Nenúfares efervescentes: septiembre 2013\nUno de los grandes maestros del cine noir, Robert Siodmak, un nombre importante del cine clásico americano, en una de sus mejores películas que recuerda mucho a The Killers (1946). En su argumento es todo lo que hace un hombre por amor, hasta convertirse en criminal y arriesgar su vida frente a unos temibles delincuentes.\nSteve Thompson (Burt Lancaster) vuelve a su ciudad tras haberse alejado por un mal de amor, pero no puede evitar reincidir en ese motivo de locura pasional que lo embrutece y lo lleva a solo subsistir en dicha fijación, ir a buscar a la mujer de su vida, Anna (Yvonne De Carlo), de donde empiezan sus problemas. Mucho peor estando casada con Slim Dundee (Dan Duryea), un tipo acomodado que ejerce una pequeña mafia. Sin embargo, nada detiene a alguien cuando desea algo demasiado, y Anna es ese objeto cegador, con quien aún mantiene un vínculo afectivo, fue su esposa, y como se suele decir donde hubo fuego, todo puede encenderse nuevamente.\nUna historia bien tratada, con esa aura típica del cine clásico, delicado, que guarda parte de sus mejores momentos en la potencia de sus encuentros amorosos o en esa pugna, en la interrelación entre los que quieren ser amantes y más, en un fluido despliegue de emociones, en el forcejeo entre evitar ver lo que te separa del ser amado casi idolatrado, el carácter, la ambición, ser de otro, y dejarse llevar por lo que dicta el corazón y la aventura, manteniéndose los defectos ocultos bajo la simpatía, la de sus protagonistas. Y del otro lado, lo que anuncia el género, un atraco a un camión blindado lleno de dinero, una obra de la que se dice que nunca nadie ha tenido éxito, siendo todos los que lo intentan arrestados y condenados a la pena capital, para el que se cuece un plan colectivo con la salvedad de un infiltrado, único medio de lograrlo, y que alberga muchas falsedades y trampas, bajo un cruce de anhelos y enemistades.\nDos ideas expuestas ligeramente sobresalen del conjunto, la perfección de los pequeños acontecimientos “curiosos” que llevan a que algo llegue a suceder y lo complicado que es anticipar lo que piensa cada persona, lo impredecible que cualquiera puede ser. Dos elementos que rigen el filme.\nSteve es nuestro guía y héroe pero por supuesto no lo sabe todo, no llega a ser tan plano, nos cuenta en un flashback y una parte con su voz en off como llegó a inmiscuirse en un crimen, siendo un tipo naturalmente correcto y anodino (quizá por eso sea tan proclive a dejarse llevar), no obstante guapo y agradable, un sujeto de pocas aspiraciones, humilde, alguien que parece ser una buena persona, un tipo común pero que genera empatía; propiciando acciones dentro de la espontaneidad y el libre albedrio, pero que parece moverse dentro de un destino incomprensible, aunque tiene un imán pasivo que lo jala, el que va más allá elípticamente del atractivo y la sexualidad, sin esmerar la figura de sus virtudes, es bella y sensual sin más como una modelo. Lo mejor del filme son sus dos protagonistas, la pareja idílica (en un arquetipo de la fantasía, y que en el registro del cine negro tantas quebraduras de cabeza produce), su conformación y su relación.\nSiodmak utiliza la sorpresa con habilidad, en lo posible porque se apega a reglas cinematográficas conocidas. Hay varios ratos de proclamada tensión pero es cuando se perpetra el robo y en adelante lo que más nos inquieta, aunque predomina cierta sobriedad, propia de su clasicismo; suficiente para mantenernos atentos, amoldarnos al pasado, propiciando el entretenimiento en una historia romántica que se articula en un contexto de acción, para lo que Lancaster con su porte atlético se presta muy bien al asunto, es el actor idóneo, aunando su capacidad actoral para trasmitir sentimientos (básicos dada su relevancia en el relato, pero sin romper su sencillez argumental), en estados de expresión marcados, exuberantes, que son siempre tan vistosos -y que yacen en sentido de cuerpo- en este tipo de séptimo arte, todos con un toque teatral, muy dramáticos y tendiendo a ser un poco exagerados, para generar los momentos cómplices o estelares que hacen suspirar al espectador, es su fuerte ya que el resto suele ser de una inocencia menos convincente, moviéndonos en sus vaivenes y reiteraciones, facilitados por figuras fáciles de identificar en general pero en donde sus superficies brillan mucho y no me refiero a la belleza; a lo que suma la interacción del principal con los secundarios con diálogos audaces que fingen de casuales en medio de un toque de comedia sutil, con la mujer que no falta independiente en la barra y el barman, una dupla que pone el toque pintoresco a la película, y que como suele ser se hacen querer con poca participación, no solo entre ellos sino en nosotros, lo mismo con la banda variopinta de atracadores, muy superiores en simpatía aun en su cotidianidad a una película como Ocean's Eleven (2001). No te lo crees todo pero igual te metes en el juego de ingenuidad y relajo en cuanto a exigencias de credibilidad, lo aceptas como parte de la época.\nTiene a una Yvonne De Carlo muy guapa, como una cierta réplica de Ava Gardner, pero bastante menos glorificada; no obstante, se ve delicada sin ser débil, sensual, seductora, elegante y a su vez muy normal, con toda esa gracia y magia resumida en el baile antes de reencontrarse con Steve, a través de un plausible esfuerzo artístico general, con la particularidad de yacer muy bella hasta en pantalones anchos de tela, aunque tenga algún instante de sobreactuación (y caer en la verborrea explicando mucho por medio de ella), lo menos a su mayoría ejemplar. Y unos ojos llamativos e hipnotizadores, una mirada que se clava en el alma, como en el relato.\nNos creo por completo que sea motivo de volver a alguien loco, leitmotiv y esencia del filme, a un tipo que puede tener a la mujer que quiera, pero que como dice nuestro confesante narrador es como no dejar de verla en cada rostro femenino, dentro de la melancólica poética del crimen; un noir en toda regla y época, 1949; uno notable.\nPublicado por Mario Salazar a las 8:45:00 a. m.\nEtiquetas: Burt Lancaster, cine americano, cine clásico, cine negro, crimen, crítica, Robert Siodmak, séptimo arte\nEn el Festival de cine de Cannes del año 2012 se le otorgó el premio de mejor director al mexicano Carlos Reygadas, engrosando la polémica, al darle un veredicto de respaldo, aunque aun no zanjando el asunto de si es una buena película o todo lo contrario (eso lo decidirá el tiempo, aunque ya tiene una partida ganada), habiendo tenido antes abucheos en la sala, de donde los críticos y la prensa presente la catalogaron de despropósito, hasta el día del anuncio en que se llevó el galardón y quedó una fuerte polarización (que más tarde ha apuntado más hacia el desconcierto, y por ende, a privilegiar el demérito).\nEl autor era avalado únicamente por el jurado, encabezado por Nanni Moretti, que sea dicho de paso, no hay que olvidar, aporta una importante postura. El del jurado es un alegato de la independencia de los eventos, que muy a menudo no concuerdan con las expectativas y los cálculos también subjetivos de las mayorías asistentes (el contrapunto), y se suele presentar el resultado como una eterna sorpresa (un alegato de identidad), pero de eso se trata, un festival busca la innovación y el atrevimiento (justificado), o esa perseguida originalidad y sustancia, dentro del concepto de lo que debe anhelar el arte y eso gira en base a la novedad, creatividad, sentido y calidad de la propuesta.\nDonde me posiciono es más con el jurado, que aunque por costumbre muchos tienden a desmerecerlos olvidan que son simplemente una perspectiva, a la que uno a la distancia siempre accede por curiosidad, y luego juzga con individualidad. Y es que Post Tenebras lux no es tan críptica como muchos creen, aunque brille la dificultad en algunas secuencias.\nEl sauna y la orgía salen del contexto familiar normal de su trama, pero se puede leer como la simbolización de los “sacrificios” de indecencia que muchos hacen en pos de alguna ventaja o facilidad, parecen alegar a la inserción de la clase social, la privilegiada, que nos recuerda en parte a la crítica de Pier Paolo Pasolini en su mítica película Saló o los 120 días de Sodoma (1975), pero sin la mordacidad o el exceso del cineasta italiano.\nEl desenfoque y repetición del lente de los bordes en la estética del filme hace hincapié constante a una especie de ambientación onírica, entre la pesadilla y lo diáfano, siempre ambiguo e indefinible maniqueamente, mezclada y conviviente. Y puede ser un antes de (un lugar de pecado, de falla), o una predisposición, como una demonización de un mundo (sumergido en otro), viéndolo como extraño o exógeno a la geografía o particular, como una prueba en la experiencia, una marca y un calvario.\nNo sabemos a quién pertenece realmente esa visión que se intercomunica entre realidad y fantasía, habiendo distintas aristas en juego, la generalización de la sociedad del privilegio, Juan y Natalia en la historia, o el pueblo en un fuera de campo. Un halo de inocencia y de naturaleza se sumerge en la pantalla con ese rato tan intenso y tan provocador, tan desestabilizador por antonomasia, en donde Reygadas suele yacer, lo sexual como degradación, pero como elemento de una alienación normalizada, un escape en las tinieblas, que más tarde anida la luz del título, un quiebre, una decisión, un fénix que desciende hasta sus cenizas y luego renace, donde el caos, la anarquía, tienen cabida aun con apariencia de ser lo contrario.\nEstán las dos ambientaciones del cine de Reygadas, la promiscuidad y la violencia (que puede ser pasiva), más palpable en Batalla en el cielo (2005); o el partir del orden, que luego un hombre corrompe y se crea la notoria disyuntiva de seguir –sea para algo bueno o reprochable- o cambiar, como con la pareja en Luz silenciosa (2007); o en Batalla en el cielo el comportamiento que también tiene de esclavitud. Ambos están en mayor o menor medida en toda su obra. Tiene matices más luminosos que otros.\nLa historia es la reiteración de caer en las garras de ese demonio que entra a hacer su trabajo en nuestra humanidad, mientras parecemos dormidos, no nos percatamos. Luego vienen los arrepentimientos al tomar consciencia (lo que nos falta), como esa decapitación tan grandilocuente y artística, tan atractiva en su efecto visual, muy acorde con la culpa que se ve en los árboles cayendo, un recordatorio de nuestras acciones, la destrucción de un territorio, léase como muchos creen ver, la idiosincrasia con México y el narcotráfico, pero también de un lugar más espiritual y universal, hacernos daño a nosotros mismos; y ese hombre que de forma impresionante se suicida es un cúmulo de maldades por razones equivocadas, que brilla en la torpeza y las malas decisiones, la hipocresía, no creer en el discurso sanador, y la necesidad resuelta con lo fácil, lo delincuencial, robar al patrón destruyendo todo alrededor, incluyendo a su propia familia; siempre estar al tanto del dinero sucio sin importarle las consecuencias porque las siente deslindadas de su persona.\nEl filme después es una clara historia de contextualización al campo de gente acomodada, en donde se ven conflictos, pero también adaptación y tranquila convivencia. Existe cotidianidad compartida y ya cierto conocimiento mutuo aun habiendo algunas distancias, engaños –el peón que falta y dice tener urgencia con su madre- y maltratos –como a los perros que parecen transportarse al entorno-. Son parte de la complejidad de los seres humanos, tanto criticable en la ignorancia, la proclividad a la criminalidad ante la carencia, o a otro lado el engreimiento y la banalidad de la riqueza. Y hay parecidos en ambos niveles sociales, que aunque es la sociedad mexicana cualquiera puede verse reflejado, la inestabilidad afectiva –y la trascendencia de la familia- o el caer en los placeres y la autodestrucción.\nEl desenlace en el juego de rugby parece simplemente ser una elección en parte superflua ante lo introducido como parte de la amplitud de habitantes y contextos del espacio retratado, en un obra con reminiscencias a Carl Theodor Dreyer y Terrence Malick, que puede interpretarse como una alegoría de la lucha interna del hombre por lo correcto o lo perjudicable, entre ganar o perder esa partida. Lo de El Siete y su repercusión es un cierre de vitalidad, de renovación, ante lo anterior que ya está presentado y finiquitado.