Sunday, Paul Kooiker. Editorial Van Zoetendaal, 2011\nCONOCE MÁS SOBRE LA OBRA DE PAUL KOOIKER\nTe compartimos extractos de varios artículos sobre su obra.\nNude Animal Cigar, Paul Kooiker. Art Paper Editions, 2015\nNude Animal Cigar (Desnudo Animal Gigarro)\nPaul Kooiker es uno de los fotógrafos conceptuales más interesantes que trabajan actualmente en los Países Bajos. Aunque su trabajo consiste completamente en imágenes fotográficas, no es tanto un fotógrafo, sino un escultor y un artista de instalación. Su fascinación por temas intrigantes como el voyeurismo, la inocencia y los clichés lo lleva a construir colecciones ficticias de imágenes de origen, sujetos y significado extremadamente inciertos. En su última instalación, Nude Animal Cigar, creada por invitación del Museo de Fotografía de La Haya, Kooiker repasa su carrera de veinte años en las artes visuales. El resultado es una serie desconcertante de doscientas obras fotográficas, en las que imágenes de desnudos y de animales se entremezclan con primeros planos de los incontables cigarros que ha fumado en su estudio a lo largo de los años.\nPaul Kooiker no está interesado en crear la imagen fotográfica perfecta. El valor de su trabajo no radica en sus fotografías individuales (que a veces están sobreexpuestas, borrosas por el movimiento de la cámara o granuladas), sino en lo que hace con ellas en la postproducción: el proceso posterior de selección y manipulación. En la fase inicial de su proceso creativo, es un fotógrafo deliberadamente “malo”, produciendo una masa de material exploratorio que a menudo se extiende a cientos de imágenes. Luego aborda este material como un artista visual, creando ‘colecciones’ en forma de instalaciones tridimensionales y álbumes de fotos. Estas colecciones ficticias parecen haber sido encontradas en algún lugar o han aparecido en una antigua maleta abandonada durante décadas en un desván. Para garantizar su credibilidad, Kooiker presta una atención meticulosa a la coherencia interna de forma y estilo. Esto contrasta fuertemente con el contenido de sus series, que a menudo son enigmáticas y vagamente inquietantes.\nPRÓXIMA EXPOSICIÓN RETROSPECTIVA\nDE PAUL KOOIKER\nOMU Photo Museum Antwerpen | 29.06.2018 – 07.10.2018.\nEl trabajo de Paul Kooiker a menudo se centra en el desnudo femenino, que también es uno de los muchos clichés que suelen asociarse con el trabajo de Peter Paul Rubens. Kooiker, sin embargo, con sus imágenes quiere contar más acerca del espectador, que sobre su modelo. Sus imágenes convierten a todos en un voyeur. Piensas que estás mirando algo que no estaba destinado a tus ojos. ¿O tal vez lo estaba? En la exposición Kooiker está inspirado en el Barroco, durante la época de Rubens y Rembrandt, para esta exposición.\nEl trabajo de Paul Kooiker trata sobre “mirar”, sobre el voyeurismo, sobre la vergüenza y la distancia. Él parte de la tradición antigua, de preguntas sobre la relación entre el artista y su modelo. Sus series obsesivas puede ser confusas, humillantes, desestabilizadoras e invalidantes. Cuestionan su posición como fotógrafo, hacen preguntas sobre el espectador y sobre cómo Kooiker mira a su sujeto.\nKooiker ha estado creando imágenes dentro de la tradición del desnudo en las artes durante muchos años, desarrollando su propia aberrante historia del arte. Para el proyecto de esta retrospectiva, acordó desviar su mirada, una vez – solo por esta vez -, hacia el barroco de los siglos XVII y XVIII, el Barroco de Rubens y Rembrandt.\nEnsayo por Brad Feuerhelm\nEl trabajo del fotógrafo holandés Paul Kooiker ocupa un peculiar espacio limítrofe entre el legendario cineasta David Lynch y el surrealista Hans Bellmer. Sin embargo, afirma que no apela a referencias directas de los antes mencionados. En cuanto a la inspiración, es “solo la vida misma”, dice.\nSin embargo, su exuberante y vívido uso del tecnicolor es fuente de falsas nostalgias, un anacronismo que resulta en una especie de nuevo noir. Tal paleta evoca la membrana de un ojo empapado de miel, parpadeando en la ardiente luz del sol en un día brillante. Cuando se vuelve a abrir el ojo, el color parece drenado, pero luego comienza a materializarse nuevamente en tonos de pantone que resuenan con intensidad. Es un efecto que optimiza la evocación de una memoria que quizás solo hayamos visto en una película.\nRespecto a Hans Bellmer, el trabajo toma en cuenta la repetición y la forma escultural femenina, aunque desencarnada. “En general, no me interesa la imagen única”, explica Kooiker. “Me gusta mostrar el estudio de un proyecto. En primera instancia, el trabajo está hecho para el libro, la secuencia de páginas y los pequeños cambios del modelo tienen un buen ritmo, en una exposición tendría una forma distinta de construir la secuencia”.\nEl trabajo de Kookier, en cierto sentido, eleva su modelo al nivel del arte en la forma de una naturaleza muerta. (“Ella podría ser un objeto en lugar de una mujer”, observa Kooiker). Al mismo tiempo, el basamento escultórico sobre el que se fotografía el cuerpo de la mujer y desde el que es vista desde múltiples ángulos casi representa una suerte de ejercicio de varios fotógrafos trabajando al mismo tiempo en una sesión de práctica “amateur”, apartados de sus familias. Kooiker da fe de esto: “Este elemento de lo amateur (aficionado) que contiene la fotografía es aparente en todo mi trabajo”.\nLos elementos eróticos permanecen en su lugar, pero las imágenes están lejos de ser explícitas debido a que los genitales representados. Tampoco existen las incursiones complicadas acerca de la identidad de la modelo ya que su cara está casi siempre ofuscada. Si bien tenemos al menos la suerte de escapar del problema de la edad modelo, el tema de la serie Sunday también recuerda a las mujeres de la serie Earthly Bodies (Cuerpos terrenales) de Irving Penn. Tanto Penn como Kooiker blanquean los modelos creando una sugerencia algo fantasmal. También hay un atisvo de Bill Brandt en estas distorsiones. También de André Kertesz. Como vemos, estas imágenes se ubican dentro de la tradición de cierta sensibilidad europea.\nTambién existe la noción de que ellas iluminan un rincón de la mente de Kooiker sobre el que el autor está siendo increíblemente honesto. Uno también podría decir lo opuesto. Las imágenes se podrían leer como formas de explotación de una forma muy específica práctica de creación artística masculina, heterosexual y europea. Podría ser que el factor de objetivación y la pérdida de control a través de las poses de la modelo entren en conflicto con su intento de presentarla claramente fuera de la reorganización libidinal de la carne femenina repetida al infinito y siempre en espacios reducidos. No sería una evaluación injusta, pero el potencial no es tan resistente como el artista podría desear.\nA pesar de sus sutiles matices, provocan y provocarán una reacción por parte de su audiencia. Más allá del enfrentamiento inicial con el gran formato del trabajo y el efecto de satirización del color, lo dejan a uno cuestionando el patrón y su insistencia en el cuerpo y el cuerpo politizado dentro de la tradición del arte y la cultura contemporáneos en la actualidad.\nEn posteriores conversaciones con el artista acerca de estos temas, Kooiker refuta la sugerencia de que el uso de una mujer más voluptuosa podría basarse en el formalismo de su trabajo, o en el hecho de que con una forma más grande y más suave, podría ser potencialmente más fácil producir una nueva naturaleza muerta. Tampoco tiene que ver, dice, simplemente con la modelo particular que estuvo disponible el día de las tomas. “Esta es una modelo muy especial”, dice. “Ella entiende lo que quiero. ¿Por qué usé una modelo más grande para esta serie? No puedo responder esto directamente. También es un misterio para mí”.\nAsimismo, opta por no explicar sus intenciones – para bien o para mal. Incluso ha dicho que ser consciente al tomar las fotos de que el sujeto femenino debería ser examinado de una determinada manera llevando su significado al límite sin explotarlo, no es algo que a él le concierne. Claramente, sin embargo, la noción de lo abyecto no está perdida en Kooiker. Habla de su temprano interés en la fotografía médica que resultó en su fotolibro Utrecht Goitre – una increíble selección de imágenes históricas únicas de una clínica de patología en Utrecht reunidas junto a sus propias fotografías que muestran características extrañas pero no poco comunes como marcas de nacimiento y lunares, talones agrietados y calvicie. Los grandes temas de lo grotesco y lo abyecto son, por supuesto, formas válidas de moneda artística y la forma específica de voyeurismo de Kooiker remonta ciertas verdades incómodas.\nHay tensiones intermitentes entre la subjetividad y la objetividad, la belleza y la fealdad, la seducción y el choque, observar y ser observado, que residen en toda la imagen. El trabajo de Kooiker es una revelación de que la obsesión y la búsqueda de imágenes de proyecciones personales, casi oblicuas y cotidianas, para crear una atmósfera de incertidumbre, tienen el valor de la identidad que asume dentro de esta serie. El cuestionamiento del trabajo se vuelve reflexivo. Obliga al público a pensar y lleva a preguntas dirigidas a nosotros mismos, a nuestras percepciones de la forma humana, de las mujeres, del “otro” y de nuestras propias nostálgicas forzadas creadas por el color o las percepciones sensoriales del sonido o el olfato.\nPaul Kooiker (1964) nació en Rotterdam. Estudió en la Royal Academy of Arts en La Haya y en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Amsterdam. Desde 1995, enseña en la Academia Gerrit Rietveld en Amsterdam. En 1996 ganó el Prix de Rome y en 2009 fue galardonado con el A. Roland Holst Prize. El trabajo de Paul Kooiker ha sido ampliamente exhibido, incluyendo exposiciones colectivas en la Maison Européene de la photographie, París; Fotohof, Salzburgo; Museo de Arte Kumho, Seúl; Arsenale Novissimo, Venecia; Colección Zabludowicz, Londres. Sus exposiciones individuales desde 1996 incluyen las realizadas en Kunsthal, Rotterdam; Vleeshal, Middelburg; James Cohan Gallery, Nueva York; Fries Museum, Leeuwarden, Foam Fotografiemuseum, Amsterdam; Gemeentemuseum, La Haya; Museo Boijmans van Beuningen, Rotterdam. Paul Kooiker ha publicado varios libros: Utrecht Goitre (1999), Hunting and Fishing (1999), Showground (2004), Seminar (2006), Room Service (2008), Crush (2009), Sunday (2011) y Heaven (2012) . Entre 2007 y 2009 publicó catorce números de Archivo, un diario fotográfico bimestral curado por él y el galerista Willem van Zoetendaal.\nPonte City, Mikhael Subotzky and Patrick Waterhouse, Steidl, 2014, Diseño Ramon Pez\nEn el medio de los fotolibros, el diseñador Ramon Pez (Italia/España) ha construido un lugar especial.\nCuando Ramón Reverté trajo The Afronauts, libro casi mítico ya, a una clase, todos queríamos tocar, pasar sus páginas impresas sobre el papel de envolver quesos en España, tocar la liga que Cristina colocó manualmente en cada ejemplar, ver las fotografías cargadas de sentido del humor, y escuchar la historia que Ramón contaba sobre cómo se realizó el libro, entre anécdotas divertidas y una seductora descripción sobre una manera libre y audaz de hacer libros.\nThe Afronauts se convirtió rápidamente en un éxito internacional, proyectando a los fotolibros a una nueva forma de experimentación y juego. Un sello que caracteriza a Ramon Pez, quien ha desarrollado numerosos fotolibros, variados en concepto, formas, materiales y diseño, lo que ha hecho a cada uno especial y coherente al contenido de la obra.\nCuando en 2015 planeamos la primera edición del programa de HYDRA+FOTOLIBROS y preguntamos a Ramón Reverté, a Horacio Fernández y a otras personas, a qué diseñadores sería importante invitar, todos coincidieron en Ramon Pez. Hoy estamos a unos días para que venga por segunda vez a dar un taller en México.\nEntre aquel primer acercamiento a Ramon Pez y este, su segundo taller en el programa Hydra ´+ Fotolibros, este increíble diseñador ha acumulado varios premios al mejor fotolibro a nivel internacional, como es el caso del libro Libyan Sugar del fotógrafo Michael Christopher Brown, publicado por Twin Palms, y que ganó el Paris Photo First Photobook Award en el 2016.