el violinista que nunca supo hacer un vibratto: mayo 2012\nEjercicio Nº 7: Videoproyecto\nEjercicio Nº 6 de grupo: "Cadáver exquisito"\nEjercicio Nº 5: Videomontaje\nEjercicio Nº 4: Videoclip\nAudio (Banda sonora)\nEjercicio Nº 3: Spot\nEjercicio Nº 2: Dos Haikus\nEjercicio Nº 1: Plano secuencia\nÉrase una vez un rey en su lecho de muerte.\n¡Terrible forma de comenzar un cuento!\n¿Será que quizá no es un cuento?\n¿Y qué será entonces?\nUn hecho histórico, a lo mejor.\nUn monarca que fundó una dinastía que todavía hoy se perpetúa.\nUn rey que consiguió que en sus tierras hubiese paz y prosperidad.\nEn Suecia, donde fue amo y señor gracias a las gracias de quienes hicieron posible su subida al trono.\nEl rey es despojado de sus riquezas y su cuerpo yace desnudo en horizontalidad mortuoria.\nEn su cuerpo… ¡Hay algo!\nHay algo escrito en él…\nEn lengua francesa…\nDice… ¡Dice “Muerte a los reyes”!\nHay que tratar de esconder esta infamia… No debe salir a la luz.\nSin duda, aquella inscripción sobre la epidermis solo podía pertenecer a tiempos lejanos.\nEsta anécdota corrobora que todos tenemos un pasado.\nAllá cuando el rey fue militar en la Francia de la Revolución Francesa.\nCuando Carlos XIV Juan se llamaba en realidad Jean-Baptiste Bernadotte.\n"Un anuncio y cinco cartas" de Enrique Jardiel Poncela\nAcrílico sobre lienzo pegado a tabla\n41 x 33 cm (2012)\nBoceto original (año 2004)\nPublicado por nosoydali en 2:48 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\nA día de hoy, Chris Marker sigue siendo uno de los fantasmas vivos menos conocidos por el público. Referente imprescindible del género de cine-ensayo (podríamos decir que casi fue su padre biológico), su leyenda siempre ha estado alimentada por una política personal propia de no querer “dejarse ver” demasiado. Como a otros personajes de la cultura al estilo Salinger, a Marker no le debe gustar ser consciente de que su trabajo importa y mucho a la gente del mundo. La fama le resulta áspera. A sus más de noventa años, Marker sigue en la brecha junto a alguno de sus contemporáneos y amigos como Resnais (con quien trabajó en piezas audiovisuales tan importantes como “Nuit et brouillard” o “Les Statues meurent aussi”) o Varda. Formó parte de “La rive gauche”, nacida casi al mismo tiempo que la Nouvelle Vague. Después, se fue desmarcando para generar un estilo propio, gestando obras tan importantes como “Sans soleil” o “Lettre de Sibérie”. La “Jetée” puede considerarse una obra bien distinta de todas las demás de Marker. Definida por él como “fotonovela”, “La Jetée” resulta una historia de ciencia ficción extrañamente bella. Sus imágenes (en este caso “imágenes” literalmente hablando, fotografías) nos narran la historia de un hombre que viaja en el tiempo debido a un experimento político-científico llevado a cabo durante la Tercera Guerra Mundial. Marker construye un interesante relato con tan solo un puñado de fotografías, una voz en off narradora, música y sonidos ambientales. Para el espectador es posible que muchas de esas imágenes, muchos de esos personajes-actores, pasen desapercibidos. Marker no da puntadas sin hilo y su vida personal (sus amigos, sus recuerdos, aquello que para él tiene relevancia y solo él lo sabe y no nosotros) aparece retratada en cada una de sus instantáneas, más allá del relato ficticio que nos presenta. Podría decirse, de hecho, que Marker parte de su propia realidad para construir dicha ficción a expensas nuestra. Con “La Jetée”, Marker consiguió el reconocimiento internacional. Actualmente puede adquirirse en Dvd dentro de un pack sobre Chris Marker que el sello Intermedio ha sacado al mercado. Al resultar un autor poco rentable a nivel económico, Marker parece negársenos a los que nos encontramos ávidos de él. Sus obras apenas son difundidas y localizarlas resulta a veces cuestión de un milagro. Esto, sin duda, contribuye a construir su leyenda.\nHay un momento claro en la filmografía de José Luis Garci en la que su carrera se ve partida en dos etapas bien diferenciadas: la primera, aquella que nace del momento que vive España de transición democrática. En ella, podemos encontrar títulos como “Asignatura pendiente” o “Solos en la madrugada”. Otra, en la que hay una revisión clara del pasado cultural español. En este caso, encontramos adaptaciones literarias de Galdós, Pérez de Ayala, Mihura, Sagarra. Luego, hay otros filmes difíciles de clasificar dentro de estos dos momentos, como las dos versiones de “El crack”, que más parecen relatos desligados de un momento histórico. Podría decirse que son homenajes al film noir, ficciones deudoras del cine clásico. Por último, tenemos películas como “Las verdes praderas” o “Volver a empezar” (su obra maestra). Es esta última, concretamente, las más “garciana”. En “Volver a empezar” se pone de manifiesto una seña de identidad del director español: su interés por las relaciones entre los personajes (entiéndase “relación” por “encuentro” y “conversaciones”), relaciones en las que a ser posible se produzca una rememoración de tiempos pasados. Dos personas que, tras muchos años de amistad, vuelven a juntarse para hablar con nostalgia de lo que han sido sus vidas. Este cine, heredero de títulos como “Tú y yo” de Leo McCarey, se sitúa dentro de un terreno complicado para el espectador: Cine íntimo, cine sentimental. “Canción de cuna”, es una película bisagra, pues se encuentra entre aquellos dos momentos en un principio mencionados de la trayectoria cinematográfica de Garci. Es una película que adapta la obra de uno de los autores más importantes de la literatura española de principios de siglo XX, Gregorio Martínez Sierra. Por otro lado, es una historia que nos habla del mundo íntimo del ser humano. Esta película es una historia de mujeres. “Canción de cuna”, como tantas obras, llevaba la firma pública de Martínez Sierra y la privada o secreta de su mujer, María Lejárraga. Una escritora que vivió a la sombra de su marido, para el que siguió escribiendo incluso cuando él la dejó por otra. En “Canción de cuna” se observa claramente la mano de una mujer, de María Lejárraga. Y esta mano resulta perfecta, pues de ella brota la clara belleza de la obra. Una historia aparentemente ya manida por los melodramas de le época: un recién nacido es abandonado en un convento. Desde “Currito de la Cruz” hasta “Marcelino pan y vino” hay sobrados ejemplos. No obstante, como ya hemos dicho previamente, esta historia no es una historia de monjas sino de mujeres. El propio Garci conocía la obra, de niño la había escuchado dramatizada por la radio. Cuenta que es de las pocas veces en las que sintió cómo algo se conmocionaba dentro de él, algo hermoso. El filme nos habla de esas vidas que dejan de vivir apartándose de las cosas mundanas para encomendarse a Dios. Unas mujeres que acaban teniendo que ser madres, que han de encargarse de una tarea para ellas un tanto extraña. La forma en que cada una lo afronta perfila a los personajes otorgándoles una visión del mundo, individualizándoles. “Canción de cuna” es de esas películas misteriosas que obran de nosotros un pequeño milagro. Algunos de los culpables de este hecho, además de los ya mencionados: Manuel Rojas, director de fotografía. Zurbarán invade cada uno de los fotogramas gracias a una naturalista iluminación. Manuel Balboa, cuya banda sonora es un regalo para los oídos. Alfredo Landa, Fiorella Faltoyano o Maria Luisa Ponte en el reparto. Esta versión de “canción de Cuna” es la última de un total de cinco y, a mi juicio, la más sobresaliente.\nPublicado por nosoydali en 14:02 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\nAhora que está tan de moda el film “The Artist” convendría volver la vista atrás en la historia del cine para encontrar otros ejemplos sobre la propia historia del cine. A algunos desmemoriados o simplemente demasiado jóvenes, quizá les haya pasado inadvertidos una película que trata también sobre un momento de la historia del cine en el que el cine mudo comenzó a hablar. Se trata de “Singin in the rain” (“Cantando bajo la lluvia” aquí en España), un film de los años cincuenta dirigido por Stanley Donen en colaboración con Gene Kelly. Este último, actor, bailarín, cantante… Un todoterreno de los que ya no quedan. Curiosamente, los años treinta tenían en común con la época actual un rasgo bien importante: la situación crítica que atravesaba la económica. El cine se estaba convirtiendo en una fábrica de sueños, en una forma de olvidar por un momento las preocupaciones para deleitarse con canciones, coreografías y argumentos novelescos. “Cantando bajo la lluvia”, a pesar de haber sido realizada veinte años después, consigue que nos olvidemos por un momento de nuestros disgustos para enfrentarnos a una historia deliciosa de principio a fin. Da la sensación de que nada puede faltar o sobrar en esta película. Y, sin embargo, el título de la cinta puede despistar, alejarnos del asunto de corte histórico en el que se basa la película. Todo cinéfilo tiene grabado en su memoria a Don Lockwood (Kelly) despidiéndose de Kathy (Debbie Reynolds) y regresando a casa mientras cae sobre el una lluvia de leche. Gene Kelly rodó esta escena de estudio con fiebre y, en efecto, mojándose con una lluvia que acabó trucándose con líquido lácteo para que la cámara apreciase mejor “el agua”. Cosmo Brown, papel interpretado por Donald O´Connor, es el compañero inseparable de Don y, por cierto, es uno de los descubrimientos del film. Derrocha talento a raudales. Es el toque de humor más sobresaliente, pues en general todos los personajes viven felices, alegres, a pesar de sus penurias (es lo que tienen los musicales). Por otro lado, no podemos olvidar tampoco a Cyd Charisse, la bailarina que aseguró sus piernas por cinco millones de dólares. La pregunta del millón: ¿Quién compuso la banda sonora de la película? La respuesta es Nacio Herb Brown. Su partitura tiene mucha culpa del éxito obtenido del film, y apenas suena en la cabeza de los espectadores o entendidos, a diferencia de otros compositores clave en los Films de Kelly (Gershwin, Bernstein, etc.) Como colofón final, comentar que “Cantando bajo la lluvia” explica infinitamente mejor los problemas que sufrió la industria con el advenimiento del sonoro: el problema de actores con voces inadecuadas, de desincronización de sonido e imagen, el problema de un sonido todavía primitivo y lleno de imperfecciones. Toda una lección de historia a la par que de entretenimiento perfecto.\nCuando Carlos Saura realizó este film, en su filmografía ya se contaban títulos como “La caza”, “Peppermint Frappé”, “La prima Angélica” o “Cría Cuervos”. Su etapa de cine más comprometido (esto es, más original, más personal) daba a su fin. Llegaba la transición, todo cambiaba de pronto para una generación de cineastas que había nacido a mediados de los años cincuenta con las Conversaciones de Salamanca, llenos de expectativas por cambiar el modelo de cine español. Saura siempre fue de los más activos y de los más presentes en el panorama cinematográfico. Sus historias, muchas de ellas guionizadas junto con Rafael Azcona, eran claramente reconocibles. La seña de identidad del aragonés se acentuaba con la admiración y amistad que sentía por Buñuel. Cada una de sus películas brilla por un halo de misterio, de inquietud, de reflexión interior. “Elisa, vida mía”, destaca de entre todas las anteriores por ser la película más íntima, más reflexiva. Saura no solo fue reconocido en nuestro país sino que supo hacerse entender en el extranjero. En Cannes, esta película fue valorada (como otras anteriores como “Cría Cuervos”, la cual también estuvo nominada en los Óscar) con el premio al Mejor Actor, Fernando Rey. Su personaje es el de Luis, un hombre ya mayor que vive recluido en una casa en el campo. Su hija Elisa (Geraldine Chaplin) va a su encuentro tras años sin hablar con él. Ella se encuentra en la misma situación que él: necesitan alejarse de las cosas mal llamadas mundanas, están cansados. Necesitan reencontrarse a sí mismos. El pasado inevitablemente vuelve a sus vidas con este encuentro y comienzan a sentirse unidos, casi como una sola persona. Un filme donde todo resulta intimista, donde prima la necesidad de la conversación para tratar de comprender. Hasta las propias Gymnopedies de Satie, tan recurrentes y manidas como tema musical, parecen sonar en este film como algo no escuchado hasta el momento, algo totalmente novedoso. La escritura resulta una forma imprescindible de recorre el interior humano, así como las otras artes. Eso sí: siempre desprovistas de toda intención estética, tratadas como recurso necesario de expresión, nada más. “Elisa, vida mía”, sigue resultando aún con el paso de los años, hipnótica. Cargada de un halo de trascendencia que se deja sentir en cada momento, como un palpitar leve pero continuo, es marca de la casa. En la actualidad, se echa de menos este tipo de películas en su director. No obstante, Carlos Saura siempre ha hecho lo posible por renovarse, por cambiar. El género musical (concretamente el flamenco, aunque también los fados, el tango, etc.), el histórico… Hay muchos Sauras, y de cada uno podría quedarme con un ejemplo, pero si he de elegir uno me quedo con el Saura de la primera época. El Saura de las historias con Geraldine Chaplin (aunque no me haga especialmente gracia en sus interpretaciones). El Saura de los sesenta-setenta. Maravilloso.