Haizea Barcenilla, crítica y comisaria de arte\nEste año son varias las exposiciones que, en importantes centros de arte nacionales, presentan el trabajo de mujeres artistas de la vanguardia. Hemos podido ver a la valiente cubista Maria\nBlanchard en el Reina Sofía, a la extraordinaria arquitecta y diseñadora Eileen Gray en el centro Pompidou de París, a la sorprendente pintora abstracta Hilma af Klint en el Moderna Museet de Estocolmo (y ahora, hasta febrero, en el Museo Picasso de Málaga), y a la desconocida (para Occidente, claro está) Saloua Raouda Choucair, pintora libanesa pionera de la abstracción en su país, en la Tate Modern de Londres.\nSin duda, es un avance que el trabajo de estas mujeres sea reconocido, investigado, apreciado y puesto en valor a través de su exposición en museos prominentes. Nos guste o no, el sistema del arte se basa en legitimaciones, y por mucho que haya muy buenos argumentos que digan que Eileen Gray era una gran arquitecta, para la opinión popular la confirmación llega cuando un centro de referencia dedica sus salas a exponerla. De hecho, si nos tomamos la molestia de\nconsultar en internet cuántas han sido las exposiciones dedicadas a mujeres artistas en la mayoría de los museos de arte contemporáneo, veremos que son muchísimas menos que las dedicadas a los hombres. Y si nos referimos a mujeres de las vanguardias (entendiendo como vanguardias, de manera amplia, la época entre 1875 con el comienzo del impresionismo, y 1945 con el fin de la primera guerra mundial), son pura anécdota. Esto ayuda en gran manera a que esas mujeres no formen parte del imaginario popular de la historia del arte.\nLas exposiciones apenas recogen aspectos fundamentales para entender la obra de las artistas, como vidas personales que desafiaban los mandatos de género o la práctica de trabajar de forma colaborativa, frente a la idea de genialidad solitaria\nHay varias razones para esta invisibilidad: por una parte, que las colecciones por lo general tienen muchas menos obras de mujeres que de hombres y, por supuesto, intentan legitimar lo que tienen, no lo que no tienen. Además, como tienen menos obras, han realizado menos investigación, lo cual supone más trabajo si se quiere montar una buena retrospectiva. Y más dinero, porque hay\nque traerlas de diferentes lugares, con sus respectivos seguros. Pero, en realidad, esta situación actual tiene su origen en un problema histórico, básico y fundamental: que el sistema del arte está construido sobre unos valores creados por y para una sociedad patriarcal, que ha legitimado durante siglos un tipo de trabajos y una serie de características que hemos llegado a asumir naturalmente como puro “arte” (y que por lo tanto se ha incluido en colecciones y catálogos), y que, al contrario que la imagen que presentan, ni son neutras, ni son inocentes. Durante siglos las mujeres se han visto excluidas de este sistema, y cuando por fin han sido gradualmente aceptadas (en un proceso que comienza a finales del siglo XIX), ha sido siempre con expectativas muy\nespecíficas de lo que tenían que producir, sin la posibilidad de llegar al estatus de Genio, y subordinadas a sus colegas masculinos. Es decir, no es que los museos tengan menos obras de mujeres de las vanguardias porque no existen, sino simplemente, porque no las compraban. Las consideraban un tipo de arte que, como el diseño o las artes decorativas, se situaba\nautomáticamente en segundo nivel.\nPor ello, en principio es positivo que se dediquen grandes exposiciones a estas artistas. Pero la cosa no acaba con incluirlas y ya está. En 1971, hace ya más de 40 años, Linda Nochlin escribió un artículo fundamental para la historia del arte, llamado ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?. En este artículo, Nochlin viene a decir que el arte es una construcción cultural que se articula bajo la influencia de importantes factores sociales, en contra de la muy difundida idea de que la capacidad creadora es un don natural e intrínseco con el que los artistas nacen. Así, cuando rebuscamos entre los desperdicios para rescatar los tres últimos dibujos de una desconocida autora checa de 1920, sin analizar las razones por las que ese trabajo no fue apreciado en su época, y sin poner en cuestión los valores que llevaron a su abandono, en realidad estamos aceptando la gran narrativa de la historia del arte, basada en la idea del Genio, de la autonomía y de círculos cerrados a los que, simplemente, añadimos personajes secundarios.\nDesde que Nochlin publicó este artículo, la problematización de la historia del arte por parte del feminismo ha sido continua, y no exenta de discusiones internas. Porque, si la cuestión no consiste en incluir fichas al tablero, sino en jugar con otras reglas, ¿por dónde empezar? ¿Qué hacer? Es todo un sistema, interiorizado por las propias investigadoras desde su formación, lo que se pone al borde del precipicio. Al mismo tiempo, es cierto que el trabajo de muchas artistas\nnecesita de un trabajo de investigación y recuperación que palie la dejadez de otros momentos históricos. Desde el ángulo de esta problematización querría mirar a elementos presentes y\nausentes en las exposiciones de Eileen Gray e Hilma af Klint, que pueden darnos pistas sobre qué posibles estrategias puede seguir una nueva historiografía que quiera hacer justicia al trabajo de estas mujeres.\nUna de las características de la historia del arte tradicional es que se basa, en gran manera, en valores de competición. Quién fue mejor que quién (por supuesto, basándose en comprensiones de “calidad” absolutamente subjetivas), quién hizo antes algo (aunque sea dos meses antes),\nquién tuvo más influencia que quién. Esta competición se ha extendido en los últimos años al mercado del arte: un cuadro es bueno porque cuesta mucho dinero, cuando en realidad es sabido que las normas de revalorización de un producto económico se basan en las leyes de la oferta y la demanda: un cuadro vale mucho porque alguien está dispuesto a pagar mucho por él.\nLamentablemente, el título de la exposición de Hilma af Klint, el primer elemento que encuentra la visitante sigue esta lógica competitiva. Se trata de “Hilma af Klint, pionera de la abstracción”, un título que sigue la línea de un museo cuya anterior exposición de vanguardias fue “Picasso versus Duchamp”.\nHilma af Klint es un personaje interesantísimo por varias razones. Nació en 1862 en Suecia y fue una de las primeras mujeres que, además de tener una formación de artista en la Real Escuela de Artes de Estocolmo, se dedicó profesionalmente a la pintura, y durante años trabajó en los\nestudios que brindaba la escuela a graduados con talento. Lo interesante de af Klint es que la pintura que vendía y exponía era, principalmente, paisajes naturalistas. Y lo que se expone en Moderna es una parte de su producción que mantuvo oculta: grandes composiciones abstractas en las que intentaba expresar el origen del mundo.\n¿Por qué este trabajo tan diferente? Porque Hilma af Klint, al igual que muchas mujeres de su época, se interesaba por teorías ocultistas y por el espiritismo. Formaba parte de un grupo de mujeres llamado Las Cinco con el que llevó a cabo sesiones espiritistas durante veinte años. A través de estas sesiones realizaron una enorme cantidad de dibujos automáticos, que sirvieron de base para la obra de af Klint, que a su vez fue inspirada por un ser superior con el que conectaba a través del trance. Las composiciones son tan extraordinariamente modernas, tan lejanas al mundo consciente, que af Klint temía exponerlas.\nEs necesario decir aquí que el espiritismo tuvo gran importancia en los movimientos de\nemancipación de la mujer de finales del siglo XIX y principios del XX. A fin de cuentas, ejercer de médium permitía a las mujeres hablar con una voz superior que, a diferencia de la suya, era respetada. Los movimientos espiritualistas, como la teosofía, fueron además fundamentales no sólo para af Klint, sino para la mayoría de los primeros abstractos (no es casualidad que el libro fundamental de Kandinsky se llame 'Sobre lo espiritual en el Arte'). Así que ser el vehículo de esa voz que transmite una sabiduría invisible era, por una vez, una posición privilegiada para una mujer.\nLo malo de la exposición es que, para quien no conozca este contexto histórico y la importancia de estas ideas a principios del siglo XX, es muy difícil apreciarlas en la sala. Af Klint se presenta como una visionaria solitaria, que trabajaba escondida en su estudio; la importancia política de su actuación como médium (en conjunto con otras cuatro mujeres, no lo olvidemos), se diluye\ntotalmente. La obra se presenta como si de una experiencia puramente estética se tratara, en una pelea por el Genio Mayor con artistas como Kandinsky o Malevich. En vez de aprovechar la\noportunidad para cuestionar la lógica competitiva, y ver los puntos comunes que compartía con\nestos pintores para así colocar a af Klint dentro de una narrativa de conceptos en vez de nombres propios, se sigue la dinámica tradicional en la que difícilmente se va a aceptar a una Nueva\nMaestra (por la lógica masculina, que Nochlin apunta también, de que si realmente fuera tan buena habría sobresalido). Y si se llegara a aceptar, como ocurre con Mary Cassat, por ejemplo, será en la posición de “excepción que confirma la regla”.\nEl caso de Eileen Gray es diferente. En primer lugar, la exposición sí rompe con una de las\ngrandes dinámicas de la Historia del Arte: expone al mismo nivel, el de arte, todos los trabajos que Gray realizó, desde muebles y diseños de alfombras hasta edificios. Esto es importante, porque las artes útiles relacionadas con la vida (decoración, objetos caseros, textiles...) siempre han estado aceptadas como tareas relegadas al campo de las artes decorativas y menores. Es un gran avance dejar de lado estas categorías jerárquicas, a la vez que una demostración de cordura, puesto que los conceptos fundamentales sobre los que trabajaba Gray se aprecian de igual manera en sus alfombras que en sus villas.\nEileen Gray (nacida en 1878) también es un personaje fascinante: de origen irlandés y familia adinerada, se formó en la Slade School of Art de Londres. Vemos que no se trata, en ninguno de los dos casos, de pobres amateurs, sino de personas formadas en centros relevantes. Viajó por Europa, Marruecos y Estados Unidos. Vivió la mayor parte de su vida en París, donde tuvo una reconocida tienda de decoración. Sus primeros trabajos, además de dibujos, fueron muebles y utensilios en laca, una técnica de China y Japón que dominó. Posteriormente trabajó con otros materiales, realizando diseños de muebles, textiles y lámparas de asombrosa modernidad. Fue también arquitecta de tres casas, la primera de 1928, que proponían esquemas de vida\nradicalmente nuevos y que hicieron rabiar de envidia al propio Le Corbusier. Una importante novedad de Eileen Gray (y de otras artistas de las vanguardias, como Sonia Delaunay), consiste precisamente en su capacidad de romper con las barreras de las disciplinas y de integrar el arte y la vida en un solo campo de acción, más amplio y conceptual.\nComo exposición, por lo tanto, Eileen Gray hace una mayor aportación a la puesta en cuestión de los grandes cánones artísticos. Y a pesar de todo, hay un gran ausente: el ámbito personal, aún más llamativo por la citada importancia de la ruptura entre el arte y la vida. Eileen Gray no se casó, mantuvo relaciones intermitentes con hombres y mujeres (probablemente más mujeres), y fue una persona muy tímida. Pasó gran parte de su vida en estrecha relación con un grupo de intelectuales y artistas lesbianas, un círculo de gran importancia en el París de los años 20 y 30 que, por\nrazones obvias, no ha gozado de la misma relevancia que otros grupos. De hecho, la relación con este grupo parece que fue fundamental en su forma de construir las arquitecturas y los interiores, pensados para públicos que no fueran exclusivamente el hombre trabajador. Hay investigaciones que apuntan que fue esta aversión hacia una estética que entendía como “degenerada” lo que provocó la reacción de Le Corbusier, que invadió la casa con ocho murales de temática sexual. La\nsexualidad de Gray, su relación con grupos menos reconocidos por la historia del arte, las reacciones sociales que su forma de vida poco convencional pudiera provocar y que, sin duda, influyeron en la posibilidad de presentación pública de su arte, son absolutamente invisibles en la exposición. No solo eso, sino que las interpretaciones de género, hoy en día reconocidas, se ningunean en el catálogo.\nOcurre lo mismo con af Klint. No se menciona en ningún momento que no se casó, y que pasó muchos años de su madurez viviendo con una amiga, que a veces es descrita como “compañera de vida”. Este tema no se toca en la exposición; lo aporta una investigación independiente. El tema de su sexualidad, de su elección de vida poco convencional, no existe, a pesar de que fue definitivo para que pudiera dedicarse al arte, algo que no habría podido hacer si tuviera una familia. Esto se debe a que la historia del arte canónica tiene uno de sus pilares en la suposición de objetividad, que hace que lo personal quede en segundo plano tras lo estético. Esta regla, por supuesto, puede aplicarse con muchísima más facilidad a aquellos que no eran segregados por su sexo o por su sexualidad, o que tenían la libertad de elegir entre diferentes estilos de vida y tenían la posibilidad de delegar obligaciones de cuidados; la neutralidad y objetividad de la historia del arte, una vez más, sólo puede construirse sobre un supuesto vacío de condiciones sociales que en la vida real tenían un efecto directo sobre la visibilidad y legitimación del trabajo de la artista.\nOtra de las características que se muestra de manera muy débil en ambas exposiciones, pero especialmente en la de af Klint, es la colaboración. Como hemos dicho, llevó a cabo durante 20 años sesiones espiritistas con el mismo grupo de 4 mujeres, y de ellas salieron dibujos e\ninstrucciones concretas. Sin duda, af Klint tenía en este grupo un apoyo que niega la idea de aislamiento y genialidad solitaria que la exposición pretende imponerle. No obstante, esta colaboración está presente de manera muy somera en dos pequeñas salas, sin apenas\nexplicaciones, y sin ni tan siquiera nombrar el nombre de estas mujeres. Incluso da la impresión de que af Klint trabajaba siempre en soledad, cuando compartía su estudio con dos colegas.\nEileen Gray nos aporta un caso aún más claro, porque a lo largo de su vida, son pocos los trabajos que no realizara en colaboración. Para la laca, trabajó con el maestro japonés Seizo Sugawara; para los textiles, con la tejedora Evelyn Wyld. La casa E-1027 la realizó con el\narquitecto Jean Badovici, y podríamos seguir obra por obra. En la exposición, los objetos estaban etiquetados correctamente, y se nos hablaba de sus relaciones profesionales con Sugawara y Badovici; no obstante, la importancia de la colaboración como parte fundamental de su forma de trabajo no acaba de encontrar su forma expositiva. Esto se debe, una vez más, a la importancia de la idea de Genio, que ha acaparado los sistemas expositivos, y que provoca que la expresión de las prácticas colaborativas, terriblemente comunes entre mujeres, sean mucho más difíciles de expresar y legitimar, puesto que diluyen la autoría, y con ello, la posibilidad de insertarse en el ranking de genialidad que define tanto la Historia del arte como su mercado.\nComo conclusión, podríamos decir que es sin duda un avance poder contemplar la obra de estas dos artistas, y que en la exposición de Eileen Gray se han realizado muchas aportaciones en cuanto al cuestionamiento de los cánones tradicionales del arte. No obstante, queda mucho por hacer. El ejemplo de af Klint, o las limitaciones que se han mencionado antes, nos muestran que aún seguimos ancladas en conceptos que no nos permiten ver más allá de un marco establecido en el que es difícil encajar muchas prácticas artísticas, que no sólo existieron, sino que fueron fundamentales para el desarrollo de nuevas formas de ver el arte en las vanguardias.\n¿Por qué no ha habido grandes mujeresartistas?. En este artículo, Nochlin viene a decir que el arte es una construcción cultural que se\nDescargar (PDF - 6 página - 47.35KB)\nLas artistas en la historia del arte” presenta una ex posición didáctica exhibida en el Museo Artequín Viña del Mar, entre julio 2015 y junio 2016, la que tuvo como objetivo\n← Volver a los detalles del artículo «Queridas vie...\nHicieron falta casi veinte años para darme cuenta, gracias a Rozsika Parker y Griselda Pollock, y a su libro Old Mistresses, Women, Art and Ideology, de que el libro no incluía\nnacimientos en este grupo puede ser debido a que cada vez la mujer planifica mejor la maternidad y busca el momento ideal para tener, en algunos casos, un intervalo más amplio entre\nParticiparon en el estudio 581 mujeres, mediante selección intencionada por muestreo no probabilístico, quienes solicitaban información sobre el uso de algún método anti-\nLos más recientes estudios y encuestas nacionales, sobre cultura política de los mexicanos, publicados entre 2012 y 2014, mostraron que la mayoría de los mexicanos se caracteriza por\net al., el cribado o screening poblacional en mujeres jóvenes menores de 40 años conlleva una tasa de detección de cáncer demasiado baja mientras que supone un elevado\nArte y feminismo. La situación de las mujeres artistas en los primeros años del...\n← Volver a los detalles del artículo Y que vivan l...\n← Volver a los detalles del artículo Mujeres y ciu...


