Cinéma – Karine M. Donelle\nCinéma | La Piscine (Jacques Deray, 1968)\n6 janvier 2021 6 janvier 2021 kmd\nOn ne va pas se le cacher, La Piscine doit énormément à ses acteurs, et notamment à leurs plastiques impeccables. Entre l’animal Delon et l’icône Schneider, la complicité est évidente. Les amateurs de voyeurisme people ont d’ailleurs dû s’en donner à cœur joie à l’époque, en ayant l’impression de reluquer par le trou de la serrure l’intimité d’un « vrai » couple pourtant séparé depuis des lustres. Elle, joue Marianne, journaliste et femme indépendante, rompue à l’exercice de la séduction. Lui, joue Jean-Paul, écrivain raté et ténébreux, et accessoirement ancien alcoolique. Ils sont beaux, ils s’aiment. Ils passent des vacances idylliques entièrement dédiées au farniente (ils ont une employée de maison pour les tâches quotidiennes) dans une villa de Saint-Tropez, partageant leur temps entre la bronzette, la baignade et le sexe. Un petit goût de paradis bourgeois qui tourne au vinaigre avec l’irruption dans l’arène d’un autre fauve, ancien amant de Marianne (Harry, incarné par Maurice Ronet), et de sa fille (Jane Birkin).\nAtmosphère, atmosphère, autour de cette piscine, dans laquelle se prélassent tour à tour Eros et Thanatos. Huis clos vénéneux, La Piscine captive par son ambiance ébouriffante de sensualité et de tension orageuse. La caméra de Deray semble magnétisée par les corps des acteurs, qu’elle caresse longuement au rythme de la musique de Michel Legrand. Toute la beauté de ce redoutable thriller psychologique se loge dans son art du non-dit. Subtils jeux de regards, gestes discrets mais significatifs, silences lourds de sens. Les personnages du film s’écrivent en filigrane, au détour de dialogues en apparence anodins mais chargés de sous-entendus qui révèlent leur profonde ambiguïté. Quelque part entre Tchekhov et Strindberg, La Piscine s’appuie sur l’incommunicabilité qui règne dans la villa pour distiller son poison, lent mais fatal, et transformer l’imagerie de carte postale en un capharnaüm de rivalités, de jalousies, de rancœurs et de malentendus. Avec à la clef, un duel au sommet entre Delon et Ronet à la mesure de Plein Soleil, et l’éclatante éclosion du talent et de la beauté de Romy Schneider, plus incandescente que jamais, dont La Piscine signait le grand retour, ou plutôt sa renaissance, son entrée définitive dans la cour des grands du cinéma français.\n[Photo © Unzero Films]\nLa Piscine │ Film de Jacques Deray, avec Alain Delon, Romy Schneider, Maurice Ronet, Jane Birkin (France, 2h, 1968)\nCinéma | Guilty of romance (Sion Sono, 2011)\n3 décembre 2020 5 décembre 2020 kmd\nPremier film de Sion Sono à avoir été distribué en France, Guilty of romance clôt une trilogie officieuse appelée « trilogie de la haine » qui ambitionne d’explorer la société japonaise. Et quand Sion Sono dissèque les problèmes de société, il le fait au gros couteau de cuisine. Frontal, outrancier, franchement borderline, aussi marginal que celui de son compatriote, Takashi Miike, le cinéma de Sion Sono n’en est pas moins pertinent, car sous ses airs de provocateur, le cinéaste délivre un regard avisé et essentiel, très ancré dans la culture de son pays, et néanmoins nourri d’une portée universelle.\nAprès l’adolescence dans le magnifique Love exposure, la condition masculine dans le gore Cold Fish, Guilty of romance s’intéresse à la place des femmes dans la société nippone. Le film s’ouvre sur la découverte d’un corps de femme qui a été démembré, puis réassemblé avec des morceaux de mannequins. Un patchwork morbide qui synthétise parfaitement le propos global de cette oeuvre, par ailleurs elle-même très hybride, mélange inclassable de genres, de tonalités et d’esthétiques contrastées, qui passe du thriller au pamphlet et du sérieux au grotesque en un clin d’œil. Il apparaît très vite en effet que l’enquête policière n’intéresse guère Sion Sono, qui s’en sert surtout comme prétexte pour dresser le portrait d’Izumi, épouse soumise en quête d’émancipation et, pour tout dire, d’existence. Car Izumi n’existe pas en tant qu’être humain, elle est niée dans sa féminité par son écrivain de mari qui ne la voit que comme une servante pure et docile. Préparer le thé, ranger les pantoufles de monsieur, lui tendre sa serviette quand il sort, échanger trois mots de politesse par jour avec lui, veiller tendrement à son confort et étouffer ses propres désirs, notamment affectifs et sexuels : quelles belles perspectives d’accomplissement pour cette femme prisonnière d’un modèle archaïque que Sion Sono ne se prive pas de ridiculiser. Les efforts d’Izumi pour sortir de son quotidien mécanique et annihilant vont donc logiquement passer par le sexe, terrain ultime des tabous et des transgressions sociales. Izumi va exalter ses sens pour tenter de donner un sens à sa vie, prendre le pouvoir sur ce qu’on lui refuse, un corps sexué, puis repousser les limites, et glisser inexorablement d’une aliénation (la soumission domestique) à une autre (la prostitution). La prostitution n’a d’ailleurs ici qu’une dimension symbolique. Il s’agit d’acquérir avec elle une valeur définie et tangible. Le corps fragmenté découvert au début révèle alors sa fonction de métaphore. Il renvoie au parcours identitaire de cette femme mi-sujet, mi-objet, qui n’a d’autre choix que de se dédoubler pour assouvir ses désirs dans une société misogyne, hypocrite et schizophrène qui divise les femmes en deux catégories tout aussi assujetties, et renvoie dos à dos les épouses soumises et les putains.\nLe film tire autant sa puissance de sa forme excessive que de son parti pris tragique et désespéré. Sion Sono détourne l’imaginaire du porno et joue avec les références littéraires, convoquant autant la littérature du libertinage et ses initiatrices perverses que Kafka, pour aboutir à un état des lieux sans concessions. Pour les femmes de Guilty of romance, il n’y a d’issue possible, ni dans la normalité, ni dans la marginalité. Ecrivains ou proxénètes, ce sont les hommes qui écrivent le destin de ces femmes. Elles, sont condamnées à courir sans cesse après leur château kafkaïen, indispensable et inaccessible : l’amour d’un père, l’amour d’un mari, la liberté, le droit d’exister.\n[Photo © Rapid Eye Movies]\nGuilty of romance (Koi no Tsumi) │ Film de Sion Sono, avec Megumi Kagurazaka, Miki Mizuno, Makoto Togashi, Kanji Tsuda (Japon, 1h52, 2011)\nDocumentaire | Room 237 (Rodney Ascher, 2012)\n16 octobre 2020 kmd\nBienvenue à la brigade des films. Pour le dossier Room 237, cinq intervenants extérieurs particulièrement zélés se sont penchés sur un suspect très spécial : Shining, né en 1980, d’origine américaine, mondialement connu pour être l’un des brillants rejetons du regretté Stanley Kubrick et pour avoir un lien de parenté avec l’écrivain à succès Stephen King. Ces cinq spécialistes, dont vous ne verrez jamais le visage, n’ont pas lésiné sur leurs efforts, ils n’ont pas compté les heures consacrées à inspecter, à interroger, à torturer, encore et encore, ce pauvre Shining pour lui faire cracher le morceau. Et au terme de ces séances de décorticage à la loupe et de triturage de méninges, leur verdict est tombé, unanime et sans appel : Shining est coupable. Coupable d’imposture, coupable de duplicité. Coupable de cacher sa véritable nature sous ses apparences de film d’horreur à forte teneur psychanalytique qui décline les thèmes de la folie et du double. Oui, entendra-t-on, « Shining est un chef d’oeuvre. Mais pas pour les raisons qu’on croit. »\nMais quelle serait donc la réelle nature de Shining ? C’est sur ce point que les spéculations se multiplient, pour le meilleur et pour le pire. Pour l’un, Shining est une métaphore du génocide des Amérindiens, il en veut pour preuves l’évocation du cimetière indien (qui n’existe pas dans le roman), ou encore la présence bien en évidence de boites de conserves de la marque « Calumet ». Pour un autre, il s’agit d’une dénonciation de l’Holocauste. Pièce à conviction n°1 : la machine à écrire de Jack est de marque allemande. Pièce à conviction n°2 : l’affolante récurrence du nombre 42, la réponse à la grande question sur la vie, l’univers et le reste référence on ne peut plus limpide à 1942, date à laquelle l’Allemagne nazie a adopté la « solution finale ». Combien de voitures sur le parking de l’hôtel Overlook ? 42. Quel film regarde le petit Danny ? Un Ete 42. Pourquoi la chambre 217 dans le livre est-elle devenue la chambre 237 ? Parce que 2x3x7=42. Un conspirationniste forcené soutient quant à lui que Kubrick a réalisé le film dans le seul but de confesser qu’il avait réalisé les images truquées de l’alunissage de la mission Apollo 11 en 1969.\nUne idée de génie : projeter « Shining » simultanément à l’endroit et à l’envers en superposant les images.\nPour chaque théorie avancée, les arguments se succèdent, parfois troublants, parfois franchement abusifs et ridicules. Lorsque celui qui soutient que le film est une malicieuse expérimentation des techniques de manipulation des masses par l’incrustation d’images subliminales, affirme qu’on voit le visage de Kubrick se dessiner dans les nuages de la séquence d’ouverture, on hésite entre la consternation et l’hilarité. Mais la stupéfaction est réellement à son comble lorsqu’une intervenante, probablement sous champignon hallucinogène, nous explique avoir compris que Shining illustrait le mythe de Thésée et du Minotaure après avoir reconnu le terrifiant monstre mi-homme mi-taureau dans un poster représentant… un skieur. Les propos tenus dans Room 237 ne sont donc pas à prendre pour argent comptant. Au spectateur de faire le tri et d’essayer de se frayer un chemin dans ce labyrinthe interprétatif. Entièrement composé de reconstitutions et d’emprunts filmiques (extraits de Shining, mais aussi d’autres films, qu’ils soient de Kubrick ou non, images d’archives), le film prend d’ailleurs lui-même quelques distances avec les interviewés, en utilisant parfois ces images de façon ironique. De fait, Room 237 est moins un documentaire visant à éclairer les prétendus secrets de Shining qu’un portrait de spectateurs passionnés qui incarnent le versant excessif du concept de cinéphilie et de ses obsessions : donner du sens, contextualiser, chercher la cohérence, le sous-texte. Il prouve surtout que, sitôt soumise au regard de l’autre, une oeuvre n’appartient plus du tout à son auteur.\n[Photos © Wild Bunch Distribution ; Warner Bros.]\nRoom 237 │ Film de Rodney Ascher (USA, 1h42, 2012)\nCinéma | Reflets dans un oeil d’or (John Huston, 1967)\n24 août 2020 24 août 2020 kmd\n« Il y a un fort dans le Sud où voici quelques années un meurtre fut commis. » C’est sur la phrase liminaire du roman éponyme de Carson McCullers dont il est l’adaptation que s’ouvre – et se ferme – Reflets dans un oeil d’or. Qui a tué qui, et pourquoi ? On le devine très vite à l’ambiance oppressante et délétère, le crime aura en tout cas une dimension passionnelle. In fine, il apparaîtra même comme une conséquence logique, le produit inéluctable d’un microcosme saturé de violences et de souffrances psychiques.\nL’histoire se déroule donc dans un fort de Géorgie où toute la salle d’attente du docteur Freud semble s’être donnée rendez-vous. Le major Weldon Penderton (Marlon Brando) n’a plus de relations sexuelles avec son épouse, Leonora (Elizabeth Taylor), laquelle ne se prive pas de le lui reprocher quotidiennement. Pour satisfaire sa libido, mais aussi par vengeance, Leonora couche avec un ami de son mari, le colonel Langdon (Brian Keith). Celui-ci est marié à Alison (Julie Harris), une femme psychologiquement instable depuis la perte de leur enfant (elle s’est coupée les tétons avec un sécateur) qui se réfugie dans la compagnie de son majordome, Anaclecto (Zorro David), un Philippin dévoué et fantasque.\nA ce petit monde se greffe un sixième personnage : Williams, un soldat qui aime chevaucher nu et qui, obsédé par Leonora, s’introduit dans sa chambre la nuit pour la regarder dormir et renifler ses sous-vêtements. Interprété par le tout jeune Robert Forster (il s’agit de son premier rôle), ce personnage quasi mutique et fantomatique occupe pourtant une place primordiale dans le récit. D’abord, parce qu’il sert de point d’entrée dans cette microsociété. Ensuite, parce qu’il agit comme un révélateur en exacerbant les pulsions homosexuelles de Weldon. Enfin, parce que sa nature de voyeur renvoie directement au spectateur, ainsi qu’au réalisateur qui observe cet univers trouble avec une distance sardonique.\nReflets dans un oeil d’or est un film de regards, de points de vue biaisés car subjectifs. Weldon observe le jeune Williams, Williams épie Leonora, Leonora s’acharne sur Weldon. Tout le monde se scrute, se juge, se convoite, le plus souvent à l’insu des uns et des autres. Comme la violence, l’intérêt qu’un personnage porte à un autre est toujours à sens unique, il ne trouve jamais le moyen de s’épanouir dans la réciprocité. Tout le film est d’ailleurs vu à travers l’oeil doré d’un paon peint par Anaclecto. D’où la couleur ambrée de l’image voulue par Huston , et cette teinte chaude lui confère une douce mélancolie qui renforce singulièrement la cruauté du propos, et souligne d’autant plus l’ironie du regard que porte le réalisateur sur ses personnages torturés.