La Forme en jeu - La forme et son esprit - Presses universitaires de Vincennes\nOpenEdition Books Presses universitaires de Vincennes Esthétiques hors cadre La Forme en jeu La forme et son esprit\nLa forme en peinture\nLa forme et son esprit\n1Ces lignes d’Elie Faure, extraites de la préface L’Esprit des formes, peuvent se résumer en deux propositions apparemment contradictoires. Premièrement, les formes sont telles en raison de la présence en elles d’un esprit. Deuxièmement, l’esprit est la puissance qui dissout toute forme. La puissance de la forme est le feu qui consume toute matière pour la transformer en esprit, comme en témoignent ces dessins que la rêverie lit dans les flammes, ces libres apparences qui ont fasciné Kant aussi bien que Vinci. Ces dessins de fantaisie que suscite la flamme sont des puissances d’esprit pour deux raisons : parce qu’ils sont la consomption de la matière et parce qu’ils sont des images ou des apparences de rien, de pures formes.\n2Le revers des choses est évidemment que ces pures formes qui manifestent la puissance de l’esprit/feu sont des formes du sans-forme. Ce qu’elles manifestent est la dissolution de toute forme, le libre jeu de la matière, rebelle à toute mise en forme, sa puissance d’auto-destruction. La question se pose alors : comment ce feu destructeur peut-il être la puissance de l’idée qui donne une figure matérielle consistante à la pierre, au bois ou au fer ? Comment peut-il être la puissance de l’esprit qui construit la coupole ou l’ogive, qui se sert de la pesanteur pour vaincre la pesanteur ? Comment peut-il être la puissance d’individualité d’une figure de pierre ou bien celle du rapport des figures qui fait le vrai sujet d’un tableau ou de l’onde musicale qui les unit ? Comment enfin cet esprit-feu peut-il être la puissance qui construit des édifices sociaux et des formes de la vie commune ? Il ne suffit pas de répondre que le feu est source de la chaleur, qui met la pensée créatrice aussi bien que les machines en action. Plus que le foyer de chaleur communiquant l’énergie de la création, l’esprit/feu est le pouvoir qui compose des figures dans la dissolution de la matière et de la forme elle-même, la puissance du sans-forme comme tel.\n3Mais il est aussi autre chose. Et le texte d’Elie Faure opère ici un glissement significatif. L’esprit-feu est le principe architectonique qui permet de bâtir les figures de pierre, les cathédrales et les temples. Il donne son architecture à l’œuvre parce qu’il la donne à la puissance productrice des formes, parce qu’il est la puissance formatrice du sujet créateur de formes. Il soude les os d’un peuple et le rend ainsi capable de souder les os de la figure, de lui donner la pulsation du sang dans les artères, d’y rendre l’idée présente dans toutes les parties comme la commande cérébrale est présente dans les extrémités nerveuses. Ainsi le feu destructeur, la puissance du sans-forme, est aussi bien le feu constructeur. Il l’est pour autant qu’il se transforme en puissance biologique organique. La circulation du feu se fait circulation du sang et de l’air dans l’organisme. Et l’organisme puise là la puissance d’esprit qui est puissance architectonique de forme.\n4Mais le texte nous dit encore autre chose. L’unité de la puissance destructrice et de la puissance constructrice a un nom. Elle est une production de symboles. Et, dans la notion du symbole, l’âge d’Elie Faure condense volontiers trois propriétés essentielles. Le symbole est d’abord ce signe remarquable qui ne se contente pas de désigner un sens mais qui en dessine une figure concrète, qui le met en image. Il est aussi la partie qui appelle la totalité, selon le sens ancien du symbolon, l’anneau partagé en deux qui fait signe d’alliance. Il est enfin le signe sacramentel de la religion, qui opère la transfiguration d’une réalité matérielle en réalité spirituelle. Le feu destructeur/constructeur fait donc œuvre de langage et office de sacrement. Il trace les symboles de la foi et de l’œuvre collectives.\n5Voilà à peu près ce que disent ces lignes d’Elie Faure. Reste à savoir ce qu’elles peuvent nous dire. Pourquoi être allé chercher cette préface ? C’est apparemment un texte bien daté, un discours de l’époque de Lénine et d’Abel Gance, du temps des noces mystiques d’une esthétique christologique et de l’utopie de l’homme nouveau, machinique et électrique. La contradiction qu’il présente témoigne de la confusion du symbolisme, apportant à l’utopie des constructeurs du monde matérialiste nouveau sa mystique spiritualiste de l’ascension de la terre vers le soleil et du devenir-esprit de la matière.\n6Je pense pourtant que ce texte a une valeur de généralité qui dépasse ce contexte. Ce qui est en son cœur est le paradoxe inhérent à la notion de forme et au rôle qu’elle joue dans un univers conceptuel donné, celui du mode esthétique de la pensée. Je ne considérerai donc pas ces lignes comme un document historique sur les rêveries christo-nietzschéoléninistes des années 20 mais comme la présentation du problème central de la notion de forme en tant que catégorie fondamentale de l’esthétique. Je dois seulement préciser ce que j’entends sous le terme d’esthétique. L’esthétique, pour moi, n’est pas la science, la théorie ou la philosophie de l’art ou du beau. Ce n’est pas le discours qui nous mettrait en possession des instruments de l’analyse de œuvres. C’est, plus fondamentalement, le discours qui institue l’image de la pensée au sein de laquelle les œuvres sont pensables comme manifestations de la pensée, c’est-à-dire comme effectuations d’un mode spécifique de la pensée. L’esthétique, comme telle, ne naît pas avec le livre homonyme de Baumgarten ni même avec cette Critique de la faculté de juger kantienne où « esthétique » reste un adjectif qualifiant un jugement. Elle naît au temps de Schelling, des frères Schlegel et de Hegel comme idée du type particulier de « pensées » que sont les œuvres de l’art. Celles-ci sont des pensées qui n’en sont pas, elles sont un « déploiement du concept hors-de-soi » (Hegel), des pensées sur le mode de la non-pensée. L’esthétique, depuis les pages fondatrices du dernier chapitre du Système de l’idéalisme transcendantal de Schelling, est le mode de la pensée qui conceptualise les œuvres de l’art comme œuvres d’une pensée identique à de la non-pensée, comme manifestations d’une pensée différente d’elle-même dans un sensible différent de lui-même. Elle est d’abord la pensée de cette image de la pensée, laquelle ne s’épuise pas dans l’analyse des œuvres de l’art mais constitue une idée générale de la pensée, de ses différences propres et de ses modes d’effectuation sensibles. L’esthétique est ainsi tout autre chose que la philosophie ou la science de l’art. Elle est la pensée de l’identité de la pensée et de la non-pensée et c’est d’abord en elle que s’élabore l’idée de la pensée inconsciente, ou encore une problématique de la communauté politique, qui ne se limite pas à une « esthétisation » de la politique.\n7De là se tire volontiers aujourd’hui l’idée que l’esthétique serait le léviathan spéculatif qui aurait pris l’art en otage et l’aurait étouffé en lui donnant la charge de réaliser une idée de l’absolu dont l’art n’avait que faire. Le nom même d’« esthétique », on le sait, est sujet à caution. Comment la puissance créatrice de formes pourrait-elle être pensée dans les catégories d’une pensée du « sentir » sans être d’emblée méconnue ? Et, à l’inverse, comment les expériences du plaisir et du jugement ressentis devant les formes belles pourraient-elles être analysées dans les catégories absolutisées de l’art ? De divers côtés nous vient aujourd’hui un même diagnostic. Les uns veulent libérer l’art de l’impérialisme esthétique, les autres veulent libérer l’esthétique de l’impérialisme spéculatif pour la rendre à la simple analyse des pratiques artistiques et des attitudes esthétiques. Et ce retour à une réalité désenchantée fait écho à ce que je me permettrai d’appeler le « grand révisionnisme » du présent : l’idée du grand nettoyage qui nous débarrasse de ces monstres spéculatifs qui depuis deux siècles ont transformé toute simple affaire humaine en grande mystification théologique. L’esthétique y aurait sa place à côté de l’histoire, de la révolution et de quelques autres monstres de même acabit. Et il faudrait la ramener à une forme élargie de la bonne vieille poétique, tout comme il faudrait en politique renouer avec la sagesse des ministres éclairés des princes éclairés, en philosophie avec la solide analyse des actes de pensée qui nous libère du piège des mots, et en art avec les expériences du plaisir partagé des formes et des significations.\n8Je crois toutes ces sagesses assez frivoles. À supposer qu’il faille se libérer de l’esthétique, il faudrait commencer par savoir ce qu’elle est, par prendre la mesure de ce qui est compris sous sa notion. Et pour cela il faut mesurer exactement ce qu’a impliqué conceptuellement le passage de la poétique à l’esthétique dont les grands textes de la théorie romantique et de l’esthétique « spéculative » sont en même temps les opérateurs et les témoins. On invoque souvent la contradiction qui serait inhérente au nom même d’esthétique. La nouveauté « esthétique » théorise en effet une révolution artistique dont le principe est la révocation des normes de la représentation qui pesaient sur le faire artistique. Les codes de la représentation impliquaient que tel sujet représenté commandait tel genre (tragédie ou comédie, peinture d’histoire ou de genre, etc.) et que les genres commandaient eux-mêmes des modes d’expression adéquats aux personnages et situations. L’émancipation des arts oppose à ces normes la puissance sans norme du faire artistique, la puissance qui s’impose, dans ses œuvres, comme portant en elle sa propre norme. Au système des convenances entre sujets, genres et modes d’expression, elle oppose le style « manière absolue de voir les choses » qui s’affirme identiquement dans la peinture d’Yvetot et dans celle de Constantinople. La question généralement posée est alors : comment la pensée de cette puissance absolue du faire artistique peut-elle être comprise comme une « esthétique », c’est-à-dire comme une théorie qui renvoie à la sensation ou à la sensibilité, à l’affect du spectateur qui témoigne de l’effet de l’œuvre et non des principes de sa production ?