Lo que gana un música gracias a Spotify | Neetmusica\nSpotify es uno de los servicios de streaming de música más utilizados en todo el mundo. la plataforma cuenta con un sinfín de artistas y canciones para que puedas reproducir y escuchar toda la música que quieras. Mucho se ha hablado del dinero que ganan los artistas por incluir su música en el sitio. Por eso te contamos lo que gana un músico gracias a Spotify.\nMillones de usuarios en todo el mundo disfrutan de escuchar música desde servicios de streaming. Spotify es uno de los líderes a nivel mundial que posee una grandiosa cantidad de artistas, canciones y álbumes disponibles para reproducir.\nPero ¿Cuánto gana un músico gracias a Spotify? James Blunt fue el último artista en publicar cuánto dinero gana por el streaming de su música. Mediante su cuenta de Twitter, Blunt declaro que gana menos de £0.0005 por stream.\nSi conviertes dicha cantidad a pesos, el resultado será 0.01152224 pesos por cada stream. Por otro lado hay figuras de Spotify que declararon que el pago para las disqueras y editoras es de 0.006 y 0.0084 dólares.\nSi estas cifras son correctas, entonces James Blunt recibe 8.3 % y 11.6% del dinero que Spotify paga por streaming de sus canciones. El otro 88.4% y el 91.7% iría a los titulares de los derechos.\nLa cuestión crucial es saber cuáles son los derechos que se le pagan a Blunt. Porque no es lo mismo solo haber interpretado una canción que ser el compositor de la misma. Por lo tanto antes de juzgar a la plataforma tenemos que saber bien en qué situación se encuentra el cantante.\nPor supuesto que hay artistas que cobran más que otros y eso es una realidad.\nadmin 23 octubre, 20152015-10-23T09:02:28+00:002015-10-26T20:27:22+00:00 Software de Música No hay comentarios\nInicio > Software de Música > Lo que gana un músico gracias a Spotify


