Vecinos del casco viejo piden revitalizar el centro – eju.tv\nVecinos del casco viejo piden revitalizar el centro\nMiembros de la Asociación Impulsora del Centro Histórico fueron recibidos hoy en audiencia pública por el Concejo Municipal.\nDeisy Ortiz/Foto: Jorge Uechi\nRepresentantes de la Asociación Impulsora del Centro Histórico presentaron hoy ante el Concejo Municipal un diagnóstico del corazón de la ciudad y solicitaron acciones viables para su revitalización.\nLos miembros de dicha organización fueron recibidos en audiencia pública por el órgano deliberante. Su presidente, Guillermo Moscoso, indicó que están seriamente preocupados por el abandono en que se encuentra el centro histórico y que si bien hubo algunas intervenciones, no han sido sostenibles.\nHaciendo uso de material visual, Moscoso indicó que proponen iniciativas viables y concurrentes para preservar el casco histórico. Asimismo, dijo que es necesario generar políticas públicas para su repoblación, pues ha decrecido el número de habitantes que abandona sus inmuebles.\nTambién sugiere actualizar la lista de inmuebles catalogados como patrimonio, un plan de intervención prioritaria de las calles del centro citadino pues durante 50 años se ha utilizado losetas y, entre otros, un mayor control del comercio informal. Moscoso hizo notar que hay varios edificios deteriorados porque las normas son rígidas y se exige materiales precisos para su refacción, que ya no son fáciles de encontrar. Incluso indicó que no hay mano de obra que sepa trabajar con esos materiales, por lo que es necesario capacitar a la mano de obra


¿Una oportunidad? - Opinión - El Periódico Mediterráneo\nEMILIO Llanos Lazo\nEl pasado día 11 de noviembre salió publicada la nueva Ley de Contratos del Sector Público, ley que entrará en vigor, en la mayoría de su articulado, en el mes de marzo y que regulará --de ahí su importancia-- más de 125.000 contratos que se celebrarán en el sector público y que en el año 2015 supusieron alrededor del 18% del PIB.\nEsta ley, que tiene como objetivo primordial transponer al ordenamiento jurídico español las Directivas del Parlamento Europeo y del Consejo de Europa, cuenta, además, con el valor añadido del amplio consenso político logrado en torno a ella.\nDesde UGT hacemos una valoración positiva de la misma en su conjunto, sin perder de vista ciertos aspectos negativos: mayores obstáculos para la reversión de servicios públicos, escasas garantías en materia de subrogación cuando la Administración Pública decide rescatar el servicio o la no prohibición de manera expresa de las ETTs y empresas multiservicios en la contratación pública. Además, echamos en falta un mayor protagonismo sindical en las cuestiones socio-laborales de la contratación.\nEntre los aspectos positivos de la ley pueden destacarse los siguientes:\n--Cautelas para que el precio no siga siendo el único criterio de adjudicación. Esto evitará la presencia de empresas piratas con ofertas anormalmente bajas, basadas no en estrechar los márgenes empresariales, sino en salarios pírricos a los trabajadores y trabajadoras, compitiendo de forma totalmente desleal con aquellas empresas y compañías que cumplen con los convenios colectivos de aplicación.\n--La obligación de incluir transversal y preceptivamente en todos los pliegos cláusulas sociales, entre las que figuran la conciliación, igualdad, mejora en condiciones laborales y salariales, estabilidad en el empleo, etc. A tal efecto la Ley contempla la legitimación sindical para interponer el recurso especial en materia de contratación, cuando el empresario incumpla esas obligaciones sociales y laborales.\n--Obligación de respetar el marco normativo laboral imperante en cada momento, garantizándose en la mayoría de los casos, la efectividad del convenio aplicable.\n--La resolución del contrato por el impago de salarios. Resolución que solo se acordará, con carácter general, a instancia de los representantes de los trabajadores en la empresa contratista.\nEn UGT pensamos que esta ley es una oportunidad para que entre todos, sector público y sindicatos, dignifiquemos las condiciones de trabajo en estas concesiones, comenzando, como ya se ha puesto de manifiesto en otras ocasiones, por dignificar los salarios. Cuestión esta que no parece tan complicada cuando los beneficios empresariales están creciendo exponencialmente. Es decir, se puede hacer una redistribución de la riqueza si existe voluntad por todas las partes y un claro ejemplo de ello es el convenio de hostelería firmado recientemente en las Islas Baleares.\nPor último, decir que la Unión General de Trabajadores aplaudiría que las diferentes Administraciones Públicas y sus respectivos ámbitos competenciales, introdujeran esas cláusulas sociales también en aquellas concesiones reguladas por la anterior normativa.\n*Secretario Territorial Intercomarcal de FeSP UGT Comarques del Nord


Colombia y Argentina dan inicio al grupo B de Copa América 2019 - AS Colombia\nColombia y Argentina dan inicio al grupo B de Copa América 2019\nColombia y Argentina se enfrentan este sábado en Salvador de Bahía. Cada uno va con sus máximas figuras, Queiroz y Scaloni no se guardan nada.\nActualizado a 14 de junio de 2019 21:42 COT\nDos de las selecciones favoritas en la edición 46 de la Copa se miden en la Arena Fonte Nova, escenario mundialista con una capacidad para 50 mil aficionados. Una lluvia de estrellas estará en Salvador: Messi, Di María, Agüero, Lo Celso por Argentina; James, Falcao, Cuadrado, Mina en Colombia.\nArgentina, segundo máximo ganador del torneo con 14 títulos y que oficia como local, asume esta edición como el primer paso de un nuevo camino. Después de tres finales perdidas -una de Mundial y dos de Copa- Brasil 2019 será el cimiento para Qatar 2022 con una mezcla de jugadores nuevos y unos cuantos de experiencia encabezados por el mejor jugador del mundo: Leo Messi.\nEn el otro bando, James Rodríguez liderará a un equipo que no conoce lo que es ganarle a Argentina. El último triunfo colombiano ante la albiceleste fue en 2007 en eliminatorias a Sudáfrica, cuando ninguno de estos 23 convocados hacia parte de la Selección. El zurdo, con pie y medio en Nápoles, quiere recobrar la confianza ante un rival especial, un rival que aprendió a conocer en los Barça-Madrid.\n"Llegó el momento de jugar, mañana empieza el show para nosotros, queremos hacer un gran partido para los aficionados (...) Es una nueva oportunidad para Colombia y no la queremos perder, vamos a hacerlo todo para merecerlo", comentó Carlos Queiroz a 24 horas para el juego.\nScaloni y el portugués pondrán de arranque el mismo sistema, los técnicos utilizarán el 4-3-3 que tanto trabajaron en el previo. Equipos ofensivos para el partido más atrayente del grupo. Paraguay Qatar son los otros dos de la zona. Todo está dicho en este inicio de Copa.\nFalcao y su historia con Selección Colombia en Copa América


febrero 2015 ~ Visiones\nCortometraje: Protopartículas (Chema García Ibarra, 2009, 7’)\nPublicada el 12:30por Alejandro Gaspar\n“Dentro de mucho tiempo, un desconocido vendrá a buscarme, y me ofrecerá participar en el experimento protomateria” Son las primera palabras que oímos en Protopartículas, pronunciadas trabajosamente por una voz de leve acento murciano. Los escenarios son increíblemente mundanos: una tienda de barrio, la vivienda de una familia, las aceras de una ciudad de provincias. La historia que oímos, en cambio, es muy diferente: institutos científicos, teorías revolucionarias, experimentos en el espacio con consecuencias devastadoras. Entre la tienda de ultramarinos y la sala de estar, se cuela una figura extraña, un hombre vestido con una especie de traje de buzo que vive con una familia en una ciudad española que no es nombrada. Es él, suponemos, quien nos cuenta la historia. Quizá sepamos cómo ha llegado hasta allí.\nEs el mundo de Chema García Ibarra, un cineasta alicantino que combina el costumbrismo con la ciencia ficción, el realismo de la imagen digital con la escenografía del absurdo, el humor y la ironía con la poesía de lo desconcertante. García Ibarra se dio a conocer con su muy recomendable cortometraje El ataque de los robots de nebulosa-5. Con Protopartículas logró una mención del jurado en el festival de Sundance de 2011, algo especialmente destacable para un cortometraje español de estética minimalista y de presupuesto casi inexistente. Sus películas tiene huellas del humor más costumbrista combinadas con una imaginería fantástica extraída de viejos comics y películas de escaso presupuesto: García Ibarra filma al nivel de la calle pero con la vista puesta en las constelaciones más lejanas.\nEl director acaba de terminar su primer largometraje, Uranes, realizado dentro del proyecto littlesecretfilm (ahora mismo puedes verlo, por solo dos dólares, en su canal de vimeo) La película se rodó en un solo día con diálogos improvisados (como mandan las normas del citado proyecto) y a pesar de la obvias limitaciones, responde fielmente a sus estilo e inclinaciones. El argumento gira en torno a una invasión de huevos aliégenas, y la dramaturgia, en torno a lo que se ve y lo que no se ve, en torno a la irrupción de lo extraño en un mundo de apariencia cotidiana. Así que, si disfrutas de este pequeño relato de humor cosmológico, atrévete con el largometraje.\nPublicada en Cine español, Cortometraje\nMitomanía: Blacklist: la nueva lista negra de Hollywood en la que los ejecutivos de los estudios escogen sus guiones preferidos.\nPublicada el 11:14por Alejandro Gaspar\nHollywood vuelve a tener listas negras. Pero esta vez, los guionistas se pelean por aparecer en ellas, especialmente los más desconocidos. The Black List se ha considerado como el equivalente cinematográfico del título de “rookie del año”: se trata de una encuesta anual en la que directivos de Hollywood escogen sus guiones preferidos (entre los que no se hayan producido, esto es). A mediados de diciembre, desde 2005, la lista resultante se distribuye mediante un pdf que será escrutado hasta la saciedad durante el siguiente año por estudios, productoras, distribuidoras independientes y cadenas de televisión. ¿Cuál es su importancia? Baste señalar que, de las ocho películas nominadas este año al Oscar a mejor película, cuatro de ellas estuvieron incluidas en The Black List cuando aun estaban en negro sobre blanco. (A saber: Descifrando enigma, guión más votado en 2012; Whiplash, 19 votos en 2012; El francotirador, 8 votos en 2013; Selma, 29 votos en 2007) Así que el revuelo por los títulos y los autores mencionados anualmente en estas listas está justificado, aunque, como se señala en la portada de cada entrega: “Esta no es una lista de los mejor. Es, como mucho, una lista de lo que más ha gustado”.\nEl creador de esta encuesta es Leonard Franklin. En 2004, tenía 26 años y era un ejecutivo de la compañía de producción de Leonardo Di Caprio, Appian Way. Según afirma, su intención original solamente consistía en “encontrar algo bueno para leer”, pero pronto su creación comenzó a tener vida propia. De hecho, se ha convertido en un negocio bastante rentable, que, entre otras cosas, ofrece asesoramiento a guionistas para lograr que sus escritos adquieran las cualidades necesarias para poder formar parte de una Black List, es decir, entusiasmar a los ejecutivos de los estudios. Aquella primera lista solamente indicaba el título y el nombre del autor; se trataba del resultado de una encuesta realizada a 90 personas e incluía todas las películas mencionadas, incluso una sola vez. En la última edición, el número de encuestados ha subido a 250 y para aparecer en ella son necesarias como mínimo seis menciones.