\nPara quienes no conocen personalmente a Ramon Pez, su figura resulta un tanto enigmática. Buscando en la red al primero lugar al que llegamos es a su página www.ramopez.com y nos encontramos con este texto:\nDamos un click, entramos a Colors magazine, y el misterio se vuelve más interesante.\n“Después de tres años rescatando personas y escalando montañas como soldado de la armada italiana en los Alpes, Ramon empezó a estudiar diseño gráfico en 2000. Se graduó con un título en comunicaciones visuales y multimedia por la Universidad de Venecia en 2003. Ese mismo año Ramon empezó a colaborar con Fabrica y La Granja Studio, y conoció a Paolo Vetta, su mentor y el fundador de Tassinari Vetta studio.\nEn 2005 Ramon se mudó a Barcelona donde, otra vez para La Granja, desarrolló diferentes proyectos de diseño de exposiciones mientras preparaba su tesis para un Masters en Artes (que nunca terminó). Desde 2006, Ramon ha trabajado como diseñador gráfico independiente, dividiendo su tiempo entre proyectos editoriales, campañas de comunicación, ilustración y video. Su última obsesión es la impresión de pantalla.\nRamon regresó a Fabrica en enero de 2012 para convertirse en director de Colors Magazine.\nEn 2012 Pez fundó, junto con Laia Abril, un “Equipo para hacer libros”, diseñando, editando y produciendo The Afronauts. El equipo también creó el muy reconocido libro The Epilogue (Dewi Lewis, 2014) y hace poco presentaron un nuevo libro sobre una serie acerca de los usuarios de las cámaras sex-webcam Tediousphilia (Musée de l’Elysée).\nSeguimos buscando y nos topamos con esto:\nRamon Pez es el director de arte de Colors magazine y un hacedor de libros. Su procedencia combina el diseño y las artes visuales con la publicaciones ilustradas underground. Pez está particularmente interesado en proyectos donde las historias y estructuras narrativas mezclan diferentes medios. Sus proyectos más recientes son : Ponte City (Steidl, 2014), The Brightest Light Runs Too Fast (Editions Bessard, 2014) y Back to the Future (autopublicado, 2014). En 2012 Pez fundó, junto con Laia Abril, un “Equipo para hacer libros”, diseñando, editando y produciendo The Afronauts. El equipo también creó el muy reconocido libro The Epilogue (Dewi Lewis, 2014) y hace poco presentaron un nuevo libro sobre una serie acerca de los usuarios de las cámaras sex-webcam Tediousphilia (Musée de l’Elysée).\nY si esa liga nos conduce a:\nTediousphilia, Laia Abril, Musée de l’Elysée, Lausanne, 2014\nTediousphilia “Miles de jóvenes parejas en cada esquina del planeta están iniciando negocios, de forma rápida y sencilla, desde el confort de sus propios dormitorios. Los miembros de la “Generación del Facebook”, usualmente desempleados, afectados por la desesperanza de la crisis de nuestro tiempo, y sin temor a exponer su intimidad por unos cuantos dólares por semana; estas parejas de empresarios ofrecen espectáculos de sexo en línea. Sus pep-shows virtuales a demanda pueden ser encontrados en diferentes páginas en la red, donde los puedes mirar esperando “listos para tener sexo para ti” en transmisión en vivo, hasta el momento en que tu desees pagar por la acción.\nLa proyección Tediousphilia es un proyecto multimedia en colaboración con el director de arte Ramon Pez, basada en series fotográficas que documentan el aburrimiento y tedio que sufren las parejas que se dedican al sexo para las cámaras web caseras en los tiempos detenidos, de espera antes de los momentos del sexo en la no-tan-virtual vida paralela.\nRamon Pez es conocido y reconocido por su trayectoria como director de arte, editor y diseñador de algunos de los fotolibros más importantes que se han editado en los últimos años, entre los que destacan Ponte City y The Ephilogue.\nSu formación, la cual combina el diseño y las artes visuales, le ha permitido experimentar y establecer diversos procesos creativos basados en la colaboración en las que enfatiza la importancia de cada una de las etapas de producción que conlleva producir un fotolibro, destacando de manera particular el diseño y la puesta en página, y logrando establecer una dinámica de trabajo particularmente enriquecedora y creativa.\nEl trabajo colaborativo es una de las apuestas de Ramon para que un buen fotolibro tome su cauce. Pez se ha vuelto reconocido por su labor en equipo con los fotógrafos y otros miembros que colaboran en el proceso del desarrollo de fotolibros.\n“En cada proyecto adaptamos nuestras habilidades, responsabilidades, investigación, y motivación, dependiendo de los que pensamos que cada proyecto necesita”- comentan Laia Abril y Ramon Pez en una entrevista en el PhotoBook Review de Aperture #9- “Nuestro proceso se basa en investigar continuamente cada aspecto de la edición. Encontramos inspiración y las respuestas para las dificultades de cada proyecto buscando nuevas formas de estructuras narrativas”, escribe Laia Abril.\nRamon Pez comenta “Si un fotógrafo sabe como hacer una buena edición, y llega con un concepto claro del libro, sigue siendo interesante colaborar y crear una lluvia de ideas para desarrollar nuevas propuestas. Con The Epilogue, Laia ya estaba dándole forma al proyecto incluso antes de iniciar con la toma de fotografías, lo que realmente hace una diferencia al ayudar a estructurar el libro-la edición en este caso, es igual al concepto y la historia”.\n© The Afronauts, Cristina de Middel\nCristina de Middel comenta en una entrevista sobre el proceso de trabajo en The Afronauts:\nPregunta del entrevistador: “En la realización del libro la dirección de arte corre a cargo de Ramon Pez y Laia Abril, y la edición la ha llevado también Laia. ¿Puedes explicar como desarrollasteis el libro y que jerarquías tenías establecidas entre vosotros para la toma de decisiones? ¿Qué influencia crees que ha tenido el hecho de los tres seáis muy amigos para la realización del libro?”\n“No utilizaría la palabra jerarquía para referirme a la relación que construimos durante ese periodo. Creo que todo fue muy bien porque cada uno respetó el espacio de los demás pero al mismo tiempo podíamos dar nuestra opinión o hacer sugerencias. Creo que todos fuimos muy flexibles y se convirtió en algo parecido a un juego, porque todo era posible. No nos asustaba proponer ideas descabelladas y los resultados que obtuvimos fueron tan emocionantes que creo que mantendremos esa filosofía para el próximo proyecto.\nEl fotolibro es una obra en la que, sin duda, lo importante es el contenido fotográfico pero en la que interviene el diseño, el texto (si lo hay) el grafismo, la tipografía, la impresión, que sin dejar de ser complementarios, también son decisivos.\nPara alcanzar los mejores resultados deben tomarse las mejores decisiones en cuanto a diseño edición, los papeles, técnicas de impresión, posibilidades de encuadernación, etc.”\nEstos elementos son centrales al programa de HYDRA+FOTOLIBROS. Durante años el diseño se volvió protagónico en la realización de proyectos editoriales, y en muchas ocasiones pasaba a un primer plano frente a la misma obra del autor, cuyas fotografías, pinturas, ilustraciones, etc., pasaban a un tercer plano y para convertirse en objetos que los libros meramente reproducían. O bien el diseño era tan rígido y poco fluido que las publicaciones se volvían acartonados catálogos.\nEl auge y la proyección por la cual atraviesa el fotolibro a nivel internacional obedece, sin duda, a diversos factores que han creado las sinergias óptimas para que esto suceda.\nSi bien es cierto que para que un fotolibro sea exitoso se necesita un trabajo visual potente, hay otros factores que son claves para su posicionamiento sea una consecuencia. Edición, diseño e impresión son algunas las piezas claves que han contribuido a que cada vez un mayor número de festivales, editoriales y encuentros entorno a la fotografía dedican diversas actividades y premios al fotolibro.\nEn los últimos años los avances en la tecnología han cambiado la forma en que producimos y circulamos la fotografía. Cada vez más autores hacen de la fotografía el medio con el que se comunican y construyen su obra. Todo ello, aunado al desarrollo de nuevas y más baratas formas de impresión, y a una falta de espacios de exposición, han convertido al fotolibro en un medio ideal para dar salida a la obra.\nComputadoras, cámaras, impresoras y otros equipos brindan una nueva independencia a quien desea realizar un libro. Aparecen plataformas digitales para hacer libros a demanda y sistemas de impresión que permiten hacer libros en tirajes cortos con costos menos elevados.\nEste nuevo panorama transforma el papel tradicional de editores, diseñadores y autores. Para hacer un libro ahora hay diferentes estrategias que se pueden seguir según las necesidades y deseos del autor.\nSin duda, uno de los escenarios ideales es un trabajo de colaboración entre aquellos quienes participan en la creación de un fotolibro. Y es en este terreno donde se abre un espacio particularmente interesante que rompe con las estructuras a las que en muchos sentidos estábamos acostumbrados, permitiendo que nuevas formas de trabajo y colaboración generen nuevos discursos.\nEn Hydra+Fotolibros nos interesa ofrecer a quienes participan en los talleres una perspectiva sobre estas diferentes formas de trabajo en el desarrollo de una obra en forma de libro. La colaboración y el diálogo como una manera de tomar una postura frente al tiempo en que vivimos. Hacer del libro una manera de explorar el medio de la fotografía, de reflexionar sobre el arte y el mundo a partir de una práctica más libre, autogestiva e independiente.\nAlgunos fotolibros en los que ha trabajado Ramon Pez\nThe Afronauts, photographs by Cristina De Middel\nEl libro Afronautas de Cristina de Middel recrea un excéntrico programa espacial dirigido en 1964 por un profesor de secundaria zambiano, que sin demasiado éxito, buscó financiación y entrenó a unos cuantos lugareños y a un gato para mandarlos al espacio. Para ello el libro incluye, además de las fotografías realizadas por De Middel, supuestos facsímiles de diferentes documentos, fotografías de archivo y preciosos dibujos realizados por la autora.\nSe trata de una publicación de una factura impecable, financiado en parte gracias al programa de exposiciones de la Sala Kursala de la Universidad de Cádiz y al dinero que destinan a la producción de catálogos para dichas exposiciones. Y por otro lado, a la inversión económica de la propia autora.\nEl libro fue seleccionado como uno de los veinte Mejores Primeros Libros del premio que convocan Paris Photo y Aperture y fue parte de las listas de los mejores libros del año 2013. Con The Afronauts Cristina fue nominada para el prestigioso Deutsche Börse Prize 2013 junto a otros destacados innovadores fotógrafos como son Mishka Henner, Adam Broomberg & Oliver Chanarin y Chris Killip.\nPonte City, es un fotolibro de Mikhael Subotzky y Patrick Waterhouse, diseñado por Ramon Pez.\nPonte City fue reconocido con el Premio Deutsche Börse de Fotografía 2015. En el los fotógrafos Mikhael Subotzky y Patrick Waterhouse documentan el ascenso y la caída de los rascacielos residenciales más altos de África. “Este proyecto es de largo recorrido y creativamente ambicioso, también sirve como una inmejorable metáfora sobre la sociedad sudafricana y su transición desde el Apartheid a la era post-Apartheid, aunque lo más importante es que investiga temas más amplios, en este caso, relacionados con los actuales movimientos globales de migración de personas” apunta Brett Rogers, director de The Photographers´Gallery en Londres, cuando el premio fue revelado.\nEn 2015, el jurado del Deutsche Börse Photography Prize estuvo integrado por Chris Boot, director ejecutivo de la Aperture Foundation, la artista holandesa Rineke Dijkstra, Peter Gorschlüter, subdirector del MMK, Museum für Moderne Kunst, y Anne Marie Beckmann, comisaria de la Art Collection Deutsche Börse.\nThe Epilogue, Laia Abril, Dewi Lewis 2014, Diseño Ramon Pez\n“Un epílogo es aquello que a veces viene al final de una novela, una suerte de capítulo extra, que permite al lector curioso enterarse qué ha sido de los protagonistas del libro. Laia Abril respeta al pie de la letra esta definición en su primera publicación con la editorial Dewi Lewis.