Tarta vegana de ganache de chocolate belga 54% cacao | Santa Ema\nPreparación: 1,5 hrs / tiempo de refrigeración: 25-30 min\n1 hornilla de cocina\n1 rodillo uslero\naro de tarta de 16 cm\n2 mangas pastelera desechables nuevas\nMasa crudi vegana\n180 grs de frutos secos o de un tipo de fruto seco (maní, almendras, avellanas, nueces)\n100 grs de chocolate belga 54% cacao o porcentaje a gusto hasta el 70%\n110 grs de pulpa de frambuesa natural, sin pepas y sin azúcar\n1 grs de agar agar\n220 grs de pulpa natural de mango sin azúcar\n24 grs de azúcar morena\nA gusto fruta natural, berries, frutos secos, romero o hierba aromática a gusto. Frutas de colores como: frambuesas, frutillas, golden berries, avellanas, almendras, romero, albahaca, gotas de sobrantes del los gel de fruta y del ganache.\nMasa crudi-vegana: Lo primero que vamos a preparar-reservar es la masa crudi vegana. Vamos a llevar a triturar los dátiles y los frutos secos, todo junto! Vamos a triturar por pocos segundos, hasta el momento que comprobando al tacto los ingredientes se aglutinan y se puedan formar una masa. Si sobre pasas el tiempo al triturar, la fricción comenzará a calentar los frutos secos y estos comenzarán a soltar sus aceites. Así que solo vamos a triturar hasta que que puedan amasar, lo que además le aporta visualmente una estética más rústica y atractiva.\nExtender la masa con ayuda de un rodillo-uslero, hasta llegar a un círculo que sobrepase el diámetro de nuestro molde de tarta. En la medida que vamos estirando, nos ayudaremos pasando por debajo de la masa una espátula limpia y seca para evitar que se pegue al mesón. Una vez alcanzado el diámetro necesario, enrollar en el rodillo uslero y dejar caer dentro del molde suavemente, acomodando la masa para que llegue a todo el fondo del molde, ayudándonos con los dedos para ajustar la masa a el fondo y las orillas del molde. Reservar y llevar a refrigerar o congelación hasta el momento de seguir utilizando.\nPreparación de los gel La forma de preparar ambos gel por separado, por supuesto, es la misma. Así que la preparación está está: llevar a licuar la pulpa, el azúcar y el agar agar a una licuadora o a la minipimer hasta incorporar por completo todos los ingredientes. Luego llevar esta mezcla a una olla a fuego bajo y ebullir por un minuto o máximo dos, notaras que comenzará a espesar gracias al agar agar. Retirar del fuego, verter en un bowl y reservar.Una vez fría esta preparación quedará con la consistencia de una jalea, debemos volver a licuar o triturar para que quede con una consistencia de gel o mermelada espesa.\nPreparación del Ganache Llevar a microondas la crema de leche hasta alcanzar al menos los 50°C o máximo 60°C. Para la cantidad de crema que utilizamos debería alcanzar con 1 min en alta potencia al microondas, pero depende de tu microondas. Ayúdate con el termómetro para alimentos. Derretir el chocolate con la piza de sal en microondas en lapsos de 30 segundos al principio y lapsos de 10 segundos una vez más fluido, el chocolate se quema a temperatura superior a 50°C, así que te debes ayudar con un termómetro de alimentos para no superar esta temperatura. Agregar la crema al chocolate, la crema no debe tener una temperatura mayor a 55°C, la que bajara de golpe a óptimos 50°C al incorporar al chocolate que debería tener 45°C y revolver, al principio se verá cortada, pero debes seguir revolviendo hasta homogeneizar. Luego, con la ayuda de la minipimer (o similar) en la potencia más alta, vamos a licuar por máximo 40 segundos, esto para tener una emulsión más estable al disolver los cristales propios de la manteca de cacao. Si por algún motivo se cortó la preparación a pesar de que seguiste revolviendo y no se incorporó, llévala a microondas en tandas de 10 o 20 segundos según la potencia de tu microondas hasta repuntar a 45°C y nuevamente emulsionar. Dejar enfriar a temperatura ambiente y reservar.\nIncorporación de los gel a la tarta Centro de frambuesa: partiremos licuando el gel de frambuesa, una vez con la consistencia deseada, llevaremos el gel a una manga pastelera y vertemos el gel al centro de la masa de tarta, intentando conseguir un círculo, reserva un poco de gel para decorar. Llevaremos la masa con el centro de frambuesa al congelador mientras preparamos el segundo gel, por al menos 5 minutos, Gel de mango: repetimos la acción de licuar el gel, esta vez el de mango, llevaremos a una manga pastelera e incorporaremos el gel a la tarta, alrededor del centro de frambuesa hasta conseguir una capa en todo el fondo de la tarta, reserva un poco del gel para decorar. Si quieres conseguir un efecto lineal entre capas y que quede muy pareja, ayúdate con la espátula para alisar el gel de mango. Llevar a congelación o refrigeración hasta que los gel tomen consistencia sólida nuevamente.\nIncorporación de Ganache a la tarta El ganache debe estar a temperatura ambiente a óptimos 16° a 20°-22° C, con una consistencia cremosa y fácil de utilizar, si por alguna razón decidiste refrigerar para concentrar su sabor o solo porque decidiste utilizarla después y esta muy sólida; puedes llevarla a microondas en lapsos de 5-10 segundos hasta ablandar para utilizar.Con la ayuda de una manga o de una cuchara mezquino, verter el ganache a la tarta hasta cubrir por completo, alisa la mezcla con ayuda de una espátula pastelera. Si quieres conseguir un efecto casual, luego de alisar la ganache, puedes ir dibujando pequeñas olas de ganache hundiendo levemente la punta de la espátula y realizando una secuencia armoniosa.\nDecoración y topping Sugiero utilizar fruta y gel solo en las orillas de la tarta, para que el centro oscuro de ganache sea protagonista y coronado con llamativos colores naturales de fruta a su alrededor y gotas de gel. Pero si lo que quieres es tener una tarta abundante y cubrir por completo la tarta de fruta, es una opción válida.Te sugiero primero escoger cuatro puntos cardinales dentro de tu tarta y marcarlos, desde ellos comenzar colocando un trozo de la misma fruta en cada uno de estos puntos. A partir de estos puntos guías, seguir un montaje en secuencia del reloj alternando colores llamativos: rojo, amarillo, verde, con la fruta, frutos secos, los gel y la hierba aromática a elección. De esta forma, a pesar de seguir una secuencia en el montaje, se verá casual, pero con un montaje cuidado. Rellena espacios entre la fruta, incorporando gotas de gel con ayuda de una manga nueva desechable, para que al cortar una punta pequeña de la manga puedas conseguir puntos de gel decorativos en tu tarta.Una vez lista, refrigera por al menos 25-30 min antes de servir.


Nerja pone en marcha el servicio municipal de recogida de embalajes - AxarquiaPlus\nNerja pone en marcha el servicio municipal de recogida de embalajes\nSe trata de un servicio especial de recogida de cartón proveniente de los comercios del centro del municipio\nLa concejala de Servicios Municipales, Gema García, informa que hoy se ha puesto en marcha el servicio especial de recogida de cartón de los comercios de las calles del centro del municipio, con lo que se evita que se llenen los contenedores de este tipo de embalajes y se colabora con el reciclaje de este tipo de material. El servicio estará en funcionamiento toda la temporada estival, hasta el 15 de septiembre.\nEste servicio ya se puso en funcionamiento el año pasado, con una notable mejora de la imagen del centro histórico. Los comercios deben sacar los embalajes a su puerta a las tres de la tarde para que puedan ser recogidos. Las calles en las que se realiza el servicio son Diputación, El Barrio, plaza Cavana, Puerta del Mar, Pintada, Angustias, Cruz y Granada, “y estamos abiertos a ampliarlo si algún pequeño comercio situado fuera de estas calles quiere que se realice el servicio para mejorar la imagen de su zona” señala la concejala.\nGema García concluye que “desde el área de servicios municipales seguimos coordinando los servicios para ofrecer una imagen de excelencia tanto para los vecinos como para los visitantes, y estamos abiertos a las propuestas que nos quieran hacer llegar los comerciantes para mejorarla”.\nNueva campaña informativa de Medio Ambiente para la implantación del…\nDesde la Delegación de Medio Ambiente en general desde este Ayuntamiento, hay un compromiso claro con la sostenibilidad y el medio ambiente. El primer teniente de alcalde del municipio de...\nEl ayuntamiento de Cómpeta retoma la actividad presencial de atención al público\nNieves Atencia: "Estoy muy ilusionada con varios proyectos interesantes para Nerja"


Los caminos de la Vid y los Olivos - La Bicicleta\nLos caminos de la Vid y los Olivos\nUn eje turístico diferente y complementario al tradicional de verano, sol y playas.\nEntre los años 2000 y 2005 se realizó un convenio con INAVI y se declaró de Interés Departamental el fomento y desarrollo de Maldonado como región vitivinícola. Emprendimientos privados realizaron grandes inversiones, con la instalación de nuevas bodegas y almazaras, ya que Maldonado es la zona del país donde las variedades de uvas para vinos secos pueden obtener su mayor desarrollo. Lo interesante de esta faceta productiva es que genera un atractivo turístico desestacionalizado, pues estos establecimientos pueden ser visitados durante todo el año.\nAdemás del clima, las características del suelo, la geología y el paisaje, también determinan la aptitud vitícola de un territorio. En este caso las laderas, la proximidad de masas importantes de agua y la influencia marítima favorecen la calidad. El clima templado, las bajas temperaturas nocturnas, las brisas oceánicas y el suelo arenoso con pendientes pronunciadas que permiten drenar el agua de lluvia, son características propias de esta región.\nEn Garzón o Sierra de los Caracoles, la geología está compuesta por rocas ígneas meteorizadas y granitos alterados. En la región se destacan las cepas Tannat y Viognier, pero también se desarrollan Marsellan, Cabernet Franc, Cabernet Sauvignon, Merlot, Pinot Noire, Syrah, Carmenere.\nLos productores de aceites de oliva extra virgen, son: Colinas de Garzón, Finca Babieca, Lote 8, La Repisada, O’33 José Ignacio, Olivasana, Chacra, La Anyta, La Lejanía, y El Sabiá. Los aceites Colinas de Garzón, O`33 y Lote 8 han sido premiados en concursos nacionales e internacionales.\nLas bodegas de Maldonado son: Alto de la Ballena, Bodega Oceánica José Ignacio, Garzón, Sierra Oriental, Cava de la Ánimas, Viña Edén, Sacromonte, Aguaverde Wine Lodge, Cerro del Toro; y viñedos de las bodegas Bouza y Familia Deicas. Muchos de los vinos producidos en Maldonado o en otros establecimientos, con uvas de Maldonado, han obtenido diversos premios en concursos internacionales y altos puntajes por reconocidos profesionales del mundo del vino.\nLa presentación de la «Los caminos de la Vid y el Olivo» contó incluso con productores artesanales de licores y de queso, y dos haras: Haras Godiva y Haras La Torcasa, que aportan a darle más contenido a estos Caminos».\nEl proyecto se dividirá en tres recorridos: uno sobre el oeste (Ruta 12), uno central (Ruta 39) y uno al este (José Ignacio).\nSi te interesan ete tipo de Experiencias, contactate con nosotros!\nTour de Experiencias