\nEl título implica que siempre la oscuridad albergará un nuevo rayo de luz, una nueva oportunidad, que como se entiende en lo visto puede pasar a otros, aunque la vista del presente conjunto sea tan pesimista en su trama, como Juan (Adolfo Jiménez Castro) que lentamente acrecienta sus conflictos, se niega a descubrirlos, los dispersa en su familia, no cura la insatisfacción de Natalia (Nathalia Acevedo), se maneja con un doble discurso, quiere y no hace nada en realidad, sufre una tragedia, degenera en una enfermedad, en cierta tristeza, y luego es solo otra historia más que contar.\nReygadas le pone a su cine un aura lírica y sensorial, alucinógena, como con esa niña caminando, corriendo, libre, extrañada o sonriente en el lodo tras sus monosílabos sobre las vacas y los perros que ladran en medio de una tormenta y la noche que lo llega a cubrir todo, y en ello superpuesta por la cámara una inminente presencia.\nPublicado por Mario Salazar a las 12:33:00 p. m.\nEtiquetas: Carlos Reygadas, cine latinoamericano, crítica, drama, Festival de Cine de Cannes, séptimo arte\nQuizás debería abocarme más a hablar de Buffalo 66 (1998), una película que cuenta con cierto respaldo y entusiasmo general, que aunque imperfecta tiene sus buenas notorias virtudes, que tiene en sus filas a tres grandes estrellas del cine venidas a menos o de culto como son Mickey Rourke, Rosanna Arquette y Jan-Michael Vincent, una película que tiene como centro y contagio de frustraciones a dos monstruos de la interpretación, cada uno a su modo, Ben Gazzara, que yacía tanto en cintas pequeñas como en populares, y Anjelica Huston, figura muy fácil de reconocer en la gran pantalla y que en cada performance deja su huella y se marca en nuestra memoria aun siendo secundaria; y que tiene a la adorable y todoterreno Christina Ricci como objeto de transformación y animo existencial, en una chica muy de nuestros tiempos, y sensual en su normalidad, aparte de sensible; y al irreverente gen independiente de Vincent Gallo (ganador merecido de la copa Volpi a mejor actor por Essential Killing, 2010) actuando, dirigiendo, brindando la historia y colaborando con el guion, quien es mejor de lo que solemos creer y escuchar de él, un outsider legítimo que yace en cierta oscuridad.\nBuffalo 66 es un filme independiente en toda fuerza y realidad, como no se suele ver (destacando, que sería la parte más complicada) tan a menudo hoy en día, salvo apreciarlo predominantemente desde la inversión y gestión comercial inferior al estándar de Hollywood, uno que avala su libertad, porque es en toda verdad en donde se mueve, presentando un final que versa sobre la lógica, más que la rigidez de una ubicación ideológica, pero sin llegar a tergiversar toda “norma” de identidad y de fundamentos, y ahí brilla la antipatía en los continuos gritos y exabruptos de un hombre recién salido de prisión, por un desmán mayúsculo que lo encerró y lo revela de un vacío y baja autoestima atroz que lo lleva a saltar de la torpeza duramente castigada a temas más delicados como el asesinato, sin más voluntad que deslumbrar a sus padres, la carga eterna de su existencia, siendo un tipo que no tiene nada en la vida, ni siquiera respeto propio quedándole solo la proclividad a la violencia, pero que con un motivo tras una convivencia que nace de un secuestro hará de esa locura de interrelación, criticable en su ligereza estructural, una pasión para vencer su soledad, su dificultad de pertenencia a algo que lo eleve y el dominio de sus emociones y la apertura del elusivo optimismo. Mientras, la forma es lo que la hace tan indie y su canto el de una rebeldía en busca de paz.\nSin embargo, he escogido darle predominio a The brown bunny (2003), otra obra del multifacético Vincent Gallo, tras una introducción con una película ciertamente muchísimo más recomendable. Y es que el filme en cuestión fue abucheado en el Festival de Cine de Cannes 2003, y aunque esto no es un juicio inamovible, se han equivocado otras veces, como con Taxi Driver (1976), no hay muchos valientes que quieran salvarla de la hoguera; el peso del dedo gordo apuntando inclemente hacia abajo es digamos que unánime, aunque hay un intrépido fipresci ganado en sus espaldas, aunque a mucha crítica le arrebatan las rarezas y los filmes vapuleados por la mayoría.\nLa propuesta que tenemos entre manos la escojo para entenderla más que defenderla, aunque dándole oportunidad, o porque provoca hablar de una cinta que genera mucha atención por su osada famosa escena sexual, y que además, no suele ser tan sencilla de encontrar, ya que casi es indefendible en realidad, si bien hay muchos cinéfilos capaces de sustentar y articular defensas dignas de los mejores abogados de criminales, y no faltan avezados elucubradores de los rescates más audaces, ya que a toda prueba la subjetividad puede abrigar a cualquier película por más mala o buena que creamos que sea, y se mueve en toda impunidad, aunque finalmente uno contra el mundo queda más como una acción de honradez para con uno mismo, que a pesar de ser incontables veces inútil sigue siendo bastante respetable, si no caemos en el juego vano del capricho, de porque nos da la gana.\nAparte, la polémica está servida con una felación en toda regla, a vista de toda la cámara y el espectador, aunque no es supuestamente ninguna película pornográfica. Salvo por la lascivia queda uno en estado de shock ante semejante ocurrencia, por medio de una bella rubia y actriz con una carrera medianamente conocida y hasta no tan despreciable con títulos muy renombrados en su filmografía, Chloe Sevigny, que ha trabajado con David Fincher, Olivier Assayas, Lars von Trier, Woody Allen y Jim Jarmusch, y se le puede ver en Lovelace (2013).\nSe capta que aunque puede ser grotesca una imagen de sexo oral explicito que quiere invocar el verdadero amor y el romance con ello, nos remite a una cotidianidad y un realismo al parecer anhelado, pero que hace muy básico aunque claro el relato, una construcción cinematográfica que no trasciende como quiere en cuanto a emotividad aun siendo tan flagrante, o quizá por ello. En éste se trata de la intensidad de la pasión y del afecto más comprometido, pero desde un reduccionismo salvaje, como avalan diálogos ordinarios, típicos de la calentura de las cintas triple X, y no es lo más idóneo, desde luego, aparte de confundirnos con su libertad estructural en todo el metraje hasta ese punto culmen, excesivo y bastante innecesario, por desubicado en cuanto a pretensiones artísticas, asumido desde una fantasía y encuentro que expone las culpas y los reproches que hacen hincapié en lo sexual que está puesto a prueba, en donde yace una barrera en la memoria del ideal del sentimiento poderoso y que representa el vínculo con una sencillez argumental alejada de la sugerencia profunda propia de lo indie.\nLa realización justifica todo su andar pero se hace muy poco, siendo en sí pobre. La melancolía, el abandono y la promiscuidad se fusionan en una unidad final (con una revelación que en su estilo de exposición roza kindergarten, fuera de la grandilocuencia de lo sexual). La carretera y sus encuentros son un reflejo de lo emocional. El vacío y la soledad del recorrido lo haya al protagonista como perdido en un ensueño donde solo su trabajo con las carreras de moto lo anclan al mundo tal cual, y más es como un estado de cavilación íntimo, un peso eterno.\nMás allá de una gran polémica hacia su supuesta creatividad, y absoluto rechazo, su intención queda sometida a una forma demasiado primitiva, aunque la expresión visual tenga fidelidad con el deseo artístico, trunco en cuanto a sus elementos, una idea que seguramente en el papel y en el magma pudo sonar bastante cautivante, pero que debió poner mayor sutileza en sus recursos, lo cual es una crítica notoria, y va con todo el conjunto, de una inocencia que nos lleva a la insipidez, por más fuertes y adultos que seamos en el trayecto (o irreverentes). Sin duda, un ataque de genialidad que no ha llegado a buen recaudo. Pero se agradece la honestidad a fin de cuentas, el intento fallido. Finalmente, es un filme que tiene un algo y no bromeo, ni me obnubilo -no tanto, siendo sincero- con una Sevigny arrastrada por el éxtasis de su gesto y acción, al extremo de enarcar las cejas por algo que parece tragar -¿profesionalismo?, la piedra está tirada, no siempre lo es- debajo de tanta torpeza y diafanidad amateur.\nEtiquetas: Chloe Sevigny, cine americano, cine independiente, crítica, drama, séptimo arte, Vincent Gallo\nCompetidora de la palma de oro en Cannes 2012, la tercera película del norteamericano Jeff Nichols resulta más ambiciosa que sus antecesoras, quiere más atención y no solo por las estrellas de Hollywood, desde su ópera prima, Shotgun stories (2007), pasando por Take shelter (2011), su mejor película, hasta la de hoy. Tiene un estilo marcado en todas ellas, coloca al sur de su país como contexto, la parte más natural y autóctona de Estados Unidos, para explayar sus historias de gente rural, de pequeños pueblos del interior, con los tipos supuestamente más salvajes, pero humanizados y universalizados sin quitarles propiedad. Ahí está su magma.\nSiempre bajo la lucha de conflictos internos, muy humanos. En Shotgun stories el sentido de pertenencia familiar, el desazón y unidad a esa orilla y el resentimiento que hará que una franca y ajusticiadora pero inoportuna declaración de pensamiento se convierta en una lucha entre dos bandos familiares que tienen en común el mismo padre aunque a través de distinta perspectiva y recuerdo, la polarización odio/afecto hacia éste, que se mueve mediante meandros intensos y audaces, y canales/formaciones auxiliares y complementarias muy bien fabricadas, donde brillan pequeñas biografías, anhelos y preocupaciones, que anidan una visión más profunda del conjunto, sin perder su sencillez formal, porque éste cine es bastante accesible, entretenido, sin perder la voluntad de ponerle su cuota de realismo y sus ratos inesperados. Mientras, en Take shelter el conflicto deviene en un estado latente de ambigüedad entre ser un profeta o estar loco, con la inestabilidad y ansiedad que provee el protagonista a su familia y a sí mismo ante esto y por querer cuidar de ellos, una dualidad en donde escoger siempre trae consecuencias en cuanto al concepto del otro extremo siendo complejo detectar lo correcto. Esto es por culpa de unas visiones inexplicables apocalípticas, en donde la lucha ya no es contra otros sino con nosotros mismos y en donde ésta vez nos rige o trata de dominarnos el miedo, tomando en cuenta que la anterior propuesta también abocaba algo que curar íntimamente aunque siendo más cotidiano, solo que a la antigua, como en un discreto western moderno. Hay parecido entre las dos primeras películas de Nichols, aunque como un prisma con la refracción de la luz.\nTake shelter está dosificada con buen pulso y atractivo, generando la continua disyuntiva, desnudándose a último minuto, un descubrimiento final corrompido, pero que de ningún modo empaña la gran historia entre manos que nos ha brindado, porque la duda es implacable, y es el eje que alimenta nuestra atención aunque llegue a formar una posición, gratificándonos más que satisfactoriamente con mucha inteligencia. Magnífica película, aun mejor que la anterior y no es poca cosa aunque ambas ejercen cierto minimalismo o centralización explotando su argumento pequeño pero poderoso, muy bien derivado en distintas acciones sobre un origen muy bien fijo. Shotgun stories es una pequeña historia donde el miedo no asoma sino fluye la revancha y el contraataque que pone en tensión la siempre presente historia de escopetas, como rige el título, idóneo. Es la proclividad a alguna matanza, que como buen séptimo arte de autor se rige a manejar la sorpresa sin perder su hegemonía total, aun siendo algo muy norteamericano, incluso en el tipo de cine, que aúna lo independiente con su vocación de como decía Hitchcock llenar la sala de exhibición. Claramente, es un director que merece más público y mayores reconocimientos, que denota querer lograr el éxito masivo con buenas narrativas cinematográficas.