La Guitarra en La Ventana: 2016\nLa segunda parte de la trilogía navideña de Trans-Siberian Orchestra (TSO), "The Christmas Attic". Muestra mas composiciones de los integrantes de la banda (sobre todo de O´Neill y Kinkel), a diferencia de su predecesor, su opera prima "CHRISTMAS EVE AND OTHER STORIES" de 1996, que contenía varios arreglos de los mas populares tradicionales villancicos navideños. Cabe recordar que TSO es el proyecto del productor y compositor, y en ocasiones guitarrista rítmico, Paul O'Neill quien había producido y formado parte de la banda de heavy metal progresivo, Savatage y productor de bandas como Aerosmith, Humble Pie o Scorpions. En TSO uniría fuerzas con otros dos importantes compositores, Jon Oliva y Robert Kinkel. El nombre de la agrupación está inspirado en el Ferrocarril Transiberiano en Rusia, del cual Kinkel dice que conecta muchas culturas, al igual que la música. En sus inicios, para la perpetración de sus álbumes, TSO contaba con una orquesta completa y un coro con apoyos y solistas, como así también con un coro de niños. Su álbum debut, de impronta navideña, relataba la historia de un joven en un bar en Nochebuena, donde se encuentra con un misterioso anciano que le cuenta una historia sobre el efecto mágico del día de Navidad en la raza humana. El excelente resultado de esta temática en un álbum de concepto, los llevaría a seguir los mismos pasos en siguientes trabajos.\nCon la hermosa "The Ghosts Of Christmas Eve", TSO nos revela la historia detrás de "The Christmas Attic". Es sobre una niña pequeña explorando el ático de una antigua casa en la nochebuena. Son obvios los indicios que nos da la letra en la obertura:"En este cuarto donde las sombras viven y los fantasmas que han fallado aprenden que el tiempo perdona. Bienvenidos amigos, quédense por aquí por un rato. Nuestra historia comienza con una pequeña niña que paso la noche en un oscuro ático. Donde los sueños se almacenan como durmientes corazones...". Una bella melodía con el poder necesario para impregnarnos de el espíritu navideño y prepararnos para la historia del álbum. Enseguida un magnifico arreglo instrumental de el archiconocido clásico villancico galés "Deck The Halls" ("Adornen Los Salones"), con "Boughs Of Holly". Los arreglos están pasados por los tipicos elementos del rock progresivo, con buenos fraseos de guitarra y clásicos toques de teclados a cargo de Kinkel, obviamente respetando la melodía central.\nLa pequeña, entonces, comienza a leer algunas de las cartas que encuentra en un viejo baúl del ático. Y la primera carta que comienza a leer, en ese ático tan alejado de su cuarto, es sobre un padre tratando de decirle como su primer niño vivió la navidad. Es esto lo que describe "The World That She Sees" infundada por esos sentimientos de nochebuena y navidad desde la perspectiva de la niñez. La reedicion de este trabajo del año 2002 añade una canción mas, justamente seguida a esta: "The World That He Sees" que incorpora un nuevo relato, con un nuevo niño dentro de la carta del padre. Esa es la perspectiva de este otro niño que sueña con otro mundo, en otro tiempo y otro lugar, donde ningún hombre tiene que rendir cuenta a nadie, diciendo de donde es y cual es su color de piel. Se pregunta a la vez que pese a nuestras tan diferentes vidas, ¿por que no soñar esto todos juntos llegando estas épocas de navidad?. Pronto la niña oye un reloj sonando desde la torre de la ciudad, contemplando la luz de las estrellas apenas llegada la medianoche de navidad. Se preguntaba si esas estrellas estaban llenas de sueños de algún lugar en el pasado lejano y que de alguna manera aun se podían ver. Y se preguntaba si su vela podía ser vista sobre esta noche mágica desde lejos como la propia luz de estas estrellas. Estos sentires de la niña son representados en otro bello instrumental llamado "Midnight Christams Eve" con lindos coros e imponentes pasajes de teclados y guitarra. El medley "The March Of The Kings/Hark!, The Herald Angels Sing" representa el momento en que la pequeña encuentra un viejo gramófono que girándolo dos veces comienza a sonar. La primer canción es un arreglo de TSO de el preludio de la Suite Nº1 de George Bizet de la "L'Arlésienne" ("La Chica De Arles" o "La Arlesiana"), "La Marcha De Los Reyes". La segunda, otro arreglo de "Hark! The Herald Angels Sing". Villancico tradicional, derivado de la poesía "For Christmas Day" ("Para el día de Navidad") que se iniciaban con el verso "Oid! Los ángeles Mensajeros Cantan", escrita por el pastor metodista y poeta inglés Charles Wesley en 1739. La obra adapta la melodía del "Festgesang an die Künstler" de Felix Mendelssohn.\nUno de los momentos mas interesantes lo apreciamos en "The Three Kings And I (What Really Happened)". El track parece comenzar con el tradicional y bellisimo villancico "O’ Holy Night" pero de repente todo cambia. Comienza un ritmo de blues sorpresivamente. La letra se basa en una carta de un informe escolar acerca de estos tres sabios personajes. Eso fue lo que realmente paso esa noche en la que el "Niño Dios" nació. La letra describe el verdadero trasfondo, una historia que dejaron de lado de esa noche: "Herodes quería que esos 3 hombres sabios estuvieran muertos. Pero en esa bendita noche. Mi gran gran gran gran gran gran abuelo, Él salvó a esos reyes...". También se abre paso al humor: "Ahora el abuelo se gana la vida tocando jazz, tu ves. Pero el jazz no era popular alrededor del A.C. Así que consiguió un trabajo en la banda del palacio donde oyó hablar sobre tres reyes..." La historia tiene su feliz desenlace con este abuelo que ayuda a los tres magos a salvarse de Herodes y a llevar al recién nacido los regalos. Todo relatado en un particular ritmo de blues con alteraciones. De lo mejor del álbum.\nUn angelical coro de niños para la acertada adaptación del "Canon En Re Mayor" de Johann Pachelbel con el armonioso "Chritsmas Cannon". La canción corresponde al momento en que la pequeña encuentra la siguiente carta en el ático, la cual contenía un recibo de un oso de peluche donado a una tienda de segunda mano. Sus pensamientos se remitían en que cada juguete esconde sus secretos. Ya sean de metal o de algodón relleno o cómo se había dejado aquí, quien los sostuvo alguna vez los amó. Y así es que deben permanecer. Entre la realidad y el sueño. Esperando que todos sean recordados y que todo puede ser redimido. Entonces en el sonido del viento silbando a través de una puerta, ella creyó oír el sonido de los niños que habían disfrutado de este juguete alguna vez. Y pensó para sí misma, mientras lo sostenía en la mano, que nadie podría salvar a todo el mundo, pero debemos salvar a quien podamos...\n"Jesu, Joy Of Man's Desiring" ("Jesús, Alegría De Los Hombres" o el titulo original en alemán "Jesus Bleibet Meine Freude") de Johann Sebastian Bach, tantas veces versionada, hace su honorable presentación unida a un tradicional villancico: "Angels We Have Heard On High" ("Angeles, Cantando Están"), de origen francés, el cual su nombre original es "Les Anges Dans Nos Campagnes". Celebra y representa el nacimiento de cristo cantado por un coro de ángeles junto a unos pastores. La versión de TSO es cantada por la colorida voz de Peggy Harley.\nLa aguardentosa voz de Thomas Farese, quien ya nos había conmovido con "This Christmas Day" en el anterior trabajo, se ocupa de "Find Our Way Home". La correspondiente carta sobre este momento, contiene un recorte de diario que hablaba sobre un hombre que supuestamente "lo tenia todo". Pero el Ángel pudo ver el trasfondo claramente. Porque en esa noche donde nubes de nieve se reunieron ese hombre se preguntó si eso realmente importaba. Y en esa noche dentro de su casa, se dio cuenta de que estaba solo.Y se preguntó qué significaba su vida. Cómo se habían pasado todos estos años y cómo podía sentir su vida como un desperdicio, cuando había perseguido todos los sueños con que contaba. Pero entonces el Ángel susurró en su oído. Y en su mente el hombre oyó las cosas claras: "Dime un deseo que has concedido. Dime una vida que has encantado. Dime una de estas cosas que has hecho". Pero el hombre no pudo recordar una sola .Lo que si sabia es que no estaba cerca de nadie. Bueno, había una persona, pero eso fue hace mucho tiempo. Y aunque ese alguien había sido mucho más que un amigo era demasiado tarde para volver a ella otra vez. Una ultima reflexión da el estribillo de la canción: "...por que todos parecemos dar nuestras vidas lejos buscando cosas que creemos que debemos poseer. Hasta esta noche cuando el año se va, todos tratamos de encontrar nuestro camino a casa".\nEl instrumental "Appalachian Snowfall" uno de los mas contundentes del disco, inicia con el lei motiv de "The Ghosts Of Christmas Eve" para lanzarse en un caudal instrumental con buenos diálogos entre las guitarras de O´neill, Chris Caffery y la guitarra principal de Al Pitrelli. La acongojada "The Music Box", nos revela la carta mas triste del ático. La voz de Katrina Chester relata sentimientos de antaño sobre la víspera de navidad: "Recuerda la víspera de Navidad pasada. Cuando nos sentamos al lado de nuestro primer árbol. Y te regalé una caja de música. Por aquel entonces eso parecía tanto. La vimos dar vueltas y vueltas, a medida que las melodías se desenrollaban. Pero todas estas cosas han desaparecido hace tiempo...Pero la caja musical sigue girando. La vela en la ventana sigue ardiendo, pero sé que son sólo recuerdos..."\nLa carta hallada sobre "The Snow Come Down " parece retomar la historia de aquel abrumado hombre, otra vez con la voz de Thomas Farese. La pequeña encontraba adjunta una fotografía desgastada de este hombre.Y parada a su lado con un sol de verano, la señora que solía poseer esta casa. Sólo que aquí era muy joven. Se había mudado a un lugar más pequeño, eso era justo al lado. Esta carta parecía no tener sello. Y seguramente nunca fue enviada. Desconcertada, la niña se sienta en el suelo. Entonces el Ángel le susurró una cosa muy importante. Que para que la compasión sea real requiere que uno actúe. Así que tomo el articulo y corrió escaleras abajo, tomo el teléfono de la cocina y llamó a información para encontrar el número de su casa. Cuando recogió el receptor rápidamente le dijo lo suficiente. Para saber quién o que le estaba esperando esta noche para él. Y luego la niña, simplemente colgó. Entonces para asegurarse de que nadie estaba despierto, echó un rápido vistazo al vestíbulo. Luego encontró el número de su vecino y repitió la misma llamada... A su vez,"The Snow Comes Down" describe un frío panorama de estación de tren en plena víspera de navidad. Una despedida mientras la nieve cae copiosa y tristemente. Todo lo contrario sucede con el aire esperanzador de "Christmas In The Air". De naturaleza cambiante, con una elegante intro, luego con pasajes pesados y hasta con algunos toques pop. En esta última temporada del año, esta temporada en la que confiamos. No sólo es importante saber para quién esperamos. Pero si saber quién nos espera. A veces la Navidad usa sus propias manos. Y a veces usa las nuestras.