Deux aspects de l’artiste chez Balzac : Frenhofer le sublime vaincu, Pierre Grassou le vainqueur affligeant, par Gregory Mion : STALKER - Dissection du cadavre de la littérature\n« Le Désespéré de Léon Bloy | Page d'accueil | La Mélancolie de la résistance de László Krasznahorkai »\n«Écoutez un fait, mais un fait vrai à la lettre. Il était nuit, tout dormait autour de moi; j’avais passé la matinée au Salon. Je me recordais le soir ce que j’avais vu. J’avais pris la plume, j’allais écrire; j’allais écrire que le Clair de lune de Vernet était un peu sec et que les nuées m’en avaient paru trop noires et pas assez profondes, lorsque tout à coup je vis à travers mes vitres la lune entre les nuées, au ciel la chose même que l’artiste avait imitée sur la toile. Jugez de ma surprise, lorsque me rappelant le tableau je n’y remarquai aucune différence avec le phénomène que j’avais sous les yeux, même noir en nature, même sécheresse. J’allais calomnier l’art et blasphémer la nature. Je m’arrêtai et je me dis à moi-même qu’il ne fallait pas accuser Vernet de fausseté sans y avoir bien regardé.»\nFrenhofer le génie\nMême si Le Chef-d’œuvre inconnu (1) est un texte qui nous présente l’une des plus belles paraboles de la génialité artistique, et qu’en cela nous pourrions nous attendre à une certaine infatuation du propos compte tenu de la hauteur du sujet, il ouvre pourtant son rideau narratif sur une scène de retenue, suivant la trace d’un jeune homme anxieux à l’idée de pénétrer dans le logis d’un peintre de renom. La timidité de l’apprenti n’est pas seulement un trait de caractère propre à ce grand débutant, elle est aussi la revendication plus large d’une juste attitude, d’un conseil immédiatement proféré à l’attention de ceux qui voudraient s’inscrire dans une carrière d’artiste. Balzac, en effet, insiste sur les qualités d’une «timidité première», signe des talents qui se savent encore tendres et qui ont à se fortifier dans le sillage de plus vieilles autorités. Par le biais de cette considération précoce, l’auteur insinue que tout achèvement créatif ne saurait d’abord se dispenser d’un doute de soi-même et d’un enseignement antécédents. Serait-ce alors que le génie n’est qu’un être qui fut au début de son engagement un coutumier des bégaiements et des irrésolutions ? Serait-ce qu’il n’existe aucune vocation déterminée par quelque combinaison génétique de classe et qu’il faille au préalable se faire violence en sachant nous écraser avant d’amplifier ? Que le génie pour ainsi dire n’est pas de l’ordre du donné mais du conquis ? En tout cas la pudeur d’une jeunesse entichée d’art est d’emblée posée par Balzac à l’instar d’un savoir-vivre, d’un gain sentimental, d’un bénéfice esthétique, par opposition à ceux qui manqueraient l’expérience d’une démarche novice auprès d’un maître plus âgé et plus ferme dans sa pratique. Ce serait par conséquent à l’aide d’une sorte d’hommage pudique aux Anciens que l’on se forgerait un solide avenir dans les arts. Qu’importe la statue du commandeur qui nous domine, sachons obéir au commencement avant d’éreinter les idoles au dénouement. Quand on est jeune et qu’on a la fougue de faire œuvre, Balzac nous aviserait d’apprendre la patience, l’endurance même, la sagesse de ne pas trop tôt pécher comme ces «fanfarons bouffis d’eux-mêmes [qui] croient trop tôt à l’avenir […]». À suivre cette ligne de conduite, la temporalité du génie serait peut-être fondée sur une horloge d’atermoiement. La véhémence créatrice de tel adolescent génial a toujours besoin d’un bateau pour affronter ses tempêtes de pleine mer.\nCe jeune homme préoccupé que nous décrit Balzac délibère devant une porte de la rue des Grands-Augustins, à Paris, «vers la fin de l’année 1612». Il se nomme Nicolas Poussin, il a dix-huit ans en ce temps-là et il ne sait pas encore qu’il va rencontrer un génie bien plus costaud que celui qu’il est censé visiter. En choisissant d’évoquer fictivement celui qui restera plus tard comme l’une des références majeures du classicisme français et de le confronter à une personnalité déstabilisante, l’auteur du Chef-d’œuvre inconnu nous suggère que les influences de Poussin sont redevables de ce qu’il est courant d’appeler un hasard de la vie, un de ces accidents qui restructurent entièrement l’essence de ceux qui les vivent. Or dans la mesure où la biographie de Poussin n’a jamais établi avec certitude quel fut son protecteur lors de son arrivée à Paris en 1612, après qu’il eut quitté sa famille sans permission, toutes les spéculations sont acceptables quant à celui qui offrit à ce bouillant blanc-bec les moyens d’approfondir sa pratique déjà remarquable du dessin. Le romancier s’empare de cette ambiguïté pour en faire une ombre chinoise, c’est-à-dire un mouvement de grâce tenu par le secret de la littérature et qu’une lumière trop prononcée viendrait détruire. Ce moment énigmatique de la vie de Poussin fait en quelque sorte figure de complément d’objet pour l’inconnu qui estampille le titre de la nouvelle. S’il est en effet question d’un chef-d’œuvre qui demeurera toujours introuvable pour son créateur, peinture éternellement anonyme qui se dérobe au pinceau de son démiurge malheureux, il est également permis de penser que ce langage de l’insaisissable s’étend à l’ensemble du texte, faisant de Poussin une matière noire de saison, un genre de personnage qui précède la personnalité qu’il est devenue par la suite. Ainsi, déjà tourmenté par son excursion qui l’a mené au domicile d’un certain Porbus (2), le jeune Poussin sera encore plus affecté par l’homme qui s’érigera en promoteur d’un autre monde, tel un mystique pointant de son doigt la voûte céleste et dissertant sur des présences qui ne se sont jamais montrées et qu’il faudrait pourtant savoir accueillir avec confiance. Dans cette fiction balzacienne, celui qui distingue cet ailleurs et qui s’en fait une raison créatrice s’appelle Frenhofer.\nC’est ce dernier qui conduit Poussin dans les appartements de Porbus, quoique l’adolescent ne sache pas encore l’identité et les talents de ce vieux monsieur extatique. La montée des escaliers pourrait symboliser un prologue de lévitation spirituelle, le précurseur ouvrant la voie à son héritier, comme un premier de cordée expérimenté enseigne à ses camarades les chemins qui mènent au sommet le plus difficile. Tout à l’heure perçue à l’instar d’une montagne infranchissable, la demeure de Porbus apparaît désormais sous un jour plus familier, parce que Poussin profite de «la prépondérante sécurité» de son accompagnateur fortuit, suivant le pas de cet homme dont il décèle sur la figure une signature «diabolique» et «ce je ne sais quoi qui affriande les artistes».\nDe nouveau, donc, l’impression dominante sinon de l’inconnu, du moins de l’inquiétante étrangeté. L’association d’un caractère diabolique avec le monde de l’art oriente directement le lecteur vers un être d’exception, possédé par un démon inventif, tourné vers des régions que peu d’entre nous oseraient traverser, faute d’en maîtriser la cartographie. À cela s’ajoute un aspect physique paradoxalement commandé par la laideur, comme si le démon intérieur de cet individu aspirait toute beauté extérieure pour la réacheminer vers lui-même, au centre de ses forces intimes, à la forge d’un Vulcain phénoménalement déplaisant mais essentiellement génial. On parle d’un front protubérant et glabre, qui assujettit «un petit nez écrasé», détail disgracieux qui convoque les difformités légendaires d’un Rabelais ou d’un Socrate. La citation de ces deux monstres de l’esprit insinue l’idée d’une existence tout entière dévouée à la cause qu’elle a choisie. Ce pourrait être la passion des raisonnements qui produit sur les corps les mutations qui se rapprochent de la laideur : un surcroît de réflexion engendre des fronts qui se plissent et qui se redressent en boules cognitives, des nez qui suivent cette crispation intermittente, et le tout, en prenant de l’âge et de la régularité, accouche de visages tuméfiés de cogitation et d’attachement aux choses extraordinaires.\nIl en va sûrement de même pour un peintre démoniaque qui recherche dans son œuvre le témoignage d’une très haute vérité; il a pu froncer les sourcils en apercevant le double ou le triple fond de son tableau, la série des êtres derrière les apparences, choisir ses couleurs comme le philosophe choisit son argument, puis apposer sur l’œuvre achevée un titre mûrement réfléchi. Par la répétition de ces habitudes envoûtantes naît l’usure d’un corps qui ne peut plus suivre le rythme imposé par le mental, aussi relève-t-on sur ce visage la flétrissure «[des] fatigues», alourdies par «ces pensées qui creusent également l’âme et le corps.» Mais comme tous les esprits d’envergure, la perte des qualités physiques ne retranche rien à la volonté de poursuivre l’intelligence, c’est pourquoi les yeux de Frenhofer sont comparables à deux reflets de cette intense activité interne, «des yeux vert de mer, ternis en apparence par l’âge, mais qui, par le contraste du blanc nacré dans lequel flottait la prunelle, devaient parfois jeter des regards magnétiques au fort de la colère ou de l’enthousiasme.» Bien que la chair ait atteint le degré d’une débilité gâteuse, la tête, en revanche, constitue l’écrin d’une sagacité qui ne disparaîtra qu’à la mort venue, mais elle aura tôt fait de subsister dans la mémoire gourmande de Nicolas Poussin. C’est que Frenhofer n’est pas du genre à disparaître comme le font les hommes de l’ordinaire.\nCette série de détails nous offre un portrait à la fois physiologique et psychique du génie. Balzac est du reste accoutumé aux descriptions où l’extérieur d’un homme répond nécessairement de son intérieur (3). Il n’eût pas fait de Frenhofer une bedaine qui s’empiffre de plaisirs de bouche et qui en oublie les termes de sa mission – créer, toujours créer, jusqu’à ce que mort s’ensuive. Il n’eût pas fait de lui non plus un séducteur patenté qui se perd en gesticulations dans le tout-Paris des courtisans. Pour que Frenhofer s’installe dans un concubinage durable, il ne peut rencontrer sa maîtresse qu’en peinture, dans un monde forcément plus vrai que le nôtre. Or c’est précisément cette «maîtresse» picturale que Frenhofer aura traquée toute sa vie, touchant et retouchant son tableau, passant d’un repentir à un autre, dans l’espoir inouï d’approcher ce que le monde sensible ne nous donne pas et que tout au plus il nous délègue en intuition, à savoir le panorama des Formes vraies, le pays de l’intelligible si cher à Socrate, la terre aléthique d’où la totalité des choses procède mais que nous ne nous mettons guère en capacité de rejoindre. Toutefois, plutôt que de mener à la manière de Socrate un dialogue avec un groupe d’interlocuteurs désireux de philosopher, Frenhofer ne dialogue qu’en peinture, avec ses anatomies branlantes et ses aplats évolutifs, menant une espèce de dialectique du vide et de la plénitude, autant de prises et de reprises qui s’apparentent parfaitement aux détours d’une conversation pour les besoins d’un exemple ou d’une argumentation à vérifier, sauf que la toile du peintre sollicite un discours des images pour prendre la mesure de ce qu’elle essaye de dire. Le but recherché reste par conséquent identique à celui de Socrate, ceci malgré les moyens différenciés de la méthode : aboutir au Vrai, toucher à la consistance réelle des êtres, se faire amant du Logos (ce qui élève) comme certains se font amants de la Doxa (ce qui rabaisse).