Paraguay: un milagro americano!: Cooperativa Colonias Unidas anunció nuevas inversiones\nCooperativa Colonias Unidas anunció nuevas inversiones\nAgustín Conrad, presidente de la Cooperativa Colonias Unidas, anunció durante la noche institucional en la Expo los emprendimientos que encara la entidad, entre ellos el proyecto de ampliación de la planta láctea con una inversión de USD 3 millones, además de la construcción de un nuevo silo que se suma a los USD 10 millones invertidos en el puerto ubicado en Capitán Meza, a través del cual ya está comenzando a exportar la producción de la cooperativa.\nNovedad. Agustín Conrad (i) enumeró las millonarias inversiones de la cooperativa.\n“Es un sueño (concretar la exportación) y no es fácil. Tenemos competidores muy duros, pero queremos exportar directo y con toda la capacidad; estamos vendiendo al mundo, al mejor pagador, no importa que sea China, Rusia o Estados Unidos, pero el sueño más grandes es un frigorífico en Itapúa, de cerdo y pollo, con el que 30 mil personas tendrán fuente de trabajo. Colonias Unidas está yendo; la industrialización es algo que debemos hacer”, dijo.\nEl cooperativista reclamó que algunos senadores están queriendo lanzar una ley para cobrar impuestos al sector productivo que es el que más impuestos paga en el país. Destacó que poner un impuesto del 15% en estado natural es la muerte de la agricultura, así como la intención de exigir por ley que las leches extranjeras formen parte de la licitación para la merienda escolar.\n“La gente que no conoce el campo quiere venir con nuevos impuestos y castigar al sector productivo. En el sector lechero vamos a liquidar a los pequeños productores por comprar leche de Argentina, que en este momento se consigue más barato, pero no sabemos qué pasará mañana. Lo que tenemos que hacer es que la leche llegue directamente, sin intermediarios, a las gobernaciones y tengan un precio justo y barato”, sugirió.\nLANZAMIENTO. En la noche institucional de Colonias Unidas la entidad lanzó tres nuevas presentaciones en base a yerba mate: la yerba compuesta con hojas de stevia o ka’a he’ê, direccionado especialmente para mate, tereré y cocido.\nEl cocido soluble instantáneo, desarrollado con un toque personalizado de tostado que hace que sea similar al cocido hecho en casa; y, el cocido en saquitos, también con un proceso para personalizar su sabor, teniendo en cuenta que en el mercado ya hay este tipo de productos. Los tres ya están disponibles en el mercado.\nLa cooperativa lanzó sus nuevos productos en la Expo 2014.


Los mejores Colegios en Mosquera\nInfoisinfo > Empresas Cundinamarca Departamento > Empresas Mosquera\nEducación y formación Colombia > Educación y formación Cundinamarca Departamento > Educación y formación Mosquera > Colegios Colombia > Colegios Cundinamarca Departamento > Colegios Mosquera\n¿Estás buscando los mejores colegios públicos de Mosquera? En Infoisinfo te ayudamos a que encuentres el ideal para tus hijos\nEn Infoisinfo hemos creado para ti y para el resto de usuarios, un listado con los mejores colegios públicos de Mosquera para que encuentres el colegio público que más se adapte a tus necesidades. Sólo debes saber cómo elegir el mejor colegio para tus hijos.\nSi, además de los mejores colegios públicos de Mosquera, estás buscando otros servicios relacionados como los mejores centros de estudios de Mosquera, en el apartado de actividades relacionadas que encontrarás en la parte superior izquierda podrás acceder a ellos. En este apartado, hemos reunido todos los servicios y empresas que, desde Infoisinfo, consideramos que pueden interesarte según la búsqueda que has realizado. Si lo prefieres, puedes ser tu quien realice la búsqueda gracias a nuestro buscador. Se encuentra en la parte superior de la página y es muy fácil de utilizar, sólo debes indicar qué actividad buscas y dónde.\nInfoisinfo te ayuda a encontrar los mejores colegios públicos de Mosquera\nEn Infoisinfo, trabajamos día a día para ofrecerte toda la información actualizada de los mejores colegios públicos de Mosquera. Encuentra toda la información que necesites como números de teléfono, direcciones, horarios y opiniones de otros usuarios que pueden servirte para encontrar los mejores colegios públicos de Mosquera.\nPor último, si has tenido alguna experiencia con alguno de los colegios públicos que te mostramos en nuestro directorio, puedes dejar un comentario en la ficha de dicho colegio gracias a nuestra herramienta de comentarios. Así ayudarás a otros usuarios a encontrar el mejor colegio público de Mosquera.\n1 - Construyendo Palacios - Mosquera\nCalle 17B No. 3 - 87E. Mosquera. Cundinamarca.\nFabricación y reparación de muebles de oficina y hogar, divisiones en Drywall, aluminio y en vidriotemplado.Contáctenospara atenderlo.


7 Ejercicios Para Adelgazar Los Brazos | Adelgazar Sin Complicaciones\n7 Ejercicios Para Adelgazar Los Brazos\nPosted on 21 septiembre, 2012 21 febrero, 2015 by Pablo Ortiz\n“Quiero Poner Mis Brazos En Forma” “No no me siento comoda si salgo con camisetas sin mangas” “No quiero ganar músculo, sólo quiero mis brazos más firmes, más tonificados” “Me gustaría tener los brazos más delgados”. Estas y otras frases parecidas expresan los deseos de muchas mujeres por mejorar la apariencia de sus brazos. Afortundamente es posible tonificar los brazos y hacerlos más delgados. Aquí te dejo algunos ejercicios que pueden ayudarte a conseguir unos brazos proporcionados y hermosos:\n1. Flexiones de bíceps\nA la hora de elegir ejercicios para adelgazar los brazos, las flexiones de bíceps (curl de bíceps) no pueden faltar. Puedes empezar con pesas pequeñas si eres principiante. Es importante que mantengas la espalda recta durante todo el ejercicio.\n2. Patada Trasera (Triceps)\nLa patada trasera es un buen ejercicio para tonificar la parte posterior de tus brazos. Es un ejercicio principiante que debes incluir en tu rutina para adelgazar los brazos.\n3. Flexión de bíceps cruzada\nEste ejercicio es una versión modificada de las flexiones de codo (curl de biceps) tradicioanales.\n4. Extensiones De Triceps\nDe pie, sostén una mancuerna por detrás de la cabeza, codos al frente. Lleva la mancuerna por encima de tu cabeza extendiendo los brazos y regresa a la posición inicial.\n5. Curl De Biceps Con Press De Hombros\nEste es un excelente ejercicio que combina el curl de biceps con el press de hombros. Es un ejercicio muy completo para tus brazos y te recomiendo que lo incluyas en tu rutina para adelgazar.\n6. Extensiones de Triceps En Posición “V”\nEste ejercicio pone a prueba tu zona media :) La idea es que realices una extensión de triceps mientras mantienes la posición “V”.\n7. Push Up Con Remo\nEste es un excelente ejercicio super completo y es uno de mis favoritos. Te hará sudar pero te prometo que vale la pena!\nEstos ejercicios para adelgazar los brazos son muy fáciles. No tomarán mucho tiempo de tu día y en poco tiempo comenzarás a ver resultados. Siempre es buen momento para comenzar a moverse y con estos ejercicios tu brazos lucirán firmes y delgados. Si quieres más y estás buscando un Programa Completo Para Adelgazar, simplemente HAZ CLIC AQUÍ <<\n[sharebox2 sharetext=”Comparte Este Artículo :)”] [/sharebox2] Artículos Relacionados:\n7 razones para hacer ejercicio en la mañana\nRutinas Para Adelgazar: Entrenamiento Con Peso Corporal\n¿Cuál es el mejor ejercicio abdominal para conseguir el “lavadero abdominal”?\nCómo armar una rutina de pesas para adelgazar\nRutina de ejercicios | 3 Ejercicios para bajar el abdomen\nLas excusas más comunes para no hacer ejercicio\nCómo adelgazar los brazos gordos\nThis entry was posted in Ejercicios Para Adelgazar. Bookmark the permalink.\n← Maneras Simples Pero Efectivas de Levantar El Ánimo\nIdeas Para Cumplir Con Tu Programa Para Adelgazar →


Mejores fundas para el Apple Watch, que realcen su personalidad | Apple Noticias\nMuchos de los propietarios de Apple Watch han comenzado a mantener un estilo de vida activo es gracias a la inteligente reloj, que recuerdan la necesidad de un poco de ejercicio. Los usuarios quieren, ¿cómo se puede mantener el aspecto original de las horas.\nLas situaciones son diferentes y rayar el Apple Watch es a veces bastante simple. Por ejemplo, alpinistas o los buzos a menudo “matan” la apariencia del reloj después de varios activos de entrenamiento. Los fabricantes de accesorios han encontrado una solución, que protegerá inteligente reloj de arañazos y abolladuras, dando la individualidad gadzhetu.\nEn esta colección hemos reunido las fundas para el Apple Watch, que a proteger tu gadget, o para ocultar los ya existentes arañazos.\nSon ideales para los propietarios de los Apple Watch Series de 0 y la serie 1, en la que no hay protección contra el agua. Con estuche elegante correa de alta calidad гипоаллергенного de silicona. El accesorio está disponible en dos colores – negro y verde.\nPrecio: 5 990 rublos.\nExcelente funda de silicona, que le dará personalidad inteligente horas. A pesar de que en la declaración de Apple, la pantalla es resistente a los arañazos, Spigen ofrece incluye dos protectores de cristal para la pantalla. El accesorio está disponible en tres colores – negro, blanco y oro rosa.\nEl modelo combina un robusto estuche con altas propiedades protectoras y la correa. De silicona estuche confieren a los relojes más agresivo, deportivo, de naturaleza y protege totalmente el Apple Watch de los daños. El accesorio está disponible en tres colores – negro, oro y rojo.\nLa empresa de Twelve South creó Action Sleeve Armband es un accesorio especialmente diseñado para usar el Apple Watch en el antebrazo, en el área de bíceps para practicar ejercicio. El accesorio está disponible en dos colores – negro y rojo.\nPrecio: 990 rublos.\nMaletín combina policarbonato durable y flexible de poliuretano. La funda protege el Apple Watch y les dará más brutal vistas. El accesorio está disponible en tres colores – negro, oro y oro rosa.\nY ¿cuáles son los accesorios para el Apple Watch prefiere usted?


