Stefan Kozalla est un petit plaisantin, coutumier des ruses de sioux et des surprises stylistiques, et par conséquent complètement imprévisible. Pour son premier maxi de l’année, le Hamburgeois nous revient plus joueur et intransigeant que jamais avec deux collages radicaux et humoristiques, sur le toujours excellent label parisien Circus Company. Ne vous attendez donc pas à une house facile et immédiatement fonctionnelle : comme souvent, il vous faudra une certaine persévérance et quelques écoutes pour entrer dans le monde psychotique de DJ Koze.\nLui qui avait remixé l’hymne anti-minimal de Matias Aguayo persiste comme par provocation dans un registre dépouillé à l’allemande. Mais là où 90% des productions actuelles brillent par leur manque d’originalité flagrant, il parvient à un degré d’étrangeté ahurissant en brisant la linéarité du genre. Dans son communiqué de presse, Circus parle d’une rencontre entre Sun Ra et le clubbing. Pour une fois, la proposition est assez pertinente ; il y a indéniablement quelque chose du grand jazzman chicagoan dans la méthode de travail de Koze, qui laisse une grande place à l’aléatoire et préfère certainement les travaux de démolition à la maçonnerie.\nLe bien nommé “Dr Fuck (The Drunken Preacher)” livre sa version du prêche house, exercice devenu classique depuis le “I can feel it” de Mr Fingers AKA Larry Heard. On est plus proche ici du côté vicelard de certains vieux morceaux acid-house de Chicago comme “Flash” de Green Velvet ou “Where is your child ?” de Bam Bam. Pitchée très bas, une voix de pervers déclame un monologue à la gloire de la house music, sur un beat lent et malsain qui cultive en vain l’attente d’une explosion. La suite n’est qu’une succession de tintements de casseroles, de verres, et de phrases free-jazz au Bontempi... On se demande bien quel dancefloor barré pourrait se déchaîner sur ce track lent, sombre et bizarroïde.\nUn poil plus accessible,”Mrs Bojangels” n’en est pas moins tordue, avec ses voix extra-terrestres passées à la moulinette et ses nappes ascensionnelles. A l’écoute de ce morceau, on imagine bien Koze en savant fou, dans un studio qui aurait l’air d’un laboratoire, maniant les sons comme autant d’éprouvettes, à la recherche de la formule du bonheur chimique.\nEn bref : une paire de collages expérimentaux qui suscite deux remarques. 1/ DJ Koze est l’homme en forme de la techno allemande. 2/ Ce type devrait être interné.\nA lire aussi : DJ Koze - Reincarnations (The remix Chapter 2001-2009)\nLe site et le Myspace de DJ Koze\nLe site et le Myspace de Circus Company\nRoosevelt "Baby Face" Willette est un artiste dont la trajectoire suscite de nombreuses interrogations. Sa courte apparition dans la première moitié des années 60 ressemblerait fort à ce phénomène lumineux qui accompagne l’entrée dans l’atmosphère d’un corps extraterrestre laissant derrière lui une traînée lumineuse, si, filant et éphémère, il n’était pas nécessaire de scruter le ciel étoilé d’une nuit d’été pour espérer l’apercevoir – encore moins de formuler un vœu à son apparition. Vaporisé en moins de temps qu’il n’en faut pour ne laisser que quelques débris (quatre albums) encore fumants sur le sol, il demeure l’un des organistes les plus énigmatiques des cercles de jazz.\nMort en 1971 pour des raisons indéterminées, son parcours ressemble à celui de beaucoup d’autres. Il fait ses premières gammes au piano poussé par une mère musicienne puis perfectionne son apprentissage sur l’orgue de la paroisse de son père. À la fin de son adolescence, il commence une carrière professionnelle dans des groupes de gospel et de rythm & blues qui le conduisent à voyager, non sans tracas financiers, à travers l’Amérique du Nord pendant plus d’une quinzaine d’années. Lorsqu’il décide de se tourner vers le jazz, à la découverte des enregistrements de Charlie Parker, il trouvera dans l’orgue le moyen d’accomplir sa nouvelle vocation en mêlant ces influences musicales acquises au long de ses tournées.\nL’année 1961 est l’une des plus productives pour l’organiste. Alors que ce dernier achève deux collaborations avec le saxophoniste Lou Donaldson (Here ’Tis) et le guitariste bluesy Grant Green (Grant’s First Hand), Blue Note lui offre l’occasion d’enregistrer une double session en tant que leader. Espacée d’à peine quelques mois, elle aboutira sur la sortie des albums Face to Face, et Stop and Listen (réédités en 2007), que beaucoup considèrent comme son meilleur enregistrement. Pourtant la première pièce ne saurait être négligée tant elle est représentative du style de Willette lorsqu’il se retrouve devant ses claviers.\nSi le "babyface" désigne le "gentil" sur le ring, mieux vaut ne pas se fier aux apparences. Surnommé ainsi à cause de sa figure d’adolescent mystique (il est alors âgé de 28 ans), la maîtrise percussive de son instrument, l’orgue Hammond B-3 – rendu populaire par le titan Jimmy Smith, a pu recouvrir à l’insuffisance de son endurance. L’ouverture sur "Swingin' At Sugar Ray's" dé-note la singularité de cet organiste qui joue comme un pianiste. Loin de s’appesantir sur de larges nappes doucereuses, il détache chacun des sons qu’il alterne avec des phrases courtes et sèches, se contentant d’aller à l’essentiel. Un jeu assez proche du "single notes" de son guitariste, Green, qui ne fait que confirmer toute l’étendue de son talent sur le morceau éponyme.\nMais Willette sait aussi caresser son public. S’il se montre parfois impulsif, son tempérament le pousse à la discrétion et s’efface pour laisser plus de place à ses coéquipiers. Fred Jackson, au saxophone ténor, adoucit l'atmosphère par ses phrasés langoureux sur "Going Down", tout comme sur la reprise de "Whatever Lola Wants" qui prend une envergure plus sensuelle. Ce même titre où Willette, empli d’une ferveur quasi-religieuse, écrase les touches de son clavier au point d’en faire sortir un cri désespéré. Avant de retomber sur un ton plus guilleret et sautillant.\nEn bref : Face to Face condense tout le talent d’un artiste largement sous-estimé à cause d’une maigre discographie. Pas vraiment révolutionnaire mais doué d’une extraordinaire énergie qui aurait dû lui réserver une place au soleil, au côté des plus grands.\nUne chose est sûre avec Distile Records: on sait à l'avance qu'on va avoir affaire à un artiste décalé, peu en phase avec les conventions établies, et partant de là, il est fort probable que l'album concerné sera très bon.\nIci avec Jeepster, le chemin emprunté d'un point de vue musical est plus conventionnel (pas trop tout de même; on a quand même, dans le groupe, deux membres de O! The Joy...) mais le résultat, brillant, confirme la valeur du label et de ces groupes.\nAidés par un chanteur-guitariste venu de Nevada City malaxant les influences pour élaborer un breuvage pop connoté 70's, oscillant entre légèreté et coups de boutoir rock, reposant sur une instrumentation souvent séduisante et un chant racé.\nDes notes de clavier étoffent le répertoire du groupe sur "A day in the dark", détendu et groovy, les trois complices s'attaquant ensuite avec succès à un climat aérien sur "Don't go too far", tout en le faisant décoller quelque peu. On se trouve ici, certes en territoire estampillé 70's, mais Jeepster recycle habilement ces atmosphères, les remet au goût du jour avec bonheur.\nIl est d'ailleurs à noter que ces influences parcourent un panel allant de Led Zeppelin à Modest Mouse en passant par The Jesus and Mary Chain ou encore T-Rex ou Nick Cave. Une guitare nerveuse se fait entendre sur "Ex oh", bel exercice de rock mélodique et vigoureux, et s'affine sur "Write the end first", saccadé et lui aussi assez puissant. Et la voix, sensible, entre dans un parfait contraste avec la rudesse des instruments ou, au contraire, se met au diapason d'une certaine délicatesse. La retenue dans les accès d'énergie ("Sweet 1:23") constitue de plus un bel atout pour la formation et ajoute à l'intérêt qu'elle suscite.