Síntesis en castellano del artículo "Song" de Geoffrey Chew, ubicado en The New Grove Dictionary of Music and Musicians, 5 ª ed. (Londres: MacMillan, 1980), vol. XVII, pp. 510 - 521.\n"Canción" o "canto" es una pieza musical para una o varias voces, ya sea con acompañamiento o sin él, o el acto o arte de cantar.\n1. GENERALIDADES: ENFOQUE DEL ARTÍCULO.\n3. CANTO LITÚRGICO HASTA EL SIGLO NOVENO.\n4. CANCIÓN MEDIEVAL LATINA DESDE EL SIGLO NOVENO.\n5. CANCIÓN MEDIEVAL VERNÁCULA.\n6. 1450 - 1580.\n7. 1580 - 1730.\n8. 1730 - 1815.\n9. 1815 - 1910.\n10. DESDE 1910.\nEl canto puede bien ser un atributo de todos los seres humanos en todas las épocas, pero el presente artículo se restringe al repertorio de la canción de la Europa renacentista y a los repertorios que condujeron a aquél o que se desarrollaron a partir de aquél. Aunque se trata de un área muy vasta y dispar, existe cierta justificación para tratarla como una unidad. Casi toda la canción post - renacentista puede ser juzgada según su fidelidad a la declamación del texto y según la expresividad de éste, criterios que generalmente no son relevantes para ningún otro repertorio cancionístico.\nNo sería veraz pretender que no se puso atención a la puesta de textos en música durante la edad media. Sin embargo, una nueva actitud hacia la declamación (es decir, el reflejo del ritmo del texto en el arreglo musical) se desarrolló durante los siglos XV y XVI, la cual tendía a hacer más comprensibles los textos de las canciones para los auditores. Algunos músicos de fines del siglo XVI y principios del siglo XVII lideraron un estilo declamatorio, reclamando la autoridad de los antiguos griegos, y desde entonces la atención hacia la declamación nunca se ha alejado de la teoría de la canción europea.\nEn modo similar, la expresividad en el canto ha sido una preocupación constante para los músicos desde el renacimiento. Hay canciones en esta tradición que son susceptibles de ser criticadas, por ejemplo, a partir de la base que la música constituye una lectura equivocada del texto. Según Steiner, un poema puede ser eclipsado al traducirse a otro idioma, pero al ser puesto en música, el compositor establece una nueva totalidad, la cual ni devalúa ni eclipsa su fuente lingüística.\nEstos puntos de vista acerca de la canción dependen de la concepción de la música como lenguaje o al menos como un medio expresivo. Estas ideas se originaron dentro del repertorio cancionístico a partir del deseo de algunos compositores del siglo XVI por "imitar" el texto en las puestas en música, a menudo en pintura de palabras a escala pequeña, es decir, la adopción de figuras musicales estereotipadas asociadas con ciertas palabras. Hacia fines del siglo XVI, esta postura comenzó a ser cuestionada y aparecieron nuevas teorías, entre las cuales destacaron las ideas de Zarlino. Los resultados de la aplicación de tales teorías son variados tanto en su naturaleza como en su éxito, pero se puede apreciar una tendencia general hacia la articulación de texto y música como un todo y no palabra por palabra, así como hacia la realización de arreglos generalmente más expresivos y "emocionales" en su impacto sobre el auditor.\nLa persistencia de teorías sobre la musicalización de textos, derivadas principalmente de la Italia del siglo XVI, constituye la principal razón por la cual el renacimiento posee una importancia histórica central en la canción europea. Al mismo tiempo, esto también sugiere una razón poderosa para comenzar este artículo con una recuento acerca de la canción helénica antigua, dada la importancia que tuvo para los teóricos renacentistas apelar a la autoridad de los griegos. Por supuesto, aquellos teóricos no siempre arrojaron luz sobre la práctica musical real de los antiguos griegos, un tema sobre el cual se sabe muy poco hasta el día de hoy.\nSin embargo, las teorías de raigambre renacentista no bastan para apreciar toda canción en el repertorio, incluso desde el siglo XVII. La canción medieval o la llamada "canción absoluta" del siglo XVIII (regida por una lógica musical estricta más que por las características del texto), o las canciones de danza, requieren otros criterios. De hecho, las canciones de danza constituyen una herencia medieval que nunca ha sido completamente superada por las canciones "declamatorias".\nOtra categoría problemática es la de la canción estrófica. Aunque la música se adapte cuidadosamente a una estrofa, puede que no sea así con las otras estrofas. Sin embargo, puede que este tipo de canción sea el más fundamental de todos, ha sido cultivado por todo tipo de compositores y ha formado parte básica del repertorio de la canción popular por muchos siglos.\nOtra área más bien diferente que presenta dificultades a la luz de los cánones renacentistas, es la canción experimental del siglo XX, como el Pierrot Lunaire de Schoenberg. En general, los compositores más vanguardistas en este aspecto han terminado alejándose de la canción, en tanto los compositores más conservadores la han cultivado.\nLas canciones que sobreviven de la antigüedad son muy pocas y casi todas griegas, pertenecientes al período helenístico. Sin embargo, las fuentes literarias y pictóricas nos permiten llegar a ciertas conclusiones limitadas respecto a las categorías de canción y a los instrumentos que las acompañaban. En el caso de Grecia, algo podemos saber además respecto a metro y modalidad.\nBajo la épica homérica subyace, sin duda, una tradición oral bárdica de canción épica en el período griego arcaico, con probable uso de fórmulas tradicionales simples y acompañamiento de phorminx. Éste puede haber sido el principal tipo de canción en Grecia antes del 700 A. C. Junto con estas canciones, hay testimonio en Grecia, Roma y el Antiguo Testamento acerca de canciones funcionales simples, probablemente improvisadas y cantadas a menudo por un líder con respuestas corales. Aquí se incluyen cantos de trabajo, canciones de cuna, cantos de victoria, cantos para bodas y funerales, canciones burlescas y satíricas, etc. La música de arte en Grecia incorporó posteriormente estas canciones simples.\nEl desarrollo extenso de un tipo de canto acompañado empezó en el siglo VII en Grecia. Se trata de la canción lírica, una canción para solista o coro, acompañado no sólo por la lira (de donde proviene su nombre), sino a veces por otros instrumentos como el aulos. La canción lírica solista quizás correspondía a las canciones estróficas modernas; expresaban los sentimientos personales del compositor en una serie de estrofas cortas idénticas en el metro. En contraste, la canción lírica coral, la cual incluía danza y era principalmente de carácter religioso, expresaba los sentimientos comunitarios de un grupo y era compuesta sobre la base de patrones elaborados de estrofa, antistrofa y épodo.\nDesde el siglo V, la canción lírica fue incorporada al drama, originalmente como elemento central. Fue también rubro de competencia en festivales como los Juegos Píticos y además, formó parte de la educación general de los jóvenes griegos en aquella época. A fines del siglo V, un nuevo estilo musical, la "nueva música", tuvo efectos de largo alcance en algunas canciones: se toleraba mayor variedad modal y rítmica, se introdujeron interludios instrumentales y algunos textos eran cantados melismáticamente, en contraste con la práctica previa, donde predominaba el estilo silábico.\nDurante el período helenístico, la canción del teatro griego llegó hasta Roma y otros lugares, alcanzando un punto culminante en los cantica de las comedias de Plauto. Se introdujeron otras categorías, incluyendo la pantomima. A fines de la antigüedad, poemas latinos no concebidos originalmente para ser cantados, eran puestos en música y cantados en público.\nDe la música mencionada aquí, la más influyente en la música europea posterior ha sido aquella anterior al siglo V. La música helenística, en cambio, ha sido calificada como decadente incluso por sus contemporáneos. El cultivo aparente de la originalidad por parte de los poetas - compositores griegos, así como la preocupación acerca de las relaciones entre música y texto expresada por algunos (Platón), han sugerido a menudo nuevas líneas de desarrollo a los compositores posteriores.\nEl canto judío está representado principalmente por los textos de los Salmos. La estructura textual de estas piezas implicaría distintos estilos de práctica musical, correspondientes a la salmodia directa, responsorial y antifonal, así como a las letanías con refranes, de la práctica cristiana posterior. La salmodia continuó siendo una parte central en las liturgias judía y cristiana occidental, constituyendo probablemente el vínculo más plausible entre ambas.\nEn la iglesia cristiana primitiva, parece que los himnos (canciones sacras distintas a aquellas con texto del Antiguo Testamento) han sido cantados desde muy antigua data. Sólo sobrevive un único himno cristiano con melodía en notación griega, pero parece que no hay vínculos fuertes entre las canciones cristianas y las griegas. Aparte de himnos cuyos textos están en el mismo Nuevo Testamento, los textos de himnos más antiguos que sobreviven están mayoritariamente en siriaco y traducidos al griego. Desde el siglo V, se desarrolló una rica variedad de himnodia en la iglesia bizantina y otras iglesias orientales.\nLos textos de los cantos litúrgicos cristianos muestran poca preocupación con la originalidad, en cambio, tienden a reflejar la estructura de himnos - tipo, como aquellos de la Biblia, considerados de origen divino (los Salmos, el Sanctus, etc.). Estos himnos - tipo funcionaban como paradigmas de la alabanza celestial dentro de la liturgia, la cual en sí misma es también un tipo celestial. Es probable que esta idea de la himnodia haya tenido consecuencias en la melodía, resultando en el uso de un número limitado de arquetipos melódicos en la himnodia bizantina tardía y en leyendas acerca del origen divino de ciertos repertorios.\nPosteriormente se desarrollaron distintas categorías de canto llano, probablemente con estilos musicales regionales. Quizás haya habido influencia de la canción popular, pero no es factible llegar a comprobarlo. En el caso del repertorio gregoriano, la mayoría de las categorías derivan de la salmodia.\nDesde el siglo IV, hay evidencia de himnodia en el occidente latino (Hilario de Poitiers, Ambrosio de Milán). Un vasto repertorio de melodías hímnicas monofónicas sobrevive de los siglos posteriores, las cuales sin duda influyeron a las canciones latinas y vernáculas en la edad media.\nLas primeras melodías de canto anotadas, desde la época helenística tanto en oriente como en occidente, datan del siglo IX. Parece que la introducción de la notación coincidió con intentos de largo alcance para reorganizar y clasificar varios repertorios de canto litúrgico (latino, griego, sirio y armenio). El repertorio gregoriano también fue sujeto a una revisión estilística que estableció decisivamente las características específicas de la relación texto - música de este repertorio.\nLos factores que inciden en el estilo de la relación texto - música en el repertorio gregoriano incluyen la función litúrgica de los cantos particulares: un introito es diferente a un gradual. Las melodías consisten generalmente en curvas melódicas cuidadosamente diseñadas con gran sofisticación. Al poner música a un texto, se consideraban a menudo ciertas jerarquías: notas más agudas tenían más peso que las graves, los melismas tenían más peso que las notas por sílaba. Las repeticiones de palabras o frases dentro del texto y la pintura de palabras eran evitadas, no se intentaba "expresar el texto" en música.\nJunto al corpus litúrgico gregoriano clásico, aparecieron otras categorías de canto litúrgico como el oficio rimado, la secuencia y el tropo, desde el siglo IX en adelante. A veces su estilo era diferente a lo descrito anteriormente, a veces no. Además, hubo cambios ocasionales en los cantos del repertorio gregoriano clásico de acuerdo a reformulaciones de su teoría, como aquellas llevadas a cabo por los cistercienses en el siglo XII. Este tipo de revisiones tiene la implicación subyacente que los cantos no existen en un sentido absolutamente independiente de la moda o de la función, aunque se trate de cantos de tanto valor y autoridad como los del repertorio gregoriano. Tal actitud es característica de la época medieval y tendió a desaparecer en el renacimiento.\nA fines del siglo IX, se crearon estructuras repetitivas comparables a aquellas de la canción secular, especialmente en los repertorios de aleluyas y secuencias. La estructura concatenada de la secuencia (ABB'CC'…) tiene paralelos con los seculares lai y estampie, especies construidas sobre el mismo principio. Esta estructura puede ser aún más antigua.\nBuena cantidad de canciones seculares medievales ha desaparecido, aunque hay testimonio de ellas en fuentes literarias. Se consideraba que la música sacra era la única digna de ser preservada en notación. Sin embargo, no siempre se puede trazar una división lógica y clara entre canciones sacras y canciones seculares. Los mismos estilos se usaban generalmente para ambas clases de texto. Además, la mayoría de las canciones medievales son contrafacta, canciones en las cuales nuevos textos (sacros o seculares) son adaptados a melodías antiguas (del repertorio sacro o del secular).\nUna pequeña cantidad de cantos latinos no litúrgicos sobrevive, mayoritariamente en notación neumática adiastemática, en manuscritos de los siglos X y XI. Abarcan musicalizaciones de antiguos poemas latinos, planctus en honor de la realeza y otros tipos. Los repertorios más grandes son aquellos asociados con los goliardos del siglo XII (los Carmina Burana, por ej.) y los repertorios de conductus de los siglos XI, XII y XIII. La evidencia sugiere que en estas canciones, al igual que en muchos himnos monofónicos, la musicalización se rige de acuerdo a la acentuación de las sílabas y no según la longitud ("cantidad") de ellas, como en la antigüedad y después, nuevamente, en el renacimiento. El conductus, tanto sacro como secular, llegó a significar canción estrófica generalmente con texto latino, algunos muy simples y silábicos, otros muy complejos y melismáticos. Desde el siglo XII, el conductus también era arreglado polifónicamente para dos, tres y hasta cuatro voces, representando así uno de los logros de mayor escala en la totalidad de la canción medieval. Se distingue de otros tipos de canto polifónicos por el uso del mismo texto en todas las voces y la ausencia de un tenor procedente del canto gregoriano.\nEn los siglos XIII y XIV, el conductus monofónico fue reemplazado por formas tales como la cantio latina, mientras el conductus polifónico fue sustituido por el motete. Este último es la otra categoría principal de canción medieval latina, aparte del organum de Notre Dame, es decir, arreglos polifónicos a gran escala de partes de cantos responsoriales cantados en la Misa y en el Divino Oficio en ciertas fiestas. El motete se basa en un tenor gregoriano u otro preexistente y sus voces se distinguen entre sí por diferencias en el texto, el rango o el estilo. Los motetes del siglo XIII son generalmente de dimensiones pequeñas, con ritmos reminiscentes de los modos rítmicos ya en desuso. Sin embargo, la introducción de la isorritmia en el siglo XIV incrementó las dimensiones y la complejidad del motete.\nAunque hay pocos textos épicos supervivientes (Beowulf, El Canto de los Nibelungos, las sagas escandinavas), parece que en la edad media temprana las tradiciones de la canción épica heroica e histórica estuvieron muy difundidas entre los pueblos germánicos y célticos. Un poema épico germánico, el Petruslied, que puede datar de antes del 850, sobrevive con notación musical y es la canción germánica más antigua conocida. También sobrevive evidencia musical, con notación más o menos exacta, del corpus de la chanson de geste francesa: fórmulas repetitivas simples se repetían una y otra vez.\nCanciones religiosas vernáculas existen hace mucho tiempo, aunque no sobrevive ningún repertorio grande y coherente hasta después del surgimiento del coral protestante y del carol ("villancico"). Algunos ejemplos: Hospodine pomiluj ny (canto bohemo, tal vez del siglo XI), canciones de San Godric (inglés, s. XII).\nTambién hay algunas canciones seculares vernáculas en pequeña cantidad antes del s. XII, como un alba con texto latino y provenzal, junto con su melodía, del s. XI. El repertorio de trovadores (en provenzal), troveros (en francés) y minnesinger (en alemán) fue conformado probablemente mediante transmisión oral y codificado después. No hay consenso sobre sus orígenes: algunos arguyen influencias arábigas, otros sostienen vínculos con el repertorio religiosos popular.\nEste repertorio abarca puestas en música de poemas sobre amor cortés. Sobreviven alrededor de 2600 poemas de trovadores, pero sólo 264 melodías. En cambio, del repertorio trovero conocemos cerca de 2000 melodías. A pesar de sus diferencias de idioma, ambos repertorios tienen mucho en común. La estructura de sus canciones varía desde la simplicidad extrema hasta estructuras complejas. La gran diferencia entre estos repertorios y la canción medieval más temprana es el culto a la originalidad: esto llevó a veces a la creación de nuevas estructuras y al cultivo de estilos abstrusos con un vocabulario oscuro. En esto se alejan del repertorio gregoriano que se componía en esa época, aunque de todos modos se pueden encontrar también algunos puntos en común, como el caso de canciones trovadorescas con estructuras similares a la secuencia o a la recitación de salmos. Quizás también haya habido influencia de la canción folklórica, pero eso es sólo una conjetura.\nEl repertorio del Minnesang (musicalizaciones de poemas de amor en alemán, entre los siglos XIII y XV), fue influido a su vez por el repertorio trovero y probablemente también fue configurado mediante la transmisión oral. Es muy frecuente encontrar la forma Bar (AAB y variantes), la cual tiene también su correspondiente en el repertorio trovero, aparece en canciones de varios períodos posteriores y fue la forma obligatoria para construir estrofas en el Meistergesang (canción cultivada por las escuelas burguesas alemanas en los siglos XV y XVI).\nOtros repertorios de canciones monofónicas vernáculas medievales fueron principalmente regionales, de carácter popular y vinculados con movimientos religiosos populares. Ejemplos: el repertorio de cantiones checas y alemanas (vinculado al movimiento husita), las cantigas españolas (sacras y seculares), los repertorios de los movimientos de flagelantes italianos y alemanes (Geisslerlieder), los laude italianos, los carols ingleses, las canciones Missinai de los judíos ashkenazíes.\nEn todos los repertorios mencionados aquí hay incerteza respecto al ritmo. Además, en la mayoría de los casos hay incerteza respecto al uso de instrumentos.\nDespués de 1300, los compositores franceses trabajaron principalmente las "formas fijas" (formes fixes): ballade, rondeau y virelai. A partir de Machaut, estas formas devinieron casi exclusivamente polifónicas, a tres voces, con la melodía principal en la voz superior y las otras dos "acompañantes", quizás hechas por instrumentos. La canción monofónica parece haber sido relegada a la esfera de la música de entretención y en el siglo XVI se le denominaba chanson rustique. Este tipo de canciones a veces era arreglada polifónicamente y tiene asociaciones teatrales. Hacia fines del siglo XIV, hubo una moda temporal por la búsqueda de complejidades rítmicas y estructurales en la canción francesa.\nEn el siglo XIV también existió en Italia un repertorio polifónico comparable al de Francia, pero no fue precedido por un repertorio monofónico equivalente. Las categorías principales de canción fueron la ballata, el madrigal (diferente al madrigal renacentista) y la caccia. Esta última corresponde a la primera categoría importante de canción basada en la técnica del canon (presente ya desde el siglo XII en formas como el rondellus, la rota y muy popular en Inglaterra en épocas posteriores).\nEn las fuentes de los repertorios polifónicos francés e italiano aparecen mencionados los nombres de varios compositores, por primera vez en un repertorio cancionístico desde la antigüedad. Falta aún realizar análisis profundos para determinar identidades estilísticas entre ellos. También varias canciones parecen deber mucho a los ritmos de danza (virelais monofónicos, ballatas italianas). Además, en las canciones más complejas la música tiene vida propia, independiente del texto.\nCanciones polifónicas en otros idiomas hay pocas: existe un pequeño número en holandés y en inglés. Algunas canciones inglesas fueron traducidas al francés y también hay casos de contrafacta. Existen motetes cuya estructura hace sospechar de canciones polifónicas seculares preexistentes.\nEn la segunda mitad del siglo XV, el liderazgo en la composición de canciones fue mantenido por los franceses y los francoflamencos, durante el siglo XVI el liderazgo pasó a los italianos. Los arreglos a tres voces fueron sustituidos por aquellos a cuatro voces. Desde 1450, pequeños coros empezaron a interpretar motetes. El coro era casi desconocido en la edad media: las obras polifónicas eran confiadas a solistas e instrumentistas, situación que se prolongó en el caso de las obras polifónicas seculares.\nLas voces en el tejido polifónico tendieron hacia una mayor homogeneización en el ritmo y el material melódico, pero hacia un contraste en el rango y la tesitura. El uso del contrapunto imitativo se incrementó, así como creció el cuidado por la declamación y la audibilidad de los textos.\nPor su parte, la canción monofónica decreció aún más en importancia, aunque algunas colecciones demuestran una persistencia de la popularidad de la canción monofónica de amor. También continuó el florecimiento de canciones silábicas basadas en danzas: frottola, balleto.\nGradualmente, las formas fijas cedieron su lugar a la canción libre o chanson. Petrucci publicó canciones de Compére, Agricola y Josquin Desprez a principios del s. XVI. A mediados de ese siglo, apareció un tipo de canción parisina caracterizada por un estilo silábico, fuertemente rítmico. Alrededor de 1550 empezó a aparecer el repertorio de vaudeville: canciones estróficas homofónicas simples, acompañadas de laúd, las cuales conformaron el sustrato del futuro air de cour. Hacia fines del siglo XVI, apareció un repertorio aislado de canciones compuestas a partir de "versos medidos a la antigua", un intento por restablecer la música de la antigüedad siguiendo las teorías del ritmo poético según la longitud ("cantidad") de sílabas.\nCanciones españolas de fines del s. XV sobreviven en el manuscrito conocido como Cancionero de Palacio, cuyas categorías más representadas son el romance y el villancico, con arreglos homofónicos y generalmente no imitativos. En el s. XVI, estas canciones fueron cultivadas en arreglos para solista y vihuela de mano, como aparecen en obras de Luis de Milán y Esteban Daza. El arreglo de canciones para solista e instrumento cordófono polifónico llegó a ser muy importante en los siglos XVI y XVII.\nDe fines del s. XIV y principios del XV conocemos las primeras canciones polifónicas alemanas, compuestas por el Monje de Salzburgo y por Oswald von Wolkenstein. Sin embargo, la canción monofónica recién comenzó a ser desplazada en Alemania a partir del surgimiento del repertorio de Tenorlieder a fines del s. XV y comienzos del XVI. Estas canciones son en su mayoría no imitativas, con la melodía principal en la voz del tenor. Otra categoría importante es el quodlibet.\nEl repertorio de la canción monofónica religiosa en Alemania fue considerablemente extendido con la aparición del coral luterano en el s. XVI, dependiente en parte del estilo de la canción religiosa popular medieval y del canto gregoriano. El repertorio del coral daría curso a una tradición muy fructífera de elaboración polifónica. Algo semejante ocurrió con las versificaciones de los salmos en el Salterio de Ginebra de la iglesia reformada (con Calvino), pero en menor medida.\nEn Inglaterra, a principios del s. XVI aparecen las Freemen's (¿"Three men's"?) songs, canciones a tres voces que desplazaron a la canción inglesa de influencia francesa. También sabemos de la existencia de canciones acompañadas por laúd, pero han sobrevivido muy pocas de ellas.\nEn Italia, la principal categoría de canción a fines del s. XV y comienzos del s. XVI es la frottola, un tipo de canción homofónica ligera, con la melodía usualmente en la más aguda de cuatro voces. Petrucci publicó once volúmenes de frottolas. Probablemente eran cantadas con voces o con solistas acompañados con instrumentos (laúd). Hacia 1530, la moda desplazó a la frottola a favor de la villanella, la villota y el madrigal. Éste último es la principal categoría de canción en los siglos XVI y parte del XVII, constituyendo un campo de experimentación para los principales compositores del período.\nEl repertorio del madrigal inglés fue creado en alrededor de 30 años, entre las décadas de 1590 y 1610, con compositores como Byrd, Weelkes y Wilbye. El madrigal inglés debió mucho al madrigal italiano, pero las otras categorías de canción secular cultivadas en esa época crecieron a partir de tradiciones propias. Es el caso de las canciones para solista acompañado de conjunto de cuerdas y después las canciones acompañadas de laúd, género en el cual sobresalió Dowland ("Songes and Ayres"). La mayor parte de este repertorio consiste en canciones estróficas, donde se evita las introducciones e interludios elaborados, pero donde se aplica los principios de vinculación música - texto que aparecen en el madrigal.\nLas tendencias progresistas del período, hacia una expresividad creciente y emoción elevada, se reflejan más plenamente en las canciones para solo compuestas específicamente como vehículo de esas tendencias en Italia. La Camerata florentina sostenía que estas monodias reproducían la antigua práctica griega. En general, estas piezas son para voz aguda, la cual tiene a su cargo una línea melódica altamente expresiva, sobre un acompañamiento confiado a acordes simples con elaboración mínima.\nEn la década de 1630, en Italia se desarrolló la cantata, una forma más grande dividida en secciones pequeñas que llegó a ser la categoría más importante de canción secular tanto en Italia como en otros lugares. El surgimiento de la tonalidad a fines de ese siglo permitió incrementar la escala de las secciones de la cantata y el desarrollo del aria da capo, forma usada en óperas, oratorios y cantatas (A. Scarlatti, Bach, Haendel).\nA fines del s. XVI, la canción italiana se expandió por Alemania y Austria. Regnart adoptó la villanella en 1567 y Hans Leo Hassler la canzonetta en 1590. Estas canciones desplazaron a la antigua tradición de la canción polifónica alemana. En 1623, Nauwach introdujo la monodia y Heinrich Albert estableció el lied con bajo continuo en sus nueve libros de Arien (término análogo al francés air y al inglés ayre). La tradición de este tipo de canciones persistió en varios centros regionales hasta fines de siglo, cuando los compositores se volcaron hacia el aria da capo.\nOtras tradiciones de canciones con bajo continuo, de alcance local, se desarrollaron también en Bohemia y en los Países Bajos. En Bohemia, muchas canciones se basaban en danzas. En los Países Bajos, se desarrolló un tipo de canción sacra, tanto entre los católicos como entre los protestantes.\nEn Francia, a fines del s. XVI las chansons podían cantarse como canciones para solistas, con el solista tomando la voz más aguda y el resto hecho por instrumentos (o un solo instrumento polifónico, como el laúd). Esta práctica influyó en el desarrollo del air de cour, un tipo de canción que consiste básicamente en musicalización de poesía sobre amor, con un estilo habitual de nota contra nota y metro irregular, influido por la musique mesurée. Dentro de este repertorio se puede distinguir entre una categoría más simple de airs à boire (aires para beber) y otra más compleja de airs sérieux (aires serios), más una categoría de canciones pastoriles simples aparecida a fines del s. XVII, la brunette. Las canciones de Pierre Guédron muestran rasgos de la monodia italiana, mientras mayores elaboraciones polifónicas encontramos en algunos arreglos de salmos, concebidos para el uso doméstico. Otra categoría de canción francesa de este período es el noël.\nEl estilo monódico italiano se hizo conocido en Inglaterra alrededor de 1610 y fue imitado en la masque y en diálogos y canciones de teatro. Durante ese siglo, el repertorio del ayre inglés contenía tanto canciones declamatorias como canciones al estilo de la danza. Henry Lawes compuso canciones declamatorias basadas en el ritmo del idioma inglés. A mediados de siglo Playford publicó varias colecciones populares de canciones, donde hallamos ayres, glees (canciones cortas con estilo de danza, generalmente homofónicas) y catches (cánones, generalmente a tres voces, a menudo sobre la base de textos con "doble sentido"). A fines de siglo, la figura más importante es la de Purcell, el cual incorporó el estilo italiano dentro de la tradición nativa, haciendo del estilo declamatorio un vehículo de expresividad intensa y acercándose definitivamente hacia el dominio de la tonalidad.\nEl siglo XVIII es a menudo considerado como un punto bajo en la historia de la canción europea. En verdad, el alto grado de unidad entre texto y música que se logró con Dowland y Purcell y después con Schubert y Wolf, se halla en pocas canciones del período. Además, en varios países la composición de canciones se desvió en gran parte hacia la música de teatro o de iglesia.\nEn muchas canciones encontramos una simplicidad transparente, casi ingenua, la cual puede ser vinculada con la importancia creciente otorgada por los compositores y por el público, de la sinceridad, la falta de afectación, la accesibilidad y a veces la sentimentalidad. La búsqueda de estas cualidades llevó a los músicos hacia varias direcciones. Por un lado, se produjo una revalorización de la canción folklórica, debido a su simplicidad y potencialidad como modelo para la canción de arte. Por otro lado, al servicio de la propaganda y la educación, muchas canciones simples fueron hechas accesibles como nunca antes, como el caso de la himnodia protestante a través de los Hermanos Moravos. Además, en la canción de arte se puede apreciar una reacción contra el exceso de elaboración, propio de la ópera.\nDurante el siglo XVIII, la canción de arte llegó a adquirir su acepción moderna, "canción para solista con acompañamiento de teclado independiente". El laúd y la guitarra fueron progresivamente desplazados por algún tipo de instrumento de teclado. Sin embargo, las canciones todavía se anotaban de un modo simple, sólo con la melodía y el bajo. La escritura completa de la parte del teclado empezó a aparecer a fines del s. XVIII (J. P. A. Martini, canzonetas de Haydn).\nTambién durante ese siglo, la tradición del coral disminuyó en importancia en Alemania, pero florecieron nuevas tradiciones. En la década de 1730 aparecieron colecciones de canciones seculares donde el quodlibet adquirió renovada importancia. Este repertorio de canciones seculares se incrementó notablemente pasada la mitad del siglo, centrándose especialmente en las escuelas de canto de Berlín, y continuando sin quiebre dentro de la tradición del lied decimonónico. Además surgió, especialmente en países católicos, una tradición de canciones de iglesia que se prolongó hasta el siglo XIX.\nAlgunas de esas canciones alemanas, tanto sacras como seculares, son cantatas, pero la mayoría son canciones estróficas gobernadas por la tonalidad y construidas mediante frases regulares. Canciones en este estilo, basadas en danzas, llegaron a penetrar en las sinagogas ashkenazíes y aún en Rusia.\nAlgunos compositores alemanes adoptaron un estilo deliberadamente simple de canción, a partir del repertorio del singspiel y en las llamadas "canciones al estilo popular" (volkstümliche Lieder), canciones estudiantiles, etc. Es el caso de las canciones de Gluck, Zelter y Reichardt. Surgió también un estilo de canción vernácula secular simple en Bohemia con J. J. Ryba a principios del s. XIX. Por otro lado, algunas canciones simples en Alemania se vinculan con movimientos religiosos o semirreligiosos (los Hermanos Moravos, los masones).\nEn Inglaterra, la figura más importante en la canción de teatro fue Haendel, cuyas arias da capo predominan en sus óperas. Un estilo más simple, derivado de las colecciones de Playford y de D'Urfey, aparece en La Ópera del Mendigo (1728) de Gay y Pepusch, así como en las baladas más conocidas del período. Este tipo de canciones se caracteriza más por la elegancia que por la profundidad de la pasión y se cantaban en los jardines de Londres y otros lugares, eran generalmente estróficas y a fines de siglo aparecieron algunas en forma rondó. Hubo una gran moda de canciones escocesas e irlandesas, cuyo estilo fue imitado por muchos compositores e incluso a fines de siglo, compositores como Haydn y Beethoven fueron comisionados para arreglar canciones de este tipo.\nEn general, el repertorio de canción secular británica, a diferencia del alemán, no condujo directamente a un repertorio de canción romántica seria. En cambio, su legado se puede apreciar más en las baladas de salón del siglo XIX. De modo similar, la difundida tradición de himnos y canciones sacras que fluyó desde el avivamiento evangélico en Inglaterra aquel siglo, permaneció sin pretensiones artísticas serias en el siglo XIX. Sin embargo, ambos repertorios fueron muy conocidos y deben haber ejercido una fuerte influencia sobre la sensibilidad musical del pueblo en general.\nLa canción francesa no operática del siglo XVIII está representada no sólo por la cantata y la cantatille, sino también por la nueva categoría de la romanza, originada probablemente desde la brunette. En las romanzas se buscaba también la libertad de la afectación y tienen cierto grado de arcaísmo consciente. Florecieron durante todo el período revolucionario y napoleónico, y algunas como Un pauvre petit savoyard aparecen en óperas. Noske distinguía entre romanzas expresivas, donde se presenta mayor vinculación entre texto, melodía y acompañamiento, y romanzas "abstractas", donde la melodía es algo independiente del texto y el acompañamiento es simple y cumple un papel subordinado. Este tipo de canción extendió su influencia hacia Polonia y Rusia.\nUna división de largo alcance ocurrió en el repertorio de la canción a principios del siglo XIX, entre una gran categoría "popular" (canciones recreativas para un mercado de aficionados de clase media, canciones educacionales, canciones de raíz folklórica) y una categoría mucho más pequeña "seria" (canciones escritas para conocedores y "no vulgares"). Ambas categorías se superponen en todos los países europeos, los mismos compositores contribuyeron a ambas, pero son distintas.\nEl repertorio decimonónico en su totalidad, serio o popular, abarca en su mayor parte canciones para solista con acompañamiento de piano, ocasionalmente con adición de una segunda voz o más instrumentos, incluyendo arreglos de canciones de teatro, himnos y canciones a varias voces. La naturaleza del acompañamiento pianístico, si lo hay, es a menudo una de las principales características que distinguen a los dos repertorios. La canción popular generalmente se contenta con un acompañamiento armónico simple, mientras a menudo la canción seria otorga al piano un papel de importancia equivalente al de la voz: se consideraba que el piano podía representar las fuerzas naturales que rodean al poeta - cantante, las cuales en sí mismas reflejarían la agitación de sus sentimientos. Esto fue posible gracias a los avances y posibilidades técnicas del piano. Alrededor de 1815, una voz sola con acompañamiento de piano era la plantilla que mejor combinaba economía de medios con potencial expresivo.\nOtro medio para distinguir entre la canción seria y la popular es el enfoque del compositor hacia la declamación. El repertorio popular se adhería frecuentemente a melodías regulares comparables a las de las canciones del siglo XVIII, repetidas en todas las estrofas del texto. En cambio, los compositores "serios" tendían a crear canciones de composición continua y a reflejar correctamente la declamación del texto, hasta un grado no alcanzado desde la monodia del siglo XVII. Sin embargo, esto no condujo necesariamente a la austeridad de la monodia barroca, sino más bien al concepto del acompañamiento como un medio para reforzar la fuerza emocional del texto (Wagner). Estas distinciones, en todo caso, no siempre son tan claras y a menudo se encuentra un tipo de canción "estrófica modificada", canción estrófica con cambios musicales en cada estrofa para bien del texto, en ambos tipos de repertorio.\nLa canción seria decimonónica tomó su punto de partida principalmente en Schubert, primer compositor que mostró todo el potencial del género. Los compositores del clasicismo vienés no influyeron el curso de la canción decimonónica como lo hicieron con la música instrumental, pese a logros como el ciclo An die ferne Geliebte (1816) de Beethoven. Los modelos de Schubert fueron compositores menores como Zelter y Zumsteeg. Sus canciones son muy diversas, abarcando canciones estróficas, estróficas modificadas y de composición continua, reflejando influencias distintas, desde elementos operáticos como el recitativo y el melodismo de las canciones del siglo XVIII.\nAlgunos compositores posteriores de Lied extendieron el elemento rapsódico de las canciones de Schubert, notablemente Schumann en los epílogos de sus ciclos Dichterliebe (Amor de poeta) y Frauenliebe und -leben (Amor y vida de una mujer). Otros, en particular Mendelssohn - Bartholdy y Brahms, se preocuparon de la perfección formal en sus canciones, preocupación que Mendelssohn - Bartholdy demostró incluso sin textos en sus Lieder ohne Worte (Canciones sin palabras) para piano solo. La atención a la declamación en Alemania alcanzó su punto culminante a fines del siglo con Wolf, cuyas canciones reflejan las teorías de Wagner. En esta época, el piano ya no era el único recurso de "acompañamiento" y había surgido el Lied orquestal, anticipado con el propio Wagner (Wesendonck Lieder) y desarrollado por Mahler. Por otro lado, canciones extraídas de óperas alemanas disfrutaron de una gran popularidad fuera de sus contextos originarios.\nLa influencia germánica se extendió hacia Bohemia (Tomásek, Smetana, Dvorák), los Países Bajos y Escandinavia (Grieg), en algunos casos matizada con cierto grado de color local derivado de la música folklórica. En Gran Bretaña, grandes cantidades de baladas de salón, varias de ellas originalmente canciones de teatro, principalmente estróficas, con introducciones separadas y acompañamiento acordal simple, fueron producidas para un mercado aficionado doméstico. En ellas, los compositores se interesaron primordialmente en producir melodías cantables y la mayoría ignoró el potencial del acompañamiento de piano. Las baladas mantuvieron su popularidad hasta principios del siglo XX. También fueron cultivadas en Norteamérica (Foster) y otros lugares de habla inglesa. Algunos compositores británicos y estadounidenses crearon un pequeño repertorio de canción seria con textos ingleses, modelado sobre el Lied alemán y con algunas influencias francesas: Sterndale Bennett, Macfarren, Parry, Stanford, Parker, MacDowell.\nOtro repertorio de canciones en inglés muy familiar y conocido es el de la himnodia protestante, producido en grandes cantidades junto a otras canciones a varias voces y música coral. En algunos países fuera de Europa, esta tradición de canción coral se estableció entre los pueblos autóctonos y no ha desaparecido. Es comparable a las tradiciones de canto establecidas ente los negros norteamericanos después de su emancipación.\nEn Francia, la romanza fue canalizada desde la década de 1820 hacia canciones de salón (llamadas a veces chansonettes), comparables en estilo y popularidad a las baladas de salón inglesas. Desde la década de 1830, se conocieron las canciones de Schubert y esto contribuyó al surgimiento de la mélodie, contraparte francesa del Lied alemán que alcanzó su perfección en las canciones de Fauré, Duparc y Debussy.\nDesde fines del siglo XVIII, la russkaya pesnya ("Canción rusa" de estilo "popular") había alcanzado gran aceptación en la ópera y en la música doméstica de Rusia. Este tipo de canciones, junto con romanzas en estilo y aún con texto francés, siguió cultivada por los aficionados durante el siglo XIX. La romanza persistió en Rusia hasta el siglo XX en la obra de Rachmaninov y Metner. Sin embargo, la importancia de la canción rusa decimonónica deriva primariamente de las canciones del Grupo de los Cinco, sobre todo de Musorgsky, el cual desarrolló el estilo declamatorio de Dargomisky para expresar un realismo crudo y directo. Musorgsky fue el primer compositor europeo oriental en alcanzar un estilo declamatorio basado en su propio idioma, como lo harían después Bartók y Janacek.\nLa canción polaca se desarrolló inicialmente a partir de la música de teatro polaca y de la canción francesa del siglo XVIII. Después fue modificada a través del contacto con el Lied alemán, notablemente en la obra de Moniuszko.\nLa canción italiana decimonónica fue casi enteramente operática, aparte de las canciones de salón, las cuales también se basan en elementos de estilo operático. Las canciones operáticas italianas fueron populares en el mercado doméstico y en el teatro. La canción española secular durante este período también está representada principalmente por repertorio italianizante.\nInmediatamente antes de la Primera Guerra Mundial, las tradiciones establecidas de la canción seria estuvieron sujetas a experimentaciones de largo alcance con Schoenberg (Cuarteto nº 2; El libro de los jardines colgantes, Pierrot Lunaire), Stravinsky (musicalizaciones de poemas japoneses) y Ravel (Tres poemas de Mallarmé). La tonalidad fue superada, el acompañamiento fue confiado a grupos de cámara y no al piano solo o a la orquesta, las líneas vocales eran de dificultad extrema y la canción se volvió "música absoluta". Al mismo tiempo, en estas y otras canciones se hicieron experimentos con la declamación: Schoenberg, Bartók (el cual estableció nuevas convenciones sugeridas por la canción folklórica) e Ives (el cual experimentó con el texto hablado y con la imitación realística en música de los patrones de los textos hablados).\nDespués de Schoenberg, Berg y Webern, la mayoría de los compositores abandonó la canción a favor de la ópera. Entre las excepciones, se puede mencionar a Hindemith (Das Marienleben). La canción de arte francesa todavía estuvo representada por Fauré a comienzos de siglo, continuó a través de líneas tonales en la obra de Poulenc y Milhaud, con toques satíricos e influencias del music hall, y desde la década de 1930 Messiaen contribuyó también al repertorio.\nDespués de 1910, las influencias alemanas y francesas se han mantenido como las más importantes en la canción de arte de otros países, suplementadas por tradiciones nativas. Compositores de todas partes toman como referencia las tradiciones decimonónicas de Alemania y Francia (el Lied romántico y la mélodie de Fauré) y propuestas del siglo XX como las de Schoenberg y Los Seis.\nNuevos repertorios de canciones, la mayoría de líneas tradicionales, se desarrollaron en varios países europeos, como Finlandia y Lituania, a principios del siglo XX. Hubo gran actividad de recolección de canciones folklóricas en Gran Bretaña (Cecil Sharp, Vaughan Williams) y Hungría (Bartók), lo cual no sólo llevó al redescubrimiento de repertorios folklóricos, sino a la renovación en la composición de canciones de arte. El repertorio de la canción británica (Vaughan Williams, Warlock, Bridge, etc.) estuvo marcado por la atención hacia la declamación en el modo tradicional y a la calidad de la poesía, alcanzando un punto culminante en las canciones de Britten y Tippett. Similarmente, nuevos repertorios de canciones italianas, españolas y latinoamericanas, fuera de la ópera, se desarrollaron en los primeros años del siglo, inspirados en Italia principalmente por el redescubrimiento de la música renacentista (Casella, Pizzetti), y en España y Latinoamérica por la música folklórica (Albéniz, Granados, De Falla). En Italia, Dallapiccola combinó un estilo lírico en la canción con el serialismo.\nEn Polonia, Szymanowski combinó exitosamente las influencias extranjeras. En Rusia, la romanza se siguió cultivando (Grechaninov, Rachmaninov, Metner) y Prokofiev compuso canciones en un estilo semejante al de Musorgsky. A principios de la década de 1930, el estado ruso exigió a los compositores evitar el modernismo, el subjetivismo y el formalismo en la música, de modo que la canción para solista fue considerablemente simplificada por la mayoría de los compositores. Tanto en Rusia como en otros países europeos (como en la Alemania nazi) se cultivaron canciones políticas en unísono para el canto masivo, un tipo de canciones que también ha sido usado recientemente en China, en un estilo de clara derivación europea.\nLa canción popular cambió en poco tiempo, especialmente después del advenimiento de la radio y del gramófono. La balada de salón fue reemplazada después de la Primera Guerra Mundial por música popular comercial, la mayoría de origen o inspiración norteamericana. Esta música abarcaba casi exclusivamente canciones tonales estróficas, a menudo con estribillos ("coros"), basados en estructuras de 12 a 16 compases y manejando eclécticamente influencias diversas: el blues y el jazz norteamericanos, los spirituals, el estilo romántico tardío, las danzas latinoamericanas. Como en los siglos XVIII y XIX, muchas de estas canciones eran de origen teatral, incluyendo canciones de alta calidad como las de Irving Berlin, Cole Porter y Jerome Kern. En un modo mayor que la himnodia protestante del siglo XIX, esta música ha sido exportada hacia todo el mundo y ha hecho mucho tanto para difundir la música de origen europeo como para debilitar tradiciones musicales autóctonas. Durante la década de 1950, la canción popular comercial fue concebida hacia un mercado crecientemente juvenil. En la década de 1960, algunos de sus exponentes experimentaron con ella, incorporando elementos de la canción folklórica y de la música electrónica.\nLa canción seria en Estados Unidos refleja una variedad generalmente heterogénea de estilos (experimentalismo, técnica serial, estilo postromántico, música popular norteamericana, estilo neoclásico de Stravinsky, etc). Muchos compositores han contribuido a este repertorio (Ives, Virgil Thomson, David Diamond, Copland, Babbitt, etc.), aunque al igual que en otros países, la composición de canciones no ha estado generalmente en el centro de la atención de los compositores.


