Imagen y antiguedad - CINE INDEPENDIENTE\nEste apartado lo dedico especialmente a la memoria de Jesús Ginés, Enrique Toha y Eusebio Peiró. Ellos fueron parte integrante del grupo de cine Andanzas y siempre formarán parte de su historia y de mi recuerdo.\nEl cine independiente en Aragón, ha tenido siempre un gran arraigo. El cine puro, fuera de intereses comerciales y libre de pensamiento y doctrinas, refugio de jóvenes realizadores que encontraron en él un punto de contacto y de inspiración para su trabajo, sobre todo en una época difícil, donde la libertad de expresión era inexistente y las producciones se hacían de forma clandestina escapando al control de cualquier tipo de censura.\nLos conceptos cinematográficos que cada realizador aportaba a sus películas y su forma específica de entender las cosas que lo rodeaban, hacían del cine independiente un mundo lleno de matices y rico en expresiones. Hay muchos nombres que vienen a la memoria y que se les podrían dar el calificativo de Pioneros. El cine vanguardista tenía nombres propios, el pictoricismo de Sesé, las formas y abstracciones de Pellegero, volúmenes y sombras de proporciones perfectas y construidas desde una base arquitectónica. El cine especialmente particular de Maenza, donde el absurdo formaba parte prioritaria de sus realizaciones, algunas de ellas de hasta cuatro horas. El documental alpino de Miguel Vidal y sus cuentos costumbristas del alto Aragón, donde recoge de forma excelente, la manera de vivir de sus gentes. La sensibilidad de Pomarón, donde la realidad de una época se plasma de la misma forma que un pintor describe un paisaje con su pincel. Directores que fueron dando al cine de esta tierra una estructura importante, consiguiendo el reconocimiento en todo el país\nRepasaremos y analizaremos el trabajo de estos cineastas, la situación social y política que les toco vivir, los medios con los que contaban para sacar adelante sus producciones. Nos adentraremos en las tertulias del café Levante y en las salas de arte y ensayo, donde tenían su segunda casa y punto de encuentro. Intentaremos reflejar y sobre todo rescatar para la memoria, el tremendo esfuerzo de estas personas desgraciadamente casi olvidadas y que fueron exponentes importantes en nuestra cinematografía\nNuevos grupos fueron apareciendo y con ellos un aire fresco que renovaron las estructuras anteriores. La década de los 80 puede considerarse como importante en este sentido, colectivos como Cineceta y Andanzas en Zaragoza, Sangría film en Teruel o el propio Eugenio Monesma en Huesca, catalizarón de forma sensible el cine independiente en nuestra comunidad. La revolución que supuso la entrada del vídeo en el mercado, tuvo como consecuencia la transformación en los planteamientos técnicos y mentales de los realizadores, el pequeño formato tenía sus días contados y los cambios eran necesarios, un nuevo horizonte asomaba en el panorama audiovisual dando paso a la experimentación propia de la novedad. La evolución tecnológica seguiría en los 90 con la imagen digitalizada por ordenador, el montaje se convertía en interactivo y las copias en originales, siempre aportando un concepto diferente en la realización pero partiendo de un mismo lenguaje, el de la expresión cinematográfica aunque su estética fuera informatizada\nComo podemos comprobar el cine independiente ha tenido una transformación constante propia de la industrialización comercial, permitiendo con ello un florecimiento no sólo de la imagen si no de la forma en la realización. El futuro seguro que nos sorprenderá con nuevos sistemas pero el idioma será el mismo: expresarnos libremente.\nLOS CINE CLUBS\nUno de los puntos de encuentro de los realizadores zaragozanos eran los cine clubs, estas asociaciones desarrollaron un trabajo importante, en la difusión de un cine menos comercial y bastante diferente al que se estaba proyectando. Este tipo de películas que solían considerarse como aburridas y aptas para personas con igual gusto según la opinión popular, servían de base para coloquios y tertulias, dando paso al forum, posiblemente el ejercicio más interesante y que se realizaba después de la proyección\nTendríamos que trasladarnos a un 27 de Abril de 1930 y basándonos en los estudios realizados por D. Manuel Rotellar, para tener noticias de la primera asociación relacionada con la proyección y debate cinematográfico, el Cine Club Zaragozano con sede en el viejo cine Alhambra. Los promotores estaban relacionados con el periodismo y la cultura, personas como: Bonifacio Fernández, Tomás Seral, Andrés Ruiz, Narciso Hidalgo, Eloy Yanguas, Fernando Soteras y José M. Serrano, hicieron posible lo que al principio se suponía de difícil ejecución, la creación de un foro para amantes del séptimo arte. Como casi todas las cosas novedosas, el proyecto fue bastante incomprendido, no se entendía correctamente el concepto de otro cine, tampoco había una tradición que lo amparase, pero los cimientos estaban puestos gracias al entusiasmo de este grupo de amigos, la filosofía del cine club crecía y entraba por derecho en la sociedad zaragozana.\nUno de los cine clubs más importantes que ha tenido nuestra ciudad el Cine club Zaragoza, fue abierto en 1945 en pleno auge Franquista. Fundado por Orencio Ortega, Antonio Serrano y Eduardo Ducay, estaba firmemente sujeto a la normativa vigente, (censura) lo que no evitó que se proyectasen de forma clandestina, alguna película no excesivamente adicta al régimen. Tuvo una vida dilatada y fomentó de manera importante el coloquio.\nEn la década de los 50 la revista Cine Mundo, patrocina el Club Cine Mundo, conocido también por su grupo de cine Cine Club Saracosta, situado en la calle Almagro. Por él pasaron gente como: Artero, Grañena, Moreno, Duce, Fatás, Pomarón, M. Labordeta, Gota, Alfaro, Sesé, Marqueta, F. Gracia, Manrique, Vidal, Monreal, Pellegero. El cine club se convirtió en foro de realizadores y también de debate, no se contemplaba el cine desde la perspectiva de espectador, se estaba enfocando desde el punto de vista de la dirección, del rodaje y la producción. Entre los muchos trabajos que abordó el cine club, destacaríamos en los años 60 la creación del Festival ciudad de Zaragoza, que posteriormente se transformaría en internacional. No deja de ser curioso, que el certamen que con tanto esfuerzo y entusiasmo salió adelante a pesar de la dictadura, tuviera sus días contados con la entrada de la democracia, gracias fundamentalmente a la mediocridad y falta de visión incluyendo Quijotismo de algún estamento.\nLlegaron de manera fructífera los 60, los cine clubs estaban en apogeo, los colegios mayores tenían casi todos sus forum: La Salle, Virgen del Carmen, Pedro Cerbuna. La propia iglesia contaba con el suyo propio el Cine forum Lux, que utilizaba la sala del desaparecido cine París. También tuvo su importancia en esta época el Cine Club Pignatelli, adquiriendo pronto una solera y prestigio, confeccionando ciclos y programando charlas.\nComo podemos observar en este rápido repaso, la historia de los cine clubs en nuestra ciudad tiene sus orígenes en los años 30, durante todo este tiempo estas asociaciones han evolucionado adaptándose a las circunstancias propias del momento, pero siempre manteniendo un espíritu y filosofía característicos. Actualmente el cine club tiene su vida en asociaciones de barrio, sigue funcionando afortunadamente en los colegios mayores y en colectivos culturales, también algunos grupos privados tienen su apartado dedicado al cine dentro de su obra social. Tenemos que lamentar la desaparición de otros como el cine club Gandaya, que había tenido una importante trayectoria gracias principalmente al esfuerzo de personas como Alberto Sánchez y Pedro Aguaviva, que eran su alma.\nParece que la salud del cine club en general podría ser mejor de lo que es en estos momentos, creo que hay que recuperar el concepto del forum y el coloquio últimamente algo olvidado. Posiblemente funcionaría mejor, si en las escuelas a los niños se les hablase algo de cine, que pudieran opinar sobre las películas que ven, sería una forma de participación interesante y un ejercicio de comunicación entre ellos nada desdeñable, daríamos pie para que los cine clubs tuvieran un futuro más prometedor, ocupando el sitio que merecen.\nEL CAFÉ LEVANTE Y LA TERTULIA\nZaragoza ha sido una ciudad tradicionalmente tertuliana. Algunos cafés se hicieron famosos principalmente porque eran centro de reunión; intelectuales estudiantes y artistas, polemizaban sobre los más variados temas, siempre al abrigo de sus muros y con las mesas de mármol como testigos, el aroma a café y la jarrita de agua en el centro. Importantes fueron las tertulias del Niké o del Café Levante, este último requerirá nuestra atención por ser punto de encuentro de la Tertulia Cinematográfica Aragonesa.\nEl Levante comenzó su singladura a finales del siglo XIX. El señor Agustín Charles que era el propietario, decidió transformar su tienda de ultramarinos en un café, que le permitiera seguir manteniendo sus animadas tertulias con sus amigos fuera de la incomoda trastienda. Estaba situado el Levante, junto a la puerta del Carmen, su nombre proviene como consecuencia de estar en línea y sentido con la carretera de Valencia. Principalmente, este establecimiento estaba frecuentado por arrieros, vendedores ambulantes y gentes del campo. Algunos años más tarde el edificio sería derribado trasladándose el café al paseo de Pamplona. Esta segunda época se desarrolló bajo la dirección de Félix Blázquez, que era hijo político de D. Agustín.\nPersonalidades zaragozanas de gran prestigio eran habituales del café, entre ellos destacaremos a D. Pedro Arnal Cavero, D. Antero Noailles y D. Pedro Ramón y Cajal. En noviembre de 1976, la piqueta redujo a escombros el edificio número 9 del paseo Pamplona, pero el Café Levante siguió adelante en la calle Almagro siendo sus propietarios los nietos de su fundador, conservando la misma filosofía y manteniendo sus tertulias.\nLos primeros miembros de lo que sería la Tertulia Cinematográfica Aragonesa, aparecieron como consecuencia del desmembramiento de otros círculos tertulianos. Las circunstancias de haber desaparecido los viejos y famosos cafés, hizo que fueran surgiendo pequeños foros de debate. Tendríamos que destacar tristemente por el hueco que dejó, el cierre del Niké. Posiblemente ha sido uno de los núcleos culturales más importante y reconocido, personas como : Manuel Labordeta, Antonio Artero, Manuel Rotellar y Miguel Labordeta que era el espíritu de sus reuniones, dan idea de la magnitud del Niké al principio de los 60.\nTendríamos que esperar hasta finales de los 70, para que la Tertulia Cinematográfica tuviera el cuerpo específico que se merecía. Manuel Labordeta (no podía ser otro), le puso nombre Gran Orden Aragonesa de la Imagen y la Cultura, se institucionalizaron varias medallas Grandes Maestres y Damas de Honor. El trabajo de la tertulia en estos primeros años, fue realmente interesante, los contactos con otros grupos fuera de nuestras fronteras, como en el caso de Pau (Francia), hicieron posible un hermanamiento que daría pie para la creación de un certamen que se convirtió en clásico, permitiendo la proyección de películas de unos y otros en sus diferentes ciudades, dando un importante paso en el intercambio de ideas y conceptos cinematográficos. También es destacable, el esfuerzo que realizaron estas personas en la divulgación del cine principalmente como medio de expresión independiente, desarrollando en general una brillante actividad dentro del panorama cultural zaragozano.\nMuchas fueron las personas que formaron parte de la tertulia en sus diferentes épocas: Gil Marraco, Manuel Labordeta, Manrique, Pomarón, Rotellar, Sesé, Vidal, los hermanos Sánchez Millán, Pellegero, Aguaviva, Chóliz, etc. Las producciones cinematográficas de sus miembros se convirtieron en lecciones de cine, películas como : Susurros de José Luis Pomarón, El Herrero de San Felices de Miguel Vidal, La Contradanza de Cetina de Alberto Sánchez, Ayer soñé con Marta de Santiago Chóliz, El ladrón de lecturas de Pedro Aguaviva etc.\nMi experiencia personal con la tertulia, hay que inscribirla en su última etapa. La aparición del vídeo, puede considerarse como traumática porque de alguna forma rompía con muchos esquemas dentro del pensamiento de la tertulia, no quiero decir con esto que el vídeo mató el concepto tertuliano, pero contribuyó de manera sensible a una reconversión difícil de digerir. Pienso que la tertulia desapareció sencillamente porque también desapareció el espíritu de los 70 que la hizo nacer.