MondoSonoro mayo 2019 by MONDO SONORO - Issuu\nLe Parody La fuerza del destino\nFOTO: DAVID MAROTO\nNยบ 272 Mayo 2019 www.mondosonoro.com\nWEEZER, PUP, LA CASA AZUL, JUANCHO MARQUรS, PANDA BEAR, CAGE THE ELEPHANT ANNI B SWEET, ENRIC MONTEFUSCO, LOVE OF LESBIAN, ARIES, BLANCO PALAMERA, PNL\nblack eyed peas · kylie minogue foals · bastille · zaz vetusta morla · years & years garbage · parov stelar love of lesbian · seu jorge natos y waor · ayax y prok · jorge drexler dorian · michael kiwanuka · berri txarrak els pets · Tiken jah fakoly · iseo & dodosound aurora · dermot kennedy marcelo d2 · oumou sangaré · xoel lópez · gang of youths el petit de cal eril · cala vento · lildami · elyella · dj amable red bull batalla de los gallos EXHIBICIÓN : arkano · blon · verse\ncruillabarcelona.com #cruÏllaenamora Con el apoyo de:\nWeezer Los reyes de la comedia\nEl nuevo disco homónimo de Weezer tiene como título espiritual Black Album (Crush/Atlantic, 19) y es el número trece de su carrera. Está claro que los californianos no son supersticiosos, y bien que hacen, ya que se encuentran en un momento de máxima popularidad. Ahora bien, los haters se multiplican y les acechan como nunca. Hablamos con Brian Bell, guitarrista titular desde 1993, sobre la esquizofrenia que Weezer produce entre la crítica y entre sus seguidores. Podremos verles como cabezas de cartel del Bilbao BBK Live.\nque nuestros álbumes provocan entre los fans. A esa gente le diría que no les olvidamos y que aún sabemos hacer el power pop que les gusta, así que volveremos a hacerlo en algún momento”. Bell rompe el mito reciente de los Weezer vendidos para conseguir la fama, algo que, ojo, han estado buscando desde el minuto uno de su carrera. “Nuestra meta, desde el principio, ha sido sonar comerciales, lo hemos perseguido siempre. Nos gusta que nuestras canciones suenen en la radio y que lleguen al máximo número de oyentes. Es más, te diré que cuando hicimos Pinkerton (96) para nosotros era un álbum comercial”. El espigado guitarrista de Weezer, sin acritud y con espíritu reflexivo, se atreve a lanzar una teoría sobre el porqué de la decepción de muchos fans con la última etapa de la banda. “Mi teoría es que muchos de ellos crecieron con nosotros y representamos una parte nostálgica de su vida. Son fans que quieren revivir esa sensación y que también quieren que lo hagamos nosotros en cada disco. Como banda evolucionamos y nos movemos\ncon los tiempos, no queremos repetirnos… Y algunos fans reaccionan mal ante ello”. Black Album combina un puñado de buenas canciones de pop preciosista y vitaminado, Byzantine, High As A Kite y The Prince Who Wanted Everything, con experimentos, como los fallidos de Can’t Knock The Hustle y sus toques latinos, o los arreglos electrónicos de Zombie Bastards. “Somos una banda que siempre ha combinado lo mejor y lo peor del rock”, comenta entre carcajadas Bell al otro lado del teléfono. Esto me lleva a preguntarle sobre el eterno chiste con gracia que a veces parece estar protagonizando el grupo. “Ser un chiste está en nuestro ADN. Hicimos el disco de versiones de manera sincera y la gente se lo tomó como un chiste. Nos suele pasar mucho: cuando hacemos algo en serio se recibe con risas, y cuando hacemos algo irónico se lo toman en serio”. —xavi sánchez pons\nr Más en www.mondosonoro.com\n"Aún sabemos hacer el a power pop que les gust, a nuestros seguidores así que volveremos a hacerlo en algún momento"\na historia reciente de Weezer ha sido, para unos cuantos, la de un amor truncado. Tras los merecidos elogios que recibieron Everything Will Be Alright In The End (14) y White Album (2016), dos muestras de power pop pluscuamperfecto, el grupo está siendo víctima de una injusta caza de brujas que se ha cebado con tres discos que, si bien no se encuentran entre lo mejor de su carrera, son trabajos dignos y coherentes con su trayectoria, tanto en la forma como en el contenido. Eso sí, Pacific Daydream (17), la colección de versiones Teal Album (19) y el reciente Black Album ha llevado a Weezer a su nivel más alto de popularidad. ¿Algo estarán haciendo bien, no? Bell, que ya gasta cincuenta años, habla sin tapujos sobre esa supuesta baja forma creativa, su giro comercial y los fans enfadados. “Somos muy conscientes de esa polémica. Piensa que hasta Saturday Night Live hizo un sketch hace unos meses sobre la controversia y los enfrentamientos\nmayo 2019 #5\n"Ya no tengo que ya preocuparme de si vo er tener dinero para com mañana"\nPUP Que jodan al 'mindfulness' La banda canadiense está de vuelta dos años después de The Dream Is Over (SideOneDummy, 16), un álbum que les dio a conocer internacionalmente y que fue laureado como uno de los mejores discos de punk rock de la temporada. Morbid Stuff (Little Dipper/Rise Records, 19) es otra colección de himnos para los 'losers' del mundo. Hablamos con Stefan Babcock, voz y guitarra de PUP, acerca de todo lo que lo rodea.\nl mismo Stefan Babcock explicaba hace un par de años de dónde venía el título de The Dream Is Over. El disco era una respuesta a esa frase. La había pronunciado el médico que le trató cuando reventó sus cuerdas vocales, justo después de asegurarle que nunca podría volver a cantar. Pudo ser el fin de PUP, pero fue todo lo contrario: unos meses después lanzaban el álbum con el que se hizo realidad ese sueño por el que llevaban luchando, desde la precariedad, cuatro años. “Dejamos nuestros trabajos antes incluso de grabar el primer álbum homónimo. Íbamos a todo o nada desde el primer día. Tener esa experiencia de estar completamente arruinados y hacer lo que sea para poder comer y seguir tocando fue algo bueno por lo que pasar. Ahora estamos casi arruinados… pero las cosas son definitivamente un poco más fáciles desde que salió The Dream Is Over. Ya no tengo que preocuparme de si voy a tener dinero para comer mañana”. La banda fue, desde el principio, un salvavidas y una forma de “sobrellevar toda esta mierda de una forma divertida y productiva”. Y esa mierda de la que habla es, principalmente, la mier-\n#6 mayo 2019\nda que supone la pelea diaria con su salud mental. En el centro de Morbid Stuff está la idea de aceptar lo bueno y lo malo de uno –sobre todo lo malo– en vez de sufrir por no alcanzar el ideal de felicidad y funcionalidad que exige la sociedad capitalista. De “abordar el nihilismo y el pesimismo con un poco de ligereza y humor. De alguna manera, estar en paz con ser infeliz o tener ansiedad me ha hecho estar un poco feliz y un poco menos tenso con todo”. Y ahí, exactamente, es donde PUP se convierte en una banda necesaria. Una que canta que sobre la depresión y la ansiedad sin atisbo de romantización. “Odio absolutamente el mito del ‘artista torturado’. Creo que fetichiza y glorifica la depresión. También mercantiliza la depresión y es completamente jodido. La depresión no es sexy ni cool. Es lo contrario. Lo hace todo difícil, y es una puta mierda tener que vivir con ella día tras día […] Para mí esta banda ha sido siempre una manera divertida y catártica de sobrellevar estas emociones negativas. PUP es un grupo ruidoso y agresivo, y sienta bien gritar sobre lo jodido que está todo con tres de tus mejores amigos. Y espero que esto sea lo que experimenta la gente que escucha nuestros discos o va a nuestros conciertos. Es una celebración divertida de lo jodidos que estamos todos. Y espero que nuestra música ayuda a la gente a sentirse menos sola. Que esa gente que está sufriendo se de cuenta de que es algo normal y que está bien ser así. Y también de que no tenemos que tomarnos en serio todo el tiempo. Reírte de ti mismo por ser un pedazo de mierda es bastante divertido”. Honestamente, si tuviera que definir a PUP con un párrafo, sería este. Y Morbid Stuff es la encarnación más honesta que podría haber de él. —darío garcía coto\nLA MÍA La Polla\necir que crecí con La Polla Records sería falso, así que no lo diré. Eso no quita que quemase durante una larga temporada sus dos primeros álbumes, Salve (84) y Revolución (85). Si me apuran argumentaré que le dediqué también bastante tiempo a No somos nada (87), aunque no con la excitación de los dos primeros álbumes de la banda de Salvatierra. A partir de ahí empecé a bajarme de su barco. La culpa no fue suya, sino del fluir de la vida de un adolescente inquieto, desorientado y siempre a la búsqueda de nuevas emociones. Andaba yo metido en otros géneros menos reivindicativos y reivindicables y del punk pasé al hardcore. La Polla Records y yo nos distanciamos. Su mensaje, universal, directo y robusto, se me quedó corto en algunos campos. Evaristo, Sume, Txarly y Fernandito (en paz descanse) dejaron de formar parte de mi vida. Sus discos pasaron a ocupar un lugar no demasiado destacado en las estanterías del olvido y mis canciones favoritas se acomodaron en algún recóndito rincón de mi atiborrada memoria musical. Les recordaba ocasionalmente al acumularse las cervezas, al escuchar cada nuevo disco de Gatillazo, o al verles en directo casi siempre por accidente. Como nosotros, Evaristo y los suyos envejecían año tras año, pero su rabia contra la mierda en la que andamos todos metidos se ha mantenido con el paso del tiempo. A lo largo de su carrera han sorteado los tópicos como han podido, evitando convertirse en una parodia de si mismos. Para Evaristo ha sido más sencillo que para otros, porque un punk de verdad lo es toda la vida. Un punk de verdad escupe a diestro y siniestro sin preocuparse. Un punk entiende la libertad de expresión sin absurdas piruetas partidistas. A un punk le va la vida en ello, una vida que no siempre ha sido generosa. Ahora bien, hay fans que opinan algo bien distinto. Opinan que Evaristo y sus muchachos se deben a ellos, que les deben algo por su admiración y su apoyo a lo largo de los años. Por eso no aceptan este retorno a lo grande de La Polla Records, con las entradas más caras de lo habitual para ellos, en recintos de unas dimensiones tan monstruosas que han sorprendido a propios y extraños, y más todavía cuando las entradas se han agotado a la velocidad del rayo, y respaldados por una gran multinacional de la música en directo. Pero otros pensamos casi lo contrario. Pensamos que a los grupos, sobre todo a los punks de los ochenta, se les mamoneó mucho, muchísimo. Hubo infinidad de gente que ganó dinero a su costa, y por lo que parece muchos seguirán ganándolo con ellos por lo menos durante los próximos doce meses. Pero ahora ellos también se llevarán un buen dinero. Pillarán lo que no pillaron en su momento. Y me parece bien, qué quieren que les diga. Porque lo que le han dado a la gente con sus canciones no se paga con un par de billetes. —joan s. luna\nCIRCUIT DE BARCELONA-CATALUNYA · MONTMELÓ\nTHE STROKES · THE SMASHING PUMPKINS ROSALÍA · THE CHEMICAL BROTHERS THE GOOD, THE BAD & THE QUEEN SOPA DE CABRA tocant “Ben Endins” · GRETA VAN FLEET CHRISTINE & THE QUEENS THE BLAZE · EMPIRE OF THE SUN reimagining “Walking on a Dream” · JAMES BAY · PRIMAL SCREAM SABATON · PAROV STELAR · THE CAT EMPIRE · UNDERWORLD · RICHIE HAWTIN CLOSER · LUCIANO KING CRIMSON · BLACK COFFEE · OPETH · BERRI TXARRAK · The Bizarre World of FRANK ZAPPA RICARDO VILLALOBOS · JAMIE JONES · WHITE LIES · JIMMY CLIFF · KAMASI WASHINGTON DAMIAN LAZARUS · ELS CATARRES · THE VOIDZ · SISTERS OF MERCY · MANDO DIAO LA PEGATINA · CHARLOTTE DE WITTE · TEXAS · BEHEMOTH · JOHNNY MARR · VIVA SUECIA ANATHEMA · SETH TROXLER ÂME · ALBERT PLA · ELS PETS · DJ TENNIS · PARQUET COURTS · JOAN DAUSÀ · TOM WALKER · CARL CRAIG · QUIMI PORTET · MIDLAND NAHKO AND MEDICINE FOR THE PEOPLE · SOBER · BEDOUIN · TESSERACT · HAWKWIND · THE TWILIGHT SAD · SATORI (LIVE) SOPHIE HUNGER · MATHEW JONSON (LIVE) · DOCTOR PRATS · EL PETIT DE CAL ERIL · OBESES · YOGHOURT DAZE · LA IAIA · &ME AE:THER (LIVE) · PUTOCHINOMARICÓN · THEY. · HOLLOW CRY · TIBI DABO · DJ THREE · FRANCESCA LOMBARDO · STAY MARITRINI Y SUSSICARIOS · ALÈ D’EUGA · EGO BAND · AUDIOFLY · AUDIOJACK · BRINA KNAUSS · MAGIT CACOON SERGE DEVANT · WIZARDRY · YULIA NIKO\nABONO UN DIA: 62 € - ABONO DOS DIAS : 120 € - ABONO TRES DIAS : 170 € (+ cargo de distribución) Precios de lanzamiento válidos hasta nuevo aviso. YA A LA VENTA EN: doctormusicfestival.com - ticketmaster.es - entradas.com elcorteingles.es y en los centros El Corte Inglés\n18 · 19 · 20 · 21 JULIO\nKINGS OF LEON LANA DEL REY FATBOY SLIM VETUSTA MORLA\nINTERPRETANDO “UN DÍA EN EL MUNDO”\nTHE 1975 · FRANZ FERDINAND GEORGE EZRA · JESS GLYNNE KODALINE\nLA M.O.D.A. · BLOSSOMS · GERRY CINNAMON YOU ME AT SIX · GORGON CITY LIVE OCTAVIAN · EZRA FURMAN · YELLOW DAYS CAROLINA DURANTE · BELAKO\nDJ SEINFELD · SUPERORGANISM · THE BIG MOON SOLEÁ MORENTE & NAPOLEÓN SOLO · SEA GIRLS · LA ZOWI MUEVELOREINA · MAVI PHOENIX · THE BLINDERS · PAIGEY CAKEY BARNY FLETCHER · ALIEN TANGO · BIFANNAH · CUPIDO · CARIÑO ¡Y MUCHOS MÁS!\nABONOS A L A VENTA PATROCINADORES OFICIALES\nENTIDADES COLABORADORAS Amb la col.laboració de / Con la colaboración de\nMONDO FREAKO “El tiempo se me escapa”, canta Anni B Sweet en los últimos minutos de este Universo por estrenar (Subterfuge, 19). Pero en su huida ha dejado esta explosión estelar en forma de doce canciones (en realidad trece), las primeras que compone y canta en español, vestidas con sintetizadores retro, psicodelia ensoñadora y la producción de James Bagshaw (Temples).\na idea de cantar en español era algo que le venía rondando a la malagueña Ana López desde hace años. Incluso en su primer álbum, Start, Restart, Undo (09) se atrevía de forma puntual con Tumbado en mi moqueta azul, aunque se apresura a recordar que el tema no era suyo, sino de César Fernández, entonces en los desaparecidos The Melocotons. “Ya lo tenía pensado en Chasing illusions (15), pero no me terminó de cuadrar. Me gusta ver el disco como un todo y, en ese momento, lo que estaba\nhaciendo no me lo pedía. Pero en cuanto acabé el álbum empecé a centrarme en escribir todo en castellano y me aparté un poco del inglés; hasta dejé de ver series y películas en versión original. Hace dos años tenía ya un montón de canciones, pero también algunas en inglés, así que no sabía si hacer una mezcla o tirar solo por un lado. Hablándolo luego con mi círculo más cercano de amigos, me comentaban que las dos ideas estaban bien siempre que unas casasen con otras, pero la realidad es que las que estaban en inglés no tenían el mismo rollo, así que decidí hacerlo todo en castellano”. Entraba así en “una nueva habitación” en la que se ha encontrado no pocas sorpresas y también algunas dificultades. “En inglés se me hace más fácil encajar los textos dentro de una melodía,\nAnni B Sweet Supernova mientras que en español tuve que encontrar el término correcto, pero que además sonase bien; en algún momento he tenido que sacrificar una palabra que me parecía más bonita por otra que se ajustaba mejor”. Después comenzó a trabajar las demos en el sótano de casa, con un sonido que remite a los sesenta y setenta, aunque con un filtro contemporáneo, abundando en la psicodelia y también en baladas de dream pop para dejarse llevar y pensar en nombres como Tame Impala, Pond, Unknown Mortal Orchestra, Melody’s Echo Chamber o Temples, con cuyo líder, James Bagshaw, contactó para rematar en Londres la producción de este Universo por estrenar. “Tenía tan en mente ese sonido que no podía ser de otra forma. Siempre he sido muy insegura para grabar con alguien a quien no conozco de nada, pero sus mensajes me transmitieron muy buen rollo, y también que hubiese entendido la preproducción. Chasing Illusions era más limpio, en el sentido de que todo está más cristalino, mientras que estas canciones tienen más ruido, más grano. Luego, al elegir los efectos, la idea es que la voz estuviese flotando”. Esa sensación de suspenderse en el vacío encaja a su vez con unas letras en las que el espacio, los astros y la ciencia –cuenta su protagonista que durante este tiempo ha estado muy metida en un libro de física cuántica– asumen un papel determinante, como ya pasara en cortes de su anterior trabajo como Onyx Stars. “Es un tema que siempre me ha inspirado mucho, una vía de escape; conocer cómo funciona el mundo y lo que nos rodea es flipante, y también el misterio de las cosas que no se entienden. Si en el colegio hubiésemos tenido clases de ciencia bien dadas, que las habrá, es algo que te deja con los ojos abiertos”. De paso, los monstruos de los primeros años, aunque algún recuerdo quede, como en la canción oculta que aparece al final del disco, un guiño a sí misma y también a quienes ya se encontraron con este tema en sus últimos conciertos en acústico, ceden el paso a las dudas, con un ca-\no. “Me siento muy a gust y Ahora sí diría que estoía en el sitio donde quer estar”\nrácter más reflexivo sobre cuestiones como el paso del tiempo. “Creo que viene todo de lo mismo: cuanto te planteas preguntas que no van a tener fácil respuesta, eso te va ayudar a la hora de escribir una canción. ¿Qué hago aquí?, por ejemplo, está llena de interrogantes, porque con este disco me da la sensación de que estoy abriendo la mente hacia un lugar que no tenía muy visitado, pero en el que me siento muy a gusto. Igual que en el anterior decía que era una especie de transición, ahora sí diría que estoy en el sitio donde quería estar”. —enrique peñas\na publicación de Universo por estrenar coincide con el décimo aniversario del lanzamiento de Start, Restart, Undo, el delicado debut de Anni B Sweet. Un cumpleaños que la malagueña celebró a principios de año en el marco de la tradicional Stereoparty de Subterfuge. “Fue complicado reencontrarme con las canciones de ese disco, porque venía de estar muy metida con lo nuevo. Al ensayar, me sorprendió no haberlas olvidado. También te remueve un poco, afloran ciertos recuerdos, para bien y para mal…”. Al echar la vista atrás, comenta, hay sobre todo un aprendizaje. “Ha sido necesario pasar por estas etapas. Cada trabajo tiene algo diferente y refleja un momento. En uno aprendí a tocar mejor la guitarra, en otro a usar ritmos de batería… Pero si lo miro con distancia veo una trayectoria con la que me siento bien”. —e.p.\nmayo 2019 #9\nMONDO FREAKO Reverenciada por grandes artistas del momento, la rapera británica presenta su tercer larga duración, un excelente Grey Area (AWAL/Popstock!, 19) que le ha servido para batallar contra la depresión y la presión de la fama.\nue Kendrick Lamar te elogie públicamente o que Damon Albarn te invite a que seas la telonera y colaboradora de Gorillaz en varias fechas europeas, aunque a algunos les cueste creer, no lo es todo. La rapera y actriz Simbi Ajikawo, artísticamente conocida como Little Simz, no olvidará fácilmente lo que le ocurrió en 2017. En noviembre de ese año, durante las fechas en las que participó en el Humanz Tour de Gorillaz, una fuerte depresión empezó a apoderarse de ella a miles de kilómetros de su Londres natal. “Por entonces tenía veintitrés años y se juntaron muchísimas cosas. He estado trabajando muy duro durante años para conseguir el éxito siendo una artista independiente y, por entonces, empecé a preguntarme a mí misma si en realidad todo ese esfuerzo valía o no la pena. Pero más allá de eso también se juntó una fallida relación amorosa, el estar lejos de mi familia y mis amigos cuando más les necesitaba y el preguntarme qué soy realmente a mi edad. Lidiar con todo ello, en estos momentos en los que estoy creciendo como artista y como persona, me pasó factura”, confiesa desde el otro lado del teléfono. Este es precisamente el punto de partida de Grey Area, un tercer álbum en el que escupe verdades que duelen y en el que, pese a la fuerza de sus rimas, también exhibe su vulnerabilidad. ¿Estos diez temas han sido una terapia para ella? “Sin duda, eso es lo que exactamente ha sido. Hay personas que se refugian en el alcohol y en las drogas, pero yo tengo la enorme suerte de tener la música como mi mayor aliada. Para mí eso es y será siempre lo más importante”. “En estas canciones me he permitido el lujo de decir todo aquello que quería. Para mí la honestidad lo es todo. Pese a la complicada situación en la que me encontraba, la verdad es que he disfrutado mucho de todo el proceso de elaboración del disco. Además, he intentado probar cosas nuevas porque era el momento para hacerlo”, afirma. Sin ir más lejos, ahí está esa Offence en la que se deja acompañar de cinéticos arreglos de cuerda y hasta de un flautista que se trajo desde Suecia, o Flowers, en la que reflexiona junto a Michael Kiwanuka sobre los peligros de la fama mencionando a Amy Winehouse, Kurt Cobain o Jimi Hendrix. Sobre esta canción en concreto dice que “a pesar de la música #10 mayo 2019\nrefugian en “Hay personas que se as, pero yo el alcohol y en las drog de tener la tengo la enorme suerteiada” música como mayor al\nCRÍTICA Grey Area\nAWAL/Popstock! Rap 9/10\n“Nunca querrán reconocer que soy la mejor aquí, por el simple hecho de que tengo ovarios”, suelta Simbi Ajikawo, más conocida artísticamente como Little Simz, en Venom. Mujer, negra, demasiado agresiva, demasiado creativa, poco comercial… A Little Simz le han colocado todo tipo de etiquetas antes de certificar que es una de las estrellas más potentes de su generación. En este álbum vuelve a casa y cuenta con el productor hip hop Inflo –viejo amigo\nde la infancia y colaborador de artistas como Michael Kiwanuka o Portugal The Man– tras los controles. Una de las apuestas más interesantes de Grey Area es la sustitución de los samplers por el mayor uso de una instrumentación real. Así, el disco lo atraviesan cuerdas, pianos, guitarras y una percusión que refuerza esa apuesta por el jazz y el neo-soul en las bases instrumentales. El resultado de la suma de todo ello con la robusta voz de Little Simz y con sus textos descarnados es un álbum catártico, personal y valiente (“Soy una jefa en un jodido vestido”) en el que la rapera defiende la figura de la mujer en el rap y relata las inseguridades que a una joven de su edad le provoca pertenecer a la industria. —álex jerez\nLittle Simz Terapia musical tan mágica y poderosa que todos ellos hicieron, lo cual no hay palabras para agradecerles, tristemente fueron artistas que sufrieron muchísimo. Es algo que nunca se puede obviar y, por ello, he querido reflexionar sobre esa dicotomía que hubo entre sus carreras y su vida personal”. Todo esto no hubiera sido posible sin la inestimable ayuda de Inflo (The Kooks, Michael Kiwanuka, Portugal The Man, etcétera), quien se ha encargado de producir el álbum. “Nos conocemos desde hace muchísimos años, prácticamente de toda la vida. Anteriormente hemos trabajado juntos, pero todas esas canciones siguen estando en mi ordenador y no han visto la luz. De cara a Grey Area tenía muy claro que él, y sólo él, era la persona adecuada para hacer realidad mi visión. En eso no tuve ninguna duda. Más allá de ser el productor de estas canciones también podría decir que ha sido mi confidente, alguien con quien me he podido abrir en el estudio. Aparte de ser muy talentoso, Inflo es una buenísima persona. Siempre es importante rodearte de buena gente y tenerles cerca. Hay muchísimas emociones en el disco y obviamente no ha sido fácil, pero ha sido todo un placer haber podido trabajar mano a mano con él”, dice. ¿Y ahora qué? “Espero crecer aún más, aunque no tengo expectativas de nada. No quiero pensar en nada concreto porque, en el caso de no conseguirlo, el batacazo siempre puede ser doloroso. Estoy muy orgullosa de este disco y pasará lo que tenga que pasar. Espero que estas canciones inspiren a alguien”. De todo, por difícil que parezca, se puede salir.