\n9Mais il n’y a pas de contradiction. Car l’absoluité artistique ne peut pas être l’absoluité d’un faire. Tout faire est en effet soumis à une double conditionnalité, il est dépendant de l’idée de ce qui est à faire et de la puissance qui fait faire. Dans le système classique de la représentation l’activité artistique est le rapport d’une forme à une autre. Elle est obéissance à la forme comme idée ou modèle à réaliser. Et elle est l’imposition d’une forme à une matière. Il n’y a pas d’absoluité concevable de l’acte de faire ni du produit, de l’œuvre comme le résultat de cette activité. La révolution anti-représentative ne change pas cette donnée. Ce qui peut être absolu, ce n’est ni le travail de l’artiste ni son œuvre, c’est le statut sensible de cette œuvre. La forme est libre, dit Flaubert, comme chaque volonté qui la produit. Mais ce n’est pas la volonté qui peut créer la liberté de la forme. Celle-ci ne se manifeste au contraire que par la neutralisation de cet « instinct formel » dont nous parle Schiller, de cette tension d’une volonté qui veut s’imprimer dans une matière. Seule est libre la forme qui n’est forme de rien ni manifestation de la liberté de personne, la forme qui ne représente rien, ne signifie rien, qui est un pur sensible, coupé de ses liens avec la matière et avec la forme. L’absoluité rêvée de l’œuvre c’est celle qui lui confère la nature sensible du paysage qui pense ou de la statue qui rêve dont nous parle l’auteur de la Tentation de saint Antoine. Tout le problème de l’esthétique est de penser un mode de la pensée adéquat à ce sensible pur qui est forme pure pour autant qu’il n’est forme de rien.\n10Il y a donc bien une logique à ce que la pensée de l’art absolutisé s’appelle esthétique. Car c’est le statut de l’aistheton qui est au cœur du problème. Mais cet aistheton qui donne son nom à l’esthétique n’est pas l’affect éprouvé par le spectateur. C’est le mode du sensible qui donne à l’œuvre cette « absoluité », cette liberté que le faire artistique ne saurait jamais conférer par lui-même à aucun de ses produits. La logique esthétique révoque moins les concepts de la poétique qu’elle ne les disjoint. Et la notion de forme illustre exemplairement cette disjonction. Celle-ci s’expose sous sa forme radicale dans la Critique de la faculté de juger de Kant comme hétérogénéité de deux notions de forme. Il y a la forme qui appartient à l’expérience esthétique et il y a celle qui appartient à la tradition poétique. La première, la forme de l’expérience esthétique, ne s’oppose pas à la matière comme la puissance exercée au support qui en reçoit la marque. Elle n’est pas imposition sur la matière mais abstraction de la matière. Une chose, un spectacle me plaît uniquement par sa « forme ». Entendons par là que je suspends à leur égard tout jugement qui les rapporte soit au concept de leur objet soit aux fins de ma pratique. Je ne m’y intéresse ni comme objet de connaissance ni comme objet de désir. J’éprouve du plaisir à sa seule forme. Mais il ne faut justement pas entendre ici « forme » comme ensemble de propriétés formelles objectivables ni comme réalisation d’un plan, idée ou esquisse. Dans ce cas là en effet je jugerais la conformité de l’existence de l’objet à son concept, j’apprécierais le travail de sa mise en forme. Par forme il faut donc seulement entendre l’unité d’un donné sensible tel qu’il se donne à ressentir, abstraction faite de ce qui le rend connaissable et désirable. Ce peut être ce palais dont parle Kant et qu’il faut apprécier indépendamment de tout jugement sur son caractère d’habitation des Grands ou d’emblème du pouvoir. Mais le palais est un mauvais exemple car celui-là même qui est indifférent à sa signification sociale aura du mal à abstraire sa forme « esthétique » de son ordonnance architecturale. Un paysage, un décor d’arabesques ou un jeu de figures produites par la flamme répondront mieux à l’idée de cette « forme » qui est donnée à une appréhension unitaire sans être forme de rien.\n11Or à cette forme « esthétique » s’oppose, trait pour trait, la forme artistique, celle que produit l’art en général. Celui-ci exécute toujours un objet sous la contrainte d’un concept, il exécute une copie ou un « ectype » à partir d’un prototype, d’un eidos qui détermine la forme à imposer à une matière. Tout travail artistique met en forme sensible une forme intellectuelle, transforme un Urbild en Nachbild. La forme qu’il re-produit s’oppose totalement à la forme esthétique qui n’est justement perçue comme forme qu’à la condition de n’être forme de rien, de ne réaliser aucun concept ni imiter aucun objet. Il y a donc une rigoureuse antinomie de la forme. Il apparaît contradictoire qu’une forme esthétique puisse être produite par un travail d’art.\n12Bien loin donc de toute revendication de l’absoluité du faire, la Critique de la faculté de juger accuse la radicale impuissance de tout art à satisfaire l’appréhension esthétique de la forme libre. L’aporie n’est levée que par le recours à une faculté subjective, le génie, et à une opération qui lui est propre, la production d’idées esthétiques. L’idée esthétique est, nous dit Kant, une idée de l’imagination qui associe au concept d’un objet un ensemble indéterminé de représentations. Ces représentations dont ni la qualité ni la quantité ne sont déterminables indéterminent ainsi le concept et son rapport à l’objet. Elles transforment alors l’œuvre d’art – l’œuvre qui met en forme une matière – en une forme belle : une forme dont la loi d’unité est purement ressentie, non énonçable, non déterminable et en particulier non déterminable par l’artiste, lequel fait plus qu’il ne veut faire et qu’il ne sait qu’il fait. À ce prix la forme artistique peut être une forme esthétique, une forme irréductible à la mise en forme de la matière sensible par l’intention artistique.\n13Seulement cette théorie du génie et de l’idée esthétique qui résout l’antinomie de la forme implique elle-même un étrange montage conceptuel. Cette idée esthétique qui étend le champ d’un concept en même temps qu’elle l’indétermine a une origine théorique assez aisément repérable. Elle est la transposition de cette « clarté extensive » dont l’Esthétique de Baumgarten avait fait la théorie. En bon leibnizien, Baumgarten opposait en effet deux modes de la clarté : la clarté intensive qui tient aux divisions fines de l’analyse et la clarté extensive. Celleci était, à l’inverse, le supplément de force et de perceptibilité sensibles qui s’attachait à la présence de multiples représentations laissées à leur état d’implications inanalysées. C’était en somme la clarté du confus, la clarté de la multiplicité sensible enroulée dans une notion ; l’obscure clarté du ciel des étoiles poétiques opposée à la clarté de la connaissance distincte. Dans la pratique la notion recouvrait l’usage traditionnel des tropes. Or il en va de même pour les « représentations associées » de Kant. On se souvient qu’il ne trouve pas à en donner d’exemple plus suggestif que la métaphore convenue d’un poème du roi de Prusse qui associait la fin d’un règne au coucher généreux d’un beau soir. Mais ce n’est là que le moindre des problèmes posés par la transposition kantienne de cette notion de Baumgarten. Car c’est la cohérence même de cette notion avec les présuppositions kantiennes qui est problématique. L’idée de clarté extensive ou de clarté confuse était cohérente chez Baumgarten avec le point de vue théorique fondamental qu’il héritait de Leibniz : du sensible à l’intelligible il y a différence de degré et non de nature. La « connaissance esthétique » se différenciait ainsi de la connaissance logique, en s’attachant à un domaine d’idées encore mêlées de confusion sensible et en lui donnant l’optimum de clarté qu’il pouvait recevoir dans son ordre propre. Mais cette thèse de continuité, qui assimile le sensible à de l’intelligible confus, est précisément ce contre quoi Kant a élaboré tout l’édifice critique. Il est alors paradoxal que cette « idée esthétique », de provenance clairement leibnizienne, soit au cœur de son entreprise. Et ce paradoxe pèse sur la tentative entière d’identifier forme artistique et forme esthétique. Il soumet la considération des libres formes requises par le jugement esthétique au modèle poétique du langage figuré. Et c’est, de fait, l’analogie du langage qui commande la classification kantienne des arts figuratifs, laquelle range architecture, peinture et sculpture dans le langage des gestes, entre le langage poétique des mots et le langage tonal de la musique.