\nLa ultima carta que leyó era la de un hombre más joven. Vino con un diario eso fue todo, escrito a mano. Deseaba quitarse la vida, había hecho algo tan mal. Pero en esta noche tuvo un sueño. Y descubrió que Dios perdona. Representado por la balada acústica y lacrimógena: "Dream Child (A Christmas Dream)". La voz solista de Joe Cerisano canta la cruda letra que encerraba el alma atormentada del sujeto en cuestión: "En la noche fue la oscuridad. En la oscuridad fue el sueño. En el sueño era el niño. Y yo mismo, no me veo..." . Pero en la descripción de su apesadumbrado estado a través de pasajes, puentes de sueños y nieve en esa noche de navidad, encuentra un bosque. Había miles de velas sobre cada árbol, pero la única encendida era la de un niño. Le mostró todas las cosas que soñaba. Todas las cosas que podrían ser. "An Angel's Share" nos da la impresión de ser un arreglo de TSO sobre algún clásico villancico. Sin embargo es una composición de O´Neill y Kinkel. A la bella voz de Marlene Danielle se le añade una sección de voces de "St. Bartholomew´s Church" de Nueva York. Cerrando el álbum, la versión blusera de "The Music Box": "Music Box Blues", con la voz rebosante de soul de Daryl B. Pediford, utilizada en la película "The Ghosts Of Christmas Eve" que mas abajo compartimos.\nCuando hubo leído la ultima carta, la pequeña guardó cada una en un sobre. Después se sentó y pensó cuidadosamente sobre todo lo que había aprendido. Dándose cuenta de que su fé en esta noche había vuelto. Porque si todos los adultos hubieran leído estas cartas, esta noche habrían creído. Y al ver todos esos regalos junto a la chimenea, pensó que muchos dirían que fueron dejados por su padre o su madre. Pero ella siempre sospechará que bien podrían ser de alguien más. Y antes de volver a bajar las escaleras, con la débil luz de la vela, encontró un papel y anotó todo lo que había ocurrido esa noche, para que alguna vez en alguna noche lejana, realmente no podemos decir cuándo, alguien lea esta carta.\nEl siguiente trabajo de TSO sería "Beethoven's Last Night" (2000) opera rock que recrea la última (ficticia) noche de el célebre e inmortal compositor. En 2001 lanzarían el DVD "The Ghosts Of Christmas Eve" que cuenta la historia de una chica que escapa de casa y toma refugio en un teatro abandonado en vísperas de Navidad. Años después, en 2004, cerrarían su trilogía navideña con "The Lost Christmas Eve" que pocos meses después formaría parte de un box set que incluye la trilogía navideña ("Christmas Eve and Other Stories", "The Christmas Attic", "The Lost Christmas Eve ") mas el DVD "The Ghosts Of Christmas Eve". Siguientes discos de estudio como "Night Castle" (2009) o el ultimo hasta la fecha "Letters From The Labyrinth" (2015), son trabajos donde la historia es tan importante como la música. Actualmente TSO se encuentra de gira por EE.UU. La agrupación es conocida por sus trabajos de caridad y sus conciertos que montan gran parafernalia, con secciones de cuerdas, coros, show de luces, lasers, fuegos de artificio, pantallas de video y efectos sincronizados con la música.\n..."Y lo más mágico acerca de esta noche, vamos a reiterar, es que no importa donde estés en la vida... Nunca es demasiado tarde..." Felices Fiestas!!!!.\n6. The March of the Kings/Hark!, The Herald Angels Sing\nOtros albumes de Navidad:\nPublicado por Alvarus en 4:15 No hay comentarios:\nDejando a un costado el sonido pesado de la banda la cual lidera (Extremoduro) el músico y poeta plasentino Roberto Iniesta (Robe) apela a sus dotes de gran poeta, con su debut en solitario allá por junio de 2015 con "Lo Que Aletea En Nuestras Cabezas". Robe nos ofrece una linda paleta romántico-musical, cosa que dejo boquiabierto a la mayoría de sus fans. Si bien ya con Extremo, a través de la evolución de disco en disco, había mostrado su costado romántico, esta vez sorprende con 8 canciones en ese tono donde el saxo y sobre todo el violín tienen el papel principal. Sorprende también la escasez de distorsión, reclutando a una banda mas asociada a la música de cámara que a una banda de rock n roll. Carlitos Perez en violín, bajo y voces, David Lerman en bajo, clarinete, saxo y voces, Alber Fuentes en bateria y voces, Lorenzo Gonzalez en voces, Álvaro Rodríguez Barroso en piano y acordeón, acompañan a la guitarra y la voz de Robe en la ardua tarea de explayar sus costados mas sensibles, ya desde el inicio de su construcción por el año 2013.\nUna intro ambiciosa, de manera "in crescendo" inaugura el disco con la bellisima y reveladora "Un Suspiro Acompasado". Esta masa de sonido compuesto de guitarras tenues, cuerdas y vientos infiriendo en el clarinete, acompañan a este sinigual suspirar de Robe, que sin dudas eriza la piel ya en la primer escuchada. Y luego están ahí su poesía sosteniendo todo, sobretodo en su estribillo que nos emociona al cantar: “Llega el viento, mecido, porque acaba de estar contigo. Noto en el aire un suspiro y todo cambia de sentido. Comencé por dejar la puerta abierta siempre, para ver si llega hasta aquí tu aire caliente, respirarlo y que me cuente tus noticias más urgentes". También pasajes marca registrada de Robe: "Si ella baila yo encuentro una canción que habla de nosotros dos… Quédate en silencio y oye el ruido de mis tripas soñadoras, que sueñan con comerte a todas horas. Ruge el deseo contenido...". De lo mejor que ha escrito y cantado Iniesta. Una maravilla tanto lírica como musical de estos últimos tiempos.\nLuego el corte de difusión que lanzo previo a la aparición del álbum: "...Y Rozar Contigo" (con video clip incluido), en su comienzo con una clara intención pop. Pero su estructura cambia inteligentemente hacia otros lados como el funk y agregan una densa sección de cuerdas y guitarra eléctrica (una de las pocas apariciones de este instrumento en todo el disco) en su estribillo. Unos suaves violines nos arrullan para enredarnos en la hermosa "NaNa Cruel". Canción que se encarga en poner en tela de juicio a el amor: "Yo, yo que creía firmemente en el amor, hoy ya sé que no, que ya no importa y que a la vida hay que buscarle otra razón, y busco en los colores del atardecer y no la encuentro”. Se destacan una hermosa coda instrumental de saxo y piano. Un cóctel de flamenco, destila jondura, aires arabescos y rock, define la talla de la madurez y seriedad compositiva que ha alcanzado Robe, con "De Manera Urgente", tema que bien podría ser hermano menor de "Poema Sobrecogido" del ultimo trabajo de Extremoduro (Para Todos Los Públicos). Uno de los momentos mas exóticos del álbum es la chocante y mas que elocuente "Por Ser Un Pervertido". Una vez mas con una lectura acerca de las relaciones de parejas. Narra un desengaño amoroso con una pizca de ironía: "Pensaba que todo era amor… Pensaba que sólo era amor… Lo tengo merecido por ser un pervertido…". Con una atmósfera "Jazz Pop" un colorido saxo se florea durante toda la canción para coronar con un gran solo sobre el final entre los dos estribillos, que por cierto dejan en claro su intención de "popera", con aires de reggae, por que no.\nLo efímero de la belleza que expresa en el suave interludio "Ruptura Leve", nos alista para quizás la canción mejor lograda de la placa, "Guerrero". Una extensa declaración de desamor e herida poética, que por cierto carece de estribillo en su cambiante estructura. El tenue ritmo y sublime acompañamiento a base de acordeón, violín, clarinete, piano y afilada percusión están mas que a la altura de la superlativa letra, con tintes heroico/mitológicos que crean un climax que nos deja al borde de las lagrimas: "Como Buen guerrero puedo dar la talla, puedo darlo todo, pues doy todo por perdido en cada batalla. Y nunca me he rendido, porque si la pierdo, ¿para qué quiero estar vivo? .Como buen guerrero, solo tengo miedo a que sus ojos dejen de mirar a ver si puedo llegar al Olimpo y robar el fuego...". Finalmente, bien cierra a el álbum, aquel tema ya presentado con Extremoduro en algún que otro concierto, una canción necesaria según Robe: "Contra Todos". Para dejar en claro sus persistentes principios se oirán cosas como: "Incendiario. Todos dicen que soy un incendiario, que enciendo hogueras solo con hablar y que morir no me importa y me da igual hasta el día en que caerá en el calendario. Y es que no me preocupa tropezar siempre con la misma piedra, de cabeza me tengo que pegar,siempre con la misma piedra. Del pasado nada puedo cambiar, el futuro lo estoy cambiando ya". Suena en la misma linea de "De Manera Urgente", de toques flamencos con sobresalientes arreglos de piano y violín.\nAl poco tiempo de que el álbum saliera a la venta, el propio Robe comentó: "...de haber preparado estas canciones con Extremoduro no sólo habrían tardado mucho más en ver la luz, sino que serían de una forma totalmente diferente...". Es que en la perpetración de "Lo Que Aletea En Nuestras Cabezas" deja bien en claro el querer plasmar su arte desde la actitud mas cruda y por sobre la marcha al igual que un hobby, como aseveró alguna vez: "Como no teníamos ni idea de cómo queríamos que fuera el resultado final, buscamos los arreglos con la libertad que da la ignorancia. Y como, además, el resultado final nos importaba un carajo (porque en realidad lo que pretendíamos era divertirnos), dimos con ellos como sin querer, como si no quisiéramos. Como si solo concediéramos". El precioso arte de tapa, a cargo de Antonio Ojea, retrata con una acuarela a un pajarito llamado alcaudón común (lanius senato) que se caracteriza por clavar a sus presas (insectos y pequeños vertebrados) y dejarlas colgadas en las espinas de plantas, flores y determinados árboles. "Lo Que Aletea En Nuestras Cabezas" fue lanzado el 9 de junio de 2015. Fue el mejor disco del año en España y un tiempo después se publicó en formato de vinilo. Poco meses después , mas precisamente en noviembre de 2015 ya era condecorado como disco de oro. Actualmente Robe mantiene a los mismos músicos, la mayoría extremeños como el. Así mismo, ya se encuentran próximos a publicar su segundo trabajo como solista en noviembre de este año 2016.\n2. ...Y Rozar Contigo\nPublicado por Alvarus en 3:28 1 comentario:\nDe la tercera etapa de Aerosmith —la que retoma la formación clásica a mediados de los ochenta, recuperando a Joe Perry y Brad Whitford a las guitarras—, Pump (1989) es, en mi opinión, la mejor de sus grabaciones, la única equiparable a sus obras maestras de los setenta por intensidad, composiciones y variedad de registros. Y eso a pesar de una producción de Bruce Fairbairn que en su hinchazón no me convence aun siendo preferible a la de Permanent Vacation, también del canadiense.\nUnidas por un furibundo, reivindicativo redoble de Joey Kramer, Young Lust y F.I.N.E. conforman uno de esos arranques frenéticos de Aerosmith, aunque la efectividad y rotundidad logradas aquí tengan difícil parangón. El espectacular y rompedor single Love In An Elevator mueve al quinteto a ese terreno funk del que saca estructuras particularísimas al cruzarlo con el hard rock. Marcada por la slide de Joe Perry y el sustrato del blues, Monkey On My Back es una maravilla musical en la que Steven Tyler moraliza sobre el tema de las drogas. Janie's Got A Gun —éxito absoluto en su momento— se acerca al pop para tratar el repugnante tema de los abusos sexuales y la comprensible venganza de las víctimas.\nUna miniatura folk nos introduce en la cara B y sirve de prólogo a ese fantástico pedazo de rock and roll de aroma soul titulado The Other Side. Sazonado deliciosamente por los Margarita Horns, el tema, escrito por Jim Vallance y Steven Tyler, tiene ciertas concomitancias con el Standing In The Shadows Of Love de los Four Tops, y así tuvo que ser admitido con posterioridad a la publicación del elepé. Veloz e infectada por el rockabilly y el swing, My Girl precede feliz a Don't Get Mad, Get Even, vibrante hard boogie que, a su vez, se funde con la introducción (uno de los, así llamados, "interludios musicales" del álbum) de Voodoo Medice Man, o lo más cerca que la banda de Boston puede llegar a estar de la psicodelia. La temible balada de turno pone fin a Pump, si bien es innegable que What It Takes no cae en la indignante ñoñez de Angel o, viajando al futuro, Crazy, ni merma un conjunto excelente —epílogo acústico e instrumental no acreditado incluido— que, a finales de la década de 1980, recordaba con mano firme a los divos del sleaze quiénes (y por qué) eran sus maestros.