\nDescifrando Enigma, el guión más votado en toda la historia d ela Black List, acaba de ganar el Oscar al mejor guion adaptado\nLa primera lista venía encabezada por dos guiones que con el tiempo se convirtieron en sendas producciones indies, modestas y apañadas: Cosas que perdimos en el fuego se estrenó en 2007, protagonizada por Halle Berry y Benicio del Toro. Ese mismo año, Juno, protagonizada por Ellen Page y Michael Cera, se convertía en el éxito sorpresa de la temporada. Cuando la pizpireta guionista, una exstriper llamada Diablo Cody, se paseaba por todas las alfombras rojas de la temporada, los ejecutivos de Hollywood los ejecutivos adquirieron la costumbre de escrutar las sucesivas listas negras, y el invento se convirtió durante un tiempo en oráculo del talento. El siguiente gran entusiasmo fue un guión titulado The Beaver (El castor) en el que un hombre aquejado de depresión encuentra consuelo hablando con la marioneta de castor que lleva permanentemente en su mano. Muy ingenioso, pero cuando la película llegó a las pantallas, dirigida por Jodie Foster y protagonizada por Mel Gibson las críticas fueron horrorosas y desapareció rápidamente de los cines. Puede que fuese debido a la presencia de Mel Gibson, que entonces sufría las consecuencias de un escándalo monumental, puede que Jodie Foster no encontrara el equilibrio tonal adecuado con un guión que oscilaba entre la tragedia, la comedia y el ridículo. O puede que el guión funcionase bien sobre el papel pero no con actores de carne y hueso sobre una pantalla.\nEl éxito de Juno en 2007 contribuyó en gran medida a la fama de la Blacklist\nCon el paso de los años, quedó bastante claro que las películas que surgían de la lista negra cubrían un amplio espectro de calidad y de éxito comercial. Títulos como Bad Teacher, Abrahan Lincoln, cazador de vampiros, Sin compromiso, Prisioneros, Los amos del barrio, El invitado, Stoker, Grace de Mónaco, Blancanieves y la leyenda del cazador o Sex tape: algo pasa en la nube recibieron el espaldarazo de la lista negra antes de convertirse en películas mediante diversos grados de mediocridad cinematográfica. Por supuesto, los guiones no tiene por qué tener ninguna culpa. Hay un montón de etapas durante las que un proyecto más o menos audaz debe acomodarse a los intereses de los estudios que lo financian, las estrellas que lo protagonizan o los directores que lo llevan a la pantalla. Está claro que en estos años, la lista negra ha perdido su condición de oráculo del talento o del éxito. Pero para lo que sí puede ser útil la lista negra es para hacer un pequeño experimento de sociología casera: tratar de meternos por unos instantes dentro de la cabeza de los ejecutivos de Hollywood y descubrir el tipo de películas que les gustaría hacer, aunque las realidades económicas de la industria vayan en otras direcciones.\nPrimero, es curioso destacar qué clase de películas no aparecen en la lista. Y durante estos diez años y varios cientos de guiones listados, las ausencias son altamente significativas. ¿Qué tipo de cine brilla por su ausencia? Secuelas. Precuelas. Superheroes. Remakes. Todas estas tipologías, consideradas ampliamente como constitutivas de los males del Hollywood moderno están notablemente ausentes de los gustos de los ejecutivos consultados. Es cierto que los guiones de esa clase de filmes suelen escribirse por encargo, y por tanto su circulación está limitada, pero en general, si muchos cinéfilos habituales lamentan que Hollywood se haya alejado de los géneros clásicos y de las historias originales, debería saber que, en términos estrictamente personales, los ejecutivos de Hollywood también comparten esa opinión. Otra cosa son los objetivos de las corporaciones para las que trabajan, las sinergias empresariales y las presiones de las televisiones, las cadenas de cines, etc.\nEn su momento, parecía una buena idea\nY en cuanto a las cosas que aparecen en las listas, podemos destacar fácilmente varias tendencias. Una de ellas es la glorificación de Hollywood, sus leyendas y sus grandes logros. Esta tendencia está, desde luego, impulsada por el reciente éxito de películas protagonizadas por cineastas, como The Artist, Argo o A propósito de Mr Banks. Pero cualquier institución es vulnerable al autobombo y los poderosos ejecutivos de Hollywood no iban a ser menos. Así que nos encontramos con títulos como los siguientes:\n-Chewie, de Evan Susser y Van Robichaux (Una mirada satírica al rodaje de La guerra de las galaxias a través de los ojos de Peter Mayhew, que interpretó a Chewacca)\n-Hey Stella!, de Tom Shepard (La historia de cómo Marlon Brando consiguió el papel de Stanley Kowalsky en la producción de Elia Kazan de Un tranvía llamado deseo)\n-McCarthy, de Justin Kremer (Es 1951. El joven senador Joe McCarthy se siente perdido. Es un hombre anónimo, solamente otro funcionario en Capitol Hill. Está desesperado por destacar, por ser adorado.)\n-The Munchkin, de Will Widger (Un detective privado enano investiga la desaparición de una joven actriz en el Hollywood de los años 30, lo que le lleva a descubrir conspiraciones que involucran El mago de Oz y la dirección de Metro Golden Mayer)\n-1969, a space oddissey, or how Kubrick learned to stop worryng and land on the moon, de Stephany Folsom (Stanley Kubrick escenifica la llegada del hombre a la luna)\nEtcétera, etcétera. El amor de los ejecutivos por el pasado de su negocio es tal que podemos encontrar dos guiones acerca del rodaje de la misma película: Tiburón, de Steven Spielberg.\nOtra tendencia es el predominio de historias reales, principalmente de la variedad que podríamos considerar “vidas de genios problemáticos”. Es un tipo de película que encontramos a menudo entre las finalistas a los Oscar (este año, sin ir mas lejos, tenemos en competición a dos genios ingleses de la ciencia, el matemático Alan Turing en Descifrando enigma y el físico Stephen Hawking en La teoría del todo) Por ello, no es raro que los ejecutivos de Hollywood se dejen seducir por estas historias reales de prodigios de las ciencias, las artes o el deporte, en las que inevitablemente aparecerán los aspectos más oscuros o tristes de sus vidas. Entre los proyectos que esperan ver la luz algún día, se encuentran, por ejemplo:\n-La biografía de Jim Henson, el creador de los teleñecos (The Muppet Man, de Christopher Weekes; “La historia de la vida y de la muerte trágicamente temprana de Jim Henson”)\n-La vida del astrónomo Carl Sagan (The Golden Record, de Aaron Kandell y Jordan Kandell; “La verdadera historia de cómo Carl Sagan se enamoró mientras lideraba la misión más increíble de la Nasa: un registro dorado que encapsularía la experiencia de la vida en la tierra para formas inteligentes de vida alienígena”)\n-La historia del dibujante y escritor de literatura infantil Dr Seuss (Seuss, de Eyan Podell y Jonathan Stewart; “El joven Ted Geisel conoce a su futura esposa Helen, que le anima a seguir dibujando sus curiosas criaturas, y en los años cincuenta, cuando Geisel atraviesa dificultades profesionales, Helen le inspira para crear el libro infantil que se convertirá en su primer gran éxito: ‘The cat in the hat’”)\n-Un biopic sobre el ajedrecista Bobby Fischer (Pawn Sacrifice, de Steve Knight; “La historia de la vida de la leyenda del ajedrez Bobby Fischer, hasta su histórica partida por el campeonato mundial con Boris Spassky”)\n-Los secretos del misterioso dibujante de tiras cómicas Bill Watterson (A Boy and his Tiger, de Dan Dollar; “La verdadera historia de Bill Wattersson, creador de Calvin y Hobbes”)\nLa fortuna de muchos de estos proyectos dependerá de qué estrellas se vean en los papeles principales: no hace falta decir que más de uno de ellos se verá recogiendo el Oscar mientras lee el guión.\nLiev Schreiber y Tobey Maguire en Pawn Sacrifice, un guión de la lista negra que próximamente llegará a las pantallas.\nGeneralemnte, se ha considerado que la política es veneno para la taquilla (excepto cuando Meryl Streep es la protagonista) pero eso no impide que muchos de los guiones preferidos por los ejecutivos de Hollywood tengan como protagonistas a políticos y sus tramas se desarrollen en la trastienda del poder. College Republicans, de Wes Jones, (una comedia sobre los años mozos de varios destacados miembros de la administración de George W. Bush) fue el guión más votado en 2010; en la lista nos encontramos, además, con títulos como:\n-Rodham, de Young Il Kim (La joven Hillary Rodham, que sueña con una carrera política, se encuentra indecisa respecto a sus sentimientos hacia un prometedor abogado llamado Bill Clinton)\n-Powell, de Ed Whitworth (Colin Powell cuestiona desde dentro los motivos de la administración Bush para invadir Irak)\n-The Special Program, de Deborah Cahn (Un joven fiscal se enfrenta al vicepresidente Cheney cuando descubre que él y su circulo cercano están llevando a cabo todo tipo de actividades ilegales bajo el manto de lo que denominan “el programa especial”).\nTodos eso proyectos parecen más en su lugar en una cadena de televisión con una línea editorial propicia que en un estudio de Hollywood, excepto, por supuesto, si Meryl Streep muestra interés.\nEl último gran grupo que identificamos en estos diez años de listas negras es el de los guiones inclasificables, o, como se dice en internet. OMGWTF!. Son lo suficientemente sorprendentes como para llamar la atención por sí mismos, pero siempre dejan la duda de que sus audaces ideas funcionen mejor sobre el papel que con actores de carne y hueso. ¿Ejemplos?\n-The Voices, de Michael Perry (Un hombre perturbado trata de llevar una vida normal mientras recibe los consejos de sus mascotas ‘parlantes’)\n-Man of Tomorrow, de Jeremy Slater (En una realidad alternativa, el gobierno de los Estados Unidos hace un trato con un gánster indestructible para matar a Hitler a cambio de la ciudad de Chicago, que éste convertirá en su propia utopía)\n-In real Time, de Chai Hetch (Un joven está convencido de que su hermana, emocionablemente inestable, necesita revivir su baile de graduación del instituto de hace diez años para superar su depresión, y se toma grandes molestias para recrear el evento en todo detalle. )\n-Erin’s Voice, de Greg Sullivan (El mundo de un genio de la informática sordo se altera cuando conoce a una camarera de cafetería con problemas cuya voz es, milagrosamente, lo único que puede oír).\nEste tipo de guiones ingeniosos y originales fascinarán sin duda a muchos ejecutivos al menos quince minutos, así que no te sorprendas cuando descubras a alguno de sus autores firmando la secuela del remake de Godzilla.\nUno puede quejarse de que, en el fondo, las películas que propone la lista negra no son demasiado diferentes de las que producen habitualmente los estudios. Algunas son más extravagantes de lo habitual, cierto, pero las recetas no dejan de ser conocidas, aunque quizá con unos cuantos ingredientes nuevos. Pero esto es Hollywood, y Hollywood no se dedica al cine experimental. Hollywood, por lo que podemos contemplar esta radiografía apresurada que acabamos de efectuar, está un poco cansado de sus fórmulas y repeticiones más descaradas; le gustan los géneros más clásicos: el cine negro, el western, la comedia romántica; admira a los grandes hombres y las historias reales que a nadie se le habría ocurrido inventar; permite un toquecito de originalidad aquí o de descaro allá siempre que deje el conjunto irreconocible; le gusta de vez en cuando ponerse serio y hablar de las cosas importantes de la vida.