ENTREVOUS 12 caviardé by Société littéraire de Laval - Issuu\nSOCIÉTÉ LITTÉRAIRE DE LAVAL ISSN 2371-1590 (LAVAL. EN LIGNE) ISBN PDF 978-2-924361-18-4\nJe rêve d’un sentier J’en parle à voix basse Voilà que l’idée fait le tour du village Comme l’eau du ruisseau\nextrait poétique de la couverture Richard Séguin, sur le site Web Les amis du patrimoine de Saint-Venant-de-Paquette. Citation liée à la note 3 de l’article de Julie Grimard, pages 48 et 49.\n© Société littéraire de Laval – Entrevous reproduction interdite sans autorisation des auteurs titulaires des droits Dépôt légal – février 2020 Bibliothèque et Archives nationales du Québec – Bibliothèque et Archives Canada\nISSN 2371-1590 (Laval. En ligne) – ISBN PDF 978-2-924361-18-4\n12 Merci aux auteurs et aux artistes listés en page 5. Merci aux collaborateurs ci-dessous. TOUS LES ARTICLES • DANIELLE SHELTON COUVERTURE • RICHARD SÉGUIN\n– AMIS DU PATRIMOINE DE SAINT-VENANT-DE-PAQUETTE\n• JEAN-LUC PROULX – ANDRÉ-GUY ROBERT SECTION\nSOUS-SECTION / MOTS SUR IMAGE • NATALIE ARNETT – LUCIE DESJARDINS • SUZANNE ST-HILAIRE • BARBARA SCHUERRER SECTION / LIEUX DE MÉMOIRE LITTÉRAIRE • KENNETH WHITE SECTION / INTERPRÉTATION VS INTENTION • DIANE LANDRY SECTION / DANS LA TÊTE DE... • FRANCINE ALLARD – SUZANNE\nST-HILAIRE – GINETTE TRÉPANIER\nSECTION / RENDEZ-VOUS AVEC... • MAXIME GAGNON – HÉLÈNE LAFOREST – ALEXA PERCHEMAL – LUCILE DE PESLOÜAN – LOUIS RASTELLI – SUZANNE ST-HILAIRE – EXPOZINE • ANDRÉ BISSON – JEAN-PAUL DESJARDINS – JOHNNY GRAVEL – PIERRE HAREL – NORMAN KERR – PIERRE LAVOIE – PATRICK LEBRASSEUR – GEORGE PAPAFILYS – BANQ – MAISON DES ARTS DE LAVAL – SOLOVOX ÉDITIONS LIBRE EXPRESSION – LES PRESSES DE L’UNIVERSITÉ DE MONTRÉAL • PHILIPPE BESSON – SALON DU LIVRE DE MONTRÉAL • MICHEL GONNEVILLE – SERGE MAHEU – PIERRE MORENCY – VÉRONIQUE LACROIX / ECM+ – SALLE BOURGIE DU MUSÉE DES BEAUX-ARTS DE MONTRÉAL SECTION\nSOUS-SECTION / MUSIQUE ET POÉSIE • CHŒUR DES JEUNES DE LAVAL – OSL – ÉGLISE SAINT-MAURICE-DE-DUVERNAY SOUS-SECTION / OPÉRA-TANGO • JULIE CHARLAND – LES ÉDITIONS DE L’INSTANT MÊME – THÉÂTRE DES MUSES SOUS-SECTION / HUMOUR ET POÉSIE • DAVID GOUDREAULT – MAXIME PICARD\n– THÉÂTRE GILLES-VIGNEAULT\nSOUS-SECTION / THÉÂTRE • SIMON BOUDREAULT – JEAN-GUY LEGAULT – MAISON DE LA CULTURE AHUNTSIC-CARTIERVILLE THÉÂTRE DES MUSES – THÉÂTRE DE LA LICORNE • ÉLISABETH COULON-LAFLEUR / SHAKESPEARE – MÉLODIE LUPIEN / DANIEL DANIS – AMÉLIE PINEAULT / DARIA COLONNA – LA SERRE – ARTS VIVANTS / NICOLAS BIAUX / THÉÂTRE AUX ÉCURIES\nSOUS-SECTION / DANSE ET BEAUX-ARTS • ANTOINE CARON – ALAN LAKE – THÉÂTRE DES\nMUSES – MUSÉE DU LOUVRE\n12 LIMINAIRE • DANIELLE SHELTON – Prépositions et autres liens ....................................................................... 06 • PATRICK COPPENS – Création du Prix Patrick-Coppens–Entrevous ....................................... 08 LABORATOIRE DE CRÉATION TROC-PAROLES •\nMOTS SUR IMAGES •\nPATRICK COPPENS – Faire le mur ou De la miniature à la fresque .................................... 10\nInspiration à la chaine : SUZANNE ST-HILAIRE – Silence (art visuel) LESLIE PICHÉ – Faire œuvre utile (poème) DANIELLE SHELTON – Leçon de courage (poème) ...............................................................\nLa route bleue de Kenneth White ...................................................................................... KENNETH WHITE (texte), PATRICE REYTIER (dessins) – Comic strips géopoétiques : Matin de neige à Montréal; Territoires chamaniques; La vallée des bouleaux; Ungava; Terres arctiques; Stockholm ..............................................................................\nLIEUX DE MÉMOIRE LITTÉRAIRE • DANIELLE SHELTON – Tourisme littéraire : Stockholm et le fantôme de Strindberg\nINTERPRÉTATION VS INTENTION • DANIÈLE PANNETON – Ta peau (poème et intention) • MARIE BEAULIEU, FRANCE BONNEAU, MARIE-SŒURETTE MATHIEU, MONIQUE PAGÉ, LESLIE PICHÉ – Interprétations du poème Ta peau de Danièle Panneton ................\nDANS LA TÊTE DE... • SUZANNE ST-HILAIRE – Longtemps les vêtements .......................................................... • GINETTE TRÉPANIER – L’élégance de Clairette ................................................................... • FRANCINE ALLARD – La couturière et la bouquetière ......................................................\nRENDEZ-VOUS AVEC... • SUZANNE ST-HILAIRE – Moi, Suzanne, fan de zines ........................................................ • DANIELLE SHELTON – Pierre Harel au Rendez-vous de la Francophonie à Laval .... • MARTINE CHOMIENNE – Michel Gonneville et son Bonhomme de chemin ............... • LISE CHEVRIER ET DONNA SENÉCAL – Alexandre Jardin et Philippe Besson sur le continuum fiction et vérité, liberté et retenue .....................................................\nMUSIQUE ET POÉSIE – OSL SÉRIE LES CHAMBRISTES • DANIÈLE PANNETON – Cette respiration ............................................................................... • LESLIE PICHÉ – chŒur .............................................................................................................\nOPÉRA-TANGO ET LITTÉRATURE • DANIELLE SHELTON ET MARCELLE BISAILLON – Le dédale de la Bibliothèque-interdite ......................................................................................................... 46\nHUMOUR ET POÉSIE SUR SCÈNE • JULIE GRIMARD – David Goudreault en appelle à la poésie pour contaminer son public ................................................................................................\nDANIELLE SHELTON ET VINCENT DIRAKA – La recherche-création de Simon Boudreault ...........................................................................................................\nFESTIVAL VOUS ÊTES ICI • DANIELLE SHELTON – Élisabeth Coulon-Lafleur ou la révolte des scénographes ............................................................................................................ 54 • LESLIE PICHÉ – Mélodie Lupien sur les traces du chaos dans la Maison Durant ................................................................................................... 55 • AMÉLIE PINEAULT – Ne faites pas honte à votre siècle : immergez ...................... 56\nDANSE ET BEAUX-ARTS : UN ACTE POÉTIQUE • ANDRÉ-GUY ROBERT – Le cri des méduses ou le langage de l’indicible .................\nD ANIELLE S HELTON P RÉPOSITIONS\nInspirant ! ce qu’on nous écrit au sujet de la revue. Pas parce que c’est « encourageant », mais parce que c’est « littéraire ».\nPar exemple, ce commentaire de Jean-Luc Proulx : « Tiens ! un mot sur la revue, numéro 11. Avec plaisir ici, recevoir la revue en ligne. En être un lecteur. Recommencer à l’être. Lire, relire. Se reposer là longtemps entre les solives du texte, des images. Attendre. Recommencer sans bruit. Recommencer a plusieurs destins : voir, revoir, comprendre, s’inspirer (couleurs révélées). Merci au travail, à l’exigence, à l’imaginaire, au neuf ! Les signes du talent sont parmi l’œuvre, oui. Une réalité augmentée tout ce talent. Bravo ! »\nEt là, ressortir ce courriel d’André-Guy Robert, gardé en banque depuis le 21 aout 2018, pour servir un jour, peut-être : « Je suis tombé sur cette phrase, ce matin, qui décrit bien ENTREVOUS : Tu ne parles pas pour les gens, mais avec eux. (Colum McCann, Lettres à un jeune auteur, Belfond, 2018, p. 33). » Si je continue sur ce thème, je vais me répéter. Mais si je repère les prépositions dans ces citations, je me lance sur une nouvelle voie prometteuse. Il y a tout d’abord la préposition « entre », présente dans le titre de la revue au sens, rappelons-le, de construction entre deux solives : Proulx en fait un espace de repos, donc d’assimilation des créations des autres et de guet de l’impulsion de sa propre créativité. D’ores et déjà, on dépasse le simple commentaire « sur » la revue, pour se situer « dedans » et se sentir « chez » soi. Il y a eu un espace-temps « avant » la lecture et il y en aura un « après ». « Pendant », on se meut « vers » autrui et « jusqu’à » soi, ne rencontrant en chemin que peu de « contre » ou de « malgré », donc d’opposition. En somme, de « par » sa structure, la revue ne cherche pas tant l’approbation du « pour », que l’accompagnement du « avec ».\nMe relisant, je crains de n’avoir fait que dire autrement ce que je martèle depuis le numéro 01. On peut appeler cela de l’entêtement ou de la suite dans les idées, ce qui fait un peu cliché. Mais ce leitmotiv qui a pour résultat de démystifier les processus créatifs se répand, quoique certains choisissent de préserver le « mystère » de leur écriture. Simon Boudreault n’est pas de ceux-là, lui qui fait en tournée une conférence fascinante sur le processus de création de chacune de ses pièces. J’ai bien écrit fascinante : il est rare que j’emploie un adjectif aussi élogieux, mais ici, je l’applique aussi bien à la démarche du dramaturge qu’à l’idée même de ce genre de rencontre, de surcroit offerte gratuitement au public – il faut remercier le Théâtre des Muses de Laval de l’avoir intégrée à sa programmation régulière et, bien sûr, lire notre article (p. 50 à 53). Un article qui lui-même fait des liens avec deux autres : l’un apparente les jurons de la pièce Sauce brune coécrite par Boudreault au langage en dentelle bleue du rockeur Pierre Harel (p. 51, encadré qui complète les pages 32 à 37) ; l’autre, sur Gloucester, la pièce dans laquelle Boudreault parodie le drame shakespearien Roméo et Juliette (p. 53), trouve un écho dans une folle création d’Élisabeth Coulon-Lafleur où les amants de Vérone enchainent à voix haute didascalies et vers (p. 54). Quelques pages ENTREVOUS\nplus loin, on découvre une autre paire d’artistes qui se sont inspirés, chacun pour soi, du Radeau de La Méduse du peintre Géricault : Amélie Pineault dans sa mise en scène d’un texte de Daria Colonna (p. 56 à 58), et Alan Lake dans une chorégraphie (p. 59). Voilà que je réalise qu’il me faut reprendre le feuilletage du numéro du début, pour relever d’autres liens. Celui entre la comic strip de l’auteur écossais Kenneth White, qui évoque le fantôme de Stockholm (p. 16), l’écrivain suédois Strindberg que retrace la section Lieux de mémoire littéraire (p. 17). Celui qui lie la poésie de Ginette Trépanier et la prose de Francine Allard sur la haute couture, au fanzine Longtemps les vêtements de Suzanne St-Hilaire (p. 22), cette dernière prolongeant sa démarche de création par un reportage sur l’Expozine. Il y aussi la chaine d’inspiration tissée par cette même Suzanne, Leslie Piché et moi (p. 12 et 13). Et enfin, il y a le roman « vrai » d’Alexandre Jardin que deux de nos reporters valident, en quelque sorte, chez Philippe Besson (p. 40 et 41) de passage au Salon du livre de Montréal. Ce numéro de la revue a la palme des liaisons légitimes. Ça me plait.\nSommaire du contenu de ce numéro Mots sur images • Patrick Coppens transpose ses miniatures en fresque et s’en explique avec sa verve poétique habituelle. Suit une expérience d’inspiration à la chaine : Leslie Piché offre un poème à Suzanne St-Hilaire, comme un défi créatif auquel l’artiste répond par une construction de matériaux mixtes, puis le tout est interprété par Danielle Shelton. Enfin, l’illustrateur Patrice Reytier et le poète philosophe Kenneth White proposent six nouvelles bandes dessinées en trois images (comic strips), les premières ayant paru dans ENTREVOUS 11.\nLieux de mémoire littéraire • On piste à Stockholm le fantôme de Strindberg évoqué dans une comic strip de Kenneth White et Patrice Reytier. Interprétation vs Intention • Un nouveau poème inédit de Danièle Panneton a été mis au jeu et cinq participantes l’interprètent avec leur propre sensibilité, en prose ou en poésie, puis son autrice en révèle les clés de lecture au plus près de son intention.\nDans la tête de... • Les vêtements sont une source d’inspiration pour Suzanne St-Hilaire, Ginette Trépanier et Francine Allard, qui ont engendré respectivement un fanzine, un recueil de poésie et une saga romanesque.