¿Sabías que la productividad de la construcción es más baja que la de toda la economía? - Clase Ejecutiva UC\n¿Sabías que la productividad de la construcción es más baja que la de toda la economía?\n¿Sabías que la productividad de la ...\nVeamos cómo ha evolucionado la productividad de la construcción en los últimos 20 años. Las empresas más productivas pueden aumentar su margen.\n¿Cómo podemos medir la productividad de la construcción? Comencemos por aclarar qué entendemos por productividad. Esta es definida como la capacidad de producción de un sistema por unidad de recurso. Ya sea trabajo o capital.\nLa productividad es un factor clave en el desarrollo de la industria de la construcción. Según un estudio de McKinsey Global Institute, las constructoras pueden aumentar su margen en 1% al incrementar su productividad en 25%.\nPara medir la productividad en la industria de la construcción, les presento las dos principales métricas macroeconómicas: Productividad Media Laboral y Productividad Total de Factores (PTF).\nProductividad Media Laboral: Representa el aporte medio de cada trabajador (L) en la producción en la industria (Y). Esta métrica es igual al cociente entre el PIB de la actividad y el número de empleados en la construcción.\nLa Productividad Media Laboral en la construcción en Chile disminuyó 3,1% entre 1996 y 2016. Ello contrasta con el importante aumento de la productividad evidenciado en toda la economía nacional en el mismo período (39,7%).\nA nivel internacional, podemos señalar que la productividad laboral en la construcción en Chile (7,7 US$/HH) es significativamente menor a la evidenciada en Estados Unidos (34,1 US$/HH). Y en los países de la Unión Europea (33,8 US$/HH).\nSin embargo, se debe destacar que la productividad laboral en la construcción en Chile ha decrecido menos que en dichos países (EE.UU.: -18,5%; UE: -3,3%) en los últimos 20 años (ver Figura 1).\nFigura 1: Productividad Media Laboral en la Construcción\nFuente: Elaboración propia con datos OCDE\nMás detalles sobre la productividad laboral en la construcción a nivel internacional en esta publicación en inglés de www.economist.com. Mira aquí.\nProductividad Total de Factores (PTF): Representa la contribución al crecimiento del valor agregado de la producción (Y) que no es justificado por los factores trabajo y capital.\nConsideremos una función de producción tipo Cobb-Douglas con rendimientos constantes a escala. Así, la PTF (A) puede ser calculada como el residuo entre el PIB de la construcción (Y) por encima del número de empleados (L) y el stock de capital (K) (ver fórmula).\nLa cuantificación de la PTF requiere un esfuerzo mayor respecto a la productividad laboral. Se debe valorar el parámetro α, el que indica la participación de la masa salarial en el producto de la actividad.\nLa participación del factor trabajo en la construcción puede ser calculado como el cociente entre los ingresos laborales y el producto interno bruto de la actividad, descontado de impuestos netos sobre la producción e impuestos sobre la renta (ver fórmula).\nA partir de las Cuentas Nacionales del Banco Central, se estima que en los últimos 20 años el trabajo representa en promedio el 34,2% de la producción en la construcción.\nRespecto a las variaciones temporales de esta métrica, se evidencia que la PTF en la construcción disminuyó 32,7% entre 1996 y 2016. Y la PTF de toda la economía nacional aumentó 7,3% en el mismo período (ver Figura 2).\nFigura 2: Productividad Total de Factores en la Construcción en Chile\nFuente: Elaboración propia con datos INE y Banco Central\nFinalmente, quisiera dejarles unas preguntas para reflexionar: ¿Cuáles creen que son las principales causas de la menor productividad de la industria de la construcción respecto al resto de la economía? ¿Qué medidas se deben tomar para cerrar esta brecha?\nAlgunas referencias de este artículo:\n● Banco Central de Chile (2017). Base de datos estadísticos, cuentas nacionales. Ver aquí.\n● Instituto Nacional de Estadísticas (2017). Estadísticas laborales, Encuesta Nacional de Empleo (ENE). Ver aquí.