\nFue su primera película y, para muchos, la mejor de la historia del cine. Orson Welles venía de revolucionar el mundo con su particular retransmisión radiofónica de la obra de otro Wells (H.G.) “La Guerra de los mundos”, cuando La R.K.O. le dio carta blanca para llevar a cabo dos filmes en sus estudios. “Citizen Kane” fue el primero, y “The Magnificent Ambersons” la segunda (mutilada por la propia R.K.O. en su duración hasta cuarenta minutos). La idea era presentarse al público del séptimo arte con la historia de un personaje basado en la figura de William Randolph Hearst. Para ello, escribió un guión en colaboración con Herman J. Mankiewicz (hermano del famoso director) y se valió de actores con los que había trabajado durante su etapa en el Mercury Theatre (destacando entre ellos a su amigo Joseph Cotten). Charles Foster Kane es un magnate que ha dirigido “en la sombra” la historia de América desde finales del siglo XIX hasta casi mediados del XX. Suyos son la práctica totalidad de los periódicos, a los cuales se ha encargado de insuflar el amarillismo que, en adelante, se hará común en los medios de comunicación. De él se conoce su vida pública pero apenas se sabe algo de su vida privada. La película trata de introducir al espectador en este mundo haciéndole partícipe de las diferentes versiones de dicha realidad: los noticiarios, los investigadores, la gente que le conoció… Diferentes puntos de vista para contar una historia de megalómanas pretensiones. He aquí un de los aciertos de la película. Welles aportó un nuevo “enfoque” cinematográfico que sorprendió en gran medida y que determinó los derroteros del cine en buena parte. A pesar de que en un primer momento los estudios desconfiaron de este jovencito, poco a poco fueron siendo conscientes de su enorme talento (de hecho, las primeras filmaciones las realizó clandestinamente arguyendo pruebas de fotografía). “Ciudadano Kane” posee una construcción argumental y narrativa bien sólida y no deja de sorprender a quienes la ven con el paso de los años. Hay otros factores que deben observarse a la hora de emitir un juicio sobre el filme: La música, compuesta por un Bernard Herrman todavía desconocido y que revolucionaría el mundo de la banda sonoro. Y es que Herrmann es uno de los primeros compositores que se dedica a escribir partituras que no sean un mero elemento decorativo, o una bella ilustración de las imágenes. Además, está Robert Wise en la labor de montaje, que resulta importantísimo en esta película. Después acabaría poniéndose tras la cámara en películas tan celebradas como “West Side Story” o “The Sound of Music”. La historia de Welles no solo es la historia de un histriónico magnate (uno de sus caprichos es tratar de atesorar todas las obras de Arte de la Historia para luego albergarlas en una gran edificación que casi es un mundo aparte: “Xanadú”), sino la historia de sus pasiones, siempre universales. La ambición destaca por encima de todas ellas al representar el mayor incentivo de Kane. Tratar de hacer suya a América intentando atesorar también a los que en ella viven. Esto lo intenta tratando de controlar lo que leen, tratando de controlar el modo en el que se informan, mediante los periódicos, pero también presentándose como presidente de la Casa Blanca. “Rosebud” es la última palabra que dice al morir, y en realidad, el cebo con el que se teje toda la historia cinematográfica. Tratando de averiguar a qué se podía referir con ella, comienza a despertarse el apetito en el espectador. Así, conocemos que la historia de Kane es la historia de sus fracasos… La historia de un niño sin infancia al que se obligó a jugar al rol de adulto mediante el dinero. He aquí la moraleja.\nEra la España de principio de siglo XX y, sin embargo, parecía la de ahora. He ahí donde reside la vigencia de Valle-Inclán. Aquel personaje, más que escritor, que pasó de ser un modernista entusiasta de Rubén Darío a un fiero poeta de acerada prosa. Aquello que deseaba contar se escapaba al verso y era menester el comentario fluido, exento de artificio. Su “esperpento” no era más que uno de los espejos del Callejón del Gato expuesto en el escenario, mostrando al espectador el espectador mismo. Aunque el espejo decía ser deformante, lo era para hacer caer a quien lo miraba en la realidad de las cosas. Solo deformando la visión de la realidad llegaba a comprenderse. Todo un cuadro goyesco de personajes y situaciones grotescas y miserables donde cualquiera podía verse reconocido. Máximo Estrella y Don Latino son un Don Quijote y un Sancho Panza contemporáneos, testigos de revueltas callejeras, de lugares donde se reúnen tipos siniestros de la más baja estofa, de la puesta en escena de todo tipo de ideologías. La noche les acoge como espejo deformante en el que contemplar una España que representa todos los pecados capitales, donde se esconde la virtud y se muestran (y se premian) los malos hábitos, la degeneración humana. Todo cuanto trata de esconderse sale cuando las luces se van. Lluis Homar lleva a cabo una versión de Luces de Bohemia bien sencilla, porque lo que pesa es el texto y la dramaturgia. Será acaso el suelo el mayor protagonista escenográfico, cubierto todo de libros. Allí van a caer los personajes, sobre él caminan y flaquean. El uso de las escaleras (que llevan nuevamente al suelo) resulta también determinante para dividir la escena en dos planos… e incluso en tres si mencionamos las trampillas que conducen más allá del suelo a un estrato desconocido, por debajo de nuestra mirada. En cuanto al repertorio, mencionar nombres tan conocidos para el público como Gonzalo de Castro, Isabel Ordaz, Miguel Rellán, todos ellos ya veteranos del oficio. Como música, un piano y un violín, que nos recrean los cafés castizos, aquel San Ginés de chocolatada, espejo y humo de cigarro, de tertulia. Más de dos horas de representación donde uno no puede dejar de mirar al escenario. En escena hasta el 25 de marzo. Representaciones con aforo completo. Para no perdérselo.\nEn el año 2010, Michelangelo Frammartino sorprendió en el Festival de Cannes con una cinta entre el documental y la ficción titulada “Le quattro volte”. En ella, podíamos ver cómo transcurría la vida en un pueblecito calabrés. El ciclo natural encontraba representación en cuatro elementos: un viejo pastor, su rebaño de cabras, un abeto y carbón. A través de ellos, el espectador se enfrentaba a la cotidianidad, a ese “no pasa nada” de la vida diaria. El tiempo parece detenerse o ir más lento. Al menos eso nos parece, al encontrarnos tan poco acostumbrados a ver este tipo de cosas en pantalla. Y es que la vida, al contrario que la narrativa de ficción a la que nos encontramos más habituados, es mucho más sencilla de lo que queremos creer (aunque interiormente lo sepamos). La cámara, a través de la cual vemos, aparentemente sigue aquello que filma y espera, es paciente. Parece depender de algo que no controla, que es aquello que filma. ¡Nada más lejos de la realidad! Todo esto no son más que triquiñuelas, pues cada plano está más que pensado. La naturaleza es en realidad la que se doblega al director, solo que dentro de un pacto tácito y secreto en el que nosotros no hemos sido invitados. La idea de que en los pueblos todo es mucho menos complicado y más rutinario es en realidad una falacia como una casa. Ciertamente, la gente que vive en las ciudades, es menos consciente de esto e incluso sufre una especie de trastorno al pasar de un lugar a otro. Cada cosa tiene sus particularidades y quien es de un sitio se acostumbra a su entorno, qué duda cabe. No obstante, este filme tiene la peculiaridad de sorprender con lo más sencillo, con lo que acaba resultando más natural. ¿Será que nos hemos “desnaturalizado” y vemos ya con otros ojos?\nDon Rodrigo de Arista Potestad, Conde de Albrit, Señor de Jerusa y de Polán, regresa a España tras un pasado frustrado como indiano en las Américas. Su hijo ha muerto y la que fue su mujer, Lucrecia, ha viajado desde Madrid con sus dos hijas para encontrarse con don Rodrigo en el pueblo natal de este. Lucrecia es recibida con todo tipo de agasajos mientras que don Rodrigo resulta, para el pueblo de Jerusa, un estorbo. Las fuerzas vivas del lugar (representadas en el alcalde, el cura y el médico), corruptas hasta el tuétano, viven por y para Lucrecia, que representa la ayuda económica que recibe Jerusa. Anteriormente lo fue don Rodrigo, pero al encontrarse arruinado tras sus años de aventuras al otro lado del mar, ya no les impone ningún respeto ni interés. Para Lucrecia, don Rodrigo también es un personaje e cierto modo incómodo. Leonor y Dorotea son quizá los pocos apoyos que tiene su abuelo, junto a Pío, un viejo maestro que ahora se dedica a darle clase a las nietas de este. El “león de Albrit”, que así se hace llamar don Rodrigo debido a su fuerte carácter y personalidad, viene dispuesto a ajustar cuentas con el pasado, y esto incumbe a los demás personajes. José Luis Garci llevó a cabo esta memorable adaptación de la novela de Galdós, sin duda la mejor de sus tres versiones cinematográficas (hay una muda realizada por José Buchs y otra de Rafael Gil titulada “La duda”). Horacio Valcárcel representa un buen apoyo en cuestiones de guión para Garci, y a esto hay que sumarle la espléndida fotografía de Rafael Pérez Cubero y la ambientación de Gil Parrondo (otros dos escuderos fieles del director). Por si esto fuera poco, el film cuenta con una música compuesta por Manuel Balboa (uno de sus últimos trabajos) que bebe de las mejores fuentes sinfónicas (además de versionar una de las Gymnopedies de Satie, el tema principal y sus variaciones son un homenaje al “Nimrod”, de Elgar). En la película tiene un gran peso la interpretación memorable de Fernando Fernán Gómez (con ella ganó un premio Goya), pero también son de estimar las del resto de sus compañeros, entre los que cabe mencionar a Agustín González (que da vida al perverso “Senén”) o la de Rafael Alonso haciendo de “Pío”, su última interpretación y una de las más recordadas. El abuelo fue una producción de 1998 y fue nominada a los Óscar como Mejor película de habla no inglesa.\nPublicado por nosoydali en 13:44 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\nEspaña no ha tenido nunca en su historia lo que podríamos denominar una auténtica influencia cinematográfica. Sí han existido casos reseñables como el de Buñuel o el de Almodóvar, pero lo cierto es que la fama les llegó siendo considerados más como extranjeros que como españoles. “Un perro andaluz” figura en los manuales de cine como una película francesa, “Un chien andalou” (lo cual no resulta tan descabellado). El cine español se valora en otros países por su pintoresquismo, por su toque exótico. Otros autores como Berlanga encuentran difícil traducción a la hora de ser exportados. Este es el problema de hacer un cine con una idiosincrasia tan peculiar y concreta… que a veces solo lo entiende el público propiamente autóctono.