\n14Le statut théorique de la forme esthétique repose ainsi sur une union instable des contradictoires qui se concentre dans l’équivoque de l’« idée esthétique ». Ce qui maintient ce concept en place et fait tenir tant bien que mal l’édifice, c’est le second élément du montage kantien : l’idée esthétique est le propre du génie. Le concept de génie assure le recouvrement de la forme artistique (ou technique) et de la libre forme esthétique en raison de sa double caractéristique. Il est la puissance qui vient à la place des règles de la tekhnè. Et cette puissance est celle de la « nature » de la poétique classique, quand elle opère directement, au lieu de le faire à travers le système des ressemblances et des convenances représentatives. Mais cette intervention « directe » qui transforme l’ingenium artistique en production de libres formes prend une figure spécifique. L’ancien « enthousiasme » est en train de changer de nom. Il s’appellera désormais inconscient. Le propre du génie, nous dit Kant, est l’ignorance de ce qu’il fait ou de ce que la nature fait en lui. C’est là ce qui différencie l’idée esthétique de son modèle, la clarté extensive de Baumgarten. La figure poétique chez celui-ci renvoyait encore à la tradition aristotélicienne. Elle était un moyen d’art, mise au service d’une fin expressive. Mais, avec la théorie kantienne du génie, c’est une autre idée de la figure qui vient prendre le devant de la scène et assurer discrètement la coïncidence entre forme artistique et forme esthétique. Un Homère ou un Wieland aurait bien du mal, nous dit Kant, à nous expliquer l’origine des brillantes figures de sa poésie. Dans cette insistance sur le non-savoir qui accompagne la performance de la figure, il nous faut voir plus que la vieille idée du génie « primitif ». Le siècle de Kant est celui où Vico est parti à la recherche du « véritable Homère ». Et l’on sait que la restitution du véritable Homère impliquait, pour lui, la transformation de l’idée même de la poésie et de son langage. Homère n’était plus l’inventeur d’histoires, de caractères et de métaphores célébré jusque-là. C’était le témoin d’un âge poétique du monde, d’un âge qui racontait des histoires parce qu’il ne distinguait pas bien les histoires et l’histoire ; qui campait des personnages emblématiques de telle ou telle vertu parce qu’il ne savait pas encore isoler les concepts de ces vertus ; qui usait de figures flamboyantes parce qu’il ne distinguait pas encore le propre et le figuré. En son essence la figure poétique n’était pas une œuvre délibérée de l’art mais un langage d’enfance, le langage des gestes et du chant qui précède le langage articulé des mots et leur usage libre par l’entendement.\n15Ce qui soutient la théorisation du génie et donne ainsi consistance à l’idée esthétique, c’est cette nouvelle interprétation de la figure poétique. Celle-ci n’est plus la marque savante de l’art qui invente l’image pour rendre la pensée sensible, elle est l’indifférenciation première de la pensée et de l’image. L’accord de la forme esthétique et de la forme artistique est suspendu à ce montage où c’est finalement le non-savoir poétique qui corrige le savoir artistique. Mais la simple union de la conscience et de la non-conscience, qui « libère » les formes en supprimant de l’art et de la volonté dans le processus de leur production, ne suffit pas encore à unir forme et forme, à transformer l’objet de la production artistique en objet de la libre appréhension esthétique. Il ne suffit pas d’enlever à la production de son intentionnalité. Il faut encore capter la puissance de l’apparence comme telle, dans sa différence avec toute mise en forme. C’est ce que Schiller ponctue très fortement dans les Lettres sur l’éducation esthétique de l’homme. La puissance esthétique est la puissance de la libre apparence et celle-ci se définit par une double neutralisation. Il faut neutraliser la puissance matérielle, la puissance passive du sensible. Mais il faut tout autant neutraliser l’opposé de l’instinct matériel, à savoir l’instinct formel, l’activisme de la pensée qui veut donner forme à la matière. L’instinct proprement esthétique, l’instinct de jeu se définit par la capacité à jouir de la libre apparence, de l’apparence qui ne montre ni ne dissimule rien, au devant ou en arrière d’elle-même. C’est cette apparence seule qui peut être absolue, qui peut racheter la conditionnalité de tout vouloir, conscient ou inconscient. Tout l’effort de la pensée esthétique est alors de s’emparer de cette absoluité de l’apparence pour en faire l’apparaître de la puissance d’art et mettre cette identité de l’apparence et de l’apparaître à la place de toute mise en forme.\n16Cette capture de l’apparence esthétique dans l’apparaître de l’art est exemplairement illustrée par le grand montage esthétique, le grand montage conceptuel de la théorie hégélienne. La consistance de la forme y est l’adéquation entre sens et sens, entre la manifestation d’un sens d’esprit et l’affirmation de la puissance propre du sensible apparaissant qui n’est apparence de rien. L’instinct de jeu, le plaisir pris à la libre apparence, est strictement identifié par lui à l’expression d’une volonté de l’esprit qui veut voir à la surface des choses une apparence de lui-même. Le plaisir du sauvage schillérien devant la forme purement décorative d’un coquillage inutile devient celui de l’enfant hégélien qui jette des galets pour faire des ronds à la surface de l’eau. Faire des ronds éphémères à la surface de l’eau, ce n’est pas là un simple jeu d’adresse, c’est une injonction faite aux apparences sensibles, c’est un geste de l’esprit qui veut dessiner sur la surface des apparences du monde une apparence de lui-même. Et, bien sûr, des ronds éphémères à la surface de l’eau, cela ne « ressemble » en rien à un enfant. La forme ainsi tracée et aussitôt dissipée n’est à la ressemblance d’aucun modèle. Cette idée de la forme/apparence congédie donc la logique de la ressemblance représentative. Et pourtant elle porte bien encore une ressemblance. Elle dessine la figure du pur vouloir, du pur Trieb encore abstrait qui porte l’esprit à prendre possession de lui-même à travers l’apparence suscitée à la surface des choses. La manifestation sensible est l’expression d’une puissance d’esprit qui est une puissance de sens. La forme est alors une trace d’esprit, elle est la trace d’un mouvement, la ressemblance d’une vibration à la surface de l’eau avec le mouvement de l’esprit qui se porte au-dehors de lui-même pour convertir ce dehors en sa pure apparence et se retrouver luimême dans les apparences du monde. Le geste de l’enfant est l’allégorie d’un art créateur de formes libres. C’est ce statut de la forme que nous rappelle Elie Faure : « La statue ne fait qu’imprimer sur le sol la trace de l’homme comme s’il marchait dans ses pas. Elle est l’homme, l’homme intérieur […]. » La forme donc n’est pas une copie, elle est une trace. Mais qu’estce au juste qu’une trace ? Si ce n’est pas une copie, c’est l’indice d’un passage, le symbole d’un mouvement. Mais alors la liberté de la forme est perdue aussitôt qu’affirmée. En témoigne exemplairement l’analyse hégélienne du tableau de genre hollandais. À la surface du tableau l’apparaître pur impose sa puissance au détriment des objets ou personnages représentés : scène domestique, intérieur bourgeois, geste familier. Les fils de la représentation qui attachaient la figure à un réseau d’activités prosaïques sont coupés et l’apparence brille pour elle-même dans sa liberté. Mais cette pure lumière du tableau n’est telle que parce qu’elle est la projection d’une certaine liberté, celle dont jouit le peuple hollandais, celle qu’il a conquise sur la nature et sur le despotisme politique ou religieux. La libre apparence est l’apparaître d’un esprit, celui qu’on appellera esprit du protestantisme ou du capitalisme. Mais aussi c’est parce qu’elle ne se connaît pas encore elle-même que cette liberté d’esprit se fait liberté de l’apparaître, lumière du tableau. La belle déduction flaubertienne de la volonté libre à la forme libre est ainsi dénoncée par avance. C’est une liberté non libre, une liberté qui ne se connaît pas elle-même qui se manifeste dans la liberté de la forme. La liberté de la forme est la manifestation d’une volonté contrariée. La forme/trace est un langage figuré d’esprit. En bref la forme est un symbole, cet être chauve-souris qui veut être à la fois langage et forme et n’a ainsi ni la clarté enchaînée de l’un ni la liberté de l’autre. C’est bien ce que nous dit Elie Faure après Hegel : l’histoire des formes est histoire des symboles. Les formes sont les « expressions momentanées et fugitives d’un mouvement interne instable et cependant continu ». Si les formes se définissent ainsi, elles ne se distinguent pas conceptuellement des symboles. Et l’esthétique rentre dans le cadre d’une symbolique générale des formes langagières à travers lesquelles l’« esprit » s’exprime en des images de lui-même qui sont des formes plastiques parce qu’elles sont d’abord des formes de la vie collective analogues aux formations géologiques.\n17Le paradoxe de la forme esthétique éclate alors. Sa pureté de « forme de rien » la déporte du côté du symbole. Pour échapper à ce destin, elle doit donc s’arrimer à cela même qu’elle révoquait, la ressemblance, ou plutôt une ressemblance privilégiée : une figure libre, une figure dépourvue de toute symbolicité, de tout écart par où le signe s’accuse aux dépens de la forme. Chez Hegel ce rôle sera rempli par une forme spécifique, la figure humaine sculpturale du dieu grec. La statue du dieu grec, c’est la figure de l’esprit qui a son corps propre, un corps qui le contient exactement, sans reste ; un corps dont il est – et n’est que – le pur dedans, la pure intériorité muette. L’histoire des formes se différencie de l’histoire des symboles parce qu’elle est suspendue à ce telos qui n’est pas son terme mais son acmè, le milieu de sa course : la figure sculpturale de l’esprit-sujet, de l’individualité organique. Le sujet est en effet, dit Hegel, ce qui se signifie soi-même et s’explicite soi-même, sans écart entre figure et signification. La statue est donc doublement figure. Elle est trace d’esprit, c’est-à-dire trace de ce qui n’a pas de figure sensible. Mais elle est aussi figuration de l’esprit dans une forme organique individualisée. Dans la statue du dieu/homme l’esprit a son « visage », un visage qui ne parle ni ne regarde, qui est la manifestation d’une intériorité d’esprit mais qui ne dit rien de cette intériorité. La course errante des traces d’esprit qui ne le montrent jamais mais parlent trop de lui est rachetée par cette figure « libre » où la trace d’esprit s’efface, où l’esprit n’est que le « dedans » d’une forme individualisée, où la figure est pur corps qui ne dit rien. La figure libre, c’est proprement la figure bête, au sens que Flaubert donnera à ce mot, en disant que les chefs-d’œuvre sont bêtes, qu’ils ne disent rien mais manifestent seulement leur existence. La forme n’est libre qu’à s’identifier à la stupidité « spirituelle » du dieu monumental et muet.