Oído Fino: noviembre 2010\nHe leído en ocasiones que el genio de Franz Schubert, que tanta huella dejó en su corta vida, tiene en los Impromptus para piano su faceta paradigmática. Es difícil no estar de acuerdo. Y es que este conjunto de piezas condensan a la perfección el lenguaje de Schubert como si se tratara de la esencia que un perfumista guarda para sí como un secreto, como un tesoro.\nDeclaradamente románticas, misteriosas y a la vez luminosas, estas piezas surgidas nada menos que de la improvisación del compositor (no por nada las llamó «impromptus»: surgidas súbitamente, de pronto), pueden ser colocadas, sin atisbo de duda, entre las grandes piezas para piano de todos los tiempos.\nLas obras de Schubert encuentran en Jenö Jandó un intérprete excelente. Sutil, reconcentrado, pero a la vez fresco y cristalino, el pianista húngaro propone piezas que él, como buen schubertiano, no está dispuesto a disgregar y exhibir, como en un ejercicio de disección: más bien, lo que hace es aportar las dosis justas de claridad al digitar, de pasión al construir los climas y de precisión en las partes más complejas (por ejemplo, en las secciones rápidas del segundo y el quinto de los Impromptus).\nTodo ello, sumado a un sonido eficiente, como es costumbre en Naxos, hacen de éste un disco para recomendar sin reservas.\nPublicado por Fernando G. Toledo en 0:01 9 comentarios\nWálter Aníbal Ravanelli (1941-2010)\nMi pasión por la música, de la que ustedes ven un módico reflejo en este blog llamado Oído Fino, tiene un padre, y él es Wálter Aníbal Ravanelli. No mucho más sé de él, más que fue quien me inculcó, primero y en 1992, en el Primer Año de la Licenciatura en Comunicación Social, el gusto por las palabras, el periodismo informativo, la aversión por las falacias y por los eufemismos. Y luego, desde su incomparable aunque breve cátedra Crítica Artística y Literaria, el gusto por los grandes compositores de todos los tiempos. Fue, en esta comedia, mi Virgilio.\nAl mejor profesor que tuve, mi recuerdo.\nPublicado por Fernando G. Toledo en 15:50 2 comentarios\nEtiquetas: Wálter A. Ravanelli\nBeethoven - Tríos para piano y cuerdas «Fantasma» Nº 1 y «Archiduque» - Van Immerseel, Beths, Bylsma\nLa consagración del trío\nEsta semana presentamos los tríos para piano y cuerdas de Ludwig van Beethoven.\nCuando publicó sus tres tríos con piano Op.1 en 1795, Beethoven ya era un compositor experimentado y había escrito dos ambiciosas cantatas, varios conciertos y una cantidad importante de música de cámara. Desde 1792 vivía en Viena y aunque sus estudios con Joseph Haydn duraron sólo un año, ya que la relación entre ambos fue difícil, pudo oír y estudiar las últimas obras del prestigioso compositor.\nA diferencia de Haydn, Beethoven nunca fue kapellmeister, pero tuvo la suerte de lograr el apoyo de un importante aristócrata vienés, el príncipe Karl Lichnowsky, y fue en las veladas musicales que se realizaban en su palacio que el joven pronto se convirtió en la principal atracción. Incluso residió en la residencia del príncipe, como si se tratara de un hijo adoptivo, durante casi toda la década de 1790.\nLos mencionados tríos Op.1 fueron dedicados al príncipe y con su patrocinio se editaron 244 copias para 123 suscriptores que formaban parte de la vida musical y aristócrata de Viena. Las partituras pertenecían a un género asociado tradicionalmente al aficionado y Beethoven demoró tres años en completarlas sabiendo que el resultado impresionaría y acrecentaría su reputación como compositor.\nAunque los tríos Op.1 no fueron las primeras obras de Beethoven en el género opacaron cualquier creación anterior gracias a su originalidad, inventiva, estructura y tratamiento igualitario de los tres instrumentos. El tercero de los tríos plasmó, además, un intento de escape de la música de salón, traspasando al ámbito de cámara la fuerza y la dimensión de las últimas sinfonías de Haydn.\nEl trío para piano y cuerdas tuvo sus orígenes en la sonata acompañada para teclado con partes opcionales para violín y cello. Las secciones para cuerdas fueron tomando mayor importancia, y aunque Mozart y Haydn hicieron avances en el género, el piano continuó siendo el protagonista. Beethoven democratizó a los tres instrumentos junto con escribir una música más ambiciosa claramente inspirada en las últimas sinfonías de Haydn.\nLos tríos Op.1 fueron estrenados a fines de 1793, en una de las veladas musicales que se realizaban en el palacio del príncipe Lichnowsky. Entonces estuvo Haydn y se dice que no aprobó las obras. Beethoven dudó en publicarlas, las revisó y finalmente permitió su edición en 1795. Este primer Opus fue exitoso y pronto aparecieron copias editadas por otras casas y las acostumbradas adaptaciones para otros instrumentos.\nPor mucho tiempo, la música de cámara que involucraba al piano estaba destinada más al amateur que al experto, por lo que muchas obras de este tipo eran más livianas que espirituales que, por ejemplo, el cuarteto de cuerdas. Beethoven no escapó de esto pero lo más trivial podía alcanzar en su pluma un arte imaginativo y original, sobre todo al momento de construir variaciones sobre melodías populares de la época.\nAsí sucedió con el último movimiento de su trío Op.11, basado en un tema de la ópera cómica El amor marítimo de Joseph Weigl. En nueve variaciones, la melodía sufre una gran variedad de metamorfosis, incorporando incluso una suerte de marcha fúnebre en una de ellas. Este trío fue escrito en 1798 y su edición original ofrecía la opción de usar violín o clarinete.\nCasi quince años después de los tres tríos Op.1 aparecieron los dos tríos Op.70, un paso más, y trascendente, en la evolución de Beethoven en el género. Los esbozos datan de la misma época que aquellos de la sinfonía Pastoral y la sonata para cello Op.69, habiendo sido escritos durante el otoño de 1808 y estrenados en el salón de la condesa Erdödy en la navidad de ese año. El mismo Beethoven tocó el piano, Ignaz Schuppanzigh el violín y Joseph Linke el cello.\nEl primero de estos tríos tiene tres movimientos y se inicia de manera sorprendente. Sin embargo, el peso de la obra radica en el movimiento central, un atmosférico largo, lleno de contrastes de dinámica y elocuentes motivos melódicos. El particular carácter de este movimiento le dio a la partitura completa el apelativo de Trío de los espíritus (o Fantasma) y quizás fue influido por una idea que Beethoven tenía entonces de componer una ópera basada en Macbeth de Shakespeare.\nEl segundo trío del Op.70 es más luminoso y menos contrastante que el primero, con un comienzo especulador, como si los intérpretes estuvieran descubriendo su camino. Parte de esta introducción reaparece al final del movimiento como un recuerdo de aquello que le dio origen. El segundo es una serie de variaciones sobre dos temas y el tercero es un movimiento cantabile basado en el patrón del scherzo. El final es una sección enérgica cuyas demandas técnicas y musicales complican hasta al intérprete más dotado.\nUno de los amigos y patrocinadores más importantes del compositor fue el archiduque Rodolfo, medio hermano del emperador austriaco. Ambos se conocieron entre 1803 y 1804, cuando Beethoven le enseñó piano y composición. Pronto entablaron amistad y el autor le dedicó al menos siete partituras: los conciertos cuarto y quinto para piano, las sonatas Los adioses, Hammerklavier y Op.111, la Misa Solemne y la obra que se hizo conocida como Trío Archiduque. Este trío, compuesto entre 1810 y 1811, es una obra de amplias proporciones, tal como el cuarteto Op.59 N°1 y la sinfonía Pastoral, que revela una particular preocupación de Beethoven por el contenido lírico. Un primer movimiento más relajado que dramático es seguido por un scherzo caprichoso, mientras que el movimiento lento, un andante con una serie de cinco variaciones, se mueve directa y mágicamente hacia el final. El mismo Beethoven estrenó la obra y con ella actuó por última vez en el rol de pianista en 1814.\nLa variación fue uno de los recursos más explorados y explotados por Beethoven dentro de su creación. No sólo la incorporó como movimientos de sus obras, sino también le otorgó vida propia y muy individual en partituras magistrales. Dentro de su música para piano, violín y cello aparecen algunas series de variaciones independientes, como las que se publicaron en 1804 como Op.44 y que construyó a partir de un tema original. Se cree, sin embargo, que estas variaciones habrían sido esbozadas en 1792 para el Op.1.\nEn una época en que la música no era tan accesible como hoy en día, una de las formas de difundir y promover nuevas obras era a través de arreglos para distintos instrumentos de una misma partitura. El mismo Beethoven adaptó varias creaciones suyas, y como el trío para piano, violín y cello era una de las favoritas dentro de los salones vieneses, no dudó en arreglar para esta formación partituras tan populares como su segunda sinfonía o el septeto Op.20.\nCompuesto originalmente para cuarteto de cuerdas, clarinete, fagot y corno, el septeto Op.20 se escuchó por primera vez a fines de 1799. Tuvo tanta popularidad que pronto fue objeto de adaptaciones para otras formaciones instrumentales. Czerny lo publicó en una reducción para piano como Gran Sonata Brillante y el mismo Beethoven lo arregló para piano, violín o clarinete y cello, dedicando esta versión a Johann Adam Schmidt, médico que había consultado a raíz de su problema de audición.\nDentro de la producción original de Beethoven para piano, violín y cello existen varios movimientos editados póstumamente, como el Allegretto WoO.39 que escribió en 1812 «para su pequeña amiga Maximiliane», hija de Franz y Antonie Brentano. El compositor era un invitado frecuente a la casa de la familia Brentano y pronto entabló una amistad muy cercana con Antonie, madre de Maximiliane, y se cree que ella fue la destinataria de la famosa carta dirigida a la «amada inmortal».\nAdemás de las partituras concebidas y publicadas originalmente para esta formación, el compositor alemán realizó algunos arreglos, aprovechando el favoritismo que tenía la combinación piano, violín y cello dentro de los salones vieneses. En 1806 publicó una versión de cámara de su segunda sinfonía, obra estrenada en abril de 1803 y que pronto se convirtió en una de las más populares del autor. Beethoven acrecentó la fama de esta creación y se sumó a los arreglos ya aparecidos de las sinfonías Londres de Haydn.\nOtra forma de satisfacer el gusto popular de la época y alcanzar reconocimiento en los salones vieneses fue componer partituras basadas en famosas canciones o melodías. Y Beethoven no estuvo ajeno a esta tendencia y su última publicación para piano, violín y cello fue una serie de variaciones sobre Soy el sastre Kakadu de Wenzel Müller. Aún cuando las variaciones habrían sido compuestas en 1803 por Beethoven, no aparecieron impresas hasta 1824.\nMüller fue uno de los compositores más famosos en Viena en la época de Beethoven y su ópera Las hermanas de Praga se estrenó en 1794. La obra fue todo un hit, con 136 presentaciones, y la canción Soy el sastre Kakadu tiene el carácter de la famosa Der Vogelfänger bin ich ja que canta Papageno en La flauta mágica de Mozart. Beethoven transforma el tema de Müller de manera sorprendente, con una portentosa introducción en sol menor, diez variaciones y una coda.\nTexto para la página de la Radio Beethoven, a propósito de una audición de los tríos de Beethoven.\nPara escuchar los tríos Op. 97 «Archiduque» y Op. 70 Nº 1 «Fantasma» proponemos una reciente y magnífica grabación, editada por Sony, y a cargo de Jos van Immerseel (piano), Vera Beths (violín) y Anner Bylsma (violonchelo), tocadas con instrumentos de época.\nBartók - Los tres conciertos para piano - Anda - Fricsay (1/5)\nUn disco que cambió muchos paradigmas\nMi amigo y anfitrión del blog, don Fernando G. Toledo, me invitó hace unos días a escribir una nota editorial para un CD de la DGG que recopila célebres grabaciones que hicieron entre 1959 y 1960 dos grandes artistas húngaros: Ferenc Fricsay y Géza Anda, interpretando los tres conciertos para piano y orquesta de Béla Bartók.