\nMensonges et non-dits, solitude, névroses, violence psychologique, sexualité, poids des normes sociales… Autant de thématiques qui rapprochent Reflets dans un oeil d’or de l’oeuvre de Tennessee Williams. Sauf que l’empathie si caractéristique de l’auteur d’Un Tramway nommé désir ne brille ici que par son absence. Prisonniers de leurs frustrations, incapables de communiquer, dominés par le règne sous-jacent des pulsions, les personnages ne sont que « les reflets de quelque chose de minuscule et de grotesque » et ne parviennent, au mieux, qu’à sauver les apparences.\nDans un rôle similaire à celui qu’elle tient dans Qui a peur de Virginia Woolf ?, Elizabeth Taylor donne un panache certain à son personnage de harpie stupide, vulgaire, superficielle et insensible. Face à elle, Marlon Brando apporte une étonnante subtilité à Weldon Penderton, personnage en plein conflit intérieur qui ne veut, ou plutôt qui ne peut assumer son homosexualité dans un environnement militaire qui cultive une conception très dogmatique de la virilité. Tantôt touchant, tantôt ridicule, il aspire à l’ordre et la normalité, et il croit pouvoir étouffer ses désirs en les cachant dans une boîte secrète. Il faut le voir masquer son insécurité sous des manières empruntées, bander ses muscles et bomber le torse pour affirmer sa masculinité, ou encore répéter devant son miroir (une scène dont Robert De Niro s’inspirera pour son fameux monologue improvisé « You talkin’ to me? » dans Taxi Driver). Il s’agit là d’une des performances les plus impressionnantes de Brando, dans un des films les plus audacieux de John Huston. Forcément incontournable.\n Découragée par les réactions du public, la Warner retira les copies dorées et exploita le film dans un format Technicolor classique. C’est seulement au début des années 2000 qu’un travail de restauration permit au film de retrouver ses couleurs d’origine.\n[Photos © Warner Bros.]\nReflets dans un œil d’or (Reflections in a Golden Eye) │ Film de John Huston, avec Marlon Brando, Elizabeth Taylor, Julie Harris, Keith, Robert Forster (USA, 1h50, 1967)\nCinéma | Poetry (Lee Chang-Dong, 2010)\n9 août 2020 9 août 2020 kmd\nUn cours d’eau. Une météo clémente. Le chant des oiseaux. Des enfants qui jouent sur le rivage. Tout est paisible. Aussi paisible que ce cadavre qui flotte à la dérive. L’introduction de Poetry donne le ton. A la dérive elle-aussi, l’existence de Mija navigue entre le sordide et la beauté cachée des petites choses de la vie.\nDifficile de faire plus attachant que cette grand-mère divinement interprétée par Yoon Jung-hee. Mija travaille comme aide ménagère pour élever son ingrat petit-fils. Elle porte des tenues flamboyantes qui contrastent avec sa modeste condition. Il se dégage de cette dame élégante et singulière une fraîcheur enfantine qui rend d’autant plus cruelles les pertes de mémoire dont elle souffre. Et tandis que les mots simples s’obstinent à la fuir, les plus impitoyables s’imposent dans sa vie : Alzheimer, viol, suicide.\nPoetry se nourrit continuellement de ses vents contraires. Contre la monstruosité de son petit fils qui a participé à des viols collectifs et ainsi poussé une camarade à se supprimer, contre le cynisme des parents qui ne songent qu’à monnayer le silence de la mère de la victime pour protéger la réputation de leur famille, Mija est un cri d’humanité. Elle perd la mémoire mais pas la raison. Elle seule semble compatir pour la jeune victime. Elle seule semble comprendre la gravité du crime commis. Elle seule semble résister à l’indécence environnante. La dignité éclatante de ses silences, la pudeur de ses sourires, son dilemme moral, sa quête de beauté grâce à la poésie répondent à l’urgence de résoudre les dissonances du monde qui l’entoure et de trouver l’harmonie, à l’image de cet abricot qui « se jette sur le sol, meurtri, foulé, en vue de son renouveau ». C’est un peu comme si elle cherchait à écrire un poème sur la délicatesse des pétales de roses et que la société ne pouvait lui inspirer qu’Une Charogne de Baudelaire. Elle s’extasie devant un bouquet de camélias et découvre qu’elles sont en plastique. Beauté des fleurs artificielles. Beauté artificielle des fleurs.\nAdmirablement dénué de pathos – un miracle compte tenu du sujet, le film ne porte pas de jugement, abandonnant ces derniers aux spectateurs. Aérien malgré la pesanteur de ses thèmes, il n’excelle jamais tant que lorsqu’il s’empêche de disserter, laissant ainsi aux émotions la liberté de naître à la guise de chacun. A contrario, les scènes de cours de poésie et de lectures publiques qui donnent des grilles de lecture explicites peuvent paraître empruntées. Mais en dépit de ce très léger bémol, Poetry laisse son empreinte longtemps après qu’on l’ait vu. Preuve que c’est un grand film.\n[Photo © Diaphana Distribution]\nPoetry (Shi) | Film de Lee Chang-Dong, avec Yoon Jung-hee, Kim Hira, Ahn Naesang (Corée du sud, 2h19, 2010)\nCinéma | WALL·E (Andrew Stanton, 2008)\n2 août 2020 2 août 2020 kmd\nAn 2700. La planète bleue n’est plus qu’une déchetterie géante, désertée par la plupart des formes de vie, y compris par les responsables de ce chaos, ceux qui ont été assez stupides pour saccager leur propre environnement au point de le rendre invivable, même pour eux. Depuis 700 ans, les humains vivent donc en exil dans l’espace où, en toute insouciance, ils continuent de déverser les tonnes de détritus provoqués par leur mode de vie. Bêtes jusqu’au bout et au-delà. A bord d’un vaisseau de croisière, ils végètent tels des bébés déresponsabilisés, constamment connectés au réseau mais pas à leurs voisins, entièrement assistés par les machines, devenus obèses à cause du manque d’exercice et de la junk food, uniformisés à l’excès par leur seule et unique préoccupation : obéir aveuglément à la loi de la consommation.\nQu’il est beau, le fier, l’arrogant, le glorieux Homo sapiens, ainsi réduit à l’état d’objet automatisé, programmé pour répondre aux stimuli publicitaires, entièrement soumis à l’influence d’un ordinateur inquiétant tout droit sorti de 2001, l’Odyssée de l’espace. Il a laissé aux machines le soin d’incarner le meilleur de lui-même, à commencer par l’intelligence, le courage, la curiosité et, surtout, le libre-arbitre et la singularité. Même l’excentricité et la folie créatrice ont abandonné l’être humain et ne s’expriment plus qu’au travers des machines.\nLe portrait que WALL-E fait de l’humanité n’est guère aimable, mais il n’est qu’une extrapolation de ce vers quoi nous tendons chaque jour un peu plus. Il faut donc un sacré culot pour oser railler aussi ouvertement les travers de son public et lui tendre un miroir aussi peu valorisant… Surtout quand on s’appelle Pixar, qu’on a été couvé par le créateur de la multinationale Apple et qu’on officie désormais au sein de l’empire Disney, autre grand manitou du capitalisme, pas franchement connu pour ses hardiesses en matière de discours politiques. Le paradoxe est bien présent et ne rend le projet que plus séduisant.\nEt comme WALL-E n’est pas avare de bravoures, il fait le pari d’ouvrir sur vingt bonnes minutes sans le moindre dialogue. Plus audacieux encore, il n’hésite pas à libérer ses deux héros des carcans prédéfinis auxquels le cinéma grand public nous a si souvent habitués. Il opère ainsi un renversement des caractéristiques qui sont généralement considérées comme masculines et féminines. Dans WALL-E, c’est la fille, EVE la bien nommée, qui incarne la puissance physique, l’agressivité, la technologie et le sens du devoir militaire. La douceur, la sensibilité, le romantisme sont quant à eux du côté du garçon, WALL-E, un petit robot qui, pour couronner le tout, passe ses journées à ranger et à faire le ménage. Il est le plus vulnérable des deux, et pourtant, c’est bien lui le principal héros de l’histoire, parce que c’est dans son extraordinaire capacité à aimer que les hommes trouveront, enfin, l’inspiration nécessaire pour aller à la rencontre de leur salut.\nQue d’émotions, que de drôlerie, que de poésie émanent de ce bout de ferraille rouillée ! Il y a du génie artistique dans ce film d’animation. WALL-E enchaîne les scènes tendres et facétieuses, les parenthèses enchantées (la danse dans l’espace) et les séquences trépidantes avec la même virtuosité. L’inventivité, la beauté des images semblent sans limite. L’émerveillement est permanent. La densité narrative et l’ambition technique de WALL-E en font un étonnant, un incontournable monument de la science-fiction, une oeuvre universelle qui trouve l’équilibre parfait entre l’apparente simplicité de la fable pour enfants et l’acuité corrosive de la peinture sociétale.\n[Photos © Walt Disney Studios Motion Pictures France]\nWALL•E │ Film de Andrew Stanton, avec Ben Burtt, Elissa Knight, Jeff Garlin, Sigourney Weaver (USA, 1h37, 2008)\nCinéma | Arizona Dream (Emir Kusturica, 1993)\n5 mai 2020 2 août 2020 kmd\nSi l’humour est la politesse du désespoir, alors Arizona Dream est le film le plus poli qui puisse se concevoir. Première et à ce jour unique incursion d’Emir Kusturica sur le territoire américain, cette fable surréaliste et viscéralement tragi-comique, où les poissons volent et les ambulances filent tout droit vers la lune, enchante par son énergie burlesque autant qu’elle bouleverse par sa tristesse infinie.\nAxel (Johnny Depp) a fui son Arizona natal après la mort de ses parents pour se fondre dans la mégapole new-yorkaise où il s’oublie dans la contemplation des poissons. Contraint par son cousin (Vincent Gallo) de revenir au bercail pour assister au mariage de son oncle Léo (Jerry Lewis), il y fait la connaissance d’Elaine (Faye Dunaway) et de sa belle-fille, Grace (Lili Taylor). Un triangle amoureux se forme alors entre Axel, la blonde fatale et la brune suicidaire.\nAxel est obsédé par un rêve mettant en scène une famille d’Inuits. Il en nourrit une fascination pour l’Alaska, sans réaliser que ce rêve en trahit un autre, plus profond et plus douloureux parce qu’impossible : celui de retrouver la famille aimante et protectrice de son enfance. Comme Mulholland Drive, Arizona Dream décline le rêve dans toutes ses acceptions. Il s’agit autant d’imaginaire que de désir, et de leurs pendants obscurs, le cauchemar et la désillusion. Axel et les personnages qui l’entourent se définissent par leurs rêves artistiques, matérialistes, narcissiques ou existentiels. Paul ambitionne de devenir une star de cinéma. Elaine aimerait pouvoir voler, traduisant ainsi son désir d’échapper à la pesanteur, à la vieillesse et à la mort. Une mort que Grace appelle au contraire de tous ses voeux pour s’offrir une chance de se réincarner en tortue. Quant à Léo, le vendeur de Cadillac, il espère faire d’Axel son digne successeur. Léo est l’incarnation du rêve américain, fier d’exhiber ses signes extérieurs de richesse, grosses bagnoles et petite pépée, ce qui fait également de lui le prototype du bien-pensant hypocrite qui trouve normal de faire la morale à Elaine quand elle couche avec le jeune Axel alors qu’il s’apprête lui-même à épouser une fille qui a la moitié de son âge.\nMarginaux, fêlés, idéalistes, pathétiques, ces American Dreamers (c’est l’un des multiples titres qui ont été attribués au film durant le processus de réécriture) sont tous complexes et attachants, mais Grace Stalker l’est davantage encore. Incarnée avec talent par la trop rare Lili Taylor, elle est la seule lucide, la seule à regarder son désespoir en face (« Deux paumés ne font pas un trouvé », dira-t-elle à Axel). Elle est l’âme soeur d’Axel, la seule à s’intéresser véritablement à lui. Mais, hypnotisé par le sex-appeal d’Elaine, Axel ne la voit pas, condamnant ainsi leur histoire avant même qu’elle ne commence.\nSoutenue par le score entêtant de Goran Bregović, la mise en scène de Kusturica épouse les rêves et les désenchantements de ses personnages avec une finesse qui tient du génie. Deux exemples : dans une scène mémorable, Kusturica fait léviter Johnny Depp et Faye Dunaway par la seule magie d’un travelling circulaire. Bien plus tard, il filme Johnny Depp de dos. Seul et accablé, l’acteur s’appuie contre un lampadaire en face du magasin abandonné de son oncle. Il baisse la tête. L’angle choisi par la caméra donne alors l’impression qu’elle filme un homme décapité. Tout est dit.\nLa scène du dîner, l’irrésistible Vincent Gallo qui récite, ou plutôt qui revit compulsivement des scènes de classiques américains (Raging Bull, La Mort Aux Trousses, Le Parrain), Lili Taylor jouant de l’accordéon, la clope au bec et l’oeil goguenard… Au fil des séquences, la folie baroque de Kusturica nous emporte dans un inoubliable maelstrom d’images insolites et d’émotions contradictoires. Et, cerise sur le gâteau, Johnny Depp fait très bien la poule.