\nReseña escrita por Gonzalo Aróstegui Lasarte del blog RAGGED GLORY\n05. Water Song / Janie’s Got a Gun\n06. Dulcimer Stomp / The Other Side\n09. Hoodoo /Voodoo Medicine Man\nPublicado por Alvarus en 11:56 2 comentarios:\nPublicado por Alvarus en 13:20 2 comentarios:\nHabían pasado solo unos pocos meses después de lanzar aquel gran debut discográfico de Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota, "Gulp!" (1985), para que la banda aprovechara ese envión anímico y de creciente publico surgido de la escena del under de los 80, y de inmediato se dispusiera en el porta-estudio de Gonzo para componer nuevas canciones, cocinar un nuevo sonido y así grabar su segundo álbum. El mas emblemático y uno de los mas importantes de la historia del rock argentino, "Oktubre", finalmente grabado en los Estudios Panda entre los meses de agosto y septiembre. Disco que por estos días cumple 30 años de su grabación y de su histórica presentación.\nLa banda se había formado en la ciudad de La Plata en 1976 y estaba liderada por Carlos Alberto "Indio" Solari y Eduardo "Skay" Beilinson. Por aquellos años también fue de suma importancia, para la gestación de la banda, la presencia de Carmen Castro "La Negra Poly" que hacia las veces de manager y del artista plástico Ricardo Cohen, alias "Rocambole". Aquel primer Patricio Rey tenia como guitarrista principal a Conejo Jolivet y al tecladista Roddy Castro, con quienes realizaron su primera performance en vivo en 1978. Y así siguieron su escalada a la fama por la frenética escena under hasta 1979 donde hubo un pequeño parate. En 1982 logran grabar su primer demo para la RCA que contenía las canciones "Nene, nena", "Un tal Brigitte Bardot", "Mariposa Pontiac", "Superlógico" y "Pura Suerte", logrando buenas impresiones en las FM aledañas y en emisoras porteñas. Ese mismo año el grupo conoce un considerable crecimiento en sus shows. Para el año 1984 la banda estaba constituida por Solari en voz, Skay en guitarras, Tito Fargo D'aviero en guitarras rítmicas, Semilla Bucciarelli en bajo, Piojo Abalos en bateria, Willy Crook en saxofón y juntos se prepararon para grabar su debut discográfico "Gulp!" en los estudios de la banda MIA con Lito Vitale como operador y músico invitado.\nA diferencia de su antecesor, "Oktubre" goza de un sonido mas cercano a la new wave, al post-punk o lo que algunos han denominado como "cyber punk". También se caracterizó por ser el álbum mas ideológico de la banda. Esta inspirado por revoluciones sociales históricas, nos traslada al octubre de 1917, la revolución rusa, la lucha de las clases sociales mas bajas como los obreros, estudiantes liderados por los Bolcheviques y dirigidos por Vladimir Lenin contra los zares rusos, lo que marcaría el comienzo de lo que fue la Unión Soviética. También al el contexto bélico internacional de la Guerra Fría, y como no a su vez, al escenario político argentino en el período post-dictatorial y de regreso a la democracia. Se sumaban a la formación inicial de la banda la inestimable colaboración de Daniel Melero (por entonces miembro de Los Encargados) en teclados y Claudio Fernández (del grupo revelación del momento Don Cornelio y la Zona) en percusión.\nUna sucesión de estruendos monumentales abren el telón para de inmediato adentrarnos a aquel Octubre de 1917 mencionado anteriormente (que en realidad era ese mes para el calendario juliano que regia en Rusia, para el resto de nuestro mundo era noviembre), con una de las introducciones mas famosas del rock argentino: "Fuegos de Octubre". Toda esta emulación de aquel momento histórico no solo se manifiesta en la letra, sino que también se hace escuchar en la indiciosa música. "De regreso a Octubre, (desde octubre) . Sin un estandarte de mi parte... Te prefiero... igual, Internacional". "La Internacional" es el himno mas famoso del movimiento obrero y de la mayoría de los partidos socialistas y comunistas. Los obreros en la lucha contra los zares la cantaban a viva voz, mientras las tropas de los zares respondían con la obra de Romanov , "God save the zar" (Dios salve a el Zar). El riff insistente, redondeado y de relojería rusa de Skay en "Preso en mi ciudad" impregna el oscuro desear del álbum, con quizás la letra mas surreal de entre todas las presentes. "Música para pastillas" rebosante de un pop rock y de una fresca impronta new wave en su ADN. Extraña letra. Guitarras impecables y mas aun los saxos que tienen su fuego propio.\nUn irrevocable éxito acusa ser "Semen Up", otro legendario fraseo de Skay Beilinson que coquetea con el blues, mientras que Solari arremete con su poesía de doble sentido y siempre filosa ."Divina TV Führer" asoma como un mazazo al mercadeo publicitario, con un aire burlón y de parodia, a los medios de comunicación de por entonces, dejando bien clara la posición de la banda ante la dictomía entre la cultura y la contracultura. Momento inspirado si los hay es en “Motor Psico”. El Indio Solari nos pone a nuestra disposición toda su maquinaria de imaginería amorosa: "Junto a la hemoglobina me fui y ya no sangro más. De la nada a la gloria me voy (¡así me das más...!) ...".\n"En este film velado en blanca noche ..." al escuchar esas 7 palabras, todo "ricotero"(fan de la banda) de alma o cualquiera que se haya acercado a alguna presentación en vivo, sabe que debe estar preparado para lo que se ha denominado "El pogo mas grande del mundo". Y sobre todo estar preparado para el clímax definitivo con el estribillo "no lo soñé, ieeeé...", como si la vida se fuera en ello. Estamos hablando, por supuesto de la canción mas representativa y mas popular de Patricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota, "Jijiji". ¿Que mas podemos decir sobre la canción, que no se haya dicho?. Una de las tantas veces que se le pregunto sobre la misma a el propio Indio Solari, ha aseverado para la revista Rolling Stone que: "Para mí es un poco la paranoia de la droga, cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. «Jijiji» es una risa medio perversa, marca una bidimensionalidad, es como que todo lo que estás diciendo no es una afirmación." La fría y hermética "Canción Para Naufragios" acentúa el concepto bélico del disco, sobre todo con su letra mas que sugerente y surreal. "Bombas de aquí para allá. Puede ser, es irreal...Son seis minutos y nuestra "mami" va a contestar."Mami" elimina el error de que vos sos capaz..." Hay quienes que aseguran que esto ultimo hace referencia a lo que tarda un misil (6 minutos) en viajar de los Estados Unidos a Rusia (o viceversa). La música, es un caudal denso de ochentismo, donde predominan los fraseos de Beilinson y los saxos de Willy Crook.\nFinalmente cierra esta gran obra de arte, la carismática "Ya Nadie Va A Escuchar Tu Remera". Una vez mas Willie Crook se luce con un trabajo impecable. Como burlándose a la "institución del hit", el Indio hace alusión a esos éxitos pasajeros y de alguna manera deja entrever sus expectativas sobre Los Redondos mismos, una forma de "atajarse" ante un posible éxito efímero de ellos mismos. Nada mas errado, si tenemos en cuenta, el éxito y la convocatoria en los años venideros de la banda, donde ese "feedback" que invocaba Solari con ese "...Pero te creo uhoo...!" parece dar sus frutos.\nNo olvidar el conceptual arte de tapa y del sobre interno, a cargo como siempre de Rocambole. Expresa una suerte de simbiosis entre aquel "Oktubre Rojo" ,que mas arriba comentábamos, y el "Octubre Peronista". El artista comento en una nota a Gloria Guerrero: "Es una tapa más conceptual. Las ideas salieron de una noche de fernet: el Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra. En el reverso se ve la catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario. Me resulta raro ver mis obras en remeras y tatuajes: la gente se apropió de cosas como el puño y la cadena, hechas en 15 minutos para un aviso. En Paladium personifiqué a Patricio Rey con un viejo óptico". Por otra parte en el personaje que se aferra a las cadenas en el dibujo interno, se observan claramente la similitud en detalle de la obra de Salvador Dalí "Autoconstrucción con semillas de maní" donde se ve la prevalecencia del mal sobre el bien, bajo la propia visión de Rocambole.\nEl 18 y el 25 de octubre de 1986, Los Redondos presentaron "Oktubre" en el boliche Paladium . La mas recordada fue la noche del 18 ante alrededor de 1200 personas (sin saber estaban por presenciar una noche irrepetible e histórica en el rock argento) que desconcertadas oían como sonaban las primeras notas de la Obertura 1812 de Tchaikovsky. Algo muy acertado ya que esta obra fue creada (a pedir de el Zar Alejandro II) para conmemorar la victoria en la resistencia Rusa ante las tropas Napoleónicas en 1812. Luego de estos dos legendarios shows de presentación del álbum, Tito Fargo y el Piojo Abalos abandonan la banda, seguidos por Willie Crook al año siguiente. Fueron reemplazados por Walter Sidotti (ex Los Argentinos) en batería, y por Sergio Dawi en el saxofón, pasando por alto el reemplazo de guitarra rítmica que dejo vacante Fargo.\nDownload | Descargar (calidad FLAC)\nPublicado por Alvarus en 6:49 2 comentarios:\nAlbert King junto a B.B.King y Freddie King es considerado uno de los tres reyes del blues. Ejerció gran influencia en excluyentes guitarristas de blues como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield, Gary Moore, Stevie Ray Vaughan y por supuesto en Pappo. "Born Under A Bad Sign" del año 1967, es su segundo larga duración que cambiaría el curso del blues (y por consiguiente gran parte de la música americana), aggiornándolo de allí en adelante y asi ubicándose como uno de los mas populares en influyentes de este genero.\nAlbert King nació en Indianola, Mississippi, con el nombre de Albert Nelson. Era el menor de 13 hermanos y como otras tantas humildes familias de la época se asentaron en una plantación de algodón. A los 8 años su familia se muda a otra plantación cerca de Forrest City, Arkansas donde trabajo sus primeros años. Will Nelson, su padre, tocaba la guitarra y fue el primero que empujó a el pequeño Albert a el mundo de la musica. Fue por esos años que tambien canto en un coro gospel de la iglesia local. Pero para dar sus primeros pasos como profesional tuvo que moverse, primero a Osceola, Arkansas para integrar el grupo In the Groove Boys y luego tras su paso por Indiana, se desempeñaría fugazmente como baterista de la banda de Jimmy Reed en Saint Louis, Missouri. Pero la guitarra seria su amor definitivo, sobretodo su Gibson Flying V a la que no tardo en ponerle el nombre de "Lucy". Al ser zurdo no le quedo mas remedio que invertir su instrumento. Pero he aquí una rareza: a pesar de ello y como muchos guitarristas zurdos como Jimi Hendrix, ni mas ni menos, King nunca invirtió el encordado. Su contextura física era exuberante, su altura era de más de 1.90 y pesaba 118 kilos de ahí el sobrenombre de "The Velvet Bulldozer" (la excavadora de terciopelo). Durante algunos años de la década del 50, mas precisamente en 1953, viaja a la blusera ciudad de Chicago para registrar su primer simple para la Parrot Records, pero sin tener resultados superlativos. En esa ciudad también finalizaría un doctorado en guitarra a cargo de Robert Nighthawk. Su primer éxito tangible lo obtendría en 1959 con el sencillo "I´m A Lonely Man", pero el sencillo que ingresaría en una lista afortunadamente sería:"Don't Throw Your Love on Me So Strong" que se posesionó en el numero 14. Este gran éxito luego conformaría parte de su debut discográfico, aquel que recopilo sus primeras grabaciones, años mas tarde, "The Big Blues" de 1962. El año 1966 seria un punto de quiebre en su carrera. Se traslada a la ciudad de Memphis y firma contrato con la discográfica Stax para registrar su segundo trabajo "Born Under A Bad Sign"\nUna seña particular de este gran LP es lo bien que King sabe rodearse para su perpetración. Es sabido que esos finales años 60´s fueron un gran momento en la historia del rock. En Inglaterra con la revolución del mitico Sgt. Pepper de los Beatles, nuevas bandas psicodelicas nacientes como Pink Floyd, también tomaron partida del buen momento de el denominado "blues blanco ingles", Eric Clapton ya había marcado tendencia juntándose con su compatriota el blues-man John Mayall, para aquel inolvidable "Blues Brakers" de 1966. Y obviamente EE.UU. padre biológico del blues seria testigo de una gran eclosión del genero, de la mano claro está, de artistas como B.B. King, Otis Rush, Freddie King o Buddy Guy, entre muchos mas. Albert King sabia que no podía quedarse demasiado atrás. Su gran acierto fue el firmar con Stax Records, que a su liderazgo tanto vocal como guitarristico le otorgaría los músicos de sesión del sello: Booker T. & the MG's (Booker T. Jones, Steve Cropper, Al Jackson Jr. y Donald Dunn), Esto sumado a la sección de vientos de The Memphis Horns. Esta asociación de nombres vería un resultado, por supuesto, emparentado al soul y al funk que revolucionaria la historia del blues para siempre. King estaba en un momento increíble y aunque sea su segundo álbum, ya tenia la suficiente experiencia para introducir pequeños momentos, con esas dosis de sutilezas que llevan a producir cosas gigantes.