10-16 DICIEMBRE 2012\nCIBERCULTURA Y ARTE AUDIOVISUAL PARA EL FIN\nEn consonancia con los frágiles momentos para el arte y la cultura, era difícil que nos augurasen de que llegaríamos a la 4ª Edición de MADATAC, con una visibilidad cada vez mas renovada, y menos aún con expectativas firmes para la celebración en el 2013 de una 5ª Edición en torno a la participación de una referencia internacional para el mundo de lo audiovisual cuyo ADN artístico desvelaremos a su debido momento.\nComo es vox populi, cada convocatoria de MADATAC intenta tomarle el pulso a los procesos de transformación del cambiante entorno y plantear un tema que atraiga la atención y la inspiración, que permita el asalto al arte audiovisual por parte de procesos iconoclastas que sometan a las pantallas con pixeles subvertidos y una re-asimilación de las relaciones entre arte, materia y la tecnología.\nEn esta edición, huéspedes del privilegiado espacio CentroCentro Palacio de Cibeles, hemos abierto la caja de Pandora de la cultura cibernética asociada al laberíntico devenir de la ciudad bajo un lema que retrata y se enfrenta, no ya al final del mundo, pero si a una manera caduca de entender el arte de los nuevos medios. Como parte de las propuestas seleccionadas y en consonancia programática, habrá una ingente cantidad de proyecciones de obras audiovisuales experimentales provenientes de todos los rincones del mundo, la puesta en marcha del I Simposio de Cibercultura y New Media Art con la presencia y ponencias de destacadas personalidades, así como una exhibición permanente de artistas e instalaciones que hacen uso de las nuevas tecnologías de los medios de comunicación e información con el objetivo de investigar las posibilidades estéticas, culturales y críticas de estas herramientas.\nRe-definir los procesos artísticos de todas las corrientes no es solo uno de los objetivos de MADATAC, sino también el fundamento a partir del cual los artistas de los nuevos medios definen y cuestionan estos nuevos medios con los que se está llevando a cabo la revolución digital.\nLUNES 10 DE DICIEMBRE de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00\nVIERNES 16 DE DICIEMBRE de 11:00 a 14:00\nDRA. RAQUEL CAEROLS MATEO. Profesora de la Universidad Antonio de Nebrija\nDoctora en Creatividad Aplicada. Universidad Complutense de Madrid, Facultad de Bellas Artes. Departamento de Didáctica de la Expresión Plástica. Licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, especializada en estudios de creatividad en el campo de las artes visuales. Ha trabajado en Informativos Tele 5 y en la productora El Mundo.\nHa impartido clases en la Universidad Europea Miguel de Cervantes (Valladolid) y en la Universidad Francisco de Vitoria en el área de tecnología audiovisual. Ha impartido diferentes seminarios y talleres, como el Taller de video dentro del Curso\nde Experto Universitario en Educación Artística, en el departamento de Didáctica de la Expresión Plástica de la Facultad de Educación de la Universidad Complutense, o los cineclub de la Universidad Antonio de Nebrija.\nTambién ha participado como ponente en Congresos internacionales como el Computer Art en México DF, o el VI Congreso de lúdica y pedagogía. Por un nuevo aprender, organizado por la Fundación Tecnológica de Madrid y celebrado en Cartagena de Indias (Colombia). Asimismo, tiene diversas publicaciones en revistas: Revista de Artes Plásticas, Estética, Diseño e Imagen, Bellas Artes, Universidad de La Laguna, Trípodos, Arteliebre.com, así como en la Editorial Fragua, o en el Festival Internacional de Televisión sobre Vida y Ecología Urbanas, celebrado en La Casa Encendida.\nDE LA ESTÉTICA CIBERNÉTICA A LA ENDOESTÉTICA\nFoto: Marcel·lí Sàenz, 2008\nClaudia Giannetti es investigadora en la especialidad del arte contemporáneo, media art y la relación arte-ciencia-tecnología; comisaria de exposiciones, teórica y escritora. Directora de Edith-Russ-Haus for Media Art, Oldenburg, Alemania y Profesora Catedrática invitada de la Universidad de Évora, Facultad de Artes Visuales, Portugal. Consultora artística del Fórum Eugénio de Almeida, Évora, Portugal. Fue directora de la ACC L'Angelot (1993-1999) y del MECAD Media Centre d'Art i Disseny (1998-2007), ambos en Barcelona.\nHa comisariado más de un centenar de proyectos nacionales e internacionales, como en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; CCCB˜ Centre de Cultura Contemporánia de Barcelona; Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, México DF; Centre George Pompidou, Paris; Le Fresnoy Studio Nacional des Arts Contemporains, Tourcoing, France; Instituto Cervantes, Nueva York y Beijing, China; CaixaForum, Mediateca, Barcelona; Expanded Box, ARCO'2008, Madrid; MEIAC Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz; ZKM Center for Art and Media de Karlsruhe, Alemania; Neue Galerie Graz, Austria, etc. Miembro de jurado de diversos premios de arte internacionales, también ha recibido varios galardones por su trabajo como comisaria y escritora. Como teórica y autora, ha publicado numerosos artículos en revistas especializadas y catálogos, y varios libros, entre otros: "Estética Digital - Sintopía del arte, la ciencia y la tecnología" (Barcelona, 2002, traducido a 4 idiomas); y "La razón caprichosa en el siglo XXI - Los avatares de la sociedad posindustrial y mediática" (Las Palmas de Gran Canaria, 2006).\nLEER EL TERRITORIO. LA CIUDAD Y SU VALOR WEB\nFrancisco Berenguer es profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia donde imparte materias vinculadas con el concepto de interfaz y el diseño de interacción. Profesor invitado en diversos másteres universitarios nacionales e internacionales. Ha organizado diferentes cursos y talleres en España, México y Portugal. Ha impartido numerosas conferencias y expuesto obras interactivas en certámenes de Arte Electrónico ArtFutura (Barcelona, España), Ciberart (Bilbao, España), Fournos Centre for the Digital Culture (Atenas, Grecia), Gran Canaria Espacio Digital, Cabildo de Gran Canaria (Las Palmas, España), ESAD (Oporto, Portugal), Ingráfica (Cuenca, España), etc…\nDirector de la editorial Sendemà. Director de la revista DEFORMA y de la plataforma web DEFORMA Cultura Online (www.deforma.info).\nVIDEOARTE Y LA AUSENCIA DE ARTE DE LOS NUEVOS MEDIOS EN EL IRÁN CONTEMPORÁNEO\nShahram Entekhabi es un artista y arquitecto que vive y trabaja en Berlín. Estudió diseño gráfico en la Universidad de Teherán, Irán. Mas tarde arquitectura, urbanismo e idioma italiano en Perugia y en Reggio Calabria, Italia. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones en todo el mundo. Enmarcado dentro de un entorno urbano, Shahram define la idea del mismo espacio como una reserva para la actuación y el rendimiento del hombre blanco, de clase media y heterosexual, y explora estas ideas a través de una variedad de prácticas performativas utilizando para ello la arquitectura, la instalación o los medios digitales.\nShahram explora los prejuicios y la sospecha de la sociedad contra 'los otros' mediante la visualización del miedo, la paranoia y los estereotipos construidos sobre 'el otro' a causa de su color, religión u origen étnico y cómo las personas participan en la marginación de las minorías a través de la percepción, la política, la propaganda y el control. Por lo tanto, Shahram elige destacar a personas que normalmente son marginadas o forzadas a ser invisibles hasta desaparecer de la esfera urbana, como por ejemplo las comunidades de los inmigrantes y sus respectivas culturas, especialmente las provenientes de Oriente Medio y su diáspora. La cuestión de la visibilidad e invisibilidad es un tema al que Shahram ha recurrido extensamente dentro de su práctica.\nPor otra parte, también está vinculado a la Arquitectura Parásita, que cuestiona aspectos de la comunicación social a la vez que desmonta la noción de la propiedad de los espacios públicos. Destacando el aspecto transitorio de la idea de lo informal, la Arquitectura Parásita examina temas sobre la migración y la diversidad cultural. Por lo tanto, en muchos lugares del mundo, Shahram crea apéndices informales a arquitecturas existentes (por ejemplo, la arquitectura de los museos) o construye espacios temporales independientes. Estas arquitecturas informales siempre se construyen en espacios públicos utilizando cintas de seguridad para sugerir zonas de seguridad o zonas vedadas al paso, indicando con ello aspectos de exclusividad y de abarcabilidad del espacio público. Son obras que tratan sobre los conceptos de la performance y del tiempo y espacio públicos.\nCIBERCULTURA Y ARTE AUDIOVISUAL DE LOS NUEVOS MEDIOS EN LA METRÓPOLIS\nArtista multidisciplinar, Iury Lech ha desarrollado su creatividad a la manera de los artistas ilustrados y desde una premisa atípica explora los campos de la videocreación, la música y la escritura.\nSu abierta e inclasificable obra reinventa los estereotipados conceptos vanguardistas mediante un arsenal provocativo que desde una línea de sombra apunta certeramente a las complejidades de la evolución artística.\nDe 12:30 a 14:30 ponencia de Roy Ascott\nLA CIVITAS CIBERNÉTICA Y EL SER MÚLTIPLE\nRoy Ascott participa actualmente en la Bienal de Shanghai 2012 con Syncretic Cybernetics y recientemente ha estado en la Bienal de Venecia, V2, en Trienal de Milano, en la Bienal de Mercosul en Brazil, European Media Festival y Musée d'Art Moderne, Paris entre otros. Iniciador de Arte Telemático, entre sus proyectos fundamentales están: La Plissure du Texte en Electra, Paris (1984, Second Life versiones en 2010, 2012) y Aspects of Gaia, Ars Electronica (1989). Su retrospectiva, The Syncretic Sense, se ha proyectado en Plymouth Arts Centre, UK (2009), Incheon International Digital Art Festival, Corea (2010) y SPACE in Hackney, Londres (2011). Es presidente de Planetary Collegium y DeTao Master of Technoetic Arts en Beijing DeTao Masters Academy de Shanghai, Sus publicaciones incluyen: The Future is Now: Art, Technology, and Consciousness, Gold Wall Press, Beijing, 2012; Telematic Embrace: Visionary Theories of Art Technology and Consciousness, UC Press, 2003; Technoetic Arts, Yonsei University Press, 2002; Art & Telematics: toward the Construction of New Aesthetics, NTT, Tokyo, 1998.\nLa sección Oficial Internacional de la Muestra consta de un total de 73 videocreaciones a competición procedentes de 26 países que se proyectarán en el Auditorio de “CentroCentro Cibeles de Cultura” de Madrid del 10 al 16 de diciembre.\nMartes 11 de diciembre de 16:00 a 17:00\nMiguel Ángel CONCEPCIÓN (España/Spain)\nLAST SUPPER/03’ 14”/2012\nDoce artistas son invitados para una próxima última cena en la que se van fusionando o metamorfoseando unos con otros. Y como si de Savonarola se tratara, el fuego arde en cada uno de ellos. Una crítica a la religión frente a la inteligencia, el arte y los últimos tiempos.\nMariana CARRANZA (Alemania/Germany)\nCONSTELACIONES 1, CONSTELACIONES 2 - CONSTELLATIONS 1,\nCONSTELLATIONS 2/02’ 09”/2011\nUn cuerpo que con sus movimientos dibuja grafismos animados, en infinitas variaciones posibles. Imagen generada, de forma interactiva, por un software diseñado en Processing especialmente para producir ésta obra. El cuerpo al moverse activa las partículas de un sistema, que reaccionan, con un determinado porcentaje de random, dibujando los grafos sobre la imagen. Así es que el video no resulta de una superposición de dos imágenes diferentes, sino que se autogenera computarizando los píxeles del video de la danza, cada vez de una manera diferente.\nRoderick STEEL (Brasil/Brazil)\nTRANSFIGURATION: A TELEMATIC TRYPTYCH - TRANSFIGURACIÓN:\nUN TRÍPTICO TELEMÁTICO /03’ 08”/2012\nTríptico de una intervención telemática en una catedral brasileña. Lo documental y lo teatral difuminan las fronteras entre los mundos reales y virtuales en un montaje fluido de fotograma sobre fotograma. La mirada itinerante del móvil crea un mapa del cuerpo de la catedral dentro de otro cuerpo, en comunión con los medios móviles de comunicación.\nPieza audiovisual creada por medio de metraje encontrado y técnicas de corrupción de datos de vídeo en torno a los problemas de “conectar” modernos, la identidad ciborg y el laberinto de la ciudad.\nUlf KRISTIANSEN (Noruega/Norway)\nI FEEL YOU - TE SIENTO/05’ 14”/2010\nUn escalofriante relato poético acerca de la obsesión, el terror y la muerte.\nMatías MONTARCÉ (España/Spain)\nEL PROCESO - THE PROCESS/15’ 00”/2012\nReflexión personal en tono crítico sobre alguno de los aspectos que nos afectan actualmente a nivel social, económico y cultural, entre los que se destacan el lento resurgir de la pobreza, la falta de oportunidades laborales o el retroceso progresivo y generalizado en sectores como la sanidad, la educación o la cultura. Dejando una puerta abierta al cambio positivo basado en la semilla que germina en la respuesta social.\nJonathan DESJARDINS (Canada)\nVARIATIONS FLEXIONNELLES EN TROIS MOUVEMENTS – VARIACIONES\nFLEXIBLES EN TRES MOVIMIENTOS/02’ 18”/2012\nVariations Flexionnelles son estudios en escritura sonora y esta pieza es un vi-deo animación creado a partir de una serie de dibujos realizadas para Varia-tions Flexionnelles 3, 4, y 5. Es una investigación morfológico del movimiento, especifico a esta manera de escribir. Cada movimiento se construye sobre el scroll de una serie secuencial, cada uno hecho a partir de una partida de escritura distinta. La posibilidad de doblar crea, en primer lugar, un desfase acoustico entre los elementos repetitivos únicos a cada movimiento y, segundo, entre los mismos movimientos. Nos permite entrever la resonancia espacio-tiempo que ya se pudo oír.\nJarek LUSTYCH (Polonia/Poland)\nGOD LOVES THREESOME *RUSSIAN PROVERB – DIOS AMA LOS TRIOS\n*PROVERBIOS RUSOS/0’ 30” /2012\nLa película pretende juntar conceptos violentamente opuestos, originarios de sistemas de creencias comunes. Tiene una calidad hipnótico, como de sueño, con la intención de recordar nuestro anhelo por ese mismo objetivo.