\n[Photos © Studio Canal]\nArizona Dream │ Film de Emir Kusturica, avec Johnny Depp, Faye Dunaway, Lili Taylor, Vincent Gallo, Jerry Lewis (USA, 2h21, 1993)\nCinéma | Love Exposure (Sion Sono, 2008)\n9 avril 2020 3 décembre 2020 kmd\nCoqueluche des festivals de cinéma depuis le désormais culte Suicide Club (aka Suicide Circle), Sion Sono a longtemps été boudé par les distributeurs en France. L’excellent Guilty of romance fut le premier de ses films à avoir eu les honneurs d’une sortie en salles chez nous en 2012, et ce n’est qu’un an plus tard que le public français fut enfin en mesure de découvrir en DVD/Blu-ray l’oeuvre phare de ce cinéaste japonais tout à fait atypique : Love Exposure.\nLove Exposure suit les parcours croisés de trois adolescents : fils de prêtre catholique, obsédé par la vierge Marie, Yu (Takahiro Nishijima) se lance dans une course au péché pour retrouver l’affection paternelle après la mort de sa mère, tout en cherchant sans relâche « sa » Marie, le grand amour de sa vie, qu’il trouve en la personne de Yoko. Mais Yoko (Hikari Mitsushima), traumatisée par un père violent et incestueux, déteste viscéralement les hommes, à part Jésus et Kurt Cobain, parce qu’ils sont « cools ». De son côté, Aya (Sakura Ando), elle aussi victime d’un père abusif, manigance en sourdine afin de recruter des brebis égarées pour une dangereuse secte appelée l’Eglise Zéro…\nOeuvre imposante, déjà par sa durée exceptionnelle (4h), mais surtout par son audace et sa liberté, Love Exposure est le film paroxystique par excellence. A la fois sommet de comédie et drame ultime, Love Exposure brasse une quantité astronomique de genres, de thèmes et de tons a priori antinomiques. On est là dans du cinéma excessif et transgressif qui ose à peu près tout. Sans le moindre complexe, Sion Sono conjugue les références culturelles les plus classiques et les plus nobles (Ravel) avec les plus populaires (la femme Scorpion). Avec un sens de la démesure tout à fait réjouissant, il mêle joyeusement la chronique intimiste, le rite initiatique, la fièvre romantique, la pure parodie (les scènes de chasse aux petites culottes façon Kung fu) et les séquences d’action à tendance gore. Plus réjouissant encore, Love Exposure puise justement sa force dans ses ruptures de ton incessantes. Non seulement on passe du rire à l’émotion en un clin d’œil, mais en plus les séquences tragiques sont d’autant plus poignantes qu’elles succèdent à des moments de comédie débridée, et vice versa.\nMais, et c’est aussi ce qui en fait une oeuvre essentielle, sous ses apparences ludiques, Love Exposure sert un propos autrement plus sombre. Sion Sono n’est pas le cinéaste de la gaudriole pour la gaudriole. Ses films cachent toujours un regard critique, radiographique, sur la société japonaise dont il n’a cessé de moquer les travers et les dysfonctionnements tout au long de sa prolifique carrière. Sur le fond, Love Exposure est un film sur la difficile construction identitaire, individuelle, sociale et spirituelle, dans une société qui oublie de jouer son rôle de guide.\nSion Sono aborde cette question sous ses aspects les plus divers, et plus volontiers sous leur versant obscur : le sexe et la perversion, l’amour et la haine, la religion et l’endoctrinement sectaire, la famille et la déconstruction familiale, avec pour fondement, la défaillance de la figure du père, leitmotiv de son oeuvre. Sion Sono dresse ainsi le portrait d’une jeunesse engloutie par le diktat du simulacre, une jeunesse qui, faute de (re)pères, a remplacé l’identité par l’identification et l’amour par le culte des idoles (la vierge Marie, Jésus Christ et Kurt Cobain, mis sur un pied d’égalité).\nAussi engagé et riche de réflexions socioculturelles soit-il, Love Exposure ne prend pourtant jamais l’allure d’un film à thèses. Mené à une cadence folle, il fait au contraire preuve d’une légèreté étonnante pour la qualité de traitement de ses sujets. Véritable tourbillon de vitalité maîtrisé, Love Exposure tire l’essentiel de sa puissance de ce paradoxe entre la forme et le fond, pour une expérience de cinéma aussi intense qu’unique.\n[Photos © Metropolitan]\nLove Exposure (Ai no mukidashi) │ Film de Sion Sono, avec Takahiro Nishijima, Hikari Mitsushima, Sakura Ando, Makiko Watanabe, Itsuji Itao (Japon, 3h57, 2008)\nCinéma | Before Midnight (Richard Linklater, 2013)\n28 mars 2020 2 août 2020 kmd\nIls se sont rencontrés dans un train, ils se sont aimés et séparés le temps d’une nuit à Vienne (Before Sunrise), puis ils se sont retrouvés un beau jour à Paris (Before Sunset). Depuis, Céline et Jesse vivent en couple, élèvent leurs enfants, travaillent, partent en vacances et partagent tout, ou presque : l’amour, les emmerdes. La vie, quoi.\nBefore Midnight vient conclure (pour l’instant ?) ce qu’il convient d’appeler la trilogie des Before. Entre Before Sunrise (sorti en 1995) et ce troisième opus, il s’est passé dix-huit ans, en temps fictif comme en temps réel. C’est dire si cette série d’œuvres qui s’est construite au fil des ans est atypique, tout comme son identité filmique, immédiatement reconnaissable à son couple vedette, à ses balades en extérieurs, à ses longs plans-séquences et, surtout, à ses dialogues à la fois ciselés et naturels. Ici, le verbe est roi. Le tour de force de chacun de ces films est de parvenir à faire exister les personnages en quelques minutes, d’arriver à suggérer leurs petites nuances et de nous donner l’impression de les connaître intimement alors qu’on ne les observe que durant une petite poignée d’heures par décennie.\nBefore Midnight est à la fois semblable et différent de Before Sunrise et de Before Sunset. Similaire parce qu’il reprend les principes fondamentaux cités plus haut. Différent parce que ce n’est plus la possibilité du couple qui est en jeu cette fois, mais la possibilité de la rupture. La trilogie a toujours été traversée par la crainte de la mort de la relation et par l’espoir d’un amour perpétuel. Le choix du titre, avec cette sempiternelle échéance, est à cet égard éloquent. Mais Before Midnight est hanté par une dimension plus crépusculaire. Before Midnight : avant minuit. Minuit, l’heure qui sonne le glas du rêve éveillé, l’instant précis où le carrosse se change en citrouille. L’heure du désenchantement. Le film est jalonné de motifs qui évoquent la disparition, la fin. Le départ du fils, le coucher du soleil, ces ruines que Jesse refuse de voir, comme s’il se trouvait déjà dans le déni. Rien que le choix de la Grèce comme cadre du film est significatif, puisqu’il évoque à la fois crise et tragédie.\nDans Le Mépris de Jean-Luc Godard, un malentendu entre Paul et Camille fait naître le mépris et le désamour de cette dernière. Dans Before Midnight, c’est un non-dit de Jesse qui sème la discorde, une idée non-formulée que Céline devine et décide d’énoncer à sa place, ouvrant ainsi la porte au jaillissement des reproches et des rancœurs accumulés au cours de leur vie commune. Avant minuit, Céline et Jesse vont jouer, se séduire, se disputer et mettre sur le tapis, dans un désordre habilement orchestré et avec beaucoup d’humour, souvenirs, révélations, considérations sur l’amour, la vie de famille, les inégalités entre hommes et femmes et la difficulté de concilier aspirations individuelles et obligations familiales. Leur confrontation a ceci de particulièrement réussi qu’elle met en évidence les phénomènes d’action-réaction inhérents à toute dispute, mauvaise foi et coups bas compris. Céline se montre ainsi d’autant plus dure que Jesse se veut nonchalant et vice versa.\nCrise passagère ou irrémédiable ? Comme pour les précédents Before, Richard Linklater, Julie Delpy et Ethan Hawke refusent de conclure, laissant au spectateur le soin d’imaginer une issue optimiste ou pessimiste à sa convenance. Mais la seule éventualité du délitement de ce couple si attachant provoque un déchirement d’autant plus fort qu’on a assisté à leurs premiers émois. Car oui, Before Midnight peut certes se découvrir indépendamment des autres Before, mais il gagne tant en relief et en densité émotionnelle lorsqu’on le met en perspective avec eux qu’il vaut mieux l’aborder comme le dernier tome d’un roman fleuve passionnant et terriblement touchant.\n[Photos © Diaphana Distribution]\nBefore Midnight │ Film de Richard Linklater, avec Julie Delpy, Ethan Hawke (USA/Grèce, 1h48, 2013)\nCinéma | Le Roi et l’oiseau (Paul Grimault, 1980)\n13 décembre 2019 2 août 2020 kmd\nVoilà un film qui n’a pas volé sa réputation de chef d’œuvre. Le Roi et l’oiseau n’est ni plus ni moins que l’un des meilleurs films d’animation de tous les temps et l’un des plus beaux films, tous genre confondus, de l’histoire du cinéma. Une œuvre de référence qui n’a cessé d’inspirer un certain maître de l’animation japonaise qui a accouché de nombreuses merveilles : Hayao Miyazaki.\nLibre adaptation d’un conte d’Andersen, Le Roi et l’oiseau est le fruit d’une genèse chaotique et passionnante qui dit tout de l’intégrité artistique de ses auteurs. Initié par Paul Grimault et Jacques Prévert en 1946, le projet fut confisqué par la production de l’époque qui souhaitait écourter un chantier jugé trop long et trop onéreux et qui sortit une première version du film en 1953, sous le titre La Bergère et le Ramoneur. Ce n’est qu’une douzaine d’années plus tard que Paul Grimault put racheter les droits de son film et le retravailler avec Jacques Prévert qui, hélas, mourut avant de pouvoir voir l’œuvre s’achever et rencontrer un franc succès en 1980.\nIl aura donc fallu plus de trente ans et tout l’acharnement de Paul Grimault pour que Le Roi et l’oiseau naisse enfin dans sa version définitive, une version toutefois très différente de ce qui était prévu au départ. Le changement de titre est éloquent. Entre temps, l’intrigue a changé de préoccupation, le film s’est enrichi d’un propos plus politique, plus mature, plus féroce. Il ne s’agit plus seulement de l’histoire d’amour entre une « charmante bergère » et « un petit ramoneur de rien du tout », mais aussi de la guerre des nerfs entre un tyran cruel et mégalo et sa Némésis, un oiseau moqueur et épris de liberté.\nLa liberté est justement le thème dominant de cette œuvre où l’on s’échappe des tableaux, où l’on sort des cadres, où l’on s’extrait de l’angoisse des sous-sols auxquels ont était condamné pour aller redécouvrir la chaleur rassurante du soleil, où l’on s’émancipe de sa nature de machine conçue pour détruire afin de libérer le pauvre oisillon de sa cage. Le nom ridicule du roi Charles Cinq et Trois font Huit et Huit font Seize de Takicardie en est le premier symptôme, Le Roi et l’oiseau prend un malin plaisir à ridiculiser les régimes totalitaires du XXe siècle en particulier, et la vanité du pouvoir en général. En imaginant le royaume de Takicardie, Grimault et Prévert épinglent les inégalités entre l’élite et le peuple, l’oppression des masses et la standardisation aliénante des individus, pour mieux chanter la puissance libératrice de l’amour. Avec la figure du robot, ils offrent également des pistes de réflexion sur le bon ou le mauvais usage des technologies.\nEt si ce discours n’a rien perdu de sa pertinence évocatrice, c’est aussi parce qu’il est porté par une beauté formelle qu’on ne se lassera jamais d’admirer. La finesse des dessins, la fluidité de l’animation, le jeu sur les couleurs, sur les lumières, sur la verticalité des décors, tout y est somptueux, tout y est sidérant d’inventivité. Parfait objet filmique, Le Roi et l’oiseau est un plaisir visuel mais aussi auditif, transcendé par la musique de Wojciech Kilar et par les dialogues de Jacques Prévert. La scène de l’ascenseur, qui nous fait visiter le château pendant qu’une voix en énumère toutes les composantes absurdes avec force ironie, est l’exemple même de cette symbiose entre le graphisme de Paul Grimault et l’écriture de Jacques Prévert.\nPendant 1h30, Le Roi et l’oiseau entretient de façon prodigieuse l’équilibre entre l’humour et l’émotion, entre la candeur de l’histoire d’amour et l’acuité du propos politique, entre la tendresse du trait et la violence du monde qu’il décrit. Œuvre cultivée, Le Roi et l’oiseau distille intelligemment ses références, à Metropolis de Fritz Lang (la ville basse), au Dictateur (le tyran remplacé par son double) et aux Temps Modernes de Chaplin (la scène du travail à la chaîne) ou encore aux peintures de Magritte (les hommes impersonnels de la police royale). C’est aussi un conte où la poésie fleurit à chaque instant. C’est surtout une magnifique ode à l’imagination, à la nature, à la liberté et à la vie.\n[Photos : Sophie Dulac Distribution]\nLe Roi et l’oiseau │ Film de Paul Grimault, avec Jean Martin, Pascal Mazzotti, Raymond Bussières, Agnès Viala, Renaud Marx (France, 1h27, 1980)