\nEn Mud la aventura se coloca en el homónimo protagonista, interpretado por Matthew McConaughey, que se esconde en una isla no lejos de una comunidad pesquera del sur americano tras el asesinato de una abusiva pareja del amor de su vida, y que es ayudado por dos niños para tratar de escapar en una lancha de motor que abandonada yace en un árbol, junto a su amada, Juniper. Ella es una avispada mujer florero, que sea dicho me ha sorprendido lo bien que le va a Reese Witherspoon, siendo no una elaboración del ecran más artificial como en la comedia que la sobredimensionaba a propósito, Legalmente rubia (2001), sino que es realmente sensual y guapa (y se dice mucho aquí también, pero esta vez es contundente), asunto que no me lo parecía hasta la presente, y quizá se deba a que no suelo ser muy entusiasta de sus actuaciones, y ahora con pocos diálogos y a flor de ser una chica superficial, muy pedestre –un estereotipo realista, bien manejado- se me hace muy apetecible y admirable, aun siendo un papel muy pequeño, pero bastante expresivo en su sencillez.\nMud hace gala de otro rasgo de nuestra humanidad en el estudio de éste director americano, el amor y las relaciones de pareja. Jeff Nichols crea una historia trepidante y sumamente entretenida (que es lo predominante). Es la persecución de unos cazarecompensas producto de la muerte del hijo de un millonario y gánster que tiene la curiosidad de rezar con su séquito poco antes de buscar un homicidio, y al que se le atribuye ser el mismísimo demonio (y mira que esperamos algo grave ante semejante atribución). Están detrás de nuestro héroe que tiene de criminal, de chico malo, como de justiciero, de idealista y de idílico, con muchos otros momentos audaces como el padre adoptivo francotirador haciendo gala de sus atributos o el muchacho que no rehúye una pelea con tan solo 14 años de edad (aunque se hace cliché que estire el puño con tanta facilidad).\nNichols reviste al conjunto de una lectura de fondo sobre varios contextos de amor, nuevamente con la sabia ayuda de sus personajes y sus solidas pequeñas biografías, donde incluso el tío de uno de los niños colaboradores aporta lo suyo, Galen (Michael Shannon, actor fetiche del director y que es un maravilloso interprete a seguir). Vemos la dificultad de amar a una mujer, de ser amados, valorados, la separación y la imagen romántica tanto como la cotidiana; se llega a tener la noción del fracaso, entender, dar soluciones o resoluciones y esperar nuevos caminos, y hasta hay una vena cómica, como la chica de una noche que no se sabe tal y grita que las mujeres son princesas, y no carne, como la mirada perdida, anunciadora, de Neckbone en el amplio y seductor busto, y su propia sonrisa.\nEn ese trayecto muchos lugares comunes se rompen aunque muy ligeramente, pero lo suficiente como para destacar y presentar algunas novedades e interés individual; los usa para luego adaptarlos al ingenio propio, recordando que el filme juega con parámetros de mucha fácil recepción, pero sin obviar su toque de estilo que pone autoría, como repetir de boca lo que ya vimos, en lo real que pretende esa acción, lo "innecesario". Es encomiable ver cómo se puede sacar mucho partido a una historia que no es nada del otro mundo, aunque hay que decir que tiene todos los ingredientes para ganarse al público. Exhibe una trama que cautiva nuestra cinefilia e inocencia, puede cautivar hasta gente exigente.\nTiene una dirección muy milimétrica, muy al tanto de todo, que ve el “error” (la palabra proviene de nuestro lado porque es adrede en el director) y lo arregla (un poco, en parte o en última instancia) o hace uso de las fichas cotidianas sin rubor alguno para beneficio de algo “independiente”, como con las sobredimensiones heroicas de sus protagonistas, que pueden ser algo insípidas, pero se les quita más tarde cierto peso y llegan a agradar de forma menos efectista. Sin embargo, ya sabemos que la película es directa en lo que quiere y lo sostiene con seguridad, tiene mucho de fantasía, de aventura y de comportamiento intrépido compartido principalmente entre Mud y Ellis que se parecen mucho aunque se indica la inconsistencia y la mentira del ídolo (con los fantasmas, en buena parte de aspecto forzado); a su vez su fan genera admiración. Lleva su ligero toque personal en una película muy bien hecha en su tipo que nos hace entender como un filme como éste puede haber competido en el Festival de Cine de Cannes, que como todo evento que sea coherente pero libre con el arte –que no oculta ninguna corrupción, ni el conformismo de una ideología, claro- merece la calidad de lo ecléctico.\nNichols desmiente y vapulea a sus criaturas, como es la vida con todo el mundo, muestra nuestra imperfección, aunque se sienta momentánea en Mud, al que le cuesta no alcanzar la felicidad completa aun con el happy end del filme, tan propio de Hollywood. Si no tomemos una imagen de modelo; Nicole Kidman posaba muy glamorosa en un desfile de moda éste último viernes; con tantas fotos detrás vanagloriándola se ha de sentir especial (su logro, sea dicho además); luego sale y es atropellada por un fotógrafo amateur que con una bicicleta la derribo al suelo como un saco de papas; ella quedó descalza, más que adolorida avergonzada. De ahí la gran metáfora de la realidad de todo ser humano, y eso a un punto lo maneja con cierta habilidad Nichols en un par de ocasiones, aunque no lo hace con demasiada convicción como para tomarle en serio como algo neto de autor.\nMud peca a ratos mucho de cine comercial y eso le baja la llanta de la trascendencia porque es más de lo mismo, si bien como placer sin prejuicios nos deja contentos. También hay que ver que Matthew McConaughey sigue ganando puntos, últimamente se proyecta bastante al Oscar y hasta toma mayor relevancia como actor en cuanto a complejidad, lo paradójico que no es que se reinvente sino como en Magic Mike (2012) le saca (otro) valor a su figura. Con Dallas Buyers Club (2013) se espera algo diferente a su filmografía, muy en la onda de Christian Bale y sus impresionantes aumentos y descensos de peso (y me gustaría rescatar más a Jared Leto que lo ha hecho otras veces sin obtener mucha prensa y que hay que tenerlo visto en la misma de McConaughey). Esto es como explotar su físico, pero a la inversa, dejando de lado su buena apariencia. Aun siendo aquí el de siempre lo hace de forma rescatable, le infunde la bondad natural que requiere su papel de antihéroe, y mejor que no lo hayan sobreesforzado porque no tiene el tipo intimidador, y más le viene el encanto y la simpatía, aunque puesto aquí y allá para que nos haga pensar más del tipo rural.\nTambién hay que echarle unos buenos aplausos a Tye Sheridan. No solo tiene una presencia imponente a temprana edad, sino que aporta su buena capacidad histriónica, como se ve es más que seguro que lo jalan al cine mainstream, se lo merece, aunque ojalá aporte un poco más a los independientes y al cine que supuestamente más arte busca, o a los que suelen hacer la excepción desde la óptica individual, desde donde sea, como de todo aquel que tenga algo que decir y aportar verdaderamente, que nos engendre arte en toda la palabra. Se le podrá ver en Joe (2013), de David Gordon Green, que compitió por el león de oro en el Festival de Cine de Venecia 2013, y que parece seguir la estela de Mud.\nMud tiene un gran grupo, Sam Shepard, Sarah Paulson, Ray McKinnon y Jacob Lofland (en su primer papel, y vaya solvencia en su debut); cada uno pone magia en sus roles y dejan una muy eficaz participación, y no es obligatorio decirlo, están más que correctos. Ésta Cuenta conmigo (1986) tiene todas para entretener y cautivar, generar ilusión con la gran pantalla, conmover con los héroes de la infancia, o el primer amor y el inicial corazón roto, el luchar por algo en que creemos, el no perder la fe en nuestra humanidad, y que aunque nada es fácil ni perfecto ni llega todo a cumplirse a nuestra alma hay que mantenerla siempre en pie, intacta aunque más sabia. Estamos ante un buen cuento más del séptimo arte, de los que buscan ser clásicos sin demasiados remilgos en lo que quiere.\nPublicado por Mario Salazar a las 2:28:00 p. m.\nEtiquetas: cine americano, crítica, drama, Festival de Cine de Cannes, Jeff Nichols, Matthew McConaughey, séptimo arte\nGanadora del Fipresci, el premio de la crítica, y Concha de Plata a mejor actor para José Sacristán en el Festival de Cine de San Sebastián 2012, y premio Goya 2013 también para Sacristán. Es una película pequeña que ostenta mucho de autor, pero de aquellos que quieren divertirse más que complicarnos la vida, se divierten con sus audacias y ocurrencias, y quieren trasmitir una onda de entretenimiento y complicidad entre autor y espectador mediante el séptimo arte, jugar con su plasticidad, dejar volar la imaginación, la libertad de una trama que parece rehuirle al encasillamiento definitorio de una narrativa, fluyendo en un aura de espontaneidad, de broma, de relajo, sin mermar esa molestia y dificultad de afrontar la existencia, de ahí que una voz en off haga de camino con esa intención, genere esa sensación, mientras las continuas dosis de morfina o drogas mitigan la tortura y el dolor que vuelve una y otra vez impenitente, en el verse el protagonista a puertas de la muerte por múltiples tumores.\nEl director Javier Rebollo en su tercera película, tras Lo que sé de Lola (2006) y La mujer sin piano (2009) retoma sus formas, de aquellas que parecen ser historias mínimas ensanchadas, como cuentos cortos que albergan y generan un magma novelesco, pero que son apenas unas líneas de historia, todas con una fuerte carga motivacional en la vida de alguien en especial, algo que nos genera una huida o una persecución, o hasta ambas, que en la presente se intensifica en tener el reloj apremiando la salida; es “robarle” el aliento al mundo, hacerle trampa de alguna forma, si bien la felicidad es una constante en toda realidad.\nEn Santos (José Sacristán) es una tragedia intrínseca, muy arduo, ya solo le queda rodar sin más. Todos los protagonistas de las películas de éste director español se mueven, pero éste no tiene a donde ir realmente, es solo no quedarse quieto, no pensar, porque León va tras Lola y Rosa va tras otra vida, aunque tienen en común que todos terminan solo experimentando, para doblegar sus heridas y ausencias. Ésta propuesta tiene una diferencia mayor de sus antecesoras, del repertorio de Rebollo, ya no es ni siquiera una lucha que nos regenera o una intromisión silenciosa que nos subyuga y nos entusiasma venciendo lo anodino, nos repone, es la contundencia de ser un hombre muerto que sigue caminando, un asesino que ya no puede matar, que ha olvidado su primera víctima, y aunque suene descabellado como aquel primer amor, aquel destello de intensidad, con un pasado que aun en lo extraordinario vale casi nada o tan poco, en el peso del mucho kilometraje que se pierde en la niebla de la vejez que quiere comerse hasta nuestro último ánimo.\nNuestro protagonista ya no tiene forma que lo ampare ni camino por fabricar. Sin embargo, se rehúsa a claudicar, a ser un tipo lacrimógeno, sino es un hombre duro, de temple, pero que alberga sutil sensibilidad (y se respira en su entorno), un criminal sentimental, o un criminal que también es un hombre (aunque es un estado endeble el que lo figura y lo conforma actualmente, y ya no su deleznable trabajo), y no importa que esté en un callejón sin escapatoria ni que ya no tenga nada en sí, le queda el anhelo de sobrevivencia tan intrínseco a todos los seres humanos, el movernos a pesar de todo, y aun así sigue experimentando, riendo, gozando de la clara noción de lo efímero, sin agarrarse ya a nada, como ha sido su vida sea dicho, por lo que no es una nueva lección (teniendo en cuenta que la filmografía de Rebollo plantea búsquedas en otros países al propio).