\nRendez-vous avec... • On visite l’Expozine de Montréal et on présente trois autrices de zines, on reçoit Pierre Harel au Rendez-vous de la Francophonie, on interviewe Michel Gonneville sur son spectacle multidisciplinaire et on cible Philippe Besson à une table ronde du Salon du livre de Montréal, en lien avec un roman d’Alexandre Jardin. La littérature est partout • Cette section traque le littéraire à deux concerts de la série Les Chambristes de l’OSL, dans un opéra-tango, dans un monologue poétique pour ados et adultes, dans les processus de création d’un dramaturge, à un festival d’arts vivants et dans une chorégraphie inspirée des beaux-arts. • 12\nCréation du Prix Patrick-Coppens–Entrevous C’est avec humour et générosité que Patrick Coppens a fait une donation à la Société littéraire de Laval – qu’il a cofondée il y a trente-cinq ans – afin de financer, pendant dix ans, un prix littéraire annuel récompensant l’auteur ou l’autrice de son texte préféré paru dans la revue d’arts littéraires ENTREVOUS. Se déclarant seul membre du jury, il a relu à l’aveugle (sans voir les noms) les trois numéros de l’année 2019, pour arrêter son choix sur un texte, en s’accordant la liberté d’octroyer des mentions. Après avoir fait l’annonce de son concours le 24 octobre 2019 – lors du lancement à la Bibliothèque Multiculturelle du troisième et dernier numéro de l’année – Patrick Coppens a remis, sur place, une deuxième mention et un chèque de 75 $ à Diane Landry, pour son poème Vent du Nord paru dans le numéro 10, puis une première mention et un chèque de 125 $ à Monique Pagé, pour son poème Désarmés paru dans le numéro 11. Stoppant son élan, il a attendu le Salon du livre des membres de la Société littéraire, qui a eu lieu le 1er décembre à la Maison des arts de Laval, pour attribuer son prix accompagné d’un chèque de 200 $ à Claudie Bellemare, pour son poème Désir paru dans le numéro 10. Appréciations de Patrick Coppens\n« Identité fiévreuse, amours tumultueuses, passions disloquées. Dans sa poésie puissante et originale, Claudie Bellemare prend des risques et bouscule la syntaxe pour un surcroit d’intensité. Colère, confidence et mystère se relaient pour échanger des vérités parfois amères, souvent toniques, et la plainte se fait indéniable chant. Un premier prix plus que mérité. » « Dans sa poésie sur le thème du temps qui érode, à la fois épreuve et ascèse, Monique Pagé a su conjuguer observation et réflexion, détachement et lucidité, gravité lumineuse et sagesse. » « Le texte de Diane Landry est une poésie simple et touchante, avec un brin d’humour, en prise directe sur le quotidien. C’est la Nature en ville, son importance affective, sa fragilité. Vent du Nord nous rappelle aussi, sans didactisme, l’urgence de mieux contrôler les changements climatiques. »\nLa publication du numéro 12 de la revue ENTREVOUS a été facilitée par un don de la Fondation lavalloise des lettres et une subvention du programme Mécénat Placements Culture. ENTREVOUS\nLaboratoire de création littéraire Troc-paroles /3\nMots sur images : atric oppens ou\naire le mur e la miniature la resque\netite histoire de cette photo Dans la cuisine californienne de la nièce de Patrick Coppens, cet article de la revue (première version) a rejoint les souvenirs de la famille Arnett. À gauche de la petite Amanda, deux des recueils du poète-artiste : Ludictionnaire 2 et Carnets secrets d’Agathe Brisebois. La photo de ce cabinet de curiosités que, Patrick a réexpédiée à ENTREVOUS, a été reçue comme une invitation à Vous m’avez dit : refaire cette page et à en apprendre « Une fresque, là. » plus sur la fresque.\netite histoire de la resque\nEn tournée dans son pays natal, Patrick Coppens s’est vu commander une fresque murale par un amateur d’art de la région catalane française, qui avait vu ses dessins sur Internet sans réaliser qu’il s’agissait de miniatures. L’artiste a accepté le défi de faire croitre ses fabuleuses créatures. Pour ce faire, sans modifier son style pictural, il a inventé sur place sa technique muraliste, en s’inspirant de celle, ancienne, dite a fresco. PHOTO\nVous m’avez dit : « Une fresque, là. » Tout de suite, j’ai vu grand, mais au pied du mur, je me suis senti bien petit. De sa blancheur immaculée, le mur me toisait ; sa verticalité me donnait le vertige, et les reflets d’un rideau de mousseline qui dansait dans le vent me démontraient l’impossibilité de capter les mouvements du réel, les emportements de la lumière. Je fermai alors la fenêtre; les reflets s’apaisèrent. Par les trous du rideau, une ribambelle de silhouettes, à la fois fantastiques, oniriques et enfantines, apparurent. C’est de quelques-unes de ces apparitions fugaces – le jour déclinait – que je m’inspirai pour réaliser la fresque dans laquelle on voit au repos quelques créatures amicales, presque familières. L’une d’elles ressemble à un hippocampe à queue de sirène, une autre à ces chevaux de bois tout en tête que les enfants enfourchaient au siècle passé, et une troisième a la silhouette gracieuse d’une patineuse de fantaisie coiffée d’une tuque à pompon.\nAbonné aux petits formats, je n’aurais jamais cru qu’une fresque pouvait être – dans certaines circonstances – une simple miniature qu’il faut regarder à distance. Loin de moi l’idée de théoriser ma pratique, puisque je répugne aux techniques, rechigne aux procédés, et suis proche du discret mouvement Subrept (du français subrepticement). Mais il me semble avoir découvert que la distance qui sépare l’œil de l’œuvre décide de l’art choisi, de sa nature. J’ai aussi été étonné de constater que l’encre pigmentée, avec laquelle je fais équipe,, s’accommode plutôt bien du plâtre, de la chaux et même du crépi, et qu’un mur déjà peint, lézardé ou écaillé, donne de l’élan à celui qui va l’illustrer. Je suis passé, presque sans le vouloir, de miniaturiste à colorieur d’espace. Prochaine étape, les plafonds ? Sans me prendre, il va de soi, pour Michel-Ange ou Chagall ! • 12\nMots sur images : inspiration\noeu re et photos de u anne t- ilaire ENTREVOUS\nLeslie Piché a fait cadeau de son poème Faire œuvre utile à Suzanne St-Hilaire, qui l’a remerciée en s’en inspirant pour créer une œuvre sculpturale intitulée Silence. Le tout a ensuite inspiré à Danielle Shelton un nouveau poème : Leçon de courage.\naire oeu re utile\npo me de Leslie iché\nQu’est-ce qu’est-ce donc que cette bizarrerie qui s’échafaude sur une poignée de lettres ces petites choses qui s’entrechoquent joliment tiennent tête au tintamarre tonitruant du bavardage ambiant ? Fildeferristes en équilibre elles épèlent le mot silence.\nLe on de courage\npo me de\nQu’est-ce onc d rrerie qu’est-ce onc que cette biza hoquent d e e ntr c qu’est-c es qui s’e née de lettres s o h c s te ne poig ces peti udage d’u raille ? fa a h c é t e b c ’écran en sur fond d nt bien-disa oubli ? te is rr fe e l’ ld r Un fi te d’injecte n te n o l’ i nt à qu rd ? riste milita Un équilib t détourner le rega u e dont on v ntaine la plume fo à t ri p s e Un a vie qui joue s du puits giratoire s au-dessu aveugle ? e c n e il s du\nMots sur images : comic strips géopoétiques\nLe numéro 11 d’ENTREVOUS avait fait paraitre, en octobre 2019, six comic strips du poète-philosophe écossais Kenneth White et du dessinateur français Patrice Reytier. Sur les deux premières bandes dessinées, titrées La route bleue, on reconnaissait la 175 Nord bordée de conifères qui mène à Chicoutimi, et un autobus Voyageur faisant route, dans un paysage automnal de feuillus colorés, vers la ville de Québec. Dans ce numéro 12, cinq autres comic strips de la série canadienne, hivernales celles-là : Matin de neige à Montréal, Territoires chamaniques, La vallée des bouleaux, Ungava et Terres arctiques. S’en ajoute une où il neige sur Stockholm (une invitation au tourisme littéraire, p. 17). En 1983, La route bleue de Kenneth White s’incarnait déjà dans son récit d’un voyage initiatique du fleuve Saint-Laurent jusqu’au Grand-Nord, une œuvre couronnée par un prix Médicis et paru en traduction française chez Grasset. Le poète a sa manière à lui de scruter les paysages inhospitaliers et pourtant vivants et habités, d’écouter le silence et les bruits du monde. Ses rencontres humaines (Innus et Inuits des réserves dénaturantes, chasseurs nostalgiques et mineurs résilients, faune alcoolisée terrée dans des bars isolés) alternent avec ses rêveries philosophiques, ses haïkus et des références à des penseurs en quête, comme lui, d’une vraie expérience de survivance et de liberté sur une piste fantasmée.\nLa route bleue de Kenneth White « De quoi s’agit-il donc ? / De voyage, certes. En termes géographiques, de Montréal au Labrador en longeant la rive nord du Saint-Laurent. [...] / Celui qui voyage sur la route bleue est un nomade intellectuel. Le nomade intellectuel a deux cousins : le loup des steppes de Hesse, et l’étranger de Camus. Mais il a ses spécificités. Le nomade intellectuel n’est ni l’intellectuel platonicien idéaliste, ni l’intellectuel sartrien engagé, ni l’intellectuel médiatique passe-partout qui commente à la petite semaine les évènements sociopolitiques. Il sort de l’arène, il traverse des territoires physiques, mentaux, culturels, afin d’ouvrir un espace, cet espace que j’ai fini par appeler géopoétique. [...] / Les principes, ici, sur la route bleue, sont élémentaires, radicaux et extrêmes. / Ils ont pour noms roche, vent, pluie, neige, lumière. / Il s’agit, passage après passage, d’entrer en dernier lieu dans le grand rapport. / C’est sur les routes bleues du monde que recommence, avec tout le reste, la vraie littérature. »\nExtrait de sa préface dans la nouvelle édition de La route bleue, éditions Le mot et le reste, 2013. ENTREVOUS\nDessins Patrice Reytier\nLA VALLÉE DES BOULEAUX\nDessins Patrice Reytier • 12\nUNGAVA a paru en page 111 du numéro 13 de la revue culturelle française Noto, en feuilletage gratuit sur Internet.\nDessins Patrice Reytier ENTREVOUS\nDans la comic strip STOCKHOLM (p. 16), Kenneth White fait référence au « fantôme de Strindberg qui passait, titubant, sur la chaussée ». ENTREVOUS s’intéressant au TOURISME LITTÉRAIRE , partons sur les traces d’August Strindberg dans Stockholm et ses environs. Ce célèbre dramaturge et écrivain est né en 1849 au cœur de la vieille ville, sur l’ile de Riddarholmen (l’ilot des chevaliers) où la Suède a dédié à son œuvre sa dernière résidence, Blå tornet (la Tour bleue). À quelques pas se trouve son Intima Teatern, le théâtre qui produisit ses pièces de 1907 à sa fermeture en 1910, et qui a été restauré et réouvert en 2003 avec la même mission artistique. Arrêts suivants : la röda rummet de style baroque du Berns Hotel, qui a donné son titre au premier roman de Strindberg (La chambre rouge ou Le cabinet rouge); le Nordiska museet de l’ile de Djurgården, où est conservé, entre autres manuscrits, celui de sa tragédie Fröken Julie (Mademoiselle Julie) ; l’ile de Kymmendö dans l’archipel sud, qui lui a inspiré le roman Hemsöborna (Les gens de Hemsö) ; l’université d’Uppsala, où il a tenté sans succès d’obtenir un diplôme, et enfin la cathédrale du 13e siècle qui l’a vu déambuler dans la vieille ville. Dernier arrêt : sa tombe à Norra begravningsplatsen (cimetière du Nord) dans la commune de Solna, logée dans le quartier 13 A, au numéro 101.\n« Au fond, c’est ça la solitude : s’envelopper dans le cocon de son âme, se faire chrysalide et attendre la métamorphose, car elle arrive toujours. » August Strindberg. Seul, éditions Mercure de France, 1967.\nAugust Strindberg vers 1902, photographié par Herman Anderson\nINTERPRÉTATION VS INTENTION Des lecteurs visitent un auteur. Un poème inédit est mis au jeu. Le but de ce jeu ? Démontrer que le poème est vivant et qu’entre l’auteur et les lecteurs, il se produit un abandon du carcan de l’intention initiale, en échange de la liberté d’interprétation, qui peut résulter en une appropriation créative. Si le poème réussit à toucher le lecteur, l’auteur gagne ! Mot de l’arbitre Ta peau, un poème de Danièle Panneton, est mis au jeu dans ce numéro. Un appel à contributions sur Internet a permis de recueillir des propositions d’interprétation du poème. Avant de tourner la page pour découvrir les textes retenus et l’intention de la poète, nous vous invitons à vous prêter au jeu.\nÉtoiles du match Interprétation en prose poétique : Marie Beaulieu, France Bonneau, Marie-Sœurette Mathieu, Leslie Piché. Interprétation mixte : Monique Pagé.\nPoème mis au jeu • Ta peau Poète • Danièle Panneton\nSur ta peau rêveuse et absente l’enfance est un doute fragile. Assis, seul, à ta fenêtre d’ennui, tu caches ta blessure. À trop m’attendre dans l’ombre d’une aube écorchée à trop étreindre le désir absurde d’un port il ne te reste que l’empreinte d’une chambre chaotique. Je suis devenue la mémoire friable d’une ruelle un ouragan insolite dans le bazar d’une librairie. Lève-toi secoue ton grand corps pathétique et ne tombe plus dans le piège d’un horizon instinctif.\nINTERPRÉTATION EN PROSE DE LA LECTRICE • LESLIE PICHÉ D’emblée, je crois que c’est le fœtus à naitre, ou non, qui s’adresse à sa mère qui le sera, ou non. Un angle très inusité et surtout cruel pour la mère : et si le fœtus choisissait de ne pas être... N’intime-t-il pas à sa mère de se secouer dans le chaos de sa chambre et dans son corps ? À la relecture du poème, je réalise que mon interprétation spontanée n’est pas plausible. « Assis, seul... » : ce n’est donc pas une femme à la fenêtre...\nINTERPRÉTATION EN PROSE DE LA LECTRICE • FRANCE BONNEAU Ce texte évoque une enfance difficile. Le passé d’une personne resurgit sans cesse. Elle cherche donc un abri stable, car elle n’a pu et ne peut trouver une solution, même encore aujourd’hui. Elle refuse surtout de voir et de reconnaitre sa blessure. Un ami intime, qui connait son histoire, n’a qu’un conseil à lui donner : se lever, faire face à ses difficultés, oublier. Fuir l’horizon d’hier qui lui ramène toujours un trop-plein d’émotions, une peur inutile et encombrante. C’est du moins ce que pense et souhaite profondément son ami.\nINTERPRÉTATION EN PROSE DE LA LECTRICE • MARIE-SŒURETTE MATHIEU Sortir de l’enfance est difficile pour la personne à qui la poète s’adresse, aussi lui donne-t-elle un conseil ultime pour éviter le piège des regrets et d’une vie irréfléchie.\nINTERPRÉTATION EN PROSE DE LA LECTRICE • MARIE BEAULIEU\nIci, l’allusion aux souvenirs de lieux marquants. Pays de l’enfance ou des ailleurs qui évoquent des rencontres, des peines, des joies, peut-être aussi un spleen actuel. Temps et silence mûrissent l’âme par la recherche d’issues possibles pour de nouveaux départs vers certains horizons charnels ou inconnus.