\nLa Tertulia Cinematográfica, pasará a la memoria zaragozana por haber sido uno de los movimientos intelectuales más importantes, el trabajo desarrollado por sus componentes en el mundo del cine y sobre todo el legado de sus películas, forman una parte importante de la historia cultural de nuestra ciudad. Algunas de las personas que la integraron forman parte de otros colectivos, como Pedro Aguaviva dentro del grupo Sefilma. Santiago Chóliz, ha encontrado en la fotografía una fuente alternativa al cine, otros como Gil Marraco, Pomarón, Rotellar, Manuel Labordeta, Vidal o Alberto Sánchez están en nuestro recuerdo. Pero sobre todo para los que tuvimos el privilegio y el honor de conocerlos y participar en la tertulia, tienen el reconocimiento y la admiración propias de haber descubierto con sus películas, el lenguaje y la belleza del cine más genuino y puro, el de la sencillez de las cosas nuestras y cotidianas.\nLa figura de Pomarón, recuerda a la de un viejo alquimista, capaz de fabricar y moldear en su crisol, personajes donde la soledad es compañera permanente en casi todos ellos. Alquimista y artesano, inventor de historias donde el hombre y la vida, el sueño y la realidad, se funden formando un mundo de figuras que giran alrededor de un gran escenario, cuyo entorno es casi siempre hostil. Tenía la maravillosa sensibilidad de desnudar con su cámara los grises tonos, que como un velo iban tiñendo el paisaje donde las sombras extraídas a fuerza de sentimientos y de encadenar ideas, tomaban movimiento y personalidad propia, como diría el maestro: "mis personajes son pobres desgraciados, desplazados de la sociedad".\nJosé Luis Pomarón nace en Zaragoza un 9 de octubre de 1925. Su vida profesional comienza en 1940 con la fotografía como ayudante y discípulo de Jalón Ángel. Estudia dibujo en la Escuela de Artes, aprende la técnica de pintura al óleo, esto junto con su talento le permitirá realizar diversas exposiciones tanto individuales como colectivas a lo largo de su vida. Será en la década de los 50 cuando Pomarón comienza a frecuentar el Cine Club Zaragoza, es en este ambiente con esencia a forum y patio de butacas, donde descubre un nuevo medio para expresarse diferente al de la imagen fija y la tela coloreada que conocía. Su estreno como realizador y director será en 1953 con su primer corto: Fe. Esta película se rodaría con una cámara de 16 mm. construida por el propio Pomarón. El argumento tiene un profundo sentido religioso, con escenas que en algunos casos lindan en lo lacrimógeno y con un final Mariano muy propio de la época.\nPomarón es sin duda el realizador Aragonés fuera del campo comercial, más galardonado y reconocido internacionalmente, con una filmografía muy amplia y que tocaba diferentes géneros pero casi siempre con una gran preocupación por temas de contenido social y humano. Es difícil destacar en tan pequeño espacio, las obras representativas de un director tan prolífico, intentaremos extractar su trabajo, eligiendo las que posiblemente sean sus películas más comprometidas, tanto por su contenido, como por la propia evolución del director y que rompieron con el cine que imperaba en aquellos primeros años de su andadura cinematográfica. Empezaremos por hablar de Pif, rodada en 1957 y basada en un cuento de Emilio Alfaro titulado El piano. Las palabras del propio Pomarón definiendo su trabajo, nos dan una clara idea de la personalidad de Pif: "Pif era un pobre diablo. Más que un hombre parecía un objeto. Todo el mundo tenía simpatía hacia él, lo que quiere decir que Pif era un desgraciado...". En este cortometraje Pomarón habla de la ingenuidad representada en Pif. Un hombre que es capaz de robar dinero a una señora en un viejo tranvía para comprarse una guitarra. Pif pensaba que ello era suficiente para ser un gran concertista aunque no tuviera conocimientos musicales. La tragicomedia llega a su punto álgido, cuando Pif reflexiona y advierte su propia mediocridad. La película fue interpretada por el propio Pomarón.\nLa colaboración con Emilio Alfaro fue muy interesante y Pomarón se basa en un nuevo cuento de este autor titulado "El sombrero", para rodar en el año 1959 El rey, posiblemente su mejor película. Este film obtuvo entre otros premios, la Concha de Plata del festival de San Sebastián en la sección de cine no profesional. Se puede definir este trabajo de Pomarón, como una cinta cargada de simbolismos, donde la lucha por el poder se manifiesta de forma alegórica. Todo comienza con el aro encontrado en un basurero por un vagabundo, y que se asemeja a una corona incluso tiene el tamaño perfecto para su cabeza, esto le hace sentirse como Rey. De inmediato toma posesión de su hipotético reino. La entrada de otro trotamundos en sus dominios y con una corona de latón mejor definida encontrada en el mismo lugar, dará paso a la lucha. El rey quiere esa mitra porque es mejor que su rancio aro, puesta en su frente será un monarca completo. EL enfrentamiento sin tregua llegará hasta sus últimas consecuencias, es decir la muerte. El premio reinar sobre un montón de desechos con la corona de latón símbolo del poder, ceñida a su cabeza. Las connotaciones que se puedan sacar son diáfanas. La película esta interpretada en sus principales papeles por Manuel Rotellar y Manuel Sampietro.\nEn el año 1961 nos encontramos con una de sus películas más curiosa y original, nos referimos a su corto El pisador de sombras. La historia esta basada en el cuento de Eduardo Vadivia titulado El espantapájaros. La trama tiene el sabor de la venganza, en la que un hombre resentido contra la sociedad en que vive, se desahoga pisoteando las sombras de aquellas personas representativas de lo que odia. La interpretación es de Ramón Sanz y Manuel Labordeta entre otros. Ese mismo año rueda El corazón delator, adaptación del relato de Edgar Allan Poe del mismo título. Esta película nos hace recordar por su estética al expresionismo Alemán, con un dominio de la luz y la sombra que recrea perfectamente el ambiente tétrico y macabro tan peculiar en la obra de Poe. El rodaje se realiza en el estudio fotográfico de Pomarón, utiliza dibujos esquematizados como decorados y trabaja principalmente con primeros planos, el talento de Pomarón se pone de relieve y el resultado final de la película se puede considerar como de obra maestra. La estupenda interpretación de Manuel Rotellar y Manuel Sampietro hacen el resto. La filmografía de José Luis Pomarón como podemos ver, es destacable por muchos conceptos y su obra extensa daría para un análisis mucho más profundo, estas breves reseñas sobre algunas de sus películas, sirven de muestra para destacar la capacidad creativa y el esfuerzo de una persona con la sencillez propia de los grandes talentos.\nHubo una etapa en la vida cinematográfica de José Luis Pomarón que no se puede pasar por alto, no fue precisamente la más afortunada para él, me refiero a la etapa de la productora Moncayo Films. Pomarón formó parte en el año 1962, del grupo fundador de Moncayo, fue elegido para desarrollar el trabajo de director-realizador, lo que no sentó precisamente bien para algunos de sus componentes, que veían la figura de Pomarón como la de un director amateur y sin ninguna experiencia profesional. Estas consideraciones no impidieron que Pomarón dirigiera 5 cortos en formato grande (35 mm.): Teruel, la ciudad de los Amantes del año 1962, de ese mismo año son: El Duero nace en Soria, Balón de playa y Zaragoza 1962. En el año 1963 rodaría su último y definitivo trabajo para Moncayo Films: Cualquiera tiempo pasado. La frustración y las profundas diferencias con algunos planteamientos, hicieron que Pomarón abandonase Moncayo.\nDespués de esta experiencia, Pomarón retorna a su cine de siempre, y afronta nuevos proyectos. En 1969, junto con los hermanos Ernesto y Javier Tolosa crea Cinekypo productora que se encargará de realizar spots publicitarios y que aún funciona en nuestra ciudad. José Luis Pomarón desarrollaría numerosos cortos, siempre fiel a un estilo que lo caracterizó y que plasmaba de forma cristalina en cada fotograma. Siguió trabajando, filmando hasta que en 1986 un desgraciado accidente de circulación rompía su vida. Su persona dio paso al mito y el nombre de Pomarón se inscribe por derecho propio en la leyenda de nuestra cinematografía. Tuvo que llegarle la muerte para que se le reconociera a nivel institucional su trabajo, tarde como es habitual en esta tierra nuestra. Actualmente, Zaragoza lleva una calle con su nombre.\nCuando estas desarrollando cualquier tipo de estudio, como en mi caso el cine independiente en Aragón, surgen figuras con una trayectoria importante, empiezas profundizando sobre su trabajo y acabas sintiendo una gran admiración. Mi experiencia en este sentido tiene un nombre, Manuel Labordeta, una persona que estuvo dedicada plenamente a la cultura tanto literaria como plástica. Miembro integrante de diversas tertulias, algunas tan renombradas como la del viejo café Niké, donde junto con su hermano Miguel formaron parte de aquel espíritu mágico y libre de sus debates. Fue parte importante de otro gran foro y del que hablamos en el anterior número: La Tertulia Cinematográfica Aragonesa y que se encontraba ubicada en el café Levante. Dirigió, escribió e interpretó películas, con ese fino humor que lo caracterizaba, era una persona rebosante de humanidad y afecto, querida por todos aquellos que le conocieron.\nManuel Labordeta, nació la víspera de reyes del año 1923. De profesión químico farmacéutico, sus inquietudes culturales se manifestaron de muy joven. Gran impulsor de grupos como el Cine club Saracosta, del que fue parte integrante y activa. La poesía y en general la literatura era una de sus grandes pasiones que cultivaba con especial talento. Director del colegio Santo Tomás de Aquino, D. Manuel fomentó de manera importante la expresión artística desde todos sus ángulos, trabajador incansable y entusiasta. Esta es de manera sintetizada, el perfil del que fuera una de las grandes figuras de nuestro cine independiente.\nSu trayectoria como realizador, estaba fuertemente reseñada por una preferencia en el tratamiento de temas con un cierto contenido ideológico y político. Esto se refleja tanto en sus producciones como en guiones que confecciona para otros directores y de los que hablaremos más adelante. La andadura cinematográfica de Manuel Labordeta, comienza en 1952 con su película Primera misa, en el 55 trabaja con sus hermanos José Antonio y Donato en Comandos, el 57 sería el año en que rodaría Estación Internacional, en 1961 comienza El aguinaldo, esta película inacabada estaba basada en una canción del propio autor. En el 62 comienza el rodaje de Tenis, y en 1969 trabaja en lo que sería su última película, Campesinos. Este corto tiene como eje, la canción de Atahualpa Yupanqui y fragmentos de canciones de José Antonio Labordeta.\nD. Manuel tenía siempre proyectos y propuestas de guiones. Uno de los que se tiene noticia por el tratamiento y por la particularidad del tema, llevaba de título El último BUNKER. Alberto Sánchez en su libro Cine amateur e independiente en Aragón, habla del tratamiento irónico que D.Manuel estaba dando al guión, esto es la de ciertos nostálgicos que añoraban la vuelta de un pasado no muy lejano. Teniendo en cuenta la fecha en la que al parecer lo estaba escribiendo, poco después de la muerte del general Franco, nos podemos dar idea del contexto y de su singularidad, desgraciadamente no tuvo tiempo para poderlo desarrollar.\nSe puede comprender que el estudio de personas como D. Manuel lleven a la admiración, su trabajo en el cine en particular y en la cultura en general, le hacen ejemplo para las nuevas generaciones de realizadores, que afortunadamente surgen en nuestra comunidad. No deja de ser triste que estamentos que se proclaman baluarte de la cultura, dejen de lado lo que sería la difusión de estas joyas de nuestro cine, y se olviden en un canto a la ignorancia de realizadores como D. Manuel Labordeta, Pomarón, Vidal, Pellegero etc. Serían segura referencia de futuros directores y un homenaje a personas que con su talento y valentía , lucharon con sus películas sencillamente por el derecho de expresarse libremente.