\n“La historia que de la que es epílogo The Epilogue es la vida y muerte de Cammy Robinson, una joven mujer de Estados Unidos que murió a causa de la bulimia en 2005 a la edad de 26 años. La fotógrafa no conoció a Cammy, y el proyecto se desarrolló ocho años después de su muerte. Esto quiere decir que, para poder contar la historia, Laia Abril no tuvo otra opción que usar a quién y qué había quedado, refiriéndose a los miembros de la familia y los amigos que la sobrevivieron, así como los objetos y documentos que pudieran ser pertinentes a su historia.\nCualquier historia narrada fotográficamente es por esencia subjetiva. Es la visión y comprensión de una persona de una situación. Esta noción va un paso más allá en este caso por el hecho de que la autora no está traduciendo lo que experimentó de primera mano, pero está transmitiendo/traduciendo las experiencia de testigos de primera mano. Es esta multiplicidad de subjetividades la que da al proyecto su validez e impacto. Es porque la madre, el padre, los amigos, la tía, etc., cuentan sus propias historias acerca del último periodo de vida de Cammy, que el espectador logra entender la increíble complejidad de lo que es la bulimia y cómo puede afectar el microcosmos familiar. El libro deja al lector la responsabilidad de sacar sus propias conclusiones.“\nThe Epilogue está compuesto por tres capítulos , cada uno de ellos definido por una fecha. El primer capítulo se enfoca en como la vida de la familia Robinson se desarrolla años después de la muerte de Cammy. Es en el presente, con el hecho inconcebible de que la vida continúa. Regresamos a la definición de un epílogo, lo que sucede después de que la historia termina: si la historia de Cammy terminó, la de su familia continúa, a pesar de lo insoportable que resulte este hecho para ellos. Simples, tristes y hermosos retratos de los miembros de la familia le dan cuerpo a sus testimonios. Capítulo dos es un flash back en el tiempo y nos cuenta sobre el personaje principal de esta historia: Cammy. El título del capítulo es su cumpleaños. Por supuesto esta reconstrucción tiene cierta flexibilidad, lo que permite que diferentes tipos de contenidos se desplieguen juntos en el libro. Seguimos su vida desde sus primeros días hasta el muy difícil periodo de su preparatoria cuando tiene sobre peso y es algo como un paria, hasta sus años de universidad, donde su condición toma una forma diferente y pierde su peso y su salud, hasta su historia de amor final. El último capítulo de tres desplegables trata la muerte de Cammy. La complejidad del contenido es trasladado en una manera que es a la vez fácil de captar todavía muy atractiva (Oh las páginas doblemente dobladas!). Puesto de forma simple, el libro pide que se juegue con él, El diseño del libro, realizado por Laia Abril y Ramon Pez, combina una formación de diferentes fuentes de materiales: entrevistas con la familia y amigos de Cammy (que permanecen los suficientemente cortos para no reprender al lector, pero suficientemente confrontantes para enfatizar las discrepancias de cómo cada personaje puede haber percibido ciertos momentos), imágenes antiguas y objetos (re fotografiados sobre un lienzo blanco como fondo) y fotos originales. Esta combinación de fuentes coloca al espectador en la posición de un detective que tiene que recrear una historia que sucedió hace mucho tiempo y que solamente puede ser reconstruida mediante estas piezas de evidencia: una pelota inflable desinflada, un historial médico, una carta de su hermano, fotos de fiestas, etc… “\nContinúa el artículo: “Pez ha logrado exitosamente un juego similar al hacer encajar fuentes de diferente naturaleza en Ponte City, proyecto de Mikhael Subotzky y Patrick Waterhouse publicado en 2014 por Steidl. Todos los libros que se relacionan con la publicación del excelente Raised by wolves de Jim Goldberg publicado por Scalo en 1995. En esta narración sobre niños que viven en Los Ángeles y San Francisco después de huir de sus hogares, el autor mezcla de una forma similar objetos (retratados en el estudio), testimonios (orales y escritos), imágenes encontradas y fotos originales.\nThe Epilogue cuenta una historia mucho más simple que estos dos últimos ejemplos, la historia de una solitaria muchacha que se sentía diferente al resto de su familia, quizás inadecuada, quien pronto trasladó sus problemas emocionales en subir de peso (225 libras) hasta que balanceó sus atracones con purgas, que la redujeron a la mitad de su peso (120 libras) y la llevaron a una serie de ataques la corazón y convulsiones hasta que uno del que ya no se recuperó. Esta historia es específica y brutalmente honesta. Y al ser así, paradójicamente gana un eco bastante universal para la gente que puede estar enfrentándose a desórdenes alimenticios en su familia o círculo cercano de amigos.“\nContinúa diciendo Laia Abril en esta entrevista: “Ramon Pez y yo empezamos un “equipo para hacer libros” en 2012, haciendo el diseño, la edición y producción de The Afronauts, seguido por Thinspiration fanzine y más recientemente Tediousphilia. También trabajé con él por casi 3 años en la revista COLORS, donde yo era una de las fotógrafas del equipo y asistente de edición de fotografía mientras él era el director de arte. Además de ser el director de arte, Pez tiene un amplio conocimientos de fotografía y narrativa visual, así que comprendió perfectamente la intención de esta historia.\nNuestro proceso de trabajo es bastante similar en cada proyecto: primero estudiamos y examinamos todo el material y encontramos una estructura narrativa que funcione para narrar la historia.\nDespués la documentación y la investigación es enorme para lograr encontrar los materiales y la forma del objeto, el cual nos va a permitir contar ese tipo de historia. Para esa parte del proceso también obtuvimos inspiración en los diarios, de álbumes genealógicos, de reportes sicológicos, documentos de investigación, una selección específica de películas norteamericanas de los 80´s buscando atmósferas geo-demográficas similares, canciones country, cualquier cosa que pudiera ayudarnos a sugerir al lector el tipo de entorno en el que la historia de Cammy se desenvolvía y hacer a la gente involucrarse con las diferentes emociones que la historia podría evocar en ellos.\nEl proceso de edición fue un elemento clave porque yo literalmente tenia cajas de sus cosas. Obviamente como fotógrafo quieres entrar en cada detalle, piensas que todo es esencial para hacer a la gente entender, pero esta es la parte más ardua de nuestro trabajo: explicar y hacer a la gente involucrarse todo lo posible con una cantidad mínima de información necesaria para dejar suficiente espacio a la propia interpretación de los lectores. Era importante tener un balance ente las historias de la familia de Cammy y su propio proceso de duelo, la correcta reconstrucción del tiempo de vida, todos los aspectos de la batalla de la bulimia, los diferentes factores desencadenantes… y todo ello sin aplicar mi opinión en el libro, dado que no soy nadie para juzgar. Pero al mismo tiempo, yo necesitaba sumergirme en los momentos más oscuros respetando la memoria familiar.\nEn términos puros de diseño (y por supuesto de narrativa visual) teníamos el gran reto con la composición del texto y la fotografía. El texto era esencial, pero de nuevo el ritmo del libro era muy importante, así que al final siempre era cosa de encontrar el balance adecuado entre el contenido y el flujo narrativa. Finalmente era esencial encontrar una traducción de la narrativa en el diseño y un excelente ejemplo de eso podría ser cómo logramos realzar los cuatro “momentos de ruptura” de la vida de Cammy (dos ataques al corazón y dos convulsiones) al “romper el libro” con cuatro despegables especiales que ayudan a parar al lector cuando lo necesitábamos.\nEl libro no hubiera sido posible sin la libertad, confianza y apoyo que tuvimos de Dewi Lewis desde el primer día; nos dejaba a cardo del diseño y la producción del libro. Estaba muy interesado desde el inicio después de solo ver unas cuantas imágenes y escuchar la historia. Unos meses después, le enseñamos una maqueta bastante avanzada. Durante los siguientes 6 a 8 meses trabajamos muy intensamente y nos reunimos con él un par de veces en Venecia para mostrarle la evolución y producción. Pero, como dije, nos dio 100% de libertad y confianza. También comprendió que el proyecto era una pieza de investigación/documentación, lo cual yo deseaba mantener como viable para accede a la mayor cantidad de gente posible. Fue solamente al estar en el proceso de impresión, que me di cuenta cuán rápido había sido todo el proceso. De la tomas fotográficas a la impresión, solo había pasado un año. La idea de este capítulo de mis series había estado en mi cabeza por dos años, la investigación tomó dos meses, pero el verdadero hacer el libro fue bastante rápido”.\nDel artículo Book of the Week: A Pick by Baptiste Lignel en PHOTOEYE BLOG. 11 de noviembre, 2014\nThe Gaia Hypotesis. Martín Bollati\n“El foto-libro es un mutante. Aquí y allá. Mutante porque no tiene sus límites claros y porque está vivo y cambiando. Al menos así lo leo yo. Entiendo que es un momento muy rico y orgánico en el devenir de la creación de proyectos en este formato: hay una figura de libro por inventar y también un lector que aprende y enseña nuevas lecturas de este producto novedoso y viejo a la vez.”. – Martín Bollati\nMartin Bollati nació en Buenos Aires en 1986. En 2012 recibió de EFTI su título de Master en Fotografía Conceptual a partir de la adjudicación de la XI Beca Roberto Villagraz. Actualmente vive y trabaja entre Buenos Aires y Madrid. Trabaja en la producción, edición y educación, vinculada al ámbito de las producciones visuales.\nEn el año 2015 la editorial Riot Books publica su primer libro de fotografía titulado A Kind of Loop. Ese mismo año participó en una serie de exposiciones colectivas: Secrets & Lies, JÄÄLPHOTO, Madrid; Divergentes, Sala Rigoberta Menchú, Madrid y Ficciones (duo con Christiane Peschek), Galería Matienschön, Buenos Aires. También fue elegido finalista en: The Vevey International Photography; Premio Nexo Iberoamericano; 1st Gomma Photography Grant y FotoPres La Caixa 20º Primera Edición, por su reciente proyecto La Forma Bruta y reelegido en la prestigiosa beca FotoPres La Caixa 20º Segunda Edición con su proyecto La Sonrisa de Monsanto.\nHistoria Diagonal es una breve colección de esculturas en su momento potencial y transitorio de lectura histórica. Un lapsus diagonal que antecede la caída, dando espacio a una nueva forma cultural que late, en simultáneo, entre lo que fue, lo que está siendo y lo que pasará a ser.\nDiagonal History. Martín Bollati. 2017\nLos golpes utilizados por los militantes de ISIS en la “destrucción” de las piezas arqueológicas del museo Mosul (Irak) reproducen en un movimiento distinto, pero de igual origen y consecuencia, aquellos objetivos de quienes las forjaron en el pasado: inscribir en la piedra un mensaje. Aunque ISIS hace mucho más. Porque toda destrucción activa, inevitablemente, tres mensajes: el de lo construido, previo a su destrucción; el de la destrucción misma; el de los restos. Toda estatua destruida, es en realidad, la construcción de varias estatuas. Ve el video aquí.\nLa forma Bruta. Martín Bollati. Cuadernos de la Kursala 2016\nEste trabajo mira hacia nuestros orígenes, investigando la representación a través del Museo. El proyecto relaciona objeto, dispositivo de exposición y el punto de vista de quien observa. Se trata de (re) imaginar la Historia a través de las imágenes, entendiendo que el presente lleva la marca de múltiples pasados y que nuestra historia tiene el poder de cambiar.\nTrabajando en museos e interpretando los objetos dentro de una serie de metáforas perfectamente solipsistas, la obra plantea preguntas sobre los valores del lenguaje, la jerarquía cultural y el significado que atribuimos a la imagen dentro del museo. Empujando los límites de la percepción de estas imágenes, Bollati entra en un discurso propio con los objetos, jugando no sólo con su santidad, sino también el potencial para la iluminación espiritual a través de estos objetos. Él menciona a Aby Warburg en este proyecto, quien fue un pionero de la comprensión de cómo nos relacionamos con las imágenes en un nivel individual y casi místico. Su significado, de alguna manera arraigado dentro de nosotros mismos, insinúa lo que históricamente y quizás incluso se almacena genéticamente dentro de nuestros cuerpos y cómo percibimos el valor de la imagen historicizada dentro de este paradigma.