\nINTERPRÉTATION MIXTE DE LA LECTRICE • MONIQUE PAGÉ Je lis qu’un fils blessé dans l’enfance par un manque, une absence ou autre insécurité dissimule son corps soit entre les draps de son lit, soit dans les seuls gestes dictés par l’instinct. Il stagne, comme enseveli sous le chaos d’une adolescence autocollante. Il ne voit pas d’horizon pour lui. Sa mère le secoue et lui rappelle la lumière du jour : lève-toi et marche. Lève-toi je suis celle qui frappe ta face moribonde je suis le scalpel qui racle ta chair de poule pour en arracher la torpeur je suis celle qui pourchasse les doutes inutiles Secoue tes blessures au-dessus de la ruelle livrée à la tornade Rejoins ton seul port d’attache au creux de ta poitrine cuirassée de dures vérités\nINTENTION DE LA POÈTE • DANIÈLE PANNETON Mon poème est né d’un déclencheur d’écriture – l’écriture écho – proposé par l’autrice Marie Dupuis, pendant un de ses ateliers : s’inspirer des mots des autres participants, qui ne font pas nécessairement partie de notre vocabulaire spontané et qui nous ont parlé, puis se les approprier en créant un texte qui reflète notre propre imaginaire et notre vision personnelle des êtres et des choses. Pour la mise au jeu du texte dans la revue ENTREVOUS, on m’a proposé d’enlever le dernier vers du poème, « Ta peau rêveuse et absente ne me manque plus », afin de laisser plus d’ouverture aux interprétations. Ce vers dévoilait mon intention : évoquer une rupture amoureuse et, surtout, le regard qu’une femme pose sur l’homme qu’elle a quitté. Comme quoi, les mots des autres peuvent aussi nous inspirer et nous inviter à être au plus près de nous-mêmes.\nLes trois autrices ont en commun d’avoir été inspirées par les vêtements à la mode au cours du 20e siècle, mais d’une façon fort différente.\nSuzanne St-Hilaire puise dans son enfance pour se réinventer. Ginette Trépanier rend un hommage. Francine Allard s’inspire de sa famille dans un roman d’époque.\nLa mode par le grand escalier, récit poétique de Ginette Trépanier, est une biographie poétisée de Clairette Trudel, la créatrice de haute couture de la Maison de Clairette, sise rue Bonaventure à Trois-Rivières, dans un édifice de style victorien. Paru en 2013, le recueil est composé de 19 suites poétiques, 21 photographies d’archives, autant de croquis de robes, plus des notices biographiques. La Couturière est une trilogie romanesque de Francine Allard, parue entre 2008 et 2010. Son héroïne principale est une créatrice de haute couture du siècle dernier qui, gravissant les échelons, ouvrira un atelier à Montréal et fera défiler ses mannequins au chic hôtel Ritz-Carlton. QUIZ Quelle créatrice de haute couture montréalaise a réellement présenté ses créations lors d’un défilé au Ritz-Carlton en 1938 ? réponse page 60\nIL A Y TROIS MODES D’ORGANISATION PICTURALE : ÉNUMÉRATION, JUXTAPOSITION ET SUPERPOSITION.\nArrivé le dernier, c’est le fanzine qui a déclenché cet article et ramené les deux autres publications sur le dessus de la pile des sujets à couvrir sans plus attendre, car liés par un thème.\nLe fanzine de Suzanne St-Hilaire révèle une autre facette de cette artiste d’art brut autodidacte, issue d’un milieu qui l’a blessée dans l’enfance. Elle s’était présentée à une activité de la Société littéraire de Laval,en aout 2016, avec un scrapbook autobiographique rempli de poésie, de dessins et de collages. Depuis, la revue publie régulièrement ses créations multidisciplinaires (voir les numéros 03, 05, 08 et 10). ENTREVOUS 12 consacre trois pages à un journal intime de mots, de collages et de photographies de famille. Le support est un cahier d’écolier à couverture noire et aux pages lignées jaunies, enveloppé d’un patron de blouse en papier pelure d’oignon. Le contenu pictural est presque entièrement organisé par énumération1 d’éléments divers collés ou attachés avec des épingles de nourrice et de couturière. Ils racontent l’histoire d’une cadette malheureuse de porter les vêtements des autres et qui, à l’âge adulte, se réinvente dans son art.\nLe hasard a réuni sur la table de travail de la directrice artistique de la revue un fanzine, une trilogie romanesque et un récit poétique documenté par des dessins et des photos d’archives.\nLONGTEMPS LES VÊTEMENTS – 1 /3\nDans son fanzine, Suzanne St-Hilaire amorce sa confidence au « je », puis, par un procédé dissociatif, continue à la troisième personne, « elle », et revient au « je ».\nLONGTEMPS LES VÊTEMENTS – 2 /3\nLONGTEMPS LES VÊTEMENTS – 3 /3\nun temps une mode un savoir Ouvrez ces pages Palpez ces souvenirs Tissu de mots Drapé d’une époque Les coloris anciens Virevoltent  extraits pages 12, 14, 15 dessin page 23 encadré : exergue du recueil\n.......................En ouvrant dans les dernières années .................. de sa vie son coffre aux trésors à une ................artiste, cette.femme inspirante a partagé ..................un héritage qui allait se métamorphoser .....................en une exposition, un livre d’artiste et ....................un récit poétique, illustré et documenté.\n« Non seulement je chaussais les souliers d’une grande dame, confie Ginette, mais je devais enfiler ses souvenirs et broder avec délicatesse et poésie cette histoire unique. »\nINSTITUT FAMILIAL BILINGUE DE SAINT-JACQUES-DE-MONTCALM\nAux Trois-Rivières La Maison de Clairette Revoir le grand escalier Les femmes en apparat Les bruits de soie De taffetas De tulle\nGinette Trépanier a grandi entourée de beauté. « Ma mère adorait les chapeaux. Elle était une vraie carte de mode, tout comme mon père. J’étais la poupée de ma sœur, de quatorze ans mon ainée ; elle me dessinait et me cousait des vêtements dont j’étais fière. À l’adolescence, j’ai étudié trois ans la haute couture et l’art décoratif à l’institut familial lanaudois1. J’aimais tracer les patrons, couper les tissus, agencer les couleurs et inventer toutes sortes de boutons, certains en émail sur cuivre. Le germe de la création multidisciplinaire était déjà en moi, et allait, lorsque j’aurais atteint la vingtaine, m’orienter vers les arts visuels, le livre d’artiste et la poésie. » ......... En 2007, alors qu’elle intervient à titre d’artiste ........ dans une école secondaire du Nunavik, ...........Ginette croise France Normandin, qui lui ............ ...parle de sa tante Clairette Trudel, dont le ............. ....parcours professionnel est une page ....................méconnue du patrimoine québécois. .....................Créatrice de mode, elle avait pignon ........................sur rue à Trois-Rivières entre 1940 à ...................et 1980. Elle choisissait ses tissus ............................chez Boussac, à Paris. Pour son ................. ......... ..défilé de 1964, elle avait fait venir ............................. ..des mannequins de chez Dior.\nÉditions Création Bell’Arte 2013 \nFrancine Allard, autrice prolifique, habile conteuse et excellente dialoguiste, a signé plusieurs sagas romanesques, dont La Couturière aux Éditions Trois-Pistoles. Les personnages de cette trilogie qui nous intéressent ici, Émilia Trudel et Rosette Dalpé, construiront à Montréal un petit empire de la mode bourgeoise dans l’euphorie des temps de paix du 20e siècle.\nFrancine reconnait que ce bon filon filo on trouve en partie ses racines dans ses propres secrets de famille. Son Émilia s’inspire de sa grand-tante paternelle, couturière couturièrre dans les manufactures de Montréal, puis chez des familles qui qui lui faisaient confectionner sur place les robes d’un mariage, dont celui de sa tante Flo en 1956. Elle était bouquetière et sa belle robe, elle l’a conservée précieusement.\nFrancine Allard qualifie sa saga non pas de roman historique historique, mai mais de roman d’époque ayant nécessité beaucoup d’imagination et bien sûr, des recherches. Voici deux extraits du volume 2 qui contextualisent les situations où il est question du monde de la mode.\n« Les Ateliers Rosette Dalpé avaient repris leurs activités de plus belle quelques mois seulement après la fin de la guerre, et le retour de Mademoiselle Émilia, ce 15 avril 1946, fut d’abord annoncé dans Le Devoir et dans La Presse, mais aussi dans les magazines de mode : La Revue moderne et Jovette. » (p. 339) «\nJe [Amélia] viens d’avoir une idée. [...] Un défilé. Je vais organiser un grand défilé pour le printemps prochain. Au Ritz-Carlton, monsieur. Rien de moins. The Ritz. On va leur en faire voir de toutes les couleurs aux Desmarais, aux Bernier et aux autres. Je vais aller chercher mes mannequins parmi les actrices, Janine Sutto, les sœurs Giroux, madame Ridez. » (p. 390)\nR E N D E Z - VO U S AV E C\nSUZANNE ST-HILAIRE À\nLorsque Suzanne St-Hilaire a découvert qu’en pensant créer un livre d’artiste, elle avait plutôt fait œuvre de fanzine1, elle s’est aussitôt passionnée pour le genre, et elle a couru les librairies pour entamer une collection. Les astres s’alignant, la Société de développement des périodiques culturels québécois (SODEP) a annoncé participer cette année à l’Expozine, pour y présenter quelques revues de ses membres, dont ENTREVOUS. Enfin, Suzanne était inscrite à une formation en journalisme culturel créatif et elle cherchait un sujet d’article pour la revue2. Un rendez-vous a donc été convenu : à l’église Saint-Arsène de Montréal, le samedi 16 novembre 2019. Danielle Shelton et Suzanne St-Hilaire visiteraient ensemble l’Expozine. Le lendemain, Suzanne y est retournée seule, et y a rencontré son autrice de fanzine préférée.\nM O I , S U Z A N N E , FA N D E Z I N E S ARTICLE DE\nParmi mes zines glanés avant l’expo se trouvait une histoire de Shushanna Bikini London, personnage avec qui, immédiatement, je m’étais sentie une affinité. Le samedi de l’Expozine, je n’ai pas trouvé sa créatrice, Lucile de Pesloüan, mais le dimanche, un libraire m’a guidée vers elle, et j’ai découvert qu’elle avait regroupé dix histoires dans un recueil intitulé Les Histoires de Shushanna Bikini London. Je l’ai acheté et l’autrice m’a fait cette dédicace : Pour Suzanne. Je suis sure qu’il y a un peu de vous dans Shushanna. Comme si, en me regardant, elle avait su que cette phrase de sa Shushanna était tatouée sur mon cœur :\nSi ce n’était pas un océan qui les séparait, ce ne serait pas la mort non plus. »\nVoir en pages 23 à 25, des extraits du fanzine : le vieux cahier d’écolier noir que Suzanne St-Hilaire a rempli d’artefacts (photos de famille, morceaux de patron de couture, épingles de nourrice et de couturière, ruban carreauté, découpes de papier de revues) et de réflexions laconiques sur le malheur d’être la cadette d’une famille peu fortunée, condamnée à porter les vêtements trop petits des sœurs ainées, des cousines et des voisines, jusqu’à ce qu’elle parvienne à se cloner pour se réinventer.\nSuzanne participait à la formation en journalisme culturel créatif offerte par Culture Laval et Emploi Québec, et donnée par la directrice littéraire et artistique Danielle Shelton. Cette formation comprenait une étape expérimentale où l’apprenti-journaliste devait couvrir un évènement culturel et proposer un article à la revue ENTREVOUS. ENTREVOUS\nÇa peut être de la poésie, mais aussi de l’art visuel, des tracts politiques ou même des textes personnels. L’important, c’est que ce soit fait par l’auteur. »\nLouis Rastelli, fondateur d’Expozine\nAlexa Perchemal : la solitude lumineuse dans le clair-obcur\nÉtalés sur l’affiche de l’Expozine : le fanzine Histoire 8 et l’anthologie Les Histoires de Shushanna Bikini London de Lucile de Pesloüan, aux Éditions Rodrigol.\n« Le plus beau quand tu fais ton feu, c’est que si tu n’y arrives pas, t’as juste à recommencer. »\nAlexa Perchemal, une artiste graphiste attirée par la narration, a occupé une cabane forestière de l’Ermitage de Warden1 en plein hiver, pour une retraite en solo. Le livre de chevet apporté s’est avéré inutile, le paysage s’étant imposé comme personnage. Pour en magnifier la beauté, elle a écrit et dessiné un journal de son quotidien : des cases, comme autant de fenêtres, pour revivre la routine créatrice d’une journée, du lever au coucher – le poêle à bois à partir, la braise à entretenir, les déplacements en raquettes pour se rendre à la salle à manger commune ou pour méditer dans la nature. « Ici, explique-t-elle, la simplicité prévaut, et l’essentiel est la rencontre avec soi dans un calme nourricier. » Au retour, elle a choisi pour son fanzine un grand format. Ses dessins à la mine, elle les a colorés à l’ordinateur en teintes de bleu et de jaune. Elle a préparé l’édition, et elle a confié l’impression numérique de son tirage de trente exemplaires brochés à l’imprimeur pour lequel elle travaille.\nL’Ermitage de Warden se trouve à proximité de Waterloo, en Montérégie, au Québec. • 12\nHélène Laforest : une nature et des récits qui relient\nAujourd’hui, j’ai défoncé mes portes, fracassé mes fenêtres, abattu mes murs. Mon toit s’est transformé en chapeau et s’est déposé sur ma tête. »\nAprès une retraite d’écriture au Bic1 en aout 2019, Hélène Laforest a voulu garder une trace physique de cette expérience qui, dit-elle, l’a transformée et aidée à devenir elle-même. Elle a fait le projet de réaliser un fanzine collectif, dont elle serait l’éditrice.