Rarement un film m’aura autant énervé. Rassurez-vous, sa qualité n’est pas mise en cause ici, en témoigne sa place dans ce Top. Le film parle de Lucas, un professeur d’école maternelle, se retrouvant accusé à tort de pédophilie. Thomas Vinterberg vient s’intéresser ici aux conséquences de cette accusation au sein du milieu social dans lequel évolue Lucas. Comment son entourage, ses voisins, ses collègues, ou les autres habitants vont réagir, et surtout comment Lucas va gérer cette tempête dirigée injustement contre lui. Mads Mikkelsen, récompensé du Prix d’interprétation à Cannes, tient ici un de ses meilleurs rôles, dans ce portrait d’un homme brisé, acculé, tentant de garder sa dignité, pendant que sa vie semble s’écrouler. La séquence à l’église est une des plus saisissantes de sa carrière. La Chasse est tableau sombre d’une société faisant sa propre justice, face au désespoir d’un homme demandant juste l’ouverture d’esprit et l'écoute de ses pairs. Un film qui a d’autant plus de résonance de nos jours avec le mouvement "Me Too", démontrant que si la libération de la parole est indéniablement positive et libératrice, certaines déviances appellent à la prudence.\nAdapté du livre du même nom, Ready Player One est un film ayant énormément divisé à sa sortie. Pour ma part, en témoigne de sa place dans ce Top, c’est un des blockbusters les plus aboutis et intéressants de la décennie. La présence de Steven Spielberg derrière la caméra n’y est clairement pas pour rien. Le cinéaste propose des séquences d’action ébouriffantes, à l’image de cette course-poursuite dantesque au début du film, ou cette grande guerre pendant le climax. Ready Player One c’est aussi une façon de s’interroger sur notre rapport à la pop-culture. La plupart des critiques négatives décriaient l’impressionnant flot de références au sein du film, alors que celles-ci font simplement parti d’un décor, qui ne nécessite pas de toutes les identifier. Bien au contraire, dès le départ de la course-poursuite lorsqu’un personnage s’enthousiasme de reconnaître la moto du film Akira, son ami lui fait comprendre que c’est sur le pilote qu’il faut porter son attention. Un moyen de dire que simplement citer des références ne suffit pas, ce qui compte c’est la façon de les utiliser, d’en parler, comment se les approprier pour créer quelque chose d’unique. Il est aussi intéressant de voir que parmi ces références, on y trouve certaines des œuvres de Spielberg, comme Jurassic Park, ce qui lui permet au passage de se questionner sur son propre héritage culturel. On retrouve dans le casting notamment le jeune Tye Sheridan (Tree of Life, Mud), mais aussi Ben Mendelsohn (Rogue One : A Star Wars Story), décidément à l’aise pour jouer les antagonistes. La post-production du film fût tellement longue du fait des nombreux effets spéciaux, que le cinéaste a tourné, et sorti quelques mois avant Pentagon Papers, un drame politique hautement maîtrisé, prouvant qu’il en a encore pas mal dans le réservoir, même à plus de 70 ans. Steven Spielberg convoque ici tout son génie de mise en scène pour proposer un film grand spectacle, tout en gardant une portée thématique intimiste, et les yeux rêveurs.\n4 ans après sa Palme d’Or pour La Vie d’Adèle, Abdellatif Kechiche revient avec Mektoub my Love, première partie donc d’un récit ensoleillé. J’y allais avec pas mal d’aprioris, mais il aura suffi de quelques minutes seulement pour m’emporter jusqu’au bout. Kechiche arrive avec sa caméra à sublimer ces corps, sous un soleil brûlant tel le désir qui les anime. Le choix de prendre pour la plupart des acteurs inexpérimentés, lui permet d'en tirer quelque chose de magnifiquement vrai, et qui s’imposeront comme de véritables révélations. Rappelant Conte d'été d'Eric Rohmer, Mektoub my Love est un délicieux moment ensoleillé, nous ramenant à des instants de notre existence, avec tous ces petits riens qui font la beauté de la vie, de la jeunesse, et des vacances d'été.\nSi vous cherchez un énième film d’action à la Fast & Furious, passez votre chemin. Drive oscille plutôt entre le film de braquage, et le mélodrame. C’est cette constante opposition entre un monde violent, et un monde de sentiments, qui parcourt le film, pouvant passer d’un baiser à un crâne fracassé en quelques secondes. C’est le déchirement de ces regards et sourires amoureux, face à la radicalité de la violence, symbole de ce magnifique amour impossible. Carey Mulligan est sublime, et Ryan Gosling extrêmement précis dans son jeu, que certains qualifieront d’inexpressif, mais c’est justement dans les rôles les plus silencieux qu’on reconnaît les bons acteurs. Son rôle est d’autant plus tragique, qu’habitué à la solitude, il tombera amoureux de sa voisine, et se prendra d’affection pour son fils, mais rattrapé par les événements, il devra faire sortir sa part d’animalité violente (le scorpion au dos de sa veste), pour les protéger. La mise en scène (primée à Cannes) de Nicolas Winding Refn fait preuve d’une maîtrise du cadrage épatante, et d’une beauté hypnotique. Le travail sonore est également d’une précision remarquable, auquel s’ajoute une superbe partition de Cliff Martinez et des morceaux typés 80’s comme Nightcall de Kavinsky, désormais indissociable de Drive.\nCette décennie a été particulièrement marquée par l’émergence de plusieurs films se déroulant dans l’espace, et l’un de ceux qui revient le plus souvent est Interstellar. Christopher Nolan tout son art de la mise en scène perfectionné dans Inception ou la Trilogie The Dark Knight, afin de proposer un grand spectacle aux confins de la galaxie. Si l’on peut sentir l’influence de Stanley Kubrick (2001 l’Odyssée de l’espace est un des films préférés de Nolan), l’objectif est tout autre ici. Si Interstellar fonctionne aussi bien, c’est parce que son propos est d’autant plus pertinent aujourd’hui. Car au-delà de cette émouvante relation père-fille, le film raconte les conséquences de cette crise environnementale, poussant la population dans ses derniers retranchements. Que faire lorsque la Terre ne sera plus habitable ? Partir rechercher d’autres planètes capables d’accueillir la vie humaine, sans aucune garantie de résultat ? Ou se résigner et accepter son sort ? C’est la quête dans laquelle se lance Cooper (incarné avec justesse par Matthew McConaughey), déchiré entre le besoin de trouver une solution pour la survie de l’humanité, et la perspective de ne jamais revoir ses enfants. Certaines séquences sont mémorables, notamment celle où Cooper tente de s’amarrer à une station orbitant à plein vitesse suite à une explosion. Un très grand moment de mise en scène et de tension (je me souviens d’avoir été complètement paralysé dans mon siège au cinéma), couplé à la musique incroyable d’Hans Zimmer, qui livre d’ailleurs une des plus belles bandes originales de la décennie. Christopher Nolan signe ici un nouveau blockbuster, mais toujours avec son regard d’auteur, permettant de lier le grand spectacle aux émotions les plus intimes.\n25. LES HUIT SALOPARDS\nProbablement un des films les plus aboutis de la carrière de Quentin Tarantino, et pourtant tellement sous-estimé. Deuxième western de suite, et pourtant une approche radicalement différente. Django Unchained était un pur western spaghetti dans lequel QT déversait toutes ses inspirations stylistiques pour offrir un spectacle explosif. Cependant, celui-ci était indéniablement un (génial) passage en zone de confort pour le cinéaste, ce qui rend son approche pour son film suivant d’autant plus intéressante. Dans Les Huit Salopards, il calme un peu son style, et opte pour une mise en scène plus précise, posée, afin de capter au maximum la tension, sans pour autant évincer la violence du récit. Tarantino prend des risques en se montrant moins démonstratif, mais se sert de son grand talent d’écriture pour tenir son film, avec des dialogues passionnants, servis par un casting cinq étoiles, permettant un crescendo de tension saisissant. A la manière de John Carpenter dans The Thing (également avec Kurt Russell), le cinéaste enferme ses personnages au sein d’un décor glacial, pour sonder l’humain, et découvrir qui de ces huit salopards n’est pas ce qu’il prétend être. Le 8ème film de Quentin Tarantino est un western aux allures de thriller, un grand jeu de dupes jouissif et violent, porté par l’excellente partition du génie Ennio Morricone, accentuant davantage la tension.\nPalme d’Or en 2014, le film du réalisateur Turc Nuri Bilge Ceylan avait pourtant de quoi rebuter : l’histoire gravite autour du gérant de l’hôtel d’un petit village d’Anatolie, et de sa relation avec ses proches, ainsi qu’avec les autres habitants. Pendant près de 3h15. Le film aurait largement pu être sans intérêt, mais c’était sans compter la présence d’un cinéaste aussi talentueux derrière la caméra et au scénario. Prenez une écriture de dialogues aussi fine et profonde que ceux des films d’Ingmar Bergman, et une mise en scène rappelant le cinéma d’Andreï Tarkovski, et vous avez Winter Sleep. Deux énormes comparaisons certes, mais pourtant pertinentes. La réalisation comporte effectivement de très belles idées tout au long du métrage, apportant également une ambiance assez chaleureuse dans cet hiver Turc, mais l’aspect le plus remarquable est l’écriture. Plus de trois heures durant, on regarde ces personnages discuter, réfléchir, s’aimer, rire, se disputer, tout ça avec une justesse absolument effarante, permettant au spectateur de constamment rester actif, et de réfléchir à ces dialogues, auscultant l’âme humaine avec une rare précision. Un des plus grands films de cette décennie et une confirmation que Ceylan est un des cinéastes les plus intéressants de notre époque.