\n—sergio del amo\nYawners se presentan de largo con Just Calm Down (La Castanya, 19). Un primer trabajo (oficial) repleto del pildorazos guitarreros que nos remiten al indie rock noventero con ramalazos de punk pop.\nillo a Elena Nieto recién llegada de Austin, ciudad a la que ha viajado para tocar en el festival de festivales, the place to be, SXSW. “Había nervios”, confiesa, ella en Madrid, yo en Barcelona, al otro lado del teléfono. “El primer single, Please, ha tenido muy buena acogida en la prensa internacional, sobre todo en Estados Unidos, y si ya tenía ganas de ir... Era la primera vez que tocábamos en Estados Unidos. Nos ha hecho mucha ilusión”. Elena Nieto formó Yawners a finales de 2014. Por aquel entonces le acompañaba un batería llamado Oliver que, metido en mil proyectos, la acabó abandonando. Antes de la huída les dio tiempo a grabar Dizzy (15), un ente fonográfico raro, entre una maqueta y un primer disco autoeditado. “Fue algo muy do it yourself y pese a unos medios tan precarios, suena muy bien. Un disco del que estoy muy orgullosa”. Esa primera grabación suena a punk pop y hardcore melódico californiano de bandas como Green Day o Blink 182. “Tal cual. Estas eran las bandas que escuchaba en mi adolescencia: Blink 182, Green Day, My Chemical Romance… Grupos de los que mucha gente reniega ahora, pero que han sido un influencia fundamental para gran parte de mi generación”. Poco después de grabar Dizzy, Elena se marchó a vivir a Alemania. De regreso a España, Yawners acabaría cogiendo forma definitiva con la incorporación de Martín Muñoz tras los platos y los tambores. Banda a dos que ahora debuta oficialmente de largo con Just Calm Down, disco producido por el omnipresente Santi García, que evidencia una evolución hacia el indie rock noventero de Superchunk, Hole, Pavement, The Breeders… “Y Weezer y Pixies y… bandas icónicas del indie rock que también forman parte de mis principales influencias”, admite Elena. “También soy fan de las bandas de La Castanya y de B-Core, como los No More Lies de Santi García. Lo mismo que el emo. De un modo u otro, en el disco también hay cierto ramalazo de este género”. —oriol rodríguez\nr Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro\nYawners Ante todo, mucha calma\n, "Me siento más seguro más grande... Por fin este estoy disfrutando de momento"\nLa Casa Azul Se ve la luz Aunque se ha hecho de rogar, por fin tenemos entre manos La gran esfera (Elefant, 19), el nuevo trabajo de Guille Milkyway, un disco en el que desnuda sus sentimientos más que nunca.\ntema y le da muy igual quién soy o dejo de ser”, confiesa al respecto. Por suerte todo ha vuelto a su cauce. Eso hizo que Guille, entre tanto desamor, acabara cerrando el disco con una pieza en la que da la bienvenida a la esperanza. De todo, por muy negro que se vea, se puede salir. “En el último año y medio las cosas se han ido poniendo poco a poco en su lugar y nos hemos n el tiempo que separa La Polinesia Mereencontrado. Siempre tiendo a que todo explote soridional, editado en 2011, de La gran esfera, no noramente, pero me di cuenta de que tenía que haber todo ha sido un camino de rosas para Guille algo de luz en el álbum. Ahí está el último tema, Gran Milkyway. El músico catalán tuvo un desprenesfera, que de hecho fue el primero de todos que hice dimiento de retina que le mantuvo alejado del estudio y, además, el único en el que reescribí la parte final más de lo que quiso y desechó un disco que tenía que de la letra. La canción la grabé en 2013, hace ya muhaber visto la luz en 2014. “Era puramente un tema chos años, y rehíce el final para que tuviera ese algo de sonido porque conceptualmente sigue siendo el más positivo. Otra cosa muy presente en el disco es mismo. Durante este periodo me he obligado a profela interpretación de la nostalgia no como una simple sionalizarme en el estudio como productor. Ahora soy herramienta de añoranza, sino como una solución. Si más capaz de hacer cosas que hace unos pocos años no recordamos cómo nos sentíamos, usémoslo a nuespodía. Estaba lleno de dudas porque sabía que podía tro favor. En algún momento como El final del amor hacerlo mejor”, afirma sobre esos temas descartados eterno hay esta posible solución”, explica. ¿Se avecina hace un lustro. No obstante, si algo le pasó realmente un futuro largo de La Casa Azul más optimista en las factura fue una crisis sentimental con su pareja de hace letras? “No tiene por qué. No lo sé… las canciones que veinte años. Esto último se refleja sin filtros en estas tengo hechas hasta ahora son ambivalentes como las últimas canciones. “Para mí ese discurso costumbrista últimas que hice para La gran esfera: Ataraxia, El final del día a día es la única forma que tengo de escribir. Me del amor eterno o Ivy Mike. Hay verdades que damos apetecía que no hubiera mucha distancia entre lo que por dadas y no siempre se cumplen. Me sentí muy me estaba pasando y la canción en sí. Eso hizo que me naíf porque todos hemos crecido desde pequeños planteara la decisión de exponerme o no de una forma con la idea del amor eterno y tan directa. En El momento te sorprendes cuando no va nombro a mi hija cuando canto así”. Sea como fuere, Guille en ‘Y cada vez que Nico despertalos próximos meses estará de ba, sí, otra discusión’, lo cual lo más ocupado presentando es algo súper personal. En ese l Murcia 4 de mayo. Warm Up Festival este último trabajo en directo momento sí que me planteé l Cascante 11 de mayo. Estaciones Sonoras “Ahora tengo la sensación de que tenía que autocensurarme, l Palencia 7 de junio. Palencia Sonora que me siento más seguro, más pero finalmente llegué a una l La Roda 14 de junio. Fetival de los Sentidos grande al estar mejor armado conclusión: si fuera Lana del l Caldas de Reis 4 de julio. Portamérica a nivel musical. Por fin estoy Rey, Dua Lipa o Elton John l Canet de Mar 6 de julio. CanetRock disfrutando de este momento”. hubiese sido diferente, pero l Valencia 25 de julio. Concerts de Vivers tengo la suerte de que a nadie le —sergio del amo l Benidorm 26 de julio. Low Festival interesa realmente mi vida. La l Costa Brava 3 de agosto. White Summer r gente simplemente empatiza l Barcelona 18 de octubre. Razzmatazz con lo que puedo contar en un Más en www.mondosonoro.com\nmayo 2019 #11\nMondoSonoro 25 y WARM UP Estrella de Levante\nEl cambio de ubicación del festival es una de las novedades -aunque es la más importante, lógicamente- que ha anunciado el Doctor Music Festival. El evento tendrá lugar finalmente del viernes 12 de julio al domingo 14 de julio, quedando desconvocada la jornada del jueves, en el Circuito de Montmeló (Barcelona). De ahí que haya cambios de precios. La otra novedad importante es la confirmación de nuevos nombres para el festival, sumándose tanto artistas internacionales como nacionales: Luciano, Empire Of The Sun, Johnny Marr, Kamasi Washington, Texas, Sophie Hunger, Obeses, Hollow Cry, La Iaia, Stay, Putochinomaricón, They o El Petit de Cal Eril. —MS www.doctormusicfestival.com\nAzkena Rock Lo primero que supimos fueron las fechas para este año. Vitoria-Gasteiz acogerá la nueva edición del Azkena Rock Festival los próximos días 21 y 22 de junio y acaba de completar su cartel con los tres últimos nombres que se suman a su parrilla. Se trata de los británicos The Cult, que celebrarán el treinta aniversario de Sonic Temple; los estadounidenses Melvins y la canadiense Neko Case. Por otro lado, se han añadido Mt Joy que vendrían a cubrir la baja de Unsane, quienes han cancelado por motivos de salud. También se han confirmado los DJ’s que participarán, con lo que se completa un cartel con grandes nombres como Stray Cats, The B-52’s, Wilco, Tesla, Corrosion Of Conformity y muchos otros. —MS\nEl WARM UP Estrella Levante se celebrará los próximos días 3 y 4 de mayo en Murcia y podemos anunciar nuestra participación con el Escenario MondoSonoro 25 los días 4 y 5. Serán conciertos gratuitos en la Plaza de los Apóstoles con Antifan, Ayojo y Cupido el sábado y Apartamentos Acapulco, La Estrella de David y Piyama el domingo. Por otro lado, se anunció la programación del Electronic Social Club con Red Axes, Young Marco, beGun o Urbanoteque entre otros. Revisa el resto del cartel con artistas como Two Door Cinema Club, Noel Gallagher o The Jesus And Mary Chain en www.warmupfestival.es —MS\nJAMIROQUAI FOTO: ARCHIVO\nROSALÍA FOTO: ARCHIVO\nSTRAY CATS FOTO: ARCHIVO\nNOEL GALLAGHER FOTO: ARCHIVO\nKAMASI WASHINGTON FOTO: ARCHIVO\nMad Cool Welcome Party\n#MondoSonoro25 a tope\nLa noticia del mes relacionada con el Mad Cool es que el macrofestival que se celebra en Madrid del 11 al 13 de julio contará con una jornada inaugural el día 10 cuyo cartel está formado por Rosalía, Bring Me The Horizon, Lykke Li, The Cat Empire, Metronomy, Don Broco, The Amazons, Griz, Viagra Boys, Whispering Sons, Blake, The Parrots, Anier, Fusa Nocta y Favx. Todo ello no hace sino sumar atractivo a un festival que contará con artistas como Bon Iver, Iggy Pop, Noel Gallagher, Vampire Weekend, The Smashing Pumpkins, Wolfmother, Empire Of The Sun, Cat Power, Greta Van Fleet, The Cure o Prophets Of Rage entre muchos otros. —MS www.madcoolfestival.es\nEste mes se celebra la nueva edición del Mallorca Live Festival, concretamente los días 10 y 11 de mayo en Calvià, Mallorca. A lo largo de esos dos días podrás ver en concierto a artistas como Two Door Cinema Club, Vetusta Morla, Jamiroquai. La M.O.D.A., Amaia, Laurent Garnier, Novedades Carminha, Ayax y Prok o The Vaccines. También habrá una larga lista de artistas locales como Lava Fizz, Jorra i Gomorra u Ombra. Por otro lado, el festival estrenó recientemente el corto documental Life, que se grabó en la pasada edición y en la que podemos ver a artistas como Bobby Gillespie (Primal Scream), Nic Offer (!!!), Guille Milkyway (La Casa Azul) o Kase O. —MS www.mallorcalivefestival.com\nContinuamos con la celebración de nuestros veinticinco años. Y este mes vamos a tope. Al margen de que acabemos de publicar un doble vinilo conmemorativo junto a Larvin Discos, este mayo organizamos dos actividades especiales. Por un lado, el 15 de mayo Madrid acogerá la segunda edición del festival Plaza Sonora (Matadero, con entrada gratuita hasta completar aforo) con las actuaciones de artistas como Arco, Los Hijos del Trueno, Amparito, Che Sudaka, Delaporte, Chiki Lora, Marem Ladson y muchos más. Al día siguiente, 16 de mayo, la sala Salamandra de L’Hospitalet será el escenario de una de nuestras fiestas de aniversario con la participación de La Pegatina, Conttra y Pinpilinpussies. —MS\n#12 mayo 2019\nCage The Elephant Tras los N pasos de... MONDO FREAKO\nCuando Cage The Elephant publicaron su debut en 2008, muchos creyeron que se trataba de otra banda más surgida al calor de los éxitos de Arctic Monkeys o The Killers. Sin embargo, lejos de perder fuelle, los de Kentucky han conseguido reinventar su sonido, ganar un Grammy y mantener el espíritu rock de narices sangrantes y amplificadores destrozados que les lanzó a la fama. Ahora publican Social Cues (RCA/ Sony, 19), su quinto trabajo.\ny de las influencias sonoras. Mis oídos han evolucionado como oyente, así que queríamos hacer música que nos gustaría escuchar”, explica Matt Shultz. “Nos atemoriza aquello que no conocemos y como oyentes preferimos seguir escuchando lo que nos es familiar. Aunque a su vez, con bandas como la nuestra, es imposible basarse en un tipo de género musical y cada vez queremos tocar más\ny experimentar con nuevas formas. Y eso se traduce en un cambio sonoro en una serie de grupos”, añade. Con Melophobia (13), tercer LARGo de Cage The Elephant, se produjo un viraje en la manera de escribir, mucho más honesta y directa, algo que sigue presente. “Te atrapas mucho en los procesos creativos y buscas la validación a través de las filigranas. Pero creo que el arte es mejor cuando es honesto, cuando el objetivo es claro. Y eso es lo que intentábamos a la hora de escribir. Por ejemplo, en el single Ready To Let Go hay un momento que hablo de que ‘ella va vestida azul y yo de rojo’, lo que muchos interpretan como una metáfora, cuando en realidad es que el día en que firmamos el divorcio, mi mujer iba toda de azul y yo, de casualidad, todo de rojo. Al final, todo puede leerse de manera literal o en clave metafórica. Cuando quiero proteger mis pensamientos más privados, uso el simbolismo”, confiesa Matt Shultz. Social Cues es, después de todo, un disco lleno de esperanza y la confirmación que, más de diez años después de su creación, Cage The Elephant siguen en pie. “Seguimos aquí porque amamos lo que hacemos, ¡sería horrible hacer música y que no nos gustara! Y en menor medida, seguimos componiendo por necesidad vital, para experimentar la catarsis, aunque eso es secundario”, confiesa el cantante. —marta terrasa\nSocial Cues RCA/Sony Pop Rock 7/10\nBroken Boy, la canción que abre el quinto disco de Cage The Elephant, Social Cues, bien podría haber sido escrita en 2008, aprovechando la ola del post-punk revival. Aunque el efecto se diluye en la segunda canción de título homónimo, adoptando una actitud respecto al rock mucho más refinada e introspectiva, como hicieran también bandas como Arctic Monkeys en su Tranquility Base Hotel & Casino (18) o The Black Keys. Canciones como Black Madonna, sensual y sesentera, Skin And Bones y Love’s The Only Way, así lo demuestran. También hay espacio para temas rupturistas –y altamente pegadizos– como Night Running, junto al mismísimo Beck. Una canción mucho más relajada, de ecos reggae retrofuturistas, si es que esta etiqueta tiene algún sentido, Night Running encarna ese intento de la banda de Kentucky por escapar a los géneros y firmar un trabajo ecléctico, que condense más de una década de carrera. El single Ready To Let Go, situado a la mitad del disco, se aproxima de nuevo a la década anterior y cuando crees haber tomado el pulso a las guitarras y sintetizadores de House Of Glass, llegan las baladas. —m.t.\n“Seguimos aquí porque amamos lo que hacemos, ¡sería horrible hacer música y que no nos gustara!”\no creo que este haya sido el disco más difícil de grabar, pero si lo pienso bien, sí que ha sido el que se ha grabado en el momento más duro”, confiesa Matt Shultz, cantante de la banda. Social Cues supone el quinto esfuerzo de la banda y se ha gestado “en medio del melodrama”, ya que varias personas del entorno de Shultz se suicidaron en estos últimos meses, además del divorcio con su pareja. “Pese a todo, cuando escucho el disco creo que transmite muchísima esperanza”, asegura. A diferencia de su anterior trabajo, Tell Me I’m Pretty –producido por Dan Auerbach en 2015–, con sonoridades más cercanas a The Black Keys, ahora presentan trece canciones producidas por John Hill (Florence + The Machine o The Vaccines) mucho más eclécticas y hambrientas por capturar la esencia de su carrera. “Es la combinación de todo ese momento personal, la música que escuchamos y la que queríamos hacer”, afirma el cantante. “Quiero pensar que ha sido un disco casi terapéutico, pero no, ¡no soy tan guay!”, comenta entre risas y añade: “Aunque me doy cuenta de que necesitaba hacerlo y que ha sido un proceso catártico”. Social Cues abraza un rock más polimórfico y desinhibido, capaz de desempolvar riffs Kinksianos y Stonianos, ecos psicodélicos sesenteros, pop rock mainstream y todo ello envuelto por un halo mucho más introspectivo y refinado, visible en cortes como Black Madonna o The War Is Over. ¿Ha llegado el momento de reivindicar el espíritu del piano bar, del whisky con hielo y del crooner? “Si miras a otras bandas como Arctic Monkeys, quienes también se están moviendo en esa dirección, te das cuenta que es un indicador de todo lo que decías: de la edad, de todas las experiencias vividas, del momento político\nmayo 2019 #15\nDano El paso a la madurez\nEn Itsmo (RedBull Music, 19) Dano nos habla de crecer como personas, de cerrar etapas y avanzar en nuestro camino. Una reflexión en forma de larga duración que presenta junto a un documental sobre su reciente estancia en Nueva York.