\nAl momento de la invitación don Fernando no tenía idea del enorme impacto que esta encomienda me iba a causar…, sencillamente me invitó a vivir de nuevo una experiencia sonora que marcó indeleblemente mi conocimiento y sensibilidad por la música y en especial, por la música del siglo XX, revisitando un registro sonoro que hacía años no escuchaba, pese a que como verán a lo largo de estas líneas, mucho de los artículos que he escrito acá y en otros blogs hermanos tienen su último fundamento en esta colección de grabaciones históricas.\nLa historia me hace retroceder a mi infancia, durante los disco-turbulentos años ’60, década durante la cual, pese a las influencias externas del rock y el pop, poco a poco me fui aproximando al maravilloso mundo de la música clásica, en mucho apoyado por el ejemplo y la maravillosa colección de música de mi abuelo Benjamín.\nMi abuelo, afamado doctor en medicina y musicólogo de corazón, llegó a atesorar una colección de más de mil vinilos (muchos de los cuales me los legó en herencia), cientos de cintas magnetofónicas, y, sobre todo, una vida llena de experiencias musicales invaluables, que su profesión y viajes le permitieron. Antes de cumplir mis 10 años, mi abuelo me había dejado explorar de poco a poco su colección y los sábados en la tarde me empezó a entrenar en ese campo, por el módico precio de servir de asistente para las soirées que organizaba en su casa con su grupo de amigos.\nLos temas eran variados, pero siempre había algo en común, una abundante colección de bebidas y entremeses, una conversación multi-temática y buena música, ya sea como fondo para la ocasión o como objeto de una audición para el círculo de conocedores. Y en medio de ese crisol de conocimiento, estaba yo, un jovenzuelo que ayudaba a llevar y traer bebidas con el privilegio de sentarme con ellos y escucharlos…, escucharlos y aprender.\nEn estas soirées, la selección era predominantemente barroca, neoclásica, romántica y alguna incursión a los «modernos» (como los llamaba mi abuelo), que para su gusto eran Sibelius, Mahler y de vez en cuando, su amado Khachaturian, y sus «genios ingleses» Vaughan-Williams y Elgar como los «extremos».\nPese a ello, había una sección de vinilos más amplia con algunas obras de los maestros de la segunda escuela vienesa, más Shostakovich, Stravinsky, Hindemith, Prokofiev y Bartók. Esta sección era rara vez escuchada, porque según mi abuelo eran sobre todo «ruidosos y disonantes, en especial esos Bartók y Prokofiev…, pues ¡cómo alguien puede concebir música para enamorarse de tres naranjas!».\nA mis 12 años, nunca había explorado esa sección de su colección, hasta que un día me encontré una serie de vinilos de la afamada colección de Schallplatten (la edición de lujo de la Deutsche Grammophon Geselschaft), que estaban erróneamente en la sección de barrocos. Los lectores que ya peinan muchas canas recordarán que en los años ’50 y principios de los ’60, DGG editaba sus vinilos en primorosos estuches de un cartón de textura de lino, con costuras hechas a mano en hilo color perla. Las portadas eran todas iguales, un fondo color blanco perla con una franja amarilla al centro y los textos en letras elegantes, generalmente con la firma ampliada del compositor de las obras o de los afamados directores o instrumentistas que las interpretaban.\nMinimalismo clásico y elegante que desgraciadamente DG abandonó en virtud de portadas más modernas y con fotos de los intérpretes retocadas por la impersonal mano del Photoshop.\nEntre esos vinilos (divino tesoro), una carpeta de dos correspondía a la grabación integral de los Conciertos para piano de Bartók, ese «ruidoso y disonante» músico que mi abuelo me había comentado. Con curiosidad, puse en el tocadiscos el vinilo del Segundo Concierto… y ¡zas!, toda la casa se estremeció con esa poderosa e intensa música…, mis abuelos no estaban (no procrearon hijos, tuve el honor de ser su vástago adoptivo) y en la vastedad de la sala, no hubo cristal que no se estremeciese al inicio del tercer movimiento y ese frenético dialogo de timbales y piano.\nAl concluir quedé estupefacto… Fue mi primera experiencia en la música del siglo XX. Sin introducción ni explicaciones perdí mi inocencia a las disonancias, sin ningún preámbulo choqué de frente con Bartók. Ese momento marcó mi conciencia de la música para siempre. En cuanto a los interpretes, de Fricsay mi abuelo adoraba su Mozart de y Anda conocía un Schumann fuera de serie… pero de Bartók no conocía absolutamente nada. A la luz de la historia, quizás no pude entrar al fantástico mundo de Bartók de mejor forma que de la mano de dos húngaros que hicieron de la interpretación de estas obras maestras sus banderas, una cúspide interpretativa que difícilmente se haya podido emular en los años actuales.\nMi querido amigo y asiduo colaborador de este blog, Miguel Ángel (El Gato Sierra), exclamó cuando se enteró de que iba emprender esta empresa: «¡Por aquí me enganché de jovencito a Bartók, y todavía sigo en las mismas!».\nBartók y su creación\n«El principio básico que me ha guiado en la vida, del cual he estado plenamente consciente desde el mismo momento en que decidí consagrar mi vida a la música, ha sido el ideal de la hermandad entre las personas, hermandad que subyace como la base de las relaciones humanas en medio de cualquier guerra o conflicto..., y por el cual trabajo con todas mis fuerzas para servir y exaltarlo a través de mi creación musical. Es por ese motivo que mi arte no evade ninguna influencia cultural, sea eslovaca, rumana, árabe o de cualquier naturaleza u origen. Lo único importante es que esa fuente de inspiración sea pura, fresca y saludable»\nBela Bartók (1933).\nLos visitantes de la casa más famosa del distrito de la Vía Csalán (originalmente la número 27 y más tarde renumerada como la número 29), en las afueras de la ciudad de Buda (parte de la integración metropolitana que conocemos como Budapest), encontrarán en la entrada un libro de anécdotas de Bartók, justo abierto en la página en que se cita esa famosa frase dicha por el compositor justo al cierre del concierto en que estrenó en Alemania su Segundo concierto para Piano. Esa noche fue la última vez que Bartók pisó suelo teutón. Un par de días después, Hitler tomó el poder, y ya conocemos las consecuencias…\nEsa casa en la Vía Csalán fue el último hogar que tuvo Bartók en su amada Hungría, antes de exiliarse voluntariamente en el exterior (favor referirse a las notas en el blog de Quinoff a propósito de las circunstancias personales que rodearon ese exilio, enmarcado dentro del proceso creativo del Sexto cuarteto para cuerdas). Ahora es un memorial a la vida del más importante de todos los compositores húngaros: el genial Béla Bartók.\nBartók fue un gran ser humano y (aparte de un gran compositor) un dedicado investigador etnográfico y musical. Se identificaba con la Hungría rural y sus tradiciones, e hizo de su música una constante referencia de inspiración y de citas melódicas, dentro de una genial construcción musical dentro de los más elaborados estándares contrapuntísticos de Bach, una brillante paleta instrumental que recuerda en mucho a Richard Strauss, una expresividad en el piano de altos vuelos, como encontramos en Ravel, y una creatividad rítmica y armónica, como en Stravinsky. Todo ello con un sello expresivo, comunicativo, creativo y musical incomparable y único.\nPara entender la vida y obra de este gran maestro, este humilde escribiente considera que es indispensable orientarse a través de la columna vertebral de su obra: sus cuartetos para cuerda (ejemplo…, la referencia recién realizada). A esta tarea dediqué el extenso editorial en tres partes que fue publicado en el blog hermano de Quinoff.\nInvito al lector a visitar esta memoria bibliográfica para enmarcar las notas que a continuación intentaré describir.\nLos tres conciertos para piano son ante todo, obras «utilitarias», y sirvieron en su momento a un claro propósito: posicionarse y sobrevivir como pianista-concertante-compositor en el escenario europeo de la época, en lo relacionado a los dos primeros, y un legado de sobrevivencia para su esposa en el caso del tercero, ya desterrado Bartók de su adorada Hungría y enfermo terminalmente de leucemia. En este contexto, los cuartetos para cuerda sirven para entender y apreciar el flujo creativo y allí trataré de ubicar a los lectores en las siguientes tres entregas, cada una de ellas dedicada a cada concierto.\nLos artículos también contendrán una breve referencia biográfica a los tres ilustres protagonistas de estas maravillosas lecturas, grabadas (como casi todas las grabaciones DGG de la RIAS y Fricsay) en la mítica Jesuskirsche de Berlín entre 1959 y 1960.\nNota: este artículo no ofrece ninguna descarga.\nPublicado por Fernando G. Toledo en 0:02 0 comentarios\nSchumann - Tchaikovsky - Conciertos para piano - Barenboim - Celibidache\nConcierto de un hombre devastado\nCuando los románticos quieren hablar de Robert Schumann, nos dicen que fue un compositor sólido, hábil y respetado por sus contemporáneos. Nos dicen también que vivió cerca de quince años de feliz matrimonio con Clara Wieck, y que sus trabajos como crítico y analista musical le dieron una fama que perdura hasta nuestros días.\nCuando son los realistas quienes hablan de Schumann, nos recuerdan que al inutilizarse accidentalmente dos dedos tuvo que abandonar para siempre su deseo de convertirse en un gran pianista. Nos dicen que también fracasó en su intento de llegar a ser abogado y que fue expulsado de la Universidad de Heidelberg por su afición a la bebida. Además, tuvo que luchar a brazo partido para obtener a Clara en matrimonio, ya que Friedrich Wieck, quien había sido su maestro de piano, no lo quería como yerno.\nDe estas dos visiones más o menos contradictorias de la vida de Schumann se puede sintetizar, quizá, el conflicto que lo llevó a terminar su vida internado en un asilo para enfermos mentales, añadiendo su nombre a la lista de compositores (Chabrier, Donizetti, Gurney, Perosi, Smetana, Thomas, Vanhal, Wesley, Wolf ) que perdieron la razón.\nEl último acto de Schumann antes de ser internado en el asilo fue intentar ahogarse en el río Rhin, siendo una de las causas probables de ello las violentas críticas que recibió por su incompetencia como director de la Orquesta de Düsseldorf. A pesar del triste fin de Schumann, la historia parece confirmar el hecho de que la salud mental le duró algunos años más que lo previsible gracias a la presencia en su vida de Clara Wieck, a quien la historia, casi siempre escrita por hombres, conoce como Clara Schumann.\nEsta notable mujer fue una de las mejores pianistas de su tiempo, y una buena parte de la obra pianística de Robert Schumann le debe su inspiración. Clara sobrevivió a su esposo por 40 años, y durante todo ese tiempo se dedicó incansablemente a tocar y promover la música de su esposo por toda Europa, tal y como lo había hecho en vida de él.\nEn el año de 1841, a instancias de Clara, Schumann hizo una breve pausa en su pensamiento pianístico para volver los oídos hacia la orquesta. Fue así como nació su Primera sinfonía, que inmediatamente después de ser terminada fue estrenada por Felix Mendelssohn con la famosa Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. Poco después, sin embargo, Schumann volvió al piano y escribió una pieza en un movimiento, para piano y orquesta, a la que tituló Fantasía, y que fue tocada por Clara en ese mismo año de 1841. En los años siguientes, Robert y Clara realizaron juntos algunas giras de conciertos por Europa, giras en las que Schumann era considerado generalmente como el esposo de la gran pianista, cosa que aumentó su depresión y lo hizo refugiarse continuamente en la bebida.\nLlegó así el año de 1845 y Schumann decidió que ya era tiempo de componer un concierto para piano. Retomó entonces la Fantasía que había escrito en 1841 y la convirtió en el primer movimiento de su nuevo concierto. Los otros dos movimientos fueron terminados en 1845 y la obra se estrenó en Dresde el 4 de diciembre de ese año, con Clara en el piano y Ferdinand Hiller, amigo del compositor, al frente de la orquesta.