Gobierno Boliviano reconoce que el Condor Pasa es peruano - Foros Perú\nGobierno Boliviano reconoce que el Condor Pasa es peruano\nPublicado en 'Actualidad Mundial' por Hectorantonio, 28 Nov 2009.\nYo no se que ganas de rivalizar con un pueblo hermano como Bolivia, las fronteras hechas por las minorias criollas durante la independencia nunca pudieron dividir el legado musical y la tradicion andina, su herencia esta repartido en nuestros paises hermanos con quienes compartimos, desde colombia hasta argentina, ese legado que nos une, y creo que es razon suficiente para fortalecer una identidad latinoamericana andina, pero cada vez veo con preocupacion que hay un grupo de personas incluyendo a los del gobierno que levantan falsos nacionalismos, cuando de por medio han entregado todo el Peru, hasta el ferrocarril que lleva a Machu Picchu (cuando reclamaron?)....Pegan el grito al cielo por que dos paginas que no son oficiales (es decir lo escribe cualquier pelmazo) dice que el condor pasa es Boliviano, le dan titulares y hasta le abren secciones en foros...Inclusive se que el Condor Pasa esta siendo propuesto para ser el Himno del UNASUR asi como el 9na sinfonia de Beethoven lo es para la Union Europea.....\ndisculpmae, pero me parece tan irrelevante discutir si es peruano o boliviano.. en que afecta?\npero es que esa cancion es tan popular conocida... yo no tenia ni la mas pu ta idea que era peruana...\nSi pues es irrelevante pero hay que aclarar que NO ES VERDAD QUE EVO o SU GOBIERNO se quieren apropiar del condorpasa como por ahi suelta un forista...que detras de todas esas denuncias hay una intencion de llevar a la opinion publica en contra del pueblo hermano de Bolivia....\nTu crees que el Condor y no es mendoza . Se molestan con eso, para nada Bolivia y Perú son hermanos. La historia lo dice y el condor tambien.\nEn que esa no es la verdad, si algo es mentira debe ser desmentido. Apropiarse del patrimonio cultural de un país es algo vil y rastrero. Deberían realzar lo suyo y estar orgullosos de lo que ellos mismos poseen antes de estar apropiándose de lo que no les pertenece, y atribuyéndose méritos ajenos.\nPor cierto no creo que todo el pueblo boliviano sea así, eso es solo responsabilidad de un grupúsculo de acomplejados.\nOsea que el cóndor ya no pasara por Bolivia ?\npor q enla pagina web del turismo boliviano,dentro de su patrimonio,postula esta cancion como su folcklore nacional.\ny eso es una falsedad gigante,el condor pasa,se estudiaba en las clases de musica de muchos colegios d españa en los 70s,igual en francia alemani,incluso cuando he ido a los paises del este de europa me soprendia escuchar versiones del condor pasa en ruso,rumano,checo,era increible,y yo ni me lo imaginaba.\nes una muestra mas de la grandeza cultural del peru,q trapasa fronteras.\nmmm como eres de otro pais, no te afectara en anda, pero cuando un recurso afecta 2 paises que tienen costumbres similares....\nYo feliz de compartyir el condor pasa con los bolivianos ya que somso hermanos hombre. el mar es suyo iwal de tacna a tumbes.\nDane, 29 Nov 2009\nde bolivia o de peru... mientras traten con cariño al condor... todo bien...\neso s cierto .\nEste tema es mas bananero que el de la papa o la chirimoya.\nPodrias poner la pagina web, donde sale que es Boliviano por que yo no he encontrado lo que dices? Ojo hablo de la web oficial del Ministerio de Turismo Boliviano, no creo que estes tomando en serio la pagina de cualquier pelmazo de la red, para defender lo que escribes...\nHectorantonio, 3 Dic 2009\nPero no era de Simon&Garfunkel.\nEsto me recuerda a otra discusion , en un foro de Chile sobre el origen del Pisco; al final omo no lo había probado nunca, le mangue a una prima mia que tiene mucha relación con chilenos una botella de Hacienda del Carmen y esta bkn; sobre todo con una chispita de coca-cola.\nJejeje, sobre el pisco aún no has probado lo bueno. Por cierto, a mi me da lata que siempre sacas cara por Chile oihana...., tú que debieras ser imparcial...., pero no importa, ya creo que sabremos conquistar de tus buenos gustos y de tu buen paladar, y demás...., como bien se lo merece una princesa del viejo mundo.\nHablando del tema...., Simon y Garfunkel llegaron a popularizar el condor pasa a nivel Internacional, pero la composición musical le pertenece al reconocido compositor peruano Daniel Alomia Robles.\nAquí te dejamos este excelente artículo sobre los orígenes de la obra, de esta zarzuela peruana que fue presentada por otro forista, LIBERACIÓN en otro post. Besitos.\nPor: Victor Hurtado Riofrío\nEl pasado 13 de Abril se cumplió un año de que el Instituto Nacional de Cultura reconoció como “Patrimonio Cultural de la Nación”, a la melodía musical andina más representativa de nuestra patria, “El Cóndor Pasa”. Esta gran obra musical fue escrita por el músico y compositor huanuqueño, Daniel Alomías Robles. El Instituto Nacional de Cultura lo hizo a través de la resolución 219/INC. Normas legales del Ayer.\nSegún un vocero de dicha institución, “El Condor Pasa”, contiene conceptos originales de música y está dedicada a fortalecer nuestra identidad cultural, además esta famosa pieza musical ha traspasado las fronteras del mundo, llevando en sus aires musicales la tradición andina, permitiendo el desarrollo de temas clásicos del folclore nacional. El Instituto ha reconocido como interés cultural la obra musical de este gran músico y compositor, orgullo de nuestro Perú.\nDaniel Alomías Robles, nace en Huánuco el 3 de Enero de 1871, llega a Lima en 1882 y estudia su secundaria en el Colegio “Nuestra Señora de Guadalupe”. En dicha escuela conoce a los profesores Manuel de la Cruz Panizo y Claudio Rebaglittia, quienes estimularon su vocación musical. El destacado músico tomó la desición de seguir sus estudios superiores de medicina, en la “Universidad Nacional Mayor de San Marcos”, la que dejó pronto por seguir su inclinación musical, vocación que lo hizo un grande entre los grandes.\nDaniel Alomías, siguiendo el llamado de sus raices, se internó en los pueblos mós remotos para recojer el sentir de su gente andina, extrayendo de ellos su estructura musical. No sólo lo hizo en el Perú, sino también en Bolivia y Ecuador. Fueron muchos años de investigación que Alomías Robles realizó alrededor de los pueblos indígenas. En 1911, viajó hacia Argentina para presentar la ópera “Illa Cori”, donde teatralizaba cómo Huayna Cápac conquistó Quito. Viajo a Panamá, Cuba y los Estados Unidos, permaneciendo por 14 años en este último país. Vuelve a Lima en el año 1933.\nEl prolífero compositor escribió casi doscientas (200) composiciones, entre ellas “El Indio”, “Resurgimiento de los Andes”, “Danza Huanca” y “Alcedo y su Ballet”, entre otras. Fue en 1913 cuando Alomías Robles compone su máxima obra “El Condor Pasa”, hecha para una zarzuela que se estrenó en el “Teatro Mazzi”, ubicado en la Plaza Italia, en la ciudad de Lima. Esta obra musical tuvo tanta acogida, que muy pronto se convirtió en la favorita de todos los grupos musicales andinos. El conocido “Grupo Inkas”, ejecutó la sensacional pieza en un teatro de París, Francia, allá en por los años sesenta.\nEn 1970 el cineasta Armando Robles Godoy, (hijo del destacado músico y compositor), después de previas demandas y juicios, presentó pruebas para demostrar que su padre era el verdadero autor de “El Condor Pasa”, el que ya estaba patentado desde 1930, justamente en los Estados Unidos. Son muchos los compositores que se han querido apoderar de la autoría de esta joya musical. Sin ir muy lejos, el conocido compositor Americano, Paul Simon, adquirió los derechos de la melodía para ponerle una nueva letra, la cual está grabada en uno de sus discos de título “Puentes Sobre Aguas Turbulentas”, en el idioma anglo.\nPor último, Armando Robles Godoy dijo: “Creo que es un acto de justicia reconocer como patrimonio cultural a “El Condor Pasa”, agradeciendo las gestiones hechas por el señor Luis Guillermo Lumbreras, director del Instituto Nacional de Cultura, quien remarcó muy enfáticamente: “Desde ahora, no se aceptará más, ninguna modificación a la versión original de nuestro (muy nuestro) “Condor Pasa”. \n(Quechua) - idioma Inca\na Machupicchu y Huayna Picchu.\nperúamazónico, 4 Dic 2009\nEl condor pasa es peruanazo.\n----- mensaje añadido, 04-dic-2009 a las 14:18 -----\nQue tiene que ver la palabra bananero en todo esto???\nBananero:planta cuyo fruto es la banana o banano.Terreno poblado de bananas.\nJejeje, sobre el pisco aún no has probado lo bueno. Por cierto, a mi me da lata que siempre sacas cara por Chile oihana...., tú que debieras ser imparcial....,\nNo te creas, lo que pasa es que me he pegado casi un año en un foro chileno (ya me fuí de el), donde tambien habia algunos peruanos, y allí era al reves, defendía a mis amigos peruanos, de mis amigos chilenos, aunque ya sabemos que abejarrucos hay en todas partes; pero me caeís fenomenal y mi proximo viaje sera a Perú, ¡seguro!, es la zona arquelógica , de las cuatro grandes que me falta conocer.\npero no importa, ya creo que sabremos conquistar de tus buenos gustos y de tu buen paladar, y demás...., como bien se lo merece una princesa del viejo mundo.\nMuchas gracias, me encantan los hombres galantes\nAquí te dejamos este excelente artículo sobre los orígenes de la obra, de esta zarzuela peruana que fue presentada por otro forista, LIBERACIÓN en otro post. Besitos..\nSi , ya lo sabía, pero solo era una broma simpática, solo eso; pero no conocía su historia; muy bueno el artículo y muchas gracias,\nbananero, en el sentido que se les daba a los paises que servian para el cultivo de bananas y considerados por otros paises más industrializados y/o desarrollados como lo más bajo del tercermundismo, en ese sentido.\nXkroll, 4 Dic 2009\nsolo como comentario ... cuando me case en Budapest (Hungria) , el pequenio grupo musical que acompano la ceremonia ( un trio gitano famoso en Europa del Este) tocaron a mi requerimiento el Condor Pasa -una melodia hermosa con violines - muchos de los presentes en la ceremonia quedaron muy apasionados con la melodia y tambien para mi fue una gran sorpresa y hasta se me puso la piel de gallina escuchar el condor pasa en una ciudad tan lejana de mi Peru querido . Me hizo recordar el colegio donde teniamos un profesor de musica(el pelao Tavara) que se esforzaba por ensenarnos a tocar el condor pasa con Quena ( yo nunca fui un virtuosos musical) ......\nCreo que ahora te comprendo mejor que antes oihana...., tienes un peculiar sentido de la justicia que a mi me encanta, y por supuesto que a nosotros nos dará muchísimo gusto recibirte en nuestro país.\n(....) Favor que nos hacen las mujeres, de sólo quedar embelesados de su inteligencia y belleza, digo yo.\nQué curioso..., ahora recuerdo que por una bromita simpática también me gané muchos besitos..., bueno...., qué bueno que te haya gustado el artículo oihana. Besitos.