Daredevil vs Punisher del 5 al 6 | We are The Thor Corps\nFinalizando con: Superman Up Up and Fly Away!\tCómo no ser un país potencia a la venezolana.\nDaredevil vs Punisher del 5 al 6\nThor_Maltes\tComics y mangas, Hablemos de Comics\tBreve, Daredevil, jackal, marvel knights, Mini Serie, Punisher, reseña breve, villanos menores\tDeja un comentario\nLlegamos, finalmente, a los dos últimos números de la mini serie. Donde todo se pone peor, de hecho el Castigador es llevado al hospital y la sub trama relacionada con ese joven que por alguna extraña razón hizo lo que hizo, aquí tomó una verdadera fuerza.\nCierto villano verde, el chacal, era la verdadera amenaza y ponerlo tras barrotes no era nada del otro mundo para él. Pero lo fuerte viene en el número seis donde todo explota. De nuevo se nos enfatiza las notorias diferencias entre el demonio guardián y el Castigador así como la esperada pelea final entre ambos.\nVemos también un breve recuento de como el veterano Frank Castle se dedica a hacer lo que hace y la cierta empatía que le tuvo al muchacho, aunque fue demasiado tarde para tal cosa. Y si bien, la mini serie es entretenida, si la comparo con las otras que he leído del personaje, es un tanto floja y que despacha tan olímpicamente a los villanos, es algo que me molesta un poco. Honestamente, creo que se nota que el título de la misma afectó demasiado todo el asunto, pero creo que deja muy bien parados a los personajes involucrados.