\nLa canción que abre el LP es ni mas ni menos que "Born Under A Bad Sign" buena muestra de esa impronta aportada por Booker T. & the MG's . De hecho la música es de Booker T. Jones con letra de William Bell. Su estructura es poco común dentro de los parámetros del genero. Es llamada "un elemento básico atemporal de blues". Sosteniéndose por una solida base de bajo y una oportuna sección de metales, King desliza sus punteos dialogando con el guitarrista rítmico Steve Cropper dejando mas que claro la química que habían logrado. Un buen gancho seria su letra. Ha consegido un buen numero de adeptos por su referencia astrologica. Varias de las traducciones que se han hecho han nombrado al titulo como "Nacido bajo una mala estrella" y otras "Nacido bajo un signo malo". Narra las desdichas de la triste vida de un hombre que, si bien nadie lo ha confirmado, bien pudiera tratarse el propio Albert King, todo empapado en un solo concepto: la mala suerte, su única suerte. Bastara escuchar: "Nacido bajo un mal signo, he estado deprimido desde que empecé a gatear. Si no fuese por mi mala suerte, no tendría suerte en absoluto... La mala suerte y los problemas son mis únicos amigos, la llevo solo desde los diez años... No sé leer, nunca aprendí a escribir, toda mi vida ha sido una gran lucha... He estado deprimido desde que empecé a gatear". En su tercer álbum el doble "Wheels of Fire", el famoso trío Cream registra una fiel versión, solo con algunos cambios en la parte cantada por Jack Bruce. Ha sido interpretada por muchos mas, entre ellos: Paul Butterfield Blues Band, Tommy Bolin, Jimmy Hendrix, Pappo y hasta Homero Simpson la canto en un episodio.\nKing se da el lujo de arreglar un antiguo blues de R.G. Ford: "Crosscut Saw" que había sido grabada en 1941 por el blues-man del delta del Mississippi, Tommy McClennan. La versión goza de una frescura nunca antes lograda y se convertiría en todo un hit.\nEl famoso tándem compositivo Leiber/Stoller dice presente con todo un clásico: "Kansas City", canción alguna vez grabada por The Beatles, James Brown, Little Richard, entre otros. La enorme "Down Don't Bother Me" asoma como una pieza ultra blusera con una intro de fuerte persistencia de vientos. Es la única composición integra de King ya que su otra aparición en los créditos la encontramos en "Personal Manager" pero co-compuesta con David Porter. Otra canción escrita por la banda de la casa Stax es "The Hunter". La letras contiene claros guiños seductores ("Me llaman el cazador, una chica hermosa como tu, es mi único juego") luego también la popularizarían Ike & Tina Turner en 1969. Una pieza que calza mas que adecuadamente al concepto del álbum, ya sea por su tono cabalístico de su relato o por el grado de sofisticación musical en que se pensó, es la melancólica "I Almost Lost My Mind". La letra describe un abandono: ..." cuando perdí a mi nena, casi pierdo la cabeza...Mis ojos estaban llenos de lágrimas desde que ella me dejó atrás. Fui a ver a la gitana para que leyera mi fortuna, mi cabeza quedo colgada en la tristeza cuando dijo lo que dijo..." . Es un típico "12-bar blues" (blues de 12 compases), donde se destacan las acongojadas teclas de Jones pero sobre todo los elocuentes trazos de flautas de Joe Arnold que sobre el final logran una bella amalgama con los saxos. Sobre el cierre del álbum, uno de los momentos con mas swing nos lo brinda "As The Years Go Passing By" de Deadric Malone. Esta versión de King es una de las dos mas exitosas junto a la que grabaron al año siguiente Eric Burdon & The Animals.\n"Born Under A Bad Sign" piedra fundacional del blues, su legado en los guitarristas del genero fue enorme. Por otro lado en 1985 ingresa en el mítico "Salón de la Fama de la Fundación de Blues" en la categoría de "Grabaciones Clásicas de Blues" y en 1999 recibió un Premio Grammy del Salón de la Fama. En abril de 2013 Stax Records editó una edición de lujo. King continuó cultivando excelentes trabajos en los años posteriores a "Born Under A Bad Sign", como así también grandes preformances en vivo. Como la que brindo en el mítico Filmore Auditorium en San Francisco, California. Esas actuaciones fueron en el marco de una serie de conciertos organizados por el famoso promotor Bill Graham donde también hicieron su presentación Jimi Hendrix y Soft Machine. Esas grabaciones en directo se pueden disfrutar en "Live Wire/Blues Power" (1968). El 6 de junio de 1970 en el Pacific Coliseum de Vancouver, Canada, King sube al escenario en un concierto de The Doors para participar en "Little Red Rooster," "Money," "Rock Me" y "Who Do You Love". En 1983 graba una sesión para la TV de Canada junto a Stevie Ray Vaughan, posteriormente lanzado en audio y en DVD con el nombre de "In Session". En 1988 acude como invitado junto a Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean a un especial "BB King & Friends". También aportaría guitarras para otro grande como Gary Moore para su disco "Still Got The Blues" justamente para una nueva versión de una canción incluida aquí "Oh, Pretty Woman". A raíz de esto, Moore se lo llevaría de gira junto a otra leyenda: Albert Collins. El 21 de diciembre de 1992 Albert King fallece a causa de un ataque cardíaco en Memphis. Su ultimo concierto había sido dos días antes en Los Angeles. En la ceremonia de su funeral, los Memphis Horns interpretaron "When The Saints Go Marching In" ("Cuando los santos vienen marchando"). B.B. King le dedicaría unas palabras: "Albert no era mi hermano de sangre, pero era mi hermano en el blues". El 11 de diciembre de 2012 se anuncia que Albert King ingresará en el Salon de la fama al año siguiente. En ese anuncio Gary Clark Jr., sangre nueva del blues, interpreta "Oh, Pretty Woman" y luego se une ni mas ni menos que a John Mayer y a Booker T Jones para interpretar la inmortal "Born Under A Bad Sign".\nAlbert King – guitarra principal y voces\nSteve Cropper – guitarra rítmica\nBooker T. Jones – organo, piano\nDonald "Duck" Dunn – bajo\nAl Jackson, Jr. – bateria\nWayne Jackson – trompeta\nAndrew Love – saxo tenor\nJoe Arnold – saxo barítono, flauta\nIn Session, 1983\nPublicado por Alvarus en 4:56 No hay comentarios:\nFederico Moyano - Vida Vidala (2014)\n"Vida Vidala" es el primer trabajo en solitario del guitarrista y compositor marplatense Federico Moyano. Se había destacado años antes con otros proyectos con la agrupación BERRO D´AGUA y con el DUO CRIANZA.Otra vez se rodea de un buen sustento de músicos marplatenses para registrar un puñado de excelentes composiciones con el fin de musicalizar el cortometraje "Hilos".\nNos encontraremos con un trabajo 100% instrumental con composiciones incidentales que van desde la milonga, el tango, el jazz y el folclore. Otras de fuerte carácter intimista como por ejemplo la hermosa "La Llave (parte 1)", que por su resplandeciente luminosidad, sin dudas nos transportará de vuelta a los mas diáfanos sentires de la niñez.\nDaniel Alberola: saxo\nMatias Cuello: bajo\nPablo Gonzalez: bandoneón\nTomás Perez: bateria\nMelina Coria: piano\n1. A Los Santos (Milonga Candombe)\n2. La Llave (Parte 1) (Canción)\n3. Vida Vidala (Intro) (Lamento)\n4. Vida Vidala (Lamento)\n5. La Llave (Parte 2) (Canción)\n6. La Llave (Parte 3) (Canción)\nPublicado por Alvarus en 17:04 1 comentario:\nPublicado por Alvarus en 1:24 2 comentarios:\nOtra de las tantas bandas que pasaron desapercibidas durante los primeros años de actividad, es decir, fines de los 60. Y que sin embargo fue una de las mas grandes del rock americano de las décadas venideras, sobretodo la de los 70.\nLos comienzos de Little Feat se ven estrechamente relacionados a la ciudad de Los Angeles, a esa oleada de bandas de la costa este y como no podía ser de otra manera a Frank Zappa que por ese entonces comandaba a sus Mothers Of Invention. Fundada por el cantante, compositor, especializado en la guitarra slide, Lowell George y el bajista Roy Estrada ambos provenientes de The Mothers of Invention. Completaban el cuarteto los teclados de Bill Payne (quien solo habia audicionado para The Mothers) y el baterista Richard Hayward. Difícil es de describir el rock de Little Feat, su estilo por demás variado a través de sus álbumes, desde el boogie, el country y las canciones de folk sureñas, el jazz y hasta el funk, mezclado, como no, con el eterno R&B. Sus letras son de carácter urbano y otras llenas de ironías con toques de surrealismo. Desde sus comienzos, siendo una banda de escasa experiencia, intentaban caracterizarse por un sonido enérgico y a la vez elegante. De ahí el nombre de la formación, sugerencia de Jimmy Carl Black, baterísta de Mothers of Invention, "Little Feat" que significa “piecitos” o "pequeños pies" pero que, literalmente, significa "pequeñas hazañas". Esta formación prevalecería durante los dos primeros trabajos, "Little Feat" (1971) y "Sailin’ Shoes" (1972). Estos dos primeros respetaban la tradición con un sonido country, bluses y buenas dosis de boogie .Vale destacar que en "Sailin’ Shoes" ya el sonido esta mucho mas afianzado sobre todo en los bluses, y la guitarra de George mas afianzada, gran ejemplo de ello es el excelente "A Apolitical Blues". A partir de su tercer LP "Dixie Chicken" de 1973 la banda comienza a cambiar y a adicionar un sinnúmero de músicos, hasta su actividad que llega a los días de hoy y también comienzan a implementar otros estilos como el funk y el soul. En ese disco Roy Estrada los deja para unirse a la Magic Band de Captain Beefheart. Little Feat se quedaba como sexteto, con la llegada del bajista Kenny Gradney, el percusionista Sam Clayton y el guitarrista Paul Barrère, quien además aportó otro concepto desde la composición. Sin embargo la calidad del sonido de la banda que comenzaba a demostrar una buena evolución, no supuso un éxito a nivel comercial. Este factor incidió bastante en el estado de animo de la banda. Lamentablemente y sobretodo en Lowell George. Estas razones, sumado a las dudas por parte de Warner Bros en renovarles contrato discográfico, lograron que a finales de 1973 la banda estuviera al borde de la separación. En un ultimo esfuerzo y con fortuna lograron apartar diferencias y se reunieron en Maryland para grabar un cuarto álbum con un titulo como de "manotazo de ahogado" o bien una epifanía "Feats Don’t Fail Me Now". ("Pies/hazañas, no me fallen ahora"). El álbum tenia un nuevo sonido y una nueva consistencia diferente a los tres anteriores. Little Feat se caracterizaba por su fuerte presencia escénica con sus bien logradas zapadas, este álbum logra capturar ese espiritu (en el medley "Cold Cold Cold/Tripe Face Boogie" por ejemplo) y ademas otorga aportes mas funkies por parte de Payne en caciones como "Rock and Roll Doctor", "Oh Atlanta" y "Spanish Moon". Este álbum seria un punto de inflexión en su popularidad ya que pese a no ser superior a su tridente inicial, los superaría paradojicamente en las ventas. A principios de 1975 emprenderían una gira europea, organizada por su compañía discográfica, junto a bandas como Montrose, Tower of Power, Graham Central Station y The Doobie Brothers. A partir de ese periodo Little Feat no volvería a ser el mismo.