\nPlus loin, "You can't stop", très groovy, sensuel aussi, vient s'ajouter à la liste des réussites tout en exhalant cette énergie inhérente à la plupart des morceaux du disque, avant que "Ditches" ne renoue avec une légèreté, un côté spatial très 70's, très pop aussi, de cette pop libre et aventureuse qui caractérise les compos du groupe. C'est aussi le cas de ce "Be good in your neighbourhood" délicat, aussi sobre qu'abouti, "Fiction fiction" se chargeant, lui, de réinstaurer un rythme affirmé et des six-cordes plus offensives.\nEnfin, c'est "What if all the rebels died?", céleste et majestueux, qui ferme la marche et assied la qualité d'un album atypique malgré une démarche de groupe somme toute assez classique.\nEn bref : un album à la fois précieux et intense, sensible et doué d'une force de frappe non-négligeable bien maîtrisée, qui constitue au final une bien belle surprise.\nAïe aïe aïe… Mais qu’est-ce qui s’est passé ? Les Passion Pit ont explosé en plein décollage. Trop de hype ? Trop de pression ? Trop d’attentes. Est-ce notre faute ? Alors qu’en ce tout début d’année je me devais dans l’obligation de vous signaler l’agréable Chunk Of Change, premier maxi 6 titres du groupe de Boston emmené par Michael Angelakos, je suis à présent obligé de vous dissuader d’écouter leur premier album. Pourtant grand amateur de sucreries quand c’est bien fait, j’étais la cible idéale pour eux qu’on surnommait déjà les nouveaux MGMT. Mais trop c’est trop.\nAffichant qui plus est et malgré son apparente sympathie une forte carence en modestie, le jeune Michael (21 ans) veut être le prochain Randy Newman. C’est lui qui l’a dit. Et sa bio d’annoncer cet album comme un "irrésistible aperçu de l’esprit d’un jeune homme qui aimerait bien sortir son propre Pet Sounds un jour". Eh bien ça n’est pas gagné. Déjà cette voix, à la limite sur le maxi, dépasse ici toutes les bornes du super aigu à outrance, et finit par insupporter au bout de… la fin du premier morceau ! L’on a envie de crier : "Non mais arrêtez le massacre ! ".\nPour dire, je me suis même surpris à faire la grimace, pour de vrai je veux dire, au son de ces claviers 80’s dégueulasses, de ces basses pachydermiques et de ces pop songs sans relief. Où est passée l’électronica acidulée et aérienne du maxi ? "Moth’s wings", "Eyes are candles", "Make light", "Swimming in the flood" sont autant de daubes criardes à la Empire Of The Sun. A la rigueur, "To kingdom come" m’aurait intéressé, si elle avait duré 2 minutes au lieu de 4. Ne reste que l’excellent "Sleepyhead", seul titre récupéré du maxi (saluons les au moins d’avoir évité la facilité) et vrai single en puissance (pas comme ce "The reeling") qui occupe ma platine depuis le printemps et qui n’est pas prêt de la quitter.\nEn bref : Faut-il que j’en rajoute ? J’ai l’impression de m’être fait avoir en précommandant ce qui devait être la révélation 2009. Au final de la sous pop fluo vomitive. Passez vous "Sleepyhead" en boucle, ce sera toujours mieux.\nA lire aussi : Passion Pit - Chunk Of Change (2009)\nLe pseudo single "The reeling", tiendrez-vous jusqu’au bout ?\nPublié par Ju 8 commentaires\nConcours - Chad Vangaalen au Café de la Danse le 2 juin 2009\nOriginaire de Calgary (Alberta), Chad Vangaalen est un artiste à découvrir. Déjà remarqué en 2005 avec Infiniheart et en 2006 avec Skelliconnection, deux albums électriques et éthérés, il nous revient cette année avec un impressionnant Soft Airplane, plus pop et résolument lo-fi, d’ailleurs produit par le label phare de Seattle j’ai nommé Sub Pop. Un univers sonore particulier, que certains comparent à Neil Young et Thurston Moore - on a vu pire - et qui mérite largement d’être écouté sur scène.\nCa tombe bien puisque Dodb en partenariat avec le Café de la Danse propose de vous faire gagner 3 places pour aller voir Chad en concert, avec François Virot en première partie. Pour cela il suffit de répondre à la question suivante :\nQuel est le titre de l’Ep sorti entre Infiniheart et Skelliconnection ?\net d’envoyer vos réponses et coordonnées complètes à contact@desoreillesdansbabylone.com avec "Concours Chad Vangaalen" dans l’intitulé du message, et ce avant le 31 mai prochain. Bonne chance.\nRéserver sa place sur Fnac.com (19,80€)\n"Clinically dead" par Chad Vangaalen :\nCatégories : Lo Fi, News, Pop\nLa famille new-yorkaise nous avait laissé en 2007 avec un bijou hédoniste de folk expérimental, le très grand Love Is Simple, et elle nous revient cette année amputée d’un membre puisque le quatuor n’est plus que trio, Ryan Vanderhoof ayant préféré se consacrer aux taches familiales, c’est son choix. Set’ Em Wild… est donc l’album du changement, puisqu’en plus de ce départ, c’est le label Dead Oceans qui reprend le flambeau à Young God. La musique des Américains, puisque c’est ce qui nous intéresse ici, s’est-elle transformée pour autant ?\nOui et non. Oui parce qu’une fois de plus, et pardonnez-moi d’insister encore une fois, leurs voisins Animal Collective sont passés par là, et le groupe à qui on les comparait déjà en 2007 est encore plus présent sur ce nouvel album. Toujours ce folk qui n’en n’est pas et qui lorgne impoliment sur la pop, le tribal et l’électronique, avec une forte propension à l’empilage sonore barré. C’est flagrant sur "Creatures", où le nombre de couches donne le tournis, et où la voix de Seth Olinsky est enivrante. Le danger à ce point là, on s’en doute, est de ne pas tomber dans le sous Animal Collective, et de garder son identité.\nGarder son identité dans l’explosion, un crédo habilement imagé par la pochette faussement traditionaliste, le drapeau américain certes, mais un drapeau américain dont les Etats, les frontières, ont été flouées. Pochette qui représente aussi le paradoxe du groupe, qui jongle à tout moment entre raison pure (le patriotisme, les morceaux convenus) et l’instinct sauvage (le pastiche, les morceaux fous). Touffu et versatile, le quatrième album d’Akron / Family est en tous cas le plus immédiat, au sein d’une carrière variée et imprévisible.\nVous l’aurez compris, il y a à boire et à manger dans cette étrange tambouille. Des sommets, comme l’inaugural "Everyone is guilty" à la rythmique funky, au multi-chant tribal et à la structure décharnée, mais aussi des collines comme ce bruyant "MBF" dont on se serait passé. Le band peut partir en vrille à chaque instant et ça se sent. D’autres sont de très bons morceaux de freak folk, je pense à "Many ghosts" ou "River", dont la luxuriante orchestration légèrement afro funk n’est pas sans évoquer Vampire Weekend, en moins sage, forcément.\nTranse world jazz bordélique ("Sun will shine", "Gravelly mountains of the moon") ou délicats arpèges de guitares acoustiques ("The Alp & their orange evergreen", "Set’ em free") qui font dire à certains que le milieu d’album est chiant, les newyorkais me font à présent penser à Tortoise. J’ai même lu quelque part que c’était du Radiohead folk. Peut-être. Ca n’est déjà pas si mal, mais on attendait mieux.\nGroupe schizophrénique dont l’énergie et la créativité ne sont plus à démontrer, Akron / Family termine son disque sur le magnifique mais trop court "Last year" aux accents gospel.\nEn bref : Set’ Em Wild… n’est pas le meilleur disque du groupe, mais Akron / Family reste un fabuleux trio capable de surprendre, bercer et bousculer son auditoire. N’est-ce pas tout ce que l’on demande ?\nA lire aussi : Akron / Family - Love Is Simple (2007)\nLes huit minutes de folie (progressive) de ce grand morceau qu’est tout de même "Everyone is guilty" en live\nLa très belle session de "They will appear" dans la forêt. Quoi, j’ai oublié de vous dire que ce sont des hippies ?\nCatégories : Chroniques, Experimental, Folk, Funk, Prog, Rock\nAnanda Shankar fit un rêve : "dans une tentative de marier musique occidentale et indienne naîtrait une nouvelle forme de musique, sans qu’on puisse la nommer, qui serait aussi mélodieuse que sensible et associerait les instruments électroniques actuels et ce vieil instrument traditionnel, le sitar".