\n18La statue est trace. Mais elle ne peut être simplement trace. Elle doit être aussi représentation de l’individualité. La forme libre ne peut être produite que par la conjonction des contraires. La forme est libre parce qu’elle est une trace qui dénie la ressemblance, qui marque le passage d’un vouloir de l’apparence inconditionné. Mais ce vouloir de l’apparence est le vouloir d’un esprit qui veut apparaître et s’apparaître, qui interdit par ce vouloir la liberté de la forme et la ramène à la fonction langagière du symbole. Cette liberté doit alors se reconquérir par l’identification de la forme à la figure par excellence, la figure du sujet, de l’intériorité en général individualisée dans un corps. Ainsi le mouvement des formes est celui d’une garantie réciproque. La trace du symbole rachète le vouloir mimétique. La figure organique individualisée de l’homme/dieu rachète à son tour la symbolicité de la trace. Le mouvement des formes oscille ainsi entre la trace et le corps. La forme se différencie de la mise en forme et du symbole. Mais cette oscillation n’est possible que parce que la forme plastique recueille et redouble la vieille polyvalence de la notion de figure : trope du langage et figure matérielle individualisée, individualité déterminée et moment d’une histoire.\n19Cette polyvalence s’exprimait en un raccourci saisissant de saint Augustin dans un chapitre de la Cité de Dieu où il discutait l’antiquité de l’écriture hébraïque. « Noé aussi fut prophète parce que l’arche qu’il a construite est une préfiguration du salut ». Il y avait là un raisonnement syllogistique quelque peu tordu : Noé a construit une arche, or cette arche est une préfiguration du salut, donc Noé, par l’œuvre de ses mains, annonce le salut. Mais l’important était ailleurs. Il était dans la façon dont la notion de figure assurait l’immédiate identité de trois actes : le récit de l’écrivain sacré qui racontait l’histoire de l’arche de Noé ; l’acte matériel de la construction de l’arche ; et l’acte propre à l’arche racontée qui était d’annoncer en figure le salut à venir. La figure était ainsi le produit d’un art matériel de façonner, le produit des fictions du discours et aussi une trace d’histoire, prophétie du futur et symbole d’union de l’ordre matériel et de l’ordre spirituel. La puissance figurative du conteur et de l’architecte s’y identifiait exactement à la puissance figurale, c’est-à-dire à la puissance par laquelle la figure signifiait un sens à venir. C’est cette double ressource de la figure dont la forme hérite. Et c’est pourquoi elle ne va pas sans son esprit, sans le mouvement qui va de la trace au corps et du corps à la trace, qui égale, à chaque station de ce mouvement, la liberté de la forme à la projection d’un esprit en mouvement perpétuel vers son accomplissement. L’esprit des formes, c’est l’esprit de cette circulation entre la trace et le corps, entre la dissolution et l’incarnation, entre la figuralité et la figuration. Chez Hegel on sait que cette circulation définit une traversée spécifique. Le mouvement des formes va de la trace symbolique au corps classique avant de faire le parcours inverse, le parcours romantique du corps à la trace et à son évanouissement. Le pur apparaître qui brille à la surface du tableau de genre hollandais est le moment qui précède cet évanouissement. Bientôt cette liberté prosaïque qui se manifeste comme liberté de la forme picturale se connaîtra elle-même, dans son monde propre et se dira dans le libre langage de la prose. La lumière du tableau alors se résoudra en pure résonance d’esprit, en manifestation d’une volonté « libre » qui n’aura plus, de ce fait même, besoin de se chercher dans l’indépendance d’aucune figure. L’esprit se retirera de la forme, laquelle ne sera plus que la manifestation en une matière indifférente de la libre volonté, de la volonté vouée à la réitération infinie de son geste impérial.\n20L’histoire de l’« esprit des formes » est l’histoire des tentatives pour corriger ce destin hégélien de la forme, pour affirmer, avec Flaubert, une « plasticité » de la phrase, une autosuffisance de la forme sans signification qui donne à l’immatérialité de la prose la figure consistante et l’intériorité muette du dieu de pierre, ou bien pour retourner avec Schopenhauer, Wagner et Nietzsche le statut de la musique. C’est selon cette seconde tradition qu’il faut comprendre le double rôle de l’esprit/feu qui anime les formes d’Elie Faure. L’esprit des formes est la puissance qui les dissout, qui les inscrit dans le devenir immatériel de la matière qui se nie elle-même en devenant vibration du son ou de la lumière. Mais à partir de là le cycle recommence, selon l’alternance comtienne des phases critique et organique de la vie de l’esprit. La musique n’est pas la voix qui se perd dans l’éther, elle est la symphonie des sons qui prélude à la symphonie cinématographique des images et à la symphonie sociale de la nouvelle humanité des constructeurs. Le feu destructeur de la musique devient alors le feu constructeur de l’architecture nouvelle.\n21Mais il importe peu d’inventorier les diverses contre-téléologies qui s’emploient à contrecarrer la téléologie hégélienne. Il importe plus de déterminer la logique qui les contraint en liant la forme à son esprit. Les discours actuels sur la « crise de l’art » laissent supposer que l’art s’est perdu en renonçant à son pouvoir propre, le jeu des formes, pour affirmer sa pure volonté d’auto-manifestation. Ce diagnostic se réclame volontiers de la théorisation hégélienne de la fin de l’art. Il nous explique en effet que le volontarisme avant-gardiste d’un art seulement occupé de se manifester lui-même et forcé par là de s’identifier aveuglément à la « tradition du nouveau » lui a fait abdiquer son royaume, celui des formes libres ou des libres apparences, celui de la révélation des puissances du visible. Mais qu’est-ce au juste que ce royaume du visible pur sinon cette royauté républicaine de la lumière qui éclairait aux yeux de Hegel les scènes d’auberge ou les intérieurs bourgeois hollandais ? Le royaume des formes ne s’oppose pas à la formalité de la volonté d’art. Il appartient à la même logique. Le choix « post-hégélien » n’oppose pas le royaume des libres apparences à l’entêtement de la volonté avant-gardiste. C’est au cœur même de la notion de forme que se trouve le dilemme. La forme n’a détrôné la ressemblance qu’au prix de la tension interne de la trace et du corps, de l’indice d’esprit qui pointe vers sa dissolution et de la figure individualisée de l’incarnation d’esprit. Les critiques mélancoliques opposent la présence sensible perdue des formes au geste d’auto-affirmation vide de l’art. Mais ils ne font eux-mêmes que monnayer interminablement l’esprit des formes en phénoménologie de la renaissance perpétuelle du monde sous le regard ébloui, de la « minute du monde qui passe », citation de Cézanne, c’est-à-dire de Gasquet, simplement coupée de son contexte faurien : la « morale éparse du monde » qui est « l’effort qu’il fait peut-être pour redevenir soleil ». Il n’y a pas d’opposition entre l’évidence de la présence sensible et le geste d’auto-désignation de l’art. La « forme » du mode esthétique de l’art est le théâtre de l’aistheton, la scène sur laquelle l’unité originelle postulée de la puissance sensible et de la puissance de signification se représente, s’atteste en se dédoublant.\n22Ce dédoublement n’est nulle part plus évident que dans ces singulières analyses de la « figure » picturale que nous présente Deleuze. Celles-ci nous commandent de voir dans la forme un pur « composé de sensations ». Mais ce composé de sensations est en fait un théâtre de la sensation. Sur le tableau de Bacon, telle que l’analyse Logique de la sensation, il y a seulement des pures formes plastiques : une figure qui ne raconte rien, un aplat, un rond qui unit et sépare l’une et l’autre. Mais la figure est en fait le mouvement d’une défiguration, l’effort d’un organisme pour devenir corps sans organes ; l’aplat est la puissance du chaos qui vient gifler la figure ; le rond est le ring ou le cirque où le composé de sensations s’avère comme composition de forces. La figure ne raconte aucune histoire ni personnage du monde. Mais le tableau, lui, raconte ce qu’est le tableau : une station dans un mouvement qui va non plus vers la dissolution lumineuse apollinienne mais vers la dissociation dionysiaque dans le chaos. Et la puissance qui anime ce mouvement qui transforme l’individualité-tableau en indice d’une force de désindividualisation a un nom, toujours le même. Elle s’appelle esprit. Le tableau est « une sorte de station incompréhensible et toute droite au milieu de tout dans l’esprit » : une forme de manifestation de l’esprit-chaos en marche vers lui-même, strictement symétrique à la forme de l’esprit-logos, en marche vers sa propre élucidation, qu’était la statue hégélienne du dieu grec.