\nEs seguir siendo uno sin importar ninguna limitación, nada nuevo en realidad (la terquedad del eterno viajero, a orillas de su último periplo), porque Santos no pide la lastima de nadie, sino como un viejo aventurero sin rumbo echa a seguir su secreta leyenda, en una road movie que brilla en el detalle de lo intrascendente, que a su vez tiene de tan importante; él yace sin reglas, como acostarse con una desconocida, entablar una relación de compañerismo y necesidad sin ataduras, y rodearse del sueño del idilio seco, del tipo cansado, pero aun dispuesto a vibrar por unos instantes, en la seducción y poder de un clímax (de un estado perfecto de atemporalidad y ausencia espacial, en la ilusión de trascender, sin avanzar), embellecer los pocos minutos que nos quedan, vivir el presente y luego seguir picoteándole a la existencia, de donde sea, porque sí, porque no queda otra, porque así uno es, tiene que ser, porque sufren más los cobardes aunque todos vengamos a padecer sufrimiento como parte del existir, por eso ese helado último es tan importante, más que un ataque de absurdo intempestivo, y es que Rebollo siempre está al filo de la tontería, por querer anhelarse cautivante, original, personal, aunque lo pretenda natural, o quizá es una motivación, y oscila entre serlo y sernos indiferente sin llegar a tacharle del todo, nunca, aun fallando varias veces en generar una esperada reacción con sus formas osadas y coladas un poco a la fuerza, o con rasgos de extravagancia disímil con sus conjuntos más convencionales y fáciles de seguir. Suele ser aun siendo creativo, sencillo, quitando algunas aparentes locuras.\nEl filme aunque se contextualiza en la muerte, que es una constante que se visualiza mucho y que no permite que la olvidemos, tanto que es como una muletilla cargosa (y está bien en parte ya que el tono de la propuesta nos lo hace olvidar), tanto como esa voz en off de los guionistas, de la dupla inseparable y efectiva de Lola Mayo y Javier Rebollo, es un canto de vida, de un optimismo a toda prueba, aun con tantas decepciones, que yacen en fueras de campo asumidos desde la proximidad de la muerte, tras la enfermedad terminal, y el vacío, la soledad, porque Santos es un ser casi sin biografía, nulo y que seguirá siéndolo en vida por el implacable destino, al que solo podemos hurtarle ratos de gloria pasajera, o quizá mitificarnos como un triunfo y fantasía de último momento.\nSantos como dice un diálogo de su consciencia se ve reflejado en Érika (Roxana Blanco) que es una mujer frustrada de y para la familia, el amor, y toda esa solidez estructural que conlleva. Hasta ha sido renga, y se siente como tal que incluso lo finge. Ella quedará como congelada en ese jardín, en esa imagen, aunque notando que es algo que se veía venir, y es la osadía del reto de vivir, lo que como a Santos la hace una persona de piel dura, resistente aunque pequeña. El narrador nos dice que no es la típica chica de las películas, y aunque se dice no ser una tipa tonta, cuando no quiere mostrar la tetas, subyace mucho en una torpeza que se mezcla con la fe y rompe estereotipos, la complejiza sin embrollos. Mientras, la carretera nos libera, nos regala un ensueño. Santos oculta y no deja ver su melancolía, un ser que desde afuera conmueve sin que haga el esfuerzo de revelarnos su interior, es un ente de la superficie, un tipo simple aun siendo particular, es un asesino. Lo golpean en un bar (el tiempo), y teme que lo persigan por no cumplir un encargo al ya haber recibido el dinero del pago, viendo al tipo grande que lo contrató como un recordatorio de su frustración, papel chico aunque mostrándose vistoso, que hace Jorge Jellinek (La vida útil, 2010).\nEs una road movie por algunas geografías de Argentina, pero sin volverlo costumbrista, sino muy moderno, aunque albergando alguna curiosidad como la playa que tiene de paraíso y de apocalipsis, la dualidad terrenal existencial (y que es el sentido del filme, como el mismo título anuncia), que además juega con una metáfora, la del perro que no es de raza y se escapa de la finca y se reproduce tercamente cuando quieren eliminarlo, algo así como las malas semillas, el mismo Santos, esos seres humanos destinados a ser outsiders de la sociedad, negados para una felicidad “estable” (y que el relato parece decirnos que como esa abundancia de canes callejeros no molestan a nadie), si eso realmente existe.\nÉste filme resulta un goce cinéfilo, una historia entretenida, como un cuento de personajes fantásticos que aunque no lúgubres no ostentan demasiado brillo, que lo aparentan o lo intentan, quitando lo banal que siempre nos seduce, pero que ésta vez se justifica, como con la enfermera, su voluptuosidad, apenas vista pero legible, su sensualidad natural, y su imponente sonrisa, interpretada por Valeria Alonso; y que nos masturbe, es como la representación no solo de la fantasía, dentro de lo común, que exuda la historia, sino el goce del consuelo, una salida inteligente al pesimismo y la tragedia, un refugio, un canto de rebeldía. El muerto y ser feliz es como estar dentro de una novela gráfica de la cotidianidad, quebrada con la huida que siempre representa la latente aventura de la carretera. Aunque está muy lejos de ser una obra de arte, se disfruta sin pretensiones, sin que su simplicidad formal con toques de inventiva y soltura/relajo narrativo nos eche en falta ausencias, mayores conflictos, porque como está construida tiene mucha lógica, siendo las verdaderas batallas silenciosas, la violencia va por dentro, y que mejor que sacarles la vuelta que es ahí donde subyace la gloria.\nEtiquetas: cine español, cine europeo, crítica, drama, Festival de Cine de San Sebastián, Javier Rebollo, José Sacristán, Premios Goya, séptimo arte\nBiznaga de oro en el Festival de Cine Español de Málaga 2012 y nominada a 3 premios Goya el 2013, dirigida por Patricia Ferreira. Éste es un filme de muy buena estructura que va como adelantando que va a suceder a través de entrevistas que se confunden en su exactitud – ¿se trata de la psicóloga, de las autoridades del colegio o de la policía?, pensamos- y luego empieza a narrarlo y así sucesivamente, a descubrirnos que oculta y quiénes son todos los implicados y de qué se trata, y aunque al saberlo nos queda la sensación de una desmesura poco asociada con el personaje en cuestión y una inexpresividad insensible poco creíble y tampoco no afín, por el carácter y la construcción interpretativa en especial, no empaña el logro de haber contado con buen pulso y atractivo la historia de tres adolescentes, su relación con sus familias, el colegio y sus locuras. Se basa mucho en la amistad entre ellos.\nEs una película que aborda un tema manido en el séptimo arte, pero que logra presentar su natural cuota de intensidad, y como está bien concebida no es para nada como para despreciarla, con actuaciones -las de los chiquillos- logradas, aun siendo algo carente de creatividad en cuanto a lo que es en sí y lo que muestra, que se comprende en una cierta medida porque quiere que lo visto se identifique con facilidad, otorgarle notoria veracidad, hacer un estudio claro de la existencia. No obstante, es elogiable porque se ve que hay mucho control de lo que se hace, que se conoce, o se ha investigado con contundencia, aun siendo un tema muy popular. Se proyecta el tema de la incomprensión, de la libertad, del estar perdidos, de los conflictos internos y de la dificultad de no ser rebeldes en los adolescentes, que lo son sin que se pretendan, sino como una identidad que se está desarrollando y que descubriendo el mundo quieren hacer lo que no se debe hacer, ya que como se sabe atrae tanto lo prohibido, y más cuando se es inmaduro y curioso, es la edad precisa para ello, se está uno recién encontrándose, por eso beben, se drogan, les gusta el grafiti, hacen fechorías, aparte de yacer en batallas intimas, presiones de los padres y de la sociedad misma.\nEl filme hace bien dándoles un background sólido a cada chico, poniéndoles sus retos y sus contratiempos, sus deberes y sus anhelos. Tenemos el niño que quiere ser un buen peleador de kickboxing para agradar al papá, y que en sí es como una obsesión de éxito y de ser líder, de convertirse en el tipo ejemplar, el más inteligente, el más fuerte, el más astuto; la niña que debe sacar buenas notas en el colegio y ser una chica bien ya que tiene dinero, cumplir con lo que se quiere de ella en sociedad, como con sus bailes de flamenco, llevar una disciplina, comer sanamente o contener buenos modales con amigos de sus padres; y el que es el peor del grupo, la oveja negra, el muchacho descarriado, que simplemente es coger algún rumbo decente, aun siguiendo su estela de outsider, en hacer del grafiti un arte que genere ingresos y reconocimiento, se entre en los parámetros de aceptación general.\nComo no pueden ser exitosos, ante sus preocupaciones, hacen malacrianzas, se enervan y quieren ser más trasgresores, en consonancia a sus frustraciones (que suma a sus propias rebeldías de edad), porque aún no entienden lo que es el orden, el mundo de las consecuencias y es en ese lugar donde hay un fuera de campo; se ve el discurrir, pero no llegan a ser juzgados plenamente, la mayoría lo pasan por alto, y es una pregunta abierta de ¿qué hacer con ellos?, y tiene respuesta visible. En Alex, proyectarlo en alguna inquietud, corregirle a través de la auto-superación y la voluntad, que entable un nexo con alguna pasión. Para los otros, simplemente bajar la carga impositiva, ser más un consejero y apoyar su desenvolvimiento, como lo que representa la psicóloga, Júlia (Aina Clotet).\nHay una notoria disonancia que se hace algo chocante, desestabilizadora, y exagerada a raíz de lo que antecede, con lo que llega a hacer un protagonista, pero sirve para ver que nuestro proceder implica decisiones catastróficas, hay un camino que puede arruinarnos, ya no travesuras, sino algo mayor, y el castigo –esta vez sí algo duro, posiblemente una correccional- no llega a verse, pero se intuye tranquilamente, te lo puedes imaginar. Es un final que quiere defender su rótulo, son niños salvajes, aunque antes no hayamos visto nada demasiado extraordinario que lo avale con fuerza, si bien hay asuntos como el golpe al padre o al hermano pequeño que se toman ligeramente y son algo grave, en cambio a la jovencita ante una cachetada se le cae el mundo. Incongruencias, o falta de balance, pero bueno, la vida tiene distintas reacciones, y cada uno enarbola su perspectiva, hay distintos comportamientos, adultos indulgentes o abusivos, carentes de dimensión o sobredimensionados, chiquillos exagerados o extremos como ampara y defiende el filme, y puede atribuírsele a la visión y hacer de los personajes. Los tres jóvenes como ejes de la película se comen a muchos secundarios que podrían haber tenido mejor repercusión, si bien no es que la trama se pretenda ardua. No obstante, queda el síntoma de la simpatía, de la dulzura que atenúa y cierta pasividad para con el progenitor, como el propio hecho menor y que la jovencita está acostumbrada en su collera al trato ordinario, y lo dejo ahí.\nEl filme tiene buen ritmo y es una historia -aunque de cierto estado de deja vú- que se supera -y se olvida en parte su minusvalía- por una recreación digna, que se hace muy entretenida, y por supuesto, tiene su buena cuota de reflexión, ya que siempre la adolescencia despierta cierta complicidad y comprensión, que visto desde el profesor amargado o del padre agobiado harto de la infracciones de su hija, dos tipos muy ordinarios en la creación de personajes y canal de comunicación, tienen de lógica y preocupación; tampoco es cosa fácil manejarlos, tanto que la temática merece una atención mayor y un reordenamiento más efectivo, ya que pueden ser pequeños monstruos, en proceso de algo peligroso, como implica el desenlace.\nSobre el filme a uno le viene por recordar Elefante (2003), de Gus Van Sant, un modelo general cinematográfico, tanto en cierta vocación estructural, de romper un poco con lo lineal, como con esa personalidad “pasiva” que se convierte en violenta, aunque se ven sus fechorías, menores, como el alcohol que se esconde en una mochila escolar, en no estudiar sino tontear en la computadora, en llegar tarde de madrugada, en quienes son los amigos, en faltar a las clases de baile o en comer pizza en lugar de lo saludable. En la presente obra se razona contra cierta impunidad o dejadez, que nos hace creer que estos chiquillos no tienen la complicidad de la autora, y que parece ser un llamado de atención para el espectador, en parte, porque lógicamente todos hemos sido adolescentes y uno no puede obviar ese estado de yacer extrovertido, divertido, de enajenación y constante aventura que nace de tirar de límites, ya que hay como una ambición de ser rebelde a los 15 o 16, de que esa figura importa a esa edad; es propio de ese tiempo, de una etapa de crecimiento.