RECLAMACIONES CONTRA AUNA - MOSTOLES\nfernatur 10 febrero 2005 10:53\nHola a todos los perjudicados por la mala gestión del servicio de AUNA. Hasta ahora mis amenazas has sido por teléfono, he conseguido que me pasen con un responsable del servicio técnico, tras varios días diciendome que no me podían pasar. Funcionó cuando me tuve que poner un poco burro, usando incluso un vocabulario indeseable, pero por desgracia en este pais las cosas funcionan así. También tengo puesta una reclamación en la oficina de AUNA, de la Calle San Marcial, 12. Si aún no lo habéis hecho, por favor acudir allí y poner por escrito vuestra reclamación, además que os firmen y sellen una copia para tener constancia escrita de ello. Imagino que cuantos más seamos mas fuerza haremos. Según vaya teniendo más información os la iré pasando. Bueno, mi problema, es que desde el día 31 de enero de 2005 no tengo conexión a internet, me da una IP 192, con la cual no tienes acceso por red a nada, y además no me renueva con el ipconfig. Algo tan sencillo como eso y que se arregla en dos minutos desde la central y ya voy a por las dos semanas sin servicio. SI AUNA NO ES CAPAZ DE DAR EL SERVICIO QUE NO LO OFERTEN, Y MUCHO MENOS NO FIRMEN UN CONTRATO. Tenemos las de ganar, según me han comentado en la oficina de atención al consumidor.\nDejar una dirección de correo electrónico para poder contactar con todos, y así poder crear una lista de correo.\n✨ BocaDePez 18/11/05 09:10 👁 115🗨 17\nBocaDePez 10 febrero 2005 11:54\nCOn gente como tú dará gusto trabajar en un SAT.\nLo mismo te denuncian a ti por listo. O no sabes que graban las conversaciones?\nfernatur 14 febrero 2005 09:18\nMira maj@ me parece que eres un poco ignorante, y si os tienen adiestrados igual que animalitos yo no tengo la culpa. Me quejo al único sitio donde puedo quejarme, y además, cuando se trabaja en un SAT, tienes que asumir que si la empresa no funciona bien la gente puede llamar para quejarse de lo que quiera en lo referente a la empresa. Para algo tenéis a los supervisores y responsables, pasarles las llamadas y no seais tan listos. Para tu información una operadora del SAT me llegó a decir que la IP que yo tenía era fija, gracioso ¿eh? No pongais tanto la cara por una empresa de estafadores y timadores.\nfernatur 14 febrero 2005 09:23\n¿A mi me van a denunciar? Ya te veo timoteo. Por supuesto que se (por desgracia) que graban las conversaciones, y qué? estoy tiritando desde que me lo has dicho. Vete a la playa mem@.\nBocaDePez 10 febrero 2005 11:56\nPor cierto que ip te dá¿¿.\nMe da que es mala configuración tuya com osuele ocurrir.\nTanto emule y tanto porno no es bueno\nBocaDePez 11 febrero 2005 15:13\n:-o Yo alucino con las contestaciones...la gente tiene todo el derecho a quejarse si las cosas no les funciona como deberían, sea por culpa suya o no. Si es por su culpa, deberían poder solucionarle el problema desde el servicio técnico, puesto que no todo el mundo tiene que saber de todo. Y si no es por su culpa, con mayor razón. Y ante todo, dejemos los sarcasmos para otro sitio e intentemos responder de forma constructiva.\nfernatur 14 febrero 2005 09:20\nEl porno lo usarás tú, que a saber que tienes en la boca cuando estás escribiendo el mensaje, y la IP es una 192, ¿sabes lo que significa eso? Pues entonces imagino tendrás que asumir que trabajas en una empresa de estafadores.\nkabutor 11 febrero 2005 15:36\nYo flipo con los dos bocadepez que pasa que currais en auna ???\nYo me he tirado desde el 1 de febrero hasta el dia 9 sin conexion y sin que me hicieran ni puto caso el el servicio lamentable que tienen. No cogen el telefono, te tienes que tirar media hora colgado del aparato para poder ponerte en contacto con ellos y luego encima como te pase como a mi es que pillas un rebote del copon.\nY reafirmo lo que dice el compañero hasta que no te pones borde no te hacen caso. Cuando les dije que les denunciaria al dia siguiente tenia un tecnico en casa que me cambio el modem y vöila otra vez con conexion. Pero lo peor es que saben que los modems webstar y algunos motorola no se adquieren bien y no ofrecen soluciones. El tecnico que vino a casa me dijo que ese problema los saben desde diciembre.\nY si el hombre se baja pelis porno y utiliza el emule esta en su derecho y ningun tocapelotas le va ha decir al chaval lo que tiene que hacer\nBocaDePez 14 febrero 2005 09:54\nAver. lo 1º... no os paseis con los teleoperadores que los pobrecillos no tienen culpa de nada... lo 2º, si te da una ip 192, que es la que viene por defecto con windows, es que no has conseguido pillar un ip de AUNA.\nParqa solucionar esto es tan sencillo como reinstalar los driver de la tarjeta de red, por que supongo que lo tendras asi... es tan sencillo como eso... Muxas veces te reconoce la ethernet pero no la instala bien ( a mi me paso, por eso lo se). Asi que reinstala y veras... y las ip's de auna son dinamicas y estaticas... me refiero... cambian cada 3 meses mas o menos asi que son estaticas durante 3 meses y a los 3 meses son dinamicas... jajajjaja\nfernatur 14 febrero 2005 10:01\nTodas esas comprobaciones ya están hechas, a no ser que haya que reinstalar 200 veces, para pillar una IP de Auna, que también es probable. Yo no faltó a los operadores de AUNA, que son personas tan respetables como el resto, falto a estos impertinentes que escriben mensajes del tipo de los que has leido. Por cierto ya se que la 192 es una IP que proporciona Windows, pero cuando no tiene otra del ISP que te la debe proporcionar. El problema me han confirmado que reside en el nodo de mi zona, y hay varios afectados. Esta información me la ha pasado el dpto. de redes.\nBocaDePez 6 octubre 2005 11:24\nHola soy una perjudicada más de AUNA. Tengo contratado teléfono e internet con tefefónica desde el mes de Junio, ésta Compañía me tramitó la portabilidad de mi múmero, desde Junio me pasan los recibos por teléfono y ADSL, sin embargo AUNA me sigue cobrando, he mandado fax con copoia del contrato y recibos de Telefónica y no hay forma, me siguen cobrando. Telefónica me dice que es técnicamnte imposible tener dos líneas de ADSL con dos operadoradoras diferentes y que el servicio me lo están dando ellos, de hecho yo conecto con Telefónica y a ellos le pago. DE QUE FORMA ME PUEDE DEJAR DE COBRAR AUNA. PORQUE NO LE VOY A PAGAR POR UN SERVICIO QUE NO ME DAN!!!\nBocaDePez 18 octubre 2005 10:12\nCon todos los papeles que tengas presentaté en la oficina del consumidor, aunque parezca que no, funciona bien, yo he recibido hace tiempo una carta del ayuntamiento preguntándome si tengo solucionados los problemas con AUNA, y además he recibido varias llamadas de esta pésima empresa para devolverme el dinero de los meses que no tuve servicio, y además compensarme de algún otro modo.\nLo que no tienes que hacer es pagar, porque en caso de que te lo vayan a devolver tardarán bastante.\nSeamos duros con las empresas que nos quieren robar, y que no saben responder como empresas que ofrecen un servicio, muy bonito cuando vas a contratar, pero luego nada más que pegas...\nComo siempre salen los cuatro teleoperadores de Auna a defender a la empresa y a tratar de descalificar de llorones,ineptos,etc al que deja aqui un post para corroborar si cabe aun mas el tipo de empresa tan impotente,estafadora y trapichera que es Auna.\nEl chaval paga, y como cliente tiene el derecho de quejarse y poner una denuncia por el pesimo servicio que da esta empresa cambiante (Madritel,Auna,Ono)...alguna vez encontrara el rumbo o morira en el intento?\nPues eso, que a los teleoperadores que les moleste que pasen de post asi, pero como han dicho por arriba ningun memo con miras de llegar a ser ejecutivo de Auna es quien para decir si puedes o no usar la red p2p o bajar peliculas porno...elloos a su trabajo y a vivir su vida y punto.\nBocaDePez 18 octubre 2005 12:52\nYo tambien soy un afectado por Auna. Firme un contrato por un año. El primer mes fatal, me dejaron sin internet, TODO UN MES. Y ahora desde el 20 de setiembre me han dejado sin telefono!!!! no tengo linea o hay mucho ruido de fondo. Llamo cada dos dias, y a dia de hoy 18 d eoctubre nadie me ha llamado. Siempre me pasan con SOPORTE TECNICO, y queda todo archivado. Pero no me han llamado ni solucionado nada. Ya estoy harto. He llamado para que me abonen en los siguientes meses una indemnizacion. Pero quiero denunciarles. Como lo tengo que hacer? son unos impresentables. Estan incumpliendo un contrato. Tienen que indemnizar por ello y arreglar las averias tecnicas. Esto no es serio. Si yo en mi trabajo hiciera lo que hace esta empresa, estaria en juzgados y muerto de hambre.\nBocaDePez 18 noviembre 2005 02:05\nYO SOY UNA ENGAÑADA + DE AUNA. DESPUES DE 6 MESES SIGO ESPERANDO LA DICHOSA PORTABILIDAD, ME HAN FACTURADO SIN SERVICIO Y ME HAN VACILADO...\n¡SE ACABÓ! LES HE DENUNCIADO. HAY QUE LUCHAR CONTRA ESTOS ESTAFADORES.\nBocaDePez 18 noviembre 2005 08:03\nNo olvides pasar por la oficina del consumidor, con la denuncia, el contrato, y todos los papeles que puedas aportar. Te puedo asegurar que funciona, además te hacen un seguimiento, eso sí, tardan un poco, pero a mí me escribieron a casa y AUNA se puso en contacto conmigo. Hazlo ya que no se puede ir a la Junta arbitral de Consumo, porque no están en ella.\nRygar 18 noviembre 2005 08:58\ntodo se solucionaria si no se permitiese a los bocadepez postear... es tan facil conseguirlo.. en fin...\nBocaDePez 18 noviembre 2005 09:10\nque perra habeis cogido con los bocadepez... q pasa q no tenemos todos derecho a expresarnos? tsss


Pack Eres la familia que escogí "Friends forever"\nPara todas aquellas amistades que son para siempre, ahora tenemos el pack ideal para regalarle a ese amigo tan especial: Eres la familia que elegí "Friends forever".\n¡Te presentamos el nuevo pack Eres la familia que elegí "Friends forever"!\nDesde Marronynegro queremos hacer homenaje a esas amistades tan buenas y reales que están en los buenos y malos momentos, ¡esas son las amistades que duran para siempre! Por ello, os presentamos el nuevo pack Eres la familia que elegí "Friends forever", para que se lo regales a tu amig@ tan especial del que no te quieres separar jamás.\nEl nuevo pack Eres la familia que elegí "Friends forever" contiene:\n- 1 par de calcetines "Friends forever"\n- 1 pulsera "Una para todas y todas para una"