\nEste concierto, considerado como una de las obras más importantes de Schumann, fue publicado en 1846 con una dedicatoria a Hiller.\nPocas semanas después, Clara tocó la obra en Leipzig con la Orquesta de la Gewandhaus dirigida por Mendelssohn, y al igual que en el estreno, el concierto fue recibido con frialdad. Fue muy poco a poco que esta pieza adquirió la merecida popularidad de la que hoy goza, como uno de los conciertos para piano más evocativos del espíritu romántico. Sin embargo, años más tarde, el Concierto para piano puso a Schumann en el centro de uno de los conflictos más violentos de su vida. El 17 de mayo de 1856 apareció en un periódico de Londres una crítica firmada por H.F. Chorley, que decía así:\nLa principal novedad de la noche fue la ejecución de Madame Schumann del Concierto en la menor del Dr. Schumann, que fue recibida con una calidez bien merecida por la interpretación de la dama. Como no podemos imaginar que este concierto sea adoptado por ningún pianista de Londres, nos abstendremos de hablar más de esta composición.\nUna vez más, Schumann era considerado simplemente como «el marido de Clara Wieck», y no como un personaje musical por derecho propio. Dos meses después de la aparición de esta crítica, Robert Schumann murió, loco, en un asilo privado de la ciudad de Endenich, cerca de Bonn.\nTexto del programa para la temporada 2010 de la Orquesta Sinfónica de Minería (México)\nPara disfrutar de esta obra fundamental del repertorio del concierto pianístico, proponemos una versión que reúne a dos de los músicos más importantes del siglo XX: el recordado Sergiu Celibidache (para algunos, el director más grande de la historia) y el genial pianista argentino Daniel Barenboim. Junto a la Filarmónica de Munich, en tomas en vivo de 1991, ofrecen una mágica versión del concierto de Schumann. El disco está acompañado por una no menos brillante interpretación del Concierto para piano Nº 1 de P. I. Chaikovsky.\nGracias a quien originalmente puso este disco en la red.\nEtiquetas: Schumann, Tchaikovsky\nChopin, en su año\nEl «año Chopin», es decir, este año, en que se recuerda el bicentenario del nacimiento del compositor franco-polaco Frédéric Chopin (1810-1849) ha estado dedicado no sólo a su música sino también a la reivindicación, por parte de Polonia, del origen de este músico.\nVarsovia, por ejemplo, inauguró a principios de año un museo de cuatro plantas dedicado a la trayectoria y a la vida del compositor.\n«La música de Chopin sigue viva», aseguró, por entonces, durante la inauguración el presidente polaco, Lech Kaczynski, quien afirmó que pese a que el músico fue «medio francés, medio polaco», su música fue «definitivamente polaca».\nPolonia ha reivindicado a Chopin como patrimonio nacional, pese a que desde Francia se recuerda que fue hijo de un francés y que vivió una etapa crucial de su vida en París.\nPara el ministro polaco de cultura, Bogdan Zdrojewski, el nuevo museo «biográfico» dedicado a Chopin es el «más moderno de Europa».\nEl nuevo museo de Varsovia permite además al visitante sucumbir al aroma de las violetas –la flor favorita del compositor– y escuchar el trino de los pájaros del que Chopin disfrutaba durante sus vacaciones en Nohant (centro de Francia) con la novelista George Sand -pseudónimo de Aurore Dudevant-.\nEn la última sala del museo se exhibirá la máscara mortuoria del músico, que falleció en París, un 17 de octubre de 1849.\nEl museo dedicado al compositor sive de punto de partida para la «Ruta de Chopin», el itinerario turístico a través de los paisajes que inspiraron sus composiciones. El museo se enfrenta al reto de acercar al público algo «efusivo pero intangible, algo que cada uno percibe de su propia y única manera», según la comisaria de la muestra, Alicja Knast.\nLos historiadores se dividen entre quienes afirman que Chopin nació el 22 de febrero y los que sostienen que fue el 1 de marzo de 1810, la tesis defendida por la mayoría y la que Polonia eligió finalmente para acoger los actos principales del bicentenario.\nTexto adaptado de un cable de la agencia Efe.\nPara recordar a este músico, epítome del compositor para piano, proponemos esta selección de grandes piezas a cargo de una de sus mejores intépretes: la brillante pianista argentina Martha Argerich. Se trata de versiones rescatadas de conciertos para radios alemanas (Berlín y Colonia), en 1959 y 1963. Un verdadero documento del talento de la intérprete a la hora de tocar a uno de sus compositores preferidos.\n(Ver Parte 1, Parte 2, Parte 4)\nTennstedt y la exploración del lirismo\nLa versión del tormentoso Klaus Tennstedt y la orquesta de su vida, la London Philharmonic (1982, EMI), no suele aparecer en las referencias de la Cuarta de Mahler. Y es, sin embargo, una lectura soberbia, con un tercer movimiento en el que el conductor alemán alcanza cotas indescriptibles de lirismo. Pero también se luce en toda la obra: ofrece un primer movimiento de elegancia y limpidez, pero no exento de toques personales, algunos accelerandi que subrayan el brillo de algunos pasajes, un inspirado recorrido por los temas que se desenvuelven en la primera parte. Y hay también la transmisión de un ambiente de sordidez en la aparente picardía del segundo movimiento, un bellísimo canto del texto del Wunderhorn por la inolvidable Lucia Popp y muchos aspectos que ubican a esta Cuarta, también, entre las mejores.\nCabe anotar que existen otras grabaciones de esta obra por Tennstedt: la de 1976 con la Sinfonie Orchester des Südwestfunks de Baden-Baden y la soprano Eva Csapo (Hanssler) y la de 1977 con la Boston Symphony Orchestra y la soprano Phyllis Bryn-Jurson.\nPero ésta con la London Philharmonic en EMI, que forma parte de su ciclo mahleriano, es sin lugar a dudas la más destacada.\nMuti: sorpresa en vivo y en directo\nMencionábamos al inicio de nuestro recorrido por la discografía esencial de la Cuarta de Mahler cómo esta partitura había atraído a directores que no interpretaron demasiado la obra del creador de los Kindertotenlieder. Y cómo, curiosamente, algunos de ellos dejaron su marca, a pesar de ello, en la interpretación de la misma.\nSi los casos de Kletzki y Reiner no habían bastado, daremos un ejemplo más, aunque provisto gracias a un evento muy especial: se trata del Mahlerfeest (Festival de Mahler), organizado por la Royal Concertgebouw Orchestra en Amsterdam, durante mayo de 1995. Por suerte, la Radio Netherlands grabó y editó los conciertos de ese encuentro, del que participaron algunas de las batutas más importantes del momento, junto a las grandes orquestas.\nY allí, fue el circunspecto Riccardo Muti quien ofreció una bella versión de la Sinfonía Nº 4, al frente de nada menos que la Filarmónica de Viena y con Barbara Boney como cantante, en una soberbia performance. La versión de Muti explota a la orquesta para una lectura hermosa, tersa y ajustada.\nComo gran director mozartiano que es, Muti se siente cómodo explorando el aire clásico del primer movimiento, pero luego de partir de ese enfoque, le va agregando, en lo sucesivo, a su versión, algo más de nervio, y la toma de sonido permite disfrutar cómo Muti ahonda en los aspectos bucólicos, sarcásticos y, finalmente ensoñados de la Cuarta.\nUna versión para tener en cuenta, y que para algunos conocedores de la discografía de la obra, puede resultar inesperada su inclusión en una discografía esencial de esta sinfonía. Bienvenida, entonces, la sorpresa.\nUn inspirado Sinopoli\nPero si de sorpresas hablamos, el recordado y polémico director Giuseppe Sinopoli supo dar una, precisamente con la Sinfonía Nº 4. Porque este conductor, autor de una integral de Mahler junto a la Philharmonia Orchestra, ofreció un concierto en Dresde, el 29 de mayo de 1999, al frente de la prestigiosa Staatskapelle Dresden. En él interpretó la Cuarta de Mahler, con Juliane Banse como solista. Diez años más tarde, el sello Profil-Hanssler rescató esa grabación y la editó en un magnífico disco, de impecable sonido, y con una particularísima versión de esta obra.\nEn principio, lo que llama la atención de la misma es la amplitud de los tempi elegidos. Se trata, probablemente, del más lento de los registros de esta obra, más lento incluso que el de Barbirolli y en disputa con uno que por poco se quedó fuera de esta selección: el de Harold Farberman. No hay demasiados registros de esta antiquísima orquesta –más dedicada al repertorio de Richard Strauss– sobre obras de Mahler, y al escuchar este disco uno no puede más que lamentarse. La de ese concierto fue, sin dudas, una noche inspirada, porque ese monstruo que es la orquesta de Dresde suena con una intimidad y riqueza tan notables que dan ganas de pedir que siga sonando un poco más.\nLejos de todo convencionalismo (al punto que cuesta pensar en esta versión como la primera a recomendar para conocer la Cuarta), Sinopoli regala, así, una de sus mejores interpretaciones mahlerianas.\n(Ver Parte 1, Parte 3 y Parte 4)\nKletzki: pasión por el detalle\nLa elección de ésa, y no otra, versión de la Cuarta de Mahler por Walter puede excusarse para permitir un pasaje sin escalas cronológicas a dos de las más grandes versiones jamás grabadas de esta obra, que aparecerían apenas poco después. La primera es la de Paul Kletzki con la Philharmonia Orchestra de Londres (1957, EMI; con ediciones también en los sellos Seraphim y Auditorium), y Emily Loose como soprano. Ésta es de esa clase de versiones que nos permiten descubrir aristas desconocidas de la obra, y no sólo por la particular toma de sonido, sino, además, por el modo en que el director aborda la partitura.\n¿Qué otra cosa sino es ese insólito detalle puesto en el «diálogo» entre el violín principal del segundo movimiento y, respectivamente, las flautas, los oboes, e incluso la percusión? ¿Qué otra cosa podría ser el abordaje casi camerístico en el comienzo del movimiento tercero, y, tal como marca Tony Duggan, el emparentamiento que consigue Kletzki entre este tercer movimiento y el tercero de la sinfonía precedente de Mahler? Detalles, detalles... ¿Y qué podríamos decir de ese portentoso movimiento final, en el que las cuerdas aparecen como tocadas por la propia soprano, en una de las mejores entregas de esta parte de la obra jamás grabadas? La Cuarta de Mahler por Kletzki es, no caben dudas, una de las mejores.\nReiner y la precisión\nUn año después de esta versión magnífica, otro director con pocas grabaciones mahlerianas –pocas, pero buenas– como Ritz Reiner dejaría su marca en la discografía de la Cuarta. El recio director húngaro-estadounidense y su Sinfónica de Chicago eligen una lectura en principio acelarada, pero no a la carrera, que pone en evidencia el gran nivel de la orquesta de la que fue titular durante 10 años: precisión y delicadeza ya son audibles aquí.\nY Reiner consigue mostrarnos lo que la partitura tiene y no siempre deja oír: el papel de los chelos en el primer movimiento es una buena muestra de ello. En el segundo, el sonido del violín que protagoniza parte de este movimiento, no está tan en primer plano como en otras versiones, y sin embargo, Reiner hace hincapié en una evolución de la orquesta toda hacia el clima sombrío que este instrumento, tan particularmente afinado, busca transmitir. Luego de un respirado Ruhevoll, tan cristalino como si sonara sin que nadie lo tocase, llega el Lied final, con Lisa della Casa como una de sus grandes intérpretes, igualando en este sentido a la gran performance de la Loose bajo las órdenes de Kletzki. Menos aniñada que aquélla, pero no por ello menos emotiva, la soprano elige transmitir tristeza irónica antes que alegría explícita. Otra versión imprescindible. El disco fue recientemente reeditado, en una remasterización para SACD, por RCA.