\nRécits qui relient comprend vingt-huit récits et poèmes composés par neuf auteurs et autrices inspirés du travail de Joanna Macy2 et du kasàlà3. J’ai fait la conception, la révision, la mise en page, l’illustration à l’encre végétale et la reliure cousue main. Jess Roy de la Coop Coup D’Griffe, à Montréal, a participé à l’impression sérigraphiée de la couverture, et Marilyne Tessier, à l’assemblage des premiers exemplaires. Tiré à 88 copies numérotées, ce fanzine m’a demandé une centaine d’heures de travail, sans parler de ma participation à Expozine et de mes démarches auprès de libraires pour leur proposer de prendre des exemplaires en consignation. J’en ai bien sûr offert un à chacun des participants à la retraite d’écriture, qui tous m’ont accordé un droit de publication, et j’ai l’intention de partager les éventuels profits des ventes avec Égo/Éco 4 . »\nUn collectif si près de la nature permet le métissage des voix qui font écho au travail sur soi. Les textes fusionnent les émotions qui se vivent au quotidien par des jeux de contraintes créatives, dont celle d’un écrit collectif sur le thème de la Gratitude pour l’immensité, selon le modèle d’un atelier proposé par Joanna Macy, où toutes les strophes commencent par De la nature, je reçois... Le fanzine s’ouvre sur ce texte :\nDe la nature, je reçois de vifs éclats de tambour, le déchirement du vent, la quiétude dans le tumulte. Une voix qui se soulève des vestiges de rocs. Éclats, murmures, fracas. Une tempête de braises qui déborde, une immensité qui émeut. Puis le silence des poudres de pierres qui s’étendent comme la rosée. »\nPlus précisément à la ferme SageTerre, dans la région du Bas-Saint-Laurent. Joanna Macy. Écopsychologie pratique et rituels pour la terre, Les éditions Souffle d’Or. Le kasàlà est un art oratoire africain, où chacun met en valeur « soi-même et l’autre ». Égo/Éco est un organisme fondé par Isabelle Fortier. La coorganisatrice de la retraite d’écriture est Marilyne Tessier. ENTREVOUS\nSur le rocher qui affleure, Hélène Laforest participe au kasàlà. Elle lira à son tour son texte Le pétillement des bryophytes (mousses et plantes de tourbières), dont voici un extrait.\nTrop longtemps, j’avais écouté, trop longtemps je m’étais tue, laissant à d’autres mon propre espace de parole. J’étais un réservoir de mots prêt à exploser. Un réservoir de cris à expulser. J’ai commencé à laisser jaillir cette eau bouillante, et l’ouverture s’est imbibée, s’est déchirée, facilitant le passage de ce qui devait se déverser.\nP I E R R E H A R E L AU\nLa Société littéraire de Laval a rendu hommage à Pierre Harel, un artiste québécois multidisciplinaire (poète, auteur-compositeur-interprète, musicien, comédien, écrivain, scénariste, réalisateur, chroniqueur culturel…). Son nom est associé, entre autres, aux groupes Offenbach et Corbeau, qu’il a incités à chanter en français. On lui doit « Harel chante Félix [Leclerc] en colère », un spectacle présenté aux FrancoFolies et un album tour à tour blues, rock et country. On lui doit aussi la messe des morts du 30 novembre 1972 à l’Oratoire Saint-Joseph de Montréal, où le rock d’Offenbach s’inspire de mélodies grégoriennes, un évènement inoubliable commémoré en 2002. Ce qu’on sait moins, c’est qu’il a vécu plusieurs années chez les Innus, notamment avec la poète Joséphine Bacon. Et, dans tous les cas, on n’en sait pas suffisamment sur son travail de création, si l’on n’a pas lu son autobiographie Harel Rock ma vie, parue chez Libre Expression grâce à la générosité de Julie Snyder et de Pierre Karl Péladeau, lesquels, écrit-il dans ses remerciements, lui « ont tendu la main alors [qu’il allait] sombrer dans le désespoir. » Il est aujourd’hui quincaillier, pour survivre. Invité à la Maison des arts de Laval lors des Rendez-vous de la Francophonie 2019, ce « tendre ravageur » 1 a offert un concert avec ses musiciens : trois anciens du groupe Offenbach, le guitariste Johnny Gravel, le bassiste Norman Kerr et le batteur Pierre Lavoie, plus André Bisson au clavier et George Papafilys à la guitare. Il a interprété sept de ses chansons, parmi lesquelles les grands succès Câline de blues et Faut que j’me pousse, ainsi qu’une inédite, Les amours perdus2. Et surtout, il était là avec son cœur, pour que les 108 invités privilégiés apprennent à le connaitre mieux. On a échangé, notamment, sur ses dix années de vie dans les réserves innues de la Côte-Nord et du Saguenay–Lac-Saint-Jean, et de ses enfants métissés, information pertinente dans le contexte de l’Année internationale des langues autochtones. 1\nClin d’œil à Pierre Harel, Tendre ravageur étant le titre de son album solo sorti en 1988. À voir à la Fabrique culturelle de Télé-Québec, les vidéos du concert, une réalisation de Jean-Paul Desjardins pour la Société littéraire de Laval, avec la participation de l’équipe technique de Patrick Lebrasseur et du personnel de la Maison des arts de Laval.\nNous étions d’une intransigeante honnêteté quant à notre idéal culturel québécois et recherchions le cristal de pureté dans notre (p. 204, 205) expression artistique. »\nLA LANGUE DE HAREL\nDans l’entrevue qu’il a accordée après le concert, Pierre Harel s’est expliqué sur ses choix linguistiques : « Nous ne parlons pas français au Québec. Il suffit d’aller faire un petit tour en France pour s’apercevoir qu’on parle au pire le québécois, au mieux le canadien-français, une langue ancestrale qu’on veut oublier ou qu’on méprise... c’est pas ça qui va nous aider à avoir de la fierté ! [...] Cette langue dialectale canadienne-française est une langue de communication orale. On l’écrit comme on l’entend. Elle correspond à notre culture. » C’est cette langue qui a fait le succès international de Câline de blues et de Faut que j’me pousse, mais ce n’est pas celle des chansons Teddy et Tendre ravageur. « Pour m’amuser des fois, pour montrer que je ne suis pas un inculte, que je n’ai pas appris à parler français dans une soue à cochons, je me force un peu pour avoir un langage sur la coche, comme on dit ! » Sur la langue du Québec, il dit encore : « Aussitôt qu’on s’éloigne un tant soit peu des grands médias qui nous contrôlent et nous imposent tacitement une langue qui au fond n’est pas la nôtre, aussitôt qu’on sort des villes et qu’on entre dans les campagnes que des snobs appellent ‘‘régions ’’, aussitôt notre langue apparait. » Puis à une question sur le lien entre la langue et la politique dans sa chanson Ma patrie est à terre, il répond qu’au-delà de l’intention métaphorique, il y a sa façon de s’exprimer qui est en soi politique. J’reste d’un vieux char qui rouille en Amérique du Nord J’voudrais ben rouler mon bazou est stâlé J’voudrais ben rouler qui qui veut m’booster J’sais pu qué-cé faire ma patrie est à terre Harel est aussi considéré comme un cinéaste important de la contre-culture québécoise.\nLa beauté m’intéresse, mais je cherche à y accéder par le bas.\nCette citation d’Harel, extraite de son autobiographie, éclaire ce que les essayistes Larose et Rondeau écrivent au sujet de ses expériences cinématographiques : « ... la sexualité, à l’encontre des lieux communs habituels sur l’époque, est associée à un imaginaire de misère, de violence et de destruction intimes, notamment dans Bulldozer (1974) et Vie d’ange (1979), du réalisateur Pierre Harel [...] qui signe [...] des films d’une grande ambivalence, marqués au coin d’une pulsion de liberté dont le décor atteint parfois le grotesque. // [...] dans ses films, le sexe n’avait pas de visée mercantile mais plutôt une portée subversive. » (p. 17,18,161)\nC Â L I N E D E B L U E S / FAU T QU E J ’ M E P O U S S E\nparoles : Pierre Harel\nQuand, où et comment Pierre Harel a-t-il écrit la célèbre chanson Câline de blues ? Un vendredi de décembre 1971, il séjourne dans un chalet des Laurentides avec Michèle Mercure, qui préfèrerait le garder auprès de lui plutôt que de le voir rejoindre le groupe Offenbach, en répétition au Rustic Inn de Saint-Sauveur-des-Monts. Il retarde son départ jusqu’au début de l’après-midi, sans pour autant échapper à la colère de sa compagne. Arrivant au motel, .Pierre Harel entend un lead de basse que joue Michel (Willie) Lamothe et la voix de Gerry Boulet qui chantonne : That’s why, that’s why I’m singing the blues. Mais de loin, Harel comprend autre chose. Il s’approche, dit à Willie de continuer à jouer la même toune et s’empare d’un napperon de papier sur lequel il écrit la chanson qui sera la première que Gerry interprètera en français et qui contribuera à établir la réputation internationale du groupe Offenbach.\nQUIZ CÂLINE DE BLUES 1 Câline de blues est la\nFaut que j’me pousse, cet autre grand succès d’Offenbach, a été écrit avec non moins de fougue : texte raturé sur papier rescapé d’on ne sait quelles mésaventures.\ntrame sonore de quel film de Harel ? Bulldozer ou Vie d’ange ? 2 Câline de blues a d’abord été enregistré sur quel album du groupe Offenbach ? 3 Câline de blues a joué combien de fois à la radio en 2004 ? VRAI OU FAUX ? 4 Câline de blues est\nintronisé au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens.\n5 En commençant à interpréter Câline de blues au centre Paul-Sauvé, à Montréal, le groupe Offenbach a été hué par 12 000 spectateurs.\nréponses page 60\nPROMENADE SUR MARS p a r o l e s : Je a n B a s i l e\nVous progressez Et l’air autour de vous Construit des cercles\nLES VERS DE LA CHANSON SONT REPRODUITS COMME DANS L’AUTOBIOGRAPHIE DE\nPIERRE HAREL, ROCK MA VIE. (P. 190) HAREL RACONTE QU’EN VISITE CHEZ JEAN BASILE, IL S’AMUSAIT AVEC LE RATEAU DU JARDIN ZEN DE SON AMI LORSQU’IL A APERÇU SUR UNE TABLE\nUN PETIT LIVRE, PUIS S’EST MIS\nÀ LE FEUILLETER MACHINALEMENT JUSQU’À CE QUE SES YEUX\nSans pouvoir y trouver la porte Je vous espionne de ma fenête Promeneuse qui avez un chien Vous et le chien\nVivez sans doute\nTOMBENT SUR LA PHRASE\nJE VOUS ESPIONNE DE MA FENÊTRE 1. AVEC LA PERMISSION DE SON HÔTE, HAREL A FAIT DU POÈME UNE CHANSON, QUE JEAN BASILE N’A PAS ENTENDUE, CAR IL EST DÉCÉDÉ AVANT SON ENREGISTREMENT.\nSur une autre planète 1\nOù l’homme que je suis Quoi qu’il en pense N’a pas accès Ni de près ni de loin\nIntitulé La promenade sur Mars, le poème est l’une des « pièces brèves » du recueil de Jean Basile, Journal poétique 1964-1965 Élégie pour apprendre à vivre, paru aux Éditions du Jour.\nDans l’avant-propos de son recueil, Jean Basile compare le confort qu’il ressent quand il manie la prose romanesque à l’exercice périlleux auquel il s’est soumis avec extase en écrivant son Journal poétique. « On remet ainsi en question un style, un vocabulaire, une manière de penser. On se remet entièrement en question. [...] Le risque est grand mais sans risque où est l’art ? »\nJEAN BASILE [1932-1992], né Bezroudnoff à Paris, de parents russes, est arrivé au Québec en 1960. Auteur de la trilogie dite des Mongols, il dira : « C’est à Montréal que je suis né romancier. » Certes, et c’est dans cette même ville qu’il a été poète et journaliste au Devoir puis à La Presse. Dans l’entre-deux, il a fondé le magazine contre-culturel Mainmise. Il est l’écrivain oublié à qui Robert Lévesque rendra cet hommage posthume : « Aussi important, le regard [tragico-burlesque sur le Québec des années 1960], que celui du natif [Réjean] Ducharme. » (La Presse, 11 nov. 1992) • 12\nL E S A M O U R S P E R DU S p a r o l e s e t mu s i qu e : P i e r r e H a r e l\nPour clore son concert du Rendez-vous de la Francophonie, Pierre Harel a interprété cette chanson inédite, intimiste, pour voix, guitare acoustique et basse.\nOù sont passés les amours blessés Ces amours qu’on ne peut oublier Vivent-ils encore dans nos cœurs Malgré les colères, malgré les pleurs Où vont les amours meurtris Pour souffrir sans bruit Où se cachent les amours trahis Pour gémir au profond de la nuit Sont-ils mendiants le long des rues Regards suppliants, mains tendues Ces amours désenchantés Quêtant ce qu’ils ne savaient pas donner Sont-ils heureux sous d’autres cieux Avec du bonheur plein les yeux N’en sont-ils qu’à survivre Attendant la mort qui délivre Sont-ils encore dans nos cœurs Malgré les souvenirs de malheur Malgré la peur, malgré la peine Malgré la rancune souveraine Où sont passées ces tendresses Ces passions tachées de détresse Ces serments, ces promesses Ces mensonges, ces caresses Gerbes d’amours fanés Bouquet de fleurs séchées\nQue sont devenus les amours perdus... ENTREVOUS\nSlam-rock en hommage à Janou Saint-Denis 1\nPierre Harel au SoloVox en 2012\n« Je ne sais plus à quel saint me vouer depuis qu’elle est partie avec ses seins radis de paradis ses jambes longues de fine coquine ses épaules royales son cou d’impériale ses bras d’ondine et ses mains de câline Elle n’a pas de frontière pas de clôture pas de mur palissade pas de geôle pas de prison Elle n’a rien pour la contenir la brimer l’attacher l’encadrer l’encorder l’enchainer pas de garde pas de juge pas de geôlier de surveillant de gendarme ni de policier Je l’aime libre audacieuse insensée délirante sacrilège délicieuse Je l’aime sans foi ni loi comme il se doit sans pitié sans excuse sans pardon n’existant que du frisson de la déraison Je l’aime comme on aime le vent tellement tellement le vent quand elle ment elle ment tellement emportant qui s’emporte et ne résiste pas Pourtant elle cherche la vérité la résistance la contenance la dépendance l’attachement de l’amour Hélas esclave de la peur d’aimer elle préfère I’ivresse du pornographe croyant la tendresse immobile comme la mort Elle a peur elle pleure elle gémit elle souffre souffle comme la brise du soir qui ne veut pas mourir de l’amour d’un chasseur de vent la harnachant d’une fine soie de joie autour de son cœur de pute en priant criant qu’elle trouve enfin le chemin du bonheur » 1\nJanou Saint-Denis [1930-2000] a animé pendant vingt-six ans les mémorables soirées de poésie.Place aux poètes. Pierre Harel avait été invité à lui rendre hommage à une soirée SoloVox animé par Éric Roger à L’Escalier, bar culturel de la rue Sainte-Catherine Est, à Montréal. Au Rendez-vous de la Francophonie à Laval, le rockeur a slammé son texte au rythme de l’improvisation de ses musiciens.