\n“Bollati es parte de una ola de fotógrafos que miran lo que estoy percibiendo como una práctica de “Nueva Museología” en la fotografía donde las preguntas de representación de objetos culturales son desafiadas con el lente de la cámara a través del discurso muy subjetivo con el artista controlando el nuevo Imagen y sus cualidades representativas”. – Brad Feuerhelm\nA decir de Bollati, el movimiento primario que impulsó el proyecto fue liberar historias posibles guardadas latentes en piezas expuestas en museos. Una fe personal y la creencia en la necesidad de ampliar nuestra comprensión simbólica de objetos culturales. La masa de tiempo, los conceptos, la definición, la estructura, las connotaciones metafóricas políticas y religiosas pasan por cada pieza que vemos o leemos. “Mi experiencia al encontrar obras en los museos era que yo me encontraba ahí, frente a ellas, y permanecían en su lugar, silenciosas; mientras yo, con la descripción proporcionada por el museo les construía un significado. Ellas se relacionaban conmigo con una sensación de volumen negativo, porque las atravesaba con mis propios significados de su producción y no tenían ninguna oportunidad de replicar. Quiero invertir este sentimiento, que las piezas puedan responder, defenderse”.-Martín Bollati La Forma Bruta intenta humildemente agregar misterio e imaginación a la forma en que entendemos nuestro pasado.\nDesde 2015 incursionó también en la edición de publicaciones, algunas propias: “La Forma Bruta“, publicada por Cuadernos de la Kursalau y Love as a Forest (we imagined) Love as a Forest (we remember)“.\nEn 2016 comenzó a funcionar la editorial hispano-argentina Chaco en donde, junto a Verónica Fieiras, coedita y selecciona proyectos, cuyos libros Soft Touch y Muestrario fueron seleccionado finalista para Libro del Año en el festival Les Rencontres d’Arles, Edición 2016 y 2017. En Agosto de 2017 publica Fin del Mundo del fotógrafo argentino Nicolas Janowski en el cual participa de la conceptualización, edición y producción.\nEste mismo año comienza también una colaboración con la plataforma educativa TURMA donde ejerce como tutor del Programa Turma Anual, Segundo Año. Este año está trabajando en la edición de su nuevo libro Los hijos del Neón, otro libro de su inédito proyecto La Hipótesis Gaia y en el desarrollo de su proyecto fotográfico Ruinas Sin Título. A su vez está trabajando en varios libros para la editorial CHACO.\nExposición: Fenómeno Fotolibro. Moritz Neumüller 2017\nA propósito de la exposición Fenómeno Fotolibro, el más reciente proyecto organizado con gran éxito por Moritz Neumüller, este curador y docente señala: “El fenómeno de fotolibro es algo global, es gente que vive la fotografía a través del libro. Los fotógrafos se dan cuenta que colaborando con diseñadores, con editores, con curadoros, con escritores pueden hacer mucho más rico el contenido que quieren presentar.”\nCuando se le pregunta Moritz Neumüller sobre quién en el ámbito profesional dentro de la fotografía, principalmente en el campo del fotolibro, éste responde: “No soy un fotógrafo, así que no puedo ayudar a hacer mejores imágenes, técnicamente hablando. De lo que sí me siento confiado en hacer es en entrenar a los creadores de imágenes para que se conviertan en mejores artistas y cuenten historias que importan para evitar clichés y encontrar nuevas maneras de mostrarlas y, por qué no, cambiar el mundo en que vivimos y con ello desarrollar todo su potencial para sacar más partido a los temas que han elegido.”\nSi bien es cierto que a su lista de cualidades se suma el de curador, docente y escritor, este austriaco establecido en Barcelona desde hace varios años, ha fincado una sobresaliente trayectoria en el ámbito de la fotografía y las nuevas tecnologías.\nArriba: From Where I Stand. Chocolate Factory\nIzq:Dublin Camera Club Annual exhibition.\nDer: Fergus. Inspirational Arts\nPara este Licenciado en Historia y Economía del Arte con un Doctorado interdisciplinario en Nuevos Medios de la Universidad de Viena, Moritz la fotografía siempre ha sido una prioridad profesional, lo que lo ha llevado colaborar en el Departamento de Fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (1999-2000) y supervisar varios proyectos internacionales de libros y exposiciones sobre fotografía.\nAcostumbrado al trabajo colaborativo, Neumüller ha sido Consejero Curatorial de PhotoIreland en Dublín, director un programa de estudios denominado Maestro Europeo de Fotografía de Bellas Artes en Madrid, da clases en la Escuela IDEP de Barcelona, realizando principalmente tutorías de proyectos para fotógrafos y desde 2010, dirige The Curator Ship, una plataforma para la fotografía y la cultura de la imagen, y un programa de accesibilidad para las artes llamado ArteConTacto.\nNew Irish Works. 2016 – 2017\nEl fotolibro ha sido también una arista importante dentro del quehacer profesional de Moritz Neumüller. Un ejemplo de ello es la exposición Fenómeno Fotolibro, que actualmente se presenta con gran éxito en España, en la cual se profundizaba en las nuevas perspectivas, importancia e impacto que ha tenido el fotolibro en la cultura visual de nuestro tiempo, trazando un recorrido desde sus inicios hasta la producción contemporánea.\nLa muestra cuenta con la participación nueve comisarios internacionales —Martin Parr, Gerry Badger, Markus Schaden, Frederic Lezmi, Horacio Fernández, Ryuichi Kaneko, Erik Kessels, Irene de Mendoza y Moritz Neumüller, este último en calidad de comisario ejecutivo— la muestra reúne siete secciones diferentes que dialogan entre sí para aproximar al público a lo que es un fotolibro desde ópticas muy diversas. También involucra a artistas, colectivos, editores, especialistas y libreros del ámbito internacional y local.\nOrganizada en siete apartados temáticos, la exposición arrancará con los mejores fotolibros según Martin Parr y seguirá con una selección de libros de denuncia y propaganda. El tercer apartado profundizará en New York, de William Klein, obra seminal de la historia del fotolibro. En “La biblioteca como museo” se entrelazarán libros y fotografías de tres pioneros en la reivindicación del fotolibro: Álvarez Bravo, Cualladó y Cartier-Bresson. El quinto apartado estará dedicado al fotolibro japonés y el sexto presentará una instalación de Erik Kessels. El último capítulo reunirá una colección de los mejores fotolibros de los años 2015 y 2016 y siete proyectos de siete artistas contemporáneos.\nPromise. Mandy O’ Neill, 2013 – 2016. New Irish Works\nMoritz Neumüller, es parte del grupo de especialistas que estará participando con talleres y foro de diálogo sobre edición dentro del programa de Hydra+Fotolibros 2017. Su taller se centrará en apoyar a los participantes en la reflexión sobre el contenido de su proyecto, ubicarlo en el contexto de la fotografía contemporánea, y que su realización en un fotolibro sea coherente y tenga la potencia que cada obra puede desarrollar.\nVideos acerca del fenómeno fotolibro:\nEl catálogo de la exposición “Fenómeno Fotolibro”, una original publicación\nExposición Fenómeno Fotolibro, la cultura visual actual desde el fotolibro\nNota de prensa acerca del fenómeno fotolibro\nSalitre. Juan Valbuena 2014. PHREE\n“Hay proyectos de todo tipo, el orden cambia según las circunstancias, pero lo que con el tiempo hemos aprendido es intentar controlarlo todo siempre que sea posible, nos gusta ser los dueños de todas las decisiones: ¿QUÉ FOTOGRAFIAR? ¿CÓMO FOTOGRAFIAR? ¿CÓMO SER VISTO? y ¿DÓNDE SER VISTO?…”\nJuan Valbuena es un autor, editor, docente y gestor de un perfil muy especial. Desarrolla una enorme y diversa variedad de actividades, pero todas tienen en común el cuestionamiento de la práctica fotográfica, la relación con el otro, la manera en que constuimos narrativas, las compartimos ya sea en imágenes, como en publicaciones, y el lugar que toma el autor en este escenario.\nNacido en Madrid (1973) es Licenciado en Física Teórica por la Universidad Autónoma de Madrid y Titulado CAP por la Universidad Complutense de Madrid.\nHa recibido la Beca Fotopres´01, la Beca-Residencia del Atelier de Visu en Marsella, la Ayuda Intermediae del Ayuntamiento de Madrid y la Ayuda a Proyectos Culturales de Impacto Social de la Fundación La Caixa.\nNavigator. Juan Valbuena 2004 – 2010\nFue Premio Descubrimientos PHotoEspaña en 2001; en 2008 participó en el festival con la exposición No era aquí en la sede madrileña del Instituto Cervantes, y en 2010 presentó durante el certamen Juntos/Together, en la Fundación Antonio Pérez en Cuenca.\nHa desarrollado proyectos para entidades públicas y privadas como AECID, Amnistía Internacional, Ayuntamiento de Madrid, British Council, Casa Árabe, Consejo Nacional de las Artes de Chile, KPMG, Ministerio de Cultura, El País Semanal, Fnac, Fundación La Caixa, FGV, Fundación Telefónica, Instituto Cervantes, La Casa Encendida, La Fábrica, Nokia, TBWA España y Público.\nEs Coordinador del Master Internacional de Fotografía Contemporánea. Asesor Cultural en donde imparte los cursos de Fotoperiodismo y Reportaje y el Master Internacional de Fotografía Contemporánea y Gestión de Proyectos.\nEn 2005, junto con otros doce colegas fundó la agencia NOPHOTO, un colectivo de fotografía que nace para hacer viables proyectos individuales y colectivos no convencionales.\n“Lo que hacemos en NOPHOTO es un formato híbrido. Generamos historias, imágenes metafóricas, recreaciones, fotografías artísticas… algo ligeramente diferente a la fotografía plenamente periodística”. (http://madrilanea.com/2013/04/02/juan-valbuena-o-como-ser-fotografo-sin-morirse-de-hambre/)\nTambién es coordinador de PROYECTA (una iniciativa independiente que utiliza la proyección como forma de difusión de trabajos de jóvenes autores).\nJUAN VALBUENA EDITOR: PHREE\nThe Pigs. Carlos Spottorno 2013. PHREE + RM\nAdemás de su propia obra, Juan Valbuena se caracteriza por ser un incansable impulsor de iniciativas y proyectos colectivos. Entre ellos, está la creación de PHREE, una editorial especializada en fotografía documental, libros de viaje y álbumes familiares.\n“La idea de PHREE es: fotografía documental, pero de proyectos personales. Proyectos basados en el mundo real, en los que los fotógrafos han hecho un esfuerzo de interpretación de tipo personal. No sólo nos enseñan lo que pasa, sino que están ahí dentro. Que veas que el fotógrafo domina un tema y ha hecho una aportación significativa al género.”\nLa mayoría de sus publicaciones abordan temas sociales, políticos, desde una postura crítica. Un ejemplo particularmente interesante es The Pigs de Carlos Spottorno, que aborda con una mirada extremadamente crítica e irónica la realidad de Portugal, Itala, Grecia y España en la actualidad.\nEsta especialización y vocación de trabajar en la publicación le otorga a PHREE una excelente calidad en términos de producción y de comunicación y negociación con los autores para alcanzar un producto final que les deje satisfechos. En el otro lado, reconocen el reto que tiene como una editorial especializada en acercarse al gran público, no sólo a los especialistas del género y librar el gran obstáculo que en ocasiones implica lograr una producción de gran calidad a un precio accesible y además hace crecer el coleccionismo del fotolibro ofreciendo publicaciones cuyas imágenes, diseño e historias capturen al lector.\nLa editorial busca siempre nuevos modelos para pagar sus publicaciones, por ejemplo la reciente Nación rotonda, un interesante catálogo de glorietas absurdas, coronadas por tomates, jamones u otras aberraciones urbanísticas de cualquier rincón de la geografía español. Esta publicación encontró financiación inicial gracias al crowdfunding superando todas las expectativas. De los 18.000 € iniciales necesarios para poder editar 1.000 ejemplares del libro, finalmente han superado los 28.000 €.