\nSzell: sublime sensibilidad en la mejor versión\nAl decir que George Szell, otro húngaro-estadounidense, fue uno de los grandes directores del siglo XX no estamos ofreciendo ninguna novedad. Pero sí podemos dejar sentado que antes de las corrientes teóricas que hablasen del objetivismo (con Mahler como compositor interesante para aplicar las teorías), de subjetivismo y de líneas medias, el estilo de Szell es de un objetivismo no exento de toques personales. Rasgos, éstos, que dotan a sus versiones de una profundidad y una precisión tales que no es extraño que muchas veces las suyas sean versiones referenciales: porque parece hacerse dueño de la partitura.\nNo sería arriesgado decir que, al menos en Mahler, un director como David Zinman hace honor a su legado, dejando de lado, claro, el célebre mal genio del conductor de origen húngaro. Szell ya fue protagonista de esta serie con su magistral versión de las canciones de Des Knaben Wunderhorn, y lo será en ésta, la que decíamos es la última sinfonía de la etapa Wunderhorn de Mahler.\nSu grabación de la Cuarta de Mahler (Sony, 1965), a diferencia de aquélla, nos ofrece una ventaja: la que toca la obra es la Cleveland Orchestra, que nunca después de con Szell consiguió estar tan en lo alto como en sus épocas. Y aquí lo demuestra, con un enfoque que hace ver esta obra como una rosa a punto de estallar. Tal es como Szell hace lucir los bordes de esta partitura, expresando la ligereza de sus melodías, pero dotándolas de una tensión que sólo una batuta capaz de entender a pleno una partitura y tocar la orquesta como si fuera parte de su cuerpo, sería capaz de lograr.\n¿Qué tiene esta Cuarta para ser la más bella? Lo tiene todo: está tocada de manera soberbia. Todo se oye en ella. Suena como un mecanismo de relojería y, sin embargo, jamás aburre. Cuando la música de Mahler lo pide, eleva la veta emotiva, sin caer jamás ni en el empalagamiento ni en la grosería. Ni siquiera hace falta que, como pueda parecer a veces con Bernstein, Szell esté transido de Mahler para llevar la obra a buen término: su elegancia, su virtuosismo, hacen todo el trabajo. Si en principio podemos poner esta versión en las antípodas de la de Mengelberg, sorprende que, sin embargo, en ambos directores el rubato sobresalga como uno de los recursos más notorios. Pero así como Mengelberg traza una Cuarta peculiar y llevada, por su novedad, a un callejón sin salida, Szell en cambio instaura un paradigma de belleza, sobriedad y perfección. Mención aparte merece la labor de la soprano Judith Raskin en el Lied final: su canto es delicado y poético, y la orquesta parece disolverse detrás de su voz, o de a ratos confundirse con ella. Versión superior, en suma, referencia perenne, incluso para quienes busquen más emoción. Siempre será una versión a la que atender, de la cual partirán otras comparaciones. No extraña que por ella haya dicho Deryck Cooke: «Szell muestra la máxima sensibilidad en cada faceta de la música».\nA la manera de Barbirolli\nJohn Barbirolli muestra con su versión de la Cuarta (rescatada de un concierto al frente de la BBC Symphony Orchestra en 1967, en Praga) por qué era uno de los más dotados intérpretes de Mahler. La frescura que parece respirar la partitura por todos sus poros no es impedimento para que el director la aborde desde sus coordenadas musicales: es decir, andando lentamente los compases, consiguiendo que la orquesta haga sonar esa música con delectación. La soprano Heather Harper por su parte, en el Lied final, no deja de darle una pizca de amargura a su ensoñado canto, consiguiendo un precedente que luego explotaría, por ejemplo, Zinman con la Orgonášová.\nUna versión arrolladora, en suma, pero en la senda de Barbirolli, para nada convencional. Con este tipo de enfoques dejaría su huella en Mahler este inolvidable director.\nEl disco editado por la BBC incluye también la obertura El corsario de Héctor Berlioz, también de andadura lenta y tempi dilatado, sello inconfundible de Barbirolli.\n>> miércoles, 3 de noviembre de 2010\n(Ver Parte 2, Parte 3 y Parte 4)\nLa Sinfonía Nº 4 de Gustav Mahler marca la despedida del compositor del «universo Wunderhorn». Hasta entonces, la casi totalidad de sus obras (canciones y sinfonías) estaban inspiradas en los textos recopilados por Armin y Brentano en Des Knaben Wunderhorn (El cuerno mágico del muchacho).\nLa obra nació, una vez más, como un intento de Mahler por componer un poema sinfónico, pero seguiría el mismo destino que la Primera y la Segunda, convirtiéndose en una sinfonía. Sinfonía que, de paso, por su carácter luminoso (al menos en apariencia), el parentesco sonoro con las sinfonías de Haydn en el primer movimiento, y su más reducida instrumentación, parece un respiro antes del vendaval de las que iban a venir.\nIniciada en 1899 (dos años después del nombramiento de Gustav Mahler como kapellmeister de la Ópera Imperial de Viena) y concluida en 1900, la Cuarta fue estrenada en Múnich el 25 de noviembre de 1901, con la Orquesta Kaim, bajo la batuta del compositor. Resultó una sorpresa para el público, que esperaba algo de aspecto menos «clásico», acaso una creación tan monumental como sus predecesoras. Así, el estreno fue un relativo fracaso que poco haría prever el futuro de esta pieza que puede considerarse, junto a la Primera y la Quinta, como la más popular de Mahler.\nGustav Mahler. Retrato tomado en 1898.\nLa Sinfonía Nº 4 está atravesada por la dulzura e inocencia en correspondencia con el poema elegido para el movimiento final, donde aparece una soprano: Das himmlische Leben (La vida celestial). Es que tras el intento por construir un poema sinfónico-vocal en seis partes, Mahler descarta los segmentos vocales del plan inicial y sólo guarda para el final la canción inspirada en Des Knaben Wunderhorn. «Lo que quería, en realidad, era escribir un humoresque sinfónico, pero la cosa acabó teniendo las dimensiones normales de una sinfonía», dejó escrito el autor, al respecto. Así, su Cuarta acabó teniendo el siguiente esquema en cuatro movimientos, de unos 50 minutos de intepretación:\n4. Sehr behaglich (con texto de Des Knaben Wunderhorn).\nEl primer movimiento de esta obra (Bedächtig. Nicht eilen) inicia con unos célebres cascabeles y los oboes a un ritmo vivaz, que se atenúa con la entrada de las cuerdas. La aparente trivialidad a lo Haydn de este segmento oculta en realidad un complejo entramado de temas que se suceden, entre los que se deja incluso oír lo que podría considerarse un anticipo de la trompeta de llamada de la Sinfonía Nº 5. Se imponen, sin embargo, dos temas, sobre los que Mahler trabaja una forma sonata de gran virtuosismo. La cándida belleza de este movimiento es seguida por una segunda parte, en la línea de un scherzo, más rústica y cuya principal característica es el sonido del violín principal, que debe estar afinado medio tono más alto para sugerir cierta diabólica maldad.\nMahler en un dibujo de Emil Orlik, fechado en 1899.\nEl tercer movimiento, con la forma sonata-rondó, es el lento (Ruhevoll. Poco adagio): una de esas páginas mahlerianas que derrochan sutil belleza, en el que es el segmento más largo de la obra. El final lo compone el Lied en el que puede cantar una soprano o un niño (Mahler imaginó que allí cantaba un ángel que contemplaba la belleza del cielo), y que finaliza con un pianísimo ensoñado y conmovedor. Allí se cantan, lejos de la espiritualidad etérea, las bellezas materiales del cielo, un paisaje en el que abundan la sensualidad corpórea, las buenas comidas y la fiesta. Un paraíso tangible e infantil, con reminiscencias epicúreas y elementos islámicos, si se permite la observación para un Lied de un compositor que acababa de convertirse, por razones prácticas, al catolicismo.\nDel rechazo a la popularidad\nSi, como decíamos, la Sinfonía Nº 4 de Mahler tuvo un comienzo errático, hoy se muestra como una de sus obras más interpretadas y más grabadas. La belleza de su creación, su brillo frágil y su menor nivel de exigencia en cuanto a efectivos orquestales, hace posible ese presente. A la hora de buscar, entre todas, a las mejores grabaciones, no caben dudas de que la tarea no es fácil. Y es que la Cuarta muestra no sólo el abordaje de directores que han llevado a Mahler por bandera, sino a algunos que tienen a ésta como única obra grabada del compositor austríaco. Por todo ello, nuestro recorrido por los mejores registros de esta obra será amplio y variado. E incluirá, por razones de calidad y no por un interés histórico, versiones de todas las épocas: desde las pioneras grabaciones de Mengelberg y Walter a recientes como las de Zinman y Fischer, pasando por las de Kletzki, Reiner, Barbirolli, Tennstedt y Sinopoli, sin olvidarnos, claro, de la mejor de todas: la de George Szell.\nMengelberg: una versión peculiar\nLa versión de Willem Mengelberg de esta Cuarta sinfonía es uno de los documentos históricos más importantes en cuanto a las cualidades del director y también en cuanto a la libertad con que interpretaba a un compositor al que supo difundir, como pocos, en la mitad del siglo XX. La toma en vivo, en noviembre de 1939, de este concierto de la Orquesta del Concertgebouw, que (polémica nazi aparte) Mengelberg haría grande, es un verdadero prodigio. No tanto por su nivel sonoro, que ha conseguido ser mejorado en las diversas ediciones, sino porque es ciertamente la versión de un director genial.\nVersión no apta para «objetivistas», es quizá la Cuarta de Mahler con más rubato de la historia, algo que salta al oído con la sola escucha del primer movimiento. No hay, sin embargo, nada fuera de lugar: los portamentos de Mengelberg son obras maestras y las cuerdas, en este caso, como en otros los bronces de la orquesta del Concertgebouw llevan a la obra al plano que se busca en el último movimiento, como si todo lo anterior fuera un sendero destinado a esa voz angelical, en este caso, la de una Jo Vincent que consigue sonar infantil a pesar de la tendencia a la oscuridad de su registro. Uno de los hitos de la discografía mahleriana, sin duda, y que supera por nivel y personalidad a la pionera en esta sinfonía (es decir, al registro de nueve años antes, a cargo de Hidemaro Konoye y la Nueva Orquesta Filarmónica de Tokio).\nWalter, con su sello\nCon nueve versiones editadas en disco de la Sinfonía Nº 4 de Mahler, su discípulo por antonomasia, Bruno Walter, es también uno de los grandes intérpretes de la obra. Difícil es elegir una sola de sus versiones, pero en este caso, aunque su única grabación oficial corresponda a una con la Filarmónica de Nueva York (Sony, 1946), elegimos destacar la penúltima de las grabaciones disponibles: se trata del disco de 1955 (DG, con ediciones alternativas en Andante y en Andromeda), que registra un concierto al mando de la Orquesta Filarmónica de Viena, y con la soprano Hilde Güden como solista.\nLas consabidas claridad y limpidez de Walter hallan aquí un buen ejemplo. Y es interesante comparar esta versión, o cualquiera de las de este director, con la de Mengelberg, pues muestra la pluralidad de enfoques que le daban a las obras de Mahler sus primeros difusores. Esta tardía versión del conductor tiene todo lo que puede pedirse del Mahler de Walter: en la aparente objetividad se esconde un lirismo no exento de aristas densas y pesimistas, un dejo de melancolía que reviste sobre todo los momentos a priori más luminosos de la partitura (el arranque con campanillas, el momento más evocativo del Ruhevoll, la sección media del último movimiento), al que se pliega a la perfección Güden, soprano austríaca, de raigambre mozartiana que no queda a la zaga de la versión, a excepción del comienzo de su Lied. Es cuando se suelta tras las primeras frases que encuentra su punto, sobre todo al darle a su canto una pátina infantil que no eclipsa su bella voz.\n¿Es mejor esta Cuarta por Walter que aquélla de 1950 con la New York Philharmonic o que la de 1960, de nuevo con la Filarmónica de Viena y la superdotada Elisabeth Schwarzkopf en el cuarto movimiento? Difícil es saberlo. En cualquier caso, esta versión en vivo de 1955 nos permite sentir la batuta maestra de Walter tocando a Mahler en su momento cumbre. Y eso es ya mucho.