\nPublicada en Hollywood, Mitomanía, Reportaje\nPublicada el 11:28por Alejandro Gaspar\nINT: ABDEL JAFRI, IBRAHIM AHMED, TOULOU KIKI\nMAURITANIA, 2014, 100'\nLas primeras imágenes muestran una gacela huyendo del todoterreno desde el que la persiguen varios hombres. Son islamistas radicales cubiertos por turbantes oscuros y armados con subfusiles. “No la matéis, cansadla”, dice uno de ellos. Después, estos hombres hacen prácticas de tiro empleando como diana antiguas máscaras tribales. Abderrahmane Sissako nos permite contemplar las máscaras acribilladas aún en pie, cuando los islamistas ya se han ido: hay dignidad en su resistencia, en la manera estoica con la que conservan su belleza aún llenas de agujeros o partidas por la mitad. La analogía es clara: la aparición de los yihadistas provocará actos de violencia hacia la naturaleza, hacia la herencia del pasado. Pero el estilo detallista y la manera en que las imágenes presentan relaciones y analogías de manera sugerente y caprichosa hace que el mensaje no se presente de manera enfática. Sissako rueda de una manera aparentemente casual y observante en la que la belleza del paisaje desértico ayuda a que las imágenes fluyan de manera natural.\nLos yihadistas pretenden proteger a las mujeres, pero su presencia se parece más a una amenaza.\nLa aparición de las milicias yihadistas en Tombuctú se parece más a una perturbación de la cotidianeidad que a un asalto armado. La mayoría de ellos son jóvenes algo desconcertados que patrullan por las calles de arena gritando sus prohibiciones a través de un magnetófono, o se pasean lentamente portando sus armas como señal de autoridad. Obligan a los hombres a subirse las perneras de los pantalones en respeto al profeta, hacen que las mujeres se cubran con velo, calcetines y guantes. Prohíben fumar, cantar, jugar al fútbol. Los habitantes de la vieja ciudad resisten con estoicismo todo eso. En el pasado, Tombuctú fue un emplazamiento clave para las rutas de caravanas que recorrían el desierto, un lugar de gran actividad comercial, social y cultural. Hoy día, sin embargo, la desertización y la falta de agua la han hundido en la pobreza. Sus habitantes sobreviven con un temperamento relajado y una capacidad para superar con ingenio y recursos la escasez. Les gustan las ropas coloridas, las canciones lánguidas pero alegres, conviven con la tolerancia hacia diferentes culturas propia de un cruce de caminos. Los islamistas provienen del norte de África o de lugares como Siria, y tiene dificultades para hacerse entender: se ven obligados a emplear traductores aficionados dado que no entienden el idioma local o recurren a un inglés no muy preciso. El lenguaje no es la única barrera que les separa de la población local: su forma de entender el islam es también muy diferente.\nLa forma de entender el islam de los yihadistas es muy diferente a la de los habitantes de Timbuctú.\nComo suele ocurrir cada vez que dos ideas distintas de normalidad se encuentran y se enfrentan, el choque cultural entre los islamistas y los habitantes de Tombuctú da lugar a situaciones completamente absurdas. Los ocupantes se muestran confusos cuando encuentran muestras de resistencia. Una pescadera les pregunta cómo pretenden que venda el pescado con guantes, y les desafía a que le corten las manos si eso es lo que pretenden. Otra mujer, una presencia pintoresca que camina con un colorido vestido terminado en una enorme cola y que acostumbra a hablar o cantar en soledad, se atreve a llamarles gilipollas y se detiene con los brazos cruzados, desafiante, delante del todoterreno en el que patrullan. Incluso el imán local les sugiere que sus acciones causan perjuicio al Islam. Ellos reaccionan de manera desconcertada. Es lógico, porque ellos mismos encuentran dificultades para seguir sus propias consignas. Hablan de sus futbolistas preferidos (“Zidane es bueno, pero no puede compararse a Messi, que marca cuatro goles por partido”, opina un joven) cuando han prohibido la práctica de ese deporte. Apuran algún cigarrillo tras una duna aún cuando han prohibido fumar. Miran a las mujeres de una manera muy distinta a la que les obliga la religión. Incluso su viejo líder, un hombre arrugado de tez oscura que se ocupa de aplicar la ley islámica de la manera más inflexible, deja entrever algún atisbo de humanidad, aunque se cuida de no hacerlo público. Esta dificultad a la hora de adoptar las posturas más rígidas y dogmáticas muestra que para Sissako el fanatismo no es una actitud natural para el ser humano, sino que se trata de una violencia que se ejerce en las dos direcciones.\nLa película avanza a través de estas pequeñas viñetas levemente trenzadas, que a pesar de la ligereza de su entramado, proponen un panorama preciso de la ciudad y sus habitantes. Si hay una historia que adquiere protagonismo es la de la familia tuareg formada por Kidane (Ibrahim Ahmed), Satima (Toulou Kiki) y su hija pequeña Toya (Layla Walet Mohamed). La familia vive en su jaima a unos cuantos kilómetros de la ciudad, pastoreando su ganado a las orillas del río Níger. Al principio la bucólica armonía familiar se nos presenta como una respuesta a la rigidez de los invasores: la familia bromea y canta canciones en medio de una felicidad pastoril. Pero pronto la violencia se hará presente: una disputa sobre el uso del río con un pescador local motiva una pelea y a Kidane se le dispara accidentalmente la pistola que Satima le había pedido que no llevase. A partir de ese momento, Kidane quedará a merced de la despiadada justicia de los ocupantes. Si en un primer momento resulta desconcertante que la historia central de la película narre unos acontecimientos que no están relacionados directamente con el dominio islamista, se puede entender que la tragedia de Kidane funciona como una analogía: la violencia, espoleada en un principio por sentimientos de justicia o de agravio, termina escapando del control humano y convirtiéndose en una fuerza destructiva tanto para quienes la reciben como para quienes la perpetran.\nLa familia tuareg cuya armonía contrasta con la violencia que se desarrolla a su alrededor.\nTimbuktu resulta una delicia para la vista gracias al trabajo del director de fotografía Sofian El Fani y del director de arte Sebastian Birchler. La paleta de color está dominada por los tonos ocres y marrones, propios de la arena de las dunas y de las paredes de los edificios de adobe. Las ropas, los turbantes, las aguas del río Niger, incluso el cielo, el sol y los cuerpos de los personajes parecen estar hechos de arena. Es un tratamiento sensual y táctil, en el que las imágenes no se recrean demasiado en contemplar cada rostro o cada paisaje, sino que los observan de manera casual permitiéndoles mostrar su belleza propia e inherente. La película resulta bella de una manera tan discreta que a veces podemos olvidarnos de la gravedad de los hechos que narra. Sin embargo, con esa manera fluida y precisa de filmar Sissako nos ofrece un retrato de la resistencia ante la violencia, del ingenio ante la pobreza y también de la debilidad del espíritu humano ante el orgullo, la ira o la intolerancia.\nBONUS TRACK: Fatoumata Diawara canta "Timbuktu Fasso" para la Banda Sonora de Timbuktu.\nLa cantante malí Fatoumata Diawara hace un pequeño papel en la película, interpetando una canción por la que es condenada a recibir cuarenta latigazos. Durante el castigo, la cantante no puede evitar convertir sus gritos de dolor en un cántico. Esta es la versión de estudio del tema prohibido, compuesta especialemnte para la película de Sissako.\nPublicada en Cine africano, Crítica\nPublicada el 8:59por Alejandro Gaspar\nINT: JAKE GYLLENHAAL,\nRENE RUSSO, RIZ AHMED\nEEUU, 2014, 117'\nEn el cine negro, la atmósfera es el origen de todo. En los años cuarenta, era el claroscuro de las callejuelas mal iluminadas, propicias para las sombras alargadas. Eran los clubes de jazz inundados de humo y de multitudes abigarradas de desconocidos. Ahora, una nueva atmósfera comienza a definirse de manera nítida. Es una atmósfera en la que los rostros reflejan las luces (rojas o verdes) de los semáforos o las luces (rojas o azules) de los vehículos de policía o las ambulancias. Es la atmósfera de los reflejos de neón sobre la pintura metalizada, de los restaurantes de comida rápida bañados por luz fluorescente, del asfalto teñido por el reflejo ámbar de las farolas. Las calles son amplias avenidas, casi autopistas, ideales para la huida, para la persecución o para la colisión. El espacio de la intimidad es el habitáculo del automóvil: un regazo cálido y oscuro rodeado de oscuridad. Desde al automóvil, la carretera parece terminar allá donde no alcanzan los faros, y la ciudad es un vacío negro entre los destellos de los edificios iluminados.\nLos Ángeles es la ciudad ideal para proporcionar este tipo de atmósfera, una ciudad creada para el tráfico en la que todo el mundo parece tener prisa por llegar a alguna parte o por huir de algún sitio. Pero el asfalto no es la única manera de conectar los lugares. Hay antenas, cables, receptores que conectan pantallas de televisor, ordenadores portátiles, teléfonos móviles, aparatos de radio. En la noche, son islas de luz en medio de la oscuridad, voces en medio de los ruidos del tráfico que transmiten las historias que aspiran a unir los puntos, esos puntos brillantes que centellean entre la negrura. Tienen el efecto de crear un refugio a su alrededor, un refugio que permite tener la sensación de estar conectado a algo más amplio, un espacio común, aún cuando muchos de esos puntos brillantes y aislados estén habitados por personas solitarias inclinadas sobre el brillo de una pantalla.\nJake Gyllenhall en pos de la noticia\nTodo esto es increíblemente mundano, nada más que unas cuantas luces nocturnas, ruido de motores, la ambientación realista de una cuidad por la noche. Pero la fantasía hace su aparición, la oscuridad se llena de temores no expresados y las luces, los colores, los reflejos se vuelven más intensos: el realismo se convierte en expresionismo. Los personajes que destacan sobre este fondo urbano suelen ser seres solitarios y autosuficientes, sin pasado ni vínculos, dotados de flexibilidad moral, de rigidez emocional y de una solida disciplina para perfeccionar sus habilidades. Están perfectamente adaptados a la velocidad y a la posibilidad de la violencia, se sienten especialmente cómodos desplazándose por este territorio irregular de lugares aparentemente inconexos. Lou Bloom (Jake Gyllenhaal) es uno de ellos.\nAl principio, es solamente un ladronzuelo al que descubrimos robando alambre y tapas de alcantarilla para vendérselas a algún chatarrero. Pero Lou se ha fijado metas más altas. “Trabajo duro, me marco objetivos elevados y soy conocido por mi persistencia”, dice a modo de presentación. Un día, se detiene para observar un accidente de tráfico y contempla cómo un operador de cámara se pone a grabar sin molestarse por evitar obstaculizar el rescate de la víctima. Es un Nightcrawler, un “reptador nocturno” que recorre a toda velocidad las calles de Los Ángeles sintonizando la emisora de la policía, tratando de llegar antes que nadie a los escenarios de los accidentes, los incendios o lo crímenes. Su propósito es suministrar a los informativos locales unas imágenes lo suficientemente sangrientas como para mantener a la audiencia pegada al televisor. Lou lo observa con atención, y siente una especie de revelación: ha descubierto una profesión en la que podría destacar.