SOY DEL TANO fiel a Sportivo Italiano: Ravest ingresaría por Giménez\nSportivo Italiano recibirá mañana a Argentino de Merlo con una sola variante obligada, ya que Matías Giménez llegó a la quinta amarilla y, como deberá cumplir una fecha de suspensión, su lugar sería ocupado por Leonel Ravest.\nPor lo tanto, el “Azzurro” alistaría con: Gustavo Ruhl; Juan Aguilera, Diego Bordón, Diego González y Rodrigo Archubi; Gaspar Vega, Leonel Ravest y Sebastián Malandra; Abel Flegenal; Víctor Meza y Alcides Miranda Moreira.\nJunto a ellos concentraron Jonathan Scalzo, Diego Bulacio, Gastón Marecos, Franco Ruibal, Fernando Pasquale, Milton Velázquez, Francisco De Souza e Iván Bifiguer, de los cuales uno se quedará afuera del banco de suplentes.\nEl conjunto de Guillermo De Lucca viene de vencer por la mínima diferencia y como visitante a Dock Sud, lo que le permitió cortar tres encuentros sin triunfos y dos caídas consecutivas, que lo habían alejado de la punta del campeonato.\nPor su parte, la “Academia” igualó sin goles ante San Martín de Burzaco, sumando así su segunda presentación sin victorias. Además, en lo que va del torneo aún no pudo sumar de a tres como visitante, ya que empató dos y perdió los 4 restantes.\nAl igual que el conjunto local, Argentino sufrirá una baja obligada porque Jonathan Duche sufrió un desgarro y en su lugar estará Fernando Maldonado para integrar esta alineación inicial: Martín Cabrera; Sebastián De Luca, César Acosta, Damián Gutiérrez y Marcos Zampini; Juan Paulerena, Jonathan Steingard, Ever Zárate y Diego Jaime; Nicolás Horacio y Fernando Maldonado.\nEste encuentro correspondiente a la 13ra. Fecha del Torneo de Primera C comenzará a las 15.30 y será arbitrado por Gonzalo Beloso.


casos coronavirus en Grecia Archives - Noticias de Grecia, Politica, Cultura | Greek Reporter en Español\nEtiquetas Casos coronavirus en Grecia\nEtiqueta: casos coronavirus en Grecia\nLuisa Rosenstiehl - enero 4, 2022\nGrecia Descarta un Nuevo Bloqueo a Pesar de la Presión Sobre las UCI por...\nLuisa Rosenstiehl - noviembre 26, 2021\nGrecia insistió el jueves en que no habrá un nuevo bloqueo en el país, a pesar del aumento de casos de Covid-19.\nLos Números de Covid-19 Permanecen Elevados en Grecia\nLuisa Rosenstiehl - noviembre 24, 2021\nGrecia registró un total de 8.100 casos de Covid-19 el martes, mientras que el lunes se registraron 7.287 en el país.\nLos Casos de Coronavirus en Grecia se Mantienen por Encima de 6.000\nLuisa Rosenstiehl - noviembre 4, 2021\nUn total de 6.150 nuevos casos de coronavirus se registraron en Grecia el miércoles, continuando la tendencia de números elevados en el país.\nNuevas Infecciones por Covid-19 en Grecia Ascienden a Más de 4.200\nLuisa Rosenstiehl - agosto 18, 2021\nEl número de nuevas infecciones por Covid-19 en Grecia aumentó a 4.206 el martes, el número más alto desde el 6 de abril.\nLa Mitad de los Casos de Coronavirus en Grecia por la Variante Delta\nLuisa Rosenstiehl - julio 16, 2021\nLa mitad de los casos diarios de coronavirus en Grecia se han relacionado con la variante Delta, según Demetrios Thanos; presidente de la Fundación de Investigación Biomédica de la Academia de Atenas.\nLos Casos de Covid-19 en Grecia Continúan Elevados el Viernes\nLuisa Rosenstiehl - julio 10, 2021\nLos casos de Covid-19 en Grecia se mantuvieron elevados el viernes, cuando se registraron 1.997 casos totales en todo el país. La cifra actual marca 110 casos menos del virus que los 2.107 casos registrados el jueves.\nContinuan Aumentando los Casos de Coronavirus en Grecia el Miércoles\nLuisa Rosenstiehl - julio 7, 2021\nSe registraron 1.820 nuevos casos de coronavirus en Grecia el miércoles; 23 casos más que los 1.797 casos registrados el martes.\nLa Organización para la Salud Pública anunció que hubo un aumento astronómico de casos el martes, con 1.797 nuevos casos del coronavirus diagnosticados en las últimas 24 horas; se cree que se deba por la llegada de la variante Delta Covid al país.\nSe Confirman 771 Casos Nuevos de Coronavirus en Grecia\nLuisa Rosenstiehl - julio 3, 2021\nLas autoridades sanitarias confirmaron 771 nuevos casos de coronavirus en Grecia el viernes; un aumento de diez personas con respecto al día anterior. Este es...


Preguntas frecuentes - laTelaFeliz\n1) ¿Cuáles son las medidas de las telas?\nTodas las telas que vendemos en LTF son de 140/ 150 cm de ancho.\n2) ¿A partir de cuánto puedo comprar?\nEl precio de la tela es por 25 centímetos. Así, por ejemplo, si quieres comprar un metro de tela, debes elegir la cantidad “4” en el desplegable “cantidad”. Tranquila, no te llegarán cuatro retales de 25 cm cada uno. Te llegará una única pieza de un metro o de las dimensiones que elijas.\n3) ¿Cuánto tarda en llegar mi pedido?\nGestionamos el envío del pedido en 48 horas, excepto para los artículos en los que indiquemos otra cosa.\nMandamos todos nuestros productos por mensajería, por lo que el plazo máximo para la recepción de las telas es de 4-5 días a más tardar.\n4) ¿Puedo recibir muestras?\nSí. Si no te decides y necesitas ver o tocar las telas que te gustan, puedes pedirnos muestras. Mandamos un máximo de quatro muestras que te llegarán a casa por correo ordinario en el plazo de una semana.\nSi tienes otra pregunta, por favor, envíanos un correo.\nPreguntas frecuentes Vestidos\n1) ¿Es muy caro?\nPues… no. El precio de los vestidos va de 42 a 52 €.\nQuizás pienses que esa cantidad es demasiado alta para tu presupuesto. Pero te pido que sopeses los hechos: el vestido se realiza por encargo (por modistas en Barcelona), tiene la talla exacta que necesitas, son telas de mucha calidad, tú misma eliges la tela y el modelo… ¡Sí es casi un vestido hecho a medida!\nA que, visto así, resulta sorprendentemente barato.\n2) Solo para niñas pequeñas, ¡lo siento!\n¡Pues sí! Me encantan las telas infantiles de diseño y no encontraba vestidos confeccionados con ellas para mi hija. Así que he unido mis dos pasiones.\nAdemás, creo que este método de compra ahorra tiempo y… berrinches. Porque, entre nosotras, ¿a que la mayoría de niñas detesta ir de compras? En cambio, lo que sí les gusta es jugar con el ordenador. Por eso, en casa y tranquilamente, sí puede apetecerles jugar al HechoPorMí. Por otra parte, y si vives lejos de la niña a la que quieres regalar, con este método de compra te ahorras un montón de trámites y de incertidumbres.\n3) ¿A cuánto ascienden los gastos de envío?\nEl envío de nuestros pedidos se realiza por mensajería. Recibirás tu pedido en casa o en tu punto de recepción más cercano a tu domicilio. Los gastos de envío para la provincia de Barcelona son de 3.99€ (incl. IVA) y de 4.90€ para España peninsular. También puedes optar por el servicio de envío de Correos ordinario. Al final de la compra podrás elegir el transportista y el precio que más te convenga.\n4) ¿Se puede cambiar o devolver la mercadería recibida?\nPues, en principio, no. Cada vestido ha sido realizado según tus gustos y las medidas que nos has proporcionado, por eso es único. Así pues, y precisamente por esa razón, no admitimos cambios. En todo caso, te recomendamos que midas correctamente a la niña para que no tengas problemas con las tallas.\nPor supuesto, si el error ha sido nuestro (no te hemos mandado el vestido según las premisas de tela o talla con el que lo encargaste), admitiremos el cambio y, además, te lo volveremos a hacer para que lo recibas lo más rápido posible.\n5) ¿Cómo verifico el color?\nA veces, el color que ves en la pantalla de tu ordenador no se corresponde exactamente con la realidad. Es un pequeño inconveniente con el que tendremos que convivir, ya que no es culpa de nadie. Se debe a la configuración de la pantalla de tu ordenador. Si prefieres ver el color 100% real puedes pedir una muestra en "Pedir muestra" en la página de Incicio.\n6) ¿Cómo elijo la talla?\nPara elegir correctamente la talla, tómate tu tiempo y mide a la niña según las indicaciones que te damos en el la página de Inicio: AYUDA: ¿Cómo elijo la talla?\nLas edades son aproximadas, así que es mejor que te fíes de tus medidas.\n7)¿Cómo me registro como cliente?\nEs muy sencillo. Debes rellenar un pequeño formulario entrando en "Identificación". Con este trámite estarás registrado y podrás hacer tus compras tranquilamente.\n¡Gracias por confiar en LaTelaFeliz!