\nJose Miguel SEGUÍ (España/Spain)\nIL SOGNO DELLA RAGIONE – EL SUEÑO DE LA RAZÓN/05’ 20”/2010-2012\nReflexión sobre la naturaleza del monstruo a partir de la obra de GOYA. Imagen real, animación 2D, collage.\nPaul O’DONOGHUE (Irlanda/Ireland)\nPRETTY IN PINK – BONITA EN ROSA/04’ 41”/2012\nMúsica visual formada por elementos creados a base de tecnologías analógicas, donde los componentes, tantos sonoros como visuales, se generaron de forma simultánea. La frecuencia en forma visible; todos los contenidos visuales mantienen los sonidos que los engendraron. Luego, estos fragmentos se re-organizaron para crear una composición audiovisual. Lo que oyes es lo que ves.\nDiego SERAFINI (Argentina)\nDEUDAS - DEBTS/01’ 39”/2012\nCámara fija hacia un plano blanco, comienzan a caer balas, las cuales, van manchando el plano de un color rojizo a forma de sangre, cuando terminan de conformar la imagen hay un leve corte, y por último caen monedas y finaliza el video.\nVolkan ERGEN (Turquía/Turkey)\nella es una dríade\nella es una hamadríade\nsiempre está enamorada de todos\nbesándose con el gigante en lo obscuro\ncansada de identificar su soledad\ncubriendo el mar desmalezado del bosque con todas las joyas\ndentro de los ojos donde follan las dríades\nen los sueños de las mariposas\nnuestros hijos sólo están hechos de luz\nrecorriendo los frágiles órganos por encima de mí.\nMiroslav SRETENOVIC (Serbia)\nSPRINGBOARD – TRAMPOLÍN/ 05’ 25”/2012\nProcesamiento en tiempo real de imágenes en 3D, paisajes sonoros de música electrónica en directo, toques de glitch y ruidos discretos. Un proyecto audiovisual desde Belgrado, creado por el artista sonoro y productor, Springboard y el artista de video, Incredible Bob.\nSalome MC (Japón/Japan)\nAquaphobia supone un miedo al agua más allá de lo que el paciente es capaz de controlar y que puede condicionar su día a día. El agua cubre el 70,9% de la superficie de la tierra y es esencial para todas las formas conocidas de vida.\nThomas LORENZ (Austria)\nBROKEN LAND - TIERRA ROTA/03’ 35”/2012\nTierra Rota es una simulación interactiva en tiempo real que desarrolla un paisaje virtual en tres dimensiones reactiva a la música; su fin es crear una obra que va mas allá que un juego de formas y colores puramente abstracto. La pieza muestra algo que se podría entender como un paisaje en evolución continua, un “otro espacio” lleno de movimiento que transmite una sensación de familiaridad y extrañeza al mismo tiempo.\nRoland QUELVEN (Francia/France)\nROJA CATHARSIS/01’ 00”/2012\nLa catarsis describe el resultado de las medidas tomadas para limpiar la culpa de sangre. “La sangre se purifica con la sangre.” Walter Blanket.\nMartes 11 de diciembre de 17:00 a 18:00\nAna Rodríguez LEÓN (España/Spain)\nLA MÁQUINA ESPIRITUAL - THE SPIRITUAL MACHINE/19’ 00”/2012\nLiz RODDA (EE.UU/USA)\nCUT - CORTE/02’ 45”/2012\nCorte presenta dos videos en paralelo: una serie de sonidos provienientes de animaciones encontrados que crecimiento muscular, junto con un video que muestra el giro infinito de un diamante.\nJym DAVIS (EE.UU/USA)\nDARK SURFACE - SUPERFICIE OSCURA/05’ 00”/2012\nSuperficie Oscura es una meditación abstracta sobre la creación y/o resurrección de la vida en un planeta desolado, yerma; forma el segundo acto a la obra de video, White Space. La película ofrece muy pocas pistas al espectador en cuanto a la interpretación de su significado, centrándose en ofrecer una experiencia sensorial: texturas, sonidos, ritmos y movimiento. Se puede detectar la influencia de David Lynch además de la música repetitiva de compositores minimalistas como Philip Glass o Steve Reich.\nPaco GRAMAJE (España/Spain)\nINSIDE VAN GOGH DREAMS/02’ 57”/2012\nVideo danza: “Anoche soñé con una bailarina...y bailó para mi toda la noche”\n(Vincent Van Gogh Septiembre 1868)\nFabio SCACCHIOLI - Vicenzo CORE (Italia/Italy)\nMISS CANDACE HILLIGOSS’ FLICKERING HALO - El HALO PARPADEANTE DE LA\nSEÑORITA CANDACE HILLIGOSS/13’ 30”/2011\n“The Beginning” es una película del cine negro americano de los principios de los 60: imágenes destripadas, torturadas o “detournadas” se organizan en unas estructuras precarias en proceso de evolución; se entremezclan en múltiples y retorcidas narrativas en un estado permanente de colapso. El objetivo es provocar la explosión de un sistema cerrado por medio de un bombardeo de implosiones audiovisuales. Olvídate de lo que ves en la película; empápate en una vibrante herencia visual. El Halo Parpadeante de la Señorita Candace Hilligoss trata ese intervalo que, de forma simultanea, separa y unifica; el silencio entre las palabras, el negro que divide una imagen de otra. Es una película en contra de los opuestos dialécticos en el cine, montado según la teoría de la incertidumbre de Heisenberg, utilizando el fenómeno de la persistencia retiniana como herramienta expresiva.\nAlessandro AMADUCCI (Italia/Italy)\nANATOMY THEATER - TEATRO ANOTÓMICO/03’ 30”/2012\nUn drama teatral, interpretado por actores anatómicos.\nBakary DIALLO (Francia/France)\nLa historia de un territorio abandonado por la guerra y un personaje perturbado por su experiencia subjetiva de la violencia.\nPablo Fernández PUJOL - Miguel Ceballos (España/Spain)\nCIBERPÁJARO (Párte I) - CYBERBIRD (Part I)/02’ 27”/2012\nCiberpájaro plantea desde la metáfora artística una reflexión sobre la metamorfósis y los procesos de transformación como elementos necesarios para readaptarse a un entorno en continuo cambio. A través de un personaje mutante, entre lo mecánico y lo orgánico, se activa un viaje virtual que utilizará al protagonista como vehículo para recorrer diferentes situaciones, en distintas etapas, dentro del mapa europeo. La pieza está realizada en stop motion, utilizando una escultura articulada; ésta, se inserta en un entorno prácticamente desértico, apocalíptico, que amplifica junto al sonido, el sentido inquietante de la historia.\nTAXONOMÍA 5 - TAXONOMY 5/04’ 29”/2012\nÉste trabajo es una pieza integrante de la serie “Proyecto Taxomanía”, compuesto de 5 vídeos y una serie fotográfica. La definición del término Taxomanía viene dada como como el estudio de las relaciones de parentesco entre los organismos y su historia evolutiva. Más allá de su definición dentro de un marco de de ordenamiento y clasificación científica, la autora plantea la relación existente entre el cuerpo como elemento orgánico y sus diversas realidades. Realidades fracturadas a modo de espejos en los que se refleja la imagen subjetiva. Subjetividad dependiente de la percepción individual, de la propia naturaleza frágil y efímera de la estructura orgánica que arma el cuerpo y la comunicación establecida de manera directa con la conciencia. Paralelamente el tener conciencia y conocimiento, tanto consciente como inconscientemente, de la finitud, la decadencia; en definitiva la idea de la muerte y su negación.\nMiércoles 12 de diciembre de 16:00 a 17:00\nDavid Rodriguez GIMENO (España/Spain)\nDEVELOP/MOVEMENT Nº1/03’ 00”/2011\nProceso de recorrido en el paisage condicionado por la proyección de la geometría cartesiana en el lugar donde ésta se transform en concéntrica. Reconstrucción de la memoria faccionda del recorrido. Pieza grabada en la Antártida.\nH.D. MOTYL (EE.UU / USA)\nNUDES DESCENDING A STAIRCASE #2 - DESNUDOS BAJANDO LAS ESCALERAS\nLa pieza es un video-homenaje a la obra seminal de Marcel Duchamp, Desnudo Bajando una Escalera #2, al igual que la obra de Michael Somoroff: Query (2004). Las imágenes de siete hombres bajando una escalera son fracturadas, de-construidas y montadas de nuevo en el espacio y el tiempo. Con este procesamiento de imágenes surgen cuestiones acera de la desnudez y la belleza masculina, mientras la banda sonora subraya todo con sonidos/ruidos creados a base de 'encontrados' sonoros.\nMiguel Maldonado CAPARRÓS (España/Spain)\nA PLACE IN THE SUN/03’ 53”/2012\nInspirada en un texto Walt Whitman, esta videocreación pretende evocar sensaciones acerca de la evolución y existencia del ser humano como animal casual en el universo.\nVictor Meliveo NOGUES (España/Spain)\nNEUKÖLLN BERLIN WAKE UP DANCE/04’ 30”/2011\nEsta pieza de videodanza nos traslada a un terreno medio entre lo mental y lo físico, lo anímico y lo tangible. El cuerpo como vía de comunicación, sin palabras, repleto de emociones y sensaciones, donde cada símbolo cobra vida y se hace material. Los sentidos y el intelecto forman uno, para poder leer una historia argumental tan abstracta como el mismo corazón humano.\nSonia ARMANIACO (Italia/Italy)\nTALE OF SUSPENSUS SERIE - CUENTO DE SUSPENSUS SERIE/04’ 54”/\nCuento # 5: Miniserie La Prolongación de la Vida 2 Oxitocini. Soneto 47.\nMarta Azparren LUCAS (España/Spain)\nTRACTO - TRACT/04’ 58”/2012\nTracto es la imagen de un lugar inerte que, al ser tocado, se transforma en centro orgánico, confluencia de lo seco y lo húmedo, de lo perfecto y lo palpitante, de lo calculado y lo imprevisible. Es el viaje por un interior preservado, el recorrido por la oscura gruta de cuyos orificios surge la respiración, el aliento y el ruido, en definitiva, la endoscopia en el interior de un saxofón bajo.\nJoaquín GASGONIA (Filipinas/Philippines)\nLa esterilla de dormir utilizada en el sur-este de Asia, el banig, es un lugar para relaciones sociales, tanto productivas como contradictorias, que trasciende las costumbres culturales específicos. Es un punto de enfoque para las inversiones humanas de carácter universal, en lo emocional o lo material, y para la estética de la relajación, la procreación y el cuidado de los niños. Además, su utilización principal como cama o alfombra lo vincula con eventos sociales de mayor envergadura: ritos de la comunidad, espectáculos públicos y entierros. De ese modo el banig cumple numerosas funciones de forma simultanea. Un complemento textil sencillo y frágil que asume una variedad de sentidos que abarcan las preocupaciones humanas más comunes; la identidad, la forma de vivir y la predestinación.\nJoas Sebastian NEBE (Alemania/Germany)\nTHE PROVERB PICTURES - LAS IMAGENES PROVERBIO/23’ 00”\n1.Pep Talk Picture – 1.Palabras de Ánimo/01’ 57”/2012\nLas Imagenes Proverbio componen 6 videos artísticos que analizan la naturaleza independiente de las palabras o frases y las fantasías del que habla o escucha. El cineasta se deja absoluta libertad de interpretación, combinando las imagenes con las palabras en un estilo dadaísta. Palabras de Ánimo es una composición audiovisual acerca de las frases utiliza-das para levantar la moral, por ejemplo con las charlas pre-partido en el deporte.\nAlfredo García BARROSO (España/Spain)\nTHE PERFECT HUMAN BOMBAY REMAKE/02’ 24”/2009\nEsta pieza es un ejercicio de indagación audiovisual en torno a lo natural y lo sintético\nBo LEE (Corea del Sur/South Korea)\nDIVINE NATURE OF MOTHER AND HER SINS WITHIN - LA DIVINIDAD DE LA\nMADRE Y LOS PECADOS QUE LLEVA DENTRO /02’ 30”/2010\n“El mundo: una forma bellísima arrollada por la materia humana que la satura.” En un principio, se trataba más de la forma y el movimiento, pero cuantas más capas se añadió, más se da cuenta de que estas acciones sólo sirven para despojar la esencia de la obra. Los trocitos de metraje incorporados sólo dañan y, al final, cambian el sentido del video.\nPascual Pau GALBIS (México)\nLA LLET SIGMOIDE (LA LECHE SIGMOIDEA)/04’ 35”/2011\nLa catártica fuerza láctica contra la angustia y las obsesiones de los oscuros sueños del devenir animal. El vídeo es en cierto modo como una liberación novaliana de las pesadillas que nos atormentan. Traumas y sollozos desfilan en un ambiente fetichista con sonidos despiadados. La mente humana es como un templo sagrado e inmortal donde se entretejen los sueños, los temores y los deseos.\nAlbert MERINO (España/Spain)\nLA SOMBRA DE LOT - LOT'S SHADOW/06’ 29”/2010\nUna reflexión visual sobre las formas de habitar (a través de los gestos) un espacio vacío. Un mismo personaje encarna a la vez diferentes roles antagónicos desarrollando una mímica a base de movimientos lentos y expresivos. A través de ellos, el espacio se transforma en una sucesión de estados anímicos, a menudo inquietantes y turbadores. Esta pieza toma como referente algunos pasajes del teatro de la crueldad de Antonin Artaud, dando una forma visual a algunas de las ideas contenidas en el texto.\nMiércoles 12 de diciembre de 17:00 a 18:00\nCarlos Sedeño ROMERO “DRIPP” (España/Spain)\nSYMMETRIC ASYMMETRIC/09’ 23”/2012\nSymmetric Asymmetric muestra mundos posibles, muchos de los cuales tendrían que diferir entre sí únicamente por detalles irrelevantes. Se utilizan composiciones simétricas dotando al lenguaje visual amplitud y dinamismo, que han sido compuesta específicamente para la pieza audiovisual creando la simbiosis entre el lenguaje visual y musical.\nBret BATTEY (Reino Unido/U.K.)\nCLONAL COLONIES - LAS COLONIAS CLONALES\nI.Fresh Runners - I.Primerizos/06’ 50”/2011\nEl primer movimiento de Las Colonias Clonales (Primerizos) es un juego de texturas entremezclados, veloz y emocionante por el proceso de transforma-ción en sí. Estratos Blandos, el segundo movimiento, empieza con una simpli-cidad casi infantil, a partir de la cual una serie de suaves cambios culminan en una interjección no tan suave. Una colonia clonal en un grupo de plantas geneticamente idénticas y es análoga a los algoritmos utilizados para crear la música. Se puede entender cada frase musical como la disposición de una planta. Todos los componentes instrumentales comparten el mismo 'código genético' subyacente, pero cada uno ejerce una influencia y se deja influenciar por los demás. El video lleva aún más lejos mi tecnica de manipulación algorítmica 'Brownian Doughnut Warper,' con la incorporación de unas curvas spline tipo Bézier entre los puntos, el control de la camera y las rutinas de post-proceso. Las formas complejas que surgen de las lineas entre los puntos son otra analogia con las colonias clonales botánicas.