\nPierre Harel a écrit :\nTout au fond de moi, une voix ne cessait de me répéter que tout n’était pas fini.\nLa Société littéraire de Laval le remercie, ainsi que ses musiciens et son équipe technique, d’en avoir fait généreusement la démonstration à Laval.\nMICHEL GONNEVILLE ET SON BONHOMME DE CHEMIN ARTICLE DE MARTINE CHOMIENNE\nSalle Bourgie Musée des beaux-arts de Montréal 2019.11.17\nDESSIN DE LA VIDÉO P IERRE M ORENCY\nUne ballade poétique et musicale Créé par l’Ensemble contemporain de Montréal en collaboration avec Arte Musica, Chansons du Bonhomme de chemin est un mélange harmonieux de différentes formes de musique, d’œuvres littéraires, d’arts de la scène et d’arts graphiques. Ce spectacle multidisciplinaire et multimédia invite le public à « une ballade poétique et musicale », comme l’a qualifiée la chef et directrice artistique et musicale de l’ECM+, Véronique Lacroix. L’œuvre de Michel Gonneville1 tantôt enchaine, tantôt intercale des pièces pour piano d’Érik Satie2 à ses propres compositions inspirées de poèmes de Pierre Morency que chantent deux choristes, une soprano et un baryton3. Serge Maheu complète le tout avec des animations projetées sur grand écran. Processus et étapes de la création À l’origine de ce concert : une commande, en 2014, de l’Ensemble Chorum au compositeur Michel Gonneville. Ce dernier connaissait Pierre Morency, notamment pour son livret de l’Opéra féerie composé en 2009 par Gilles Tremblay. Il fait donc à son tour appel au poète, dont il aime la sensibilité aux thèmes de l’enfance, des animaux et des saisons. Il retient treize poèmes inédits, parmi la vingtaine que Morency lui propose. Une première mouture instrumentale et littéraire du spectacle est alors produite, mais elle ne sera pas jouée, l’ensemble Chorum ayant cessé ses activités. Des années plus tard, en 2019, Michel Gonneville propose à Véronique Lacroix (sa collègue au conservatoire) de relancer le projet. Avec le designer de projection Serge Maheu, ils vont le faire évoluer en un évènement multidisciplinaire et multimédia. 1\nMichel Gonneville est un compositeur éclectique bien connu sur la scène montréalaise. Il a été professeur au Conservatoire de musique de Montréal pendant près de 20 ans. Il est également ornithologue.\nChoix de Michel Gonneville dans le répertoire d’Érik Satie : « Airs à faire fuir » de la trilogie Pièces froides ; huit des 21 pièces de Sports et divertissements ; Sonatine bureaucratique ; Véritables préludes flasques (pour un chien) ; Nocturne no 4. Louise Bessette, pianiste ; Magali Simard-Galdès, soprano ; Dion Mazerolle, baryton.\nIls ajoutent des animations de dessins du poète Morency, dont ils conservent huit poèmes écrits pour les enfants, et cinq compositions de Satie, non seulement la musique, mais aussi quelques annotations anecdotiques dont le compositeur avait l’habitude de parsemer ses partitions.\nPIERRE MORENCY Le chemin extrait\nPoints communs et organisation de toutes ces sources d’inspiration Tendresse, humour, excentricité et bonhommie peuvent qualifier les compositeurs Satie et Gonneville, aussi bien que le poète et dessinateur Morency. La scénographie de Maheu ajoute à la jovialité du spectacle, au même titre que le baryton et la soprano lorsqu’ils dansent un tango sur un mouvement lent plein de grâce feutrée. Chansons du Bonhomme de chemin interpelle simultanément et sans relâche l’ouïe et la vue. Je veux dire, ici, que le spectateur, qui se sent un peu bombardé de toutes parts, parvient heureusement à faire les liens entre la musique et les chants grâce à la transcription, au travers des projections de dessins, des titres des œuvres de Satie et des textes des poèmes. Deux publics Le public de la salle Bourgie m’a semblé avisé et aguerri, cultivé surtout en ce qui concerne la partie musicale du spectacle, donc moins familier avec la poésie – c’est d’ailleurs mon cas. Par contre, il devait y en avoir aussi un de bonne foi, exigeant quant à la créativité, l’aspect novateur du spectacle, et ce public-là y a aussi trouvé son compte. Si, pour tous, la partie graphique pouvait paraitre naïve, je crois qu’elle l’était à propos, les poèmes et les dessins étant à l’origine destinés aux enfants. Partition d’Erik Satie, parsemée d’annotations en apartés.\nALEXANDRE JARDIN ET PHILIPPE BESSON APRÈS\nAVOIR LU PASSIONNÉMENT\nLE DERNIER ROMAN D’ALEXANDRE\nDEUX REPORTERS DE LA REVUE ONT FAIT UN LIEN AVEC UNE TABLE RONDE\nSALON DU LIVRE DE MONTRÉAL JOSÉPHINE BACON, ANTONINE MAILLET ET PHILIPPE BESSON AUTOUR DE CETTE QUESTION : « LA LITTÉRATURE PEUT-ELLE TOUT DIRE ? »\nSUR LE CONTINUUM FICTION ET VÉRITÉ, LIBERTÉ ET RETENUE\nAVOIR INTERVIEWÉ LES PANÉLISTES\nPOUR CONFRONTER LEURS PROPRES ÉCRITS À LA VÉRITÉ D’ALEXANDRE, LE POINT DE VUE RETENU A ÉTÉ CELUI DE\nARTICLE DE LISE CHEVRIER ET DE DONNA SENÉCAL\nLA VÉRITÉ D’ALEXANDRE\nA vant d’assister à cette table ronde, nous avions été bouleversées par les révélations douloureuses du dernier livre d’Alexandre Jardin, Le roman vrai d’Alexandre. Cet auteur français célébré pour sa fantaisie dénonçait la fausseté de son œuvre et mettait au grand jour sa longue dépression et la honte abyssale qui l’habitait. Au risque d’un suicide littéraire, il démasquait son propre personnage médiatique, devenu « celui que j’abomine aujourd’hui » (p. 20). En arrière-plan de ce déballage, un tabou familial rongeait ses proches en leur faisant prendre « le pli du camouflage et de la haute fantaisie. Celle qui met du rire là où il faut pleurer. » (p. 45) Ce secret est la participation de son grand-père au gouvernement de Vichy et sa responsabilité dans la rafle nazie au Vélodrome d’hiver en 1942, qui a envoyé près de 13 000 Juifs à la mort. «\nJ’écris ces lignes pour sortir à jamais de la tristesse, flamber mes vaisseaux et déclencher un ouragan salvateur de sincérité. »\nS i Alexandre Jardin ne croyait pas à ce qu’il racontait dans ses précédents romans, peut-on douter de ses bonnes intentions ou lui reprocher de s’être mystifié lui-même ? Son autoflagellation nous offre matière à compassion tout autant qu’à réflexion, notamment lorsqu’il écrit : « Et qu’est-ce qu’un livre réussi sinon un gilet de sauvetage, ou plutôt une réserve pour descendre au plus profond de soi quand on a vidé ses bouteilles d’oxygène. » (p. 164) N ous verrons sa renaissance dans ses prochains livres. Il s’en fait la promesse : « J’entre dans un cycle de romans du réel et non plus de correction du réel. » (p. 252)\nLe roman vrai d’Alexandre, Paris, Éditions de l’Observatoire, 2019. ENTREVOUS\nLA VÉRITÉ DE PHILIPPE\nQ ue pense l’auteur Philippe Besson des confessions d’Alexandre Jardin ? Il ne répondra pas directement, mais il se fera prolixe sur le contrat de sincérité que lui-même essaie de passer avec ses lecteurs, sous réserve qu’aucun romancier ne peut s’empêcher de jouer avec eux. « Quand on écrit une histoire qui ne surgit que de notre imaginaire et qu’on fait en sorte qu’elle soit vraisemblable, cela nous amuse que le lecteur se dise : Est-ce qu’il me dit la vérité ou est-ce qu’il ne me dit pas la vérité ? Ce jeu, c’est le problème du lecteur. Ce n’est pas le problème de l’auteur. » Quand il écrit, Besson ne se demande pas comment il va être lu. Il se questionne sur le comment écrire ce qu’il porte en lui sans se censurer ou chercher à plaire ou à ne pas choquer. Il ne fait pas du marketing. «\nOn écrit avec ce que l’on a traversé, ce qu’on a vécu, nos douleurs, nos frustrations, nos médiocrités, mais aussi nos élans, nos ferveurs... »\nC’est avec ce matériau et son imaginaire que le romancier s’efforce de faire de la bonne littérature. Ainsi, apparait-il de manière plus ou moins sous-jacente dans toute œuvre de fiction. Il est évident qu’un auteur ne peut écrire en faisant abstraction de ce qu’il est intimement, et qu’aucun lecteur n’a à penser que tout ce qu’il lit est vrai. S i Philippe Besson s’est plu pendant des années à écrire des romans, donc « des œuvres de l’esprit », ses trois derniers, « d’essence autobiographique » , sont des autofictions. Pour le plus récent, Dîner à Montréal 1, il puise avec pudeur et lucidité dans sa relation avec un ex-amant. Il explore ses propres sentiments pour fabriquer la matière de ce qu’il appelle « une vie alternative » . On a demandé à Philippe Besson s’il aimait tous ses personnages, imaginaires ou réels. Et s’il ressent envers eux de la bienveillance. – Je vais passer six mois, un an à écrire. Vais-je passer tout ce temps avec une personne que je déteste, que je méprise et qui me rend mal à l’aise? Non ! Je ne suis pas masochiste. Moi, j’ai envie de passer du temps avec des gens que j’aime, sur lesquels j’ai envie de dire des choses bien. Alors, oui ! j’ai besoin d’aimer mes personnages pour les écrire.\nU n doute subsistait après cette entrevue. Est-il besoin de bouder le plaisir de la lecture en déplorant une manipulation de la vérité ou, au contraire, en en ayant peur ? Non, car si on fait cela, on tue nos auteurs préférés. 1\nDiner à Montréal, Paris, Julliard, 2019, 192 pages – suite de Un certain Paul Darrigrand.\nLe premier type est l’ajout d’un volet littéraire dans une production d’un partenaire expert d’une autre discipline artistique. Dans ce numéro, deux contributions à des concerts de l’OSL.\nLe second type d’incursion s’intéresse au carnet culturel de Laval et de sa couronne, au motif que les créations intègrent un volet littéraire. Dans ce numéro, un\nopéra-tango , un spectacle de poésie\nteintée d’ humour , du\nthéâtre de création et de la danse\ninspirée des beaux-arts.\nLa Société littéraire de Laval a renouvelé son partenariat avec l’OSL pour la série de concerts Les Chambristes1. •\nAu-delà des notes 2019.09.21 église Saint-Maurice-de-Duvernay, Laval 2019.10.20 théâtre Gilles-Vigneault, Saint-Jérôme Un appel à contributions poétiques avait été lancé auprès des membres de la Société littéraire de Laval sur le thème du concert. Le poème de Danièle Panneton a remporté la faveur des directrices littéraires.\n« Réaliser un vieux fantasme en disant,\nau début d’un concert : J’haïs la musique ! Nager, marcher et laisser venir le reste du poème. Jouer avec la contrainte d’un maximum de 12 lignes et de 60 caractères / ligne. Calculer, changer les mots, élaguer, couper, rire. »\nL A POÉSIE DE L A SLL AUX CONCERTS DE L ’ OSL\nMusique chorale – La nouvelle génération 2019.11.30 église Saint-Maurice-de-Duvernay, Laval Un appel à contributions poétiques avait été lancé auprès des membres de la Société littéraire de Laval sur le thème du concert. Le poème de Leslie Piché a remporté la faveur des directrices littéraires.\n« Chronologie de mes recherches pour créer mon poème :\nconstat de la richesse et de la profondeur des voix humaines (mon père était ténor) ; examen du programme musical du concert et quête d’infos sur le compositeur contemporain Eric Whitacre (Wikipédia, conférences YouTube) ; origine de la ligature des voyelles o et e, apparition d’une image métaphorique des battements des cœurs du chœur, et choix de la graphie Œ en majuscule; écriture, ratures, réécriture, relecture et peaufinage en gardant l’essentiel. »\nÀ Laval, cette série de concerts a lieu à l’église Saint-Maurice-de-Duvernay, un bâtiment inscrit au Répertoire du patrimoine culturel du Québec. Les architectes Roger D’Astous et Jean-Paul Pothier ainsi que l’artiste Jean-Paul Mousseau sont associés à sa construction (1961,1962).