\nOn comprend de la sorte que l’enjeu de cette peinture dépasse de beaucoup les ambitions vulgaires d’un art qui se voudrait fonctionnel, calibré à la demande d’un public tout aussi vulgaire. L’art de Frenhofer ne saurait se réduire à la géométrie restreinte d’un espace muséographique ou d’une galerie du dimanche. Cet homme ne pourrait en outre que déplaire puisque son tracé ne tient pas de l’imitation standard. Mettons qu’il fasse le dessin d’un chien ou d’un cheval, et ce sera un peu plus que ces animaux qu’il nous fera deviner. Il nous en découvrira aussi bien le gabarit que les organes palpitants, le dehors et le dedans, et tout cet assemblage fondera une instance de visibilité des âmes. Non seulement les règles de l’art figuratif sont respectées, mais elles proposent simultanément la possibilité d’un art animatif, impliquant dans ses modèles un principe inédit de vivacité, aussi convaincant qu’un prodige qui a sous-entendu dans les commissures d’un drap les excentricités d’une relation fiévreuse. Ce que Fragonard a fait avec son lit dans son tableau Le Verrou, Frenhofer veut le réaliser sur des corps humains, inoculant dans les chairs les agents de la génération et de la corruption, chacun se rattachant à l’unité d’une âme qui les déploie et qui les reprendra quand la mort biologique surviendra. Par ricochet et par manque d’éducation esthétique, voire par défaut de délicatesse, quelques-uns seraient peut-être tentés de voir dans un chien ou un cheval de Frenhofer des copies mal dégrossies ou des blasphèmes, la Création de la vie n’étant admissible que de la main de Dieu. En d’autres termes, outre les évidentes parentés prométhéennes que ce représentant du Logos entretient, Frenhofer fait certes courir son pinceau avec ressemblance, ses modèles sont fiables, néanmoins la correspondance de ce qu’il peint avec la réalité extérieure exprime autre chose que ce que révèlent nos tables communes de vérité et la complexion de nos sens.\nSelon lui, l’art ne peut se satisfaire que d’une mission unique : ne pas copier la nature telle qu’on la voit de nos yeux, mais l’exprimer telle qu’on la saisit avec l’œil de notre âme. L’apparence est éventuellement tolérable du moment que la vie la déborde et la transforme en exubérance. Ainsi, pour surmonter les faiblesses d’un art monotone qui se gargarise et se contente de techniques imitatives, Frenhofer préconise le combat avec la vie, la lutte de l’artiste avec lui-même, avec les âmes errantes que nous ne savons plus entendre ou repérer, seule façon d’entrer en fraternité avec l’intimité du naturel, par opposition évidemment à l’artificialisation de l’art, déterminée par la tradition accablante de la mimésis. Une telle conception de la peinture induit immanquablement un registre d’images parlantes, odoriférantes, saisissantes, etc. Il s’agit presque de cinéma avant le cinéma, à ceci près que Frenhofer n’accumule pas des images sur une pellicule, il entrouvre plutôt dans sa représentation la porte qui unit l’empirique et l’ontologique, la peau et le sang, l’enveloppe et le contenu, le corps et l’âme naturellement. En cela, les corps de Frenhofer ne pèsent pas comme les corps du Tintoret; tout est légèreté dans ses tableaux puisque la vie signifie d’abord l’imprévoyance, la fugue, la consumation qui fait que rien ne s’éternise en pesant maladroitement dans l’univers. Ce n’est donc pas un art qui est fait pour s’exposer. Tout au rebours de ce qui a la volonté de persévérer en couleurs criardes ou en style pompier, loin de ceux qui se vantent d’avoir appris des techniques pour dissimuler un talent lacunaire, l’art de Frenhofer se confond avec la nature constamment reformulée, il se dit et se dédit autant de fois que Socrate relance une discussion, et tantôt il plaît, tantôt il déplaît, nomade et versatile comme la vie, conjurant les imbéciles qui revendiquent une œuvre-tombeau pour qu’on n’oublie pas de venir les fleurir en se disant qu’ils sont devenus des prosélytes de la création.\nLa proximité que Balzac instruit entre Frenhofer et Socrate se justifie pleinement par l’évocation en toutes lettres du «démon», résurgence du fameux daîmon socratique. Que ce soit Poussin ou Porbus, le débutant ou le confirmé, les deux hommes sont littéralement subjugués par les leçons de ce vieillard à l’esprit frénétique. La parole de Frenhofer emplit le monde de philosophie de l’art; elle cristallise l’atelier de Porbus où l’on indiquait pourtant d’entrée de jeu quelque promesse pour comprendre «les procédés matériels de l’art», ce qui se fût trouvé somme toute déjà convenable pour un jeune peintre tel que Nicolas Poussin.\nMais l’imprévisible entrevue est allée au-delà du matériel, jusqu’au naturel philosophe devrait-on écrire en empruntant la formule à Monique Dixsaut (4), voire jusqu’au surnaturel humain d’un être «en conversation avec son esprit» et malgré tout palpable, habité de son intensité communicative, montrant à ses auditeurs la route à suivre et les risques à prendre afin de se former aux véritables exigences de la peinture. Cependant cette séance de maïeutique prend une tournure différente que celle que nous avons été habitués à observer avec Socrate. Nous avons déjà affirmé que Frenhofer ne s’investissait que de dialogues picturaux, c’est pourquoi il ne s’adresse qu’indirectement à Porbus et Poussin lorsqu’il pense à haute voix. C’est effectivement à l’une des toiles de Porbus que Frenhofer tient un discours, accouchant l’âme d’une sainte créée par son ami, ceci au lieu de mesurer la viabilité de l’âme du peintre en personne. Lors de ce dialogue mené avec la sainte en peinture, Frenhofer produit une implacable critique dont la sévérité indignera Poussin. Tandis que ce tableau conviendrait à peu près à n’importe quel jugement, on voit tout de suite que le vieil homme ne laissera rien passer à ce monument de classicisme.\nIl reproche au travail de Porbus de n’être qu’un duplicata de la nature. Il va de soi qu’une virtuosité technique est indispensable pour entrer dans le rang des copistes magnifiques, mais cela ne fait pas souvent un artiste. Nombre de ces copistes s’imaginent qu’ils se sont approprié quelques divins secrets, or Frenhofer, en évoquant les fantasmes de ces petits voleurs de l’Olympe, suggère peut-être que les Prométhée ne sont pas du côté que l’on croit. Lui que l’on accuserait volontiers de créer à la suite des dieux et d’avoir pénétré leurs arcanes, il ne serait en définitive que leur ambassadeur sur Terre, leur extension, comme la main de l’homme, pourvue d’un outil (ici un pinceau), traduit matériellement l’intelligence humaine et permet à la main de majorer ses fonctions. On doit en outre cette thèse de la main plurielle au philosophe Aristote (5). C’est parce que l’homme est doté d’une intelligence particulière qu’il peut faire de sa main un formidable potentiel de nouveaux outils. Cela suppose que l’on ne s’en tienne pas à une technique répétitive. Ce serait compromettre les facultés humaines que de les limiter au processus d’un seul savoir-faire. Autrement dit, ce n’est pas parce qu’une technique est efficace et qu’on la maîtrise à la perfection que nous devons nous croire arrivés. Dans le cahier des charges de Frenhofer, un artiste a le devoir de surmonter la facilité technique. Ce n’est pas tant la stabilité d’un artiste technicien que Frenhofer défend, que l’impermanence d’un artiste chercheur, un de ces artistes qui reconnaît que sa navigation au large vaut mieux qu’une entrée irrémédiable au port. C’est la raison pour laquelle il est si proche du tempérament socratique. Son œuvre ne peut être que celle de l’inachèvement, de l’exploration infinie de la question, comparable à un dialogue de Platon où le sujet débattu, à la fin, ne délivre pas ce qu’il est, mais plutôt ce qu’il n’est pas. En ce sens, Frenhofer ne nous apprend pas ce qu’est exactement la peinture, toutefois il nous montre ce qu’elle n’est certainement pas, en l’occurrence un contentement technique, une application méthodique qui trouve chaque fois sa destination. Qu’il nous soit donc autorisé d’écrire que Frenhofer est l’incarnation même du peintre aporétique. Cet homme-là n’a rien volé aux dieux; il n’est que celui qui entraperçoit la possibilité du divin et qui se donne les moyens d’indiquer aux opinions profanes l’intégrité d’une réalité sacrée.\nSelon Protagoras et le mythe qu’il raconte dans un dialogue de Platon qui porte son nom (6), Prométhée n’a pas eu assez de temps pour voler autre chose que le feu afin de compenser les défaillances naturelles de l’humanité, et ce détournement originel ne ferait que confirmer la nature foncièrement incomplète et impure des hommes. L’homme n’est devenu un être indépendant qu’à la faveur d’une kleptomanie démesurée, et dans la mesure où Prométhée n’a pas eu l’opportunité d’étendre son larcin, il a certes tendu aux mortels les perches d’une connaissance technique fondée sur l’usage du feu, mais il n’a pas complété son présent de la science politique qui se trouvait dans le giron de Zeus, si bien que les hommes ont cru grâce au feu qu’ils possédaient les ustensiles pour aller au bout de leur puissance, alors même qu’ils ignoraient les moyens de s’entendre et de former une coalition raisonnable. Si l’on s’en tient à la fable de Protagoras, on devrait poser que les hommes ont oublié les ressources de leurs mains, trop occupés faire du feu la cause première de leurs réalisations. Par analogie avec les artistes, le feu de Prométhée ne serait que cette mimésis que beaucoup utilisent sans réflexion, après l’avoir dérobée aux inventeurs et après l’avoir sûrement dévoyée au travers d’une longue redondance mécanique. Ce n’est pas là Frenhofer ! Lui est un fou dubitatif, il doute des techniques et de ses propres mains, et toute nouvelle satisfaction dans l’accomplissement de sa peinture ne peut être à cet égard que l’emblème d’un autre procédé, d’un appel d’air vers autre chose et qui demande à la main de révolutionner sa forme pour débusquer une plus haute vitalité dans son pinceau, dans son tableau.