\nEn España ha prevalecido siempre un cine más o menos mediocre, contándose con los dedos de una mano los casos que se escapan de esta consideración. Se considera, por tanto, un cine más o menos de calidad, al que trata de proponer planteamientos un poco más interesantes que aquellos a los que se tiene acostumbrado al público. Esta novedad muchas veces resulta incomprendida e incluso criticada. Fue el caso por ejemplo de Benito Perojo, uno de los pioneros más importantes de la historia de nuestro cine español. Perojo era un cosmopolita que había hecho todo cuanto estaba en su mano por aprender el oficio de cineasta de la mejor manera posible. Por eso, en cuanto pudo, no dudó en salir al extranjero para perfeccionar su técnica. Él era consciente de que los medios de los que disponía España para el desarrollo de su industria eran escasos e insuficientes.\nCuando decidió llevar a cabo sus proyectos en Francia o en Alemania, e incluso de dotarse de técnicos extranjeros para rodar en España, fue vapuleado duramente por críticos y compañeros. Ellos sabían que era uno de los mejores cineastas españoles, y quizá por ello los ataques fueron más encarnizados.\nPerojo fue uno de esos directores que iluminó las salas de cine españolas con alternativas a un cine poco interesante. Por aquel entonces, los empresarios no veían interesante el negocio del cine y apostaban poco por él. Muchos de los realizadores eran espontáneos que se lanzaban a la aventura buscando una suerte incierta en sus trabajos. Perojo procedía de una familia desahogada económicamente y esto sin duda resultó ser un factor positivo a favor de sus sueños de celuloide.\nCuando llevó a cabo el film “El negro que tenía el alma blanca”, Perojo contaba con una sólida carrera cinematográfica a sus espaldas. El éxito de sus películas le daba carta blanca a sus proyectos. Corría el año 1927 cuando decidió adaptar en Francia la célebre novela de Alberto Insúa. Contrató a una jovencísima Conchita Piquer para el papel protagonista femenino y a Raymond de Sarka para el masculino. La buena acogida del público le llevó a realizar una nueva adaptación (esta ya sonora) en los años treinta con Angelillo como estrella (en los años cincuenta Hugo del Carril realizaría la última de las tres versiones cinematográficas).\nA pesar de que ahora las cosas han cambiado bastante, el asunto del film debió resultar bastante moderno para la época, y que no era otro que la superación de las barreras racistas.\nPeter Wald, un famoso bailarín de music-hall, decide contratar a Emma, una chica de clase baja con pretensiones de artista, como pareja para sus números artísticos. En un principio, a Emma la asusta el color negro de Peter (lo ve casi como un demonio y llega a tener pesadillas con él), pero poco a poco va salvando los obstáculos infundados de los prejuicios para acabar, gracias a él, saliendo de la miseria en la que se encontraba.\nPeter tiene en común con Emma ese espíritu de fortaleza. Él supo abrirse camino confiando en su talento y rompiendo con los estigmas sociales que se tenían sobre las personas de su raza. De criado en una familia adinerada en España pasó a ser botones en una famosa sala de fiestas parisina y, de ahí, a convertirse en un gran bailarín de Charleston.\nEntre Emma y Peter está el padre de esta, don Mucio, personaje entrañable donde los haya que hace todo lo posible para que su hija llegue a ser lo que ella siempre deseó. Gracias a su empeño cumple su gran sueño y consigue la felicidad.\nPeter va poco a poco enamorándose de Emma y desea por todos los medios que ella también le quiera. Aquí entran los problemas raciales en escena, pues Emma no puede desear a Peter por ser negro. Poco a poco, ella irá dándose cuenta que lo que de verdad importa es la bondad de Peter, su “alma blanca”.\nTras este film, perojo realizaría su primera incursión en el sonoro, “La bodega”, también con Conchita Piquer. Tras esta, las malas relaciones entre el director y la actriz se hacen patentes y la unión cinematográfica concluye, siendo más del gusto del director para los futuros papeles Imperio Argentina. Curiosamente, Piquer acabaría trabajando con Florián Rey, quien a su vez había sido marido de Imperio Argentina y que había acabado separándose de ella tras éxitos como “Nobleza baturra” o “Morena clara”.\n“El negro que tenía el alma blanca” contó para los efectos especiales con Segundo de Chomón, otro de nuestros pioneros y experto en trucajes al estilo de Meliés aprendidos en la casa Pathé (también viajó y trabajó en Francia e Italia, colaborando en importantes producciones como “Cabiria” de Pastrone o “Napoleón” de Gance). Este fue su última intervención cinematográfica.\nDestacar, por último, las cualidades de doña Concha para el baile, concretamente del baile moderno de la época, ya que en el film hubiese resultado complicado oírla cantar (a pesar de que ya había hecho una prueba con sincronización de disco en América). De no ser por el no ir en cueros, nada habría tenido que envidiar a la mismísima Josephine Baker.\nLlevaba encerrado en la habitación una semana entera y el poco tiempo que le quedaba libre lo dedicaba a salir para hacer compras, comer y dormir. Se había propuesto lijar por entero el suelo de su dormitorio. Tras cerca de diez años de uso ininterrumpido para cualquier cosa que se prestase, el parquet se encontraba en un estado lamentable. Había sido y seguía siendo la habitación de un hombre inquieto en todos los sentidos. En ella pintó, esculpió, bailó, rodó alguna peliculita e incluso durmió (y cuando la cama que utilizaba era ocupada por algún invitado, dormía en un colchón que ponía en el suelo). En esta habitación jugó solo y acompañado cuando fue niño, trajo de adolescente a amigos que luego desaparecieron de su vida o permanecieron en ella, mantuvo sus relaciones formales e informales con chicas y, sobre todo, se forjó como persona creadora en búsqueda de un futuro que dar a su vida. Dentro de aquellas cuatro paredes salieron algunas de sus obras más importantes y otras no tan importantes aunque necesarias para su formación.\nMientras pasaba la lija por la madera veía cómo aquellas marcas, que habían servido de testimonio de todos los años pasados, desparecían a favor de un nuevo suelo impoluto. Sus dedos amenazaban con perder las huellas digitales a fuerza de trabajar sin protección de guante alguno. Por la boca había entrado una gran cantidad de polvo directo a sus pulmones. Y él reflexionaba entre todo esto, pensando en todo lo que habían abarcado esos casi diez años. Para él, aquel lugar se encontraba lleno de significado, iba unido a su propio ser tal y como lo entendía en la actualidad. Se imaginó: “Ojala no tuviera que abandonarte en tantas ocasiones y pudiera suceder todo aquí.”\nPero, ¿acaso no habían sucedido grandes cosas allí dentro? ¿Acaso no había imaginado mundos increíbles, vivido experiencias inconfesables, participado en historias apasionantes sin necesidad de traspasar aquellos muros? Recordó su condición de hijo único y los beneficios que ello le reportaba. La imaginación, por encima de todos. La soledad había sido convertida por él en muchas ocasiones como un valor a explotar en lugar de verla como una desventaja.\nPor eso, valoraba ese cuadro de Chirico tanto. Había olvidado cuánto tiempo llevaba colgado en forma de reproducción “La vuelta de Ulises” en una de las paredes de su habitación. Él nunca supo cuál era el nombre del cuadro, pero tampoco le interesaba. Temía incluso conocer el título porque seguramente le decepcionaría respecto a la idea que de él se había formado. Le gustaba simplemente por todo ese mundo surrealista que el pintor italiano había generado en una habitación que bien podía ser la suya.\nEn una de aquellas tardes de sofocante calor (había esperado a que fuese verano para poder abrir la ventana después de barnizar), se levantó del suelo, todo lleno de “polvo amarillo” y se sentó en el borde de la cama. Miró al frente, a su ventana, que daba a un patio azul de sábanas colgadas. Poco a poco, imaginó que aquel azul era el color del cielo reflejado en el mar y que aquellas sábanas eran lienzos que servían de velas para pequeños barcos. El aire caliente entonces se soportaba mejor por tener tan cerca un puerto refrescante. ¿Y por qué no? ¡Que vengan las cosas a verme a mí y no yo a ellas! Estoy cansado de salir de casa, de abandonar esta habitación…\nLuego, miró al sol, una bombilla absurdamente encendida en mitad del día y que colgaba en el techo de la habitación. Todas aquellas telarañas que la rodeaban de esquina a esquina bien podían ser nubes grisáceas y los huevos que algún insecto plantó entre el gotelé del cielo seguramente podían sustituirse por pequeñas estrellas o grandes constelaciones.\nLa sábana tirada en una punta del suelo, bajo la ventana, era en verdad una muchacha recostada de espaldas y, sobre ella, lo que podían ser cojines eran en realidad pequeños montecitos verdes de un campo primaveral.\nA la izquierda, una cometa recogida parecía el árbol que daba sombra a la muchacha, que había comenzado a cantar una canción. La voz procedía en realidad de una vecina que comenzaba a recoger alguna sábana, pero esto realmente importaba bien poco.\nLa librería pegada a pared de la derecha siempre quiso ser una pequeña biblioteca de Alejandría. Sus libros se amontonaban en varias filas en cada estantería, y sus tamaños y colores organizaban curiosamente el caos que ellos mismos habían formado en su anárquico orden dispuestos.\nEl bote de líquido tóxico que utilizaba para quitar el barniz antiguo hacía días que se había caído derramando su interior. Había formado un pequeño arroyo que él no había dejado de respirar día tras día.\nLlamaron a la puerta. ¿Quién podría ser? Estúpidamente pensó: “Un antiguo amor arrepentido que deseaba imaginar conmigo un nuevo mundo”. Fue a abrir. El interfecto en cuestión era un entendido de arte que había conocido de la existencia del barnizador artista y que se mostraba interesado en sacar rentabilidad de él. Todo un prócer de nuestra época. “Nada tengo ya mío. Todo esto se ha creado en mi imaginación y no puedo ofrecérselo. Si quiere, le puedo narrar lo que veo.” Y entonces comenzó a desgranar pequeños detalles de los que iba dándose cuenta mirando aquel “Jardín de las delicias”. El invitado al jardín asentía maravillado bajo aquel abrigo amarillo y aquel bigotito insignificante. “Pero ahora no me moleste más, porque espero una orquesta”. El hombrecito se fue obediente afirmando que volvería en otra ocasión y, mientras se cruzaba con veinte hombres que entraban en ese momento cargados de instrumentos, se despidió con una sonrisa enigmática.\nTodos aquellos músicos entraron incomprensiblemente en aquel reducido espacio. Iban ataviados con pelucas y trajes coloridos de siglos pasados. Ninguno se sentó (como no contaban con que no hubiera sillas, no las trajeron de palacio). Tocaron la Tocata y Fuga de Bach muy despacio, pero con brío.\nCuando concluyeron la ejecución de la pieza, regresaron por donde habían venido de la misma forma que antes. Uno de ellos, al pasar por el lado del hombre sentado en el borde de la cama, le dijo: “Termina ya de barnizar el suelo y déjate de jerigonzas.”