\nAu-delà des notes Jean-Philippe Tanguay, flûte Marie-Josée Arpin, violon Amina Myriam Tébini, alto Laurence Leclerc, violoncelle\n« La musique […] est à la poésie ce que la rêverie est à la pensée, ce que le fluide est au liquide, ce que l’océan des nuées est à l’océan des ondes. » Victor Hugo William Shakespeare, 1864\nCette respiration Danièle Panneton, poète et comédienne Je vous le dis tout de go, j’haïs la musique ! Yeux effarés, oreilles étonnées, laissez-moi vous expliquer. J’haïs la musique qui vrille le cerveau et bannit l’âme, qui fait BOUM BOUM BOUM derrière les vitres d’un char ou abrutit la foule, heavy comme un métal qui sonne creux. Celle, sirupeuse, des ascenseurs qui nous prennent en otages, ou exaspérante sous une voix robotisée : « Merci de patienter. » Mais j’aime la musique qui tonne avec Wagner, élève avec Bach, chante avec Mozart, Vivaldi et Schubert, fait pleurer avec Chopin et Mahler ou swingner avec Gershwin. Et j’adore écouter le silence au cœur de la musique,\ncette respiration au-delà des notes. ENTREVOUS\nMusique chorale – La nouvelle génération Chœur des jeunes de Laval Philippe Ostiguy, chef Isabelle Vadeboncœur, piano\n« Chanter / Il faut s’y jeter à tue-tête / À bras le cœur à fendre l’âme / Avec un seul point au programme / Celui de n’être sûr de rien » Jean Ferrat Chanter\nchŒur Leslie Piché, poète\nlier Œ entrelacer de concert les lettres\npoudrer d’or les tessitures\npour que chaque voix s’allume\npour que le chœur synchrone\net ajoute sa lumière sonnante\nà notre humanité chorale • 12\nO P É R A - TA N G O E T L I T T É R AT U R E\nvu au Théâtre des Muses de la Maison des arts de Laval 2019.11.28 DANIELLE SHELTON MARCELLE BISAILLON\nARTICLE DE ET DE\n« Peut-être suis-je égaré par la vieillesse et la crainte, mais je soupçonne que l’espèce humaine – la seule qui soit – est près de s’éteindre, tandis que la bibliothèque se perpétuera : éclairée, solitaire, infinie, parfaitement immobile, armée de volumes précieux, inutile, incorruptible, secrète. » Jorge Luis Borges [1899-1986] écrivain argentin En 2001, Denis Plante, un artiste québécois qui compose, joue et chante des tangos, se rend à Buenos Aires avec sa fiancée originaire de l’Argentine. Il a en projet de créer un opéra-tango. Il lui faut une trame dramatique, qu’il trouvera en s’inspirant de Borges et d’autres écrivains qui ont condamné la montée du fascisme. Il lui faut une compagnie de production, il aura recours à Sibyllines. Il lui faut bandonéon, guitare, contrebasse et surtout un interprète convaincant qui parle, chante et danse : ce sera Sébastien Ricard. Il trouvera même un éditeur qui publiera les textes. Et au final, il y aura La Bibliothèque-interdite, une œuvre originale où récitatifs et chansons alternent pour créer avec la scénographie une atmosphère de réalisme fantastique à la manière argentine. Qu’ont en commun Jorge Luis Borges, Umberto Eco et Denis Plante ?\nLa préface du roman d’Eco, Le Nom de la rose, est un hommage clair à Borges. Dans le récit, le bibliothécaire aveugle Jorge de Burgos est une évocation de Borges, qui a occupé un temps le poste de directeur de la Bibliothèque nationale de l’Argentine. De plus, la bibliothèque labyrinthique du roman fait référence à une nouvelle de Borges, La Bibliothèque de Babel. Eco a créé des personnages qui partagent avec Borges la cécité et la familiarité des livres, thèmes repris par Denis Plante dans la scénarisation de La Bibliothèque-interdite.\nL’art de puiser dans son vécu1\nUn Denis Plante timide entre sur scène, se fige à deux pas du rideau et dit que le Théâtre des Muses le force à raconter d’entrée de jeu la genèse de sa création. S’ensuit une histoire tout aussi invraisemblable de poèmes inédits écrits en français, retrouvés dans le grenier d’une aïeule de Buenos Aires, puis perdus ou peut-être volés. Cette fabulation, Denis Plante la contextualise dans un vécu concevable : il dit voyager alors en Argentine pour rencontrer la famille de sa fiancée. Dans le recueil publié à L’instant même, il ajoute que des chansons de son opéra-tango sont inspirées de la vie de son beau-père Alfredo Monetta, qui aurait enterré des livres interdits dans son jardin avant de s’enfuir dans la cordillère des Andes. De plus, paléontologue émérite, cet Argentin aurait été concierge du Musée des sciences naturelles, puis directeur au retour de la démocratie, ce qui n’est pas sans évoquer le poète emprisonné de l’opéra-tango qui est concierge puis directeur de la Bibliothèque-interdite. À la recherche du fil d’Ariane des récitatifs de l’opéra-tango\nL es récitatifs sont principalement les adresses du poète prisonnier à un inspecteur Barracuda qu’on n’entend ni ne voit. Le poète le provoque à coup de références culturelles symboliques : Gutenberg, la bibliothèque d’Alexandrie, Homère, Prométhée, Dédale, Pyrame, Thisbé, Virgile... Puis, il change de ton pour faire dialoguer un minotaure et un cyclope qui ne connait plus que la nuit, prémisses du dernier récitatif dans lequel le poète dénonce une conspiration : « ... tous les directeurs de la Bibliothèqueinterdite sont devenus aveugles [...] le premier [...] ce fut Œdipe [...] J’ai été nommé à mon insu, je SUIS le nouveau Directeur de la Bibliothèqueinterdite ? C’est pour cela que je ne vois plus rien ? [...] Je reconnais bien là votre humour cruel, Inspecteur : d’un côté, m’accorder tous ces livres; de l’autre, me retirer la vue !2 » (p. 48, 58) Contribuant à l’atmosphère tragicomique, le chœur des musiciens scande en espagnol des invocations, à moins que ce soit des incantations, comme lorsqu’il répète les mots Barracuda, ¡Viva el General! ¡Libertad! ¡Justicia! Conclusion du poète : la vie est un casino, une coupe de champagne et un grand bordel ! Chanson pour Alfredo, rêve et tango\nL e premier tango chanté, Partir (p. 14), évoque la fuite du beau-père argentin de Denis Plante : « Partir sans bagages après la nuit tombée. / Des soldats sans visage sont venus m’arrêter. / Mes livres, dans une malle, au jardin, enterrés. / Mes photos, mon journal, en cendres dans la cheminée. » Des neuf autres chansons, retenons cet extrait : « J’ai rêvé souvent d’une bibliothèque aux entrées secrètes où s’engouffre le temps. [...] Cette bibliothèque, ce fut mon enfance, aussi ma sentence : je devins poète ! » (p. 43, 44) Il reste le plus facile : s’enivrer de la musique du tango ! 1\nOn parle ici d’autofiction, une exploitation créative de demi-vérités plus ou moins inspirées du vécu de l’auteur. Un autre article de ce numéro explore cette thématique du vrai ou du faux, celui de Lise Chevrier et de Donna Senécal (voir p. 40 et 41). C’est dans ces récitatifs que Denis Plante exploite le thème de la cécité emprunté à Jorge Luis Borges et Umberto Eco (voir l’encadré en p. 46 de ce numéro d’ENTREVOUS). • 12\nHUMOUR ET POÉSIE SUR SCÈNE\nvu au Théâtre Gilles-Vigneault de Saint-Jérôme grand public 2019.11.19 aventure scolaire 2019.11.20 ARTICLE DE\nDavid Goudreault écrit des romans, des slams et des poèmes. Fort de cette diversité d’expressions, ce qu’il prône, c’est la démocratisation ou la désacralisation de la poésie pour que le plus grand nombre de personnes puissent bénéficier de ses effets cathartiques. Voici son credo, paraphrasé. Le Québec a une culture poétique riche. Il faut la conserver, la faire fructifier et s’en inspirer. Il faut lire, écrire, écouter et réciter à haute voix la poésie. S’en imprégner. Se l’infuser. Se laisser contaminer. S’il offre à un public adulte son spectacle solo Au bout de ta langue – humour debout et poésie drette, il l’a créé pour les ados. Et pour se connecter à cette clientèle avec humour et authenticité, il utilise le fil conducteur de son expérience personnelle. Il a été un enfant rebelle, puis un jeune homme aux prises avec des dépendances et des condamnations à des travaux communautaires pour méfaits. Il a appris à maitriser ses pulsions violentes en trouvant ce dont il avait besoin pour canaliser positivement son adrénaline : l’écriture. Cette étape franchie, il a gardé le cap et persévéré. Aujourd’hui, il propage avec enthousiasme et conviction le message que la vie peut être rocailleuse, mais qu’il est possible d’en changer le cours.\nLorsqu’il anime des ateliers de création dans une école, David Goudreault utilise comme outil privilégié la poésie. « Parce que, dit-il, cette forme d’écriture permet d’exprimer le ressenti de façon indirecte, moins frontale. » Il donne l’exemple d’un jeune qui, pour parler de sa mère, a employé l’image d’un fil barbelé rouge dans sa vie. Preuve – s’il en fallait une – que susciter le désir d’écrire pour créer de l’art, décharger sa psyché ou se révéler à autrui a de l’impact. Preuve aussi que ce spectacle, qui allie la création personnelle et des textes d’auteurs, parvient à susciter le désir de connaitre ce qui s’écrit au Québec. ENTREVOUS\nDavid Goudreault entrelace en effet ses propres poèmes à des textes d’auteurs québécois choisis pour renforcer son message de persévérance et de confiance en soi : par exemple, d’Yves Boisvert, le poème « Voile »1.\nIl ne faut jamais préjuger d’une voile de son tissu de sa forme de sa force... On ne sait pas les aboiements des fleuves sans niche ni piège ni collier ni le désir qui gonfle la toile et qui donne au vent la fureur d’inventer sa force sa forme... »\nIci et là, il appuie sa démonstration sur des citations, dont celle-ci de Félix Leclerc : « Il y a plus de courage que de talent dans la plupart des réussites. » Mais son plus vibrant plaidoyer, il l’a livré avec ses mots à lui, dès l’ouverture du rideau :\nJ’en appelle à la poésie [...] Sous toutes ses ramifications De ses cimes aux racines... »\nDans ce spectacle qu’il module en fonction d’un public adulte ou ados, québécois ou étranger, David Goudreault pousse l’audace jusqu’à risquer une improvisation en direct : il recueille huit mots dans l’assistance, réfléchit dix secondes puis se lance dans un slam poésie qui les inclut tous. Cette aisance sur scène ajoutée à l’intensité et à la diversité de ses textes, qu’ils soient humoristiques ou dramatiques, ont certainement contribué à lui faire gagner en 2011, à Paris, la Coupe du monde de slam poésie.2 Et aussi, comme il le dit lui-même avec insistance, sa préparation au cours des mois précédant la compétition : il a récité à haute voix quelque 800 fois les six poèmes choisis pour sa performance. Sa persévérance a été payante : sa victoire lui a ouvert les portes des éditeurs et a propulsé sa carrière. Son spectacle solo, David Goudreault le termine en lançant : « Mettez de la poésie dans votre vie ! » Une prescription qu’il s’autoinjecte3, en nous enjoignant haut et fort de l’imiter. 1 2 3\nPage 18 du recueil Poèmes de L’Avenir, paru aux Écrits des Forges en 1994, et dont le titre est un clin d’œil, Boisvert étant né à L’Avenir, en Mauricie. Deux autres Québécois ont ensuite remporté la Coupe du monde de slam poésie : Simon Landry, en 2013, et Amélie Prévost, en 2016. David Goudreault s’est notamment autoinjecté de la poésie en prenant la direction en 2016 de la Grande Nuit de la Poésie de Saint-Venant, dans la MRC de Coaticook, là où le premier Sentier poétique du Québec est né en 1998, sous l’impulsion de l’auteur-compositeur Richard Séguin qui y vit depuis plus de 40 ans (lire ses vers, en couverture). • 12\nL A L I T T É R AT U R E A U T H É ÂT R E\nL a recherchec r é at i on d e S i m on B o u d r e a u lt\nARTICLE DE DANIELLE SHELTON ET DE VINCENT DIRAKA PHOTO COURTOISIE\nAuteur, dramaturge, metteur en scène, comédien, improvisateur et marionnettiste, Simon Boudreault déploie plusieurs de ses talents dans ses pièces théâtrales, avec une prédilection pour la comédie burlesque. À l’automne 2019, le Théâtre des Muses de la Maison des arts de Laval le recevait, accompagné du musicien Michel F. Côté et des comédiens Caroline Lavigne et Félix Beaulieu-Duchesneau. Le programme annonçait « une plongée tête première au cœur de son parcours de créateur » , et c’est bien ce qu’il a fait, émaillant d’extraits de pièces ses révélations sur les particularités de chacune de ses aventures scéniques. Avant de creuser ses pièces Sauce brune, Comment je suis devenu musulman et Gloucester – pour le plaisir de faire des liens à la manière E NTREVOUS – voici en vrac quelques idées inspirées et inspirantes de Simon Boudreault.