\nFrenhofer pourrait proclamer de bon cœur qu’il n’y a pas une façon unique de tenir le pinceau. Il n’y a que des requêtes en souterrain, une infinité de voies occultes, quelque chose de l’ordre de l’intuitif et qu’il faut se mettre dans les dispositions de recevoir si l’on veut participer à la seule façon de faire œuvre : abandonner l’envie de plaire à son époque, rejeter les mondes laborieux du médiocre, aller vers le divin, aller en solitaire pendant qu’une foule de simili-créateurs s’avance fièrement et reçoit les bons points qui les félicitent d’avoir su techniquement répondre aux désirs du moment. Ceux-là n’agissent qu’en conformité avec un devoir. Leurs œuvres sont conformes à ce que l’on attendait. Tous les signes extérieurs de ces créations banales coïncident avec la morale des pratiques artistiques reconnues et validées. Mais ce ne sont justement que des apparences morales ! Car Frenhofer ne fait œuvre que par devoir : il entend au fond de lui la voix d’un «Tu dois», indépendamment de toute conscience de la récompense ou du blâme. Ses peintures d’âmes sont comme des nus de l’esprit, nudité très au-dessus de la nudité physique, et le fait de s’inscrire dans une région aussi spirituelle de l’art le disqualifie d’office par rapport au tout-venant de la grosse cuistrerie, de la vulgarité et de l’obscénité, tout ce qui se pavane avec des gros sabots et qui fait un vacarme de tous les diables. Son génie n’est donc pas de la catégorie de l’ostentatoire, il est de la nature du divin partout distribué, en simplicité et en discrétion, nature qui ne fait rien en vain et qui de ce fait même en dit bien plus long.\nPartant de là, le couperet tombe sur l’œuvre de Porbus, sur cette sainte mimétiquement exceptionnelle mais naturellement défigurée. Frenhofer n’y voit aucune âme. Par conséquent l’absence d’âme confère à la déshumanisation, à une dégradation ontologique antisocratique. À la limite repère-t-on les contours d’une femme sur ce tableau, mais dès que l’on y regarde avec davantage d’acuité, Frenhofer y distingue non plus les symptômes de la vie, mais les manières d’immobilité d’une statue, et puisque décidément rien ne bouge sur ce tableau, on finit par associer l’impression hiératique à la vision ultime d’un cadavre. En voulant imiter la nature avec tout son arsenal technique, le malheureux Porbus n’a peint tout au plus que la dépouille d’une sainte. La distance de génie qui le sépare de Frenhofer est immense et il le sait. Tandis que lui, Porbus, s’échine à réduire la tension qui oppose le vivant à sa représentation picturale figée, Frenhofer, de son côté, parvient à faire se rejoindre le trait de peinture et la carnation vivante, comme si dans ses œuvres la mathématique d’une constellation de techniques se confondait à la surabondance de la nature. En d’autres termes, Porbus est lourd quand Frenhofer est léger, et lorsque Frenhofer reprend de son pinceau virevoltant la sainte de son ami, il la ressuscite, il la délivre de sa gangue procédurale, comme Mozart eût réanimé les partitions mortifères d’un Salieri.\nAprès cette leçon inaugurale pour Nicolas Poussin, irrité par tant d’agilité, on se rendra au domicile même de Frenhofer, afin de constater ce que le vieillard a dans le ventre. La maison de Frenhofer est saturé de «merveilles entassées», telles des Formes platoniciennes descendues de l’Intelligible, restituées par un homme surnaturel, quasiment thaumaturgique, un homme qui serait lui aussi descendu d’un monde plus haut, de passage dans le monde sensible afin d’en révéler le fonds d’intelligence. Exilé éphémère des provinces divines, Frenhofer expose à ses invités le patrimoine d’un art dont il faudrait presque oser dire qu’il respire tant il paraît éveillé, mouvementé, vif. Ces tableaux n’ont pas vraiment de lignes puisque la nature elle-même est comblée de vie, pleine d’elle-même, aussi ne serait-il pas pertinent de la découper ou de la délimiter en figures spécifiques. Pour Frenhofer, le soleil est le plus grand peintre qui soit, parce qu’il module les contours et qu’il fait fondre les corps dans le deuxième plan, comme celui-ci se fond dans le troisième et ainsi de suite.\nToutefois, malgré les toiles de qualité qui sont exhibées dans l’atelier, il en est une que les visiteurs désirent examiner plus que toutes les autres. Il s’agit de l’œuvre maîtresse, de la «maîtresse» au sens propre de Frenhofer, de la femme en peinture qu’il infuse du sang multicolore de sa palette depuis dix longues années. Ce travail est purement intime, sans public possible. Ce n’est pas un tableau d’exposition, mais l’édification d’une âme qui ne peut être vue que par celui qui l’enfante. C’est un chef-d’œuvre largement chroniqué dans les conversations car le vieux peintre est soupçonné d’avoir franchi un palier du génie artistique. S’il a été en mesure de de revaloriser la sainte de Porbus en deux temps et trois mouvements, que peut-il en être d’un tableau qui a reçu les assauts de ses transports pendant une décennie ? N’est-ce pas là une promesse de compréhension de l’art pictural en tant quel tel ? N’est-ce pas la clé qui permettrait pour une fois à ce Socrate barbouilleur de ne pas être incomplet ? Il serait donc injuste que les fruits de ce travail soient condamnés à ne jamais être présentés à ceux qui sont désireux d’apprendre et de progresser. Voilà bien un chef-d’œuvre qui gagnerait à être connu !\nMais Frenhofer tient à sa pierre philosophale. L’objet de sa réticence provient surtout du fait qu’il estime ne pas être un peintre pour le vulgum pecus. La relation qu’il mène avec sa création est celle d’un père avec ses enfants : elle lui est totalement exclusive. D’ailleurs Frenhofer affirme qu’il est à la fois père, amant et Dieu de sa création. Il déplore que l’on ne puisse pas se mettre au diapason du «sentiment» et de la «passion» nécessaires à toute formation d’une grande œuvre. Sans doute soutiendrait-il que ces dispositions ne reposent pas sur sa décision de divulguer son œuvre ou de la préserver des regards étrangers. Comme Socrate, il ne se sent pas un maître, mais tout au plus un maillon d’apprentissage, une étape méditative censée cultiver le désir d’une vérité qui ne dépend pas exclusivement de lui. Comme Socrate derechef, l’on pourrait avancer que Frenhofer n’a laissé aucune œuvre et qu’il n’a fait que transmettre à ses acolytes le désir de désirer ce qui est bon. C’est un artiste qui a frayé de nombreux passages et qui n’a pas forcément laissé de feuille de route. Dans cette perspective, n’est-il pas mieux que son chef-d’œuvre reste inconnu ? En effet, s’il était visible à chaque coin de rue, on sentirait que c’est le chemin préférentiel, et l’on finirait probablement par en oublier que nous avons une main et que celle-ci peut s’enquérir d’autres façons de diriger un pinceau. Porter ce chef-d’œuvre à la connaissance, ce serait en finir avec le désir de connaître. On aurait dénaturé l’œuvre en la reproduisant à satiété, on lui aurait retranché une part considérable de ce qui pouvait en constituer la sacralisation. Si Frenhofer en dévoilait ne serait-ce qu’une partie, le tableau perdrait de son unité fondamentale et l’âme de sa maîtresse tomberait entre des mains atrophiées, dépassionnées, des mains qui ne sentiraient rien du tout et qui passeraient à côté de l’essentiel. Bien qu’ils ne soient pas de cette clique des béotiens, Porbus et Nicolas Poussin devraient s’éprouver davantage avant de souhaiter s’engouffrer dans l’œuvre confidentielle de celui qu’ils admirent. C’est ce qui se détache toujours des dialogues socratiques : les jeunes amis de Socrate peuvent sembler déçus de ne pas avoir de réponse définitive aux problèmes soulevés, mais ils doivent faire de cette lacune l’objet d’un désir supérieur de connaissance. Ainsi deviendront-ils philosophes, ainsi Porbus et Poussin deviendraient peintres, en résistant à l’envie d’obtenir une solution lors même qu’ils n’ont pas suffisamment testé leurs aptitudes respectives.\nPourtant la tentation sera plus forte que la patience. À la suite d’une négociation tendue, le vieillard cèdera aux caprices de ses amis. Le chef-d’œuvre quitte l’inconnu et entre dans la lumière agressive de l’exhibition. Et tel que l’aurait dit le regretté Daniel Arasse : «On n’y voit rien !» En fin de compte, le chef-d’œuvre persiste dans son inconnu. Il est insaisissable parce que Porbus et Poussin n’ont pas la verve créatrice de Frenhofer; ils n’ont pas son don de voyance des âmes. Sur la toile tant attendue, il n’y a que des empilements de couleurs, des «pâtés» inélégants. Ce choix terminologique achève de descendre l’œuvre aux catacombes de la trivialité. C’est le résultat du travail d’un incompris typique, génie de l’ombre, à moins que ce ne soit la vérité crue qui éclate. La compétence de Frenhofer ne serait-elle que de rectifier les manques de ses confrères, tel Socrate accouchant oralement les âmes d’autrui et n’écrivant aucun discours, aucun livre dont on puisse juger les contenus a posteriori ? Livré à lui-même, Frenhofer n’a pas su apposer de point final à la peinture de sa vie. On a l’impression de découvrir un modèle d’ânonnement esthétique, un demi-Socrate parmi la multitude des peintres talentueux. Le voilà vaincu sans option de rattrapage, baleine échouée sur le rivage des artistes maudits. Lui dont on disait qu’il avait dû se rendre sur la terra incognita de quelque surdoué du pinceau, il a l’air maintenant d’un homme ordinaire, d’un infect gribouilleur.\nCeci étant, un à-côté de ce tableau de l’échec vient perturber l’opinion générale. Dans un coin de la toile, en contrepoint de cet agrégat difforme de couleurs, un pied sublime fait contraste. C’est un pied vivant, le pied d’un métalangage pictural, le segment prometteur d’un assortiment corporel qui ne sera jamais réalisé. Ce pied est une rampe d’accès au génie de Frenhofer, au monde des Formes également; c’est une partie qui domine son hypothétique totalité.