Newsletter n°1 dédié à la gestion d... by ANGed 601 views\nGere 10 mai 2010 by Henri Lapeyre 1315 views\nValorisation de palettes et de pneu... by Heymans Isabelle 937 views\n1.

Qu’est-ce que recycler ?

Pourquoi recyclons-nous ?

Quelles sont les matières pouvant être recyclées ?

\n2.

Recycler aide la planète :

La planète a besoin d’aide, cette aide, nous pouvons la donner en recyclant. Nous pouvons recycler bien des choses, dont le papier, le carton, le tissu, le plastique, le métal, etc. Il existe des vêtements recyclés, ceux-ci sont parfois faits de vêtements ou tissus recyclés, de plastique et les semelles de soulier sont fabriquées à partir de pneu. Ces vêtements sont utiles d’un point de vue environnemental.

\n3.

Le recyclage :

Récupérer un objet

usagé, le transformer

en un nouvel objet.

Pourquoi recyclons-nous ? Parce que lorsque nous trions nos déchets, pour ensuite recycler, nous permettons à un matériau de resservir à autre chose plutôt que de finir sa vie dans un dépotoir et de polluer encore plus la planète.\n4.

Quels sont les matières peuvent être recyclées ?

Le verre

Le plastique

Le métal

\n5.

Le recyclage du verre :

Dans les usines de recyclage, les déchets en verre sont envoyés sur des tables vibrantes qui ont des trous en bas. Les objets les plus petit tombent et ne sont pas gardés car trop petits et de différentes couleurs. Les gros morceaux sont triés par des ouvriers qui les séparent en fonction de la couleur : transparent , vert ou marron . Ils sont ensuite broyés par des machines. On en refera du verre en chauffant les morceaux qui doivent avoir la même couleur pour les fondre .\n6.

Le recyclage du plastique :

Dans les usines, les déchets en plastique avancent sur une table de tri où des ouvriers sont debout des deux côtés. Les ouvriers trient rapidement les différents types de plastique qui est imprimé sur la boite. Ils les placent dans des caisses qui sont ensuite envoyées à un compacteur. Le compacteur les écrase . Ils sont ensuite attachés et prêts pour être retraités par chauffage.

\n7.

Le recyclage du métal :

Les morceaux sont transportés dans des usines de recyclage, puis broyés et réduits en miettes et refondus afin de refaire un métal neuf.

On peut recycler le fer blanc, le fer, l'acier, l'aluminium, la fonte, les boîtes de boisson mais principalement les boîtes de conserve. Le fer est un matériau mou et malléable. On recycle le métal pour l'économiser et pour refaire des objets neufs.

\n8.

Et que tout le monde continue ou commence à recycler pour que notre planète vive encore et encore plus longtemps.

\n9.

Fin

Exposé de Lisa HAURET et de Valentine PEDELUCQ – 6 ème B

Vive la récup


En bref Minéraux - Verre \_ Etats-Unis \_ Matières premières\n30 Octobre 2019 \_ 14h00\nLe leader mondial des minéraux de spécialité pour l’industrie change à nouveau de directeur général. Conrad Keijzer, qui avait remplacé Gilles Michel, a démissionné seulement dix-huit mois après sa nomination, a annoncé Imerys le 22 octobre. Une nouvelle qui est intervenue en même temps que la révision à la baisse des prévisions financières du groupe. Patrick Kron, revenu en juin à la tête du conseil d’administration, devient PDG par intérim.\nMatériaux Imerys IMERYS CERAMICS, PARIS (75007)


ENTRE LES DEUX GUERRES :: Sokoldeparis\nLa guerre finie, l'afflux à Paris de Tchèques et de Slovaques, dont beaucoup ont rejoint le Sokol, a stimulé son activité. Des bals, programmes sportifs et culturels, sorties dans les alentours de Paris sont organisés et les Sokols participent à des académies gymniques dans la banlieue de Paris, ainsi qu'à Nancy, Strasbourg, Poitiers, Evian-les-Bains, Elbeuf, mais surtout aux Slets à Prague. Une section théâtrale est fondée. En 1920, le Sokol de Paris s'installe dans la salle de gymnastique de la rue Cailletet à Saint-Mandé grâce à la générosité de la municipalité de la ville et l'amitié de son maire Charles Digeon. La section féminine est créée la même année. L'année suivante, à la demande du Sokol tchèque, le Sokol de Paris adhère à son district étranger ("župa zahraniční").\nLors de la visite officielle du président Tomáš Garrigue Masaryk en 1923, les membres du Sokol de Paris, en grande tenue forment une haie d'honneur à son arrivée à la gare de Boulogne-sur Seine.\nA partir de 1925 diverses sections de province au sein du Sokol se développent, certaines éphémères comme à Nantes, d'autres plus constantes qui déployèrent une grande activité jusqu'à la guerre de 1939, comme celles de Sallaumines, Bruay en Artois ou Vésines près de Montargis. En 1932, une délégation de 40 hommes et 10 femmes, membres du Sokol de Paris, participent au Slet à Prague à l'occasion duquel un nouveau drapeau leur est remis. En octobre 1933, Josef Moc fonde la section de volley-ball et l'année suivante, Čeněk Polanský devient moniteur des adolescents et des enfants. En 1935, les Sokol de Paris assistent à l'inauguration du monument aux morts à la Targette.\nLe nombre d'adhérents au Sokol s'accroît : 82 membres en 1919, 250 en 1921, 186 en 1927 et 150 dans les années 1928 -1930, jusqu'à 270 en 1938, l'année du Xème Slet à Prague.\nAvant la déclaration de la guerre, Sokol de Paris décida d'acheter un terrain à Gournay sur Marne comme ses membres avaient l'habitude de se rendre pendant les week-ends dans cette région. L'achat s'avéra très utile et judicieux dans l'immédiat et jusqu'à nos jours.


Last Christmas – Les chroniques de Coralie\nScénario: Emma Thompson, Greg Wise, Bryony Kimmings\nActeurs principaux: Emilia Clarke, Henry Golding, Emma Thompson, Michelle Yeoh\nSortie belge: 27 novembre 2019\nCoucou les amis, on se retrouve aujourd’hui pour parler de la comédie romantique de cette fin d’année : Last Christmas.\nCe film a bien entendu été inspirée par le tube interplanétaire de George Michael.\nJ’avais vraiment hâte d’aller voir ce film et même si j’ai passé un bon moment, ce n’est pas le film du siècle. Le scénario est sympathique mais devient prévisible presque dès la rencontre entre Kate et Tom.\nJ’ai adoré Emilia Clarke, c’est un genre qui lui va merveilleusement bien, elle est cynique, désabusée par la vie et malgré tout lumineuse et souriante. Elle m’a beaucoup émue durant une scène en particulier.\nEmma Thompson est parfaite dans le rôle de la mère roumaine hyper envahissante.\nEt pour le coup je n’avais encore vu aucun film ou série avec Henry Golding et il m’a bien plu.\nC’est un film plein de bons sentiments et de réflexions sur la vie. Et puis, impossible de ne pas fredonner durant ce film où l’on parcourt un peu la discographie de George Michael.\nJe vous remets la bande-annonce ci-dessous :\nUne réponse sur « Last Christmas »


