'il est vrai qu'elle est rendue beaucoup plus douce par sa présence). Lorsqu'il s'est sacrifié à la croix, c'est pour nous racheter et nous arracher aux griffes de la mort. Il a effacé l'acte qui nous condamnait :\nL'enjeu véritable de notre salut\nL'enjeu de notre salut, ce n'est donc pas (seulement) une vie meilleure ici-bas, c'est surtout la vie éternelle : une éternité de paix et de joie, où nous serons soustraits au fardeau de nos fautes et de nos péchés, car nous serons accueillis en présence de notre Sauveur.\nL'auteur de l'épître aux Hébreux nous dit même que cette espérance est une ancre solide et sûre, qui nous maintient en place même dans les plus fortes tempêtes.\nHébreux 6 : 19\nElle est notre moteur, notre horizon qui nous fait regarder les choses de ce siècle comme négligeables.\nL'apôtre Paul nous parle de la richesse de la gloire qui s'attache à son appel : la gloire céleste qui nous attend. Plus de pleurs, plus de larmes, un état de félicité dans la paix de Dieu.\nPaul, dans Éphésiens 1:15-23, prie pour les chrétiens d'Éphèse en leur disant :\nQuand il parle des “saints”, il parle de tous ceux qui ont été mis à part pour lui en acceptant Christ comme leur Sauveur personnel. Il parle donc de nous ! Nous avons un héritage glorieux qui dépasse l'entendement. Alors, que cette espérance reste en tout temps dans nos coeurs, comme cette “ancre solide et sûre” dont parle Hébreux 6:19 !\nOn n'en parle pas souvent, mais une multitude de chrétiens ont pu témoigner de la beauté et de la félicité qu'ils ont goûtées dans des expériences de mort imminente. Ils ont vu des choses d'une beauté qui dépasse l'entendement et ont ressenti un amour incommensurable. Même si on n'y attache pas une importance démesurée, ce sont autant de “clins d'oeil” qui nous encouragent à persévérer dans l'attente de notre héritage éternel.\nAlors, ne perdons pas de temps à nous plaindre et à gémir. Ayons, dès maintenant, une joie et une paix à la mesure de notre héritage glorieux, sachant ce qui nous attend pour l'éternité, car nous jouissons dès maintenant des “arrhes”: un merveilleux acompte.\nMême si la vie n'est pas toujours facile, notre héritage est déjà là ! Sachons donc le goûter et en profiter avec joie et paix !\nJe vous laisse avec Romains 15:13 :\nEt nous pourrons chanter de tout notre coeur ce merveilleux cantique, composé par Albert Brumley en 1929 en anglais “I'll fly away”, qui a été traduit en français :\nQuand sur terre s'achèvera ma vie, je m'envolerai\nVers la pure, la céleste patrie, je m'envolerai\nJe m'envolerai vers Jésus, je m'envolerai\nLaissant derrière toutes mes douleurs, je m'envolerai,\nOubliant mes souffrances et mes peurs, je m'envolerai\nComme l'oiseau prenant son essor, je m'envolerai\nEt mon âme se riant de la mort\nVers Jésus alléluia pour toujours,\nTa confiance en Dieu est un témoignage puissant pour les autres - L'équipe emci Bonjour chez vous ! Disponible dans 3 min\nEkballo : La prière qui t'envoie dans la moisson - Samuel Grondin Prières inspirées Disponible dans 3 min\nNe vous offensez pas - partie 3 - Joyce Meyer Vivre pleinement sa vie !\nUn chrétien, c'est pauvre - Annabelle & cie Parole de femmes\nLa vision du 4e temple - Mario Massicotte Vie de Foi Disponible dans 3 min\nHéros de la foi : Le livre de vie - A. A. Allen - A. A. Allen Héros de la foi\nJour 68 : Romains 7-8 La Bible en vidéo\nSur ce trône, quelqu'un était assis - partie 1 - Christian Robichaud Église Paris Métropole\nLes dimensions de la foi - partie 17 - Alberto Carbone Mission Chrétienne Intergénérationnelle\nDynamique du réveil spirituel - Franck Alexandre Glorieuse destinée\nOù sommes-nous rendus ? - partie 8 - Mario Massicotte Les actualités prophétiques Disponible dans 20 h\nComment avoir une famille conforme à la Parole - Marcello Tunasi Conférences\nJ'ai choisi entre la gloire du monde et la gloire de Dieu - Gwen Dressaire, Yveline Lebeau C'est mon histoire Disponible dans 17 h