\nfotograma perteneciente a la película El lobby contra el cordero (1967-68)\nAntonio Maenza, es el máximo exponente del cine vanguardista de los años 60. Década en la que se encontraban realizadores como Lorenzo Soler, Antonio Artero o Paulino Viota entre otros y que formaban parte del paisaje cinematográfico independiente que se desarrollaba por esa época en Aragón. Maenza irrumpirá con fuerza dentro de este panorama como una especie de revolución intelectual, aportando ideas y conceptos completamente diferentes de los que habían imperado. Su cine, se encontraba estrechamente unido a la literatura, como diría Alberto Sánchez, una mezcla entre el surrealismo de Sade, con una concepción especial sobre las relaciones humanas y el cine simbólico de Buñuel. Su discurso, cargado de un fuerte contenido político y su particular interés por el cine pornográfico, brotaban como un grito de protesta, una forma de llamar la atención y de girar la cabeza hacia una parte de la sociedad que consideraba aburguesada y decadente.\nMaenza nace en Teruel en 1948. Su obra se desdobla en dos áreas estrechamente ligadas: el campo literario y la realización cinematográfica. Fue principalmente un autodidacta en todos los sentidos y ello se refleja invariablemente a lo largo de su vida, muestra de ello es el patético diario que escribe a los 17 años: El presente pasado. En la etapa como universitario, Maenza colabora con la revista Más margen, que nace como contestación a otra cuyo titulo simplifica al anterior: Margen. Será en este periodo donde tiene su contacto real con el cine y donde empieza a tomar cuerpo su película El lobby contra el cordero del año 1967-68, largometraje del que hablaremos más adelante. Su activismo universitario le proporciona algún disgusto con la policía, siéndole confiscada, fragmentos de película que recogen la carga de los antidisturbios en la huelga estudiantil, con lo que compromete sin desearlo a más de un compañero que es detenido. Maenza deja la universidad y se dedica a terminar su novela Melotimia, recorre diferentes ambientes culturales y se introduce plenamente en la corriente vanguardista. Tanto la filosofía como la estética de estos movimientos intelectuales que empezaban a emerger en la sociedad de los 60, seducen a Maenza que se convierte en abanderado y en uno de sus elementos más representativos.\nLa figura de José Antonio Maenza ha estado durante años sumergida en el olvido, incluso su filmografía se daba por desaparecida, las últimas investigaciones realizadas por Pablo Pérez y Javier Hernández sobre este controvertido cineasta, han servido para sacarlo de entre la espesa bruma que lo contenía. El hallazgo de casi la totalidad de sus películas que estaban en poder de Arturo Pousa y la recuperación en diciembre del 93 de documentos y restos de film que guardaba celosamente Vicente Ponce, supone en la actualidad, la practica restauración de su obra. Una filmografía compuesta por tres películas, recortes de otras y algunos proyectos inacabados, destacando la cinta mencionada anteriormente: El lobby contra el cordero, film que se rueda en 16 mm, financiándose gracias a una subvención de la Universidad y otras ayudas que Maenza logra reunir. Utiliza un lenguaje pleno de simbolismos y con múltiples trasfondos: recortes, rótulos impresionados, fotogramas coloreados, imágenes que sugieren y que D. Manuel Rotellar resumiría como una ficción caótica y pop, en estrecha relación con el surrealismo de Buñuel. El montaje lo realiza en diferentes fases con visionados previos, su primera proyección duraría 4 horas. En el año 1969 rueda su: Orfeo filmado en el campo de batalla. En este trabajo Maenza renace el mito heleno para hacer un manifiesto contra la burguesía franquista. Los textos en su mayoría son atribuibles a Eduardo Hervás. Después llegaría Hortensia/Béance. En la que trabaja Emma Cohen, inspiración y arrebato de la vanguardia Catalana. Maenza no terminaría el montaje.\nLa actividad y desarrollo creativo de Maenza, se sitúa en tres puntos: Zaragoza, Valencia y Barcelona, su Lobby contra el cordero, que se proyecta en diversas ciudades le sirve de carta de presentación, abriéndole las puertas a los movimientos de cultura alternativa. Será en Valencia donde encuentra uno de los ambientes vanguardista con más vitalidad y pujanza. Conoce al poeta Eduardo Hervás con el que le unirá una inestable amistad. Prepara un proyecto cabalístico con nombre elegido para tal fin: Nueve en dieciséis para cuatro en ocho. Pablo Pérez y Javier Hernández en su excelente diccionario de Aragoneses en el cine y el vídeo, nos descifran el significado de esta denominación : "Era una empresa en la que se rodaba 4 películas en Super-8 siendo 16 el proceso de filmación (16 para 4 en ocho); el 9 hacía alusión a las personas que integraban el equipo". Posiblemente sea en Valencia donde más fértil fue su talento, muestra de ello es su película Orfeo filmado en el campo de batalla, que se rueda precisamente en esta ciudad. Pero Maenza poco amigo de estar en lugares fijos, busca en Barcelona unas nuevas expectativas para sus proyectos. La llegada del realizador es acogida con especial agrado por la vanguardia catalana. Gracias a la ayuda de Pere Portabella y Pedro Fages consigue que Films 59 le produzca el largometraje Hotensia/Béance del que hemos hablado anteriormente y que no llego a terminar. Sus movimientos y actividades por esta ciudad son numerosos, su trayectoria literaria tiene su continuidad en el trabajo de asesor editorial que desarrolla para Seix-Barral, escribe, crea de una forma febril, su facultad para concebir, imaginar y también soñar es sencillamente admirable.\nLa etapa puramente destructiva de Maenza, llegará con el servicio militar. Todo lo que aborrece, la antítesis de su filosofía y sus propios monstruos mentales, toman cuerpo en aquel acuartelamiento de Huesca. Intenta lo que puede para librarse, se hace pasar por loco pero sin éxito. Después, su persona naufraga, las crisis se presentan de forma más continuada, se siente abandonado, los conflictos psíquicos retornan agudizandose, las estancias en el psiquiátrico son más prolongadas y frecuentes. Su capacidad creadora desaparece, se sumerge en una vorágine de alcohol y drogas, en un viaje a las tinieblas que van devorando su vida. Maenza muere un mes de diciembre de 1979, buscando en lo más profundo de la desesperación, una salida para su infierno a través de una ventana.\nEs tremendamente difícil poder valorar la obra de Maenza, para ello tendríamos que conocer realmente su pensamiento, ese pensamiento que muchas veces disfrazaba de manera esperpéntica, escondiendo el auténtico contenido y que dejaba entrever en el trasfondo de algunos fotogramas. Ahora, con la perspectiva que da el tiempo, Maenza continúa siendo una especie de ser mitológico, una leyenda que raya en lo novelesco y que conocemos en ligeras pinceladas. No se puede afirmar que se adelanto a su tiempo, soy de la opinión que el trabajo de este realizador no se acota por parámetros temporales, ni por definiciones rimbombantes. El cine y la literatura de Maenza se escapan al simple análisis si ignoramos para ello, su singular personalidad y el entorno que lo rodeaba. Fue interprete especial del vanguardismo, una manera diferente de expresión, en una época en que estaba mal visto salirse del guión, dando un aire nuevo al ambiente cultural con tonos barroquistas y que lentamente se unía a los estertores del franquismo. Maenza se puede considerar como la esencia surrealista de nuestro cine independiente.\nHace bastantes años, tuve el honor de conocer a una de las personas que más me han impresionado dentro del cine. Sus conocimientos sobre el séptimo arte, unida a su faceta humana y a la indudable talla intelectual, hacían de D. Manuel una autentica autoridad. El poder charlar con él para personas que como yo empezábamos con nuestros primeros cortos era un privilegio. Siempre recordaré su mirada seria, y al mismo tiempo esa sonrisa fácil y amplia que parecía dibujarse de manera perpetua en su cara, el trato amable y educado, amigo de coleccionar fotogramas, carteles y todo lo derivado del cine. Un Manuel Rotellar que forma parte por derecho de nuestra cultura, y de manera especial de nuestro cine.\nManuel Rotellar nace en 1923, su vida estuvo siempre relacionada con el cine y la cultura en general. Será en 1946 cuando toma contacto con el Cine Club de Zaragoza, institución en la que colaboraría. Desarrolla su trabajo de crítico cinematográfico en diversos medios como R.N.E. en Zaragoza, Amanecer, Andalán, Oriéntese y el Día. Su talento como articulista lo reflejó en diferentes publicaciones: Lo terrorífico del cine (revista internacional, 1952), Cuentos aragoneses"(Aragón 2000, 1976), Luis Buñuel en filmófono (Cinema 2002, 1977). Hombre estudioso y trabajador incansable, D. Manuel Rotellar dejó gran número de obras editadas destacando: Nosferatu y Murnau (La tela de Penélope Cine Club Zaragoza, 1950), Cine aragonés (Cine Club Saracosta, 1970), Cine español en la segunda República (Festival de San Sebastián, 1977). También son importantes sus colaboraciones en diversas enciclopedias: Enciclopedia del séptimo arte (San Sebastián-Barcelona, 1972), Historia del cine en sus mitos (Madrid, 1980), El erotismo en el cine (Barcelona, 1983), Gran Enciclopedia Aragonesa (Zaragoza, 1983). Como podemos apreciar el trabajo de Rotellar es sencillamente extenso, con una aportación al cine y a su historia muy valiosa, especialmente por la investigación y los estudios realizados sobre diferentes temas de nuestra cinematografía. Lo citado es simplemente una pequeña muestra de su labor.\nD. Manuel Rotellar era asiduo colaborador de diferentes realizadores, esto se demuestra en facetas como la interpretación. Películas como El rey, El corazón delator, La conquista, o Sic Semper de Pomarón, sin olvidarnos de La leyenda del herrero de San Felices de Vidal son buen ejemplo de ello. La participación en diferentes foros y tertulias, unida a su prestigiosa firma y capacidad hacían de Rotellar una autentica institución. Prestigio que le llevo a ser elegido director de la naciente Filmoteca de Zaragoza, cargo que desgraciadamente apenas ejercería por su fallecimiento en 1984.\nLa huella dejada por este intelectual a lo largo de su vida es sumamente importante. Sus trabajos, estudios y en general el legado dejado, delinea una figura eminente dentro de nuestro patrimonio cultural. El cine y en especial el cine de esta tierra, tiene una deuda pendiente con un hombre que volcó su talento en algo tan especialmente mágico como el séptimo arte en todos sus estratos, dejándonos obras magníficas y otras inacabadas como los monográficos Buñuel en filmófono y Florian Rey. Es mi humilde homenaje a una gran persona.\nHace mucho tiempo que tuve el honor de conocer a D. Miguel Vidal, recuerdo perfectamente que fue durante el ciclo que organice en la S.F.Z sobre los pioneros aragoneses, su elegancia y discreción tanto en el trato como en su faceta humana, hacían de él una persona con la que siempre era agradable hablar, la calidad y talento como realizador y documentalista, se reflejó en aquellas proyecciones que todavía se conservan frescas en la retina.\nMiguel Vidal nace en Valencia en un frío mes de noviembre de 1919. Lleva todavía los pañales cuando se traslada con sus padres a Sallent del Gállego donde pasa la niñez. Su vida profesional la ejerce como oficial del servicio de farmacia militar. Por las venas de Vidal corre la aventura, la voz seductora y aterciopelada de la montaña le susurra desde joven, produciéndose un binomio que le acompañará durante toda su vida: él y la montaña; la montaña y él, la cámara sirve de fiel testigo de esta pasión, plasmando de manera espectacular esta unión entre el montañero y los elementos naturales.