Estás aquí: Inicio >> Lecturas >> El saber didáctico Alicia R.W. de Camilloni\nSegún palabras de la prestigiosa profesora e investigadora Alicia R.W. de Camilloni:\n"...Nos hemos propuesto realizar una reflexión sistemática sobre algunos de los problemas teóricos que hoy resultan centrales para la didáctica, a la que definimos como teoría de la enseñanza y a la que concebimos, al menos, a partir de una definición pragmática, como una ciencia social. Los muchos avatares que experimentó en el curso de su desarrollo, ligados a la variedad de situaciones sociohistóricas que enmarcaron la construcción de la teoría didáctica a lo largo de varios siglos de su existencia formal como disciplina, así como la heterogeneidad de problemas prácticos que debió tratar de soluciionar, han contribuido en cierto modo a desdibujar su campo. Al mismo tiempo, sometida a prueba su solidez, pudo demostrar su fortaleza no sólo porque, a pesar de todo, tuvo capacidad de perduración a lo largo del tiempo sino también porque desplegó su interés a través de la elaboración de renovadas propuestas destinadas a mejorar la enseñanza...".\nEn cuanto a los argumentos a favor de la didáctica, que las autoras se proponen demostrar que es una disciplina necesaria, Camilloni dice:\n"a)La educación ha asumido variadas formas según los fines que la animan de acuerdo con las concepciones de sociedad, de cultura y de hmbre que le sirven de sustento. Es así como, cuando estudiamos diferentes sistemas educativos organizados sobre diferentes formas de persuasión y que algunos adoptan, incluso modalidades de adoctrinamiento. Observamos que, con frecuencia, el logro de los fines ha primado por sobre la consideración de la ética de los medios pedagógicos y que, cuando esto ocurre, es porque una ideología de la eficacia ha tendido a privilegiar los resultados a costa de la consideración de la correspondencia entre la modalidad de la formación que se brinda y la libertad del sujeto. Si por nuestra parte, creyéramos que todas las formas de influencia sobre las personas , independientemente de las posibilidades que ellas otorguen al despliegue de disposiciones personales y del respeto a su libertad, pueden ser consideradas modalidades legítimas de educación, entonces podríamos afirmar que la didáctica no es necesaria..."\n¿En qué consiste el saber didáctico? ¿Cuál es su especificidad? ¿Cuáles son los aportes recíprocos entre la didáctica general y las didácticas especiales? Este libro propone un recorrido que va desde los orígenes del pensamiento didáctico hasta los últimos desarrollos de la teoría didáctica, con el propósito de identificar e historizar la emergencia de determinadas preocupaciones y propuestas y delimitar las líneas en torno de las cuales se organiza la producción reciente.\nLos distintos capítulos explican los problemas relativos a la elaboración y el uso de conocimientos acerca de la enseñanza y el currículo. Desde una perspectiva didáctica, las autoras analizan las particularidades de la actividad de enseñanza y las diferentes facetas implicadas en su estudio. Y lo más importante, exponen los desafíos que plantea el diálogo entre el saber didáctico y los docentes, en definitiva los destinatarios, intérpretes y usuarios de este discurso.\nEscrito por docentes de la cátedra de Didáctica I de la Universidad de Buenos Aires, este libro sintetiza más de diez años de reflexiones acerca del campo, nacidas de la actividad de investigación, gestión y asesoramiento desarrollada en diferentes ámbitos del sistema educativo. Destinado a especialistas en educación y didáctica, a formadores de docentes, estudiantes de profesorados y profesores de los distintos niveles del sistema y de las diferentes áreas curriculares, este libro será además de valiosa utilidad como material de lectura en cursos de formación docente y otras instancias de capacitación en el campo de la didáctica.\nLas autoras son investigadoras del Instituto de Investigaciones en Ciencias de la Educación de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, actualmente en el Proyecto F162 UBACyT de dicha Universidad. Algunos temas fueron estudiados previamente en el marco de los proyectos F015 y TL60, también del Programa UBACyT.


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Noticias Archivi - Santa Teresa Gallura Turismo\nNoticiasPor Redazione mayo 22, 2020\nLa Bandera Azul es un reconocimiento internacional otorgado por la FEE Italia (FoundationforEvironmentalEducation) a las localidades turísticas de playa que respetan criterios de gestión sostenible del territorio. Santa Teresa Gallura, también este año, confirma sus cuatro banderas de las playas Rena Bianca, Rena di Ponente y Rena di Levante en Capo testa y la playa…\nSanta Teresa Gallura municipio turístico es: MAR ACTIVIDADES AL AIRE LIBRE CULTURA EVENTOS En el territorio podrás descubrir el placer de hacer cicloturismo entre los perfumes y colores de la naturaleza; hacer un curso de buceo en el mar para profesionales y aficionados en una escuela abierta todo el año; cultivar la pasión del kayak…\nSanta Teresa events. Qué se puede hacer en primavera y en otoño en las Gallura Hilghlands\nEntrevistas, NoticiasPor Redazione mayo 22, 2020\nDos estaciones llenas de fiestas, espectáculos, deportes, y no solo: durante los meses más suaves en Santa Teresa Gallura se organizan eventos y talleres dedicados a toda la población. Cultura, tradición y enogastronomía, se unen a la tecnología y a un importante proyecto que ve a Santa Teresa Gallura como un importante destino turístico ambicionado…


Gobierno de Maduro aplica 485% más represión que su antecesor - Espacio Público\nGobierno de Maduro aplica 485% más represión que su antecesor\n10 junio, 2014\tLibertad de Expresión, Noticias Deja un comentario\nTras el esfuerzo conjunto de 9 organizaciones, este martes 10 de junio fue presentado el informe “Venezuela 2014: Protestas y derechos humanos”, donde se registran las principales tendencias en las violaciones ocurridas en el país entre los meses de febrero y mayo de 2014. La sistematización desea dejar constancia sobre el tratamiento no democrático del Gobierno al descontento social que se viene reflejando en las calles a través de múltiples formas y, en segundo lugar, dar una visión integral de las violaciones a los derechos humanos para que la sociedad exija investigación y sanción a los responsables.\nSobre las vulneraciones al derecho a la manifestación, el informe afirma que las declaraciones de altos funcionarios del Ejecutivo sobre los responsables de las tres primeras víctimas, asesinadas el 12 de febrero en Caracas, violando el debido proceso, escalaron peligrosamente el conflicto. Durante los meses de febrero y marzo de 2014, se calculó que en 16 estados del país se habían desplegado por lo menos 20 modalidades diferentes de protestas, las cuales contaron con la participación de 800.000 personas. Según una muestra tomada en 7 estados del país (Distrito Capital, Lara, Táchira, Bolívar, Mérida, Carabobo y Zulia) entre los meses de febrero y abril de 2014, el 93.35% de las manifestaciones fueron de carácter pacífico y el 34,05% fueron reprimidas. Esta última cifra contrasta con la cifra más alta de las reprimidas por el gobierno del presidente Chávez, 7% para el año 2009. De esta manera, el gobierno de Nicolás Maduro reprime 485% más que su antecesor. Por otra parte, la Guardia Nacional Bolivariana es el organismo responsable de más protestas reprimidas, siendo los estados Zulia y Lara donde se registraron proporcionalmente las mayores cifras: En esos estados, de cada 2 manifestaciones realizadas, una fue reprimida.\nSobre el uso excesivo de la fuerza y las violaciones a la integridad personal, en los casos registrados ninguno de los funcionarios policiales y militares actuó apegado a criterios de proporcionalidad en el empleo de la fuerza y en atención a la reducción al mínimo de los posibles daños que generaran sus actuaciones. Entre los meses de febrero y abril de 2014, el informe registró e individualizó un total de 854 heridos y lesionados en el contexto de las protestas. Del total, 138 fueron heridas de bala mientras que 330 fueron heridas causadas por perdigones. Los registros de las organizaciones reflejan que el número de personas heridas y lesionadas sufrió un incremento de 270% con respecto a los 12 meses de 2013, cuando se registraron 316 víctimas producto de heridas o lesiones en manifestaciones. Asimismo, el número de heridos y lesionados representa la cifra más alta registrada en los últimos 10 años. 333 de los casos registrados tuvieron como responsable a la Guardia Nacional Bolivariana.\nAl cierre del informe se habían registrado 157 casos de torturas y malos tratos. Las alegaciones de torturas y malos tratos se produjeron en diversos centros de detención y muchos de los detenidos fueron víctimas de abusos en más de un centro de detención e incluso durante los traslados. El tipo de maltrato físico más reportado fueron golpes con puños y patadas, estas últimas, frecuentemente, propinadas con bota militar. Se registraron también golpes con las cachas de armas cortas o culatazos con arma larga, en ocasiones, de manera repetida. El informe detalla casos con nombres y apellidos, como el de Marco Coello, a quien funcionarios del CICPC le envolvieron el cuerpo con goma espuma, para después propinarle golpes con bates y otros objetos contundentes. Asimismo, se reportaron 6 casos de amenazas de abuso sexual contra mujeres detenidas.