\nAprès de longues années à apprendre les arts martiaux auprès d’une nonne, Yinniang revient dans sa famille avec pour mission d’assassiner son ancien amour, nouveau gouverneur de la province de Weibo, tentant de ses soustraire aux autorités impériales. Hou Hsiao-hsien, le talentueux réalisateur de La Cité des Douleurs et Millennium Mambo, vient se frotter au genre du « Wu Xia Pian », le film d’arts martiaux chinois, avec son nouveau long-métrage The Assassin. Chaque plan sidère par sa beauté picturale, sa capacité à capter l’essence d’une demeure traditionnelle, ou d’un décor naturel somptueux. Comme par exemple sur l’image ci-dessus, dans ce plan-séquence, les personnages se retrouvent au bord d’une falaise, et le brouillard (un vrai, pas numérique) vient peu à peu envahir tout le fond du cadre, donnant une dimension mystique à cette scène, grâce à une heureuse coïncidence naturelle. Les combats sont chorégraphiés avec une grande minutie, offrant des séquences d’action à la fugacité tranchante, dont le travail sonore amplifie la sensation de vitesse et la puissance des coups portés. On est ici à l’opposé de l’excellent Tigre et Dragon et ses combats spectaculaires. Dans The Assassin, tout est affaire de sobriété. Ne pas trop en faire, contrôler ses émotions, garder une économie de mouvements et de mots, notamment dans la mise en scène (primée à Cannes), où chaque geste meurtrier pourrait faire partie d’un ballet virtuose. Ce film dégage une poésie minimaliste absolument majestueuse, où les poings et les épées s’entrechoquent, dans une atmosphère silencieuse. Un véritable morceau de cinéma hors du temps, d’une splendeur visuelle rare.\nNa Hong-jin, réalisateur de l’excellent The Chaser, continue d’explorer le thriller avec The Strangers, sorti en 2016. On va suivre une équipe de policiers, enquêtant sur une série de meurtres dans un petit village Coréen. Seulement, l’origine de ces tueries est peut-être plus mystérieuse qu’il n’y paraît. Comme dans l'mmense Memories of Murder de Bong Joon-ho, les policiers sont ici un peu empotés, ce qui crée des situations assez décalées. Ils ne sont pas stupides pour autant et suivent tous les indices possibles, même parfois au détriment de leur intégrité physique. La force de The Strangers est sa capacité à naviguer entre les genres pour brouiller les pistes, flirtant régulièrement avec le surnaturel. Les perceptions et croyances des personnages (comme celles du spectateur), sont constamment ébranlées, remises en question, pour placer sans cesse l’homme face à sa peur de l’inconnu. A court de solutions, les personnages devront parfois recourir à des méthodes peu orthodoxes, en témoigne cette longue et saisissante séquence d’exorcisme réalisée par un chaman. En résulte un étrange thriller fiévreux, dont la recherche de la vérité mène aux portes de l’enfer. A ce titre, les 20 dernières minutes sont un véritable sommet d’horreur jusqu’au-boutiste, à l’imagerie aussi audacieuse que perturbante.\nProbablement le film d’animation avec les plus beaux visuels que j’ai vu de ma vie. Mais au-delà de cette claque esthétique, un drame fantastique à travers le temps et l’espace, sur fond de chronique adolescente. Un savant mélange de tendresse et d’humour, au rythme d’une bande-originale mélancolique composée et chantée par le groupe Radwimps. Au fur et à mesure que les clés de ce récit à la construction astucieuse se dévoilent, son lyrisme se déploie doucement, pour laisser éclater sa force émotionnelle sur la dernière demi-heure. Makoto Shinkai fascine à travers cette dualité de paysages, entre un côté très moderne avec le Tokyo d’aujourd’hui, et un Japon plus traditionnel avec un petit village de montagne. Your Name est comme un rêve éveillé, d’une beauté sidérante, qu’on ne voudrait pas voir se terminer, et dont les petits détails du monde réel ne cessent de nous y ramener.\nPaul Thomas Anderson est un des cinéastes les plus importants des 20 dernières années, et près de 5 ans après son immense There Will Be Blood, il revient avec The Master, nouveau thriller psychologique s’immisçant dans la vie d’une secte. Joaquin Phoenix livre une de ses meilleures performances dans le rôle de Freddie Quell, un vétéran alcoolique et inadapté social. En face de lui on retrouve le regretté Philip Seymour Hoffman (décédé en 2014), qui lui aussi est absolument magistral dans le rôle du leader de la « Cause ». PTA y délivre toute sa science du cadrage pour nous entraîner dans le désarroi psychologique de Freddie, et son face-à-face saisissant avec le « Master ». Un jeu de domination âpre et hypnotique, parfois déstabilisant, mais indéniablement fascinant. Lion d'Argent du Meilleur Réalisateur, et Prix d'interprétation pour le duo d'acteurs à la Mostra de Venise 2012.\nNina, danseuse de ballet, aspire au premier rôle dans la prochaine représentation du Lac des Cygnes, mais doit cependant arriver à faire ressortir le cygne noir de sa personnalité, qui colle davantage au cygne blanc. Lier le corps et l’esprit, abandonner son perfectionnisme, et lâcher prise face à ses démons intérieurs, telle est la tâche de Nina, incarnée avec brio par Natalie Portman. C’est dans la psyché de cette danseuse, que Darren Aronofsky (Requiem for a Dream) nous emmène, certes sans vraiment de subtilités, pour nous proposer un immense ballet noir au sein d’un esprit tourmenté par la perfection de ses imperfections, enfermé dans cette image de jeune femme réservée. Une descente aux enfers insidieuse, née d’une ambition maladive, à la mise en scène étouffante, rendant une expérience sensorielle, viscérale, et malsaine.\nEt si Inception était le meilleur film d’espionnage de la décennie ? Après sa pièce maîtresse qu’est The Dark Knight, il était difficile de penser que Christopher Nolan puisse reproduire une telle prouesse. Et pourtant, Inception est peut-être son film le plus abouti, celui qui rassemble toutes ses obsessions et qui définit le mieux son style cinématographique. Une œuvre labyrinthique, mais dont le scénario offre une clarté impressionnante sur la gestion de son concept, avec une mise en scène ultra maîtrisée et fourmillant d’idées, oscillant entre le grand spectacle et l’intime. Des séquences d’anthologies, accompagnées par l’excellente bande-son composée par Hans Zimmer, donnant encore plus d’ampleur à ces visuels impressionnants. Ces dernières années, beaucoup se demandaient si Christopher Nolan n’allait pas réaliser un film James Bond, mais il en a déjà fait un, car Inception est probablement ce qui s’apparente le plus à une mission de l’agent 007, s'il pouvait explorer les rêves des gens.\nDernier film en date de David Fincher après le coup de maître qu’était The Social Network et sa très bonne adaptation de Millénium. Ici, il revient au polar, en s’intéressant à la vie d’un couple qui prendra un tournant dramatique. Le jour de leur 5ème anniversaire de Mariage, Amy disparaît, et la maison est saccagée. Nick, son mari se retrouve très vite accusé par la police et les médias, mais tente de découvrir la vérité. La narration est d’une fluidité impressionnante, bien aidée par un montage astucieux, et une mise en scène à nouveau extrêmement précise. Un récit dont les rouages se dévoilent peu à peu, dans une mécanique redoutable. De la disparition d’Amy, ancienne enfant-star, découle un tourbillon médiatique déterminé à porter aux nues le mari, cible idéale, et dont tous les indices semblent accuser. Gone Girl est un film sur les apparences, sur la façon de mettre en scène sa vie, et sur le rôle des médias. Au même titre que La Chasse, ce film est d’autant plus important dans cette ère post - "Me Too", où certaines dérives médiatiques ont lieu, par souci de ne pas perdre cette course à l’information. Ben Affleck et Rosamund Pike crèvent l’écran, dressant le portrait glacial d’un couple empoisonné par le narcissisme.\n16. LES ENFANTS LOUPS, AME ET YUKI\nHana élève seule ses deux enfants, tout en essayant de cacher leur identité d’enfants loups. Mamoru Hosoda nous livre un magnifique conte sur l’acceptation de soi, la tolérance, et sur l’amour maternel. Voir cette mère se battre au quotidien pour s’occuper de ses enfants et les protéger du monde extérieur avec une telle abnégation, est absolument bouleversant. Pour Ame et Yuki, l’enjeu est de trouver sa voie, que ce soit en tant qu’humain ou en tant que loup. L’animation est superbe, et certaines séquences dégagent une poésie folle, portées par un puissant souffle de vie. Mamoru Hosoda nous emporte dans ce récit fleuve, d’une beauté et d’une justesse terriblement émouvante, pour nous parler avec élégance et tendresse d’amour et de tolérance.