\nal y como reconoce Dano, no siempre resulta fácil madurar. Dejar cosas atrás y cerrar etapas puede resultar a veces doloroso, aunque, como afirma el madrileño, es necesario. “A tu ser anterior le duele dejar y soltar cosas, e incluso le da miedo, pero todos necesitamos crecer y evolucionar”. Es una obligación vital, un sacrificio necesario, que el productor y cantante ha querido reflejar en su nuevo disco. “Itsmo representa el cambio que he vivido en estos años, el paso de los veinte a los treinta. Todas las preguntas que uno se hace con esta edad he querido plasmarlas aquí. Todo el disco trata de este proceso”, asegura Dano, para quien este álbum, además, representa la evolución que ha tenido el rap en España en los últimos años. “Quizá sirva para entender mejor la unión entre lo de antes y lo de ahora”. Para ello nos presenta un disco donde ha querido reunir todo lo aprendido hasta la fecha. “Busqué un disco que sonase a mí. Por ejemplo, Griffi hizo Quimera (01) y desde entonces todo el mundo reconoce su sonido. Y yo necesitaba eso, exponer en un disco mi manera de entender el hip hop. Musicalmente es un disco de rap, de samplers, digging, mezclar capas, sonido Nueva York y fraseos. También es un acto de justicia para mí, ya que después de tantos años tengo la sensación de que no tengo tantos discos como debería”. No le falta razón a Dano, uno de los productores más activos y prolíficos de la escena desde que hace una década diese el gran salto con Ziontifik. Es un estudioso de la música, interesado y preocupado en las oportunidades que ofrece este arte. “Los primeros años eran como muy románticos, había mucha pasión. Ahora es diferente, ha entrado un nuevo concepto de industria con muchas posibilidades, que puede hacer realidad todos esos sueños que teníamos entonces. Ahora podemos soñar más en grande, cosas que antes eran impensables para el hip hop aquí”. —alfonso gil\n#16 mayo 2019\n"El rap se ha hecho mayor... a veces parece que se ha convertido en el nuevo pop"\nJuancho Marqués Sin miedo al cambio Juancho Marqués es uno de los mejores letristas del rap actual. Y además un músico interesado en evolucionar y crecer, sin perder de vista sus raíces, tal como demuestra en su nuevo álbum Uno (Autoeditado, 19)\ne hecho un disco para que perdure en el tiempo y no caduque. Introduciendo nuevos estilos y probándome ante nuevos sonidos. Ahora podrá gustar más a unos o a otros, pero mantiene la coherencia con lo último que había publicado”. Con estas palabras, el de Suite Soprano defiende su nuevo proyecto. Un disco en el que abraza nuevos sonidos como el jazz y el pop, grabado con banda, en el que el objetivo principal era “disfrutar el proceso creativo y no centrarse en el resultado. Es mi trabajo más ambicioso, he invertido en él casi todo lo que tenía, grabándolo en el Estudio Uno y masterizándolo Guillermo Marín en Los Ángeles, y todo eso se nota en el resultado final. Creo que el disco más rico y completo que he grabado nunca”. Y el más complejo, también. Ya que Juancho ha decidido desviarse de la vereda unidireccional del rap y adentrase en nuevas sendas musicales que han puesto a prueba su habilidad como cantante. “Esa una de las cosas que más me ha costado. Mi fuerte no es la voz, no soy un gran cantante, y en ocasiones tenía que trabajar mucho para adaptarme a ciertos ritmos fuera del bombo-caja. Pero luego pensaba que hay cantantes que no tienen una gran voz, como Sabina, pero tienen mucha identidad y saben transmitir. Hay voces que sin una gran técnica destacan por saber transmitir, y ese es el camino que debo seguir yo”, reconoce el MC, quien es consciente además del riesgo que corren los artistas al introducir cambios en su música. “El disco podrá gustar más o menos, ya que el arte es sensitivo, pero no me he pasado al mainstream porque he seguido haciendo lo que\nhe querido. Me daría miedo verme haciendo algo que me impongan, algo que no sea mío y lo haga porque alguien me lo reclame”. Es un nuevo escalón en el ascenso de uno de los cantantes con más proyección en la música urbana actual, un género en el que Juancho cada vez tiene un papel más importante y que crece a pasos agigantados. “El rap se ha hecho mayor y con él la gente que llevamos años escuchándolo. Cada vez tiene más influencia y la gente se siente más identificada con las letras y el sonido, a veces parece que se ha convertido en el nuevo pop”, asegura el cantante, poniendo de ejemplo a sus amigos Natos y Waor (el primero colabora en el disco) como ejemplo de éxito. “Es cuestión de trabajo y de arriesgar. Y de tener las cosas muy claras como ellos”. Pero entonces, ¿por qué es una música que sigue dependiendo de la autogestión? Muchos músicos como Juancho siguen necesitando de este modelo para sobrevivir ante una industria que no termina de apostar por su música. “Me reuní con varios sellos pero estos no ofrecen nada que esté orientado a ayudar al artista a expandirse. La industria muchas veces tarda en darse cuenta de los cambios sociales. Normalmente las estructuras cambian más lentamente que la sociedad. La música urbana es mucho más fuerte con menos medios que otras músicas, aunque poco a poco se están dando cuenta. El problema es cuando acaban ‘pervirtiendo’ la esencia para lograr ciertos intereses. En mi caso he tenido que luchar contra ambas posiciones, por un lado el estereotipo del rapero que se sale de los cánones y por el otro el cantante que proviene del rap, ahí estoy entre dos tierras. Yo me siento rapero, es lo que siempre he sido, lo asumo y me gusta aunque me cierre ciertas puertas. Al fin y al cabo yo lo que quiero es poder vivir de la música y para eso tengo que conquistar al público, no a empresas, asociaciones o premios”. —alfonso gil royo\nTHOM YORKE FOTO: ARCHIVO\nAYAX Y PROK FOTO: archivo\nHace ya meses que sabemos que, a lo largo de los días 11 a 13 de julio, el Bilbao BBK acogerá las actuaciones de artistas tan importantes como Liam Gallagher, Thom Yorke, The Strokes, Rosalía, Weezer, The Good The Bad & The Queen, Modeselektor, The Blaze o Nils Frahm, entre muchos otros. Pero la noticia es que ahora se suman más participantes al escenario Lasai, dedicado a la electrónica baja en revoluciones (menos de 100 bpm’s). Entre ellos están Fort Romeau, Orpheu The Wizard, Phuong-Dan, Casper Tielrooij, DJohnston, Elena Colombi, Fenna Fiction, Julian Falk, Miravalles, Mislav, Muevelocumbia, Ninja, Nuel, Olivia y Sacha Mambo. En total serán quince los artistas que actúen en este escenario, repartidos en tres jornadas. —MS www.bilbaobbklive.com\nNels Cline se ha convertido en pieza fundamental de Wilco, así que no podíamos dejar pasar la oportunidad de charlar de música con él. Wilco son cabezas de cartel del Azkena Rock Festival (Vitoria-Gazteiz) el 22 de junio.\nKINGS OF LEON FOTO: ARCHIVO\nUn disco que me descubrieron mis padres... Gary McFarland\nAmerica The Beautiful, An Account Of Its Disappearance (1969)\nEste disco me cautivó y con el tiempo se convirtió en un disco de moda que pinchaban músicos ultra hip de Nueva York como Eric Gale. Fue un compositor y arreglista legendario.\nEl primer disco que me hizo llorar fue... Tanayev Quartet Shostakovich’s String Quartet Nº 15 (1978)\nEs muy difícil recordarlo, porque sé que hubo varias piezas musicales que me hicieron llorar antes de los veinte años... Pero un disco que escuchaba a esa edad y que me hacía saltar las lágrimas era este. Es un trabajo sobrio y dolorosamente hermoso.\nEl disco que más veces he escuchado... The Jimi Hendrix Experience\n¡Otra elección complicada! Aunque posiblemente esta sea la respuesta. Es un disco brillante y posiblemente en el que más cerca estuvo el maestro de llegar a su visión sonora/ artística perfecta.\nFIB Benicàssim La edición número veinticinco del Festival Internacional de Benicàssim, FIB, se celebrará durante los días 18 a 21 de julio, y continúa anunciando novedades que amplían el radio de acción de su cartel. Si se había confirmado que Lana del Rey ofrecería un show exclusivo para España, ahora se le suman Kings Of Leon, quienes únicamente participarán en este festival en nuestro país. También Vetusta Morla nos tienen preparado algo especial, ya que interpretarán completo su álbum Un día en el mundo. A ellos se suman también Franz Ferdinand, George Ezra, Jess Glynne, Superorganism, Gorgon City, Alien Tango, Carolina Durante y You Me At Six entre otros. —MS www.fiberfib.com #18 mayo 2019\nEl Weekend Beach Festival anuncia nuevos artistas en una tanda de confirmaciones que continúa con su línea ecléctica. Se celebrará del 3 al 6 de julio en Torre del Mar, Málaga. La mítica banda de reggae The Original Wailers, liderada por Al Anderson, dará en el festival su único concierto en Andalucía. Entre los nuevos nombres presentes en el cartel del festival de la Costa del Sol están también La Pegatina, Sex Museum, Malaka Youth o los granadinos Niños Mutantes. El encuentro musical contará con los ya confirmados hace semanas, de entre los que destacan Ozuna, Dellafuente, Ayax y Prok, Ska-P, Rozalén, Nathy Peluso, Marky Ramone, Bad Gyal o los madrileños Miss Caffeina. —MS www.weekendbeach.es\nVIVA SUECIA FOTO: archivo\nEl álbum que más ha influido a mi grupo... Sonic Youth\nUn disco que odiaba hace años y ahora me encanta... Steely Dan\n¡Qué preguntas más difíciles! Me vienen a la cabeza Miles Davis, John Coltrane, Ornette Coleman, Weather Report, Deerhoof, Low y King Crimson, pero posiblemente éste sea el disco del que “hemos robado algo”.\nTengo un poco de miedo de que no exista un disco que encaje en esta descripción. El más cercano quizás sea Gaucho de Steely Dan. Nunca fui un fan de “The Dan”, lo cierto es que intenté una y otra vez con ellos hasta que apareció Gaucho.\nEl disco que acabo de descubrir y con el que he disfrutado... Esperanza Spalding 12 Little Spells (2018)\nEn realidad no acabo de descubrir a Esperanza Spalding, pero no conocía demasiado sus discos y éste me ha volado la cabeza. Es un disco de pop intrincado y elaborado. —MS\nEl Indiferente Festival es un evento de un único día, el 18 de mayo, que se celebrará en el Palacio de Festivales de Cantabria desde las doce horas del mediodía. Se trata de una cita que, como declara entre sus intenciones, no tiene complejos. De ahí que podamos ver en un mismo día a artistas tan diversos como Viva Suecia y Omar Souleyman, Joe Crepúsculo y Soledad Vélez, Novedades Carminha y Cariño, además de tres pesos pesados de la escena local de Dj’s, léase Tropical Brothers, Mojo Crew y Señoras. Los abonos están a la venta en la web del festival, en la que también podrás actualizar cualquier tipo de información. —MS www.indiferente.com\n“ FOTO: ARCHIVO\n“El equivalente actualica más cercano a la mús dub es el trap”\nPanda Bear Bajo el mar Dice Noah Lennox que, con Buoys (Domino/Music As Usual, 19), ha querido hacer un disco que pueda resultar familiar a los oídos de un adolescente, iniciando un nuevo capítulo en el que el pop multicolor da paso a una particular interpretación de los sonidos urbanos para construir desde el agua unas canciones que a su hija, nacida en 2005, le siguen resultando extrañas.\nespués de que, el año pasado, Animal Collective –por primera vez sin la presencia de Noah Lennox– dedicasen su última entrega a los arrecifes de coral, Panda Bear retoma su trayectoria en solitario también con el agua como elemento principal, presentando unas canciones en las que el uso del autotune da a la voz una textura casi acuática. “Quería algo más definido que en otros discos. Que se pudiera tocar, con unos límites claros, pero que a la vez no fuese cortante, que no sonara metálico. También creo que ayuda a establecer una relación más íntima entre la voz y quien está escuchando. De todas formas, no es algo nuevo. El agua es algo recurrente, siempre he vivido cerca del mar, tanto en Baltimore como más tarde en Boston, Nueva York y Lisboa. Es extraño, porque me hace sentir seguro, en calma, pero a la vez también representa una especie de frontera”. Meses atrás, Lennox había publicado el EP A Day With The Homies, que de alguna forma sirve como puente entre Panda Bear Meets The Grim Reaper (15) y este nuevo álbum, en el que vuelve a contar con la producción de Rusty Santos con quien no trabajaba desde Person Pitch (07). “Tengo la sensación de que Buoys supone el comienzo de un nuevo capítulo en términos de creatividad. Ya al terminar\nThe Grim Reaper pensaba que era el momento de probar algo nuevo, cerrando la etapa que había empezado con Person Pitch. En ese sentido, Homies me sirvió para iniciar ese camino, pero fue Rusty el que me sugirió más tarde la idea de utilizar el autotune. Hacía seis o siete años que no le veía, aunque sí habíamos hablado varias veces por mail, y coincidió que se encontraba en Lisboa con otro proyecto, así que no dudé en que las canciones en las que estaba trabajando pasaran por su filtro. Dolphin fue la primera que sonó realmente como queríamos y de hecho sirvió para definir el resto”. La idea era superar el pop experimental para construir un sonido contemporáneo, más cercano a las nuevas generaciones y que a la vez conectara con el dub, como si estuviésemos en una versión subacuática del sound system. “Sé que en realidad no suena como un disco de reggaetón o de trap, pero en el origen quería que no pudiera resultar extraño a alguien que esté familiarizado este tipo de música. En términos de arquitectura de sonido hay una proximidad. El equivalente actual más cercano a la música dub es el trap, incluso llevándolo al extremo, aún más profundo. Por eso digo que estaba pensando en chavales de quince años o así, en cosas que ellos pudieran considerar más normales. Las canciones que por ejemplo escucha mi hija Nadja, aunque en realidad a ella no le interesa demasiado lo que hago, para ella sigue siendo raro. Pero bueno, no me lo tomó a mal, es lo normal en una chica adolescente. Puede que mi hijo sea más cumplido, aunque él tiene solo ocho años, todavía es pequeño…”. —enrique peñas\nmayo 2019 #19\nLove Of Lesbian Diez años de 1999 Un incendio que nunca se apaga Han pasado diez años desde que los catalanes Love Of Lesbian publicasen el disco que les aupó definitivamente a lo más alto de la escena indie nacional, 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando la luna) (Music Bus/Warner, 09). Con la misma carambola cambiaron, de paso, las reglas del mainstream musical de nuestro país.\nue bajen tus labios y me callen”. “Soy grito y soy cristal”. “Todos los raros fuimos al concierto”. “Ven a romper las ventanas y a hacer del caos un arte”. “Sé que si no hacemos algo el hielo durará mil años, ¿crees que alguien nos encontrará?”. “Ya no hay ganas de seguir en el show”. “Tengo un cuchillo y es de plástico donde solía haber metal”. “¿Sabes a quién te pareces? Yo no quiero parecerme”. “Mira mis manos, ¿ves?, no pesan nada, ¿ves?”. “Creo que lleva media vida huyendo, quizás le pasa lo mismo que a mí”. “Que sea cierto el jamás”. Y podríamos seguir. Seguro que has visto algunas de estas frases en carpetas, en Fotologs y estados de Tuenti, al igual que has visto camisetas de John Boy y de amantes guisantes. Porque todos tienen su frase (o sus frases) favorita de 1999 (o como generar incendios de nieve con una lupa enfocando la luna). Porque todos han vivido, querrían vivir o desearían no haber vivido una historia como la que cuenta 1999, una historia que duele diez años después. Y que también hace sonreír diez años después. O, como ahora, veinte. Hace unos días se cumplieron diez años del lanzamiento (y veinte de su recuerdo) del tercer disco en español de Love Of Lesbian, un absoluto pelotazo para la banda que además acabó suponiendo todo un gamechanger en el indie nacionaly en la burbuja de los festivales. Junto a Vetusta y su Un día en el mundo (08), son dos discos que no debutaron precisamente en el número uno, pero a los que el calificativo “sleeper” les viene que ni pintado: fueron sumando más y más copias vendidas, manteniéndose en la lista de ventas incluso años después de su publicación, y convirtiéndose, especialmente el que nos ocupa, en discos de culto. Especialmente el que nos ocupa porque aquí #20 mayo 2019\nhabía un factor que iba más allá del indie, el mainstream, los festivales, Los 40. Lo que hizo que perdurase en nuestra memoria no era nada de eso, y para muestra otro botón. La gira de 1999 se extendería lo suyo también (inspirando parte del siguiente trabajo de la banda), entre otras cosas debido precisamente a este creciente éxito que no parecía tener fin. Esto dio lugar a situaciones muy peculiares que es lógico que ocurran entre era y era, pero no tanto en la misma gira: por poner el ejemplo de Sevilla, la gira hizo parada en la Sala Obbio... y, sin embargo, era surrealista imaginarlos otra vez ahí para cuando la gira estaba terminando. Porque Love Of Lesbian habían pasado\nTodos han vivido, querrían vivir o desearían no haber vivido una historia como la que cuenta 1999\nFOTO: IBAI ACEBEDO\nde tener seguidores, fans a los que les encantaba el disco, etcétera, a que se crease una auténtica religión alrededor de éste. Y con los años solo fue a más. Por eso es por lo que perdura. Ese carácter casi religioso surge porque sus canciones marcaron a toda una generación que se sentía identificada y que, boca-oreja y concierto a concierto, se preguntaba eso de “¿cómo es posible que haya estado en mis infiernos?”. 1999 cuenta las distintas fases de una relación que parece a la vez bendecida y maldita, de una relación que te hizo sentir en una nube y a la vez te destrozó, pero que, sobre todo, te cambió. Porque, tras pasar por todo eso, tras clavarte todos los cristales y ahogar todos los gritos, ya no eres la misma persona. Y, en cierto modo, acabas estando agradecido por haberte ayudado a madurar. A pesar de que insistamos tanto en el componente generacional, la historia que cuentan los catalanes aquí tiene también carácter universal, y no se apoya tanto en las descripciones exactas de situaciones como en los sentimientos del enamorado. Es decir, no hacía falta haber vivido exactamente la misma historia, ni hacía falta que fuese entre un chico y una chica, ni hacía falta que hubiese un concierto de por medio, ni hacía falta que fuese en 1999 (me atrevo a pensar que la de muchos sería alrededor de 2009), ni hacía falta siquiera que fuese una relación de pareja, y para muestra, un botón: la primera vez que un servidor lo escuchó, tenía un amor no correspondido hacia un chico heterosexual, y aún así me podía identificar con sensaciones que transmitían los temas, quizás por la inocencia que yo mismo tenía por aquel entonces. Luego volvería a él, en historias que sí se parecerían cada vez más a 1999, y me consta que muchos han vuelto también a él en numerosas ocasiones, en busca de consuelo, de identificación o incluso de autosabotaje. Porque puedes haber vivido tu 1999 de muchas formas y en cualquier año. —pablo n. tocino\n1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando la luna) Music Bus, 09 8/10\nBombas, bombas de “Me interesaba la idea la improvisar un poco a s: DJ manera que hacen los a on según ves cómo reacci lado la gente, tiras por un u otro”\n#22 mayo 2019\nLo humano y lo divino, lo lúdico frente a lo espiritual, política y sentimiento, tradición y modernidad, condena y esperanza. Todas esas dualidades están presentes en Porvenir (Autoeditado, 19), el nuevo disco de Le Parody y la obra que consuma lo que se intuía en Cásala (14) y aplaudimos hace cuatro años en Hondo (15). —texto Luis J. Menéndez —fotografía David Maroto\nLa Internacional Transmusical\nal vez no hayamos tenido demasiadas oportunidades de ver a Le Parody sobre los escenarios de los festivales de nuestro país. Sin embargo no puede decirse que Sole no haya aprovechado ese tiempo para buscar otros lugares a los que llevar su música: Reino Unido, Alemania, Ucrania, Bolivia, Paraguay, Chile, Argentina, Estados Unidos, Filipinas, Portugal... son sólo algunas de las ciudades y territorios donde ha actuado desarrollando lazos con artistas que comparten una visión muy similar de la música. “En Argentina conocí a Dat García, una tipa que hace electrónica con elementos andinos. Fue en 2014, yo estaba todavía en la era Cásala, y me sentí muy identificada. En México conocí a Algodón Egipcio. Vino a verme a un conciertito en el DF. No es exactamente mi estilo pero hay algo que me conecta con lo colorido de sus bases. En Filipinas tuve un intercambio musical con BP Valenzuela. Hizo una versión de Hondo agujero y yo otra de una canción suya. Es mucho más pop que yo, pero su set en directo, ella sola rodeada de máquinas analógicas, me representa totalmente. En Dinamarca hice una residencia con un montón de músicos de Latinoamérica, Inglaterra y Dinamarca. Entre ellos Axel Krygier, Diosque o Mariana Päraway. Son gente que lo peta mucho en la escena independiente argentina. Y de verdad que siento una conexión loca con esa escena... Loca porque no tengo nada que ver con Argentina, pero es como si fueran primos musicales. En Liverpool conocí a Antropoloops, aunque él es de Sevilla (risas) y el trabajo de sampleo que hace es muy similar al que hice yo en Hondo”. —l.j.m.