\nJake Gyllenhaal y Rene Russo\nAlto, delgado, huesudo, con unos ojos que miran fijamente sin parpadear y un peinado de brillo aceitoso: Lou es una presencia inquietante desde el primer momento, que Gyllenhaal interpreta con la combinación precisa de vulnerabilidad y amenaza. Sus maneras producen una sensación desconcertante, como si su conducta no fuese más que una interpretación, una imitación de los comportamientos que considera correctos. Da la sensación de que le da igual no resultar auténtico mientras consiga lo que se propone. Es intermitentemente ridículo y siniestro, especialmente cuando recita lemas de autoayuda para emprendedores como si fueran una verdadera filosofía vital. “Ya se que la cultura laboral de hoy día ya no provee la estabilidad laboral que se prometía a las anteriores generaciones. Pero creo que las cosas buenas les suceden a quienes se parten el lomo, y que la buena gente que llegó a la cima de la montaña no se ha caído allí. Mi lema es: ‘si quieres ganar la lotería, necesitas dinero para comprar un número’”\nLou Bloom parece criado por la atmósfera, educado por internet y los gurús del momento; con una malsana facilidad para desenvolverse en las zonas de la noche donde corre la sangre. En el centro de su personalidad parece haber un vacío, un agujero negro que ha absorbido la retórica individualista de la época para dotar de sentido a sus movimientos. Si al principio su posición nos parece vulnerable, como corresponde a alguien que vive en los márgenes económicos y sociales, pronto comenzará a emplear una despiadada capacidad de negociación que desequilibrará el balance de poder, especialmente en lo que concierne Nina Romina (Rene Russo), la directora del informativo al que Lou suministra sus imágenes. Lou demuestra una gran habilidad para serpentear a toda velocidad las calles de Los Angeles, colocar los cadáveres en las posiciones más fotogénicas e incluso provocar algún tiroteo, pero también para fijar el precio y los términos de su relación, para imponer su presencia en los despachos y en el plató del noticiario. La amoralidad no solamente es una ventaja en las calles.\nPara cuando Lou prospera lo suficiente como para conducir un muscle car, ha quedado suficientemente claro que la película no solamente se limita a criticar el sensacionalismo en los medios de comunicación, sino que cuestiona profundamente el modelo de sociedad en el que se mueve su protagonista. Es algo que se percibe especialmente en la manera en que Rick, el joven que contrata como ayudante, funciona como contrapunto de Lou. Riz Ahmed lo interpreta con estilo de naturalismo balbuciente que contrasta profundamente con el registro lunático de Gyllenhaal. Rick es un joven criado en algún mal barrio que ha terminado el instituto y roza la indigencia, sin oportunidades de ninguna clase. En el asiento del copiloto, demuestra la clase de emociones (miedo a la velocidad, empatía con las víctimas) que impedirían el éxito de Lou si él fuese capaz de sentirlas. Pero Rick también quiere ser flexible, adaptarse a las nuevas situaciones, al fin y al cabo vive en un mundo en el que se supone que hay oportunidades para las personas con la audacia necesaria. Y la figura de Lou, capaz de inspirarle temor, también es un modelo a seguir, un emprendedor de éxito. El resultado de sus intentos por imitar a Lou será cómico, grotesco y devastador: Rick es simplemente alguien que no está preparado psicológica ni emocionalmente para el mundo en el que se mueve Lou.\nLou Bloom, un emprendedor de éxito\nLou Bloom es una fantasía por la atmósfera. En medio de la noche hay accidentes, asesinatos, y alguien tiene que aparecer para iluminarlos con la antorcha de su cámara, convirtiendo cualquier tragedia sin sentido en un producto con valor de mercado. Alguien tiene que moverse con rapidez entre la oscuridad y los destellos para que se sigan contando las historias que tejen los hilos entre los puntos aislados y distantes de la ciudad: “El crimen urbano llega a los suburbios”, o algo por el estilo. El cine negro se nutre de esa clase de fantasías, que dan forma a terrores abstractos que a menudo resultan difíciles de expresar de una manera concreta. Lou Bloom da forma aun vacío. Aparece en la oscuridad y un tiempo después, desaparecerá en la oscuridad. Pero la atmósfera permanecerá. Volveremos a encontrarnos con todo esto: con la violenta sucesión de luz y oscuridad en la ciudad nocturna, con la aterradora sensación de vacío allá dónde no llega la luz, con los rostros deformados por los reflejos del neón.\nBanda sonora: John Carpenter presenta su disco Lost Themes.\nPublicada el 14:57por Alejandro Gaspar\nVuelve John Carpenter. No lo hace con una nueva película, sino con un disco: Lost Themes. Se trata de la primera vez que Carpenter publica un disco que no corresponde a la banda sonora de una de sus películas: el director de Halloween pertenece a ese pequeño grupo de cineastas (entre los que se encuentran Charles Chaplin, Alejandro Amenábar o Clint Eastwood) que ha alcanzado reconocimiento tanto como director como por compositor. A pesar de su título, estos “temas perdidos” no son piezas recuperadas del pasado, sino composiciones completamente nuevas. Los aficionados al cine de terror y al sonido clásico de las películas de Carpenter no tienen por qué preocuparse: la nueva música responde fielmente a lo que se podría esperar del director, con sus atmósferas inquietantes y sus sintetizadores minimalistas. “Son temas perdidos – explica Carpenter a la revista Rolling Stone – en el sentido en que son la banda sonora para la película que mucha gente tiene en la imaginación. La manera perfecta de escucharlos es con una chica guapa al lado, pero si no puede ser, apaga las luces, pon el disco, y deja que la música se mezcle con las películas imaginarias que tienes en tu mente”\nCarpenter vivió desde muy joven en una atmósfera musical, ya que su padre era profesor de música y le enseñó a tocar el violín. Sin embargo, su faceta de compositor tuvo unos orígenes más accidentales. “Comenzó en la escuela de cine porque cuando estas haciendo una película de estudiante, no tienes dinero. Haces que tus amigos actúen, consigues las cámaras. Así que la gente me pedía que les compusiera cosas, y entonces, para mi primer largometraje, como tampoco teníamos dinero para música, me animé e hice la banda sonora.” La música de Carpenter es electrónica, rítmica y minimalista. El protagonismo de los sintetizadores la asocia inevitablemente al cine de género de bajo presupuesto de los años setenta y ochenta: un sonido entonces futurista que era además una solución barata para quienes no podían permitirse emplear una orquesta completa. También era un instrumento adecuado para aquellos que no tenían demasiada formación técnica en el lenguaje de la música, como Carpenter: “Todo comienza con un acorde. No sé escribir música. No sé leer música. Es todo improvisado. Comienza de manera muy simple con un sonido atractivo.” El estilo característico de aquellas películas no tardó en pasarse de moda, pero en estos últimos años, con el retorno nostálgico de los años ochenta, las atmósferas inquietantes de sintetizador han hecho su regreso en películas de terror independiente como Frío en julio o The Guest. En todas ellas, la influencia de Carpenter es notable, tanto en las imágenes como en los sonidos.\nEl momento, por tanto era propicio para la aparición de este disco, que el director creó en una atmósfera muy relajada y muy familiar. Para la grabación, Carpenter solicitó la ayuda de su hijo Cody Carpenter, miembro del grupo de rock progresivo Ludrium, y de su ahijado Daniel Davies, quien ya tiene cierta experiencias con la industria del cine. Ellos aportaron los conocimientos más estrictamente musicales: “Daniel Davies es un virtuosos de la guitarra, y mi hijo es un virtuoso del teclado. Es simplemente increíble. Así que utilizo su talento y recibo crédito por ello. Ese es mi trabajo.” El disco se grabó entre partidas de videojuegos (“El mejor juego al que he jugado en años es Borderlands 2, pero ahora mismo estoy jugando a Assassins’s Creed: Unity”) Lost Themes está editado por Sacred Bones, una discográfica pequeña pero prestigiosa que cuenta en su catálogo con la música de otro idiosincrático cineasta: David Lynch.\nEste disco supone un nuevo comienzo para Carpenter, que a sus 65 años se está planteando la posibilidad de una carrera musical. Hasta el punto que prepara unas nuevas grabaciones, esta vez alejadas por completo de cualquier relación con el cine y en un estilo que denomina “blues oscuro”. ¿Qué es el blues oscuro? “Tiene un poco de rock and roll, pero es sobre todo blues, algo sombrío” De momento, Carpenter aún no ha decidido si se publicará ese material. “Veremos qué ocurre”. Pero lo que es cierto es que ha encontrado en la música un nuevo impulso creativo.\nPublicada en Banda sonora\nCortometraje: Protopartículas (Chema García Ibarra...\nMitomanía: Blacklist: la nueva lista negra de Holl...\nBanda sonora: John Carpenter presenta su disco Los...


Albrandswaard, Holanda Meridional, Países Bajos - Ciudades y pueblos del mundo\nLocalización de Albrandswaard : Países Países Bajos, Provincia Holanda Meridional.\nCiudades y pueblos cercanos : Oud-Beijerland, Barendrecht y Spijkenisse.\nEncuentra todas las informaciones sobre Albrandswaard o pincha en la sección que te interesa en el menú de izquierda\nAdministración de Albrandswaard\nCódigo de Albrandswaard\nCódigo postal de Albrandswaard\nAlcalde de Albrandswaard\nCoordenadas de Albrandswaard\n¿Quieres contactar la administración de Albrandswaard? Aquí están las coordenadas de Albrandswaard disponibles más abajo\nDirección de correo de Albrandswaard\nHofhoek 5, (Postbus 1000)\nTeléfono de Albrandswaard\nInternacional: +31 10 5061111\nFax de Albrandswaard\ne-mail de Albrandswaard\nSitio web de Albrandswaard\nDemografía de Albrandswaard\nInformaciones a propósito de los habitantes y la población de Albrandswaard.\nDensidad de población Albrandswaard\nGeografía de Albrandswaard\nInformaciones geográficas sobre la ciudad de Albrandswaard.\nCoordenadas geográficas de Albrandswaard\nLatitud: 51.8482, Longitud: 4.43355\n51° 50′ 54″ Norte, 4° 26′ 1″ Este\nSuperficie de Albrandswaard\nAltitud de Albrandswaard\nClima de Albrandswaard\nDistancia de Albrandswaard\nDistancia (en kilómetro) entre Albrandswaard y las ciudades más grandes de Países Bajos.\nÁmsterdam 66 km Róterdam 9 km el más cerca La Haya 27 km\nUtrecht 54 km Eindhoven 85 km Tilburgo 56 km\nAlmere 79 km Groninga 210 km Breda 37 km\nNimega 98 km Enschede 173 km Apeldoorn 113 km\nMapa y plano de Albrandswaard\nLocaliza facilmente Albrandswaard gracias a la mapa, al plano y a la imagen satélite de la cuidad.\nCiudades y pueblos cercanos de Albrandswaard\nMas abajo, encontrarás una lista de las ciudades y de los pueblos vecinos de Albrandswaard clasificados por distancia.\nOud-Beijerland 3.3 km Barendrecht 7.1 km Spijkenisse 7.4 km\nMaia Sterling 8.1 km Róterdam 8.7 km Vlaardingen 9.3 km\nBinnenmaas 9.8 km Ridderkerk 11.8 km Cromstrijen 12.6 km\nKorendijk 13.2 km Bernisse 13.3 km Krimpen aan den IJssel 13.4 km\nHorario de Albrandswaard\nHora local en Albrandswaard y huso horario\nHora local Albrandswaard\nHuso horario de Albrandswaard\nEl tiempo de Albrandswaard\nPrevisiones meteorológicas para los próximos días y el tiempo actual en Albrandswaard.