\nPublicado por nosoydali en 5:57 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\nPublicado por nosoydali en 4:23 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\nSe encuentra en la lista de los pocos filmes elegidos por la Unesco como “Memoria del mundo”. Su concepción como una obra megalómana por parte de su creador, Fritz Lang, lo demuestran los datos que así la definen: 170 minutos de duración (en su origen) como resultado de 310 días de rodaje en los estudios UFA y con quince mil extras actuando. “Metrópolis” ha sido una de las obras más ambiciosas (en todos los sentidos) de la Historia del Cine y también una de las peores tratadas. La Paramount no tardó en adquirir los derechos de la misma y hacer con ella todo cuanto se le antojó. Una de las cosas que más traían de cabeza en dicho traspaso era el excesivo metraje del film. ¿Cómo podían hacer de aquello algo digerible para el espectador medio americano? Comenzaron así una serie de montajes y remontajes que acabaron mutilando el film hasta límites insospechados. Luego llegó la guerra y el olvido. Incluso el propio Lang pareció dar por perdida la reconstrucción posterior de su propio film. “¿Por qué tanto interés en una película que ya no existe?” le preguntó en una ocasión a Robert Bloch, el autor literario de “Psicosis”. La respuesta está en que “Metrópolis” representa, a día de hoy, un icono del cine de ciencia-ficción y una terrible fábula del mundo del progreso, por aquel entonces en plena ebullición. El guión fue obra de la por entonces mujer de Lang, Thea Von Harbou, la cual acabaría afiliándose a las dilas del régimen fascista con la llegada de Hitler al poder. Lang puso tierra de por medio ante una propuesta del ministro de cultura nazi Goebbels de hacerse cargo de los estudios cinematográficos donde, paradójicamente, había rodado Metrópolis, acabando su carrera en Estados Unidos con filmes de mucha menor calidad (destacando algunos como “Perversidad” o “La mujer del cuadro”). “Metrópolis”, que antes de ser guión fue novela (escrita también por Harbou), narra la historia de una ciudad futurista (se ambiente en el año 2021), con todos los adelantos imaginables e inimaginables, ideada por Johan Fredersen y construida por todo un mundo subterráneo de obreros que continúan trabajando hasta la extenuación por mantenerla. Freder, el hijo de Fredersen, vive ajeno a este infierno en el “cielo” superior, rodeado de privilegios y lujos, llevando una vida frugal y frívola. Un día, conoce a María, al subir esta en uno de los ascensores que conectan el “mundo” con el “inframundo”. Nada más verla se siente cautivado por ella y viceversa. Pero María es obligada a volver al mundo de donde proviene, y Freder corre tras ella. Es así como conoce todo ese mundo que hace posible que él sea tan feliz. Poco a poco va tomando conciencia y poniéndose en contra de su padre al defender a todas esas personas pertenecientes a ese otro mundo, el de los obreros. María funciona como figura esperanzadora para todos aquellos hombres y mujeres deseosos también de rebelarse contra ese poder establecido que les condena a su dura vida. Su mensaje es de paciencia, de espera. Pronto llegará un tiempo en el que todo se arreglará. María se presenta como líder espiritual que habla como representante de una justicia divina. Es la bondad personificada. Sus mensajes los proclama en unas catacumbas que bien pueden recordarnos a aquellas donde se refugiaron los cristianos en la antigüedad.\nEl film tiene como su definición un mensaje: “El mediador entre el cerebro (el poderoso) y la mano (el trabajador) ha de ser el corazón”. Este pensamiento defendido por el partido nacional socialista es una de las cosas que nos remiten a Harbou ineludiblemente y a ese tufillo ciertamente fascista que desprende el film. Por otro lado, la visión del mundo de la noche, el de la fiesta y la desinhibición, se muestra como algo ciertamente negativo y reprobable, otra de las cosas que juegan en contra del film y de su visión del mundo. Porque, otra de las cosas que refleja Metrópolis es una visión del mundo, con sus críticas y sus cosas constructivas.\nHay otra figura importante en la película, la del científico Rotwang capaz de rivalizar con el mismísimo doctor Frankenstein. Fredersen tuvo en común con este personaje el haber tenido un mismo amor: Hel. Con ella, Fredersen tuvo su hijo Freder, y esta murió al dar a luz. Rotwang trabaja para devolver a la vida a esta mujer de quien estuvo enamorado, y no dudará en usarla en contra del padre, del hijo y de la ciudad entera.\nEl filme, realizado en 1927, acabó convirtiéndose en uno de los mejores exponentes del expresionismo alemán del momento, junto a otros filmes como “El gabinete del Doctor Caligari” o “Nosferatu”. La construcción de imponentes escenarios y de impresionantes maquetas para llevarla a cabo, hacen de esta película una obra de arte en sí misma. Una de las influencias de Lang fue su visita a ese “Nuevo Mundo” que era por entonces New York.\nLa banda sonora, compuesta por Goffried Huppertz es, a pesar de su corsé clásico en lo que a sinfónico se refiere, una partitura atrevida y vanguardista. Ella también ha sufrido diversas reconstrucciones siempre dependientes de los montajes más o menos fieles que se podían realizar con los materiales disponibles. Fue en el año 2008 cuando la historia de Metrópolis sufrió un considerable avance. Y es que se encontró en Buenos Aires una copia del filme con 26 minutos hasta el momento inéditos del filme. Al parecer, se trataba de una versión previa a los montajes de la Paramount. Lo malo fue el mal estado en el que se conservaba. No obstante, con ella se realizó la que pasa por ser la reconstrucción más fiel de la película por el momento.\nSu historia es la demostración palpable de que el cine, a pesar de ser denominado el 7º arte, funcionó desde sus inicios como invento de explotación comercial, con inconvenientes de este tipo. Afortunadamente, hay cada vez una mayor sensibilidad en este sentido y se están tratando de enmendar con gran empeño estos “errores” cometidos en el pasado.\nLang ya había dado muestras de su impresionante visión creadora con Films como el de “Los Nibelungos”. Su primera obra, “Las Tres Luces” (todas ellas realizadas con Harbou) resulta una bella fábula sobre la lucha del amor por vencer nada más y nada menos que a la Muerte. Luis Buñuel habla de ella como la película que le impulsó a hacer cine.\nPublicado por nosoydali en 4:22 Enlaces a esta entrada 2 comentarios\nPublicado por nosoydali en 9:43 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\nPublicado por nosoydali en 14:46 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\n"El bailarín y el trabajador" (Luis Marquina, 1936). Extracto\nPublicado por nosoydali en 15:08 Enlaces a esta entrada 0 comentarios\nFICCIONAR Y MENTIR. RECURSOS EN EL CINE DE NO FICCIÓN\nBajo este título se impartió el pasado viernes 4 de mayo en el Centro de Arte Complutense un taller bien interesante a cargo de Helena Grande y Javier Ramírez. A día de hoy me sigue sorprendiendo (cuando no desmoralizando) el poco seguimiento que este tipo de actividades tienen dentro del marco universitario. A la charla acudimos unos pocos y, en parte, amigos de quienes oficiaron la ceremonia.\nEn cosa de tres horas bien aprovechadas Javier y Helena realizaron un recorrido exhaustivo y bien completo de la historia del documental como formato “creador y creativo”. Más allá del ejercicio clásico de reportaje, lo que interesaba en el planteamiento teórico del taller era trabajar sobre el elemento manipulador que podía ejercerse sobre el propio formato.\nEl motivo por el que escribo estas líneas no es otro que el de realizar un resumen de aquello que me fue contado aquella tarde, uniéndolo a la opinión personal que yo mismo tengo de aquellas piezas que se presentaron en el taller.\n“The Swiss Spaguetti Harvest” fue un falso documental realizado por Charles de Jaeger para BBC News en 1957. En él se mostraba una región de los alpes suizos en la que los habitantes del lugar habían plantado “árboles de spaghetti”. Al día siguiente, muchos curiosos aparecieron en el lugar donde se había realizado la película para interesarse por aquellos “árboles de spaghetti”.\nIndudablemente no podemos evitar recordar la polémica suscitada tras la difusión radiofónica de “La guerra de los mundos” por parte de Orson Welles. En este caso, nada había de engaño, pues los que hubiesen leído la novela habrían caído en la cuenta de que lo que se estaba haciendo era “simplemente” transmitir a los oyentes una obra literaria.\nNo dejamos a Orson Wells porque la siguiente pieza presentada fue su film “Fraude” (“F For Fake”). Cuando en 1973 la carrera cinematográfica de ficción de Wells estaba más que finiquitada, el maestro supo reciclarse ocurriéndosele construir una especie de documental que tratase sobre el fraude. ¿Y cómo hacerlo? Pues de un modo bien inteligente: hablando de algo utilizando su misma herramienta. Durante la última parte del film, el espectador asiste a una gran mentira. Se nos presenta a un falsificador de obras de arte que nunca existió, Elmyr de Hory. Este hombre, según Wells, había sido el responsable de gran parte de las obras de grandes autores que los museos albergaban en el mundo. Él se había hecho pasar por Rembrandt, Cezanne, Picasso… Y nadie se había dado cuenta. Por supuesto, el propósito del film no es otro que el de plantear una gran reflexión acerca de todo esto… eso sí, con grandes gotas de ironía wellsiana.\n“Opération Lune” es un film de 2002 de William Karel donde se decide aprovechar una polémica que ha llegado hasta nuestros días: “¿Llegó o no llegó el hombre a la Luna?”\nHay muchos que piensan que todo fue una ficción, que aquellas imágenes se grabaron en un plató. Pues bien, Karel no duda en meter en el embrollo hasta a Stanley Kubrick como el responsable de la filmación de aquella mentira. En el documental participan testimonios verídicos (la señora de Kubrick, Jan Harlan, autoridades políticas) y se aportan pruebas ciertas para disfrazar al discurso de verosimilitud. No obstante, hay otra serie de datos evidentemente falsos pero que pueden pasar desapercibidos para un público que no esté correctamente informado. ¿El resultado? Una gran tomadura de pelo, como lo de Wells. En los dos casos, se descubre el pastel finalmente, como si los responsables sintieran una cierta responsabilidad que les obligase a aclarar el engaño. Pero ¿qué ocurriría si la verdad no se destapase?\n“Zelig”, obra de Woody Allen allá por 1983, es un claro falso documental. El protagonista es él mismo y junto a él aparecen otras caras conocidas como Mia Farrow. Allen nos cuenta la historia de un tipo apodado “Zelig” que poseía la capacidad de adaptar el rostro de aquello que le viniera en gana, de metamorfosearse increíblemente. Su historia, apoyada con testimonios fotográficos, periodísticos, etc. sucedió a principios de s. XX. Es este contexto lo que le da verosimilitud a su discurso.\n"Alive in Joburg” es un cortometraje realizado por Neill Blomkamp en 2006 cuya repercusión llevó a una adaptación cinematográfica con el título “Distrito 9” (apadrinada por Peter Jackson) cuyo resultado dejaba bastante que desear respecto a la idea original. Esta consiste en la llegada de los extraterrestres a la Tierra y su posterior acondicionamiento en el lugar acabando viviendo casi como indigentes entre basura.\n“Catfish” de Henri Joost y Ariel Schulman fue un documental de 2010 en el que los propios autores no quisieron reconocer si aquello era falso o no. La pregunta es si al espectador le importa verdaderamente esto o si le da igual. “Catfish” trata de los mundos de ficción construidos utilizando como herramienta las relaciones por Internet. Así, unos chicos entablan relación con una niña que pinta cuadros y los vende por este medio. Esta niña tiene una hermana mayor de la que se enamora uno de los del grupo, mientras que otro de ellos envía fotografías realizadas por él a la niña para que las convierta en obras de arte. Un día, los amigos deciden realizar una visita sorpresa a la casa donde vive aquella familia. Y aquí se descubre todo el pastel. La tal niña no es en realidad la autora de los cuadros y aquella chica de la que se enamora el chico es en realidad una modelo brasileña ajena a todo esto. La madre es la que se lo ha inventado todo, la que se ha creado una historia irreal.\nMás allá de este documental del que se acabó admitiendo su ficción, aquella niña acabó, influida por todo esto, pintando de verdad. De aquí podemos extraer una curiosa conclusión, y es que la propia mentira a dado lugar a una realidad. La propia ficción se ha convertido, en parte, en cierta.\n“Garbo el Espía”, de Edmon Roch (2009), fue el documental más caro hecho en aquel año en España. La historia de cómo el rumbo de la Segunda Guerra Mundial pudo cambiar en parte debido al espía español Joan Pujol, es contada con el apoyo en gran parte de imágenes bélicas cinematográficas. Es curioso cómo seguramente el imaginario que guardamos de este momento histórico lo hemos extraído de películas.\n“I´m Still Here” de Casey Affleck (2010) resulta una de las propuestas planteadas más interesantes. Esta película fue la causante de que Joaquin Phoenix anunciase su retirada del mundo del cine para dedicarse por completo al mundo de la música. Quería ser rapero, decía. Pronto la noticia fue portada en multitud de noticiarios y llegó a ser motivo incluso de parodia. La cuestión es que la gente picó con el anzuelo y creyó dicha historia. Phoenix aceptó la propuesta aún a sabiendas de lo arriesgado de la elección. Llevar una vida ficticia durante trescientos sesenta y cinco días no debió ser cosa fácil e incluso es posible que le afectara personalmente. Desde luego fue su papel más complicado y lo atajó con muy buena nota.