\nuando el nombre de Le Parody se puso sobre la mesa para ocupar la portada del número de mayo, en redacción surgieron dudas por un instante. Sole no es ni mucho menos una recién llegada: en febrero de 2013 actuó ya en una de nuestras Fiestas Demoscópicas como uno de los grandes valores de futuro del pop de aquí, y discos como Cásala (Autoeditado, 14) y Hondo (Warner, 15) recibieron en su momento el aplauso unánime de la crítica –Hondo fue el undécimo disco nacional de aquel año para MondoSonoro–. Pero es posible que hoy por hoy muchos de nuestros lectores no hayan escuchado todavía su música o asistido a uno de sus conciertos. Las razones para ello son múltiples, pero en ningún caso tienen que ver con la inaccesibilidad de su música. “A mí lo que me interesa es seguir teniendo bolos que es de lo que vivo, y con la agencia de contratación con la que curro desde hace mucho, Born, me va muy bien. Fuera de eso ni me he planteado estar con una discográfica o una editorial. Con la editorial tuve una experiencia malísima en el primer disco, y eso me sirvió para darme cuenta de que eso que te dicen de ‘esto es lo que hay que hacer’ es falso. Así que ahora me he montado mi equipo, con una distribuidora que es Gran Sol, una pequeña oficina de prensa y los bookers. Es todo lo que necesito. En ese sentido Hondo supuso un punto de inflexión. Hacerlo fue catárquico, y publicarlo fue mi apuesta total por la música como forma de sustento. Y muy poco a poco, sin pegar ningún pelotazo, lo he ido consiguiendo a raíz de ese disco. A lo mejor no exclusivamente de tocar o de los royalties, pero sí con cuestiones relacionadas como puede ser dar talleres musicales para niños o cosas así”. Tras un paso breve por Warner (“las multis no son muy útiles para los que hacemos cosas que se salen de los canales comerciales”), Le Parody vuelve a la autoedición para publicar Porvenir, su tercer largo y también aquel con el que debería aspirar a dar el salto a un público más amplio, independientemente de los canales que Sole utilice para presentarse en directo o difundir su música. Y es por eso que desde estas páginas respondemos a las dudas de las que hablaba antes, al interrogante sobre si es o no oportuno situar en la portada de MondoSonoro a una artista desconocida para parte de nuestros lectores, primando el criterio artístico y asumiendo que la revista debe servir para dar voz a músicos con una propuesta fascinante como la de la granadina. “Llevaba dos años probando en directo una cosa a la que llamé Parody Beats y que básicamente potenciaba la vertiente electrónica de baile. Estaba un poco cansada del concepto de directo que hice con Cásala y Hondo, más cerrado, y me interesaba la idea de improvisar un poco a la manera que hacen los DJs: según ves cómo reacciona la gente, tiras por un lado u otro. El proceso en cualquier caso no era sencillo, porque estoy acostumbrada a hacerlo al revés, componer las canciones y a partir de ahí armar el directo. El caso es que en septiembre empecé a trabajar en el disco y he estado seis meses a tope, sin dedicarme a otra cosa. Y lo que pensaba que iba a ser una adaptación del directo ha terminado convirtiéndose en una recreación absoluta: partí de ahí, pero he terminado haciendo otra cosa. De por medio me pilló también una ruptura bastante… de esas que te dejan del revés, y que no me ayudó demasiado a centrarme. Me he dado cuenta de que yo funciono desde la alegría, así que cuando tengo un bajón de estos que me cuesta levantarme por las mañanas pues… es complicado. Además, no quería que eso se colara en el disco y que el resultado fuera una colección de canciones demasiado sombría. Pero bueno, ha terminado pasándome lo que me pasa siempre con la música, que queda muy hippy decirlo pero es algo sanador, en lo que me meto tanto que me saca de cualquier agujero”. Sole señala que Porvenir, el título del disco, funciona en una doble dirección: la esperanza de un futuro que está por llegar y que podría ser mejor, y la condena de aquello escrito en el destino. “Las letras son lo que más me ha costado sacar del disco. Están inspiradas en letras de coplas y cantes flamencos, que utilizaban fórmulas muy sencillas para decir cosas complejas. Pero imitar ese estilo es complicadísimo sin caer en el cliché. Me fijaba mucho por ejemplo en el tipo de letras que utilizaban Lole y Manuel. Y ahí es donde está esa carga de pesimismo esperanzado. Obviamente hay temas en los que la carga política es evidente, como por ejemplo cuando hablo del tema de los refugiados, pero están mezcladas con una carga melodramática personal”. Esa dualidad de luces y sombras encuentra el mejor contexto sonoro posible en el tratamiento electrónico que ha recibido el disco. Un giro hacia postulados cada vez más bailables que ya adelantaba Dime, aquel tema publicado por Le Parody hará cosa de un año en el sello británico Atata Records. “Todo lo que está ocurriendo en Oriente Medio, esa especie de III Guerra Mundial que se está viviendo por allí y ante la que aquí permanecemos ciegos, es algo que me obsesiona en mi día a día. También la situación que vive España y Europa, la deriva que está tomando la política en nuestros países, es algo que personalmente… Que yo estoy bien, me considero una persona alegre y vivo con bastante plenitud y despreocupación en general, pero estos temas me cargan y me parece importante hacer algo con ello, por eso tienen protagonismo en Porvenir. Y supongo que para sacar todo eso me viene muy bien la electrónica: que haya una voz muy solemne, pero luego el tema rompa y te pases tres minutos de canción bailando”. Hasta el punto de que esa inmersión en la electrónica de baile parece un punto de no retorno para Sole, a la que al preguntarle dónde se ve dentro de diez años responde... “Tendré cuarenta y cuatro años entonces. Y a partir de los cuarenta me veo, no sé por qué, en la flor de la vida [risas]. Las veces que he estado en Berlín recuerdo ver a tipas de cuarenta o cincuenta pinchándose su technazo y haciendo el circuito. Pues más o menos me veo ahí, metida de lleno en el oficio de la música de club”. —l.j.m. mayo 2019 #23\nDIE ANTWOORD · BASTILLE\nRICHARD ASHCROFT · DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE BERET · ROYAL REPUBLIC · GRAVEYARD SECOND · THE ZOMBIE KIDS · KITAI MOLINA MOLINA · ALICE WONDER\nBLACK EYED PEAS · ROSALÍA\nPERFORMING BLOC PARTY SILENT ALARM · W&W · IVÁN FERREIRO\nVARRY BRAVA · ELYELLA · SHINOVA\nMAREM LADSON · HARD GZ · CARIÑO · IGLOO O 15 — SÁBAD\nIGGY POP · DAVID GUETTA VETUSTA MORLA · THE HIVES AYAX Y PROK · BAD GYAL · FULL\nFAMILIA CAAMAGNO · BAIUCA · MORDEM · ORTIGA · EME DJ ENTRADAS DIARIAS\n49 € + G A S T O S D E DISTRIBUCIÓN\nn “Los boleros nos influyetras mucho, tanto por las leg’” como a nivel de ‘feelin\nBlanco Palamera Mucha clase Promesas (Raso Estudio, 19) es el debut de Blanco Palamera, un trabajo en el que se combinan desde el dream pop hasta el r&b con una elegancia que no admite duda posible.\nAries La chispa irracional\nIsabel Fernández, más conocida artísticamente como Aries, publica Juramento Mantarraya (K Records/ La Castanya, 19), una nueva muestra de su “pop soleado y electrónica inventiva para viajar mentalmente”.\na astrología le da “un poco de chispa irracional a la vida”. Eso cree Isabel Fernández, a quien conocemos artísticamente como Aries, la artista a la que le gusta describir su música como “pop soleado y electrónica inventiva para viajar mentalmente, para escuchar mientras se baila alrededor de un fuego”. Su cuarto álbum, Juramento Mantarraya, aparece después de una etapa muy intensa, después de “girar un montón y tocar hasta en doce países. Tenía que parar un poco, pensar #26 mayo 2019\nes un documental que principalmente recoge la impresionante actuación de Beyoncé en la edición de Coachella de 2018, en la que –entre otras– cosas reunió a las Destiny’s Child, junto con declaraciones personales de la artista y algunas imágenes de los ensayos del show que ofreció. Al mismo tiempo se ha publicado en formato audio en plataformas digitales. RRLos británicos Bear’s Den han\npublicado nuevo larga duración, So That You Might Hear Me (Caroline/ Music As Usual, 19), que supone un\ny repensar. También mirar a mi alrededor y ¡vivir la vida! No quería hacer un disco que hablase sobre ir de gira”, destaca. Ese alrededor es Vigo, ciudad en la que lleva años afincada, y que “posee una mezcla de ciudad industrial caótica y naturaleza bellísima, lo que permite una calidad de vida y una libertad muy grandes”. Y es que “el lugar siempre queda reflejado en lo que haces, de alguna manera u otra”. Después de La magia bruta (12), Mermelada dorada (14) y Adieu Or Die (16), de hacer la banda sonora de un videojuego (espera repetir pues ha sido “de las mejores cosas” que ha hecho) y “muchas músicas” para otras personas, Isabel dedico varios meses a componer, la “parte más emocional de todo esto”, según confiesa. A continuación se encerró para encargarse de la producción junto a José Vázquez en los Estudios Pastora (Pablo Martín firma la mezcla), momento de “tomar decisiones estéticas y técnicas”, de explorar\npaso adelante en su trayectoria. El próximo 11 de julio lo estarán presentando en el festival madrileño Mad Cool. RRShellac publican doble disco,\naunque no se trata de material nuevo, sino de dos sesiones inéditas grabadas para las Peel Sessions de la BBC Radio 1 británica en los años 1994 y 2004. Se publicarán en formato vinilo y CD bajo el nombre de The End Of Radio y vía Touch And Go. RRRachel Goswell, vocalista y gui-\ntarra de Slowdive, publicará disco\n“Cuando hago música el tiempo se para, nada más me preocupa y soy feliz”\nBEYONCÉ FOTO: ARCHIVO\nRRHomecoming. A Film By Beyoncé\nFOTO: KIKA RAMIL\nluz, Caer y Nada, tres canciones que han decidido dejar fuera del largo. “Esas tres canciones fueron como una prueba y después el cuerpo nos pidió más. No tendría sentido que estuvieran en el disco porque representan algo diferente para nosotros. En un momento en el que todo el mundo saca singles hemos apostado por lanzar un álbum como tal”. Desde la primera escucha sorprende la madurez y elegancia de su propuesta. “Supongo que es una cuestión de sinceridad… de ponerle corazón a lo que haces. Es una conversación continua contigo mismo. En este caso entre nosotros dos. Nos comunicamos de una forma muy intuitiva”. De ahí que se hayan producido ellos mismos y que el disco se haya grabado casi por completo en su piso. “Como vivimos juntos tenemos la posibilidad de pasarnos horas delante del ordenador probando cosas, dándole vueltas… Nos gusta trabajar con calma y creo que eso se refleja en el resultado. También grabamos algunas partes en un pueblo de Pontevedra\nque se llama Catoira, por eso el sonido del mar está tan presente”. Promesas explora sonidos que van del r&b o el pop urbano a la indietrónica, el trip-hop o el chillwave pasando por jazz, soul, funk... “Intentamos hacer algo personal. No nos interesan demasiado los géneros ni las etiquetas. Al final todo es música. Nos gusta mucho Kaytranada, pero también Michael Jackson… Los boleros nos influyen mucho, tanto por las letras como a nivel de feeling. Escuchamos de todo. Alejandro Sanz, por ejemplo, es un referente. Hay que revisar a los ídolos del pop. No hay que tener prejuicios. Se puede aprender de todo”. Una exquisita amalgama de influencias, aparentemente dispares, que sin embargo resultan totalmente compactas. “Todo el feedback que nos está llegando es buenísimo. Estamos muy contentos. No pensábamos que la gente iba a conectar tan rápido con lo que hacemos”. —tomás crespo\njunto a su marido, Steve Clarke, bajo el nombre de The Soft Cavalry. Las canciones verán la luz el 5 de julio y son las primeras que Clarke escribe y Goswell edita y arregla. RREl próximo 6 de junio verá la luz\nTim, disco póstumo del DJ sueco Avicii, que incluirá el material en el que el artista y Dj estaba trabajando en el momento de su muerte. El pasado mes se estrenó la primera de las canciones del disco, SOS, y cuenta con la voz invitada de Aloe Blacc, quien ya fuera cantante del hit Wake Me Up, incluido en el álbum True (13).\nRRYa se han seleccionado las cincuen-\nta y nueve bandas semifinalistas del segundo concurso EDP Live Bands, organizado por la compañía energética EDP. El ganador actuará en el festival NOS Alive de Portugal y podrá grabar\nun disco con Sony Music. La lista incluye a formaciones de Madrid, Granada, Vigo, Barcelona, Oviedo, Donostia, etcétera. El público podía votar a sus favoritos hasta el 29 de abril en edplivebands.edp.com/espana —MS\nsu paleta de sonidos y de definir los ritmos con los que quería jugar. El proceso, como cuenta, ha sido muy diferente al de sus discos anteriores. “No quería tanta fantasía como en Adieu Or Die y he utilizado violines, flautas, arpas y trompetas mezclados con sonidos más sintéticos e industriales. Los ritmos son una mezcla de free jazz, soul, punk y folklore; breaks bonitos, bombos bien gorditos. Las melodías son sunshine pop que a veces me parecen alegres, a veces melancólicas”, explica. Y no hay ninguna colaboración más que las de sus amigos. “He sampleado sus voces, y también a mi astróloga favorita, Pat”. Ahora, su plan es “girar, tocar y compartir Juramento Mantarraya con la gente”. Los primeros conciertos fueron en Austin, en el SXSW. “Tengo muchas ganas, he preparado el directo con canciones de todos mis discos”, resalta. Las manifestaciones del 8 de marzo del año pasado le dieron “mucha fe” y un año después denuncia que, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro\n“desgraciadamente”, ahora hay más mujeres en todas las escenas pero “no en igualdad de condiciones. Siguen existiendo un montón de prejuicios y desconfianza. Pero, bueno, hay que seguir haciendo cosas con ahínco y trabajando mucho”, subraya. En este ámbito, para Aries, la reivindicación tiene sin duda un peso “infinito” en nuestros días. En contraposición con la seguridad que despliega en la defensa de los derechos de las mujeres, la meditación, la introspección... ¡La duda! son ideas que le acompañan en su carrera y que siguen presentes en este esperado lanzamiento. “Cuando hago música el tiempo se para, nada más me preocupa y soy feliz”: un mantra que muchos quisieran hacer propio. —aida l. rosell\nEstrogenuinas La chirla manda FOTO: ARCHIVO\nese a su juventud, apenas tienen veintiún años, este dúo compostelano ha firmado con su debut, Promesas, uno de los trabajos más interesantes en lo que llevamos de temporada. Diez canciones seductoras y pseudo-psicodélicas que evocan a esas tardes de verano en interiores donde la nostalgia y el deseo se (con)funden. Sus autores, Manu Blanco (guitarra y voz) y Xoán Domínguez (baterías y coros) se trasladaron a Madrid desde su ciudad natal hace aproximadamente tres años: “Vinimos a continuar nuestros estudios, pero también porque teníamos interés en seguir creciendo como músicos”. En este tiempo han tenido oportunidad de colaborar con artistas de la escena como Mow, Sen Senra, Baiuca, Marem Ladson… “Es bueno tocar con gente distinta porque te ayuda a ver las cosas desde otro ángulo. Pero Blanco Palamera es un proyecto que hemos gestado nosotros dos solos. Teníamos muy claro lo que queríamos hacer”. El año pasado publicaron Tu\nAcaban de publicar Villabecario, adelanto de su próximo EP. Para presentarlo se embarcan en una gira de Artistas En Ruta que lleva por nombre ¡Ahí, Eh! Tour.\nbanderadas del sonido chirll-out, abreviatura para decir que como grupo se limitan a hacer aquello que les apetece y les sale de la chirla en cada momento, el trío salmantino prepara nuevo material para después de verano del que lanzan un primer adelanto, Villabecario, una queja sobre la precariedad laboral juvenil y la figura del “eterno becario”. En el tema, el tono humorístico que siempre caracteriza sus composiciones no está reñido en absoluto con la parte más reivindicativa. “Ahora se puede hacer crítica a través de cualquier sonido. Desde el trap hasta el reggaetón combativo y feminista, o incluso desde el indie festivalero”, comentan Ángela (voz y guitarra) y Carolina (coros y bajo). “El punk es lo que más nos gusta desde que empezamos a escuchar música, así que siempre será nuestra esencia y la forma, aunque después el contenido varíe. Poder cambiar de registro cuando a ti te dé la gana es una de las mayores virtudes de la composición”. También tienen palabras para la tendencia de programar bandas con integrantes femeninas en festivales por el mero hecho de cubrir una cuota. “No queremos que nuestro paso por este tipo de eventos sea como una palmadita en la espalda, sino que nos programen porque crean que nuestra música puede hacer que el público se lo pase bien. Que te juzguen o valoren, pero por tu música, por la originalidad de tu banda y no por ser una tía, porque la guitarra no se toca con el coño”.\n—sofía cuevas gonzález\nen concierto l Vigo 24 de mayo. Fábrica de Chocolate r l A Coruña 25 de mayo. Mardi Gras\nmayo 2019 #27\nTAN. cerca RROtro Arenal Sound, otro sold out. Quedan entradas de día, eso sí, para unirse a la marea humana que llenará Borriana (Castelló) del 30 de julio al 4 de agosto para ver a Farruko, Martin Garrix, Thirty Seconds To Mars, Vetusta Morla o Anitta. www.arenalsound.com\nRREl Resurrection Fest Estrella Galicia ya solo tiene disponibles las entradas de día tras agotar los abonos con más de cuatro meses de antelación. Este año acoge la vuelta de Slipknot, la despedida de Slayer o el primer show con producción completa de Parkway Drive en España. www.resurrectionfest.es. RRLas bandas más en forma del panorama nacional se dan cita en el Santander Music. Carolina Durante, Morgan, Zahara, La Plata, ToteKing, Second… Será del 1 al 3 de agosto en la capital cántabra. www.santandermusic.es RREl Low de Benidorm no baja revoluciones y vuelve del 26 al 28 de julio con un cartel coronado por New Order, Foals y Bastille, pero en su letra mediana y pequeña hay un abanico amplísimo dentro del universo pop. www.lowfestival.es RREl VIDA (4, 5 y 6 de julio, Vilanova i la Geltrú) mantiene su sello propio en un cartel que combina nombres consolidados y emergentes. Lo encabezan Hot Chip, José González, Sharon Van Etten, Beirut, Madness y The Charlatans. www.vidafestival.com RRCruïlla Barcelona, del 3 al 6 de julio en Parc del Fòrum, apuesta un año más por la diversidad y suma nuevos nombres: Parov Stelar, Jorge Drexler, Marcelo D2, Oumou Sangaré, ELYELLA o Els Pets. www.cruillabarcelona.com RREl festival Punk In Drublic, organizado por Fat Mike, llega este mes a Madrid (14 mayo, WiZink), Barcelona (17 mayo, Poble Espanyol) y Vitoria-Gasteiz (18 mayo, Iradier Arena). Participan NoFx, Bad Religion, Lagwagon, Less Thank Jake y otros. —MS\ndo uno “Para vivir en este muniones tiene que hacer conces en algún grado”\nRRRaíz y modernidad son los dos polos entre los que se mueve el Terral de Málaga (del 22 de junio al 7 de agosto) y que presenta nombres como Rufus Wainwright, The Chieftains, Paquito D’Rivera, Ute Lemper o Michel Camilo con Tomatito. www.teatrocervantes.com\nEnric Montefusco Batalla final El que fuera cantante de Standstill acaba de publicar su segundo disco en solitario, Diagonal (El Segell/Universal, 19). Ahondado en el camino sonoro emprendido tres años atrás con Meridiana (16), el músico barcelonés nos ofrece una nueva colección de canciones marcadas por su fuerte mensaje político.\nestatus. Imperativos que nos lanzan a una vida en realidad muy loca, llena de grandes sacrificios y contradicciones de los que creo que no somos ni siquiera conscientes. Pasa en todos los campos y profesiones, y también en el mundo de la música, y de una forma muy cruda, casi grotesca”. En este entorno social dominado por las leyes del liberalismo y el capitalismo que condicionan nuestro movimientos y decisiones, Enric Montefusco afirma no haber tenido que renunciar a sus principios para poder prosperar en ese a veces feroz y esperpéntico mundo de la música. Más bien todo lo contrario, sus ideales han sido un impedimento para no llegar más lejos. “Evidentemente para vivir en este mundo uno tiene que hacer concesiones en algún grado, pero por suerte en mi caso lo importante creo que está intacto. Lucho a diario para que sea así. Pero no es nada fácil ni gratis porque como dice la canción Diagonal, y perdón por la autocita, ellos quieren ‘carnaza, todo mi tiempo, mi cordura y mi integridad’”. Enric Montefusco ha dado vida a un álbum que prosigue con esa evolución musical emprendida con su primer disco en solitario que le está acercando a una forma de canción de autor en convivencia con músicas y folklore tradicionales, pero esta vez siendo más detallista en los arreglos y más rico en matices. “Puede ser. No lo sé. A mí me parece un disco más directo, pero aún no tengo suficiente distancia y perspectiva”. Del puro entretenimiento a la concienciación, ante las diferentes funciones que puede ejercer la música en el receptor, Diagonal sí que es un disco que plantea un reto intelectual al oyente. “No busco el reto en sí”, matiza Montefusco. “En las letras supongo que es así en la medida en que mis canciones hacen preguntas más que dan respuestas. Con la música, imagino que el hecho de buscar un lenguaje propio y adecuado para cada disco supone un ejercicio para el oyente, que cada vez ha de recolocarse y encontrar su relación con él”. —oriol rodríguez\nnric Montefusco no deja ningún detalle al azar y menos aparecer en la portada de su nuevo disco, Diagonal, ataviado de monarca. Explica el que fuera el cantante y oráculo creativo de Standstill que, siendo su segunda referencia en solitario su disco más explícitamente político, para él era importante dar a entender que esta lucha que se ha propuesto librar no es solo contra los poderes fácticos, el statu quo y la autoridad, sino también contra él mismo. De ahí su primer plano real. “Debemos librarnos de todas las semillas que estos poderes fácticos han dejado en nosotros y que nos distraen y corrompen de nuestra verdadera necesidad y naturaleza. Esa es la batalla importante y la única que contará al final. Creo que el disco, en última instancia, habla de esa lucha interna. Y creo que la portada y sobre todo el videoclip de Quien abre camino lo sugieren bastante bien”. Si Meridiana, nombre tomado de una de las principales arterias de Barcelona, era un disco en el que Enric Montefusco nos descubría sus orígenes y el contexto social y político en el que creció, Diagonal, otra de las principales vías de la capital catalana (mucho más vinculada a los barrios altos y centros de poder en contraposición al carácter obrero y popular de la primera), vendría a ser, l Málaga 9 de mayo. CCMVA en palabras del cantante barcelonés, l Barcelona 16 de mayo. Apolo el sitio donde se nos arroja cuando l Valencia 18 de mayo. La Mutant queremos encontrar nuestro lugar l Madrid 25 de mayo. Tomavistas y prosperar en la vida. “En ese senl Palencia 9 de junio. Palencia Sonora tido, el título del disco tiene que ver l Lugo 19 de julio. Ribeira Sacra con el poder, el dinero, la imagen, el\nmayo 2019 #29\nThe Get Up Kids FOTO: ARCHIVO\n“Peter Katis tiene ese algo especial que mejora lo que tú haces” Barcelona (16 mayo, Razzmatazz 2) Madrid (18 mayo, Sala Independance)\nVillarrobledo (Viña Rock, 2 mayo) Cáceres (Extremúsika, 3 mayo) Gijón (Gijón Motoweekend, 7 junio) Calahorra (Kalagurrirock, 8 junio)Juneda (Kalikenyo Rock, 15 junio) Onda (Artesano Rock, 22 junio) Gata de Gorgos (Nit de Rock, 29 junio) El Bonillo (Alterna Festival, 12 julio) Gandía (Pirata Rock Festival, 20 julio) Muros (Castelo Rock, 26 julio) Adra (Juerga’s Rock, 2 agosto) Candeleda (Shikillo Festival, 3 agosto) Vilaxoán (Revenidas Festival, 9 agosto) El Vendrell (Festiuet, 10 agosto) Béjar (Abejarock, 17 agosto) Londres (Rock Sin Subtítulos, 25 octubre) Madrid (La Riviera, 22 noviembre)\nr Más en www.mondosonoro.com #mondosonoro/agenda\n#30 mayo 2019\nLa banda asturiana no deja de llenar salas a lo largo y ancho del país. Andan todavía metidos en la gira de presentación de Antártida (El Garaje, 18), con lo que aprovechamos para charlar con ellos al respecto.