\nÀ travers cette nouvelle grande fresque historique sur la mafia, Martin Scorsese livre probablement un de ses meilleurs films, mais aussi son plus émouvant, avec une dernière heure amenant une bouleversante réflexion sur la vieillesse, et les regrets. Une mise en scène et une narration magistrales, le tout fluidifié et rythmé par un travail de montage exceptionnel. Une apothéose du film de gangsters, dans laquelle le cinéaste se sert de ses explorations passées, pour aborder le genre sous un angle plus mélancolique, et aller encore plus loin dans l’étude de personnages. C’est également l’occasion d’assister à de grandes performances de la part d'acteurs légendaires comme Robert De Niro (rarement vu aussi émouvant), Joe Pesci, et Al Pacino, tous les trois réunis pour la première fois à l’écran, sous la direction d’un des meilleurs réalisateurs de tous les temps. Une très grande œuvre, qu’il est facile d’imaginer devenir un classique de la filmographie de son auteur.\nAprès l’immense succès de La La Land en 2017 et l’excellent Whiplash en 2014, Damien Chazelle revient, de nouveau avec Ryan Gosling, pour un biopic sur Neil Armstrong et son épopée lunaire. Après 2 films centrés sur la musique, cela semblait être une véritable sortie de sa zone de confort. Dans une histoire représentant un des plus grands accomplissements américains par un de leurs plus célèbre héros, Chazelle choisit l’approche inverse, centrée sur l’humain derrière l’exploit. A travers une mise en scène intimiste, optant pour des cadres très serrés sur Neil, on est plongés en immersion dans cette aventure humaine poignante. Une immersion davantage renforcée par un travail sonore extrêmement riche, permettant de percevoir le moindre bruissement de ferraille provenant des cockpits. Cela provoque immédiatement un sentiment d’insécurité, d’être avec le personnage dans une boîte métallique, prête à se démanteler en plein vol à tout moment.\nFirst Man est une véritable expérience de cinéma, immersive, mais aussi émouvante. En effet, si le talent de pilote de Neil en fait évidemment un excellent candidat pour Apollo 11, son parcours est tracé par la mort des gens qui l’entourent. Ce voyage porte tout le poids du deuil des amis de Neil, mais aussi et surtout celui de sa petite fille. Le film bénéficie également d’une bande-son signée Justin Hurwitz (le fidèle compositeur et ami du cinéaste), épousant l’intime à coups de notes très douces à la harpe, et d’autres titres plus épiques comme The Landing, accompagnant l’alunissage dans une des séquences les plus impressionnantes du cinéma Hollywoodien ces dernières années. L’équilibre entre la mise en scène, le montage et la musique est juste parfait et livre un morceau de bravoure absolument saisissant. Une brillante sortie de route pour Damien Chazelle, prouvant sa polyvalence et une nouvelle fois son talent, avec cette relecture bouleversante d’un des événements les plus marquants de l’histoire de l’humanité.\nAprès plusieurs incursions mémorables dans le thriller avec Seven, Fight Club ou Zodiac, voir David Fincher s’attaquer à un biopic, qui plus est sur Mark Zuckerberg était un choix pour le moins surprenant. C’était sans compter sur la présence au scénario d’Aaron Sorkin, et sous-estimer les capacités du cinéaste. On est embarqués dès la séquence d’ouverture dans un récit au rythme tonitruant, sur la fondation de ce monstre digital qu’est devenu Facebook, à travers des dialogues brillants servis par des acteurs se donnant à fond. La mise en scène de Fincher est d’une précision chirurgicale, et sa caméra bouge avec une fluidité de mouvement presque imperceptible. Plus que l’histoire d’un surdoué ayant créé le plus grand réseau social depuis sa chambre universitaire, c’est aussi le portrait d’une société de l’instantané, où chaque acte est à la portée de millions de gens avec un seul clic, où tout est dépassé assez rapidement, au rythme d’une vie qui s’écoule à vive allure. Sorti fin 2010, à l’heure où Facebook étalait encore progressivement son implantation dans le monde, il est intéressant de voir à quel point le regard posé sur ce réseau et son influence sur les relations sociales était juste, et clairvoyant sur l’évolution de l’ère digitale entamée lors de cette décennie. Un exemple du genre en termes d’écriture et de mise en scène.\nLorsque le nouveau Pape élu refuse de se montrer au public et de suivre une psychothérapie pour remédier aux terribles doutes qui l’envahissent, c’est tout le Vatican, et toute la communauté catholique qui se retrouve dans une situation délicate. Dans cette comédie dramatique, le réalisateur Italien Nanni Moretti vient s’interroger sur ce qu’il se passerait si le Pape venait à avoir des doutes sur sa capacité à endosser son rôle et songeait à y renoncer. Le scénario est absolument fantastique, entre le questionnement existentiel du Pape (incarné à la perfection Michel Piccoli, un de nos plus grands acteurs Français), la gestion des retombées médiatiques et sociales du Vatican qui ne peut pas annoncer le résultat du conclave, l’attente des cardinaux qui feront un tournoi de volley-ball pour tuer le temps, sous l’influence du psychiatre (campé avec malice par Nanni Moretti), ou encore l’épanouissement artistique du Pape au théâtre, puis cette fin magistrale, déployée avec peu de mots pour terminer sur un silence assourdissant… C’est un film absolument brillant dans son écriture, mais aussi très fort dans la mise en scène, permettant au cinéaste d’user de l’ampleur des décors pour écraser les personnages. Le film est d’autant plus remarquable qu’en 2013 le Pape Benoit XVI renonce à ses fonctions, une première depuis 600 ans, donnant au métrage une portée presque prémonitoire.\nPeut-être un des films de science-fiction les plus intelligents depuis longtemps. Après l’apparition d’étranges vaisseaux aliens, Louise Banks, mère en deuil de sa fille, et linguiste réputée devra tenter de traduire un langage extra-terrestre dans un temps limité, pour éviter qu’une guerre se déclenche. Denis Villeneuve est décidément un des cinéastes les plus intéressants de ces dernières années. Après les excellents Prisoners et Sicario, il s’essaye pour la première fois à la science-fiction (puis y reviendra pour Blade Runner 2049 et son adaptation de Dune prévu pour fin 2020). L’angle choisi prend le contre-pied de la majorité des films d’invasion Alien, en se concentrant sur le langage. Une façon de montrer que le dialogue est la clé de toute relation sociale, puisqu’ici l’enjeu est d’éviter une guerre contre ces corps étrangers. Ce parti-pris saisissant est associé au talent de mise en scène de Denis Villeneuve, usant parfaitement de ses décors pour offrir une atmosphère mélancolique (certains plans semblent sortir d’un film de Terrence Malick), et d’une beauté étrange. Amy Adams trouve ici un de ses meilleurs rôles, et livre une performance très émouvante. Premier Contact est un superbe film de SF, émouvant, donnant matière à réfléchir, ne tombant jamais dans la surenchère d’effets, et aux partitions musicales envoûtantes de Max Richter et du regretté Jóhann Johansson.\nLe Conte de la Princesse Kaguya est peut-être le film qui représente le mieux la définition de la beauté. Une beauté d’abord plastique, avec ces dessins à l’encre de Chine et au fusain, mais aussi une beauté émotionnelle, avec cette histoire universelle d’une jeune femme prisonnière de son destin. Considéré comme un des plus anciens textes de l’histoire du Japon, Isao Takahata (Le Tombeau des Lucioles), fondateur du Studio Ghibli avec Miyazaki, s’attaque à un monument de la littérature. De toute évidence, il s’en sort avec brio, avec ce merveilleux conte humaniste, aux dessins somptueux. Une véritable fresque historique, absolument bouleversante, dont les coups de pinceau délicats donnent vie à toutes les jolies nuances de ce récit. Tout est exécuté avec une subtilité et une douceur incroyable, pour venir déverser toute sa charge émotionnelle dans des séquences d’une grâce infinie, portées par la sublime partition musicale de Joe Hisaishi. Un véritable chef d’œuvre cinématographique, pas seulement du cinéma d’animation, mais aussi une des pièces maîtresses du Studio Ghibli, et le dernier cadeau du regretté Isao Takahata, décédé en 2018.\nQue dire de plus sur Parasite, la dernière pièce maîtresse de Bong Joon-ho ? Le scénario est extrêmement bien structuré, nous emportant dans un thriller à l'engrenage infernal, sous fond de lutte des classes. La mise en scène, très subtile, est également d'une précision redoutable. Parasite mérite sa Palme d'or ainsi que toutes les louanges internationales à son sujet. Nul doute que ce film sera considéré comme un classique du cinéma coréen, s'imposant comme un très grand film d'un des meilleurs réalisateurs de ce siècle, tout simplement.\nIl était premier de mon Top 2018, ce qui rend sa position ici tout à fait légitime. Un des plus grands films de Paul Thomas Anderson, lui-même un des meilleurs réalisateurs actuels, mais aussi une des plus grandes performances de cette décennie, avec un Daniel Day-Lewis tourmenté et majestueux, dans ce qui semble être le dernier rôle de son illustre carrière. Sous ses airs de film d'époque sur la haute couture, Phantom Thread est en réalité un drame romantique, dont la relation toxique entre le couturier et la jeune Alma (Vicky Krieps, bluffante), emmène parfois le récit vers un thriller psychologique Hitchcockien, rappelant par instants Sueurs Froides.