\n“Sans Soleil” (1983) es casi un clásico del cine francés, concretamente del cine-ensayo. Dentro de la obra de Marker es quizá lo que mejor le define. Un ejemplo de cómo apropiarse de imágenes de todo tipo e hilarlas bajo un discurso, bajo una voz en off que estructura, que hace de esa amalgama un bloque sólido gracias a su propiedad unificadora.\n“Zoom” resulta un ejercicio bien interesante en el que, como en el caso anterior de Marker, el discurso de una voz narradora aporta coherencia a unas imágenes. A diferencia de Marker, León Siminiani se conforma con un solo video, con una sola grabación. Con el texto con el que las ilustra es capaz de extraer diversas conclusiones acerca de las mismas. Diferentes formas de verlas. Distintos puntos de vista que pueden cambiar el sentido con el que las vemos. Esto ya lo hizo Marker con sus “Cartas de Siberia”, mostrando unas imágenes repetidas varias veces con distintos discursos (y en este caso, la palabra “discurso” cobra más sentido) acompañándolas, tergiversándolas, manipulándolas.\n“Sweet and Lowdown” es un film de Woody Allen de 1999 en el que en todo momento se afirma su formato de ficción. Allen se inventa a un personaje de arriba abajo. Ray Emmet, un guitarrista casi a la altura de Django Reinhardt (tan admirado por el director) con música, apariencia y biografía propias. La película intercala la trama de ficción con entrevistas a diversas personas (entre ellas Allen) hablando de la ficticia figura del músico.\n“La leyenda del tiempo”, de Isaki Lacuesta (2006) es un documental hecho a partir de un casting. Lacuesta buscaba a personas reales para su historia y para poder mostrarlas lo más verosímilmente posible necesitaba filmarlas en sus ambientes propios. Así, ni corto ni perezoso, se llevó la cámara a las localizaciones frecuentadas por sus actores biografiados y les grabó en su salsa. Una asiática que quiere aprender a cantar como Camarón y un gitanillo andaluz son los personajes clave del film.\n“La pyramide humaine” (1961) es uno de los trabajos de Jean Rouch, considerado el documentalista francés por excelencia. Rouch pone como pretexto la filmación de una película donde se trate la cuestión del racismo en Francia para buscar a una serie de actores que la interpreten. Las personas elegidas serán en realidad víctimas de un experimento sociológico llevado a cabo por Rouch. Las relaciones que nacen en la realidad entre los actores (de raza blanca y negra) son el verdadero motivo por el que Rouch decide afrontar el proyecto, demostrando que la cuestión racial entre los jóvenes ha dejado de ser un problema. No puedo por menos recordar otra justificación cinematográfica casi diez años más joven: En 1972 Pier Paolo Pasolini realiza un viaje a África para buscar a los actores de la que será su siguiente película. La intención del italiano es realizar una adaptación de “La Orestiada” llevándola al momento político actual africano. Finalmente, el film nunca llegó a realizarse pero quedaron como testimonio las imágenes realizadas por Pasolini en dicho viaje. Con ellas, realizó un documental que llevó por título “Appunti per un'Orestiade africana”. Los trabajos de Pasolini siempre resultan interesantes, a pesar de que su mirada crítica haya quedado un tanto anticuada con el paso de los años. Las cosas en el mundo han cambiado bastante pero sin duda los problemas principales y más básicos continúan siendo los mismos. Su mismo posicionamiento le llevó siempre a preferir los actores no profesionales a la hora de realizar una película. Estos acaban resultando personajes que recuerdan a los de los cuadros de Piero de la Francesca o Giotto. La falta de conocimiento interpretativo los convierte en figuras hieráticas, como esculpidas en un bloque de madera rígido y primitivo.\nPodemos decir que aquello que une a todos estos trabajos es la palabra. Con ella se construye un discurso, con ella se puede “hablar de algo”. Con un discurso estructurado se puede convencer, engatusar, engañar, justificar, distraer y sobre todo interesar. Javier Ramírez y Helena Grande llevan demostrándolo dos años consecutivos con los ciclos de cine-ensayo propuestos en la Facultad de Bellas Artes de la Complutense. Porque, si algo se echa en falta últimamente en los tiempos que corren, es esa necesidad de la palabra como herramienta para pensar- y lo que es más importante: reflexionar.\nAcompañado de amigos durante una de las jornadas de "Geografías Humanas" de cine-ensayo


REVER: NOTICIA DEL ADVENIMIENTO DE UN CUADRADO MÁGICO. Con sus antecedentes, efectos colaterales y recapitulaciones ulteriores\nNOTICIA DEL ADVENIMIENTO DE UN CUADRADO MÁGICO. Con sus antecedentes, efectos colaterales y recapitulaciones ulteriores\nAutor: Miguelángel Zorrilla Larrea\nEn Bilbao celebramos el Día Internacional del Palíndromo en la pizzería de los Grossi. Un lugar idóneo, puesto que, aparte de la ocasión gastronómica, una de las paredes de la tienda es toda una galería de arte moderno (se llama Spazio Grossi) donde a lo largo del tiempo se han colgado verdaderos alardes de creatividad. En esta ocasión teníamos un papel en blanco para que la clientela pudiese escribir su palíndromo favorito y mejor si fuese de creación propia; y si la aportación tenía enjundia les extendíamos un diploma que les nombraba palindromistas por un día, prometiéndoles la subida de categoría si perseveran en próximas ediciones, que esperamos se sucederán a ésta. – Tampoco nos toméis por muy fatuos, era un modo como otro cualquiera de “asirnos a la sonrisa”.\nDebo apreciar con mucho cariño y alto valor la participación de dos amigos: la poeta Marisa Gutiérrez, y su marido, el profesor Mikel Agirreazkuenaga, que aparecieron aportando un curioso arsenal de ejemplos en varios idiomas, y, sobre todo, muchas ganas de conversación, que tanto anima la fiesta. Y, por irnos al grano, en medio de la charla apareció la mención al sempiterno cuadrado mágico, el hiperventilado SATOR AREPO TENET OPERA ROTAS. A este respecto me fue muy placentero informar a Mikel de que el compañero Markos Gimeno había hallado un cuadrado equivalente en euskera, que en el momento yo no recordaba. Pero vivimos en el siglo XXI y cualquier pelanas tiene internet en el telefonillo, con lo cual, en dos sobadas apareció el cuadrado de Markos: AIZAN IGELA ZENEZ ALEGI NAZIA. Y al verlo, Mikel exclamó sorprendido: “Caramba, es un homenaje a Jon Mirande” y se preguntaba si el autor lo habría relacionado”. (Abro un paréntesis con flash forward: preguntado después el autor, me acaba de asegurar que lo compuso completamente ajeno a la biografía de Mirande). Para quien no lo sepa: Mirande fundó una revista llamada IGELA, y manifestó algún alarde filonazi (más de salón que de activismo, pero notorio). Con lo que las piezas argumentales encajaban afinadísimas.\nA continuación, yo, con el cuajo que a veces da la ignorancia aseguré que, tras mis años de compartir obras con los miembros del CPI y del Movimiento Palindrómico Rever, cuyo conocimiento y documentación no puede echarse en saco roto, no conocía la existencia de un cuadrado equiparable en castellano, con lo cual, aventuré temerariamente: “si en mil y pico años de lengua castellana no lo publica nadie con la de sabuesos que van tras él, lo más probable es que no exista”. Eso sí tuve la cautela de prevenir: “al menos, por ahora. Porque el cuadrado de Markos no podría existir en tiempos de Axular y Larramendi, pero sí en tiempos de Mirande cuando ha aparecido la palabra NAZIA. El caudal léxico crece con los tiempos y las palabras se forman”.\nY así quedó la conversación. En los días siguientes reconozco (reconocer es muy adecuado para palindromistas) que sometí (los palindromistas también sometemos todo lo que podemos) a mi mente a ciertos esfuerzos adicionales dirigidos a buscar alguna pista sobre un posible cuadrado castellano. Y pronto volví a pensar en Internet como atajo, ya fuera hacia una posible solución o bien a una demostración convincente de la inexistencia. Al menos, Internet me proporcionaría sin gran esfuerzo alguna lista de palabras palíndromas de cinco letras, y otra de palabras bifrontes, asimismo de cinco letras; y teniendo el arsenal de ingredientes a mano, se podría ver si en algún punto querían casar o no aparecía otra cosa que ruinas.\n[[Abro otro inciso lateral: si en ese momento hubiera usado Internet para averiguar si se había publicado algún cuadrado mágico castellano, me habría encontrado con un artículo de Gilberto Prado (también socio del CPI)\nen el que aparecen varios cuadrados mágicos, incluso de orden superior al de lado 5, pero ninguno cumple una condición que yo estimaba primordial: que estuviera formado por cinco palabras nítidas de cinco letras, como el SATOR o el AIZAN de Markos.\nTambién me habría encontrado con el blog\ndonde el arquitecto mexicano Javier Aviña Coronado relata su hallazgo de un cuadrado que sí cumple las condiciones que yo exigía. Y que sólo se diferencia del hallado por mí en una letra, pero que varía visiblemente el significado.\nEn cualquier caso, yo, ignorante de esto, en lugar de antecedentes ya formados me dediqué a buscar piezas para pensar en formarlo. Recorrí una lista de bifrontes y extraje las de cinco letras, y la palíndroma central la dejé, pensando que tendría solución asequible por tanteo.]]\nLa construcción de un cuadrado mágico de lado 5 no tiene casi ninguna vuelta de hoja. La técnica en sí es sencilla. Los componentes son siempre dos bifrontes y una palíndroma para el centro, a modo de clave del arco. La dificultad consiste en que en el montaje hay que conectar entre sí todas y es el momento de averiguar si hay materiales de construcción que logren tapar todos los huecos.\nMe puse manos a la obra, y el cuadrado apareció antes del tercer intento — debido a un par de intuiciones que no puedo asegurar que sean verdaderas, pero, sin duda, me llevaron por una vía rápida.\nCon mi lista en la mano busqué las parejas bifrontes con la letra central más frecuente: la T (natas, netas, notar), pero la T es mala opción para buscar un palíndromo castellano. En cambio con central N había dos parejas: Ranas-Sanar y Senos-Sones. Intuitivamente pensé que haría bien en buscar una palíndroma en N como piedra clave. (Ni aún ahora tengo ninguna seguridad de que esa duplicidad de material proporcione más probabilidades de acierto, pero me pareció un arranque prometedor).\nEl segundo golpe de intuición fue que casi al instante, la primera palíndroma en N que me vino a la mente fue NATÁN. Ni me molesté en hacer un escrutinio alfabético. De haberlo hecho, habría hallado primero NADAN (la que propone Javier Aviña), acaso NAJAN (que quizá exista en algún argot, pero no en el DRAE) o NAPAN. Pero el hecho es que fui de cabeza a Natán. Y ya os diré por qué. Entonces resultó que ensamblando Natán con Ranas y Sanar, aparecía una matriz monovocálica en A donde encajaban tan felices las archidocumentadas Acata y Ataca. Luego fue cosa de elegir el orden para que el discurso producido tuviera el mayor sentido posible.\nImagino que Javier Aviña, si se pone a ello y me cree malintencionado, tiene motivos para desconfiar de mi versión. Quizá le resulte (a él y en general) más fácil creer que encontré primero la suya, y busqué después un recambio para variar siquiera sutilmente el resultado y colgarme una medalla, aunque fuera de segunda clase. Pero la verdad es que el cuadrado de Aviña lo he encontrado el día 12 de julio en un blog llamado “el espejo cautivo”, comentado por Lilia Morales, y 15 minutos más tarde, buscando datos sobre el propio Aviña, en el otro blog que he citado, “Plumas de pelícanos”. Veo que está publicado en el año 2009 y lamento saberlo con tanto retardo, porque me alegro por la fortuna del autor, y me incomoda haber estado tantos años en el error, convencido del mito de la inexistencia del cuadrado en castellano. Pero algo me consuela que incansables documentadores más avezados que yo como hay en el CPI, incluido el citado Gilberto Prado en el mismo México, tampoco se hayan hecho eco.