IOMA: Trabajadores denunciaron una “estafa” junto a Provincia Net por el manejo de los datos de la obra social – Primera Pagina\nOSCAR DE ISASI, en tanto como secretario general de ATE, llamó a la unidad de la clase obrera y a participar activamente de la asamblea de afiliados y trabajadores para definir medidas a seguir, donde el miercoles próximo se analizara la situación.\nEn un acto realizado en las puertas del Instituto de Obra Medico Asistencial de la provincia de buenos aires, los trabajadores nucleados en la CTA, ATE, Cicop, Judiciales y la comisión interna de IOMA, denunciaron una maniobra de estafa y vaciamiento del organismo provincial.\nLUANA SIMIONI afirmo a LaPlataYa “dos de los directivos tomaron la decisión ilegal por sobre los demás para beneficiar un negociado del hermano de LARRETA y JORGE MACRI, titulares de Provincia NET y el Grupo Bapro respectivamente. El contrato le da libertades para terciarizar servicios sin consulta previa al organismo mutual” . Y agregó:“le abonarán en principio 1 millón y medio mensual con posibilidad de extenderse a 4 millones por servicio de recolección y creación de sistemas que pueden hacer los empleados de IOMA,además de un porcentaje de cada práctica que sea autorizada por dicho sistema».\nDesde la fiscalía de estado bonaerense alertaron sobre la situación y pidieron información a IOMA para saber cuál fue el motivo especifico que llevó a realizar dicha transacción de no ser necesaria.\nATEBaproCICOPColo de IsasiCTAde isasiGRUPO BAPROHoracio Rodríguez Larreta


La Administración de Custodia consiste en el resguardo de los títulos valores de manera electrónica. Mediante este servicio podrá recibir el pago de los cupones, amortizaciones, dividendos o vencimientos de capital de sus títulos valores.\nMediante las operaciones de Compra / Venta de Títulos Valores, podrá disfrutar de los siguientes beneficios:\nSeguridad y protección de sus activos financieros.\nAbono de sus cupones, dividendos, amortizaciones o capital en su cuenta de efectivo.\nEstar afiliado a la Cuenta de Inversión Mercantil. Para afiliarse, haga clic aquí.


Desde la asunción de Macri el Salario Mínimo, medido en dólares, perdió 55% de su valor Desde la asunción de Macri el Salario Mínimo, medido en dólares, perdió 55% de su valor\nDesde la asunción de Macri el Salario Mínimo, medido en dólares, perdió 55% de su valor\n30 DE Mayo 2019 - 18:04 A fines de 2015 el ingreso vital y móvil rondaba los US$ 607 mensuales, pero hoy no supera los US$ 274. Si se lo compara con los valores de los últimos años, el salario mínimo en dólares retrocedió 12 años a los montos de agosto de 2007. En el ranking regional, la Argentina ocupa el puesto N°9 de un total de 20 países.\nEn ese momento, el sueldo elemental apenas superaba los US$ 284 mensuales, unos $ 760 a US$ 3,09 del tipo vendedor del Banco Nación. Según ámbito.com, hoy el SMVyM cotiza US$ 273,52, unos $ 12.500 a $ 45,70.\nSergio Massa: "Soy consciente de la necesidad de ampliar la coalición"\nAlberto Fernández advirtió que la fórmula con Cristina Kirchner "es inmodificable"\nEl análisis no se detiene allí. Desde la asunción de Mauricio Macri, el Salario Mínimo aumentó 124% en pesos y perdió 55% en dólares. Si se habla en términos de notafilia, una rama de la numismática, los trabajadores argentinos ganan $ 6.912 más, pero tiene US$ 333,53 menos por mes.\nEn comparación al año pasado, el SMVyM aumentó 25% y perdió 17% en dólares. Unos $ 2.500 más, pero US$56,51 menos.\nEn el ranking regional, el salario mínimo argentino ocupa el puesto N° 9 de 20 países, debajo de Perú (US$ 277) y por encima de Panamá (US$ 265). En lo más alto se ubican los costarricenses con u$s 523 mensuales, mientas que en lo más bajo de la tabla están los venezolanos, con apenas US$ 6.\nLa cuarentena se extenderá hasta mayo, falta definir cómo\nEl Presidente Alberto Fernández quiere que el aislamiento siga al menos hasta fin de mes. Se espera otra teleconferencia con los gobernadores para el fin de semana.


10 grandes shows que llegarán a Sudamérica pero no al Perú\njueves, 08 de junio 2017 | 16:55\n8 grandes shows que llegarán a Sudamérica pero no al Perú\nCréditos Rich Fury\nThe Edge, a la izquierda, y Bono, de U2, durante el concierto de la banda en el Forum de Inglewood, California, parte de su gira "Innocence + Experience", el martes 26 de mayo del 2015. (Foto por Rich Fury/Invision/AP)\nThe Who. La banda estará en la edición de este año de Rock In Rio y además se presentará en Argentina y Chile.\nAriana Grande, una de las estrellas juveniles más populares del momento, se presentará el 3 de julio en Chile a pesar del atentado en su concierto de Manchester.\nGuns N' Roses se presentará en Rock In Rio y luego tiene fechas programadas en Argentina y Chile.\nAerosmith llegará a Chile para ser parte del Festival Santiago Rock City el 30 de setiembre.\nBon Jovi ya confirmó presentaciones en Brasil, Argentina y Chile.\nDeff Leppard tiene fechas confirmadas en Brasil, Argentina y Chile.\nDeep Purple tocará en Brasil, Argentina y Chile en diciembre de este año.\nU2 nos rompió el corazón al confirmar que no visitaría el Perú, aunque sí pasaría por Brasil, Argentina, Chile y Colombia.\nEn los últimos años nuestro país ha sido sede de grandes eventos musicales. La llegada de conciertos como los de Soda Stereo, Bon Jovi y Paul McCartney confirmaron que venían años de muy buenos conciertos, pero no podemos tenerlos a todos siempre. Este año hemos sufrido decepciones pues muchos artistas llegarán a nuestra región, pero no al Perú.\nHabía mucha espectativa por conciertos como el de U2, pero también otros cuya demora en el anuncio parecería confirmar que no será posible tenerlos en nuestro país, al menos este año. Esto se debería a distintos motivos, desde la falta de una sede apropiada para las presentaciones, hasta los problemas de agenda, que impiden programas fechas en Lima.\nPero no hay por qué sentirse mal del todo. Recuerda que grandes eventos se han confirmado para el 2017 en Lima, como el concierto de Bruno Mars. Hay otros que podrían confirmar muy pronto, como uno de Green Day antes de fin de año. Aquí una lista con ocho shows que nos perderemos este año.


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¿Cómo se puede poner la comunicación al servicio de la auténtica cultura del encuentro?", se pregunta el Papa - Temasclaros\nInicioActualidad¿Cómo se puede poner la comunicación al servicio de la auténtica cultura del encuentro?», se pregunta el Papa\n¿Cómo se puede poner la comunicación al servicio de la auténtica cultura del encuentro?», se pregunta el Papa\nEn su mensaje para la Jornada Mundial de las Comunicaciones Sociales, Francisco denuncia «la escandalosa distancia entre el lujo de los más ricos y la miseria de los más pobres» y subraya que «internet puede ofrecer mayores posibilidades de solidaridad»\nEl Papa Francisco ha hablado con motivo de la 48º Jornada Mundial de las Comunicaciones Sociales que se celebra el domingo 1 de junio: “los medios de comunicación pueden ayudar a que nos sintamos más cercanos los unos de los otros, a que percibamos un renovado sentido de unidad de la familia humana que nos impulse a la solidaridad y al compromiso serio por una vida más digna para todos”.\nEl Papa analizó este jueves, 23 de enero, un fenómeno de nuestra sociedad actual al encontrarnos en «un mundo que se va haciendo cada vez más «pequeño»; por lo tanto, parece que debería ser más fácil estar cerca los unos de los otros». Por este motivo, Francisco señaló que, a pesar de que el desarrollo de los transportes y de las tecnologías de la comunicación nos acerque, siguen quedando divisiones, a veces muy marcadas. A nivel global, critica, «vemos la escandalosa distancia entre el lujo de los más ricos y la miseria de los más pobres».\n«Comunicar bien nos ayuda a conocernos mejor entre nosotros, a estar más unidos», pero «los muros que nos dividen solamente se pueden superar si estamos dispuestos a escuchar y a aprender los unos de los otros», explicó su Santidad, según informa Zenit.\nPor otro lado, existe un aspecto negativo de las comunicaciones. Según Francisco, “la velocidad con la que se suceden las informaciones supera nuestra capacidad de reflexión y de juicio, y no permite una expresión mesurada y correcta de uno mismo». Del mismo modo, «la variedad de las opiniones expresadas puede ser percibida como una riqueza, pero también es posible encerrarse en una esfera hecha de informaciones que sólo correspondan a nuestras expectativas e ideas, o incluso a determinados intereses políticos y económicos», dijo el Papa.\nConquista más humana que tecnológica\nLos límites que expone el Pontífice son reales pero «no justifican un rechazo de los medios de comunicación social», sino que nos deben recordar que la comunicación es una «conquista más humana que tecnológica».\nPor eso, el Papa propuso «recuperar un cierto sentido de lentitud y de calma» porque, según su opinión, necesitamos la paciencia si queremos entender al que es diferente a nosotros: «la persona se expresa con plenitud no cuando se ve simplemente tolerada, sino cuando percibe que es verdaderamente acogida».\n¿Cómo se puede poner la comunicación al servicio de una auténtica cultura del encuentro?, se preguntó Francisco. Para ello, recurrió a la parábola de buen samaritano que es el que “no sólo se acerca, sino que se hace cargo del hombre medio muerto que encuentra al borde del camino. Jesús invierte la perspectiva: no se trata de reconocer al otro como mi semejante, sino de ser capaz de hacerme semejante al otro». Comunicar significa tomar conciencia de que somos humanos, hijos de Dios, explica el Pontífice. Esto es lo que él define como «proximidad». En este sentido, el Papa advirtió del riesgo que hoy tenemos de que algunos medios «nos condicionen hasta el punto de hacernos ignorar a nuestro prójimo real».\n“Cuando la comunicación tiene como objetivo preponderante inducir al consumo o a la manipulación de las personas, nos encontramos ante una agresión violenta como la que sufrió el hombre apaleado por los bandidos y abandonado al borde del camino, como leemos en la parábola. El levita y el sacerdote no ven en él a su prójimo, sino a un extraño de quien es mejor alejarse. En aquel tiempo, lo que les condicionaba eran las leyes de la purificación ritual. Hoy corremos el riesgo de que algunos medios nos condicionen hasta el punto de hacernos ignorar a nuestro prójimo real”, advirtió el Papa.\nPreocupación por la humanidad\nSu Santidad dijo que no basta con, “pasar por las ‘calles’ digitales, es decir simplemente estar conectados: es necesario que la conexión vaya acompañada de un verdadero encuentro. No podemos vivir solos, encerrados en nosotros mismos. Necesitamos amar y ser amados. Necesitamos ternura. Las estrategias comunicativas no garantizan la belleza, la bondad y la verdad de la comunicación. El mundo de los medios de comunicación no puede ser ajeno de la preocupación por la humanidad, sino que está llamado a expresar también ternura”.\nAdemás, Francisco abordó también el tema de la neutralidad de los medios de comunicación, que es «aparente», y observó:: «sólo quien comunica poniéndose en juego a sí mismo puede representar un punto de referencia. El compromiso personal es la raíz misma de la fiabilidad de un comunicador».\nEl Papa repitió su idea de que «entre una Iglesia accidentada por salir a la calle y una Iglesia enferma de autoreferencialidad, prefiero sin duda la primera». «Gracias también a las redes, el mensaje cristiano puede viajar hasta los confines de la tierra», agregó el Santo Padre.\nDonación al prójimo\n«No se ofrece un testimonio cristiano bombardeando mensajes religiosos, sino con la voluntad de donarse a los demás», cree el Papa. Tal y como indicó Benedicto XVI en el mensaje para esta Jornada del año pasado sólo se puede lograr este objetivo «a través de la disponibilidad para responder pacientemente y con respeto a sus preguntas y sus dudas en el camino de búsqueda de la verdad y del sentido de la existencia humana».\nPensando en el episodio de los discípulos de Emaús, Francisco dijo que «es necesario saber entrar en diálogo con los hombres y las mujeres de hoy para entender sus expectativas, sus dudas, sus esperanzas y poder ofrecerles el Evangelio, es decir Jesucristo, Dios hecho hombre, muerto y resucitado para liberarnos del pecado y de la muerte». Este desafío requiere «profundidad, atención a la vida, sensibilidad espiritual».\nEl Pontífice expresó su deseo de que «nuestra comunicación sea aceite perfumado para el dolor y vino bueno para la alegría. Que nuestra luminosidad no provenga de trucos o efectos especiales, sino de acercarnos, con amor y con ternura, a quien encontramos herido en el camino». «El interés y la presencia de la Iglesia en el mundo de la comunicación son importantes para dialogar con el hombre de hoy y llevarlo al encuentro con Cristo: una Iglesia que acompaña en el camino sabe ponerse en camino con todos», recuerda Francisco. «La revolución de los medios de comunicación y de la información constituye un desafío grande y apasionante que requiere energía renovadas y una imaginación nueva para transmitir a los demás la belleza de Dios”, matizó el Papa.\n“El interés y la presencia de la Iglesia en el mundo de la comunicación son importantes para dialogar con el hombre de hoy y llevarlo al encuentro con Cristo: una Iglesia que acompaña en el camino sabe ponerse en camino con todos. En este contexto, la revolución de los medios de comunicación y de la información constituye un desafío grande y apasionante que requiere energías renovadas y una imaginación nueva para transmitir a los demás la belleza de Dios”, concluyó Francisco.