\nEl nombre de Miguel Vidal se convierte en una institución, sus películas que empieza a rodar en la década de los 50, son apreciadas en cualquier foro donde el tema sea el montañismo, es considerado como uno de los grandes documentalista especialista en la escalada. El profundo conocimiento que Vidal tiene de los Pirineos y los Alpes junto con sus reportajes gráficos y su trabajo en favor del alpinismo en general, empiezan a ser reconocidos y premiados, se le otorgan tres medallas por parte de la Federación Española de Montañismo y diferentes certámenes reconocen plenamente la calidad de su cine\nD. Miguel toma de modelo las obras de Arnold Franck y Lous Trenker a quienes admira y sencillamente rueda, imprime a su trabajo esa grandeza conseguida a base de esfuerzo, los planos y las diferentes tomas rodadas muchas veces con riesgo de su vida, consiguen en el espectador un profundo sentimiento de admiración, la belleza de las imágenes recogidas por el montañero y ese espíritu mezcla de poesía y aventura que caracteriza su cine, son el distintivo principal de la obra de Vidal. La montaña, medio amiga medio amante, viste de rojo sus picos y laderas, la tragedia se cierne sobre sus enamorados, los montañeros Rabadá y Navarro que habían participado en algunas de las películas del artista mueren en accidente de escalada, Vidal siente profundamente la desgracia de sus amigos y compañeros, la montaña cobra su tributo con un sedoso velo negro.\nLa obra cinematográfica de Vidal rondan las 30 películas, algunas por su realización y dificultad tuvieron un especial reconocimiento, películas como: Aneto (1954), Escalada (1959), Siempre unidos (1964), por citar una mínima parte, son ejemplos en su filmografía aventurera. El cine costumbrista adquiere también su importancia en el trabajo de Miguel Vidal, el talento que desarrolla para contar viejas historias y leyendas tienen su punto culminante en sus películas: Sobrarbe legendario (1974) y El herrero de San Felices (1983), esta última posiblemente sea uno de sus principales trabajos en el documentalismo descriptivo y en el campo argumental, los pequeños detalles que enriquecen toda la película y que han sido la forma de vida durante generaciones de los habitantes de San Felices son recogidos de forma maestra por Vidal. Esta interpretada por Manuel Labordeta y Manuel Rotellar, que dan vida a la leyenda del herrero que se enriquece gracias al pacto que hace con el diablo y que luego burla astutamente.\nLos premios obtenidos por Miguel Vidal a lo largo de su dilatada vida cinematográfica son numerosos y muy relevantes en el campo de la imagen: Gran premio de honor festival de cine de Pau, Premio certamen cine de montaña de Madrid, Premio certamen cine de montaña de D'allos, Premio T.V.E, Premio certamen Internacional de Zaragoza, Premio Segundo de Chomon Excmo. Ayuntamiento de Zaragoza, etc. La obra de este director tiene su ampliación en una faceta poco conocida y es la de actor, directores de la talla de Santiago Choliz del que soy especial entusiasta, han encontrado en él dotes interpretativas válidas para algunas de sus películas.\nMiguel Vidal forma parte de ese grupo pionero tristemente olvidados que tanto han hecho por el cine en nuestra tierra, uno de los primeros realizadores en Aragón especialista en el documental y en el reportaje, donde la humanidad y el espíritu de sacrificio de sus personajes se manifiestan como colosos que luchan contra los elementos en un perpetuo combate. Admirado y querido, D. Miguel tiene un sitio preferente en la historia de nuestra cinematografía. Su fallecimiento a los 84 años deja una huella perenne y un legado importante.\nMuchas veces se pierde el concepto de lo que es el cine poniéndole el calificativo de "profesional" a las películas y a los autores, como si eso fuera sinónimo de calidad, flaco favor se le hace al cine y a su historia con una valoración tan simple. En estos artículos esos calificativos carecen de sentido, me fijo únicamente en el talento y trayectoria de su realizador, dejemos el tamaño de la cámara y su formato para otros y centrémonos sencillamente en las personas y en sus cualidades, ese es mi criterio y lo hago asumiendo mis muchos errores, para eso llevan goma de borrar los lapiceros. En el caso de Vidal, como en los demás realizadores de los que hablo, el mejor calificativo es el reconocimiento a su trabajo. Quiero que este humilde apunte sea un homenaje a todos ellos que como Miguel Vidal han sido un poco los maestros de los que empezamos en la década de los 80 con la ilusión puesta en nuestros primeros cortos. Aquellas viejas proyecciones realizadas en la sección de cine de la S.F.Z. sobre los pioneros aragoneses, reflejaron lo mucho que todavía nos quedaba por aprender.\nFotograma perteneciente a la película El desafío (1963-64)\nEl cine experimental sa abría lentamente al panorama cinematográfico de los 60. Pocos eran los atrevidos que afrontaban el reto de investigar fuera de los cánones establecidos y tener el valor de exponerlo. La ortodoxia era la otra gran dictadura que atentaba inquisitorialmente conta las diferentes formas de expresión: la pintura, el teatro y por supuesto el cine, no escapaban de la incompresión que suponía hacer cosas diferentes que por su estética atentaba contra el buen gusto, el buen gusto de la época claro. En el cine parecía impensable contar algo que no fuera tangible, que no tuviera unos protagonistas, que no relatasen una historia con un principio y un final. Fue difícil para los primeros experimentadores de la pantalla, poder hacerse un hueco ante la sonrisa escéptica de muchas miradas que contemplaban las imágenes con desdén. El cine independiente tuvo también su particualr calvario en este sentido, algo más atenuado por tener un seguimiento diferente y probablemente más tolerante intelectualmente. Uno de estos pioneros en Aragón fue Luis Pedro Pellegero, que realizó un trabajo muy importante de indagación en el uso de la luz, las formas, y los colores.\nLuis Pedro Pellegero nace un 31 de Enero de 1928 en Pamplona. A los 14 años se traslada a Zaragoza donde reside. Su vida profesional se desarrolla en dos áreas estrechamente unidas: la arquitectura y la docencia como profesor de la Escuela de Artes y Oficios Artísticos. La dotes creativas de Pellegero se ponen de manifiesto en la pintura y escultura, con una importante preocupación por conocer y ensayar los diferentes materiales como la piedra.\nSerá en los años 60 cuando encuentra en el cine una forma diferente de experimentar: luces, formas, volúmenes y colores son las principales herramientas. Sus películas más demostrativas dentro de la investigación que Pellegero realiza en el campo visual, las encontramos en una trilogía compuesta por los cortos: Euritmia, Plástika y Cromática, rodados entre 1962 y 1963. La unidad en estos trabajos es la luz, que la utiliza como elemento aglutinador en un mosaico de figuras y sombras cambiantes. Materiales como la arcilla o el celofán cobran vida sobre un paisaje de múltiples tonalidades, mezclado con ciertos aires de fantasía. En el cine de Pellegero se combina también su afición por la pintura y el dibujo, esto se pone de manifiesto en sus películas: Acuarela del año 1960, La divina comedia del 62, (con dibujos de Doré) y Goya, pinturas negras del 63. El documental temático aragonés, es otra de las inquietudes de este polifacetico realizador, sus cortos: Los defensores rodada en 1961 y basada en los sitios, El valle de Hecho de 1965 y muy especialmente Oración del estruendo del mismo año, son un ejemplo. Su filmografía se completa con El desafío, realizada entre 1963 y 1964. Es la película divergente con respecto a las otras. Pellegero desarrolla una historia con personajes y actores, lejos de sus trabajos de experimentación y documentales. Basada en un guión de Manuel Labordeta, el corto hace una reflexión sobre la guerra civil española, para ello utiliza el paralelismo del México posrevolucionario con su situación socio-política y la de nuestra contienda.\nLa realización cinematográfica de Luis Pellegero se interrumpe con la aparición del super-8. La entrada en el mercado del nuevo formato con todo lo que lleva de estratagema comercial y la desaparición paulatina del 8 mms, pondrán fin al trabajo creativo que Pellegero realizaba en celuloide. La producción cinematográfica de este realizador sin ser excesiva, es lo suficientemente importante para tenerla presente dentro del cine experimental aragonés. La concepción de unas ideas visuales muy cercanas al vanguardismo, con elementos innovadores que en la década de los 60 tenían un importante mérito; hacen de Luis Pellegero, uno de los realizadores importantes de aquella época, donde lo novedoso no estaba muy bien visto.\nHace algunos años, me invitaron con motivo del año internacional de la juventud, a una charla-tertulia, compartida con otros realizadores de cortos como: José Antonio Vizárraga, Alberto Sánchez y Pedro Avellaned. Recuerdo el curioso papel del moderador, Leandro Martínez, que hizo un ataque furibundo sobre la realización cinematográfica en pequeño formato, con un especial deseo y haciendo votos para su pronta desaparición. Afortunadamente el tiempo pasa y las mentalidades se transforman. El cine y el vídeo brotan con más fuerza que antes en nuestra comunidad, gracias en parte a personas que en su momento fueron pioneros, filmando cuando era difícil poder hablar y expresarse, en una época complicada para el pensamiento libre. Realizando sencillamente cine aunque este fuese en pequeño formato para desdicha de algunos. Importantes son los nombres propios que ha dado el celuloide de esta tierra y que trabajaron con entusiasmo. Hoy hablaremos de uno de ellos.\nPedro Avellaned nace en Zaragoza el 10 de octubre de 1936. Cursa estudios de Bellas Artes en esta ciudad. Pronto demuestra sus dotes creativas y a los 24 años funda y dirige la compañía de teatro independiente Grupo 29, poniendo en escenas obras de Valle-Inclán, Lorca, Alfonso Sastre, Arrabal, Jean Cocteau, etc. Será en 1963 cuando Avellaned tiene los primeros contactos con el cine, La Gitana será el comienzo de su andadura cinematográfica. En 1970 comienza a interesarse por la fotografía. Trabaja en su propio estudio y posteriormente, dedica su mayor actividad a la foto creativa, siendo sus primeras etapas en: Zaragoza, Madrid, Segovia, Italia y Barcelona. Sus colecciones fotográficas se han exhibido en diversas ciudades europeas y americanas. Importantes son las colaboraciones de Avellaned con diversos artistas como los pintores Paco Simón o Fernando Sinaga. La realización de innumerables catálogos, carteles y carpetas, en la que destaca la elaborada para la inauguración de las obras de restauración de la Aljafería de Zaragoza.\nEl trabajo cinematográfico desarrollado por este polifacetico artista, se caracteriza por el profundo contenido humano. Las imágenes de Pedro Avellaned son sugerentes por su valor y significado, adquiriendo las películas una riqueza visual y poética, tanto en la estética como en tratamiento. Es en 1963 cuando prepara el rodaje de La Gitana, una historia romántica con venganzas y brujería de fondo, donde se resalta el triunfo del amor sobre la muerte. Destacar de este corto la soberbia interpretación de Adela Iglesia. En 1967 rueda Palabras a sangre y fuego, un documental con textos de Bertran, valiente y directo sobre la tortura y los campos de concentración. Este corto tuvo problemas de exhibición, siendo prohibida su proyección en algunos sitios como sucedió en un certamen de Madrid. Es una pena que el propio autor fuera verdugo de su obra, destruyéndola posteriormente. Después vendría Romeo y Julieta en los infiernos del año 1968; Orensanz Environmetal Sculpture en el 70, Tiempo de metal del 72, Los actos terribles del 74 y Sin poder de síntesis del año 1990, este último trabajo inacabado.\nNo quisiera pasar por alto una faceta importante de Pedro Avellaned y que le viene heredado del teatro, esto es la vocación de actor, poniéndolo de manifiesto en diferentes películas tanto en el cine de autor como en el profesional, películas como: Ese mundo maravilloso de Pomarón, Culpable para un delito de Moncayo Films, El aire de un crimen" de Isasi Isasmendi, y Miguel Servet de Forqué, son buena muestra de ello, sin olvidarme del corto dedicado a Buñuel con motivo de su centenario y en el que Avellaned mira al director de Calanda desde su punto de vista fotográfico, igual que lo hace Eduardo Laborda desde la pintura.