\nLa mise en scène est d'une précision éblouissante, à l'image du travail de grand couturier, et sert parfaitement la tension que suggère cette histoire d'amour vénéneuse. Définitivement un grand cru.\nCe film est probablement le sommet du style de Wes Anderson. Des décors très colorés, symétriques et fourmillant de détails, une galerie de personnages (au casting prestigieux) hauts en couleurs, un montage cartoonesque, et un humour absolument délicieux. On se laisse embarquer d'emblée aux côtés de Monsieur Gustave et de son Lobby Boy, Zéro, pour une aventure endiablée entre meurtres, évasions, courses-poursuites, et fusillades. La mise en scène de Wes Anderson bouillonne d'idées presque à chaque cadre, travaillant les perspectives, les détails du décor, les arrières-plans, les formats d'image... Tout ça au service d'un récit extrêmement divertissant, parfaitement orchestré et rythmé, sans fioritures, proposant un vrai moment de cinéma original qui transpire le style de son auteur. Un régal.\nDans un futur proche à Los Angeles, Theodore se remet difficilement de sa séparation avec sa femme. En achetant un système d'exploitation intelligent, il fera la connaissance de la voix de Samantha, avec qui il tissera des liens de plus en plus intimes. Sous la proposition d'un récit d'anticipation, Spike Jonze nous délivre une émouvante réflexion sur l'amour et la solitude. Her est un film scintillant de tendresse, avec une photographie aux couleurs pastel et une bande-sonore très douce composée par Arcade Fire. Joaquin Phoenix est une nouvelle fois brillant de vulnérabilité, et la voix suave de Scarlett Johansson fait des merveilles pour donner une épaisseur à cette intelligence artificielle, voulant s'émanciper de sa condition et développer des émotions. Comme un miroir de Lost in Translation (également avec Scarlett Johansson), qui parlait de la solitude, notamment au sein d'un mariage, Her l'aborde dans la phase du divorce. Ce n'est d'ailleurs pas anodin puisque Sofia Coppola et Spike Jonze ont divorcé après plusieurs années de mariage. Her est l'un des scénarios les plus originaux et brillamment écrits de la décennie, et comporte des idées de mise en scène sublimes, empruntant parfois au cinéma de Terrence Malick. Une véritable merveille de sensibilité, qui saura certainement vous réchauffer le cœur.\nSuccéder à l'un des plus grands chefs-d’œuvre de la science-fiction n'est pas une chose aisée, mais la présence de Denis Villeneuve (réalisateur de la décennie ?) derrière la caméra, épaulé par un des meilleurs directeurs de la photographie, Roger Deakins, était déjà assez rassurant. En 1982, on adoptait le point de l'humain, ici on suit le parcours d'un réplicant, incarné par Ryan Gosling. Ici, Blade Runner 2049 arrive à réactualiser les thématiques de son illustre prédécesseur en les amenant encore plus loin. Le récit est long, lancinant, nimbé dans une atmosphère viscérale, notamment grâce à la musique d'Hans Zimmer, mais aussi à la mise en scène de Villeneuve, sublimée par le fantastique travail de photographie qu'a effectué Deakins. C'est simple, presque chaque plan est un tableau. Là n'est pas la question de savoir s'il est meilleur que le film de Ridley Scott, en revanche cette suite propose une expérience cinématographique saisissante, et permet une réflexion sur la condition humaine, mais aussi sur la création de la vie.\nLa Foi a toujours parcouru d'une manière ou d'une autre la filmographie de Martin Scorsese. Que ce soit explicitement dans La Dernière Tentation du Christ, ou plus subtilement dans Les Nerfs à Vif et A Tombeau Ouvert. Ici, dans Silence, le cinéaste s'intéresse au Japon du 17ème siècle, pour conter l'histoire de missionnaires jésuites partis pour retrouver leur mentor disparu. L'affaire se complique lorsque les deux hommes se rendent compte que les chrétiens sont torturés et tués s'ils refusent "d'apostasier", c'est-à-dire renier leur religion, en piétinant une image de Jésus. Le sujet s'avère passionnant, permettant un questionnement profond sur la Foi et la souffrance. Doit-on mourir pour préserver ses croyances ? C'est ce à quoi les personnages, incarnés par Andrew Garfield, Adam Driver et Liam Neeson, sont confrontés tout au long du récit. Le cinéaste New-Yorkais est venu chercher des inspirations visuelles chez Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi, ou encore Yasujiro Ozu pour leur science du cadrage, mais aussi chez Ingmar Bergman pour les questions métaphysiques présentes, entraînant un déchirement de l'âme chez les personnages. Une œuvre d'une maîtrise visuelle et narrative épatante, qui prouve que Martin Scorsese ne cesse d'explorer de nouvelles choses au cinéma, ce qui est est passionnant à voir pour un cinéaste de son âge.\nJe pourrais vous parler des heures de La La Land, car c’est tout simplement un de mes films préférés. Pourtant, sans y être réfractaire, je ne peux pas dire que la comédie musicale fasse partie de mes genres de prédilection. Mais je suis passionné de cinéma avant tout, et La La Land me donne à peu près tout ce que je recherche dans un film. La La Land c’est une histoire d’amour émouvante, jamais niaise, parfois drôle, avec des personnages attachants, incarnés par deux acteurs (Ryan Gosling et Emma Stone) qui crèvent l’écran.\nC’est une lettre d’amour au cinéma et à l’art en général, proposant une réflexion sur la passion artistique, et comment cela peut affecter notre vie personnelle. C’est aussi un vibrant hommage aux grandes comédies musicales de Jacques Demy, Fred Astaire, Ginger Rogers, et Stanley Donen, dont Chazelle s’inspire, tout en réussissant à s’approprier cette grammaire visuelle si particulière pour raconter une histoire qui lui est propre.\nC’est une virtuosité technique de chaque instant, conjuguant une mise en scène tantôt virevoltante, tantôt intimiste d’une maîtrise épatante, et une photographie proposant des visuels éclatants de beauté à travers une palette de couleurs très riche et des jeux de lumières sublimes et audacieux. C’est aussi une comédie musicale se servant de ses (fantastiques) numéros musicaux pour raconter quelque chose sur les personnages, ou sur la ville de Los Angeles (dont un des surnoms est La La Land), au lieu de simplement combler un vide narratif que bien d’autres films du genre semblent faire.\nC’est aussi 10 dernières minutes d’une rare beauté, et un échange de regard final dévastateur. Enfin, c’est une ode aux rêveurs, ceux qui souhaitent par-dessus tout concrétiser leurs plus grandes aspirations. « La passion, c’est communicatif. » nous dit Mia. En tous cas, il est vrai que la passion de Damien Chazelle pour son art ne l’aura jamais autant été.\nEn 2015, George Miller nous a présenté le reboot de sa trilogie Mad Max avec Fury Road, censé lui donner un second souffle. Ce n'est pas seulement un bon film qui fait repartir les moteurs comme il faut, c'est carrément une leçon de cinéma. Près de 2 heures qui semblent en durer la moitié, avec ces courses poursuites absolument dantesques qui s'enchaînent. Tom Hardy récupère ici le rôle culte de Mel Gibson, mais la vraie star ici, c'est Charlize Theron. Son personnage de Furiosa mène le film vers un propos profondément libertaire et féministe, en plus d'être sacrément badass. Les scènes d'action sont à couper le souffle, grâce à une mise en scène survitaminée et un montage impressionnant, rendant à la perfection ce mélange de vitesse et de chaos qui parcourt le film. Un spectacle ébouriffant, où George Miller nous emmène avec une immense virtuosité dans ce monde post-apocalyptique gorgé de ferraille et de sang. Le meilleur film d'action de la décennie, et peut-être même depuis longtemps.\nDifficile de mettre des mots sur ce film tant il est riche et déstabilisant. Tout est dans ce film, un récit universel sur la vie d'une famille, transposé au sein d'un canevas gigantesque sur l'existence de tout être vivant sur Terre et sur le lien à la nature. Jessica Chastain et Brad Pitt sont excellents, au même titre que ces enfants (comptant le jeune Tye Sheridan, évoqué plus tôt dans ce Top). La mise en scène de Malick touche au sublime, portée par l'éblouissante photographie d'Emmanuel Lubezki. A cela s'ajoute une musique donnant au récit une grâce incommensurable. Au doux lyrisme de la vie d'une famille se mêle la création du cosmos et de la vie sur Terre, pour établir un questionnement métaphysique sur la place de l'être humain dans tout ça. Un véritable film monde. Un grand poème cinématographique, repoussant les limites du septième art. Probablement pas mon film préféré de cette décennie, à ce titre certains du Top 10 seraient placés devant, mais c'est certainement celui qui m'impressionne le plus. Le jury présidé par Robert De Niro en 2011 lui a remis la Palme d'Or, la seule pour Malick jusqu'ici, mais certainement la plus belle, récompensant son plus grand chef-d’œuvre.