Poesía solidaria, poesía para no morir: a propósito de Poemas para no morir en invierno, de Dionicio Morales* | El blog de Francisco Payró\n¿Qué le hace suponer a un poeta como Dionicio Morales que la poesía sirve para mitigar la terca obstinación del invierno por perpetuarse? ¿Qué lo lleva a pensar que esa poesía —la suya— habrá de devolverle a un hombre la esperanza?\nTal vez el maestro Morales no lo diga abiertamente (por decoro, por humildad) en el libro que hoy presentamos, pero a mí no me queda la menor de las dudas de que el título no puede ser más afortunado. Si a la pregunta constante de ¿para qué la poesía? muchos responden el “para reinar sobre la muerte”, la mía es una voz que añade a esa contestación la constatación de una alegría desconocida (por presuntamente oculta) que sólo ciertas obras poéticas producen. Poemas para no morir en invierno (Instituto Estatal de Cultura de Tabasco, 2012) cuya aparición reciente celebramos, del poeta tabasqueño Dionicio Morales, es una muestra de esa alegría serena, tan infrecuente en muchos autores.\nDionicio Morales, Poemas para no morir en invierno, México, Instituto Estatal de Cultura de Tabasco, 2012, 72 pp.\nConstruido como un amasijo de poemas escritos en el decurso de dos décadas, el libro ofrece idea del oficio de Dionicio Morales como autor de textos memorables, tanto como de la concepción que sobre la escritura, abierta o secretamente, alberga. Me atrevo ahora a traer a cuento la indeclinable escogencia del poeta por las artes plásticas.\nCuando uno lee un libro de poesía del autor de Las estaciones rotas, uno se encuentra allí con el gozo hierático de la contemplación, pero también con la exultante intensidad de los colores. El lector tiene siempre, al adentrarse al universo verbal del maestro Morales, la sensación de algo visto y la experiencia de un golpe cromático del que es difícil sustraerse.\nPienso ahora, al adentrarme en la selección de textos que es Poemas para no morir en invierno, en poemas como “Biografía marina” y “Corazón de obsidiana”, correspondientes al libro Retrato a lápiz (2001). Si el azul del mar y del cielo parecen destellar, en el primero, con la intensidad de un lienzo que retratara la vida de un yo inexorablemente unido al lecho marino (Desde mi infancia/ recuerdo el mar/ como un gran golpe de agua/ profundo/ interminable/ porque la vida/ viene de más allá/ de sus entrañas/. Mis ojos eran huérfanos/ de aquella luz/ cálida mojada/ en la suavidad/ de un pétalo/ de agua/ deshojado…), en el segundo el gris de la “piedra dura” con que el poeta asocia a su amada y odiada Ciudad de México, la ciudad que adoptara como suya desde hace más de cuarenta años, resulta ser de un pasmo contundente (Amo esta piedra/ su asombro eterno/ sus miles de ojos clandestinos/ su forma de edificar una ciudad/ (como ninguna)/ y otra ciudad/ (también como ninguna)/ Amo su corazón de obsidiana/ su dialéctica/ de la eternidad...).\nHe escrito lo anterior y confieso que concluyo que debí de escribirlo bajo el peso de algo que le leí recientemente, con motivo de esta presentación, a René Avilés Fabila, amigo a todas luces del maestro Morales. El autor de Tantadel asegura que el maestro escucha música cuando ve colores o cuando atestigua el arte de una escultura, un cuadro o una fotografía. Ateniéndonos a esta sinestesia sospechada, la poesía de Dionicio Morales tendría que ser, entonces, la conjugación inevitable de la formas que percibe y la música que tales formas le llevan a escuchar muy dentro de sí mismo.\nSólo faltaría resolver, dentro de esta ecuación en apariencia simple de los resortes que mueven a una poesía que “canta y cuenta” (como decía Octavio Paz del poema extenso; como tendría que ser la poiesis del poeta en cuanto oficiante de un culto sagrado, según escribió Robert Graves en La Diosa Blanca), las claves de una obra que exuda musicalidad, pero también cierta dosis de ironía, regusto por los frutos de la tierra y agudeza.\nPara comprobar la ironía contenida en algunos tramos de Poemas para no morir en invierno habría que remitirse puntualmente a un puñado de textos como “Cantos de la pura belleza”, del libro Retrato a lápiz y al poema que da título al libro Las estaciones rotas. La ironía, en este tramo de la obra poética de Dionicio Morales, va unida indisolublemente a lo amatorio, y constituye, en ese sentido, una negación del amor tal y como los cánones de la poesía amatoria —desde Horacio y Ovidio, los poetas latinos más importantes del clasicismo romano— lo han concebido a lo largo de siglos. Negación, la de la ironía, que es al mismo tiempo afirmación. El poeta reniega del amor porque cree absolutamente que en el fondo a él debe asirse para hallar su más pleno sentido. (Te desenraicé la cabeza/ para que tu mirada/ no mirara más nada/ que mis ojos./al oír una voz en tu conciencia,/se me cerraron los ojos./Hoy, mi ceguera/ es más ciega/ que/ tú).\nCuando hablo del regusto por los frutos de la tierra en esta selección poética hablo, sobre todo, de los libros Dádivas y Las estaciones rotas. Allí, el discurso parece descender del cielo etéreo que distingue buena parte del lenguaje de los otros títulos para concentrarse en cosas terrestres, tan próximas y queridas. No pueden dejar de apreciarse, desde esta óptica, los verdaderos “cuadros” que, como bodegones en una pintura impresionista de Cézanne, el poeta pinta con las palabras y que tienen por tema flores, frutas y animales.\nDestaco, de entre estos textos, la exquisita aproximación del poeta a la pitahaya, fruta cactácea de gran abundancia en Tabasco, la tierra del poeta: Cacto crecido con singular instinto, sus/ flores encarnadas palidecen ante el fruto/ que en su oval arquitectura encierra la/ eucaristía del trópico pringada con/ puntos negros infinitos, recinto de la/ arcangélica frescura del Usumacinta/ en un trago de sed).\nEn Las estaciones rotas, aparecido en 1996, el discurso sobre lo terreno se ensancha para permitir esa visión que lo mismo se detiene en los intersticios de la urbe (La ciudad es una noche sin ruidos…) que en las piedras silvestres, las piedras rodantes que atestiguan desde su formación la edad del tiempo y aman el orden secreto de la tierra. De entre esta selección, el poema “El árbol” reclama para sí un sitio aparte. Metáfora del hombre y de la vida, “El árbol” contiene en su belleza breve las claves de una poética que no economiza en recursos lingüísticos, pero que tampoco se desborda en artificios.\nApenas si me es posible no incluir en esta breve aproximación a un tramo de la obra “dinonisiaca” (¿o “moraleana”?, ¿cómo llamar con propiedad a un trabajo literario que se sostiene a fuerza de dotar de sentido a la música de las imágenes?) el poema completo, así que me doy permiso para traer (aquí) a cuento la sonoridad de sus primeras líneas: Frente a la puerta de la casa donde vivo/ hay un árbol muy viejo, alto, grande,/ desmochado de aquí, de allá, a mansalva,/ por algún hijueputa —así decimos en mi pueblo—/ que en tiempos lejanos quiso derribarlo./ El árbol todavía tiene ganas de vivir. /Se aferra al único sostén: su altura…).\nEn los libros Herido de muerte natural y El último canto del cisne, títulos publicados a partir del año 2000, la poesía de Dionicio Morales se decanta por un discurso ligado francamente a la forma. En tales títulos la fuerza expresiva del sentido del verso importa tanto como su continente, aunque a veces —como ocurre particularmente en los textos del primero de ellos— la construcción rítmica parezca avasallar al disfrute que el lector podría extraer de su interpretación.\nDensos, sucedidos entre sí como en una acumulación vertiginosa de palabras, estos poemas podrían fácilmente perturbar a un lector ordinario y —es de reconocerlo— reclaman una lectura atenta, dispuesta a desentrañar el gozo que se oculta tras un registro melódico que se despliega siempre en el mismo tono y que hace de no utilizar los conectivos “y” y “que” una proeza.\nLos poemas de Herido de muerte natural son, por lo demás, una apuesta muy válida en sí misma en torno a los eternos temas de la literatura (el amor, la vida, la fugacidad del tiempo indetenible) y es en ese contexto que se hermana con El último canto del cisne. Como en aquél, en este libro el ritmo corre a trancos y sólo hay que esperar que hable por sí solo para entender que no habrá en la interpretación de cada verso una lectura necesariamente comprensiva.\nHe dicho antes que me preguntaba por la razón de que Dionicio Morales suponga que la poesía sea capaz de mitigar los rigores del invierno. Me he cuestionado por la esperanza que en la poesía un hombre podría encontrar para encarar el acecho de la muerte. Tal vez esa perplejidad frente al poder salvífico del verbo encuentre una respuesta al apelar al gesto del poeta hacia el final del libro.\nCuando entre los poemas del libro 10 de junio, alusivos a la matanza del Jueves de Corpus Christi, de 1971, en la Ciudad de México se lee: “Nunca les importó a los asesinos/ mancillar las conciencias, acallarla/, lanzando su estúpida violencia/ sobre los estudiantes. Voz en cuello/ repetían consignas fratricidas./ No supieron, ilusos, que las letras/ y cantos perpetuarían, después/ de cuarenta años, como ahora, todo/ el tamiz de las señales mágicas/ que nacieron de la sangre y su muerte.”\nSeñores asesinos –tedio, desesperanza, invierno– sepan ustedes, parecen gritar estos versos, que la poesía es, al final, un acto solidario con los hombres. Un acto que habrá de germinar más allá del vacío de la muerte. De su incomprensible silencio.\n* Texto leído con motivo de la presentación del libro, llevada a cabo el 3 de marzo de 2013 en el Palacio de Minería de la Ciudad de México.\nAutor: Francisco Payró // Escritores mexicanos, Escritores tabasqueños, Literatura tabasqueña, Poesía tabasqueña // dionicio morales, Escritores tabasqueños, Literatura tabasqueña, Poesía tabasqueña, poetas tabasqueños // Marzo 3, 2013\n← Diario peligroso. Día 57. Teodosio García Ruiz y los caminos de la memoria →