Atención domiciliaria del Hospital San Camilo ya ha realizado más de mil 200 visitas a casas de los pacientes - HOSPITAL SAN CAMILO\nSeptiembre 15, 202115/09/2021\nAtención domiciliaria del Hospital San Camilo ya ha realizado más de mil 200 visitas a casas de los pacientes\nEn comparación al año anterior, las personas atendidas han aumentado un 363%\nÉxito total. Ese es el concepto que sin temor se puede aplicar para evaluar los resultados del Programa de Atención Domiciliaria inaugurado en el 2020 y que este año ha multiplicado sus atenciones exponencialmente.\nTanto es así que las personas atendidas el año anterior fueron 35, mientras que este año ya van 162, a quienes se les han realizado 1280 visitas. Esto es posible gracias que actualmente, el programa cuenta con dos equipos, sumando atenciones kinesiológicas a las ya establecidas de médico, enfermera y paramédico. También se amplió la atención a los pacientes pediátricos, lo que ha dado muy buenos resultados.\n“El objetivo del programa es continuar el tratamiento de nuestros pacientes hospitalizados en su hogar cuando su condición lo permite, para así optimizar el uso de las camas hospitalarias y, a la vez, permitir a los pacientes que cumplen los criterios irse antes a su hogar”, aseguró la enfermera Nancy Villarroel, Subdirectora de Gestión del Cuidado.\nEl programa está orientado por ahora a pacientes del área médico quirúrgica en adultos y niños, cubriendo también a pacientes de CAE de manera tanto de optimizar camas, como también evitar que ocupen con pacientes que pueden ser tratados en sus hogares con apoyo de la familia, quienes son parte fundamental del tratamiento.\n“Estamos muy satisfechos ya que los resultados están a la vista, hemos tenido bajos re ingresos, hemos logrado disponer de más camas, reducido las infecciones intrahospitalarias y generado una mayor aprobación de las familias, ya que el programa incluye visitas de lunes a domingo y cubre administración de medicamentos, curaciones, tomas de exámenes, procedimientos de enfermería y kinesiólogos, entre otras prestaciones”, aportó la enfermera.\nTodo lo anterior es ratificado por los usuarios, como Fabiola Maldonado de Panquehue, quien producto del Covid estuvo más de 40 días hospitalizada, pero que hoy ya puede seguir con los cuidados en su hogar.\n“Lo pasé muy mal pero ahora estoy saliendo adelante gracias a este equipo quienes me han ayudado y me han dado contención, estoy cada vez mejor, gracias a este gru po de personas con vocación de servicio y de verdad se nota que tienen un compromiso con los usuarios. Por mi parte estoy muy agradecida de la atención domiciliaria y espero que muchas personas más tengan una atención digna, segura y de calidad en sus casas”.\nLo anterior es ratificado por Margarita Suárez, hija de la señora Graciela Lara, beneficiaria del programa. “Estoy muy agradecida del equipo por toda la atención que le han brindado a mi mamá en esta atención en casa, todos se han portado muy bien, el médico, la enfermera, la TENS y el kinesiólogo. Agradezco también al hospital por esta iniciativa con los pacientes como mi madre que está acostumbrada a su hogar, porque ayuda mucho a su recuperación”.\nFinalmente, Matias Leris, hijo de Jaqueline Cubillos, quien hace dos semanas que está en este programa destaca que “ellos han sido de gran ayuda siempre, han estado atentos, han mostrado una muy buena disponibilidad y nos han ayudado incluso fuera de horarios normales, así que espero que este programa continúe para que muchos mas puedan acceder a estos beneficios”.\nComienzan atenciones del nuevo servicio para pacientes con demencia


(España 1908 - México 1963)\nEn ella habitaba la magia, interpretaba los estados mentales de forma perfecta, los exponía en los lienzos y luego nos los mostraba. Sus conocimientos en medicina le otorgaban capacidades asombrosas. La medicina, la astronomía y el misticismo son algunos referentes que empañan su obra, donde documenta los estados mentales.\nMujer de procedencia española, hermosa. Que se comunicaba con los felinos.\nEstuvo siempre fuertemente relacionada con los movimientos de vanguardia. Fue una de las principales exponentes del “surrealismo mexicano tardío” junto con Frida Kahlo y Leonora Carrington, a quien conoció en México y cuyo fuerte ascendiente artístico fue definitivo en la concepción estética de su obra.\nSus cuadros plantean preguntas que no tienen una respuesta específica, debido principalmente a lo familiares que le resultan al espectador, sobre todo debido a los elementos oníricos que componen cada pintura.\nLa belleza en la obra de Varo comprende una amplia gama de elementos fantásticos, pero que a la vez también remiten a cierta tristeza e incluso a sensaciones sombrías, a pesar de no ser precisamente intimidantes. No obstante hay asomos poéticos que salen a relucir por medio de sus imágenes.\nEl Deseo, 1935\nDesde pequeña, sintió la gran necesidad de expresarse para reflejar el mundo que la rodeaba, creando así un cosmos pictórico lleno de imaginación y poesía. Su padre, ingeniero hidráulico y libre pensador, fue quién introdujo a Remedios al mundo de la pintura. Desde muy pequeña aprendió a utilizar los instrumentos de su padre, dando muestras de su dominio en la perspectiva y el dibujo. Por motivación de su padre, ingresa a la Academia de San Fernando de Madrid a los 15 años (1924), convirtiéndose así en una de las primeras mujeres estudiantes. Al terminar sus estudios, en 1930, se casa con Gerardo Lizarrageside y deciden residir en Paris por un año, y al regreso (1932), se establecen en Barcelona, donde trabajan realizando dibujos publicitarios.\nOjos sobre la mesa, 1935\nVida extraña, 1945\nEn 1935 Remedios Varo se separa de Gerardo y conoce a Esteban Francés, quien la introdujo al círculo de surrealistas formado por André Breton; al relacionarse con ellos integra el grupo Lógicofobista, es decir "opuestos a la lógica" que intentaba la representación externa de los estados internos del alma humana.\nDe profundo espíritu pacifista, opta por el lado republicano; el poeta Péret se presenta en su casa para ayudar a los antifascistas, se enamora de ella y se instalan en París en 1937, permaneciendo ahí hasta la invasión nazi.\nCambio de tiempo, 1948\nJardín del amor, 1951\nRevelación o El relojero, 1955\nEl flautista (1955) contrapone una vez más dos elementos que simbolizan la antítesis entre lo trascendental y lo efímero: la torre que se desmorona y la presencia del músico imperturbable.\nEn 1941 Varo y Péret llegan a México ayudados por Varian Fry, un americano. Gracias a la política de Cárdenas los refugiados recibieron inmediatamente asilo y permiso para laborar. Remedios, para ganarse la vida, realizo toda clase de trabajos artesanales.\nEn 1955 presenta su primera exposición colectiva en la Galería Diana presentando cuatro cuadros: Roulotte, Simpatía, El alquimista y Música Solar. Al año siguiente presenta su primera exposición individual en la cual logra reunir diez y seis cuadros para su segunda exposición individual en la Galería Juan Martín en el año 1962.\nTaller para damas, 1957\nEl pobre, 1958\nEl rico, 1958\nEl rey, 1958\n"Apártalos que voy de paso". 1959\nRemedios Varo muere de un paro cardíaco el 8 de Octubre de 1963, en México. En 1964, es objeto de un homenaje póstumo en el Palacio de Bellas Artes, en el cual recibe más de 50 mil visitantes. Posteriormente, dos exposiciones individuales, una en 1971 y otra en 1983, se llevan a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.\nRemedios Varo era una figura del primer orden de surrealistas.\nElla rechazaba representaciones de la mujer impuesta por los hombres del movimiento surrealista, como Dalí y Bellmer, porque representaban la mujer como un objeto de deseo de los hombres.\nElla pintaba la mujer en la perspectiva de su propia experiencia.\nRamo floral con pájaros, 1960\nAscensión al monte análogo, 1960\nRetrato de Juan Martín, 1960\nBordando el manto terrestre, 1961\nPlanta insúmisa, 1961\nBanqueros en acción, 1962\nAs del volante, 1962\nTránsito en espiral, 1962\nLocomoción acuática, 1963\nEn sus pinturas no hay representaciones fálicas e imágenes de alucinación que estaban presente en las obras de los hombres del movimiento surrealista. Varo pone énfasis en las fuentes de la realidad y de los sueños, del consciente y del inconsciente, del pasado y del presente. Estamos en un viaje hacia el interior de la conciencia femenina cuando miramos sus obras.\nPublicado por Arte en Madrid. Tíltide en 0:12 No hay comentarios:\nLas mejores EXPOSICIONES TEMPORALES en Madrid.\nEn esta primavera de 2018.\nHasta el 7 de mayo.\nLa muestra, "Pessoa. Todo arte es una forma de literatura", toma su título de una de las citas utilizadas por el genio luso a través de uno de sus múltiples heterónimos, Álvaro de Campos.\nRecoge no solo poemas, sino también cuadros y revistas de la época del autor.\nPara la exposición se han traído más de 50 obras de la Fundación Calouste Gulbenkian, en una coproducción realizada por las instituciones españolas y portuguesas:\n"Tienen una figura que no tiene ningún otro país, que es Pessoa. Pessoa con su idea de los heterónimos, con su idea de la alteridad, Pessoa con la idea de la divergencia, con la idea de que se tiene que romper con la idea centro-periferia y que todo arte debe ser distinto", explicaba el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Ville.\nPaulismo, Interseccionismo o Sensacionismo son algunos de los términos acuñados por el poeta en sus numerosos textos y que vertebran la especificidad de la modernidad portuguesa y la vanguardia personal a la que se adscribe nuestro autor.\nEsta exposición recurre a esos ismos para articular un relato visual de esta escena lusa, reuniendo para ello una selección de obras de José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso o Júlio, entre otros, relacionadas con las principales corrientes estéticas portuguesas desde comienzos del siglo XX hasta 1935. Dichas corrientes acusaron la inevitable influencia de las tendencias europeas dominantes, pero trataron sin embargo de distanciarse de ellas. Distintos escritos de Pessoa dan cuenta del lugar particular de estos ismos de su cosecha, así como de su carácter distintivo dentro del contexto europeo con alusiones explícitas, por ejemplo, a las diferencias entre el Futurismo y el Interseccionismo. Por otro lado, varias de estas obras reflejan un gusto por lo popular y la idiosincrasia lusa que aparece tanto en el trabajo de los artistas portugueses que viajaron a París, como en el de los extranjeros que decidieron pasar una temporada en tierras portuguesas, caso de Sonia y Robert Delaunay.\nVuelve Sorolla al Thyssen y a su Casa-Museo\nEl Museo Sorolla y el Museo Thyssen-Bornemisza organizan conjuntamente una exposición dedicada a la presencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla que tendrá lugar, simultáneamente, en ambas sedes.\nGran amante de la moda, Sorolla es el cronista perfecto de los cambios en las tendencias y estilo de la indumentaria de finales del siglo XIX y principios del XX: Sus cuadros reúnen un evocador catálogo de vestidos, joyas y complementos realzados por su trazo suelto y vigoroso.\nLas obras de la exposición son un evocador catálogo de vestidos, joyas y complementos de un momento de nuestra historia, realzados por el trazo suelto y vigoroso de Sorolla. La muestra prestará especial atención a los magníficos retratos femeninos que el pintor realizó entre los años 1890 y 1920.\nWarhol. El Arte mecánico es el título de la exposición, para la que se se han seleccionado obras y documentación variada que sirven de ejemplo a los momentos centrales de tres décadas de actividad creadora del artista, que empezó siendo un joven diseñador gráfico, durante la década de los 50, y llegó a ser una figura mundial de arte pop, mito icónico de los ochenta.\nSu autorepresenetación se convierte, en la exposición, en una pieza más e importante de su repertorio artístico: una construcción elaborada, posiblemente la más misteriosa y enigmática, por ser tan diferente la que exponía públicamente de la real. ¿Dónde radicaba su verdadera personalidad, su verdadera creencia?