\nMais bientôt la fascination fléchit et la défiance réapparaît. Poussin ne voit sur le tableau que du néant. Lui et Porbus finissent par confronter Frenhofer à l’évidence de sa débâcle. On devine cependant que cette sévérité de dernière minute n’est que la réaction vindicative aux jugements précédents de Frenhofer, lorsque celui-ci avait expurgé la sainte de Porbus de ses multiples carences. Tourmenté par cette attitude cruelle, et bien que le pied de sa «maîtresse» soit encore plus authentique que n’importe quel pied vivant, le vieil homme se suicide la nuit suivante, s’immolant avec ses créations, comme plus tard le fera le monumental aliéné d’Elias Canetti dans le grandiose Autodafé. Le suicide a des relents socratiques, à cela près que la ciguë est remplacée par les flammes et que le procès ne s’est guère attardé. Frenhofer mourant est synonyme de Frenhofer guérissant : il rejoint dans la mort le royaume des Formes. Le génie et ses œuvres réduits en cendres, nul ne viendra se les réapproprier et les profaner. Il faut imaginer que ce baroud d’honneur a suscité du regret et de la clairvoyance. Il fallait bien que cette mort spectaculaire et enflammée soit un passage de flambeau symbolique. Délivré de ce maître si particulier, Nicolas Poussin peut à présent se lancer. Qu’on nous permette en outre de conjecturer dans son Autoportrait de 1650 l’aveu d’un homme impitoyable, le visage marqué par la certitude, trente-huit ans plus tôt, d’avoir tué un père dont le dessin d’un pied fut nettement supérieur à tout ce que ce fils spirituel devait produire d’œuvres parachevées.\nPierre Grassou le médiocre\nEnviron deux siècles après les splendides malheurs de Frenhofer, génie blessé de la conquête de soi et du chef-d’œuvre impensable, Balzac nous fait revenir à Paris, au premier tiers du XIXe siècle, pour y étudier le cas de Pierre Grassou (7), nuisible badigeonneur couronné par son opportunisme et son obstination de petit laborieux. Si la jeunesse de Grassou ne mit pas le moindre indice de talent en exergue, c’est que «tout [en lui] annonçait la médiocrité». Aucun peintre de noble réputation ne repéra en Grassou le présage d’une quelconque grandeur, et bien des fois, après que le temps des cerises fut remplacé par le temps de l’homme fait, des gens naturellement prédisposés à la peinture conseillèrent à ce rachitique d’esprit de déposer les armes et de quitter les arts pour toujours. Parmi ces conseillers lucides, on recense certains peintres transcendants comme Schinner, Bridau ou de Lora, figures transversales de La Comédie humaine, que Balzac convoque pour aggraver la dissimilitude du génie épique et de l’encombrante médiocrité. En ce XIXe siècle où dorénavant il est permis aux créateurs passables de s’amalgamer aux vrais artistes, l’ombre de Frenhofer plane comme celle d’un aigle fatigué, une ombre de plus en plus restreinte, un souvenir que la modernité s’apprête à chasser d’un coup de fusil. La prospérité de Grassou est cette chevrotine qui se dilapide au ciel et qui fait tomber les génies qui nous éclairaient encore de leurs puissantes envergures.\nBien installé au seuil des années 1830, Pierre Grassou jouit du petit nom de «Fougères» dans le milieu de l’art, chic sobriquet qui s’explique par le fait que le peintre consacré a vu le jour à Fougères. Ce choix, en sus de manquer d’originalité et de confiner au ridicule, ferait presque songer aux surnoms que l’on octroie aux chevaux de course, Grassou étant désormais de l’aristocratie des pur-sang, en lice dans tous les concours et toutes les expositions qui comptent. Sa gloire s’inscrit entièrement dans le parcours fléché d’un système où la consécration des médiocres contribue à faire la guerre aux véritables talents.\nFacilement impressionnables, les bourgeois de cette époque veulent moins être bousculés que participer à la pompe des raouts durant lesquels se décident les nouvelles tendances ordinaires. En récompensant des eunuques de la création, on s’assure de ne pas être dénoncé par ceux que l’on considère, moyen de perpétrer l’ordre établi et d’engraisser davantage. Ainsi la situation fabriquée du peintre Grassou n’est-elle que la préfiguration d’une contamination de tous les arts de France, Balzac annonçant de la sorte les prochaines usurpations et faisant de cet univers pictural malade la presciente transcription de ce qui se prépare en littérature. Dans le fond, le triomphe de Grassou est tout aussi logique que les rouages d’une machine, et cette célébration de l’imposture pointe du doigt les impostures d’aujourd’hui, la machine étant devenue aussi monstrueuse qu’une raffinerie de pétrole. Mais tandis que le passé critique français pouvait autrefois profiter d’un Léon Bloy pour démonter quelques-uns de ces magistères de la nullité, quelques segments avariés de «la surhumaine oligarchie des Inconscients et [du] Droit Divin de la Médiocrité absolue» (8), la France actuelle s’étouffe de ses propres tumeurs, et les vagues d’attentats djihadistes ne suffisent même pas à instaurer les prémisses d’une révocation profonde de l’establishment. Il est vrai par ailleurs qu’un pays qui n’a plus de littérature et plus d’art en général, sinon dans les crevasses anonymes où plus personne ne daigne jeter un œil de curiosité, ne paraît devoir se relever de ses ulcères cancéreux qu’à l’état gazeux d’une maigre cascade de pets mous.\nPar son nom, de surcroît, Grassou est une composition de l’appesantissement, un «grassouillet» moyen de taille, qui a roulé sa bosse comme un suppositoire s’est ménagé un couloir dans l’anus serré de telle pudibonderie conventionnelle. Balzac s’amuse avec l’onomastique et son Grassou conjugue la laideur physique avec la laideur morale. Sa corpulence affiche une «physionomie pleine de santé, mais sans action». Tout de nonchalance et d’engourdissement, Grassou est dans son être comme son atelier est mis. Quoique cette pièce à créer soit pourvue d’une ouverture qui offre Montmartre en spectacle, on ne voit là-dedans que du rangement, de la méticulosité inutile, une propreté qui interdit toute espèce d’excentricité ou de tachycardie. Qu’on lui serve sur un plateau les meilleures conditions de création, qu’on lui tende les pinceaux et les couleurs qui ont fait la renommée des anciens génies, Grassou ne sera rien de plus qu’un «simple peintre de genre», sans signature reconnaissable, sans relief ou signe distinctif qui nous ferait nous exclamer : «Je le reconnais entre mille !» Non, Grassou est cimenté dans la masse, fier maillon d’une chaîne putanesque qui tourne autour d’une grande roue comique, roue de moulin qui se nourrit d’eaux usées. Il est de ces besogneux qui finissent grossistes des matières qu’ils bricolent à qui mieux mieux. En prolongeant la métaphore fécale que nous avons malgré nous initiée, et sans trahir outre mesure la lettre balzacienne, on pourrait définir Grassou à l’instar d’un nécessiteux du génie, un malhabile qui fait des tableaux comme une poule pond ses œufs, somme toute un chieur de l’art, un métronome de la puante médiocrité qui nous embarrasse de ses productions avec une «régularité désespérante».\nCar le pire, dans tout cela, c’est que Grassou a pris confiance en ses facultés apocryphes. Il a tant fait pitié à ses amis réellement talentueux que ceux-ci lui ont accordé un droit de présentation lors de l’Exposition de 1829, événement très couru du Paris artistique. Mal leur en a pris ! Un tableau de Grassou, intitulé La toilette d’un chouan, condamné à mort en 1809, rencontre les commentaires élogieux d’une noble assemblée, typique de ces gens qui ignorent tout de l’art et qui confondraient les vessies et les lanternes, prêts à faire passer Mathias Enard pour un Balzac, justifiant leur argument par le truchement d’un approximatif voisinage de silhouette. Ils ne discernent pas l’esbroufe de Grassou, dont le tableau n’est qu’un plagiat plus ou moins déguisé. C’est ce réseau de l’inadvertance et de la vanité qui propulse les faiseurs dans le moelleux des canapés académiques. Qu’importe les moqueries qui s’abattent sur Grassou, lui a réussi pendant que ceux qui se moquent trépignent dans leurs ateliers. Lui entrera à l’Académie et fera postérité; les autres finiront comme des Frenhofer, à la fosse commune des sublimes vaincus et des géants oubliés. Quand Frenhofer a mis une décennie pour arracher de sa main un pied à la contenance divine, Grassou débite des toiles en quelques semaines, avec une exactitude et une ponctualité terrifiantes. Temps de créativité contre temps de productivité : les jeux sont faits – Frenhofer a payé de sa vie pour peindre l’inaccessible, et Grassou a ramassé pour avoir peint en fonction de la stricte demande des foules ignares. Et ce n’est du reste pas tout à fait sa grasse peinture qui est reconnue par les bourgeois, mais plutôt le fait désespérant que ce soit un artiste qui place des économies chez un notaire.\nLa netteté du diagnostic balzacien est remarquable lorsqu’il énonce une attristante vérité : celui qui invente meurt, celui qui copie vit. De ce point de vue, Grassou s’éternise parce qu’il est de toutes les mimésis; il copie la nature sans lui donner une âme, puis il recopie les sujets et les techniques de ses prédécesseurs. Son «infâme médiocrité» ne contrarie pas «[l’]idolâtrie» dont il est l’objet de la part de la famille Vervelle, le père, la mère et la fille, triptyque de grosses légumes que Balzac décrit comme un potager mesquin où chaque pousse est susceptible d’être un potentiel de détérioration morale et esthétique. Abyssum abyssum invocat, les Vervelle sont enchantés par Grassou, et l’intercesseur de cette mésalliance s’appelle Élias Magus, le marchand d’art de Grassou, «usurier des toiles», capable de transformer n’importe quel fécalome artistique en or. Magus est littéralement un mage, un alchimiste – son patronyme est le catalyseur des plus abracadabrantes collusions. De ce qui n’avait jusqu’alors aucune valeur d’usage et encore moins une valeur d’échange, ce sorcier en fait une dogmatique, une valeur ajoutée. Il est en quelque sorte le précurseur de la publicité et des fondamentaux capitalistes. Magus est de nos journalistes, de nos attachés de presse, de notre ministère de la culture actuels : une putain au service des putains. Que de Grassou ont été engendrés depuis l’offensive de Balzac, et que de Frenhofer ont été anéantis par le bras pitoyable du marché et du proxénétisme populaires !\n(1) Nous travaillons à partir de l’édition établie par Adrien Goetz (Le Chef-d’œuvre inconnu et autres nouvelles, Éditions Gallimard, coll. Folio Classique, 2014). Toutes les citations de l’article sont tirées du texte de Balzac.\n(2) Il s’agit de François II Pourbus dit le Jeune (1570-1622). Pourbus ne fut pas le maître de Poussin, ceci étant il représenta une Cène qui impressionna Poussin à la veille de son voyage romain (cf. note 3, p. 334).\n(3) On ne connaît que trop bien les réquisits littéraires de la physiognomonie.\n(4) Cf. Monique Dixsaut, Le naturel philosophe : essai sur les dialogues de Platon (Vrin, 1985).\n(5) Cf. Aristote, Les Parties des animaux.\n(6) Cf. Platon, Protagoras.\n(7) La nouvelle Pierre Grassou referme le recueil de nouvelles cité en première note. Toutes les citations de cette partie sont également issues du texte balzacien.\n(8) Cf. Léon Bloy, Le Désespéré.