\nNadie evita la conmiseración e indulgencia, más de la forma explayada, con un Álex (Álex Monner) que tampoco es de los malos como menciona el profesor amargado, no existe eso con los chiquillos, no es común verlo así, y él también aporta sentimientos, los contiene (el abrazo a la madre, la felicidad de la beca o la afinidad con sus amigos). Todo eso deja ver el filme, se posa en ambos lados, en la crítica y la comprensión, como suele buscar el arte y el entendimiento complejo, aunque pueda haber sus excepciones en otros temas.\nEl personaje -y la interpretación- de Oki (Marina Comas) se hace querer muy rápidamente, exhibe aun en su indiferencia esa ternura propia de las chicas bonitas, pero carentes de ostentación, la vemos pequeña al fin y al cabo –mucho más que al resto- y exuda aun en su rebeldía un estado de indefensión. Ciertamente es una más del clan, pero sin perder su femineidad tampoco, que verla de otra forma puede no ser convincente, pero esa lucha de sus acciones recriminables –en donde se deja llevar bastante, pero también tiene su cuota de furia; como cuando arroja un objeto en una pelea- y el de su carácter atractivo, dócil, llevadero, amable, deja pase a no encasillar mentalidades gracias a la ambigüedad que aparece de lo atractivo y lo incorrecto (que es una dualidad anti-maniquea esencial en el argumento), solo que habría que haberlo desarrollado un poco más, conformarla como alguien menos simpática, más activa, capaz de, para de ahí entender que puede albergar liderazgo (negativo) en acciones mayores. En fin, faltó justificarla más. En cambio con Álex hubiera sido muy obvio, mientras Gabi (Albert Baró) es casi perfecto, pero este es un rasgo notorio de romper el estereotipo (pero que en un desenlace como el presente no basta sino sería en gran parte arbitrario), sin embargo aun así está manejado con cierta inteligencia, aunque se extraña más audacia, en sentido imaginativo, con respecto a todo el concepto y hechura del personaje. Es una obra que no será de las más originales, pero su buena factura (impecable), y su cariz narrativo e interpretaciones hacen de ella algo disfrutable, aparte de tenerla por una decente cavilación esencial.\nPublicado por Mario Salazar a las 6:55:00 a. m.\nEtiquetas: cine español, cine europeo, crítica, drama, Festival de Cine de Málaga, Patricia Ferreira, Premios Goya, séptimo arte\nA raíz de la crisis económica y el deseo de hacer cine de bajo presupuesto, como de expresarse artísticamente, ha surgido un movimiento en España denominado el cine low cost, que aúna poco gasto, las nuevas tecnologías, que abaratan costos, promoción y distribución, y un séptimo arte desenfadado, casi como se suele decir, de guerrilla, donde la libertad creativa invoca la irreverencia y la anulación de límites estéticos o imaginativos, tanto que pueden reflejar muy bien la idiosincrasia nacional hispana, enseñarnos la calle, lo popular, el descontento, como pasa con este filme, El mundo es nuestro (2012), ópera prima de Alfonso Sánchez.\nLa cota más grande del cine low cost ha sido Diamond Flash (2011), que podemos decir que está por encima del resto, y ya su director, Carlos Vermut, ha saltado a la otra vereda con su próximo segundo largometraje, Magical girl, aunque su autoría creemos prevalecerá. En continuación sobresalen visiblemente dos películas, aunque en menor medida, una es Carmina o revienta (2012), y la otra, la presente.\nEl mundo es nuestro es una comedia, en parte tonta y campechana, próxima a cada rato a saltar al abismo del exceso, no en sentido de ser perversa y violenta en su gracia, como lo es Torrente (1998) que contra todo pronóstico funciona, sin tampoco reventarle cohetes porque una obra así no llega a tener nuestra complicidad aunque sí logra algo entretenernos. Torrente es uniforme en su locura, en la celebración del abrupto, presentándose como demasiado para bien y para mal. Tomo de ejemplo a Torrente porque parece cumplir de podio y comparte anhelos con muchas otras. Torrente es una cinta taquillera, de sentido del humor pedestre y zafio, como Carmina o revienta y El mundo es nuestro, aunque mucho menos. Digamos que en estas últimas se da la broma directa y llana, más no cruel ni vulgar, aunque Torrente lo muestre de una forma tan natural y alevosa, burlándose de todo a diestra y siniestra que incluye mucho a su protagonista, que no llega a ser una propuesta desconcertante aunque inquiete un poco, ya que uno entiende y entra en ese juego, por hora y media de dimensión desconocida. Torrente es un retrato de la realidad, ahí ahonda en su comedia. El mundo es nuestro contiene una flagrante crítica social que como bandera de intenciones busca ser atrevida, no llegando a corromper ni malograr su esencia como arte cinematográfico, en lo posible, ya que siempre parece estar a punto de meterse una patinada y caer, pero no lo llega a hacer nunca; se sabe -siempre al final- manejar, no olvida su cualidad de entretenimiento, aunque sepa que como ese tipo con explosivos en el banco la gente le escucha atenta, y que mejor que explayarse con lo que a uno le mortifica o se ve identificado, dentro de un cine realista, más quizá porque está sumida la gente en divertirse y la película en capturar su atención de forma simpática (sin embargo, ¿cuántos se quedan con el goce puro y cuántos recogen alguna reflexión?).\nLa verdad tras la broma luce claramente, con transparencia, se mueve en una cierta opinión general, que es casi -o seguramente- universal, que los políticos, los bancos, los empresarios, los adinerados son vistos como corruptos, explotadores y desligados de la gente de a pie, un reflejo y natural critica de la crisis económica. El filme recurre a lugares comunes, anexados por medio de la imaginación sin esconderlos en absoluto, sino realzándolos, sólo que el filme no siempre tiene la audacia de su parte, sino muchas veces no genera la esperada risa, cae también en lo obvio y por ende insulso, y es que la mayoría de la historia adolece de originalidad. Enseguida uno piensa en películas como Tarde de perros (1975) o Mad City (1997), y se hace esa conexión sin esfuerzo, ahí yace la esencia de lo que vemos en El mundo es nuestro. No obstante, si uno quiere verse retratado en su sociedad, en su país, en su idiosincrasia coyuntural, que además tiene muchas semejanzas con lo universal, uno puede sentir que algo le deja y termina uno contento.\nLa irreverencia se discute en pantalla, ya que las ideas son estandartes, son notorias, están para dialogarse, y eso es bueno, en parte, porque sabe lo que quiere y lo que muestra, sin rodeos, es un grito de la calle y como el mensaje de Fermín es digno de defenderse, la lucha contra los corruptos, aunque el fin no justifica los medios. La irreverencia cae a su vez (y se repite en algo concreto bastante austero) en elogiar y darles sentido a sus dos antihéroes de trazo grueso, que lucen considerablemente vacíos y aportan sobre todo desfachatez y simpleza, pero los que entienden en el camino una voluntad de reivindicación colectiva a través de Fermín (como uno mismo da a entender, antes eran nada y solo querían dinero); son dos ladrones, el cabeza (Alfonso Sánchez) y el culebra (Alberto López), de quienes su hablar y tono de barrio se nos hace en parte ininteligible. El susodicho Fermín, el tercer antihéroe, es un ente que de tanta humildad y ansiedad se nos vuelve un cero a la izquierda, pero no por la creada referencia flagrante, sino porque eso es en sí, no parece tener cualidades como personaje. Se nos entregan dos formatos, unidos hasta la redundancia, donde no hay ningún juego de póker, las cartas están sobre la mesa, porque la autoría está en ser voceros del atrevimiento y la realidad, y no en complejidades, es querer emitir un mensaje directo mientras uno se entretiene.\nEl grupo de personajes que hacen de rehenes parecen salidos de la quinta del Chavo del ocho o de un sketch cómico de televisión; sirven para ver algunas verdades o hacer escarnio de referencias, como intrascendencias. La novia posesiva y autoritaria; el novio sumiso e intelectual, pero poca cosa, a puertas de una hipoteca y la esclavitud; el empleado en paro, ambiguo en su proclividad a la traición al tener la ropa de trabajo, al que no le queda otra que el cachuelo; la cajera que reniega de su labor agobiada por no tener vida afectiva; el tramitador homosexual; el chino que parece uno no saber para qué está, pero hace de todo; o la “avergonzada” trabajadora del gobierno. Visto bien, uno se puede reír sin mucha alharaca, sacándonos además esas otras sonrisas de escuchar lo que nos gusta o lo que quisiéramos decir, de un final feliz del mismo tono general, “imprudente”, alevoso, pero como se dice, la risa aguanta todo, o casi todo. Y no es que sea un filme muy gracioso, pero tiene su cuota, y es una opción menor, pero a fin de cuentas agradable. No obstante se pretende demasiado low cost, cuando el espíritu debería ir más allá, como con Diamond Flash, y no como Carmina o revienta, una película muy parecida a la presente que proporciona unas risas y un desenfado a veces rescatable (un poco), y entre otras pocas virtudes sobresale la belleza de María León, que como dicen en España es muy maja, su voz y algún baile suyo; pero en otros momentos es bastante infumable, como cuando Carmina pretende ser la sabiduría del pueblo y no es más que un cúmulo de tretas sucias o barbaridades en un tono equivocado que más que orgullo dan vergüenza; o como en la escena en que se tira un pedo en el auto y no para de reír ante el ahogo de su hija. El contexto de El mundo es nuestro se oye como un ¡ey, despierten!, además de que como con cualquier tv nacional estándar reírse un poco venga bien en medio de tanto problema que a uno le aqueja.\nPublicado por Mario Salazar a las 5:13:00 a. m.\nEtiquetas: Alfonso Sánchez, cine español, cine europeo, comedia, crítica, séptimo arte\nEl documental de Sarah Polley no es un receptáculo de premios, pero por donde va no le faltan los elogios y el entusiasmo alrededor, y a ello me sumo. Stories we tell (2012) es un trabajo que brilla por ser un lugar de diferentes apreciaciones con respecto a quien fue la madre de la directora, llamada Diane, en relación a toda su familia, ya que el mundo parecía girar sobre ella, mucho más estando muerta -que sucedió de cáncer cuando Sarah tenía 11 años- y como la memoria perdona y ennoblece a los difuntos que han sido importantes, bien o mal, para nosotros; y en particular sobre una aventura extra-matrimonial que pone en jaque a sus integrantes, aunque hay mucha indulgencia al respecto, hasta se toma con sentido del humor o muy deportivamente por hijos -algunos medios hermanos- y amigos, como no podía ser tampoco de otra forma porque de no ser así sería más complicado de procesar y de divulgar, empañaría nuestra memoria del ser querido, sería algo que avergonzaría, que afectaría, y la seguridad aflora más bien como la voluntad de documentar la(s) historia(s) en todo alcance, como el arte del documental contemporáneo exige; como también desnudan la personalidad de ésta mujer, que fue actriz y que como todos buscó vivir una vida plena e intensa muy acorde con los sueños que solemos hacernos y que no siempre se cumplen.\nFue una persona que desbordaba alegría, pero a la vez muy sospechosa de ser alguien demasiado libre (aunque algo aprendió de los errores del pasado; hay cierta ambigüedad a su alrededor en todo su retrato, y creemos que con ella presente también la habría), en referencia especial a la infidelidad, por no decir promiscuidad. Y es que enseguida solemos pensar en películas como Los puentes de Madison (1995), en el romanticismo, la aventura, lo idílico, lo hedónico, la autorrealización afectiva (sea cual sea obviando "pormenores molestos”); ponernos en el otro extremo, en ese ente aburrido y “nulo”, secundario (tantas veces incluso visto así por él mismo, como vemos aquí en una humildad y paciencia de mártir, aun pensando que se tiene parte de culpa en la dejadez o en el vacío), el ser que no ha logrado colmarnos como creíamos y esperábamos -en el filme se alega autobiográficamente por la falsa ilusión de una representación teatral- no suele ser a menudo nuestra primera opción, y es ahí que alguien inteligente, perspicaz, digamos que justo y verdaderamente sensible como Sarah Polley acoge una perspectiva discreta, pero lo suficientemente visible en aquella dignidad que le otorga a Michael Polley, dándole la palabra con un manuscrito de su propiedad sobre Diane y sí mismo, que implica la importante decisión de Sarah, que al inicio nos desconcierta, pero pasa a ser muy justificable -y elogiable- para entender el conjunto; a diferencia de lo que cree –y podría haber influido mucho- el productor Harry Gulkin.