\nLas propuestas creativas de Warhol expresan una visión mundo que no se conocían hasta ese momento: La individualidad, como fórmula de vida moderna, implicaba la imposición social de cierta frialdad frente a lo personal y de una objetividad asociada al distanciamiento de una forma de vida que exige sumisión al orden establecido.\nPero al mismo tiempo, y paradógicamente, esta nueva forma de ver la realidad, lleva la artista a interpretar el mundo haciendo caso a su impulso personal. Reclamando prioridad para la visión y la emoción propias.\nComo Breton o Dalí en la década de los 30, Warhol añadirá a las listas de nuevas herramientas creativas, el fotomatón y la máquina fotográfica; además de usar el proyector de dipositivas, la cámara cinematográfica, la polaroid... Llega incluso a experimentar con los pioneros ordenadores Commodore.\nEn 1974, para una exposición celebrada en París, Warhol seleccionó una única imagen de lider comunista chino, Mao Zedong, partiendo de la visita de Nixon a China (1972). Colgó docenas de pinturas de diversos tamaños, sobre un papel pintado con el retrato repetido de Mao. Como vemos, el artista aplica toques cosméticos en los labios, en la mejillas y en los párpados, quizás caricaturizando la propaganda política y neutralizando el tono de fuerza masculina, en una parodia política, en la que Mao forma parte de la libertad artística, y el espíritu de los valores estadounidenses.\nQuizá, la búsqueda de la originalidad diferenciadora se encuentra, en el caso de este artista, en la labor de perpetua y rutinaria creación del mundo que le rodea: latas de sopa, animales, cajas de jabón, personajes controvertidos... tratados con la frialdad de la últimas técnicas mecánicas.\nDesde el 1 de febrero y hasta el 6 de mayo,\nen la Fundación MAPFRE Recoletos se presenta una exposición que explora la amistad de tres grandes artistas del siglo XX:\nAndré Derain (1880-1954), Balthus (Balthasar Klossowski) (1908-2001) y Alberto Giacometti(1901-1966).\nBodegón de Derain, La mesa puesta.\nOleo sobre lienzo de 1922.\nIsabel Lambert, 1935-1939, Óleo sobre lienzo.\nEn 1920, cuando vuelve del frente, Derain es un artista de gran éxito. Tras haber sido uno de los más importantes entre los fauvistas, aquel movimiento que a principios de siglo había creado un arte basado en colores puros y brillantes, su mirada se dirige a la tradición y los secretos de la pintura, dirige su atención hacia un estilo realista que se conoce como “estilo bizantino”.\nUn paisaje de Andre Derain, claramente fauvista. que no está presente en la exposición.\nA principios de los años 1930 Alberto Giacometti y Balthus, dos artistas de una generación más joven, quedan fascinados por este Derain diferente, radicalmente nuevo pero a la vez atento al arte del pasado. Las visitas a los estudios y las conversaciones van trabando una amistad entre los tres, que se consolida con los sucesivos encuentros y proyectos. A través de la pintura y la escultura de Derain surge un verdadero afecto entre los tres, basado en una admiración recíproca de la que darán fe Balthus y Giacometti a lo largo de su vida ya que Derain será el primero en fallecer, y el mayor y referente en esta relación.\nPero aquel Derain fauvista ya no existía desde el final de la Gran Guerra. Como tantos otros pintores vanguardistas, Derain había regresado al orden (expresión inspirada en el libro de ensayos Le rappel a l'ordre (1926) de Jean Cocteau). Orden que significaba, a grandes rasgos, retomar la pureza del primer Renacimiento y sus fuentes clásicas. Este regreso afectó a muchos, pero a algunos como Picasso les duró relativamente poco. Otros como Derain o de Chirico persistieron en esa línea el resto de sus vidas. Siendo muy criticados por ello, alejándose una gran cantidad de las simpatías acumuladas durante los dos primeros decenios del siglo.\nY entra en escena Balthus, una de cuyas primeras exposiciones visita Derain, y se establece un contacto inmediato entre el gran pintor rechazado por sus seguidores más significativos y un joven cuya carrera comenzaba ( y continuaría en un cierto tono escandaloso).\nAunque ha de decirse de inmediato que Balthus aseguró toda su vida que en su ánimo no estaba provocar, no era tan inconsciente como para no saber que varios de sus cuadros con niñas levantarían una polvareda que dura hasta hoy mismo.\nLo que sí estaba muy claro era su común amor al clasicismo. Un amor del que participaba Giacometti, pero de forma ampliada. Porque el suizo estudió no solo a renacentistas, griegos y romanos, sino también escultura etrusca o mesopotámica.\nEscultura de Giacometti.. Hombre señalando.\nLas pinturas y, en especial, las esculturas del artista suizo Alberto Giacometti fueron la traducción plástica de la crisis existencialista que aquejó a la sociedad occidental tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. Giacometti creció en una familia de artistas. Su padre, Giovanni, era un pintor neoimpresionista y su padrino era Cuno Amiet. Entre 1919 y 1920 estudió pintura en la École des Beaux-Arts y escultura y dibujo en la École des Arts et Métiers de Ginebra. En 1920 viajó con su padre a Italia y se sintió enormemente impresionado por Giotto y Tintoretto, el arte egipcio y africano, así como por la obra de Alexander Archipenko y de Paul Cézanne, que pudo contemplar en la Biennale de Venecia.\nEn 1922 Giacometti se trasladó a París y desde 1927, año en que su hermano Diego se unió a él para convertirse en su asistente, trabajó en el taller de la rue Hipolyte-Maindron en Montparnasse. En 1929 la Galerie Jeanne Bucher expuso dos esculturas de su serie Plaques que llamaron poderosamente la atención en el mundo artístico parisiense, y en especial en el círculo surrealista, al que permaneció ligado hasta 1934. Durante esta etapa Giacometti experimentó con todo tipo de materiales y se convirtió en el más innovador de todos los escultores surrealistas.\nEn 1935 entró en un periodo de crisis creativa, que abarcó prácticamente una década, durante la que volvió al trabajo con modelo, al que sometía a largas sesiones de pose. Este método de trabajo, que había abandonado durante su etapa surrealista, tuvo como resultado unas esculturas que redujo a la mínima expresión y que fueron el germen de toda su producción posterior. En 1945, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, sus largas y delgadas figuras fueron percibidas como la metáfora apropiada del hombre que emergía de las secuelas de la guerra, según la interpretación de Jean-Paul Sartre, amigo de Giacometti desde su encuentro durante su exilio en Ginebra en 1943. Por otro lado, tras una pausa de veinte años, Giacometti retomó la pintura y el dibujo de manera regular, en un estilo abocetado con el que aislaba a las figuras.\nEn 1948 la Pierre Matisse Gallery de Nueva York expuso por primera vez su obra y en 1951 lo hizo la Galerie Maeght de París. Desde entonces las retrospectivas se sucedieron y en 1965 recibió el Grand Prix National des Arts del Gobierno francés.\nLas secciones de la exposición.\nSe abre la exposición, tras una Introducción con obras de los tres artistas entre las que solo destaca el Bodegón con peras (1936) de Derain, que Balthus alababa.\nEl Bodegón con peras.\nLa primera sección se llama La mirada cultural y se supone que rastrea los orígenes artísticos de los tres amigos. Se pueden ver copias o interpretaciones de obras renacentistas de Piero della Francesca por Balthus o del Renacimiento tardío e influencias más exóticas, como varios dibujos sobre esculturas egipcias en Giacometti.\nHay influencias en Derain algo inesperadas, como una copia de 1945-1950 de una de las varias versiones de La matanza de los inocentes (1565-1567) de Pieter Brueghel el Viejo y su hijo El Joven, con algunas variaciones sobre el original, que acercan una obra muy señalada del Renacimiento alemán al Renacimiento italiano. Es lo más interesante pero también se aprende el respeto de Derain hacia una figura clave para las vanguardias como fue Cezanne. Bien es cierto que su Sotobosque y rocas pertenecen a 1911-13 es decir, de su fase fauve, hasta donde los más jóvenes no le seguían.\nSotobosque y rocas\nSigue Vidas silenciosas, una corta excursión por paisajes de Balthus, alguno de plena madurez como El Valle del Lone (1957) donde no aparecen figuras, algo notable en un pintor tan ligado a la figura humana. Hay una muy buena Vista de Saint-Maxim (1930) de Derain, un paisaje rural donde Derain muestra su dominio de la pintura y su capacidad para depurar formas y colores. Se regresa a Balthus con motivo de los bodegones y de Giacometti, que no había aparecido por aquí, se presenta otro bodegón. No es que diga gran cosa sobre la relación de los artistas, porque estos temas estaban siendo tratados hasta por Picasso, el ser artísticamente más odiado por Derain.\nLa modelo de Balthus.\nLuego llega El modelo que sin duda es central en el trabajo de los tres, aunque desde diferentes perspectivas y peripecias. Hay dos cuadros de Derain (1930-35) y Balthus (1955) que están muy bien traídos, sendas jóvenes con el torso descubierto y que parecen casi figuras especulares. Hay niñas de Balthus y Derain que se dan cierto aire, aunque el velo morboso del primero falta en el segundo. ¿Y Giacometti? Pues como en casi toda la exposición, más bien a lo suyo. Porque en su caso, cuando conoció a Annette Arm durante la II Guerra Mundial, la convirtió en su modelo casi única y se casó con ella. Aquí el cuadro principal es Isabel en el estudio (1949) con otra modelo, evidentemente.\nAlberto Giacometti Femme couchée qui rêve [Mujer acostada soñando], 1929\nA continuación llega la sala llamada Entreacto, quizás pensando en el Entreacte de Arthur Caravan pero seguro en los trabajos escenográficos y de figurinismo del trío.\nGiacometti, de nuevo, va a su ritmo y aquí abre la sala con un par de proyectos, uno de los cuales ni siquiera es para una obra teatral, aunque si tenga cierto carácter dramático. Lo mejor es el escenario que diseñó para la representación de Esperando a Godot de 1961 en París por el cual, Samuel Beckett, se interesó muy de cerca.\nBalthus y Derain sí que participaron en un buen número de obras, muchas de ellas representadas. De lo más interesante aquí son unas máscaras de Derain que recuerdan a las griegas o etruscas, muy Giacometti. Hay decorados y figurines.\nEl sueño, visiones de lo desconocido resulta un poco anticlimática porque se reduce a unos pocos desnudos ni muy excepcionales ni muy visionarios de Balthus y Derain. También una pequeña escultura de Giacometti llamada Mujer acostada soñando (1929) de un surrealismo más relacionado con Miró que con sus compañeros de exposición. Nada raro, Miró y Giacometti eran amigos.\nAlberto Giacometti Isabel à l’atelier [Isabel en el estudio], 1949\nLa última sección, llamada La garra sombría "reúne las obras que tocan la alarma de un mundo vacilante”. En realidad un conjunto de épocas y motivos diversos con un vago aire misterioso o siniestro que es desmentido rotundamente al final por unos opulentos desnudos de Derain.