\nSobre las detenciones arbitrarias y violaciones al debido proceso\nEntre febrero y mayo de 2014 se contabilizaron 3.127 detenciones arbitrarias a ciudadanos en el contexto de las manifestaciones realizadas en el país. De ellas 2.463 ciudadanos fueron sometidos a regímenes de presentación en tribunales, lo que sumado a los 2.400 casos que ya existían, da un total de 4.863 personas sometidas a regímenes de presentación por haber participado en una manifestación en el país. Detenciones indiscriminadas y selectivas son dos de los patrones registrados para las privaciones arbitrarias de libertad. El informe también da cuenta de detenciones realizadas por civiles, el forjamiento de pruebas incriminatorias y el robo de sus pertenencias a personas privadas de libertad.\nEspacio Público exige al Estado detener amenazas a funcionarios por ejercer derechos políticos\nAcerca de las violaciones a la libertad de expresión y los ataques a periodistas, durante el primer cuatrimestre del año 2014 se registraron 174 casos que abarcaron 325 violaciones a la libertad de expresión. Esta última cifra representa un aumento de 240% respecto al mismo período del 2013. Las denuncias recibidas incluyen 37 detenciones, 67 agresiones, 31 robos o hurtos, un herido de bala y una persona fallecida: el ingeniero José Alejandro Márquez fue golpeado por efectivos de la Guardia Nacional la noche del 19.02.14 por grabar las manifestaciones escenificadas en La Candelaria, Caracas.\nEn el contexto de las manifestaciones de febrero a mayo, la criminalización, represión y violación de DDHH tomó una nueva dimensión: ataques generalizados y sistemáticos a zonas residenciales por ejercer el derecho a la manifestación. Los ataques ocurrieron en 14 estados del país y fueron documentados en el informe para 4 estados (Bolívar, Zulia, Táchira y Lara), encontrándose un total de 204 ataques en 105 residencias o áreas habitadas. En el 81% de estos ataques participó la GNB, en 17% actuaron las Policías Estatales, en 12% el Ejército, y en 8% la Policía Nacional Bolivariana. Asimismo, en el 26% también actuaron grupos de agresores civiles que, en un 61%, actuaron en coordinación y bajo el amparo de los funcionarios militares y policiales. En Bolívar, la actuación conjunta fue de 100% y en Lara de 86%, estados donde tuvieron mayor presencia. Además, en 36% de los ataques se produjeron daños a bienes privados y en 34% allanamientos ilegales con el objetivo de capturar a supuestos manifestantes.\nSobre las violaciones al derecho a la vida, el informe identifica 41 víctimas, 27 de las cuales resultaron asesinadas por armas de fuego. Queda la responsabilidad a la administración de justicia investigar y determinar cuáles de las personas asesinadas murieron como consecuencia de disparos realizados por integrantes de cuerpos armados del Estado y cuáles por actuación de particulares que dispararon contra los manifestantes o contra los organismos policiales y militares. Ningún caso debe quedar impune. El Ministerio Público debe investigar las otras 14 muertes que se produjeron en diversas circunstancias y establecer responsabilidades donde haya lugar y aclarar al país aquellas donde la causa fue accidental.\nLas organizaciones reivindican el derecho a la manifestación pacífica, rechazan la criminalización de la protesta y condenan la violencia, tanto la perpetrada por el Estado mediante un uso excesivo de la fuerza como la practicada por particulares. Exigen investigación de todas las violaciones a los derechos humanos y sanción a los responsables, así como de los delitos cometidos por particulares que dejaron innumerables víctimas muertas o heridas y daños a la propiedad. Condenan los ataques perpetrados contra comunicadores sociales y rechazan las diversas formas de violaciones a la libertad de expresión que se produjeron.\nAnterior BCV en mora con la publicación de cifras oficiales\nSiguiente Censuran a Chataing en Televen


Artículos | Gaspar Rosety | Página 50\nEl Atlético ha sido siempre un grande de nuestro fútbol y lo será siempre, en Primera, en Segunda, como campeón o como último. La grandeza se refrenda con los títulos pero se gana día a día con la historia. Lamento sus avatares porque mi cariño hacia muchos de sus dirigentes, ejecutivos, empleados y seguidores es […]\nSuele decirse, con ánimo descalificador, que la liga española es una competición a la escocesa. Mientras que en las orillas futbolísticas del lago Ness se reparten el botín el Celtic y el Rangers, aquí lo distribuyen históricamente el Real Madrid y el Barcelona. Sin embargo, observando las ligas más poderosas, Inglaterra, Alemania, Italia, Francia, Argentina […]\nMinuto en Wembley\nEl silencio que se guardo en Wembley durante un minuto refleja el enorme respeto y educación de los casi noventa mil espectadores por el fútbol, por la vida y por la memoria. Nunca antes, en los miles de partidos que he vivido, sentí una emoción como la que el sábado recorrió mi alma en […]\nEl nuevo presidente del Gobierno de España ama el deporte, lo sigue, ha sido espectador privilegiado en muchas competiciones y recuerdo haber compartido con él una legendaria ascensión a los Lagos de Covadonga, cuando la Vuelta Ciclista a España estaban en las manos generosas del añorado Enrique Franco y del genial Manolo Díaz. Rajoy tuvo […]\nHe leído, con disgusto y pena, las noticias del encarcelamiento de Juan Castaño Quirós, “Juanele”, exjugador del Sporting, Tenerife, Zaragoza, internacional y mundialista. Un genio creado en el desequilibrio de los abismos y las cumbres, futbolista de calidad y goles, un hombre al que quiero muchísimo. “El Pichón de Roces” siempre ofreció un carácter peculiar. […]\nLos agentes, intermediarios, representantes o managers de deportistas constituyen un colectivo que adquiere cada día mayor relevancia y no siempre con buena imagen. Parece natural que allí donde corren ríos de dinero y comisiones, pagos en territorios fiscalmente distinguidos o cifras que aumentan sorprendentemente fichajes y traspasos, convivan siempre la sombra de la sospecha, la […]\nSe enfrentó a la complicadísima tarea de sanear los números del Valencia CF sin perder capacidad competitiva, es decir, conseguir los mismos éxitos con mucho menos dinero. A priori, una misión imposible y, sin embargo, lo ha hecho. Llorente es un hombre de empresa, a quien conozco, aprecio y valoro mucho desde hace tiempo. Su […]\nLlegó de Argentina para quedarse aunque no perdió un gramo de su acento porteño ni un ápice de su pasión por el fútbol. Se puso los guantes salmantinos y se convirtió en uno de los más grandes guardametas que hayamos visto. La tarde que el balón puso precio a su salud, y le costó un […]


Angel de Miguel Moral, autor en Burgosdeporte - Página 2 de 6\nAngel de Miguel Moral - 18 julio, 2021\nAngel de Miguel Moral - 15 julio, 2021\nLos mediofondistas Manuel del Prado y David Carranza competirán en 1500 metros lisos y 800 metros lisos respectivamente. La velocista Lucia Carrillo lo hará en los 200 metros lisos y en el relevo corto (4x100). Los tres burgaleses...\nAngel de Miguel Moral - 11 julio, 2021\nEva Santidrián se ha proclamado subcampeona de Europa en el relevo corto (4x100m) tras hacer una sensacional 3ª posta. Cristina Ruiz terminó 6ª en los 5000 metros lisos. La velocista burgalesa, Eva Santidrián, ...\nAngel de Miguel Moral - 9 julio, 2021\nEl terrible error de la organización de tocar la campana 2 vueltas antes del final impide al burgalés lograr su mejor marca personal en su última carrera antes de Tokio 2020. Daniel Arce junto a Mohamed Katir.\nLas atletas burgalesas que vienen de quedar campeonas de España sub23 en las pruebas de 5000 metros lisos y 200 metros lisos representarán a la selección española este fin de semana en Tallin. Cristina lo hará en los 5000 ml y Eva...\nAngel de Miguel Moral - 7 julio, 2021\nEl club de atletismo Image FDR finaliza el Campeonato de España de Clubes Máster 1ª División en 7ª posición con 67 puntos, descendiendo de esta forma de la máxima categoría del atletismo español. Los...\nAngel de Miguel Moral - 5 julio, 2021\nAngel de Miguel Moral - 2 julio, 2021\nHotel Ciudad de Burgos. 2021 sonríe a los atletas burgaleses y a su entrenador Benjamín Álvarez. Daniel Arce y Jesús Gómez se estrenarán en una cita olímpica, pasando por Tokio este verano. Los castellanos participarán en la disciplinas...\nLucía Carrillo, David Carranza y Manuel del Prado buscan medalla\nAngel de Miguel Moral - 1 julio, 2021\nUn total de 11 atletas burgaleses participan este fin de semana en el campeonato de España sub-20 en el cual además de las opciones de medalla, está en juego el Europeo Junior. Lucía Carrillo buscará la medalla en...\nDani Arce demuestra su gran estado de forma en Castellón\nAngel de Miguel Moral - 30 junio, 2021\nFundación Caja Círculo (Fotografía: AMM/Burgos Deporte) El fondista burgalés, Dani Arce, vence en la prueba de 3000 metros obstáculos para resarcirse por lo ocurrido en el campeonato de España y presenta su candidatura para...