Sara Carbonero: 'No soy la única mujer que concilia trabajo y maternidad' | Moda | EL MUNDO\nSara Carbonero: 'No soy la única mujer que concilia trabajo y maternidad'\n"Sólo esperó que haya buena conexión Wi-Fi en el hotel, para no perderme nada de lo que haga Martín estas semanas", ha comentado.\nLa periodista ha asegurado que Iker se defiende igual de bien entre balones que entre pañales.\n¿Su secreto de belleza?, la hidratación.\nActualizado: 06/06/2014 09:55 horas\nA punto de hacer las maletas para viajar a Brasil con motivo del Mundial de Fútbol 2014, Sara Carbonero ha querido presentarse como embajadora de la firma de sandalias Ipanema.\nEl cielo de Madrid sirvió de telón de fondo para que ella, la chica del momento -un momento que se alarga desde hace más de cuatro años, ya que en 2010 protagonizó el 'momentazo' televisivo del Mundial con el beso que le dio el ahora ya padre de su hijo, Iker Casillas- presentase la colaboración con la marca. Una firma que además tiene como imagen internacional a la 'top' mejor pagada del mundo, Gisele Bündchen, y que sólo cuenta con una embajadora especial, Sara Carbonero en España.\nY no es de extrañar que las firmas se la rifen, ya que ella es toda una 'it girl'. Lo que viste se convierte en tendencia. Sara cuida mucho su imagen y escoge de manera minuciosa las firmas a las que la representa: "Estoy muy contenta de representar a Ipanema, no sólo porque me encanten sus sandalias sino porque me siento identificada con la firma, con su concepto de estilo de vida informal, fresco y juvenil. No quiero que nuestra colaboración se limite sólo a unas fotos, me gustaría implicarme con la marca".\nSara vive un dulce momento, no sólo profesional sino también en el ámbito personal también. El principal motivo es su reciente maternidad. Y es que hace apenas cinco meses que dio a luz a Martín y ya ha recuperado por completo su figura.\nPrecisamente el pequeño de la familia Casillas Carbonero ha sido quién ha acaparado gran parte del protagonismo en la cita. Aunque su popular madre ha rehusado las preguntas personales, sí ha hablado de su nuevo rol de madre trabajadora. El bebé ha cambiado su vida: "Es una gran responsabilidad, pero me aporta paz y tranquilidad, verle me da un plus de vitalidad cada mañana. Ser madre me ha servido para olvidarme de preocupaciones superfluas, porque ahora él es mi prioridad", ha afirmado.\nSi España consigue ganar el Mundial, su trabajo le hará estar lejos de su pequeño un mes entero. Sin embargo, es consciente de que aunque le es difícil apartarse de él: "No soy ni la primera ni la última mujer que concilia trabajo y maternidad", ha explicado. "Nunca me he planteado dejar de trabajar, me gusta mucho lo que hago, hay tiempo para todo. Sólo esperó que haya buena conexión Wi-Fi en el hotel, para no perderme nada de lo que haga Martín estas semanas", ha comentado la periodista.\nVolviendo a las sandalias, Sara asegura que es una prenda imprescindible dentro de su maleta: "Me llevaré muchos pares a Brasil, pero tengo que escoger porque tengo que llevar equipaje para un mes. Las que más me gustan son las de tonos metalizados, dorados, cobre... Porque me sirven tanto de día como de noche, con vestidos largos -como el de 'Etxar & Pano' que viste en la presentación- y también las de tonos flúor".\nGisele Bündchen, imagen internacional de la marca, diseña su propia línea de sandalias Ipanema, un proyecto que la periodista no descarta. "Me encanta la colección de Gisele, y salvando las distancias, me gustaría aportar mi granito de arena también en la firma". Y seguro que se convertirían en 'best sellers' porque la firma de Sara es sinónimo de éxito: su estilo es un referente y lo que viste se convierte en tendencia.\nY de tal palo tal astilla: a mamá 'it', bebé 'it'. Martín se ha convertido en uno de los hijos de 'celebrities' más mediáticos y su madre nota el cariño que despierta hasta por la calle: "La gente me para y me enseña que lleva incluso su foto en el móvil, noto mucho cariño hacia él, y eso me agrada. Antes me preguntaban por otras cosas y ahora el tema es él. Y yo encantada".\nOtras mamás famosas, como la brasileña Alessandra Ambrossio, no han dudado en posar para una campaña juntó a sus hijos, pero Sara por ahora esta opción no la contempla: "No hasta que él no decida por sí mismo, nunca se me ocurriría".\nCualquiera diría que acaba de ser mamá, Sara está más guapa que nunca, y se ha sumado al clan de mamás que se han recuperado de manera 'express' tras dar a luz. Ella dice que no se preocupa por cuidarse mucho, que su único secreto de belleza es: "Hidratación: para el pelo uso aceites, mucha crema corporal y protección solar", ha confesado.\nIker también estuvo presente. Al preguntarle sobre el ranking de jugadores del mundial más deseados que ha visto recientemente la luz, y que encabeza su pareja el portero de la selección, Sara no quiso opinar: "No le doy mucho valor a este tipo de listados, pero para mí solo está él", afirmó rotunda, y aseguró que Iker se defiende igual de bien entre balones que entre pañales.\nSobre el inminente mundial si se 'mojó'. ¿Una selección?: "Mis favoritas para el mundial, -después de 'la Roja'- son Alemania, Brasil, como anfitriona y la joven Bélgica." ¿Y un jugador?: "Diego Costa".