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Uploaded by robertsgilbert\ntemor al escenario\nEjercicio de Dinamicas\nplantilla de entre pares panama\nCapitulo de Primeros Auxilios\nPlan Psicoterapeutico Terminado\nEl Control Abdominal-Van Lysebeth Andre\nCómo Afecta El Miedo Al Cuerpo\nEnfermedad Natural El Susto\nCon El Objetivo de Preservar Lo Que No Está Escrito\nFestival de Musica 2008\nPara Una Vida Triunfante\nSecretaría (Horarios / Contacto)\nEs muy habitual que el nivel interpretativo en el escenario baje bastante con respecto al de la clase, por este motivo he decidido escribir éste\nartículo que pretende ser un compendio de algunos consejos que llevo escuchando durante muchos años de los mejores intérpretes que he\nconocido, y en relación a lo anteriormente expuesto opino:\n“El llamado miedo escénico está asociado a la angustia que produce el hacer el ridículo en público y compromete el autoestima y la\n1. Visión general\nSe esté interpretando para una multitud de trescientos o de tres, para el profesor o para un amigo, o incluso para una grabadora o audiencia\nimaginaria, en el momento que es consciente de que se está siendo escuchado, se está actuando y se tiene la oportunidad de practicar las\nCursos de Formación "Rafael\nOrozco" (antes Córdoba Cultural\nUna cosa es la capacidad que se tiene de actuación y otra es la capacidad de tocar el instrumento; una siempre va a la zaga de la otra.\nLa parte negativa es que casi nunca se interpreta tan bien en el escenario como en la habitación de estudio. La parte positiva es que\nconforme se aumenta la capacidad de tocar en la habitación de estudio, la capacidad de actuación sobre el escenario también se\nen el interior. Se puede aprender a tocar en el escenario haciendo una escala.Otras Revista Musicalia Musicalia Número 1 Musicalia Número 2 Musicalia Número 3 Musicalia Número 4 Musicalia Número 5 Alumnos Recursos Enlaces Zona multimedia Galería de fotos Recortes de prensa incrementa proporcionalmente. Trabajar para mejorar la capacidad técnica sólo como medio de lograr una mayor expresividad. Dedicarse a disfrutar uno mismo y por consiguiente hay que centrarse en la música. simplemente es una oportunidad para compartir el placer de la música con otros y hay que recordar que en muchas culturas se consideran el escuchar música y las actuaciones como una experiencia religiosa. Si se puede. Hay que esforzarse mucho para mantener y mejorar el nivel medio de actuación. llegando ocasionalmente a niveles de grandeza. No hay estrés fuera de uno mismo. No se debe estudiar solo para saber como se toca una obra. Hay que disfrutar del nivel en el que es está ahora mismo mientras se siga avanzando. (parece su profesión). es cierto que en cada ocasión hay que esforzarse. Cuando se actúa. Una técnica impresionante sólo debe ser un medio para conseguir un fin musical. No se debe proyectar las inseguridades en el público que escucha; ellos no las quieren. ni es una oportunidad para hacer alarde del ego o para hundirlo. Tener en cuenta las críticas constructivas que los amigos y profesores expresen. 8. no impresionar a nadie: “Uno debe enorgullecerse por lo que hace” . No hay que esperar que toda actuación sea la mejor. para dar. El público está ahí para disfrutar de la música. Los problemas de actuación son completamente internos. 2. 5. La verdadera competición es con uno mismo. sino que se debe aprender a cómo actuarla y por lo tanto a expresarla y . y este pensamiento debe mantenernos en el camino correcto. Recordar que hay que ser un artista. 3. Hay que ignorarlos. pero se deben ignorar las críticas destructivas procedentes de gente insegura de sí misma o que simplemente no le gustas y quieren hacer daño. aunque no tanto para alcanzar la perfección sino para conseguir consistencia. y se debe tener en cuenta lo siguientes puntos: 1. 4. Hay que confrontar la ansiedad de actuación y tratarla en la mente. Si se intenta tocar por encima de la capacidad de actuación (aunque se esté dentro de los límites de dominio del instrumento) nunca se progresará como intérprete sobre el escenario. A veces hay gente esperando el momento para criticar y perjudicar. Cualquiera que venga a la actuación a escuchar los errores en vez de a disfrutar de la experiencia musical es más digno de pena que de temor. No se debe tratar de competir con otros o compararse con ellos excepto si es para estimular el propio deseo de mejorar. la audiencia no sabe (a menos que se proyecte el descontento) si se está en una parte fácil o difícil. En la actuación uno deber ser consciente de lo que está haciendo y no se trata de hacer un juicio de valor de uno mismo. Mantener la concentración en las cuestiones técnicas a vencer en cada obra. no un atleta. y hay que tener siempre muy presente que sobre el escenario no hay ninguna pieza fácil. de modo que hay que hacerle disfrutar. 6. nos debemos liberar de la preocupación por las expectativas poco realistas de los demás. Se debe usar la actuación como una oportunidad para el desarrollo. 7. Intentamos crear algo. pero sobre todo hay que centrarse en el resultado musical que se quiere transmitir. Hay que procurar conseguir un buen nivel constante. algo que además no le preocupa.\nComo la ansiedad de actuación es un fenómeno puramente mental. 4. por lo tanto se debe realizar una evaluación honesta y volver sobre las zonas problemáticas. Incluso aunque se haya realizado un pequeño desastre. Otro método de usar la visualización eficazmente es visualizar las actuaciones mismas. y tratar con los miedos donde realmente están. frunce el seño. No evocar errores anteriores.compartirla con los demás. ser capaz de visualizar la obra a tiempo con un metrónomo sin dudas ni errores. Nada resulta más desagradable para una audiencia que alguien que al final de la pieza. “en la propia mente”. se debe aprender a recrear vívidamente en nuestra pantalla mental la experiencia de tocar frente a otros. 5. se queja y se lamenta de su destino. 6. No detenerse a mitad y comenzar de nuevo. 2. Cuanta mayor precisión y de forma más vívida se pueda captar la experiencia de una actuación menos se tendrán que usar las actuaciones mismas como medio de trabajar las habilidades de actuación. Lo que se hace con ese nerviosismo es lo que determina si se es capaz . Hay que estar seguro de todas las partes que se componen las obras así que como tener claro los siguientes puntos: 1. La estructura general de la pieza. especialmente sobre las conexiones de las áreas que se han trabajado individualmente. El nombre de las notas y el solfeo. se debe terminar de forma sólida y darle a la última nota todo su valor. No tener preocupaciones técnicas. 7. 3. Relajación Ponerse nervioso es la reacción natural al ser el centro de atención. No hacer falsos comienzos. Y finalmente. 2. se debe tocar aplicando estas reglas: 1. La digitación. 3. Cuando se cometa un error. Las melodías y acompañamientos. nos estamos abriendo a la inseguridad en la actuación. Lo que ha pasado. pasó. Cuando se interpreta una obra completa pueden aparecer problemas que a priori no existían. ¡El presente no existe! 3. Una vez que se comience. 2. Visualización Visualización se entiende como la imaginación con rasgos visibles de algo que no se tiene a la vista. Después de que se domine la pieza técnicamente. hay que tocar toca la pieza hasta el final sin parar. ¡hay que seguir! Si paramos para corregir el error hemos cometido dos errores. Si no se pueden visualizar con confianza las obras que se van a interpretar.\nSe lleva a cabo centrándose en la respiración. Un intérprete relajado parece que se hace antes con su instrumento. Se debe hacer despacio y en respiraciones profundas. Como práctica diaria hacer la regulación de la respiración y la relajación del cuerpo antes de empezar el estudio. Pasaremos por tres estados de relajación: 1. Si uno no puede relajar los músculos conscientemente durante el estudio. Halla un nuevo músculo para relajar en cada sesión. tampoco podrás hacerlo en el escenario.). no puedo estar nervioso" es igualmente erróneo. En estas actuaciones de práctica lo importante no es tanto hacer música como mejorar las habilidades de actuación. Echarse en el suelo o en una cama (no demasiado cómodo. Comenzar con un extremo del cuerpo. Antes de la actuación verdadera. Llegaremos al estado en que normalmente se considera estar "relajado". "no me pondré nervioso. 4. La relajación es una técnica. y aprender a relajarse. Respirar conscientemente desde el diafragma más que desde el pecho (haciendo que el vientre se contraiga y se expanda). o nos quedaremos dormidos). 2. incrementará la sensibilidad a la tensión y nos hará capaces de liberarla inmediatamente cuando ocurra. los dedos de los pies o la cabeza y relajar poco a poco y conscientemente pequeñas partes (cada dedo del pie. Lentamente debemos ir pasando hasta el otro extremo del cuerpo. la planta. y no se es capaz de sentirla.o no de actuar. Finalmente se sentirá como si desapareciera totalmente. En cada práctica de actuación debe ponerse un objetivo como por ejemplo: . A continuación propongo algunos para trabajarlos en casa e incluso antes de cada actuación: 1. el talón. 2. el empeine. Intentar ignorar el nerviosismo es engañarse a sí mismo y con esto se empeoran las cosas. Una vez hecho esto es bueno tocar la pieza muchas veces y a partir de la séptima vez deberíamos empezar a deleitarla. por tanto se debe que aceptar el nerviosismo y trabajar con él. Se debe practicar esto una media hora cada día y especialmente antes de las actuaciones. Poner un reloj de alarma para que suene en 30 minutos. Es de vital importancia que se ralentice reflexivamente la respiración cuando se sienta que empieza a acelerarse. Los ejercicios de relajación progresiva pueden darnos un control consciente sobre nuestro cuerpo. y es tan importante cultivar esta técnica como cualquier otra que se aprenda sobre el instrumento. etc. como si se hundiera en el suelo. hasta que todo se sienta como si hubiera desaparecido. 3. Es necesario canalizar la energía nerviosa hacia una energía constructiva. se debe practicar varias actuaciones para uno mismo. porque una vez pasado cierto nivel ya no es posible el control y comienza la hiperventilación. Tomarlo de una forma agresiva y decirse. Después la parte que se está relajando se sentirá pesada.\ny todo lo que necesitemos para no tener que correr cuando llegue el momento de salir al escenario. ya que la grabadora nos dará un punto de vista completamente objetivo de cómo sonamos). Primero intervenir en nuestra habitación de estudio para una audiencia imaginaria (pero vivamente imaginada). Las grabaciones están editadas y manipuladas. Imaginemos que nos acercamos por el pasillo al escenario y nos sentamos enfrente de todo el público. Debemos acudir a actuaciones en vivo de otros intérpretes. y debe cultivarse mediante la práctica. Escuchar los conciertos con todas las imperfecciones debería liberarnos de nuestras preocupaciones erróneas. No se necesita más. y este fin llegará por sí mismo. Hacerlo con una visualización lo más vívidamente posible. si se respira en calma. El día de la actuación Este día debemos hacerlo todo con calma y lentamente. Visualizamos las piezas. tantas veces como nos sea posible para acostumbrarnos al ambiente del concierto. En vez de preocuparnos por sacar un buen sonido. Es interesante aprovechar las actuaciones en vivo como una oportunidad para darnos cuenta de que incluso los mejores intérpretes se ponen nerviosos y cometen errores. Se deben evitar los estimulantes. de manera que podamos aprender a manejarla. Preparar la ropa. se puede considerar un éxito en la práctica. Aunque se falle notas. Aplicarse a última hora sólo hace que fatiguemos los músculos y nos quede una sensación de inseguridad sobre si estamos o no preparados.Si tienes problemas en la respiración mientras se actúa. Tenemos que aceptar que estamos bien preparados y todo irá bien. 4. Tocar para uno o más amigos íntimos. 5. y comenzamos a tocar una de nuestras obras. con calma y de forma efectiva trabajar sobre puntos determinados. y por tanto representan un ideal de interpretación. Durante la actuación La concentración es la habilidad más importante en una actuación. Llegar temprano y familiarizarse con la sala y tocar una obra o dos en la posición en que nos vamos a poner; y visualizar los asientos llenos de gente. Buscar y descubrir qué situación nos pone más nerviosos. Intentar no practicar excesivamente. las partituras. tenemos que concentrarnos en los medios necesarios para conseguir el fin propuesto. mantengamos la mente centrada en lo que tenemos que hacer para producir un buen sonido. Nos dan una expectativa poco realista de lo que deberíamos hacer cuando interpretamos. Después actuar para una grabadora (esta es una práctica excelente. de forma relajada. Mientras estemos tocando. Manejar cualquier sentimiento de nerviosismo que se tenga como lo haríamos si estuviéramos realmente en el escenario. Podemos tocar una o dos obras completas. ponérselo como objetivo. . y después para extraños. Practicar por niveles. Comer ligero y suficiente.