\nerios y centrados, los hermanos Martínez (Pablo guitarra y voz y Pepo voz solista) se sientan frente a mí. Son el alma de un combo que ha reescrito a su manera el manido término punk en este país. Y a tenor de crítica y público, lo han hecho bien. Con cinco discos y partidarios declarados del formato largo, esta vez se han decantado por un EP. “Queríamos hacer una grabación en directo, hacía ya un par de discos que estábamos barajando la posibilidad de ir a un estudio y grabar todo como tocamos en directo. A la hora de ponernos a componer este nos dimos cuenta de que nos pilló un poco el toro. Llevábamos todo perfecto para cinco canciones, así que las grabamos. Fue simplemente por un tema de tiempo”. En cuanto a lo de grabar en directo, la banda ya quería hacerlo con La teoría del fuego (16). “En aquel momento todos teníamos nuestros trabajos y, tanto por falta de tiempo como de medios, no se pudo hacer. Al final hicimos un documental y otro tipo de trabajo audiovisual, pero la idea previa era que se hubiera grabado en directo y con el vídeo acompañándolo. Al no poder, se nos quedó una espina clavada y nos la hemos sacado con Antartida, que fija un punto de inflexión en la evolución de la banda. Con él estamos definiendo un poco el estilo que vamos a desarrollar. Estamos abandonando ciertos espacios en los que estábamos más cómodos y arriesgando un poco más en cuanto a la composición”. La palabra “conceptual” aparece casi sin querer con esa idea del continente helado que arriba está en calma, y por debajo acumula volcanes. “Sí, es conceptual. No hay nada en contra de que lo sea. Siempre intentamos que tuviese ese hilo conductor con las referencias gélidas como metáfora de la sociedad en que vivimos, el rompehielos, los icebergs... Queríamos que llevara un poco todo una línea en las letras, e incluso estéticamente en la decoración del estudio”. Con todo ello, Desakato llegan a una etapa de estabilidad con una gira de presentación que les ha llevado por primera vez a América y a una larga lista de fechas con tickets agotados”. —paco jiménez\nFueron uno de los grupos icónicos en el despertar del emo gracias a discos como el monumental Something to Write Home About (Vagrant, 99). Veinte años después, y ocho tras su anterior disco, The Get Up Kids retoman su carrera con Problems (Big Scary Monsters, 19), un álbum de sabor más clásico, que la banda de Matt Pryor, líder del grupo (y nuestro interlocutor en esta entrevista), presentará en nuestro país.\nillo a Matt Pryor, cantante, guitarrista y eje rotor de The Get Up Kids, en su ciudad, Lawrence, en Kansas. Está en la calle, paseando a su perro. “Hace un día espectacular aquí, apetecía salir. Por el resto, que sepas que soy eso que ahora se dice multitasking: puedo hacer dos cosas a la vez, como pasear a mi perro y contestar tu entrevista”, bromea. Pues vamos allá. Banda referencial del emo, ahora han certificado su retorno con la publicación de Problems. “Cuando salió nuestro anterior disco nos embarcamos en una gira mundial que nos tuvo ocupados dos años”, comenta Pryor. “Cuando la acabamos decidimos tomarnos un descanso. Jim (Suptic, guitarra) regresó a la Universidad para acabar sus estudios y licenciarse. Ryan (Pope, batería) se instaló en París durante un par de años. Rob (Pope, bajista) estuvo tocando durante mucho tiempo con Spoon. Y Ja-\nmes (Dewees, teclista) salió de gira con My Chemical Romance”. Matt dedicó todo este tiempo a firmar varios discos en solitario con los que salió un par de veces de gira. “Y he cuidado del jardín de casa y he criado a mi hijo”. Matt Pryor me asegura que no exagera cuando afirma que de todos sus discos con The Get Up Kids, Problems es en el que ha habido más buen rollo entre ellos durante la grabación. “Creo que, más o menos, todos habíamos pasado página y estábamos en las mismas coordenadas vitales y creativas. Todos nosotros nos creíamos lo que estábamos escribiendo y grabando. Sin olvidarnos del trabajo de Peter Katis”. Con una nómina de clientes que incluye a nombres como The National, Sharon Van Etten, Kurt Vile o Japandroids, Peter Katis ha rubricado la producción del nuevo elepé de los norteamericanos. “No es porque sea amigo nuestro desde hace más de veinte años, pero es un jodido genio. Es un tipo que tiene ese algo especial que mejora lo que tú haces”. Si se le pregunta a Matt Pryor por los problemas que dan título al álbum, te responde que nada especial, que son los mismos que tiene todo el mundo. “No hay ningún concepto tras el disco, ni el título, ni la portada... pero sí que hay una idea que sobrevuela sobre casi todos los temas. Hemos intentado hacer las canciones desde la perspectiva de lo que somos ahora y no desde la visión de lo que fuimos veinte años atrás”.\n“Lo primordial es lanzar un mensaje y que llegue lo más lejos posible”\nTras más de cinco décadas de soul, Lee Fields continúa levantando bien alto la bandera del género y paseándola por los escenarios de todo el mundo. Ahora vuelve a España para presentar It Rains Love (Big Crown Records/ Popstock!, 19).\nVillarobledo (2 mayo, Viña Rock) Barcelona (15 mayo, Apolo) Granada (1 junio, Bull Festival) Valladolid (26 junio, Conexión Valladolid) Sant Joan de les Abadesses (29 junio, Clownia Festival) Valencia (11 julio, Jardines de Viveros) Montblanc (18 a 20 julio, Acampada Jove) El Vendrell (27 julio, Espacio Botafoc) Estepona (2 agosto, Los Alamos Beach) Cádiz (10 agosto, Brota Música) Villena (15 agosto, Rabolagartija Festival) Benicàssim (18 a 22 agosto, Rototom Sunsplash) Gandía (11 octubre, Festival Festardor)\nA día de hoy, Green Valley son la banda más importante del reggae español. Ahora inician la gira de presentación de su sexto larga duración, Bajo la piel (Mundo Zurdo, 19), una obra que les llevará de nuevamente por toda España y buena parte del extranjero. Charlamos con su líder, Ander Valverde, sobre todo ello.\najo la piel está muy trabajado. ¿Había una idea clara del camino que queríais seguir? ¿Es casualidad que haya varias canciones que suenen muy acústicas? Han sido tres años de dedicación. Lo único que teníamos claro desde el principio era que, por encima de todo, no queríamos perder la esencia de la maqueta, una maqueta de casi veinte canciones a guitarra y voz con una magia especial. Fuimos regrabando en acústico e intentando adaptar las canciones a la banda al completo, pero hubo varias de ellas que se resistieron y se han quedado en acústico por ese motivo, por mantener la esencia. —¿Quién se ha encargado de la producción? Musicalmente hay bastante más que reggae y dancehall... Este disco se diferencia de los anteriores en que lo he compuesto íntegramente yo y, para la producción, he trabajado mano a mano con Genís Trani. Es el segundo disco que hacemos juntos y, por supuesto, su labor es muy importante para mí. Lo tiene clarísimo, el lenguaje, el sonido y ya sabe lo que me gusta y lo que no. —Diría que estáis en un gran momento creativo, además desde que editasteis\nAhora (12) todo ha ido creciendo. De momento nunca hemos tenido problemas de creatividad. En tus manos, nuestro primer disco de estudio, salió en 2010, y en estos nueve años hemos sacado seis discos y un montón de singles y colaboraciones, puede ser que cada vez seamos un pelín más exigentes, pero disfrutamos mucho haciendo música. Hay gente que juega a la Playstation, mientras que, para mí, un micrófono, una guitarra y un ordenador son la mejor de las videoconsolas (risas). —Este es vuestro sexto disco y ya habéis pasado por discos que líricamente tenían un marcado cariz social, otros con temas más relacionados con la naturaleza y el último sobre el día a día, hablaba de temas más personales e íntimos. ¿Hacía donde mira Bajo la piel? Cada disco es un nuevo capítulo de nuestra vida, un nuevo capítulo de la mía. Depende de lo que sienta, viva o sufra en cada momento me inspiran unos colores u otros. Para este disco la inspiración ha llegado muy marcada por el embarazo de mi mujer y el nacimiento de mi hijo. Bajo la piel refleja esa sensibilidad, aunque también hay momentos para la denuncia social, porque desgraciadamente razones nunca nos faltan para eso. —¿Qué importancia le das a las letras en relación a la música? Es difícil poner números, pero un setenta y cinco/veinticinco por ciento fácilmente. Nosotros no nos sentimos cómodos haciendo canciones que no dicen nada, no se nos da bien. Para nosotros lo primordial es lanzar un mensaje y que llegue lo más lejos posible. —miguel amorós\nMadrid (16 mayo, Sound Isidro, Joy Eslava) Barcelona (17 mayo, La  de Apolo)\nos queda Lee Fields. Al menos, nos queda él. De aquel triunvirato de veteranos cantantes de soul que integraban Sharon Jones, Charles Bradley y él mismo, solo nos queda Fields. “Decir que los extraño es un eufemismo. Cuando ellos estaban era un hombre completo, ahora no. Intento compartir el amor que nos teníamos con todos los demás”. A pesar de eso, el músico asegura no temer a la muerte. “¿Para qué? Sería una pérdida de tiempo. No me preocupo de las cosas que no puedo controlar, solo lo hago con aquellas que dependen de mí”. Lo que sí puede controlar es su carrera, y esta llega con It Rains Love a su quinto trabajo, el segundo con Big Crown Records. “Es un disco que trata esencialmente del amor, la única manera de sobrevivir en este planeta. Por eso la mayoría de canciones hablan sobre ello, o sobre Dios y lo que sucede hoy en día en el mundo”. Más allá de ese tema, que sobrevuela todo el disco, le planteamos a Fields tres más. El primero de ellos, el autoanálisis. “Cuando hablo del amor me refiero a todo su espectro. Eso está dentro de cada uno. Me refiero a lo que pasa cuan-\ndo ves a un niño dar sus primeros pasos, por ejemplo. Pero hay muchas cosas del amor que sobrepasan a las personas. Hay cosas que podemos hacer ahora para que las generaciones futuras tengan un mundo mejor”. ¿Dios y la Biblia? “Cada persona y criatura está conectada a Dios. Creo que Dios es todo en todo. En lo que respecta a mi relación con Dios, es la misma que la de cualquier otra criatura. Lo que hago es tratar de imaginarlo suficientemente como para poder comprender mejor este fenómeno”. Y finalmente, y por sorpresa, la política, reflejada en una canción como Wake Up. “En Wake Up, realmente no estoy hablando de política. De lo que estoy hablando es de la verdad. Lo mínimo que merecemos aquí es saber la verdad. Espero que este álbum motive a la gente para exigir que merecemos la verdad. Nada funciona correctamente sin la verdad. Si un automóvil automático tiene partes falsas, no funcionará. Quiero inspirar a la gente a vivir sus vidas de la forma más significativa posible. Hacer cosas positivas en sus vidas. Quiero hacer discos para inspirar y de los que esté orgulloso”. Trabajos que se unen a aquellos que trajo el revival del soul, de principios de siglo y sobre el que no podemos evitar preguntarle. “Es genial, pero cuando la gente usa el término revival se equivocan porque el soul nunca desapareció. El hecho es que las emisoras de radio se organizaron a finales de los años setenta y ochenta y los DJ no podían poner lo que querían: tenían que pinchar lo que se les ordenaba. Pero la música soul siempre ha estado aquí”. —eduardo izquierdo\nFOTO: CRISTOPHE MARTIN CHABADA\nmayo 2019 #31\nmás gastos / gehi gastuak\n14 15 VIERNES\nmás gastos / gehi\nmás másgasto gastoss//gehi gehigastu gastuak ak\nLuis Albert Segura Amenaza tormenta Hook/Sony\nNo Geography Astralwerks/ Universal\nFOTO: ANTHONY GHNASSIA\nEl rap introspectivo de PNL PNL\nDeux Frères QLF/Believe\nRAP / La jungla ha sido una metáfora recu-\nrrente para PNL en sus anteriores discos, motivada no solo por su imaginario habitual en el rap sino por su jungla específica: la banlieue de Les Tarterêts, a la que muchos allí se refieren como “el zoo”. Pero Deux Frères, su cuarto álbum, pasa de la jungla al desierto. Aún más introspección, aún más soledad, aún más extinguido el sentimiento de pertenencia a algún lugar. “J’suis ni d’chez moi ni d’chez vous” (no soy de mi casa ni de la tuya), canta Ademo al arrancar el disco. Deux Frères encierra un recrudecimiento de sus ejes temáticos y de su narrativa habitual, que, trazada de forma superficial, puede parecer la misma que la de la mayoría de sus competidores: bloques fríos, tráfico de drogas y billetes sucios. Pero es solo eso, la superficie. PNL hablan de lo que hay más allá. De la parte menos glamurosa de esa historia. No solo sin romanticismo ni glorificación, sino de una forma amarga y depresiva. Hablan, sobre todo, de la soledad y de la desconexión provocada por una vida que retratan sin orgullo y con toda la crudeza posible. Prueba de ello son versos como los de Au DD, cuyo título hace referencia a la\nventa (Au dé-dé, Au détail, al por menor): “J’la passe, la détaille, la pé-cou, la vi-sser, des regrets d’vant ton bébé” (Lo paso, lo vendo, lo corto, lo sirvo, arrepentimientos delante de tu bebé). Poco después, en el mismo tema, cantan “Inch’Allah, Inch’Allah, Inch’Allah, que Dieu nous pardonne pour nos crasses, pour notre manque de compréhension envers l’Homme et sa putain d’race” (Inch’Allah, Inch’Allah, Inch’Allah, que Dios nos perdone por nuestros trucos sucios, por nuestra falta de comprensión hacia el hombre y su puta raza). Musicalmente el disco sigue abrazando la fórmula PNL, centrada en el cloud rap y los tempos lentos marca de la casa. Sí es cierto que la guitarra cobra más presencia y que hay incursiones fuera de esa línea general. Véase el funk de 91’s, puro Miami ochentas, o los toques de raï argelino que aparecen en temas como Hasta la vista, otra de las pocas piezas bailables del disco. Si el pecado de todos los álbumes anteriores de PNL era su segunda mitad, donde solían bajar el listón, Deux Frères es el primero que consigue salir indemne. Es la culminación de un largo camino comenzado en 2008 que ha hecho de PNL el mayor fenómeno del rap europeo en mucho tiempo. De la jungla al desierto. De Les Tarterêts a lo alto de la Torre Eiffel. La única duda ahora es si su techo está en esa torre, y si las fronteras de Francia serán también las suyas. Si no las cruzan con Deux Frères, no las cruzarán nunca.\n—darío garcía coto\nELECTRÓNICA / No Geogra-\nphy es un disco que juega al despiste, con un arranque más que digno que recupera la energía de los inicios, arrancando con un fabuloso Eve Of Destruction de clara influencia house y funk. Sin tiempo para el descanso y enlazado con el anterior tema arranca un Bango con un bajo gomoso acompañado por una percusión selvática y unos toques de electrónica más cercana a su sonido más clásico. Got To Keep On es una maravilla de música disco con vitaminas que puede que les acabe por reconciliar con sus fans de los inicios. Este tema marca el comienzo del declive y la cuesta abajo se comienza a notar con Gravity Drops que suena un poco más a los The Chemical Brothers de los últimos años; y así hasta el cierre con un Catch Me I’m Falling que un trabajo que poco a poco se va desinflando. —raúl linares\nPOP / Tras catorce años con\nsu anterior proyecto, la banda mallorquina L.A., Luis Albert se adentra en un universo sonoro mucho más intenso y personal en el que canta al amor y además en castellano. Entre sus cómplices para esta aventura encontramos a Miguel de Lucas de Rufus T. Firefly o al arreglista orquestal Sergio Llopis. Especial mención para la sección de vientos y cuerdas, pop orquestal que coquetea con el rock y una voz llena de falsetes. Segura sigue su esencia, pero llegando a lugares a los que no ha había viajado antes. Déjame entrar es una invitación a medio tiempo a acompañarle hacia La tierra giró, A las puertas o Nada de ti, uno de los temas más potentes, con unos violines absolutamente gloriosos. El disco se cierra de una forma magistral con la melodía al piano de Tu cara oculta.\nLa Distancia Subterfuge\nInside The Rose Infectious/ BMG\nPOP / Como ocurre con sus\npaisanos The Horrors, llevan más de una década protagonizando una de las travesías más insospechadas del pop británico reciente. Los hermanos Barnett, eso sí, cifran ahora su equilibrio entre el clasicismo vaporoso de Field Of Reeds (13) y el demoledor vigor rítmico de Hidden (10), delimitando un mapa de caminos que nunca son rectos en el que funden la clásica, el pop de tintes épicos, la electrónica minimalista y las cenefas industriales. El misterio se mantiene. La ensoñación que hace de ellos una banda única, también. Su discurso sigue siendo exigente pero no impenetrable. Son otra deliciosa excentricidad británica, difícil de ubicar en tiempo o lugar concreto. Lástima que en la recta final se destense un poco respecto al listón que ellos mismos se marcan.\n—carlos pérez de ziriza\nPOP / McEnroe es un grupo cuyos miembros viven cada uno en un punto distinto del país. Cuando se juntan para ensayar lo hacen en Azkorri, su casa. Aunque pasen varias semanas o meses entre ensayo y ensayo, justo por el hecho de reunirse en casa, parece que el tiempo no haya pasado. Tampoco parece que haya existido distancia alguna, y si no que se lo pregunten a estas nueve canciones de amor, que consiguen seguir la estela de ese magnífico Rugen las flores cuatro años después. De nuevo encontramos un disco coherente y cohesionado, muy completo a nivel instrumental y lírico, y con un magnífico trabajo del productor Raúl Pérez. Con la combinación exacta de melancolía, optimismo, costumbrismo, cariño y los coros de Jimena Lezón, que son una maravilla.\nmayo 2019 #33\nWhere Polly People Go To Read AWAL Recordings/ Popstock!