\nLaura CABRERA y Sira CABRERA (España/Spain)\nDESHABITARSE - SELF ABANDONMENT/03’ 21”/2012\nEn “Deshabitarse” una mujer va perdiendo densidad espiritual y física, se desdobla, se superpone, se enreda, se fragmenta, se pulveriza, y se transforma. El sonido está entre el canto y el aullido. Es una alarma para estar atentos contra la banalización de la vida, para no deshabitarnos.\nEleonora MANCA (Italia / Italy)\nI SING THE BODY ELECTRIC_BORDER SKIN - YO CANTO AL CUERPO\nELECTRICO_PIEL FRONTERIZA/03’ 49”/2012\nEl proyecto parte del título de un poema de Walt Whitman y se centra el el tema del cuerpo humano como frontera. Una frontera entre la piel, la figura y el espacio. Se considera el cuerpo como un lenguaje dónde el ser que cuenta y el ser contado se solapan, que se revela a través de la percepción del espacio fusionado con la piel del artista.\nNeil HARBISSON - Moon RIBAS (España/Spain)\nWALKING COLOURS/03’ 44”/2012\nWalking Colours es un plano secuencia donde la intérprete baila movimientos mecanizados y repetitivos que se van transformando a medida que los objetos van siendo dados a la intérprete. El sonido viene dado a partir de la peculiaridad de Neil Harbisson, que sólo ve en blanco y negro pero lleva un aparato cibernético instalado en la cabeza que le transforma los colores en notas. Ésta pieza de video-danza está basada en su personal sistema, ya que cada nota que se oye es el color del objeto que aparece. A partir de ahí, Neil ha compuesto una melodía, creando así una unión y relación directa entre sonido y coreografía.\nVincent CICILIIATO (Francia/France)\nORDINARY COMPULSIONS - COMPULSIONES COTIDIANAS/18’ 10”/2011\nUn personaje a lo lejos, en un lugar oscuro y vació. Entra en primer plano, nervioso, como si su ropa le diera vergüenza. Enseguida aparece una silla: un primer objeto con el cual nuestro sujeto puede interactuar. Allí empieza la ex-traña historia de un cuerpo solitario, aislado y independiente que lucha con sus compulsiones interiores, y un territorio enigmático, poblado de objetos-actores: una silla, una puerta, un perchero, un fregadero... Cada personaje es la personificación de una compulsión especifica (de comprobar, lavarse, rascarse etc) en el proceso de invadir un espacio que se va haciendo más pequeña y limitada. A través de los movimientos repetitivos se monta una maquina peculiar, absurda y cada vez más aterradora.\nMichael SZPAKOWSKI (Reino Unido/U.K.)\nSHIT HAPPENS IN VEGAS - ASÍ ES LA PUTA VIDA EN LAS VEGAS/03’ 47”/2012\nEl video acompaña una pieza de un proyecto de remix dónde el artista se puso el reto de participar en un concurso de remixes cada mes durante un año, desde agosto del 2012 hasta julio del 2012.\nRyo IKESHIRO (Reino Unido/U.K.)\nCONSTRUCTION IN ZHUNGZI - CONSTRUCCIÓN EN ZHUNGZI/09’ 51”/2011.\nConstrucción en Zhungzi es, de forma simultánea, una sonificación y una visualización de un sistema dinámico Lorenz, un modelo de convección no-linear, caótico y sensible a las condiciones de partida. Se implanta en Max/MSP/Jitter. La actuación se lleva a cabo como una improvisación, una modificación de los parámetros de este sistema dinámica, dónde las interacciones humanas se indican por inversiones instantáneas de color. Esta obra audiovisual generativa, en tiempo real, establece un bucle de retroalimentación perpetua entre esos dos elementos por el “efecto mariposa” y el comportamiento que se va mostrando el sistema dinámico. Se obtienen resultados interesantes de audio – bien como señales en la síntesis non-estándar o controles tal y como el ritmo, el tono y la panorami-zación (no se utilizó ningún sample pre-grabado, ni osciladores convencionales, menos las ondas sine) – además del visual OpenGL 3D. Como las dos son representaciones de la misma fuente de data, se mantiene la coherencia entre ellas sin que ninguna se subordinada a la otra. La imágenes no nacen del audio, ni viceversa, como suele ocurrir. El resultado es una actuación audiovisual integrada, en tiempo real, generativa, interactiva e improvisada en directo.\nJueves 13 de diciembre de 16:00 a 17:00\nLisi PRADA (España/Spain)\nHAIKU TIME/05’ 07”/2012\nUna metáfora de supervivencia, en este decadente fin de la historia, que descree de la tradicional separación entre naturaleza y cultura, entre lo humano y lo que no lo es, entre lo masculino y lo femenino, entre nacionalidades e idiomas [incluyendo otros lenguajes como el poético o el de la ciencia] y que propone abolir las fronteras de lo que nos aleja del otro y de lo otro en favor de lo que nos une y que cuestiona la alienación de la actual la vida en las ciudades, donde nos perdemos a nosotros mismos tratando de ganar tiempo. Presentado como un vídeo-haiga**, estas imágenes acompañan un haiku precedido por un texto poético que es recitado de forma simultánea en inglés y alemán. Algunos versos se escuchan como un coro también en japonés, noruego, italiano, portugués o español, enfatizando que lo que se relata le sucede a cualquiera, en cualquier lugar.\n** el haiga es un estilo de pintura del que derivan los haikús, cuya estructura poética presenta tres versos de 5-7-5 moras, de ahí la duración del vídeo: 5 min. 7 seg. 5 mseg. Se fundaban en observaciones simples y profundas de la vida cotidiana y en imágenes poéticas entre las que aparecía con frecuencia la luna y referencias a la naturaleza.\nMiss ENABYME (Alemania/Germany)\nSu construye un cuerpo, pieza por pieza. Una vez hecha la nueva identidad, entra en erupción, se hace añicos, imágenes fracturadas. El ojo, que anhela el recuerdo de lo que una vez vio, inevitablemente intenta recomponer y corregirlas para conseguir un todo harmonioso. La metamorfosis continua implica dejar la identidad establecida. Re-interpretar lo tradicional y explorar los limites entre el arte y la tecnología son acciones claves en este video. Una coreografía para el cerebro y los ojos, al son de un zumbido monótono y una sección de cuerda repetitiva. La banda sonora de una lucha entre los distintos niveles del yo en una transformación sin fin.\nAlba SOTO (España/Spain)\nCUENTOS CÍCLICOS DE ESTERNÓN - CYCLICAL TALES OF THE STERNUM/04’\nBeate HECHER - Markus KEIM (Austria)\nIN ABSENTIA-ECSTASY-INSURRECTION - EN ABSENTIA-ÉXTASIS-\nEn Absentia/Éxtasis/Insurrección es la reconstrucción cinematográfica de un performance que estaba previsto presentar en Damasco con artistas sirios. Por el empeoramiento de la situación política de siria en el 2011, no se pudo llevar a cabo la actuación tal y como se había pensado así que los dos directores decidieron representar la obra en el desierto egipcio, a 1.000km al sur-este de Siria y sin la participación de los artistas sirios. El resultado es una película que demuestra la fragilidad del cuerpo humano y la manera en la que las personas pueden desaparecer – como si fuesen espejismos – ante una precaria situación política.\nGabriel SALINAS AGÜERO\nEn éste video nos introducimos en el pensamiento de un viajero de metro y sus alucinaciones sinestésicas a través de la música como discurso absoluto. Los pensamientos del protagonista se vuelven un caos psicótico al sincronizarse con el sonido y crean una experiencia abstracta única de sensaciones subjetivas.\nKirsiMarja METSÄHUONE (Finlandia/Finland)\nTRANSITION PROCESS - PROCESO DE TRANSICIÓN/05’ 00”/2012\nUn collage de imágenes en movimiento sobre un fotógrafo y lo absurdo que es el mundo.\nPiotr KOTLICKI (Polonia/Poland)\nARTERY - ARTERIA/01’ 36”/2012\nUn video basado en la pintura, Hombre Saltando Por Encima, del mismo autor, que utiliza fotografías de una camera cualquiera, editadas como un pase de diapositivas y realzadas por la presencia de una banda sonora.\nJean-Michael ROLLAND (Francia/France)\nNEONS MELODY - MELODÍA DE NEONES /03’ 03”/2011\nUna obra audiovisual que trata el sonido y la luz generados por una lámpara de neón colocado en el techo.\nPOLLY, JENNIFER AND MELISSA/04’ 31”/2011\nUn andrógino con el nombre de Polly recuenta un episodio de ansiedad postcoital mientras Jennifer se confiesa con un sacerdote y Melissa posa coquetamente para el espectador. Parte sci-fi, queer y horror- Polly, Jennifer and Melissa es un video performance ambientado en el futuro que cuestiona nociones contemporáneas de genero y políticas de identidad.\nRecep AKAR (Turquía/Turkey)\nIN_BETWEEN – ENTREMEDIO/15’ 29”/2012\nLos seres humanos, en nuestras vidas complejas y multi-dimensionales, po-demos llegar a ser independientes en cuanto a lo intelectual sólo si interiori-zamos las experiencias y desarrollamos la consciencia. Esta lucha cobra senti-do si se toma en cuenta el devenir histórico del deseo de cada individuo a lle-var las riendas de su propia vida. Esta batalla dolorosa, en dónde el vencedor y el vencido son uno y el mismo, trae consigo el cambio y una transformación interior.\nDanny WARNER (EE.UU/USA)\nAPHASIA VOLUTIA/01’ 59”/2012\nAl amanecer de la edad de la bio-technologoy, esta breve obra experimental indaga en lo que es nuestra estructura física desnudada. Maquinas biotecno-logías minúsculas, nanoscopicas, laten con energía mientras escavan agujeros; zarcillos serpentean, silenciosamente cumpliendo sus tareas misteriosas dentro de un paisaje corporal de porosa materia osea y ligamentos acuosos. Aphasia Volutis repta por el limite entre el organismo y la tecnología, donde las nanoformas manipulan, sigilosamente, los impulsos eléctricos y bioquímicos a través de los cuales sentimos (y entendemos) los mundos interiores y los de nuestro alrededor.\nRAFAËL (Corea del Sur/South Korea)\nGEOSTRATEGIC DRAMA AT THE 38 PARALLEL - DRAMA GEOESTRATÉGICO EN EL\nPARALELO 38/03’ 25”/2012\nEsta obra forma parte de BOM (primavera en coreano). Sigue KYOUL (invierno), la primera entrega de un proyecto de cine, de un año de duración, llevado a cabo en Corea. Se filmó en una isla, cerca de la zona desmilitarizada de corea.\nViernes 14 de diciembre de 17:00 a 18:00\nSandra ALVARO (España/Spain)/LABYRINTH CITY/14’ 14”/2012\nEste proyecto recurre a un mundo virtual que nos envuelve al espacio próximo. A la visión cercana, parcial y fragmentaria que caracteriza el desplazarse a pie de calle. En este caso por una ciudad llena de posibilidades en que después de un “random” se establece un orden efímero en que la ciudad va cambiando transformándose y componiéndose a nuestro paso.\nEste video es una primera visualización de un “work in progress” de un mundo virtual interactivo. Está desarrollado usando técnicas de modelado, texturizado y animación en 3D. Poniendo especial atención a las texturas, procedentes del archivo fotográfico de la autora de fotos realizadas en diferentes ciudades.\nHenry GWIAZDA (EE.UU/USA)/REMOTE…UP CLOSE - REMOTO...DE CERCA /05’ 07”/2003\nRemoto...de cerca es una obra surrealista que indaga en las formas, tantas orgánicas como inorgánicas, desde lejos y muy de cerca.\nPor otro lado, se trata de la relación entre el sonido y la imagen en un sentido no narrativo. ¿Como se compaginan las imágenes y la música en una pieza abstracta para crear algo más grande que ninguno de esos dos elementos por separado? Las imágenes se han compuesto como si se tratase de música, haciendo uso del contrapunto y la fraseología musical.\nAlessio RUTIGLIANO (Italia/Italy)/SIX TRIPTYCHS ON THE DEATH OF A MARIONETTE - SEIS TRÍPTICOS SOBRE LA MUERTE DE UN TÍTERE /06’ 55”/2012\nBasado en el libro de Collodi y fuertemente influenciado por Pinocchio: un libro paralelo de Giorgio Manganelli, Seis Trípticos sobre la Muerte de un Títere es la tragedia de la carne que se convierte en palabra.\nTraducir el cuento de Collodi en imágenes es, en sí, paradójico: el rechazo de Pinocchio a la idea de hacerse mayor y su huida de cualquier rito que simula la muerte o el renacimiento forman una dialéctica de lo imposible. Aunque para Collodi fuera posible expresar ese rechazo en un lenguaje cinematográfica – siempre codificado de forma 'verbal' – se iba haciendo cada vez más difícil (Guilles Deleuze, Un manifeste de moins). En Seis Trípticos sobre la Muerte de un Títere, asistimos una gradual rarefacción del sonido y de las imágenes, un proceso continuo de erosión que afecta al cuerpo y el lenguaje.\nBulle PLEXIGLASS (Francia/France)/ALIENATION - MARGINACIÓN/01’ 56”/2011\nUna visualización de como nos podemos sentir en momentos de anexidad o desorden. El autor plantea la transformación de la realidad – que ha filmado o grabado – en abstracción. Con ése fin, trabaja con las capas, la transparencia, la velocidad, el difuminado, los colores y el sonido.\nCOLECTIVO 3 POTENCIAS (Michelina Farrauto, Patricia Proaño, Soledad Vasquez, Harol Ramos, Nick Duque, Juan Carlos Velásquez) (Venezuela)/TRANSBIOMORFOSIS/09’ 12”/2012\nUna reformación recurrente. Una transformación insistente del cuerpo, de una pieza a un organismo rediseñado a voluntad, constituye la imagen central que manifiesta con fuerza, la negación del ser y de la propia orgánica naturaleza que traslada al humano a una nueva ontología: una realidad donde la composición múltiple de la vida, se va decantando, a paso fijo, hacia el chillido lacónico, indistinto, contínuo del nuevo mundo de silicio.\nSangre, circuitos, cabeza, cables, lengua y vísceras llevan al espectador hacia un viaje abstracto a través de destellos del subconsciente. La carne como lienzo, como pieza de arte, la sangre.\nFernando Garcia MALMIERCA (España/Spain)/NEONOVA/08’ 55”/2012\nNeonova es un trabajo de construcción y simulación de la futura evolución humana. En los seres representados la altura es mayor, la curva dorsal pronunciada, el cráneo está sobredimensionado, hay pérdida total del cabello y atrofia de los dedos de los pies. Esto puede indicar una lógica natural de comportamiento evolutivo, pero sobre todo, en este trabajo se trata el tema de la manipulación genética. En este sentido Neonova explora los retos éticos y existenciales a los que nos enfrentamos y las disyuntivas que se presentan ante el poder de modificar “lo humano” y la alteración de, la cada vez más lejana, evolución natural.\nMarc NEYS (Bélgica/Belgium)/POLLOCK WAS A FISHERMAN - POLLOCK FUE PESCADOR /03’ 10”/2012\nEn busca del espíritu de Jackson Pollock. La película se basó en una sola imagen de los intestinos de una gamba.