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Desserts – Page 2 – Plaisirs Non Coupables\nBrownie cru,vegan et sans gluten\nBonjour à tous ! Me revoici après un petit peu d’absence : emploi du temps assez chargé en cette fin d’année que ce soit au boulot ou personnellement. Avec la recette du jour, j’espère que je vous ferez plaisir parce que c’est un gâteau que j’apprécie énormément et je suis heureuse de vous le faire […]\nRecette 15 min de cuisson chrono : les congolais ! Je suis sûre que beaucoup d’entre vous ont mangé ceux industriels trop sucrés et bourratifs, j’en fais parti bien sûr ! J’adore cette pâtisserie alors voici la version vegan. Et comme hier le beau temps n’était pas au rendez-vous, j’en ai profité pour réaliser ces […]\nBonjour à tous ! C’est toujours les vacances donc je ne vais pas vous embêter avec une recette longue, difficile et lourde. Niveau facilité aujourd’hui, compliqué de faire mieux. Je me demande pourquoi je n’ai pas fais cette recette avant parce que ça déchire !!!!!! Comme je le précise dans mon article précédent sur le restaurant […]\nJe vous présente aujourd’hui mon 100ième article !!! (sans compter ceux que j’ai supprimé avant d’être vegan ni tous les posts Facebook et Instagram). Et tant qu’on est dans les chiffres, je tiens à vous remercier pour les 1000 likes sur la page, je suis super heureuse ! Pour fêter tout ça, je vous propose […]


Philippe Velila : Israël "n'est pas tout à fait une société comme les autres" | The Times of Israël\nPhilippe Velila : Israël « n’est pas tout à fait une société comme les autres »\nL'écrivain évoque le conflit, la religion, l'engagement politique, le coût de la vie et les écarts entre les différentes strates sociologiques de ce pays, définitivement unique\nPar Pierre-Simon Assouline\t28 décembre 2017, 13:30 Edit\nEnseignant en droit, chargé de mission au ministère de l’Economie, et auteur de plusieurs ouvrages dont Les Juifs et la droite (2010), Philippe Vellila propose dans Israël et ses conflits un tour d’horizon de la société israélienne, décrite comme très fragmentée mais rassemblée autour d’une histoire forte.\nTimes of Israël : Selon vous, 70 ans après la création de l’Etat d’Israël, le sentiment d’appartenance au pays est toujours fort « l’histoire est toujours un objet vivant » pour les Israéliens, écrivez-vous. Cela se reflète-t-il par un engagement politique accru du citoyen moyen ?\nPhilippe Velilla : Non, comme dans tous les pays occidentaux, les citoyens s’engagent de moins en moins.\nUn exemple flagrant : le taux de participation aux élections qui est désormais largement inférieur à 80 % (72 % aux élections de 2015). Les partis politiques ont également moins d’adhérents qu’avant.\nUn seul courant idéologique échappe à cette désaffection : le courant sioniste-religieux qui ne cesse de se développer, en particulier avec son mouvement de jeunesse, le Bnei Akiva.\nAprès l’utopie sioniste, puis les projets collectifs des débuts (moshav, kibboutz…) vous décrivez « la normalisation de la société israélienne » actuelle qui a pour conséquence un « matérialisme prenant le pas sur l’idéalisme ». Israël est-il, selon vous, un pays se préoccupant de moins en moins des questions spirituelles et idéologiques ?\nOui, au sens où l’idéalisme n’est désormais plus un moteur dans la société, à l’exception, là aussi, du secteur sioniste-religieux qui voit les implantations juives dans les territoires comme la poursuite du travail des pionniers.\nPour le reste, la société israélienne est de plus en plus matérialiste… mais pas autant que d’autres sociétés occidentales comme la société française. Il y a une raison majeure à cela : l’importance de la religion.\nLorsque 80 % des Juifs israéliens se déclarent croyants et pratiquants – à des degrés divers – il y a de toute évidence un aspect qui échappe à la recherche effrénée du bien-être matériel.\nL’autre thème qui fait que la société israélienne n’est pas tout à fait une société comme les autres, est le souvenir de la Shoah, qui unit les générations et les rattache à l’Histoire juive dans sa dimension la plus tragique.\nJérusalem à l’arrêt pendant les deux minutes de la sirène d’hommage aux victimes et aux survivants de la Shoah, pour Yom HaShoah, le 24 avril 2017. (Crédit : Yonatan Sindel/Flash90)\nPour le reste, les débats ont tendance à être de plus en plus superficiels.\nSelon vous, les clivages de la société israélienne sont souvent facteurs de crises et de crispations, notamment entre Juifs et Arabes, ou ultra-orthodoxes et le reste de la société israélienne. Ne sont-ils que facteurs de crises et d’immobilisme ?\nOui, les clivages sont au cœur de la société israélienne, et constituent sa ‘marque de fabrique’, mais, après avoir été longtemps facteur d’immobilisme (avec chacun restant dans la ‘case’ où on l’a mis à la naissance), il y a désormais dans les deux secteurs que vous évoquez de puissants facteurs de changement.\nDans le secteur arabe, la chute du taux de fécondité libère les femmes qui étudient et travaillent de plus en plus. Ce mouvement est inéluctable, et il s’agit d’une révolution silencieuse dont on ne mesure pas encore toutes les conséquences.\nDans le secteur ultra-orthodoxe, ce sont les hommes qui travaillent de plus en plus : désormais plus de la moitié d’entre eux ont une activité professionnelle et ne se contentent plus d’étudier la Thora toute la journée. Les hommes et les femmes ultra-orthodoxes étudient désormais pour avoir une vraie carrière professionnelle. Leur présence dans la high tech n’est plus négligeable.\nInternet fait que les rabbins n’ont plus le monopole des esprits.\nAutre révolution dans le monde ultra-orthodoxe : la ‘sortie’ d’individus de plus en plus nombreux, et désormais de familles entières qui veulent rejoindre ‘l’autre monde’. Nul doute que le monde ultra-orthodoxe est bouleversé par ces évolutions internes et par un puissant facteur externe : Internet qui fait que les rabbins n’ont plus le monopole des esprits.\nUn récent sondage montre qu’une majorité d’Israéliens arabes, rattache plus volontiers son identité à la désignation « arabe israélien » que « arabe palestinien ». S’agit-il, selon vous, d’une tendance de fond, allant de pair avec un effondrement du leadership palestinien et à sa capacité d’incarner un projet concret?\nOui, mais il ne faut pas s’y tromper : les Arabes israéliens veulent rester dans la société israélienne et ne pas dépendre du leadership palestinien, mais ils restent – même s’ils ne le disent pas – solidaires du combat national des Palestiniens de l’autre côté de la Ligne verte. Comme eux, ils sont bien évidemment déçus par les dirigeants de l’Autorité palestinienne, et las de la corruption et de l’incompétence de nombre d’entre eux.\nDans Jérusalem-est par exemple, de nombreux jeunes arabes refusent de parler hébreu. Vous décrivez une double tendance chez les Arabes israéliens. Ceux qui choisissent la voix de l’intégration, et ceux qui se radicalisent. Font-ils peser un danger sur la -relative – paix civile qui prévaut aujourd’hui dans les frontières israéliennes ?\nCes deux tendances sont effectivement à l’oeuvre dans la société arabe israélienne. Mais la radicalisation d’une fraction du public arabe ne fait pas courir de risque de conflit violent. Au pire, il y aura un conflit idéologique de plus en plus aigu.\nHausse du prix de l’achat (55 % en 5 ans de 2008 à 2013) et de la location (30 % sur la même période), difficulté pour les jeunes couples d’acquérir leur propre logement dans un pays où la propriété de la résidence principale est traditionnelle (70 % mais la tendance baisse, écrivez-vous), alimentation très chère… Où en est la grogne sociale qui avait débouché en mouvement social en 2011 ? Quelles politiques les gouvernements Netanyahu successifs ont-ils mis en place pour pallier à ces retards ? Se dirige-t-on vers un nouveau mouvement social ?\nJe ne pense pas que nous allions vers un mouvement de même ampleur qu’en 2011. Mais la population israélienne est excédée par ces niveaux de prix (que l’OCDE a chiffré à + 30 % pour l’alimentation par rapport à des pays comparables). Le gouvernement a mené en la matière des politiques inspirées par son libéralisme : renforcement de la concurrence, facilitation des importations (pour l’alimentation) qui ont donné quelques résultats.\nEn ce qui concerne le logement, seul l’avenir dira si des mesures comme la taxation du troisième logement possédé par un même propriétaire conduira à une baisse des prix.\nPour l’instant cela a surtout provoqué une forte baisse du nombre de transactions. Cette situation a fait émerger effectivement des personnalités politiques qui ont montré leur ardeur à défendre le pouvoir d’achat des Israéliens.