Comunicacion archivos - Arquitecto Mauricio Zonis Comunicacion archivos - Arquitecto Mauricio Zonis\nLa arquitectura egipcia tiene dos características principales: masivo y un conservadurismo que existe desde hace más de 3.000 años. “Masividad se observa mejor en las pirámides y templos, conservadurismo en motivos tales como el faraón herã a sus enemigos que aparece por primera vez alrededor de 3000 A.C., y todavía es un estándar de representación de emperadores romanos, con el pretexto de los Faraones en el segundo siglo EC”, comenta el especialista Mauricio Zonis.\nLos principales factores que rigen el arte y la arquitectura egipcia eran una religión estatal y los confines geográficos del valle del Nilo. Mauricio Zonis afirma que la continuidad de la práctica religiosa, mantenido por un poderoso sacerdocio, dio lugar a un conservadurismo que raya en la mecánica. Aun así, el antiguo reino de Egipto (c.2686-2181) fue uno de los períodos más dinámicos en la evolución de la cultura egipcia. “Durante este período, los artistas crearon las imágenes y formas que perduró durante siglos, si no milenios. Los arquitectos egipcios y canteros domina las técnicas y destreza necesarias para erigir estructuras monumentales en piedra, como las pirámides egipcias, utilizando únicamente métodos simples de poste y dintel”, describe Mauricio Zonis.\nMientras tanto, los escultores proporcionan a la escultura en piedra necesaria para decorar los interiores y las monumentales estatuas para el templo y otros monumentos, fuera de las zonas constructora.\nMauricio Zonis cuenta que el primer edificio de piedra conocido en el mundo fue el paso pirámide de Saqqara, elevándose a una altura de 204 pies en seis pasos. “Fue construida por el faraón Djoser en la 3ª dinastía, alrededor del 2630 AEC, por Imhotep, su arquitecto jefe. Anteriormente, los edificios eran de madera y ladrillos de barro, con el poco uso de los bloques de piedra como un umbral de puerta”, aclara Mauricio Zonis.\nEn Saqqara, Imhotep traduce los estilos y materiales tradicionales de construcción en un nuevo medio, piedra, utilizando pequeños bloques, pero conservando todas las características de construcción anterior. La pirámide de paso se situó dentro de un recinto sagrado ritual con varios edificios cercanos. Todos estos eran edificios falsos, simplemente fachadas respaldado por escombros con poca puertas ingresando sólo una o dos pies. “Ninguno de sus columnas estaban de pie; fueron codificados en las paredes adyacentes; los constructores no estaban seguros de la estabilidad del nuevo material de construcción. Columnas acanaladas utilizada no preceder a sus compatriotas griegos por unos 2.000 años”, identifica Mauricio Zonis.\nArquitectura para el viajero, herramientas esenciales\nEl experto viajero y hedonista Mauricio Zonis nos cuenta en esta nota lo que hay que saber de algunos períodos históricos y la forma en que se concebía la arquitectura para que al viajar, podamos disfrutar y entender más lo que vemos. Quedan ustedes invitados.\nLa era del postmodernismo: 1960 al presente\n“Experimental, lúdico y controvertido, el postmodernismo sustituirá al puritano principios del modernismo con la diversión, la ironía y colores brillantes. Todo vale en este movimiento, haciendo que sea difícil de reconocer, pero caprichosas referencias a la arquitectura clásica eran comunes y a menudo provocaron el desprecio”, explica Mauricio Zonis.\nCómo detectarlo: colores brillantes mezclados con extrañas formas y un guiño a las órdenes clásicas.\nDónde encontrarlo: extensión, Staatsgalerie Stuttgart; el edificio de Portland; MI6 de Londres; M2 de Tokio.\nNeo-futurismo: 1960 al presente\n“Más salvaje que Hollywood en el departamento de ciencia ficción, el neo-futurismo combina las últimas tecnologías con mentes brillantes y creatividad desenfrenada, empujando los materiales y conceptos más allá de todos los límites anteriores. Edificios doble y gire en maneras misteriosas, inclinarse en ángulos imposibles y barrer a lo largo de curvas ondulantes”, detalla Mauricio Zonis.\nCómo reconocerla: Sharp de forma libre y curvas geometría fragmentada.\nDónde encontrarlo: Centro Cultural Heydar Aliyev, Azerbaiyán; Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia, el pepinillo (30 St Mary Axe), Londres.\nLa era reciente: 1960 al presente\n“La alucinante arquitectura parece que apenas han comenzado a derretirse, el deconstructivismo es raro pero las formas de estilo libre, muros inclinados y estructuras que distorsionan las superficies son reconocibles al instante. Aún anárquica y desordenada, meticulosamente planificada una visita a uno de estos edificios puede ser una experiencia desconcertante”, asegura Mauricio Zonis.\nCómo detectar: distorsionada, que fluye de las formas, a menudo en materiales reflectantes.\nDónde encontrarlo: Museo Guggenheim, Bilbao; Der Neue Zollhof, Düsseldorf; El Museo de la cultura pop, Seattle; el Museo Judío de Berlín.\nDesde la antigüedad, la arquitectura, el arte de diseñar y construir edificios siempre ha estado estrechamente vinculada con la historia del arte. El experto en el tema Mauricio Zonis asegura que esto es al menos por tres razones. “En primer lugar, muchas de las obras públicas, especialmente edificios religiosos, fueron diseñados con una estética en mente, así como su funcionalidad. Fueron construidas para inspirar así como a cumplir una función pública. Como resultado, están involucrados los servicios de una amplia gama de artistas y artesanos decorativos así como de obreros“, detalla Mauricio Zonis. “En segundo lugar, en muchos de estos edificios, el exteriores e interiores actúan como obras de arte que exhibe pintura, como por ejemplo la Capilla Sixtina, friso y socorro de la escultura como por ejemplo El Partenón, catedrales góticas europeas, vidrieras de Arte, por ejemplo La catedral de Chartres, y otras obras de arte como mosaicos y chapa“, explica Mauricio Zonis. “En tercer lugar, los programas de construcción pública normalmente va de la mano con el desarrollo de las artes visuales, y la mayoría de los principales movimientos de las artes, el Renacimiento, Barroco, Rococó, neoclásico, influyeron en la arquitectura y las bellas artes“, describe por último Mauricio Zonis.\nLa arquitectura temprana tenía dos funciones principales: Mauricio Zonis refiere que la primera era para consolidar la seguridad y poder; y la segunda, para agradar a los dioses. En los países y regiones más ricas, estas funciones florecieron.\nMauricio Zonis explica que la primer gran civilización que surge en torno a la cuenca del Mediterráneo fue la de Egipto (c.3100-2040 A.C.). Además de su propio lenguaje escrito, la religión y la clase gobernante dinástico, desarrolló un estilo único de arquitectura egipcia, principalmente compuesto de enormes cámaras funerarias en forma de pirámides de Giza y tumbas subterráneas en el desolado valle de los Reyes, Luxor.\nEl diseño fue monumental pero no arquitectónicamente complejo. “Empleados puestos y dinteles, en lugar de arcos, fue lo que convierte en más factible que estas obras hayan sido realizadas. Aunque la experiencia egipcia en piedra tuvo una fuerte influencia en la arquitectura griega posterior“, puntualiza Mauricio Zonis.\nMauricio Zonis, en su libro Comunicación y edificios, describe los diversos aspectos de la arquitectura que se han debatido a lo largo de los años. Estos mismos aspectos, o referencias a ellos, también puede ser comunicada por la arquitectura. Ellos son: carácter, el contexto, el diseño, la flexibilidad, la forma, la formalidad, la función, la historia, la memoria, la naturaleza, el orden, la simplicidad, el espacio, la estructura, la transparencia, la verdad, el tipo y los usuarios. Pensando en esto y en lo que debatimos en artículos anteriores, parece claro que podemos recibir información a través de la arquitectura.\nLa naturaleza de la comunicación arquitectónica\nEl especialista Mauricio Zonis observando una constructora se pregunta: “Aunque podamos acordar lo que podemos comunicar a través de la arquitectura, ¿cómo es que se logra la comunicación?”. Para Zonis, “La primera hipótesis que viene a la mente es que la arquitectura es un tipo de lenguaje”.\nWebsters define un lenguaje como “un medio sistemático de comunicar ideas o sensación mediante el uso de signos convenciones, sonidos, gestos o marcas de haber entendido el significado” (Gove, 1976). Susanne Langer (filósofa y semiótica) define que un lenguaje es un vocabulario de palabras y una sintaxis utilizada para combinarlos en proposiciones significativas (1951). Zonis señala que “Aristóteles tenía una visión similar que palabras significativas se combinaron en proposiciones que tenían valores”.\n“En primer lugar, parece que la arquitectura se ajusta a esta descripción”, enfatiza Zonis. Un número de escritores han desglosado en sus componentes de la arquitectura. Un ejemplo es la lista de cuarenta, ya mencionadas. William Muschenheim en elementos del arte de la Arquitectura (1964) descompone la forma, espacio y superficie en masa, volumen, plano, Línea sólida, nula, la proporción, el tamaño, la escala, la luz, la sombra, la armonía, el contraste, la continuidad, el equilibrio, la carcasa, la altura y la profundidad, luz, extensión, textura, color, ornamentación y fachada. “Otros, como Roth han generado listas similares. J.N.L. Durand se menciona más intuitivo, al menos para los profanos, componentes como, por ejemplo, soportes, muros, apertura, fundaciones, suelos, techos, bóvedas y terrazas”, explica Mauricio Zonis.\nAdemás de tener estos componentes “palabras” común a todas las construcciones, hay ciertas reglas sobre cómo deben combinarse. “Parte de esto está limitada por la necesidad física: las escaleras son de poca utilidad si no se llega a un destino viable; los techos tienen que estar respaldadas por las paredes o columnas; etc. Parte de las reglas son convenciones, tales como las normas de uso que el Dórico, Jónico y Corintio en el desarrollo de nuevos diseños”, detalla Zonis para concluir esta línea de pensamiento.