\nEl mío lo formé el jueves 7 de julio, lo que puedo atestiguar mediante un correo electrónico que envié a mi amigo Jonathan Tamayo pasadas las 14h, en el que se lo comunico, y al paso, comento: “Admito que es gramaticalmente torpe con redoble; ahora bien: vete a saber si es el primero de la historia de la humanidad. En tal caso, ni tan mal. Ni siquiera el Sator Arepo es muy perfecto gramaticalmente.” Mi comentario revela mi ignorante inocencia (o mi inocente ignorancia).\nY tengo una razón creíble por la que me cebé con el nombre Natán. Hace cosa de un par de años fui invitado por la Asociación de padres de alumnos de un Instituto bilbaíno a dar un taller extraescolar sobre palíndromos con motivo del día del libro. No menciono el nombre del Instituto porque, de hacerlo, sería para su deshonra: los profesores no habían dado la menor difusión a mi comparecencia, y la profesora encargada de acompañar al acto parecía estar visiblemente molesta, acaso por tener que permanecer allí fuera de horario. Pero así y todo, me compensaba la asistencia de tres alumnos (dos chicas y un chico) encantadores y encantados (tal parecían) con la originalidad del invento. Empezamos la charla por el principio, poniendo como ejemplo los números capicúas, pasando a las palabras, etc. y cuando llegamos a las palabras de cinco letras, el chaval levantó la mano entusiasmado y exclamó: “me sé una” — ¿Cuál?— Y él, pletórico, pronunció: Natán. — ¿Conoces a alguien que se llame así? — Yo.\nEntonces, no dejé de expresar mi maravilla porque a mi taller sobre palíndromos acudiesen nada menos que los propios palíndromos en persona, mientras la profesora, en el fondo del aula, ponía cara de “cuánto inflagaitas hay por el mundo”. Tengo un recuerdo agridulce de aquel taller, pero la parte dulce la ponen Natán y la Asociación de Padres: entre ellos, Victoria Lasheras, de la Pizzería Grossi, que organizó el taller y puede dar fe del suceso. Y evidentemente, Natán me ha quedado en el ánimo como un nombre palíndromo del todo entrañable.\nObsérvese que Jo-nathan, el destinatario del correo, tiene una conexión con el asunto, por su nombre… y por ser un estudioso concienzudo de la obra de Mirande. Mi correo también decía: “La coincidencia de la rana, muy curiosa. Y lo de Natán, igual te llama”. Como se puede ver, ya van unas cuantas coincidencias en esta historia. Puede que sean mágicas.\nEn fin, a la hora de materializar el cuadrado, se tienen dos opciones: empezar por Ranas, o empezar por Sanar. Javier Aviña, en su día, empezó por Ranas. En el fondo, esto es sólo una figura de orden de palabras llamada hipérbaton. Se elija la que se elija, en ese momento aparecen otras dos opciones: asociar la segunda bifronte a la primera en el orden que se estime más inteligible. O yendo a nuestro caso concreto: asociar cada elemento de la pareja Ranas-Sanar a los de la pareja Ataca-Acata. Me pareció más sensata la relación de “acatar-sanar” y “atacar-ranas” que la contraria, por lo cual sólo faltaba decidir el orden. Y estimé que acabar el relato atacando ranas era más expresivo que acatando sanar. Una vez más sin saberlo, di con la solución opuesta a la de Aviña. Admito que la suya es mejor para el verbo palíndromo NADAN, pero si interviene el profeta Natán, encuentro más expresivo el otro ordenamiento.\nSANAR ACATA NATÁN. ATACA RANAS.\nDicho en lenguaje coloquial, podría entenderse algo así como: el profeta acepta la necesidad de hacer sanaciones, por lo cual arremete contra los batracios.\nEvidentemente, tiene un punto absurdo… como tantísimos palíndromos. En el correo a Jonathan, yo la calificaba de torpe. Esto es difícil de impedir en castellano, que es un idioma cuajado de partículas: artículos, preposiciones, conjunciones, etc. que parecen insignificantes, pero al final son las que acaban perfilando las oraciones. En latín, bien, también había preposiciones y conjunciones, pero se apañaban para arreglar muchas cosas con la declinación flexiva de las palabras. En euskera pasa algo parecido, se declina y se reúnen varios elementos en un solo vocablo. El castellano ha evolucionado de otra manera, y alguien que quiere decir algo coherente en cinco palabras homogéneas de cinco letras es muy probable que hable como los indios de las películas: imagino que tal es este caso. Pero aún así, la “traducción” que he ofrecido, me parece una cláusula coherente. Y creo que dadas las limitaciones impuestas por las reglas palindrómicas y más aún por las del cuadrado, es conveniente cierta indulgencia.\nMi reconocimiento a Javier Aviña. Mi felicitación por su perspicacia y perseverancia. He sometido a su hallazgo a la misma crítica que he realizado con el mío, pero pienso que tal vez no me corresponde a mí expresarla aquí. En todo caso, los elogios justos no deben regatearse y declaro que el hallazgo del verbo nadar con las ranas es muy afortunado. El final, en cambio, es más inconexo, pero poco, quizá nada, puede hacer el autor para evitarlo, bien lo sé por experiencia.\nY de cualquier modo, aún debatimos en círculos palindromistas en qué grado merecemos la autoría, la propiedad intelectual, etc. de los palíndromos, esas combinaciones que, a diferencia de los argumentos de relatos o los poemas fruto de la invención, son secuencias dadas esperando el recolector adecuado que las logre… ejem: simplemente reconocer. Para lo cual es preciso llegar con una herramienta, un idioma y hasta un contexto histórico que otorgue alguna clase de sentido y lógica a esas secuencias… y en cierto modo es algo superior a nuestra voluntad humana. Por tanto el palindromista haría bien (pienso) en aceptar con humildad que, más que el creador omnisciente de cada novedad, es simplemente la varita del zahorí para señalar nuevas maravillas en la matemática del universo.\nYo os aseguro que por mi parte, así lo ejerzo, comprendiendo que una labor con reglas tan restrictivas, a veces lleva por fuerza a resultados muy similares y no tiene sentido mostrarse autor muy posesivo de estas obras. Por eso os he contado esta historia y todas sus relaciones, para que pueda verse cómo antecedentes que parecen inconexos a veces llegan a formar un todo distinto y sorprendente.\nLa moraleja final es que ya tenemos documentados dos cuadrados mágicos castellanos muy similares en la forma y se nos antoja el consecuente desafío de encontrar otro posible cuadrado radicalmente distinto que deshaga el empate. Y en ello vuelvo a las andadas: otro más sí que lo preveo muy problemático, al menos si buscamos una frase gramaticalmente creíble. Pero, dado que los palíndromos aparecen… quién sabe en qué recoveco puede estar.\nCategorías [Miguel Á. Zorrilla], Artículos y ensayos\nJavier Aviña Coronado 30 de diciembre de 2017, 22:23\nHola, Miguelángel: Soy Javier Aviña, como ves ocho meses después de tu espléndido artículo, he "descubierto" este sitio. Me agradaría establecer comunicación contigo. Por lo pronto, espero que llegues a ver este comentario, estaré pendiente y, si me respondes, (y te parece bien) te enviaré mi dirección electrónica.\nMiguelángel 1 de enero de 2018, 23:30\nEstimado Javier: Pere Ruiz me acaba de reenviar tu comentario. Por supuesto, estaré encantado de conversar todo lo que gustes. Puedes escribirme a maz6169ARROBAyahooPUNTOes (sustituye las mayúsculas por el signo que nombran. Hasta pronto.\nJavier Aviña Coronado 5 de enero de 2018, 23:45\nEnterado de tu respuesta, que me causa regocijo. Te escribo mañana sábado 6. ¡Feliz año nuevo!\n[Hariel Marcilio] (7)\n[Joan Tomás Sementé] (1)\n[Pere Ruiz] (73)\nDía Internacional del Palíndromo (19)\nPalíndromos muy largos (9)\nPremio Mundial de palíndromos 2018 (15)\nPremio REVER 2018 (7)


Bucks vs. Nets - Reporte de Juego - 5 junio, 2021 - ESPN\nMIL 32 29 23 23 107\nBKN 30 33 35 17 115\n48-24, 28-8 Local\nNets juegan sin Harden por lesión, pero vencen a Bucks en el J1\nTriunfo y balance agridulce para el Juego 1 de los Nets ante Milwaukee (1:36)\nBrooklyn demostró por qué es uno de los candidatos y ganó 115-107 en el inicio de las semifinales del Este. El aspecto negativo fue la lesión de James Harden. Irving (25 puntos) y Durant (29 puntos), los goleadores del vencedor. Giannis sumó 34 puntos. (1:36)\nNUEVA YORK -- NUEVA YORK (AP) - Kevin Durant anotó 29 puntos, Kyrie Irving añadió 25 y los dos astros cargaron con los Brooklyn Nets el sábado, luego de que James Harden se lesionó al inicio del partido, una victoria por 115-107 sobre los Milwaukee Bucks en el primer juego de las Semifinales de la Conferencia Este de la NBA.\nHarden ni siquiera duró un minuto antes de abandonar el encuentro por una dolencia en el tendón de la corva derecha, una lesión que lo obligó a perderse dos duelos que terminaron en derrota ante los Bucks en mayo.\nSin embargo, los Nets superaron a Milwaukee cuando más importaba y sin su presencia, obteniendo 19 puntos de Joe Harris y 18 unidades y 14 rebotes de Blake Griffin.\nAdemás, Brooklyn tuvo una sólida actuación defensiva pese a ceder mucho espacio, limitando a los Bucks a 13 unidades por debajo de su promedio en la NBA.\nDurant capturó 10 rebotes e Irving registró ocho asistencias, e hizo unos pases espectaculares. Los Nets pasaron el balón rápidamente y tuvieron a los Bucks un paso o más atrás durante toda la noche.\nGiannis Antetokounmpo contabilizó 34 puntos y 11 rebotes, pero los Bucks sólo encestaron 6 de 30 intentos de triples y perdieron por primera vez en la postemporada luego de superar a Miami en una barrida en la primera ronda.\nBrook Lopez anotó 19 puntos para los Bucks y Jrue Holiday tuvo 17 unidades y nueve rebotes. Khris Middleton terminó con 13 puntos y 13 rebotes, pero encestó 6 de 23 intentos, fallando los cinco tiros de tres puntos que hizo.\nEl segundo compromiso de la serie está programado para el lunes por la noche.\nBradley Beal (cadera), baja ante Pacers\nEl entrenador Wes Unseld Jr. dijo que el escolta estaba adolorido y que el equipo iba a ser cauteloso. Añadió que espera que Beal esté disponible el lunes por la noche para el juego en Brooklyn.\nLa situación entre Ben Simmons y los Sixers no teminará nada bien a pesar de señales positivas\nLos episodios durante las prácticas y lo expresado públicamente por sus compañeros y entrenador provocan una situación compleja donde el traspaso del jugador sería lo más acertado pero nada sencillo.\nBen Simmons le dice a los Philadelphia 76ers que no está mentalmente listo para jugar, dicen las fuentes\nBen Simmons le dijo a los 76ers que no está mentalmente preparado para jugar a sus expectativas, dijeron fuentes a Adrian Wojnarowski de ESPN, y fue descartado del juego del viernes contra los Nets por razones personales.\nMIL ganó la serie 4-3\nChicago 1 0 1.000 0 G1\nMilwaukee 1 1 .500 0.5 P1\nIndiana 0 1 .000 1 P1\nDetroit 0 1 .000 1 P1\nCleveland 0 1 .000 1 P1\nPosiciones Atlántico 2021-2022\nPhiladelphia 1 0 1.000 0 G1\nNew York 1 0 1.000 0 G1\nBoston 0 1 .000 1 P1\nToronto 0 1 .000 1 P1\nBrooklyn 0 1 .000 1 P1


Rosanna dlr: Notas de de prensa sobre rosanna dlr\nNotas sobre rosanna dlr\nDescubre la tienda de abalorios Rosanna DLR\nPaseando por Barcelona puedes llegar a encontrar muchas cosas interesantes. Ante la variedad de tiendas similares con productos de características similares, en algunas ocasiones, llegas a encontrar algo que te parece diferente respecto a lo que has visto. Este es el caso de Rosanna DLR. Rosanna DLR es una tienda de abalorios y también tienda de bisutería online de Barcelona, exactamente situada en el barrio Gótico. Sólo la ubicación ya la.. [27 de Septiembre del 2016]\nTAGS: tienda de abalorios, bisuteria online, bisuteria Barcelona, tiendas de bisuteria, piezas de bisuteria\nComponentes de bisutería a montón\nInternet nos ha facilitado la vida a todos. Y digo a todos por no decir que a todos y sobre cualquier cosa que imaginemos. Podemos comprar desde ropa hasta comida sin tener que movernos de casa, o incluso comprar de camino a cualquier parte. Como es podía ser de otro modo, el mundo de la bisutería también se ha puesto las pilas y hoy en día podemos encontrar cientos de tiendas de bisutería en internet, ofreciendo cientos de artículos de bis.. [28 de Noviembre del 2016]\nTAGS: rosanna dlr, componentes de bisuteria, tienda de bisuteria barcelona\nPrueba las kurtas de A-line, las dobladillas asimétricas, los capos y los palazzos, para que parezcan casual y chic al mismo tiempo, dicen los expertos. Lista de expertos de estilo abajo algunos consejos de moda. * Checkmate el tiempo con todas las cosas cosechadas - culottes, pantalones vaqueros flared, pantalones formales, etcétera y así sucesivamente. Hemlines por encima de los tobillos debe ser su uniforme en este tiempo. * Mire elegant.. [13 de Junio del 2017]\nTAGS: bisuteria, diseño, moda, primavera, verano\nIvanka Trump victima de bulling después de citar erróneamente a Albert Einstein en Twitter\nLa primera hija, Ivanka Trump, se ha burlado de las redes sociales después de que un tweet que escribió hace cuatro años citó erróneamente a Albert Einstein resurgió el fin de semana. El tweet, escrito en junio de 2013, atribuyó la cita "Si los hechos no encajan en la teoría, cambiar los hechos" al famoso físico. ¿El único problema? Einstein nunca lo dijo. Los usuarios de Twitter recogieron la cita equivocada, con algunos burl�.. [26 de Julio del 2017]