\nLorsque sort l’album en 1970, connu également sous le titre officieux de Sitar meets Moog, la sonorité de l’instrument indien est déjà connu depuis plusieurs années. Ceci n’est pas la première approche de deux univers musicaux en apparence différents. Certains groupe de jazz ont déjà incorporé l’instrument dans leur formation. L’association sera officialisée en 1961 quand le célèbre sitariste Ravi Shankar enregistre en collaboration avec le saxophoniste Bud Shank et le bassiste Gary Peacock l’album intitulé Improvisations. D’autres musiciens comme Ornette Coleman, John Coltrane ou Miles Davis seront influencés et inspirés par la musique indienne. Mais le grand public découvrira pour la première fois l’instrument, dont les sons mêlent mélancolie et contemplation, sur le célèbre morceau des Beatles, "Norvegian Wood (The Bird Has Flown)". C’est George Harrison en particulier qui succombe aux charmes du sitar. Son professeur sera Ravi Shankar. Puis d’autres groupes anglais ou américains comme les Kinks, les Rolling Stones, les Seeds, les Pretty Things, pour ne citer qu’eux, suivront et le sitar deviendra alors l’instrument emblématique de la musique psychédélique de la fin des années 60 début 70.\nAnanda Shankar, neveu de Ravi du même nom, lors d’un voyage aux U.S.A., est de passage à Los Angeles. Signé par le label Reprise du groupe Warner, il décide de concrétiser son rêve. Il sera accompagné de sept musiciens de studios locaux (batteur, bassiste, guitare, claviers et synthétiseur Moog) et d’un compatriote (tabla). Si la couleur du sitar a été utilisé à tout va avec des degrés de qualité très variable, son essence même n’a été que peu distillé. Que l’instrument s’exprime à travers des compositions à caractère soit festif soit religieux, le musicien indien n’ignore pas la tradition et la mythologie de son pays : la musique est divine, c’est par le son primordial Ôm que le dieu Brahmâ a créé l’univers. Ainsi la spiritualité voire la religiosité de l’interprète doit émaner à tout moment, condition sine qua non dans l’absolu pour jouer d’un instrument. A ce titre les différents morceaux présents sur l’album renvoient à cette état d’esprit. Les reprises de "Jumpin’ Jack Flash" des Rolling Stones, "Light My Fire" des Doors et les plages "Snow Flower" et "Mamata (Affection)" relèvent du divertissement offert avec générosité. "Metamorphosis" démarre comme une simple proposition au dépaysement pour se transformer en un voyage mystique et planant. Ananda en profite ici pour nous faire montre de toute sa virtuosité.\nLa face B (le sixième morceau si vous écoutez l’album sur support numérique) s’ouvre par la pièce maîtresse intitulée "Sagar (The Ocean)". Pendant ce petit quart d’heure une vague ne vous submerge pas, non, elle vous transporte vers des rivages connus que de votre seule imagination, pour peu que votre esprit se déleste de ce qui lui pèse au quotidien, ensuite libre à vous de vous laissez flotter loin du bord, d’embrasser la haute mer avant le grand plongeon abyssal. Si une grande partie du morceau est typiquement indien, une rythmique lente aux sonorités folkloriques digne de Jethro Tull, Led Zeppelin ou Pentangle fait de façon progressive son apparition. La boucle est en quelque sorte bouclée. L’avant-dernière composition, "Dance Indra", très orientale, pourrait illustrer un rapide voyage dans l’univers fantastique d’Aladin, dans celui fantaisiste d’Ali Baba ou dangereux des charmeurs de serpents. C’est dans cet instrumental que le Moog est le plus présent. Le synthétiseur a été employé sinon avec parcimonie ce qui évite de conférer à l’ensemble un côté que l’on pourrait qualifier d’ "easy listening" voire de kitsch.\n"Raghupati" clôture l’album. Seule chanson du LP, Ananda conclut en ces termes (je résume) : "peu importe comment nous nommons Dieu, Il nous appartient à tous de façon égal". Loin de toute niaiserie "peace and love" ou "baba cool", Ananda pensait peut-être à une autre forme de religion, sans nom précis, compatissante et sensible, une association des jeunes dieux avec les plus ancestraux.\nEn bref : un passeport international pour un voyage initiatique et une occasion de découvrir les mystères de l’Inde en terrain connu.\nLe site et un extrait à écouter : "Snow Flower"\nPublié par Don Bachchan 5 commentaires\nCatégories : Prog, Psyché, World\nIl y a encore deux ans, Black Moth Super Rainbow n’était qu’une troupe d’allumés de Pittsburgh qui marinait sa popote psychédélique dans son coin, à destination de sa petite base de fans hardcore. Leur troisième album, le bordélique et acidulé Dandelion Gum, les avait certes sortis de l’anonymat, mais une étape supérieure devait être franchie. Et, comme pour beaucoup de groupes au son très lo-fi désireux d’accéder à un plus large auditoire sans complètement vendre leurs fesses, la solution s’appelait : Dave Fridmann. Après leur avoir offert la possibilité d’ouvrir pour les Flaming Lips, avec lesquels les BMSR partagent pas mal de conceptions soniques, l’omniprésent producteur a accepté de travailler sur le quatrième album des néo-hippies pennsylvaniens, Eating Us. Ce qui, au sortir d’une année MGMT, est plus qu’une chance : une bénédiction.\nComme souvent, Fridmann a accentué tout ce qui faisait déjà l’identité du groupe. Les envolées de Mellotron et de synthés vintage sont encore plus organiques ; le chant vocodé de Tobacco est plus éthéré que jamais (cf. “Fields are breathing”). L’écoute d’Eating Us procure des sensations assez similaires à celle de Dandelion Gum et des albums antérieurs : en gros, une béatitude champêtre et lysergique, comme si l’on ramassait des champignons dans une forêt humide où quelques rayons d’un soleil généreux percent par endroits les feuillages. Egalement intacte, cette impression d’entendre un mix entre les Flaming Lips et l’électronica des années 1990. Ce qui s’avère toujours aussi plaisant.\nFridmann a bien compris que la musique de “Papillon de Nuit Noir Super Arc-en-ciel” tenait plus de la profusion dionysiaque que de l’épure pop, qui n’est de toute façon pas sa spécialité. Il a donc contribué à enrichir la palette du groupe pour accentuer la variété de ses morceaux et ainsi construire un véritable album, moins stationnaire que ses prédécesseurs. Le banjo d’”American Face Dust”, les guitares acoustiques (par exemple sur la très pastorale “Smile the Day After Today”) ou celles, ultra-saturées façon “décollage d’A380” de la fin d’”Iron Lemonade” : tout cela participe d’un sentiment d’expansion, d’ouverture et de foisonnement. Le côté “film pour adultes”, déjà évident sur leur dernier maxi, est aussi renforcé par un usage récurrent des cordes et de voix féminines empreintes de candeur perverse (“Bubblegum Animals”).\nL’enregistrement de cet opus marque les premiers pas du groupe dans un vrai studio (celui de Fridmann, dans l’état de New-York), ce qui implique donc un son moins lo-fi. L’esthétique DIY en prend un coup, et les amateurs de longue date pourront considérer cela comme une traîtrise, mais BMSR n’est pas devenu lisse pour autant. “Dark Bubbles”, “Tooth Decay” ou le très efficace single “Born on a day the sun didn’t rise” ne sont pas moins vitaminés que les hymnes de Dandelion Gum, avec leurs basses funky et leurs rythmiques à cheval entre hip-hop et rock indé. Pourtant les morceaux les plus fédérateurs sont certainement les plus posés, à l’image du resplendissant “Gold Splatter”, avec ses paroles naïves et héliotropiques (“Beautiful sun / You’re my only friend”...), ou du non moins scintillant “Twin Of Myself”, très proche de ce que faisait Air à l’époque de Moon Safari.\nMalgré la grande variété des titres, Eating Us se savourera de préférence à doses homéopathiques, l’abus de substances trop sucrées et chimiques n’étant pas conseillée, sous peine de crampes à l’estomac et autres effets secondaires indésirables. Il n’empêche que, dans la niche des “musiques droguées”, la petite communauté pennsylvanienne se taille une place de choix avec ce série de micro-hymnes païens au Soleil, dont l’insouciance a quelque chose de menaçant et de profondément anachronique.