\nTratar de parecer pomposo y formal.. no tendremos que preocuparnos de mucho cuando estemos en el escenario. La mayoría de la gente piensa que todo suena muy bien en la habitación de estudio. Evitar el error común de ofrecer a la audiencia un comentario de los errores que vayamos cometiendo. y son signo de una preparación inadecuada. Cuando cometamos un error. mmm. Que pasen y a continuar. La gente que venga a no escuchar otra cosa que nuestros errores. A la audiencia debemos mirarla como amigos. todo suena fatal.. Lo único que quieren es escuchar música. Esto no significa que debamos bajar nuestras expectativas. que es una especie de pieza grande. Cometer errores Tenemos que aceptar que la perfección no es posible. sino que tenemos que aceptar que somos humanos y que los errores llegarán; dada la cantidad de notas que se tocan en una actuación. etc. Si nuestra perspectiva es suficientemente buena y estamos centrados en la música. ¡No hay tiempo para practicar ahora! 2. porque entonces se tiene la oportunidad de cambiarlo. y después cuando suben al escenario. debemos ser nosotros mismos. Si aceptamos que pueden llegar. Errores sencillos: Éstos ocurrirán al margen de lo bien que nos hayamos podido preparar. Consintámonos un cierto número de errores por actuación. Si tenemos que hablar con la audiencia para dar algunas explicaciones de las obras. está compuesta por. ellos apoyan nuestros esfuerzos. ignorémoslas no obstante." y comentarios semejantes no son ejemplos de buena comunicación con la audiencia.Cultivar la habilidad de mantener la mente centrada a pesar de las distracciones. "la siguiente obra que voy a tocar. y sigamos adelante.. silenciémoslo. no como enemigos. Deficiencias: Se trata de acciones que somos incapaces de realizar en el instrumento. Una vez que estemos en el escenario. En la habitación de estudio uno debe ser hipercrítico en todo lo que esté oyendo. Mientras que ésta continúe. tenemos que sentirnos grandes. Prepararnos bien lo que vamos a decir es muy importante para saber de lo que estamos hablando. cuando lleguen no nos sorprenderán tanto ni nos entrará miedo por ello. 6. Mozart. no hay tiempo para nada de esto. otra vez. y quieren que lo hagamos bien.. con movimientos y notas. es digna de lástima. mmm. Diferenciaremos dos clases de errores: 1. sonata. ya que se está perdiendo completamente la música. Cuando actuemos. o siendo excesivamente próximo en plan "colega" lo único que conseguiremos será alienar la audiencia. “nos reiremos de ellos”. es poco realista esperar que nunca fallemos ni una.. Estos errores son causa de preocupación y deben estar en primer lugar en la lista de cosas para trabajar después de la actuación.. ya sea con gestos o movimientos: "uup. Para esto puede servir practicar las obras frente a una televisión con el volumen alto y con dos radios sonando al mismo tiempo en dos emisoras distintas; si a pesar de todo somos capaces de mantener la mente centrada en tocar las obras. Consecuentemente. A esto hay que darle la vuelta por completo. de modo que hay .". que los brazos y dedos se expandan; esta relajación libera la circulación y permite a la sangre fluir por los dedos. en un escenario frío. y no tratan de minarlos. Se trata de su. lo siento. dejar que los hombros se ensanchen. permitiéndonos tocar incluso. Casi siempre seremos los únicos en notarlo. mmm. Uno no inspiraría confianza en la audiencia si empieza a decir.\nRespirar profundamente para calmarnos. Usemos este ritual para detener cualquier problema predecible que pueda perturbar nuestra confianza mientras actuamos. Sobre todo no nos castiguemos por lo que hemos hecho. del atril. Es bueno tener un ritual y repetirlo siempre que se sube al escenario. y 4. A muchos les atemoriza esto. y realizarlo en todas las prácticas de actuación. 2. ¿va a terminar esto alguna vez?" Este fenómeno puede utilizarse como una ventaja si somos capaces de mantenernos concentrados en lo que tenemos que hacer para realizar una buena interpretación. 6. (¡y no olvidemos mantener la respiración lenta y profunda mientras tocamos!). Todo se ralentiza y dura más. Tenemos que tomarnos nuestro tiempo. "Dios mío. Tras la actuación mostremos nuestro agradecimiento a la audiencia por escucharnos y nunca nos disculpemos por lo que hemos hecho. Solfear y visualizar la primera frase de la pieza. Cuando estemos solos debemos evaluar la actuación honestamente y trabajar sobre los problemas que hayamos descubierto bajo el estrés de la actuación. Si conseguimos convertirlo en un hábito inconsciente puede ayudarnos de forma muy efectiva para instaurar un estado inicial de concentración. Tomemos todo el tiempo necesario para prepararnos física. Hagámoslo todo con calma. Comprobar la colocación del instrumento. 3.. etc. 4.. Censurar la propia interpretación ante alguien que nos está aplaudiendo no sólo revela la falta de autoestima. y piensan entonces. A veces puede parecer en el escenario que el tiempo se detiene. mental y emocionalmente. Nunca comenzar una obra hasta que estemos concentrados y preparados. 7. y tener en cuenta que si estamos nerviosos tenderemos a tocar más rápido o a acelerarnos conforme vayamos avanzando en la obra. 3. Con frecuencia el nerviosismo distorsiona la percepción del tiempo haciéndonos creer que la velocidad a la que tocamos la obra normalmente es demasiado lenta. Nadie nos impone prisa. no tenemos por qué disculparnos. Colocar ambas manos y/o embocadura en la situación adecuada para comenzar la pieza. de modo que puede que tengamos que comenzar a un tempo que nos parezca en principio lento. Una muestra podría ser la siguiente: 1.que aceptarlo tal como es y enfocarse en lo positivo. Recordemos: 1. sino que también insulta al que escucha. 5. Comprobar la afinación. Cerrar los ojos y marcar el tempo con el que vamos a comenzar. Si se ha hecho lo que se ha podido en el momento. Comenzar la obra con decisión. Es como decirle que si ha disfrutado con la interpretación es por su mal gusto. 2. La verdadera perspectiva de la actuación no está en lo que . de las luces. en lo que suena bien. Los problemas podrán resolverse de vuelta a casa.\nprocedimientos contrastados experimentalmente que ya han ayudado a multitud de músicos. En él se ofrecen las técnicas más eficaces para solucionar el problema. El precio del libro es de 18 € más 3 € de gastos de envío y en principio la única forma de adquirirlo es a través del correo electrónico del propio autor. porqué se cronifica. clarificador y eminentemente práctico donde se presentan las soluciones a este problema combinándolo con la amplia experiencia en éste área que posee el autor.cop.1 · WAIAA © Conservatorio Superior de Música “Rafael Orozco” de Córdoba 2005  2014 Todos los derechos reservados . Muchos son los estudiantes y profesionales que ven como su nivel interpretativo se reduce por los nervios.0 · CSS 2. como prevenirla. Un texto ameno. Para finalizar me gustaría aconsejar la lectura de un muy buen libro escrito por Guillermo Dalia Cirujeda titulado “Como superar la ansiedad escénica en músicos”. Es un libro de autoayuda para aquellos músicos que sufren de ansiedad escénica ante una actuación.esperemos hacer en el futuro. que es: dalia@correo. etc. son aspectos importantes para que tanto los profesores de música como los padres contribuyan a evitar el problema. Pero no solo para los intérpretes puede ser beneficiosa la lectura de este texto.. sino en cómo lo hicimos en el pasado. arruinando más de una prometedora carrera. Conocer los motivos por los cuales se genera la ansiedad escénica.es 7. Bibliografía “Cómo superar la ansiedad escénica en músicos” de Guillermo Dalia Revista “Ocho sonoro” Manuel Ureña Delgado Conforme a los estándares XHTML 1. Centrémonos en lo que hemos conseguido y en lo que podemos llegar a hacer en la próxima actuación.\nDocuments Similar To El Miedo Escénico\nMore From robertsgilbert


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SH & Web | Plan Impulso Económico\nNoticiasPlan Impulso Económico\nSabemos que en México y el mundo, se comienza a vivir el inicio de una gran crisis económica, que golpeará fuertemente a empresas de todos los sectores. Se avistan una serie de cambios a nivel mundial, que nos obligan a innovar y adaptarnos a nuevas formas de comerciar y negociar a través del mundo digital.\nHoy más que nunca, debemos apoyarnos mutuamente como empresarios ante los problemas económicos que ya comenzamos a enfrentar. Tenemos en cuenta que las decisiones de inversión en proyectos de tecnología son vitales, y realizar la inversión equivocada con el proveedor equivocado, no solo puede hacer perder los proyectos, también puede hacernos perder dinero.\nPor esto, en SH & Web, pensamos en como apoyarte con ese proyecto que tienes en puerta, sin descapitalizarte y realizando la inversión correcta para un proyecto exitoso y completado.\nConsiderando todas estas variables y problemáticas, preparamos para ti una estrategia, el PLAN IMPULSO ECONÓMICO, el cual te permitirá pagar tu proyecto en 9 o 12 mensualidades SIN INTERÉS alguno.\nTu proyecto es importante para nosotros, tan importante que confiamos altamente en su éxito, y de ser necesario, te apoyamos con un plan de 18 mensualidades SIN INTERÉS alguno, pagando un anticipo que platicaremos juntos.\nEs el momento de apoyarnos y trabajar en equipo, como sabemos hacerlo los empresarios.\n¡Trabajemos juntos por un México mejor!\n*NOTA: No aplica para ninguna empresa de Gobierno Federal, Estatal, Paraestatal o subsidiada por alguna entidad de Gobierno en México.\nIng. Erick Loeza\nCEO - SH & WEB SAPI DE CV


Líquido | mariamrntrd\na/ con - tacto\n01. lleva pasando nada mucho tiempo\n02. ieri e qui / scusa\n03. respiración para piano\nb/ la piel\n05. hasta sentir el mudar\n06. análisis para la calma\n08. barro, tal vez\n09. la última inocencia\n(pincha para visitar)\nc/ los hechos\n11. la habitación\n12. la ostra y la nuez\n(pincha en las flechas para acceder a las versiones descargables PDF)\nAunque a veces no se entienda, debido a que hay cosas que no explico, el propósito del texto no es, ni mucho menos, confundir. Se trata por el contrario de una aproximación a lo que pudiera ser en un futuro una declaración de intenciones. La explicación manifiesta de mi posición a la hora de plantear la creación artística. Pues he tenido como objetivo principal la toma de decisiones guiándome siempre de la máxima sinceridad que me ha sido posible reunir. Asumiendo, sin duda, los cambios pertinentes e inevitables. Por ello creo innecesaria la explicación concisa del propósito o el significado de la obra o del texto planteado, pues esto ha sido, es y seguirá siendo ante todo un proceso que a veces es incomprensible de todo punto. El broche final y colofón del viaje más improbable y a la vez más esperado que he hecho. Aunque esto es sólo el principio.\nPartiendo del frío constante y de la piel de gallina, empecé asumiendo un conflicto que pedía a gritos encontrar la calma. Y la búsqueda de una voz nunca fue tan complicada. Una vez que asumí que se habían desplomado todas las certezas, comenzó el desparrame emocional y el conflicto en todos los afectos, hasta sentir el mudar de una vez por todas. No pudo ser entonces más evidente el hecho de necesitar una guía, un manual que dictaminase el siguiente paso a dar. Para por fin aprender a caer, con el goce pertinente, para encontrarme en el barro, tal vez. Y ahora que todo parece haber terminado, siento más fresca la mirada, bajo la sombra del hinoki en lo alto de la cima de la montaña, que me permite ver todo el camino andado hasta ahora. De momento intuyo que esta ha podido ser la última inocencia permitida. He sentido y así lo he hecho que ahora toca posicionarse dentro de este mundo hostil con el que he decidido lidiar, para indagar sobre el manifiesto que quiero defender a la hora de mirar a la cara a la obra de arte.\n01. en el mientras tanto\n02. una aporía de lo imposible\n03. hacerse preguntas que nunca\n04. la habitación\n05. la ostra y la nuez\nNi siquiera empieza teniendo una forma, o una dirección hacia la que se mueve. Avanza poco a poco, como a tientas en la oscuridad. Como una mano que busca en la rugosidad de la pared el interruptor de la luz, pero no lo encuentra. Y así, movida por la valentía y la desesperación de estar parada, una se aproxima sin ver apenas nada, pero con la confianza absurda de que no habrá nada con lo que chocar.