\nDerain fue el primero en morir en 1954. Poco más de una década después fallecía Giacometti. Balthus alcanzó los 93 años, muriendo en 2001. Pero ver su obra reunida y relacionada, aunque veces sea un poco con calzador, explica mejor cuestiones como la relación entre artistas que su mismo arte. Hay afinidades inesperadas y aunque las piezas aquí reunidas no son en general excepcionales, sí narran bastante bien una de esas historias. Los artistas, aunque esa sea su imagen, no son seres insulares.\nEn resumen, Los tres nacieron en un arco cronológico de treinta años –el último terminó siendo el más longevo– y fue mucho lo que les unió: un fuerte deseo de modernidad, verdadera pasión por la pintura antigua y el arte de civilizaciones exóticas y también admiración sincera y mutua, sin embargo, los esquemas clasificatorios cerrados que hasta hace no demasiado marcaban el estudio de la historia del arte nos habían alejado hasta ahora de una visión integradora que nos descubriera lo mucho que este trío de amigos tuvo en común, encerrando al completísimo Derain en las paredes de un fauvismo breve, a Giacometti en delgadas piernas andantes y a Balthus en los cuartos de sus niñas sexualizadas.\nLa muestra descubre la intensa relación entre tres de los más importantes protagonistas del siglo XX: André Derain(1880-1954), Balthus -Balthasar Klossowski- (1908-2001) y Alberto Giacometti (1901-1966). En un momento en el que el mundo del arte está centrado en el surrealismo y la abstracción en torno a la década de los treinta, ellos se interesan por un realismo metafísico ajeno al academicismo.\nCon la distancia que el tiempo proporciona, podemos ver que Derain, Balthus y Giacometti siguen pautas similares en su trabajo, sobre todo en cuanto a su visión común del pasado del arte: Los tres comparten un fuerte anhelo de modernidad, se interesan apasionadamente por la pintura antigua y el arte de las civilizaciones lejanas, sienten fascinación por «las fuerzas oscuras de la materia» (Derain) y, en general, prestan mucha atención a la realidad «maravillosa, desconocida» que tienen ante sí (Giacometti).\nDibujos de Rosario Weiss en la BIBLIOTECA NACIONAL\nLa Biblioteca Nacional de España, en colaboración con el Museo Lázaro Galdiano y el Centro de Estudios Europa Hispánica (CEEH), inauguraró el 31 de enero la exposición Dibujos de Rosario Weiss (1814-1843), que estará abierta al público hasta el 22 de abril.\nRosario Weiss vivió con su madre, Leocadia Zorrilla, y Goya en la Quinta del Sordo entre 1820 y 1824, y desde el otoño de 1824 en Burdeos, donde la familia permaneció hasta su regreso a Madrid en 1833. Comenzó a dibujar gracias a los esbozos que el pintor aragonés hacía para que ella los copiara o completara hasta que, hacia 1825, entró en la escuela pública de dibujo que Pierre Lacour (1778-1859) dirigía en Burdeos, donde recibió instrucción académica. Su formación francesa atemperó la expresividad de sus primeros pasos junto a Goya, dirigiéndolos hacia el trazo preciso, limpio y ordenado que entonces predominaba en Francia, a la manera de Ingres.\nEn Madrid, Rosario Weiss adaptó su estilo al romanticismo hispano con éxito y desarrolló una breve pero intensa carrera profesional. Compaginó la copia de pinturas de grandes maestros, muy demandadas entonces, con la realización de retratos a lápiz de escritores y personajes de la burguesía liberal, en su mayoría socios como ella del Liceo Artístico y Literario. También dibujó del natural apuntes de plantas y árboles, además de paisajes idealizados con castillos, lagos o ruinas. Fue una excelente litógrafa, técnica que aprendió durante su etapa en Burdeos y que siguió practicando en Madrid.\nWeiss fue una de las pocas mujeres que ingresó, como académica de mérito por la pintura de historia, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El 18 de enero de 1842 alcanzó su máximo reconocimiento cuando la designaron para el cargo de maestra de dibujo de Isabel II y de su hermana la infanta Luisa Fernanda, que desempeñó durante muy poco tiempo, pues murió de cólera el 31 de julio de 1843.\nEsta exposición reúne obras de la Biblioteca Nacional, del Museo Lázaro Galdiano, de la Bibliothèque de Bordeaux, del Museo del Prado, del Museo del Romanticismo y de colecciones privadas, junto a piezas de otros museos e instituciones públicas españolas.\nMariano Fortuny en el Museo del Prado\nHasta marzo del 2018\nLa Formación en Roma\nEntre 1863 y 1868 abordó el retrato (Mirope Savati, no expuesto antes en Europa), el gran cuadro decorativo (La reina María Cristina y su hija la reina Isabel pasando revista a las baterías de artillería, mostrado ahora en su posición original) y las copias de maestros del Prado (el Greco, Ribera, Velázquez y Goya), que contribuyeron a dar a su arte mayor profundidad y alcance. Su obra triunfó en los años finales de la década de 1860 a través de óleos y acuarelas de motivos del siglo XVIII (El aficionado a las estampas y La vicaría) y árabes (Jefe árabe, Un marroquí, El vendedor de tapices, Calle de Tánger y El fumador de opio). Esta última vertiente tuvo un desarrollo especial durante su estancia en Granada entre 1870 y 1872. Allí también abordó escenas de género en marcos arquitectónicos compuestos (Pasatiempos de hijosdalgos, Almuerzo en la Alhambra y Ayuntamiento viejo de Granada). La mayor novedad deriva de sus trabajos del natural ante objetos, figuras (Viejo desnudo al sol), jardines y paisajes tanto al óleo como a la acuarela, la tinta y el lápiz. Obras como La Carrera del Darro, nunca vista fuera del British Museum, revelan su capacidad para la captación del ambiente con un color nuevo y fresco.\nArena con línea de montaña. Marruecos\n1860 - 1861. Óleo sobre papel pegado en cartón, 54 x 185 cm.\nEntre España e Italia\nLa Diputación de Barcelona encargó a Fortuny que viajara a Marruecos con el fin de recopilar información gráfica para elaborar después cuadros que representaran las gestas más destacadas de la guerra hispano-marroquí, en la que participaron tropas de voluntarios catalanes. En Marruecos a partir de febrero de 1860, además de seguir la campaña, que le llevó a presenciar, y luego a pintar, La batalla de Wad-Ras, el pintor se sintió atraído por las costumbres y los tipos árabes. Volvió en 1862 y tomó numerosos apuntes con el fin de representar para la Diputación La batalla de Tetuán, cuadro de grandes dimensiones que no llegó a terminar.\nEl descubrimiento de los espacios desnudos, la luz intensa y el color brillante del norte de África produjo un cambio radical en su pintura. Este es visible tanto en sus obras hechas del natural como en las realizadas en su estudio a partir de apuntes, de su recuerdo y de su imaginación. En estas últimas abordó con originalidad los aspectos de la vida árabe que por su pintoresquismo o por su misterio le habían interesado.\nLa elección de la modelo\nAyuntamiento viejo de Granada.La\nLa preparación de esta exposición ha tenido como base el estudio riguroso de diferentes archivos documentales, nunca antes explorados de manera sistemática. Uno de ellos, adquirido por el Museo del Prado, ha dado lugar a dos publicaciones complementarias, posibles gracias al mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson:\nEl tomo I del Epistolario del Archivo Madrazo en el Museo del Prado y\nla biografía Cecilia de Madrazo, luz y memoria de Mariano Fortuny\nLa obra de Giorgio de Chirico en CaixaForum\nLa obra de Giorgio de Chirico (Volos, 1888 - Roma, 1978) se caracteriza por una incesante investigación en diferentes planos: desde su periodo metafísico inicial, en la década de 1910, el trabajo por el que más se le conoce, en el que muestra su personal transformación del arte clásico mediante sus enigmáticas piazzas de arquitectura renacentista, pasando por los temas iconográficos de las décadas de 1920 y 1930, sus investigaciones técnicas sobre la pintura de los grandes maestros durante la década de 1940, hasta su periodo neometafísico entre 1968 y 1976.\nEsta exposición recorre las principales fases creativas de Giorgio de Chirico y retrata la continua investigación de la idea artística, marcada por una constante búsqueda en el plano iconográfico y simbólico capaz de crear una continuidad de la tradición artística italiana en el arte. Este empeño de continuidad fue uno de los elementos que determinó su posición destacada en el arte internacional, sobre todo en su influencia en el movimiento surrealista y en otros grandes artistas y escritores de la primera mitad del siglo XX.\nCubismos y experiencias de la modernidad.\nPermanente por el momento\nEn junio de 2016, la Fundación Telefónica firmó un convenio por el que depositaba en el Museo Reina Sofía, por un periodo renovable de cinco años, su Colección Cubista -uno de los núcleos de mayor relevancia de la Colección de arte de Telefónica-, compuesta por cerca de 40 obras fechadas entre 1912 y 1933.\nObra de Marie Blanchard\nBodegón de Juan Gris\nEl cubismo fue una corriente con una pluralidad de propuestas que dan pie a una lectura más amplia sobre ella. Sobre esta premisa se erige la exposición que le dedica el Museo Reina Sofía con los fondos de la Colección Cubista de la Fundación Telefónica. El conjunto de cerca de 40 obras, cedidas en comodato por 5 años renovables, está fechado entre 1912 y 1933 y se completa con obras de la colección de la pinacoteca. Cubismo(s) y experiencias de la modernidad permite profundizar en el nacimiento y desarrollo de este movimiento desde sus estadios fundacionales, cuando Pablo Picasso y Georges Braque trabajaron de forma conjunta desde el primitivismo y el posfauvismo cézanniano y cuando desarrollaron el cubismo como 'lenguaje' planteando invenciones iconográficas y técnicas.\nUna obra de Auguste Herbin .\nEl director del Reina Sofía ha incidido en que tradicionalmente se habla de cubismo en singular y se trata con una visión lineal "como si los artistas no hubiesen tenido dudas y como si fuera solamente cosa de Braque y Picasso, pero aquí se ve que es plural y que es un cambio de paradigma". En la muestra se recuperan figuras como Albert Gleizes, Jean Metzinger y el primer Auguste Herbin, cuyas aportaciones entre los años 1909 y 1915, significaron el tránsito de la herencia del simbolismo final a un nuevo sistema figurativo basado en el predominio de la forma y en la articulación dinámica de facetas y figuras. Con ello querían expresar la vivencia incesante de lo cotidiano y la relación "unánime" entre sujeto y mundo. Otros artistas representados en la exposición dan cuenta de cómo el cubismo supo dar origen a otros ismos que, aun dejando de ser cubismo, mantenían su impronta. Conocidas son las evoluciones planteadas por Fernand Léger y por Robert y Sonia Delaunay, que trazaron un recorrido semejante entre las posibilidades del cubismo y las sugerencias de la 'vida moderna'.\nEn el palacio de Gaviria, Alfhonse Mucha\nHasta el 25 de febrero de 2018\nUna amplia retrospectiva sobre las icónicas figuras femeninas y demás trabajos de Alphonse Mucha, el conocido artista checo considerado el inventor del Art Nouveau. La muestra incluye más de 200 obras, entre las que se pueden encontrar pinturas como 'Autorretrato' (1899) o 'Francia abraza a Bohemia' (1918), carteles como el póster para 'Gismonda' (1894) o el de Sarah Bernhardt como 'La Princesse Lointaine' (1896) o diseños como el estudio para 'By force towards freedom, with love towards unity!' (1910-1911) y para 'The Age of Wisdom' (1936-1938). El conjunto se completa con obras decorativas, joyas y bocetos para el diseño de la Boutique Fouquet.