\nEn bref : sous la houlette de Dave Fridmann, BMSR pousse pour la première fois les portes d’un vrai studio sans rien sacrifier de son psychédélisme acide. Plus pop et moins lo-fi, Eating Us marque le passage à la vie adulte de l’un des groupes les plus trippés de la planète.\nLe site et le Myspace de BMSR\nLe site de Graveface Records\nA lire aussi : BMSR - Don’t You Want To Be In A Cult ? (2009)\nA voir : le clip “interactif” de “Dark Bubbles”\nCatégories : Chroniques, Electro, Electronica, Pop, Psyché\nGénéralement peu convaincu par les dvd musicaux, il fallait vraiment que celui-ci traite du phénoménal groupe montréalais pour que j’engage 70 minutes de ma précieuse vie à le visionner. Réalisé par Vincent Morisset ami et collaborateur du groupe et filmé par le caméraman à emporter Vincent Moon, le film est un documentaire sur la production et la tournée (essentiellement européenne) de Neon Bible, deuxième album incontournable des canadiens sorti en 2007. Edité de manière originale, à savoir dans un premier temps mis en libre service sur Pitchfork en décembre dernier, puis mis en téléchargement sur site dédié, et enfin en vente en dvd standard ou de luxe, Miroir Noir en français dans le texte ne ressemble finalement à aucun autre rockumentaire.\nRenié par Moon qui le qualifie de "zapping infernal et épileptique" ou encore de "gâchis", je me dis que l’on n’a définitivement pas vu le même film, où qu’il y a contentieux derrière tout ça. Parce que justement, Miroir Noir est tout sauf un documentaire classique. C’est même à l’opposé un extraordinaire film d’art impressionniste, qui déjoue avec classe tous les clichés du genre. Pas d’interview, pas de voix off, pas de trash, pas de complaisance, et une ligne directrice finalement laissée aux fans sous forme de messages vocaux (plus ou moins loufoques) laissés sur un répondeur propre à l’album, où les gens ont pu "poster" des commentaires suite à l’écoute du disque.\nEh l’on s’en doute, si l’on est un minimum rentré dans l’univers des canadiens, ces témoignages loin de tomber dans le pathos soulignent l’impact énorme que Funeral et Neon Bible ont eu sur des milliers de personnes. "Espoir", "vérité", "mystique", "simple", "ferveur" difficile pour ces voix sans visage de mettre des mots sur ce qu’ils ont ressenti, et l’émotion est présente dans chaque silence, chaque intonation, chaque murmure.\nAnti chronologique, Miroir Noir débute là où tout se termine, ou presque. L’Olympia, 19 mars 2007, Win Butler et ses comparses descendent dans la foule et entament ce "Wake up" d’anthologie au porte-voix largement diffusé depuis sur le net. Frissons. Un peu plus loin, c’est le titre "Black mirror" qui est mis en avant au travers d’une représentation en mode festival. C’est l’une des particularités de ce film, d’avancer à tâtons dans le répertoire des canadiens, avec de nombreux interludes artistiques, composés d’images floues, avec du grain, au ralenti, en noir et blanc, en couleur… Et surtout de progresser sur chaque titre comme cela se produit sur album, c’est-à-dire commencer le morceau dans l’intimité, puis grandir, grandir, et terminer sur scène où le morceau prend son envol.\nL’on assiste aussi à la naissance des chansons, dans l’église de Farnham sur laquelle je peux enfin poser des images. Régine Chassagne, dans un nouveau plan "frissons" pose ses fragiles petits petons sur les pédales de l’orgue, et cette incroyable symphonie retentit. "Intervention". Vient ensuite le fameux "Neon bible" de la Blogothèque à neuf dans l’ascenseur (les Gipsy King auraient-ils fait mieux ?), où Richard assure les percussions en déchirant un magazine. S’en suivent balances, préparations mentales, Win tête contre le mur, Régine qui s'amuse, comme toujours. "Cold wind" sur des images de concert, magnifique.\nPuis vient la violence soul de "My body is a cage" et le merveilleux "Windowsill" encore une fois en ascenseur, mais cette fois-ci uniquement en duo, Régine au rythme, Win à la guitare. Eh quand l’ascenseur démarre, la scène devient tout simplement magique. Quand on voit ce couple faire ce qu’il fait, je ne sais pas, magique… Le temps de commencer "Keep the car running" à capella dans la froideur de l’hiver canadien, puis de rajouter quelques violons, et de passer à un "Ocean of noise" multi sessions. Si l’on a vu la tournée, on se doute que le gros est encore à venir.\nMontage alternatif de l’immense "Neighborhood #3 (Power out)" sur les scènes de la Garden Nef et des Arènes de Nîmes, puis enchaînement fatal sur "Rebellion (Lies)". Que de souvenirs. Je me dis que j’ai eu une sacré chance d’assister à cette tournée dont on parlera encore longtemps tant tout était parfait. Groupe, albums, chansons, puissante scénique, ce visuel autour de la bible de néon. Frissons, frissons, encore des frissons…\nEn bref : que vous soyez fan ou non, Miroir Noir est un exceptionnel film sur un groupe et une tournée qui resteront dans l’histoire, bourré de moments épidermiques, d’images émouvantes, et de titres qui sont tous déjà des classiques. Un grand témoignage sur un groupe qui n’en mérite pas moins.\n"Windowsill" pour l’intimité et "Rebellion (Lies)" pour le grand spectacle :\nHuit ans après leur très estimable First Album, le duo grenoblois Miss Kittin and The Hacker (Caroline Hervé et Michel Amato à la ville) remet ça ! On les avait quitté sur une bombe minimaliste techno spéciale dance-floor. Ce premier jet, rappelez-vous, était balancé dans un anglais approximatif façon Pravda, l'autre très bon duo français mixte du genre (quoique plus orienté rock), et des paroles délicieusement salaces, crues et connes, en tout cas hilarantes au possible - qui a oublié leur définitif tribute hum.... à "Frank Sinatra ?" - et on les retrouve dans un format un peu moins rentre-dedans, moins robotique, et sans doute plus mélodique !\nEntre temps, les albums en solo des deux comparses, les 3 notamment de Miss Kittin (I Com, Radio Caroline et Batbox) leur ont ouvert d'autres horizons, leur ont permis de découvrir de nouveaux sons, d'acheter de nouveaux synthés !\nSans être particulièrement novateur (mais le précédent ne l'était pas non plus) ce nouvel effort donne à écouter une manière de pop synthétique généralement rêveuse qui louvoie sur les terres des excellents Ladytron ("1000 Dreams", " Party In My Head"). Bien que convenue, la direction opérée sur cet album n'est pas désagréable, loin s'en faut. Et ce que l'on peut regretter de l'atmosphère de backroom berlinois du premier album chère à Emmanuel (B.P.M à fond, techno lascive) que l'on ne retrouve guère que dans le tuant "Indulgence" et son electro minimale façon Suicide, est finalement compensé par des options plus mélodiques, plus soignées, moins crissantes à l'oreille pour le non habitué. Tel ce "Rayban", plus doux et qui rejoint en cela la reprise inattendue et alanguie du "Troisième Sexe" d'Indochine sur I Com.\nMais puisqu'il faut parler de reprise, force est de mentionner sur l'un des maillons faibles de ce disque, cette reprise synthétique totalement simpliste et inintéressante d'un des grands chefs d'oeuvre du siècle dernier, j'ai nommé le "Suspicious Minds" du King, bien loin de la formidable relecture de Fine Young Cannibals d'il y a une bonne vingtaine d'années. Quand on s'attaque à un tel morceau, il faut y mettre les arguments ! C'est là l'une des rares fautes de goût d'un album moins roots que son prédecesseur, mais qui se laisse apprécier sans problème.\nEn bref : certes pas le plus important album electro du millénaire, ni même de la décennie, en raison notamment de quelques facilités, mais un disque qui remplit son rôle : distraire, faire bouger, et par certains aspects, exciter. On est finalement contents de voir ce duo reconstitué !