\nEse afán por el movimiento, por la búsqueda de una nueva forma o de una nueva composición, es sin duda la necesidad del proceso creativo. Quizá el deleite del tacto tiene que ver con la espera; con la pausa de saber que no se va a llegar a ninguna parte. Con detenerse a perder el tiempo, porque es ahí donde se estarán creando cosas nuevas. O no. Pero es justo ahí donde se cae en la cuenta de que da igual el hacia dónde, pues el sentimiento que se tiene con respecto al arte y a la creación, es el de un líquido que no tiene forma propia, pero que tiene una necesidad irrefrenable de expandirse, como cuando el agua de la lluvia se desparrama por una pendiente lisa, poco pronunciada y sin obstáculos. O como una miel espesa y lenta, que avanza casi sin darse cuenta cubriendo el hueco profundo que han dejado las grietas en la tierra. Parecido al mercurio de forma ambigua y recorrido autónomo, deslizándose por el cristal que lo separa de un peligro inesperado.\n¿Por qué crear de más en un mundo que está pidiendo a gritos el menos? ¿Hasta dónde llega la necesidad y el impulso creativo? ¿Existe realmente esa necesidad? ¿Para quién crear? ¿En qué espacio queda el verdadero disfrute? Las manos modelan gustosamente el barro y quedan manchados los surcos de las huellas dactilares. Adrede no quiero lavármelas, porque el objeto que se ha generado es suficiente, y pensando en todos los procesos que vienen después, ¿acaso no pierde todo el sentido? ¿Están hechos los objetos para ser mirados? ¿Existe un objeto si no se empapa de la mirada del otro? ¿A qué suena un árbol cayendo en un bosque vacío? Encontrarse inmerso en una sensación de atropello es también parte del proceso que acomete, quizá parecida a la incertidumbre de estar mojado sin posibilidad de secarse. Es posible que ni siquiera sea necesario responder, al igual que no hace falta que el líquido tenga una forma determinada. Y es que encontrar una respuesta no te asegura afianzar las certezas, ni encontrar un camino que seguir. Yo, por si acaso, me quedaré en la seducción de la pregunta, deleitándome en el mientras tanto.\ndel Lat. liquǐdus\nEl líquido es el estado de agregación de la materia en forma de fluido altamente incompresible, lo que significa que su volumen es casi constante en un rango grande de presión. Es el único estado con un volumen concreto, pero no con forma fija, por lo que sólo queda definido por el recipiente que lo contiene.\n(La imagen del fluir y de la expansión incontrolable de la materia o del fenómeno mismo que la comporta, como metáfora visual del proceder de la creación. La capacidad de movimiento e irradiación del sentido actúa como el fluir del agua que lentamente avanza por una pendiente poco inclinada. Estado de agregación de la materia que mana incontrolable, con un volumen determinado, pero sin forma concreta, adaptándose ésta última al lugar en el que se acopla.)\nuna aporía de lo imposible\nEl arte es, a mi parecer, un fenómeno potente por lo siguiente: es inútil y útil al mismo tiempo. Inútil porque no tiene ninguna función eminentemente práctica. No es un objeto que “sirva para algo” en específico (como una silla, una prenda de ropa o un aparato electrónico), más que para quizá mostrar algunos aspectos de la sociedad en la que se ha desarrollado. Útil porque es un producto derivado del ser humano que más deseo genera. Es decir, su utilidad es puramente punzante, que impulsa al ser humano a hacer y poseer cosas que, paradójicamente, no tienen utilidad. Quizá sea por este motivo que el tocar, queda vinculado que esta idea: el deleite de la pausa de acariciar tiene sentido en objetos que carecen de utilidad práctica. Razón por la cual no concuerda esa tradición del afán de proteger el objeto de arte con el contacto de las manos. La obra de arte se configura como objeto (después de existir previamente en la imaginación) en las manos del artista. Al ser el creador el primero que rompe la barrera de la posibilidad del tacto al crear el objeto con sus manos, o al tocarlo y manipularlo durante el proceso, se deduce que la absorción de la imagen de la obra de arte no debería limitarse a la vista, aunque se haya rozado superficialmente la idea de que “ver” también puede entenderse como “tocar”.\nEmpiezo a intuir que, casi de manera obvia, el deseo es inevitablemente tacto. Ocurre cuando queremos algo con mucho ahínco, que sentimos la extraña necesidad de tocarlo a toda costa, y se vuelve imprescindible que las yemas de nuestros dedos se deslicen por la superficie de la cosa, para cerciorarnos de que nuestro deseo por ella se ha visto cumplido de alguna manera. Este chequeo resulta agradable cuando el resultado es absolutamente positivo. Pues tocar un objeto, conectar y “con-tactar” con su superficie parece paliar las ansias de posesión, hasta cierto punto, y por un período breve de tiempo. La medida de cuánto se desea algo puede estar directamente proporcionada al placer que haya producido ese primer contacto. Y no siempre ocurre con los dedos.\nLeonardo Da Vinci describe en alguna de sus Notas la manera en que las imágenes desprenden una especie de onda, que viaja hasta las células que forman el ojo humano y, con su roce, penetra la proyección de la forma de las mismas hasta llegar al cerebro con su información. Según esta creencia, las imágenes llegan a nuestro conocimiento por medio del tacto. Luego se produce el deseo. A veces también pasa con el olor. Una fragancia químicamente compatible que roza las cavidades de la nariz puede producir un estímulo extraordinario que haga creer al entendimiento que se ha encontrado el amor. Inhalar las partículas que desprende el cuerpo que se desea (tocar) produce efectivamente que esa ambición aumente; y así querer llevar el contacto al siguiente nivel. Dedos, labios, lengua, fluidos. Se asume que son cosas distintas, pero todo esto supone tocar a diferentes escalas. Incluso, a pesar de que se asuma lo contrario, ya se habrá tocado ese cuerpo antes, a través de esa aspiración primera que hizo crecer el deseo. Querer algo es querer tocarlo, o incluso querer algo se produce al haberlo tocado, primeramente, si asumimos que los pensamientos de Da Vinci eran acertados. Pues la imagen de lo deseado habrá entrado en contacto con nuestra corporalidad justo en el momento de haber observado la cosa, sin (como se venía pensando) haberla tocado previamente. Pero sí.\n¿Por qué se dice entonces que la piel es el órgano del sentido del tacto, si todo cuanto somos hacia el interior, hacia el contacto con el cuerpo mismo, es tacto también? ¿Acaso no se tocan los órganos entre ellos? ¿No sería entonces correcta la idea de que todo lo que somos en cuanto a exposición y recepción de estímulos tanto del exterior del cuerpo como del interior es tacto? ¿Por qué se ha atribuido esta cualidad solo a la piel? Si se sigue el hilo de ese pensamiento, se asume que estamos continuamente tocando y siendo tocados, no sólo por fenómenos que llegan del “afuera”, sino por nosotros mismos. Es del tacto desde donde llega continuamente información que hace que se formen imágenes y pensamientos. Se puede incluso llevar esta idea a otros niveles de reflexión, si atendemos a la investigación que el arquitecto Juhani Pallasmaa plantea en relación con la arquitectura y los sentidos en Los ojos de la piel. Pues el cuerpo es capaz de expandir todas sus capacidades al mismo tiempo para relacionarse con el espacio, proyectando su propia imagen con el lugar y los objetos que hay en él. Y este mecanismo, con el uso de todos los sentidos juntos, se hace también mediante el despliegue de la virtud del tacto. De repente, caigo en la cuenta de que una imagen no vale más que mil palabras. Pues, en realidad, es el contacto el que vale más que mil imágenes.\nCabe destacar que una imagen no es aquello que vemos de la realidad, o lo que imaginamos, recordamos o asumimos como existente. No es, ni siquiera, una representación del espacio o de un objeto o sensación. Cuando se habla aquí de “imagen” no es un cuadro vistoso y bien elaborado, en el que aparece una diosa desnuda como alegoría de la belleza. No es una escultura, una fotografía de una calle al atardecer, ni una performance que representa un sentimiento. Una imagen no es, a pesar de lo que pueda parecer, una poesía. La imagen es, ni más ni menos que existencia. Es lo que hace al ser entenderse como tal, comprenderse al igual que comprende su entorno y la relación que existe entre este y el cuerpo. Y quizá si aislamos estos pensamientos se puede llegar a la conclusión de que el entorno más cercano y que primero conocemos, el espacio primeramente habitable es el cuerpo. La piel hacia el exterior y el tacto como herramienta de conocimiento primero. Así pues, la imagen queda mucho más relacionada con el tocar que con el ver, alejando a lo mejor al arte de la hegemonía de la mirada, para comenzar a vislumbrar las manos como receptores primeros de las formas.\nEsta extraña deducción camina a hurtadillas, muy despacio, por una cuerda mal tensada que en cualquier momento puede no ser capaz de sujetar el peso del argumento. Es posible éste se desplome hacia el suelo y se precipite en el asfalto, dejando un reguero de sangre que será limpiado a la mañana siguiente por el primer barrendero del alba, pues hoy en día en el arte parece no haber lugar para los débiles. Será quizá la muerte de una romántica idea sobre el fenómeno del sentido del tacto, que se estampa en la calle por el simple hecho de no haberse sustentado correctamente. El golpe se oirá fuerte. Pero ¿y si este pensamiento se sujetase como una mano agarra fuerte la barra en el metro para no caerse? De nuevo, se presentaría otro ejemplo de cómo el deseo impulsa a tocar, estando ahora incluso vinculado a la idea de aferrarse a la vida, inasequible al desaliento. O que el tocar (en este caso la idea de no caerse) impulsa al deseo de agarrarse a la barra y aferrar así todas estas ideas.\n¿Qué ocurriría si nos cortasen las manos? La mayoría de las veces, cuando imaginamos (de nuevo, la imagen) el ser desprovisto de un sentido, rápidamente se tiende a elucubrar sobre la posibilidad de perder la vista. Lo típico: el resto de nuestros sentidos se agudizarían. El oído, el olfato, el equilibrio, la orientación, la espacialidad, el tacto o el gusto se abrirían camino por la querencia de llegar a ser el nuevo favorito. ¿A alguien se le ha ocurrido pensar en una vida sin manos, en una vida sin cuerpo? En condiciones normales y antes de pararse a pensar profundamente en esto, se asume que la pérdida de la vista es la más dolorosa. Se deduce que, si esta desaparece, se pierde por completo la capacidad de generar imágenes mentales con las que el resto de los sentidos no podrán ni competir. Pero los ojos nos son los únicos que tienen el poder del tacto, de generar imágenes.\nEn realidad, se sabe que el olfato, por ejemplo, nos lleva directamente al centro de la memoria. El oído nos susurra movimientos asociados a la vida del lugar y los objetos a los que uno se enfrenta. El tacto avisa de todas las cualidades del entorno que la pupila no es capaz de discernir. ¿Es posible, acaso, sentir el mismo deseo por una prenda de ropa sin tocar u oler y, por ende, experimentar (ver) cómo de gustosa es la tela que la conforma? A mi entender, resulta casi inevitable llevarme a las manos aquello que deseo poseer. Previamente a tener algo, surge una necesidad extraña de cuidado y mimo de esa cosa. Es raro no acariciar las paredes de una casa antigua de tu pasado de la que te estás despidiendo. Y así, quedan los afectos más primarios estrechamente relacionados con el hecho de palpar como deleite e intimidad con lo tocado. ¿Porqué se prohíbe entonces tocar las obras de arte que hay en los museos? Si el objetivo primordial del artista es que el espectador se deleite y “desee” lo que ha creado, ¿por qué se le prohíbe tocarlo? ¿qué se pretende (absurdamente) proteger?\nPodría darse el caso que la historia del arte (y con esto no me refiero a la “Historia del Arte” como aquellos acontecimientos sucedidos a lo largo del tiempo, si no a la manera en que se nos ha educado a entender, apreciar y gestionar el arte) esté, de repente, mal planteada. Al menos si se mira desde el prisma del tacto o del contacto. Si desde un principio la historia del arte se hubiese dirigido hacia la posibilidad de apreciar el arte con todos los sentidos, para así potenciar el deseo, quizá los derroteros artísticos hubiesen virado hacia un extremo completamente opuesto. Un arte que se pueda tocar rompería las barreras y distancias que se crean entre el espectador y la obra. La gestión de la distancia con el arte sería completamente diferente y la disciplina de la restauración tendría que enfrentarse a retos descomunales. Pero quizá sean preguntas y suposiciones demasiado difíciles de contestar para alguien que prefiere quedarse en el proceso.