Dans le noir?: desafiando los sentidos - Paperblog\nEn Dans Le Noir? ofrecen tres tipos de menús (sencillo, completo y degustación, podéis consultar en detalle la carta en la parte inferior del artículo) con maridaje (dos o tres copas de vino). Por supuesto, todo es sorpresa. Cada plato se compone de varias elaboraciones que albergan diferentes sabores, texturas y potentes matices enfocados a jugar con el comensal, sin prestar tanta atención en contentar su paladar. Los menús han sido diseñados por Manu Núnez Túnez co-propietario y chef de Arume (Barcelona) que se ha dado a conocer televisivamente a través del programa Top Chef. ¿Seréis capaces de adivinar los ingredientes de cada plato?, ¿diferenciaréis entre vino blanco y vino tinto?, ¿confundiréis la carne con el pescado?. Respuestas que parecen sencillas se tornan más complicadas cuando nos anulan el sentido de la vista.


Losser - Ensayos universitarios - 2275 Palabras\nPágina principal Ensayos Losser\nPáginas: 10 (2275 palabras) Publicado: 14 de febrero de 2009\nRebelión de Andresote: Andresote, apodo del zambo Andrés López del Rosario, se alzó en armas, entre 1730 y 1733, contra las autoridades españolas, a pesar de que su insurrección en el valle del Yaracuy iba dirigida contra los funcionarios de la Compañía Guipuzcoana que ponían obstáculos al contrabando entre la costa y la isla de Curazao; su levantamiento tuvo éxito al principio pero se vioobligado a abandonar la lucha; con algunos seguidores, en las montañas del Yaracuy quedó el foco de la sublevación que sólo llegó a ser dominada gracias a la colaboración que misioneros capuchinos prestaron a las autoridades.\nRebelión de San Felipe: Movimiento organizado por la población sanfelipeña en contra de la designación de Ignacio de Basazábal como teniente y justicia mayor de San Felipe,funcionario enviado por el gobernador Gabriel de Zuloaga con el fin de erradicar el contrabando realizado por casi todos los sectores socioeconómicos de los valles del Yaracuy. Basazábal debía proceder de común acuerdo con el gobernador y con la Compañía Guipuzcoana. tomaron el control de la ciudad los capitulares, encabezando a la población en armas que estaba dispuesta a combatir cualquier intentode pacificación violenta. hecho que se logró el 16 de febrero siguiente.\nRebelión de El Tocuyo: Estalló el 11 de mayo de 1744 en desobediencia a la orden dada por el gobernador Gabriel de Zuloaga de reunir 200 soldados españoles y 150 indios flecheros con destino a la defensa de Puerto Cabello. Los amotinados alegaban que no marcharían a dicho puerto por las condiciones de insalubridad allíreinantes y por el temor de tener que someterse a la tutela de la Compañía Guipuzcoana. La ciudad y los alrededores permanecieron bajo control de los rebeldes durante varios meses, pues aún para diciembre de ese año, Zuloaga informaba al Rey la situación, indicándole que no había hecho nada al respecto temiendo el maltrato de cualquier comisionado que enviara, y porque la situación de peligro que aúnreinaba en el mar Caribe le impedía movilizar tropas hacia El Tocuyo.\nInsurrección de Juan Francisco de León: Juan Francisco de León, en abril de 1749, se puso a la cabeza de unos 800 amotinados, descontentos contra los procederes de la Compañía Guipuzcoana. Se presentaron armados en Caracas y como el gobernador no cumplía su palabra de expulsar a la compañía, León volvió meses más tarde ala cabeza de 8.000 manifestantes. En 1751 organizó una tercera manifestación armada. Él y su hijo Nicolás fueron derrotados llevados a España, León murió allí y más tarde su hijo regresó a Venezuela.\nEl movimiento reflejaba el descontento de los colonos y aunque su propósito no era romper con España, representó el primer eslabón del proceso integrador de la nacionalidad venezolana.. La plaza dela Candelaria es el Monte Sacro de Venezuela. En ella se inició la lucha por la libertad individual, cuando Juan Francisco de León, en el siglo XVIII, levantó el estandarte contra la tiranía de la Compañía Guipuzcoana. Los primeros movimientos insurreccionales, no tenían un ideal definido. En las 5 últimas décadas del siglo XVIII, cuando verdaderamente se inicia el período de la emancipación queen Hispanoamérica arranca de las rebeliones de Túpac Amaru en el Alto Perú, en 1780, y de los Comuneros de Nueva Granada, en 1781.\nRebelión de los Comuneros de los Andes: Estalló en la región andina venezolana en mayo de 1781 contra la política fiscalista del Gobierno español que desde Caracas era ejecutada por el intendente José de Ávalos. Gritando consignas contra el mal gobierno y loselevados impuestos, los comuneros se apoderaron de San Cristóbal, Lobatera, La Grita, Mérida y otros lugares, pero no pudieron dominar Trujillo. Encabezados por líderes como Juan José García de Hevia, confiscaron el dinero y el tabaco de las oficinas reales y desconocieron y apresaron a las autoridades. A fines de octubre de ese año; los dirigentes fueron encarcelados y enjuiciados, pero en agosto de...\n...[pic] UNIVERSIDAD AUTONOMA DE SINALOA. FACULTAD DE DERECHO Y CIENCIAS POLITICAS. LICENCIATURA EN DERECHO. TALLER DE EXPRESION ORAL Y ESCRITA. MAESTRA: MARIA MAGDALENA ROCHA PEÑA. “COMPARACION DE LA COMUNICACIÓN E INFORMACION”. LUISA ALEJANDRA MACIEL CASTRO, GPO. 102. Comunicación: trata de explicar cómo se realizan los intercambios comunicativos y como estos intercambios afectan a la sociedad, es decir, que es un modo simple de compartir sin pérdida de...


Plataforma de inversores en puertos pide la reducción de las tasas portuarias - ABC.es - Noticias Agencias\nLa Plataforma de Inversores en Puertos Españoles (PIPE) considera conveniente la reducción de las tasas portuarias, con carácter estructural y no coyuntural, entre otras medidas para impulsar la recuperación del sector tras la crisis de la covid-19.\nOtros dos pilares donde la acción de PIPE se va a centrar en las próximas semanas son la agilización de los procesos de ampliación de los plazos concesionales y el interés de profundizar en el debate sobre la gobernanza portuaria, ha señalado este lunes la plataforma en un comunicado.\nPIPE ha celebrado su junta, donde se ha analizado en profundidad el impacto económico que ha originado la crisis sanitaria en empresas portuarias, operadores y terminalistas, y se han puesto en marcha las acciones previstas, que se tuvieron que posponer por la llegada del coronavirus a España.\nPIPE pretende hacer llegar al Gobierno y a los grupos parlamentarios sus propuestas, al hilo de las medidas tomadas para paliar los efectos negativos de la pandemia en el sector marítimo portuario, en aras de lograr una mayor competitividad y trasladar así a la economía real el desarrollo del sistema portuario y su impacto positivo en términos de PIB y de creación de empleo.\nPara ello, la necesidad de reducción de costes del paso de mercancías por los puertos, pasa a ser una prioridad, al suponer una mejora de la capacidad competitiva de las empresas exportadoras e importadoras.\nEn un momento crítico para la economía española, las empresas portuarias, que funcionan como termómetros de la misma, no pueden permanecen ajenas a las medidas para reactivar la recuperación económica, ha asegurado la patronal.\nPor otro lado, PIPE ha anunciado la incorporación como nuevo socio del fondo de infraestructuras First State Investments, que ha reforzado su presencia en España tras la adquisición de la terminal Vopac Algeciras, que ha pasado a conformar el grupo Evos, junto con otras europeas como Amsterdam, Hamburgo y Rotterdam.\nSe trata de la segunda incorporación este año, tras la de Enegas, que se han sumado a Algeposa Grupo, Boluda Corporación Marítima, Erhardt, Grupo Dávila, Grupo Ership, Grupo Nogar, Grupo Toro y Betolaza y TiL.