\n23Et sans doute dira-t-on qu’il s’agit là d’un de ces « commentaires », propres à la tradition du nouveau, qui doivent toujours rajouter de l’esprit à mesure que la forme se dissout. Mais ces commentaires nous rappellent ceci : la notion de forme est une notion contradictoire. La forme esthétique est, dans son concept, l’impossible identité du produit d’une volonté libre et de l’état d’une libre apparence. Ce qui est impossible ne laisse pas d’être, mais précisément sous la forme de la différence à soi. La forme esthétique est la forme d’écart spécifique dans laquelle cette identité se présente, c’est-à-dire se contredit. L’esprit de la forme pourrait être défini comme le lieu de tous les écarts ou plutôt comme la téléologie qui les totalise, qui les inscrit dans le mouvement qui porte toute forme en deçà ou au-delà d’elle même. La téologie hégélienne du retour à soi de l’esprit n’est que l’une de ces téléologies. La surréaliste « libération totale de l’esprit et de tout ce qui lui ressemble » en est une autre, comme le devenir-lumière de la matière au temps de Canudo ou d’Elie Faure, ou les « forces de l’invisible » et le « peuple à venir » de Deleuze.\n24Toute forme esthétique est alors l’écart particulier par lequel la forme contredit l’identité qu’elle déclare. Mais elle est aussi la résistance opposée au grand écart, à la perte dans sa vérité d’esprit, que celle-ci soit concept ou chaos, incarnation dans un corps collectif ou dissociation schizophrénique. Il n’y a pas de forme sans esprit de la forme. Il n’y en a pas non plus sans lutte contre cet esprit.\n© Presses universitaires de Vincennes, 1998\nRANCIÈRE, Jacques. La forme et son esprit In : La Forme en jeu [en ligne]. Saint-Denis : Presses universitaires de Vincennes, 1998 (généré le 16 juin 2021). Disponible sur Internet : <http://books.openedition.org/puv/228>. ISBN : 9782842929152. DOI : https://doi.org/10.4000/books.puv.228.\nRancière, J. 1998. La forme et son esprit. In Sorlin, P., Ropars-Wuilleumier, M., & Lagny, M. (Eds.), La Forme en jeu. Presses universitaires de Vincennes. doi :10.4000/books.puv.228\nRancière, Jacques. “La forme et son esprit”. Sorlin, Pierre, et al.. La Forme en jeu. Saint-Denis : Presses universitaires de Vincennes, 1998. (pp. 131-149) Web. <http://books.openedition.org/puv/228>.\nSORLIN, Pierre (dir.) ; ROPARS-WUILLEUMIER, Marie-Claire (dir.) ; et LAGNY, Michelle (dir.). La Forme en jeu. Nouvelle édition [en ligne]. Saint-Denis : Presses universitaires de Vincennes, 1998 (généré le 16 juin 2021). Disponible sur Internet : <http://books.openedition.org/puv/207>. ISBN : 9782842929152. DOI : https://doi.org/10.4000/books.puv.207.\nSorlin, P., Ropars-Wuilleumier, M., & Lagny, M. (Eds.) 1998. La Forme en jeu. Presses universitaires de Vincennes. doi :10.4000/books.puv.207\nSorlin, Pierre, et al., ed. La Forme en jeu. Saint-Denis : Presses universitaires de Vincennes, 1998. Web. <http://books.openedition.org/puv/207>.\n<iframe src="https://books.openedition.org/puv/228?format=embed" style="padding:5px;border:2px solid #ddd;" width="500" height="375"></iframe>


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une déco chaleureuse et cocooning - jualtanahrumahdibali- jualtanahrumahdibali.infoune déco chaleureuse et cocooning - jualtanahrumahdibali- jualtanahrumahdibali.info\nUne déco chaleureuse et cocooning\nJe vous l’ai déjà dit avec l’hiver qui arrive la maison a besoin de se réchauffer et vous aussi. Pour y arriver, il n’y a pas forcement besoin de faire beaucoup de travaux mais cela peut passer par des détails tout simples et bien pensés pour rester bien au chaud chez soi.\nAujourd’hui, je vous propose de découvrir maqui va vous permettre de rechauffer votre intérieur et de vous créer une déco chaleureuse et cocooning.\nParmi les atouts majeur pour rendre votre salon chaleureux pour passer l’hiver, il faut miser pour le sol sur du bois, des tapis tout doux, des peaux de bêtes. Aux fenêtres, des rideaux au tombé lourd seront du bel effet. Au plafond mais pas seulement, on multiplie les éclairages indirects et aux couleurs chaudes, bougies, guirlande lumineuse, veilleuse…Et pour les accesoires, coussins et plaids apporteront à coup sur douceur et chaleur à votre intérieur.\nPour une déco éthnique/orientale\nIci, il s’agit d’une déco qui va vous faire voyager, on est dans l’ethnique chic,, on n’oublie tout de même pas la touche de fourrure avec Les couleurs sont l’acajou (rouge), le jaune, le noir, le beige, lin, etc. Pour apporter toujours cette touche ethnique et douceur les tapis d’inspiration berbère sont parfaits. Enfin, les belles matières comme le cuivré et le doré compléteront le tout à merveille.\nPour une déco nordique\nPour une maison cocooning, chaleureuse et authentique, rien ne vaut la déco nordique. On en y ajoutant des coussins, pourquoi pas, unis ou encore comme ici. Les tapis sont des tapis de peau de mouton, ou de laine, tout doux. Le sol et pourquoi pas les murs sont en bois. Cela peut être du parquet mais aussi des sols vinyle imitation bois. Les couleurs à privilégier sont, bien sur, le beige, le blanc, le gris, le bleu clair…C’est tout doux ici, on est dans une ambiance nordique, il ne reste que le bon vieux feu de cheminée.\nPour une déco scandinave/graphique\nPour finir, on reste du côté du Nord mais on s’inspire des intérieurs scandinaves pastels et graphiques. Comme vous le voyez, il faut jouer entre , les marier avec de l’uni. Le plaid, la fausse fourrure, le bois doivent toujours être dans votre tête pour une déco chaleureuse. Ce qui va différer de la déco nordique c’est la palette de couleurs, le pastel, le noir et blanc et bien sur les formes graphiques que l’on peut retrouver sur les coussins, un tapis, un plaid ou encore du !\nVoilà vous avez maintenant quelques clés pour vous créer votre déco cocooning et chaleureuse à vous.\nÉtiquettes : blog déco, deco chaleureuse, déco cocooning, deco ethnique chic, deco nordique, déco scandinave, inspirations déco, saint-maclou\nConnaissez vous la marque de la table basse blanche (au pied de bois) dans le style scandinave / graphique ?\nCe post est top !!\nBonjour, alors il me semble que c’est la table basse de chez Normann Copenhagen. Merci beaucoup pour tes compliments 🙂\nj’adore ces idées de décoration spécialement la scandinave , graphique … Pourrais tu nous donner d’idées déco sur ce thème mais pour des chambres ; en ce basant sur beaucoup de blanc , de rose et de bleu . 😉\nSuite à ton article je souhaitais vous faire partager mon expérience pour choisir mon parquet. après avoir fait les grandes enseignes ( st maclou, leroy , casto ) je me suis tournée vers les petites adresses comme la parqueterie française, ou ils ont un large choix de teinte de parquet mais surtout des prix très intéressant. ils ont un shwroom dans le 1er arrondissement de paris au 55 rue des petits champs, l’équipe est vraiment à l’écoute et c’est assez plaisant de pouvoir discuter avec des professionnels qui prennent le temps de vous conseillez.\nVoila merci et bisous les filles.\nВ интеренете нашел классный интернет-сайт со статьями про https://showroom-kiev.com.ua.


Banfora : un camion-citerne aménagé pour le transport du blé s’est renversé | Quotidien Sidwaya\nAccueil ACTUALITES Banfora : un camion-citerne aménagé pour le transport du blé s’est renversé\nUn camion-citerne remorque transportant du blé s’est écroulé en plein cœur de la ville de Banfora dans la soirée d’hier. Aucune perte en vie humaine n’est à déplorer.\nLa cause de l’accident serait liée aux dalles d’un fossé qui a cédé.\nSelon plusieurs témoignages, le camion s’est écroulé en voulant contourner un autre gros porteur qui barre une rue de la ville.\nArticle précédentFrance : changer de paradigme\nArticle suivantBurkina – Guinée : l’ultimatum de la CEDEAO est arrivé à échéance


Il se tue en allumant un feu d'artifice sur sa tête !\n7 juillet 2015 à 16h33 par La rédaction\nL'homme est de par sa nature curieux, mais là... Pas besoin de tester ce que ça fait d'allumer un feu d'artifice sur sa tête, on le sait déjà, mais Devon, un jeune américain de 22 ans l'a fait... Et il en est mort.\nDevon Staples était en soirée avec ses amis, c'est là que le jeune homme trouve l'idée saugrenue de s'allumer un feu d'artifice sur le crâne. Ses amis pensent l'avoir convaincu de ne pas le faire, jugeant qu'il allait trop loin, mais Devon décide tout de même de le faire sans que ses amis puissent réagir... Dès que le feu d'artifice a explosé, Devon est mort sur le coup, selon Stephen McCausland, le porte-parole du département de sécurité publique local.\n"J'étais le premier sur place. C'était inutile de l'emmener au plus vite à l'hôpital. Il n'y avait plus de Devon à emmener quand je suis arrivé. C'était un accident... Devon n'était pas le genre de personnes à faire quelque chose d'aussi stupide. C'était le genre de personnes à faire croire qu'il ferait quelque chose de drôle pour faire rire les gens."\ncody staples, le frère de devon