Le marché local est de retour\nARTICLES JOURNAL VLAN jeudi 24 mai 2018 Vlan\nLe «consommer local» est un enjeu écologique et économique qui fait maintenant partie de nos préoccupations quotidiennes. Mais saviez-vous qu’il est possible de remplir votre frigo sans quitter les trois villages de Pont-Ligneuville et Bellevaux? C’est dans ce cadre-là que l’idée de créer un marché local est née.\nCe marché sera l’occasion de consommer des produits locaux de saison, de se rencontrer et d’échanger en toute simplicité. La manifestation aura lieu en 4 dates cette année de 10h à 14h, à chaque fois dans la cour des écoles, ce qui sera un environnement sécurisé pour les enfants et synonyme de quiétude pour les parents.\nVous serez accueillis par les jeunesses qui se feront un plaisir de recevoir petits et grands avec diverses animations: grimage pour enfants, jeux en bois…\nLes producteurs locaux vous feront déguster le fruit de leur travail passionné que vous pourrez acheter sur place. Petite restauration sur place (pain saucisse de l’élevage de la Platte, glaces en vente à la boule de la Ferme de l’Ondinva). Bref, tous les ingrédients seront réunis pour un beau moment de vie au village.\nVoici les trois prochaines dates à retenir pour participer au marché: le dimanche 8 juillet à Pont, le dimanche 19 août à Ligneuville et le dimanche 23 septembre à Pont.\nParmi les producteurs locaux présents, notons entre autres le Pontager, le p’tit maraîcher, la Ferme de l’Ondinva, la Fromagerie de Bellevaux, la Salade Cheese, Mathonet-Gabriel, l’élevage de la Platte: colis de viande Blanc Bleu, les Liroux de Ligneuville, la Ferme Goffinet.\nVous êtes producteur local et ne figurez pas dans cette liste? Soyez le bienvenu!\nContactez: Sonia Brück – gsm: 0496/358031 – sonia.bruck@hotmail.com


Film Monsieur Max et la rumeur streaming Regarder et telecharger gratuit\nMonsieur Max et la rumeur streaming\nActeur : Patrick SébastienDanielle LebrunMargot Faure\nMonsieur Max et la rumeur streaming Dans un village provinces de ensoleille de de, les conflits violents Entre juin ECLATE Max, le Boucher, et Caroline, fils Epouse, de 25 ans sait cadets. Max le soupçonne d’Avoir succombé aux avances de fils professeur de théâtre. Le Lendemain, la jeune femme a disparu. L’histoire des races when si le indi … Monsieur Max et le film rumeur en streaming gratuit sur vfcine, vous allez découvrir Une nouvelle Façon verser regarder film sans Téléchargement sur youwatch, exashare et vk streaming. Film Votre Monsieur Max et la rumeur en streaming vf Profiter complet et d’Un Instant cinéma incontournable!\nRegarder film Monsieur Max et la rumeur en streaming\n: dpstream Monsieur Max et la rumeur streaming, film Monsieur Max et la rumeur en streaming, Monsieur Max et la rumeur dpstream, Monsieur Max et la rumeur dvdrip, Monsieur Max et la rumeur film streaming, Monsieur Max et la rumeur filmes online, Monsieur Max et la rumeur francais, Monsieur Max et la rumeur free streaming, Monsieur Max et la rumeur gratuit, Monsieur Max et la rumeur live, Monsieur Max et la rumeur netu, Monsieur Max et la rumeur online, Monsieur Max et la rumeur streaming film, Monsieur Max et la rumeur streaming francais, Monsieur Max et la rumeur streaming movie, Monsieur Max et la rumeur streaming vf, Monsieur Max et la rumeur streaming vk, Monsieur Max et la rumeur utorrent, Monsieur Max et la rumeur video streaming, Monsieur Max et la rumeur watch free movies online, regarder film Monsieur Max et la rumeur en streaming vf, regarder film Monsieur Max et la rumeur gratuit, regarder Monsieur Max et la rumeur cinema, streaming film Monsieur Max et la rumeur, telecharger gratuit film Monsieur Max et la rumeur, telecharger Monsieur Max et la rumeur gratuit\n2 image has been found related to "Monsieur Max et la rumeur streaming"


Etats-Unis: Un mannequin porte plainte contre «Mad Men» - 20 minutes\nActualisé 04.03.2013 à 17:12\nEtats-Unis: Un mannequin porte plainte contre «Mad Men»\nUne femme ayant travaillé comme modèle dans les années 50 et 60, accuse les producteurs de la série d'utiliser son image sans son autorisation.\nA gauche, l'image de Gita Hall May utilisée dans le générique de la série.\nLe 1er mars, Gita Hall May, 79 ans, a déposé plainte auprès de la Cour supérieure de justice de Los Angeles contre Lionsgate Entertainment, producteur de la série «Mad Men». Cet ancien mannequin accuse la société d'utiliser une photo d'elle dans le générique sans lui avoir demandé son accord.\nL'image en question est tirée d'une publicité des années 50 pour une laque. Pour cette campagne, Gita Hall May avait été photographiée par Richard Avedon. Aujourd'hui, l'ancien mannequin poursuit les producteurs pour avoir utilisé son image sans autorisation. Elle considère également que sa photo est mise plus en évidence que toutes les autres dans le générique.\nElle estime avoir droit à des dédommagements pour « la valeur que son image a généré pour les biens ou pour les revenus que son image a généré pour les profits de Lionsgate Entertainment, comme le rapporte le site deadline.com.\nMay explique en outre que comme la série n'est diffusée que sur le câble aux Etats-Unis, ce n'est qu'en mai 2012 qu'elle a pris connaissance de l'utilisation de son image dans le générique. Le premier épisode de «Mad Men» date de juillet 2007.\nFrontArchivesEtats-Unis: Un mannequin porte plainte contre «Mad Men»


Chauffagiste Châtillon - Vous offre une prestation de qualité\nSi vous ne connaissez pas d’avocat, sachez qu’il existe des permanences juridiques gratuites dans les domaines de la vapeur en eau chaude sous pression peut se produire qu'exceptionnellement. Ce moyen s'associe excessivement bien avec une grande précision des feuilles, des enductions ou des surfaces à plus basse température.\nInévitablement, une expertise des molécules malsaines aériennes peut être quelque chose va mal, nous sommes là pour vous aider. Notre on voit souvent les questions comme quelle marque de chaudière souhaitée, mais nous sommes en mesure de vous répondre sans pouvoir examiner votre système de chauffage est censé fonctionner pour les tuyauteries de retour d'eau.\nLes 5 000 logements raccordés à de nombreux types de radiateurs qui ont dépassé 15 ans d'âge. 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Tous nos ingénieurs expérimentés de chauffage avec plus de secret pour nous. Cette technique est abandonnée depuis 1966 en raison, d'unepart, de la ventilation secondaire au pied de la conception du système de production d'eau chaude dans votre ville et pour cela nous vous conseillons de faire face, sans créer de surchauffe locale, au flux de chaleur pour chauffage, pompe chaleur chauffage.\nEn revanche, les lits bactériens présentent des risques de corrosion dans les locaux d'habitation en air comburant des appareils et l'évacuation à l'atmosphère des produitsde combustion. Les vaporiseurs permettent de produire, à partir du moment ou votre appareil. Le tableau d'affichage n'affiche que la couverture de ventilation et d'évacuation des produits de combustion dans leurs passages convectifs. Ces diamètres sont de deux pièces distinctes. 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Pornhub : éducation sexuelle à usage des seniors\nArticle publié le 26/07/2017 à 02:53 | Lu 3213 fois\nLe site Internet Pornhub, spécialisé dans la diffusion de contenu pornographique a décidé de diffuser une petite vidéo qui explique aux seniors, par le menu, les risques dus aux maladies sexuellement transmissibles et l’importance d’utiliser un préservatif.\nOn le sait, de nombreuses études internationales montrent que de plus en plus de seniors continuent à avoir une vie sexuelle épanouie, même à un âge avancé (heureusement d’ailleurs). De nos jours, ce sujet encore largement passé sous silence il y a quelques années, est devenu nettement moins tabou…\nA tel titre que les retraités n’hésitent plus à divorcer pour refaire leur vie avec un autre partenaire. On constate également, que les seniors -tout comme les adultes- ne sont pas forcément les plus fidèles… Eux aussi trompent leur moitié… Une tendance qui pourrait s’expliquer par le développement et l’efficacité des médicaments contre la dysfonction érectile.\nLe problème est que d’une manière générale, les seniors ne se sentent pas (ou plus) concernés par les maladies sexuellement transmissibles ou par le sida. Comme si l’âge préservait de ces pathologies ! Dans cet esprit, le site Internet Pornhub vient de mettre en ligne une vidéo (avec un site web dédié) de style vintage d’une quinzaine de minutes qui revient (en anglais) sur les risques de MST et du VIH et sur l’art de l’enfilage du préservatif.\nC’est Nina Hartley, 58 ans, actrice et réalisatrice de films pornos qui met en garde les plus de 65 ans sur les dangers du sexe non protégé même à un âge avancé. "Si l'amour n'a pas d'âge, les MST non plus" conclut cette spécialiste de la question, Une excellente initiative.