\nSalida y puesta del sol Albrandswaard\nEncuentra debajo las horas de salida y puesta de sol calculadas a lo largo de 7 días para Albrandswaard.\n06:20 - 13:47 - 21:14 05:42 - 21:52 04:51 - 22:42 03:48 - 23:45\n06:22 - 13:47 - 21:12 05:43 - 21:50 04:54 - 22:40 03:52 - 23:42\n06:23 - 13:47 - 21:10 05:45 - 21:48 04:56 - 22:37 03:55 - 23:38\n06:25 - 13:46 - 21:08 05:47 - 21:46 04:58 - 22:35 03:58 - 23:35\n06:27 - 13:46 - 21:06 05:49 - 21:44 05:00 - 22:32 04:01 - 23:31\n06:28 - 13:46 - 21:04 05:51 - 21:41 05:03 - 22:30 04:05 - 23:27\n06:30 - 13:46 - 21:02 05:53 - 21:39 05:05 - 22:27 04:08 - 23:24\nAlquiler Coches Albrandswaard\nPuedes hacer economias alquilando un vehículo en Albrandswaard gracias a nuestro colaborador más abajo\nNuesto equipo ha seleccionado para ti una lista de hoteles en Albrandswaard clasificados por relación calidad-precio. Reserva tu hotel al mejor precio.\nEl Bastion Hotel Rotterdam/Rhoon se encuentra junto a la A15 y está bien comunicado con Rotterdam y el resto del país. Cuenta con conexión Wi-Fi gratuita... Más información desde\nEl bed and breakfast Le Memoria B&B está situado junto a la zona residencial de Barendrecht y ofrece conexión Wi-Fi y aparcamiento de forma gratuita. El centro de Róterdam se encuentra a 20 minutos en coche. El estudio, decorado en azul y amarillo, cuenta con suelo de baldosa, zona de estar, zona de cocina, TV de pantalla plana y baño con ducha. El desayuno se sirve todas las mañanas. También se pueden preparar platos sencillos en la zona de cocina. Además, a menos de 750 metros se puede encontrar un supermercado, cafeterías y restaurantes. La bañera de hidromasaje en el jardín es ideal para relajarse. El establecimiento Le Memoria B&B también ofrece servicio de masajes y se encuentra a 6 minutos a pie de la parada de autobús Rhoon, Reesteijn. El centro de eventos Ahoy se sitúa a un trayecto de 15 minutos en autobús. El puerto de Róterdam se encuentra a 15 minutos en coche, mientras que las autopistas A15 y A29 se hallan a 10 minutos en coche... Más información desde\nEl Bed & Breakfast Brakelsveer, situado en la zona rural de Nieuw-Beijerland, es una casa con terraza que ofrece piraguas de uso gratuito. Tiene conexión Wi-Fi gratuita. La casa cuenta con zona de estar con chimenea, TV de pantalla plana y reproductores de CD y Blu-ray. La cocina está equipada con lavavajillas, fogones, horno y nevera. El Bed & Breakfast Brakelsveer dispone de jardín y zona de barbacoa. Podrá disfrutar de muchas actividades en el establecimiento y en los alrededores, como la pesca y el senderismo. El río Spui está a 25 metros. El establecimiento se encuentra a 1 km del restaurante más cercano y a 20 minutos en coche de Rotterdam. Hay aparcamiento gratuito... Más información desde\nEl Hotel De Sluiskop, situado junto a la autopista A4 y a 350 metros de la orilla del río Mosa, dispone de su propio bar-restaurante y ofrece un alojamiento cómodo con conexión Wi-Fi gratuita... Más información desde\nEl ss Rotterdam era un transatlántico que hacía el trayecto Holanda-América y ofrece habitaciones junto al puerto, en la zona de Katendrecht... Más información desde\nEn los alrededores de Albrandswaard\nMás abajo, una lista de actividades y puntos de interés en Albrandswaard y sus alrededores\nAeropuerto de Ámsterdam-Schiphol 56 km\nAeropuerto de Bruselas-National 105.4 km\nEindhoven 78.7 km\nKerncentrale Doel 59.5 km\nKerncentrale Borssele 67.8 km\nRecreatieterrein Nieuwe Polder 2 km Albrandswaard 2 km Polder Albrandswaard 2.3 km\nD’Oliphant 4.5 km Zuiderpark 5.2 km Heinenoordtunnel 5.6 km\nRecreatieterrein Vredepolder 6 km IJsselmonde 6.1 km Maastunnel 6.3 km\nTweede Petroleumhaven 6.6 km Nooit Gedacht 6.9 km Beneluxtunnel 7 km\nPolder Mijnsheerenland van Moerkerken 7 km Polder Nieuw-Beijerland 7.2 km Eerste Petroleumhaven 7.3 km\nPolder het Westmaas-Nieuwland 7.5 km Windlust 7.6 km De Swaen 7.7 km\nVondelingenplaat 7.9 km Polder het Munnikenland van Westmaas 8 km Polder Nieuw-Piershil 8.1 km\nRotterdam Zuid 8.1 km Noordereiland 8.4 km Vlaardingen Oost 8.9 km\nWelplaat 8.9 km Polder Klein-Zuid-Beijerland 9 km Landzicht 9.2 km\nNoord-Oudeland 9.2 km Putten 9.3 km Polder Klein-Piershil 9.4 km\nPágina de Albrandswaard\nAlbrandswaard\nAlbrandswaard 4.4/5 (2018-01-01 01:00:00)


Cogimos un taxi y nos dirigimos a mi casa. Detrás del coche había otro taxi que nos seguía, pero no le dí importancia. Llegamos a mi casa y entramos. No era muy tarde, las 21:30, y mi madre y mi hermana no estaban. Creo que me dijeron que iban al cine o algo así. Entramos y nos sentamos en el sofá. Liam me miraba con cara de preocupación, yo no podía aguantarme más las lágrimas y me eché a llorar.\n- No puedo más. – dije en un susurro.\n- Tranquila, sabes que lo solucionaremos. – dijo mientras me abrazaba. – Solo es cuestión de tiempo.\n- No, no se va a solucionar nada. A Harry parece que le da igual todo y todos. Él se merece a alguien que pueda decirle que le quiere sin miedo y yo no soy esa persona.\n- Carolina, si Harry no se da cuenta de que estás loca por él es que es idiota y no sabe lo que se está perdiendo.\nMe bajé del taxi y esperé a que entraran para poder mirar por la ventana sin ser descubierto. Me acerqué lentamente y allí estaban, abrazados en el sofá. No me lo podía creer. Le gustaba Liam. Se fueron separando y, entonces, la vi. Estaba llorando y eso me mataba. No podía verla sufrir. No podía escuchar lo que decían así qué me alejé de allí despacio. No podía dejar de pensar en ella, en cada lágrima que ella derramaba. Tengo que hacer algo para que esté feliz, ¿pero el que? Soy muy romántico, según Louis, y bastante detallista. ¿Qué puedo hacer para que esté feliz? Tengo una idea, no sé si será lo correcto pero tengo que intentarlo. Será mañana mismo. Mañana le diré lo que siento.\nLiam se quedó conmigo hasta las 24:00. Mi madre no llegaba y empezaba a preocuparme. ¿Por qué a mí? ¿Por qué tenía que tener tantos problemas? Solo soy una adolescente que quiere vivir tranquila, sin ningún problema. Era tarde y Liam tenía que marcharse. No quería que se fuera, pero las cosas son como son y tenía que irse. Me fui a dormir y sin querer empecé a llorar.\nAl día siguiente, me levanté para ir a clase. Me miré al espejo y pegué un grito. Estaba horrible. Tenía cara de zombi, literalmente. Me fui al baño corriendo y me maquillé un poco. Tenía muy poco tiempo. Mejoré un poco mi aspecto, pero seguía estando bastante mal. Bajé las escaleras y me tomé un vaso de leche. Creo que batí el record porque, me lo bebí en menos de cinco segundos. Sonó el timbre. ¿Quién podía ser a estas horas? Abrí y Andrea entró. Yo seguía en pijama así que subí a mi habitación con mi mejor amiga para vestirme. Andrea me eligió la ropa mientras yo me lavaba los dientes. Me vestí y salimos corriendo hacia el instituto.\n- Daos prisa. – dijo el conserje, que era un hombre mayor muy amable y muy atento. – Están en el auditorio.\n- Gracias. – dijimos al unísono y sin dejar de correr.\nEntramos en el auditorio y allí estaba la directora hablando. Nos sentamos en las butacas del final porque estaba lleno. Debía de estar todo el instituto.\n- Alumnos. – empezó. – Quiero comunicaros que el día de hoy no tendréis clase, por el simple motivo de que ciertas personas van a daros un pequeño concierto. Quiero que mantengáis la calma en todo momento, sobre todo las chicas, y que les respetéis, ya que son adolescentes normales como vosotros. Quiero darles la bienvenida a… – por favor que no sean ellos, pensé. – One Direction.\nEstaba nervioso. Aún no me creía lo que iba a hacer. ¿Y si me decía que no? ¿Y si se iba con otro? ¿Qué haría si me dijera que no? Estaba muy nervioso y tenía mucho miedo de su respuesta. Ninguno estaba al corriente de mi plan, pero seguramente lo averiguarían cuando bajara del escenario y caminara hacia Carolina. Espero que todo salga bien porque si no… no quiero imaginarme mi reacción. Sería capaz de ponerme a llorar delante de todo el mundo. Pero, ¿y si Carolina solo me decía que si por verse presionada? Le iba a decir que la amaba delante de todo el instituto y eso podría influir en su respuesta. Ahora no puedo ponerme a pensar en eso. Tengo que ser valiente y arriesgarme, aunque salga perdiendo.\nNo me lo podía creer. ¿Qué hacían aquí? Ellos no podían estar aquí. Las chicas enloquecieron al instante y se pusieron a gritar como las fans del grupo que eran. Andrea no paraba de saltar y bailar al ritmo de la música, y yo no me había movido. Estaba inmóvil y con la mirada perdida. Andrea me miró y se preocupó.\n- Na… nada. – dije fingiendo estar bien.\nVeía a los chicos actuar sobre el escenario. Estaban geniales. Al primero que miré fue a Harry, que parecía que buscaba a alguien entre el público. Supongo que sería a una chica con la que ligaría más tarde. Aparté la mirada de él, pero ya me había visto. Bajó del escenario. Todos tenían la mirada puesta en él. Estaban cantando ‘Gotta Be You’ y me la estaba cantando a mí. Se fue acercando lentamente y yo me puse de pie. Todos nos miraban, pero me daba igual. Yo solo tenía ojos para él, para Harry. Los demás dejaron de cantar y todo estaba en silencio. Solo se oía la voz de Harry, cantando. Llegó hasta donde estaba yo. Dejó de cantar y me miró directamente a los ojos.\n- Carolina. Hay una cosa que llevo intentando decirte desde el primer día que te vi, pero me ha sido muy difícil. Puede que suene un poco cursi o que parezca una locura, pero es así. Te quiero. Estoy enamorado de ti. No puedo vivir en un mundo donde tú no estés. Cada vez que te vas no sé que hacer. Lo único que quiero es verte, hablar contigo, abrazarte y no soltarte nunca. No quiero a ninguna otra chica, solo te quiero a ti. Yo… Te amo. – dijo sin dejar de mirarme a los ojos en ningún momento.\n- Ha… Harry, yo… no sé que decirte.\n- Dime lo que sientes. Lo que te diga el corazón.\n- Vale. – contesté mirando el suelo, para luego volver a mirar sus preciosos ojos verdes. – Harry, te amo. Desde el primer día que te conocí. Desde ese día no he podido dejar de pensar en ti. Recuerdo cada momento a tu lado, puede ser una tontería pero es verdad. Estos últimos días he estado un poco distante, lo sé pero, no quería que me hicieras daño. Sé que no te gusta tener relaciones serias y, bueno, a mí sí y por eso he estado un poco rara últimamente. Pero te quiero y eso no lo puede cambiar nadie. – no sé como lo dije pero lo había hecho, le había dicho a Harry que lo amaba.\nHarry se acercó a mí lentamente, hasta que nuestros rostros estaban a escasos milímetros. Una música empezó a sonar, era su última canción. http://www.youtube.com/watch?v=xGPeNN9S0Fg&feature=bf_prev&list=PLG1jdPjSgoZaeJmTlfugM2WZyzkI61e2q&shuffle=963835. Era una balada preciosa. Seguíamos cerca, muy cerca, hasta que Harry lo hizo. Se acercó aún más para poder hacer lo que los dos estábamos deseando. Me besó con dulzura, como nunca nadie lo había hecho antes. Nos fuimos separando lentamente para decir lo que sentíamos en ese momento.\nPublicado por @Carolina98D en 21:54\nCris 9 de diciembre de 2012, 22:45\nEn una palabra : mesupermegahiperultraencanta :)\nP.D.: q bonito fue este capítulo :)\nP.D. 2: Escribe algo tambien de Niall, porfa q me encanta (bueno los amo a todos pero...)