Galaxy Note Pro : spécifications et caractéristiques avant d'arriver au CES 2014\nGalaxy Note Pro : spécifications et caractéristiques avant d’arriver au CES 2014\nAccueil » Galaxy Note Pro : spécifications et caractéristiques avant d’arriver au CES 2014\nSmartphones by Yohann Poiron on 27 décembre 2013 CES 2014 Galaxy Note Pro Samsung\nAlors que nous sommes tous dans l’attente du Galaxy S5 de Samsung, le géant sud-coréen aurait un autre produit dans sa manche, et aurait attiré l’attention de la communauté technologique. La tablette de 12.2 pouces de Samsung est un sujet qui revient régulièrement sur la toile ! En effet, la pré-supposée Galaxy Note Pro sous Android aurait cette fois-ci été démontrée en Corée du Sud il y a quelques jours, un dispositif qui devrait être dévoilé au début du mois prochain au CES 2014 à Las Vegas.\nSelon ZDNet Korea, la Galaxy Note Pro sera disponible au premier trimestre de l’année prochaine, venant ainsi confirmer certaines rumeurs que nous avons entendu jusqu’ici. Cependant, outre cette potentielle date de commercialisation, Samsung aurait montré l’appareil en privé à certains membres du personnel sans que ces derniers puissent toucher l’appareil, ce qui pourrait expliquer la photo dévoilée en début de semaine qui aurait pu être prise lors de “cet évènement”.\nConcernant les spécifications et les caractéristiques de la tablette, ZDNet rapporte qu’elle devrait disposer d’un écran LCD de 12.2 pouces offrant une résolution 2560 x 1600 pixels, un processeur Snapdragon 800 cadencé à 2,4 GHz, de 3 Go de mémoire vive, d’une batterie de 9500 mAh et de Android 4.4 KitKat pour la partie logicielle, bien évidemment couplée avec la surcouche TouchWiz de Samsung. On retrouverait également ce qui fait la force de la gamme Note de Samsung, le stylet S-Pen.\nEn supposant que ces renseignements soient exacts, cela signifierait que la Galaxy Note Pro aurait la plus grande batterie embarquée sur une tablette Samsung jusqu’ici.\nPour les mensurations de la tablette, il est mentionné que celle-ci pèserait 771 grammes, et mesurerait 29,5 x 20,3 et aurait une diagonale de 35,8 centimètres. L’épaisseur de la Galaxy Note Pro n’est pas connue.\nIl est également important de noter que des rumeurs indiquent que des tablettes Pro pourraient également voir le jour en 8,4 et 10,1 pouces, et qui offriront un espace de stockage de 16 Go, un capteur de 5 mégapixels à l’arrière et les mêmes caractéristiques que le modèle de 12,2 pouces.\nParmi la concurrence, il est également dit que Apple travaille sur un iPad Pro, qui pourrait avoir un écran de 12,9 pouces avec une résolution Ultra HD. Ce modèle est répandu pour arriver sur le marché en octobre 2014 et remplacer le MacBook Air de 11 pouces.\nBien évidemment il ne s’agit-là que d’une rumeur, donc il ne sert à rien de s’emballer pour le moment. Nous devrons simplement attendre le CES 2014 pour voir si Samsung va en effet dévoiler cette grande tablette ou non. Il s’agirait ni plus ni moins d’un Galaxy Note 3 allongé.\nTags : CES 2014Galaxy Note ProSamsung\nLG pourrait dévoiler une smartwatch accompagnant le LG G3 au MWC 2014\niPhone 5S, Nexus 5, HTC One : les meilleurs smartphones de 2013


Alberto Lattuada – « Les Adolescentes » (1960) | Culturopoing\nPar : Alberto Lattuada\nTagsCalligraphes, Calligraphisme, Cesare Zavattini, Giacomo Leopardi, Guendalina, L'Amour à la ville\nDeux films d’Alberto Lattuada, aux thématiques et aux tonalités proches, arrivent sur les écrans cette semaine : Guendalina (1957) et Les Adolescentes (1950). Ils ont été restaurés en 4K.\nNous choisissons de parler de celui qui nous paraît le plus réussi, même si nous conseillons fortement à ceux ou celles qui liront ces lignes de les voir tous les deux.\nDans Les Adolescentes, Alberto Lattuada concentre en une journée un phénomène dont on peut imaginer qu’il s’étend en réalité sur un temps plus long : l’éveil sensuel d’une adolescente de 17 ans, Francesca (Catherine Spaak). Pour le dire de façon peut-être un peu plus pédante et clinique, certes, mais également moins floue et précautionneuse : la réalisation d’un investissement objectal de sa libido. L’objet, ici, c’est Enrico, un homme de 37 ans qu’elle connaît depuis son enfance. Architecte de métier et ami de ses parents, ce qui est important au regard de ce qui va se passer, des « choix » de la jeune fille… quelque chose est en construction, et l’aventure ne se fait pas trop brutalement hors du cocon familial. Enrico est comme un intermédiaire rassurant entre l’enfance et l’âge adulte, même si la relation peut évidemment poser problème au niveau socio-moral.\n© 1961 – Titanus – Laetitia Rome – TF1 Droits Audiovisuels – S.G.C.\nTout commence justement par une scène, filmée en plan-séquence, durant laquelle Francesca, qui est couchée dans son lit, se réveille. Elle frémit puis s’agite, comme en proie à une lutte intérieure ; elle oscille manifestement entre plaisir – plus ou moins solitaire – et irritation, désir et rejet de ce désir ; elle est traversée à la fois, pouvons-nous imaginer, de bouffées de chaleur réconfortante et de frissons de peur. À un moment, elle paraît songeuse, mais c’est de courte durée. La scène est longue et permet à la jeune fille de présenter, sans paroles, une gamme complexe d’expressions contradictoires et/ou complémentaires. La caméra qui s’attarde sur ses jambes, qui laisse voir à travers sa nuisette la pointe tendue de l’un de ses seins, et sa culotte, subrepticement, alors qu’elle remue sous ses draps, cette caméra ne laisse pas planer de doute sur ce dont il est question pour la protagoniste en ce début de récit.\nFrancesca a fait un rêve érotique et elle veut et va le réaliser. Elle dit assumer franchement ses ardeurs – le prénom que la jeune fille porte n’est pas choisi au hasard. Mais son âge, sa situation, la situation dans laquelle elle se trouve, lui font quand même se poser des questions, hésiter. À l’heure du déjeuner, Francesca dit avoir faim, mais aussi ne pas avoir faim ! C’est dans ces fluctuations que résident l’intérêt et la beauté du film. L’amour spirituel et la pulsion sexuelle sont mêlés. Peuvent-ils faire bon ménage ? Oui et non. Un plan montrant la jeune fille dans une salle de cours de son école résume bien sa position : elle est filmée entre une croix accrochée au mur et des formules mathématiques tracées à la craie sur un tableau noir. L’Italie est corsetée par la morale chrétienne et découvre en même temps le rapport à visée scientifique du Dr Alfred Kinsey sur la sexualité – mention en est faite par l’un des personnages du film, une femme mûre excentrique.\nC’est dans un élan de liberté, après qu’elle a participé à une course de voitures rugissantes conduites par des jeunes de son âge, les cheveux au vent, que Francesca va déclarer sa flamme à Enrico et s’unir charnellement à lui.\nLa relation entre les deux protagonistes n’aura pas forcément de suite. Alors que l’architecte fait des projets d’avenir et tient un discours de séducteur-amoureux dont on ne sait s’ils sont vains ou un tant soit peu responsables, Francesca rentre chez ses parents. Elle laisse entendre à Enrico qu’elle le recontactera, mais rien n’est moins sûr.\nLa chanson Arrivederci, écoutée sur un juke-box par l’adolescente dans une scène antérieure, qui pouvait être un « salut» au monde de l’enfance résonne ici légèrement autrement (« Au revoir, je sors de ta vie, saluons-nous. Au revoir, ce sera l’adieu, mais n’y pensons pas », chante Don Marino Barreto Jr, dans cette composition de Umberto Bindi et Giorgio Calabrese qui fut un grand succès en Italie en 1959).\nFrancesca reste dans une indécision dont on a du mal à dire si elle est due une certaine déception mélancolique, au sentiment que l’aventure ici entamée la plonge dans une impasse, à une désorientation psycho-affective, physique, ou à une sage volonté de prendre son temps.\nPeut-être l’héroïne ne veut-elle pas céder aux sirènes du monde embourgeoisé, futile et un peu décadent qu’elle côtoie… Peut-être se soumet-elle aux diktats de la société italienne : une jeune fille de 17 ans devrait plutôt faire l’expérience de l’amour avec un garçon de son âge !… sa situation ne répond pas à la norme !… Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si Francesca chante l’amour, à un moment de la journée, avec une jeune fille qui a écrit une lettre passionnée à une autre écolière et devient la risée d’une partie de sa classe qui ne la voit que comme une lesbienne.\nAvec un sens fort et très travaillé du cadrage et de l’éclairage en clair obscur – son chef opérateur est le Hongrois Gábor Pogány qui a collaboré, entre autres, avec Georg Wilhelm Pabst -, mais à pas feutré et avec une grande pudeur, Lattuada construit une œuvre douce-amère sur un moment de vie des plus délicats où les adieux que l’on fait à l’enfance sont pleins de promesses, mais sont également douloureux, l’horizon qui se profile étant celui du monde hypocrite des adultes, un monde qui peut faire regretter le temps de l’innocence. Précisons à ce propos que le titre original du film, Dolci Inganni, est plus subtil que le titre français. Il signifie : Douces illusions. Nous préférons traduire ce terme italien d’ « inganni » par celui d’illusions, au sens implicite de désillusions, déceptions, méprises – comme Giacomo Leopardi, LE poète italien du pessimisme existentiel qu’étudie et qu’apprécie Francesca (1), l’utilise dans À soi-même (A se stesso, 1833) -, plutôt que par celui de tromperies, qui peut induire le lecteur ou l’auditeur en erreur, en évoquant l’infidélité.\nLattuada nourrit son film de plusieurs styles. Le classicisme des Calligraphes – il a été l’assistant de deux esthètes du cinéma des années trente, Mario Soldati et de Ferdinando Maria Poggioli (2). Le néo-réalisme ou cinéma de la chronique. Il y a de ce point de point de vue une séquence très belle durant laquelle la caméra suit longuement Francesca qui marche dans une artère de Rome – et qui, comme par hasard, notons-le au passage, croise des corbillards ! On pense à la théorie du pedinamento de Cesare Zavattini, le scénariste de Vittorio De Sica. Le pedinamento consiste à suivre pas à pas un personnage dans sa vie quotidienne – à le prendre en filature, en quelque sorte ; à enquêter sur lui (3). Le cinéma moderne ou pré-moderne, aussi, avec ce regard-caméra qui conclue le récit et dont l’origine se trouve évidemment dans Monika d’Ingmar Bergman (1954).\nBeaucoup des films de l’homme-Lattuada, notamment dans les années soixante-dix, abordent la sexualité féminine d’une manière libre, avec un érotisme ostentatoire. Ils pourraient choquer aujourd’hui, en nos temps de raidissement moral – qu’il soit réactionnaire ou progressiste. Nous avons parlé de la pudeur avec laquelle le réalisateur filme Les Adolescentes. Pourtant cet opus s’est attiré les foudres de la censure lors de son exploitation. Des scènes furent éliminées, des dialogues changés, quand l’oeuvre ne fut pas complètement interdite. Le cinéaste a déclaré : « Les Adolescentes était (…) dangereux et révolutionnaire, puisqu’il abordait ouvertement le problème de l’éducation sexuelle des jeunes. La censure n’a pas été tendre, non pas tant parce que l’héroïne avait perdu sa virginité, mais parce que, comme elle ne considérait pas que ce fut une grave faute, elle n’en éprouvait pas de remords. La sérénité avec laquelle Francesca abordait sa nouvelle vie de femme sonnait comme une atteinte aux mœurs, sinon aux institutions » (4).\n1) Francesca cite un extrait d’un écrit de Leopardi à un ami : « C’était ce temps léger irrévocable, alors que s’ouvre aux yeux enfants la misérable scène du monde et leur sourit comme l’image d’un paradis ». Cet écrit est La Vie solitaire et date de 1821. [Nous ne reproduisons pas ici les sous-titres, mais la traduction des Chants, dont fait partie le poème, par Michel Orcel pour une édition Gallimard].\n2) Le calligraphisme est un courant du cinéma italien des années quarante. Ses représentants ne souhaitent pas participer à la propagande fasciste qui utilise à ses fins le réalisme et le documentarisme. Ce sont des formalistes qui adaptent souvent des œuvres du patrimoine littéraire. Lattuada a lui-même réalisé en 1943 un film appartenant à ce courant : Giacomo l’idéaliste, d’après un roman de l’écrivain Emilio De Marchi (1897). C’est en rupture non seulement avec le cinéma du fascisme, mais aussi avec le calligraphisme que le néo-réalisme va se développer. Après la guerre, Lattuada s’en rapprochera, notamment avec Le Bandit (1946) dans lequel joue Anna Magnani.\n3) Cesare Zavattini est à l’origine de L’Amour à la ville (L’Amore in città, 1953), un film composé de six sketches réalisés par six cinéastes différents. Parmi eux, Zavattini lui-même, qui met en pratique sa théorie du pedinamento, et Alberto Lattuada qui suit avec une simplicité documentaire des Italiens se retournant dans la rue au passage de certaines de leurs concitoyennes.\n4) In Aldo Tassone, Le Cinéma italien parle, Paris, Edilig, 1982.\nEnrique SEKNADJE - 28 décembre 2020\nAlberto Lattuada – « Venez donc prendre le café… chez nous ! «\nAlberto Lattuada – « La Fille /Così come sei / Stay as you are » (Blu-Ray...\nOlivier ROSSIGNOT - 2 octobre 2015


En vidéo, le lien entre les héroïnes d'Andrea Arnold et leur environnement - TROISCOULEURS\nLes personnages féminins qu’Andrea Arnold met en scène font parfois face à un certain isolement. À quoi le voit-on ? Entre autres dans le rapport entre ces personnages et les paysages qui les entourent. C’est ce sur quoi s’appuie cette vidéo, créée par Jessica McGoff et publiée par Fandor. Ainsi, dans Red Road (2006), Katie, opératrice pour une société de vidéosurveillance, est socialement écartée, alors même qu’elle vit dans un cadre citadin. Étrangère à ce monde peuplé de gens qu’elle observe à longueur de journée, elle tombe dans un voyeurisme presque addictif. Dans Fish Tank (2009), c’est de Mia dont il s’agit, une ado de 15 ans perturbée par l’arrivée d’un nouveau beau-père. Ici, la réalisatrice implante un décor plutôt industriel et use de stratégies visuelles pour faire sentir qu’elle se sent enfermée.