Historia Argentina - Organización política y social de las colonias - Guerras y Rebeliones en America - La sucesión Española\nEspaña se encontraba a fines del siglo XVII en un deplorable estado de postración y fue precisamente entonces cuando se plantea el problema de la sucesión al trono con el fin de Carlos II el Hechizado, último vástago de la rama de los Habsburgo iniciada con Carlos V; el país se había desangrado en sus guerras europeas y en su conquista colonización de América.\nFrancia. reclamaba derechos al trono español, la gran herencia de España y sus posesiones de América y Asia; alegaba para ello el matrimonio de Felipe IV de España con Isabel de Francia; por otra parte, reclamaba la herencia Leopoldo de Austria en virtud de su madre, que era hija menor de Felipe III.\nHubo además otros pretendientes a la sucesión: el elector de Baviera, nieto de la infanta Margarita, hija menor de Felipe III; el duque de Orleáns, el duque de Saboya.\nEl Imperio español había tocado fondo en el reinado de Carlos II, el último soberano de la Casa de Austria de cuya desaparición nacería una nueva monarquía.\nLuis XIV recurrió a la intriga diplomática y logró el triunfo sobre los otros aspirantes; cuando murió Carlos II, en su testamento hizo heredero al trono al duque de Anjou, nieto de Luis XIV, que ocupó el trono en 1701 con el título de Felipe V, el primer Borbón de España. Los Borbón, así contemplados, más que continuidad lo que dieron a la Monarquía fue un nuevo inicio.\nLa noticia de la muerte de Carlos II el 1 de noviembre en Madrid llegó a Versalles el 6 de noviembre. El 16 de noviembre de 1700, Luis XIV anunció en español que aceptaba la voluntad de su primo, y a continuación presenta a su nieto, de diecisiete años, a la Corte con estas palabras: «Señores, he aquí el Rey de España».\nComienza la guerra de sucesión (1701-1713)


4 apps en iOS y Android para estar informado sobre terremotos – eju.tv\n08/10/2017 - 11:39 Tecnología, Videos N\nLos sismos son fenómenos naturales que nos han tenido en alerta durante los últimos días, debido a los desastres ocurridos en varios lugares del mundo. Para ayudar a toda la población, existen distintas formas de estar informados sobre estos casos de emergencia, ya sea mediante periódicos, revistas o programas de TV. Además de ellos, hoy en día nos podemos informar de una manera más rápida y eficiente, teniendo toda la información en nuestro teléfono móvil, así estaremos un paso adelante ante situaciones de riesgo.\nTodo lo que quieras saber sobre los sismos lo tienes al alcance de tu mano con estas herramientas que te ayudarán a conocer la magnitud, la profundidad y el epicentro de donde proviene este fenómeno, entre otras opciones. En el listado verás dos opciones para iOS, y dos más para Android, así que tienes de donde escoger de acuerdo a tu sistema operativo.\nEsta app Android nos entrega una indagación concerniente de los sismos a nivel mundial a través de resultados filtrados por región, magnitud y agencia. Además, cuenta con diferentes opciones para ayudarnos en diferentes tareas: mapas de los últimos sismos, información de los eventos, actualizaciones constantes y mapas resumidos detalladamente de los movimientos de tierra acontecidos. Igualmente, el sistema nos permitirá compartir lo sucedido en varias redes sociales, así mayores usuarios estarán informados. EQInfo se puede adquirir en todos los móviles Android sin tener que pagar por ello.