\nEl debut de Little Feat es con uno de sus discos mas frescos y enérgicos registrados en su carrera. Una rockera introducción con "Snakes on Everything" de Payne se deja acariciar por unos lindos arreglos de bronces a cargo del músico de sesión Kirby Johson. En "Strawberry Flats" Lowell George hace una descripción de lo que bien seria la típica vida del rocker: "Haven't Slept in a Bed For a Week And My Shoes Feel Like They're Part of My Feet ..." ("No he dormido en una semana y mis zapatos se sienten ya parte de mis pies..."). Canciones como "Truck Stop Girl" la historia de amor de un camionero con la "chica de la parada" o "Willin´" las letras, hablan de temáticas sobre la vida en las carreteras. Por ejemplo "Willin´" todo un clásico de Little Feat, que luego seria un himno de George, trata de un contrabandista que trafica drogas a través de la frontera con México. Lowell George se pone en la piel de este camionero que se presenta a si mismo y enumera algunas localidades por donde se manejaba: "Anduve de Tuscon a Tucumcari, Tehachapi a Tonapah manejé todas las marcas de camiones que se hayan fabricado...y si me das hierba, polvos blancos y vino y me haces una seña yo estaré dispuesto a seguir viaje...". La canción en si es de aires countrys con la base de guitarra ejecutada por George, y decorada con la slide guitar del gran Ry Cooder amigo de George, quien contribuyo como invitado en el disco. Pese a la espontaneidad y el muy buen clima que se logró en la grabación, al parecer a George no lo dejo del todo satisfecho, ya que en el siguiente LP "Sailin' shoes" se reversionaria. La canción ya había sido compuesta por el guitarrista en la época de The Mothers of Invention. La leyenda cuenta que "Willin´" fue la responsable de la salida de George de The Mothers. Una versión cuenta que al mostrársela a Frank Zappa sintió una amenaza para su talento, decidiendo excluirlo de la banda. Otra que al incurrir en las drogas lo que no gustó a Zappa y por eso le invitó a dejar la banda.\nDe George y Roy Estrada "Hamburger Midnight", de los momentos mas potentes del álbum. Pero no podemos dejar pasar el medley "Forty Four Blues/How many more years" de presencia blusera impecable, una vez mas con Cooder en la slide guitar. La primera "Forty Four Blues" o "Forty Four" ya había sido popularizada por Howlin' Wolf en 1954. Tampoco puede faltar tiempo para las baladas, buen ejemplo son la épica "Brides of Jesus" o la romántica "I've Been the One" composición integra de George. "Takin' My Time" demuestra el nivel de composición de Payne con buenos trabajos de teclados y mas que acertados arreglos de cuerdas. Cerrando el LP "Crazy Captain Gunboat Willie" con alta influencia de la psicodelia inglesa y magníficos arreglos de vientos, deja una muy buena impresión para el debut discográfico de la banda.\nA partir de el año 1975 debido a algunos excesos típicos de aquellas épocas y a raíz de algunos trabajos de producción y como músico de sesión, hicieron que Lowell George tuviera un rol no tan importante como hasta entonces dentro de Little Feat. Así, entonces gran parte de la tarea de composición quedo a cargo de Payne y Barrère, pero igualmente George siguió siendo el emblema de la banda hasta su muerte. El álbum "The Last Record Album" (1975), con buena recepción de la crítica, obtuvo un discreto éxito de ventas y entró en las listas americanas e inglesas. "Time Loves A Hero" de 1977 vería a Lowell George contrayendo una hepatitis, y así con menos participación aun en la cocina del disco. Sin embargo hay quienes coinciden que este trabajo, con la producción de Ted Templeman, alcanza la cumbre de la sofisticación en el sonido de la banda. En 1978 George regresaría a la banda y gracias al buen sostén de material en vivo de las giras de los últimos años, registran el doble "Waiting for Columbus". Luego de producir "Shakedown Street" (1978) de los Grateful Dead, llega 1979 y a la par de su proyecto solista "Thanks I'll eat it here", comienzan a grabar "Down On The Farm" que se vería interrumpido por su muerte a raíz de un paro cardíaco, el 29 de junio de 1979. Tras su muerte los demás integrantes del grupo concluyeron la grabación de "Down On The Farm". Bill Payne declararía con conmovedora emoción: "Sin Lowell George no somos Little Feat", dejando mas que clara la eminente disolución de la banda, y dando un verdadero punto final a una era. En 1981 se publicó "Hoy-Hoy!", doble álbum grabado parcialmente en directo y con varias canciones inéditas. En 1987, tras trabajar en varios proyectos individuales, Little Feat anuncia su retorno al rock n roll. Registran el excelente álbum "Let It Roll" de 1988 con producción del propio Bill Payne y con una nueva incorporación Craig Fuller acordeonista y multinstrumentista, quien formaría parte de la banda en sus siguientes trabajos: "Representing The Mambo" (1990) y "Shake Me Up" (1991). En 1993 Fuller seria reemplazado por el vocalista Shaun Murphy. Little Feat registraría varios trabajos mas en estudio como así también estupendos registros en vivo como el doble "Live From Neon Park" (1996). En 2009 habría un nuevo receso por la muerte de el baterista Richard Hayward. Tras mas cambios de formación la banda presenta, después de nueve años, lo que seria hasta hoy su ultimo disco de estudio, "Rooster Rag" de 2012. Tras idas y venidas Bill Payne anuncia en 2014 que vuelve a Little Feat de manera permanente, también presta sus teclados a The Dobbies Brothers en una gira de 2015. En el presente, la banda sigue en actividad, pese a la lucha de el guitarrista Paul Barrère contra el virus de la hepatitis C. Actualmente Little Feat esta integrada por Bill Payne (voz y teclados), Paul Barrere (voz y guitarra), Sam Clayton (congas, voz y percusión), Kenny Gradney (bajo), Fred Tackett (guitarra, mandolina, trompeta y voz) y Gabe Ford (bateria y coros).\n7. Forty Four Blues / How Many More Years\nPublicado por Alvarus en 4:53 No hay comentarios:\nCarlos Gardel - Cuídense Porque Andan Sueltos (Su Obra Integral Vol. 13)\nDecimotercera entrega de la obra integral del zorzal criollo. Una vez mas ahonda en una temática típicamente relacionada a la poética y a las armonías del mundo del tango y sus vertientes.\n"Cuídense por que andan sueltos" es un desfile de personajes funestos facilmente reconocibles. Chantas, vagos, cirujas, fanfarrones, ladrones/as, gigolós y muchos mas se exhiben por las vidrieras de esta entrega.\nEnseguida nos cautiva el excelente tango "Chorra" de Enrique Santos Discépolo en letra y música. Tango que luego también cantado por Edmundo Rivero, cuenta la particular historia de lo que podría ser una "cama": ... "chorra...tus rebusques de mujer...Hoy me entero que tu mama "noble viuda de un guerrero", ¡es la chorra de más fama que ha pisao la treinta y tres!... Y he sabido que el "guerrero" que murió lleno de honor, ni murió ni fue guerrero. Entre todos me pelaron con la cero, tu silueta fue el anzuelo donde yo me fui a ensartar. ¡Chorros! Vos, tu vieja y tu papá...". La historia ideada en la cabeza de Discépolo se sabia que no esta basada en hechos reales. Sin embargo cuenta la leyenda que un carnicero del Mercado del Plata pensó lo contrario, lo que le llevo el susto de su vida. El compositor estaba un día en la esquina del mencionado mercado, cuando se le acercó un hombre alto y fortachón con delantal de carnicero y una gran cuchilla en la cintura, que sin vueltas le pregunta: ¿Usted es Discépolo?. Si señor, le responde Enrique, a lo cual el carnicero increpó: ¿Quién le contó a usted lo que me paso con la sinvergüenza de mi mujer…y además quien le dijo que podía contárselo a toda la ciudad?”. Ante este sobresalto, Discépolo intentaba explicarle de la manera mas cordial posible que su historia era inventada, pero el carnicero de repente lo sorprende y al borde del llanto, le comenta: “Gracias a usted me he vengado amigo, usted dijo la verdad y ahora todos saben lo mala que esa mujer fue conmigo, gracias”.\nComo varias de sus composiciones de clara prosa gauchesca, Francisco Brancatti le pone letra a un reconocido tango de 1930 de Rafael Rossi que luego también seria interpretado por Julio Sosa y por Roberto Goyeneche años mas tarde, "Contramarca". Este tango esta literariamente construido sobre una metáfora que asemeja la "contramarca", o segunda marca del ganado, con el hecho de que una mujer abandone a un hombre por otro y pretenda luego retornar junto al primero. Sin embargo, tranquilamente parece también comparar a esa marca con la herida del clásico "facón" (cuchillo): "China cruel!...A que has venido?. Que buscas en este rancho?. Si pa' mí fuiste al olvido y vive ya más ancho mi gaucho corazón y esa flor que mi cuchillo te marcó bien merecida...".\nAlgo parecido ocurre en el inigualable tango "De puro guapo" de Rafael Iriarte y Juan Carlos Fernández Díaz que nos describe literalmente un asesinato en medio de lo que parece ser un salon de baile. Un tango de casi tres minutos que no deja captar nuestra atención ni un solo minuto por el suspenso de los hechos relatados. Bastará con oir entre sus lineas: "En medio del conventillo se ha parado un compadrito... Nada le importa que allí se baile, él a bailar no ha venido, busca a aquella que lo ha herido en medio del corazón..." Mucho tuvo que ver Gardel con la creación de este tango. Amigo tanto del compositor de la música, el guitarrista Rafael Iriarte como del letrista Juan Carlos Fernández Díaz. Cuenta este ultimo que conoció a Gardel en el Teatro Nacional presentado por Rafael Iriarte a quien conocía de hace años. Hablaban de la grabación de un tango cuando el mismo se hizo presente cumpliendo una cita con el guitarrista para ir a jugar una partida de billar. Fue, pues, una casualidad. Le recitó la letra de “De puro guapo” que no tenía música y Carlitos le pidió a Iriarte que se la pusiera porque quería cantarla, pues le gustó mucho.