\nDÚO: UNA PROPUESTA ORIGINAL\nDÚO es una publicación muy especial, que plantea preguntas al formato del periódico, al fotolibro, a la imagen documental, su relación con el texto, y a la forma en que todas ellas circulan y son consumidas por el público. Abordando generalmente contenidos sociales y políticos, DÚO propone el periódico como un formato que se transforma y abre nuevas posibilidades de trabajo colaborativo y de circulación.\nEn la página de PHREE DÚO es definido como: “Periódico monotemático de aparición imprevisible que explora y reivindica el formato reportaje desarrollado entre un escritor y un fotógrafo”.\nRevista DÚO. 2014 – 2016\n“DÚO es un periódico que se entrega en blanco a un fotógrafo y a un editor para que despñlieguen en sus 48 páginas un reportaje realizado por ambos sobre un mismo tema. Nos interesa el ejercicio periodístico entendido como una actividad no solo informativa y documental, sino también expresiva y creativa”.\nDÚO 05. Sobre la Ley Mordaza. Daniel Mayrit & Ignacio Trillo. 2016\nLos diferentes números de DÚO abordan temas como La ley mordaza en España, el último cine X de la ciudad, la historia de la inmigración en las fronteras de Ceuta y Melilla, los 10 años pasados desde los atentados M-11 en Madrid, los accidentes de tráfico y sus consecuencias.\n“DÚO pone en cuestión los medios de comunicación actuales, aprovechando un soporte antiguo genera una nuevos contenidos. es como un periódico vacío para volverlo a llenar de otra manera”.\n“Hemos elegido el formato periódico por una parte porque nos parece que es el formato natural para desarrollar un reportaje y sus amplias dimensiones permiten un despliegue muy grande a nivel de textos, a nivel de imagen.”\nDÚO 02. Sobre los accidentes de tráfico. Pablo Chacón & Isabel Navarro. 2014\nDÚO se restringe a tirajes cortos, lo cual es un contrasentido. La dea del antiperiódico queda reforzada con estos elementos. Un periódico para minorías.\nAl igual que cualquier periódico, DÚO se imprime por las noches, en la misma rotativa, con las mismas máquinas, con el mismo papel y la misma tinta.”\nTe invitamos a ver el video sobre DÚO en http://nophoto.org/duo-01\nDÚO. Sobre el último cine X. Laura Brito & Sara Martínez. 2015\nLas distintas publicaciones en PHREE están divididas en categorías:\nAry, Libros de foto documental contemporánea: donde se encuentran publicaciones como Nación rotonda, Salitre y Wealth management: WTF Bank.\nPHfriends, libros de amigos: La grieta y Discordia\nDÚO periódico hecho por un escritor y un fotógrafo que ya ha publicado seis números.\nALBUM, Albumes familiares: ¿Quién te tuvo?, Me acuerdo y Nosotros.\nAway, Libros de viaje que ha publicado Península, V. y Noray.\nOPH, es la división dentro de Phree de libros por encargo: Vecinas y Aquellos que Esperan.\nSu trabajo como editor en Phree, le ayuda a enfatizar su propio trabajo como fotógrafo encargado de sus propias publicaciones:\n“Es normal que no se nos dé bien gestionar lo que hacemos… hay toda una colección de vínculos emocionales e inercias autorales con nuestras propias imágenes, es lo que alguna gente llama CONTRAFOTO, que son como unos metadatos que ha metido uno mismo y que sólo puede leer uno mismo… por eso es mucho más fácil editar el trabajo de los demás… yo me sigo empeñando en editarme a mí mismo, pero tengo un truco: nunca edito el trabajo que estoy fotografiando y dejo pasar mucho tiempo desde que paro de hacer fotos hasta que publico el libro, soy lento y eso me viene bien: es como si editara a otro, al fotógrafo que ya fui, no al que soy…”\nValbuena fotógrafo, inseparable del Valbuena editor\nEn algún lugar en La Mancha. Juan Valbuena. Proyecto en progreso\n“Parece que el devenir de los tiempos ha hecho que lo contrario de profesional no sea amateur, sino personal. Y llega la hora de la verdad: ya no hace falta traer imágenes de los grandes acontecimientos porque para eso ya está la televisión y las grandes agencias, y tampoco merece la pena gastar el tiempo en fotografiar lo pequeño y lo individual porque ahora cualquiera lleva una cámara encima todo el tiempo.\nEs por tanto, el momento de fotografiar lo que uno, únicamente uno, puede fotografiar y hacerlo de la manera que uno, únicamente uno, crea mejor”\nSus proyectos tienen que ver con el viaje, el territorio y la memoria y conviven con otras disciplinas como la edición, el video y la literatura. En estos momentos está especialmente interesado en contar historias sobre la relación entre el ser humano y la fotografía.\nConcluyó su trabajo sobre La Ancha Frontera (1999-2009) con el libro de viajes Noray (2012), un recorrido de más de diez años por esa ancha frontera que es el Mar Mediterráneo. Un lugar con una identidad tan fuerte que se ha convertido en un continente intermedio, un espacio que asume siglos de cruce donde se cuentan miles de historias.\nOtro de sus proyectos más reconocidos es Salitre, que aborda el tema de la inmigración contada por 12 migrantes senegaleses. Valbuena nos lleva al interior de un pequeño apartamento de Madrid donde se superponen una densidad de historias vividas y soñadas por estas doce personas que habitaron en esta casa-patera de la calle Salitre en Lavapiés desde el 2007 hasta el 2012 cuando se les obligó a abandonarla.\nSe trata de una invitación al viaje, a ese mismo que les llevó lejos de sus casas, al de sus aspiraciones y de sus vidas en Madrid pero también un viaje para interrogarse sobre los usos de la fotografía.\nCuando le es concedida una beca para realizar este proyecto, Juan Valbuena decide que cada uno de los participantes debe contar su propia historia, en vez de ser él el autor único del libro. Así, cada uno de los 12 inmigrantes realiza su propio libro, que juntos en una cuidada caja, cuentan una historia desde 13 puntos de vista diversos.\nEs esta forma de trabajo honesta, que conduce a más preguntas que respuestas, la que caracteriza a Juan Valbuena.\nTodas direcciones. Varios Autores 2014\nEl último verano (2012)\nEste blog y video que más tarde se convirtió en publicación se desarrolló con NOPHOTO, como respuesta a las distintas medidas de austeridad que el gobierno español puso en marcha en el verano de 2012. El grupo se dedicó a documentar detalladamente “el último verano” que pensaron que podrían ver; dada la precariedad económica, las protestas sociales y la desalentador apercepción que tenían los españoles de su propia democracia. Las publicaciones del blog (que provenían del trabajo de los distintos miembros del colectivo) estuvieron activas entre los meses de julio y septiembre. También incluyeron videos, concebidos como minidocumentales que incluían recorridos y conversaciones con lugareños de localidades como Cádiz, Tanger y Orán.\nEl último verano concluyó como un libro de 72 páginas (los días transcurridos en el blog) y que se presentaba por capas, avanzando del amanecer al anochecer, de lo claro a lo oscuro. “Empieza luminoso, pero la cosa se empieza a torcer. Empiezas a ver cosas raras, barcos torcidos, peces decapitados… pues eso, que empiezas bien, pero por la noche el mismo callejón está lleno de malos. Es un viaje que se va tornándose oscuro, oscuro. Un poco como bucear a pulmón. Se coge aire al principio y se va hacia abajo, y cada vez con menos aire.”\nAl mismo tiempo el proyecto se conformó también como una exhibición que se inauguró el 28 de septiembre en el Palacio de Cibeles Centro Centro de Madrid con la llegada del otoño.\nJuan Valbuena participa en el Programa HYDRA + FOTOLIBROS impartiendo dos talleres: uno en el contexto de INCUBADORA DE FOTOLIBROS y otro para un segundo grupo.\nManda tu aplicación para INCUBADORA DE FOTOLIBROS o para solicitar BECAS y DESCUENTOS HASTA EL 2 DE JUNIO. Si te inscribes a más de un taller hasta esa fecha recibirás descuentos. Además, puedes aplicar a una de las 14 medias becas que te ofrecemos: 2 en Incubadora y 12 en los talleres.\nCholi Cholie, Walter Pfeiffer, RVB Books\nCuando los proyectos fotográficos no tienen oportunidad de llegar hasta el público a través de una muestra en museo o galería, o cuando desde su origen no son concebidos como un despliegue en muros blancos, el fotolibro se convierte en una opción narrativa y de amplia exploración que asegura la supervivencia del proyecto. Hasta este punto todo bien, sin embargo el esfuerzo que es lograr la edición de un libro cuyo diseño, calidad de impresión y tiraje alcance los sueños de sus autores, diseñadores y gestores culturales a veces parece inalcanzable.\nCircunstancias como estas han orillado (afortunadamente) a la búsqueda de nuevos caminos que hagan posible estos proyectos: la auto publicación y los tirajes cortos con editoriales que se involucran verdaderamente con los artistas y generan estrategias más orgánicas de distribución nos brindan ahora posibilidad de conocer y llevar a nuestra casa las propuestas de múltiples artistas de casi todo el mundo.\nLa escena francesa de hace casi una década tenía los mismos problemas, el interés por lograr la publicación de libros de arte únicos unió a Mathieu Charon, con experiencia en ediciones de Leo Scheer; así como en distintas publicaciones monográficas de autores como Jean-Christian Bourcart y Claude Leveque; y a Rémi Faucheux cuya dirección de arte en el proyecto Clinic 8- que incluía trabajo de Oivier Amsellem Constant Anee, Eric Baudelaire, Geoffroy de Boismenu, Christophe Bourguedieu, Jacqueline Hassink, Albrecht Kunkel, Ville Lenkkeri, Matthew Monteith, Mario Palmieri, Stefan Ruiz y Useful Photography (Hans Aarsman, Claudie de Cleen, Julian Germain, Erik Kessels, Hans van der Meer) fue transformándose de exhibición a publicación.\n2010 fue el año en que se encontraron y en el 2011 vio la publicación de sus primeros volúmenes. Su decisión de crear libros de arte únicos, en concordancia con los estándares de reproducción de color y calidad de imagen que los artistas persiguen, los ha hecho crecer sin parar.\nAnthill(meteorites), Agustín Rebetez, RVB Books\nA decir de Faucheux en entrevista con The Steidz, el crecimiento de RVB Books fue posible gracias a múltiples intercambios con artistas internacionales, además del constante interés que tiene la editorial por dar cabida y difusión a las propuestas de artistas emergentes y otros que no formaban parte del panorama institucional de Francia. Por otro lado, se interesaron también por brindar apoyo al trabajo fotográfico autoral y experimental, cuyos espacios consideraban menoscabados a favor de la fotografía documental.\nEn la misma charla, Charon define su sistema de trabajo como una colaboración constante en donde el diálogo e intercambio de ideas y propuestas entre la editorial y el artista son proceso obligado antes de llegar a la impresión.\n2013 fue un año importante para la editorial, en Octubre, durante la Frankfurter Buchmesse, la mayor feria comercial de libros del mundo, Faucheux fue invitado en compañía de Jane Hyne, Directora de producción de la National Gallery Company y Francis Atterbury socio de Hurtwood Press a la mesa de especialistas La Belleza del Libro.\nOut of Order Bad Display, Penelope Umbrico, RVB Books\nEn esta ocasión, el cofundador de RVB Books compartió con los asistentes y medios de comunicación cómo el trabajo conjunto no sólo con artistas sino con gigantes de la industria como HP les había permitido crecer y consolidar la editorial con esquemas que les permitían publicar fotolibros con excelente calidad de impresión en mucho menos tiempo y con menores riesgos de inversión para la editorial.\nLo mejor estaba por venir. Un mes después, el fotolibro Karma, de Óscar Monzón, recibió el First Photobook Award otorgado por Paris Photo y Aperture Foundation, premio que trae consigo un apoyo monetario con valor de 10,000 dls y el innegable reconocimiento de sus pares. Posteriormente RVB Books y Archive of Modern Conflict fueron reconocidos con el Premio al mejor Fotolibro PhotoEspaña 2015 por el fotolibro Illustrated People de Thomas Mailaender, siendo en esa ocasión Ana Casas Broda miembro del jurado de este premio. Y finalmente ese mismo año Illustrated People recibió también el Paris Photo Aperture Foundation Photobook Award de 2015.