\nPoetas del cuerpo. La danza en la Edad de Plata.\nHasta el 1 de abril de 2018.\nEran años de constante investigación artística y la danza no fue una excepción. Picasso. Miró, Zuloaga, Falla, Lorca, Alberti... se mezclaron con figuras como Antonia Mercé: La Argentina, Tórtola Valencia o Vicente Escudero que encontraron en los escenarios un espacio de libertad para experimentar con las estéticas de Vanguardia.\nEn la exposición se incluyen fotografías, óleos, escenografías, trajes, partituras y vídeos inéditos que reflejan el protagonismo que la danza adquirió en España en aquel momento y también su gran proyección internacional.\nEl relato se inicia en la bisagra de los siglos XIX y XX, para situar al visitante en el panorama cultural en el que se imbricaba la danza clásica y académica del Teatro Real y el Liceo, así como otro tipo de vertientes escénicas, desde las variedades hasta el flamenco de los cafés cantantes.\nLa exposición está estructurada en cuatro grandes ámbitos, que responden a criterios cronológicos:\n1. Una danza nueva\n2. Los años de esplendor\n3. La danza en la Residencia de Estudiantes.\n4. Un legado tras la Guerra Civil.\nLa llegada en 1916 de los Ballets Russes de Diaghilev en la primera de sus giras por España constituiría un punto de inflexión en la historia de la danza, sirviendo de modelo colaborativo entre bailarines, literatos, músicos y pintores. La circulación de otras compañías extranjeras y las nuevas propuestas ofrecidas por creadores e intelectuales españoles fueron el revulsivo necesario para el inicio de una danza nueva a mediados de los años veinte.\nAunque en 1925 el cierre del Teatro Real afectó negativamente a la evolución de la danza clásica, que hubo de sobrevivir en otros escenarios y academias, el estreno en París de la versión para ballet de "El amor brujo" de Falla por Antonia Mercé, la Argentina, avanzaba las amplias perspectivas que su futura compañía abriría hacia el final de la década. Al igual que sus Ballets Espagnols, los estrenos de Vicente Escudero, Teresina Boronat o Joan Magrinyà lograron grandes éxitos con la colaboración de poetas, compositores y artistas visuales.\nLa muestra, además, dirige el foco hacia la presencia de la danza en el contexto del institucionismo y la Residencia de Estudiantes. En sus grupos femenino y masculino la danza moderna se incluyó en sus programas académicos, mientras que su vertiente española estuvo presente en actividades y proyectos desarrollados por los círculos de residentes. La amistad de Federico García Lorca y Encarnación López, la Argentinita, la representación de la versión de "El amor brujo" de la Compañía de Bailes Españoles o el proyecto frustrado del estreno de Clavileño, concebido por Maruja Mallo y Rodolfo Halffter, son algunos de los ejemplos de la memoria de aquellas danzas que habitaron los espacios de la Residencia.\nPicasso y Lautrec en el Museo Thyssen.\nHasta el 21 de enero de 2018.\nEl Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Picasso/Lautrec, la primera exposición monográfica dedicada a la comparación de estos dos grandes maestros de la modernidad. Aunque su relación artística ha sido reiteradamente establecida por la literatura y la crítica contemporánea esta es la primera vez que se confronta la obra de ambos en una muestra. La exposición plantea además nuevos puntos de vista de esta apasionante relación, pues no se limita al tópico del joven Picasso admirador de Lautrec en Barcelona y sus primeros años en París, sino que ha rastreado la pervivencia de esa huella a lo largo de la dilatada trayectoria del artista español, abarcando también su periodo final.\nComisariada por el profesor Francisco Calvo Serraller, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, y Paloma Alarcó, jefe de conservación de Pintura Moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Picasso/Lautrec reúne más de un centenar de obras, procedentes de unas sesenta colecciones públicas y privadas de todo el mundo, organizadas en torno a los temas que interesaron a ambos artistas: los retratos caricaturescos, el mundo nocturno de los cafés, cabarets, teatros, la cruda realidad de los seres marginales, el espectáculo del circo o el universo erótico de los burdeles.\nHenri de Toulouse-Lautrec murió en 1901, con 37 años. Desde los 15 fue un enano lisiado y deforme. Dos accidentes ecuestres lo redujeron a la impotencia social y lo empujaron al arte, con el que supo devolver el brillo al deslustrado escudo familiar. Tristemente para su aristocrática parentela, perteneció a una generación de artistas convencida de que la representación plástica del mundo debía cambiar tan rápidamente como él. Esto le indujo a prestar menos atención a las cosas aceptadas que a aquellas otras limítrofes con lo conveniente o claramente censuradas por la sociedad: burdeles, garitos nocturnos... Aunque sus dibujos y pasteles rezuman ironía y sarcasmo, su mirada revela también admiración por quienes, huyendo de formalismos, consiguen extraerle el jugo a la vida.\nToulouse-Lautrec fue el cronista del París cosmopolita de finales del XIX y también uno de los creadores del arte moderno. No era un observador omnisciente que contempla desde fuera, sino un espectador integrado en la narración. Esto le permitió captar con extraordinaria fidelidad la efervescencia y el hedonismo desatado de la época e incorporar al gran arte motivos extraídos de los ambientes marginales y la vida bohemia. La distinción entre alta cultura y cultura popular comenzó a borrarse entonces, dando la razón a quienes afirman que Montmartre, centro del entretenimiento nocturno de París, hizo por la igualdad de clases mucho más que cualquier revolución.\nLa pelirroja con blusa balnca. Laotrec.\nPicasso, del que se ha dicho que no fue un artista, sino una fuerza de la naturaleza, llegó a París desde Barcelona en octubre de 1900 ansioso por visitar tales ambientes. Asimiló toda la tradición pictórica, desde lo más profundo a la Vanguardia. Lamentablemente, a Toulouse-Lautrec le quedaba menos de un año de vida. No tuvieron oportunidad de conocerse. El malagueño estaba familiarizado con su obra por las revistas ilustradas y seguramente habría entablado con gusto relación con él. Aquel aristócrata sarcástico aficionado al igual que él a los placeres de la existencia («Uno es horrible -decía sin complejos- pero la vida es hermosa»), tenía todo para despertar su interés. De hecho, tomó de él cuanto pudo. A fin de cuentas, la capacidad de absorción fue uno de los rasgos característicos de su genio.\nEn 1899, el joven Picasso se vincula a Els Quatre Gats, grupo de escritores y artistas de la vanguardia de Barcelona cercanos al modernismo y al decadentismo e influidos, entre otros, por Toulouse-Lautrec. Pero será entre 1900 y 1904, años en los que el pintor español reside intermitentemente en París antes de instalarse allí de forma definitiva, cuando entraría en contacto directo con la obra de los pintores postimpresionistas como Lautrec.\nDurante esos años, su temática se centra en los bajos fondos de la ciudad y en los ambientes nocturnos de los cafés-concierto y, como podrá verse en la exposición, su pintura experimenta una influencia evidente de la obra de Lautrec.\nHasta el 7 de ENERO en la FUNDACION MAPFRE.\nLa exposición en Madrid de Ignacio Zuloaga en el París de la Belle Époque pretende ofrecer una imagen de la obra del pintor de Eibar poco habitual en España. Sin obviar la interpretación tradicional que le une al tópico de la España negra, el recorrido expositivo excede esta concepción y muestra cómo la pintura de Zuloaga (Éibar, 1870-Madrid, 1945) combina un profundo sentido de la tradición con una visión plenamente moderna, especialmente ligada al París de la Belle Époque y al contexto simbolista en el que el pintor se mueve por aquellos años.\nPara poder contar esta visión del pintor Ignacio Zuloaga es necesario situar su obra junto a la producción de otros artistas contemporáneos como Paul Gauguin, Paul Sérusier, Pablo Picasso, Francisco Durrio, Santiago Rusiñol, Maurice Denis, Émile Bernard, Giovanni Boldini, Jacques Émile Blanche o el escultor Auguste Rodin, entre otros. La muestra, con más de 90 obras, ha contado con más de 40 prestadores, entre colecciones particulares nacionales e internacionales además de la propia familia Zuloaga, e instituciones como la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro, Venecia; Museum of Fine Arts, Boston; Musée d’Orsay, París; Musée national Picasso, París; Musée Rodin, París; Museo de Bellas Artes de Bilbao; National Gallery of Art, Washington D.C.; The State Hermitage Museum, San Petersburgo o The State Pushkin Museum of Fine Arts, Moscú.\nRetrato de la condesa Mathieu de Noailles, 1913. Museo de Bellas Artes de Bilbao .\nEn 1889, con tan solo 19 años, Ignacio Zuloaga llega a París, por entonces capital mundial del arte moderno. En pintor encuentra una ciudad en plena ebullición cultural, en la que se dan cita las más innovadoras tendencias y en la que pintores, escultores, y escritores experimentan con nuevos lenguajes artísticos que conducirían hacia la modernidad.\nEl pintor participa activamente de este París de fin de siglo. Al poco de llegar, entra en contacto con Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Edgar Degas o Jacques-Émile Blanche y presenta sus obras en los principales salones y galerías parisinos. Asimismo, su obra refleja la influencia de algunos de los movimientos artísticos en boga, como el simbolismo.\nLa experiencia parisina del pintor Ignacio Zuloaga es fundamental para entender su obra, pues su pintura, a medio camino entre la cultura francesa y la española, excede con mucho los límites que la historiografía tradicional del arte ha establecido, asociando Zuloaga a la generación del 98 y por lo tanto a la conocida como “España negra”, una España de la tragedia, de lo hondo e incomprensible. No obstante, críticos como Charles Morice o Arsène Alexandre, poetas como Rainer Maria Rilke, y artistas como Émile Bernard o Auguste Rodin consideraron la obra del pintor vasco como un referente para el arte moderno.\nFue en este París brillante y dinámico, el anterior a la contienda, centro del gusto artístico y literario, en el que Zuloaga brilló con luz propia, en un camino paralelo y comparable al de muchos de los mejores artistas del momento. Estos años tendrán su punto y final en 1914, no tanto por la trayectoria del propio Zuloaga, que una vez encontrada su propia voz y su lugar en el escenario internacional, seguirá trabajando dentro de unos mismos planteamientos, sino porque el París y la Europa, de antes y de después de la Gran Guerra serán completamente distintos.\nWILLIAM MORRIS Y COMPAÑÍA: EL MOVIMIENTO ARTS and CRAFTS EN GRAN BRETAÑA.\nEN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH.\nEn la época victoriana, en la que la Reina Victoria ocupa el trono inglés (1837-1901) los artistas dirigen la mirada a la cultura medieval y a la naturaleza; al arte gótico y a los ideales caballerescos.\nWilliam Morris fotografiado por Emery Walker, c. 1887.