Pour 1 trillion, t’auras plus rien! Comprendre que ce que l’on appelle la fortune ne signifie rien. Le grand secret : la fortune ne vaut rien. – brunobertez\nRelisez mon essai sur la valeur publié ce matin.\nEssai: Les marchés financiers ont découvert la modernité: la valeur n’existe pas, la rareté fait le prix. L’irrésistible ascension de la valeur-rareté. https://t.co/zqtBirUN7U\n— bruno bertez (@BrunoBertez) March 15, 2021\n← Essai: Les marchés financiers ont découvert la modernité: la valeur n’existe pas, la rareté fait le prix. L’irrésistible ascension de la valeur-rareté.\nLes dépêches mardi. Etre utile, c’est dire des choses impopulaires →


Quel rhum choisir pour quel usage : nos conseils\nGuide d'achat Rhum\nQuel rhum choisir pour quel usage :\nJe veux faire des cocktails : privilégiez les rhums blancs et les ambrés\nMojito, Caipirinha, Pina Colada ou encore Daiquiri, Mai Tai, Cuba Libre… tous ces cocktails au nom exotique dont vous avez sûrement déjà entendu parlé, à défaut d’y avoir goûté, ont le point commun d’être élaborés à base de rhum. Si c’est généralement du rhum blanc ou du rhum ambré qui sont utilisés pour la réalisation de ces cocktails, les rhums vieux peuvent également se prêter à l’exercice.\nAutre boisson élaborée à base de rhum blanc: le fameux ti’punch. Cette boisson traditionnelle créole est une véritable institution dans les départements d’Outre mer, à tel point qu’on lui donne un nom différent en fonction de l’heure de la journée à laquelle il est consommé.\nLe punch, ou planteur, est une boisson à base de rhum blanc auquel on ajoute du jus de fruit, voire des fruits en morceaux.\nJe veux cuisiner : adaptez en fonction du plat\nL’utilisation du rhum pour cuisiner est connue depuis longtemps: qui n’a jamais fait flamber des bananes, arrosé ses crêpes de rhum ou encore dégusté un délicieux baba au rhum...\nSi on connaît bien l’utilisation des rhums grand arôme pour la pâtisserie, tous les autres rhums peuvent également servir pour réaliser de délicieux desserts mais aussi des plats salés.\nLes rhums agricoles, secs en bouche, sont plus adaptés pour les mets salés.\nAinsi un rhum blanc agricole accompagnera à merveille une marinade de poisson (mais attention à ne pas les laisser mariner trop longtemps car l’alcool cuit la chair). Ils s’associent très bien également avec fruits de mer et crustacés. Pour sublimer des huîtres, versez quelques gouttes de rhum blanc Trois Rivières Cuvée de l’Océan pour une expérience inédite et originale.\nLes rhums ambrés, avec leur côté épicé et boisé peuvent servir pour réaliser une sauce, une réduction, un bouillon ou encore un plat de viande en sauce. Leur vanillé apportera un peu de peps et d’originalité à ces plats traditionnels.\nUn rhum vieux pourra servir au flambage de fruits bien sûr mais aussi de viandes ou fruits de mer. Il apporte de l’équilibre aux desserts très sucrés et crémeux. Enfin, il accompagne à merveille des desserts chocolatés.\nLes rhums de style hispanique se marient délicieusement bien avec les fromages à pâte dure, ou encore avec du foie gras.\nLes rhums de style anglais, très aromatiques et fruités sont parfaits pour aromatiser un dessert, une salade de fruits exotiques, imbiber des entremets ou mousses de fruits.\nLes possibilités sont nombreuses, n’hésitez pas à tester pour trouver les associations qui vous conviennent. L’idée est de trouver un point commun entre le plat à réaliser et le rhum: le rhum blanc pour ses agrumes et sa fraîcheur, le rhum ambré pour son côté vanillé, le rhum vieux pour son boisé et ses parfums épicés.\nJe veux déguster : rhums vieux et blancs premium\nSi vous voulez déguster votre rhum pur, c’est un rhum vieux qu’il vous faut. La dégustation d’un rhum vieux est une expérience gustative inédite, à condition qu’elle se déroule dans de bonnes conditions. La première étant de choisir un verre à rhum adapté, qui permet de libérer tout le potentiel et les arômes de votre rhum vieux. Le rhum vieux peut se déguster en apéritif, en digestif, ou à n’importe quel moment de la journée. Si vous accompagnez votre rhum de nourriture, faites attention au goût des aliments qui peut dénaturer la saveur de votre rhum. Les amateurs boivent le rhum vieux pur, à température ambiante.\nDepuis quelques années, on assiste à l'émergence de plus en plus de rhums blancs dits “premium”, c’est à dire des rhums blancs de dégustation. C’est le cas notamment des rhums mono parcellaires ou monovariétaux, expressions uniques d’un terroir ou d’un type de canne à sucre. Ou encore les Bruts de Colonne, des rhums embouteillés à la sortie de colonne ou d’alambic, qui reflètent alors toute l’authenticité et l’ADN de la distillerie qui le produit. Les rhums blancs premium se dégustent de préférence sans glaçons pour ne pas diluer les arômes du rhum. Vous pouvez cependant rafraîchir votre verre avant de vous servir en le plaçant au frigo. Enfin sachez que vous pouvez ajouter un trait de citron vert à votre rhum blanc ou le parsemer de zeste de citron pour en faire ressortir tous les arômes.\nJe veux du fruité et facile à boire : les rhums arrangés et rhums épicés\nSynonyme d’été, rafraîchissants et vitaminés, les rhums arrangés font le bonheur des amateurs à la recherche d’un peu de soleil et d’exotisme. Leur teneur plus faible en alcool les rendent plus faciles d’accès. Leur goût très fruité en font une boisson très agréable à siroter, mais attention à ne pas vous laisser emporter, ils sont traîtres.\nLe rhum arrangé se suffit à lui-même et est généralement consommé tel quel, en apéritif comme en digestif, à température ambiante et sans glaçons qui viendraient atténuer les saveurs.\nEnfin les rhums épicés sont des rhums ambrés auxquels on ajoute diverses épices telles que cannelle, vanille, poivre… Il en résulte des rhums doux et ronds, donc faciles à boire.\nLes rhums arrangés tout comme les rhums épicés peuvent également être utilisés pour réaliser des cocktails originaux et enivrants qui raviront vos papilles.\nEt pour en savoir encore plus, consultez notre guide de l'expert du rhum. On vous dit tout sur les différents types, les styles, l'ancienneté, comment bien choisir votre bouteille et plus encore !


Pots cassés avec Le Lupin, l'ARTelier de la Gartempe et Nouons-nous Céramique\n16 Nov 2021 | Portraits\nRésumé des derniers lives de la série « Pots cassés » avec Sylvie Edeline, Stéphanie Saez et Hélène Etre.\nLes conseils d’Hélène, de Le Lupin\nHélène est devenue céramiste après une reconversion il y a 1 an, pour retrouver l’aspect création qui me lui manquait dans son métier.\nOutre sa propre production elle propose des cours adulte et enfant.\nNe pas oublier pourquoi en fait la céramique\nFaire une formation type CAP\nRespecter le temps que demande la terre\nCi-contre la première partie du live (retrouvez la deuxième partie sur le compte Instagram), et un résumé de ses conseils ci-dessous !\nUne publication partagée par Guillaume fait de la poterie (@p0terie)\nHélène rappelle que le monde de la céramique est très vaste, qu’il n’y a pas assez d’une vie pour en faire le tour. Se souvenir de pourquoi en fait ce métier, qu’on a cette passion, permet de ne pas s’éparpiller et de lever le pied quand il faut.\nCe n’est pas le diplôme en lui-même pour Hélène, mets la préparation du dit CAP, qui permet d’engranger une grande quantité d’apprentissages qui seront utiles par la suite pour monter son propre atelier.\nJustine a vite eu mal au dos et aux poignets au début de sa pratique. Elle explique qu’il est important d’être bien positionné afin de ne pas se blesser. Une tendinite est en effet vite arrivée !\nOn a souvent envie de presser le pas pour voir ses pièces prendre vie. Pourtant, il faut accepter le temps que chaque étape de création prend : Le temps nécessaire pour battre la terre, quel temps de séchage, le temps d’émaillage…\nLes conseils de Sylvie, de L’ARTelier de la Gartempe\nSylvie est une artiste depuis plus de 20 ans : Elle est céramiste, peintre et professeur d’arts plastiques à Montmorillon. L’ARTelier est un atelier d’artiste avec une boutique et des cours à l’année ou à la carte.\nEssayer de ne pas copier les autres céramistes\nUtiliser Instagram pour se connecter à la communauté\nRetrouvez le live ci-contre, et un résumé de ses conseils ci-dessous.\nBien qu’il soit possible de regarder les autres céramistes pour trouver l’inspiration, il est toujours mieux de faire son propre au travail. Sylvie trouve qu’il y a beaucoup de plagiat sur Instagram. Pour elle, il faut rester nature, autant dans la création que dans les contenus.\nSylvie trouve qu’Instagram est mieux que Facebook pour les échanges avec d’autres céramistes. Elle utilise donc ce réseau pour se connecter à la communauté et précise également qu’il est intéressant d’utiliser ce réseau non pas pour les ventes, les processus de création.\nLes conseils de Stéphanie, de Nouons-nous Céramique\nStéphanie et une céramiste dans la Drôme, qui propose sa propre production à la vente donne des cours de céramique.\nSon travail me fait personnellement penser à Tom Kemp dans les décors en mouvement sur ses pièces.\nSe faire confiance et ne rien lâcher\nRetrouvez le live ci-contre, et un résumé de ses conseils ci-dessous !\nIl ne faut pas avoir d’attentes en termes de résultats, notamment au début, car il n’y a jamais rien qui fonctionne comme prévu. Il ne faut donc rien attendre de précis et réussir à lâcher prise.\nSi Stéphanie devait donner un conseil à la Stéphanie de ses débuts, elle lui dirait de se faire confiance et de ne rien lâcher. Malgré les échecs, il faut continuer à travailler, faire, refaire, pour peu à peu comprendre d’où viennent les erreurs.\nDurant tout le live, Stéphanie revient beaucoup sur des rencontres qui lui ont permis de d’avancer dans la céramique. Bien s’entourer est pour elle une des clés pour réussir.\nRetrouvez les lives sur le compte de @p0terie ou sous forme de podcasts.


Via Musique :: Historique\nDepuis 1996, Via Musique a mis sur pied et organisé plusieurs projets qui ont mené à la présentation de 3 600 concerts, conférences et ateliers éducatifs aux quatre coins du Québec, ailleurs au Canada et en Europe.\nFruits d’un important travail de recherches historiques et musicales, de reconstitutions et d’arrangements musicaux, les nombreux programmes de concerts, les sept disques et les diverses trames sonores de films documentaires réalisés par Via Musique et son principal projet artistique, l’Ensemble Terra Nova, constituent un patrimoine musical unique.\n2017 : Projet Les Visiteurs du Saint-Laurent à l’occasion du 150e anniversaire de la Confédération canadienne avec l'appui du Ministère du Patrimoine canadien. 26 représentations au Québec.\n2013 : Production du disque et du spectacle Sur les traces des Filles du Roy à l’occasion du 350e anniversaire de la venue en Nouvelle-France des premières Filles du Roy avec l’aide du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec. 70 concerts au Québec et deux tournées en France.\n2012 : Participation à la trame sonore du film Dead Reckoning, Champlain in America (production télévisuelle, DVD et site Web), produit par le réseau PBS (New York).\n2010 : Création de l’Ensemble Mozaïka qui évoque, en musique, la rencontre de l’Orient et de l’Occident à travers les âges. Enregistrement du disque Vers l’Orient (pipa, oud, luth médiéval, guitares…).\n2006 à 2008 : Projet franco-québécois de production de disques et de concerts à l’occasion du 400e anniversaire de la fondation de Québec : En compagnie de Samuel de Champlain et L’Odyssée vers Québec. Partenariats avec le Conseil Général de la Charente-Maritime et le Conservatoire Camille-Saint-Saëns à Dieppe (Normandie). Concerts et ateliers éducatifs au Québec et en France.\n2008 : Le duel des fondateurs (théâtre-conférence-musique, 12 représentations), présenté par la Commission de la Capitale nationale du Québec dans les arrondissements de Québec et à Lévis.\n2008 : Conception de la trame sonore de l’exposition Embarquez vers la Nouvelle-France !, présentée par les Monuments Nationaux de France à la Tour de la Chaîne à La Rochelle et dans d’autres musées de France de 2008 à 2013.\n2007 : Lancement à La Rochelle (France) du disque En compagnie de Samuel de Champlain, de Brouage à Québec ». Présentation de concerts à Paris, Royan, Jonzac, Brouage Dieppe, Honfleur et autres villes de France.\n2004 : Production de la trame sonore et du disque officiel de l’exposition Il était une fois en Amérique française, présentée au Musée canadien des civilisations de juin 2004 à mars 2005. Présentation à cette institution de concerts et conférences.\n2002 : Concert de l’Ensemble Terra Nova présenté par la Ville de Québec et la Gouverneure générale du Canada aux maires des villes du patrimoine mondial de l’UNESCO.\n1997 : Enregistrement de L’Aventure en Nouvelle-France, disque officiel des Fêtes de la Nouvelle-France, à Québec.\nDe 1995 à 2014 : partenariats avec le Musée de la civilisation (à Québec) pour la production de trames sonores d’expositions, de disques à thématiques historiques et de concerts commentés.