¿Es inteligente seguir la salud con Smartphone? el beneficio del uso de teléfonos inteligentes para rastrear la salud de niños\ndatoanuncios.org � Region Metropolitana � Santiago � tecnologia,ciencia, tecnica / Lunes 20 de Marzo del a�o 2017 /45 16:40 Horas.\n¿Es inteligente seguir la salud con Smartphone?\n¿Es inteligente seguir la salud con Smartphone?...\n¿Es inteligente seguir la salud con Smartphone?. Estudio subraya el beneficio del uso de teléfonos inteligentes para rastrear la salud de los niños. Una nueva y amplia revisión de la investigación disponible muestra que los padres y cuidadores pueden mejorar los resultados de salud para los niños mediante el uso de aplicaciones para teléfonos móviles y mensajes de texto. La investigación aparece en la revista revisada por pares JAMA Pediatrics el 20 de marzo. Anteriormente a esta investigación, la única revisión general de la salud móvil (mHealth) la eficacia se centró sólo en la obesidad infantil. "El mensaje para llevar a casa es que un teléfono inteligente puede ayudar a un niño a ser más saludable a través de una serie de comportamientos de atención de la salud, como asegurarse de que obtener vacunas o comer una dieta saludable", dijo Christopher Cushing, profesor asistente de clínica psicología infantil en la Universidad De Kansas, que fue coautor de los hallazgos. "Tenemos una idea de que un teléfono inteligente y la mensajería pueden ser un buen camino por recorrer, pero también tenemos un largo camino por recorrer para optimizar este tipo de intervención". Los investigadores analizaron 37 estudios únicos de intervenciones móviles de salud, buscando evidencia estadística de cambios en el comportamiento de salud o control de enfermedades en participantes de 18 años o menos. "Las intervenciones de salud móvil parecen ser una modalidad de intervención de cambio de comportamiento de salud viable para los jóvenes", concluye el estudio. "Dada la ubicuidad de los teléfonos móviles, las intervenciones de salud móviles ofrecen una promesa en la mejora de la salud pública". Entre los colaboradores de Cushing se encuentran el autor principal David Fedele, así como Alyssa Fritz y Adrian Ortega de la Universidad de Florida, y Christina Amaro del Programa de Psicología Infantil Clínica de KU. Según el autor principal Fedele, el estudio sugiere que los proveedores de atención de salud deben fomentar la tecnología basada en teléfonos móviles para sus pacientes. "Los hallazgos del estudio actual indican que las intervenciones de mHealth son una ruta prometedora y potencialmente eficaz para que los proveedores de atención de salud pediátrica lo utilicen con los pacientes y sus familiares", dijo. Los beneficios podrían venir con simples o más complejas intervenciones de teléfonos inteligentes, encontraron los investigadores. Su estudio examinó los beneficios de todos los tipos de tecnología mHealth, pero no encontró ventajas de un tipo sobre otro. "Vale la pena utilizar, y hay una gran cantidad de medios diferentes que se pueden utilizar", dijo Cushing. "MHealth intervenciones pueden ser tan simples como los mensajes de texto y tan complicado como una aplicación dedicada.Puede ir pequeños y enviar mensajes de texto para recordatorios de vacunas o construir una aplicación que permite la dieta y el seguimiento de la actividad física. Para los padres, Cushing dijo que un hallazgo clave sugiere que "estarán involucrados en la tecnología". "Si tienen un hijo pequeño, pueden optar por un programa de programación que les permita ver las cosas que se deben para el niño como una vacunación", dijo. "Para un niño mayor, es apropiado que el niño asuma una cierta autonomía, tal como participar con una aplicación, donde puede establecer metas y obtener retroalimentación, pero el padre debe estar involucrado en ese sistema para que puedan usar momentos de enseñanza. No está seguro de por qué no están cumpliendo los objetivos, un padre puede usar la solución de problemas de adultos para ayudar a encontrar una respuesta ". Según Cushing, los hallazgos deben ser relevantes para los padres, cuidadores y pediatras, pero también deben motivar a la comunidad tecnológica. Por ejemplo, el equipo de investigación encontró que las intervenciones en las que los padres estaban involucrados en la tecnología mHealth revelaron mayores beneficios para la salud de los niños. "Si estás diseñando tecnología, diseñadla para que los padres y los niños interactúen en torno a la tecnología", dijo. "Usted consigue un golpe más grande para su buck." La ubicuidad de los teléfonos móviles contribuye hoy en día a la eficacia de la tecnología mHealth, según los investigadores. "Con un porcentaje abrumador de personas que poseen o tienen acceso a un teléfono móvil, las intervenciones de mHealth pueden tener un mayor alcance que las intervenciones en persona", dijo Fedele. "Además, los programas de mHealth pueden recopilar datos dinámicos relacionados con la salud y entregar el contenido de la intervención a las personas en su entorno natural, fuera de un encuentro clínico, en momentos clave que tienen una mayor probabilidad de modificar el comportamiento. Tiempo que un individuo ha pasado en la actividad sedentaria y luego entregar un mensaje individualmente adaptado a su dispositivo móvil que los promueve para participar en algún tipo de actividad física ". Los investigadores esperaban seguir la investigación descubriendo más acerca de qué cambios de comportamiento aumentan el efecto de este tipo de intervenciones. "Sabemos que las intervenciones de mHealth pueden funcionar y que los padres deben estar involucrados, pero nos quedan a adivinar qué estrategias específicas deben incluir", dijo Cushing. En investigaciones futuras, los investigadores apuntan a mirar la eficacia de aplicaciones específicas en el mercado. "Ahora que sabemos que estos enfoques pueden funcionar, sería una buena idea aprender más sobre qué características son valoradas por los consumidores y si esas características aparecen en aplicaciones comercialmente disponibles", dijo Cushing\nrobótica y espectrometría para forenses\nLa robótica lleva la especificación de masas a la tercera dimensión pantallas táctiles para usuarios con impedimentos\nAI mejora las interfaces de pantalla táctil para usuarios con discapacidades escáner cerebral tipo casco que permite a los pacientes moverse\nNuevo escáner cerebral permite a los pacientes moverse libremente\nhan podido medir una molécula específica indicativa de osteoartritis y ... personalizar dispositivos portátiles\nproteger a las tropas de lesiones cerebrales inducidas por explosiones.\nla tecnología organ-on-chip ingresa a la siguiente etapa ...\ncómo los patógenos interactúan con los órganos humanos artificiales. la nanotecnología podría redefinir la cirugía oral\nMáquinas macromoleculares para la administración controlada de medicamentos.


live soundtrack: ¿Qué será de la vida de? I\nContinuando con los posts noventeros, vamos con una banda que hacia fines de esa década más o menos, tuvo uno de esos famosos golpes de suerte descritos con el tecnicismo de "one hit Wonder". Se trata de "Republica".\nAlgún rato se pudo considerar que este grupo "Brit-Pop" era justamente la "respuesta británica" a No Doubt, aunque sabemos la raíz "Ska" de los liderados por Gwen Stefani, tal vez bastante contrastantes con la vibra pop europea de Republica, quizás más agradable para mi oído, pero sin duda menos popular de ese lado del charco.\nEl ligero éxito comercial que llegó a este grupo puede radicar no sólo en el contagioso ritmo de sus canciones, sino por hecho de tener una vocalista femenina como la muy dinámica Saffron (su nombre real ha sido Samantha Sprackling). Una tendencia que marcó época en los noventa eso de tener vocalista fémina y también muy válida cunado tienes una banda de musicazos pero que no pegan ni un poquito (¿no es cierto Shirley Manson?).\nSaffroncita en sus mejores tiempos\nObviamente detrás del particular ritmo de "Republica", se encuentran los talentos, genios creativos, etc, etc., que son los tecladistas Tim Dorney y Andy Todd, quienes se han encargado de la composición de los temas y del origen de ese sonido vertiginoso. En la alineación de Republica están también el guitarrista Jhonny Male y el baterista Dave Barbarossa.\nRepublica sacó al aire dos discos: un homónimo (o sea "Republica" mismo)que salió en 1996 y "Speed Ballads" en 1998. Después sacaron una especie de disco de grandes éxitos llamado "Ready To Go: The Best Of"entre 2002 y 2003, en el que reúnen lo mejorcito de su material, aunque la edición gringa difiere mucho de la británica, tanto por la portada como por el contenido y número de canciones. Ese título corresponde a lo que claramente fue su mayor éxito y tal vez considerado a nivel mundial como "one Hit Wonder", que es "Ready To Go", de la cual vamos a disfrutar el videoclip\nDespués del 2003, poco se ha oído hablar de esta banda y al parecer no tienen actividad como tal. Saffron ha trabajado con distintos músicos en la vocalización de temas. Tal vez lo más sobresaliente es su aparición junto a "The Cure" en "Just Say Yes". Tema grabado por la banda británica para los grandes éxitos que publicaron en 2002.\n"Republica" es una banda seguida y recomendada para los amantes de géneros como el "Brit-Pop", pop europeo, algo de dance y harto gusto por los noventa. Dentro de lo mejor de su material están canciones como "Drop Dead Gorgeous" (personalmente mi favorita), "Bloke", "Fading Of The Man" y por supuesto su himno "Ready To Go".\nlyrics by Edd Stargazer en 14:24\nlabels artists, que sera de, Republica\nPara que negar... Ready to go, puede considerarse como parte del soundtrack del día a día.... en mi caso cada vez que estoy preparandome para un viaje o saliendo en un viaje, esa es la canción que siempre se me viene a la mente....\nchuta a mi me encantaba Republica alla por el 96.... lamentablemente nunca pude conseguir sus albumes en aquellos tiempos y me tuve que conformar con sus canciones mas populares que pasaban en MTV....\n12 de noviembre de 2008, 13:10\nEsta es una de las primeras canciones que me bajè de internet. El video estimula mi imaginanción.\n5 de diciembre de 2008, 09:48


Fidel Briano, Florencio Ruiz y Miguel Mora fueron los candidatos propuestos a recibir el galardón que se entregará cada 3 años\nUna vez cerrada la convocatoria para la Presea a la Trayectoria Periodística “Francisco Zarco”, el diputado Héctor Mendizábal Pérez dio a conocer que los 3 aspirantes a la presea son Fidel Briano Rincón (post mortem), Florencio Ruiz de la Peña y Miguel Mora Martínez.\nEl legislador señaló que la Comisión de Educación, Cultura, Ciencia y Tecnología del Congreso del Estado se encargará de analizar las candidaturas propuestas y someter a votación al posible ganador durante el periodo extraordinario de sesiones.\n“Esta presea se entregará cada tres años, esta será la primera ocasión, y es a la trayectoria periodística, ya hubo sesión de la Comisión de Educación que es la que dictamina, se entregaron los currículums y la semblanza de los tres aspirantes y habrá de reunirse nuevamente para someterse al pleno, muy probablemente para el 10 de agosto que es el Periodo Extraordinario, se desahogue en el pleno”, señaló Mendizábal Pérez.\nLa entrega de la presea se llevará a cabo el 8 de septiembre del año en curso, en presencia de los titulares de los Poderes Ejecutivo y Judicial en sesión solemne.\nFinalmente, Mendizábal Pérez señaló que la presea tiene el propósito de reconocer al profesionista potosino que durante años ha ocupado algún espacio en un medio de comunicación, y que se haya distinguido por el respeto a la verdad, la ética, el secreto profesional y el derecho de réplica.\nTags:congreso slp,periodistas potosinos,presea al mérito periodístico


DOS COSAS QUE SEGURO NO SABÍAS..\nLO QUE NOS HACE FAN DEL SHOPPING ONLINE\n¿Sabías que cerca del 70% de los consumidores online argentinos son mujeres? La compra online es una revolución que continúa en avance, implica uno de los mayores retos para el comercio tradicional y un cambio en los hábitos de los consumidores. El shopping digital permite acceder a una gran variedad de productos desde cualquier lugar, a cualquier hora y sin tener que acercarse a un local. ¿Sos fan de Ebay, Alibaba o sitios de venta online nacional? Si ya probaste el sistema seguramente le encontraste el beneficio y te volviste casi adicta. No hay nada más cómodo que comprar desde casa.\n¿Pero por qué nos gusta tanto?\nEsta nueva forma de comprar permite conseguir notables diferencias en los precios respecto a los de las tiendas físicas y las marcas suelen tener una oferta más variada online que offline porque incluyen temporadas pasadas. Sin embargo, los espacios en línea también funcionan como una gran vidriera que los compradores usan para ver los productos de la marca antes de ir a los locales, es así que gran parte de los impulsos de compra que se generan online se llevan a cabo de forma presencial. Es decir que en cierto, no sólo nos ahorra tiempo sino que nos convierte en consumidoras expertas y decididas. Dejamos de tener las “dudas” de “lo llevo o no llevo”.\n¿Cómo somos las argentinas?\nEl medio de pago más elegido es la tarjeta de crédito, pero desde el inicio del 2017 se sumó la posibilidad de pagar con débito, cuya falta era una gran limitante y que está ganando popularidad. “El e-Commerce es una tendencia que vino para quedarse. Para las marcas hoy es clave estar online para ganar competitividad y fidelidad en la mente de los usuarios”, explican desde Glamit.