\nEsto me lleva a pensar de forma casi inmediata en la inutilidad del arte. Que no es, ni por asomo, la inutilidad de las imágenes (pues ya he intentado esbozar la idea de que las imágenes no se refieren a representaciones), ni siquiera en la inutilidad del acto de creación. No obstante, antes de empezar el siguiente razonamiento, querría anunciar que sí abogo por esa temida “inutilidad” del arte, fuera de complejos discursivos y funciones sociales quizá demasiado metidas con calzador. El arte como deleite, como goce, como pensamiento, como seducción y como acto egoísta de paliar un deseo personal e íntimo, como ejercicio de libertad y creación de realidades nuevas e inexistentes que solo le interesan al autor y, con suerte, a unos pocos seguidores.\nPuede sonar contradictorio. Pero quiero decir tocar de verdad. Tocar con todos los sentidos. Oler el óleo genera una imagen diferente de la pintura que, si únicamente nos quedamos a dos metros de esta, intentando entender la representación que ella genera. El contacto de las partículas de pintura con las fosas nasales puede dejar otro tipo de huella en la memoria. Y de repente, el compendio de los sentidos es un campo más amplio de lo que habíamos imaginado. Después de esto, casi deseo estar delante de uno de los cuadros más enigmáticos de la Historia del Arte, acercarme lentamente y, con los ojos cerrados, abrir mi boca y lamer. Puede que el gusto y el contacto con el interior del cuerpo le dé al cuadro un espacio nuevo en el que moverse que jamás antes hubiera imaginado su autor. ¿A qué deben de saber Las Meninas? Giorgio Agamben estaría altamente orgulloso de saber que ahora, sus Ninfas pueden ampliar sus canales para alimentar la imaginación y fortificar sus propias imágenes con otros sentidos.\nEn el hilo de estos pensamientos, los escritos de Pablo Maurette en El sentido olvidado ofrecen un precioso recorrido gracias al cual descubrí que el tacto se irradia y se practica por todo el cuerpo. Por fuera, en la superficie de la piel, y por dentro, órgano con órgano, estableciendo un contacto con el propio interior. Y así, el tacto se convierte en espacio. Espacio hacia dentro y hacia fuera, con diferente intensidad y amplitud de onda, extrapolable al resto de sentidos que son también tacto. ¿Cómo abandonar entonces la idea (puesta torpemente en un lugar tan común) de que el cuerpo es espacio? Volviendo a las reflexiones de Juhani Pallasmaa, es indispensable para el individuo proyectarse como cuerpo en los espacios en los que se mueve, estableciendo así conexiones de significados entre ambos conceptos (cuerpo y espacio). De esta manera, los lugares se producen debido a las proyecciones que han hecho los individuos de sus cuerpos con el lugar y viceversa. El cuerpo se entiende como espacio propio, como mecanismo para poder diferenciar el “adentro” y el “afuera” y así relacionarse con el entorno. En este sentido, los órganos y los contactos que se establecen entre ellos podrían ser objetos que se disponen en este lugar-cuerpo que habitamos, de la misma manera que se disponen los muebles de las casas (construidas también como proyecciones del cuerpo). Si se extrapola esta idea al arte, las obras o piezas generadas por el artista (por su mano) son extensiones de su cuerpo (órganos) que podrían disponerse en el lugar-cuerpo hacia afuera. No se me ocurre un mejor lugar-cuerpo que una sala de exposiciones.\nPero tal y como argumenta Ricardo Piglia, también podría estar de acuerdo con la visión suya de que el arte puede funcionar como una forma de resistencia privada, personal y hermética, que queda encerrada como una cápsula del tiempo para ser vista por un público futuro, fuera la obra de arte de su contexto, siendo ésta el reflejo de la sociedad en la que se enmarcó. Una manera de crear en el anonimato, como una vía de escape, de expresión de sensación oblicua y de no pertenencia a una sociedad que parece no representarte. El arte así podría interpretarse como un secreto que no se va a dejar leer por la sociedad en la que se ha desarrollado, y sólo podrá entenderse e interpretarse para saber cómo era en su ambiente propio, en las lecturas futuras de un público venidero. Quizá la función del arte (y por ende del artista) sea de mensajero del tiempo, destinado a contar lo que se estaba sintiendo en el momento de la creación, en una cápsula. Pero curiosamente, el artista no piensa en nada de esto cuando está creando. De nuevo, todas esas reflexiones y fenómenos vienen después, impuestos por otro que viene ajeno del arte. Una mano que señala con el dedo índice y pone una etiqueta que quizá no corresponde. Pero eso da igual, porque el espectador ni siquiera se lo plantea.\nY es posible que de aquí venga la verdadera contradicción de este texto: que quizá sí vea función alguna en el arte y una leve utilidad que se camufla y se disipa; se escapa como agua entre las manos. No se pretende con esto llevar la razón de nada, pero sí podría decirse que se agradece el comentario de Fernando Pessoa cuando dice que “sólo hay dos formas de tener razón; una es callarse, la otra contradecirse” ¹.\n1. No recuerdo dónde leí esta cita; búsquela usted mismo/a.\nPero cuando se encuentra el interruptor de la luz el cosquilleo de nerviosismo, que creaba la incertidumbre de no saber si se tenía que caminar a oscuras, se disipa. Se pierde la emoción y la valentía una vez que se ve el camino despejado, sabiendo ya que no va a haber obstáculo alguno. Pues entonces anidan las certezas y se empieza a tener un incómodo estado de suspensión emocional, en el que todo da igual, todo se presenta innecesario, para nada trascendental, olvidadizo. Una vez superada la fase de creación, en donde sí se halla emoción, se paralizan los sentimientos. Aquellos que provocan la punzante y placentera sensación de picor al no tener el objeto que se está imaginando y que se desea crear. Y cuando se presenta la obra terminada, surge un sentimiento de no correspondencia, como si aquello que se ha creado ya no perteneciese al cuerpo del que ha salido, y quedase arrojado al mundo desprovisto de emoción e intriga. Una vez hecho, se calma el picor.\nPuede resultar una posición difícil de compartir, sin caer en reduccionismos de los que realmente se pretende huir. El manifiesto de un arte del proceso tiende a dejar de lado la importancia del resultado final de la pieza. Y curiosamente tampoco se pretende eso, pues querer ocultar y privar al mundo del objeto final de arte, puede llegar a ser un proceso banal y de un celo innecesario. Pues si un árbol cae y nadie lo escucha, habrá caído igualmente. Si una obra de arte existe como objeto, no por dejar de verla deja de existir. Hay, inevitablemente, un resultado final. Pero ¿y si éste resultado estuviera en continuo cambio y uso? La pieza quedaría como material también, pudiendo formar parte de otras obras venideras, siendo así el proceso creativo un proceso real, pues todo objeto producido puede ser susceptible de formar parte de otra cosa, de otra obra. Quizá así nunca se acabase el crecimiento y el desparrame; jamás cesaría de expandirse el agua por la pendiente o la miel por la grieta.\nAsí pues, se viviría todo el tiempo cayendo, deslizándose a oscuras, buscando el interruptor de la luz sin llegar a nada. Todo el tiempo en el proceso y en la emoción de no tener un final determinado ni un resultado concluyente al que aferrarse. Cambiando de lugar las obras, usándolas para otros fines, rehaciéndolas, modificándolas y destruyendo lo que fueron en un primer momento para ser ahora algo diferente. Lo terminado quedaría obsoleto y puede que así el artista dejase de poder vender el arte, usarlo como producto y empezar a entenderlo como un fenómeno en permanente expansión, huyendo de la comercialización. ¿Puede venderse algo que no está acabado? Es posible que quedarse en el proceso implique renunciar a muchas cosas. Entre ellas, convertir el arte en un “trabajo”. Puede incluso tener algo de sentido, si volvemos al pensamiento de que el “producto de arte” es algo eminentemente inútil. Quizá la sensación de des-encaje se produzca justo aquí: al darse cuenta de que se ha cambiado la visión del artista clásico.\nSi se presenta un espacio óptimo para el desarrollo de las obras de arte que aquí se imaginan, podría parecerse a uno que quedase en la oscuridad. Allí los objetos quedarían en continuo movimiento y en apertura total a la posibilidad de cambiar de lugar, de posición, incluso de compañero-objeto con el que dialogar al lado. Y surge irremediable la pregunta de si se siente la necesidad de mostrar ese juego, ese proceso perpetuo, al resto. ¿Es la habitación que se imagina un proceso íntimo y privado? El hecho de querer cerrar la creación hasta tal punto de plantear una habitación propia para la producción y la exposición encierra una contradicción si se ha dicho previamente que no se busca algo cerrado y concreto. Quizá es precisamente por eso, que el lugar idóneo para la muestra del arte no sea la galería, el museo o la sala de exposiciones, sino el estudio del propio artista. El espacio-cuerpo donde nació la obra. Pero sí hay un deseo, como ocurre con la imagen o con el tacto. Hay un apetito de hacer, de sacar, de tocar, componer, ver y deleitarse. Y se empieza a intuir que no es porque otros quieran verlo o alabarlo. Si se diera el caso de que finalmente el árbol cayese, en efecto, en un bosque vacío, sonaría de igual manera e, igualmente el árbol se habría caído. La acción en sí que lleva al árbol hasta su horizontalidad y su desplome, su final. Quizá eso sea suficiente.\nUna vez establecido esto último, es posible que el sentimiento de des-concierto, des-encaje o des-encuentro vaya poco a poco desapareciendo. Pues una vez que una se posiciona en la necesidad propia, sin importar lo que vendrá después, es casi un alivio. Planteadas las preguntas y asumiendo que quizá no se requiera una respuesta, la sensación de incomprensión y extrañeza se calma un poco. Las posibilidades se abren camino y se puede empezar a avanzar en múltiples direcciones, cogiendo a la inquietud de la mano, pues el estado de alerta será el que mantenga a flote la necesidad.\nHablando del corazón en Claros de bosque, imaginándose rodeada de árboles que caen y que nadie escucha, María Zambrano defiende que la multiplicidad queda unificada en un equilibrio sin aislar ningún elemento de las realidades que la forman. En este sentido, el proceso queda asumido como parte intrínseca y fundamental de la creación. Proceso que quizá se niegue con demasiada frecuencia, intentando omitir los pasos que se han dado hasta llegar al resultado final de la pieza. Lo múltiple, las partes enteras desde que se imagina hasta que se termina el objeto, debe asumirse como un todo que consigue unir todas las realidades alrededor del fenómeno del arte. Zambrano alude a la idea que todo aquello que termina punzando el corazón, es digno de ser escuchado y atendido. En el mismo fragmento, se dice que el corazón puede que sea el único órgano del cuerpo que suena, como centro de todo, accionando y haciendo sonar a los demás. Se habla de éste como el motivo principal de la construcción de espacio íntimo que se tiene del cuerpo. Pues, habiendo llegado a la conclusión de que la necesidad de creación nace del individuo, es innegable que se atenderá a mirar primero al cuerpo. Un espacio con potencia propia, para generar imágenes, las cuales provocarán, como se apuntó previamente, al deseo y con ello, a la construcción del objeto, al tacto.\n( Las cosas inevitablemente tienen una materialidad, están ahí, pueden tocarse, transitarse, habitarse. Y una vez visualizado el lugar donde los objetos creados tendrán lugar, el enredo empieza a desanudarse solo, y aunque aún no se haya encendido el interruptor, la angustia desaparece un rato, remite: porque aún no se ha abandonado el proceso creativo. Se sabe y se tiene la tranquilidad, la certeza, de que nada en este lugar es inamovible. Todo es susceptible de moverse, cambiarse, rotarse y expandirse. Como si la habitación estuviese en pendiente y no dejase nunca de llover. )\ny la nuez\n(pincha para visitar "the room")\nHace tiempo que las cuestiones anteriores se antojaban imperativas. Sentimientos casi vergonzosos que se hacían cada vez mayores y acrecentaban la percepción de desencaje. Con este revuelo, se había olvidado cuál era el propósito de La Habitación, y qué sentido tenía su construcción en todo esto. De repente, apareció el motivo por el que crear ese habitáculo específico dentro del espacio expositivo. El porqué era, sin duda, la extrañeza. No del lugar o del espacio, ni del hecho de deambular por el mismo, sino de lo que en éste se coloca. Una extrañeza que provenía de no saber si los objetos que se mostraban tenían algún sentido. Pues existe un conflicto inevitable con el hecho de crear un objeto (de arte) en un lugar “con lógica” (el estudio o taller del artista), en donde ha sido concebido, y con el hecho de trasladar este objeto al lugar de contemplación (la galería o el museo). Surge aquí la duda del espacio de pertenencia de la obra de arte, y con esta, otras preguntas que apenas se pretenden responder. ¿Cuál es el lugar idóneo para mostrar o exhibir una obra de arte? ¿Guarda relación el “dónde” con el propósito con el que el artista ha creado la pieza?