\nCandas SISMAN (Turquía/Turkey)/FLUX/04’ 43”/2010\nUna animación digital inspirada en las características estructurales de la obra del escultor Ilhan Koman, como Pi, 3D Moebius, Whirlpool y To Infinity... Un círculo rojo sufre una transformación morfológica en una re-interpretación del planteamiento formal de Koman. A veces, el movimiento continuo recuerda las cualidades de Pi, 3D Moebius, Whirlpool y To Infinity... o las pautas de diseño que las sirven de base. A partir de un círculo de dos dimensiones, se desarrolla una esfera, creando una obra que no se parece a Pi pero cumple con sus pautas de diseño, siguiendo el flujo de un circulo que se convierte en esfera.\nCon la incorporación de los sonidos de varias materiales utilizadas por Koman en sus esculturas, Flux llega a ser una experiencia visual impactante. Además, demuestra que el trabajo de Koman se puede re-interpretar a través del análisis y la manipulación de las formas en el medio digital.\nCOLECTIVO ERROR GRÁFICO (Víctor Molero Martín y Cristina Moreno Berlanga) (España/Spain)/BREAKBIT/06’ 12”/2012\nVideocreación con efecto 3D producida a partir de la experimentación audiovisual en directo. Errores gráficos creados mediante la manipulación de una fuente de imagen analógica se combinan con la representación de datos visuales y sonoros generados por un secuenciador digital.\nLa investigación con dichos fenómenos audiovisuales, originados a partir de una señal analógica modificada, y el tratamiento de la representación gráfica de los datos sonoros secuenciados digitalmente (MIDI), para la obtención de una imagen anaglifa, se fundamentan en un sentimiento de melancolía que surge de los rápidos avances en tecnología digital y 3D. La obsolescencia de los recursos técnicos utilizados en nuestra videocreación revela los propósitos por los que trabaja el presente de la digitalización: la búsqueda del mayor grado de veracidad en la representación de la realidad y, en consecuencia, el progresivo abandono del esquematismo matemático con que se formulan sus complejos códigos, desvaneciendo, en definitiva, las frágiles fronteras perceptivas entre lo virtual y lo real.\nSadik AL FRAJI (Irak)\nSISYPHUS GOES IN DEMONSTRATION – SÍSIFO SALE A MANIFESTARSE/\nEl autor ha usado principalmente el dibujo como técnica en la construcción de la animación. La mayor parte de su trabajo se centra en la cuestión de la existencia que se manifiesta en el ser humano. Y mientras trabaja en sus obras, esa pregunta se encuentra siempre en el núcleo del concepto creativo. A este respecto todas las ideas y temas son iguales, sean políticas, sociales o incluso simples cuestiones cotidianas, que siempre están asociadas a un determinado tema existencial, como la libertad, la muerte, el amor, la identidad, la nada o sentido de la conciencia.\nMykhaylo BARABASH (Ucrania/Ukraine)\nIMMERSING INTO ENVIRONMENT – SUMERGIENDO EN EL MEDIO AMBIENTE/05’\nLa pieza consta de partes visuales y sonoras. La parte visual esta constituida por cubos/pilones, colocados estructuralmente en un área, proyectándose sobre ellos un video. Dependiendo del espacio, se puede proyectar el vídeo desde dos o cuatro fuentes simultáneas. La banda sonora se reproduce de cuatro o seis columnas colocadas alrededor del objeto.\nLuis BEZETA (España/Spain)\nNORMA JEANE ES MARILYN - NORMA JEANE IS MARILYN/02’ 45”/2011\nLa propuesta de Luis Bezeta nos aproxima a la imagen de la Norma Jeane más auténtica, y paradójicamente, para hacerlo se inspira en una escena emblemática que reforzó aún más su irremediable mitificación; la del famoso vestido blanco que Marilyn simulaba intentar domar sobre el respiradero de la estación de metro, en la película de Billy Wilder “La Tentación vive Arriba”.\nEl trabajo de Bezeta parte de su incondicional devoción por el Séptimo Arte. En él, aparecen seis personajes estáticos en mitad del desierto, el central encarnado por el artista Javier Arce, todos ataviados con el icónico vestido blanco que antes mencionábamos, junto a un Mustang como el que inmortalizara Steve McQueen a finales de los años sesenta.\nJuan Carlos Sánchez DUQUE (España/Spain)\nSENSACIÓN BIPOLAR - BIPOLAR SENSATION (2012)\nLas imágenes fueron tomadas durante la final de la Eurocopa 2012 entre España e Italia, a un grupo de aficionados que la veían por TV.\nEn el primer vídeo se mezcla el sonido de la retransmisión deportiva con los comentarios de los aficionados. En el segundo vídeo la gente, entusiasmada, celebra con orgullo nacionalista olvidándose de la situación en la que se encuentra España.\nEl tercer video muestra imágenes como las anteriores pero el audio es de manifestaciones, que se ha producido debido a la situación económica del país y por las consecuencias que tendrán las medidas adoptadas desde los gobiernos, como si estás fuesen retransmitidas por TV.\nEl sonido ambiental de la instalación se ha creado filtrando una grabación tomada del sonido de la TV y los comentarios de los aficionados.\nYiorgos NALPANTIDIS (Grecia/Greece)\nVIRTUALITIES – VIRTUALIDADES /15’ 34”/2010\nVirtualities trata de la relación entre la imagen (como representación de la realidad) y la realidad en sí. La película pretende demonstrar la discrepancia entre la imagen y la realidad, con sus “espectaculares” narrativas. Con la proyección de imágenes del mundo actual tal y como está retratado por la industria publicitaria, Virtualities lucha por una representación realista de un mundo objetivado.\nFabiola MARABOTTO (Canada)\nCOLLECTING MADNESS - COLECCIONANDO LA LOCURA /25’ 00”/2010\nUna colección de videos que muestran el intenso estado mental de varios individuos. El poder que la mente human puede llegar a ejercer sobre el cuerpo. Las actividades ritualistas como forma de poner fin al trauma.\nRoser Teresa GERONA RIBAS (España/Spain)\nLANDSCAPE_2.0 - PAISAGE_2.0/06’ 04”/2012\nLa humanidad se mira a si misma a través de cómo representa su mirada. Como un juego de espejos, sólo podemos ver lo que ya hemos visto, re-conocer lo que ya conocemos. Paisatge_1, plantea el origen y la evolución de la mirada como construcción cultural del concepto paisaje. Paisatge_2.0, un nuevo concepto de “paisaje” para la era de la información.\nDanny WINKLER - Emilia LOSEVA (Reino Unido/U.K.)\nGENGHIS KHAN'S DREAMS - LOS SUEÑOS DE GENGHIS KHAN /12’ 44”/2009\nLa película se hizo a base de grabaciones realizadas en el museo del director mítico de la Unión Soviética, Segey Parajanov, en Yerevan, Armenia, con la cooperación del centro. Luego se completó en nuestro estudio londinense. Esculpido como un movimiento poético, Los Sueños de Genghis Khan es corta e interrumpida, como un sueno. Las imágenes flotan y se transforman, al final llegando a ser un parpadeo lívido. Rozando el limite de los escenarios imaginables o posibles, la cámara transciende el compás impredecible de las texturas erosionadas, los fotogramas frágiles y los colores vibrantes.\nEl bordado de un mantel cae por el abismo del interior como la nieve nocturna; el Genghis Khan durmiente no es nada más que un perfil incorpóreo resplandeciente; se barajan las cartas en consonancia con su fin; los abanicos vuelan como ángeles; las flores se deshacen en pétalos; las fotografías se vuelven amarillentas con el paso del tiempo y los seres queridos también se desvanecen; los dioses en sus respectivos Gólgotas se des-personifican, transformándose en una luminescencia nítida, una mortaja y crepé.\nINSTALACIONES INTERACTIVAS DE ARTE AUDIOVISUAL DE LOS NUEVOS MEDIOS\nSALAS DE EXPOSICIONES CENTROCENTRO\nLunes 10 a Sábado 15 de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00\nDomingo 16 de de 11:00 a 15:00\nVESTIBULO JORGE BERLANGA\nHOLOESCULTURAS _video instalación\n“Holoesculturas”. Serie de 10 figuras en movimiento completamente generadas por ordenador, retroproyectadas sobre una pantalla transparente y un entorno iluminado tenuemente generando un efecto óptico similar al holograma.\nEl Proyecto nace de la relación entre imaginación y memoria y del impulso básico y primitivo de perpetuar la imagen virtual-tridimensional generada en nuestro cerebro mediante la creación de una nueva imagen, similar pero ajena a la posibilidad de olvido gracias al acto comunicativo.\nMatías Montarcé (Madrid 1978). Actualmente reside y trabaja en Madrid, su obra se caracteriza por conectar procesos empíricos con elementos conceptualmente abstractos mediante el uso de recursos poético-visuales relacionados con la antropología y con los problemas de carácter social.\nPAPERCLIP_exposición de fotografía con soundscapes en tiempo real\nProyecto Paperclip es la primera exposición fotográfica que usa paisajes sonoros procesados en tiempo real. El concepto pretende transportar a los visitantes a un estado que les permita una interpretación alternativa de las 16 fotografías reunidas en la exposición.\nEn Proyecto Paperclip, Nuno Serrão no sólo capta los momentos plasmados en las fotos, sino que genera los paisajes sonoros interactivos que las envuelven, de modo que la comunicación con el público se establece a través no sólo del nervio óptico sino también del canal auditivo.\nNuno Serrão es un joven diseñador y fotógrafo portugués. Su presente, es decir, (esta) su primera exposición, refleja su bagaje multidisciplinario. Empezó como programador en los años 90, se inició en el diseño gráfico y de webs a mediados de los 90, y a principios de los años 2000 fue evangelista de Macromedia Flash. Actualmente se dedica al arte y el cine interactivos, mientras ejerce de director ejecutivo, diseñador, productor y director de arte en su propia agencia, urbanistas.\nBODY HACK_Video instalación interactiva y exhibición de video arte monocanal\nBody Hack es una instalación desarrollada con dispositivos interactivos mediante los cuales el público-observador se halla en constante diálogo con un software diseñado especialmente para la pieza, haciendo saltar resortes visuales y sonoros que reaccionan en base a los desplazamientos, gestos y movimientos del cuerpo.\nA partir de un sistema de captura de imagen, y motion tracking, toda una serie de parámetros como velocidad, posición, agrupamiento o tamaño, son recogidos por un programa informático que los transforma en valores acústicos y visuales.\nMario Bastian (León, 1968). Desde 1992 vinculado al teatro, la fotografía, la música experimental, el diseño, el arte de acción y el videoarte, iniciando sus trabajos en el entorno de las compañías de teatro y danza. En 1996 comienza su trayectoria en el arte electrónico generando proyectos interactivos con procesamiento de audio y vídeo en tiempo real. En este año comienza así mismo a colaborar con Silicon Artists Inc., conceptualizando y diseñando proyectos interactivos para realidad virtual y mundos virtuales 3D.\nOUTBORDERS _escultura cinética\nOutBorders es un proyecto basado en los conflictos entre la arquitectura y la identidad y donde se plantea un recorrido por diferentes espacios periféricos de ciudades en proceso de transformación.\nLa relación directa entre las continuas redefiniciones y lecturas de los límites de la ciudad plantea una serie de cambios estructurales y urbanísticos dejando al descubierto espacios y territorios cuya característica principal es la ausencia de una identidad definida.\nEduardo Valderrey (Barcelona, 1963) es un artista visual que basa su trabajo en las interferencias entre la arquitectura, la identidad y las relaciones del espacio urbano con el territorio. Realiza proyectos híbridos donde se mezcla la fotografía, el vídeo y la escultura en una síntesis con el espacio expositivo.\nSALA CINE JORGE BERLANGA\nBRUEGEL SUITE: Tríptico, video instalación\nUna obra inspirada en la pintura de Peter Bruegel.\nSECCIÓN MONOGRAFÍAS VIDEOARTE EN FINLANDIA\nMARTES 11 DE DICIEMBRE de 18:00 a 20:00\nFLIRTEAR FLUIR RASGAR RUGIR\nLos trabajos experimentales de doce video artistas finlandeses componen el Programa de Video Arte Finlandés: obras no-narrativas, intuitivas a nivel poético, sin pulir incluso, pero a la vez irónicas y analíticas. Los videos más recientes que se proyectan aquí se han finalizado este mismo otoño. El punto de enfoque es la diversidad, tanto de los artistas finlandeses como de su obra.\nEste programa invita al espectador a emprender un viaje misterioso, oscuro, pero ingenioso y juguetón, por un paisaje mental finlandés de dolor y belleza, con autenticas mujeres, semi-bestias y otros personajes complejos. Es un periplo que abarca los universos interiores y las vistas exteriores, el amor, la identidad y el comportamiento humano.\nLa colección también indaga en la originalidad de expresión y los factores que han hecho del video y del arte de los nuevos medios finlandeses un éxito internacional.\nKirsiMarja Metsähuone, artista residente en Helsinki, trabaja el cine, el vídeo y la fotografía. Sus cortometrajes experimentales carecen de una narrativa convencional y sus estructuras suelen ser cíclicas, se basan en la repetición, los primeros planos y una ambigüedad semi-abstracta.\nMetsähuone se licenció en Bellas Artes (Cine Experimental) en San Francisco Art Institute, EEUU y tiene un máster en media arts de la Finnish Academy of Fine Arts.\nSus películas y fotografías se han expuesto en numerosos festivales y muestras: en EEUU, Finlandia, Italia, Suecia, Reino Unido, China, España y Canadá. Entre los más recientes y futuros proyectos destacan Buenos Aires IV International Videopoetry Festival 2012 Argentina, TR1-Kunsthalle, Photographic Centre Nykyaika 30th Anniversary Exhibition 2012 Tampere Finland, BBC's LiveLive Media Art Project 2012 England, Sardinia Film Festival's Official International Selection 2012 Italy, Cinesonika International Film and Video Festival of Sound Design 2012 Vancouver Canada, Madatac03 Video Art Festival's Competitive Official International Section 2011 Madrid Spain, Helsinki Short Film Festival 2011 Finland, Spazi Aperti 2011 Rome Italy.