Prix d'un saut en parachute en bord de mer - Vendée Evsaion Parachutisme\nTARIFS DES SAUTS EN PARACHUTE ET DE LEURS SOUVENIRS\nPrix des sauts en parachute et des souvenirs\nTandem à 4000m 🪂\nMontée en avion de 15 minutes\nChute libre de 50 secondes\nDescente sous voile de 5 minutes\nAtterrissage devant vos proches\nTandem HALO à 7700m 🚀\nBriefing tandem + oxygène\nÉquipement tandem + oxygène\nMontée en avion de 40 minutes\nChute libre de 2 minutes\nPlus d'infos ici / Réservation là\nLes souvenirs sont envoyés par e-mail via un lien de téléchargement WeTransfer. ⚠ Pensez à les réserver à l'avance pour être sûr de les avoir, surtout pour l'expérience VIP car celle-ci mobilise un moniteur supplémentaire.\nFilm immortalisant votre expérience chez Vendée Évasion. Du briefing à l'atterrissage en passant évidemment par la sortie de l'avion, et le pilotage sous voile.\nVidéo + Photos 🎬📸\nEn plus de la vidéo, repartez avec les photos de votre saut en parachute.\nL'expérience VIP c'est un vidéoman qui vous suit pendant tout votre saut pour vous offrir un point de vue extérieur panoramique en plus du point de vue de la perche du moniteur. Places limitées, pensez à réserver à l'avance !\nPériodes & Calendrier\nVotre expérience sera toujours la même mais le prix du saut peut varier en fonction de la période à laquelle vous choisissez de sauter. La période rouge correspond aux fortes aflluences et la période vertes aux moments plus calmes. Pour rendre le saut en parachute accessible, nous avons également créé un tarif bleu à 240€ réservable uniquement en direct avec nos supers assistantes commerciales et accessible uniquement sur nos créneaux les moins remplis (rendez-vous à 8h les samedi et dimanche hors juillet/août).\nSous réserve de paiment du complément, vous pourrez choisir de sauter sur une autre période.\nPériode bleue 240€\nCommande uniquement par mail, téléphone ou sur place. C'est le premier prix mais promis nous n'avons pas enlevé le moniteur ! 🤣 La seule différence c'est que le rdv est à 8h les samedi et dimanche matin hors juillet et août. Offre non cumulable avec une promotion ou tarif de groupe.\nSi vous avez un billet période bleue et que vous voulez sauter en période verte, un complément de 40€ vous sera demandé. Si vous voulez sauter en période rouge, un complément de 70€ vous sera demandé.\nPériode verte 280€\nBillet valable uniquement sur la période verte ou bleue. Si vous avez un billet période verte et que vous voulez sauter en période rouge, un complément de 30€ vous sera demandé.\nPériode rouge 310€\nBillet valable sur tous nos jours d'ouverture, vous avez le choix ! 😀\nJe commande mon saut !\nPour ceux qui souhaitent avoir la possibilité de se faire rembourser à tout moment, nous avons créé l'option remboursement. Celle-ci est vivement conseillée lorsque vous habitez loin des Sables d'Olonne et/ou que vous n'avez qu'une seule date de saut possible.\nCette option vous coutera 30€ au moment de la réservation, et 30€ supplémentaires de frais de dossier si vous faites la demande de remboursement.\nLa réduction de groupe peut s'appliquer à partir de 4 sauts ou 4 souvenirs achetés en même temps sur la même commande.\n-15€ pour chaque saut\n-20€ pour chaque souvenir\nNous sommes très fièrs de vous présenter une nouvelle manière de financer vos sauts en parachute : une cagnotte en ligne directement sur notre site !\nPlus d'excuse, il est temps de sauter le pas ! Financez un cadeau à plusieurs et faites de nouveaux heureux ! Vous voulez un saut pour votre anniversaire ou juste pour le plaisir ? Ouvrez votre propre cagnotte et partagez la à votre entourage !\nJ'ouvre une cagnotte !


Valeur nette d’Ina Garten | Richesse des célébrités – Richesss.com\nValeur nette d’Ina Garten | Richesse des célébrités\nValeur nette d’Ina Garten: Ina Garten est une personnalité et auteure de la télévision américaine qui a une Fortune de 60 millions de dollars. Elle est surtout connue pour être l’hôte de la franchise Barefoot Contessa, lauréate d’un Emmy Award. Garten est également un ancien analyste de la politique nucléaire de la Maison Blanche.\nJeunesse: Ina Rosenberg est née le 2 février 1948 à Brooklyn, New York. Élevé à Stamford, Connecticut, Ina était l’un des deux enfants nés du chirurgien Charles H. Rosenberg et de la diététiste Florence. Elle a été encouragée très tôt à exceller à l’école et a montré une forte aptitude pour la science, pour laquelle elle dit qu’elle utilise encore tout en expérimentant des recettes. Elle a rencontré son futur mari Jeffrey Garten à seulement 15 ans lors d’un voyage pour rendre visite à son frère au Dartmouth College. Elle prévoyait de fréquenter l’Université de Syracuse après avoir obtenu son diplôme d’études secondaires, mais a plutôt reporté ses études pour épouser Jeffrey en 1968.\nDébut de carrière: Le couple a rapidement déménagé à Fort Bragg, en Caroline du Nord, où Ina a commencé à se lancer dans la cuisine et les divertissements afin d’occuper son temps pendant que Jeffrey a effectué une tournée militaire de quatre ans pendant la guerre du Vietnam. Pendant ce temps, Ina a obtenu son brevet de pilote. Après la fin du temps de Jeffrey dans l’armée, le couple est parti en vacances en camping de quatre mois en France, ce qui a suscité son amour pour la cuisine française, les marchés en plein air et les stands de produits. À leur retour aux États-Unis, ils ont déménagé à Washington DC en 1972, où les dîners sont devenus une tradition hebdomadaire. Pendant ce temps, Garten a travaillé à la Maison Blanche tout en obtenant un MBA à l’Université George Washington. Initialement employée comme assistante du gouvernement, elle a gravi les échelons jusqu’au poste d’analyste budgétaire, ce qui impliquait la rédaction du budget de l’énergie nucléaire et des documents de politique pour les présidents Gerald Ford et Jimmy Carter. Pendant ce temps, Garten a commencé à retourner les maisons pour le profit, et les ventes lui ont donné les moyens de faire son premier gros achat, le magasin spécialisé Barefoot Contessa.\nMagasin Barefoot Contessa: Lorsqu’elle est tombée sur une annonce dans le New York Times pour un magasin d’alimentation spécialisé à vendre dans les Hamptons, elle a décidé d’enquêter. Elle a conduit avec son mari Jeffrey à Long Island pour voir le magasin et en est tombée amoureuse. Garten n’avait aucune expérience dans le secteur de l’alimentation, mais savait que c’était exactement ce qu’elle voulait faire. Elle a fait une offre au propriétaire et le propriétaire a appelé le lendemain et a accepté l’offre de Garten. Elle a quitté son emploi au gouvernement en 1978 et le couple a déménagé à New York après avoir acheté le magasin de 400 pieds carrés.\nLe magasin avait été nommé par son propriétaire d’origine en hommage au film de 1954 mettant en vedette Ava Gardner. Garten a gardé le nom lorsqu’elle a pris la relève et a déclaré que cela cadrait bien avec son idée d’un «style de vie élégant mais terreux». En moins d’un an, Garten a déplacé le Barefoot Contessa de l’autre côté de la rue Main dans une propriété plus grande, qu’il a rapidement dépassée. Ils ont déménagé à nouveau en 1985 dans le village prospère de Long Island, à East Hampton. Le magasin s’est agrandi de plus de sept fois sa taille d’origine et s’est spécialisé dans les spécialités locales telles que la salade de homard Cobb et les fromages fabriqués localement et les produits cultivés localement. Garten a fait une grande partie de la cuisine elle-même, mais a également employé des chefs et des boulangers locaux à mesure que l’entreprise se développait. Elle a recueilli les éloges de la clientèle de célébrités comme Steven Speilberg et Lauren Bacall.\nEn 1996, elle vend le magasin à deux employés, Amy Forst et Parker Hodges, qui perpétuent les traditions que Garten a inculquées. En 2004, le magasin a fermé définitivement en raison de l’échec de la négociation du bail.\nLivres de cuisine et émission de télévision: Garten s’était construit un bureau au-dessus du magasin Barefoot Contessa et s’était essayée à l’écriture d’un livre de cuisine. Le livre de cuisine Barefoot Contessa s’est avéré être la chose la plus excitante qu’elle ait jamais faite professionnellement et la réponse des lecteurs a été écrasante. En 2001, elle a publié son deuxième livre, Barefoot Contessa Parties.\nEn 2002, Barefoot Contessa Family Style a été libéré, et elle a été approchée par Foot Network avec une offre d’animer sa propre émission de cuisine. Elle a rejeté leur proposition à plusieurs reprises jusqu’à ce que la société de production basée à Londres responsable de Nigella Bites soit affectée à l’accord. Elle a accepté une saison de 13 spectacles et « Barefoot Contessa » a été créée en 2002 avec un succès élogieux. Le spectacle a fonctionné depuis. Il met souvent en vedette son mari et leurs amis et parfois des célébrités. L’émission compte environ un million de téléspectateurs par épisode et a affiché certaines des plus hautes cotes d’écoute du Food Network. Le spectacle a été nominé pour les Daytime Emmy Awards et Garten a remporté son premier Emmy en 2009 pour la meilleure animatrice culinaire.\nEn 2004, elle a publié Barefoot in Paris, sur sa cuisine française simple préférée et son cinquième livre de cuisine Barefoot Contessa at Home, a été publié en 2006. En 2008, elle a publié son sixième livre de cuisine, Barefoot Contessa Back to Basics et a commencé son nouveau spectacle de la même nom sur Food Network. En 2010, elle a publié son septième livre, How Easy is That? et en 2012 a publié son huitième livre, Foolproof. Son prochain livre s’appelait Make It Ahead. En 2013, elle a présenté sa nouvelle gamme de dîners Barefoot Contessa, disponibles dans les épiceries du pays. Les dîners sont basés sur les recettes les plus populaires de Garten et permettent aux gens de préparer un délicieux dîner en seulement 10 minutes. Ina Garten a publié 11 livres de cuisine à succès au cours de sa carrière.\nAutres entreprises: En 2006, Ina a lancé sa propre ligne, Barefoot Contessa Pantry avec son partenaire commercial Frank Newbold et en collaboration avec Stonewall Kitchen. La gamme contient des mélanges à gâteaux emballés, des sauces, des conserves, des marinades et plus encore. Les plats préparés sont basés sur ses recettes populaires à partir de zéro. Le seul est relativement cher et n’est vendu que dans des ustensiles de cuisine haut de gamme et des boutiques gastronomiques telles que Crate & Barrel, Sur La Table et Fox & Obel Market Cafe.\nVie personnelle et immobilier: Le mari d’Ina, Jeffrey, a été le doyen de la Yale School of Management de 1995 à 2005. Il est fréquemment vu dans son émission de cuisine, assistant à des tâches ou dégustant des plats qu’elle a créés. La famille partage son temps entre Manhattan, East Hampton et Paris. Elle a payé 4,6 millions de dollars pour leur appartement dans l’Upper East Side de New York en 2016. Sa maison à East Hampton, située sur un terrain de près de 40 000 pieds carrés, vaut au moins 10 millions de dollars.\nGarten est un démocrate enregistré et a contribué aux fonds de la campagne présidentielle de Bill Clinton, John Kerry, George HW Bush et Barack Obama. Elle a été l’hôtesse de la 16e prestation annuelle Hudson Peconic pour Planned Parenthood. Garten siège au Design Review Board d’East Hampton, un groupe qui cherche à projeter le quartier historique en supervisant les autorisations de construction et en approuvant divers éléments d’architecture et de conception du village.