\nEl trabajo realizado en el mundo del arte por Avellaned a lo largo de su carrera es sencillamente admirable, como lo es su espíritu para seguir creando y trabajando, aportándonos sus conocimientos en talleres como los que ha impartido en: Zaragoza, Veruela, Pamplona, Tarazona, Córdoba, Huesca, Valencia etc. Un artista en suma en pleno desarrollo, con la sabiduría que le otorga la madurez y el talento. Nos quedamos un poco con la duda de hasta donde podría haber llegado con el cine, si se hubiera dedicado plenamente a él. Las pinceladas humanas junto con la mirada crítica reflejada en sus películas, le valieron en su momento varios premios en festivales internacionales. Avellaned tiene en su cine, una esencia intrépida y directa, elementos prósperos en valores y que supo plantear en cada momento y circunstancia.\nAlberto Sánchez (foto de Alberto Rodrigalvarez)\nAlberto Sánchez era si duda uno de los grandes estudiosos del cine independiente de nuestra Comunidad. Autor de diferentes libros y trabajos, destacando por el valor indiscutible que tiene el dedicado a los realizadores aragoneses titulado Cine amateur e independiente en Aragón, editado por la Asociación Cultural Gandaya, puede considerarse como un documento de obligada lectura si queremos conocer el desarrollo de nuestro cine. Estamos hablando de una figura eminente dentro del panorama audiovisual y que junto a su hermano Julio realizaron películas con una cierta predilección hacia temas de carácter reivindicativo, desarrollando en el ámbito cultural una labor de especial importancia.\nAlberto nace en Zaragoza un mes de agosto de 1943 y Julio en mayo del 45. A lo largo de su vida, Alberto realiza diversos trabajos: operador, promotor cultural, fotógrafo de prensa y ha colaborado en calidad de crítico cinematográfico en diferentes medios de comunicación aragoneses: Andalán, Cine nuevo, Aragón Exprés, Diario 16, Aragón 2000, Radio Juventud, TVE en Aragón etc. Su personalidad se conjuga con un especial sentido de humor anglosajón e ironía castiza, para que se me entienda mejor me remitiré a la entrevista que le realizaron en la exposición sobre el audiovisual aragonés Travesía, en ella le preguntaron si había pensado alguna vez en dirigir profesionalmente cine, a lo que contestó que nunca se le había pasado por la cabeza en formar parte de una profesión tan inútil y estúpida. Julio es técnico en sonido, radio y televisión, fue secretario del Festival Internacional de cine Agrario de Zaragoza y ha trabajado como administrativo en prensa y técnico de laboratorio fotográfico.\nEl cine tanto de Alberto como el de su hermano Julio puede considerarse como un trabajo de aprendizaje e investigación constantes, algunos de estos films sobre todo los de su primera etapa no llegaron a terminarse y como diría Alberto se realizaban sin una idea concreta: “El tema iba surgiendo a medida que se iba filmando”. Entre estos trabajos sobresalen Ecuación al vacío, Sobre nuestra Semana Santa o Pueblos abandonados todas ellas realizadas en los años 60. La colaboración con el grupo de cine Eisenstein tuvo una experiencia enriquecedora por el intercambio de ideas, fruto de ello fue la realización de uno de los temas de Musical N, esta película fue dirigida por cuatro personas, cada una de las cuales se ocupó de una secuencia.\nEl trabajo de los hermanos Sánchez Millán trataban de aprovechar las máximas posibilidades del pequeño formato y que sus películas fuesen de géneros y tratamientos diferentes, a su cine experimental se le sumo las incursiones que hacían a un cine de contenido más intimista: La carta o Pies de Nácar. También las adaptaciones a textos literarios: Desde mi celda, con una profunda interconexión de texto-imágenes y todo ello tratando de dar respuesta al cine que se realizaba por aquella época de tendencia conformista. Con la llegada de la democracia y como sucedió a un gran número de realizadores, el cine de contenido político-social surge como un canto de libertad, también Alberto y Julio aportaron sus trabajos en este sentido destacando sus películas Canción de libertad del año 1976, Salvad al mercado del 77, film que se convertirá en importante defensor de nuestro mercado central, obra emblemática de nuestra arquitectura y que se pretendía derribar en beneficio de una absurda concepción urbanística. También es importante reseñar el trabajo Pablo Serrano del 78 sobre la obra de nuestro inmortal escultor. Como curiosidad quisiera mencionar la película que rodaron en los Pinares de Venecia con motivo de la Asamblea de CC.OO en 1975, nos podemos dar una idea por el año del rodaje que no tuviera excesivo eco.\nLa trayectoria cultural que han desarrollado tanto Alberto como Julio es muy amplia, empezando en los años 60 por la creación del cine club La Salle, posteriormente formarían parte del Club Cine Mundo, dirigiendo su sección de cine entre 1971 a 1975. En el 78 entran en el grupo fundacional del Gandaya que dirigió Alberto hasta su penosa desaparición en 1991. Alberto ha formado parte del Comité de Dirección del Festival de Cine de Huesca, además de haber sido presidente de la Federación Aragonesa de Cine Clubs y vicepresidente de la española. Ha realizado publicaciones informativas sobre el cine y ha escrito diferentes libros: “Carlos Saura (Festival de Huesca), La mujer y el cine (Cine Club Gandaya), Chaplin 1889-1977 (Ibercaja) y el mencionado anteriormente Cine Amateur e independiente en Aragón (Cine Club Gandaya).\nEl trabajo tanto de realización cinematográfica como cultural que han cubierto hasta el momento, es más que elocuente. Me gustaría rescatar un párrafo de José Luis Lasala correspondiente al “Diccionario Contemporáneo de Artistas Aragoneses” (1941-1978) editado por la Institución Fernando el Católico en 1983 y que habla de los hermanos Millán: “Es de destacar su preocupación por el montaje y por la construcción de un lenguaje exento de demagogia y, sobre todo, el decantamiento hacia temas de carácter cultural o reivindicativo”. Creo que en tan pocas palabras no se puede expresar mejor la labor de los Sánchez Millán, un trabajo cinematográfico en el que Alberto Sánchez se encargaba de manera habitual del guión y realización, mientras que Julio se hacía con el montaje y el sonido.\nNo quisiera terminar, sin mencionar los ocho capítulos que Alberto dirigió entre diciembre de 1986 y febrero de 1987 para el centro regional de T.V.E. en Aragón con el título de Aragoneses en el cine y que era una ventana de lo que había sido el cine en nuestra Comunidad, es una lastima que la falta de presupuesto y también de interés por parte de los responsables de televisión lo cercenaran de esta manera. Tampoco quiero olvidarme de la colaboración en otras producciones de los Sánchez con realizadores como Avellaned, Maenza, Aguaviva, Pomarón, Alejo Lorén, Artero o Baselga, ni tampoco las interpretaciones de Alberto Sánchez como actor entre las que destacaría las películas El ladrón de lecturas o Esencias de nada. Como vemos, una gran parte de la vida de estos realizadores ha sido dedicada a la cinematografía y su difusión, con más de una veintena de premios y una apuesta por el apoyo del cine de casa, creo que los realizadores aragoneses tenemos una deuda pendiente con Alberto y Julio.\nAlberto falleció en el 2010 a los 66 años.\nFoto gentileza de Barboza Grasa\nFormas, figuras que insinúan buscando siempre un espacio imposible. Colores, luces cambiantes y fondos oscuros desdoblándose en cada fotograma, en cada cuadro. Un mundo inquietante con líneas infinitas y soles deslumbrantes que varían su tonalidad en un cielo raso y mágico. Sesé utiliza la cámara de la misma manera que el pincel, con la fantasía propia de un mago nos introduce en una esfera de colores y sensaciones, pinta dando forma, filma haciéndonos soñar.\nJosé María Sesé nace en Zaragoza un cuatro de julio de 1931. Sus aptitudes para desarrollar y crear pronto se ponen de manifiesto. Estudia en la década de los 40 dibujo, poco después descubriría un mundo diferente en la fotografía. Su frecuente asiduidad en el Club Cine Mundo servirá para que Sesé entienda el cine como un elemento importante y complementario en su trabajo creativo. Este concepto viene reflejado en unas declaraciones realizadas por el artista el 29 de Enero del 63 a Heraldo de Aragón, en entrevista que le hace Doñate: "El hombre actual puede adentrarse en el mundo de la pintura, de la escultura o de la arquitectura, no solo guiado por la palabra o las letras impresas, sino también llevado de la mano del cine".\nLa singladura cinematográfica de Sesé comienza en 1958. Su trabajo se dirige principalmente a la experimentación plástica: el color, la luz, el relieve y las formas son para el realizador, un mundo de infinitas posibilidades que investiga con especial talento. La cámara de este cineasta, refleja una estética absolutamente vanguardista, con claras pinceladas de contenido humano y social. En su filmografía puede advertise la profunda mirada que Sesé realiza al cine de corte innovador, esto es patente en películas como: Abstracción rítmico formal del año 1963, fruto de su vinculación con el Grupo Plástico Zaragoza, Dinámica (1964), el montaje de este film se realiza partiendo de objetos y pinturas creadas por José Vera, Muy cerca de nosotros (1965), película de emotivo sentido crítico, Ondulante (l966), un auténtica coreografía con el agua como elemento protagonista, Principio cero (1971), film donde las pinturas de Torcal es la base y estructura del trabajo de Sesé. Podríamos seguir con otros títulos que no harían más que recalcar todo lo dicho hasta ahora y que se resume en una constante búsqueda de elementos y conceptos diferentes, con una estética muy cuidada y trabajada.\nSesé puede considerarse como un profundo renovador dentro del panorama de nuestro cine independiente en la década de los 60, cine que empezaba una etapa de profundos cambios dentro de su discurso y doctrina. El vanguardismo buscaba su sitio en la cultura zaragozana y el mundo del celuloide tenía sus nombres propios en este apartado. Un Sesé entusiasta y animador de festivales donde el cortometraje era el anfitrión. De tertulias como la mítica de Café Levante y que servía para dar a conocer este otro tipo de cine. De actor como su interpretación de tabernero en La leyenda del herrero de San Felices de Miguel Vidal. Un Sesé como vemos polifacético y que destaca como un creador de arte y de sueños.\nRecuerdo perfectamente las últimas tertulias del Levante a las que asistí. Yo solía ser el primero en llegar, después lo hacían Pedro Aguaviva y Santiago Chóliz. En la memoria tengo las cañas y el pepinillo con escabeche. Las paredes amarillentas repletas de fotografías recogiendo momentos en la vida de la Tertulia. La mesa larga y doliente, llena de crujidos como si fuera un perpetuo dolor con las sillas de madera haciendo juego, y al fondo la escalera que subían al bar y al mundo. Por ella bajarían más tarde los Javier Peña, Carlos Pallarés, Alberto Sánchez, José Manuel Fandos etc. La preparación por parte de Pedro de la revista que entre todos desarrollábamos y que servía de comunicación entre los realizadores. Sus quejas por la falta de artículos y los problemas de maquetación. El rodaje de la película de fulanito. La avería de la cámara de menganito. La preparación de la próxima muestra de cine, y las preguntas de rigor: ¿quien se encarga de los folletos?, ¿quien estará en la cabina?. ¿quien...? etc., etc. Recuerdo también las conversaciones que en ese ambiente tenía con Santiago, hombre educado y reservado, enjuto de cuerpo y con una cierta mirada pícara. Su voz modulada, adquiría una cierta viveza cuando se hablaba de cine, demostrando profundos conocimientos y conceptos claros sobre el pequeño formato. Creo que esta sería una fotografía bastante fiel de Santiago y del entorno de la Tertulia donde le conocí.