\nMaria Duncker/El camino santo/2:19 min/2009/Original: Super 8 mm film\nLos himnos comenzaron a aparecer hace unos diez años cuando estaba aprendiendo a tocar el armonio de forma libre e improvisada. Y aún me continúan brotando. Otras de las cosas que he estado haciendo durante mucho tiempo es coser “trajes multinacionales” a partir de bolsas de plástico y experimentando con la camara obscura.\nHelinä Hukkataival/Leche/3:00 min/2009\nUna vaca de juguete y una enigmática mujer caminanun trecho juntas.\nHenna Inkinen/Adaptación/4:10 min/2009/Original: 16 mm film\nAdaptación es una representación pavorosamente bella de los procesos de una mente suicida. Reflexiona sobre lo inadecuado de la realidad circundante. Una joven está a punto de tomar la decisión de su vida. Es una más de los muchos supervivientes de una sociedad, la nuestra, que espera de nosotros logros siempre más inalcanzables. La película se desarrolla en un paisaje mental finlandés: el oscuro invierno boreal.\nNina Lassila/5 de la mañana/1:05 min/2011\nUna mujer sentada en una silla en una habitación con luz artificial. Cartas en el suelo empiezan a revolotear a su alrededor antes de desaparecer llevadas por el viento. Oímos una voz que repite las palabras "Son las 5 de la mañana en una capital europea. Hay una mujer despierta en su cama"; el volumen de la voz va subiendo.\nNina Lassila/Mujer andando/1:23 min/2010\nVemos un par de pies desplazándose rápidamente hacia atrás y hacia adelante sobre el suelo. Parece un baile. Una voz en off habla de una artista que marca el ritmo sobre le suelo de un bar mientrasse cuestiona su trabajo artístico.\nNina Lassila/Mujer/0:58 min/2009\nDeclaración de la mujer real. Parece expresar el deseo de ser unamujer "jodidamente" real en la ciudad más bella del mundo, París\nArttu Merimaa/Despreocupado 2 – Ante la chimenea/ 2:33 min/2009\nEl clásico motivo de los "amantes antela chimenea": un hombre y una mujer tumbados, relajados, antelas llamas. Un joven tumbado de costado sobre una manta lee, indiferente, una revista mientras, detrás de él, una joven vestidacon un traje de pieles se agacha y se frota contra él. El hombreacaba girándoseparamostraruna espalda desgarrada y ensangrentada y una nuca que la mujer lame suavemente. Esta idea de "la bella y la bestia" se harelaboradotantas veces que el vuelco en los roles de género es ya un lugar común. Pero lo cierto es que, en una relación, a uno u a otrale toca ocasionalmente hacer la parte del monstruo. Sólo se trata de saber quien lo hace mejor.\nKirsiMarja Metsähuone/El eterno verano/5:59 min/(2009/2012)\nEl verano como metáfora del autorretrato y la identidad y de la búsqueda de la felicidad. "La experiencia visual nos transporta a la naturaleza escandinava en pleno verano y convocaen nosotros una memoria casi táctil, aunque nunca hayamos estado ahí".\nJuha Mäki-Jussila/Tren nocturno/2:21 min/2010\nEn esta animación experimental, semi-abstracta, un tren cruza un oscuro paisaje, y algo sorprendente ocurre.\nJuha Mäki-Jussila/El beso/1:45 min/2007\n"El beso" es una historia de amor. Reflexiona sobre el aislamiento del amor y el poder de la unión.\nElena Näsänen/La montaña/4:12 min/(2007/2012)\nLentamente la niebla va cubriendo la montaña. Se oye el viento soplar. El sonido del viento queda cubierto poruna algarabía en chino, pero no se va a nadie; entonces, el viento se deja oír de nuevo y cubre las voces humanas.\nAnssi Pulkkinen/Descomposición/1:00 min/2005\nDecay es una animación stop-motion rodada en las alas abandonadas del hospital de tuberculosos deBeelitz, Alemania. Descubre, muestra y juega con las múltiples texturas y capas de los papeles pintadospegados sobre las paredes de los decaídos pasillos y salas. Combinando el gesto de despegar y rasgar y el ritmo acelerado en que se suceden las distintas texturas,el proceso de decadenciase hace visible de manera tangible y lúdica.\nKai Rennes/Andrómeda/4:10 min/2012/Original: photographs\nAndrómeda es un video montado con autorretratos masculinoscolgados por sus autores en Internet; al tratarse de fotos tomadas ante un espejo, por efecto del flash, los rostrosquedan ocultos. Esta paradójica situaciónpodrá resultar irónicao trágica, según sea el estado de ánimo. La reflexión es aquí en torno al individuo y su reconocimiento a través de la acción, el cuerpo, el género, la pertenencia a un lugar específico. Las imágenes se suceden con un ritmo acelerado componiendo un extraño baile de halos y cuerpos. En la realidad digital de Internet, la identidad, ¿se afirma o se pierde? En esa comunidad/constelación de rostros quemados por el flash,la visibilidad, ¿se gana o se diluye en Andrómeda –nombre que etimológicamente significaría "quien tiene consciencia de los hombres" o, también, "quien gobierna a los hombres"?\nKai Rennes/Fuga de cerebros/2:57 min/2012/Original: drawings\nEl cerebro sigue siendo como un planeta desconocido dentro de nuestro universo interior. Los neurólogos suelen ilustrar con profusión sus artículos científicos. 150 ilustraciones del cerebro humano,yuxtapuestas al principio,van desapareciendo unatrasotra. Las 150 transparencias empiezan dibujando juntas un extraño mapa del "conocimiento acumulado". Los colores se mezclan aleatoriamente. Al final quedasólo un boceto.\nMiia Rinne/Mar/5:43 min/2012/Original: 35 mm film\nSea (Helsinki-Estocolmo), película de 35 mm pintada a mano, muestra un nocturno con mar embravecido. Por momentos, el paisaje se torna abstracto. La obra es una reflexión sobre las orillas, sobre el vivir en los márgenes. Esta película se estrenó este mismo otoño de 2012,simultáneamente en Helsinki y Estocolmo.\nMinna Suoniemi/La pequeña caperucita y el lobo/1:30 min/2012\nEn medio del bosque, una niña vestida de negro aúlla; su grito ralentizado recuerda al de una bestia: caperucita roja y el lobo feroz en un mismo personaje.\nMinna Suoniemi/Canción de cuna/3:30 min\nLullaby es unaversión másde las muchas nanas que en la historia del arte se han podido representar. Un niño juega con la cara de su madre, recostada en la cama;la madre gruñe y enseña sus colmillos, pero al niño no le asusta su madre-bestia.\nSECCIÓN MONOGRAFÍAS FESTIVAL VIDEOFORMES\nSABADO 15 DE DICIEMBRE de 18:00 a 19:00\nVIDEOFORMES @ Madatac 2012\nVIDEOFORMES presenta las obras más destacadas de la escena internacional del videoarte.\nPrograma VIDEOFORMES 2012 comisariado por Gabriel Soucheyre / VIDEOFORMES\nVIDEOFORMES es una asociación cultural sin ánimo de lucro que promueve la difusión del video arte y del arte multimedial. Funciona como un observatorio permanente sobre la evolución de la cultura digital y del video en el mundo del arte contemporáneo. Es una espacio para la exposición, producción, reflexión y debate.\nCada año, en Clermont-Ferrand (Francia), VIDEOFORMES International Video art and digital culture Festival presenta las últimas tendencias del arte a través de video-instalaciones, conferencias, performances, arte digital, virtual e interactivo art.\nVIDEOFORMES apoya a los artistas emergentes y propone y desarrolla eventos destinados a las redes locales, nacionales e internacionales.\nVIDEOFORMES también publica trimestralmente una revista online (Turbulences Video), gestiona una galería (Art du Temps), estancias para artistas y una archivo online de video-arte. Está comprometida con el desarrollo del Digital Video Archives, una de las colecciones de video-arte y arte electrónico más importante de los últimos veinte años. VIDEOFORMES es miembro fundador del archivo de video-arte: www.24-25.fr www.videoformes.com\nMihai Grecu/Francia-Rumanía/Nos convertiremos en petróleo/2011/8’ 00’’\nPaisajes áridos repletos de huegas de meta-conflicto, más allá de cualquier visible cuestión política o ideológica. Un inexplicable y contínuo estado de crisis se apodera de los espacios y de las vistas, tranformando una geografía de mineral puro en un teatro de guerra. La historia del petroleo que se apodera de la historia.\nOlivier Campagne & Vivien Balzi/Francia/5:46 am/2011/3'45\nDistintos espacios publicos de París, cubiertos por un metro de agua, para crear una visión surrealista y serena de la ciudad.\nGrabado en alta definición con una Phantom a 800 fotogramas por segundo, una adolescente se mueve a cámara lenta y en alta definición. El escenario es un jardín artificial, creado en el estudio, con un fondo de cielo azul. Muestra una relación simbiótica entre la chica, distintos animals y la naturaleza, aun cuando el carácter manipulado, artificial, controlado e hiperrealista del set sea incompatible con la idea de simbiosis.\nSasha Huber/Finlandia/Louis quién?/2011/3’50\nIn ‘Louis Who? What you should know about Louis Agassiz’ el espectador puede ver un relato de colonialismo y opresión, tal y como a escribirlo Louis Agassiz. Como un mensajero del pasado, Sasha Huber apaerece en la pantalla a lomos de una caballo negro, mientras informa a los viandantes de la Praça Agassiz, en las afueras de Río, acerca de la persona que dio nombre a la plaza: “Científico, biólogo, glaciólogo, racista de referencia, pionero del apartheid, adalid de la segregación racial en los Estados Unidos…”\n"Humphrey Bogart y Ingrid Bergman están en Casablanca, una pareja intemporal que nos regala una de las más bellas escenas de la historia del cine", pued leerse en la contraportada del DVD. Ahora os mira directamente a los ojos. La inmortalidad de la leyenda ya no resulta tan evidente.\nMichel Pavlou/Grecia-Noruega/Tierras de Sombra/2011/7'41\nEscorada confrontación entre un grupo de manifestantes y la policía antidisturbios en paisaje urbano al atardecer. Shadowlands indaga en la idea de la visibilidad del poder estableciendo un paralelismo entre el proceso cinematográfico y el histórico.\nJohan Rijpma/Países Bajos/La generación de la cinta/2011/2'39\nMontones de rollos de Cintas pasan por un largo proceso de desarrollo y degeneración.\nEl ritmo de vida extremadamente lento de estos objetos queda al descubierto dentro de un espacio aislado en el que todo parte de una equilibrada estructura simétrica. Desde este orden, las desviaciones y los distintos comportamientos se van hacienda poco a poco visibles, produciendo formas y movimientos insospechados y, sin embargo, familiares.\nEn el campo de Minas Gerais (un Estado del interior de Brasil) las cosas discurren con su propio tiempo. Una farola, la lluvia, el muchacho jugando al futbol en la calle, las alambradas. Se mueven, como imágenes en movimiento: “CINEMA”.\nValerio Murat & Antonio Poce/Italia/Habeas Corpus/2011/6'20\n“Habeas Corpus” es una flash-opera: voz, música e imagen se funde en una única visión, en un proceso creativo único. Fragmentos desperdigados del espíritu, se exploran desde el lenguaje nuevas maneras de escribir.\nSECCIÓN TERRITORIOS INEXPLORADOS: VIDEOARTE EN TAIWAN\nMIERCOLES 12 DE DICIEMBRE de 18:00 a 20:00\nPAUSA EN EL TIEMPO Y EL ESPACIO\nEl "espacio" y el "tiempo" se modifican mutuamente. En el video arte contemporáneo, la percepción del "espacio" se basa en la secuencia cronológica de las escenas. El tiempo, por su parte, se enriquece colmándolo de experiencias espaciales. La percepción del tiempo en el visionado de videos puede acelerarse o ralentizarse, invertirse o prolongarse, dirigirse en distintas direcciones. La yuxtaposición de escenas produce asociaciones visuales en la mente del espectador.\nChih-Yung Aaron CHIU es professor adjunto en el Departamento de Comunicación, Providence University. También trabaja con la Fundación Digital de Arte y dirige el “Research Institute for Media Technology and Creative Industries”. Su doctorado es de la “School of Interdisciplinary Arts, Ohio University, U.S.A.” y está especializado en arte y estética de los nuevos medios, lo cual combina con su trabajo como comisario de exposiciones. Sus artículos entitled (2007) e Inter/face: A Reconsideration of Myth of Transparency (2008) han sido nominados en los Digital Art Awards Taipei (DAA Taipéi). Sus últimas publicaciones incluyen ‘Fill in the Blank: On the Position of Spectatorship in the New Media Arts,’ ‘Textual Blank and Creative Participation: On the Dialectics Relationship between the Creator, Artwork, and Participant on the Interactive New Media Art,’ ‘The Intervention of History toward Contemporary Era: On Appropriations and Re-creation of Visual Archive Images,’ ‘City Spectacle and Imagescape: The Multiple Carrier of Contemporary Visual Images,’ ‘The Work of Art in the Age of Digitized Culture,’ y ‘Aesthetic Perception of Digitized Art Image in Cyberspace: Toward A Phenomenological Experience’\nJun-Jieh WANG / Proyecto David III: El Paraiso de David. / Video de alta definición, color, sonido/ 19’32”/2008\nLas instalaciones video-gráficas del Proyecto David son una serie de trabajos creados por el artista Jun-Jieh Wang en memoria de su amigo. Ya ha proyectado Untitled 200256 (instalación en doble pantalla sincronizada, 2004) y Condition Project II (instalación interactiva en triple pantalla, 2005). El Paraíso de David es la última pieza de esta serie. A través de las imágenes en movimiento y de forma no-narrativa, busca revelar los sentimientos indescriptibles, abstractos y sutiles que se esconden en los recovecos del corazón. La película está ambientada en un hogar cualquier que va desdoblándose de forma continua, desde el exterior hacía el interior, pasando por la puerta, el estudio, la sala de estar, el baño, la habitación y otra vez al exterior. Se mueve pausadamente desde las escenas realistas a las más surrealistas. En una serie de ambientes cotidianas, tanto reales como ilusorios, intenta transmitir la ambigüedad e incertidumbre de la coexistencia de espíritu, alma y cuerpo en el lugar, el espacio y el tiempo.