Politique de confidentialité - Axidoc\nPrestations et Services : Axidoc met à disposition des Clients :\nInformations clients : Ci après dénommé « Information (s) » qui correspondent à l’ensemble des données personnelles susceptibles d’être détenues par Axidoc pour la gestion de votre compte, de la gestion de la relation client et à des fins d’analyses et de statistiques.\nL’utilisation du site Axidoc implique l’acceptation pleine et entière des conditions générales d’utilisation ci-après décrites. Ces conditions d’utilisation sont susceptibles d’être modifiées ou complétées à tout moment, les utilisateurs du site Axidoc sont donc invités à les consulter de manière régulière.\nCe site internet est normalement accessible à tout moment aux utilisateurs. Une interruption pour raison de maintenance technique peut être toutefois décidée par Axidoc, qui s’efforcera alors de communiquer préalablement aux utilisateurs les dates et heures de l’intervention.\nLe site web Axidoc est mis à jour régulièrement par Axidoc responsable. De la même façon, les mentions légales peuvent être modifiées à tout moment : elles s’imposent néanmoins à l’utilisateur qui est invité à s’y référer le plus souvent possible afin d’en prendre connaissance.\nLe site internet Axidoc a pour objet de fournir une information concernant l’ensemble des activités de la société.\nAxidoc s’efforce de fournir sur le site Axidoc des informations aussi précises que possible. Toutefois, il ne pourra être tenu responsable des oublis, des inexactitudes et des carences dans la mise à jour, qu’elles soient de son fait ou du fait des tiers partenaires qui lui fournissent ces informations.\nToutes les informations indiquées sur le site Axidoc sont données à titre indicatif, et sont susceptibles d’évoluer. Par ailleurs, les renseignements figurant sur le site Axidoc ne sont pas exhaustifs. Ils sont donnés sous réserve de modifications ayant été apportées depuis leur mise en ligne.\nLe site Axidoc est hébergé chez un prestataire sur le territoire de l’Union Européenne conformément aux dispositions du Règlement Général sur la Protection des Données (RGPD : n° 2016-679)\nAxidoc et l’hébergeur ne pourront être tenus responsables en cas de dysfonctionnement du réseau Internet, des lignes téléphoniques ou du matériel informatique et de téléphonie lié notamment à l’encombrement du réseau empêchant l’accès au serveur.\nAxidoc est propriétaire des droits de propriété intellectuelle et détient les droits d’usage sur tous les éléments accessibles sur le site internet, notamment les textes, images, graphismes, logos, vidéos, icônes et sons.\nToute reproduction, représentation, modification, publication, adaptation de tout ou partie des éléments du site, quel que soit le moyen ou le procédé utilisé, est interdite, sauf autorisation écrite préalable de : Astrid Faure.\nAxidoc agit en tant qu’éditeur du site. Axidoc est responsable de la qualité et de la véracité du Contenu qu’il publie.\nAxidoc ne pourra être tenu responsable des dommages directs et indirects causés au matériel de l’utilisateur, lors de l’accès au site internet Axidoc, et résultant soit de l’utilisation d’un matériel ne répondant pas aux spécifications indiquées au point 4, soit de l’apparition d’un bug ou d’une incompatibilité.\nAxidoc ne pourra également être tenu responsable des dommages indirects (tels par exemple qu’une perte de marché ou perte d’une chance) consécutifs à l’utilisation du site Axidoc.\nDes espaces interactifs (possibilité de poser des questions dans l’espace contact) sont à la disposition des utilisateurs. Axidoc se réserve le droit de supprimer, sans mise en demeure préalable, tout contenu déposé dans cet espace qui contreviendrait à la législation applicable en France, en particulier aux dispositions relatives à la protection des données. Le cas échéant, Axidoc se réserve également la possibilité de mettre en cause la responsabilité civile et/ou pénale de l’utilisateur, notamment en cas de message à caractère raciste, injurieux, diffamant, ou pornographique, quel que soit le support utilisé (texte, photographie …).\nPour les Données Personnelles collectées dans le cadre de la création du compte personnel de l’Utilisateur et de sa navigation sur le Site, le responsable du traitement des Données Personnelles est : Astrid Faure. Axidoc est représenté par Astrid Faure, son représentant légal.\nEn tant que responsable du traitement des données qu’il collecte, Axidoc s’engage à respecter le cadre des dispositions légales en vigueur. Il lui appartient notamment au Client d’établir les finalités de ses traitements de données, de fournir à ses prospects et clients, à partir de la collecte de leurs consentements, une information complète sur le traitement de leurs données personnelles et de maintenir un registre des traitements conforme à la réalité.\nChaque fois que Axidoc traite des Données Personnelles, Axidoc prend toutes les mesures raisonnables pour s’assurer de l’exactitude et de la pertinence des Données Personnelles au regard des finalités pour lesquelles Axidoc les traite.\nAxidoc est susceptible de traiter tout ou partie des données :\npour mener des enquêtes de satisfaction facultatives sur Axidoc : adresse email\nAxidoc ne commercialise pas vos données personnelles qui sont donc uniquement utilisées par nécessité ou à des fins statistiques et d’analyses.\nConformément à la réglementation européenne en vigueur, les Utilisateurs de Axidoc disposent des droits suivants :\ndroit de définir le sort des données des Utilisateurs après leur mort et de choisir à qui Axidoc devra communiquer (ou non) ses données à un tiers qu’ils aura préalablement désigné\nDès que Axidoc a connaissance du décès d’un Utilisateur et à défaut d’instructions de sa part, Axidoc s’engage à détruire ses données, sauf si leur conservation s’avère nécessaire à des fins probatoires ou pour répondre à une obligation légale.\nSi l’Utilisateur souhaite savoir comment Axidoc utilise ses Données Personnelles, demander à les rectifier ou s’oppose à leur traitement, l’Utilisateur peut contacter Axidoc par mail ou courrier postal à l’adresse :\nAstrid Faure – 12 Rue des Cosmonautes 31000 Toulouse\nDans ce cas, l’Utilisateur doit indiquer les Données Personnelles qu’il souhaiterait que Axidoc corrige, mette à jour ou supprime, en s’identifiant précisément avec une copie d’une pièce d’identité (carte d’identité ou passeport).\nLes demandes de suppression de Données Personnelles seront soumises aux obligations qui sont imposées à Axidoc par la loi, notamment en matière de conservation ou d’archivage des documents. Enfin, les Utilisateurs de Axidoc peuvent déposer une réclamation auprès des autorités de contrôle, et notamment de la CNIL (https://www.cnil.fr/fr/plaintes).\nAxidoc s’interdit de traiter, héberger ou transférer les Informations collectées sur ses Clients vers un pays situé en dehors de l’Union européenne ou reconnu comme « non adéquat » par la Commission européenne sans en informer préalablement le client. Pour autant, Axidoc reste libre du choix de ses sous-traitants techniques et commerciaux à la condition qu’il présentent les garanties suffisantes au regard des exigences du Règlement Général sur la Protection des Données (RGPD : n° 2016-679).\nAxidoc s’engage à prendre toutes les précautions nécessaires afin de préserver la sécurité des Informations et notamment qu’elles ne soient pas communiquées à des personnes non autorisées. Cependant, si un incident impactant l’intégrité ou la confidentialité des Informations du Client est portée à la connaissance de Axidoc, celle-ci devra dans les meilleurs délais informer le Client et lui communiquer les mesures de corrections prises. Par ailleurs Axidoc ne collecte aucune « données sensibles ».\nLes Données Personnelles de l’Utilisateur peuvent être traitées par des filiales de Axidoc et des sous-traitants (prestataires de services), exclusivement afin de réaliser les finalités de la présente politique.\nDans la limite de leurs attributions respectives et pour les finalités rappelées ci-dessus, les principales personnes susceptibles d’avoir accès aux données des Utilisateurs de Axidoc sont principalement les agents de notre service client.\nAucune information personnelle de l’utilisateur du site Axidoc n’est publiée à l’insu de l’utilisateur, échangée, transférée, cédée ou vendue sur un support quelconque à des tiers. Seule l’hypothèse du rachat de Axidoc et de ses droits permettrait la transmission des dites informations à l’éventuel acquéreur qui serait à son tour tenu de la même obligation de conservation et de modification des données vis à vis de l’utilisateur du site Axidoc.\nPour assurer la sécurité et la confidentialité des Données Personnelles et des Données Personnelles de Santé, Axidoc utilise des réseaux protégés par des dispositifs standards tels que par pare-feu, la pseudonymisation, l’encryption et mot de passe.\nLors du traitement des Données Personnelles, Axidocprend toutes les mesures raisonnables visant à les protéger contre toute perte, utilisation détournée, accès non autorisé, divulgation, altération ou destruction.\n9. Liens hypertextes, cookies et balises (tags)\nLe site Axidoc contient un certain nombre de liens hypertextes vers d’autres sites, mis en place avec l’autorisation de Axidoc. Cependant, Axidoc n’a pas la possibilité de vérifier le contenu des sites ainsi visités, et n’assumera en conséquence aucune responsabilité de ce fait.\nAxidoc est susceptible de traiter les informations de l’Utilisateur concernant sa visite du Site, telles que les pages consultées, les recherches effectuées. Ces informations permettent à Axidoc d’améliorer le contenu du Site, de la navigation de l’Utilisateur.\nLes Cookies facilitant la navigation et/ou la fourniture des services proposés par le Site, l’Utilisateur peut configurer son navigateur pour qu’il lui permette de décider s’il souhaite ou non les accepter de manière à ce que des Cookies soient enregistrés dans le terminal ou, au contraire, qu’ils soient rejetés, soit systématiquement, soit selon leur émetteur. L’Utilisateur peut également configurer son logiciel de navigation de manière à ce que l’acceptation ou le refus des Cookies lui soient proposés ponctuellement, avant qu’un Cookie soit susceptible d’être enregistré dans son terminal. Axidoc informe l’Utilisateur que, dans ce cas, il se peut que les fonctionnalités de son logiciel de navigation ne soient pas toutes disponibles.\nSi l’Utilisateur refuse l’enregistrement de Cookies dans son terminal ou son navigateur, ou si l’Utilisateur supprime ceux qui y sont enregistrés, l’Utilisateur est informé que sa navigation et son expérience sur le Site peuvent être limitées. Cela pourrait également être le cas lorsque Axidoc ou l’un de ses prestataires ne peut pas reconnaître, à des fins de compatibilité technique, le type de navigateur utilisé par le terminal, les paramètres de langue et d’affichage ou le pays depuis lequel le terminal semble connecté à Internet.\nLe cas échéant, Axidoc décline toute responsabilité pour les conséquences liées au fonctionnement dégradé du Site et des services éventuellement proposés par Axidoc, résultant (i) du refus de Cookies par l’Utilisateur (ii) de l’impossibilité pour Axidoc d’enregistrer ou de consulter les Cookies nécessaires à leur fonctionnement du fait du choix de l’Utilisateur. Pour la gestion des Cookies et des choix de l’Utilisateur, la configuration de chaque navigateur est différente. Elle est décrite dans le menu d’aide du navigateur, qui permettra de savoir de quelle manière l’Utilisateur peut modifier ses souhaits en matière de Cookies.\nÀ tout moment, l’Utilisateur peut faire le choix d’exprimer et de modifier ses souhaits en matière de Cookies. Axidoc pourra en outre faire appel aux services de prestataires externes pour l’aider à recueillir et traiter les informations décrites dans cette section.\nEnfin, en cliquant sur les icônes dédiées aux réseaux sociaux Twitter, Facebook, Linkedin et Google Plus figurant sur le Site de Axidoc ou dans son application mobile et si l’Utilisateur a accepté le dépôt de cookies en poursuivant sa navigation sur le Site Internet ou l’application mobile de Axidoc, Twitter, Facebook, Linkedin et Google Plus peuvent également déposer des cookies sur vos terminaux (ordinateur, tablette, téléphone portable).\nCes types de cookies ne sont déposés sur vos terminaux qu’à condition que vous y consentiez, en continuant votre navigation sur le Site Internet ou l’application mobile de Axidoc. À tout moment, l’Utilisateur peut néanmoins revenir sur son consentement à ce que Axidoc dépose ce type de cookies.\n9.2. Balises (tags)\nAxidoc peut employer occasionnellement des balises Internet (également appelées « tags », ou balises d’action, GIF à un pixel, GIF transparents, GIF invisibles et GIF un à un) et les déployer par l’intermédiaire d’un partenaire spécialiste d’analyses Web susceptible de se trouver (et donc de stocker les informations correspondantes, y compris l’adresse IP de l’Utilisateur) dans un pays étranger.\nCette technologie permet à Axidoc d’évaluer les réponses des visiteurs face au Site et l’efficacité de ses actions (par exemple, le nombre de fois où une page est ouverte et les informations consultées), ainsi que l’utilisation de ce Site par l’Utilisateur.\nLe prestataire externe pourra éventuellement recueillir des informations sur les visiteurs du Site et d’autres sites Internet grâce à ces balises, constituer des rapports sur l’activité du Site à l’attention de Axidoc, et fournir d’autres services relatifs à l’utilisation de celui-ci et d’Internet.\nTout litige en relation avec l’utilisation du site Axidoc est soumis au droit français.