\nBeth Gibbons y la música clásica 8\nHenryk Górecki: Symphony No. 3 (Symphony Of Sorrowful Songs) Domino/Music As Usual\n8 CLÁSICA / Mientras esperábamos un nuevo\ntrabajo de Portishead, y Geoff Barrow no paraba quieto con sus proyectos para Beak o sus bandas sonoras, Beth Gibbons estaba desaparecida tras su disco con Rustin’ Man, Out Of Season, publicado en un lejano 2002. Pocos podríamos imaginar que su nuevo trabajo discográfico recogería la actuación que la cantante de Portishead realizó el 29 de noviembre de 2014 en el National Opera Grand Theatre de Varsovia junto a la Polish National Radio Symphony Orchestra, dirigida por el mismísimo Krzystof Penderecki, interpretando la conocida Symphony No. 3 de Henryk Górecki, la Sinfonía de las Lamentaciones. Górecki (1933-2010) es un compositor polaco contemporáneo mundialmente admirado por esta partitura para orquesta y soprano escrita en 1976. Dividida en tres movimientos, destaca por\nEgowerk Saddle Creek\nROCK / Todd Fink y los suyos siguen, en su séptimo álbum (el que marca además el retorno a su sello de casi siempre, Saddle Creek), fieles a un sentido muy físico del pop electrónico. Marcial y jaranero. Vehemente y oscuro. Vitalista en lo sónico y sombrío en lo lírico. Pero esta vez es en los textos donde reside su mayor activo: reflejar la esquizofrenia de estos tiempos de redes sociales cada vez más podridas, haters irredentos, fake news y postureo enfermizo (Life’s A Joke). Lástima que haya tan pocos momentos de excitación en un disco meramente resultón, entre sarpullidos electro, algún apunte breakbeat (a estas alturas) y cold wave insidiosa. The Faint son hoy en día como una célula creativa criogenizada, abandonados a su propia deriva en medio del éter cibernético, estancados en un argumentario que no aporta gran cosa a todo lo que otros ya dijeron antes –en esa lid– hace más de tres décadas. O simplemente, hablando en plata, se les pasó el arroz. —carlos pérez de ziriza\n#34 mayo 2019\nsu extrema tristeza, ya que el segundo de ellos recoge las frases que una niña polaca escribió en una prisión de la Gestapo en Zakopane pidiendo que la Virgen María le ayudara. Este segundo movimiento lento de cuerdas es interrumpido por la voz de la niña Helena, la soprano que en esta ocasión interpreta Gibbons, con un tono a medio camino entre la fuerza cristalina y la ruptura por sufrimiento. El momento en el que aparece es sobrecogedor, y eso que el polaco\nMy Finest Work Yet Loma Vista/ Universal\npop / Digámoslo sin rodeos:\nAndrew Bird ha recobrado el pellizco de sus mejores obras. No hay nada particularmente rompedor en su decimoquinto álbum, tampoco la arrogancia de su título merece ser encajada sin su proverbial sentido del humor. Pero el hombre ha aparcado sus grabaciones instrumentales de los últimos tiempos para alzar la voz ante unos tiempos tan jodidos que demandan algo más que bonitos juegos florales. Su voz, cada vez más madura e imponente, un material compositivo notable, sin apenas fisuras, y la supervisión del británico Paul Butler han hecho el resto. Moviéndose entre una querencia casi soul (el lustre philly en Proxy War y Manifest; el groove de Bloodless) y el aliento folk de maravillas como Bellevue Bridge Club, se ha marcado un trabajo brillante que, además, es lo más directo que ha facturado en años. Escuchen Olympians, Cracking Codes o Fallorun. O mejor: no dejen de escuchar ni uno solo de sus diez cortes. —carlos pérez de ziriza\nno es su lengua materna, pero su convención es plena, dándole un énfasis de esperanza religiosa. El primer movimiento recoge un lamento que data del siglo XV, completamente desolador. El tercer movimiento es el más clásico de todos, reproduciendo una canción folclórica escrita en un antiguo dialecto del polaco. En definitiva, una obra para apreciar un tono completamente diferente de la voz de Gibbons alejada del pop espectral de Portishead. —manu gonzález\npop / El proyecto de Ti-\nmothy Showalter siempre ha dejado buenas sensaciones, y resulta complicado no comulgar (e incluso emocionarse) con esa mezcla de folk e indie-pop con clarísima inclinación a la épica y regusto psicodélico que trabaja con tanta soltura. Pero tras la inevitable y celebrada atracción inicial, suele suceder que todas las referencias de Strand Of Oaks se resienten con el paso de los minutos. Un efecto incómodo que tiene que ver con las preferencias del norteamericano al trabajar su misticismo ampliamente depurado, accesible y que, en ocasiones, también termina por resultar un poco excesivo. Por eso sus álbumes se tornan ligeramente irregulares y son tan capaces de albergar auténticas gemas como de presentar temas bastante más chirriantes y exagerados. Una tesitura que también aparece en esta nueva obra del autor, que deja un buen disco con clara mayoría de aciertos, pero que también patina cuando se pone pretencioso. —raúl julián\ncano sigue quemando etapas de la mejor forma posible. En dos años ha logrado dar el salto desde los circuitos de salas neoyorquinas más reducidos hasta convertirse en un peculiar fenómeno juvenil. Echando mano de la estética y el R&B más apegado a lo sensual de los ochenta, Dapperton ha creado una imagen actualizada de crooner veinteañero repleto de vitalidad. La dura prueba que siempre representa el primer elepé, más aún después del buen tipo mostrado en sus dos epés y diversos singles, no le ha pasado factura. En esta ocasión ha preferido aparcar en cierta medida el cálido y tímido ambiente lo-fi que desprendían sus primeras composiciones para lanzarse a por un lado mucho muy pasional, reflejado en la forma de llegar en ocasiones al corazón de la canción soul más desgarradora. Si a esto le unimos su talento innato para moverse a través de guitarras pop de aspecto desganado, entenderemos el fenómeno creado a su alrededor. —noé r. rivas Catz n Dogz\nFriendship Pets Recordings\nFuture Perfect, Present Tense Some Kinda Love/[PIAS]\nEraserland Dead Oceans/ Popstock!,\npop / Dos años después de Hit The Light (17), los londinenses Ten Fé vuelven con Future Perfect, Present Tense, un disco con un sonido más limpio y cuidado que el anterior. Ha sido un acierto haber trabajado con Luke Smith (Foals, Depeche Mode) y Craig Silvey (Arcade Fire, Florence & The Machine), pero quizás también tenemos que atribuir esta mejora del sonido a la ampliación del dúo inicial, formado por Ben Moorhouse y Leo Duncan, a quinteto. Future Perfect, Present Tense se aleja de la variedad de registros de Hit The Light, llevando los nuevos temas a un soft-rock melódico, a veces incluso demasiado soft. La apertura del disco con Won’t Happen es una buena elección para dar paso a piezas más relajadas e íntimas como Isn’t Ever A Day, Echo Park y Can’t Take You With Me. Distanciándose un poco de esa calma se encuentran canciones como Coasting y Here Again, con melodías contagiosas más ochentas.\npop / El músico norteameri-\nHOUSE / Cuatro años des-\npués de su ultimo larga duración, la pareja de productores formada por Ketiov y Voitek presenta este Friendship en el que remarcan esa larga amistad que les ha llevado desde su Polonia natal a las cabinas de discotecas de medio planeta. A lo largo de catorce temas se dedican a mostrar su pericia a la hora de componer pistas de electrónica soleada y positiva, a veces con poso melancólico a lo Moderat, como ese There en el que el cantante James Yuill hace de Apparat, pero con un punto más cercano al balearic house de Bonobo; jugada que repiten en Mind con la cantante Rosalie. endulzando un poco más el asunto. Tienen tiempo de mostrar pleitesía al maestro Larry Heard en un notable Questions, marcarse también un buen tema de house-pop en un Never Go Down con la colaboración de los grandes Who Made Who, e incluso de enseñar su lado más cachondo en temas destinados a la pista de baile como This Feel Real y Hedonic Treadmill. —raúl linares\nSOUL / Tras el goteo de desapariciones con el que el discurrir de la vida ha castigado al mundo del soul, que Lee Fields es uno de los últimos clásicos – por edad y estilo– que quedan en pie es una absoluta realidad. Reflejo de ese hecho, su nuevo disco reitera dicha condición pero elude, gracias al buen trabajo de su habitual colaborador Leon Michels, el estricto revivalismo. Eso significa que aunque embebido del sabor tradicional, su perfil cohabita con una escenificación actualizada, visible por ejemplo en el tema homónimo. Una faceta más descarnada (Blessed With The Best) aflorará con naturalidad en un contexto proclive al cálido romanticismo (You’re What’s Needed In My Life) como a la intensa declamación a lo James Brown de Wake Up. Cerrará el círculo de un álbum destinado a divulgar la trascendencia del amor recitando embriagado la frase Love Is The Answer, una verdad inmutable y universal, igual que la música de este genial cantante.\nPOP / A estas alturas, no deja de ser harto ridículo tener que reivindicar la trayectoria en solitario de Miqui Puig. Fiestas privadas bajo pestillo que Puig lustra de purpurina y canciones tan redondas como las de este De amor, barro y motocicletas, seguramente su trabajo más completo hasta la fecha. Y eso ya es mucho decir. No en vano, no se me ocurren dardos más envenenados contra la intransigencia social que Raros, tampoco piezas de pop tan infecciosas como Plum Cake. Del funk de alta costura la música disco licuada en perfume francés, Puig transforma gusto exquisito en trago largo de vitalidad otoñal. Pop en su máxima expresión, para el cual se ha decidido por lanzar cartas ganadoras como la magnética saudade de Chill Out y esa filigrana de pop latino que es El graduado. Sea cual sea la fórmula empleada, lo que nunca cambia es el surtidor de la inspiración: a rebosar para la ocasión.\nDaily Ritual HFMN\nHARDCORE/ Los barcelone-\nses Blowfuse miden muy bien los pasos cuando se trata de su carrera. Eso explica que este fabuloso Daily Ritual se hiciera esperar tanto. Querían dar lo mejor de ellos mismos para seguir avanzando y al final ha dado un salto enorme. Sus seguidores puede estar muy tranquilos. Siguen siendo los alumnos aventajados de RKL (So Long My Friends y sobre todo Change Your Mind), con una técnica endiablada y la puntería melódica de un francotirador en racha. Eso sí, en este trabajo grabado con Arnold Lanni (Finger Eleven, Simple Plan), los anteriormente conocidos como Godfarts, echan el resto y sacan a relucir influencias muy diversas en once canciones espectaculares y adictivas. Puro punk rock a piñón como Dreams, Angry John y Grand Golden Boy, entrelazados con otros de corte noventero como Bad Thoughts, Outta My Head y Hit The Ground, deudores del crossover de King’s X y Jane’s Addiction.\n1\tLe Parody\tPorvenir\n8\t9\t9\t8\t8,5\n2\tWeyes Blood\tTitanic Rising\n9\t9\t8\t8\t8,5\n3\tPNL\tDeux Frères\n7\t6\t9\t8\t7,25\n4\tKing Gizzard\t7\t7\t7\t8\t7,25 Fishing for Fishies 5\tKiko Veneno Sombrero roto\n7\t8\t7\t7\t7,25\n6\tBeth Gibbons Henryk Górecki: Symphony No. 3\n6\t7\t8\t7\t7\n7\tThe National\tI’m Easy to Find\n7\t7\t7\t7\t7\n8\tMarc Demarco\tHere Comes the Cowboy\n7\t7\t6\t7\t6,75\n9\tMcEnroe\tLa distancia\n6\t8\t6\t7\t6,75\n10\tAnni B Sweet\tUniverso por estrenar\n6\t7\t6\t7\t6,5\nDon Disturbios (DD), Luis J. Menéndez (LJM), Joan S. Luna (JSL), Darío Coto (DC)\nIt Rains Love Big Crown/ Popstock!\nDe amor, barro y motocicletas El Segell/ Universal\nStella Donnelly: dulzura y reivindicación\nInto Red [PIAS]\nBeware Of The Dogs Secretly Canadian/ Popstock!\n8 FOLK / Stella Donnelly debuta con una propuesta muy personal, un recorrido hacia su yo más íntimo. Beware Of The Dogs deviene una sinopsis impecable de todo lo que la rodea. La australiana se autoproclama orgullosamente como una shit-stirrer, o persona a la que le resulta placentero causar problemas o discordancia, un reflejo del talante de la joven nacida en Perth, capital del estado de Australia Occidental. A través de melodías alegres, en las cuales se esconden temas sólidos, nos deja una muestra de su mundo interior. Lo confirma el sencillo que ya pudimos escuchar en su anterior EP Trush Metal (18), Boys Will Be Boys es un canto contra la misoginia y el acoso sexual. Su música constituye un arma de doble filo: dulzura y reivindicación. Desde el comienzo del disco, el mensaje ya es potente. Old Man es feminismo en toda regla. La música se convierte en la mejor arma para protestar y dar rienda suelta a constatar lo que es vivir en una sociedad patriarcal y machista. “Los indicios me\ndicen que no tengo razón, no soy digna de la elección de tomar mis propias decisiones para mi cuerpo”. Así empieza Watching Telly. ¿Injusto, verdad? Tampoco se esconde de plasmar lo que está ocurriendo en su tierra natal: “No hay parlamento digno”, suelta en Beware Of The Dogs. Donnelly no tiene miedo, por eso no se calla. En U Owe Me confirma que sus anteriores jefes, de los que no tiene un buen recuerdo, no le intimidan. Trece temas perfilan este maravilloso debut en el que cada uno expone un nuevo relato. Donnelly nos sumerge en su personal folk\nimpregnado, eso sí, de nuevos matices. El sonido de la guitarra se mezcla con una voz especial, mientras que la verdad envuelve las letras de sus canciones aparentemente risueñas: el amor en Mosquito, el desamor en Allergies, la nostalgia en Lunch o la musicalidad de Bistro. Aunque no todo son acordes, sino que también experimenta con el sonido y las voces. Die es una muestra de ello. El inicio de Season’s Greetings y su desparpajo en Tricks tienen mucho enganche o canciones de apariencia minimalista como Face It, la pieza que cierra el disco. —maría martínez\nPOST-PUNK/ Sin descubrir\nnada nuevo, todo funciona en el segundo disco del cuarteto radicado en Malmö, Suecia, con americano y británico en sus filas. En Into Red se meten hasta el cuello en los parajes densos, obsesivos y tenebrosos que ya exploraron en su debut. Hay referencias a clásicos de la oscuridad como Sisters Of Mercy, pero también al sonido motorik y el psych pop. Las guitarras obsesivas de Anything Else les ponen en algún lugar indeterminado entre Echo & The Bunnymen y Cloud Nothings. En Paradiso se meten con éxito en terrenos más contundentes, en Limits hasta se atreven con algún sintetizador y en Suppose abren las ventanas para que entre un poco de aire y luz pop. Con canciones adictivas como More Than Ever, la desolada Fiction o Business Man, en la que patentan una especie de krautrock industrial, el álbum exprime con acierto las posibilidades del fecundo lenguaje post-punk. —jc peña mayo 2019 #35\npop / Los tres Moderat dejan el proyecto en barbecho y se dedican a revisar su estado de forma en solitario, y el de Apparat no podría ser técnicamente más imaginativo. Liberado de los grandes aspavientos tras haberlos vivido con los compañeros con los que ha cosechado más éxitos que en solitario, LP5 fluye calmo dividido en dos partes: la primera centrada en la rítmica electrónica y la guitarra; la segunda se apoya más en el piano y la solemnidad del chelo de Philipp Thimm. El tono general melancólico refiere al James Blake baladista, y aunque vaya a clasificarse este álbum como de electrónica, estas composiciones atmosféricas son esencialmente noventas, con sus crescendos épicos construidos sobre repeticiones y su intención de ser más una torre de canciones que canciones como una torre. Funciona por su esencia ambiental hasta la sorpresa final, In Gravitas, que nos empuja al final de la noche para dejarnos tirados con las esperanzas rotas. —jorge obón\nFever Mushroom Pillow\nte? Una madre le pregunta a su hijo: ‘¿Qué quieres ser de mayor?’ Y el niño responde: ‘Músico’. A lo que su madre le contesta: ‘Tienes que elegir’. Pues, fundamentalmente, esto es lo que han decidio hacer New Day con su música: sumergirla en el espíritu de Peter Pan para recuperar la versión más burbujeante y tersa del power pop. Parar el tiempo para dejar de cumplir años y hacer frente a la cotidianeidad de la vida adulta son dos de las patas temáticas que sostienen Fever: el segundo trabajo de la banda fundada por quien fuera uno de los motores principales de Dover, Amparo Llanos, junto a Samuel Titos y Jota Armijos. El álbum de diez temas, producido por Carlos Hernández, parece tener el propósito de entretener y de inyectar energía positiva. Dos cometidos que, bien gestionados, producen un bienestar más saludable que consumir compulsivamente frases de Mr. Wonderful y los libros de autoayuda. —maría ballesteros\nGrim Town Rough Trade/ Popstock!\nSolange: psicodelia y colaboraciones de lujo Solange\nWhen I Get Home Columbia Records\n8 souL / En 2016 Solange lograba firmar uno\nde los mejores discos del año con A Seat At The Table y, gracias a su intensa lucha, conseguía alcanzar el valor en la industria que se merecía. When I Get Home, su cuarto álbum, le ha servido para crear de una vez por todas un proyecto libre de presiones y completamente generado para el puro disfrute de la artista. ¿Quiere decir esto que ha perdido por el camino todo ese valor de crítica social que consiguió años atrás? No, lo que quiere decir es que en esta nueva entrega ha priorizado la sonoridad y lo estético por encima del mensaje. Su regreso a Houston, ciudad natal, es el desencadenante de todo. Nos construye imágenes inspiradas por sus recuerdos, muestra sus influencias y llena el álbum de referencias a los valores\n#36 mayo 2019\nde la comunidad en la que creció. Solange afirma que grabó prácticamente todos los temas del disco en una sola toma junto a John Key (batería y teclados) y John Kirby (sintetizadores). Buscando esa sensación de improvisación del jazz que define la esencia de la propuesta (My Skin My Logo). Es un disco de texturas, en el que el abuso de la repetición funciona como una especie de mantra. Y en el que Solange se apodera de los géneros musicales que mejor controla para moldearlos y trasladarlos a su mundo. Se vuelve más electrónica en la noventera Sound Of Rain, con Binz apuesta por el reggae y en Way To The Show remarca su pasión por el funk. Entre las colaboraciones de lujo cuenta con Tyler The Creator, Sampha, Panda Bear o Dev Hynes. Y, todo esto, bajo ese espíritu psicodélico que caracteriza tanto a Solange. En definitiva, con When I Get Home nos enfrentamos a un disco que aplaude la situación de Solange en el mercado actual. Cómo la estrella ha logrado crecer con libertad y su fascinante visión de futuro. —álex jerez\npop / Bajo el debut de Bridie\nMonds-Watson, más conocida como SOAK, allá por 2015, se escondía un intimista retrato de las confusas emociones que pueden llegar a atormentar a una adolescente. Cuatro años después, ya con veintidós años, la cantante irlandesa regresa con Grim Town, un disco que nace de la necesidad por sacar a la luz y enfrentarse a todo aquello. Este nuevo álbum funciona como un viaje a la aceptación, y es en el pop donde encuentra su mejor arma. Para ello, contó en la producción con Ant Whiting, quien le ayudó a crear un “carnaval de ruido”. En toda esta nueva sonoridad más amplia y luminosa, la cantante parece encontrarse muy cómoda, apenas echamos de menos a la melancólica SOAK de su debut. No obstante, como ya le pasaba en aquel trabajo, la gran cantidad de canciones hace que la escucha de este segundo álbum se vuelva larga e indiferente, y más cuando es en los primeros temas donde encontramos lo mejor.\n—guillermo chaparro terleira\nROCK / ¿Conocen ese chis-\nAMERICANA / Emprendió su\ncarrera en solitario con Firebird (17), un agradable ejercicio de Americana y folk alternativo, y solo dos años después el encantador Xavier Calvet publica el presente Crosswinds. Ha pasado de recorrerse todos los garitos del underground estatal con su banda de punk rock a compartir grandes escenario con Jack Johnson, Fleet Foxes y Amy McDonald. Su carrera ha dado un giro de ciento ochenta grados y ha tenido que tomar una decisión. De esto va un poco Crosswinds: acercarse a los cuarenta años y tener que escoger el camino a seguir. Una auténtica encrucijada vital. Un ejemplo es Get A Job, una pieza rebosante de ilusión (“Me levanto cada mañana amando lo que estoy haciendo ahora”). El disco, aunque depara sorpresas como la voz autotuneada de The Sunlight Brigade y las bases vaporosas de Fading In The Open, se mueve en las coordenadas de su debut y enamorará a los seguidores de Ryan Adams y The War On Drugs. Impecable de principio a fin. —luis benavides\nIncidental Music Melodic Records\npop / La historia de W.H.\nLung básicamente resulta ser la de una banda que no quería serlo. Sus orígenes se centran en un conjunto de amigos que se unieron para experimentar a través de unas habilidades musicales bastante limitadas, obteniendo unas canciones de lo más pegajosas entorno al synth pop setentero que bebe del espíritu glam más frenético. Al mostrar lo que tenían entre manos, todo el mundo quedó rápidamente prendado de su propuesta y les ofrecieron la oportunidad de tocar en directo, algo que en realidad nunca se habían planteado. A pesar de su reticencia inicial, fueron llamados para multitud de festivales en el Reino Unido, apresurándose para confeccionar las canciones de su elepé debut. Temas de lo más inmediato que esconden un nervio que en muchas ocasiones mira a la new wave más asociada al post punk, pero con un punto romántico y exhibicionista que hace que la comparación con artistas como Bryan Ferry no resulte descabellada. —noé r. rivas\nEl frenesí de King Gizzard... King Gizzard & The Lizard Wizard\nFishing For Fishies Flightless Records/[PIAS]\n8 ROCK / Tras un 2017 frenético durante el que\nel grupo australiano publicó hasta cinco elepés, existía la duda acerca de que la banda de Stu Mackenzie pudiese sorprendernos y ofrecernos nuevos giros. Sin embargo, esto vuelve a suceder con un disco muy dinámico, en el que reconocemos algún que otro tic presente a lo largo de su trayectoria pero que, sin lugar a dudas, refleja una marcada voluntad de alejarse del rock frenético y dotar a las canciones de un espíritu más blues. Estas nuevas composiciones suenan más calmadas pero con el entusiasmo y el punto de locura que les caracteriza, encontrando los momentos en los que poner toda la carne en el asador como sucede en la sintética Cyboogie. Al mismo tiempo, han sido capaces de domar sus guitarras, sin perder el efecto liberador de sus solos instrumentales como ocurre en Real’s Not Real. A esto tenemos que\nThe Wheel B-Core/La Agonia de Vivir\nHARDCORE MELÓDICO / Ju-\ngando con el título de su referencia podríamos afirmar que Weak no inventan la rueda con The Wheel. Y ni falta que hace. Los primeras ocho canciones de esta súper banda formada por miembros y exmiembros de Wild Animals, Ulises Lima y The Attack Of The Brain Eaters es un homenaje al hardcore melódico californiano de los noventas. Se nota que crecieron con las cintas de NOFX, Lagwagon y No Use For A Name a todo trapo en sus walkman y se saben el libro de estilo al dedillo. La experiencia juega a favor de este cuarteto afincado en Madrid. Esto se traduce en un buen hacer patente en todos los cortes (mi favorita es Nothing But Numbers, donde Sue es su particular Lori Meyers) y una apreciable madurez que carga las letras de inconformismo y denuncia social (I’m Lost, Double Standard). Ellos no son unos primerizos cualquiera y quizá por eso The Wheel no parece un disco de debut. Esta rueda funciona de maravilla.