\nGoang_Ming YUAN/Paisajes en extinción_Escocia/Video monocanal/\nPara la exposición en solitario, Paisajes en Extinción (2007), concentré mis esfuerzos en cambiar mi camino creativo con la grabación de “momentos cotidianos” en el hogar, la naturaleza y el entorno. En el verano del 2008 me escogieron como artista en residencia en la destilería de Glenfiddich en Dufftown, un pueblo con una población de unos 2000 personas. Esta experiencia hizo que me diera cuenta de los cuidados, el nivel de atención y el tiempo necesario para crear un whisky. Aunque el ritmo de trabajo en la fabrica no fuese nada fuera de lo común, el entorno dónde se encontraba era un ejemplo de lo mejor que la naturaleza puede ofrecer. Allí conocí a Andy Fairgrieve. Era el encargado de la villa de los artistas, pero tenía pinta de punk y con el tiempo descubrí que, efectivamente, tocaba batería en un grupo. Enseguida lo ví como un personaje principal bien desconectado de esa estructura estable que nos rodeaba. El trabajo de video vuela por distintas escenas en la destilería: Andy tocando la batería, el bosque detrás de la residencia, yo fregando platos en la cocina, la gente joven de la zona en pleno baile tradicional de las tierras altas, un músico tocando la gaita. Para mi, estas personas y momentos estaban conectados con la idea de “cosas cotidianas” que quería desarrollar en mi última exposición en solitario.\nYa_Hui WANG/Visitante/Video, color, sonido/07’11”/2007\n¿En qué se distingue una historia cotidiana? Siempre me llama la atención la forma en la que los objetos del día a día se transforman en relatos. Éste es un apartamento antiguo donde vivía de recién nacido. Situado en un barrio histórico de Taipei, el edificio se construyó de una forma larga y rectangular, con un patio. En el exterior, las escenas se sucedían de forma rápida, mientras por dentro, el aroma de la vida diaria se hacía cada vez más pesado. Con el lento paso de una nube y bajo la luz del sol, el tiempo y la memoria llegaron a ser de ensueño.\nPo_Chih HUANG/Autoretrato No.2(ROJO)/video mono canal/07' 17”/2007\nCon el cuerpo pegado al cristal del escáner, no podía sino reflexionar sobre el significado de la distancia. A pesar de nuestra proximidad, ¿cual es el impacto de esa distancia carnosa entre el cristal y yo? ¿Existe en ese espacio recóndito alguna imagen que va más allá de los sentidos? Creo que sí existe algo entre la piel y el yo. Me daban miedo las imperfecciones pormenorizadas que salieron a la luz por el escáner. No podía visualizar el reflejo de mi forma producido por la radiación del escáner, ni imaginar mi auto-imagen nacida de la ausencia, el desplazamiento, una caída de la realidad. Pero no minimicé las fisuras creadas por esta distancia entre el cristal y mi cuerpo, ni las cubrí. Al contrario, me fusioné con las fisuras por medio de materiales rojos y tangibles para crear el efecto de la alienación. Tal efecto me calmo el pánico y la ansiedad hacía esas imperfecciones.\nChin_Chung DIN/La sala vacía 3/Obra audiovisual digital/02'00"/2012\nLa sala vacía abarca las relaciones entre la estructura, la rotación y el espacio. En el video, la luz rotatoria se trata como una manera de esculpir el espacio, cambiándolo gracias a la maleabilidad y variedad de la luz en sí. Los rayos forman un circulo rotatorio, captado por una cámara giratoria. La actividad repetitiva que nace de esta rotación tiene importancia no por los rayos de luz en sí, sino por el desbaratamiento que causa en la estabilidad y emociones tanto del creador como de los espectadores según vaya pasando el tiempo. La sala vaciá intenta investigar las posibilidades entre lo estructural y la luz; el dispositivo está re-programado para simular la relación entre las manillas del reloj, o sea, la luz y la cámara. El video demuestra como se transforman el espacio y la luz, provocando la incertidumbre. Los círculos de luz crean un desequilibrio con la gravedad, cuestionando nuestra forma de entender el tiempo y el espacio.\nWen‐Chi CHEN/ROSTRO 2/10'00 "/ 2011\nLa sombra de la modelo participa en un ritual secreto, como si fuera una micro experiencia de la muerte. No es algo subjetivo ni objetivo, sino una aventura basada en el despertar de la conciencia. El conflicto entre imagen y percepción descubre los diferentes tipos de 'reconocer' más allá del tiempo. Vivimos en un mundo del presente; sería imposible para nosotros detener cada segundo que pasa. Nuestra forma de reconocimiento es como la de una cámara de vídeo, registra los momentos silenciosos que suceden delante de nuestros ojos pero no puede comprender un cambio real. Experimentamos cada momento y también activamos cada perturbación en nuestro corazón. El mundo real en nuestra mente es como una imagen congelada. Incluso si creemos en lo que vemos, seguiremos sin tener ninguna evidencia. Nuestra mirada es un agujero negro en nuestra mente, imposible de entender, que absorbe todo lo que tuvimos una vez.\nChih‐Chien CHEN/ Orgullo que fluye II /Video, color, mudo/07'05 "/ 2009\nMirando solo el "tiempo", esta pieza habla de un descuidado período de tiempo en una ciudad. Estado del tiempo: nublado. El "espacio" es representado como un aterrizaje en una azotea desierta. Visto desde un ángulo vertical, el "espacio" se desplaza paralelamente al "espacio tiempo". Mantiene un estado de "desactivado" y una forma de mirar a su entorno “desactivada”. Un trozo de lienzo ha sido acoplado a una antena; revolotea sin cesar, retratando la vida menguante y el agotamiento del tiempo.\nYi HUANG Yi/Giro/08'00 "/ 2010\nEl bailarín Yi Huang es un coreógrafo del Teatro Cloud Gate Dance y su trabajo “Giro” es un proyecto experimental con cuatro años años de antigüedad que se centra en la relación entre tecnología, danza y arte para crear una obra única. Para la última versión de Giro, el elemento humano fue eliminado para proporcionar una actuación dominada por máquinas y tecnología y para reducir al mínimo la participación de las emociones y experiencias de la vida personal. Tal demostración de miembros artificiales combinados con efectos visuales especiales acaba por crear un diseño más conceptual para una experiencia visual totalmente nueva.\nGuan-Ming LIN/En los recuerdos de … /video monocanal, mudo/ 07 ' 20 " /2008\nEn la actualidad, la información define una clara línea para el mundo conocido. Dicta, como si proclamase, "cree, y ganarás la eternidad." También se puede optar por "escapar", lo que no se considera un acto de cobardía o traición, sino un deseo de libertad de los decretos. Para mí, lo inesperado es mas atractivo que lo obvio. Un día, cerca de la frontera entre los condado de Yunlin y Jiayi (sur de Taiwán), me llamó la atención, más allá de la orilla del río, una red de pesca flotando por encima del mar. Atravesó la tranquila superficie, revoloteando en el aire durante algún tiempo, hasta que finalmente se hundió en el mar. Mi corazón palpitó por esa red de pesca. Después del episodio de flotación y de la zambullida final, no había ninguna señal de la red, tan sólo quedaba un océano silencioso. El momento del encuentro que acababa de pasar se mantenían aún fresco. Me pregunté varias veces: ¿que clase de estado de la mente era este? Al parecer, la red de pesca no se presentaba como una "red de pesca." Preferí obviar la respuesta. Era solo un expresión de la libertad.\nEl marco creativo de este video contiene tres capas: concepto, sistema y aplicación. Investiga la relación triangular entre tiempo, velocidad y espacio. Las escenas de las hermanas gemelas de pie filmadas en posiciones correspondientes se proyectan en pantallas duales, donde los espectadores son guiados por un avión. Esta obra de arte es un intento de revelar hechos poco conocidos acerca de los gemelos. Mientras tanto, se propone un punto de vista entre la simulación y la realidad, tal vez bastante apropiado para un mundo intensamente falso y artificial. Utilizando dos proyectores, los dos videos de igual tamaño se proyectan en dos paredes opuestas, mostrando a dos hermanas gemelas en una pradera mientras la luz del día va cambiando progresivamente. Las hermanas permanecen de pie sin moverse y con los ojos cerrados, integrándose pacíficamente con la naturaleza. Cuando los espectadores se acercan, un avión atraviesa las dos pantallas conectando los videos, incluidos ambos fondos y los recuerdos compartidos de las gemelas, dejando ver cómo las dos son inseparables e interdependientes.\nHui‐Yu SU/Un día de horror/HD video, color, sonido/06'00 "/ 2010\nDesde su creación, el horror ha sido un género clásico del cine que ha continuado afectando la visión del mundo y la vida de las personas durante generaciones. Imágenes realizadas de modo primoroso se emiten en las televisiones de todos los hogares del mundo. Una noche, después de tomar mi medicina, la cual había aletargado mis sentidos, terminé de ver una conocida película de horror que no causaba miedo. No fue hasta la mañana siguiente que el miedo se apoderó de mi. Descubrí que la vida podía ser una película de terror. Sonidos horribles, movimientos de cámara, técnicas de edición y la propia imaginación del espectador habían invadido nuestras vidas. Nada más horrible podía ocurrir, como si el horror se hubiese convertido en un hábito, o en un patrón común.\nSECCIÓN TERRITORIOS INEXPLORADOS: VIDEOARTE EN IRAN\nJUEVES 13 DE DICIEMBRE de 17:00 a 18:30\nCon el arte de los nuevos medios, el videoarte en particular – uno de los canales de expresión artística contemporánea más significativos – se difuminan las fronteras y la voz del artista puede lanzarse a un escenario global.\nCada vez mas, los artistas iraníes están haciendo uso del video, un medio versátil que les permite expresar sus opiniones, trasmitir sus mensajes y llamar la atención a la problemática social.\nEsta selección de trabajo realizado por artistas iraníes, en la mayoría una joven generación que aún reside en Irán, acerca al espectador a los contextos culturales y la realidad social del país, además de tocar conceptos comunes a nivel universal.\nLas obras no se han seleccionado bajo un tema en concreto, pero sí que hay un denominador común: hasta cierto punto, todas reflejan la realidad de haber experimentado situaciones críticas.\nMona Mohagheghi, nació en Teherán, Irán en 1981 y ahora reside en Florencia.\nSe mudó allí tras licenciarse en matemáticas en la Universidad de Teherán. Cursó en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde se licenció en Artes Visuales (especializándose en pintura) y completó un máster en Artes Visuales y Nuevos Medios. Durante estos años ha participado en numerosas exposiciones y festivales tanto individuales como colectivos.\nComo artista, Mohagheghi refleja su trabajo e ideas a través de diferentes medios, especialmente la instalación y el videoarte. Su investigación artística abarca temas como los recuerdos y la relación espacio-tiempo. Las situaciones que estudia y explora a través de su trabajo combinan su experiencia como joven mujer Iraní con ideas arraigadas en los valores cultuales compartidas a nivel global.\nMehrdad Afsari/Sin novedades de Iran/06:18\n¡No hay noticias en Iran! ¡No hay noticias en Iran! ¡No hay noticias en Iran! ¡Sí que las hay!\nAmin Davaie/Aqui, a dos mil metros por encima del nivel del mar/06:36\nEl titulo del video se refiere a Tehrán. Cada lugar puede englobar distintos ambientes según las condiciones del entorno. ‘Saltar’ es una palabra vinculada a una experiencia que supone algún que otro elemento de elección, pero a veces nos lanzan, lo cual no tiene necesariamente conexión ninguna con un lugar en concreto. El lanzar es una acción compulsiva y es un error de él que lanza suponer que otorga sentido al lugar. En el fondo, la persona que es lanzando es el que cambia el concepto del lugar a favor de su propia idea.\nMimra presenta un comentario claro sobre las ideas de sospecha y terror, donde la presencia de la insurgencia terrorista esta creando un estado de emergencia no sólo en Occidente pero también en el Oriente Medio. En este contexto, todos somos sospechosos, pero se da por hecho que los autores de esos crímenes son, en su mayoría, hombres. En Mimra, un escenario completamente femenino cuestiona los estereotipos acerca de la masculinidad y el Islam. La libertad de movimiento y sus limitaciones, dentro del espacio urbano en particular, son temas también explorados en esta obra.\nSamira Eskandarfar/No estoy aquí/06:18\nLos columpios donde antes jugaba, los toboganes donde yo me tiraba, las escaleras que me empeñaba en subir. Llegaban hasta muy alto. Desde allí arriba, saludaba a mi cuidad. El parque con el que yo crecí y donde vuelvo, pasados 23 años. Ha cambiado mucho. Los niños disfrutan de los columpios y el tobogán, pero ya no hay escalera para subir. He estado allí antes. Este lugar se ha quedado en mi mente, intacto, pero ya que vuelvo, veo que todo es distinto. ¿En realidad, había estado aquí? Ahora estoy aquí, no estoy aquí ahora.\nArash Fayez/Sin título 209/0:55\nEsta obra trata las ideas del fracaso y la desesperación. La ausencia de ningún lugar ni fecha específica la vincula a cualquier historia de cualquier rincón del mundo. Una narrativa conectada a la verdad de que estamos simplemente observando la opresión, nada más.\nFarid Jafari Samargahndi/Trilogía/06:11\nSus ojos esperan el sueño,\nPueden girar uno alrededor del otro\nConvertirse en resaca, lentamente, debido a la intensidad del sueño\nTal vez en un poco de paz y tranquilidad durante un tiempo,\nSe tuercen, arremolinan y se distancian, se acarician\nPuede que se hayan convertido en uno de estos organismos,\nNinguno otros tres nunca podrán estar más cerca que esto\nMientras se entrelazan como una hiedra,\nSus pensamientos están tan alejados que los hace insomnes\nUna muñeca mecánica flota en el agua, dentro de una bombilla de cristal. Los movimientos pausados de la muñeca, su flotabilidad y los ambiguos escritos que se entreven al fondo son símbolos de la vida contemporánea. Este juguete peculiar recuerda las tradiciones que nos son impuestas o de las que estamos forzosamente distanciados, además de la inocencia, la artificialidad y otras connotaciones.