\nSantiago Chóliz nace en Zaragoza un 8 de noviembre de 1944. Medico de profesión, realiza su primer corto en el año 1975, un documental titulado Fiesta, genero que desarrollará en sus comienzos. El cine argumental será una especie de reto que abordará de forma afortunada, con una cierta obsesión en algunas de sus películas por delinear unos personajes atrapados, atormentados por sus propios miedos a lo desconocido. Figuras llenas de simbolismos casi esotéricos que Santiago madura con especial talento, justo es recordar entre otras sus películas: Ayer soñé con Marta del año 1983, Lucía de 1985 y Danza al borde de una tela de araña del 89, filmes donde se recoge ese encuentro con lo enigmático, el misterio que no tiene respuesta y que se oculta de manera inquietante. Es destacable la labor que realiza Chóliz en sus trabajos con la cámara, la película Entornando los ojos de 1984 es una auténtica lección de sensibilidad y virtuosismo técnico, música e imagen se unen de forma espectacular creando un efecto de gran belleza, el trabajo casi alquimista que Santiago realiza con el montaje, hacen de este corto una autentica obra maestra. Chóliz realiza un cine variado, entre sus primeras comedias nos encontramos, en 1981 La leyenda de Flannagan, en este corto podemos ver a todo un batallón de niños encarnando papeles de vaqueros y pistoleros, sin que falte la consabida pelea en la cantina del pueblo al más puro estilo del viejo oeste americano. La dirección de este film con lo complicada que era, sale bastante airosa. Otra película que tiene también su singularidad es 4,3 años luz de 1990, este corto de ciencia-ficción constituye un trabajo de madurez, con un vasto conocimiento del lenguaje cinematográfico y de la estructura narrativa. Una historia difícil de llevar al super-8. La película cuenta la historia de una nave que se dirige a un hipotético planeta que concurre en la órbita de la estrella Rigil Kent, a 4,3 años luz y cuyo objetivo es ver las posibilidades que tiene de albergar vida para una futura colonización.\nSantiago Chóliz es uno de los grandes realizadores que ha dado Aragón, con un prestigio reconocido dentro del cine independiente de nuestro país. Cuenta con numerosos premios nacionales e internacionales y una trayectoria brillante. Me gustaría que el trabajo de este director fuera más proclive a ser proyectado, es un material que merece que se vea y que se conozca con mayor profundidad. Actualmente es uno de los grandes artístas de la fotografía digital.\nLa labor de Pedro es muy extensa, siempre tiene un nuevo corto que enseñar y hay momentos en los que trabaja en dos al mismo tiempo, eso sin contar las múltiples apariciones en películas de otros directores. Si todavía tiene tiempo realiza algún que otro corto rápido que él mismo define como de serie "B", (es Aguaviva en estado puro). De su abundante filmografía quisiera destacar películas como: Railes de acero del año 1980, El ladrón de lecturas del 86, Zaragoza modernista del 89, Canfranc, sueño de una realidad del 91, Esencias de nada del 94, y otras muchas más que harían de este capítulo un catálogo. Ello demuestra la gran calidad que tiene este realizador y la versatilidad de su obra cinematográfica. Recordemos también que fue uno de los miembros fundadores del Cine Club Gandaya, siendo vicepresidente durante varios años, encargado del área de Cine de la Agrupación Artística Aragonesa, y elemento carismático del grupo Sefilma, coordinador de diferentes muestras de cine realizadas en nuestra ciudad etc. Esta sería muy a grandes rasgos la trayectoria de uno de los realizadores más importantes que conozco, con una personalidad muy especial en todos los sentidos y que se llama Pedro Aguaviva.\nTeruel es ciudad monumental por el aire mudéjar que le acuna, romántica por la leyenda de amor que susurra y tradicionalmente cinematográfica por su propia historia. Es difícil poder valorar en toda su amplitud, lo aportado a la cultura de Aragón por esta hermosa localidad, tantas veces olvidada. En Teruel se arraiga el cine desde sus comienzos, muchos han sido los realizadores que de esta tierra surgieron, citaremos a los universales Segundo de Chomón y al calandino Luis Buñuel como ejemplo. El Cortometraje fue también importante semillero de talentos. La década de los 80 se puede considerar especialmente interesante. La entrada de grupos jóvenes que renovaban de manera atrayente este cine, dio como resultado el auge de la producción en pequeño formato y la creación de un certamen nacional y posteriormente internacional de cortos. Destacaremos San-Gría Films, Savijuc, Vargas Bros, La Estética Moderna. Realizadores de la talla de Fermín Pérez, José Miguel Iranzo, Víctor Lope, Ángel Gonzalvo y Félix Serna entre otros. Sobre el trabajo de estas personas y grupos desarrollaremos el capítulo.\nSan-Gría Films, se funda en 1981. Este grupo, se caracterizo por un cine cuyo máximo exponente era el humor, muchas veces en forma de sátira y parodiando situaciones aparentemente normales de la vida cotidiana. El equipo estaba formado por: Fermín Pérez, Tomás Pérez, Jesús y Elifio Féliz de Vargas, María José González, Alfredo Molina y Ester Díaz. En 1985, San-Gría Films, consiguió que la productora madrileña Cinema del Callejón, acogiera uno de sus guiones para su realización en formato grande. La producción cinematográfica de este grupo turolense es muy interesante destacando las películas: Que Dios nos pille confesaos, La Tierra es redonda y se demuestra así, Co-chinada, Por el imperio o Bodygüay.\nSavijuc, sería formado más adelante por Fermín Pérez. El trabajo de este grupo, reflejaba elementos indudablemente críticos. La parodia, daría paso a un cine más comprometido y con una cierta carga de profundidad. Dentro de su cinematografía, son reseñables películas como: Savijuc, diez años una amistad, Son amigos y Sociedad. Fermín Pérez puede considerarse como uno de los grandes animadores del corto turolense de los 80. Director de la semana internacional de cine, de la que hablaremos más adelante, y principal exponente de muchas de las actividades relacionadas con el cortometraje local.\nVargas Bros, estaba compuesto por dos miembros de San-Gría Films: los hermanos, Jesús y Elifio Féliz de Vargas. Este colectivo se especializó en el cine de animación, su proyecto más ambicioso sería en 1985, el capitulo piloto de una serie en dibujos dedicada a los amantes y basada en el relato de José Castané y Javier Rubio. Desgraciadamente no paso de ello y toda la historia quedó en un cortometraje. Del trabajo desarrollado por estos realizadores, sobresalen los cortos: Teruel, El río (sobre canción de Bruce Spingteen), Cuando los dragones poblaban centroeuropa y Los amantes de Teruel.\nLa Estética Moderna P.C., surgió en 1980 de la mano de Ángel Gonzalvo y Félix Serna. Sus primeros trabajos se desarrollaron dentro del cine etnográfico y con la colaboración del Seminario de Arqueología y Etnología de Teruel. De esta época son los cortos: Alfarería en Huesca del Común y Fiestas de la Virgen del Cid entre otros. Posteriormente, y sin dejar el documental, Gonzalvo y Serna comienzan su trabajo en el cine argumental, con una importante dosis de humor negro de fondo: El fotograma, Para sostener esta postura Bernstein (película premiada en Teruel), Que es lo que más quieren las mujeres etc. Después se integraría Julian Martín al equipo. Este nuevo periodo, se caracteriza por la búsqueda de un nuevo concepto experimental en sus trabajos, esto se plasmará en títulos como: Res mes the best, Lección de anatomía y la que personalmente considero su mejor película Calvos anónimos.\nJosé Miguel Iranzo, es posiblemente uno de los realizadores más importantes de los últimos años en Teruel. Desarrolla sus primeros trabajos dentro del pequeño formato, hasta que en 1985 crea junto con Víctor Lope la productora Estela Producciones, realizando tres cortos en 35 mm.: Mayumea, Mudéjar y Amante de Teruel. Iranzo colaboraría posteriormente en películas y documentales institucionales producidos por D.G.A., D.P.T. y el ministerio de cultura. Desarrolla trabajos para la televisión por cable y como director en diferentes programas documentales. En 1990 será realizador, en la serie de muñecos Los Guguqús producidos por Vídeo-Cuarzo y emitidos por Tele 5. Más adelante trabajará para la productora Asimsa, en una serie de nueve capítulos sobre la Historia de Aragón. En el 95 Iranzo escribe Un poema de familia, episodio piloto para la televisión.\nLa Muestra Turolense de Cine, comienza su singladura en 1982, gracias al trabajo de personas como: Tomás Pérez, Francisco Martín, Elifio Féliz de Vargas y Fermín Pérez. Serán ellos los que toman la responsabilidad de la muestra agrupándose bajo el nombre de Cineocho. Las dos primeras ediciones, servirán para dar a conocer sencillamente el corto en pequeño formato, pasando la siguiente como certamen de competición. En 1987 y en su VI edición, el vídeo es admitido como soporte alternativo, hasta 1990 que será el único formato. El certamen adquiere prestigio transformándose en Semana Internacional de Cine, con actividades paralelas que enriquecen la actividad cultural de Teruel. Pero es en 1992 cuando se decide dar un giro diferente al certamen, convirtiéndose en Anima Teruel. La animación adquiría con la entrada de nuevas tecnologías un auge importante, se considero que Teruel podía ser catalizador de la nuevas tendencias y que el certamen sería perfectamente su escaparate. Anima Teruel funcionó durante diversas ediciones hasta que la falta de apoyos (cosa habitual) termino con él.\nEsto sería un breve repaso a la actividad cinematográfica de Teruel durante los 80. Un resumen limitado para apreciar con total perspectiva el trabajo importante de sus realizadores, pero válido para tener una referencia sobre los que considero más interesantes. Sería injusto si no citase también, la labor que en diferentes épocas desarrollaron personas como: Fernando Burillo, Ángel Novella, Manuel Elena, Humbelino Aspas, Luis Esteban, Jesús Zuriaga y José Antonio Maenza al que ya dedicamos un capítulo. Teruel se nos ofrece con suaves pinceladas perfectamente delineadas. Coloredas de arte y leyenda, de belleza y sueños como si fuera el verso de un poeta. Madre, cuna de directores, artistas con talento que le dieron prestigio universal, a una tierra que nos habla de focos, cámaras y tambores, mudéjar y cine.\nLOS 80 y LA SECCIÓN de CINE de la SOCIEDAD FOTOGRÁFICA de ZARAGOZA\nCerramos una etapa para abrir otra no menos apasionante dentro de nuestro cine. Hasta ahora hemos estado repasando la historia pionera de los primeros realizadores, es evidente que nuestro trabajo no es completo y se necesitarían muchos más artículos para poder hablar de todos ellos. Las huellas dejadas por los que personalmente considero más significativos, han servido para intentar dibujar el panorama del cine no profesional en nuestra comunidad, poniendo de ejemplo realizadores que por su trayectoria podían ser exponente de una época. Estas personas tuvieron sus relevos generacionales, pero será en los 80 la eclosión del cine de autor, posiblemente la década más celebrada dentro del cortometraje y de la que hablaremos en los siguientes capítulos.\nLos 80 llegaron con la ilusión de una democracia recién estrenada, un abanico de libertades se destapaba de forma rápida ante nuestros ojos, era como una primavera que estalla con todo su color. Aquella etapa próspera en ilusiones lo fue también en proyectos. El cine de autor se manifestaba de manera importante, nuevos grupos fueron apareciendo en el paisaje cultural de nuestra autonomía. En Zaragoza son de señalar Andanzas, Cineceta y Chiribito, en Teruel el trabajo interesante de Sangría-filmes, Vargas Bros y Savijuc, en Huesca Eugenio Monesma y sus documentales etnológicos. Tampoco podemos olvidarnos de realizadores como Aguaviva, Choliz, Couto, Briones, Vizárraga y un largo etcétera. que aportaban su indudable talento. Todo ello parecía augurar un perspectiva prometedora que no defraudó. Hubo elementos importantes que impulsaron esta movida como la Sección de Cine de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza (S.F.Z.), que se convirtió en autentico motor del cortometraje local, de ella y de su substancial aportación nos centraremos.