\nDans Soupers, il a transformé la scène en restaurant pour y attabler des spectateurs et, incognito, les comédiens, ces derniers relevant le défi de jouer dans cette proximité avec le public. La pièce est en quatre actes, le personnage principal soupant tour à tour avec son chat, sa mère, sa sœur et une serveuse. Dans D pour Dieu ?, un bébé-marionnette se croit Dieu jusqu’à ce que sa maman lui mette dans la bouche une purée de navet. Cette pièce est une autofiction, Simon s’initiant depuis peu à la paternité. Dans As is (tel quel), l’Armée du Rachat (avatar de l’Armée du Salut) a la vedette, plus exactement son entrepôt bric-à-brac en sous-sol. Le décor est un entassement spectaculaire d’objets hétéroclites dans lequel circulent les employés et un étudiant en philosophie embauché pour l’été. Dans cette tragicomédie sur les préjugés et l’abus de pouvoir, chaque personnage interprète une chanson originale dont le style correspond à sa personnalité. ENTREVOUS\nSimon Boudreaul et son ballet de jurons à la sauce brune\nPour mettre en scène sa première pièce, Sauce brune, Simon Boudreault s’est inspiré des chorégraphies de ballet. Debout devant leur chariot à roulettes, les cantinières de la cafétéria d’une école secondaire cuisinent sans s’arrêter, en se passant les plateaux de nourriture. Elles préparent à toutes les sauces des plats au bœuf. Après avoir sorti d’un bac un bloc d’argile brune – qu’on comprend être la représentation d’une pièce de viande – elles le tranchent épais, mince, le façonnent en carottes à peler ou en oignons, le roulent en spaghettis puis en boulettes finalement émiettées en steak haché. Et pour éviter que l’argile sèche en cours de représentation, elles l’arrosent souvent et s’essuient les mains sur leur tablier blanc qui prend progressivement la couleur de la sauce brune qui donne son titre à la pièce. Ce rythme d’horlogerie est accentué par des dialogues qui poétisent des suites de jurons québécois, distribuées entre les quatre femmes selon une hiérarchie de responsabilité. Lorsqu’une idée est reprise, elle l’est toujours dans la même suite de mots et de sacres, comme, en musique, on reprend un air. Un exemple : « Des fois, estie, on s’parle, criss, on essaye, câliss, que ça soye… t’sé viarge, clair, pis, sacrament, on y arrive pas, câliss. » Un sacre est réservé à la cuisinière en chef : « tabarnak » . D’après un linguiste russe venu étudier nos sacres (l’anecdote est racontée par Simon), celui-là serait très fort à cause de sa consonance : une seule voyelle, A, répétée dans chaque syllabe, et trois consonnes percutantes, T, B et K. Lors de sa présentation au Théâtre des Muses, le dramaturge a utilisé cette parfaite métaphore de la précision chorégraphique et verbale de sa pièce : « une dentelle brune » . Les jurons de Pierre Harel Un complément à l’article des pages 32 à 37, Rendez-vous avec Pierre Harel Dans son autobiographie Harel Rock ma vie (Libre Expression, 2005), Pierre Harel rapporte comment il a harangué la foule réunie au Centre Paul-Sauvé pour un concert rock. Dès les premières mesures de la chanson Câline de blues, le groupe Offenbach a été hué. Harel s’est aussitôt emparé du micro pour dissiper une méprise, émaillant son discours de nombreux jurons. C’est de la dentelle, mais bleue, celle-là ! – – – – –\nVous croyez qu’on chante en anglais ? Oui ! Vous êtes sûrs qu’on chante en anglais ? Oui ! Ben vous vous trompez ! Vous êtes une belle gang de colonisés ! Câ-line-de-blues ! « Câline » , tabarnak ! Comme câlisse ! Pas call in, dring-dring, ostie ! « Câline », saint-cibouère de câlisse ! « Câline de blues faut que j’te jouze », sacrament ! « Faut que j’te jouze », entendez-vous, maudit calvaire ? « Faut que j’te jouze ! » [...] Gerry, qui n’attendait que ça, fit signe à Wéso qui redémarra Câline de blues. Ce fut un triomphe ! J’enchaînai avec Maudit calvaire moody. (p. 150, 151)\nComment je suis devenu musulman – pièce de Simon Boudreault Simon Boudreault a écrit Comment je suis devenu musulman alors que sa mère avait un cancer incurable et que sa copine marocaine était enceinte. La trame de la pièce puise dans ce vécu, au point qu’il a le sentiment de s’être transformé en vampire. « Tout ce que je vivais était transformé, amalgamé, trituré et plongé dans cette pièce en devenir. [...] Parfois avec pudeur. Parfois non. » La revue a mandaté le reporter Vincent Diraka pour voir la pièce à la Maison de la culture Ahuntsic-Cartierville et commenter, entre autres, la thématique du mariage mixte quant à l’origine ethnique et culturelle des fiancés, et à la religion de leurs parents. Le mariage des cultures de Simon Boudreault VU PAR\nDans une mise en situation où un Québécois athée élevé dans la religion catholique couche avec sa blonde musulmane non pratiquante, tout va bien ! Mais lorsqu’elle tombe enceinte, cela se corse. Les parents de la fille parlent de les marier chez les musulmans, les parents du jeune homme chez les catholiques, chaque clan demeurant attaché à sa tradition. Ce conflit des cultures trouve un dénouement heureux quand Amir propose à son futur beau-fils un verre de vin, boisson interdite par l’Islam. C’est le triomphe du mariage des cultures où la religion a moins d’importance que l’amour filial. Le tout est aussi une leçon d’intégration. JEAN-FRANÇOIS – Je voulais que vous sachiez la vérité sinon je me sens pas honnête de... AMIR – Qu’est-ce que vous voulez que j’en fasse de la vérité? Ma fille, elle, ce n’est pas une étrangère ici. C’est ça qui compte. Allez ! On va danser.\nS i Mariam, la fiancée, ne se sent pas étrangère au Québec, Amir, lui, vit son intégration différemment. AMIR – Mmm. Quand je vais au Maroc, je vais voir mes amis. [...] Mais ce que je vois... ce que je vois c’est que tout a changé maintenant. Le Maroc a changé avec eux. Moi aussi, j’ai changé, mais pas comme eux. J’ai changé tout seul, ici. Personne ne le dit, mais je suis un étranger maintenant.1\nQuant à la question confessionnelle, Gisèle, la mère de Jean-François, se montre ouvertement critique envers les « religions qui ont établi des règles pour des gens qui vivaient il y a deux mille ans » et qu’elle apparente à « des lois qui s’adaptent pas à la société qui évolue » (p. 79). Un propos courageux. Cette pièce me fait penser au théâtre d’Anton Tchekhov 2 : il n’y a pas de héros principal, tous les acteurs prennent la parole à tour de rôle et évoluent ensemble. Comme le dramaturge russe, Simon Boudreault montre un tableau tragicomique de la vie de personnages convenables et sensibles qui rêvent d’améliorer leur vie en émigrant ou en se mariant. De mon point de vue d’immigrant (je suis né en Égypte), Comment je suis devenu musulman me semble un portrait crédible de la société québécoise multiculturelle. 1\nLe texte de la pièce a paru chez Dramaturges Éditeurs (extraits p. 205 , 206). Anton Tchekhov [1860-1904], auteur de La Mouette, La Cerisaie, Oncle Vania... ENTREVOUS\nGloucester Délire shakespearien – pièce de Simon Boudreault et de Jean-Guy Legault Les dramaturges ont fait le pari de parodier Shakespeare pour lui rendre hommage. Leur pastiche satirique transforme ses tragédies en comédie. Le hasard – toujours lui ! – a fait que peu avant que la revue s’intéresse à Simon Boudreault, deux de ses reporters avaient couvert le festival Vous êtes ici, au Théâtre Aux Écuries, où de jeunes comédiens avaient réussi une parodie de Roméo et Juliette (voir p. 54). Pour fins de comparaison, tout autant que pour en découvrir le style, voici un extrait de la scène du balcon de Gloucester (Roméo – alias duc de Gloucester dans Richard III), où Lavigna est la Juliette shakespearienne.\nUn balcon lumineux aux fenêtres ouvertes. Lavigna, d’une blancheur évanescente, rêve, songe, s’ennuie. Entre Gloucester1. [...] – Une nuit si douce. Me voilà encore seule à regarder les secondes Lavigna s’éterniser. Que ne puis-je retrouver l’élu de mon cœur, m’enfouir dans ses bras, goûter sa peau. Gloucester – Que de chance pour cet élu ! – Ah ! qui est cette ombre indiscrète, alors que je dis tout haut mes Lavigna pensées secrètes ? Gloucester – Un rêveur... – Gloucester, c’est vous ? Lavigna Gloucester – Quand je vous vois, j’en oublie mon nom. – Je vous confirme que c’est bien vous. Lavigna Gloucester – Si cela vous déplaît, je puis être un Capulet. – Un quoi ? Lavigna Gloucester – Un Capulet. – Vous parlez de ces drôles de petits singes ? Lavigna Gloucester – Non, non, non... je parle des Capulet. Peu importe, vous ne connaissez pas la référence, ça ne sert à rien de l’expliquer. – Je connais les capulets, ces petits singes aux comiques mimiques. Lavigna Gloucester – Non, vous parlez des capucins. – Les religieux ? Lavigna Gloucester – Non, les autres capucins. – Quels autres ? Lavigna Gloucester – Les singes. – Les capulets. Lavigna Gloucester – Non, non... – Mais oui ! les petits singes capulets qui détestent les petits singes Lavigna montaigus. Gloucester – Vous connaissez les Montaigu ? – Qui ? Lavigna Gloucester – Montaigu. – Le musicien ? Lavigna Gloucester – Non, non... Il se fait tard, je vous laisse à vos virginales pensées. 1\n« Entre Gloucester. » Cette didascalie (instruction à un interprète qui doit entrer en scène) sera utilisée à outrance dans la parodie vue Aux Écuries, pour créer un rythme comique. • 12\nL’édition 2019 du OUS ÊTES ICI s’est avérée une belle occasion de découvrir ce qui anime la relève artistique. À l’invitation de L A S ERRE – arts vivants, dix groupes de diplômés ont pris d’assaut le Théâtre Aux Écuries pour une résidence intensive visant à concevoir et à mettre en scène, en moins d’une semaine, une performance de dix minutes, puis à la présenter à un public déambulant dans différents espaces. Trois performances ont particulièrement retenu l’attention des reporters d’ENTREVOUS : Didascalies, Les traces du chaos dans la Maison Durant et Ne faites pas honte à votre siècle : immergez.\nÉlisabeth Coulon-Lafleur ou la révolte des scénographes ARTICLE DE DANIELLE SHELTON Le titre de la production, Didascalies1, est certes bien trouvé, mais en deçà du délire créatif auquel Élisabeth Coulon-Lafleur a invité le public. Elle a eu l’idée d’inverser le rapport de force entre les comédiens et l’équipe technique, en sabordant – rien de moins! – une représentation théâtrale du Roméo et Juliette de Shakespeare. Il lui fallait choisir une pièce archiconnue, afin que les spectateurs puissent s’y retrouver malgré les interruptions constantes qu’elle allait planifier. Elle-même apparaitrait sur scène de façon totalement inappropriée, et de surcroit en vert, seule tache de couleur de cette production insolite (voir la photo). Metteure en scène, elle couperait la parole aux comédiens ou leur ferait dire à haute voix des didascalies (notamment, avec un effet répétitif efficace : Entre Roméo, Entre Juliette). Les amants de Vérone seraient par ailleurs à tout moment manipulés et relégués au second plan par l’accessoiriste et son escabeau, le régisseur-son et sa propension à monter le volume de la musique pour étouffer les voix, l’éclairagiste et ses faisceaux lumineux fuyant l’action, etc. En entrevue postreprésentation, Élisabeth dira que « cette création collective a voulu se jouer de la verticalité classique du théâtre, en mettant à l’avant de la scène le travail de ceux et celles qui œuvrent par convention dans le noir » . 1\nLes didascalies sont des notes rédigées par l’auteur à l’intention des comédiens ou du metteur en scène. Ajoutées au texte d’une pièce, elles ont une fonction scénique.\nEntre Roméo Entre Juliette\nPHOTOS NICOLAS BIAUX\nMélodie Lupien sur les traces du chaos dans la Maison Durant ARTICLE DE LESLIE PICHÉ Qui diable a écrit ce texte déroutant, troublant, apparemment déconstruit ? Le dramaturge québécois Daniel Danis.1 « Les traces du chaos dans la maison Durant » est le deuxième tableau des vingt-et-un constituant Le chant du Dire-Dire, son théâtre de création musical. Cette forme non conventionnelle avait de quoi inspirer une metteure en scène, comédienne, danseuse et chanteuse telle que Mélodie Lupien. Sa rencontre avec cette œuvre de Danis avait été une révélation pendant sa formation à l’UQAM. Le festival Vous êtes ici allait lui permettre de concrétiser sa vision multidisciplinaire de ce Dire-Dire, en expérimentant un art ouvert, avec l’accord enthousiaste de l’auteur qui ne fournira ni didascalie ni autre précision, mais une licence de liberté. Ainsi donc, dès janvier 2019, Mélodie avait rejoint un noyau de finissants du Collège Lionel-Groulx, pour commencer à bâtir une équipe de comédiens ayant des aptitudes en danse, qu’elle a complétée ensuite avec un pianiste professionnel et une chanteuse classique. Et c’était parti ! En amont, Mélodie réfléchit, cherche, structure théoriquement ses dix minutes, fait quelques essais, puis travaille la lecture avec ses interprètes. La parole étant dite, chantée et montrée, elle commence à élaborer des pas de claquette qui parleront eux aussi. Elle n’aura que seize heures et demie de répétition aux Écuries, aussi est-elle déterminée à profiter au maximum des installations techniques du théâtre et de l’équipe professionnelle qui l’encadrera. Responsable de sa production, elle se chargera elle-même des éclairages, et sa scénographie traduira une présence physique de la nature : teintes terreuses pour les costumes, buches de bois franc, arbre éclairé par la Lune... Tout se met en place, chacun jouera son rôle pour créer un moment hors temps et hors normes dans cette maison d’amour et de chaos. PHOTO NICOLAS BIAUX\nAprès les dix minutes d’exposition à la réalité devant public, que reste-t-il ? Le projet de monter les vingt-et-un Dire-Dire de Daniel Danis. Et la certitude que le théâtre de création musical doit s’affranchir des préjugés, et du milieu et du public. 1\nMélodie Lupien s’est attachée à transposer sur scène ses valeurs communes à celles de l’auteur Daniel Danis. Tous deux sont sensibles à l’agriculture, entre autres. Le grand-père de Mélodie est un expert en culture du foin, et sa famille produit de l’ail à Bromont. Les travaux dans les champs font partie de son ADN et la ville lui pèse parfois. Pour sa part, Daniel Danis est retourné vivre au Saguenay–Lac-Saint-Jean, là où le déluge de 1996 a fait d’une petite maison blanche le symbole d’une résistance au chaos. Tiens ! c’est à cette époque qu’il écrivait Le chant du Dire-Dire dont les lieux fondateurs sont les régions rurales de Portneuf et de Rouyn-Noranda, une ville minière de l’Abitibi.\nCRÉATRICE DE LA PERFORMANCE E FAITES PAS HONTE À VOTRE SIÈCLE IMMERGEZ , A MÉLIE P INEAULT – STAGIAIRE À LA S OCIÉTÉ LITTÉRAIRE DE L AVAL À L’ ÉTÉ 2019 – DÉCRIT ELLE-MÊME SON PROCESSUS DE CRÉATION, À LA DEMANDE DE LA REVUE.\nMa liste de cadeaux de Noël étant essentiellement composée de recueils de poésie contemporaine, je me suis retrouvée comme à chaque année avec ma précieuse pile à dévorer, et ce fut la découverte de Daria Colonna, qui me plongea dans une rage magnifique. Sa deuxième publication, Ne faites pas honte à votre siècle, m’est apparue comme étant le texte idéal pour soutenir le projet que je comptais proposer au festival Vous êtes ici.