\nLa transparencia y revelación del documental no escatima ninguna limitación, es la desnudez total de su eje, Diane; y toda la familia queda dibujada con su honestidad; ya que la directora como bromea Michael Polley rememorando un trabajo cinematográfico de la universidad es un “monstruo”, siendo, en realidad, claro, todo lo contrario para él y para nosotros los espectadores que apreciamos su labor artística y su entrega, como su diafanidad, incluyendo la de los propios participantes que dan su versión de los hechos, que como reza el título en cada uno pasa por su consciencia, su inconsciente, sus recuerdos, sus emociones, sus sentimientos y percepciones; y por qué no, conveniencias, filias y desazones que de ésto último hay poco o nada porque -casi como una regla- le recuerdan con cariño y amor; todos han querido ser y han sido de alguna forma su mundo desde su propio cubículo; entonces se trata de como armamos en nuestra cabeza una imagen y la transmitimos, esas son las historias que contamos; la verdad en sí desde múltiples aristas como la vida misma porque lo absoluto se podría decir que no existe en la tierra.\nLa versión de Harry Gulkin pasa a ser complementaria, la de la familia pesa más, aun siendo Michael Polley muy comprensivo y de su mano todo el clan, lógicamente en los hijastros aunque pervive contra todo pronóstico ideológico a ese respecto el sentido de cuerpo o grupo en el documental, salvo uno de los hijos que deja ver alguna pequeña recriminación (que peca de obvia aunque poco se diga, o rompa con el equilibrio), que luego alivia con una broma tras notar su seriedad argumentativa porque más que alguna crítica, que no hay, no como orden global, no directamente, sin contar la de esa excepción luego como rectificada, es la revelación pura y llana sin medias tintas; los juicios quedan en segundo plano, es más una historia que nos van narrando y alimentando todos por separado y que proporcionan un universo enriquecido por cada intervención. No tan alejados suponemos de Gulkin, al fin y al cabo, porque Diane no llega a mancharse demasiado (salpica pero no mata), no se le tacha, aunque la vemos en toda esencia y se nos descubre tal cual en la memoria final que llegamos a juntar de todos los implicados, de donde observamos tanto ese imán de personalidad y belleza interior como exterior que albergó, esa rotunda felicidad que atraía y del que uno quería ser participe, aun a los 42 años de edad, pero también olemos desde lejos sus defectos y errores, sus decisiones inmaduras o sus deslealtades y su egocentrismo y sus derivados.\nNo llega a ser voraz la idiosincrasia del affaire para Michael, no de él hacia afuera, quizá -creemos- porque no lo deja ver, salvo en buena parte en lo implícito fuera de su condescendencia, autocrítica y resignación; y se articula a través de Sarah por medio del buen humor, de la tranquilidad, del entretenimiento, de una narración cautivante que provista de tanta libertad, como la de su propia protagonista, no termina siendo algo vehemente en su juicio, sino subjetivo, mesurado, abierto, aunque bastante completo, y ya cada quien entiende y saca sus conclusiones. No obstante, sin temor a equivocarme, la balanza no es rotunda para nadie aunque se expresan mayormente hacia un lado, y se muestran condescendientes, pero posibilitan la crítica indirectamente; y es que somos seres humanos imperfectos y uno tiende a comprender, aunque valgan verdades, Dios me libre de yacer en esa situación algún día, creo que nadie la merece, sin que se interprete como que uno escupe al cielo.\nLa forma es a todas luces simpática, como lo son todos los personajes, que eso terminan siendo, y creo que como expresa la frase en latín Veritas vos liberabit (la verdad nos hará libres) eso encuentran -al parecer- todos, paz; ya que Sarah cuenta que en algún momento temió se supiera su recién descubierto secreto familiar, pero como dice no por ella, y como presenciamos lo ha resuelto cabal e ingeniosamente, para seguir adelante, cada uno con sus recuerdos intactos (que eso es indiscutible), aunque seguramente Harry Gulkin haya quedado insatisfecho ya que aspiraba como se percibe a dibujarnos a una Francesca Johnson; y eso qué a quién no le gusta Los puentes de Madison, y la actuación de Meryl Streep.\nUna intimidad revelada sin tapujos, que perdurará, además, como marco ideológico de lo que significa cierto concepto de verdad, presentando una pequeña tesis, que define lo que es la historia universal, el relato, el arte mismo, que rompe los límites entre ficción y documental, en una cosmovisión ambiciosa pero a su vez relajada, no académica; lo que cree sólo puede ser una aproximación (y que se intuye por algunos silencios o cambios de perspectivas en un mismo diálogo), pero que ostenta fundamentos e implica un convencimiento, un razonamiento; que le falta una pieza, el descargo, una versión (trascendente en su propia consistencia, en cómo le afectó y lo sobrellevó la protagonista aunque fuera obra suya y tuviera que enfrentarse a su egoísmo), como cree Gulkin, pero que de “afuera” también importa, de repente hasta más, porque demuestra el radio de como ha quedado y trascendido a quienes les repercute; que en sí finalmente no es nada del otro mundo aun siéndolo en su interior familiar que no se lo toman como una tragedia ya pasado el tiempo como en aquella última línea que nos saca una sonrisa, que nos deja un buen trabajo entre manos, porque todo puede ser digno de contarse como estupendamente sirve el filme de ejemplo; la capacidad de cautivar pasa por un juicio subjetivo e Stories we tell aún –o mejor dicho, gracias a esa sazón global- bajo mucha sencillez formal lo logra con su tono, las recreaciones que emulan el archivo casero de lo que parece una trama, las distintas emociones de los entrevistados, suaves ideas de fondo y sus múltiples aristas que tratan de responder inquietudes personales y hasta universales, mediante el mito contrastado y puesto en la palestra para ser conocida la verdad, la figura en el aglomeramiento del recuerdo individual.\nPublicado por Mario Salazar a las 7:22:00 p. m.\nEtiquetas: cine canadiense, cine documental, crítica, Festival de Cine de Lima, Sarah Polley, séptimo arte


Barcelona vs Granada: a qué hora inicia el partido este lunes | Antena 2\nLun, 20/09/2021 - 12:09\nVea también: Lo que le falta por mejorar a Falcao en el Rayo Vallecano, según su nuevo DT\nAsí, los primeros minutos ante el Granada son claves para ver cómo afronta el Barcelona la necesidad que tiene de espantar la resignación. Si con la valentía mostrada por 'Gavi', Yusuf Demir y Alejandro Balde en el tramo final del partido ante el Bayern o con el conservadurismo temerario con el que planteó Koeman el partido ante los muniqueses.\nLe puede interesar Ancelotti: "Estoy en luna de miel con el Real Madrid"\nSea cual sea la elección, el técnico neerlandés, que otra vez ha visto cómo se ponía en duda su continuidad en el banquillo, debe recomponer el equipo ante las bajas de dos pilares del once titular, Jordi Alba y Pedri, que cayeron lesionados ante el Bayern.\nKoeman sigue sin poder contar con Ansu Fati, que todo apunta que reaparecerá ante el Levante el domingo 26.\nA qué hora inicia Barcelona vs Granada este lunes\nEl partido donde Barcelona recibe al Granada por la quinta fecha de la liga española inicia a las 9:00 pm, hora de España. Se puede ver por Movistar Laliga, Movistar+ y Movistar Laliga 1. En Sudamérica transmite ESPN y Star+ a través de internet.


¿Cuánto tiempo ha tenido Estados Unidos con déficits fiscales? - La Inversión Hoy\n¿Cuánto tiempo ha tenido Estados Unidos con déficits fiscales?\nEstados Unidos comenzó su historia endeudado, adeudando más de $ 70 millones a los franceses y holandeses después del final de la Guerra Revolucionaria en 1783. Sin embargo, el primer déficit fiscal real en el libro mayor federal no se corrió hasta el final de esa década.\nUna historia de déficit presupuestario\nEn septiembre de 1789, Alexander Hamilton, entonces secretario del Tesoro, negoció condiciones con el Banco de Nueva York y el Banco de América del Norte para pedir prestado $ 19.608,81 para abordar los déficits dentro del presupuesto de Estados Unidos.\nEl comienzo del gasto deficitario\nHamilton fue un firme defensor de un gobierno federal grande y poderoso, a diferencia de su rival, Thomas Jefferson. Creía que tener déficits presupuestarios podría ayudar al joven país a establecerse y deseaba activamente emitir bonos del gobierno respaldados por los ingresos de los aranceles. El plan de Hamilton se basó en los bonos emitidos por el Banco de Inglaterra después de su fundación en 1694, lo que permitió a Gran Bretaña recaudar más dinero que los franceses durante sus conflictos.\nEl gobierno estadounidense se sintió autorizado a pedir prestado a partir de ese momento, y después de la guerra de 1812, la deuda pública total superó los 115 millones de dólares.\nCuándo realmente se pagó la deuda\nAndrew Jackson, séptimo presidente de los Estados Unidos, consideró que tener déficit era inmoral y endeudarse debilitaba a la nación. En 1835, menos de seis años después de asumir el cargo, Jackson pagó toda la deuda nacional reduciendo el gasto del gobierno y vendiendo tierras federales. Esta es la única vez en la historia de Estados Unidos que la deuda total del país se pagó por completo.\nLa Gran Depresión y las guerras financieras\nAntes de 1930, casi todos los déficits presupuestarios del gobierno estadounidense eran el resultado de guerras. La Guerra Civil creó enormes déficits de cuenta corriente que dejaron a la nación adeuda más de $ 2.5 mil millones después de 1865. La naturaleza de las deudas cambió después de la Gran Depresión y el auge de la economía keynesiana.\nDifícilmente se puede exagerar la medida en que el economista británico John Maynard Keynes influyó en el gasto público en el siglo XX. Si bien las administraciones de Hoover y Roosevelt ampliaron los proyectos de obras públicas y experimentaron con déficits fiscales frente a la Gran Depresión, fue Keynes quien proporcionó la justificación macroeconómica para tener grandes déficits presupuestarios para estimular la demanda agregada y combatir las recesiones.\nEstados Unidos tuvo graves déficits presupuestarios durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Durante la década de 1940, el gasto en el esfuerzo de guerra creó los mayores déficits como porcentaje del producto interno bruto total, o PIB, en la historia de Estados Unidos. Durante la década de 1950 se llevó a cabo una política de gastos más restringida y más o menos continuó hasta el comienzo de la Guerra de Vietnam y la Gran Sociedad de Lyndon Johnson.\nGasto deficitario moderno\nDesde 1970, el gobierno federal ha tenido déficits durante todos los años fiscales durante todos menos cuatro años, de 1998 a 2001. Los analistas políticos y economistas debaten el efecto de estos déficits presupuestarios acumulativos, pero sus orígenes son mucho menos controvertidos.\nDesde la época de Alexander Hamilton, el gobierno de Estados Unidos ha recurrido al gasto deficitario como un medio para financiar guerras, aumentar la influencia federal y brindar servicios públicos sin tener que aumentar los impuestos o recortar los programas existentes.\n¿Pueden los gobiernos estatales y locales en los EE. UU. Tener déficits fiscales?\nComprensión de los efectos de los déficits fiscales en una economía\nseguro de vida del gobierno de los Estados Unidos (USGLI)\nOrden limitada frente a orden de parada: ¿cuál es la diferencia?\n¿Qué son los fabricantes de chips «Fabless»?