\nA lire aussi : Laytron - Velocifero (2008)\nLe 1er avril est sorti le sixième album de KristeenYoung (tout attaché, c’est voulu). Ce groupe américain est originaire de Saint Louis. Il est composé de Kristeen Young aux claviers/chant et de Baby Jeff White à la batterie/percussions. Le groupe est aussi inconnu en France que sont réputés les artistes invités au gré des années sur les enregistrements du groupe : David Bowie sur l’album Breasticles, Brian Molko sur X (pour 10 en chiffre romain), Patrick Vaughn Stump sur le LP qui nous intéresse. A la production, derrière la console, il y a Tony Visconti (David Bowie, T-Rex, Morrissey…). C’est la quatrième fois consécutive.\nCe n’est pas un hasard si l’album sort le "jour des fous". L’équivalent du "poisson d’avril" chez nous. Miss Young semble avoir la tête sur les épaules. Mais son esprit est ailleurs. Il est préoccupé depuis des années. J’en veux pour témoins ses thèmes. Elle les ressasse inexorablement. Elle a en partie du sang Apache dans les veines. Une orpheline élevée par des personnes d’origine modeste. Des (bons) Chrétiens fondamentalistes. Ces derniers ont une mission pour le Seigneur. Ils doivent sauver l’âme souillée de leur petite protégée. Kristeen Young sort pour le moins ébranlée de ses jeunes années. Mais elle s’est tissée un manteau de béton armé. Une protection. Et elle en garde une honnêteté imparable. Une arme. Kristeen donne son point de vue sur la société. Kristeen parle de sa relation avec les gens. Kristeen nous livre sa vision des hommes. Kristeen fustige la sacro-sainte famille. Kristeen égratigne l’Establishment. Pas de rébellion de pacotille. Un rejet du conforme. Un dégoût du laisser-aller. Ca passe ou ça casse. Des phrases extraites peuvent nous aiguiller sur l’état d’esprit de la Miss : "Je t’ai tout donné, tu as pris le meilleur puis tu es parti, tu n’es rien d’autre qu’un homme, fils", "mes larmes sont plus nuancées et sincères que les tiennes… tu ne pourras pas gagner mon concours de dépression", "tu sais que je t’aime à en mourir… je sais ce que tu as en tête…donc arrête de penser pour une fois", "la musique, tu la veux calme, comme au temps de papa, le confort n’est jamais un but".\nD’emblée roulements de batteries. Piano désaccordé. Voix de chat sauvage pris au piège. Plus proche du résultat scénique. On est loin de toute cacophonie. Les instruments et la voix ont été enregistrés avec précision. Chirurgicale. D’où l’incroyable présence sonore. D’où l’émotion sans concession. D’où l’impression d’immédiateté dans l’expression. Des indices d’un travail de production réfléchi ? Des effets sont disséminés ici et là. Toujours dans le souci d’enrichir l’intensité dramatique. Sans aucun maniérisme. Ou si peu. Le groupe a gardé son phrasé qui fait sa personnalité. Martelage. Syncopée. Dissonance. Lyrisme. Rock. Heavy. Un petit côté poisseux. Bar malfamé. Baby Jeff maîtrise son art. A la perfection. Toujours concis. Pas de solo. Inutile. Il maintient la pression. Il garde le cap. Kristeen ne chante pas. Elle joue de sa voix. De mieux en mieux. Il y a des sonorités à la Kate Bush. Involontaire semble-t-il. Kristeen a affirmé connaître l’anglaise depuis peu. Qu’importe. Leurs univers sont différents. Leur part d’ombre n’a pas la même noirceur. Kate Bush minaude. Envoûte. Kristeen Young clame. Exorcise. Ses cordes vocales vous lient les mains. Le ton intime l’attention. Une supplication déguisée ? De gré ou de force, vous écouterez.\nLe schéma se prolonge sur scène. Avant un disque, Kristeen Young tourne. Après un disque, elle tourne. Plus qu’un moyen de vivre. Une vraie raison de vivre. De survivre. Le groupe sillonne les U.S.A. De club en club. Des premières parties aussi. Pour Morrissey. L’ami fidèle. Mais rien n’est prévu pour la France. Pas encore. L’espoir fait vivre. Fait survivre.\nEn bref : 14 chansons pour s’exprimer sans retenue. 14 plaintes contre la vie. 14 questionnements sans réponses. 14 constatations sans concession. 14 cris d’amour en somme. A écouter le volume à fond. A ne pas aborder qu’en surface.\nPublié par Damien Jones 0 commentaires\nCatégories : Chroniques, Glam, Rock\nC'est aujourd'hui indéniable, Internet a imposé un nouveau rythme d'écoute et de découverte des disques. Souvent, on évoque les « leaks », ces fuites d'albums sur la toile plusieurs semaines avant leur sortie, conséquence entre autres des décalages de calendrier entre le continent américain et l'Europe. Begone dull care, troisième LP des Junior Boys, n'a pas dérogé à cette nouvelle donne. Sorti au Canada en mars dernier, il circule depuis de longs mois sur le net et arrive seulement ces jours-ci chez nos disquaires hexagonaux. On pourrait évidemment se montrer critique à l'égard de ce piratage mais, pour ma part, je ne pourrai regretter un seul instant ces précoces et précieuses semaines passées en compagnie du duo de l'Ontario. Et, serai certainement parmi les premiers à me procurer leur sublime nouvel opus.\nIl y a cinq ans, Jeremy Greenspan et Matthew Didemus débarquaient avec Last Exit, un premier album de synthé pop futuriste délicieusement mélancolique et arrangé avec un extrême raffinement. Deux années plus tard, ils récidivaient et plaçaient la barre en un peu plus haut avec So this is goodbye qui leur valut alors un franc succès critique, dont notamment un 9/10 de la référence US Pitchfork (lien vers l'article) et le titre de « Best new music ». Bluffant, les deux garçons, qui ne travaillaient pas ensemble au moment de la formation du groupe – Jeremy Greenspan ayant fondé Junior Boys avec un certain Johnny Dark, parti convoler vers d'autres cieux avant même la sortie de leur premier disque – sculptent de brillantes tracks mêlant électro funk des 80's et balade pop profonde, sublimées par la tristesse languide du chant de Greenspan. Autant vous dire que Begone dull care était attendu avec une certaine impatience.\nLe titre de ce disque est tiré d'un film de 1949 du Canadien Norman McLaren, traduit en français par « Caprice en couleurs ». Le réalisateur, bien connu également pour ses expérimentations en matière de musique électronique, était un adepte du film d'animation direct, travaillant manuellement sur ses pellicules pour les recadrer ou les peindre. Il y a de cette démarche créative sur Begone dull care où, au fil des morceaux, l'on se prend parfois à entrevoir les couches instrumentales successives déposées par le duo pour enrichir et donner corps à sa musique. Mais, évidemment, ce n'est pas la première chose qui sautent aux oreilles et interpelle. En effet, l'impression dominante reste sans aucun doute le luxe et la fulgurance des arrangements, tous aussi imparables les uns que les autres. Basses rondes et old school, arpèges de banjo en boucle façon Merriweather post pavilion – sur la merveilleuse « Dull to pause », nappes de synthés denses et micro-beats, la panoplie du duo canadien est étoffée et accomodée avec un goût de maître, à tel point que l'on en vient souvent à se dire que l'on pourrait aisément se contenter de ces belles plages instrumentales et se passer totalement de chant. Mais ce serait réserver un bien mauvais sort à Jeremy Greenspan et à son charme languide et badin.\nAu fil des titres, la démonstration est aveuglante de maestria et les perles s'enchaînent les unes après les autres. « Bit and pieces », splendide exercice de micro-sampling agrémenté de breaks de saxophone. « Work » et son intro assassine à la Moroder sous speed ou « The animator » et son groove synthétique enivrant. La liste pourrait s'allonger et la classe du duo semble inaltérable. Si la réécoute forcénée du disque l'affadit quelque peu, gommant progressivement l'éclat des premiers instants pour exacerber un certain manque de profondeur, il n'en demeure pas moins un pur joyau. Etincelant.\nEn bref : Passe de trois pour le duo canadien Junior Boys. Après deux albums plus que réussis, un troisième disque de pop électronique somptueux, au sens du groove indéniable et aux arrangements à tomber. A quand le prochain ?