\nDes personnalités politiques émergentes ont-elles su incarner ces revendications ?\nA droite, Moshe Kahlon aimerait bien être identifié à cette cause, mais son image ‘sociale’ est abîmée du fait de la situation du logement.\nA gauche, des députés comme Itzik Shmuli et Stav Shaffir, dirigeants du mouvement de 2011, se sont affirmés.\nLes principes de Milton Friedman qui conseilla le gouvernement Begin laissant les manettes du pays au secteur privé, sont-ils tant ancrés dans les esprits des personnels politiques qu’il est inenvisageable de permuter vers un modèle plus redistributif et dirigiste ?\nOui, le libéralisme domine totalement les débats économiques. Même à gauche, quelqu’un comme Avi Gabbay est largement le produit de la libre entreprise.\nLa redistribution est néanmoins possible, comme l’ont montré les mesures prises récemment en faveur des handicapés à la suite de leur mouvement de protestation.\nQuant au dirigisme, il existe encore en matière d’aménagement du territoire : c’est la décentralisation de services de Tsahal qui a lancé le puissant mouvement de développement de Beer Sheva.\nLe titre de l’un de vos chapitres pose la question ‘Pourquoi les pauvres votent à droite ?’ Oui, pourquoi ?\nD’abord, parce que la majorité des pauvres sont des Séfarades qui ont un vieux contentieux avec la gauche qu’ils accusent de les avoir mal accueillis lors de leur alyah.\nEnsuite, parce que la population pauvre est plus traditionnelle que la moyenne des Israéliens et considère que la droite défend mieux l’identité juive et la religion.\nEnfin, parce que la droite sait s’y prendre pour parler à cette population en rejetant les responsabilités sur les ‘élites ashkénazes, gauchistes, pro-arabes, indifférentes aux souffrances du peuple etc.’\nNotons que cette caractéristique n’est plus spécifiquement israélienne : ce sont des électeurs pauvres qui ont assuré la victoire de Donald Trump aux Etats-Unis, ou les bons scores du Front national en France.\nVous expliquez, en somme, que les contours d’un règlement définitif du conflit sont déjà connus. Malgré cela « tous les plans de paix ont échoué ». Quels sont les principaux facteurs de ces échecs successifs ?\nPour répondre brièvement, je dirais que du côté palestinien, c’est l’immobilisme des dirigeants qui refusent d’assouplir leurs demandes concernant les « frontières de 1967 » ou encore le « droit au retour ».\nDu côté israélien, la présence de 400 000 Juifs de l’autre côté de la Ligne verte et le développement des implantations sont considérés comme difficilement compatibles avec une souveraineté palestinienne.\nIl y a également mille autres raisons, dont celle du lourd passif d’un conflit désormais centenaire.\nPhilippe Velilla, Israël et ses conflits, Editions Au bord de l’eau, 184 pages, 18,70 euros


Médecines Naturelles : Ostéopathie, page 1/3\nMEDECINES NATURELLES > OSTEOPATHIE (page 1/3)\nL'ostéopathie est reconnue comme une médecine sérieuse depuis 1972 sur le continent américain. Quoique son statut ne soit toujours pas officiel en Europe, elle est du moins reconnue officieusement par la plupart des médecins traditionnels. En fait son objectif est de rétablir l'harmonie entre l'homme et son milieu afin de réunir toutes les conditions au phénomène de l'auto-guérison.\nLes bases de l'ostéopathie ont été élaborées par un certain Andrew Taylor Still, qui croyait que le corps devait nécessairement posséder tous les atouts pour se guérir lui-même de toutes formes de maladies. Lorsque le corps tombait malade, Still y voyait un dysfonctionnement de l'appareil musculo-squelettique. Il parvint aussi à la conclusion que le sang représentait la source vitale première du corps humain et qu'il devait en outre véhiculer toutes les composantes nécessaires à la guérison. Pour lui, tous les systèmes du corps étant liés entre eux, il allait de soi que si l'un des éléments éprouvait une difficulté, tous les autres allaient forcément pâtir de ce trouble. C'est donc par le biais de pressions et de manipulations sur l'appareil musculo-squelettique que le docteur Still a construit sa thérapie.\nÀ l'exemple de la chiropratique, de l'homéopathie et de la plupart des médecines naturelles, l'ostéopathie table également sur la nécessité de la circulation de l'énergie vitale à travers le corps pour en assurer le bon fonctionnement. Le fait également que cette médecine préconise la possibilité du corps humain de s'auto-guérir rend une certaine uniformité idéologique au phénomène des médecines naturelles. Ce discours, qui se rejoint d'une spécialité à une autre, concoure à faire des médecines douces la solution vers laquelle les gens se tournent naturellement. Mais l'ostéopathie a une corde de plus à son arc : la plupart de ses praticiens ont une solide formation médicale.\nL'appareil musculo-squelettique constitue la structure, les fondations du corps humain. Il soutient de même qu'il protège les organes internes et agit en interaction avec les systèmes nerveux et circulatoires de l'organisme. Si pour une raison quelconque, cette structure est affectée par un désalignement (un peu comme dans la théorie de la chiropratique), il semble que tous les autres systèmes s'en trouvent également perturbés dans leur fonctionnement. Le système nerveux transmettra alors des messages au cerveau qui ne concorderont plus avec la réalité ou qui seront d'aspect négatif. Tout l'organisme subira le déséquilibre de cette affection et l'harmonie de la chaîne intérieure sera temporairement brisée, entraînant des problèmes qui à leur tour en entraîneront, et ainsi de suite jusqu'à ce que des mesures de redressement soient entreprises. On assiste en réalité au discours logique du Feng Shui en quelque sorte, discours de la nature si l'on veut, qui préconise que si un seul élément d'un ensemble parfait se met à dérailler, il entraîne dans sa chute tous les autres. De là l'importance capitale de l'équilibre du Yin et du Yang et de tous les opposés qu'ils symbolisent.\nIl en est ainsi de la machine humaine. Le corps tente toujours de se rééquilibrer par lui-même quand un de ses éléments est défaillant. Ainsi, lorsqu'une articulation quelconque, est atteinte d'une anomalie, tous les éléments musculaires de son entourage tentent de venir à son secours en se contractant pour la renforcer et lui éviter le moindre effort. Toutefois, ces muscles se soumettent eux-mêmes à un effort douloureux et comme leur propre fonctionnement est altéré, ils donnent à leur tour signe de dysfonction. C'est alors qu'un enchaînement de signaux de détresse apparaît et que l'effet domino s'installe dans l'organisme.\nMEDECINE NATURELLE > OSTEOPATHIE (page 1/3)


Acheter en ligne, bonne ou mauvaise idée? - Cabinet Chol - Expertises\nAcheter en ligne, bonne ou mauvaise idée?\nDans un marché de l’art en plein marasme qui s’emploie de plus en plus à chercher des pistes nouvelles, les ventes d’art en ligne sont apparues comme une des meilleures solutions pour le ranimer.\nEn hausse de 15 % par rapport à 2015, les ventes en ligne ont atteint l’an dernier 3,75 milliards de dollars et représentent 8,4 % du marché de l’art.\n« Ceux qui disent que le marché de l’art en ligne a eu sa chance : il n’a même pas encore eu son matin, il se réveille encore », confirme le Directeur Robert READ, Art and Private Clients de la société. Le marché des ventes en ligne, une niche où les sociétés Christie’s, Sotheby’s, Artsy, Istdibs et Artnet, les premières à y être entrées, se partagent la plus belle part du gâteau. Mais il apparaît aujourd’hui que les visiteurs des sites sont encore hésitants et la conséquence directe se découvre dans la qualité de moyenne gamme des œuvres proposées, dépassant rarement 5 000 €, les acheteurs éventuels se plaignant de ne pas pouvoir examiner de visu les œuvres et de risquer de se retrouver devant une œuvre dénaturée par des restaurations ou, pire, d’être acquéreur d’un faux.\nLes sites actuels se désolidarisent du vendeur pour toute responsabilité des œuvres présentées en se retranchant derrière un règlement où les notions de « authentification garantie » ou « 100 % authentique ou remboursé » sont à la charge du vendeur. Le risque est majeur lorsque l’on sait qu’en cas de procédures judiciaires, la majorité des vendeurs sont pour le juge des « non sachant » et que leur responsabilité peut être difficilement engagée devant les tribunaux. Aussi est-il fortement conseillé à chaque partie en amont de la transaction de s’adjoindre les services d’un expert en objets d’art et précieux reconnu, afin d’éviter tout litige.