El ostentoso matrimonio de la nieta de Julio Gerlein en Barranquilla, VIDEO - Las2orillas\nLos Gerlein, el poderoso clan político-empresarial de la Costa Caribe, hicieron de la fiesta de matrimonio de la exreina del carnaval, Margarita Díaz Granados y Armando Cuello Navarro en el salón Jumbo del Country Club de Barranquilla, una cumbre de política y negocios a la que asistieron invitados de todo el país, muchos de los protagonistas del escándalo de Odebrecht.\nLos Gerlein son socios de la constructora brasilera en Navelena, la empresa encargada de la recuperación del río Magdalena, uno de los proyectos investigados por la Fiscalía, involucrada en el cuestionado crédito del Banco Agrario que tiene a varios directivos adportas de la cárcel.\nLa organización de la boda estuvo a cargo de Ruby Palma quien coordinó la decoración de la iglesia La Inmaculada y el del salón Jumbo del Club. El vestido de la novia lo trabajó Silvia Tcherassi durante siete meses; una celebración que mostró el poder intacto que conservan los Gerlein desde Barranquilla.\nEsta fue la ceremonia:\nEtiquetas: Armando Cuello, Barranquilla, Julio Gerlein, Margarita Díaz GRanados, Margarita Díaz Granados y Armando Cuello, matrimonio Gerlein, matrimonio Margarita Díaz GRanados Armando Cuello, Silvia Tcherassi\n← El festín y la corruptela de Neftalí Correa, el barón liberal de Tumaco Popeye despide a Jaime Garzón, lo único que le faltaba a ese payaso →


Ranking de ventas millonarias de startups en España – Carlos Blanco\nRanking de ventas millonarias de startups en España\nIn Adquisiciones e Inversiones, Capital Riesgo y Business Angels, Emprendedores\nEste es un post vivo que escribí en febrero de 2014 a raiz del post en el blog de Gananzia, escrito por Jose A. del Moral, donde puso un ranking de principales ventas de startups en España. Posteriormente he ido actualizando a lo largo de los meses la información que he podido obtener de antiguas transacciones, así como actualizando las transacciones que se van realizando.\nNo es fácil tener toda la información de todos los deals, ya que en algunos casos ni llega a hacerse pública. Si tienes más información o algo no es correcto, ruego lo comentes para actualizarlo. Sólo he incluido operaciones de exit (venta), no de ampliaciones de capital o cash in, sólo he incluido transacciones que el importe pagado por la compra (total o parcial) sea superior a 12 millones de euros.\nYa.com (Deutsche Telekom): 550 millones €\neresMas (Wanadoo): 255 millones €\nInfojobs (Schibsted): 185 millones €\nIdealista (Apax): ¿200-250 millones €? La valoración no es pública, no me creo los 150M€.\nOla Internet (Picking Pack): 180 millones €\neDreams (TA Associates): 153 millones €\nArsys (1&1): 140 millones €\nOlé (Terra): 107 millones € (12 millones € en cash y acciones de Terra que se convirtieron en plusvalías de 95 millones)\nMilanuncios (Schibsted): 100 millones € (50M€ en cash y 10% de Schibsted España)\nSoftonic (Partners Group): 82,5 millones € por el 30%\nAcens (Telefónica): 80 millones €\nTrovit (Next Co): 80 millones € –actualizado–\nLa Nevera Roja (Food Panda): 80 millones € -actualizado- (Loogic)\nTuenti (Telefónica): 75 millones €\nBuyVip (Amazon): 70 millones €\nLetsbonus (LivingSocial): +50 millones €. (NO OFICIAL) –actualizado–\nRumbo (Orizonia): 50 millones € –actualizado–\nBodas.net (Wedding Planner): 44 millones € (El Blog Salmon)\nTelepolis (Eresmas): 40-45 millones € (NO OFICIAL) –actualizado–\nHispavista (Tiscali): 36 millones € por el 51%\nMuchoViaje (Planeta): 35 millones € (luego lo vendió a Gowaii, posiblemente sin recuperar lo pagado) –actualizado–\nEducaEdu (Great Hill Partners): 33 millones € (45 millones US$) –actualizado–\nOzú (Vocento): 31 millones €\nEncomix (PSInet): 30 millones € –actualizado–\nAkamon (Imperus): 26-29 millones € (contando caja y variables)\nIndisys (Intel): 26 millones €\nPasswordBank (Symantec): 25 millones €\nViajar.com (Orizonia): 20 millones €\nLatinRed (Starmedia): 18 millones € –actualizado importe–\nCTV-Jet (Wanadoo): +- 18 millones €\nInforchat (Ya.com): 16,8 millones € –actualizado–\nNiumba (TripAdvisor): +- 15-16 millones € (NO OFICIAL) –actualizado–\nWuaki TV (Rakuten) : 15 millones € (NO OFICIAL) –actualizado–\nSarenet (Springwater): 14,8 millones €\nTopRural (HomeAway): 14 millones €\nArrakis (BT): 13 millones €\nIntercom -negocio ISP- (Cable & Wireless): 13 millones € –actualizado–\nCiudad Futura (Yupi): 12 millones € –actualizado–\nLa lista es complicada, por ejemplo DondeComprar.com fue adquirida por Kelkoo quién a su vez fué vendida a Yahoo! por 475M€ en 2004, de los cuales aproximadamente un % importante fue a parar a manos de Netjuice. Pongamos que fué un 10% ¿Alguién lo sabe?, eso situaría esta operación entre las 15 primeras.\nTambién deberíamos incluir en esta lista los «exits» parciales, por ejemplo en Privalia, Wallapop y Social Point, estoy seguro que inversores y emprendedores ya han obtenido como mínimo unos 20-30 millones de euros de ventas parciales .\nCreo que en los próximos meses seguiremos añadiendo nuevos integrantes para la lista 😉\nNota del autor: Muchas de estas cifras NO son oficiales, las he leído en Internet, son rumores o bien no han podido ser contrastadas al no ser públicas de forma oficial.\nHe añadido Niumba y Wuaki. No tenía fuentes para los precios de estas operaciones hasta ver tu post. Como sé que estás bien informado, los recojo 😉\nFalta alguna que otra venta Carlos, como la realizada por Educaedu\nhe encontrado un artículo en el que pone que Ya.com pertenece ahora a France Télécom, pues la compró en 2007 a Deutsche Telekom por 320 millones de euros. Aquí el artículo http://www.nzz.ch/aktuell/startseite/articleF8V6P-1.370514\nCreo que faltarían:\nFaltaría blinkbooking vendida a Groupon en 2013\nMe viene a la cabeza la reciente operación de los chicos de TouristEye con su venta a Lonely Planet, aunque no se ha publicado la cantidad.\nTambién me falta Rumbo.com. En la misma fecha qué compra Viajar, Telefónica+Orizonia compraban Rumbo.\nHe encontrado información sobre Niumba donde aparece otro precio de venta: https://www.webcapitalriesgo.com/descargas/Inf2013s1_Final.pdf\nAdemás en la web de tripadvisor aparece que el equity value de las 5 compras de 2013, incluyendo Niumba, es de 31,5M$, lo que hace que parezca escesivo haber pagado 18m€ solo por Niumba.\nPodrías especificar en la explicación que te refieres a ventas en volumen de la transacción 😉\nAl inicio resulta un poco confuso…\nVender por internet - Antonio\nBueno, primero habría que definir que es una Startup, porque veo algunas empresas ya muy granaditas, no?\nToda empresa un su dia fué una startup, hasta El Corte Inglés… saludos\nMe hace gracia ver a infojobs en tercera posición. Toda España deseando que acabe la crisis y ellos contentísimos de que para un puesto lleguen mil curriculums distintos 🙂\nMe parece que sería un dato sumamente interesante saber además del importe, el año en que se realizó la operación. Creo que (sobre todo en las más antiguas) daría información acerca de si finalmente la operación fue buena o no, y si fue comprada a precios de ‘burbuja’.\nPondría también los años de las adquisiciones.\nEcha un vistazo a fogg\nPuedo dar fe de la cifra de la venta de CiudadFutura.com, lo «gracioso» es que hoy dia se dejo vencer el dominio, como de otras tantas Cias. comparadas por Yupi.com y luego adquiridas por MSN.\nEn el sitio 21\nLa venta ha sido de Intercomputer S.A. que tenia la marca Encomix. 1999\nEn esta venta he actuado como Broker por parte de PSINET.\n2 años mas tarde PSInet quebró y los propietarios anteriores han recuperado casi la totalidad de la empresa vendida 🙂 Tambien han sido comprado Infase SL y Abaforum por 1 million cada uno !\nRentalia comprada por Idealista\nNeurona comprada por Xing\nSocial Point Cash in de Insight?\nSaluspot comprada por Telefónica\nHecho en falta muchas de la locura de finales de los 90 como :\nArrakis (Compro BT – 1998)\nRedesTB (Retevision – 1998)\nServicom (Retevision – 1998)\nJet internet (Wanadoo/France Telecom – 1998)\nCTV (Wanadoo/France Telecom – 1998)\nProdigios Interactivos (AOL y Santander, antes BSCH – 2000) –> AOL Avant\nPantagon (Santander – 2000) –> muerte de OpenBank… 2005 –> muerte de Pantagon\n… Y hay más !!!!\nDebido a que muchas veces el montante de las operaciones está sujeto a cláusulas de confidencialidad, no es posible realizar una clasificación numércica por el valor de las inversiones realizadas ya que no se puede terner acceso a todos los importes de las distintas operaciones que tuvieron lugar. Lo que sí que es posible es realizar es un Ranking de Inversores de Venture Capital y, en su caso, uno de Private Equity así como otro de Asesores Legales y Asesores Financieros cuyo trabajo y dedicación permitió que estas operaciones de adquisición pudieran llevarse a cabo.\nPuede consultarse en http://www.recari.es/rankingDet.php?per=7.\nCreo que te falta la compra de ElTenedor por TripAdvisor. Los datos que dan en @Hemerotek es que fue por > 100€M\n@JaviStarter ElTenedor pertenecia a una empresa francesa, la empresa adquirida no era española y los fundadores eran mayoritariamente franceses.\nPanoramio Google 6M??\nNeurona a Xing\nRentalia a Idealista\nSalida a bolsa de Bodaclick por 40M\nSecondary de Bla Bla car\nSecondary social point\nSecondary privalia (salida de Cabiedes)\nEstaria bien poner el año de la venta.


La protagonista del exclusivo de PlayStation llega al juego chino como un personaje jugable.\n22 Jul 2021 11:16:492021-07-22T11:16:49ZPor: SuperTrending\nDespués de varios rumores y filtraciones, finalmente se confirmó la llegada de Aloy a Genshin Impact. La heroína de Horizon Zero Dawn estará como personaje jugable para unirla a nuestro equipo en el free to play de miHoyo.\nLee también: Inician las ofertas de mitad de año en la PS Store\nAdemás de confirmar su arribo al juego, también se reveló el diseño que tendrá la arquera, basándose en el diseño original, pero adaptándola a la estética de Genshin Impact, llegando como la “salvadora de otro mundo”.\n¿Cómo tener a Aloy en Genshin Impact?\nLo primero a destacar es que este personaje estará disponible para PS5 y PS4 en primera instancia. Para poder obtenerla debemos ser nivel 20 o superior mediante el correo del juego. Así que solo debemos iniciar sesión en nuestra consola cuando de inicio el evento.\nEl periodo en el que el evento estará abierto desde la actualización 2.1 hasta que llegue el parche 2.2, el 13 de octubre de 2021 a las 7:00 p.m. Aunque para los jugadores de PC y móviles el personaje llegará entre la actualización 2.3 y 2.4 el 24 de noviembre.\nLee también: PlayStation le da valor a sus estudios internos pensando en la PS5\nHorizon Forbidden WestHorizon Zero DawnPlayStation Genshin Impact\nHorizon Forbidden West se verá “fantástico” en PS4


¡Candidatos de Cazones en la recta final! – Noreste\nCazones, Ver. – A escasos ocho días para que concluya una jornada electoral histórica, donde hombres y mujeres están en la recta final para que uno de ellos salga victorioso, el próximo 6 de junio.\nSe acerca la hora de la verdad, de poder demostrar con sus propuestas de gobierno, convencer a la ciudadanía de este municipio, y demostrar que sus propuestas, no son ocurrencias de una noche de café o copas de querer ser el próximo presidente municipal, diputado local o diputado federal.\nLos Cazoneños merecen un gobierno que venga a trabajar con conocimiento de causa, y no a ver que se puede hacer, por eso es momento que la gente escuche, investigue, quien tiene y conoce los problemas y tiene las propuestas de una mejor solución.\nCazones de Herrera, necesita a una persona que sepa cómo fortalecer la educación, atraer el turismo que tanta falta le hace, que sepa gestionar ante las instancias correspondientes, la rehabilitación de las principales vías de comunicación, y que venga a mejorar las condiciones de la gente del campo.\nQue tenga la capacidad de entender a los jóvenes, hombres y mujeres, para que tengan una mejor forma de vida y no tengan la necesidad de emigrar en busca de una mejor oportunidad.\nTambién te puede interesar ver: Preparan ceremonia del Día de la Marina en Cazones\nTemas Relacionados:candidatosCazones de HerreraPrioridad3recta final


Centro Avanzado Terapéutico Cromo Somos.\n“Así surgió lo que inicialmente era un sueño y ahora es una realidad”\nCentro Avanzado Terapéutico CromoSomos\nLa experiencia adquirida durante años trabajando coordinadamente con otros centros externos de rehabilitación y terapias nos permitió dar el paso a la independencia profesional para trabajar internamente con nuestras niñas afectadas por Síndrome de Rett y otros Trastornos del Neurodesarrollo.\nDurante varios años estuvimos ofreciendo a nuestras afectadas un servicio de becas terapéuticas donde se realizaban de manera externa en diferentes instalaciones. A medida que pasaron los años percibíamos que el contar con un espacio propio para los tratamientos era una necesidad y así surgió lo que inicialmente era un proyecto y ahora es una realidad.\nCROMOSOMOS es un centro avanzado terapéutico y multidisciplinar en el que se ofrece un enfoque a su tratamiento desde una visión más global, ya que contamos con terapeutas en varias especialidades.\nEn este momento disponemos de alrededor 300 m2 de instalaciones dedicadas a la recuperación y mejora de nuestros afectados. Estas instalaciones cedidas por el Ayuntamiento de Badajoz nos permiten hacer un amplio abanico de especialidades: fisioterapia especializada, método TheraSuit, pedagogía, psicomotricidad, habilitación funcional, psicología y trabajador social.\nContamos con un equipo profesional altamente cualificado y en constante proceso de formación además de la tecnología más innovadora y puntera del momento: Comunicador Visual Tobií, Aula Multisensorial, Tabla de Surf, TheraSuit… que nos permiten ofrecer a nuestros afectados servicios de alta calidad y totalmente personalizados.