\nLe myspace des Junior Boys et le site web du label Domino.\nDeux pépites extraites du l'album : « Dull to Pause » et « The Animator »\nLes Junior Boys seront de passage au Rex le 11 juin prochain, en live et en compagnie de Circle Square, Jennifer Cardini et Mlle Caro. Pour la modique somme de 9,60 euros en prévente. Réserver ici\nCatégories : Chroniques, Electro, Electronica, Pop\nDu jeudi 28 au samedi 30 mai prochain se déroulera à Barcelone ce qui est considéré par beaucoup comme l’un des meilleurs festivals de musiques actuelles en Europe. Lancé en 2000, il attire aujourd’hui plus de 60.000 personnes dont 40% d’étrangers. Situé en bord de mer sur le site du Forum, le festival propose cette année encore une programmation hors-normes forcément source de conflits cornéliens du style : "Shearwater ou Jeremy Jay ?" ou encore "Liars ou Deerhunter ?". Ne manquent finalement qu' Animal Collective et Grizzly Bear. En tous cas Dodb sera présent sur place et nous ne manquerons pas de vous faire un topo en rentrant.\nPlus de programmation :\nNeil Young • My Bloody Valentine • Sonic Youth • Aphex Twin • Bloc Party • Jarvis Cocker • Yo La Tengo • The Jayhawks • Spiritualized • Michael Nyman • Throwing Muses • Saint Etienne • The Jesus Lizard • Ghostface Killah • The New Year • Phoenix • Shellac • Joe Henry • Art Brut • A Certain Ratio • Liars • Squarepusher • Herman Dune • The Vaselines • Spectrum • Deerhunter • Sunn O))) performing "The Grimmrobe Demos" • Black Lips • The Horrors • Andrew Bird • The Bad Plus • Jay Reatard • Gang Gang Dance • Kimya Dawson • Lightning Bolt • Magnolia Electric Co. • Oneida • Th' Faith Healers • DJ /rupture • Ariel Pink's Haunted Graffiti • Jason Lytle from Grandaddy • The Pains Of Being Pure At Heart • Dj Yoda • El-P • Simian Mobile Disco • Michael Mayer • Dan Deacon Ensemble • Jeremy Jay • A-Trak • Rhythm & Sound (Mark Ernestus) feat. Tikiman • Jesu • The Mae Shi • Alela Diane • Shearwater • Kitty, Daisy & Lewis • The Drones • Bat For Lashes • The Soft Pack • Damien Jurado • Fucked Up • Chad VanGaalen • The Bats • Tokyo Sex Destruction featuring Gregg Foreman • Crystal Stilts • Reigning Sound • Dälek • Marnie Stern • Dead Meadow • Vivian Girls • Ponytail • Ezra Furman & the Harpoons • Ebony Bones • Wooden Shjips • Zu • Crystal Antlers • The Bug • Bowerbirds • Joe Crepúsculo y Los Destructores • Wavves • The Tallest Man On Earth • Tachenko • Agent Ribbons • Women • Dj Feadz & Jackson • John Maus • Magik Markers • The Extraordinaires • Stanley Brinks featuring Freschard & Ish Marquez • Angelo Spencer • Karl Blau • Plants & Animals • Extra Life • Mahjongg • Muletrain • Andy Votel • The Secret Society • Carsick Cars • Tim Burgess (The Charlatans) • La Bien Querida • The Intelligence • Sleepy Sun • Maika Makovski • Half Foot Outside • Zombie Zombie • Veracruz • The Right Ons • Los Punsetes • Klaus & Kinski • The Lions Constellation • Duchess Says • Mujeres • Elvira • Lemonade • Girls • The Disciplines…\nJ'estime trop le genre pour vous infliger les clichés habituels sur le rock garage qui sent la bière et la sueur, interprété par des faux débiles qui prennent un malin plaisir à mal jouer et mal chanter. Le garage sixties, c'est comme le psychédélisme : il s'agit de capter quelque chose qui échappait au rock fifties de papa. Capter des forces souterraines, primaires, des affects, des sensations, en deçà du langage. Ce que l'on peut dire, pourquoi le mettre en musique ?\nBon, tout ça c'est trés beau mais ça ne fait pas un groupe. Il faut beaucoup de talent pour se permettre de sonner comme dans un garage, et Magnetix n'en manque pas. Magnetix c'est Looch vibrato, et sa Fender Jazzmaster 66', et Aggy Sonora, et sa batterie Maya d'époque. Un groupe bicéphale issu de la scène garage bordelaise, qui tourne depuis 10 ans, a signé avec Born bad, et réalise, avec Positively négative, son deuxième LP.\nIndéniablement garage, Magnetix a su, au demeurant, définir un style original, qui le distingue fortement au sein du revival garage contemporain. Le son Magnetix joue sur des effets d'hypersaturation, sans jamais verser dans l'esthétique hard rock. Historiquement la saturation est un objet de fascination pour le garage d'avant la pédale fuzz. Les Sonics se débrouillent comme ils peuvent pour saturer tous leurs sons, y compris leur saxophone. C'est dans cet esprit que les Magnetix conçoivent leur musique, davantage que dans un esprit lo-fi. On dirait que les cordes vocales de Looch Vibrato sont branchées sur une pédale fuzz, et on est impressionné par sa capacité à moduler l'effet. La guitare, bien entendu, déploie toute une gamme de nuances saturées, et ce jusqu'à l'extrême, où l'on a l'impression, parfois, qu'il y a plus de saturation que de guitare. On flirte, de temps à autre, avec quelquechose comme la noise music. La batterie est basique, souvent lourde au possible, sans être métallique ni trés explosive.\nBref, amateurs de voix riches en harmoniques, d'arpèges délicats, et d'expérimentations rythmiques, passez votre chemin... Ce qui ne signifie pas, pour autant, que notre couple magnétique poursuit cet idéal de musique simple et direct à la Ramones, et tel que les Black lips l'ont réactualisé.\nÇa démarre trés fort avec ce qui constitue probablement LE morçeau de l'album : "Living in a box". Un riff lancinant et poisseux en ouverture , repris par les voix, puis soutenu par une guitare heavy et une batterie lente et éléphantesque, structure les couplets. De multiples breaks, servis tantôt par un fuzz extrême tantôt par une guitare claire et légérement reverbérée, introduisent le refrain, et nous font basculer dans un rythme plus rapide et syncopé, typiquemment sixties. Bel exercice de style, et qu'on ne se lasse pas de réécouter, entraîné par ses accélérations et décélérations. Qui a dit que le garage c'était bourrin ?\nAprès un intermède bien graveleux et assez marrant, où Looch Vibrato, de sa voix de pervers polymorphe bien crade nous raconte l'histoire d'une «UFO invasion in the fornication » ("Stranger in a dark"), puis un hommage récréatif au garage des anciens ("Stop to think"), nouveau morceau de bravoure nihiliste : "Mort clinique". Une guitare hypersaturée nous balance un riff minimal, relayé par... une guitare sèche, et ça fonctionne. La chanson est en français, et on se croirait, tout à coup, dans le futur volume III de la compil Wizz. Le second degré est de mise : «Je n'ai pas envie d'être en vie, quand les portes claquent de la nuit». Cette excellente face A se termine sur le trés dançant "Positively negative", où les larsen criards se mêlent à un clavier vintage particulièrement entraînant.\nLa face B ne nous caresse pas dans le sens du poil, avec "Head off" et "Trop tard", tous deux caractérisés par une voix blanche accordée au plus bas, et la vrille "Third eye", son rythme tachycardique et sa guitare hyperabrasive. Le continuum saturé de "Real Man" rappelle l'atmosphère brumeuse du crépitant "Ghost rider" des Suicide. Retour à des lignes mélodiques plus élaborées pour les potentiellement tubesques "HTA-TNT" et surtout "Hand's Lines". Les amateurs de mélodies trouveront, au final, aussi leur compte. L'humour conclut cette face B, avec un "Nonsense" instrumental qui vibre au son d'un orgue funéraire.\nEn bref : Un rock garage, à la fois élaboré et primitif, méchant et drôle, varié dans ses registres, qui expérimente les limites du musical, et touche directement le système nerveux. Une voix inimitable, qui serait celle d'un cerveau reptilien, s'il pouvait parler.\n"Living in a box" :\nCatégories : Chroniques, garage, Rock\nPublié par Fabien 10 commentaires\nQuoi de mieux qu'un retour aux sources, à savoir le rock sauvage et déjanté de Birthday Party, pour l'illustre Nick Cave? C'est en effet un peu à cela que s'apparente ce faux side-project du crooner moustachu puisque pour les besoins de cet album, il s'entoure de ses mauvaises Graines, quasiment au complet. Seul le nom change, de même que la musique du groupe, qui oscille entre sauvagerie à la Jon Spencer et élans dignes de Suicide.