\nLa Sección de Cine comenzó su andadura al comienzo de los 80. En ella se agrupaban personas que les unía su afición al cine, desde el simple espectador al realizador que empezaba con sus primeros cortos. Las actividades de la Sección se centraban en proyecciones de ciclos, charlas, cursillos y sobre todo en incentivar la realización. Se desarrollaron diferentes concursos de guiones que no tenían otro fin que la preparación del posterior corto y la participación de los miembros de la Sección en su rodaje. Aquel grupo que empezó de forma modesta con materiales que aportaban los propios socios, terminó por congregar un gran número de personas, convirtiéndose en un foro cinematográfico de relevancia. Proporcionalmente a la pujanza que iba adquiriendo, crecía también su hostilidad hacia ella. La notoriedad de la Sección de Cine se veía como un rival para protagonismos que calificaría de mediocres. No se valoraba lo que aportaba y tampoco se entendía que en una Sociedad Fotográfica pudiera haber una Sección de Cine, y sobre todo que esta empezara a destacar sobre la otra. Difícil papeleta para los diferentes delegados que estuvieron al frente de dicha Sección, tenían que conjugar por un lado el propio desarrollo del grupo y la incomprensión de sectores de la Sociedad Fotográfica. Delegados que tienen nombre como José Antonio Higuero, José Antonio Vizárraga, Eduardo Couto y Armando Serrano, que fueron en diferentes periodos los representantes elegidos por la Sección de Cine. Tiempos complicados principalmente por la falta de dialogo y también de tolerancia. Será en el propio seno de la Sociedad donde aparece un movimiento que se planteará como decisivo para el futuro de la Sección de Cine. Se consideraba necesario realizar un cambio en las ideas y también en las estructuras absolutamente anticuadas de la propia Sociedad Fotográfica. La Sección de Cine se unió al discurso que por otra parte propugnaba hacía tiempo. La tormentosa asamblea celebrada en noviembre de 1987, producirá la fractura y con ella la consiguiente escisión. Aquellos que intentamos abrir una ventana para que entrase un poco de aire fresco y renovador tuvimos que abandonar la Sociedad, la Sección de Cine tenía sus días contados. Tengo el dudoso honor de pasar a la historia de dicha Sección por ser su último delegado. Pero también me siento satisfecho de haber tomado parte de aquel movimiento que no fue estéril. Su esencia sirvió para crear colectivos plurales como Artymagen que han desarrollado hasta la fecha un importante trabajo.\nParece un milagro que con una vida tan azarosa, la Sección de Cine de la Sociedad Fotográfica de Zaragoza, pudiera alcanzar estas cotas de relevancia. Realizó una labor muy importante en la difusión del cortometraje y en la propia producción, películas como El reloj, Cuéntame tu sueño, El misterio de la gran laguna y Tiempo azul son prueba de ello. Nunca sabremos, hasta donde habría podido llegar si le hubieran dejado desarrollarse y trabajar con tranquilidad. Posiblemente estaríamos hablando de algo con más trascendencia en el mundo de la cinematografía de nuestra comunidad de lo que imaginamos, pero eso forma parte de la especulación, la realidad es la importancia que tuvo mientras existió, aportando principalmente entusiasmo y trabajo. Fue un honor para mi el pertenecer a la Sección de Cine, en ella empecé y tengo un recuerdo imborrable. Viví todo su desarrollo y de una manera especial su final dada la responsabilidad que tenía como delegado. Los acontecimientos están todavía tiernos y dolientes en la memoria. No pretendo abrir viejas heridas pero si dejar claras como se produjeron. Quiero rendir con estas líneas, un pequeño homenaje a la Sección de Cine, a la que se le debe entre otras cosas la vitalidad y empuje que le dio al cortometraje local en unos años prometedores en ilusiones y libertades.\nEste festival sí pudo ver la luz\nDecir en favor del Sr. García Nieto que el trato dispensado en todo momento fue exquisito, tuvo la amabilidad de volver tras sus pasos, quitarse la bufanda, colgar el abrigo y sentarse a escuchar nuestra propuesta, lo que es de agradecer en un político. La exposición fue concisa y directa, aludimos a otras comunidades que con menos arraigo cinematográfico tenían sus certámenes de cine, realizamos una defensa del cortometraje en Aragón, le vendimos la esencia de nuestro festival desde todos los puntos de vista y después… un silencio que duró poco, pero que para nosotros fue extraordinariamente eterno. García Nieto tomó la palabra, nos dijo que la idea le parecía muy interesante y había que ponerse a trabajar. Es obvio que nuestras caras reflejaban sorpresa y cierto recelo.\nLA ASAMBLEA DE LOS 80\nFermín Pérez, máximo responsable del Festival Turolense de Cine y artífice de la primera convocatoria de los cineastas aragoneses.\nJavier Peña y Alberto Sánchez en un fotograma de Las cuevas del flaco\nJavier Peña nace en Madrid en 1955, a los cinco años se traslada a Zaragoza donde reside. Su andadura cinematográfica comienza con las primeras luces de los 80, la película Egolisis realizada en el 82 con carácter de metáfora sobre la fragilidad humana, será su primera aportación al cine independiente. En 1984 Javier había realizado ya diferentes cortos que le sirven para trabajar el lenguaje y la estructura narrativa de sus guiones, películas como: Al otro lado y Eso no se toca, son referencia para ir confeccionando un estilo que ira adquiriendo cuerpo y que se mantendrá como distintivo de este autor. En este mismo año entrará a formar parte de "Cineceta" realizando diversos trabajos en equipo y aportando sus propias ideas al grupo. La paulatina entrada del vídeo en el mundillo cinematográfico sustituyendo al pequeño formato, comienza con la disyuntiva de dar el primer paso, el salto al nuevo soporte que parecerá traumático para más de un realizador, Javier decide el cambio aunque perdura en él un cierto romanticismo al super-8, en 1986 dirige su primer trabajo en vídeo: Marta 22, una película de fantasía un poco novedosa respecto al cine que venía desarrollando. A este trabajo le seguirían otros con temática variopinta siendo en algunos casos esbozos experimentales pero fiel a sus propios conceptos: Morir en quince metros, Espectro, Cuarto oscuro, Boing y El tabaco es perjudicial para la salud entre otras, pueden darnos una idea de la creatividad de este realizador. Tendríamos que destacar entre su filmografía, la película Un triángulo de cuatro lados del año 1988 galardonada en el VIII Festival Turolense de Cine, este corto que en su momento tuvo una cierta polémica por algunas escenas de cama algo tórridas, cuenta la historia de un hombre que conoce fehacientemente la infidelidad de su mujer y decide darle una pequeña "sorpresa", pero ignora que será víctima de su propia esposa que junto a su amante fraguarán a su vez la muerte de este, muerte y sorpresa se juntan desencadenando los acontecimientos de manera simultánea al más puro estilo de su director. La película está interpretada por Pedro del Campo en el papel de marido cornudo, Teresa Cosculluela en la mujer infiel, Carlos Calvo en el cariñoso amante y Pedro Aguaviva en el protagonista casual del corto. Recuerdo que en una ocasión le pregunté no sin cierta morbosa ironía sobre el rodaje de las escenas de cama, Javier se me quedo mirando y me dijo con una sonrisa ladina: "Esa pregunta tiene mucha mala leche, Carlos y Teresa (los actores de la escena de cama) me dijeron que me pusiera a rodar que ellos ya harían su trabajo, que no me preocupase por más, y así lo hice...".\nLa andadura cinematográfica de este realizador tiene diferentes vertientes, a su trabajo de guionista y director hay que sumarle la de actor, con una estrecha relación entre los prototipos de personajes que encarna para otros y los suyos, de esta manera podemos verle en películas de Aguaviva, Briones, José Manuel Fandos o José Abad, en algún caso elaboró además el guión. De estas interpretaciones habría que destacar los cortos: Feliz Navidad cariño y Adiós, queridos, realizados por Abad y Fandos.\nJavier Peña formó parte de la Sección de cine de la S.F.Z. donde lo conocí, fue co-fundador del grupo Alucine, miembro de la Tertulia cinematográfica Aragonesa y del cineclub Gandaya, además como se ha dicho antes de Cineceta. Ha desarrollado cometidos de todo tipo dentro de estas asociaciones mencionadas, con Alucine organizó una de las muestras de cine realizadas en nuestra ciudad y que servían para dar ha conocer los últimos trabajos producidos en nuestra Comunidad, una labor constante dentro del cortometraje y que como suele pasar con frecuencia poco valorada. Javier Peña vive actualmente algo apartado del cine, sus quehaceres familiares y su trabajo, le dejan poco tiempo para seguir contando historias de antihéroes que intentan vivir en una sociedad con exiguo margen para las relaciones solidarias. Sea este mi pequeño homenaje a un excelente realizador y una fenomenal persona\nLos personajes inventados por José Abad se podrían definir como histriónicos, la caricatura y las situaciones absurdas son manejadas con especial inteligencia donde el esperpento enmascara un trasfondo muchas veces cruel. El cine de Abad se mueve entre las luces y las sombras, la oscuridad de lo más decrépito de los valores humanos y la grandeza de la propia dignidad personal, siempre hay un hueco para la esperanza y para las relaciones incluso para la soledad y las catástrofes, en el cine de Abad siempre existe un hueco para todo, es como un gran guiñol donde los hilos son movidos al compás establecido por un espíritu burlón.\nConocí a José Abad en un cursillo organizado por la Sección de Cine de S.F.Z a mediados de los 80. Se mostraba como un tipo tímido y algo reservado, conforme lo fui conociendo mejor aprecie sus cualidades principalmente para el guión y para desarrollar historias como poco singulares, sobre esta base fue creciendo y desarrollando una producción de lo mejor que se hizo en el cortometraje de esa época. José Abad es natural de Alcalá de Ebro donde nace en 1960, empieza en el mundo de la imagen con la fotografía realizando diferentes cursillos, lo que le servirá para tener un concepto plástico y estético amparado principalmente en la composición y el encuadre, ello le permite abordar en la Sección de Cine sus primeros cortos con una cierta base que fue ampliando con el guión y el uso de la estructura narrativa.\nEl cine de este realizador comienza en 1987 con Dulces sueños que sería el principio de un estilo peculiar y muy personal. En el 88 es cofundador del grupo “Alucine” donde realiza trabajos de colaboración y dirección. Hace un equipo perfecto con José Manuel Fandos desarrollando posiblemente su mejor cine de este periodo, películas como: R.I.P de 1988, La extraña inquilina del 89 o Feliz Navidad cariño del 90, son buen ejemplo de ello. Pero sobre todas ellas destaca Adiós, Queridos del 95 codirigida con Fandos y producida por el grupo“Sin Retorno Films”. Esta película es un compendio del mundo ideado por Abad, con una interpretación espléndida de Javier Peña y Belén López, donde un hombre espera suicidarse arrojándose a las vías del tren, no antes de haberse comido un magnifico bocadillo de jamón untado con tomate mientras espera el paso del ferrocarril. Pero el destino hace que el tren no lo mate hiriéndolo de gravedad, convertido en una momia y metido en la cama es martirizado por los reproches de su mujer, los juegos de su niño y las revelaciones eróticas de una amiga, en fin, que todo termina con un generoso corte de mangas cuando todos los acompañantes piensa que les va ha dirigir unas tiernas palabras.\nEste es el cine de José Abad, un cine inteligente que se echa de menos y que esta repleto de un aire fresco e innovador. Una aportación substancial que sirvió para abrir una ventana diferente en el panorama audiovisual. No quiero terminar sin hacer referencia al libro de relatos cortos que escribió a finales de los 90, y que fue publicado pagando el propio autor gran parte de la edición limitada que salió a la venta, siendo la continuación literaria un complemento en su especial manera de ver la vida.\nALUCINE ALUMBRAMIENTOS CINEMATOGRÁFICOS\nJavier Peña en un fotograma de la película Feliz navidad cariño (1990)\nEl cine del nuevo grupo y dado la particular personalidad de sus miembros (recordemos los artículos sobre Javier Peña y José Abad) podría definirse como histriónico, la sátira de personajes sencillos víctimas de las propias circunstancias y la mirada de una sociedad depredadora con estrecho margen para las relaciones humanas, serán referentes fundamentales en el delineado de sus héroes envueltos en situaciones cotidianas pero llevadas al absurdo. La parodia donde se disfrazaba sus historias servía muchas veces para enmascarar una realidad cruel que despreciaba los valores esenciales de la dignidad personal. Esta manera de crítica sutil junto a un discurso fresco y punzante sería una constante que llevaran con especial talento al cortometraje de aquella época. Si algo caracterizó a este grupo era, en efecto, el especial sentido del humor caricaturesco que utilizó en gran parte de su producción: R.I.P (1988 de Abad), Un triángulo de cuatro lados (1989 Javier Peña), Chanel nº 5 (1990 José Manuel Fandos), o Caretas (1991 de Carlos Calvo) es tan solo un ejemplo de una producción total de 15 títulos comprendida entre 1988 a 1991.