\nCon "Muñeca Brava" Enrique Domingo Cadícamo introduce en el lunfardo (y así enriquece nuestro lenguaje para siempre) los denominados llamados galicismos del francés, como "madame", "frapé", "gigoló o "biscuit". Diferentes conceptos podemos tener sobre la palabra "muñeca" ya que en el diccionario de la lengua española hace alusión como a una mozuela frívola y presumida. Y en Argentina es sabido que refiere a una mujer hermosa. En este tango, ambos conceptos vienen como anillo al dedo. Otro aspecto o innovación a destacar entre la lírica de Cadícamo es que adaptó el Trianón del Paque de Versalles a Villa Crespo del "Negro Cele" donio Esteban Flores. Los Trianónes franceses fueron unas mansiones reales. La primera construida por Luis XIV y la segunda por Luis XV; un Trianón grande y otro pequeño (éste ultimo fue el preferido de María Antonieta). A los argentinos nos parece común escuchar esos galicismos y mas aun en los tangos, inclusive sin conocer su significado. Entonces se encargó de reemplazar por ejemplo: "mina" por "madame", "frío" por "frapé", "proxeneta" o "caralisa" por "gigoló" y "galleta" por "biscuit", o bien, de utilizar distintas palabras por rima o para evitar repeticiones o enriquecer el idioma. Luego está la palabra "Che" que demuestra la influencia de otros idiomas en el español que se habló en nuestro país desde antiguo. Por estudios de el poeta del lunfardo José Gobello que descubre citas en el antiguo castellano. También se afirma que el primero en emplear "Che" fue Esteban Echeverria en su obra "El matadero". En la lengua araucana, "che" significa "hombre", "gente", aunque solamente se emplea como sufijo: por ejemplo, en tehuelche, "hombre del sur". Che pertenece al país, pero particularmente al sur de él y al sur de la provincia de Buenos Aires y, asimismo, a algunas regiones de España, como Valencia.\nLa congoja desmesurada de otro gran tango "Como abrazado a un rencor" describe un dolor y una confesión sin precedentes. La letra de Antonio Podestá parece presentarse como el epitafio de un malviviente. Sigue el desfile de personajes en "Cara Rota" el típico muchacho que vive "de arriba" o la trepadora de "Cachadora" (aquí se utiliza una vez mas otro galicismo como "voiturette" para hacer referencia a un automóvil deportivo descapotable).\n"Mala entraña", tango escrito por el Negro Celedonio Flores en 1927, con música del compositor afroargentino Enrique Maciel tuvo sus gratas grabaciones de por ejemplo Juan Carlos Godoy, Claudio Bergé, Rubén Juárez y dos veces por el gran Edmundo Rivero (una con guitarras y otra orquestada). Fue estrenada por Gardel el 21 de junio 1927 con guitarras de Ricardo y Barbieri. El personaje de este tango es un reo, hombre de la noche, del llamado "universo del barrio de Flores" con cierto prestigio por su pinta o por su facha. Esta dicotomía se vuelve a presentar cuando luego en la segunda estrofa se canta: ... "Mezcla rara de magnate, nacido entre el sabalaje, vos sos la calle Florida que se vino al arrabal. Compadrito de mi barrio que sólo cambió de traje, pienso siempre que te veo tirándote a personaje, que sos un mixto jaulero con berretín de zorzal”. De allí esa relación o ese contraste entre el arrabal y Florida, el arrabal reo y popular y la calle Florida elegante y discreta. Y como no podía faltar otro elemento constante en la letras tangueras: la madre. La madre, está presente, aunque esta vez el personaje no se quiebra ante su "santa viejita", por el contrario, su muerte no altera en lo más mínimo, su expresión es helada, indiferente. Así y todo vale mencionarlo por que su dureza rompe con ese estereotipo.\nOtro gran aporte de Cadícamo es "Compadrón", la letra juega con unas lindas rimas en su estribillo: "Compadrón, cuando quedes viejo y solo (¡Colo!) y remanyes tu retrato (¡Gato!)...". El "compadrón" era el podio mas bajo de los tres términos "compadre", "compadrito" y "compadrón". Estas son algunas apreciaciones de la interesante reseña de el escritor Marcos Aguinis, en "El atroz encanto de ser argentinos", sobre estos tres personajes y del "malevo".\nEl compadre era el hombre prestigioso por su coraje y su mirada. Muchas veces aparecido en obras de Jorge Luis Borges, el compadre era una especie de héroe que actuaba al margen de la policía resaltaba la contradicción que parecía existir entre las leyes oficiales y su aplicación deforme. Siempre vestía de negro con pañuelo blanco con la inicial bordada y una chalina de vicuña sobre los hombros. Obviamente que su arma era el facón que mantenía bajo la ropa, pero en actitud de alerta. Despreciaba el trabajo, al igual que el hidalgo, el conquistador y el gaucho. Se batía a muerte si le miraban a su mujer. Se contorneaba al caminar, evocando el minué (paso que modernizó e incorporó al tango). Aventaba la ceniza del cigarrillo con la uña del dedo meñique, con afectación de gentil hombre. Era normal que alquilara sus servicios a algún partido político y realizaba las tareas encomendadas, con total lealtad. Generalmente vivía sólo y era tan parco para hablar, que generaba miedo, además de incógnita. El "compadrito" era una disminución del anterior. Mientras que el compadre se esforzaba por mantener una imagen leal, pulcra y justiciera, el compadrito utilizaba un lenguaje vil y con aires de fanfarrón o "chanta"; se desvivía por hacerse notar: exageraba sus ademanes y su vestuario. Al momento de la pelea elegía siempre hombres que no sabían pelear, generalmente bien vestidos, a quienes envidiaba, considerando que al humillarlos en la disputa, aumentaría su prestigio. Cuando caía en apuros no dudaba en desenfundar el revólver, actitud de miedoso que jamás hubiera protagonizado el compadre. Para ganar dinero no alquilaba sus servicios al comité político, donde había riesgo y lealtad, sino que prefería el camino más cómodo y seguro de convertirse en "cafiolo" o rufián: conquistaba y sometía a dos o más mujeres, que trabajaban para él; a veces se enamoraba de una e ellas. El "compadrón" ocupaba un peldaño más bajo aún; era ventajero, cobarde y desleal. Ganaba dinero como soplón de comisarías. Traicionaba a su familia, sus amigos y su barrio por una moneda. Empilchaba hasta el grotesco y voceaba virtudes inexistentes; la mentira era su constante. El "malevo" representaba la degeneración absoluta; ni siquiera su nombre deriva de la raíz padre o compadre, como los anteriores. Abusaba de mujeres, niños, viejos y cuanto ser débil se cruzara por su camino. Huía ante la amenaza de una pelea; se burlaba de los que se asustaban cuando llegaba la policía a un conventillo, pero se escondía a la hora de la requisa. Era un indeseable en todos lados, salvo en los sainetes, único sitio donde se lo quería porque hacía reir.\nEl humor en el tango estuvo siempre presente, como para recordarnos que no todo es tristeza, melancolía, dolor y frustración. Por nombrar algunos nos encontramos al tango “Al mundo le falta un tornillo” de Cadícamo y J. M. Aguilar o “Qué vachaché”, “Qué sapa señor” y por supuesto “Cambalache” todas de Enrique Santos Discépolo. "Haragán" un tango de 1928 de Enrique Delfino y Manuel Romero, es uno de los mas graciosos jamas registrados. En su letra amalgama sátira y humor, cuando describe a una mujer “tirándole la bronca” a su pareja, que no quiere “laburar”. Entre sus lineas mas graciosas: "Haragán, si encontrás al inventor del laburo, lo fajás..." o "El día del casorio dijo el tipo'e la sotana: "El coso debe siempre mantener a su fulana... Y vos interpretás las cosas al revés, ¿que yo te mantenga es lo que querés? Al campo a cachar giles, que el amor no da pa' tanto. A ver si se entrevera, porque yo ya no lo aguanto... Si en tren de cara rota pensás continuar, "Primero de Mayo" te van a llamar.".\n4. Cualquier cosa\n5. De puro guapo\n7. Muñeca brava\n8. Como abrazado a un rencor\n9. Cara rota\n11. Mala entraña\n13. La mentirosa\n15. Aquel tapado de armiño\n18. El ciruja\nPublicado por Alvarus en 21:49 1 comentario:\nTrans-Siberian Orchestra - The Christmas Attic (19...\nPatricio Rey Y Sus Redonditos De Ricota - Oktubre ...\nCarlos Gardel - Cuídense Porque Andan Sueltos (Su ...


Ascensos en Cordero para 15 bomberos | Diario La Nación\nInicio Regional Ascensos en Cordero para 15 bomberos\nLa actividad fue presidida por el alcalde Leonel Cegarra.\nQuince ascensos al grado superior inmediato, entre ellos, primer teniente, sargento primero y distinguido, entre otros, otorgó la alcaldía del municipio Andrés Bello a funcionarios que pertenecen al Cuerpo de Bomberos de la región.\nLa actividad se cumplió en la sede de la comandancia de Andrés Bello, presidida por el burgomaestre Leonel Cegarra.\nAcompañado por su tren ejecutivo y miembros del Concejo Municipal, Cegarra calificó el acto de ascenso como “significativo”, aseverando que mediante esta acción se “reconoce y honra el buen desempeño laboral, eficacia y crecimiento” de cada uno de los funcionarios que hacen vida en el Cuerpo de Bomberos.\nSeñaló que parte de los ascensos corresponden al grado superior, de primer teniente, sargento primero, cabo segundo y distinguido. Asimismo, el alcalde mencionó que se otorgaron reconocimientos al personal permanente, voluntarios y brigadas Juvenil e Infantil.\nEl alcalde reconoce la “labor y el esfuerzo” que realizan los funcionarios, quienes día a día se esmeran por estar en “pie de lucha, a pesar de las dificultades”, por la falta de equipamiento y mejoramiento económico que actualmente viven los miembros de todos los cuerpos de salvamento y rescate.\n“A pesar de las adversidades, el ente municipal está siempre presto para apoyar en las necesidades del Cuerpo de Bomberos, el cual es fundamental para brindar seguridad y apoyo a la ciudadanía que habita en las diferentes aldeas y comunidades del municipio Andrés Bello”, comentó.\nCegarra recordó que la comandancia de Andrés Bello es una de las pocas sedes bomberiles que aún queda en el estado, esto debido a la “crisis económica” que ha obligado a algunos organismos de prevención y rescate a dejar de funcionar, ya sea por falta de personal o unidades.\nPor su parte, José Eliseo Arellano, comandante encargado del Cuerpo de Bomberos de Andrés Bello, explicó que como parte de la celebración del Día Nacional del Bombero, se realizó este afectuoso acto, a fin de engalanar a los “hombres de azul”, quienes se esmeran para seguir prestando sus servicios a la comunidad.\nResaltó que los ascensos fueron conferidos de conformidad con los artículos de ley, tanto municipal como nacional, otorgándoles de esta manera las resoluciones que reconocen sus méritos en el buen desempeño laboral y personal.\nArtículo anteriorReinado Nacional del Café será en San Cristóbal\nArtículo siguienteMinistro Manuel Quevedo acusó a Juan Guaidó de «desmantelar” empresa de Pdvsa en Colombia


Óscar Redondo: “El resultado justo hubiera sido un empate” | FS Garcia\nFS Garcia > Noticias > Nacionales > Óscar Redondo: “El resultado justo hubiera sido un empate”\nÓscar Redondo: “El resultado justo hubiera sido un empate”\nCatgas Energia extrae buenas conclusiones del derbi a pesar de la derrota. Nuestro equipo estuvo muy cerca no solo del empate sino incluso en algunos pasajes del partido de ponerse por delante en el marcador. El juego desplegado por los colomenses convenció al cuerpo técnico que no se muestra preocupado por lo que expresa en estos momentos la clasificación.\nUno de nuestros entrenadores, Óscar Redondo, se mostró muy satisfecho de la imagen que ofreció ayer Catgas Energia en el duelo catalán de Primera División. El marcador final, 2-3, no se corresponde con lo que sucedió a lo largo de los 40 minutos de encuentro “creo sinceramente que el partido fue muy igualado y sobre todo por la segunda mitad que hicimos el resultado más justo hubiera sido un empate” apunta el técnico.\nEl análisis de la derrota va más allá porque los jugadores se vaciaron en la cancha y según Óscar Redondo no se les puede reprochar nada “siempre tenemos que mejorar pero la actitud del equipo ha sido de 10 tanto en cuanto a trabajo como en lo que hemos propuesto en la cancha. Se ha llegado justito de fuerzas al final del partido y eso ante un rival como el Barça acaba por desnivelar la balanza”.\nDespués de tres jornadas de Liga, Catgas Energia ha sumado 1 punto de 9 posibles , y ocupa la 14a plaza de la clasificación. Un hecho que no provoca preocupación en el equipo “la idea es mantener esta línea. Los jugadores y técnicos estamos convencidos que éste es el camino para ganar partidos. Ya lo hemos demostrado” pero advierte “si no competimos así nos convertimos en un equipo normalito”.