Historias Lado B: El misterioso visitante del Gran Hotel Viena\nPublicado por Historias Lado B en 13:36\nGran Hotel Viena 30 de julio de 2012, 12:52\nPor lo menos sería interesante que cite las fuentes de las fotos.\nInventar y robar no hacen creíble su publicación.\nPara la verdadera historia: http://www.granhotelviena.com\nHistorias Lado B 31 de julio de 2012, 8:10\nBueno, en primer lugar no se ha robado nada, es más en las fotos que he tomado del sitio web del Hotel, está el correspondiente crédito tal como se ve. En segundo lugar no hablo en el post de la total seguridad sobre la leyenda (si es que a eso se refieren sobre la credibilidad) y dejo abierto el tema. De todos modos, muchas gracias por el comentario, aunque nuevamente dejo bien en claro que en este espacio no se roba nada a nadie.\nAnónimo 17 de noviembre de 2013, 14:42\nAcabo de venir de Miramar y apreciar todo lo que aquí se muestra en fotos, sobre todo de este famoso hotel. Las mismas fotos le respondo al señor que dice que fueron robadas, le digo que están en el Museo Fotográfico de Miramar. Y en cuanto al misterio de Adof Hitler puede llegar a ser cierto, ya que nunca nadie probó con certeza su suicidio a pesar de las afirmaciones de John Toland en su libro "ADOLF HITLER" y de Robert Payne en su libro " ADOLF HITLER Y EL 3ER. REICH". Los rusos aducen tener el cráneo del dictador, pero ya sabemos lo mentirosos que son igual que los Ingleses y Norteamericanos (EE.UU) a travez de la historia y hasta nuestros días con el conflicto mundial (Segunda Guerra). En La Falda, todavía existen personas que dice y afirmar haber visto a A. Hitler, con Eva Braun. Esto salió en un reportaje que se les hizo a estas personas por el 2010 y que salieron al aire por el Canal 12 de la Ciudad de Córdoba. Por lo demás, les digo hoy que Miramar es hermosa y está siendo reconstruída rápidamente a pesar de los casi 40 años que pasaron de la inundación. Digno para ver y volver a disfrutar de esta Mar Chiquita. Saludos gente de "Historias Lado B".-\nDONOFRIONIST 22 de enero de 2016, 19:09\nDONOFRIONIST 22 de enero de 2016, 19:11\nHoy conocí al heredero legítimo de Pahlke y su historia parece verídica aunque claro está, quién no querría eliminar los trazos que ligaran eventualmente, según algunas versiones insisten, a su familia con AH, sobre lo cual sólo se puede atestiguar, en mi fugaz opinión, de la inexistencia de pruebas terminantes sobre tal lazo preterido...\nDONOFRIONIST 22 de enero de 2016, 19:12\nHoy conocí al heredero legítimo de Pahlke y su historia parece legítima aunque claro está, quién no querría eliminar los trazos que ligaran eventualmente, según algunas versiones insisten, a su familia con AH, sobre lo cual sólo se puede atestiguar, en mi fugaz opinión, de la inexsitencia de pruebas terminantes sobre tal lazo preterido...\nCelina Rodenas 22 de mayo de 2017, 18:00


Dirección corta: https://lahaine.org/gR3\n13/11/2017 :: Mundo, AntiMúsica, Uruguay\nx María José Santacreu\nVaya a continuación ese otro triste espacio, el que queríamos que nunca llegara, el dedicado a despedir y homenajear a nuestro querido Daniel Viglietti\nLos últimos mensajes de Daniel fueron urgentes: “Recién estoy llegando de La Higuera a Vallegrande” –escribía–, y unos días después: “Estoy saliendo de Vallegrande a Santiago, de ahí a Valparaíso a cantar a una escuela y luego al Congreso a recibir un homenaje y almuerzo”. Y un poquito más tarde: “Yo, tras lo del Che Guevara en Bolivia, de regreso en Santiago, cantando y respondiendo entrevistas. Lo de Coriún, aunque lo sabíamos inevitable, fue un golpe muy hondo. La noticia nos llegó en medio de los trabajos, fue muy duro. En medio del acto central de masas del 9 de octubre en Vallegrande, con presencia de Evo Morales y García Linera, me ingenié para mencionar la partida de Coriún en la coincidencia de fecha”.\nAsí fueron los últimos días de Daniel sobre esta tierra, porque así era él: incansable, solidario, entusiasta, luchador, amigo y muy consciente de la historia mirada desde el presente –el único que reparó en la coincidencia de la fecha de muerte de Coriún, porque era el único capaz de no olvidar (en sus notas de Brecha o sus programas de Tímpano o Párpado) las fechas y hechos históricos que no deberían jamás pasarse por alto.\nDaniel, sin saberlo todavía, iba despidiéndose de sus amigos: “Un abrazo, saliendo a una radio y a un recital en Quipué. Si tenés amigos en Santiago, mi concierto de fondo es el lunes. Guardame el triste espacio” –pedía, mientras recorría de arriba a abajo el continente latinoamericano.\nVaya a continuación ese otro triste espacio, el que queríamos que nunca llegara, el dedicado a despedir y homenajear a nuestro querido Daniel.\nSu padre, Cédar Viglietti (1909-1978), era guitarrista y musicólogo –estudioso del folclore uruguayo y de la historia de la guitarra–. Su madre, Lyda Indart (1917-2016), fue una excelente pianista clásica. A veces la genética y la crianza tienen sus misterios, pero en este caso es como si algún dios estuviera ejecutando la receta para engendrar a Daniel Viglietti.\nNació el 24 de julio de 1939 en Montevideo. Además de la música que absorbió de los padres (y del tío José Indart, que tocaba el piano en casas nocturnas y hoteles), se vio muy atraído por la explosión del folclorismo argentino ocurrida hacia 1950, y sobre todo por la música de Antonio Tormo y Atahualpa Yupanqui. Como ocurrió con tantos uruguayos de su generación, creció sintiendo al folclorismo argentino como expresión de lo “propio”, aunque es de suponer que los conocimientos musicológicos de don Cédar deben de haber mantenido cerca la referencia del folclore específicamente oriental. Por el lado de la música erudita, el nombre que más aparece en sus reminiscencias es Ígor Stravinsky, y eso se nota en el disfrute por el surgimiento de disonancias en un contexto más bien diatónico y sencillo, en la contención expresiva, el gusto por las líneas claras, la preferencia por los vientos y la evitación de los arcos (Viglietti jamás hubiera admitido los violines melosos que comprometen algunas de las grabaciones de Zitarrosa, por ejemplo). Se perfeccionó en guitarra con Atilio Rapat y, luego, con Abel Carlevaro en el Conservatorio Nacional –donde también estudió armonía y canto.\nEl “complejo cultural” del folclorismo musical uruguayo era más serio, artístico y adulto que el pop bailable, y más responsable que otras músicas serias, artísticas y adultas, como el tango o el jazz. “Más responsable” porque, con respecto al jazz, era un elemento identitario, y en comparación con el tango, solía lidiar con “temas que importan”. Esta apreciación con respecto al tango puede lucir injusta, pero descendía de la noción romántica según la cual el hombre humilde del campo era la encarnación auténtica del espíritu de la nación, mientras que la cultura proletaria y pequeño burguesa se sentía como contaminada, menos loable. El hombre cosmopolita de las ciudades, en todo caso, alcanzaba el arte recién luego de un proceso de depuración intelectual-espiritual, muchas veces mediado por una reconexión sublimada con el folclore.\nAsí, cuando Viglietti dejó su carrera en ciernes como concertista clásico y empezó a presentarse como cantor folclorista, siguió actuando en un medio prestigioso que merecía la atención de la crítica y que, como contrapartida, implicaba para el intérprete-creador el desafío de “decir cosas”, y hacerlo desde la exigencia de refinamiento propia del artista (poeta y músico).\nSu primer disco (1963) salió en el momento en que el formato LP se empezaba a imponer en el mercado uruguayo. En un mismo trienio (1962-1964) surgieron los primeros LP de algunos de sus compañeros de generación (Los Olimareños, Santiago Chalar), amalgamados con los de colegas más veteranos (Osiris Rodríguez Castillos, Anselmo Grau, Los Carreteros). Entre todos pautaron el desvelar de un pujante panorama de folclorismo local, presto a enriquecerse con la entrada en escena de varios nombres más. El disco de Viglietti expresaba en forma especialmente clara la dualidad erudito-popular. Titulado Canciones folclóricas y seis impresiones para canto y guitarra, tenía en un lado una colección de piezas folcloristas y del otro el ciclo de “impresiones”. Éstas eran como Lieder modernos, curiosa y exquisita amalgama de aires trovadorescos, armonías y “pintura de palabras” del 1600 y recursos modernistas. No eran propiamente música erudita: el modelo del cantautor acompañándose con la guitarra estaba asimilado a la música popular, y el ciclo circuló en este ámbito.\nEn tal sentido, las impresiones lucían como el trabajo armónicamente más original de la música popular uruguaya de entonces, y lo seguirían siendo, junto a las creaciones subsiguientes del propio Viglietti, por lo menos hasta la maduración de Mateo hacia el final de la década. Frente a eso, llamaba la atención su disposición a ser tan sencillo y directo en las zambas y milongas del lado folclorístico. El universo de los textos era rural: las estaciones del año, cielo, tierra, árboles, trigo y la disposición lírico-animista de charlar con el viento y con el río. La archifamosa “Canción para mi América” (“dale tu mano al indio”) era el muestreo, todavía aislado, de la canción de movilización de masas con fines políticos. La técnica de la guitarra era fabulosa, en la limpieza de sonido, la riqueza de matices, la agilidad, la ausencia de cualquier esfuerzo notorio. Ese debut de Viglietti ganó el Gran Premio del Círculo Crítico del Disco.\n“Canción para mi América” traducía el impacto que había tenido sobre Viglietti –como en tantos de su generación– la revolución cubana. Ese marco histórico, combinado con otra serie de factores, canalizó la evolución de varios folcloristas uruguayos hacia la canción protesta, tendencia consagrada con la movilizadora participación de una numerosa delegación local en el Encuentro de Canción Protesta en Cuba, en 1967. Ningún otro movimiento musical caló tan hondo en Uruguay como éste, y sus emociones siguen presentes para quienes lo vivieron o quienes lo absorbieron posteriormente. Tanto es así que de alguna manera los uruguayos lo dan por descontado, como algo natural, quizá sin percatarse en forma cabal de su absurda singularidad: el hecho de que, en un país colonial, el primerísimo escalón de lo “comercial” en música se corresponda con productos de fuerte acento regional, altamente cuestionadores del sistema económico y político, con una actitud que no contempla estrictamente los procedimientos comerciales establecidos, que se identifica mucho más con la actitud del “artista” –fusionada con la del agitador y militante– que con la del “entretenedor”, y que, en los hechos, resistió el paso del tiempo.\nCanciones como “A don José”, “Doña Soledad” o “A desalambrar” están tan entrañadas en el alma colectiva que parecen fenómenos naturales, como si fueran el ceibo o el cerro Pan de Azúcar. Esto distrae de otro hecho fundamental: junto a lo que esas canciones reprocesan de las raíces hay un componente altísimo de invención y pericia. La relativa multiplicidad de los nombres de la canción protesta folclorista uruguaya indica que el fenómeno no dependió de la idiosincrasia accidental de determinado músico carismático, sino que fue un hecho colectivo, la cooperación del espíritu del tiempo con la superabundancia de talento característica de este país. En 1979 Zitarrosa caracterizaría a sus tres figuras más prominentes: “mientras Viglietti llegaba fluidamente a los sectores universitarios y estudiantiles en general, Los Olimareños dialogaban sin esfuerzo con el campesinado, y, yo… tal vez hallaba la mejor respuesta entre los asalariados urbanos”.\nLa pegada de Viglietti entre el estudiantado respondía a algunos de los rasgos ya mencionados de su música (el refinamiento, la erudición). También tuvo que ver con que, de esa tanda de músicos, Viglietti fue el más receptivo a los Beatles, replanteando así su actitud frente a la música oriunda de países anglófonos y reconsiderando el papel de la novedosa cultura específicamente juvenil y, por ende, la jerarquía de la cultura popular urbana. Pájaro Canzani contó lo fuerte que fue para él ver a Viglietti, ya entonces con el pelo largo y vaqueros, cantando “A desalambrar” en el liceo de Fray Bentos en el que estudiaba. Viglietti fue el folclorista que le gustaba en forma más inmediata a los gurises de formación beat. Y más aún luego de que, en su disco Canciones chuecas (1971) incorporó batería y bajo eléctrico, o luego de que, al año siguiente, dio a conocer “Anaclara”, el retrato por excelencia de la parte femenina de ese sector del público (“bufanda rojinegra por la espalda/ minifalda/ anaclara”). Fue muy importante para “desalambrar” el terreno cultural, o en todo caso para rediseñar las alianzas: la “protesta” ganaría espacio también en el ámbito beat (sobre todo con Dino), y se generaría un terreno nuevo que incorporaría tanto el espíritu del rock como el de la canción protesta folclorista. Sería la guía para Los que Iban Cantando y muchos de los demás músicos que conformaron el Canto Popular durante la dictadura.