\nIllustrated People, Thomas Mailaender, RVB\nEl equipo de RVB Books permanece en búsqueda de nuevos artistas y nuevos proyectos. Este mismo año, durante el mes de marzo, presentó el taller Self-Publishing and Independent Publishing: From A Body Of Work To The Right Book (Autopublicación y publicación independiente: desde un cuerpo de obra hasta el libro correcto), cuyo objetivo principal era informar a los autores acerca del fotolibro como un vehículo ideal para sus proyectos, pero también mostrarle todos los procesos artísticos, técnicos y de mercado que implican. Este taller tuvo un convocatoria a todo el público y fue gratuito.\nA la fecha, su esquema de creación conjunta y sus distintas estrategias de financiación, alianzas de producción y distribución han llevado a RVB Books a la publicación de 54 títulos, cuyos tirajes oscilan entre los 250 y 750 ejemplares. Entre ellos destacan, junto a sus títulos galardonados, objetos sorprendentes como Entrar en la pirámide de Olivier Cablat o Sans Titre, M. Bertillon de Stéphanie Solinas cuyas páginas permiten reconstruir la cara en 3D del inventor de la foto antropométrica.\nSans Titre, M. Bertillon, Stéphanie Solinas, RVB Books\nALGUNAS OTRAS PUBLICACIONES DE RVB BOOKS SON:\nCholi Cholie, Walter Pfeiffer\nEl mundialmente reconocido fotógrafo suizo Walter Pfeiffer aceptó la invitación de ECAL (Escuela Cantonal de Arte y Diseño de Lausana) para hacerse cargo de su taller en el periodo 2014-2015 y sin embargo durante el taller no necesariamente se dedicó a enseñar a los alumnos alguna técnica de producción en particular o los impulso al desarrollo de conceptos específicos, lo que hizo fue invitarles a tomar posesión de su mundo ofreciéndoles pistas, sugerencias pero sin declarar una meta final específica. Choli Cholie es el resultado de ese viaje, una interesante recopilación de referencias y homenajes a la obra de Pfeiffer.\nCholi Cholie, Walter Pfeirffer, RVB Books\nEn 2014, el padre de Erik Kessels sufrió un derrame cerebral que lo dejó casi incapaz de hablar o moverse, circunstancia que lo obligó a dejar inconclusa la restauración uno de cinco autos Fiat 500, popularmente conocidos como topolino. Tras el cambio tan radical y sorpresivo en la vida de su padre, llena de actividad y proyectos bien planeados y concluidos, Kessels se dedicó a reunir la documentación fotográfica que su padre hizo para la restauración del topolino inconcluso y generó también su propia documentación del despliegue del trabajo de un hombre que como el auto quedara siempre incompleto.\nUnfinished Father, Erik Kessels, RVB Books\nThe house that burns every day, Marina de Gadonneix\nFotografiando las habitaciones de la construcción de una casa ficticia que utiliza un cuerpo de bomberos durante su preparación para compartir incendios, Marina Gadonneix recolecta ficciones entre las ruinas artificiales donde el fuego ha dejado marcas de su paso. El resultado es una muestra de la compleja relación entre lo documental y la ficción a través de imágenes.\nThe House That Burns Every Day, Marina de Gadonneix, RVB Books\nPixel stress, Anouk Kruithof\nEl 18 de abril de 2013, Anouk Kruithof y dos asistentes fueron a Wall Street en la ciudad de Nueva York y construyeron una instalación temporal de 14 impresiones enmarcadas de diferentes tamaños en el borde del pavimento de la ciudad. Kruithof pidió a las personas involucradas si les gustaría comprar una impresión, tanto como un gesto comercial y condenándolo a la escasez de los habitantes de la ciudad. Ella vendió 8 de los 14 impresiones, compradas por 7 participantes cuando un día lluvioso evitó mayores esfuerzos. A Kruithof no se le permite realizar transacciones monetarias, por lo que una vez que un participante le proponía un precio por una impresión, ella se las entregaba de forma gratuita, creando así una venta imaginaria.\nPixel Stress, Anouk Kruithof, RVB Books\nHydra + Fotografía es la única distribuidora de las publicaciones de RVB Books en la Ciudad de México, conoce nuestro catálogo completo en nuestra libreria\nArchive of Modern Conflict (AMC) es una organización y editorial independiente con sede en Londres, Reino Unido. Se inició en los inicios de los años 90´s y mantiene un archivo de material fotográfico vernáculo relacionado a la historia de la guerra, principalmente fotografías, pero también manuscritos y objetos. Este material abarca los siglos XIX y XX y ha sido adquirido de una variedad de fuentes tanto nacionales como internacionales. Han publicado numerosos libros, algunos de los cuales han ganado importantes premios, han presentado curadurías de exposiciones a partir de su archivo en todo el mundo, y han invitado a varios artistas a colaborar haciendo curadurías y ediciones con el material de su colección.\nArchive of Modern Conflict número 11: una guía para la protección del público en tiempos de paz.\nPublicado en noviembre 2014 el cual fue seleccionado para el catálogo del año de Aperture de Paris Photo 2015.\nPublicado para coincidir con la contribución de Archive of Modern Conflict para la exposición: Conflicto. Tiempo, Fotografía, en Tate Modern, Londres, el número 11 de Amc2 presenta los paisajes de la Guerra por aquellos que han sido cooptados, quebrados, desplazados, marchitados, conmocionados, sorprendidos, emocionados, corrompidos y desbalanceados por este proceso. Explora la psique del conflicto desde el tribalismo primario con pintura y plumas, por los caballeros guerreros hasta el clínico cientificismo de disparadores y conmutadores. Las fotografías incluyen nombres de amas de casa tanto como muchas de las personas olvidados que capturaron instantáneas de momentos a la zona de la discordia.\nThe Whale’s Eyelash: A Play in Five, de Timothy Prus.\nEl gran salto tecnológico que tuvo lugar en el siglo XIX en cuanto a sistemas de lentes ópticos, como el microscopio significó que en la segunda mitad del siglo, la exploración del microcosmos fuera una actividad común en la comunidad científica. Las personas a menudo se interesaban en un área o tema en particular y eran capaces de aumentar considerablemente el conocimiento ya existente sobre un tema. Y aún mucho más que esto, se abrieron otro universo y otra dimensión para soñar y viajar.\nTimothy Prus ha editado algunas de estas exploraciones históricas integrándolas como un obra teatral –una obra que se desarrolla a través de una serie de portaobjetos de microscopio del siglo XIX. Cada diapositiva contiene un momento dramático específico, y juntos cuentan una historia acerca de lo que sucede entre la aparición de la humanidad y su extinción.\n• Seleccionado por Photo-Eye como uno de los Mejores Fotolibros de 2014\n• Elegido por Teun van der Heijden y Azu Nwagbogu el Fotolibro de 2014 por Vogue Italia\n• Nominado por Les Rencontres d”Arles Author Book Award 2015\nSilvermine, editado por Thomas Sauvin.\n• Nominado para el Mejor Fotolibro 2013 en el 6th International Fotobook Festival, Kassel.\n• Nominado para el Paris Photo Aperture Foundation First Photobook Award 2013.\n• Nominado para el premio Deutsche Börse Photography 2014\n• Elegido por Martin Parr como el mejor Fotolibro del año para el British Journal of Photography\n• Seleccionado por Tim Clark como uno de los mejores fotlolibros de 2013\n• Elegido por Matthew Carson para ICP como uno de los mejores fotolibros de 2013\n• Seleccionado como uno de los mejores fotolibros de Photo-Eye de 2013\nSilvermine es un set de cinco álbumes que en cada tomo contiene 20 impresiones. Los negativos fueron salvados de una planta recicladora de las afueras de Beijing, donde fueron enviados para ser filtrados para recuperar su contenido de nitrato de plata. Entre 2009 y 2013 el coleccionista Thomas Sauvin, radicado en Beijing, archivó y editó más de medio millón de negativos destinados a ser destruidos.\nLos álbumes de Silvernime ofrecen un retrato único de la capital china y sus habitantes, cubriendo un periodo de 20 años – desde 1985, cuando la película de plata/gelatina se hizo común en China, hasta 2005 cuando la fotografía digital la sustituyó. En estas instantáneas de recuerdo, capturadas por gente común en China, nos convertimos en testigos privilegiados del nacimiento de la China post-socialista.\nCada álbum se concentra en un tema diferente:\n• Álbum azul: Televisores y refrigeradores\n• Álbum verde: Uno y dos\n• Álbum naranja: Marilyn y Ronald\n• Álbum rosa: Fiestas y travestis\n• Álbum amarillo: Ocio y trabajo\nIllustred People, editado por Thomas Mailaender es la traslación en forma de libro del performance de Thomas Mailaender. Aplica a la piel de los modelos 23 negativos originales seleccionados del Archivo de la colección de Modern Conflict antes de proyectar una lámpara de UV de gran alcance sobre ellos, lo que revela una imagen fugaz en la superficie de la piel. Maileander luego fotografía a cada uno de sus modelos antes de que el sol haga que la imagen desaparezca El libro comprende los disparos resultantes combinados con una serie de documentos fotográficos que se encuentran en la colección del AMC.\nEsta publicación fue nominado entre los mejores fotolibros en ParisPhoto 2015 y obtuvo el Premio al mejor Fotolibro Internacional del festival Photoespaña 2015, donde Ana Casas Broda participó como miembro del jurado.\nHoly Bible de Oliver Chanarin y Adam Broomberg. “Desde el principio, casi cada aparición que él hizo era catastrófica… Catástrofe es su medio de operación, y su instrumento central de gobernanza”\nLa violencia, la calamidad y la absurdidad de guerra son registradas extensamente dentro del Archivo de Conflicto Moderno, la colección fotográfica más grande de su clase en el mundo. Para su trabajo más reciente, Holy Bible, Adán Broomberg y Oliver Chanarin exploraron este archivo en base al principio central del filósofo Adi Ophir: l Dios se revela predominantemente por medio de la catástrofe y aquellas estructuras de poder dentro de la Biblia tienen correlación con aquellos dentro de los sistemas modernos de gobierno.\nEl formato de la Santa Biblia ilustrada de Broomberg y Chanarin imita tanto la estructura exacta, como la forma física de la versión del Rey James de la Biblia. Al permitir que los elementos del texto original dirigieran su selección de imágenes, los artistas exploraron los temas de autoría, y los criterios tácitos para mostrar de forma aceptable los conflictos modernos.\nInspirado en parte por las anotaciones e imágenes que Bertolt Brecht añadió a su propia Biblia personal, la publicación de Broomberg y Chanarin cuestionan los clichés que están en juego en la representación visual de conflicto.\nTalking to Ants, de Stephen Gill.\nLas fotografías de esta serie fueron realizadas entre 2009 y 2013 al Este de Londres. Muestran objetos y criaturas que provienen de los alrededores de la zona y fueron colocados ante el objetivo de mi cámara.\nEsperaba que este método ayudara el espíritu del lugar a colarse en las imágenes y ser encapsulado en la emulsión de la película, como si fueran objetos incrustados en ámbar. Mi meta era evocar la sensación que transmite esta zona de la ciudad, y a la vez describirla como un tema, que está a la vez delante como detrás de la lente de la cámara.\nMe gusta pensar en estas fotografías como fotogramas formados en la misma cámara, donde el conflicto o armonía se construyen al azar en la imagen final, dependiendo de donde cayeron los objetos.\nBest Before End, de Stephen Gill.\nEl cansancio de verdad puede matar – Este trabajo es un intento de reflejar y responder a la intensidad de la vida interior de la ciudad, centrándose en el aumento fenomenal de las bebidas energéticas. Estos estimulantes potentes y potencialmente peligrosas se venden y se consumen en cantidades cada vez mayores como las exigencias de la vida moderna y el crecimiento de una sociedad de 24 horas, casi nos impiden llegar a estar cansado.\nAunque las contribuciones en el campo del fotolibro han sido de gran importancia, las exposiciones en las que ha participado también han jugado en papel clave en la consolidación y difusión de su archivo. Entre las muestras más importantes destacan:\n• Collected Shadows, Museum of Contemporary Canadian Art, Toronto en junio del 2013 curada por Timothy Prus.\n• The Great Refusal: Protesting 1948-1984, Hayward Gallery, en Londres también en 2013.\n• Amore e Piombo: The Photography of Extremes in 1970s Italy, Brighton Museum & Art Gallery, en 2014.\n• A Guide for the Protection of the Public in Peacetime, part of Conflict, Time, Photography, en la Tate Modernde London de Noviembre de 2014 a marzo de 2015.