Nuevo salario mínimo: arranca la discusión con posturas enfrentadas entre el Gobierno y la CGT - El Cronista\nNuevo salario mínimo: arranca la discusión con posturas enfrentadas entre el Gobierno y la CGT\nEl martes sesionará en forma virtual el Consejo del Salario. La propuesta del Ejecutivo, con cierto guiño empresario, no convence a la representación sindical que presiona por un aumento mayor del piso salarial.\nActualizado el 25/04/2021 17:38\nCon el telón de fondo de una aceleración de la inflación que presiona al alza las demandas gremiales en las paritarias, el Gobierno reunirá el martes en forma virtual a las centrales sindicales y las cámaras empresarias en el marco del Consejo del Salario Mínimo, Vital y Móvil (SMVM) en la apuesta de definir el nuevo piso salarial que determina los ingresos de los trabajadores fuera de convenio y constituye la principal referencia para los sueldos en el sector informal.\nAllí, con la previsible adhesión de la representación empresaria, el Ejecutivo buscará recrear el modelo inicialmente consagrado para las paritarias del sector privado, que supondría activar una suba escalonada en torno al 32% llevando el actual salario mínimo de $ 21.600 a $ 28.500.\nLa propuesta oficial, sin embargo, ya encuentra reparos dentro de la cúpula de la CGT, a la que se suman los referentes de las dos CTA, que en la previa a la reunión del Consejo alertaron sobre el profundo deterioro del poder de compra del sueldo mínimo en los últimos años y presionan por incrementos mayores.\nDesde la principal central obrera, que conducen Héctor Daer y Carlos Acuña, anticiparon a este diario que llevarán al encuentro un pedido de suba más cercano al 40% en dos tramos, de forma de garantizar que el nuevo salario mínimo se ubique en torno a los $ 30.000.\n"El mínimo actual está totalmente desactualizado respecto a la evolución de los precios, es necesario un nuevo salario que dignifique a los trabajadores y permita recomponer su poder de compra", advirtió a El Cronista un importante referente de la conducción cegetista, aunque se mostró poco optimista respecto a la posibilidad de que se imponga el criterio de la entidad. "Los empresarios no quieren largar un mando y se amparan en las restricciones (por la pandemia) para acotar el margen de negociación", se quejó el gremialista.\nEl escenario de agudización de la pandemia sumado a una economía que no repunta alimentan los argumentos de los empresarios para exponer las dificultades para negociar el nuevo piso salarial. Entre las cámaras alertan sobre los problemas que acarrean las diferentes actividades y aseguran que ello impone severos límites para discutir aumentos en los términos que pretenden los sindicatos.\nA su vez, tanto desde la CTA de los Trabajadores, que conduce Hugo Yasky, como desde la CTA Autónoma toman distancia del reclamo cegetista y sostienen que la discusión en el Consejo de Salario debe concentrarse en cómo instrumentar un piso salarial que permita costear el valor de la canasta básica total (CBT) para una familia tipo que, según el informe difundido la semana pasada por el Indec, actualmente se ubica en $ 60.874.\nMuy lejos de esa expectativa sindical, el monto del salario mínimo, desde marzo fijado en $ 21.600, ni siquiera cubre la canasta básica alimentaria (CBA) de $ 25.675, que determina el nivel de indigencia.\nAl respecto, un reciente informe de CIFRA, el centro de estudios de la CTA de los Trabajadores, advirtió que "en marzo último el poder adquisitivo del ingreso mínimo se ubicó 37,5% por debajo del nivel de 2015, por lo que para regresar a los valores vigentes hacia el final del gobierno de la expresidenta Cristina Fernández de Kirchner tendría que saltar a $ 35.000, lo que representaría un aumento de casi el 70%".


Arte Conceptual De Cars 3 Con El Rayo Mcqueen Y Nuevo Personaje - DgogoStudios\nYa han pasado 10 años desde el estreno de la primer entrega de Cars y 5 años desde el estreno del gran fracaso cinematográfico y taquillero que fue Cars 2 en 2011. Dicho eso, Pixar ha lanzado un nuevo arte conceptual de lo que será Cars 3, la tercera entrega de la franquicia y con la que Disney tratará de recuperar el éxito para su vieja franquicia.\nEn el arte conceptual lanzado podemos observar al Rayo McQueen en lo que parece ser una carrera junto a un misterioso personaje hasta hace poco aún desconocido, Cruz Ramirez, un auto femenino, joven e hispana. Según el director, Brian Fee, Cruz llegará a la vida de McQueen para ayudarlo a dar su máximo y retirarse como todo un campeón, venciendo a su joven rival Jackson Storm.\nOwen Wilson regresará para dar la voz de McQueen y esperamos contar con varias sorpresas con la voz de los nuevos personajes. Cars 3 estrena el próximo 16 de Junio de 2017, fecha en la que anteriormente estaba previsto el estreno de Toy Story 4, antes de su retraso.


Inicio Salud Agresiones al personal de salud en 2020 ya suman 242\nLa cifra de ataques a los trabajadores médicos es la más alta que se ha registrado en los últimos 24 años\nLa estigmatización al personal de salud empeoró con la pandemia, lo cual se demuestra con el fuerte incremento en las cifras de agresiones a trabajadores, instalaciones y vehículos sanitarios, que a corte del 30 de septiembre de 2020 ya suman 242 en el territorio nacional.\nEl reporte fue generado por la Mesa Nacional de Misión Médica con cifras recogidas desde el 1 de enero de 2020. Además, se confirmó que en el 52 % de los casos los presuntos responsables de las agresiones fueron pacientes, familiares o miembros de la comunidad.\nAnte esta grave situación, la Cruz Roja Colombiana, El Comité Internacional de la Cruz Roja (CICR) y la Cruz Roja Noruega, con el apoyo del Ministerio de Salud y Protección Social lanzaron la campaña #ElMundoEstáAlRevés.\nCon esta iniciativa buscan promover el respeto hacia el personal de salud y sensibilizar a la población colombiana sobre los ataques y agresiones que se están presentando contra la Misión Médica.\n“Queremos decirle a toda Colombia que el personal de salud no es una amenaza y tienen el papel fundamental de salvar vidas arriesgando incluso la suya. Que esta iniciativa sea una oportunidad para hacer un llamado al respeto y protección del personal sanitario en cualquier circunstancia”, señaló la doctora Judith Carvajal de Álvarez, presidente Nacional de la Cruz Roja Colombiana y Vicepresidente del Comité Interamericano CORI sobre las agresiones.\nDe igual forma, la Cruz Roja advirtió que en el marco de la pandemia se intensificaron las acciones violentas contra la Misión Médica y “se sumaron nuevos eventos, como la estigmatización y discriminación contra el personal de salud, la violación de la confidencialidad de pacientes y la obstrucción al paso de ambulancias y suministros médicos”.\nDel total de agresiones registradas durante los primeros nueve meses del año, cerca del 40% está relacionado con el contexto actual de la pandemia.\nEn el año que conocimos la peor pandemia de nuestros tiempos es cuando se ha registrado un aumento histórico en los casos de agresiones al personal de salud en 🇨🇴\nEntre enero y septiembre de 2020, @CICR_co y @MinSaludCol reportaron 242 casos. #EIMundoEstáAIRevés @rodekorsnorge pic.twitter.com/1ix7DNhKRZ


¿Obligación o gesta? - 'Cambiando de tercio' - Diego González Gilaberte\nPublicado porDiego González Gilaberte 24 enero, 2021 24 enero, 2021 Publicado en Artículos, Cambiando de tercioEtiquetas:cultura, españa, Miura, Morante, tauromaquia, toros\nMorante es un torero especial, no es una figura más, y él lo sabe. Es uno de los pocos -se podría decir que único- toreros cuyos adeptos no son indivisiblemente toristas o toreristas, sino que José Antonio tiene aficionados en ambos “bandos”. Conoce el carisma que tiene, pero sobre todo la capacidad que tiene con el capote -en especial- y la muleta.\nEl año pasado ya corrieron rumores de que el de La Puebla del Río quería apuntarse a la de Miura en La Maestranza como homenaje a Joselito “el Gallo” por el centenario del año de su muerte. Finalmente, el coronavirus nos dejó con la duda de si los rumores eran ciertos, aunque todo acabó apuntando a que no.\nSin embargo, Morante sí quiere matar la corrida de Miura en La Maestranza este año. Se lo ha hecho saber a la empresa y, si las condiciones sanitarias lo permiten, José Antonio Morante de la Puebla estará anunciado como uno de los tres espadas que matará la corrida de Miura.\nMiura no está en uno de los mejores momentos de su historia ni mucho menos, con menos triunfos de los que deberían tener, falta de casta y bravura y polémicas sobre afeitados y el estado de los pitones de sus toros.\nPero Miura es Miura, y siempre lo será. Este pasado verano pudimos presenciar en la corrida Magallánica de Ronda un toro extraordinario de nombre “Africano”, desorejado por Daniel Luque y premiado con la vuelta al ruedo. Es una ganadería especial, con toros únicos en hechuras y comportamiento, y aunque no está en un gran momento, siempre pueden salir toros excepcionales.\nDentro de las figuras, es cierto que Morante ha tentado en fincas de ganaderías toristas a la altura de Miura e incluso Prieto de la Cal en varias ocasiones, pero hacía muchos años que no le veíamos matar una corrida de una ganadería fuera del saco de las “comerciales”. Una cosa es tentar, y otra cosa muy distinta es matar una corrida de una plaza de primera categoría.\nEs un gesto que, sinceramente, se agradece. A nadie le desagrada esta noticia, y a cualquier aficionado taurino le genera cierta inquietud y ganas de que finalmente se pueda dar este acontecimiento.\nEl ademán de Morante se está calificando como “gesta” con excesiva ligereza. Matar dos toros de una ganadería exigente, pero que actualmente tiene más nombre que bravura, no es una gesta.\nSi se encerrase y matase los seis toros en solitario podríamos empezar un debate con matices, pero donde sin duda se podría considerar la decisión como una gesta. Que Morante mate dos toros de Miura en Sevilla no es una gesta.\nTambién hay quienes dicen que Morante ha liberado este rumor en un año que sabe que es muy complicado que se dé la Feria de Abril por las circunstancias sanitarias, y así puede decir que él quiso matar una corrida de Miura, aunque luego no se pudiese dar. Evidentemente es una opción, aunque quiero creer que, si este año no se da, al siguiente sí.\nEntrada a la finca Zahariche donde pastan los toros de Miura\nPor otra parte, otra porción de aficionados piensa que es una obligación para Morante, como figura, matar la corrida de Miura. Un matador de toros, y más uno tan capaz como el de La Puebla, no debe tener obligación de matar siempre lo más duro y exigente de la cabaña brava.\nMorante es uno de los toreros más capaces de todo el escalafón, pero podemos contar con los dedos de una mano las veces que se ha apuntado a corridas exigentes. Él y el resto de las figuras deberían demostrar por qué reciben este calificativo. Si realmente son los mejores y más preparados toreros, probablemente tendrían que estar matando toros mas fuertes que los animales anovillados que matan.\nNi obligación, ni gesta. Debemos agradecer a Morante el gesto de matar la corrida de Miura al salirse de la senda que siguen las figuras hoy en día. Aún así, sí que debemos pedir que las figuras sean más ambiciosas y mucho menos conformistas. Su actitud está matando lentamente la fiesta, y decisiones como las de Morante nos ayudan a reconducir el camino ligeramente.