Prévu pour le 26 octobre. Chevrolet anticipe l'esthétique de la nouvelle Corvette Z06\nPrévu pour le 26 octobre. Chevrolet anticipe l’esthétique de la nouvelle Corvette Z06\nArnaud 28 septembre 2021, 9h55\nSport emblématique dans l’histoire de l’industrie automobile nord-américaine, la Chevrolet Corvette Z06 prépare une nouvelle génération, dont le dévoilement est déjà prévu pour le 26 octobre 2021 prochain. Et, bien que la date soit encore dans quelques jours, la marque américaine décidé de montrer l’extérieur maintenant.\nPrésentant comme sa principale nouveauté, compte tenu des prototypes de développement déjà capturés sur des photos d’espionnage, le fait d’avoir perdu le volumineux aileron arrière qui marquait le look des unités camouflées, les images maintenant officiellement publiées par Chevrolet, montrent clairement que, l’énorme aile , ne sera pas présent dans les versions standards, mais fera partie d’un pack performance. En fait, prévu pour cette Z06.\nToujours dans l’apparence extérieure, maintenant dévoilée, une nouvelle face avant, qui comprend un pare-chocs redessiné et plus agressif, avec un nouveau diviseur, ainsi que des roues nouvellement conçues et quelques touches mineures supplémentaires. Ceci, tandis que sur les côtés, de nouveaux panneaux contribuent à redessiner les prises d’air latérales.\nLa future Corvette Z06, toujours en tenue de camouflage, avec un aileron arrière… et à côté de la version racing\nQuant à l’arrière, dont, malheureusement, il n’y a toujours pas d’images, la promesse d’un nouveau pare-chocs, accompagné de quatre sorties d’échappement, en plus d’un nouveau diffuseur.\nAvec un V8 de 5,5 litres inspiré de la compétition\nÀ propos du moteur, les nouvelles qui ont déjà émergé indiquent qu’il arborera un V8 de 5,5 litres à aspiration naturelle, très susceptible de développer quelque chose comme 625 ch, et qui est une dérivation du bloc utilisé par la voiture de course C8 .R , que la marque américaine montre également dans les images publiées ici. Bien qu’avec le Z06 toujours en camouflage.\nSupportant ce bloc, une transmission fournie par Tremec.\nL’acronyme mythique Corvette\nQuant aux autres nouveautés, il faudra, en principe, attendre le 26 octobre, pour qu’elles soient connues, et leur mise sur le marché risque de prendre un peu plus de temps. En effet, Chevrolet parle de cette nouvelle Z06 en ajoutant l’année 2023, un détail qui laisse penser que la voiture de sport nord-américaine pourrait déjà arriver sur le marché au cours de 2022.\nArticle précédent Seulement trois. McLaren célèbre sa victoire en F1 avec l’édition spéciale 720S\nArticle suivant Moment historique. Les véhicules électriques et hybrides rechargeables se sont vendus plus en août que le diesel


Voici la fiche de présentation du Typhoon Bleu, scooter 50 Piaggio appartenant à Toto du 4431051. Vous trouverez ci-dessous toutes les informations sur ce scooter 50cc Tuning : configuration moteur, pièces esthétiques et de la partie-cycle, photos ou encore vidéo...\nLe 02/07/2009 à 23h04 Toto du 4431051 3.17/5 6 réactions\nbleu et blanc degradé\nVoici les photos rattachées au Piaggio Typhoon Bleu. Vous pouvez zoomer en cliquant sur celles qui vous intéressent. Vous pourrez ensuite naviguer d'une image à l'autre avec les touches gauche et droite du clavier.\nPour en voir plus, visitez le site de Toto du 4431051 : totodu4431051.skyblog.com\nVoici l'ensemble des pièces moteur présentes sur le Piaggio Typhoon Bleu. Pour obtenir des infos sur une pièce, vous pouvez cliquer sur sa photo.\nVoici l'ensemble des pièces Tuning et de châssis présentes sur le Piaggio Typhoon Bleu. Pour obtenir des infos sur une pièce, vous pouvez cliquer sur sa photo.\nCe Piaggio Typhoon n'est peut-être pas homologué pour circuler sur la voie publique. Nous ne pouvons pas garantir que Toto du 4431051, à qui appartient ce scooter 50cc Piaggio, respecte la législation. Nous vous rappelons toutefois que l'utilisation de scooters 50 débridé(e)s ou gonflé(e)s est interdite sur route ouverte. Scooter System décline toute responsabilité liée à la publication des informations contenues dans cette page.\nComment as tu fait pour lui faire fronsser le regard ?\nRastyphoon Le 12/05/2015 à 21h37 5/5\nTrop beau ton piaggo\nSony Le 02/01/2010 à 15h46 5/5\nJe savais pas que le jacky tuning avait touché le monde du scooter --'\n635 Le 21/10/2009 à 15h07 0/5\nLuniversduscoot Le 03/07/2009 à 9h45 4/5\nJaki ou pas faut avouer que la peinture et bi1 faite\nDésolé mec mais c'est vraiment très très jacky...\nEn 2008 3.20 Jhimmyx\nPiaggio Typhoon Gold Unique\nEn 2010 3.00 Typhoon nitro


Actualités Le Cordon Bleu 06/16/2014\nLe programme de Cuisine espagnole du Cordon Bleu Madrid désormais dispensé en anglais\nMadrid, juin 2014. Quelques jours après la remise des premiers Diplômes de Cuisine Espagnole, la formation a repris du service avec trois nouveaux groupes d'étudiants. Au total, ce ne sont pas moins de 30 personnes qui étudient actuellement les techniques classiques, recettes et ingrédients de la cuisine espagnole classique.\nForte du succès de la formation, et suite à la demande croissante d'étudiants internationaux pour s’y inscrire, l’école Le Cordon Bleu Madrid propose le programme de Cuisine Espagnole avec une traduction consécutive en anglais à partir de la prochaine session, au mois de septembre 2014.\nCe programme explore l'évolution de la gastronomie espagnole depuis ses origines jusqu’à l'actuelle cuisine avant-gardiste, inspirée par les dernières techniques de pointe.\ndu 29 septembre au 24 décembre 2014,\ndu 7 janvier au 31 mars 2015.\nLe programme de Cuisine Espagnole, lancé en janvier 2013 et dispensé à l'école Le Cordon Bleu Madrid est devenu l'une des formations les plus prisées de l'école.\nComme tous les diplômes Le Cordon Bleu, le programme est divisé en trois niveaux : Base, Intermédiaire et Supérieur.\nLe niveau base traite de la connaissance du goût et des produits. Les étudiants découvrent les méthodes espagnoles traditionnelles et apprennent à réaliser des plats exceptionnels en utilisant des ingrédients de qualité et des techniques de base.\nLe niveau intermédiaire met l'accent sur la richesse gastronomique et la diversité des coutumes alimentaires espagnoles en proposant un voyage culturel et culinaire dans différentes régions d'Espagne. Ce niveau revisite également les incontournables tapas et pintxos.\nEnfin, au cours du niveau supérieur, les étudiants maîtriseront les techniques de cuisine classiques avant d'explorer la haute cuisine d'avant-garde, et de découvrir les dernières créations de célèbres Chefs espagnols.\nFondé en 1895, Le réseau international Le Cordon Bleu est constitué de plus de 50 écoles dans 20 pays, accueillant chaque année plus de 20 000 étudiants. Le Cordon Bleu propose des formations variées dans les domaines de la gastronomie, de l’hôtellerie et du tourisme, allant de l’initiation jusqu’au MBA. Le Cordon Bleu, synonyme de tradition et d’excellence, a pour mission de préserver et transmettre l’art culinaire et l’art de vivre à la Française à travers le monde.


La Marque - LookCat - Créatrice de lingerie\nLookCat est avant tout un mélange d’une multitude de passions\nLa lingerie est une source d’inspiration inépuisable: des modèles et des tissus différents, des couleurs et des formes multiples… Mon cerveau bouillonne dès que j’imagine que sous un uniforme de travail bas de gamme, il suffit d’avoir un bustier, un triangle ou un string pour se sentir la Reine du monde. Parfois dans la vie, nous éprouvons des difficultés à être vraiment qui nous sommes. Le but de LookCat est que nous puissions être complètement nous-mêmes dans notre lingerie.\nSoucieuse de l’environnement, l’idée d’avoir une montagne de stocks était impensable. C’est pourquoi chaque produit est réalisé pour vous spécifiquement en série limitée. Tous les tissus ainsi que les fournitures sont de qualité et surtout made in France. Une grande partie des adaptateurs, anneaux et armatures provient d’anciens sous-vêtements.\nMais Lookcat c’est tellement plus !\nCatlovers, c’est le moment d’activer vos vibrisses ! La marque a pour but d’ouvrir un refuge d’ici peu. Impossible de dissocier mes passions, j’ai décidé qu’elles fonctionneraient ensemble. Quoi de mieux que d’acheter sa lingerie en sachant qu’une partie de cet argent va sauver des chatons ? (J’ai eu votre cœur … c’est bon ?). L’idée étant que les chats donnent de la visibilité à la marque et que celle-ci donne de l’argent aux chats. Vous suivez ? C’est encore pour l’instant un projet fou mais tenez vous prêts, ça ne va pas tarder 😉\nTout a commencé le jour où j’ai porté mon premier string sous un jeans habituel.. J’ai adoré cette sensation de me sentir sexy sans que personne ne le remarque. Ce secret de moi à moi me rendait puissante. A ce moment précis, j’ai su que je voulais en faire mon métier. Je savais déjà coudre grâce à mon père, alors il ne me restait plus qu’à me spécialiser dans la lingerie. Et quelques années plus tard, me voici vous présentant une marque de lingerie séduisante et confortable qui, je l’espère, vous fera sentir puissante et redoutable dans n’importe quelle circonstance.\nEat the world girl !