\nSimin Keramati/Diario de Instituto/05:57\nEsta obra explora el terror relacionado con el colegio o a los niños que: podría ser el diario de alguien con mi edad. Todas las películas documentan hechos reales descargardas de YouTube, criticando, de alguna forma, lo que estamos haciendo a nuestros niños hoy en día…\nKhosro Khosravi/Quinto grado/04:54\nEn este trabajo, el artista investiga la estructura educativa para las niñas de entre 10 y 11 años en Irán. Explora, con rigor, el efecto de los patrones de educación en las chicas de una edad tan vulnerable, cuando sus características más infantiles se fusionan con la adolescencia. Aunque trata directamente cuestiones de religión y pedagogía, el video también resalta contradicciones culturales más amplias: la literatura y la política, la vida y la muerte. Los diálogos paradójicos que leen las chicas se han seleccionado del libro de texto para el quinto grado en farsi. Observamos una imagen difuminada que se va transformando para enfocarse en un primer plano del uniforme colegial de las chicas. Incorpora el hiyab, una prenda obligatoria para todas las mujeres en Irán. En este video, el artista pretende sacar a la luz las contradicciones que existen dentro de un sencillo proceso cultural.\nArah Khakpour-Arash Radkia/El Zoo de Tehran/10:30\nCentrándose en el concepto de la esclavitud, esta película retrata el zoo de Tehran.\nSepanta Ghasemkhani/Inversión lateral/04:48\nLa primera vez que me enfrenté a un espejo, descubrí mi existencia como ser independiente… Poco después del nacimiento y ése espejo sigue estando cerca para que pueda llevar puesta mi identidad todos los días, engalanarme y ser engalanada. Hablo de identidad, una identidad que se viste, una identidad fingida, una pretensión engañosa, una pretensión invertida. Yo, delante de un espejo plano, soy una inversión lateral.\nRonak Ghoseiri/Chica dulce/03:36\nUna mujer lucha y sufre tantísimos obstáculos, además de la discriminación en un país como el mío. No sabe como aguantarlo, como superar todas las barreras y prohibiciones procedentes de su padre, su hermano, su marido y la sociedad masculina, fanática de Irán.\nShadi Noyani/ Armónica/04:05\nTanto el titulo como el punto de empiece de esta obra se toman prestados de la película de Amir Naderi, La Armónica (1973). Narra la historia de uno niño llamado Amirou, fascinado por ese instrumento que tiene otro joven. Solo por tocarlo está dispuesto a hacer lo que haga falta. La Armónica es un relato simbólico del colonialismo en el tercer mundo. Tras la revolución en Irán, esta película – acorde con las lemas idealistas, revolucionarias y heroicas – se emitió una y otra vez en la televisión estatal. En aquel momento, Noyani tenía unos 4 o 5 años y se obsesionó por el personaje de Amirou, que aparece en una escena humillado por los demás niños que le piden bailar como un mono en cambio por unos segundos de soplar la armónica… En metraje encontrado muy inusual, de la cineteca de su familia, Noyani baila en su mundo infantil al igual que Amirou, con un palo y tocando la armónica. Sin tener la más mínima idea de lo que significa el colonialismo, dice “quizás el encontrarse tocados por el colonialismo es una consecuencia de la inmadurez y comportamiento infantil tan extendidos en los países del tercer mundo.”\nHamed Noori/Trastorno de ansiedad generalizada/01:30\nEl trastorno de ansiedad generalizado (TAG) se caracteriza por un patrón de ansiedad crónica, preocupación exagerada y tensión que llega a trastornar la vida cotidiana de los que lo padecen.\nLas personas de sufren TAG se preocupan continuamente por el futuro, con la sensación de que su ansiedad está fuera de control precisamente porque algo malo esta a punto de ocurrir.\nSECCIÓN TERRITORIOS INEXPLORADOS: VIDEOARTE EN COREA\nVIERNES 14 DE DICIEMBRE de 17:00 a 20:00\nCINE EXPERIMENTAL DE COREA\nLos realizadores de cine experimental coreanos se dividen entre aquellos que proceden del cine convencional y los que vienen del mundo del arte. Estos dos grupos tienen perspectivas diferentes: el primero tiende hacia lo narrativo, a prestar más atención al simbolismo poético y a trabajar con la cámara; el segundo es más conceptual, sus obras son más sencillas y es más propenso a las instalaciones y las performances. Por supuesto, se trata de una generalización que no tiene carácter categórico.\nDonghyun Park cursó un master en cinematografía en la School of the Art Institute, Chicago y recibió su doctorado de la Graduate School of Advanced Imaging Science, Chung-Ang University. Su última película, <Kimu; the Strange Dance>, se ha presentado en diversos festivales, entre ellos el Jeonju International Film Festival y el Vancouver International Film Festival. Se ha proyectado varios cortos suyos a nivel internacional. Es fundador y director de ExiS y también profesor en Myongji University.\nRemembering-Recordando/ Jae-Kyu Byun/ 2012/ 2min 39sec/ HD\nLa realidad de nuestro mundo está cubierta por toneladas de fotografías. Por ello , tendemos a percibir nuestra realidad no en sí mismo sino a través de las fotografías. Lo imaginario no sólo se sustituye a lo real, lo supera. De modo que la memoria de los hechos acaba zozobrando en un proceso de destrucción, olvido y desgaste. Esta obra trata fundamentalmente de esta discrepancia y de las consiguientes fisuras entre la imagen reconstruida mediante fotografías y el recuerdo del pasado. La relación entre lo imaginario y lo real crea determinados significados, pero también borra toda memoria cierta al deshacer en pedazos flotantes los recuerdos.\nEl lugar que aparece en la foto era el de mi recreo, ahí donde solía esperar a que mi madre volviera del trabajo. Un viejo suelo de hormigón sin color ni manchas, que ha contemplado el paso de la vida sin inmutarse. Un callejón cualquiera, gastado por el tiempo. Ahora no queda más que su rastro, la certeza de que algo desapareció.\nJae-Kyu Byun es un escultor visual. Sus obras reflexionan sobre la identidad del arte visual. En particular, se centran en la re-interpretación panorámica del espacio y la plasmación de las experiencias espaciales en distintos soportes de los nuevos medios. Su trabajo actual se fija en las experiencias urbanas en torno al espacio-tiempo, ya sea en estructuras materiales como inmateriales.\nFebruary- Febrero/ In-Han Cho/ 2011/ 4min 20sec/ HD\nPelota, viento y árbol. Luz, sombra y superficie.\nIn-han Cho tiene una Maestría en Ciencias de la Información de la New School de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Corea.\nINTERFERE-Interferir/ June-Hyuck Jeon/ 2011 / Colour / Stereo / 7m 15s / HD\nInterfere, una de las ocho películas realizadas por otros tantos directores para el proyecto "Across the Bridges”, rodado en el puente de Seogang. En lugar de grabar la estructura del puente la mirada se fija en el fluir del río y el reflejo del puente en el agua, ahí donde lo artificial y la naturaleza se encuentran y el fenómeno que esto produce.\nEmptiness, Shadow-Vacío, sombra/ Hwang, Sun-Sook/ 2012/ 8min 40sec/ mini dv\nTú y yo, separado del grupo. Alguien atraviesa la sombra, cruza el umbral de un edificio lejano, paseando, más allá de los límites del tiempo.\nApp Self-Portrait- Autorretrato con una app / 2012 v.1.0/ Jong-Han Choi/ 2012/ 5min 40sec/ HD\nAutorretrato, realizado con una cámara iPad 2! 8-Bit, que muestra imagen tras imagen el baile mecánico y repetitivo del rostro objetivado del artista\nSan Francisco Art Institute / New Genre / MFA Class 2006 Semyung Univ. / Profesor Asociado / Departamento de Arte Mediática y Entretenimiento\nMask-Reversal of Men-Máscara - la inversión del hombre/ Ji-Hyun Ha/ 2012/ 12min 36sec/ HD\nMask trata del conflicto interior y de la lucha de los seres humanos en cuanto seres sociales en los complejos procesos de inclusión y exclusión social. Plantea cuestiones en torno a la moral, el poder, el juicio y los prejuicios en las relaciones humanas. Refleja lo absurdo de la violencia colectiva, de las arbitrariedades y de la opresión motivadas por las disparidades propias de un sistema social distorsionado.\nJi-Hyun Ha centra su atención en los seres humanos como seres sociales y en el significado de las relaciones humanas en nuestras sociedades. Estudió Arte visual Medios en la Universidad de California, San Diego, y en la New School for Design de Nueva York. En la actualidad trabaja como diseñador gráfico, animador y director de cine, combinando su afición por la comunicación visual con la escritura creativa.\nZeboriskie Point/ Byoung-Lae Park/ 2011/ 9min 53sec/ HD\nZeboriskie Point (2011) es un proyecto desarrollado siguiendo la historia de 'Zebo-Sun-Chang', nombre de un pequeño puerto en Gunsan-Si, provincia de Jeolla. Refleja el extraño conflicto entre el paisaje del presente y el del pasado, un pasado de abandono desde queel centro del crecimiento económico se desplazó a raíz del proceso de modernización iniciado tras la liberación de Corea. A este paisaje disonante, este paradójico escenario actual de la comunidad local representada como "Gunsan», se superponen escenas de Zabriskie Point (1970) rodada por Michelangelo Antonioni. Y se articula a través de imágenes tomadas del viaje exploratorio realizados por 'Zebo', un personaje desconocido que visitó ese espacio desolado.\nByoung-LaePark pretende seguir desarrollando su investigación, ampliando la perspectiva sobre las experiencias y percepciones de los individuos respecto a la omnipresente brecha entre el individuo y la sociedad.\nCineasta y artista visual, nacido en 1974. Estudió Bellas Artes en la Kunsthochschule de Kassel con el profesor Björn Melhus, y se graduó (MFA) en 2007. Vive y trabaja en Seúl. Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y festivales.\nDandong Travelog-Cuaderno de Viaje Dandong/ Min-Ha Park/ 2012/ 12min 41sec/ HD\nMin-Ha filmó a tres norcoreanos cerca de la frontera entre Corea del Norte y China. La grabación dura 1min 52sec y, partiendo del último fotograma, imagina la historia de esas tres personas. Paradójicamente, sin embargo, sus conjeturas enfatizan una "realidad" irremediablemente ligada al marco visual del turista surcoreano.\nMinha Park es un artista multimedia y cineasta que vive y trabaja en Los Ángeles y en Seúl. Su obra más reciente se centra en cómo los contextos culturales, sociales y políticos afectan a la manera de "ver". Para ella, el cine ha de tener una carga de significados, ha de ser una micro resistencia frenteal marco visual macro que nos rodea.\nExpansion of Anxiety-La expansión de la ansiedad/ Jae-Hun Heo/ 2011/ 13min/ HDV\nExpansion of Anxiety grabaciones de archivo de situaciones "normales, sin nada reseñable". El director recalca el grano de las imágenes aumentando su tamaño y sobreponiendo una banda sonora. Estas técnicas generan una sensación de ansiedad. Escenas sencillas, cotidianas, diarias transmiten así una impresión totalmente distinta en virtud de un pequeño retoque. De manera parecida, secuenciar las escenas cotidianas hace pensar que se trata de imágenes tomadas por cámaras de vigilancia. Recientemente, un artículo reveló que el ciudadano medio de Seúl está expuesto a las cámaras de vigilancia cerca de ochenta veces al día. Nuestra vida diaria queda asía la vista de alguien. La cierto es que cada movimiento individual queda grabado en cada detalle. Saber si el 'Gran Hermano' existe realmente o no, nos genera ansiedad. Expansion of Anxiety expresa visualmente estas inquietudes. (Park Donghyun)\nJae-Hun Heo es un artista residente en Seúl. Su interés se centra en los medios de comunicación, y sus derivados, que influyen sobre la gente en los espacios tanto reales como virtuales. El entorno mediático contemporáneo, donde el exceso de imágenes, textos y sonidos chocan entre sí, se ha convertido en parte de nuestras vidas. El artista observa la presión que ejercen los nuevos medios de comunicación sobre las personas para luego jugar conesa interrelación en sus obras.\nCondensation-Condensación/ Mi-Hye Cha/ 2012/ 12min 47sec/HD\nHay un momento las cosas empiezan a cuajar. El momento en el que las voces se encuentran, el momento en que una silueta se deja ver en la niebla ... Antes y después de experimentar esos momentos, uno puede sentir las distintas de temperatura de la vida. Tocando suavemente las texturas creadas por estos cambios en la temperatura, se van reduciendo los intervalos de tiempo. Si los recuerdos persisten en el presente, ¿cómo representar la continua presencia del tiempo no lineal? Partiendo del deseo e interés por representar los recuerdos del pasado, la intención del cineasta fue crear una especie de viaje en el tiempo a través de seis historias breves.\nMi-Cha Hy ese graduó en Artes Visuales de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París (ENSBA), 2010, y completó un Diploma de Postgrado dle ENSBA en 2011. Trabaja con el vídeo y la fotografía, y ha participado en exposiciones colectivas (Le Vent d'après, Des Chemins Familiers, París), y en distintos certámenes (Illégal Cinéma, Aubervilliers) en Francia.\n[ ∫ ]/ Sun-Jha Kim/ 2011 / mix / Stereo / 11m 55s / Hdcam\nLa película experimental [∫] es una interpretación libre y una recreación imaginaria del carácter sibilante [∫]. En la película, los objetos se transforman unos en otros: Cuerpo - serpiente - cascada - piedra, todo rodeado de sonidos sibilantes.\nNacido en 1983, Sun-Jha Kim vive y trabaja en Colonia, Alemania. Se educó en Diseño Visual y Filosofía en la Universidad Nacional de Seúl y se graduó de la Academia de Arte Mediático de Colonia. Sus videos y sus obras de arte se han mostrado en numerosas exposiciones y festivales de todo el mundo, incluyendo el Festival Internacional de Cine de Rotterdam.\nWhy does wind Blow-¿Porqué sopla el viento?