chevron_right Ultra premium : Le meilleur choix de croquettes pour les chats et pour les chiens\n- Catégories : Chat ,\tChien\nCode de réduction à la fin de l'article\nQue vous soyez éleveur, particulier, que votre chien soit sportif, âgé, en gestation ou que votre chat soit obèse, sensible, stressé ou allaite, ses besoins nutritionnels et vos aspirations, seront tous différents. Devant tant de choix, difficile de savoir quelle alimentation est la plus adaptée à votre animal. Cet article va tout vous expliquer pour définitivement ne plus vous tromper.\nUne précision est importante à apporter avant de rentrer dans le cœur du sujet. N’oubliez pas que le chien et le chat sont carnivores. Leurs besoins primordiaux seront satisfaits par un apport conséquent en protéines et en lipides. Pour faire simple, la viande et le poisson ainsi que le gras.\nPremium, Super premium, Ultra premium : Tout comprendre en un clin d’œil !\nAvant d’acheter la nourriture de votre animal, il faut prendre connaissance avec les 3 types de standards auxquels vous allez être confrontés et qui représentent la seule vraie nomenclature importante :\n- ★ Nourriture Premium\n- ★★★ Nourriture Super Premium\n- ★★★★★ Nourriture Ultra Premium\nDécouvrons plus en détail ce que cela signifie :\n1) Gamme Premium\n• Protéines > 18 % : Farine de viande + sous-produits (carcasse)+ protéines végétales\n• Lipides ≥ 5%\n• Glucides > 50% : Riz, maïs, blé\n2) Gamme Super Premium\n• Protéines > 20 % : Viande + sous-produits (carcasse)\n• Lipides ≥ 12% : Graisse animale + huile végétale\n• Glucides ≤ 60% : Riz, maïs, etc.\n3) Gamme Ultra Premium\n• Protéines ≥ 30 % : Viande ou de poisson de haute qualité (viande fraiche)\n• Lipides > 15% : Graisse animale ou huile de poisson\n• Glucides < 35% : S’il s’agit d’une alimentation sans céréales, les glucides proviendront par exemple de pommes de terre, de poix ou de quinoa.\nA tout cela, il faut ajouter l’adjonction d’antioxydants naturels, sans colorant et aux extraits de plantes pour l’Ultra Premium. Les autres niveaux peuvent quant à eux être pourvus d’antioxydants artificiels voir de colorant (sauf Super Premium).\nRappel : Les protéines et les lipides sont les composants les plus importants pour que votre animal soit en bonne santé. Vous devrez faire votre choix en regardant prioritairement ces éléments. Une alimentation d’entrée de gamme sera composée de farine de viande et de protéines végétales alors qu’une alimentation haut de gamme (Ultra Premium) sera exclusivement composée de produits carnés de qualité, viande ou poisson et de lipides d’origine animale.\nL’Ultra Premium ; une évidence ?\nPenchons-nous un peu plus sur l’Ultra Premium, l’excellence de l’alimentation animale. La nomenclature, que nous avons découverte en amont, indique que l’Ultra Premium doit contenir un minimum de 50% de viande ou de poisson de haute qualité (viande fraiche), soit 30% de protéines brutes et un taux de lipides (graisse animale ou huile de poisson) supérieur à 15%. Ils représentent près de la moitié de la recette. Il faut noter qu’il ne s’agit pas d’ingrédients préalablement transformés, comme les farines, mais de matières nobles dont les nutriments ont été préservés (notamment avec une cuisson vapeur). L’Ultra Premium fait toute la différence avec les autres catégories de nourriture. Les carcasses de volailles sont proscrites, les protéines végétales également et le gras est exclusivement d’origine animale. Les recettes sont réalisées à partir du muscle, viande ou poisson, et non d’éléments inappropriés comme les os broyés, les viscères, les tendons, etc.\no De la viande haut de gamme et du poisson de mer\nLe type de viande peut être varié. Viande rouge, viande blanche, peu importe. On peut trouver de la volaille, comme le poulet, mais également du canard ou du sanglier voir du cerf. Quant au poisson, il s’agira exclusivement de poisson de mer à chaire grasse, comme le hareng, le maquereau ou le saumon pour bénéficier d’un apport en oméga-3, excellente source en acides gras et qui composent les lipides.\no Des lipides régénérateurs\nDans l’Ultra Premium, pas de mélange et surtout pas de matière grasse d’origine végétale. De l’animal seulement. Les lipides proviennent généralement de la peau de poulet, très grasse ou de poisson comme expliqué dans le paragraphe précédent. Ils vont pouvoir apporter notamment les acides gras saturés essentiels. En découlent un meilleur fonctionnement du cerveau, de la rétine, du système nerveux ou encore du système cardio-vasculaire.\no Et pourquoi pas de céréales ?\nSoyons clairs, les céréales ne font pas parti de l’alimentation naturelle de chiens et des chats. Si votre matou se promène entre les blés, c’est plutôt pour partir à la chasse aux souris. Les céréales ne sont donc pas indispensables à leurs santés. Cependant, un apport en glucides, le sucre donc, reste nécessaire. Mais comme pour nous, la farine blanche comporte un indice glycémique trop important, elle est donc à proscrire. Et c’est bien la différence de l’Ultra Premium avec les autres normes. Seront privilégiés les fruits ou les tubercules comme les pommes de terre, etc.\no Toujours plus\nApposer Ultra Premium sur son emballage nécessite de respecter ces quotas à minima. Cependant, certaines marques vont encore plus loin. C’est le cas de Diusapet avec sa gamme Alleva Holistic. La marque propose avec Holistic, des produits qui contiennent plus du double du pourcentage requis. Pour preuve, les croquettes multi-protéinés (double source de viande) Poulet & Canard + Aloe Vera & Ginseng pour chien offrent entre 65 et 75 % de viande selon la recette (mini, medium, maxi, chiot et adulte), les croquettes Agneau & Cerf, entre 60 et 65%. Et le poisson de mer, idem, de 60 à 70%. Et ce ne sont là que trois exemples. Il en va de même pour les recettes dédiées aux chats. Rien en dessous de 38% de protéines brutes avec une grande majorité de produits dont la moyenne dépasse les 40% de viande ou de poisson.\nUltra Premium : oui, oui, et encore oui !\nVous l’aurez compris. Premium, Super Premium ou Ultra Premium, il y a des différences notables. En optant pour l’Ultra Premium, le vrai, qui répond aux exigences requises avec plus de 50% de viande (muscle) et plus de 15% de lipides d’origine animale, vous êtes certains d’offrir à votre chien ou à votre chat une alimentation parfaitement adaptée à ses besoins vitaux.\nUne dernière chose avant de conclure. + de céréales donc + de glucides et + de glucides, dit - de protéines et - de protéines = moins de viande. Et donc… des économies pour les fabricants. Et des animaux en moins bonne santé. Alors avant de plonger la tête la première et de céder aux sirènes du « BIO » ou du « enrichi en fibres », qui restent de bonnes intentions, veillez à d’abord regarder la composition. Car bien souvent cela veut d’abord dire, plus de céréales, et donc un animal qui aura tendance à prendre du poids. Alors c’est simple. L’Ultra Premium, c’est + de 50% de viandes et + de 15% de graisse d’origine animale.\nVous voulez essayer de vraies croquettes de qualité Ultra Premium ?\nCODE : ultrapremium\nUtilisez ce code pour bénéficier de 10% de réduction sur les produits de la gamme Ultra Premium Alleva Holistic.\nDécouvrez nos croquettes Ultra Premium pour chien\nDécouvrez nos croquettes Ultra Premium pour chat\nPublié le : 06/05/2021 14:31:10\nChoisir la meilleure alimentation pour les petits chiens ?\nPublié le : 06/05/2021 14:38:20\nAlimentation du chat : Comment nourrir un chat stérilisé ?\nPublié le : 06/05/2021 13:44:51\nPublié le : 18/12/2020 11:12:25\nPublié le : 27/04/2021 14:39:32\nPublié le : 27/04/2021 15:00:11\nPublié le : 27/04/2021 15:26:55


Henri Matisse, lignes essentielles\nAccueil > Arts et Expositions > Henri Matisse, lignes essentielles\nHenri Matisse, Étude pour la rosace de la Vierge à l'Enfant de la façade de la chapelle de Vence, 1951,Ø 150 cm (MUSÉE DÉPARTEMENTAL MATISSE, LE CATEAU-CAMBRÉSIS. ©SUCCESSIONH. MATISSE).\nLe maître de la couleur fauve excelle aussi dans l'art du noir. Ce noir qui est pour Henri Matisse (1869-1954) un « générateur de lumière ».\nDans le cadre de la manifestation « Dessiner-Tracer », organisée par l’Association des conservateurs des musées du Nord-Pas-de-Calais, Dominique Szymusiak propose un accrochage centré sur ses dessins à l’encre de Chine, réalisés au pinceau.\nSi les premières oeuvres présentées (chevaux, natures mortes, visages) montrent que l’artiste s’initie à cette technique dès 1900, la grande période débute en 1946. « Matisse utilise alors le noir comme un outil autonome, en accordant la même importance à un dessin qu’à une peinture », explique la commissaire.\nPortraits, acrobates, calligraphies (le livre illustré Jazz, mêlant l’écriture en noir et la couleur des gouaches découpées), études pour la chapelle de Vence ou platanes stylisés annonçant les céramiques peintes qu’Henri Matisse imaginera pour la salle à manger de Tériade, à Saint-Jean-Cap-Ferrat, en1951, chaque oeuvre est un éblouissement. En particulier les portraits, où quelques lignes seulement, essentielles, pures, modulées, suffisent à donner vie à un visage.\nPlus d’informations sur Matisse, les dessins au pinceau dans l’onglet agenda\nAlicia Paz : Juntas (Ensemble)\nFaust Cardinali : Les Griffes du capital\nYang Jiechang : Tale of the 11th Day\nMiller Levy : Bijoux à dessein


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1001 nuits pour Actulligence – Actulligence Consulting\nPublié parFrédéric Martinet\t 27 février 2008 Laisser un commentaire sur 1001 nuits pour Actulligence\nPetit moment de contentement personnel qui n’intéresse que moi mais dont je ne pouvais toutefois pas m’empêcher de parler sur ce site. Malgrès une activité professionnelle mouvementée et chargée, cela faisait plusieurs semaines que le lectorat quotidien de mon flux RSS se rapprochait du chiffre fatidique du premier millier. Et c’est chose faite, après bientôt deux ans de l’existence de ce nouveau site, succédant à www.martinet-on-line.com et à un autre dont je ne citerai même pas le nom, Actulligence a franchi le cap des mille lecteurs par jour sur son flux RSS.\nPrès de 400 billets, soit un rythme de plus de un tous les deux jours, ce qui n’est pas si mal que ça. Certes des inégalités sur le contenu, des billets avec plus ou moins de valeur selon le temps dont je dispose, du billet de fond au simple signalement en passant par le truc et astuce.\nEt un dernier chiffre, à peu près 1500 visites par jour en moyenne selon mes statistiques webalyser.\nUn regret enfin celui de ne pas avoir eu le temps de faire beaucoup évoluer ce site ergonomiquement, graphiquement et fonctionnellement ni même la fonctionnalité de mettre à jour certaines parties qui pourtant me tiennent à coeur, tels que les fichiers à télécharger et tout simplement le regret de n’avoir pas plus de temps à y accorder, à le faire vivre, et à en faire un vrai site au contenu et à l’allure professionnelle. D’autres regrets, comme celui de ne pas prendre le temps d’organiser mes bookmarks proposés sur ce site ou de ne pas mettre assez régulièrement à jour ma liste de flux RSS, etc\nMais de toute façon cela pourrait toujours être mieux et malheureusement j’ai encore un peu besoin d’une chose trés superfaitatoire aux yeux de certains mais que je juge pour ma part indispensable : le sommeil!\nAller, un petit break jusqu’à la semaine prochaine bien mérité (enfin si je craque pas avant), avant de franchir le cap des 1000 et de repartir de plus belle.\nPublié parFrédéric Martinet 27 février 2008 Publié dansActualites, N'importe quoi