(VÍDEO) Así trasladaban al sindicalista Humberto Monteros. Mirá la reacción de los vecinos.\nEsposado, con chaleco antibalas y casco. Las imágenes las protagonizó en esta ocasión el extitular de la Uocra Bahía Blanca Humberto Monteros en el balneario de Monte Hermoso.\nSociedad 11 de enero de 2018 Por Redacción Nación PRO\n(VÍDEO) El video de Diego Brancatelli haciendo ‘sandwichito’ con dos transformistas\nEl vídeo muestra a Brancatelli divirtiéndose en el boliche El Ángel de Gualeguaychú, junto a dos transformistas que realizan un show humorístico. El periodista estuvo en la zona porque comienza un programa de turismo y recorrió el área para grabar imágenes.\nSociedad 10 de enero de 2018 Por Redacción Nación PRO\n(VÍDEO) Escracharon a Facundo Moyano. “Chorro, ostentoso, ladrón”\nEscracharon a Facundo Moyano, hijo del sindicalista retirado, Hugo Moyano en momentos en que salía de la inauguración de un hospital sindical en el barrio de Caballito, en ésta Capital.\nSociedad 09 de enero de 2018 Por Redacción Nación PRO\nSantiago Cúneo no tuvo mejor idea que empezar a hablar de crisis económica en el país, al tiempo que afirmaba que Mar del Plata y el resto de las playas estaban vacías.\nCORRUPCIÓN K. Comprueban una millonaria maniobra de lavado entre Lázaro Báez y Cristóbal López\nSociedad 04 de enero de 2018 Por Redacción Nación PRO\n(VÍDEO) Santa Cruz: graves incidentes frente a la Legislatura por sueldos adeudados\nSociedad 29 de diciembre de 2017 Por Redacción Nación PRO\n(VÍDEO) María Eugenia Vidal se bajó de su camioneta y enfrentó a un grupo de guardavidas que le hacía un piquete\nEl vehículo de la gobernadora fue frenado por manifestantes.\nIncidentes en el Congreso: ordenan detener a dos manifestantes que quisieron matar a un policía.\nOrdenan la detención de César Arakaki y Lucas Sauret que quisieron MATAR a UN POLICÍA en Congreso\nSociedad 28 de diciembre de 2017 Por Redacción Nación PRO\n(VIDEO) Mirá cuando el Ultra K Juan Cabandié maltrató a una inspectora de tránsito y la hizo despedir de su trabajo\nParece que entre los kirchneristas está de moda maltratar y disminuir a las personas dependiendo su clase social.\nSociedad 26 de diciembre de 2017 Por Redacción Nación PRO\nFue a la Quinta de Olivos, pidió ver al Presidente y quedó detenido: llevaba una escopeta tumbera en el auto\nAfirmaba que traía regalos para el mandatario. El viernes habían descartado la presencia de explosivos tras una amenaza.\nSociedad 25 de diciembre de 2017 Por Redacción Nación PRO


Ética y reputación | Revista Decisión de Empresario Colima Manzanillo\nInicio > El poder de la persona > Ética y reputación\nGabriel Cortes, 7 meses 2 min de lectura\nPor: Sergio Ursua\n«La ética no es más que el intento racional de cómo vivir mejor»\n¿Cuánto tardamos en lograr que nuestra empresa tenga una buena y sana reputación? ¿Qué rol tiene la ética en esto? ¿Qué genera en nuestra empresa ser reconocidos por nuestra reputación?\nA simple vista y con base en la frase de Fernando Savater pareciera sencillo solo hacer el intento racional de vivir mejor y ya, pero en la empresa debemos ir un poco más allá. Para alcanzar el objetivo de tener una buena reputación hay que seguir una serie de pasos y así poder llegar a decir que nuestra empresa goza de una buena y sana reputación. ¿Por qué “sana” además de buena? Simplemente porque se logra con una conducta que debe estar basada en nuestros valores. No es como en el amor o la guerra. Para ganar reputación, no todo se vale.\nEn nuestra empresa hay que tener de entrada una clara definición de la estrategia empresarial (misión, visión y valores) y de todos los procesos internos que implican que se cumple esa estrategia. Además, hay que establecer si es posible con la ayuda de un experto en el tema, un análisis de las mejores prácticas que tengan que ver directamente con que en nuestra empresa se gane o se pierda reputación.\nUna vez hecho esto, lo que sigue es generar un código de ética, mismo que tiene que ser añadido a esa estrategia empresarial y debe ser dado a conocer a toda la organización a manera de lograr un compromiso sobre todo de los involucrados en esas prácticas importantes para la reputación.\nLa ética y el compromiso van de la mano. Es complicado lograr reputación con base en la ética si no hay compromiso por parte de los colaboradores. Un aumento en la reputación genera más compromiso de nuestros trabajadores.\nLa ética es el pilar del desarrollo de nuestra empresa y si bien en un esfuerzo compartido podría haber alguien en específico de nuestra empresa o algún experto externo, que se encargue de medir, verificar e implementar mejoras en este tema.\nDe entre las muchas ventajas que nos da el ser una empresa con ética es la diferenciación que le damos a nuestra marca, no solo con empresas similares, sino con todos los negocios en general. En resumen, más ética, mayor reputación, entonces mayor valor.\nAmpliaremos este tema en la siguiente entrega.


Adolescente violada se ahogó con sus fluidos; autores van a prisión | SANTA CRUZ | EL DEBER\nAdolescente violada se ahogó con sus fluidos; autores van a prisión\nTenía 17 años y vivía en situación de calle en El Torno; los tres detenidos fueron enviados al penal de Palmasola\nLos tres autores del hecho fueron enviados a prisión por orden de un juez\nLa muchacha que fue abusada sexualmente por tres sujetos en El Torno fue identificada como María Luciana S.C., y según el reporte de la Defensoría de la Niñez y Adolescencia de ese municipio, vivía en situación de calle, señaló el director de la Fuerza Especial de Lucha Contra el Crimen (Felcc), Gonzalo Medina.\nMientras tanto, los tres autores del hecho, Mario Alejandro S. P. (27), Johnny H. V. (29) y Oliver R. M. (19), fueron enviados preventivamente a la cárcel por el juez Roger Salvatierra, tras ser imputados por los delitos de violación seguida de feminicidio.\nEl fiscal José Tarqui argumentó que la joven, que tenía 17 años, presentaba desgarros genital y anal debido al ultraje sexual al que fue sometida. Los daños que le ocasionaron, además de la actuación conjunta de los tres detenidos, lo cual fue reconocido por ellos, fueron los argumentos que hicieron que el fiscal pida su detención preventiva.\nMedina acotó que la autopsia reveló que la causa de la muerte fue una broncoaspiración, es decir, que sus vías respiratorias quedaron obstruidas por fluidos, vómito o saliva, debido al excesivo consumo de alcohol. Además, el director de la Felcc señaló que la muchacha siguió siendo abusada sexualmente incluso cuando había fallecido.\nLos sujetos reconocieron haber mantenido relaciones con la muchacha, pero también dijeron que por el alto consumo de alcohol no recordaban todo con claridad. El informe forense certificó los daños severos por el ultraje sexual, aunque no reflejaba que la muchacha hubiese sido golpeada por los tres sujetos a quienes conoció en un local de expendio de bebidas y que luego la llevaron al departamento de uno de ellos.


Significado de octanaje - Definición de octanaje\nSignificado de octanaje\nm. Número de octanos de un carburante.\nPorcentaje de octano presente en la gasolina.\nLa noción de octanaje refiere a la cantidad de octanos presente en un carburante. Para comprender qué es el octanaje, por lo tanto, debemos saber el significado de octano y de carburante.\nUn octano es una clase de hidrocarburo que dispone de 8 átomos de carbono. Un carburante, por su parte, es una combinación de distintos hidrocarburos que se utiliza para lograr el buen funcionamiento de un motor.\nEl octanaje es la escala que permite calificar al poder antidetonante de los carburantes, cuando éstos son comprimidos en el cilindro que forma parte de un motor. Esta escala, también conocida como índice de octano, considera a una determinada combinación de hidrocarburos como base para poder realizar la comparación correspondiente.\nLos motores son más efectivos cuando lograr emplear un índice de comprensión elevado. Para mantener esta efectividad, sin embargo, es necesario que los carburantes (entre los que pueden nombrarse a la gasolina) estén en condiciones de tolerar el nivel de comprensión sin que se produzca su detonación o una combustión precoz.\nEn ese caso, cuando se lleva a cabo la compresión, el combustible detonará de forma prematura y el pistón será golpeado con brusquedad, lo que reducirá el rendimiento y puede generar perjuicios en el motor.\nEl octanaje, en definitiva, refleja la calidad del combustible. Si el combustible tiene un alto octanaje, se evitarán las detonaciones prematuras y se incrementará la liberación de energía útil.\nEl octano (o n-octano) es un alcano lineal de 8 carbonos, de fórmula C8H18, y tiene varios isómeros que en ocasiones son llamados de la misma forma. Es una molécula orgánica.\n(octano) m: Unidad que expresa el poder antidetonante de los carburantes, como la gasolina.... Ver definición\n(Octano) Índice de una escala convencional usado para identificar, por medio de valores numéricos, las propiedades antidetonantes de las naftas o gasolinas.\n(octano) 1) Término con el que se describe la habilidad de una gasolina para resistir las detonaciones de la máquina generadas por la combustión. 2) Octano motor. Prueba a la que se somete la gasolina en condiciones severas de operación. ...\nSignificado de octano\nSignificado de octante\nSignificado de octava\nSignificado de octavilla\nSignificado de octavín\nSignificado de octavo\nSignificado de octavó\nSignificado de octavos\nSignificado de octingentésimo


Eclipse solar en Donhierro el día 6 de diciembre de 2067 (España)\nInformación completa con todos los datos y horarios necesaria para poder observar el eclipse del 6 de diciembre de 2067 desde Donhierro (España), donde se verá como eclipse parcial.\nHora de inicio del eclipse: 15:50:22\nHora de finalización: 16:16:09\nLos siguientes datos corresponden al eclipse solar parcial que será visible en Donhierro el día 6 de diciembre de 2067.\nEl eclipse parcial comenzará a las 15:50:22, en ese momento el sol se encontrará a una altura de 16° sobre el horizonte.\nLa hora prevista del máximo eclipse (momento en el que la luna ocultará el mayor porcentaje de sol) serán las 16:03:18. En este momento el sol se encontrará a una altura de 15° y su acimut será de 221°. La luna cubrirá el 1.3% del sol.\nEl eclipse finalizará a las 16:16:09 momento en el cual dejará de ser visible desde Donhierro. La altura del sol al finalizar será de 13° sobre el horizonte.