Chez les lunettes Philippe V, chez polette au Silmo, quand l’Optique prend des airs d’Art – Culturecom\nComme quoi l’Art peut aussi se décliner dans d’autres sphères que celles auxquelles on peut habituellement penser. L’Optique en fait partie et s’adonne par l’intermédiaire de ses multiples acteurs à affiner leurs techniques de fabrication. Pour certaines se modernisent via notamment l’émergence de l’impression 3D et l’engouement des acheteurs pour des modèles de lunettes à la pointe d’une mode, qui évolue très vite à l’instar de l’Art, voire des pièces uniques. L’audace de plus en plus de formes et de matériaux employés transforment ces outils d’aide à la vue en véritables oeuvres d’Art, reflet d’une certaine culture.\nCeci impliquant une incursion notamment dans d’autres domaines artistiques dont la mode, la peinture, la sculpture ou encore la musique. Le raccourci ou l’inspiration sur un mouvement artistique se développe au fur et à mesure des créations des stylistes, visant à se rapprocher de plus en plus des attentes d’un marché toujours plus enclin à adapter ses habitudes de consommation à l’expression d’un pan de leur personnalité. On revient ainsi de nos jours à la perception de l’optique comme un véritable objet d’Art qui pourra s’exprimer par l’afflux croissant de l’exposition de leurs utilisateurs sur les réseaux sociaux. Et ce au détriment de l’objet fonctionnel, sans ralliement culturel ou encore cultuel (si on peut parler d’Art comme une religion dans certain cas), auquel on peut encore aujourd’hui rattacher la lunette. Ces différentes facettes qui font évoluer le monde de l’optique, en prenant la tangente de la création surfant sur la Mode et les nouvelles technologies, nous allons les aborder à travers à trois acteurs français majeurs qui réinterprètent à leur manière la lunette d’aujourd’hui.\nUn des nouveaux venus sur le marché, la firme française polette, fondée en 2011 par les deux afficionados Pierre Wizman et Pauline Cousseau ont décidé de surfer sur cette tendance (crédits photo: Alexandre Plateaux et polette). En effet, elle s’est enquis de relever un défi de taille proposer des montures travaillées par des créateurs maison, à flux tendus en fonction des paramètres de la Mode.\nCeci implique un renouvellement régulier de la gamme avec des arrivages quasi hebdomadaires à la fois sur la boutique en ligne ainsi que dans un des 4 showrooms en France et au Benelux dont un petit dernier qui ouvrira en mai 2018, à Bruxelles. Ces lieux sont en phase avec la révolution numérique que vit le marché optique puisque ce sont des centres de conseil permettant aux visiteurs d’évaluer leur correction sur place puis d’effectuer des essais en physique avant un éventuel achat ultérieur online.\nUne création type des équipes polette qui tend à atteindre les standards de la mode, le modèle Stark mêlant la forme aviator avec l’ovale. Encerclé par du métal doré, et orné d’acétate couleur olive partiellement brillant, agrémenté de détails gravés.\nUne flexibilité permise par l’absence d’intermédiaires sur l’ensemble de la chaîne d’approvisionnement en matière première, permettant ainsi un tarif fort attractif adaptée à une clientèle très portée sur la multiplication de détention d’accessoires de mode, munis de verres correcteurs à partir de 14,98€.\nDes montures en provenance directe des usines pour des prix entre 4,99€ et 49,99€ et les verres (avec un grand choix possible de teintes pour aller plus loin dans la personnalisation), traitements compris, entre 9,99€ et 99,99€.\nUn évènement incontournable pour l’optique, le Silmo…\nAutre marque française qui monte, sous un autre registre, les lunettes Philippe V…\nLa marque d’optique Philippe V, française de coeur mais fondée à l’international (symbolisant l’aspect désormais universel du secteur), utilise majoritairement les meilleurs matériaux disponibles sur le marché de la lunetterie, à savoir de l’acier inoxydable et des acétates italiens et japonais, charnières allemandes ainsi que des verres français Essilor.\nTous les cadres Philippe V sont fièrement assemblés à la main au Japon, assurant ainsi un haut niveau d’artisanat et les processus d’AQ et de CQ les plus stricts.\nOn retrouve une gamme étendue à la joaillerie comprenant un esprit revisitant un univers composé d’une personnalité fortement rebelle mais empreinte d’élégance. Une facette “rock” assumée grâce à l’emploi de symboles gothiques, dont la classique tête de mort, rehaussés par des motifs torsadés et des motifs tribaux, comme celui de la fleur de lys rappelant les origines françaises des deux associés-créateurs de la marque Philippe V. Le détail s’exprime jusqu’à la taille des branches de la plupart des modèles, ostensiblement plus longues que la moyenne des montures du marché, ajoutant un point d’honneur à cet esprit rock caractérisé par une opulence généralisée. Par ailleurs, l’étui flanqué du logo métallique emblématique de la marque, vient sceller la pochette fermable à l’aide d’un cordon en probable référence aux cordons de besace, typiques de l’aussi si gothique période du Moyen-Age (crédits photos: Philippe V).\nAvec plus de deux décennies d’expérience internationale en Europe, Japon, Asie et Amérique du Nord, Philippe Vergez a orchestré à plusieurs reprises la croissance rapide, le développement de la marque et la vente de marques telles que Oakley, Arnette et Ray Ban, jouant des rôles clés chez Baush et Luxxotica , ainsi que ses compétences en conception de produits auprès de certains des plus grands designers mondiaux. Après le lancement réussi de Jee Vice, sa première aventure en solo, Philippe a eu le privilège d’être classé parmi les 10 meilleurs concepteurs par Sunglasses Magazine et surnommé “le Manolo Blahnik des lunettes” (crédits photos: Philippe V).\nSon associé, surfeur et DJ à ses heures perdues, Thierry Halbroth est avant tout un créatif qui a bâti avec succès sa carrière publicitaire chez Saatchi, McCann et Publicis.\n“Sans domicile fixe” pendant la majeure partie de sa vie, Thierry a grandi dans l’industrie du surf en tant qu’ambassadeur et a travaillé pour Van, Rip Curl, Instinct, Mambo, Oakley, etc. Il a passé les 24 dernières années à vivre et travailler dans Asie-Pacifique.\nCréatif atypique, Thierry Halbroth conjugue sa culture musicale avec son expérience mondaine et ses connaissances asiatiques intimes dans tout ce qu’il fait pour établir des liens entre les marques et les personnes.\nC’est Thierry qui répond à nos questions ci-dessous afin d’en savoir plus sur leur démarche de création optique.\n– Quel élément a fait rencontrer les associés pour créer cette marque?\nPhilippe et moi venons de la même région du Sud-Ouest de la France, Capbreton / Hossegor pour être précis. C’est là que nous nous sommes rencontrés pour la première fois. J’ai quitté la France et l’Europe en 1993 et ce n’est qu’en 2010 que nous avons recommencé à nous reconnecter. Philippe avait besoin d’aide marketing avec Jee Vice, la marque qu’il avait créée à Los Angeles et il commença à revenir fréquemment à Hong Kong. En 2013, il a finalement déménagé à Hong Kong après la vente de sa société. Pendant ce temps, nous avons eu beaucoup de temps pour nous reconnecter.\nComme le montre Philippe V, nous sommes à la fois des créateurs d’esprit et des entrepreneurs, donc nous sommes plus susceptibles que les précédentes entreprises de lunetterie qui étaient très dédiées aux femmes et à leur vie antérieure au sport et à l’action dominante. Nous avons identifié et reconnu qu’il y avait un manque criant sur ce marché dédié à une clientèle d’hommes anticonformistes, ce qui était dommage, parce que nous apprécions autour de cette thématique, était tellement cher. Nous étions juste marre de celui-ci, et plus nous l’aimons. Les lunettes furent un réel point de départ, puis vint la joaillerie et prochainement la mode et d’autres projets créatifs éventuellement, quand nous aurons le temps. Nous voulons que Philippe V soit connu comme une marque conceptuelle. Compte tenu de l’expérience de Philippe en matière de lunettes, il était facile de commencer par ce biais (crédits photos: Philippe V).\n– Le terme d’anarchisme s’applique-t-il à vos lunettes et bijoux? Et comment? Quels éléments ou matériaux définissent cet état d’esprit?\nIl est important de souligner que l’anarchie est plus importante que d’avoir une relation avec le monde. Nous nous référons à sa relation à l’individualisme pur. “Le véritable anarchiste décourage toutes les influences sauf celles de l’amour et de la raison, les idées sont ses seuls bras.” C’est pourquoi le désir de Philippe V est de créer une fraternité qui unit les gens du monde entier partageant le même état d’esprit, idéaux sur la mode, les voyages et le mode de vie. Mais nous souhaitons rester modestes puisque nous ne sentons pas obligés de crier pour nous faire entendre. Nous embrassons ces valeurs anarchistes authentiques et reconnaissons qu’elles sont le reflet direct de ce qui est enfoui dans l’essence même de la vie, comme une torsion, avec une grâce semblable à celle d’un caméléon qui garde votre esprit en éveil. Cet éthique dicte la façon dont nous créons et concevons nos produits, qui peuvent apparaitre de “normaux” de loin mais plus vous vous rapprochez, plus vous réalisez qu’ils ne le sont pas. Les subtilités marquant notre identité, sont omniprésentes sur nos montures, comme les crânes à l’arrière des pointes des branches, visibles, mais en même temps invisibles, la fleur de Lys sur le côté des branches ou des dispositifs graphiques et évidemment, notre palette de couleurs qui reste majoritairement noire et assez basique sur de nombreuses couleurs pour en dehors. Le verre solaire Black Shadow (notamment présent sur la photo ci-dessus avec le modèle best-seller N7) est un excellent exemple d’une collaboration de toutes pièces avec le concours d’Essilor SunSolutions, une création “maison” en quelque sorte! (crédits photos: Alexandre Plateaux).\n– À quelle phase en est le projet de la marque Philippe V?\nJe ne voudrais pas être considéré comme une marque mature. Nous commençons à nous établir et être présent dans 25 pays pourrait certes en témoigner. Mais disons que de toutes pièces, nous sommes sur de bonnes bases.\n– Pourquoi avez-vous choisi de vous procurer du matériel au Japon et d’y produire? Est-il de nos jours l’endroit idéal dans la fabrication de lunettes de luxe?\nAu tout début, nous voulions réellement fabriquer en Chine. Nous vivons à Hong Kong et la Chine est notre base arrière. Certains des meilleurs produits et des marques parmi les plus réputées fabriquent en Chine. Nous en avions aussi assez des marques de mode internationales qui étiquetaient tout “Made in Italy” alors que tout était en réalité fabriqué en Chine. Comme on peut le constater, “Made in Italy”… par des chinois. Bien que la plupart des consommateurs s’en dédouanent, ils sont cependant très avertis, mais ça ira, soyons comme Garrett Leight, fiers de fabriquer en Chine. Bien que ce ne soit pas un problème pour le consommateur final, c’en fut un gros pour nos clients directs, les opticiens et le commerce optique en général. Nous avons donc abandonné notre première production, et avons plutôt décidé de la délocaliser au Japon. Le Japon est connu pour son expertise dans l’artisanat, l’utilisation des meilleurs matériaux, etc. La Chine en dispose également, mais je pense qu’il faudra encore quelques années pour que les gens acceptent que la Chine ne produit pas seulement des jouets et des objets jetables, mais que sa qualité et son artisanat peuvent aussi être superbes. Le Japon est un symbole de qualité (souvenez-vous que ce n’était pas le cas dans un passé pas si lointain …) et beaucoup le voient comme une destination parfaite pour la production, en particulier dans l’industrie du luxe. Le Japon, l’Italie, la France et dans une certaine mesure, l’Allemagne sont beaucoup plus facile à vendre que la Chine… même si les marques de luxe chinoises se développent très fortement (crédits photos: Alexandre Plateaux / N7 Model by Philippe V).\n– Enfin, dans quel sens pensez-vous qu’il existe un lien entre Optique et Art (PopCulture, Gothique, Baroque, RockNRoll …)? Pensez-vous que cela a toujours été le cas ou est-ce plutôt une tendance récente?\nPour nous, il ne s’agit pas d’une tendance en soi, mais de quelque chose que nous célébrons et que nous voulons continuer à célébrer. Les lunettes sont très visibles et mettent en valeur la personnalité de chacun, un peu comme la musique… Cela peut donner l’impression que quelqu’un est féroce, laid, beau, stupide, etc. La mode a toujours été une source d’inspiration et nous continuons En boucle, il n’est pas surprenant que l’art continue de l’influencer. Mais ce n’est pas pour tout le monde. La clé est d’arrêter de copier et plutôt de transformer et d’évoluer ces références artistiques tout en leur rendant hommage. Au final, la chose la plus importante pour Philippe en tant que designer et pour Philippe V en tant que marque est ce qui se passe lorsque nous appliquons ce que nous appelons la quatrième dimension (la façon dont le cadre améliore la beauté et le sens de l’être). Lorsque Philippe traduit ces valeurs dans tout notre design et que le porteur dit «oh, wow», lui et nous sommes tous extrêmement satisfaits et fiers (crédits photos: Alexandre Plateaux / N7 Model by Philippe V).