\nViglietti representó también la radicalidad. No fue el primero ni el único músico en asumir una adhesión a la lucha armada, pero fue el más masivo de todos. En su “fase tupamara” (él la llamó así, a posteriori), sus discos Canto libre (1970) y Canciones chuecas (1971) pueden verse como panfletos de reclutamiento, y el repertorio (de autoría propia y ajena) cubre los tópicos que corresponden: sumario doctrinal (las canciones de Salerno), identificación del enemigo y despertar de malos sentimientos hacia él (“Ding-Hug, juglar”, “Cantaliso en el bar”), enaltecimiento del combatiente (“La canción de Pablo”, “Muchacha”), insuflación de decisión, coraje y entusiasmo (“Esa canción nombra”, “A una paloma”, “Canto libre”, “Cielito de tres por ocho”), despertar de indignación y deseos vengativos al embanderar a compañeros muertos (“Coplas de Juan Panadero”, “El Chueco Maciel”, “Sólo digo compañeros”), compasión por las víctimas inocentes de la injusticia y la opresión (“Ding-Hug, juglar”, “Negrita Martina”), identificación de aliados reales o potenciales (“Me gustan los estudiantes”, “Gurisito”).\nEl abordaje totalmente franco no debería permitir los eufemismos y generalizaciones (que, de todos modos, abundan). No se trata de mera “coherencia”, “humanismo”, “valores universales”, “la eterna lucha del bien contra el mal”. Lo suyo fue la defensa de una estrategia específica –la lucha armada guerrillera– con el objetivo de derrocar los regímenes de gobierno y principios de organización socio-político-económicos de países latinoamericanos sometidos al dominio imperial estadounidense. Es la senda que “nos mostró el Che”. “Papel contra balas no puede servir.” “Mi mejor luto será/ echarme un fusil al hombro/ y al monte irme a pelear.” La “mirada” se vuelve “luz amartillada”. “Qué joven la puntería.” “Cielo negro, cielo guerra, y después un cielo nuevo.”\nMúsica, franqueza y valentía\nComo buen alumno de Carlevaro, Viglietti cuando tocaba se ubicaba inmóvil en la posición que le garantizaba el mínimo de tensión muscular. No había lugar para el “dejarse llevar” por la propia música. Lo suyo era la concentración máxima para controlar cada detalle de la interpretación, que suele ser la postura de los intérpretes de música erudita.\nTampoco el oyente podía “dejarse llevar” en el sentido más ligero: no son canciones de gozadera, sino que son canciones empeñadas en canalizar en forma concentrada las energías de una emoción fortísima. La mayoría de la música popular masiva, que llena estadios, funciona más bien como una desintoxicación: uno purga los demonios luego de saltar y bailar un par de horas, y sale más liviano. Pero lo de Viglietti, al revés, recargaba, depositaba un sedimento en el alma del oyente, que va a seguir ahí a la salida. En ese sentido, su música era entera con sus textos y sus propósitos. El control interpretativo era esencial para calibrar ese efecto.\nObserven “A una paloma” (letra de Idea Vilariño). La composición está basada en un giro armónico que se repite a cada estrofa del texto. Esa estructura giratoria es importante para fundamentar la transformación de la “palomita” en “halcón”: lo que sonaba al inicio como una canción lírica se va convirtiendo en enérgica canción guerrera. El intérprete tiene que ser capaz de volcar los dos extremos, y Viglietti era capaz de hacerlo en forma intensísima: el inicio (“Palomita blanca/ de ojito rosado”) está cantado con esa ternura cálida irresistible, que es imposible no amar (la misma con que cantaba “Anaclara”), respaldada en la profundidad envolvente de su voz grave.\nPero luego cuando vocifera “sacale los ojos (…) y volvete halcón”, el cantante se volvió un bicho oscuro, agresivo y mortífero, con la emoción en ebullición, la voz casi gritada. Para que funcionara esa evolución había que dosificarla: si se apuraba el final perdía efecto, si se retrasaba no se construía el mismo apogeo. Y tampoco podía ser un crescendo lineal, porque se vuelve predecible y pierde interés. Así que el proceso de crecimiento está lleno de pequeños retrocesos y de variantes expresivas diversas: son ocho veces la misma línea melódica y ninguna es igual que la otra, nunca se repite el mismo truco. (Si escuchamos distintas grabaciones en vivo de Viglietti se puede constatar, además, que esas microvariantes que solía hacer eran improvisadas, aunque la improvisación se hacía desde una concentración que mantenía el todo siempre bajo control.) El final de la canción no llega a contener la catarsis: “y volvete halcón” viene sin resolución armónica, apoyado por un acorde apagado, y sigue nada más que el silencio. Se acabó, ahora arreglate como puedas. Por algo es que en los espectáculos en vivo de Viglietti, en seguida de sus canciones más poderosas y movilizadoras solía seguir una masa hirviente de gritos y aplausos.\nViglietti podía ser varios personajes vocales: tierno y cercano, satirista mordaz, guerrero, el indignado embargado por la emoción. A veces los distintos personajes se alternaban rápidamente, como en “A desalambrar”. Aquí, primero viene la voz grave, cavernosa, que entabla la primera comunicación y establece la seriedad del asunto (“Yo pregunto a los presentes/ si no se han puesto a pensar”). En seguida viene la proclama, octava arriba, con el registro metálico, estentóreo: “que esta tierra es de nosotros/ y no del que tenga más”. Ya el melisma que resuelve cada frase (“má-a-a-a-a-a-as”) de inmediato oscurece el timbre, que se vuelve más aterciopelado, mucho menos emotivo: hay que poner la moña final a la frase y llevarla a la tónica, pero no sea cosa de darle mayor proyección al ornamento que a la consigna central.\nLa música de Viglietti es como incorruptible, prácticamente imposible de desviar o abaratar. Nos lo impide su austeridad, sus finales abruptos, su carácter implacable. Es una música de alcance masivo que es imposible utilizar para un yingle, como música de fondo o para una parodia murguera de tipo guarango. En su sencillez, en su alusión a clisés diversos, está a pocos pasos de distancia de la ligereza, y sin embargo eleva una barrera imposible de trasponer ante la posibilidad de una escucha ligera.\nEn 1969 hubo llamativos actos de censura hacia su música (en especial la interrupción de una trasmisión televisiva de “A desalambrar”). En 1972 lo llevaron preso, sin más motivo que sus canciones, y estuvo detenido algunas semanas. Poco después le pareció prudente exiliarse. Se instaló en Francia y recorrió el mundo participando en campañas contra la dictadura, por los derechos humanos o en apoyo a procesos revolucionarios –el de Nicaragua, por ejemplo–. Su música y sus actividades sólo llegaban a Uruguay en forma clandestina: sus discos fueron retirados de la circulación comercial, no se pasaban en la radio, y quienes tenían ejemplares trataban de tenerlos escondidos o disfrazados porque se temía que pudieran ser calificados como posesión de material subversivo.\nSu influencia permaneció y tuvo consecuencias. Se notó incluso antes del exilio, sobre todo en un precoz Numa Moraes, que fue directamente alumno de Viglietti, lo tomó como principal modelo al inicio de su carrera, y se tuvo que exiliar más o menos al mismo tiempo que él. Fue un modelo también para los músicos que emergieron después del golpe de Estado. La influencia estuvo pautada por algunos de los siguientes factores: la afinidad ideológica (anarquistas y pro-lucha armada), la identificación con la noción del artista cien por ciento dedicado a una causa política, el gusto simultáneo por el folclore y por el rock, la asimilación del principio formalista de una canción movilizadora en la que los componentes “formales” fueran inextricables del “contenido” (es decir, una propensión al modernismo político y al experimentalismo), o la mera atracción por una música popular folclorista con un altísimo grado de refinamiento y depuración formal. Sumando todo, es un abanico muy amplio y bastante fértil.\nHubo seguidores bastante decididos y directos, como Jorge Lazaroff, Jorge Bonaldi, Luis Trochón o Rubén Olivera –quienes radicalizaron, incorporaron y adaptaron a sus respectivas personalidades e ideas, procedimientos que aprendieron de Viglietti–. Se pueden distinguir rasgos de su influencia en músicos tan distintos como Leo Maslíah y Jaime Roos –ambos profesaron en distintas ocasiones su admiración–. Darnauchans me dijo que su gusto por los modalismos medievales y las armonías renacentistas procedieron en primera instancia de Viglietti, y recién a partir de ello se acercó a las fuentes trovadorescas originales. En un sentido más genérico habrá habido una cantidad de cantores que se vieron estimulados a estudiar guitarra clásica movilizados por el modelo de Viglietti.\nDesde que se fue del país su producción compositiva disminuyó mucho en cantidad. La que apareció en discos en vivo durante o enseguida del exilio marca un promedio de unas dos canciones por año. En 1984 pudo volver a la región y fue recibido como un héroe, tanto en Uruguay como en Argentina. En 1992 sacó Esdrújulo, su único disco de estudio con canciones propias después de Canciones chuecas (1971), con 15 composiciones nuevas. Su último disco fue Devenir (2004), grabado en vivo, que traía cuatro composiciones nuevas, y que creo que fueron las últimas que dio a conocer. Su producción a partir del exilio ya no ejerció una influencia notable. Contiene muchos temas preciosos.\nIncursionó en terrenos nuevos, más subjetivos, y lo hizo con la creatividad y hondura habituales. Siempre me dejó un gusto un poco incómodo la noción de que incursionaba en esos terrenos como pidiendo disculpas, justificando a su público la licencia que se tomaba al abandonar la postura de cantor-cien-por-ciento-político, que tampoco sé si alguien efectivamente se lo cobraba. Y por otro lado, me apenó un poco ver a un cantor tan político no saber bien cómo plantarse frente al mundo concreto en que vivía, y tal vez no lograr expresarse en canciones sobre tantos problemas que hoy tenemos que afrontar.\nMuchos jóvenes vienen descubriendo y perpetuando “Negrita Martina” y “Gurisito”, dos canciones sumamente tiernas y que, justamente, no mencionan el programa guerrillero. El propio Daniel nunca dejó de cantar sus canciones “tupamaras”, que, en el nuevo contexto, suscitaban un extrañísimo e interpelante choque semiótico, ya que en la actualidad no vislumbramos la emergencia de un proceso revolucionario por las vías a las que él aludía. ¿Qué se aplaudía, qué movía a los oyentes en esas canciones cuando las cantaba en sus espectáculos anuales en el teatro Solís o en alguno de los muchos actos solidarios en los que nunca dejó de participar con generosidad y entrega?\n¿El heroísmo y la valentía de un músico que se atrevió a poner en poesía, sin ambigüedad alguna, lo que muchos pensaban pero pocos se atrevían a expresar en forma explícita? ¿La increíble habilidad, sensibilidad, empatía, conexión, con que plasmó sus canciones-mensajes? ¿El fundamento de amor por los desvalidos, de esperanza en un mundo mejor y de justicia para la mayoría –más allá del acuerdo, o no, con el camino sugerido para alcanzar esos fines–? ¿La nostalgia de tiempos en que los problemas parecían más sencillos y las soluciones más cercanas? ¿El encanto con la expresión viva de dicha época, que aun contemplada con distancia y superación sigue teniendo sus atractivos, aunque sea estéticos? ¿El hecho de que sigue habiendo “caídos”, y que aunque esas canciones se escribieron hace cuarenta años, cuando las oímos hoy nos hablan, por ejemplo, de Santiago Maldonado? ¿La poética misma, extrínseca pero presente, que el devenir histórico impuso al suscitar todas esas contradicciones, y la necesidad de pensar en esas contradicciones para trazar los nuevos senderos de lucha? Y sí, compañeros. Para amanecer.