Bad Bunny est testé positif au COVID-19 - Actualités d'Amérique du Sud en français\nAccueil / La Colombie / Bad Bunny est testé positif au COVID-19\nL'artiste portoricain Mauvais lapin a été testé positif au covid-19, c'est pourquoi il n'a pas pu participer en personne à la Prix de la musique américaine 2020, où il a été reconnu comme "Artiste masculin préféré – Latino" Oui "Album préféré – Latin" pour son album "YHLQMDLG".\nCela a été rapporté par l'agence de représentation Lacoustyle dans une déclaration dans laquelle il indique que, pour cette raison, sa participation était virtuelle hier soir depuis son domicile à Los Angeles, Californie), d'où il a présenté la première catégorie latine des prix, "Artiste Féminin Préféré – Latina".\nAu départ, il était prévu que Mauvais lapin chantera son succès mondial "Dákiti" près de Jhay Cortez -le thème qui est devenu la chanson numéro un des charts musicaux du monde entier- "Mais malheureusement, l'artiste a confirmé qu'il avait contracté le virus covid-19 et a dû annuler sa présentation."\nD'autre part, l'artiste urbain portoricain a été inclus dans le casting et sera l'un des producteurs exécutifs du film "American Sole", dans le groupe de producteurs duquel le comédien américain se démarque Kevin Hart et le basketteur Chris Paul.\nCertains acteurs qui participeront à ce film sont Pete Davidson, acteur de l'émission de télévision "Saturday Night Live"; O'Shea Jackson Jr, fils aîné du légendaire rappeur américain Ice Cube; Camila Mendes et le rappeur Offset.\nLe film est réalisé par Ian Edelman, qui a déjà eu de l'expérience dans la direction d'autres acteurs portoricains, y compris, Luis Guzmán, dans le film "Portoricains à Paris" (Portoricains à Paris).\nIl est prévu que Mauvais lapin se démarque également dans son rôle de guest star dans la troisième saison de la série Netflix "Narcos: Mexique". dans lequel il jouera le personnage de Arturo "Kitty" Páez, membre du gang "Narco Juniors" de Ramón Arellano Félix.\nLe chiffonnier sera un jeune homme riche de la haute société qui tombe amoureux d'un cartel.\n"American Sole" est d'environ deux jeunes hommes dans la vingtaine, Davidson et Jackson, chargés de dettes de leurs études universitaires, ils commencent à vendre des chaussures de sport et dont les ventes leur rapportent de gros profits atteignant le «rêve américain».\nEFE • Colombia.com • Lun, 23 / Nov / 2020 8:00\nArticle précédentLes propriétaires d'écoles privées abandonnent le processus de retour à l'école\nArticle suivantJosé Avendaño et Ricardo Apitz, deux Vénézuéliens qui dirigent l'un des événements de mode les plus importants de Colombie


Sophie Laurin : Trouver son chemin | Revue Les libraires\nAccueil Littérature québécoise Sophie Laurin : Trouver son chemin\nÀ l’été 2007, alors que Sara et Sébastien partent en road trip — leur périple est raconté dans En route vers nowhere —, Marjorie, la meilleure amie de Sara, reste à Montréal et s’ennuie. Elle se remémore ses anciennes histoires amoureuses, souvent décevantes, et rêve à un amour réciproque. Pour passer le temps, elle traîne avec son ami Jean-Philippe — le coloc de Sébastien, lui aussi malchanceux en amour. Dans Fausses routes, comme dans En route vers nowhere, l’auteure Sophie Laurin explore les aléas amoureux et amicaux d’une bande attachante à l’aube de la vingtaine, cette période effervescente de tous les possibles, mais aussi celle où l’on cherche sa voie.\nPourquoi avoir choisi de camper votre histoire en 2007?\nEn 2007, j’étais au début de ma vingtaine, donc du même âge que les personnages du roman. J’aimais l’idée d’utiliser mes référents culturels et de me replonger dans mes souvenirs de jeune adulte. Et comme je n’avais pas envie de faire référence aux réseaux sociaux dans le récit (je considérais qu’ils prenaient déjà trop de place dans ma vie à ce moment-là), je trouvais idéal de camper le récit aux balbutiements de Facebook.\nQuelle signification a le titre Fausses routes pour vous?\nImpossible pour moi de répondre sans faire d’allusions routières! Pour moi, les fausses routes, ce sont les histoires qui nous amènent à un endroit où l’on n’avait jamais imaginé se rendre. Ce sont les détours que la vie nous impose qui nous font grandir et apprendre. Ce sont les chemins douteux que l’on prend, même quand ils nous paraissent louches et qu’on se doute que ça va mal finir parce que l’appel de l’inconnu est trop fort et qu’on est curieux de voir jusqu’où le trajet peut nous mener.\nEn écrivant le roman, je me suis beaucoup questionnée sur certaines actions et réactions de mes personnages, à savoir si elles étaient suffisamment crédibles ou réalistes. Même chose pour la fin du récit. Je me demandais si un dénouement heureux passait inexorablement par un happy ending amoureux. Finalement, j’ai réalisé que ce qui m’importait le plus, c’était de mettre en scène l’amour de la façon la plus authentique possible parce que c’est ce qui me parle le plus en tant qu’auteure et lectrice.\nDans En route vers nowhere, Sara et Sébastien partent en road trip. Dans Fausses routes, un autre voyage se prépare. Qu’est-ce qui vous inspire dans les voyages?\nJ’ai commencé à voyager au début de ma vingtaine et j’ai tellement de bons souvenirs et d’anecdotes de vie reliées à ces voyages que j’ai eu envie de m’en inspirer. Ils m’ont aidée à établir la personne que je suis aujourd’hui en révélant mes forces et mes faiblesses. L’insouciance qui nous habite au début de la vingtaine et l’imprévisibilité du voyage sont deux thèmes qui m’inspirent beaucoup. J’aime l’idée qu’une rencontre fortuite ou qu’une simple invitation puisse changer le cours d’un périple. Mes plus beaux voyages ont été ceux où rien n’était prévu d’avance et où je me suis laissée porter par ce qui se présentait à moi.\nDans Fausses routes, on suit Marjorie, qui était un personnage secondaire dans En route vers nowhere. Souhaitez-vous continuer à écrire autour de cette bande d’amis dans un prochain livre?\nC’est mon intention! Après avoir suivi les parcours amoureux respectifs de Sara et Marjorie, je souhaite explorer davantage le fort lien amical qui unit les deux meilleures amies depuis l’école secondaire. J’aime trop ces personnages pour ne pas imaginer la suite de leur histoire dans un troisième roman!\nSophie Laurin Hurtubise - 13 avril 2021\nSophie Laurin Hurtubise - 24 juin 2020


Publié le: 15/05/2017\t| Par: Synolia\nLe jeudi 15 juin à l’espace Batignolles Paris, l’évènement Perspective Client organisé par Synolia en partenariat avec SugarCRM et Emarsys sera dédié à l'expérience client et aux technologies permettant de développer une stratégie client réussie.\nDurant cette matinée, plusieurs conférences seront consacrées aux pratiques et à la maitrise des outils servant à accompagner le client dans son parcours personnalisé et ainsi faire de l’expérience client un véritable avantage concurrentiel.\nA cette occasion, des intervenants de grande expertise partageront leurs connaissances et leurs retours d’expériences. Parmi eux, Clint Oram, co-fondateur et CMO de SugarCRM, sera présent en France uniquement pour cet événement.\nDétenir les bonnes pratiques à travers l’adoption de technologies comme la nouvelle solution Intelligence Artificielle Marketing d’Emarsys – intervention d’Amaury Martin, RVP Revenue Francechez Emarsys.\nPerspective Client - Jeudi 15 juin de 09H00 à 13h30 - L’espace Batignolles, 18 rue la Condamine, 75017 Paris - métro La Fourche M13.\nLa participation à cet événement est gratuite mais le nombre de places est limité.\nContact : perspectiveclient@synolia.com


La Marche Nordique présentation\nLes réservations du refuge\nRéservations du 4ème trimestre 2021\nRéservations du 1er trimestre 2022\nRéservations du 2ème trimestre 2022\nRéservations du 3ème trimestre 2022\nTélécharger le calendrier de nos activités\nActivités de la section Photo\nLa Marche Nordique est une activité de fitness qui consiste en une marche sportive où les bras participent à la progession par l'intermédiaire de bâtons.\nInitialement pratiquée en été par les skieurs de fond pour continuer leur entrainement en l'absence de neige, s'est devenu dans les pays d'Europe du Nord, une activité à part entière pratiquée par plus de 3 millions de personnes.\nCette activité de marche avec des bâtons est bénéfique pour la santé. En effet, les jambes, les bras, les épaules et l'ensemble du tronc sont sollicités.\n90% des muscles sont mis à contribution. De plus, la Marche Nordique est peu traumatisante pour les articulations car elle n'impose pas de chocs contrairement au footing.\nComme beaucoup d'activité de fitness, c'est une activité physique qui permet d'éliminer le stress et maintenir la forme.\nElle peut être pratiquée à tout age celon ses possibilités physiques.\nLes seules contre-indications sont pour les malades cardiaques sévères et les personnes souffrant de problèmes articulaires chroniques\nUne séance de Marche Nordique dure 2 heures environ et se déroule en extérieur. Elle ne nécessite que des chaussures basse de footing à semelles tout terrain et bien sûr des bâtons.\nLes bâtons de Marche Nordique sont spécifiques car ils intégrent des gantelets nécessaires pour transmettre la poussée des bras. De plus, ils sont trés résistants, trés légers et absorbent les vibrations.\nSi vous voulez découvrir cette activité ou la pratiquer régulièrement, nous organisons des séances chaque Dimanche matin et Jeudi après-midi.\nElle sont gratuites, seule une cotisation aux Amis de la Nature de Saint-Dié des Vosges sera demandée.\nAfin de vous permettre d'essayer, nous serons heureux de vous acceuillir pour 2 séances sans adhérer aux AN. Nous prêtons des bâtons contre une contribution de 2 € par séance.\nDonc, si vous êtes partant, rendez-vous Samedi à 9h00 ou Jeudi à 13h45, square La Fayette (place en face de l'ancienne clinique de cardiologie).\ndes mouvements d'échauffement et d'étirement : Cliquez ici\ndes parcours : Cliquez ici\n5 Dernières Nouvelles\nProjections de diaporamas sur les Vosges\nSortie raquettes du 8 février 2022\nComptage des aoiseaux le samedi 29 janvier\nSortie raquettes du 30 janvier "de la Schlucht vers le Tanet"\nMarche nordique dimanche 4 décembre 2021