\nThe Approaching Roar Season Of Mist\nMETAL / Consensando lo\nmejor de sus dos álbumes precedentes (Nihl, de 2016 y Endinghent, de 2017), Altarage alcanzan un nuevo nivel de brutalidad con su tercera entrega. Los cuarenta y pocos minutos de The Approaching Roar son un alegato de lo que es, o debería ser, el death metal del siglo XXI: un muro de atmósferas impenetrables, disonancias aterradoras y una producción que, lejos de buscar el lucimiento técnico, convierte su repertorio en algo más que una experiencia auditiva. El cuarteto bilbaíno ofrece un viaje de ida y vuelta al abismo gracias a piezas tan consistentes como Knowledge, Hieroglyphic Certainty o Engineer. El único respiro, si se le puede llamar así, lo otorga el inicio drone de Urn o el tenso intermedio de Chaworos Sephelln. Desmarcados de las forzadas comparativas con Portal, Altarage han vuelto a demostrar porqué son una de las mejores propuestas extremas de la escena peninsular. —tomeu canyelles\nunirle una instrumentación que resulta de lo más medida, encontrando una expresión psicodélica con la que aportar la dosis de edulcorante precisa en los temas. Más detalles que llaman la atención a lo largo del disco llegan a través de la concepción y la búsqueda de un sonido boogie propio y reconocible, encontrándonos con un esfuerzo por reforzar sus ritmos de una forma bastante diferente a lo que estamos acostumbrados. Por ello Boogieman Sam lo\ntiene todo para convertirse en un canción con la que poder descender el Misisipi, atravesando diferentes etapas que van desde el virtuosismo guitarrero hasta los arreglos de vientos ligeros que terminan por impulsar el tema. Tampoco se queda corta Acarine a la hora de continuar por estos derroteros, solo que en esta ocasión son capaces de sacar su vena más progresiva llevándolo todo hacia terrenos más misteriosos. —noé r. rivas\nLo mejor de lo peor Honey Money\nGood At Falling Dirty Hit/Music As Usual\nBorn To Rot Bloodshot Records\nROCK / Nadie puede dudar ya a estas alturas que Laura Jane Grace ha venido al mundo para hacer lo que le da la gana, y para muestra llega este proyecto al margen de Against Me! en el que ha sentido la libertad de explorar sus múltiples influencias. Aunque en los primeros segundos de China Beach, tema que abre el álbum, ya advertimos su característica y airada voz, en Born To Rot encontramos muchísimo más. Coqueteos con el blues en Apocalypse Now o Manic Depression, y vibra power pop en Reality Bites y The Airplane Song. En todas permanece la lírica afilada y su capacidad de contar historias de manera incisiva y sin dejarse nada por decir, despachando catorce canciones tremendamente disfrutables, que se suceden de forma orgánica a través de los diferentes registros y revoluciones, y en los que no solo se desenvuelve como pez en el agua sino que se revindica como una artista tremendamente multifacética y, sobre todo, honesta. —sofía cuevas gonzález\nSALS-REGGAETÓN / Kaydy\nCain da cuerda al abanico de ritmos latinoamericanos de Calle Amor (17), ya de por sí amplio, y lejos de anclarse en el reggaetón firma un disco riquísimo en cuanto a influencias y géneros que, a veces, conviven incluso en la misma canción. Véase Mentiroso, una hibridación de salsa y reggaetón–con sample de Fela Kuti incluido– que se contagia desde los primeros acordes y que está entre los hits inapelables del disco. Tanto este como El otro y Algo como tú son temas de 24K. Y son muestras del enfoque con el que ha abordado este largo: Kaydy expande la variedad de registros, deja las concesiones justas a su cara más rapera y piensa en hacer mover el culo pero también los pies, en dar color a una escena que aún anda en pañales a la hora de absorber toda la riqueza de la música de baile latinoamericana. Hay algún traspiés doloroso, como Soy un G, pero en Lo mejor de lo peor hay mucha más dinamita que pólvora mojada. —darío garcía coto\npop / El primer álbum de The\nJapanese House es un gran viaje emocional a través de la vida de Amber Bain que consigue representar a la perfección a toda su generación. Con solo veintitrés años, la británica presume, si se puede decir así, de haber vivido todo tipo de experiencias traumáticas que han marcado su personalidad. De haber alcanzado una madurez, relativamente precoz, que ha aplicado a su crecimiento como artista. A grandes rasgos es un álbum intimista, frágil y lleno de frustración. Un gran proceso de auto-aceptación, a base de synthpop, en el que también se permite desmelenarse convirtiendo todas esas elegantes armonías de corte dreamy, que definen el Lp, en un pop más alegre y esperanzador con temas como You Seemed So Happy. Grabado en Fall Creek Studio (Bon Iver), este conjunto de reflexiones que surgieron en la habitación de su protagonista han terminado haciéndose grandes y firmando un debut que marca un antes y un después para Amber. —álex jerez mayo 2019 #37\nWhat’s It Like Over There? Prolifica/ [PIAS]\nUn nueva etapa para Juancho Marqués Juancho Marqués Uno\tAutoeditado\nrap / Los nuevos propósitos de Juancho Mar-\nqués: Cerrar una etapa y probar nuevas experiencias musicales. Ese era el objetivo que se había propuesto Juancho Marqués para 2019, y el camino para lograrlo ha sido un nuevo disco que rompe con lo hecho hasta ahora. Más analógico, con más instrumentos, más músicos, y todo lo que conlleva guardar en un cajón todas las metodologías del rap para crear un disco en el que el jazz y el pop recogen el testigo. Para ello se ha rodeado de instrumentistas de la talla de Vic Mirallas o Christian Delgado, quienes –sumados a sus incondicionales G. Fernández y George Kaplan– han recuperado el clásico concepto de rap con banda para este disco grabado\n#38 mayo 2019\nen el prestigioso Estudio Uno. Pero cambiar el vehículo no era lo único que anhelaba Juancho y, como buen conductor de su proyecto, el madrileño ha sabido adaptarse a las nuevas circunstancias añadiendo nuevos registros a su aportación verbal, tales como estribillos más melódicos, estructuras más complejas y tonos más arriesgados que demuestran el trabajo y la valentía que hay detrás de su nuevo álbum. Porque ya queda cada vez menos del estilo de Suite Soprano en Juancho Marqués, si acaso las colaboraciones con Sule B y Natos (aunque poco se parece a aquella Gadafi Soprano de 2013) y esos versos con los que el de Aranjuez consigue encogernos el corazón con excesiva frecuencia. Eso no ha cambiado. Marqués mantiene intacta su sensibilidad y su capacidad para transmitirnos sus emociones más personales, como demuestran canciones como Dime el lugar o Natural, y será más que probable que algunas frases de este Uno vuelvan a verse escritas en los pasos de cebra de su Madrid. —alfonso gil royo\npop / Circa Waves se ven-\nden al pop de masas en busca de un éxito que modifique la visión de la banda en el mercado. La formación de Liverpool cuelga las guitarras, se obsesiona por los teclados y borra cualquier indicio de crecimiento conseguido en discos pasados con esta nueva entrega. What’s It Like Over There? es un álbum que nubla por completo la identidad del grupo. Está cargado de melodías sobre-producidas y letras pobres. Es un intento de dar el salto al estrellato y competir con todas esas grandes figuras que han conseguido generar un fandom que les idolatra. Sin embargo, es evidente que todo esto ha jugado en su contra. Reflejan poco interés creativo, ya no queda rastro alguno del surf-pop que se respiraba en aquel debut que desprendía un futuro diferente. —álex jerez Housewives Twilight Splendour Cargo/ Popstock!\nELECTRÓNICA / Aburridos\nde las limitaciones de las guitarras, los británicos las vendieron para comprar equipo electrónico y componer a salto de mata este segundo y dislocado trabajo. Una distopía sonora cuyo eje es suponer que las emociones reales humanas han sido sustituidas por código. Con la radicalidad formal de Beneath The Glass, es inevitable pensar en el legado de The Pop Group o This Heat. Speak To Me y sus voces obsesivas nos sumergen en oscuridades de tensión y para-\nnoia. El minimalismo enfermizo de Dormi o Texu, con su pulso dub y samples de pesadilla, se acerca a la estética del Aphex Twin más arisco. SmttnKttns, saxo desquiciado y sorprendente autotune vocal es, quizá, lo más parecido a un single: el sonido de la alienación tecnológica con ecos de free jazz, pop deconstruido y dub. En las dos partes de Sublimate hacen buen uso de cajas de ritmos primitivas para llevarnos a un desolado páramo industrial. El desenlace con el órgano de iglesia es la epifanía perfecta de este extraño e hipnótico viaje. —jc peña Chai\nPunk Heavenly/ [PIAS]\npop / Las japonesas Chai\nhan encontrado la fórmula perfecta para que sus canciones pop aceleradas acaben por mostrar todo su potencial entorno a un espíritu feminista y la capacidad de reivindicar el individualismo como toda una gran virtud. A lo largo de este segundo elepé, el grupo es capaz de transitar a la perfección entre la cara más asociada al j-pop apegado a los ataques punk y la forma perfecta de redondear sus canciones moviéndose en la euforia. Todo ello nos conduce hacia temas tan perfectos como I’m Me, poniéndonos en la cabeza por momentos el ambiente de corte festivo de The Go! Team pero logrando que cada estrofa suena de una forma de lo más dulce gracias a unas voces de aspecto infantil. Tampoco se quedan atrás los momentos en los que deciden abrir la puerta a una cierta influencia disco, acentuando más que nunca la línea de bajo y encontrando la forma perfecta para conducirnos una vez más hacia estribillos explosivos como en Fashionista. —noé r. rivas\npop / El noveno álbum en solitario del ex Orange Juice tiene todo lo que un fan suyo debería esperar, pero además lo desvela con una diversidad muy saludable: su tradicional vivacidad northern soul (It’s All About You, Sparks The Spark), bonitas baladas (Beauty, It All Makes Sense To Me, Badbea), ese pop distinguido marca de la casa (I Guess We Were Young, I’m Ok Jack) y los churretones de electricidad distorsionada con los que colorea su fórmula, y que tienen su máxima expresión en la velvetiana (por cadencia y textura) e iggypopiana (por dicción) I Want You, y también en esa Outside que avanzó su contenido con una concisión a lo Wire y un final que parece deudor de Buzzcocks, como si el propio John Maher (antiguo batería de los mancunianos, y autor de la foto de portada de este álbum) le hubiera instigado a ello. Su sello permanece reconocible en cada corte, claro. Y que dure, dado el notable resultado.\nROCK / Tras un prometedor EP de presentación en 2018, Jason Butler regresa con el primer largo de su nuevo proyecto, acompañado por Stephen Harrison, ex guitarrista de The Chariot, y Aric Improta, batería en Night Verses. El trío no escatima en incluir registros de diferente procedencia y se mueven con soltura y continuidad por pasajes rock, hip-hop, post-hardcore, metal e incluso drum’n’bass, todo envuelto en una atmósfera engoriladora y de la escuela Rage Against The Machine que incita a salir a la calle a reinvidicarse y a gritar que queremos una vida mejor. Ecos de Linkin Park en los estribillos, Korn o Limp Bizkit en las partes rapeadas, y cuyos registros Butler defiende a la perfección, dando aún si cabe más contundencia a los mensajes de conciencia social y también a las melodías, con poderosos sing alongs y sus acrobacias vocales con las que con total seguridad convierta sus shows en espectáculos de descarga de frustración en directo.\nCows On Hourglass Pond Domino/Music As Usual\nPlastic Jail Autoeditado\nROCK / Paladines del rock\nde raíces norteamericanas, es curioso que la carrera de los gallegos The Soul Jacket apueste ahora por una asunción de cierto aroma británico que, ciertamente, da mucho respiro a sus canciones. No es que hayan dejado de sonar a ese southern soul o rhythm’n’blues tan yanqui, pero grupos como The Beatles o The Kins asoman la cabeza pidiendo en este Plastic Jail su dosis de protagonismo. Por eso, uno tiene la sensación tras la escucha de estas diez canciones que, si bien la banda ha vuelto a hacer un gran disco, lo han hecho además apostando por abrir nuevos horizontes en su música. No se han conformado con repetir una fórmula que, hasta el momento les había funcionado de maravilla, sino que han apostado por cierta dosis de riesgo (controlado, eso sí) y la cosa no podía haber salido mejor. Un nuevo paso de gigante para ser considerados una de las grandes bandas de rock patrio. —eduardo izquierdo\nFOTO: KATHRYN VETTER MILLER\nStrength In Numb333rs Roadrunner/ Warner\nBadbea AED Records/ Music As Usual\nELECTRÓNICA / El miembro de Animal Collective ha decidido apostar en esta ocasión por abandonar la senda más enigmática y ambiental de su anterior Eucalyptus (17), llegando el momento de ofrecernos pequeñas pinceladas que resumen muy bien lo mostrado hasta la fecha de su proyecto en solitario, a la par de intentar revolucionar su propuesta con influencias electrónicas no habituales. Este es el caso de la inicial What’s The Goodside?, una canción en la que la base resulta totalmente persistente alrededor de un ritmo techno que poco a poco se va esfumando. De este modo, el sonido orgánico asociado a elementos como las guitarras acústicas que tanto despuntaron en discos míticos como Sung Tongs (04), son capaces de integrarse con unos beats que destacan más que de costumbre. Así surgen canciones tan certeras como Saturdays (Again). Una nueva exhibición de innovación pero también de coherencia entorno a lo ya mostrado. —noé r. rivas\nEl barroquismo de Weyes Blood Weyes Blood\nTitanic Rising Sub Pop/Popstock!\n8 pop / Una vez más, la multiinstrumentista Nathalie Mering, más conocida como Weyes Blood, nos ofrece un gran trabajo, de digestión lenta y que requiere de múltiples escuchas. Merece la pena prestar atención a la carrera de una creadora que, sin hacer mucho ruido y con pasos firmes, lleva ya bastantes años firmando trabajos tan interesantes como complejos en una continua reinterpretación de parámetros puramente pop a través de una mirada cargada de personalidad y talento que la mantiene alejada de los tópicos. Cada vez más alejada del carácter experimental de sus primeros trabajos y dando un giro de tuerca al camino ya trazado en su anterior disco, el más que notable Front Row Seat To Earth (16), nos encontramos en este Titanic Rising con una Nathalie Mering definitivamente volcada en el pop orquestal, de composiciones clásicas y dramatismo lírico, con un pie en la grandilocuencia de Rufus Wainwright o The Divine Comedy y otro en la tradición puramente norteamericana de voces como Joan Baez, Carly Simon e incluso Carole King. Un tono añejo tardosetentero, de romanticismo crepuscular casi, a base\nde medios tiempos y complejas armonías vocales sobre estructuras que huyen de la inmediatez, marca el tono general del mejor y más completo disco facturado hasta la fecha por Weyes Blood. El preciosismo en los arreglos y la grandiosidad de los colchones de cuerdas que sobrevuelan todo el disco dotan de profundidad a un trabajo en el que todo juega al servicio de las voces, con una Mering en estado de gracia. Es impecable la interpretación vocal a lo largo de todo este Titanic Rising: desde la épica luminosa y explosiva de Everyday, el intimismo folk de Picture Me Better, las reminiscencias a The Carpenters o ABBA de Wild Time o Andromeda (dos de los mejores momentos del disco) hasta los momentos más experimentales, en los que sonoridades menos clásicas a base de sintetizadores e incluso sutiles bases electrónicas (Movies, por ejemplo, o Mirror Forever, en la que por momentos vienen a la mente de alguna forma extraña los mismísimos Low) dotan de oscuridad y frialdad a un conjunto de temas de una redondez exquisita.. Mering se desenvuelve con soltura en mil tesituras diferentes a lo largo de los más de cuarenta minutos de este Titanic Rising, en las que siempre surge en primer plano la belleza de su voz grave, profunda y tremendamente emocional, ya sea con desnudez y fragilidad acústica o envuelta en capas y capas de coros y armonías pomposas y casi barrocas.\nmayo 2019 #39\nHOT CHIP · JOSÉ GONZÁLEZ SLEAFORD MODS · FAT WHITE FAMILY · THE 2 BEARS EL MATO A UN POLICÍA MOTORIZADO · JULIA JACKLIN EL PETIT DE CAL ERIL · PAU VALLVÉ · ALONDRA BENTLEY · DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA CALA VENTO · INVISIBLE HARVEY · ARIES · RAMON CASTELLS · KIDS FROM MARS · ESPALDAMACETA BINAURAL DJ · JAZZ CAVA DJS · MACHINDA DJS · MIGHTY & PETITE MUTUAL FANS DJS · CULT OF ZANZIBAR\nBEIRUT · SHARON VAN ETTEN KEVIN MORBY SOLO SHOW · TODD TERJE DJ\n· TEMPLES· SUPERCHUNK\nMARLON WILLIAMS · DIDIRRI · WESTERMAN HIDROGENESSE · FONTAINES D.C. · JOAN COLOMO · MAVICA · YAWNERS LOUISE CHEN · EGOSEX · CARLA · HONOLULU ARNAU SABATÉ · BONNIE & CLYDE DJS · DISCOMMON · FAMÈLIC DJS GEORGE BEST CLUB DJ · MAADRAASSOO · MAD GIRLS DJS\nMADNESS· THE CHARLATANS POLO & PAN · GUS DAPPERTON · NACHO VEGAS · MEUTE CAROLINA DURANTE· STELLA DONNELLY· MOLLY BURCH FERRAN PALAU · MIQUI PUIG & ACP · CARIÑO · SOLEDAD VÉLEZ · BRONQUIO FINO OYONARTE · QUENTIN GAS & LOS ZÍNGAROS · EOTR DJS · ORTIGA · LAVA FIZZ · NYANDÚ ALEC SUN · BILBADINO · GERMÀ GRAN DJ · HIDDEN DJS · JOAN S.LUNA\nPIN&PON · TALI CARRETO\n41/Mondo Media ; “Soy internacionalista as creo que mis camarad ” están en todo el mundo\nBlack-hand Ironhead David López Astiberri\nSiempre hay que confiar en David López, sobre todo porque por sus manos han pasado algunos de los grandes personajes de Marvel. Pero sobre todo hay que confiar en Panel Syndicate. Astiberri recupera en papel su Blackhand Ironhead, un cómic ameno y fresco en el que la misteriosa trama acaba por ocupar un segundo plano frente a la relación entre las dos protagonistas. —ernesto bruno La muerte rosa\nJaume Pallardó Segarra Che Books\n7 Novela gráfica en dos partes (Dentro del traje y Desnudos), esta obra perfectamente narrada del valenciano Jaume Pallardó plantea cuestiones interesantes alrededor de un universo distópico en el que las personas han perdido los lazos humanos a cambio de preservar la salud. Así será hasta que al protagonista el amor y la libertad se le crucen por el camino. —joan s. luna\nB.S.O de las luchas Dave Randall ha recorrido medio mundo de gira con Faithless o Dido. Podría no haber salir del hotel, haber vivido para los bufés libres, pero se decantó por pisar la calle e interesarse por los movimientos políticos y las músicas que acompañan a estos. De ahí Sound system. El poder político de la música (Katakrak, 18).\nl libro huye del eurocentrismo y grita: ¡Las personas, las luchas, sus músicas, no sólo están en occidente No encontraba el libro sobre música y política que quería leer. La mayoría estaban centrados en la música inglesa, como mucho la americana. Y sobre ciertos géneros. Me parecía importante tener una perspectiva global sobre el tema. —¿Por qué esa idea? Es algo natural en mí. Vivo en una ciudad cosmopolita, Londres, en un barrio con mucha representación de diferentes culturas. Además, mi compañera, tiene familia en Trinidad. Por ello uno de los capítulos habla sobre\nel carnaval de allí. —Siendo británico, todavía se me hace más meritorio eso de que narres luchas fuera de Europa. Viniendo del monstruo cultural anglo... Mi acercamiento a otra gente es en solidaridad, soy internacionalista; creo que mis camaradas están en todo el mundo y rechazo la idea que todos tienen mis privilegios. Hay vida fuera de mi país. Y hay una influencia enorme, en todos lados, de las músicas que vienen de fuera de Europa, especialmente de las que vienen del continente africano. Y nadie parece darse cuenta. Ed Sheeran es un gran estudiante de la música que se asocia al black London y trabaja con productores nativos de afrobeat… Pero la estrella sigue siendo él, un blanco. Es una vergüenza que no sea un músico nigeriano el que esté cantando producciones propias de afrobeat. —¿Es positivo o negativo que grandes estrellas se pronuncien sobre ideas políticas de base? En el libro hablas del antirracismo de Beyoncé. La razón por la que Beyoncé hace un posicionamiento político público es porque los movimientos populares han creado una masa crítica que hace que incluso personas multimillonarias como ella vean la necesidad de referenciar sus ideas. Lo que hace\nla calle importa: las estrellas más notorias están influidas por ella. Eso da una oportunidad al activismo de llegar a otras audiencias. Está en la mano de estos movimientos utilizar los flashes en la cultura popular para reforzar sus luchas. —Este no es un ensayo al uso. Es digerible. ¿Querías que se leyera más allá de esos movimientos activistas que citas? No soy un académico. Intento que los argumentos sean robustos, eso sí. Pero era importante que el libro fuera leíble. Que fuera una herramienta para la actividad política. El texto es, en esencia, una llamada a la acción. —Has girado con Faithless o Dido. ¿Cómo te has sentido en según qué escenarios con esos artistas, teniendo en cuenta tu ideología? Mi actitud siempre ha sido la de llevar lo que he hecho hacia la izquierda: en televisión prefería que mis camisetas expresaran solidaridad con campañas políticas; en las pantallas de Faithless se ha leído ‘Love music, hate racism’; y decidí apoyar el boicot a Israel por la ocupación de Palestina. La mayoría de la banda estaba conmigo, pero el manager no. No acabamos bien. Hay momentos en los que pierdes amigos, pero debes hacerlo. Con el tiempo, ganas otros. —yeray s. iborra\nSound system. El poder político de la música Dave Randall Katakrak, 18\nmayo 2019 #41\nBlixa Bargeld Palabras que muerden\nLIBROS Pedro José Mariblanca Corrales Brumaria\nBlixa Bargeld ha vuelto a España para actuar en directo y para presentar la edición en castellano de su libro Europa. Una letanía (Hurtado y Ortega Editores, 19), una suerte de diario entre lo real y lo irreal.