Jestocke, leader français du co-stockage - MAIF SOCIAL CLUB\nJestocke, leader français du co-stockage\nJestocke, leader français du co-stockage Garde mes meubles\nPlus de place chez soi, mais pas question de jeter. Quelle est la solution ? La start-up bordelaise Jestocke, fondée par Laure Courty et devenue le leader français des garde-meubles entre particuliers, est le remède parfait.\n“On ne peut pas demander aux gens de se séparer de tout. Il y a tout un panel d’affaires qui vous relient affectivement à vos souvenirs, à votre famille. Je sais que les Français n’ont pas envie de mettre ça à la poubelle.” Laure Courty a connu cette situation lorsque son compagnon de vie a été muté à Bordeaux, les obligeant à quitter la capitale. Mais à l’arrivée du camion de déménagement, les choses se gâtent : “Je me suis retrouvée avec tout ce qu’il y avait dans ma cave sans avoir aucune surface additionnelle pour stocker ces affaires que je n’avais pas l’intention de jeter ni de donner”, explique-t-elle. Face au coût des acteurs traditionnels de la garde de meubles, Laure Courty laisse derrière elle dix années de carrière en tant qu’éditrice et rejoint la “start-up nation”. En janvier 2014, Jestocke –plateforme de stockage entre particuliers– voit le jour. “L’idée était de trouver des solutions pour gagner du mètre carré à proximité de chez soi et à moindre coût.” Un sacré challenge selon Laure, car difficile de faire confiance à un(e) inconnu(e) pour conserver des affaires avec lesquelles nous avons une relation sentimentale. Pourtant, Jestocke reçoit vite un accueil chaleureux de la part des utilisateurs. “Aujourd’hui, il y a 8 000 propriétaires inscrits sur le site et 65% des transactions se font à Paris et en Île de France. Juste derrière, il y a les métropoles comme Lyon, Bordeaux, Marseille, Toulouse, Lille…” En termes de superficie, Jestocke est particulièrement riche de petits espaces, entre trois et neuf mètres carrés. Pour les grands box, les propriétaires segmentent la surface et s’organisent pour louer à plusieurs personnes.\n“Une motivation du lien social”\nC’est le cas de Tommy, account manager de 27 ans au sein de Jestocke. Si le jeune Parisien a intégré l’entreprise, c’est bien qu’il en était le premier utilisateur. “Je suis motard, j’avais donc un box pour garer ma moto. Mais j’ai eu un grave accident, qui a fait que je suis resté sept mois à l’hôpital, raconte-t-il. Je me suis retrouvé face à ce box vide, obligé de trouver une solution pour rembourser mon crédit. C’est comme ça que j’ai découvert le co-stockage.” Il est vite séduit : “C’est une motivation du lien social. Par exemple, un ancien locataire stockait des meubles qu’il fabriquait lui-même et je trouvais ses créations très cool. Je lui ai alors commandé une table de chevet ! C’est un peu comme le potlatch et la notion du don et du contre-don”.\nLes week-ends, Tommy accueille ses nouveaux locataires, étant le seul détenteur des clés, avant de repartir à Bordeaux en semaine, où sont installés les bureaux de Jestocke. Aujourd’hui, l’équipe compte une quinzaine de salariés, complétée par des intendants qui aident les propriétaires à gérer leurs annonces ou interviennent sur l’aide au déménagement. Dès leurs premières missions, Laure et son équipe ont mis en place tous les éléments de réassurance dont les utilisateurs ont besoin avant de déposer leurs affaires chez un(e) propriétaire. Exemple: le droit de visite, afin d’exclure toute présence de saleté et d’humidité. La sauce a très vite pris. “Dès qu’on est devenus un acteur important sur le marché français, on a pu faire nos premiers pas en Belgique, avec l’intention de dérouler aux Pays-Bas ensuite. Parce qu’une fois le site traduit en néerlandais, il est évident que le Benelux est un terrain de jeu intéressant.” Avec Ouistock, Costockage ou I Stock For U, les concurrents ne manquent pas. Pour autant, Laure n’est pas inquiète. Au contraire, c’est selon elle la promesse d’une forte croissance en Europe. “C’est un joli marché”, conclut-elle.


La FDA reconnaît la première demande de règlement orale d'immunothérapie pour l'allergie à l'arachide chez les enfants, adolescents\nLe médicament d'Université de Chicago faisait partie d'un test clinique de point de repère que cela a mené à l'approbation par les États-Unis Food and Drug Administration de la première demande de règlement orale d'immunothérapie pour l'allergie à l'arachide chez les enfants et des adolescents.\nLes arachides sont parmi les allergies alimentaires les plus courantes, affectation 1,6 millions d'enfants environ aux Etats-Unis, selon une étude 2018 publiée dans la pédiatrie de tourillon. Palforzia, fabriqué par Aimmune Therapeutics Inc., devrait de manière significative réduire la gravité des réactions allergiques, y compris l'anaphylaxie, après l'exposition accidentelle d'arachide.\nLes patients que j'ai soignés ont universellement exprimé le relief qu'ils plus doivent ne vivre dans la crainte continuelle qu'un dégagement incorrect de quelque chose avec des arachides donnera droit en cas d'urgence injection d'adrénaline. »\nChristina Ciaccio, DM, GCS, professeur agrégé de médicament d'UChicago de la pédiatrie et le médicament et l'investigateur principal du site\nCiaccio a administré la demande de règlement en tant qu'élément d'un test clinique 2018 financé par thérapeutique d'Aimmune. Pendant l'essai, les patients aux sites, incluant à l'hôpital pour enfants d'arrivant de médicament d'UChicago, ont reçu la demande de règlement. La recherche a été conduite dans 10 pays en travers de l'Amérique du Nord et de l'Europe.\n« Je ne peux pas mettre l'accent sur assez quel jeu-commutateur ce sera pour que des praticiens et des patients d'allergie alimentaire aient un produit approuvé par le FDA pour traiter effectivement l'allergie à l'arachide, » de Ciaccio ai dit. « Jusqu'à présent, nous n'avons pas pu faire n'importe quoi mais dire les patients surveillent soigneusement ce qu'ils mangent et pour être disposé toujours avec un autoinjector d'adrénaline au cas où une réaction se produirait. »\nLa thérapeutique d'Aimmune n'a pas encore annoncé quand PALFORZIA sera à la disposition des patients.


Gestion des générations | NCOI Learning | NCOI.be\nUne organisation plus performante grâce à une approche efficace de chaque génération\nLa gestion des générations a de nombreux avantages pour votre organisation :\nElle permet de répondre de manière optimale aux besoins des différentes générations.\nElle favorise l’employabilité à long terme des travailleurs/euses.\nElle stimule l’implication et la motivation des collaborateurs/trices.\nElle garantit une meilleure adéquation entre les travailleurs/euses et l’organisation.\nElle aide à éviter des conflits inutiles et des attentes insatisfaites au travail.\nBref, une bonne gestion des générations permet à votre organisation d’être plus performante et de renforcer sa position concurrentielle sur le marché du travail.\nAu cours de cette formation seront abordées les différences entre les générations sur le lieu de travail, et l’accent sera mis sur les différentes façons d’en tenir compte. Les professionnel(le)s RH apprendront comment développer une approche davantage axée sur les générations et les dirigeant(e)s découvriront comment aborder la question avec neutralité et transcender les différences générationnelles.\nDes conseils pratiques et pistes de réflexion pour vous aider à aborder avec confiance la question des générations au sein de votre organisation.\nLa vision des différentes générations sur :\nle feed-back et les dynamiques\nle rapportage et le suivi\nles résultats et les échéances\nComment améliorer la rétention parmi la génération Y ?\nComment jeter des ponts entre les générations ?


Intensification de la productivité du karité Le greffage comme alternative dans la Comoé - CENTRE FRANCOPHONE VIRTUEL EN ÉDUCATION AU DÉVELOPPEMENT DURABLE\nIntensification de la productivité du karité\nLe greffage comme alternative dans la Comoé\nLe Programme de productivité agricole en Afrique de l’Ouest (PPAAO) a organisé du 23 au 25 avril 2014 à Banfora un atelier de formation en technique de greffage et de gestion des parcs à karité. Les travaux ont réuni une trentaine de responsables d’associations et de groupements évoluant dans la filière karité dans la province de la Comoé.\nL’atelier organisé par le Programme de productivité agricole en Afrique de l’Ouest (PPAAO) à Banfora en technique de greffage et de gestion des parcs à karité, a été assuré par les techniciens du Centre national de semences forestières (CNSF). Trois jours durant, les participantes et participants ont eu droit à des communications théoriques et des séances pratiques de démonstration sur les techniques de greffage et gestion des parcs à karité. Pour la phase pratique, c’est la forêt classée de Bounouna qui a accueilli les apprenants. Une fois dans la forêt, ils se sont familiarisés avec les premiers outils indispensables pour le greffage notamment, le sécateur, le couteau très tranchant et la pierre à limer. Après avoir reçu chacun ces premiers outils, les apprenants ont suivi des séances de démonstration.\nChacun, à son tour, a pratiqué les techniques enseignées tant bien que mal. De façon spécifique, il s’est agi pour ces apprenants de sélectionner, préparer et prélever les greffons sur les arbres, de réaliser le greffage du karité et d’appliquer des activités d’entretien de plants. Pour la quasi-totalité des participants, cette formation est la bienvenue car elle lève un tabou autour de la production du karité.\nEn effet, la formation avait pour objectif de renforcer les capacités techniques des acteurs de la filière en matière de greffage du karité. Aussi, elle visait à améliorer les connaissances des actrices et acteurs de la filière, mais aussi de les outiller pour gérer durablement leurs parcs. A entendre le Doteur Sié Kambou du CNSF, « dans le long terme, c’est une formation qui contribuera de façon significative d’une part à l’amélioration de la production et de la productivité fruitière du potentiel de karités et d’autre part à la préservation de la ressource dans notre pays ». Le karité est une espèce qui a une grande importance socioéconomique au Burkina Faso. Cependant, les peuplements sont vieillissants et la régénération naturelle peu abondante. Des technologies éprouvées sur le karité sont disponibles notamment en ce qui concerne la gestion durable des parcs et la technique de greffage.\nLa technologie du greffage vise, entre autres, à lever les barrières socioéconomiques autour de la lenteur de croissance de cette espèce et de la promouvoir. La formation s’inscrit en droite ligne dans le chronogramme d’activités du Programme de productivité agricole en Afrique de l’Ouest (PPAAO). En effet, le Burkina Faso a obtenu l’appui technique et financier de la Banque mondiale pour l’élaboration et la mise en œuvre du PPAAO. L’objectif dudit Programme est de générer et de diffuser des technologies améliorées pour l’intensification durable des productions agricoles dans un contexte de coopération scientifique régionale en vue de contribuer à l’augmentation de la productivité agricole dans les filières prioritaires pour les pays concernés. Pour le Burkina Faso il s’agit de la mangue, l’oignon, la tomate, le riz, le maïs, le mil, le sorgho, le niébé, le bétail-viande, la volaille locale et le karité.