Dado que la imagen térmica es una imagen de precisión única con un rango dinámico fuera de 0 a 1, debe utilizar la capacidad de escalado automático para mostrar la imagen. Generalmente, los objetos con mayor temperatura emiten más radiación infrarroja que los que poseen menor temperatura. También se pueden realizar detectores sensibles al infrarrojo con elementos del tipo pozo cuántico.\nMejores precios en la red de Imagen Termografica\nLos más modernos usan sensores que funcionan cambiando las propiedades eléctricas del material del cuerpo emisor. Más recientemente, avances ópticos y el empleo de sofisticados interfaces de software han mejorado la versatilidad de este tipo de cámaras, por ejemplo, puede conocerse la temperatura corporal al instante, la cámara puede verificar si la temperatura es superior a la normal y se dispara una alarma sonora para que se identifique a la persona. Aunque su implementación en ámbitos cada vez más diversos ha ido aumentando progresivamente, su uso sigue estando reducido en el ámbito de la investigación científica, en el de las fuerzas de protección civil, en el de los cuerpos de bomberos y en el ámbito militar, es decir, en las fuerzas armadas. Un dispositivo de medición no solamente se utiliza para la inspección de edificios, sino que se utiliza especialmente para reparación y mantenimiento de máquinas e instalaciones. Las soluciones de termografía de PROMAX permiten el control de accesos por medio de las imágenes térmicas (termografías) y la medida de temperatura por infrarrojos. Cuenta con una amplia variedad de modos de visualización, con lo cual podrás elegir el más adecuado para tu trabajo.\nLa mejor oferta de Imagen Termografica\nLa marca ofrece una versión inferior, más barata, pero con una resolución demasiado baja; y un modelo superior, que duplica en precio a esta cámara termográfica. No llega a la calidad que te pueden dar marcas como Flir o Fluke, pero hace un trabajo admirable y cuesta mucho menos. Puede guardar la imágenes tomadas con la cámara termográfica en la tarjeta micro SD (formato bmp). Un termograma es la imagen térmica del objeto que está emitiendo, transmitiendo o reflejando la energía infrarroja, mostrada por la cámara. Las cámaras infrarrojas de mayor resolución pueden medir objetivos más pequeños desde mayores distancias y pueden crear imágenes más nítidas, permitiendo así la obtención de mediciones más precisas y fiables. Algunos modelos incluyen sistemas de lentes que giran a lo largo de un eje de 120 grados para que los usuarios puedan mantener la pantalla de visualización cómodamente delante de ellos.¿Sabías que todo lo que nos rodea, ya sea vivo o no, emite energía térmica todo el tiempo? La vida sería más simple si la energía térmica fuera visible a simple vista, pero desafortunadamente no lo es. El C5 tiene una resolución térmica de 160 x 120 píxeles que ofrece imágenes térmicas detalladas y de alta calidad, especialmente desde un rango cercano.


René González en Vivo el 25 de Octubre 2019 – Vida Church\nkeyboard_arrow_right René González en Vivo el 25 de Octubre 2019\nHumberto Casanova October 7, 2019\t239\nEs un honor anunciar que tendremos a René González en vivo desde Vida Church en un evento que será completamente gratis.\nRené González es un hombre que se destaca por su buen humor, su gran voz, y su eterno esfuerzo de llevar un mensaje de aliento y ánimo por medio de la música y la palabra. Su ferviente seguimiento al “Caballero de la Cruz” comenzó luego de haber superado milagrosamente una enfermedad en su infancia.\nNacido en el seno de una familia humilde en Puerto Rico, René González comenzó a temprana edad a cantar y tocar instrumentos en su iglesia. En 1989 grabó su primera producción “No Te Rindas”. Con este disco René se dio a conocer en su natal Puerto Rico convirtiéndose muy pronto en uno de los exponentes musicales cristianos de mayor proyección internacional.\nEn el transcurso de sus casi 28 años de carrera, ha grabado trece producciones musicales como “Tu Gracia”, “Mi Iglesia”, “No Has Terminado Conmigo”, “No Te Rindas”, “La Fe”, “Mi Vida”, “Si Tu lo Dices”, entre otros grandes éxitos. Además es el autor de los libros “No Desmayes” y “Podemos Lograrlo”.\nRené González junto a su esposa Damaris Grillo, son los Pastores fundadores de la Iglesia Casa de Júbilo San Juan. Llevan quince años como Pastores principales y a su vez supervisan más de seis iglesias dentro y fuera de su país. Ambos cuentan con más de veinte años como ministros de la música y la palabra de Dios.\nCuando: Octubre 25\nHumberto es saxofonista en el grupo de alabanza y adoración y además colabora con el contenido de los medios sociales de Vida Church.\nLa forma en que cuidamos nuestro cuerpo, afecta nuestra salud espiritual y nuestra capacidad para recibir la dirección de Dios en nuestra vida. En 1 de Corintios 6:20 dice; “Porque habéis […]


PRI y PAN violentan la legalidad y atropellan el procedimiento en la discusión de las leyes secundarias en materia energética: Morón – En contacto directo\n• Los Senadores del Grupo Parlamentario del PRD nos retiramos de la discusión hasta que la Mesa Directiva del Senado se pronuncie en torno al proceso legislativo.\n• Demandamos respeto irrestricto a la legalidad en una discusión que es histórica.\nCiudad de México, a 13 de junio de 2014.- En el contexto de la reunión de las Comisiones de Energía y Estudios Legislativos, Raúl Morón declaró que con tal de aprobar con prisas la reforma energética, PRI y PAN han violentado la legalidad y han atropellado el procedimiento que establecen las normas que rigen al Senado de la República.\nEl legislador michoacano afirmó que es contundente la opinión de la Comisión de Reglamentos y Prácticas Parlamentarias, en el sentido de que el Acuerdo que establece el formato de discusión conculca los derechos de los legisladores y viola el Reglamento del Senado de la República.\n“El formato aprobado por la mayoría del PRI y el PAN limita los tiempos de los Senadores para exponer argumentos y presentar reservas a los Dictámenes, lo cual es ilegal y conculca nuestros derechos como parlamentarios”.\nMorón Orozco resaltó que es un procedimiento ilegal, la prueba es que existe un Dictamen de una Comisión que está facultada para emitir opiniones sobre la interpretación, mismo que PRI y PAN pretenden solamente archivar.\n“Los Senadores del Grupo Parlamentario del PRD nos retiramos de la discusión hasta que la Mesa Directiva del Senado se pronuncie en torno al proceso legislativo”.\nEl Senador michoacano aclaró que no se oponen al debate, sino que demandan respeto irrestricto a la legalidad en una discusión que es histórica y muy trascendente para el país.\nElías Ibarra recorre Tzitzio y entrega apoyos a la población


Los mejores casinos online para jugadores españoles - Casino.Buzz\nPublicado noviembre 19, 2021 Por\tMoses Mbuva | Bonificaciones, Noticias de casino en línea | 👁 7 Visto\nCuando hablamos de cosas que son españolas, solemos incluir sol, paella y toros, pero una cosa por la que España se está volviendo más popular en el mundo online son los casinos online.\nPor el momento, España está en los titulares de iGaming por su crecimiento en los juegos digitales con dinero real. Es uno de los países más reconocidos de Europa por sus estrictas leyes de juegos de azar, lo que allana el camino para los juegos de azar en línea confiables.\nA la luz de esto, muchos españoles están acudiendo en masa a sus computadoras y teléfonos móviles para buscar los mejores casinos en línea que brinden acceso a juegos como tragamonedas y ruleta.\nEntonces, si usted es español y desea mantenerse al día con la tendencia y adelantarse a la multitud sobre dónde apostar, deberá aprender y comprender las reglas y regulaciones vigentes en este hermoso país.\nEn esta página, encontrará una lista de los mejores casinos en línea. Pero no solo eso, nuestro equipo ha elaborado una mini-guía de la información básica que necesita saber cuando juega en estos sitios de casinos españoles principales.\nCasinos españoles en línea y móviles\nEn el pasado, los casinos online han dominado el mercado español. Pero ahora, muchos de los mejores casinos ofrecen juegos de azar móviles porque el uso de dispositivos móviles está tomando el control.\nA continuación se muestra una lista de los 3 mejores casinos en línea actuales para jugadores españoles que se ha actualizado y actualizado para garantizar que obtenga la mejor y más reciente experiencia.\nEl mejor casino en línea del momento para que los jugadores españoles disfruten de los mejores juegos de casino y obtengan un bono de bienvenida gratis de 4000 €.\nUn casino en línea español de primer nivel que tiene una gran base de jugadores en España y ofrece a todos los nuevos jugadores un bono de primer depósito de 4000 €.\nUn casino en línea confiable que es amigable con los españoles y brinda acceso a excelentes ofertas, torneos, tragamonedas y juegos de mesa con un bono de depósito de 4000 €.\nOpciones de los jugadores de casino españoles\nLo primero que hacemos a la hora de buscar y comparar casinos online en España es plantearnos una serie de preguntas.\nEstas preguntas incluyen una variedad de puntos que nos ayudan a identificar sitios buenos y malos, y compartir esta información con nuestros visitantes españoles para que puedan tomar decisiones más simples. Las preguntas incluyen:\n– ¿El sitio del casino acepta jugadores españoles?\n– ¿Pueden los jugadores apostar en la moneda española Euro?\n– ¿Se puede confiar en el casino en línea?\n– ¿Qué juegos pueden jugar los jugadores españoles?\n– ¿Hay configuraciones de idioma español para juegos localizados?\n– ¿El casino ofrece asistencia en un idioma que los jugadores españoles puedan entender?\nEntonces, si está buscando los mejores casinos en línea, puede usar las preguntas anteriores y hacer sus propias elecciones de los sitios en español más populares y ver lo que tienen para ofrecer.\nCómo unirse a un nuevo casino en línea\nSi vive en España y desea unirse a un nuevo casino en línea que sea amigable para los jugadores españoles, puede seguir los siguientes pasos para comenzar en el menor tiempo posible:\n1. Encuentre un sitio de casino que acepte jugadores españoles o seleccione uno de nuestra lista recomendada arriba.\n2. Haga clic en los botones para unirse o crear una cuenta para crear una nueva cuenta de jugador.\n3. Agregue dinero a su cuenta y reciba un bono de bienvenida por primer depósito.\n4. Seleccione el juego que desea jugar y disfrute.\nEl proceso de registro en un nuevo casino en línea toma alrededor de 5 minutos y debería poder jugar juegos de casino inmediatamente después de unirse.