Los 10 mejores BATIDORA WHIRLPOOL de 2022 – Revisión y guía\nSi buscas qué hacer con los BATIDORA WHIRLPOOL. Estás de suerte, porque en mueblesdesalonmodernos.es hemos encontrado los mejores productos y precios relacionados con los BATIDORA WHIRLPOOL para comprar online desde la comodidad de tu casa este año 2022.\nDNKKQ Alto Rendimiento 6 Piezas W10112253 Mezclador Tornillo sin Fin Pieza de Repuesto Ajuste...\nDNKKQ Alto Rendimiento W10112253, Pieza de Repuesto de Engranaje helicoidal Mezclador, Apto para...\nPUGONGYING Popular K5AB Recubierto Plano Batidor Ajuste para Whirlpool KitchenAid 5-QT Sket...\n¿Por qué comprar un BATIDORA WHIRLPOOL?\nMuchas personas buscan la palabra "BATIDORA WHIRLPOOL" en Google y Amazon. La ventaja de comprar este producto online en 2022 es que puedes ver el precio actual y comprarlo directamente desde tu teléfono, ordenador o tableta. Lo mejor es que puedas ver el precio actual antes de comprar y que puedas compararlo con otras tiendas cercanas o con otros vendedores online. Hemos buscado los productos más vendidos de este mes que ofrecen la mejor relación calidad-precio online en este momento. Si te gusta algún producto de BATIDORA WHIRLPOOL, puedes comprarlo en la tienda que elijas con entrega a domicilio y lo tendrás en tu casa en pocos días. Para comprar un BATIDORA WHIRLPOOL, sólo tienes que elegir el producto que quieres y comprarlo online. Hemos seleccionado sólo los productos más baratos con los mejores descuentos y la mejor relación calidad-precio. Gracias a nuestros afiliados en Amazon y a las tiendas líderes del sector, siempre tendrá la garantía de una compra segura este 2022. Estos productos están recomendados por usuarios que ya han comprado antes que tú y tienen la mejor valoración.\nSi compara sus compras gracias a mueblesdesalonmodernos.es, muchos productos seleccionados están disponibles con entrega gratuita. ¡Consigue tu BATIDORA WHIRLPOOL al mejor precio! y recíbelo en tu casa, de los miles de artículos disponibles sólo tendrás que esperar 24/48 horas para tenerlo donde quieras.\nComprar BATIDORA WHIRLPOOL\nComentarios BATIDORA WHIRLPOOL\nConsulta los precios de los BATIDORA WHIRLPOOL\nBATIDORA WHIRLPOOL 2022


Lo condenaron por asesinar a golpes en la cabeza a joven para robarle la moto en San Lorenzo – Diario El Ciudadano y la Región\nLo condenaron por asesinar a golpes en la cabeza a joven para robarle la moto en San Lorenzo\nParó a la víctima para pedirle un cigarrillo, en esa circunstancia le pegó con un objeto con filo en la cabeza y le robó la moto. El joven agonizó unas dos semanas hasta que falleció. Le dieron 15 años de cárcel tras un juicio oral y público\n19 de agosto de 2020 - 18:03\nUn joven de 24 años fue condenado por el crimen de Esteban Centurión en la ciudad de San Lorenzo. El hecho tuvo lugar en agosto de 2018 cuando el acusado hizo detener a la víctima que se trasladaba en una motocicleta y lo golpeó en la cabeza con un objeto metálico para sacarle su vehículo. Esteban estuvo internado en grave estado y falleció a los 15 días. El atacante fue enjuiciado y este miércoles se conoció que el tribunal a cargo de Eugenio Romanini, Juan José Tutau y Jesús Rizzardi lo condenó a 15 años de prisión por el homicidio.\nSegún la acusación fiscal a cargo de Aquiles Balbis, el acusado Luciano Miguel Ángel González, de 24, mató a Esteban en el marco de un asalto cuando el 28 de agosto de 2018 a las 2.30 observó a la víctima circular en una moto por calle Perú y Mitre, en el barrio Norte de la vecina localidad.\nEn esas circunstancias, González hizo que parara la marcha y le pidió un cigarrillo. Cuando la víctima se detuvo la tomó por la espalda y le exigió que le entregara la moto Suzuki 110. Sin dejar que Esteban reaccionara y lo golpeó en la cabeza con un objeto con filo y punta que le generó una profunda herida, reconstruyó el fiscal.\nEl asaltante se fue con la moto y la víctima fue trasladada al hospital Granaderos a Caballo. El 13 de septiembre falleció como consecuencia de la herida recibida.\nEn tanto, González fue detenido el 24 de octubre de ese año e imputado por el hecho. Este mes fue sometido a un juicio oral y público donde un tribunal pluripersonal lo condenó a la pena de 15 años de cárcel por los delitos de homicidio en ocasión de robo.


Una marca es el contacto directo que tiene el consumidor con un producto o servicio y esta se presenta a través de un diseño, letras, logotipo o símbolos.\nEl consumidor al momento de evocar a la marca recordará la experiencia positiva o negativa que tuvo al utilizar dicho producto, provocando de esta manera en el usuario la decisión de compra.\nLos líderes de opinión han utilizado a lo largo del tiempo el poder de la persuasión para así intentar convencer a las audiencias de adquirir una marca específica.\nCuando un influencer recomienda una marca se convierte en un apóstol o evangelizador de marca, cuando es lo contrario funge como un terrorista de la marca. Las empresas deberán generar estrategias para el desarrollo de sus marcas limitando al mínimo la decepción de los consumidores ya que contar con detractores de la marca podrían desalentar a futuros clientes.\nConocimiento de la Marca: Es la conciencia y reconocimiento de marca por parte de la audiencia acerca del producto o servicio. Se reconoce sus cualidades, beneficios o utilidad.\nImagen: Son las percepciones mentales que una persona tiene de una marca determinada, vinculadas directamente con emociones y sensaciones que las empresas utilizan para cautivar al consumidor, estas pueden ser positivas o negativas.\nPosicionamiento: Es el lugar que ocupa la marca en la mente del consumidor asociándolo a beneficios que obtiene sobre la categoría del producto.\nPersonalidad: Son las características psicológicas, que al igual que una persona definen a la marca de acuerdo a sus cualidades para ser un producto o servicio único. La personalidad de marca deberá de ser congruente y desarrollarse desde el inicio de la marca permitiendo relacionarse armónicamente con el cliente.\nEsencia: Es el conjunto de características adheridas que dan una identidad a un producto o servicio, es el núcleo y está combinado por la imagen, la personalidad y el posicionamiento.\nComunicación clara y efectiva: Consiste en transmitir la descripción y beneficios de la marca por medio de campañas publicitarias implementando un lenguaje sencillo que pueda ser aceptado por el cliente objetivo, para ello también utilizaremos como herramienta los aspectos emocionales que nos permitirán consumar una relación directa con el prospecto, provocando una respuesta del sujeto para comprometerse con la marca y hacerla parte de su vida cotidiana.\nEstrategias para fortalecer la marca en el mercado\nUna estrategia que han utilizado las empresas de marcas poderosas, ha sido la estrategia de extensión y profundidad que consiste en crear nuevos productos o servicios que satisfagan nuevas necesidades, llegando a otros segmentos que antes no cubrían, mostrándose como un líder. Este aspecto es importante ya que si una marca es buena, la gente la relaciona con calidad elevando de esta manera la intención de compra.\nLa importancia de la marca en los negocios\nEs indispensable que las empresas pongan especial atención en la salud de la marca, trabajando desde la investigación, imagen, personalidad, y posicionamiento actual y deseado, generando así un vínculo estrecho del consumidor con la marca.\nArtículo anterior¿Qué es Marketing 4.0? Pasar de Tradicional a Digital\nArtículo siguienteConceptos básicos de email-marketing\nCierra con gran éxito la Cuarta Edición de Social Media...


¿En que canal transmiten el amistoso internacional Boca vs. América? | Goal.com\n¿En que canal transmiten el amistoso internacional Boca vs. América?\nEl Xeneize y las Águilas se enfrentan en Nueva Jersey, en un partido preparatorio de pretemporada, válido por la Colossus Cup.\nSe acerca el comienzo de la nueva temporada y los equipos empiezan a afinar su preparación de cara al regreso de la competición. En plena preparación, Boca y América salen a la cancha en Nueva Jersey para disputar un partido amistoso en el que ambos pondrán lo mejor que tienen a disposición. A continuación, en Goal te contamos cómo podés seguirlo en vivo y en directo.\nBoca vs. América: formaciones, sede y todo lo que hay que saber\nEl encuentro entre Boca y América se disputará este miércoles 3 de julio en el MetLife Stadium de Nueva Jersey. La televisación para Argentina estará a cargo de Fox Sports Premium y TNT Sports, o por internet a través de las plataformas digitales de cada cableoperador. En México, en tanto, podrá verse por Canal Cinco y TDN, o por streaming en la App de Televisa Deportes.