Me siento defraudada con la amistad y muy sola\n7 de agosto de 2009 a las 13:25 Última respuesta: 6 de julio de 2010 a las 1:20\nDesde hará aprr oximadamente un poco más de un año mi vida ha cambiado mucho, empecé con mi pareja actual y por el principio, que todas sabemos que cuando empiezas solo te apetece estar con él, dejé de lado a mi amiga que desde hacía 10 años siempre ibamos juntas a todas partes. Teniamos un grupo de amigas pero en realidad eramos ella y yo. Ella tampoco intentó hablar conmigo ni acercarse a mi, con los meses rectifiqué porque me di cuenta que estaba haciendo mal, ella no estaba tampoco sola ya que iba con el grupo que soliamos salir. Pero mi sorpresa fue que me dijo que si no era la Mónica fiestera con la que salía de fiesta no quería la amistad. Desde luego me llevé un chasco , ella también tuvo una pareja y se distanció de mi hará un tiempo pero cuando lo dejaron yo estaba ahí, sin reproches ni nada, y ahora ella me decía esto. Yo sigo con mi pareja , pero me falta esa parte , he intentado conocer gente nueva, abrirme con otras chicas pero no es lo mismo, no siento esa complicidad . Hay veces que me siento muy sola, quizá me equivoqué y me cerré demasiado en ella como en mi novio. Tengo muchas conocidas pero ahora siento que me cuesta adaptarme a la gente y me suelo sentir rechazada a veces por los grupos. También es verdad que aquí en Bcn somos más cerradas y desconfiadas.\nMi novio tampoco me ayuda mucho porque él no es que sea muy sociable y no entiende mi necesidad de conocer gente nueva o hacer cosas en grupos. He perdido un poco la fe en la amistad y en la gente pero quiero intentarlo una vez más .\nMe gustaría conocer chicas como yo, buena gente, sanas, con ganas de abrirse a gente nueva por eso escribo aquí , quien se sienta identificada conmigo o simplemente quiera conocer gente nueva invito a que me escriban.\nGracias a todas por dedicarme unos momentos.\n23 de septiembre de 2009 a las 23:08\nHola!! antes de nada decirte que lo que te ha pasado no es nada raro... creo que todos cuando empezamos con una pareja tendemos a aislarnos un poco del mundo, y es normal! al menos yo considero que es totalmente normal, y nunca me enfadaría con una amiga por algo así, porque yo misma lo he hecho. Tal vez te duela oirlo, pero creo que ella no era una buena amiga, creo conectabais muy bien para salir por ahi, y tal vez como dices tú te encerraste mucho en ella y no te diste cuenta de que para ella no era lo mismo. Suele ocurrir que cuando conocemos a alguien y nos llevamos bien tendemos a pensar que la otra persona piensa lo mismo que nosotros, y la verdad... la gente es tan diferente! hay de todo... entiendo lo que dices de la complicidad, cuentas veces lo he buscado! y nunca lo consigo, los chicos se acaban enamorando, y las chicas... que se yo, siempre es todo como falso y supeficial!\nLa verdad, me siento muy identificada contigo, tal vez porque yo también he tenido muchos chascos, sobre todo con amigas (siempre se me ha dado regular hacer amigos, y amigas todavia más), y tiendo a cerrarme a la gente a la que quiero, aunque se que no esta bien... pero cuesta luchar contra tu carácter!\nEn fin, yo soy de Madrid, pero si quieres y te apetece escribeme!! estare encantada, llevo 5 añazos con mi novio y la verdad esque tengo muy pocos amigos, estar con pareja no ayuda verdad? jeje\nMucho animo y no desesperes! yo aun creo que existe gente buena y normal por ahi, poca, pero la hay...\nte dejo mi e-mail. peq_guerrera@yahoo.es\n6 de julio de 2010 a las 1:20\nhola acabo de ver tu mensaje y entiendo tu situación veo que hace un año de este mensaje aun buscas amistad¿ un saludo!\nTemas relacionados: amistades pasajeras estoy más sola que la una en amistades: amistad pontevedra amistad, con y sin mayúsculas. ofresco amistad amistad de conveniencia.? ¿que buscas en una amistad? amistades lastre amistad en valladolid hacer amistades. quién se apunta?


Hace unos días os hablábamos de Wordle, el juego que lo está petando en todo el mundo. Desde hace unos días se habilitó la opción de compartir nuestros resultados en redes sociales, creciendo, gracias a esto, su popularidad de forma desmesurada. Sin embargo, este juego se encontraba únicamente en inglés. Hasta ahora.\nRecientemente ha surgido una versión en español, a la cual todo el mundo puede acceder de forma gratuita. Se trata de un proyecto open source creado por Daniel Rodríguez, ingeniero de software y contribuyente en Github, donde se puede encontrar este proyecto.\nEl juego está disponible tanto en español como en catalán\nEn caso de que la barrera del idioma os impida a algunos de vosotros disfrutar de la totalidad de Wordle, esto ya no será un problema. No solo se encuentra en español, sino que también existe una versión en catalán a la que podemos acceder a través de este enlace.\nLa versión en español, si bien nació hace menos de una semana, ya es bastante popular, y todo apunta a que seguirá creciendo aún más. El interés está ahí, y gracias al usuario Picanúmeros en Twitter se pueden ver algunos datos interesantes de ello.\nSegún esta información, Wordle en español ha conseguido más de 6.000 tweets en dos días. Para ello se han analizado cuántos tweets contenían las palabras clave 'Wordle (ES)' y '/6'. A partir del análisis de estos tweets, se ha obtenido información muy interesante acerca del porcentaje de aciertos en base al idioma, o los turnos en los que más suele acertar la gente, entre otros datos.\n¿En qué consiste Wordle?\nBásicamente se trata de un juego de adivinar palabras. Cada día hay una palabra nueva de cinco letras para todo el mundo, y tendremos seis intentos para lograrlo. Eso sí, para ello, nos dan algunas pistas:\nPodemos acceder a este juego a través de cualquier dispositivo, ya que se encuentra en versión web. A comienzos de enero, Wordle había superado la barrera de los 300.000 jugadores. Todo empezó con su creador, Josh Wardle, quien deseaba desarrollar un juego de palabras para él y su pareja.\nCompartir Wordle ya está disponible en español: así es la nueva versión del adictivo juego que engancha a internet


Emprendedores podrán vincularse a ANDI del Futuro - Gobernación de Boyacá\nInicio » Noticias » Emprendedores podrán vincularse a ANDI del Futuro\nEmprendedores podrán vincularse a ANDI del Futuro\nGobierno de Carlos Amaya genera espacios para nuevas iniciativas empresariales.\nTunja, 2 de agosto de 2017.(OPGB). La Secretaría de Productividad, TIC y Gestión del Conocimiento, la Asociación Nacional de Empresarios de Colombia -ANDI- y las cámaras de Comercio de Tunja y Duitama presentan la convocatoria ‘ANDI del Futuro’, dirigida a empresas jóvenes, que buscan el crecimiento de sus emprendimientos y la sostenibilidad de los mismos.\n“Esta convocatoria tiene como propósito identificar empresas de reciente creación, que con su actividad estén generando impactos positivos en su entorno de desarrollo, para que se vinculen a la ‘ANDI del Futuro’ y contribuyan de manera efectiva al crecimiento económico, rentable y sostenible de Boyacá y del país, con alto enfoque hacia la solución de problemas reales del mercado”, explicó la ingeniera Elianeth Gómez Díaz, directora de Productividad de Boyacá.\nLos empresarios seleccionados recibirán membresía gratuita por un año para ser miembro de ANDI del Futuro, acceso a conocimiento y experiencia, conferencias, charlas, mentorías por seis meses y talleres, acceso a mercados, ruedas de negocio, relacionamiento y vocería.\n-Empresa formalmente constituida en las cámaras de Comercio de Tunja y Duitama con mínimo 1 año de creación.\n-Contar con un modelo de negocios probado y validado en el mercado.\n-Tener un equipo interdisciplinario y capacitado.\n-Al menos una persona del equipo directivo debe estar dedicada cien por ciento a la empresa.\n-Presentar una oferta de valor clara y diferenciada frente a sus competidores.\n-El volumen de ventas anuales debe ser mínimo de 200 millones de pesos.\nEl 21 de agosto, a las 12:00 pm, vence el plazo para postularse, conociendo los términos de referencia y diligenciando el formato de inscripción, disponible en la página de la Gobernación de Boyacá www.boyaca.gov.co, en el link de la Secretaría de Productividad, TIC y Gestión del Conocimiento. (Fin/Adriana Villamil Rodríguez)


Candidatura de Allamand al Senado genera un nuevo remezón en el oficialismo\nEx candidato presidencial de RN decidió postular por Santiago Poniente. Se trata de una circunscipción emblemática para la UDI, ya que su fundador Jaime Guzmán ocupó el cargo y ahora el ex alcalde Pablo Zalaquett pretende adjudicárselo.\n¿Allamand al senado por el Bío Bío? RN analiza la postulación del ex presidenciable\nDe acuerdo a los dirigentes de Renovación Nacional el Comité Político analiza la posibilidad que Allamand compita por un cupo senatorial por la Octava Región.\nComisión de Vivienda y Urbanismo del Senado aprobó subsidio para familias que necesiten regularizar viviendas autoconstruidas\nEste subsidio consistiría en una primera etapa que permita contar con asistencia técnica de un arquitecto, para realizar un informe de la vivienda, donde recomiende las obras faltantes para lograr la recepción definitiva.\nNueva salida de madre en Honorable Congreso: Evelyn Matthei a Osvaldo Andrade ¡CTM!\nIncidente con garabatos incluidos entre Osvaldo Andrade y Evelyn Matthei en el Congreso.\nGolborne no va como candidato al Senado\nEl otrora precandidato presidencial apoyado por la UDI, anunció que no aceptó ir como candidato al Senado.\nAChM pide al gobierno garantizar recursos para educación municipal\nEl nuevo presidente de la Asociación Chilena de Municipalidades (AChM), Santiago Rebolledo se reunió con el presidente del Senado, Jorge Pizarro para pedir que sea garante en la adjudicación de los 72 mil millones de pesos que anunció el Presidente.\nEste martes se define la fecha en que el Senado analizará la acusación constitucional en contra de Harald Beyer, en un libelo que está dividido en tres capítulos que se votarán por separado. Basta que se apruebe uno, para que el ministro sea destituido.\nLa Comisión de Hacienda del Senado rechazó nuevamente el reajuste al salario mínimo propuesto por el Gobierno, que eleva la cifra actual en un 6.2%, alcanzando los 205 mil pesos.