/ Hang-Jun Lee/ 2012/ 10min/ HD\nWhy does wind blow? se compone de imágenes extraídas de películas científicas para uso educativo (una película sobre planificación familiar, películas anti-comunistas y otras). Es una 'película de material encontrado ". Dos películas se muestran simultáneamente en una pantalla dividida. Esta película refleja cómo funcionan y están hechas sendas películas. El director presenta visualmente su propia experiencia cinematográfica a través de imágenes sobre el movimiento de un péndulo, un intermitente oun ojo y sobre la persistencia de la mirada, de la experimentación científica y del termómetro como hilo conductor y proyección final ... Al principio, hay una línea: "Cuando el mundo desconfía de nosotros, debemos aguantar y persistir en él, para llegar a dar con una nueva percepción". Why does wind blow? señala indirectamente la situación en la que se encuentra hoy en día el cine experimental en Corea . (Park Donghyun)\nObras Hang-Jun Lee trabaja las performances y las improvisaciones multimedia acompañado de músicos. Ha tocado con Martin Tetreault, Jerome Noetinger, etc. Sus obras han sido expuestas en el South Bank Centre (Reino Unido),el Café OTO (Reino Unido), BOZAR Centro de Bellas Artes (Bélgica), Espace Multimedia Gantner (Francia).\nThin Traces/ Jang-Wook Lee/ 2012/ 13min 30sec/ 16mm\n"Quería hacer una obra sobre los recuerdos de otras personas. Pero me di cuenta de que no estaba preparado para hacerlo cuando reuní los primeros materiales", dice Jang-Wook Lee. La obra reúne apuntes de sus observaciones y registros de los recuerdos ajenos, tomados con su Smart phone.\nJang-Wook Lee es MFA por la SAIC (Escuela del Instituto de Arte de Chicago). Director del Space Cell Hand-made Film Lab, viene trabajando desde entonces con material cinematográfico. Su obra se centra principalmente en la memoria y la historia personales. También es profesor en el Departamento de Cine y Teatro de la Universidad de Suwon, y ha puesto su empeño en construir una comunidad de cine creativo.\nSESIÓN ABIERTA: LECH MAJEWSKI\nLa sección Sesión Abierta está dedicada a encuentros con videoartistas y artistas audiovisuales, en los que mostrarán sus trabajos y explicarán el proceso creativo de sus obras, entablando un diálogo con el público.\nEL LENGUAJE SIMBOLICO EN EL ARTE Y EN EL CINE\nMasterclass impartida por Lech Majewski. Duración de 6/8 horas.\nMasterclass a cargo del director del cine polaco Lech Majewski, en la que se visionará su último largometraje “El molino del tiempo” (The Mill & the Cross, 2011) y se analizará su compleja realización. Asímismo se proyectará la obra de videoarte “Glass Lips” (Labios de cristal).\nDe 18:30 a 20:00: Pase del film “El molino y la cruz” del director polaco Lech Majewski\n(Find more on www.lechmajewski.com)\nPERFORMANCE – ACCIÓN PÚBLICA: FOLLOW US\nPATIO DE OPERACIONES CENTROCENTRO\nLUNES 10 DE DICIEMBRE de 20:00 a 21:00\nSOLIMÁN LÓPEZ. FOLLOW US. Performance/acción pública.\nCon la colaboración de David Montero, diseñador de interacción.\nSegún la famosa teoría “Seis grados de separación” de Frigyes Karinthy, estamos separados de cualquier persona del mundo por otras 6.\nEsta teoría, se ha hecho más famosa, se ha instaurado en el “gossip” común, y todos hacemos uso de ella. De esta instauración pública, las redes sociales en internet han tenido mucho que ver.\nDesde un punto de vista histórico y epistemológico, las redes sociales se han venido estudiando desde finales del siglo XVIII.\nSin olvidar por supuesto que la humanidad es en sí misma una red social, antes llamada clan o grupo.\nPensando desde lo unipersonal a lo global, en la actualidad los macro y microgrupos están interconectados, etiquetados y agrupados sectorialmente por gustos, ábitos de actuación, comentarios o simplemente prefencias.\nLas redes sociales han venido a revolucionar la manera de comunicarnos y sobre todo de compartir nuestros contenidos tanto propios como ajenos.\nPero como todo gran invento en la historia de la humanidad, lleva intrínsecas determinadas cuestiones antagónicas al concepto de lo social.\nLa privacidad, el apropiacionismo, el control de masas, la alienación social, la burla o la denuncia son elementos que se entremezclan en nuestras redes sociales.\nEsa concienciación y evidencia de lo que somos, seres sociales, provoca un sentimiento de pertenencia y responsabilidad social sin precedentes.\nProfesional y personalmente estamos avocados a un uso de un canal que nos define como humanos, pero que contiene tras de sí fuertes herramientas de control, persuasión y consumo.\nLa decisión es simple y clara, puedes sentirte persuadido a participar de la red, o quedarte al margen.\nAmbas decisiones tienen sus pros y sus contras, pero sin duda son importantes decisiones en la actualidad. Significan estar en la red o vivir al margen de la misma.\nNo se trata de modernidad o tradición, se trata de virtualidad o fisicidad, de global o individual, de compartir o ser compartido.\nEn la antigüedad, la historia actual se contaba a través de grandes frisos de relieves donde los mitos y héroes rampaban por un hueco en la historia, en posturas complicadas y difíciles. Frisos del mundo clásico que hablaban de deseos, historias y elocuencias. De logros y pérdidas y de unos valores que la sociedad debía ver y contemplar.\nEn "Follow Us" la red ofrece los contenidos y el cuerpo los recoge para transformarse en algo que no era.\nSolimán López (Burgos, 1981), es un artista que se encuentra a caballo entre lo plástico, multimedia, las nuevas tecnologías y la performance.\nConocedor de estas herramientas las utiliza a su antojo según le exige el guión de su propio mensaje.\nTécnicamente hace uso del software libre para la generación de contenidos y los contrapone con la fisicidad de lo tangible o plástico. Los procesos mecanizados del cuerpo y su contraposición con la máquina son mostrados en piezas como "Human mistakes" o "Identidad", donde la imagen se captura de manera autónoma para generar importantes registros fotográficos de la acción performativa.\nEntre sus últimos proyectos cabe destacar su reciente participación en la I Bienal de Arte Emergente de Venzuela, la selección de su trabajo para la Muestra Audiovisual y Live Performance Videolooking o la selección del proyecto "Wanna Be" por el comisariado de TEDx Valladolid para el Laboratorio de las Artes de Valladolid (LAVA) entre otros.\nPERFORMANCE AUDIOVISUAL: incite/\nSABADO 15 DE DICIEMBRE de 20:30 a 22:00\nincite/ - “holistic glue - nueve piezas audiovisuales”\nEl estreno para MADATAC de este espectáculo audiovisual de incite/ -el quinto de sus montajes en directo- añade perspectivas en blanco y negro sobre su ciudad natal, generando un todo superior a la suma de las partes.\nholistic glue (pegamento integral) es una performance absorbente de ritmos electrónicos novedosos y bailables acompañados de imágenes, autoproducidas en Alta definición, que cruzan la divisoria entre la abstracción y la semi-narración. El dúo electrónico de Hamburgo sintetiza los elementos destacados de sus anteriores montajes vanguardistas, llevándolos a nuevos y más avanzados niveles.\nCombinando la mecánica cuántica de lo cotidiano de mindpiercing (2007-2009), las representaciones urbanas de dualicities (2010) y el análisis macroscópico de zoom studies (2011) con su particular mirada sobre su ciudad natal, holistic glue (otoño 2012) aúna perspectivas no convencionales.\nUna surrealista travesía en barco del puerto, la fauna silvestre de la ciudad, las saltarinas aventuras de los impredecibles avatares de lego –que suben y bajan escaleras o ascensores verticales y cíclicos-, manifestaciones de la gentrificación, la danza de un zapatero o la ilusión de seguridad que aboca a la paranoia urbana.\nLos sorprendentes y bailables ruidos de Incite/ fluyen sobre un extraordinario y sofisticado fondo de subbajos. Asentados en algún lugar entre la música electrónica, el glitch, la Intelligent Dance Music y la música industrial, sus sonidos han ganado en calidez respecto a sus anteriores montajes.\nEl dúo sinestéticamente reúne todos esos elementos en un todo: una inmensa densidad informativa presentada desde un escenario espectacular y aderezada con proyecciones.\nCon holistic glue, el galardonado dúo colma, una vez más, la brecha entre el mundo del arte y la cultura del baile. Inconformista, electrizante y entretenido.\nincite / audiovisuales impactantes y electrónica de baile poco ortodoxa\nincite/ nació a finales de 2002, desde sus primeros pasos con un claro enfoque en la actuación en directo. Ahora sus directos están entre los más conocidos de Europa, sirviendo de puente entre la cultura de clubbing o electrónica y el mundo del arte. incite/ nos traen ritmos extrañísimos y toques de glitch perfectamente bailables, sincronizado con impactantes visuales en una contrastada escala de grises. Galardonados en varias ocasiones, incite/ han ido forjando su reputación con más de 180 actuaciones en directo, muchas de ellas en festivales internacionales de arte de los nuevos medios, video, música contemporánea, electro, breakcore, industrial y otros géneros. Las cinco actuaciones audiovisuales presentados en directo hast la fecha son: iconicity (2004-2006), mindpiercing (2007-2009), dualicities (2009-2010), Zoom studies (2010-2011) y holistic glue (premiado en otoño de 2012).\nTrabajando en EE.UU, Brasil, Inglaterra, Polonia, Alemania, Lituania, Francia e Italia, Lech Majewski construye su visión a través de pinturas, películas, instalaciones, novelas, teatro y escenografía de óperas. Ha estudiado en la Academia de Bellas Arte y se graduó en la National Film School en Łódź. Algunas de sus obras son: The Knight, Prisoner of Rio, Gospel According to Harry, Basquiat, Wojaczek, Angelus, The Garden of the Earthly Delights, Glass Lips and The Mill & the Cross.\nSus trabajos han recibido muchos premios de prestigio. En 2006, El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) realizó una retrospectiva honorífica individual titulada “Lech Majewski: Evocando la Imagen en Movimiento”. Su pieza artística Blood de Poet/Glass Lips se incluyó en la 52ª edición de la Bienal de Venecia y la retrospectiva del MOMA viajó por museos de todo el mundo. Su último ciclo de videoarte Bruegel Suite se inauguró en el Louvre en febrero del 2011, y ahora es parte de la 54 edición de la Bienal de Venecia.\nMaite Cajaraville combina desde hace diez años sus facetas de artista y de creativa en el ámbito de los nuevos medios. Máster en Teoría y Práctica del Arte Contemporáneo (MFA), por la Universidad Complutense de Madrid y Diplomada en Informática (Madrid, 1991-93), completa su formación multidisciplinar en la Städelschule für Bildende Kunst de Frankfurt (Alemania, 1993-96), bajo la tutela directa de los artistas y profesores Peter Weibel y Thomas Bayrle, donde se especializa en arte interdisciplinar, videocreación y arte digital.\nSus videocreaciones se han visto en los principales programas culturales: Metrópolis, La Mandrágora, Antiestático, Miradas,...\nEs profesora de la Escuela Universitaria EXITAE de la Universidad Camilo José Cela en los módulos de Performance Audiovisual.\nFundadora del colectivo LaptopsRus con Shu Lea Cheng y Blanca Regina\nFundadora de conexión.madrid\nFundadora de Peninsulares Video.\nChih-Yung Aaron CHIU es professor asociado y catedrático en el departamento de Medios de comunicación de la Universidad Providence. También trabaja con la Fundación Digital de Arte y dirige el “Research Institute for Media Technology and Creative Industries”. Tiene un PhD en “School of Interdisciplinary Arts at Ohio University, U.S.A.” y está especializado en arte y estética de los nuevos medios, lo cual combina con su trabajo como comisario de exposiciones. Sus artículos entitled (2007) e Inter/face: A Reconsideration of Myth of Transparency (2008) han sido nominados en Digital Art Awards Taipei (DAA Taipéi). Sus últimas publicaciones incluyen ‘Fill in the Blank: On the Position of Spectatorship in the New Media Arts,’ ‘Textual Blank and Creative Participation: On the Dialectics Relationship between the Creator, Artwork, and Participant on the Interactive New Media Art,’ ‘The Intervention of History toward Contemporary Era: On Appropriations and Re-creation of Visual Archive Images,’ ‘City Spectacle and Imagescape: The Multiple Carrier of Contemporary Visual Images,’ ‘The Work of Art in the Age of Digitized Culture,’ y ‘Aesthetic Perception of Digitized Art Image in Cyberspace: Toward A Phenomenological Experience’.\nShahram Entekhabi, nacido en Beroujerd (Irán), es un artista y arquitecto que vive y trabaja en Berlín. Estudió diseño gráfico en la Universidad de Teherán, Irán. Mas tarde arquitectura, urbanismo e idioma italiano en Perugia y en Reggio Calabria, Italia. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones en todo el mundo.\nEsta IV edición contará con tres dotaciones que se darán a conocer durante la ceremonia de clausura de la Muestra, la cuál se llevará a cabo en el CentroCentro Palacio de Cibeles el 15 de diciembre 2012 a partir de las 19:00.\nCinco premios que consistirán en una innovadora obra de arte vanguardista realizada por el artista Javier Arcos Pitarque.\nMEJOR OBRA DE VIDEOARTE\nOBRA DIGITAL+ INNOVADORA\nVIDEO ARTISTA + PROMETEDOR\nMEJOR INTERACCIÓN VIDEOAURAL\n(Concedido por votación entre los espectadores a la mejor obra de la Sección Oficial Internacional)\nEl programa de televisión METROPOLIS (La 2) seleccionará obras de la Sección Oficial Internacional de la Muestra, que se emitirán en un programa especial de Metrópolis dedicado a MADATAC, el cual se podrá ver el domingo 23 de diciembre 2011 a las 00:30 en La 2 de TVE.\nMADATAC y Subastas Segre elegirán 3 de las obras a competición para ser subastadas públicamente en febrero 2013. La exposición de las obras se podrá ver a partir de la primera semana de febrero en la propia sede, calle Segre 18, Madrid. El precio de salida será fijado por la Casa de subastas en ediciones de 3 copias en\nDVD, cantidad que percibirá el artista luego de deducirse el porcentaje correspondiente a los gastos de gestión y venta.\n“LA SOMBRA DE LOT”\nOBRA DIGITAL MÁS INNOVADORA\nDAVID RODRIGUEZ GIMENO (ESPAÑA)\n“DEVELOP/MOVEMENT NUMBER ONE”\nVIDEOARTISTA MÁS PROMETEDOR\nMEJOR INTERACCION VIDEOARUAL\nCANDAS SISMAN (TURQUIA)\nDANI WARNER (EE.UU)\nNEIL HARBISSON (ESPAÑA)\nSANDRA ALVARO (ESPAÑA)\nMARTA AZPÀRREN (ESPAÑA)\n(MUESTRA DE ARTE DIGITAL AUDIOVISUAL Y TECNOLOGÍAS AVANZADAS CONTEMPORÁNEAS)\nTEL.: +34 637975582\nPRODUCCIÓN / COMUNICACIÓN&PRENSA:\nMartes a domingo: 10.00 - 20.00 h.\nMADATAC 2011 MADATAC 2010 MADATAC 2009