Destinos para disfrutar de un verano de aventura - La Opinión A Coruña\nUna selección de lugares para realizar actividades al aire libre, superar retos y soltar adrenalina\nc. doval 02.08.2019 | 08:48\nViajes para los más aventureros. Shutterstock\nViajes para los más aventureros.\nLas clásicas vacaciones de sol y playa no satisfacen al viajero más inquieto y aventurero que quiere huir del mundanal ruido. Perderse por un bosque practicando trekking, escalar una montaña con el riesgo y la pericia que ello conlleva, o adentrarse en una jungla en busca de animales exóticos suponen más que unas vacaciones: es experimentar la sensación de estar vivo y en contacto con la naturaleza más extrema. Los amantes de este tipo de viajes lo tienen hoy más fácil gracias a las agencias especializadas en turismo de aventura, que no dejan nada al azar. Si todavía no has decidido destino para tus próximas vacaciones, toma nota de estos sitios para vivir un verano de aventureros.\nTierra de auroras boreales y volcanes, Islandia posee una de las rutas para disfrutar a pie más bellas del mundo. La travesía de Laugavegur trascurre por glaciares, montañas verdes, paisajes volcánicos, aguas termales y cascadas. Y los amantes de las series podrán descubrir los lugares donde se rodó la emblemática serie 'Juego de Tronos'.\nReunión, Mauricio y Rodrigues son tres de las islas que componen el archipiélago de las Mascareñas, descubierto en 1513 por el navegante portugués Pedro de Mascarenhas. Rutas plagadas de vegetación exhuberante, volcanes de otro mundo, cascadas submarinas, playas salvajes y blancas, y un paraíso de tortugas.\nEn la Sierra Nevada, Colombia, se esconden las ruinas de la antigua ciudad de Teyuna, fundada en el año 800 por los taironas y descubierta en 1975 por un grupo de saqueadores de tesoros. Para llegar hasta ella se requiere superar una exigente caminata de varios días a través de un fascinante bosque tropical, vadeando ríos, subiendo montañas, y haciendo noche en poblados indígenas.\nUn viaje por la península siberiana es una aventura explosiva. Kamchatka está rodeada de decenas de volcanes activos, como el Mutnovsky, el Gorely o el Kluchevskoy, el más grande de Eurasia con sus 4.850 metros de altura. Las rutas diseñadas a través de la tundra rusa suponen darnos de bruces con una variada fauna que incluye zorros, perros de las praderas e incluso osos.\nLa tercera isla más grande del mundo es un paraíso natural. La experiencia borneana puede llegar a ser inabarcable: espesas junglas que dan cobijo a primates como orangutanes, monos narigudos o macacos, plantas carnívoras, y todo tipo de especies exóticas. Playas de cuento y cruceros de ensueño por el río Kinabatangan pueden combinarse con la visita al monte Kinabalu, donde está la vía ferrata (ruta equipada con material de escalada) más alta del mundo (3.800 metros).\nExpedición a la cordillera Ellsworth\nViajar a la Antártida está ahora al alcance de cualquiera, previo desembolso, eso sí, de una cantidad considerable. Pero ojo, porque es un destino, además de para los más pudientes, para los más preparados. El continente helado simboliza lo más salvaje de nuestro planeta. Un lugar desolado, extremo y prácticamente virgen. La imponente cordillera Ellsworth es un reto para los aficionados al alpinismo.\nUn volcán entra en erupción en la Isla Reunión.\nLos dinosaurios sí se extinguieron por un meteorito.\nMás de 24.500 evacuados en Filipinas por el volcán Taal, que ya escupe lava.


BOE.es - BOE-A-2011-20270 Resolución de 18 de noviembre de 2011, de la Autoridad Portuaria de Barcelona, por la que se crea y regula el registro electrónico de la entidad.\n«BOE» núm. 311, de 27 de diciembre de 2011, páginas 142160 a 142164 (5 págs.)\nDe acuerdo con las competencias que la Ley de Puertos del Estado y de la Marina Mercante atribuye al Consejo de Administración de la Autoridad Portuaria, y en ejercicio de las facultades expresamente delegadas a favor de esta Presidencia por dicho Consejo, en sesión celebrada con fecha 26 de octubre de 2011, este órgano de gobierno acordó la creación y regulación de un servicio de registro electrónico para la recepción y remisión electrónica de solicitudes, escritos y comunicaciones relacionados con los procedimientos de la competencia de esta Autoridad Portuaria.\nEn aplicación de las mencionadas previsiones legales, esta resolución tiene por objeto la creación y regulación del registro electrónico de la Autoridad Portuaria de Barcelona.\nEsta resolución tiene como objeto la creación y regulación del registro electrónico de la Autoridad Portuaria de Barcelona, en adelante registro electrónico, para la recepción y remisión, por vía electrónica, de solicitudes, escritos, comunicaciones y los documentos adjuntos, en el ámbito de los procedimientos incluidos en el Anexo I, de conformidad con lo previsto en el artículo 24 de la Ley 11/2007, de 22 de junio, de acceso electrónico de los ciudadanos a los servicios públicos y en el artículo 27.1 del Real Decreto 1671/2009, de 6 de noviembre, por el que se desarrolla parcialmente la citada Ley.\n1. El acceso de los interesados al Registro Electrónico se realizará a través de la Sede Electrónica de esta Autoridad Portuaria, en la dirección: https://seu.portdebarcelona.gob.es, bien directamente, bien a través del enlace a esa Sede que se halla en el portal http://www.portdebarcelona.es.\n2. En ningún caso tendrán la consideración de Registro Electrónico de la Autoridad Portuaria de Barcelona los buzones de correo electrónico corporativo asignados a los empleados o a las distintas unidades y órganos, ni los dispositivos de recepción de fax, salvo aquéllos supuestos previstos en el ordenamiento jurídico, tal y como determinan los artículos 27.3 y 27.4 del Real Decreto 1671/2009.\n3. En los términos previstos en el artículo 37 de la Ley 11/2007, de 22 de junio, será posible el seguimiento y consulta de los procedimientos tramitados por vía electrónica a través de su sede electrónica o de la Web del organismo, http://www.portdebarcelona.es, previa la identificación segura de los interesados.\n1. La gestión del registro electrónico corresponde a la Autoridad Portuaria de Barcelona, que la ejercerá a través de la Secretaria General. La gestión tecnológica corresponderá al área de Sistemas de Información de la Autoridad Portuaria de Barcelona.\na) El calendario de días inhábiles, que estará publicado en la sede electrónica de la Autoridad portuaria de Barcelona, se utilizará a efectos de cómputo de plazos en la Autoridad Portuaria de Barcelona.\n2. La identificación del ciudadano que presenta documentos ante el registro electrónico y la firma de los datos y documentos aportados se realizará mediante la utilización del documento nacional de identidad electrónico o cualquiera de los certificados electrónicos indicados en la sede electrónica de la Autoridad Portuaria de Barcelona.\n3. La sede electrónica de la Autoridad Portuaria de Barcelona informará sobre los sistemas de autenticación y firma utilizables para la presentación de escritos ante el registro electrónico a través de sus aplicaciones gestoras, con especificación, en su caso, de los servicios, procedimientos y trámites a los que sean de aplicación.\n4. La sede electrónica contendrá la relación de procedimientos que se podrán iniciar utilizando claves concertadas como mecanismo alternativo de identificación al certificado electrónico, según lo dispuesto en el artículo 13.2.c) de la Ley 11/2007, de 22 de junio, de acceso electrónico de los ciudadanos a los servicios públicos.\nSe admitirán los sistemas de firma electrónica que se detallan en la sede electrónica de la Autoridad Portuaria de Barcelona, conforme a lo establecido en el artículo 10 del Real Decreto 1671/2009.\nDisposición final primera. Habilitación al Secretario General de la Autoridad Portuaria de Barcelona:\n1. Se faculta al Secretario General de la Autoridad Portuaria de Barcelona para adaptar el registro electrónico a la normativa que resulte aplicable y a modificar el contenido de los anexos de esta resolución, con facultades para incluir o dar de baja, dentro del ámbito de aplicación de la misma, procedimientos, trámites y comunicaciones con acceso al registro electrónico.\n2. También se faculta al Secretario General de la Autoridad Portuaria de Barcelona para aprobar nuevos modelos normalizados y preimpresos con los que hacer efectivo el ejercicio de derechos, acciones y comunicaciones.\n3. En todo caso, la inclusión de nuevos procedimientos dentro del ámbito de competencias de la Autoridad Portuaria de Barcelona y el establecimiento de otros modelos normalizados o la modificación de los actuales, se publicarán en la web del organismo y en su sede electrónica.\nSolicitud genérica: procedimiento que permite presentar cualquier solicitud, escrito o comunicación genérica, y sus documentos adjuntos, dirigidos a la Autoridad Portuaria de Barcelona.\nSolicitud de Autorización Genérica: procedimiento que habilita a su titular a desarrollar la actividad del transporte terrestre de contenedores en el Puerto de Barcelona durante un periodo de tiempo de tres años, con unos conductores y unas tractoras determinados.\nSolicitud de Autorización Específica: procedimiento que habilita a su titular a realizar operaciones concretas en terminales de contenedores y/o depósitos de contenedores (depots) concretos en el Puerto de Barcelona, con un conductor y una tractora determinados, durante un periodo de cuarenta y ocho horas y comporta la tramitación del preaviso o preavisos precisos para tales operaciones.\nSolicitud de envío de preavisos: procedimiento que permite a las empresas con autorizaciones genéricas o específicas, el envío de mensajes telemáticos en el que la empresa de transporte facilita a la terminal de contenedores y/o depósitos de contenedores los datos correspondientes al contenedor con el que desea operar.\nEl documento de requisitos técnicos actualizados, que incluye la relación de certificados digitales admitidos, la relación de navegadores soportados y los formatos de documentos admitidos, así como cualquier otro requerimiento técnico, se encontrará accesible en la sede electrónica de la Autoridad Portuaria de Barcelona.


La vida y obra de Gabo en cómic\nEn el marco del Hay festival 2013 será lanzado ‘Memorias de una vida mágica’, un creativo homenaje al Nobel colombiano.\n“Agradezco a la Academia de Letras de Suecia el que me haya distinguido con un premio que me coloca junto a muchos de quienes orientaron y enriquecieron mis años de lector y de cotidiano celebrante de ese delirio sin apelación que es el oficio de escribir. Sus nombres y sus obras se me presentan hoy como sombras tutelares, pero también como el compromiso, a menudo agobiante, que se adquiere con este honor”\nHace treinta años Gabriel García Márquez recibió el Premio Nobel de Literatura, hoy su vida y obra se convierte en un comic al estilo de Rey Naranjo Editores, en un homenaje al colombiano más universal. Las ilustraciones del caribe colombiano son la puerta de entrada para que los más chicos conozcan su obra literaria. Esta es la primera vez que la vida del Nobel es llevada a este formato.\nPortada del libro Memorias de una vida mágica.\nEl equipo de trabajo liderado por John Naranjo y Carolina Rey, cuenta con guionistas e ilustradores que se dieron a la tarea de investigar las novelas, videos y testimonios de Gabriel García Márquez para contar su vida a través de secuencias narradas cinematográficamente.\nIlustración de Felipe Camargo.\nLa historia va dirigida a niños y jóvenes, entre los 10 y 16 años, a quienes les gusta el cómic y quieren indagar en la vida de este escritor colombiano. Con esta propuesta se espera que los universos de la literatura y el cómic se unan. Un homenaje al autor de Cien Años de Soledad, El Coronel no tiene quien le escriba y Vivir para Contarla. El libro será lanzado en el marco del Hay Festival 2013 el próximo 25 de enero, en Cartagena.\nJohn Naranjo, editor del libro, propone otras obras cinematográficas y literarias contadas a través de las ilustraciones: En este momento estamos realizando varios proyectos que involucran personajes de la literatura. “Tenemos, en Rey Naranjo Editores, una colección especializada en novela gráfica y esta está respaldada por títulos como ‘Chico y Rita’ de Fernando Trueba y Javier Mariscal, o ‘La chica de polvo’ de la coreana Jung Yumi. Para nosotros es importante educar al público en cuanto que los cómics no son solo superhéroes, pues allí encontramos una infinidad de temas, como lo son las biografías y las historias de vida”\nPara más información visita: http://www.reynaranjo.net/\nColombiaCulturaGabriel García Márquez\nEl sensual masaje de Johanna Fadul a Juanse Quintero


Hallan fósil de dinosaurio similar a pato con cuello de cisne y aletas de pingüino\nEl fósil fue encontrado incrustado en una roca en lo que hoy es Mongolia\nSu fósil se halló incrustado en una roca, en lo que hoy es Mongolia, y vivió durante la etapa Campaniense del Cretácico –hace entre unos 71 y 75 millones de años–. El nuevo espécimen, según relatan en la revista Natureinvestigadores del Museo Giovanni Capellini (Italia), tiene características extrañas que comparten con grupos de reptiles y aves acuáticas o semiacuáticas. Llegaron a esta conclusión al escanear los restos mediante radiación sincrotrón de alta resolución.\nHalszkaraptor escuilliei es una nueva especie de dinosaurio con cuello de cisne y aleta delantera. Pertenece al grupo de los manirraptores, que incluye a las aves y a sus parientes más cercanos.\nDurante el Cretácico, varios de sus linajes desarrollaron diferentes características relacionadas con los ecosistemas que habitaban: vuelo activo, gigantismo, cursorialidad (una adaptación específica para correr) y alimentación hervíbora.