Nueva Castellana III - Y las cocinas, ¿que? - NuevosVecinos.com\n/Y las cocinas, ¿que?\nY las cocinas, ¿que?\nMe acaban de decir en NM que esperan que esta semana puedan empezar ya a montar las cocinas. Solo están esperando a que les contacte La Gestora para que les den las llaves. Ya tienen desde hace tiempo las cocinas en Madrid esperando a ser montadas\nNo entenderé que La Gestora demore el comienzo del montaje de las cocinas una vez que ya no tiene que ir nadie de la CAM o Ayuntamiento a los pisos para nada.\n¿Sabe alguien por otro conducto cuando empieza el montaje?\nDe las cocinas nada de nada, hasta que no le den las llaves a la gestora no pueden empezar a colocarlas.\nLas tienen en un almacén pero no han empezado a colocar ninguna.\nESTA MAÑANA HE VISTO EN LA PARCELA COMO DESCARGABAN MUEBLES DE COCNIA...ME DA LA SENSACION QUE HAN EMPEZADO, Y QUE SI EN ESTOS DIAS SE CONSIGUIERAN LOS PAPALES DE LA CAM Y DEL AYUNTAMIENTO, SE PODRIA EMPEZAR A FIRMAR SOBRE EL 25.\nMe alegra lo comentado anteriormente por cargarrod. Espero que montando 12 cocinas al dia como dijeron en nuevo milenio, podamos ir avanzando satisfactoriamente. Es verdad, eso de posible firma el 25? estamos a espensas de ello para irnos o no unos dias fuera de vacaciones, me figuro como otros vecinos. Por lo que comentan en la gestora, hasta que no reciban el papel del CAM no pueden ir a pedir el de primera ocupación al ayuntamiento, será así o me he enterado mal? Gracias por informarnos.\nHan iniciado la semana pasada el montaje de las cocinas. Han dejado en la puerta un contenedor para tirar posibles desperdicios. Esperemos que todo vaya bien montado y listo en agosto para poder trasladarnos en septiembres sin problemas.\nNM trabaja contrarreloj y me han dicho que están descargadas y metidas en sus pisos la mayoría de las cocinas, aunque no todas están montadas. Si no es para el viernes, sería para la semana que viene, por lo que no os asusteis si entrais en casa y veis un montón de cajas por enmedio. Según me han dicho, van por el portal n.º 3 (no se si empezarían por el n.º 1).\nHace cuestion de un mes llamé para informarme de cuando iniciaban a montarlas, y me dijeron que empezaban en julio( retrasándose una semana, nada mas), y que montaban 10 o 12 diarias. Como tenían muchas cocinas apartadas en un guardamuebles, creo que por eso les viene bien llevarlas a cada piso, y luego por orden de portales, empezando por el 1º, irán montándolas. Está genial, que estemos dentro cuando las monten, para corregir en el momento posibles desperfectos, y no tener que decirlo pasados unos meses. Así incluso, podemos llevar electrodomésticos y ponerlos a la vez. UNA DUDA! En un lado de una pared, hay 2 enchufes, uno para nevera y otro para horno ; si deseamos columna de frigo, horno y micro, hay que hacer un apaño\npara colocar tres cosas, es así?? Se lo podemos pedir a los instaladores?? gracias vecinos.\nYo también tengo horno/micro/frigo. Supongo que NM se encargará de dejarlos enchufados... es lo mínimo. Que tengan que poner un ladrón o algo parecido ya es cosa de los instaladores. Pero vamos, porque no hay luz, que de lo contrario deberían dejarlos funcionado.\nYo también prefiero que los monten conmigo delante... además la semana que viene tengo las mañanas libres, o sea que mejor aun.\nNosotros tambien estaremos llevando cosas. Como van por orden de portales, si estais de los primeros puede que esteis presentes, pero si estamos de casi los últimos, tú me dirás?? En el bloque que entregaron en Sanchinarro, tambien NM, se lo apañaron allí, lo de la columna de frigo, horno y micro.\nESTA MAÑANA SIGUEN DESCARGANDO ELECTRODOMESTICOS POR LOS PORTALES DE BURGUETE...EN LAS SEMANAS ANTERIORES ERAN POR EUNATE.....ME DA LA SENSACION QUE LA PROXIMA SEMANA ESTAN MONTADAS, AUNQUE......LAS COCINAS QUE VAN CON PIEDRA, QUE TARDAN ALGO MAS....TAMBIEN?\nSiguen montando cocinas, van por el portal n.º 4, con bastante retraso. De montar 3/4 cocinas diarias no pasan.\nSi pero ademas, hasta septiembre no empiezan a poner las encimeras ya que la fabrica esta cerrada ahora en agosto. (dicho por NM).\nAlguien tiene algun telefono o contacto con nuevo milenio?, ya que la tienda parece que esta cerrada,y si es asi alguien sabe cuando abren la tienda??\nSolo comentar que esta mañana me pasé por allí y los muebles del portal 6 (eunate 10) ya están montados. Y además había varias encimeras en el portal, de varios de nuestros pisos (no sé decir si todas eran de un determinado material...). Pero por el amor de Dios, espero que nos las pongan en breve... se supone que montaban las cocinas se montaban bastante rápido y ya vamos para un mes... En mi caso al menos, con todos los muebles en el recibidor impidiendo el paso, habría dado exactamente igual firmar el 3 de agosto que a principios de septiembre...


La portavoz del gobierno Gabriela Cerruti informó que los jubilados y otros sectores no contarán con un bono antes de fin de año. Además, rechazó que se vaya aplicar una devaluación y un ajuste.\nGabriela Cerruti, portavoz gubernamental, descartó la posibilidad de que a fin de año el Gobierno nacional otorgue un bono adicional para jubilados o para otros beneficiarios de planes sociales, más allá del 1.100.000 personas incluidas en el Plan Potenciar Trabajo que el 20 de diciembre recibirán un “aguinaldo” de $ 8.000.\n“No se está evaluando, no existe esa posibilidad en este momento. El Plan Potenciar todos los años paga en diciembre una especie de aguinaldo porque es un plan que está pensado con otro tipo de trabajo, es un plan social vinculado al trabajo”, expresó en la conferencia de prensa que brinda todos los jueves..\nGabriela Cerruti está mañana al confirmar que no habrá un bono para los jubilados para fin de año.\nAntes de las preguntas de los periodistas acreditados la portavoz detalló varios números de la economía que difundirá este viernes el Ministerio de Trabajo que muestran un aumento del empleo registrado de 129 mil personas, es decir un 1,2% respecto de febrero de 2020.\nAl ser consultada sobre una posible devaluación en la economía del país, sostuvo que “éste es un Gobierno que no va a hacer un ajuste, sino que lleva adelante una política de crecimiento con inclusión”, y subrayó que “eso se verá en el presupuesto” que se discute en el Parlamento. ”\n“Es un presupuesto de crecimiento, que refleja los índices que creemos que la Argentina sostendrá”, remarcó Cerruti quien también se refirió a una redistribución dentro del presupuesto 2022 del dinero que se destinará a la educación, luego de que se conocieran evaluaciones a los alumnos argentinos realizadas en 2019 donde el rendimiento escolar había decrecido.\nTags: Bono fin de año, descartado, gabriela cerruti, jubilados


Culminó la búsqueda de cuerpos del accidente aéreo en Portuguesa - Radio Fe y Alegría Noticias\nLas autoridades dieron por terminadas las labores de búsqueda tras el accidente aéreo del pasado 20 de enero en el que fallecieron 4 habitantes de Boconó, en Trujillo.\nEl accidente ocurrió a eso de las 11:30 de la mañana del pasado miércoles en San Genaro de Boconoito, estado Portuguesa. Zona con límite muy cercano al municipio Boconó del estado Trujillo.\nEl helicóptero MD500, siglas TV200T, sufrió fallas mecánicas y cayó en las aguas de la represa de Portuguesa. Era piloteado por Elio Marccacio, quien estaba acompañado de 3 tripulantes.\nEl cuerpo de Bomberos, la Policía Nacional y regional realizaron una intensa búsqueda de recuperación de los cuerpos para trasladarlos al municipio Boconó.\nEl primer cuerpo encontrado fue del piloto y empresario Elio Marccacio el pasado 21 de enero. Ese mismo día, en horas de la noche, hallaron el cuerpo de Habib Santos. Y este viernes culminaron las labores al encontrar los cuerpos de Moisés Selvi y Euclides Quintero.\nDocentes en Guárico vuelven a la calle este 5 de octubre


Principios decorativos: detalles - decoración con detalles\nPrincipios decorativos: detalles\n28 noviembre, 2013 7 noviembre, 2013 por Ernesto\nPara concluir por medio de este post con las principales consideraciones a tener en cuenta a la hora de emprender un proyecto de decoración, otros factores serán explayados.\nConcretamente se abarcará el área correspondiente al contraste, las proporciones y el color. Son los retoques finales para concluir con la tarea de embellecer diferentes habitaciones a conciencia.\nEl contraste se logra colocando elementos que son completamente opuestos como pueden ser los cojines negros ubicados en un blanco sofá; pero también a través de las formas mezcladas como círculos, triángulos, rectángulos y cuadros interactuando ente sí.\nSon justamente los detalles los que, respaldando la propuesta de color existente ayudan a establecer características exclusivas en cada decoración. No es lo mismo contrastar un picaporte de cromo con otros elementos presentes que uno elaborado de plástico.\nPor medio del contraste se genera personalidad al ambiente, resaltando pequeños detalles que pasarían desapercibidos. El problema radica en la mala utilización de los contrastes; ya que si esto ocurre se compromete drásticamente la estética general de la habitación.\nUn exceso de contraste puede literalmente tirar por la borda todos los esfuerzos previos por lograr una vivienda confortable y estéticamente privilegiada. Es aconsejable comenzar paulatinamente a trabajar con esta técnica hasta lograr la seguridad necesaria para tomar decisiones propias.\nEn cuanto a la proporción, en decoración hace referencia a la relación de un elemento decorativo con respecto a otro o la ambientación en general. Dentro de este concepto, puede agregarse la escala como algo similar pero a la vez diferente; ya que puntualmente se analiza el tamaño del objeto comparado con otro.\nLos colores son esenciales en cualquier vivienda a decorar. Sirven como fondo de cualquier escenario hogareño y, como se ha visto en post anteriores, cada uno de éstos tienen un significado exclusivo ligado directamente a los estados de ánimo.\nCategorías Habitaciones, Ideas, Interior, Salas Etiquetas colores, contraste, decoración, detalles, escala, proporción Navegación de entradas\nPrincipios decorativos: temática


La Orquesta Aragón celebra 80 años de historia en el Teatro Colsubsidio\nLa historia de la música latinoamericana y cubana no podría explicarse sin la presencia de un acto que, en 2019, cumple ocho décadas de historia. La Orquesta Aragón fue fundada en Cienfuegos por Orestes Aragón, carpintero de profesión, y no solo fue popular por interpretar el son, sino que también fue inspiradora del mambo, además de que ayudó a definir la identidad musical del continente durante la década de los 40, los 50 y los 60. En la agrupación destacaban sus tres violines, la flauta y el cello y hacía parte de la música de cuerda que se tocaba originalmente en los bailes y fiestas de salones de la blanca burguesía en los años 40 y que, con la llegada de la radio a la isla, pudo compartirse con toda la población. En principio la banda actuaba en la radioemisora CMHD de Cienfuegos y tocaron su primer baile el 9 de octubre de 1939.\nDesde 1955 la legendaria orquesta se estableció en la capital cubana y luego, al año siguiente, salió por primera vez del país a Panamá. En 1957 tocaron en Venezuela y en 1958 llegaron por primera vez a los Estados Unidos. Desde entonces, no han dejado de conquistar territorios nuevos en todo el globo, convirtiéndose incluso en una banda celebrada hasta la histeria en el Japón y Europa. Con una definición explícita de los planos rítmicos y melódicos en el que cada uno de los instrumentos tiene bien definida su función musical, complementándose unos a otros, como es evidente en sus arreglos musicales, la Orquesta Aragón ha construido algunos de los clásicos más notables del cancionero tropical latinoamericano. “El bodeguero”, “Cachita”, “El organillero”, “Que suene la flauta” o “Yo tengo una muñeca” hacen parte ya de la memoria sonora de una lengua tan prolífica como el castellano y son himnos que han sido coreados por varias generaciones. Su música es el testimonio vivo del poder de la tradición oral.\nCon una producción extensa en la que converge la charanga, el son, el cha cha o el mambo, entre muchos otros ritmos, y una alineación que ha aprendido a renovarse con los años, la Orquesta Aragón de Cuba es uno de los tesoros vivos más importantes de la isla. Su charanga eterna es siempre dinámica y la experticia de sus intérpretes sólo compite con su atronador entusiasmo en escena, permitiendo que cada uno de sus shows sea una experiencia para la alegría y el reconocimiento de una herencia viva que se resigna al olvido y que presenta un argumento de calidad para las nuevas generaciones sobre la importancia de estos valores estéticos. No en vano nuestra holandesa favorita, Maité Hontele, quiso grabar todo un álbum junto al icónico conjunto. Este viernes 7 de junio la Orquesta Aragón estará presentándose en el Teatro Colsubsidio Roberto Arias Pérez y compartirá con los asistentes ocho décadas de historia en curso. El tiempo pasa, pero la Aragón es eterna.