\nWilliam Morris (1834- 1896), personaje sobre el que gira esta exposición, se interesó, en su juventud, por la Edad Media y las novelas de Walter Scott; por el heroísmo, el honor y la aventura. Su despertar estético e intelectual se produjo en Oxford, donde descubrió la pintura de los prerrafaelitas y la obra de Ruskin, el teórico del arte y de la arquitectura más conocido y leído en aquella época, apasionado admirador de la arquitectura gótica, que aconsejaba “acudir a la naturaleza sin rechazar ni elegir nada”.\nAl finalizar sus estudios universitarios, Morris comenzó a trabajar en el estudio del arquitecto neogótico Street. Junto a su amigo Burne-Jones formó parte del proyecto para decorar las paredes de una sala de la Oxford Unión con temas sobre La muerte de Arturo.\nJunto a su esposa Jane, habitó la Red House (Casa Roja), en Bexleygeath (Londres) cuyos interiores decoraron con pinturas murales, telas bordadas, muebles, vidrieras, azulejos, concebidos por el propio Morris y por sus amigos que llevaron a cabo su idea de un “palacio artístico” medieval. A pesar de las dificultades, crearon su propia Compañía de decoración artística: “Morris y Compañía” donde se vendían los artículos fabricados por ellos: telas bordadas, azulejos pintados a mano, muebles, vidrieras…Más tarde ( 1876) pasó a ser Morris su único dueño, con el nombre de “Morris and Co”.\nLa defensa de los artículos fabricados a mano, frente a aquellos que eran producto de un proceso mecanizado, se debió tanto a motivos estéticos como ideológicos. Morris consideraba, en primer lugar, que la obra hecha a mano producía placer y satisfacción a quien la creaba. En segundo lugar, estaba en absoluto desacuerdo con la industrialización y el trabajo de las fábricas, en las que se negaba a los trabajadores un salario digno y cualquier tipo de libertad creativa. Por el contrario, promocionaba los oficios artesanales, por aquel entonces en declive, que culminaron en la serie de tapices dedicada al Santo Grial.\nEl movimiento, Arts and Crfts, impulsó un amplio resurgir de las artes y los oficios, en el ámbito profesional y en el doméstico, defendiendo un estilo de vida sencillo y cercano a la Naturaleza. Las cuestiones que planteó acerca de la sostenibilidad de la producción industrial, la relación entre el trabajo y la vida, la honestidad de los materiales, la belleza de los objetos cotidianos y la protección los edificios antiguos y del medio ambiente siguen plenamente vigentes en la actualidad.\nWilliam Morris y compañía: el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña estará organizada en cuatro secciones cronológicas y temáticas, con 300 importantes piezas de mobiliario, textiles, papeles pintados, joyas, vidrio, cerámica, metalistería, encuadernaciones, pintura, dibujo, grabado y fotografía: La primera sección (De los orígenes a la Red House, 1834-1860), incluirá obras de A.W.N. Pugin, John Ruskin y otras figuras asociadas al resurgimiento del Gótico, así como de los miembros de la hermandad prerrafaelita D.G. Rossetti y E. Burne-Jones.\nLa esposa de Morris, Jane, pintada por Rossetti.\nLa segunda sección (William Morris y compañía, 1861-1896) se centrará en los objetos que la empresa de Morris producía y vendía, dedicando especial atención al proceso artesanal de su fabricación, y se fijará en la faceta conservacionista y política de Morris y en la labor de su editorial Kelmscott Press.\nLa tercera sección (El movimiento Arts & Crafts en Gran Bretaña, 1887-1914) revisará la expansión del movimiento a través de obras de C.R. Ashbee, M.H. Baillie Scott, Sidney Barnsley, W. Crane, E. Gimson, W.R. Lethaby, C.R. y M.M. Mackintosh, C.F.A. Voysey y P. Webb, así como de los establecimientos Liberty y Heal's.\nLa última sección (La difusión del movimiento Arts & Crafts, 1890-1914), ilustrará las distintas conexiones entre el movimiento británico y su desarrollo en países de Europa y Estados Unidos, con piezas de Hendrik Petrus Berlage, Josef Franz Maria Hoffmann, Koloman Moser, Lars Kinsarvik, Josep Puig i Cadafalch, Joan Busquets o Frank Lloyd Wright, entre otros.\nPublicado por Arte en Madrid. Tíltide en 10:43 No hay comentarios:\nACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE.PROGRAMACIÓN Tercer...


SofiManzo: abril 2016\nHoy vengo a hablarles de un producto que me tiene gratamente sorprendida.\nUn día paseando por la farmacia, me vi en la vitrina esta paleta de contorno de la marca Petrizzio, y quedé muy sorprendida ya que si bien la mayoría de las marcas a nivel mundial han sacado su paleta de contorno ya sea en crema o en polvo, en las marcas chilenas no las había visto.\nA mi me encantan los productos para hacer el contorno o para broncearse, es difícil que me resista a comprar un producto de este tipo, más aún si es barato, por lo que luego de unos días fui a Falabella y compré esta paleta para probarla.\nEn la página de la marca no encontré ningún tipo de descripción del producto ni en las tiendas en las que venden la marca.\nPero la verdad es sencillo, esta paleta trae tres productos:\n- Bronceador: el que contiene mayor cantidad en la paleta, es un café con un subtono más cálido, pero no queda para nada naranjo en la piel, lo que se agradece.\n- Iluminador: sé que existen personas a las que les gusta iluminar el rostro con polvos matte claros y creo que este es perfecto para ellas, porque de destellos... NADA. A mi, me gustan los iluminadores demasiados intensos, y este, para el gusto que yo tengo por los iluminadores no cumple su función, lo uso para "iluminar" el arco de la ceja.\n- Contorno: es un café con subtono frío, perfecto, pero es que perfecto para realizar el contorno del rostro, debo decir que me sorprendió muchísimo. De hecho, creo que el tono es mucho más adecuado para realizar este paso que el Bahama Mama de The Balm, porque es más frío e intenso y hace que se vea más "natural". (Independiente de ello amo el Bahama Mama, no me malinterpreten por favor).\nPara que tengan una idea, aquí le dejo las comparaciones:\nsorry la piel de gallina, pero ta helao juan\nEn la parte de atrás de la paleta, viene una mini guía en la que explica donde se deberían aplicar los productos:\nSWATCHES CON DIFERENTES LUCES:\nLa verdad es que esta paletita me sorprendió muchísimo y de manera grata. Los productos se difuminan súper bien y puedes construir fácilmente su intensidad. Son un poco polvorientos, pero a mi en lo personal no me molesta, ya que su precio es de $4.990, tampoco nos pongamos exquisitas, no se puede tener todo en la vida.\nPero no tengo nada más negativo que decir del producto, me gustó muchito, creo que es perfecto para combinarlo con mi paleta en crema de Anastasia. Lo único que no me gusto mucho fue el iluminador ya que literalmente no tiene ni un brillo jajajaja, podrían haber hecho mitad y mitad nomás, pero para partir esta super bien, me alegro que las marcas chilenas estén atreviéndose a lanzar productos para que las mujeres de nuestro país tengamos acceso a llevar un paso mas allá nuestro maquillaje. Ahora solo falta que una marca de acá lance un iluminador bacán y quedo chocha <3 jajaja.\nAsí que les recomiendo full este producto si andan buscando un producto para broncearse y contornear su precioso rostro.\n¿Tienen algún producto favorito para broncearse o hacer el contorno? Te invito a comentar :3\nPublicado por Sofia Manzo en 15:34 8 comentarios:\nPublicado por Sofia Manzo en 18:57 No hay comentarios:\nTAG: Loca por los labiales & la paleta perfecta II\nWARNING: Acá solo verán paletas de sombra pabres.\nNicole de NoSoyKawaii me nominó a estos tags, que si bien el de los labiales ya lo había publicado a principios de año, lo leí y han cambiado bastante mis respuestas, así que lo haré de nuevo nomas :3\nTag Loca por loa labiales:\n84, de verdad me sorprendí al terminar de sumar todos, en esta oportunidad sume todo tipo de labial, ya sea liquido o en barra (en el tag anterior solo sume los lipstick). Espero no comprar más por ahora :c estoy en ese proceso... difícil pero lo intento :c\n2) Un labial indispensable:\nRepito, no creo que un labial sea indispensable, pero pa que ponernos graves y darnos color si estamos jugando a esto :3\nAsí que, mi labial indispensable tiene que sí o sí ser un fucsia, los amo. En este caso sería mi favorito de la vidi que es el Flat Out Fabulous de Mac.\nMe queda poquito pero ya tengo el repuesto guardado (locaaa)\nPuedes ver: Mis Labiales Mac\n3) Un labial para arrasar:\nAquí tuve una discusión por dentro, fue difícil elegir. Estaba entre Pansy o Utopía de Lime Crime, o Depravity de Make Up Revolution. Pero los ganadores fueron Candy Yum-Yum y Ruby Woo de Mac. Básicamente porque creo que uno es muy femenino y el otro es muy sexy sensual.Te sientes DIOSA.\n4) Último labial que compraste:\nTouch of Spice de Maybelline. Es preciosoooo. Y debo decirles (creo que vengo tarde con la noticia pero siempre sirve) es exactamente igual al Twig de Mac, hoy me apliqué el de Maybelline en el labio inferior y el de Mac en el superior y son igualitos. (quizás el de Mac es un poco más mate pero en cuanto al color son IGUALES).\n5) ¿Que labial te arrepientes de haber comprado?\nLos mismos que mencioné en el otro tag. Mad 4, CyZone y Old England Toffee, DBS.\nNo me gustan sus acabados, no eran lo que yo esperaba.\n6) Labial favorito del momento:\nTwig de Mac y Plum Noir de Petrizzio. Son perfectos para el otoño, los uso casi a diario.Me encantan <3.\n7) Labial más caro y más barato de tu colección:\nBrown de Jordana es el más barato $890 y los de Lime Crime (Pansy y Utopía) los más caros $17.400. Y de lipstick el Pink Pigeon que en su tiempo me costó $15.990\n8) Labial que deseas en este momento:\nEstoy obsesionada, de forma terrible con el labial Stone de Mac, en ninguna parte lo he encontrado. Le pedí a una amiga que me lo compre en Santiago y tampoco lo encontró :(\nY el que deseo con la vida es Requiem de Kat Von D, un color precioso que no tengo.\nTag de la paleta perfecta II:\nTengo que decir, que yo no soy una persona que compra paletas de sombras de maquillaje, me gustan más las sombras individuales, por lo que aquí no verán paletas de marcas exclusivas y las mas deseadas del universo. Pero al menos las que tengo me gustan mucho y siento que no necesito más.\n1) ¿Qué prefieres que venga incluido: un delineador de ojos, brocha o nada?\nNo uso delineador de ojos, las brochas de las paletas son en su mayoría inservibles, pero aún así se agradece que se esfuercen un poco por al menos agregar un aplicador. Por lo que me quedo con la brocha. (Aunque las bote a la basura jajaja).\n2) Nombra una paleta donde ya tocaste "pan" (o sea se vea lo metálico de fondo)\nEn la paleta The Nudes de Maybelline y en el MakeUp Kit de Petrizzio.\n3) Paleta "Naked" favorita.\nObviamente mi paleta naked favorita es... ah no, esperen, no tengo NINGUNA PALETA NAKED. AJAJAJAJA. De verdad pueden dar por hecho que todos tenemos una de esas paletas? Nadie piensa en la PABREZA? :c Hablando en serio, nunca me han llamado la atención con locura esas paletas, si me comprara una de ese estilo sería alguna de Lorac.\n4) Paleta preferida de edición limitada o de edición de festividades.