Square-Enix nos muestra el increíble mundo de Final Fantasy XV | Gadgetlogia\nVideojuegos Noviembre 26, 2014 Jean Carlo\nSquare-Enix nos muestra el increíble mundo de Final Fantasy XV\nParece que los muchachos de Square-Enix están comenzando a sentir compasión por nosotros y se han dignado a mostrarnos un poco más de este increíble –a priori- nuevo mundo de Final Fantasy XV. Es que hoy han lanzado un video desde su canal en Youtube con una duración de 1 hora en la que nos presentan algunas nuevas cosas tanto para el remake del Final Fantasy Type-0 que saldrá para PS4 y Xbox One, como del esperadísimo FFXV, también saldrá para PS4 y Xbox One. Y que se puede decir del video… ¡es alucinante! Compruébalo tú mismo en el video de abajo.\nEste video muestra los 10 minutos del gameplay que se presentó hoy, y en él vemos a la banda liderada por Noctis Lucis Caelum “Uchiha” (*blink* *blink*), todos paseando en un auto espectacular por una carretera mientras contemplamos el majestuoso paisaje, y luego a pie por un bosque con gráficos muy realista. Todo en tiempo real controlado por uno de los responsables del título, ya que se trata de una demo.\nComo ya se ha visto en el anterior video publicado en el Tokyo Game Show de este año, se ve como uno de nuestros compañeros es el encargado de manejar mientras nosotros admiramos el lugar desde nuestro asiento trasero (aunque se ha confirmado que también podemos manejar). Al principio del video nos cruzamos con una estación de servicio con gente cargando gasolina y un transeúnte pasando por allí, todo de forma muy realista y natural, y hasta con otro auto que parecía que estaba perdiendo el control. Parece que las gasolineras harán de nuestro lugar de descanso, vamos, como en la vida misma. Luego de estacionarse, los personajes se dirigen hacía un lago repleto de vida salvaje, vislumbrando desde bien lejos a unos “bichos” que nos hacen acordar a los Adamantaimai por su enorme tamaño.\nDespués pasamos a otra zona más boscosa en el que se encuentran unas especies de “rinocerontes” agresivos que ignoramos al pasarlos por al lado. Todo esto hasta que el Sol comienza a descender y se hace de noche, y es allí cuando hace su aparición una linterna en el bolsillo de la camisa de Noctis del clan Uchi-¡ya entendimos!-, que parece que nos acompañara en la aventura. No me quiero apresurar, pero creo que nos encontraremos con otros tipos de enemigos por la noche, como por ejemplo, una “boa” con un rostro humanamente demoniaca y unos duendecillos que se nos acercan para atacarnos en nuestro recorrido. La única muestra de combate en el video es cuando les persigue un insistente duende en solitario, y es allí cuando el jugador saca la espada para atacarlo por molesto. De todas formas ya hemos visto el novedoso sistema de combate en anteriores videos.\nSe vuelve de día y nuestros héroes continúan con sus ejercicios cardiovasculares (se la pasan corriendo en el video ¡jajaja!), pero ahora nos topamos con… ¡Chocobos! Si, los infaltables chocobos hacen su aparición oficial en el juego. Bien, al final vemos dos naves que nos pasan por encima y aterrizan varios metros por delante de nosotros, dando final al video.\nEsta presentación tuvo la intención de mostrarnos el mundo abierto que presenciaremos en este juego (por lo menos uno de sus escenarios), y por lo visto hasta ahora es alucinante. Los gráficos son tremendamente realistas. Las complejas formas de las rocas con las que nos cruzamos dan señal de que se trata de gráficos de última generación, ya que se pueden observar las diversas ranuras por la silueta de éstas (y no simples sombras “pegadas” que forman ranuras y grietas). El pasto y los árboles dan vida a un mundo que nos engaña por largos momentos y que nos hacen creer que estamos allí. Y una cosa que me gustó mucho fueron las animaciones realistas de los personajes, por ejemplo, cuando se cansan de correr o cuando frenen de golpe (uno de ellos da como dos típicos saltitos para frenar). Esto de los movimientos del personaje en tiempo real es algo que Uncharted hizo escuela.\nYo no sé ustedes, pero las ganas que tengo de recorrer este mundo de Final Fantasy XV a pie y observando cada hoja de cada árbol y cada una de las piedrita en el camino… bueno, ya se pueden dar una idea.\nNo hay una fecha de lanzamiento prevista pero recordemos que todos aquellos poseedores de una PS4 o Xbox One podrán descargarse la demo de este juego por medio del código que viene en el Final Fantasy Type-0, con fecha de salida para el 20/03/2015. Si tuviera que adivinar diría que el juego saldría en el último trimestre del 2015, aunque estoy preparado física y mentalmente para cualquier sorpresa desagradable.\nSony lanzará una PlayStation 4 de 1TB\nAssassin’s Creed: Victory pasa a llamarse Syndicate y llegará a fin de año\nTitanfall 2 no saldrá antes de abril del 2016


Comenzó el juicio contra Nahir Quinteros: soy inocente, reiteró | ATAQUE DEL CUTER\nDesde las 9:20 se lleva a cabo en los Tribunales del barrio Roca el juicio contra Nahir Quinteros, la joven imputada por tentativa de homicidio agravado por atacar a Laura Berro con un cúter el 18 de septiembre del año pasado. En su declaración reiteró su inocencia. El padre de Laura habló con El Patagónico y aseguró toda su familia se encuentra "muy tranquila".\nEsta mañana, cerca de las 9:20, comenzó la primera jornada del juicio oral y público contra Nahir Quinteros en los tribunales de Barrio Roca. La joven se encuentra imputada por tentativa de homicidio agravado por el brutal ataque que cometió hacia Laura Berro en septiembre del año pasado.\nEl tribunal conformado por los jueces Suarez, Odorisio y Soñis, con la presencia de la fiscal Camila Banfi y el defensor Mauro Fonteñez, estará a cargo del juicio que se estima que se desarrollare durante 4 días.\nGabriel Berro, papá de Laura, habló esta mañana con el El Patagónico cuando se llevaba a cabo el cuarto intermedio y aseguró que como familia se encuentran "muy tranquilos" y que "ahora es el turno de declarar de Laura. Ella se encuentra bien, pero va a tener que revivir todo lo que le pasó y es feo".\nAnte la consulta si Laura vio esta mañana a su agresora Nahir, Gabriel, dijo que no la vio, pero que Nahir ya realizó su declaración y ahora era turno de Laura, por lo que iba a ingresar al salón para continuar con el juicio.\nEl padre de la víctima, Gabriel Berro, cuando se supo la fecha confirmada para el inicio del juicio, había manifestado a este medio: "tenemos miedo de que esta persona, Nahir, siga haciendo daño, por eso queremos que se le dé la pena máxima que son 15 años. Buscamos que se haga justicia", dijo ante la posibilidad que pueda quedar impune por el hecho.\n"Laura no es la misma que antes, esto la cambio mucho pero nos aferramos como familia al bebé que está por llegar a nuestras vidas", afirmó.\nEl viernes 18 de setiembre último a las 23:10- Nahir Quinteros se presentó en el domicilio que la víctima ocupaba con su pareja en la calle Felicidad Hernández al 500, en Kilómetro 8 y allí esperó que David Tranaman -novio de la joven atacada y ex novio de la imputada- se fuera de la vivienda para luego ingresar encapuchada.


Burger King venderá hamburguesas a 170 dolares | El Aderezo | Blog de Cocina, Gastronomía y Recetas\n23 abril, 2008 1 Minuto de lectura\nBurger King parece que quiere dejar atrás lo de “comida basura” y se lanza a conquistar el mercado “de lujo” en Londres con una hamburguesa de 170 dólares.\nLa empresa de comida rápida Burger King prepara la hamburguesa más cara de su historia: 85 libras (106’7 euros o 170 dólares).\nSegún la cadena de noticias Sky News, Burger King ha encargado al antiguo cocinero del Hotel Savoy de Londres que desarrolle una hamburguesa con ingredientes de lujo entre los que se podría incluir desde la famosa carne de ternera de Kobe, aderezada con foie y queso azul exclusivo, en vez del tradicional ketchup y queso cheddar. Los extras podrían incluir trufas negras en lugar de champiñones, por ejemplo.\nTodo esto son suposiciones ya que la receta todavía no está decidida. Lo que si que está decidido es donde irá a parar todo el dinero que recauden con la venta de las “de luxe”: a actos y organizaciones benéficas.\nCon esto, todos los pudientes podrán lavar su conciencia cuando paguen 105 euros por una hamburguesa (y Burger King hacerse buena publicidad).\nPor ahora esta hamburguesa será servida en las áreas más exclusivas de Londres, como Kensington o Chelsea, y más tarde se extenderá a barrios selectos de otras ciudades entre los que se podían incluir los de la ciudad de Madrid, ya que la empresa no descarta ponerla en el mercado español.\nMás información: burger king\nAnterior Bonka AntiOX, un café con el doble de antioxidantes naturales\nSiguiente El pollo, el pez y el cangrejo real en Nueva York


El Canal de Suez no sólo ha reducido el camino de Europa a la India en 5,000 kilómetros, también ha sido motivo de numerosos enfrentamientos entre potencias que buscaban controlar la tan codiciada ruta.\nEste majestuoso canal, fue inaugurado en 1869 con la música de Giuseppe Verdi. El Canal de Suez es el canal artificial de agua que separa Africa de Asia y une a los mares Mediterraneo y Rojo. El primer canal lo mandaron a construir los faraones.\nLos reyes persas y más tarde los Tolomeos se encargaron de reconstruir esta vía marítima. Los romanos ya usaban esta región para el paso de pequeñas embarcaciones y lo llamaban ´Canal de los faraones´.\nUn simple error tuvo la culpa de que no llegase a realizarse: se creía que había de construirse un canal con grandes esclusas, porque el nivel del Mar Rojo estaba casi 10 metros que el del Mar Mediterráneo. Se descubrió demasiado tarde que se había cometido un error de cálculo: la diferencia de altura sólo era de 80 centímetros.\n1 Historia del Canal de Suez\n1.1 Año 1847\n1.2 ¿Quién coordinó su construcción?\n1.3 Año 1854.\n1.4 Año 1859.\n1.5 ¿Cuantos barcos lo utilizan diariamente?\nLos defensores del proyecto argumentaban que el canal disminuiría la distancia entre Europa y el sur de Asia. Los navíos no necesitaban circundar Africa y bordear el Cabo de Buena Esperanza para alcanzar los océanos Indico y Pácifico.\n¿Quién coordinó su construcción?\nEl proyecto de construcción del canal fue coordinado por el ingeniero y diplomático francés Ferdinand Marie de Lesseps, con la ayuda de las autoridades egipcias de la época.\nLesseps se encontraba en Alejandría, en 1832, desempeñando funciones como vicecónsul, donde llegó a establecer una muy estrecha amistad con el príncipe Mohammed Said.\nEn el año 1854 se acordó una particular concesión, con 99 años de duración, para que se formara una compañía cuyo propósito sería construir un canal a través del istmo egipcio.\nSe estableció que las ganancias sería distribuidas en un 15 % para el gobierno de Egipto, un 10 % para los accionistas fundadores y un 15% para los accionistas comunes.\nEl resto se dedicaría al manejo de la empresa. Un total de más de 1.5 millones de trabajadores participaron en la obra que inició su construcción el 25 de abril de 1859 y culminó diez años más tarde con un costo de 17 millones de libras esterlinas. Para la inauguración el 17 de noviembre de 1869 el compositor italiano Giuseppe Verdi compuso por encargo la ópera Aída.\nCon 161 kilómetros de longitud, hasta 13 metros de profundidad y de 60 a 100 metros de ancho en su base, es uno de los centros nerviosos más sensibles del tráfico mundial.\n¿Cuantos barcos lo utilizan diariamente?\nLo cruzan cada día 72 barcos, por lo que resulta la vía comercial marítima más utilizada del mundo. Dos de cada tres buques que cruzan el canal transportan petróleo.\nLa mayor parte del canal es de una vía, existiendo algunos lugares para un tránsito doble. Un ferrocarril en el lado oeste de la vía marítima, va paralelo al canal en toda su extensión.\nPara citar este articulo en formato APA: Revista ARQHYS. 2018, 07. Canal de Suez. Equipo de colaboradores y profesionales de la revista ARQHYS.com. Obtenido , de https://www.arqhys.com/arquitectura/suez-canal.html.\nenero 18, 2013 a las 10:52 pm / Responder\nesta información esta muy interesante para algunas personas como yo y para mas jaja espero y que a ustedes como a my les guste mucho =D


Estación espacial china, que contiene una sustancia mortal, caerá a la Tierra este fin de semana\nEstacion Espacial Tiangong 1\nwww.fuerzasmilitares.org (30MAR2018).- No se sabe en qué punto geográfico terminará exactamente y muchos sienten miedo. Sin embargo, científicos creen que el riesgo es mínimo.\nEl laboratorio Tiangong- 1 (palacio celestial en mandarín) era la punta de lanza del proyecto espacial chino. Lanzado a la órbita en 2011, hacía parte del programa para tener puertos en el espacio del gobierno de Pekín.\nLa estación estaba diseñada para estar algunos años en órbita y luego ser sacada de forma controlada para que cayera en el Océano Índico. El problema fue que en 2016 los chinos perdieron todo contacto y control de de la estación.\nPor eso es que el cuerpo artíficial, del tamaño de un bus, está entrando a la atmósfera terrestre sin control alguno. Además, ya que el gobierno chino tiene un seguimiento limitado de sus objetos espaciales, no hay un punto de caída específico. Solo se sabe que este podrá descender en una zona que comprende desde el Mar Mediterráneo hasta la isla de Tasmania.\nA pesar de que en dicha franja viven miles de millones de personas, la oficina de Ingeniería Espacial China le ha restado importancia al hecho. Incluso han dicho que esperan que la mayoría del artefacto se queme en su entrada en la atmósfera.\n“No se estrellará ferozmente contra la Tierra, como en los escenarios de películas de ciencia ficción, sino que se parecerá más a una lluvia de meteoritos”, afirmó la oficina.\nEl riesgo disminuye aún más ya que la mayor parte de la posible zona de impacto está conformada por cuerpos de agua.\nAunque aún hay posibilidades de que el artefacto caiga en un centro urbano, el verdadero peligro está en los elementos tóxicos que podría emanar, ya que pueden afectar a los humanos tan solo inhalando sus vapores. Por esto, países como Portugal hacen un completo seguimiento a la llegada de Tiangong-1.


Entre las enfermedades venéreas se encuentran las infecciones de transmisión sexual, las cuales se originan cuando las personas tienen relaciones sexuales y no se cuidan de forma adecuada.\nLa mejor forma de prevención de las enfermedades venéreas es disminuyendo el número de parejas sexuales y, de manera ideal, tener sólo una pareja sexual.\nEn caso de que no se decida así, es importante el uso del condón y el método de barrera como preservativo.\nDe esta manera se disminuye el riesgo de contagiarse de enfermedades venéreas.\nEs importante que los hombres estén atentos a cualquier alteración a nivel de los genitales y acudan con el urólogo, pues muchas de las enfermedades venéreas no generan ningún síntoma.\nAlgunas personas manifiestan síntomas muy leves como ligero ardor para orinar, la aparición de una pequeña úlcera, ardor en la piel o surgimiento de una lesión.\nEstos pueden ser los síntomas iniciales de una infección que podría convertirse en grave.\nConsulta privada Seleccionar tratamiento (opcional) CircuncisiónDisfunción eréctilEnfermedades de transmisión sexual (ETS)Eyaculación precozIncontinencia urinariaInfertilidad masculinaPeyronie o Incurvación peneanaPrótesis peneanasTrastorno del deseo sexual del hombreVaricoceleVasectomíaVasovasostomía\nFases de desarrollo de la Sífilis, tratamiento y secuelas