\nMaría José y José Miguel empiezan con su realización cinematográfica en 1984 bajo el nombre de Allueva-Villanueva, su primer trabajo será Notas de Pianola. En 1985 dirigirán Tinta bajo tus pies que es ya claro reflejo de un tipo de cine donde las particulares relaciones humanas de sus personajes serán una característica. En ese mismo año se integran en el grupo Cineceta participando en varias producciones, será en él donde realizan en 1986 su siguiente cortometraje subvencionado por la Delegación de Juventud del Excmo. Ayuntamiento de Zaragoza titulado Retrato en blanco y negro, esta producción se estrenará en el Teatro del Mercado de nuestra ciudad en diciembre del mismo año. Es de destacar la banda sonora que compuso el grupo Edición Fría más conocidos posteriormente por Héroes del silencio, la película recibiría un premio en el Festival de Cine y Vídeo de Teruel. A estas películas se le sumaran Asfalto del año 1986, La mosca del 87 y La voz de Mario del 88.\nLa trayectoria de esta pareja de realizadores se bifurca en diferentes áreas como la producción propia, la colaboración con el grupo Cineceta y la incursión en el mundo publicitario como guionistas de la agencia multinacional Cup & Partners. Me gustaría destacar también la elección de actores que realizaban provenientes en gran medida del mundo del teatro y que pertenecían a compañías locales. Subrayar la utilización de la banda sonora original en parte de sus producciones algo que era muy poco frecuente en el cortometraje de los 80 y que Allueva-Villanueva promovieron. Fueron parte importante de la Primera muestra de cine amateur zaragozano, sería José Miguel quien diseñaría el cartel de un certamen que sería un intento serio por presentar la producción local y el mundo del corto, a una sociedad que vivía de espaldas a él, gracias en parte al abandono de muchos estamentos.\nVideograma del trabajo experimental El altar del sacrificio (1990)\nMención especial tiene el apartado de producción propia, es en ella donde pone de relieve un concepto innovador, la evolución de las nuevas tendencias como el videoarte y las video instalaciones, puede considerarse como un pionero en el desarrollo de estas formas de expresión. Es importante destacar por diferentes motivos su trabajo titulado El altar del sacrificio del año 1990 y que tendría su principal eco en el escándalo que se produjo cuando fue emitida por TVE. Todo ello fue consecuencia de unas imágenes que mostraba el vídeo, en ellas realizaba un paralelismo entre la ofrenda de flores a la Virgen del Pilar, y el ritual que realizaba una tribu africana que arrojaba al río el semen para fecundar a los peces y así tener más abundancia en la pesca. Es evidente que tocar temas en el que por similitud se mezcla lo sagrado con lo pagano puede acarrear problemas de incomprensión, aunque en el fondo y como nos contaba su autor la hipocresía sea la misma, esto es, ofrecer algo para pedir después. Las llamadas colapsaron la centralita de televisión y hasta el mismo presidente de Aragón tuvo que intervenir, las consecuencias más inmediatas fue la cancelación de la subvención de siete millones de pesetas que la propia Diputación General de Aragón había otorgado al trabajo.\nAnécdotas aparte, el trabajo de Anselem continuo principalmente a nivel profesional, su última videocreación fue del año 94 y llevaba el titulo de Arrebato, que solapaba con la colaboración en Canal Plus y con los encargos institucionales, dentro de estos últimos quisiera destacar: La rehabilitación en el medio rural, Las sesiones plenarias para las Cortes de Aragón, Joyas de un patrimonio. Órganos históricos restaurados, Aragón. Historia y cortes de un Reino, Fotógrafos aragoneses etc. Su labor actualmente se centra en la planificación y estrategia en comunicación en diferentes áreas empresariales, algo más distante del mundo de la imagen de lo que él quisiera. Carlos sigue fiel a sus ideas y conceptos multimedia, a pesar de que como dice ha perdido el romanticismo altruista, posiblemente porque está metido en otro mundo distinto como es el empresarial, aunque para mí sigue siendo el mismo tipo innovador y fenomenal de siempre.\nContinúa en la pestaña de Cine Independiente II


Un argentino percibe en promedio un salario de USD 159,40, según Focus Market.\nLa persistente inflación que existe en la Argentina sumada a otros desequilibrios económicos afecta año tras año el poder de compra de la moneda local y en consecuencia a los salarios que perciben los trabajadores. En ese marco, un estudio privado arrojó que los argentinos tienen el ingreso promedio medido en dólares más bajo de la región y es 11 veces menor al que se percibe en Uruguay.\nDe acuerdo a un informe elaborado por Focus Market, un argentino percibe en promedio un ingreso de USD 159,40, mientras que un uruguayo gana USD 1840,40. Detrás del país oriental aparece Chile, con un ingreso promedio en dólares para los trabajadores en torno a USD 763,61; lo sigue Brasil, con un sueldo de USD 267,70 y luego aparece la Argentina, con un promedio de 159,40 dólares.\nEn este punto, el director de la consulta, Damián Di Pace, explicó que el informe mide todo el ingreso que percibe una persona más allá del salario. Esto incluye al sector informal que tiene ingresos esporádicos y en negro. “Hay que tener en cuenta que el 50% de la población es pobre en la Argentina y que el decil más alto el Indec lo mide entre $65.000 y $2.000.000″, destacó.\nY agregó: “Casi el 10% de la población en indigente en el país. Esto lo que mide es el nivel promedio de ingresos de toda la población”.\nEn ese contexto, la consultora destacó que la distribución del ingreso en Argentina en los últimos siete años cayó 86% en dólares. Asimismo, indicó que el decil más acaudalado de Argentina recibe en promedio $98.481 por persona, mientras que el decil más precario recibe en promedio $5.953 en promedio al mes de acuerdo a datos del último trimestre del 2021 elaborados por el Instituto Nacional de Estadísticas y Censos (Indec).\nOtro dato clave que arrojó el informe es que el ingreso promedio per cápita total de la población alcanzó los $32.192. Es decir 29 millones de personas recibieron un ingreso promedio que, si se corrige usando la mediana estadística, implica un ingreso en el último trimestre del 2021 de 24.751 pesos.\n“Argentina está teniendo varios inconvenientes. Desde el punto de vista macroeconómico los desequilibrios fiscales y monetarios llevaron en los últimos años a que la pérdida de valor del peso destruya el ingreso de los argentinos. Por otra parte, la contracara en la microeconomía es una economía que no crece en términos reales en los últimos años por lo cual no se puede distribuir aquello que no se produce”, afirmó Damián Di Pace, director de Focus Market.\nEn ese sentido, añadió que el Estado insiste en tomar renta del sector privado para distribuir a los sectores socioeconómicos bajos generando aún más desincentivos hacia la inversión privada. “Un círculo vicioso que lleva hace una década y cada vez con mayor deterioro” indicó.\nSegún el estudio, en el 2015 el decil más adinerado de la población en dólares recibía como ingresos promedio USD 3.083 -unos $44.160 en promedio- con una inflación de más del 20%, mientras que hoy recibe USD 487 -98.481 en promedio- con una previsión inflacionaria de más del 60 por ciento.\n“Es decir cuando los policymakers (hacedores de políticas) indiquen que hay una mejora de la serie, siempre hace falta repensarlo en termines reales y no morir de nominalidad mientras se analiza en pesos corrientes, ya que se puede estar perdiendo el dato clave en esta comparativa: la pérdida de poder adquisitivo de más de un 80% en cada decil”, destacó el informe.\nPara Di Pace, la Argentina vive en una política económica “equivocada” y de un “corte clientelar cada vez más preocupante”. En ese sentido, analizó algunas de las causas que generan distorsión en la economía y terminan afectando tanto a los empresarios como a los trabajadores.\n“Se intenta gravar con más impuestos a los que producen, invierten y generan empleo para sostener aquellos que quedan fuera del sistema. El problema es que se toma cada vez más del stock de lo producido pero a la vez se genera un quiebre en los incentivos y deseo de mayor inversión y producción por parte del empresario desde el más grande a pequeño. La gente va quedando cada vez más fuera del sistema y la política aprovecha para salir a brindar contención tomando más parte de la renta de quien produce e invierte generando un círculo vicioso sin salida con mayor nivel de pobreza e indigencia” explicó en analista.\nEn otro orden, el informe comparó el “decil más adinerado del país” con los deciles más adinerados de las capitales de los países anteriormente mencionados, y dio cuenta que Montevideo se considera una de las ciudades que reciben mejores ingresos con USD 2.228 por persona, seguida por Brasilia, con USD 1.181; Santiago de Chile USD 865 y Buenos Aires USD 487.\n“Estos datos sólo revelan que los supuestos ricos, solo reciben un poco menos de 500 dólares, es decir, un rico argentino equivale a un ingreso promedio de países como Brasil y continúa por debajo de países como Chile o Uruguay”, remarcó el informe de Focus Market.\nPor último, Di Pace dijo que la Argentina no tiene solo un inconveniente de ingresos en su población sino un problema con los fundamentos básicos de incentivos a la generación de riqueza para incrementar el nivel de ingresos de su población.\n“Se intenta distribuir aquello que no se generó por lo cual agrava cada vez más las bases para la mayor producción de bienes y servicios. Hay un concepto errado en que el crecimiento lo determina el consumo a esta altura. El crecimiento lo determina la inversión privada quien genera los ingresos de la población para favorecer un mayor nivel de ahorro presente y consumo futuro. El resto es intento de adelantar consumos sin los recursos privados reales para hacerlo”, concluyó.\nAmérica Latina Argentina Dólar


La Fira del Pesebre de Olot - B-CREK\nLa Fira del Pesebre de Olot\nComo es tradición, la Fira del Pesebre de Olot se celebra durante el Puente de la Purísima, del 6 al 8 de diciembre, en el centro de la ciudad.\nPuede encontrar productos entorno a la temática navideña: figuras del pesebre de calidad, árboles, tocones, pesebres, etc.\nLa Fira, va acompañada del mercado de artesanía y el mercado Km 0, además de un espacio de actividades para toda la familia en la Plaça del Carme.\nEl Mercat de artesania ofrecerá productos diversos artesanos: dulces tradicionales de Navidad (turrones, barquillos y tortas), productos arraigados en la comarca (embutidos y quesos) y, incluso, ropa y complementos para ir a la última moda.\nEl Mercat Km 0, situado en la plaza Mayor dOlot, ofrecerá productos artesanos elaborados en Olot y en la comarca de la Garrotxa. Sin duda, un espacio donde poder comprar todo tipo de productos de calidad y de proximidad.\nTampoco faltará, el Mercado de Navidad, un lugar donde encontrar las tradicionales figuritas del pesebre: el niño Jesús, la Virgen, San José, los toros, las mulas, los Reyes de Oriente, los pastores, los patos , las casetas de madera, los puentes y las fuentes. Ahora ya no tienes excusa!\nA més, durant aquests dies també se celebraran activitats i espectacles per a tots els públics:\nProyecto Fulles ambulants, proyecto artístico y social en movimiento de la Compañía Ortiga – Carpa de actividades familiares.\nEspectáculo participativo Cel de Nadal dirigido por Lola Solanilla – Cúpula geodésica.\nPrimer villancico del año con Elena Gadel – Firal Petit (6 de diciembre a las 18h).\nMiniconciertos de Corales locales – Espacios del centro de la ciudad.\nPasacalles del Gegantó Tió – Desde San Esteve hasta la plaza del Carme (7 de diciembre a las 17h).\nConcierto familiar de Xiula – Firal Petit (8 de diciembre a las 12h). Concierto incluido en la programación del Festival Veus.\nY durante estos días, si paseas por la Fira, recuerda que puedes venir a B-CREK a cualquier hora, ya sea en el desayuno, comida, merienda o cena. Estamos abiertos todo el día de las 8:30h a las 23h.\nY para calentarse del frío, nada mejor que venir a buscar un chocolate caliente, un Chai Latte o un Oat matcha bien calientes. ¡Te preparamos para llevar! Así seguro que no pasarás frío.