\nDebido al interés intrínseco y puramente existencial de “permanecer en el proceso”, se presenta muy extraño el hecho de sacar de contexto al objeto artístico (es decir, de su lugar de origen, el estudio) para llevarlo a un lugar al que, a priori, no pertenece. ¿Han sido realmente los objetos de arte creados para ser observados? Posiblemente, si Duchamp levantara la cabeza me diría que las obras únicamente se completan con el espectador. Pero ¿no es el autor, en cierto modo, público de su propia obra? ¿Tienen sentido cuando los observan aquellos que no los han creado? ¿Puede llegar el espectador a entender hondamente esos objetos, ya que no han visto ni experimentado su proceso de creación? Yo sigo pensando que el árbol cae, a pesar de no ser escuchado. Por mucho que el artista explique, o se escriba sobre aquello que ha hecho, el espectador jamás llegará a entender aquello, debido quizá a que hay algo que siempre quedará en la sombra: el proceso. No es algo que realmente pueda explicarse, y de ser así, quedarían tantos huecos que sería una información velada y diferente a la experiencia real. Puede aproximarse con una opinión más o menos formada de lo que ve, gestionando sus propias conjeturas y estableciendo sus interpretaciones. Y, aun así, no estoy segura de si se llega en algún momento a comprender del todo el objeto de arte. Al menos, si este se coloca en una galería o espacio aséptico, ajeno por completo al mundo en el que ha sido creado.\nLa Habitación surge a partir de este conflicto entre el objeto y su alienación del lugar en el que ha sido creado. Precisamente del sentimiento de extrañeza y de no pertenencia de ese objeto a otro lugar del que provino. Se genera entonces una fractura en los lugares, una grieta inconmensurable que desequilibra el significado de los objetos en el lugar. Un unheimlich bien convenido que ni el mismísimo Sigmund Freud vio venir de lejos. La habitación dentro de la habitación, un objeto en sí creado (un espacio) en el que se depositen y se elaboren directamente los objetos, sin sacarlos nunca de su contexto ni de su lugar de origen. El espectador entra en la galería, ve una sala dentro de la misma, que puede recorrer, medir, transitar desde su adentro y su afuera. Un espacio que, de por sí, ha sido construido por la propia artista. Dentro de éste, los objetos de arte que se han creado ahí mismo se exponen. Sin salirse nunca de su sitio, de su lugar de pertenencia; el estudio y el proceso creativo, en el que se permanece y que nunca cesa. Entonces el sentimiento de extrañeza desaparece, porque las piezas están donde han nacido, y en donde se pensó que iban a ser observadas. Los órganos no están hechos para salir de los cuerpos.\nThe room se convierte en cobijo, en un acto de protección de significados. Los objetos no estarán expuestos jamás a sentirse ajenos al espacio en el que se exponen. Ya no estarán descontextualizados y podrán observarse tal y como se concibieron. La formación de un cuerpo completo que es al mismo tiempo lugar y objeto de observación. Un hermetismo íntimo al que el espectador puede asomarse, sin transgredir el significado mismo del objeto, y analizando “su imagen” en el lugar propio al que siempre ha pertenecido; el estudio, el taller, el proceso. Leyendo sobre el concepto en el libro La Habitación comprendí gracias a Xavier Monteys que nuestro impulso natural como seres es ocupar los espacios que más se parecen al destello de nuestras auras. Nos aferramos a los espacios que más acordes son a la manera que entendemos la realidad y, casi como un hecho biológico, nos aferramos a ellos, los habitamos.\nEs por ello por lo que se acepta como indispensable habitar el espacio de exposición de arte de otra manera, casi emocional y afectiva. Una vivencia completa de espacio en donde experimentar (o al menos acercarse lo máximo posible) la acción de crear. Y esto puede que no se haga con afán de enseñar el resultado a un supuesto público interesado, sino como sensación de alivio para la propia artista, de corroborar que las piezas por fin están donde pertenecen.\nLa creación de este lugar queda ahora entendida como un hecho casi biológico, que resuena una y otra vez dentro del mismo. Sentir que el cuerpo pertenece tanto al espacio como a la acción que en él se realiza. Un ente en su lugar idóneo que genera las acciones concretas para las que ha sido creado. Como los huecos del corazón que mencionaba Zambrano en Claros de bosque, se escucha cómo la imaginación hace resonar cada latido, anunciando que próximamente se sacará afuera aquello que mueve, que punza; lo que moviliza. Es sentir permanentemente que se hace con sentido, siempre movida por la necesidad pura de crear, sin un sentido, dirección o utilidad. “Me abro al cierre” escrito en la Snitch Dorada, como una ostra que se aprieta contra sí misma para no liberar jamás la perla. O una nuez, cuyo cascarón hay que romper y fragmentar para poder alcanzar el fruto. Espacios de intimidad que guardan un secreto que no necesita ser desvelado, pues el usuario ya lo conoce y con eso es suficiente.\nDel entusiasmo al proceso. Luego el deseo, la imagen y el tacto. El cuerpo y el espacio. Ahora un lugar cerrado, que se define por el símbolo de la ostra y la nuez, como ejemplos de seres que buscan deliberadamente un hermetismo hermoso, en aras de proteger aquello que les es más preciado. Una esencia preciosa producto del tiempo y la erosión; un fruto que alimenta y nutre.\nEstar “encerrados” y ensimismados en la creación como acto de introspección no tiene porqué traer una carga negativa. Estar propicios al silencio, a la soledad y a la lentitud solo ayudará a plantear el objeto de creación desde un lugar diferente, que quizá traiga recompensas mayores. Lugares vacíos, desprovistos de ojos, sin que el objeto quede exento de ser creado. Pues se hace por el “mí misma”. Por la única satisfacción de paliar una necesidad. De crear una perla o de tener algo que echarse a la boca.


Vagabundos 2012 mixed by Luciano - Reviews - WWW.OnlyHouseMusic.ORG\nFinales de Julio, Ibiza ya en todo su esplendor y empiezan a florecer los CDs relacionados con fiestas que allí se celebran. De los que han ido saliendo destacamos la versión 2012 de la fiesta del chileno Luciano: Vagabundos.\nUna fiel representación de su sonido y su estilo, basado en sonidos orgánicos y sentimentales contenidos dentro del Tech House. El CD-Mix empieza de manera sutil y emocional para más adelante ir abriendo paso a sonidos más groovies.\nMuy buen trabajo que hará las delicias tanto a los fans de su fiesta como a los que no.\nReview escrita por: Javier BenjumeaFecha: 24 de Julio de 2012


Economistas estiman que la inflación de julio rondará el 2,5 por ciento – TV+\nAbram sostuvo que “julio, en general, suele moverse con estacionalidad, en especial el sector esparcimiento y turismo por el receso invernal”.\nEl economista de la Fundación Libertad y Progreso puntualizó que lo que realmente hace bajar la inflación es la escasa depreciación de la moneda debido a la política que puso en marcha el BCRA”.\nAl respecto, Abram resaltó: “Si el BCRA logra controlar la depreciación del peso, es probable que en los próximos meses la inflación se acerque más a 2 por ciento que al 3 por ciento al que estuvimos acostumbrados en los primeros meses del año”.\nAsimismo, indicó que, “desde diciembre, hay una recuperación de la actividad económica que viene empujada por el campo con buenas cosechas, pero la incertidumbre electoral produce una fuga de capitales que hace que la recuperación sea más intensa”.\nPara Agustín Monteverde, la inflación se ubicaría en 2,5 por ciento, como máximo. “Tal vez pueda estar en 2,4 por ciento, pero todo se vincula a la relación con la evolución del tipo de cambio”, precisó.\nMonteverde estimó que “la variación cambiaria tiene una gran relación con la productividad de la economía, y eso es lo que define el nivel de actividad”.\nEl economista señaló que, “hasta ahora, la economía tuvo un pulmotor que vino alimentado por la cuenta corriente externa, de la mano de las exportaciones, y es por eso también que está reaccionando el consumo mes a mes”.\nEn esa línea, el economista jefe de Econométrica, Ramiro Castiñeira, coincidió en que “la inflación rondaría el 2,5 por ciento movida por el sector del turismo y el esparcimiento”.\nAgregó que “los alimentos estuvieron un poco más estables, pero lo que tira la inflación para abajo respecto de los meses anteriores es la contracción monetaria del Banco Central”.\nPara Fausto Spotorno, de la consultora de Orlando Ferreres y Asociados, “el índice de precios de julio rondaría el 2,7 por ciento”.\nSpotorno dijo que “la inflación sería igual a la de junio debido a la suba de precios estacionales en turismo y con bajas en algunos rubros como alimentos”.\n← Cinco estrenos auspiciosos en Newell’s\nHumor con acento uruguayo →


Lorena Cuéllar entre las legisladoras más productivas de Tlaxcala – Enfoque Noticias TLX\n8 noviembre, 2020 Redacción Locales\nLorena Cuéllar entre las legisladoras más productivas de Tlaxcala\nSOLO PARA RECORDAR, pues en la vida como en la política: debe haber historia. Un pasado que nos recuerde lo que hicimos y dejamos de hacer. Política e historia (hechos pasados): un binomio inocultable.\nHistoria y Política, su íntima relación. Lo que un políticohaga hoy, será historia mañana, pero –sin duda- será recordado.\nEl 11 de octubre del año 2017, en la Redacción del portal digital denominado ‘ÍNDICEMEDIA DIARIO’, se destacó en su plataforma, lo siguiente “La organización Borde Político publicó -en las pasadas horas- el desempeño de los diputados federales y senadores por Tlaxcala… Según, el portal -que horas después de haber publicado tal evaluación sufrió un hackeo-…\nAdemás, ‘Borde Político’ destaca que Anabel Alvarado Varela, presentó 12 iniciativas y 10 puntos de acuerdo, por lo que solamente una iniciativa le fue aprobada. Aun así, resultó ser una legisladora “productiva”, pero solo en comparación con otros de sus homólogos.\nEn el caso de Minerva Hernández Ramos, presentó 9 iniciativas y 5 puntos de acuerdo, de las cuales se aprobaron 2 y 3, en este orden.\nMientras que Rosalinda Muñoz formalizó 10 iniciativas y 6 puntos de acuerdo, sin que le fuera aprobado algo en alguno de los 2 rubros.\nRicardo García Portilla subió 7 iniciativas y 1 punto de acuerdo con cero resultados.\nEn el caso de las senadoras por Tlaxcala, la misma publicación -que sólo tardó unas horas en la web y después fue bajada por hackeadores- muestra que Lorena Cuéllar Cisneros presentó 61 iniciativas y 17 puntos de acuerdo.\nMientras que Martha Palafox Gutiérrez, presentó 7 iniciativas y 13 puntos de acuerdo; Adriana Dávila solamente 2 iniciativas y 12 puntos de acuerdo, sin que le aprobarán algo, por lo que mostró una rentabilidad legislativa casi nula.\nCabe señalar que dicha publicación se valoró el trabajo legislativo de todos los integrantes del Congreso de la Unión”, hasta aquí lo escrito por la Redacción/ÍNDICEMEDIA DIARIO.\nTodo un éxito primera etapa de selección de béisbol “WOLVES SAGA TLX”


Productos de panaderia ? bollería pastelería # 1 en Torrent\nIOAN – PRODUCTOS DE PANADERIA PASTELERIA\nUn largo descanso de la masa y una cocción en nuestro horno le dan a nuestro pan su carácter personal. Hacemos que la masa de pan sea muy digerible, ya que las fermentaciones largas rompen las cadenas de carbohidratos de la harina. Todo esto facilita la digestión y evita la sensación de pesadez, aportando vitaminas y nutrientes.\nEn IOAN somos de los que piensan que no podemos pasar de puntillas por las cosas buenas de la vida. No es una buena idea mirar de reojo lo que realmente vale la pena. Estamos entre los que creen que la mejor manera de aprovechar el tiempo es dejarlo correr lentamente y que solo de esta manera haremos las cosas como se merecen.