CGT Douane : Compte-rendu audience cabinet Dussopt...\nPosté le 21 octobre 2021.\nLes organisations syndicales étaient reçues le 20/10/2021 par le directeur de cabinet du ministre Dussopt.\nVous avez reçu le communiqué de l’intersyndicale.\nDe ces échanges est ressortie beaucoup de déception, un sentiment de méconnaissance des dossiers de la part du directeur de cabinet et bien peu de réponses aux interrogations de la CGT :\nTout d’abord , concernant le transfert des missions fiscales, la CGT a martelé que c’était un non sens, que les risques en termes de baisse de recouvrement était réels, que nous étions farouchement opposés à ce transfert et que la campagne électorale qui arrive sera l’occasion d’interpeller les candidats.\nSur la demande portée par l’intersyndicale d’une revalorisation salariale pérenne pour tous les douaniers, celle-ci n’est pas à l’ordre du jour et seule une prime « one shot » (ce qu’a obtenu FIP) est envisagée. Si elle était retenue elle devrait être versée avant la fin de l’année et serait potentiellement différenciée pour les catégories A, B et C (ce qui est le cas à FIP). Nous n’avons eu ni le montant de la prime ni celui de l’enveloppe.\nLa prime pour les multi-restructurés devrait être retenue également. A la CGT, nous avons porté cette revendication pour le préjudice subi, à la différence près que nous considérons que c’est dès la première restructuration qu’elle doit être versée. Nous n’avons eu ni le montant de la prime ni celui de l’enveloppe.\nConcernant les promotions, alors que FIP a obtenu une enveloppe de 300 promotions supplémentaires, tous grades confondus, il n’en est pas question pour la DGDDI.\nLes éventuelles annonces devraient avoir lieu la semaine prochaine, à l’occasion de la rencontre de l’intersyndicale avec le ministre. Une consultation sera ensuite lancée dans la CGT.\nLa CGT a rappelé, alors que le directeur de cabinet s’auto-congratulait pour des effectifs douanes stabilisés (un contrat doit voir le jour pour les périodes 2022-2025), que les sous-effectifs liés à la sous-estimation de l’impact du Brexit posaient toujours autant de problèmes dans les services et que les situations dégradées étaient toujours aussi nombreuses dans les bureaux et les brigades.\nAlors qu’il souhaitait également mettre l’accent sur l’augmentation des moyens concernant les conditions de travail et l’aménagement des bureaux et brigades, le SNAD CGT a rappelé que ces engagements avaient déjà été pris à l’occasion du protocole de fin de conflit de 2019 et qu’il était juste question de les respecter.\nIl a évoqué la pérennité des missions douanières en ne mettant en avant que les contrôles migratoires aux frontières et le e-commerce. Cette annonce nous semble déconnectée des réalités de terrain et des besoins.\nDes inquiétudes demeurent et la DG met la douane sous tension en créant des situations explosives :\ninquiétudes sur les services aéro-maritimes et les attaques sur leur régime horaire\ninquiétudes suite à l’annonce d’une expérimentation sur le régime horaire de tous les agents de la surveillance\ninquiétudes pour les collègues exerçant des missions fiscales\ninquiétudes sur l’avenir de nos missions et des implantations douanières\nTout au long de cet échange la CGT a voulu remettre l’humain et les missions au centre des débats, les situations individuelles difficiles, le caractère anxiogène des réformes et réorganisations, le sentiment d’abandon ressenti par les collègues, etc.\nQuoi qu’il en soit, on peut d’ores et déjà dire que ces annonces, loin du compte pour le moment, sont le fruit de la mobilisation de la CGT et de l’intersyndicale. Et que les douaniers, tous ensemble, vont devoir s’inviter par tous les moyens dans les débats à venir pour renforcer le service public douanier et aller chercher la reconnaissance qu’ils méritent.\nPdf à télécharger (170.6 ko)


La belle série se poursuit - 07/12/2014 - La Nouvelle République Vienne\nVienne - Volley-ball - ligue b (9e journée)\nEldin Demirovic et le Stade Poitevin enchaînent une cinquième victoire face à Avignon. - (Photos cor., Mickaël Pichon)\nPoitiers - Avignon : 3-1 Grâce à un succès sans trembler, malgré la perte du troisième set, le Stade Poitevin pointe désormais à la 4 e place du classement.\nEn championnat, le match référence à haute intensité du côté de Lawson-Body attendra donc encore un peu. Hier soir, l'essentiel était ailleurs, dans cette capacité à faire valoir son statut à la maison, trop rarement vue jusque-là.\nSans livrer une prestation haut de gamme, et sans avoir besoin de la produire à ce moment-là non plus, le Stade Poitevin a étiré une série positive qui commence à avoir de l'allure (lire ci-contre).\nLe match n'aura jamais atteint des sommets, mais quand celui-ci est calé entre deux séries de rendez-vous de gala – Ajaccio et Nancy la semaine dernière, Nice puis Alès dans les sept jours qui viennent –, engranger le maximum de points est la seule chose que l'on retient.\nPlus de sérénité dans les moments chauds\nLes hommes de Brice Donat ont atteint ce but parce qu'ils ne vacillent plus autant qu'avant dans les moments chauds. Aussi parce qu'Avignon lui a sérieusement ouvert la voie du succès. 65 points gagnants chez le vainqueur, 66 chez le perdant. 48 attaques gagnantes côté Poitiers (à 39 %), sept de plus pour l'équipe qui est repartie bredouille de la Vienne (à 41 %).\nA eux seuls, ces chiffres-là montrent qu'Avignon s'est parfois occupé de trop de choses sur le terrain pour espérer un autre dénouement. Avec 34 fautes directes, difficile de s'en sortir.\nLe premier set l'a parfaitement illustré. De 18-17 à 23-21, Duhagon et ses partenaires ont vu l'AVB les emmener au bout du set, avec cinq fautes directes, dont quatre au service. A peine entré, N'Gapeth a bouclé l'affaire d'un smash ravageur (25-21). De nouveau aligné en défense, Korovyanskyy s'est quant à lui montré précieux par séquences.\nMalgré un Krolis en mode diesel, le Stade Poitevin a ainsi mené sans forcer, avant de prendre les choses en mains. Une série de six mises en jeu signée Brizola a réveillé le public (8-2) et idéalement lancé Poitiers vers un avantage plus conséquent. Un Demirovic bondissant, un Duhagon efficace et une nouvelle entrée inspirée de N'Gapeth ont confirmé la tendance initiale (16-9, 20-13 puis 25-14).\nBref, tout s'est bien passé durant une heure, mais Brice Donat avait déjà entendu ce refrain face à Cambrai (2-3 à l'arrivée). Pour la première fois, le promu s'est mis à courir derrière son adversaire (0-3, 7-12) et l'a regretté. A 12-16, Walter allait signaler à l'arbitre avoir touché le ballon sur une attaque, malgré le point donné à son équipe. Applaudissements de la salle, rage non contenue de son coach, agacé par la gentillesse de son joueur. L'affaire a relancé Krolis, beaucoup plus en vue sur la fin, et les siens. En vain : sur une faute de Lemaire, Avignon s'est remis la tête un peu à l'endroit après avoir sauvé une balle de match (26-28).\nLe retour des vieux démons ? Pas cette fois. Dans le droit chemin d'entrée de quatrième set, Poitiers a eu la bonne idée de s'éviter des sueurs froides (5-2, 15-12, 21-18). Encore décisif, N'Gapeth a fait lever le public, avant que Lemaire ne libère le millier de spectateurs sur un contre rageur.\nLoin des débuts compliqués, le Stade Poitevin est ce matin 4e de Ligue B. Un point devant Nice, avant un duel sur la Côte-d'Azur dès mardi.\nLes sets : 25-21 en 26', 25-14 en 26', 26-28 en 32', 25-21 en 28'.\nSpectateurs : 1.017.\nL'équipe : Demirovic 11, Brizola 8, Duhagon 10, Krolis 16, Halilovic 2, Lemaire 11. Libero : Hébert. Puis : Korovyanskyy, N'Gapeth 8, Thaller, Dubreuil.\n48 attaques gagnantes : Krolis 16, Demirovic 11.\n4 aces : Duhagon 3.\n14 contres : Brizola 4.\n7 fautes directes : Krolis 4.\n12 fautes au service : Lemaire 3.\nPoints sur fautes adverses : 35.\nL'équipe : Meehan 9, Ventresque 23, Fagundes Walter 13, Usiljanin 5, Nyabeye 9, Martinez 3. Libero : Mouiel. Puis : Barbaud, Carn 3.\n55 attaques gagnantes : Ventresque 22.\n9 contres : Nyabeye 4.\n16 fautes directes : Ventreque 6.\n18 fautes au service.\nPoints sur fautes adverses : 19.\nBrice Donat (entraîneur de Poitiers) : « A 2-0, je savais que ça allait être compliqué face à une équipe qui prenait beaucoup de risques. On aurait pu, voire dû, finir ce match en trois sets. Mais on sent que l'équipe commence à respirer et à moins s'affoler. On est restés tranquilles pour aller chercher la victoire. »\nJosé Amet (entraîneur d'Avignon) : « On a aucune marge, alors dès qu'un joueur n'est pas au niveau, on ne peut pas espérer grand-chose. C'était le cas ce soir (hier). Il faut que mes joueurs apprennent à croire en leur potentiel. Après, il y avait tout de même une belle équipe en face. »\nVincent Duhagon (capitaine de Poitiers) : « Ce n'est pas un match qui a atteint des sommets en terme de niveau de jeu. Mais on a été très appliqués, dans la lignée de ce que l'on produit ces derniers temps. Avignon a pris beaucoup de risques au service, ça nous a aidés à un certain moment. Au final, c'est un très bon résultat. »\nVous êtes ici : Sport > Volley > Régionaux > La belle série se poursuit