Agence immobilière SIB - Société Immobilière de la Basilique\nSIB - Société Immobilière de la Basilique\nAfficher le numero+33-0169808060\nMaison 6 pièces - 110m² - LEUVILLE SUR ORGE\nEXCLUSIVITE SIB - A 25 mn de Paris par RN20 - Dans un lotissement au calme, un pavillon mitoyen d'un côté se composant en rez-de-chaussée : une entrée donnant sur un beau séjour double avec accès à une terrasse expo SUD, une cuisine ouverte ...\nPlace de parking en sous-sol - MONTLHERY\nA LOUER ! Une place de parking au sous-sol d'une résidence récente et sécurisée équipée de caméras de surveillance (résidence de 2010), idéalement situé à 5 min du centre-ville. Disponible immédiatement. Surface standard d'une place de pa ...\nAppartement 2 pièces - Montlhéry\nMONTLHERY - EXCLUSIVITE SIB - En plein centre ville de Montlhéry, proche de toutes commodités, un appartement duplex de type F2 de 45.75 m² comprenant : Une entrée avec placard, une cuisine aménagée ouverte sur séjour, un WC. A l'étage une ...\nAppartement 1 pièce - 29m² - MONTLHERY\nEXCLUSIVITE SIB - En plein centre ville, dans une résidence calme et récente, un appartement studio de 29m² situé en rez-de-jardin comprenant une entrée, une cuisine ouverte aménagée et équipée, une pièce de vie avec accès à un beau jardin ...\nBureaux - Champlan\nA deux pas du Centre-Ville de Champlan, bureaux à louer : une entrée, 2 pièces bureaux, une pièce coin repas. WC avec lave mains commun dans les parties communes de l'immeuble. Une place de parking privative. Possibilité de se garer facile ...\nAppartement 3 pièces 39,45 m² - La Ferté-Alais\nImmeuble de rapport au centre ville de Brétigny sur orge\nEXCLUSIVITE SIB - Au centre ville de Brétigny sur orge, à 5 mn de la gare et des écoles et au pieds des commerces, Grand ensemble immobilier sous forme d'un immeuble (550 m² de bâti) comprenant : 2 commerces au rez de chaussée loués + leurs ...\nDirecteur Technique Gestion\nSecrétaire commerciale Location


> Maison villas et maisons VM8522\nMaison villas et maisons Javea Alicante 410.00 m²\nUn chef-d’œuvre architectural d’une propriété; cette spacieuse maison familiale regorge de lumière naturelle et offre une propriété confortable et contemporaine avec tous les avantages du design moderne.\nLa maison elle-même est accessible par d’imposantes portes qui mènent à un hall d’entrée impressionnant avec de grandes fenêtres donnant sur la cour intérieure. Le salon est incroyablement spacieux et offre une vue incroyable sur les montagnes au sud de la propriété et la campagne en dessous et un accès à la cour avec une cuisine d’été complète et un barbecue (y compris un réfrigérateur à vin intégré!) avec en toile de fond la montagne Montgó.\nCe niveau de la propriété comprend également : buanderie, WC invités avec douche, et deux chambres doubles de taille superbement, les deux qui ont intégré dans les armoires et salles de douche avec salle de bains avec douche sans vitres assurant même les salles de bains se sentent spacieuses et modernes.\nLe niveau supérieur de la propriété offre un espace de bureau presque en mezzanine, qui peut être rendu complètement indépendant si nécessaire, et dispose de sa propre terrasse privée sur le toit.\nUn escalier moderne mène ensuite au rez-de-chaussée de la propriété avec une « grande salle » comprenant une cuisine haut de gamme avec des plans de travail en silestone; entièrement équipée avec des appareils Siemens et un îlot central; salle à manger pouvant accueillir confortablement 10 personnes et ayant accès aux jardins et terrasses. Également à ce niveau se trouve la chambre principale, avec dressing, salle de bain complète avec douche ouverte, baignoire sur pied et une chambre spacieuse avec de grandes portes pour profiter de la vue.\nL’extérieur de la propriété a été conçu pour être peu d’entretien; avec pelouse artificielle, des plantes matures, et des lumières LED pour profiter de la vue même la nuit. Il y a une grande terrasse carrée couverte « naya » avec salle à manger et zones de détente, une terrasse semi-couverte, et beaucoup d’espace autour de la piscine 12x6m pour se faire bronzer.\nLes extras comprennent : chauffage par le sol avec pompe à chaleur électrique, système d’eau osmosée, abri d’auto, accès piéton indépendant pour les clients, entrée pavée bloc avec portes électriques, carreaux de céramique.\nLa propriété est incroyablement privée, et chaque détail a été minutieusement mesuré pour assurer cette maison confortable peut être apprécié pour les années à venir.


Véhicule autonome : Continental récompensé pour son contrôle d'accès intelligent - Infoprotection\nSûreté et sécurité Innovations 29 janvier 2019\nAfin de diminuer les risques de collision, choc, rayure, voire de pincement de doigts dans les portières, l’équipementier automobile Continental a mis au point une technologie d’ouverture des portes de voiture, combinant des fonctions telles qu’un frein intelligent ou la détection d’obstacles. Présentée à l’occasion du Consumer Electronic Show qui s’est déroulé du 8 au 11 janvier 2019 à Las Vegas, la solution a décroché le prix de l’Innovation 2019 dans la catégorie « Intelligence des véhicules et technologie auto-motrice ».\nA l’origine, cette solution a été conçue spécialement pour les véhicules sans conducteur, afin de sécuriser les entrées et sorties des passagers. En l’absence d’un chauffeur, c’est donc au système de portière de piloter ces accès. Pour orchestrer ces flux, la solution repose sur une fonction de commande électrique des portes, régie par la technologie Passive Start and Entry System (PASE). « Les portes du véhicule s’ouvrent automatiquement et sans contact au bon moment. Ce système reconnaît également l’utilisateur concerné et ouvre la porte du bon côté » indique Johann Hiebl, directeur du secteur de l’activité Body and Security de Continental.\nUn système de détection d’obstacle a également été intégré. Il repose sur des capteurs logés dans la portière, capables d’identifier un obstacle immobile et de bloquer automatiquement le système d’ouverture grâce à une fonction de freinage intelligente. Espérons que ces capteurs soient un jour en mesure de détecter des objets mobiles, pour diminuer le risque de collision avec d’autres véhicules.


Ou partir en vacances ? - E-Voyageur\nAuteur de la discussion coldcut\nVoila nous sommes un couple d'é&tudiant, pas beaucoup riche et nous aimerions prendre des vacances (1semaine) quelques part mais pas trop loin (nous sommes d'hazebrouck près de Lille). Nous voulons bien changer de régions mais comme ce sont nos 1re vacances, nous ne savons pas où aller...\npas de réponses????? :cry:\nPourquoi ne pas voyager en autocar? Il est possible de partir un peu partout en Europe à des prix très attractifs.\nAgence de voyages en autocar en ligne au départ de Lille et sa région\nVous pouvez toujours penser à voyager en camping! Vous louer un camping car et vous aller en Méditerrannée ou pourquoi pas le tour de la Corse!! Le mieux quand on a peu de moyen, c'est de partir à plusieurs. Louer un camping car à 4 par exemple ne revient pas trop cher! il y a toujours les auberges de jeunesse mais je ne pense pas qu'on puisse y rester trop de jours...\nYep amis voyageurs!\nGuide tourisme et loisirs France et Belgique\nma destination révée : Les Maldives...\nEt si calais et la plage de calais 8)\nvacances au soleil !!\nNous non plus on ne savait pas trop où partir l'année dernière, on voulait aller au ski, et on a trouvé un site internet qui est très bien fait ça s'appelle skifuté et je sais qu'ils ont aussi un site pour la france, c'est francefuté. Je suis allée faire un tour et il est très pratique. Je pense que vous pourrez trouver votre bonheur...!!\npas trop loin de chez vous la baie de somme et ses phoques\nj'en ai un merveilleux souvenir\nRe: la baie de somme et ses phoques\njojoclo a dit:\nPour en savoir plus sur cette destination, je vous invite à consulter notre reportage : La baie de Somme.