\nLa paleta de sombras de Gwen Stefani. Es que es preciosa, cuando se las vi a las gringas quedé loca. En Chile cuesta $39.990, si bien es carísimo, considero que tampoco es una locura, ya que si lo pensamos una sombra individual de Urban Decay cuesta $13.990 y acá vienen 15 sombras, además su packaging es PRECIOSO <3.\nEstá demás decir que la envidia me chorreaba cada vez que alguna subía la foto de su paleta recién comprada a Instagram. Mucho odio para todos ustedes.\n5) Alguna que volverías a comprar o tener "un repuesto extra".\nSi bien no es una paleta de sombras, me tomaré el derecho de nombrar mi paleta favorita, amada, la cual ocupo muchísimo, sin ella no vivo. Y es el Contour Cream Kit de Anastasia Beverly Hills. LA AMO, es tan perfecta, me encantaría tener una caja llena de repuestos, pero no, porque es cara y una es pabre.\nPUEDES VER SU RESEÑA AQUÍ: ABH\n6) Nombra alguna sombra de tus paletas que te gustaría que vendieran individualmente.\nEsa sombra de la paleta de Wet n Wild, la paleta de las sombras moradas. Me encanta porque tiene destellos medios bronce, cobrizos y sofita amaaaaaa esos destellos.\nEsa que dice eyelid\n7) ¡Pregunta Sorpresa! Elije una pregunta del cuestionario original\nYo aquí le voy a copiar a Nicole, porque soy poco original y creo que esa pregunta debería estar:\n¿Cuál es la paleta que mas deseas en este momento?\nShowstopper Clay Palette, Tarte:\nLa ven? ES TAN PRECIOSAAAAAAAAAA, argggg la amooo por la cresta. La tuve en mis manos en Ecuador, pero la vendían al doble y preferí invertir esas 70 lucas en comprar otros productos, esta paleta puede esperar, pero me encanta, la amo, la deseo, la todoooo <3.\n8) Nombra una paleta que le recomendarías a un amigo.\nPienso en mis amigas que no maquillan mucho sus ojos, no saben usar sombras ni tampoco se atreven a los colores, por lo que me iría por la The Nudes de Maybelline que es mas económica y es perfecta para cualquier look ya sea de día o de noche.\nY para quienes quieren algo de color y brillo, les recomendaría esta de Natura, que es preciosa y trae colores azules, para que así se atrevan de a poco a trabajar diferentes look y se vean washonas y los washos se les caigan a los pies OEEEE ZIII. YA SOFÍA QUE ONDA TU VIDA, CONTRÓLATE SHIKA.\n¡Bueno, y ese sería mi tag! Gracias a Nicole por nominarme, fue muy divertido, me gustan estas dinámicas tan choris.\n¿Hay que nominar a alguien? Nomino a todos los que leyeron esto. Y si no tienen blog hagan un collage en Instagram u otra red social y cuenten sobre sus gustos bellos <3.\nEso es todiwi. Tuve una semana muy feliz, así que les envío mucha felicidad para todos y espero que tengan un lindo fin de semana y no tomen tanto porque la caña es lo peor. Esho, Besho <3\nPublicado por Sofia Manzo en 17:23 2 comentarios:\nPublicado por Sofia Manzo en 20:15 4 comentarios:\nPublicado por Sofia Manzo en 19:37 2 comentarios:


"Vaca Pequeño Madurado"\nin\tVaca 1\non\tFebrero 18, 2013\nPequeño Madurado : Queso de mediana maduración, con corteza limpia y compacta, de gusto intenso y ligeramente láctico, con un punto de sal, resulta una opción ideal para disfrutar del queso a cualquier hora del día.\nPeso aproximado : 0,5Kg, 1Kg i 2Kg.\n"L’Atrevit, Queso Azul madurado"\nin\tVaca 3\n"L'Atrevit" Queso Azul Madurado de Vaca: Como su nombre indica, uno de aquellos quesos para recordar… sobre todo después de comer. Aroma intenso, salino y típico del queso azul, que deja paso a una textura húmeda y mantecosa, ligeramente granulosa, para explotar en gustos picantes, salinos y suficientemente intensos para ser recordado como uno de los mejores azules del país. Ideal contrastar el gusto con complementos dulces (compota o confitura de pera o higo, vino dulce y algún bollito, de los de verdad)\nPeso aproximado : 0,5kg.\nin\tVaca 4\nLleche de producción ecológica : Producto de materia prima natural y de calidad, la leche rica en ácido linoleico (proveniente de la hierba verde) de este queso nos puede aportar un 70% más de ácidos grasos OMEGA 3, más vitaminas y más minerales, con un sabor único y textura suave, sin aditivos sintéticos ni pesticidas.\nUn producto con leche Calidad AA “la más alta posible”\nPeso Aproximado : 0.5kg,


El Telégrafo - Noticias del Ecuador y del mundo - Torquemada ilustrada\nSebastián Vallejo - 25 de abril de 2014 - 00:00\nEl programa es una desgracia. Lo es. Es un insulto tanto a la comedia como al televidente. Recoge la idea del espectador como un bodrio acrítico, ignorante y pasivo. Abusa del chiste fácil, de la burla a la minoría, a lo marginado. Y lo hace porque es lo más eficiente. Está ofreciendo un producto para las masas. Para los grandes promedios que crean la entelequia de la normalidad social. La otredad se convierte en lo ridículo. El estereotipo en el molde para la construcción de personajes planos. Es, en definitiva, la cobardía del creador.\nPero esta es mi opinión. Y mientras no vivamos en un absolutismo ilustrado, la gris línea entre la ofensa y la agresión deberá quedar sin juez. Me lo recordó un amigo: “La libertad de expresión se extiende a las opiniones que nos disgustan”. ¿Y las que nos ofenden? “Y a las que nos ofenden también”. No podemos cargar sobre David Reinoso, Flor María Palomeque y Fernando Villarroel todos los problemas de nuestra sociedad patriarcal, machista, homofóbica y racista. Y no podemos pretender que es deber del Estado o de la academia dictar la agenda de culturización de los medios.\nCiertamente, la televisión nacional (aunque aplica para la televisión, en general) se ha encargado de perpetuar una serie de estigmas sociales, y es responsable por apuntar a la mediocridad. Y la violencia que se fomenta contra los grupos GLBT, contra el pueblo afroecuatoriano y contra otras minorías debe ser regulada. Pero el contenido ofensivo no puede ser censurado. Porque lo ofensivo es tanto una apreciación subjetiva como también puede ser una declaración ideológica.\nLo que debemos aclarar son los espacios que se dan para estos programas (y en general, estas expresiones). La pornografía vulnera la dignidad de la mujer y la cosifica, pero no la prohibimos. Seguramente, el erotismo, el gore o el exhibicionismo son expresiones que atentan contra el pudor de muchos, pero no los censuramos; les damos los espacios adecuados. Y a lo mejor los espacios triple A no son, pues, los espacios para estas manifestaciones.\nLa alternativa, sin embargo, aquella que nos da una superioridad crítica y moral sobre los contenidos que permitimos y no, lo que juzgamos constructivo y no, lo que aceptamos como basura y lo que no, aquella que busca la censura como respuesta, no genera el derecho de las minorías. No podemos decidir qué consume la sociedad, pero sí podemos ampliar la oferta. Crear los espacios, como se están creando desde la ciudadanía, cuyos objetivos no sean guiados por el mercado.\nPorque Torquemada ilustrada, sigue siendo Torquemada.


Tsunoda: "Tenía unas expectativas demasiado altas tras Baréin"\nPortada » Tsunoda: “Tenía unas expectativas demasiado altas tras Baréin”\nTsunoda: “Tenía unas expectativas demasiado altas tras Baréin”\nEl gran resultado y las buenas sensaciones que dejó el piloto japonés en su debut en la Fórmula 1 hicieron, como cuenta el propio Tsunoda, crear unas expectativas demasiado ambiciosas.\nTsunoda llegó a la F1 de la mano de AlphaTauri para reemplazar a Daniil Kvyat. Tras un año en F2, consiguió finalizar en tercera posición y llevó a cabo un gran rendimiento. En su primera carrera en la F1 finalizó en novena posición tras clasificar decimotercero. Pero además de eso, es que hizo buenos adelantamientos y tuvo buen ritmo, algo que le ha faltado en Imola, Portimao, España y Mónaco, donde no ha conseguido puntuar en ninguno de ellos y ha realizado ciertas comunicaciones por radio que han creado mucho revuelo en los aficionados a la F1.\nYuki Tsunoda, piloto de la Scuderia AlphaTauri:\n“Para ser honesto, sí, ha habido demasiadas expectativas. Especialmente desde Bahréin salí muy, muy bien, incluso cometiendo errores … habiendo caído a la Q2, pero aun así fui bien y obtuve un punto en la primera carrera”.\n“Creo que a partir de ahí, apunté bastante alto con mis expectativas para el futuro. Especialmente Imola, la próxima carrera … Incluso estaba apuntando entre los cinco primeros. Creo que eso significa que estaba apuntando demasiado alto”, comenta Tsunoda.\nAdemás, en Imola, Tsunoda cayó en la Q1 tras un accidente propiciado por la ambición de querer hacer una mejor vuelta de lo que podía en ese momento.\n“En la clasificación en Imola intenté hacer una vuelta increíble, una vuelta de ensueño. Especialmente en la Q1, no tienes que hacer ese tipo de cosas en la Q1. Mi adrenalina y motivación fue así y me choqué contra la pared. Así que creo que a principios de año realmente esperaba mucho y apuntaba demasiado alto”.\nBy Ramon Palanco|2021-05-27T08:59:58+00:00mayo 27th, 2021|Categories: Noticias|0 Comments


Un Padre Extranjero | Librería Online TROA. Comprar libro\nNovela de fondo autobiográfico cuya trama se subdivide en varios planos narrativos diferentes. En el primero, Eduardo Berti (Buenos Aires, 1964) se refiere al presente de su propia vida, desde la muerte de su madre hasta su vuelta años más tarde al mismo cementerio de su ciudad natal para enterrar al padre. Entre uno y otro acontecimiento, cuenta sus investigaciones en Inglaterra con el fin de escribir un libro sobre Joseph Conrad, lo que da lugar a que narre la estancia de este novelista, nacido en Polonia y emigrado al Reino Unido, junto con su mujer y su hijo Borys en una granja, en la región de Kent, al sur de Inglaterra. Por último, describe la trayectoria del padre del autor, judío rumano emigrado a la República Argentina, poco antes de la Segunda Guerra Mundial y que ya anciano decidió escribir una novela ambientada en su país de origen. En este apartado novelístico se intercalan los primeros capítulos de su inacabada obra.\nEl autor ha elaborado una historia compleja cuyo juego de planos entrecruzados maneja con notable habilidad y firmeza. El paralelismo entre Berti padre y J. Conrad, ambos europeos del Este, emigrados, que utilizan apellidos que no son los que recibieron al nacer, escriben en idiomas distintos de sus respectivas lenguas maternas, y mantienen relaciones poco armoniosas con sus hijos, centra una parte importante del desarrollo argumental. A su vez, Berti hijo, a medida que descubre estas inesperadas semejanzas, reflexiona en tono de admiración, sobre el alejamiento y la quiebra de raíces humanas que implica todo exilio. El relato destaca el esfuerzo que exige al emigrante reinventarse la identidad para adaptarla a las nuevas circunstancias, tal como ambos hicieron. La obra, bien resuelta técnicamente, encierra en su argumento un juego metaliterario original e interesante, pero de evidente alcance minoritario. El estilo muestra un nivel de calidad constante, aunque no todas las secuencias argumentales resultan igualmente logradas debido a ciertas diferencias de calidad humana de los personajes que en ellas intervienen. A pesar de estos desniveles, la novela, nada estridente ni en su léxico ni en su contenido, mantiene la atención del lector por su constante apelación a recursos imaginativos para perfilar el trazado de las situaciones a través de las cuales la literatura aparece considerada como punto de encuentro entre realidad y fantasía.