\nDès "Get it on", les climats déglingués de Grinderman, qui exhalent une forte odeur de rock des marécages, prennent à la gorge, tenaces et mordants, et ne lâchent plus un auditeur pris au piège de ce rock poisseux, qui évoque l'Iggy des Stooges, bien sur, mais aussi ce que l'Iguane a tenté de faire sur "Beat'em up". Il en va ainsi sur la majeure partie du disque, en passant par "No pussy blues" et ses déflagrations d'orgue électriques jouissives, ou "Electric Alice" et son rythme paresseux, zébré de sonorités d'orgue, encore, décisives.\nLa quatuor est aussi capable (coupable?) de climats tendus, tout en retenue, comme sur "Grinderman", mais n'est jamais aussi bon que lorsqu'il se lâche complètement (le saccadé et tonitruant "Depth charge ethel"). Et plus loin, il se permet une accalmie probante sous la forme de ce "Go tell the women" feutré, presque jazzy, sur lequel Nick fait usage de son désormais célèbre chant suave et sensuel.\nChaque morceau suscite d'ailleurs un vif intérêt, ce qui devrait m'amener à évoquer toutes les chansons suivantes, dont "(I don't need you to) Set me free" délié et mené par une basse reptilienne, suivi de "Honey bee", fonceur et réalisant le parfait alliage guitares-claviers pour imposer une trame sonore grinçante et marquante.\nPuis plus en avant dans l'album, "Man in the moon" et son ambiance délicate, auquel succède "When my love comes down", assez noisy et, à l'image de "Grinderman", dans la retenue.\nEt pour finir, "Love bomb", porté par une batterie galopante, à la fois bluesy et délibérement rock'n'roll, qui clôt en fanfare un disque auquel on espère d'ores et déja une suite aussi déjantée. Super album, ce qui n'étonne guère dès lors qu'il est le fruit de Nick Cave et ses Bad Seeds "déguisés".\nEn bref: un "écart" concluant pour Nick le crooner, et la perspective d'un retour régulier à des sonorités, et des morceaux, proches de Birthday Party.\nPublié par PSYCHOCANDY 1 commentaires


TÉLÉCHARGER ASIO4ALL POUR CUBASE 5 - goclimb.info\nTout bien considéré, pilote asio pour cubase 5 fournit un moyen simple de générer des listes de courrier électronique en analysant l'ordinateur ou les pages Web. Ce qui rend le produit unique, c'est le niveau de contrôle offert à l'utilisateur final, qui peut, à tout moment, ajuster les différents paramètres du filtre. Ses options limitées en font un navigateur Internet médiocre, sans rien pour le faire briller. L'application est fournie avec des ressources limitées, autres que les éléments nécessaires pour devenir un navigateur Web, tel que la barre d'adresse, et un peu d'espace pour afficher la page, elle offre peu d'autre chose. Configurer l'heure de mise à jour et les notifications et rédiger des courriers électroniques Cet utilitaire met à jour les courriers électroniques à une période de saisie de l'utilisateur.


Vol partagé de 45 minutes en montgolfière dans le Chianti - Bons-plans à fr.yumping.it\nOffres Vol en Montgolfière Florence\nOffres Vol en Montgolfière Tavarnelle Val di Pesa\nDescription Vol partagé de 45 minutes en montgolfière dans le Chianti\nNe manquez pas ce vol en montgolfière partagé au-dessus des collines du Chianti pour profiter de la Toscane à 360 ° depuis la nacelle de la montgolfière statique.\nUn de nos pilotes professionnels vous attend à Tavarnelle Val di Pesa, pour assister à l'opération du ballon pour rendre l'activité encore plus suggestive qu'elle ne l'est en elle-même.\nCe vol en montgolfière a lieu aux premières lueurs du jour, pour profiter et profiter des courants stables de l'aube et rendre tout encore plus spécial grâce aux couleurs suggestives du lever du soleil pour servir de toile de fond aux châteaux Renaissance, aux célèbres vignobles du Chianti aux collines et aux bois.\nPar temps clair, il est possible de remarquer la mer Tyrrhénienne au loin et si vous n'oubliez pas d'apporter un appareil photo avec vous, vous pouvez prendre de merveilleuses photos souvenirs aidées par le doux balancement de la ballon .\nCe vol en montgolfière en Toscane peut être effectué avec un groupe d'au moins 4 amis et famille, sinon vous pouvez rejoindre le groupe d'amoureux de la haute altitude comme vous et voler en montgolfière jusqu'à 14 personnes.\nÀ l'atterrissage, un délicieux petit-déjeuner à base de produits typiques de la Toscane vous attend pour être consommé dans la campagne du Chianti avec tout le groupe et le personnel qui vous suivra depuis le sol avec une voiture de société.\nN'attendez plus et réservez dès maintenant ce vol partagé en montgolfière pour vivre une expérience inoubliable en haute altitude dans le ciel du Chianti .\nVol en Montgolfière ItalieVol en Montgolfière ToscaneVol en Montgolfière Florence\npossibilité de surveiller le gonflage du ballon\nCe vol en montgolfière a une durée approximative de 45 minutes à une heure et 30 selon les conditions météorologiques.\nCe vol en montgolfière a lieu à l'aube pour profiter des courants matinaux stables. L'heure exacte sera établie en fonction de la disponibilité des deux parties intéressées.\nUne voiture d'état-major qui vous aura suivi depuis le sol vous accompagnera du point d'atterrissage au point de décollage.\nBons Plans Vol en Montgolfière Florence\nBons Plans Parachutisme Florence\nBons Plans Parapente Florence\nBons Plans Vol en Hélicoptère Florence


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Notion de majorité parlementaire est-elle pertinente aux USA?\nPublié le 07/05/2017 Vu 722 fois 9 Par FacoSP\nle 07/05/2017 à 22:43\n"La notion de majorité parlementaire est-elle nécessaire aux Etats-Unis"\nje dois rendre une dissertation mais je n'ai aucune idée de plan, mes idées sont trop courtes ou s'éloignent trop du sujet.\nL'un d'entre vous aurait il des idées de plan ou tout simplement des idées à mettre dans la dissertation?\nle 08/05/2017 à 09:33\nDésolé ça ne marche pas comme ça ici. C'est d'abord à vous d'exposer un début de raisonnement, puis c'est seulement après que nos membres viendront vous aider.\nLe président américain étant élu par les représentants directement et non au SUD, il détient forcément une majorité parlementaire.\nVoici le début de mon resonnement.\nle 08/05/2017 à 13:50\nRevoyez (peut-être) le mécanisme exact de cette élection.\n"Notion de majorité parlementaire est-elle pertinente aux USA?" de votre titre et\n"La notion de majorité parlementaire est-elle nécessaire aux Etats-Unis" de votre premier message ne veulent pas dire exactement la même chose.\nle 08/05/2017 à 13:54\nLe bon terme est "pertinente"\nLe président étant élu par les grands électeurs qui forment la chambres des représentants il est donc normal que le président ait la majorité parlementaire\nle 08/05/2017 à 17:10\nA MON humble connaissance (mais je peux me tromper), aucun grand électeur ne peut faire partie du Congrès, donc ni de la Chambre des représentants ni du Sénat. Et donc, si tel est le cas (ce que je pense) votre raisonnement ne tient pas debout.\nle 08/05/2017 à 17:11\nLes grands électeurs sont les memebres du congrès qui s'engage avant d'être élu à voter pour un candidat\nle 08/05/2017 à 21:05\nExtrait de la Constitution des Etats-unis, article II :\nDonc, pas de "Senator" et pas de "Representative" parmi les "Elector(s)"...\nDonc, ce que vous écrivez est (apparemment) faux.\nle 08/05/2017 à 22:38\nIl y a un problème dans le cours de mon professeur alors\nle 10/05/2017 à 08:12\nJe ne sais pas, c'est bien possible mais j'en doute un peu.\nA tout hasard, relisez très attentivement ce fameux cours, une confusion est si vite arrivée !\nS'il écrit vraiment que les grands électeurs sont membres du Congrès, là, c'est sûr, "y a un os"...\nAccessoirement, je m'inquiète du sens qu'on peut donner à "pertinente".