\nPublié par Poètes de brousse, le recueil est une étude poétique sur la jeune génération militante s’étant heurtée au récif postgrève du Printemps érable et qui, depuis, ne sait plus comment sortir la tête hors de l’eau. L’écriture soulève, entre orgueil et culpabilité, l’hypocrisie d’une gauche intellectuelle privilégiée. Le constat est que, pataugeant dans les eaux troubles du « désespoir serein » , nous attendons la tempête – dérèglement climatique, crise du capitalisme – conséquence inévitable de nos quotidiens bourgeois. En voici un extrait.\n« vous êtes torturés par la honte du siècle qui est aussi mélancolie suprémaciste esthétique du suicide nostalgie postmoderne vanité des symboles ou tentation »\nPHOTO NICOLAS BIAUX\nPuisque j’ai participé activement aux grèves étudiantes de ma génération (contre la hausse des frais de scolarité et, quelques années plus tard, contre l’austérité), mon engouement pour ce texte relève de mon identification à ces évènements, mais aussi de mon amour pour le lyrique et le séditieux. Comme Daria, les sentiments de colère et de cynisme avec lesquels je traverse mes années de jeune adulte sont devenus mes vecteurs sublimes de création. C’est d’ailleurs avec ce souffle pressant sur la nuque que j’ai écrit durant les six dernières années Louves1, un hymne à la sororité dans une société phallocrate en pleine décadence.\nENTREVOUS a publié deux poèmes de ce recueil à paraitre aux Éditions de la tournure : dans le numéro 09, « Sopor et le chant des filles bleues » ; dans le numéro 11, « Antigone-Machine ». ENTREVOUS\nEn fait, ce sont ces quelques similitudes de valeurs et de parcours, à Daria et à moi, qui ont renforcé mon désir de mettre en scène ses mots, car je sentais que, de ces chemins analogues, émergeait un message commun que je pouvais véhiculer en usant de la poésie et des arts vivants comme levier de communication sur ces enjeux, avec comme objectif d’inciter à la radicalisation par rapport aux injustices sociales et à l’urgence climatique. Quand l’appel officiel de projets a été lancé par le festival, j’ai contacté Daria par l’entremise des réseaux sociaux, et elle a accepté de me donner les droits d’utilisation des textes de son recueil. Pour ma création, que j’ai intitulée Ne faites pas honte à votre siècle : immergez, je me suis inspirée d’une vision que j’ai eue dans un rêve, celle d’un radeau ballotté par une tempête en haute mer. Je comptais reprendre cette image, qui m’inspire symboliquement les déroutes climatique et systémique, et en pousser l’esthétisme et la situation grâce au support textuel offert par la poésie de Daria. Comme je me l’imaginais alors, les interprètes, naufragés du système, allaient s’entasser debout dans un petit canot pneumatique, vulnérables face aux éléments qui se déchainent sur une Amérique fictive et futuriste. Je voyais un micro déguisé en bouée de sauvetage pendouillant au-dessus de leurs têtes. Ma création allait répondre à cette question :\nSous quelles formes la parole peut-elle repousser le marasme et éviter l’irréversible ? L’expérience humaine et artistique que j’allais vivre fut bien au-delà mes attentes. L’équipe que j’ai réunie s’est rencontrée le dimanche précédant les représentations, soit à quatre jours de la première. C’est dire avec quel impératif et quelle exaltation nous avons travaillé dans les heures allouées à la création ! Par chance, les idées que j’avais préalablement développées pour une majorité des départements de production (décor, scénographie, costumes, maquillages, etc.) se sont avérées fonctionnelles et efficaces dans l’espace scénique donné. L’unique défi rencontré dès la première journée fut le montage des extraits du texte que j’avais fait. Il s’avérait nettement trop court pour la durée de la performance. J’ai dû ajouter deux pages aux cinq déjà existantes, ce qui a demandé un effort supplémentaire de mémorisation pour les comédiens. Les jours suivants, entre le travail dans l’espace avec les interprètes et les divers tests de conception (sons, éclairages, maquillages, costumes, etc.), il y a eu les deux visites d’artistes de LA SERRE – arts vivants, le promoteur du festival. Leurs avis m’ont été extrêmement précieux, réorientant ma recherche artistique vers une esthétique plus grotesque et me référant, entre autres, à l’œuvre phare de Kantor et à son théâtre de la mort. C’est donc avec beaucoup d’émerveillement que j’ai découvert le travail de ce metteur en scène polonais, fier héritier du constructivisme et du dadaïsme. Le visionnement d’extraits de La classe morte, captation vidéo datant de 1976 d’une création de Kantor, m’a particulièrement aidée à comprendre le ton de cet illustre homme de théâtre, pour m’en inspirer dans ma forme courte. Ce qui est frappant dans sa démarche, c’est comment la vie et la mort se côtoient au point de ne plus être • 12\ndissociables l’une de l’autre. Mes interprètes, avec des yeux maquillés sur leurs paupières, reproduisent cet effet fantoche et inquiétant. Ces corps sont-ils morts ? Sont-ils vivants ? Et dans quel espace-temps existent-ils ? À cela, Kantor répondrait sûrement qu’ils se trouvent dans une « chambre de la mémoire » , lieu spectaculaire où se révèlent, à la manière d’une chambre noire, les images obsédantes et persistantes du passé. Cette affirmation, dans le cas de ma création Ne faites pas honte à votre siècle : immergez, positionne le public en sorte d’oracle devant un désastre qui ne s’est pas encore concrétisé – celui de la crise climatique et de l’effondrement du capitalisme tel qu’on le connait.\nLa représentation publique L’expérience commence par un état de recueillement, la foule entrant par bouquets dans un espace noir où seul un requiem de Fauré les accueille. Puis, lorsque la porte se referme, l’éclairage s’intensifie très lentement, de manière à faire apparaitre la fresque de survivants, poupées de chair dans leur canot pneumatique, rappelant le célèbre tableau en clair-obscur Le Radeau de La Méduse de Géricault. Les costumes – sous-vêtements couleur peau et ponchos transparents – amplifient cet effet de masse des corps coincés sur leur bateau de fortune. Par un jeu de têtes, les personnages identifient quelque chose dans le ciel, une aide (divine ?) à interpeler, chorégraphie stylisée d’appel au secours. La musique qui s’était jusque-là amplifiée – composition pesante et métallique, parsemée d’échos de Fauré – s’arrête net. Les corps, comme des pantins aux fils coupés, s’effondrent avant de se réanimer vivement : les mots de Daria Colonna emplissent alors la salle, portés par le chœur. Le rythme impitoyable plonge le public dans une sorte de transe. Après cette poésie fluviale se forme l’image de la finale : Fauré à nouveau triomphant parmi les personnages qui appliquent leur poncho sur leur visage et prennent la pose – êtres intemporels et asphyxiés dans leur emballage plastique. Le tout s’évanouit dans un retour brutal à la réalité : un signal sonore strident invite fortement les gens à quitter la salle, tandis que les néons se rallument et que les interprètes se préparent déjà pour la prochaine performance.\nCe décrochage volontaire pour le moins violent – les néons – a empêché de créer une sorte de romance autour de ces rescapés martyrs et a ramené le public à la choquante réalité : un espace-temps qui n’a pas encore connu l’aboutissement de la crise et où tout est sur le point de se jouer.\nJe ne sais pas vraiment comment sortir d’un projet comme celui-là. Puisqu’il fut mon baptême de mise en scène, je crois qu’il gardera toujours une place privilégiée dans ma mémoire. Il aura eu une existence bien éphémère, car les droits du texte de Daria sont maintenant réservés à une autre production pour une adaptation à venir dans un théâtre institutionnel. En somme, la résidence aura servi personnellement à me faire découvrir ce rôle de metteure en scène que j’ai particulièrement affectionné ; pour l’équipe, à tisser des liens forts avec un nouveau cercle d’artistes ; et pour plusieurs centaines de personnes, à entendre une poésie nécessaire et intelligente. » ENTREVOUS\nU N A C T E P OÉ T IQ U E\nLe cri des méduses ou le langage de l’indicible ROBERT\nSPECTACLE VU AU THÉÂTRE DES MUSES DE LA MAISON DES ARTS DE LAVAL 2019.10.29 PHOTO ANTOINE CARON La conversion de tableaux en danse, en musique ou en texte pose d’emblée la question du temps. La peinture donne à voir instantanément la totalité d’une image tandis que la danse, la musique ou le texte, qui se dévident en instants successifs, ne révèlent la totalité de leur sens qu’après coup. En 2019, j’aurai couvert deux spectacles de danse contemporaine inspirés par des tableaux célèbres. Après Le Jardin des délices de Bosch-Chouinard (ENTREVOUS 11, p. 48 à 51), voici Le Radeau de La Méduse / Le cri des méduses de Géricault-Lake. À l’exemple de Baudelaire traduisant Poe, Alan Lake et Marie Chouinard ont produit de « belles infidèles », car ce qui intéresse manifestement ces chorégraphes est exactement ce qui intéressait aussi le traducteur : poursuivre une recherche personnelle, abstraite et subconsciente.\nD A N S E E T BE A U X - A RT S\nAlan Lake dispose d’une troupe qui défend sa recherche corps et âme. Ses neuf danseurs et danseuses (dont l’une visiblement enceinte) ne ménagent aucun effort pour incarner sa vision, tout en poursuivant pour leur compte une exploration kinesthésique tantôt individuelle tantôt collective. D’où leur motivation ! Si je vois juste, chacun cherche son chat. Ainsi, de belle infidèle en belle infidèle, les artistes tentent d’attester à leur façon ce qu’ils devinent et qui les transcende : le peintre Géricault avec ses couleurs, le chorégraphe Lake avec sa vision cinétique des corps, les interprètes avec leur méditation musculaire, l’écrivain – moi, en l’occurrence – avec les mots du non-dit. Tous, nous tentons d’exprimer l’indicible qui, dans la couleur, le mouvement, la sensation, les mots... se dérobe. Dans la mer de bruits dont notre quotidien raffole, des artistes aux oreilles fines captent et traduisent en signaux pour malentendants l’appel irrésistible d’intuitions flottantes. Cet appel, c’est peut-être cela, « le cri des méduses ».\nLe Radeau de La Méduse du peintre Géricault [1791-1824], conservé au musée du Louvre, à Paris. Il s’agit du tableau qui a inspiré Alan Lake pour sa chorégaphie Le cri des méduses (ci-dessus) et Amélie Pineault, pour sa création Ne faites pas honte à votre siècle : immergez (p. 56 à 58).\nQuelle créatrice de haute couture montréalaise a réellement présenté ses créations lors d’un défilé au Ritz-Carlton en 1938 ? Gabrielle (Gaby) Bernier [1901-1976]. À lire : Gaby Bernier, la biographie romancée de la créatrice de mode, par Pauline Gill, une trilogie parue chez Québec Amérique en 2012, 2013 et 2014.\nQUIZ CÂLINE DE BLUES • PAGE 34\n• Réponse : Bulldozer, duquel Harel a dit : « Ce n’est pas un film noir, c’est un film .....laid. La beauté m’intéresse, mais je cherche à y accéder par le bas. » Parmi ses comédiens : Pauline Julien, Donald Pilon, Raymond Lévesque, Tony Roman et Yvan Ducharme. Dans Vie d’ange, Pierre Harel joue avec Paule Baillargeon. Selon lui, c’est « un film féministe dans lequel le stéréotype du macho est vu sous un nouvel angle, nu et vulnérable, tendre et innocent sous sa carapace de béton. »\n1 Câline de blues est la trame sonore de quel film de Harel ? Bulldozer ou Vie d’ange ?\n2 Câline de blues a d’abord été enregistré sur quel album du groupe Offenbach ?\nRéponse : Offenbach Soap Opera (la pochette du vinyle a la forme d’une boite de lessive).\n3 Câline de blues a joué combien de fois à la radio en 2004 ? Réponse : plus de 25 000 fois, ce qui lui a valu un prix de la SOCAN.\nfaux ? • Réponse : vrai. Les droits appartiennent à Pierre Harel (texte), Gérald (Gerry) Boulet et Michel (Willie) Lamothe (musique).\n4 Câline de blues est intronisé au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens. Vrai ou\ngroupe Offenbach a été hué par 12 000 spectateurs. Vrai ou faux ? • Réponse : vrai. Parce que le public avait entendu : Call in the blues ! Pierre a alors pris le micro pour dissiper la méprise et déclarer : « On chante en québécois, ostie de gang de tarlas ! On chante en québécois ! Entendez-vous ? Québécois ! » À noter que sa harangue compte beaucoup plus de jurons (voir le texte complet en page 51).\n5 En commençant à interpréter Câline de blues au centre Paul-Sauvé, à Montréal, le\nFEUILLETAGE La revue d’arts littéraires ENTREVOUS offre sur son site Web le feuilletage complet des numéros parus il y a plus de deux ans, et le feuillatage partiel ou caviardé des numéros plus récents. Pour les numéros complets en version papier (numéros 01 à 05) ou PDF (tous les numéros), contactez la Société littéraire de Laval : sll@entrevous.ca / 514 336-2938.\nAPPELS À CONTRIBUTIONS La revue ENTREVOUS lance régulièrement des appels à contributions. Certains ont une date butoir, d’autres sont ouverts en tout temps. Pour plus d’information, allez à entrevous.ca, onglet REVUE ENTREVOUS, « appels à contribution » dans le menu déroulant.\nENTREVOUS 12 caviardé