El hongo de las uñas del pie de 5 años - Elimina Los Hongos Y Los Callos En Los Pies Con ESTE Increíble Remedio Casero… Esto Está Buenísimo.\nEl hongo de las uñas del pie de 5 años\n08.12.2017 08.12.2017 by tihoufo\nUn numero cada vez mayor de profesionales médicos están ofreciendo un procedimiento con laser para curar los hongos en las uñas de los pies, pero. El aceite del árbol del té es uno de los aceites esenciales mas utilizados en el mundo, de reconocidos efectos en la salud humana, es recomendado desde tiempos.\nLa onicomicosis afecta más con el pasar de los años, puesto que el sistema inmunitario se debilita y las uñas suelen presentar rajaduras por donde ingresan los hongos. Cuando aparecen hongos en las uñas de los pies, el andar descalza puede hacerte pasar vergüenzas. ¿Por qué aparecen los hongos en las uñas de los pies?.\nHongos en la uñas de los pies, remedios caseros\nEl aceite del árbol de te, se obtiene de la destilación de las hojas del árbol Melaleuca Alternifolia que es originario de Australia, los aborígenes de este país. La onicomicosis afecta más con el pasar de los años, puesto que el sistema inmunitario se debilita y las uñas suelen presentar rajaduras por donde ingresan los hongos. La onicomicosis afecta más con el pasar de los años, puesto que el sistema inmunitario se debilita y las uñas suelen presentar rajaduras por donde ingresan los hongos. Los hongos en la uñas de los pies puede propagarse de un pie a otro en los pisos húmedos de duchas y vestuarios, y alrededor de las piscinas. Aquellos que utilizan.\nEl aceite del árbol del té es uno de los aceites esenciales mas utilizados en el mundo, de reconocidos efectos en la salud humana, es recomendado desde tiempos. Los hongos en la uñas de los pies puede propagarse de un pie a otro en los pisos húmedos de duchas y vestuarios, y alrededor de las piscinas. Aquellos que utilizan. El aceite del árbol de te, se obtiene de la destilación de las hojas del árbol Melaleuca Alternifolia que es originario de Australia, los aborígenes de este país. Los hongos en la uñas de los pies puede propagarse de un pie a otro en los pisos húmedos de duchas y vestuarios, y alrededor de las piscinas. Aquellos que utilizan. El aceite del árbol de te, se obtiene de la destilación de las hojas del árbol Melaleuca Alternifolia que es originario de Australia, los aborígenes de este país.\nCuando aparecen hongos en las uñas de los pies, el andar descalza puede hacerte pasar vergüenzas. ¿Por qué aparecen los hongos en las uñas de los pies?. La onicomicosis afecta más con el pasar de los años, puesto que el sistema inmunitario se debilita y las uñas suelen presentar rajaduras por donde ingresan los hongos. El aceite del árbol de te, se obtiene de la destilación de las hojas del árbol Melaleuca Alternifolia que es originario de Australia, los aborígenes de este país.\nLos Hongos en las uñas, también conocido como onicomicosis se refiere a la inflamación, el dolor, la hinchazón del dedo del pie, color amarillento, engrosamiento. Los hongos en las uñas de los pies afectan del 2 al 18% de las personas en todo el mundo y del 3 al 5% en Estados Unidos. Es relativamente raro en los niños, y.\nLos hongos en la uñas de los pies puede propagarse de un pie a otro en los pisos húmedos de duchas y vestuarios, y alrededor de las piscinas. Aquellos que utilizan. Un numero cada vez mayor de profesionales médicos están ofreciendo un procedimiento con laser para curar los hongos en las uñas de los pies, pero. Los hongos en las uñas de los pies afectan del 2 al 18% de las personas en todo el mundo y del 3 al 5% en Estados Unidos. Es relativamente raro en los niños, y.\nLos hongos en la uñas de los pies puede propagarse de un pie a otro en los pisos húmedos de duchas y vestuarios, y alrededor de las piscinas. Aquellos que utilizan. El aceite del árbol del té es uno de los aceites esenciales mas utilizados en el mundo, de reconocidos efectos en la salud humana, es recomendado desde tiempos.\nYo tomo el vinagre de manzana marca Heinz hce cuatro años y no he tenido efectos secundarios, soy hipertensa y esto me ha ayudado muchisimo, nunca he tenido. Un numero cada vez mayor de profesionales médicos están ofreciendo un procedimiento con laser para curar los hongos en las uñas de los pies, pero. Yo tomo el vinagre de manzana marca Heinz hce cuatro años y no he tenido efectos secundarios, soy hipertensa y esto me ha ayudado muchisimo, nunca he tenido. Yo tomo el vinagre de manzana marca Heinz hce cuatro años y no he tenido efectos secundarios, soy hipertensa y esto me ha ayudado muchisimo, nunca he tenido.\nYo tomo el vinagre de manzana marca Heinz hce cuatro años y no he tenido efectos secundarios, soy hipertensa y esto me ha ayudado muchisimo, nunca he tenido. Los hongos en la uñas de los pies puede propagarse de un pie a otro en los pisos húmedos de duchas y vestuarios, y alrededor de las piscinas. Aquellos que utilizan. Un numero cada vez mayor de profesionales médicos están ofreciendo un procedimiento con laser para curar los hongos en las uñas de los pies, pero. La onicomicosis afecta más con el pasar de los años, puesto que el sistema inmunitario se debilita y las uñas suelen presentar rajaduras por donde ingresan los hongos.\nUn numero cada vez mayor de profesionales médicos están ofreciendo un procedimiento con laser para curar los hongos en las uñas de los pies, pero. Un numero cada vez mayor de profesionales médicos están ofreciendo un procedimiento con laser para curar los hongos en las uñas de los pies, pero. Yo tomo el vinagre de manzana marca Heinz hce cuatro años y no he tenido efectos secundarios, soy hipertensa y esto me ha ayudado muchisimo, nunca he tenido.\nLos hongos en la uñas de los pies puede propagarse de un pie a otro en los pisos húmedos de duchas y vestuarios, y alrededor de las piscinas. Aquellos que utilizan. El aceite del árbol de te, se obtiene de la destilación de las hojas del árbol Melaleuca Alternifolia que es originario de Australia, los aborígenes de este país. Yo tomo el vinagre de manzana marca Heinz hce cuatro años y no he tenido efectos secundarios, soy hipertensa y esto me ha ayudado muchisimo, nunca he tenido. 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Yo tomo el vinagre de manzana marca Heinz hce cuatro años y no he tenido efectos secundarios, soy hipertensa y esto me ha ayudado muchisimo, nunca he tenido.\nEl hongo de las uñas del pie de 5 años 6 10 24\nEkzoderil r-r 20 ml el precio\nEl tratamiento del hongo de uña en el pie\nEl ungüento mikozan para las uñas el precio\nComo no contagiar a los próximos con el hongo de las uñas\nLas mandarinas al hongo de las uñas\nEl tratamiento de la uña encarnada en odesse\nAconsejen el ungüento del hongo de las uñas\nМария к записи El hongo de las uñas del pie de 5 años


La estupidez de la rabia · FIP Opina · FIP - Ideas para la Paz\nEsta columna de opinión se publicó en El Espectador el 23 de agosto de 2016\nA la oposición al proceso con las FARC y la determinación de optar por el No en el plebiscito también los moviliza la rabia –el “empute”– para decirlo en castellano.\nRabia con las FARC, rabia con Santos, rabia de lo ocurrido, rabia por lo incumplido y por lo que vendrá. Un enfado contenido que busca expresarse con un voto de castigo, recubierto por el reclamo de justicia y de no impunidad.\n¿Cómo transformar este malestar colectivo para aspirar a un futuro distinto?\nEn su más reciente libro, “Ira y perdón: resentimiento, generosidad y justicia”, la filósofa Martha Nussbaum pretende demostrar que la ira es “irracional y estúpida”, una reflexión que le cae como anillo al dedo a una sociedad que tiene el enfado en la punta de la lengua o en el dedo que aprieta el gatillo.\nPara Nussbaum la rabia es doblemente problemática desde un punto de vista normativo. Primero, porque se cae en el error de pensar que el sufrimiento del que cometió la falta, restaurará o contribuirá a restaurar, lo que fue dañado. Segundo, porque supone que bajando de estatus, a través del dolor o la humillación, a quien cometió la falta, se recuperará la dignidad y posición del agredido. Para Nussbaum los dos supuestos son falsos.\nDetrás de la demanda de “justicia” se encuentra en realidad el deseo de castigo, humillación y venganza. Queremos ver al contrario no solo derrotado, sino despojado de cualquier asomo de humanidad.\nNo se trata de indignación, ni de inconformidad, sino de la búsqueda de retaliación, del “ojo por ojo y diente por diente”, del “yo no me dejo” y del “no se saldrán con la suya”. Nos mueve la fijación de una motivación personal que tiene la aspiración de ser aceptada como una justicia colectiva. Un impulso que enceguece, que se aferra al pasado e impide ver el futuro.\nDetrás de la demanda de “justicia” se encuentra en realidad el deseo de castigo, humillación y venganza\nNussbaum comienza su libro con un pasaje de la mitología griega que hace referencia a “Las Furias”, que imponían castigos en la puerta del mundo inferior a aquellos cuyos crímenes habían quedado impunes en el mundo de los mortales. Todo con el objetivo de restablecer el orden perdido. Una de ellas perseguía la venganza, la otra despertaba el odio y la tercera se encargaba de perseguir a los culpables incansablemente, para asegurarse que nunca más cometieran un delito.\nPara terminar el ciclo de sangre y venganza, Atenea propuso la creación de las instituciones legales, de un “estado de derecho”, en el que “Las Furias” ya no podrían tener un lugar. Pero antes de excluirlas, Atenea las invitó a ser parte de este nuevo sistema, ofreciéndoles reconocimiento. La condición: ellas debían abandonar su foco en la venganza y adoptar la benevolencia.\nLa paz en Colombia se enfrenta también a este gran reto: ¿Qué hacer con “las furias” enquistadas en los distintos bandos?\nNussbaum señala que no se trata de encerrar la rabia en una jaula, sino de transformarla pasando de un impulso duro, obsesivo y revanchista a una postura que escucha razones, delibera y se mesura. Para esto nuestra idea de justicia no debe enfocarse en un pasado que no podemos alterar, sino en la creación de un futuro de bienestar. Esta es la verdadera decisión a tomar.\nSi la rabia es lo que nos moviliza, los años venideros no serán el resultado de lo mejor que podemos ofrecer como individuos, sino de lo peor que podemos entregar como sociedad. Esto no solo cuenta para aquellos que con cólera rechazan el proceso con las FARC, sino también para quienes con ira dicen defender la paz.\nEl diálogo arranca con la pésima imagen de Santos, la pésima del ELN y un clima de opinión de desconfianza. Pese a ello, estamos frente a una oportunidad de oro. ... Seguir leyendo