JLo también le envió mensaje a los niños migrantes\nInicio Twitter JLo también le envió mensaje a los niños migrantes\nJennifer López. Foto: Telemundo\nMediante su perfil de la red social Twitter, “La diva del Bronx” aseguró que “permanecer en silencio no es una opción”.\nLa cantante estadounidense Jennifer López, conocida en el mundo de la farándula como JLo manifestó su preocupación por los niños migrantes separados de sus padres entre la frontera de México y Estados Unidos y aprovechó para enviar un mensaje.\n“Al leer las noticias sobre la separación de los niños de sus familias, no puedo dejar de pensar en mis propios hijos. No puedo comprender un mundo en el que me arrancarían de los brazos y me llevarían a un lugar no mejor que una prisión lejos de mi hogar”.\nLa “diva” se pronunció luego de que el presidente de Estados Unidos Donald Trump tuviera un cambio de opinión el pasado miércoles, cuando firmó la orden ejecutiva que revertiría la decisión de separar a las familias de inmigrantes, ampliamente criticada.\nRecordemos que hasta el momento las mencionadas medidas han separado a más de dos 2300 niños indocumentados de sus padres como parte de su política de “tolerancia cero”, que inició a principios de mayo pasado.\nArtículo anteriorAccidente pone en riesgo obras de restauración del puente Mohedano\nArtículo siguienteVenezolana fue agredida en Perú por tres hombres\nLa polémica foto “enchufada” de Winston Vallenilla


Cómo Jennifer López se asegura de no repetir nunca vestuario\nLa diva que inventó Google Images posee un armario digitalizado.\nA ella le debemos el servicio de búsqueda por imágenes de Google y es que 'Aquel vestido' de Versace que llevó a los Grammy 2000 generó tantos resultados que la compañía decidió facilitar a los usuarios la tarea inaugurando un sistema donde fuera posible buscar directamente las fotografías. Desde entonces no es que Jennifer López haya cultivado una gran relación con la tecnología, al menos, que supiéramos. Sin embargo, la semana pasada la diva estaba en una reunión cuando uno de los allí presentes advirtió un extraño código de barras en la suela de su zapato. Cuando le preguntó si los tacones eran prestados, ella se rió y contestó que no, que se trataba de un sistema digitalizado para saber si ya se ha puesto algo y cuando.\nAsí lo relata una fuente en New York Daily News que asegura que existe una base de datos con dibujos de todas las prendas que posee, información sobre sus características físicas -tamaño y color-, datos sobre las veces que las ha llevado en público y un sistema de localización que le permite saber si el artículo en cuestión está en su casa de Nueva York o en la de Los Ángeles. Es decir, la versión 3.0 del armario de Cher Horowitz de Clueless.\nAdemás, habría una persona encargada de cuidar personalmente de todo su vestidor y es que la que fuera Jenny from the Block "se toma la moda muy en serio", continúan las declaraciones. "No quiere ser pillada accidentalmente vistiendo lo mismo dos veces. Cuando decide llevar algo más de una vez es con alguna intención concreta”. Un ejemplo más de la efectividad del Power dressing que, si bien las royals como Letizia o Kate Middleton usan a la inversa (repitiendo con asiduidad para acortar distancias con los ciudadanos), la diva emplea para que no la pillen dos veces con el mismo look.\nJ.Lo recupera 'aquel Versace'\nLa apps que toda fashionista debería tener\nJennifer López no quiere casarse


Revista Muebles - Mobiliario de diseño Silla formada por dos cuerpos que se apoyan mutuamente – Revista Muebles – Mobiliario de diseño\nSilla formada por dos cuerpos que se apoyan mutuamente\nTerminamos la semana igual que la comenzamos: conociendo una silla de lo más original. Así, si el otro día te enseñábamos un modelo futurista que podía usarse de sillón y mecedora, hoy te presentamos la nueva creación de la diseñadora Eva Chou. Nos referimos a la silla R Shell, un diseño formado por dos superficies curvas apoyada una sobre la otra.\n¿Quieres conocer más detalles de este original diseño de Eva Chou? ¡Pues no te pierdas nada de lo que te contamos a continuación! ¡Te aseguro que te va a resultar de lo más interesante!\nInspirándose en la construcción laminar\nTal y como cuenta la propia Eva Chou, toando como referencia el método de ingeniería de la construcción laminar, ideó la forma de conseguir que los dos cuerpos se apoyaran mutuamente. Así, el proyecto se basa en el equilibrio entre el punto y la línea, y lo virtual y lo físico.\nComo puedes apreciar en las imágenes, una de las superficies se ha construido con múltiples líneas de color rojo, con el objetivo de representar la malla de alambre de un modelo generado por ordenador, mientras que la otra está formada de espuma y es de color blanco. El resultado de la ondulación de ambas superficies es una superposición de sombras que cambia dependiendo de la ubicación de la fuente de luz.\nRealizada en metal, la silla R Shell también está disponible en color blanco. Eso sí, será difícil que encaje en alguna de las estancias de tu hogar tanto por sus medidas como por su original diseño, ideal para viviendas de lo más modernas. A continuación te dejamos con nuestra galería, donde descubrirás más imágenes de la R Shell. ¡No te lo pierdas!\n12 de marzo de 2017 a las 20:32\nPor favor, ¿me pueden decir que aún existe en el mercado esta silla R Shell, de Eva Chou?\nSi es así, ¿qué precio aproximado podría tener y dónde podría comprarlas?\n13 de marzo de 2017 a las 10:33\nTe recomiendo contactar con Eva Chou para saber si puedes encontrarla a la venta.


Alquiler de salas de reuniones - LOOM espacios de trabajo flexible\nEn nuestras salas encontrarás toda la energía para alcanzar los objetivos de tus reuniones. Tú eliges, ¿en cuál está hoy tu inspiración?\nElige la sala que mejor se adapte\nEn diferentes espacios y de distintas capacidades, pero todas las salas de LOOM son mágicas. ¿Cuál de ella va más con tu reunión de hoy?\nNo hay salas con las características seleccionadas


Informó el Instituto Nacional de Ciencias Forenses|Ascienden a mil 374 las muertes violentas en Guatemala – Correo del Orinoco\nInformó el Instituto Nacional de Ciencias Forenses|Ascienden a mil 374 las muertes violentas en Guatemala\n5 abril, 2016 16:00\nDurante el primer trimestre del año la cifra de personas muertas por la violencia en Guatemala ascendió a mil 374, de ellas 158 mujeres, refieren este martes los informes del Instituto Nacional de Ciencias Forenses (Inacif).\nEstos datos suponen un aumento de la criminalidad en el país si se considera que de enero a marzo de 2015 los fallecidos por causas vinculadas a hechos criminales sumaron mil 368, mil 205 masculinas y 169 femeninas.\nDe continuar esa tendencia, advirtió la entidad estatal, Guatemala podría llegar a diciembre con una cantidad de homicidios superior a la registrada al concluir el 2015: cinco mil 718.\nPese a lo elevado de las estadísticas, ese número estuvo por debajo de los cinco mil 924 muertes violentas reportadas en 2014 en este país, considerado por la Organización de Naciones Unidas entre los más violentos del mundo bajo supuestas condiciones de paz con una tasa de 33,84 homicidios por cada 100 mil habitantes.\nEste último informe del Inacif desmiente la supuesta reducción de la violencia este año, defendida por la Dirección General de la Policía Nacional Civil y hasta por el presidente de la república Jimmy Morales.\nSegún el informe Estadística general incidencia criminal acumulada y acciones positivas, presentado por el ente policial en la segunda semana de marzo, el descenso de la violencia criminal equivalía al ocho por ciento comparado con 2015 e incluso por debajo de los últimos ocho años.\n«Se han logrado reducir en ocho por ciento los homicidios, lo que representa 75 homicidios menos que en 2015», declaró entonces la tercera viceministra de Prevención de la Violencia y el Delito, María Elena Orellana.\nCon base en esos datos, el jefe de Estado reiteró más de una vez la satisfacción por los supuestos logros obtenidos contra la problemática en la fase inicial de su gestión, iniciada el 14 de enero de 2016.\n«Tuvimos la estadística del mes febrero que es donde hubo menos actos delictivos y criminalidad durante los últimos ocho años», afirmó y añadió que a 61 días de haber tomado posesión es algo que se debiera reconocer.\nPero casi a continuación se sucedieron varios atentados a autobuses urbanos, locales de negocio, y otros hechos que sumado a otros actos de violencia pusieron en entre dicho esas afirmaciones y dejaron un amplio saldo luctuoso.\nAl punto que el Departamento de Estado de Estados Unidos emitió una alerta para todos los ciudadanos de ese país residentes en suelo guatemalteco con el fin de que se abstuvieran de viajar a algunas regiones, en particular al departamento occidental de San Marcos, por el aumento de la violencia asociada al narcotráfico.\nEtiquetasGuatemala muertes violencia