Mariette Canévet, Le discernement spirituel à travers les âges\nAccueil > Numéros > 89/2 > Recensions > Mariette Canévet, Le discernement...\nParis, Cerf, 2014, 260 p.\nMariette Canévet, Le discernement spirituel à travers les âges, Paris, Cerf, 2014, 260 p.\n1Dans un monde tourné vers la spiritualité, la question du discernement prend toute son importance. L’A. offre ici un parcours chronologique présentant plusieurs grandes figures de la spiritualité chrétienne, provenant de deux cultures, orientale et occidentale. Ce panorama montre l’existence d’une tradition du discernement spirituel, de sa pratique et de ses critères.\n2L’homme est celui qui est appelé à choisir entre la vie et la mort. Il est invité à choisir le bien et à rejeter le mal s’il veut vivre près de Dieu et participer à sa vie divine. Ce choix implique, selon Origène, un combat spirituel que le chrétien vit à cause de son appartenance au Christ. Dans ce combat, Origène insiste sur trois questions majeures : la tentation, les moyens de lutte et la place de discernement. Pour lui, il y a deux sortes de combats : contre la chair et le sang et contre les passions surnaturelles. Avec Antoine et surtout son expérience dans le désert, l’accent sera mis sur la vie personnelle, et le discernement comporte une dimension pratique plus que théorique. De son côté, Évagre le Pontique encourage l’éducation à la pratique des commandements et à la lutte contre les mauvaises pensées. Comme Origène, Évagre distingue trois types de pensées : angélique, humaine et diabolique, et trois sortes de tentations fondamentales : la gourmandise, l’avarice et la vaine gloire. C’est pourquoi le lieu du combat spirituel est, pour Évagre, dans l’imagination du moine. Pour chasser ces mauvaises pensées, le moine doit prier en permanence. Car la prière est la voie d’union à Dieu. Elle est le lieu de combat mais aussi le lieu de la connaissance de soi, par conséquence le lieu du discernement.\n3Après l’expérience d’Évagre dans le discernement et surtout ses observations fortes dans le domaine de la vie spirituelle, Barsanuphe et Jean de Gaza donnent à la communauté une place importante dans le discernement, tandis que Dorothée de Gaza indique que le combat spirituel intervient quand le moine veut faire le bien et veut pratiquer les commandements.\n4Dans le domaine syriaque et spécialement chez Isaac le Syrien, l’insistance est mise sur le rôle nécessaire de l’Esprit Saint dans le discernement. Isaac ne se situe pas dans la ligne d’Antoine, d’Origène et d’Évagre qui essayent de discerner d’où viennent les pensées : des démons ou des anges ou bien des hommes ? Pour Isaac ces trois pensées sont, en effet, de même nature parce qu’elles sont inspirées par des créatures. Mais il y a aussi l’inspiration qui vient de Dieu, de l’Esprit.\n5Dans l’Occident latin, Cassien, qui est l’héritier de la tradition origénienne et de la vie érémitique, établit une liste de huit vices principaux qui est très proche de celle d’Évagre. Il essaye de chercher l’origine des pensées qui traversent l’esprit humain : Dieu, le démon et nous-même. Ce qui est original chez Cassien, c’est le rôle de l’Ancien qui désigne les causes de ces pensées pour que le moine ne reste pas dans l’ignorance. La notion de discernement chez Cassien a évolué vers une « discrétion » qui permet à l’ascète de s’appuyer « sur son propre jugement ». Pour Cassien le discernement est un don de Dieu et il est appréciation du « juste milieu ».\n6Avec saint Augustin on passe à un discernement de soi-même aux yeux de Dieu. Il va élaborer une recherche sur l’être humain avec ses cinq sens et sa relation avec toute la création. S’intéressant à l’auteur anonyme du Nuage d’Inconnaissance, M. Canévet souligne le rôle important qu’il donne au directeur spirituel. Le but de cette direction consiste à discerner le bien et à guider le prochain.\n7Puis, avec Catherine de Sienne un autre courant vient s’installer au niveau du discernement, parce que l’anthropologie s’est enrichie des réflexions sur la mémoire, l’intelligence et la volonté. Mais le but du discernement reste inchangé : éloigner toutes les pensées issues de l’attachement aux choses qui passent et avoir une vraie connaissance de Dieu et de soi. Une belle idée trouvée chez plusieurs auteurs cités plus haut et aussi chez Catherine de Sienne est celle de la confiance à faire au temps : « il est un don de la grâce qui permet à l’âme d’exercer son libre arbitre et de progresser jusqu’à l’amour parfait ». De plus la manière dans laquelle nous vivons ce temps devient un moyen de discernement.\n8Enfin, le discernement selon Ignace de Loyola et Dietrich Bonhoeffer va mettre l’accent sur la prière, la méditation et sur Dieu lui-même. De plus, une vraie vie spirituelle ne peut se vivre que dans un équilibre humain. Nous retrouvons aussi la notion de « juste milieu ». Ces deux auteurs, note M. Canévet, marquent l’importance de l’obéissance non pas comme but mais comme un moyen. Car l’obéissance n’est pas une soumission aveugle à une autorité quelconque mais elle est un moyen par lequel, grâce au maître spirituel, nous passons de l’état de révolte contre Dieu à l’état de l’amour du Père.\n9Ce riche parcours s’avère aussi utile à la vie spirituelle. Il présente une manière de concilier sa foi avec la vie quotidienne en laissant le Christ vivre en nous malgré les difficultés et les tentations de tous les jours. Il est à recommander.\nSameer Maroki, « Mariette Canévet, Le discernement spirituel à travers les âges », Revue des sciences religieuses, 89/2 | 2015, 227-228.\nSameer Maroki, « Mariette Canévet, Le discernement spirituel à travers les âges », Revue des sciences religieuses [En ligne], 89/2 | 2015, mis en ligne le 29 janvier 2016, consulté le 13 décembre 2017. URL : http://journals.openedition.org/rsr/2569