\nCada día resulta más complicado analizar los amplios movimientos musicales de Niño de Elche, pero ahora es más sencillo entender la ideología e intenciones que se esconden tras cada uno de sus pasos. El autor se acerca a describir su universo, con la ayuda de voces autorizadísimas en el niñodeelchismo como las de sus colaboradores y amigos Raúl Cantizano, Refree, Ricard Robles o Los Voluble. —joan s. luna\nesde muchos medios se ha dado a entender que este libro es una especie de diario de la gira que realizaste con Einstürzende Neubauten a lo largo de Europa en 2008. No, este libro no proviene de mis diarios. La gente no entiende que este libro es un pedazo de ficción, algunas cosas han ocurrido y otras no. Probablemente, le da más sentido que sean cosas que han sucedido, pero no en ese lugar ni en ese tiempo concreto. Es un pedazo de literatura. Es ficción. No debería cometerse el error de calificarlo como el diario de gira. La mayoría de la gente no lo entiende. No es un diario de gira. —Parte de la experiencia de Europa. Una letanía radica en la posibilidad de poder imaginar tu voz mientras uno está leyendo. La idea principal para sacar adelante este libro fue hacer una letanía. Hacer un texto vocal, algo que fuera incluso casi religioso, por la repetición de las mismas fórmulas, una y otra vez. Por eso es una letanía. Y sí, lo escribí con la idea de ser un texto que debe leerse en voz alta.\nSin miedo a ensuciarse.\nMemoria del hardcore en Asturias, 198X-201X\nMiguel Asturias Norte Sur Records\n8 Un relato coral, honesto y rico en anécdotas conducido por un testigo de excepción, Miguel Asturias de Intolerance, junto con Escuela de Odio los grandes abanderados del hardcore asturiano. Abarca de forma exhaustiva –que no pesada– las idas y venidas de la escena desde sus inicios en los ochenta, con la reconversión industrial como telón de fondo, hasta nuestros días. Necesario y vital. —darío garcía coto\ndencias “Todas estas ten e hacen populistas m iente sentir que la corr os al es arrastrarn desastre”\n—Este libro se publicó originalmente en 2008. Tu libro resuena como un aviso de la desintegración política, social y económica del viejo continente... No tenía ninguna intención de aportar una opinión de carácter político. Lo que sí es verdad es que el texto se impregnó de los diferentes viajes que realicé a lo largo de Europa durante aquel tiempo. También hay reminiscencias de algunas giras anteriores. Hay muchas visitas a museos. Pero no hay ninguna clase de declaración política. Un poco antes de empezar esta entrevista, estaba leyendo la mierda que pone en la prensa del día. Y lo que sí siento es toda la catástrofe que está sucediendo en Europa, todo de forma muy cercana. Hace poco he estado en Londres, quería ir a Londres y decirle adiós. No conozco Inglaterra especialmente, pero en Londres sí he hecho muchos discos, conciertos. Mi propio sello discográfico era británico. Conozco esta clase de Londres. Ahora, esto del Brexit me hace predecir que la música británica va a sufrir mucho en el futuro. Todas estas tendencias populistas me hacen sentir que la corriente es arrastrarnos al desastre. Yo mismo no me considero alemán en primer lugar, sino europeo. Toda mi vida adulta la he vivido en Europa. Las giras, en Europa. Lo primero de todo es que Einstürzende Neubauten es una banda alemana, pero siempre internacional. Mi sello era británico, los conciertos los dábamos por todas las zonas de Europa, lo cual me hacía sentir profundamente europeo.\n—Las formas narrativas siempre han estado muy presentes en los últimos discos de Einstürzende Neubauten. Como en Lament (14), por ejemplo. ¿Hasta qué punto este libro es una extensión de tu obra musical. ¿Te da más libertad a la hora de profundizar? Bueno, por esta razón planteé el libro como una letanía. Ahora mismo estoy en contacto con unos editores para escribir una autobiografía. Hace un par de años que acepté el contrato. Estoy íntimamente ligado a los libros. Toda mi mesa está repleta de libros. Los que más me atraen son los libros científicos. —Ya han pasado cinco años desde la publicación del último álbum de tu grupo. ¿Cuándo habrá novedades discográficas? Vamos a volver a trabajar en esta primavera. Lo que vamos a hacer son diez sesiones, a diez días cada una. En total, cien días. Vamos a grabar y filmarlo todo. Y a ofrecérselo a todos nuestros seguidores, que son los que hacen posible este disco a través del crowdfunding. —marcos gendre\nBlixa Bargeld Hurtado y Ortega Editores\nOtis Redding: Una vida inacabada Jonathan Gould Neo Sounds\nDe las casi setecientas páginas que componen esta biografía, cien están dedicadas a las notas a pie de página, bibliografía y una relación de las personas entrevistadas para preparar el libro. Un dato que revela la meticulosidad de Jonathan Gould (autor de Can’t Buy Me Love: The Beatles, Britain And America, 07) a la hora de desarrollar esta biografía que se convierte también en el retrato de una época. —luis j. menéndez #42 mayo 2019\nLIBROS Creadores de hits. Cómo triunfar en la era de la distracción Derek Thompson Capitán Swing\nEllas cantan, ellas hablan Toni Castarnado Sílex Ediciones\n8 Ciento una mujeres, de Patti Smith a Christina Rosenvinge, pasando por Rosalía o Rickie Lee Jones, protagonizan este enorme acopio de entrevistas que el periodista Toni Castarnado ha reunido a lo largo de veinte años (más de treinta inéditas). El resultado es un tapiz vivaz, que se lee con auténtica fruición, y arroja luz sobre la vida y obra de un puñado de mujeres cuya complejidad va más allá de cualquier consideración de género. —carlos pérez de ziriza No olvides las canciones que te salvaron la vida Carlos Pérez de Ziriza Efe Eme 8 Si hay algo que anida en todo texto hilvanado por el periodista Carlos Pérez de Ziriza es su voluntad por ofrecer una panorámica que abarque el plano social y la empatía del componente personal. El autor madrileño, afincado en Valencia, se ha superado con su libro más personal y ambicioso. Empujado por la necesidad de reflejar el cambio generacional de los años ochenta hasta hoy. —marcos gendre\nrma de “No existe una foca más expresión artísti usical” pura que la m\nNo, este no es un libro de autoayuda. Y si esperan cascarse un hit o petarlo en lo suyo al acabar de leerlo, pueden esperar sentados. Lo que se van a encontrar es un lúcido, entretenido e inspirador ensayo sobre aquello que se puede explicar, en este loco y perverso mundo de los algoritmos y tendencias, el éxito de personas, productos, obras de arte y demás activos de la cultura popular moderna. —luis costa\nEthan Hawke Blaze Foley, antihéroe del country El actor, escritor y chico para todo Ethan Hawke dirige Blaze (18), biopic de una figura de culto de la música country. Se estrena en las pantallas españolas el próximo 24 de mayo.\nlaze Foley, el secreto mejor guardado del country, era un personaje tan sumamente desconocido que, ni siquiera Ethan Hawke, texano y fanático del género sabía de él hasta que un buen día su amigo músico Ben Dickey se lo descubrió durante un viaje en coche. Era el año 2006 y, desde entonces, Hawke se apasionó por la trágica existencia de un tipo realmente peculiar: un artista feliz viviendo en su casa del árbol que, cuando decide mudarse a Austin para triunfar, cae en el alcoholismo, es abandonado por su mujer y acaba por ser asesinado por el hijo de un amigo en extrañas circunstancias. Tenía treinta y nueve años. Doce después, Hawke consiguió levantar el proyecto de filmar su vida. —Has interpretado a Chet Baker, has dirigido un documental sobre un espacio icónico del rock como Hotel Chelsea, ahora un biopic sobre Blaze Foley… ¿Por qué ese interés en el mundo de la música? Consumo música constantemente, especialmente country. Para mí, no existe una forma de expresión artís-\ntica más pura que la musical. Y sé lo duro que es. Cuando interpreté a Chet Baker en Born To Be Blue (15), me obsesioné hasta tal punto que intenté aprender a tocar la trompeta. Se me dio regular. —La película está protagonizada por tu amigo Ben Dickey, que es músico. Pero también aparece Kris Kristofferson en el papel del padre de Blaze, y Charlie Sexton, un colaborador habitual de Bob Dylan, interpretando a Townes Van Zandt, que es prácticamente el narrador de la historia… A Ben hace quince años que lo conozco. Y a Charlie casi también. Rodamos juntos Boyhood (14), de Richard Linklater, durante un montón de años, así que hemos coincidido mucho, porque además intento ir a todos los conciertos de Bob Dylan. Sexton creció en el mismo Austin en el que vivió Blaze. —La base son las memorias de la exmujer de Blaze, Sybil Rosen. Pero Sybil poco sabe de lo que pasó tras su separación. ¿Cómo has solucionado esos problemas documentales? Hemos hablado con mucha gente que le conoció en sus últimos días. Aun así, por ejemplo, Blaze es tan fascinante que resulta complicado dar una explicación inequívoca de las circunstancias de su muerte. —Hay una tensión constante entre el amor a su mujer y a la música… Es que para mí esas son las dos fuentes de las que mana el arte. Hay una creatividad que surge del corazón,\nsin explicaciones de ningún tipo. Y luego hay otra que nace de tu deseo de integrarte en una industria, de ser reconocido por los demás. Las dos son válidas, aunque a veces puedan resultar contradictorias. —La popularidad de Foley ha aumentado en los últimos años con documentales, libros de memorias y, sobre todo, versiones a cargo de Lyle Lovett, Merle Haggard y Willie Nelson o Kings Of Leon. ¿Crees que tu película puede conseguir que pase de ser un artista country a un músico conocido por el público en general? Lo que acabas de decir sería lo que más ilusión me haría en el mundo. Esta película es para eso, para que el mundo conozca a un artista irrepetible. Llevo treinta años en este negocio. Sentir a la gente emocionarse en el cine con la historia de Blaze es lo mejor que me ha pasado en mi carrera. —rubén romero santos\nmayo 2019 #43\n44/Mondo Conexiones Cruïlla <> Open Arms\nMallorca Live Festival <> INNSiDE by Meliá El Mallorca Live Festival ha diseñado junto a INNSiDE by Meliá la primera suite de hotel en el interior del recinto de un festival. De esta manera, se podrá vivir la experiencia completa de un festival de música disfrutando de los conciertos de Two Door Cinema Club o Vetusta Morla, entre otros, teniendo la comodidad de dormir en la habitación de un hotel dentro del mismo recinto. Para conseguir ser el huésped de esta habitación había que participar en un concurso que consistía en subir una fotografía o vídeo a Instagram realizando una performance en la cama de tu habitación. El ganador del concurso disfrutará de la estancia junto a un acompañante y podrá invitar a cuatro amigos más para disfrutar de algunos conciertos desde la terraza de la habitación.\nEl festival Cruïlla y Open Arms firmaron un convenio de colaboración. A partir de ahora, al comprar una entrada para el festival se podrá hacer un donativo de dos euros que irá íntegramente destinado a Open Arms.\nBarcelo Imagine <> Rockstar Experience El hotel musical Barceló Imagine quiere ir un paso más allá y ha creado la Rockstar Experience. Este pack estancia incluye la posibilidad de pre-seleccionar el horario y tipo de instrumento que desees tener en tu habitación, vinilos diarios con tocadiscos, o auriculares para piscina entre otras cosas.\nDelaporte <> Escuela Madrileña de Decoración El dúo pop electrónico Delaporte dio una actuación exclusiva el 26 de marzo en la sede de la Escuela Madrileña de Decoración ubicada en la céntrica calle de Gran Vía. Sandra y Sergio interpretaron una versión de su tema Superman, perteneciente a su último trabajo de estudio Como anoche (Mad Moon Music, 19). Esta actuación fue la primera de una serie de colaboraciones entre MondoSonoro y La Escuela Madrileña de Decoración. En los próximos meses, la sede del centro se convertirá por unas horas en un espacio distinto para cada concierto, decorado por el equipo de la escuela con un concepto siempre vinculado al tema interpretado por el grupo elegido para cada sesión. #44 mayo 2019\nIkea <> Sonos\nLa marca sueca Ikea se ha unido a Sonos para presentar los primeros productos de la gama SYMFONISK. El objetivo es aunar la música y el mobiliario integrando, por ejemplo, un altavoz Wifi en una lámpara o en una estantería. #SiempreAlgoNuevo\nTomavistas <> Dr. Martens La moda y la música se unen una vez más. En su quinto aniversario, el festival Tomavistas estrena colaboración con Dr. Martens. La marca pondrá nombre a uno de los escenarios del festival y además ha sido patrocinador del ciclo Tomavistas Ciudad. Durante los días 24 y 25 de mayo podrás disfrutar de la música en este y otros escenarios sobre los que pasarán artistas como Beach House, Cigarettes After Sex, Spiritualized, Carolina Durante o Hinds, entre otros. El Tomavistas estará celebrando la primavera en el Parque Enrique Tierno Galván siguiendo su línea sostenible y family friendly. Consigue las entradas en su web.\nWarm Up Estrella de Levante <> Esc_ El WARM UP Estrella de Levante siempre ha apostado por la música contemporánea. Por eso, el festival ha decidido incorporar en esta edición un Electronic social club (Esc_). Se trata de un espacio que contará con cerca de 20 horas de programación y estará situado en el interior del recinto. El cartel del Esc_ lo conforman artistas como Red Axes, Young Marco, Tama Sumo o San Proper. Pretende servir como vía de escape al festival tradicional en el que la música y el baile serán los protagonistas a ritmo de beat. El WARM UP Estrella de Levante tendrá lugar los días 3 y 4 de este mes de mayo en Murcia. #WARMUP2019 mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro\nM AY O - J U N I O 2 0 1 9 GALICIA Y CASTILLA LEÓN UNIVERSONORO, PALENCIA 28/06/2019 EVA RYJLEN\nLA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 24/05/2019 ESTROGENUINAS\nLOS CLÁSICOS, SEGOVIA 08/06/2019 JUANITA BANANA\nMARDI GRAS, A CORUÑA 25/05/2019 ESTROGENUINAS\nLA CUEVA DEL JAZZ, ZAMORA 31/05/2019 LA FURIA\nCAFÉ T. AVALON GREEN, SORIA 09/05/2019 SARA PI\nBLACK PEARL, VALLADOLID 04/05/2019 GATOPERRO\nANDALUCÍA, CANARIAS Y EXTREMADURA ANDALUCÍA\nPELÍCANO, CÁDIZ 10/05/2019 GATOPERRO 14/06/2019 GERMAN LÓPEZ LA COCHERA CABARET, MÁLAGA 11/05/2019 GATOPERRO\nMATADERO, HUESCA 09/05/2019 DIEGO AMADOR 11/05/2019 SARA PI\nLA BODEGA DEL ALBERGUE, ZARAGOZA 04/05/2019 MAUI\nLONE STAR, TENERIFE 25/05/2019 DA SOUZA\nEL CORRAL DE LAS CIGÜEÑAS, CÁCERES 10/05/2019 ELKANO BROWNING CREAM\nEsta información puede sufrir alguna alteración debido a la antelación con que es elaborada.\nSIDECAR, BARCELONA 18/05/2019 JUANITA BANANA EL LOCO, VALENCIA 25/05/2019 THE CRAB APPLES 16 TONELADAS, VALENCIA 02/05/2019 DA SOUZA\nCASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA\nLOS CLÁSICOS, TOLEDO 08/06/2019 JUANITA BANANA\nHablan los artistas “El cantante de Blur habla demasiado y usa lo que dice para vender más discos. La verdad es que me da igual lo que diga”\nCinco meses ya repasando parte de lo que hemos publicado a lo largo de los últimos veinticinco años. Ha habido grandes aciertos y también patinazos, pero mejor dejemos que juzguen nuestros lectores.\n(Kevin Miles de Gene, mayo 1997)\nRRThe Chemical Brothers fueron portada de MondoSonoro ya en 1997. Era el número 30 de nuestra revista y uno de los que más rápido ha volado de los puntos de distribución. El motivo quizás no fueron los británicos o nuestras entrevistas con Extremoduro, Chucho, Dinosaur Jr y muchos más, sino nuestro especial cannabis con papel de fumar de regalo incluido.\nRRCorría el año 2003, hace ya más de quince, cuando apostamos por The Mars Volta, una de las bandas más inteligentes y progresivas del posthardcore. Aunque aquel mismo mes entrevistábamos también a gente como Blur, Evan Dango, Arab Strap, Good Charlotte o Paradise Lost. Casi nada.\nRRManu Chao fue uno de los artistas que revolucionaron la segunda mitad de los noventa. Su éxito tomó a muchos por sorpresa y su onda expansiva hizo nacer a infinidad de artistas que se inspiraron en su trabajo. Le tuvimos en portada con entrevista exclusiva el mismo mes en el que entrevistábamos a Massive Attack y a unos Garbage que, por aquellos días, gozaban de un éxito fulgurante. Era 1998, y nosotros publicábamos el número 41.\n“Las actuaciones de The Prodigy son más intensas que las de cualquier grupo de rock o de punk. Y lo mismo sucede con nosotros” (Tom Rowlands de The Chemical Brothers, mayo 1997)\nC/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com Publicidad Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Elisa Serrano elisa@mondosonoro.com Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com Redacción Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Madrid : Luis J. Menéndez ljmenendez@mondosonoro.com Catalunya: Darío García Coto dario@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com\nRREn mayo de 2012 decidimos dedicarle la portada a Beach House, uno de los grupos de dream pop más importantes e influyentes de la última década. Pero en nuestro número 195 también entrevistábamos a Love Of Lesbian, The Magnetic Fields, Russian Circles, Andrew Bird, Sidonie, Mishima o Soulfly. Como de costumbre, para todos los públicos.\n“Ninguno de nosotros espera tener un éxito descomunal en todo el mundo, nos preocupa más poder hacer discos durante mucho tiempo” (Omar Rodriguez-Lopez de The Mars Volta, mayo 2003)\nEdición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245\nColaboradores Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra\n“Un disco orientado al rock cuya virtud es no fallar en ningún momento, un conjunto compacto y efectivo en detrimento de los dos minutos de gloria”\n“Resumiendo, si este año únicamente vas a hacerte con un álbum de hardcore, asegúrate de que sea este Progression Through Unlearning. Pura rabia directa al corazón”\n“El debut discográfico de The National se encuentra en algún lugar entre el pop maduro y el rock adulto, una obra elegante, bien concebida y mejor perpetrada”\n(Oscar Broc, a propósito de Una semana en el motor de un autobús de Los Planetas, 1998)\n(Joan S. Luna, a propósito de Progression Through Unlearning de Snapcase, 1997)\n(Toni Castarnado, a propósito de The National de The National, 2003)\n#46 mayo 2019\nEdita Sister Sonic, S.L.\n“Bloom supone un continuum en su carrera, pero hoy la casa de la playa se desplaza desde Maryland hasta un lugar cualquiera de la costa sur de Inglaterra, menos Sub Pop y más 4AD que nunca”\nFotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros\nf\t188.000 seguidores t\t96.000 seguidores 56.300 seguidores 72.208 seguidores x 11.000 seguidores\n(Luis J. Menéndez, a propósito de Bloom de Beach House, 2012)\nMadrugada, Izaro, La Dame Blanche Porta Caeli, Valladolid Los Vinagres · 04 de mayo\nSala But, Madrid Madrugada · 07 de mayo\nTeatro Lara, Madrid Izaro · 08 de mayo\nSUPER 8, Ferrol Niña Coyote eta Chico Tornado + Electric Machine Gun Tits · 10 de mayo\nPlaya Club, A Coruña Niña Coyote eta Chico Tornado + Electric Machine Gun Tits · 11 de mayo\nLa Iguana Club, Vigo Toundra · 11 de mayo\nSala Masterclub, Vigo Anier · 16 de mayo\nVoces Femeninas Rachael Yamagata · Palacio de la Prensa - Sala 0, Madrid · 11 de mayo\nBiznaga + artista invitado · 17 de mayo\nSala Upload, Barcelona King Khan’s Louder Than Death + Black Islands · 21 de mayo\nPalacio de la Prensa. Sala 0, Madrid\nGira 10º Aniversario SON Estrella Galicia La Dame Blanche · Playa Club, A Coruña · 09 de mayo\nRetroFuture John Talabot + Nico + Grobas + You_El · Playa Club, A Coruña · 16 de mayo\nStill Corners · 27 de mayo\nLoco Club, Valencia Shonen Knife · 31 de mayo\n100% Psych Vessel Live AV con Pedro Maia Palacio de la Prensa - Sala 0, Madrid · 31 de mayo\n#MoreThan1Thing Hay quienes pueden definirse con una sola palabra. Este coche no es para ellos. Este es el coche de quienes son todo lo que quieren. Y quieren todo lo que son. Nuevo T-Cross, el SUV más versátil de Volkswagen. Más cool, más seguro, más práctico y más intuitivo. Y también más tú.\nGama nuevo T-Cross de 70 a 85 kW (95 a 115 CV). Emisión CO2 (g/km): de 130 a 140 (NEDC: de 111 a 112). Consumo medio (l/100 km): de 5,8 a 6,2.\nMondoSonoro mayo 2019\nContenidos: Le Parody, Weezer, La Casa Azul, Juancho Marqués, Panda Bear, Cage The Elephant, Anni B Sweet, Enric Montefusco, Love Of Lesbian...