Misión venezolana Barrio Adentro cumple 9 años con más de 500 millones de consultas — teleSUR\nLunes 16 de Abril de 2012, 10:06 amMisión venezolana Barrio Adentro cumple 9 años con más de 500 millones de consultas\nLa Misión Barrio Adentro es un programa social de servicios gratuitos. (Foto: AVN)\nLa Misión Barrio Adentro nació tras el golpe de Estado del 11 de abril de 2002 con el objetivo de garantizar el acceso a los servicios de salud de la población que había sido excluida durante los gobiernos anteriores a la Revolución Bolivariana. La Misión Barrio Adentro es un programa social de servicios gratuitos. (Foto: AVN)\n"Barrio Adentro vino para cambiar el modelo de la salud", expresó la vicepresidenta venezolana para el Área Social, Yadira Córdova. (Foto: chavez.org.ve) La Misión Barrio Adentro de Venezuela cumplirá este 17 de abril nueve años con más de 500 millones de consultas médicas gratuitas a beneficio del pueblo venezolano, como parte del programa social que ha emprendido la Revolución Bolivariana liderada por el presidente Hugo Chávez.\nEl presidente de Venezuela, Hugo Chávez, expresó vía Twitter desde La Habana, Cuba, donde se realiza el tratamiento de radioterapia, que "Viva BarrioAdentro! Esta es la Misión de Vanguardia. Desde aquí, siguiendo mi tratamiento, felicito y celebro los 9 años de BarrioAdentro".\n"Saludos a todos y a todas allá en Petare-Santa Lucía! Honor a Cuba! Honor a Venezuela! Esto es sólo posible en Socialismo! El Reino De Dios Aquí", agregó.\nLa vicepresidenta venezolana para el Área Social, Yadira Córdova, expresó durante una entrevista para la estatal Venezolana de Televisión que "Barrio Adentro vino para cambiar el modelo de la salud; cómo debía estar la atención primaria, garantizar que en las comunidades estuviese la asistencia que requerían las familias y un modelo que asegurara la prevención". Asimismo, señaló que esta misión también cambió el modelo de gestión, "el papel del Estado frente a lo que significa la salud del pueblo". Informó que para está misión actualmente se están formando ocho mil 170 médicos y médicas integrales, que "permitirán garantizar una atención primaria" al pueblo venezolano. “La Misión Barrio Adentro y médicos integrales van a ser una referencia para la transformación de la práctica médica en todo el país”, apuntó.Córdova destacó que Barrio Adentro fue la primera misión que nació tras el golpe de Estado del 11 de abril de 2002, que perpetró la derecha nacional e internacional. Además, ha sido "uno de los logros más notables del convenio de cooperación entre Cuba y Venezuela". Está cooperación en materia de salud inició con el servicio de médicos cubanos, a quienes se han sumado ocho mil 170 médicos integrales comunitarios, recientemente acreditados por la Universidad Bolivariana de Venezuela (UBV). La vicepresidenta para el Área Social explicó que en los próximos meses se graduarán nuevos galenos, formados con "otra visión de salud, más humana y menos mercantil (...) Año a año iremos graduando más médicos, es una meta de la Revolución".La Misión Barrio Adentro es un programa social de servicios gratuitos que cuenta con el apoyo de médicos cubanos y venezolanos, que se han desplegado por toda Venezuela para garantizar el acceso a los servicios de salud de la población excluida. Asimismo, Barrio Adentro tiene como objetivo orientar a la población para lograr una mejor calidad de vida.\nPresidente de Venezuela destaca labor de médicos en su día\nLa vida de la Revolución Bolivariana II


ABABO - Estado del Trámite de la Ciudadanía Española\nABABO - Trámite de Ciudadanía Española\nFacilite y acelere su trámite de Ciudadanía Española encontrando familiaries Ababo que ya han realizado o están realizando el trámite de su ciudadanía. Los trámites de Ciudadanía Española requieren de mucha documentación difícil y cara de obtener, por lo cual reutilizando la documentación de sus familiares Ud. puede acelerar y facilitar su trámite de Ciudadanía Española.\nAbabo: Ciudadanía Española\nSeguramente algunos de sus familiares Ababo ya obtuvieron su Ciudadanía Española.\nPara obtener la Ciudadanía Española\tUd. necesitará contar con documentación tal como partidas de nacimiento originales de europa, certificados de no naturalización argentina, registros de inmigración, etc... de sus antepasados Ababo de nacionalidad Española.\nDiscusión sobre Ciudadanía Española para la familia ABABO\nAgregue sus comentarios a la discusión sobre Ciuidadanía Española para el apellido ABABO:\nABRAMOWICZ ABRAMOWIEZ ABRAMOWIG ABRAMOWITZ ABRAMOWSKA ABRAMOWSKI ABRAMOZUK ABRAMS ABRAMSKA ABRAMSKI ABRAMSKY ABRAMSOHN ABRAMSOLIN ABRAMSON ABRAMSON PRONSHAN ABRAMSONAS ABRAMSTCHIK ABRAMTDCHIK ABRAMTSCHIK ABRAMUFF ABRAMUK ABRAMUNICK ABRAMZAN ABRAN ABRAN MELON ABRANAVICO ABRANCA ABRANCATO ABRANCHER GARCIA ABRANCHEZ ABRANCO ABRANCZIK


Guía completa para trabajar con la Santa Muerte - International Santa Muerte\nGuía completa para trabajar con la Santa Muerte\n¡Bienvenido y gracias por mostrar interés en Santa Muerte!\nEsta guía está destinada a repasar TODO lo que necesita para adorar a la Santa Muerte.\nCómo comenzar una relación con Santa Muerte.\nCómo construir un altar y cuidarlo.\nLas muchas ofrendas y regalos para Santa Muerte.\nCómo rezar a Santa Muerte y pedirle su ayuda.\nPuede leer este documento directamente o puede hacer clic en cualquier enlace de subtítulo rojo para ir a esa sección en particular.\nSanta Muerte, la Flaquita, la Dama huesuda, la Dama bonita, la Dama flaca, la madre de la muerte. Si bien usa muchos apodos y adopta una variedad de formas físicas, Santa Muerte es simplemente la personificación de la muerte. Ella es responsable de una gran multitud de milagros.\nSanta Muerte puede ayudarlo con casi cualquier cosa imaginable.\nProtección para tu familia?\nO quizá un poco mas de suerte?\nTodo esto y mucho, mucho más están dentro del alcance de la práctica de Santa Muerte.\n¡Permítanos asegurarle que la Santa Muerte ejerce un poder e influencia extraordinarios sobre su vida, lo haya solicitado o no!\nElla siempre está presente, siempre ha estado presente y siempre estará presente en su vida.\nComo dice el famoso dicho: «Solo hay dos cosas garantizadas en esta vida: «muerte e impuestos». No importa dónde vivas, cuál es tu educación, cuánta riqueza tienes o qué tan bien te cuidas. Eventualmente, te familiarizarás mucho con la Santa Muerte. Sin embargo, como pronto aprenderá, esto no tiene la intención de causar miedo y malestar, ya que está en excelentes manos.\nCulturalmente, Estados Unidos tiende a ser diferente de México, así como de otras culturas, ya que los estadounidenses generalmente se sienten incómodos con la idea o el pensamiento de la muerte, mientras que otras culturas lo ven como lo que es: una inevitabilidad. Al formar una relación con la Santa Muerte, puedes encontrar paz, consuelo y comodidad en tu propia mortalidad, lo que te permitirá vivir la vida al máximo.\nAl final, ¿no es eso lo que todos buscamos? ¿Una vida feliz, plena, abundante y divertida?


Constructora Deinco Ltda de BOGOTA, BOGOTA\nInformacion Empresas Colombia > Constructora Deinco Ltda\nDatos de contacto de Constructora Deinco Ltda\nInformación Empresas: Constructora Deinco Ltda\nToda la información de Constructora Deinco Ltda de . Telefono, dirección, ventas, empleados, balances, últimas noticias sobre Constructora Deinco Ltda y mucho más.\nCARRERA 23 50 21, , , BOGOTA, BOGOTA Cómo llegar\nNIT de Constructora Deinco Ltda\nInforme Completo de Constructora Deinco Ltda\nCARRERA 23 50 21, , , BOGOTA, BOGOTA\nAccede al informe ampliado de Constructora Deinco Ltda\nResumen identificativo Constructora Deinco Ltda:\nLa empresa Constructora Deinco Ltda se encuentra ubicada en la localidad de BOGOTA, en el departamento de BOGOTA. El domicilio social de esta empresa es CARRERA 23 50 21, , , BOGOTA, BOGOTA.\nLa forma jurídica de Constructora Deinco Ltda es SOCIEDAD LIMITADA y su principal actividad es "Construccion de edificios no residenciales".\nSi está interesado en conocer más datos de la empresa Constructora Deinco Ltda, puede acceder inmediatamente al Informe Ampliado y consultar los administradores, las publicaciones de esta empresa, así como todos los indicadores financieros, sus balances y cuentas de resultados disponibles. Acceda al Informe Ampliado de Constructora Deinco Ltda desde aquí.\nInforme de Constructora Deinco Ltda\nEl teléfono y la dirección de Constructora Deinco Ltda ((1)2104142), empresa ubicada en BOGOTA, es procedente, tratada y suministrada a través de las bases de datos de Informa Colombia S.A. En la ficha actual podra encontrar, si estuviese disponible, información sobre el NIT, el teléfono o el domicilio fiscal de Constructora Deinco Ltda.\tAdemás de los datos de empresa, podrá conocer los datos comerciales de Constructora Deinco Ltda con datos como el rango de capital, el tamaño por empleados, la evolución de ventas o las marcas registradas de Constructora Deinco Ltda.\tEn todo caso, la información que proporcionamos debe ser tenida en cuenta sólo como un elemento más a considerar a la hora de adoptar decisiones comerciales y no debe por tanto determinar las mismas.


Los cuatro factores que benefician a CR7 en su conflicto fiscal - Mi otra liga\nLos cuatro factores que benefician a CR7 en su conflicto fiscal\nCristiano Ronaldo ha sido acusado en las últimas semanas de haber evadido impuestos. Sin embargo, hay diferentes factores, hasta cuatro, que hablan a favor del delantero del Real Madrid en este proceso y que ha destacado el portal Palco 23, especializado en asuntos financieros y publicitarios en el mundo del deporte.\nEl primero de esos factores deja claro que Cristiano Ronaldo no creó una empresa en las Islas Vírgenes con el objetivo de defraudar. Fue en el año 2003 y con 18 años, cuando nadie sabía hasta dónde podía llegar, cuando cedió sus derechos de imagen a una mercantil radicada en dichas islas. Sus asesores legales ingleses se lo recomendaron, él los escuchó y las autoridades británicas consideraron legal dicha cesión de derechos tras inspeccionar la estructura fiscal.\nEn segundo lugar, los abogados de Cristiano Ronaldo tomaron la decisión de ejecutar una regularización fiscal en 2014, al entender que la estructura fiscal que estaban manejando podría no ser la correcta. Según esta información, el luso pagó más de 10 millones de euros de forma voluntaria antes de que se abriera una Inspección. Es más (lo que supone el tercer factor), las autoridades tenían conocimiento de las rentas de Cristiano en el extranjero, del mismo modo que de sus vínculos con Tollin, la sociedad mercantil a la que cedió sus derechos, y de sus cuentas bancarias en Suiza.\nPor último, también juega a favor de Cristiano el hecho de que el portugués no creó una sociedad específicamente para ceder los derechos de imagen, como sí fue el caso de otros futbolistas. El portugués cedió sus derechos a precio de mercado, y no por un precio simbólico con el fin de tributar su salario en el Impuesto de Sociedades y no por IRPF. Cristiano no es accionista de esas sociedades y su primera cesión de derechos se produjo en el año 2003, cuando no era el monstruo mediático en el que se ha convertido con el paso de los años.