Casa Interior (Arriendo) - Casas - Chile - Elarriendo.cl - Publica tu\nCasa Interior (Arriendo)\nSe arrienda casa interior Sector Villa Italia. La casa se encuentra equipada, tv, cable, wifi. El agua y la luz va incluido en el arriendo.(Amoblada cama de 2 plazas).\nPreferencia 1 Persona.\nFecha de publicación 25-07-19\nMetros cuadrados 1111.00\nEnviar mensaje Teléfono: 953398706\nÚltima sesión: 2019-11-18 12:34:03\nCLP250.000 Se arrienda casa interior Sector Villa Italia. La casa se encuentra equipada, tv, cable, wifi. El agua y la luz va incluido en el arriendo.(Amoblada cama de 2 plazas). Preferencia 1 Persona.\nisolina cartes campos\nARRIENDO CABAÑA LICANRAY\nCLP35.000 Acogedora cabaña ubicada en un sector tranquilo, libre de atochamientos vehiculares, a minutos del centro de Licanray, casa para 6 personas, ubicada en el kilómetro 22 1/2, camino de Villarrica a Licanray, valor $ 35.000 diarios, temporada baja


Primeras fisuras en el Gobierno catalán por las dudas sobre el referéndum | Noticias de Nacional en Heraldo.es\nEl consejero de Empresa y Conocimiento admite que "el Estado tiene tanta fuerza que probablemente" no se podrá celebrar.\nEl consejero de Empresa y Conocimiento, Jordi Baiget, ha expresado hoy sus dudas sobre la viabilidad de un referéndum de independencia en Cataluña, al afirmar que "el Estado tiene tanta fuerza que probablemente" no se podrá celebrar y se hará "alguna cosa diferente que se puede parecer al 9N".\nBaiget es el primer miembro del gabinete de Carles Puigdemont que reconoce públicamente que puede que el 1 de octubre no haya referéndum. En una entrevista en El Punt Avui, el consejero ha admitido además que teme por su patrimonio familiar ante posibles acciones judiciales.\nUnas afirmaciones que ha ratificado posteriormente en declaraciones a los medios, en las que ha aseverado que si bien está "firmemente comprometido" con que el Gobierno catalán y el Parlament aprobarán la legislación necesaria para que los catalanes puedan votar el 1-O, no pueden cerrarse a "otras alternativas" para que los catalanes puedan pronunciarse en el caso de que el Estado vete ese referéndum.\nEn una conferencia posterior, otro consejero del ala más moderada del Gobierno catalán, Santi Vila (Cultura), ha coincidido con Baiget en que la participación será "la clave" que determinará el éxito o fracaso del referendo que acabe haciendo el Gobierno catalán, y ha dado su apoyo al presidente Carles Puigdemont, como también ha ratificado Baiget.\nDesde la CUP, no obstante, se ha pedido el cese inmediato del consejero Baiget: "Aquel consejero que piense que el 1 de octubre será un 9N y tenga miedos patrimoniales debería apartarse. Sin más excusas ni dilaciones. Responsablemente", ha dicho la diputada Mireia Boya.\nPor el contrario, el presidente del PPC, Xavier García Albiol, ha asegurado que al consejero Baiget "se le ha escapado en público" lo que piensa todo el Gobierno catalán en privado, incluido el presidente Puigdemont, y ha exigido una convocatoria anticipada de elecciones.\nLa diputada de Ciudadanos Lorena Roldán ha asegurado que las declaraciones Baiget demuestran la "crisis interna" del Gobierno catalán, que "no podrá cumplir" su compromiso de celebrar un referéndum, el líder del PSC, Miquel Iceta, ha dicho puede haber varios consejeros que compartan las afirmaciones del consejero de que "probablemente" no se podrá celebrar el referéndum de independencia.


Las cebras con manchas y rayas atípicas podrían ser una advertencia sobre el futuro de la especie | National Geographic\nLos patrones anómalos de algunos de estos animales podrían deberse a la endogamia, «una evidencia drástica» de cómo la fragmentación del hábitat puede afectar a la fauna salvaje, señala un nuevo estudio.\nfotografías de Brenda Larison\nPublicado 22 ene 2021, 10:27 CET\nUna cebra de llanura con una mancha que interrumpe sus rayas en el parque nacional de Akagera, Ruanda, en el 2018.\nFotografía de Brenda Larison\nCualquiera puede decirte que las cebras tienen rayas blancas y negras distintivas. Pero en algunos casos, estos equinos africanos lucen patrones de color insólitos, como manchones negros o rayas de color claro. También están apareciendo cebras con lunares. En 2019, en la reserva nacional de Masái Mara, en Kenia, los científicos documentaron un potro con lunares blancos que le cubrían el cuerpo de color pardo.\nEn general, estas anomalías —que a menudo son causadas por mutaciones genéticas que alteran la producción de melanina, un pigmento natural— son raras en mamíferos. Por eso a la bióloga Brenda Larison le sorprendió que una cifra inusualmente elevada —estimada en un 5 por ciento— de las cebras de llanura que viven cerca del lago Mburo, en Uganda, presentaran rayas anormales.\nAunque las cebras de llanura son las menos amenazadas de las tres especies, sus poblaciones han disminuido un 25 por ciento desde el 2002 y actualmente hay unos 500 000 animales distribuidos desde Etiopía hasta Sudáfrica. La fragmentación del hábitat provocada por las vallas, las carreteras y el desarrollo humano ha encerrado a las poblaciones de cebras, como la del lago Mburo, en pequeños tramos de tierra e impedido que algunos de los animales viajen entre rebaños.\nLas migraciones aportan nuevos genes a las poblaciones, por lo que son fundamentales para la supervivencia a largo plazo de una especie. La falta de flujo genético puede provocar endogamia y, a la larga, infertilidad, enfermedades y otros defectos genéticos.\n«La observación [de los patrones anómalos en cebras] hizo que me preguntara: ¿veo tantas en parte porque la población es endogámica?», afirma Larison, que estudia la evolución de las rayas de las cebras en la Universidad de California, Los Ángeles.\nPara descubrirlo, Larison y sus colegas realizaron análisis genéticos de 140 cebras de llanura —entre ellas siete animales con patrones inusuales en el pelaje— de nueve lugares de África, entre ellos el parque nacional de Etosha, en Namibia, y el parque nacional de Kruger, en Sudáfrica.\nSu estudio, publicado recientemente en la revista Molecular Ecology, desveló que las poblaciones más pequeñas y aisladas de cebras tenían una menor diversidad genética, lo que no es ninguna sorpresa. Pero el estudio también reveló que estos grupos aislados eran más propensos a producir cebras con rayas anómalas, lo que sugiere que estas mutaciones genéticas se deben a su poca diversidad genética.\nAunque el estudio solo analizó siete animales con patrones poco comunes, los resultados podrían ser una advertencia visual sobre el futuro de la cebra de llanura, señala Larison.\n«Aunque las cebras de llanura no están gravemente amenazadas, a menudo estos problemas genéticos aparecen antes de que empiecen a suceder cosas realmente problemáticas», afirma.\nUna cebra de llanura «rubia» o «dorada» junto a otra de color normal en el área de conservación del monte Kenia, en julio del 2018.\nEs posible que las rayas anómalas conviertan a las cebras en blancos más obvios para los depredadores; por ejemplo, la mayoría de los ejemplos documentados de cebras con lunares son en potros, no en adultos. Sin embargo, dentro de sus grupos familiares a las cebras no parece importarles quién tiene rayas y quién lunares, indica Larison, cuya última investigación sugiere que las rayas de las cebras las ayudan a evitar a los tábanos.\nAfirma que, de forma más inmediata, le preocupa la salud genética de la cebra de llanura. Para su análisis, Larison y sus colegas emplearon técnicas avanzadas de secuenciación genética para estudiar en detalle las diferencias entre las cebras endogámicas y entre las poblaciones de cebras de lugares diferentes.\n«Descubrimos que hay poblaciones que posiblemente estén divergiendo más de lo que harían en circunstancias normales, debido a la presión de la población humana», afirma Larison, cuyo trabajo cuenta con el apoyo de la National Geographic Society.\nEn otras palabras, las cebras están acercándose genéticamente dentro de sus poblaciones, pero estas poblaciones son cada vez más distantes genéticamente, reflejando su separación física. A largo plazo, esto podría dar lugar a una nueva subespecie de cebra de llanura.\nUna complicación para la conservación\nDesire Dalton, que estudia la genética de la fauna silvestre en el Instituto Sudafricano Nacional de Biodiversidad en Pretoria, indica que esto resulta preocupante porque una de las herramientas principales para los conservacionistas de cebras son los traslados: desplazar a los miembros de una población para que se apareen con los de otra.\nCon todo, si las poblaciones son demasiado diferentes genéticamente, puede ocurrir lo opuesto de la endogamia. Esto se denomina exogamia y provoca anomalías porque los genes son demasiado distintos.\nUn potro con pseudomelanismo, una rara mutación genética en la que los animales muestran algún tipo de anomalía en su patrón a rayas, bebe en un abrevadero en el parque nacional de Etosha, Namibia, en noviembre del 2011.\nHay investigaciones conflictivas sobre qué poblaciones de cebras de llanura podrían estar convirtiéndose en subespecies genéticamente diferentes. Los científicos todavía no han llegado a un consenso sobre cómo definir y agrupar a estas subespecies.\nPero Dalton estaba de acuerdo con el equipo de Larison en que definir estos grupos es fundamental para gestionar a la especie.\n«Hay que estar muy seguros de qué poblaciones podemos mezclar y cuáles hay que mantener separadas», afirma Dalton.\nEl nuevo estudio también es un recordatorio de que hay que vigilar a otras especies africanas que actualmente no parecen estar en apuros, afirma Philip Muruthi, vicepresidente de conservación de especies en la African Wildlife Foundation de Nairobi, Kenia.\nPor ejemplo, Muruthi teme que la cebra de llanura siga los pasos de otra especie africana emblemática: la jirafa.\nDebido a la pérdida de hábitat y la caza furtiva, principalmente, las poblaciones de jirafas han disminuido un 30 por ciento en los últimos 30 años; la Unión Internacional para la Conservación de la Naturaleza considera al animal vulnerable a la extinción. Con todo, el fenómeno es tan poco conocido que se ha descrito como una «extinción silenciosa».\nPor eso el estudio de las cebras es crucial: al «poner de manifiesto la posibilidad de que una especie común ya tiene problemas de conservación, nos dicen: “Este es el problema. No podemos esperar”», concluye Muruthi.