Interview - Loïc Guilloux : « L'IPD est le seul vecteur permettant de prendre une position short sur l'immobilier »\nLoïc Guilloux : « L’IPD est le seul vecteur permettant de prendre une position short sur l’immobilier »\nSwaps et dérivés sur immobilier, quelles sont les perspectives de ce nouveau Marché ? Managing Director chez Merrill Lynch, en charge de l’activité Fixed Income, Currencies & Commodities en France, Loïc Guilloux nous répond...\nAxa Reim et Merrill Lynch ont annoncé avoir réalisé il y a deux mois le 1er swap sur l’IPD (Investment Property Databank), indice de référence de l’immobilier de bureaux français. Quel est l’avantage de ce type de produits par rapport à un investissement classique dans un fonds sur immobilier ?\nL’IPD est un indice représentatif du portefeuille immobilier des institutionnels, transparent et calculé par une société indépendante. Les dérivés sur cet indice offrent une réelle liquidité par rapport aux coûts de frottements (frais de transaction, imposition...) de l’immobilier physique et même par rapport aux fonds investis dans l’immobilier. En outre il est le seul vecteur permettant de prendre une position « short » sur l’immobilier ou de « hedger » un portefeuille existant ou tout simplement d’y apporter de la diversification géographique ou sectorielle...\nUn peu plus de trois milliards de livre sterling ont déjà été traités en Grande-Bretagne sur ce segment depuis le démarrage de cette activité en 2005 mais peut-on parler de marché liquide ?\nEn fait selon les derniers chiffres de l’IPD, il y aurait eu plus de quatre milliards cinq cents millions de livre sterling traités dont trois milliards pour la seule année 2006. Et si la liquidité doit être mesurée à travers le bid/ask, alors « oui » le marché peut être qualifié de liquide avec un spread de quarante points de base (40 bps) sur les segments les plus actifs (Les ALL PROPERTY UK de DEC07 à DEC10)\nLa vision de l’inflation par les banques centrales dépend fortement du niveau de l’indice des prix immobiliers, n’y a-t-il pas finalement une forte corrélation entre ce marché dérivé immobilier et le marché de l’inflation ? Ne risquent-ils pas d’être concurrents à terme ?\nSi une corrélation existait entre l’immobilier et l’inflation, elle reste à démontrer. Cet indice IPD représente non seulement les revenus locatifs mais aussi les variations de prix : c’est un indice « Total Return » et sa corrélation avec l’inflation, heureusement pour celle-çi, a été très faible ces dernières années. Egalement, en terme de niveau, le ALL PROPERTY France a offert un rendement annualisé de plus de 10 % sur les 8 dernières années quand l’inflation était loin d’approcher les 2% sur la même période...\nQuelle palette de produits proposez vous sur les dérivés immobiliers ?\nLes total return swaps constituent le 1er vecteur sur ce marché mais nous avons déjà traité des Euro Medium Term Notes (EMTN) et nous sommes également en mesure de montrer des prix sur des options.\nQuels sont les principaux « end-users » intéressés par ces produits ?\nNous avons surtout traité avec des institutionnels et des Hedge Funds mais le Marché se développant, tous les acteurs s’exposeront au risque immobilier ou se couvriront. Et cela plutôt tôt que tard...


Solar Opposites Season 2 Date de sortie, distribution et autres nouvelles – L'Observateur de Troyes\nby admin 12 juin 2020, 4 h 31 min\nSolar Opposites Season 2 Date de sortie\nHulu n’a pas encore annoncé de date de sortie pour Opposés solaires saison 2. La bonne nouvelle est que depuis que Roiland et l’équipe de production savaient qu’ils avaient une commande pour la saison 2, ils ont peut-être été préparés pour passer directement à la saison 2 après la fin de la saison 1. Et selon le producteur exécutif Josh Bycel, une grande partie de la saison 2 a en effet déjà été écrite. La mauvaise nouvelle est… dites-le avec moi: coronavirus.\nle Opposés solaires L’équipe a pu terminer la production de la saison 1 à distance pendant les premiers stades de la pandémie de coronavirus. Il semble probable que des fermetures à l’échelle nationale pourraient entraver le processus cette fois-ci. Attendre Opposés solaires la date de sortie de la saison 2 se prolongera au moins de la mi-fin à 2021.\nComme il le fait dans Rick et Morty, Roiland exprime l’un des personnages centraux de la série. Cette fois, il joue ce qui se rapproche le plus d’un homme hétéro à Korvo. Thomas Middleditch incarne Terry, le partenaire de la mission (et de la vie?) De Korvo. Sean Giambrone et Mary Mack jouent les réplicants Yumyulack et Jesse.\nLa saison 1 a trouvé de la place pour un certain nombre d’acteurs de la voix invités grâce à une intrigue récurrente de Yumyulack rétrécissant des êtres humains et les emprisonnant derrière le mur de sa chambre. Andrew Daly, Alfred Molina et Christina Hendricks ont tous joué un rôle humain dans ce contexte. Tiffany Haddish et Jason Mantzoukas ont contribué à l’aspect étranger des choses.


Sujet: les perles du bac 2012 Mer 27 Juin - 16:44\nvoici certaines réponses des candidats au bac 2012\nEn pleine guerre froide, McCarthy avait même un plan pour filtrer internet et débusquer les communistes.\nQuand on a vu la guerre froide cette année, on a pas vu l'Europe : c'est dire que si sa participation a été anecdotique.\nEn conclusion, on peut dire que, si on est encore là après le 21 Décembre 2012, une VIè république verra le jour.\nCertaines colonies se sont terminées par une longue lutte, comme l'indochine ( 1496-1954 )\nSujet: Re: les perles du bac 2012 Jeu 28 Juin - 9:29\nallez on continue avec des perles du Bac et du brevet\nLa ceinture d'astéroïde se situe entre Mars et Twix.\nEn 1948, en observant sa carte, Staline se rendit compte qu'il y avait\nencore un petit village d'irréductibles occidentaux qui lui résistaient\nencore et toujours : c'était Berlin-Ouest !\n.. en même temps, si vous comptez sur moi pour vous répondre, vu ma moyenne, c'est mal barré...


Mutation chez la souris et réchauffement climatique | Sauvain Désinfection\nMutation chez la souris et réchauffement climatique\n(ats) "Les hivers plus doux sont à l'origine de modifications morphologiques survenues au cours des cinquante dernières années chez deux espèces de souris du sud du Québec, exemple typique des conséquences du changement climatique sur les petits mammifères", écrit dans cette étude la biologiste Virginie Millien.\nLa recherche a porté pendant dix ans sur deux espèces communes à l'est de l'Amérique du Nord, la souris sylvestre et la souris à pattes blanches. Avec des hivers moins rigoureux en moyenne, la souris à pattes blanches a migré plus au nord "au rythme d'environ 11 kilomètres par an", selon l'étude de McGill.\nL'étude montre aussi un recul des molaires sur la mâchoire qui "pourrait être attribuable à des modifications dans les habitudes alimentaires causées par le réchauffement climatique ainsi que par la concurrence à laquelle se livrent les deux espèces de souris pour se nourrir".\nCes transformations physiques "sont considérables", insiste Virginie Millien, car "nous parlons ici d'os et de dents, des structures solides difficilement malléables".


TOKYO (Reuters) - La Bourse de Tokyo a fini en baisse de 0,31% mardi, sous le coup du recul du titre constructeur de robots industriels Fanuc, poids lourd de la cote, dans un marché qui manque par ailleurs de direction en attendant une série d’évènements majeurs.\nL’indice Nikkei a perdu 35,53 points à 11.372,34 points. En revanche, le Topix, plus large, a pris 0,92 point (+0,10%) à 963,61 points.\nLes investisseurs attendent la nomination du futur président de la banque centrale du Japon, qui devrait intervenir après le déplacement du Premier ministre Shinzo Abe aux Etats-Unis de jeudi à dimanche, selon le ministre de l’Economie Akira Amari.\n“Avant la visite du Premier ministre Shinzo Abe aux Etats-Unis et les élections en Italie ce week-end, de nombreux investisseurs devraient adopter une position d’attentisme”, estime Hiroichi Nishi, chez SMBC Nikko Securities.\nEn attendant, le yen est reparti à la hausse mardi, plusieurs ministres japonais ayant minimisé les spéculations autour de rachats d’obligations étrangères par la Banque du Japon, au lendemain d’une déclaration de Shinzo Abe disant que cela pourrait être une option d’assouplissement monétaire.\nPénalisé par l’annonce d’une chute des commandes de machines-outils en provenance de Chine, l’action Fanuc a cédé 4,09%.\nBridgeStone s’est adjugé 10,37% après l’annonce d’une hausse de 50% de son résultat opérationnel en 2012.


Politique Bygmalion travaillait aussi pour le couple Balkany\nPOLITIQUE C'est une information du site d'informations Le Lab...\nPublié le 24/06/14 à 11h48 — Mis à jour le 24/06/14 à 11h56\n«Pourquoi communiquer sur le Web? Parce que c’est simple d’utilisation/C’est la plupart du temps gratuit/Il n’y a pas de contraintes «matérielles»/Cela permet de toucher un maximum de personnes».\nC’est avec ce genre d’analyses pour le moins simplistes que l’agence Bygmalion, célèbre pour être au cœur de l’affaire éponyme, a été le conseil en communication de la ville de Levallois-Perret… Autrement dit, du couple Balkany, dont le mari, Patrick, est le maire et dont la femme, Isabelle, est la première adjointe.\nPendant deux ans, Bygmalion a «accompagné la ville de Levallois-Perret dans sa stratégie de communication» et ce, pour «un peu moins de 200.000 euros», révèle Le Lab, qui publie plusieurs documents. Parmi eux, un tutoriel d’une soixantaine de pages, rédigé par Bygmalion, censé présenter le programme numérique de la ville.\nUn marché derrière le marché?\nMais pour Le Lab, il s’agit surtout d’un «livrable imprécis et terriblement général qui aurait pu être envoyé à n’importe quelle autre collectivité locale». Le média s’est également procuré le document qu’avait dégainé Bygmalion à l’époque du MAPA (Marché à procédure adapté), l’équivalent d’un appel d’offres. «Et, là aussi, c’est désespérément général et inadapté à la ville de Levallois», insiste Le Lab.\nC’est pourtant ce document qui a séduit le service communication de Levallois-Perret, dont Isabelle Balkany est la responsable. Les services de Bygmalion ont beau se révéler plus chers que ceux de ses concurrents et moins éco-compatibles, l’agence remporte le marché.\n«Des connaisseurs du dossier joints par Le Lab soupçonnent Patrick Balkany d’avoir très largement payé Bygmalion pour des prestations très légères lors de sa mandature, en échange d’un coup de pouce non facturé lors des campagnes législatives de 2012 et municipales de 2014», conclut Le Lab.\nFraude fiscale: Isabelle Balkany reconnaît être propriétaire d'un bien…