Boca acertó en los penales y gritó campeón - IAM Noticias - Agencia Deportiva\nBoca acertó en los penales y gritó campeón\nBoca Juniors se consagró esta noche campeón de la Copa Argentina, tras superar en los penales 5-4 a Talleres luego del empata 0-0 en los noventa minutos, en el estadio Madre de Ciudades de Santiago del Estero.\nLa final fue muy mal jugada y en los penales volvió a aparecer la figura del arquero Agustín Rossi, quien le tapó el disparo a Héctor Fértoli y logró la ventaja para el conjunto de Sebastián Battaglia.\nDe esta manera, Boca cierra el 2021 con dos títulos (Copa Maradona y Copa Argentina) e ingresará directamente a la fase de grupos de la Copa Libertadores de América 2022.\nEl primer tiempo fue desprolijo y mal jugado entre dos equipos que mostraron muy poco, en especial Boca, que sólo se acercó al arquero Herrera con centros para Vázquez.\nTalleres tuvo más intesidad y generó peligro cuando la pelota pasó por el colombiano Valoyes, quien a los 41 minutos generó la mejor chance con un derechazo que sacó defectuosamente Rossi y casi se mete.\nLas infracciones fueron las protagonistas de unos 45 minutos iniciales difíciles de recordar.\nEn el complemento, el juego siguió siendo desprolijo y a los 20, el Xeneize se quedó con diez hombres por la expulsión por doble amarilla de Ramírez.\nA partir de ahí, Battaglia hizo cambios defensivos y casi que renunció al ataque frente a un Talleres que tampoco contó con la imaginación necesaria para hacer valer el hombre de más.\nBajo esa tendencia, redondearon un flojísimo empate 0-0 para irse a definir a los penales, donde Rossi le tapó el disparo a Fértoli y luego sus compañeros acertaron para definir 5-4 y gritar campeón.\n#CopaArgentinaEnTyCSports ⚽¡@BocaJrsOficial campeón! Derrotó 5-4 en penales a @CATalleresdecba tras el 0-0 en el tiempo reglamentario. Lo viste EN VIVO por @TyCSports y en EXCLUSIVA por https://t.co/6eSENGb6G0📱📺💻 pic.twitter.com/5iFS7BV1Ck\n— TyC Sports Play (@TyCSportsPlay) December 9, 2021\nBoca: Agustín Rossi; Luis Advíncula, Carlos Izquierdoz, Marcos Rojo, Frank Fabra; Agustín Almendra, Jorman Campuzano, Juan Ramírez; Edwin Cardona; Sebastián Villa y Luis Vázquez. Director técnico: Sebastián Battaglia.\nTalleres: Guido Herrera; Nahuel Tenaglia, Juan Cruz Komar, Rafael Pérez, Enzo Díaz; Juan Méndez, Rodrigo Villagra; Diego Valoyes, Carlos Auzqui, Ángelo Martino; Michael Santos. Director técnico: Alexander Medina.\nDefinición por penales (Boca 5-4): en Boca convirtieron Rojo, Izquierdoz, Pavón, Sandez y Salvio. En Talleres convirtieron Retegui, Méndez, Díaz y Santos; falló Fértoli.\nCambios en el segundo tiempo: 18m Héctor Fértoli (T) por Auzqui; 27m Juan Esquivel (T) por Martino, Cristian Medina (B) por Cardona y Diego González (B) por Almendra; 37m Agustín Sandez (B) por Vázquez; 45m Cristian Pavón (B) por Fabra y Eduardo Salvio (B) por Villa; 46m Francis Mac Allister (T) por Villagra y Mateo Retegui (T) por Tenaglia.\nIncidencia en el segundo tiempo: 20m expulsado Ramírez (T) por doble amarilla.\nMurió el Chango Moreno, histórico goleador de Boca y del fútbol mexicano\nBattaglia: “Estamos contentos porque logramos los objetivos”


¿Por qué los franceses se manifiestan con violencia? – Kaos en la red\nPor Frédéric Lordon\t Publicado el 10 Dic, 2018\nFrédéric Lordon, filósofo y economista, explica las razones.\nUn orden decadente es reconocible por el asombro que se retrata en las caras de sus sumos sacerdotes. Este sábado, el espectáculo no sólo estaba en la calle. También estaba en las caras desconcertadas de la CNN, de France 2, y de casi todos los medios audiovisuales. La estupidez y el asombro tiene una misma raíz etimológica. Los trompetistas del “macronismo revolucionario” han vuelto a sus viejas categorías, las categorías del viejo mundo. Ahora titubean entre calificar de extrema derecha o de extrema izquierda a los chalecos amarillos\nEl viejo régimen está buscando ansiosamente “representantes” o “portavoces” presentables. Les gustaría un directorio con quien “negociar”. Desesperados, buscan frenéticamente acuerdos con los líderes de los partidos, los parlamentarios, y los sindicatos.\nSu esperanza es una «salida a la crisis». ¿Una moratoria sobre el impuesto al diésel o quizás algo más? Es decir, están montando otra pantomima más. Y todo esto mientras todo el sistema parecer estar en la ruina. En esto están las élites. No quieren ver que el aplazamiento de los impuestos no es ninguna solución. Que no hay más tiempo, que un mundo entero se está desmoronando, que las instituciones se encuentran atrapadas en un colapso porque los chalecos amarillos no son un “movimiento social”: son un levantamiento popular.\nLos medios comunicación han entrado en pánico manifestando a plena luz del día su odio al levantamiento popular. Más aún, porque el movimiento ha llevado el fuego donde nunca había estado y dónde siempre debería estar: entre los ricos. Y probablemente muy pronto, entre sus sirvientes.\nSe dice que el presidente de la sociedad de la prensa descubrió horrorizado que”los chalecos amarillos no son el resultado de activistas sino de personas comunes y corrientes”. Los poderes de este tipo, los de la tiranía de los propietarios y sus lacayos, siempre terminan en la estupefacción y la estupidez: ¿nos odian tanto? se preguntan. La respuesta a sus lamentos es Sí, y por las mejores razones del mundo. Después de décadas, ha llegado el momento de cobrarse tanta humillación. Digámoslo ahora mismo, hay demasiados retrasos y por demasiado tiempo.\nDesde las huelgas de 1995, ha crecido la conciencia que los medios de comunicación son vasallos del poder. Los medios han trabajado incansablemente para que la población acepte un neoliberalismo que se profundiza cada vez más. Han puesto a la gente bajo una tensión insoportable, que solo funciona con un intenso bombardeo de los espíritus, para después bombardear y gasear los cuerpos.\nEl Ministerio del Interior, ha hecho un recuento favorable, para el gobierno, de los manifestantes movilizados. Todo para condenar las manifestaciones y reprimir la protesta. La acusación de violencia muestra que la situación se les está escapando.\nCondenar la “violencia” siempre ha sido la mejor manera de no entender nada. La ceguera voluntaria de los poderosos que califica la protesta como “violenta” es el último reducto del orden neoliberal.\nCuando celebran el 14 de julio de 1789 o conmemoran el Mayo del 68 lo hacen olvidando la violencia de esos momentos y con una loca inconsistencia. Intentan imponer una historia embalsamada, distanciada, desvitalizada y privada de cualquier enseñanza concreta para el presente.\nLa negación de la violencia social es la forma suprema de violencia a la que Bourdieu le dio el nombre de violencia simbólica. Para los medios de comunicación las víctimas de la violencia institucional, deberían estar agradecidas a pesar que han sido denigradas y privadas metódicamente de cualquier medio para resistir la violencia del sistema.\nDado que todos los medios institucionales han abandonado al pueblo, este no tienen más remedio que someterse por completo o rebelarse. Ahora, cuando se rebela es tratado como aborrecibles, ilegítimos y antidemocráticos. Una trampa perfecta.\nEs cierto que para aquellos que han vinculado su posición y sus ventajas con las circunstancias del momento, y que no han dejado de repetir que no había otro mundo posible, la irrupción de un proceso radical no deja más solución que una lectura: “es aberrante”, “monstruoso”, o mejor aún, es “violento”. Hay que calificarlo de “marginal” y “bárbaro” para justificar el uso represivo de la fuerza policial. Estas dos caracterizaciones ya no son creíbles en Francia\nVeamos qué ha pasado: si el pueblo se enfurece es porque lo empujaron al límite. Después de 30 años de neoliberalismo (y 18 meses de guerra social macroniana) grupos sociales enteros han sido empujados hacia el límite.\nEl régimen cree que lo que no se habla en sus exclusivos círculos no existe. Los medios de comunicación no vieron venir a los “locos indignados». Pero aquí están, son consecuencia de una larga y silenciosa acumulación de ira; acaban de romper los diques.\nLos chalecos amarillos no serán fácilmente llevados de vuelta a casa. Peor aún, las “buenas personas” que fueron a las primeras manifestaciones, ahora han experimentado en carne propia la violencia policial. Estas “ buenas gentes” al principio quedaron aturdidas. Ahora algunos cargar palets en una rotonda para construir una barricada.\nLa población demostraría instantáneamente su indignación si tuviera la oportunidad de ver la décima parte de lo que los medios de comunicación tradicionales ocultan sistemáticamente, los vídeos con una anciana sangrante o los jubilados gaseados después de una carga policial.\nA pesar que hay cientos de manifestantes gravemente heridos y por lo menos un par de muertos por las armas policiales, todavía ni un solo medio de comunicación audiovisual importante ha transmitido que está pasando con aquella gente a la que hace un mes llamaron “buenas personas” .\n¿Quién sino Macron ha desatado la violencia? Declaró la guerra contra su pueblo con la acción policial (y tal vez pronto con una acción militar) en compañía de los medios de comunicación que ya han declarado la guerra simbólica al pueblo.\nEl genio “malvado” de la reciprocidad violenta ha salido de la botella. Los primeros tweets de los primeros manifestantes relatan el asombro de quienes fueron apaleados sin justificación ninguna. Ese asombro inicial ahora se ha mutado en cólera.\nEn el otro lado el movimiento se sabe numeroso pero todavía hay un buen margen para seguir creciendo. Lo veremos pronto: se sumarán los estudiantes de secundaria, los universitarios, los paramédicos, los agricultores, y muchos otros. Ellos, las élites son muy pocos y reinan sobre nosotros que somos la mayoría.\nPero ¿y el ejército? El adolescente travieso que está en el Elíseo es capaz de cualquier tontería: no sólo usa granadas contra su población (que son armas de guerra) también ha colocado francotiradores con armas de fuego en los edificios parisinos. La imagen es tan impresionante que Le Monde, también se está preguntando si no ha llegado el momento de dejar de apoyar a su protegido.