El ambicioso proyecto del Benfica al que se sumará Darwin Núñez\nBenfica ha renovado su plantel de cara a la temporada 2020/21 con una apuesta interesante en jugadores de muchísima proyección acompañada por la contratación del entrenador Jorge Jesús.\nEl técnico firmó en julio por dos temporadas con el club de Lisboa, regresando así a las Águilas luego de cinco años y tras haber dirigido durante poco más de 12 meses al Flamengo con el que obtuvo cinco títulos (entre ellos la Copa Libertadores 2019).\nDarwin Núñez, el fichaje más caro de la historia del fútbol portugués\nDarwin Núñez tiene todo arreglado con Benfica\nCon el arribo de Jorge Jesús, el Benfica confirmaba su salto de calidad en la plantilla, a la cual ya había realizado dos importantes incorporaciones en el primer semestre del año: el 2 de enero se oficializaba la llegada del alemán de 24 años Julian Weigl (por quien en su momento estuvieron interesados el Barcelona y el PSG) y el doce de marzo quien se sumó fue el brasileño Pedrinho nacido en 1998.\nA estos dos futbolistas (de ambos se espera que puedan llegar a ser referencias mundiales en próximas temporadas), se le han sumado el ocho de agosto Gilberto, lateral de 27 años proveniente de Fluminense, y el arquero Helton Leite, quien llega desde el Boavista de Brasil.\nCuatro días más tarde el Benfica también oficializaba las llegadas del experimentado zaguero belga Jan Vertonghen y el atacante alemán Luca Waldschmidt (quien llevará la camiseta número ‘10’). Y el 14 de agosto quien posaba con la número ‘7’ del club de Lisboa era el brasileño ‘Cebolinha’ Éverton Sousa Soares, campeón de la Copa América 2019 y campeón de la Copa Libertadores 2017 con Grémio.\nPuede que no llame la atención dichas incorporaciones. Algunas parecen responder al modelo económico del fútbol de Portugal, donde los clubes son muchas veces la primera parada de figuras latinoamericanas que luego pasarán a otro mercado más importante (y con ello las instituciones portuguesas se ven favorecidas por su inicial apuesta económica y deportiva).\nEvidentemente el caso de Vertonghen no responde a esta cuestión. El ex zaguero del Tottenham de 33 años disputó los últimos dos mundiales con la selección de Bélgica (en Rusia 2018 llegó a las semifinales) e intentará aportar desde su experiencia.\nE incluso las incorporaciones de los alemanes de 24 años Waldschmidt y Weigl también parecen ser una apuesta más deportiva a corto plazo que una económica a mediano o largo. Por el primero, se pagaron 15 millones de euros al Friburgo (el contrato es de cinco años con una cláusula de 88 millones) ganándole la pulseada al Chelsea, también interesado en el futbolista.\nPor Weigl, que llegó desde el Borussia Dortmund, se desembolsaron 20 millones según afirman distintos medios europeos. El volante central intentará reencontrar su mejor forma futbolística (lograda en las temporadas 15/16 y 16/17 donde se lo comparaba con Sergio Busquets) luego de romperse el tobillo derecho en mayo del 2017.\nPor el brasileño Everton se pagaron también 20 millones de euros (contrato hasta 2025 con cláusula de salida de 150 millones) pero desde Brasil confiaban en que el veloz puntero de 24 años ya estaba preparado para mercados más importantes.\nAdemás de que no es tan habitual que los futbolistas alemanes lleguen a una liga como la portuguesa o que Everton tal vez ya tuviese edad para ir directamente a otro grande de Europa, Benfica se interesó en este mercado de pases por Edinson Cavani para reafirmar este ambicioso proyecto deportivo.\nLa negativa del delantero uruguayo de 33 años (que había finalizado contrato con el PSG francés) obligó a las Águilas a buscar otro atacante y, combinando su visión en el potencial de los jugadores con la enorme cantidad de dinero que dispone actualmente, contrató a Darwin Núñez del Almería de España.\nEl también nacido en Uruguay llega al Benfica convirtiéndose en el fichaje más caro de la historia del club portugués y en la cifra récord de traspaso para la Segunda División de España: más de 24 millones de euros es lo recibido por el equipo español.\nNúñez nació en el departamento uruguayo de Artigas en junio de 1999, participó del Sudamericano y del Mundial sub 20 del 2019, y debutó en la selección mayor de Uruguay en octubre de ese año.\nDe esta manera, el delantero que viene de convertir 16 goles en la pasada temporada se suma al proyecto del Benfica y, sin considerar al volante Weigl que llegó en enero, se transforma en la séptima incorporación en el actual mercado de pases. La gran apuesta del club portugués hace imposible afirmar que su plantel está cerrado y que no habrá alguna otra llegada para potenciar aún más al equipo.


PSD a TIFF | Zamzar - Conversión gratis de archivos en línea\nConvertir PSD a TIFF\nConvertir PSD a TIFF - en línea y gratis\nDescripción Un archivo PSD es conocido como un documento de Photoshop y fue desarrollado por Adobe para que los Diseñadores Gráficos pudieran crear imágenes en capas. PSD es el formato propietario que Adobe utiliza para guardar estos archivos, entonces ya pueden ser abiertos en varias versiones de Adobe Photoshop o si el usuario desea mandárselos a otros, pueden ser simplificados a PNG, JPG o en otros formatos estándares de imágenes. Sin embargo no puedes reconvertir un archivo JPG/PNG que ha sido convertido de un PSD de nuevo a un archivo PSD – ya que pierde sus capas.\nDetalles Técnicos Los archivos de Photoshop tienen la extensión .PSD, este PSD almacena una imagen con soporte para una gran cantidad de opciones de formación de imágenes, como las Máscaras, transparencia, trazos de recordé y ajustes de duotono. Algunas veces los archivos de Photoshop tienen la extensión .PSB que esencialmente significa Photoshop Big (Photoshop Grande), esto permite que las imágenes soporten una altura y ancho máximo de hasta 300,000 pixeles y un límite de longitud de 4 exabytes.\nMás detalles sobre Photoshop y el formato PSD\nEditar un archivo PSD sin Photoshop\nDescripción Tiff fue creado originalmente por la compañía llamada Aldus, y ahora es propiedad de sistemas Adobe, es un formato de archivo para guardar imágenes, incluyendo líneas de arte y fotografías. Fue creado debido a la popularidad de los escáneres y fue planeado para convertirse en el formato de imagen estándar de escaneo. Es un formato popular para imágenes de alta profundidad de color y ha sido también adaptado para acomodar las imágenes en escala de grises.\nDetalles Técnicos Un archivo TIFF es creado de diferentes bloques los cuales definen los datos de paleta o el cuerpo LZW-comprimido entre otras cosas. El orden del byte es o Motorola o Intel dependiendo de la primera palabra, si es MM, entonces tiene byte de Motorola así mismo significará que tiene el orden de byte de Intel. Cada archivo TIFF comienza con una cabecera de archivo de imagen el cual apunta entonces hacia un directorio de archivos de imagen el contiene los datos de imagen y la información de la imagen.\nDesarrollado por Aldus, Adobe Systems\nMás información acerca de lo que es un archivo TIFF\n¿Cómo puede abrir un archivo TIFF?\nLa conversión de archivos PSD\nUsando Zamzar es posible convertir archivos PSD a una variedad de otros formatos\npsd a bmp (Windows bitmap)\npsd a doc (Microsoft Word Document)\npsd a docx (Microsoft Word 2007 Document)\npsd a gif (Compuserve graphics interchange)\npsd a jpg (JPEG compliant image)\npsd a pcx (Paintbrush Bitmap Image)\npsd a pdf (Portable Document Format)\npsd a png (Portable Network Graphic)\npsd a tga (Truevision Targa Graphic)\npsd a tiff (Tagged image file format)\npsd a wbmp (Wireless Bitmap File Format)\nPSD to TIFF - Convert file now


Las cifras económicas y políticas públicas repercuten en distintos ámbitos de la vida sin que nos enteremos.\nEl más importante de ellos: el bolsillo de las personas.\nA diario vemos pasar noticias con términos complejos en los medios de comunicación con una particularidad: un idioma incomprensible y una forma poco atractiva que no invitan a entender o informarse, en especial a los jóvenes, que consumen la mayor parte de su tiempo libre en redes sociales.\nEl propósito es hacer amigable y cercana a la economía, generar confianza y acercar el conocimiento a un grupo de la población que ha quedado desatendido y que navega en un mar plagado de información inexacta y muchas veces incomprensible y/o falsa.\nEste espacio explica en lenguaje claro y simple conceptos y acontecimientos clave de economía, finanzas y mercados para que las personas puedan tomar buenas e informadas decisiones y estén al día con la actualidad.


Perú peleará por el cetro del Miss Teen Grand – Agencia de Noticias Órbita\nPerú peleará por el cetro del Miss Teen Grand\nLima.- Con apenas 18 años, Viviana Alva Cook nos representará en la primera edición del Miss Teen Grand que se llevará a cabo en la ciudad de México. La final se realizará el 30 de junio dónde competirá con más de 30 candidatas de todo el mundo .\n«La organización confía en su preparación, educación, belleza e inteligencia. Pero sobre todo en su respeto y dedicación para competir por esa corona. Confiamos en que ella brillará en la competencia» , señaló Diego Alcalde organizador del Miss Teen Perú.\nPor su parte, la reina de belleza se mostró feliz de que la organización la haya elegido como representante del Miss Teen Grand Perú . «Muchas gracias por la confianza. Daré todo de mi . ¡Arriba Perú!», señaló Viviana.\nCabe precisar, que Alva Cook ya tiene experiencia en concursos de belleza, pues ganó la corona del Miss Teen Universo Lima Oeste 2018, fue segunda finalista del Miss Teen Perú. Y se alzó con la banda del Miss Teen Perú Universo Earth 2019. A esto se suma que es una requerida modelo de varias marcas.\nNUEVAS TEEN De otro lado, la organización del Miss Teen Perú presentará el 10 de enero a las 36 candidatas que lucharán por ser la nueva sucesora de Antonella Salini, la Miss Teen Perú Universo 2019. Cómo se recuerda la joven trujillana nos representará este 20 de enero en Panamá para competir en el Miss Teen Universo.\n← Produce: PNIPA destinó S/73 millones para promover la innovación en pesca y acuicultura\nCinco razones por las que es importante la ginger ale para estar en #ModoChilcano →